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EDITORIAL

MOSSO LIFE

Edición 43

UN INICIO DE LUJO Comenzamos un nuevo año con la esperanza de poder seguir compartiendo con ustedes lo que más nos apasiona: una cultura de lujo que se expresa en el arte, en la belleza de una gema, en el diseño de una pieza, en un paisaje o una inolvidable puesta sol. Un año que termina es también una nueva oportunidad que comienza, y para celebrar la llegada de este 2022, queremos invitarlos a disfrutar de un nuevo ejemplar de nuestra querida MOSSO Life. Una edición donde la delicada belleza de las mariposas es la protagonista de la sección de moda y elegidos de lujo, creando una verdadera revolución de la joyería gracias a su mecánica de movimiento. En nuestras páginas de arte y cultura conversamos en exclusiva con Carlos Maturana, más conocido como Bororo, el reconocido artista visual chileno cuya obra destaca por su extraordinario colorido y por su particular visión del mundo. Muestra de ello, es “Bomberos”, pintura de su autoría que ilustra nuestra portada. Asimismo, destacamos el trabajo de la artista nacional Denise Lira Ratinoff, cuyo trabajo deja entrever las problemáticas medioambientales que hoy son parte de la discusión del cambio climático que nos afecta. Y como ningún inicio del verano está completo sin una explosión de color, le dedicamos un reportaje a la inigualable nueva colección primavera- verano 2022 de Dolce & Gabbana, que es una invitación 16

a revivir la moda y tendencias que marcaron la llegada del nuevo milenio. Para alimentar nuestro wanderlust, por el otro lado, recorrimos los altares más majestuosos del mundo al conocer las catedrales que han marcado historia gracias a su arquitectura, cultura y belleza. En Sibaritas, destacamos los sabores de estreno en Europa con una selección de las principales novedades gastronómicas del viejo continente para darle en el gusto a todos los paladares. Y en nuestra sección arquitectura, los invitamos a conocer el nuevo rostro de La Samaritaine, uno de los almacenes del lujo francés que es un verdadero templo al estilo de vida parisino, cubriendo todo desde haute couture, joyas y relojes, accesorios y mucho más. Los invitamos a maravillarse, viajar e inspirarse con el lujo y la belleza de cada una de nuestras páginas que con tanta dedicación hemos trabajado para ustedes. Entrevistas, reportajes y los mejores datos en moda y tendencias para vivir un inicio de año como ningún otro.

Ernesto Mosso

STAFF

STAFF Portada: Bomberos Cortesía: Bororo

Directora General Carolina Vargas

Correctora de Estilo Norinna Carapelle

Coordinadora Editorial Andrea Larrabe

Columnistas Cristián Benkö

Editor Cristián Pavez

Débora Calderón Claudia Larraguibel Coco Pacheco Marisol Pinto

Director de Arte Rodrigo González Fotógrafos Moda: Camilo Delpin Realización de Moda Paola Agulló

Colaboradores Consuelo Goeppinger Carola Hidalgo Área Comercial Dariana Andrade contacto@mossolife.cl

Impreso en Ograma. 8.000 ejemplares certificados ante notario Luis Pozo Maldonado. Prohibida la reproducción o uso de contenido. Derechos reservados, copyright 2011. El editor no tiene responsabilidad por el contenido de los mensajes publicitarios. Ejemplar de cortesía. Prohibida su venta.

EDITORIAL

CONTENIDOS

CONTENIDOS 24

TENDENCIAS

TEMPORADA DE MARIPOSAS

Te invitamos a conocer los must de esta nueva temporada. Lo último en moda, diseño, belleza y mucho más.

Las mariposas y su poderoso simbolismo e irresistible atracción en la moda y el diseño.

BORORO

DENISE LIRA RATINOFF

75 AÑOS DE LA CASA DIOR

Entrevista exclusiva al artista visual chileno.

La destacada artista chilena nos presenta su más reciente trabajo.

Descubre los secretos de la emblemática casa de moda parisina en su 75º aniversario.

CONTENIDOS

100 MODA

Nos inspiramos en la naturaleza para llenar de color y mariposas esta nueva temporada que comienza.

BELLEZA

NOSTALGIA DEL NUEVO MILENIO

Carolina Herrera nos presenta su más reciente aventura: su primera línea de maquillaje.

Dolce & Gabbana y su nueva colección inspirada en la llegada del año 2000.

110

EXPERIENCIA FRANCESA

140

SABORES DE ESTRENO EN EUROPA

El nuevo rostro del mítico y gran almacén parisino, La Samaritaine.

Te invitamos a conocer los must de esta nueva temporada. Lo último en moda, diseño, belleza y mucho más.

ACTUALIDAD

POR DÉBORA CALDERÓN

EMPRENDER DESDE CHILE AL MUNDO Los embates de los dos últimos años en Chile han provocado una profunda crisis en el sector económico y social de nuestro país. Y si bien las cifras son un poco menos dramáticas que en 2020, nos tomará un tiempo lograr llegar a los indicadores que tuvimos en épocas previas al estallido social y a toda la contracción que se ha vivido en términos financieros a nivel global. En medio de este escenario es que los jóvenes emprendedores chilenos con sus startups, que abordan problemáticas de distinta índole desde la innovación y las nuevas tecnologías, aparecen como una luz al final del túnel. Laboratorios de contenidos y soluciones a temas de recursos humanos, alimentos que aplican criterios de sustentabilidad, aplicaciones, cuidado del medioambiente, inversiones, sector inmobiliario o biotecnológico son algunas de las ramas que cubren estos emprendimientos. El ecosistema de emprendimiento cuenta con más de 1.000 startups apoyadas por la política pública. Y según los datos de la CORFO, durante los cinco primeros años se levantaron 420 millones de dólares y se han creado más de 5.000 puestos de trabajo. El abanico en el cual se mueven las nuevas generaciones de empresarios es tan amplio como las posibilidades que existen en el ámbito de los negocios. Un estudio reciente realizado por Pulso sobre el perfil de los socios y socias de startups en Chile deja varias conclusiones en torno a 35 incubadoras chilenas: el 96,5% habla inglés y el 22

60% tiene estudios de pregrado, de los cuales casi la mitad los ha cursado en el extranjero, y el 94% ha vivido (o vive) en el exterior, ya sea por trabajo o estudios. Y hay más. Los caracteriza una forma horizontal de trabajar y una apertura a compartir sus experiencias. Ellos entienden la importancia del mercado del minuto cero y son capaces de testear sus productos muy temprano y mejorarlos a través del feedback que reciben. NotCo, Betterlife, Algramo, Colegium, Houm, Lemontech, Fintual y Citysense son solo algunos de los emprendimientos que ya resuenan fuera de nuestras fronteras, siendo destacados por medios y expertos internacionales. Lo que falta ahora es un impulso central para que estos emprendimientos pasen a ser una fuente de trabajo y retorno para la economía nacional. ¿Cómo hacerlo? Apoyándolas al momento de salir a buscar aportes en Chile, Latinoamérica y el mundo. Faltan más y mejores rondas de capital para que las startups lleguen a ser una industria escalable y madura. Y para este objetivo falta, además, que dejemos de proyectar el futuro con las herramientas de siempre y logremos entender que el vuelco de la economía, los servicios y el crecimiento, poco a poco va quedando en manos de generaciones que están formateadas con otros valores: más sustentables, más horizontales y mejor conectadas con las necesidades reales de las personas.

TENDENCIAS

COLORES VIBRANTES LLEGAN A VESTIR LOS ARMARIOS Y LAS CASAS PARA RENOVAR ESTA TEMPORADA CON PROPUESTAS LLENAS DE DETALLES. ESPACIOS VESTIDOS La colección 2021 de Fendi Casa ha hecho noticia por incluir, por primera vez, una línea de muebles que fue lanzada durante la recién pasada edición del Salone del Mobile de Milán. De esta manera, Fendi no sólo derrama su fascinante estética en colecciones de moda y objetos, sino que ahora lo hace con la intención de vestir diferentes espacios con una colorida línea de sofás que se inspiran en el neorrealismo italiano.

MODA INTANGIBLE Gracias a la tecnología bitcoin ha surgido una nueva manera de hacer arte: los NFT (tokens no fungibles). Y es así como Dolce & Gabbana ha aprovechado el vuelo para ser pioneros en la moda con una inusual subasta de piezas de alta costura digitales. La exitosa colección, llamada Genesi, marca un antes y un después en los alcances que está teniendo la moda hoy en día. ¿Será este el futuro de una alta moda sustentable? 24

TENDENCIAS

MICROACCESORIOS En la moda, el tamaño sí importa. Así lo ha demostrado Jacquemus con el lanzamiento de su exitosa minicartera Le Chiquito, que ha cautivado a varias celebridades y es un objeto de deseo en las redes sociales. Tanto así, que marcas como Versace, Prada y Dior no han podido resistirse a este impulso y han lanzado sus respectivos accesorios de tamaño pequeño, que fuera de ser útiles, son en sí mismos una llamativa declaración de estilo.

DETALLES FESTIVOS Cartier invita a vivir la Navidad con una serie de objetos que ponen un acento delicado a las festividades. Se trata de la Colección Diabolo, que consiste en adornos para el árbol navideño, así como una bola de nieve, un llavero con un charm de sello de lacre, un rompecabezas ilustrado y un set de papelería que tiene como protagonista al característico Bellboy de la marca. Sin duda, una deslumbrante colección para celebrar una Navidad elegante y creativa.

SOLAR POWER Las ansias por volver a vivir el verano en toda su dimensión han traído de vuelta para esta temporada colores que nos devuelven la energía del sol. Tonos como el amarillo y el naranjo, o tonos metalizados como bronce y oro han estado presentes a lo largo de todas las pasarelas de primaveraverano 2022. Este vestido color naranjo de Chloè es ideal para todas las instancias que el verano permite, desde el día hasta la noche, así como ocasiones de trabajo u ocio. 25

TENDENCIAS

LOS COLORES Y AROMAS NOS INSPIRAN PARA DISFRUTAR DE ESTA TEMPORADA.

LEGGINGS ELEGANTES No hay duda de que hoy en día es Gucci la casa de moda por excelencia que está dictando la moda. Y en su reciente desfile de primavera-verano 2022 ha dejado claro que los hombres volverán a los pantalones ceñidos en formato deportivo, pero con un estilo elegante. Con blazers, abrigos, camisas de vestir, zapatillas de running o dad sneakers, los leggings han llegado para quedarse y abrir más posibilidades para un estilo veraniego, relajado y casual.

DEGRADÉ COSTERO El verano no solo nos invita a vestirnos con colores vibrantes y cálidos, sino también a estar en contacto con la naturaleza. Así lo propone la colección primavera-verano 2022 de Hermès, en la que sus cardigans de tejido fino nos trasladan a la convivencia del agua y la arena, al mismo tiempo que los colores del atardecer permiten agregar un toque de romanticismo a los looks masculinos del verano.

TENDENCIAS

PEDALES DE LUJO Las bicicletas son la última novedad del universo de diseño de Louis Vuitton. En conjunto con Maison Tamboite Paris, fabricante artesanal de bicicletas que data de 1912, la marca francesa de lujo ha lanzado su primer modelo oficial. Revestida con marroquinería y detalles de madera, la LV Bike se destaca por su estilo retro customizable y por su sistema antirrobos que incluye un método de rastreo integrado que la hacen un objeto deseado para los paseos veraniegos por la ciudad.

RETRO RUNNING Inspirada en la estética retrodeportiva, Dior Men ha lanzado su más reciente zapatilla masculina, la Dior B30. Materiales que resultan de tecnología de punta, como la microfibra y textiles de malla hacen de este modelo una zapatilla ligera y cómoda, con colores que pueden customizarse en la página web de Dior. Elegantes paneles de cuero en las superficies del talón, la puntera y los bordes la adornan y, junto a la CD de Christian Dior, la convierten en un imprescindible para los fanáticos coleccionistas de zapatillas.

ESTILO MUJER

LUZ ROSADA PODER DORADO

AMORE DORATO

LOS TONOS CÁLIDOS SON PERFECTOS PARA ATREVERSE A BRILLAR CON COLORES Y MATERIALES QUE SON UN MUST PARA ESTA TEMPORADA.

Oro amarillo de 18 kilates y diamantes corte brillante son la combinación ideal para convertir este ejemplar en un nuevo clásico de MOSSO. Sus delicadas rondas de diamantes hacen de este anillo una joya de estilo romántico y elegante que acentúa perfectamente looks casuales o formales de paletas de color tanto vibrantes como tenues. Sin duda, un compañero atemporal para formar parte de tu estilo cotidiano y que puedes encontrar en nuestra eShop.

SASTRERÍA ATERCIOPELADA

MIRADAS LUMINOSAS Una mirada fresca e intensa es la que propone YSL Beauty con su paleta de sombras París, que es parte de su colección Couture Clutch. Son 10 tonos que oscilan entre los metálicos brillantes, rosas y tonos tierra en acabado mate junto con un vistoso tono amarillo y negro. Una textura satinada y pigmentos de alta concentración permiten hacer innumerables combinaciones para lograr miradas impactantes en cualquier ocasión.

Este año 2021, los trajes femeninos de terciopelo no sólo han vuelto a las alfombras rojas, sino también a las pasarelas. Gucci, Tom Ford y Balenciaga son algunas de las casas de moda que lo han traído de vuelta en colores vibrantes para el guardarropa de gala femenino. Celebridades de Hollywood como Gwyneth Paltrow y Sandra Bullock han sido precursoras de este comeback, dándole nuevos aires a un material de alta elegancia que se había dado por perdido.

CARTERAS CILÍNDRICAS Las carteras son en sí mismas un accesorio imprescindible para completar un look. Sin embargo, en las pasarelas de Hermès, Burberry y Jil Sander aparecieron las carteras de forma cilíndrica como una verdadera declaración de minimalismo gracias a sus formas depuradas y tonos neutros. De esta forma, este tipo de carteras se convierten en el aliado perfecto para el día a día sin tener un excesivo protagonismo tanto en instancias formales como informales. 28

TOBILLOS ESTILOSOS Para esta temporada de verano, los tobillos tienen un visible protagonismo. Las propuestas 2022 de marcas como Versace, Moschino y Chanel nos muestran la incorporación de pulseras tobilleras tanto en sandalias de taco alto como en zapatos estilo Mary Jane, con diferentes aplicaciones de broches vistosos y tonos metálicos que agregan un toque de estilo a los pies. Estas sandalias de taco alto de Balmain son una oda al dorado y su elegante presencia en esta temporada.

ESTILO HOMBRE

PALABRAS NOBLES EL ARTE DE LA ESCRITURA ES PARTE DE NUESTRO UNIVERSO Y EN MOSSO LO CELEBRAMOS CON DETALLES QUE SON LA ESENCIA DE NUESTRA ELEGANCIA ATEMPORAL.

NEGRO ABSOLUTO De la mano de la editorial Assouline, Montblanc lanzó su más reciente libro: Inspire Writing. Sus 220 páginas nos muestran a célebres mentes creativas que incluso en la era presente siguen escribiendo de manera tradicional. Es así como personajes de la talla de Herman Hesse, Tom Wolfe y Spike Lee nos presentan su relación creativa a la luz de los instrumentos de escritura de Montblanc.

LAPICERA IMPERIO Con un imponente cuerpo de Guilloché trabajado a mano y un elegante plumín de iridium, esta estilográfica de resina noble y aplicaciones de metal bañado en rhodium es un instrumento esencial para poner valor y sofisticación a los escritos más importantes de tu vida. Limitada a 25 unidades por modelo, la lapicera Imperio es un objeto de colección símbolo de nuestra expresión del diseño y el lujo.

SANDALIAS DE CUERO

ENERGÍA CAPTURADA La insuperable calidad fotográfica de Leica se une a la marca de zapatillas Vans en una colaboración única. Se trata de una edición limitada del modelo Dub 7 de Leica, que permite capturar imágenes en movimiento gracias a su potente sensor de 17 megapíxeles. Desarrollada junto al skater profesional Ray Barbee, esta potente cámara permite la conexión a móviles mediante Bluetooth para que no te pierdas ningún cuadro de acción y puedas capturar cada aventura.

Hace unos años, las sandalias romanas aparecieron tímidamente con opciones masculinas. Pero hoy en día, la sandalia de cuero se ha vuelto un must del armario veraniego y su sofisticación ha permitido no sólo la aparición de modelos convencionales, sino también con cueros de color, en degradé, en formato gladiador, tipo Birkenstock o completamente simples, como este par que es parte de la propuesta formal de Dolce & Gabbana para este verano 2022.

MÚSICA FLOTANTE La calidad del sonido en vinilo es incomparable, y si viene acompañado de un diseño innovador y tecnología de punta, la experiencia es sublime. Así lo entendió Harman/ Kardon, compañía experta en sonido que desarrolló Levi, un tocadiscos que utiliza tecnología electromagnética que permite que los discos giren en el aire. Además de sus modos de ecualización predeterminados, Levi tiene un diseño minimalista que ofrece una excelente audición a los fanáticos del vinilo. 29

REPORTAJE

temporada de

Mariposas 30

REPORTAJE

EMBLEMAS DE LOS CAMBIOS, LA TRANSFORMACIÓN Y LA ESPERANZA, ESTAS DELICADAS CRIATURAS TAMBIÉN HAN ADMINISTRADO SU ESTILO COLORIDO EN LA MODA Y EL DISEÑO A TRAVÉS DE LOS AÑOS. HOY, VIVIENDO UN INDISCUTIDO COMEBACK, REPASAMOS SU PODEROSO SIMBOLISMO E IRRESISTIBLE ATRACCIÓN. POR ANDREA LARRABE

Pocos insectos contienen tantos simbolismos como los que poseen las mariposas. Diversas culturas las han asociado con los aspectos más positivos de la vida, como la esperanza, la fortaleza y la resiliencia; como una señal de esperanza y consuelo. La cultura cristiana, por ejemplo, ve a la mariposa como un símbolo de resurrección, mientras que varias tribus de Norteamérica la asociaban con el cambio y la transformación. Si hay un tema constante en la interpretación de la mariposa es precisamente este último: la capacidad de poder hacer una metamorfosis a algo mejor, más hermoso, más capaz y fuerte. La mariposa nos recuerda que por más dificultades que pueda tener la vida, es posible surgir del otro lado más sólido que antes. No es de extrañarse, entonces, que la industria de la moda, que se basa en la capacidad de reinvención, se haya dejado inspirar por sus colores, formas, sensualidad y simbolismo a lo largo de los años. Sin embargo, desde la década de los 90 que no habíamos visto una presencia tan fuerte de las mariposas en el mundo del lujo, con algunas contadas apariciones, como el impactante vestido que envolvió a la actriz Zendaya en la premiere

de The Greatest Showman en 2017. En la última década del siglo XX, por el otro lado, las mariposas eran las grandes protagonistas del mundo de la moda, de la música y de la joyería. Mariah Carey era una de las reinas de esta tendencia, llevando tops en forma de mariposa, titulando uno de sus álbumes en honor a ellas e incluso luciendo un anillo de la joyería de lujo, creado en oro blanco y diamantes. Y todo con una clara explicación: Carey venía saliendo de un tumultuoso matrimonio con Tommy Mottola, quien controlaba todo sobre su música. Poder liberarse de esta relación, tanto a nivel personal como profesional, se sintió tal como una mariposa que logra salir de su capullo para abrir sus alas y volar libre. Salma Hayek también se lució por esos tiempos en una alfombra roja con un sencillo vestido negro adornado de mariposas tatuadas en su piel. En ese entonces, ni siquiera los estilos de peinados se libraban de la influencia de estos insectos, ya que los famosos pinches de mariposa fueron usados por Britney Spears, Gwen Stefani, Jennifer Aniston, entre otras.

REPORTAJE

Tuvieron que pasar algunas décadas para que las mariposas volvieran a tomar su trono en el mundo de la moda y la joyería. En marzo de 2021 la cantante inglesa Dua Lipa atrajo todas las miradas con su vestido de Versace en los últimos premios Grammy, mientras que la modelo Bella Hadid produjo un fuerte déjà vu con su cinturón de mariposa de la marca Blumarine en el Paris Fashion Week. Otra celebridad que cautivó con su look inspirado en estas criaturas fue Halle Berry, quien lució un impactante vestido de tul negro con un top plagado de mariposas que parecían haberse posado sobre ella. El diseño fue creación de Christian Siriano. Claramente, las mariposas que están regresando en la moda y el diseño son distintas a las que puso de moda Mariah Carey. El estilo de hoy es más refinado y maduro, alejándose de esa visión más infantil de las mariposas que abundaron en pinches y collares durante los 90. Hoy, tal como han demostrado algunos diseñadores en sus colecciones Ready To Wear, como Jil Sander y Kim Shui, las mariposas se apropian de esenciales clásicos, como carteras, blazers, jeans e incluso mascarillas.

REPORTAJE

ESENCIA DEL CAOS Las mariposas también son conocidas por el famoso “efecto mariposa”, aquella teoría sobre los sistemas caóticos de la existencia, donde un ligero cambio, algo tan sutil como el aleteo de una de ellas, puede tener un impacto a gran escala y de consecuencias impredecibles. Tanto el cine como la música se han apoyado en esta teoría para rendirle tributo, por ejemplo, en la película de 2004 protagonizada por Ashton Kutcher o la canción de Travis Scott, ambas tituladas simplemente The Butterfly Effect. Se ha despertado toda una fascinación en lo que respecta a entender y evaluar las infinitas posibilidades que un comportamiento inesperado puede provocar en los sistemas dinámicos complejos. Y quizás es lo mismo que sucede en el mundo de la moda y el diseño. Las prendas, siluetas y accesorios se transforman una vez más para abrazar el encanto indiscutido de las mariposas, desde sus alas, elegancia, colores y texturas. Celebridades llevan estas creaciones en la alfombra roja, las altas casas de la moda las exponen en las pasarelas y poco a poco se apropian de las redes sociales con un atractivo y poderoso simbolismo que no decae con el paso de las décadas.

REPORTAJE

CONSTRUYENDO LA CIENCIA DEL CAMBIO CLIMÁTICO LA PRECISIÓN DE ROLEX Y EL ESPÍRITU AVENTURERO DE NATIONAL GEOGRAPHIC HAN ESTADO UNIDOS DESDE 1954 PARA APOYAR LA INVESTIGACIÓN CIENTÍFICA. ESTA VEZ, LO HACEN EN TIERRAS CHILENAS, CON EL FIN DE INSTALAR UNA ESTACIÓN METEOROLÓGICA. POR CAROLINA VARGAS P. | FOTOS: CORTESÍA ROLEX.

REPORTAJE

Contribuir al medioambiente y velar por el cuidado del planeta ha sido desde siempre una prioridad para Rolex. Así lo demuestra su participación en la denominada Perpetual Planet Expeditions que este año unió nuevamente a la manufactura suiza y a National Geographic en una inédita expedición, que consistió en la instalación de una estación meteorológica en una de las montañas más altas de Sudamérica (6.505 m), justo por debajo de la cima del volcán Tupungato, en la zona central de Chile. Con el objetivo de poder contribuir a desarrollar una ciencia del cambio climático en depósitos de agua vulnerable, la nueva estación recopilará datos meteorológicos en tiempo real, lo que ayudará a la comunidad científica internacional y al gobierno de Chile a mejorar el modelo meteorológico y la gestión de los recursos hídricos. Esta funcionará junto con otras estaciones

situadas a menor altitud, instaladas en diciembre de 2019 con el apoyo de National Geographic: una a 4400 m (en la cuenca alta del Aconcagua, a 70 km al noreste de Santiago) y dos en el volcán vecino Tupungatito, a 4400 m y 5750 m. “Con la instalación de la estación meteorológica más elevada de América, los científicos dispondrán de una ventana a los procesos atmosféricos que tienen lugar en lo más alto de los Andes chilenos. Estas montañas proporcionan el suministro esencial de agua corriente a más de seis millones de habitantes de la zona de Santiago. La expedición contribuye así a un planeta perpetuo al trascender los límites del descubrimiento científico y la exploración hasta las cumbres más altas del planeta”, señaló el Dr. Baker Perry, climatólogo, profesor de la Appalachian State University de Carolina del Norte en EE.UU. y codirector de la expedición al volcán Tupungato.

REPORTAJE

Con la colaboración del gobierno chileno, el proyecto del volcán Tupungato se cimenta sobre la expedición de National Geographic y Rolex Perpetual Planet al Everest en 2019. Esta histórica expedición analizó el papel que el sistema montañoso desempeña en el suministro de recursos hídricos a mil millones de personas. Entonces, un equipo de más de 30 miembros, entre ellos científicos de la universidad Tribhuvan en Nepal, instaló con éxito una red de estaciones meteorológicas automatizadas (la más alta ubicada a 8.400 m sobre el nivel del mar) que detectan la corriente en chorro subtropical, un flujo de fuertes vientos que rodean el globo a grandes altitudes y son extremadamente difíciles de rastrear. Cabe destacar que las estaciones meteorológicas proporcionan un significativo torrente de datos que sirven para hacer proyecciones sobre la nieve y el hielo.

Las expediciones de National Geographic y Rolex Perpetual Planet a entornos montañosos frágiles como el volcán Tupungato son una extensión de los longevos vínculos de la marca con la exploración y de su respaldo a quienes dan con soluciones a los problemas a los que se enfrentan nuestros delicados ecosistemas. Así lo señala Nicole Alexiev, vicepresidenta de Ciencia e Innovación de National Geographic Society: “Por medio de nuestra alianza con Rolex para estudiar y explorar los sistemas críticos de apoyo a la vida de la Tierra, nuestra meta es utilizar la nueva información y los datos recolectados, para apoyar y generar soluciones que puedan ayudar a restaurar el equilibrio de nuestros ecosistemas”. Y es que esta alianza aprovecha la experiencia científica reconocida mundialmente y tecnología de punta para revelar nuevos descubrimientos acerca del impacto del cambio climático en los sistemas que son vitales para la vida en la Tierra.

REPORTAJE

INICIATIVA PERPETUAL PLANET Todos los miembros de la expedición al volcán Tupungato iban equipados con el Oyster Perpetual Explorer II, una herramienta esencial para cualquier explorador. Un modelo que se desarrolló en colaboración con alpinistas legendarios y ha experimentado una constante evolución para satisfacer las necesidades de los exploradores. Y es que la exploración está indisolublemente ligada a la historia de Rolex. Ya en la década de 1930, el fundador de la empresa, Hans Wilsdorf, comenzó a poner a prueba sus relojes utilizando el mundo como un laboratorio a cielo abierto. A medida que avanza el siglo XXI, la marca ha asumido un compromiso con un planeta perpetuo y con las futuras generaciones, apoyando a individuos y organizaciones en sus esfuerzos por preservar la naturaleza y los sistemas esenciales para la vida. En 2019 puso en marcha la Iniciativa Rolex Perpetual Planet que busca apoyar a individuos y organizaciones que a través de la ciencia tratan de comprender los desafíos medioambientales. A la fecha esta iniciativa se centra en tres áreas fundamentales: apoyar a individuos que contribuyen a crear un mundo mejor a través de los Premios Rolex a la Iniciativa; preservar los océanos, en concreto mediante la asociación de la marca con Mission Blue, y comprender el cambio climático a partir de los datos disponibles como parte de su alianza reforzada con National Geographic, asociada con Rolex desde 1954.

MOSSO IN ART

Bororo, artista visual

Obra: Bomberos

“MI OBRA ES IMPROVISADA, ESPONTÁNEA Y PLANIFICADA”

MOSSO IN ART

CONVERSAMOS CON EL DESTACADO PINTOR CHILENO, UNO DE LOS PRINCIPALES REPRESENTANTES DEL NEOEXPRESIONISMO DE LA DÉCADA DE LOS 80, CUYA OBRA TAN INTENSA Y APASIONADA, COMO SU VIDA, SE RECONOCE POR EL COLOR, EL HUMOR Y LA IMPROVISACIÓN. POR CAROLINA VARGAS P. FOTOS: CORTESÍA DE BORORO.

MOSSO IN ART

El humor es una constante tanto en su personalidad como en las obras de Carlos Eduardo Maturana Piña, más conocido como Bororo. “Mi hermana me bautizó así y le agradezco enormemente haberme cambiado el nombre. Nunca me gustó llamarme Carlos, como el príncipe de Inglaterra, ni Eduardo como el de Austria”. Su carácter lúdico, mezcla de ironía con algo de niño, nace precisamente en su infancia. “De niño fui educado por un padre muy especial, Gabriel Maturana. Actor cómico y para mí un duende. De ahí me viene el humor, la transparencia, la sensibilidad y todas las cosas que me ligan al arte. Lo infantil viene de una visión mía sobre la prehistoria. Según la Biblia, en un principio fue el verbo, yo no creo en eso, para mí, antes de la palabra está el dibujo”. Dibujos y obras que lo caracterizan. Brochazos intuitivos, chorreados de color, expresivos, manchas sin restricciones conforman su universo artístico que transita entre lo abstracto y lo figurativo. “Mi obra se caracteriza por ser improvisada, espontánea y planificada”, señala el artista. Bororo estudió en la Escuela de Arte de la Universidad de Chile en la década de los 70. De esos años recuerda especialmente cuando en 4º año conoció a quien fuera su profesor y maestro, el pintor chileno Rodolfo Opazo. De esta época nace también una amistad entrañable con sus compañeros de vida, un grupo de talentosos artistas como Samy Benmayor, Matías Pinto D’Aguiar y Pablo Domínguez, entre otros con quienes conformó la llamada Escena Avanzada o Generación del 80, que surge con la intención de recuperar la pintura, el gesto, la improvisación del arte, perdida en las generaciones anteriores. Ellos fueron los protagonistas del llamado neoexpresionismo chileno. ¿Cuáles han sido los mayores aprendizajes y los principales logros de la generación del 80? TODO.

De tus obras, ¿hay alguna preferida? No tengo una obra preferida, hay muchas que son preferidas, otras que me gustan mucho, otras menos y otras ¡son horribles! En la actualidad su trabajo forma parte de la colección permanente del Museo Nacional de Bellas Artes de Chile y ha sido exhibido en numerosas exposiciones organizadas por galerías nacionales, como la Galería Arte Actual y Artespacio, entre otras. Asimismo, ha participado en numerosas muestras individuales y colectivas en Inglaterra, Francia, España, Italia, Argentina y Estados Unidos. Su trayectoria artística también da cuenta de una significativa labor docente. A los pocos años de egresar de la universidad se desempeñó como profesor ayudante y luego como titular en las cátedras de pintura, dibujo y croquis en su misma casa de estudios. Un rol que disfruta y que reconoce como su principal legado. ¿Cuál es tu aporte a la pintura chilena? La comunicación que he tenido con los jóvenes como profesor. "El artista tiene el ojo plástico, pero quien manda al momento de pintar es el niño", ha dicho el artista, quien destaca también por su experiencia en la realización de talleres de arte para menores. Ahí pareciera aflorar su alma de niño y su empatía con las creaciones infantiles. Incluso, la crítica ha creído ver en sus propios cuadros esa frescura primitiva que sólo transmiten espontáneamente los niños. ¿Cómo evalúas la experiencia de trabajar con niños? He hecho muchos talleres con niños, acá en Chile y en Brasil. Tengo mucha conexión con los niños. Lo que hago es invitarlos a jugar con la pintura, ensuciarse, manguerear la tela y dibujar encima de ella. No les enseño a pintar, sino a jugar. Realizar talleres con niños es una experiencia mágica y maravillosa. “Bueno, no sé. Bondadoso, sí” Los artistas de hoy son unos grandes, nosotros somos los viejos, los que vienen son la nueva generación y ¡bienvenidos sean!

¿Qué se entiende por arte gestual y de improvisación? El gesto, por ejemplo una sonrisa, la improvisación: el jazz.

Obra: Pájaro

Obra: Origen

MOSSO IN ART

Obra: Mutante

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¿Qué opinión tienes de las nuevas generaciones? ¿Hay alguno que destacarías? Todos son destacables, porque se entregan a lo que hacen sin saber cuál es el destino. Todos son power, tienen ganas y trabajan. Hacia dónde va el arte hoy. ¿Qué hace que un artista contemporáneo adquiera relevancia hoy en medio de la enorme cantidad de información visual que nos entregan, por ejemplo, las redes sociales? Me parece súper bien que los artistas usen todos los medios para expresar su arte. A tu juicio, ¿son los objetos cotidianos soportes válidos para la pintura? Cada artista sabe lo que hace, pienso que el arte no puede ser tan selectivo, hacer quitasoles, tazas, o lo que sea, siempre es una forma de hacer arte.

En una entrevista dijiste que lo que pintabas estaba fuera de moda, muy pegado en su época. ¿Crees que el boom nostálgico que está trayendo de vuelta a los 80 y 90 en la cultura ha beneficiado tu obra o está teniendo un nuevo sentido desde la resignificación de lo que has hecho? No creo que haya obstáculos en volver a vivir otras épocas del arte. De hecho, para mí el arte no tiene época. Todo va y vuelve. Hablemos de lo que viene, ¿Cuáles son tus nuevos proyectos? Se viene el 2022 una expo en Galería Artespacio. ¡No te voy a contar más! En algún momento de tu vida confesaste que no te sentías bueno. Hoy, a tus 67 años, ¿sientes que eres bueno? Bueno, no sé. Bondadoso, sí.

Obra: Débito Crédito

Obra: La Cómoda

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AUTOS

ASTON MARTIN DB5

EL REGRESO DE UN CLÁSICO DE LA MANO DE BOND

POR CRISTIÁN BENKÖ DESDE ITALIA

LA FRANQUICIA DE JAMES BOND ESTRENÓ NO TIME TO DIE CON DANIEL CRAIG INTERPRETANDO, UNA VEZ MÁS, EL PAPEL DEL ESPÍA. UNA PELÍCULA CARGADA DE ACCIÓN Y MOTORES, PROPIA DEL AGENTE SECRETO BRITÁNICO AL SERVICIO DE SU MAJESTAD, CON LICENCIA PARA MATAR. Junto con este nuevo lanzamiento se marcan hitos importantes, como la película número 25 de las entregas de Bond, el quinto filme protagonizado por el actor británico y medio siglo de la alianza entre Aston Martin y James Bond. Es por todo lo anterior que se hizo un esfuerzo especial por parte de EON Productions en contratar al director Cary Fukunaga, el primer americano en dirigir una película de la serie y plasmar con excelencia el adn propio de Bond… James Bond. El espía secreto en medio de una persecución riesgosa a máxima velocidad y conduciendo un lujoso vehículo de gran diseño estará siempre presente en el imaginario colectivo de las películas del agente 007. Los vehículos de Bond tienen un atractivo propio que sorprende al público, tanto como el mismo agente secreto. No Time to Die no es la excepción, en ella podemos contar nueve apariciones de vehículos entre automóviles y motos, más un Aston Martin que se roba las miradas y capta toda la atención, brillando con el regreso de su clásico modelo DB5 que está más vigente que nunca. 44

LA HISTORIA DETRÁS DE UNO DE LOS AUTOS MÁS FAMOSOS DEL MUNDO “El Aston Martin DB5 es genial, elegante, atractivo, pero misterioso, muy parecido al propio Bond”, dice el historiador de cine Mark Edlitz, autor de The Many Lives of James Bond. El modelo DB5 fue bautizado con sus iniciales en honor al industrial inglés Sir David Brown, quien fuera el encargado de comprar y hacer resurgir esta marca fundada por Martin y Bamsford en 1913. Cuando Aston Martin lanzó el DB5 en 1963, la compañía era altamente exitosa en las carreras de autos deportivos, incluyendo una victoria en 1959 con el DB1 en Le Mans. En esencia, el DB5 fue pensado como un vehículo de alto rendimiento, que podía girar rápidamente en curvas cerradas y superar a automóviles tan ágiles en Los Alpes, como los Ferrari. Por estos motivos fue considerado como un automóvil confiable para que el agente secreto pudiera hacer su trabajo.

AUTOS

A pesar de que Ian Fleming especificó en sus novelas que Bond manejaba un Aston Martin DB Mark III, el DB5 parecía más adecuado para la película Goldfinger, en la que hizo su primera aparición de la mano de actor Sean Connery en 1964, logrando un éxito de taquilla. Un dato curioso es que en esa época no existía el placement de producto, por lo que la producción, que entonces no tenía el dinero para comprarlo, debió rentar el DB5, comenzando así una alianza que sigue viva hasta el día de hoy. Luego de su debut en Goldfinger, el DB5 tuvo otras apariciones en los filmes: Thunderball, Goldeneye, Tomorrow Never Dies, Casino Royale, Skyfall y Spectre, que siguieron aumentando su popularidad. En No Time to Die, el Aston Martin DB5 entra en acción en el bello pueblo italiano de Matera, el que fue presuntamente uno de los asentamientos más antiguos de Italia, ubicado en el sur de la península y al que sus construcciones de piedra y belleza arquitectónica le permitieron ser declarado en 1993 Patrimonio Mundial de la Humanidad por la UNESCO. En Matera, el DB5 conducido por el piloto profesional de la producción Mark Higgins gira y se luce en maniobras de desempeño extremo. La producción contó con el auto original que utilizó Sean Connery y otro gemelo para las tomas de cámara cercanas, además de media docena de automóviles -algunos réplicas exactas- para producir los daños propios de la película y adaptaciones o

“gadgets”, entre ellos, los blindajes y cañones frontales M134 ubicados en los faros, los que al girar lanzan cientos de balas por segundo incendiando aún más la acción. Otro modelo extraordinario que hace aparición en la nueva película es el V8 Saloon Vantage, modelo utilizado por Timothy Dalton en The Living Daylights y que en esta ocasión es conducido por el actor Daniel Craig -quien como siempre lleva puesto su inseparable reloj OMEGA Seamaster- por las calles de Londres y otros paisajes filmados en Noruega. Con esta magnífica actuación, Craig cierra su 5ta aparición en la saga y se despide del papel del agente secreto más famoso del mundo. Nos quedamos con esta reflexión para el futuro: “Bond y su estilo de vida, que incluye automóviles y relojes icónicos, han sido capaces de superar la barrera del tiempo y el espacio, manteniéndose vigentes en el mundo entero”.

REPORTAJE

DENISE LIRA RATINOFF

CUANDO LA CONCIENCIA SE HACE ARTE 46

REPORTAJE

LA CIENCIA, LA ARQUITECTURA Y LA TECNOLOGÍA SE PONEN AL SERVICIO DEL TRABAJO DE LA ARTISTA CHILENA, EVIDENCIANDO EL ABRUMADOR PASO DEL SER HUMANO POR EL PLANETA Y SUS CONSECUENCIAS. DE ESTA MANERA, SU OBRA DEJA ENTREVER LAS PROBLEMÁTICAS MEDIOAMBIENTALES QUE HOY SON PARTE DE LA DISCUSIÓN DEL CAMBIO CLIMÁTICO. POR CRISTIÁN PAVEZ FOTOS: CORTESÍA DE DENISE LIRA RATINOFF Y PATRICIO AGUILAR

A menudo hablamos sobre la relación que existe entre el hombre y la naturaleza, estableciendo una distancia conceptual entre lo humano y lo salvaje. Sin embargo, Denise Lira Ratinoff es enfática en poner valor sobre lo más esencial: el hombre es parte de la naturaleza y debe adaptarse a ella. Es así como mediante un trabajo multidisciplinario, que comprende arquitectura, ingeniería, investigación científica y piezas audiovisuales, la artista chilena de 44 años construye experiencias estéticas inmersivas que no dejan indiferente a ningún espectador. A pesar de que sus inicios en el arte estuvieron marcados por la experimentación con medios unidimensionales como el dibujo, la pintura y el grabado, hoy en día su principal soporte artístico involucra principalmente la instalación, con trabajo fotográfico y audiovisual como ejes complementarios a sus propuestas. De esta manera, el trabajo de Denise Lira Ratinoff está teniendo una importancia vital en manifestaciones artísticas que tienen como objetivo visibilizar de manera sensorial la emergencia climática. Es así como sus últimos trabajos -Respirar, Cronómetro y Hadalson verdaderos portavoces de una realidad que en las ciudades nos parece lejana, pero que es parte de un futuro que tiene amenazada la biodiversidad del planeta y los recursos naturales de consumo humano.

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RESPIRAR: EL PAISAJE EFÍMERO Como resultado de un trabajo de seis años y tres expediciones, Respirar es una trilogía de imágenes a gran escala y videos que muestran al cuerpo humano como vehículo transportador de la conciencia a través de su tránsito por el paisaje. Primero, la artista nos muestra su paso por glaciares patagónicos, que son testigos aún sobrevivientes de lo que se ha marchado y desaparecido. Es así como un registro fotográfico exhibe lugares que ya no existen por consecuencia del paso del tiempo y que cobran vida bajo el sensible lente de la artista. Luego, su paso por las cumbres del desierto la llevó a descubrir la magnificencia del desierto de Atacama y sus volcanes en la Región de Antofagasta, en donde cada cumbre no baja de los 5.000 metros. En este caso, Denise registra diferentes zonas perimetrales del volcán Licancabur, exponiendo importantes datos de él junto con fotografías de un paisaje desértico en constante erosión. Por último, sus observaciones sobre el océano la llevaron a contemplar el mar del Caribe tanto desde tierra como en alta mar, capturando sus diferentes gamas de intensidad, evidenciando también cambios en su textura, color y forma, que existen gracias a la bondad inestable del clima y la veleidad de las corrientes del mar.

CRONÓMETRO: DESTRUCCIÓN Y ANGUSTIA El Museo de Artes Visuales de Santiago fue el anfitrión de esta impresionante instalación que ganó en el año 2019 el Premio Artes Visuales en Nuevos Medios del Círculo de Críticos de Arte de Chile. En ella, un abrumador túnel de plástico fabricado en una estructura de vigas de acero introduce al espectador en un recorrido en el que la basura doméstica y relacionable con su entorno urbano lo rodea y absorbe por completo, pudiendo generar un efecto claustrofóbico que lleva a escala pedestre la falta de oxígeno del océano, hasta llegar a su final. Ahí es donde se encuentra la imagen de un glaciar derretido acompañada por un reloj que muestra la hora del presente en marcha imparable y, bajo los pies, una proyección de mapping de un mar prístino que es invadido intempestivamente por el plástico. Asimismo, la instalación incluye un envolvente sonido de cantos de ballenas, completando un cuadro desgarrador que tiene por objetivo llamar a la conciencia sobre la contaminación del mar y la amenaza a los ecosistemas marinos. La inacción humana y el paso del tiempo hacen que cada segundo que pasa en el reloj el espectador siga siendo cómplice de una destrucción medioambiental que continúa en una inercia desoladora.

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HADAL: EL SONIDO DEL ALMA MARINA El mundo submarino esconde un sinnúmero de paisajes sonoros que guardan todo lo que sucede bajo el mar y que no podemos apreciar. Con la creación de un disco en conjunto con el Teatro del Lago de Frutillar, Denise Lira Ratinoff construye cuatro composiciones que surgen a partir de reflexiones sobre las profundidades del océano, evocando la actividad de la Fosa de las Marianas e invitando a cerrar los ojos para dejarnos fluir con la pulsión del océano. Este misterioso lugar está a 11.034 metros de profundidad, y a pesar de sus bajas temperaturas, alta presión y ausencia total de oxígeno, aún es capaz de albergar vida. Llamada así por el dios Hades, la zona Hadal o “lugar de la muerte” está a más de 6.000 metros de profundidad y es aquí donde Denise resalta a través del sonido fenómenos como el desplazamiento de placas tectónicas, erupciones volcánicas, terremotos, corrientes, entre otros. A estos sonidos les acompañan cantos de cetáceos como la ballena jorobada, la ballena azul y la ballena sei, mostrando la belleza de sus sonidos bajo el agua, pero también contrastando con los problemas que derivan de la contaminación acústica del mar producto del intenso tránsito de embarcaciones que ponen a prueba la sensibilidad

de la fauna submarina, muchas veces dañando sus sistemas auditivos para siempre. Finalmente, la obra de Denise Lira Ratinoff no solo conmueve, sino que ayuda a poner en contexto las urgencias medioambientales que nos tienen viviendo en un planeta en cuenta regresiva para su total destrucción. El sorprendente diseño de montaje de sus obras permite abandonarse completamente a la experiencia y obtener de ellas recompensas sensibles que se acompañan de datos y voces de expertos que trabajan por salvar el planeta. De esta forma, oceanógrafos, climatólogos, vulcanólogos, glaciólogos, etc., complementan con sus respectivas disciplinas la visión y el mensaje que Denise entrega a través de imágenes, sonidos y estructuras presenciales que ponen al planeta como un interesante eje de discurso en torno a la vida y la supervivencia humana. En el sitio web de la artista se puede encontrar material adicional de sus obras, así como las pistas del disco “Hadal”.

ELEGIDOS

Joyasen

Movimiento ELEGIDOS DE LUJO

ELEGIDOS

LA BELLEZA Y EL COLOR NOS HAN LLEVADO A HACER DEL MOVIMIENTO UN ELEMENTO DE ELEGANCIA EN NUESTRAS JOYAS. ANILLOS QUE VOLARÁN EN TU MANO, GRACIAS AL SUTIL VAIVÉN DE SUS ALAS QUE IMITAN EL VUELO DE LAS MARIPOSAS.

ELEGIDOS

Farfalla Blu Anillo oro blanco con zafiros y diamantes corte brillante.

ELEGIDOS

Farfalla Rossa Anillo oro blanco con rubíes y diamantes corte brillante.

ELEGIDOS

Farfalla Smeraldo Anillo oro blanco con esmeraldas y diamantes corte brillante.

ELEGIDOS

Farfalla Bianco Anillo oro blanco con zafiros y diamantes corte brillante.

ELEGIDOS

REPORTAJE

CHRISTIAN DIOR

LOS 75 AÑOS DE LA SILUETA FRANCESA EN 2021 LA EMBLEMÁTICA CASA PARISINA CUMPLIÓ 75 AÑOS DE VIDA, EVIDENCIANDO UN INTENSO RECORRIDO QUE HA DEMARCADO HISTÓRICAMENTE LA SILUETA DE LA MUJER FRANCESA CONTEMPORÁNEA. DESDE LA INVENCIÓN DEL FAMOSO “NEW LOOK” HASTA NUESTROS DÍAS, CHRISTIAN DIOR HA LOGRADO CONSOLIDARSE COMO LA ETIQUETA EMBAJADORA DE LA ESENCIA FEMENINA. POR CRISTIÁN PAVEZ | FOTOS: CORTESÍA DE DIOR Y EL BROOKLYN MUSEUM

Fue la mañana del 12 de febrero de 1947 cuando se hizo historia en los legendarios salones del atelier de Christian Dior. Para entonces, la prensa especializada de moda ponía todas sus fichas sobre el nuevo couturier, que había sido entrenado por un consolidado Robert Piguet. El talento del joven Christian Dior había salido a la luz y gracias a la ayuda económica de Marcel Boussac logró revelar esa mañana lo que cambiaría para siempre el concepto de moda femenina: el vestido Corolla y la chaqueta Bar. La redactora jefa de Harper’s Bazaar, Carmel Snow, no pudo contener su asombro ante lo que estaba sucediendo frente a sus ojos, y bautizó la colección con lo que luego se conocería como el “New Look”. Esta manera de pensar la moda le devolvería la sensación de lujo y buen vestir a una Europa por entonces deprimida a causa de la Segunda Guerra Mundial.

Además de revolucionar la silueta femenina, Dior comenzó una verdadera escuela de formación de nuevos couturiers. Luego del éxito rotundo de su colección debut, Christian Dior nombró a Pierre Cardin como su jefe de taller de diseño. Y al año siguiente, aprovechando el vuelo, lanzó su primera fragancia, Miss Dior. Sin embargo, a 10 años de instaurar su innovador New Look, Christian Dior falleció de manera repentina. Luego de una búsqueda de un sucesor, el único que pudo llenar sus zapatos fue un joven diseñador de 21 años llamado Yves Saint Laurent. Fueron seis colecciones las que Yves alcanzó a desarrollar para Dior, hasta que fue llamado al servicio militar. Su controvertida salida de la marca dejó una enorme responsabilidad para quien sucediera el puesto. Fue así como, entrando a la década de los 60, Marc Bohan fue designado director creativo en un periplo que duró tres largas décadas.

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En los convulsos años 60, la moda ya había hecho avances sustanciales en cuanto a geometrías y conceptos. La aparición de la minifalda de la mano de Mary Quant y la ola futurista que permeó la moda de fines de la década fueron fenómenos que mantuvieron a Dior como una etiqueta encapsulada en sus años de gloria. No obstante, las innovaciones de Marc Bohan no significaron vanguardias estéticas para la casa parisina, sino una nueva era en términos de cómo construir una verdadera “maison” de moda. Hitos como la internacionalización de la marca, su adaptación al violento y masivo auge del prêt-à-porter, así como la implementación de una línea masculina -Christian Dior Monsieur- lograron que el imperio de Dior traspasara las fronteras para consolidar su presencia global. El otorgamiento de licencias de fábrica trajo incluso a Christian Dior a Chile, permitiendo la elaboración y venta de su línea de zapatos diseñados por Roger Vivier.

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Llegando a fines de los 70 el negocio experimentó una fuerte caída. Luego de un período de bancarrotas y adquisiciones, en 1984 el empresario francés Bernard Arnault se convirtió en el controlador de la marca. Cinco años más tarde, la maison dio paso a un verdadero renacimiento de la marca gracias al maestro italiano Gianfranco Ferré, quien tomó el mando creativo de todas las divisiones femeninas. Ferré fue quien le devolvió la magia, el lujo y la fantasía a un Christian Dior que había dejado huellas hace más de 40 años. Con ojo y técnica arquitectónica, el italiano agregó drama en los volúmenes y sensualidad en las siluetas al archivo sartorial de la marca bajo la atenta mirada de un público francés que no veía con buenos ojos que un italiano se integrara a lo más selecto de la moda parisina. Las mil y una reinterpretaciones de la clásica camisa blanca, así como la feminización de sus trajes pantalón lo coronaron como uno de los pilares fundamentales de la moda italiana de la época. Pero en 1996, el llamado “arquitecto de la moda” renunció a su cargo para dedicarse a su propia marca. Comenzaba así la icónica “era Galliano”. John Galliano es quien, sin duda, acercó el universo de Dior a las nuevas generaciones. Su estilo teatral, extravagante, pero sin dejar de lado los códigos de sofisticación, hicieron de su periplo en Dior quizás el más recordado después del mismísimo Christian Dior. Convirtiendo sus pasarelas en verdaderas muestras de arte performático, Galliano diseñaba viajes conceptuales a temáticas como la cultura china, el mundo circense, el antiguo Egipto, su adorada Andalucía, entre muchas otras. La glamorización extrema lo llevó a crear una de sus más controvertidas colecciones para la primavera-verano del año 2000, que inauguró la cuestionada tendencia del “vagabundo chic”. Pese a esto, Galliano dominó la década de los 2000, creando emblemáticos accesorios superventas para la marca, como la Saddle Bag, cartera que hasta hoy es pieza fundamental en las colecciones de Dior. La fama de Galliano llegó a un punto álgido en 2011, cuando una escandalosa pelea en un bar de París que terminó con insultos antisemitas le costó su puesto en Dior y un apagón importante en su carrera. La moda perdía quizás su vanguardia más vigente.

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Contrarrestando su narrativa extravagante, en 2012 llegó el diseñador belga Raf Simons a dirigir la casa Dior con un tono minimalista que rescató a la perfección las máximas del fundador de la marca. Fue así como siluetas clásicas, como el vestido Corolla y la chaqueta Bar, volvieron a escena con un estilo modernizado y en consonancia con los nuevos tiempos. Recordado por sus colecciones Crucero, Raf Simons fue el artífice de llevar los desfiles de Dior a latitudes tan distintas como Mónaco y Tokio, en un afán de dar protagonismo a las locaciones en sus desfiles. El documental “Dior & I” deja registro sobre su primera colección de alta costura para la maison, que marcaba al mismo tiempo su debut como couturier. La relación de Simons y Dior se extendió hasta el año 2016, momento en que Raf se retiró para potenciar su propia marca. Se vendría, entonces, otro importante vuelco para Christian Dior. Rompiendo una alianza de 30 años con su compañero creativo Pierpaolo Piccioli, la diseñadora italiana Maria Grazia Chiuri llegó a hacer historia a Dior desde 2016 hasta el presente. Siendo

la primera mujer a cargo de la marca, Chiuri ha logrado poner la etiqueta a tono con los tiempos que corren. Adoptando una esencia sport, Maria Grazia ha impregnado sus colecciones de un alma feminista traducida en frases en camisetas y estéticas empoderadoras. Asimismo, ha debido lidiar con la era digital y una pandemia que ha obligado a hacer cambios drásticos para mantener viva a la industria. Actualmente, Chiuri continúa a cargo de los destinos creativos de Dior, en una época en la que su visión cobra un sentido potente y que ha situado a la moda como un agente de cambio cultural desde la política. Actualmente, el Brooklyn Museum acoge la exposición “Christian Dior: Designer of Dreams”, en la que se puede hacer un recorrido sensorial a través de los 75 años de la marca con una vasta colección de icónicos vestidos, así como otros importantes objetos que son parte del patrimonio y archivo personal del couturier. De esta manera, Dior nos hace testigos de un legado y sus fuentes de inspiración que han elevado a la moda y la alta costura a una categoría de bella arte. 65

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NOVAK DJOKOVIC ES EL NUEVO EMBAJADOR DE LA MARCA DE RELOJES DE LUJO HUBLOT. UN RECONOCIMIENTO A SU TALENTO Y EXITOSA CARRERA QUE LO HAN CONVERTIDO EN UNO DE LOS MEJORES TENISTAS DE TODOS LOS TIEMPOS.

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UNIDOS EN LA EXCELENCIA Formar parte de la familia Hublot es un privilegio que no muchos deportistas pueden presumir. Grandes talentos como los futbolistas Pelé y Kylian Mbappé, el atleta Usain Bolt y el golfista Dustin Johnson han tenido el privilegio de representar a una de las marcas de relojes de lujo más importantes del momento. Se trata de un grupo de deportistas de élite que destacan más allá de su disciplina y se reconocen como verdaderos líderes a nivel mundial. Considerado como uno de los mejores deportistas de la historia, el nuevo fichaje de Hublot es nada menos que el tenista serbio Novak Djokovic. “Estamos particularmente honrados de que el gran Novak Djokovic se una a nuestra hermosa familia Hublot. Es un jugador que hace historia en el tenis siendo único, primero y diferente, que es exactamente nuestro lema. Hublot y sus embajadores colaboran estrechamente para crear relojes innovadores, audaces y únicos. Durante los últimos años, nuestras colaboraciones con los líderes de la industria, atletas y celebridades han impulsado la creación de relojes verdaderamente revolucionarios”, señaló Ricardo Guadalupe, CEO de Hublot durante la presentación oficial del nuevo embajador de la marca. Para muchos se trata de una leyenda viviente que representa muchas de las características que identifican a la marca suiza, entre ellas, su incesante búsqueda de la excelencia y extraordinario rendimiento, el mismo que lo ha convertido en uno de los mejores tenistas de todos los tiempos.

La historia de Djokovic, de 34 años, habla por sí sola. Y es que el tenista serbio, que comenzó a jugar tenis a los cuatro años de edad, lo ha ganado todo: 85 títulos individuales en el circuito ATP, incluidos 20 Grand Slams -compitiendo junto con otros grandes como Roger Federer y Rafael Nadal-, cinco Masters y 36 Masters 1.000 y una medalla olímpica. Su carrera lo impulsó a lo más alto del ranking ATP hace más de 10 años, en julio de 2011, una posición que aún ocupa hoy, después de 337 semanas. Además, es el único jugador en la era Open que ha ganado al menos dos veces en cada torneo de Grand Slam. En la cancha, su revés a dos manos, su gran dominio sobre el juego y su alto desempeño en cualquier terreno se le atribuye a su fuerza mental. Y como si todo esto fuera poco, destaca también por su personalidad, carisma y sentido de humor, el mismo que le valió el apodo de Djoker, por sus famosas imitaciones frente al público de alguno de sus compañeros, como Rafael Nadal, John McEnroe y hasta María Sharapova. “Como atleta impulsado por la ambición de hacer historia en el tenis, estoy particularmente orgulloso de la oportunidad de unirme a la familia Hublot, que ya cuenta con atletas que han dejado su huella en sus respectivas disciplinas al convertirse en leyendas, como Pelé o Usain Bolt. Con Hublot todavía tenemos mucho que ganar juntos”, señaló el tenista al ser nombrado nuevo embajador de la marca.

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IN AMERICA: A LEXICON OF FASHION

UNA ODA A LA MODA AMERICANA LA EXPOSICIÓN QUE ALBERGA EL METROPOLITAN MUSEUM OF ART DE NUEVA YORK REÚNE LO MÁS CÉLEBRE DE LA MODA ESTADOUNIDENSE DE LOS SIGLOS XX Y XXI. CON UN COMPLETO REPASO HISTÓRICO, ESTA MUESTRA ES INÉDITA EN COMPENDIAR LA ESENCIA DE LA MODA AMERICANA Y EVIDENCIAR SU RELEVANCIA ACTUAL. POR CRISTIÁN PAVEZ | FOTOS: CORTESÍA DEL MET MUSEUM

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¿Qué es la moda americana y qué la hace única? Esa es la pregunta que intenta responder la ambiciosa exposición que actualmente alberga el Met Museum y que no ha estado fuera del foco de la crítica. Como es sabido, las exposiciones de moda que llegan a este prestigioso museo suelen tener una delimitación clara y concisa de sus temáticas. Sin embargo, hablar de moda americana se hace complejo, confuso y ambiguo. La imitación del sistema francés de la alta costura es parte esencial de lo que hoy constituye la moda made in USA, por lo tanto, es imposible escapar al reconocimiento del colonialismo como proceso histórico fundamental para reconstruir la línea de tiempo del vestuario en Estados Unidos. En el marco de “In America: A Lexicon of Fashion”, en vez de hacer un recorrido por los hitos más icónicos de la moda, el equipo curatorial de la muestra construyó un diseño museográfico que define la moda americana en 12 secciones que representan cada una una cualidad emocional de ella. Es así como los conceptos de confianza, alegría, seguridad, fuerza, nostalgia, conciencia, comodidad, asombro, deseo, afinidad, deleite y pertenencia agrupan piezas de moda femenina y masculina que provienen, en su mayoría, de diseñadores vigentes en el siglo XXI. Esta manera abstracta y ecléctica de mirar la moda contemporánea en Estados Unidos ha derivado en darle un relato de acuerdo a los procesos psicosociales que han dado forma a la historia del país. Quienes más han criticado la exposición coinciden con la oportunidad perdida de generar discurso a través de la moda, en la que denuncias sociales en torno a la diversidad e inclusividad son parte de las conversaciones que han podido darle algún tipo de sello a la moda americana de hoy.

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Asimismo, considerando la extensa gama de identidades culturales que están contenidas en el territorio norteamericano, más que emociones, la moda americana retrata diferentes tipos de representación que colectivamente conforman un sentido de nación. Son alrededor de 100 piezas las que dan forma a la exposición. Nombres emblemáticos como Ralph Lauren, Óscar de la Renta, Carolina Herrera, Tom Ford, Halston, Calvin Klein, Diane von Furstenberg se congregan junto a diseñadores que han logrado su fama en el nuevo milenio, teniendo a Nueva York como la capital de moda sobre la que han marcado los pasos de sus respectivas carreras. Sin una explicación lógica sobre cuestiones técnicas que hacen de la moda americana algo distintivo, el recorrido deja en entredicho que en Estados Unidos la moda acarrea un fuerte componente de cultura popular. La maquinaria de Hollywood y el llamado star system han relegado a la moda a convertirse en un indicador de importancia según quiénes visten y cuándo lo hacen. Otras piezas textiles, como edredones y banderas, aparecen para dar cuenta de procesos creativos que datan de los tiempos de la Guerra de Secesión, no obstante, es Charles James el autor del vestido más antiguo que puede encontrarse en la muestra. Con un modelo que data de 1942, la muestra rinde homenaje a quien fuera considerado como el verdadero couturier americano. Entre 1939 y 1958, Charles James marcó una época dorada de la moda americana que sentó las bases del glamour de las alfombras rojas de hoy, logrando el respeto y amistad de leyendas parisinas como Christian Dior y Paul Poiret.

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Junto a él, otros pioneros más recientes de la moda estadounidense, como Kerby Jean-Reymond, son parte de la nómina de diseñadores presentes en la muestra. A la luz de los acontecimientos y el activismo asociado al movimiento antirracista Black Lives Matter, Kerby ha sido clave para poner en evidencia la falta de oportunidades para los talentos negros en la moda americana. Con su marca Pyer Moss, Kerby hizo historia al ser el primer diseñador afroamericano en ser invitado a la Semana de la Alta Costura de París y es hoy uno de los referentes más importantes de la escena neoyorquina. Además de estos célebres nombres, la exposición se detiene también en diseñadores que marcaron la estética de los años 90 y que lograron poner a Nueva York en la cima de la moda. Marc Jacobs, Isaac Mizrahi, Donna Karan y Anna Sui son también protagonistas de la línea del tiempo e inspiradores de las nuevas generaciones. No sólo despertaron la conciencia de la moda de movimientos culturales como el grunge, sino que también definieron una estética que miraba hacia el nuevo milenio con optimismo y que veía la evolución de la tecnología con ojos optimistas gracias a la aparición de Internet como un fenómeno que lo cambiaría todo.

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Aunque a simple vista pareciera que sólo los jeans y la moda deportiva son parte de la herencia americana, “In America: A Lexicon of Fashion” es un ejemplo de cómo la posmodernidad ha permitido elaborar una retórica emocional en torno al vestuario de origen estadounidense. Desde la elegancia tradicional de Ralph Lauren, el glamour setentero de Halston, la pulcritud de Carolina Herrera y la sensualidad de Tom Ford, el hilo conductor que hace de la moda americana un pilar fundamental del vestuario de hoy es el significado que adquiere en la visualidad de las calles, en la convivencia cotidiana y en las diferentes sensibilidades políticas que forman parte la sociedad. Abierta hasta mayo de 2022, esta exposición finalmente desmenuza el alma americana de la moda y reinterpreta, en un complejo ejercicio curatorial, las relaciones que la moda alcanza en una “nación de naciones”. Sin duda, un interesante recorrido para maravillarse e identificar diferentes estéticas del tejido social norteamericano. Pero también para reflexionar sobre nuestra propia relación con el vestuario y de qué manera el pulso de las sociedades occidentales es dominado en gran medida por la importancia que Nueva York tiene como agente cultural en esta parte del mundo.

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MERCEDES-MAYBACH EDITION 100

CELEBRANDO EL SIGLO DE MAYBACH

DESDE SU FUNDACIÓN EN 1921, MAYBACH FUE PIONERO EN APLICAR DISEÑO A LA FABRICACIÓN DE AUTOS DE LUJO. REYES, ARTISTAS Y MAGNATES HICIERON DE LA MARCA ALEMANA SU OBSESIÓN PREDILECTA, CUMPLIENDO UN SIGLO DE ESPLENDOR QUE ESTE AÑO ES CELEBRADO CON DOS EXCLUSIVOS DISEÑOS DE EDICIÓN LIMITADA. POR CRISTIÁN PAVEZ FOTOS: CORTESÍA DE MERCEDES-BENZ 74

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A principios del siglo XX, Wilhelm y Karl Maybach estaban convencidos de la necesidad de agregar belleza a la performance automovilística. Fue así como padre e hijo pasaron a la historia como precursores en la fabricación de autos de lujo. Maestría, innovación y técnica son los componentes de una fórmula que llevó a Maybach a lo más selecto del mercado automotriz, siendo considerada la quintaesencia de la perfección del lujo hecho a medida. La creación de la marca familiar en 1921 supuso una verdadera revolución. Reyes, artistas y magnates de la época poco demoraron en verse a bordo de impresionantes modelos tipo sedán o pullman, desplegando un estilo único de conducción al volante de elegantes coupés, cabrios y roadsters. Sin embargo, la marca pasó a una larga época de silencio en 1960, luego de la muerte de Karl Maybach y la adquisición de la compañía por parte de Daimler-Benz, holding controlador de Mercedes-Benz. Fue en 2002 que Maybach reapareció como una marca autónoma, permaneciendo por 11 años activa con modelos como el Maybach 57 y el Maybach 62. No obstante, fue en 2014 que finalmente nace la marca Mercedes-Maybach, comercializando modelos como la serie Clase S y el GLS, así como los modelos S 600 Pullman, S 650 Cabrio y G650 Landaulet. A partir de estos exclusivos modelos, producto de la tradición artesanal y de tecnología de punta de Maybach, la marca lanza su colección “The Edition 100” para celebrar un siglo de vida con dos reinterpretaciones de sus modelos más icónicos. El sedán de lujo Clase S Mercedes-Maybach está equipado para una experiencia única de conducción y comodidad. Sus amplias cabinas con tapicería de cuero son el preámbulo de excelencia, ya sea en el volante o como pasajero. Su sistema de sonido surround Burmester 4D, funciones de masaje y calefacción en asientos y pantallas de alta tecnología para entretenimiento son los aspectos más destacados de este emblemático ejemplar.

Por su parte, el SUV de gama alta GLS, con motor V8, marca una excepcional presencia deportiva en formato de lujo. Este modelo es 33 centímetros más alto que una berlina clásica y ofrece a sus pasajeros un habitáculo especialmente generoso, con suspensión neumática y un espacio libre para las piernas de 1,10 metros. El espacio interior, con aislamiento acústico, está revestido en cuero ultrafino. Estribos extensibles eléctricos aumentan la comodidad de los pasajeros al subir y bajar del vehículo. Ambos modelos salen ahora a la venta en una edición de acabado especialmente noble y limitada a 100 ejemplares en cada gama. Los rasgos típicos de Maybach, como la impresionante calandra del radiador, ostentan el emblema de la marca. Tanto la Clase S como el GLS se pintan a mano en plata hightech y azul náutico. En armonía con este acabado bicolor, como es tradicional en la marca, también el interior destaca por su tapicería en cuero con un diseño especial de los módulos y color blanco cristal/gris plata perlado. El logotipo de la marca con la inscripción “Edition 100” adorna el montante C (Clase S) o bien el montante D (GLS), al igual que diversos compartimentos y los paneles iluminados en el habitáculo. La Edition 100 estará a disposición en los concesionarios de los primeros mercados de Mercedes-Maybach a partir de comienzos de 2022, siendo posible cursar pedidos de la serie especial limitada a partir del cuarto trimestre de 2021. 75

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UNA FLOTA DE LUJO Fotos: Cortesía Ulysse Nardin

ULYSSE NARDIN CELEBRA 175 AÑOS DE ALTA RELOJERÍA CON EL LANZAMIENTO DE UNA NUEVA EDICIÓN DE SU COLECCIÓN MARINE TORPILLEUR, CON SIETE NUEVOS MODELOS QUE DESTACAN LA HERENCIA DE SU PRECISIÓN EN CRONÓMETROS MARINOS.

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La prestigiosa feria de relojería Geneva Watch Days fue el evento elegido por la marca para develar la edición limitada de sus nuevos modelos Marine Torpilleur. Dentro de la nueva flamante armada de Ulysse Nardin, el Marine Torpilleur Grand Tourbillon Grand Feu es, sin duda, el más insigne del conjunto, ya que sólo se fabricaron 175 unidades que coinciden con los años de historia de la marca. Con un tourbillon de escape constante patentado a las 6 en punto, este modelo ya ha recibido premios importantes como el GPHG Award, considerado “el premio Oscar de la alta relojería”. Su caja de 42 milímetros de oro rosa 5N contiene una esfera esmaltada en tono negro grand feu por el taller Donzé Cadrans, quienes agregan su propio arte a un ejemplar que está hecho casi 100% a mano. Sus agujas de tipo catedral, números romanos de gran tamaño y su indicador de reserva de marcha a las 12 en punto son otras de las características que hacen de este modelo una creación única.

Asimismo, las nuevas versiones del Marine Torpilleur Annual Cronograph en esfera azul y blanca incluyen mejoras del sistema de calendario desarrollado en 1996 por el relojero Ludwig Oechslin que permiten ajustar hora y fecha de manera más fácil y en cualquier dirección de la corona. Con una caja de acero de 44 milímetros, este modelo es el más grande de la colección. En tanto, el Marine Torpilleur Blue Enamel tiene un cautivante color azul en su esfera gracias al trabajo de esmaltado de Donzé Cadrans y, al igual que el Grand Tourbillon Grand Feu, está hecho a mano casi en su totalidad y en una edición limitada de 175 ejemplares. Equipado con un calibre UN-118 con 60 horas de reserva de marcha, este nuevo modelo se distingue del Marine Torpilleur Panda, que se caracteriza por su esfera en tonos blanco y negro, además de sus subesferas azules en una edición de 300 unidades. Por último, el Marine Torpilleur Moonphase completa esta maravillosa colección con dos versiones: azul y blanco, que vienen en 300 ejemplares cada una. Además de las fases lunares, la subesfera instalada a las 6 en punto contiene un pequeño segundero, mientras que a las 12 en punto muestra un contador de reserva de marcha de 60 horas. Fabricada en la ciudad suiza de Le Locle, esta icónica colección es una muestra de la fascinación de Ulysse Nardin por el navegación marina, pese a estar localizada en una región sin costa. Sin embargo, esto no impide llevar a la perfección la alta relojería y los instrumentos de navegación para incorporarlos con elegancia y diseño en una tradición artesanal que se mantiene viva. 77

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SAVOY BY GUCCI EN EL MARCO DE LA CELEBRACIÓN DE SUS CIEN AÑOS DE HISTORIA, GUCCI, LA CASA DE MODA DE RENOMBRE INTERNACIONAL, SE TRASLADÓ AL SAVOY DE LONDRES PARA DARLE A LA ROYAL SUITE DEL HOTEL DE LUJO UN CAMBIO DE IMAGEN INSPIRADO EN LA ELEGANTE ESENCIA ITALIANA. POR CAROLINA VARGAS P. FOTOS: CORTESÍA HOTEL SAVOY

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La historia que une a estas dos marcas de lujo comenzó hace más de un siglo, específicamente en 1890, cuando el entonces joven Guccio Gucci trabajó como maletero y sobrecarga del hotel Savoy en Londres. Esta experiencia le permitió al fundador de la afamada casa de moda italiana conocer los gustos y necesidades de los clientes a quienes escoltaba hasta su habitación. Ver el lujoso equipaje y la elegante ropa de los invitados fue un gran impulso en su deseo de comenzar su propia empresa de artículos de cuero, poco después de su regreso a Italia. Cien años después de ese momento, The Savoy y Gucci se unen para celebrar su historia compartida a través de diversas y creativas formas que van desde el rediseño de ambientes hasta ofrecer excepcionales experiencias para huéspedes y clientes. Una de ellas fue la presentación privada de la colección Aria de Gucci por Alessandro Michele en abril de 2021. La muestra incluyó numerosos guiños al hotel, destacando el importante rol que jugó en la configuración de la mitología de Gucci. A esta exclusiva muestra le siguió la transformación de la Royal Suite del hotel, la que consideró la instalación de muebles y artículos

decorativos de la colección Gucci Décor, la línea de artículos y accesorios para el hogar creada por la marca en 2017. En esta habitación nada queda al azar. Desde las mantas que adornan los sofás, las sillas del baño de mármol verde, las almohadas con flecos y hasta los platos que decoran la mesa de comedor llevan el monograma de la casa de moda de Florencia. Para vivir una experiencia única, la transformación de la Royal Suite -que abarca la longitud del 5º piso del hotel- consideró además la participación de la casa de subastas británica Christie's. Esta fue la encargada de proporcionar una variedad de arte y antigüedades cuidadosamente seleccionadas para complementar la estética y armonizar con el diseño y la herencia del Savoy. “Esta es una oportunidad maravillosa para asociarnos con dos marcas de lujo icónicas y llevar nuestro servicio de ventas privadas a los huéspedes de este gran hotel de Londres. Junto con Gucci, la Royal Suite en The Savoy se convertirá en el lugar más exclusivo para alojarse en la capital inglesa", señaló Adrien Meyer, director global de ventas privadas de Christie's.

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Y es que todos los artículos decorativos proporcionados por Gucci y Christie's estarán disponibles para su compra. De esta manera, la Royal Suite se transformó en una sala de exposición excepcionalmente exclusiva, así como una de las suites de hotel más lujosas de Londres. Como si todo esto fuera poco, la oferta de la Royal Suite incluye un mayordomo personal, uso del Rolls Royce del hotel, servicios personalizados en la habitación, experiencias Gucci, además de una incomparable vista sobre el río Támesis. “Es maravilloso dar vida a nuestra historia compartida a las audiencias contemporáneas, y estamos emocionados de presentar una Royal Suite transformada, además de brindarles a los huéspedes experiencias encantadoras y un servicio excepcional que se adapta a dos marcas con tal renombre mundial”, afirmó Franck Arnold, director gerente del Savoy.

EL LEGENDARIO SERVICIO DEL SAVOY

Inaugurado en 1889 por el agente teatral Richard D'Oyly Carte, el Savoy fue creado como un lugar complementario al teatro homónimo, permitiendo al público de la obra prolongar la experiencia artística más allá de la función. Fue así que el hotel se convirtió rápidamente en un lugar de encuentro y reunión de importantes personalidades a nivel internacional. Entre ellas, el escritor Oscar Wilde, la actriz francesa Sarah Bernhardt, la reina Isabel II, Mohamed Ali, Liz Taylor, Frank Sinatra, Marilyn Monroe y Lady Diana, entre otros. En sus salones se han realizado fiestas, eventos oficiales, estrenos de películas de Hollywood y hasta importantes acuerdos comerciales. Desde sus inicios el Savoy marcó pauta no solo en cuanto a lujo, comodidad y servicio, sino también fue el primer hotel de la época en introducir la iluminación eléctrica en todo el edificio, incorporar ascensores, baños en la mayoría de las habitaciones, agua caliente y fría constante, y muchas otras innovaciones que se mantienen y van continuamente actualizándose hasta hoy.

Ubicado en el corazón cultural de una de las ciudades más emocionantes del mundo, el Savoy es el hotel de lujo con más historia del Reino Unido. Cuenta con 195 habitaciones y 73 suites decoradas al estilo eduardiano o art déco, acompañadas por algunos de los salones, restaurantes y bares más conocidos de Londres. Entre ellos, destacan el Thames Foyer, donde Isabel II celebró su coronación, y el American Bar, lugar en el que, según cuenta la historia, se inventó el Martini seco.

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Speedmaster Chronoscope de Omega

LA ELEGANCIA DE LA EXACTITUD INSPIRADOS EN LOS CRONÓGRAFOS DE PULSERA DE 1940, LOS NUEVOS MODELOS DE ESTA COLECCIÓN CUENTAN CON TAQUÍMETRO, TELÉMETRO Y PULSÓMETRO PARA MEDIR LA VELOCIDAD, FRECUENCIA CARDÍACA Y DISTANCIA DEL PELIGRO.

La palabra chronoscope o cronoscopio se remonta a la antigua Grecia y es la combinación de dos términos. Por un lado, Chronos que significa “tiempo” o "dios del tiempo", y Scope, que significa observar. Se trata de un instrumento utilizado para determinar con precisión la duración entre dos puntos o acontecimientos. El nuevo y sorprendente Chronoscope de Omega de 43 mm cumple esta función a la perfección y en múltiples niveles. La nueva joya de la marca suiza cuenta con un taquímetro que mide la velocidad en función de la distancia. Es decir, puede indicarle a su usuario la velocidad a la que va basándose en la distancia que ha recorrido entre dos puntos concretos, ya sea en millas o en kilómetros. Asimismo, ofrece un telémetro capaz de medir la distancia en función de la velocidad del sonido. Con un sencillo proceso de dos fases, el nuevo modelo Omega puede indicar exactamente la distancia a la que se encuentra de algo que es visible y audible, como por ejemplo, una tormenta eléctrica. Finalmente, el nuevo Speedmaster Chronoscope cuenta con un pulsómetro para medir los latidos de un corazón humano -el propio o el de otra persona- gracias a su escala de 30 pulsaciones por minuto. ¿Demasiado lento, demasiado rápido?, demasiado perfecto.

Volviendo a las antiguas raíces de Omega, en el nuevo Speedmaster Chronoscope las agujas en forma de hoja y las tres escalas de cronometraje en forma de "caracol" de la esfera confieren a estos relojes un claro vínculo con la relojería de los pasados años 40. También hay una elegante adición de un diseño de pista "en espiral" que transcurre bajo los números arábigos de la esfera.

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La nueva colección ofrece pulseras de piel en azul, marrón o negro con microperforaciones que revelan un interior de caucho rojo. Para quienes prefieren un aspecto metálico, existen brazaletes de acero cepillado y pulido que cuentan con el sistema de apertura ajustable en dos posiciones. Dotados con el movimiento coaxial Master Chronometer calibre 9908 de carga manual, todas las versiones destacan por el diseño del puente del Chronoscope. Côtes de Genève en arabesco, que parten del aro de volante y no del centro del movimiento: otra primicia para la marca.

Fotos: Cortesía OMEGA

Para los fanáticos de la legendaria familia de relojes de la marca, el nuevo modelo presenta seis versiones en acero noble cepillado y pulido. Dos con esferas plateadas y agujas azuladas, dos con esferas azules y agujas rodiadas, y dos con esferas plateadas y subesferas negras con agujas ennegrecidas. Al igual que la colección Seamaster 300, los Speedmaster Chronoscope incluyen un reloj adicional fabricado con la última aleación patentada por la marca: Bronze-Gold. Se trata de una aleación única enriquecida con elementos nobles, como el 37,5% de oro, además de paladio y plata, que proporcionan un suave tono rosa y ofrece una incomparable resistencia a la corrosión. Su esfera se presenta en bronce oxidado, con acabado de pátina especial, y subesferas plateadas opalinas, además de aro del bisel de cerámica marrón pulida, con escala taquimétrica en esmalte "vintage", otra novedad de diseño de Omega.

Finalmente, para mejorar su reserva de marcha se han incluido barriletes dobles con un revestimiento de carbono antidesgaste similar al diamante. El mecanismo de rueda de pilares garantiza el funcionamiento preciso de sus múltiples funciones. Como Master Chronometer certificado, tanto el movimiento como el reloj han demostrado su resistencia en las condiciones más duras, ya que han superado las pruebas más estrictas establecidas por el Swiss Federal Institute of Metrology (METAS).

BELLEZA

LOS NUEVOS TONOS DE

Carolina Herrera CUANDO HABLAMOS DE ELEGANCIA FEMENINA, ES IMPOSIBLE DEJAR PASAR EL NOMBRE DE CAROLINA HERRERA. YA CONSOLIDADA COMO UNA IMPORTANTE CASA DE MODA Y UNA LEYENDA VIVA DE LA MODA EN NUEVA YORK, LA FIRMA CUMPLIÓ UN AÑO EN SU MÁS RECIENTE AVENTURA: SU PRIMERA LÍNEA DE MAQUILLAJE. POR CRISTIÁN PAVEZ | FOTOS: CORTESÍA DE CAROLINA HERRERA MAKEUP

BELLEZA

Vivir la alegría a través del color es parte de la filosofía de vida de Carolina Herrera. El estilo que la diseñadora lleva a sus pasarelas nos muestra cada temporada una armónica construcción de fantasías de color a través de formas e inspiraciones que gritan feminidad en un estilo chic que tiene nombre y apellido. Sin embargo, la pandemia ha obligado a la moda a replantear sus tiempos y, junto con ello, ver otras posibilidades de negocio. Es así como en 2020 Carolina Herrera lanzó su primera colección de maquillaje, desarrollada por la hija de la diseñadora, Carolina A. Herrera, quien ha tenido un gran éxito a cargo de la línea de perfumes. A ella le acompaña el trabajo de Wes Gordon -director creativo de la firma- y Lauren Parsons -consultora global de maquillaje-. El resultado es una línea de productos que integra el packaging como objeto de diseño deseable, convirtiendo el maquillaje en un accesorio en sí mismo.

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LABIALES IRRESISTIBLES Poner un acento de color a los labios siempre ha sido una de las recomendaciones más conocidas de Carolina Herrera para cultivar un estilo femenino. Es así como la colección de labiales incluye 38 tonos que oscilan entre marrón, pasando por rojos aframbuesados y corales, así como tonalidades rosa y nude. Una gama de 16 tonos mate, 12 satinados y 8 perlados son perfectos para cualquier tipo de piel y complexión facial. Además de estos maravillosos colores, cada labial tiene una fragancia de rosa y violeta con notas frutales. Otro de los productos labiales recién lanzados es la colección de bálsamos Mini Tint, que consiste en seis tonos, más uno reactivo al pH de los labios para adaptarse al color natural y realzarlo. Sus ingredientes hidratantes dejan los labios suaves y carnosos, evitando una sensación pegajosa.

COMPACTOS PERFECCIONADORES Presentada en cuatro diseños: Blue Dots -inspirado en los famosos polka dots de la marca-, Zebra -el animal print favorito de Carolina Herrera-, Red Tartan -en referencia al rojo que decora sus oficinas centrales y primera tienda en la Madison Avenue de Nueva York- y Green Waves -patrón en verde desarrollado por Wes Gordon-, la línea de polvos compactos es otro de los grandes atractivos de Carolina Herrera Makeup. Una textura fina, ligera y uniforme hace de los Polvos Perfeccionadores un producto ideal para cualquier tipo de piel, gracias a su fórmula hipoalergénica y sus fijadores de origen natural. Son ocho tonos con un acabado de luz natural y pigmentos minerales que dejan un aspecto sedoso, permitiendo la respiración de la piel con una cobertura total sin apelmazamiento. Asimismo, su polvo matificador elimina los brillos indeseados, dejando la piel con un look fresco y cómodo gracias a sus micropartículas de sílice que dejan una capa ultrafina para fijar el maquillaje y prolongar su duración. Por último, el iluminador tiene un acabado brillante para agregar un resplandor extra para cualquier efecto de maquillaje deseado. Su textura cremosa permite una excelente aplicación para conseguir un envidiable look de frescura radiante.

BELLEZA

ENCANTO PERSONALIZABLE El elemento visual más llamativo de la línea de maquillaje de Carolina Herrera Makeup es la posibilidad de customizar sus productos. De esta manera, los polvos compactos se pueden decorar con cualquiera de las 10 carcasas disponibles para darle un toque vibrante de estilo al maquillaje, junto con un soporte en forma de anillo. Por su parte, los labiales y Mini Tints están destinados a ser uno de los accesorios más deseados por amantes de la marca, ya que no sólo se puede elegir el estampado de su estuche, sino también otros complementos como charms con letras iniciales, flores y escarabajos, y borlas que permiten darles un estilo personal a los labiales para lucirlos como verdaderos objetos de diseño.

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BELLEZAS DE LOS MARES YA EN EL SIGLO XVIII, ABRAHAM-LOUIS BREGUET CREABA RELOJES PARA MUJERES AUDACES. LA COLECCIÓN MARINE DAME DE BREGUET ESTÁ DEDICADA A LAS AVENTURERAS DE HOY, QUE DISFRUTAN NAVEGAR POR LOS MARES, AL RITMO DE LOS VIENTOS Y LAS CORRIENTES. 88

Una vez más, los artesanos de la Maison Breguet dan muestra de su talento y saber relojero con la creación de un diseño inédito inspirado en el mundo de los océanos. Nos referimos a la colección Marine Dame que la manufactura suiza dedica a las exploradoras del siglo XXI. Belleza marítima que deslumbra y que nos transporta a vivir una experiencia única: el mar en todo su esplendor. Expertos en el arte del guilloché, una de las técnicas decorativas más impresionantes en relojería, Breguet ha concebido para esta colección un motivo original que evoca la fluidez de las olas. Bautizado como “marea”, este está compuesto por curvas y formas, las que a diferencia del guilloché “clásico”, hecho de rectas y círculos, transmiten los movimientos naturales del agua. Una técnica que requirió de muchos meses de desarrollo y significó, entre otras cosas, la fabricación

de levas especiales para los tornos de guillocher. Asimismo, para cada modelo se realizó una exigente decoración sobre el nácar, un material particularmente frágil, que embellece la esfera y la masa oscilante del movimiento de esta colección. En acero, oro rosa y oro blanco, el Marine se presenta en versiones con piedras preciosas, incluyendo una hilera de diamantes que iluminan su bisel. El Marine 9518 se ofrece en oro rosa y blanco de 18 quilates y cuenta con bisel engastado con 50 diamantes, esfera de nácar guilloché grabada a mano con motivo “marea” y masa oscilante engastada con 31 diamantes. Por su parte, el bisel del modelo en acero se presenta engastado con 60 diamantes y esfera de nácar natural o lacada a mano en azul.

ESTÉTICA NÁUTICA El Marine de Breguet celebra el universo marino con numerosos detalles. Uno de ellos es el diseño de los números romanos que evoca el de los gallardetes náuticos. Asimismo, el fondo de cristal de zafiro desvela el Calibre 591A automático con puentes decorados con un motivo doble Côtes de Genève guilloché simulando la cubierta de un barco. Por su parte, en el contorno de la caja se puede leer la inscripción “Relojero de la Marina”, mención que recuerda el título de relojero de la marina real francesa obtenido por Abraham-Louis Breguet en 1815. Otro guiño al mar presente en este modelo son los arabescos de posidonia, plantas conocidas por ornamentar los fondos del mar Mediterráneo y contribuir a la limpieza de las aguas, las que en esta colección se muestran sobre el fondo de la correa de caucho blanco. Para un uso más deportivo, el modelo ofrece correas de piel de aligátor azul noche o blanco. Las acanaladuras de los bordes de la caja presentan un nuevo diseño, más nítido y espaciado, que confiere al reloj -aunque solo tengan 1 cm de grosor- un carácter más audaz. A las 3 horas, el protector de la corona, engastado sobre las piezas de oro, evoca una ola y los tornillos, en forma de marcadores de navegación, proporcionan una sujeción flexible a la correa. Marine Dame de Breguet, elegancia marítima para las amantes de la aventura, el deporte al aire libre y la navegación. 89

Fotos: Cortesía Breguet

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LA NOSTALGIA DEL NUEVO MILENIO DOLCE & GABBANA PRIMAVERA VERANO 2022 EN LA EDICIÓN DE LA SEMANA DE LA MODA DE MILÁN, DOLCE & GABBANA PRESENTÓ UNA COLECCIÓN INSPIRADA EN LA LLEGADA DEL AÑO 2000. LA IDEA DE UN FUTURO OPTIMISTA Y POSITIVO ES LO QUE MARCA EL RECUERDO DE ESTA PASARELA, QUE REFLEJA EL ÁNIMO DE LO QUE SE RESPIRABA AD PORTAS DE UNA NUEVA ERA. POR CRISTIÁN PAVEZ FOTOS: CORTESÍA DE DOLCE & GABBANA

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Poco antes del año 2000 ya se veía venir. La prensa especializada y la crítica de moda de aquella época, con sus ritmos predigitales, auguraban que Dolce & Gabbana era por excelencia la etiqueta que iba a darle forma al nuevo milenio. Y es que la marca de la dupla de hierro conformada por Domenico Dolce y Stefano Gabbana fue una de las pioneras en quebrar la abulia de fines de los 90, en donde el minimalismo y la pulcritud en exceso eran la regla que dictaba las decisiones de estilo. Coincidiendo con los ciclos de la nostalgia de la moda, Dolce & Gabbana logró acoplarse al revival de los 2000, tema que abordaron simultáneamente en esta temporada marcas como Versace, Blumarine, Celine y Vetements. El largo paréntesis de la pandemia no sólo puso en jaque a la industria, sino también a las ocasiones en las que la moda puede tener un sentido en desplegarse. Sin embargo, la paulatina reapertura de negocios e instancias sociales ha vuelto a poner a la moda en su sitio de espectáculo y para las semanas de la moda de septiembre ya se pudieron ver nuevamente desfiles presenciales con espectaculares puestas en escena. Dolce & Gabbana no se quedó atrás y en su imponente Teatro Metropol de Milán -lugar del cual son dueños- montaron un desfile para presentar su colección primavera-verano 2022 llena de luces, brillos y homenajes a la primera década del nuevo milenio. 92

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Titulada como “DG Light”, esta colección se destaca por hacer un recorrido por diferentes estilos con looks eclécticos que son reflejo de la alegría de vivir desde un punto de vista optimista y ansioso por volver a la normalidad. Una pasarela de espejos y luces destellantes de colores fueron el punto de partida para un desfile lleno de detalles que trajo consigo el estilo característico de Dolce & Gabbana para una mujer que busca la exuberancia y la sensualidad a toda costa. Para el año 2000 Dolce & Gabbana ya cumplía 15 años de vida y eran un referente de la antítesis noventera. La belleza femenina en su dimensión más expresiva ha sido siempre el motivo de celebración de los desfiles de la marca, que este año ha marcado la pauta gracias a sus vistosos acontecimientos de moda de agosto. Los desfiles de Alta Sartoria y Alta Moda en la ciudad de Venecia no dejaron a nadie indiferente y fueron el escenario perfecto para que la etiqueta italiana marcara una presencia fuerte antes de volver a la Semana de la Moda de Milán por la puerta ancha.

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Cortes a la cadera, minivestidos y minifaldas en todas sus formas fueron la tónica que marcó esta deslumbrante pasarela. En ella, importantes hitos de la moda de los 2000 volvieron a verse reflejados en sus looks. El primero que se apreció en el desfile fue la utilización de lencería como prendas externas. Ya sea en conjuntos con blazer y falda o como parte de una ilusión de transparencias, la lencería adquiere aquí una fuerte carga visual que rompe con la discreción que la caracterizaba anteriormente. Este es un guiño directo a su emblemático estilo siciliano, en la que la clásica estética de las mujeres viudas tiene a la tela de encaje negro como elemento principal. Este tipo de looks es parte fundacional de la marca, siendo un engranaje infaltable de cada pasarela de la marca durante los años 90 y la primera década del siglo XXI. Importantes figuras, como Monica Bellucci y Sophia Loren, fueron claves en la publicidad de la marca, que

dejaba entrever el universo mágico del sur de Italia. Pero fue a comienzos de los 2010 que Dolce & Gabbana experimentó con un nuevo lenguaje visual enmarcado en el exceso y el color, introduciéndose en un estilo barroco contemporáneo. Otro elemento clave de esta colección es el denim, que volvió en gloria y majestad a la pasarela con una importante presencia. En los 2000, el material más democrático de la moda contemporánea comenzó a diversificarse hacia un uso más sofisticado. La extinta línea D&G -que existió hasta 2011- fue precursora en hacer de los jeans una prenda glamorosa. Esta colección trae ese mismo espíritu con bordados, desgastes irregulares e incluso botas largas hechas 100% de denim.

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Como era de esperarse, la pedrería sería una de las estrellas de la colección. Casi como una firma visual de Dolce & Gabbana, el impresionante despliegue de aplicaciones de piedras de colores no sólo reaparece en jeans y accesorios, sino también como parte de la texturización de estampados. De igual forma, flecos en vestidos, faldas y botas tienen un minucioso trabajo con elementos que no sólo dan brillo, sino también elegancia al movimiento de las prendas. Al contrario de lo que ha estado viéndose en las pasarelas de las últimas temporadas, la marca italiana se atrevió a recuperar el espacio que había perdido la siempre polémica minifalda. En diferentes volúmenes -algunas más ajustadas y lisas, y otras más holgadas y plisadas-, estas prendas coinciden con mantener un largo a medio muslo y en interminables combinaciones de estampados y colores. De esta manera, Dolce & Gabbana rompe con tendencias como las pencil skirts, las faldas largas vaporosas, las faldas A, así como las utility skirts. ¿Quién dijo que mostrar las piernas resta elegancia a la moda femenina?

Los juegos de estampados también tuvieron un notable protagonismo en esta pasarela. Los maxiestampados florales son un clásico de la marca que ahora vuelven con fuerza y en materiales más sofisticados e imponentes que permiten, por ejemplo, tener efectos de transparencia. El animal print, a veces tan despreciado y juzgado, vuelve con desfachatez y con el dominio absoluto del estampado de cebra con vistosas combinaciones de colores en rojo y verde. Por su parte, el mix & match como parte propuesta de estilo nos muestra que no existen límites para mezclar estampados. Animal print y puntos con flores, camuflaje y entramados de pedrería, así como jacquard con encaje negro son algunas de las combinaciones que se pudieron observar en esta colección. Definitivamente, no hay reglas de estilo para mezclar estampados y patrones para lograr cualquier efecto deseado.

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El toque más célebre que hizo noticia sobre esta colección fue el homenaje a Jennifer Lopez en dos camisetas estampadas con pedrería, y es que a los ojos de la dupla italiana, la cantante y actriz representa no sólo la estampa de sensualidad latina, sino también su recordado hit “Waiting For Tonight” es precisamente el ánimo que rodeaba el fin del año 1999 para dar comienzo a un año 2000 que prometía adentrarnos en el futuro al mismo tiempo que acechaba la amenaza del blackout tecnológico llamado Y2K. Finalmente, la colección primavera-verano 2022 de Dolce & Gabbana es primordial para entender la filosofía de diseño que ha acompañado a la marca por 36 años. Una inteligencia temprana hizo que la etiqueta milanesa lograra adueñarse de una estética típicamente italiana, llevándola a su máxima expresión. Desde el neorrealismo del cine italiano grabado a fuego en actrices como Sophia Loren, Anna Magnani, Claudia Cardinale, Silvana Mangano, Stefania Sandrelli, entre muchas otras, Dolce & Gabbana ha extendido su manto creativo hacia otros terrenos como la mujer siciliana y la interpretación libre del barroco. Es con este paisaje iconográfico que han podido tener libertad para actualizar su estilo, incorporando tendencias desde otros lugares del mundo, pero adaptadas a su propio lenguaje para así mantener actualizada su filosofía de diseño que, hasta la fecha, sigue resultando sorprendente y teniendo sintonía con el gusto de las nuevas generaciones. 97

JOYA

Arte

POR CLAUDIA LARRAGUIBEL

EN MOVIMIENTO La joyería es un arte como cualquier otro: preciso, expresivo, siempre evolucionando, transformándose y aprendiendo a hablar nuevos lenguajes. Y, como tal, también ha ido buscando una característica que la mayoría de las disciplinas ha sabido encontrar: el movimiento. Se habla del “movement of jewelry” cuando nos referimos al camino que siguen nuestros ojos al mirar una pieza de joyería en particular. Un artista artesano puede controlar el trazado que sigue la mirada al componer los elementos de una joya de una forma en especial.

Pero hoy hemos ido incluso más allá del movimiento de los ojos; hoy, las mismas piezas de joyería cobran vida. Esta mecánica de precisión recibe el nombre de joyería mecánica, una rama dentro de la joyería contemporánea donde la pieza cobra vida por la acción de un movimiento externo. Es un tipo de arte que llega a renovar la idea de los accesorios como algo estático y rompe los esquemas de lo conocido con una elegancia nunca antes vista.

Es por eso que nos enorgullece tanto presentar esta nueva colección de anillos MOSSO, que se inspira en el colorido y la vitalidad de la naturaleza, y que nos transporta al lugar donde lo terrenal se convierte en un paraíso. Las mariposas son las protagonistas y volarán en las manos como salidas de un sueño en un sutil vaivén. En total son cuatro modelos llenos de color y piedras preciosas: diamantes, zafiros, rubíes y esmeraldas que cobran vida y crean una pieza única gracias a su movimiento. Estas dinámicas piezas le dan un nuevo significado a la joyería, consiguiendo una expresividad nueva y abriendo infinitas posibilidades en el futuro de esta hermosa disciplina. La joyería ya no se define como antaño, por el tipo de metal con que se trabaja, hoy en día no existe uniformidad de estilos, sino una conjunción y una gran diversidad de materiales y conceptos. Se pueden realizar joyas y objetos con cualquier material sugerente, capaz de ser transformado, para lograr calidad expresiva.

Diseño: Antonia Lorca

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EDITORIAL

Efecto Mariposa

EL CAUTIVANTE COLORIDO DE LAS MARIPOSAS ES PARTE DE LA NUEVA COLECCIÓN DE ANILLOS MOSSO QUE COMBINA LOS BRILLOS VIBRANTES DE SUS PIEDRAS PRECIOSAS CON EL MOVIMIENTO DE LAS ALAS DE ESTAS MARAVILLOSAS CRIATURAS. NOS INSPIRAMOS EN LA NATURALEZA PARA LLENAR DE COLOR ESTA TEMPORADA. Fotógrafo: Camilo Delpín | Stylist: Paola Agulló Makeup Artist: María Paz Urra 100

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Samaritaine EL RENACIMIENTO DE LA

EL NUEVO ROSTRO DEL MÍTICO ALMACÉN PARISINO CREADO EN EL AÑO 1900 MANTIENE VIVO EL ESPÍRITU DE SUS CREADORES. PASADO Y PRESENTE PARA VIVIR UNA EXPERIENCIA AUTÉNTICAMENTE FRANCESA. POR CAROLINA VARGAS P. | FOTOS: CORTESÍA LA SAMARITAINE 110

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En pleno corazón de París emerge nuevamente el emblemático gran magasin, La Samaritaine. Se trata de uno de los más grandes e históricos almacenes de la capital francesa de la década del 1900 que producto del deterioro de su edificación debió cerrar en 2005, y que hoy, coincidiendo con su aniversario Nº 150, vuelve a abrir completamente renovado. Para recuperar su esplendor de origen y conservar su patrimonio, la joya arquitectónica más aclamada de París fue sometida a un gran proceso de restauración, liderado por el grupo DFS, propiedad del gigante del lujo LVMH, principal accionista de Samaritaine. La colosal obra de reconstrucción, a cargo del estudio de arquitectura japonés de SANAA -premio Pritzker 2010- consideró la renovación total de sus más de 70.000 m². Una nueva y moderna infraestructura inaugurada recientemente para acoger a los amantes de la moda y el lujo parisino. 112

Fundada en 1870 por el matrimonio compuesto por Ernest Cognacq y Marie-Louise Jaÿ, La Samaritaine comenzó siendo una pequeño local ubicado en la rue de Rivoli, la que gracias al ingenio y emprendimiento de sus propietarios se fue convirtiendo en un lugar imperdible de la ciudad. Treinta años después de su fundación y de la mano de los arquitectos más famosos de la época, Frantz Jourdain y Henri Sauvage, poco a poco se transformó en un exclusivo templo del consumo parisino, revolucionando el comercio de la época. Durante más de 130 años la Samaritaine, cuyo nombre nace en el siglo XVI y se relaciona con una bomba de agua que aspiraba del río Sena para abastecer el barrio, que tenía una figura evangélica que representaba a la Samaritana del pozo de Jacob, ofreció una gran variedad de productos y la posibilidad de pasear libremente por sus diferentes secciones y pisos.

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UNA CIUDAD DENTRO DE UNA CIUDAD Gracias a un complejo proceso de restauración, el edificio conservó su estética art nouveau y art déco de finales del siglo XIX y el recuerdo del París de la Belle Époque. Con un toque contemporáneo en la fachada de la rue de Rivoli, el estudio de arquitectos japonés unió el pasado y el presente al diseñar una original y compleja estructura irregular exterior de 130 metros en cristal ondulado y translúcido, ofreciendo luminosidad y el reflejo de los edificios del arquitecto Georges-Eugène Haussmann de la misma calle. En su interior, el estudio canadiense Yabu Pushelberg puso de relieve su estructura Eiffel y el espectacular cristal rectangular de armazón metálico de 1907 que inunda de luz el hall. En esta renovación, en la que participaron más de 3.000 trabajadores y significó una inversión de 750 millones de euros, hubo un exhaustivo cuidado y respeto por conservar todos los elementos de época: los mosaicos florales, sus trabajadas balaustradas en hierro forjado y la espectacular escalera central cuya barandilla incluyó 16.000 hojas de oro y cerámica art nouveau. Además, gracias a los archivos iconográficos se pudieron recuperar los frescos multicolores de pavos reales

-de 3.5 m de altura y 115 m de longitud-, sobre fondo amarillo y firmados por Frantz Jourdain, y gran parte de los atrayentes esmaltes en lava de Volvic de las fachadas, diseñados por Jourdain y Eugène Grasset. Igualmente, se emplearon materiales nobles para suelos, alfombras y mobiliario, en tonos grises y azules, según el decorado de origen, con el objetivo de recrear su pasado histórico con un aire contemporáneo.

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De los más de 70.000 m² que contempla la obra, 20.000 m² fueron destinados a superficie comercial para acoger alrededor de 600 marcas francesas e internacionales tanto de lujo como de jóvenes creadores, de moda, marroquinería, joyería, además de artículos relacionados con el art de vivre, gastronomía francesa y un concept store. La denominada zona Beauty ocupa un lugar ubicado en el nivel -1 y es el espacio de belleza más grande de Europa, con 3.400 m². Con detalles como el parquet de punta de Hungría, mosaicos personalizados, estructuras de latón dorado o guiños a los adoquines parisinos y a Eiffel, esta zona, obra del arquitecto francés Hubert de Malherbe, comprende 200 marcas de maquillajes y perfumería de lujo, trendys o unisex, y cinco enclaves beauté, entre ellos una maison du parfum, un spa, un bar de maquillaje y un beauty-studio.

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Finalmente, el nuevo edificio considera también un hotel de lujo: Cheval Blanc París, con más de 70 habitaciones y una suite de 1.000 m², así como una piscina privada de 12 metros de largo. El espacio deslumbrará a sus huéspedes con su terraza, su impresionante panorama del paisaje parisino y su oferta gastronómica. “Hemos imaginado un gran almacén en el que se podrá vivir una experiencia auténticamente francesa, donde se combinan el ambiente chic de la avenida Montaigne y el aire contemporáneo del Marais”, señaló Éléonore de Boysson, presidenta del Grupo DFS para Europa y Oriente Medio, en el libro que la editorial Assouline publicó sobre la reapertura de los almacenes. La Samaritaine París Pont-Neuf como fue rebautizada, dada su estratégica ubicación que mira al río Sena y al mítico puente Pont-Neuf, fue y seguirá siendo un espacio a la vanguardia de su tiempo. Un lugar que vale la pena visitar, ya que reúne lo mejor del pasado y del presente de la cultura francesa.

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ARTE & CULTURA

BREVE SELECCIÓN CULTURAL EN ARTE Y LITERATURA.

UN REGRESO MONUMENTAL Luego de un largo proceso de investigación y restauración, “Los Canteros” (1878), óleo en gran formato del pintor chileno Pedro Lira, volverá ocupar el hall central del Museo Nacional de Bellas Artes para continuar la última etapa de su proceso de restauración frente al público. En la obra, que fue donada al museo por el artista a fines del siglo XIX, se aprecia en primer plano a un grupo de hombres que trabaja afanosamente moviendo unos pesados trozos de piedra, mientras otras dos figuras en el fondo parecen organizar las faenas venideras. La pintura de dimensiones monumentales, (3.06 x 5.15 m) se enmarca dentro de la corriente del realismo social que, Lira desarrolló a lo largo de toda su carrera y que se puede apreciar en algunas de sus telas más célebres. Con esta exhibición, el MNBA cierra un año marcado por actividades en conmemoración a su aniversario Nº 140.

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NUEVA YORK DESDE EL CIELO La crítica literaria internacional lo ha definido como el libro más espectacular jamás publicado sobre Nueva York. Un paseo arquitectónico de sur a norte y a lo largo y ancho de Manhattan con maravillosas imágenes del fotógrafo francés Yann ArthusBertrand y textos del historiador estadounidense John Tauranac. En “Nueva York, arquitectura desde el cielo” de, Lunwerg Editores, cada edificio, parque, monumento o barrio que ha dado forma a esta ciudad queda reflejado en este recorrido visual que, gracias a esta publicación, podrá disfrutarse desde la comodidad de su casa. Un imprescindible y hermoso tributo a un lugar mítico que, además, incluye mapas de las calles y fichas con información de cada edificio.

COLUMNA DE OPINIÓN

POR MARISOL PINTO

LA VIDA EN LOS TIEMPOS DEL COVID Han sido ya casi dos años con este virus en nuestras vidas. Un virus que cambió nuestro estilo de vida, nos mostró la vulnerabilidad, nos hizo replantear ciertas prioridades en la vida y, valorar lo que tenemos… sobre todo la vida. A pesar de que el Covid ha estado presente en todo el mundo, cada país lo ha vivido de manera sutilmente distinta. Mientras en Sudamérica y Centroamérica, cuya población es más joven que en otros continentes, la pobreza, el sistema político y la precaria educación han sido la causa más importante de las muertes. En Europa, en cambio, los adultos mayores han sido el grupo más vulnerable y donde se han visto los mayores índices de mortalidad. Estados Unidos, que tiene una población bastante joven o, al menos, adulta, ha tenido que lidiar con el manejo de las libertades individuales y sociales en las cuales se basa su cultura. Pero como no hay mal que dure 100 años, afortunadamente ya estamos viendo la luz. Hoy somos más inmunes al virus, tenemos vacunas y remedios para tratarlo y hay más conciencia social. Todo esto nos está ayudando a volver a nuestras vidas. Todo vuelve a abrirse, y pese a que algunos han podido viajar durante este periodo, hoy existen protocolos y algunas restricciones que dependen de cada país para viajar. Las preferencias para vivir en lugares abiertos con jardines más amplios, en la playa, en el campo o en la montaña son, más que nunca, nuestro objetivo. Florida, en Estados Unidos, ha tenido el boom inmobiliario más grande de toda América. El buen clima, los espacios abiertos, la playa y las pocas restricciones de movimiento durante este periodo han sido fundamentales para la gente del norte de EEUU. Las políticas tributarias, junto al buen clima, han hecho que Miami

en particular sea su lugar de destino. Una ciudad que ha crecido en todos los sentidos, convirtiéndola en un lugar cada vez más interesante. Lo mismo ha pasado con la gente de la costa oeste. Todo el mercado tecnológico le ha puesto no solo el ojo, sino que un pie en Miami. Los sudamericanos que siempre han visitado esta ciudad, hoy más que nunca están aquí. La gran diferencia con la migración a Florida es que hoy la mayoría de personas tienen recursos y no solo aquellos que buscaban una oportunidad o el sueño americano. Hoy, la gente capacitada, con recursos y negocios, se está estableciendo en Miami. Ahora, a pesar de esto, no todo es color de rosas… Hoy Miami se convirtió en la segunda ciudad más costosa para vivir, después de NY, Estados Unidos. Ahora que ya estamos saliendo de la crisis provocada por el virus y estamos aprendiendo a vivir con él, las ganas de salir de vacaciones, vivir la vida y disfrutar de reuniones es mayor que nunca. Estamos comprando regalos y cosas que antes teníamos más a la mano, hoy están un poco más escasas. El shopping que lo tuvimos un poco reprimido por un tiempo, hoy está desatado. Las ganas de vivir la vida están más que nunca. A la hora de planear los viajes, no hay que olvidarse de los malos ratos que podemos pasar si es que nos contagiamos mientras estamos fuera, por tanto hay que elegir con cautela los destinos y las preparaciones. Para aquellos que no van tan lejos, es el mejor momento para decorar, remodelar nuestra casa, la de playa, montaña o campo, ya que es ahí donde más hemos pasado este último tiempo. Hoy más que nunca valoremos lo que tenemos y a quienes tenemos a nuestro alrededor.

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REPORTAJE

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REPORTAJE

JAVIERA ZAROR, COSMETÓLOGA Y MAQUILLADORA

“QUIERO PROMOVER EL CUIDADO DE LA PIEL DESDE ADENTRO”

¿Qué efectos tiene el verano sobre nuestra piel? La exposición prolongada al sol es, de todas maneras, un factor deteriorante. Siempre debemos tener en cuenta que la luz solar es necesaria para la síntesis de vitamina D y evitar trastornos como raquitismo y osteoporosis, pero si lo hacemos en exceso y en horarios de riesgo, estamos contribuyendo al envejecimiento prematuro de la piel. El 80% del fotoenvejecimiento cutáneo está asociado al sol y, si tomamos en cuenta que el daño solar es acumulativo, quienes luchan por tener una piel bronceada cada verano, sin duda tendrán un factor de riesgo mayor. ¿Qué cuidados fundamentales de la piel deberíamos tener durante el verano? Para lograr un cuidado integral, mi recomendación es llevar una dieta balanceada acompañada de una rutina de ejercicios diarios, hidratarse con agua constantemente y aplicar bloqueador solar varias veces al día. No obstante, recomiendo no exponerse al sol entre las 11.00 y 16.00 horas del verano, para evitar la caída perpendicular de los rayos solares. Por lo mismo, es importante proteger la cabeza con sombreros o gorros y preferir ropa con protección UV. En cuanto a rutinas de skincare, lo fundamental es poner el foco en la limpieza, la aplicación de un sérum antioxidante, hidratar y aplicar un protector solar de amplio espectro, es decir, que abarque rayos UVA (que son los que provocan el envejecimiento) y UVB (los que broncean la piel y que pueden provocar insolación). Proteger la piel no solo debería estar asociado a un día de sol despejado de playa, sino también a días nublados y en otros lugares como montañas y ciudades. ¿Qué otros factores pueden afectar la salud de nuestra piel? ¿Puede el maquillaje incidir en cómo se mantiene la piel del rostro? Dentro de lo que está en nuestras manos, recomiendo una buena alimentación, evitar el tabaco, tener hábitos saludables de sueño,

CON ESTUDIOS DE INGENIERÍA COMERCIAL, MAQUILLAJE PROFESIONAL Y COSMETOLOGÍA, JAVIERA ZAROR OFRECE PRODUCTOS Y SERVICIOS QUE ESTÁN ORIENTADOS A UN CUIDADO INTEGRAL DE LA PIEL Y QUE PRONTO ESTARÁN DISPONIBLES A TRAVÉS DE LA WEB Y UNA TIENDA FÍSICA. CONVERSAMOS CON ELLA PARA SABER CÓMO CUIDAR NUESTRA PIEL EN ESTE CALUROSO VERANO. POR CRISTIÁN PAVEZ FOTOS: CORTESÍA DE JAVIERA ZAROR

practicar actividades que nos ayuden a controlar la ansiedad, como el yoga, la meditación y el deporte, y lograr armar un ritual de cuidado de la piel. Creo que es fundamental utilizar productos que tengan recomendación de expertos en cuidado de la piel, evitando consejos de influencers que promocionan marcas que están de moda, pero que no son las adecuadas. En cuanto al maquillaje, tiene una gran incidencia. Obstruye los poros y deja la piel muy deshidratada. Mi postura siempre ha sido que quienes usan maquillaje todos los días, dejen de hacerlo. ¿Por qué? Porque existen muchos cosméticos que tienen principios activos e ingredientes que son beneficiosos y saludables para la piel y que, aplicados con constancia, pueden mejorar completamente el aspecto de la piel manteniendo un look natural. El maquillaje para resaltar facciones y coloridos debe ser algo de ocasión y para momentos especiales. ¿Qué tratamientos aconsejarías para mantener una piel saludable durante todo el año? Cada piel es diferente y requiere cuidados específicos, por lo tanto, no existen tratamientos estandarizados, sino protocolos personalizados. Sin embargo, el tratamiento estrella más exitoso es el cóctel de vitaminas. Es un procedimiento que, mediante microinyecciones localizadas, revitaliza la piel aportando brillo, elasticidad e hidratación. Pero no es milagroso y debe ir complementado de rutinas de cuidado y una alimentación sana. 121

REPORTAJE

NUEVO PORSCHE 911 GT3

EL MODELO MÁS AERODINÁMICO Y PODEROSO CREADO POR LA FIRMA DE STUTTGART Fotos: Cortesía Porsche

MEZCLANDO LO MEJOR DE PORSCHE, LLEGA A CHILE UN DEPORTIVO POR EXCELENCIA QUE RESALTA SU ADN DE COMPETICIÓN. La séptima generación del buque insignia de Porsche, el nuevo 911 GT3, se presentó a comienzos de 2021 a nivel internacional y arribó a Chile con mejoras que lo caracterizan como el equilibrio perfecto de deportividad, eficiencia y emoción: características de un auto para rodar en circuito y utilizarlo a diario. Esto se logra gracias a la estrecha colaboración entre el equipo de ingenieros de Porsche Motorsport y de vehículos en serie, que dotaron a este nuevo modelo con un atractivo motor de 4 litros, que entrega 510 PS (375 kW), el mismo que su hermano 911 GT3 R. “Con el nuevo 911 GT3, la marca demostró que es capaz de producir un modelo de altas prestaciones, con características para conducirlo a diario en la ciudad. Con esto podemos catalogar al nuevo 911 GT3 como el deportivo más radical y versátil que se haya producido en la historia”, comentó Cristóbal Luttecke, gerente general de Porsche en Chile. “Esta séptima generación del 911 GT3 es un equilibrio perfecto de todo lo que representa la marca no solo para nosotros, sino también para nuestros clientes”, añadió. 122

La marca perfeccionó la receta de evolución sutil con capacidades y dimensiones mejoradas, manteniendo intacta la esencia del modelo. El enfoque visual del GT3 está basado en la modernidad y lo aerodinámico para obtener el mejor tiempo en el circuito. En el frontal encontramos una gran toma de aire que permite una mejor refrigeración de frenos y otros componentes, sumado a los nuevos espacios presentes en el capó. En la parte posterior, se instaló un gran alerón en forma de cuello de cisne, que por primera vez se le equipa a un modelo de serie Porsche, semejante al que vemos en los 911 RSR de carreras y los 911 GT3 Cup de la copa monomarca, que cuenta con capacidad de ajustarse en cuatro posiciones según la condición lo amerite.

REPORTAJE

La instalación y funcionamiento de esta pieza clave puede producir hasta un 150% más de carga aerodinámica que la generación anterior, dotándolo de mayor estabilidad a velocidades más altas, mejorando hasta un 50 por ciento el eje trasero. Para lograr menores números en el cronómetro, los ingenieros a cargo de la producción de este 911 GT3 decidieron equiparlo con un techo reforzado con fibra de carbono, ventanillas y cristales más delgados y un escape de acero inoxidable 10 kg más ligero que antes. El interior mantiene la línea de la nueva generación de modelos. Cuenta con pantallas TFT de alta resolución de siete pulgadas a la izquierda y a la derecha el nuevo contador que muestra información configurable del vehículo. Además, incluye un asistente visual del cambio de marcha, con una barra de color que se va iluminando de izquierda a derecha del cuadro de revoluciones. A ello se le añade una vista general adicional de las prestaciones en la pantalla táctil Full-HD de 10.9 pulgadas del Porsche Communication Management (PCM). El conductor podrá disfrutar del volante deportivo GT3 con paddle shift PDK en color Dark Silver, que permite cambios más cortos como en los vehículos de carreras. Este está fabricado con cuero negro y franjas de adorno con incrustaciones de aluminio cepillado en Antracita. Los asientos deportivos adaptativos de cuero negro con sus laterales vienen equipados de serie, se puede acomodar gracias a la regulación eléctrica de 18 posiciones del respaldo y de la altura del asiento. El tapizado incorpora, además, reposacabezas del mismo material adornados con un anagrama “GT3” en color plata y el cuerpo del respaldo viene con el color de contraste Darksilver.

MOTOR DE ALTO RÉGIMEN CON ADN DE COMPETICIÓN El motor de 4.0 litros de alto régimen del nuevo Porsche 911 GT3 eroga 510 PS de potencia y un par máximo de 470 Nm, puede asociarse a dos tipos de transmisión, una caja manual de 6 velocidades con la cual puede alcanzar los 320 km/h y el 0 a 100 km/h lo hace en tan solo 3,9 segundos. También se puede equipar la caja PDK que permite una máxima de 318 km/h y la aceleración hasta los 100km/h se logra en 3,4 segundos. Aún así, es más rápido que el anterior 911 GT3 RS.

SEGURIDAD DIGNA DE UN SUPERDEPORTIVO Además de ofrecer un motor poderoso y un diseño extraordinario, el nuevo 911 GT3 cuenta con una serie de asistencias que proporcionarán una conducción más segura en todas las condiciones. Aquí encontramos la Dirección del eje trasero con configuración deportiva que dirige las ruedas traseras en la dirección opuesta a la de las ruedas delanteras cuando se circula a bajas velocidades, el Porsche Active Suspension Management (PASM) que permite un ajuste electrónico que amortigua la fuerza del vehículo en cada rueda, según las condiciones de la carretera y el estilo de conducción. Encontramos además el Porsche Stability Management (PSM) que ayuda a mantener la estabilidad en los límites del rendimiento de conducción dinámica y el Porsche Torque Vectoring Plus (PTV Plus), en conjunto con una distribución de par totalmente variable y regulada electrónicamente.

EQUIPAMIENTO Y PRECIOS PARA CHILE El 911 GT3, desde su presentación al mercado en 1999, ha hecho historia en convertirse en un modelo deportivo que mantiene su esencia tras seis generaciones y que, en su séptima actualización, conseguirá seguir cautivando a los clientes y fanáticos de la marca de Stuttgart. Porsche espera consolidar el éxito de este modelo definiendo el valor para el nuevo 911 GT3 en USD 227.900*, disponible para personalizar en Porsche Center Santiago y Porsche Center Concepción. * Estos precios incluyen el equipamiento básico específico para Chile.

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Altares Majestuosos

ESTAS CINCO CATEDRALES IMPERDIBLES DE EUROPA CAUTIVAN CON SUS CÚPULAS DE GRANDES MAGNITUDES, FIGURAS DISTINTIVAS Y EL RELATO HISTÓRICO QUE GUARDAN. EN SOFÍA, BERLÍN, SEVILLA, SAN PETERSBURGO Y PRAGA SE ENCUENTRAN ESTOS VERDADEROS MUSEOS QUE MEZCLAN EL ARTE, LA RELIGIÓN Y UNA DISTINTIVA ARQUITECTURA. TEXTO Y FOTOGRAFÍA POR CAROLA HIDALGO L. 124

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CATEDRAL DE SAN VITO PRAGA / REPÚBLICA CHECA Uno de los monumentos más significativos de República Checa es la Catedral de San Vito, ubicada al interior del Castillo de Praga. Se trata de la mayor muestra de arte gótico de la ciudad, la cual abrió sus puertas en 1929, a pesar de haber comenzado su construcción mucho antes, en 1344, y que alberga la tumba de Wenceslao IV y las Joyas de la Corona. Su historia también la convierte en el lugar de coronación de todos los reyes de la región de Bohemia. Este imprescindible en esta ciudad de cuento invita a poner atención a su lado sur, donde solía estar la entrada principal de la catedral. En esta Puerta Dorada, como es reconocida, hay una fachada construida por completo con mosaicos venecianos, los que representan el juicio final. La torre más alta de la catedral, que mide cerca de 100 metros, también se puede subir, permitiendo a los turistas obtener las mejores vistas de Praga. El castillo de la ciudad que aloja esta catedral y principal visita turística de la capital queda al lado opuesto del barrio viejo, al cruzar el Puente Carlos con el río Moldava bajo él. 125

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CATEDRAL DE SEVILLA SEVILLA / ESPAÑA Es una de las catedrales más grandes del mundo. Es un verdadero museo de arte que pasa por diversos estilos, desde el islámico hasta el neobarroco. Fue construida entre 1172 y 1198, cuenta con 10 puertas de entrada, un patio central llamado Patio Los Naranjos y una biblioteca que almacena libros y archivos históricos de su construcción y de la ciudad. Probablemente lo que más impresiona en su interior es el Retablo Mayor, ubicado en el Altar Mayor. Es el más grande de la cristiandad, tiene 400 metros cuadrados de superficie, 44 relieves y más de 200 figuras de santos. Es tanto el cuidado que hay que tener, que debe ser mirado a través de una reja para poder fotografiarlo. No muy lejos de él se encuentra la tumba de Cristóbal Colón sobre un pedestal y sostenido por cuatro representantes de los reinos españoles: Castilla, Aragón, Navarra y León. Es un féretro que ha dado de qué hablar, pues al haber estado también en Santo Domingo, los dominicanos reclaman la autenticidad del cuerpo. Sin embargo, un estudio de ADN realizado por la Universidad de Navarra confirma que los restos que descansan en Sevilla son fidedignos. 126

Los 97,5 metros de altura de la Giralda llaman la atención de cualquiera. El campanario de la catedral fue, en su momento, la torre más alta del mundo y está constituida por cuatro cuerpos, siendo dos los más importantes: el primero y más antiguo es el musulmán, iniciado en 1184 por orden de Abu Yaqub Yusuf; el segundo es el cristiano y es el campanario que remata la torre. La Giralda se puede subir para disfrutar de una de las mejores vistas de Sevilla. Como curiosidad, y para llegar a la cima, cabe destacar que no cuenta con escaleras. Más bien posee 35 rampas, las que fueron construidas para que el sultán pudiera subir a caballo.

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IGLESIA DEL SALVADOR SOBRE LA SANGRE DERRAMADA SAN PETERSBURGO / RUSIA Muy similar a la Catedral de San Basilio en Moscú, es la Iglesia del Salvador Sobre la Sangre Derramada de San Petersburgo, ambas en Rusia, un lugar que comenzó su construcción en 1883 por encargo de Alejandro III. ¿El motivo? Honrar a su padre, quien, dos años antes, fue asesinado en el mismo lugar. De hecho, en la actualidad hay una capilla que señala el punto exacto donde ocurrió el acontecimiento. Es un ícono de la ex Leningrado y su historia no ha estado exenta de polémicas. En 1917, para la Revolución Rusa, fue saqueada y dañada. Quince años después la clausuraron por completo pensando incluso en su demolición. Sin embargo, logró sobrevivir hasta la II Guerra Mundial, cuando fue atacada por una bomba que nunca explotó y que quedó escondida en la cúpula principal de la construcción. En ese entonces era utilizado como depósito de alimentos. Por su extraña historia y las vivencias que logró sobrevivir, la iglesia fue reconstruida para que recién en 1997 reabriera sus puertas. Por fuera destacan sus cinco cúpulas bañadas en cobre con una mezcla de colores tan llamativos como el blanco, el amarillo, el verde y el celeste. Por dentro, y como toda iglesia de esta magnitud, es un verdadero museo con decoración barroca y 600 mosaicos que se despliegan como alfombras por las paredes. Es una visita obligada si se anda por San Petersburgo, muy cercana a otras importantes construcciones, como la Catedral de Kazán y el Museo del Hermitage, y a cafés, bares y restaurantes para disfrutar con esta vista y el canal Griboedova a un costado.

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CATEDRAL DE BERLÍN BERLÍN / ALEMANIA Más conocida como Berliner Dom, ubicada a un costado del río Spree y frente al Jardín Lutsgarten se ubica este edificio religioso con una majestuosa cúpula de cobre verdosa como su principal característica exterior. Construida entre 1894 y 1905, la Catedral de Berlín es un templo originalmente protestante que en 1930 se estableció como diócesis católica, aunque, a pesar de ser catedral, nunca ha alojado a un obispo católico. En plena II Guerra Mundial -precisamente en 1944- una bomba cayó sobre la llamativa cúpula, lo que obligó a reconstruir la edificación desde 1975.

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Al interior de la catedral es posible ver una mezcla de estilos de distintas épocas, entre mosaicos, oro y estatuas. En ella se encuentran importantes obras, como el altar de mármol del escultor Stüler y la pila bautismal de Christian Daniel Rauch. También tiene un sótano que complementa la visita turística. Se trata de la cripta de los Hohenzollern, donde se encuentran los sarcófagos de cada integrante de la dinastía, es decir, más de 90 tumbas de finales del siglo XVI hasta principios del XX.

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CATEDRAL ALEXANDER NEVSKI SOFÍA / BULGARIA La emblemática construcción ortodoxa de la capital búlgara destaca por su arquitectura neobizantina y, por sobre todo, por sus impresionantes cúpulas doradas. La Catedral Alexander Nevski existe desde 1912, pero se comenzó a construir a finales del siglo XIX. Es una clara demostración de la buena relación de Rusia con el país, porque el motivo de su existencia es, justamente, la conmemoración a los rusos caídos y la ayuda que prestó el Zar Alejandro II en la Guerra Búlgaro – Otomana, en 1877. Incluso su nombre hace referencia al gobernante ruso del principado de Novgorod. Nevski fue clave en la historia medieval rusa, al ser un claro defensor del cristianismo ortodoxo.

Sombría, de 72 metros de largo y una torre que alcanza los 52, la catedral se encuentra en pleno centro de la capital. Está rodeada de otras iglesias, parques y distintas áreas verdes para recorrer a pie o en bicicleta, restaurantes y cafés para el descanso. Es un punto de encuentro de varios tours y se ubica a pasos del Monumento al Zar Libertador, una estatua ecuestre erigida en honor al Zar Alejandro II. Además, cuenta con un museo subterráneo que muestra una colección de figuras e íconos religiosos.

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REPORTAJE

Magritte,

el ilusionista

LA PRIMERA RETROSPECTIVA DEL PINTOR BELGA SE PRESENTÓ RECIENTEMENTE EN EL MUSEO THYSSEN DE MADRID. LA MUESTRA REUNIÓ MÁS DE 90 PINTURAS DE UNO DE LOS ARTISTAS VISUALES MÁS IMPORTANTES DEL SIGLO XX.

Es uno de los máximos representantes del surrealismo, junto con Salvador Dalí, André Breton y Joan Miró, como también parte de los artistas más influyentes del siglo XX. Hablamos de René Magritte (1898-1967), famoso artista belga cuya extensa obra es reconocida por esa perturbadora mezcla que combina imágenes cotidianas, extrañas y humorísticas. Y es que a diferencia de otros surrealistas, las obras de Magritte sacan la esencia de la realidad consiguiendo imágenes absolutamente sorprendentes e ingeniosas. De alguna manera, este creador se convirtió en un surrealista conceptual, interesado en la ambigüedad de las imágenes, de las palabras y en investigar la extraña relación entre lo pintado y lo real. Lo suyo es, sin dudas, una búsqueda incansable entre lo mágico y lo cotidiano.

POR: CAROLINA VARGAS P. FOTOS: CORTESÍA MUSEO THYSSEN DE MADRID 132

REPORTAJE

La obra de Magritte volvió a estar presente en la primera retrospectiva del artista recientemente exhibida en el Museo Nacional ThyssenBornemisza en Madrid. La exposición, denominada La Máquina de Magritte, destacó precisamente ese componente repetitivo y combinatorio de su obra, cuyos temas obsesivos vuelven una y otra vez con innumerables variaciones. La muestra reunió más de 90 pinturas procedentes de instituciones, galerías y colecciones particulares de todo el mundo gracias al apoyo de la Fundación Magritte. Asimismo, consideró también una selección de fotografías y películas caseras realizadas por el propio artista. Si bien él nunca se consideró fotógrafo, durante su vida sintió una fuerte atracción por el cine y la fotografía que exploró cotidianamente sin grandes expectativas. Esta selección fue descubierta a mediados de la década de 1970 e incluye retratos familiares y de sus amigos surrealistas, además de algunos autorretratos e instantáneas de cuadros en los que estaba trabajando, así como cintas de cine doméstico, todas, impregnadas por el particular espíritu de Magritte.

SOBRE LA EXPOSICIÓN Magritte definía su pintura como un arte de pensar. Toda su obra es una reflexión sobre la pintura misma, reflexión que aborda con la paradoja como herramienta fundamental. Lo que se nos revela en el cuadro, por contraste o por contradicción, no solo es el objeto, sino también su representación, el cuadro mismo. Cuando la pintura se limita a reproducir la realidad, el cuadro desaparece y solo reaparece cuando el pintor saca las cosas de quicio: la pintura solo se hace visible mediante la paradoja, mediante lo inesperado, lo increíble, lo singular. Para lograr este objetivo, el artista utilizaba los recursos clásicos de la metapintura, de la representación de la representación -el cuadro dentro del cuadro, la ventana, el espejo, la figura de espaldas- que en su obra se convierten en trampas. La

exposición analizó esos recursos metapictóricos que fueron el hilo conductor de los distintos capítulos del recorrido, empezando por “Los poderes del mago”, con algunos autorretratos en los que explora la figura del artista y los superpoderes que se le atribuyen; continúa con “Imagen y palabra”, centrado en la introducción de la escritura en la pintura y en los conflictos generados entre signos textuales y figurativos; el tercer capítulo se dedicó a “Figura y fondo”, donde examina las posibilidades paradójicas engendradas por la inversión de figura y fondo, silueta y hueco; “Cuadro y ventana” estudia el cuadro dentro del cuadro, el motivo metapictórico más frecuente, mientras que “Rostro y máscara” se ocupó de la supresión del rostro en la figura humana, uno de los rasgos más recurrentes en Magritte.

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REPORTAJE

Los dos capítulos finales de la exposición, tratan de procesos de metamorfosis contrapuestos: el “Mimetismo” y “Megalomanía”; en el primero abordó su fascinación por el mimetismo animal, que el pintor traslada a objetos y cuerpos que se enmascaran en su entorno, incluso disolviéndose en el espacio, y en el segundo presentó el recurso del cambio de escala como movimiento antimimético, que extrae el objeto o cuerpo de su entorno habitual, proyectándolo fuera de todo contexto.

DETRÁS DEL PINTOR René François Ghislain Magritte nació en 1898 en Lessines, Bélgica. Y aunque no se ha escrito mucho sobre su infancia, se sabe que esta fue una época difícil, marcada por el suicidio de su madre cuando él solo tenía 13 años. A los 15 conoció a Georgette Berger, con quien se casó en 1922. Ella se convirtió en su modelo favorita y su compañera de toda la vida. Algunos años más tarde, interesado por el dibujo y la pintura, estudió en la Academia de Bellas Artes de Bruselas, y expuso por primera vez en el Centro de Arte de Bruselas en 1920, con obras que mostraban influencias del cubismo, orfismo, futurismo y purismo. Influenciado por el pintor italiano Giorgio de Chirico comenzó a pintar paisajes misteriosos, con significados ocultos, silencio y mucho sentido del humor. 134

Durante la década del 20, Magritte dejó Bruselas y se trasladó a París. Ahí, junto a Éluard, Breton, Miró y Dalí, vivió la denominada etapa surrealista. Diez años después, huyendo del polémico ambiente parisino, decidió regresar a su país natal. Y es que pese a lo provocativo de muchas de sus pinturas, Magritte tuvo la vida de un belga de clase media y sus rutinarias actividades diarias fueron en cierto modo su máxima inspiración para pintar sus extraordinarios cuadros hasta su fallecimiento, en 1967.

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REPORTAJE

ALIANZA ESTRATÉGICA MOSSO - LA DOLFINA

Adolfo Cambiaso, la leyenda del polo mundial llegó a Chile de la mano de MOSSO para dar inicio a una alianza sin precedentes en la historia de este deporte en el país. Se trata del lanzamiento y presentación oficial del equipo Mosso-La Dolfina, quien se coronó campeón en el Abierto de Alto Handicap de Chile 2021 realizado en el mes de diciembre en el Club de Polo y Equitación San Cristóbal en Santiago de Chile. Más allá del gran triunfo obtenido, con la fusión entre la mítica organización argentina -creada por Adolfo Cambiaso- y MOSSO se da inicio a una alianza estratégica de gran proyección. "Esto

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no termina acá. Este proyecto tiene un lado deportivo y otro comercial. Como equipo queremos seguir jugando juntos un par de años, que se mantenga el nombre y la estructura. La idea es jugar torneos acá en Chile y quizás a nivel internacional también", señaló Ernesto Mosso, CEO de MOSSO e integrante del cuarteto que triunfó en el evento nacional. En el ámbito comercial, MOSSO ya comenzó a trabajar en el desarrollo de una colección de piezas exclusivas, ediciones limitadas en relojería y algunos accesorios, diseñados en su totalidad por Ernesto Mosso y su equipo de trabajo.

REPORTAJE

ADOLFO CAMBIASO, EL MEJOR DEL MUNDO El polista argentino que elevó los estándares de la disciplina de su país a nivel internacional, sigue siendo considerado como el mejor del mundo. Por tercera vez en Chile, el trasandino cruzó la cordillera acompañado de su hijo Adolfo "Poroto" Cambiaso, quien con 16 años y 9 goles de hándicap -recién fue ascendido, por lo que en Chile jugó con 8- mantuvo la tradición familiar de marcar historia: con 15 años, 11 meses y 6 días se convirtió en el polista más joven en jugar el Abierto de Argentina.

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POLO

TRIUNFO DEL EQUIPO MOSSO HUBLOT

Celebramos un nuevo triunfo del equipo MOSSO HUBLOT, quienes a mediados del mes de noviembre de este año ganaron la Copa “Juan Braun” de la serie A del Alto Handicap en Chile, correspondiente a la temporada de Polo Primavera 2021 que se realizó en las canchas del Club de Polo y Equitación San Cristóbal de Santiago. Tras un disputado partido contra el equipo Casa Silva, los integrantes del equipo MOSSO HUBLOT, compuesto por Pablo Villela, José Martínez, Francisco Martínez y Ernesto Mosso, obtuvieron una merecida victoria. Felicitaciones al equipo por su compromiso y profesionalismo.

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POLO

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SIBARITAS

SABORES DE ESTRENO

en Europa

UN RESTAURANTE QUE UNE LA SOFISTICACIÓN DE LA CASA DE MODAS GUCCI CON EL TALENTO DEL PREMIADO CHEF MASSIMO BOTTURA. OTRO ESPECIALIZADO EN COCINA DE VANGUARDIA EMPLAZADO EN UNO DE LOS HOTELES MÁS LUJOSOS DE MADRID. Y UN COMEDOR PARISINO DE ESPÍRITU VERDE Y AIRES CASUALES QUE CUENTA CON EL SELLO DEL ICÓNICO COCINERO FRANCÉS ALAIN DUCASSE SON ALGUNAS DE LAS NOVEDADES GASTRONÓMICAS QUE VALE LA PENA CONOCER EN SU PRÓXIMO VIAJE A EUROPA. POR CONSUELO GOEPPINGER

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GUCCI OSTERIA Florencia, Italia El premiado chef italiano Massimo Bottura, cuyo restaurante Osteria Francescana fue elegido por dos años consecutivos como el mejor del mundo por la lista 50 Best, es quien está a cargo de los restaurantes de la firma Gucci alrededor del globo; un proyecto que busca transformar a esta reconocida casa de modas en un referente gastronómico a nivel mundial. Con sucursales en Beverly Hills y Tokio, la más concurrida es Gucci Osteria de Florencia, en Italia, ubicada frente a la icónica Piazza della Signoria, en el casco histórico de la ciudad. En un espacio de diseño elegante y colorido, la propuesta cuenta con platos refinados inspirados en los sabores de Italia y el mundo que, por cierto, cambian de acuerdo a la estación. También hay quesos y charcutería de lujo, baos y sándwiches gourmet y, por supuesto, dos opciones de menú de cinco tiempos que llevan el sello del mediático chef italiano. @gucciosteria 141

SIBARITAS

NORMAL Girona, España Comer de la mano de los hermanos Roca -los mismos detrás de El Celler de Can Roca, en España, elegido en 2013 y 2015 como el mejor restaurante del mundo por la lista 50 Best-, pero a precios más amables para el bolsillo. Eso es lo que podrá encontrar en Normal, en el casco antiguo de Girona, que ofrece una cocina casual, directa y sencilla que le rinde culto a la gastronomía catalana y a los productos locales. Lejos del minimalismo de la gastronomía de vanguardia, aquí encontrará tapas, guisos, arroces y otras preparaciones cocinadas a fuego lento y con el sello de los tres hermanos. A saber: Calamares a la romana, Croquetas de leche cruda de oveja con jamón ibérico, el clásico Solomillo Wellington y más. ¿Fanático de los vinos? No se preocupe, hay más de 400 etiquetas escogidas con pinzas por Josep Roca, considerado uno de los mejores sommeliers del mundo. @normalrestaurant

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DEESA Madrid, España Considerada una de las mejores aperturas del año por la prensa especializada, Deesa es el primer proyecto que el destacado chef Quique Dacosta abre en la capital española. Está ubicado al interior del renovado hotel Mandarin Oriental Ritz, en un elegante y luminoso espacio de tonos blancos y lámparas de lágrimas que ofrece inmejorables vistas a los jardines del hotel. Aquí la propuesta va por una cocina de lujo, que le rinde homenaje al producto y a su estacionalidad a través de dos delicados menús de degustación, que incluyen un recorrido por los platos más aplaudidos del destacado cocinero: la Bearnesa de huevas de trucha, el Saam de shiso, atún rojo y musgo estrellado e, incluso, el icónico Arroz de anguila ahumada y cerezas, entre otros. Un recorrido culinario delicado, vanguardista y creativo que, por supuesto, incluye montajes de gran belleza y mucho sabor. @mo_ritzmadrid 143

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ENEKO LISBOA Lisboa, Portugal Una antigua imprenta de más de 600 años, absolutamente remodelada, es el espacio que eligió el famoso chef de origen vasco Eneko Atxa para abrir su restaurante homónimo en el barrio de Alcântara, en Lisboa. Con una ambientación que entremezcla líneas clásicas e industriales -con vigas de hierro, cortinas de terciopelo y cocina a la vista-, la propuesta acaba de ganar una estrella Michelin y se centra en dos menús de 10 tiempos que ofrecen una mirada a la cocina vasca tradicional, pero desde un punto de vista vanguardista. Con platos como los Salmonetes asados y braseados con salsa de pimentones y el Cerdo ibérico con trufa laminada, emulsión de setas y esfera de queso vasco, entre otros, la gracia es que quienes quieran disfrutar una propuesta similar en un formato más distendido, pueden visitar Basque, ubicado en el mismo espacio: un restaurante a la carta que ofrece refinadas y deliciosas preparaciones. @enekolisboa

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SIBARITAS

AVE MARIO Londres, Inglaterra El destacado grupo gastronómico londinense Big Mamma, los mismos detrás de los concurridos comedores Gloria y Circolo Popolare, son los creadores de Ave Mario: un ondero y colorido restaurante de Covent Garden, que rápidamente se ha transformado en uno de los lugares de moda de la capital inglesa. Con más de 7.000 m² y capacidad para 295 personas, el enorme lugar está dividido en tres salones y dos grandes terrazas que destacan, sobre todo, por su ambientación: un diseño de aires kitsch y tonos rojizos que incluye un salón de cielos espejados, otro con paredes cubiertas con cientos de botellas y más. La comida no se queda atrás y la especialidad de la casa va por platos de inspiración italiana pensados para compartir, como pizzas, pastas, milanesas y más. No deje de probar el Ravioli de carbonara gigante -uno de los platos más famosos del local- y la torre de helado de 60 centímetros de alto. @bigmammagroup

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SIBARITAS

SAPID París, Francia Cocina natural, saludable y de la tierra. Así se puede definir en pocas palabras el nuevo restaurante del icónico chef francés Alain Ducasse, que a lo largo de sus 40 años de trayectoria ha cosechado decenas de premios; entre ellos, casi una veintena de estrellas Michelin. En formato casual y relajado, en Sapid, ubicado en el distrito 10 de París, el premiado cocinero pone en juego una cocina casi ciento por ciento “plant based”: todo, exceptuando un par de pescados de la carta, está elaborado en base a vegetales, granos y cereales. Y siguiendo principios sustentables, por cierto. Como la Burrata marinada con betarragas, hibiscos y hojas verdes, el Guiso de garbanzos con especias dulces o el Huevo pochado con tartar de verduras de temporada y salsa de apio, entre otras opciones. @sapid_fr

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LA PASIÓN DEL MAR

POR COCO PACHECO

el último

Cocinero Cada vez resulta más difícil encontrar en nuestro país un cocinero. Hoy, la mayoría de ellos se autodenominan chef y mientras más sofisticada es su comida, más cerca de la gloria se sienten. En mis 48 años en el mundo gastronómico he visto pasar muchas modas. En los años 70 y 80, por ejemplo, se hablaba de cocina internacional. En los 80 y 90 se acuñó el término francés nouvelle cuisine para referirse a un tipo de platos más ligeros, más delicados y con mayor énfasis en la presentación. En esta época, el atractivo visual de una preparación adquirió mucha relevancia, ya que la comida tenía que estimular los cinco sentidos, especialmente la vista. Entre los años 90 y 2000 nace la denominada cocina de autor. Ella reconocía al chef como autor de una obra. Un estilo donde la innovación e identidad de un plato fueron los protagonistas, así como la utilización de múltiples productos y técnicas culinarias. La llegada del nuevo milenio, es decir, entre el 2000 y 2010, nace la cocina molecular como resultado de la combinación entre la ciencia y el arte. Este tipo de gastronomía buscaba entender y analizar los mecanismos químicos de los alimentos al momento de cocinarlos, así como también los procesos a los que serían

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sometidos. Un verdadero laboratorio, donde cada proceso era bien calculado y medido. Desde el 2020 en adelante, la tendencia es hablar de la cocina fusión, la que finalmente se transforma en confusión, ya que se mezclan ingredientes, técnicas y culturas procedentes de distintos lugares y sabores del planeta. Algunos de ellos quedan para aplaudirlos y otros, simplemente, pasarán a la historia. En la actualidad, muchos restaurantes tienen una estrategia de producto orientada al marketing, llena de fotos de famosos degustando platos de fantasía con decoraciones fastuosas con nombres y frases hermosas. Esto vende, pero lo que finalmente se ofrece es un cuento, porque las personas van solo una vez y ahí termina el sueño y, lo más probable, es que la moda no dure más de tres a cuatro años. He vivido en un restaurante por 48 largos años, por lo que sugiero a mis colegas tres puntos importantes: buena atención, una comida honesta y no pretenciosa, y un precio razonable. Con estas tres recetas tendrán éxito asegurado en el tiempo. Buen apetito y sigan disfrutando de la cocina chilena.

LA PASIÓN DEL MAR

En La Fête Chocolat creemos que el chocolate puede hacer del mundo, un lugar mejor. Fotografía: Productora de cacao, Poblado de San Pedro, Costa de Marﬁl.

Es así como trabajamos para que cada uno de nuestros productos sea elaborado con cacao 100% trazable, y genere un impacto positivo en el medioambiente y las comunidades cacaoteras.

Conoce más de nuestro programa de sostenibilidad y trazabilidad del cacao en lafetedelaterre.com 149

RECOMENDADOS DEL CHEF

ViMOSSO vir

POR ISIDORA MARTÍNEZ CHEF MOSSO LOUNGE

SERVICIO PERSONALIZADO Y DE CALIDAD, ESO ES LO QUE DESDE HACE 15 AÑOS ENTREGA NUESTRO MOSSO LOUNGE. UN ESPACIO CREADO PARA COMPARTIR, DISFRUTAR Y VIVIR UNA EXPERIENCIA DE LUJO QUE SOLO MOSSO PUEDE OFRECER.

La vida citadina muchas veces merece una pausa, un descanso donde podamos relajarnos en un lugar cómodo y disfrutar de una experiencia de lujo y de creaciones culinarias únicas. Esto es precisamente lo que ofrece MOSSO Lounge. Ubicado en el segundo piso de nuestra Manufactura y Centro de Alta Relojería de Vitacura, este lugar único cuenta con la presencia permanente de una chef profesional encargada de recibir y atender a los clientes que visitan la tienda. El objetivo es crear una experiencia para cada uno de ellos, por lo que conocer sus gustos y anticiparse a sus necesidades es clave. Se trata de un espacio perfecto para la convivencia y la celebración entre amigos. Asimismo, MOSSO Lounge es un centro de eventos, donde se organizan almuerzos, comidas o cocktails de las principales marcas representadas por la compañía, como también se viven los lanzamientos de las nuevas colecciones de joyas y relojes. Los integrantes del grupo británico The Rolling Stones, el dj inglés más reconocido del mundo Paul Oakenfold, miembros internacionales de asociaciones de autos vintage y los protagonistas de las temporadas de polo han sido algunos de los personajes que han vivido esta experiencia.

Fotos: MOSSO

En este exclusivo y elegante ambiente se puede disfrutar de productos sofisticados acompañados con los mejores vinos producidos en Chile y el extranjero. Un delicioso equilibrio entre las marcas de lujo locales, como la chocolatería La Fête, los vinos de Viña Vik, las cervezas valdivianas Kunstmann y el espumante de ruibarbo de la Patagonia Rui, y las internacionales, como el café gourmet italiano Hausbrandt, las cervezas alemanas y Schofferhofer, los tés ingleses Twinings, y el gin The London Nº 1. Todo esto, además de las exquisitas preparaciones de su propia chef, como carpaccio de salmón, risotto de azafrán con atún sellado, entre muchas otras, las cuales realiza según la solicitud de cada cliente o marca. Sin lugar a dudas, este lounge es una de las maneras más seguras de vivir el lifestyle de lujo MOSSO. 150

RECOMENDADOS DEL CHEF

HATSU:

TÉ NATURAL CON SABORES EXÓTICOS Con un producto ecológico, elaborado con materias primas naturales, el té Hatsu está conquistando el paladar de los consumidores chilenos. Negro, blanco, rojo, lila y amarillo son los llamativos colores de los envases ergonómicos que la marca colombiana de té helado Hatsu trae a Chile. Cinco colores, cinco sabores de un producto ecológico, elaborado con materias primas naturales, para disfrutar como un refresco saludable o bien, para combinar y crear cócteles originales. En Hatsu, cada color representa un sabor. El envase de vidrio negro corresponde a té negro y limonada y cuenta con propiedades revitalizantes y refrescantes para disfrutar en estas tardes de verano. En coctelería, la recomendación es combinarlo con un buen whisky. El blanco corresponde a té blanco y mangostino, fruta exótica colombiana conocida por sus altos valores nutritivos y medicinales. Elaborado con las hojas más jóvenes de esta planta, esta variedad combina a la perfección con un delicado vodka. El rojo es té Pu-Erh, que ha sido elaborado con la exclusiva categoría de té cultivado en China y una atractiva mezcla de frutos rojos de la que resulta una bebida muy atractiva por su sabor y aroma. En coctelería, está pensado para ser mezclado con pisco. Por su parte, la botella lila se basa en la flor de cerezo lila, siendo una suave mezcla en base de té blanco y té rojo, que combinada con flor de cerezo,

reconocido por sus propiedades diuréticas, y flor de Jamaica, entrega un producto lleno de frescura. Esta variedad tiene 0% calorías y 0% carbohidratos, por lo que es ideal para aquellas personas que buscan un mayor cuidado en su dieta diaria. Las propiedades diuréticas y antioxidantes del té, sumadas a los beneficios de la flor de Jamaica y flor de cerezo ofrecen una bebida sumamente equilibrada. En coctelería, el secreto es disfrutarlo con espumante. Finalmente, el amarillo es té de carambolo amarillo -fruta colombiana que contiene altos niveles de vitamina C- y flor de loto que, si bien, es en base a té blanco, cuenta con frutos amarillos, mezclados con carambolo y extracto de flor de loto. Se trata también de una bebida baja en calorías y carbohidratos, endulzada con sucralosa y stevia. Hatsu nace en la ciudad de Medellín, Colombia, en 2010 por iniciativa de dos jóvenes emprendedores preocupados de elaborar productos para personas conscientes de los alimentos y bebidas que consumen. Desde entonces ha ido conquistando los exigentes paladares de los consumidores no solo en Colombia y Chile, sino también en Bolivia, El Salvador, Ecuador, Guatemala, Costa Rica, Panamá y Honduras. 151

ALIANZA PORSCHE

PORSCHE - MOSSO

EXPERIENCIAS DE LUJO Una alianza sin igual. Porsche y MOSSO, dos marcas líderes del mercado, se unen para ofrecer a sus clientes experiencias únicas donde el deporte, el automovilismo y la gastronomía son los protagonistas. Te invitamos a revivir algunos de los grandes momentos del Road Tour, MOSSO Lounge y MOSSO Polo Experience, a través de esta selección de imágenes que dan cuenta de estos tres grandes eventos.

MOSSO POLO EXPERIENCE Vivir el polo en todo su esplendor en Santa María Polo. Porsche se une a MOSSO para formar el nuevo equipo de polo: Porsche MOSSO.

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ALIANZA PORSCHE

ROAD TOUR EXPERIENCE Un apasionante recorrido automovilístico desde Santiago hasta el valle de Casablanca, para luego disfrutar de los paisajes y gastronomía que ofrece Viña Casas del Bosque.

MOSSO LOUNGE EXPERIENCE Un encuentro entre amigos en un espacio de lujo para disfrutar y compartir buenos momentos. 153

EDITORIAL

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EDITORIAL

Manufactura y Centro de Alta Relojería, Av. Luis Pasteur 5846, Vitacura . Alto Las Condes . Parque Arauco Santiago - Chile 155

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