La Foire R, R & R - Programmation

LA FOIRE R, R & R 18 au 27 Octobre 2018

Respect, Reconnaissance & Représentation 18 au 27 octobre 2018

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L’équipe du MAI Michael Toppings Claudia Parent Pablo Rodriguez Anthony Plagnes Payá Philip Richard-Authier Richard Houle Marie-Charlotte Castonguay-Harvey Anne Florentiny Chloé Barshee Bassirou Mbodiji Laura Condei

Directeur général et artistique Coordonnatrice des productions Coordinateur d’engagement artistique et public Chef des communications Directeur technique Directeur technique adjoint Coordonnatrice des activités Responsable de l’accueil, billetterie et des studios Billetterie Comptable Comptable

L'Équipe La Foire - R, R & R Briauna James Ann Karine Bourdeau Leduc

Coordonnatrice Assistante à la coordination

Le MAI reconnait que les terres sur lesquelles nous travaillons font partie du territoire traditionnel non cédé des Kanien’keha:ka, qui a servi, sert et servira encore de lieu de rassemblement et d’échange entre les nations.

Photo de couverture © Nathalie Duhaime

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Mot de la mairesse de Montréal Depuis 20 ans, le MAI (Montréal, arts interculturels) joue un rôle essentiel au rayonnement de la diversité montréalaise et s’engage pleinement dans la promotion des pratiques artistiques interculturelles.

En plaçant les valeurs de partage et d’inclusion au cœur de sa mission, le MAI favorise le dialogue et les échanges au bénéfice du rayonnement des diverses expressions artistiques. Je tiens donc à féliciter chaleureusement le Festival LatinArte, le Festival Accès Asie et le Black Theatre Workshop, partenaires de longue date du MAI, dont l’expertise a permis la naissance de la plateforme Foire R, R & R. Axée sur l’inclusion et l’équité, cette nouvelle plateforme de visibilité permettra de promouvoir les artistes professionnels ayant une pratique interculturelle dans de nombreuses disciplines. À tous les artistes, aux diffuseurs et à l’ensemble des artisans du milieu de la culture qui contribuent à enrichir la programmation de cet espace de partage extraordinaire qu’est la Foire, je salue votre engagement. Je vous souhaite des échanges fructueux, un dialogue constructif et de multiples occasions de collaboration.

Mot du directeur du Conseil des arts du Canada Les arts : un élément fondamental de notre appartenance L’art et la culture constituent des éléments fondamentaux de notre appartenance à une communauté, à une nation, à un pays, à une société et à l’humanité elle-même.

Le Canada est l’un des pays les plus diversifiés au monde. L’apport des artistes autochtones, de la diversité culturelle, handicapés ou sourds et des communautés de langue officielle en situation minoritaire est primordial dans notre société. Une société ouverte qui comprend que l’équité est synonyme de justice, et non d’uniformité. L’équité et la diversité sont au cœur des valeurs du Conseil et nous croyons que la contribution de tous les artistes est nécessaire pour que les arts reflètent le Canada d’aujourd’hui et de demain.

Le Conseil des arts du Canada, est fier de soutenir La Foire R, R&R de Montréal, arts interculturels parce que pour nous, l’art est essentiel. Et tous ensemble, nous pouvons collaborer à façonner un avenir rempli d’espoir.

Valérie Plante

Simon Brault

Mairesse de Montréal

Directeur et chef de la direction du Conseil des arts du Canada

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Mot du directeur du MAI

D’un lieu de présence, nous renouvelons notre façon d’exister dans le monde.

La Foire a été conçue en tant que célébration de la visibilité et de la présence, dans un esprit de respect et de reconnaissance pour tous les artistes, sans égard au genre, à la race, à la classe sociale, aux capacités, à l’orientation sexuelle, à la religion, à l’âge, à la langue ou à d’autres axes sectaires de l’identité ; avec le souhait que cet élan, qui est au cœur de sa démarche, se manifeste dans une représentation équitable à travers toutes disciplines.

En même temps, La Foire a été développée comme un outil pour aborder l’invisibilité. L’invisibilité de ceux qui ne sont pas perçus, pas entendus, qui sont peu soutenus et sous-représentés, leurs visages étant ignorés, leurs voix mises au silence; ceux dont les histoires ne sont pas racontées ou se voient malheureusement racontées par ceux qui n’en ont pas le droit. Trop fréquemment — l’histoire l’a démontré — le récit de ces enjeux s’est vu monopolisé par quelques-uns, par ceux-là mêmes qui se trouvaient déjà favorisés, créant un déséquilibre et la préséance disproportionnée de certains arcs narratifs au sein de nos galeries, de nos théâtres. Se rendre visible change tout. L’accès est un droit humain, mais c’est aussi ce qui permet aux autres droits de devenir réalité.

Avant de conclure, donnons-nous le droit de parler de reconnaissance, de gratitude. Un acte très simple, et pourtant trop souvent relégué au second plan.

Toute notre reconnaissance : L’idée de La Foire est en fait venue d’un jeune stagiaire nommé Rémi Sir qui a travaillé au MAI quelques mois, il y a de cela quelques années. Un stagiaire qui avait le mandat de travailler aux aspects démographiques, mais qui a aussi travaillé hors des cadres établis afin de nous ouvrir cette possibilité.

Toute notre reconnaissance aux très nombreux artistes dont la participation et la présence au MAI durant La Foire auront sans aucun doute un effet profond sur nous, au MAI, en plus de ramifications significatives pour vous, le public. L’engagement du MAI envers ces artistes s’étend bien au-delà des deux semaines de l’événement. Le MAI devient en effet leur espace pour la transmission de leurs histoires, sans égard pour les distinctions de disciplines.

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Toute notre reconnaissance aux trois programmateurs Angela Sierra, Khosro Berahmandi et Quincy Amorer pour le travail assidu de préparation de 3 des 4 showcases, ainsi qu’à leurs organisations respectives – Festival LatinArte, Festival Accès Asie et Black Theater Workshop – qui comptent parmi les partenaires les plus fidèles et les plus réguliers du MAI. Toute notre reconnaissance aux employés et à tous les responsables de l’organisation au MAI qui travaillent en coulisse, et tout particulièrement à Pablo Rodriguez, responsable de la programmation de l’exposition, ainsi qu’à Briauna James, coordonnatrice de La Foire, dont le dévouement dans le cadre de ce projet a été tout simplement exceptionnel.

Et finalement, toute notre reconnaissance à tous les subventionnaires qui ont cru en ce projet, notamment au Conseil des arts du Canada, principal soutien financier de l’événement, et à leur ancien Bureau de l’équité, ainsi qu’à la Ville de Montréal et au Ministère de la Culture et des Communications. Merci…

Michael Toppings Montréal, arts interculturels

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JEUDI 18 OCTOBRE © JF Carrier

17h - Vernissage/Gala d’ouverture (Galerie) Gratuit

Programmé par Pablo Rodriguez DJ - Kelpie Cette vitrine met en relation des œuvres et des pratiques qui témoignent d’histoires de changement, de transition, d’entre-deux. Le travail de Daphne Boyer examine la force des liens familiaux et le territoire en tant que support de remémoration. Dans Exodus, une nouvelle série du sculpteur Juan Carlos Prada, les matériaux modernes et traditionnels donnent forme, en un sens, à ce qui advient après la décision de partir de chez soi. Pour la brésilienne d’origine Ludmila Steckelberg, le « chez soi » se donne à voir dans des installations de rubans colorés, tout en étant troublée par l’usage de masques. Les thèmes de la rupture et de la déconnexion réapparaissent dans les vignettes visuelles d’Aïda Vosoughi, librement inspirées des contes populaires du Livre de Kalila et Dimna. Dans le contexte de La Foire, tous nous mettent au défi de repenser ce que célébrer ensemble, collectivement, signifie, au nom de l’intégrité et de la différence.

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Daphne Boyer / 1. AMR, 2. Hemoglobin, 3. Red Leaf and Thorn Je suis une artiste visuelle montréalaise qui utilise les plantes, les traitements d’artisanat féminin traditionnel et la technologie numérique pour créer des oeuvres originales sur papier. Ma pratique est ancrée dans mes racines Métis et ma formation comme phytologiste. Mes oeuvres racontent les histoires de mes ancêtres et célèbrent les plantes comme base de la vie sur Terre. En 2016-2017 j’ai été une artiste en résidence de création au Montréal, arts interculturels (MAI) et j’ai également reçu une bourse du Conseil des arts et des lettres du Québec. Mes oeuvres ont été acquises par des collectionneurs à Montréal, Toronto, Saskatoon, Calgary et Strasbourg (France).

Juan-Carlos Prada Lopez / Exodus Réunit Artiste sculpteur d’origine colombienne établi à Montréal depuis 4 ans. Il fait l’exploration sur des matériaux de la nature comme la pierre, le bois et le métal en mobilisant les techniques traditionnelles et modernes de sculpture priorisant la symse entre le géométrique et l’organique. Exodus comprend une série d’œuvres créées avec un langage rénové suite aux enjeux de la migration. Cinq pièces évoquent la nouvelle interprétation de l’existence au-delà de la notion d’individualité. La mémoire et le vécu face à l’adaptation à une société maturée par des valeurs basées sur la paix et la diversité s’expriment à travers ses outils.

Ludmila Steckelberg / Fauna Diorama No.2 Née au Brésil, Ludmila est une artiste visuelle installée à Montréal depuis 2009. Elle a participé à plusieurs expositions à l’international, notamment en Allemagne et en Chine. Elle a également participé en 2017 à l’événement Le Désir Qui Te Traverse à Eastern Bloc à Montréal. Son travail a été présenté dans diverses publications, comme la revue TicArtToc (DAM) et son travail fait partie de collections de particuliers et de musées un peu partout dans le monde. Fauna Diorama No. 2 est une installation multimédia composée de d’autres installations, de photographies et d’objets. L’oeuvre discute de l’expression artistique identitaire de la femme immigrée dans la société québécoise contemporaine.

Aida Vosoughi / Le ratel dans la tour de Babel Aïda Vosoughi est une artiste iranienne qui réside à Montréal depuis 2014. Elle poursuit une pratique artistique professionnelle depuis plus d’une dizaine d’années. Ces œuvres sont tirées d’une plus grande série sur laquelle elle travaille depuis 2017. Le premier volet a été exposé aux PaysBas en 2018. La partie présentée est intitulée Le ratel dans la tour de Babel. Ce projet est inspiré par des récits de l’ancienne littérature du Moyen-Orient, Kalila et Dimna, dans lesquels les histoires narratives racontées par des animaux représentent des relations typiquement humaines. On y raconte des fables qui illustrent les dynamiques de pouvoir.

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VENDREDI 19 OCTOBRE © Ulysse L.B

15h - Séance d’information I: Création & production de A à Z (Café) 12$ - Réservation obligatoire à lafoirerrr.eventbrite.ca Comment passer d’une idée, d’un projet, à la production achevée et être prêt.e pour la grande première? Avec qui travailler pour y parvenir? Quels sont les rôles de chacun.e, directeur technique, compositeur, éclairagiste, scénographe, directeur. trice de production? Quels rapports entretiennent-ils les uns avec les autres, et avec vous, le créateur ou la créatrice? Le MAI a rassemblé des experts du domaine des arts de la scène qui seront disponibles pour répondre à toutes vos questions quant aux aspects logistiques de la création. Avec Philip Richard Authier, Paul Chambers, Guido Del Fabbro et Laurence Gagnon Lefebvre.

Modéré par Claudia Parent (MAI) 8

Philip Richard Authier (directeur technique) Philip Richard-Authier a été formé à l’école de théâtre de Saint-Hyacinthe. Il travaille d’abord comme technicien de plateau en tant que stagiaire au Théâtre du Peuple à Bussang en France, et à son retour à Montréal il collabore comme technicien pour différentes compagnies pendant quelques mois. En 2006, il devient assistant directeur technique au MAI (Montréal, arts interculturels), deux ans plus tard, il en assure la direction technique. Au cours des dernières années, Philip a notamment été directeur technique de La Synesthésie du Dragon (Tangente), création de la danseuse Geneviève La. Il a également assuré la direction technique en Espagne pour la tournée de Milieu de nulle part de Fabrication Danse et a été responsable technique pour Lilith & Cie.

Paul Chambers (éclairagiste) Paul Chambers est concepteur, professeur et co-directeur artistique du collectif CHA. Tout en travaillant avec des artistes de diverses disciplines, ses collaborations à de nouveaux projets chorégraphiques ont toujours stimulé son parcours artistique. Depuis 2007, notamment avec le Studio 303, Paul anime des ateliers pédagogiques destinés aux artistes qui voudraient approfondir leurs connaissances sur la conception lumière et il est aussi chargé de cours à l’Université Concordia. De 2008 à 2013, Paul a assumé la direction technique à Tangente Danse. Parmi ses récentes collaborations, on compte Public Recordings, Amanda Acorn, Dorian Nuskind-Oder, Catherine LavoieMarcus, Priscilla Guy, Maria Kefirova, Katie Ward, Parts+Labour, Danse, Lara Kramer Dance et Destins Croisés.

Guido Del Fabbro (compositeur) Compositeur et musicien Guido est membre des groupes La Fanfare Pourpour, l’Ensemble SuperMusique et Ratchet Orchestra. Il travaille régulièrement comme compositeur avec la compagnie de danse contemporaine Les Sœurs Schmutt, avec le Théâtre Incliné ainsi qu’avec D.Kimm (cie. Les Filles électriques). Sur disque, il a collaboré comme musicien, arrangeur ou réalisateur avec plusieurs artistes dont Philippe B, Groenland, Forêt, Richard Séguin, Philémon Cimon et Pierre Lapointe.

Avec ce dernier, on l’a aussi vu régulièrement sur scène de 2004 à 2013. Il a été le compositeur invité par Pointe-à-Callière pour la Symphonie portuaire 2014. Deux de ses projets solo ont vu le jour sur l’étiquette Ambiances Magnétiques: Carré de sable (2003) et Agrégats (2007) et un autre sur &records: Ctenophora (2012).

Laurence Gagnon Lefebvre (scénographe) Laurence Gagnon Lefebvre a gradué du programme de scénographie à l’École Nationale de Théâtre en 2011. Depuis, elle conceptualise autant les espaces pour des oeuvres poétiques, immersives, qu’engagées. Elle aime explorer la frontière entre l’installation et l’espace théâtral. Son amour de la matière brute a souvent teinté la création de ses univers à fois simples, chargés de sens et intemporels. Appelant à l’imaginaire de chacune et chacun, ses espaces et personnages sont conçus au sein de processus authentiques et libres, et toujours pensés collectivement. Elle travaille, à travers le langage scénographique, à nourrir l’écriture, tout en dessinant ce qui est moins accessible aux mots. Laurence, également pédagogue, occupe présentement le poste de responsable de la concentration en scénographie au Collège Jean-Eudes.

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19h - Conférence: Présence, lieux et visibilité culturelle (Café) Gratuit - Réservation obligatoire à lafoirerrr.eventbrite.ca Qu’est-ce que signifie être visible, et qu’est-ce que signifie se sentir invisible ? Comment aborder la question de l’invisibilité des minorités visibles ? Comment résister aux puissantes forces qui étouffent systématiquement la présence et les voix des groupes minorisés, et comment s’orienter vers un portrait réaliste de notre société, au lieu du portrait fictif, non représentatif qui nous est le plus souvent présenté ? Joignezvous à nous pour une conversation faisant place aux expériences vécues, aux défis et triomphes, ainsi qu’aux réflexions personnelles sur la notion d’ilot social, et la visibilisation dans le cadre social. Cet événement a été conçu dans l’idée de « passer le micro »… un acte par lequel présence, place, lieu et espace vocal sont cédés par ceux qui prennent habituellement l’espace de parole, et à qui l’on demande, plutôt, d’écouter.

Modéré par Marilou Craft Marilou Craft œuvre dans le milieu des arts vivants à titre de rédactrice, d’auteure dramatique et parfois de performeuse. Son travail de conseillère artistique et dramaturgique l’a amenée à accompagner autant des metteurs en scène que des auteurs et des chorégraphes. En tant qu'autrice, elle développe une pratique littéraire plus intime. Elle s'intéresse également au droit, en plus de militer pour les personnes minorisées.

Participants Barbara Kaneratonni Diabo Barbara Kaneratonni Diabo est originaire de la Nation mohawk de Kahnawake et vit aujourd'hui à Montréal. Danseuse professionnelle et chorégraphe depuis plus de 25 ans, elle se spécialise dans la danse autochtone traditionnelle et contemporaine, notamment l'art de la danse indigène du cerceau. C'est avec une grande fierté qu'elle partage régulièrement sa culture et donne des spectacles un peu partout au Canada et à l'échelle internationale. Elle a enseigné à des enfants et des adultes, à travers la danse, la musique, les contes et des ateliers interactifs. Son but est d'inspirer, d'encourager la fierté culturelle, d'élever l'esprit et de développer l'enseignement et la communication.

Ricardo Lamour Artiste, travailleur social, lauréat de Forces Avenir, du Prix Pauline-Julien (Petite Vallée, 2010); Ricardo Lamour a deux albums de rap à son actif et est reconnu pour une panoplie d’actions contre la censure de l'art des communautés marginalisées, telle la demande à la Ville de Montréal et au Gouvernement Couillard de la reconnaissance de la résolution 68/237 de l'ONU déclarant la décennie internationale des personnes afrodescendantes 2015-2024 et le soutien aux réfugiés et aux familles des victimes de brutalité policière. Artiste engagé,il pose des gestes concrets non seulement auprès de familles, mais également auprès des jeunes. Ainsi, en plus du soutien à la famille Villanueva, il accompagne des jeunes issus de communautés culturelles et ensemble ils occupent des espaces publics dans une optique de transformation sociale, prenant en considération le fait que l’origine raciale détermine la taille des services de police dans les villes canadiennes et le nombre d’incarcérations dans les pénitenciers, selon le sociologue Jason Carmichael.

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Fo Niemi M. Niemi est co-fondateur du Centre de recherche-action sur les relations raciales (CRARR). Le CRARR joue un rôle incomparable pour la promotion de l’accès à l’égalité des minorités au Québec. Entre autres réalisations, cet organisme a facilité la mise en œuvre d’un grand nombre de programmes d’accès à l’égalité au sein des entreprises publiques et privées en plus d’entreprendre plusieurs projets de recherche avec le même dessein. M. Niemi est membre de la Commission des droits de la personne du Québec et a participé à titre bénévole à un grand nombre d’activités visant à promouvoir les droits des minorités et à faciliter leur accès à la justice.

Lucas Charlie Rose Lucas Charlie Rose, est un artiste pluridisciplinaire, un organisateur communautaire et un entrepreneur basé à Montréal. À 26 ans, au-delà de l'enthousiasme que génère sa musique, Lucas est considéré comme un leader mondial de la communauté noire trans. Il est à l'origine du label à but non-lucratif Trans Trenderz qui vise à fournir les ressources et la plateforme nécessaires pour que les artistes trans le souhaitant puissent s'exprimer en musique et étoffer leur sens narratif. Ses engagements communautaires à Montréal et ailleurs, notamment son implication auprès de Black Lives Matter, les ateliers qu'il met régulièrement sur pied et son travail de sensibilisation aux enjeux qu'il porte lui ont permis de tisser des liens bien au-delà du milieu musical.

Fabrice Vil Fabrice Vil est cofondateur et président de Pour 3 points, un organisme qui transforme les coachs sportifs afin qu'ils jouent également un rôle de coachs de vie auprès des jeunes sportifs en milieu défavorisé. Coach certifié en développement intégral auprès de Convivium/New Ventures West, il est également entraîneur de basket-ball depuis 2001 et fut avocat en litige civil et commercial de 2007 à 2013 chez Langlois Kronström Desjardins (maintenant Langlois). Fabrice est membre de l'Ordre de l'excellence en éducation ainsi que Fellow Ashoka, un réseau regroupant les meilleurs entrepreneurs sociaux à travers le monde. Il intervient dans les médias, notamment à l'émission ALT à Vrak et à Radio-Canada.

11 © David Wong

SAMEDI 20 OCTOBRE

13h- Pitchs: Présentation de projets avec 6 artistes (Café) Gratuit - Réservation obligatoire à lafoirerrr.eventbrite.ca

La session de pitchs invite 6 artistes à présenter leurs nouveaux projets à venir à un large public de producteurs créatifs et contemporains, dont des directeurs artistiques, des commissaires de festival, des présentateurs et des programmeurs. Chaque artiste aura 10 minutes pour décrire un projet en cours de réalisation et recevoir par le comité de pairs/rétroaction des commentaires individuels suivant leur présentation.

Maryline Chery Maryline Chery est une comédienne et dramaturge d’origine haïtienne basée à Montréal. Au printemps 2018, elle a présenté sa nouvelle pièce solo AFRODISIAQUE, œuvre sur l’identité et la représentation de la femme noire, au festival de théâtre féministe Revolution They Wrote et une seconde fois en rappel comme production indépendante à l’Espace La Risée. Maryline est présentement enrôlée en tant que comédienne dans la cohorte 2018 de mentorat artistique du Black Theatre Workshop.

Elle est une artiste féministe émergente engagée auprès de la communauté noire du Québec qui espère ouvrir une conversation sur la diversité.

Gabe Maharjan - Présentation en anglais Gabe Maharjan est un comédien/créateur basé à Montréal. Récemment diplômé du Dome, ille vient de terminer le programme de mentorat du Black Theatre Workshop.

Gabe participe également au programme Young Creators Unit offert par Playwrights Workshop Montreal où ille y développe une pièce intitulée Eva in Rio. Ille siège au conseil d’administration de Quebec Drama Federation. Maharjan a été vu sur scène dans le rôle de Haemon d’Antigone (RTS), Eddie dans The Last Wife (Imago), et Tripp dans Don’t Read the Comments (Sermo Scomber). Ille donne sa voix à Hayao dans Primus Vita (Epsilon Games). Maharjan fait ses débuts en tant que metteur en scène quand ille produit Gruesome Playground Injuries (Playground Productions) de Rajiv Joseph.

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Sarah Manya Sarah Manya est performeuse et chorégraphe. Son travail a été présenté dans toute l’Europe dans des festivals tels que Springdance, Festival Something Raw, Motel Mozaique, Festival Tweetakt et Noorderzon, Body Stroke, Recyclart (BE) Festival Neuer Tanz (DE). Elle a été artiste invitée et conférencière à l’Université de New York et au Département de danse de théâtre moderne de l’École des arts d’Amsterdam, entre autres. En tant que performeuse, elle a travaillé avec Felix Ruckert, Martin Butler, Vera Mantero et Vloeistof. Elle a été formée au DasArts (NL), Rotterdamse Dansacademie (NL) et The Laban Center for Movement and Dance (Royaume-Uni).

Elle est récipiendaire d’une bourse Fulhelright / Netherland-America Foundation en chorégraphie.

Seeley Quest - Présentation en anglais Seeley Quest est une personne trans ayant un handicap. Performeur, écrivain, commissaire et environnementaliste, ille est basé à Oakland, en Californie, depuis seize ans où ille se prépare actuellement à faire des études supérieures. Ille travaille depuis 2001 dans des spectacles littéraires et corporels dans la région de la baie de San Francisco, et fait des tournées pour présenter son travail à Vancouver, à Toronto et dans de nombreuses villes et collèges américains. Établi à Montréal depuis 2017, ille a participé à la Confabulation, le Words and Music Show et The Violet Hour. Renseignez-vous sur son organisation de cabaret ou sur ses collaborations en vue du développement d’un drame radiophonique se déroulant dans un Montréal du futur, écologiquement repensé. N’étant pas sur les réseaux sociaux, Seeley Quest cherche à développer des projets par courriel avec des collaborateur.trices.

Martin Rodriguez En utilisant des techniques non conventionnelles, Martín Rodríguez explore la résonance en combinaison avec les transducteurs et sa guitare électrique pour exposer les rythmes, les harmonies et les mélodies qui se trouvent dans les fissures du spectre radio, créant des paysages sonores émotifs qui vivent, écoutent et se livrent au présent. Fils d’un immigrant mexicain et d’une Américanopolonaise, l’identité a toujours joué un rôle central dans les explorations artistiques de Rodriguez. Des projets tels que Open La Puerta (2013) explorent des mémoires fragmentées de son héritage et, après une intervention chirurgicale sur une tumeur cérébrale qui l’a paralysé temporairement, Rodríguez a entamé l’exploration de nouvelles façons de jouer de la guitare, ce qui l’a mené à la création de Radio Therapy (2015).

Alexandra Templier « Alexandra Templier est de flamenco et de chant lyrique, de poésie et d’empathie, d’intemporel et d’électronique. [...] une voix hors du commun, un canal de l’urgence, celui des fortes émotions de la condition humaine. » - LE DEVOIR. Fraîchement installée à Montréal, cette française venue de Madrid, présente LOS NIÑOS SON INOCENTES#1, un projet interculturel pluridisciplinaire alliant théâtre, flamenco, jazz et programmation sonore. Une proposition résolument actuelle, tant dans ses sonorités que dans son propos : où trouver une parole vraie aujourd’hui ? En qui peut-on encore avoir confiance ? Sur quoi fonder notre propre confiance individuelle (donc notre action) lorsqu’on se sent si impuissant.e.s au vu du contexte socio-politique actuel ?

Le comité de pairs/rétroaction

Daniel Áñez Garcia, Kakim Goh, Camille Larivée, Mellissa Larivière.

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MERCREDI 24 OCTOBRE 14 © Elisha Lim

13h - Séance d’information II: La tournée– développement et la promotion (Studio 428) 12$ - Réservation obligatoire à lafoirerrr.eventbrite.ca

Cette session vous informera sur tout ce que vous devez savoir à propos des rôles de l’agent et du relationniste de presse, des moyens pour bien promouvoir votre travail et pour organiser une tournée. Cet atelier est conçu pour les artistes indépendants, les producteurs et les compagnies. Vous ne savez pas par où commencer? Profitez des conseils de ceux qui ont de l’expérience et qui connaissent les pièges à éviter et bénéficiez également de conseils pour réseauter et vous mettre pleinement en valeur. Ce sera aussi l’occasion d’échanger sur le budget de tournée, la rédaction d’une description de spectacle, les (més)usages des médias sociaux, et bien plus. Avec Valérie Cusson et Anthony Plagnes Payá.

Valérie Cusson Valérie a fondé et dirige Cusson Management, une agence de représentation et de management pour artistes de la danse. Basée à St-Jérôme dans les Laurentides, elle concentre ses efforts de développement sur le territoire nord-américain. Son expérience en gestion culturelle et ses multiples implications sociales l’ont poussé à collaborer avec des artistes qui contribuent au changement et qui inspirent les publics et les communautés.

Anthony Plagnes Payá Stratège en communications, Anthony Plagnes Payá cumule plusieurs années d’expérience dans la mise en place de stratégies innovantes et partage sa passion du numérique comme outil créatif et collaboratif auprès des organisations du secteur communautaire, des arts et de la culture notamment à travers l’agence de communications Happy Banana qu’il a fondée. Après avoir travaillé sur la communication et le développement du festival des films et des arts LGBTQ afro Massimadi et de l’organisation Arc-en-ciel d’Afrique, Anthony est présentement Chef des Communications à Montréal, arts interculturels (MAI).

15h - Présentation en studio (Studio 428)

Gratuit - Réservation obligatoire à lafoirerrr.eventbrite.ca Les présentations en studio offrent la possibilité aux artistes choisis par le MAI de présenter un travail en cours à un public en direct. Cela permet de faire valoir leurs compétences et de recevoir les commentaires du public. Nous sommes fiers de présenter ces artistes talentueux.

Sonia Bustos Intérieur brut, est un solo incarné par l’interprète-créatrice d’origine mexicaine Sonia Bustos et créé en collaboration avec la chorégraphe Élodie Lombardo (Cie. Soeurs Schmutt). Ce solo met en exergue le partage sensoriel à partir de l’intime; un corps féminin traversé par des histoires quotidiennes, qui résonne et vibre dans des successions d’états de corps. Inspiré de l’actualité socio-politique mexicaine et de faits réels touchant la condition féminine, ce solo appelle à une prise de conscience et de parole, moins politique que sociale et artistique, contre l’indifférence face aux abus et à la violence. Comment incarner, relater, dénoncer un événement dans le langage non littéral et poétique du corps? Comment assumer notre responsabilité individuelle - qu’elle soit artistique ou citoyenne - devant une injustice?

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16h30 - Présentation en studio (Studio 223)

Gratuit - Réservation obligatoire à lafoirerrr.eventbrite.ca Martine Castera Martine Castera (co-chorégraphe et interprète) est diplômée de l’UQAM en danse contemporaine; elle est également spécialisée en popping et en hip-hop. Son parcours s’accompagne de 12 années de pratique en karaté. En 2017, elle se forme au Broadway Dance Center à New York. Très impliquée dans la scène montréalaise des danses de rue, elle fait aussi partie d’un groupe indépendant de Popping entièrement féminin, LADIES. Elle a gagné son premier battle, Cloud Cypher, en 2016. Elle a entre autres travaillé comme interprète pour Axelle Munezero (Oscille, 2014 et 2015), et comme apprentie pour la compagnie de danse urbaine GADFLY (2018). Elle danse comme amuseur public dans les rues de Montréal chaque été.

Léa Tremblay Fong Léa Tremblay Fong (co-chorégraphe et interprète) vient du milieu académique de la danse contemporaine. Installée à Montréal depuis 2012, mue par un fort désir d’engagement social, elle a choisi de chorégraphier directement dans la rue et dans les milieux de vie, exposée aux interactions impromptues. Léa travaille fréquemment avec des artistes rattachés au mouvement hip-hop. Son parcours révèle une profonde connexion physique, émotive et identitaire avec cette culture, d’abord avec le street art (graffiti, etc.). Sa fascination l’a amenée à s’entraîner en krump, en hip-hop, en breaking et en house à Montréal et au Japon. Inspirée par le hip-hop en tant que processus créatif, ses œuvres sondent les tensions, les liens et la mémoire à l’œuvre dans nos sociétés; elles ont été présentées à Montréal, Ramallah (2015) et Taipei (2016).

16 © Phi Nguyen

20h - Showcase I: Black Theatre Workshop (Théâtre)

Gratuit - Réservation obligatoire à lafoirerrr.eventbrite.ca Programmé par Quincy Armorer Les artistes du showcase du Black Theater Workshop forment un groupe éclectique, talentueux et diversifié, chevauchant de multiples frontières linguistiques et disciplinaires. Leurs pratiques sont issues des mondes du théâtre, du slam, de la danse et de la performance, en anglais comme en français. Plusieurs d’entre eux ont participé au programme d’accompagnement du MAI, qui offre une formation et un soutien aux artistes émergents lors du démarrage de leur carrière professionnelle.

Nous sommes heureux d’avoir été invités par le MAI pour participer à La Foire – R., R. & R., où nous pourrons poursuivre nos efforts dans le but d’offrir un espace et des opportunités aux artistes BIPOC (personnes noires, de couleur, ou des premières nations) du milieu des arts de la scène et de la performance à Montréal.

Tamara Brown Tamara Brown est une actrice, chanteuse, metteure en scène et poétesse habitant à Montréal, passionnée de récits, de « geekeries » et de justice sociale. Elle est co-fondatrice du théâtre Metachroma à Montréal. En tant qu’actrice, ses rôles favoris incluent Africa Solo, The Adventures of a Black Girl in Search of God (Black Theatre Workshop/Centaur Theatre/NAC), Richard III (Metachroma), Robin Hood (Georgie Productions), Humans (Tableau D’Hôte), Da Kink In My Hair (Theatre Calgary/NAC), et for colored girls who have considered suicide when the rainbow is enuf (Soulpepper).

En tant que metteure en scène, son travail a été présenté à Toronto, à New York, à Stratford et à Montréal.

Willow Cioppa Le travail de Willow Cioppa en arts visuels, en poésie et en écriture dramatique explore les nuances et la décadence de la vue et du son, et trahit un inébranlable amour pour le rap. Dans le cadre de La Foire, Cioppa présente un extrait de son travail d’exploration pour une pièce à venir, Blue Altar, qui examine le rituel, la sainteté, la sexualité et la conceptualisation de « ride or die ».

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Lydie Dubuisson Lydie Dubuisson est une auteure dramatique, une conteuse, une poète, une chanteuse et une créatrice théâtrale. Elle a reçu une année de mentorat en dramaturgie avec le Black Theatre Workshop. Sa pièce Quiet a eu deux lectures publiques en 2018. Dubuisson est une co-auteure de la production Blackout du Théâtre Tableau D’Hôte qui sera produite en 2019.

Elle termine actuellement l’écriture de sa pièce Sanctuary.

Bien que le thème soit encore flou, je compte présenter douze minutes de Spoken Word / Chant pour explorer l’horreur au présent, le dialogue vers le pardon, la peur de l’aveu et le mythe de la pénitence.

Shanti Gonzales Shanti Gonzales est une artiste de théâtre indienne-mexicaineaméricaine. Elle a participé en tant que metteure en scène au programme d’accompagnement du Black Theater Workshop en 2018, et est membre du Young Creators Unit du Playwrights’ Workshop Montreal. Elle est associée artistique du Repercussion Theater et musicienne pour enfants auprès de Monkey Rock Music. Récemment, en tant qu’actrice/créatrice, Shanti a produit une pièce solo intitulée love painted brown (various, 2016-17). Elle a aussi travaillé à la mise en scène de Romeo and Juliet : Love is Love (Assistante metteure en scène, Repercussion Theater) et pour celle de la pièce for colored girls who have considered suicide when the rainbow is enuf (Les 6 Productions).

Emmanuel Hyppolite Emmanuel Hyppolite est un poète, slameur, rappeur et acteur, qui a su trouver dans les mots l’expression de ses maux. Né de parents issus de l’immigration et rencontrés à Montréal, Emmanuel a grandi dans un foyer rempli d’amour, mais aussi confronté à certains défis de toute sorte. Au-delà d’être un refuge, la poésie est devenue son véhicule artistique, son mode d’expression pour créer son univers. Il présentera des extraits de son dernier spectacle Lumière sur page noire issu de son deuxième album du même nom. Attention. Son univers poétique pourrait vous faire du bien.

Jamila Joseph Jamila Shani Joseph est la cadette d’une fratrie de 3. Elle est née d’un père trinidadien danseur-performeur ayant participé à Expo 67, et d’une mère chanteuse et actrice originaire de Saint-Kitts-et-Nevis. Née à Montréal, Jamila est danseuse de formation et présente son travail sur la scène montréalaise depuis qu’elle a 6 ans. Les titres de chorégraphe, auteurecompositrice-interprète et actrice se sont plus tard greffés à sa feuille de route. Puisant dans ses expériences personnelles, elle fusionne ses nombreuses influences dans un style modernecontemporain-afro-caribéen chargé d’émotions.

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JEUDI 25 OCTOBRE 19 © Michele Young

17h - 19h / 5 à 7 Accès Culture (Café) Gratuit Les artistes et les travailleurs culturels de toutes disciplines sont invités à venir rencontrer des représentants du réseau Accès culture lors de ce 5 à 7 convivial.

Le réseau Accès culture, c’est plus de 2000 spectacles et 150 expositions gratuites ou à petits prix qui mettent en valeur la musique, la danse, le théâtre, le cirque, le cinéma et les arts visuels dans les quartiers. Vous désirez mieux connaître ce réseau déployé dans les 19 arrondissements de Montréal? Vous avez des questions concernant les possibilités de diffusion, de médiation culturelle ou de résidences de création au sein de ces différents lieux? Une courte présentation sera suivie d’une période de questions et d’échanges.

20 © Sarah-Marie Lung

20h - Showcase II: Festival Accès Asie (Théâtre)

Gratuit - Réservation obligatoire à lafoirerrr.eventbrite.ca Programmé par Khosro Berahmandi En tant que directeur artistique du Festival Accès Asie, je propose une programmation en arts de la scène et en arts visuels pour la première édition de La Foire R, R & R. La programmation inclut trois chorégraphes et danseuses contemporaines Geneviève Duong, Charo Foo Tai Wei et Kim-Sanh Châu. Je désire faire découvrir le talent épatant de Geneviève et Charo aux Montréalais.e, car les deux artistes ont récemment quitté la ville de Québec pour venir s’installer ici. J’ai également inclus deux musiciens, Maya Kuroki et Kimihiro Yasaka dans ma programmation, pour leur personnalité unique qui se reflète dans leurs présentations, et ce, au-delà de l’ordinaire. Et finalement, je présente Hadi Jamali, un vidéaste dont le travail expérimental porte une signature marquante par sa qualité méticuleuse et miniaturisée.

Kim-Sanh Châu Kim-Sanh Châu est une artiste vietnamo-française, formée en danse. Elle détient aussi une maitrise en finance. Ses pièces ont été présentés à Tangente, au MAI, pendant le Festival Accès Asie; ainsi qu’à EMAICD, Krossing-Over (Vietnam), HOTPOT (Corée), Dancebox et RAW Art Space (Malaisie). Châu est réalisatrice et codirectrice au Studio 303. Bleu Neon est une collaboration entre Kim-Sanh Châu, Nhung Vo (Vietnam) et Camille Lélu (France) et porte sur les rapports synesthésiques entre couleur et mouvement, utilisant des éclairages collectés spécifiquement à Saigon. Cette nouvelle création sera développée lors d’une résidence à L’Institut Français au Vietnam en mars 2019.

Geneviève Duong Geneviève Duong, interprète-chorégraphe, et Pascal Asselin alias Millimetrik, unissent leurs voix créatives selon deux perspectives, une mémorielle et une interprétative, et utilisent leurs instruments expressifs comme le vecteur d’un processus de reconstruction identitaire. Noirceur Solitaire reflète une préoccupation commune, soit le développement d’un langage du corps engagé, conscient et compatissant à travers un processus de composition spontané pluridisciplinaire. Le musicien fait une relecture en direct de sa pièce musicale Lumières solitaires, qui disparaissent dans le brouillard tiré de son album Lonely Lights ayant été primé lors des GAMIQ en 2014.

Charo Foo Tai Wei Formée en danse moderne et en danse traditionnelle chinoise, CharoFoo Tai Wei arrive au Québec en 2005 où elle étudie la danse contemporaine à l’École de danse de Québec. De 2007 à 2013 elle participe en tant qu’actrice, danseuse et chorégraphe à la production Le Dragon bleu de Robert Lepage (Ex Machina).

C’est en 2015, à Berlin, qu’elle s’initie au butō auprès de différents 21

maîtres. Dans cette œuvre, Charo s’est inspirée du poème The Beauty Song du poète Li Ya Nian. Elle s’y concentre sur sa formation en danse traditionnelle chinoise, tout en insérant des éléments d’une expérience spirituelle personnelle issue de la pratique du butō. Tous les dialogues corporels présentés sur scène se fondent sur des expériences vécues, tirées de la vie de l’artiste.

Hadi Jamali Hadi Jamali est un artiste originaire d’Iran habitant à Montréal. Depuis 2003, il a réalisé des oeuvres vidéo et multimédia, des séries photographiques, ainsi que des installations interactives. Son travail le plus récent fait usage de la spatialisation du son et de l’image en mouvement afin de mettre en lumière ce qui lie les traditions visuelles dominantes à différents registres de (dis)location contemporaine: non seulement géographique, mais aussi cognitive, temporelle et morale. Les trois œuvres vidéo The Marathon or Remaining, Predicament, et The Next Station, sont tirées d’une série faisant état du profond dilemme auquel fait face l’homme moderne dans ses routines quotidiennes. De façon métaphorique, ces vidéos examinent les moyens sensés nous mener à nos fins et à nos objectifs présumés. Paradoxalement, nous nous retrouvons pris au piège, empêtrés dans ces moyens, qui de nos jours ont pris la forme d’un dédale absurde.

Maya Kuroki Musicienne, vocaliste, actrice, et artiste visuelle active à Montréal, elle est aussi présentée aux États-Unis et en Allemagne. Son style d’expression est théâtral, teinté de surréalisme et de dadaïsme, en quête d’éclatement et d’une folie à la fois drôle et mélancolique, elle explore les possibilités de la musique improvisée et du rock expérimental qui lui permettent de s’exprimer sans contraintes. Elle a participé entre autres à Band-TEKE::TEKE, Tamayugé, Rippleganger, L’Iliade (Théâtre Denis-Pelletier 2017), Dynamo Coléoptera, (2003-2010, 1er prix du concours Mon accès à la scène en 2007, l’accompagnement du MAI, 2007-08), Manège de l’utérus hanté (Prix Tangente au Festival Fringe 2007).

Kimihiro Yasaka Né au Japon, Kimihiro Yasaka découvre le piano à l’âge de 12 ans auprès de ReikoMizutani. Il est détenteur d’une maîtrise de concertiste obtenue en 2011 à l’Université McGill, sous la direction du professeur Kyoko Hashimoto. Depuis, récipiendaire de nombreux prix au Canada, au Japon et en Italie, Kimihiro s’est produit en public dans plusieurs événements et festivals à travers le monde. L’une de ses missions consiste à promouvoir le répertoire pianistique japonais auprès des publics néophytes. À La Foire R, R & R 2018, c’est dans le choix de son répertoire que Kimihiro manifestera la diversité, en présentant à l’auditoire le travail de compositeurs japonais contemporains.

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VENDREDI 26 OCTOBRE

23 © David Wong

13h - Séance d’Information III: Faire sa place : Comprendre le système et créer le votre (Studio 428) 12$ - Réservation obligatoire à lafoirerrr.eventbrite.ca

On le connait tous, on le craint, et on en rit aussi peut-être parfois : le stéréotype de l’artiste qui meurt de faim, qui peine à vivre de son travail, sacrifiant sa sécurité financière pour l’amour de son art, ou pire encore, qui se retrouve tout simplement empêché de faire ce qui lui tient le plus à cœur : créer. Comment se faire une place dans le système malgré certains défis à relever et quelles sont les autres options possibles, en-dehors des systèmes mis en place ? Comment trouver sa propre voie entre une posture hors du système mais qui risque de freiner la pratique, et l’invention de nouvelles façons de faire ?

Axelle Munezero Directrice artistique et générale de 100lux depuis 10 ans, Axelle Munezero est présente sur la scène de la danse urbaine en tant qu’interprète et chorégraphe. Spécialisée en whacking, elle a suivi sa formation avec les pionniers de cette danse, dont Viktor Manoel et Tyrone Proctor. En 2011, elle entame un baccalauréat en danse et participe à divers projets, notamment auprès du Groupe RUBBERBANDance, d’Alexandra “Spicey” Landé (Compagnie Ebnflõh) et de Saxon Fraser (Juxtapose). Elle donne des ateliers de whacking à travers le monde, et organise depuis 7 ans Hot Mess, le plus important événement de whacking au Canada. Elle a présenté ses œuvres à Tangente, au Festival Vues sur la relève et au Festival Accès danse. Elle a reçu le prix Dancer of the year, en 2014 au Festival TUDS à Toronto, le prix Hit of the Year en 2018 pour son implication remarquable auprès de la scène en danse urbaine et le Prix de la relève – Caisse de la Culture 2017 pour la mise sur pied de l’Espace Sans Luxe.

Wissam Yassine Titulaire d’une maîtrise en économie de l’Université d’Orléans et en innovation et prospective de l’Institut International de Management de Paris, Wissam Yassine œuvre dans le domaine des arts, de la culture et de l’innovation sociale depuis plus de 10 ans.

Il a débuté sa carrière dans la production musicale, où il fut le directeur de la maison de disque indépendante beyrouthine Forward Music. Il a occupé plusieurs postes en développement de projets innovants à impact social. En 2018, il créé le Fonds pour les artistes de la relève et de la diversité (FARD), une initiative développée en partenariat avec ACEM Microcrédit Montréal, avec le soutien du Conseil des arts de Montréal. Le projet soutient la création et la production de projets artistiques à Montréal, en offrant des prêts d’honneur aux artistes de la relève et de la diversité à revenus modestes.

16h30 - Présentation en studio (Studio 223)

Gratuit - Réservation obligatoire à lafoirerrr.eventbrite.ca Tania Mujica-Mota Fondements d’une construction a débuté comme une installation-performance lors des Journées de la culture à Montréal, à l’intérieur du Métro de la Place des Arts. Elle a donné lieu à une interaction entre les participants spontanés (usagers du Métro et participants volontiers) et l’œuvre. Elle a ensuite utilisé ce matériel pour la création d’une installation picturale. Dans son travail elle utilise la réinterprétation comme source. La façon dont chaque participant.e réagit a été différente, mais alors que la plupart étaient pressés à prendre le métro ou à sortir, au bout du compte ils et elles ont très bien accueilli le projet et se sont montrés assez disponibles.

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20h - Showcase III: LatinArte (Théâtre)

Gratuit - Réservation obligatoire à lafoirerrr.eventbrite.ca Programmé par Angela Sierra Créé en 2009, et devenu la Fondation LatinArte en 2012, LatinArte est un organisme culturel multidisciplinaire à but non lucratif qui regroupe une série d’activités et évènements ou le grand public peut profiter de la richesse artistique des créateurs montréalais d’origine latino-américaine. L’objectif de LatinArte est d’être un lieu de découvertes, de rencontres, de contacts et de partages. Grâce au dynamisme et au talent de nos LatinArtistes, la Fondation LatinArte a réussi à créer une vitrine incontournable des cultures d’Amérique latine à Montréal et à faire de sa programmation culturelle variée une manifestation passionnante.

Danza Descalza AKO est un spectacle qui invite le public à plonger dans son univers à la fois envoûtant et chaleureux, dans lequel trois personnages masqués se métamorphosent. Leur danse crée une scène en soi, un espace circulaire tracé par un fil rouge distribué au public, allant jusqu’à propager la danse dans le corps des membres du public en les invitant à tracer quelques pas en choeur, le fil à la main. AKO est une oeuvre inspirée des rythmiques et de l’expressivité des danses traditionnelles afrocolombiennes à travers une écriture contemporaine crée par le collectif Danza Descalza. La pièce célèbre à la fois la féminité, la joie et la résilience.

Yesenia Fuentes Stem est une œuvre de danse/performance de 10 minutes créée en 2014 par Yesenia Fuentes. Stem met en lumière la vulnérabilité du corps, un corps à demi nu qui, dans ce cas-ci, interagit avec un tronc ayant été coupé. Dans un espace relativement restreint, Stem (la danseuse) subit et effectue d’intenses transformations afin d’entrer en dialogue avec le public. Yesenia Fuentes est chorégraphe, danseuse et performeure. Soulignant en tout temps l’importance du processus de recherche et de création, Yesenia cherche à mettre en question l’absurdité et la vacuité de certaines dynamiques à l’œuvre dans le monde contemporain, tout en réfléchissant de façon plus générale sur l’existence et sur la condition humaine.

Diana Léon Née à Mexico, elle a étudié la danse au Tecamachalco Ballet Studio, à l’École Nationale de Ballet de Cuba et au Conservatoire Royal de La Haye. Elle a dansé avec la Compagnie Nationale de Danse du Mexique et actuellement avec Les Grands Ballets Canadiens et Quantum Collective. Elle dirige aussi la compagnie Vías. SUR CE CHEMIN, TU ES SÛRE DE TE PERDRE est une oeuvre qui explore le moment décisif où nous prenons le voyage qui 25

nous permettra de savoir qui nous sommes, en nous mettant face à face avec nos démons et nous dépouillant des attentes et des pressions sociales pour trouver notre voix et suivre notre rythme.

Andrea Peña Andrea Peña, artiste multidisciplinaire colombienne basée à Montréal, a fondé en 2014 la compagnie Andrea Peña & Artists.

Reconnue au Canada et à l’international, son entreprise est supportée par plusieurs festivals internationaux. Elle se concentre sur la création d’univers critiques, alternatifs et spatiaux qui remettent en question l’individu en société. 6.58 présente sous trois tableaux, une exploration rythmique, sensuelle et inhabituelle de l’artifice au cœur de notre société contemporaine. 5 danseurs en conversation avec l’hégémonie des machines, une chanteuse d’opéra et un DJ, sont à la rencontre de l’artifice, force séductrice qui enveloppe nos expériences, interactions et notions de l’humain futur.

Eduardo Ruiz Chorégraphe, interprète et fondateur de la compagnie Estantres Danza à Bogotá, Eduardo Ruiz Vergara signe une vingtaine de créations artistiques depuis 2001. Récipiendaire de nombreuses bourses et distinctions en Colombie, le chorégraphe-chercheur s’installe à Montréal en 2012, où il développe une réflexion sur le corps poétique dans le cadre d’un doctorat en études et pratiques des arts à l’UQAM. Parallèlement, il poursuit activement son travail de création.

Danse performative axée sur le partage polysensoriel de l’intime, El Silencio est une réflexion sur la sensation haptique (le toucher) et la douleur. El Silencio ne cherche pas la représentation, mais plutôt la mise en relation constante entre la perception et sa résonance dans l’imaginaire. Les corps des interprètes se distordent et évoluent pour créer un déplacement des sensations et un décalage temporel, en écho à la succession des états de corps qui forment l’étrange palette de la pièce.

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SAMEDI 27 OCTOBRE 27 © Brenda Jauregui

13h - Session d’Information IV: Du « faire » au « faire voir » : Diffuser son travail en arts visuels (Studio 428) 12$ - Réservation obligatoire à lafoirerrr.eventbrite.ca

Développer une pratique sérieuse et enrichissante en arts visuels exige de roder son art, mais tout autant de savoir naviguer terrain social et institutionnel où l’on souhaite s’inscrire. En arts visuels, ce terrain se définit en majeure partie par le fait d’exposer.

Mais comment passe-t-on de la création du travail à son exposition dans un contexte qui soit légitime? Quels sont les meilleurs moyens d’approcher les commissaires et diffuseurs ? Tout cela peut sembler obscur et s’avérer décourageant pour les non-initié.e.s. Puisant dans le riche bassin d’expérience des deux praticiennes invitées, cette session d’information tentera de départager le vrai du faux quand il s’agit de relever le défi de diffuser son travail en arts visuels.

Modéré par Pablo Rodriguez (MAI) France Choinière France Choinière assure la direction de Dazibao depuis plusieurs années. Organisme pour lequel elle a conçu et préparé de nombreux évènements et projets d’expositions en plus d’avoir mis en place un programme d’édition proposant le livre comme lieu supplémentaire de diffusion. Elle entretient des liens privilégiés avec certaines universités en participant périodiquement comme spécialiste externe à des évaluations de fin de session ou de soutenance de thèse. Elle siège régulièrement sur des jurys ou comités consultatifs et a été spécialiste pour le Ministère des Affaires culturelles du Québec dans le cadre du programme d’intégration des arts à l’architecture. France Choinière est membre de IKT.

Thy Anne Chu Quang Thy Anne Chu Quang est une commissaire saïgonnaise. Elle est directrice des opérations d’Atelier Céladon depuis 2015. Atelier Céladon est un organisme de création à but non lucratif axé sur les enjeux communautaires, produisant des projets artistiques contemporains, interdisciplinaires et expérimentaux, et priorisant les artistes sousreprésentés dans les médias, en particulier les personnes de couleur.

28 © Yoko Murata

20h - Showcase IV: Montréal, arts interculturels (Théâtre) Gratuit - Réservation obligatoire à lafoirerrr.eventbrite.ca Programmé par Michael Toppings L’acte de dialoguer débute par un geste, une reconnaissance, un salut ou une poignée de main, et de là, peut prendre d’innombrables directions. Chacun des 6 artistes qui performeront est la manifestation d’un geste préliminaire qui est devenu une appréciation de la personne et de son art (et de tout ce qu’il y a entre les deux : passion, dévouement, vision et voix distincte).

Si vous croyez, comme moi, que l’art est un don fait au monde, alors quel meilleur moyen de passer une soirée que de la passer en compagnie de 6 artistes exceptionnels, vous faisant 6 dons exceptionnels, à vous, le public ? Vous êtes leur monde, un monde qui, je l’espère, grandira et grandira toujours plus, non pas à l’avenir, à partir de demain, mais dès maintenant. Un Bravo glorieux et commun pour Cindy, Fodé, Kama, Nasim, Stella et Tanveer.

Stella Adjokê ADJOKÊ, c’est le nom que lui a donné un Griot, venu interrompre le premier spectacle de la chanteuse au Bénin, par une cérémonie de baptême spectaculaire; son nom remis par ses ancêtres! Stella est une artiste montréalaise qui porte autant les racines de sa mère québécoise/polonaise, de son père jamaïcain peu connu, que celles de son beaupère haïtien. En plus d’avoir grandi toute son adolescence, dans un petit village de la Gaspésie, elle est aussi une femme engagée, qui était durant 10 ans, travailleuse sociale pour les jeunes et familles marginalisées du grand Montréal. Stella Adjokê est guérisseuse; si son art existe, c’est pour mieux guérir les âmes qui s’ouvrent à ses œuvres.

Tanveer Alam Originaire de Montréal, Tanveer Alam est un danseur qualifié de kathak, une forme de danse classique indienne. Tanveer a commencé sa formation sous Sudeshna Maulik et développé son style à l’aide de son gourou Sandhya Desai. De plus, il suit actuellement une formation à l’École de Toronto Dance Theatre. En 2019, Tanveer débutera son solo Éclosion, à Tangente. Tanveer interprétera 14, une présentation du Dhamar, un cycle rythmique de 14 temps. À travers cette pièce, le danseur dialoguera avec le public sous la forme de padhant (syllabes parlées), mettant en valeur les différentes énergies liées aux rythmes.

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Fodé Bamba Camara Fodé Bamba Camara est danseur et chorégraphe, originaire de la Guinée. Formé par le maître Bangaly Bangoura, il sera danseur au Ballet National Djoliba, aux Ballets Africains et chorégraphe de la troupe Bassikolo. Arrivé à Montréal en 2013, il est récipiendaire de bourses du MAI et du CALQ pour sa création Éléments 2, une chorégraphie ayant comme conseiller artistique, le chorégraphe Roger Sinha et le musicien Aboulaye Koné. Cette œuvre solo est ancrée dans la gestuelle de la danse traditionnelle ouest-africaine, imageant sous forme poétique la rencontre d’un homme avec les éléments que sont la terre, l’eau et l’air.

Cyndi Charlemagne L’auteure, compositrice et interprète Cyndi Charlemagne propose un paysage sonore organique et authentique, en fusionnant les textures provenant du jazz et du soul. Chaque oeuvre de son répertoire se révèle être des constats sur les difficultés qui émergent lorsque des divergences existent entre son monde intérieur et le monde extérieur. À travers son langage musical et son style unique d’interprétation, Cyndi expose ses réflexions intimes qui, au final, reflètent des soucis collectifs. Lovely Bird (2013) racontée à travers le prisme de l’oiseau, cette oeuvre nous convie à prendre part à une quête de liberté, à la fois fantaisiste et universelle.

Kama La Mackerel Kama La Mackerel est une poètesse, performeure, conteuse, et artiste pluridisciplinaire qui explore les pratiques esthétiques en tant que formes de résilience, de résistance et de guérison pour les communautés marginalisées. Traversant les champs du textile, du visuel, du numérique, du poétique et du performatif, son travail, qui est à la fois narratif et théorique, personnel et politique, s’articule dans une production culturelle conçue comme praxis anticoloniale. Originaire de Mauritanie, Kama a d’abord habité en Inde avant de s’établir à tio’tia:ke/Montréal.

Pour La Foire R, R & R, elle présente Building Walls, une histoire et une œuvre-mouvement qui s’attaque à la question des effets de l’ébranlement des masculinités, dans le contexte plus précis de l’asservissement colonial au sein des îles de plantations.

Nasim Lootij Chorégraphe contemporaine, Nasim Lootij commence son travail en Iran en 2001. En 2006, elle s’installe à Paris, là où après avoir fini ses études chorégraphiques, elle crée un solo et un duo. Dès son arrivée à Montréal en 2015, elle crée Moi-Me-Man (Tangente 2017). Elle y incarne un personnage qui essaie de prendre son destin en main. Dans son prochain solo La Chute, elle incarnera l’esprit des peuples iraniens, ceux qui tentent depuis un siècle de devenir une nation. S’inspirant des qualités de la danse iranienne, Nasim tentera de concevoir dans ce solo une nouvelle écriture chorégraphique contemporaine.

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© Bobby Léon

Merci à tous nos partenaires

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CALENDRIER 18 - 27 OCT 18 OCTOBRE

17h

Vernissage et Gala d’ouverture (Galerie)

15h

Séance d’information I: Création & production de A à Z (Café)

19h

Conférence: Présence, lieux et visibilité culturelle (Café)

13h

Pitches: Présentation de projets avec 6 artistes (Café)

19 OCTOBRE

20 OCTOBRE

24 OCTOBRE

13h

Séance d’information II: La tournée : développement et la promotion (428)

15h

Présentation en studio: Sonia Bustos (428)

16h30

Présentation en studio: Martine Castera & Léa Tremblay Fong (223)

20h

Showcase I - BTW (Théâtre du MAI)

17h

5 à 7 Accès Culture (Café)

20h

Showcase II – Festival Accès Asie (Théâtre du MAI)

13h

Séance d’information III: Faire sa place :Comprendre le système et créer le votre (428)

16h30

Présentation en studio: Tania Mujica Mota (223)

20h

Showcase IIII - LatinArte (Théâtre du MAI)

13h

Séance d’information IV: Du faire au faire voire : Diffuser son travail en arts visuels (428)

20h

Showcase IV - MAI (Théâtre du MAI)

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26 OCTOBRE

27 OCTOBRE

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