Hacia una nueva orilla by NC-arte

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MARLON DE AZAMBUJA PEDRO TORRES

TANIA CANDIANI

BASIM MAGDY

JAMES TURRELL

VICTOR GARCÉS REGINA DE MIGUEL

CICLO DE CINE MIRADAS REMOTAS

TEXTO CURATORIAL

ALBERTO LEZACA TALLERES JUAN ZAMORA

MAYANA REDIN

MONTAJE

ADRIANA CIUDAD CESAR GONZÁLEZ JULIETA ARANDA

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TEXTO CURATORIAL Un día especialmente caluroso del mes de mayo de 1914, en el que el sol parecía agrietar los caminos de tierra de Alabama, nació Herman Sonny Blount. Pareciera que los planetas se hubieran alineado de forma singular y tuvieran cierta influencia en lo que sería el futuro de este jovencito. Desde temprana edad manifestó un oído extraordinario y, aunque de formación autodidacta, aprendió a escribir música con solo diez años. Era sin duda un pequeño genio del piano, capaz de escribir de memoria partituras para los diferentes instrumentos que componían una banda de jazz. Muy pronto, empezó a tocar en diferentes orquestas. Herman Sonnny Blount era devoto de las teorías cabalísticas, la etimología, los mitos fundacionales y los relatos futuristas. Creía que la bóveda celeste escondía teorías mágicas que le llegaban por alguna otra razón a sus oídos y le inspiraban para desarrollar una filosofía propia. En cierta manera parecía que las estrellas estuvieran determinadas por su cuerpo y altura, los límites del universo alcanzaban lo que sus brazos estirados y así determinaban sus percepciones. Se trataba de un Nuevo Universo [1] que Herman podía ver, apropiándose de la cita de Helena Colody que decía “Pintó las estrellas en el muro y tuvo el cielo al alcance de las manos”. sDado u talento, consiguió una beca para estudiar teoría de la música y composición en Chicago. Ahí tuvo una revelación que determinaría su vida: el planeta Tierra no era su lugar de nacimiento. Aseguraba ser oriundo de Saturno y establecer comunicaciones constantes con los seres de esas latitudes. Así, generaba narrativas a partir de juegos visuales, relacionaba iconografías de registro con fotografías contemporáneas y establecía discursos a través de imágenes. Como si se tratara de un juego de cartas parecidas a las del Memory, Herman las levantaba y disponía a su gusto mientras trazaba relatos [2] formando un gran archivo visual. Durante su adolescencia decidió cambiar su nombre a Sun Ra, no es de 1. Poema mínimo, Helena Colody, 1986

extrañar esa alusión al Dios del Sol egipcio que establecía nexos con los dibujos de Robert Fludd, astrólogo y místico inglés del siglo XVI, éste creía que el corazón humano funcionaba como un Sol y la sangre como los planetas que orbitan alrededor. En el mismo continente americano pero a varios kilómetros de distancia del Chicago de Sun Ra, en el altiplano cundiboyacense de Colombia, los Muiscas llamaban a las ranas: IeSua [3] que significa alimento del sol en el idioma Muysccubun. Esto es debido a que cuando llega el verano y el Sol seca los charcos, estos anfibios quedan patas arriba hasta que mueren. Múltiples leyendas Muiscas y su comprensión de la cosmogonía del ser se refieren a la Rana como alimento del universo. Convencido de que debía mostrarle a la humanidad su nuevo nombre y transmitir a través de sus canciones los mensajes que le otorgaban los dioses de su planeta, Sun Ra desarrolló una brillante carrera. Fundó la Sun Ra Arkestra, un grupo poco habitual para los escenarios de la época, no solo por el gran número de intérpretes que la componían sino sobre todo por lo experimental de sus sonidos y las extravagantes indumentarias que acostumbraban a vestir en los conciertos. Casualidades de la vida, el compatriota y amigo de Jorge Luis Borges: Adolfo Bioy Casares, nació el mismo año que el músico de Saturno. No sabemos a ciencia cierta si Sun Ra alcanzó a leer una de las novelas del argentino titulada La trama celeste, escrita en 1948. Existen muchas líneas de conexión entre la historia literaria y las canciones de nuestro amigo de Saturno. El relato en cuestión narra el periplo del capitán Morris experto piloto de guerra, que realiza un viaje entre varias realidades paralelas. Retornando a Buenos Aires después de un vuelo de prueba, aterriza en una ciudad diferente de la que partió, desorientado no entiende que

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su localización sea errónea. Las divergencias entre el Buenos Aires que recuerda y al que ha llegado son demasiado sutiles pero presentes. Bioy Casares nos hace dudar de la certeza de una realidad y nos adentra en un mar de ficciones creíbles [4]. Las alusiones a los tiempos diluidos y a realidades paralelas son recurrentes en los poemas de Sun Ra. Tanto él como Adolfo Bioy Casares tendrían 21 años 3 cuando en la Unión Soviética moría Konstantín Tsiolkovski: “padre de la cosmonáutica”. De familia polaca, Tsiolkovski era un científico visionario, cuentan que fervoroso de Julio Verne. En su juventud, disfrutó enormemente con De la Tierra a la Luna y a diferencia de muchos de sus contemporáneos, no descartó la idea de poder viajar a la Luna, hazaña que parecía de ciencia ficción para su época. Al contrario, se planteó seriamente la posibilidad de llevar a cabo tal locura, e identificó muy rápidamente el problema de la idea del genial francés: la aceleración del disparo saliendo de la tierra sería tan desmedida que mataría a los viajeros de la nave. A partir de ahí Konstantin empezó a cavilar sobre cómo llegar al espacio de manera realista. En 1883 escribió El Espacio Libre donde aparecía un boceto de lo que podía ser una nave espacial; veinte años antes de la construcción del primer aeroplano por los Hermanos Wright. Además diseñó modelos de estaciones espaciales [5] como hábitats situados en órbita alrededor de un cuerpo astronómico. Eran fundamentales para los viajes espaciales que se realizarían mediante cohetes años más tarde. Sus estudios incluían la rotación para obtener gravedad artificial y el uso de ecosistemas artificiales. Hoy en día las estaciones orbitales, tal y como ya predijo Tsiolkovski, tienen un importante valor logístico y estratégico dentro de los viajes espaciales interplanetarios. Existen museos, monumentos y otros lugares terrestres que brindan su honor pero quizás el más especial es el que queda invisible para los ojos humanos; en la cara oculta de la luna, aquella que mira hacia el Sistema Solar, se encuentra el llamado cráter Tsiolkovsky. Seguramente imaginó una Luna tal y como la describían las novelas de ciencia ficción; muchos avances científicos parten de imaginarios creados por la literatura y la películas. ¿Cómo le damos entonces sentido a un presente que no se parece a la imagen ficticia que tenemos de la misma? Si pulverizáramos 100 novelas de ciencia ficción, la imagen que obtendríamos sería la de ese mismo cráter lunar: un paisaje blanquinoso en el que cenizas se mueven para crear fantasías. Pensaríamos que Ha habido un error de cálculo [6] y que las palabras por sí solas no son suficientes para generar sentido sino que es necesario un lector o espectador activo 2. La lengua muisca perteneciente a la familia de las Lenguas chibcha cuya extinción fue dictaminada por el rey Carlos III de España, quien prohibió su uso para poder ejercer un mayor control sobre la población indígena (La prohibición siguió hasta que se aprobó la constitución de Colombia de 1991, encontrándose hoy en día oficialmente extinta).

que rellene el valor hermético del texto y empiece a actuar. Una de esas novelas pulverizadas podría ser Dune, escrita en 1965 por Frank Herbert y que años más tarde Alejandro Jodorowsky quiso adaptar para hacer una película bajo el mismo título. El cineasta no pudo realizar su sueño pues el film finalmente fue dirigido por David Lynch, pero el guión original de Jodorwosky iba a revolucionar el mundo de la ficción. Proyectó personajes extravagantes interpretados por artistas y actores como Salvador Dalí y Orson Welles. Eran héroes chamánicos, seres que canalizaban información y energía proveniente de otros niveles y planos. En cierta manera recogían la información de los Astros [7] y condensaban lo mágico, lo sutil, lo micro y lo macro. Pareciera que el guionista proyectaba cómo podía ser la vida en lugares recónditos de nuestra galaxia. Motivado por la misma curiosidad pero exactamente en la dirección opuesta, en la década de los 70 el científico Carl Sagan emprendió un proyecto para lanzar las naves Voyager y Pioneer al espacio con una serie de datos que dieran una idea de nuestra civilización y nuestro planeta. Las sondas espaciales Pioneer X y XI fueron dos de las primeras del programa de exploración espacial de la NASA. A estas sondas se les instalaron unas placas inscritas con un mensaje simbólico que informaría sobre el ser humano y la Tierra a una posible civilización extraterrestre que llegara a interceptarlas. En la sonda Voyager viajó el llamado “disco de oro de la Humanidad”. Este tardaría 40.000 años en alcanzar las proximidades de la estrella más cercanas a nuestro sistema solar. Carl Sagan afirmó que la nave espacial, y el registro, sólo serían encontradas en el caso de existir otras civilizaciones capaces de viajar en el espacio interestelar. El científico intentó capturar el tiempo bajo una acción simbólica aunque no reparó en que ya hace miles de años que mandamos mensajes al espacio. Son Voces de mundos que se desvanecen [8] incrustados en esa placa dorada que podríamos rehacer hoy incluyendo sucesos relacionados con la historia del conocimiento científico, cambios ecológicos, descubrimientos que influyeron en el discernimiento de nuestra evolución o incluso sobre las transformaciones tecnológicas. En 1986 y para la sorpresa de muchos, Sun Ra, el legendario free driver del jazz y John Cage, el intelectual experimental compositor, protagonizaron un concierto juntos en un parque de Coney Island de Nueva York. John Cage meets Sun Ra fue el nombre del famoso evento. Ambos músicos estaban de acuerdo en la limitación que el lenguaje tenía sobre la percepción humana y como la reiteración de un solo sonido [9], permitía abrir

3. 1935

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nuevos campos para llegar a otras dimensiones. Adentrarse en espacios donde la percepción se pierde y el horizonte se escapa, aumentar la posibilidad de nuestros ojos y ver mejor la luz del espacio. James Turrell [10] dice que “comemos luz, la bebemos a través de nuestra piel y que con un poco más de exposición a la luz, somos parte de las cosas”. Igual que Sun Ra, en varias ocasiones dijo: “No soy un artista de la Tierra, estoy totalmente involucrado en el cielo.” En parte por esa razón el artista norteamericano Turrell decidió embarcarse durante más de tres décadas en la construcción del Roden Crater; transformar un cráter volcánico, ubicado en el desierto de Arizona, en un observatorio a ojo desnudo, diseñado para el avistamiento de fenómenos celestes. Las preguntas parecen siempre ser las mismas: ¿Qué buscamos en el universo?, ¿Cómo se forma y que lo compone? Situémonos por un segundo en una conferencia dictada por un científico que explica la formación de nuestra galaxia y en el momento de las preguntas, una señora tímida levanta el brazo. Ella asegura que la tierra está sostenida por el lomo de una tortuga, a lo que el científico, con ojos bien abiertos, le contesta: “¿Y qué hay debajo de la tortuga?” – Sonriente ella replica: “Tortugas hasta abajo” [11]. En realidad la proyección del espacio es algo tan objetivo como subjetivo. Hay muchos enigmas aún por descubrir que ni los propios especialistas del universo saben descifrar. Los astrónomos que observan incansablemente la bóveda azul combaten cada día contra el tiempo; investigando formaciones que muy probablemente ya hayan desaparecido. Son arqueólogos que miran a un futuro caduco. Lo que descubren forma parte de un hecho histórico que les llega a ellos desactivado en el tiempo. Imaginemos entonces que nuestras ciudades con sus lugares emblemáticos también pueden componer constelaciones [12] en el mismo tramado urbano. Como dijo Alicia en el País de las Maravillas: “Si yo hiciera mi mundo todo sería un disparate. Porque todo sería lo que no es. Y entonces al revés, lo que es, no sería y lo que no podría ser si sería.” Ella creía en un lugar que fuese Ninguna parte [13], que no se pudiera descifrar y estuviera perdido entre los agujeros negros y las galaxias más alejadas.

que se estrellaran contra algún planeta; creía que no se trataba de temer el fin del mundo sino observar la belleza secreta de la incandescencia de esas piedras. Sus canciones influyeron a una gran generación de visionarios y todos se lamentaron cuando una noche fría de 1993, el cielo se abrió para absorber a un Sun Ra ya sin aliento; muchos dicen que la cúpula celeste se lo llevó a algún planeta, Jimi Hendrix siempre creyó que fue a Venus, tantos otros a Saturno. Sin duda partió Hacia una nueva orilla viajando a la velocidad de la luz.

[1]Marlon de Azambuja / Nuevo universo (2016) [2] Pedro Torres / Again (2015) [3] Juan Zamora / Ie Sua (2016) [3] Alberto Lezaca / 304 no es 309 (2016) [4]Tania Candiani / Geometría de estaciones espaciales (2014 – 2016) [5]Julieta Aranda / There has been a miscalculation (Flattened ammunition) [ H a habido un error de cálculo (municiones aplastadas)] (2008) [6] Cesar González / Astros (2016) [7]Regina de Miguel / Voices of Vanishing Worlds [Voces de mundos que se desvanecen] (2013) [8] Pedro Torres / O (2016) [9] James Turrell / Stuck Red/Stuck Blue (1970) [10] Basim Magdy / Turtles all the way down [Tortugas hasta abajo] (2009) [11] Mayana Redin / Establecimiento Cosmos (2016) [12] Adriana Ciudad / Ninguna Parte (2016) [13] Víctor Garcés / He aquí ese algo (2016)

A través de novelas futuristas, leyendas antiguas, películas espaciales, apropiaciones urbanas y música sideral, Sun Ra construía una música mágica de las esferas para los tiempos futuros. Decía: He aquí ese algo [14] cuando se refería a los meteoritos, a su velocidad y la posibilidad de

5. A la pregunta que le hizo Roy Carr sobre cuáles son sus planes inmediatos después del concierto del 18 de septiembre de 1970, Hendrix comenta que “voy a tocar en el primer festival de rock en Venus… quizá con Sun Ra”. Jazz, but not jazz. New Musical Express, 2013.

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PEDRO TORRES

Nace

Gloria de Dourados Brasil

Vive y trabaja

Barcelona, España

Obras clave

TOT / White neon, ø 60 cm / 2015 Again [60 times] / photographs, book2007 Forever / two clocks / 2011 Pasajes / text and photographs by James Nasmyth, published in his book The moon: considered as a planet, a world, and a satellite / 110 x 40cm, 2014

Statement

En este sentido, “O” es una propuesta cosmogónica, una tentativa de entendernos en el mundo y de entender las relaciones que se forman en y a través de él, del pasado al futuro. (…) En la obra, la imagen –y la reflexión sobre ella– cobra especial relevancia en la búsqueda de entendernos cómo nos relacionamos con el mundo, ya que vivimos en una época en que somos imagen, vivimos imagen.

Links

http://www.pedrotorres.net/tot.html http://www.pedrotorres.net/again-60times.html http://www.pedrotorres.net/pasajes.html http://www.pedrotorres.net/amatteroftime.html

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Pasajes 2014 Text and photographs by James Nasmyth,Â published in his book The moon: considered as a planet, a world, and a satellite. 110 x 40cm

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TOT 2015 Neón blanco, ø 60 cm

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O, Instalación site specific, vídeo 4 m. 2016 O es una vídeo instalación en cinco canales: cuatro canales de vídeo y uno sonoro. Cada canal de vídeo representa una dimensión de nuestra relación con el mundo: el macro, el micro, lo artificial y lo natural. Formando un cubo, cada espacio se enfrenta uno al otro ubicando al observador en medio de los mismos. “O” busca provocar una reflexión de nuestra relación, como seres humanos, en el mundo en que estamos, entendiendo mundo no solo nuestro planeta, sino todo el universo.

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AGAIN

Again [Otra vez] 2015 Juego de cartas. En Again Torres invita al espectador a jugar con unas cartas similares a las del juego Memory. Las cartas colocadas boca abajo en una mesa, deben ir destapándose para poder encontrar la pareja. Sin embargo, en esta ocasión no se tratará de buscar la doble idéntica, sino de establecer conexiones entre las distintas imágenes que propone el artista. Se crea así un gran archivo visual que puede trazar un sinfín de narraciones a merced del relato que quiera hilar el jugador.

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Nace

Assiut, Egipto, 1977.

Vive y trabaja

Cairo,Egipto; Basilea Suiza

Obras clave

The Night the Devil Had a Nightmare, 2007 - Maybe There is a Message, 2008 - 13 Essential Rules for Understanding the World, 2011 - An Apology to a Love Story that Crashed into a Whale, 2016

Exposiciones recientes

2016 The Stars Were Aligned for a Century of New Beginnings, Deutsche Bank “Artist of the Year 2016”, Deutsche Bank KunstHalle, Berlin. Curated by Britta Faerber. 2015 The Ones Who Refuse To Forget, artSümer, Istanbul2014 An Absent Population Laughs at its Haunting Withdrawal, Art in General, New York (curated by Anne Barlow) 2013 Basim Magdy, Espace Croisé – Centre d’Art Contemporain, Roubaix, France (curated by Mo Gourmelon) 2009 Last Good Deed, Kunsthaus Baselland, Basel, Switzerland (curated by Sabine Schaschl)

Statement

-(Advise for new artists) Stay focused on what you do and experiment a lot, but always remember there are much bigger problems in the world than you not getting exactly what you want. Don’t take yourself or your work too seriously. -(About video) A time-based medium that is far from mimicking reality in all its detail was exactly what I needed to construct narratives full of affiliations and suggestions instead of mere storytelling. (Interview with Wassan Al-Khudhairi , 2013)

Links

http://www.basimmagdy.com/ http://www.e-flux.com/announcements/basim-magdy-artist-of-theyear-2016/ http://blog.art21.org/2013/10/28/another-side-of-reality-an-interview-with-basim-magdy/#.VyOETnF97IU

BASIM MADGY

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13 Essential Rules for Understanding the World, 2011 Super 8 film transferred to HD video; 5 min 16 sec.

The Night the Devil Had a Nightmare, 2007 spray paint, gouache, acrylic, collage on paper; 15 x 20 inches

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A 240 Second Analysis of Failure and Hopefulness (With Coke, Vinegar and Other Tear Gas Remedies), 2012 160 color slides and 2 synchronized Kodak slide carousel projectors; 240 sec. Courtesy Newman Popiashvili Gallery, New York.

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Turtles all the way down

Turtles all the way down [Tortugas hasta abajo] 2009. InstalaciĂłn, vĂdeo Super 8 film, 10 m. 9 s, escultura, dibujo.

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“Turtles All The Way Down” es una video-instalación en la que el narrador de la película se refiere a un universo que constantemente se expande a territorios que superan la capacidad de comprensión humana: lo desconocido más allá de lo conocido. Pensando en la pregunta “¿Qué es lo desconocido?” el artista se refiere a la búsqueda del conocimiento, a la importancia que tienen los descubrimientos en ayudarnos a comprender el mundo, al igual que con cada descubrimiento o avance científico, lo que se creía anteriormente cierto, se sustituye por una nueva perspectiva o, a veces, por una opuesta. En esta película, el narrador menciona un artículo de 1835, del New York Sun sobre el descubrimiento de vida en la luna, una historia que comenzó a circular en los Estados Unidos, pero que más tarde se reveló que era un engaño, mientras que la ficción de lo “real” se sigue extendiendo en todos los continentes.

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JULIETA ARANDA

Nace

Ciudad de México, México, 1975.

Vive y trabaja

Berlín, Alemania; Nueva York, Estados Unidos

Obras clave

Editora y Colaboradora de e-flux desde 2003 - Saving it for later, 2009 - Two shakes, a tick and a jiffy (2009) - e-flux Video Rental , 2004–07 - You Had No Ninth of May!, 2008.

Exposiciones recientes

2016 Galería OMR en ArtBasel, Basilea, Suiza (Colectiva) 2015 Fridericianum, Kassel, Alemania (Colectiva) 2014 If a body met a body, Galería OMR, Ciudad de México, México (Solo), 2012 8va. Bienal de Berlín, Alemania (Solo)2012 Time/Bank, dOCUMENTA 13, Kassel, Alemania (Solo) 2009 Intervals, Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York, EU (Solo)

Statement

“Mi trabajo esta enfocado en el potencial estético del rol que juega la circulación de la obra de arte. No tengo un medio o técnica específica, manipulo los formatos de circulación existentes, en un esfuerzo por generar propuestas viables para las transacciones de capital cultural”.

Links

https://www.artsy.net/artist/julieta-aranda https://www.guggenheim.org/artwork/artist/julieta-aranda http://www.revistacodigo.com/entrevista-a-julieta-aranda/ http://www.galeriemichaeljanssen.de/julieta-aranda/ http://www.mor-charpentier.com/artist/julieta-aranda/

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Two shakes, a tick and a jiffy (2009)

Saving it for later (2009)

Reloj ajustado al modelo decimal propuesto tras la revolución francesa, dividido en 10 horas al día, con 100 minutos, cada uno con 100 segundos. El tiempo transcurre de acuerdo a los latidos del corazón de la artista, acelerándose en momentos de emoción y ralentizándose en momentos de reposo. El transistor del lado derecho emite el sonido de los latidos.

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THERE HAS BEEN A MISCALCULATION

Es un gesto de reconocimiento, desde el presente hacia todos los futuros posibles que nunca llegaron a ser; un intento de leer su potencialidad, como “polvo del futuro” que nunca se establece. La obra es una pulverización de alrededor de 100 novelas de ciencia ficción, con narrativas que tienen lugar en un período de tiempo que se extiende entre 1870 y 2008. El trabajo explora la relación entre la ficción especulativa y la realidad, y que se basa en procesos del espectador de asociación para plantear preguntas relacionadas con la percepción.

There Has Been a Miscalculation(flattened ammunition) [Ha habido un error de cálculo (municiones aplastadas)] 2008 Fotografías, escultura.

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Nace

Ciudad de México, México, 1974.

Vive y trabaja

Ciudad de México, México.

Obras clave

Wooden Trumpets, 2014 Herbarios, La Magdalena, 2013 Interweave/laboratorium, 2013 Órgano, 2013

Exposiciones recientes

2015 Possesing Nature - 52da Bienal de Venecia, Venecia, Italia (Colaboración con Luis Felipe Ortega) 2014 Wooden Trumpets, Glenfiddich residence for artists, UK. (Solo) 2011 XI Bienal de Cuenca, Museo de arte moderno, Cuenca, Ecuador (Colectiva) 2010 From Floor Plans to Confection Patterns: Apartment Houses in New York City, 1900-1914. Upper Main Gallery, Abrons Art Centre, New York, U.S. (Solo) 2009 Textile 09, Bienal de Textil, Kaunas Lithuania. (Colectiva)

Statement

Mis procesos de investigación parten desde el lenguaje, el texto, y las implicaciones políticas de lo doméstico, de qué es lo público y lo privado, y “del otro”. Estrategias de traducción entre lenguajes – Linguístico, visual, fónico – y practices, generan equivalencies y asociaciones, donde hay una nostalgia constant por lo obsolete, que me hace considerer el contenido discursivo de los artefactos y de antiguas proyecciones del futuro.

Links

http://taniacandiani.com/index.html http://taniacandiani.com/CVabout/Dossier%20Tania%20Candiani%202015.pdf http://taniacandianistudio.blogspot.com.co/ http://www.institutodevision.com/Tania-Candiani https://vimeo.com/63966812

TANIA CANDIANI

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Wooden Trumpets 2014 Madera, proyecciรณn de video.

ร rgano 2012 Tubos de metal, รณrgano, mรกquina de escribir.

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GEOMETRIA DE ESTACIONES ESPACIALES, TSIOLKOVSKY 1917

Tsiolkovsky fue el primer arquitecto del espacio. En 1883 escribió “El espacio libre” donde aparecía un boceto de lo que podía ser una nave espacial y en el que explicaba una serie de conceptos que concibieron una manera de habitar el espacio.

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Nace

Lima, Peru, 1980.

Vive y trabaja

Bogotá, Colombia.

Obras clave

Natural Resistance, 2016 – A veinte soles de distancia, 2016 – Debajo del agua, 2015 – Llegaron ahí y nos dijeron que qué…, 2015 – Sensibilia (Instalación) , 2013.

Exposiciones recientes

2015 Debajo del Agua, Galería El Museo, Bogotá (Solo) 2014 Aus Berliner Sicht, Die Galerie, Frankfurt Survivors, Löwepalais - Stiftung Starke, Berlin 2013 Sensibilia, Wu Gallery, Lima (Solo) 2013 V Concurso Nacional de Pintura del Banco Central de reserva del Perú - Exposición de Finalistas - Premiación, Centro Cultural Inca Garcilaso, Lima 2012 Cloudbusting, Commonwealth and Council Gallery, Los Angeles (Solo) 2011 New Art, Circleculture Gallery, Berlin Hogar: un lugar que extraño. En los últimos dos años he estado vagando por diferentes ciudades en búsqueda de mis proyectos. Héroes: Cualquiera que busque vivir conscientemente su propia verdad y quien encuentra el coraje de traducer esa verdad en acciones.

Statement

Links

ADRIANA CIUDAD

http://www.adrianaciudad.com/es/ http://larepublica.pe/10-06-2013/sensibilia-muestra-plastica-de-adriana-ciudad-witzel#!foto4 http://tenwordsandoneshot.com/adriana-ciudad/

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A veinte soles de distancia 2016 acuarela, tinta y lรกpiz sobre papel (Serie) Natural Resistance 2016 Medios mixtos (Instalaciรณn)

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NINGUNA PARTE

Ninguna parte 2016. Instalaciรณn site specific, esculturas.

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“Ninguna parte” se presenta como un espacio experiencial que explora los imaginarios sobre los agujeros negros de las galaxias y cuál es la construcción que se genera entorno a los misterios del cosmos. Trenzando ciencia y ficción, Adriana Ciudad nos sitúa en un lugar de contemplación visual y sonoro en el que se mezclan los cantos de los alabaos del Chocó y algunos audios del universo (Sol, Saturno, Júpiter). La escultura de una niña aparece en medio de la instalación, como si fuese la creadora de estos relatos mágicos y mundos posibles. Lleva una máscara del Carnaval de la Virgen de la Candelaria de Puno, Perú, relacionándola con cosmovisiones ancestrales y saberes místicos.

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Nace

Sto. Antônio da Patrulha-RS, Brasil 1978

Vive y trabaja

Madrid, España

Obras clave

Potencial Escultórico, (2008 –2016) - Metaesquemas, 2009 Jaulas / Museos, 2009 – 50 Elementos Zizkovo nam, 2009 - Línea imaginaria, 2006 -

Exposiciones recientes

2016 Space Sentences, Studio Sandra Recio / Ginebra, Suiza (Solo) 2015 Name It by Trying to Name It, Drawing Center / New York, EUA (Colectiva) 2014 The Language of Human Consciousness, Athr Gallery / Jeddah, Arabia Saudí (Colectiva) 2014 Objects in the mirror are closer than they appear, Lugar a Dudas / Cali, Colombia (Colectiva) 2009 Projeto Moderno, Galería Luisa Strina / Sao Paulo, Brasil. (Solo) 2009 Potencial Escultórico, Matadero, Abierto X Obras / Madrid, España

Statement

“Me interesa precisamente el combate, el diálogo entre la cantidad de reglas, cálculos, precisiones que nos rigen y resultados que son absolutamente incontrolables. Me parece una metáfora interesante del universo mismo, de las cosas: un universo lleno de leyes que al final no tenemos cómo prever. El número así, tan grande, corresponde a un intento de realmente hacer un universo”.(Revista Arcadia, 2016)

Links

http://www.marlondeazambuja.com/index.php http://www.maxestrella.com/artista/Marlon%20de%20Azambuja.html http://www.revistaarcadia.com/arte/multimedia/nc-arte-marlon-de-azambuja-hacia-una-nueva-orilla-exposicion/48744 http://www.mataderomadrid.org/ficha/167/areas-de-accion.html

MARLON DE AZAMBU JA

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Potencial escultĂłrico 2009 Cinta adhesiva sobre estructuras.

Can Conrado 2006 Harina sobre espacio pĂşblico.

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NUEVO UNIVERSO

“Pintó las estrellas en el muro y tuvo el cielo al alcance de las manos” (Helena Kolody, 1986.) “Nuevo universo” es una instalación participativa en la que el artista junto a otros voluntarios componen un nuevo espacio a través de los límites de su propio cuerpo.

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Nace

Sto. Antônio da Patrulha-RS, Brasil 1978

Vive y trabaja

Berlín, Alemania

Obras clave

Ansible, - The last term that touches the sight, - Knowledge never comes alone, -Nouvelle science vague fiction, - An effect of verisimilitude, -

Exposiciones recientes

2015 Hall of Half-Life, steirischer herbst festival gmbh, Graz, Austria 2014 All knowledge is enveloped in darkness, Kunsthalle Sao Paulo, Brasil (Solo) 2014 Rencontres Internationales. Gaîté lyrique and Palais de Tokyo, Paris, Francia (Colectiva) 2014 Mountain Island Glacier at the NY Art Book Fair. MOMA PS1, New York, EUA. (Colectiva) 2013 Knowledge never comes alone, Matadero, Madrid, España (Solo) 2011 Nouvelle Science Vague Fiction , General Public, Berlin, Alemania (Solo) 2008 El Aire aún no respirado, Laboratorio 987. MUSAC, León, México. (Solo “Suelo llevar a cabo una labor de archivo, reciclaje, mezcla y apropiación para luego revisar esos materiales y estudiar su asociación. Me interesa la simultaneidad de distintos mensajes operando al mismo tiempo, la idea de estrato asociada a la visión y la comprensión; investigar aportando ficciones posibles, lecturas insólitas en contra de las lógicas útiles y encaminadas a cuestionar el propio estatus del conocimiento”(El cultural, 2012)

Statement

Links

http://www.reginademiguel.net/ http://www.maisterravalbuena.com/artista/regina-de-miguel/?lang=es http://www.elcultural.com/revista/arte/Regina-de-Miguel/31498 http://www.museoreinasofia.es/coleccion/autor/miguel-regina http://www.artdiscover.com/es/artistas/regina-de-miguel-id660

REGINA DE MIGUEL INICIO

Ansible 2015 Instalación, luces, impresiones en roca volcánica.

Knowledge never comes alone 2013 Instalación, vídeo 28 min.

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VOICES OF VANISHING WORDS

En la década de los 70 el divulgador científico Carl Sagan emprendió un proyecto ligado al lanzamiento de las naves Voyager y Pioneer para enviar al espacio una serie de datos que dieran una idea de nuestra civilización y nuestro planeta. Las sondas espaciales Pioneer X y XI fueron dos de las primeras del programa de exploración espacial de la NASA. A estas sondas se les instalaron unas placas, diseñadas por el científico, inscritas con un mensaje simbólico que informaría a una posible civilización extraterrestre que llegara a interceptar las sondas sobre el ser humano y su lugar de procedencia, la Tierra. Por otro lado, en la sonda Voyager (lanzada en 1977) viaja el llamado “disco de oro de la Humanidad”. Este tardará 40.000 años en alcanzar las proximidades de la estrella más cercana a nuestro sistema solar. Carl Sagan dijo que “la nave espacial, y el registro, sólo serán encontradas si existen otras civilizaciones capaces de viajar en el espacio interestelar. Pero el lanzamiento de esta botella dentro del océano cósmico dice algo muy esperanzador sobre la vida en este planeta”. Digamos que este registro y el acto mismo puede ser visto como una cápsula del tiempo o una acción simbólica más que como un serio intento de comunicarse con los extraterrestres. La cuestión es que, involuntariamente, hemos enviado mensajes al espacio desde que realizamos las primeras emisiones de ondas de radio o electromagnéticas.

sondas enviadas a Marte. Todas viajan también a la velocidad de la luz. Una onda enviada a la Luna tardaría poco más de un segundo en llegar a ella, siete minutos para llegar al Sol, veinte minutos para llegar a Marte, o varios años para las estrellas más cercanas. Sabiendo cuándo se emitió una transmisión en concreto, podríamos calcular a qué estrellas (o distancia) están llegando actualmente.La placa dorada realizada aquí, recrea el viaje, a través del espacio, de una serie de sucesos relacionados con la historia del conocimiento científico tales como cambios ecológicos, descubrimientos que influyeron en el discernimiento de nuestra evolución, transformaciones tecnológicas, etc… desde que se realizaron las primeras emisiones televisivas. Este relato, centrado en la propia historia de la humanidad queriendo comprenderse a sí misma, se encuentra asociado aquí a una sentencia extraída de los diarios de Sylvia Plath: Can you understand? Someone, somewhere, can you understand me a little, love me a little? For all my despair, for all my ideals, for all that - I love life. But it is hard, and I have so much - so very much to learn. El conjunto de fotografías se dispone en correspondencia con cada una de las palabras de esta frase traducidas a diferentes lenguas que dejaron de hablarse, se encuentran aisladas o amenazadas. A su vez , este alfabeto híbrido se vincula a un catálogo de imágenes de galaxias en las que ha sido detectada la existencia de un agujero negro, una estrella muerta. Y a su vez con una reconstrucción virtual de la geografía en la que las diferentes lenguas fueron habladas.

Estas pueden viajar sin ningún medio. Es decir, se propagan por el vacío. Y es por ello que podemos ver la luz de las estrellas o comunicarnos con las

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Nace

Itagüí, Colombia 1978

Vive y trabaja

Bogotá, Colombia

Obras clave

Repugnante línea recta - Recuerdo sin nombre – Espectro – El lugar que no existe – Time machines

Exposiciones recientes

2010 Tic -Tac. Independiente. Bogotá, Colombia (solo) 2009 Galería Móvil. Medellín, Colombia (solo) 2009 Index. Casa Tres Patios. Medellín, Colombia. (solo) 2007 Un poquito complicado. Casa Tres Patios. Medellín, Colombia. (solo) 2008 Muestra de Grado. Universidad Nacional. Bogotá, Colombia. (colectiva) 2007 Diásporas. MAMM - Confenalco. Medellín, Colombia. (colectiva) Distinciones 2002 Mención. Confenalco. Medellín, Colombia. 2004 Tesis laureada. Universidad Nacional. Medellín, Colombia. Tomado del libro ArtBo, Feria Internacional de Arte de Bogotá, 2011

Statement

“El trabajo de Campo es la base fundamental de sus proyectos; la recopilación de objetos abandonados; así mismo, la captura de imagen, fotos, testimonios y sonidos . son la materia prima para producir los híbridos y las situaciones que plantea a través del dibujo, la instalación y el video.Transformar, asociar e intervenir elementos que ya existen, elementos que han sido desechados por otros o elementos que entran en desuso dan un testimonio de las relaciones que entablamos con los objetos y con el pasado. Desde el 2001 está vinculado en el circuito de las artes plásticas nacionales, participando en eventos como la bienal nacional de arte de Bogotá en el MAMBO, salones regionales, exposiciones colectivas e individuales en la Cámara de Comercio de Bogotá, Arte Cámara, y exposiciones en la Universidad Nacional de Colombia sede Medellín, sede Bogotá y universidad de Antioquia además su trabajo se ha visto en países como México , España y Argentina”

Links

http://www.casatrespatios.org/#!victor-garces/c1bzq http://recursos.ccb.org.co/ccb/flipbook/2013/repugnante_lin_recta/files/assets/downloads/publication.pdf http://www.colarte.com/colarte/conspintores.asp?idartista=1682

VICTOR GARCÉS

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Recuerdo sin nombre 2015 Dibujo en carbón sobre papel fabriano y objeto incinerado 50 x 35 cm.

La repugnante línea recta 2012 Acción, objeto intervenido

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HE AQUÍ ESE ALGO

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Si existe algo que reitere la insignificancia del ser humano, es, sin duda, la magnitud del cosmos y todo aquello que lo compone. He aquí ese algo, logra minimizar la presencia del espectador al enfrentarlo con la imagen de un espacio tridimensional, en el que no se observa nada más que el holograma de un asteroide en llamas que viaja a toda velocidad. Víctor Garcés logra recrear la nada, a través de una artefacto similar a las cajas renacentistas, diseñadas para simular la existencia de un fondo en perspectiva. El carácter real de la fotografía y la sutileza de su movimiento, permiten que el público imagine y se transporte a otro mundo. Solo basta mirar por la ranura, para entrar en un no-lugar, en un espacio desconocido que recuerda cuán grande es el universo y cuán frágiles somos frente a sus amenazas.

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Nace Vive y trabaja

Campinas, Brasil 1984 Rio de Janeiro, Brasil

Obras clave

A borda o risco o mundo: experimento # 1 - A borda o risco o mundo: experimento # 2 – Caixa móvel para Giordano Bruno – Establecimento cosmos

Exposiciones recientes

2013, “El riesgo frontera del mundo : Experimento # 1” en la galería de Arte Ibeu en Río de Janeiro , Brasil , en 2013 (Solo) 2014, “ El borde del riesgo del mundo : Experimento # 2 “ en el Palacio de las Artes en Belo Horizonte , MG , en el 2014 (solo) Cuarta Exposición” , Parque Lage , Río de Janeiro , RJ ; “El arroz sin sal “, Silvia Cintra + Box 4 (colectivo) Río de Janeiro ; “ Imagínese Brasil” Astrup Fearnley Museet , Oslo , Noruega (colectivo) “ Mi imagen ( g ) Rante “ Zipper Galería , Sao Paulo , SP ; “Ciudad del Proceso “ , Galería del Centro de Cultura Contemporánea (colectivo)

Statement

Os desenhos de Mayana Redin constroem geografias fictícias, encontros impensados. Como composições metafísicas, parecem dirigir-se a outra realidade, exterior ao tempo e à história – Fernanda Albuquerque

Links

MAYANA REDIN

http://www.canalcontemporaneo.art.br/_v3/site/evento.php?idioma=br&id_evento=9826 http://www.revistaexclama.com/arte/hacia-una-nueva-orilla/ http://www.arte-sur.org/home/imagine-brazil-3/attachment/mayana_redin-3/ http://arteflora.org/2016/02/mayana-redin-pedro-motta/ http://www.arteinformado.com/guia/f/mayana-redin-173802 http://mayanaredin.blogspot.com.co/

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Una idea de diseño es el telón de fondo para el riesgo de exposición del borde del mundo : Experimento 1, Las obras propuestas utilizan la iconografía de las representaciones del espacio humano, revelando las condiciones de intervalos de imágenes y experimenta sus bordes. La serie “ La Ruina “ utiliza los paisajes naturales y construidos postales para promover la migración entre las imágenes, degradando sus iconos . Además de trabajar con las postales, el artista muestra dibujos sobre papel de calco de las reuniones de las series de Geografía, expuesto en la 8ª Bienal del Mercosur , en Porto Alegre

A borda a risco o mundo: experimento #1

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COSMIC RECORDS En Cosmic Records Mayana Redin graba gestos de su mano y boca sobre imágenes del universo impresas en papel, construyendo una especie de muestrario que podría servir para interpretar la historia de la humanidad por alguna civilización o ser ajeno a este planeta. Esta estrategia es similar a la usada en proyectos anteriores como Global Records, en donde también grabó sobre arcilla fragmentos de tapas de registro de luz y alcantarillados de dos ciudades brasileñas, creando una arqueología urbana que podría ser enviada al espacio extraterrestre como evidencia de la naturaleza humana. Ambos proyectos remiten al Golden Record, un disco que en donde se registraron sonidos humanos y de la naturaleza seleccionados por la NASA, que fue enviado al espacio exterior junto con la sonda Voyager en 1977.

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ESTABLECIMIENTO COSMOS Establecimiento Cosmos es una obra que se estructura con base en un recorrido a través de Bogotá. La artista brasileña crea constelaciones urbanas, que, pretenden enlazar una serie de establecimientos que toman como nombre aquél de los planetas, las galaxias y las formaciones estelares, como Panadería Galaxia, La Cometa, Estrella Roja, Orión, entre otros. Esta nueva cartografía de la ciudad, resignifica la forma en la que puede ser leída, y, además, recorrida. Es así como la Bogotá común se convierte en desconocida, en sinónimo de un espacio misterioso que ha sido trazado nuevamente, y que por lo mismo, representa una nueva historia. El ejercicio artístico de Mayana Redin, le otorga al espectador una posibilidad de re-conocer la ciudad, razón por la cual éste puede llevar consigo el mapa que establece los distintos cosmos urbanos e indica dónde encontrarlos. Su obra queda abierta e invita a deambular sobre esta bóveda estelar ficticia, para así entender cuáles son los puntos fundamentales detrás de la construcción de cada constelación, la naturaleza del recorrido y el misterio detrás de su historia.

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Nace

Bogotá, Colombia 1971

Vive y trabaja

Bogotá, Colombia.

Obras clave

Natural Resistance, 2016 – A veinte soles de distancia, 2016 – Debajo del agua, 2015 – Llegaron ahí y nos dijeron que qué…, 2015 – Sensibilia (Instalación) , 2013.

Exposiciones recientes

Statement

Links

ALBERTO LEZACA

http://www.adrianaciudad.com/es/ http://larepublica.pe/10-06-2013/sensibilia-muestra-plastica-de-adriana-ciudad-witzel#!foto4 http://tenwordsandoneshot.com/adriana-ciudad/

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Vibraciones improbables, 2016

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Structure over structure

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304 no es 309

“La existencia es aquello a lo que no hay que prestarse. Nos ha sido dada como un premio de consolación, y no hay que creer en ella.” (J. Baudrillard) En su obra más resiente Alberto Lezaca ha venido realizado una serie de proyectos que buscan establecer un dialogo con la literatura. Esto responde a un interés por entrar en contacto con prácticas artísticas más allá de las artes visuales, es común encontrar en su trabajo referencias literarias, cinematográficas o musicales. El trabajo de escritores como Stanislaw Lem, Jorge Luis Borges, William S. Burroughs y Raymond Roussel ha servido de punto de contacto entre su práctica artística y la literatura. En el caso de “304 no es 309 “ Alberto Lezaca crea un dialogo con el cuento La trama celeste escrito por el argentino Adolfo Bioy Casares en 1948. “Este es un relato que nace de otro, o talvez es un relato simultaneo y paralelo. El capitán Morris experto piloto de guerra, realiza un viaje entre múltiples realidades paralelas. Después de un vuelo de prueba aterriza en una Buenos Aires diferente de la que partió, desorientado no entiende que su localización es incorrecta, improbable.

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Las diferencias entre la ciudad que partió y a la que ha llegado son sutiles, casi imperceptibles. Una teoría de pluralidad de mundos propuesta por Bioy Casares nos hace dudar de la certeza a la que estamos acostumbrados al enfrentar la realidad”. 304 no es 309 es una instalación que consta de una intervención arquitectónica, pintura, escultura y fotografía. Realidades simultaneas casi idénticas se desplazan unas entre otras, estos movimientos describen intersecciones imposibles. Algunos objetos se localizan en el medio de dos mundos, localización que los convierte en visitantes y residentes al mismo tiempo.

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Nace Vive y trabaja

Bohotá, Colombia 1986 Bogotá, Colombia

Obras clave

Acirema – Astros – El cosmos interior – Sobre el Trazado – On traces. Versions of drawings - Asimetrías y convergencias

Exposiciones recientes

2016 De lo espiritual en el arte. Obertura, MAMM, Medellín, Colombia (colectiva) 2016 Hacia una nueva orilla, NC-arte, Bogotá, Colombia (colectiva) 2016 Volviendo a Caza, Galería de la Oficina, Medellín, Colombia (colectiva) 2014 Stories About Place, Sicardi Gallery, Houston, USA (colectiva) 2014 El Cosmos Interior. Casas Riegner, Bogotá, Colombia. (colectiva) 2013 Transitional. Sicardi Gallery, Houston, USA. (colectiva) 2012 Acirema. Honor Fraser Gallery, Los Angeles, USA. (colectiva)

Statement

Durante los últimos años, mi producción artística se ha enfocado en el cómo las experiencias humanas pueden acercar dimensiones opuestas de la realidad, como la materialidad y la inmaterialidad, lo micro y lo macro, lo interior y lo exterior, al hacernos conscientes de que participamos y pertenecemos a un sistema orgánico e intregral, a un Cosmos. Usando estrategias simbólicas, poéticas y narrativas, busco trabajar ideas en torno al orden, la estructura, el balance y la armonía presentes tanto en los ámbitos naturales y orgánicos, como en los culturales y mentales, para así proponer un entendimiento multidimensional y dinámico de nuestros alrededores.

Links

http://www.arte-sur.org/es/artistas/cesar-gonzalez-2/ http://www.casasriegner.com/exhibition/maria-isabel-arango-cesar-gonzalez-alicia-garavito-como-entender-el-mundo/ http://www.honorfraser.com/?s=upcoming&eid http://www.nc-arte.org/huno/#gallery_5714

CÉSAR GONZÁLEZ

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ACIREMA

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The title of this exhibition, ACIREMA, is a textual literalization of Torres-Garcia’s proposition of an ‘inverted’ America. A seemingly fictitious word, ACIREMA functions as a fragmented and complex portrait of a terrain that resists simple deciphering and generalization. Organized as a series of focused localized pulses from the region, this exhibition features the work of emerging artists from Latin America born between 19801986--the first generation of practitioners to be born and come of age in post-dictatorship democracies. Informed by the contexts in which they live and work and responding to local urgencies, the work of the artists featured in this exhibition puts forth new perspectives that advocate for the creation of new languages, value economies, and mediating strategies with which to engage the work of a new generation of cultural producers working in Latin America today. A generation that actively challenges the conventional framing and contextualizing mechanisms through which their practices are often situated. Working across a wide range of media, the practices of this generation of artists exemplifies what in recent years has been called the “New Realism” of our time--drawing attention to the physical surroundings we inhabit, to our lived bodily experiences, and to local realities through their conceptual approaches and their dynamic formal and material innovation.

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ASTROS “Astros” se basa en estudios y esquemas sobre la estructura, la composición y el comportamiento de las estrellas, y sobre personajes chamánicos, seres que canalizan información y energía proveniente de otros niveles y planos. En los relatos ficticios creados por César González, lo mágico, lo sutil, lo micro y lo macro se entrelazan para dar nacimiento a unos personajes poéticos. La mística como ciencia que estudia lo desconocido también se revela en los objetos circulares como metáfora de la bóveda celeste. Los pitagóricos pensaban que el dodecaedro era la forma mística del cosmos, de ahí que varias figuras geométricas queden contenidas en esta instalación. .

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Nace

Los Angeles, Estados Unidos 1943

Vive y trabaja

Arizona, Estados Unidos.

Obras clave

Roden Crater - Meetin - Vells – Ganzfelds - Skyspaces - Skylight series - Tunnel pieces - Wedgeworks

Exposiciones recientes

2015 Israel Museum, Jerusalem, Israel “James Turrell: A Retrospective,” (solo) 2014 to January 3, 2015, National Gallery of Australia, Canberra, “James Turrell: A Retrospective,” (solo) 2013 The Pace Gallery, New York, New York, “James Turrell,” (solo)2013 Academy Art Museum, Easton, Maryland, “James Turrell Perspectives,” (solo) 2015 De Pont Museum, Tilburg, Netherlands, “Color Square: Amish Quilts and James Turrell,” (colectiva)2015 Museum of Contemporary Art Australia, Sydney, Australia “Light Show,” (colectiva)

Statement

«Mi trabajo es sobre el espacio y la luz que habita en él. Se trata de cómo se puede hacer frente a ese espacio y materializarlo. Se trata de tu visión, como el pensamiento sin palabras que proviene de mirar hacia el fuego».Estas palabras son suficientes para definir la obra de este artista californiano que ha pretendido encerrar la luz en un solo espacio, y que ha hecho de estos dos elementos los ejes de su obra. http://www.alejandradeargos.com/index.php/es/completas/32-artistas/365-james-turrell-biografia-obras-y-exposiciones http://web.guggenheim.org/exhibitions/turrell/ http://rodencrater.com/spaces/all/ http://jamesturrell.com/ http://www.allartnews.com/galeria-omr-in-mexico-city-presents-two-iconic-works-by-american-artist-james-turrell/

Links

JAMES TURRELL

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Roden crater Cráter’s eye

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South space

East portal

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Meeting

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DOUBLE STUCK

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When Turrell devised his first light works in the late 1960s and early 1970s, he broke new ground by introducing a practice, which had a decisive influence on his generation and the further development of art. Although working in the context of Minimal Art and the Light and Space Movement, he was able to affirm a singular voice, which has been defining his work until today.

https://www.youtube.com/watch?v=XEN_mkuV0sU

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Nace

Madrid, España 1982

Vive y trabaja Nómada Obras clave

Cuerpos de agua - Sombra y siembra - Curaduría urbana - Ora (bajo el cielo de la boca) - The vulture shadow

Exposiciones 2016 Desembocadura. Galería Slowtrack en Solo Show, SP Arte. recientes Brasil (solo) 2015 Fundación Newcastle. Fuente de Olmedo y Murcia / España, (solo) 2014 Ora (bajo el cielo de la boca). Galería Slowtrack de Madrid (solo) 2010 Yes, I am. Beijing Space Gallery. Pekín / China (solo) 2009 Cuando aire y nubes. Galeria Moriarty, comisariado por Borja Casani. Madrid (solo) 2016 Energía Psíquica. Slowtrack en Zona Maco. México (colectivo) 2016 El barco de Teseo. Sala Amadis. Comisariado por Nerea Ubieto. Madrid (colectivo) 2016 Energía Psíquica. Anozero Bienal de Coimbra, con Slowtrack / Portugal (colectivo) Statement

Links

Nacido en Madrid en 1982, Juan Zamora es un artista nómada. Ex futbolista, fue profesor de Arte, Arquitectura y Diseño Gráfico en Madrid y Nueva York durante seis años y, durante un año, diseñador de moda en Pekín. El artista acumula conocimientos a través de las vivencias relacionadas a sus trabajos y a sus residencias en los distintos continentes; Como un buitre que despliega sus alas y ronda pacientemente su próxima presa, un nuevo proyecto, una nueva consciencia. http://juanzamora.com/ http://masdearte.com/especiales/juan-zamora-gonzalez/ http://www.slowtracksociety.com/es/artistas/juan-zamora http://www.eltiempo.com/entretenimiento/arte-y-teatro/exposicion-hacia-una-nueva-orilla-en-nc-arte/16593695

JUAN ZAMORA

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Sombra y siembra

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Ora (Bajo el cielo de la boca). Como sabéis, en Sudáfrica se han hallado algunos de los restos más antiguos de los primeros homínidos, y, enlazando con la historia del país, Ora relacionaba el origen de nuestro lenguaje oral y el contexto donde nació a partir del estudio de los chasquidos que forman parte de las lenguas joisanas (lenguas africanas herederas de una única lengua primitiva) y los sonidos de agua encontrados en las cavernas y en los alrededores de lo que queda de los campamentos de nuestros ancestros.

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Esta es una serie que realizó durante una estadía en Boyacá, en un espacio llamado La residencia artística de los Andes. Zamora, que tiene interés en lo antiguo, exploró la manera como para nuestros ancestros, el agua era un símbolo de la divinidad. Poco a poco, el trabajo se derivó hacia un animal, la rana, y su relación con la cosmogonía indígena. “Al final resultó una suerte de patafísica con el agua, la rana, y el espacio”, dice Zamora. Al interesarse en lo antiguo, estos dibujos fueron realizados en hojas de libros y cuadernos que compró en librerías de Tunja. El papel evidencia el desgaste, el paso del tiempo, y hace de sus dibujos una especie de mito o libro científico, que hay que observar con cuidado.

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Ie-sua (renacuajo) 2016

Ie-sua II (renacuajo) 2016

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Fagua (estrella) 2016

Sie nyia (agua y oro) 2016

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TALLER CON PEDRO TORRES

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PROGRAMAS PUBLICOS: MIRADAS REMOTAS Miradas Remotas se planteó como un programa que desea establecer diálogos con el público y el espacio de NC-arte a través del uso de la tecnología y su circulación a través de las redes sociales. Su objetivo se concentra en propiciar un intercambio recíproco entre ambos actores, que permita construir masa crítica entorno a los temas referentes a las exposiciones, a través de ejercicios de creación artística. Durante dos semanas se hizo circular mediante las redes de NC-arte, vídeos que eran remitidos por parte de los visitantes, que presentaran una mirada de extrañamiento, o se acercaran a la exposición bajo la perspectiva de la expedición. Presentamos acá algunos de los resultados más interesantes.

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TALLER DE PEDAGOGIA CRITICA: “WE ARE A PLOT DEVICE” Durante los días 16 y 17 de mayo de 2016, se realizaron una serie de encuentros-taller llamados “We are a plot device”, entre un grupo de artistas, docentes e investigadores relacionados al mundo del arte y la cultura, y la artista española Regina de Miguel. Estos fueron propiciados por NC-arte, en el marco de la exposición Hacia una nueva orilla. Las sesiones de ambos días, estuvieron basadas en la obra de la artista, tanto la expuesta en NC-arte como la previamente realizada al igual que un recorrido que se llevó a cabo en la nueva sala de “La tierra como recurso” en el Museo Nacional. Con estos casos de estudio, se abordaron temáticas que giraron en torno al uso, transformación y representación del territorio, y cómo éste depende de las relaciones de poder entre los actores inmiscuidos.

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Abordamos las posibilidades y limitantes del lenguaje, y cómo el acto de nombrar objetos, sujetos y lugares, puede convertirse en una herramienta de hegemonía. Por último, analizamos las principales herramientas que utilizan museos y galerías en la construcción de verdades, que son los dispositivos museográficos. Iluminación, pedestales, bóvedas, infografías y fichas técnicas, se convierten en los principales mecanismos de validación de una información que se presenta como irrefutable, y que no permite margen de error ni de especulación. Tras haber elaborado la premisa de que “nada está simplemente dado”, y que “el conocimiento nunca viene solo”, se pudo debatir de manera crítica todos los elementos que damos por sentado en la construcción de las narrativas de nación, identidad y realidad. Partiendo de allí, se complementó con un componente práctico, que giró en torno a crear una tecnología de ficción, o pensar un artefacto propio de las novelas de ciencia ficción, que pudiera proponer una manera distinta de entender las relaciones políticas, sociales, de género, el positivismo con que se enfoca el desarrollo tecnológico, o los parámetros con los que cotidianamente definimos “bienestar”. El dispositivo de ficción debía enfocarse en estas obviedades, o elementos que tomamos por verdad en lo cotidiano, y poder jugar con ellas y sus significados. También tenía que ser bautizada con un “neologismo”, una palabra previamente inexistente, y que no solo sirviera como un elemento dinámico y de juego, sino que también permitiera mencionar al lenguaje, y el acto de nombrar las cosas como un ejercicio en el que se hace visible el contexto cultural. Con este ejercicio, se pudo abordar de manera flexible y práctica el complejo marco conceptual del que se partió. Como resultado tenemos elementos que afectan la atmósfera, o aquellos que permiten modificar nuestra relación con la realidad, procedimientos químicos que facilitan la intervención quirúrgica, o un entorno vital mediado totalmente por imágenes. Todos estos ejemplos contribuyen a dar una idea de la manera en que pensamos, de cómo hablamos sobre ello, cómo lo mostramos, y cómo se hace válido. Con ellos se procura especular acerca de cuáles pudieran ser posibles vías en las cuales, tanto museos, galerías de arte y espacios de arte contemporáneo, pueden abrir los discursos y las maneras de interpretarlos de manera democrática al público.

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ACOMPAÑAMIENTO La sesiones de acompañamientos están dirigidos a artistas docentes y profesionales, para nutrir y complementar los procesos creativos a través de espacios abiertos para el debate y el complemento sobre las distintas maneras de trabajar y enseñar el arte. En el acompañamiento realizado por Adriana Ciudad, se hizo énfasis sobre los procesos de creación y de la importancia de los referentes dentro de esta etapa, concentrándose en la trascendencia de lo personal y la deconstrucción de una idea inicial. (ampliar información). Para ver el resultado completo del acompañamiento, pueden acceder a la publicación virtual en el siguiente enlace:

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