Mundo Películas Magazine Edición Oct-Nov by Mundo Películas

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OCT / NOV EDICIÓN #04

JOKER J O A Q U I N

P H O E N I X

THE NEW

OCTUBRE / NOVIEMBRE 2018

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CULTO BAR es un resto-bar que se especializa en la música británica, acompañada de un ambiente y diseño único. Con cuatro pisos dedicados a este estilo musical: El primer piso de Culto está dedicado a David Bowie más espacio en el exterior del local. El segundo piso te invita a no ser otro ladrillo en la muro con un homenaje a Pink Floyd. Para los más emocionales tenemos el tercer piso acompañado de la barra rodeado de una decoración de Radiohead. Finalmente el cuarto piso es una terraza amplia acompañada de la mejor música británica al aire libre. Nuestro local cuenta con una carta de comida y tragos imperdibles, que además está recién actualizada para nuestros clientes. Puedes encontrar diversos tragos y platos que hacen homenaje al estilo musical británico. Acá puedes encontrar cócteles como: Amy Winehouse, Jarvis Cocker, David Bowie, Freddie Mercury y Tricky. Nuestra carta de tragos es mucho más amplia, va desde la cerveza, vino, whisky, ron, mojitos y mucho más. En nuestra carta de comida puedes encontrar Tortillas Depeche, Sadwiches Thom Yorke, tablas The Dark Side y mucho más. Si quieres conocer nuestra carta completa visita www.cultobar.cl Culto Bar te invita a que vengas a disfrutar con tu pareja y/o amigos de un ambiente muy acogedor, cómodo, innovador y rodeado de la mujer música. Además nuestro local te invita a diferentes actividades que realizamos durante el mes: Música, cine e idiomas. Para más información puedes seguirnos en Facebook como Culto Bar, puedes ver nuestros vídeos en el canal de YouTube ‘Culto Sociedad de la Buena Música’, en Instagram como @culto_lastarrias y puedes visitarnos en www.cultobar.cl Te esperamos en Estados Unidos #246 en barrio Lastarrias, tras el centro cultural GAM.

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OCTUBRE / NOVIEMBRE 2018

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OCTUBRE / NOVIEMBRE 2018

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EDICIÓN OCTUBRE / NOVIEMBRE Estos últimos años han sido claves para el cine chileno, que ha cobrado vida y se ha posicionado sobre grandes tribunas de prestigiosos festivales alrededor de todo el mundo. En esta cuarta edición de Mundo Películas Magazine, como es común, tuvimos el placer de contar con la participación de talentosísimos artistas que son parte de este nuevo renacer audiovisual nacional: Carolina Correa, cantante, actriz y escritora contratada por la cadena FOX para realizar una nueva serie de suspenso que encantó a los inversionistas de esa colosal compañía; Andrew Bargsted, el joven actor de cine, teatro y televisión que fue la revelación de los premios Caleuche 2018; La actriz Clara Larraín, a quien el amor por su trabajo la llevó a desarrollarse como productora y a tomar las riendas de sus propios proyectos; Adriana Silva, productora de la exitosa Válvula Films; Daniel Peralta, director de cine que recorre el mundo con sus obras; E Ignacio Redard, uno de los principales exponentes del electro-pop en Chile. Además, en la ciudad de Santiago se adelanta Halloween para celebrar el horror y terror durante tres días seguidos en el Santiago Horror Film Festival, un evento que no te puedes perder. Es por ello, que los directores Lucio Rojas y Jorge Olguín, participantes de dicho certamen, profundizan con nosotros sus estremecedoras obras y proyectos de los que seremos parte durante el festival. Asimismo, los estrenos de Reinos, Dry Martina y Trastornos del sueño, por parte de Storyboard Media, nos abren nuevos panoramas cinéfilos imperdibles.

Director en Jefe BENJAMÍN SCOTT Diseño & diagramación FRANCISCO FIGUEROA Ilustrador CARLOS FARIAS GALDAMES Editores de Contenidos PAOLA GÁRATE ESPINOZA BENJAMÍN SCOTT Fotógrafa Oficial PAOLA GÁRATE ESPINOZA IG @THISPAGE

Finalmente, en el ámbito internacional fue imposible no caer en el fiebre del nuevo Joker de Joaquín Phoenix, que arrasó en redes sociales y con quien quisimos indagar más aún. Sin embargo, el actor además de ser reconocido por su maravillosa trayectoria en el cine, es un fuerte activista a favor de los derechos de los animales y el cuidado del medioambiente. Por ello, en esta edición, lo elegimos como rostro de la sección Green Cinema, donde comentamos acerca de su documental Earthlings. Añadido a esta sección Me Gusta Leer Chile se hace presente con un concurso, sorteando Liberación Animal de Peter Singer, considerada la biblia del movimiento animalista. Cerrando esta edición, nos despedimos de Mr. Robot, la exitosa serie protagonizada por Rami Malek, que anunció recientemente su temporada final.

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Aries

¡Das de un paso hacia otro! Ten en cuenta los deseos del otro, coopera y comparte. Será un tiempo intenso de lucha por la verdad y la justicia. Debes ser consciente, paciente y claro para encontrar la verdad. Color: Blanco.

Leo Administra las situaciones familiares y emocionales que te rodean. Trata de redondear los bordes para evitar conflicto y no herir a nadie, menos a ti misma. Asegúrate de comunicarte de forma clara y gentil para que no generes desorden en la vida de las demás personas. Color: Azul.

Debes conducir un auto que te abundancia, mejorar tu vida y Debes darte cuenta de que t cuencias y debes prestar más alrededor tuyo. Por mucho q encargado del solo de guitarr al

Cancer ¡Estás en el centro del debate! Trata de manejar bien tus lazos familiares. Para ti es una carga que te impide preocuparte de tu propia felicidad. Desde tu infancia te ataste a la poesía como una maldición, que te ha creado expectativas pocos realistas. Deja de pedirle al mundo que te dispare y abre tu corazón. No puedes ser especial si no tienes vida. Color: Gris.

Tauro Trata de no escuchar a tus demonios internos. Es tiempo de ayudar en alguna causa común. Trata de dejar tu ego de lado y tus esfuerzos tendrán recompensa si dedicas algo de tiempo al otro. Pasa más tiempo en familia, en especial con tu mamá, quizás podrías orinar su alfombra o vomitar. Color: Negro.

Es una etapa para reflexión. M las valiosas lecciones que pue esencial en tu vida y luego Debes analizar en qué etap emprender en nuevos proyectos y ciclo en tu vida. Recuerda cambio, se viene tu rem

Virgo Tienes tensión a diario y debates muy intensos. Trata de comunicarte de manera más calmada para evitar conflicto con tus seres cercanos. Expresa tus deseos de forma más clara para poder satisfacerlos. Se vienen buenos cambios para ti. Deberías volverte vegano para vegano para evitar tus problemas. Color: Naranjo.

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Geminis

e lleve a la prosperidad, y a realizar tus sueños. tus actos tienen conseinterés a los que están que en estos días estés ra, tú no puedes volver l futuro. Color: Rosado.

Capricornio Has construido proyectos que son importantes para ti y debes acercarte a quienes disfruten de lo que haces para poder concretarlos. No te aferres de manera obstinada a las cosas y toma en cuenta las opiniones de los otros, de lo contrario no lograrás lo que quieres conseguir. Deja de obsesionarte solamente contigo y abre las puertas a nuevas oportunidades. Color: Marón.

Tu brillo aumenta junto a tu poder de seducción y tu libido. Aprovecha la buena racha para mantener viva la llama en todos los aspectos de tu vida. No tengas tanta excentricidad y desconéctate por un tiempo de la realidad virtual que te tiene atrapado en la Matrix. Color: Verde.

Escorpio Acuario

Mira tú pasado y verás edes tener. Ordena lo ocúpate de los otros. pa te encuentras para y comenzar un nuevo que puedes hacer un make. Color: Morado.

Estarás con más preocupación de tus amigos que del amor. Será un tiempo demasiado ocupado y muy agitado para bien. Lucha por conseguir tus objetivos y presta atención a tu alrededor para que nadie te ataque por la espalda. Afila las espadas porque este tiempo se trata de ti y de lo que quieres conseguir. Color: Amarillo.

Maneja los riesgos de los malentendidos y los enfrentamientos que se vienen. Se vienen olas perturbadoras que pueden causar el caos en tu vida. Aclara tus intenciones con los que te rodean y en un consenso revélate para lograr tus objetivos. Tomate un tiempo para pensar y se cuidadoso. Recuerda que se acerca el 5 de noviembre y seguramente no quieres ver ni pólvora ni traición. Color: Rojo.

Piscis Intenta expresar tus emociones de manera más suave y racional. Evita la agresividad porque puede mezclarse con asuntos importantes e impedir que logres tus objetivos. Pensando de manera objetiva lograrás alcanzar tus sueños y vivir historias a las alturas de tus expectativas, pero recuerda, la vida siempre es jodida. Color: Café. OCTUBRE / NOVIEMBRE 2018

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ACTORES CHILENOS

EL ACTOR REVELACIÓN DE LOS PREMIOS CALEUCHE 2018, NOS HABLA DE SU SÓLIDA CARRERA EN EL CINE, TEATRO Y TELEVISIÓN.

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LA VERSATILIDAD ACTORAL DE

ANDREW BARGSTED HISTORIAS NECESARIAS Y PERSONAJES ÚNICOS ENTREVISTA / FOTOGRAFÍAS

PAOLA GÁRATE ESPINOZA

gresado de la Universidad de Chile, este actor de veinticuatro años terminó sus estudios el 2015, pero desde el tercer año de la carrera de actuación, comenzó a trabajar en cine. Su primer largometraje fue Nunca vas a estar solo (2016), una película escrita y dirigida por Álex Anwandter (destacado músico chileno), y que está inspirada en el caso de Daniel Zamudio, un joven asesinado en un brutal ataque homofóbico. El hecho fue ficcionado para hacer un guion sobre un padre y un hijo que viven en una terrible des-comunicación, en donde un crimen trágico los hace unirse. Posteriormente, Andrew realizó un cortometraje que se tituló “Locas Perdidas”, del cual nos comentó su gran importancia por ser su primer trabajo publicado debido al tiempo que usualmente lleva estrenar en salas de cine. Por esa razón es que este trabajo, dirigido por Ignacio Juricic, fue su debut como actor. Esta historia también se basó en un caso real, en el que se allanó una discoteca y se detuvieron a todos los transformistas que trabajaban ahí, siendo víctimas de humillación y discriminación. El cortometraje de casi media hora de duración, es una ficción sobre uno de esos transformistas, quien llega a su casa y debe decidir si contarle a su familia sobre la vida que llevaba o huir con su pareja. Fue estrenado en Cannes y ganó el segundo lugar en la competencia Cinéfondation de dicho festival, logrando así la posibilidad de exhibirse en muchos países. ANDREW BARGSTED Fotografías exclusivas para Mundo Películas.

Me gustaría que comenzaras hablando de tu experiencia en Mala Junta (2016), que ahora está disponible en Ondamedia.cl y donde encarnaste un papel increíblemente verídico, el cual se distancia mucho de tus trabajos anteriores. Es una película que trata sobre dos jóvenes que se encuentran en el complejo contexto político que se vive actualmente en La Araucanía. Fue un rodaje muy guerrilla. No había mucho financiamiento, así que la energía y el ímpetu humano fueron lo más importante, y lo que primó en ese rodaje de un mes que hicimos en San José de la Mariquina, en la Región de Los Ríos. El trabajo fue muy desde ese lugar, de hacer algo con mucho esfuerzo y convicción. Eso fue lo que hizo que el trabajo entre la directora Claudia Huaiquimilla, Cheo (Eliseo Fernández) y yo, fuese un trabajo muy unido, muy en equipo. Era un equipo muy joven; toda la gente, de todos los departamentos. Siento que fue como un gran piquero a la piscina de todos y, por esa razón, creo que al final tuvo la energía que tuvo al momento de estrenarse. Por otro lado, una gran particularidad fue que Cheo es un adolescente, un joven que no es actor profesional y que hizo de este trabajo, uno muy especial. Para mí, fue súper desafiante trabajar con él. Aprendimos muchísimo, aprendimos mutuamente el uno del otro. Cheo actúa de sí mismo en la película: se llama así, su vida es más o menos esa y vive ahí. Por eso, había que ser muy cuidadoso en cómo se ejecutaba la dinámica del rodaje, ya que no era como trabajar con un

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ANDREW BARGSTED Y FRANCISCO PÉREZ-BANNEN MALA JUNTA (2016) Dir. Claudia Huaiquimilla

colega actor que en el fondo sabe cómo funciona todo, y donde todo es más rápido, más efectivo y quizás con cierta inercia. Aquí también teníamos que ir cuidadosamente generando una relación con él, parecida a la de los personajes, pero en la vida real. De todas formas, esa relación se dio de manera natural, no fue algo tan pensado. La relación entre los personajes tiñó nuestra relación en la vida real, y no hubiese podido ser de otra forma, porque para él iba a ser muy difícil si yo hubiese estado hablando de otra cosa nada que ver, y de repente “¡Tenemos que grabar! ¡Acción!”, y me pongo a actuar otra cosa. Había que hacer un flujo mucho más permanente con respecto a la dinámica de los personajes, eso fue súper importante para crear a los personajes. Finalmente, los personajes no se crearon de manera tan particular, ni solitaria como “Yo veo solo la parte de mi personaje, cuál es su pasado, sus objetivos, cuáles son mis referentes, investigar, entrevistar a tal y tal persona...”. Más que eso, fue construir a partir del otro: yo de él, y él conmigo también. Los personajes se terminan definiendo por el otro, no por sí mismos; funcionan por oposición. Todo el tiempo fueron dos personajes que, al parecer, eran polos opuestos. Uno le enseñaba al otro, uno era el que se enfrentaba a la vida de manera mucho más extrovertida, abierta y segura que el otro, etc. Entonces, a partir de esas diferencias, empezamos a gene-

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MI OBJETIVO, MI SUEÑO, ES QUE ALGUNA VEZ YO HAGA UNA PELÍCULA Y ME DIGAN “¿SABES? NO TE RECONOCÍ, NO SABÍA QUE ERAS TÚ”

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rar la relación y a encontrar, junto con la película, las similitudes de estos personajes y todo lo que los unía, que quizás era mucho más de lo que los diferenciaba. Personajes como los de Rapaz (2018) y Locas Perdidas (2015) por ejemplo, son realmente muy diferentes ¿Qué es lo que te lleva a tomar papeles tan opuestos? Y, ¿Cómo logras entrar en la piel de cada uno de ellos? Desde que entré a estudiar, siempre quise ser un actor que pudiese hacer tipos de personajes muy distintos. Mi objetivo, mi sueño, es que alguna vez yo haga una película y me digan “¿Sabes? No te reconocí, no sabía que eras tú”. Yo preferiría que la gente no supiera que yo actúo en la película, y que después se den cuenta de que soy yo, a que vayan a ver la película precisamente porque estoy yo. Sien-

to que el trabajo del actor se trata de eso, de poder ponerse en distintos cuerpos, distintas mentes, distintas vidas, y siempre lograr encontrar, en cualquier personaje, una conexión con uno mismo, para hacer que después, esa unión logre generar un personaje, un comportamiento, una voz y todo, creíbles. Me emociona y espero poder seguir haciendo personajes totalmente distintos. Para actuar uno siempre se pregunta “¿Qué haría yo en esa situación?”. Ese es un principio básico de la actuación. Y por supuesto, los personajes siempre pasan por ti, porque vas a trabajar con tu voz, con tu cuerpo,

ACTORES CHILENOS

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PARA MÍ, EL TEATRO ES COMO LA CASA DEL ACTOR, ES LA ACTUACIÓN EN SU ORIGEN

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con tus imágenes, con tu sensibilidad. Por eso, no serviría de mucho que yo construyera solo cosas externas a mí y luego como que me las pegara forzosamente. Tengo que lograr hacer sentido al personaje dentro de mi propia sensibilidad y de mi imaginario. Y que en ese mismo mundo haga sentido, para yo poder generar algo orgánico, real y creíble. Si estuvieras ante dos proyectos simultáneos, y solo pudieras elegir uno de ellos ¿Cuáles serían tus parámetros para decidir? ¿Un mejor guion o una mejor dirección? Ojalá fuesen ambos: un buen guion y una buena dirección. Creo que es súper importante, más allá si es un buen director o mal director, el tener una conexión con él. Si me reúno con esa persona, es vital que logre encontrar uniones, sincronías estéticas, políticas, emocionales, etc. Pero sincronías que nos permitan trabajar en equipo y entender al otro; yo entender qué quiere él o qué está buscando, y que él entienda también qué es lo que puede ganar su proyecto conmigo. Por otro lado, creo que un guion siempre es muy importante en una película, pero más allá del guion mismo, pienso que lo es el punto de vista. Hay muchos directores que incluso no trabajan con guiones, o que trabajan con un guion muy general, más bien técnico, donde las situaciones y los textos de los personajes son improvisaciones o surgen a partir de una premisa que se les da a los actores antes de rodar, y son ellos tienen que desarrollar la escena por sí mismos. Por eso, el guion siempre es una guía, no es como la dramaturgia por ejemplo, que en el teatro que tiene que respetarse tal cual, porque así la escribió el dramaturgo. El guion muchas veces funciona como una guía para no perderse, pero en el fondo siempre está en constante cambio. Es muy difícil que el guion permanezca tal cual como se escribió, creo que es casi imposible. Entonces, pienso que lo del guion es más bien relativo, siempre y cuando ese guion contenga y se

infiera de él, un punto de vista clave, una visión de lo que se está queriendo contar, una visión sin emitir un juicio u opiniones necesariamente, un lugar desde donde solo se mira la historia. Yo creo que ese concepto aúna ambos trabajos; el de la dirección y el del guion.

per desafío que a muchos actores nos pone nerviosos, pero que siempre es de gran aprendizaje y muy necesario.

Ya que mencionaste la improvisación ¿Te gusta improvisar?

Fueron muy distintas. En el caso de Locas Perdidas, había muy poco espacio para la improvisación porque Ignacio trabajó con planos fijos. Casi todas las escenas fueron así. Por eso, la actuación estaba supeditada al plano, y todo era una gran coreografía en el espacio, con el texto, con las acciones. En ese sentido, era un trabajo muy detallado y muy pensado. Pienso que lo bonito que tiene ese trabajo, es que a pesar de ser tan estético y tan cuidadosamente construido, mantiene dentro de esa estructura, una fuerza y un querer contar la historia que es muy pasional, y es ese contraste de ambas cosas, lo que hace que el corto sea lo que es. En el caso de Mala Junta, hubo más espacio a la improvisación por lo que te comentaba anteriormente, por lo de Cheo y todo. Al final, Cheo se transformó en un propulsor de generar “presente” real en las escenas: siempre teníamos que estar atentos a que Cheo, quizás, no iba a hacer lo que estaba

Yo creo que siempre es súper difícil improvisar. Al menos para mí, es un gran desafío que me da muchos nervios y mucha ansiedad. Sin embargo, también encuentro inquietante e interesante el ejercicio de la improvisación, porque aparecen cosas que nunca hubiesen podido aparecer si nos hubiéramos sentado a pensar la escena y a crearla racionalmente. Además, la improvisación tiene algo que me gusta mucho, y que tiene que ver con el instinto. Cuando uno está improvisando, uno empieza a sacar cosas que son fuera de la razón, empiezan a primar y a dominar otras cosas; como las emociones o las imágenes, otras cosas que son más de la ‘guata’ que de la mente, quizás. Aparecen acciones, textos, miradas o estados emocionales que vienen desde lo más profundo del imaginario del actor. Es por esa razón que creo que es un sú-

Muchos de tus trabajos fueron las óperas primas de sus directores ¿Qué tanta libertad actoral tuviste en esas películas?

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ACTORES CHILENOS

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EN LA TELEVISIÓN, MUCHAS VECES SE SUELE CAER EN ESTEREOTIPOS MUY MARCADOS, MUY UNÍVOCOS Y VITRIFICADOS EN SÍ MISMOS

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coordinado o coreografiado hacer; siempre teníamos que reaccionar a lo que él iba a hacer. Eso es muy interesante en el cine y en las actuaciones en general. Cuando hay alguien que te devuelve al presente y que te hace estar mucho más alerta, más atento, más “vivo” con qué responder, qué decir y qué hacer. Con Álex tampoco tuve mucho espacio para la improvisación. Pienso que eso también fue por algo personal; era mi primera película y yo hacía todo con mucho cuidado, quería hacer todo muy bien. Obviamente, esos son los primeros instintos de un actor. Y me imagino que Álex, también estaba buscando algo muy preciso. Era su primera película, entonces igual estaba así, queriendo seguir las pautas que estaban marcadas. Quizás no hubo como esa soltura que podría dar la experiencia de haber hecho más películas, pero lo que sí hicimos, fue ensayar mucho. En esos ensayos aparecieron cosas a partir de improvisación que, finalmente en el rodaje, dejamos y las hicimos, pero estaban ensayadas. La improvisación se dio, pero más en el espacio del ensayo que en el rodaje mismo. Te has desenvuelto bastante en el teatro también. Cuéntame un poco cómo sientes el teatro y cómo lo has hecho una rama importante de tu carrera. Me formé en una escuela que es muy teatral, que tiene una tradición muy de teatro y, por lo tanto, ha estado muy presente desde que entré a estudiar actuación. Para mí, el teatro es como la casa del actor, es la actuación en su origen. Uno puede hacer una obra de teatro con muy poco (que es como recurrentemente se hace), pero tiene eso originario, como un espacio de hogar para todos los actores. El teatro es mi carrera, es mi trabajo,

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es la esencia del actor y es el espacio donde uno tiene la total libertad. Así me siento. En el teatro uno puede hacerlo todo, hacer todos los personajes, todos. En el cine no. En el cine es muy difícil que me llamen para hacer de un anciano de ochenta años, imposible diría yo... A menos que hiciéramos una película fantástica como El Señor de los Anillos. Pero en el teatro uno puede hacerlo todo, tienes libertad autoral. Y así me formaron; entendiendo al actor en sí mismo como un creador constante, sin que el actor necesite ser parte de un engranaje más grande. En sí mismo, él está creando todo el tiempo. Y ese sentimiento del actor que crea, se puede llevar a los otros formatos. Es esencial tener ese concepto en la mente para después convertirse en un actor activo dentro de las producciones o del trabajo en general, y no solo un ejecutante que sigue instrucciones. Uno siempre está intentando generar autorías en los personajes que hace y creo que el teatro es como la exacerbación de eso, de la autoría de la actuación. Estás en la obra “Mi hijo solo camina un poco más lento”. Cuéntame un poco de la obra y qué es lo que te motiva a ser parte de ella. Esta obra es de un dramaturgo que se llama Ivor Martinić y, aunque es la primera versión que se hace en

Chile, ya se ha hecho otras partes de Latinoamérica. La obra trata sobre un joven que, de un momento a otro, es víctima de una enfermedad degenerativa que le quita la movilidad de las piernas, y al celebrar su cumpleaños número veinticinco, se muestra cómo cada integrante de su familia se toma esta situación. En esta obra hago de narrador, y lo que me motiva a estar en ella, es justamente ese rol que ocupo. En general, lo que más me acomoda y a lo que estoy súper acostumbrado, es a hacer personajes. Me siento como un actor muy de personajes. Y en este caso no es así, es como una especie de rol, pero que no tiene ninguna historia, que no es nadie en sí mismo. Solo cumplo el rol de narrar lo que sucede, por lo que ese espacio tan ambiguo me pareció un desafío muy grande e interesante de cumplir, de trabajar, y en eso estoy; encontrando el lenguaje y sumergiéndome en la historia para poder tenerla tan internalizada, tan clara, que sea posible que yo se la pueda entregar al público de manera desprejuiciada, honesta y, sobretodo, clara y entretenida, para que la gente lo pase bien. En cuanto a tu trabajo televisivo, has hecho series como Ramona (20172018) y Bichos Raros (2018) ¿Cuál ha sido el mayor desafío a la hora de tomar papeles en la pantalla chica?

Creo que el mayor desafío que yo mismo me pongo al hacer personajes de televisión, es el de escapar de los estereotipos. En la televisión, muchas veces se suele caer en estereotipos muy marcados, muy unívocos y vitrificados en sí mismos. Al entrar en una producción televisiva, me pongo como desafío, encontrar una humanidad y construir un ser único, un ser que no es un tipo o un arquetipo. No. Es alguien que existe, que está en la calle y que nosotros lo podemos ver en cualquier momento. Alguien que tiene muchas particularidades y contradicciones. En el fondo, creo que ese es el objetivo; poder transmitir esa humanidad y esa particularidad. Me gusta ponerme en ese ejercicio de desafiarme a poner, en esas producciones, personajes que son únicos. ¿Cuál fue el personaje al que más tiempo tuviste que dedicarle? Creo que fue el personaje de Sergio, que hice para la serie Ramona, dirigida por Andres Wood, Julio Jorquera y Marcos Sánchez. Fue mi primera producción televisiva, por lo que me la tomé con mucha seriedad. Fui muy mateo. Fue el personaje que más me tomó tiempo comprender porque era un personaje muy particular, incluso desde el mismo guion ya estaba escrito de una manera muy especial. El personaje tenía un encanto que tenía que

encontrar, un encanto y una identidad que también eran formas de comportarse, que se condecían mucho con una época que yo no viví (años 60). Entonces, tuve que contextualizarme mucho con respecto a que sucedía en la época; vi muchos documentales y materiales que los mismos directores y gente de la producción nos daban. Pero también hice un trabajo súper intenso con respecto al construir ese personaje por su particularidad. Además, fue por un período de aproximadamente cuatro meses, que grabé entre ocho o siete veces al mes durante mucho tiempo, lo que para mí, en ese momento, era bastante. Por eso creo que ese fue el personaje que más me demandó a nivel de tiempo y trabajo desarrollarlo. ¿Cuáles son tus referentes o fuentes de inspiración? Tengo varios, tanto en Chile como en el resto del mundo. Me parece que Catalina Saavedra es una artista muy importante para la cultura de nuestro país y, como la conozco personalmente, también el poder hablar con ella, es sumamente fructífero; cómo mira el mundo de una manera tan sincera, tan honesta y tan única, como tan de ella, tan de verdad. Para mí, eso es súper importante para ser actor, lograr ese nivel de autenticidad. Por otro lado, también admiro a ac-

tores como Alfredo Castro o Paulina Urrutia, por sus historias, sus excelentes desempeños como actores a lo largo de sus carreras. Asimismo, admiro a otro tipo de actores chilenos que hacen carreras mucho más silenciosas para los medios, pero que en el mundo del teatro son personas muy respetadas y admiradas: Guilherme Sepúlveda y Marcela Salinas, por ejemplo, que además son más jóvenes (generación treinta, cuarenta). Admiro profundamente ese ejercicio; de hacer mucho teatro, de estar siempre con trabajo en tablas. Eso es muy difícil. Mantenerse en ese constante “hacer”, y además siempre hacerlo de una manera comprometida, tan bien y destacándose en su trabajo (sobretodo en el teatro que es tan difícil difundirlo y compartir su información para la gente vaya), me parece admirable y los convierte en referentes para mí. De afuera, me encanta Gary Oldman, por lo que hablábamos antes. Él es un actor que en cada película en la que está, es alguien totalmente distinto. Muchas veces he visto películas y no supe, hasta el final, que él actuaba ahí. Y que un actor logre eso, me parece súper admirable y me encantaría poder lograrlo también.

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AGRADEZCO MUCHO PODER ESTAR HACIENDO ESTO Y SOY SÚPER FELIZ ACTUANDO

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¿Cuál ha sido o han sido los momentos en que mayor satisfacción te ha brindado tu trabajo? Siempre cuando estoy trabajando en algo que me gusta. Hacer lo que de verdad amo es una gran satisfacción. Disfruto mucho haciendo mi trabajo, porque pienso en que hay tantas personas que trabajan en cosas que no les gustan... Y también en muchas otras en que trabajan en cosas que sí les gustan, pero que les cuesta muchísimo encontrar trabajo o generar sus propios proyectos, sobretodo en el mundo de la cultura, que es tan difícil generar tus propios proyectos. Agradezco mucho poder estar haciendo esto y soy súper feliz actuando. Es un espacio de mucha satisfacción, el trabajo en general. Por ejemplo, llegar al camarín del teatro una hora y media o dos horas antes de la función, instalar-

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te, tener tus cosas... Ese tipo de cosas que pueden parecer muy simples, me entregan una satisfacción infinita. En relación a tu carrera ¿Qué te gustaría hacer en un futuro próximo? Me gustaría seguir haciendo mucho cine, y también profundizar y hacer más teatro. Los últimos tres montajes en los que he estado, ya he tenido la posibilidad de trabajar con actores de distintas generaciones. En un principio, yo creo que partí como todos; trabajando con actores en teatro de tu misma generación, compañeros o amigos. Pienso que el espacio que te da el teatro para trabajar con distintas generaciones, es un gran crecimiento; incluso más que en cine y en la televisión, porque la relación con los actores en el teatro es mucho más directa, mucho más in situ. No sé qué paso nuevo me gustaría dar, pero me gustaría seguir haciendo películas y teatro... Aunque si nos ponemos a soñar, me gustaría hacer películas en otros países de Latinoamérica. Tuve la posibilidad de estar en una película argentina, Marilyn (2018), y fue una muy linda experiencia en cuanto a rodaje y a todo en general; lo humano y a nivel artístico, el guion, la

historia, el desafío que implicó ir a otro país y encarnar a un personaje que tiene otra nacionalidad, y por ende otra forma de hablar y todo. Si bien es una tarea actoral, también es algo que se tiene que investigar mucho más y que me gustaría mucho poder profundizar. Finalmente, ¿Algún proyecto en gestación que nos puedas adelantar? En abril de este año, grabamos una película que se llama “Algunas Bestias”, del director Jorge Riquelme (su película anterior fue Camaleón (2016)) y que ahora está en proceso de post producción. Fue un proceso muy lindo, porque fue un rodaje muy corto, muy comprimido (una semana) y con una dinámica de actuación como hablábamos antes; sin guion y con harta improvisación. Fue muy intenso, muy compacto, interesante y un trabajo muy fructífero a nivel tanto actoral como personal.

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ACTRICES CHILENAS

CLARA LARRAÍN

y la construcción femenina en el medio audiovisual chileno

ENTREVISTA BENJAMÍN SCOTT FOTOS PAOLA GÁRATE ESPINOZA CULTO BAR, ESTADOS UNIDOS 246

CLARA LARRAÍN nació en 1991 en la ciudad de Santiago. Desde los nueve, hasta los dieciocho años se formó como bailarina profesional, pero al terminar esa formación entró a estudiar Diseño. Ana Lucía Baquedano fue una profesora que influenció en la importancia y perseverancia, en base a que el talento no lo es todo, sino que el trabajo y la perseverancia son los que te llevan a cumplir tus sueños. Eso le abrió al mundo del espectáculo. ¿Cómo entras al medio audiovisual? Yo creía que tenía todo muy resuelto, pero me di cuenta que no. Fue cuando a mis dieciocho años de edad entré a estudiar diseño en la Universidad Católica y al primer año, odié la carrera. Fue ahí cuando empecé a buscar otras cosas que pudieran gustarme y comencé a tomar cursos. Me cuestioné el estudiar ingeniería comercial o teatro. Así, tomé cursos vespertinos y me di cuenta que amaba el teatro. Tomé cursos con Roberto Matus y luego me fui un año a estudiar a Londres un máster en actuación frente a cámara.

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EL TALENTO NO LO ES TODO, SINO QUE EL TRABAJO Y LA PERSEVERANCIA SON LOS QUE TE LLEVAN A CUMPLIR TUS SUEÑOS

CLARA LARRAÍN FOTOGRAFÍA Paola Gárate Espinoza IG @thisispage MAQUILLAJE Magdalena Rodriguez IG @maidarodriguezmakeup STYLING Fernanda Paredes IG @belladohnna

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¿Qué es lo más difícil de ser actriz? Lo que más me ha costado es que el medio es pequeño y el actor es el último eslabón de la cadena. Cuando se gesta, parte el director, luego se busca financiamiento y finalmente pasan dos o tres años desde que inicia una idea hasta que se filma una película. Y como actor, eres el último en entrar a eso. En Chile aún hay poca producción y en los castings no solo depende de tu talento si es que obtendrás un

papel. Al principio eso fue frustrante, porque debes empezar a entenderte como producto y entender lo que los otros perciben de ti; qué imagen tienes para el resto y no lo que uno cree que uno es. Entender que uno es un producto en función de una historia. Eso me costó, pero cuando lo logras aprender y controlar, puedes dominar tu casting, saber para qué te llamarán. Puedes empezar a flexibilizar y jugar con eso. Esa parte de la industria la siento compleja, porque son muchos los factores de los que depende que consigas un trabajo, y muchos de esos, no están en tus manos. Puedes prepararte, dar una audición increíble, pero luego consiguen coproducción y resulta que la protagonista debe ser argentina, peruana, etc. Por eso, en un minuto decidí que lo que yo más amaba realizar (actuar), no podía depender de otros. Ahí entré en la producción de cine con amigos y gente cercana. Harto cine de mujeres, cine de género. Y armando un equipo potente para poder hacer lo que amo. Obviamente voy a todos los casting,

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CLARA LARRAÍN Fotografías exclusivas para Mundo Películas.

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pero no es un momento de sentarte a esperar a que te llamen. Los actores también tenemos que comenzar a crear nuestro propio trabajo, y tenemos la gracia que en este país podemos optar a fondos públicos. Por parte de producción, lo que más me cuesta es levantar el dinero. Más vale tener amigos que plata. Si nos ponemos de acuerdo, agarramos una cámara y lo hacemos. Pero, sí dan ganas de profesionalizarlo, en el sentido de recibir dinero por el trabajo y que podamos vivir de lo que amamos y que no todo sea una cadena de favores. Es difícil, porque en Chile la industria es pequeña y dependemos de los financiamientos públicos y el privado es más difícil aún porque no hay retorno económico. Pero hay que encontrar una manera de auto sustentarnos como industria y no depender de estos fondos porque hay muchos creadores, demasiadas ideas y los fondos no crecen a la par. ¿Cuáles son los obstáculos más difíciles que has vivido para llegar adonde estás? Primero decidir que quería ser actriz y atreverme a estudiarlo, exponerme. Las primeras veces de casting fueron horribles, porque siempre sientes que pudiste hacerlo mejor. Los primeros rechazos también son difíciles, porque uno no disocia que no

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NO ES UN MOMENTO DE SENTARTE A ESPERAR A QUE TE LLAMEN. LOS ACTORES TAMBIÉN TENEMOS QUE COMENZAR A CREAR NUESTRO PROPIO TRABAJO

motivos, hay temáticas en las que no te quieres ver involucrada. Me gusta la comedia, el drama, me gustan las películas que tienen grandes mensajes... Todo siempre y cuando, no comprometa mi salud mental, mi paz y las cosas en las que yo creo. No haría una película que hable sobre un tema en el que no estoy de acuerdo o que defiende cosas que a mí no me parecen. ¿Cuáles han sido tus mayores fuentes de inspiración?

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te están rechazando a ti como persona, sino que hay miles de factores que influyen en que ese papel al que estás postulando, no sea tuyo. El medio es pequeño y hermético. Entonces, para entrar hay que trabajar mucho, hacer bastante networking y lobby para que la gente te conozca y se acuerde de ti en caso de que estén produciendo algo. ¿Tienes algún filtro a la hora de elegir tus papeles? Me encanta probar y experimentar distintas cosas, siempre y cuando, no transgredan mi comodidad y mis propios límites. A veces, hay gente con la que no quieres trabajar por diferentes

Mijaíl Chéjov, que trabaja mucho con el cuerpo y el cuerpo como vehículo emocional. Amanda Brennan es mi maestra máxima. Por otro lado, cuando tomé los talleres ‘Reconociendo la emoción’ con Paula Zúñiga, fue muy revelador para mí para entender cómo entrar en una emoción. Yo soy muy sensible y me afecta, entonces cuando te tocan personajes complejos con carga emocional dura, el no involucrarlo con tu vida personal es algo difícil. Una científica chilena comprobó que las emociones están directamente relacionadas con la respiración y lo físico. Estudié eso, y con el taller de Paula, lo complementé. Una técnica para no poner en riesgo tu salud mental y también para aprender a salir de las emociones. Quizás suena trillado, pero amo a Meryl Streep. La encuentro sublime.

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ACTRICES CHILENAS Ella puede hacer algo comercial como Mamma mia! y lo hace increíble, pero también puede aparecer en La Dama de Hierro y volver a sorprender. Amo como maneja las emociones y los tiempos. Otra actriz que encuentro increíble es Alicia Vikander. De España me gusta Candela Peña. Nacionales, admiro mucho a Paulina García y cómo su carrera explotó a una edad que generalmente eso no pasa. Me gusta lo que hace Reese Witherspoon y Rachel Weisz, que están produciendo sus propias películas para seguir en pantalla y vigentes. Por otra parte, Margot Robbie, siempre fue estereotipada como la chica linda, la rubia perfecta que no hace mucho, produjo su propia película, I Tonya, para demostrar que era buena actriz y sacarse el prototipo social al que la habían impuesto. ¿De qué manera sientes que cambió tu vida cuando entraste en el medio? Fue genial. Cuando estaba en el rodaje de Todos Juntos, fue como “Por fin lo encontré y no tengo que buscar más.” Fue la certeza y el placer de decir: “Ésta era mi pasión y me la jugaré, cueste lo que cueste.” El camino es duro. No es fácil para nadie ser actor, ser artista o trabajar en cultura en Chile. Es muy difícil. Cuando amas tu trabajo, es eso lo que te hace ser perseverante y que todo valga la pena. Mi vida cambió en el sentido de que me reafirmé a mí misma, conmigo misma, mi personalidad y estoy más tranquila porque sé a dónde voy, lo que yo quiero. Sin embargo, aún no vivo de ésto. Por ese lado, agradezco haber estudiado diseño porque es mi fuente de ingreso actual para vivir. Espero el día de mañana poder tener el lujo de vivir de lo que amo. ¿Cuál sería el papel ideal en el que te gustaría trabajar? Por mi formación, en danza. Hubiera sido un sueño ser Nina, la protagonista de Black Swan que interpreta Natalie Portman. Con el Ballet me quedada perfecto. Me gustaría trabajar con Alfonso Cuarón, ya que considero que su trabajo es muy lindo. Amo el cine latinoamericano, pero también me gustaría trabajar afuera.

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ENTREVISTA

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MI DEBUT FUE DECISIVO PORQUE MARCÓ UN ANTES Y DESPUÉS. EL PUNTO DEL NO RETORNO DE CONVERTIRME EN ACTRIZ

¿Actualmente te gustaría explorar otra área del mundo audiovisual? De momento no. Estoy trabajando en preproducción de dos cortometrajes y un largometraje. El primero trata sobre los problemas habitacionales en Arica; el otro es sobre los trabajos en los que el hombre será reemplazado por máquinas; y finalmente una crítica social a la institución del matrimonio y cómo los latinos de clase alta gastan mucho dinero en una fiesta. Me gustaría agregar que trabajo con casi puras mujeres, porque es muy importante el cine escrito por mujeres, ya que siempre estamos retratadas desde cómo nos ven los hombres, desde la dirección, guión, camarógrafo, etc. Es importante que exista la contra parte. Cuando hay muchas mujeres en el equipo, es todo muy fluido. Finalmente, estamos armando una serie web sobre educación no sexista, con un target enfocado a hombres machistas y también a las mujeres que aún no entienden el feminismo. Todo está en cómo educamos a las futuras generaciones.

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¿Cuáles han sido los grandes papeles de tu trayectoria? Partí con Roberto Matus en cursos vespertinos y ahí me llamaron para interpretar a Sofía, la protagonista de la película Todos Juntos. Ella es una chica de clase alta que seguía un patrón por su clase social y que deja el deber de ser lo que se espera de ella. Es ahí cuando se toma el gusto y la libertad de hacer lo que quiere y viajar. En este viaje se enamora y comienza a vivir. Ese fue mi debut y le tengo mucho cariño, ya que fue un antes y un después. El punto de no retorno de ser actriz. Después de eso trabajé con varios personajes en la escuela. En una comedia que me encantó, porque me percibía como actriz de drama profundo y se me abrió una nueva puerta. Entender al personaje fue muy interesante. En el cortometraje Atacama fue muy importante encarnar a Laura. Yo hago la biografía del personaje y trato de empatizar, saber por qué reacciona como lo hace y por qué es como es. Fue muy complejo entrar en una asesina en serie, ya que es difícil empatizar con alguien que mata por placer. Estudié y traté de entenderlo como una patología y sin juzgarla. Un personaje que amé hacer fue el de una prostituta chilena. Fue un proyecto auto gestionado con una amiga colombiana. Tuve que trabajar el acento. Fue genial, porque acá en Chile tengo un casting muy marcado y salir de eso fue genial. Hacer de prostituta fue mi demostración a que puedo hacer otras cosas. Hice el piloto de una serie donde interpretaba a una historiadora. Una anécdota es que me pidieron teñirme el pelo rojo y, gracias a eso, luego me cambian el casting para hacer de una adolescente en problemas, un embarazo adolescente. El trabajo de los acentos es interesante, ya que para mí es difícil conec-

¿Cómo sientes que se vive el machismo en el medio? tar con las emociones cuando debo tener otro acento, es una capa más de dificultad. Junto a Natalia Elgueta hemos estado trabajando diferentes acentos. Y en base a eso, estoy con un proyecto para irme fuera de Chile. ¿Cómo preparas tus personajes? A la hora de armar un personaje, parto leyendo el guión. Si el guión está bien escrito, te dice mucho. Si te fijas en las puntuaciones, entiendes bien cuál es el tono del personaje. Luego comienzo armando un personaje biográfico; estudio el contexto social, la cultura y todo lo que rodea al personaje. Finalmente, me voy a las características psicológicas para entender quién es en ese lugar. Al tener eso claro, me meto en el trabajo físico. Con eso pasamos al análisis duro de texto, con pasos e intenciones del personaje. El subtexto es muy importante. Trabajo mucho sobre lo dicho y desarrollo eso. Hacer uso de los silencios en el cine es muy bonito y usar el cuerpo que siempre comunica algo, también. Ya cuando tienes todo eso, lo sueltas y que fluya solamente. Hay propuestas con tus compañeros ya en rodaje y adecuarte con tus compañeros.

Siento que es genial que se toque el tema. Nuestro país es machista y predominan los hombres en la industria. Me parece importante que sea un tema que hoy se cuestione y se comience a educar a las personas. He tenido experiencias muy machistas, y es difícil. Pero está en uno ir cambiando, por eso creo que ayuda bastante el que yo esté produciendo. ¿Qué se viene para ti? De momento no hay proyectos con fecha de rodaje, pero se vienen dos cortometrajes de cine independiente; Ambos son comedia negra. Muchos castings. Mi viaje a México como actriz. Un largometraje que no quedó admisible en FONDART y que debemos buscar financiamiento. El próximo año estaré en una obra de teatro que cuestiona el cómo establecemos las relaciones de pareja actualmente; remonta a Romeo y a Julieta del futuro, lo que lo hace muy interesante y el equipo es muy potente, la escenografía también es increíble.

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MUNDO PELÍCULAS

JORGE OLGUÍN P R E S E N T A

UNO DE LOS DIRECTORES DE CINE DE TERROR MÁS RECONOCIDO DEL PAÍS, NOS CUENTA SOBRE UN FESTIVAL DE CINE QUE ABARCA EL GÉNERO FANTÁSTICO Y DE TERROR.

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FESTIVALES

ENTREVISTA BENJAMÍN SCOTT

¿Qué es y de qué trata Santiago Horror Film Festival? Es el primer encuentro entre realizadores, productores, directores y gente vinculada al género fantástico y de horror, que tendrá un espacio para juntarse, conocerse, mostrar sus películas y los proyectos que tienen en desarrollo. Pero también se vinculan otras artes del horror: exposiciones de arte, cómics, foros de cine y talleres. La idea es que este proyecto crezca. Este año serán tres días de festival en Espacio Diana, pero esperamos que el próximo año sean más. ¿Cómo nace la idea de crear este festival? Todo nace de la iniciativa de Gustavo Valdivia, quien lleva años haciendo Madhouse; un espacio que reúne a fanáticos del cine gore, fantástico, bizarre y de terror, donde alguna vez también fui invitado. Me di cuenta de la cantidad de fanáticos que hay, que no solamente estaban ahí como para pasar el rato, sino que para encontrarse, conversar y mostrar sus talentos. Había gente que hacia maquetas, arte, maquillaje, entre otras cosas. Me pareció maravilloso que desde aquí naciera la idea de hacer un festival de horror acá en Santiago. Gustavo me convocó a mí junto con otros colegas para crear un espacio para los fanáticos del género de terror y armar un festival de horror desde el punto de vista de los realizadores. ¿Cuál crees que es la importancia para el país el abrir estas instancias para mostrar cine de terror y fantástico? El cine chileno en estos últimos veinte años se ha instalado de una manera muy interesante en el extranjero, incluso logrando dos Óscars y no-

minaciones. Por ello, era evidente que el cine de terror y fantástico se fuera tomando su espacio. Yo comencé hace diecinueve años con “Ángel Negro”, que es prácticamente una de las películas que debutó en el género de horror tanto en Chile como en Latinoamérica, retomando una tradición que se había perdido hace treinta años. De ahí en adelante, hemos visto el desarrollo de otros realizadores que ahora están ganando posicionamiento internacional en otros festivales. Por lo mismo, me parece que tenemos que tener encuentros en nuestro propio país. La idea no es que solamente nos tengamos que encontrar en espacios internacionales, sino que desde acá, también tengamos un espacio donde mostrar nuestras películas: Que el público nacional pueda apreciar nuestro trabajo en una sala de cine. ¿Cuáles son las películas nacionales que se proyectarán durante los días del festival? Hay cosas muy interesantes. Habrá

una sección de competencia de cortometrajes, donde veremos lo que pasa ahora con los nuevos creadores; gente que está estudiando cine o directores y realizadores que tienen en proyecto películas. Es grandioso ver el nacimiento desde acá. Obviamente, hay películas que este año se han instalado nacional e internacionalmente: “Trauma” de Lucio Rojas ha llamado mucho la atención y le ha ido muy bien. “Noche”, una película que estuvo hace poco en salas de cine y que nos muestra cosas apocalípticas. “Wekufe” toca temas de mitología en Chiloé y ganó premios internacionales. También está mi última película, “Gritos del Bosque”, que recibió premios en Estados Unidos y que es la primera película 3D en formato ficción que tendrán la oportunidad de ver acá en 2D. Lo mejor es que luego de ver las películas, habrá un conversatorio con los asistentes.

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FESTIVALES

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FILMOGRAFÍA JORGE OLGUÍN

EL FESTIVAL SURGE DEL AMOR Y LA PASIÓN POR ESTE GENERO

ÁNGEL NEGRO

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AÑO 2000 // ORIGEN CHILE // DURACIÓN 85 MIN PRODUCTORA ÁNGEL FILMS PRODUCCIONE

¿A quiénes veremos durante el festival? Como te decía antes, lo más interesante es que en el festival estarán los realizadores. Para mí, es un sueño poder tener este espacio para compartir con colegas, mostrar las películas y hacer conversatorios. También habrá un foro moderado por Jaime Coloma, donde los realizadores hablaremos de dónde está ubicado hoy el género fantástico y de terror chileno. Y otro foro es el del espacio de las mujeres en el cine fantástico y de terror, un tema que está muy bueno comentar. Hay proyectores de realizadoras que se vienen, como el festival de terror de Valparaíso. Será un espacio muy enriquecedor, donde hablaremos de la escena actual que crea este cine. Como destacado director de este género en Chile ¿Cómo has visto que la gente recibe el cine de terror y fantástico en el extranjero? Desde que mostré mi película “Ángel Negro” en Mar del Plata, Cannes y Montreal, entre otros festivales, la recepción ha sido interesante: Conocer otras latitudes, otras forma de hacer cine, otras miradas y conocer la industria de Hollywood, donde más se nutre el cine de género, fue como un sueño para mí. El cine de género es subversivo, pero a la vez comercial. Es bastante extraño lo que pasa con el cine de terror. Y llama mucho la atención lo que está pasando ahora: nuevos realizadores, que están con sus primeras obras, están llegando a festivales internacionales con gran éxito. Si bien ya hay una mirada muy reciente sobre el cine latinoamericano de terror, me siento feliz de haber tenido la iniciativa de haber armado una película que ha hecho surgir a otros cineastas en otros países como Argentina y Uruguay, donde directores han realizado sus películas y se han instalado internacionalmente, trabajando ahora en la industria de Hollywood. De alguna manera creo que lo que pasa con el cine nacional, es que hay

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SANGRE ETERNA AÑO 2002 // ORIGEN CHILE // DURACIÓN 108 MIN PRODUCTORA ÁNGEL FILMS PRODUCCIONE

mucha atención con lo que se está haciendo en Chile, el cual es un escenario muy bueno para comenzar a crear obras. Así es como nace la idea de Santiago Horror Film Festival, que las cosas salgan desde acá. ¿Tendremos alguna sorpresa o primicia de tu nuevo trabajo en el festival? Con respecto a mi nueva película “La Casa”, estamos viendo, ya que estamos en fase de post producción, editando. Esperamos hacerlo, tengo muchas ganas, pero tendremos que ver si se da la posibilidad de mostrar algún material. Ojalá se concrete, pero será sorpresa.

SOLOS AÑO 2008 // ORIGEN CHILE // DURACIÓN 74 MIN PRODUCTORA ÁCHILE FILMS S.A. / SLEEPING GIANT ENTERTAINMENT

CALEUCHE AÑO 2012 // ORIGEN CHILE // DURACIÓN 100 MIN PRODUCTORA CHILEFILMS

¿Por qué la gente no puede perderse el festival? Creo que el festival será muy bonito porque surge de la pasión y el amor de este género. Yo creo que todos los fanáticos del cine fantástico y de terror tenemos un cierto cariño desde la infancia por este género, y de cierta forma, nos sentimos de nuevo niños mostrando nuestras películas y comentándolas. Creo que será muy entretenido tener este espacio. Es una ventana que no existía en Santiago, pero sí en Valdivia y en Valparaíso. Por ésto, es que me parece genial que ahora lo tengamos en la ciudad y se transforme en un espacio de convergencia para el cine de horror latinoamericano.

GRITOS DEL BOSQUE AÑO 2014 // ORIGEN CHILE // DURACIÓN 87 MIN PRODUCTORA OLGUIN FILMS LTDA.

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FESTIVALES

EL DIRECTOR DE CINE NOS CUENTA CÓMO NACEN LAS IDEAS DE SUS PELÍCULAS Y LA IMPORTANCIA DEL MENSAJE IMPLÍCITO QUE NOS DEJA EN ELLAS PARA EVALUARNOS COMO SOCIEDAD.

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SANTIAGO HORROR FILM

LUCIO ROJAS_ Y la avasalladora violencia que genera la poca empatía que vive un país.

ENTREVISTA BENJAMÍN SCOTT FOTOS PAOLA GÁRATE ESPINOZA CULTO BAR, ESTADOS UNIDOS 246

LUCIO ROJAS nació en Santiago de Chile, pero tuvo una infancia en Aysén y Coyhaique. Cuando era niño, era el típico caso de “generación videoclub”. Se vino a Santiago donde terminó la enseñanza media y luego estudió un año de Derecho en la Universidad de Chile. En la misma institución estudió después Administración Pública, pero tampoco la terminó. Un día decidió dejarlo todo, poner una tienda en Santiago Centro y estudiar finalmente en la Escuela de Cine de Chile, de donde egresó y conoció gente con la que trabaja hasta el día de hoy. Lucio Rojas se desempeña como director, guionista y productor, cuenta con películas como Trauma (2017), Sendero (2015), Perfidia (2014) y Muerte Ciega (2011). ¿Cómo nace la idea de crear una película tan controversial como Trauma? Trauma nace desde la violencia que me genera Chile. Yo soy una persona bastante pacífica, en mi vida ni siquiera he peleado a golpes con alguien. De hecho, la sangre y las heridas de

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la gente me dan “cosa”. Pero al mismo tiempo, cuesta mucho que algo me impacte y me estremezca, y en esta película hablo de cosas que sí lo hacen, que me violentan y mucho. Una de ellas es la dictadura y lo otro es el Chile que tenemos actualmente; la desigualdad, la homofobia, el clasismo, el racismo, etc. Chile se cree “el jaguar” de Latinoamérica y es un país medieval en muchos temas, especialmente en lo que respecta a su dictadura, que fue brutal, extrema, sádica y que aún así, todavía hay una gran cantidad de esos criminales que, lamentablemente, por falta de voluntad política, están libres o gozan de una sanción en un hotel. Eso es una vergüenza y me violenta. Tuvimos un dictador que murió de anciano en libertad. Son temas que a la generación de los millennials principalmente, los tiene sin cuidado. No son capaces de empatizar con algo que se escape de su metro cuadrado. Me violenta cuando dicen: “¿Hasta cuándo siguen hablando de la dictadura? Si ya pasaron 45 años.” Creo que se debe seguir hablando de esos temas hasta que sepamos dónde está hasta el último desaparecido. Sabemos que están muertos, pero hay que saber dónde están; en el mar, enterrados, incinerados... Qué sé yo, pero hasta el día en que sepamos dónde están todos, recién se podrá dar vuelta la página, recién podrá haber reconciliación. Decir “¿Hasta cuándo siguen

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TRAUMA NACE DESDE LA VIOLENCIA QUE ME GENERA CHILE

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hablando del tema?”, es la frase más espantosa y cruel que hay en esta generación. Como yo hablo de temas que me violentan, se hizo una película que violenta al espectador. La dictadura es un tema más de la cinta. Es más, no se habla de política, se habla desde el punto de vista de un contexto sociopolítico en el que vivíamos. Finalmente, habla sobre el abuso sexual hacia las mujeres, de una sociedad machista donde todos los hombres hemos sido partícipes de ello. Todos, algunas veces, hemos caído en machismo con el típico chiste, insulto, maltrato o burla. Es más, yo desconfío mucho de la gente que dice: “Yo soy un artista o yo soy un feminista.” Es la gente la que dice si eres un artista o no... Ojalá hayas fallecido y digan que dejaste un legado artístico. Lo mismo me pasa con los que se auto-declaran feministas y siempre les terminan encontrando algo machista y patriarcal. Con el tiempo, las mujeres podrán decir si eres o no eres feminista, pero esta auto-denominación que hacen algunos,

me parece aberrante. A mí me violentan esas cosas, por eso hice Trauma. A nivel social estamos perdidos. Las libertades que no gozamos en Chile y la desigualdad, me indignan... Sobretodo la poca empatía ante estos temas. Trauma trata de cosas no resueltas en este país, de una dictadura militar violenta, del abuso sexual y de la violencia que viven todos los días las mujeres. Porque no hay mujer que no haya recibido alguna vez acoso o abuso en su vida, y lo peor, es que no importa la edad que tengan. Creo que Trauma es la primera película genuina de terror en Chile y con una clara identidad propia. No trata de copiar estereotipos de otras películas. Para hacer una película, se tiene que buscar tu propio imaginario, tus propios miedos, tus propios límites. Pero, si quieres hacer tu película favorita en un contexto chileno, creo que no sirve de mucho. Hay que buscar nuestra identidad. ¿Cómo fue el proceso de escoger a tus protagonistas para la película? Fue bien simple. Generalmente no hago casting. Estoy muy al corriente de la gente que está en televisión. Ahora no tengo tanto tiempo, pero antes iba mucho al teatro, lo que me permitía tener un abanico y biblioteca mental de actores que me podían servir para determinados roles.

SANTIAGO HORROR FILM

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A MÍ NO ME GUSTAN LOS FINALES ALEGRES, HE NOTADO ESE PATRÓN EN MIS PELÍCULAS

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Lo que hice fue un trabajo con mis actrices y actores. Pedí mucha entrega porque iba a hablar de temas delicados y complejos. Además, era una cinta de bajo presupuesto donde no iban a ganar mucho dinero. A veces, muchos actores toman proyectos que no les gustan pero que pagan bien. En este caso, no se ganaba mucho y la exposición y la exhibición que iban a tener, no era tanta. Tendremos estreno en octubre en algunas salas, pero será algo pequeño. En el fondo, tanto actores como actrices se sumaron al proyecto desde la confianza del mismo. Eran temas delicados que íbamos a trabajar con mucho respeto, dedicación y mucho amor por lo que estábamos haciendo. Era un proyecto muy riesgoso. De aquí a final de año, tendremos alrededor de cuarenta festivales, hemos tenido mucha prensa y buenos reviews, pero por otro lado, no hemos podido estar en algunos festivales por lo extrema y violenta que es Trauma. Al haber tanto riesgo, les dije a los actores que tenían que creer, dejarse llevar, despegarse de pudores. Hay desnudos completos, es explicita, y necesitaba ese realismo, llegar a esa verdad. Porque de otra forma, una historia tan cruda como ésta, no se podía contar bien y no sería creíble. Con la entrega de los actores y la confianza del equipo técnico, pudimos lograr

algo así. ¿Cómo fue dirigir esta película con una temática tan compleja? Mi película previa, Sendero, fue mi aprendizaje para ésto. Cometí muchos errores en la pre producción y rodaje, de los cuales me di cuenta después. Si bien, a la película le fue muy bien, estuvo en muchos festivales y tuvo buena distribución, a mí, me dejó con una cuota de no haber llegado a lo que yo quería. Fue precisamente porque no fui lo suficientemente honesto para trabajar algunas cosas. Es una cinta más ligera, incluso más mainstream, pero no trabajé con suficiente cuidado. Yo sabía que luego de esa película se venía Trauma, y me decía: “Si enfrento una película como Trauma, que es quinientas veces más compleja que Sendero (con el rigor que tuve en esa), será un desastre. No podré tocar los temas que había que tocar con tanta seguridad, confianza e incluso integridad en cada uno de los componentes.” Esa película me ayudó para que yo, en Trauma, fuera muy riguroso y muy estudioso. Tuvimos muchos ensayos y muchas reuniones con el elenco desde mucho tiempo antes. Se filmó en noviembre o diciembre, pero en abril de ese año yo ya me estaba juntando uno a uno con los actores y actrices. Tenía todo listo en ese tiempo. Luego,

la investigación, el terreno, la bibliografía y dar con el tono que necesitaba para la película, ya que era muy triste y desesperanzador. A mí no me gustan los finales alegres, he notado ese patrón en mis películas, especialmente con un tema como el de Trauma. Trabajamos con mucho respeto, muchas reuniones y conversaciones de guion, para que tuviéramos seguridad de lo que enfrentaríamos en cámara. Especialmente, se planteó mucho las escenas más complejas y extremas; no por lo violentas, sino que por el trasfondo. Es lejos el mejor rodaje en el que hemos estado. Pese a lo fuerte de la película, hubo mucho amor, compañerismo, amistad y tratamos de hacer un trabajo complejo desde la armonía máxima. La gente cree que filmar Trauma fue casi la guerra, pero fue todo lo contrario. Hubo mucho respeto en la idea y las casi ochenta personas que trabajaron en la película lo hicieron creyendo en el proyecto y en la historia que queríamos contar. ¿En el proceso de creación, se te presentaron problemas por la cantidad de violencia y crudeza del proyecto? No. Tuve completa libertad y autonomía. El guion lo escribí solo, pero consultaba con el productor ejecutivo principal, Rodrigo Fernández, a medida que avanzábamos en el guion. El tema no era si nos pasábamos, sino que se contara bien la historia y que todo estuviera justificado. Lo más lindo, es que todo lo complejo se entendió bien en todos los países. Para muchos fue casi una clase de historia que los llevó a entender la dictadura que tuvimos, a preguntarnos si de verdad esas cosas pasaron. Hay escenas que son recreaciones de torturas que se realizaron en la dictadura. Jamás se pensó en una película para llenar salas, todo lo contrario, es tan provocadora que, efectivamente, saca gente del cine. Siempre usan eso en los festivales como campa-

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PARA QUE EL MUNDO CAMBIE, TENEMOS QUE MORIR

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ñas publicitarias, pero con Trauma, de verdad sale desde el 10% al 20% del público, porque es muy violenta y se sufre mucho viéndola. La gente sale desanimada, agota mucho y deja con un bajón físico y emocional. El mensaje final no es esperanzador: La única forma de acabar con la homofobia, el machismo, el racismo, es que desde nuestra generación para arriba, dejemos de existir, es decir, para que el mundo cambie, tenemos que morir. Cuéntanos sobre los pasos por los festivales con la película ¿Cómo fue el recibimiento de la película? Siempre me pasa que en México aman mucho el cine de horror chileno. No llega mucho, pero cuando llega, lo reciben de manera increíble. En España y México es donde mejor recepción tuvo la película. En España se estrena en noviembre, en México se está viendo la posibilidad, me ofrecieron post producción allá, incluso creo (y no me extrañaría) que me radique en ese país en algunos años más o al menos coproduciendo varios proyectos. En México hay mucho respeto a la actividad cultural y cinematográfica: la gente te cree, se prepara y se motiva. No hay mejores preguntas que las que te hacen en ese país, tienes que estar bien preparado para responderlas. Aunque las películas se tienen que defender solas, si justificas cosas, hay un problema de fondo en ella. Si no se entendió algo y la gente no capta lo que quisiste decir, hay algo mal. En México la gente es cariñosa y estoy mucho rato tomándome fotos, te dan regalos, me dieron tequila, y esas son cosas que solo ocurren allá. Es una maravilla. Trauma es una película muy de festivales, no se disfruta, pero no te deja indiferente; si la ves, no la olvidas. Tuvimos muy buenos reviews de la prensa extranjera, que dicen que es una gran película pero que no la volverían a ver. Genera lo que pasa con A Serbian Film, por ejemplo. Esperamos que ahora aparezcan las ediciones en DVD y BlueRay, que aparezca en redes, que sea pirateada. A mí me importa que la gente la vea. Creo que quienes no quieren que sus películas

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se hagan piratas, es porque tienen una película que no quieren que la gente vea. Probablemente, Trauma es la película más controversial del año. Hay mucho cine que tiene violencia porque sí, pero en Trauma no hay ni una escena que sobre. Es chocante, pero al mismo tiempo es una película única en su especie y que seguirá creciendo. ¿En qué proyectos te encuentras actualmente? Ahora estoy con tres proyectos. El primero es la producción ejecutiva de “28”, una antología de horror fantástica, que fue creada por Sandra Arriagada y que trata de seis historias de horror fantástico dirigidas y protagonizadas por mujeres de toda Iberoamérica. Hay gente de Chile, de México, Brasil, Colombia, Argentina y España. Es un proyecto que está creciendo muy bien en los mercados, y en especial genera mucho interés internacional en grandes actores de primer nivel en todos los países mencionados. Esperemos que el próximo año se concrete y se encuentren con esta sorpresa, con rostros que han visto en muchas películas. Probablemente se filme en Chile un 60% y en México un 40%. Además, estoy en el desarrollo de

un thriller psicológico que se llama “Casandra”, para el cual estamos viendo la posibilidad de una co-producción chileno-española. Es un proyecto más grande y tiene un poco más de preparación. Si todo anda bien, comenzaría el segundo semestre del 2019. Finalmente, estoy en un proyecto que se llama “Fascinación”. Debe ser el más cercano de los que te mencioné. Va en la misma de línea de Trauma, en cuanto al tema controversial, pero no tiene violencia. Es una película auto-gestionada con pocos inversionistas y es probable que sea mi primer trabajo chileno-mexicano. Incluso estoy viendo si filmo allá o acá en Chile. Eso lo veremos de aquí a noviembre. La gracia del proyecto es lo controversial. Será una película para festivales. Por alguna razón, siempre he tratado de entender cómo una mente puede desconocerse tanto para llegar a hacer cosas tan dementes; violar un bebé, torturar a alguien, matar niños, etc. Pienso en lo que hay detrás de esas mentes y me gusta el tema, pero no desde la empatía ni la defensa, sino que me gusta ver la reacciones de la gente ante eso. Me gusta entender eso y cómo la gente pierde el rumbo de tal forma hasta ser capaces de actos así. Trato de entender qué pasó en su vida y en su infancia para ser esa

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MI FORMACIÓN COMIENZA DESDE LA LITERATURA. EL PRIMER LIBRO QUE LEÍ FUE LA BIBLIA, Y CUANDO LA LEES A LOS NUEVE AÑOS, ES MUY TERRORÍFICA

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Chile falta tocar esos temas tabú e ir más allá. ¿Cómo nace tu fascinación por el género de horror y fantasía? Mi formación comienza desde la literatura. El primer libro que leí fue la biblia, y cuando la lees a los nueve años, es muy terrorífica, está llena de cosas brutales y gore. Luego pasé a libros fantásticos: Edgar Allan Poe y Arthur Machen (mi mayor influencia). Desde ahí comenzó mi fascinación, y después ya fui por el vídeoclub. En Aysén yo pasaba en el único videoclub que había en el pueblo y me arrendaban cosas para mayores, cosas bizarre, de fantasmas, monstruos, e incluso en el cine me dejaban entrar aunque las películas en esa época fueran para mayores de veintiún años. Me gustaba, porque era lo que más me llenaba. Cada película tenía una lectura inte-

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resante, y con el tiempo me di cuenta que el cine fantástico y de horror permite un motor de lecturas sociales, sexuales, políticas y otras. Por ejemplo, el cine de Hitchcock está cargado de sexualidad sin mostrar desnudos. Así, me di cuenta que podía hablar de cualquier tema y buscar la segunda lectura. Conecté con eso por las cosas que se podían contar. A mí me gusta la mayoría del cine, puedo ver comedias, por ejemplo. Lo que no me gustan mucho son las películas de acción como Misión Imposible. Star Wars y las películas de Wes Anderson para mí son películas para verlas en el avión, para hacer la hora. Me gusta ver esos canales de investigación policial: Parejas asesinas, amantes asesinos, niños asesinos. Hay de todo en ese canal, del tipo de asesino que se te ocurra. Me gusta ver esas cosas. Tengo una fascinación por lo oscuro, por escarbar en la mente humana y el entender cómo alguien llega a cometer atrocidades que uno no se imagina. Por lo mismo me genera interés este cine. ¿Qué esperas de la primera edición de Santiago Horror Film Festival? Me parece genial que tengamos este año el Santiago Horror Film Festival. Espero que tenga la cobertura mediática que merece, porque sin esa pantalla, la gente no llegará. Chile tiene números importantes de gente que va al cine, pero necesitamos llevarlos a los festivales también. Educar a la

gente, tener retrospectiva y que los festivales sean una alianza entre ellos. Sería ideal que se cree un circuito nacional y no una rivalidad. Siempre tenemos esa tendencia de ser el mejor o el primero. Me parece absurdo. No hay que crear rivalidad, debemos crecer en conjunto. El festival no trae solo cine, sino que otros tipos de arte. Espero que crezca, y que si no es este festival sea otro, pero que se dé el espacio para traer invitados importantes desde el extranjero, actores, directores, laboratorios y que haya circuito. Solo pasar películas no tiene mucha gracia. Este festival tiene conversatorios, muestras de arte y esa es la gracia. Espero que los fondos audiovisuales también abran más espacios y nos dejen de mirar como el “patito feo” del cine. Finalmente estar en esa parada, es no entender nada. En Argentina, antes tenían los fondos funcionando bien con apoyo al cine fantástico y de terror. En México, Perú y Brasil, lo siguen haciendo... Pero en Chile no hay imaginario propio para ésto. Hay tanto sustento de literatura fantástica, mitos y leyendas, en regiones sobretodo. Hay materia prima para desarrollarlo, pero hay poco apoyo. ¿Dónde podemos encontrar tus películas? En Netflix, en YouTube y durante estos meses, se vienen los DVDs.

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CAROLINA CORREA _ Y el divino arte de hacerlo todo ENTREVISTA BENJAMÍN SCOTT FOTOS PAOLA GÁRATE ESPINOZA CULTO BAR, ESTADOS UNIDOS 246

Carolina Correa (39) es una Santiaguina que estudió Teatro en la escuela de Fernando González y que luego se especializó en dramaturgia en Argentina. Al volver a Chile, siente que dejó lado la actuación para dedicarse a escribir guiones, pero aún así participó como actriz de teatro en algunas obras y en la película “La Buena Vida” del director Andrés Wood. En el año 2012 fue que comenzó a cantar y armar una banda con un amigo, en estilo cover a Cristina y Los Subterráneos que, para ella, siempre fue su álter ego. Hace poco retomó la música para embarcarse en un proyecto personal que actualmente está en proceso de composición. Carolina es muy persistente en su trabajo y sus pasiones, por lo que siempre se mantiene escribiendo, cantando (que retomó recientemente), actuando y poniendo a prueba su feroz paladar. ¿Cuándo supiste que querías convertirte en actriz? Esto nace desde muy pequeña. Mi madre me cuenta que cuando yo te-

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nía tres años, imitaba a la niña de una teleserie que se llamaba “la Chelo”, y le pedía que me peinaran igual a ella. Desde ahí, no había otra posibilidad que no fuera dedicarme al mundo del arte, ya fuera bailarina, actriz o cantante. Era obvio que me terminaría dedicando a algo que fuera del mundo artístico y que viviría mi vida en el escenario. A los nueve años me inscribieron en teatro, así que hago esto desde siempre. También hacía show en clases, por lo que me expulsaron de ocho colegios más o menos, por conducta. Era muy inquieta. En los colegios católicos de monjas y curas siempre me sacaban, pero en los colegios laicos me adoraban; todo el mundo encontraba que era una maravilla mi lado artístico ¿Cómo puede ser malo que una niña se pare y se exprese de manera artística? Es más, yo también imitaba a los profesores y les encantaba, pero en los colegios católicos era una falta de respeto y te expulsaban. Hablando de actuación, ¿Cómo fue tu experiencia trabajando con Andrés Wood? Fue muy buena. Fui a un casting para un papel que se llamaba “Puta Muda”. Era una escena donde había alrededor de cincuenta prostitutas y Andrés quería que por lo menos veinte de ellas fueran actrices, pero que

ninguna hablara. En ese casting buscaban una actriz que hiciera de puta y hablara un poco más. Cuando Andrés vio mi desempeño de puta muda dijo que me quería para otra audición. Sentía que yo me veía muy bonita y muy flaite a la vez. Eso era lo que él necesitaba. En ese tiempo yo tenía el pelo teñido con “mechas californianas” arriba y, mi amiga que hacía el casting, me dijo: “Ese rubio ordinario que te hiciste para el casting pegó increíble”. Lamentablemente, ese no era mi rubio para el casting… Era mi rubio de la vida. Entonces, Andrés buscaba a esta puta que le quitaba el marido a una de las protagonistas, y así me gané ese personaje que se llamaba Rita López, la amante de Alfredo Castro. Trabajar con Andrés fue maravilloso. Él te deja ser. Fue como “no actúes, has lo que hiciste en el casting”. Todo fue agradable. El tiene muy buen trato y tiene la película muy clara, así que fue una muy buena experiencia trabajar con él.

ESCRIBIR, CANTAR Y ACTUAR SON ALGUNAS DE LAS COSAS QUE REALIZA LA PRIMERA MUJER CHILENA EN GANAR LA CONVOCATORIA DE CONTENIDOS DE LA CADENA FOX, CONTRATO QUE SE MANTIENE VIGENTE.

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NO HABÍA OTRA POSIBILIDAD QUE NO FUERA DEDICARME AL MUNDO DEL ARTE

”

¿Cuándo te pasaste de la actuación a la escritura? Me fui a vivir dos meses a Ibiza, pero finalmente, me terminé quedando allá lo que me aguantó la visa, que fueron seis meses. Era la primera vez que viajaba sola (ya que antes siempre viajaba en pareja). Luego pasé un tiempo de soltería desde los veinticuatro hasta los treintaiún años, durante el cual viajé sola. Me pasaba que veía cosas o conocía gente que era muy “personaje”, y tenía que contarlo. Me iba a un bar en la noche y pedía una o dos copas de vino (o la botella) y, como era el año 2006, no tenía computador, así que escribía mis cuentos. Empecé a escribir cuentos y luego volví a Chile para comenzar a trabajar en teatro. En esa instancia, me metí a la escuela de Alfredo Castro y a unos seminarios de actuación. Hicimos una dramaturgia y empecé a escribir más, me metí a unos talleres que estaba dando Juan Radrigán en el Teatro de La Memoria, a quien una amiga conocía porque ella le hacía un documental a Juan. Yo también lo conocí, porque egresé con una de sus obras. Los talleres eran caros, pero él mismo me dio una beca, diciéndome que pagara $50.000 nada más. Pero al final, el curso no se hizo porque llegué yo y dos personas más. Así que tomé la decisión de postular a un Fondart para irme a estudiar dramaturgia a Buenos Aires. Un poco también porque quería salir del país. Me afectó mucho que fuera electo Sebastián Piñera en el 2010, eso me generó mucho conflicto y me sentaba mal vivir en un país donde la mitad de la gente votó por un personaje como él. Se juntó eso y que en Argentina los cursos eran baratos. Además, lo entretenido de viajar, la soltería y… siempre me gustaron los argentinos. Postulé a becas y no me las dieron. Fue bien ilógico, no me las dieron porque no tenía experiencia en dramaturgia, y yo estaba pidiendo una beca para ir a estudiar eso. Lo que hice fue vender el auto que tenía, me fui en bus y llegué

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a trabajar allá, para poder estudiar. Así que ahí empecé con la escritura y estudié en la mejor escuela, que es la de Mauricio Karton, el inventor de la carrera de dramaturgia. Finalmente, me quedé un año y medio, me fue bien con mi propuesta de obra y la terminamos. Espero poder montarla en algún momento, se llama “Isla”. En un intento de montarla, Rodrigo Farías me iba a realizar el arte de la obra... Creo que pronto voy a retomar ese proyecto. ¿En qué momento crees que puedes decir que una persona es guionista? Para mí, uno es guionista cuando no puedes dejar de escribir. Más allá de cuantos proyectos hayan visto la luz, creo que tiene que ver con cuando uno vive escribiendo y no puedes soltarlo. Es una opinión personal, porque en teoría eres guionista cuando eres conocido y existen obras que hablen por ti. Yo no tengo eso. Una vez alguien me dijo “Tú no eres nadie”. Me lo dijeron porque no han visto nada mío estrenado. Tengo un guion que vio la luz, de una serie que se llama “12 días” y que fue por encargo de CHV a Mateo Iribarren, y como yo trabajo con él, lo hicimos juntos. Fue un capítulo

hermoso; se trataba del día que muere Pinochet. Escribimos una comedia negra sobre ese día, y quedó preciosa. Fue uno de los mejores capítulos. En rigor, ese es mi único guion emitido, es lo único escrito que puedes ver. Sin embargo, tengo cuarenta guiones escritos; series de televisión, películas y una serie para FOX. Sin ir más lejos, soy la única chilena con contrato vigente con FOX, luego de haber ganado una convocatoria abierta de mil novecientos guiones de todo Latinoamérica. Competí con la productora de los guionistas de Narcos, y quedó mi guion y de Mateo Iribarren. La idea original es de él, pero el guion lo escribimos en conjunto. ¿Cómo fue esta experiencia de quedar seleccionados con “Isla Negra”? Fue muy fuerte. Lo postulamos y antes lo habíamos mandado a TVN. Yo estaba terminado en ese canal “Adopta A Un Famoso” (también hago guiones para docu-realitys) y había trabajado en “Los Méndez” (el programa de docu realidad más visto en nuestro país que también escribí con Mateo). Mientras yo terminaba el trabajo ahí, Iribarren me propone este proyecto y me dice que lo presente-

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UNO ES GUIONISTA CUANDO NO PUEDES DEJAR DE ESCRIBIR. MÁS ALLÁ DE CUANTOS PROYECTOS HAYAN VISTO LA LUZ, CREO QUE TIENE QUE VER CON CUANDO UNO VIVE ESCRIBIENDO Y NO PUEDES SOLTARLO

”

mos en el canal. Les gustó, pero no lo quisieron. Guardamos el proyecto como dos años, hasta la convocatoria de FOX en el 2016 a la que Mateo insistió que lo enviáramos. El guion estaba muy avanzado, hicimos unas correcciones y ajustamos lo que se pedía en ese formato; lo teníamos escrito como teleserie y ahora lo postulábamos como serie. Lo presentamos y, cuando nos avisaron que habíamos quedado entre los cincuenta seleccionados, teníamos que hacer un pitch; nosotros ya saltábamos en un pie de felicidad. Fue demasiado. Nuestra única expectativa es que estábamos conformes con el trabajo y sabíamos que era muy bueno. Ellos te exigían en el primer capítulo, un arco de la temporada y nosotros hicimos una proyección de segunda y tercera temporada. Es una historia fascinante. Y no teníamos expectativa, porque era una convocatoria abierta y competías con grandes productoras. Sabíamos que era buen material, y nosotros estábamos felices de que pudieran leerlo solamente. Teníamos diez minutos para hacer el pitch, por lo que contratamos a alguien para hacerlo bien y que nos enseñara tips que finalmente nos funcionaron. Luego armamos un guion de nuestra historia,

como haciendo una fogata y contando de qué trataba nuestra serie. Estábamos ahí, frente a todos los señores de FOX de distintos países en una mesa, y para cuando terminamos, la mujer que dirigía el pitch dice “¡Wow!”. Nos preguntaron muchas cosas y salimos felices. Pasaron dos meses y nos avisaron extra oficialmente que habíamos ganado nosotros. Luego, en diciembre fue el anuncio oficial para todo el mundo. Fue genial que nos pagaran por desarrollar una historia que a nosotros nos fascina. Tuvimos un proceso de trabajo como de seis meses con ellos vía Skype; FOX Argentina, Brasil y México. Gente que sabe mucho, hacía devoluciones de tus entregas. Fue muy genial.

jubilado... De la misma forma como viven sueltos y libres los abuelos torturadores de la dictadura. Ellos arman el plan y creen que lo matan, pero empieza a pasar algo extraño. Cada uno de los del grupo de amigos comienza a desaparecer. Y hay dos posibles caminos; El viejo no murió o el espíritu está cobrando venganza. Lo que gustó en FOX es que nuestra serie mezcla las cosas; es un thriller, un drama, pero también mezcla lo paranormal. Te deja las puertas abiertas, como pasa en Stranger Things, por ejemplo. Siempre jugamos con eso en el guion. La primera temporada tiene entre doce o trece capítulos de cincuenta y cinco minutos. Tenemos tres temporadas proyectadas con Mateo; la primera ya está escrita y las otras dos están proyectadas. Hay muchas vueltas de guion y la venganza es un tema muy universal. Actualmente, Isla Negra está en etapa de evaluación de mercado.

Cuéntanos un poco de la trama de Isla Negra.

Aparte de este reconocimiento para Mateo Iribarren y para ti ¿Cómo crees que haber ganado esta convocatoria aporta en la industria audiovisual nacional?

Vuelvo a realizar la mención de que la idea original es de Mateo Iribarren. Él me invitó a participar en este guion. La trama es universal. Es una historia de venganza: Un amigo reúne a sus compañeros de colegio después de treinta años para vengarse del profesor que los abusaba, y deciden matarlo. Todos ellos se juntan en Isla Negra, donde vive este anciano ya

Aporta tanto, que se han realizado dos convocatorias más y han sido todo un éxito. A FOX le fue muy bien, y para los guionistas chilenos fue como “Podemos quedar. Esto no es mentira”. Funcionó entonces. Ayuda mucho a los talentos chilenos, y mucha gente me contacta para que los asesore. Se me han abierto puertas en el sentido de asesorar guiones. Debido a eso,

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FUE GENIAL QUE NOS PAGARAN POR DESARROLLAR UNA HISTORIA QUE A NOSOTROS NOS FASCINA

”

estoy en dos proyectos; uno de ellos es sobre Pedro de la Barra, donde asesoro en el guion. ¿Cómo crees que se ve actualmente al guionista chileno en nuestra industria? ¿Alguien que sientas que destaque? Julio Rojas con Matías Bize en La Memoria del Agua fue maravilloso. Hay algo ahí, muy sutil, potente, crudo y con elegancia muy bien trabajado. Hay otros guiones de cine chileno que siento que fallan y que no me conmueven últimamente. Creo que el guionista chileno está muy enfocado en escribir difícil, porque es muy complejo escribir fácil. Siento que no cuentan bien las historias, porque es complejo. Siento que Andrés Wood sabe contar muy bien sus historias. Las Niñas Araña tiene un guion que me gustó mucho, porque es sencillo y te lo cuentan de una manera fácil. El contenido habla por sí solo. La historia es tremenda y poco pretenciosa, es una pena que no le fuera tan bien. Y ¿Algo del extranjero? Recomiendo una película alemana que estuvo nominada al Óscar en el 2016, que se llama “Toni Erdmann”. La crítica la catalogó como “infrecuente”, y me parece que es real. El guion es muy interesante. Es una historia muy simple, que está siempre por caer en lugares comunes, pero lo esquiva. Me pasó también con la última película de Sebastián Lelio, “Desobediencia”, y se lo dije a él personalmente “Me recordó a Toni Erdmann”, él me mira y me dice “Son mis productores y mis amigos”. Desobediencia va a caer en el cliché de lo lésbico, pero te saca. La escena de sexo es muy caliente sin mostrar nada de cuerpo. Fue una genialidad. En términos de guion, también

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quiero recomendar tres películas italianas: La Sconosciut (La desconocida) de Giuseppe Tornatore. Él trabaja con eso de que se revela y cambia el estado de todos los personajes; la que era buena, en verdad es mala, y cosas así que te van sacando de la zona de confort al ver la película. La otra es El Hada Ignorante de Ferzan Ozpetek. Y, por último, Malizia de Salvatore Samperi. Son las películas que yo recomiendo por tema de guion. Hablando de cine, ¿Estás trabajando en algo cinematográfico actualmente? Filmé una película en la que trabajo con Patricio Ochoa, pero aún nos falta grabar algunas cosas. Hace cinco años hicimos las filmaciones y vamos a terminar de grabar acá en Chile. La historia se cuenta desde el 2038, cuando Carmen tiene cincuenta años. Su hijo va a realizar un viaje, y la noche previa a que se vaya, ella le revela cosas que él no sabía de su vida. Le comienza a contar su viaje y nos vamos al pasado. Eso está todo filmado. Estas filmaciones faltantes se grabarán en el sur de Chile. Con la película lista queremos presentarla en festivales. Es un cine muy de autor y creo que tiene hartas posi-

bilidades afuera. La película surge de unas vacaciones. Yo, en mi afán de gozar y Patricio (mi marido) en su afán de trabajar, hicimos este viaje. Mi familia vive en Ibiza, mi hermana vive en Los Alpes y Pato tiene muchos amigos en Barcelona y París, por lo que decidimos dar una vuelta a Europa un poco más de un mes. Nos fuimos y el Pato me dice que hiciéramos un cortometraje. Coordinamos entre amigos y lo hicimos. El Patricio dirigió y también hizo cámara. Tomó un curso bien rápido y se dedicó a eso. Las imágenes están bien buenas, él se preocupó mucho más de eso; de las tomas, cómo utilizar los espacios, los planos, etc. Luego de que Patricio me planteara la idea de hacer algo como El viaje de Ulises, pero con una mujer, decidimos hacer un largo. Comencé a escribir una escaleta y aprovechar todos los lugares de los viajes que íbamos a realizar. No hubo guion ni diálogos, ya que muchos de los actores, en realidad no lo eran. Yo les contaba la idea y trabajábamos en lograr el objetivo de la escena. Contaba solo el objetivo y ahí armábamos. Fue muy bonito y de la dirección de actores, yo me hice más cargo de eso, por mi experiencia como actriz. La historia trata del viaje de Car-

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transformarse. En la película yo interpreto a Carmen, y la hermana de la protagonista, Laura, es mi hermana en la vida real. El resto de los actores son amigos nuestros que viven allá y que estuvieron muy felices de participar en este proyecto. Las otras personas no son actores, que con buena voluntad actuaron en nuestra película. Volvimos y nos hemos metido en proyectos tras proyectos, por lo que no hemos podido retomar. Estamos pronto a retomar, esperemos. Ahora quiero replantear algunas de cosas de guion, ver lo que falta grabar, y quizás regrabar algunas cosas. Cerrando eso, pasaremos a post-producción. Pero antes de eso, queremos visionar de nuevo todo, porque puede que algunas cosas cambien.

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CREO QUE EL GUIONISTA CHILENO ESTÁ MUY ENFOCADO EN ESCRIBIR DIFÍCIL, PORQUE ES MUY COMPLEJO ESCRIBIR FÁCIL

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men. Nora, su madre, tiene un cáncer terminal y le pide que vaya a buscar a su hermana que se fue cuando Carmen era pequeña. Ella le pide que le lleve una carta y que la vaya a buscar a Barcelona. Carmen, una estudiante de enfermería muy tranquila con su eterno novio, se va a buscar a su hermana, y empieza el viaje porque le dicen que se fue de Barcelona a Ibiza, y así sucesivamente hasta que la encuentra. En este camino hasta encontrarla, va descubriendo cosas de su propia vida que ella no sabía y empieza a

Durante estos meses estarás en la obra de teatro “Mi Hijo Solo Camina Un Poco Más Lento”. Cuéntanos un poco de la historia y tu trabajo en ella. La obra trata sobre una familia donde el hijo está en silla de ruedas debido a una enfermedad degenerativa, ya no puede usar bastón y pasa directamente a la silla. Todo esto ocurre el día que Branco cumple 25 años. Durante la obra vamos viendo cómo se relaciona esta familia con la discapacidad, con los problemas en general y la manera en que los niegan y disfrazan. Esta obra, en términos de planteamiento, nos invita a preguntarnos ¿Cómo nos relacionamos con la discapacidad física y mental? Porque todos los personajes tienen una discapacidad emocional muy potente. Mi personaje es Doris, la hermana de Branko. Ella es un ser de mucha luz, que ha vivido siempre a la sombra, porque su hermano es el importante. Es vista como si no tuviera problemas, entonces tampoco se le presta ayuda, ni se le mira ni celebra. Ella ama a su hermano, pero le duele mucho no ser vista ni validada, especialmente por su madre. Doris busca mucho el amor, como una campanita que quiere brillar. El proceso de esta obra ha sido her-

moso. Bárbara Ruiz Tagle, la directora de la obra está haciendo un trabajo de joyería, en términos de un lenguaje teatral muy diferente. Nos pone a los actores en escena, al servicio del personaje, pero también como personas diciendo los textos. Es una actuación no actuada, sino que muy desde nosotros. Es por eso que ella escogió a los personajes con pinzas, porque sentía que muchos de los personajes éramos nosotros mismos. Cuando me llamo me dijo “Tú eres Doris”. Y tiene razón. Hay muchos textos que los dice Carolina. Este estilo genera algo potente, que hace que el espectador sea parte de la obra. Ahora, hablemos musical.

faceta

Para mí, la música siempre fue un terreno ideal. Estoy componiendo algunas de las letras junto con mi productor Hugo Wachtendorf, quien también compone la música. Fue él quien me invitó a que hiciéramos esto; se compró equipos, me dijo que quería producir a una artista y que era momento de que naciera Carolina Feroz. Le agradecí el interés y nos pusimos a trabajar. Ya tenemos una canción. Me mandó la música, la propuesta de letra y cambiamos algunas cosas. Estamos esperando hacer tres canciones más, sacar un EP y lanzarlo en Spotify. Carolina Feroz es un poco Cristina y Los Subterráneos, un poco Aterciopelados, bolero, Garbage y algo de Lana del Rey. Es una mezcla de cosas muy interesante, es como indie/rock/folk, y en algunas partes media Colombina Parra incluso. Aparte de Carolina Feroz en la música, tienes un Paladar Feroz. Cuéntanos de estas aventuras degustando comida. Esto nació de gorda puta que soy. Me gusta salir a comer a muchos lugares, voy mucho a restaurantes, prácticamente todos los días. Entonces decidí comentar qué lugares eran buenos y cuáles no. Creé este Instagram @paladarferoz, y los seguidores que tengo son dueños de restaurantes, gente que sale a comer... Y yo lo hago como un comensal más, es decir, a mí no me regalan nada, por lo que puedo dar mis comentarios reales y certeros. Los dejo a todos invitados a seguirme, para darles datos verídicos sobre comida y restaurantes.

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GREEN CINEMA

MI ACTOR VEGANO

JOAQUIN PHOENIX 40 40

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GREEN CINEMA REDACCIÓN BENJAMÍN SCOTT

El actor que ahora está en la palestra por su interpretación como el Joker y las imágenes que han estado circulando por los medios, no es solamente un gran actor, sino que también es preocupado por el medio ambiente y los animales. Joaquin Phoenix es un vegano y activista reconocido. Para que el actor acepte un papel en una película (desde sus inicios), pone como condición y cláusula que no se usen pieles de animales. Lo hace desde su activismo y no como estrella de cine pidiendo el mejor champagne. Lo hizo así en Gladiador por ejemplo. En una campaña para Prada en 1997, en las fotografías no se mostraban los pies de Phoenix, ya que se negó

a ponerse los zapatos de cuero que tenían. El actor también ha participado en documentales, como en Terrícolas donde fue narrador. Este documental de 2005 habla sobre el trato de las industrias hacia los animales.

y le pregunté a mi madre, llorando, que por qué no me había contado de dónde venía la carne.” Cuando el actor alcanzó la fama la utilizó para realizar activismo y protagonizar un anuncio que proponía no cenar pavo en Acción de Gracias.

“Me hice vegano a los 3 años, cuando vi a unos pescadores destripar peces

"EARTHLINGS"

TEMA EXPLOTACIÓN ANIMAL DIRECTOR SHAUN MONSON // AÑO 2005 // ORIGEN ESTADOS UNIDOS // DURACIÓN 95 MIN. DISTRIBUIDORA NATIONEARTH

"Terrícolas (Earthlings) es un aclamado documental sobre cómo la humanidad utiliza y explota a las otras especies animales. Se utilizan cámaras ocultas e imágenes del día a día de las prácticas de algunas de las más grandes industrias del mundo que se enriquecen con los animales. El documental

está dividido en cinco partes: mascotas, alimentación, pieles, entretenimiento y experimentación. La finalidad del documental es la denuncia de actividades normalizadas a las que estamos habituados y que no deberíamos tolerar.”

NARRADO POR JOAQUIN PHOENIX DOCUMENTAL SOBRE LA INDUSTRIA DE EXPLOTACIÓN ANIMAL.

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EL DIRECTOR DE CINE NOS CUENTA SOBRE SUS PROCESOS AL REALIZAR SU CINE DE GARAGE, CONECTADO DIRECTAMENTE CON LA MÚSICA.

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Daniel Peralta E L C I N E Y L O S F E S T I VAL E S S O N S U S G I R A S D E R O C K ENTREVISTA BENJAMÍN SCOTT | FOTOS PAOLA GÁRATE ESPINOZA CULTO BAR, ESTADOS UNIDOS 246

DANIEL PERALTA es un director

de cine que actualmente tiene tres películas estrenadas: Mejor no Fumes (2011), Fiesta Falsa (2013) y Andrés Lee i escribe (2016). Nació en Viña del Mar y vive actualmente en Valparaíso.

Háblanos un poco de cómo entraste en el mundo del cine

sas. Desde esa injusticia quise hacer la diferencia con esta película.

Todo nació con Mejor no Fumes. Tenía un guión escrito desde que salí de la escuela de cine. Tuve una crisis personal y junté a varios amigos que hicieron conexión con la historia. Rodé mi primera película en un fin de semana con muy poco presupuesto; prácticamente, dinero para las pizzas y el transporte. La película la dirigí y la monté yo. Dentro de mis estudios, me titulé con mención en post-producción. Siempre trabajé en eso y me atreví a dirigir Mejor no Fumes (2011), con lo que nos fue muy bien. Quedamos seleccionados en la competencia oficial de cine chileno en SANFIC y tuvimos un recorrido en todo Chile. En el extranjero estuvimos en Colombia y en Ecuador. Esta experiencia me armó de coraje y de ganas de dedicarme a esto.

¿De qué trata Andrés Lee i Escribe?

¿Cómo nace la historia de Andrés Lee i Escribe? En un grupo de amigos cercanos; dramaturgos, directores de teatro y músicos, los cuales resultan ser mi grupo más cercano de amigos realizados al arte, vi que muchos no se desempeñaban bien socialmente y un creador necesita hacer muchas co-

Es difícil hablar un poco de mis trabajos anteriores, por mucho que sean míos. Han pasado tres años, entonces ya no la siento como algo tan cercano. Cuesta retomar al estar concentrado en algo nuevo. Trata sobre Andrés Centeno, un joven operario de una fábrica que pasa sus noches desvelado en largas jornadas de trabajo, lo que lo deja en un constante estado de somnolencia. Andrés ha perdido el rumbo y olvidó los sueños de su adolescencia. Por medio del reencuentro con un trozo de su propia historia de vida -en el tropiezo de un tiempo encapsulado y lleno de ilusiones- se dará cuenta que aunque no ha tomado las decisiones correctas, aún está a tiempo de enmendarse; acompañado por una nueva amistad que lo alentará a seguir adelante. Hay algo que llama la atención de tu película ¿Por qué está escrito en el título con “i” en vez de “y”? ¿Tiene algún significado en Andrés Lee i Escribe? Tiene un significado, aunque me gusta que se interprete. En esa misma interpretación me han dicho muchas cosas lindas. El significado nace de una exposición fotográfica de soldados chilenos mutilados, sobrevivientes de la guerra del Pacífico, que se realizó en Bellas Artes justo en el momento en que escribía el guión. Cuando se perdió la dotación de soldados, el gobierno decidió arrastrar a personas comunes y

"MIS ANTERIORES PELÍCULAS ERAN ALGO QUE TENÍA DENTRO Y QUE EXPULSÉ. ÉSTA TUVE QUE BUSCARLA, Y CON MI GUIONISTA ESTAMOS EN ESE PROCESO" OCTUBRE / NOVIEMBRE 2018

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"CUANDO EMPIEZAS UNA PELÍCULA LO HACES SOLO Y ME GUSTA DESPEDIRLAS DE IGUAL FORMA" corrientes a la guerra. Las características de las fotografías es que en la parte de abajo aparecía escrito a mano el nombre del soldado mutilado, en el lugar en donde perdió la extremidad y su educación. En la parte de educación salía si era analfabeto y “Lee i escribe”. Estas fotos tenían el fin de que el gobierno les pagara una pensión. Entonces, ahí calzó justo con mi película. Da lo mismo tu educación o lo que estudiaste: Si ibas a la guerra podías morir o no, y esa era la metáfora de la película. Por otro lado, las interpretaciones que la gente le dio a esto fueron: Volver a la niñez, como escribir mal el nombre. También me dijeron que podía ser el cursor del computador cuando no escribes nada y queda parpadeando. Eso aparece en un plano de la película inclusive. Mi versión es mucho más rebuscada y no muestro nada de eso en la película.

¿Te costó mucho encontrar a tu elenco?

Para esta película ¿Cómo seleccionaste a tus actores?

Fue bien movido, porque estuvimos viajando harto tiempo. Para mí, eso es lo mejor de hacer cine: El pretexto al viajar, viajas con un propósito, con amigos, a veces solo. Cuando voy con amigos, que son mi equipo, es como salir de gira con una banda de rock. Me gusta mucho la música y lo pongo con esa comparación. Hemos ganado cinco premios y estuvimos viajando a más de treinta festivales durante tres años. El ciclo

Al momento de escribir el guión, busco al actor y le propongo la película. De esa forma escribo la película para ellos. Me gusta trabajar con quinestésica, la voz y los movimientos de cómo yo percibo a esa persona. No los hago hacer mucho a un ‘personaje’, los hago trabajar con su naturalidad física.

ANDRÉS LEE I ESCRIBRE (2016) Dir. Daniel Peralta

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Se dio. He tenido la suerte de que siempre que he querido a un actor, le gusta la idea. En la película Mejor no Fumes, fue diferente. No tenía nada anterior que mostrar. Ahora que tengo películas, es distinto. Creo que es mi talento convencer a un actor de que trabaje conmigo. ¿Cómo surge tu fijación de elegir primero al protagonista? Primero empiezo a escribir el guión y armo un poco a mi personaje. En el 70% del guión empiezo, a la par, a buscar a los actores. Les propongo, les cuento la historia y, si les interesa, les mando el guión, antes no. Esa es mi técnica. ¿Cómo fue tu historia en festivales con Andrés Lee i Escribe?

se cerró en Buenos Aires, donde fui a despedir la película yo solo. Cuando empiezas una película lo haces solo y me gusta despedirlas de igual forma. Para los tiempos digitales es raro pero romántico lanzar un producto noventero ¿Por qué quisiste sacar la banda sonora de Andrés Lee i Escribe en cassette? Si alguien siguiera haciendo VHS también hubiera lanzado la película en ese formato. Andrés Lee i Escribe habla de eso. El protagonista se encuentra con objetos y eso, para mi vida personal, también es muy importante: Los libros los marco, los cassettes los dedico y, luego cuando encuentras estos recuerdos años después, generan algo. Los objetos son un tiempo encapsulado. Este cassette de la película fue un tiempo que quedará acá, y retomarlo abre una caja de pandora. Luego te encuentras con ese tiempo que quedó ahí: lo que escuchaste, lo que te alegró, lo que bailaste, etc. Lo mismo que pasa con el cine. A mí me importa que ese objeto quede ahí, en un objeto tangible. Tú puedes tener una canción en un MP3. Está ahí, pero no la puedes tocar, no la puedes dedicar. Si la envías en un mail, luego, al tiempo la borras para limpiar espacio y se desvanece. Pero el objeto no lo hace, queda para siempre y te acompaña. Igual hice dos extremos: El cassette

y el Blue ray. Cuéntanos de la música de tus películas. A mí me encanta la música. Siento que el cine es musical y van de la mano. En Andrés Lee i Escribe la música la compuso mi hermano Diego Peralta. Él es un músico que ya tiene discos y... En realidad, hizo la banda sonora de mis tres películas. Trato de buscar música incidental y las canciones fueron de Planeta No, Leo Quintero, Daniel Melero y Ephemeral. Esta última, es una banda de Soul de Londres y tenerlos fue un gran gol. Les mandé la escena más importante de la película y les gustó. En ella, suena una canción completa de ellos. Siempre me ha gustado eso, por lo que hablábamos de encapsular momento; que escuches la canción y te recuerde la escena. Al trabajar con tu hermano ¿Le das completa libertad para crear música? Le doy libertad condicional. Es acotado igual. Hay un tributo encapsulado a los recuerdos. Es una película cinéfila pero sin serlo. Hay muchas referencias de las películas que yo vi cuando era niño en los ochenta y nos noventa. No está directamente implícito en la película, sino que en una segunda o incluso tercera capa. Quisimos tributar a Steven Spiel-

berg, Brian de Palma e incluso George Lucas. Son padres de mi educación.

¿Qué sientes al mirar tus trabajos anteriores?

¿Dónde se puede adquirir el cassette y blue ray?

Hay cosas que hubiera hecho diferentes. Es como mirar un hijo con algún pequeño defecto y tienes que quererlo igual, porque así salió.

Lo encuentran en La tienda Nacional y Concreto Azul en Valparaíso. También pueden ver de manera gratuita mis tres películas en www.ondamedia.cl Cuéntanos ¿Cuáles son tus planes actualmente? Estoy escribiendo con mi co-guionista. Estamos buscando la película. Es la película que menos tenía cerca. Mis anteriores películas eran algo que tenía dentro y que expulsé. Ésta tuve que buscarla, y con mi guionista estamos en ese proceso; buscando y tratando de juntar las hojas para armar el árbol completo. Me gusta cómo se está formando, pero es la misma idea: El drama romántico sin besos -como suelo llamarle. La diferencia es que estoy claro de que esta nueva película tendrá mucho más sexo, pero sin besos. ¿Qué fue lo que más se te hizo difícil cuando comenzaste en el cine? No tuve obstáculos. Quizás sea el momento de crisis que vivía en ese momento. Cuando hice la primera película me lancé sin miedo, y después empecé a tener miedo de como irá a quedar y la inseguridad. Agarré una cámara de fotos con amigos, casi como si fuéramos a un camping. Luego me di cuenta de que habíamos creado algo y que quedó medianamente bueno. Estuvimos en SANFIC. Siento que tengo más temor ahora, pensando en que quede algo bueno.

¿Qué es lo que más disfrutas al momento de hacer una película? Escribir es súper interno. Hay satisfacción, pero también angustia al escarbar dentro de ti. A pesar de no tener problemas con conseguir actores, creo que lo que menos me gusta es esa parte de buscarlos, ver las locaciones, etc. El lado de la producción no lo disfruto mucho, pero como hago cine de garage e independiente, tengo que hacer de todo. Para mí, el rodaje es lo más increíble. Estás como sobre la pelota. Yo ruedo con el corazón en la mano. Quedó muy agotado, pero funciona. El montaje es disfrutable porque ya tienes todo, estás tranquilo y cómodo, ya hiciste la película. Hiciste medianamente lo que quisiste... Porque siempre hay algo que no resulta. El error siempre viene después. Al rodar te das cuenta de errores de guión, al momento de montar te das cuenta de los errores de rodaje, y cuando exhibes la película te das cuenta de los errores de montaje. Todo es para atrás. Tienes que ceder y defender lo que ya tienes ahí en pantalla. ¿Algunas recomendaciones de películas? Hace poco vi una película que me gustó mucho que se llama Newness (2017) de Drake Doremus y El Hilo Fantasma (2017) de Paul Thomas Anderson. Por el lado nacional, me gustó mucho Tarde Para Morir Joven de Dominga Sotomayor.

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ADRIANA S I LVA

NOS MUESTRA LAS ARISTAS QUE LA LLEVARON A ENAMORARSE DEL DOCUMENTAL, LOS PERSONAJES REALES Y LA GENTE CON LA QUE TRABAJA.

ENTREVISTA BENJAMÍN SCOTT FOTOS PAOLA GÁRATE ESPINOZA CULTO BAR, ESTADOS UNIDOS 246

ADRIANA SILVA es de Valdivia y

vive hace ocho años en Santiago. Estudió diseño gráfico pero no ejerció la carrera. De temprana edad comenzó a trabajar en el Festival de cine de Valdivia y luego decidió emigrar a la capital para hacer carrera en el mundo del cine. Primero trabajó en FIDOCS, pero entre medio tenía ganas de hacer películas, cortometrajes y documentales. En su trabajo en FIDOCS descubrió el trabajo de documental y se enamoró de él, ya que vio otras aristas; valorar los personajes reales, la gama de las cosas que puedes hacer, fue así como empezó a trabajar en su primer documental. En su llegada a Santiago se juntó con Wincy Oyarce, el realizador de Empana’ de Pino. Adriana se encantó con algo tan bizarro y que tenía el tremendo personaje de Hija de Perra. Se juntaron y Adriana se ofreció como su productora; es ahí cuando él llega con la idea de hacer un documental de Maggie Lay, la primera obra que

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produjo. Dentro del mismo período fue que trabajó en cortometrajes. El primero salió a la luz recorriendo veinte festivales en los que le fue muy bien. Dentro de los trabajos de la productora Adriana Silva se encuentran: La Última Vedette (2017), Luces Intermitentes (2018), Mute (2017), Blanca Oscuridad (2016), Acuario (2014) y Taller (2012). “Actualmente me encuentro en varios proyectos. Lo de la producción es una máquina que no para, porque tienes tus proyectos y adicionalmente los directores te van mandando cosas, te van llegando guiones, y siempre hay algo por hacer.” ¿Por qué decides salir de Valdivia? Para mí, que no vengo del mundo del cine, era más difícil. El trabajo era por temporada en el festival de Valdivia, y un día me llamaron desde Santiago, con lo que comencé este camino de trabajar en FIDOCS. Me dijeron que me pagarían los pasajes y todo, así que me vine inmediatamente. Estando acá, se me abrió el mundo: comencé a conocer gente, directores, productores y me costó poco introducirme en el medio.

PARA LA PRODUCTORA DE CINE, EL EGOÍSMO Y LA ENVIDIA EN LA INDUSTRIA NO SIRVEN. HABLA SOBRE LA IMPORTANCIA DE APOYARSE ENTRE UNOS Y OTROS PARA SACAR ADELANTE PROYECTOS QUE PUEDEN CONVERTIRSE EN GRANDES ÉXITOS.

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AUDIOVISUALES DE CULTO

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ACTUALMENTE ME ENCUENTRO EN VARIOS PROYECTOS. LO DE LA PRODUCCIÓN ES UNA MÁQUINA QUE NO PARA

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¿Cuál es el trabajo de un productor? El productor ejecutivo y el productor en Europa y EE.UU se diferencian en que el ejecutivo solo pone el dinero y no se mete en nada más. Pero acá, en Latinoamérica, el productor lleva toda la obra; es un gestor cultural, una madre o un padre del director, somos todo dentro de la obra audiovisual. Por ende, somos los que le vemos futuro y sacamos adelante la obra que generalmente viene en verde. A veces te llegan solo las ideas y otras veces son guiones ya finalizados, y uno trabaja en conjunto con el director. No buscamos solamente el dinero, también nos introducimos en el guión, vemos cómo llevar la obra a festivales, públicos masivos o ambos. Hay directores que solo quieren festivales, otros buscan solo un público objetivo. A medida que uno se va impregnando de la obra, va viendo los medios con los cuales finalizará esta obra, fondos audiovisuales, dinero extranjero, privados, crowdfunding, y todo lo que se pueda hacer para financiar la película, que es un proceso bastante tiempo. ¿Qué se necesita para que te intereses en el trabajo de alguien? Yo tengo una gama de estilos dentro de las cosas que produzco. Trabajo con directores que tocan el humor, humor negro, ironía, underground, experimental. Personalmente siento que las obras te coquetean, y me interesa el trabajo humano, entonces las relaciones personales son muy importantes. Como decía antes, uno de verdad se vuelve la esposa de los directores. Actualmente estoy trabajando con puros hombres porque no me ha llegado trabajo de ninguna mujer. Espero que pase, porque vivimos en una cultura muy machista y me interesa mucho el cine de género. Las obras que trabajo, sean intere-

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MAGGIE LAY LA ÚLTIMA VEDETTE (2017) Dir. Wincy Oyarce

santes o no, soy yo la que hago que lo sean. Pero prefiero mil veces tener muy buen feeling con el director. Eso me importa demasiado y puedo entregar más de mí. Siento que la interacción personal es importante. Puedes venir con una idea que quizás no es tan interesante, pero hacemos que lo sea y que funcione. Yo creo mucho en eso, y que por lo mismo esa persona me busque a mí. Si buscas un productor es porque quieres que tu trabajo crezca. ¿Cómo entras a Válvula Films? Cuando llegué a Santiago, trabajé en festivales y FIDOCS, pero adicionalmente creé mi propia productora que se llamaba Creas Films. Con mi productora produje La última Vedette y Acuario, también hice varios videoclips para gente del mundo de la música como Pedro Piedra, Andrea Velasco y me hice un nombre dentro de la producción y el cine. Entre medio de todo esto, aparece Juan Elgueta que es el creador de Válvula Films y me pide si puedo ser su productora en Blanca Oscuridad. Nos juntamos con guión en mano, me mostró algunas cosas y no quedamos en mucho,

ya que tuve que viajar a Barcelona. Le dije que si no tenía mucho apuro, me esperara. Entonces, a mi regreso voy al festival de Valdivia y nos encontramos allá. Luego, nos reunimos nuevamente en Santiago para coordinar lo del dinero y todo. Él me demostró su interés; fue a Valdivia, fue amable y creía en mí. Comenzamos a trabajar un documental y ya casi terminando, me ofrece entrar en Válvula Films y que dejara mi propia productora. Ahí negociamos, porque era difícil abandonar algo mío para irme a trabajar para alguien. Yo no tenía ganas de estar supervisada y eso se lo dejé bien claro. En teoría, yo creé la productora Válvula Films, por lo que es de los dos. Actualmente, Juan dice que lo engatusé de manera muy graciosa, pero convertí su post productora en productora y levanté un poco más esto. De los siete años que lleva Válvula, yo llevo cinco en ella y hace tres años que ya tiene un nombre potente. Juan siempre dice que mi llegada fue muy importante, ambos tenemos un vínculo muy potente, trabajamos codo a codo, nos apoyamos, nos queremos. Si bien no somos muchos, trabajamos con mucho amor y cariño.

ENTREVISTA ¿Cómo se forma la alianza entre Válvula Films y SANFIC? A mí se me ocurrió hacer premios con Válvula Films. Yo necesitaba que la productora se hiciera conocida. Juan me decía que acá post produce Andrés Wood y toda la onda, pero no nos bastaba tener a directores muy buenos a los que admiro mucho, también necesitaba que mucha gente nos conociera. Nosotros no sólo producimos o post producimos, somos unos profesionales del color en el audiovisual. Necesitábamos que la gente creyera en nosotros y vieran como trabajábamos. Durante los festivales de cine, en Antofagasta para ser más específica, conocí a Gabriela Sandoval (directora industria de SANFIC), y cuando volvimos a Santiago, comenzamos una amistad. Adicionalmente, gané un premio en Santiago Lab con La Última Vedette y ahí nuestra amistad creció. Ella es una de mis mejores amigas y la quiero mucho. Luego conversamos y fue donde le pedí si podíamos armar esta alianza donde Válvula Films dona un premio de toda la post producción de imagen para un proyecto de Work in Progress, así comenzó la alianza. Nuestra alianza lleva tres años. Hemos realizado charlas de post producción, verla desde la etapa de inicio de la obra, luces, qué cámaras usar para tu película (porque no todas las cámaras sirven para un proyecto). Las obras necesitan alinearse con la imagen. Hicimos dos charlas este año, asesorías. Este premio también lo ha-

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NECESITÁBAMOS QUE LA GENTE CREYERA EN NOSOTROS Y VIERAN CÓMO TRABAJÁBAMOS

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cemos con el festival de cine de Guadalajara, y entre ese festival y SANFIC ya nos hicimos un nombre. ¿Cómo es para ti la experiencia de participar en SANFIC? Para mí, es algo enriquecedor. Me encanta asesorar proyectos, amo que la gente me cuente lo que está haciendo, en qué los puedo apoyar, e incluso me doy el lujo de invitarlos a Válvula Films sin cobrarles para que prueben imagen, darles consejos, apoyo. Como acá no hay industria, es súper importante apoyarnos y no andar con cosas como: “mi película es mejor que la tuya”. Eso no funciona y no me gusta. Todos vamos caminando hacia lo mismo. Haciendo este trabajo, uno se da cuenta que a veces tienes diamantes en bruto. Finalmente, quizás no serás tú la productora, pero por lo menos sabes que ayudaste en algo y diste influencia en que un proyecto saliera adelante. Eso es muy enriquecedor. Ya me ha pasado y uno se siente parte de eso finalmente.

Para mí, es gratificante saber que los nuevos directores tienen oportunidades, como por ejemplo, para ir a festivales de clase A o clase B (a veces los mejores festivales no lo son todo). Hay muchas películas que no llegan a ninguna parte o llegan sólo a uno, pero es igual de importante que los que llegaron a veinte festivales. Es bueno que el público se quede con algo, todas las películas están realizadas para transmitir alguna cosa. Cuéntanos de tus trabajos en mayor profundidad Son tres largometrajes, dos cortometrajes y algunas participaciones en otras cosas como asistente de dirección en un corto de Roberto Doveris. Mi primera producción como producción ejecutiva fue Acuario de Tomás Arcos, un director de Valdivia con el que trabajé en Taller también. Esto partió como juego de amigos queriendo hacer cine, pero se volvió en algo bien serio. Estuvimos en Valdivia, en Guadalajara, en Argentina, en Italia. En Chile estuvo en SANFIC, Rengo y en varios festivales. Fue un camino bastante largo, recorrimos mucho, también tuvimos un premio a mejor dirección. El corto ayudó a creernos el cuento de decir “lo podemos hacer”. Todo esto mientras yo producía La Última Vedette. Con La Última Vedette hicimos hartas cosas también. Wincy Oyarce y yo tenemos un vínculo importante. Soy su productora. Después de terminar este documental, comencé a producir-

POSTER BLANCA OSCURIDAD (2016) Dir. Juan Elgueta

BLANCA OSCURIDAD (2016) Dir. Juan Elgueta OCTUBRE / NOVIEMBRE 2018

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DIEGO CANTÚ Y GASTÓN SALGADO LUCES INTERMITENTES (2018) Dir. Juan Elgueta

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NOSOTROS, A TRAVÉS DE NUESTRO CINE Y NUESTRO TRABAJO, TENEMOS QUE EMPEZAR A GENERAR

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le su nuevo documental. Creo que ambos nos enamoramos de esta forma de hacer cine. Wincy es un gran director y ese documental es maravilloso, él se agarra de temas que quizás no son tan importantes, pero él hace que lo sean. Maggie Lay es una mujer intensa. En un momento nos dimos cuenta que era muy interesante esta historia de la mujer taxista de día y vedette olvidada de noche. Una mujer que a pesar de tener setenta años, sigue bailando con plumas y con una gran actitud. Con Wincy nos pegamos una vuelta y decidimos hacer una película actual de Maggie, en vez de una de su pasado. En el documental, uno al principio puede ver un pequeño resumen de su vida antes, pero luego retomamos en lo actual. En Mute trabajé con Claudia Aguilera, mi directora mujer. Ella se fue a Francia hace un tiempo y no sé si volverá a retomar el cine. De igual forma le tengo las puertas abiertas y la estoy

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esperando. Me dijo que si realizaba otra obra, trabajaría conmigo. Este documental (Mute) es bien experimental y muy personal. Ella parte creyendo hacer un documental de su padre, un exiliado político. Luego encuentra unos cassettes de su padre que enviaba él desde Francia, donde graba audios contando donde está y que se encuentra bien. En el camino nos fuimos dando cuenta que era un documental sobre ella. Tiene mucho que ver con su identidad; En Francia es la latina y en Chile es la francesa, cosa que pasa mucho con los exiliados que viven fuera y luego vuelven a su origen. En general, mirando todo mi trabajo, lo interesante es el que veo que los directores se quedan aferrados a mí y se forma esta relación casi de pareja: si no les hablo, me cobran sentimientos. Es como: “Mi marido me busca de nuevo. Y tengo que tener cuidado porque tengo que darle cariño a todos ellos.” (Risas) ¿Cómo ves la industria actual con temas tan importantes como el movimiento feminista y LGBT+? Siento que se está dando un trabajo bastante interesante, porque la industria es machista. Tenemos que apoyarnos, sobre todo las mujeres. Nosotros, a través de nuestro cine y nuestro trabajo, tenemos que empezar a generar conciencia.

Lo LGBT+ siento que está más posicionado, aunque siempre existirá alguien que le moleste y no esté de acuerdo, pero es algo que hay que ir trabajando. Creo que Una mujer fantástica ayudó harto en ese tema; ahora tenemos una ley de identidad de género. Cuéntanos qué proyectos tienes actualmente Estoy con varias cosas. Lo más avanzado que tengo es un documental sobre Hija de Perra, que se llama “Tan Dichosa y Tan Feliz” dirigido por Wincy Oyarce. Actualmente, estamos esperando y buscando fondos para rodarlo. El año pasado nos ganamos los fondos para una película infantil que se llama “Fiebre”, que vamos a rodar en febrero. Estamos en pre producción. Es un trabajo muy lindo. Está actuada por niños y nos muestra qué es lo que ven y sienten cuando tienen fiebre. La película tiene animación y un arte increíbles, porque hay muchos delirios de niños, alucinaciones y ese tipo de cosas. Entre medio de esto, tengo proyectos muy en verde, pero que están avanzando.

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MÚSICA

EL ELECTRO POP

“MADE IN CHILE” DE IG NAC IO RE DARD

El autor de los sonidos digitales que han viralizado todos los rincones de la industria musical y audiovisual chilena nos habla de los orígenes de su carrera y cómo ésta ha llegado a ser lo que es hoy ENTREVISTA / FOTOGRAFÍAS

PAOLA GÁRATE ESPINOZA

IGNACIO REDARD es un músico

nacido en Santiago con amplia trayectoria en la escena electro pop chilena. Su carrera tomó vuelo en los años 00s, donde con amigos, comenzó diversos proyectos musicales, entre los que destacan sus bandas Ignacio Redard y las asesoras del hogar (2003-2005), Redulce (2005-2007) y producciones a bandas como Lulú Jam!, Anish y Kinder Porno. Hoy es imposible no escuchar constantemente su nombre en

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la industria, ya que se ha desenvuelto en un sinfín de proyectos tanto personales como colaborativos. The Plugin (2009- ) y Día Cero (2016- ) son sus actuales bandas, las cuales formó con los ex integrantes de La Ley, y con las cuales está próximo a lanzar su nuevo disco. ¿Cómo y cuándo encontraste la música? Y ¿Cómo fue que decidiste hacer de ella tu vida? Fue gradual. Me gustaba mucho la música, pero siempre como hobbie, nunca como trabajo. Empecé a hacer unas cosas como en “talla” con ami-

gos, pero luego se dio un proyecto en el que era yo solo prácticamente; habían dos chicas, amigas mías, que en vez de seguir el concepto pop de ese tiempo (2003 aproximadamente), estaban atrás, y en vez de estar haciendo las típicas coreografías, hacían cosas de casa. Por ejemplo, una picaba verduras y la otra bordaba. La idea era no hacer un show de pop, pero que sonara como tal. No era algo serio tampoco. Después de eso fue que conocí a Pablo Andulce, con quien hice una banda que se llamó “Redulce”. Si bien, seguía siendo un proyecto relajado, fue lo primero que hice como más formal. En esa época existía el

ENTREVISTA

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PUEDES HACER COSAS PERSONALES Y TODO, PERO DONDE GANAS, DONDE REALMENTE PUEDES HACER ALGO Y DESCUBRIR COSAS NUEVAS, ES CUANDO TRABAJAS CON OTRA GENTE

Club Bizarre y había un movimiento underground muy interesante de pop independiente chileno. Eran los años en que aún existía Prissa, la banda de Javiera Mena con Francisca Villela, y Kinder Porno. Dentro de esa escena fue que nos metimos. Una escena muy relajada y todavía todo como en “talla”. Así fue que empezamos a producir unas canciones para Lulú Jam!, una banda de Sofía Oportot que también hacía pop, pero ya en palabras más grandes... Su productor era Gabriel Vigliensoni de Lucybell. Entre conversaciones salió algo como: “Oye, si van a hacer un disco de Redulce, se los puedo producir yo”. Y ahí fue cuando sentí que debíamos tomarnos las cosas en serio; Gabriel Vigliensoni nos produciría un disco. Más tarde, empecé a trabajar en otro proyecto llamado “The Plugin” con Rodrigo Aboitiz, uno de los fundadores de La Ley, y de ahí en adelante comencé a decirme que esto es lo que hago... Cuando llenaba formularios con la profesión, ya escribía “Músico”. Pero decidí dedicarme a la música de manera muy gradual, no fue de un momento para otro. Entonces, ¿Fuiste autodidacta? Sí. Alguna vez, mientras estaba en el colegio, hice algunos cursos vespertinos en la Universidad de Chile. Pero en general, he sido muy autodidacta, jugar harto con softwares. Creo que si no existiera la posibilidad de auto producir tu música, yo nunca me habría reconocido como músico. Había que hacer muchas cosas horribles primero en la casa, antes de salir y mostrar algo. Si no hubiera tenido el estudio en un computador, no habría tenido cara de salir y decir que hago música. Por eso, mis temas siempre nacen de manera digital, siempre tuve un soporte digital para trabajar. He tenido proyectos muy diversos, pero el soporte electrónico es lo mío. Toco varios instrumentos y podría usarlos en mis composiciones, pero no es lo que realmente me gusta. Llama mucho la atención la cantidad de trabajos colaborativos que tienes, ¿Qué significa para ti esta modalidad de trabajo en “sociedad”? Absolutamente todo. Y creo que eso define mucho cómo he trabajado y el porqué de las decisiones que he tomado. Siento que trabajando solo, en un vacío, como que no tiene sentido. Y no es porque no pueda hacer una canción... Puedes hacer cosas personales

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y todo, pero donde ganas, donde realmente puedes hacer algo y descubrir cosas nuevas, es cuando trabajas con otra gente. Es apoyarse, enriquercerse entre todos. De hecho, cuando recién estaba partiendo, hicimos una especie colectivo de bandas pop independientes que se llamó “ePop” y sacamos un compilado que se llamó “ePop esencial”, el cual hicimos mandando nosotros mismos a duplicar las copias. Por ejemplo, lo que hago ahora, como con Sofía Oportot, que es una supersuper amiga y, además, una artista que admiro mucho y con la que he trabajado desde hace como doce años, y seguimos haciendo todo juntos y nos seguimos juntando a tomar tecito y a hacer música... Es genial, y si no fuera así, pierde todo lo entretenido. O sea, ¿Trabajas en colaboración desde la misma génesis de tu música? Sí, en lo posible, sí. Por ejemplo, el tema “Agua Profunda” (Ignacio Redard, Namuel, Sofía Oportot y Entrópica) me gusta mucho. No solo porque me guste la canción en sí misma, sino porque es una colaboración cuádruple. Es una canción que no habría sido lo que es, si no nos hubiéramos dado la libertad para que cada uno hiciera lo suyo. Lo lindo es eso, cómo puedo sonar a través del prisma de otra per-

sona. De hecho, con Entrópica fuimos coristas de Javiera Mena un tiempo. Al final, todo es colaborativo y de ir haciendo sonar las cosas en conjunto, y probado cosas que no habías probado antes. Si no, es entrar en un trabajo que yo quiero evitar: hacer siempre lo mismo. Yo creo que si haces todo el tiempo la misma música, se vuelve monótona y le terminas quitando el alma. Pienso que lo que yo pueda hacer, va a ser siempre mejor si hay más gente involucrada. En este momento, junto a mis compañeros de Día Cero, siento que tenemos la colaboración perfecta. Es una gran oportunidad la que se me presentó... Y es heavy. Es heavy tener gente así de talentosa en mi vida, que les pueda tirar una idea y que me reboten algo así, lleno de talento y magia. Hablando de Día Cero, ¿Cómo es que Ignacio Redard llega a ser parte de esta banda integrada los ex integrantes de La Ley? Con Rodrigo teníamos The Plugin y estábamos de gira en España. Fuimos a diferentes Gay Parades de ciudades tanto chicas como grandes de España y, estando ahí, por medio de redes sociales, nos enteramos de que se había separado La Ley. Una semana después, Pedro Frugone se contactó con Rodrigo, porque quería hacer algo con todos los integrantes anteriores. En realidad, La Ley es mucha gente, pero hubo un momento donde la gente reconoció a ciertos integrantes, que fue la era dorada de la banda, cuando estaban todos. Y bueno, resultó que por muchas razones, ya no podían tocar en lo que era La Ley en los últimos años, ya no había feeling. Al separarse, se dio el paso para que se juntaran todos, pero había que cambiar al vocalista. Era un proyecto nuevo, ya no era La Ley. Fue algo como “Hey, Ignacio puede ser. Ya, bacán. Listo”. Y así, sin más. De hecho, a Pedro (guitarrista)

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MÚSICA

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HE HECHO LA MÚSICA COMO EN REACCIÓN A MI VIDA

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y a Mauricio Clavería (baterista), que eran estrellas para mí (y que todavía lo son), los conocí el primer día que nos juntamos a maquetear. No hubo un momento de probar a otras personas, yo ya estaba. Tienes muchas publicaciones en redes sociales en Estados Unidos, además de varios temas hechos parcial o completamente en inglés, ¿Qué relación tienes con ese país? Es una relación del 50%. Soy mitad chileno, mitad estadounidense. Es la mitad de mi persona. Mi mamá es de allá. Ella vino por intercambio como en cuarto medio y después aparecí yo. Viví allá parte de mi niñez, hasta como los seis años. Si bien, mi estadía fue por un tiempo corto, igual es parte de mi identidad, y el cantar en otros idiomas tiene otra sonoridad. Es como usar instrumentos distintos. Según el idioma, la voz suena muy diferente, es como que todas las partes de la boca toman ubicaciones diferentes. Y teniendo ese vínculo, ¿No has pensado hacer una carrera musical allá? No sé. Creo que tiene que ver con lo que te mencioné antes; No hubo un momento definitivo en el que dijera que esto es lo que sería. Por ello es que no hay una decisión de irme a hacer esto a otro lado. Hay colegas que son más decididos y se van a México, trasladando toda su vida a otro país... Que puede que lo haga alguna vez, no te lo niego. Pero de momento, estoy aquí, haré música aquí y tampoco he hecho mi vida persiguiendo la música; He hecho la música como en reacción a mi vida. Además, acá hay cosas muy entretenidas pasando musicalmente... Pero, ¿Quién sabe? Con respecto al cine, ¿Qué relación has tenido con el séptimo arte? Creo que el cine es inseparable de la música. Soy muy de ir al cine, en lo

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posible una vez por semana a lo menos. He estado trabajando en bandas sonoras también; El año pasado hice la banda sonora para la película “Trauma” del director de cine chileno, Lucio Rojas, que se dedica al terror. Hace poco presentó esta película en México. Es súper fuerte, pero me tocó verla para poder hacer la música. Aunque no había visto el corte final para ese entonces, lo pude ver hace como cuatro meses nada más porque dieron la película en la Cineteca Nacional. Además, hice música para obras de teatro y para una serie infantil que se llamaba “Flipos”, de los mismos creadores de Historia de un Oso; Estudio audiovisual Punkrobot. Fue una serie muy bonita y la música era como 8bits, muy de Nintendo. Una experiencia muy entretenida. ¿Tienes alguna manera especial de trabajar para crear soundtracks? Para los soundtracks trabajo como el director se sienta cómodo. Anteriormente, trabajé con Roberto Doveris en Las Plantas (2015), donde actúa Violeta castillo. Una muy linda e íntima película. Pero ahí, necesitaban unas canciones que sonaran como k-pop. Por lo que en esa instancia, me tocó producir eso, y producirlo como música que no estuviera tan relacionada con la película misma.

Ahora, con Lucio fue más incidental. Nos juntábamos, él me mostraba fragmentos como de veinte minutos y me decía que trabajáramos en ellos durante el mes o por semanas. De esa manera, íbamos peloteando ideas y haciendo correcciones hasta que los dos quedáramos contentos con el resultado de la música. Y fue bacán, porque me gusta mucho el terror y cómo trabaja él. También me encantó cómo quedó la película, aunque siempre está el miedo que haya gente que no la entienda. La película es para mostrar lo violenta que es la sociedad con las mujeres y nuestro pasado violento con la dictadura, amarrándolos de una forma muy visceral. Es genial poder ser parte de eso, poder agregarle este elemento adicional que es la música. Lucio es un tipo muy bueno en lo que hace. Después de conocerlo, empezamos a trabajar de inmediato. Este año el festival AMOR tuvo como canción principal “Cómo” de The Plugin. Cuéntanos cómo fue esa nueva experiencia. Esa canción tuvo como un refresh con el festival AMOR, porque ya tenía un par de años. Ellos estaban buscando un tema para el trailer del festival y mandé algunas cosas. Envié canciones de bandas a las que produzco, bandas amigas, y propuestas entre las

De repente, la gente que no parece entusiasmarse con nada y que poco menos parecía haberse equivocado de local... Todo el mundo se mete en esa canción de Los Prisioneros. Britney Spears también, cualquier cosa de ella. En cambio, Madonna funciona cada vez menos y hace que sienta que estoy envejeciendo. Porque para mí, Madonna es algo que debería funcionar; pero ahora los niñitos de diecinueve años parecen no tener idea quién es. Otra cosa que está pegando harto es “I follow rivers” de Lykke Li, la canción de la película La vie d'Adèle. Y Britney nuevamente. Britney está en el corazón. ¿Qué nuevos proyectos tienes actualmente en curso?

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CREO QUE SI NO EXISTIERA LA POSIBILIDAD DE AUTO PRODUCIR TU MÚSICA, YO NUNCA ME HABRÍA RECONOCIDO COMO MÚSICO

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cuales estaba “Cómo”. Por supuesto que avisé que el tema tenía sus años, e incluso pensé que quizás podrían usar solo el fondo instrumental cinco segundos y chao. Pero al final, lo usaron más que eso y fue genial. La canción tiene esa estrofa súper repetitiva, buscando ese efecto que tiene la música electrónica, sin ser música electrónica de club pegada... Pero que te hace entrar como en un trance, donde se repite constantemente. Gracias a esto, también tuvimos la oportunidad de participar en el conversatorio del Patrimonio Audiovisual Musical (PAM) que se realizó durante el festival. Y además, siento que cerró todo muy bien. Éste es un festival que está en crecimiento y es muy rico estar en sus primeros años, porque va para arriba... Y tiene que ir para arriba, porque el objetivo del festival es muy importante. Es maravilloso poder haber sido parte de eso.

Además de todos esos proyectos de los que me has hablado, también eres DJ... Sí, toco en el Club Soda, en Bellavista. En general, soy un DJ de pop; Trato de poner pop independiente, pero también cosas más comerciales, entretenidas... Como lo que uno quiere escuchar cuando quiere salir a soltarse las trenzas un rato. Es un trabajo muy divertido, y Soda es muy genial para salir a carretear. Me gusta trabajar ahí, porque es un lugar relajado. Si bien hay una selección del DJ, de la música y del ambiente, es un local muy inclusivo y no excluyente, que es algo muy importante para mí; un ambiente de trabajo grato. La gente que va un día es totalmente distinta a la que va otro día; no ves las mismas caras siempre. Sin embargo, también es un trabajo súper heavy, en el sentido en que cada vez que pongo una canción, si lo hice mal, veo cómo la gente se va. Veo la reacción de la gente inmediatamente. No es como subir un video a Youtube y que la gente no lo vea y ya... Ves el desagrado de la gente en vivo y en directo. Se van a fumar -jajaja. Heavy. Y ¿Cuáles son “las viejas confiables” del DJ? “Estrechez de corazón” es una vieja confiable porque funciona siempre.

Estamos terminando el disco con Día Cero. Pero no te puedo adelantar mucho, porque de una semana para otra, las canciones cambian mucho. Creo que va a estar listo para noviembre. Hemos ido haciendo los temas y tirándolos, todo muy inmediato. Y el disco nos da esta oportunidad de como macerar las cosas. Por otro lado, sé que Lucio tiene tres películas que está armando y lo que salga primero, ahí estoy -jajaja. Hasta la muerte con Lucio. También estoy terminando de producir un disco para Sofía Oportot, que ya está listo y que debería salir en cualquier momento. Este último tiempo he estado produciendo poco para otras bandas, pero tengo ganas de trabajar con una banda que se llama Pretenciosa y Sin Talento, que está muy buena y estamos en conversaciones para ver si trabajamos en el disco de ellos porque me gusta mucho lo que hacen. ¿Hay algo nuevo que te gustaría hacer con respecto a tu carrera? No soy muy planificador, así que lo que venga no más. No obstante, me gustaría que con Día Cero salieran cosas para tocar harto en vivo. Así como los pilotos tienen una cantidad de horas de vuelo, siento que tener horas de escenario es súper importante. Y Día Cero me ha servido para conocer partes de Chile que no había ido nunca. Es muy grato viajar por trabajo. Hemos ido a Arica, Iquique, Antofagasta, Santiago, Talca, Temuco, Valdivia, Chillán, Punta Arenas, Puerto Varas y ojalá que sigan saliendo más lugares. Con The Plugin hemos hecho gira fuera de Chile; Colombia, México, Argentina, Perú y España, pero con Día Cero todavía no hemos tenido la oportunidad.

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“Pacto es un restorán de onda mística, donde todo hace alusión al Arte y la sensualidad, existen distintos sellos dispersos por todo el local que crean un aire de amor y buenas vibraciones que se complementan con una exquisita comida de autor con influencias culinarias del Mundo especialmente diseñada para compartir y pócimas de coctelería desarrolladas especialmente para amar.” Pacto es un encuentro de Arte, constante y ya tradicional, debido a la rotación de exposiciones de diferentes técnicas y Autores, que se van cambiando cada dos meses, lo que permite que siempre su estética y decoración te sorprenda, además. cuenta con ciclos de variadas performances artísticas que hacen de Pacto un espacio, de Arte y Sensualidad, tal lo dice su nombre. Web: www.pacto.cl Instagram: @pacto_arteysensualidad Facebook: Pacto Arte Bar

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NOTICIAS

JOAQUIN PHOENIX

Se pone en la piel del Joker.

La película del Joker tiene fecha de estreno para el 2019, y ya nos han deleitado con algunas imágenes de como lucirá su protagonista en este rol. Aunque interpretar al Joker luego de la magistral actuación de Heath Ledger y Jack Nicholson, no es una barrera fácil de superar, la mayoría de los fanáticos se encuentran muy entusiasmados con esta nueva propuesta, debido a las grandes interpretaciones que nos ha regalado Joaquin Phoenix a lo largo de su carrera como actor. ¿Pero qué sabemos hasta ahora? En el flujo de las redes sociales y los medios de comunicación en general, se filtran día a día nuevos detalles (algunos verídicos, otros no tanto) para alimentar hipótesis y teorías de millones de impacientes cibernautas alrededor de todo el mundo. Lo que se ha confirmado hasta ahora, es que ésta será una historia criminal de los orígenes del Joker, situada en los años 80 y que no tendrá conexión con el universo central de los superhéroes DC de la cadena Warner Bros. Si bien el público en principio, se creó la idea que al ser una entrega acerca de los inicios del villano, solo podríamos ver a un Joaquin Phoenix totalmente transformado al final de la película, las nuevas filtraciones derribaron esas conjeturas. “Arthur”, como se bautizó a este Joker en formación, aparece en múltiples fotografías dentro del set de filmación, maquillado, vestido de morado y con el cabello verde en pleno metro de New York, haciéndonos pensar que esta nueva visión del antagonista de Batman, podría distanciarse de la conocida en los cómics; donde el Joker se transforma en lo que es por

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caer sobre desechos químicos. Este cambio en la historia madre, también lo observamos en la obra de Christopher Nolan. Pero esa no sería la primera similitud que podríamos encontrar con The Dark Knight (2008), sino que también vimos al nuevo Joker con un grupo de personas vestidas de payasos, así como una especie de banda criminal de payasos ¿Les trae recuerdos? Siguiendo con estos pequeños rayos de información que circulan por ahí, también vimos una imagen del actor Brett Cullen interpretando a Thomas Wayne (padre de Bruce), quien aparentemente se estaría postulando como candidato a la alcandía de Gotham. ¡Boooom! ¿Qué conexión podrían tener ambos? ¿Enemigos? ¿Aliados? No tenemos idea, pero cual-

quiera sea el efecto que uno ejerza sobre el otro, pone este universo en un plano sumamente interesante, donde nuevos lazos que quizás no imaginábamos podrían aparecer entre las génesis de Batman y el Joker. Adicional a todo esto, cabe destacar los esfuerzos por parte del director Todd Phillips, quien obviamente veía venir estas filtraciones en masa por todos los rincones del set. Él mismo “filtró” imágenes que no opacaran su proyecto; subió a las redes, material a la altura de la producción, incluyendo un video con Joaquin caracterizado del Joker, exhibiendo un personaje algo melancólico, desquiciado y muy (pero muy) oscuro, el cual puedes encontrar en nuestra cuenta de Instagram: @mundo_peliculas

NOTICIAS

‘CALL ME BY YOUR NAME’

Se confirmó la segunda parte.

El actor Armie Hammer confirmó la secuela de ‘Call me by your name‘ que tendrá fecha de estreno para el 2020. La película Call me by your name basada en la novela André Aciman, fue llevada a la pantalla por el director Luca Guadagnino y fue protagonizada por Timothée Chalamet y Armie Hammer. La cinta se ubica en Italia en la época de los ochenta. La familia de Elio recibe estudiantes y creadores jóvenes durante el verano como una tradición, cobrando ayuda a cambio de estadía. Ese verano fue Oliver el afortunado escritor norteamericano

que excita la imaginación de Elio. Al pasar de las semanas el deseo entre ambos, sobretodo en Elio comienza intensificar la pasión. Call by your name fue un éxito que le valió el Oscar como mejor guion adaptado y la primera estatuilla para Timothée. Guadagnino confirmo en una entrevista que veríamos una secuela: “Los personajes son fantásticos, quiero saber qué les sucede… en el libro de André Aciman se cuentan unos 20 años de la vida de los dos jóvenes, así que habrá segunda parte”. En dicha entrevista aseguró también que la película se basaría en 1989, seis años después de la primera cinta, y trataría uno de los dramas sociales más importantes de la época: el SIDA.

name, asegurando que el rodaje de esta segunda película ya está en marcha. “Lo que sé y lo que puedo contar son dos cosas muy diferentes. De hecho, sé muchas cosas, pero no puedo contar casi nada”, declaraba el actor que interpreta a Oliver en la película, durante el festival de cine TIFF. Además, gracias a sus recientes declaraciones, sabemos que Armie Hammer estará presente en la secuela, algo que estaba en duda tras el final de la primera película. “Confío mucho la dirección artística de Luca Guadagnino y André Aciman y en todo el equipo que hizo un trabajo espectacular en la primera película. Ahora lo único que quiero es empezar el rodaje”, añadía el actor.

Fue el actor Armie Hammer quien confirmó la secuela de Call me by your

OCTUBRE / NOVIEMBRE 2018

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TEATRO

MI HIJO SÓLO CAMINA UN POCO MÁS LENTO AUTOR IVOR MARTINIC // DIRECCIÓN BÁRBARA RUIZ-TAGLE // ELENCO ANA REEVES, HUGO MEDINA, ROXANA NARANJO, ALEJANDRO TREJO, MARÍA JOSÉ SIEBALD, DANIEL ANTIVILO, DIEGO RUIZ, CAROLINA CORREA, ANDREW BARGSTED, ALEJANDRA OVIEDO, IÑIGO URRUTIA

Hoy es el cumpleaños de Branko, joven que tanto le costó parir a su madre. La familia le prepara una celebración. La enfermedad que lo tiene confinado a una silla de ruedas ha provocado en la familia un quiebre y luego una postura: ¿Abrazamos la vida o la escupimos?

EDAD RECOMENDADA DESDE 14 AÑOS TEMPORADA 11 DE OCTUBRE AL 1 DE DICIEMBRE

DESCUENTOS SOBRE VALOR GENERAL 50% ZONA ENTEL 40% BANCO DE CHILE (PAGANDO CON TARJETAS) 40% CLUB VIVA DE VIDA SECURITY 30% EL MERCURIO (PRESENTANDO O PAGANDO CON TARJETA CLUB DE LECTORES) 30% CLUB METROGAS *UNA VEZ COMENZADA LA FUNCIÓN SE PROHÍBE EL INGRESO A LA SALA Y NO EXISTE REVALIDACIÓN NI DEVOLUCIÓN DE LAS ENTRADAS.

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HORARIO JUEVES Y VIERNES 21:00 HRS, SÁBADO 20:30 HRS PRECIOS JUEVES $8.000 VIERNES $10.000 SÁBADO $12.000 GENERAL Más información y venta de entradas en www.centromori.cl

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