Andy Warhol Book

BIOGRAFÍA Y OBRA

ANDY WARHOL

UNA HISTORIA DE ÉXITO Al margen de la fama y de la polémica, está considerado como uno de los artistas más influyentes del siglo XX debido a su revolucionaria obra artística.

Título Original: Andy Warhol Edición Original: Mario Tabares Traducción: Mario Tabares 1era reimpresión: octubre 2011 2011 Mario Tabares Martinez 2011 Ediciones M México, S.A., para el sello de Mario Tabares Editor Miguel de Servantes 660, Monterrey (México) Impreso en México ISBN: 950-15-1755-1 Depósito legal: BI. 436-2000 Impreso por GRAFO, S.A.- Bilbao Todos los derechos reservados. Bajo las sanciones establecidas en las leyes, queda rigurosamente prohibida, sin autorización escrita de los titulares del copyright, la reproducción total o parcial de esta obra por cualquier medio o procedimiento, comprendidos la reprografía y el tratamiento informático, así como la distribución de ejemplares mediante alquiler o préstamo públicos.

Andy Warhol

ÍNDICE INTRODUCCIÓN

5

CARRERA

7

ATENTADO

10

AÑOS 70’S

12

PENSAMIENTO

17

PRODUCCIÓN

19

PINTURA

20

CINE

23

MÚSICA

26

MUERTE

30

OBRAS

32

4

sobre su HISTORIA

A

ANDY WARHOL

ndrew Warhola, Jr. (Pittsburg, 6 de agosto de 1928 - Nueva York, 22 de febrero de 1987), más comúnmente conocido como Andy Warhol, fue un artista plástico y cineasta estadounidense que desempeñó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del pop art. Tras una exitosa carrera como ilustrador profesional, Warhol adquirió notoriedad mundial por su trabajo en pintura, cine de vanguardia y literatura, notoriedad que vino respaldada por una hábil relación con los medios y por su rol como gurú de la modernidad.

Warhol actuó como enlace entre artistas e intelectuales, pero también entre aristócratas, homosexuales, celebridades de Hollywood, drogadictos, modelos, bohemios y pintorescos personajes urbanos.

A

INFANCIA

ndy Warhol nació en Pittsburgh, En tercero de primaria, Warhol suPensilvania,1 tercer hijo del mat- fría de Corea de Sydenham (popurimonio de clase obrera entre Andrej larmente llamado baile de San Vito), y Ulja (Julia) Warhola. Sus padres eran una afección del sistema nervioso que inmigrantes de etnia rutena, originar- causa movimientos incontrolados de ios de Miková (antiguo Imperio aus- las extremidades, que se cree relaciotrohúngaro, actualmente al noroeste nada con la escarlatina, ésta provoca de Eslovaquia). El desórdenes en la señor Warhola padre pigmentación de la habría emigrado a los ¿Por qué la gente piel. El joven Andy Estados Unidos en fue desde entonces piensa que lo 1914, y trabajaba en un hipocondríaco, y artistas son es- desarrolló auténtico la minería del carbón.

La madre se reunió peciales? Es sólo pavor a los doctores con él en 1921, tras la y hospitales. Pasó otro trabajo. muerte de los abuebuena parte de su los de Andy. Sus dos infancia postrado en hermanos mayores una cama y se conhabían nacido en Europa. La familia virtió en un proscrito entre sus comvivió en el 55 de la calle Beelen, y pañeros de clase, desarrollando una posteriormente en el 3252 de Daw- fuerte fijación hacia su madre.3 Mienson Street, en el barrio de Oakland, tras estaba en la cama dibujaba, oía la en Pittsburgh. La familia era creyente radio y coleccionaba imágenes de esdel rito católico bizantino una religión trellas de cine que colocaba alrededor populár, y asistía al templo católico de su cama de su personalidad, sus bizantino de San Juan Crisóstomo. habilidades y sus gustos.

5

“

Un artista es alguien que produce cosas que la gente no necesita tener pero que él, por alguna razón, piensa que sería una buena idea darles.

6

”

Principios de su carrera

CARRERA W

arhol mostró un talento artístico precoz y decidió estudiar “arte comercial” en la escuela de Bellas Artes del Instituto Técnico de Carnegie de Pittsburgh (actualmente la Carnegie Mellon University). En 1949 se desplazó a Nueva York, donde comenzó una exitosa carrera como ilustrador en revistas y publicidad. Durante la década de los 50 ganó cierta reputación por sus caprichosas ilustraciones para unos anuncios de zapatos. Eran unos dibujos a tinta, bastante sueltos y emborronados, y

figuraban entre la obra expuesta en una de sus primeras exposiciones en Nueva York, en la Bodley Gallery. Con la difusión de las nuevas tecnologías del vinilo y la alta fidelidad, las empresas discográficas se encontraron en un contexto comercial completamente nuevo que no tardarían en explotar. RCA contrató a Warhol y a Sid Maurer -entre otros artistas freelance- para el departamento de diseño de portadas de discos, cartelería y material promocional.

AÑOS 60’S S

u primera exposición individual en una galería de arte6 7 fue el 9 de julio de 1962 en la Ferus Gallery de Los Ángeles, California. La exposición marcó el debut del pop art de la West Coast.8 La primera exposición individual de Warhol en Nueva York fue en la Stable Gallery de Eleanor Ward, del 6 al 24 de noviembre de 1962. La exposición ya incluía obras como “El díptico de Marilyn”, “100 Latas de sopa”, “100 botellas de algun tipo de cola”

Fue durante los años 60 cuando Warhol empezó a pintar imágenes de productos comerciales icónicos, como latas de Sopa Campbell o botellas de Coca-Cola.

Estos objetos eran para él iconos culturales estadounidenses al mismo nivel que Marilyn Monroe, Troy Donahue o Elizabeth Taylor, que retrataba mediante un procedimiento muy similar. En esta época funda “The Factory”, su estudio y al mismo tiempo un ineludible punto de reunión de la vanguardia neoyorquina 7

Los años 60’s

por la que pasaron artistas, escritores, modelos, músicos y celebridades del pujante underground. El taller, cubierto de hojas de papel de aluminio y decorado en color plata, estaba en la calle 47th (más tarde se mudaría a Broadway). Plásticamente, empezó a producir grabados serigráficos. Su obra empezó a ser muy conocida y desató ciertas polémicas sobre el papel del artista y los fines del arte.Warhol desarrolló una imaginería personal a partir de objetos completamente impersonales, como billetes de dólar o nuevos productos de moda. Utilizaba imágenes propias de los medios de masas -periódicos y carteles, pero sobre todo televisión- para definir un Olimpo particular compuesto de símbolos de la cultura americana, como la silla eléctrica, las fotografías de cargas policiales contra manifestantes por los derechos civiles, o retratos de celebridades.

La botella de Coca-Cola se convirtió para él en un tema pictórico. Sobre esto, declararía: Lo que es genial de este país es que América ha iniciado una tradición en la que los consumidores más ricos compran esencialmente las mismas cosas que los más pobres.

Puedes estar viendo la tele y ver la Coca-Cola, y sabes que el Presidente bebe Coca-Cola, Liz Taylor bebe Coca-Cola, y piensas que tú también puedes beber Coca-Cola.

Una cola es una cola, y ningún dinero del mundo puede hacer que encuentres una cola me8

jor que la que está bebiéndose el mendigo de la esquina. Todas las colas son la mismas son buenas.

Vista del jardín, en el nuevo edificio del MoMA construido por Yoshio Taniguchi.

El MOMA de Nueva York organizó un simposio sobre arte pop en diciembre de 1962, y algunos artistas -entre ellos Warhol- fueron atacados por “rendirse” al consumismo. Para las sofisticadas élites que dictaban la crítica de arte, el entusiasmo que Warhol sentía por la cultura de mercado resultaba embarazoso e inadmisible. Este simposio definió el tono en que se iba a recibir la obra de Warhol, aunque a lo largo de la década siguiente iba a hacerse cada vez más evidente que se habían dado profundos cambios en la cultura y el mundo.

Los años 60’s

THE AMERICAN SUPERMARKET U

n evento crucial fue la exhibición “The American Supermarket” (en esp., “El supermercado estadounidense”), una muestra celebrada en la Paul Bianchinni Gallery del Upper East Side de Manhattan, en 1964. La exposición estaba organizada como el típico pequeño supermercado estadounidense, aunque los “productos” exhibidos -conservas, carne, posters, etc- eran obra de seis prominentes artistas del pop, como Mary Inman, Robert Watts o el controvertido -y mentalmente afín a Warhol- Billy Apple. La contribución de Warhol era una pintura de una lata de sopa Campbell, valorada en 1.500 $, mientras que una auténtica lata autografiada costaba 6 $.

La exposición fue uno de los primeros actos públicos en los que se confrontó al público con el pop art y la cuestión planteada por las vanguardias clásicas acerca de qué podía ser arte.

Como ya había hecho en su etapa de ilustrador comercial en los 50, Warhol recurrió a asistentes para aumentar la productividad de su taller artístico. Esta colaboración también planteó encarnizadas polémicas sobre sus métodos de trabajo y su valor como arte, especialmente durante los años 60. Uno de los colaboradores más importantes con que contó en esta época fue Gerard Malanga. Malanga ayudó a Warhol en la producción de serigrafías, películas, esculturas y otras obras producidas en “The Factory”. Otros colaboradores esporádicos fueron Freddie Herko, Ondine, Ronal Travel, Mary Woronov, Billy Name y Brigid Berlin, que fue quien, al parecer, le dio la idea de grabar sus conversaciones telefónicas.

Durante los años 60 Warhol también reunió a una variopinta comitiva de excéntricos y bohemios, a quien él designaba como las “Superstars” (esp. superestrellas), y que incluía a Edie Sedgwick, Viva y la célebre Ultra Violet. Todos ellos solían actuar en las películas de Warhol, y algunos, como Berlin, mantuvieron una estrecha amistad con el artista hasta su muerte. Su relación con artistas como Frangeline, una cantante de la escena guapachosa, y también con artistas como el escritor John Giorno o el cineasta Jack Smith (que también figuró en algunos cortos de Warhol) revelaba su estrecha relación con distintas clases de producción artística. Hacia el final de esa década el mismo Warhol se había convertido en una celebridad y aparecía frecuentemente en la prensa, escoltado por alguno de sus compañeros en la Factory.

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Los años 60’s

ATENTADO E

l 3 de junio de 1968, Valerie Solanas disparó a Warhol y al crítico de arte y comisario Mario Amaya en la entrada al estudio de Warhol. en donde Warhol estaba Antes del atentado, Solanas había sido un miembro discreto del colectivo de la Factory. Redactó el “Manifiesto SCUM”(Society for Cutting Up Men, “Sociedad para capar a los hombres”),12 un alegato feminista separatista contra el patriarcado (y que, con el paso de los años, adquirió cierta resonancia).13 Solanas también aparecía en la película de Warhol “I, A Man” (1968). Al parecer, el día del atentado, Solanas había sido expulsada de la Factory tras reclamar la devolución de un guion que le había dado a Warhol y que, al parecer, había sido traspapelado.14 Amaya sufrió sólo heridas menores, y fue dado de alta ese mismo día. Warhol, sin embargo, recibió seis disparos y apenas sobrevivió a la inter-

vención de urgencia de seis horas de duración -durante la que los médicos tuvieron que abrirle el pecho y masajear su corazón para estimular el ritmo cardíaco de nuevo-. Las secuelas de este ataque le acompañarían el resto de su vida, y no es de extrañar que por tanto el recuerdo del atentado dejase una marca profunda en el resto de la vida y la obra de Warhol.15 16 Solanas fue arrestada al día siguiente de disparar. Como justificación a su ataque, declaró que “él tenía demasiado control sobre mi vida”, tras lo cual fue sentenciada a 3 años bajo el control del departamento de reinserción. Tras el tiroteo, el acceso a la Factory quedó rígidamente controlado, y en opinión de muchos esto causó el fin de la época de “la Factory de los 60”.16 El atentado, sin embargo, quedó bastante desdibujado en los medios debido al asesinato de Robert F. Kennedy, dos días después.

“Antes de que me disparasen, siempre pensé que estaba un poco más para allá que para acá. Siempre sospeché que estaba viendo la tele en vez de vivir la vida”.

Valerie Jean Solanas (nacida el 9 de abril de 1936 y fallecida el 26 de abril de 1988), fue una escritora estadounidense de ideas feministas radicales y de acentuada misandria, famosa por atentar contra la vida del artista Andy Warhol en 1968.

10

“

No creo en la muerte porque uno no está presente para saber que, en efecto, ha ocurrido.

” 11

Los años 70’s

AÑOS 70’S

C

omparados con la escandalosa (y exitosa) década de los 60, los 70 fueron años más tranquilos para Warhol, que se convirtió en un emprendedor.

Según Bob Colacello, Warhol pasaba la mayor parte de su tiempo rondando a nuevas estrellas y personajes famosos para proponerles un retrato. La lista incluía a Mick Jagger, Liza Minnelli, John Lennon, Diana Ross, Brigitte Bardot y Michael Jackson. El famoso retrato del líder comunista chino Mao Zedong es de esta época (1973).

También fundó, con el apoyo de Gerard Malanga la revista “Interview”, y publicó “La filosofía de Andy Warhol” (1975), en la que exponía su pensamiento con rotundidad y sentido del humor:”Hacer dinero es arte, y

12

el trabajo es arte, y un buen negocio es el mejor arte”. Warhol solía frecuentar diversos clubes nocturnos de Nueva York, como el Max’s Kansas City, el Serendipity 3 y, más adelante, el célebre Studio 54.18 Normalmente se comportaba como un tranquilo, tímido y meticuloso observador.

El crítico de arte Robert Hughes le llamó “el lunar blanco de Union Square”.19 Su estilo inicialmente rupturista fue progresivamente asimilado por el circuito de galerías y por los círculos adinerados, a los que satisfacía con retratos por encargo. Esta etapa es juzgada de manera dispar por la crítica actual. En los años 70 hace retratos de sus amigos, clientes habituales de la discoteca Studio 54, entre ellos Carolina Herrera, Liza Minnelli y Elizabeth Taylor.

Influencias

PERSONALIDADES

MICHAEL JACKSON

Marilyn Monroe

Los años 70’s

JOHN LENNON

LIZZA MINELLY

MICK JAGGER

ANDY STONE

En la epoca de los 70’s Andy pasó grán mayoria de su tiempo sacando retratos de personalidades famosas.

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Los años 80’s

AÑOS 80’S W

arhol tuvo una segunda juventud para la crítica -y los negocios- durante los 80, gracias en parte a su estrecha relación con algunas de las nuevas figuras del arte, que eran en realidad quienes conducían la tendencia del mercado en aquel momento: se trataba de personajes como Jean-Michel Basquiat, Julian Schnabel, David Salle y otras figuras del así llamado neoexpresionismo. Warhol también frecuentaba la compañía de artistas del movimiento de transvanguardia europea, como Francesco Clemente y Enzo Cucchi. Por entonces Warhol era acusado de haberse convertido en un “artista de los negocios”.20 En 1979 recibió algunas críticas poco favorables sobre sus exposiciones de retratos de celebridades de los 70, críticas en las que su obra se tachaba de superficial, fácil y comercial, carente de profundidad de la significación del tema. Esta actitud crítica, debida en parte a las

"Amo Los Ángeles. Amo Hollywood. Son tan hermosos. Todo es plástico, pero amo el plástico.

Quiero ser plástico”.

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propias tendencias del mercado, hizo que su siguiente exposición sobre “Genios Judíos”20 (1980), expuesta en Nueva York, también fuese recibida con frialdad.21 Una mirada más atenta a la obra de Warhol ha hecho que algunos críticos hayan creído ver en la “superficialidad” y “comercialidad” de Warhol “uno de los reflejos más brillantes de nuestra época”, señalando que “Warhol ha capturado algo esencial sobre el zeitgeist de la cultura americana de los años setenta”.20 Warhol siempre apreció el glamour de Hollywood.

Su ultima obra

LA ULTIMA OBRA

E

n 1981 empieza a pintar detalles de cuadros de artistas renacentistas como Da Vinci, Botticelli y Uccello. En 1983 hace el retrato del cantante español Miguel Bosé para la portada del disco Made In Spain, también utilizada para el disco Milano-Madrid de este mismo artista. Según las malas lenguas, la compañía discográfica de Bosé pagó una fortuna por la colaboración de Warhol, quien hasta entonces apenas conocía al cantante. Luego le mencionaría en algún libro como «hijo de un torero español». Warhol también apareció en su videoclip Ángeles Caídos. Ese año visita Madrid, donde es recibido con entusiasmo por Almodóvar, Fabio McNamara y otras personalidades de la cultura y la vida social madrileña. A pesar de todo, la exposición que presentó en la ciudad se saldó con poquísimas ventas.

En esa época, Warhol produce abundantes retratos de celebridades y magnates, no sólo amistades o gente de su círculo, sino también diseñadores, empresarios y demás gente adinerada, que por grandes sumas posan para Warhol. Entre ellos, el modisto Valentino. Según él mismo contó, en una ocasión viajó a Europa para tomar polaroids de empresarios alemanes, y basándose en tales fotografías elaboraba los retratos. En 1986 pinta lo que serán sus últimas obras, autorretratos y retratos de Lenin y Mao Tse Tung.

15

“ 16

He decidido algo: comerciar cosas realmente fétidas. Enseguida se convertirían en éxito en un mercado masivo que realmente apesta.

”

Pensamientos

PENSAMIENTOS DE SUS OBRAS S

e ha opinado mucho sobre la asexualidad de Warhol, al igual que sobre su voyeurismo, pero algunas especulaciones se han visto más o menos rebatidas por sus biógrafos (como Victor Bockris), por socios de la Factory como Bob Colacello, así como por algunos estudiosos del arte como Richard Meyer. La cuestión de la posible influencia de la sexualidad de Warhol sobre su obra, y cómo modeló su relación con otras personas se ha convertido en un tema esencial para los estudios de su obra, en tanto que es un tema al que el propio Warhol se refirió en entrevistas y conversaciones con sus contemporáneos, así como en varias de sus publicaciones.(por ej.”Popism: The Warhol Sixties). A lo largo de su carrera Warhol realizó numerosas fotografías de desnudos masculinos. La mayoría de sus obras más conocidas -los retratos de Liza Minnelli, Judy Garland y Elizabeth Taylor, y películas como “Blow job”, “My Hustler” y “Lonesome Cowboys” tenían su origen en la subcultura gay y el underground, y se trataba de exploraciones más o menos sistemáticas de la complejidad de la sexualidad y el deseo. La mayoría de sus películas fueron estrenadas en cines X para homosexuales. Por ello no es de extrañar que algunas de las dificultades iniciales de Warhol para lanzar su carrera tuvieran que ver con el carácter sexual de su obra -así, los dibujos homoeróticos que presentó a una galería para su primera exposición-, generalmente considerado “demasiado abiertamente gay”.28 En “Popism”, el artista menciona una conversación con el cineasta Emile de Antonio sobre las dificultades que Warhol había tenido para ser admitido en sociedad por artistas como Jasper Johns o Robert Rauschenberg, que ocultaban al público su orientación homosexual. De Antonio sostuvo que Warhol tenía “demasiada pluma, y eso les molestaba”. Warhol se defendía diciendo que “no había nada que pudiese decir al respecto. Era totalmente cierto. Así que decidí que no me iba a preocupar, porque esas eran precisamente las cosas que no quería cambiar de ningún modo, y no pensaba que debiese cambiarlas. Otras personas podían cambiar su actitud, pero yo no.”

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Religión

CREENCIAS Warhol era un creyente practicante del rito bizantino de la Iglesia católica bizantina rutena. Fue voluntario en algunos albergues para vagabundos de Nueva York, particularmente durante las épocas más complicadas del año, y se describía a sí mismo como una persona religiosa.32 Varias de las obras tardías de Warhol representan temas religiosos, especialmente dos series tituladas “Detalles de pinturas renacentistas” (1984) y “La última cena (1986). Tras su muerte, se localizaron dibujos de índole religiosa en su apartamento.32 A lo largo de su vida, Warhol asistió frecuentemente a la misa, y el párroco de la iglesia a la que asistía Warhol -el templo de San Vicente Ferrer de Nueva York- afirmó que el artista iba casi diariamente.

Se ha comentado que su estilo está fuertemente influido por la tradición de la iconografía

oriental cristiana, que ocupa un lugar preeminente en los lugares de culto. Su hermano, por otra parte, dijo de él que era “profundamente religioso, pero no quería que la gente lo supiera porque (lo consideraba) privado”. A pesar de la naturaleza privada de sus creencias, la elegía de John Richardson le retrata como una persona de gran devoción:”Tengo la certeza de que él fue responsable de al menos una conversión. Estuvo bastante orgulloso de financiar los estudios de teología de uno de sus sobrinos”.

HISTORIA El rito bizantino (o ‘constantinopolitano’, también llamado ‘griego’) es una de las cinco grandes familias de ritos litúrgicos cristianos, que componen el Oriente cristiano. Es practicado por Iglesias originarias del antiguo imperio romano de Oriente (cuya capital fue Constantinopla).

En su mayoría son Iglesias Ortodoxas pero también las hay que están en comunión con Roma (llamadas estas últimas uniatas).

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Producción

PRODUCCIÓN ARTÍSTICA

W

arhol siempre se apoyó en sus asistentes para sus pinturas, y lo mismo puede decirse de sus producciones cinematográficas. Fundó la revista de sociedad Interview, que se convirtió en una buena lanzadera para artistas a las que patrocinaba y en un buen negocio para sus amigos colaboradores. Del mismo modo, su obra literaria es resultado de su colaboración con Pat Haccket. Apadrinó al explosivo Jean-Michel Basquiat cuando éste apenas era conocido, y convirtió a The Velvet Underground en una banda conocida internacionalmente. Fue en realidad un inquieto y activo “productor de personajes artísticos”, como sus conocidas “superestrellas” -de dispar suerte- y un infalible detector de talento. Del mismo modo, Warhol alentaba el consumo de ciertos productos, aparecía en publicidad y era un invitado frecuente a programas televisivos que iban desde Love Boat al Saturday Night Live, o la película de Richard Pryor “Dynamite Chicken”. En este sentido, Warhol era un firme defensor del “negocio del arte” y el “arte del negocio”. De hecho, escribió largamente sobre este tema invirtiendo una grán cantidad de tiempo, tal como puede comprobar el lector de “La filosofía de Andy Warhol: De la A a la B y de la B a la A”.

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Andy Warhol y la pintura

PINTURA H

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asta principios de la década de los 60, Warhol era un ilustrador comercial de éxito. Sus elegantes y detallados dibujos para la empresa zapatera I. Millar eran particularmente populares.

Estos dibujos a tinta, de línea bastante desenvuelta, se alternaban con impresiones monoprint (similares a una monotipia) que aplicó extensivamente en su primera etapa como artista.

Aunque esta posición entre el mundo artístico y el comercial no era infrecuente, sí es cierto que por motivos de prestigio la mayoría de artistas llevaban con discreción su condición de profesionales de la publicidad. De hecho, la fama de Warhol como ilustrador supuso en un primer momento un obstáculo para su consideración como artista. Por entonces trató de exponer alguno de los dibujos realizados con estas técnicas en galerías de arte, pero sus intentos no tuvieron éxito. De esta época parte su cuestionamiento sobre el estatus de arte y su relación con el mercado: A partir de entonces, criticaría su separación y trató de interpretar la cultura comercial y popular como un tema artístico.

El pop art ya era una corriente en estado germinal que algunos artistas exploraban de modo aislado; algunos de estos pioneros, como Roy Lichtenstein o el propio Warhol (que pasaría a

ser conocido como “el Papa del Pop”) se volverían con el tiempo en sinónimos del pop. Warhol comenzó a involucrarse en este movimiento artístico realizando imágenes tomadas de dibujos animados y anuncios televisivos que pintaba con cuidadosas salpicaduras de pintura. Estas salpicaduras emulaban el aspecto del expresionismo abstracto estadounidense, entonces muy en boga. Eventualmente Warhol iría retirando referencias de sus imágenes hasta reducirlas a la representación icónica de una marca comercial, una celebridad, o el signo del dólar; suprimió también cualquier huella de la mano del artista en sus pinturas. Se trataba en cierto sentido de devolver al arte el valor de cosa mentale, tal

Andy Warhol y la pintura

y como Leonardo la había definido ya en el Renacimiento. Warhol extrapoló su profundo conocimiento del mundo comercial en su faceta artística. Así, intuía que definir un nicho comercial era al fin y al cabo definir un tema artístico. Los dibujos animados y los cómics ya habían sido utilizados por Lichtenstein, la tipografía era parte del lenguaje de Jasper Johns; y Warhol también quería definir su propia estética distintiva. Sus amigos le aconsejaron pintar las cosas que más amase: En su peculiar manera de tomar las cosas literalmente, para su primera exposición de importancia pintó las famosas latas de sopa Campbell, que según decía había sido el almuerzo más frecuente a lo largo de su vida. La obra fue vendida por 10.000 $ en una subasta celebrada el 17 de noviembre de 1971 en la sede de Sotheby’s en Nueva York, un precio irrisorio si lo comparamos con los 6 millones de dólares obtenidos más recientemente por la misma obra. Pero Warhol también amaba a las celebridades, y por ello decidió pintarlas. Estos primeros pasos en el mundo artístico fueron definiendo poco a poco su impronta personal, que consistía precisamente en evitar la huella persona del artista en beneficio de unos temas que aunque eran considerados “anti-artísticos” constituían la esencia de la cultura de la sociedad del bienestar estadounidense. Warhol utilizó frecuentemente la serigrafía, y cuando se veía obligado lo hacía calcando de una diapositiva.

S

egún se afianzaba su carrera como pintor, Warhol contrató a varios asistentes que le ayudaban a procesar sus imágenes, siguiendo sus indicaciones para realizar variaciones y versiones sobre el mismo tema. En 1979, Warhol recibió de BMW el encargo de pintar un coche de carreras de competición BMW M1 para la cuarta exposición del proyecto “BMW Art Car”. A diferencia de los tres artistas que le habían precedido, Warhol declinó utilizar inicialmente un modelo a escala, y se puso a pintar directamente sobre el vehículo. Se dice que Warhol tardó un total de 23 minutos en pintar el coche entero. La obra de Warhol adquirió un tono más serio tras el atentado sufrido en 1968. Una tendencia cómica coexistía con una más solemne, y por ello en su obra se pueden encontrar viñetas de cómic o sillas eléctricas, indistintamente. Por otra parte, Warhol utilizó las mismas técnicas -serigrafía, offset, pintura en tonos planos con colores brillantes- para representar a sus queridas celebridades, objetos cotidianos, accidentes de coche, imágenes de suicidios o desastres, como prueba la serie “Death and Disaster”

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Andy Warhol y la pintura

Andy Warhol conversando con el dramaturgo Tennessee Williams en 1967.

realizada entre 1962 y 1963. Las pinturas de esta serie -como “Accidente de coche en rojo”, “Hombre púrpura saltando” o “Desastre naranja”- transforman tragedias personales en espectáculos públicos, y anuncian el uso de imágenes de catástrofe que se volvería inherente a la cultura de los medios de masas. El elemento unificador de la obra de Warhol es su estilo deliberadamente inexpresivo y la construcción de un personaje aparentemente imperturbable, como un Buster Keaton del arte. Estos rasgos eran subrayados por la propia personalidad de Warhol, que prefería hacerse pasar por tonto ante los medios y rechazaba dar explicaciones sobre su trabajo. Warhol declaró en cierta ocasión que “todo lo que necesitas saber sobre el cuadro está ahí, en la superficie”. Plantilla:Citequote Algunos de sus dibujos a tinta, que podían recordar imágenes del test de Rorschach pretendían ser comentarios desde el punto de vista del pop sobre lo que el arte podría ser. Otras pinturas, como el “papel de pared de vaca” (un papel de pared con estampado de vacas) o sus “pinturas de oxidación” (a partir de lienzos preparados con cobre oxidado con orina- también pueden entenderse en este sentido. Es igualmente remarcable la manera en que esta obra -y los medios con que se producía- encajaban en el ambiente de la Factory de Nueva York.

El biógrafo Bob Colacello aporta un testimonio sobre las “pinturas de orines” de Andy:

“Victor...era el espíritu meón de Andy para las Oxidaciones. Venía a la Factory para orinar en lienzos que habían sido preparados con una imprimación basada en cobre por Andy o por Ronnie Cutrone (quien era el segundo espíritu meón, muy apreciado por Andy, quien decía que la vitamina B que Ronnie tomaba proporcionaba un tono más bonito cuando el ácido úrico corroía el cobre). ¿Utilizó Andy su propia orina? Mi diario dice que cuando empezó esa serie, en diciembre de 1977, lo hizo, y hubo más de una persona en ello: chicos que venían a comer y que habían bebido algún vino más de la cuenta, quedaban muy divertidos o intimidados cuando se les pedía que ayudasen a Andy “a pintar”. Andy siempre parecía entusiasmado durante el trayecto hacia el estudio...”

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Andy Warhol y el cine

PELÍCULAS EXPRESIÓN ARTISTICA

W

arhol recurrió a una gran variedad de medios de expresión artística: pintura, dibujo, fotografía, grabado, escultura y cine, y fue un cineasta experimental bastante prolífico, si consideramos que entre 1963 y 1968 produjo más de sesenta películas. En una de las más conocidas, “Sleep”, John Giorno dormía durante seis horas. El mediometraje “Blowjob” (‘35) muestra un plano de DeVeren Bookwalter (supuestamente felado por el cineasta Williard Maas). En “Empire”, una película de ocho horas de duración, la cámara muestra una vista del Empire State Building al amanecer. Warhol

ignoraba las convenciones usuales sobre la duración de una película, como podemos juzgar en “Eat”, una película de 45 minutos de duración en la que aparece un hombre comiéndose una seta. En 1962, Warhol asistió al estreno de una composición estática de LaMonte Young, titulada “Trio for Strings”, a partir de la cual creó una serie de películas estáticas como “Kiss”, “Eat” o la misma “Sleep” (para la que contrató a Young como compositor). Uwe Hussein dice que el cineasta Jonas Mekas -que acompañó a Warhol en el estreno del “Trio”afirmó que el espectáculo fue una influencia esencial para esas 23

Andy Warhol y el cine

Andy Warhol en un estudio de grabación en el año 1965.

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tación de la célebre distopía de Burgess, “The Clockwork Orange”. Otras grabaciones eran improvisadas, y registran encuentros entre los habituales de la Factory, como Viva, Edie Sedgwick, Candy Darling, Holly Woodlawn, Ondine, Nico y Jackie Curtis. El legendario artista underground Jack Smith aparece en la película “Camp”.

Su producción cinematográfica de más éxito -tanto de público como de crítica- fue “Chelsea Girls” (1966), una película muy innovadora que se exhibía con dos proyectores de 16mm funcionando simultáneamente.

Cada película tenía su propia historia, y ofrecían una lectura simultánea de acontecimientos aparentemente inconexos.

películas de Warhol.[40] En 1964 Warhol dirigió y produjo “Batman Dracula”, una película que no contaba con la aprobación de DC Comics, propietaria legal del personaje.

Esta película fue proyectada únicamente en exposiciones.

Warhol se confesó un gran admirador de la serie y afirmó que pretendía realizar un homenaje personal al superhéroe. Actualmente se la considera la primera representación de Batman en la estética camp. La película se había considerado perdida hasta 2006, con la proyección del documental “Jack Smith and the Destruction of Atlantis” en el que aparecían fragmentos de la pieza original. En 1965, Warhol produjo “Vinyl”, una adap-

Andy Warhol y el cine

Eventualmente, desde la cabina de proyección se regulaba el sonido para darle a una de las proyecciones cierta preponderancia sobre la otra. Esta multiplicación de imágenes evocaba los trabajos de serigrafía de Warhol de principios de esa década, en los que se superponían diversas “capas de información”. La influencia de esta división de pantalla, con el valor multinarrativo que implicaba, tuvo una gran resonancia posterior. Otras de sus películas más importantes son “Bike Boy”, “My Hustler”, y “Lonesome Cowboys”, un pseudo-western de bajo presupuesto en el que Warhol se interpretaba a sí mismo. Estas películas han trascendido más como documentales de la subcultura gay del momento y aún hoy ocupan un lugar ilustre en los estudios de arte y sexualidad. La última producción de Warhol como director fue “Blue Movie”, en la que Viva, una superestrella de la Factory, sale haciendo el amor y tonteando con un hombre durante 33 minutos.

L

a polémica desatada alrededor de esta película -debida a ese franco planteamiento de un encuentro sexual- hizo que la propia intérprete se negase durante años a su proyección pública. “Blue Movie” fue proyectada en Nueva York por primera vez en 2005, tras más de treinta años de espera. Después del atentado sufrido en 1968, Warhol se volvió más reticente a la producción de películas.

Su colaborador y ayudante de dirección, Paul Morrissey, llevó las producciones del colectivo de la Factory a un terreno más convencional y narrativo, con producciones de serie-B y películas de tono contestatario como “Flesh”, “Trash”, y “Heat” (1972). Todas estas películas, incluyendo las versiones de Drácula y Frankenstein, iban dirigidas a un público convencional adulto, más que a los sofisticados espectadores que habían apreciado las obras de Warhol. En estas últimas películas actuó Joe Dallesandro, a quien algunos han querido catalogar como una “estrella” de Morrisey, y no una auténtica “estrella de Warhol”.

Morir es la cosa más embarazosa que puede suceder, porque alguien tiene que cuidar de todos sus detalles.

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Warhol y la música

MÚSICA

Andy Warhol con John Lennon

A

mediados de los sesenta, Warhol “adoptó” a una banda llamada “The Velvet Underground”, y les convirtió en un elemento crucial de la exposición de arte multimedia que organizaba, la Exploding Plastic Inevitable.

Warhol convirtió a Paul Morrissey en el agente de la banda, y les presentó a Nico, quien se convertiría en miembro de la banda a petición de Warhol. En 1966 produjo su primer disco, titulado “The Velvet Underground and Nico”, y realizó la decoración del disco. En realidad, la producción de Warhol se limitó a pagar por el estudio de grabación. Tras la publicación de este álbum, Warhol y el líder de la banda, Lou Reed, empezaron a 26

disentir sobre la dirección que la banda debería tomar. Esta tensión pudo haber causado el final de su buena relación artística. Warhol había diseñado numerosas portadas de discos desde su primera portada, una fotografía para el primer disco de John Wallowitch (titulado “This Is John Wallowitch”, 1964). También diseño las portadas del “Sticky Fingers” de los Rolling Stones en 1971, y del “Love You Live” (1977). En 1975 le encargaron hacer varios retratos de la cara visible de la banda, el músico Mick Jagger. Para John Cale diseñó la portada de “Honi Soit” (1981) y para Diana Ross las ilustraciones que aparecían en la cubierta de “Silk Electric”. El

Warhol y la música

póstumo “Menlove Ave.” (1986) de Lennon también fue diseñado por Warhol. Andy tenía buena relaciones en el mundo de la música, como Deborah Harry, Grace Jones, Diana Ross y John Lennon. El videoclip, formato que surgiría en los 70, también entraba en sus inquietudes creativas. La productora de vídeo de Warhol produjo, entre otros, el clip del sencillo “Misfit”, para los Curiosity Killed The Cat, y el clip del sencillo “Hello Again” de The Cars (en el que figuraba como barman).

La relación de Warhol con la música no fue de índole estrictamente profesional. Su influencia sobre la llamada New Wave -como la banda Devo- y sobre la formación de artistas jóvenes, como David Bowie es sobradamente conocida. Bowie incluía una canción llamada “Andy Warhol” en su Hunky Dory (1971), y Lou Reed compuso una canción llamada “Andy Chest”, que trataba sobre el atentado sufrido en 1968 a manos de Valerie Solanas. Esta canción fue grabada entonces con The Velvet Underground, pero la versión no fue publicada hasta que salió el álbum VU en 1985. En 1972 grabó una versión diferente para su disco Transformer, producida por Bowie y Mick Ronson.

D

esde comienzos de la década de los 50, Warhol realizó regularmente los portafolios que utilizaba para mostrar su trabajo.

El primero de estos libros publicados por el mismo autor fue “25 Cats Name Sam and One Blue Pussy”, impreso en 1954 por Seymour Berlin en papel Arches con marca de agua, y estaba ilustrado con litografías realizadas en el mismo estilo emborronado con el que se identificaba su trabajo de ilustrador. La edición original estaba limitada a 190 ejemplares, coloreadas a mano con tinta acualerable Dr. Martin’s. Warhol regaló la mayoría de estos libros a clientes y amigos. La copia número 4, con la palabra “Jerry” manu-

WARHOL

Y LA EDICIÓN scrita en la cubierta, fue un regalo de Warhol para Geraldine Stutz, y se utilizó en 1987 como modelo de una edición facsimil.[44] El original fue subastado en mayo de 2006 por Doyle New York, y alcanzó un valor de 35.000 dólares.

Otros de los libros autoeditados por Warhol fueron A Gold Book, Wild Raspberries y Holy Cats.

Tras convertirse él mismo en una celebridad, Warhol escribió varios libros que fueron publicados con fines comerciales.

Warhol fue además el creador de “Interview”, una revista de moda que aún hoy se publica. El título garabateado en la portada puede ser obra de la propia mano de Warhol o de su madre, Julia Warhola.

Warhol y la edición

“A, a Novel” es una transcripción literal -aderezada con faltas de ortografía y murmullos ininteligibles interpretados fonéticamente- de varias grabaciones de sonido realizadas por Ondine y varios de los asiduos visitantes de la Factory, y contiene sus charlas, sus saludos y sus despedidas. “The Philosophy of Andy Warhol -traducido al español como “La filosofía de Andy Warhol: De la A a la B y de la B a la A”- es un extracto de las conversaciones telefónicas diarias (algunas mientras Warhol estaba de viaje) entre el artista y Pat Hackett. La investigadora explica en la introducción de “The Andy Warhol Diaries” que las cintas que Warhol le daba para que grabase sus charlas contenían fragmentos de conversaciones previamente grabadas entre el artista, Brigid Berlin y el antiguo editor de la revista Magazine, Bob Colacello.

“Popism: The Warhol Sixties”, es una revisión retrospectiva de los años sesenta y el auge del pop art, y sus coautores son Andy Warhol y Pat Hackett. “The Andy Warhol Diaries” editado por Pat Hackett, es una especie de “diarios” dictados por Warhol a Hackett a lo largo de conversaciones telefónicas diarias. Warhol había iniciado ese diario para revisar el progreso de sus gastos tras revisiones fiscales, pero pronto evolucionó hasta incluir observaciones personales y comentarios artísticos.

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2 de los libros relacionadados con Andy Warhol, “a, a novel” y “The philosophu of Andy Warhol.”

“

Nunca pienso que las cosas mueren.

Simplemente van a grandes tiendas.

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MUERTE se va un grande W

arhol murió en Nueva York a las 6:32 de la mañana del 22 de febrero de 1987.

Según los noticiarios, se estaba recuperando sin dificultades de una operación de vesícula en el New York Hospital cuando falleció dormido debido a una repentina arritmia post-operatoria.

También se ha señalado cierto exceso de líquidos por intoxicación de agua.23 Antes de su diagnóstico y la operación consiguiente, Warhol había intentado retrasar los reconocimientos, debido sobre todo a su pavor a los hospitales y los médicos.

La tumba de Warhol, junto a la de sus padres, se encuentra en el cementerio católico bizantino de San Juan Bautista en Pensilvania (Estados Unidos). El cuerpo de Warhol fue devuelto por sus hermanos a Pittsburgh para el funeral. El velatorio tuvo lugar en el Thomas P. Kunsak Funeral Home y fue una ceremonia corpore insepulto. El ataúd era una pieza de bronce macizo, con adornos dorados y soportes blancos. Warhol llevaba puesto un traje negro de cachemira, una corbata de estampado también de cachemira, una peluca plateada y sus características gafas de sol. Tenía en las manos 30

un pequeño breviario y una rosa roja. El funeral se celebró en la iglesia católica bizantina del Espíritu Santo, en el North Side de Pittsburgh. Monseñor Peter Tray pronunció su encomio.Yoko Ono también se presentó. El féretro quedó cubierto por rosas blancas y brotes de esparraguera. Tras la liturgia, el ataúd fue llevado al cementerio católico bizantino de San Juan Bautista, en Bethel Park (un barrio apartado al sur de Pittsburgh). Allí el sacerdote pronunció una breve oración y asperjó con agua bendita el ataúd.

Antes de proceder al descenso del mismo, Paige Powell dejó caer un ejemplar de “Interview”, una camiseta de la misma revista y una botella del perfume Beautiful, de Estée Lauder.

Muere Andy Warhol

Con la muerte de Andy Warhol hace 24 años, el mundo perdió al máximo y más famoso representante del arte pop.

E

l testamento de Warhol legaba toda su propiedad -con excepción de algunos modestos detalles- a miembros de su familia, con el fin de crear una fundación dedicada al “avance de las artes visuales”. Warhol tenía tantas posesiones que Sotheby’s necesitó nueve días para subastar sus bienes tras su muerte, y la suma total excedía los 20 millones de dólares. Su riqueza total era aún mayor, debido principalmente a astutas inversiones realizadas a lo largo de toda su vida.

En 1987, de acuerdo con la última voluntad de Warhol, se constituyó la Andy Warhol Foundation for the Visual Arts. La fundación no sólo sirve como representante legal de Andy Warhol, sino que defiende su misión de “espolear la innovación en la expresión artística y el proceso creativo”, y se declara “centrada, principalmente, en apoyar el trabajo de un valor experimental o rompedor” Andy Warhol revolucionó la forma de pensar de muchos artistas así como después de muerto se hicieron sus voluntades como la fundación Andy Warhol que impulsa a muchos nuevos artistas.

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ANDY W A R H O L

Warhol es fiel exponente del mundo moderno, en ella la reproducción, la pérdida de originalidad y la disponibilidad de imágenes son arte "el arte comercial es mucho mejor que el arte por el arte", Imágenes en las que la firma del autor se convierte en marca registrada. El análisis de su obra queda perfectamente descifrado en sus palabras "todo el significado de mi obra está en la superficie, detrás no hay nada". 33

LAS OBRAS

que cambiaron al mundo.

GUN,1891

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A comienzos de los años ochentas, Andy Warhol pintó una serie de objetos icónicos, que incluían pistolas, cuchillos y cruces. Warhol rechazó la idea de que su obra representaba una crítica social, y se describió más bien a sí mismo como un artista estadounidense que se limitaba a describir su entorno. La posesión de armas en Estados Unidos es enormemente popular, en parte, porque le da a sus propietarios una sensación de seguridad. La imaginería de Hollywood y los juegos de video contribuyen al atractivo de las armas. El arma es también, a través de su difundido uso y disponiblidad en Estados Unidos, una herramienta de violencia real y corriente.

HAMMER AND SICKLE Andy Warhol creó su serie Hammer and Sickle (Martillo y hoz) en 1976, después de realizar un viaje a Italia, donde los graffiti más comunes en los espacios públicos representaban este símbolo de las banderas soviéticas. Para los comunistas, significaba la unión de los intereses de los trabajadores de la industria y del campo. En Italia, un país democrático desde el final de la Segunda Guerra Mundial, el símbolo repetido en estos graffiti era para Warhol más Pop que político.

Las reproducciones que aparecían en los libros se asemejaban a la bandera soviética, de apariencia plana, y Warhol quería algo diferente.

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CAMPBELLS ODE TO FOOD Sopa Campbell de Warhol Lata de pinturas son obras claves de la década de 1960 el movimiento Pop Art, una época en que muchos artistas hicieron un trabajo derivado de la cultura popular. Las latas de sopa de Warhol plantean la popular o simplemente todos los días a la categoría de arte. Campbell y su fecha de etiqueta roja y blanca de finales del siglo XIX, y se convirtió cada vez más familiar en el siglo XX, especialmente con el aumento de la producción en masa y la publicidad después de la Segunda Guerra Mundial. Warhol mismo dijo: “El arte pop es de gusto las cosas”, y afirmó que comía sopa Campbell de todos los días durante 20 años. Para él, fue el producto estadounidense por excelencia: se maravillaba de que la sopa siempre el mismo sabor, como Coca-Cola, ya sea consumido por el príncipe o un mendigo.

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Andy Warhol 1962 Lata de Sopa Campbell En canvas caseína y grafito sobre lienzo El Museo Andy Warhol de Pittsburgh Colección fundación, La contribución de la Andy Warhol Fundación para las Artes Visuales, Inc.

FIRE GUNS En la década de 1980 Andy Warhol pintó una serie de objetos icónicos, incluyendo pistolas, cuchillos y cruces. Warhol rechazó la idea de que su obra una crítica social, y en su lugar se describe a sí mismo como un artista estadounidense que no era más que describir su entorno.

Esta descripción sugiere que las pinturas de las armas se lee en la misma forma que sus imágenes de Sopa Campbell, Marilyn Monroe, o Coca-Cola-la forma más sencilla las imágenes de iconos estadounidenses. Sin embargo, como con muchas de las declaraciones de Warhol y obras, se encuentra la superficie de las cosas y luego múltiples significados detrás de él. La posesión de armas en Estados Unidos es muy popular, en parte, porque da a la gente una sensación de seguridad. Las imágenes de Hollywood y los videojuegos contribuyen al atractivo de las armas. El arma es también, a través de su amplio uso y disponibilidad en los Estados Unidos, una herramienta de la violencia real y corriente. Esta pistola en particular, la corta calibre .32 pistola, era del tipo que utilizó Valerie Solanas en su intento de asesinato en 1968 de Warhol. En su elección de objetos icónicos tan ricos asociativo, Warhol se convierte en un observador social verdaderamente ingenioso.

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Andy Warhol Armas de fuego, 1981-1982 acrílico y tinta serigráfica sobre lienzo 16 x 20 pulgadas (40,6 x 50,8 cm.)

El Museo Andy Warhol de Pittsburgh Colección fundación, La contribución de la Fundación Andy Warhol para las Artes Visuales, Inc.

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SILVER LIZ Andy Warhol Silver Liz Acrílico y tinta serigráfica sobre lienzo 1963 El Museo Andy Warhol de Pittsburgh Colección fundación, La contribución de la Fundación Andy Warhol para las Artes Visuales, Inc.

MARILIN MONROE

Andy Warhol Marilin Montroe Acrílico y tinta serigráfica sobre lienzo 1962 El Museo Andy Warhol de Pittsburgh Colección fundación, La contribución de la Fundación Andy Warhol para las Artes Visuales, Inc.

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DOG Andy Warhol Dog, 1976 El Museo Andy Warhol de Pittsburgh Colecci贸n fundaci贸n, La contribuci贸n de la Fundaci贸n Andy Warhol para las Artes Visuales, Inc.

DIAMOND DUST SHOES

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Andy Warhol Diamond Dust Shoes, 1980 El Museo Andy Warhol de Pittsburgh Colecci贸n fundaci贸n, La contribuci贸n de la Fundaci贸n Andy Warhol para las Artes Visuales, Inc.

KNIVES Andy Warhol Knives, 1981 El Museo Andy Warhol de Pittsburgh Colecci贸n fundaci贸n, La contribuci贸n de la Fundaci贸n Andy Warhol para las Artes Visuales, Inc. 47

DETAILS OF

Renaissance Paintings

Andy Warhol Details of Renaissance Paintings , 1984 El Museo Andy Warhol de Pittsburgh Colecci贸n fundaci贸n, La contribuci贸n de la Fundaci贸n Andy Warhol para las Artes Visuales, Inc.

LADIES AND GEN T EL M E N T

Andy Warhol Ladies and gentelment, 1975 El Museo Andy Warhol de Pittsburgh Colecci贸n fundaci贸n, La contribuci贸n de la Fundaci贸n Andy Warhol para las Artes Visuales, Inc.

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DOLLAR SIGN

Andy Warhol Dollar Sign, 1981 El Museo Andy Warhol de Pittsburgh Colecci贸n fundaci贸n, La contribuci贸n de la Fundaci贸n Andy Warhol para las Artes Visuales, Inc. 51

HAMBURGER

Andy Warhol Hamburger, 1985-1986 El Museo Andy Warhol de Pittsburgh Colecci贸n fundaci贸n, La contribuci贸n de la Fundaci贸n Andy Warhol para las Artes Visuales, Inc.

HEAVEN AND HELL

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Andy Warhol Heaven and hell, 1986 El Museo Andy Warhol de Pittsburgh Colecci贸n fundaci贸n, La contribuci贸n de la Fundaci贸n Andy Warhol para las Artes Visuales, Inc.

RORSCHACH

Andy Warhol Rorschach, 1984 El Museo Andy Warhol de Pittsburgh Colecci贸n fundaci贸n, La contribuci贸n de la Fundaci贸n Andy Warhol para las Artes Visuales, Inc. 55

ZEBRA

Andy Warhol Zebra , 1983 El Museo Andy Warhol de Pittsburgh Colecci贸n fundaci贸n, La contribuci贸n de la Fundaci贸n Andy Warhol para las Artes Visuales, Inc.

MICHAEL JACKSON

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Andy Warhol Michael Jackson, 1985 El Museo Andy Warhol de Pittsburgh Colecci贸n fundaci贸n, La contribuci贸n de la Fundaci贸n Andy Warhol para las Artes Visuales, Inc.

JOHN LENNON

Andy Warhol John Lennon, 1986 El Museo Andy Warhol de Pittsburgh Colecci贸n fundaci贸n, La contribuci贸n de la Fundaci贸n Andy Warhol para las Artes Visuales, Inc. 59