Catalogue de saison 2018-19 - MAI (Montréal, arts interculturels)

HOW DEEP montréal, arts IS interculturels YOUR LOVE?

Jusqu’où s’étend ton amour ?

saison 18 — 19

m-a-i.qc.ca 3680, rue Jeanne-Mance, bureau 103 Montréal, Québec H2X 2K5

billetterie / box office 514 982.3386 billetterie@m-a-i.qc.ca Mardi au samedi, de 15 h à 18 h, et une heure avant chaque représentation.

Tuesday to Saturday, from 3pm to 6pm and one hour before performances.

galerie d’art / art gallery Mardi au samedi, 12 h à 18 h.

Entrée libre.

Tuesday to Saturday, 12 pm to 6 pm.

Free admission.

Nous reconnaissons que les terres sur lesquelles nous travaillons font partie du territoire traditionnel non cédé des Kanien’keha:ka, qui a servi, sert et servira encore de lieu de rassemblement et d’échange entre les nations.

We acknowledge that the land on which we live and work is part of the unceded territories of the Kanien’keha:ka nation, that has served, is serving, and will serve as a place of gathering and exchange amongst nations.

montréal, arts interculturels saison 18 — 19

m-a-i.qc.ca 3680, rue Jeanne-Mance, bureau 103 Montréal, Québec H2X 2K5

billetterie / box office 514 982.3386 billetterie@m-a-i.qc.ca Mardi au samedi, de 15 h à 18 h, et une heure avant chaque représentation.

Tuesday to Saturday, from 3pm to 6pm and one hour before performances.

galerie d’art / art gallery Mardi au samedi, 12 h à 18 h.

Entrée libre.

Tuesday to Saturday, 12 pm to 6 pm.

Free admission.

Nous reconnaissons que les terres sur lesquelles nous travaillons font partie du territoire traditionnel non cédé des Kanien’keha:ka, qui a servi, sert et servira encore de lieu de rassemblement et d’échange entre les nations.

We acknowledge that the land on which we live and work is part of the unceded territories of the Kanien’keha:ka nation, that has served, is serving, and will serve as a place of gathering and exchange amongst nations.

montréal, arts interculturels saison 18 — 19

Tsi nón:we tánon’ nó:nen ionáktote’ tsi nón:we entewatón:rie’ tsi nón:we enionkwén:ta’we’ tsi nón:we ne karonhià:ke

SAISON 18 — 19

Profundo tal el espacio y el tiempo Profundo tal una respiración Profundo tal un largo sueño Profundo tal la bóveda celeste

tsi nón:we iowehnó:ton tsi nón:we kaniataratátie’ tsi nón:we iotenón:waien ne onén:ia’. tsi nón:we kana’tkarón:ni

Profundo tal el murmuro del agua sobre las rocas Profundo tal un torrente diluvio bíblico Profundo tal una piedra que se hunde en el agua Profundo tal lo hondo de un cañón

tsi nón:we tkarenní:io’ karén:note’ tsi nón:we ionkhinorónhkhwa’ tiotierénhton tenhatitsáhon’ tsi nón:we tewa’shátste’ tewatenaiéhstha’ tsi nón:we tiotierénhton tenionkwahén:rehte’ nó:nen enionkwanà:khwen’

Profundo tal la dulze alma de una melodía Profundo tal el primer suspiro de amor Profundo tal la aridez del poder Profundo tal el primer grito de odio

Tsi nón:we teioronhiáthe’ ne karonhià:ke tsi nón:we onekwénhtara nenwahsohkò:ten’ne’ ne karonhià:ke nó:nen ia’tenwatshéntho’. tsi nón:we teionkwáthneren ne kahwá:tsire’ tóka’ ni’ tsi nón:we iah ónhka thieiakawé:non ne kanón:wakon

Profundo tal el cielo implacablemente azul Profundo tal el crepúsculo rojo como el fuego Profundo tal los lazos de sangre o Profundo tal las profundidades insondables

Tó: niió:re’ tsi sarihwahnirá:ton ?

Tó: niió:re’ tsi tetewatatenorónhkhwa’ ?

¿ Hasta dónde se extiende tu compromiso ? ¿ Hasta dónde se extiende tu amor ?

Aussi profond que l’espace et le temps Aussi profond qu’une respiration Aussi profond qu’un long sommeil Aussi profond que la voûte céleste Aussi profond qu’un déluge biblique Aussi profond qu’un fougueux torrent Aussi profond qu’une pierre qui sombre dans l’eau Aussi profond que le creux d’un canyon Aussi profond que le cœur berçant d’une mélodie Aussi profond que le premier soupir amoureux Aussi profond que la stérilité du pouvoir Aussi profond que le premier cri de haine Aussi profond que le ciel implacablement bleu Aussi profond que le crépuscule rouge comme le feu Aussi profond que les liens du sang ou Aussi profond que les profondeurs insondables Jusqu’où s’étend ton engagement ?

Jusqu’où s’étend ton amour ?

As deep as time and space as deep as a breath inhaled as deep as an enduring sleep as deep as the void above As deep as a biblical flood as deep as a river will flow as deep into water, sinks a stone as deep as a canyon is carved As deep as music’s dulcet heart as deep as love’s first whisper as deep as the vanities of power as deep as hate’s first bellow As deep as heaven’s refulgent blue as deep as the evening red as deep as family blood will run or as deep as depths unsought How deep is your commitment?

How deep is your love?

MOT DU DIRECTEUR MICHAEL TOPPINGS

Tsi nón:we tánon’ nó:nen ionáktote’ tsi nón:we entewatón:rie’ tsi nón:we enionkwén:ta’we’ tsi nón:we ne karonhià:ke

SAISON 18 — 19

Profundo tal el espacio y el tiempo Profundo tal una respiración Profundo tal un largo sueño Profundo tal la bóveda celeste

tsi nón:we iowehnó:ton tsi nón:we kaniataratátie’ tsi nón:we iotenón:waien ne onén:ia’. tsi nón:we kana’tkarón:ni

Profundo tal el murmuro del agua sobre las rocas Profundo tal un torrente diluvio bíblico Profundo tal una piedra que se hunde en el agua Profundo tal lo hondo de un cañón

tsi nón:we tkarenní:io’ karén:note’ tsi nón:we ionkhinorónhkhwa’ tiotierénhton tenhatitsáhon’ tsi nón:we tewa’shátste’ tewatenaiéhstha’ tsi nón:we tiotierénhton tenionkwahén:rehte’ nó:nen enionkwanà:khwen’

Profundo tal la dulze alma de una melodía Profundo tal el primer suspiro de amor Profundo tal la aridez del poder Profundo tal el primer grito de odio

Tsi nón:we teioronhiáthe’ ne karonhià:ke tsi nón:we onekwénhtara nenwahsohkò:ten’ne’ ne karonhià:ke nó:nen ia’tenwatshéntho’. tsi nón:we teionkwáthneren ne kahwá:tsire’ tóka’ ni’ tsi nón:we iah ónhka thieiakawé:non ne kanón:wakon

Profundo tal el cielo implacablemente azul Profundo tal el crepúsculo rojo como el fuego Profundo tal los lazos de sangre o Profundo tal las profundidades insondables

Tó: niió:re’ tsi sarihwahnirá:ton ?

Tó: niió:re’ tsi tetewatatenorónhkhwa’ ?

¿ Hasta dónde se extiende tu compromiso ? ¿ Hasta dónde se extiende tu amor ?

Aussi profond que l’espace et le temps Aussi profond qu’une respiration Aussi profond qu’un long sommeil Aussi profond que la voûte céleste Aussi profond qu’un déluge biblique Aussi profond qu’un fougueux torrent Aussi profond qu’une pierre qui sombre dans l’eau Aussi profond que le creux d’un canyon Aussi profond que le cœur berçant d’une mélodie Aussi profond que le premier soupir amoureux Aussi profond que la stérilité du pouvoir Aussi profond que le premier cri de haine Aussi profond que le ciel implacablement bleu Aussi profond que le crépuscule rouge comme le feu Aussi profond que les liens du sang ou Aussi profond que les profondeurs insondables Jusqu’où s’étend ton engagement ?

Jusqu’où s’étend ton amour ?

As deep as time and space as deep as a breath inhaled as deep as an enduring sleep as deep as the void above As deep as a biblical flood as deep as a river will flow as deep into water, sinks a stone as deep as a canyon is carved As deep as music’s dulcet heart as deep as love’s first whisper as deep as the vanities of power as deep as hate’s first bellow As deep as heaven’s refulgent blue as deep as the evening red as deep as family blood will run or as deep as depths unsought How deep is your commitment?

How deep is your love?

MOT DU DIRECTEUR MICHAEL TOPPINGS

18

Pour Khadija Baker, d’origine syrio-kurde, le souvenir réinvente l’identité. Birds Crossing Borders est une installation mêlant audio, vidéo, chutes d’eau et autres effets, servant à façonner un souvenir commun par l’intermédiaire du conte. Baker y partage les récits recueillis auprès de réfugiés, notamment ceux déplacés dans la foulée du conflit qui fait actuellement rage en Syrie.

Depuis son arrivée à Montréal en 2001, Baker utilise sa pratique artistique pour renforcer la compréhension des complexités culturelles issues du fléau de la guerre et des déplacements.

Son plus récent travail a été présenté au Dubai International Film Festival (DIFF), à la foire artistique Contemporary Istanbul et au Festival International d’Art Vidéo de Casablanca.

For Montreal-based SyrianKurdish artist Khadija Baker, the act of remembering is a means of reimagining identity.

With Birds Crossing Borders, the artist has created a multimedia installation incorporating sound, video, falling water, and other effects dedicated to developing a common memory through storytelling. Here, Baker shares the collected stories of newly arrived refugees, in particular those displaced by the current conflict in Syria.

Since immigrating to Canada in 2001, Baker has used her art practice to build understanding about cultural complexities arising from war and displacement. Her most recent work was presented at Dubai International Film Festival (DIFF), Contemporary Istanbul art fair, and Festival International d’Art Vidéo de Casablanca.

Khadija Baker Montréal

Exposition Vernissage

13 SEP — 17 H

Performance 18 H

BIRDS CROSSING BORDERS

© Khadija Baker

13 SEP — 13 OCT

7

18

Pour Khadija Baker, d’origine syrio-kurde, le souvenir réinvente l’identité. Birds Crossing Borders est une installation mêlant audio, vidéo, chutes d’eau et autres effets, servant à façonner un souvenir commun par l’intermédiaire du conte. Baker y partage les récits recueillis auprès de réfugiés, notamment ceux déplacés dans la foulée du conflit qui fait actuellement rage en Syrie.

Depuis son arrivée à Montréal en 2001, Baker utilise sa pratique artistique pour renforcer la compréhension des complexités culturelles issues du fléau de la guerre et des déplacements.

Son plus récent travail a été présenté au Dubai International Film Festival (DIFF), à la foire artistique Contemporary Istanbul et au Festival International d’Art Vidéo de Casablanca.

For Montreal-based SyrianKurdish artist Khadija Baker, the act of remembering is a means of reimagining identity.

With Birds Crossing Borders, the artist has created a multimedia installation incorporating sound, video, falling water, and other effects dedicated to developing a common memory through storytelling. Here, Baker shares the collected stories of newly arrived refugees, in particular those displaced by the current conflict in Syria.

Since immigrating to Canada in 2001, Baker has used her art practice to build understanding about cultural complexities arising from war and displacement. Her most recent work was presented at Dubai International Film Festival (DIFF), Contemporary Istanbul art fair, and Festival International d’Art Vidéo de Casablanca.

Khadija Baker Montréal

Exposition Vernissage

13 SEP — 17 H

Performance 18 H

BIRDS CROSSING BORDERS

© Khadija Baker

13 SEP — 13 OCT

7

Donna-Michelle St. Bernard Toronto

8

SOUND OF THE BEAST

Théâtre In English

© Theatre Passe Muraille

En codiffusion avec Black Theatre Workshop

3 — 14 OCT

20 H SAUF 6, 7, 14 OCT - 15 H

Dans cette performance solo de Donna-Michelle St. Bernard présentée en collaboration avec Black Theatre Workshop, l’authentique rappeuse ialli crache des rimes occultes qui contestent la pauvreté, l’oppression et la mauvaise danse. Elle apprend toutefois que les puissances existantes sont écoutées. Puisant à même sa propre expérience en tant qu’artiste de couleur, St. Bernard s’est inspirée du rappeur tunisien Weld El 15, emprisonné en 2013 pour sa chanson « Boulicia Kleb » (les policiers sont des chiens).

St. Bernard est une rappeuse, dramaturge et administratrice.

En 2011, sa pièce Gas Girls a été retenue comme finaliste pour un prix littéraire du Gouverneur général.

Marqué par les récits évoquant la lutte qu'ont menée ses ancêtres juifs et par ses craintes d’enfant liées à l'Holocauste, le dramaturge Stehen Orlov remet en question les motifs pour lesquels les Juifs, qui ont fondé Israël pour dissiper leur propre oppression, dépossèdent un autre peuple qui y vit depuis des siècles. Birthmark propose une vision articulée de la paix et de la justice sociale et nous amène au cœur de la fracture culturelle qui divise les diasporas juive et palestinienne au Canada.

Teesri Duniya Theatre, fondé en 1981, reflète la réalité multiculturelle, multiraciale et autochtone du Canada et favorise la pensée critique, les liens communautaires et le dialogue interculturel.

In this solo performance

by Donna-Michelle St. Bernard, presented in collaboration with Black Theatre Workshop, outspoken emcee ialli spits rhymes from the underground, relentlessly challenging poverty, oppression, and bad dancing.

She learns, however, that the powers-that-be have been listening. Drawing on her own experience as an artist of colour, St. Bernard was inspired by Tunisian emcee Weld El 15, jailed in 2013 for his song “Boulicia Kleb” (Cops Are Dogs).

St. Bernard is an emcee, playwright, and administrator.

Her play Gas Girls was a Governor General’s Literary Award finalist in 2011.

Raised on biblical stories of how his Jewish ancestors fought oppression, and marked by childhood fears about the Holocaust, playwright Stephen Orlov began to ask himself why Jews, who had founded the state of Israel to end their oppression, were now dispossessing another people that had lived there for centuries. Birthmark, produced

by Teesri Duniya Theatre, delivers a compelling vision for peace and social justice, ushering us across the cultural divide of Canada’s Jewish and Palestinian diasporic communities.

Founded in 1981, Teesri Duniya Theatre’s productions reflect Canada’s multicultural, multiracial, and Indigenous reality, promoting critical thinking, community connections, and intercultural dialogue.

Teesri Duniya Theatre Montréal

Théâtre In English

BIRTHMARK

© Teesri Duniya

3 — 18 NOV

20 H SAUF 4, 11, 18 NOV - 15 H

9

Donna-Michelle St. Bernard Toronto

8

SOUND OF THE BEAST

Théâtre In English

© Theatre Passe Muraille

En codiffusion avec Black Theatre Workshop

3 — 14 OCT

20 H SAUF 6, 7, 14 OCT - 15 H

Dans cette performance solo de Donna-Michelle St. Bernard présentée en collaboration avec Black Theatre Workshop, l’authentique rappeuse ialli crache des rimes occultes qui contestent la pauvreté, l’oppression et la mauvaise danse. Elle apprend toutefois que les puissances existantes sont écoutées. Puisant à même sa propre expérience en tant qu’artiste de couleur, St. Bernard s’est inspirée du rappeur tunisien Weld El 15, emprisonné en 2013 pour sa chanson « Boulicia Kleb » (les policiers sont des chiens).

St. Bernard est une rappeuse, dramaturge et administratrice.

En 2011, sa pièce Gas Girls a été retenue comme finaliste pour un prix littéraire du Gouverneur général.

Marqué par les récits évoquant la lutte qu'ont menée ses ancêtres juifs et par ses craintes d’enfant liées à l'Holocauste, le dramaturge Stehen Orlov remet en question les motifs pour lesquels les Juifs, qui ont fondé Israël pour dissiper leur propre oppression, dépossèdent un autre peuple qui y vit depuis des siècles. Birthmark propose une vision articulée de la paix et de la justice sociale et nous amène au cœur de la fracture culturelle qui divise les diasporas juive et palestinienne au Canada.

Teesri Duniya Theatre, fondé en 1981, reflète la réalité multiculturelle, multiraciale et autochtone du Canada et favorise la pensée critique, les liens communautaires et le dialogue interculturel.

In this solo performance

by Donna-Michelle St. Bernard, presented in collaboration with Black Theatre Workshop, outspoken emcee ialli spits rhymes from the underground, relentlessly challenging poverty, oppression, and bad dancing.

She learns, however, that the powers-that-be have been listening. Drawing on her own experience as an artist of colour, St. Bernard was inspired by Tunisian emcee Weld El 15, jailed in 2013 for his song “Boulicia Kleb” (Cops Are Dogs).

St. Bernard is an emcee, playwright, and administrator.

Her play Gas Girls was a Governor General’s Literary Award finalist in 2011.

Raised on biblical stories of how his Jewish ancestors fought oppression, and marked by childhood fears about the Holocaust, playwright Stephen Orlov began to ask himself why Jews, who had founded the state of Israel to end their oppression, were now dispossessing another people that had lived there for centuries. Birthmark, produced

by Teesri Duniya Theatre, delivers a compelling vision for peace and social justice, ushering us across the cultural divide of Canada’s Jewish and Palestinian diasporic communities.

Founded in 1981, Teesri Duniya Theatre’s productions reflect Canada’s multicultural, multiracial, and Indigenous reality, promoting critical thinking, community connections, and intercultural dialogue.

Teesri Duniya Theatre Montréal

Théâtre In English

BIRTHMARK

© Teesri Duniya

3 — 18 NOV

20 H SAUF 4, 11, 18 NOV - 15 H

9

Naghmeh Sharifi Montréal

10

TO LIVE AS AN ORGAN WITHIN ONESELF

Exposition Vernissage

17 NOV - 15 H

© Alexis Bellavance

17 NOV — 15 DÉC

Cette exposition de l'artiste d'origine irano-canadienne Naghmeh Sharifi combine dessins à l'encre sur papier et éléments sculpturaux.

Sharifi aborde les thèmes de l'identité éphémère et de la psychologie du corps vues de l'intérieur, comme un territoire habité, une géographie en soi.

Avec différents médias, elle représente le corps dans une multitude d'environnements – interprétations imaginaires des nombreux endroits qu'elle a elle-même habités.

Vivant à Montréal, Sharifi a présenté ses œuvres à Téhéran, Berlin, Toronto, Mexico, Los Angeles et Skopje (Macédoine).

En 2015, sa candidature a été retenue dans le cadre de la Résidence Empreintes du Musée des beaux-arts de Montréal.

Sharifi a récemment obtenu sa maîtrise en beaux-arts de l'Université Concordia.

Avec Wamunzo, Zab Maboungou propose un solo chorégraphique saisissant où les percussions suspendent le temps, où le corps exprime tour à tour sa puissance, sa maîtrise et sa tranquillité. Introspective et engagée, l’œuvre se nourrit des recherches inlassables de la chorégraphe sur les cultures de la danse en particulier, les musiques et danses d’Afrique, dont les inspirations riches et sophistiquées ont donné naissance à sa technique, LOKETO, basée sur le souffle, la présence, l’endurance physique et rythmique, la flexibilité.

D’origine francocongolaise, Zab Maboungou est chorégraphe, interprète, philosophe et écrivaine.

Avec sa compagnie Zab Maboungou/Compagnie Danse Nyata Nyata, elle s’impose comme une figure majeure de la danse.

This exhibition by IranianCanadian artist Naghmeh Sharifi features ink-on-paper drawings and sculptural elements. Sharifi examines themes of transient identity and the psychology of the body from within, as a lived space and geography. Working in disparate media, she represents the body within diverse environments— imaginary interpretations of the diverse places she herself has inhabited.

Based in Montreal, Sharifi has exhibited her work in Tehran, Berlin, Toronto, Mexico City, Los Angeles, and Skopje (Macedonia). In 2015, she was selected for the Empreints (Impressions) Residency at the Montréal Museum of Fine Arts.

Sharifi recently completed her MFA at Concordia University.

With Wamunzo, Zab Maboungou presents a gripping choreographic solo in which percussion suspends time and the body expresses in turn its power, mastery, and tranquility. This introspective and engaging work draws upon the choreographer’s tireless research into African music and dance, whose richness and sophistication has inspired her technique: LOKETO. It is based on breath, presence, physical and rhythmic endurance, and flexibility.

Zab Maboungou is a choreographer, performer, philosopher and writer of Franco-Congolese origin, as well as a leading figure in dance with her company Zab Maboungou/ Compagnie Danse Nyata-Nyata.

Zab Maboungou / Compagnie Danse Nyata Nyata Montréal HORS LES MURS D.B. Clarke Theatre Université Concordia

Danse

WAMUNZO

© Pierre Manning, Audrée Desnoyers

23 + 24 NOV 20 H

11

Naghmeh Sharifi Montréal

10

TO LIVE AS AN ORGAN WITHIN ONESELF

Exposition Vernissage

17 NOV - 15 H

© Alexis Bellavance

17 NOV — 15 DÉC

Cette exposition de l'artiste d'origine irano-canadienne Naghmeh Sharifi combine dessins à l'encre sur papier et éléments sculpturaux.

Sharifi aborde les thèmes de l'identité éphémère et de la psychologie du corps vues de l'intérieur, comme un territoire habité, une géographie en soi.

Avec différents médias, elle représente le corps dans une multitude d'environnements – interprétations imaginaires des nombreux endroits qu'elle a elle-même habités.

Vivant à Montréal, Sharifi a présenté ses œuvres à Téhéran, Berlin, Toronto, Mexico, Los Angeles et Skopje (Macédoine).

En 2015, sa candidature a été retenue dans le cadre de la Résidence Empreintes du Musée des beaux-arts de Montréal.

Sharifi a récemment obtenu sa maîtrise en beaux-arts de l'Université Concordia.

Avec Wamunzo, Zab Maboungou propose un solo chorégraphique saisissant où les percussions suspendent le temps, où le corps exprime tour à tour sa puissance, sa maîtrise et sa tranquillité. Introspective et engagée, l’œuvre se nourrit des recherches inlassables de la chorégraphe sur les cultures de la danse en particulier, les musiques et danses d’Afrique, dont les inspirations riches et sophistiquées ont donné naissance à sa technique, LOKETO, basée sur le souffle, la présence, l’endurance physique et rythmique, la flexibilité.

D’origine francocongolaise, Zab Maboungou est chorégraphe, interprète, philosophe et écrivaine.

Avec sa compagnie Zab Maboungou/Compagnie Danse Nyata Nyata, elle s’impose comme une figure majeure de la danse.

This exhibition by IranianCanadian artist Naghmeh Sharifi features ink-on-paper drawings and sculptural elements. Sharifi examines themes of transient identity and the psychology of the body from within, as a lived space and geography. Working in disparate media, she represents the body within diverse environments— imaginary interpretations of the diverse places she herself has inhabited.

Based in Montreal, Sharifi has exhibited her work in Tehran, Berlin, Toronto, Mexico City, Los Angeles, and Skopje (Macedonia). In 2015, she was selected for the Empreints (Impressions) Residency at the Montréal Museum of Fine Arts.

Sharifi recently completed her MFA at Concordia University.

With Wamunzo, Zab Maboungou presents a gripping choreographic solo in which percussion suspends time and the body expresses in turn its power, mastery, and tranquility. This introspective and engaging work draws upon the choreographer’s tireless research into African music and dance, whose richness and sophistication has inspired her technique: LOKETO. It is based on breath, presence, physical and rhythmic endurance, and flexibility.

Zab Maboungou is a choreographer, performer, philosopher and writer of Franco-Congolese origin, as well as a leading figure in dance with her company Zab Maboungou/ Compagnie Danse Nyata-Nyata.

Zab Maboungou / Compagnie Danse Nyata Nyata Montréal HORS LES MURS D.B. Clarke Theatre Université Concordia

Danse

WAMUNZO

© Pierre Manning, Audrée Desnoyers

23 + 24 NOV 20 H

11

Sophie Gee / Nervous Hunter Montréal

12

LÉVRIERS

© Chris Bull / Alamy Stock Photo

Théâtre En français

29 NOV — 2 DÉC

20 H SAUF 1, 2 DÉC - 15 H

Selon quels critères et au regard de qui réussit-on ? Lévriers est une enquête théâtrale portée par la metteure en scène Sophie Gee et cinq individus qui, comme elle, ont refait leur vie à Montréal : une comédienne hollandaise, une danseuse québécoise, un joueur de rugby rwandais, un rappeur antillais et un homme d’affaires retraité juif. Au fil d’un laboratoire créatif, chacun cherche dans son parcours et sa culture comment définir le succès. Au-delà d’angoisses nord-américaines de performance et d’individualisme s’ouvre un débat complexe, touchant, existentiel.

Metteure en scène chinoisecanadienne diplômée de l'École nationale de théâtre du Canada, Sophie Gee développe un univers unique, entre théâtre, danse, recherche et art contemporain.

According to what criteria and in whose eyes do we achieve success? Lévriers is a theatrical investigation led by director Sophie Gee and five others who, like her, have remade their lives in Montreal: a Dutch actress, a Québécois dancer, a Rwandan rugby player, an Antillean rapper, and a retired Jewish businessman. Over the course of a creative laboratory, they all look back on their journey and their culture for ways to define success. Beyond North American performance anxiety and individualist worries, a debate is opened that is at once complex, touching, and existential.

A graduate of the National Theatre School, ChineseCanadian director Sophie Gee develops a unique space of creation, between theatre, dance, research, and contemporary art.

Que ressent-on quand on tue son frère ? Inspiré par l’histoire biblique, Cain et Abel est un duo théâtral et chorégraphique sur la jalousie et la rivalité fraternelles. Portée par Aryo et Arash Khakpour, l’œuvre, politique et viscérale, plonge aux racines de la violence fratricide : la nature patriarcale de notre société.

Les frères Khakpour collaborent depuis maintenant 5 ans pour créer des performances sous le nom de la compagnie The Biting School.

Entre grotesque et beauté, entre humour et questionnements éthiques, ils explorent les dynamiques du pouvoir, les implications des idéologies, les récurrences mythologiques.

Arash and Aryo Khakpour / The Biting School Vancouver

Danse / Théâtre

CAIN ET ABEL

What does someone feel when he kills his brother? Inspired by the biblical story, Cain and Abel is a theatrical and choreographic duet about fraternal jealousy and rivalry.

Iranian-born Vancouver artists, Aryo and Arash Khakpour perform this visceral work that dives down to the roots of fratricidal violence and the patriarchal nature of our society.

The Khakpour brothers have been partnering in creating performances for the past 5 years under the company name of The Biting School. In the space between the grotesque and the beautiful, between humour and ethics, they explore the dynamics of power, the implications of ideologies, and the recurrence of mythologies. © Sepehr Samimi

7 + 8 DEC 20 H

13

Sophie Gee / Nervous Hunter Montréal

12

LÉVRIERS

© Chris Bull / Alamy Stock Photo

Théâtre En français

29 NOV — 2 DÉC

20 H SAUF 1, 2 DÉC - 15 H

Selon quels critères et au regard de qui réussit-on ? Lévriers est une enquête théâtrale portée par la metteure en scène Sophie Gee et cinq individus qui, comme elle, ont refait leur vie à Montréal : une comédienne hollandaise, une danseuse québécoise, un joueur de rugby rwandais, un rappeur antillais et un homme d’affaires retraité juif. Au fil d’un laboratoire créatif, chacun cherche dans son parcours et sa culture comment définir le succès. Au-delà d’angoisses nord-américaines de performance et d’individualisme s’ouvre un débat complexe, touchant, existentiel.

Metteure en scène chinoisecanadienne diplômée de l'École nationale de théâtre du Canada, Sophie Gee développe un univers unique, entre théâtre, danse, recherche et art contemporain.

According to what criteria and in whose eyes do we achieve success? Lévriers is a theatrical investigation led by director Sophie Gee and five others who, like her, have remade their lives in Montreal: a Dutch actress, a Québécois dancer, a Rwandan rugby player, an Antillean rapper, and a retired Jewish businessman. Over the course of a creative laboratory, they all look back on their journey and their culture for ways to define success. Beyond North American performance anxiety and individualist worries, a debate is opened that is at once complex, touching, and existential.

A graduate of the National Theatre School, ChineseCanadian director Sophie Gee develops a unique space of creation, between theatre, dance, research, and contemporary art.

Que ressent-on quand on tue son frère ? Inspiré par l’histoire biblique, Cain et Abel est un duo théâtral et chorégraphique sur la jalousie et la rivalité fraternelles. Portée par Aryo et Arash Khakpour, l’œuvre, politique et viscérale, plonge aux racines de la violence fratricide : la nature patriarcale de notre société.

Les frères Khakpour collaborent depuis maintenant 5 ans pour créer des performances sous le nom de la compagnie The Biting School.

Entre grotesque et beauté, entre humour et questionnements éthiques, ils explorent les dynamiques du pouvoir, les implications des idéologies, les récurrences mythologiques.

Arash and Aryo Khakpour / The Biting School Vancouver

Danse / Théâtre

CAIN ET ABEL

What does someone feel when he kills his brother? Inspired by the biblical story, Cain and Abel is a theatrical and choreographic duet about fraternal jealousy and rivalry.

Iranian-born Vancouver artists, Aryo and Arash Khakpour perform this visceral work that dives down to the roots of fratricidal violence and the patriarchal nature of our society.

The Khakpour brothers have been partnering in creating performances for the past 5 years under the company name of The Biting School. In the space between the grotesque and the beautiful, between humour and ethics, they explore the dynamics of power, the implications of ideologies, and the recurrence of mythologies. © Sepehr Samimi

7 + 8 DEC 20 H

13

19 VIN GT

ME

AIRE

IÈ A

RS

In-Ward est le nouveau travail chorégraphique d’Alexandra ‘Spicey’ Landé, inspirée par la pièce de théâtre de Sartre Huit Clos. C’est notamment la retentissante réplique « L’enfer, c’est les autres » qui a lancé le processus créatif où la chorégraphe et six interprètes explorent la complexité des relations humaines et la profonde ambivalence de nos coexistences. Comment les individus d’un groupe naviguentils entre la tentation de la solitude et la menace de conflits au niveau corporel et psychique ?

Interprète, enseignante, chorégraphe résidente au Centre de Création O Vertigo (CCOV), Alexandra ‘Spicey’ Landé est fondatrice de la compagnie EBNFLŌH (2015) qui œuvre dans une optique de décloisonnement des danses urbaines.

In-Ward is Alexandra ‘Spicey’ Landé’s new choreographic work, inspired by No Exit, the play by Jean-Paul Sartre. In particular the resounding phrase, “Hell is other people,” sparked this creative process, in which the choreographer and six dancers explore the complexity of human relationships and the profound ambivalence of our co-existence. How do individuals within a group navigate between the temptation of solitude and the threat of conflicts on a bodily and psychic level?

Dancer, teacher, and resident choreographer at the Centre de Création O Vertigo (CCOV), Alexandra ‘Spicey’ Landé is the founder of the company EBNFLŌH (2015), which works on breaking down the barriers to urban dance.

Alexandra ‘Spicey’ Landé / Compagnie EBNFLŌH Montréal

Danse

IN-WARD

15

© Melika Dez

16 — 20 JAN

20 H SAUF 20 JAN - 15 H

I NN VE

19 VIN GT

ME

AIRE

IÈ A

RS

In-Ward est le nouveau travail chorégraphique d’Alexandra ‘Spicey’ Landé, inspirée par la pièce de théâtre de Sartre Huit Clos. C’est notamment la retentissante réplique « L’enfer, c’est les autres » qui a lancé le processus créatif où la chorégraphe et six interprètes explorent la complexité des relations humaines et la profonde ambivalence de nos coexistences. Comment les individus d’un groupe naviguentils entre la tentation de la solitude et la menace de conflits au niveau corporel et psychique ?

Interprète, enseignante, chorégraphe résidente au Centre de Création O Vertigo (CCOV), Alexandra ‘Spicey’ Landé est fondatrice de la compagnie EBNFLŌH (2015) qui œuvre dans une optique de décloisonnement des danses urbaines.

In-Ward is Alexandra ‘Spicey’ Landé’s new choreographic work, inspired by No Exit, the play by Jean-Paul Sartre. In particular the resounding phrase, “Hell is other people,” sparked this creative process, in which the choreographer and six dancers explore the complexity of human relationships and the profound ambivalence of our co-existence. How do individuals within a group navigate between the temptation of solitude and the threat of conflicts on a bodily and psychic level?

Dancer, teacher, and resident choreographer at the Centre de Création O Vertigo (CCOV), Alexandra ‘Spicey’ Landé is the founder of the company EBNFLŌH (2015), which works on breaking down the barriers to urban dance.

Alexandra ‘Spicey’ Landé / Compagnie EBNFLŌH Montréal

Danse

IN-WARD

15

© Melika Dez

16 — 20 JAN

20 H SAUF 20 JAN - 15 H

I NN VE

Mich Cota Montréal

16

WÀSAKOZI

Musique

© Sadie Mallon

24 — 26 JAN 20 H

En langue algonquine, Wàsakozi, « wah-suh-koh-sheh », signifie « lustre », reflet de lumière.

Wàsakozi, prend la forme d'un opéra et suit le parcours d'Odjìshìngwe, un être non genré, enfant de la lumière et de l'obscurité, de sa naissance à sa mort puis à sa renaissance.

La pièce sillonne les enjeux liés à l'identité tout en mettant à l'avant-plan l'autodétermination autochtone.

Mich Cota est une femme algonquine mixte bispirituelle qui navigue entre les communautés et les disciplines.

Ses œuvres portent aux nues les identités queer, la visibilité des personnes trans et le spectre de l'autochtonie. Elle a récemment remporté le prix de l’œuvre musicale la plus importante dans un format alternatif aux Indigenous Voices Awards 2018.

In Algonquin, Wàsakozi (pronounced “wah-suhkoh-sheh”) means “lustre,” a reflection of light. Mich Cota’s Wàsakozi takes the shape of an opera and follows the life of Odjìshìngwe – an ungendered being born of light and darkness – from birth to death, and through rebirth. The piece invites dialogue, complicates issues of identity, and foregrounds Indigenous self-determination as well as the importance of queer and trans visibility.

Mich Cota is a Two-Spirit Algonquin-mixed woman working across community lines and disciplines. Her work is focused on celebrating queerness, trans visibility, and the spectrum of Indigeneity.

Cota recently won an award for most significant musical work in an alternative format at the Indigenous Voices Awards 2018.

Cette exposition présente des vidéos récentes à mi-chemin entre le documentaire et la pratique sociale. Les œuvres explorent une multitude de plates-formes d'expression vocale – entrevues, contes en images, chansons – qui encouragent la force et la créativité. Le je et le nous rend hommage aux travailleurs d'un quartier de Montréal, aux jeunes femmes autochtones, aux préadolescents de Milwaukee, aux femmes au foyer italiennes de petits villages, aux jeunes New-Yorkais en classe d'anglais langue seconde et aux autres groupes qui passent souvent inaperçus ou qu'on ne célèbre que trop rarement.

Avec Le je et le nous, la commissaire Zoë Chan, basée à Vancouver, poursuit continuellement son examen du récit, de l'interprétation et du documentaire par l'intermédiaire de vidéos contemporaines.

This exhibition presents recent videos at the intersection of documentary and social practice. Made in close collaboration with a wide range of subjects, the featured works explore various vocally expressive platforms— interviews, show-and-tell, even song—that cultivate agency or creativity. The I and the We pays tribute to workers in a Montréal neighbourhood, young Indigenous women, Milwaukee preteens, small-town Italian housewives, ESL high school students in NYC, and other groups little noticed or seldom celebrated.

With The I and the We, Vancouver-based guest curator Zoë Chan continues her ongoing examination of storytelling, performativity, and documentary in contemporary video.

commissaire Zoë artistes Arnait

Chan

Video

Productions + Shirley Bruno + Tonia Di Risio + Kirsten Leenaars + Caroline Monnet + Alana Riley + Karen Tam

Exposition Vernissage

31 JAN - 17 H

LE JE ET LE NOUS / THE I AND THE WE

© Kirsten Leenars

31 JAN — 02 MAR

Exposition présentée en collaboration avec Vidéographe

17

Mich Cota Montréal

16

WÀSAKOZI

Musique

© Sadie Mallon

24 — 26 JAN 20 H

En langue algonquine, Wàsakozi, « wah-suh-koh-sheh », signifie « lustre », reflet de lumière.

Wàsakozi, prend la forme d'un opéra et suit le parcours d'Odjìshìngwe, un être non genré, enfant de la lumière et de l'obscurité, de sa naissance à sa mort puis à sa renaissance.

La pièce sillonne les enjeux liés à l'identité tout en mettant à l'avant-plan l'autodétermination autochtone.

Mich Cota est une femme algonquine mixte bispirituelle qui navigue entre les communautés et les disciplines.

Ses œuvres portent aux nues les identités queer, la visibilité des personnes trans et le spectre de l'autochtonie. Elle a récemment remporté le prix de l’œuvre musicale la plus importante dans un format alternatif aux Indigenous Voices Awards 2018.

In Algonquin, Wàsakozi (pronounced “wah-suhkoh-sheh”) means “lustre,” a reflection of light. Mich Cota’s Wàsakozi takes the shape of an opera and follows the life of Odjìshìngwe – an ungendered being born of light and darkness – from birth to death, and through rebirth. The piece invites dialogue, complicates issues of identity, and foregrounds Indigenous self-determination as well as the importance of queer and trans visibility.

Mich Cota is a Two-Spirit Algonquin-mixed woman working across community lines and disciplines. Her work is focused on celebrating queerness, trans visibility, and the spectrum of Indigeneity.

Cota recently won an award for most significant musical work in an alternative format at the Indigenous Voices Awards 2018.

Cette exposition présente des vidéos récentes à mi-chemin entre le documentaire et la pratique sociale. Les œuvres explorent une multitude de plates-formes d'expression vocale – entrevues, contes en images, chansons – qui encouragent la force et la créativité. Le je et le nous rend hommage aux travailleurs d'un quartier de Montréal, aux jeunes femmes autochtones, aux préadolescents de Milwaukee, aux femmes au foyer italiennes de petits villages, aux jeunes New-Yorkais en classe d'anglais langue seconde et aux autres groupes qui passent souvent inaperçus ou qu'on ne célèbre que trop rarement.

Avec Le je et le nous, la commissaire Zoë Chan, basée à Vancouver, poursuit continuellement son examen du récit, de l'interprétation et du documentaire par l'intermédiaire de vidéos contemporaines.

This exhibition presents recent videos at the intersection of documentary and social practice. Made in close collaboration with a wide range of subjects, the featured works explore various vocally expressive platforms— interviews, show-and-tell, even song—that cultivate agency or creativity. The I and the We pays tribute to workers in a Montréal neighbourhood, young Indigenous women, Milwaukee preteens, small-town Italian housewives, ESL high school students in NYC, and other groups little noticed or seldom celebrated.

With The I and the We, Vancouver-based guest curator Zoë Chan continues her ongoing examination of storytelling, performativity, and documentary in contemporary video.

commissaire Zoë artistes Arnait

Chan

Video

Productions + Shirley Bruno + Tonia Di Risio + Kirsten Leenaars + Caroline Monnet + Alana Riley + Karen Tam

Exposition Vernissage

31 JAN - 17 H

LE JE ET LE NOUS / THE I AND THE WE

© Kirsten Leenars

31 JAN — 02 MAR

Exposition présentée en collaboration avec Vidéographe

17

Luca 'Lazylegz' Patuelli + Roya The Destroya / RoyaLazyness Montréal + Melbourne

18

CREATURES

Danse

© Pierre Castera

Accompagnement jumelé CAM + MAI

8 — 10 FÉV

20 H SAUF 10 FÉV - 15 H

Performance du duo RoyaLazyness, Creatures est une démonstration du pouvoir de la danse à animer les corps hors des zones de confort, peu importe les handicaps et les différences.

Inspirés par le breakdance, le hip-hop, le freestyle, les techniques circassiennes et chorégraphiques, les artistes de la scène utilisent les béquilles comme extension des corps pour mieux en repousser les limites – avec une intensité décuplée par l’énergie de la communauté, des proches, du public.

RoyaLazyness est composé de Luca ‘Lazylegz’ Patuelli et de Roya The Destroya, deux prodiges autodidactes qui collaborent depuis 2016 au fil de défis mutuels et de performances publiques survoltées.

Allons-nous manquer d’air respirable ? Taking Breath de Naishi Wang marie subconscience et conscience, passif et actif, et remet en question la façon dont nous prenons l'air que nous respirons pour acquis. Comment notre respiration affecte-t-elle nos mouvements, nos pensées ? À quel moment cet air devient-il une forme de communication ?

Originaire de Changchun en Chine, Naishi Wang est un chorégraphe émergent et un interprète reconnu qui est arrivé au Canada en 2004.

Il a collaboré avec plusieurs chorégraphes réputés, y compris Peter Chin, Paul-André Fortier et Heidi Strauss. En 2018, Taking Breath a été présentée en grande première à Toronto à l'espace Citadel + Compagnie, puis à Hambourg au Monsun Theatre.

Creatures, a performance by duo RoyaLazyness, is a demonstration of the power of dance to move bodies beyond comfort zones, regardless of disabilities and differences.

Inspired by breakdance, hiphop, freestyle, circus, and other choreographic techniques, the performers use stilts as an extension of their bodies to push even more firmly against perceived limits. Their intensity is multiplied by the energy of community, friends and family, and the public.

RoyaLazyness is made up of Luca ‘Lazylegz’ Patuelli and Roya The Destroya, two selftaught prodigies who have been collaborating since 2016 through mutual challenges and supercharged public performances.

Will we run out of breathable air? Taking Breath by Naishi Wang summons the subconscious to the conscious, the passive to the active; questioning how we take the air we breathe for granted.

How does breathing affect movement, our thoughts?

When does it become a form of communication?

Originally from Changchun in China, Wang is an emerging choreographer and reputed performer who moved to Canada in 2004. He has collaborated with renowned choreographers including Peter Chin, Paul-André Fortier, and Heidi Strauss. In 2018, Taking Breath premiered at the Citadel + Compagnie in Toronto, followed by performances in Hamburg at the Monsun Theatre.

Naishi Wang Toronto

Danse

TAKING BREATH

19

© photo

© Francesca Chudnoff

15 + 16 FÉV 20 H

Luca 'Lazylegz' Patuelli + Roya The Destroya / RoyaLazyness Montréal + Melbourne

18

CREATURES

Danse

© Pierre Castera

Accompagnement jumelé CAM + MAI

8 — 10 FÉV

20 H SAUF 10 FÉV - 15 H

Performance du duo RoyaLazyness, Creatures est une démonstration du pouvoir de la danse à animer les corps hors des zones de confort, peu importe les handicaps et les différences.

Inspirés par le breakdance, le hip-hop, le freestyle, les techniques circassiennes et chorégraphiques, les artistes de la scène utilisent les béquilles comme extension des corps pour mieux en repousser les limites – avec une intensité décuplée par l’énergie de la communauté, des proches, du public.

RoyaLazyness est composé de Luca ‘Lazylegz’ Patuelli et de Roya The Destroya, deux prodiges autodidactes qui collaborent depuis 2016 au fil de défis mutuels et de performances publiques survoltées.

Allons-nous manquer d’air respirable ? Taking Breath de Naishi Wang marie subconscience et conscience, passif et actif, et remet en question la façon dont nous prenons l'air que nous respirons pour acquis. Comment notre respiration affecte-t-elle nos mouvements, nos pensées ? À quel moment cet air devient-il une forme de communication ?

Originaire de Changchun en Chine, Naishi Wang est un chorégraphe émergent et un interprète reconnu qui est arrivé au Canada en 2004.

Il a collaboré avec plusieurs chorégraphes réputés, y compris Peter Chin, Paul-André Fortier et Heidi Strauss. En 2018, Taking Breath a été présentée en grande première à Toronto à l'espace Citadel + Compagnie, puis à Hambourg au Monsun Theatre.

Creatures, a performance by duo RoyaLazyness, is a demonstration of the power of dance to move bodies beyond comfort zones, regardless of disabilities and differences.

Inspired by breakdance, hiphop, freestyle, circus, and other choreographic techniques, the performers use stilts as an extension of their bodies to push even more firmly against perceived limits. Their intensity is multiplied by the energy of community, friends and family, and the public.

RoyaLazyness is made up of Luca ‘Lazylegz’ Patuelli and Roya The Destroya, two selftaught prodigies who have been collaborating since 2016 through mutual challenges and supercharged public performances.

Will we run out of breathable air? Taking Breath by Naishi Wang summons the subconscious to the conscious, the passive to the active; questioning how we take the air we breathe for granted.

How does breathing affect movement, our thoughts?

When does it become a form of communication?

Originally from Changchun in China, Wang is an emerging choreographer and reputed performer who moved to Canada in 2004. He has collaborated with renowned choreographers including Peter Chin, Paul-André Fortier, and Heidi Strauss. In 2018, Taking Breath premiered at the Citadel + Compagnie in Toronto, followed by performances in Hamburg at the Monsun Theatre.

Naishi Wang Toronto

Danse

TAKING BREATH

19

© photo

© Francesca Chudnoff

15 + 16 FÉV 20 H

Ülfet Sevdi Montréal

20

NUMBERS INCREASE AS WE COUNT…

Théâtre En francais, anglais et turc

© Cedric Laurenty

27 FÉV — 2 MAR 20 H

Mêlant témoignages actuels et documentation issue du processus de création, la performance d’Ülfet Sevdi, Numbers Increase As We Count…, aborde le destin des femmes qui souffrent des conséquences de la guerre suite à l’occupation américaine en Irak : déplacement et travail sexuel forcé. Ces chiffres révèlent le nombre estimé de victimes : une performance sans fin si l’on poursuivait le décompte dans l’espoir d’atteindre le nombre réel.

Originaire de la Turquie et présentement basée à Montréal, Sevdi est écrivaine, metteure en scène, dramaturge, enseignante et adepte du Théâtre de l’opprimé. En 2016, elle fonde Thought Experiment Productions avec Nicolas Royer-Artuso pour produire des œuvres politiques qui intègrent une recherche approfondie des sciences sociales.

Yev est une ermite vivant dans une région éloignée de la taïga sibérienne, l'unique survivante d'une famille qui a fui la civilisation par crainte de persécution religieuse. Matthew, étudiant en biologie s'intéressant à la vie solitaire de Yev, noue avec elle une amitié épistolaire et découvre qu'elle n'est pas complètement seule. Interprétée par Alison Darcy et écrite par Joseph Shragg, le récit complexe aux perspectives multiples lève lentement le voile sur la vérité derrière les relations que l'on tisse en situation de réclusion.

Compagnie de théâtre montréalaise primée, Scapegoat Carnivale Theatre présente des œuvres audacieuses et novatrices axées sur l'éducation et l'approche communautaire, proposant ainsi une expérience commune à la fois turbulente et viscérale.

Weaving actual testimonies with documentation of the creation process, Ülfet Sevdi’s performance Numbers Increase As We Count… deals with the fate of women suffering the consequences of war in postAmerican occupied Iraq: displacement and forced sex-work. This counting refers to the number of victims: an endless performance if we were to continue the counting in attempt to reach the actual numbers.

Originally from Turkey, Sevdi is a writer, theatre director, dramaturge, teacher, and Theatre of the Oppressed practitioner now based in Montreal. In 2016, with Nicolas Royer-Artuso, she co-founded Thought Experiment Productions, to produce works with political content that integrate extensive research from the social sciences.

Yev is a hermit living in a remote region of the Siberian Taiga, the sole survivor of a family who fled civilization for fear of religious persecution. Matthew, a biology student who’s curious about her solitary life, begins a correspondence but soon discovers that Yev is not entirely alone. Acted by Alison Darcy and written by Joseph Shragg, the play mobilizes complex, multi-perspectival storyingtelling to slowly unearths the truth of these relationships forged amid seclusion.

Scapegoat Carnivale Theatre is an award-winning Montreal theatre company focused on creating innovative new work and classical adaptations, whose productions strive for theatre to be an unruly and visceral shared experience.

Scapegoat Carnivale Theatre Montréal

Théâtre

YEV

In English

21

© Polar Bear d’Andreas Lie

14 — 24 MAR 20 H

SAUF 17, 23, 24 MAR - 15 H

Ülfet Sevdi Montréal

20

NUMBERS INCREASE AS WE COUNT…

Théâtre En francais, anglais et turc

© Cedric Laurenty

27 FÉV — 2 MAR 20 H

Mêlant témoignages actuels et documentation issue du processus de création, la performance d’Ülfet Sevdi, Numbers Increase As We Count…, aborde le destin des femmes qui souffrent des conséquences de la guerre suite à l’occupation américaine en Irak : déplacement et travail sexuel forcé. Ces chiffres révèlent le nombre estimé de victimes : une performance sans fin si l’on poursuivait le décompte dans l’espoir d’atteindre le nombre réel.

Originaire de la Turquie et présentement basée à Montréal, Sevdi est écrivaine, metteure en scène, dramaturge, enseignante et adepte du Théâtre de l’opprimé. En 2016, elle fonde Thought Experiment Productions avec Nicolas Royer-Artuso pour produire des œuvres politiques qui intègrent une recherche approfondie des sciences sociales.

Yev est une ermite vivant dans une région éloignée de la taïga sibérienne, l'unique survivante d'une famille qui a fui la civilisation par crainte de persécution religieuse. Matthew, étudiant en biologie s'intéressant à la vie solitaire de Yev, noue avec elle une amitié épistolaire et découvre qu'elle n'est pas complètement seule. Interprétée par Alison Darcy et écrite par Joseph Shragg, le récit complexe aux perspectives multiples lève lentement le voile sur la vérité derrière les relations que l'on tisse en situation de réclusion.

Compagnie de théâtre montréalaise primée, Scapegoat Carnivale Theatre présente des œuvres audacieuses et novatrices axées sur l'éducation et l'approche communautaire, proposant ainsi une expérience commune à la fois turbulente et viscérale.

Weaving actual testimonies with documentation of the creation process, Ülfet Sevdi’s performance Numbers Increase As We Count… deals with the fate of women suffering the consequences of war in postAmerican occupied Iraq: displacement and forced sex-work. This counting refers to the number of victims: an endless performance if we were to continue the counting in attempt to reach the actual numbers.

Originally from Turkey, Sevdi is a writer, theatre director, dramaturge, teacher, and Theatre of the Oppressed practitioner now based in Montreal. In 2016, with Nicolas Royer-Artuso, she co-founded Thought Experiment Productions, to produce works with political content that integrate extensive research from the social sciences.

Yev is a hermit living in a remote region of the Siberian Taiga, the sole survivor of a family who fled civilization for fear of religious persecution. Matthew, a biology student who’s curious about her solitary life, begins a correspondence but soon discovers that Yev is not entirely alone. Acted by Alison Darcy and written by Joseph Shragg, the play mobilizes complex, multi-perspectival storyingtelling to slowly unearths the truth of these relationships forged amid seclusion.

Scapegoat Carnivale Theatre is an award-winning Montreal theatre company focused on creating innovative new work and classical adaptations, whose productions strive for theatre to be an unruly and visceral shared experience.

Scapegoat Carnivale Theatre Montréal

Théâtre

YEV

In English

21

© Polar Bear d’Andreas Lie

14 — 24 MAR 20 H

SAUF 17, 23, 24 MAR - 15 H

Marigold Santos Calgary + Edmonton + Montréal

Exposition

22

MALAGINTO

Vernissage

23 MAR - 16 H

© Marigold Santos

23 MAR — 20 AVR

Les œuvres de Marigold Santos, qui a émigré des Philippines vers le Canada en 1988, s’appuient sur ses efforts, en tant que jeune femme, à composer avec une nouvelle identité dans un nouvel environnement. Pièce maîtresse de son travail, l’Asuang, sorte de créature vampirique, a le pouvoir de fragmenter les parties de son corps et de les remboîter. L’Asuang de Santos qui apparaît dans ses dessins, céramiques, sculptures et projections ne représente pas une force malveillante ; elle incarne plutôt la conscience de soi, la transformation et la liberté individuelle.

Santos s’abandonne à une pratique artistique interdisciplinaire et explore la façon dont l’individualité se fragmente, se disloque puis se réinvente. En 2017, elle a participé à l’Alberta Biennial of Contemporary Art.

Évoluant sous le nom de scène Madame Gandhi, Kiran Gandhi est une artiste de musique électronique et une activiste qui habite Los Angeles. On la connaît comme l’ancienne batteuse de M.I.A., de Thievery Corporation et de Kehlani et comme celle qui, en 2015, courut le marathon de Londres en pratiquant le free bleeding.

Aujourd’hui, elle produit une musique qui magnifie et célèbre la voix des femmes.

La pièce « The Future is Female » de Madame Gandhi s’est invitée au huitième rang du top 50 américain de Spotify au lendemain de la Women’s March de 2017, et son premier EP, Voices, a suscité des critiques dithyrambiques de la part de médias comme FADER, Paper Mag et Milk. Elle travaille actuellement à la création de son premier album.

Having emigrated from the Philippines to Canada in 1988, Marigold Santos’ artwork draws upon her efforts as a young person to come to terms with a new sense of self in a new environment. A central figure in her work is the Asuang, a supernatural witch or ghoul able to self-sever and reattach its bodily components. Santos’ Asuangs—appearing here in drawings, ceramics, sculptures, and projected images—represent not malevolent forces but selfawareness, transformation, and empowerment.

Santos pursues an interdisciplinary art practice, exploring how selfhood can become fragmented and dislocated, and subsequently reinvented. In 2017, she participated in the Alberta Biennial of Contemporary Art.

Kiran Gandhi, who performs as Madame Gandhi, is an electronic musician and activist based in Los Angeles. Having gained recognition as the former drummer for M.I.A., Thievery Corporation, and Kehlani as well as the viral free-bleeding runner at the 2015 London Marathon, Madame Gandhi now produces music that elevates and celebrates the female voice.

Madame Gandhi’s song “The Future is Female” climbed to #8 on the Viral US Top 50 Spotify Charts following the 2017 Women’s March and her EP, Voices, has received critical acclaim from outlets like FADER, Paper Mag, and Milk.

She is currently working on her debut album.

Madame Ghandi Los Angeles

Musique

OWN YOUR VOICE

© Wendy Figueroa

29 + 30 MAR

21 H

23

Marigold Santos Calgary + Edmonton + Montréal

Exposition

22

MALAGINTO

Vernissage

23 MAR - 16 H

© Marigold Santos

23 MAR — 20 AVR

Les œuvres de Marigold Santos, qui a émigré des Philippines vers le Canada en 1988, s’appuient sur ses efforts, en tant que jeune femme, à composer avec une nouvelle identité dans un nouvel environnement. Pièce maîtresse de son travail, l’Asuang, sorte de créature vampirique, a le pouvoir de fragmenter les parties de son corps et de les remboîter. L’Asuang de Santos qui apparaît dans ses dessins, céramiques, sculptures et projections ne représente pas une force malveillante ; elle incarne plutôt la conscience de soi, la transformation et la liberté individuelle.

Santos s’abandonne à une pratique artistique interdisciplinaire et explore la façon dont l’individualité se fragmente, se disloque puis se réinvente. En 2017, elle a participé à l’Alberta Biennial of Contemporary Art.

Évoluant sous le nom de scène Madame Gandhi, Kiran Gandhi est une artiste de musique électronique et une activiste qui habite Los Angeles. On la connaît comme l’ancienne batteuse de M.I.A., de Thievery Corporation et de Kehlani et comme celle qui, en 2015, courut le marathon de Londres en pratiquant le free bleeding.

Aujourd’hui, elle produit une musique qui magnifie et célèbre la voix des femmes.

La pièce « The Future is Female » de Madame Gandhi s’est invitée au huitième rang du top 50 américain de Spotify au lendemain de la Women’s March de 2017, et son premier EP, Voices, a suscité des critiques dithyrambiques de la part de médias comme FADER, Paper Mag et Milk. Elle travaille actuellement à la création de son premier album.

Having emigrated from the Philippines to Canada in 1988, Marigold Santos’ artwork draws upon her efforts as a young person to come to terms with a new sense of self in a new environment. A central figure in her work is the Asuang, a supernatural witch or ghoul able to self-sever and reattach its bodily components. Santos’ Asuangs—appearing here in drawings, ceramics, sculptures, and projected images—represent not malevolent forces but selfawareness, transformation, and empowerment.

Santos pursues an interdisciplinary art practice, exploring how selfhood can become fragmented and dislocated, and subsequently reinvented. In 2017, she participated in the Alberta Biennial of Contemporary Art.

Kiran Gandhi, who performs as Madame Gandhi, is an electronic musician and activist based in Los Angeles. Having gained recognition as the former drummer for M.I.A., Thievery Corporation, and Kehlani as well as the viral free-bleeding runner at the 2015 London Marathon, Madame Gandhi now produces music that elevates and celebrates the female voice.

Madame Gandhi’s song “The Future is Female” climbed to #8 on the Viral US Top 50 Spotify Charts following the 2017 Women’s March and her EP, Voices, has received critical acclaim from outlets like FADER, Paper Mag, and Milk.

She is currently working on her debut album.

Madame Ghandi Los Angeles

Musique

OWN YOUR VOICE

© Wendy Figueroa

29 + 30 MAR

21 H

23

T SÉRI

N

E

5 AVR 20 H

RM

© Stephanie Deline

Jaamil Olawale Kosoko sets the fugitive experience afforded Black people on fire with majesty, opulence, and agency. Engaging the spiritual, emotional, and theoretical he remixes American history with afro-futurist/afro-pessimist ideologies. In Séancers, Kosoko activates lyrical poetry and movement forms, working with sound artist Jeremy ToussaintBaptiste, and a guest Séancer.

They examine the chameleonlike strategies for subverting the ways in which racialized bodies are structurally organized.

Kosoko is a Nigeria-American poet, curator, and performance artist originally from Detroit, MI. He is a 2017-19 Princeton Arts Fellow and a 2018 NEFA NDP Award recipient.

Interdisciplinaire

BLACK

WE

As part of The Mixolos Mitchtape Live in Montréal (#MMLinMTL), spoken word artist mitcholos touchie will be encountering the space of the theatre to write, read, and perform poetry. The work will also showcase a community stage with access to open mics, as well as performances by guest poets Anomaly, Kym Dominique-Ferguson the Born Jamhaitiandian, David Leduc, B.A. Markus, and Isabelle St-Pierre.

This project is informed by the artist’s long-time implication in Indigenous resistance – on and off-reserve – a conviction he brings to his involvement with Vancouver’s slam and storytelling communities, both as a performer and as a facilitator.

New York

E

O

Spoken Word

Jaamil Olawale Kosoko

EMP

24

THE MIXOLOS MITCHTAPE LIVE IN MONTREAL (#MMLinMTL)

Jaamil Olawale Kosoko traite de l'expérience fugitive du peuple noir avec grandeur, opulence et audace. Engageant spiritualité, émotivité et théorie, il remixe l'histoire américaine au moyen d'idéologies afrofuturistes et afro-pessimistes.

Dans cette œuvre, Kosoko donne impétueusement corps à une poésie lyrique et à différentes formes de mouvement, aux côtés de l'artiste sonore Jeremy Toussaint-Baptiste, et d’un invité Séancer. Ils examinent les stratégies de type caméléon pour renverser les façons dont les corps racisés sont structurellement organisés.

Poète, commissaire et artiste de la performance aux origines nigérianes et américaines, Kosoko est natif de Detroit au Michigan. Il est récipiendaire du Princeton Arts Fellowship de 2017 à 2019 et d’un prix NEFA NDP en 2018.

RT

Vancouver

Dans The Mixolos Mitchtape Live in Montréal (#MMLinMTL), l’artiste du spoken word mitcholos touchie prendra possession de l’espace théâtre pour écrire, lire et livrer sa poésie.

Le spectacle comprendra aussi une scène communautaire avec accès libre au micro ainsi que les performances des poètes invités Anomaly, Kym Dominique-Ferguson the Born Jamhaitiandian, David Leduc, B.A. Markus et Isabelle St-Pierre.

Ce projet s’appuie sur la participation à long terme de l’artiste au mouvement de résistance autochtone à l’intérieur et à l’extérieur des communautés autochtones – une conviction avec laquelle il teinte les milieux du slam et du conte de Vancouver, comme interprète et comme animateur.

A

mitcholos touchie et invités

SÉANCERS

© Leni Olafson

12 + 13 AVR 20 H

RACE CARDS Selina Thompson (Londres) P ROJ E C T I O N AVA N T E T A P R È S LA PERFORMANCE.

25

T SÉRI

N

E

5 AVR 20 H

RM

© Stephanie Deline

Jaamil Olawale Kosoko sets the fugitive experience afforded Black people on fire with majesty, opulence, and agency. Engaging the spiritual, emotional, and theoretical he remixes American history with afro-futurist/afro-pessimist ideologies. In Séancers, Kosoko activates lyrical poetry and movement forms, working with sound artist Jeremy ToussaintBaptiste, and a guest Séancer.

They examine the chameleonlike strategies for subverting the ways in which racialized bodies are structurally organized.

Kosoko is a Nigeria-American poet, curator, and performance artist originally from Detroit, MI. He is a 2017-19 Princeton Arts Fellow and a 2018 NEFA NDP Award recipient.

Interdisciplinaire

BLACK

WE

As part of The Mixolos Mitchtape Live in Montréal (#MMLinMTL), spoken word artist mitcholos touchie will be encountering the space of the theatre to write, read, and perform poetry. The work will also showcase a community stage with access to open mics, as well as performances by guest poets Anomaly, Kym Dominique-Ferguson the Born Jamhaitiandian, David Leduc, B.A. Markus, and Isabelle St-Pierre.

This project is informed by the artist’s long-time implication in Indigenous resistance – on and off-reserve – a conviction he brings to his involvement with Vancouver’s slam and storytelling communities, both as a performer and as a facilitator.

New York

E

O

Spoken Word

Jaamil Olawale Kosoko

EMP

24

THE MIXOLOS MITCHTAPE LIVE IN MONTREAL (#MMLinMTL)

Jaamil Olawale Kosoko traite de l'expérience fugitive du peuple noir avec grandeur, opulence et audace. Engageant spiritualité, émotivité et théorie, il remixe l'histoire américaine au moyen d'idéologies afrofuturistes et afro-pessimistes.

Dans cette œuvre, Kosoko donne impétueusement corps à une poésie lyrique et à différentes formes de mouvement, aux côtés de l'artiste sonore Jeremy Toussaint-Baptiste, et d’un invité Séancer. Ils examinent les stratégies de type caméléon pour renverser les façons dont les corps racisés sont structurellement organisés.

Poète, commissaire et artiste de la performance aux origines nigérianes et américaines, Kosoko est natif de Detroit au Michigan. Il est récipiendaire du Princeton Arts Fellowship de 2017 à 2019 et d’un prix NEFA NDP en 2018.

RT

Vancouver

Dans The Mixolos Mitchtape Live in Montréal (#MMLinMTL), l’artiste du spoken word mitcholos touchie prendra possession de l’espace théâtre pour écrire, lire et livrer sa poésie.

Le spectacle comprendra aussi une scène communautaire avec accès libre au micro ainsi que les performances des poètes invités Anomaly, Kym Dominique-Ferguson the Born Jamhaitiandian, David Leduc, B.A. Markus et Isabelle St-Pierre.

Ce projet s’appuie sur la participation à long terme de l’artiste au mouvement de résistance autochtone à l’intérieur et à l’extérieur des communautés autochtones – une conviction avec laquelle il teinte les milieux du slam et du conte de Vancouver, comme interprète et comme animateur.

A

mitcholos touchie et invités

SÉANCERS

© Leni Olafson

12 + 13 AVR 20 H

RACE CARDS Selina Thompson (Londres) P ROJ E C T I O N AVA N T E T A P R È S LA PERFORMANCE.

25

20 H

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T SÉRI

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WE

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P ROJ E C T I O N AVA N T E T A P R È S LA PERFORMANCE.

17 + 18 AVR

BLACK

RM

RACE CARDS Selina Thompson (Londres)

Positioning herself as an anthropologist from the future, Kapwani Kiwanga’s live reading and video projection reflect on some major themes in Afrofuturism and their role in the development of the United States of Africa Space Agency.

Plunging into the past to retrieve archives of popular culture, she uses science fiction to make projections about the future, examining the past from an African or African diasporic subjectivity.

Born in Hamilton, Ontario, Kiwanga is now based in Paris.

She intentionally confuses truth and fiction in order to unsettle hegemonic narratives and create spaces in which marginal discourse can flourish. Kiwanga is short-listed for the Sobey Award 2018.

Paris

E

WE

© Malik Nashad Sharpe

$ELFIE$, by Marikiscrycrycry (aka Malik Nashad Sharpe), is the third performance in a series that mobilizes Black and queer aesthetics against the current political climate. Through an expanded choreographic proposition, Sharpe and collaborator Kam Wan fiercely traverse the emotional landscapes of “allostatic load” (wear and tear on the body due to repeated stress), setting ambivalent responses to political melancholia alongside unapologetic joyousness and violence.

Sharpe excavates complexified dance systems, experimenting with the choreographic form at the unruly juncture of possibility and marginalisation. Kam Wan is an artist and model based in London, regularly performing with Dalston Ballet and Marikiscrycrycry.

Kapwani Kiwanga

EMP

Danse

Dans cette œuvre mêlant lecture vivante et projection vidéo, Kapwani Kiwanga, dans son rôle d’anthropologue du futur, se questionne sur certains des thèmes phares de l’afrofuturisme et sur leur influence dans la genèse de l’Agence spatiale des États-Unis d’Afrique. Au moyen d’archives issues de la culture populaire, elle se projette dans un futur de science-fiction pour examiner le passé à travers une certaine subjectivité africaine ou diasporique africaine.

Née à Hamilton en Ontario, Kiwanga habite aujourd’hui Paris.

Elle amalgame délibérément vérité et fiction pour déconstruire les récits hégémoniques et façonner des lieux où les discours décalés trouvent un écho.

Kiwanga est finaliste pour le Prix Sobey 2018.

RT

EMP

$ELFIE$

Londres

$ELFIE$, de Marikiscrycrycry (aussi connu sous le nom de Malik Nashad Sharpe), est la troisième performance d'une série qui mobilise l'esthétique noire et queer contre le climat politique actuel. Par le biais d'une proposition chorégraphique expansive, Sharpe et son collaborateur Kam Wan sillonnent férocement les paysages émotionnels de la « charge allostatique » (l'usure du corps résultant de stress répétés) et préparent des réponses ambivalentes à la mélancolie politique, le tout avec une joie et une violence impénitentes.

Sharpe creuse les systèmes chorégraphiques complexes et explore la danse jusqu'à ses limites tumultueuses entre possibilité et marginalisation.

Artiste et modèle, Kam Wan habite Londres et travaille de façon régulière avec le Dalston Ballet et Marikiscrycrycry.

A

RT

26

Marikiscrycrycry

O

BLACK

A

E

AFROGALACTICA

Performance

A BRIEF HISTORY OF THE FUTURE

© Courtoisie Galerie Tanja Wagner, Berlin

19 + 20 AVR 20 H

RACE CARDS Selina Thompson (Londres) P ROJ E C T I O N AVA N T E T A P R È S LA PERFORMANCE.

27

20 H

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P ROJ E C T I O N AVA N T E T A P R È S LA PERFORMANCE.

17 + 18 AVR

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RACE CARDS Selina Thompson (Londres)

Positioning herself as an anthropologist from the future, Kapwani Kiwanga’s live reading and video projection reflect on some major themes in Afrofuturism and their role in the development of the United States of Africa Space Agency.

Plunging into the past to retrieve archives of popular culture, she uses science fiction to make projections about the future, examining the past from an African or African diasporic subjectivity.

Born in Hamilton, Ontario, Kiwanga is now based in Paris.

She intentionally confuses truth and fiction in order to unsettle hegemonic narratives and create spaces in which marginal discourse can flourish. Kiwanga is short-listed for the Sobey Award 2018.

Paris

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© Malik Nashad Sharpe

$ELFIE$, by Marikiscrycrycry (aka Malik Nashad Sharpe), is the third performance in a series that mobilizes Black and queer aesthetics against the current political climate. Through an expanded choreographic proposition, Sharpe and collaborator Kam Wan fiercely traverse the emotional landscapes of “allostatic load” (wear and tear on the body due to repeated stress), setting ambivalent responses to political melancholia alongside unapologetic joyousness and violence.

Sharpe excavates complexified dance systems, experimenting with the choreographic form at the unruly juncture of possibility and marginalisation. Kam Wan is an artist and model based in London, regularly performing with Dalston Ballet and Marikiscrycrycry.

Kapwani Kiwanga

EMP

Danse

Dans cette œuvre mêlant lecture vivante et projection vidéo, Kapwani Kiwanga, dans son rôle d’anthropologue du futur, se questionne sur certains des thèmes phares de l’afrofuturisme et sur leur influence dans la genèse de l’Agence spatiale des États-Unis d’Afrique. Au moyen d’archives issues de la culture populaire, elle se projette dans un futur de science-fiction pour examiner le passé à travers une certaine subjectivité africaine ou diasporique africaine.

Née à Hamilton en Ontario, Kiwanga habite aujourd’hui Paris.

Elle amalgame délibérément vérité et fiction pour déconstruire les récits hégémoniques et façonner des lieux où les discours décalés trouvent un écho.

Kiwanga est finaliste pour le Prix Sobey 2018.

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$ELFIE$

Londres

$ELFIE$, de Marikiscrycrycry (aussi connu sous le nom de Malik Nashad Sharpe), est la troisième performance d'une série qui mobilise l'esthétique noire et queer contre le climat politique actuel. Par le biais d'une proposition chorégraphique expansive, Sharpe et son collaborateur Kam Wan sillonnent férocement les paysages émotionnels de la « charge allostatique » (l'usure du corps résultant de stress répétés) et préparent des réponses ambivalentes à la mélancolie politique, le tout avec une joie et une violence impénitentes.

Sharpe creuse les systèmes chorégraphiques complexes et explore la danse jusqu'à ses limites tumultueuses entre possibilité et marginalisation.

Artiste et modèle, Kam Wan habite Londres et travaille de façon régulière avec le Dalston Ballet et Marikiscrycrycry.

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Marikiscrycrycry

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AFROGALACTICA

Performance

A BRIEF HISTORY OF THE FUTURE

© Courtoisie Galerie Tanja Wagner, Berlin

19 + 20 AVR 20 H

RACE CARDS Selina Thompson (Londres) P ROJ E C T I O N AVA N T E T A P R È S LA PERFORMANCE.

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terrestrial

jumatatu m. poe Philadelphie + New York

Interdisciplinaire

© Scott Shaw

RACE CARDS Selina Thompson (Londres) P ROJ E C T I O N AVA N T E T A P R È S LA PERFORMANCE.

26 + 27 AVR 19 H

Avec terrestrial, jumatatu m. poe nous rappelle que les personnes noires possèdent un passé territorial long et lointain, passé qui survivra au suprémacisme blanc et à l’oppression caractéristique des cinq derniers siècles. En s’inspirant du sable chaud et brun du désert et de la plage, on étudie l’humain comme on examine la terre. Réunissant l’artiste du mouvement Samantha Speis et le vocaliste Rodrigo Jerônimo, la performance évolutive d’une durée de trois heures invite le public à aller et venir tout au long du spectacle.

Chorégraphe, artiste de la scène et éducateur, poe partage sa vie entre Philadelphie et New York. Il s’interroge notamment sur la façon d’être une créature qui navigue entre résistance et ravissement.

Œuvre collective, Seeds cast afar from our roots émane de la collaboration entre trois danseuses issues de la diaspora asiatique. Entretenant toutes trois une relation très différente avec leur propre histoire et culture, Angie Cheng, Winnie Ho et Chi Long enclenchent une mécanique d'exploration, d'extrapolation et de création ouverte et alimentée par le choc de leurs personnalités et de leur riche expérience individuelle en tant que danseuses, créatrices et artistes de la scène : Winnie Ho a présenté ses œuvres partout dans le monde, Chi Long a travaillé entre autres avec Marie Chouinard, George Stamos et Virginie Brunelle et Angie Cheng a travaillé avec Mélanie Demers, Lara Kramer et le collectif Cool Cunts.

jumatatu m. poe’s terrestrial reminds us that Black humans have a long, continuing terrestrial history that far precedes and will outlive the specific oppressions of the past five centuries of white supremacy. Inspired by the hot brown granules in desert dirt and beach sand, this is an examination of humans as earth. Performed with Samantha Speis and vocalist Rodrigo Jerônimo, it is an in-progress, three-hour performance installation that invites the audience to come and go throughout. poe is a choreographer, performer, and educator based between Philadelphia and New York City who questions how to be a creature that delights whilst resisting.

Seeds cast afar from our roots is a collective doing; a manner of support and collaboration between three dance artists of Asian diasporas, each with a very different relationship to their history and culture.

Angie Cheng, Winnie Ho, and Chi Long throw themselves into a process of open exploration, extrapolation, and creation that is fed by a confluence of personalities and by each of their rich individual experiences as dancers, creators, and performers.

Winnie Ho has presented her performances internationally; Chi Long has worked in particular with Marie Chouinard, George Stamos, and Virginie Brunelle; and Angie Cheng with Mélanie Demers, Lara Kramer, and the Cool Cunts collective.

Angie Cheng + Winnie Ho + Chi Long Montréal

Danse & Interdisciplinaire

SEEDS CAST AFAR FROM OUR ROOTS

© Angie Cheng + Winnie Ho + Chi Long

2 — 4 MAI

19 H SAUF 4 MAI - 15 H

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jumatatu m. poe Philadelphie + New York

Interdisciplinaire

© Scott Shaw

RACE CARDS Selina Thompson (Londres) P ROJ E C T I O N AVA N T E T A P R È S LA PERFORMANCE.

26 + 27 AVR 19 H

Avec terrestrial, jumatatu m. poe nous rappelle que les personnes noires possèdent un passé territorial long et lointain, passé qui survivra au suprémacisme blanc et à l’oppression caractéristique des cinq derniers siècles. En s’inspirant du sable chaud et brun du désert et de la plage, on étudie l’humain comme on examine la terre. Réunissant l’artiste du mouvement Samantha Speis et le vocaliste Rodrigo Jerônimo, la performance évolutive d’une durée de trois heures invite le public à aller et venir tout au long du spectacle.

Chorégraphe, artiste de la scène et éducateur, poe partage sa vie entre Philadelphie et New York. Il s’interroge notamment sur la façon d’être une créature qui navigue entre résistance et ravissement.

Œuvre collective, Seeds cast afar from our roots émane de la collaboration entre trois danseuses issues de la diaspora asiatique. Entretenant toutes trois une relation très différente avec leur propre histoire et culture, Angie Cheng, Winnie Ho et Chi Long enclenchent une mécanique d'exploration, d'extrapolation et de création ouverte et alimentée par le choc de leurs personnalités et de leur riche expérience individuelle en tant que danseuses, créatrices et artistes de la scène : Winnie Ho a présenté ses œuvres partout dans le monde, Chi Long a travaillé entre autres avec Marie Chouinard, George Stamos et Virginie Brunelle et Angie Cheng a travaillé avec Mélanie Demers, Lara Kramer et le collectif Cool Cunts.

jumatatu m. poe’s terrestrial reminds us that Black humans have a long, continuing terrestrial history that far precedes and will outlive the specific oppressions of the past five centuries of white supremacy. Inspired by the hot brown granules in desert dirt and beach sand, this is an examination of humans as earth. Performed with Samantha Speis and vocalist Rodrigo Jerônimo, it is an in-progress, three-hour performance installation that invites the audience to come and go throughout. poe is a choreographer, performer, and educator based between Philadelphia and New York City who questions how to be a creature that delights whilst resisting.

Seeds cast afar from our roots is a collective doing; a manner of support and collaboration between three dance artists of Asian diasporas, each with a very different relationship to their history and culture.

Angie Cheng, Winnie Ho, and Chi Long throw themselves into a process of open exploration, extrapolation, and creation that is fed by a confluence of personalities and by each of their rich individual experiences as dancers, creators, and performers.

Winnie Ho has presented her performances internationally; Chi Long has worked in particular with Marie Chouinard, George Stamos, and Virginie Brunelle; and Angie Cheng with Mélanie Demers, Lara Kramer, and the Cool Cunts collective.

Angie Cheng + Winnie Ho + Chi Long Montréal

Danse & Interdisciplinaire

SEEDS CAST AFAR FROM OUR ROOTS

© Angie Cheng + Winnie Ho + Chi Long

2 — 4 MAI

19 H SAUF 4 MAI - 15 H

29

PRENDRE PLACE / TAKING PLACE

© Tania El Khoury

© Santiago Tamayo Soler

© Lucie Aron

Londres + Beyrouth

Montréal

Los Angeles

AS FAR AS MY FINGERTIPS TAKE ME Tania El Khoury

EXILIUM Santiago Tamayo Soler

NEUTER ALITY Yunuen Rhi

Créée par Tania El Khoury, As Far As My Fingertips Take Me tient lieu de rencontre entre un membre du public et un réfugié. Le bout de leurs doigts se touche sans qu'ils se voient l'un l'autre. Le réfugié marquera le spectateur.

Le spectateur écoutera ceux qui ont récemment été victimes de discrimination transfrontalière. Ces récits sont conservés, ou tombent dans l'oubli.

Tania El Khoury a agi à titre de conservatrice pour le musicien et artiste de rue Basel Zaraa, réfugié palestinien de Syrie, dans le cadre de l'enregistrement d'un rap inspiré de la pérégrination de ses sœurs de Damas vers la Suède.

Artiste de la scène dont les œuvres mettent l'accent sur les interactions avec le public, El Khoury s'intéresse au potentiel éthique et politique de tels entretiens.

Exilium explore le corps en contexte d’exil : les entorses physiques, émotionnelles, politiques et culturelles que ce corps doit subir ; la tension entre le souvenir d’un chez-soi et le nouveau territoire physique et politique qui lui est étranger ; l’état de ce corps qui se déchire entre deux espaces et son besoin intrinsèque de guérir, d’oublier, de renaître, de réapprendre et de lâcher prise.

Né à Bogotá et basé à Montréal, Santiago Tamayo Soler s’intéresse au croisement entre fiction narrative, cinéma et performance devant public. Avec ses œuvres, il tente de traduire différents éléments du langage cinématographique et de les intégrer à la performance devant public par l’intermédiaire d’études et de pratiques rituelles.

Created by Tania El Khoury, As Far As My Fingertips Take Me is an encounter between an audience member and a refugee. Their fingertips touch without seeing each other. The refugee will mark the audience member. The audience member will listen to those who have recently challenged border discrimination.

Those stories can be kept or washed away.

Tania El Khoury commissioned musician and street artist Basel Zaraa who was born a Palestinian refugee in Syria to record a rap song inspired by the journey his sisters made from Damascus to Sweden.

El Khoury is a live artist whose work focuses on audience interactivity and is concerned with the ethical and political potential of such encounters.

Exilium explores the body living in exile. The physical, emotional, political, and cultural labour that such a body needs to go through. The tension that exists between the memory of a/the homeland and a strange new physical and political territory. The status of a body struggling between two spaces and its own need to heal, forget, regenerate, re-learn, and let go.

Montréal-based, Bogotá-born Santiago Tamayo Soler is interested in the intersection of fictional narratives, cinema, and live action. His work attempts to translate and integrate various elements from cinematographic language to the live action, through ritualistic studies and practices.

Performance rituelle, Neuter ality démantèle le terme « neutre » et la signification qu'il revêt dans le maelström de la diplomatie qui normalise le confinement et l'éradication de « l'autre ». Semences et ADN brevetés, exploitation minière et déplacement, prisons, centres de détention, ethnocides et musées constituent des exemples courants de cette réalité.

Acte sacrificiel visant à décoder la « neutralité », le rituel transforme un symbole controversé pour révéler un quatrième espace.

Artiste des arts martiaux et de la performance, anthropologue et guérisseuse aux origines mexicaines, américaines et coréennes, Yunuen Rhi s'inspirent de la médecine autochtone issue des cultures orientale et occidentale et de ses racines maternelles pour nous aider à approfondir notre compréhension du « nous-mêmes ».

R

E

TA KING

SÉRIE DE PERFORMANCES

2016-2017 coïncidait avec un certain nombre d'anniversaires marquant l'histoire du Canada colonisé. Pour engager des conversations continues sur l'identité et l'espace, nous avons lancé Prendre Place / Taking Place. Conçue pour aborder les considérations transdisciplinaires de l'espace et des bagages qui l'accompagnent, c'est aussi un lieu où les artistes prennent cette place/leur place, la revendique, la possède, l'habite. En cela, la 2ème édition n'en est pas moins différente avec sept artistes internationaux conduisant le récit à travers des panneaux d'arrêt, déviant de la trajectoire.

2016/2017 marked a number of anniversaries in Canada’s settler history. To engage in ongoing conversations dealing with identity and space, we launched Prendre Place/Taking Place. Conceived to take up transdisciplinary considerations of space and its accompanying baggage, it is also a place for artists to take that place/their place, to claim it, to own it, to inhabit it. This, the 2nd edition, furthers those questions with seven international artists who drive the narrative through stop signs, veering off path.

30

16 MAI 20 H

PLAC

PLACE

ND

15 MAI 20 H

E

15 — 18 P R E MAI

15 + 16 MAI 18 H

A ritual performance, Neuter ality dismantles the term “neutral” and the meaning it takes in the eddies of diplomacy that normalize the confinement and eradication of “the other.” DNA/seed patenting, mining/displacement, prisons, detention centers, ethnocide and museums are current examples.

As a sacrificial gesture to decode “neuterality,” the ritual will transmute a controversial symbol to reveal a fourth space.

Yunuen Rhi are martial and performance artists, anthropologists, and healers. With roots in Mexico, the United States, and Korea we have cultivated ourselves in western, eastern and native medicine pathways as a way to deepen the understanding of “selves.”

31

PRENDRE PLACE / TAKING PLACE

© Tania El Khoury

© Santiago Tamayo Soler

© Lucie Aron

Londres + Beyrouth

Montréal

Los Angeles

AS FAR AS MY FINGERTIPS TAKE ME Tania El Khoury

EXILIUM Santiago Tamayo Soler

NEUTER ALITY Yunuen Rhi

Créée par Tania El Khoury, As Far As My Fingertips Take Me tient lieu de rencontre entre un membre du public et un réfugié. Le bout de leurs doigts se touche sans qu'ils se voient l'un l'autre. Le réfugié marquera le spectateur.

Le spectateur écoutera ceux qui ont récemment été victimes de discrimination transfrontalière. Ces récits sont conservés, ou tombent dans l'oubli.

Tania El Khoury a agi à titre de conservatrice pour le musicien et artiste de rue Basel Zaraa, réfugié palestinien de Syrie, dans le cadre de l'enregistrement d'un rap inspiré de la pérégrination de ses sœurs de Damas vers la Suède.

Artiste de la scène dont les œuvres mettent l'accent sur les interactions avec le public, El Khoury s'intéresse au potentiel éthique et politique de tels entretiens.

Exilium explore le corps en contexte d’exil : les entorses physiques, émotionnelles, politiques et culturelles que ce corps doit subir ; la tension entre le souvenir d’un chez-soi et le nouveau territoire physique et politique qui lui est étranger ; l’état de ce corps qui se déchire entre deux espaces et son besoin intrinsèque de guérir, d’oublier, de renaître, de réapprendre et de lâcher prise.

Né à Bogotá et basé à Montréal, Santiago Tamayo Soler s’intéresse au croisement entre fiction narrative, cinéma et performance devant public. Avec ses œuvres, il tente de traduire différents éléments du langage cinématographique et de les intégrer à la performance devant public par l’intermédiaire d’études et de pratiques rituelles.

Created by Tania El Khoury, As Far As My Fingertips Take Me is an encounter between an audience member and a refugee. Their fingertips touch without seeing each other. The refugee will mark the audience member. The audience member will listen to those who have recently challenged border discrimination.

Those stories can be kept or washed away.

Tania El Khoury commissioned musician and street artist Basel Zaraa who was born a Palestinian refugee in Syria to record a rap song inspired by the journey his sisters made from Damascus to Sweden.

El Khoury is a live artist whose work focuses on audience interactivity and is concerned with the ethical and political potential of such encounters.

Exilium explores the body living in exile. The physical, emotional, political, and cultural labour that such a body needs to go through. The tension that exists between the memory of a/the homeland and a strange new physical and political territory. The status of a body struggling between two spaces and its own need to heal, forget, regenerate, re-learn, and let go.

Montréal-based, Bogotá-born Santiago Tamayo Soler is interested in the intersection of fictional narratives, cinema, and live action. His work attempts to translate and integrate various elements from cinematographic language to the live action, through ritualistic studies and practices.

Performance rituelle, Neuter ality démantèle le terme « neutre » et la signification qu'il revêt dans le maelström de la diplomatie qui normalise le confinement et l'éradication de « l'autre ». Semences et ADN brevetés, exploitation minière et déplacement, prisons, centres de détention, ethnocides et musées constituent des exemples courants de cette réalité.

Acte sacrificiel visant à décoder la « neutralité », le rituel transforme un symbole controversé pour révéler un quatrième espace.

Artiste des arts martiaux et de la performance, anthropologue et guérisseuse aux origines mexicaines, américaines et coréennes, Yunuen Rhi s'inspirent de la médecine autochtone issue des cultures orientale et occidentale et de ses racines maternelles pour nous aider à approfondir notre compréhension du « nous-mêmes ».

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TA KING

SÉRIE DE PERFORMANCES

2016-2017 coïncidait avec un certain nombre d'anniversaires marquant l'histoire du Canada colonisé. Pour engager des conversations continues sur l'identité et l'espace, nous avons lancé Prendre Place / Taking Place. Conçue pour aborder les considérations transdisciplinaires de l'espace et des bagages qui l'accompagnent, c'est aussi un lieu où les artistes prennent cette place/leur place, la revendique, la possède, l'habite. En cela, la 2ème édition n'en est pas moins différente avec sept artistes internationaux conduisant le récit à travers des panneaux d'arrêt, déviant de la trajectoire.

2016/2017 marked a number of anniversaries in Canada’s settler history. To engage in ongoing conversations dealing with identity and space, we launched Prendre Place/Taking Place. Conceived to take up transdisciplinary considerations of space and its accompanying baggage, it is also a place for artists to take that place/their place, to claim it, to own it, to inhabit it. This, the 2nd edition, furthers those questions with seven international artists who drive the narrative through stop signs, veering off path.

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15 + 16 MAI 18 H

A ritual performance, Neuter ality dismantles the term “neutral” and the meaning it takes in the eddies of diplomacy that normalize the confinement and eradication of “the other.” DNA/seed patenting, mining/displacement, prisons, detention centers, ethnocide and museums are current examples.

As a sacrificial gesture to decode “neuterality,” the ritual will transmute a controversial symbol to reveal a fourth space.

Yunuen Rhi are martial and performance artists, anthropologists, and healers. With roots in Mexico, the United States, and Korea we have cultivated ourselves in western, eastern and native medicine pathways as a way to deepen the understanding of “selves.”

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17 + 18 MAI 18 H

17 MAI 20 H

18 MAI 20 H

18 MAI 21 H 30

© Joy Stanley

© Walter Wlodarczyk

© Giannina Urmeneta Ottiker

© Carlos Maria Romero

Londres

New York

Paris

Barranquilla

UNDRESS/RE-DRESS Noëmi Lakmaier

MY LAST AMERICAN DOLLAR: ROUND 1. TRICKING AND FLIPPING COINS: MAKING DOLLARS HIT, ROUND 2. BLACK ANGELS IN THE INFIELD: DRIPPING FAGGOT SWEAT Keijaun Thomas

MARVELOUS Bryan Campbell

MUY SERIO Carlos Maria Romero

Magazine de mode et de culture, MARVELOUS a été mis au monde par une équipe d’artistes et publié sur scène grâce aux lectures performatives livrées par son rédacteur en chef Bryan Campbell. Né dans le cadre d’un processus amateur inspiré par la culture drag qui met l’accent sur l’imitation, l’appropriation et une certaine forme de plagiat, MARVELOUS propose une refonte de la langue commerciale utilisée dans les pages glacées des magazines populaires et aborde des questions d’expertise, d’accès économique et de psychologie de persuasion et de séduction.

Artiste américain qui vit et travaille à Paris, Bryan Campbell élabore depuis 2008 un corpus d’œuvres multidisciplinaires au concept audacieux et subtilement axé sur la culture queer qui met de l’avant sa formation de chorégraphe et de danseur.

En Colombie, l'expression gaie « serio » désigne un comportement hétérosexuel et fait contraste aux mots fif, queer, tapette ou moumoune. Adverbe d'intensité, « muy » revêt parfois pour sa part une forte connotation homosexuelle. Dans le cadre de cette série, Carlos Maria Romero utilise les pièces de vêtements masculins traditionnels comme matière sculpturale servant une multitude de mouvements de danse queer et les dépouille de leur pouvoir symbolique par l'intermédiaire de rituels organisés.

Danseur, chorégraphe et artiste multidisciplinaire originaire de Colombie, Carlos Maria Romero habite Londres et travaille dans les domaines des arts de la scène et visuels, de l'activisme patrimonial et architectural, de la pédagogie et de la conservation.

Avec Undress/Re-Dress, Noëmi Lakmaier propose une « installation vivante » qui fait l’amalgame entre objet, performance et acteurs. Une femme dans une pièce pratiquement vide se fait habiller, ou peut-être déshabiller, par un interprète masculin. Les deux ont davantage l’air d’objets esthétiques que de vrais individus. Une myriade d’associations traversent la pièce – transaction commerciale, interaction entre genres ou geste amoureux – et nous entraîne à la dérive, nous maintient en suspension entre empathie et symbolisme.

D’origine autrichienne, Noëmi Lakmaier utilise son propre corps pour créer des performances et des installations vivantes centrées sur l’endurance afin d’explorer les limites entre le corps physiologique qui nous meut et le corps phénoménologique que nous sommes.

In this durational work, Noëmi Lakmaier presents a “living installation” that is part art object, part performance, and part real people. A woman in a bare room is being dressed—or perhaps undressed— by a male performer. Both appear more like aestheic objects than real individuals. Myriad associations pass through the piece—it could be a business transaction, an interplay of gender roles, or an act of love—keeping us adrift, suspended between empathy and symbolism.

Austrian-born, Noëmi Lakmaier uses her own body to create endurance-based performances and living installations to explore boundaries between the physiological body we have and the phenomenological body we are.

32

My Last American Dollar interroge la résistance dans cinq cadres différents : vestiaires, bars de danseuses, salles d'attente, bancs d'église et « field days » (exercices militaires / journées sportives scolaires).

Comprenant deux rondes, le projet se penche sur les façons dont les personnes noires font une place aux autres. Comment assumer la multiplicité d'être à la fois jeune, doué.e et noir.e ?

Artiste basée à New York, Keijaun Thomas est aussi récipiendaire de la bourse Franklin Furnace 2018.

Ses œuvres traitent des récits, des symboles et des images qui construisent les notions d'identité noire au cœur même de l'individualité noire.

My Last American Dollar, asks about resistance in the framework of five spaces: locker rooms, strip clubs, waiting rooms, church pews, and field days (military exercises/school athletics). Consisting of two rounds, the project investigates forms in which black and brown people hold space for each other. How do you carry the multiplicities of being young, gifted, and black?

Keijaun Thomas is a New York based artist and current Franklin Furnace Fund Recipient. Their work investigates the histories, symbols, and images that construct notions of Black identity within Black personhood.

MARVELOUS is a fashion and culture magazine created by a team of artists and published via performative readings by its editor-in-chief, Bryan Campbell. Born of a DIY process inspired by drag culture in which imitation, appropriation, and plagiarism recast the commercial languages of glossy mags, MARVELOUS deals in notions of expertise, economic access, and the psychology of persuasion and seduction.

Bryan Campbell is an American artist working and living in Paris. Since 2008, he has developed a body of subtly queer and conceptually adventurous multi-disciplinary work that builds on his training as a choreographer and dancer.

“Serio” is Colombian gay slang for “straight acting” and is used disdainfully as the opposite of effeminate, queer, faggot, or sissy. “Muy” is an intensifying adverb with strong “camp” potential. In this series, dance artist Carlos Maria Romero uses traditional pieces of masculine clothing as the sculpting material for a variety of queer performance gestures, extracting their symbolic power through staged rituals.

Carlos Maria Romero is a London-based Colombian performer, choreographer, and multidisciplinary artist working in the fields of performing and visual arts, heritage and architectural activism, as well as pedagogy and curating.

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17 + 18 MAI 18 H

17 MAI 20 H

18 MAI 20 H

18 MAI 21 H 30

© Joy Stanley

© Walter Wlodarczyk

© Giannina Urmeneta Ottiker

© Carlos Maria Romero

Londres

New York

Paris

Barranquilla

UNDRESS/RE-DRESS Noëmi Lakmaier

MY LAST AMERICAN DOLLAR: ROUND 1. TRICKING AND FLIPPING COINS: MAKING DOLLARS HIT, ROUND 2. BLACK ANGELS IN THE INFIELD: DRIPPING FAGGOT SWEAT Keijaun Thomas

MARVELOUS Bryan Campbell

MUY SERIO Carlos Maria Romero

Magazine de mode et de culture, MARVELOUS a été mis au monde par une équipe d’artistes et publié sur scène grâce aux lectures performatives livrées par son rédacteur en chef Bryan Campbell. Né dans le cadre d’un processus amateur inspiré par la culture drag qui met l’accent sur l’imitation, l’appropriation et une certaine forme de plagiat, MARVELOUS propose une refonte de la langue commerciale utilisée dans les pages glacées des magazines populaires et aborde des questions d’expertise, d’accès économique et de psychologie de persuasion et de séduction.

Artiste américain qui vit et travaille à Paris, Bryan Campbell élabore depuis 2008 un corpus d’œuvres multidisciplinaires au concept audacieux et subtilement axé sur la culture queer qui met de l’avant sa formation de chorégraphe et de danseur.

En Colombie, l'expression gaie « serio » désigne un comportement hétérosexuel et fait contraste aux mots fif, queer, tapette ou moumoune. Adverbe d'intensité, « muy » revêt parfois pour sa part une forte connotation homosexuelle. Dans le cadre de cette série, Carlos Maria Romero utilise les pièces de vêtements masculins traditionnels comme matière sculpturale servant une multitude de mouvements de danse queer et les dépouille de leur pouvoir symbolique par l'intermédiaire de rituels organisés.

Danseur, chorégraphe et artiste multidisciplinaire originaire de Colombie, Carlos Maria Romero habite Londres et travaille dans les domaines des arts de la scène et visuels, de l'activisme patrimonial et architectural, de la pédagogie et de la conservation.

Avec Undress/Re-Dress, Noëmi Lakmaier propose une « installation vivante » qui fait l’amalgame entre objet, performance et acteurs. Une femme dans une pièce pratiquement vide se fait habiller, ou peut-être déshabiller, par un interprète masculin. Les deux ont davantage l’air d’objets esthétiques que de vrais individus. Une myriade d’associations traversent la pièce – transaction commerciale, interaction entre genres ou geste amoureux – et nous entraîne à la dérive, nous maintient en suspension entre empathie et symbolisme.

D’origine autrichienne, Noëmi Lakmaier utilise son propre corps pour créer des performances et des installations vivantes centrées sur l’endurance afin d’explorer les limites entre le corps physiologique qui nous meut et le corps phénoménologique que nous sommes.

In this durational work, Noëmi Lakmaier presents a “living installation” that is part art object, part performance, and part real people. A woman in a bare room is being dressed—or perhaps undressed— by a male performer. Both appear more like aestheic objects than real individuals. Myriad associations pass through the piece—it could be a business transaction, an interplay of gender roles, or an act of love—keeping us adrift, suspended between empathy and symbolism.

Austrian-born, Noëmi Lakmaier uses her own body to create endurance-based performances and living installations to explore boundaries between the physiological body we have and the phenomenological body we are.

32

My Last American Dollar interroge la résistance dans cinq cadres différents : vestiaires, bars de danseuses, salles d'attente, bancs d'église et « field days » (exercices militaires / journées sportives scolaires).

Comprenant deux rondes, le projet se penche sur les façons dont les personnes noires font une place aux autres. Comment assumer la multiplicité d'être à la fois jeune, doué.e et noir.e ?

Artiste basée à New York, Keijaun Thomas est aussi récipiendaire de la bourse Franklin Furnace 2018.

Ses œuvres traitent des récits, des symboles et des images qui construisent les notions d'identité noire au cœur même de l'individualité noire.

My Last American Dollar, asks about resistance in the framework of five spaces: locker rooms, strip clubs, waiting rooms, church pews, and field days (military exercises/school athletics). Consisting of two rounds, the project investigates forms in which black and brown people hold space for each other. How do you carry the multiplicities of being young, gifted, and black?

Keijaun Thomas is a New York based artist and current Franklin Furnace Fund Recipient. Their work investigates the histories, symbols, and images that construct notions of Black identity within Black personhood.

MARVELOUS is a fashion and culture magazine created by a team of artists and published via performative readings by its editor-in-chief, Bryan Campbell. Born of a DIY process inspired by drag culture in which imitation, appropriation, and plagiarism recast the commercial languages of glossy mags, MARVELOUS deals in notions of expertise, economic access, and the psychology of persuasion and seduction.

Bryan Campbell is an American artist working and living in Paris. Since 2008, he has developed a body of subtly queer and conceptually adventurous multi-disciplinary work that builds on his training as a choreographer and dancer.

“Serio” is Colombian gay slang for “straight acting” and is used disdainfully as the opposite of effeminate, queer, faggot, or sissy. “Muy” is an intensifying adverb with strong “camp” potential. In this series, dance artist Carlos Maria Romero uses traditional pieces of masculine clothing as the sculpting material for a variety of queer performance gestures, extracting their symbolic power through staged rituals.

Carlos Maria Romero is a London-based Colombian performer, choreographer, and multidisciplinary artist working in the fields of performing and visual arts, heritage and architectural activism, as well as pedagogy and curating.

33

Hea R. Kim Montréal

34

VOMITING FLOWERS

Exposition Vernissage

30 MAI - 17 H

© Hea R. Kim

30 MAI — 29 JUIN

Vomiting Flowers est une installation multimédia qui incorpore des pièces bi et tridimensionnelles fabriquées à la main et donnant vie à un environnement à la fois ludique, spéculatif, fantaisiste et familier.

Avec Vomiting Flowers, Hea R. Kim cherche à théâtraliser et à repenser la notion de valeur artistique par l’exploration de l’artisanat d’hier, de la production de masse d’aujourd’hui et de l’utilisation potentielle des technologies de demain.

Immigrante canadienne née en Corée, Hea R. Kim est une artiste multidisciplinaire dont la pratique amalgame culture populaire et technologie dans des installations où fantastique et banal se côtoient d’une manière fabuleusement enjouée.

Vomiting Flowers is a multimedia installation work incorporating two-dimensional and threedimensional hand-built pieces giving shape to a playful environment, at once speculative, whimsical, and familiar. Through Vomiting Flowers, Hea R. Kim seeks to dramatize and simultaneously rethink the notion of artistic value through the exploration of past expressions of craft, present-day mass-produced objects, and possible future uses for technology.

Hea R. Kim is a Korean-born Canadian immigrant and a multi-disciplinary artist. Her practice encounters popular culture and technology through the creation of playful installations where the fantastical cohabits with the mundane.

Radio III, la nouvelle création de Elisa Harkins Hanako, Hoshimi-Caines et Zoë Poluch, combine sculpture, son et dance.

C’est une danse performative, un triangle pervers de puissance fluide, qui interroge les formes esthétiques minimalistes et leur prétendue neutralité.

D'origine cherokee et muscogee, Elisa Harkins est une compositrice et artiste qui se plaît à exhumer et à raconter les histoires autochtones. Artiste basée à Montréal, Hanako Hoshimi-Caines s’intéresse à l’engagement émotionnel et critique que suscitent la danse et la chorégraphie. Zoë Poluch est une chorégraphe canadienne ayant obtenu sa maîtrise en chorégraphie à Stockholm.

Radio III, by Elisa Harkins, Hanako Hoshimi-Caines and Zoë Poluch combines sculpture, sound, and the body.

It is a dance performance, a triptych of wallpaper, a perverse triangle of shifting power that seeks to be unfaithful to Minimalism’s recognizable aesthetic and its claim to socalled ‘neutrality’.

Elisa Harkins is a Native American (Cherokee/Muscogee) composer and artist interested in unearthing and retelling Indigenous histories. Based in Montréal, Hanako HoshimiCaines is an artist committed to a emo-critical engagement with dance and choreography.

Zoë Poluch is a Canadian choreographer and dancer who graduated from the Masters program in Choreography in Stockholm.

Elisa Harkins + Hanako HoshimiCaines + Zoë Poluch Oklahoma + Montréal + Stockholm

Danse & Interdisciplinaire

RADIO III

35

© Elisa Harkins

4 — 6 JUIN

21 H

Hea R. Kim Montréal

34

VOMITING FLOWERS

Exposition Vernissage

30 MAI - 17 H

© Hea R. Kim

30 MAI — 29 JUIN

Vomiting Flowers est une installation multimédia qui incorpore des pièces bi et tridimensionnelles fabriquées à la main et donnant vie à un environnement à la fois ludique, spéculatif, fantaisiste et familier.

Avec Vomiting Flowers, Hea R. Kim cherche à théâtraliser et à repenser la notion de valeur artistique par l’exploration de l’artisanat d’hier, de la production de masse d’aujourd’hui et de l’utilisation potentielle des technologies de demain.

Immigrante canadienne née en Corée, Hea R. Kim est une artiste multidisciplinaire dont la pratique amalgame culture populaire et technologie dans des installations où fantastique et banal se côtoient d’une manière fabuleusement enjouée.

Vomiting Flowers is a multimedia installation work incorporating two-dimensional and threedimensional hand-built pieces giving shape to a playful environment, at once speculative, whimsical, and familiar. Through Vomiting Flowers, Hea R. Kim seeks to dramatize and simultaneously rethink the notion of artistic value through the exploration of past expressions of craft, present-day mass-produced objects, and possible future uses for technology.

Hea R. Kim is a Korean-born Canadian immigrant and a multi-disciplinary artist. Her practice encounters popular culture and technology through the creation of playful installations where the fantastical cohabits with the mundane.

Radio III, la nouvelle création de Elisa Harkins Hanako, Hoshimi-Caines et Zoë Poluch, combine sculpture, son et dance.

C’est une danse performative, un triangle pervers de puissance fluide, qui interroge les formes esthétiques minimalistes et leur prétendue neutralité.

D'origine cherokee et muscogee, Elisa Harkins est une compositrice et artiste qui se plaît à exhumer et à raconter les histoires autochtones. Artiste basée à Montréal, Hanako Hoshimi-Caines s’intéresse à l’engagement émotionnel et critique que suscitent la danse et la chorégraphie. Zoë Poluch est une chorégraphe canadienne ayant obtenu sa maîtrise en chorégraphie à Stockholm.

Radio III, by Elisa Harkins, Hanako Hoshimi-Caines and Zoë Poluch combines sculpture, sound, and the body.

It is a dance performance, a triptych of wallpaper, a perverse triangle of shifting power that seeks to be unfaithful to Minimalism’s recognizable aesthetic and its claim to socalled ‘neutrality’.

Elisa Harkins is a Native American (Cherokee/Muscogee) composer and artist interested in unearthing and retelling Indigenous histories. Based in Montréal, Hanako HoshimiCaines is an artist committed to a emo-critical engagement with dance and choreography.

Zoë Poluch is a Canadian choreographer and dancer who graduated from the Masters program in Choreography in Stockholm.

Elisa Harkins + Hanako HoshimiCaines + Zoë Poluch Oklahoma + Montréal + Stockholm

Danse & Interdisciplinaire

RADIO III

35

© Elisa Harkins

4 — 6 JUIN

21 H

complices

artist-driven support

studio residencies workshops

appui aux artistes

résidences en studio ateliers

public + Le MAI continue à tisser des liens entre les artistes, les publics et les communautés locales. Inaugurée en 2009, Public+ est une série d’activités offertes par le MAI parallèlement à ses expositions et spectacles.

MAI has long been committed to making connections between artists, audiences, and local communities. Initiated in 2009, Public+ is a dynamic series of activities offered in tandem with MAI’s regular season.

SPECIAL EVENTS ÉVÉNEMENTS SPÉCIAUX

Du 15 au 27 octobre, le MAI accueillera La Foire – R, R & R (respect, reconnaissance, représentation), une plate-forme qui offre une visibilité aux artistes sous-représentés issus d’une multitude de disciplines. Au menu : ateliers, conférences, séances de remue-méninges, spectacles et exposition. Les inscriptions et informations supplémentaires seront mises en ligne quelque temps avant l’évènement.

Et si on réimaginait le monde ? Un forum sur les pratiques des artistes sourd-es et handicapé-es (du 4 au 10 février) se veut une étude des approches les plus radicales en matière de représentation du handicap mises de l’avant par les artistes contemporains. Par l’entremise de spectacles, d’ateliers et de discussions, participants et spectateurs amorceront des dialogues créatifs tout en laissant place aux enjeux relatifs aux pratiques artistiques des personnes sourdes, en situation d’handicap ou aux prises avec des problèmes de santé mentale.

Complices est un centre axé sur le développement artistique et les échanges qui œuvrent à l’intérieur comme à l’extérieur des locaux du MAI. Son objectif principal est de soutenir les artistes qui travaillent à la frontière des disciplines, des traditions, des récits et des cultures, par l’intermédiaire de programmes spécialement conçus pour tenir compte de leur multitude de besoins, d’expériences et de façons de travailler. En peu de mots, Complices est le programme d’accompagnement de longue haleine du MAI entièrement remanié et élargi.

Illustration Thaïla Kampo

Complices is a centre for artistic development and exchange operating within as well as beyond the MAI’s physical premises. Its main aim is to support artists working at the border—of disciplines, traditions, histories, cultures—through specially-designed programs that take into consideration the broad range of artists’ needs, backgrounds, and ways of working. Complices is, in short, the MAI’s long-running Mentorship Program in a revamped and significantly expanded form.

Black.Art.Empowerment: I see, I speak, I am movement, du 12 au 27 avril. Dans le cadre de cet événement d’une durée de trois semaines orchestré par Rhodnie Désir, des artistes de descendance africaine de Montréal et de la diaspora animeront rencontres et laboratoires socioartisitiques axés sur les enjeux et les expériences relatives aux droits civils et à l’engagement social. Présenté parallèlement aux performances de cinq artistes internationaux (voir pages 23 à 26).

D I S C U S S I O N S P O S T- P R É S E N TAT I O N

Tenues le premier vendredi de chaque ronde de spectacle en compagnie d’un animateur.

AT E L I E R S C R É AT I F S

Tout au long de la saison 2018-2019, l’artiste Kay Noele proposera des ateliers de création de cartes sur textile qui s’inspireront des expositions en arts visuels présentées au MAI. Offerts gratuitement aux individus et aux groupes de tous âges, milieux et aptitudes. Contacter education@m-a-i.qc.ca pour des informations supplémentaires.

V I S I T E S D E G RO U P E

Écoles, communautés ou autres groupes ; tous sont les bienvenus au MAI, qui offre des visites interactives guidées de toutes ses expositions en arts visuels (sur réservation).

From October 15 to 27, MAI will host La Foire – R, R & R (Respect, Recognition, Representation), a visibility platform designated for underrepresented artists in a variety of disciplines.

Included are workshops, conferences, pitch sessions, performances, and an exhibition. Sign-ups and further info will be posted closer to this event.

Re-imagine all the people – a forum on Disability and Deaf Arts from February 4 to 10, will survey some of the more radical approaches to representations of disability currently being considered by contemporary artists. Through performances, workshops, and discussions, participants and the public will engage in creative dialogues and hold space for issues concerning Deaf, disabled, and Mad Art. From April 12 to 27, Black.Art.Empowerment: I see, I speak, I am movement, curated by Rhodnie Désir, will feature gatherings and socioartistic laboratories by Afrodescendant artists from Montreal and the diaspora. The focus will be on issues and experiences of civil rights social engagement. Organized in conjunction with performances by five international artists (see pages 23 to 26).

POST SHOW DISCUSSIONS Held the first Friday of each presentation run in the company of a collaborating facilitator.

C R E AT I V E W O R K S H O PS

Throughout the 2018-2019 season, artist Kay Noele will be offering textile map-making workshops developed in dialogue with the MAI’s visual arts exhibitions. Open to individuals and groups of all ages, abilities, and backgrounds; provided free of charge. Contact education@m-a-i.qc.ca for more information.

G RO U P V I S I T S

Whether you are a school, community, or other group, MAI offers guided, interactive visits of its visual arts exhibits year-round (upon reservation).

complices

artist-driven support

studio residencies workshops

appui aux artistes

résidences en studio ateliers

public + Le MAI continue à tisser des liens entre les artistes, les publics et les communautés locales. Inaugurée en 2009, Public+ est une série d’activités offertes par le MAI parallèlement à ses expositions et spectacles.

MAI has long been committed to making connections between artists, audiences, and local communities. Initiated in 2009, Public+ is a dynamic series of activities offered in tandem with MAI’s regular season.

SPECIAL EVENTS ÉVÉNEMENTS SPÉCIAUX

Du 15 au 27 octobre, le MAI accueillera La Foire – R, R & R (respect, reconnaissance, représentation), une plate-forme qui offre une visibilité aux artistes sous-représentés issus d’une multitude de disciplines. Au menu : ateliers, conférences, séances de remue-méninges, spectacles et exposition. Les inscriptions et informations supplémentaires seront mises en ligne quelque temps avant l’évènement.

Et si on réimaginait le monde ? Un forum sur les pratiques des artistes sourd-es et handicapé-es (du 4 au 10 février) se veut une étude des approches les plus radicales en matière de représentation du handicap mises de l’avant par les artistes contemporains. Par l’entremise de spectacles, d’ateliers et de discussions, participants et spectateurs amorceront des dialogues créatifs tout en laissant place aux enjeux relatifs aux pratiques artistiques des personnes sourdes, en situation d’handicap ou aux prises avec des problèmes de santé mentale.

Complices est un centre axé sur le développement artistique et les échanges qui œuvrent à l’intérieur comme à l’extérieur des locaux du MAI. Son objectif principal est de soutenir les artistes qui travaillent à la frontière des disciplines, des traditions, des récits et des cultures, par l’intermédiaire de programmes spécialement conçus pour tenir compte de leur multitude de besoins, d’expériences et de façons de travailler. En peu de mots, Complices est le programme d’accompagnement de longue haleine du MAI entièrement remanié et élargi.

Illustration Thaïla Kampo

Complices is a centre for artistic development and exchange operating within as well as beyond the MAI’s physical premises. Its main aim is to support artists working at the border—of disciplines, traditions, histories, cultures—through specially-designed programs that take into consideration the broad range of artists’ needs, backgrounds, and ways of working. Complices is, in short, the MAI’s long-running Mentorship Program in a revamped and significantly expanded form.

Black.Art.Empowerment: I see, I speak, I am movement, du 12 au 27 avril. Dans le cadre de cet événement d’une durée de trois semaines orchestré par Rhodnie Désir, des artistes de descendance africaine de Montréal et de la diaspora animeront rencontres et laboratoires socioartisitiques axés sur les enjeux et les expériences relatives aux droits civils et à l’engagement social. Présenté parallèlement aux performances de cinq artistes internationaux (voir pages 23 à 26).

D I S C U S S I O N S P O S T- P R É S E N TAT I O N

Tenues le premier vendredi de chaque ronde de spectacle en compagnie d’un animateur.

AT E L I E R S C R É AT I F S

Tout au long de la saison 2018-2019, l’artiste Kay Noele proposera des ateliers de création de cartes sur textile qui s’inspireront des expositions en arts visuels présentées au MAI. Offerts gratuitement aux individus et aux groupes de tous âges, milieux et aptitudes. Contacter education@m-a-i.qc.ca pour des informations supplémentaires.

V I S I T E S D E G RO U P E

Écoles, communautés ou autres groupes ; tous sont les bienvenus au MAI, qui offre des visites interactives guidées de toutes ses expositions en arts visuels (sur réservation).

From October 15 to 27, MAI will host La Foire – R, R & R (Respect, Recognition, Representation), a visibility platform designated for underrepresented artists in a variety of disciplines.

Included are workshops, conferences, pitch sessions, performances, and an exhibition. Sign-ups and further info will be posted closer to this event.

Re-imagine all the people – a forum on Disability and Deaf Arts from February 4 to 10, will survey some of the more radical approaches to representations of disability currently being considered by contemporary artists. Through performances, workshops, and discussions, participants and the public will engage in creative dialogues and hold space for issues concerning Deaf, disabled, and Mad Art. From April 12 to 27, Black.Art.Empowerment: I see, I speak, I am movement, curated by Rhodnie Désir, will feature gatherings and socioartistic laboratories by Afrodescendant artists from Montreal and the diaspora. The focus will be on issues and experiences of civil rights social engagement. Organized in conjunction with performances by five international artists (see pages 23 to 26).

POST SHOW DISCUSSIONS Held the first Friday of each presentation run in the company of a collaborating facilitator.

C R E AT I V E W O R K S H O PS

Throughout the 2018-2019 season, artist Kay Noele will be offering textile map-making workshops developed in dialogue with the MAI’s visual arts exhibitions. Open to individuals and groups of all ages, abilities, and backgrounds; provided free of charge. Contact education@m-a-i.qc.ca for more information.

G RO U P V I S I T S

Whether you are a school, community, or other group, MAI offers guided, interactive visits of its visual arts exhibits year-round (upon reservation).

BILLETTERIE BOX OFFICE Tarifs - Prices

Passeport 4/4

Taxes incluses - Tax included

4 spectacles pour 60 $.

4 performances for $60.

25 $ régulier / regular

38

partenaires publics

Sauf Sound of the Beast, Black Theatre Workshop ▸ 27 $ The Mixolos Mitchtape Live in Montreal, mitcholos touchie et invités ▸ 15 $

20 $ réduit / discount Professionnel des arts, aînés, étudiants, Carte Accès Montréal, Membre du DAM, ELAN, Espace Libre et Tangente.

Professional artists, Seniors, Students, Accès Montréal cardholders, DAM, ELAN, Espace Libre and Tangente members.

Une pièce justificative valide est requise pour le tarif réduit. Une (1) entrée par carte. / A valid ID is required for when purchasing or picking up discounted tickets. One ticket per card holder.

2 pour 1 Représentations décontractées.

Relaxed performances.

Sound of the Beast Lévriers RoyaLazyness Yev

Prendre place Taking Place 2019

Tout ce que nous sommes est ici.

Everything we are is here. partenaires culturels

• 15 $ / performance À l’exception des performances de Tania El Khoury et Noëmi Lakmaier qui sont présentées gratuitement. / Free admission for Tania El Khoury et Noëmi Lakmaier performances.

• 50 $ / passeport Accès illimité à toutes les performances. / Unlimited access to all performances.

Selon la citation Tout ce que nous sommes est ici de Margaret Grenier, directrice générale et artistique de Dancers of Damelahamid et directrice de festival du We yah hani nah Coastal First Nations Dance Festival.

Based on the quote Everything I am is here by Margaret Grenier, Executive & Artistic Director for Dancers of Damelahamid, and Festival Director for the We yah hani nah Coastal First Nations Dance Festival.

18 $ Création bourgeonne Wàsakozi, Mich Cota

vente en ligne online sales

RoyaLazyness, Lazylegz & Roya The Destroya

Frais de service en sus de 2,50 $ par billet.

A $2.50 service charge per ticket will apply.

17 $ Groupe - Group (10 +)

stationnement parking Tarif fixe de 6 $ (à partir de 17h). $6 fixed-rate (after 5pm).

15 $

0 $

14 ans et moins 14 years and under

Accompagnateurs pour les spectateurs ayant un handicap / Accompanying persons for spectators with a disability

Veuillez récupérer votre bon de réduction à la billetterie du MAI. / Please pick up your discount coupon at the MAI Box Office.

3625, avenue du Parc + 3550 rue Jeanne-Mance (près de Prince-Arthur)

RÉDACTION

TRADUCTION

CO ORDINATION

Jean-Matthieu Barraud Nazik Dakkach Adriana Disman Edwin Janzen Pablo Rodriguez Saelan Twerdy

Faten Faour Wai-Yin Kwok Akwiratékha` Martin Jessica Moore Pablo Rodriguez Caroline St. Onge

Ann Karine Bourdeau Leduc Adriana Disman Claudia Parent

RÉVISION

Adriana Disman Claudia Parent Caroline St-Onge

DESIGN GRAPHIQUE

Atelier Mille Mille Image en page de garde © Blood vessel system of an heart. Ballemans / Shutterstock

BILLETTERIE BOX OFFICE Tarifs - Prices

Passeport 4/4

Taxes incluses - Tax included

4 spectacles pour 60 $.

4 performances for $60.

25 $ régulier / regular

38

partenaires publics

Sauf Sound of the Beast, Black Theatre Workshop ▸ 27 $ The Mixolos Mitchtape Live in Montreal, mitcholos touchie et invités ▸ 15 $

20 $ réduit / discount Professionnel des arts, aînés, étudiants, Carte Accès Montréal, Membre du DAM, ELAN, Espace Libre et Tangente.

Professional artists, Seniors, Students, Accès Montréal cardholders, DAM, ELAN, Espace Libre and Tangente members.

Une pièce justificative valide est requise pour le tarif réduit. Une (1) entrée par carte. / A valid ID is required for when purchasing or picking up discounted tickets. One ticket per card holder.

2 pour 1 Représentations décontractées.

Relaxed performances.

Sound of the Beast Lévriers RoyaLazyness Yev

Prendre place Taking Place 2019

Tout ce que nous sommes est ici.

Everything we are is here. partenaires culturels

• 15 $ / performance À l’exception des performances de Tania El Khoury et Noëmi Lakmaier qui sont présentées gratuitement. / Free admission for Tania El Khoury et Noëmi Lakmaier performances.

• 50 $ / passeport Accès illimité à toutes les performances. / Unlimited access to all performances.

Selon la citation Tout ce que nous sommes est ici de Margaret Grenier, directrice générale et artistique de Dancers of Damelahamid et directrice de festival du We yah hani nah Coastal First Nations Dance Festival.

Based on the quote Everything I am is here by Margaret Grenier, Executive & Artistic Director for Dancers of Damelahamid, and Festival Director for the We yah hani nah Coastal First Nations Dance Festival.

18 $ Création bourgeonne Wàsakozi, Mich Cota

vente en ligne online sales

RoyaLazyness, Lazylegz & Roya The Destroya

Frais de service en sus de 2,50 $ par billet.

A $2.50 service charge per ticket will apply.

17 $ Groupe - Group (10 +)

stationnement parking Tarif fixe de 6 $ (à partir de 17h). $6 fixed-rate (after 5pm).

15 $

0 $

14 ans et moins 14 years and under

Accompagnateurs pour les spectateurs ayant un handicap / Accompanying persons for spectators with a disability

Veuillez récupérer votre bon de réduction à la billetterie du MAI. / Please pick up your discount coupon at the MAI Box Office.

3625, avenue du Parc + 3550 rue Jeanne-Mance (près de Prince-Arthur)

RÉDACTION

TRADUCTION

CO ORDINATION

Jean-Matthieu Barraud Nazik Dakkach Adriana Disman Edwin Janzen Pablo Rodriguez Saelan Twerdy

Faten Faour Wai-Yin Kwok Akwiratékha` Martin Jessica Moore Pablo Rodriguez Caroline St. Onge

Ann Karine Bourdeau Leduc Adriana Disman Claudia Parent

RÉVISION

Adriana Disman Claudia Parent Caroline St-Onge

DESIGN GRAPHIQUE

Atelier Mille Mille Image en page de garde © Blood vessel system of an heart. Ballemans / Shutterstock

montréal, arts interculturels

17 NOV — 15 DÉC

TO LIVE AS AN ORGAN WITHIN ONESELF

Naghmeh Sharifi

15 + 16 FÉV

LÉVRIERS

Sophie Gee / Nervous Hunter 7 + 8 DÉC

CAIN ET ABEL

Arash and Aryo Khakpour / The Biting School 16 — 20 JAN

IN-WARD

Alexandra ‘Spicey’ Landé Compagnie EBNFLŌH 24 — 26 JAN

WÀSAKOZI

Mich Cota

T SÉ

EN

M

SEEDS CAST AFAR FROM OUR ROOTS

Angie Cheng + Winnie Ho + Chi Long

27 FÉV — 2 MAR

NUMBERS INCREASE AS WE COUNT…

Ülfet Sevdi 14 — 24 MAR

YEV

Scapegoat Carnivale Theatre 23 MAR — 20 AVR

MALAGINTO

Marigold Santos

15 — 18 MAI

C

E PREN

AS FAR AS MY FINGERTIPS TAKE ME Tania El Khoury EXILIUM Santiago Tamayo Soler NEUTER ALITY Yunuen Rhi UNDRESS/ RE-DRESS Noëmi Lakmaier MY LAST AMERICAN DOLLAR… Keijaun Thomas MARVELOUS Bryan Campbell MUY SERIO Carlos Maria Romero

29 + 30 MAR

OWN YOUR VOICE

Madame Ghandi 5 AVR

THE MIXOLOS MITCHTAPE LIVE IN MONTREAL (#MMLinMTL) mitcholos touchie et invités

30 MAI — 29 JUI

VOMITING FLOWERS Hea R. Kim 4 — 6 JUI

RADIO III Elisa Harkins + Hanako Hoshimi-Caines + Zoë Poluch

E PL

29 NOV — 2 DÉC

2 — 4 MAI

DR

23 + 24 NOV

Zab Maboungou / Compagnie Danse Nyata Nyata

RACE CARDS (PROJECTION) Selina Thompson

TAKING BREATH

Naishi Wang

WAMUNZO

TERRESTRIAL jumatatu m. poe

G PLA

Teesri Duniya Theatre

CREATURES

Luca ‘Lazylegs’ Patuelli + Roya The Destroya / RoyaLazyness

AFROGALACTICA Kapwani Kiwanga

IN

BIRTHMARK

8 — 10 FÉV

$ELFIE$ Marikiscrycrycry

TAK

3 — 18 NOV

SÉANCERS Jaamil Olawale Kosoko

CE

Donna-Michelle St. Bernard

C

A

SOUND OF THE BEAST

Zoë Chan Video Productions + Shirley Bruno + Tonia Di Risio + Kirsten Leenaars + Caroline Monnet + Alana Riley + Karen Tam

artistes Arnait

BLA

OWER

3 — 14 OCT

commissaire

IE

R

P

Khadija Baker

LE JE ET LE NOUS / THE I AND THE WE

12 — 27 AVR

RTEM

BIRDS CROSSING BORDERS

31 JAN — 2 MAR

KA

13 SEP — 13 OCT

saison 18 – 19