Mundo Películas Magazine 01 by Mundo Películas

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EDITORIAL Abril 2018

El testimonio de Prem Singh y Michael Pugliese acerca del génesis cinematográfico que dio vida a su película Tiger, se contrasta con el de Cecilia Atán y Valeria Pivato, quienes este mes estrenan su obra prima, La Novia del Desierto. En tanto, el universo sonoro lo dejamos en manos de Diego Fontecilla, Inverness y Sincrosonido que nos adentran en la sólida trayectoria que han forjado en las producciones audiovisuales. Además, el regreso de Katelyn Tarver al mundo musical, estrenos internacionales, concursos y todo lo que trae la Comic Con Chile 2018, en palabras de su propio creador Francisco Arqueros, son solo parte de las sorpresas que se pueden encontrar en esta revista.

DIRECTOR: Benjamín Scott / EDITOR EN JEFE: Benjamín Scott / DISEÑO: Rodrigo Valdés / EDITORES: Rafael Jovine / Paola Gárate / Jorge Yacoman / Daniel Fonseca / Marlene Beltrán / Benjamín Scott / ILUSTRADOR: Carlos Farías / FOTOGRAFÍAS: Paola Gárate Espinoza / Juan Francisco Figueroa / Monica Ciprian / Running Tiger Productions / COMMUNITY MANAGER: Benjamín Scott / WEB: www.mundopeliculas.tv / CONTACTO: contacto@mundopeliculas.tv / PUBLICIDAD: Matanga Digital contacto: nicole@matangadigital.cl

INDICE HORÓSCOPO

ENTREVISTA INTERNACIONAL: Prem Singh y Michael Pugliese

ENTREVISTA INTERNACIONAL: Katelyn Tarver

ANÁLISIS: Breaking Bad

ESTRENO: Basada en hechos reales

Audiovisual: Sincrosonido

CINE LATINO: La Novia del desierto 26 ESTRENO: Ready Player One

COMPOSITORES: Diego Fontecilla

MÚSICA: Inverness

GREEN CINEMA: Live and let live

Mi actriz Vegana: Jessica Chastain

RESEÑA: Call me by your name.

CARTELERA: Avengers

COMICS: Comic Con 2018

CINE FRANCÉS: Vivre sa vie

CINE INDEPENDIENTE: For Ellen

LITERATURA: Operación Réquiem

© Mundo Películas Magazine Abril 2018 Derechos reservados. Prohibida la reproducción total o parcial del contenido de esta revista. Mundo Películas no se responsabiliza por las opiniones o conceptos de los autores de las notas firmadas.

MUNDOPELÍCULAS

¿Qué hay detrás de la producción de una película? ¿Qué es lo que mueve a compositores a crear una melodía? ¿Cómo nacen los espacios dedicados al arte? En esta primera edición de Mundo Películas Magazine, no solo nos inmiscuimos en el vasto campo del cine, sino que quisimos ir más allá y conocer todas sus ramas; desde cómo emerge la inspiración para crear un filme, cómo lo sonoro converge con la imagen. Hasta cómo son los espacios donde se exhibe todo lo construido. Así es como el cine, el teatro, la televisión y la música forman un punto de encuentro a través de estas páginas, reclamando un espacio diferente de difusión que también se complementa y completa con la experiencia del espectador a través del análisis y de su directa recepción.

Acuario

Ingeniosos, innovadores y espontáneos. Los Acuario son visionarios y a veces hasta filósofos en su manera de ver pasar la vida. Para este mes deben ordenar sus ideas, confiar en ellos mismos y realizar esos planes que tienen en mente. Personaje: Lady Bird

Aries

Personaje: Los Aries son un signo independiente, de fuertes valores ideológicos, francos y directos. Tienden a obsesionarse con facilidad y no se toman muy bien las críticas. Recomendamos que este mes los arianos se tomen las cosas con más calma y aprendan a ver las malas rachas como un proceso de aprendizaje.

Piscis

Los Piscis son el signo más artístico del zodiaco, también son los emocionales y sensibles por lo que suelen ser introvertidos.

Personaje: Batman

Este mes deben tener cuidado en quienes confían, ya que la amabilidad que poseen puede llevarlos a tener problemas. Personaje: Edward Scissorhands

Virgo Leo

Los Leo son los dominantes y ambiciosos del zodiaco. Idealistas y orgullosos.

HORÓSCOPO

La recomendación para este mes es dejar de pensar tanto y empezar a guiarse de vez en cuando por el corazón.

Personaje: Susan Morrow (Animales Nocturnos)

Perfeccionistas y trabajadores. Los Virgo son lógicos y suspicaces, su curiosidad por las cosas los puede llevar a niveles inimaginables. Para este mes es recomendable darles tiempo a los seres queridos y pasar tiempo de calidad con ellos. Personaje: Sthepen Hawkins (The theory of everything)

Libra

Los Libra son los románticos, tiernos, pero obstinados del zodiaco. Queridos Libra, no dejen que su romanticismo los vuelva ciegos. No todos son lo que parecen. Personaje: Jay Gatsby (The great Gatsby)

Tauro

Los Tauro son tenaces y perseverantes. Buscan constantemente mejorar su estilo de vida ya que quieren tener un buen pasar. Este mes no deben dejar que la pereza les gane. Deben aprovechar el cambio de temporada para renovar energías y que el clima no los encuentre mal parados. Personaje: Jack Torrance (The Shining)

Géminis

Géminis, el signo del constante cambio. Pueden pecar de ser superficiales e inconstantes. Nada retiene su atención por bastante tiempo. Este mes no deben caer en obsesiones que los puedan llevar a los extremos. Personaje: Black Swan (Natalie Portman)

Cáncer

Los Cáncer suelen ser de buenos sentimientos e inteligentes, pero con tendencia a tener mal humor. Este mes les recomendamos no dar tanto peso a sus emociones a la hora de tomar decisiones. Personaje: Hank Moody (Californication)

Sagitario

Amistosos y confiables pero dominantes y vengativos. Los Escorpio podrían ser uno de los signos más conflictivos del zodiaco, por lo que siempre es bueno mantener su prudencia cuando se relacionan con ellos. El consejo para este mes es un llamado a contener un poco los instintos asesinos que de vez en cuando les afloran. Personaje: Annie Wilkes (Misery)

El consejo es que sean más realistas a la hora de tomar decisiones. Personaje: Christopher McCandless (Into the wild)

Capricornio

Los Capricornio son clásicos, determinados y con un gran sentido del humor. A pesar de todo son seres llenos de intriga y misterio, por lo que siempre nos pueden sorprender. El consejo para el mes es que se tomen la vida con calma. Personaje: Mia Wallace (Pulp Fiction)

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Escorpio

Los Sagitario se caracterizan por ser enérgicos e inquietos. Son uno de los signos que se mantiene en constante búsqueda del porqué de las cosas.

ENTREVISTA INTERNACIONAL

De la nada a lo alto

Prem Singh y Michael Pugliese nos cuentan sobre cómo hicieron su película. En exclusiva para los seguidores de Mundo Películas, dos actores emergentes de un pueblito en Canadá, lograron alcanzar sus sueños con toda una leyenda del cine incluida.

Hola chicos, bienvenidos a Mundo Películas. ¿Cómo se sienten? Michael – Estoy bien. Gracias por preguntar.

Prem - ¡Me siento genial! Gracias por la entrevista. Como dos artistas independientes ¿la idea de hacer una película parecía imposible? Michael – Totalmente, pero no importa lo que hagas, debes hacerlo con una actitud positiva. Tener fe en lo que te propongas hace todo menos estresante y el proceso es más divertido. Prem – No nos pareció imposible, de hecho todo lo contrario – estábamos determinados a hacer este film y estamos felices que no desistimos.

Ustedes se conocieron en una clase de actuación, ¿qué los unió eventualmente para producir y escribir este film? Michael – Bueno, nos conocimos en una clase de actuación y comenzamos a escribir el guion. Nos tomó varios años antes de empezar a filmar. Tuvimos la misma determinación, la misma pasión y las mismas metas. Por lo que tenía sentido co-escribir Tiger. Prem – Recuerdo ver a Mike actuar en la clase de actuación y pensé que era genial. Empezamos a conversar sobre cine y entendiendo nuestras metas en esta industria. Estuvimos de acuerdo. Nos pusimos de acuerdo y llegamos a la conclusión de que Tiger era la película que nos íbamos a enfocar completamente y nada nos detendría. Con toda la controversia con Trump y los inmigrantes (en especial los musulmanes), ¿creen que ahora más que nunca es el momento adecuado para promover la diversidad? Michael – Seguro. Es hermoso – ver a ciudadanos de un gran país juntarse y unirse sin importar su

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Por: Rafael Jovine Créditos fotos: Valentina Socci con arreglo de Jeffrey Paul de Exclusive Artist. / Running Tiger Productions

ENTREVISTA INTERNACIONAL MUNDOPELÍCULAS 8 8

TIGER ERA LA PELÍCULA QUE NOS ÍBAMOS A ENFOCAR COMPLETAMENTE Y NADA NOS DETENDRÍA. raza, cultura o tono de piel. Estamos promoviendo la diversidad, el amor y empatía. Prem – Ahora más que nunca es un tiempo importante para llevar este mensaje. Nuestro film está lleno de diversidad, frente y detrás de cámara. Tenemos una película que transmite un mensaje bien poderoso. Nos dijeron que nadie deseaba ver un film como éste, y ahora con estos movimientos a favor de la diversidad tenemos una película que prueba lo contrario.

¿Cuántas veces tuvieron que reescribir el guion original? Michael – Probablemente como unas veinticinco veces. Alister nos ayudó a llevar la historia hasta un punto en donde todo el equipo estuvo feliz. Estuvimos conversando por horas, discutiendo los personajes, los puntos de giro y el story arc. Todas sus notas fueron tomadas en consideración y puestas en el guion final. Prem - ¡25 veces! ¡No creo que volveré a escribir de nuevo! Fue tortuoso, pero no lo cambiaría por nada en este mundo.

¿Cómo fue actuar en un filme que también escribieron? Michael – Fue un sueño hecho realidad. Las palabras no pueden expresar los sentimientos que tuvimos y seguimos teniendo. Fue una bendición. Prem – Fantástico, pero no pensé sobre ello hasta que vi las repeticiones en el monitor luego de las primeras tomas. Habíamos creado esto, pero visualizarlo y trabajar arduamente en Starbucks para tener el guion perfecto – y ahora viéndolo desarrollar ante mí… fue una experiencia gratificante.

Prem – Sabía que era boxeador y su rol en El Luchador fue increíble, encajaba a la perfección para el papel. Cuando nos llegó la noticia que él había firmado para el rol nos emocionamos.

¿Por qué Tiger? ¿Cómo fue el proceso de rodaje y producción? Michael – Como mencionaste anteriormente, el tiempo [en que nos encontramos]. Tiger es una historia basada en hechos reales e inspiradora sobre un hombre que se mantuvo firme en sus creencias, sin importar las consecuencias. Tiger tiene un mensaje de unidad. Educar a los no educados sobre esta religión pacifista e inspirar a otros a mantenerse firmes en lo que creen. Prem – Una de las mejores experiencias en toda mi vida –pudimos

ver nuestro guión hecho realidad. Trabajamos con estos productores geniales, Rocco Pugliese, Robert Kwartler y Dan Grodnik, quienes creyeron en nosotros, y en esta película. Encima de eso, nuestro director Alister Grierson es un genio y supo cómo sacar lo mejor de nosotros como actores. Janel Parrish es un actor talentoso, no puedo esperar para que vean su interpretación. Mickey Rourke es tan bueno como en El Luchador y créanme cuando les digo que hicimos una película tan hermosa y de la cual me siento orgulloso.

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¿Qué fue lo que les llevó a acercarse a Mickey Rourke para que apareciera en el film? Michael – Él es una leyenda. Él tiene un talento natural para la actuación. Fue la razón por la que nos acercamos. Él solía, y todavía suele boxear. Por ello, llegamos a la conclusión que sería perfecto para el rol.

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ENTREVISTA INTERNACIONAL

ESTAMOS ANSIOSOS DE QUE LA PELÍCULA LLEGUE PRONTO A LATINOAMÉRICA.

¿Tuvieron algunos contratiempos? Michael – Hubo contratiempos en todos los aspectos. Desde el desarrollo hasta el día de hoy. Pero eso es todo lo que son: contratiempos. Aprendimos cómo enfrentarlos y salir adelante. Tengo suerte de contar con alguien como Prem a mi lado. Pensamos y congeniamos bien juntos y trabajamos con todo lo que teníamos para lograr nuestro cometido.

Prem - ¿Contratiempos? Para nada. Hay obstáculos que hemos venido enfrentando hasta el día de hoy y Michael y yo hemos salido airosos en cada una de ellas. Uno de los mayores obstáculos fue: “Nadie quiere ver este film.” Michael y yo logramos salir adelante, y ahora estamos hablando sobre el producto final, así que juntos somos imparables. ¿Cuándo podremos disfrutar de la película acá en Latinoamérica? Michael - ¡Muy pronto! Estamos trabajando para sacarla a finales de año, pero sin duda estamos ansiosos de que llegue a Latinoamérica! Prem - ¡Pronto! Muy pronto. Ustedes sin duda tienen una fuerte amistad ¿cómo fue interpretar a dos adversarios cuando en la vida real son tan unidos? Michael – Fue sencillo. Prem no me cae para nada bien. ¡Así que solo tuve que interpretarme a mí mis-

mo! Bromas aparte, Prem es como un hermano para mí. Pero cuando estás tan cometido a un rol, no estuve mirando a mi hermano. Estuve viendo a Pardeep Nagra, un chico que, pensé que se estaba adueñando del gimnasio y dejándome a un lado. Nos estuvimos preparando para estos personajes por alrededor de un año. Estuvimos listos para lo que estaba por venir y tuvimos más que tiempo suficiente para adentrarnos [en nuestros papeles]. Prem – Sí, ¡básicamente nos odiamos! ¡Pero somos grandes actores! ¡Verán que tan buenos somos! Pero hablando en serio, ¡Mikey es mi hermano! Hemos trabajado tan arduamente en las clases de actuación haciendo lo que amamos, así que cuando llegó la hora de interpretar estos papeles fue bien sencillo. Nos comunicamos bien. Fue Pardeep Nagra contra Brian Doyle, ¡y eso es lo que el público verá! ¿Qué más les prepara el mundo? Michael – Estamos trabajando en varias películas bajo nuestra productora Running Tiger Films, pero ahora más que nada nos estamos enfocando en promocionar Tiger y asegurándonos de llevar el mensaje. Prem – Tenemos varios films en desarrollo bajo nuestra productora Running Tiger Films, pero ahora mismo estamos viajando alrededor del mundo, llevando un fuerte mensaje de diversidad por medio de nuestro film Tiger. MP

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Una entrevista con Katelyn Tarver luego de haber encontrado un éxito en la pequeña pantalla en la serie Big Time Rush. La actriz y cantante regresa con su exitoso sencillo “Never Fade”

ENTREVISTA INTERNACIONAL

Por: Rafael Jovine

El regreso que no te esperabas

Habiendo conseguido una exitosa carrera como una artista musical y una actriz ¿acaso una te incentivo a la otra? Sí, claro. Creo que tanto la actuación como la música requieren que seas un tanto observador de las personas y las emociones y las historias, así que, para mí, naturalmente cada una apoya a la otra. Tengo suerte de hacer ambas. Estuviste en este popular programa de TV en Nickelodeon llamado Big Time Rush donde, al menos que mi memoria no me falle, no tuviste la oportunidad de cantar mucho. Me resulta curioso que durante ese periodo no sacaste algún nuevo material ¿estuviste en un periodo de descanso durante ese periodo? Si, estuve escribiendo música mientras filmaba, pero sí, no hice mucho. Creo que estuve en este punto de mi carrera como cantante donde todavía estaba tratando de encontrar mi propia voz como una compositora, donde encajara lo que deseaba hacer, etc. ¿Qué fue lo que eventualmente te hizo regresar a la música? Mis amigos estaban en una banda llamada Honor Society y ellos sabían lo tanto que anhelaba sacar nueva música, pero me sentía algo bloqueada. Así que fuimos a cenar una noche, y me preguntaron si estaba interesada en abrir para ellos en su gira de verano. Sabía que no podía negarme, así que recolecté varias de mis canciones que había escrito el año previo, las grabé y saqué mi EP A Little More Free, armé

una banda, y ¡estuve lista en eso de un mes! Eso me ayudó a regresar en mi camino musical. ¿Aprendiste algo de ese tiempo de descanso que has abrazado en esta nueva etapa en tu carrera? Sí, creo que fue tiempo necesario para mí para encontrar mi voz y mi lado como una compositora. Me ayudó a perfeccionar mis habilidades un poco más sin la presión de sacar un nuevo material de inmediato. Desde tu reinicio en la música, has encontrado un gran éxito ¿te lo esperabas o te sorprendió? Traté de no tener muchas esperanzas cuando empecé a sacar nueva música, pero ¡claro que siempre esperé que iba a encontrar [alguna clase de] éxito! Así que, haber podido conectar con las personas y continuar creciendo ha sido una sorpresa.

Me gusta colaborar, así me resulta sencillo la mayoría de las veces. Me gusta recibir aportes e ideas de otros compositores o productores, porque pienso que ayuda a sacar lo mejor de una canción. ¿Acaso el nuevo sencillo significa que más temprano que tarde podamos esperar un nuevo disco? ¡Estén atentos! ¿Buscarás por una nueva dirección musical o temáticamente? Creo que el siguiente número de canciones van a explorar un lado más poderoso de mí misma que estoy emocionada por compartir. ¿Qué más te depara el futuro? ¡Nueva música y podrán verme en la nueva temporada de Ballers en HBO! MP

Hablando de un nuevo material, hablemos de tu nuevo sencillo “Never Fade” ¿cómo fue el proceso de composición y grabación? Never Fade de hecho fue una canción que empecé a escribir hace un par de años. Cuando pensé en escribir mi nuevo material, siguió saliendo a coalición, así que me decidí terminarla y ver en qué acababa. Estuve bien feliz por el producto final. ¿Tenías en mente a los de Sir Sly desde un inicio o la idea surgió más adelante? Escribí la canción con Landon de Sir Sly en mente desde un principio, ¡así que fue genial haber podido terminarla con ellos! ¿Te resulta fácil compartir los deberes con alguien más mientras escribes o grabas una canción?

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Hola Katelyn, ¡bienvenida a Mundo Películas! Gracias por sentarte con nosotros para que los nuevos y viejos fans puedan conocer más sobre ti. ¡Emocionada de estar aquí!

Breakin Ba

Walter White

desciende la pirámide de Maslow Por: Daniel Fonseca

oco falta de decir sobre está serie. Uno de los mejores shows de televisión de todos los tiempos. Considerado, por muchos, como el mejor de nuestra generación. Un guion brillante. Unas actuaciones formidables. Hipérboles. Pero mi cosa favorita de Breaking Bad es su estructura. Ninguna serie resalta tanto en este apartado como esta.

ANÁLISIS

La serie, a lo largo de sus cinco temporadas, sigue patrones bastante reconocibles. Ya desde el primer capitulo podemos notar los puntos importantes que determinan el desarrollo y final de la odisea criminal de Walter y Jesse. Lo

primero que vemos es justo como la serie va a terminar: Walter, despojado de su dignidad, se dirige a enfrentar las consecuencias de sus acciones de manera violenta. Tanto en el principio de la serie como en el final Walter cree/sabe que va a morir, así que antes de hacerlo da su confesión y explica las razones que lo llevaron a convertirse en Heinsenberg. En ambas confesiones, incluso aunque sean totalmente diferentes, Walter dice la verdad. Su verdad, en ese momento. Empezó a cocina metanfetaminas para asegurar el futuro de su familia. Y creo un imperio criminal porque lo quería, y era bueno en ello. Primeros tres minutos. Ultimo episodio.

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ANÁLISIS

La pirámide de necesidades de Maslow o la jerarquía de necesidades humanas resume a la perfección el desarrollo de la serie a través de su protagonista y es una de las estructuras que demuestran por que la serie es tan buena. Según la pirámide, para subir un escalón primero hay que asegurar que se tiene el escalón previo, hasta llegar a la cima. En orden ascendente: Fisiología, Seguridad, Afiliación, Reconocimiento y Autorrealización. A partir del capitulo uno podemos ver como Walter escala y desciende continuamente la pirámide. Primero, Walter es un perdedor. Lo vemos lavar el auto de unos estudiantes que no lo respetan. Está decepcionado de su vida. Es un fracaso. No tiene el reconocimiento que tiene: es un genio, nivel Nobel, de la química y su trabajo vale millones; pero lo perdió todo. La empresa que fundó ya está en manos de alguien

más. Sus lazos son cortos y débiles, solo tiene a su familia, una que no lo respeta. Una esposa mojigata, un hijo discapacitado de quien todos se burlan, una cuñada entrometida, un cuñado bribón que es un fastidio. Ningún amigo. Nadie. Y desciende cada vez más, no tiene seguridad financiera. Es un pobre profesor de secundaria de 50 años con un hijo en camino y que tiene que lavar autos para llegar a fin de mes. Su casa está hipotecada y no tiene manera de enviar a su hijo a la universidad. El golpe de gracia: Walter tiene cáncer terminal. Es en lo más bajo de esa pirámide que empieza la gran odisea criminal y la metamorfosis de Walter White en el despreciable Heinsenberg. Vemos a Walter curarse. Vemos a Walter llevar seguridad financiera a su familia y seguridad física, al acabar con su competencia y “ser el

peligro”. Lo vemos formar lazos íntimos y profundos, complejos y difíciles, con muchas personas. Jesse Pinkman el principal. Lo vemos ganar respeto, de sus familiares, de sus colegas y de su competencia. Heinsenberg se vuelve un nombre que da miedo pronunciar. Entonces, cuando está en el negocio de los imperios y su trabajo tiene alcance global, cuando finalmente Walter White llega a la cima de la pirámide. Como un Kingpin de la droga, como una leyenda. Para, finalmente, caer. La temporada 5 es la culminación del recorrido de todos los personajes que amamos y odiamos durante 62 episodios. Es el momento en que Walter empieza a pagar sus crímenes y la sangre en sus manos se vuelve imposible de esconder. Walter ve como el icono en que se había convertido consume a la

seguridad económica. La policía lo persigue y tiene peligrosos enemigos que irán tras él en cualquier momento. Felina, el ultimo episodio, hace referencia a tres elementos de la tabla periódica: Fe, hierro; Li, Litio; Na, Sodio. Sangre, metanfetaminas y lágrimas. Walter, consumido otra vez por su cáncer, decide hacer frente a sus crímenes justo como la primera vez, como si de un rito de iniciación a la inversa se tratase. Todo empezó en un pequeño laboratorio rodante en el desierto, y termina en un gran y bien equipado laboratorio. Porque Walter, el trágico antihéroe, el despiadado villano, el afable padre de familia merece, aunque sea una pequeña recompensa. Una constante en una historia llena de violencia y de altas y bajas. Al principio del ultimo capitulo lo vemos decir “Llévame a casa”. Pero su casa ya no es aquella mancillada por la sombra de Heinsenberg, donde no era bien recibido. Era donde todo empezó,

un laboratorio clandestino. Donde Jesse y habían hecho su magia. Es ahí donde Walter desciende hasta el fondo de la pirámide de Maslow y, con un dejo de nostalgia por los días de gloria, Heinsenberg muere. Breking Bad es una serie que ya pasó a la historia. Una historia que ya se escribió y quedó en el recuerdo de todos aquellos que la hemos visto. Walter White, Jesse Pinkman, Los Pollos Hermanos, y hasta, la pizza en el techo, perduraran en el tiempo, incluso después de la muerte de su personaje principal. MP

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persona detrás del personaje. La autorrealización que había celebrado consume el trabajo de su vida, su familia y a sus amigos. Pierde el respeto que había ganado, de ser un hombre de familia respetable y exitoso la gente a su alrededor y todo el mundo que alguna vez hubiera oído el nombre Heinsenberg descubren que tras aquella mascara de bigote y sombrero no había nada más que un vulgar ególatra homicida. Es por eso por lo que su familia (lo que quedaba de ella) lo rechaza, al punto de convertirse en su enemigo más peligroso. Jesse conspira contra él con la ayuda de Hank. Su esposa y su hijo se enfrentan a él. Secuestra a su hija para dejarla en una estación de bomberos al darse cuenta de que no podía cuidar de ella y que iba a crecer sabiendo las atrocidades que su padre había cometido. Incluso sus aliados en el bajo mundo lo traicionan. Rompe todos sus lazos. Con todo su legado destruido y el ojo público persiguiéndolo Walter pierde su dinero, adiós a la

ESTRENO

“Basada en hechos reales” — la soledad de los fantasmas 18

La nueva película del director Roman Polanski, D’après une Histoire Vraie, protagonizada por Eva Green y Emmanuelle Seigner, se encuentra en cartelera a partir de este mes.

a película dirigida por el franco- polaco Roman Polanski (París, 1933) cuenta la historia de Delphine (Emmanuelle Seigner), una famosa y exitosa escritora francesa que se encuentra en un punto crítico en su carrera donde no sabe si seguir el mismo y cómodo camino de siempre o arriesgarse con algo distinto con su próximo libro. Es Elle (Eva Green), una gran admiradora de ella, la encargada de guiarla por esta segunda opción. Esta relación entre Delphine y Elle se va formando en base a la soledad de la escritora quien se siente poco escuchada y entendida por su círculo y en especial por su pareja (Vincent Pérez) que casi siempre anda de viaje entrevistando a otros escritores internacionales.

Elle —con una actuación aguda por parte de Eva Green— se reserva el cinismo típico del mundo artístico y es directa con Delphine, insistiéndole en escribir su historia

oculta, una historia personal ligada a conflictos familiares de los cuales Delphine ha decidido desligarse y escapar en vez de sanar. El montaje, con una duración de 110 minutos, en la primera parte sigue un ritmo sólido que juega con el espectador, haciéndole pensar que hay un interés amoroso o sexual entre ambas mujeres, pero luego se enfoca en la insistencia de Elle hacia Delphine en que necesita escribir con un deber pendiente hacia sus seguidores. Su insistencia es tal que llega a ser agresiva, pero para Delphine, en su frustración y sumisión, le es más fácil seguirle el juego para ver después si puede dar vuelta los roles.

en general, quienes en su soledad convierten a las personas en sus personajes, y nos muestra sus consecuencias. Es una película que entrega una mirada distinta al típico artista mártir y perturbado, y entra en la piel de una frágil mujer atrapada por el mundo que ella mismo creó, donde su propia existencia pareciera ser igual de etérea que su ficción. MP

La película en general mantiene un tono melodramático, íntimo, con un suspenso marcado por la música de Alexandre Desplat que alude a una tragedia o a un gran éxito pero con sabor amargo producto de procesos creativos poco sinceros. Polanski, basándose en la novela de Delphine de Vigan, expone un aspecto de los escritores o artistas

LA RELACIÓN ENTRE DELPHINE Y ELLE SE VA FORMANDO EN BASE A LA SOLEDAD

MUNDOPELÍCULAS

Por: Jorge Yacoman

Los sonidistas John Piff y Sebastián Arjona de Sincrosonido, nos comentan cómo el sonido ha ido evolucionando exponencialmente en la industria audivisual y cómo han logrado construir la gran trayectoria que tienen en las pantallas nacionales. Redacción y fotografía por: Paola Gárate Espinoza. Lugar: Culto Bar, Estados Unidos #246. Fotos entrevistados por: Paola Garate en Culto Bar: Estados Unidos 246 Fotos en rodaje por: Monica Ciprian

El equipo que los conforma se encarga de toda la cadena de registro sonoro y post-producción, con equipos y procesos que están sobre los estándares que nos exige el rubro audiovisual. ¿Cómo y dónde nace la idea de formar esta productora? Sebastián: Sincrosonido, más que una productora, está focalizada en prestar un servicio que últimamente ha estado muy dejado o que no se le ha puesto la debida atención: el sonido. Creo que está creciendo mucho la parte técnica en Chile, se están haciendo cosas que antes no eran pensadas y así mismo, está llegando mucha tecnología. Avanzamos súper rápido y tenemos buenos sonidistas, hay mucho potencial. Por eso, viene gente de otros países a hacer muchas cosas acá; es muy barato y hay gente capacitada para hacer el trabajo. Sincrosonido nace así, con la idea de que también haya un rubro de sonidistas profesionales que puedan hacer bien las cosas y que estén equipados profesionalmente, sin quedarse atrás. En cámaras por ejemplo, salió el HD, seguido por el FullHD, después el 2K, 4k y así sucesivamente, todo el tiempo actualizándose. Y el sonido también lo hace, pero hay muy poca gente que se atreve a incursionar en esta área. John: Ignacio Corvalán, Sebastián y yo, estudiamos juntos. Y de manera casi mágica, terminamos haciendo sonido directo y formando Sincrosonido. Sebastián: Pero, de hecho, nuestro instituto no le daba ninguna

AUDIOVISUAL

SINCROSONIDO NOS SUMERGE EN EL MUNDO SONORO DEL CINE CHILENO

incrosonido se encarga de entregar un servicio integral en sonido directo y post-producción. Su creación nace con el propósito de ofrecer un servicio profesional completo en sonido para Cine, TV y publicidad.

AUDIOVISUAL MUNDOPELÍCULAS 22

prioridad a sonido directo. En ese entonces, hasta la carrera de comunicación audivisual tenía equipos muy superiores de sonido en comparación con los de la carrera de sonido misma. Pero por cosas del destino, empecé a trabajar en un rental de sonido, y ahí hacíamos comerciales, películas, etc. Mi primera película, al salir del instituto fue La Esmeralda, 1879 (2010) del director Elías Llanos, por la que estuve durante un mes en el norte, grabando arriba de un barco. Después empezaron a salir otros proyectos y series, como Prófugos (2011) de Pablo Larraín y Jonathan Jakubowicz, donde tuve la oportunidad de trabajar sin poseer mucha experiencia. Estas instancias

fueron las que se transformaron en una escuela para mí en lo técnico. Con respecto a eso ¿Qué tan distinto fue lo que vieron durante sus años académicos, en comparación a lo que se enfrentaron al salir al mundo laboral? Sebastián: Podríamos decir que aprendimos desde cero. Los equipos que tenía el instituto, nunca más los vi después de salir. Eran instrumentos de sonido que llevaban años obsoletos, totalmente. Al salir, la era digital nos encontró de golpe. Lo análogo había quedado solo en el recuerdo. Por eso, prácticamente nos tocó “aprender haciendo”. Al principio, tuve que trabajar gratis para poder aprender y

EN ALGÚN MOMENTO DE LA VIDA NOS JUNTAMOS EN ALGÚN TRABAJO, Y AHÍ EMPEZAMOS LA IDEA DE FORTALECER EL SONIDO EN LA INDUSTRIA.

¿Cómo deciden juntarse para formar Sincrosonido? Sebastián: Si bien, todos nosotros habíamos tomado caminos separados. En algún momento de la vida nos juntamos en algún trabajo, y ahí empezamos la idea de fortalecer el sonido en la industria. Crear algo que no existía en Chile: una empresa profesional de sonido directo. Hay empresas de sonido directo que llevan muchos años, sí. Pero están estancadas, no invierten en cosas nuevas, en nueva tecnología. Me tocó operar equipos muy antiguos que solo daban dolores de cabeza en los rodajes, y sin ningún interés por parte de las empresas en actualizarlos. John: De hecho, el año pasado tomé un trabajo donde había máquinas universitarias. Las cañas estaban rodadas y los micrófonos malos. Para mí, que estoy acostumbrado a mis instrumentos, fue un retroceso gigante. Tuve que aprender a ocupar equipos que ya quedaron en el pasado. Durante un rodaje tienes que tener equipos de punta. Lo análogo puede tener el romanticismo de la época, pero ya no son útiles. Sebastián: Lo bueno es que están naciendo nuevas generaciones de técnicos que tienen toda esa inquietud con la tecnología, se informan y aprenden de lo nuevo. Veo que las cosas están mejorando harto y se está generando competencia. Y la competencia es buena para que nos mantengamos aprendiendo constantenemente. John: Actualmente, en el rubro del sonido, somos tan pocos, que todos nos conocemos. Nos pasamos

datos, nos prestamos máquinas y vamos aprendiendo en conjunto. Compartimos la información. En ese aspecto nos cuidamos un poco más entre nosotros, que quizás otras especialidades del medio. Una de las críticas más constantes al cine chileno es con respecto al sonido: La película puede ser muy buena, pero el sonido es malísimo. ¿A qué creen que se debe? John: Yo creo que tiene que ver con varios aspectos de la cadena sonora; las locaciones, quien hace caña, micrófono, el proceso de post producción, etc. Hay personas que llevan 30 años haciendo exactamente lo mismo, y no se han actualizado. Se repite la fórmula y no se avanza. En ese sentido nosotros somos unos nerds; siempre estamos estudiando y viendo cómo poder mejorar la técnica. Porque no puedes usar la misma técnica para todo; no todas las películas son iguales, no todas las producciones son iguales. Las frecuencias son distintas para todo. Tienes que estar estudiando siempre. Cada vez que nos llega algo nuevo, vemos cómo funciona, cómo se usa, cuánto le dura la batería, todo. Y justamente, para hacer un buen trabajo, y que ya no haya más críticas sobre el mal sonido que tienen las películas en Chile, es necesario. Sebastián: Pienso que también puede ser porque hay muchos sonidistas acá, que se acostrumbraron a usar el mismo micrófono para todo, siempre. Antes de empezar con Sincrosonido, trabajé en Sudamerican Rockers (2014) de Jordi Bachs, la serie basada en la historia de Los Prisioneros. Recuerdo que en ella registramos todos los sonidos de la banda (porque tocaban en vivo) e hicimos mucho foley, además del sonido directo. Teníamos que estar pendiente de ir grabando los pasos, los sonidos de los intrumentos y todos esos

elementos extra que fueron enriqueciendo un poco más la escena, por separado. Y así, después, cuando escuché la serie en la tele, sentí cómo se nota la diferencia. Era como estar viendo una película, sonaba “rica”. Los chicos tocaban de verdad y nosotros grababamos en vivo todas esas cosas. Gracias a esa serie me di cuenta de que se puede mejorar harto el sonido directo si uno se preocupa más, de tener variedad de opciones de micrófono. John: Es igual a tener una maleta de lentes. Sebastián: - Exacto. La cámara va variando los lentes según el plano que se requiere ¿Por qué no puede haber una maleta de diversos micrófonos para distintas situaciones?. Cuando grabamos la serie Alto Hospicio de Juan Ignacio Sabatini (que terminamos hace poco), había muchas escenas que ocurrían, por ejemplo, en autos. Llegamos a poner hasta cuatro micrófonos, de los cuales incluso, uno era para la puerta del auto, para registrar mejor cuando tuviera que bajarse o subirse alguien. Entonces logramos tener hartas pistas, que quizás, tal vez, algunas no servirían... Pero otras sí. Creamos más opciones para moldear, para mezclar. Además, me acuerdo que la producción hizo un montaje para el Mega porque tenían que mostrarle algo de material avanzado, y enviaron un material montado con el sonido directo, pero en bruto, sin post producción, ni nada. Y lo primero que les llamó la atención en el canal, fue el sonido. Pensaron que tenía post, pero solo era el directo; Se escuchaba todo, hasta el sonido de la puerta, el ambiente, todo. Así, recibimos felicitaciones por parte del canal al equipo de sonido. La experiencia nos motivó más a seguir con ésto, sacándole más partido al sonido directo, usando no solo una caña y un micrófono, si no que escondiendo

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hacerme de experiencia, nutrir mi currículum. Porque al fin y al cabo, en este medio, la experiencia lo es todo. Si bien nuestro título dice “Técnico en sonido”, en estos momentos estamos haciendo trabajo de ingeniería, sin ser ingenieros.

“ME GUSTARÍA SABER CÓMO TRABAJAN AFUERA Y APRENDER DE ELLOS”.

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micrófonos en distintas partes del set y a tratar de capturar esos sonidos que están algo perdidos en el ambiente y que de repente en post producción son más difíciles de recrear. Con todas esas pistas, se puede recrear una atmósfera sonora mucho más “bacán”.

¿Cuál fue el primer trabajo que tuvieron como equipo? Sebastián: Nuestro primer trabajo de sonido directo como equipo, fue en La mentirita blanca (2017) dirigida por Tomás Alzamora Muñoz y protagonizada por Rodrigo Salinas. Esa película la tomamos como un proyecto universitario, porque era la tesis del director para UNIACC. Si bien, en un principio usaríamos los equipos de la universidad, decidimos finalmente poner los nuestros de manera gratuita. Se creó un muy grato ambiente laboral, todos trabajamos con mucho amor y poniéndole mucho empeño para sacar la película. Y cuando logré escuchar la película en el cine me dije “Éste es el sonido que grabamos”, porque de post tenía muy poco. El ambiente, los pasos, todo era producto de lo que habíamos hecho nosotros. Si bien, eran los equipos con los que comenzamos, que no eran mucho, tuvimos un muy buen resultado. Nos tuvo muy felices. Además, la película ganó un premio en Miami y la empresa que se ocupaba de su comercialización hizo énfasis en el sonido, comen-

tando que la película “sonaba por sí sola” y que no era necesario tener una post para entenderla bien, ya que todo “sonaba”. ¿Qué es lo que más disfrutan de su trabajo? Sebastián: Yo disfruto harto la ficción y las películas. Porque en las películas toda la gente trabaja para hacer un solo producto, todos le ponen el cariño. Y aunque en la ficción no pasa mucho eso, al final del día, todos forman un engranaje, una máquina que tiene que funcionar. John: - A mí también me gusta mucho el cine y la ficción. Porque es algo en lo que estás un mes o más, dándolo todo, la vida. A diferencia de las teleseries. Sebastián: En las series y en las películas se respetan harto los distintos departamentos, en las teleseries eso no pasa. John: Por lo general son como 8 meses, con 20 escenas por día. En películas son como 3~5 escenas por día. Más relajado, no tan extenuante como las teleseries. Sebastián: Además, todos los que trabajan en ficción se conocen. Entonces, cuando el productor técnico arma un equipo y tiene el equipo de cámara listo, ellos siempre van a preguntar qué sonidista viene, por eso te ganas su confianza. Nosotros sabemos trabajar bien en set, estamos atentos a los cambios de lente, sabemos lo que pasa, escuchamos los ensayos, y jamás vamos a estar metiendo la caña en cuadros o retrasando una escena por culpa del sonido. Nos mantenemos súper pendientes de lo que se está haciendo. Gracias a eso mucha gente de cámara confía en nosotros; Es un mito que las cámaras tienen una rivalidad con los sonidistas, somos un equipo. La gente que trabaja con nosotros, el productor, y el director sobre

todo, sabe que no va a tener ni un problema de sonido con nosotros, porque nos preocuparemos de todo y reaccionaremos rápido ante cualquier eventualidad. Y, ¿qué es lo que menos les gusta? John: Me molestan muchas cosas, pero la paso bien igual. Dependiendo del equipo del que eres parte, se hace esa buena onda grupal. Hay que pasarla bien en lo que haces. ¿Para qué sufrir? Para eso te devuelves a la casa. Sebastián: A mí, me molesta que no le den la importancia que merece nuestro trabajo. Me ha pasado, que aconsejo a directores con locaciones donde sonido puede tener dificultades y a ellos le da igual. John: Prestamos un servicio que es para el plano que estén haciendo. Entonces, según el plano y la locación, varía. Es nuestro deber exponer lo que está pasando en el minuto. Sebastián: - A veces, incluso, nos dejan fuera de las visitas a locación. John: - En realidad, es lo que pasa con los audiovisuales en general; tienen poco cuidado con el sonido. Si bien, la carrera es “audio-visual”, siempre termina siendo más visual que audio. Y eso es un poco cuidado que se acarrea desde la escuela. Uno siempre intentará poner todo a disposición, pero como trabajo en conjunto, debe haber un apoyo mutuo. ¿Cuál ha sido su mejor experiencia? John: Me tocó trabajar en verano en New York con un equipo pequeño, medio guerrilla. El hecho de tener gente de todo el mundo involucrada en el trabajo, hablando nada de inglés y compartiendo risas igual, es entretenido. Te das cuenta de que este trabajo es casi un idioma universal. Disfruté mu-

Sebastián: He tenido proyectos que he apoyado, a los que no he llevado mis equipos. Uno de ellos fue el documental Propaganda (2014) de Christopher Murray. Y fue todo un desafío, porque estaba trabajando con instrumentos que no eran los adecuados. Sin embargo, nunca pensé que iba a quedar tan bueno el resultado final. Cuando haces un documental, llegas a lugares que muchas veces no sabes que vas a registrar; Bachelet hablando o Matthei repartiendo abrazos. Fue entretenido. Todo un desafio. Tener un resultado así de bueno, habiendo grabado con tan poco, fue gratificante. Creo que sean como sean las condiciones, si uno le pone toda la garra, todo el amor, va a quedar bueno.

¿Cuáles son los proyectos que tienen a futuro? Sebastián: Hicimos ocho teasers, y de ellos, dos sacaron fondos audiovisuales. Por lo que esperamos que para el próximo año estemos filmando esas películas, y obviamente más series. Pero, también esperamos que de aquí a corto plazo, empecemos a hacer cosas fuera de Chile, que nos consideren en producciones en otros países. Quizás, no llegar a Estados Unidos inmediatamente, pero sí a otros países como Perú, Bolivia, Colombia, México, etc. John: En México está todo pasando. Su presencia en los Oscars es gigantesca; directores, películas, dirección fotográfica como la de Emmanuel Lubezki, tres años consecutivos, todo. Sebastián: Nuestra idea, es que Sincrosonido no exista solo acá en Santiago y regiones, si no que

consideren técnicos chilenos afuera también, que podamos salir. Yo creo que se puede. Y ¿por qué no Estados Unidos donde está la mayor industria? Hay harto trabajo y es bien pagado. John: Norteamérica en la industria, está en las mejores posiciones; Los Angeles, New York, Toronto y México. Todo pasando. Personalmente, quizás no me iría para siempre, pero sí por temporadas. Quiero hacer cosas afuera. Sebastián: Me gustaría saber cómo trabajan afuera y aprender de ellos. Pienso que uno nunca termina de aprender cosas nuevas y eso es genial. John: Dependiendo del país, hay una especie lenguaje de cómo se siente y cómo se escucha el trabajo sonoro. MP

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cho ese rodaje, la experiencia fue increíble; Estar en otro país, grabando durante un mes, mucho calor, disfrutando, conociendo gente, haciendo contactos internacionales, etc.

Ganadora de trofeos en certámenes fílmicos como Lima, Huelva y La Habana, desde su debut mundial el año pasado en la sección Una Cierta Mirada del Festival de Cannes esta co-producción entre Chile y Argentina, ópera prima de las realizadoras trasandinas Cecilia Atán y Valeria Pivato, ha tenido una serie de reconocimientos internacionales, incluyendo en los últimos días el anuncio de nominaciones en los Premios Cóndor de Oro y los Premios Platino. Entrevista por Benjamín Scott Fotos cortesía de Storyboard Media

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‘La Novia del desierto’: Premiada y elogiada película protagonizada por Paulina García se estrena el 19 de abril.

esde su estreno mundial en la sección Una Cierta Mirada del Festival de Cannes ha sido una de las óperas primas latinoamericanas que ha tenido mejor recepción internacional en el último año, y ahora prepara su debut en la cartelera chilena, mientras continúa obteniendo importantes reconocimientos: “La novia del desierto”, co-producción entre Argentina y Chile dirigida por las realizadoras trasandinas Cecilia Atán y Valeria Pivato y protagonizada por la reconocida actriz nacional Paulina García (quien en estos días la presenta en el Festival de Toulouse, donde está participando como una de las principales invitadas del certamen francés), se podrá ver en salas comerciales y alternativas del país desde el 19 de abril.

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En este largometraje, García inter-

preta a Teresa, una chilena radicada en Argentina quien ha trabajado durante décadas como empleada doméstica en una casa en Buenos Aires, pero su rutina cambia cuando la familia decide vender el lugar y ella debe aceptar un trabajo en otra zona del país, lo que la lleva a emprender un viaje a través del desierto. Pero sus planes se verán alterados en la tierra de la milagrosa “Difunta Correa”, venerada popularmente, donde pierde su bolso con todas sus pertenencias, lo que la obligará a viajar en compañía de un vendedor ambulante, la única persona capaz de ayudarla. Además de la actriz, quien protagoniza junto al reconocido actor argentino Claudio Rissi -quien ha desarrollado una carrera de tres décadas en el cine, incluyendo filmes dirigidos por prestigiosos cineastas trasandinos como Mar-

celo Piñeyro, Adolfo Aristarain y Damián Szifron-, la producción incluye el trabajo de otros dos importantes artistas de referencia en el cine chileno actual: el director de fotografía Sergio Armstrong (“Tony Manero”, “La nana”, “Joven y alocada”, “No”, “El club”, “Neruda”, “Princesita”) y la montajista Andrea Chignoli (“Historias de fútbol”, “Tony Manero”, “Violeta se fue a los cielos”, “No”, “El bosque de Karadima”, “Jesús”, “Princesita”). Y en una breve intervención, también aparece el popular actor Daniel Muñoz. La película ha obtenido importantes reconocimientos en diversos certámenes fílmicos: entre otros, en el Festival de Huelva ganó el Colón de Oro al Mejor Largometraje, y el Colón de Plata a la Mejor Actriz y el Mejor Actor, mientras en la competencia oficial del Festival

El film ha tenido una positiva recepción entre la crítica internacional. En The Hollywood Reporter, David Rooney lo definió como “una obra cautivadora” y elogió a su protagonista, diciendo que “la maravillosa García es el corazón de la película”. En Argentina, Diego Batlle, de La Nación, afirmó que “en su simpleza se esconde también una pericia y una ductilidad que no abundan en el universo de las óperas primas”, y en Clarín Pablo O. Scholz expresó

que “con una madurez inusitada en una ópera prima, las directoras cuentan una historia sencilla y entradora”. “La novia del desierto” tendrá funciones en salas de Santiago (Hoyts La Reina, Cinemark Alto Las Condes, Cineplanet Costanera, Cineteca Nacional y Matucana 100) y también se podrá ver en ciudades como Antofagasta, La Serena, Valparaíso, Talca, Chillán, Concepción, Villarrica, Valdivia, Puerto Varas, Puerto Montt y Coyhaique. El film será distribuido en Chile por Storyboard Media, que desde noviembre de 2015 ha estrenado a lo largo del país largometrajes nacionales a través de su línea de distribución, y que este año también distribuirá “Los versos del olvido”, de Alireza Khatami; “Reinos”, de Pelayo Lira; “Dry Martina”, de Che Sandoval; “El Negro”, documental de Sergio

Castro San Martín, y “Trastornos del sueño”, de Camilo Becerra.

SOBRE LAS DIRECTORAS: Desde fines de los años 90, Cecilia Atán comenzó a trabajar en la industria cinematográfica argentina, incluyendo su participación en producciones como “Nueces para el amor” y “Tesis para un homicidio”. Por su parte, Valeria Pivato ha trabajado en distintas funciones (continuista, asistente de dirección) en los rodajes de películas de realizadores como Juan José Campanella (“El hijo de la novia”, “Luna de Avellaneda”, “El secreto de sus ojos”) y Pablo Trapero (“Leonera”). “La novia del desierto” es para ambas el primer largometraje en el que son directoras, guionistas y productoras.

LA EXPERIENCIA DEL RODAJE HA SIDO DURA, PERO AL MISMO TIEMPO MUY GRATIFICANTE.

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de La Habana fue elegida Mejor Ópera Prima, premio que también recibió en la Competencia Oficial de Ficción del Festival de Lima. Además estuvo en la sección Horizontes Latinos del Festival de San Sebastián y la Competencia Internacional del Festival de Zurich, y el año pasado Paulina García estuvo nominada en los Premios Fénix por la Mejor Actuación Femenina.

SOBRE LA PROTAGONISTA: Con una trayectoria de más de tres décadas en teatro, televisión y cine, desde su Oso de Plata a la Mejor Actriz en el Festival de Berlín de 2013 por “Gloria” de Sebastián Lelio, Paulina García ha tenido un gran impulso en su carrera audiovisual. La actriz, quien además ha destacado como directora y dramaturga, no sólo ha participado posteriormente en largometrajes chilenos como “Las analfabetas”, “I am from Chile”, “La voz en off” y “Aquí no ha pasado nada”, sino además en producciones internacionales como “Little Men” (film estadounidense por el cual fue nominada al Independent Spirit Award como mejor actriz secundaria), “La cordillera” y la serie televisiva “Narcos”.

Entrevista Cecilia Atán y Valeria Pivato para Estreno en Chile – Abril 2018

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¿De dónde nace la idea para “La novia del desierto”? El punto de partida de La Novia del Desierto fue poder representar, a través de un personaje, el sentimiento de un no lugar. Teresa es una mujer de 54 años que dedicó su vida al cuidado de una familia y habita un mundo que siente propio

INFORMACIÓN DE PRODUCCIÓN Título original: La novia del desierto Argentina-Chile, 2017 Duración: 77 minutos Dirección y guion: Cecilia Atán y Valeria Pivato Productores ejecutivos: Eva Lauria y Alejo Crisóstomo Productores asociados: Raúl Aragón, Cecilia Atán, Lucero Garzón, Valeria Pivato y Vanessa Ragone

pero que, en realidad, no lo es. Al comenzar la película la casa donde ha trabajado durante treinta años se vende y sus circunstancias cambian de pronto, quedando varada en un espacio fuera del tiempo. Pero el vértigo y la incertidumbre que le provoca el abandono de ese lugar seguro, se convierte al mismo tiempo, en el motor del cambio que la llevará a iniciar una búsqueda que no estaba en sus planes, a conectarse con deseos propios y a enfrentar al mundo bajo una nueva mirada. ¿Por qué les interesaba internarse en el desierto y crear una historia en medio de la pampa?

Empresas productoras: Ceibita Films, El Perro en la Luna, Haddock Films Elenco: Paulina García, Claudio Rissi, Martín Slipak, Susana Pampín, Daniel Muñoz Dirección de fotografía: Sergio Armstrong Montaje: Andrea Chignoli Música original: Leo Sujatovich Diseño sonoro: Miguel Hormazábal

La pampa y el desierto son dos cosas bien distintas en Argentina. La pampa es húmeda y posee una tierra muy fértil, en donde se desarrolla la mayor parte de los cultivos agrícolas del país. El desierto cuyano es un desierto bastante singular, predominantemente árido y poco poblado. Esas dos cualidades se presentaron como ingredientes importantes en la historia de la vida de esta mujer, Teresa, y su momento particular al inicio del film. ¿Qué fue lo que hizo a la provincia de San Juan, el lugar elegido para rodar? Elegimos la provincia de San Juan por dos razones. La primera y

más importante es por la figura de la Difunta Correa (santa pagana oriunda de la provincia de San Juan). El mito cuenta que fue una mujer que atravesó el desierto con su hijo recién nacido en brazos, en busca de su marido. Y tras varios días de peregrinar sin suerte, murió de sed. A la mañana siguiente unos arrieros encuentran su cuerpo sin vida; milagrosamente su hijo logró sobrevivir amamantándose de su pecho. Esta historia puede entenderse de muchas maneras, pero para nosotras remite al triunfo de la vida sobre la muerte. Y es básicamente ese impulso vital el que salva a Teresa de su propio destino. A este punto fundamental se le suman sus escenarios naturales, y ese desierto cuyano que plantea una contradicción singular: su aridez deja entrever al mismo tiempo, su potencial vitalidad materializada en el verde. Teresa se pierde en su peregrinar, bajo ese paisaje que, de alguna manera, remite a su propia condición. El desierto tiene, al mismo tiempo, un significado literal y metafórico; y fue concebido - desde el relato y la puesta en escena- como un personaje más. Teresa logra, a través de su peregrinar por ese árido paisaje, liberar viejas estructuras y conectarse con sus deseos más íntimos. Pero es en

realidad el desierto interior el que debe atravesar para trascender su destino. Teresa dedica toda su vida a una familia y a un niño que ahora de adulto, ya no la necesitan más. ¿Qué les interesaba mostrar en este amor unilateral? La figura de las empleadas domésticas tan común en latinoamérica, las nanas, está en general atravesada por esa doble condición de ser empleadas pero al mismo tiempo, familia. Para Teresa la familia es todo; dedicó su vida al cuidado de esa casa y ese niño. Por otro lado la familia la aprecia, sin duda, pero cuando no la necesitan más, ese aspecto pareciera desvanecerse. Entonces, el personaje del hijo es el que se encarga de aportar una propuesta para proyectar el mejor futuro posible para esta mujer. Es una relación que siempre tiene un tránsito unilateral, y justamente el hecho de descubrir esta característica y lograr desapegarse de ese amor, es lo que hace que Teresa pueda crecer emocionalmente. ¿Cómo fue el trabajo con Paulina García y Claudio Rissi, y por qué sintieron que ellos eran los indicados para los papeles de Teresa y el Gringo?

La Novia del Desierto cuenta con dos maravillosos actores, Paulina García y Claudio Rissi. Ellos llegaron al proyecto de manera bien diferente. A Paulina le acercamos una primera versión de guion en el 2013 y enseguida se enamoró del proyecto y de su personaje. Desde entonces, caminamos juntas en este hermoso viaje que es hacer una película. La interpretación de Paulina y el tiempo de trabajo compartido durante el proceso previo al rodaje hizo de Teresa un ser sutil, construido desde el cuerpo y el silencio. Aún hoy, cada vez que vemos la película, nos sorprende seguir encontrando detalles exquisitos de la construcción de su personaje. Paulina y Teresa se hicieron una durante el proceso y al terminar el rodaje, Paulina se despidió de Teresa de una manera tan amorosa como elocuente: “Hoy es la última jornada de Teresa en el desierto cuyano. Aquí te dejaré esta noche donde te desesperaste y te confundiste tanto. Aquí te quedas para siempre, como la Difunta Correa. Bajo cielos vastos, soles inclementes y vientos seductores. Hoy tendré mi minuto para recordarte por última vez en una ruta seca pero contradictoriamente verde como tú misma. Todo lo vivido-recordado se queda acá.

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LAS NANAS, ESTÁN EN GENERAL ATRAVESADAS POR ESA DOBLE CONDICIÓN DE SER EMPLEADAS PERO AL MISMO TIEMPO, FAMILIA.

Apagaré esta luz y se encenderá LA NOVIA DEL DESIERTO. Una botellita de agua en tu nombre”. Paulina García, 16 de Diciembre de 2016.

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La interpretación que Claudio Rissi hace del Gringo lo transforma, sin duda, en un personaje memorable, que cobra vida y fluye en su doble dimensión de atracción amenazante y seductora dulzura. Es en esta hermosa y delgada línea por la que transita su personaje, con un gran componente latinoamericano, construido siempre sobre la base de la coherencia y la honestidad. Haber tenido el lujo de dirigir en nuestra primera película a estos dos grandes actores, fue un desafío que nos hizo aprender y crecer muchísimo como directoras. Por supuesto, La Novia del Desierto no sería tal sin ellos.

¿Cómo es dirigir una película entre dos directoras? ¿Cómo fue crear un guión y llevarlo a la pantalla grande de a dos? La idea de dirigir juntas surge de aunar nuestro deseo común de hacer una primera película. Hemos trabajado durante varios años como compañeras de equipo al lado de talentosos directores argentinos y extranjeros, y ese aprendizaje común nos alineó en una misma manera de entender el cine. La fluidez en el ida y vuelta creativo que descubrimos acompañando a otros, nos hizo sentir la necesidad de ponerlo en práctica con nuestros propios proyectos y así nos lanzamos a la aventura de escribir y dirigir

nuestra opera prima. Independientemente de lo que imaginábamos, el proceso de co-dirgir nos sorprendió gratamente, potenciando nuestras individualidades en favor del crecimiento del proyecto. La complementariedad que sentimos es la que nos lleva a pensar que La Novia del Desierto será el primero de muchos otros proyectos juntas. ¿Cuánto tiempo les llevó desarrollar el guion? ¿Cuánto duró el rodaje? El rodaje sucedió a fines del 2016 en Argentina, durante 5 semanas; la primera en Buenos Aires y las cuatro restantes en San Juan. La experiencia del rodaje ha sido dura, pero al mismo tiempo muy gratificante, porque empieza a concretizarse esa historia que te acompañó durante tanto tiempo; ver que ese germen empieza a tomar cuerpo es una experiencia hermosa. El desarrollo del guion comenzó en el 2012 y luego de participar en varios laboratorios internacionales, ganamos con él el premio a las Opera Prima en Argentina que otorga el INCAA y luego, el Fondo de desarrollo chileno. Con esos dos aportes, la concreción de la película comenzó a ser posible. Además de dirigir y escribir el film, también fueron sus productoras. ¿Cómo fue el desarrollo personal y profesional frente en ese ámbito? El modelo de producción de la película contaba con un presupuesto medio, que mucha veces entraba

en tensión con las aspiraciones creativas que teníamos, y las dejaba fuera de las posibilidades reales. El hecho de haber sido también coproductoras del film nos dio la voz como para poder intervenir también en este campo. Y gracias a ello, muchas veces aquellas circunstancias que se presentaban como un obstáculo, pudimos convertirlas en fortalezas para el proyecto. Una película es algo vivo y transformar la limitación en un valor es una clave importante para todo proceso creativo. Cada experiencia es única y somos conscientes que en la próxima, surgirán nuevos obstáculos que intentaremos convertir en nuevas fortalezas. La película tuvo como resultado el reconocimiento del público y la crítica internacional, teniendo además su estreno mundial en Cannes. ¿Se esperaban semejante recepción? ¿Cómo recibieron la noticia cuando les confirmaron la selección en Cannes? Todo lo que sucedió con nuestra película nos viene sorprendiendo enormemente. Desde el comienzo estuvimos enfocadas en el trabajo y básicamente, en el siguiente paso; así venimos recorriendo este largo camino que fue hacer La Novia del Desierto. El estreno mundial en la competencia oficial del Festival de Cannes, la bellísima y cálida recepción del público en los sucesivos festivales y la posibilidad de estrenar en salas comerciales en más de 20 territorios del mundo

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es, sin duda, mucho más de lo que alguna vez pudimos soñar como destino de nuestra primer película. Consideramos que haber estado en Cannes, en la sección oficial Un Certain Regard, ha sido el comienzo de una nueva etapa para el film. Lo vivimos como un bello privilegio. Ojalá esto nos permita allanar el camino hacia la realización de nuestro segundo largometraje. MP

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Ready Pla

¿la mejor película uando la mejor película de videojuegos es una de las más campy, con malos efectos especiales, y dirigida por el tipo que hizo todas las películas de Resident Evil, sabes que hay problema. Y digo, muchos ahora podrán estar argumentando que hay otros buenos filmes que utilizan o tienen un feel bien “gamer”, no digo que sea cierto; pero la realidad es que ha Hollywood le ha costado mucho reinterpretar y transformar un formato al otro.

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Hace una semana atrás, sin embargo, voy al cine y me veo la nueva de Tom Raider. Aunque no es para nada perfecta, tengo esta sensación de que puede que Tinseltown finalmente haya descifrado el código. No obstante, no es hasta ayer, mientras veo esta nueva cinta de Steven Speilberg, Ready Player One, no puedo dejar de tener esta epifanía: “¿Es esta la mejor cinta de videojuegos, hasta ahora?”. Digo, aunque la película va más allá de los videojuegos, la película entera

prácticamente toma lugar en este fantástico mundo tridimensional y tipo SecondLife. Por lo que, técnicamente, califica como una película de videojuegos. Si aceptamos esta vertiente, uno (sino él) maestro de la fantasía, Steven Speilberg, lo ha logrado. Ahí habría acabado mi punto, claro está, si solamente estuviera criticando la película en base a un formato específico. Pero creo que por este párrafo ya se estarán dando cuenta que no es el caso. De hecho, aunque desde ese punto de vista disfrute el filme, gracias a que el director y los miembros encargados de los efectos especiales lograron llevarme a este increíble y aunque no tuve la oportunidad de controlar a los personajes como lo haría en un videojuego, la narrativa fue lo suficiente interesante para capturar mi atención. Tal vez no tengo la misma oportunidad de controlar a los personajes como lo haría jugando en una consola, pero teniendo en cuenta que soy todo

menos un buen “gamer,” tenerlo en autopiloto fue lo mejor. Como película en sí, bueno, para aquellos que ya se han leído la novela de Ernest Cline ya saben que su novela Ready Player One está repleta de referencias geeks que van desde los clásicos de Arcade hasta los más moderno e incluso varias película de culto – por ende, era de esperarse que el film estuviera igualmente cargada de pequeños guiños. Ahora bien, ¿es necesario conocer todas estas referencias para disfrutar de la película? La verdad es que Speilberg se ha encargado de darnos una película para –al menos que no quieras que tu hijito o hijita o nene de cinco años aprenda malas palabras- casi toda la familia. Aunque el contenido es más sostenible para adolescentes y adultos, los peque tal vez pueda deleitarse con las imágenes presentadas. Sin embargo, creo que conocer por lo menos un 40% de lo referenciado les ayudara a deleitarse a un nivel

ayer One

a de videojuegos? cluso les resulte medio spoiler. Como mencioné, el mundo está bien planteado y se ve que se le puso mucho esmero a casi todos los detalles de la plataforma OASIS, sin embargo el mundo real es demasiado ordinario. Al parecer, mientras las urbes cosmopolitas como Los Ángeles, Tokyo, Nueva York, Ciudad de México y demás estarán hecha un mundo súper

distópico con mucho azul y luces de Neón por allá en el 2049, los países y ciudades más rurales no cambiarán para nada. Por el único detalle que ahora las personas vivirán en casas hechas con partes de vehículos amontadas uno encima del otro, mientras otros vivirán en casas de clase medias normales. Viniendo de un lugar como la República Dominicana, eso me da cierto alivio. Pero no, hablando en

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mayor que ir totalmente en cero. Ejemplo: hay todo un nivel que hace referencia a este clásico de Kubrick que en lo personal me hizo saltar de mi asiento de alegría, en el sentido que en mi interior estaba de pie, apuntando a la pantalla, gritando “¡Oh! ¡Oh!” y riéndome incómodamente mientras me asustaba. Fue un momento que se sintió personal y pienso que para los que no estén tan al tanto, puede que in-

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serio, lo que me refiero es que el diseño de producción para la versión donde nuestro héroe Wade Watts y sus amigos, lucía súper casual y hubo poco esmero. Aunque ahora que lo pienso, ¿tal vez ese era el punto? El mundo se había vuelto tan blando y aburrido que las personas comenzaron a usar este juego como un escape a la monotonía que les rodeaba.

Hablando de Wade Watts y sus amigos, Tye Sheridan y Olivia Cooke como básicamente los protagonistas de la película estuvieron bien. El desarrollo de sus personajes fue efímero y si la película realmente cayera tanto en sus personalidades, eso hubiera sido casi fatal debido al hecho que como mencioné, lo poco que sabemos de ellos no es suficiente para que nos importe. Hay una revelación del por qué ella está participando en esta competencia y ganar, que una vez conocemos al Nolan Sorrento de Ben Mendelsohn tiene algo de sentido, pero en lo personal su interpretación no conectó mucho conmigo. El concepto y la forma en la que su padre murió más adelante cuando vemos qué y cómo es, hace que te duela y sientas por ella; pero creo que debería ser la actuación y no el objeto, lo que te impacte. ¿No sé si eso tiene sentido? De nada tiene sentido, por

ejemplo, estar atrapado en un pequeño cuarto atrapado sin saber lo que ocurre y la única manera que tienes para librarte es cortándote la pierna, como en Saw, si el actor no te convence. Eso mismo fue lo que me pasó con la Art3mis/Samantha Cook de Olivia Cooke. Ella es una excelente actriz (Bates Motel, esta nueva de Thoroughbreds), pero falto algo. Y ese algo creo que en parte se debe al guion y la dirección ya que sentía más por lo que le pesaba a los avatares más que a los personajes. El resto del cast estuvo bien, el villano de Mendelsohn será un hit and miss para muchos. Según se dice, un buen villano tiene que conectar con la audiencia, en especial en lo que respecta a sus motivos, y en ese apartado una vez que terminas la película y conoces el mensaje final, todo cobra sentido y lo interpolas con los motivos capitalistas y codiciosos que venía mostrando su personaje, eso lo hará o no lo hará para ti. Rylance como este geek prácticamente asocial es también uno que aparecerá en la lista de PROs de algunos, y en la de CONs de otros – en este punto, tienes la sensación de que como actor Mark Rylance tal vez sea un tanto unidimensional. En el apartado musical, los miembros de la Westboro Cinephile Church me harán trisas, pero aun-

que aprecio a Alan Silvestri y creo que es un maestro como ningún otro, su trabajo en esta cinta se sintió a veces demasiado fuera de lugar. Las piezas en sí estuvieron bien estructuradas y a su edad, el señor aún conserva la magia pero cuando escuchas esta melodía de persecución en un tiempo futurista que suena que pareciera salir de (y más a corde a) una película de los ochentas como Indiana Jones o Los Goonies. Puede que la intención con todo el tema de la nostalgia y eso haya sido agregar los guiños no sólo a la historia, pero a la música también. El problema es que mientras en ciertos lugares funciona, en otros pueda que distraiga. En resumen, Ready Player One es un emocionante viaje hacia la infancia de muchos que exprime nuestros sentimientos más nostálgicos de una manera no tan sutil, aunque lo inteligentemente suficiente para no resultar bastante molesto y tan in your nose como en el material original. MP

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COMPOSITORES

DIEGO FONTECILLA ES UN COMPOSITOR CHILENO RADICADO EN INGLATERRA, RECONOCIDO POR SU TRABAJO MUSICAL EN PELÍCULAS.

Una mirada a sus mejores recuerdos

El Universo que no fue: Conociendo desde adentro al músico y compositor con larga trayectoria trabando en el mundo del cine.

Mi pasión por la música nace a los 10 años. En el colegio donde estudiaba me asignaron tocar un instrumento y empecé a tocar el violín. Desde ese momento nunca más lo solté. De adolescente comencé a tocar en una banda de rock. Siempre fui muy seguidor de la música, siempre la escuché. Desde los 10 años empecé a escuchar discos y es una pasión que me acompaña hasta hoy. ¿Cuáles son tus procesos antes de sentarte e inspirarte para componer? Creo que cuando trabajo para algún proyecto, me gusta primero recoger toda la información posible. Leer el guion, hablar con el director y ver su vpunto de vista. El proceso de inspiración es una mezcla inconsciente de las cosas que uno percibe como importantes, y también el proceso consciente. Qué es lo que quiero apoyar en el relato, qué es lo que quiero destacar. Creo que el músico debe trabajar al servicio del director quien es finalmente el que decide lo que quiere narrar. Muchas veces los directores trabajan por años en proyectos y los músicos se suman al final del proceso, entonces un director tiene claro lo que quiere hacer; lleva años trabajando para eso. Entonces es por eso que uno debe apoyar ese mensaje y ese objetivo que se busca narrar. Luego viene ese proceso de tener claro qué es lo que se quiere contar, para luego empezar el proceso de cómo llego a eso, y ahí en mi caso viene un proceso más inconsciente, pero no tanto, porque ya tengo claro qué tipo de música quiero hacer y cuando se me presenta la oportunidad, siempre trato de trabajar música ligado a lo clásico, que es lo que más me interesa en este momento.

¿Qué instrumentos son tus favoritos para crear tus composiciones? Tengo una fascinación con los instrumentos clásicos, con las cuerdas y los vientos. También disfruto trabajar con sintetizadores e interiorizarme en sonidos nuevos. Pero las cuerdas son mi gran pasión: violines, violas, chelos, contrabajos. ¿Cuántos instrumentos tocas? ¿Cuáles son? Estudie violín y un poco de piano, también toco mal guitarra (entre bromas). Qué es básicamente lo que más ocupo, a veces también una viola cuando se presenta la oportunidad. Esos son los instrumentos que toco. Más o menos. No me considero un buen instrumentista. No me he dedicado a ser un buen instrumentista tampoco. Ocupo los instrumentos en la medida que puedo hacerlo y hoy en un estudio se puede hacer bastante edición y me apoyo en eso para trabajar. Cuando es necesario que un instrumento sea tocado a un nivel que yo no puedo hacerlo, llamo a gente especializada y es un agrado trabajar con buenos intérpretes. En el fondo, es recrear el proceso que uno tiene con un director, es lo mismo, a un intérprete debes transmitirle la idea. Es muy apasionante trabajar con músicos para mí, me gusta mucho. Eres un compositor que ha trabajado mucho en cine, ¿Cómo es tu relación en general con el séptimo arte? Mi relación es parecida con la música. Es una pasión que me acompaña desde chico. Empecé a ver películas desde los 10 años o antes. Es una pasión que me sigue acompañando hasta el día de hoy igual que la música probablemente. Trato de ver una película a la semana, me gustaría más pero de repente no lo logro. Soy muy apasionado del cine. Me gusta ver películas de distintas épocas, no solo de aho-

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uéntanos un poco de ti, ¿Cómo nace tu pasión por la música?

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COMPOSITORES

ra. Sigo a muchos directores. Me gusta saber mucho del equipo que forman los directores, porque muchos de ellos arman equipos con los que trabajan durante tiempos largos, con la misma gente, entonces es muy interesante, porque ves que hay una relación con la fotografía, la música, algunas veces los actores. Hay un lenguaje que se va depurando con el tiempo, que no es sólo el director el que está trabajando para lograrlo sino que detrás hay todo un equipo de gente que trabaja por el mismo objetivo.

Tu hermano (Matías Bize) es un director reconocido ¿Cómo son tus procesos para crear composiciones para sus películas? Me siento muy agradecido de tener la oportunidad de trabajar con mi hermano. Empecé haciendo música para “En la cama”, su segundo largometraje. Entonces me siento muy agradecido de él porque Matias me llevó y me dio la oportunidad de empezar a realizar música para cine. Mi proceso con él siempre es muy abierto y de mucha confianza. Siempre empezamos a trabajar desde la fase del guion, lo cual es muy agradable porque uno con

mucha libertad puede proponer. Uno entra mucho antes al proceso de creación, entonces la visión que uno tenga, si va de acuerdo con la visión del director se puede aportar mucho. Y desde la música uno tiene la libertad de proponer lo que quiera, es un escenario mucho más idílico en vez de cuanto te llaman al final del proceso en post-producción para que hagas músicas parecidas a unos tracks con los que montaron la película. Siempre he tenido la suerte de trabajar con Matías desde el guion, lo cual agradezco profundamente. Si hay algo que saben los seguidores de Matías, y que él concuerda completamente, es que sus películas no serían lo mismo sin tus composiciones ¿Cuál es tu inspiración y tus procesos? Y ¿Cómo es trabajar con tu hermano? Trabajar con mi hermano es un gran privilegio, porque somos grandes amigos además de hermanos. El trabajar juntos ha sido un elemento que nos ha mantenido unidos. Nos acercamos más aún cuando trabajamos, porque aprovechamos la instancia para hablar todos los días básicamente.

Un proceso que he siempre he disfrutado mucho. Cada vez se ha transformado en una cosa más consciente. Por un interés personal, los últimos años he intentado usar las sonoridades y metodologías clásicas, como escribir música más que grabarla directamente, es decir, un proceso que tiene que ver con pensar la música e imaginarla antes de hacerla. Eso es lo que me ha tenido muy apasionado en el último tiempo, y me ha funcionado en el sentido de que esa instancia de sentarse e imaginar música, es mucho menos abstracta de lo que se podría pensar, porque en el fondo empiezo a cantarla, llevar ciertos elementos al canto o al piano, y tratar de completar ese esquema que uno arma antes de escribirlo, meter mano o grabarlo directamente. Me ha dado mucha alegría este proceso y siento que avanzo mucho más. “El Universo que no fue” es una composición tuya que habla por sí sola. Es una melodía que recuerda, que agradece, que promete y que es una despedida al mismo tiempo. ¿Cómo fue tu proceso personal para llegar a ese resultado tan maravilloso?

Les agradezco la valoración a mi trabajo que noto a través de sus preguntas. “El universo que no fue”, es una pieza la que comencé hacer un día sin ningún objetivo concreto. Era una música que surgió mientras trabajaba en otro proyecto y quedó ahí. Pasaron un par de años hasta que me acordé de ella y pensé que podía servir para el final de “La Vida de los Peces”. En ese caso, me sentí muy afortunado de poder colaborar tanto, ya que comenzamos a trabajar desde el inicio, desde el guion como siempre hacemos con Matías, y funcionó muy bien. Esa música fue un aporte muy positivo, siento yo, para toda la secuencia

final de la película, que en el fondo se narra con esta música. Yo también me siento contento con esa composición en el sentido de que es muy simple, pero a través de esa simpleza logra provocar mucha emoción, porque de una nota simple que marca un pulso, se suman elemento de a poco y que van creciendo y creciendo, hasta llegar a un clímax épico. Me interesaba mucho trabajar con esa estructura minimalista que va creciendo de a poco en el tiempo. Tiene una cosa emotiva que funciona muy bien para la película. Tiene una gran capacidad de evocación esa música, con su simpleza. ¿Encuentras alguna diferencia entre componer para tus proyectos que componer para otras personas? Sí y no. Sí en el sentido de cuando uno puede desarrollar proyectos personales donde tienes una libertad absoluta, donde nadie te dice lo que tienes que hacer, dependiendo de cuáles sean tus compromisos. En principio, uno es más libre y no tiene estos márgenes que te marcan las películas o proyectos audiovisuales para apoyar una historia. Siento que esa es

la diferencia. Sin embargo, el lado que considero parecido es que igual me siento parte del proyecto, y la música que voy aportar, es trascendente; me involucro mucho en el proyecto, lo hago parte de mí. No tengo la actitud de que la pega funcione y chao. Sino que trato de que sea lo mejor que pueda hacer, lo mejor que pueda aportar, y me interesa que la producción, el director, queden completamente satisfechos con el trabajo. Entonces igual es parecido porque es un trabajo que uno hace con todo el amor, con toda la dedicación para que funcione de la mejor forma posible. ¿Sientes que hay diferencias entre trabajar en la música en Chile y donde vives actualmente? La industria en Inglaterra y en Chile son bastantes diferentes. Pero finalmente el trabajo de uno es hacer exactamente lo mismo. Me gusta el trabajo en Chile todavía porque tiene una escala más de persona a persona, no tan industrial. Tiene aspectos más complejos para trabajar pero también tiene aspectos más ricos y dinámicos porque entras en relación más directa con el cliente. Más en Chile que acá.

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DESDE LOS 10 AÑOS EMPECÉ A ESCUCHAR DISCOS Y ES UNA PASIÓN QUE ME ACOMPAÑA HASTA HOY.

Fuera de los trabajos que ya has realizado y dando alas a la imaginación, si te dieran la posibilidad de componer la banda sonora de una película de cualquier época, ¿Cuál te hubiera gustado musicalizar? Muchísimas te diría. “Blade Runner”, por ejemplo. “Star Wars”, ¡qué peluo! (risas) una obra maestra de la música de cine. “El Padrino” también, otra obra maestra. Pero son tantas películas la verdad. ¿Cuál de tus composiciones es tu favorita? No lo sé. Siempre estoy haciendo música y como que uno se olvida de la música que hace, entonces cuando las escucho me vienen algunas sensaciones. Algunas veces muy contento con el trabajo que hice y otras con bastante crítica. Eso cambia con el tiempo, así que no tengo una música favorita dentro de todo lo que he realizado.

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¿Qué músicos te inspiran? Nino Rota, compositor de las películas de El Padrino y de todas las películas de Federido Fellini. John Adams. Ryuichi Sakamoto. He estado escuchando mucho a Ígor Stravinski.

La música de Jonny Greenwood, uno de los guitarristas de Radiohead, me ha inspirado muchísimo en el último tiempo. Acaba de hacer la música de la película “Phantom Thread” de Paul Thomas Anderson, y que me tiene absolutamente alucinado. Si me preguntaras ¿Qué tipo de música te gustaría hacer? Te diría que esa. Sufjan Stevens hizo dos canciones para la película “Call me by your name”, me gustó mucho la película y la música que hizo él. Mica Levi, es una compositora que hizo algunas músicas interesantes, como por ejemplo la música “Jackie” de Pablo Larraín que me pareció notable.

Y así, hay mucha gente que hace cosas interesantes. En todo el tiempo que llevas componiendo, ¿tienes alguna anécdota que puedas compartirnos? Me paso trabajando en un estudio acá en Londres. Una anécdota bastante ridícula. Yo le empecé a pedir a los músicos, concretamente al pianista, que tocara. Yo le decía: more piano. Y yo le pedía: No! More piano. Y después de mucho rato el tipo entendió que lo que yo quería es que tocara más despacio, como “piano” en la música es despacio. Pero nos demoramos mucho rato, hicimos muchas tomas, en el que tipo cada vez tocaba más fuerte, fue muy estúpido y al final todo el mundo se rio mucho por el problema de lenguaje. ¿En qué proyecto te encuentras actualmente? Actualmente me encuentro trabajando en una serie que está dirigiendo el talento chileno Juan Sabatini, que va a salir en algún momento de este 2018. Es un proyecto que me tiene muy entusiasmado. Para finalizar me gustaría que dediques unas palabras o algún consejo a todas esas personas, sobre todo los más jóvenes, que quieren dedicarse a la música. Para todos aquellos que les puedan servir mis palabras, me parece que es súper valorable en el largo término de la carrera de un músico, todo el estudio y dedicación que uno pueda ponerle a lo que hace. Para los que les interesa componer, el piano es una herramienta muy importante. Yo lamentablemente toco súper básico el piano, entonces sigo estudiando todos los días un rato para mejorar eso. En el fondo ver cuál es el camino que quieren seguir en la música y

que traten de estudiar las cosas que más les sirvan para construir ese camino. La dedicación y la pasión que uno le pone a lo que hace es fundamental para una carrera tan difícil. Es muy difícil y la industria musical también está complicada. Es un escenario más complejo que el que era hace 20 años atrás. MP

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INVER

MÚSICA

Lugar: Culto Bar, Estados Unidos #246.

Inverness es una banda de rock chileno, formada en la ciudad de Santiago a finales del año 2008. Hasta la fecha han editado tres discos: Illuminaciones (2009), Fuegos Distantes (2011) y Sol (2014). La banda ha participado en varios festivales internacionales que incluyen South by Southwest, realizado en Austin, Estados Unidos. Inverness en 2010 participó en el soundtrack de la película chilena “La vida de los peces” del director Matías Bize, con quien siguen una relación laboral hasta hoy. Actualmente la banda se encuentra promocionando su último álbum y con algunas giras en el país.

Entrevista por Paola Garate y Benjamín Scott

uéntenos un poco de cómo se formó la banda y cómo fueron sus inicios.

Rodrigo: - Ya con nombre, la banda se consolidó en el 2008. La integraron finalmente, Washington Abrigo, Rodrigo Soto, Angelo Agurto y yo, Rodrigo Jarque. En ese año fue que empezamos a grabar juntos nuestro primer disco y dimos con el nombre de Inverness. Pero actualmente, la banda está compuesta por Angelo, Patricio y yo. Si

bien los inicios de la banda fueron en el 2008, ésta se ha ido desarrollando durante los últimos 10 años de manera constante.

Sobre el nombre de la banda. ¿Cómo surgió? ¿Estuvieron todos de acuerdo? ¿Qué significa? Rodrigo: - En un principio, veníamos de tocar mi disco como solista “Monstruos bajo la cama (2006)”, y durante un año nos presentamos con mi nombre. Entonces, llegó un

momento en donde ya estábamos haciendo canciones nuevas, en las que todos participaban de la composición y de los arreglos. Era evidente que teníamos que tener un nombre como banda, porque eso era lo que éramos. Comenzamos la búsqueda tratando de encontrar un nombre que no significara nada, pero que fuera musical y que sentara con el espíritu de nuestra música. Así, nos topamos con la palabra “Inverness” que se pronuncia igual en todo el mundo, que no tiene un significado puntual y que

tiene una cercanía fonética con la palabra “invierno”, algo que tiene harto que ver con el tipo de música que hacemos. En ese minuto, y con el estado también, el nombre cuajó, se propuso y OK; “Nos llamamos así, y por último, si no, después lo cambiamos”. Y ya han pasado 10 años. Angelo: - Después, nos dimos cuenta de que efectivamente se asociaba mucho al invierno, y por ahí además, se perdía un poco la capacidad de expansión del grupo,

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RNESS 47

harto ‘carrete’. Por lo menos en mi caso, Blonde Redhead es la banda que estoy escuchando mucho ahora. Los conocía de antes, pero ahora me pegué con ellos. Patricio: - Yo no tengo ninguna en especial. Escucho de todo, me gusta harto la música desde Depeche Mode, Yeti, Foals, Interpol, Gorillaz... Todo eso. Es como muy amplia la gama, por lo que no hay una influencia muy clara.

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MÚSICA

“YO SIENTO QUE NOSOTROS ESTAMOS ALEJADOS DE LO QUE SE VE EN LOS MEDIOS, ESTAMOS COMO HACIENDO NUESTRA PROPIA ‘INDUSTRIA MUSICAL”

porque el nombre pertenecía a un estado. Nos gustó, pero también nos cortaba. Por eso, dudamos un poco si ponerle así. Pero al fin, terminó siendo nuestro nombre. Se les asocia musicalmente con bandas como Sigur Ros o Radiohead, ¿Cuáles son sus influencias a la hora de componer? Angelo: - Efectivamente partimos desde el lado más anglo, con influencias como Radiohead y Sigur Ros, pero todos los intregrantes que participamos en ese primer disco del 2009, “Iluminaciones”, veníamos de distintas escuelas; Jarque y Washington más de la escuela anglo, pero nosotros con Rodrigo Soto veníamos de otra. Escuchábamos además de anglo, mucha música latinoamericana; desde la banda chilena Congreso, hasta bandas cubanas o de latin jazz. Así, se formó una especie de fusión que dio vida a Inverness, que viaja por el mundo del rock, pero que tiene cierta identidad propia. Rodrigo: - Hemos estado bien pegados con Blonde Redhead, que es una banda nueva, pero que lleva

¿Cómo es el proceso de composición? Patricio: - Yo me comprometí hace un par de años ya con la banda, soy el más nuevito de acá. Sin embargo, el proceso actual es el mismo que ha habido siempre, es en la sala de ensayo donde sacamos las ideas. Pero también los chiquillos, a veces, llegan con una base más o menos clara, y nosotros la arreglamos encima, en el momento. Rodrigo: - Claro, se proponen ideas y se trabajan en la sala. Ese es el formato y yo creo que siempre ha sido así, porque es el que más nos acomoda. A veces, alguien puede llegar con una idea súper clara, pero una vez que la tocamos con la banda, quizás no nos gusta tanto o no suena tan bien. Entonces se descarta. O también, pueden llegar cosas más armadas quizás, y que sí funcionan muy bien. Angelo: - Generalmente, comenzamos con la música y después le agregamos la letra, al final. Han realizado varias giras ¿Dónde les gustaría llegar? ¿Cuál es el siguiente paso que les gustaría enfrentar? Rodrigo: - Hemos ido a México, Colombia, Ecuador, Estados Unidos, y este año, quizás viajaremos a Argentina. Pero, en lo personal, me gustaría poder trascender un poco en la barrera cultural e idiomática. Poder mostrar la música que hacemos, que es en español,

Angelo: - Me gustaría hacer lo mismo que Jarque, pero más por el tema de dónde viene más o menos el tipo de música que hacemos. Como ir a tocar a Islandia por ejemplo, donde están Sigur Ros y Björk, y ver qué sucede, qué energías se generan. Es ver desde dónde más o menos se generan estas melodías e ir a abordarlas allá mismo. Rodrigo: - Pasa mucho, que el mercado europeo espera cierto tipo de música de bandas latinas. Cuando una banda latina se sale del estilo, es como “¿Por qué tocas esa música, si ustedes tienen la salsa y la cumbia?”, siendo que estamos con el proceso de globalización hace más de 30 años y es evidente que una banda de rock chilena no va a tocar ni salsa, ni cumbia, ni tampoco va a poner necesariamente zampoñas ni charangos en sus canciones. Es un estigma, y yo creo que hoy en día están las cosas como para que una banda chilena pueda ser referente también de este estilo, si es que hace las cosas bien, en cualquier parte del mundo. Hablando de giras este mes; Tienen una pequeña gira por Chile, cuéntennos sobre ella, dónde y cómo adquirir entradas, en qué ciudades estarán, fechas, etc. Rodrigo: - Vamos a estar de gira por el sur y parte del litoral de Chile. Nos encantaría que fuera más extensa, pero muchas veces es difícil

poder agendar los lugares y todo eso. La gira será junto a una muy buena banda de Ecuador llamada Sexores, que sacaron hace unos días un disco nuevo “East/West”. Comenzaremos el 20 de abril en Casa de Salud, Concepción; lugar al que volvemos después de un año, y donde la gente se porta siempre muy bien con nosotros. Después, el 21 de abril vamos a Valdivia, a un lugar que se llama ‘Espacio en Construcción’, que ya está terminado de construir, cabe mencionar. Luego, el 24 de abril tocaremos en Santiago, en el Ciclo de Rock de la sala de la SCD en Plaza Egaña, que será la primera fecha del año de este ciclo que es de nuestro sello y que se va a extender hasta septiembre. Finalmente, el 26 del mismo mes, vamos a Valparaíso, así que para más información sobre precios de entradas y horarios, la gente puede entrar a nuestro facebook @Invernessbanda y revisar ahí todos los detalles. Además, hay un evento especial con las cuatro fechas. Los esperamos a todos,

para que vayan a apoyar al rock nacional. ¿Qué es lo que más les gusta, a cada uno de ustedes, de la banda? Angelo: - En este momento, en el que llevamos más de 10 años con Inverness, disfruto, aparte de tocar, que siempre es un súper goze, un alimento para el alma... Estoy disfrutando mucho de la compañía de las personas. Estamos con un grato ambiente laboral; Está Pato hace más o menos dos años, y la pasamos muy bien, sobretodo cuando nos vamos de gira. Tenemos una especie de hermandad, y eso hace que uno pueda continuar en esto, porque es tan difícil mantenerse. Siempre, los músicos nos quejamos de eso, y más aún en estos casos con bandas que son más dificiles de abordar popularmente como Inverness, que no es masiva. Cuesta. Es ese ambiente que se genera entre nosotros, el trabajo y la disciplina que tenemos, lo que nos ayuda a prevalecer. Ahora yo no espero hacerme famoso, más bien, quiero estar en una banda con personas buenas y agradables creando másica. Rodrigo: - Disfruto varias cosas en realidad. Una de ellas, es ese click que se hace cuando estamos en la sala de ensayo y una canción nueva funciona. Ese momento siempre es súper mágico, emocionante y quieres trabajarlo, y trabajarlo, y seguir por ese hilo que es como una especie de agujero de gusano, sin retorno. Me hace súper feliz que después de 10 años siga existiendo ese momento. Otra de las cosas que más disfruto es irme de gira, porque lo paso muy bien con Pato y con Angelo. Ellos son como mis mejores amigos, siempre nos agarramos, discutimos y todo, pero al final del día, en una gira estamos junto a personas con las que tienes total confianza. Como la vida de cada uno está tan armada, la gira es como una especie de mini esca-

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a personas que tienen otros idiomas... Que nuestra música pueda llegar de la misma forma como una banda que canta en francés, en islandés, acá a Chile o a Estados Unidos. Eso me gustaría. En ese sentido, quizás el mercado europeo y estadounidense son los más atractivos para el tipo de música que hacemos. Creo que ese es el objetivo a mediano plazo de la banda; hacer una primera entrada en el mercado europeo.

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pe, en el que nos podemos volver a conectar en un ámbito más allá de lo musical... En el ámbito humano. Cuando uno se va de gira es como volver a comenzar la banda, volver a compartir el asiento de un bus, de un avión, compartir la mitad de una cama -jajajaja, el shampoo, la toalla, la pasta de diente. Disfruto eso más que tocar -que es bacán, que ver al público en otras ciudades y en otros países, que la gente te escuche y que después del show te compre el disco, que vayan al hotel y te quieran saludar, sacarse una foto. Lo que más difruto es salir de gira con Pato y con Angelo, y también con Javier Hechenleitner, una persona súper importante, que es como el cuarto Inverness, que nos ha acompañado y ha sido un elemento primordial y unificador al interior de la banda, como un manager.

Patricio: - Para mi, la gira es como lo más rico también. Tocar en general. Tocamos harto, nos quejamos que no tocamos, pero sí tocamos harto. Y por lo menos a mí, me ha tocado bastante paseo. Es súper rico tocar, tocar, salir, conocer gente nueva, tocar en lugares en los que no tienen idea quiénes somos, tener esa incertidumbre de llegar a un lugar, y que nos vean tocar y que nos reciban siempre tan bien, encontrarse en lugares distintos, crear juntos, compartir buses, aviones, piezas, tirarnos a la piscina, bañarnos por media hora en Playa del Carmen para cruzar una isla y tocar con un ranchero, un hip hopero e Inverness bajo una puesta de sol... Son cosas súper entretenidas, experiencias de viaje, de vida y de compañerismo, mientras más encima, estás haciendo la pega que más te gusta hacer. ¿Qué opinan de la industria musical latina? Rodrigo: - A la industria musical la veo súper bien. Pero, yo siento que nosotros estamos alejados de lo

que se ve en los medios, estamos como haciendo nuestra propia ‘industria musical’ a través del sello Le RockPsicophonique y la alianza con otros sellos y otras escenas similares en América Latina, Europa y Estados Unidos. Me alegro mucho con lo que pasa en Chile y lo que pasa con los artistas chilenos en el extranjero, pero es una veta musical que nosotros no explotamos, y por lo tanto, no somos parte de ella. Lo único beneficioso

que puede sacar una banda como Inverness, es que cuando viajamos fuera y mencionamos a Chile, hay ocasiones en las que nos dicen “Ah sí, conozco a Américo”, “...o a Alberto Plaza”, “Conozco a La Ley”, o en el mejor de los casos, que conocen a Gepe o a Javiera Mena; y eso ya es algo, el hecho que sepan dónde está Chile en el mapa. Encuentro que todavía le falta mucho a la industria chilena, hay mucho

que desarrollar y hay un montón de gente súper competente tratando de levantar esta industria, gente muy ‘power’. Pero claro, se levanta en función de lo que se exporta a Chile desde afuera y son réplicas, un poco, de lo que viene de afuera. Como director del sello Le RockPsicophonique, me siento alejado de ese desarrollo de la industria, pero siento sí siento que estamos, por lo menos desde nuestra trinchera, desarrollando y haciendo muy bien las cosas. Nos preocupa trabajar de la manera más profesional posible, y eso ha hecho que la mayoría de las bandas de nuestro sello hayan podido salir de gira internacionalmente y tengan presencia en festivales de Europa, Asia, Estados unidos y Sudamérica... Pero claro, eso no va a salir en El Mercurio. De todas formas, no nos quedamos mucho tiempo pensando en ello; nosotros demandamos y ejecutamos. Angelo: - Yo siento que en la mayoría de los casos, la industria, no solo la musical, funciona siempre para el mismo grupo. Puntualmente, en la música, el espacio se lo lleva lo popular. Por ejemplo, nuestra música es un poco distinta y, ya automáticamente queda fuera del estándar. Los estándares son muy acotados. Y eso tiene que ver, con el mercado, el marketing y la ‘movida’. Siento que tanto latinoamérica como cualquier país del mundo, obedece finalmente al sistema capitalista. Lo que sí tiene Chile, y que nosotros lo notamos cuando estabamos de gira, es que acá al menos, hay algunos fondos de cultura para salir. Hay muchos países latinoamericanos que ni siquiera tienen esos fondos, y tienen que salir por sus propios medios. Pero aún así, los fondos son pocos para la cantidad de bandas que hay en Chile, y que no están en ese mercado estándar. El mundo under todavía está muy resguardado, y lo popular se lleva todo; se lleva las lucas, se lleva al público, a las radios,

Rodrigo: - Una banda en Chile, de este estilo de música, si sobrevive los tres primeros años y logra enfocarse en su objetivo, sin la necesidad ser conocido ni sonar en las radios, puede sobrevivir. Cuando el objetivo es sacar discos, salir de gira y unirse a escenas similares en otros países, se puede... En vez del típico foco de querer hacer un hit para la radio, ir a los matinales, ir al Festival de Viña o al del Huaso de Olmué, etc. Cuando una banda de este estilo se saca ese paradigma, mantiene su desarrollo natural, puede sobrevivir. Pero es muy difícil, se maneja siempre el concepto de que una banda tiene que hacerse famosa. El desarrollo integral de una banda va por la capacidad de hacer lazos, asociatividad con escenas similares, seguir haciendo discos y desarrollando su carrera muy a la sombra de lo que es la in-

dustria musical. Creo que muchas veces, eso es lo más sano.

“ME GUSTARÍA PODER TRASCENDER UN POCO EN LA BARRERA CULTURAL E IDIOMÁTICA”. Ustedes son una banda que aparte de componer sus canciones han trabajado creando soundtracks para películas ¿Hay alguna diferencia? ¿Cómo es ese proceso? Angelo: - La mayoría de las veces componemos las canciones más allá de que si van a estar en

una película o no. No hemos compuesto soundtracks directamente. Hacemos las canciones y a veces, después, en nuestro inconciente, sabemos que podrían llegar a parar en ciertas películas, sobretodo los temas más lentos. La música de Inverness tiene mucho que ver con los viajes sonoros o viajes de películas, donde siempre van por un camino o por un puente como las letras de Spinetta, siempre viajando. Por eso, creo que ese tipo de creaciones ocurren de manera super natural. Ya llevamos dos películas con el Mati (Matías Bize); “La vida de los peces” y “La memoria del Agua”. Rodrigo: - Como que siempre está esta simbiosis con Matías; cuando empezamos a componer le mostramos las primeras maquetas de las canciones, y cuando él está escribiendo una película nos muestra los primeros borradores del guión. Hay una retroalimentación. Lo que pasó con “Nubes”, fue que no-

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todo. Eso es con lo que más tenemos que luchar actualmente para poder mantener las bandas vivas.

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sotros le mandamos la maqueta primero, y luego nos fue a ver en vivo. Ahí fue cuando nos dijo “Esa es la canción, la quiero en esta película. Me sirve para una escena que estoy escribiendo...”, y quedó pegado. Pero también nos pasó, que una vez leímos el guión de una película, y en base a esa lectura, escribimos la canción “La memoria del Agua”. Si bien, nos inspiramos en la película, no teníamos la certeza de que el tema iría o no en la película. De hecho, antes de hacer el disco, me tuve que juntar con el Mati para comentarle que íbamos a tener una canción que se llamaría igual que su película “La memoria del Agua”, y preguntarle si acaso le molestaba que se llamara así o no. El me respondió que no había problema, pero que no nos podía asegurar si la usaría en la película o no.

Imagino que cada uno tiene su canción favorita ¿Cuál es? Angelo: - Han ido cambiando los gustos. En un principio me gustaba “Distant Early Fires” del segundo disco, pero ahora, después de grabar el cuarto disco, creo que me voy a casar con una que le pusimos el nombre junto con Jarque, “Mapa de sombras”. Nos gusta mucho caminar, a veces incluso componemos canciones caminando, pero somos malos para el sol. Por eso, buscamos siempre la sombra, y Jarque continuamente me decía “Vámonos por el ‘Mapa de Sombras’”, así que de

ahí nos quedó esa frase muy propia y la usamos como título para la canción. Justamente ese tema es oscuro, una de las canciones más rockeras que tiene Inverness. Creo que es la que más me genera emociones y la más completa. Me gusta mucho, tiene fuerza, poder y esa anécdota personal. “Mapa de Sombras”, número 4 del 4to disco “Después de mañana”. Rodrigo: - La que más me gusta de este último tiempo es “En invierno nos reunirá el fuego”, que es un ‘lado b’ del “Día después de mañana” y que no hemos tocado en vivo. Esa canción la trajo Angelo en bajo, al igual que la que es seguramente mi canción favorita de todos los discos: “Las Horas Quietas”, que está en nuestro tercer álbum, justo después de la intro. El proceso de escribirla con guitarras acústicas en la casa de Angelo fue muy bonito, la canción tomó forma por sí sola. Creo que es la mejor canción de Inverness. Si tuviera que mostrar un tema que resuma lo que es el sonido de Inverness, sería esa. “Las Horas Quedan”, número 2 del 3er disco “Sól”. Patricio: - Me gustan varias en realidad, no tengo una favorita. Pero, hay una a la que le tengo un cariño importante, que es la primera que toqué con los chiquillos, “Mundos Suspendidos”. Salió ‘full’ y se dio súper rápido. Por eso le agarré un cariño especial. “Mundos Suspendidos”, número 5 del 2do disco “Fuegos Distantes”.

Aparte de esta gira, ¿Qué se viene para Inverness? Rodrigo: - Queremos llegar a estos lugares que no hemos podido llegar todavía. Creo que gran parte de nuestra energía como banda se va a ir en tratar de viajar y alcanzar esos lugares. Vamos a componer, y de hecho, en esta gira vamos a lanzar una canción nueva, pero más relajados sin la presión de sacar un disco. Queremos sacar singles, varios singles durante el año y rotar con eso. Llegar a ciudades como Temuco, que si bien fuimos una vez, no hemos podido encontrar un lugar adecuado para volver, y sabemos que la gente nos espera. Además, iremos compartiendo esos singles por Spotify y por todas las plataformas disponibles. Angelo: - Este nuevo proceso de composición va a ser con Pato, con quien aún no hemos sacado disco. Entonces, vamos a ver qué tal resulta. Tenemos un tema listo, que se llamará Anubis, y tiene que ver con la vida después de la muerte. Rodrigo: - Es acerca de un Dios egipcio que lleva a las almas al más allá después de la muerte. Es un Dios con cabeza de Chacal. Angelo: - Empezamos a componer y resultó ser una canción muy, muy linda. Será nuestro primer single del año ya con Pato en batería. Esperamos por esa luz nueva, que nos renueve el alma. MP

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Existen muchas razones para que veas el documental ‘Live and let live’ Live and let live, es un documental que examina nuestra relación con los animales, la historia del veganismo y las razones éticas, ambientales y de salud que hacen que las personas se vuelvan veganas. Por: Benjamín Scott

ura 80min, fue estrenado el 08 de febrero de 2014, escrito, dirigido y producido por Marc Pierschel, que dirige también: Edge – 2009, 184 – 2016, El fin de la carne – 2017. Puedes encontrarlo en Netflix.

GREEN CINEMA

Está basado en su mayoría, en testimonios, relatos o estudios, no contiene imágenes violentas. Historias como las de Jan & Karin ex granjeros, que convirtieron una granja heredada en una granja orgánica por 20 años y que hoy en

día es un asilo para vacas o granja santuario y asesoran a otros granjeros que llegan a ellos con la misma idea. Podemos ver el rescate de algunas gallinas por parte de Ria & Hendrik, activistas de Animal Equality – Alemania, quienes realizan sus movilizaciones a rostro descubierto. Y el testimonio de Sharon Nuñez, activista de Animal Equality – España que cuenta que luego de ser detenidos, sus teléfonos fueron intervenidos, perseguidos por la policía y llamados “ecoterroristas” – “Comenzamos a tomar con-

ciencia del poder que tiene la industria y hasta qué punto llegan para detenernos”. En la entrevista a George Rodger, presidente de “The Vegan Society” UK, cuenta cómo nació la sociedad – “siempre hubo vegetarianos que sentían que comer huevos y beber leche, no era tan vegetariano”. Pensamiento que compartía de Donald Watson, defensor del vegetarianismo sin lácteos, que a raíz de un artículo que escribió para “El mensajero vegetariano” logró reunir a 7 personas, frente a una estación de metro en Lon-

dres y en 1944 nace “The Vegan Society”.

Gary Francione, distinguido profesor de derecho en E.E.U.U. hace un recorrido por la historia, desde ideas que remontan al siglo XIX, donde usar y matar animales estaba bien, siempre que no sufrieran, basándose en que los animales no son conscientes de sí mismos, a considerar cambiar conceptos como, “derechos de los animales” por “abolición”, ya que hay que buscar la abolición, no la regularización de su explotación. La socióloga y psicóloga Melanie Joy, analiza el término “carnismo” y cómo está inserto de manera silenciosa en nuestra sociedad. “El carnismo es un tipo especial de sistema de creencia o ideología

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Will Potter, autor de “the Green is the new red”. Nos habla del poder corporativo, que, al no tener límites internacionales en la búsqueda de beneficios, tampoco los tiene en la demonización de las prácticas de los activistas, esta represión se debe a que los activistas son cada vez más eficaces, hacen una importante crítica a nuestra cultura y son capaces de hacer algo al respecto por poner sus convicciones en práctica.

dominante, que es invisible, está arraigada a formas, normas, leyes, conductas, etc. Es una ideología violenta, la carne no puede hacerse sin asesinato” Acercándonos al lado saludable, Matt Ruscigno, nutricionista y ex presidente de la Academia de nutrición y dietética E.E.U.U. habla de un artículo de opinión, emitido por la academia, sobre las dietas vegetarianas y veganas en el año 2009 y tenía como posición oficial, que son dietas sanas a lo largo de toda la vida, incluso van más allá y dicen que los vegetarianos tienen menos chances de tener enfermedades crónicas graves. Enfermedades, según T. Collin Campbell, profesor de bioquímica nutricional, están ligadas a la proteína animal, en especial la de la leche.

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GREEN CINEMA

Por Kurt Schmidinger, geofísico y científico de alimentos, conoceremos datos sobre el cambio climático a raíz de la ganadería. “Dos tercios de la tierra son usados por humanos para ganadería, pasturas y forrajes”. Comprueba como el consumo de plantas es más eficiente y revela un estudio de la ONU para alimentación y agricul-

tura del 2006 “La gran bomba del ganado” donde la ONU considera responsable a la ganadería de un 18% del cambio climático global, un porcentaje mayor al de las emisiones de transporte en el mundo. En algunos estudios el porcentaje

es mayor, porque este organismo toma en cuenta solo las emisiones hacia la atmósfera, si no ocupáramos la tierra con ganado, la vegetación natural volvería a crecer y con el renacimiento de la vegetación se beneficiaría al clima. MP

Jessica Chastain (41) es una actriz y productora de cine estadounidense. Su madre es vegana y chef, lo que hace bastante lógica a que la actriz llevara una dieta sin carne por más de 20 años. Fue en 2007 cuando decidió dar el paso y cambiar a una dieta vegana. Debido a su dieta, Jessica tuvo que optar por llevar su propia comida a los rodajes. La actriz casada hace poco con un italiano, cuenta lo complicado que fue el inicio de la relación con la familia de su nuevo, ya que no entendían el concepto de veganismo y siempre le tenían mucha comida con carne para cenar. Por suerte, Jessica es fanática de la pasta. Jessica Chastain declaró que lleva una dieta vegana porque se niega a contribuir a la crueldad que existe en el mundo, y no quiere ser parte de nada que signifique torturar a otros seres vivos. MP

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Jessica Chastain: Mi actriz Vegana

En Abril destacamos a una actriz que lleva una dieta libre de crueldad animal.

Termina con esa relación tóxica que mata el medio ambiente.

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GREEN CINEMA

En muchos lugares se está prohibiendo en el uso de bolsas plásticas por el daño que genera a nuestro medio ambiente.

El mundo hace ya bastante tiempo que no viene funcionando bien. Cada acción por más mínima que te parezca está generando un daño terrible, que seguramente no tendrá vuelta atrás y que podría terminar con la vida de algún animal, especialmente de los que viven en los océanos. Ya han comenzado las restricciones de uso de bolsas plásticas en muchos lugares. Quizás te preguntes: ¿Qué hago ahora? Simple. Cambia tu hábito y acostúmbrate a usar bolsas ecológicas y reutilizables. Son nuevos tiempos. Hemos destruido bastante y sin darnos cuenta. Es hora de que todos cooperemos con el medio ambiente. Acá te tenemos una opción ma-

ravillosa para comenzar con este nuevo habito tan amigable para nuestro planeta. Bolsas ecológicas personalizadas de tus películas, bandas, artistas favoritos o incluso con fotos tuyas. Alcaloide Design trabaja hace bastante tiempo realizando estas bolsas. Más ahora que comienza a restringirse el uso del plástico. ¿Cómo consigo mi bolsa personalizada? Acá te compartimos sus redes sociales: Facebook: Alcaloide Design Instagram: alcaloidedesign

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RESEÑA

Call me by your n Experimentar la b como amor de v 60

La película protagonizada por Armie Hammer y Timothée Chalamet nos transportan sin duda a una tarde de verano con sabor y olor a duraznos. Por: Benjamín Scott

s difícil hablar de Call Me By Your Name sin entrar en hipérboles. La narrativa es sutil y bien llevada. Las actuaciones son brillantes y conmovedoras. La fotografía tira a lo preciosista y la banda sonora es un complemento perfecto para reunir todas las partes que hacen esta película mere-

cedora de cuatro nominaciones y el aplauso unánime de la crítica. Y ahí empiezan sus primeros problemas, Call Me By Your Name es más que la suma de sus partes. Es una película necesaria, honesta sin ser obvia, inteligente sin ser arrogante, romántica sin ser cursi. La crítica en general ha rondado sus apreciaciones sobre la película alrededor

del hecho de que los protagonistas son dos hombres que se enamoran. Lo cual es notable, sí. Sobre todo en el clima político actual, con las nuevas generaciones ávidas de analizar sus obras favoritas desde una perspectiva de género. Pero, por otra parte, a diferencia de otras películas como Moonlight o Carol, Call Me By Your Name no cons-

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name: belleza verano 61

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RESEÑA

SIEMPRE ESTÁ SOLO, INCLUSO CUANDO SUS AMIGOS O FAMILIA ANDAN CERCA

truye un romance homosexual a través del conflicto sino atreves de la normalidad. Y eso es aún más notable. Guadagnino crea un mundo propio. Su versión del norte italiano en los 80’s, tan creíble que nos inunda con sensaciones, y de su belleza a la que se nos permite entrar por dos horas. Somos parte de él, sentimos su sol, saboreamos su comida y experimentamos la cercanía del contacto físico; contacto que es sutil pero presente en todas las formas a lo largo de película. Sin embargo, la importancia que le da a esta credibilidad sensorial no opaca las actuaciones o el guion. Nos presenta a Elio (Timothée Chamalet) y a Oliver (Armie Hammer), dos extranjeros en su mundo. Elio, siempre apartado de todo, se dedica a escuchar música y leer con apenas interesarse por las actividades sociales de sus amigos; observando todo desde afuera. Elio siempre está solo, incluso cuando sus amigos o familia andan cerca. Guadagnino hace un excelente trabajo comunicando la lejanía de su protagonista a través de sus planos. Oliver, por otro lado, es

un joven americano que viaja a la villa de la familia de Elio para trabajar como ayudante de su padre (Michael Stuhlbarg), un respetado profesor de arqueología. Incluso aunque este sociabiliza con su gran carisma, sabemos que Oliver sólo estará en el pueblo seis semanas, y que al terminar volverá a su hogar, volviéndose ajeno al pequeño pueblo. Elio carga todo el peso dramático de la historia, que experimentamos gracias a su propia experiencia. La actuación de Chamalet es sublime, la química que tiene con Hammer es palpable y la tensión entre ambos es tan real que podrías cortarla con un cuchillo. Al final, lo más práctico para catalogar; es ponerla en el podio de mejores películas de su año. Con sus planos refinados que casi parecen pintados, su atmosfera embriagadora, que nos invita a perdernos en la Lombardía que creo su autor para nosotros. Honesta, brillante, preciosa y tremendamente humana Call Me By Your Name es una experiencia en sí misma. Una experiencia obligada para los amantes del arte, del romance o del buen cine. Una experiencia que nos podría transportar a un tibio amor de verano. MP

Para participar solo debes seguir los siguientes pasos: 1.- Seguir a Mundo Películas en sus redes sociales: Facebook – Instagram y/o Twitter 2.- Seguir a Me Gusta Leer Chile en redes sociales: Facebook – Instagram y/o Twitter 3.- Ingresar a www. mundopelículas.tv sección concursos y dejar responder la siguiente pregunta: ¿Cuáles fueron las nominaciones a los Oscar que tuvo la película este año? Siguiendo esos pasos estarás participando por la edición original del libro ‘Llámame por tu nombre’ de André Aciman.

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Concurso

Mundo Películas y Me Gusta Leer te regalan el libro de la exitosa cinta ganadora del Oscar como Mejor Guion Adaptado: Call Me By Your Name.

CARTELERA DEL MES

AVENGERS: Infinity War y su importancia en la historia del cine

Analizamos el impacto que ha tenido el UCM en la industria cinematográfica moderna y el legado que va a dejar Por: Daniel Fonseca

ay cierta tendencia en un lado de la comunidad cinéfila a despreciar al blockbuster. Estos snobs que presumen de disfrutar el cine belga de postguerra como si eso les diera mayor valor a sus opiniones, mandan a ver Rápidos y Furiosos y Transformers y responden a cada contra argumento con un “Es que no la entendiste” estarán furiosos de que un evento cinematográfico tan grande como la próxima a estrenarse “Avengers: Infinity War” vaya a jun-

tar ser (probablemente) la película más taquillera de la historia con criticas positivas. Marvel es para niños. Las películas de superhéroes son basura. Es puro cine comercial. Son frases que suenan cada poco que una película de la unión Marvel/Disney va a estrenar una película que se perfila como un éxito. Se escuchan bastante más que las criticas fundamentadas y las opiniones validas sobre el fenómeno que arrasa las salas (Como podría ser Birdman, la respuesta de Alejandro Gonzales Iñarritú).

Pero, incluso con las acusaciones de comprar la critica especializada a sus espaldas, Marvel ha cosechado el amor del publico de masas durante los últimos diez años. Pocas películas han sido tan esperadas en la historia del cine como Infinity War y la futura Avengers 4. La primera por ser el resultado de muchos años de trabajo correctamente estructurado y la segunda por ser algo que ninguna película de superhéroes parte de un universo cinematográfico había logrado hasta ahora: Contar un fin.

Infinity War cuenta el enfrentamiento de los Avengers contra la entidad cósmica Thanos, que hacia su aparición haya por 2012 en una escena post créditos que solo los más conocedores del comic pudieron entender. Aún recuerdo salir del cine y escuchar a dos chicas totalmente emocionadas: “En la dos va a salir Hellboy”. Pero hoy se ha perfilado como uno de los villanos más temibles ya no de Marvel ni de los universos cinematográficos, sino de la industria del

Es aquí donde se empiezan a ver las dimensiones de la película, que cuenta con el presupuesto más alto de la historia. No ha habido y no habrá en el futuro cercano una película tan grande como está. Mejor o peor, sabremos que tendrá fallos. Sabremos que seguirá formulas que nos pueden gustar más o nos pueden gustar menos. Habrá chistes graciosos en situaciones tensas y chistes que van a dar pena ajena. Acción desenfrenada y mucho (buen) CGI. No va a ser realista, ni sobria. Si quieren cine realista y sobrio ya tienen el neorrealismo italiano de mediados del siglo XX. Infinity War va a ser una fiesta de auto celebración. Una película entretenida, divertida y que nos invitará a a verla dos y tres veces en el cine. Y, contrario a lo que los snobs puedan creer, también representa cosas buenas. Representa el cine de entretenimiento en su máxima expresión. El cine para divertirte y comer popcorn. Representa el trabajo de años de diferentes autores que, incluso aunque muestran una visión corporativa, creen y aman su obra y sus personajes. Representa la diversidad y los avances sociales en el cine. Representa que una cultura que hace 20 años era considerada underground, nerd o friki, a día de hoy sea pop y este al alcance y disfrute de todos. Avengers Infinity war no va a ser la mejor película del año. Ni estará exenta de (muchas) críticas bien merecidas. Seguramente tampoco va a ser la mejor película de superheores ni la mejor del Universo cinematográfico de Marvel. Pero va a ser el blockbuster más grande de todos los tiempos y, solo por eso, va a ser recordada por mucho tiempo.

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blockbuster. Aparte del titan purpura, contaremos con 76 personajes, entre héroes, heroínas, aliados y enemigos.

COMICS

Francisco Arqueros nos habló de lo nuevo que trae Comic Con este año y de cómo fueron los inicios de este mega evento internacional de entretención que en cada edición suma más, y más adeptos. Texto: Paola Gárate Espinoza Fotos: Juan Francisco Figueroa Lugar: Culto Bar, Estados Unidos #246

¿Cómo fue que te involucraste con Comic Con? Uff... Hace muchos años. Fui y sigo siendo muy fanático de varias cosas, pero muy en particular de la serie de televisión Los Archivos Secretos X. A raíz de ello, empezamos a conocernos con las comunidades de fanáticos y seguidores. De hecho, creamos el grupo de seguidores de la serie aquí en Chile y hacíamos reuniones pequeñas para juntarnos a hablar de los episodios y todo eso. Hasta que para la primera película de la serie, en el año ‘98, se nos ocurrió hacer un gran encuentro con la comunidad,

y la verdad es que fue espectacular. Meses después del estreno de la película, hicimos una mini convención que llenó todas las salas; En ese momento dijimos, “Ya queremos un mundo de fánaticos”, y así partió la locura. De esta manera, empezamos a conocer a diferentes grupos también, como los de Star Wars, Star Trek, etc. Para ese entonces, yo ya tenía conocimiento de que existía un evento afuera que se llamaba Comic Con, donde actores y actrices iban a presentar lo nuevo, por lo que me mantenía pendiente de lo que mostraba. Pasó el tiempo, salí de la universidad y estaba trabajando, cuando vino la segunda película de la serie. Y se nos ocurrió hacer un mega evento en la torre de Telefónica,

donde invitamos al creador y a uno de los escritores de Los Archivos Secretos X, justo cuando estrenó la película. Esa muestra fue tremenda, y nos fue muy bien. Ellos vinieron a Chile, e hicimos una recreación de los sets de la serie que fue bastante loco, bastante potente. Como fanático, puedo decir que el nivel de producción fue altísimo y, al terminar el evento, gente de marketing, de uno de los estudios de cine, nos dijeron que estábamos creando algo que acá en Chile no existía. Estábamos generando una plaza, que era Chile, aquí en Latinoamérica, para explotar estos contenidos a nivel mundial. Entonces, todos estaban pendientes de las cosas que nosotros podíamos hacer, y ahí comienzan a nacer las preguntas; “¿Qué es lo que podemos hacer?”, “¿Cuál es el siguiente paso?”, y empezamos a armar el proyecto. Tomó cerca de dos años ver formatos, aprobaciones, adaptarlo al mercado chileno, etc. Así, el año 2011, realizamos la primera versión en Estación Mapocho, la cual fue a puño de nosotros; Nosotros hacíamos todo, todo, todo. Nos fue muy bien ese primer año, por lo que repetimos al año siguiente, y todos los años fue

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CALENTANDO MOTORES PARA COMIC CON 2018

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subiendo siempre la cantidad de gente que asistía al evento. Año a año, la industria fue entendiendo qué es lo que era esto. En Chile, ni la gente ni las empresas estaban acostumbradas a este tipo de actividades, costó muchísimo hacer entender a la industria que los fanáticos realmente son los nuevos clientes a los que tienen que encantar. Para las viejas escuelas de marketing, ellos eran unos bichos raros. Producir ese cambio fue difícil, hasta que empezó la explosión de la moda de ser ñoño gracias al estudio cinematográfico de Marvel y al renacer de los personajes de DC Comics. Eso hizo explotar todo, y de ahí el evento se volvió una locura; Tanto así, que tomamos la decisión de irnos de Estación Mapocho a Espacio Riesco en el 2015. Siempre estamos corriendo riesgos, siempre en primera línea; Y dicho cambio fue un riesgo gigantezco, porque pasamos de tener que llenar un espacio de 8 mil m2, a uno de 20 mil m2. Pero, la gente nos ha acompañado todos los años y hemos podido ir adaptando el formato al crecimiento que ha tenido el evento. La gente ahora ya lo entiende, sabe que ésto ya no es una reunión de niños nerds que van a ver historietas, si

no que es una convención en expansión. En el fondo, es un evento de entretención; Si bien, hay una parte en la que se honra al mundo de la ilustración y de los cómics, es finalmente un gran mega evento internacional de entretención que involucra al cine, la televisión, los videojuegos, los juguetes y todo lo que tiene que ver con entretención. Y desde entonces, el evento ha crecido considerablemente; El primer año, prácticamente lo organicé yo solo, después éramos tres personas, y ahora trabajamos todo el año cerca de treinta personas sin parar (número que se dispara a cerca de 250, casi 300 el día mismo del evento). Somos un buque gigante. El trabajo debe ser bastante arduo, ¿Cómo se preparan para cada edición? Y, ¿Cómo se ha expandido el evento, a un formato más familiar? Desde el primer año del evento, y desde el primer año en que abrimos nuestras redes sociales, siempre hemos tenido la política de escuchar todos los comentarios. Nos preocupamos de leer todo... No hay ni un comentario que no leamos, nos guste o no nos guste, sea positivo o negativo, siempre los leemos. Y ¿Por qué? Porque

este es un evento que se construye en base a la pasión que tiene cada persona que va al evento. Nos mantenemos muy atentos a las cosas que al público le interesa ver. Por eso mismo, desde el año pasado, estamos haciendo encuestas bastante seguido. Le preguntamos al público qué quieren ver, qué les interesa, para dónde va la tendencia, y así vamos haciendo ciertas selecciones pensando en ese mundo tan fanático. De ahí, surge la necesidad de tener un espacio no solo para los fanáticos, sino que también para los hijos de ellos. Nos decían que iban en familia, y necesitaban un espacio donde poder compartir con sus hijos ese fanatismo que les encanta. Queríamos crear un área donde se junte la familia, una instancia donde puedan jugar, donde puedan disfrazarse padre e hijo de Stormtrooper y Jedi, y hacerles una academia Jedi para que peleen entre ellos... Esas son las experiencias que obviamente nos importa ir trabajando año a año. El público es vital, la Comic Con es el público, es la gente que va. Así es aquí y en todas partes. Una de las preguntas que más se hacen las personas es

Dicho eso, les gustaría que se generara la misma instancia como en festivales musicales donde la gente pide artistas creando campañas ¿Tomarían en cuenta esas peticiones? Eso partió desde el primer año del evento. Se han hecho varias campañas para traer a diversos actores y personalidades, se pueden ver en Facebook. Además, nos escriben varios grupos de fans pidiéndonos traer a ciertos actores, que obviamente son considerados. Tengo la fortuna, gracias a todo esto, de manejarme muy bien en lo de conocer a las personalidades. He tenido el privilegio de estar con los actores, creadores, escritores, etc. en más de una ocasión, y adoraría tenerlos en chile para que el público y mis amigos fanáticos, puedan también compartir esa instancia... Pero a veces, cuando les preguntas cuánto te cobran, piden valores que cobran en Estados Unidos para eventos de 350 millones

de personas. Acá en Chile, no hay cómo financiarlo y el alcance no será tan efectivo como para hacer una inversión de ese nivel. ¿Cómo es el espacio que se le abre en el evento a los trabajos nacionales? Es algo muy importante. Antes, estábamos muy enfocados en el contenido internacional, porque es lo que más llama la atención. Pero, nos dimos cuenta de que también teníamos el deber de darle ese mismo espacio a los locales. Por ejemplo, hemos tenido muy buena relación con Nicolás López a través de su productora. Hemos trabajado para apoyarlo en sus producciones y ha ido varias veces a Comic Con promocionando su trabajo con el elenco. A los chicos de Punkrobot, que ganaron el Oscar por “Historia de un oso”, también los invitamos al evento. Lo hicimos pensando en que el público general no tiene acceso a estar

con ellos, compartir, escucharlos, verlos de cerca, etc. En Chile no hay plataformas donde ese tipo de oportunidades se estén dando, y qué bonito que sea la Comic Con la que brinde ese espacio. Dijimos; “Démosles el valor al talento que hay acá, ellos se ganaron un Oscar”, y cuando les ofrecimos esto, no lo dudaron. Llegaron súper contentos con la familia, y querían compartir porque no habían tenido contacto con el público. Llevaron el Oscar y se lo pasaron a la gente, lo que resultó en que le regalamos sesiones de fotos a todos quienes quisieran posar con el Oscar; Imagínate esa oportunidad, única. Además, estamos trabajando con varios directores de manera individual para darles esa ventana en la Comic Con. De hecho, este año probablemente, vamos a tener un lanzamiento muy interesante; dos películas nacionales de ciencia ficción y terror tendrán su cabida en el evento con todo el elenco. Hay tanto contenido para mostrar, que ahora estamos dejando segmentos reservados 100% para temas nacionales, lo cual es importante para el evento, para el público y además es parte del aporte que nosotros queremos hacer para que la Comic Con sea tremendamente variada, y no solamente un evento de nicho, el cual solo a unos pocos les interesa. En algún futuro, ¿Será posible sacar una versión Comic Con en regiones? Ese es un desafío que nos han planteado hace muchos años; desde el primer año nos han preguntado por qué no lo sacamos de gira, por qué no lo llevamos a varias ciudades. Pero, a pesar de recibir varias invitaciones, nuestro gran problema es que éste es un evento tremendamente complicado en producción. Nos demoramos un año en hacerlo. De hecho, lo más probable es que el próximo mes ya empiece a trabajar en la Comic

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¿Cómo seleccionan a los invitados cada año? Es un mix. Primero, evaluamos cuáles son los contenidos a los cuales queremos apuntar. Por ejemplo, con las series de televisión, nos preguntamos: “¿Cuáles son las que están teniendo más éxito?”, “¿Cuáles son las que el público, por redes sociales, están pidiendo más?”, “¿Cuáles son las que piden por las encuestas?”. Y luego de eso, salimos al mercado a preguntar, a investigar, y ver los ofrecimientos que hay en ese momento. A medida que el público pide y existe una demanda constante, se ubican a los personajes. Entonces, indagamos si ellos quieren participar, si sus agendas están disponibles para la fecha, y finalmente cuánto cobran por venir. Por eso, todo es una mezcla de diferentes opciones, con las que vamos jugando. Así, se van descartando muchos, y se van sumando otros que de repente funcionan.

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Con 2019. Por ello, se nos complica sacar el evento tal cual y llevarlo a otras ciudades. Nos han ofrecido hacer un evento más acotado también, pero para nosotros, la Comic Con es el todo; Es todo lo que tu ves cuando llegas al centro de convenciones. Al ir al evento, alucinas con todas las cosas que están pasando al mismo tiempo y con el tamaño de la exposición que estás viendo. Por lo que si vas a algo más “acotado”, eso ya no es una Comic Con, se pierde el espíritu del evento e iría en contra de lo que nosotros estamos construyendo. O lo hacemos como corresponde o preferimos no hacerlo. Esa es la decisión que hay de momento, pero de todas maneras seguimos barajando esas oportunidades y quizás a mediano plazo algo hagamos, porque tenemos mucho contenido maravilloso, mucho que mostrar.

¿Cuál piensas que es el principal aporte social que la realización de este tipo de eventos puede dar a la comunidad? Hartos. Hay una cosa que es muy importante, que me impulsó a seguir metido en esto; La creación del espacio. Un lugar que durante tres días acoge a todos quienes tienen una pasión, un punto de encuentro para hablar el mismo idioma, liberar eso que tienen adentro y que en otros lados no sale. Los fanáticos queremos compartirlo, quieremos hablarlo. El ejemplo, si vas por el Paseo Ahumada y gritas “¡Expelliarmus!”, nadie te va a responder. Todos te mirarán con cara de “¿Y este bicho raro?”. Pero si eso mismo, lo gritas en la Comic Con, te van a llegar de vuelta 10 mil hechizos. Eso es lo rico de la Comic Con, ese espacio de pertenencia, de sentirte entendido. Es tan importante tener estos espacios en una sociedad donde cada vez estamos más solos, cada vez más detrás de pantallas, donde no nos vemos... Es como el fútbol, que genera multitudes, apasiona, genera

encuentros, une a la familia, etc. Es lo mismo si lo miras desde el otro lado. Y para mí, la Comic Con cumple con ese rol de darles el espacio para encontrarse con gente que le gusta lo mismo que a ti te gusta. La Comic Con es un evento tremendamente potente en términos de alcance, logra llegar a donde por ejemplo, un ilustrador que se dedica a dibujar en fanzine no tiene cómo hacerlo. De esa manera, existe un desafío y una responsabilidad que recae en nosotros. Por ejemplo, un vendedor que quiere arrendar un espacio en el evento porque hace tazones que ilustra con sus propias manos, la Comic Con le da la posibilidad de que lo vean, que lo conozcan. Además, entregamos más de 15 espacios a cómics de ilustradores nacionales, sin costo alguno. Mantenemos ese reto de entregarles el espacio y decirles; “Aquí hay gente, vengan a mostrarse”. ¿Cómo complementas tu experiencia como director y fanático? Siempre me gustó sentarme y ver los shows, ver que las cosas pasaran, que me presentaran novedades, ir a charlas, escuchar qué pasaba y todo eso. Pero siempre me quedaba con... “Me gustaría que ésto fuera de esta manera”, “¿Qué habría pasado si le hubieran agregado esto?”, “¿Qué pasaría si ésto pasara ahora?”, “¿Cómo sería si lo hubiéramos complementado con estas otras cosas?”... Cuando comencé a indagar en esa dinámica, significó pararme del asiento y ponerme detrás del escenario; Paso a hacer lo que a mí me gustaría que ocurriera y a ver. Yo disfruto la Comic Con desde lado del trabajo, porque sé que hay gente que le gusta lo que estamos haciendo y, me veo reflejado en las caras de los asistentes al sorprenderse con las cosas que tenemos. Reflejo mi fanatismo en eso; Lo que me gus-

taría ver y que alguien lo hiciera, y como nadie lo hace... Lo hago yo. ¿Cuál es la gran invitación para no perderse Comic Con este año? Este año empezamos a trabajar el sentimiento de que éste es un evento que no es de una productora, ni de un director, ni de un productor ni de las más de 200 personas que trabajamos en él. La Comic Con la construimos todos, porque para hacerla crecer, todos estamos aportando un granito de arena; Tanto los que van al evento, los que opinan para bien y para mal, los que trabajamos haciendo y produciendo todas las locuras que ven, etc. Eso estamos tratando de trasmitir, la Comic Con es de todos. Queremos que se sientan parte del evento; desde el cosplayer, el niño, el tío, el que va con el abuelito, los gamers, etc. Todos y cada uno de ellos son parte de la Comic Con. La gran demostración obviamente, la van a ver en el momento. Tenemos una cantidad de sorpresas tremenda, súper variadas, y estoy muy orgulloso del trabajo que estamos haciendo, porque nunca había visto la Comic Con con tanta anticipación tan bien armada, con tanto contenido para todos... Pero súper ñoño, ñoño, ñoño jajaja. Creo que va a ser la consolidación de una experiencia única. Es un evento donde puedes ir a disfrutar los tres días más locos de tu vida, pero los disfrutarás con más gente. Este año se va a vivir como nunca; Hay que dejarse sorprender, porque hay muchas sorpresas que no podemos contar, pero que van a ocurrir.

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CINE FRANCÃ&#x2030;S

Vivre sa vie: Estética del amor, el sexo y la muerte Analizamos una pieza fundamental del cine francés y del cine independiente moderno. Una película de Jean Luc Godard. Por: Daniel Fonseca

En Vivre sa vie vemos el trabajo teórico usual en el director francés. Sería ridículo hablar sobre la trama de la película, que se desarrolla en doce cuadros más evocadores que estructuralmente narrativos. Si bien hay una secuencia temporal entre cada uno de ellos no es una secuencia narrativa formal, es decir, lo que sucede en uno no

necesariamente lleva a los acontecimientos de otros de manera que al final, los acontecimientos del doceavo son casi fruto de lo fortuito y trágico de la vida de la protagonista. Esta forma de contar historias, revolucionaria en su día, inspiró a decenas de directores europeos que encontraron en Godard un maestro de nueva escuela. Que escapaba de los convencionalismos del cine francés y se abría paso a una nueva forma de hacer películas. Vivre sa vie es una de esas experiencias cinematográficas definitivas. No puedo escapar de su naturaleza audiovisual, por lo que llevar su historia a otro medio seria imposible. Mantiene un constante tono poético, melancólico y trágico. Hace un brillante uso del montaje y la banda sonora que envuelven al espectador en una espiral de creación artística. Una película académica, pero sensible que se inventa a sí misma mientras se desarrolla la trama. No es una película que busque exponer el drama humano detrás de la prostitución (tema central de la película), sino una mirada

introspectiva en la naturaleza de su protagonista a través de todos los recursos que el séptimo arte es capaz de ofrecer. Con todas las paginas y paginas que se han escrito de críticas, análisis y ensayos sobre Vivre sa vie no queda por añadir más. Una película desconocida por el publico general, pero que sin ser típica en ningún momento llega a ser obtusa. Una pieza clave de la historia del cine y una visita obligada para aquellos que persiguen el sueño de realizar cine. Para el espectador una obra sensible, pausada y tremendamente poética.

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s difícil hablar sobre Vivre sa vie sin entrar en terminología técnica y ensayista sobre cine. En parte porque su realización es casi académica. En parte porque es una de las películas más importantes de uno de los directores más influyentes del cine independiente contemporáneo, el héroe del Avant-garde: Jean Luc Godard.

For Ellen: Una Película con sentimiento de vacío For Ellen es una película del año 2011 dirigida por So Yong Kim que retrata la historia de un padre y una hija.

CINE INDEPENDIENTE

Por: Benjamín Scott

Quiero hacerte una invitación a descubrir la historia de esta película dirigida por So Yong Kim y protagonizada por Paul Dano. Una absorbente y dramática trama sin ningún tipo de dramatismo forzado. Una compleja línea melancólica, desde su comienzo a su fin. ¿Has visto alguna película que te deje con una sensación de vacío? Así me pasó con esta cinta. Joby es el personaje que interpreta Paul Dano. Un joven que esta por emprender su carrera como una estrella de rock, y que luego de mucho tiempo e intentos de convencer

a su “esposa” de no firmar los papeles de divorcio, finalmente accede. Es así como descubre que está cerca de perder la custodia de su hija Ellen, quien tiene 6 años de edad. Si bien, dentro de la película Joby no parece ser el modelo de padre “esperado”, debido a los viajes y giras que su carrera conllevan, él no está preparado para perder lo más importante. Su hija. Y es así como comienza el desenlace. Cuando este rockero comienza a intentar recuperar el tiempo perdido, con la esperanza de conquistar nuevamente aquel corazón. Uno de los puntos interesantes de esta historia es la sotisficación atípi-

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ca con la que So Yong Kim (director), comienza a contar una historia sencilla, ya contada antes, pero con la promesa de llegar al espectador con un drama que inspira veracidad como en la vida misma. For Ellen, es una historia que puedes encontrarte a la vuelta de la esquina. En la realidad de muchas personas. La película en sí, avanza muy pausada y melancólica. No solo por las actuaciones, sino que también por la música, silencios, fotografía y el invierno blanco que abriga esta historia. Me refiero a las pausas, debido a que es posible encontrarla una historia lenta, pero si logras captar su esencia, aunque resulte lineal, transmite emociones verdaderas, humanas y ataca en la sensibilidad, emotividad y frustración que nos logra transmitir Paul Dano con este personaje. Uno de sus mejores trabajos sin duda. Ya que su desempeño como un rockero duro y trastornado, que no muestra seguridad en su vida personal, pero al ver a su hija, trata de reconstruirse y recuperar el tiempo perdido, motivo que logra traspasar la pantalla. Cuando se encuentra con Ellen es cuando la película toma un sentido que evoca sentimientos de nostalgia. Por algo la película lleva este título, es cuando haces todo por alguien esperando que las cosas resulten, en este caso es Joby dando todo por Ellen. Esta historia también es una mirada tierna, donde el paisaje y la calidad expresiva de su elenco hablan por sí mismas. Una película independiente que si logras atrapar, te dejará con un pequeño invierno dentro.

LITERATURA

: m e i u q é R n ó i c a r e Op

Opera prima, ficción, historia y referencias cinematográficas.

El escritor Juan Pablo Sáez habla sobre su libro y su cercanía con el cine.

ara partir cuéntanos un poco de ti y como llegaste a convertirte en escritor. Soy periodista de formación. Comencé a escribir Operación Réquiem en 2012 en el taller de Jaime Collyer y luego seguí escribiéndola en el taller de Pablo Simonetti entre 2012 y 2015. Una segunda versión, la definitiva, fue trabajada en el taller de Matías Correa, en 2016. Como puedes ver, esta es una obra escrita por mí pero trabajada comunitariamente.

La novela tiene un ritmo bastante cinematográfico y también mencionas a varias películas, sobre todo a Taxi Driver, ¿en algún momento imaginaste que fuera una película en vez de una novela?

¿Qué importancia tienen para ti a nivel personal estás películas que mencionas en el libro? Taxi Driver es como cuando hablamos en literatura de un muy buen libro, de un muy buen cuento. De esas obras que te marcan y que envejecen muy bien. Yo la vi por primera vez como a los 18 años y la he vuelto a ver en distintas etapas de mi vida y me sigue pareciendo una obra muy redondita. La Última Tentación la he visto un par de veces pero no considero que sea la mejor obra de Scorsese. Esta película la puse en la novela porque tiene más bien un significado de época pues estuvo prohibida en

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Por Jorge Yacoman Fotográfía de Caro Brown

No, la verdad siempre la pensé como una novela. De hecho, inicialmente era mucho más rebuscada e intimista y con un lenguaje menos simple. Era mucho más detallista. Pero de a poco fui aprendiendo que en las historias de suspenso el ritmo rápido es esencial y para eso tuve que cortar mucho contenido. Lo del ritmo cinematográfico viene de mis estudios en cine que hice en los años 90, en el instituto ARCOS. En ese tiempo vi muchas películas y por supuesto los clásicos de Scorsese. No conozco ningún fan del cine que no haya sido marcado por Taxi Driver. Te marca desde diversos ángulos: desde la actuación maravillosa de De Niro, Foster y Shepherd pasando por el guion de Schrader y la música de Bernard Hermann, el mismo de Psicosis.

Chile hasta bien avanzada la transición. El Lado Oscuro del Corazón y Carrie 2 son películas que cito exclusivamente para ubicar al lector en la época en que transcurre la acción pero están lejos de ser mis favoritas. El Lado Oscuro la volví a ver hace poco y envejeció muy mal. Si pudieras elegir a un director para hacer la película del libro, ¿a quién elegirías? ¿Y por qué? David Fincher, todo el rato. Esta historia me la imagino oscura, con la cadencia lenta y la tensión que caracterizan a los mejores filmes de Fincher, como Seven y Zodiac. Mark Ruffalo podría ser Julián.

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¿Y cuál sería el elenco? A parte de Ruffalo, Gary Oldman como Fábrega, la Kuppenheim como Ana, Daniel Day Lewis como Gorostiaga.

¿Cómo fue el proceso de creación de tu libro? En el inicio la novela giraba más en torno a los fantasmas que perseguían a Julián (su separación, la partida de su mujer y su hija) que en la desaparición de Verónica G. Luego la historia fue tomando forma de thriller y fue adquiriendo las características propias de este género. Para escribirla hice una escaleta que cambié en dos ocasiones y antes de la escaleta analicé minuciosamente la novela Estrella Distante, de Bolaño. En principio quería imprimirle a mi novela la tensión que recorre la novela de Bolaño, esa sensación de que algo inminente está por ocurrir. Ya hacia el final del proceso, fueron importantes la novela La Vida Doble, de Fontaine, que relata en primera persona las vivencias de una exmilitante de izquierda que se vuelve colaboradora de la policía secreta de Pinochet, y la segunda entrega de la trilogía Millenieum, de Larsson. De esta última rescaté el frenetismo que la caracteriza.

¿Qué fue lo más difícil de escribir este libro? El final, de todas maneras. La novela cierra con un hecho que toca peligrosamente la frontera de la inverosimilitud, enemiga número uno de cualquier historia. Para evitar la inverosimilitud es necesario “arropar” la historia con detalles, climas y personajes que hagan que el lector jamás ponga en duda lo que va a ocurrir. Esa mezcla de detalles, climas y personajes fue muy difícil de lograr en una primera instancia. De hecho el final fue reescrito en dos oportunidades.

“QUIEN NO CONOCE SU HISTORIA ESTÁ CONDENADO A REPETIRLA”. ¿Por qué crees que ya no existen hoy movimientos u organizaciones como el MJL o FPMR? Yo creo que siguen existiendo, pero en versión micro. Movimientos pequeños, con objetivos muy definidos y particulares. Lo que pasa es que el MJL o el Frente tenían razón de ser en tiempos de dictadura, cuando el enemigo estaba muy claro quién era. La proporción de estos grupos y su preparación obedece a la proporción del enemigo: grupos grandes para enemigos grandes. ¿Qué nos podrías contar sobre cómo fue este periodo de transición a nivel de cine en Chile? El cine chileno vivía en una pobreza franciscana en esos tiempos. Tú ves Jonnhy Cien Pesos y te da vergüenza ajena. Lo que pasa es que en esos tiempos hacer cine, incluso hacer cortometrajes, era

muy caro. Se consideraba que hacer cine suponía rodar en 35 mm. Si no rodabas en 35 mm no era cine, lo que te obligaba a disponer de todo el aparataje que significa rodar en este formato; y no sólo rodar, sino que también posproducir: el montaje se hacía en moviola. Con la irrupción de la tecnología se democratiza el acceso a la producción y posproducción de películas y hoy día ya puedes hacer un largo con tu Iphone y editarlo en tu propio laptop. Así y todo hay ejemplos destacables del cine chileno de los 90, como las películas La Frontera, de Larraín, y La Luna en el Espejo, de Caiozzi, que fueron premiadas en el extranjero. Otra cosa que hay que subrayar es que, en el cine chileno de los 90, se produce una división muy clara entre los directores que plantean apartarse del “pasado histórico” y mirar hacia el futuro y otros que revindican el recate de la memoria histórica. Aquí encuentras productos tan disímiles como El Chacotero Sentimental, que no es más que un burdo pegoteo de cortometrajes que giran en torno al sexo, y Amnesia, que pone en escena el encuentro casual en los 90 entre un viejo militar y un exsoldado de un campo de concentración en tiempos de dictadura. En mi opinión, hacia el final de los 90 el cine chileno sufrió una involución de la que salió recién hace pocos años. ¿Qué películas crees que fueron las más importantes y que más nos influyeron como sociedad en esa época? Es una pregunta difícil de responder. Aventurándome, diría que los filmes masivos que influyeron mayormente a la sociedad pero sobre todo a otros cineastas fueron: Pulp Fiction (donde el asesinato de Travolta a mitad de película dejó atónito a todo el mundo), Forrest Gump (que presentó por primera vez ese efecto de hacer que un actor hable con personajes históricos

ya muertos, como Hank conversando con Lennon), El Silencio de los Inocentes (un thriller construido como relojito suizo), Trainspotting (una especie de Naranja Mecánica 2.0) y Toy Story. Me refiero a películas de gusto masivo; dejo fuera al cine arte. ¿Por qué crees que en este tiempo desde ya varios años ha habido una tendencia a reescribir o enfrentar nuestra historia a través de la ficción? Porque creo que es una forma de mirar la historia de nuestro país desde otra perspectiva. Te permite separarte de la historia oficial y contar los recovecos de ella, lo que no se ve. Y para eso utilizas artima-

ñas como la ficción. Ahora bien, yo soy de los que piensan que este ejercicio no está muy extendido en Chile como sí lo está en otras partes de Latinoamérica. ¿Por qué crees que los jóvenes están tan poco interesados en la política, más allá de toda la desilusión por la corrupción que en realidad siempre ha existido? Creo que forma parte de un fenómeno mundial. La despolitización es un efecto del individualismo, propio de las sociedades capitalistas desarrolladas o en vías de desarrollo. A eso súmale que, aunque en su mayoría los jóvenes no están bien informados, sí están

expuestos a mucha información hiper-simplificada que hace que se sepan más cosas sobre tal o cual partido político, de manera superficial. La gente está más expuesta a información que le llega de rebote, vía twitter o face, sin que eso signifique necesariamente que estén enterados de la complejidad de los temas. De paso, eso facilita muchísimo los fake news, tan de moda hoy en día. Para ti, ¿cuál es el mensaje más importante de “Operación réquiem”? Se me viene a la mente una frase que dice: “Quien no conoce su historia está condenado a repetirla”.

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EN EL INICIO LA NOVELA GIRABA MÁS EN TORNO A LOS FANTASMAS QUE PERSEGUÍAN A JULIÁN.