Catalogue de saison 2017-18 - MAI (Montréal, arts interculturels)

montréal, arts interculturels saison 17 – 18

m-a-i.qc.ca

Iotsi'tsanehrákwaht aietewatsi'tsaienthóhseron nó:nen teio'nikonhrhá:raht nonkwanakerahaserá:kon

Saison 17 – 18

Dans les temps d'épreuve, cultivez des fleurs magnifiques.

BBB Johannes Deimling – dans Performance Art Studies, NO 54, on the border of perception grow amazing flowers.

Quelle fleur seriez-vous ?

In times of corrosiveness, grow amazing flowers.

En tiempos cáusticos, cultiven flores asombrosas.

Pool 2. Collection de la Banque TD (détail).

2016. Dessin de Zachari Logan © Courtoisie de l’artiste

Les artistes pour cette 19 e saison se sont prêtés avec plaisir au jeu de la personnification.

la forêt noire

3680, rue Jeanne-Mance, bureau 103 Montréal, Québec H2X 2K5

MONTRÉAL

m-a-i.qc.ca

EXPOSITION

anna jane mcintyre

— billetterie / box office 514 982.3386 billetterie@m-a-i.qc.ca Mardi au samedi, de 15 h à 18 h, et une heure avant chaque représentation. / Tuesday to Saturday, from 3 pm to 6 pm and one hour before performances.

© Timothy I. Smith

oiseaud e - p a ra d i s

VERNISSAGE 1 4 S E P T. — 1 7 H

14 septembre — 14 octobre

— galerie d’art / art gallery Mardi au samedi, 12 h à 18 h. Entrée libre.

Tuesday to Saturday, 12 pm to 6 pm.

Free admission.

Dans La forêt noire, Anna Jane McIntyre propose une installation multimédia qui examine la mémoire et la nature humaine par l'intermédiaire d'un environnement sonore abstrait, d'une obscure forêt d'arbres imprimés et d'une cabane de chasse tout simplement surnaturelle. L'artiste invite le visiteur à errer dans ce décor enténébré sur fond de récits incomplets, de secrets, d'hommages, de croisées symboliques et de songes culturels.

Les œuvres de McIntyre explorent les façons dont les individus se perçoivent, créent leur identité, maintiennent et font évoluer ces définitions à travers les comportements. Un véritable amalgame évolutif et visuel des cultures et coutumes britanniques, trinidadiennes et canadiennes.

In La forêt noire, Anna Jane McIntyre offers a multimedia installation examining memory and human nature through an abstract soundscape, shadowy printed forest and surreal hunter's cabin. Visitors will wander through a dusky environment replete with incomplete tales, hints, secret messages, homages, symbolic crossroads and cultural musings.

Anna Jane McIntyre is an artist with a playful practice that combines storytelling, drawing, sculpture, printmaking, performance and micro-activism.

Her work investigates how people perceive, create and maintain their notions of self through behaviour and usual cues, and is an ever-shifting visual mashup of British, Trinidadian and Canadian cultural traditions.

01

room 2048

en alerte

taoufiq izeddiou – anania danses

DANSE

MARRAKECH

VANCOUVER

INTERDISCIPLINARITÉ

hong kong exile

© Remi Theriault

6 + 7 octobre

02

Créée par la compagnie multidisciplinaire Hong Kong Exile, Room 2048 superpose lumière numérique, brouillard et musique pop pompeuse dans un examen des réalités sociopolitiques de la diaspora cantonaise. Perte, nostalgie et désir ; le projet nous rappelle les œuvres marquantes du cinéaste hongkongais Wong Kar Wai. Hong Kong Exile détonne par son esthétique numérique criarde et saisissante, son sarcasme et son penchant pour la politique culturelle.

Le titre fait référence à l'année 2048, année où Hong Kong rejoindra le giron de la Chine continentale.

Room 2048 fait office de suite spirituelle à la production NINEEIGHT présentée en 2014 par la compagnie.

© Iris Verhoeyen

ra f f l e s i a ke l a n t a n e s i s gan

Created by interdisciplinary company Hong Kong Exile, Room 2048 layers digital light, fog, and bombastic pop music to examine the socio-political realities of the Cantonese diaspora.

The project sources themes of loss, nostalgia, and desire that recur within the seminal works of acclaimed Hong Kong filmmaker Wong Kar Wai. Hong Kong Exile is regarded for their loud and striking digital aesthetic, tongue-in-cheek humour, and engagement with cultural politics.

The title refers to 2048, the year after Hong Kong passes from its post-British-rule “transition period” to full Mainland Chinese authority.

Room 2048 is a spiritual sequel to the company’s 2014 production NINEEIGHT.

t u l i p e n o i re

Dans En alerte, œuvre du chorégraphe marocain Taoufiq Izeddiou, la parole accapare la scène autant que le corps. Accompagné par deux musiciens (Maalam Jawad et Mathieu Gaborit), le chorégraphe fait résonner la poésie arabe contemporaine. Cette performance prend son souffle dans les mots puissants du poème Madîh al-Zill al-‘Alî (Éloge de l’ombre haute) de Mahmoud Darwich, une réflexion sur les questions existentielles écrites par le poète palestinien lors du siège de Beyrouth en 1982.

Porté par sa présence scénique singulière, le travail de Taoufiq Izeddiou se veut un cheminement spirituel au cœur même des troubles du monde actuel.

En collaboration avec le Festival Altérité, pas à pas.

27 + 28 octobre

In En alerte, by Moroccan choreographer Taoufiq Izeddiou, speech dominates the stage as much as the body. Accompanied by two musicians (Maalam Jawad and Mathieu Gaborit), the choreographer makes contemporary Arabic poetry resonate. The performance draws its energy from the powerful words of Mahmoud Darwich’s poem Madîh al-Zill al-‘Alî (A Eulogy for the Tall Shadow), a reflection on existential questions written by the Palestinian poet during the Siege of Beirut in 1982.

Carried by its singular stage presence, Taoufiq Izeddiou’s work is a spiritual journey to the very heart of today’s troubled world.

In collaboration with Festival Altérité, pas à pas.

03

a paradigm of fusion / eyes water fire

a paradigm of fusion / bliss points shyra de souza

EXPOSITION

CALG ARY

VANCOUVER

EXPOSITION

tomoyo ihaya

Eyes Water Fire. Dessin (2015). Tomoyo Ihaya © Tomoyo Ihaya

26 octobre – 25 novembre

04

VERNISSAGE 2 6 O C T. — 1 7 H

Phantom Limb. Installation (2015). Shyra Desouza © Latitude 53, Edmonton

fleur d ’a b r i c o t i e r

ro s e s a u v a g e

VERNISSAGE 2 6 O C T. — 1 7 H

26 octobre – 25 novembre

Deux corpus d'œuvres où les artistes y vont d'un dialogue vivant, empathique et poignant autour des notions d'exil et de protestation tout en remettant en question notre relation avec la culture de production de masse.

Expressions of exile, protest, and compassionate witnessing dialogue with a sculptural assemblage that queries our relation to mass-produced material culture in this poignant two-person exhibition.

Dans Eyes Water Fire, Tomoyo Ihaya propose vidéos, installation en techniques mixtes et dessins à petite et grande échelles qui font écho au réconfort qu'elle apporte depuis longtemps aux miséreux réfugiés tibétains installés dans le Nord de l'Inde.

Avec Bliss Points, sorte d'épine dorsale où fusionnent de vieux objets restaurés, l'artiste interdisciplinaire Shyra De Souza soumet en quelque sorte le spectateur à sa stratégie d'exacerbation mimétique.

Bliss Points, by interdisciplinary artist Shyra De Souza, is a vertebratelike span of reworked and melded second-hand objects that bring viewers face to face with De Souza’s strategy of “mimetic exacerbation”.

Installée à Calgary, De Souza a présenté ses œuvres en sols canadien, américain et européen.

En 2016, le centre Oboro situé à Montréal a présenté Vestigial Manœuvres, une installation de grande envergure entièrement composée d'objets trouvés dans les boutiques d'occasion locales.

Currently based in Calgary, De Souza has screened and presented her work in Canada, the United States and Europe. In 2016 Oboro (Montreal) commissioned and presented her Vestigial Manœuvres, a room-sized installation composed entirely of objects found in local thrift shops.

Native du Japon et vivant maintenant à Vancouver, Ihaya possède une maîtrise en beaux-arts (gravure) de l'Université de l'Alberta. Depuis 2005, elle a visité l'Inde plus d'une douzaine de fois et y a noué des amitiés sincères avec plusieurs membres des communautés tibétaines en exil.

Tomoyo Ihaya’s Eyes Water Fire comprises videos, mixed-media installation and small-and largescale drawings that record the artist’s longstanding engagement with the lives and struggles of Tibetan refugees in northern India.

Originally from Japan, and now based in Vancouver, Ihaya holds an MFA in printmaking from the University of Alberta. She has returned to India more than a dozen times since 2005, establishing close friendships with members of exiled Tibetan communities.

05

tu ne te retourneras pas

flicker

dancers of damelahamid

chittakone baccam

En codiffusion avec DANSE DANSE

DANSE

VANCOUVER

MUSIQUE

MONTRÉAL

(Billetterie : Cinquième salle | Place des Arts)

© Sonya Stefan

3 + 4 novembre

06

© Chris Randle

14 - 18 novembre

o rc h i d é e

épilobe

Sous le nom de scène de Hazy Montagne Mystique, Chittakone Baccam livre des performances surprenantes et plonge l’auditeur dans des ambiances lunaires, méditatives et bruitistes. Avec Tu ne te retourneras pas, l’artiste sonore explore ses racines laotiennes et la pratique expérimentale qu’il a développée au Québec. À la faveur de distorsions, transformations et échantillonnages, la performance audiovisuelle puise dans les archives familiales : cassettes enregistrées par ses grands-parents et compilations de musique molam traditionnelle.

Under the stage name Hazy Montagne Mystique, Chittakone Baccam delivers compelling performances that draw audiences into meditative lunar atmospheres and noise. With Tu ne te retourneras pas, the sound artist explores his Laotian roots and the experimental practice he has developed here in Québec.

Using distortion, transformation and sampling, Baccam has created an audio-visual performance that gleans from his family archive of audio cassettes recorded by his grandparents, and compilations of traditional Molam music.

Pièce innovante de danse multimédia, Flicker révèle l’univers mystique de la danse de masques des régions côtières. Alors que la lumière scintille, Flicker – référence au pic bois – met en scène les moments où l’espace et le temps se confondent, où les danseurs masqués s’aventurent dans le monde spirituel de leurs ancêtres. Chorégraphie signée Margaret Grenier, cette 7e production se veut un trait d’union entre les traditions des Premières Nations et des formes plus actuelles.

Flicker is an innovative multimedia performance that reveals the mystical realm portrayed through coastal masked dance.

Just as light shimmers, Flicker (as in “woodpecker”) represents the moments through which one can cross space and time, as the masked dancers journey in and out of the ‘spirit world’ of their ancestors.

Choreographed by Margaret Grenier, this 7th production bridges First Nations traditions and more current forms.

Cofondateur de l’étiquette Jeunesse cosmique Baccam est très actif sur la scène musicale expérimentale avec plus d’une centaine de productions.

Chittakone Baccam is an active participant in Montreal’s experimental music scene, supporting through his co-founded label Jeunesse cosmique the creation of over 100 productions.

Compagnie de danse autochtone de la Colombie-Britannique, Dancers of Damelahamid produit le festival annuel, Coastal First Nations Dance Festival depuis 2008. Les pièces du répertoire de la compagnie ont été présentées sur la scène nationale et internationale.

Based in British Columbia, the Indigenous dance company Dancers of Damelahamid has produced the annual Coastal First Nations Dance Festival since 2008. Works in the company's repertoire have been presented on the national and international scene.

07

la pileuse

âgés et déjantés eclectik 2018

M U LT I D I S C I P L I N A R I T É

MONTRÉAL

DANSE

MONTRÉAL

sarah elola

© Stacyann Lee

24 - 26 novembre

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La Pileuse est une plongée aux sources même de la danse et du rythme. Cet art d'entrer en communion avec les éléments au lieu de leur résister, de ne pas les subir ni les dominer ; cet art du recommencement qui magnifie même les corvées, c'est de celuici que La Pileuse s'inspire, et ce, en puisant dans une mine de mouvements, de sons et de réflexions philosophiques pour ultimement proposer une rencontre intime avec la femme africaine.

Performeuse plurielle originaire du Burkina Faso, Elola a teinté ses 15 premières années d’une vie africaine kaléidoscopique, à la fois rurale et urbaine, traditionnelle et contemporaine.

Pythia, solo de Jacqueline Van de Geer (Edgy Redux, 2015) © Valerie Sangin

fleur de f ra n g i p a n i e r

La Pileuse dives deep into the origins of rhythm and dance. This art of entering in communion with the elements instead of resisting them, of neither enduring nor dominating them; this art of renewal that can transcend the laborious; La Pileuse takes stock of all this and represents a mine of movements, sounds and philosophical reflections in what is ultimately an intimate encounter with the African woman.

A protean performer originally from Burkina Faso, Sarah Elola coloured her first 15 years with a kaleidoscopic African life both rural and urban, traditional and contemporary.

tulipe jaune

L'artiste plus âgé brille de mille feux au MAI avec Eclectik 2018, qui s'inspire d'Older & Reckless, une série de performances chorégraphiques célébrant la danse mature, produite par le MOonhORsE Dance Theatre de Toronto. Âgés et déjantés met en vedette des artistes de 55 ans et plus de la diversité, sensibilise le spectateur aux défis actuels et nouveaux avec lesquels doivent composer les artistes plus âgés et aborde une multitude d'enjeux comme le langage employé pour discuter de la vieillesse et la pertinence ou redondance générationnelle relative à l'art.

L'initiative se révèle foncièrement perpétuelle ; il s'agit d'un moyen de résister, de conserver ou de retrouver sa visibilité. Une véritable célébration en soi.

19 + 20 janvier

Eclectik 2018 brings to a head MAI’s four year focus on the older artist and draws inspiration from Older & Reckless, an acclaimed dance series of mature dance produced

by Toronto’s MOonhORsE Dance Theatre. Âgés et déjantés, featuring artists 55 years and older of cultural and racial diversity, advocates for an increased awareness of the challenges faced by older artists. It addresses the language currently used to discuss old age and generational relevancy and/or redundancy as it relates to art, to life.

At the very centre of this initiative is, to borrow a term, lastingness, a means of resistance, of maintaining or regaining visibility. Of celebration.

09

Blood Cells, after Lady Mary Delaney. (détail).

2016. Adaptation du dessin de Zachari Logan © Courtoisie de l’artiste

plateaux :

earth. sea. sky. constellations for my relations

voyage du rio de la plata à l’altiplano, frontières d’amérique latine

hannah claus

EXPOSITION

MONTRÉAL

MUSIQUE

MONTRÉAL

wapiti + émilie girard-charest + andrés salas

Les particules élémentaires. 2012.

Hannah Claus © Paul Litherland

© Andrés Salas

2 + 3 février

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Plateaux : Voyage du Rio de la Plata à l’Altiplano… est une invitation à découvrir des musiques contemporaines issues d’Argentine et de Bolivie. De Buenos Aires à La Paz, un répertoire qui prend racine dans l’histoire de ces pays d’Amérique du Sud marquée par les dictatures et par l’héritage des peuples natifs.

Un périple musical interprété par trois instrumentistes : le duo Wapiti – Geneviève Liboiron (violon) et Daniel Áñez Garcia (piano) – et Émilie Girard-Charest (violoncelle) ; un concert déambulatoire jalonné d’installations vidéographiques signées Andrés Salas.

Wapiti s’est produit notamment au Centro Nacional de las Artes à Mexico et, à Montréal, au festival Montréal/ Nouvelles Musiques de la Société de Musique Contemporaine du Québec (SMCQ).

m a rg u e r i t e

Voyage from Rio de la Plata to The Altiplano… is an invitation to discover contemporary music from Argentina and Bolivia, offering a repertoire rooted in the history of these two South American countries, shaped by dictatorships and rich indigenous traditions. This musical journey is performed by three instrumentalists – the Wapiti ensemble (Geneviève Liboiron on violin, and Daniel Áñez Garcia on piano) and Émilie GirardCharest (cello) – with Andrés Salas’s video installations lighting up the ambulatory experience.

Wapiti’s work has been presented, notably, at the Centro Nacional de las Artes in Mexico and, in Montréal, at the Société de Musique Contemporaine du Québec’s Montreal/New Musics Festival.

violette

VERNISSAGE 15 FÉVR. — 17H

Dans cette exposition, Hannah Claus met en relief la relation entre divers éléments qui façonnent notre univers.

L’installation « chant pour l'eau », un voile imposant et complexe composé de fils et d'images numériques, reproduit les formes d'onde d’un chant mi'kmaq. Union entre voix, eau et chant, cette œuvre est inspirée par les principes intrinsèques des kahion:ni, ou ceintures wampum, dans lesquelles s'amalgament la mer et le ciel.

Artiste visuelle d'origines anglaise et kanien'kehà:ka (mohawk) habitant Tiohtià:ke (Montréal), Hannah Claus utilise dans ses installations différents processus et matériaux pour aborder les thèmes de la mémoire et de la transformation d'une perspective autochtone.

15 février – 17 mars

In this exhibition, Claus highlights the relationships between various elements that structure our world.

It features ‘water song’, an imposing yet intricate veil of thread and digital imagery that replicates the audio waveforms of a Mi’kmaq water song.

Uniting voice, water and song, the installation itself is based on the principles inherent to kahion:ni, or wampum belts, in which sea and sky are united.

Hannah Claus is a visual artist of English and Kanien'kehà:ka / Mohawk ancestries living in Tiohtià:ke (Montreal). In her installations, she uses process and materials to address memory and transformation from within an Indigenous worldview.

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elysia crampton live

minor matter ligia lewis

elysia crampton

DANSE

BERLIN

MUSIQUE

SACRAMENTO

En tournée mondiale

© Julia Gross

23 février

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La musique d'Elysia Crampton constitue le point central d'une myriade d'influences exprimant la complexité de l'évolution aymara. Étayant opinions politiques radicales et queer, son travail confère aux notions contemporaines de résistance du peuple aymara un univers sonore : un projet de « coévolution », puisant dans toutes les nuances que Donna Haraway attribua à cette expression par l'intermédiaire de Che Gossett, emblématique partisan de l'abolition des prisons.

Composé en l’honneur de la révolutionnaire Bartolina Sisa, son album Demon City a été qualifié « d’œuvre magistrale » par le Rolling Stone, et le Pitchfork l’a inclus dans sa liste des 20 meilleurs albums de musique expérimentale de l’année 2016.

© Martha Glenn

pivoine

jasmin

Elysia Crampton’s unrestrained electronic music is the flashpoint of a myriad influences opening upon the complexity and multifacetedness of Aymara becoming. Underscored by radical and queer politics, Crampton’s experimental work gives sonorous form to contemporary expressions of Aymara resistance and survival: a project of "becoming-with", in the shades given this term by Donna Haraway via prison abolitionist Che Gossett.

Avec minor matter, l'illustre danseuse et chorégraphe dominicaine Ligia Lewis propose une troublante constellation de métaphores portant sur la négritude au fil du temps.

La pièce conjugue représentations historiques et iconiques de la danse populaire, et culmine en une mise à nue – tant des corps que de la scène. Ce sont les danseurs Jonathan Gonzalez et Tiran Willemse qui se joignent à Lewis, dans cette œuvre où se déploie une palette de musique d'époque et de genre.

Her album Demon City, composed in honour of the revolutionary Bartolina Sisa, was deemed a “masterwork”

by Rolling Stone and was one of Pitchfork’s 20 best experimental albums of 2016.

Campée dans un décor où la couleur rouge désarçonne le spectateur, minor matter repousse les limites du questionnement de l'artiste sur le corps marqué par la société. Il s'agit de la deuxième œuvre scénique d’une trilogie amorcée en 2015 avec Sorrow Swag.

2 + 3 mars

With minor matter, acclaimed Dominican-born dancer and choreographer Ligia Lewis proposes an affecting constellation of metaphors relating to blackness across time. The piece combines both historical and iconic representations of popular dance, and by its end arrives at a bareness of flesh – both of the black box and its performers. Dancers Jonathan Gonzalez and Tiran Willemse join Lewis for this work, accompanied by epoch-and genre-spanning music.

Steeped in the affect-spheres of the colour red, minor matter extends Lewis’s interrogation of the sociallymarked body.

It is Lewis’s most recent stage work, completing the second part of a trilogy that began in 2015 with Sorrow Swag.

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rendez-vous with home

bâtardes jade & chloé barshee théâtre everest

THÉÂTRE

MONTRÉAL

THÉÂTRE

MONTRÉAL

black theatre workshop

© Djennie Laguerre

7 – 11 mars

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Dans Rendez-vous with Home Josephine et Suzette sont envoyées à Haïti pour inhumer leur père. Se souvenant à peine de cette figure paternelle, Josephine est anxieuse.

Suzette, qui n'a pour sa part jamais connu l'homme, ne voit qu'en cette mission un voyage toutes dépenses payées. Combinant tradition orale, danses haïtiennes et humour, ce périple excède les attentes des deux sœurs en imprimant en elles une nouvelle sensibilité et en varlopant les clichés.

Mise en scène par Dayane Ntibarikure, écrite et jouée par Djennie Laguerre, actrice et dramaturge torontoise née à Haïti, Rendez-vous with Home est présentée par Black Theatre Workshop, la plus vieille compagnie de théâtre noir du Canada.

© Marie-Andrée Houde

hibiscus

20 – 24 mars

tournesol

In Rendez-vous with Home, Josephine and Suzette are sent to Haiti to bury their father. Josephine, whose memory of her father is scant, is anxious.

Suzette, who never knew the man, looks forward to an all-expensespaid vacation. Their resulting journey, which combines Haitian oral tradition and dance with humour, explodes the sisters’ expectations imparting new awareness and overturning clichés.

Nées d'un père tibétain et d'une mère québécoise, Chloé et Jade Barshee composent une touchante œuvre d'autofiction en quête de leur propre identité.

Born to a Tibetan father and a Québécois mother, Chloé and Jade Barshee have created a touching autobiographical work in search of their own cultural heritage.

Conjuguant anecdotes, monologues poétiques, archives vidéographiques, Bâtardes vous plonge dans un univers théâtral où le réel et l’imaginaire se confondent.

Combining anecdotes, poetic monologues, and video archives, Bâtardes delves into a theatrical universe where reality and the imaginary are blurred.

Directed by Dayane Ntibarikure written and performed by Haitianborn Toronto actor/playwright Djennie Laguerre, Rendez-vous with Home is presented by Black Theatre Workshop, Canada’s oldest Black theatre company.

Théâtre Everest est une compagnie théâtrale, mais avant tout, un projet familial des sœurs Barshee : Chloé, Fanny et Jade. Leur pratique théâtrale s'inscrit dans le contexte social tel qu'il est aujourd'hui : un Québec contemporain dans lequel différentes réalités culturelles cohabitent et s'entrecroisent.

Théâtre Everest is a theatre company, but above all a family project for the Barshee sisters: Chloé, Fanny and Jade. Their theatre practice draws on the social context of today: a contemporary Québec where different cultural realities intermingle and coexist.

15

dynasty

black space j. ellise barbara

MUSIQUE

MONTRÉAL

MUSIQUE

MONTRÉAL

hua li

© Stacy Lee

fleur de cornouiller

13 avril

16

© Rebecca Storm

Créée par Hua Li (alias Peggy Hogan), Dynasty est une expérience multimédia vivante qui accompagne son premier album studio du même nom. Appuyée par des projections vidéo de Tyler Reekie, Dynasty évoque le parcours de Hua Li et aborde des thèmes comme les amours mensongères, la dynamique du pouvoir au sein des relations familiales.

Pour exprimer pleinement sa féminité, sa sexualité et ses opinions politiques, Hogan s'est affublée du nom de guerre Hua Li en réaction aux pressions que subissent les femmes de l'univers du jazz de se modeler aux rôles traditionnels genrés.

Réputée pour son hip-hop féministe, l’artiste a signé le mixtape The Bound Feat (2013) et l'album Za Zhong (2015).

Dynasty, created by rapper Hua Li (a.k.a. Peggy Hogan), is a live multimedia experience accompanying her debut studio album of the same name. Supported by video projections

by Tyler Reekie, Dynasty tells of Hua Li’s journey as a first-generation Chinese-Canadian and deals with topics like deceitful love, family power dynamics, and serious booty-shaking.

Hogan took on the nom de guerre Hua Li in response to pressures to conform to traditional gender roles as a woman in jazz, allowing her to express her femininity, sexuality and politics. As Hua Li, Hogan has released The Bound Feat, a 2013 mixtape, and the 2015 EP Za Zhong.

20 avril

ro s e

Jef Ellise Barbara souhaite créer un « espace noir » dénudé de toute racialisation physique ou mentale. Tandis que ses œuvres précédentes fusionnent synthé, pop, R&B et funk, sa nouvelle formation, appelé à juste titre Black Space, met uniquement en vedette des musiciens de descendance africaine subsaharienne. Black Space nous ramène à l'époque de l'afrofuturisme, un mouvement enclenché par Sun Ra dans les années 1950 mêlant culture noire et thèmes futuristes ou de science-fiction.

La musique de Barbara puise dans son expérience queer de transgenre de couleur. Depuis huit ans, elle compose, enregistre et se produit en tournée. Elle signe plusieurs albums originaux, dont Sexe Machin / Sex Machine (Fixture Records).

Jef Ellise Barbara means to create a “black space” free from physical or mental racialization. While Barbara’s earlier work ranged across synth, pop, R&B and funk, her new band project, fittingly called Black Space, features solely musicians of Sub-Saharan African descent. Black Space hearkens back to Afrofuturism, a movement pioneered by Sun Ra in the 1950s that wove together Black culture with futuristic or sci-fi themes.

Barbara’s music is rooted in her experience as a queer, transgender person of colour. She has toured, recorded and made music for the past eight years, with several releases, notably Sexe Machin/Sex Machine (Fixture Records).

17

the aisha of oz

phantom stills & vibration

aisha sasha john

EXPOSITION

© Yuula Benivolski

27 + 28 avril

18

Chorégraphe, interprète, membre du collectif WIVES, Aisha Sasha John est une créatrice engagée et prolifique.

Proposé en première mondiale en 2017, au prestigieux Whitney Museum of American Art, le solo The Aisha of Oz est présenté en ces termes par sa conceptrice : « Je ne sais pas comment exprimer physiquement la colère. (…)

Une performance de feu. D’eau et de feu. Et de terre. »

Rituel alchimique et extatique qui fait de l’interprète le vaisseau des mots, du mouvement et du souffle, The Aisha of Oz transmute le sentiment de rage pour mieux le transformer en lumière, en ouverture. John est également l’auteure des recueils de poésie I have to live et de THOU.

+ PERFORMANCES

MONTRÉAL

DANSE

MONTRÉAL

lara kramer

© Courtoisie de Lara Kramer

VERNISSAGE 10 MAI — 17H

pavot

pissenlit

Choreographer, performer, and member of the collective WIVES, Aisha Sasha John is a dynamic and prolific artist. She describes her solo show, The Aisha of Oz, which premiered at the prestigious Whitney Museum of American Art, in these terms: “I don’t know how to express anger physically. (…) A performance of fire. And water and fire. And earth.”

L'œuvre de Lara Kramer met en contraste les relations brutales qu'entretiennent les peuples autochtones et la société coloniale.

Dans le cadre de cette performance et installation, Kramer plonge le spectateur dans la réalité de l'ancienne Pelican Lake Indian Residential School où ont étudié trois générations de sa famille. Produite en collaboration avec Stefan Petersen, Phantom… explore les contrecoups résiduels des pensionnats et le traumatisme qui imprègne notre paysage.

An alchemical and ecstatic ritual that makes the performer the vessel of words, movement and breath, The Aisha of Oz shapes rage to transmute it into light and opening. John is also the author of the poetry collections I have to live and THOU.

Lara Kramer est une chorégraphe et artiste multidisciplinaire ojie-crie.

Ses travaux ont été encensés par la critique, y compris Native Girl Syndrome, œuvre traitant et de la victimisation des femmes autochtones et des séquelles laissées par le génocide culturel.

10 mai - 10 juin

Lara Kramer’s work confronts the brutal relationships between Indigenous peoples and Settler society.

For this performance and installation, Kramer draws the spectator into an immersive experience of the former Pelican Lake Indian Residential School, where three generations of her family attended. Produced in collaboration with Stefan Petersen, Phantom stills & vibrations explores the residual effects of the Residential school system and the continuing trauma that permeates the landscape.

Lara Kramer is an Oji-Cree choreographer and multidisciplinary artist. Among her many works hailed by critics is Native Girl Syndrome, which exposes the marginalization and victimization of Indigenous women and the effects of cultural genocide.

19

la ruche

créations en résidence

créations en résidence

el silencio de las cosas presentes

wrk n prgrss playshed

MONTRÉAL

MONTRÉAL

eduardo ruiz vergara

© Sans titre. Cinemagraph Series. (2016) AJ Korkidakis

8 + 9 décembre

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la ruche

© Raphael Preux

pissenlit

Vitrine multidisciplinaire offrant aux jeunes créateurs une tribune d’expression, WRK N PRGRSS regroupera une douzaine de propositions scéniques. Projecteurs sur le processus de création, performances expérimentales, peinture en direct et exploration de rituels, un showcase remuant signé par PlayShed, une compagnie réputée pour son théâtre désinhibé.

A multidisciplinary showcase offering young and/or emerging artists a platform for expression, WRK N PRGRSS brings together a dozen presentations.

Including spotlights on the process of creation, experimental performances, live painting and an exploration of rituals, WRK N PRGRSS is a stirring showcase presented by PlayShed, a company renowned for its uninhibited theatre.

En 2015, PlayShed s’est illustré avec la représentation de Cock – une comédie noire de Mike Bartlett portant sur la confusion sexuelle –, un succès critique et public sans précédent pour cette première production théâtrale !

Fondée par les artistes Birdie Gregor, Jimmy Blais et Olivier Lamarche, cette compagnie se distingue pour traiter de sujets hors-norme dans une perspective humaniste.

In 2015, PlayShed won acclaim with the presentation of Cock – a black comedy by Mike Bartlett touching on sexual confusion. This first theatrical production was an unprecedented success with critics and audiences alike! Founded by artists Birdie Gregor, Jimmy Blais and Olivier Lamarche, this company stands out for its humanist treatment of challenging subjects.

o rc h i d é e jaune

Danse performative axée sur le partage polysensoriel de l’intime, El Silencio de las Cosas Presentes apporte une réflexion sur la sensation haptique et la douleur.

Corps traversés par ses histoires personnelles et ses mémoires, déplacement de la perception et étrangeté corporelle modulent le corps des interprètes – Eduardo Ruiz Vergara, Sophie Levasseur et Marie Mougeolle. Appuyée par un paysage sonore immersif – Nathan Giroux –, El Silencio… évoque un chant polyphonique à la fois déconcertant et familier.

Chorégraphe, interprète et enseignant, Ruiz Vergara signe une vingtaine de créations depuis 2001.

Son projet doctoral à l’UQAM porte sur la « poétique corporelle et le monde du sensible ».

6 + 7 avril

A performative dance centered around the multi-sensorial sharing of the intimate, El Silencio de las Cosas Presentes reflects on haptic sensation and pain. As personal stories and memories course through their bodies, a displacement of perception and corporeal strangeness modulates the gestures of the performers – Eduardo Ruiz Vergara, Sophie Levasseur and Marie Mougeolle. Backed by an immersive sonic landscape – Nathan Giroux – El Silencio… evokes a polyphonic song that is at once disconcerting and familiar.

Choreographer, performer and teacher, Ruiz Vergara has produced some twenty pieces since 2001. His doctoral project at UQAM is focused on “corporeal poetics and the world of feelings.”

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billetterie/ box office 25 $ régulier / regular

* Sauf / except rendez-vous with home, black theatre workshop wrk n prgrss, playshed el silencio de las cosas presentes, eduardo ruiz vergara

20 $ réduit / discount

Professionnels des arts, aînés, étudiants, détenteurs de carte accès montréal, membres du dam, elan / professional artists, seniors, students, accès montréal cardholders, dam, elan members.

17 $ groupe / group (10 +)

l’art fleurit au mai art grows at mai

18 $ série création bourgeonne 1. tu ne te retourneras pas chittakone baccam 2. la pileuse - sarah elola 3. dynasty - hua li

20 $ eclectik 2018



flicker

dancers of damelahamid Billetterie Cinquième salle | Place des Arts Et / And dansedanse.ca Billets à partir de 30 $ / Tickets start at $30

Taxes incluses / Tax included.

Une pièce justificative valide est requise pour les tarifs réduit et étudiant. une entrée par carte. / A valid id is required for when purchasing or picking up discounted tickets. one ticket per card holder.

30 ans et moins / ages 30 and under Tarifs spéciaux disponibles Special rates available

15 $ 14 ans et moins / 14 years and under

* 22 $ régulier / regular | 16 $ aînés + étudiants / seniors + students — groupe / group (10+)

vente en ligne / online sales

stationnement / parking

Frais de service en sus de 2,50 $ par billet.

A $2.50 service charge per ticket will apply.

Tarif fixe de 6 $ (à partir de 17 h). $6 fixed-rate (after 5pm).

passeport 4/4 4 spectacles pour 60 $ / 4 performances for $60

Veuillez récupérer votre bon de réduction à la billetterie du mai.

Please pick up your discount coupon at the mai box office.

3625, avenue du Parc (Près de la rue Prince-Arthur) H2X 3P8

Maximum de 2 billets par spectacle.

A maximum of 2 tickets per performance.

partenaires publics

RÉDACTION

TRADUCTION

RÉVISION

Jean-Matthieu Barraud Edwin Jansen Pablo Rodriguez Christine Roy Michael Toppings

Jo-Anne Balcaen Faten Faour Akwiratékha Martin Jessica Moore Laura Schultz Kwok Wai-Yin Pablo Rodriguez Ron Ross Caroline St-Onge

Pablo Rodriguez Caroline St-Onge

partenaires culturels

COORDINATION

Christine Roy DESIGN GRAPHIQUE

Atelier Mille Mille

www.latinarte.ca

montréal, arts interculturels saison 17 - 18

15 février – 17 mars

earth. sea. sky. constellations for my relations hannah claus 23 février

17 —

14 septembre – 14 octobre

la forêt noire

anna jane mcintyre 6 + 7 octobre

room 2048

hong kong exile 27 + 28 octobre

en alerte

taoufiq izeddiou – anania danse 26 octobre – 25 novembre

a paradigm of fusion

tomoyo ihaya + shyra de souza 3 + 4 novembre

tu ne te retourneras pas chittakone baccam 14 – 18 novembre

flicker

dancers of damelahamid 24 – 26 novembre

la pileuse

sarah elola 18 —

19 + 20 janvier

âgés et déjantés eclectik 2018

elysia crampton live elysia crampton 2 + 3 mars

minor matter ligia lewis

7 – 11 mars

rendez-vous with home black theatre workshop 20 – 24 mars

batârdes

jade + chloé barshee – théâtre everest 13 avril

dynasty hua li

20 avril

black space

jef ellise barbara 27 + 28 avril

the aisha of oz

aisha sasha john 10 mai – 10 juin

phantom stills and vibrations lara kramer

2 + 3 février

plateaux : voyage du rio de la plata à l’altiplano, frontières d’amérique latine

wapiti + émilie girard-charest + andrés salas

la ruche 8 + 9 décembre playshed

6 + 7 avril eduardo ruiz vergara