MOSSO LIFE 46

DUSTIN JOHNSON

BIG BANG UNICO GOLF

Caja de fibra de carbono y capa superior de Texalium® azul. Movimiento manufactura UNICO, equipado con un mecanismo dedicado a la puntuación de golf.

Porsche Cayenne

Conoce el equilibrio perfecto entre deportividad y confort, con espacio para toda la familia.

Este 2023 es un año especial para MOSSO. ¡Cumplimos 35 años de trayectoria!

Recorrer nuestra historia, recordar lo que fuimos y ver en lo que nos hemos convertido nos llena de orgullo y satisfacción. Por esto, durante todo este año recordaremos, celebraremos y reconoceremos los grandes hitos que han marcado esta historia.

La primera de estas celebraciones viene de la mano de una tradición familiar de talento y buen gusto. Por primera vez en estas más de tres décadas, Claudia, mi mujer, y mis hijas, Marina y Giuliana, son las protagonistas de nuestras páginas de moda en un homenaje a las madres y ese vínculo de cariño y complicidad eterno. Junto a ellas presentamos nuestra nueva colección de anillos “Farfalla”. Una pieza única de MOSSO, símbolo de libertad y transformación. Mismo atributo que distingue a una de mis bandas de rock preferidas: Kiss.

En su reciente viaje a Chile, los acompañamos y conversamos con ellos en exclusiva, como un reconocimiento a su gran trayectoria y a la profunda amistad que nos une desde hace muchos años. Avanzamos en el recorrido de esta nueva edición destacando la obra de Oswaldo Guayasamín, pintor ecuatoriano cuya vida y trabajo representan su particular visión del mundo. Su obra “Manos de Mendigo” inunda de color nuestra sección MOSSO in art.

El arte y la cultura se manifiestan también en una entrevista exclusiva a Christopher Makos, fotógrafo estadounidense, quien nos presenta su libro “Andy Modeling Portfolio Makos”, en homenaje a su historia de amistad y complicidad con Andy Warhol. Imágenes inéditas, por primera vez presentadas en Chile.

En nuestro viaje gastronómico descubrimos a un grupo de tremendas cocineras latinoamericanas que están destacando con fuerza en la escena del sabor a nivel mundial.

Las nuevas tendencias en moda, arte, diseño, arquitectura y más, en una edición especial llena de color y contenido, junto a las novedades de nuestra joyería: nueva página web y la apertura de nuestro Centro de Alta Relojería, único en Latinoamérica. ¡Bienvenidos!

Editorial Edición 46 / Issue 46 Editorial

MOSSO LIFE: ES TIEMPO DE CELEBRAR

IT’S TIME TO CELEBRATE

This year 2023 is a special one for MOSSO. We are reaching 35 years!

By going through our history, remembering what we first were and seeing into what we have become, fills us with pride and satisfaction. This is why, during all this year we will commemorate, celebrate and acknowledge the greatest hits that have left a mark in this history. The first of these celebrations come together with a family tradition of talent and good taste. For the first time in these more-than-three decades, my wife Claudia and my daughters Marina and Giuliana are the main characters of our fashion pages, paying tribute to mothers and their bonds of eternal love and complicity. Along with them we present our new ring collection, “Farfalla”. A unique piece from MOSSO, a symbol of freedom and transformation. The same attributes that are proper to one of my favorite rock bands: Kiss. On their recent trip to Chile, we went along and chatted with them in exclusive, recognizing their great musical career and the deep friendship that has been cultivated since many years. Going forward in this new edition, we find the art of Oswaldo Guayasamín, Ecuadorian painter whose life and work represent his particular depiction of the world. His painting named “Manos de Mendigo” (“Hands of a beggar”) floods our MOSSO in art section with color. Art and culture are also manifested in an exclusive interview with Christopher Makos, American photographer, who presents us his new book “Andy Modeling Portfolio Makos, as a tribute to his personal history of friendship and complicity with Andy Warhol. Unreleased images presented for the first time in Chile.

In our journey of dining experiences we discovered a group of outstanding Latin American female chefs that are breaking through in the food scene worldwide.

The newest trends in fashion, art, design, architecture and more, in a special edition filled with color and content, next to new arrivals from our jewelry store: a new website and the opening of our Center of Luxury Watchmaking, the one and only in its kind in Latin America. Welcome!

Ernesto Mosso

SEAMASTER AQUA TERRA SHADES

Co-Axial Master Chronometer

CADA MATIZ DE TI

Con la nueva colección Aqua Terra Shades, Zoë Kravitz adopta el poder del color para expresar su estilo personal. Al igual que la polifacética estrella, estos relojes OMEGA irradian confianza y ofrecen diferentes tonalidades que se adaptan a su estado de ánimo. Descubra la gama de 34 mm en acero noble, que incluye cinco exclusivas opciones, respaldadas por la fiable precisión de un movimiento Co-Axial Master Chronometer. Sea cual sea el look deseado, siempre encontrará el tono adecuado.

OMEGA Boutique: Parque Arauco Distrito del Lujo

MOSSO: Av. Luis Pasteur 5846 • Vitacura

MOSSO: Alto Las Condes • Local 2185

Portada / Cover: Legends that rock

Cortesía / Courtesy: Eden Arbogast

STAFF

Directora General / Director

Carolina Vargas Editor

Cristián Pavez

Director de Arte / Art Director

Rodrigo González

Traducción / Translation

Cristián Pavez

Fotógrafos / Photographers

Moda / Fashion: Carlos Saavedra

Joyas / Jewelry: Susan Lasen

Realización de Moda

Fashion Realization

The Collective

Correctora de Estilo Style Corrector

Norinna Carapelle

Columnistas / Columnists

Cristian Benkö

Débora Calderón

Claudia Larraguibel

Coco Pacheco

Colaboradora / Collaborator

Raquel Telias

Área comercial / Commercial Area

Dariana Andrade

contacto@mossolife.cl

El futuro acaba d E at E rrizar

Conozca la flota más sólida y avanzada de la historia de Gulfstream. Con la incorporación de los nuevos Gulfstream G800™ y G400™, nuestra cartera ampliada ofrece una aeronave para cada misión.

Pedro F. Ruiz, vicepresidente regional de Ventas en América Latina, pedro.ruiz@gulfstream.com

CON TENIDOS CONTENTS

50 AÑOS DE ROCK & ROLL Y LEGADO / 50 YEARS OF ROCK & ROLL AND LEGACY

Gene Simmons y Paul Stanley nos cuentan sobre Kiss y su despedida de los escenarios / Gene Simmons and Paul Stanley tell us about Kiss and their farewell tour. 32

Vida y obra de Oswaldo Guayasamín / Life and work of Oswaldo Guayasamin. 42

“MANTENGAN ENCENDIDA UNA LUZ, QUE SIEMPRE VOY A VOLVER” / “KEEP A LIGHT ON, BECAUSE I`LL BE ALWAYS COMING BACK”.

56

LA VANGUARDIA DE LO SENSIBLE / SENSITIVITY AT THE FOREFRONT.

Entrevista exclusiva al fotógrafo Christopher Makos / Exclusive interview to photographer Christopher Makos.

¡TREMENDAS! / TERRIFIC!

Cocineras latinas que marcan pauta / Latin female chefs that set the tone. 66

84

EL PRIMER DEPORTIVO CONCEPT CAR VIRTUAL DE FERRARI. FERRARI`S FIRST SPORTIVE CONCEPT CAR.

Ferrari Vision Gran Turismo es un monoplaza diseñado específicamente para la saga de videojuegos Gran Turismo. Ferrari Vision Gran Turismo is a single-seating car specifically designed for the Gran Turismo videogame saga.

92

LA MODA ES ANTE TODO UN ARTE DE CAMBIO / FASHION IS ABOVE ALL AN ART OF CHANGE.

Imágenes del nuevo libro DIOR, John Galliano 1997-2011 / Images from the new book “DIOR, John Galliano 1997-2011”.

NOSOTRAS / US

Celebramos a todas las madres en su día con la inspiración y el sello familiar de MOSSO. We celebrate all mothers on their day with the inspiration and family seal from MOSSO. 100

EXPERIMENTAR LO ROMÁNTICO / EXPERIMENTING ROMANCE.

Tomo Koizumi, diseñador de moda japonés / Tomo Koizumi, Japanese fashion designer. 132

DEL AGOBIO A LA FELICIDAD FROM BURDEN TO HAPPINESS

Esa sensación de que la felicidad se nos escapa entre los dedos es un síntoma de una sociedad pospandémica en la cual las guerras, la crisis económica y medioambiental se han tomado la agenda mundial. Es difícil enfocarse en las vías de escape cuando, además, las experiencias personales también tiñen nuestra cotidianeidad con claroscuros que la definen.

Y si bien podríamos decir que la felicidad es una percepción casi intuitiva y, que el ser humano vive en busca de esta quimera durante su paso por la tierra, los estudios y las cifras que manejan hoy las organizaciones internacionales le han puesto indicadores a esta necesidad intrínseca de ser feliz. Hoy se pueden contabilizar listados de países que lideran los rankings de felicidad, muy relacionados a su calidad de vida, condiciones económicas y oportunidades.

En los primeros puestos: varias naciones nórdicas y una abismante preponderancia del hemisferio norte en general. Y en los peores puestos, varios países latinos, africanos y asiáticos, donde actualmente las situaciones sociopolíticas, las guerrillas, hambrunas y el subdesarrollo son, sin duda, factores de estancamiento para esas sociedades. Hace algunos días, Finlandia se coronó nuevamente como el país más feliz. ¿Qué factores inclinan la balanza? Pues bien, los gatilladores son el apoyo social, ingresos, salud, libertad, generosidad y ausencia de corrupción en los distintos países.

La ONU ha decretado que la felicidad es una meta humana fundamental y desde el 2013 reconoce el importante papel que desempeña la misma en la vida de las personas. Sin embargo, la felicidad está seria y constantemente amenazada. El camino para llegar a ella requiere de valores fundamentales, como la amabilidad y la compasión, especialmente en tiempos de crisis causados por conflictos bélicos, enfermedades, pobreza y desigualdad.

Hemos pasado por años de agobio. La muerte estuvo instalada en nuestros hogares como una visita no esperada, y hoy, que comenzamos a abrirnos nuevamente al futuro, es importante que podamos pensar, tanto desde lo personal como a lo organizacional, en las maneras que tenemos de proyectar la calidad de vida y el bienestar como un básico en el listado de tareas.

Una investigación de 2018 trató de descubrir cuál es la mejor cantidad de tiempo libre. Los resultados revelaron que la cantidad óptima de ocio diario de una persona para ser feliz se coloca entre las dos y las cinco horas. Tener menos de dos horas de tiempo libre al día provoca demasiado estrés para ser feliz.

La felicidad no puede ser una utopía tras la cual corremos toda la vida generándonos, al final, una sensación de permanente frustración. El psicólogo israelí Tal Ben-Shahar, 25 años profesor en Harvard, cree que el gran mal del siglo XX, es que no se busca tiempo para el descanso y que esta falta de “no hacer nada” también impacta en nuestras posibilidades de sentirnos plenos.

Como el agua, la felicidad es un bien escaso, que se debe cuidar, cultivar y renovar. Tiene que estar al centro de nuestro discurso y ser el promotor de acciones pensadas para la humanidad en su conjunto.

The feeling of happiness getting fizzled from our hands, is a symptom of a post-pandemic society in which warfare, the economic and environmental crisis have taken over the world agenda. It is hard to focus on possible escape ways when, in addition, personal experiences are also tainting our daily basis with extreme nuances that define it. Even though we could argue that happiness is an almost intuitive perception and that the human being itself lives constantly in search of this fantasy during their life on earth, studies and numbers that are being handled today by international organizations have put indicators to this inner necessity of being happy. Nowadays, you count lists of countries that lead the happiness rankings, which are very related to their quality of life, economic conditions and opportunities.

In the first spots: various nordic nations and an astonishing preponderance of the northern hemisphere in general. And in the lower part, lots of latin, african and asian countries, where currently the sociopolitical situations, guerrillas, famine and underdevelopment are, undoubtedly, stalemate factors for those societies.

A few days ago, Finland was again crowned as the happiest country. What factors tip the scale? Well, the triggers are social support, income, health, freedom, generosity and the absence of corruption in the different countries.

The UN has stated that happiness is a fundamental human goal and, since 2013 has recognized the important role that it plays in people’s lives. However, happiness is being seriously and constantly under threat. The road to get to it requires fundamental values like kindness and compassion, especially in times of crisis caused by warfare, illness, poverty and inequality.

We’ve been through years of overwhelmness. Death itself was installed in our homes like a non-desired visitor and today, as we open again to the future, it’s important to stop and think from a personal to an organizational perspective, in the ways we have to project quality of life and welfare as a basic aspect of our to-do list.

A 2018 investigation tried to figure out how much free time is right for people. Results revealed that the optimum quantity of daily leisure time of a person, in order to be happy, should be something between two and five hours long. To have less than two hours of free time a day causes too much stress for achieving happiness.

Happiness cannot be a utopia behind which we race all our lives generating, in the end, a feeling of ongoing frustration. Israeli psychologist Tal Ben-Shahar -25 years old, professor at Harvard-, thinks that 21st century’s greatest evil is not having time to rest and this lack of “doing nothing time”, also makes a big impact in our possibilities of feeling whole human beings.

Just like water, happiness is a scarce asset that must be taken care of, cultivated and renovated. It has to be at the center of our personal speech and being the developer of thought-out actions for humanity in its whole.

POR DÉBORA CALDERÓN BY DÉBORA CALDERÓN

ARMONÍA OTOÑAL

FALL TIME HARMONY

LAS PIEDRAS SEMIPRECIOSAS NOS INSPIRAN ESTA TEMPORADA PARA PONER LOS ACENTOS PRECISOS DE COLOR A UN OTOÑO QUE NOS RECIBE CON TONOS TENUES Y ETÉREOS.

SEMI-PRECIOUS STONES INSPIRE US THIS SEASON FOR PUTTING THE RIGHT AMOUNT OF COLOR ACCENTS TO A FALL SEASON THAT BRINGS US PALE AND ETHEREAL TONES.

COLGANTE ACQUAMARINA ACQUAMARINA PENDANT

El poder tranquilizante, purificante y espiritual de la aguamarina está presente en este exclusivo colgante de MOSSO. Se trata de una pieza hecha de oro blanco de 18 kilates, con una piedra aguamarina de corte oval y diamantes corte brillante de 1,25 ct. Sin duda, un ejemplar que pone en alto el valor holístico de la aguamarina como piedra poderosa, otorgándole una elegancia que combina perfectamente con looks tanto casuales como formales.

The tranquilizing, purifying and spiritual power of aquamarina is present in this exclusive pendant from MOSSO. It is a piece madre of 18-carat white gold, with an oval-cut aquamarina stone and 1,25 ct. brilliant cut diamonds. Without question, a model that highlights the holistic value of the aquamarina as a powerful stone, by giving it an elegance that matches perfectly with casual or formal outfits.

AROS CHIESA COLORATA

CHIESA COLORATA EARRINGS

Turmalina rosada, topacio azul y topacio limón son los toques de color que hacen de estos aros un complemento ideal para cualquier circunstancia en la que el estilo se hace presente. Con una estructura alargada de oro blanco de 18 kilates y diamantes corte brillante de 2,20 ct., estos aros son piezas inspiradoras y contemporáneas, que no deben faltar en ningún joyero que pretenda hacer del color un protagonista majestuoso.

Pink tourmaline, blue topaz and lemon topaz are the color touches that make these earrings a perfect complement for every circumstance in which style is the main character. With an extended structure made of 18-carat white gold and 2,20 ct. brilliant cut diamonds, these earrings are must-have inspiring and contemporary, pieces that should be an essential item in every jewelry box that intends to make color the regal star of the evening.

PUREZA NEGRA BLACK PURITY

NOS INSPIRAMOS EN EL COLOR NEGRO PARA VOLVER A LLENARNOS DE ELEGANCIA, ESTILO Y PULCRITUD. MATERIALES NOBLES Y DETALLES INOLVIDABLES ACOMPAÑAN NUESTRO ESTILO MASCULINO.

WE ARE INSPIRED BY BLACK TONES TO BRING US BACK TO ELEGANCE, STYLE AND PULCHRITUDE. NOBLE MATERIALS AND UNFORGETTABLE DETAILS WALK ALONG WITH OUR MEN’S STYLE.

RELOJ MOSSO SPORT MOSSO SPORT WATCH

El deporte y la elegancia del negro se reúnen en una pieza exclusiva para hombres con pasión por la alta relojería. Se trata de MOSSO Sport, un reloj que destaca por su esfera negra, así como por su brazalete y caja de acero. Su resistencia al agua de hasta 10 atmósferas y su movimiento QTZ Ronda lo convierten en un ejemplar único de relojería Swiss Made para toda ocasión, con el sello único que ha hecho de MOSSO una nueva tradición.

Sports and the elegance of black gather in one exclusive piece for those men with passion for high-end watchmaking. We are talking about MOSSO Sport, a watch that stands out for its black dial, as well for its steel-made bracelet and case. With water resistance up to 10 atmospheres and a QTZ Ronda movement, this watch is a unique Swiss Made watch model suitable for every occasion, with MOSSO’s unique seal that has become a new tradition.

LAPICERA IMPERIO IMPERIO FOUNTAIN PEN

Las lapiceras estilográficas son por excelencia un objeto de diseño infaltable en cada gabinete de escritura. Es así como MOSSO se destaca por su modelo Imperio, lapicera hecha con resina noble, detalles de metal bañado en rhodium y plumín hecho de iridium, disponible en una edición limitada de 25 unidades. Sin duda, una pieza ideal para estampar la rúbrica en ocasiones de absoluta solemnidad que elevan el espíritu.

Fountain pens are par excellence an indispensable design object in every writing cabinet. This is how MOSSO stands out for its Imperio model, a fountain pen made with noble resin, rhodium-coated metal details and a nib made of iridium, which is available in a limited 25-unit edition. Undoubtedly, an ideal piece for appending the signature in elevating occasions of absolute solemnity.

AGENDA CULTURAL CULTURAL EVENTS

ZEFFIRELLI, LOS AÑOS EN LA SCALA ZEFFIRELLI: THE LA SCALA YEARS

Hasta el 31 de agosto de este año el Teatro alla Scala de Milán se vestirá de fiesta para celebrar los 100 años de nacimiento del famoso director de cine, diseñador y productor de óperas, teatro, cine y televisión italiano, Franco Zeffirelli. La inédita muestra, que incluye bocetos, figurines, fotografías y trajes de algunas de sus películas, busca sacar al artista de la dimensión de la noticia de la que fue un protagonista apasionado, combativo y criticado, para destacar su figura y su obra a través de la época en las que se expresó su talento. Zeffirelli colaboró con La Scala en más de 21 títulos, desde el vestuario para L’italiana in Algeri en 1953 hasta la Aida dirigida por Riccardo Chailly en 2006, pasando por representaciones legendarias como Il turco in Italia, con Callas; La bohème, con Karajan; Otello, bajo la batuta de Carlos Kleiber; Turandot, con Maazel, o el monumental Don Carlos, con Muti.

Until this August 31st, Milan’s Teatro alla Scala will dress up to celebrate the 100th birthday of famous film director, designer and opera, theater, cinema and television italian producer, Franco Zeffirelli. The unprecedented exhibition, which includes sketches, models, photographs and costumes of some of his movies, looks to bring the artist out the novelty from which he became a passionate, combative and criticized protagonist, in order to pay tribute to his figure

and work throughout the times in which he got to express his talent. Zeffirelli collaborated with La Scala in over 21 titles, from costume design for 1953’s L’italiana in Algeri till Riccardo Chailly’s directed version of Aida in 2006, going through legendary representations like Il turco in Italia, alongside Maria Callas; La bohème, with Karajan; Otello, under Carlos Kleiber’s conduction; Turandot, with Maazel, or the monumental Don Carlos, with Muti.

Para esta ocasión, se han organizado grandes sorpresas aptas para todo tipo de público. Una de ellas es Disney 100: The Exhibition, una muestra inaugurada en Filadelfia y que recorrerá también las ciudades de Londres y Munich. A través de 10 galerías, la exposición invita a los visitantes a recorrer sus historias favoritas utilizando innovación y tecnología inmersiva. Los Archivos de Walt Disney abren su bóveda de tesoros para mostrar cientos de objetos extraordinarios, incluidas las denominadas "Joyas de la Corona" de Disney: más de 250 obras de arte y artefactos originales rara vez vistos, además de disfraces, accesorios y otros recuerdos. En Filadelfia, la muestra estará abierta hasta agosto de este año.

DISNEY CELEBRA SUS 100 AÑOS DISNEY CELEBRATES 100 YEARS

The Walt Disney Company celebra su primer centenario y lo hará en grande. En octubre próximo se cumplirán 100 años de la fundación de la compañía creada por Walt Disney y Roy O. Disney un pequeño estudio que cambió la historia de la industria de la entretención.

The Walt Disney Company celebrates its first centenary, and they will make it big. Next october the company created by Walt Disney and Roy O. Disney will turn 100 since its foundation, starting out as a small studio that changed history within the entertainment industry. For this occasion, big surprises have been prepared for all audiences. One of them is Disney 100: The Exhibition, an exhibit inaugurated in Philadelphia that will also tour cities like London and Munich. Through 10 galleries, the exhibition invites its visitors to explore their favorite stories using innovative and immersive technology. The Walt Disney Archives open their treasure vault to display hundreds of extraordinary objects, which include the so-called “crown jewels” from the studio: over 250 works of art and original artifacts rarely seen in public, besides costumes, accessories and other memories. Set in Philadelphia, the exhibition will stay open until August.

NACIDO PARA LA COMPETICIÓN

Por su nombre y sus funciones, el Cosmograph Daytona está vinculado para siempre al mundo del automovilismo. Más de medio siglo después de su nacimiento, mantiene su estatus incomparable entre los cronógrafos deportivos.

UN RELOJ PARA CARRERAS CON ALTO OCTANAJE

El Cosmograph Daytona refleja los vínculos privilegiados entre Rolex y el automovilismo, que se desarrollaron mediante la asociación de la marca con récords de velocidad establecidos en las duras arenas de Daytona Beach, Florida. El Daytona International Speedway® se inauguró en 1959 y Rolex es Reloj Oficial desde entonces.

Oyster Perpetual Cosmograph Daytona

Modelo emblemático presentado en 1963, el Cosmograph Daytona se diseñó para responder a las necesidades de los profesionales de la competición automovilística. Dotado de un bisel con escala taquimétrica y equipado con un movimiento mecánico de alto rendimiento, este cronógrafo que se ha convertido en legendario es el instrumento ideal para medir un intervalo de tiempo o determinar la velocidad media.

Sinónimo de velocidad

En el Cosmograph Daytona, las horas y los minutos transcurridos se leen en los contadores, ubicados en la posición de las 9 h y las 3 h y los segundos transcurridos se muestran en una escala de 60 segundos en el contorno de la esfera, indicados mediante una aguja central con forma de flecha.

El bisel del Cosmograph Daytona, en metal o en cerámica de alta tecnología, funciona como un taquímetro. Su escala puede utilizarse para leer la velocidad media en una distancia determinada basada en el tiempo transcurrido. Esto lo convierte en el instrumento perfecto para determinar una velocidad hasta las 400 unidades por hora, ya se trate de kilómetros, de millas o de cualquier otra unidad de medida.

Un cronógrafo creado para el circuito de carreras

El Cosmograph Daytona está equipado con el calibre 4130, un movimiento cronógrafo mecánico de cuerda automática completamente desarrollado y manufacturado por Rolex, con una reserva de marcha de aproximadamente 72 horas. La función cronógrafo se basa en un número reducido de componentes, lo que mejora la fiabilidad del movimiento. El cronógrafo va acoplado mediante un mecanismo con rueda de pilares y embrague vertical. Permite un arranque instantáneo y enormemente preciso.

Certificación de Cronómetro Superlativo

Como todos los relojes Rolex, el Cosmograph Daytona cuenta con la certificación de Cronómetro Superlativo. Esta denominación atestigua que cada reloj que sale de los talleres de la marca ha superado con éxito una serie de pruebas llevadas a cabo por Rolex en sus laboratorios internos y con arreglo a sus propios criterios. El estatus de Cronómetro Superlativo se simboliza mediante el sello verde que incluyen todos los relojes Rolex y que va acompañado de una garantía internacional de cinco años.

El lugar, la leyenda

El Cosmograph Daytona es indisociable del mundo del automovilismo. El reloj rinde homenaje a un lugar —Daytona Beach, Florida— en el que la pasión por la velocidad y las carreras floreció a principios del siglo XX. Desde 1903 hasta 1935, la playa de arena firme de Daytona

se hizo famosa por ser el lugar perfecto para batir récords de velocidad. Allí se lograron al menos 80 récords oficiales, 14 de los cuales fueron los de máxima velocidad del mundo.

El Daytona International Speedway® se inauguró en 1959 y Rolex es Reloj Oficial del circuito desde entonces. Años más tarde, para destacar la conexión de la marca con la pista de carreras estadounidense, Rolex bautizó a su nuevo modelo como Cosmograph Daytona.

Durante décadas, la presencia de la marca en carreras de alto octanaje ha crecido incesantemente, y la relojera ha ampliado su apoyo a los mejores pilotos y eventos por todo el mundo. Durante gran parte de su histórica trayectoria, el Cosmograph Daytona ha reflejado los vínculos privilegiados entre Rolex y el automovilismo.

El Cosmograph Daytona rinde homenaje a Daytona Beach (Florida), donde la pasión por la velocidad y las carreras floreció a principios del siglo XX.

OYSTER PERPETUAL COSMOGRAPH DAYTONA

40 mm, oro Everose de 18 quilates, esfera chocolate con contadores negros, bisel Cerachrom negro de cerámica con escala taquimétrica moldeada, brazalete Oysterflex, calibre 4130.

BORN TO RACE

The Oyster Perpetual Cosmograph Daytona is an icon forever joined in name and function to the world of motor sport. Six decades after its creation it remains in a class of its own among sport chronographs.

A WATCH FOR HIGH-OCTANE RACING

The Cosmograph Daytona embodies the privileged bonds between Rolex and motor sport, which developed through the brand’s association with speed records that were set on the hard sands of Daytona Beach, Florida. The Daytona International Speedway® opened in 1959, and Rolex has been the Official Timepiece ever since.

Oyster Perpetual Cosmograph Daytona

An iconic model introduced in 1963, the Cosmograph Daytona was designed to meet the needs of motor racing professionals. Fitted with a tachymetric bezel and a high-performance mechanical move- ment, this now legendary chronograph is the instrument of choice for meas- uring time intervals or determining average speeds.

Synonymous with speed

On the Cosmograph Daytona, the elapsed hours and minutes are shown on the counters at 9 and 3 o’clock respectively, and the elapsed seconds are read using the arrow-tipped centre hand and the 60-second scale around the dial.

The Cosmograph Daytona’s bezel, in metal or high-tech ceramic, functions as a tachymeter. Its scale can be used to read an average speed over a given distance, based on elapsed time. This makes it the ideal instrument for measuring speeds up to 400 units per hour, expressed in kilometres, miles, or any other unit of measure.

A chronograph made for the race circuit

The Cosmograph Daytona is equipped with calibre 4130, a self-winding mechanical chronograph movement entirely developed and manufactured by Rolex, offering a power reserve of approximately 72 hours. This movement incorporates a chronograph function with a reduced number of components, thereby further enhancing its reliabil- ity. The chronograph is engaged by a mechanism with a column wheel and vertical clutch. This enables an instant- aneous and extremely precise start to the timing.

Superlative chronometer certification

Like all Rolex watches, the Cosmograph Daytona is covered by the Superlative Chronometer certification. This designation testifies that every watch leaving the brand’s workshops has successfully undergone a series of tests conducted by Rolex in its own laboratories, according to its own criteria. The Superlative Chronometer status is symbolized by the green seal that comes with every Rolex watch and is coupled with an international five-year guarantee.

The place, the legend

The Cosmograph Daytona is inextricably linked to the world of motor racing. The watch pays tribute to a place –Daytona Beach, Florida – where passion for speed and racing flourished in the early 20th century. From 1903 to 1935, the hard-packed sand beach in Daytona became famous as the perfect place

to beat speed records. No fewer than 80 official records were set there, 14 of which were for the fastest speed in the world.

The Daytona International Speedway® opened in 1959, and Rolex has been the Official Timepiece of the circuit ever since. A few years later, to emphasize the brand’s connection to the American racetrack, Rolex gave its new model the name Cosmograph Daytona.

Over the decades, the brand’s presence in high-octane racing has grown steadily, its support extending to the leading drivers and events worldwide. For much of this historic journey, the Cosmograph Daytona has embodied the privileged bonds between Rolex and motor sport.

The Cosmograph Daytona pays tribute to Daytona Beach, Florida, where passion for speed and racing flourished in the early 20th century.

OYSTER PERPETUAL COSMOGRAPH DAYTONA

40 mm, 18 ct Everose gold, chocolate dial with black counters, Cerachrom bezel in black ceramic with moulded tachymetric scale, Oysterflex bracelet, calibre 4130.

MOSSO CELEBRANDO 35 AÑOS

MOSSO CELEBRATING 35 YEARS

Una historia que comienza en 1988, cuando el amor por el diseño y la estética, traen a el argentino -licenciado en derecho y experto en arquitectura- Ernesto Mosso a Chile desde su natal Mendoza para instalar su primera tienda: “Antique & Geneve por Ernesto Mosso”, en el Paseo La Villa ubicado en el corazón del barrio de General Holley de la comuna de Providencia. Su pasión por las antigüedades, lo llevaron a recorrer el mundo buscando joyas, relojes de época para ofrecer al público chileno un espacio donde la exclusividad, la atención y el servicio de excelencia, fueran los protagonistas. Mismos atributos que se mantienen vigentes 35 años después. En “Antique & Geneve por Ernesto Mosso”, nace Victoria, su primera pieza de joyería confeccionada a pedido. Ésta no sólo confirma la profunda satisfacción que Ernesto siente al diseñar, sino también, su talento. Victoria se convierte entonces, el inicio de una prolífica carrera dedicada a la creación de piezas vanguardistas y con identidad propia, cualidades que en 1997 lo reconocieron como uno de los 8 mejores diseñadores de joyas de latinoamérica por Couture Fair en Estados Unidos.

A history that begins in 1988, when love for design and beauty brings the Argentine -with a major in law and an expert in architecture- Ernesto Mosso to Chile from his native Mendoza to establish his first shop: “Antique & Geneve por Ernesto Mosso”, located in the Paseo La Villa, at the heart of Providencia’s General Holley district. His passion for antiques made him travel the world looking for jewelry and vintage timepieces to offer the Chilean public a space where exclusivity and excellent service were the main focus, attributes that remain valid 35 years later.

“Antique & Geneve por Ernesto Mosso” gives birth to Victoria, their first custom-made jewelry piece. This not only confirms the profound satisfaction that Ernesto experiences when designing, but also, his talent. Victoria then becomes into the beginning of a prolific career dedicated to the creation of avant-garde pieces with a strong identity, qualities that in 1997 made him one of the best 8 Latin American jewelry designers by Couture Fair in the United States.

A Victoria, le siguió New Secolo, una pieza emblemática con la que en 1998, pide matrimonio a su esposa, Claudia Larraguibel. Un anillo con historia, la misma que empezó a escribirse con la creación de una línea de relojes propios. A Maxi y Mini Watch, le siguieron los modelos Mosso Marino Diver, Mosso Sport, Mosso Overdrive Racing y Mosso Dakar, por mencionar algunos. Con el paso del tiempo, se consolida como una empresa destacada internacionalmente por las más importantes manufacturas de alta relojería del mundo, que lo reconocen como su representante y distribuidor oficial en Chile. Hublot, Rolex, Omega, Audemars Piguet, Breguet, Jaeger LeCoultre, Ulysse Nardin, Tudor, Piaget, Zenith y Mont Blanc, Longines, Cartier y Blancpain, avalan la excelencia del trabajo realizado en el mercado Chileno. La preocupación por ofrecer a sus clientes experiencias únicas y de lujo, es otra de las características que han marcado a Mosso en

estas más de 3 décadas. Asociándose con el deporte, la gastronomía, el arte y la cultura nacen MOSSO Lounge, MOSSO Life y Santa María Polo, además de la creación del primer Taller a la vista, instalado en su Casa Matriz, donde los clientes pueden ser testigos del fascinante arte de creación de una joya. A este taller, se suma este año, la creación y puesta en marcha del primer servicio posventa de alta relojería certificado por las más importantes marcas relojeras, único en Latinoamérica.

Este año festejamos 35 años de trayectoria con hitos e historias que han convertido a MOSSO en un referente indiscutido de la joyería a nivel regional.

To Victoria, New Secolo followed, an emblematic piece with which in 1998 he proposed to his wife, Claudia Larraguibel. A ring that carries a history, the same one that started its writing with the creation of a self-designed watch collection. To Maxi and Mini Watch, models like Mosso Marino Diver, Mosso Sport, Mosso Overdrive Racing and Mosso Dakar followed, just to mention a few.

With the passing of time, MOSSO gets international recognition as a solid company from one of the most important high watchmaking manufacturers of the world, crediting it as the official representative and distributor in Chile. Hublot, Rolex, Omega, Audemars Piguet, Breguet, Jaeger LeCoultre, Ulysse Nardin, Tudor, Piaget, Zenith y Mont Blanc, Longines, Cartier and Blancpain endorse the excellence of the work accomplished in the Chilean market.

The concern for offering their clients unique luxury experiences is another of the features that have branded MOSSO for over three decades. By associating with sports, gastronomy, arts and culture, initiatives such as MOSSO Lounge, MOSSO Life and Santa María Polo come to life, beside the creation of the first full-view workshop established at their headquarters, where clients can witness the fascinating craft in the creation of a jewelry piece. To this workshop, in addition this year, you can find the creation and setting up of the first high watchmaking customer service, one-of-a-kind in Latin America, and certified by the most important brands.

This year we celebrate a 35-year path with milestones and stories that have turned MOSSO into an out-of-the-question regional referent of jewelry.

KISS Y SU DESPEDIDA DE LOS ESCENARIOS / KISS AND THEIR STAGE FAREWELL

50 AÑOS DE ROCK & ROLL Y LEGADO

50 YEARS OF ROCK & ROLL AND LEGACY

ESTE HA SIDO EL AÑO EN QUE KISS HA DECIDIDO DEJAR LOS ESCENARIOS LUEGO DE MEDIO SIGLO DE UNA TRAYECTORIA SÓLIDA E ININTERRUMPIDA. CONVERSAMOS EN EXCLUSIVA CON GENE SIMMONS Y PAUL STANLEY SOBRE SU RECIENTE PASO POR CHILE, LA EVOLUCIÓN DE LA INDUSTRIA DE LA MÚSICA Y SUS PRÓXIMAS AVENTURAS CREATIVAS.

THIS HAS BEEN THE YEAR IN WHICH KISS HAS TAKEN THE DECISION TO RETIRE FROM TOUR STAGES AFTER 50 YEARS OF A SOLID AND CONTINUOUS TRAJECTORY. WE CHATTED IN EXCLUSIVE WITH GENE SIMMONS AND PAUL STANLEY ABOUT THEIR RECENT SHOW IN CHILE, THE EVOLUTION OF THE MUSIC INDUSTRY AND THEIR NEXT CREATIVE ADVENTURES.

POR CRISTIÁN PAVEZ / FOTOS: CORTESÍA DE GENE SIMMONS Y PAUL STANLEY. BY CRISTIÁN PAVEZ / IMAGES: COURTESY OF GENE SIMMONS AND PAUL STANLEY.

El pasado 30 de abril, Kiss se presentó en Chile en lo que fue su último concierto en nuestro país. Recapitulando no sólo este verdadero acontecimiento para los fans locales, Gene Simmons y Paul Stanley repasaron parte de lo que ha sido su historia como integrantes de Kiss, quizás una de las bandas más longevas que existen hoy en la escena del rock. Sus testimonios e impresiones, a continuación.

Last April 30th, Kiss went on stage in Chile in what was known as their very last concert in our country. Making a recap not only of this actual milestone for their fans, Gene Simmons and Paul Stanley went through part of what has been their history as band members of Kiss, maybe one of the most long-lived bands that exist nowadays in the rock scene. Next, you can find their testimonies and impressions.

Estuvieron recientemente presentándose en Chile, ¿qué visión tienen sobre los fans chilenos y cómo conectan ustedes con nuestro país?

GS: Para mí, lo mejor de Chile es su gente. Ustedes tienen un país con una cultura e historia impresionantes. Disfrutamos muchísimo también su gastronomía. La verdad es que cada vez que hemos estado en Chile nos llama la atención la efervescencia de los fans y su entusiasmo por seguir apoyándonos. Es un país al que, sin duda, le tenemos mucho cariño.

PS: Personalmente, me siento muy honrado de tener ese tipo de conexión con los fans de Chile y Latinoamérica luego de tantos años de carrera. No hay una manera concreta de describir ese nivel de pasión y apreciación. No puedo hablar por otras bandas, pero tengo la impresión de que el público latino tiene una tendencia a vivir los momentos de manera intensa, y eso lo he percibido como algo muy especial en esa parte del mundo. Siempre que estoy en Chile tengo la oportunidad de compartir con Ernesto Mosso. Para mí es inolvidable su generosidad y amistad.

You were recently having a concert in Chile, what is your vision of the Chilean fans and how do you make a connection with our country?

GS: For me, the best of Chile is the people. You have a country with an impressive culture and history. We really enjoyed your food. Actually, every time we’ve been in Chile we’ve been drawn by the loudness of the fans and their enthusiasm and support. It is a country we are very fond of.

PS: I feel personally very honored to have that kind of connection with fans from Chile and Latin America after all these years. There’s not a way to describe that level of passion and appreciation. I can’t talk for other bands, but I have the impression that latin audiences are prone to living those moments in a very intense way. I have sensed it as something very special in that part of the world. Every time I get the chance to be in Chile I share some of my time with Ernesto Mosso. I will never forget how friendly and generous he always is.

Podemos decir abiertamente y sin ningún reparo que ustedes son parte de una banda que ha traspasado generaciones y que es considerada legendaria. En este sentido, ¿qué consideran que es legendario por estos días?

GS: Creo que en el futuro dejaremos de hablar de leyendas porque todo está ocurriendo a una velocidad avasalladora. De vez en cuando aparecen personajes que se vuelven famosos, pero por alguna razón no volvemos a verlos nunca más. Hay muy pocas bandas de hoy que tendrán el tipo de oportunidades que tuvimos nosotros cuando comenzamos. Antes existían las compañías discográficas y el público estaba dispuesto a pagar por tu música. Hoy, si estás formando parte de una banda es muy difícil que puedas vivir de tu arte. Siempre ha surgido la duda sobre quiénes son o serán los nuevos Beatles, y la verdad es que nunca volveremos a tener un fenómeno de ese tipo. Algunos dicen que lo son bandas como Foo Fighters o Guns ‘n Roses, pero no llevan tanto tiempo sonando como para asegurarlo.

PS: Creo que son las nuevas generaciones las que realmente han logrado hacerse una idea sobre qué simbolizamos como banda. Han logrado entender que nuestra filosofía rockera tiene que ver con la sensación de liberación y el autoempoderamiento. La gente ni siquiera puede decir con palabras qué es legendario hoy, simplemente lo vive cuando se enfrenta a ello. Por eso nuestra audiencia, por lo general, ha sido muy demostrativa y alegre cuando nos han visto sobre el escenario. En cierta medida, sí siento que lideramos algo, pero no dictamos sobre un estilo o actitud frente a la vida. En cambio, me interesa liderar como ejemplo el creer en uno mismo y superarse. Eso es lo que verdaderamente se vuelve atemporal.

We can openly say without any hesitation that you have been part of a band that has went through generations and widely considered as legendary. In this sense, what do you think that is being labeled as legendary these days?

GS: I think in the future there will be no legends because everything is happening overwhelmingly fast. Once in a while we see people that become famous, but for some reason we don’t see them anymore. Today, there are very few bands that will have the kind of opportunities that we had when we first started. Record companies still existed and the audiences were used to paying for your music. Nowadays, if you are being part of a band, it is very hard to make a living out of your art. There has always been a question about who will become the next Beatles, but the truth is that we will never have a phenomenon of that sort. Some say that bands like Foo Fighters and Guns ‘n Roses are somehow similar, but they have been around for not as long.

PS: I think that the new generations are the ones that have actually managed to make themselves an idea of what we symbolize as a band. They understand that our rock philosophy has to do with the feeling of liberation and self-empowerment. People are not even able to express with words what is legendary today, they just live it in the moment. That’s why our audience is generally very demonstrative and joyful when they have seen us on stage. In a way, I do feel that we are leading something but we don’t dictate anything about style or attitude towards life. Instead, I’m interested in leading by example, by believing in myself and improving. That’s what really becomes timeless.

A propósito de lo anterior, ¿qué diagnóstico hacen sobre la industria discográfica hoy en día?

GS: Todo el mundo quiere todo gratis, lo cual es una lástima. Las plataformas de streaming y compartición de archivos son las que están ganando en desmedro de los artistas. Es por esto que vemos a muchas bandas de corta duración, porque se les hace insostenible vivir de la música. Antes tenías a The Beatles, Elvis, Hendrix, los Stones, miles de bandas en activo. Y luego música rock como Iron Maiden, Metallica, AC/DC, bandas que han estado sonando por más de 30 años. Pero hoy en día no puedes apostar por tener una banda sin tener otro trabajo en paralelo. Eso es un problema.

PS: La música que se hacía antes no era perfecta, pero era apasionada. Hoy en día existen fenómenos como la inteligencia artificial que pueden copiar muchos estilos, sin embargo, la música que ha logrado pasar la prueba del tiempo y la que ha resultado inspiradora para las nuevas generaciones es toda música hecha por personas. La perfección ha sustituido a la pasión, por eso vemos constantes revisitas a The Beatles o a Motown. La música que se está haciendo hoy funcionará como una cápsula del tiempo para entender la cultura de una época, pero no será relevante.

Regarding this, what sort of diagnosis do you make about the record industry nowadays?

GS: Everybody wants everything for free, which is such a shame. Streaming and file sharing are the one earning money right now, instead of the artists themselves. That’s why we now see lots of short-lived bands, because it’s impossible to make a living. Back then you had The Beatles, Elvis, Hendrix, the Stones, thousands of bands. And then rock music like Iron Maiden, Metallica, AC/DC, bands that have been playing for over 30 years. But today, you just can’t start a band without having another job. That is a problem.

PS: The music that was made before was not perfect, but it was passionate. Today we have phenomena like artificial intelligence that can copy lots of styles, however, the music that has passed the test of time and that has been inspiring for new generations, is all made by humans. Perfection has replaced passion, that’s why people are still revisiting The Beatles or Motown. The music of today will function as a time capsule to understand the culture of these days, but it won’t be relevant.

¿Dónde creen que podemos situar al género del rock en la cultura de hoy? ¿Sigue teniendo relevancia frente a fenómenos como el k-pop, por ejemplo?

GS: Creo que el auge de los festivales ha tenido mucha relevancia para perpetuar el espíritu del rock. Tener instancias multiculturales es lo que puede enriquecer a la música rock para poder ver a artistas como Maná o Juanes, por ejemplo, junto con Metallica en un mismo escenario. Pero los jóvenes de hoy por lo general no aprenden a tocar instrumentos. Tenemos fenómenos como la EDM (electronic dance music), que no tiene músicos y se hace solamente con computadores. Pero si eso es lo que la gente está pidiendo, es lo que va a seguir sucediendo. Hay muchas cosas que se vuelven populares, pero no duran mucho. Cualquier proceso artístico o creativo toma tiempo, tiene una filosofía y una técnica. Las nuevas bandas intentan aprender del pasado, porque realmente nadie puede enseñarte cómo ser un artista e inventar algo único.

PS: La música rock por estos días no tiene que tener sentido necesariamente, sino ser una expresión apasionada. En vez de afirmar que el rock está muerto, podríamos más bien decir que está durmiendo. Honestamente, no sé si existirán bandas nuevas que logren un éxito masivo y sostenido, porque todo suena a algo que en el pasado se ha hecho. La próxima banda masiva no va a ser famosa porque suene igual a Led Zeppelin o The Beatles, sino porque tomará todas esas influencias y las reinterpretará como algo único. Fenómenos como el k-pop merecen todo el respeto del mundo, porque tienen una fórmula muy exitosa y masiva de hacer música, pero aún no sabemos la real cabida que tendrá en la cultura porque aún no ha sido sometido a la prueba del tiempo.

¿Qué proyectos se vienen en el futuro para ustedes? ¿Cuál será su próxima aventura creativa?

GS: Voy a seguir haciendo música con The Gene Simmons Band, pero con Kiss ya no seguiremos haciendo tours. Por un lado nos

resultaba costoso y, por otro, cada vez que salía al escenario debía usar 20 kilos de equipamiento cada noche. En cambio, con mi banda puedo estar más relajado, sin necesidad de desarrollar un personaje. Solamente debes ser divertido.

PS: En el futuro quiero hacer más trabajo creativo con mi banda de R&B, Soul Station. He estado dedicándome este último tiempo a la pintura y actualmente estoy fluyendo en ella para ver si logro exponer nuevamente en el futuro. Me emociona estar en este tránsito y ver mi crecimiento como pintor. He logrado conocer un lado creativo que no conocía y ha sido muy satisfactorio poder completar este puzzle. En términos generales no estoy planificando mucho mi vida, simplemente vivo el momento, deseando que cualquier cosa a la que quiera dedicar mi creatividad me lleve a un buen destino. Creo que ningún día debe ser desperdiciado, porque no lo volveremos a tener.

In your opinion, what is the current situation of the rock genre in today’s culture? Is it still relevant before phenomena like k-pop, for instance?

GS: I think the uprising of festivals has been incredibly relevant to maintain the spirit of rock afloat. Having multicultural showcases is key to contribute to rock music, so we can see artists like Maná or Juanes, for example, next to Metallica on the same stage. But kids today don’t learn how to play instruments anymore. We have things like EDM (electronic dance music), with no musicians and using only computers. But if that’s what people are asking for, it’s what is going to keep on happening. There are lots of things that become popular but don’t last long. Any artistic or creative process takes time, has a philosophy and a technique. New bands can learn from the past, because nobody can really teach you how to be an artist and make something new.

PS: Rock music these days doesn’t have to make sense necessarily, it only has to be passionate expression. Instead of stating that rock is dead, we could rather say that it is sleeping. Honestly, I don’t know if there will be new bands that manage to have a massive and sustained success, because everything sounds like something that has been done before. The next massive band won’t be famous because it sounds like Led Zeppellin or The Beatles, but because it will take all those influences and reinterpret them in a unique way. Phenomena like k-pop deserve all the respect in the world, because they have a very successful and massive formula to make music, but we still don’t know the reach it will have in culture because it still hasn’t passed the test of time.

What projects are coming in the near future for you? What is your next creative adventure?

GS: I will keep on making music with The Gene Simmons Band, but with Kiss we won’t be touring anymore. In one hand, it is too expensive, and in the other, every time I got on stage I had to wear 40 pounds of equipment every night. Instead, with my band I can be more relaxed, without the need of developing a character. You just have to be fun.

PS: In the future I would like to do more creative work with my R&B band, Soul Station. I have been dedicating this last time to painting and I’m just flowing in it to see if I manage to have a new exhibition in the future. I’m excited to be in this transition and see myself as a painter. I’ve got to know a creative side of me that I didn’t know and it has been very satisfying to be able to complete this puzzle. In general, I’m not used to planning much in my life, I just live in the moment, wishing that anything in which my creativity conveys reaches a good end. I think we shouldn’t waste any days, because we won’t have them back.

EL PEQUEÑO GRAN ESPIRAL DE OMEGA

OMEGA’S BIG LITTLE SPIRAL

CUANDO CREÍAMOS QUE TODO ESTABA HECHO EN TÉRMINOS DE MEJORA DE LA CRONOMETRÍA, OMEGA DA UN PASO MÁS ALLÁ CON SU MÁS RECIENTE OBRA: EL SPIRATE SYSTEM.

JUST WHEN WE THOUGHT THAT EVERYTHING WAS DONE IN TERMS OF CHRONOMETRY IMPROVEMENT, OMEGA MAKES ONE STEP FORWARD WITH ITS MOST RECENT WORK: THE SPIRATE SYSTEM.

FOTOS: CORTESÍA OMEGA / IMAGES: COURTESY OF OMEGA.

Los libros de historia de Omega están repletos de grandes proezas que van desde inmersiones en aguas profundas hasta alunizajes. Sin embargo, el primer logro con el que la manufactura suiza da inicio a este nuevo año es…. extremadamente pequeño.

Se trata del nuevo sistema SpirateTM, un revolucionario resorte en espiral patentado que permite una regulación ultrafina de los engranajes y que está presente en el Speedmaster Super Racing de acero inoxidable. Gracias a este mecanismo único en su género, ahora es posible que Omega logre una precisión certificada de solo 0/+2 segundos diarios.

Omega’s history books are filled with great achievements that go from immersions in deep waters to moon landings. However, the first achievement with which the swiss manufacture is starting this new year is… extremely small.

It’s the new SpirateTM, a revolutionary patented spiral spring that allows an ultrafine regulation of the gear assembly, being as well present in the stainless steel-made Speedmaster Super Racing. Thanks to this one-of-a-kind mechanism, now it’s possible that Omega manages to get a certified precision of only 0/+2 daily seconds.

¿Cómo lo hizo? Para alcanzar este objetivo la firma tuvo que reinventar literalmente la rueda, recurriendo tanto a los recursos técnicos del Grupo Swatch como a la precisión, estabilidad y fiabilidad de los movimientos cronométricamente superiores de Omega. La solución innovadora fue un muelle espiral Si14 totalmente nuevo, que permite al maestro relojero actuar sobre la rigidez del punto de fijación del espiral mediante un mecanismo de ajuste excéntrico situado en el puente del volante. Este nuevo enfoque, basado en el diseño de una estructura articulada de alta precisión, con cojinetes flexibles, es un gran ejemplo de la voluntad de Omega por progresar y asumir, constantemente, nuevos desafíos.

How did they managed to achieve that? To reach this objective the firm had to literally reinvent the wheel, making use of the technical resources of the Swatch Group, as well as of the precision, stability and liability of the top notch chronometrical movements from Omega. The innovative solution was a brand new spiral Si14 dock, that allows the master watchmaker act on the rigidity of the spiral’s anchor point through an excentric adjustment mechanism located on the steering bridge. This new focus, based on the design of a high-precision articulated structure with flexible bearings, is a great example of Omega’s will to progress and constantly face new challenges.

SPEEDMASTER SUPER RACING

El primer reloj que incluye el Sistema Spirate™ es el Speedmaster Super Racing de acero inoxidable. Un homenaje visual a la obra maestra antimagnética de la marca de 2013, que ofrece una visión clara del nuevo mecanismo a través del fondo de cristal de zafiro. ¿Qué distingue a este modelo?, su esfera con motivo de nido de abeja y un aro de bisel de cerámica negra con la famosa escala taquimétrica en un nuevo esmalte amarillo "Grand Feu" y sus índices en punta de flecha negros pulidos con diamantes, biselados y rellenos de un nuevo y exclusivo Super-LumiNova que emite un sorprendente resplandor amarillo.

Además de su correa de acero, este modelo incluye una alternativa deportiva. Se trata de una pulsera NATO de nylon reciclado con líneas negras y amarillas que combinan con su estuche Speedmaster con diseño de nido de abeja en negro con pespuntes amarillos. El estuche considera también, una herramienta que facilita el cambio de pulseras.

The first watch that includes the Spirate™ System is the Speedmaster Super Racing, made of stainless steel. A visual tribute to the 2013 non-magnetic masterpiece of the brand, that offers a clear vision of the new mechanism through the sapphire crystal background.

What makes a difference in this model? A dial with a honeycomb motif and a bezel ring made of black ceramic with the famous tachymetric scale in a new Grand Feu yellow enamel and its black arrow-pointed indicators polished with bevelled diamonds and filled with a new and exclusive Super-LumiNova that radiates an astonishing yellow glare.

Besides its steel bracelet, this model includes a sports alternative. It’s a NATO strap, made of upcycled nylon with black and yellow lines that match the black-toned Speedmaster honeycomb case with yellow backstitches. The case also stores a tool that facilitates the change of bracelets.

OSWALDO GUAYASAMÍN

"MANTENGAN ENCENDIDA UNA LUZ QUE SIEMPRE VOY A

CON ESTA FRASE, EL ARTISTA ECUATORIANO PROMETIÓ SU ETERNA PRESENCIA EN EL MUNDO, GRACIAS A SU PODEROSA Y COMPROMETIDA OBRA CON LAS INJUSTICIAS Y LA HUMANIDAD. AQUÍ, UN BREVE RELATO DE SU HISTORIA Y TRAYECTORIA. EN PORTADA “MANOS DE MENDIGO”, TESTIMONIO DE SU TALENTO. WITH THIS PHRASE, THE ECUADORIAN ARTIST PROMISED TO BE FOREVER PRESENT IN THE WORLD, THANKS TO HIS WONDERFUL AND COMMITTED ARTWORK THAT SHOWS INJUSTICE AND HUMANITY. HERE, A BRIEF NARRA-TIVE OF HIS HISTORY AND CAREER PATH. ON OUR COVER, “MANOS DE MENDIGO” (BEGGAR’S HANDS), A TESTIMONY OF HIS TALENT.

POR: CAROLINA VARGAS

/ FOTOS: CORTESÍA DE EDUARDO CASTELLANOS Y

VOLVER"

“KEEP A LIGHT ON, BECAUSE I’LL BE ALWAYS COMING BACK”

P.

FUNDACIÓN GUAYASAMÍN. BY CAROLINA VARGAS P. / IMAGES: COURTESY OF EDUARDO CASTELLANOS AND FUNDACIÓN GUAYASAMÍN.

Manos de Mendigo.

Es un honor para nuestra revista dedicar estas páginas al talentoso Oswaldo Guayasamín, uno de los artistas plásticos más importantes de Iberoamérica, quien retrató como nadie los sentimientos de angustia y dolor de los que sufren. Una obra que habla de humanidad y que, a juicio de expertos, se ha convertido en el relato vivo de su tiempo y en un legado histórico de gran valor, especialmente para las nuevas generaciones.

Amigo de Neruda, Galeano, Diego Rivera y García Márquez, Oswaldo Aparicio Guayasamín Calero fue pintor, dibujante, escultor, grafista y muralista. Un artista multifacético que en cada uno de sus trabajos reflejó su concepción plástica y actitud política. Su nombre y ascendencia indígena -en quechua, Guayasamín significa "ave blanca volando"-, las limitaciones de su infancia, el asesinato de un amigo, las crisis, revoluciones y guerras marcaron su trayectoria. Hijo mayor de una familia humilde, Guayasamín nació en julio de 1919. A los siete años pintó sus primeras obras, revelando así su vocación artística. En 1933 ingresó a la Escuela de Bellas Artes, si bien ahí tuvo algunos roces con los moldes y las tradiciones, al poco tiempo se convirtió en un alumno destacado. De esta época nace el cuadro “Los niños muertos”, el que recoge la brutal escena de un grupo de cadáveres apilados en una calle de Quito, incluido su mejor amigo, asesinado por una bala perdida. Ante estos hechos, el artista comienza a asumir una posición frente a las injusticias de una sociedad que, a su juicio, discrimina a los pobres, a los indios y a los más débiles. Luego, la revolución mexicana, la Guerra Civil Española y las crisis que marcaron la década del 30, le hacen ver y sentir una realidad que se profundiza y refleja en su arte. A los 21 años se gradúa como pintor y escultor en la Escuela de Bellas Artes y en 1956 gana el Gran Premio de Pintura de la III Bienal Hispano-Americana de Arte con su cuadro “El ataúd blanco”. Un año después recibe el Primer Premio de la Bienal de San Pablo, al que le seguirán nuevos reconocimientos de carácter internacional.

It is an honor for our magazine to dedicate this pages to the talented Oswaldo Guayasamín, one of the most important visual artists of Ibero-America, who depicted like no one else the feelings of angst and pain of those who suffer. An artwork that speaks about humanity and that, according to the experts, it has become into the lively narrative of its time and into a his-torical legacy of great value, especially for the next generations. Close friends with Neruda, Galeano, Diego Rivera and García Márquez, Oswaldo Aparicio Guayasamín Calero was a painter, illustrator, graphic artist and muralist. A multifaceted artist that, on each one of his works reflected his plastic concept and political attitude. His name and indigenous ascendent -in quechua, Guayasamín means “flying white bird”-, the limitations of his childhood, the assassination of a friend, the crises, revolutions and wars determined his path. The oldest son of a humble family, Guayasamín was born in july of 1919. At age seven he paint-ed his first artworks, revealing his artistic vocation. In 1933 he entered the Fine Arts School and, even though he had skim contact with molds and traditions, he shortly became an out-standing student. From this time the “Los Niños Muertos” (The Dead Children), painting comes to life, reflecting the brutal scene of a group of dead bodies piled up in a street in Quito, including his best friend, killed by a lost bullet. Before these facts, the artist starts assum-ing a position concerning the injustice of a society that, to his eye, discriminates against the poor, the indigenous and the least privileged. Then, the Mexican revolution, the Spanish Civil War and the crises that set the tone for the 30s made him see and feel a sense of realness that gets deepened and reflected in his artwork.

When he turned 21 he graduated as painted and sculptor at the Fine Arts School and in 1956 he won the Gran Premio de Pintura (Painting Grand Prix) of the 3rd Hispanic-American Art Biennial with his painting “El Ataúd Blanco” (The White Casket). A year later he received the First Award at the Sao Paulo Biennial, to which new international acknowledgements will follow.

Indigenas.

GRANDES AMISTADES / GREAT FRIENDSHIPS

En su primera exposición Guayasamín conoce a Nelson Rockefeller, entonces encargado de Asuntos Interamericanos del Departamento de Estado de los Estados Unidos, quien le compra cinco cuadros y gestiona una invitación para que el pintor visite y exponga en este país. Durante siete meses, Oswaldo recorre todos los museos y conoce el trabajo de artistas de nivel mundial, como El Greco, Goya, Velázquez, Picasso, Renoir y Orozco. Poco tiempo después, y con lo ahorrado en Estados Unidos, viaja a México para conocer a Orozco y a Diego Rivera, para aprender de ellos la técnica de pintar al fresco. En este mismo viaje nace su amistad con el poeta chileno Pablo Neruda, quien respecto de la obra de su amigo advertía: "Pensemos antes de entrar en su pintura, porque no nos será fácil volver". En 1945 inicia un viaje desde México hasta la Patagonia para conocer y recorrer cada pueblo y ciudad. De ahí surge la que será su primera serie de 103 cuadros, denominada “Huacayñán” o “El camino del llanto”. Esta trata sobre su visión de los pueblos mestizos, indios y negros, con sus culturas y expresiones de alegría, tristeza, tradición, identidad y religión. En 1961, empieza su segunda serie: “La edad de la ira”, para mostrar los lugares y hechos que se convirtieron en los denominados “mataderos de la humanidad”, durante el siglo XX. De esta época mencionó: "Pintar es una forma de oración al mismo tiempo que de grito".

En 1976 junto a sus hijos decide crear la Fundación Guayasamín y, a través de ella, donar a Ecuador todo su patrimonio artístico, con el que organiza tres museos: Arte Precolombino -con más de 2.000 piezas-, Arte Colonial -más de 500 piezas- y Arte Contemporáneo con más de 250 obras. En este último se exhiben los cuadros pertenecientes a “La edad de la ira”, la que fue donada en su totalidad para evitar que se dividiera, como pasó con la serie “Huacayñán”.

In his first exhibition Guayasamín met Nelson Rockefeller, by then in charge of the Inter American Affairs of the U.S. State Department, who bought five paintings and arranged an invitation for the painter to visit and show in this country. For seven months, Oswaldo explores all the museums and gets to know the work of worldwide-known artists such as El Greco, Goya, Velázquez, Picasso, Renoir and Orozco. Shortly after, with the money saved in the United States, he travels to Mexico to meet Orozco and Diego Rivera, in order to learn the fresco painting technique from them. On that same trip he became friends with Pablo Neruda who, regarding the work of his friend, said: “Let’s think before entering in his paintings because it won’t be easy to return”.

In 1945 he started a trip from Mexico to Patagonia to know and explore every city and town. This is the origin of his first 103-painting series, called “Huacayñán” or “The Way of Tears”. It tells us about his vision of mestizo, indigenous and black peoples, along with their cultures and expressions of joy, sadness, tradition, identity and religion. In 1961, he went on with his second series: “The Age of Wrath”, which shows the places and facts that turned into the so-called “humanity slaughter houses”, during the 20th century. In this time he said: “Painting is a form of prayer and outcry at the same time”.

In 1976, along with his two sons he created the Fundación Guayasamín, with which he donated to Ecuador all of his artistic patrimony, giving life to three museums: Pre-Columbian Art -with more than 2.000 pieces-, Colonial Art -with over 500 pieces- and Contemporary Art with more than 250 artworks. The last one exhibits the “The Age of Wrath” series, which was completely donated to avoid its partition, like it happened with the “Huacayñan” series.

Cabeza en rojos.

Flores secas.

A partir de los 80 nace “Mientras viva, siempre te recuerdo”, también conocida como la “Edad de la ternura” o simplemente “La ternura”, una nueva serie inspirada y en homenaje a su madre que dio un giro esencial en los trabajos de Guayasamín. Dicen que fue una declaración de amor a su madre o un “homenaje a la mujer de la tierra, una defensa de la vida, la defensa de los derechos humanos”, según señaló el propio Oswaldo en algunos medios.

Durante su vida, realizó más de 200 exposiciones a gran escala, en los museos más importantes de Francia, España, Italia, la ex-URSS, Polonia, República Checa, Bulgaria, México, Cuba, Colombia, Venezuela, Perú, Chile, Argentina, etc. Asimismo, pintó a grandes personajes contemporáneos, escritores, artistas, políticos y estadistas, entre ellos:

Juan Ramón Jiménez, Pablo Neruda, Juan Rulfo, Gabriela Mistral, Gabriel García Márquez, Danielle y François Mitterrand, el rey Juan Carlos de España y la princesa Carolina de Mónaco.

A partir de 1995 inició, en la ciudad de Quito, su obra más importante: un espacio arquitectónico denominado “La capilla del hombre”, al que dedicó todo su esfuerzo, pero no logró ver finalizado. Guayasamín falleció el 10 de marzo de 1999, producto de un infarto al miocardio en Baltimore, Estados Unidos. Hasta hoy sus cenizas descansan bajo el denominado “Árbol de la vida”, un árbol de pino plantado por el mismo Guayasamín en la casa en que vivió sus últimos 20 años.

La primera fase de “La capilla del hombre”, se inauguró en 2002 y fue declarada por la Unesco como un proyecto “prioritario para la cultura”.

At the beginning of the 80s “Mientras viva, siempre te recuerdo” (“As long as I live, I will always remember you) is born, which is also known as “Edad de la ternura” (“The age of tenderness”) or just “La ternura” (“The tenderness”), a new series inspired and making tribute to his mother, that made an essential twist to Guayasamin’s works. It is said that it is a love declaration to his mother or, “a tribute to the woman of the land, a defense of life, a defense of human rights”, as said by Oswaldo himself to some media.

During his life, he carried out more than 200 large scale exhibitions, in the most important museums of France, Spain, Italy, the former Soviet Union, Polonia, Czech Republic, Bulgaria, Mexico, Cuba, Colombia, Venezuela, Peru, Chile, Argentina, etc. As well, he portrayed some of the most important contemporary names among writers, artists, politicians and state leaders, such as: Juan Ramón Jiménez, Pablo Neruda, Juan Rulfo, Gabriela Mistral, García Márquez, Danielle and François Mitterrand, king Juan Carlos of Spain and princess Caroline of Monaco.

From 1995 he began, in the city of Quito, his most important work to date: an architectural space named “The man’s chapel” to which he dedicated all of his effort, but wasn’t able to see it getting done. Guayasamin passed away on March 10th, 1999 due to a cardiac arrest in Baltimore, USA. Up to this day, his ashes rest under the “Tree of life”, a pine tree planted by Guaysamín himself in the house in which he lived his last 20 years.

The first phase of “The man’s chapel” was inaugurated in 2002 and declared by UNESCO a “prioritary project for culture”.

NACE “LA TERNURA” / “LA TERNURA” IS BORN

ELEGIDOS DE LUJO / LUXURY ESSENTIALS

BOHEMIAN CHIC

CUANDO LA LUZ DEL DÍA SE CONVIERTE EN ANOCHECER, LA NUEVA COLECCIÓN DE ANILLOS MOSSO ES EL ACCESORIO PERFECTO PARA BRILLAR EN LA CIUDAD. WHEN DAYLIGHT FADES INTO THE NIGHT, MOSSO’S NEW RING COLLECTION BECOMES THE PERFECT ACCESSORY TO SHINE IN THE CITY.

TURBINIO D'ORO

Anillo oro amarillo con diamantes corte brillante. Yellow gold ring with brilliant cut diamonds

Anillo oro rosa y blanco con diamantes corte brillante.

Rose

white gold with brilliant cut diamonds.

SFERA LUCIDA

and

TURCHESE

Anillo oro blanco con turquesa y diamantes corte brillante.

White gold ring with turquoise and brilliant cut diamonds.

Anillo oro rosa con diamantes corte brillante. Rose gold ring with brilliant cut diamonds.

LUMACA D'ORO

ZAFFIRO OVALE

Anillo oro blanco con un zafiro corte oval y diamantes corte brillante. White gold ring with an oval cut sapphire and brilliant cut diamonds.

FIORE NERO

Anillo oro blanco con diamantes corte brillante y diamantes negros corte brillante. White gold ring with white and black brilliant cut diamonds

PETALI LUMINOSI

Anillo oro rosa con diamantes corte brillante. Rose gold ring with brilliant cut diamonds.

CUORI NERI

Anillo oro blanco con diamantes blancos y negros corte brillante. White gold ring with white and black brilliant cut diamonds.

CHRISTOPHER MAKOS, FOTÓGRAFO Y ARTISTA VISUAL PHOTOGRAPHER AND ARTIST

LA VANGUARDIA DE LO SENSIBLE SENSITIVITY AT THE FOREFRONT

EL FOTÓGRAFO Y ARTISTA NEOYORQUINO HACE NOTICIA POR EL LANZAMIENTO DE SU MÁS RECIENTE LIBRO “ANDY MODELING PORTFOLIO MAKOS”, EN EL QUE REVELA EL LADO MÁS DESCONOCIDO E ÍNTIMO DE LAS FACETAS DE SU MEJOR AMIGO, EL LEGENDARIO ANDY WARHOL. EN UNA ENTREVISTA EXCLUSIVA PARA MOSSO LIFE, MAKOS NOS CONTÓ SOBRE SU RELACIÓN CON WARHOL Y CÓMO SE MANTIENE VIGENTE SU FILOSOFÍA ARTÍSTICA.

THE NEW YORK-BASED PHOTOGRAPHER AND ARTIST MAKES NEWS THESE DAYS FOR THE RELEASE OF HIS MOST RECENT BOOK: “ANDY MODELING PORTFOLIO MAKOS”, WHICH DEPICTS THE MOST UNKNOWN ARTISTIC ASPECT OF HIS BEST FRIEND, POP ART LEGEND ANDY WARHOL. IN AN EXCLUSIVE INTERVIEW FOR MOSSO LIFE, MAKOS TOLD US ABOUT HIS RELATIONSHIP WITH WARHOL AND KEEPING HIS ART PHILOSOPHY ALIVE.

POR CRISTIÁN PAVEZ, FOTOS: CORTESÍA DE CHRISTOPHER MAKOS / BY CRISTIÁN PAVEZ, MAGES: COURTESY OF CHRISTOPHER MAKOS.

Carismático, excelente conversador y una vívida memoria de la vida y obra de Andy Warhol fueron la tónica de una entrevista llena de anécdotas. A raíz de la exitosa serie documental “The Andy Warhol Diaries”, de Netflix, Christopher Makos lanzó el más reciente de sus libros de fotografía sobre Andy Warhol, de quien guarda un nutrido archivo como estrecho colaborador en The Factory, siendo uno de sus pilares creativos más importantes. Esto es lo que nos contó al respecto.

¿Cómo descubriste la fotografía y cuándo te diste cuenta de que era la manera de hacer de ella tu medio de expresión?

Durante mi juventud, la fotografía parecía la manera más sencilla de ganar dinero. Estuve experimentando con la pintura, el dibujo e incluso la poesía, pero me parecían formas de hacer arte menos independientes, ya que siempre hay personas involucradas en procesos de curatoría y edición. En este sentido, sentía que la fotografía solo me necesitaba a mí, mi cámara y el objeto a retratar, ya fuera este un paisaje, una persona, un objeto, etc. Por lo tanto, era la dirección correcta a la cual dirigirme.

Charismatic, an amazing chatter as well as vivid memories from the days of Andy Warhol set the tone of an interview full of funfacts. As a result of Netflix’s successful docuseries “The Andy Warhol Diaries”, Christopher Makos released his most recent photography book about Andy Warhol, of whom he keeps a well-stocked archive as a close collaborator at The Factory, turning out to be one of its most important creative foundations. This is what he told us about everything.

How did you come across with photography and embraced it as a mean of artistic expression?

During my youngster days, photography seemed to be the easiest way of earning money. I had been experimenting with painting, drawing and even poetry, but somehow they seemed less independent ways of making art, as they always come along with people involved in curatorial and editing processes. In that sense, I felt that photography was a one man job, needing of myself, my camera and an object whether this was a landscape, a person, etc. Therefore, it was definitely the right direction for me to go.

Durante esos años, mi amigo Anthony Perkins -protagonista de “Psicosis”- me regaló una cámara para mi cumpleaños y fue entonces que comencé inmediatamente a hacer fotos. Cuando conocí a Jann Wenner -fundador de la revista Rolling Stone- y comenzó a publicarme en sus páginas dedicadas a nuevos talentos artísticos. En este sentido, debo decir que no hay nada mejor que el estímulo creativo. Cuando alguien te pone atención y le entrega un poco de cariño a lo que haces, te permite pasar a un siguiente nivel como para finalmente validarte. Luego de que Rolling Stone publicara mis trabajos y comenzara a generar un nombre, me di cuenta que la cámara era mi verdadero pincel para expresarme.

In those days, my friend Anthony Perkins -star of the movie “Psycho”- gave me a camera for my birthday and it was then when I really started taking pictures right away. Back then I got to meet Jann Wenner -founder of Rolling Stone magazine-, who liked my work and published some of it in pages he dedicated to new artistic talents. In this sense, I must say that there’s nothing better than artistic encouragement. When someone gives you a little attention and gives you some love, it allows you to go one step further into becoming a name and have some validation. After my appearance in Rolling Stone, I realized that my camera was my personal paintbrush to do art.

¿Cuál fue tu primera impresión sobre Andy Warhol cuando se conocieron? ¿Viste algún potencial especial en él o fue un camino más largo su descubrimiento?

Al principio él me pareció una persona muy gris. Parecía un verdadero fantasma. No sabía mucho sobre él, pero luego nos encontramos en la inauguración de una exposición bienal en el Whitney Museum y me preguntó si estaba dispuesto a ir por un tiempo a Kansas City para estar con su entorno. Sin embargo, no me pareció una idea atractiva. Yo recién me había mudado a Nueva York desde el sur de California y no quería estar en un ambiente underground en medio del país. Intenté invitarlo a una exposición mía en 1976, pero no pudo aparecer. En su lugar, envió a Bob Colacello -editor de la revista Interview- y fue él quien finalmente me invitó a ser parte de The Factory.

Terminé haciendo trabajos de fotografía para The Factory, en donde conocí a mucha gente y a varios de mis amigos. Yo en ese entonces quería trabajar con Andy, no solamente ser parte de sus conocidos. Tuve la suerte de tener muy claros mis objetivos en mi juventud, lo que me llevó a desarrollar una fuerte intuición y nunca tuve mucha conexión con la vida nocturna. Me interesaba que la gente viera lo que yo estaba haciendo y terminé lográndolo. Debo reconocer que me ayudó mucho ser un chico atractivo, a veces la belleza puede ayudarte mucho, pero hay un punto en que debes demostrar tu talento. Hoy en día, con el fenómeno de Instagram, nadie debe probar nada a nadie. Sólo vemos un océano interminable de cuerpos expuestos.

En “The Andy Warhol Diaries” logramos ver a un Andy más sensible y expresivo. ¿Te sientes responsable en alguna medida de haber logrado que expresara su lado más sentimental?

Creo que mi involucramiento en ese proceso fue el de ser una persona real todo el tiempo con él y su entorno. Todos manejamos un personaje público y otro que es más privado. Y siento que el Andy más íntimo fue llevado a ser encasillado por quienes crearon esta serie documental. Pienso que esto no se puede hacer con nadie que esté de alguna manera relacionado con el trabajo artístico o creativo. Pero estamos viviendo una época de muchas contradicciones, en la que todo el mundo quiere etiquetarse de algún modo para encajar en los moldes de la sociedad, y ciertamente Andy nunca se autoimpuso esos límites identitarios. Yo creo que esa fue la principal razón por la cual terminó haciendo exactamente lo que quiso y vivió hasta sus últimos días una vida maravillosa. Apple está trabajando hoy en un nuevo documental sobre Andy Warhol. Estoy trabajando con los productores, quienes van a incluir a todos quienes quedaron fuera de la versión de Netflix. Me incomodó que Netflix se obsesionara con que yo hablara de la sexualidad de Andy. Pero no les di mucha información, ya que la sexualidad nunca fue tema para él. En cambio, Apple quiere centrarse más en su trabajo artístico. Nunca me he sentido agobiado por tener que hablar sobre Andy, porque siempre me están llamando para decir algo y eventualmente eso me trae de nuevo a la palestra. A medida que me he vuelto más viejo y sabio, me he dado cuenta de la importancia de vivir el presente y de las recompensas que este tipo de cosas trae en el futuro.

What was your first impression of Andy Warhol when you first met? Did you notice an artistic potential in him or it was more of a longer journey into art?

At first he seemed like a really ashy person to me. He looked like a real ghost. I didn’t know much about him, but later we run into each other at the inauguration of a biennial exhibition at the Whitney Museum and he asked me if I was willing to go for a while to Kansas City to hang out with his entourage. However, it didn’t ring a bell for me. I had recently moved to New York City from Southern California and I just didn’t want to hang out in some underground atmosphere in the midwest. I tried inviting him to an exhibition of mine in 1976 but he couldn’t show up. Instead, he sent Bob Colacello -editor of Interview magazine- and it was him who first invited me to join The Factory.

I ended up doing photography jobs for The Factory, where I met tons of people and most of my friends. In that time I really wanted to work with Andy, not just hang out with him. I was lucky enough to be really smart and determined at a very young age, which made me build a strong intuition and never had a greater connection with night life. I was interested in people seeing my work and I came through. Although I must acknowledge that being young and attractive was very helpful, but there’s still a point in which you have to prove your worth. Nowadays, with everything going on Instagram, nobody must prove anything anymore. We just see this endless ocean of exposed bodies.

In “The Andy Warhol Diaries” we got to see a more sensitive and expressive Andy. Do you feel somehow responsible for getting him to show his emotional side?

I think my involvement in that process was actually to be a real person all the time around him. We all juggle between a public persona and a private one. And I feel that the “intimate Andy” was sort of labeled for those who created this documentary. I think this is not something that you can do with anybody who works creatively in art. But we are living an era of constant contradictions, in which everybody wants to label themselves in order to fit in society, and most certainly Andy didn’t impose himself none of these identitary boundaries. Maybe it was the main reason for which he did exactly what he wanted to and lived a wonderful life.

Apple is now working in a new documentary on Andy Warhol. I’ve been working with the producers, which will include everyone who got left out of the Netflix version. It was awkward for me that Netflix became obsessed with me talking about Andy’s sexuality. But I didn’t say that much, because sexuality wasn’t really a big deal for him. Instead, Apple wants to get an artistic approach to Andy’s creative work. I’ve never been overwhelmed for having to say something about Andy, because there’s always someone giving me a call to say anything and that would bring me once again into the public arena. As I’m getting older and wiser, I’ve been noticing the importance of living in the present and the rewards that these kind of things eventually bring back.

Acerca del libro, ¿influyó el lanzamiento de “The Andy Warhol Diaries” en la decisión de hacerlo?

Si la serie documental no hubiese salido, jamás se me habría ocurrido hacer el libro. Cuando comencé las conversaciones con la producción para participar en la serie -gracias a que la mayoría de las fotos que aparecen en él son parte de mi archivo-, pensé que esta podía ser una gran oportunidad para un nuevo libro a pesar de que siento que a Andy lo tengo completamente cubierto desde todos los ángulos posibles. Pero me llama la atención que la gente siga encontrando nuevas maneras de hablar sobre él, por lo que estoy constantemente siendo contactado para dar mis comentarios y mi visión sobre Andy.

Cuando supe la fecha de salida de la serie, la hice calzar con el lanzamiento de “Andy Modeling Portfolio Makos” para una sinergia que terminó funcionando muy bien. El proceso comenzó mientras miraba entre mis archivos, en donde descubrí que tenía muchas fotos de Andy en su etapa de modelo, en la que hizo más que nada trabajos de vocería para marcas tal como lo hacen los influencers digitales hoy. Cuando me di cuenta de que tenía un libro por hacer, lo pensé como una manera de complementar lo que se ve en “The Andy Warhol Diaries”, como una especie de libro que pueda guiar el desarrollo del documental.

En tu opinión, ¿qué está pasando con la fotografía artística actualmente? Pareciera que las redes sociales están instalando la idea de que cualquiera puede ejercer la fotografía. ¿Es el fotógrafo profesional una especie en peligro de extinción dentro del mundo de las artes?

Es una gran pregunta, porque la verdad es que todo está siendo arrasado por Instagram. Cualquiera puede ser fotógrafo o cineasta. Finalmente, cualquiera puede, de hecho, serlo por un corto periodo de tiempo. A pesar de que los influencers han sabido encontrar la manera de ganarse la vida haciéndolo, todo se remite a mostrarse ellos mismos. Definitivamente, estamos frente a una economía completamente diferente. No obstante, no sé cómo en la actualidad una persona joven puede realmente hacer fotografías 100% artísticas. Tuve la suerte de estar presente en la vanguardia de todo esto, por lo que pude desarrollar un catálogo de trabajo bastante extenso y que es requerido alrededor del mundo. Siento que tienes que pavimentar tu camino. Si te mantienes haciendo lo tuyo sin cansancio, eventualmente llegará a una galería, un dealer de arte, un cliente o un coleccionista que lo aprecie. Por lo tanto, no es suficiente tener una cuenta de Instagram o TikTok. Hay que mantenerse ocupado y me encanta seguir trabajando. Me gusta seguir estando lleno de actividad.

Según tu punto de vista, como amigo cercano, ¿cómo se habría tomado Andy Warhol la era de las redes sociales?

Andy habría amado las redes sociales. Él amaba el éxito y a las personas que lograban alcanzarlo. Le gustaba mucho la celebridad, la notoriedad y toda la gente que llegaba a hacerse un nombre, independientemente de cómo lo hacía. Seguramente Andy estaría en TikTok e Instagram fascinado por videos del tipo “cómo pelar un plátano”. En ese sentido, Andy era muy atrevido y recargado.

¿Qué opinas de la fascinación que existe sobre la leyenda de Studio 54?

Lugares como Studio 54 fueron un verdadero Taj Mahal de la cultura de la vida nocturna de los 80. Siempre digo que si alguien te cuenta que tiene anécdotas sobre Studio 54, es imposible que esa persona estuviese ahí. Era todo un caos y frenesí del que na-

So, about the book, was the release of the Netflix documentary vital in the decision of publishing?

If the series didn’t come out, I would’ve never thought of making the book. When I began talking with the production team about my role in the series -due to the fact that most of the pictures that appear in it are part of my archives-, I thought that this could be a big opportunity for a new book despite that I feel that I got Andy covered from all possible angles. It still amazes me that people keep on finding new ways to approach him, for which I’m constantly being reached out for comments about Andy.

When i knew the Netflix release date, I matched it with the “Andy Modeling Portfolio Makos” book release to produce a synergy that ended up working very well. The whole process started while I was looking through my archives, in which I found lots of pictures of Andy during his modeling career. He mostly did jobs as a spokesperson for brands, just as digital influencers are doing it today. As soon as I realized I had a book on my hands, I thought it as a complimentary piece for everything you can see on “The Andy Warhol Diaries”.

In your opinion, what do you think is happening to artistic photography nowadays? It seems that social media is establishing the idea that anyone can be a photographer. Is the professional photographer an endangered species within the art world? That’s a really good question, because the truth is that everything is being overtaken by Instagram. Anyone can be a photographer or a filmmaker. In the end, anyone can be either of both for a short period of time. Despite the fact that influencers have managed to find a way of make a living by doing it, everything comes down to just show themselves. We are definitely in front of a totally different economy. However, I don’t know how a young person can do 100% artistic photos anymore. I was lucky enough to be at the forefront of all this, which allowed me to build a big work portfolio that is being required for all over the world. I just feel that you need to pave your way. If you keep doing your thing tirelessly, it will eventually go into a gallery, an art dealer, a client or a collector that will appreciate it. Therefore, it’s not enough to have an Instagram or a TikTok account. You have to keep yourself busy and I love to continue to work. I like still being full of activities.

From your point of view as a close friend, how would have Andy Warhol reacted to the social media era?

Andy would’ve loved social media. He loved success and people who became successful. He was a lot into celebrity, notoriety and people who managed to build a name for themselves, no matter how they did it. Surely, Andy would be on TikTok and Instagram fascinated by “how to peel a banana” sort-of videos. In that sense, Andy was very bold and over-the-top.

What do you think about the fascination that exists on all things Studio 54 as a legend?

Venues like Studio 54 were an actual Taj Mahal of nightlife culture during the 80s. I always say that if someone tells you a story about Studio 54, that person was not there. Everything was chaos and frenzy, and nobody really remembers something with a high level of detail. So, if they try to talk you into it, it’s probably all made up. Nothing like that exists anymore. The ones who experienced it keep small bubbles of microcommunities or microfriendships that usually remain closed. I live at the heart of West Village, in Manhattan, and it’s a very happy and full of life place. I can tell that you have that kind of place in Santiago, where you can gather an art scene with

¿Sigues sintiéndote inspirado por Andy Warhol en tu día a día? No me siento necesariamente inspirado por Andy en mi rutina. Lo que realmente me inspira es su influencia constante en otras personas, como por ejemplo, hacer esta entrevista. Por lo tanto, lo que hago es canalizar todo eso y convertirlo en algo que me parezca interesante. Conozco muy bien a Andy y he hecho muchos libros sobre él, por lo que me producen más inspiración las cosas que hoy son populares y masivas. De eso se trataba la filosofía Warhol: inspirarse en todo aquello que se te aparecía frente a los ojos. Todos quienes trabajamos con él y aprendimos, solemos decir que “fuimos a la a la universidad de Warhol”, por lo que quienes salimos de esa experiencia ciertamente lo tenemos como una gran referencia en nuestras vidas. Es parte fundamental de lo que soy. Crecí en uno de los períodos culturales más explosivos en el desarrollo del arte y la historia americana, en donde estaba la moda con Halston, la música con Talking Heads y Blondie, así como la escena artística con Andy y otros como Roy Liechtenstein y Robert Rauschenberg que colaboraban siempre entre sí. Eso no se da con tanta frecuencia hoy en día. Tuve mucha suerte de vivir eso y experimentarlo mientras “hacía mi doctorado” en Nueva York. Es algo que debías vivirlo, no te lo pueden explicar los libros.

¿Has venido a Chile? ¿Tienes alguna conexión con el país? He estado en Chile en varias ocasiones y me encanta. Amo la ciudad de Santiago. Me parece muy interesante su escena gastronómica, así como lo que está pasando en términos de arte, diseño y moda. Creo que es una de las ciudades más cool por estos días. Y por supuesto, tengo una especial fascinación con el Desierto de Atacama y el Valle de la Luna por su gran parecido a lo que podría ser un paisaje espacial. Espero realmente poder volver pronto a Chile y descubrir aún más paisajes que no he tenido la oportunidad de conocer, como las playas y el sur.

street demonstrations. Well, here is where it all happens and, in a way, it has soaked in the Studio 54 spirit if you look at everything that goes on the street. Everyone comes to this part of New York to live intensely in the streets. I find it very peculiar.

Do you still feel inspired by Andy Warhol on your daily basis?

I don’t necessarily feel inspired by Andy in my everyday life. What really inspires me is the influence he still has on other people, like for example, doing this interview with you. So, what I do is to channel all that and turn it into something that looks interesting to me. I know Andy very well and I have done lots of books about him, but what inspires me the most are popular and massive things. That’s what the Warhol philosophy was all about: get inspired by everything that comes in front of you. All of us who worked with him and learned say that “we went to the Warhol university”, so we all certainly hold him forever as a referent in our lives.

It’s a fundamental part of who I am. I grew up in one of the most explosive cultural periods for american art and history, where there was fashion with Halston, music with the Talking Heads and Blondie, as well as the art scene with Andy and others like Roy Liechtenstein and Robert Rauschenberg, who would always collaborate with each other. That’s not a usual thing these days. I was very lucky to have that experience while I was “getting my PhD” in New York. It’s something that you have to live for yourself, you won’t learn it from books.

Have you ever come to Chile? Do you have any connection with the country?

I’ve been to Chile lots of times and I love it. I love the city of Santiago. I love the food scene, as well as the art, design and fashion scenes. It’s one of the coolest cities these days. And, of course, I have a special fascination for the Atacama Desert and the Valle de la Luna for its remarkable resemblance to a space landscape. I really hope I come back to Chile and discover lots of other wonderful places that I’ve yet to know, like the coastal side and the southern point.

die realmente recuerda con tanto detalle. Por lo tanto, si alguien dice tener recuerdos vívidos de Studio 54, probablemente lo esté inventando.

ERNESTO MOSSO:

“CRECER COMO UN REFERENTE EN LA REGIÓN”

CUMPLIENDO CON TODOS LOS ESTÁNDARES DE CALIDAD EXIGIDOS POR ROLEX, EL NUEVO CENTRO DE ALTA RELOJERÍA MOSSO OFRECE A SUS CLIENTES UNA EXPERIENCIA ÚNICA EN ATENCIÓN Y SERVICIO DE POSVENTA.

MEETING ALL THE QUALITY STANDARDS REQUIRED BY ROLEX, THE NEW MOSSO CENTER OF LUXURY WATCHMAKING OFFERS TO ITS CLIENTS A UNIQUE EXPERIENCE IN CUSTOMER SERVICE AND AFTERSALES SUPPORT.

Para Rolex, la perfección está en los detalles. Por este motivo, sólo algunos de sus Distribuidores Oficiales están autorizados para vender y realizar el mantenimiento de sus productos. En MOSSO estamos orgullosos de formar parte de la red mundial de relojeros formados por Rolex, quienes han sido rigurosamente seleccionados por su profesionalismo y experiencia incomparables, para ofrecer a sus clientes un nuevo servicio -certificado por la manufactura suizade mantención, reparación y restauración de relojes de alta gama.

Al respecto, Ernesto Mosso, fundador de MOSSO, señala: “El servicio en el que estamos trabajando va a ser un “Servicio MOSSO”, asesorado desde luego por Rolex desde el enfoque técnico, pero también abierto a otras marcas, con las validaciones y certificaciones correspondientes”.

Desde hace más de tres décadas, la atención y el servicio que MOSSO ofrece a sus clientes es una prioridad que no termina una vez realizado el proceso de compra. “A lo largo de nuestra historia hemos crecido en nuestra casa matriz y hemos ido incorporando nuevos espacios, como el taller de joyería, el lounge... y recientemente se agregó este espacio, donde se realizará todo el servicio de relojería. Para esta nueva implementación hemos sido asesorados por Rolex. Adquirimos las máquinas y herramientas que indicó Rolex, con el proveedor señalado y, desde luego, con todos los estándares de la marca. Para nosotros, el servicio no es atender sólo el reloj; esto comienza estando cerca de nuestros clientes, quienes, bajo el mismo techo, pueden comprar un reloj, una joya o dejar al servicio una pieza”, señala el fundador de MOSSO.

For Rolex, perfection is in each detail. For this reason, only a few of their Official Distributors are authorized to sell and make maintenance of their products. At MOSSO we are proud to be part of the worldwide network of watchmakers trained by Rolex, which have been carefully selected for their unparalleled professionalism and experience to offer their customers a new service -certified by the swiss manufacturer- of maintenance, repair and restoration of high end watches.

To this respect, Ernesto Mosso, founder of MOSSO, notes: “The service in which we are working is going to be a MOSSO Service, advised by Rolex from the technical point of view, but also open to other brands, with the corresponding validations and certifications” For more than three decades, the service that MOSSO has been offering to its customers has been a priority, which doesn’t come to an end once the purchase process is accomplished. “Throughout our history we have grown in our headquarters and have incorporated new spaces, like the jewelry workshop, the lounge… and recently we added this space where all of the watchmaking service will be held at. For this new implementation, we have received advice from Rolex. We have acquired the machinery and tools indicated by Rolex, with the stipulated supplier and, certainly, with all the brand’s standards. For us, the service is not only to care for the watch; this starts being close to our customers who, under the same roof, can buy a watch, a piece of jewelry or leave something for service”, the MOSSO founder points out.

“TO GROW AS A REFERENT IN THE REGION”

Ubicado en el segundo piso de la Casa Matriz en plena comuna de Vitacura en Santiago, el nuevo Centro de Alta Relojería es un espacio, donde especialistas y expertos en alta relojería estarán disponibles para ofrecer un servicio de excelencia. “En los últimos años, para mucha gente la relojería se ha convertido en un refugio de valor y, como tal, debe ser preservada, cuidada, mantenida. Grandes marcas como Rolex, que nos acompaña desde la década de 1990, merecen un compromiso mayor de nuestra parte. Y ocurre del mismo modo con nuestros clientes, que nos han acompañado desde hace décadas, han sido fieles y han confiado en nosotros. Todos merecen algo más que tener que viajar para llevar sus relojes a servicios internacionales. Creemos que debemos consolidar de manera absoluta nuestra relación con los clientes y que MOSSO no sólo sea un punto de venta, sino que sea una relación y una experiencia a largo plazo que incluya actividades que procuren el lado humano y el más completo servicio posventa”, comenta Ernesto Mosso.

La ampliación del servicio de posventa para relojería de MOSSO beneficiará a clientes y coleccionistas no sólo de Chile, sino de toda Sudamérica. “La idea es crecer como un referente para ellos en la región. No se trata sólo de Santiago o de Chile. Creemos en la región y queremos que la gente -de los países cercanos y no tan cercanos- sepa que en Chile hay una empresa que les va a dar un servicio con un estándar internacional absolutamente respaldado y valorado por marcas muy potentes y que va más allá de la trayectoria de MOSSO de 35 años”, nos señala finalmente Ernesto Mosso. Los invitamos a vivir esta nueva experiencia MOSSO junto a nosotros.

Located in the second floor of the headquarters in the middle of the Vitacura district in Santiago, the new Center of Luxury Watchmaking space where specialists and experts in watchmaking will become available to offer a service of excellence. “In the last years, for lots of people watchmaking has turned into a haven of value and, as such, it must be preserved, taken care of and maintained. Great brands like Rolex, who have been with us since the nineties, deserve a bigger commitment from us. And in the same mode with our clients, that have been with us for decades and have been faithful and trusting with us. Everybody deserves something more than just having to travel abroad to bring their watches to international services. We think we must absolutely consolidate our customer relations, so that MOSSO is not only a sales point, but a long-term relationship and experience that includes activities that assure the human side and most complete after-sales service”, says Ernesto Mosso.

The widening of the watchmaking after-sales service for MOSSO will benefit clients and collectors not only from Chile, but from all over South America. “The idea is to grow as a referent for them in the region. It’s not only about Santiago or Chile. We believe in the region and want that people -of close and not so close countriesknow that in Chile there’s a company that will bring them a service with an international standard that is absolutely backed and valued by very powerful brands that go beyond MOSSO’s 35-year old trajectory”, finally tells us Ernesto Mosso.

We invite you to live this new MOSSO experience with us.

COCINERAS LATINAS QUE MARCAN PAUTA LATIN FEMALE CHEFS THAT SET THE TONE

¡TREMENDAS! TERRIFIC!

EL CONO SUR RESTAURANTERO PASA POR UN BUEN MOMENTO. SE VEN, DISFRUTAN Y COMEN PROPUESTAS RENOVADAS, ALEGRES Y SABROSAS DE VOLVER A RECIBIR GENTE CELEBRANDO LITERALMENTE LA VIDA. NOS UNIMOS AL FESTEJO

JUNTO A COCINERAS QUE HAN HECHO DE SU ESTILO Y MESAS VERDADEROS ESTANDARTES DE CALIDAD Y TENDENCIA, DEMOSTRANDO CÓMO UN RESTAURANTE CON MANO DE MUJER PUEDE CON TODO, SE DISTINGUE, PREMIA Y, SIN DUDA, SE HACEN IMPERDIBLES.

THE RESTAURATEUR SOUTHERN CONE IS GOING THROUGH A GOOD MOMENT. BRAND NEW PROPOSALS CAN BE SEEN, ENJOYED AND TASTED, HAPPY AND FLAVORFUL IN ORDER TO BE AGAIN RECEIVING PEOPLE THAT LITERALLY CELEBRATE LIFE. WE JOIN THE CELEBRATION WITH FEMALE CHEFS THAT HAVE BUILT QUALITY AND TRENDSETTING BANNERS OUT OF THEIR STYLE AND TABLES, PROVING THE FACT THAT A FEMALE-HANDLED RESTAURANT CAN DO IT ALL, STANDS OUT, GETS AWARDED AND, WITHOUT QUESTION, BECOMES A MUST-GO.

POR RAQUEL TELIAS / BY RAQUEL TELIAS.

Absolutamente esencial en la gastronomía colombiana actual, tanto desde el restaurante Leo, con un menú degustación de 13 tiempos, que recorre productos y tierras de su país, haciendo que lo profundo de la cultura pase a ser un plato elegante, rico y bello, como con su propia trayectoria, décadas comprometida con el trabajo y desarrollo social a través de la cocina en rincones olvidados y escondidos donde ella y su fundación ven y muestran riqueza. Sus elaboraciones la ubican como la mejor chef según los 50 Best mundiales, latinos y otros destacados rankings. Una comida que comunica, sorprende, donde se elevan el producto y la tradición de forma magistral. Círculo que se completa con la labor de lo bebestible, hecha, investigada e impulsada por la sommelier Laura Hernández, su hija. Hoy, en su nueva casa de Chapinero, la puesta en escena se convierte en un must.

Absolutely essential for the actual overview of the Colombian food scene, first from Leo, a restaurant with a 13-course tasting menu that explores products and regions of her country, letting the depths of her culture become an elegant, delicious and beautiful dish, then with her own career path, with decades of committed work and social development through cuisine in hidden and forgotten places where she and her foundation see and display richness. Her creations place her as the best chef according to the 50 Best list among worldwide, latin and other remarkable rankings. Food that conveys and surprises, in which products are traditions get masterfully elevated. The circle becomes full with the work done in the drinks area, with gets done with investigation and empowerment by sommelier Laura Hernández, Leonor’s daughter. Nowadays, at their new house in Chapinero, the mise-en-scene becomes a must.

www.bardadonaonca.com.br

www.acasadoporco.com.br

La piel de una leoparda está tatuada en su brazo izquierdo. Una declaración de su espíritu, un imán de energía, gustos e integración que junto a su cómplice culinario, Jefferson Rueda, lanza dos zarpazos de placer: el tradicional, suelto y fiestero Bar da Dona Onça, lleno siempre, multicultural, en el Edificio Copan, símbolo de la ciudad, y el creativo, diferente, siempre fiestero A Casa Do Porco, un templo del cerdo -criados por ellos mismos junto a programas de desarrollo territorial que abogan por la naturalidad de los productos, servido con humor y sensualidad. Pócimas de cachaza -también artesanal de cuidada producción- embriagan tanto como torreznos crocantes, imposibles de no probar junto a los nuevos platos -con Janaina también en los fogones- conquistando -como a los premios-, hoy como el mejor restaurante de Brasil y número 7 para el The World’s 50 Best. Jamás perdérselos.

A leopard’s skin is tattooed on her left arm. The declaration of her spirit, a magnet of energy, taste and integration which, besides her culinary partner in crime, Jefferson Rueda, gives us two strikes of pleasure: the traditional, loose and party-like Bar da Dona Onça, which is always full and diverse and located at the Copan building, one of Sao Paulo’s landmarks, and the creative, different and festive A Casa Do Porco, a pork meat temple -raised by themselves along with local development programs that advocate for the natural quality of products, served with humor and sensuality. Cachaça potions -which are also artisanal and thoroughly produced- get us in the mood as much as their crunchy torreznos, which are impossible not to taste along with the new dishes -with Janaina also in the stovesconquering just like all the awards they already boast: Brazil’s best restaurant and number 7 in The World’s 50 Best ranking. Never to be missed.

JANAINA TORRES RUEDA, BRASIL

PILAR RODRÍGUEZ, CHILE

www.foodandwinestudio.com

Desde el vino con amor. Esa es la inspiración y la diferencia de Pilar, chilena hasta los huesos y dueña de una cocina impecable, donde la convicción está tan enraizada como las parras que rodean el Food & Wine Studio, un tesoro en la viña Viu Manent en Colchagua que, silencioso, ocupa un lugar de altísima calidad hasta donde llegan conocedores de todas partes para entregarse a sus mesas.

Platos y copas con la Región de O’Higgins como protagonista, cordillera y mar entrelazados con técnicas contemporáneas y una sabiduría pura y sobria, sabrosa, mega nacional. Aquí no entra ni el jengibre, sí la jaiba, limón de Pichilemu, el cordero del secano costero, los quesos frescos de campo, vinos del valle y más. Hay menús de almuerzo los sábados y domingos donde elegir tres, cinco o siete tiempos y para eventos privados, que dejan aplaudiendo una lograda y única enogastronomía nacional.

From wine with love. That the inspiration and distinctive factor behind Pilar, a woman that is Chilean to the bone and owner of an impeccable kitchen, where conviction is as rooted as the grapevines surrounding the Food & Wine Studio, a treasure inside the Viu Manent vineyard in Colchagua that, silently, takes a place of the highest quality to where connoisseurs from all over the world get to be devoted to its tables. Dishes and glasses with the O’Higgins Region as theme, the Andes and the sea intertwined with contemporary techniques and a pure, sober, flavorful and very national wisdom. In here, there’s no ginger, but you can find crab and lemon from Pichilemu, lamb from the coastal drylands, countryside cottage cheese, wines from the valley, and more. There are lunchtime menus on saturdays and sundays, in which you can pick between three, five or seven courses -also for private events-, that end in nothing but applauses for an extraordinarily achieved national enogastronomy.

MARÍA ELENA MARFETÁN, URUGUAY

www.lodetere.com

Nació en una familia restaurantera y siempre en la costa. Primero en La Paloma y después, hace ya 23 años, en Punta del Este, cuando los Marfetán toman Lo de Tere. Un restaurante que brillaba por sus carnes rojas a la parrilla y poco mar, pero que en un Uruguay carnívoro siempre resultaba. Desde el 2011 María Elena toma el lugar y hace seis años es la capitana de un barco que pone la pesca artesanal en el centro de su menú, relacionando el entorno con la mesa, valorando las materias primas que nadie quería mirar y, por lo mismo, cambiando el giro de la cocina en la zona, uniendo a restauranteros para un trabajo que pasa a ser nacional. De ahí que Lo de Tere hoy sea mar fresco, del día, con pescadores comprometidos y con un producto que, con poca intervención, saborea las aguas uruguayas junto con otros agricultores artesanales que enriquecen el menú. Ocupa el lugar 77 de los 50 Best Latinos, ubicación que la pone, al fin, en el radar que merecía.

She was born in a restaurant family, always based in the coast. First at La Paloma, and then, 23 years ago already, in Punta del Este, where the Marfetans take Lo De Tere. A restaurant that used to excel for their grilled red meat with a pinch of seafood, but that was always a sure option in a carnivorous Uruguay. Since 2011 María Elena takes the place and, six years ago became the captain of this ship that puts artisanal fishing at the center of its menu, linking the ambience with the table, assessing raw materials that were ignored and, therefore, shifting the direction of the cuisine in the region, bringing restaurateurs together for a work that becomes a national matter. This is why Lo de Tere is today a synonym for fresh sea, with committed fishermen resulting in a product that, with little intervention, savors the uruguayan waters next to other artisanal farmers that enrich the menu. It takes the 77th place in The 50 Best Latinos, place that finally puts it in a well-deserved spot.

Su rostro angelical no declara ni media gota de la fuerza que tiene esta cocinera limeña. Un fenómeno que trabajaba casi sin levantar la cabeza liderando la cocina de Central -el restaurante más destacado, premiado y alabado de Perú- por 10 años. Esta, claro, fue una época fértil: nace Mater Iniciativa, el brazo interdisciplinario para la investigación culinaria y cultural, con múltiples desarrollos sociales colaborativos, que hoy lidera junto al chef de Central y su actual marido, Virgilio Martínez, y su hermana Malena. Juntos han llegado hasta Harvard para mostrar lo que hacen, que incluye a Mil, restaurante en Cusco, y Kjolle, la casa de Pía y la mesa que la llevó a sacar esa brillantez de tratar los productos peruanos con potente ternura y gran sabor. Lo mismo que la hizo ganar el reconocimiento mundial como mejor cocinera para los 50 Best mundiales, luego para los latinos y cuantos otros rankings y premios se les ocurran. Poderosa y delicada, emerge Kjolle con un sabor de gran elaboración y cercanía.

Her angelical face does not reveal even half of the strength that this Lima-native chef. A phenomenon that she was working on almost without interruptions by leading the kitchens at Central -the most outstanding, awarded and praised restaurant in Peru- for 10 years. This was clearly a fertile time: the birth of Mater Iniciativa, the interdisciplinary branch for the culinary and cultural investigation, with multiple collaborative social developments, which today leads along with the chef from Central, and actual husband, Virgilio Martínez, and her sister Malena. Together, they have even got to Harvard to show what they do, which includes Mil, a restaurant located in Cusco, and Kjolle, Pía’s house and the tables that took her to bring out her shine by treating Peruvian products with powerful tenderness and flavor. The same things that made her earn worldwide recognition as one of the best chefs for The World’s 50 Best, the Latin edition and lots of other rankings and awards you can think of. Powerful and delicate, Kjolle emerges with a flavor of great elaboration and closeness.

ELEGANCIA CONTEMPORÁNEA

CONTEMPORARY ELEGANCE

CON UN ESTILO MODERNO QUE CONSERVA LOS RECONOCIDOS CÓDIGOS QUE HAN MARCADO SU HISTORIA, BREGUET PRESENTA DOS NUEVOS MODELOS -PARA ÉL Y PARA ELLA- DE SU COLECCIÓN CLASSIQUE.

BOASTING A MODERN STYLE THAT PRESERVES THE WELL-KNOWN CODES THAT HAVE TRASCENDED ITS HISTORY, BREGUET PRESENTS TWO BRAND NEW MODELS -FOR HIM AND HER- FROM THEIR CLASSIQUE COLLECTION.

Con una línea que une pureza y refinamiento, la colección Classique de Breguet ilustra fielmente el marcado esteticismo presente desde sus orígenes. Además de relojero e inventor, Abraham-Louis Breguet fue un destacado diseñador que inventó e introdujo el estilo neoclásico en la relojería. Su concepción estética dio a las esferas un aspecto vanguardista que facilitaba la lectura de las indicaciones. Las agujas à pomme caladas, el guilloché y la esfera descentrada son algunas de sus creaciones. Piezas fáciles de manipular y útiles marcan el sello de su fundador.

With a line that joins purity and refinement, Breguet’s Classique collection accurately depicts the spot-on aestheticism that has been present since their first days. Besides being both a watchmaker and inventor, Abraham-Louis Breguet was a renowned designer that invented and introduced the neoclassic style in the art of watchmaking. His own aesthetic conception gave the watch dials a state-of-the-art aspect that made it easier to read indications. The engraved à pomme hands, the guilloche pattern and the uncentered dial are some of his creations. Pieces that are useful and easy to handle are the main keys of their founder’s work.

FOTOS: CORTESÍA BREGUET / IMAGES: COURTESY OF BREGUET.

Hoy Breguet presenta 2 nuevas interpretaciones de su colección Classique. El primero de ellos es el Classique 7337 que, sin bien vio la luz en 2009, esta vez se muestra como una encarnación contemporánea del reloj original. El segundo, dedicado a ellas, es el Classique Dame. Un modelo que se distingue por su contemporánea esfera y por un mecanismo que le permite cambiar la correa cuando lo desee.

Today, Breguet presents 2 new interpretations of the Classique collection. The first of them is the Classique 7337 which, despite it first came out in 2009, this time it is displayed as a contemporary encarnation of the original watch. The second one, dedicated to them, is the Classique Dame. A model that stands out for its temporary dial design and for having a mechanism that allows it to change straps when desired.

PARA ÉL: LA IMPORTANCIA DE LOS DETALLES FOR HIM: THE IMPORTANCE OF DETAIL

El nuevo calendario 7337 exhibe un estilo moderno que conserva los reconocidos códigos que han marcado la historia de la marca. Elegante, sutil, pura... Esta nueva interpretación es decididamente contemporánea, sin renunciar a sus orígenes estéticos. Su esfera luce un finísimo guilloché Clous de París, realizado artesanalmente. Su esfera externa presenta un motivo de grano de cebada de forma circular. Asimismo, la indicación de las fases de la luna ha sido diseñada para aportar un fuerte realismo. La luna de oro está martillada a mano y las nubes que la rodean han sido sometidas a un tratamiento de arenado fino para aportarles una textura mate. En oro blanco o rosa de 18 quilates, este modelo se presenta con una pulsera azul noche para su versión en oro blanco y marrón para la referencia de oro rosa.

The new 7337 calendar showcases a modern style that preserves the well-recognized codes that have determined the course of the brand’s history. Elegant, subtle, pure… This new interpretation is decisively contemporary, without giving up to its aesthetic origins. Its dial shows a very fine handcrafted guilloché Clous de París. The external dial presents a circle-shaped barley grain motif. Likewise, the indication of moon phases has been designed to add a strong realism. The golden moon is hand-hammered and the surrounding clouds have been subjected to a fine sand treatment to give them a matte texture. Whether it’s in white or rose 18-karat gold, this model is presented with a night blue strap for the white gold version, and a maroon version for their rose gold variant.

PARA ELLA: UN RELOJ Y VARIAS POSIBILIDADES FOR HER: A WATCH AND OTHER POSSIBILITIES

Por primera vez en la historia de la Maison, el Classique Dame 8068 ofrece tres correas intercambiables en una misma caja. Este mecanismo ha sido concebido para que su dueña lo cambie fácilmente, sin necesitar ninguna herramienta. En segundos puede sustituir una correa de tela satinada negra por otra de piel de cocodrilo azul color turquesa o púrpura de Bizancio, en la versión de oro blanco, o azul pavo real o frambuesa, en la versión de oro rosa.

For the first time in the Maison’s history, the Classique Dame 8068 offers three interchangeable straps in one same box. This mechanism has been conceived to make it easier for its owner to change, without needing any tools. In just seconds a black satined canvas strap can be substituted for a crocodile skin one, available in turquoise blue or Byzantium purple for the white gold version, or a peacock blue and raspberry colored strap in the rose gold version.

CHILE PRESENTE EN EL TRADICIONAL RALLY ITALIANO CHILE IS PRESENT AT THE TRADITIONAL ITALIAN RALLY

Cada año, durante la culminación de la temporada estival italiana, se realiza uno de los rallies de autos clásicos más reconocidos de Italia y el mundo. Se trata del Rally Gran Premio Nuvolari, el evento de regularidad internacional más técnico de Italia para autos clásicos, que junto a La Mille Miglia y La Targa Florio forman el triángulo de oro del deporte motor italiano de los clásicos. El año 2022 fue la primera vez que una dupla chilena participó en esta competencia. Su nombre se debe al gran piloto de carreras Tazio Nuvolari o “Nivola”, como le apodaban sus seguidores, o “el diablo”, como lo llamaban sus detractores dada su pericia y temeridad. Nivola era un hombre de contextura pequeña, pero con una pasión y corazón como ningún otro. Nació en el pueblo de Castel d’Ario en Mantova, Italia, hace 130 años, y es ahí en la plaza central de Mantova donde cada año se da inicio y cierre al histórico rally en honor a la leyenda del mundo motor el “Gran Nivola”, también conocido como “Il Mantovano Volante”.

POR: CRISTIÁN BENKÖ

PILOTO SCUDERIA TAZIO

NUVOLARI-ITALIA

BY: CRISTIÁN BENKÖ

PILOT OF THE SCUDERIA

TAZIO NUVOLARI-ITALY

Every year, during the culmination point of the italian summer season, one of the most recognized classic car rallies in Italy and worldwide are carried out. It’s the Nuvolari Grand Prix Rally, the most technical international agenda event of Italy for classic cars with, next to La Mille Miglia and La Targa Florio, the golden triangle of classic motorsport in Italy. 2022 was the first time that a Chilean duo took part in this competition.

It’s named after the great racing pilot Tazio Nuvolari or “Nivola”, as his fans nicknamed him, or “the devil”, as his rivals called him for his skill and fearlessness.

Nivola was a man of a short body structure, but with an unprecedented passion and heart. He was born in the town of Castel d’Ario in Mantova, Italy, 130 years ago and it’s there, in the middle of Mantova’s main square, where each year becomes the start and finish point to the historical Rally in tribute to the motor world legend, the “Great Nivola”, also known as “Il Mantovano Volante”.

32º GRAN PREMIO NUVOLARI / 32ND NUVOLARI GRAND PRIX

En septiembre de 2022 tuve el honor de competir en la edición número 32 de esta carrera defendiendo los colores de Chile junto a mi copiloto y navegante, Rodrigo Val, y representar a Latinoamérica, junto a Argentina, Uruguay, México y Colombia. Largamos de Piazza Sordello de Mantova en nuestro Porsche 914 del año 1970 refrigerado por aceite y aire en una soleada y calurosa mañana junto con otras 312 tripulaciones. La ruta comprendía, en una primera instancia, las pintorescas carreteras de Emilia Romagna, hasta llegar al autódromo de Módena, nuestra primera parada. En nuestro arribo realizamos pruebas cronometradas y un breve snack de almuerzo, para luego continuar el recorrido por los Apeninos y dirigirnos al circuito de Imola, conocido como “Autódromo Enzo y Dino Ferrari” de Fórmula 1.

In September of 2022 I had the honor of competing in the 32nd edition of this race, defending Chile’s colors next to my copilot and navigator, Rodrigo Val and, therefore, representing Latin America next to Argentina, Uruguay, Mexico and Colombia.

We started from Mantova’s Piazza Sordello in our 1970 Porsche 914, which is refrigerated by oil and air, on a sunny and hot morning along with other 312 teams. The route included, in first instance, the picturesque roads of the Emilia Romagna, until we got to our first stop, the Modena Autodrome. At our arrival, we made timed trials and a brief lunch break to continue the circuit around the Apennines and lead to the Imola race track, known as Formula 1’s “Autodromo Enzo e Dino Ferrari''.

Esta primera etapa fue dura debido al calor, el que dentro del auto alcanzaba los 45º Celsius. Realizamos la prueba de manejo en Imola, que se corre en sentido contrario de las agujas del reloj, y en la curva Tamburello, donde falleció Ayrton Senna, le rendimos un homenaje. El recorrido se retomó rápidamente para transitar las colinas de Emilia-Romagna en la oscuridad, pasando por los check controls de la ruta hasta el Mar Adriático en dirección al famoso balneario costero italiano de Rimini. Fueron 12 horas de conducción y, sin duda, las más duras. Si bien unos meses antes yo había participado en el Rally Sahara de Túnez, no sentí tanto calor como en Italia. La hidratación fue fundamental, además de la confianza en nuestro sencillo y robusto motor bóxer, junto con la fe de llegar a la meta. Los dejo con una selección de imágenes que muestran, en parte, lo vivido en estos cuatro días y estos 1.100 km recorridos. Agradezco a la organización del rally y a mis auspiciadores. Recomiendo realizar esta experiencia a todos los amantes de la conducción deportiva y fanáticos del deporte motor en Chile. ¡Será inolvidable!

This first stage was harsh due to the heat, which reached 45ºC inside the car. We carried out the driving test in Imola, which is raced counterclockwise, and we made a tribute to Ayrton Senna, at the Tamburello curve where he died. The route was quickly resumed in order to go through the hills of Emilia-Romagna in the darkness, going through checkpoints until the Adriatic Sea in direction to the famous Italian coastal city of Rimini. It was a 12-hour long drive in the hardest of conditions. Even though I had participated in Tunisia’s Rally Sahara a few months before, I didn’t feel as smothered as in Italy. Hydration was vital, along with the confidence in our simple and robust boxer motor, as well as the faith to make it to the finish line. I leave you an image selection that depicts part of everything I lived through these four days and 1.100 kilometers. Thanks to the Rally organization and my sponsors. I recommend going through this experience to all the lovers of motorsport driving and fans in Chile. It will be unforgettable!

MOSSO, CON UN LOOK & FEEL COMPLETAMENTE RENOVADO A UN SOLO CLICK

MOSSO, WITH A BRAND NEW LOOK & FEEL, JUST ONE CLICK AWAY

MOSSO ha lanzado su nueva página web con un aspecto completamente renovado, nuevas secciones de lujo, una tienda en línea actualizada y elegante de productos, así como servicios exclusivos. ¡Una gran noticia para nuestros clientes!

Está diseñado con un nuevo enfoque, para que sus usuarios tengan la facilidad de conectarse desde un desktop y/o un celular y puedan navegar sin límites, con la finalidad de que la información que necesites esté al alcance de tu mano.

Porque, MOSSO no es solo un lugar para comprar, sino también un lugar para experimentar y disfrutar. Por eso, hemos incluido una sec-

ción llamada "Experiencias", donde encontrarás noticias y detalles sobre nuestros espacios de encuentro, las últimas novedades del equipo de polo MOSSO, eventos y alianzas emocionantes, así como una completa selección de cada una de las páginas de las 46 ediciones de nuestra revista MOSSO Life.

Los invitamos a sumergirse en esta nueva aventura de MOSSO, en la cual disfrutarán a un solo click de nuestro sitio web, con un look & feel completamente renovado, que ha sido hecho con mucha dedicación para que puedan sentirse seguros y cómodos mientras navegan en él. ¡Bienvenido a la nueva era de MOSSO!

MOSSO has launched their new website with a completely renowned aspect, new luxury sections, an elegant updated online shop, as well as exclusive services. Big news for our customers! It has been designed with a new focus, in order to make it easier for users to connect from a desktop or a smartphone to ensure a limitless browsing experience and get the required information in the palm of your hand.

Because, MOSSO is not only a shopping hot spot, but also a place for experimenting and enjoying. That’s why we have included a section named “Experiences”, in which you will find news and details about our meeting spaces, the latest news of the MOSSO Polo Team, exciting events and alliances, as well as a full selection from every page of the 46 editions of our MOSSO Life magazine.

We invite you to immerse in this new MOSSO adventure, in which you will enjoy our website in just one click, with a brand new look & feel, that has been made with special attention to make you feel safe and comfortable while browsing through it.

Welcome to the new MOSSO era!

“MI OBRA ES UNA OBRA COMPLETA”

“MY ARTWORK IS A COMPLETE WORK”

CONVERSAMOS EN EXCLUSIVA CON MACARENA MATTE, UNA ARTISTA VISUAL CHILENA CUYO ARTE BUSCA INUNDAR DE COLOR Y OPTIMISMO LA CIUDAD. AQUÍ, UN POCO DE SU HISTORIA.

WE TALKED IN EXCLUSIVE WITH MACARENA MATTE, A CHILEAN VISUAL ARTIST WHOSE ARTWORK SEEKS TO FILL THE CITY WITH OPTIMISM AND COLOR. WE CAN FIND A BIT OF HER STORY HERE BELOW.

POR: CAROLINA VARGAS P. / FOTOS: CORTESÍA DE LA ARTISTA.

BY: CAROLINA VARGAS P. / IMAGES: COURTESY OF MACARENA

MATTE.

Macarena Matte Lira es una artista visual contemporánea cuyas obras derrochan color a raudales. Desde hace más de tres décadas, sus coloridos pinceles buscan llenar de vida la ciudad. Ese es el tema central de su arte: “Mi trabajo es el resultado de años de estudio, práctica, disciplina y constancia en distintas técnicas. En los años más cercanos e inmediatos... puedo agregar que estoy convencida de que a mi ciudad, Santiago, le falta color. Ese color de reír, de positividad, de algo de optimismo. A los chilenos nos cuesta participar de un optimismo cierto o falso, pero el resultado siempre será con una mirada más “tira pa 'arriba”, reflexiona Macarena. Es por esto que gran parte de sus obras fluyen desde la arquitectura hasta la abstracción, mediante líneas, espesores, traspaso de planos, transparencias y superposiciones.

Macarena Matte Lira is a contemporary visual artist whose artwork overflows with color. For more than three decades, her colorful paintbrushed have been looking to bring cities to life. That’s her main theme: “My work is the result of years of study, practice, discipline and determination on different techniques. During the most recent and immediate years… I can state that I’m convinced that my hometown, Santiago, lacks color. The colors that remind you of laughter, positivity and optimism. Us chileans are reluctant of participating in a true or false optimism, but the outcome will always be somewhat more of an uplifting spirit”, Macarena reflects. this is why a great deal of her artwork flows from architecture to a complete abstraction throughout lines, densities, shot shifting, transparencies and superpositions.

Fotografía: Felipe Forteza.

Cuéntanos cuándo nace en ti esta pasión por el arte. ¿Cuándo descubriste que querías dedicarte al arte?

Creo que descubrí que quería dedicarme al arte desde el minuto en que le dedicaba 100% del día a dibujar, pintar y aprender más y más de las técnicas, de los pigmentos, de papeles, telas, etc. Desde entonces no ha parado de trabajar cada mañana y a primera hora del día escuchando música clásica o de relajación. “Soy de despertar muy temprano y es mi mejor hora de trabajo. Es la hora donde estás lúcida, con energía y agradecida”, nos señala.

¿Cómo es tu proceso creativo?

Es… un proceso difícil de explicar. Es un viaje donde me sumerjo en variedad de formas, movimientos, colores y después, y no siempre, aparecen las ciudades, las estructuras, que es lo opuesto a lo anterior. Ahí se mezclan todos los conocimientos de dibujo, figura humana, tintas, movimientos de cintas y globos japoneses, entre otros, todo con mucha disciplina y constancia.

A lo largo de su trayectoria, su trabajo -en acuarela, óleo y acrílico, grabados o bocetos- ha sido exhibido en importantes galerías en Chile, París, Miami y Singapur. Entre sus planes para este 2023 está seguir internacionalizando su carrera. “Ya salí con mi arte de Chile, ya estoy maravillosamente fuera y lo seguiré haciendo. Viajo casi siempre a ver galerías y ferias, de preferencia Colombia, París y Madrid”, nos comenta. Asimismo, espera poder seguir apoyando y guiando a artistas jóvenes que le piden consejos como una forma de retribuir los consejos que ella recibió en su momento de amigos y maestros de la talla de Mario Toral, Benito Rojo y Benjamín Lira. El talento y pasión por el arte de Macarena también han quedado plasmados en objetos como chanchos, botellas y bandejas y ha sido invitada por algunas importantes marcas a intervenir productos como refrigeradores, bancas de plaza y hasta autos.

“¡Me encanta! Llevar mi arte a objetos, siempre me ha gustado y es un desafío propio y entretenido, como el de hacer la botella

de Johnnie Walker, Blue Label edición limitada para nuestro país con motivo de su aniversario (200 años) o intervenir un capó del último modelo eléctrico de Audi, zapatillas…., la verdad que he intervenido muchos objetos. ¡Feliz!”.

Finalmente, ¿cómo definirías tu obra?

La verdad que estoy segura que es... una obra completa en el área de aplicación de técnicas, pesos visuales, aplicación de color, la narrativa de cada una va cambiando, mutando... siempre está en evolución.

Tell us when does this passion for art grows out. When did you find out that art was your main focus?

I think I discovered that art was my calling ever since I found myself dedicating 100% of my days to drawing, painting and learning everyday more and more of the techniques, the use of pigments, types of paper, fabrics, etc.

Since then, she hasn’t stopped working each morning at the first hour of the day listening to classical or relaxing music. “I’m all about waking up very early in the morning and it’s my best time to work. It’s the time where you’re the most clearheaded, with energy and feeling grateful”, she notes.

How is your creative process?

It’s a bit hard to explain. It’s a journey where I get immersed in a variety of shapes, movements, colors and, then but not always, cities and structures appear as an opposition to the latter. It’s there where the mixture of drawing learnings, human figure, inks, japanese ribbons and balloon movements, among others, with lots of discipline and consistency.

Throughout her career, her work -in watercolor, oil and acrylic, engravings or sketches- has been exposed in important galleries in Chile, Paris, Miami and Singapore. Among her plans for this year 2023, there’s the ongoing process of the internationalization of her career. “I’ve already gone abroad with my art, I’m preciously present out of my country and I’ll keep on doing it. I’m always traveling to see galleries and fairs in my favorite places, like Colombia, Paris and Madrid”, she tells us. Also, she looks forward to keeping on supporting and guiding young artists that look for her advice, as a way of giving back the learnings she obtained back in the days from friends and mentors such as Mario Toral, Benito Rojo and Benjamín Lira. Macarena’s talent and passion for art has also remained captured in objects like pigs, bottles and trays, and has also been invited by important brands to collaborate on products such as refrigerators, park benches, and even cars.

“I love it! Taking my art to objects is something I’ve always enjoyed and has become a fun challenge for myself, like the one of redoing the limited edition Johnnie Walker Blue Label bottle on the occasion of its anniversary (200 years) or performing on the hood of Audi’s latest electric model, sneakers…, the truth is that I’ve performed on lots of objects. With all the joy!”

Finally, what’s your own definition of your artwork?

The truth is that I’m not sure what’s it all about. A complete artwork in the frame of technique application, visual weights, color application, narratives that keep on changing, shifting. Art that keeps on evolving every time.

La Espera. Técnica mixta sobre tela 50 x 50 cm.

Italia. Técnica mixta sobre tela 90 x 130 cm.

TUDOR IS #BORNTODARE

DESDE 2017, LA SELECCIÓN NACIONAL DE RUGBY DE NUEVA ZELANDIA, LOS LEGENDARIOS ALL BLACKS, HAN SIDO EMBAJADORES DE TUDOR Y DE SU LEMA #BORNTODARE.

SINCE 2017, NEW ZEALAND’S NATIONAL RUGBY TEAM -THE LEGENDARY ALL BLACKS-, HAVE BEEN AMBASSADORS FOR TUDOR AND ITS MOTTO #BORNTODARE.

El rugby es un deporte duro e implacable que cuenta con valores muy nobles: un deporte para audaces que refleja de manera precisa el espíritu que ha guiado, desde sus comienzos, a la marca de relojes Tudor.

#BornToDare cuenta las aventuras de personas audaces que han logrado lo extraordinario en tierra, sobre el hielo, en el aire o bajo el agua con un Tudor en sus muñecas. #BornToDare también hace referencia a la revolucionaria visión de Hans Wilsdorf, fundador de la marca, quien fabricó relojes asequibles, capaces de resistir las condiciones más extremas. Asimismo, transmite el enfoque único que ha ayudado a hacer de Tudor lo que es hoy en día: una marca pionera en el sector de la relojería, con innovaciones que se han convertido en toda una referencia a nivel internacional. El espíritu #BornToDare cuenta con el apoyo mundial de embajadores cuyos logros son resultado directo de su valiente actitud ante la vida. Capitaneados por el deportista Beauden Barrett, los All Blacks se han unido a la lista de grandes nombres que llevan el mensaje de Tudor a nuevos públicos.

“Reivindicamos lo clásico, pero transgredimos el statu quo. Conservamos lo mejor del pasado: los mejores métodos de relojería, el mejor diseño, pero desafiamos los límites de la innovación. Hemos nacido con un propósito, hemos superado las pruebas más extremas.

Para los que están dispuestos a todo. Para los que afrontan sus miedos. Para los que se reinventan cada día... Un Tudor es para los que se arriesgan”.

Rugby is a rough and ruthless sport with very noble values: a sport for the bold ones that have reflected its guiding spirit in a precise way for the Tudor brand from the beginning.

#BornToDare tells the adventures of bold people that have achieved the extraordinary on earth, ice, air or even underwater wearing a Tudor watch on their wrists. Also, #BornToDare also makes reference to the revolutionary vision of the brand founder, Hans Wilsdorf, who fabricated affordable watches, capable to resist the most extreme conditions. As well, it conveys the unique focus that has supported Tudor into becoming what it is today: a state-of-the-art brand of watchmaking sector with innovations that have turned the brand into a worldwide reference. The #BornToDare spirit has a worldwide support of its brand ambassadors, whose achievements are directly related to their courageous attitude towards life. Leaded by rugbier Beauden Barrett, the All Blacks have joined the list of big names that carry out the message of Tudor to new audiences.

“We are restoring the classics, but at the same time we are breaking the status quo. We conserve the best of past times: the best watchmaking methods, the best design; but we are also defying the limits of innovation. We are born with a purpose and have outperformed in the most extreme testing challenges. For those who are willing to dare it all. For the ones that face their fears. For those who reinvent themselves everyday… A Tudor is for those who take chances”.

EL PRIMER DEPORTIVO CONCEPT CAR

VIRTUAL DE FERRARI

FERRARI’S FIRST SPORTIVE CONCEPT CAR

FERRARI VISION GRAN TURISMO ES UN MONOPLAZA DISEÑADO ESPECÍFICAMENTE PARA LA SAGA DE VIDEOJUEGOS GRAN TURISMO.

FERRARI VISION GRAN TURISMO IS A SINGLE-SEATING CAR SPECIFICALLY DESIGNED FOR THE GRAN TURISMO VIDEOGAME SAGA.

FOTOS: CORTESÍA FERRARI / IMAGES: COURTESY OF FERRARI.

El primer concept car de Ferrari creado para el mundo de la competición virtual tiene un diseño inspirado en los autos de carreras de la casa de Maranello, que servirá de inspiración a futuras generaciones de apasionados conductores. El modelo no solo significa un paso importante para Ferrari en el entorno virtual, sino que también redefine el lenguaje estilístico de la compañía. Su diseño estuvo a cargo de Ferrari Centro Stile bajo la dirección de Flavio Manzoni, y se inspira directamente en los legendarios prototipos deportivos Ferrari de las décadas de 1960 y 1970, que disfrutaron de un gran éxito en carreras de resistencia como las 24 Horas de Le Mans y las 24 Horas de Daytona. Con proporciones dramáticas y líneas futuristas, el auto incorpora el ADN de obras maestras como el 330 P3 y el 512 S y, al mismo tiempo, que rinde homenaje a la gran historia de carreras del Cavallino Rampante, ofrece una atractiva visión de la evolución futura de coches de carreras de ruedas cerradas. Su diseño fue concebido en torno a la sensación de velocidad con líneas muy geométricas, afiladas y angulosas que, sin embargo, subyacen a una forma muy orgánica. Este contraste tiene un efecto disruptivo, ya que la plasticidad de las superficies externas e internas se une a la precisión geométrica de las líneas, creando un automóvil con un carácter inmediatamente reconocible, cuya arquitectura se centra en un avanzado concepto aerodinámico basado en dos imponentes canales laterales. Esta solución ha sido patentada por Ferrari y dirige el flujo de aire desde los bajos delanteros, alrededor de la cabina y sobre los llamativos cojines laterales. Esto genera una carga aerodinámica extremadamente eficiente, gracias a la variación del impulso y la succión creada por la parte central de los bajos. La aerodinámica trasera se desarrolló utilizando conceptos inspirados en el Ferrari 499P, particularmente en términos del difusor y el alerón biplano trasero. Por último, el S-Duct delantero y las salidas de aire integradas en los pasos de rueda aumentan aún más la eficiencia aerodinámica y la estabilidad a alta velocidad.

Ferrari’s first concept car created for the world of virtual competition has a design inspired by the Maranello racing house, which will serve of inspiration for future generations of passionate drivers. The model not only means an important step forward for Ferrari in the virtual scene, but also redefines the stylistic language of the company. The design was in charge of the Ferrari Centro Stile under the direction of Flavio Manzoni, and is directly inspired in the legendary sport prototypes of Ferrari of the 1960 and 1970s who enjoyed a great success in resistance races like the 24 Hours of Le Mans and the 24 Hours of Daytona. With dramatic proportions and futuristic lines, the car incorporates the DNA of masterworks like the 330 P3 and the 512 S, paying homage at the same time to the great racing history of the Cavallino Rampante and offering an attractive vision of the future evolution of closed-wheel racing cars. Its design was created revolving around the speed sensation with very geometric, sharp and winding lines which, nonetheless, underlie to a very organic form. This contrast has a disruptive effect, due to the plasticity of the outer and inner surfaces that connects with the geometric precision of the lines, creating a car with a immediately recognizable character, whose architecture is concentrated in an advanced aerodynamic concept based in two impressive lateral channels. This solution has been patented by Ferrari and directs the air flow from the front lower parts, passing through the cockpit as well as above the striking front cushions. This generates an extremely efficient aerodynamic charge, thanks to the boost variation and suction force generated by the central lower parts. The backside aerodynamics were developed using concepts inspired by the Ferrari 499P, particularly in terms of the diffuser and the back biplane spoiler. Last but not least, the front end S-Duct and the integrated air outlets in the wheel steps raise the aerodynamic efficiency and high-speed stability even more.

La carrocería de este modelo parece como si estuviera suspendida sobre los bajos planos de fibra de carbono que incorporan todos los componentes técnicos del automóvil, dando así pureza a la forma. El chasis está diseñado para enfatizar la dinámica lateral del automóvil en el manejo al límite y el diseño del tren motriz garantiza un equilibrio de peso óptimo entre la parte delantera y trasera y un centro de gravedad extremadamente bajo en beneficio de la AWD. Su suspensión está diseñada para mantener la superficie de contacto del neumático para garantizar la máxima tracción, lo que permite que el modelo entregue 1.100 Nm de par trasero desde el ICE y el MGU-K combinados a la carretera, dando como resultado un rendimiento sin igual.

The bodywork of this model seems as if it was suspended above the carbon fiber-made flat lower parts that are included in all the technical components of the car, giving purity to the form. The chassis is designed to emphasize the lateral dynamic of the car in a driving experience to the limit and the design of the powertrain makes sure a balance of optimum weight between the front and back ends and a gravity center extremely low for the benefit of the AWD. The suspension is made to keep the tire’s contact surface to guarantee the maximum traction, which allows the model to deliver 1.100 Nm of the backend pair from the ICE and the MGU-K combined in the road, giving as a result a one of a kind performance.

Asimismo, los controles electrónicos entregan al vehículo la inigualable agilidad en las curvas y el equilibrio de manejo por los que los autos de carretera y de carreras de Ferrari han sido reconocidos durante mucho tiempo. De esta manera, la experiencia en el juego está diseñada para replicar fielmente la emoción de conducir en un automóvil de la marca, transmitiendo una sensación precisa de los límites alcanzables y mejorando el rendimiento del automóvil. Su interior es una extensión del exterior. Su enfoque minimalista ofrece una funcionalidad y una ergonomía óptimas para el conductor. Las líneas del tablero son limpias y sobrias y, al igual que la cubierta transparente del motor que enmarca el tren motriz híbrido V6, incorporan materiales transparentes de alta tecnología para revelar los componentes mecánicos del sofisticado y moderno volante. El HMI está diseñado para la inmediatez y la facilidad de uso para que el conductor siempre pueda concentrarse por completo en el camino por delante.

Ferrari Vision Gran Turismo representa un manifiesto de diseño futurista para los autos de carretera y carreras de Ferrari, que incorpora la máxima expresión de belleza formal e innovación, y brinda un estímulo tanto para los ingenieros como para los conductores -reales y virtuales- del mañana.

Also, the electronic controls of the car deliver an unparalleled agility in curves and the driving balance for which Ferrari’s road and racing cars have been recognized for a long time. This way, the game experience is designed to faithfully replicate the thrill of driving one of the brand’s automobiles, conveying a precise sensation of the reachable limits and bettering the car’s performance. Its interior is an extension of the exterior part. Its minimalistic focus offers optimum functionality and ergonomics for the driver. The board lines are clean and sober and, just like the transparent cover of the motor that delimits the V6 hybrid powertrain, they incorporate high-tech transparent materials to reveal the mechanical components of the sophisticated and modern steering wheel. The HMI is designed for immediacy and an easy use, so that the driver can be fully focused in watching the road ahead.

Ferrari Vision Gran Turismo represents a manifest of futuristic design for Ferrari’s road and racing cars, which incorporates the maximum expression of formal beauty and innovation, providing encouragement for engineers as well as for drivers -real and virtual- of tomorrow.

UN GIRO HACIA LO EXTRAORDINARIO A TWIST TO THE EXTRAORDINARY

DE LA MANO DE LOS ACTORES ANYA TAYLOR-JOY Y NICHOLAS HOULT, JAEGER -LECOULTURE PRESENTA A NEW TURN PARA EL REVERSO.

ALONG WITH ACTOR ANYA TAYLOR-JOY AND NICHOLAS HOULT, JAEGER-LECOULTRE PRESENTS A NEW TURN FOR THE REVERSO WATCH.

Esta teoría se denomina efecto mariposa: un incidente minúsculo en la naturaleza puede crear una reacción en cadena imparable y provocar un acontecimiento inimaginable. Una gota se convierte en un océano, una simple sonrisa en un romance duradero, una pincelada en una obra maestra. La vida siempre nos sorprende. Un mínimo detalle puede tener consecuencias trascendentales. Lo mismo ocurre en el mundo de la relojería, en el que la causa y el efecto son clave. De una micra, la unidad de medida, dependen la precisión, el rendimiento y la perfección. Con inspiración, innovación y un simple gesto, la relojería toma una nueva senda que ofrece nuevas perspectivas sobre el tiempo y cambia la cara o quizás las caras de un ícono. Los invitamos a conocer la nueva historia del Reverso de Jaeger-LeCoultre.

This theory is called the butterfly effect: a minor incident in nature can create an unstoppable chain reaction, resulting in an inconceivable event. A drop turns into an ocean, a simple smile into a longlasting romance, a brush stroke into a masterpiece. Life can always take us by surprise.

A minimal detail can have significant consequences. The same happens in the world of watchmaking, in which cause and effect are key aspects. From a micron, the unit of measurement, depends the amount of precision, performance and perfection. With inspiration, innovation and a simple gesture, watchmaking take a new path that offers new perspectives on time and changes the face, or maybe the faces, of an icon. We invite you to know the new story Jaeger-LeCoultre’s Reverso watch.

Hace pocos meses, la manufactura suiza unió el talento de dos de sus principales embajadores, los actores Nicholas Hoult y Anya Taylor-Joy, para ilustrar el efecto mariposa en A New Turn, un nuevo video que yuxtapone fenómenos naturales con sus polos opuestos: una gota de lluvia se reúne con millones de gotas para formar una cascada y una semilla transportada por el viento crece en la calma de un bosque. Una metáfora que se extiende también al propio Reverso, con una narrativa que resalta cómo un margen de milímetros determina la precisión del reloj. Y, por supuesto, al girar el Reverso, el matiz del diseño aporta un toque totalmente innovador a este icónico modelo de la marca.

A few months ago, the swiss manufacturer joined the talent of two of their main ambassadors, actors Nicholas Hoult and Anya TaylorJoy, to illustrate the butterfly effect in A New Turn, a new video that juxtaposes natural phenomena with their opposite sides: a drop of rain gathers with millions of drops to form a cascade and a seed transported by the wind germinates within the calmness of a forest. A metaphor that extends as well to their own Reverso, with a narrative that highlights the fact of how just a few milimeters can determine a watch’s precision. And, of course, by twisting the Reverso, the nuance of design add a totally innovative touch to this brand’s iconic model.

La campaña se centra en el nuevo Reverso Tribute Duoface Calendar de oro rosa y el femenino Reverso Duetto Small, también en oro rosa. En esta nueva propuesta, ambos modelos encarnan el potencial sin límites para la reinvención que caracteriza al Reverso. Cuando la noche sucede al día, el Reverso Tribute Duoface Calendar se transforma sin esfuerzo. La clásica esfera plateada tornasolada cepillada de estilo art déco da paso al elegante reverso de la esfera, con una indicación día/noche rediseñada. Por su parte, el Reverso Duetto Small también sigue al sol por el horizonte con un diseño para el día y la noche: un lado clásico y una cara más llamativa que deslumbra con adornos engastados con preciosos diamantes.

El cambio lleva implícito el reto de conservar un carácter distintivo e integrar, a la vez, nuevas perspectivas que conversan con los nuevos tiempos. Esto es lo que ocurre con este modelo en A New Turn. En esta, su última campaña, Jaeger-LeCoultre capta en esencia cómo la vida puede cambiar en un momento y crear algo inesperado a partir de lo conocido. Pequeños momentos que resultan trascendentales, pequeños giros que permiten descubrir una segunda expresión del tiempo.

The campaign centers around the new rose gold Reverso Tribute Duoface Calendar and the feminine Reverso Duetto Small, which also comes in rose gold. In this new proposal, both models encapsulate the limitless potential of reinvention that goes along with the Reverso.

When the night comes after the day, the Reverso Tribute Duoface Calendar transforms effortlessly. The art déco style classic silver iridescent engraved dial leads to the elegant backside of the dial, with a redesigned day/night indication. As for the Reverso Duetto Small it follows the sun as well through the horizon with a night and day design: a classic side and a flashier face that dazzles with mounted embellishments made of precious diamonds.

This change goes along with the challenge of keeping a distinctive character and integrating, at the same time, new perspectives that are maintained with the new times. This is what happens with this model in A New Turn. In this, its newest campaign, Jaeger-LeCoultre fully captures in essence how life can change in one moment to another and create something unexpected from something well-known. Small moments that turn out to be important, little twists that allow us to discover a second expression of time.

EL MUNDO GIRA COMO EL REVERSO / THE WORLD SPINS AROUND LIKE THE REVERSO

REVOLUCIÓN SUBMARINA

UNDERWATER REVOLUTION

AUDACIA, TECNICIDAD, POTENCIA Y EXPLOSIVA ENERGÍA CARACTERIZAN AL NUEVO DIVER X SKELETON WHITE DE ULYSSE NARDIN. UN RELOJ DE BUCEO ÚNICO EN EL MUNDO DE LA RELOJERÍA.

AUDACITY, TECHNICITY, POWER AND AN EXPLOSIVE ENERGY STAND OUT WITH THE NEW DIVER X SKELETON WHITE FRON ULYSSE NARDIN. A UNIQUE DIVING WATCH WITHIN THE WORLD OF WATCHMAKING.

Reconciliando lo irreconciliable: el Diver X Skeleton White de Ulysse Nardin es toda una hazaña en sí mismo. Combina la fiabilidad técnica de un reloj deportivo capaz de soportar condiciones extremas con un motor relojero potente, preciso y sofisticado. Su arquitectura resalta su singularidad con absoluta firmeza, luciendo una llamativa ‘X de exploración’, con la que expresa a la perfección la genética de la marca. A lo largo de su historia, Ulysse Nardin ha innovado continuamente en su exploración técnica de territorios que ninguna otra marca se ha atrevido a abordar.

Inspirados en esta filosofía, la marca diseñó el Diver X Skeleton White como una doble promesa de ofrecer pericia técnica y fiabilidad. El calibre de manufactura UN-372 exhala todo su poder en la caja de titanio de 44 mm, como una invitación a sumergirse con naturalidad en el corazón de esta combinación de innovaciones.

Este Diver X Skeleton White -que se une a la colección Diver- se basa en la pureza del blanco, un color querido por Ulysse Nardin y que utiliza para acentuar lo esencial.

Un movimiento automático esqueletado ultracontemporáneo, con un oscilador de silicio de gran tamaño, se sitúa en el centro de esta incubadora de innovación. La rueda de escape, la paleta y el resorte del volante también están hechos de silicio, el material preferido por Ulysse Nardin, quien lo introdujo en el mundo de la relojería. El calibre UN-372 activa las funciones de horas, minutos y segundos y su bisel giratorio unidireccional rematado en caucho blanco, la caja de titanio pulido y satinado es hermética hasta 200 metros. Para los fanáticos de la aventura submarina, el Diver X Skeleton White está disponible en correa de caucho completamente blanca con elemento ‘Ulysse Nardin’ y cierre desplegable de titanio, o con una correa de tejido blanco.

Hibridación perfecta de dos mundos, el Diver X Skeleton es un reloj extremadamente técnico y altamente fiable, con un aspecto deportivo y, a la vez, elegante. Simplemente incomparable.

Reconciling the irreconcilable: Ulysse Nardin’s Diver X Skeleton White is a greater achievement itself. It combines the technical liability of a sports watch capable of withstanding extreme conditions with a powerful, precise and sophisticated watch motor. Its architecture brings out its singularity with absolute firmness, boasting a showy “exploration X”, with which expresses the brand genetics to perfection. Throughout its history, Ulysse Nardin has continously innovated in its technical exploration of territories that no other brand has deared to approach.

Inspired by this philosophy, the brand designed the Diver X Skeleton White as a double promess of offering technical expertise and liability. The UN-372 manufacture caliber exhales all of its power in the 44 mm titanium case, as an invitation to naturally get immersed at the heart of this innovation-filled combination. This Diver X Skeleton White -that joins the Diver collection- is based on the purity of white, a beloved tone by Ulysse Nardin that is used to accentuate the essential.

An ultracontemporary skeletonized automatic movement with a large size silicon oscillator is located at the center of this innovation incubator. The scape wheel, the paddle and the wheel’s spring are also made of silicon, Ulysse Nardin’s favorite material that was also introduced in the world of watchmaking by them. The UN-372 caliber activates the hours, minutes and seconds functions as well as its one-directional rotative bezel, detailed in white rubber, the polished satiny titanium case that becomes airtight to a reach of 200 meters.

For the fans of underwater adventures, the Diver X Skeleton White is available in rubber straps, which are completely white with a Ulysse Nardin element and a dismountable clutch made of titanium, or, a white woven strap.

As a perfect hybridation of two worlds, the Diver X Skeleton is an extremely technical watch, with a higher sense of liability, a sportive look and, at the same time, elegant. Like no other.

JOHN GALLIANO

“LA MODA ES ANTE TODO UN ARTE DE CAMBIO”

“FASHION

EL NUEVO LIBRO “DIOR BY JOHN GALLIANO 1997-2011”, PUBLICADO POR ASSOULINE, NOS REGRESA AL ESPLENDOR IRREVERENTE DEL DISEÑADOR QUE CAMBIÓ EL MUNDO DE LA MODA DESDE LOS ATELIERS DE DIOR.

THE NEW “DIOR BY JOHN GALLIANO 1997-2011” BOOK, PUBLISHED BY ASSOULINE, BRINGS US BACK TO THE IRREVERENT SPLENDOR OF THE DESIGNER THAT CHANGED THE WORLD OF FASHION FROM DIOR’S ATELIERS.

“Dior by John Galliano 1997-2011” es el quinto volumen de una nueva serie de libros que rinden homenaje a los directores creativos de Dior. De la mano de Andrew Bolton -autor de este libro y curador del Costume Institute en el MET-, descubriremos la historia de John Galliano, el irreverente diseñador que cambió el mundo de la moda entre 1997 y 2011, desde los ateliers de Dior. Para los amantes de la moda, esta publicación es un imperdible que retrata -como ninguno- el universo hipnótico con el que el couturier británico nacido en Gibraltar construyó sus propios códigos, reimaginando el legado de la famosa casa de moda francesa. Publicado por la editorial Assouline, “Dior by John Galliano” narra el episodio que marcó una era de creatividad casi inagotable, llena de diseños y propuestas audaces con un carácter revolucionario; ilustrado con las fotografías de Laziz Hamani, intercaladas con las imágenes de artistas como Richard Avedon, Peter Lindbergh y Paolo Roversi, las que expresan la esencia de un Galliano radical y apasionado por la intensidad de los contrastes, lo disruptivo e inesperado. Los vibrantes años del diseñador inglés se resumen en este libro que contiene más de 300 ilustraciones, incluidas fotografías de moda y sesiones de fotos de Steven Meisel, Annie Leibovitz, Irving Penn y Paolo Roversi. Desde la primera página, la obra deslumbra con una pieza única: un vestido de satén azul marino que la princesa Diana lució en la MET Gala de 1996. De ahí en adelante, continúa con una serie de emblemáticos looks que lo consagraron como un intérprete excepcional e innovador del savoir-faire a través de más de 25 colecciones de alta costura. Para el cierre de esta publicación de más de 448 páginas, el diseño escogido es el mítico vestido de tul amarillo, presentado en su última colección en 2011, inspirado en el famoso ilustrador francés René Gruau.

“El genio de John fue extender y expandir el lenguaje estético de Dior a través de transfiguraciones novedosas y alinear su moda con el espíritu de la época. Su trabajo en Dior personifica la fantasía y el escapismo de la década de 1990 y principios de la de 2000. De hecho, si no hubiera existido ya, la historia habría tenido que inventarlo”, señala Bolton en su libro.

“Dior by John Galliano 1997-2011” is the fifth volume of a new book series that pays tribute to Dior’s creative director. Thanks to Andrew Bolton -the book’s author and curator of the Costume Institute at the MET-, we will discover the history of John Galliano, the irreverent designer that changed the world of fashion between 1997 and 2011 from Dior’s ateliers. For fashion lovers, this publication is a must-have that uniquely portrays the hypnotic universe with which the Gibraltar-born british couturier built his own codes, reimagining the legacy of the famous French fashion house.

Published by Assouline, “Dior by John Galliano” narrates the episode that went down in history as an almost restless era plenty with design and racy proposals with a revolutionary character; illustrated in photographs by Laziz Haman, intertwined with images of artists like Richard Avedon, Peter Lindbergh and Paolo Roversi, which express the essence of a radical Galliano, who is also passionate about contrasts, disruptive and unexpected things. The vibrant years of the british designer are summed up in this book, boasting more than 300 illustrations that include fashion photographs and sessions from Steven Meisel, Annie Leibovitz, Irving Penn and Paolo Roversi. From the very first page, the work astonishes with one particular piece: a navy blue satin dress worn by Princess Diana at the 1996 MET Gala. From then on, it continues with a series of emblematic outfits that defined him as an exceptional and innovative interpreter of Dior’s savoir-faire through more than 25 haute couture collections. To finish up this publication of more than 448 pages, the chosen design is the mythical yellow tulle dress, presented in his last collection in 2011, inspired by the well-known French illustrator, René Gruau.

“The genius of John was to extend and expand Dior’s aesthetic language through innovative transfigurations and line up his fashion with the spirit of the times. His work at Dior embodies the fantasy and escapism of the 90s and beginnings of the 2000s. In fact, if it hadn’t already existed, history would have had to reinvent him”, tells Bolton in his book.

IS ABOVE ALL AN ART OF CHANGE”

La modelo Kylie Bax con el vestido de baile Kamata, Alta Costura Primavera-Verano 1997, fotografiada por Michael Thompson, Vogue París, marzo 1997.

© Michael Thompson/Trunk Archive. Model Kylie Bax with the Kamata ball gown, Haute Couture Spring-Summer 1997, photographed by Michael Thompson, Vogue Paris, march 1997. © Michael Thompson/Trunk Archive.

Conjunto compuesto por una chaqueta y falda bordada con lentejuelas doradas, Alta Costura Primavera - Verano 2004.

Colección Dior Héritage, París.

Foto © Laziz Hamani.

Two-piece outfit consisting of a jacket and embroidered skirt with golden sequins, Haute Couture spring-summer 2004. Dior Héritage collection, Paris.

Photo © Laziz Hamani.

Amber Valletta, inspirada en Renoir, Anna Milhaylik inspirada en Seurat y Viviane Orth inspirada en conjuntos de Manet, Alta Costura Otoño - Invierno 2007, Le bal des Artistes. Colección Dior Héritage, París. Foto © Laziz Hamani. Amber Valletta inspired by Renoir, Anna Milhaylik inspired by Seurat and Viviane Orth inspired by Manet, Haute Couture fall-winter 2007. Le bal des Artistes. Dior Héritage collection, Paris.

Vestido Melody Woodin, inspirado en Degas, en satén duquesa melocotón y tul de seda con bordados dorados, Alta Costura Otoño - Invierno 2007. Le Bal des Artistes. Colección Dior Héritage, París. Foto © Laziz Hamani. Melody Woodin dress, inspired by Degas in peach-toned duchess satin and silk tulle with golden embroidery, Haute Couture fall-winter 2007. Le Bal des Artistes. Dior Héritage collection, Paris. Photo © Laziz Hamani.

Photo © Laziz Hamani.

LA CONTINUACIÓN DE UN LEGADO

THE CONTINUANCE OF A LEGACY

A 30 AÑOS DE SU LANZAMIENTO, AUDEMARS PIGUET PRESENTA EL PRIMER ROYAL OAK OFFSHORE COMPLETAMENTE REALIZADO EN CERÁMICA NEGRA.

30 YEARS AGO FROM ITS LAUNCH, AUDEMARS PIGUET PRESENTS THE FIRST ROYAL OAK OFFSHORE ENTIRELY MADE OF BLACK CERAMIC.

FOTOS: CORTESÍA AUDEMARS PIGUET / IMAGES: COURTESY OF AUDEMARS PIGUET.

La manufactura suiza de Alta Relojería Audemars Piguet presentó una nueva versión de su Royal Oak Offshore Cronógrafo Automático de 42 mm, equipada por primera vez con una caja y un brazalete o correa de cerámica negra, junto con una esfera “Petite Tapisserie” negra de estética monocromática contemporánea. La referencia está impulsada por el calibre 4404, con cronógrafo integrado con función flyback. Desde sus inicios, la colección Royal Oak Offshore ha exhibido una gran variedad de materiales. Tal es el caso del titanio o el carbono forjado, que, junto al acero o el oro, aportan el equilibrio perfecto entre técnica y estética, refinamiento y robustez. La nueva referencia 26238CE se inscribe en esta dinámica, ya que es el primer Royal Oak Offshore con caja y brazalete realizados íntegramente en cerámica. El mismo material se ha usado en los pulsadores del cronógrafo, situados a las 2 y las 4 horas, y en la corona atornillada a las 3 horas. Solo se desmarcan los ocho tornillos de oro blanco que fijan el bisel a la caja, a juego con los ocho índices aplicados luminiscentes que marcan las horas y el fondo de titanio.

Swiss Haute Horlogerie manufacturer Audemars Piguet presents a new version of its Royal Oak Offshore Selfwinding Chronograph 42 mm, housed in its first-ever black ceramic case with a matching bracelet and a black Petite Tapisserie dial for a contemporary monochrome look. This reference is powered by Calibre 4404, Audemars Piguet’s integrated chronograph movement with a flyback function. Since its creation, the Royal Oak Offshore collection has been dressed in a wide range of materials, such as titanium and forged carbon. In addition to steel or gold, these avant-garde materials offer the perfect balance between technical innovation and design, elegance and robustness. The new reference 26238CE continues in this vein as it is the first Royal Oak Offshore with a case and bracelet made entirely of ceramic. This material is also used for the push-pieces at 2 and 4 o’clock that operate the chronograph, as well as for the screw-locked crown at 3 o’clock. Only the eight white gold screws attaching the bezel to the case stand out, along with the eight luminescent applied hour-markers that punctuate the hours and the titanium caseback.

La cerámica utilizada se ha trabajado con minuciosidad para revelar todos sus matices. De esta forma, los artesanos de la manufactura han asumido un triple reto: alcanzar los estándares de calidad y acaba dos más estrictos que exige Audemars Piguet; dominar la cerámica, un material especialmente difícil de trabajar por su ex trema dureza, y armonizar las líneas complejas de la caja del Royal Oak Offshore, que alternan el acabado pulido y satinado.

Aunque la composición exacta de la cerámica se mantiene en secreto, consta de polvo de óxido de zirconio mezclado con un contenido aglutinante especial. Su color homogéneo sólo se revela una vez que el material es sinterizado a temperaturas superiores a los 1.000°C.

Cada uno de los componentes se somete posteriormente a un proceso previo de pulido y satinado/cepillado, antes de acabarse minuciosamente a mano con la alternancia de superficies satinadas y cantos pulidos característica de la marca. Un trabajo exigente que resalta la singularidad del material y el color, explotando todos sus matices.

El nuevo Royal Oak Offshore Automático se presenta como parte del 30º aniversario de la colección nacida en 1993, cuyos modelos jamás han dejado de evolucionar en términos de movimientos, materiales, acabados y esferas.

The ceramic used on this timepiece has been meticulously finished to reveal its subtleties. The craftsmen of the Manufacture met a triple challenge. The first was to achieve the highest standards of quality and finishing, demanded by Audemars Piguet.

The second was to perfectly master ceramic which is particularly challenging to work with due to its extreme hardness. And finally, to marry the complex lines of the Royal Oak Offshore case with alternating polished and satin finishing.

Although the exact composition of the ceramic at Audemars Piguet remains a well-kept secret, it is partly made of zirconium oxide powder that is combined with a specific binder. Its homogeneous colour only appears once the material is sintered at temperatures in excess of 1,000°C.

Each component is then pre-polished and pre-satin finished. Lines, angles and bezels are meticulously finished by hand to obtain the alternating polished and satin surfaces that are the Manufacture’s signature style. This demanding work reveals the uniqueness of the material and its colour, exploiting all the subtleties of the material.

This new Royal Oak Offshore Selfwinding Chronograph is being released for the collection’s 30th anniversary, which saw its first model presented in 1993. Its various models have never ceased to evolve in terms of the movements, materials, finishings and dials used.

ALIANZA DE SABER HACER Y TECNOLOGÍA ALLIANCE OF KNOW-HOW AND TECHNOLOGY

LA LECCIÓN DE LA MARIPOSA A BUTTERFLY’S LESSON

Las mariposas son mitología, cultura y magia. Son emblemas de los cambios, de transformación y esperanza. Algo nace, algo cambia y se renueva con una fuerza poderosa y única. Tan única y poderosa como la relación de una madre con sus hijos.

En esta edición, en la que rendimos un pequeño homenaje a todas las madres en su día, nos sentimos orgullosos de presentar nuestra nueva colección de anillos “Farfalla”. Mariposas de colores llenas de simbolismo que representan feminidad y delicadeza, atributos que distinguen a toda mujer.

En esta colección, el encanto e inigualable belleza de las mariposas, quedan capturado en un diseño que evoca la esencia de la naturaleza y la capacidad del ser humano de crear algo excepcional y duradero. En oro rosa y blanco, con detalles en diamantes y zafiros o, diamantes y rubíes, cada una de las piezas de “Farfalla” representa la libertad y la transformación, la misma que a diario experimentamos como madres en nuestra constante búsqueda por hacer del mundo, un lugar mejor para sus hijos.

La lección de la mariposa consiste en no resistirse a las transiciones, aprender a renunciar, a dejar la comodidad de los nidos. A todas las madres, un reconocimiento lleno de amor y agradecimiento.

Butterflies are mythology, culture and magic. They are symbols of change, transformation and hope. Something is born, something changes and gets renewed with a strong and unique power. As unique and strong as the relationship between a mother and her children.

In this edition, in which we paid tribute to all mothers on their special day, we are proud to present our new ring collection, “Farfalla”. Colorful butterflies filled with symbolism that represent femininity and softness, quintessential attributes of every woman.

In this collection, the unparalleled charm and beauty around butterflies is captured in a design that brings back the essence of nature and the human ability to create something exceptional and long-lasting. In rose and white gold, with diamond and sapphire details, as well as in diamonds and rubies, each of the “Farfalla” pieces represent freedom and transformation, the same that we experience everyday as mothers in our constant search for making the world a better place for our children.

The butterfly’s lesson consists in not surrendering to transitions, to learn to renounce, to leave the nest comfort behind.

To all the mothers, a recognition full of love and gratitude.

POR CLAUDIA LARRAGUIBEL BY CLAUDIA LARRAGUIBEL

NO SO TRAS

US

LA COMPLICIDAD ENTRE MADRE E HIJA ES ÚNICA E INEXPLICABLE. CELEBRAMOS A TODAS LAS MADRES EN SU DÍA CON LA INSPIRACIÓN Y EL SELLO FAMILIAR DE MOSSO.

MUTUAL AFFECTION BETWEEN A MOTHER AND A DAUGHTER IS SOMETHING SINGULAR AND UNEXPLAINABLE. WE CELEBRATE ALL MOTHERS ON THEIR DAY WITH THE INSPIRATION AND FAMILY SEAL FROM MOSSO.

FOTOS: CARLOS SAAVEDRA / STYLIST: PEDRO AGUIRRE MAKE UP: CONSTANZA OYARZÚN.

PHOTOS: CARLOS SAAVEDRA / STYLIST: PEDRO AGUIRRE MAKE UP: CONSTANZA OYARZÚN.

MILAGRO ARQUITECTÓNICO ARCHITECTURAL MIRACLE

LA ABADÍA DEL MONT SAINT-MICHEL REPRESENTA UNO DE LOS EJEMPLOS MÁS NOTABLES DE LA ARQUITECTURA TANTO RELIGIOSA COMO MILITAR DE LA ÉPOCA MEDIEVAL. UN VERDADERO PRODIGIO ARQUITECTÓNICO.

THE MONT SAINT-MICHEL ABBEY REPRESENTS ONE THE MOST REMARKABLE EXAMPLES OF RELIGIOUS AND MILITARY ARCHITECTURE OF THE MEDIEVAL TIMES. A REAL ARCHITECTURAL WONDER.

POR: CAROLINA VARGAS P. / FOTOS: CORTESÍA CENTRO DE MONUMENTOS NACIONALES DE FRANCIA. BY: CAROLINA VARGAS P. / IMAGES: COURTESY OF THE NATIONAL MONUMENTS CENTER OF FRANCE.

La arquitectura medieval se toma las páginas de esta sección de nuestra MOSSO Life, para hablar de un lugar único que marca la historia de Francia. Nos referimos a la Abadía de Mont Saint-Michel, ubicada en el monte del mismo nombre, frente a la costa de Normandía y que este año celebra mil años desde que se instaló la primera piedra en 1023.

Algunos la llaman “la maravilla del Occidente”, otros se refieren a ella como una verdadera “hazaña técnica y artística”. Lo cierto es que con el paso de los años esta impresionante abadía benedictina de estilo gótico se ha convertido en un prodigio de la arquitectura medieval, cuyos constructores -en plena Edad Media- hicieron milagros, a pesar de la accidentada topografía del lugar. Posada sobre un islote rocoso que sobresale de la bahía, la edificación parece una obra de arte, cuya simbiosis entre la roca y el agua combina a la perfección con su increíble arquitectura.

Medieval architecture takes the pages of this section of our MOSSO Life to talk about a unique place that stands out in the history of France. We are talking about the Mont Saint-Michel abbey, located in the namesake mount in front of the Normandy coast, which also celebrated a thousand years since their first stone was installed in 1023.

Some call it “the Western world marvel”, others refer to it as an actual “artistic and technical milestone”. The truth is that with the passing of years this impressive gothic style Benedictine abbey has become a wonder of medieval architecture, whose constructors -in the Middle Ages at their fullest- made miracles despite the rough topography of the place. Placed upon a rocky islet that comes out of the bay, the building looks like a work of art, whose symbiosis between rock and water matches perfectly with its incredible architecture.

La historia de la construcción de la abadía del Mont Saint-Michel se inició en el siglo X y tardó 500 años en completarse. Las primeras obras fueron dirigidas por San Auberto, obispo de Avranches, a quien -según cuenta la leyenda- se le habría aparecido en sueños el Arcángel San Miguel instándolo a impulsar esta construcción en su honor. A la primera y modesta iglesia prerrománica erigida en el año 1.000 le siguió -en el siglo XI- una abadía románica que posteriormente, en el siglo XIII, se convirtió en una elevación gótica compuesta por dos edificios de tres plantas, sostenidos milagrosamente en la ladera de la roca. En sus tres niveles destacan el claustro anglonormando, la iglesia abacial y un majestuoso recinto de bóvedas utilizadas por los monjes como scriptorium o escritorio. Asimismo, contempló un sinnúmero de espacios complementarios, como despensas, cocinas y comedores, celdas y otras salas diferenciadas para acoger a pobres, peregrinos, caballeros y huéspedes ilustres.

La iglesia abacial, edificada a 80 metros de altura, en la cima del monte, reposa sobre una plataforma de 80 metros de largo sobre un conjunto de cuatro criptas apoyadas en la roca. Sin duda, una verdadera obra de ingeniería y pericia arquitectónica que mezcla toneladas de acero, piedra y cemento. Sólo para ejemplificar, según informa el Centro de Monumentos Nacionales de Francia, una de las 10 columnas que soportan el altar mide cinco metros de circunferencia, y las bóvedas descansan directamente sobre ellas sin necesidad de capiteles.

The story of the Mont Saint-Michel abbey’s building process began in the 10th century and took five hundred years to complete. The first works were directed by Saint Aubert, bishop of Avranches, to whom -according to the legend- St. Michael Archangel appeared in dreams to urge him to build the abbey in his honor. To the first modest pre-romanesque church erected in the year 1.000 a romanesque abbey followed during the 9th century that later turned into a gothic elevation composed by two 3-storey buildings, miraculously supported by the hillside of the rock. On its three levels you can see the Anglo-Norman cloisters, the abbatial church and a majestic facility of vaults used by the monks as a scriptorium or bureau. Likewise, it considered countless complementary spaces such as pantry rooms, kitchens and dining rooms, cells and other defined rooms to house indigents, pilgrims, knights and other illustrious guests.

The abbatial church, built 80 meters high, at the top of the mount, lies upon a 80 meter long platform over a group of four supported crypts on the rock. Undoubtedly, a real engineering and architectural skillful work that mixed tons of steel, stone and cement. Just to illustrate this, according to The National Monuments Center of France, 1 out of 10 columns that support the altar is five meters long in its circumference and the vaults rest directly on them with no need of capitals.

Desde su creación a la fecha, la abadía -que hoy atrae a peregrinos y turistas de todo el mundo- ha sufrido inumerables transformaciones producto de incendios, derrumbes y algunos acontecimientos históricos, como el ocurrido después de la Revolución Francesa. En esa época todas las propiedades de la Iglesia pasaron a convertirse en bienes nacionales. Eso no solo significó la expulsión de los últimos monjes del Mont Saint-Michel, sino también una radical transformación del lugar. De un espacio de oración se convirtió en una prisión que alojó en su interior a presos comunes y políticos. Tras su cierre en 1863 la edificación, si bien no fue destruida, quedó en un estado de franco deterioro.

Tras un incendio en 1776, se decidió demoler los tramos occidentales de la nave -donde se esconden la capilla de Trente-Cierges, la de Saint-Martin y la cripta del coro- y se construyó la actual fachada. Años más tarde, azotada por los enfrentamientos bélicos del siglo XVIII, fue abandonada hasta ser recuperada en pleno siglo XIX.

En 1979 fue declarada Patrimonio Mundial de la UNESCO y en 1998 el lugar vuelve a ser reconocido e incluido en los “Caminos de Santiago de Compostela en Francia”. Un doble reconocimiento que demuestra su valor universal y excepcional.

From its creation to this day, the abbey -that nowadays attracts pilgrims and tourists from all over the world- has suffered countless transformations due to fire damage, landslides and some historical events, like the ones that came after the French Revolution. At that time every property owned by the Church became national assets.

Not only did it meant the ousting of the last monks off the Mont Saint-Michel, but also, a radical transformation of the place. From a space of prayer, it became a prison that housed common and political prisoners. After its closure in 1863 the building, even though it was not destroyed, remained in a state of clear deterioration.

After a fire in 1776, it was decided to demolish the western section of the vessel -where the Trente-Cierges and Saint-Martin chapels and the choir crypt are hidden- and then to build the current facade. Years later, devastated by the war battles of the 18th century, it was abandoned until its recovery in the middle of the 19th century.

In 1979 it was declared a World Heritage Site by UNESCO and, in 1998, the place was again recognized and included in the “Roads of Santiago de Compostela in France”. A double recognition that shows its universal and exceptional value.

CURIOSIDADES / SOME FUN FACTS

Por su condición insular, el acceso al monte siempre ha sido una preocupación para los visitantes. Es por esta razón que en 1878, gracias al trabajo de los ingenieros y arquitectos de la época, se abrió un dique-carretera y, años más tarde, se construyó una línea de tranvía que conduce hasta el monumento.

Otra alternativa para llegar a la isla es caminando, pero solo si la marea está en su nivel bajo. Y es que cuando en la costa de Normandía sube la marea, el Mont Saint-Michel queda totalmente aislado por las aguas dos veces al día. Con la bajamar es posible recorrer a pie la base de la isla. Sin embargo, en pleamar el agua cubre el vado sumergible y desaparecen los accesos por tierra y es entonces cuando se disfruta de la imagen más mágica del lugar: el Mont Saint-Michel flotando sobre la nada.

En 2005 se llevó a cabo un proceso de rehabilitación que duró 10 años y que incluyó una presa, cimientos más fuertes y una carretera de acceso en bajamar para devolver el carácter marítimo al más extraordinario de los destinos religiosos de Francia.

La abadía del Mont Saint-Michel esconde en un rincón una curiosa noria de madera, que sorprende a los visitantes que se topan con ella. Esta habría sido instalado a inicios del siglo XIX para ayudar primero a traer las piedras, madera y otros materiales con los que se construían los nuevos edificios del roquedo, y luego, con la vida monástica instalada en el monte, para elevar a modo de montacargas los víveres y alimentos para los religiosos, peregrinos y visitantes. Asimismo en el tercer nivel de la abadía contiene un claustro abierto, suspendido entre el cielo y el mar. El espacio cuenta con un jardín rodeado de dobles filas de columnas y enjutas delicadamente talladas, realizadas con piedra de granito y mármol. Pero lo más notable son sus arcos trípode, creados para la iglesia de estilo románico normando del siglo XI. Misterio, magia e historia en un solo lugar. Sin duda, un destino imperdible para recorrer y disfrutar durante su próxima estancia en Francia.

Thanks to its insular condition, the access to the Mount has always been a concern to the visitors. This is the reason why in 1878, thanks to the work of engineers and architects at the time a dock road and, years laters, a tramway line was built in order to get to the monument.

Another alternative to get to the island is by foot, as long as the tides are at its lowest level. When the tides go up in the coast of Normandy, the Mont Saint-Michel remains completely isolated by the waters at least two times a day. With the low tide it is possible to walk around the island. However, during high tide, the water covers the submersible ford and the ground access disappears and that’s when you can enjoy the most magical image of the place: the Mont Saint-Michel floating in the middle of nowhere.

In 2005 a ten-year process of rehabilitation was carried out, including a dam, stronger pillars and an access road for the low tide to return the seaside character to the most extraordinary of France’s religious destinations.

The Mont Saint-Michel abbey hides a curious wooden ferris wheel in one of its corners, which surprises the visitors that run into it. It was allegedly installed at the beginning of the 19th century to assist in bringing stones, wood and other materials with which the construction of the new buildings was being developed and then, with the monastic life installed in the mount, to serve as a lift for food and supplies for the monks, pilgrims and visitors.

Also, in the third level of the abbey there’s an open cloister, suspended between the sky and the sea. The space counts with a garden surrounded by a double column row and delicately carved spandrels, made with granite stone and marble. But the most remarkable aspect are their tripod archs, created for the 9th century Roman-Norman style church.

Mystery, magic and history all in one place. Without question, a mustsee destination to explore and enjoy during your next stay in France.

ALGUNAS

EL AÑO DE PICASSO THE

YEAR OF PICASSO

CON MÁS DE 50 EXPOSICIONES Y EVENTOS, EL MUNDO SE PREPARA PARA CONMEMORAR EL QUINCUAGÉSIMO ANIVERSARIO DEL FALLECIMIENTO DEL ARTISTA ESPAÑOL. UNA CELEBRACIÓN SIN PRECEDENTES, PARA REDESCUBRIR AL MAYOR ARTISTA DEL SIGLO XX.

MORE THAN 50 EXHIBITIONS AND EVENTS, THE WORLD IS GETTING READY TO COMMEMORATE THE FIFTIETH ANNIVERSARY OF THE SPANISH ARTIST’S PASSING. A CELEBRATION WITHOUT PRECEDENTS TO REDISCOVER THE GREATEST ARTIST OF THE 20TH CENTURY.

POR CAROLINA VARGAS P. / FOTOS: CORTESÍA DE ACCIÓN CULTURAL ESPAÑOLA. BY CAROLINA VARGAS P. / IMAGES: COURTESY OF ACCIÓN CULTURAL ESPAÑOLA.

Si hay un artista que será protagonista en el mundo de la cultura este 2023, sin duda será Pablo Picasso. El 8 de abril de este año se cumplieron 50 años del fallecimiento del artista español, evento que marca la celebración de su obra y su herencia artística en Francia, España y Estados Unidos. Un encuentro que se ha denominado “Celebración Picasso 1973- 2023” y que nace por iniciativa de los gobiernos de Francia y España, quienes acordaron trabajar conjuntamente en un programa de alcance internacional, que considera la realización de 50 exposiciones y eventos a nivel mundial. La conmemoración, acompañada de celebraciones oficiales en ambos países, también permitirá hacer balance de las investigaciones e interpretaciones sobre la obra del pintor malagueño, especialmente, durante un importante simposio internacional que se realizará en otoño de 2023, coincidiendo con la apertura del Centre d'Études Picasso en París.

Para conocer en profundidad los detalles de este gran acontecimiento, conversamos con el español Carlos Alberdi, comisionado de la Celebración Picasso.

If there’s an artist that will take the lead in the world of culture this year 2023, it will definitely be Pablo Picasso. This April 8th marks the fiftieth anniversary of the spanish artist’s passing, event that celebrates his work and artistic heritage in France, Spain and the United States. An encounter named “Celebración Picasso 19732023” that comes to life by initiative of the governments of both France and Spain, who agreed a conjunctive work for an international-targeted program that considers the worldwide realization of 50 exhibitions and events.

The commemoration, followed by official celebrations in both countries, will also allow to make a balance of the investigations and interpretations on the artwork of the Málaga-native painter, specia-

lly during an important international symposium that will take place during this year’s fall, meeting the opening of the Centre d’Études Picasso in Paris.

To know more about the details of this great event, we spoke with Carlos Alberdi, commissioner of the Celebración Picasso.

¿Cómo y cuándo nace esta celebración?

Esta es una iniciativa de los presidentes Macron y Sánchez, quienes el año pasado decidieron unir fuerzas para recordar los 50 años de Picasso. Si bien la mayor parte de las exposiciones y de los actos de celebración van a ser en Francia y en España, también es importante subrayar que hay una ciudad que se une de una manera, digamos no oficial, pero sí de facto, y que es Nueva York. Ahí, a lo largo de este año se realizarán cinco o seis exposiciones en los grandes centros de arte contemporáneo. Esto responde a lo que fue la personalidad de Picasso y, sobre todo, a su gran éxito. Es decir, que el lado neoyorquino de Picasso es de una importancia crucial para entender todo.

How and when this celebration came out?

This is an initiative of presidents Macron and Sánchez, who decided last year to join forces in order to remember Picasso’s 50 years. Even though most of the exhibitions and celebrative acts will take place in France and Spain, it’s also important to stand out that there’s a city that comes together in a way that is, let us say, non-official but de facto, which is New York City. In there, throughout this year, five or six exhibitions will be hosted in the greatest contemporary art centers. This answers to Picasso’s personality and, above all, to his big success. So, Picasso’s newyorker aspect is crucial to understand everything as a whole.

Museo Thyssen-Bornemisza

¿Cuál es el principal objetivo de esta celebración?

Lo que se quiere es hacer una relectura de Picasso. Han pasado 50 años y Picasso ya es parte de la historia del arte. Para España es especialmente importante, porque como se sabe, él no pudo volver a su país. Picasso muere en el año 1973, un par de años antes que Franco, y si bien aquí se le hizo un importante homenaje con motivo de su centenario en 1981, hoy, 50 años después, la institucionalidad cultural española es más densa, sobre todo en el tema del arte contemporáneo. De hecho, en este momento hay cuatro ciudades picassianas muy implicadas en la celebración como son Málaga, La Coruña, Barcelona, Madrid y también el Guggenheim de Bilbao. Es decir, visto con ojos españoles, esta celebración es un reconocimiento a un español que tuvo que emigrar a París para desarrollar su carrera artística. La vida de Picasso tiene momentos de brillo y de gran éxito, pero también tiene momentos de enorme dificultad. A partir de ahí, lo que buscamos es esa relectura de una manera lo más diversa posible.

What’s the main purpose of this celebration?

Our wish is to make a review of Picasso. It’s been 50 years and Picasso is already part of art history. For Spain is specially important because, as it is well known, he couldn’t return to his homeland. Picasso dies in 1973, a couple of years prior to Franco. Though he was honored in the occasion of his centenary in 1981, today, 50 years later, Spain’s cultural milieu is more robust, specially in contemporary art. In fact, in this moment, there are four picassian cities that are very much involved in the celebration, like Málaga, A Coruña, Barcelona, Madrid and also Bilbao’s Guggenheim Museum. I mean, as seen with spanish eyes, this celebration is the recognition of a spaniard that had to emigrate to Paris to develop an artistic career. Picasso’s life has moments of shine and big success, but also, it has moments of huge difficulty. From there, what we are looking for is that review in the most diverse way as possible.

Hablemos de las exposiciones…

En el Museo de Bellas Artes de La Coruña, ciudad en la que inició su formación académica, se inaugurará Picasso blanco en el recuerdo azul, una exposición dividida en 10 etapas a través de las cuales se recorrerá la huella que su periodo de formación tuvo en su posterior carrera.

A partir del 22 de junio el Museu del Disseny de Barcelona le dedicará una muestra centrada en la cerámica y el 19 de octubre se abrirá una gran exposición coorganizada por la Fundación Joan Miró y el Museu Picasso de Barcelona, la que profundiza en la amistad que unió a ambos creadores.

En Madrid serán tres exposiciones temporales que se podrán ver en instituciones como la Academia de Bellas Artes de San Fernando, La Casa Encendida y el Museo del Prado. Esta última da cuenta de la influencia de El Greco en el pintor español y mostrará cuatro apóstoles de El Greco y cuatro de Picasso que pertenecen a la época más críptica del cubismo más hermético. Aun siendo pequeña, esta será una exhibición muy notable que recordará el paso de Picasso como director del Museo del Prado durante la guerra civil. Y Málaga centrará toda su atención en los dos museos: la Casa Natal presenta en Las edades de Pablo, con un recorrido cronológico y estilístico por su obra según las etapas que marcaron su vida. Y en el Museo Picasso se verá Picasso: materia y cuerpo, que reúne una selección de esculturas que amplía las formas del cuerpo humano, desglosándolo en una diversidad de formatos y géneros. A finales de año este mismo centro abrirá sus puertas a El eco de Picasso para analizar el efecto que ha ejercido la obra de Picasso en el arte contemporáneo posterior.

Let’s talk about the exhibitions…

In the Museum of Fine Arts of A Coruña, city where he started his academic training, the exhibition Picasso blanco en el recuerdo azul (White Picasso in the blue memory), which is divided in ten stages, through which the visitor will go through the trail of his training period and the effect on his later career.

Starting on June 22th, Barcelona’s Museu del Disseny will dedicate an artshow focused on ceramic work and, on October 19th, a big exhibition will open with the co-organization of the Fundación Joan Miró and the Museu Picasso of Barcelona, which deepens in the friendship between both creators.

Madrid will host 3 temporary exhibitions that can be seen at institutions like the Academia de Bellas Artes de San Fernando (San Fernando Academy of Fine Arts), La Casa Encendida (The Lit House), and the Museo del Prado. The last one, will focus on the influence of El Greco in the work of the spanish painter and will show four apostles from El Greco and four from Picasso that belong to the most cryptic era of cubism in its most hermetic phase. Though it’s a smaller exhibition, it’s a very remarkable one that will remember the years of Picasso as head director of the Museo del Prado during the Civil War years. And Málaga will put all of its attention in two museum: the Casa Natal will present Las edades de Pablo (The ages of Pablo), a chronologic and stylistic journey through his artwork according to the ages that determined his life path. And at the Museo Picasso you can see Picasso: materia y cuerpo (Picasso: substance and body) that gathers a selection of sculptures that widen the shapes of the human body, dissecting it in a diversity of formats and genders. By the end of this year, the same art center will be opening the doors to El eco de Picasso (Picasso’s Echo) to analyze the effects of Picasso’s work in the unfolding of later contemporary art.

Constelación de exposiciones

El programa internacional de esta celebración gira en torno al Museo Picasso de París, ya que es el mayor prestador de obras del evento. En Francia son varias las exposiciones que se irán sucediendo hasta el año 2024. De ellas, Alberdi destaca dos, una comisariada por el diseñador Paul Smith y otra a cargo de la artista Sophie Calle. Nueva York es otro de los vértices importantes para contar la historia de Picasso. “El Metropolitan inauguró El cubismo y la tradición del Trompe-L’oeil, donde se presentan ejemplos clásicos de trampantojos de Europa y Estados Unidos, así como los engaños visuales de los papeles pintados que se incorporan a los collages cubistas”, señala Alberdi. También se unen a la celebración centros como el Solomon R. Guggenheim con una muestra que pivotará sobre la obra Le Moulin de la Galette (1900) y el MoMA, que ha escogido el período en que Picasso vivió en Fontainebleau entre julio y septiembre de 1921. Por su parte, el Brooklyn Museum presenta una muestra en torno a las mujeres denominada Picasso y el feminismo, la que tratará de abordar temas contingentes y de interés del público, como la misoginia, la masculinidad, la creatividad y el genio en la figura de Picasso.

A constellation of exhibits

The international program of this celebration will revolve around the Picasso Museum of Paris, which is the biggest provider of artworks for the event. In France there are various exhibitions that will be happening till 2024. Of the whole, Alberdi makes a point on two of them, one with designer Paul Smith as commissioner and the other with artist Sophie Calle as director in charge.

New York is another one of the important angles to tell the story of Picasso. “The Metropolitan opened Cubism and the tradition of Trompe-L’oeil, where classic examples of trompe-l’oeil art from Europe and USA are presented, as well as visual illusions of painted papers that are incorporated to the cubist collages”, Alberdi points out. Also joining the celebration, art centers like the Solomon R. Guggenheim will host an exhibit that orbits around Le Moulin de la Gallette (1900), and the MoMA has chosen Picasso’s period in Fontainebleau, which goes between july and september of 1921. The Brooklyn Museum, in turn, will present an exhibition on women called Picasso and feminism, which will address contingent topics of public interest, such as misogyny, masculinity, creativity and the figure of Picasso himself.

¿Cuál es el objetivo del simposio internacional?

No todo son exposiciones. La parte académica, de investigación y del conocimiento sobre la figura de Picasso también es muy importante en esta celebración. Si bien ya hubo un pequeño congreso en el Centro de Arte Reina Sofía, habrá también un momento muy importante que cerrará el año con un enorme y ambicioso congreso en la sede de la Unesco en París. Una reunión a la que asistirán los picassianos más estudiosos y mejor documentados, con el objetivo de presentar el nuevo centro de estudios Picasso el que estará asociado al Museo Picasso París.

What is the objective of the international symposium?

Not everything goes around exhibitions. The academic, research and knowledge part about Picasso is also very important in this celebration. Even though there was a small congress at the Centro de Arte Reina Sofía (Queen Sofía Center of Art), there will also be a very important moment that will close this year with an enormous and ambitions congress at the Unesco headquarters in Paris. A meeting to which the most remarkable and well-documented picassians will assist, with the aim to present the new Picasso Center of Studies that will be associated with the Picasso Museum of Paris.

¿Qué les diría a los chilenos que viajan a Europa este año?

Si pienso en algunos amigos chilenos, les diría que aprovechen de visitar algunas de las ciudades picassianas en España. Málaga y sus dos museos, o La Coruña, ciudad donde Picasso vivió cuatro años. Ambos, destinos maravillosos. A los que van a París, sin duda, les recomiendo visitar el Museo Picasso de la ciudad. Al terminar, cabe destacar que el programa de celebración está organizado por la Comisión Nacional Española para la Conmemoración del 50 aniversario de la muerte de Pablo Picasso, el Musée National Picasso-Paris y la Acción Cultural Española.

What would you say to chileans that will travel to Europe this year?

If I think of some chilean friends of mine, I would tell them to take the opportunity to visit some of the picassian cities in Spain. Málaga and its two museums, or A Coruña, city where Picasso spent four years. Both of them are wonderful destinations. For those who go to Paris, I would certainly recommend them to visit the city’s Museo Picasso. At the end, it’s worth highlighting that the celebration program is being organized by the Spanish National Commission for the Commemoration of the 50th anniversary of Pablo Picasso’s death, the Musée National Picasso-Paris and Acción Cultural Española.

Museu Picasso Barcelona

LAS BIBLIOTECAS MÁS LINDAS DEL MUNDO

THE WORLD’S MOST BEAUTIFUL LIBRARIES

SON LA CASA DEL CONOCIMIENTO Y LA HISTORIA, Y ESTÁN UBICADAS EN DIFERENTES REGIONES DEL MUNDO. LOS INVITAMOS A REALIZAR UN RECORRIDO POR LAS BIBLIOTECAS QUE DEBES CONOCER EN TU PRÓXIMO VIAJE.

THEY ARE THE HOUSE OF KNOWLEDGE AND HISTORY, AND ARE LOCATED IN DIFFERENT PLACES OF THE WORLD. WE INVITE YOU TO TAKE A TOUR OF THOSE LIBRARIES THAT YOU MUST VISIT ON YOUR NEXT TRIP.

Las bibliotecas guardan la historia del conocimiento y se levantan como monumentos que dan cuenta de diferentes épocas de la arquitectura, el diseño y el arte. Conocerlas y recorrerlas es un panorama imperdible a la hora de viajar. Aunque a menudo olvidamos incluirlas en nuestros itinerarios como lugares a visitar, en ellas están las memorias de cada país conservadas a través de valiosos manuscritos que trascienden generaciones.

En el mundo hay muchas bibliotecas que, desafiando el paso del tiempo, custodian tesoros de incalculable valor, ofreciendo a lectores y turistas una experiencia de lujo extraordinaria. Es por esta razón que nuestro equipo realizó una pequeña selección de las que consideramos las bibliotecas más lindas del mundo.

Libraries keep the history of knowledge and emerge as monuments that are witnesses of different ages of architecture, design and art. Getting to know them and visiting is a must-see when it comes to traveling. Even though we often forget to include them in our itineraries as places of interest, the memories of each country live in them, conserved in valuable manuscripts that go beyond generations. There are lots of libraries in the world that, defying the passing of time, guard treasures of priceless value, offering an extraordinary luxury experience to both readers and tourists. This is the reason why our team made a small selection of those we consider the most beautiful libraries in the world.

BIBLIOTECA DEL MONASTERIO DE ADMONT, AUSTRIA ADMONT ABBEY LIBRARY, AUSTRIA

Diseñada a finales del siglo XVIII en pleno corazón de Austria, encontramos esta espectacular biblioteca que hoy acoge más de 70.000 volúmenes de incalculable valor histórico.

Arquitectónicamente, es una de las creaciones más representativas del barroco europeo tardío. En su interior destacan diversos géneros artísticos (arquitectura, frescos, esculturas, manuscritos y obras impresas) que se suman para formar, en su conjunto, un espacio realmente impresionante. Por sus dimensiones -70 metros de largo, 14 metros de ancho y 13 metros de altura- se ha convertido también en la biblioteca monástica más grande del mundo. Otra de atracciones es el mármol blanco, rojo y gris que decora el piso y que permite, en cada mirada, reconocer figuras distintas como bandas, líneas en zigzag o cubos transformándose en un verdadero viaje de descubrimiento.

La gran sala de la biblioteca de Admont está dividida en tres espacios: el central, donde se ubica la cúpula central, más dos cámaras laterales. Las estanterías de la biblioteca ocupan dos pisos y están colmadas de libros llenos de historias y conocimientos. Cabe destacar que solo una pequeña parte de la enorme colección de la biblioteca se ubica en este espacio, el resto, dado su volumen, se guarda en otras dependencias. Otra de sus características, el predominio del color blanco, tanto en las estanterías como en la encuadernación de sus libros, lo que aporta una gran sensación de pulcritud y amplitud al espacio.

La Biblioteca de Admont es la verdadera joya de este monasterio.

Designed by the end of the 18th century at the heart of Austria, we can find this amazing library that today houses more than 70.000 volumes of priceless historical value.

Architecturally, it is one of the most representative creations of the late European baroque. Inside, there are different artistic genres (architecture, fresco paintings, sculptures, manuscripts and printed work) that gather in order to give shape, jointly, to a really impressive space. Due to its dimension -70 meters long, 14 meters wide and 13 meters high- it has also become the largest monastic library in the world. Another of its features is the white, red and gray marble that decorates the floor and allows, every time you look at it, to recognize different shapes, like bands, zigzag or cubes, transforming into a real journey of discovery.

The big room of the Admont library is divided into three spaces: the center one, where the main dome is located, besides two lateral chambers. The library’s bookshelves take up two floors and are full of books filled with stories and knowledge. It is noteworthy that only a small fraction of the enormous library collection is located in this space. The rest, due to its volume, is stored in other spaces. Another one of its features, the predominant white tone, can be seen in the bookshelves as well as on the bookbindings, bringing a sense of pulchritude and openness to the space. The Admont library is truly the gem of this abbey.

Créditos: Thaler Tamas - Trabajo propio, CC BY-SA 4.0

Credits: Thaler Tamas - Authorial work, CC BY-SA 4.0

BIBLIOTECA DE STUTTGART, ALEMANIA STUTTGART CITY LIBRARY, GERMANY

Esta biblioteca en forma de cubo de Rubik es moderna, minimalista y estéticamente agradable. Su brillante diseño blanco la distingue y asemeja a una verdadera y espectacular galería de arte moderno.

El espacio, inaugurado el 24 de octubre de 2011 y proyectado por el arquitecto coreano Eun Young Yi, tiene nueve plantas, dos de ellas subterráneas y, más de 20.000 m² de superficie. El exterior consta de dos fachadas, una de las cuales destaca por sus ladrillos de cristal o pequeñas ventanas que iluminan la noche con diferentes diseños y colores, ofreciendo a los habitantes de Stuttgart y sus visitantes un impresionante espectáculo. En su interior, predomina el color blanco el que combina a la perfección con los miles de libros que se alinean en los estantes.

Esta biblioteca ofrece un ambiente amigable que inspira e invita a leer y relajarse en alguna de sus múltiples salas de lectura. Una de ellas, famosa por su forma de pirámide invertida. Y en el 8º piso destacan una cafetería y una terraza con una bonita vista de la ciudad. Por su modernidad esta biblioteca es una de las mejores bibliotecas en toda Alemania.

This Rubik cube-shaped library is modern, minimalistic and aesthetically pleasing. Its brilliant white design makes it perfectly visible, resembling a real and spectacular modern art gallery. The space, inaugurated on October 24, 2011 and designed by

Créditos:

Edificio: De Mussklprozz - Trabajo propio, CC BY-SA 3.0

Estantes: De Cmsfreiberufler - Trabajo propio, CC BY-SA 4.0

Credits:

Building: From Mussklprozz - Authorial work, CC BY-SA 3.0

Bookshelves: From Cmsfreiberufler - Authorial work, CC BY-SA 4.0

Korean architect Eun Young Yi, boasts nine levels two of which are underground and a surface of more than 20.000 m². The exteriors count with two facades, one of which stands out for its crystal bricks or small windows that illuminate the night with different patterns and colors that offer Stuttgart residents and visitors a one-of-a-kind spectacle. Inside, the white color predominates with a perfect combination with the thousands of books that are aligned on its shelves. This library offers a friendly atmosphere that inspires and invites visitors to read and relax in one of the multiple reading rooms. One of them, famous for its inverted pyramid shape. On the 8th floor there’s a cafeteria and a terrace with an amazing view of the city. Its level of modernity makes it one of the most outstanding libraries in all Germany.

OLD LIBRARY DEL TRINITY COLLEGE DE DUBLÍN OLD LIBRARY AT TRINITY COLLEGE, DUBLIN

Ubicada en pleno centro de Dublín, específicamente en el campus de la universidad más antigua (1592) y prestigiosa de Irlanda: el Trinity College, esta biblioteca es, para los amantes de la literatura, un verdadero paraíso.

Una de sus mayores atracciones es The Long Room o sala principal, construida entre 1712 y 1732 por el arquitecto Thomas Burgh. Un espacio único que en sus 65 metros de largo alberga 200.000 libros, según dicen, los más antiguos de Irlanda. En sus inicios este espacio consideraba una sola planta, pero con el correr creció para dar cabida a nuevas estanterías repletas de libros. Es así como en 1860 The Long Room sumó un piso superior que destaca por el magnífico techo de bóveda de cañón revestido de oscura madera de roble que hoy aloja sus valiosos manuscritos. Otro de sus atributos es su impresionante colección de esculturas (1.743). Más de 40 bustos de mármol de filósofos y escritores del mundo occidental vigilan la gran sala y dan la bienvenida a cada estantería. Entre ellos: Aristóteles, Francis Bacon, Cicerón, Homero, John Locke, Isaac Newton, Platón, William Shakespeare y Sócrates. Old Library del Trinity College de Dublín no solo es la biblioteca más grande de Irlanda, sino también una de las más impresionantes del mundo.

Located at the centermost part of Dublin, specifically in the campus of the most ancient (founded in 1592) and prestigious university of Ireland: the Trinity College, this library is an actual paradise for those in love with literature.

One of its greatest attractions is The Long Room, built between the years 1712 and 1732 by architect Thomas Burgh. A unique space that, through its 65 meters stores more than 200.000 books, which they say, are Ireland’s oldest. In the beginning, this space considered only one level, but eventually the place grew to give space for new bookshelves to be occupied. This is how, in 1860, The Long Room added an upper level that stands out for its magnificent barrel vault ceilings, coated with dark oak wood that houses valuable manuscripts to this day.

Another one of its features is the outstanding collection of sculptures from 1.743. Over 40 marble busts of philosophers and writers from the western world guard the room and welcome every shelf. Among them you will find: Aristotle, Francis Bacon, Cicero, Homer, John Locke, Isaac Newton, Plato, William Shakespeare and Socrates.

The Old Library at Dublin’s Trinity College is not only the biggest library in Ireland, but also one of the most astonishing in the world.

Créditos: De Diliff - Trabajo propio, CC BY-SA 4.0

Credits: From Diliff - Authorial work, CC BY-SA 4.0

BIBLIOTECA VASCONCELOS, CIUDAD DE MÉXICO BIBLIOTECA VASCONCELOS, MEXICO CITY

Por su impresionante arquitectura, esta biblioteca se ha transformado más que en un espacio para la lectura, en un símbolo del deseo de los habitantes de la Ciudad de México por empaparse de cultura. Ubicada en el barrio de Buenavista, a pocos kilómetros del Centro Histórico de la ciudad, es reconocida como un verdadero templo de la literatura.

Su nombre hace referencia a José Vasconcelos (1882-1959), un reconocido abogado, educador y filósofo mexicano, famoso por ser un gran promotor de la cultura.

Respecto de su arquitectura, cabe destacar que la gran estructura de acero, concreto y cristal con detalles en madera, diseñada por el arquitecto mexicano Alberto Kalach, consta de tres estructuras alineadas de siete niveles cada una, construidas en un terreno de 37.692 m2, de los cuales un 70% pertenece al jardín botánico que rodea al edificio. Se trata de un gran pulmón verde en el que habitan 168 especies de plantas, entre ellas: fresnos, encinos y palmas. El enorme tragaluz de la biblioteca complementa el enfoque ecológico que caracteriza las construcciones de Kalach, y crea las condiciones ideales para que la mayor parte del edificio sea iluminada con luz natural. Otra de las atracciones es el Matrix Móvil ubicado en el centro del primer piso. La escultura, obra de Gabriel Orozco, consiste en un esqueleto de ballena gris -recogido en las playas de Baja California-que el artista decoró con curvas orgánicas que siguen la estructura ósea del animal. Sin embargo, el elemento más reconocible de la Biblioteca Vasconcelos son sus 40 mil metros de estanterías flotantes que actualmente albergan alrededor de medio millón de libros.

Thanks to its impressive architecture, this library has turned into a space that is more than just a space for reading; it’s a symbol of desire for Mexico City inhabitants to get soaked into culture. Located at the Buenavista district, a few kilometers from the Historical Center of the city, it’s recognized as an actual temple for literature. It is named after José Vasconcelos (1882 - 1959), a well-known attorney, educator and Mexican philosopher, famous for being a big promoter of culture.

Concerning its architectural work, it’s worth mentioning that the great steel, concrete and crystal structure with wooden details, designed by Mexican architect Alberto Kalach, counts with three aligned structures of seven floors each, built in a land of 37.692 m2, of which a 70% belongs to the botanical garden that surrounds the building. It’s a big green lung in which you can find 168 vegetal species, such as ash trees, live oaks and palm trees. The big library skylight complements the ecological focus that is well known in Kalach’s constructions, and creates the perfect conditions for the building to be naturally lit. Another one of the attractions is the Matrix Móvil located at the counterpart of the first floor. The sculpture, made by Gabriel Orozco, consists of a gray whale skeleton -collected at the beaches of Baja California- that the artist decorated with organic curves that follow the bone structure of the animal. However, the most recognizable element of the Biblioteca Vasconcelos is its 40.000 meters of floating bookshelves that today store half a million books.

MÁS DE 25 DÍAS DE AVENTURA / MORE THAN 25 DAYS OF ADVENTURE

PATAGONIA SIN LÍMITES

JUNTO A DOS PORSCHE

CAYENNE

PATAGONIA WITHOUT LIMITS NEXT TO TWO PORSCHE CAYENNES

DOS SUV´S REACONDICIONADOS CON ACCESORIOS ORIGINALES DE PORSCHE TEQUIPMENT RECORRIERON MÁS DE 3.500 KILÓMETROS DESDE PUERTO MONTT A USHUAIA.

TWO REFURBISHED SUVS WITH ORIGINAL ACCESORIES FROM PORSCHE TEQUIPMENT DROVE DOWN MORE THAN 3.500 KILOMETERS FROM PUERTO MONTT TO USHUAIA.

La Patagonia ofrece por cada kilómetro recorrido un escenario digno de una cinta cinematográfica y un imponente desafío que no fue problema para los dos Porsche Cayenne - de primera generación –que llegaron hasta allá.

Ambos modelos iniciaron su recorrido en Chile, en la ciudad de Puerto Montt hasta Ushuaia en Argentina, atravesando montañas, glaciares y bosques. Una aventura de ensueño donde lo importante no era el punto de llegada sino el propio camino.

El inicio de la travesía hacia la carretera austral comenzó en tierras nacionales, pero consideró un desvío hacia el otro lado de la Cordillera de Los Andes: la mira estaba puesta en Bariloche, una de las ciudades símbolo en la historia de la Patagonia.

Esta localidad trasandina cuenta con una gran influencia de inmigrantes alemanes. Su historia como antiguo puesto de comercio y su moderno papel como destino turístico, reflejó el desarrollo de muchas ciudades y pueblos patagónicos a su alrededor. Bariloche, la capital de la provincia del Río Negro, albergó con hermosos paisajes a la caravana de Porsche Cayenne Classic. De regreso a Chile, comenzó la aventura en dirección a Chaitén y los fiordos del Pacífico Sur.

Son 750 kilómetros los que separan a Chaitén de los glaciares alrededor de la ciudad de Cochrane, en donde gran parte de la ruta no está pavimentada, llevando a los dos modelos Cayenne a través de paisajes sublimes y terrenos inhóspitos.

Por el norte, el camino cruza varios volcanes, atravesando el Parque Nacional Corcovado y la Región de los Lagos para llegar al Fiordo Puyuhuapi.

LOS PORSCHE CAYENNE QUE ATRAVESARON LA PATAGONIA FUERON REACONDICIONADOS CON ACCESORIOS ORIGINALES DE PORSCHE TEQUIPMENT.

THE PORSCHE CAYENNES THAT WENT THROUGH THE PATAGONIA WERE REFURBISHED WITH ORIGINAL ACCESSORIES FROM PORSCHE TEQUIPMENT.

For each kilometer traveled, Patagonia offers a movie-worthy setting and an extraordinary challenge that did not become a hurdle at all for the two Porsche Cayennes -first generation models- that went all the way there.

Both models started their journey in Chile, in the city of Puerto Montt down to Ushuaia in Argentina, going through mountains, glaciers and forests. A daydream fantasy where the most important thing was not getting to the finish point, but the road itself.

The starting point of the journey toward the Carretera Austral (Southern Highway) began in national grounds, but it considered a detour to the other end of the Andes Mountains: the aim was set in Bariloche, one of the symbolic cities in the history of Patagonia. This trans-Andean town is heavily influenced by German immigrants. Its history as an older trading post and its modern role as a touristic destination, resulted in the development of various nearby cities and Patagonian towns.

Bariloche, the capital city of the Río Negro province, hosted the Porsche Cayenne Classic caravan with breathtaking landscapes. On its return to Chile, the adventure started with the route to Chaitén and the South Pacific fjords.

There are about 750 kilometers that separate Chaitén from the glacials around the city of Cochrane, where most of the road is still not paved, getting both Cayenne models through majestic landscapes and desolate terrains.

On the northern side, the route crosses several volcanoes, going across the Corcovado National Park and the Lake Region in order to reach the Puyuhuapi Fjord.

La tercera etapa propuso un cambio de rumbo. Las enormes capas de hielo de los lagos glaciares que se presentaban en el camino obligaron a la expedición a volver a cruzar la frontera que separa Chile de Argentina. Allí se pudo disfrutar de impresionantes bellezas naturales: las montañas Fitz Roy y Cerro Torre al oeste de El Chaltén. Finalmente, Torres del Paine, otra de las maravillas de la Patagonia.

El final del continente estaba cerca, avanzando hacia la cuarta etapa del viaje. La belleza salvaje e incomparable del Parque Nacional Torres del Paine lo convierte en una de las zonas más famosas y visitadas de la Patagonia. A medida que los SUV avanzaban hacia el sur, los paisajes mostraron su lado más desafiante y la planicie destacaba por su tranquilidad característica y profundidad. En el fondo, podía observarse el punto más austral de la región y destino de la caravana, Ushuaia.

En esta aventura, Porsche Tequipment fue el compañero ideal. Cada Cayenne estaba preparado para la aventura con carpas de techo, sistemas de transporte de carga, llantas off road, protecciones en acero inoxidable para los laterales, y la parte trasera y delantera, entre otros accesorios que fueron fundamentales para la aventura.

Los Porsche Cayenne de primera generación culminan el viaje dejando mucho más que recuerdos, demostrando que la deportividad puede alcanzar un nivel superior. Pero sobre todo reforzando que la comodidad, el diseño y el desempeño, se mantienen intactos con el paso de los años y que no hay caminos imposibles cuando la confianza es absoluta.

Si quieres saber más sobre Porsche Cayenne Classic, escanea el código QR para visitar el sitio web oficial.

The third stage suggested a change of direction. The enormous ice capes from the glacial lakes that appeared along the way forced the expedition to cross again the frontier that separated Chile from Argentina. In there, everyone could enjoy impressive milestones of natural beauty: the Fitz Roy and Cerro Torre mountains located west of El Chaltén. Finally, the Torres del Paine, another one of Patagonia’s beauties.

The end of the continent was near, as we moved forward to the fourth stage of the journey. The savage and incomparable beauty of the Torres del Paine National Park turns it into one of the most famous and visited zones of the Patagonia. As the SUVs went south, the landscapes unveiled their most defiant side and the plains stood out for their unique tranquility and deepness. In the back, the southernmost point of the region could be observed, along with the final destination of the caravan, Ushuaia.

In this adventure, Porsche Tequipment was the ideal partner. Each of the Cayennes were prepared for this adventure with roof tents, freight transportation system, off road tyres, stainless steel protections for the car sides, and the back and front ends, among other accessories that were fundamental to the adventure.

The first generation Porsche Cayennes culminate the journey leaving behind so much more than just memories, showing that the sportive performance can reach a superior level. But mostly, reinforcing the concept of comfort, design and performance remain untouched with the passing of years and that there are no impossible roads when the trust is absolute.

If you want to know more about the Porsche Cayenne Classic, scan the QR code and visit the official website.

CONOCIENDO LOS ORÍGENES GASTRONÓMICOS GETTING TO KNOW THE GASTRONOMIC ORIGINS

En mis clases de gastronomía les pido a mis alumnos nombres de algún plato con raíces originarias chilenas. Lo primero que escucho es: “la empanada". Lo cierto es que en todos los países americanos hay empanadas: algunas con más carnes, con más o menos sabor, pero al final es la misma receta con distintos rellenos. Otro alumno responde: “el pastel de choclo". Entonces, les comento que dado nuestro lluvioso clima, Chile no tenía maíz y que este provenía de Perú.

La única base de nuestra alimentación es la papa. Un producto originario de nuestra tierra. Según el diccionario Larousse mundial, el único plato mundialmente reconocido como chileno es el "charquicán". "Charqui" significa carne seca, y "can", guiso. En el sur, los huilliches nos dejaron el "curanto" o “piedra caliente”. Deliciosa preparación en un hoyo que consiste en calentar las piedras volcánicas y luego taparlo con hojas de nalcas, permitiendo que los vapores con sus aromas traspasen la comida. Otro plato chileno es el "cancato", cuyo significado es pescado asado. Una receta sencilla que consiste en “crucificar” al pescado alrededor del fuego, permitiendo adquirir un exquisito sabor ahumado. Algunos genios de la cocina le agregan longaniza, queso, tomate, orégano, para hacerlo más contundente. Para mí, estos ingredientes matan el sabor propio del pescado. Es muy importante conocer los orígenes de los alimentos. El arroz, por ejemplo, nace al sur de China, aproximadamente 7.000 años antes de Cristo. Su llegada a Europa fue en el siglo VII en Valencia y fue en la Península Ibérica donde se sembró, por primera vez, a orillas del lago Albufera. Otro ejemplo es Marco Polo, quien de su viaje a China trajo las pastas a Italia, las mismas que hasta el día hoy son famosas en todo el mundo.

Como chilenos creo que aportamos las frutillas silvestres (pequeñas, deliciosas y perfumadas). La mejor chicha fermentada que hacían los mapuches es originaria de nuestra Patagonia y fue descubierta por el francés Amadeus Francisco Frezier, quien en el año 1712 llevó sus semillas para implantar su cultivo en Europa y así mostrarlas al mundo.

Creo que nuestro gran aporte fue la papa, un tubérculo que por el clima se desarrolló con éxito y salvó de la hambruna al planeta en épocas de escasez.

La historia es así. Bon appétit.

In my cooking classes I ask my students names of dishes with Chilean origin roots. The first thing I hear is “the empanada”. The truth is that in every american country you can find them: some of them with more variety of meats, with more or less flavor, but at the end it’s the same recipe with different fillings. Another student responds: “the corn cake”. Then, I tell them that due to our rainy climate, Chile did not have any corn, so it was imported from Peru.

The only base of our diet is: the potato. A product originated from our land. According to the Larousse world dictionary, the only dish worldwide known as Chilean is the “charquicán”. “Charqui” means dry meat and “can”, stew.

In the south of Chile, the huilliches left us the “curanto” or “hot stone”. A delicious preparation in a ground hole that consists of heating volcano stones and then covering them with nalca leaves, allowing the vapors with their aromas to go through the food. Another Chilean dish is the “cancato”, which means grilled fish. A simple recipe that consists of “crucifying” the fish around the fire, allowing it to get a delicious smoky flavor. Some cuisine geniuses add a pork sausage, cheese, tomato, oregano, in order to make it more satisfying. For me, those ingredients kill all the flavors from the fish.

It’s very important getting to know the origin of food ingredients. Rice, for instance, was born in the south of Chile, approximately 7.000 years B.C. Its arrival to Europe occurred in the 7th century in Valencia, and it was in the Iberic Peninsula where it was first planted, on the shores of the Albufera lake. Another example is Marco Polo, who went to China and brought pasta to Italy, the same ones that are well known in the world.

As Chileans, I think we contribute with the wild strawberries (small, delicious and fragrant). The best fermented chicha that the mapuches made was first made in our Patagonia and was discovered by frenchman Amadeus Francisco Frezier, who took their seeds to plant them in Europe and show them to the world in 1712.

I think that our biggest contribution was the potato, a tuber that grew successfully due to the climate and saved the planet from hunger in times of scarcity. That’s history. Bon appétit.

POR COCO PACHECO BY COCO PACHECO

TOMO KOIZUMI, DISEÑADOR DE MODA JAPONÉS

TOMO KOIZUMI, JAPANESE FASHION DESIGNER

EXPERIMENTAR LO ROMÁNTICO

EXPERIMENTING ROMANCE

EL DISEÑADOR JAPONÉS ESTÁ HOY EN BOCA DE TODOS GRACIAS A SU PASARELA DE OTOÑOINVIERNO 2023-2024, PRESENTADA EN MILÁN GRACIAS AL APOYO Y GESTIÓN DE DOLCE & GABBANA.

THE JAPANESE DESIGNER IS MAKING HEADLINES THANKS TO HIS FALL-WINTER 2023-2024 COLLECTION, PRESENTED IN MILAN WITH THE SUPPORT AND LOGISTICS FROM DOLCE & GABBANA.

POR: CRISTIÁN PAVEZ / FOTOS: CORTESÍA DE DOLCE & GABBANA. BY: CRISTIÁN PAVEZ / IMAGES: COURTESY OF DOLCE & GABBANA.

A pesar del vértigo con el que hoy las marcas de moda se insertan en las capitales más importantes de estilo, el nombre de Tomo Koizumi apenas sonaba hace unos años atrás como un diseñador conceptual interesante, pero que sólo había tenido sus momentos de aparición gracias a sus vestuarios performáticos para artistas como Lady Gaga, Miley Cyrus y la estrella pop de Hong Kong, Miriam Yeung. No obstante, la carrera del autodidacta Tomo Koizumi despegó recién en 2019, gracias al apoyo de Marc Jacobs, quien lo impulsó para desfilar en su tienda en el marco de la New York Fashion Week.

Despite the vertigo with which today fashion brands get inserted in the most important fashion capitals, the name of Tomo Koizumi was barely in the air a few years ago as an appealing conceptual designer, but that had just a few moments of spotlight thanks to his performative dresses for artists such as Lady Gaga, Miley Cyrus and Hong Kong pop star, Miriam Yeung. Nonetheless, it was barely 2019, when Tomo Koizumi’s self-taught career skyrocketed with support from Marc Jacobs, who sponsored him to carry out his runway show during that year’s New York Fashion Week.

Esta apetecida vitrina, respaldada por la influencia de Katie Grand -editora de LOVE Magazine-, rápidamente lo encumbró como una de las etiquetas niponas que hoy en día está refrescando la escena de la moda. Luego de este primer gran paso, colaboraciones cápsula con marcas como Emilio Pucci y su coterránea Sacai le siguieron como parte de su consolidación. Otro de los hitos que llevaron a Tomo Koizumi a formar parte de los nombres más importantes de la moda actual fue su inclusión en el espectacular desfile que el pasado mes de septiembre se hizo para homenajear al entonces recién fallecido Alber Elbaz.

Sin embargo, este año Tomo Koizumi volvió a ser parte de los grandes nombres que desfilan sobre las pasarelas más importantes del mundo. Esta vez, lo hizo desde Milán, con el apoyo logístico de Dolce & Gabbana, quienes lograron que el diseñador japonés pudiera mostrar su colección otoño-invierno 2023-2024. Como era de esperarse, el color, la extravagancia y el maximalismo fueron algunas de las máximas que definieron la pasarela de Koizumi. Denominado por la prensa especializada como “el rey de la organza”, las claves visuales de su filosofía de diseño no se hicieron esperar y le inyectaron a esta pasarela más color, volumen y dramatismo como nunca antes.

This coveted showcase, encouraged by Katie Grand’s influence -editor of LOVE Magazine-, quickly engraved his name as one of the coolest Japanese fashion labels that are currently refreshing the scene. After this first big step, capsule collaborations with brands like Emilio Pucci and countryman brand Sacai followed up as part of his process of consolidation. Another one of the milestones that took Tomo Koizumi to be one of the most important names in fashion today was the invitation to be part of the monumental runway that, last September, celebrated the then-recently deceased Alber Elbaz. However, this year Tomo Koizumi came back to be part of the big names that put on a show on the world’s most important runways. This time, he did it in Milan, with the logistical support from Dolce & Gabbana, who managed that the Japanese designer could display his fall-winter 2023-2024 collection. As expected, color, flamboyance and maximalism were some of the mottos that defined Koizumi’s runway. Called “the king of organza” by the specialized press, the visual keys of his design philosophy were not far behind and gave his runway volume and drama as never before.

A diferencia del recato que usualmente caracteriza a la cultura japonesa, Tomo Koizumi toma elementos pop de la juventud tokiota, como la estética de Harajuku, y la eleva con un minucioso trabajo sartorial que deja entrever un lado sensual que es característico de la mujer europea. El resultado son vestidos teatrales, con un pulido trabajo de volantes y una colección en la que el color queda expuesto de manera monocromática, pero no menos intensa. Utilizando sólo un estampado que recuerda a la cerámica mayólica, Koizumi muestra una señal de clara internacionalización, proceso que para septiembre, sin duda estará entregando nuevos frutos y una pasarela sorprendente.

Unlike the unease that is usually perceived in Japanese culture, Tomo Koizumi takes pop elements from Tokyo’s youth scene, like the aesthetics from Harajuku, and elevates it with a thorough sartorial work that gives us a glimpse of a sensual side that is well known by European women looks. The result can be seen on theatrical dresses, with a detailed ruffle work and a collection in which colors are exposed in a monochromatic, yet intense manner. Using only one majolica-inspired print, Koizumi shows an evident sign of internationalization, a process for which next September we will expect new results and a surprising runway.

NUEVA TEMPORADA, NUEVOS ÉXITOS NEW SEASON, NEW ACHIEVEMENTS

CON UNA INFRAESTRUCTURA, CABALLOS Y UN EQUIPO DE PRIMER NIVEL, LA ORGANIZACIÓN SE

PREPARA PARA COMPETIR Y DESTACAR EN UNA NUEVA TEMPORADA DE POLO EN NUESTRO PAÍS. WITH TOP TIER INSTALLATIONS, HORSES AND TEAM, THE ORGANIZATION IS PREPARED FOR COMPETITIONS AND TO STAND OUT IN A NEW POLO SEASON IN OUR COUNTRY.

EQUIPO MOSSO / MOSSO POLO TEAM

Liderados por la pasión y el entusiasmo de Ernesto Mosso por este deporte, en el año 2003 nace un vínculo estrecho, que se ha mantenido en el tiempo, entre MOSSO y el polo. Un deporte de velocidad, resistencia, precisión y tradición cuyos primeros indicios se remontan hace unos 2.000 años en el Asia Central. Luego, con el paso del tiempo, el deporte comenzó a ser representación de realeza y nobleza, dado el alto costo de mantención de los caballos. A finales del siglo XIX, este deporte comenzó su difusión en Europa y otros lugares, como Argentina, Australia y Estados Unidos. Actualmente, el polo es un deporte que se practica en alrededor de 70 países. Uno de ellos: Chile, país en el que cada año ha ido adquiriendo mayor protagonismo. Tras una exitosa temporada primavera-verano 2022, durante los últimos años el equipo MOSSO Hublot se posicionó en un lugar destacado, siendo reconocido por su profesionalismo. Para la temporada 2023, la organización vuelve no sólo con el entusiasmo que la caracteriza, sino recargada. Un nuevo equipo, capitaneado por Ernesto Mosso y los hermanos Martínez, y nuevos caballos provenientes directamente desde Argentina. Caballos raza polo argentino, que pesan entre 400 y 500 kilos y cuentan con las características principales para este deporte: temperamento, músculos fuertes, rapidez, precisión, flexibilidad, resistencia, agilidad y destreza. Un nuevo año, para una nueva temporada que se avizora como una oportunidad para demostrar el talento y pasión de un equipo que se prepara en las renovadas canchas de Santa María Polo. Un espacio único destinado a la práctica, entrenamiento y exhibición del polo sobre césped que ofrece canchas y caballerizas completamente equipadas para la práctica del equipo de la organización. Infraestructura de primer nivel, para disfrutar de un gran espectáculo deportivo marcado por los triunfos.

Led by Ernesto Mosso’s passion and eagerness for this sport, an ongoing tight bond was born in 2003 between MOSSO and polo. A sport of speed, endurance, precision and tradition whose first evidence dates back to 2000 years in Central Asia.

Then, with the passing of time, the sport began having representation among royalty and nobility due to the high cost of maintaining polo horses. By the end of the 19th century, this spot started spreading throughout Europe and other countries like Argentina, Australia and the United States. Nowadays, polo is a sport that gets practiced in about 70 countries. One of them is Chile, where each year the presence of polo has become stronger.

After a successful 2022 spring-summer season, the MOSSO Hublot team has again reached an outstanding place, being recognized for its professionalism. For the 2023 season, the organization is not only back with its well-known excitement, but also recharged. A new team, captained by Ernesto Mosso, the Martínez brothers and new horses coming directly from Argentina. Argentinian polo breed horses that weigh between four and five hundred kilos and count with the main features needed for this sport: temper, strong muscles, speed, precision, flexibility, endurance, agility and skill. A new year for a new season that is envisioned as a big opportunity for showing talent and passion from a team that is getting prepared in the renewed fields of Santa María Polo. An exclusive place destined for practice, training and exhibition of field polo that offers courts and horse stables that are fully equipped for the practice of the organization team. Firsttier infrastructure for the enjoyment of a great sporting event that is marked by triumph.

MARÍA PÍA CORNEJO, DISEÑADORA CHILENA MARÍA PÍA CORNEJO, CHILEAN DESIGNER

VESTIR LA CONSCIENCIA

DRESSING UP CONSCIOUSNESS

CON MÁS DE 10 AÑOS DE INTENSO TRABAJO EN EL DISEÑO DE VESTUARIO, LA CHILENA MARÍA PÍA CORNEJO HA LOGRADO UN INTERESANTE PROCESO DE INTERNACIONALIZACIÓN DE SU MARCA HOMÓNIMA. UNA FILOSOFÍA DE DISEÑO ENMARCADA EN LA MODA LENTA, CON SILUETAS VANGUARDISTAS, SON LA CLAVE DE SU ÉXITO. BOASTING MORE THAN 10 YEARS OF INTENSE WORK IN FASHION DESIGN, CHILEAN DESIGNER MARÍA PÍA CORNEJO HAS ACHIEVED AN INTERESTING PROCESS OF INTERNATIONALIZATION FOR HER NAMESAKE BRAND. A DESIGN PHILOSOPHY SET IN SLOW FASHION WITH AVANT-GARDE SILHOUETTES ARE THE KEY ELEMENTS OF HER SUCCESS.

POR CRISTIÁN PAVEZ / FOTOS: CORTESÍA DE MARÍA PÍA CORNEJO. BY CRISTIÁN PAVEZ

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IMAGES: COURTESY OF MARÍA PÍA CORNEJO.

El devenir de María Pía Cornejo como diseñadora de moda consolidada ha tenido un vertiginoso mix de experiencias en ciudades grandes, complejas y, por sobre todo, con estilos de vida trepidantes. Santiago, Milán y Buenos Aires son parte de su tejido emocional y espiritual, que inevitablemente la llevaron de regreso a su ciudad natal, Talca. Y es que su arduo trabajo con miras a la internacionalización de su marca homónima le ha rendido frutos sin tener que vivir en el caos de una capital como Santiago: “Siento que estamos tan conectados que no es necesario vivir en la capital, sobre todo cuando estás exportando y tus principales clientes están fuera del país. También siento que estar a tres horas de Santiago es como estar al lado. Si necesito ir, voy, y siento que está muy cerca”. La tranquilidad que María Pía tiene en Talca es esencial para poder inspirarse y lograr colecciones que no solo son un éxito en ventas, sino también en críticas de medios especializados como Vogue UK y la revista Neo2. De esta manera, la prensa de moda ha celebrado su sentido vanguardista, que intercala una visión del futurismo con un interesante trabajo arquitectónico de las siluetas y un gran sentido de la incesante búsqueda espiritual que marca la simbología presente en sus prendas. El resultado de estos elementos fue la celebrada trilogía de colecciones conformada por Healing (presentada en la Semana de la Moda de Vancouver, en 2018), Alma (lanzada en la New York Fashion Week, en 2020) y Rebirth (con la que ha estado de gira por los showrooms más importantes de Nueva York). Son justamente estas tres colecciones las que nos entregan una visión de autor que se ve reflejada en prendas modernas que nos hablan no solo de vivir en un momento crucial para la innovación, sino también en la valoración de las materialidades y el trabajo artesanal para un consumo de moda consciente. En este sentido, María Pía tiene muy identificadas a sus clientas en el extranjero: “La mayoría de mis clientas son personas que valoran el arte y lo diferente, el trabajo a mano, las piezas únicas, los materiales nobles, y agradecen que la marca sea slow fashion” No obstante, la diseñadora chilena hace un diagnóstico optimista

sobre lo que está pasando en Chile en torno a la moda: “Creo que en los últimos años se ha desarrollado más interés por la moda en Chile. La llegada de marcas de lujo y nuevos diseñadores emergentes ha abierto de a poco una atractiva escena en nuestro país. Los chilenos se han ido abriendo paulatinamente a lo nuevo y de a poco han empezado a dejar atrás su lado más conservador, atreviéndose a lo distinto”

Con una valentía innata y una intuición que la ha llevado a tener un gran crecimiento profesional, María Pía Cornejo es indudablemente uno de los nombres de la escena actual de la moda chilena que más reconocimiento está teniendo en el mercado extranjero. Habiendo llegado de otra excelente temporada itinerante de showrooms en París, María Pía está actualmente trabajando en su próxima colección, en la que asegura que “un gran equipo de artistas está colaborando. La idea es enviar un mensaje muy potente a la humanidad y presentarlo en una de las pasarelas más importantes del mundo”. Por lo tanto, la invitación está hecha para seguir sus pasos y ver con qué nos sorprenderá para las próximas temporadas dentro y fuera de Chile.

María Pía Cornejo’s journey as a consolidated fashion designer has had a vertiginous mixture of experiences in big, complex cities, and above all, with frenetic lifestyles. Santiago, Milan and Buenos Aires are part of her emotional and spiritual tissue, which inevitably took her back to her native city, Talca. Her hard work looking to internationalize her namesake brand has paid off, without having to live within the chaos of a capital city like Santiago: “I feel we are so connected today, that makes it unnecessary to live in a capital city, especially when you are exporting your product and your main customers live abroad. I also feel that being a 3-hour drive away from Santiago is to be very near in fact”

The tranquility that María Pía finds in Talca is essential for being able to get inspired and achieve collections that are not only commercial hits, but also successful in reviews from specialized media, like

Vogue UK and Neo2 magazines. This way, fashion press has been celebrative of her sense of tomorrowness, which intertwines visions of futurism with an appealing work of architecture on the silhouettes and a big sense of a restless spiritual pursuit that is well reflected in the symbology of her garments. The results of these elements was the remarkable trilogy of collections composed of Healing (showcased at 2018’s Vancouver Fashion Week), Alma (launched at 2020’s New York Fashion Week) and Rebirth (which has been touring in the most important showrooms of New York).

These three collections are the ones that give us an authorial vision that is reflected in modern garments that speak to us of living a crucial moment for innovation, as well as of material value and the artisanal work that results in a conscious fashion consumption. In this sense, María Pía knows her customers really well: “most of my customers are persons that know the value of art and difference, handmade work, unique pieces, noble materials and are thankful of my brand’s take on slow fashion”. Nonetheless, the Chilean designer makes an optimistic diagnose of everything that is happening in Chile around fashion: “I think that in the last years there has been a growing interest for fashion in Chile. The arrival of luxury brands and the new emerging names in design have set the pace for a new attractive scene in our country. Chileans have been, little by little, opening to new things and have gradually begun to leave their conservative side behind, daring to everything that turns out to be new to them”

With a natural-born courage and an intuition that has taken her to a big professional growth, María Pía Cornejo is, out of question, one of the most acknowledged names of today’s Chilean fashion scene in foreign markets. Having just arrived from another excellent itinerant season through Parisian showrooms, María Pía is working nowadays on her next collection, which she assures that “a great team of artists have been collaborating. The whole idea is to send a very strong message to humanity and present it in the most important runways of the world”. Therefore, the invitation is already done in order to follow her steps and see what’s next for the upcoming seasons in both Chile and abroad.

UNA ESTRELLA DEL MAR A STAR FROM THE SEA

Pescado fresco, limón en su punto, cebolla crujiente y el picante exacto. Estas son las bases de un buen ceviche. Un plato fresco y liviano perfecto, que ha cautivado el paladar no solo de los pueblos latinoamericanos, sino también de muchas otras regiones del mundo.

Una de sus principales características es su versatilidad. A veces podemos disfrutarlo solo con pescados, o con los más sabrosos mariscos de nuestro mar. Cada país, no solo de Perú, presenta sus propias variantes, dependiendo de la materia prima más fresca que tengan al alcance.

Existen varias cepas adecuadas para maridar un sabroso ceviche, de ellas, una de las más recomendadas es un buen Sauvignon Blanc. En suma, un plato lleno de sabor, ideal para degustar en esta temporada.

Fresh fish, lemon at its best, crunchy onion and just the right amount of spice. These are the bases of a good tasting ceviche. A fresh and light dish that has captivated palates not only of Latin American peoples, but also of lots of other regions of the world. One of its main aspects is its versatility. Sometimes we can enjoy it just with fish, or with the most tasty shellfish available on our coast. Every country, not just Peru, presents their own variants depending on the freshest ingredients they may have available. There are lots of proper wine types to pair a wonderful ceviche, of which, one the most recommended is a nice Sauvignon Blanc. Basically, a flavor-filled dish, great for enjoying this season.

POR ISIDORA MARTÍNEZ CHEF MOSSO LOUNGE BY ISIDORA MARTÍNEZ CHEF MOSSO LOUNGE

UN ACEITE BOUTIQUE DE ALTA GAMA

A HIGH-END BOUTIQUE OIL

En nariz, una novedosa combinación de aroma a hierbas con sutiles notas de manzana y tomate. En boca, un aceite intenso, que se distingue por su buen amargor y un picor robusto y con carácter. Estos son algunos de los atributos del aceite de oliva extravirgen Fine Selection de Deleyda, el que es elaborado con los mejores olivos provenientes de la localidad de Pumanque, VI Región de nuestro país.

Preparado con variedades italianas Frantoio y Coratina, la línea de aceite de oliva extravirgen Fine Selection de Deleyda incluye los monovarietales Frantoio y Coratina, además de un blend con ambas olivas. El manejo del huerto de estas variedades y su cosecha es un proceso mucho más sofisticado que la de otras variedades, obteniendo de esta manera aceites extravirgen complejos y de alta calidad. Atributos claves en el proyecto olivícola de Deleyda. Por su intenso sabor y aroma, este aceite es perfecto para adobar carnes rojas o blancas junto a especias y hierbas frescas. También combina perfecto aliñando ensaladas frescas y veraniegas o simplemente para rociar sobre buenos quesos frescos o maduros. Sin duda es un excelente broche de oro para esas comidas especiales y así darles ese toque de intensidad y elegancia.

In the nose, an innovative combination of herbal aromas with subtle notes of apple and tomato. In mouth, an intense oil, that stands out for its good bitterness and a bold, robust spiciness. These are some of the features of the Deleyda Fine Selection extra virgin olive oil, which is elaborated with the best olive trees from the town of Pumanque, 6th Region of our country.

Made with italian varieties Frantoio and Coratina, the line of Deleyda Fine Selection extra virgin olive oil includes the Frantoio and Coratina single varieties; besides a blend of both olive types. The orchard handling of these varieties and their harvesting process is much sophisticate than the other varieties, this way, they obtain extra virgin oils that are complex and boast a high quality. Key elements in the olive growing project of Deleyda.

Thanks to its intense flavor and aroma, this oil is perfect for seasoning red and white meats next to spices and fresh herbs. It also combines perfectly when seasoning fresh and summertime salads or simply to spray upon some nice fresh and mature cheeses. Without question, it is an excellent cherry on top for those special meals, in order to give them an intense and elegant touch.

MOSSO PRESENTE EN GRANDES EVENTOS A NIVEL INTERNACIONAL MOSSO IS PRESENT AT THE GREATEST INTERNATIONAL EVENTS

¡EMOCIONANTE SEMANA DE LA RELOJERÍA!

THE EXCITING WATCHMAKING WEEK!

El corazón de Ginebra latió al ritmo de los movimientos relojeros en una nueva versión Watches & Wonders, la feria más importante del mundo, donde se presentan todas las novedades de la industria relojera. MOSSO siempre presente, representados por Ernesto Mosso y Claudia Larraguibel.

Con un evento exclusivo inmerso en un estallido de vibrantes colores, en la ciudad de Londres, Omega presentó su nueva colección de relojes Aqua Terra Shades. MOSSO es el único distribuidor oficial de toda Latinoamérica invitado al evento.

Geneva’s heart was beating at the pace of watch movements in a new version of Watches & Wonders, the world’s most important fair where all the news from the watchmaking industry are showcased. MOSSO were present as always, represented by Ernesto Mosso and Claudia Larraguibel.

With an exclusive, vibrant and color-busting immersive event in the city of London, Omega presented its new watch collection, Aqua Terra Shades. MOSSO was the only official Latin American distributor that was invited to the event.

1. Nino Aloisi (Regional Sales Manager LATAM Omega), Claudia Larraguibel, Ernesto Mosso / 2. Raynald Aeschlimann (CEO Omega), Claudia Larraguibel, Ernesto Mosso / 3. Claudia Larraguibel, Ernesto Mosso, Greg Weeter (Brand President of the Americas Piaget) / 4. Eduardo Fagliano (Socio Casa Fagliano), Ernesto Mosso / 5. Edificio Rolex.

DIAMANTES NEGROS: CAVIAR DE LA TIERRA BLACK DIAMONDS: CAVIAR FROM THE EARTH

Existen elementos que comparten un misterio y exquisitez que los hace únicos: caviar y diamantes negros. Estos últimos, a diferencia de los reconocidos diamantes blancos, tienen un brillo sutil que sólo se revela a quienes los contemplan en cercanía. Una rareza incomparable y enigmática como las lágrimas de Dios. La Prairie y MOSSO se unen en un evento único para presentar Skin Caviar Harmony y conocer la nueva colección de anillos MOSSO en la que los diamantes negros son los protagonistas.

There are elements that share a mystery and exquisiteness that make them unique: caviar and black diamonds. The last ones, unlike the well-known white diamonds, own a subtle sparkle that only gets revealed to those who watch them closely. An unparalleled and enigmatic rarity, just like God’s tears.

La Prairie and MOSSO get together in a unique event to present Skin Caviar Harmony and to present the new MOSSO ring collection in which black diamonds are the main subject.

1. Luis Jaren, gerente de Producción de MOSSO junto a Paulina Chadwick, gerente de Negocios Marcas Alto Lujo - Greta / 2. Francisca Innocenti

3. Rosita Parson / 4. Moira Ramírez, Michelle Schlanbusch, Laura Assef / 5. María Eugenia Pistelli, Pilar Bazán.