Mundo Películas Magazine 02 by Mundo Películas

MUNDOPELÍCULAS

EDICIÓN 02 / JUNIO 2018

MAGAZINE

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Junio 2018

Este mes de junio, Mundo Películas Magazine se viste de colores para ser parte de AMOR Festival Internacional de Cine LGBT+, que abarca competencias en cortometrajes y largometrajes de todo el mundo. En cuanto al cine nacional, la actriz Nathalia Aragonese no dejó nada en el tintero y nos contó todos los maravillosos detalles tras la realización de la alabada película Cabros de Mierda (2017) donde encarnó a La Francesita. También, conversamos con parte del elenco de La Isla de los Pingüinos (2017), el filme de Guille Söhrens que aún puedes disfrutar en cartelera. Sin embargo, el actor Rafael de La Reguera no solo participa de esta película de Söhrens, si no que también, en conjunto con el director Martín Pizarro, nos cuentan sobre su nuevo proyecto experimental de video-danza. ¿Y eso es todo? ¡Por supuesto que no! Jorge Yacoman, el premiado cineasta y ahora escritor chileno, nos habló de su íntima novela “El Vestigio del Silencio”. Además, no te pierdas en esta edición, las entrevistas a músicos y artistas audiovisuales, los concursos y... ¡Mucho más!

BENJAMÍN SCOTT Director en Jefe

BENJAMÍN SCOTT Diseño

FRANCISCO FIGUEROA Editores de Contenidos

RAFAEL JOVINE PAOLA GÁRATE DANIEL FONSECA MARLEN BELTRAN BENJAMÍN SCOTT Fotografías

PAOLA GÁRATE FRANCISCO FIGUEROA JAIME CASTRO PAF CARVAJAL DOUGLAS KIRKLAND

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EDITORIAL

Director

Aries El 2018 es un año de cambios para los nacidos bajo el signo de Aries. Fuertes y de un buen potencial, deben evitar irse por el mal camino. Lo fundamental para este mes es dejar el pasado de lado y concentrarse 100% en el futuro. Fijarse una meta e ir por ella.

Escorpio

Pisis Hace tiempo tienes ganas de hacer cambios, respirar nuevos aires y quizás este sea el año para concretarlo. Lo ideal para Piscis en este momento es viajar o quizás comenzar a estudiar algo que de verdad lo haga sentir pleno. Es momento de adquirir aventuras y conocimientos. También se aproximan rupturas, pero no te preocupes porque a la larga, serán para mejor.

La perseverancia y el valor, son lo que caracteriza esta nueva etapa de los Escorpio. No hay que temer a dejar ir lo negativo, lo que hace mal y no los deja dormir por las noches. Los Escorpio son de un carácter fuerte, nunca pasan desapercibidos y si llegan a tener un choque con alguien, de seguro no saldrá nada bueno.

Virgo

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HORÓSCOPO

Leo

Este es el año de la renovación para Leo, de soltar, dejar ir todo lo viejo y buscar cosas nuevas. Hay que saber manejar el drama, elemento que sobra en la vida de los Leo. Llegarán personas nuevas, volverán personas del pasado, pero no hay que perder la cabeza. Lo mejor es llenarse de energía y meditar cada paso que pretendemos dar.

Los Virgo tienen una determinación envidiable. Este año se encontrarán resolviendo muchos problemas. Básicamente arreglando el mundo, su mundo. La Pasión y creatividad que los llenan este último tiempo, será un imán para atraer cosas positivas y también personas que llegan a entregar sonrisas a la vida de Virgo. No dejes que nada te quite el sueño.

Cáncer Aprendizaje es la palabra clave para la etapa por la cual están atravesando los Cáncer. No es un año fácil. Aunque no estés solo, así te sientes. Cuando crees haber encontrado algo, te das cuenta que era nada. Aprender a perdonar, a dejar ir, a seguir adelante. Solo tú puedes sacarte del agujero donde te has metido.

Libra

Los Libra este año alcanzan el éxito laboral, comenzarán a ver los frutos de su arduo trabajo y de las buenas decisiones que ha tomado en el ámbito de las finanzas. Todo parece ir por buen camino, pero en el plano sentimental esta, indiscutiblemente, faltando algo importante. Si ya tenemos lo material ¿Por qué no atreverse a buscar final-

Sagitario Finalizando el año, no podrás creer todo lo que has conseguido. La autorrealización será un objetivo cumplido, sin dudas. No tengas miedo de cambiar, todo lo que se presente serán oportunidades que debes tomar para darle un vuelco a tu vida. Valentía, es la palabra clave para Sagitario.

Géminis Los Géminis deben dejarse fluir. Sacar esos sentimientos negativos que han estado reteniendo por un largo tiempo. Hay que hacerle caso a los instintos, que si uno lo presiente, es por algo. Géminis este mes estará totalmente regido por sus sentimientos.

Acuario

Tauro Para los Tauro, será un año de trabajo duro, pero que sabe le dará frutos. Lo que necesita Tauro es salir de la zona de confort, llenarse de fortaleza y atreverse a cumplir sus sueños. No dejen que nadie los detenga. Hay aventuras esperando por ustedes.

Capricornio Puede que el 2018 traiga más de un desequilibrio en la vida de los Capricornio. Hay aspectos que comenzarán a tomar rumbos diferentes y se debe estar preparado porque no todo viene de buena manera. Mientras todo ocurre, no deben perder la calma, ya que al final todo pasará. Recuerda que a veces tenemos que arriesgar para ganar.

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Se aproxima una que otra caída que los hará reflexionar y abrir los ojos a la realidad. Hay que aprender a dar prioridad a las cosas realmente importantes, tanto en la vida amorosa como familiar. Quizás sea bueno replantear nuestras emociones. En la vida también tenemos que evolucionar, Acuario

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FESTIVALES

Certamen de carácter independiente y competitivo que se realizará entre el 12 y el 17 de junio. Además, contará con actividades paralelas de industria cinematográfica, temas sociales y políticos en torno a la diversidad cultural, sexual y de género. Este encuentro se plantea como un espacio inclusivo, donde la programación invita a diferentes sectores de la sociedad, a acercarse al cine que aborda la diversidad sexual y de género. Más de 30 películas entre largometrajes, documentales, cortos, videos experimentales y otros, provenientes de todo el mundo e inéditos en nuestro país, formarán parte de su programación 2018. Cineplanet Costanera Center, GAM, Cineteca Nacional, Matucana 100, Municipalidad de Providencia e Insomnia de Valparaíso. La programación de la tercera edición de AMOR Festival Internacional de Cine LGBT+ contará con más de 30 producciones internacionales y chilenas, entre largometrajes y cortometrajes, de ficción y documental, que exhiben un amplio panorama del acontecer mundial LGBT+. La tercera edición de AMOR Festival Internacional de Cine LGBT+ se realizará desde el 12 al 17 de junio en Santiago y Valparaíso. Este certamen de carácter independiente y competitivo, que reúne lo más variado y contemporáneo del cine LGBT+, exhibirá

películas premiadas encertámenes como Tribeca, Sundance, Visions Du Réel, Locarno, Cartagena, DocsMX y La Habana, por nombrar algunos, con el propósito de ser una instancia de diálogo en torno a la diversidad sexual y de género, invitando a la sociedad a reflexionar y celebrar la tolerancia y la inclusión a través del séptimo arte. En este sentido, considerando la contingencia mundial, la película inaugural del 3er AMOR Festival será “Meu corpo é político” documental brasileño de Alice Riff, estrenado mundialmente en la sección Regard Neuf del Festival Visions Du Réel y centrado en cuatro transexuales que viven en barrios pobres de São Paulo. Además, en la noche inaugural se exhibirá un adelanto inédito de dos minutos de “Cola de mono”, la más reciente película de uno de nuestros jurados, Alberto Fuguet. En tanto, la programación está conformada por una Competencia Internacional de seis largometrajes, entre ficción y documental, provenientes de distintas latitudes. Los trabajos que presentan son: “Boys for Sale” (Japón), de Itako; “Los ojos llorosos” (Argentina), de Cristián Pellegrini; “Nadie nos mira”, de Julia Solomonoff (Argentina – Colombia – Brasil – Estados Unidos); “O Susurro Do Jaguar” (Brasil – Colombia – Alemania), de Simon(è) Jaikiriuma Paetau y Thais Guisasola; “Quando as Luzes se Apagam” (Brasil), de Ismael Caneppele; y “Señorita María, la falda de la montaña”, de Rubén Mendoza (Colombia).

El Jurado de la competencia, quienes tendrán la misión de entregar el premio a Mejor Película, estará formado por la reconocida periodista y conductora de radio y televisión Lucía López, el destacado periodista, escritor y cineasta Alberto Fuguet, y Nicolás Videla, artista trans/escénico y cineasta, ganador de la Competencia Internacional en la segunda edición de AMOR Festival con su película “El diablo es magnífico”. Por su parte, los cortometrajes tienen su espacio en la sección GUERRILLA, que incluye doce trabajos audiovisuales, de ficción, documental y experimentales, originarios de Alemania, Argentina, Canadá, Chile, España, Estados Unidos, Francia e Italia, que participaron en festivales de cine LGBT+ y que exponen temáticas relacionadas a la identidad de género, el amor, el sexo y el deseo queer. Este año la sección PANORAMA, focalizada en cortometrajes y largometrajes de reciente producción, estará dividida en Chileno e Internacional, exhibiendo obras premiadas en los festivales de Sundance, Tribeca, Tesalónica y Asterisco, por nombrar algunos, tales como: “Beach Rats”, de Eliza Hittman (Estados Unidos), “Tom of Finland”, de Dome Karukoski (Finlandia), ”Genderbende”, de Sophie Dros (Holanda); “Una travesti rabiosa, Sofía Devenir”, de Valentina Ortega; “Mujer saliendo del mar”, de Pablo Rojas Marchini; “Insiders”, de Seba Castillo, por nombrar algunas; en las que se dan a conocer personajes emblemáticos del underground de la comunidad LGBT+, los nuevos géneros, el bullying y problemáticas transgeneracionales. A esta variada selección de películas se suma un programa de activida-

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AMOR FESTIVAL DE CINE LGTB+ 2018 SE REALIZARÁ DESDE EL 12 AL 17 DE JUNIO. ACÁ TE CONTAMOS ALGUNOS DETALLES DE LO QUE SERÁ LA NUEVA EDICIÓN DE ESTE AÑO.

SEÑORITA MARIA LUISA, LA FALDA DE LA MONTAÑA Dir. Ruben Mendoza

des especiales en torno a problemáticas actuales y la cultura LGBT+, las cuales estarán dispuestas en el Centro Cultural GAM y la Municipalidad de Providencia. Las actividades son: “Lo que se viene en el cine LGBT+”, “VIH en Chile”, “Literatura y cine LGBT+”, “Ley de identidad de género”, “Escena drag en Chile”, y “Patrimonio Audiovisual Musical, PAM”. Además, se realizarán talleres contra el bullying LGBT+ a cargo de Diversxs de Amnis-

tía Internacional y Fundación Todo Mejora, que comprende la exhibición del cortometraje “El carteo”, de María Francisca Escobar, en los liceos 7 de Niñas, Tajamar y José Victorino Lastarria. Este año el público podrá hacerse parte también a través del Premio UBER y elegir con su voto a la Mejor Película de la Competencia Internacional y al Mejor Cortometraje de la

MEU CORPO É POLÍTICO My Body is Political Brasil, 2017; 71’, Documental – Trans Dirección: Alice Riff Producción: Heverton Lima Guion: Alice Riff Fotografía: Vinícius Berger Edición: Yuri Amaral

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Alice Riff São Paulo, Brasil, 1984 Trabajos anteriores: Este es su primer largometraje.

Estrenado mundialmente en la sección Regard Neuf del Festival Visions du Réel 2017 y exhibido en certámenes como BAFICI, La Habana y Lovers de Turín, el primer largometraje de la cineasta brasileña Alice Riff es una mirada a la cotidianidad de cuatro transexuales que viven en barrios pobres de São Paulo. Sus vidas son abordadas tanto en el terreno de lo privado como en un contexto social más amplio, al tiempo que se plantean interrogantes sobre la comunidad trans brasileña y sus disputas políticas. FUNCIONES: MATUCANA 100 Martes 12 de junio a las 20:00 hrs. SOLO CON INVITACIÓN CINETECA NACIONAL | SALA CINE Domingo 17 a las 16:00 hrs. FUNCIÓN ESPECIAL ABIERTA A PÚBLICO

sección Guerrilla, el cual podrán ejercer después de cada función. Las Salas aliadas de AMOR 3 son: Cineplanet Costanera Center, Cineteca Nacional, Matucana 100 y la Municipalidad de Providencia, en Santiago, y en Valparaíso, Insomnia Teatro Condell. Las entradas tendrán un valor general de $2.000; y de $1.000 para estudiantes y tercera edad (válidas sólo para funciones en Cineteca Nacional y Matucana 100). Podrán ser compradas directamente en la boletería de cada sala, el mismo día de la función. Además, ya está disponible en nuestra página web, la venta y despacho de abonos por un valor de $8.000, el cual permitirá ver 5 películas de nuestra programación en cualquiera de las Salas aliadas. La venta de abonos a través de amorfestival.com se realizará hasta el domingo 10 de junio o hasta agotar stock. La tercera edición de AMOR Festival es presentada por UBER, organizada por Santiago, InC y Storyboard Media; cuenta con el apoyo de los medios aliados Metro, Publimetro y Los40, y las salas Cineplanet Costanera Center, Cineteca Nacional, Matucana 100, Municipalidad de Providencia e Insomnia Teatro Condell; y la colaboración de la Dirección de Asuntos Culturales del Ministerio de Relaciones Exteriores, Embajada de Argentina en Chile, Embajada de Finlandia en Chile, Embajada de Chile en Perú, Diversxs de Amnistía Internacional, Fundación Todo Mejora, Festival Asterisco, OutFest Perú, LatamCinema, Mundo Películas, Pousta, Mor.bo, Khiel’s, LoveLust, Hatsu, Stoli, Trä•kál, Sangría Amor y LemonLab.

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DIRIGIENDO LA PROGRAMACIÓN DE AMOR FESTIVAL CYNTHIA GARCÍA CALVO NOS HABLA DE TODO LO QUE IMPLICA SU TRABAJO EN ESTE FESTIVAL DE TEMÁTICA LGBTI+ QUE SE PRESENTA EN SANTIAGO Y VALPARAÍSO DURANTE JUNIO.

Entrevista: Paola Gárate Espinoza. Fotografías: Paola Gárate Espinoza. Lugar: Culto Bar, Estados Unidos #246, Santiago.

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FESTIVALES

Cynthia García Calvo es oriunda de Buenos Aires y lleva 5 años viviendo en Chile, donde se ha destacado con una vasta trayectoria en el mundo audiovisual. Siendo periodista, directora de programación y productora ha logrado posicionarse como jurado en diversos certámenes internacionales. Si bien, ha trabajado como cronista cinematográfica en radio, gráficas y medios online, actualmente, es productora de Grita Medios y redactora jefe de

LatAm Cinema, un sitio de referencia de cine latinoamericano. Además, acompaña la dirección del Festival de cine de Antofagasta y es la directora de programación del Festival de Cine de Mujeres FEMCINE y de AMOR Festival. ¿Cómo y por qué nace la idea de crear AMOR Festival? AMOR nace hace tres años. Fue una idea de Gabriela Sandoval (directora ejecutiva) y Sebastián Inostroza (director artístico), quienes me convocan a mí para hacer la programación del festival. La idea era generar un espacio en el que se pudiera exhibir y difundir el cine de temática LGBT+, pero

Mi trabajo como programadora es de muchas horas y meses de trabajo, pero básicamente, podría resumirlo en que me dedico a ver películas y seleccionarlas -jajaja, pero es más complejo que eso. En el caso de AMOR, trabajamos por un lado con una convocatoria abierta de largometrajes y de cortometrajes para hacer nuestras competencias oficiales y, por otro, con lo que son las secciones paralelas. También, hay películas que venimos siguiendo y conociendo por el circuito de festivales que están en otros países, por lo que el trabajo de programación es principalmente elegir las películas teniendo en cuenta un concepto, de que muchas veces ellas hablan entre sí y que ésto sea un reflejo de la diversidad. Éste es un festival de temática y es importante cómo es que esta temática se refleja a diferencia de otros festivales generales donde, tal vez, simplemente se fijan en la parte más artística. En ese caso, nosotros buscamos un equilibrio: Cinematográficamente deben ser películas de calidad, la temática LGBT+ tiene que ser abordada de una forma particular y también tener temas que sean importantes e interesantes para tratar y reflejar. ¿Cómo seleccionas el material para el certamen? Lo primero es la calidad, pero también nos gusta que el festival asuma riesgos cinematográficamente hablando, como aquellas películas que tienen formas de narrarar diferente. De hecho, en las convocatorias y en las películas que tenemos, hay tanto ficción como documental, animación y experimental. Nos gusta que confluyan todos esos lenguajes y las distintas formas de abordar, pero siempre el primer filtro es la calidad. La película

¿Cuál ha sido la experiencia que más te ha marcado durante todo este proceso de realización del festival? Éste es, todavía, un festival muy joven. Recién vamos en nuestra primera edición, pero creo que lo que destacaría de este tiempo de vida corto que tiene el festival, es el crecimiento que tuvo de un año a otro. Nosotros empezamos el festival así como “¡Vamos a hacerlo!”, sin apoyo casi y sin otros recursos más que nuestras ganas. Pero el festival ha ido creciendo mucho y en muy poco tiempo. Por ejemplo, este año, llegaron muchas producciones chilenas, muchas más que el año pasado, muchos directores nuevos que quisieron abordar esta temática. Entonces, eso para mí, es muy interesante. Como que el festival va en paralelo con este crecimiento que está teniendo el cine LGBT+. De alguna manera, uno puede alimentar al otro y hacer que ambos puedan ir por un camino que va a ser seguramente exitoso y largo. ¿Qué consejo les darías a quienes desean competir en futuras ediciones del certamen? Primero, que estén atentos a las convocatorias. Pero más que nada, lo que nos interesa, es que las películas tengan una voz particular y personal, que no intenten parecerse a nadie y que sean uno mismo... Lo que es la comunidad LGBT+, ¿no?. Ser uno mismo y tener tu identidad. ¿Qué importancia social crees que aporta un festival como AMOR? Me parece que el festival es como parte de un cambio social que se viene dando desde hace años ya, pero cada país tiene desarrollos diferentes en cuanto a los alcances sociales, en este caso, de la inclusión de la diversidad. Pero, me parece que lo importante es que ésto sea también un espacio más para visibilizar, para que se pueda entender. A veces, creo que se juzga mucho sin conocer al otro, hay mucho desconocimiento y prejuicio. Pienso que el festival es parte de un

LO QUE NOS INTERESA, ES QUE LAS PELÍCULAS TENGAN UNA VOZ PARTICULAR Y PERSONAL, QUE NO INTENTEN PARECERSE A NADIE Y QUE SEAN UNO MISMO... LO QUE ES LA COMUNIDAD LGBT+, ¿NO?. SER UNO MISMO Y TENER TU IDENTIDAD. todo, de diferentes sectores que están incluyendo o que se están visibilizando, y ahí es donde está el aporte del festival; el poder visibilizar a través del cine. Sin ir más lejos, el Oscar a “Una Mujer Fantástica” este año, pienso que ayudó muchísimo al tema de la Ley de Identidad de Género y a que realmente todos empezaran a reflexionar y pensar sobre eso. Claro, por ello, me parece que el festival es un aporte, así como hay otros sectores que están aportando desde leyes, desde visibilidad. Uno colabora siempre desde su lugar, y nosotros tenemos el cine como herramienta para poder colaborar con este cambio social. ¿Cómo crees que irá evolucionando o mutando el evento a futuro? Espero que siga creciendo, especialmente con directores nacionales y latinoamericanos. Ponemos mucho el foco en latinoamerica, porque son los países que de forma cercana pasan por lo mismo que nosotros; si bien en la región tenemos algunas diferencias, más o menos todos hemos tenido una historia parecida y los alcances sociales son bastantes similares también. Entonces, a futuro espero que el festival siga creciendo, que los directores de acá y los latinoamericanos, vean AMOR como un espacio para exhibir sus trabajos e invitar a la reflexión sobre las temáticas LGBT+. Y básicamente eso, que cada vez más gente quiera asistir y, algo que nos interesa mucho, salir un poco del nicho LGBT+, ya que, generalmente, en estos festivales hay un público muy específico; es la propia comunidad LGBT+ la que

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¿En qué consiste ser la programadora de este evento?

en sí, como obra artística, y la temática van en consecuencia con eso. Muchas veces pasa, en los festivales de temática, que el tema suele ser más importante que la forma, pero en esta instancia, nosotros buscamos un equilibrio entre forma y contenido.

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el cual sea un festival donde haya una curaduría y un concepto en relación a las películas que se exhiban. En ese momento, empezábamos a notar que había una producción creciente a nivel internacional, pero también chilena. Queríamos ser, un poco, ese reflejo de lo que estaba pasando, generar este espacio para difundir y, de alguna manera, contribuir a que se de en la sociedad una reflexión sobre la diversidad. Un poco también a consecuencia de los tiempos.

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NOSOTROS TENEMOS EL CINE COMO HERRAMIENTA PARA PODER COLABORAR CON ESTE CAMBIO SOCIAL.

quiere consumir este tipo de contenidos, entonces estaría bueno también que otro público se acerque a este tipo de películas, porque, si bien van a ver una película que toca una temática en especial, es una película con una historia también, que les puede interesar, que los puede conmover y esa es la idea; que pueda trascender un poco el nicho y que cada vez, público de diversas edades y estratos, puedan acercarse a estas temáticas. ¿Hay planes de expansión a otras regiones de Chile? Nos encantaría, pero siempre tenemos el tope de los recursos, del presupuesto cada año... Es como hacer películas. Todos los años estamos postulando para obtener apoyo del Es-

tado para poder hacerlo, pero empezamos, como dije, desde algo muy pequeño que hicimos básicamente solo con ganas, lo único que teníamos. Pudimos llegar a Valparaíso, y también logramos dos alianzas; con el Festival Asterisco de Buenos Aires y con el Outfest de Perú. En Asterisco, se podrá exhibir el que sea elegido como el mejor cortometraje de producción nacional, mientras que el mejor largometraje nacional chileno irá al Outfest de Perú. De alguna manera, AMOR empieza a ser un puente para que las producciones nacionales empiecen a ir a otros lugares, por lo que siempre es importante generar estas audiencias con otros festivales. De hecho, Asterisco de Buenos Aires siempre fue un festival que miramos como modelo a seguir, y el año pasado tuvimos a su productor acá e hicimos una pequeña muestra del festival. A futuro, lo que queremos hacer es eso; una pequeña muestra de AMOR en otros festivales y, ojalá así, poder llegar a otras regiones. Nos parece que es importante descentralizar, que no solo en Santiago esté sucediendo ésto, si no que también en regiones, donde puede ser más interesante que llegue un festival de esta temática. Eso es lo que a futuro buscamos.

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LA POLÍTICA NO DEBE NUNCA CENSURAR LA CULTURA.

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ENTREVISTAS

Ekaterina Yarostkaya es una de las productoras de LETO, participante en el pasado Festival de Cannes.

Leto ha sido una de las participantes en el pasado Festival de Cannes que acaba de concluir. Su director Kirill Serebrennikov está bajo arresto domiciliario en Moscú. Es un proyecto en el que he tenido la suerte de formar parte. Para mí ha sido un sueño hecho realidad formar parte de este equipo de personas súper talentosas. Desafortunadamente Kirill fue arrestado aun cuando estaba rodando el pasado agosto, pero fuimos capaces de poder terminar el filme, por lo que estamos muy agradecidos. ¿Has tenido oportunidad de hablar con él desde su arresto? Está bajo arresto domiciliario por lo que no se le permite hablar con nadie. ¿Cuéntame un poco de Leto? Leto está basada en un músico de rock de los años ochenta llamado Víctor Soi, para muchos rusos es casi como el Jesucristo de la música. Es un poeta como Bob Dylan y siempre pienso que la música tiene la capacidad de unir a la gente. Leto es una forma de presentar nuestra música aun público para el que nuestra música rock era una total desconocida. Espero que a partir de este filme la gente se interese más por la música rusa.

¿Consideras que Putin está afectando en cierta forma al cine ruso? Quiero pensar que la cultura no se vea afectada por la política en mi país. Dicho esto no quiero decir que no ocurra. Leto va a ser distribuida por Sony Pictures y tenemos la confianza es que va a poder ser vista en mucho países. Si te soy sincera me gustaría que esta pregunta no me la hubiera tenido que hacer y que la situación sobre todo para nuestro director fuera diferente. Tengo fe en que ese solucione todo pronto. La gente tiene que tener la capacidad de expresarse con total libertad. ¿Cuando te diste cuenta que quería ser productora? Crecí en Moscú y comencé mi carrera como periodista, estudié en la Universidad de Moscú y allí me saqué mi Master en periodismo. Comencé a escribir desde una edad muy temprana, probablemente a los quince años. Pronto me di cuenta que siempre escribía sobre películas. Cuando estaba en el instituto tomé una clase que daba el maravillosos directores de cine Boris Khlebnikov and Andrei Zaitsev y para mi eso fue mi primera introducción al mundo del cine. Hablaron en profundidad en la clase de directores como Felini o Antonioni. Desde aquel momento empezó mi historia de amor con el cine. La capacidad y habilidad que se tiene en contar historias interesantes que te llegan al corazón a través de la pantalla grande es algo que me ha fascinado. Tras mi años de periodista de espectáculos siempre me fascinó hablar con los productores porque son los encargados de poner en su sitio todas las piezas del puzle y creando a la vez estas pequeñas obras de arte. Son os encargados de encontrar historias interesantes y crear todo este mundo a raíz de una historia escrita. Cuando me lancé a ser productora debo reconocer que me daba pavor hacerlo yo sola así que empecé a trabajar para Sony en Rusia en el departamento de prensa y marketing y tuve la oportunidad de observar como a los productores que allí trabajaban y me pareció que no era tan complicado como había pensado en un principio. Así que me lancé a la piscina y mi experiencia ha sido muy excitante de momento.

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acida en Moscú en 1984 en una familia de científicos, su madre es una investigadora de cáncer y su padre un químico en busca de nuevas medicinas. Según Ekaterina, su abuela fue la mujer más influyente en su vida, una cirujana de renombre, un ejemplo a seguir que la ha ayudado durante toda su vida y le ha dado la fuerza para creer en sí misma y en el género femenino. Madre de dos hijos, la mayor de trece y el menor de ocho, reside en Los Angeles junto a su marido. Es una de las productoras de LETO, cuyo director Kirill Sebrenikov está en estos momentos bajo arresto domiciliario por diferencias con el gobierno de Putin. la premiere mundial fue en el reciente Festival de Cannes. Leto transcurre durante la Perestroika y cuenta la historia del famoso cantante de Victor Tsoi y su famosa banda de rock underground del Leningrado de los años ochenta.

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LETO ESTÁ BASADA EN UN MÚSICO DE ROCK DE LOS AÑOS OCHENTA LLAMADO VÍCTOR SOI, PARA MUCHOS RUSOS ES CASI COMO EL JESUCRISTO DE LA MÚSICA.

EL CINE ESTÁ PARA UNIR LAS DIFERENTES CULTURAS, NO PARA SEPARARLAS.

¿Es más difícil ser productora en EE.UU. siendo de origen ruso? No, creo que de hecho mi experiencia en Rusia me ha ayudado tremendamente porque creo que la cultura rusa es extremadamente enriquecedora. Desde la música, al arte, pasando por la literatura. Pienso que eso me ha dado una gran ventaja. Para mi ser rusa ha sido algo positivo más que negativo. Además en el mundo del cine creo que llama la atención para bien más que crear algún tipo de sospecha. ¿Consideras que la situación un tanto tensa que se vive en estos momentos entre EE.UU. y Rusia está afectando al cine? Creo que cuando hay una crisis entre países de tipo político la cultura en muchas ocasiones es la encargada de diluir esas diferencias. El cine está para unir las diferentes culturas, no para separarlas. Tienes otro filme que saldrá en breve llamado Bushwick Beats y que trata precisamente de la unión y el amor incondicional.

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Mi filme Bushwick Beats, que está a punto de salir del horno, es precisamente sobre eso. Somos dos productores rusos y dos americanos, es un filme donde impera la diversidad. Tiene lugar en Bushwick, Nueva York y la esencia del filme es mostrar como es posible que la gente conviva, independientemente de la religión, nacionalidad o raza. Lo que les hace estar unidos y el poder del amor incondicional.

Los seis directores y seis guionistas de Bushwick Beats han tenido la oportunidad de explorar lo que significa el amor incondicional fuera de los límites del romanticismo. Hay historias de amor sobre mujeres y hombres, mujer con mujer, madre e hijo, hermanos. En definitiva lo que hemos querido hacer es unir diferentes voces. Por lo que soy una gran creyente en que la diversidad de culturas nos enriquece y nos une en vez de separarnos. Como productora joven y atractiva que eres. ¿Te has encontrado con alguna situación de abuso de poder? Estoy muy orgullosa de ser mujer y de ser productora de cine. He tenido mucha suerte porque no me he encontrado con obstáculos en mi carrera debido a mi condición de mujer. Debido a la reciente campaña de #Metoo creo que ha habido un apoyo incondicional por parte de otras mujeres productoras. Pienso que nos da la oportunidad de unirnos y ser aún más fuertes y exigir nuestros derechos. En mi época de periodista tengo que confesar que experimenté algunas situaciones bastante desagradables. Por eso creo que este movimiento es fundamental, me hubiera gustado que hubiera comenzado hace muchos más años porque yo personalmente conozco a muchas mujeres que también han pasado por eso. Se lo duro que es para actrices que están comenzando a labrarse una carrera y es muy triste que haya hombres que se aprovechen de esto. Hay gente crítica con el movimiento que dice que se está poniéndose demasiado énfasis. Si, lo he escuchado. Lo cierto es que para cambiarlo debe ser demasiado, debe ponerse todo el énfasis posible para acabar finalmente con esta lacra. Es un movimiento necesario y es muy triste que mucha gente callara sobre Harvey Weinstein porque todo el mundo en la industria era consciente de ello de una forma u otra. Ha supuesto mucha valentía sacar esta historia en el New York Times y que estas mujeres finalmente se decidieran a hablar. Creo que este movimiento está cambiando la industria para mejor. A partir de ahora podremos ver más mujeres directoras y productoras sin que nos sorprenda, será algo normal.

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CINE CHILENO

Nathalia Aragonese (36) es actriz de cine, teatro y televisión chilena, que obtuvo el papel protagónico en Cabros de Mierda (2017), una película de Gonzalo Justiniano que retrata la historia de una mujer, La Francesita, que vive en una población marginada de Santiago durante los años de dictadura militar en Chile, y que lucha por recuperar la democracia. El filme se presenta como un tributo a aquellas familias humildes que se resistieron y agitaron el ambiente social para hacer caer al régimen dictatorial.

NATHALIA ARAGONESE

Y EL ÉXITO INTERNACIONAL DE CABROS DE MIERDA

a actriz chilena que protagoniza L el filme nos cuenta todos los detalles tras el rodaje y el impacto que tuvo la película dentro y fuera de Chile.

¿Cómo fue que llegaste a ser la protagonista de Cabros de Mierda? Hasta el día de hoy, busco a esa persona que le dio mi nombre a Gonzalo Justiniano, o que le tiró la idea, porque fue un casting desconocido. Me llamaron para participar de éste, pero ya llevaban un buen rato haciéndolo. Habían pasado varias actrices muy conocidas, no conocidas, de todo y, me acuerdo que cuando llegué al lugar del casting, yo venía de grabar algo que estaba haciendo en la tele. Traía un peinado muy típico de teleserie -jajaja. Gonzalo me miró por la ventana y le dice al productor “¡No quiero más actrices de televisión! Estoy aburrido de las actrices de televisión!”, entonces lo primero que hice al entrar, fue pasar al baño a despeinarme y sacarme todos los accesorios exhuberantes. Era la última en llegar, al final del día. Y fue súper cómodo, porque empezamos a entrar en tono inmediatamente, improvisando. Por lo general, un casting dura entre uno y tres minutos, máximo 5 o 10, pero improvisamos alrededor de una hora. Ocupamos una casa, estábamos en una sala y terminamos metiéndonos en los pasillos y el baño, mientras Gonzalo me seguía con la cámara. Los dos estábamos improvisando, porque él también me daba direcciones y yo las seguía, lo que resultó ser muy cómodo. No tenía ninguna información del personaje ni de la pe-

lícula, solo un par de situaciones muy concretas que él me dio, y que fue lo que trabajamos en ese momento. Días después, me avisan que había quedado para hacer este teaser de la película, lo que no significa que yo sería la actriz de la película, pero una como actriz, lo sabe. Hicimos el teaser y también fue un proceso súper bonito. Nos pasaban cosas muy buenas con la película, algo tenía la historia que hacía que las cosas funcionaran. Y bueno, después pasó el tiempo, mucho tiempo, en el que yo estaba a la espera de saber si sería o no la actriz para el largometraje. Aquí es cuando también empieza todo el proceso de producción de la película, en donde entran co-productores y en donde se une Sean Penn. Sí, estuve a punto de trabajar con Sean Penn como mi co-protagonista. Él y Gonzalo se conocen, estuvieron juntos en su casa en Malibú y Gonzalo le habló del proyecto. A Sean Penn le encantó, le fascinó y quería ser este misionero. Entonces ahí, además venía toda una revisión. Si entraba Sean Penn, la película habría tenido que crecer en terminos de guión, se habrían modificado cosas... Que es lo que suele ocurrir cuando entra un actor, las películas terminan adaptándose. Pero en ese sentido, yo igual sentí que Gonzalo fue bien apegado a sus ideas; sabía que tenía cosas que eran puntos claves para la película y a los que no podía renunciar. Estaban entonces en ese proceso, cuando Sean Penn se mete en el lío de la entrevista con el Chapo Guzmán. Fue guión para acá, guión para allá. Finalmente, Sean Penn se tuvo que “guardar” un poco, y en eso llegó la fecha en la que se debía empezar a filmar. Yo estuve mucho tiempo esperando a Gonzalo, mucho. Un día, me

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Entrevista: Benjamín Scott y Paola Gárate Espinoza. Fotografías: Paola Gárate Espinoza. Lugar: Culto Bar, Estados Unidos #246, Santiago.

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LA FRANCESITA EN PARTICULAR NO ES UNA MUJER. YO SIENTO QUE ELLA ES LO QUE UNE A TODAS LAS MUJERES, ESA FUERZA, ESA ENERGÍA DE LAS MUJERES DE ESA ÉPOCA, QUE GONZALO CONOCIÓ EN ESE LUGAR, EN ESOS AÑOS.

llama por teléfono para decirme que partiríamos a filmar y yo le dije “Ok, maravilloso. Pero yo en dos semanas más me voy a Francia”. Era un viaje que yo tenía, y a él, por supuesto, se le pararon los pelos. Le pedí que me esperara tres semanas, yo lo llevaba esperando más de un año. Pero así, con los pelos parados, me decía que no. Además, ya sin Sean Penn, tenía que buscar al actor también. Y ahí, yo entendía que existía la posibilidad de que quizás entrara otra actriz. Lo que Gonzalo arma es súper agudo en el casting; necesita ver cómo funcionan los dos actores juntos, no cada uno por separado. Lo pasó súper mal haciendo ese casting mientras yo estaba afuera, porque no tenía a la pareja. Pero no iba a renunciar a mi viaje. Durante todo ese tiempo, hizo casting a todas las actrices que te puedas imaginar. Y cuando volví, al otro día, en la tarde, yo ya estaba en la locación para hacer el casting con este actor, Daniel. En ese momento fue cuando Gonzalo dice “Ya está, ésto es”. Así que fue un proceso largo, pero muy fiel a lo que siento que tenía que ser esa historia.

¿Quién es “La Francesita”? La Francesita está inspirada (así como también toda la película), en historias y personajes reales. Pero La Francesita en particular no es una mujer. Yo siento que ella es lo que une a todas las mujeres, esa fuerza, esa energía de las mujeres de esa época, que Gonzalo conoció en ese lugar, en esos años. Es un poco esta mujer anónima que no necesariamente estaba ligada a un partido político, sino más bien, que le tocó estar, vivir esa circunstancia. Es lo más característico, la más típica mujer popular chilena, pero no esteriotipada; que fue lo que yo traté de ponerme como punto principal en mi trabajo, que fuera lo más cercano a la realidad, y alejarme del prototipo típico que se hace cuando uno trata personajes populares, por ejemplo. Aquí en Chile, grandes producciones, tienden a mostrar a familias pobres como personas tristes, lentas y “fomes”. Pero cuando te metes en una población, te das cuenta de que la gente anda muerta de la risa, es muy “pilla” y las mujeres son muy coquetas; encuentras muchas

Fotograma: “Cabros de Mierda” (2017) de Gonzalo Justiniano

Y ¿Cómo fue la preparación de este personaje? Fueron fuentes muy diversas, pero el pilar principal era el guión. Está el contexto y estaba la historia. Hasta teníamos escenas reales que filmó Gonzalo en aquellos años. Había mucha información de donde agarrarse, incluso también la memoria del mismo Gonzalo; era su historia, su película, sus recuerdos. Además, nos juntamos mucho con las mujeres en La Victoria... Tardes completas a tomar once, té con sopaipillas, con esas mismas mujeres que en los 80s revolvían las ollas comunes. Adicionalmente, la concepción personal que uno tiene de lo que fue la época, también deseaba entregarla a esta película. Fue muy rico este espacio en donde, como equipo, nos podíamos nutrir mutuamente para inspirarnos para la película. ¿Cómo fue en lo profesional y en lo personal trabajar directamente con estas personas que vivieron en la época?

Es como una exigencia súper real, súper concreta. Yo hablaba con estas mujeres y me preguntaba cómo las iba a poder interpretar. En algún momento, pensé que incluso quizás yo no era la actriz, en que quizás debería ser una actriz más madura. Pero después me decía “No po’”, porque yo precisamente haré la juventud de estas mujeres que hoy tengo en frente... Eran parte de las inseguridades que aparecen. Uno trata siempre de acercarse lo más posible, aunque se una ficción, es una película que queremos que contenga la mayor cantidad de atmósfera real posible.

ESTUVE A PUNTO DE TRABAJAR CON SEAN PENN COMO MI CO-PROTAGONISTA.

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características en una misma persona. Entonces, para mí, el desafío era que esta mujer, más que definir a priori quién era, tuviera una cabida y una apertura con las que en cada escena pudiera decirme cómo era ella. Abrí el personaje, le di la libertad para que tuviera todas las capas posibles; que es lo más cercano a lo que uno es. Yo soy mujer, soy ser humano, y uno está lleno de capas. No se es o generosa, o egoísta, o buena... Uno es todo a la vez, y yo quería hacer un poco eso con este personaje, no esteriotiparla como buena o mala. Ella era una mujer como cualquier mujer; está llena de deseos, de contradicciones, de que un día se levanta de una manera y se acuesta de otra. Lo más cercano a la realidad, a la vida misma. La Francesita es un conjunto de muchas mujeres, y además está construída en esta familia matriarcal donde está la madre, la abuela, la hija. Lo que también es súper característico en la familia chilena; la ausencia del padre, la ausencia de lo masculino y, mujeres que son padre y madre a la vez, guerreras, que las hacen todas.

AQUÍ EN CHILE, GRANDES PRODUCCIONES, TIENDEN A MOSTRAR A FAMILIAS POBRES COMO PERSONAS TRISTES, LENTAS Y “FOMES”. PERO CUANDO TE METES EN UNA POBLACIÓN, TE DAS CUENTA DE QUE LA GENTE ANDA MUERTA DE LA RISA, ES MUY “PILLA” Y LAS MUJERES SON MUY COQUETAS.

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¿Cómo fue trabajar con Gonzalo Justiniano durante el rodaje?

Fue súper bueno. Creo que cuando uno entra a trabajar en algún lado, tiene que ser totalmente dúctil para plantear ideas, creativo en conjunto, bueno para escuchar y para poner atención en todo lo que pasa. De por sí, debes tener una disposición para el trabajo y estar muy abierto. Y eso, a mí me resulta muy fácil y muy cómodo, me gusta mucho trabajar así. Y con Gonzalo empezamos a trabajar desde mucho antes por el teaser, llevabamos un tiempo trabajando. Nos juntábamos a almorzar para conversar de la película, pero de repente, nos empezamos a hacer amigos y llegaban momentos donde nos decíamos “Ya no hablemos más de la película”, estábamos chatos -jajaja... Pero pasaban cinco minutos y volvíamos a la película. Entonces nos encontramos dos personas súper obsesivas, lo que fue súper bueno porque hablamos mucho de la película; estábamos muy llenos de imaginación y creación en torno a ella. Una vez estando en el rodaje, ya estábamos súper empapados, por lo que fue súper fácil y hubo mucha confianza. Yo le agradezco hasta el día de hoy a Gonzalo el haber sido tan permisivo conmigo como actriz. Él como director, yo como actriz, estábamos muy compaginados en todo momento. Se

improvisa mucho con Gonzalo, porque él escribe su guión y lo tiene todo tan claro que es capaz de meter una escena en cualquier momento y hacerla parecer como si hubiera estado siempre, desde un principio. Él creo y escribió a los personajes, por lo que cualquier cambio que se le ocurra, cualquier idea nueva que llegue, es como familiar. A mí también me entretiene mucho improvisar, me es muy cómodo, incluso mucho mejor que haber dicho líneas aprendidas. Grabamos y mientras hablábamos, se le ocurría una frase, una palabra o alguna cosa y la integrábamos ahí mismo. Era un tipo de grabación que necesitaba mucha alerta, mucha creatividad, estar muy concentrados, estar ahí entregados todo el tiempo. Todos los días llegábamos a las 7 de la mañana, con vestuario y todo, y a esa hora ya estábamos metidos en el personaje, incluso en los pocos ratos que me tocaba esperar, seguíamos. Además, se armó una

familia muy buena, muy real entre los actores. Lo pasamos muy bien haciendo esta película. Fue ruda en términos concretos, era una locación difícil en pleno invierno, muertos de frío, pero no sé... Estábamos completamente locos -jajaja. Yo sentía que a todos nos gustaba mucho la película, y a medida que íbamos grabando, con todas las dificultades que normalmente tiene un rodaje, era como un barco que insistía en salir a flote. Tuvimos muchos problemas, de todo tipo, pero como que la película salía como con una fuerza propia a superficie. Y eso, es algo que a todos (pienso) secretamente nos impresionaba mucho. Era muy raro, pero sucedió y era súper “bacán” que fuera así. Son cosas que no se te olvidan nunca más en la vida. Mis recuerdos son maravillosos, la pasé tan bien y aprendí tanto como actriz... Los actores no tenemos mucha formación de cine, es más de la experiencia de la que uno se va agarrando.

¡Sí! Fue muy heavy eso. Yo me decía “Ya, ahora la sacan. Éste es el último mes, el último fin de semana”. Y no, estuvimos 5 meses en cartelera, algo impresionante. Los llamaron para varios festivales internacionales ¿Cómo fue la experiencia? Fue muy hermoso ver que la película funcionaba fuera de chile. Nos encontramos con franceses, italianos, cubanos y argentinos que se emocionaron tanto con la cinta... La relacionaban tanto con su propia historia que fue heavy. En los conversatorios que teníamos, nos tenían que sacar de los teatros para poder terminar la conversación, lo cual es súper bonito porque esa gente que asiste al cine, a esos festivales tienen ya una cultura que uno también envidia como país “Que bonito que ocurra, que lindo lo culto que son por conocer perfectamente la historia de Chile”. A nosotros, nos hacían preguntas con las que te dabas cuenta que conocían la historia de nuestro país. Pero más allá de eso, lo que me emociona mucho, es que la película llegue en un nivel emocional. Está el lado racional, que es por donde llegan estas películas que hablan de la historia... Pero que te involucre emocionalmente, ya es casi revolucionario para los tiempos en los que vivimos, es súper bonito, es un lenguaje universal. Y la potencia que tiene el cine, que es una imagen ahí en movimiento, que es capaz de entrar en las personas sin fronteras, la traspasa y eso es bacán. ¿Se esperaban ese tipo de recepción? Nos impresionó muchísimo, porque siento que nos fuimos de Chile súper humildes y sencillos. Todo el mundo le decía a Gonzalo que la estrenara afuera primero y después en Chile, pero a él le importaba que la viera el público chileno. “La película es para Chile”, decía. Y así lo hizo. Pero yo siento que todas las veces que viajamos, salimos con la expectativa de ir al festival, conocer y ver cómo funcionaban, ver películas... Nunca pensé en lo que nos iba a pasar, todas esas situaciones que vivimos con la película. Lo que pasó en Italia fue impresionante, no fue algo que buscamos, ni que estabamos preparados para recibir,

fue una sorpresa tremenda; A mí me comparaban con la Anna Magnani, que es una de las actrices favoritas de los italianos, una actriz tremenda. Me hablaban y decían “L’Anna Magnani, bravo! Bravo! attrice, bravo!”, y yo miraba a Gonzalo, preguntándole qué me estaban diciendo, y me decía “Te están comparando con una de las mejores actrices de todos los tiempos”. No le creía, muchas cosas que no esperamos que pasaran... Y fue bacán. ¿Y acá en Chile? Acá también ha sido súper bonito. Tengo experiencias inolvidables con gente que se nos acercó después de la función, que nos escribió, y lo que ha pasado con organizaciones enteras. Toda la gente que ha visto la película, les guste o no, les pasa algo. Eso es muy loco de ver porque de repente ves tipos muy rígidos que salen llorando. La película te pega por un lado que no esperas que te pegue. Una de las cosas que más me ha gustado, es que gente que es más de derecha ha tenido reacciones que me han impactado. Un joven que habló en uno de los conversatorios que tuvimos, salió súper emocionado y, nos confiesa a nosotros y al público presente, que con esta película sintió una vergüenza tremenda por nunca haberse interesado en la historia de Chile, y que le hacía sentir una vergüenza enorme por desconocer y tratar de alejarse de una historia que había sido tan tremendamente injusta. Ahí es cuando ves que el cine, una película, es capaz de cambiarle la mentalidad a una persona; así de concreto, así de tajante. Y ahí dices, sí, el cine es capaz de hacer cosas tremendas. Ahora mismo lo de la Dani Vega, con La Mujer Fantástica a mí me impresiona, me emociona, me encanta lo que sucede. Una película fue capaz de ponernos a nosotros como sociedad en el tema. El cine lo puso. Es genial. El cine tiene un poder que parece que no sabemos que tiene. ¿Qué te pasa cuando escuchas la típica frase “Otra vez una película más de dictadura...”? Eso es un mito. Hay una cosa muy interesante que se hizo hace poco: Una periodista de cine, Antonella Estévez, sacó un libro donde investigó acerca del cine chileno y esta frase, y se dio cuenta de que era un mito. Ésta es una frase que instalan en la socie-

dad, porque en Chile no se han hecho muchas películas “De dictadura” y las pocas que hay, todas tocan el tema de manera tangencial, todas son distintas. Entonces tienen convencidísima a la gente de esta frase, pero eso no lo dice la gente, eso fue lo que les enseñaron a repetir. La realidad no es así, esta frase nace para que la gente rechace cualquier tipo de película que toque el tema. Es como pedirle a los alemanes que no toquen el tema nazi. Además, es algo tan reciente, que es como una falta de respeto decir eso, ignorante, inculto, insensible. – ¿Qué es para ti la película? Llena ese vacío que estaba pendiente, lo que faltaba, esa mirada que era necesaria, esa pieza del rompecabezas que no se había hecho, eso es la película. Es absolutamente necesaria. Gonzalo la explica de una manera que me encanta, como contando un accidente: Fue una persona que estuvo en un lugar y en un momento donde ocurrió un accidente, como éste venía de acá, éste otro de allá y pasó ésto. Eso es, ni siquiera con una intención política. Es una narración histórica concreta y sensible. Es la “raja” la película. Me encanta.

QUE TE INVOLUCRE EMOCIONALMENTE, YA ES CASI REVOLUCIONARIO PARA LOS TIEMPOS EN LOS QUE VIVIMOS, ES SÚPER BONITO, ES UN LENGUAJE UNIVERSAL. MUNDOPELÍCULAS

La película estuvo en cartelera un tiempo récord en Chile...

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CHECCO VARESE

Fotografía de Douglas Kirkland

Detrás del lente con

CHECCO VARASE

l llamado “Rey de los Pilotos” nos conversa sobre sus trabajos como Director de Fotografía para más de veinte series y películas, incluyendo la grandemente anticipada “IT 2” al igual que la adaptación del cómic lovecraftiano, “Locke and Key”, ambos de la mano del argentino Andy Muschietti. Por Benjamín Scott Para partir nos gustaría que pudieras explicar con tus palabras, para que todos entiendan ¿Qué es un director de fotografía? Es una pregunta muy difícil de contestar... cada proyecto necesita un DoF diferente, cada DoF es una persona diferente, un profesional diferente, pero en general el Dof es el profesional/artista/artesano/técnico/científico, que está encargado de la narración visual de un proyecto, desde la selección de las cámaras, ópticas, formato, hasta el lenguaje narrativo del mismo – se hará con un lenguaje formal y pausado...? Dollys. Steadicam? O será apasionado y frenético, cámara en mano? ¿La luz será como de Caravaggio? O naturalista y estamos haciendo “dogma” ... la corrección de color la haremos en tal laboratorio con tal técnico, y en tal plataforma? Etc etc etc. ¿Cómo llegaste a ser Director de fotografía? De a poquitos. Soy Arquitecto de formación y Fotógrafo de profesión. Comencé como asistente de cámara y camarógrafo en documentales de National Geographic en la década de los ochentas, paralelamente fui Camarógrafo de noticias. Una cosa llevo a la otra y los noventas me recluto en comerciales y MV... y acá estamos. ¿Qué es lo que más te gusta de tu trabajo? No estoy seguro de que sea una sola cosa es la colección de experien-

¿Tiendes a, no sé, leer dichas novelas o cómics para entender las ideas planteadas por el autor original? No necesariamente el cine es el guion y el director, y eso es lo que hace una película, la novela es otra cosa. Algunas veces las leo pero después, para ver lo que no hice.

cias de gente, de retos, lo que hace el trabajo interesante, no es una sola cosa... quizás el proceso sea doloroso y difícil, pero al final el resultado es lo que lo hace satisfactorio.

¿Puedes contarnos un poco sobre tu labor hasta hora como Director de fotografía en ‘IT: Chapter Two? ¿Cuáles son tus planes, visualmente hablando?

¿Cuál fue tu primer proyecto como Director de foto en el que sentiste que estabas justo donde querías estar? En resumen, ¿Cuándo sentiste que habías llegado a la autorrealización?

De IT desafortunadamente no te puedo contar nada hasta dentro de algunos meses. Sólo que estoy muy contento de Trabajar con Andy.

Nunca. El día que lo sienta, abro un restaurante y cambio de profesión. Cada proyecto es un reto, cada proyecto (grande o chiquito) te deja sin dormir la noche anterior. El día que yo sienta que “ya la hice” es el día en que me deje de retar. Respecto a Locke and Key ¿Qué es lo que más te llamo la atención de este trabajo basado en un cómic con estilo tipo Lovecraft? Me intereso mucho Colaborar con Andy Muschietty, a quién conocía desde hacía mucho pero no trabajábamos hacía tiempo, el showrunner Carlton Cuse es alguien a quien admiro y hemos hecho muchas cosas junto (6 pilotos). La combinación era genial. ¿Qué es lo más interesante de trabajar en cintas basadas en cómic o libros como director de fotografía? Lo más interesante es que están basadas en algo que ya tiene una huella visual establecida, no hay que copiar o separarse del género, lo que hay que hacer es reinterpretarlo, y eso Andy lo hizo brillantemente en L&K.

¿Qué le dirías como consejo a esos jóvenes que están interesados en la dirección de fotografía? Que lo más importante es contar historias. Hoy por hoy hay una tendencia a perderse en la tecnología y en los “K” bits, pixeles, etc. Es una época genial y apasionante. Con un teléfono y una computadora y puedes hacer un largometraje. Hay que contar historias y aprender a contarlas desde lo personal. Lo más importante de un director de foto es trabajar para el director, el guion y para la audiencia.

QUIZÁS EL PROCESO SEA DOLOROSO Y DIFÍCIL, PERO AL FINAL EL RESULTADO ES LO QUE LO HACE SATISFACTORIO.

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DISEÑANDO UNA PELÍCULA CON

ARAD SAWAT

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Fotografía: Productor Ram Bergman, Productor David M darkness, película dirigida y protagonizada por Natalie

El Diseñador de Producción de origen israelí nos habla sobre su trabajo en la milicia y su última película, Beirut, dirigida por Tony Gilroy y protagonizada por Jon Hamm y Rosamund Pike.

De hecho me ha gustado dibujar desde muy pequeño, y siemWWpre he encontrado las estructuras y las diferentes figuras interesantes.

trabajar en la arquitectura, pero no encajaba con mi carácter. Busqué por un lugar donde pudiera crear cosas más creativas e intuitivas, y me enteré que en el diseño de producción, o el diseño de sets en general, existe un pequeño tiempo entre el concepto y la ejecución, y que las reglas y regulaciones no limitaban las posibilidades. Me encantó eso. La idea de construir estructuras o un mundo visual completo, basado en una idea que ni siquiera la gravedad puede afectar, eso sigue sorprendiéndome.

de producción, pero artísticamente nunca me bastó. Sentía que no daba todo mi potencial – y deseaba diseñar un universo entero, y no solo un fragmento de ello. Afortunadamente, Joseph Cedar se dio cuenta de dicha pasión y me contrató para trabajar en este film que había escrito y dirigido llamado Footnote. Muchas ideas visuales nacieron de dicha cooperación artística, en especial a lo que tenía que ver con la relación entre los personajes y el espacio en donde se desenvolvía y coexistían.

Luego de haber terminado mi servicio militar, emtpecé a estudiar y

Comencé como un diseñador de arte y dibujante para los diseñadores

Por ejemplo: creamos un pequeño set, hecho de varias gavetas y cajo-

Por Rafael Jovine

ntes de los 90’s parecía que no tenías ningún interés en el mundo del diseño de producción. ¿Qué te llevó a involucrarte en esta área en particular?

Mi servicio militar me ayudó a entender cómo trabajar duro, por largas horas, y lograr los objetivos presupuestarios y hacer mi trabajo a tiempo. También aprendí a entender el ritmo, el tiempo, el temperamento, y la atmosfera de verdaderas operaciones militares. Creo que existen muchas similitudes entre la producción y la armada – la jerarquía, el planeamiento, y el ritmo de una producción puede sentirse como una operación militar.

Mandil y Arad Sawat, en el set de A tale of love and Portman.

nes, en donde habían un total de siete personajes. Cada vez que un personaje tenía que entrar lo salir, el resto tenía que levantarse y adecuarse al espacio. Joseph usó el escenario de manera bien sabia, y creó una coreografía interesante que hizo que la escena fluyera muy bien entre el drama y la comedia. Luego de que el filme ganada el premio a Mejor Guión en Cannes, surgieron muchas oportunidades y cooperaciones bien interesantes con varios directores y diferentes filmes, y para mi fortuna encontré un lugar en la industria. Teniendo un trasfondo en la milicia y el Cuerpo de Inteligencia – ¿es por eso que la mayoría de tu trabajo (por lo menos los más recientes) tienen que ver con temas similares a ese mundo? ¿Habiendo sido parte de ese mundo te ha ayudado en tu trabajo como DdP?

Creo que el hecho de que varios de los proyectos en los cuales me he involucrado en lo concerniente a problemas militares tiene más que ver con el país donde crecí y viví. En Israel es obligatorio el servicio militar para la mayoría de los ciudadanos, y es una gran parte de nuestra cultura – para bien o para mal. Existen muchos dramas personales y colectivos en la armada, y para muchas personas es un periodo de transición hacia la adultez. Tiene mucho sentido para mí el hecho de que muchos directores quieran tra-

tar con las experiencias que pasaron durante dicho tiempo. Hablando de ello, vayamos detrás de cámara de la película Beirut - ¿por qué decidiste grabar en locación en vez de construir un set? ¿Fue un problema de presupuesto o más bien un tema de visión? La historia se mueve a través de diferentes escenarios, y el filme tiene un ritmo en específico ya que el protagonista se ve enfrentado a un tiempo límite. Por ende, fue importante para nosotros que todo se sintiera realista, y que la cámara y los personajes pudieran desenvolverse fácilmente en el Beirut que creamos para la película. Me enteré que Tangier [la ciudad utilizada como el escenario del film] funcionaba muy bien para la forma y la atmosfera que deseábamos, y la mayoría del trabajo fue cambiar las calles y edificios para que luciera como una zona de combate. Logramos eso construyendo fachadas que lucieran abaleadas y rotas, cubriendo las calles con escombros, y claro un toque de VFX para darle un mejor toque. Tangier simplemente encajaba con la manera que queríamos mostrar a Beirut, tanto en la producción como artísticamente.

Fotografía: Arad Sawat en el set de la tienda de ropa Lanvin, donde construyó un escenario de sonido para Norman.

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“LA IDEA DE CONSTRUIR ESTRUCTURAS O UN MUNDO VISUAL COMPLETO, BASADO EN UNA IDEA QUE NI SIQUIERA LA GRAVEDAD PUEDE AFECTAR, ESO SIGUE SORPRENDIÉNDOME”

ESTOY DISEÑANDO UNA INTERESANTE SERIE DRAMÁTICA ESCRITA POR HAGAI LEVI Y DIRIGIDA POR JOSEPH CEDAR PARA LA HBO LLAMADA “SUMMER OF 2014”.

Fotografía: Arad Sawat trabajando en casa.

¿Cuánto tiempo tuviste para estudiar la verdadera historia detrás del filme? Estudié Beirut en gran medida. Hice una investigación visual muy exhaustiva la cual contuvo muchos aspectos que iban desde las gráficas, los vehículos, la moda y la arquitectura de tanto los 70s como los 80s. También estudié la política interna de Beirut durante esos años. Tuve que recrear visualmente la realidad caótica en una ciudad que pasó de ser este centro cultural y comercial en el Medio Oriente, a irse a las ruinas. Esos requirió un entendimiento bien exhaustivo de la compleja realidad de la ciudad en aquél entonces, tanto visual como en otros aspectos.

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¿Tuviste la oportunidad de ver varias imágenes del evento en sí o tuviste que crear todo de la nada?

Fue una mezcla de diferentes cosas. Hice mis estudios, tuve un diálogo creativo con Brad Anderson y Bjorn Charpentier, y claro mi propia visión. Hice unas docenas de dibujos y planos definiendo como me imaginaba la ciudad en base a las locaciones Con el evento verídico tomando lugar en el 1982 - ¿por qué decidiste irte por un look más de los 70’s? Quería que la ciudad luciera como si, al menos visualmente, el tiempo se

hubiera detenido. En el filme vemos a Beirut durante los 80s, pero en retroceso. La mayoría de las referencias de ese tiempo con la que trabajamos de hecho lucían como los 70s, por lo que sentí que lo más lógico fuera no hacer mucho énfasis en los 80s. Deseaba crear una realidad visual que luciera como si hubiera existido mucho antes de que nuestra historia iniciara. ¿Cuáles fueron algunos de los retos que tuviste que enfrentar durante el rodaje? En retrospectiva, creo que el hecho de que el rodaje tomara lugar durante el Ramadán hizo que las cosas fueran más desafiantes. Afortunadamente,

tuve un gran equipo trabajando a mi lado, incluyendo el supervisor del director de arte Ian Bailey, y los diseñadores de arte John Facenfield y Felicity Good, quienes ayudaron a que todo se desenvolviera sin ningún problema. ¿Qué te depara el futuro? Acabo de regresar a casa luego de seis meses en Tokio, donde trabajé en el filme I Am Not A Bird dirigido por William Olsson. Ahora mismo, estoy diseñando una interesante serie dramática escrita por Hagai Levi y dirigida por Joseph Cedar para la HBO llamada Summer of 2014.

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Natalie Portman: Mi Actriz Vegana MUNDOPELÍCULAS

NATALIE PORTMAN PRODUCE Y NARRA EL POTENTE DOCUMENTAL EATING ANIMALS. Por Benjamín Scott

emos escogido a Natalie Portman como la vegana del mes, ya que la actriz cumple años en junio, y lo más importante, es que se encargó de producir y narrar un potente documental sobre el consumo de animales en la dieta de las personas. Portman fue vegetariana la mayor parte su vida. Hace casi 7 años es vegana, y tomo real conciencia de lo que implica consumir productos para animales, tanto para su salud, para el medio ambiente y el planeta en general. Su decisión radicó en leer el libro ‘Eating Animals’ que luego la llevo a producir el documental del mismo nombre. En el tráiler del documental Natalie Portman hace una pregunta a la audiencia: “¿Sabes de dónde vienen los huevos, lácteos y carne que consumimos todos los días?”. La cinta producida por la actriz y dirigida por Christopher Dillon Quinn está inspirada en el libro de Jonathan Safran Foer publicado en 2009, que lleva el mismo nombre de la cinta. La trama del documental se trata sobre la poca ética que tienen las industrias agrícolas, y sobre las consecuencias al medioambiente, salud y economía que provoca el consumo de animales modificados genéricamente. En Eating Animals podemos ver la explotación animal, el uso de hormonas antinaturales y el uso de antibióticos, más la contaminación que genera para las comunidades que viven cerca de las granjas industriales. ¿Qué solución respecto al tema entrega el documental? Sencillo. Volver al sistema alimentario agrícola más local y orgánico. La actriz entregó un conmovedor discurso al recibir el premio al Compromiso

“Recientemente produje un documental: “Eating Animals (comiendo animales)”, el cual, espero, puedan ver pronto. Es un vistazo al sistema de granjas industriales y problema en nuestro país (USA). La cría intensiva de animales es responsable de la gran parte de contaminación del aire, agua, tierras, que desproporcionadamente afecta a nuestras comunidades pobres también, así que podemos tomar decisiones tres veces al día, lo que hacemos con nuestro planeta y tú puedes hacer una diferencia una vez al día o semanas, eligiendo no comer animales o productos de animales.

Luego prosiguió su discurso: “Enfrentamos estas amenazas juntos, lo que parece ser una lista cada vez mayor de frentes para encarar. Es realmente una amenaza existencial que requiere un esfuerzo continuo de todos nosotros. Y esta noche me siento tan agradecida de que mis padres me criaran con una conciencia sobre estos temas. Me siento muy afortunada de tener la oportunidad de expresar mi compromiso en mi vida y en mi trabajo, porque el hecho es que nadie podrá vivir y trabajar si no tenemos un medio ambiente para hacerlo.” “Hace unos años fui increíblemente inspirada por el libro de Jonathan Safran, “Eating Animals”, el cual es la base del documental que tuve la suerte de producir, y hemos estado trabajando para traer este mensaje al mundo a través de este documental. He sido vegetariana casi toda mi vida y vegana hace 6 años y estoy cada vez más comprometida con la idea de que

la forma en que tratamos a los animales está fuertemente conectada con nuestra relación con el mundo y con la tierra. Necesitamos preocuparnos por lo que hacemos. Necesitamos poner esfuerzo en la comida que cultivamos, lo que ponemos en nuestros cuerpos, y ser conscientes de ello. Tengo el honor de estar de regreso con ustedes para aceptar este premio. Quizás todos nosotros esta noche nos comprometamos a hacer lo que podamos para asegurar que nuestro planeta y nuestros niños tengan la oportunidad de disfrutar el futuro que realmente está en marcha.” Así fue como Natalie Portman muy agradeció al público asistente de la premiación.

LA CRÍA INTENSIVA DE ANIMALES ES RESPONSABLE DE LA GRAN PARTE DE CONTAMINACIÓN DEL AIRE, AGUA Y TIERRAS.

GREEN CINEMA

Continuo en los EMA Awards 2017 que se llevó a cabo el pasado 23 de septiembre.

Muchos de ustedes probablemente ya lo hacen. Ha sido una influencia increíble en mi vida, y estoy segura que en muchos de ustedes aquí también, así que estoy muy emocionada de compartir esta cinta con ustedes.” Fueron las palabras de la actriz para invitar a ver Eating Animals.

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HEMOS ESTADO TRABAJANDO PARA TRAER ESTE MENSAJE AL MUNDO A TRAVÉS DE ESTE DOCUMENTAL.

Culto Bar es un resto-bar que se especializa en la música británica, acompañada de un ambiente y diseño único. Con cuatro pisos dedicados a este estilo musical: El primer piso de Culto está dedicado a David Bowie más espacio en el exterior del local. El segundo piso te invita a no ser otro ladrillo en la muro con un homenaje a Pink Floyd. Para los más emocionales tenemos el tercer piso acompañado de la barra rodeado de una decoración de Radiohead. Finalmente el cuarto piso es una terraza amplia acompañada de la mejor música británica al aire libre. Nuestro local cuenta con una carta de comida y tragos imperdibles, que además está recién actualizada para nuestros clientes. Puedes encontrar diversos tragos y platos que hacen homenaje al estilo musical británico. Acá puedes encontrar cócteles como: Amy Winehouse, Jarvis Cocker, David Bowie, Freddie Mercury y Tricky. Nuestra carta de tragos es mucho más amplia, va desde la cerveza, vino, whisky, ron, mojitos y mucho más. En nuestra carta de comida puedes encontrar Tortillas Depeche, Sadwiches Thom Yorke, tablas The Dark Side y mucho más. Si quieres conocer nuestra carta completa visita www.cultobar.cl Culto Bar te invita a que vengas a disfrutar con tu pareja y/o amigos de un ambiente muy acogedor, cómodo, innovador y rodeado de la mujer música. Además nuestro local te invita a diferentes actividades que realizamos durante el mes: Música, cine e idiomas. Para más información puedes seguirnos en Facebook como Culto Bar, puedes ver nuestros vídeos en el canal de Youtube ‘Culto Sociedad de la Buena Música’, en Instagram como @culto_lastarrias y puedes visitarnos en www.cultobar.cl

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EQUIPO CULTO BAR

Te esperamos en Estados Unidos #246 en barrio Lastarrias, tras el centro cultural GAM.

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Moonrise Kingdom: VIVIR LA INFANCIA A TRAVÉS DE UN FILTRO POLAROID

La particularidad visual de Wes Anderson que nos atrapa en sus películas. Por Daniel Fonseca

RESEÑAS MUNDOPELÍCULAS

Wes Anderson siempre ha resaltado por su particular identidad visual. Un magnifico uso del color que dota de vida y movimiento todos los planos que conforman su filmografía. Sería necio hablar del cine de Wes Anderson -y de una de sus películas más emblemáticas- sin hablar de su tratamiento de la luz, el color, la geometría y la posición de la cámara. Pero centrarse solamente en la delicia visual que es Moonrise Kingdom es perderse de una de las declaraciones de amor al cine más hermosas de los últimos años.

Wes Anderson deconstruye los elementos básicos del lenguaje cinematográfico para llamar la atención sobre los propios elementos de su película. Cuando oímos música no oímos solo música sino la explicación de como funciona una orquesta sinfónica. Cuando vemos efectos especiales los vemos como si fueran los de una obra de teatro y no como los de una mega producción con mucho CGI. Otro elemento que resalta mucho, la influencia del teatro en muchas de sus escenas, casi como si fuera una introspección del medio. Moonrise Kingdom está constantemente resaltando su naturaleza ficticia, que, en vez de romper el encanto del cine, nos sumerge más y más en un mundo hermoso y surrealista del que queremos ser parte. Vemos a grandes figuras del cine, quienes podrían robarse la escena con sus grandes dotes actorales como Bill Murray, Edward Norton, Bruce Willis, Tilda Swinton o Frances McDormand pero quienes nos encandilan son los jóve-

nes protagonistas, Suzy y Sam (Kara Hayward y Jared Gilman) quienes hasta entonces tenían una carrera actoral corta o nula. Moonrise Kingdom muestra una isla vacía de tristeza que se llena de significado a cada gesto gracias a dos niños que creen que la vida es una aventura y se niegan a perder su capacidad de amar y de maravillarse. Inocente pero que no teme mostrar problemas adultos. Melancólica pero feliz y esperanzadora. Llena de personajes tristes, pero que encuentra espacio para darles color. Donde al final, aunque las tormentas barran con los lugares que le dieron sentido a nuestra infancia siempre existirán en nuestra memoria, donde podemos volverlos llenarlos con magia.

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THREE GLASSES: CÓMO QUENTIN TARANTINO CONSTRUYE UNA SABÍAS MUNDOPELÍCULASQUÉ?

ESCENA DE SUSPENSE

astardos sin gloria es considerada por muchos como la última gran obra de Tarantino. No porque sus siguientes películas hayan sido malas –no ha hecho una sola película mala en toda su carrera- sino porque contiene todos los elementos que lo hacen tan grande. En el festival de Sundace la gente solo moría de cáncer, y entonces llegó Tarantino.

Quentin Tarantino es un buen director, pero es un guionista brillante y lo que más resalta en esta película es su capacidad para crear y mantener tensión.

Los alemanes, en cambio, utilizan los dedos así

Pongámonos en contexto. Hugo von Hammersmark y Til Schweiger están en un bar haciéndose pasar por Nazis. De pronto aparece el mayor Dieter Hellstrom de la Gestapo, quien por el acento de estos descubre que son impostores. Mantienen una tensa conversación banal que parece un juego de póker en que todos intentan descubrir la mano del otro al mismo tiempo que ocultan la suya hasta que llega ese fatídico momento en que todo se va al garete. Ordenan whiskey y Hicox (que era británico) pide haciendo el particular gesto con las manos, sin saber que los alemanes utilizan uno completamente diferente. Eso basta para desatar un tiroteo que acaba con la vida de los presentes. Hellstrom al igual que Hans Landa es el motor narrativo de las escenas en que están presentes. Convierten algo tan mundano como pedir un vaso de leche o jugar un juego de adivinanzas, hablar sobre crema batida o zapatos en una amenaza a punto de

Los españoles, para decir “1, 2 y 3” utilizamos los dedos así

materializarse absorbiendo toda la atención del público con su carisma. Nos llama la atención sus referencias, pero lo que hace sus películas tan diferentes del resto es su uso del subtexto. En sus cinco consejos para escribir un guión recomienda escribir como la gente habla. Cuando oímos a sus personajes hacer cumplidos, hablar de hamburguesas, chistes sobre tomates, sexo oral, masajes de pies, o una canción de Madona los oímos amenazar, forjar amistades, romances o exponer que clase de personas son. Así es como Tarantino construye una escena y es justo eso lo que lo hace tan grande.

MUNDOPELÍCULAS

Por Daniel Fonseca

Juan Cano y su preparación para “La Isla de los Pingüinos”

CINE MUNDOPELÍCULAS CHILENO

EL ACTOR NOS CUENTA SOBRE SU TRABAJO ACTORAL Y EL PARECIDO QUE TIENE CON SU PERSONAJE, PAREDES.

YO ENCUENTRO MUY BONITO QUE EN ESTA PELÍCULA, LA REVOLUCIÓN PINGÜINA ES UNA EXCUSA PARA HABLAR DE LA ADOLESCENCIA.

uan Cano (27 años) es un actor chileno oriundo de Quillota, Quinta Región. Estudió teatro durante 4 años, al salir se dio cuenta que tenía una fascinación por el cine. Participó en muchos cortometrajes. Salió a la luz en la película Las Plantas de Roberto Doris que se grabó en 2013 y se estrenó en 2016. Posteriormente, filmó La Isla de los Pingüinos que se estrenó este año y sigue en cartelera. Entre medio de estos trabajos, estuvo en series y teleseries, en los que se incluyen Taller de Vídeo que aún no logra ver la luz y 12 días en un capítulo llamado ‘Informe Valech’.

¿Cómo fue el llamado para participar en La isla de los pingüinos? No tenía idea que se filmaría esta película. Me etiquetaron en una foto de casting y ahí mande mail. Yo había filmado hace poco un cortometraje en la Universidad Católica que tuvo mucho éxito, y el cual se trataba de un centro de alumnos con una estética tipo House of Cards. Entonces dentro del mail mandé esta información con el corto, diciendo que yo quedaba perfecto para el personaje en el que participé finalmente en la película. Cuéntanos un poco sobre tu personaje. Paredes me llamo la atención, ya que en su descripción tridimensional era alguien que tenía finalmente buenas intenciones. Él es un chico que

Mi personaje es el más ambicioso de la película, a él no le importa por lo que tenga que pasar, a sus 18 años sólo quiere ser presidente de Chile. Finalmente se termina por ver un personaje avasallador y siniestro, pero también esta parte idealista que le da inocencia. Paredes es vicepresidente y en la película se deja ver la relación que tiene con la presidente del centro de alumnos. Cuéntanos sobre esta relación. Estos personajes tienen algo en común, el idealismo. Ellos representan emblemática en el movimiento estudiantil del 2006. El perfil de Laura (Rayen Montenegro) se parece mucho físicamente a una dirigente de esos años, y Paredes también se parece a un chico que participó en el movimiento. Ambos quieren justicia, cambios y calidad en la educación. Son los líderes políticos del colegio que también tuvieron un romance. A pesar de toda esta relación y de buscar el mismo objetivo, ellos son muy distintos. Laura es idealista y Paredes es ambicioso.

CINE CHILENO

Juan Cano (27 años) es un actor chileno oriundo de Quillota, Quinta Región. Estudió teatro durante 4 años, al salir se dio cuenta que tenía una fascinación por el cine. Participó en muchos cortometrajes. Salió a la luz en la película Las Plantas de Roberto Doris que se grabó en 2013 y se estrenó en 2016. Posteriormente, filmó La Isla de los Pingüinos que se estrenó este año y sigue en cartelera. Entre medio de estos trabajos, estuvo en series y teleseries, en los que se incluyen Taller de Vídeo que aún no logra ver la luz y 12 días en un capítulo llamado ‘Informe Valech’.

estudia, muy mateo, perfeccionista, es político y milita en el partido comunista. Él está inhibido por los papás, que quieren que estudie una carrera tradicional como leyes, medicina, ingeniería, etc. Mientras que Paredes solo quiere ser político porque siente que puede aportar y realizar un verdadero cambio para el país. Por otro lado en la película vemos a su hermano, un punky con el que no tiene relación. Pero debido a la represión que le hacen sus padres, terminan por tapar su esencia revolucionaria e idealista.

MUNDOPELÍCULAS

Entrevista: Benjamín Scott Fotografías: Paola Gárate Espinoza. Lugar: Culto Bar, Estados Unidos #246, Santiago.

EN MI OPINIÓN LA ADOLESCENCIA ES UN MOMENTO HERMOSO EN LAS ETAPAS DE LA VIDA. LA GENTE ES MUY AUTENTICA Y DEJA LAS EMOCIONES FLUIR.

¿Qué importancia política y social crees que tuvo el movimiento estudiantil? Que se refleje en la película La Isla de los Pingüinos. Encuentro muy bonito que en esta película, la revolución pingüina es una excusa para hablar de la adolescencia, de lo que es ser una persona con ideales y sueños. Te muestra arquetipos de diversos jóvenes que fueron parte de la revolución.

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CINE CHILENO

En mi opinión, la adolescencia es una etapa hermosa de la vida. La gente es muy auténtica y deja las emociones fluir. Si quieres ser músico, lo dices con convicción aunque te tires a tus padres encima. Yo creo que a través de eso, la película refleja la revolución.

Esto ocurrió en Chile porque somos un país desigual. La gente debe desembolsar mucho dinero para sobrevivir, tanto en salud, educación y una lista de muchas cosas. Estos jóvenes pasan de los años 90s al 2000, y se dan cuenta de que siguen siendo estafados. Es cosa de mirar otros países donde en realidad hay democracia. La película muestra la revolución pingüina desde los pingüinos siendo adolescentes y no siendo políticos. ¿Cómo fue el proceso de filmación de la película? Yo llegué a la película por el casting. Ahí los conocí a todos y nos hicimos muy amigos. La mayoría somos de la misma generación, entonces teníamos los mismos gustos de cine y música.

Este film es de bajo presupuesto. Hicieron un Crowdfunding para poder pagarle a los actores, siendo incluso, los protagonistas, los únicos que recibieron pago. Creo que eso da a entender que hay un ánimo por hacer cine y que hay interés por las buenas ideas. La producción fue la raja, por lo menos para mí. Mi novia fue la productora general, y me contó que hubieron muchos problemas de los que yo no me di cuenta. Estábamos todos embobados por la idea de hacer una película sobre la revolución pingüina. En cuanto a lo que es actuar, estar frente a la cámara y darlo todo, fue maravilloso. La gente se entregó al máximo. Lo que paso detrás de cámara, nosotros no nos dimos cuenta. Allí todos remábamos por la idea. ¿Cómo fue el proceso de preparación de tu personaje? Pensé que tenía solo un mes para ver el personaje. Paredes tiene muchas cosas de mí; es serio, el pesado de la familia, e incluso, el egocéntrico. Entonces por ese lado fue genial. Otra cosa que te entrega el ser actor, es que nadie quiere que seas actor, entonces vas en contra de todo. Y eso tengo yo con Paredes. El resto fue ver todos los documentales de la revolución pingüina. Me interesaba ver como se comportaban con la opinión pública, los profesores y sus compañeros. En ese momento yo estaba obsesionado con House of Card y Game of Thrones, entonces decidí actuar como si me jugara la vida por ser un político. Todo esto con un objetivo ambicioso de mi parte como actor, de que me llamaran de una producción con tono épico, con miradas duras y trabajo de texto pero a la vez ser orgánico. ¿Por qué la gente no debería perderse la Isla de los Pinguinos? Cuando yo era pequeño me enseñaban que Chile no tenía identidad. Pero mirando la historia de nuestro país, la revolución pingüina es muy importante. Por lo mismo yo me la jugué por estar en la película. Chile es un país donde la mayoría de las cosas funcionan mal. La gente no está contenta con su estilo de vida, trabajos y derechos, porque viven para trabajar y pagar sus deudas.

Yo siento que esta película te lleva a ese lugar donde dices: “No quiero esto y voy a luchar por hacer lo que yo quiero.” Es muy político pero también más allá: El hacer algo que te guste. A mí me caló muy hondo cuando vi que mis compañeros de colegio decidieron tomar otro camino. Un amigo maestro para la guitarra que decidió estudiar prevención de riesgo, un baterista que estudió medicina, uno que pintaba murales que fue ingeniero en minas… Hicieron de su pasión un hobbie. Esta película te lleva a ese lado auténtico de la adolescencia. Yo fui parte de la revolución del 2012, y siento que la revolución del 2006 abrió ésto de quejarse de las cosas y el camino para protestar por lo que queremos. ¿Cómo esperas que la gente reciba la película? Muy bien. La película permite que la gente que es reacia al cine chileno, se integre. Lucas Espinoza, el protagonista de la cinta, atrae a un público mucho más masivo y variado. Eso le permite a la película abarcar más público. Puede llegar a gente que disfruta el cine arte pero también a ese público que le gustan las películas de taquilla gringa. Anécdota del casting… Yo pensaba que los directores se iban a la segura y querían que el actor se pareciera al personaje, entonces actué de esa forma. Llevé una libreta para anotar mis cosas, mi propio maquillaje, entonces Paulina Morena y el director quedaron impactados mirando ese detalle. Los mire y les dije: “Es que Brad Pitt cuando empezó llevaba su propio maquillaje.” Cuando salgo estaba Rafael de la Reguera con Juan Maldonado. Salí con mucha energía y ellos esperaban para hacer casting por el mismo personaje, y yo sin conocerlos les digo: “¿Qué hacen acá? Váyanse. Yo lo hice maravilloso. Váyanse para la casa.” Fue ahí cuando con Rafa generamos una rivalidad que nos sigue hasta el día de hoy.

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RAFAEL DE LA REGUERA NOS HABLA SOBRE SU PASIÓN ACTORAL

EL ACTOR CHILENO NOS CUENTA COMO DECIDIÓ CONVERTIRSE EN ACTOR Y ADEMÁS NOS HABLA SOBRE SUS PROFUNDOS PROCESOS DE LA PREPARACIÓN DE SUS PERSONAJES

Entrevista: Benjamín Scott Fotografías: Paola Gárate Espinoza. Lugar: Culto Bar, Estados Unidos #246, Santiago.

Rafael de la Reguera (29 años), nació en Santiago. Por parte de su padre, son artistas marciales y, por parte de madre, son todos artistas que van desde el canto al teatro.

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ENTREVISTAS

¿Cómo nace tu pasión por la actuación?

Al principio yo quería estudiar algo relacionado con la salud. Fui bombero durante 5 años y me gustaba mucho el área de urgencias. Por parte de mi madre descubrí que me gustaba mucho la vida de mi abuelo y bis abuelos, que fueron actores. En la casa encontré obras escritas por mi bis abuelo y cuando leí eso, quedé boquiabierto. Adicional, en el año 2013, fui a ver una obra de teatro que se llama Pincho Disney, dirigida por Claudio Santana, y ahí fue cuando no quise separarme más de la actuación y lo estudié. ¿Cuál fue tu primer papel actoral? Fue un personaje muy pequeño, casi como árbol (entre risas). Un telefilme para Chilevisión que se llamaba Maldito corazón, que salió mucho tiempo después. Mi personaje era un estudiante de teatro. Fue mi primera experiencia frente a cámara de manera profesional.

¿Tienes algún filtro para elegir personajes? Sí. Más que filtro, se conlleva al texto y a lo que quiere decir el director. Hay proyectos en los que no me interesa actuar porque el personaje carece de profundidad, y eso lo viene a crear el guionista en conjunto con el director que generalmente son la misma persona. Si es algo burdo y sin profundidad, no lo hago. ¿En qué proyectos te encuentras actualmente? Estoy en producción y dirección teatral en una compañía musical de teatro infantil que se llama Volantín. Tenemos una obra que se llama ‘Volantín se va de viaje’, y trabajamos también en nuestra próxima obra que se llama ‘Despierta bello barrio’ que tiene que ver con la inmigración. El objetivo de Volantín es entregar el folclore latinoamericano a los niños de manera lúdica. Estoy actuando en una obra de teatro que se llama calidoscopio quebrado que esperamos vea la luz en octubre. Finalmente, estoy preparando una postulación a FONDART sobre un proyecto que me tiene muy motivado pero del cual no puedo hablar mucho. Actualmente, en cartelera está La Isla de los Pingüinos y del 12 al 17 de junio pueden ver ‘La cotidianidad del ser’; un cortometraje en el que participé y que se presenta en Amor Festival Internacional de Cine LGBT+. También grabé ‘El gusto de la sangre’ de Jaime McManus donde soy brutalmente golpeado.

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INTENTO TOMAR RASGOS DE TRASTORNOS PSICOLÓGICOS Y APLICARLOS A MIS PERSONAJES.

Te hemos visto haciendo papeles de “malo”, incluso de Nazi ¿Cómo son tus preparaciones para este tipo de personajes? Todos los personajes tienen una preparación distinta. Ninguno se prepara de igual forma, pero para todos siempre tomo el DSM4, que es un manual de disturbios y trastornos que usan los psiquiatras y psicólogos, del cual intento tomar rasgos de estos trastornos para aplicarlos a mis personajes. Aparte, genero muchas capas. La cebolla es fundamental, porque uno ve a mi personaje nazi en la serie El Reemplazante como alguien muy agresivo, yo lo veo de otra forma: Primero no lo juzgo, y segundo lo veo como un niño carente de amor, que no tiene imagen paterna ni materna, tiene una madre pero que trabaja todo el día y que finalmente toma malas decisiones... Como nosotros cuando éramos niños fuimos raperos, góticos, etc. Por ejemplo, en esta serie hasta el personaje de Michael tenía amor, pero él no y por eso reacciona con rabia, no tiene otra forma de reaccionar. ¿Cuál de tus personajes ha sido el más complejo?

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ENTREVISTAS

Yo creo que todos son complejos, pero estoy entre dos: El del Reemplazante, porque fue mi gran primera producción y donde recién entendí el

ritmo de grabar, del capítulo 4 al 1, luego al 7... Saltos no-cronológicos que fueron complejos; Tuve que hacerme un mapa para entender en qué estado estaba mi personaje para saber cómo debía actuar. También me costó mucho mi personaje en la película Crisis, que si bien aparecía poco, tenía una carga muy potente. Entonces mi preparación siempre fue fuera del set, porque cuando aparecía, tenía que tener un peso muy grande. Willy Semler me ayudó mucho porque fue muy pesado, y entonces me iba cargando. Era un amor con todos pero conmigo no y eso me ayudó mucho. Sobre La Isla de los Pingüinos ¿Qué fue lo que te llamó la atención para aparecer en la película? Primero yo ya conocía al director Guille Söhrens porque trabajamos en “El Último Lonco”. Ahí, hice un personaje antagónico y desde ese entonces, generamos una amistad. Siempre me gustó su visión de ver el cine. Yo fui al casting para Paredes, pero quedó Juan Cano. Guille me escribió para ser el primo de Paredes, un personaje oscuro donde probablemente me vuelvan a odiar en pantalla. Mi gran reto fue hacer un personaje completamente diferente a Gerardo Munizaga (El Reemplazante).

Martín Pizarro y Rafael de la Reguera

Entrevista: Benjamín Scott y Paola Gárate Espinoza Fotografías: Paola Gárate Espinoza. Lugar: Culto Bar, Estados Unidos #246, Santiago.

¿Cómo nace el proyecto de video danza? Martín Pizarro: Éste es un proyecto de video danza que hicimos gracias a “Bestias Danzantes”, un festival de video danza chileno, que gané el año pasado junto a la actriz Paulina Moreno. Esto se dio gracias a un video que hicimos, que nos otorgó como premio, una residencia en Espacio Checoslovaquia. Ese fue nuestro pie forzado para hacer un video que mezclara el cine, el teatro y la danza. Pensando, llegué a Rafael de la Reguera porque es bailarín, hace teatro y cine.

Rafael de la Reguera: Yo también soy docente, hago clases de expresión corporal y actuación. Entonces, el mal llamado teatro físico, calzaba con la visión de Martín. Martín: Es algo improvisado. Tiene que ver mucho con como yo quiero perfilarme como artista, como director fantástico, y darle este realismo mágico a la misma realidad. Naturalizar la fantasía. Con Rafa tratamos de hacer algo con un hombre que pierde la imaginación, que se frustra y debe encontrarla. Entonces la encuentra por medio del baile. Me pareció atractiva la oportunidad de hacer vídeo danza, fue algo nuevo y mezclar el formato me pareció muy atractivo y positivo. Es algo que te incentiva a hacer arte.

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EL DIRECTOR Y EL ACTOR NOS CUENTAN SOBRE EL PROCESO Y EL TRABAJO DE MEZCLAR VARIAS DISCIPLINAS PARA CONSEGUIR UN RESULTADO.

ENTREVISTAS

NOS CUENTAN SOBRE INCURSIÓN EN EL VÍDEO DANZA.

LA MEZCLA DE COSAS HACE EL PRODUCTO INTERESANTE.

Rafael: Bestias Danzantes y Espacio Checoslovaquia se portaron muy bien. Yo banco mucho la visión de este festival que entrega un espacio multidisciplinario en el que te permiten, como artista, experimentar desde distintas visiones y áreas que nunca crees que se mezclarán. Yo mezclé el karate, la danza butoh y la danza contemporánea, y fue extraño, pero trajo muchos resultados. Martín: Yo creo que es vanguardista. Es un formato no muy conocido pero atractivo. Es cine, pero es danza, pero también es teatro. Es una mezcla muy particular. Rafael: Éstos son los nuevos lenguajes que empiezan a florecer en muchas áreas. Lo digital hoy en día se mete en todo.

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Martín: Todo es más democrático. Puedes hacerlo con tu cámara, y así lo hicimos nosotros. Mezclamos todo. Como dice Rafa; mezclas lo digital y todo se hace posible. La mezcla de cosas hace el producto interesante.

Rafael: Cuando Martín me presenta esta historia de un joven frustrado que no encuentra la imaginación, que está perdida por ahí y debe encontrarla por medio de la danza, pero que también pasa por distintos lugares, me pareció demasiado interesante y quise hacerlo. Martín: Es experimental. La manera de narrarlo y todo. Experimentar para encontrar algo bueno. Rafael: Uno no sabe si llegará a buen puerto, pero en el proceso hubo algo que te deja tomar un camino. No le das un juicio valórico, pero el proceso te atribuye algo positivo. Hoy en día por ejemplo, el teatro post dramático abarca más al proceso que al resultado. ¿Cómo sienten que crecieron a medida que iban encontrando este nuevo formato?

Martín: Yo descubrí y encontré satisfacción en algo nuevo que mezclaba estas tres cosas. Esa mezcla me hizo ver el video de una manera más nueva. Ese fue mi proceso, descubrir el formato desde adentro. Nosotros planteamos el video desde la danza y el movimiento. Rafael: Para mí, como interprete, fue un proceso complejo. Yo soy súper estructurado, estudioso y siempre llego con ideas en la cabeza. Cuando hago un papel, llego con propuestas para ver cómo hacer el personaje. No soy muy amigo de la improvisación, entonces llegué bloqueado y tuve que tomarlo como un desafío. El trabajo con Martín al principio fue más complejo, pero fuimos jugando hasta que nos soltamos. Era una mezcla de todo. Hicimos ésto en dos días. Las tres primeras horas ya estabas entregado, entonces podías jugar más y salían propuestas de movimiento que ayudaban. Yo no he visto el resultado, pero imagino que es algo bello. Un cuerpo no estilizado ni programado, creo que es algo natural que aportará la fantasía. Martín: El formato video danza es algo que se debe descubrir. Yo he visto grandes videos sobre esto, pero nadie los ve. ¿Qué creen que el espectador verá en su vídeo danza? Martín: Verán una mezcla. Es ver una obra de danza, montada con una música y sonido cinematográfico. También verán a alguien que actúa y llega a un punto dramático específico.

Es la mezcla lo que se hace todo interesante. ¿Pretenden seguir trabajando en este tipo de propuestas? Rafael: Si Martín me llama, yo feliz. Martín: A pesar de que me gustó mucho la experimentación, de momento prefiero seguir con la ficción, pero no me cierro a la posibilidad de que si más adelante se me ocurre algo, es seguro que lo haremos.

ÉSTOS SON LOS NUEVOS LENGUAJES QUE EMPIEZAN A FLORECES EN MUCHAS ÁREAS.

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SABINA OJEDA PRESENTA SU PROYECTO COMO SOLISTA

“ME & THE ALIENS” Por Benjamín Scott

a chilena Sabina Ojeda tiene 33 años. Es médico de profesión y se desenvuelve como actriz y músico de oficio.

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MÚSICOS

“En general en mi vida he sentido gran atracción por el arte. Desde chica pintaba, aprendí óleo antes de los 8 años, estudié violín, hice gimnasia, ballet y patinaje artístico, lo que decidí dejar una vez que entré a medicina. Con el tiempo sucedió que me era cada vez más difícil dedicar mis días a estar sentada estudiando y aparecieron de forma muy fuerte las ganas de crear.”

Cuando terminó medicina comenzó en su búsqueda de la felicidad: “Quería encontrar algo que me permitiera expresar las cosas que tenía dentro. Llegué por amigas al modelaje, eso me llevó a estudiar algo de cine y teatro. Luego de un par de años decidí irme a Nueva York a estudiar actuación para cine donde también participe en una performance vocal, esa fué mi primera aproximación real al canto. En ese momento surgió también la motivación de realizar videos por lo que cuando llegue a Chile me inscribí para estudiar canto y producción musical con la idea de poder musicalizar mis propios videos.” A los 5 meses de esos sucesos, surgieron sus primeros temas, Human y New York de forma bien espontánea e inesperada, y entonces decidió comenzar este proyecto musical. ¿De dónde nace el nombre y la idea de Me & The Aliens? Siempre me he sentido un poco ex-

traterrestre o fuera de lugar con esa sensación constante de que no calzo en ningún sitio y de que mis ideas y creencias son muy diferentes a la mayoría de la gente. Siento que esta vida ha sido una constante búsqueda por saber quién soy, de dónde venimos y de qué realmente formamos parte. A pesar de considerarme una persona solitaria nunca me he sentido sola. Siento una guía y protección muy fuerte de maestros y seres de luz que nos acompañan en este paso por la tierra y es a ellos a quienes me refiero con el nombre de aliens en este proyecto, y no solo los siento mis guías, cada vez más siento que son mi principal inspiración.

Fotografía de Jaime Castro

SOBRE EL EP DE ME & THE ALIENS

La razón más poderosa que me llevó a desarrollar este proyecto, fue el sentir una necesidad muy grande por sacar afuera y querer compartir cosas, pensamientos, vivencias y emociones desde un lugar íntimo y real. Lo más importante que siento tuve que hacer en este proceso fue conocerme y aceptarme tal cual soy. Aceptar mi historia, mis pensamientos, mis vivencias, mis sentimientos porque fue desde esos lugares que comencé a escribir. En este proceso viví un reencuentro muy potente con mi lado femenino, comprendí que era ese lado, esa energía, la más necesitada de hablar, la que por más tiempo había estado reprimida y que cuando la dejé salir me sorprendieron cosas muy bonitas. Comencé a hablar desde la intuición, desde la sensibilidad, desde la fragilidad, sin apariencias, sin miedos, solo desde mi verdad, y eso es lo que hoy todos pueden escuchar.

Hasta ahora, tanto en mi primer single como en el EP, he partido desde la composición de las letras para luego colocarles melodías. Cada canción nació de procesos diferentes pero muy íntimos. Todas tienen que ver con una parte de mí, algunas desde un mundo más fantástico como Aliens Love the Beach y otras desde vivencias muy fuertes como A Waltz for a Cat o Horses in The Sky. Para las melodías uso muchísima intuición, muchas veces no tengo idea de lo que estoy haciendo hasta que la canción ya tiene una forma y entonces me sorprende.

Cuéntanos sobre el proceso de creación de las canciones

¿Cuál fue la inspiración para crear estás canciones? Creo que las canciones de este disco son el resultado de una transformación positiva de vivencias y emociones que me han marcado en esta vida. Me inspira tanto este planeta como el universo entero y todo lo que nos puede suceder y podemos sentir en estos espacios. Hay canciones como The Lovers o Human que están inspiradas en el amor humano y otras como Horses in the Sky o A Waltz for a Cat que retratan lo hermosa que puede ser la transición del alma desde un plano a otro y lo que sentimos quienes nos quedamos acá. Cuéntanos sobre el lanzamiento de ti vídeo clip.

QUERÍA ENCONTRAR ALGO QUE ME PERMITIERA EXPRESAR LAS COSAS QUE TENÍA DENTRO.

El video es de la canción New York que es una carta de amor hacia esta ciudad. Ahí tuve la posibilidad de liberarme de cosas muy negativas que me estaban pasando en ese momento y me empape de arte, fue el inicio de todo lo que estoy viviendo ahora. Sin embargo, para mi hoy día esta canción representa el amor hacia ese espacio de paz e inspiración que sabes muchos buscamos y que muchas veces no es fácil de encontrar. El proceso de este video fue un poco largo porque al mismo tiempo seguía trabajando en el EP. Al final de todo decidí dejar esta canción fuera del EP porque los proceso de grabación, mezcla y masterización fueron diferentes. NY fue hecha de principio a fin en un home studio.

Háblanos sobre el trabajo artístico y la puesta en escena del vídeo clip New York. El video está inspirado en un arte retro-futurista, tiene mucho brillo, lentejuelas y elementos que buscan recrear un espacio onírico. El arte y el guion lo hice yo, quería que fuese súper fiel a lo que deseaba expresar. El video retrata la ilusión de estar arriba de un escenario y cómo ese momento nos impacta y nos desnuda ante el público. La mayor parte del video sucede en los segundos antes de empezar a cantar donde podemos visualizar todos nuestros sueños hechos realidad. ¿Cómo esperas que la gente reciba tu trabajo? Me gustaría que la gente lo reciba con ganas de tener un viaje emocional cargado de imágenes y sensaciones. Me preocupo mucho de que la atmósfera que acompaña mis letras guíe a espacios y pensamientos positivos sin salirse del marco del pop. Me gustaría que las personas se cuestionen los temas de los que están hechos las canciones, que las mentes de los humanos se abran y haya mayor naturalidad para hablar de temas como la muerte, el dolor y sobre los aliens sin ser vistos como algo negativo o fantástico. ¿En qué te inspiras para crear tu música? Me inspira la paz, ese es mi gran anhelo, por lo que trato de que la canción sea un instrumento de transformación de cualquier emoción, vivencia o creencia en luz. Busco la forma de exponer las ideas desde una perspectiva más universal o a veces simplificar ideas y conceptos que siento se han deformado en la sociedad y nos han hecho daño. Aparte de la música, eres actriz ¿Cómo mezclas ambas pasiones? Siento que están presentes todo el tiempo. El ser actriz me ayuda mucho en el desarrollo de mis videos tanto para poder predecir cómo van a resultar las imágenes en las que yo estaré presente como para poder comunicarme con el resto del equipo desde un lenguaje en común. Actualmente estoy full dedicada a la música y no estoy actuando en cosas que no tengan que ver con este proyecto, pero no me cierro a esa posibilidad.

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¿Cuéntanos un poco sobre el proceso de creación de tu música que termina definiendo un concepto de pop con un lado femenino?

¿Por qué razón utilizaste la puesta en escena que tienes? No hay una razón planificada, me dejo llevar por lo que siento en cada momento y lo que me inspira cada canción. Me gusta crear atmósferas diferentes, enriquecer la música con imágenes. Me gusta trabajar con la estética y aplicarla en todas las formas que tiene este proyecto, pero no es algo fijo, más bien puede ir mutando junto conmigo de acuerdo a lo que vaya sintiendo y a lo que vaya sucediendo. ¿Tienes alguna influencia? ¿Cuáles son? Tengo muchas! Musicalmente te puedo decir Chromatics, Beach House, Björk, Soko, Tennis, Mazzy Star, Easter, etc, pero también películas o series como E.T, Twin Peaks o Star Trek y diseñadores como Alessandro Michele, director creativo de Gucci. Respecto a tu música, tu concepto y ser mujer ¿Qué opinas de la escena musical actual desde el lado femenino y la revolución feminista que vivimos hoy en día?

SIEMPRE ME HE SENTIDO UN POCO EXTRATERRESTRE O FUERA DE LUGAR CON ESA SENSACIÓN CONSTANTE DE QUE NO CALZO EN NINGÚN SITIO. Fotografía de Paf Carvajal

Me parece lo mejor, presenciar lo que está pasando en el mundo con la revolución feminista es emocionante, y más aun siendo mujer. Hemos sido tan abusadas y reprimidas que parecía que estos tiempos nunca iban a llegar. Pero están pasando y se están generando cambios y me siento privilegiada de poder vivirlo. Nina Simone dijo una vez “Un artista no es tal si no refleja la realidad en la que vive” y eso me hace mucho sentido en este momento, creo que es imposible como

artista no ser tocada por este movimiento y que nuestras obras no reciban este impacto. Actualmente podemos encontrar a Me & The Aliens en plataformas de streaming como: Spotify, Youtube, Apple Music, Google Play, Deezer, Tidal, etc.

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Me & The Aliens espera presentarse pronto en vivo: Espero que eso se haga realidad para fines de este año o principios del próximo.”

HEMOS SIDO TAN ABUSADAS Y REPRIMIDAS QUE PARECÍA QUE ESTOS TIEMPOS NUNCA IBAN A LLEGAR. Fotografía de Jaime Castro

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STALKER La autopsia de un

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RECOMENDADOS

DIOS

“El tiempo es una condición vinculada a la existencia de nuestro «yo». Es el ambiente que nos alimenta y muere cuando se desgarra el vínculo entre la existencia y condición de la existencia, cuando muere el individuo y con él también el tiempo individual. Eso significa también que la vida muerta pasa a ser inaccesible para los sentimientos de los que permanecen vivos; para ellos está muerta.” ANDREI TARKOVKI, ESCULPIR EN EL TIEMPO.

Por Daniel Fonseca

Stalker, al igual que todas las películas de la filmografía de Tarkovski, es una exploración de la vida interna de sus personajes. El mejor lugar para explorar esto es La Zona, un lugar completamente vacío y silencioso donde los protagonistas pueden verse reflejados ante la nada. La Zona, un elemento de ciencia ficción, nació por el impacto de un meteorito o por ser los vestigios de una civilización alienígena avanzada. Pero es más que eso, La Zona es donde un dios se desplomó muerto y donde las almas atormentadas van en busca de un milagro. Ese dios recupera la vida dándole vida a todo lo que hay a su alrededor. La ciudad, contaminada, oscura y lúgubre con su ruido de autos y trenes; el humo de las chimeneas atómicas que se alza hasta un cielo pálido. La ciudad está muerta y mata todo lo que en ella habita. Mata la fe de sus habitantes. Mata a dios. La zona es la síntesis de las obsesiones de Tarkovski. Sus planos largos representan a la naturaleza como algo balsámico para sus personajes, un templo que da refugio a quien sufre. En contraposición al sepia de la ciudad, La Zona está llena de verde y azul. Resuma vida, aunque

no la podamos ver. Un lugar místico y peligroso que cambia constantemente como reflejo de la mente de quien la visita. Aquellos que la visitan van en busca de La Habitación, un lugar donde se cumplen los deseos. Pero no cualquier deseo sino aquellos deseos más íntimos del corazón. Quienes entren a La Habitación pueden creer que desean una cosa, pero La Zona no perdona y desnuda el alma de aquellos que la buscan. En la Zona los visitantes tienen una conversación consigo mismos, en La Habitación una conversación con Dios. Y descubrir los deseos más profundos de nuestro ser puede ser tan trágico como maravilloso. Aquellos que entran buscando redención pueden descubrir que sus deseos no son más que riquezas materiales y verse perseguidos por la realidad de su naturaleza egoísta hasta caer en la locura. Los stalkers son los encargados de conducir a los visitantes hasta su destino. Son quienes sortean los peligros mortales de La Zona, seres de otro mundo que jamás usan La Habitación pues su mayor deseo no es más que los visitantes alcancen por medio de la fe el autodescubrimiento de sí mismo reflejados en sus deseos, que recuperen sus proyecciones y las hagan suyas. Una mezcla entre guía espiritual y loco iluminado. Un ente nacido del cuerpo de dios.

taba. Para él, el cine no es una concatenación de hechos lineales sino un mosaico hecho en el tiempo. Stalker, una película de belleza apabullante, planos largos y ritmo lento, busca responder a las preguntas más profundas sobre la verdad de la naturaleza humana o, sino, enfrentarlo ante estas interrogantes. La grabación de la película fue un tormento, ya que los negativos originales se quemaron y se vieron obligados a grabar de nuevo. El lugar que representa a La Zona estaba altamente contaminado, al igual que Chernóbil, y la exposición constante fue lo que provocó el cáncer de pulmón que termino con su vida el año del accidente. Así fue como murió un poeta del cine, fruto de su mejor obra: Una de las mejores películas de la historia del cine europeo.

ES UNA EXPLORACIÓN DE LA VIDA INTERNA DE SUS PERSONAJES.

Tarkovski utiliza una trama de ciencia ficción (género que no le gustaba para nada) para explorar todo lo que a él, como cristiano ortodoxo, le inquie-

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El accidente de Chernóbil ocurrió en 1986. Los daños causados por la falla dejaron toda la zona inevitable debido a los altos niveles de radiación. Desde entonces, Chernóbil se ha vuelto tierra de nadie. Un limbo evitado por la mayoría en que la naturaleza, que se resiste a morir, se ha abierto paso en la jungla de concreto que antaño fungió como el lugar que generaba energía para la región. Sus calles vacías, sus lagos burbujeantes y tóxicos, la niebla que cubre el pueblo han dotado de misticismo lo que la comunidad científica internacional llamó “zona de alienación”. Muchas personas han entrado para no volver a ser vistas jamás, pero la búsqueda de los misterios enterrados en la maleza es más seductora que el miedo a perderse para siempre en aquel purgatorio verde y gris. Quienes guían a los aventureros a adentrarse en la zona se han autodenominado “stalkers”, acechadores. El término se tomó de la película de 1979, Stalker, considerada por muchos la mejor obra del director soviético más importante desde Einsentein: Andreí Tarkovski.

RESEÑA DEL LIBRO

EL FINAL DEL SENDERO,

MUNDOPELÍCULAS

LITERATURA

DE CAROLINA BROWN

CAROLINA BROWN

Autora de “El Final del Sendero”

Por Juan Pablo Sáez

La naciente pero férrea amistad entre dos mujeres de treinta y tantos años, Simo y Jota, es puesta a prueba por una situación límite que desconocemos. Ése es el nudo de la historia que nos presenta la escritora nacional Carolina Brown en su primera novela, El Final del Sendero. Simo (diminutivo de su verdadero nombre, Simona) es una laboratorista que vive sola en un departamento de Providencia, en Santiago, y que tiene por hobby correr. Un día se topa con una mujer, Jota, que está sentada en una cuneta a las afueras de un supermercado, llorando sus penas. La soledad autoimpuesta de Simo, por una parte, y la necesidad de contención que expresa Jota, por la otra, acerca a ambas mujeres quienes desarrollan en un corto periodo una gran amistad. El personaje de Jota es el ente catalizador de esta historia pues despierta en Simo una serie de recuerdos que van dibujando el carácter y la compleja personalidad de esta última. La narradora es, en efecto, un personaje marcado a fuego por la ausencia de tres personas que estructuraron su infancia y su adolescencia: el padre, objeto de admiración y gran protector, la madre, una mujer disfuncional, y Lucy, una amiga del colegio, mezcla de heroína de su adolescencia y amor platónico. La aparición de Jota, y por extensión la entrada en la historia de un perro que es adoptado por ambas, infunde en Simo la esperanza de una reconstrucción de la vida familiar y el fin de la soledad autoimpuesta. Jota se transforma así, a ojos de Simo, en el único camino de redención; la vía que le permitirá dejar atrás las ausencias que marcaron su amargo pasado y reconstruir su vida desde cero. Sin embargo, esta esperanza se ve empañada por un incidente que pone en entredicho los lazos aparentemente fuertes entre ambas amigas. Dicho incidente funciona en la novela como un verdadero punto de inflexión o de no retorno.

Uno de los grandes logros de la primera novela de Brown es que expone, sin aspavientos ni recursos maniqueos, la fragilidad que caracteriza a las relaciones interpersonales en el mundo de hoy, en especial aquellas que se desarrollan en el plano familiar. En un pasaje de la novela, las dos mujeres conversan acerca de sus padres. Simo le pregunta a Jota de qué habla con su mamá. Ella responde: “De nada. Casi nunca contesta el teléfono”. Simo le pregunta por qué, a lo que Jota contesta: “Según ella, está ocupada. Cuando quiero hablarle, al final termino llamando a mi abuela”. El lenguaje minimalista de los personajes —otra de las características de la novela donde, salvo excepciones, los parlamentos de cada una de las mujeres no sobrepasan la línea— denota la imposibilidad de comunicar emociones y de paso la extrema frialdad de los personajes para referirse públicamente a relaciones familiares ya quebradas. Por ejemplo, en otra escena, Jota le cuenta a Simo que ha de-

cidido separarse de su marido. “Ahora pienso que es como si se hubiera muerto”, dice y luego agrega: “¿Se te ha muerto alguien?”. Simo le responde que sí, que hace mucho tiempo falleció alguien muy importante en su vida: se trata de su padre. Jota responde como disculpándose: “No sabía”. Simo la tranquiliza diciéndole escuetamente: “No importa, apenas me acuerdo de él”. Sin embargo, sabemos que Simo miente pues, en el relato que ella nos cuenta, sí recuerda a su padre con fervor, no sólo por ser una figura protectora durante su infancia sino por el sentimiento de culpa que ella carga respecto de su muerte. La autora configura así una protagonista compleja, de un doble estándar que se expresa en la alternancia de sus discursos: uno público, caracterizado por la indiferencia respecto de sus familiares, y otro privado, en el que manifiesta su nostalgia por el pater familias, cuya desaparición pulverizó lo que alguna vez fue su hogar. Los diálogos minimalistas de Simo chocan así permanentemente con su lenguaje detallista de narradora, que es el relato al que nosotros accedemos. El Final del Sendero es una novela que ratifica el despunte de la carrera literaria de Carolina Brown, que comenzó en 2015 con la publicación de su libro de cuentos En el agua. En estos relatos, Brown ya escarbaba, con una prosa directa y simple, en la fragilidad de las relaciones humanas y en la desarticulación de la familia como núcleo de la sociedad.

EL PERSONAJE DE JOTA ES EL ENTE CATALIZADOR DE ESTA HISTORIA PUES DESPIERTA EN SIMO UNA SERIE DE RECUERDOS QUE VAN DIBUJANDO EL CARÁCTER Y LA COMPLEJA PERSONALIDAD DE ESTA ÚLTIMA.

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L FINAL DEL SENDERO ES UNA NOVELA QUE RATIFICA EL DESPUNTE DE LA CARRERA LITERARIA DE CAROLINA BROWN, QUE COMENZÓ EN 2015 CON LA PUBLICACIÓN DE SU LIBRO CUENTOS EN EL AGUA.

JORGE YACOMAN PUBLICA SU NOVELA

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LITERATURA

“EL VESTIGIO DEL SILENCIO”

El multifacético escritor y cineasta nos habla de su nueva obra y del íntimo proceso que llevó a cabo para su creación.

Entrevista: Benjamín Scott Fotografías: Paola Gárate Espinoza. Lugar: Culto Bar, Estados Unidos #246, Santiago.

Con apenas 30 años, Jorge Yacoman ya es reconocido en la escena del cine chileno como director, guionista y productor. Tiene dos películas estrenadas y varios cortometrajes con los que ha participado en diversos festivales tanto nacionales como internacionales. Sin embargo, no ha querido quedarse únicamente como cineasta, sino que ahora nos sorprende con el primero de muchos libros que dice querer publicar, ya que reconoce que su primera pasión fue exactamente esa: Escribir.

la historia daba para más y quise profundizar en varios temas. La película estuvo en Cine en Construccion en el Festival de San Sebastián, en el Festival de Ginebra y en Chile se estrenó en el SANFIC. En salas comerciales, recién se estrenó el 2016 en conjunto con mi segunda película, “Fragmentos de Lucía”, que grabamos en Valparaíso el 2015 y que protagoniza Javiera Díaz de Valdés, Clara Otarola, Alejandro Sieveking y Pablo Schwarz. Javiera fue nominada a los Premios Caleuche como mejor actriz protagónica y Alejandro ganó el Premio Pedro Sienna a mejor actor secundario. Además de ser guionista, eres escritor. ¿Cómo nace esta pasión por la escritura? Creo que mi pasión por la escritura fue una de las primeras facetas artísticas que empecé a desarrollar desde pequeño, desde los 8-9 años. En ese entonces, creo que escribía poemas muy cursis, como cartas de amor a niñas que me gustaban y ese tipo de cosas. Después, comencé a escribir un diario, el cual inició siendo personal, pero después lo compartí con mis compañeros del colegio. Esa fue una de las cosas que más me motivo a ser escritor o a tomarme más en serio lo de escribir. Les mostraba mi diario de vida a mis amigos, donde hablaba de cosas súper íntimas, y ellos lo pasaban muy bien, se entretenían mucho leyéndolo. Eso me llamó la atención.

Mientras estaba estudiando, hice mi primer cortometraje “A través de tu reflejo”, el cual ganó el 2° lugar en el Festival Internacional de Cine de Valdivia, categoría estudiante. Luego de haberme titulado de Técnico Cinematográfico, hice mi práctica como eléctrico en la película “Carne de Perro” (2013) de Fernando Guzzoni. Después, por casi un semestre, fui asistente de dramaturgia en la escuela de Alfredo Castro en el teatro La Memoria, donde hice casi todos mis contactos con actores. Escribí mi primera película, “La comodidad en la distancia”, pensando en personajes para ellos. ¿Escribiste la película mientras estabas en la escuela? Terminé la escuela y, un mes después, empecé a escribirla. Al principio, era solo un corto como de 20 minutos, pero entonces me di cuenta de que

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¿Cómo comienza tu carrera como director y guionista?

LES MOSTRABA MI DIARIO DE VIDA A MIS AMIGOS, DONDE HABLABA DE COSAS SÚPER ÍNTIMAS, Y ELLOS LO PASABAN MUY BIEN, SE ENTRETENÍAN MUCHO LEYÉNDOLO. ESO ME LLAMÓ LA ATENCIÓN.

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El formato de escritura de guión y de novela son diferentes, ¿Cuál es tu favorito? ¿Por qué?

No sé si tenga favorito, pero el problema con los guiones es que son solo una guía para grabar, son solo una parte de algo. En cambio, un libro o una novela, son eso y ya, es todo. Creo que en la novela, uno tiene mucho más control, no depende de un rodaje, ni de una post-producción, ni actores, ni nada. Tienes el control absoluto en el libro. Todos los guiones que he escrito, siempre han estado pensados en la magia del rodaje; qué es lo que va a pasar en el rodaje, el elenco que se elija, las locaciones, el equipo, etc.

Todo aquello que influye en el trabajo que hay detrás. Pienso que el rodaje es la parte más emocional de una película, donde hay cosas que pasan de suerte —las más bonitas—, imprevistas como el clima o el mismo estado de ánimo de la gente, que confluye de una forma muy linda, y eso es algo que uno no controla, es bacán. Todo el tiempo interactúas con muchas ramas artísticas. ¿Cómo convives con ellas? ¿Cómo las desarrollas en conjunto? Me gusta alternarlas. Ahora estoy más que nada con mi segundo libro y mi próxim película. Pero antes, alternaba escribiendo varios guiones y libros a la vez, pintaba —porque también pinto un poco—, y por otro lado, también voy mucho al teatro, que es donde también me gustaría realizar algo a futuro y tengo un texto. Siempre intento inspirarme o estimular mi cabeza yendo al cine, al teatro y leyendo mucho. ¿Cómo nace la idea de escribir “El vestigio del silencio”? Fue una cosa bien técnica. Yo quería desarrollar todo este mundo que tenía en la cabeza en un libro, como con los guiones, quería tener el control

sobre lo que quería mostrar y no depender de un rodaje. En ese tiempo ni siquiera me imaginaba como director. Además, influyó mucho mi motivación por decir todas las cosas que me guardaba, ya que era muy tímido y no hablaba nada. Tenía muchas cosas que decir, así que fui como casi vomitando en el libro todo lo que me había guardado. Creo que fue principalmente por un accidente que tuve a los 18 años en donde casi muero la causa por la cual sentí que no debía guardarme cosas; pensaba que si moría me llevaría un montón de cosas a la tumba, y no, quería dejar algo. Más que por ego o por dejar mi huella, quería mostrar el cariño que le tenía a la gente, a mi familia, a mis amigos... mostrar que la gente me importaba. ¿Cuándo empezaste a escribir el libro? Cuando tenía 18 años, el 2005. Y lo terminé en el 2016. ¿Quieres continuarlo? Este libro se conecta con siete libros más que tengo, que ya están escritos, pero que aún tienen que pasar por el proceso de edición. Son varios los personajes que se repiten y, de hecho, mi próximo libro habla sobre el

Esa soledad fue totalmente vivida. El accidente que tuve me hizo pasar una depresión muy fuerte y no me sentía entendido por nadie. Estuve así como un año más o menos, aislado, escribiendo un montón y viviendo esa soledad, la misma que también he plasmado en mis películas. Y el título, “El vestigio del silencio” igualmente alude a eso; es lo que queda de las cosas que uno no dice, las cosas que no dije, las consecuencias. Esta soledad que has plasmado en tus obras, ¿la seguiremos viendo más adelante? ¿Sientes que esa es tu manera de buscar respuesta a ese sentimiento? Para mi la soledad es una forma de reconocerse a uno mismo. Sin toda esta soledad por la que pasé, jamás me hubiera conocido a mí mismo de la forma en la que ahora me conozco. Y es esa misma soledad, ese mismo espacio, el que ocupo para reconocer a otras personas. Por ejemplo, en “La comodidad en la distancia”, era reconocer la figura del hombre. Yo era súper tímido, era un niño muy sensible, como desconectado, y me costaba reconocerme en esta figura de hombre, de macho. Me provocaba mucho rechazo. Esa misma soledad la ocupo en “Fragmentos de Lucía”, pero por el lado femenino; de mi madre, hermana, parejas, amigas. Son espacios para reconocerme y reconocer a estas otras personas. También se da, que las cosas que me pasaban a mí, le pasaban a otra gente. Y mi tercera película es un poco lo mismo, pero enfocado en la relación con mi hermano, esa relación de sangre. Es un tema que traigo hace tiempo y que nunca me había atrevido a sacar. Lo veo como un desafio para mí como artista. Pero más que una respuesta, busco empatía. Siento que la empatía le da algo de sentido a la vida; el reconocerse en el otro, mirar, sentir el uno al otro de una forma, o de formas similares, compartir. Eso para mí es el sentido de la vida. Quizás, en ese compartir, encuentro ciertas respuestas o miradas distintas, que yo creo que ayudan a aprender un poco más a vivir.

Más que nada nace para darle un contexto a la historia. En ningún momento se dice que es Chile o alguna ciudad, ni nada. Es un mundo ambiguo, donde, si bien hay una crítica social, yo buscaba una auto-crítica también. El personaje está inmerso en este mundo que critica. Pienso que todos buscan escapar o destacarse, ser libres de la sociedad en la que vivimos o quizás de la vida en la ciudad, que es tan atrapante y fría. La gente está siempre criticando al otro, siempre es el otro el que hace las cosas mal. Acá el personaje es más auto-crítico, medio llorón quizás, pero de manera honesta, hasta con un poco de humor tal vez, no busca transgredir.

PARA MI LA SOLEDAD ES UNA FORMA DE RECONOCERSE A UNO MISMO. SIN TODA ESTA SOLEDAD POR LA QUE PASÉ, JAMÁS ME HUBIERA CONOCIDO A MÍ MISMO DE LA FORMA EN LA QUE AHORA ME CONOZCO.

¿Cuál es la frase que más te gusta de tu libro? Un personaje le dice al protagonista “El odio es la única cosa pura que queda en nosotros y no debemos intentar controlarlo de la misma manera que nos enseñaron nuestras vidas enteras a controlar el amor”; lo que es un poco una crítica social a la forma en la que amamos, proyectando todo a través de objetos o gestos muy materiales. En cambio, el odio es mucho más bruto, más espontáneo, mucho más caótico y más libre, pero obviamente dañino. Y ese es el problema, si uno pudiera amar con esa libertad y con esa espontaneidad, la vida sería más... alegre. ¿Cómo resumirías la obra? Trata de un joven que busca enamorarse de la vida otra vez, de la gente, del día a día. Intenta encontrar la belleza de las cosas, creer un poco más en lo mágico o en lo que va un poco más allá del plano terrenal.

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El libro habla mucho sobre la soledad, ¿hay algo de tu historia personal en el personaje?

En el primer capítulo se ve al personaje principal muy desganado por la vida, sin ánimos de trabajar, de salir, de usar el transporte público, etc. Este agotamiento social, ¿pretendías que reflejara una crítica al sistema en el que vivimos? ¿Quizás, puntualmente de Chile?

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mismo protagonista anterior, pero en otros periodos de tiempo.

Este mes PACTO cumple 11 años y te invitamos a disfrutar con nosotros. “Pacto es un restorán de onda mística, donde todo hace alusión al Arte y la sensualidad, existen distintos sellos dispersos por todo el local que crean un aire de amor y buenas vibraciones que se complementan con una exquisita comida de autor con influencias culinarias del Mundo especialmente diseñada para compartir y pócimas de coctelería desarrolladas especialmente para amar.” Pacto es un encuentro de Arte, constante y ya tradicional, debido a la rotación de exposiciones de diferentes técnicas y Autores, que se van cambiando cada dos meses, lo que permite que siempre su estética y decoración te sorprenda, además. cuenta con ciclos de variadas performances artísticas que hacen de Pacto un espacio, de Arte y Sensualidad, tal lo dice su nombre.

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Web: www.pacto.cl Instagram: @pacto_arteysensualidad Facebook: Pacto Arte Bar

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7 SERIES MUNDOPELÍCULAS

COSAS QUE NO SABÍAS DE

Por Daniel Fonseca

Hugh Laurie hizo el casting desde un baño: Estaba en Namibia, grabando la película El vuelo del Fénix. Recibió el libreto del primer episodio y se encerró en el baño a gravarse. Laurie creía que el papel era para el mejor amigo del protagonista, Wilson, ya que no se imaginaba que le dieran toda una serie a un personaje tan amargado como House. Al ver su actuación, el productor, Bryan Singer, dijo encantado que era justo lo que necesitaban: Un verdadero americano. Se equivocó, Laurie es inglés y su acento es actuado.

Adicciones de House: House es adicto al Vicodin, un analgésico derivado del opio. En menor concentración que la morfina. Son utilizados solo en casos de dolores extremos y prolongados y con altas probabilidades de causar adicción. Además, es fan de Metroid juego que no parece querer dejar ni en las situaciones más críticas. A lo largo de la serie se le ven jugando Metroid: Zero Mission y Metroid Prime: First Hunt

El bastón de House: Hugh Laurie decidió usar su bastón al contrario intencionadamente (debería llevarlo en la mano opuesta a su pierna mala) en su papel como Dr. House. Sentía que encajaba con cómo se comportaría su personaje, que sin duda sabría cómo utilizar el bastón “correctamente”.

Chase y Cameron: Jennifer Morrison y Jesse Spencer se casaron en la serie, representando a Cameron y Chase. Y la realidad fue casi la misma. Llegaron a comprometerse, pero no terminaron delante del altar. Sólo después surgió la historia de su romance en la serie.

Medicina real en la serie: Los casos están inspirados en la columna del New York Times, The Diagnosis. Columna llena de casos médicos improbables y extraños. Además, Laurie es hijo de un médico y dijo, en una entrevista, que a veces se siente culpable por ganar mucho más fingiendo una profesión, que su padre que realmente la tiene.

Premios y nominaciones: Dr. House se ha coronado como una de las mejores series de la televisión moderna. Alcanzando 18 premios y 25 nominaciones de diferentes premiaciones durante sus ocho años de duración.

SERIES

House está inspirado en Sherlock Holmes: Ambos utilizan complejos sistemas deductivos y ambos son adictos a las drogas. Ambos tienen unos compañeros que si bien tienen aptitudes deductivas sirven como contrapunto para la fuerte personalidad de los protagonistas y les permiten dar largas explicaciones sobre sus descubrimientos. Además, el hombre que le disparó a House se llamaba Moriarty, como el archienemigo literario de Holmes.

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Desde su emisión en 2004 hasta su gran final en 2012, Dr. House se mantuvo en la cima de la pirámide de series dramáticas. Divirtiendo, impactando, haciendo empatizar con sus grandes personajes y haciéndonos creer que teníamos conocimientos médicos luego de ver una maratón. En su honor, y para no olvidar una de las mejores series de los últimos años estos son 7 cosas que quizá no sabias de Dr. House.

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