Necromance digital magazine 46 by Necromance Magazine

En este número #46 EN PORTADA

23 DIRECTOR: David Déniz Plaza EDITOR | REDACCIÓN | MAQUETACIÓN: David Déniz Plaza REDACTORES | CRONISTAS: Álvaro Castilla Medina Álvaro García Benito Carlos Bermejo Daniel Gallar David Ibañez Gabriel Pastor Sánchez Jesús Muñoz Caballero Jesús Q.C. Jorge De La Cruz Juan Angel Martos Lluís García Sola Luis Martínez Nacho Peña Nuel González Pablo Vázquez Robin RM Rudy Pertu Santi Gzlez Tania Kymmenen

PORTADA: Stage Of Reality EMAILS CONTACTO: general: digitalmag@necromance.eu Publicidad: advert@necromance.eu DIRECCIÓN POSTAL: Necromance Digital Magazine Apdo. de correos 66 38320 La Cuesta - Tenerife (España)

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ENTREVISTAS

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HYBAN DRACO (ESP) DEATHSURRECTION (ESP) HOT WATER MUSIC (USA) CANNIBAL GRANDPA (ESP) MAGEC (ESP) FLAMES AT SUNRISE (ESP) HELA (ESP) COME BACK FROM THE DEAD (ESP) STAGE OF REALITY (ITA) LAMPR3A (ESP) SHARPTOOTH (USA) LIKE MOTHS TO FLAMES (USA)

29 PROLOGUE OF A NEW GENERATION (ITA) 30 I THE MIGHTY (USA) 33 BORN IN EXILE (ESP) OTRAS SECCIONES

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EDITORIAL Y CONTENIDO RECOPILACIÓN DIGITAL CRÍTICAS CLÁSICOS

NECROMANCE - RECOPILACIÓN DIGITAL - VOLUMEN 19

Escúchalo y descárgalo de forma gratuita en necromancerecords.bandcamp.com

TEMA 1:

TEMA 2:

STAGE OF REALITY (ITA)

MODERNTEARS’ (ITA) WASTING AWAY

TEMA 3: PROLOGUE OF A NEW GENERATION (ITA) NEVERBLOOM

S`PECTRAL DRUM DOWN “Stage Of reality” CD 2017 (Rock Avenue Records USA) Facebook: stageofreality

“TBA” CD 2018 (Antigony Records) Facebook: moderntears

“Mindtrip” CD 2017 (Antigony Records) Facebook: Prologueofanewgeneration

“Silent” CD 2017 (This Is Core Records) Facebook: weareinfall

TEMA 6:

TEMA 7:

TEMA 8:

FINGERS TO THE BONE (ITA)

MAZIKEEN (AUS)

SODOMIC BAPTISM (BLR)

BURNING IT DOWN

AUTOPHOBIA

CONCEPTION OF BEAST

“Burning it down” CD EP 2017 (Indelirium Records) Facebook: fingerstothebone

“Mazikeen” CD EP 2017 (Iron, Blood & Death Corp) Facebook: shiells666

“Black fire Pandemonium” CD 2017 (Iron, Blood & Death Corp) Facebook: SodomicBaptism

TEMA 4:

TEMA 5:

INFALL (ITA)

SCARFOLD (ITA)

BACK GOME EARLY

BELOW (FEAT. DAVID GONZÁLEZ) “Divide / Decline” CD 2017 (Indelirium Records) Facebook: scarfold

DISEÑO DE PORTADA REALIZADO POR: THE CORE INSIDE

HYBAN DRACO

A la vez que hemos realizado la reseña de su último disco “Storms of Desilution”, tenemos el placer también de poder realizar una entrevista a los chicos de HYBAN DRACO. Antes de nada, daros la enhorabuena por el trabajazo que habéis realizado y me es un placer poderos hacer una entrevista tras este nuevo proyecto. Dicho esto, ¿qué podéis contarnos de vosotros? ¿Cómo os formasteis? ¿Qué os llevo por este estilo musical? En primer lugar, gracias por la entrevista y la cobertura que dais a nuestro proyecto y a otros similares. Hyban Draco se formó miembro a miembro empezando Hyban Sparda en solitario, después entraron progresivamente Cristóbal, Miki y Àlex. Nos declinamos por este estilo ya que en nuestro pueblo natal había una muy buena banda de Black/Death Metal que nos inició en este estilo musical.

¿Cómo os habéis distribuido el trabajo a la hora de realizar este LP? Hyban se ha encargado de la producción y Àlex de la parte promocional. Musicalmente hemos colaborado todos, partiendo de ideas de Hyban.

Por lo que sé, el artwork de la portada es trabajo de César Valladares ¿Habéis comentado con él para hacer la portada? ¿Qué queréis simbolizar con la portada? Confiamos mucho en César, le pasamos las letras y el simbolismo y fue algo que acordamos juntos, es importante dejar que el artista plasme su visión y no sólo la de la banda, César entendió a la perfección la intención del disco con un significado desolador, antireligioso, triste, melancólico y fantástico.

¿Cuáles son vuestras aspiraciones tras el lanzamiento del disco? ¿Por dónde os gustaría poder girar? De momento, enseñarlo al mundo y promocionarlo. Nos encantaría girar en europa el año que viene. 10 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 46

¿Quiénes han sido vuestra inspiración a seguir para realizar este trabajo? Bueno, hace años que no nos basamos en nadie para hacer nuestra música, pero en el comienzo de la banda teníamos claras influencias de grupos de Black y Death Metal de la escuela Sueca, esas influencias siguen ahí siempre aunque sea de manera inconsciente.

¿Con qué bandas os gustaría poder tocar? Ya sean nacionales o internacionales . Bueno, no tenemos preferencias concretas, pero cualquier banda que movilice a gente interesada en el metal extremo es una gran oportunidad para promocionarnos.

¿Qué formas de venta tenéis para el disco? A través de email a nuestra web, del facebook y los puntos de venta de Darkwoods.

Pues por mi parte creo que es todo, me gustaría de nuevo agradeceros vuestro tiempo y como fan, el pedazo de curro que os habéis pegado para sacar esta joyita. Os dejo un hueco en blanco para que podáis contarnos todo lo que queráis adicional. El año que viene, en Abril, actuaremos con Demonical en una gira por España, os invitamos a los que os gusta el metal extremo a venir y conocernos mejor. Por Rudy Pertu

¿Qué temas tenéis ganas de tocar en directo? Tenemos muchas ganas (y de hecho lo estamos haciendo) de tocar Rivers of Flesh y Mortal Remains.

Vuestro tema de adelanto fue “Nowhere Lights”. ¿Qué es lo que os transmite a vosotros para ser elegido como el primero? Fue una elección de Darkwoods, nosotros no tenemos preferencias entre nuestros temas así que escuchamos su propuesta y nos pareció bien.

HYBAN DRACO STORMS OF DESOLATION Winter Demons, CD Fecha de salida: 28.03.2017

DEATHSURRECTION

DEATHSURRECTION ha vuelto y más fuerte que nunca con su Groove/Hardcore Metal, y tenemos el gusto de entrevistar a los madrileños con motivo de su nuevo EP “Corpus” para que nos cuenten todos los secretos que hay tras él. Antes de nada quiero agradecer a la banda que se tomen su tiempo en respondernos y como fan, gracias por este nuevo trabajo. Para los que aun no os conozcan ¿Quiénes sois? ¿Qué nos podéis contar de vosotros? Somos Deathsurrection, una banda de groove/hardcore metal de Madrid. Tenemos muchos objetivos, pero sobre todo nos interesa cuidar el directo, expresamos contundencia, energía, diversión y mucha interacción con el público.

¿Cómo se formo DEATHSURRECTION? ¿Cómo os conocisteis? Deathsurrection se forma en 2009 como un grupo de amigos que quieren tocar música y pasarlo bien básicamente. Esto se alarga hasta 2014 donde ya hay variaciones en la formación de la banda y lanzamos nuestro primer trabajo “embrace your fate” para dejar el hobbie a un lado y marcarnos nuevos objetivos. La idea de la banda nace de dos buenos amigos: Adrian Castro (exmiembro) y Disi (actual guitarrista). A partir de ahi por redes sociales contactan con Rafael Artimendi (bateria) y a partir de ahí con el objetivo de crecer como banda van pasando miembros hasta quedar con la formación actual, en la cual Gabriel (vocalista) aporto la voz que buscaba el grupo y Santi (bajista) lleva dos semanas en la banda jajaja pero tiene muchas ganas y en tan poco tiempo a demostrado un gran compromiso.

¿Qué bandas os influyen? Los gusto musicales son enormemente diversos, cada uno es de su padre y de su madre jaja pero creemos que eso es lo bueno, que juntamos todos nuestros gustos en una canción. Igualmente bandas como Pantera, Lamb of God, Machine Head, Lionheart, … Podría ser un poco lo que buscamos.

Tras vuestro primer EP “Embrace Your Fate” lanzado en 2015, no volvisteis a sacar nada hasta ahora ¿Por qué tanto tiempo en las sombras? Porque no hemos tenido posibilidad de sacarlo antes es decir, nosotros en nuestro día a día tenemos que trabajar y estudiar, etc ,,, Si tuviéramos el suficiente tiempo y dinero para dedicarlo exclusivamente a la música otro gallo nos cantaría jeje pero como no es así pues vamos al ritmo que podemos. También es cierto que salida de miembros de la banda ralentiza en cierto modo el ritmo del grupo pero con este nuevo trabajo vamos a movernos mas que nunca !

“Corpus” es vuestro nuevo EP, un trabajo majestuoso que seguro dará mucho de qué hablar ¿Cómo os inspirasteis para crear este nuevo trabajo? ¿Qué nos queréis transmitir con él? ¿Qué esperáis de este EP? Pues la mayoría de las ideas y la materia prima sale de nuestro batería jajaja a partir de ahí el resto vamos aportando y moldeando hasta que esa idea individual acaba siendo un resultado grupal. Con este EP queremos reﬂejar lo que somos nosotros y nuestra pasión por la música, si os ﬁjáis en el recién estrenado videoclip “taste your scars” el tema es muy heavy y duro pero sin embargo las imágenes son de nosotros pasándolo bien, imagen desenfadada, bebiendo, etc … queríamos mostrarnos tal y como somos dejando a un lado el querer aparentar ser los metaleros que mas clavos desayunan. Con este trabajo esperamos gustar y llegar al máximo numero de gente posible, tocar mucho tanto fuera como dentro de España, disfrutar del camino de la música y sobre todo compartirlo entre nosotros y con vosotros.

La portada del disco es una obra de arte que ha sido realizada por Iñigo López ¿fue idea vuestra o le disteis total libertad a la hora de realizarla? Digamos que nosotros le dimos unas ideas de lo que queríamos transmitir con la portada e Iñigo simplemente las plasmo con su toque. La verdad es que es un tío que curra de puta madre.

¿Cómo creéis que ha evolucionado la banda desde el primer EP hasta ahora? ¿Cuál es vuestra meta? La evolución mas clara que vemos nosotros es en la composición de los temas es decir, creemos que este disco está mas compensado, tiene un estilo mas personal y cada canción es especial y con una personalidad independiente del resto aunque en el mismo disco casen muy bien.

Disi además de ser guitarrista de DEATHSURRECTION también lo es de VENDETTA FM ¿Cómo se compaginan las dos bandas y no morir en el intento? Aquí Disi jajaja Pues la verdad que hoy en dia muuuuuchisimas bandas comparten músicos y siempre se puede organizar con tiempo. Al principio estaba un poco acojonado porque cada banda exige unos requisitos, pero si se quiere se puede.

Tenéis una gira por Inglaterra ¿es la primera vez que giráis fuera de España? ¿Cómo esperáis ser acogidos? ¿Para vosotros que significa salir de España? Es la primera vez que Deathsurrection se presenta fuera de España y la verdad es que tenemos unas ganas locas por salir de aquí y expandir nuestra música por el extranjero. Esperamos que venga mucha gente a los conciertos, que disfruten con nosotros y sobre todo que se acuerden y quieran repetir la experiencia. Para nosotros tocar fuera lo es todo jajaja hace 4 días como quien dice eramos un grupo que ﬂipaba si le llamaban de cualquier sala de Madrid y ahora te dicen oye queréis tocar en Reino Unido ? Pues se nos cae la baba.

Habéis compartido escenario con grandes bandas ¿con que bandas os gustaría tocar? Buah con muchísimas bandas pero yo creo que de las principales serian Lamb Of God, es una banda que signiﬁca mucho para nosotros.

Para terminar, además de vuestra gira por Inglaterra, ¿nos tenéis alguna sorpresa preparada? ¿Algún concierto que nos podáis dar en exclusiva para Necromance? Tenemos sorpresillas jeje claro que si, irán saliendo todas por las redes sociales y demás. Conciertos estamos cerrando porque queremos tocar muchísimo entonces estamos cuadrando fechas lugares y demás que cuando sepamos las iremos comunicando.

¿Os gustaría añadir algo más antes de terminar la entrevista? Simplemente daros las gracias por todo lo que hacéis por las bandas y por la música, es muy bonito que la gente gaste su tiempo en su pasión, nosotros no sabemos a que llegaremos exactamente, pero solo con hacer lo que nos mola es mas que suﬁciente.

Muchas gracias por vuestro tiempo y por esta entrevista. Esperamos veros pronto en un escenario. Muchas gracias de corazón a Necromance y no dejéis nunca vuestra labor!! Por Tania Kymmenen

DEATHSURRECTION CORPUS Autoeditado, CD EP Fecha de salida: 17.09.2017

NUM. 46 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 11

HOT WATER MUSIC

La banda de punk / rock melódico HOT WATER MUSIC están de regreso con un nuevo trabajo titulado “Light It Up”!, un trabajo donde nos siguen mostrando influencias de bandas como FUGAZI, BAD RELIGION y que gustará, sin duda alguna, a los seguidores de estas bandas. Para saber un poco más acerca de ellos, les enviamos esta entrevista que nos contestó Chris, su bajista, os mostramos a continuación . ¿Cuanto tiempo lleváis en el mundo de la música?

conclusiones de cada tema.

Han pasado ya 28 años desde que comencé a tocar el bajo.

¿Alguna razón en especial por la que se eligiera “Light it up” como título del álbum?

Cuéntanos un poco sobre los comienzos de la banda, ¿como surgió el nombre del grupo?

Poner nombre a un trabajo es tarea difícil. Normalmente comenzamos con los títulos de los temas y vemos si alguno funciona para dar nombre al álbum. Esta vez tuvimos suerte y dimos con uno que le gustó a todos.

Realmente es una historia algo aburrida; estábamos en dos bandas compartiendo integrantes y cada uno de los grupos perdió algunos componentes así que hicimos una banda de la unión de lo que quedó de las dos.Sobre el nombre, necesitábamos uno y Chris encontró este leyendo un libro.

¿Como describirías el sonido del grupo a los lectores que no os conozcan?

¿Como ha sido el proceso de composición de este trabajo? ¿qué vino primero, las letras o la música? ¿qué labor tiene cada miembro en la composición? Escribimos todo conjuntamente. Primero la música y luego las letras. No hay una fórmula deﬁnida, cada tema lleva su proceso y puede variar en cualquier momentoLo que intentamos es darle la mayor calidad a cada corte.

¿Cúal es tu tema favorito del álbum y por qué?

Lo básico y usual para nosotros: la vida. Escribimos sobre lo que vivimos y como lo hacemos.

¿Qué queréis transmitir con “Light It Up”? No somos una banda de dar mensajes, nos gusta que la gente escuche nuestra música y que se queden con lo que mas les guste, cada oyente puede sacar sus propias 12 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 46

¿Escuchas con frecuencia material antiguo de la banda? Solo cuando tenemos que preparar algún tema para conciertos. Hay mucha música fuera que no he escuchado y preﬁero descubrir bandas nuevas a escuchar lo antiguo de mi banda.

¿Cuales son las metas que tenéis como banda? No tenemos metas muy altas, nos sentimos bien con lo que somos ahora y como nos movemos; lo que queremos es mantener la salud en la banda y seguir todos juntos.

¿Y los planes de gira tras la salida del álbum? Haremos varios conciertos de ﬁn de semana y ver que podemos montar.

¿Cuales son los trabajos y bandas que has escuchado últimamente? No puedo hablar por el resto de la banda, pero yo no paro de escuchar lo último de RUN THE JEWELS.

¿Algo que añadir para terminar esta entrevista?

Rock?

Hablemos de vuestra última edición “Light It Up”, ¿De donde surgió la inspiración para realizarla?

vueltas y corregirlo.

Todavía no tengo un tema favorito; este suele venir después de tocarlos unas cuantas veces en directo, ahí el tema toma una nueva perspectiva y es cuando realmente puedo elegir uno de forma individual.

¿Cuales son, desde tu punto de vista, las mayores diferencias entre “Light it up” (2017) y “Exister”? Este último es un disco más despreciado, por así decirlo. Fue autoproducido y llegamos a un punto de no dar más

Gracias por tu tiempo y por entrevistarnos! Por David Déniz

HOT WATER MUSIC LIGHT IT UP Rise Records, CD Fecha de salida: 15.09.2017

CANNIBAL GRANDPA

A la vez que hemos realizado la reseña de su último disco “Septum Sigma Inferno”, tenemos el placer también de poder realizar una entrevista a los chicos de CANNIBAL GRANDPA para profundizar más en este nuevo trabajo de la banda. Antes de nada, daros la enhorabuena por el trabajazo que habéis realizado y me es un placer poderos hacer una entrevista tras este nuevo proyecto. Dicho esto, ¿qué podéis contarnos de vosotros? ¿Cómo os formasteis? ¿Qué os llevo por este estilo musical? Pues Cannibal Grandpa se formó en el año 2014 por básicamente 5 amigos que venían de diferentes gustos musicales pero que juntando inﬂuencias de todos han acabado coincidiendo en lo que es hoy en día la banda. Las ganas de hacer música extrema es lo que nos ha hecho crecer juntos como grupo y además como personas.

¿Cómo os habéis distribuido el trabajo a la hora de realizar este EP? Debido a las circunstancias en las que nos veíamos, decidimos que la mejor y única opción que podíamos tomar era hacerlo todo nosotros. Nuestro guitarrista Alex tomó las riendas en el papel de la producción, grabando, mezclando y componiendo el nuevo disco. Esto nos permitió estar más unidos todos a la hora de crear este trabajo, el hecho de poder tener acceso al disco en todas las etapas de la producción es algo que hace que valores más cada proceso dedicándole el tiempo que sea necesario para que quede exactamente cómo quieres.

¿El artwork de la portada es vuestra? ¿Qué significa? Como con el disco anterior, la persona que se ha encargado del diseño ha sido Carlos S-Collado. A día de hoy es nuestro diseñador de conﬁanza con el que seguimos trabajando para hacer videos, merch y demás diseños. El concepto de la portada se nos ocurrió a nosotros, pero todo el diseño ha sido idea de Carlos. La idea principal parte de representar en forma de insignia el concepto general del disco. Carlos nos diseñó un logo que resumía bastante bien esta idea y a raíz de esto se le ocurrió hacer una insignia para cada tema, ya que si profundizas en la historia del disco puedes comprobar que cada canción signiﬁca una cosa diferente que se ha representado bastante bien con estos logos.

¿Cómo fue el proceso de selección de Rik Fuentes? 14 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 46

¿Que nos puede contar él de formar parte de CANNIBAL GRANDPA? Tras la inesperada salida de Leo del grupo, lo único en lo que pensábamos era en buscar a alguien en el que poder conﬁar, alguien con la misma actitud y las mismas ganas para romper las tablas, mucho más por encima de que fuese un experto en su instrumento. Siempre hay tiempo para practicar y mejorar, pero sin actitud no vas a ningún lado. Rik: “Para mi es un honor poder estar en Cannibal Grandpa compartiendo buenos momentos desde ensayar, poder dar conciertos o grabar discos, Sobre todo con buenos compañeros y gente con talento. esos chavales! Bangbang!”

¿Cuáles son vuestras aspiraciones tras el lanzamiento del disco? ¿Por dónde os gustaría poder girar? Nuestras expectativas con este disco son las mismas que con cualquier otro que hagamos. Poder llevarlo a la máxima gente posible y poder tocarlo en todos los sitios. Con este disco y esta nueva etapa queremos centrarnos en el ámbito internacional. Esto se debe a que el estilo que nosotros tocamos tiene mucha más aﬂuencia de público en el extranjero, por lo general. Hoy en día recibimos mucho más apoyo por parte de gente desconocida del extranjero, que por la gente de nuestro propio país. Somos conscientes de que esto implica mucho trabajo, mucha inversión y mucho tiempo, pero estamos dispuestos a sacriﬁcarnos por este proyecto todo lo que podamos.

¿Quiénes han sido vuestra inspiración a seguir para realizar este trabajo? En general, no nos gusta ﬁjarnos en grupos en concreto a la hora de crear. simplemente nos ﬁjamos en los estilos dentro de la música extrema que mas nos gustan y combinarlo en un cóctel perfecto de agresividad, melodías, oscuridad y brutalidad. Algunos estilos que hemos experimentado en este disco son por ejemplo, el brutal death, el slam o el black metal. Siempre entendiendo las raíces de cada estilo, a su vez, nos gusta combinarlo elementos más actuales del hardcore. Creando algo variado, diferente y fresco.

¿Con qué bandas os gustaría poder tocar? Ya sean nacionales o internacionales. Nos gustaría con cualquier artista que nos guste, da igual el genero musical o el país. Varios ejemplos pueden ser: Wormed, Stained Blood o Thirteen Bled Promises son bandas dentro del panorama nacional que siempre nos gustaron y nunca hemos coincidido con ellos. En el panorama internacional bandas como the black daliah murder, lorna shore o within destruction, por ejemplo… jajaja.

Imaginamos que estáis preparando una gira asombrosa, ¿Nos tenéis preparados alguna sorpresa? ¿Algo que podáis contarnos? Sin duda, hay una gira bastante extensa por todo el territorio tanto nacional como europeo, terminando de gestarse, pretendemos llegar a la máxima gente posible por lo que intentaremos tener muchas fechas en todas las ciudades que nos pidan y que tengamos pendiente ir.

¿Qué formas de venta tenéis para el disco? De momento, el disco se puede comprar en todas las plataformas de venta digital, como Spotify, iTunes o Amazon. La distribución física correrá a cargo de Nakerband en España y Chugcore en estados unidos. Aparte, en nuestros conciertos, tenemos CDs y merch para todo aquel que quiera ahorrarse los gastos de envío jajaja.

Pues por mi parte creo que es todo, me gustaría de nuevo agradeceros vuestro tiempo y como fan, el pedazo de curro que os habéis pegado para sacar esta joyita. Os dejo un hueco en blanco para que podáis contarnos todo lo que queráis adicional. Lo primero, darte las gracias a ti Rudy como a la revista por cedernos este espacio y conﬁar en lo que hacemos. Se agradece mucho este tipo de apoyo. Decir a la gente que nos apoya que sin ellos no somos nada, se lo debemos todo! Un abrazo a todos y nos vemos por los escenarios! Por Rudy Pertu

CANNIBAL GRANDPA SEPTUM SIGNA INFERNO Autoeditado, CD Fecha de salida: 15.09.2017

MAGEC

El grupo canario MAGEC nos presenta su debut, “Departure Island”, donde el stoner y el doom se entremezclan con el sludge metal para traernos un trabajo muy personal. Desde Necromance Digital Magazine, nos pusimos en contacto con ellos para profundizar en su nuevo trabajo y conocer un poco más a fondo a la banda. Antes de comenzar, felicitaros por vuestro debut, donde el stoner/doom queda más que presente ¿Cómo presentaríais MAGEC, para los que aún no os conozcan? ¿Quiénes lo forman?, ¿Y que encierra vuestro nombre? Muchas gracias de antemano! Magec nació en una aventura para desarrollarnos como músicos, todo empezó con la unión de los guitarras Santiago y Luis, buscando lo que queríamos transmitir y volviendo loco a nuestro gran batería Jonathan. A mitad de proceso de experimentar a ver hacía donde se dirigían nuestro destino nos reunimos con nuestro bajista Manuel, un experimentado músico que no dudó en atreverse con nosotros. Por último la voz cantante de Néstor fue la grata sorpresa para nosotros, terminando de cerrar el estilo y nuestro íntimo círculo como banda. Magec era el nombre que nuestros aborígenes le daban al “Sol”, queremos darle una personalidad propia a la banda y autóctona.

“Departure Island” es vuestro debut, del que me han llegado rumores que es un álbum conceptual, ¿Qué hay de cierto en ello?, y si es así ¿Cuál es el mensaje que encierra? Departure Island efectivamente es un álbum conceptual, nuestro videoclip debut trata de explicar lo que queremos transmitir con este trabajo. El disco habla sobre un individuo que aparece en una isla, que se siente atrapado y limitado por ello. Trata de todas las formas posibles de salir de ahí hasta el punto de no ser lógico en sus actuaciones, consiguiendo el delirio y la impotencia que signiﬁca estar atrapado en la isla. Este individuo al ﬁnal su recorrido entiende que no puede salir de ahí y lo acepta tal y como es su realidad. Departure Island es una metáfora sobre estar encerrado en nuestra propia cabeza como personas, quisimos poner el ejemplo de nuestra isla para dejar claro que ésta no es ninguna limitación. El límite lo marca uno mismo.

Vuestro artwork nos da algunas pistas de lo que podremos encontrar en el interior, con esas texturas en sepia y una persona que camina sobre las aguas reflejada en un espejo ¿Quién lo ha realizado y que es lo que habéis querido transmitir con él?

La portada fue realizada por “Proceso Negro Art Studio” y el artwork por Unai Yécora, dos magníﬁcos diseñadores que consiguieron al pie de la letra representar el concepto de nuestro primer trabajo.

Vuestro sonido es muy denso y definido, ¿Dónde lo habéis grabado? ¿Cómo ha sido el proceso de grabación?, imagino que en las Islas Canarias la oferta no es muy grande.

para los grupos? ¿tenéis cerradas algunas fechas para que nuestros lectores puedan conocerlas? Salimos a la luz en el mejor momento del panorama musical en nuestra isla, aquí ahora mismo es evento musical uno detrás del otro, además de la buena calidad por parte de las bandas canarias. Nuestro próximo concierto ya pactado será el 14 de octubre junto a las grandes bandas “Disoomnia” y “Muert” en el espacio cultural Aguere. Tenemos proyectos muy grandes a corto plazo, pero preferimos dejar que sucedan y no adelantar nada.

No sé si seréis de tradición antigua y seguís comprando cd o estáis sujetos a la era digital. ¿Cuáles son los últimos cd físicos que habéis comprado? Podríais decirnos 3 grupos nacionales/internacionales a descubrir o que queráis recomendarnos.

Tenemos la suerte de que todos nosotros tenemos estudios en el ámbito del sonido. Efectivamente la oferta en la isla no es muy amplia, pero como decíamos en la metáfora del álbum, las limitaciones nos la ponemos nosotros, así que decidimos editarlo nosotros mismos. Por falta de equipo grabamos las baterías en el estudio de David Correa, a partir de ahí todo lo continuamos en nuestro estudio. Esta editado, masterizado y producido por nuestro guitarra Luis De Sousa con ayuda del conocimiento colectivo que tenemos entre nosotros y de un par de grandiosos músicos y productores que estan en nuestros agradecimientos.

La verdad es que todos seguimos comprando CDs, al ﬁnal es la sensación de tener algo palpable de la música, por eso nos hemos currado mucho el trabajo físico de Departure Island. Curiosamente todos nosotros tenemos gustos muy diferentes a la hora de escuchar música, nos unió nuestro estilo que esperamos desarrollar mucho más en el futuro, así que nos es imposible decir solo tres bandas que nos hayan inﬂuenciado en este camino.

Vuestro álbum es muy compacto, como si los temas pudieran ir engarzados uno detrás de otros y de los que sin duda me quedaría con “The Flame Inside Us” y “The Limit”. ¿Cuál ha sido el más complicado de realizar? ¿Qué podéis hablarnos sobre las letras de estos temas?

Gracias a ustedes por darnos la oportunidad de esta entrevista, nos vemos en los escenarios!

Muchas gracias por atendernos y os dejo las últimas palabras a vosotros, un placer haber podido hablar con vosotros desde Necromance Digital Magazine:

Por Juan Angel Martos

Más que el tema más complicado de grabar, fue tener que decidir quedarnos con esos y descartar otros. Quisimos exactamente eso, un trabajo compacto y que no sobre ninguna canción. Las letras explican al pie de la letra el concepto del álbum. Néstor, nuestra voz, se pegó un trabajo impresionante para darle una historia muy trabajada y explicada paso por paso.

Ahora imagino que toca presentarlo en directo aunque imagino que salir de las islas es complicado, a pesar de la cantidad de grupos que hay en ellas como BLINDED FOR LIES, SEMPER, HYBRIS, STRIVOR o THE HOLE, por mencionar algunas ¿Cómo es el hándicap de vivir en las Islas Canarias

MAGEC DEPARTURE ISLAND 3DB Records, CD EP Fecha de salida: 23.09.2017

NUM. 46 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 15

FLAMES AT SUNRISE

Desde Necromance hemos tenido la oportunidad de poder entrevistar a FLAMES AT SUNRISE y no lo hemos dudado ni un segundo. Encantado chicos, y gracias por dedicarnos un poco de vuestro tiempo para esta entrevista. Para los que no os conozcan, ¿Quiénes sois? ¿Qué podéis contarnos de vosotros? ¿Cómo se formó FLAMES AT SUNRISE? Nosotros también estamos encantados de participar en esta entrevista con vosotros. Bueno, pues nosotros somos Eve, Jordi, Jose, Eric y Al. ¿Sobre nosotros? Pues resulta que, como una bonita coincidencia, nos hemos juntado 5 personas entusiasmadas con la música en todas sus vertientes, por eso disfrutamos tanto creando temas tan diversos. Flames At Sunrise se formó como la solución a muchos problemas. Es básicamente la respuesta a muchas de las inquietudes creativas que nos acompañan día a día y sobre todo, es una familia.

Vuestro estilo es muy particular, mezclando muchos géneros diferentes pero ¿Cómo describirías vosotros vuestra música? ¿Qué os llevo por este camino? Sinceramente, con la música que hacemos, hemos aprendido a no creer en las etiquetas. Nuestra música tiene que transmitir un mensaje que no queremos que sea encasillado en los prejuicios que pueda dar cualquier género. De hecho, es una ideología que cada vez podemos observar en más bandas. Los tiempos cambian haha. Lo que nos llevó por este camino, sin duda, son las tan diversas influencias que tenemos cada miembro del grupo y la necesidad de encontrar una forma de expresar algo evitando los tópicos musicales.

¿Cómo os repartís el trabajo a la hora de componer? Habitualmente consiste en que alguno de nosotros llega con una frase, un riff o una idea muy clara y luego, entre todos, desarrollamos estas ideas intentando aportar lo máximo que podamos cada uno. No creemos que los temas deban ser compuestos unilateralmente, creemos que la visión y la colaboración por parte de todos aporta una diversidad muy interesante.

¿Cuál es vuestra visión acerca de la música? ¿qué metas tenéis como banda? 16 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 46

Procuramos mantener una visión optimista del mundo musical. Es algo muy complicado, pero consideramos que este “mundillo” nos ha dado muchas cosas buenas. Además, ahora mismo podemos observar una gran cantidad de bandas que están sacando trabajos de una calidad excelente y que trabajan muchísimo por seguir adelante. Esperamos que algún día todo éste trabajo tenga una visibilidad muy superior y poder sentirnos orgullosos. Como banda, supongo que tenemos la de cualquiera que esté en este mundo: pode vivir de ello y llevar nuestro mensaje lo más lejos que podamos.

¿Cuáles son vuestras inspiraciones a la hora de componer? ¿Qué bandas son las que os inspiran? Pues, no sabríamos decirlo, realmente. Son muchísimas bandas de muchos estilos distintos e incluso nos han llegado a decir que nos parecemos a bandas que no hemos escuchado jamás o a estilos que prácticamente no escuchamos y, además, tienen razón. Creemos que la clave está ahí, buscar tu propio lenguaje para expresar un mensaje que llegue a todo el mundo.

¿Cómo ha sido la respuesta de la prensa hasta el momento por vuestro último disco, “Born in Embers”? Pues, de momento, estamos recibiendo un apoyo considerable, aunque claro, nos gustaría poder llegar a todavía más gente, sobre todo a nivel mundial. La opinión de la prensa está siendo fantástica y la reacción muy favorable, así que estamos contentos.

dicado tanto tiempo y esfuerzo que es nuestro pequeño. Y procuraremos seguir logrando cosas mucho mayores.

¿Con qué bandas os gustaría tocar? Ya sean internacionales o nacionales. Cada uno de nosotros te diría una distinta, pero entre ellas seguro que estarían: Alcest, Leprous, In Flames, Trivium… a nivel nacional nos encantaría tocar con los chic@s de Ankor. Y nos gustaría hacer miles de escenarios con otras miles de bandas y conocer a gente que esté tan entusiasmada con el mundo de la música como nosotros.

Y hablando de directos…¿Qué tema tenéis más ganas de tocar en directo? Sin duda… Dolmen. Es nuestro tema favorito.

Pues yo me despido ya, no sin antes deciros que vuestro trabajo ha sido impresionante. Os dejo un espacio en blanco por si queréis añadir algo más para todos los lectores. Para todos los que leáis esto, muchas gracias por estar ahí. Os invitamos a que echéis un oído a “Born In Embers” y esperamos que los disfrutéis tanto como nosotros. Y si queréis, podéis seguirnos por facebook, twitter, Instagram y Spotify. Por Rudy Pertu

¿Cuál ha sido vuestro mayor obstáculo como banda? ¿Y vuestro mayor logro? Nuestro mayor obstáculo, sin duda, el tiempo. Mantener una banda a estas alturas, trabajando todos en cosas muy diversas y con horarios muy distintos nos hace tener que luchar semana a semana por dedicarle unas cuantas horas a nuestro sueño, privados de todo descanso. Y nuestro mayor logro, este disco. Le hemos de-

FLAMES AT SUNRISE BORN IN EMBERS Autoeditado, CD Fecha de salida: 17.09.2017

HELA

Tenemos el gusto de hablar con la banda alicantina HELA con motivo de su nuevo disco “Death May Die”, un disco oscuro y denso que nos aporta unas mezclas que solo hacen intensificar las cualidades positivas. Bienvenidos a Necromance Digital Magazine, antes de comenzar la entrevista daros las gracias por vuestro tiempo en contestar a estas preguntas. Para los que aún no tengan el gusto de conoceros ¿Quién es HELA? ¿Quiénes lo forman? ¿Cómo nació la banda? ¡Hola! Gracias a vosotros por realizar esta entrevista. Hela somos una banda de doom metal aﬁncada en la provincia de Alicante. En 2,012, el grupo que compartíamos Julián Velasco (guitarras), Tano Giménez (bajo) y yo (Miguel Fernández, batería), estaba a punto de disolverse, tras la marcha de dos de sus miembros, así que decidimos continuar juntos. Buscamos una nueva persona encargada de las voces (Isabel Sierras) y endurecimos y oscurecimos un poco el estilo, ya que estábamos algo cansados del stoner al uso que practicábamos en aquel momento y así nació Hela. Isa se marchó en el 2,015 y buscamos otra vocalista. Entró a la banda Mireia Porto, que además de encargarse de las voces, también se encarga de las guitarras junto a Julián.

Vuestro sonido tiene mezcla entre Doom Metal con Rock Alternativo pero a su vez tiene influencia entre Stoner y psicodelia ¿Cómo definiríais vosotros vuestro sonido? ¿Qué bandas os influencian? Quizá, de los estilos que mencionas, el nexo de unión es el doom metal, porque los otros estilos pueden darse más bien en un trabajo u otro. Me explico; en “Broken Cross”, nuestro primer trabajo, sí había cabida para el stoner y la psicodelia, cosa que no pasó en el split que sacamos junto a Lodo, que era puramente doom, incluso con alguna influencia del funeral doom. El rock alternativo ha venido con la incorporación de Mireia y es algo que se ha notado en “Death may die”, tanto en guitarras como sobre todo en las voces. Pero como digo, incluso en este último trabajo, nuestro camino a seguir siempre fue el doom. Incluso el de carácter más “nordico” por decirlo de alguna manera, el más metálico, oscuro y melancólico, o incluso el doom más tradicional, por encima del doom de tendencias stoner o sludge, quizá tan de moda últimamente. Decir bandas es algo difícil, sobre todo si hablamos en 18 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 46

relación a este último trabajo. Cada uno tiene sus influencias directas e indirectas. Por ejemplo, como hemos mencionado, Mireia tiene muchas influencias del rock alternativo de los 90, del movimiento riot grrrl y del grunge, aunque también es una persona muy abierta y escucha muchos tipos de música. Lo mismo con Tano, quién quizá es el que menos metal escuche, ya que si subes a su coche es probable que lleve puesto jazz o algún tipo de música muy ecléctico. Julián y yo también somos muy abiertos musicalmente, pero según el proyecto en el que estemos tocando, nos tira más un estilo u otro y para Hela ahora mismo es el metal. Cuando estuvimos componiendo los temas de este nuevo disco, surgieron nombres de bandas para referirnos a ciertas partes de canciones y aunque no tengan que ser una influencia directa, algunas de esas bandas podían ser Katatonia de su época intermedia, My Dying Bride, Yob, Massive Attack, PJ Harvey, Alice in Chains, Celtic Frost/Triptykon…entre muchas, muchísimas otras…pero al final todas esas influencias y bandas las pasamos por nuestro propio filtro y manera de hacer las cosas, para acabar intentando sonar a nosotros mismos, que al fin y al cabo es de lo que se trata.

Enhorabuena por vuestro nuevo trabajo “Death May Die”, para mi uno de los mejores discos de Doom del año ¿qué nos podéis decir sobre este nuevo disco? ¿En qué os habéis inspirado a la hora de realizarlo? ¿Qué esperáis de el? Muchas gracias por lo que dices, es un halago que alguien valore así nuestro trabajo. Además, hay mucho tiempo y esfuerzo invertido en él. Musicalmente, buscamos premeditadamente endurecer el sonido, hacerlo más metal, tanto en ejecución y composición como en sonido. Es algo que teníamos en mente casi desde el principio con este álbum. Además queríamos hacer algo oscuro, no solo en lo musical, si no también en el apartado letrístico. Buscamos hacer un disco conceptual, con una temática, a priori típica, como podía ser el tema demoníaco o de brujería, pero intentando darle un toque metafórico con algo real que quisiéramos contar. Dándole una vuelta de tuerca a esos temas, e influenciados por películas como “La Profecía” para la idea principal, llegamos a la

idea de la niña que nace del vientre de un monstruo y acaba sobreviviendo y vengándose de las atrocidades a las que se ve sometida a lo largo de su vida. Al final, todo ese “disfraz” demoníaco que envuelve a las letras y toda esa oscuridad musical viene de contar cosas jodidas, de buscar inspiración en lo jodido que el ser humano puede llegar a ser con sus semejantes. Y en este caso es obvio que fuimos hacia temas marcadamente feministas, por las situaciones que vive la protagonista de nuestra historia a lo largo de las letras. Con las situaciones que vamos contando, lógicamente el lado musical tenía que ser oscuro y con desarrollos que pudieran mostrar contrastes entre distintas “situaciones” de la historia que contamos. Esperar, esperamos lo mismo que cualquier banda, que a la gente le guste tanto como a nosotros; y, sobre todo, que la gente entienda nuestra propuesta, que desde nuestro punto de vista, tiene algo de frescura y originalidad, dentro de un estilo o estilos, pocos dados a innovar y a repetir fórmulas ya vistas o del pasado.

Desde el lanzamiento de vuestro primer álbum “Broken Cross” han pasado 4 años ¿Por qué tanto tiempo en la oscuridad? ¿Qué diferencia tiene el anterior disco con este nuevo? Tanto tiempo de oscuridad vino por dos motivos principales. El primero, la marcha de Isa. Eso nos dejó parados un tiempo. Acabábamos de sacar el split y fue algo que no esperábamos. Aunque reaccionamos rápido para la búsqueda de un reemplazo, esas cosas nunca son rápidas, porque quien entre tiene que aprender todo lo anterior y adaptarse a la banda. Mireia nos dijo que sí desde el principio, pero, ocurrió lo segundo que motivó el tiempo de oscuridad: tuvimos problemas con los locales de ensayo. Nos vimos obligados a estar varios meses sin ensayar con continuidad por diversos problemas que

tenía el dueño del local donde ensayábamos. Finalmente, encontramos un nuevo local y Mireia pudo ponerse al día y pudimos hacer los conciertos que nos quedaron pendientes, así como ya empezar a componer el segundo LP. Aunque dicho así pueda parecer mucho tiempo de un disco a otro, entre medias hubo un split, conciertos, todos los problemas mencionados y un proceso de adaptación de la nueva vocalista/guitarrista a la banda. Todo eso ensayando una única vez a la semana en el mejor de los casos, porque no tenemos tiempo para mucho más y nos cuesta mucho coincidir a todos juntos. La realidad es que difícilmente podíamos ir más rápido. Creo que la mayor diferencia entre un disco y otro, viene hasta motivada un poco por todo lo vivido. Estábamos más cabreados a la hora de componer y queríamos dejar de lado la influencia stoner rock (aunque la hay todavía); queríamos hacer algo más metal, con un sonido más definido y con la inclusión de Mireia en la segunda guitarra era algo que podíamos hacer. Además, su amplio registro vocal nos daba mayor versatilidad para componer tanto partes muy calmadas como partes mucho más duras y eso ampliaba mucho el espectro musical, haciendo que el disco también sea más variado que el anterior. A nivel musical, es un disco mucho más variado y dinámico y a nivel de producción suena mucho mejor, más definido, sin perder el sonido pesado y potente que veníamos practicando.

Si tuvierais que elegir algunos temas ¿Cuáles erigiríais? ¿Por qué? Hablando de “Death May Die” y sin poder opinar en nombre de todos…creo que “Touched by Evil” y “Dark Passenger”. Cuando estamos ensayando y hablamos de set list para directo, éstas dos son inamovibles de cara al futuro, junto a “Horns of God” del anterior “Broken Cross”. En ambos casos son dos canciones muy dinámicas. Creo que la estructura de ambas fluye de una manera muy natural a pesar de ser dos temas largos. En el caso de “Touched…” estoy especialmente orgulloso de la composición, y me gustan los ritmos de batería que tiene y las atmósferas que crean las guitarras; y sobre todo algunas partes de la voz, que son especialmente épicas y creo que van a llamar la atención de muchísima gente. En cuanto a “Dark…” la estructura del tema también fluye de manera genial en mi opinión, siendo muy progresiva y el final de la canción es aplastante y apoteósico. Y de nuevo las voces demuestran la versatilidad de Mireia, cambiando de registro con una gran facilidad. Además, en ambas canciones aprovechamos muy bien el que haya dos guitarras, habiendo multitud de arreglos en la mayoría de partes de cada canción. En ambos casos además, las letras tratan temas muy duros.

¿Qué nos podéis contar de las letras de las canciones? ¿Cuál ha sido la más complicada a la hora de componer? Como comentaba anteriormente, es una historia conceptual. Se podría resumir en una historia de sufrimiento y venganza en un entorno oscuro, pero como decía, está todo muy ligado a la realidad, con todo el lado feminista al que hacía referencia. Incluso para mí, mantiene el espíritu anarquista, anti religioso y un poco apocalíptico que ya teníamos en anteriores trabajos. En muchos casos hablan, en tono metafórico de cosas muy duras. Por ejemplo, las canciones que nombraba anteriormente, “Touched by Evil” y “Dark Passenger” hablan, respectivamente, de la pederestia en la iglesia y la violación. “Repulsion” habla de las consecuencias en la persona que ha sufrido esos abusos. Algunas de las letras están inspiradas en películas tales como “Rosemary´s Baby” o la propia “Repulsion” de Polanski (aunque sea contradictorio teniendo el director polaco cargos por abusos a menores), “Alien” (tanto el xenomorfo como Ash, el androide, agreden a los tripulantes de la nave con una deliberada carga sexual en sus acciones, sin contar con los excepcionales diseños de H.R. Giger, de marcadísimo carácter sexual) sirvió de punto de partida para “Dark Passenger” aunque luego derivara en la mencionada “La semilla del diablo”, o “The Witch” que sirvió en parte de inspiración para “Bodies in Hell”. Todo siempre desde el punto de vista y la interpretación que Mireia quiso darle, o incluso en menor medida yo mismo, ya que también escribí estrofas para un par de letras.

Creo que lo más complicado no es el escribir una letra en sí, sino encajarla con la melodía vocal compuesta para cada canción. Además, al ser un disco conceptual, es difícil hacerlo sin llegar a ser repetitivo o salirte de la historia que quieres contar y mantener una coherencia dentro de la misma. Desde mi punto de vista creo que eso fue lo más complicado.

¿Cómo es vuestro proceso creativo? ¿Cómo os organizáis a la hora de componer? Antes de entrar Mireia, Julián solía traer algún riff hecho de casa, o incluso una canción casi completa y luego entre todos íbamos cerrando dicha canción. El proceso para “Death May Die” fue parecido al principio. Había ya algunos riffs escritos para dos o tres temas, pero posteriormente las canciones, al menos la base, las cerrábamos en el local. Otros temas nacían de riffs que tenía Mireia. Ha sido un disco que en su mayoría se ha hecho en el local entre todos, si bien es cierto, que ya grabando las demos cada uno hizo su parte a su manera y es donde acabamos de cerrar los temas realmente. De componer las voces se encargó Mireia, que ya con las demos hechas las fue haciendo en casa y adaptando las letras conforme iba escribiendo, a la melodía que había hecho para las demos.

Imagino que estéis preparando gira ¿alguna fecha que nos podáis contar? ¿Os gustaría girar fuera de España? ¿Con que bandas os gustaría compartir escenario? En efecto, la idea es preparar una gira, si bien es cierto que debemos hacerlo con más ahínco. Tenemos unas fechas ya cerradas, la más cercana el próximo 16 de Diciembre en Valencia. Posteriormente y de cara a 2,018, tenemos un par de festivales, como son el Nebula Fest, también en la provincia de Valencia y el Cosmic Fest en Vitoria. Estamos pendiente de algunas fechas más y por supuesto abiertos a cualquier bolo interesante que nos puedan ofrecer y cuadre con nuestro calendario. Así que, promotores y salas, no dudéis en contactar con nosotros. Y por supuesto, aunque nos hace ilusión tocar por toda la península, el objetivo principal es salir a Europa, que es donde más repercusión tiene la banda realmente. Si todo va bien, es algo que tarde o temprano va a ocurrir. Desde luego, hay bandas con las que siempre puede haber una ilusión especial por compartir escenario. Cada uno en la banda tendrá las suyas…a saber…imagino que bandas como Neurosis, Melvins, My Dying Bride…no sé…habría muchísimas. Igualmente bandas de aquí, bandas amigas con las que no hemos podido coincidir todavía porque no se han dado las circunstancias idóneas. Sin embargo, a ﬁn de cuentas lo importante es tocar en directo, da igual el estilo del resto de bandas, a ﬁn de cuentas lo importante es tener un buen trato entre los músicos y disfrutar de la experiencia.

Hablemos de la forma de adquirir vuestro disco ¿Qué formatos de venta tenéis? En cuanto salga a la venta el 21 de Octubre lo tendremos disponible tanto en vinilo como en cd digipack a través de nuestro bandcamp: https://hela.bandcamp.com/. De momento esa sería la única manera de conseguirlo directamente de manos de la banda. Igualmente, a través de las discográﬁcas se podrá conseguir y por supuesto en nuestras actuaciones en directo, ya que llevaremos merch con nosotros, salvo que se agote. Y decimos esto porque los preorders están funcionando muy bien, ya día de hoy parece que la venta de discos va a funcionar bastante bien, así que aconsejamos a quien quiera conseguir el disco que no se duerma y contacte con nosotros si no se quiere quedar sin su copia.

¿Os gustaría añadir algo más para nuestros lectores? Esto ha sido todo por mi parte, un placer poder entrevistaros desde Necromance Digital Magazine, muchas gracias. Agradeceros la entrevista y decir a todo el mundo que quiera estar en contacto con nosotros o saber algo a través de la banda, que nos siga a través de nuestro facebook https://www.facebook.com/Helaband/, que es lo que más solemos actualizar. Muchas gracias a todos, esperamos que os guste el disco y vernos pronto en nuestros conciertos. Por Tania Kymmenen

HELA DEATH MAY DIE Discos Macarras, Música Hibrida, Cosmic tentacles, CD Fecha de salida: 21.10.2017

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COME BACK FROM THE DEAD

Tres años han pasado desde la salida de su debut “The Coffin Earth´s Entrails” y aquí tenemos de nuevo a los COME BACK FROM THE DEAD con un nuevo EP bajo el brazo titulado “Caro Data Vermibus”, donde vuelven a destrozarnos con su excelente y pesado death metal… era la ocasión perfecta para que Luis Martínez los entrevistara de nuevo… Hola chavales! Como va todo por La Coruña? Mientras contestáis esta entrevista, va a sonar algo de música para hacerla más amena? Los que van a morir os saludan siempre escuchando música NECROMANCERS!!!!!!, por supuesto, en estos momentos sonando Sepulcher jodidamente a todo volumen para resucitar esta podrida ciudad, Santiago!!!!

Bueno, seguro que alguno de nuestros lectores poco saben de COME BACK FROM THE DEAD, podrías presentarnos a los miembros que forman la banda y vuestro bagaje musical? La banda se formó allá por el 2008 como un proyecto de estudio entre Héctor y Marcos pero después de unos años arrastrándose, la banda resurgió como tal con la incorporación de cada uno de nosotros. Actualmente CBFTD lo componemos Héctor (Guitarra), Marcos (Batería), Miguel (Guitarra), Iago (Bajo), Paul, quien está respondiendo y con la mención especial a Fernando Mejuto como productor y técnico de estudio de la banda tras “La Cortina Roja”. En el pasado, Chinín ha tocado el bajo. Hasta la fecha hemos grabado una “demo” con 2 canciones que solo hemos distribuido para dar a conocer a la banda entre un buen número de sellos. No se ha editado ya que la intención era encontrar algún sello que nos apoyase en la edición de lo sería nuestro primer larga duración, “The Cofﬁn Earth´s Entrails” editado por Black Seed Productions en LP/CD. Recientemente hemos editado “Caro Data Vermibus” y actualmente nos encontramos preparando más carne para los gusanos de nuestro segundo larga duración, del que por ahora podemos adelantar que es una lápida sin nombre en busca de un sello para su edición en vinilo y todo lo que conlleva.

Tras hablar un poco de quienes sois, una pregunta relacionada con vuestros inicios, qué os llevó a formar esta banda? Qué tuvisteis en cuenta a la hora de tomar esta dirección musical? Y Por qué? Todos procedemos de la misma cripta musical, en la que no podemos dejar los huesos ni las tripas de casi ningún estilo. Satán nos cría y nosotros nos hemos juntado, por amistad y con la misma voracidad que en nuestra juventud para hacer algo tan decrépitamente placentero como es Come Back from the Dead. Con los años nos

hemos ido embruteciendo y pudriéndonos en la misma ciudad y qué mejor que el viejo metal muerte para descomponernos lentamente?

Una demo en 2013 y un larga duración un año después. Qué tal funcionó esa primera grabación? Que diferencias apreciáis entre esta y el primer álbum “The Cofﬁn Earth´s Entrails”? La primera grabación aún está dando mordiscos allá por donde quiera que sea escuchada y sigue sirviendo como presentación de la banda. Con la nueva grabación hemos seguido la misma línea musical, quizás más empastados entre nosotros y con más intensidad y crudeza en el sonido. Como siempre serán los oídos del lector quienes juzguen: horca o guillotina. Ninguna de las dos opciones es buena, el resultado ﬁnal es la muerte.

Continuando un poco con ese primer larga duración, fue editado por “Black Seed Productions”. Qué tal fue el funcionamiento de ventas y reseñas de este primer álbum? Todavía estáis orgullosos de él? Qué temas todavía os ponen la piel de gallina a la hora de tocarlos tras todo este tiempo? Sobre Black Seed Productions… y sobre el primer disco, por supuesto que nos sigue poniendo la carne agarrotada durante el rigor mortis que supone tocar cada uno de los temas. Siempre queda la sensación de haberlo podido hacer todo mejor, eso es inevitable. Lo interesante es seguir descomponiéndonos en la búsqueda de lo que realmente queremos. Personalmente disfruto con “Apocaliptic Great Panic”, “Horror Bathory”, “Psychosymphony of Bites”, “Better Morbid than Slaves” o “In the Vault of Horror” y ya he nombrado los temas de medio disco. La cuestión es que a medida que vamos haciendo más temas intentamos hacer una selección para directo lo más desequilibrada posible.

Tras este álbum, supongo que la promoción del grupo tuvo que ir en un grado superior. Habéis notado un aumento en reacciones hacia la banda? Se ha visto esto reﬂejado en un mayor número de actuaciones en directo? La verdad es que estamos muy satisfechos con el esfuerzo y sobre todo por el tiempo que le están dedicando los

sellos a la promoción y distribución del disco. Transcending Obscurity se está encargando de la edición en Cd y de la edición digital. Mono Canibal Records y Abstract Emotions han hecho lo mismo con la edición en vinilo. Nos siguen llegando un montón de reseñas y la verdad es que muy buenas críticas y motiva muchísimo, sobre todo porque parece que a la horda se les ha hecho corta la duración de los 4 temas que conforman “Caro Data Vermibus” y quieren más…

Tras tres años, nos ofrecéis este año un corto EP “Caro Data Vermibus”. Solamente son cuatro temas, no preferiríais editar un segundo álbum completo? O realmente registrar nuevas composiciones es una tarea complicada para CBFTD? No tenemos prisa en morir, preferimos morir lentamente. “Caro Data Vermibus” es una total declaración de intenciones de la banda. La idea desde un principio siempre ha sido editar un vinilo 10”. “Vomits of a Demonic Infestation”, “Caro Data Vermibus”, “Endless Bloodshed” y “The Carnivorous Craving from Beyond” son los 4 temas que componen este EP y que juntos suman más de 16 minutos. Como hemos mencionado, la intención era editar un 10” a 45 rpm para así intentar sacar la máxima eficiencia, potencia y dinamismo al formato vinilo 10”. 8 minutos por cada cara nos daba dicha posibilidad. Queríamos apostar por una masterización diferente a la de “The Coffin Earth´s Entrails” y hemos apostado por Masters of Audio y podemos afirmar que han conseguido a la perfección lo que estábamos buscando. Con todo esto creo que cada vez estamos más cerca de encontrar el sonido que buscamos. En cuanto a las composiciones, estamos en plena supuración de nuevos temas para el segundo larga duración. Nos marcamos objetivos, nunca tiempos, luchar contra el reloj no es muy aconsejable cuando lo que haces lo quieres disfrutar. Aún así tenemos ya 5 temas en la recámara y unas cuantas ideas sin rostro. Las composiciones van saliendo aún sin crucificarnos mucho por ensayar. La parte lírica del nuevo disco está ya desarrollada. De hecho, últimamente salen más temas que ensayos por culpa de ese otro puto hobby que nos roba tanto tiempo llamado trabajo.

Tras escuchar este nuevo EP, he notado una inﬂuencia del Death Metal sueco de principios de los 90, de nuevo,… tanto en estructuras, sonido o solos de guitarra… Queréis rendir con vuestra música algún tipo de tributo a la escena de ese país o es algo que sale inconscientemente debido a vuestras inﬂuencias? El swedish old school death metal es un estilo muy apreNUM. 46 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 21

ciado por todos nosotros pero no solo nos alimentamos de este género, bandas americanas como Autopsy, Repulsion, Death, Terrorizer o Possesed también nos inﬂuyen bastante y el death metal en general independientemente de la nacionalidad de su cementerio, así como cualquier estilo rock en todas sus variantes. La nueva carnicería noruega se sale por ejemplo. Lo que sentimos y en lo que coincidimos mucho todos nosotros es en el tipo de sonido y cómo pretendemos sonar. No nos suelen interesar las bandas con triggers, cosas disparadas, sonido digitalmente creado y personalmente cada vez me parecen más aburridas. Si puedo apreciar la calidad de las composiciones aunque no creo que se invente nada nuevo. Que la música suene real es esencial y el Death Metal de los 90´s es muy real.

Esta vez la edición del EP “Caro Data Vermibus” corre a cargo del sello indio Trascending Obscurity Records. Cómo fue el ﬁchaje por este sello? Habéis acordado solamente esta edición o alguna otra posterior también saldrá a través de este sello? No os planteasteis volver a trabajar con Black Seed Productions? Pues en una laboriosa batida humana por encontrar un sello que apostase por la banda, Trascending Obscurity Records se interesó en nuestro proyecto para editarlo en digital y en CD. Sabíamos que estaban apostando por nuevas bandas y que Kunal es un auténtico currante del Death Metal, totalmente profesional y muy dedicado en lo que cree. Si un sello apuesta por nosotros solemos ir a muerte, en el caso de Black Seed Productions, como ya hemos comentado anteriormente, muy agradecidos por su apuesta y no tenemos más palabras. “Caro Data Vermibus” también se ha editado en vinilo con el inestimable esfuerzo de Mono Canibal Records y Abstract Emotions, que ha resurgido nuevamente como sello con esta edición después de un largo letargo en el limbo.

Al ser un sello de fuera de España, quizás conseguir vuestra música sea algo más complicada, sobre todo para los fanáticos del formato físico. Tenéis algún tipo de web, tienda online,… donde conseguir vuestro material a través vuestra? Y algo de Merchandise? La edición CD se encuentra en fase de preorder a través del sello Transcending Obscurity. Una vez tengamos copias será tan fácil como escribirnos a través del email

– comebackfromthedead@gmail.com – y últimamente nuestra plataforma de bandcamp está funcionando bastante bien y en cuanto tengamos el formato físico lo pondremos a la venta junto con un par de modelos de camisetas en el apartado de “merch” que ofrece esta web. Actualmente el formato en vinilo ya está disponible.

Una cosa que me sorprende de vuestra ciudad es la gran cantidad de bandas que ofrece a lo largo del tiempo, desde los ahora difuntos pero reconocidos MACHETAZO, pasando por NASHGUL, o más jóvenes como BOKLUK,… Aunque varias van compartiendo miembros a lo largo de su historia, qué es lo que pasa en La Coruña para tener esta escena? Realmente es tan grande como da la sensación? Sinceramente y lo digo desde fuera, ya que yo ni soy de A Coruña ni vivo allí, siempre salen un buen montón de bandas, en ocasiones creando una nutrida y muy buena “escena”, siempre se abren espacios para tocar, centros sociales, okupas, salas, organizaciones y espacios asociativos, existen unos cuantos locales de ensayo equipados y preparados exclusivamente para el desarrollo musical y sobre todo, año tras año, la cultura musical va en aumento. Yo por lo menos desde fuera así lo percibo, no solo hablando de Death Metal si no de otros muchos estilos. Uno que viva en A Coruña pues podrá decir que todo es una mierda y que no hay nada. Siempre el inconformismo y ver el vaso medio vacío de sangre. Los secretos de la noche, los vómitos en callejones sin salida y oráculos exotéricos dan siempre una diferente percepción dependiendo de cada persona. En Santiago solo hay conciertos de blues, bichicomadas con las 4 bandas de siempre año tras año en los mismos festivales, gaitas y una sala que cuesta un pastizal alquilarla… qué quieres que te diga!!!

Supongo que con la edición de este nuevo EP, trataréis de darle la mayor difusión posible, esto incluye conciertos? Tenéis algo preparado o ya reservado para este invierno o próxima primavera? Me cago hasta en dios, creo que todos estamos con bastantes ganas y muy motivados para intentar hacer más conciertos, festis y si es posible alguna girilla fuera de la península pero en estos momentos la idea es hacer más temas para el segundo larga duración. Los curros y sus minucias en forma de vacaciones nos obligan a seguir haciendo más temas. Mi Jefe siempre me pregunta si

tenemos más temas nuevos. Solo tenemos un concierto programado para Diciembre en Asturias, es un plan que teníamos preparado desde hace tiempo con Ovakner y los vamos a ejecutar. También estarán Tottengot y podéis encontrar más información sobre el evento aquí. Quizás salga algo por nuestras tierras pero en principio es el único concierto que tenemos previsto para lo que queda de año y a no ser que nos inviten a formar parte de algún festi… intentaremos tener más actividad en 2018. Como hemos dicho antes, somos una banda de objetivos, no de tiempos. La idea de hacer una gira por Europa, siempre dentro de las posibilidades de nuestros asquerosos y repugnantes trabajos, está lobotomizada en nuestros cerebros, el momento llegará. Hace unos meses salió la idea de peregrinar en procesión con los ojos en blanco para llenar de gusanos y convulsionar Andalucía y alrededores y, si las nebulosas de sangre se alinean, igual todo se cumple.

Bueno esto es todo por ahora, Gracias por vuestro tiempo! Os deseamos mucha suerte con “Caro Data Vermibus” y si se ha quedado algo sin preguntar os cedo el siguiente espacio! Un saludo! Daros las gracias una vez más por vuestro tiempo, interés y dedicación y sobre todo por habernos ofrecido vuestro apoyo y un espacio dentro de vuestra necromante tela de araña. A los lectores solo una cosa, no se crean nada, juzguen por ustedes mismos y si escuchan Come Back from the Dead que sea a toda ostia, volumen brutal por favor. Podéis enviarnos vuestra última voluntad y testamento a: comebackfromthedead@gmail.com Podéis reventar vuestro tímpanos en: www.comebackfromthedead.bandcamp.com Preorder CD “Caro Data Vermibus” – www.tometal. com/store/cds/come-back-dead-spain-metallic-redembossed-black-box-set/ Por Luis Martínez

COME BACK FROM THE DEAD CARO DATA VERMIBUS Transcending Obscurity , CD EP Fecha de salida: 09.06.2017

STAGE OF REALITY

Entrevistamos a Andy y Damiano, de la banda italiana STAGE OF REALITY para conocer más de su propia mano cosas de la banda y de su nuevo trabajo “Stage of reality”. Saludos y bienvenidos a Necromance Digital Magazine! ¿podéis hacernos una breve presentación de la banda?

Uno de los temas principales es “Spectral Drum down” ¿de qué trata? ¿Como fueron las sesiones de grabación del video clip del mismo?

Andy: Somos STAGE OF REALITY, una banda de groove metal italiana que disfruta haciendo trabajos conceptuales.

Andy: La canción trata sobre la inmigración, sobre la barrera cultural que la humanidad está levantando contra ella, contra personas que en el fondo son todo menos diferentes. El título es en realidad un anagrama, pero no puedo resolverlo, la gente tiene que tratar de hacerlo. Filmamos el videoclip cerca de un pueblo llamado Montalto di Castro, un área muy sugerente cerca de la Toscana. El lugar es una gran presa abandonada que se supone debía ser utilizada para recolectar agua y luego distribuirla a los pueblos cercanos, pero en realidad nunca lo usaron. Le pedimos a algunos amigos que vinieran y actuaran como villanos dispuestos a vencernos y debo decir que fueron bastante buenos en eso !!!.

¿Cúal fue el principal motivo que os llevo a formar y dar vida a este grupo? Andy: Formé la banda en el 2013 como un proyecto en solitario, todo comenzó con la voluntad de hacer un concepto sobre los medios y una sociedad donde los seres humanos se están convirtiendo en esclavos de sí mismos y de sus propios estilos de vida, hábitos y de la forma en que piensan que conocen la realidad misma. Al poco tiempo me di cuenta de que quería tener una banda real y no solo músicos para ayudarme a grabar el álbum.

He escuchado vuestro próximo trabajo “Stage of reality” muchas veces y puedo decir que es un gran trabajo de hard rock y alternative rock ¿Cuales son los gustos de los miembros de la banda? Andy: muy variados, venimos de una fusión de Pop, clasica y heavy metal, todo mezclado con toques de progresivo, hard rock, thrash, glam y muchos mas... no es fácil de describir.

Háblanos sobre este trabajo, ¿Cuales son las principales diferencias entre esta y vuestras otras ediciones? Andy: Si lo comparamos con “The Breathing machines”, este nuevo es más oscuro, rápido, más amplio, más agresivo y más progresivo. Trabajamos juntos para llevar al oyente a un viaje, para decirle algo real, algo que realmente sentimos.

¿Qué pueden esperar entonces los fans de él? Andy: La cara real de STAGE OF REALITY, es por eso por lo que lo hemos titulado así.

¿Y qué nos puedes contar sobre las colaboraciones para este álbum de Blaze Bayley y Amanda Somerville? Damiano: Es increíble tener a estos artistas como invitados para nuestro álbum. La voz de Blaze Bayley es perfecta para cantar la canción “Warlord”. Amanda Somerville cantó “Back to Black” y disfrutó de la versión que hicimos de la canción de Amy Winehouse e hizo un trabajo fantástico.

¿Quién se encarga de escribir las letras y componer la música de la banda? Damiano: Andy es el principal compositor y escritor de las letras, pero trabajamos en las canciones de forma conjunta, cada uno de nosotros nos involucramos en el arreglo y en el retoque ﬁnal de las canciones.

¿Qué nos puedes contar de las letras de vuestros temas? Andy: Este álbum habla sobre los principales problemas de nuestra sociedad, la forma en que los vemos, la forma en que pensamos que son. Por lo general, no son lo que pensamos porque hoy en día los medios distorsionan la realidad. ¡Escribimos estas letras para tratar de desper-

tar a la gente y decirles que no todo lo que ven es lo que parece!

Rock Avenue records USA editará el álbum ¿Como es trabajar con ellos? Andy: Rock Avenue Records USA es una pequeña discográﬁca con sede en Los Ángeles, su estilo se basa en la vieja fórmula de seguir a una banda en su camino, nos gustan porque creen que una gran parte de la venta y el aumento de la credibilidad de la banda depende de su actividad en vivo y es que hoy en día hay muchas discográﬁcas que no les importan las actuaciones de sus bandas.

¿Qué piensas de la actual escena metal? Damiano: Creo que la escena metal actual está llena de grandes bandas, pero no todas las bandas tienen posibilidad de tocar su propia música en directo. Es muy difícil ser escuchado y mostrar tu talento y tu música sin pagar mucho dinero.

¿Y vuestra opinión sobre las redes sociales y todas esas comunidades? Damiano: Las redes sociales son realmente útiles, pero no son la única forma de mostrar tu música y tu banda; en mi opinión una buena banda tiene que hacer ensayos y muchos conciertos, esta es la única forma de aumentar su número de seguidores.

Gracias por vuestro tiempo, el último mensaje a los lectores es para vosotros... Andy: Chicos, apoyen la música underground para que no sea más desconocida y, por lo tanto, le brinde a las bandas la oportunidad de seguir sacando cosas con buena calidad. Por David Déniz

STAGE OF REALITY STAGE OF REALITY Rock Avenue Records USA, CD Fecha de salida: 14.10.2017

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LAMPR3A

“Neurocoalescence”, de los LAMPR3A, es una demostración de calidad técnica lo mires por donde lo mires, y es por ello por lo que no quisimos dejar la oportunidad de entrevistar a esta banda, así que Santi Gzlez se puso manos a la obra y este es el resultado… Un debut tan impresionante como el de “Neurocoalescence” requiere una buena charla con LAMPR3A, lógicamente. Pocos empiezan así su andadura como banda, menos aun con una propuesta tan arriesgada. Ya iremos desgranando. De momento, preséntanos la banda y coméntanos como empezó todo. LAMPR3A es una banda de Metal Progresivo Instrumental con toques de Death Metal afincada en Euskal Herria y formada por Mikel Gomez a la batería, Iza (J.I. Izaguirre) al bajo y Borja Mintegiaga a la guitarra. Todo comenzó cuando Javi Martín (ex guitarrista de LAMPR3A) y Borja decidieron colaborar en un tema para posteriormente publicarlo en YouTube. De ahí salió “Neurocoalescence”. Incluso antes de subir el vídeo ambos tuvieron una sensación de conexión y decidieron trabajar en el primer EP que da pie al título de la primera canción. Durante el proceso de composición contactaron con Mikel Gomez que aceptó inmediatamente. Al poco tiempo Andoni (ex bajista de LAMPR3A) se puso en contacto con Borja y rápidamente se incorporó al proyecto. Después de una larga pausa tanto Javi Martín como Andoni se vieron obligados a abandonar la banda por motivos personales y laborales. Eso dio pie a que Iza se uniera a la banda tan pronto como el pudo, quedando 24 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 46

el grupo como trío.

Todos los miembros de la banda sois músicos de reconocido prestigio, más o menos conocidos en el underground, pero está claro que el nivel técnico es indiscutible, el trabajo lo demuestra. Presenta, por favor, a cada miembro de la banda. ¿es LAMPR3A la banda principal de cada uno de ellos? Borja Mintegiaga es un guitarrista profesional prácticamente autodidacta que ha formado parte de bandas nacionales como Gory Delivery (Brutal Death Metal), Baalphegor (Technical Death Metal). Ha participado en algunos concursos mundiales de guitarristas y en dos de ellos quedó primero. Actualmente es endorser de Kiesel Guitars, HESU y Swiss Picks. Divide su tiempo trabajando como profesor de guitarra, productor, músico de sesión y grabación, y colabora grabando solos para otras bandas o proyectos. Mikel Gomez es un batería profesional completamente autodidacta que ha militado en anteriores grupos como Dark Code, Unbreath y es el actual batería del grupo Childrain, el cual compagina perfectamente con LAMPR3A. Es endorser de UFIP, BALBEX y SERIAL DRUMER. También actúa desde el otro lado de la pecera como Productor y Mixer de audio, dándole un enfoque

más profesional a la hora de manejarse con su instrumento. Iza es un músico multiinstrumentista profesional (Violín, Teclado y Bajo) que estudió música en la escuela de música de Ordizia. Ha estado en grupos como Zephyr (Power Metal), Krait (Progressive Heavy Metal), Ainia (Prog. Death) y es el actual teclista de Mandragora Negra (Power Metal). Aun no siendo el bajo su principal instrumento, ha grabado más el bajo (QUARK, AOD, Ainia) en discos que el teclado (su principal Instrumento) y desempeña el papel de bajista en LAMPR3A. Aparte de la música posee un perfil más técnico en el ámbito de la Ingeniería. Concretamente en la ingeniería Electrónica (Diseño de amplificadores) y en la Ingeniería de Audio (Mixer, Live Mixer, Productor). Llevándole a trabajar con muchos grupos de la zona en ambos casos.

Por otra parte, la escena musical extrema en España está llena de músicos de autoformación, pero me gustaría saber cuál es vuestro caso, más aun viendo que algunos de vosotros sois profesores en vuestro instrumento. La variedad en cuanto al formato de presentación musical de una banda en su debut es total. Vosotros habéis optado por un EP, de cuatro temas más una versión. ¿Qué os ha llevado a elegir un trabajo de presentación tan profesional pero corto al mismo tiempo? Tal y como hemos añadido a priori, la banda tuvo una larga parada con la primera formación, algo que terminó por bloquear al grupo. Como todo en esta vida se rige por etapas, los miembros de LAMPR3A decidimos que

mezcla y masterización. El resultado es perfectamente limpio, profesional y detallista. No excesivo en ningún instrumento, ni en frecuencias, ni en adornos innecesarios. Me refiero a que no es sobreproducido, ni tampoco cae en la falta de edición. Si no me equivoco todo está realizado por vosotros mismos, desde la grabación de cada instrumento, hasta el proceso de mezcla y master a cargo de vuestro bajista. ¿es así? ¿hizo esto que se alargara todo mucho más en el tiempo? ¿Estáis contentos con el resultado? Sí, nuestro bajista Iza se encargó de la Mezcla y Master del EP. De la producción nos encargamos todos. El involucrarnos de lleno en él hizo que tardáramos más de lo esperado, ya que pasábamos muchas horas frente al proyecto y llegó un punto en el que dejamos de ser imparciales. Tras enviar el Master a fabricación tuvimos nuestras dudas debido a que nos parecía muy complicado elegir y crear un sonido completamente desde cero para la banda. Teniendo en cuenta que siempre somos bastante perfeccionistas, o lo intentamos al menos, creemos que el cómputo global es acertado.

Creo que no lo había comentado todavía, pero… estamos ante un trabajo instrumental. Aún más arriesgada propuesta, más aun para un debut. ¿Es esto algo innato en LAMPR3A? ¿Existe la posibilidad de que las voces formen parte de vuestra propuesta en alguna ocasión? LAMPR3A se formuló desde el principio como música Instrumental. Así como las voces, por norma general, tienen un rol principal a la par que melódico, en nuestra música pasan a un segundo plano con el objetivo de crear ambiente. En este caso, los instrumentos de cuerda ocupan su lugar. No tenemos previsto ni a corto ni a largo plazo incorporar voces principales al proyecto.

Ni más ni menos que versionar a CONQUERING DYSTROPIA. Tocar algo así, y reproducir riff de Keith Merrow y Jeff Loomis es digno de halago. No sin antes decir que ahí estáis vosotros para demostrar de lo que sois capaces, que cracks. ¿Qué os ha llevado a elegir esta banda para grabar una versión? ¡Muchas gracias! El principal motivo para elegir esta versión fue que era todo un reto, además de ser una propuesta Instrumental. En estos momentos estamos trabajando ya en nuestro siguiente desafío.

era hora de poner fin a la misma y dar pie a una nueva. Es por esto que el disco consta de 4 temas más una versión.

Si bien tanto la portada como el diseño del EP es sobrio, es muy acertado, perfeccionista y acorde al estilo, además de contrarrestar la complejidad de vuestra propuesta. Obra de Julen Cristti. ¿Por qué el y no otro de los miles de diseñadores que inundan internet? ¿Es una obra de su portfolio o es creada desde cero para vosotros? Julen Cristti manteniene una amistad con Borja desde hace años ya que compartieron grupo. Después de seguir su increíble trabajo decidimos contactar con él puesto que su estilo encajaba perfectamente con lo que buscábamos. Nos atrevemos a decir que él se encargará de la portada de nuestro primer larga duración.

El nombre de la banda ya es curioso de por sí, pero el hecho de poner un 3 en lugar de una E lo hace aún más intrigante. ¿Por qué este nombre? ¿Por qué este formato? ¿Qué significado tiene para vosotros? El nombre de la banda no tiene mucho trasfondo. Salió espontáneamente y tras indagar sobre este animal nos pareció muy acorde con nuestra propuesta. El ser una especie de anguila muy flexible hace alusión a los diferentes pasajes de nuestra música. El formato trío ha sido el factor principal del cambio de la E por un 3 además del factor matemático que puedan implicar nuestros temas.

Vamos a hablar un poco del proceso de grabación,

Pese a vuestra corta existencia ya habéis tenido oportunidad de tocar con gente como OBSCURA ¿Cómo fue el show? Supongo y espero que la actividad en directo de la banda no cese. ¿Próximas fechas? Y entrando más en detalle. Como se plantea un concierto de LAMPR3A con la ausencia de un frontman sin instrumento colgado. Fue una gran oportunidad debutarnos con un grupo como es OBSCURA. Para nosotros todo un honor. Por lo que iba llegando a nuestros oídos las expectativas que generábamos era muy altas, lo que nos generó una presión extra considerable. Esto nos impulsó a prepararnos más con el fin de satisfacer al público y a nosotros mismos. Gracias a los increíbles comentarios post concierto, creemos que podemos decir que cumplimos con todas las expectativas. En cuanto a futuros shows, vamos cerrando alguna fecha. No obstante, estamos trabajando en contenido digital, lo cual los conciertos no son ahora mismo nuestra prioridad.

Parece evidente en algunas ocasiones etiquetar a ciertas bandas, a ciertas propuestas musicales e incluso a ciertos músicos. No es vuestro caso ya que “Neurocoalescence” bien puede nombrarse como technical death metal, pero progresivo, sin duda, a la vez que con la característica de instrumental… Venga, ayúdanos. ¿Cómo definís vosotros mismos vuestra música? La calificamos como Progressive Instrumental Death Metal, aunque intentamos beber de todas las aguas.

El EP cuenta con colaboraciones, tanto a nivel instrumental como en pequeñas aportaciones vocales, que no líricas. Por favor, preséntanos a los colaboradores, y coméntanos el porqué de elegir a ellos y no a otros para aparecer en vuestro trabajo.

sentido, la primera persona que nos vino a la mente fue EÖL de bandas como Numen y Elffor. Su trabajo es excelente, habla por sí solo. Para el fragmento de la nana del mismo tema buscábamos la dulzura de una voz femenina, y para esto Soraya de Hybrid Moon era ideal. Consiguió transmitirnos calma y delicadeza a la par de una ambientación oscura que nos puso la piel de gallina.

Como músico muchas veces hay que estar al margen de todo el feedback que llega el forma de reseñas, pero por otro lado es inevitable y necesario, para saber cómo lo está recibiendo el respetable, y para saber qué es lo que se puede mejorar en próximas propuestas. ¿Cómo están siendo las reseñas que os llegan? ¿Estáis contentos con lo que la gente dice de vosotros? ¿Qué esperabais leer de un primer trabajo como este? Estamos extremadamente agradecidos a los medios profesionales, puesto que todas las críticas y reseñas están siendo excelentes. No podemos pedir más. Al decantarnos por una propuesta un tanto diferente sabíamos que estábamos expuestos a diferentes tipos de críticas, pero hasta el día de hoy no hemos recibido ninguna negativa. ¡Esto no quiere decir que si llegan no serán bienvenidas! Se aprende tanto de lo bueno como de lo malo.

Y siguiendo con la autogestión, no solo el proceso de grabación ha corrido por vuestra cuenta, sino que la edición también. Primero en edición digital y posteriormente a nivel físico. ¿Qué os ha llevado a editarlo vosotros mismos? Me parece insultante que un proyecto así no tenga decenas de propuestas de discográficas ¿Habéis preferido presentaros así, con un EP autoeditado para que os lluevan las ofertas y editar un CD? ¡Toda una sorpresa que pienses así, muchísimas gracias! Siendo un trabajo tan corto creímos conveniente autoeditarlo. Actualmente estamos trabajando en el primer larga duración de LAMPR3A, y aun siendo un trabajo más completo desconocemos completamente su edición. Todo lo que venga será bienvenido.

Vamos a ir terminando, pero… antes no quiero dejar pasar la oportunidad que me brinda hablar con vosotros para que, por favor, me instruyáis un poco. ¿Cuáles son las bandas que más escucháis actualmente? La escena de technical y de progresivo es apabullante actualmente, pero no todo es alta calidad, por supuesto. Venga, decidme que trabajos tengo que comprarme si o sí. En general tendemos todos hacia un estilo similar pero cada uno tiene sus particularidades. Borja se nutre de grupos y músicos solistas como: Allan Holdsworth, Burzum, Paco De Lucia, Dying Fetus, Andy James, Xasthur, Plini, Necrophagist, Vildhjarta, Tim Miller, The Faceless, Yvette Young, Cerebral Effusion, 357 String Band, Inherit Disease, Vicente Amigo, Rick Graham, Jason Richardson, Paysage D´Hiver, Animals As Leaders… Iza se decanta por Periphery, Symphony X, The Faceless, Obscura, Stratovarius, Plini, J.S. Bach, Animals As Leaders, The Helix Nebula, Spawn Of Possession, Pentatonix, Angel Vivaldi, Igorr, Skrillex… Los grupos más significantes para Mikel son Gojira, The Faceless, Periphery, Trivium, Fleshgod Apocalypse, Monuments, Carnifex… Resumiendo, compartimos un claro gusto por el metal progresivo.

Nada más, os dejo descansar ya. Bueno, descansar, ensayar, dar clase, grabar otro disco… lo que mejor os venga, jajaja. Muchas gracias por vuestra amabilidad siempre y aquí tenéis unas vuestro espacio para despediros. Muchísimas gracias Santi por esta pedazo de entrevista, por tu tiempo, paciencia… y por todo lo que haces respecto a la escena, algo digno de admirar. ¡Esperamos coincidir pronto! ¡Un fuerte abrazo! Por Santi Gzlez

LAMPR3A NEUROCOALESCENCE Autoeditado , CD EP Fecha de salida: 06.07.2017

Tras componer ese pasaje de “Angst” un tanto oscuro y NUM. 46 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 25

SHARPTOOTH

A través de esta entrevista os presentamos a la banda estadounidense SHARPTOOTH, formación que acaban de editar a través de Pure Noise Records su trabajo debut “Clever Girl”, un álbum cargado de temazos de hardcore del que nos habla su vocalista Lauren. Bienvenidos a las páginas de Necromance Digital Magazine, ¿Cuanto tiempo llevas en la banda? Soy Lauren Kashan, vocalusta de SHARPTOOTH; llevo en el grupo desde diciembre del 2017, así que ya casi 3 años. Vosotros sois de Maryland, ha inﬂuenciado de alguna manera el carácter de esta ciudad en vuestra actitud? Por supuesto. Nuestra proximidad a nuestro gobierno en Washington, D.C., así como mi propia habilidad para participar en las protestas durante el levantamiento de Baltimore deﬁnitivamente dan forma a la naturaleza sociopolítica de la banda.

Como banda hardcore, ¿es vuestra parte lírica tan importante como la musical? Absolutamente. No somos nada sin nuestro mensaje, y el mensaje está en las letras. No pueden estar uno sin el otro, y creo que nuestra música y las letras son el matrimonio perfecto de los conceptos que estamos tratando de transmitir en este álbum.

Vuestro álbum debut “Clever girl” saldrá a la venta el próximo 27 de octubre, ¿Cuales son las expectativas de la banda con este debut? Hasta el momento, todo lo que nos ha pasado, con la entrada en el sello y todas las oportunidades de viajar que se nos presentan, han ido MUCHO más allá de nuestras expectativas. Escribimos este álbum totalmente emocionados ya solo por el hecho de estar haciendo un disco en el que todos creímos, y estábamos emocionados de compartirlo con la gente. y tener la oportunidad de lan26 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 46

zar el disco a través de Pure Noise Records nos ha dado mucho más alcance de lo que jamás habríamos imaginado. Ha sido realmente emocionante, porque signiﬁca que tenemos la oportunidad de llevar nuestro mensaje a mucha gente, defender lo correcto y luchar contra la opresión, inﬁnitamente más allá de lo que esperábamos. Es cierto que esperamos cierta reacción negativa debido a la naturaleza política del álbum y el clima político en este país, pero en general, la respuesta que hemos recibido hasta el momento ha sido extremadamente positiva y de apoyo.

¿A qué hace referencia el título “Clever girl”? “Clever Girl” es en realidad una cita de Jurassic Park. En la película, el arrogante guardián va a la caza de los velociraptores escapados (los cuales se supone que son hembras), al darse cuenta de que éstas lo han engañado y está cara a cara con la líder del grupo, pronuncia sus últimas palabras “Clever girl”, antes de que lo mate y se lo coma. Utilicé esta imagen de una manada de velociraptores atrapando a su presa para ilustrar la idea de destruir todo lo que nos gobierna. Como título, era mi forma de presentar a los fans que el álbum es una perspectiva matizada y en profundidad de la mujer sobre una cantidad de problemas sociales y políticos.

De forma general, ¿como describirías los temas de “Clever girl”?, cuando los fans lo tengan en sus manos ¿qué pueden esperar del mismo? Pues pueden esperar muchos comentarios sociopolíticos, muchas letras profundamente personales y un enfoque musical muy amplio. No nos apegamos a ningún

estilo particular de hardcore o metalcore en este álbum, y nuestro tema es igual de variado. ¡hay algo para todos!

¿Como son los ensayos de la banda? Todos ensayamos en mi casa y tenemos algo llamado Jam Hub que, básicamente, es que todos se conectan, incluyendo un kit de batería electrónica, y todo nuestro audio se introduce en los auriculares. Es genial, porque así pueden ajustar sus niveles de acuerdo a sus necesidades, no hay batallas entre nosotros ni problemas para molestar a los vecinos, y todos pueden enfocarse en tocar de manera precisa. Gracias a esta precisión en los ensayos podemos ser más locos en vivo, porque ya hemos interpretado las canciones a la perfección.

¿Como fue el proceso de composición de este trabajo? Lance, nuestro guitarrista principal, escribe todas las canciones y lo hace CONSTANTEMENTE. Es genial, porque muy a menudo tengo una gran cantidad de material para jugar con las letras, dependiendo de mi estado de ánimo o de los conceptos en los que estoy trabajando. Graba las demos de las canciones y me las envía, y yo trabajo en ellas más o menos continuamente. Algunas canciones llegan de manera rápida y otras me llevan semanas o meses uniendo pensamientos e ideas para hacerlo bien. Una vez que tenemos un borrador de la canción con las letras, se lo mostramos al resto de la banda, y cada miembro coge sus partes y las conﬁgura para hacerlas a su estilo. “Clever Girl” se compuso en el transcurso de 2 años y algunas de las canciones que se incluyen fueron de los primeros temas que escribí para la banda y otros fueron terminados en el estudio el mismo día de la grabación. Simplemente depende totalmente de la canción en sí, cada una tiene su punto personal y propio.

¿Sentísteis alguna presión haciendo este trabajo? Mas bien, sentí muy poca presión. Estaba tan emocionada de estar grabando un álbum completo por primera

do en un ambiente tan positivo, y tan orgullosa de estas canciones y mi banda que eso hizo que desapareciera la mayor parte del estrés o la presión.

¿Qué nos puedes decir del trabajo y vuestro cooperación con Pure Noise Records?

vez en mi vida y me sentía extremadamente entusiasmada con las canciones y con lo que estábamos haciendo como banda. Grabar con Paul Leavitt fue una verdadera bendición, ya que hizo que todo el proceso fuera fácil y ﬂuido, y fue realmente el 6º miembro del equipo durante todo el proceso de grabación. Nos dejó hacer básicamente lo que quisiéramos con el contenido, y conﬁamos en nuestros ajustes para que todo saliera bien. Honestamente creo que estaba tan emocionada de estar graban-

Pure Noise es un sello absolutamente maravilloso. Han apoyado mucho a la banda, a su música y nuestro mensaje; ha sido increíble trabajar con ellos y con su equipo. Trabajan muy duro para sus artistas, y realmente se muestra, tanto en su tratamiento hacia nosotros y lo que hemos visto de las otras bandas del sello. Creo que cualquier otra compañía podría habernos mirado y pensaron que éramos demasiado políticos o demasiado arriesgados, pero Pure Noise nos han empujado y animado a ser nosotros mismos y nos han respaldado en todo, realmente les debemos mucho.

¿Cuales son las metas de la banda y cuales creéis que conseguiréis? Nuestros objetivos son simplemente difundir la música y nuestros mensajes por todos lados y conectarnos con la mayor cantidad de personas en este camino. Gran parte

de SHARPTOOTH se lo debemos a las personas que hemos conocido y con las que hemos hablado en nuestros shows, las personas increíblemente valientes que han compartido con nosotros sus traumas más oscuros y sus mayores triunfos. Ha sido tan humilde y abrumador conectar con la gente de esa manera que mi objetivo personal es seguir fomentando el elemento humano de esta banda, y alentar a la gente de todo el mundo a luchar por sus verdades, encontrar seguridad y santidad en la música que aman y llevar esas lecciones a su gente para construir con más conciencia un mundo diverso y compasivo.

¿Qué es lo próximo de SHARPTOOTH? Tenemos nuestra gira de presentación del disco hasta ﬁnales de octubre y el lanzamiento de éste el 27 de octubre. En diciembre, tocaremos en el último concierto de VANNA, en Massachusetts, y luego planeamos ir a la carretera para una gira completa por Estados Unidos a principios de 2018. También esperamos poder ir a Europa el año que viene, así que la intención es tener un año 2018 lleno de giras y además, como siempre, estamos componiendo temas para otro disco, así que será un año muy ocupado.

¿Algún mensaje para terminar para los lectores? Nos sentimos increíblemente agradecidos de la oportunidad de hablar con ustedes, y esperamos poder conocerlos a todos muy pronto en nuestros viajes. Hasta entonces, tómense el tiempo necesario para escuchar otras perspectivas diferentes a las suyas, sean una voz para los que no tienen voz y trátense entre sí con compasión y amabilidad. Por David Déniz | Fotos de James Harper

SHARPTOOTH CLEVER GIRL Pure Noise Records , CD Fecha de salida: 27.10.2017

LIKE MOTHS TO FLAMES

Los americanos LIKE MOTHS TO FLAMES sacarán al mercado el próximo 3 de noviembre su nuevo trabajo “Dark Divine”, donde nos traen un fresco y potente Metalcore mezclado con buenas dosis de post hardcore. Aprovechamos esta salida de su disco para hacerles esta entrevista.

¿Como es la parte lírica del álbum?

Bienvenidos a Necromance Digital Magazine y gracias por vuestro tiempo; la banda lleva 7 años activa, ¿qué esperáis conseguir en este punto de vuestra carrera?

y eso traía algunos conflictos; La forma de componer de ahora es de las mejores experiencias que he tenido en la banda.

Siempre desde un punto de vista personal y es que escribo sobre cosas que constantemente estoy viendo. Siento que a veces las personas tienen diﬁcultades para reconocer que las cosas no siempre serán buenas y llamativas y es que a veces las cosas apestan. Siempre he tratado de usar la banda como una salida para conectarme con personas que tienen algo de mierda en sus vidas que simplemente no pueden expresar con palabras. Es por eso que escribimos sobre lo que escribimos.

Creo que lo más importante para nosotros es seguir tocando música por el bien de nuestra cordura. Personalmente uso la banda como medio de terapia y creo que es lo mismo para algunos de los otros miembros. Escribir y ser parte de la música siempre es algo que he considerado prioritario para mí. y si todavía estamos experimentando altibajos, que siempre lo haremos, haremos nuestro mejor esfuerzo para continuar haciendo música.

¿La banda ha experimentado con nuevos elementos o se ha mantenido firme a la misma fórmula de componer?

Cuando estabas grabando el álbum, ¿hubo algún momento en que sentiste que las cosas realmente conectaban?

Como mencioné en las preguntas anteriores, gran parte del material es nuevo para nosotros. Queríamos hacerlo mejor para nuestros fans y lanzar algo de lo que todos estábamos orgullosos que explorara muchas áreas diferentes de la banda. Ya ha pasado casi un año desde que se grabó el disco y todavía estoy escuchando algunas canciones diariamente.

Cuando tuvimos las conversaciones iniciales sobre la grabación del álbum con nuestro productor Erik Ron supe que íbamos a hacer algo especial y estábamos de acuerdo en lo que queríamos lograr con este disco y todo terminó generando una gran amistad que valoro mucho.

¿Cuanto tiempo dedicáis a la banda? Realmente esto nunca se detiene para mí; tratar de conectarnos con las personas mientras estamos en casa , escribir material nuevo, esto siempre está sucediendo e incluso si estás en otras cosas, éstas se relacionan con la música.

Vuestro nuevo trabajo saldrá a la venta en noviembre; de forma general, ¿Como describirías los temas de “Dark Divine”? Cada uno explora un elemento diferente de la banda. Hemos sido conocidos por ser algo lineales en la forma en que escribimos nuestra música, así que quisimos hacer algo que pensamos que compensaría esto. Era muy importante para nosotros probar cosas diferentes, así que lo tratamos como una situación de hacerlo o romper ya que es fácil envolverse en una fórmula de cosas que funcionan. Siempre hubo una conexión profunda con el material, pero a veces siento que perdimos realmente parte de la música en el estudio. Este álbum es más profundo que cualquier cosa que hayamos hecho en el pasado y nos hemos inspirado en algunas de las cosas que nos llevaron a tocar música y además hay cosas que recuerdan al material antiguo.

¿Como ha sido el proceso de composición del mismo? Completamente diferente al pasado y sobre todo ha sido un esfuerzo de colaboración de toda la banda. Antes las composiciones eran más de una persona en concreto 28 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 46

Cuando los fans tengan el álbum en sus manos ¿que se van a encontrar? Va un poco en línea con las preguntas anteriores. Cualquiera que esté esperando que el álbum sea algo así como el material de los anteriores discos se quedará un poco sorprendido escucharlo inicialmente. El objetivo no era aislar a los fans más antiguos sino llevarlos a través de una progresión y es que queremos envejecer con la banda, los años van pasando y nuestra música debe ir evolucionando.

¿Cómo es entonces este nuevo trabajo si lo comparamos a los anteriores? Diferente pero con matices de nuestros anteriores discos.

¿Qué es lo próximo para LIKE MOTHS TO FLAMES? Veremos que ocurre con el álbum. Por ahora solo esperamos para ver cómo los fans reciben el álbum. Esperamos luego girar para presentar el disco y seguir explicando como ha sido todo el proceso del mismo.

¿Qué tipo de material has escuchado últimamente? Escucho casi todo. Trabajos muy buenos como lo nuevo de Knuckle Puck, Citizen, NF, Veil of Maya & Hopsin , solo por nombrar algunos.

¿Algo que quieras añadir para finalizar la entrevista? Espero que la gente disfrute este nuevo trabajo, creemos que es algo que os puede gustar!.

¿A qué os queréis referir con el título de “Dark Divine”? Concuerda con gran parte del contenido del álbum. En general, la sensación general del disco es oscura, pero quería que las personas sintieran el control de sus propios problemas cuando lo escuchaban. Una de las bellezas de la música es que las personas pueden hacer que las cosas funcionen de una manera completamente diferente en su propia vida, y luego, cómo me proponía puedes jugar a ser “Dios” con algunos de tus propios problemas cuando actúes solo sobre ellos. De ahí el “Divino” en el título.

Por David Déniz

LIKE MOTHS TO FLAMES DARK DIVINE Rise Records USA, CD Fecha de salida: 03.11.2017

PROLOGUE OF A NEW GENERATION

“Mindtrip” es el álbum debut de la banda italiana PROLOGUE OF A NEW GENERATION, un trabajo cargado de buenos ritmos, melodías y una buena calidad técnica; desde Necromance quisimos saber algo más acerca de ellos y este es el resultado de la entrevista. Saludos, bienvenidos a Necromance Digital Magazine. ¿Puedes hacernos una breve presentación de la banda? Saludos!!! soy Mirko, vocalista de la banda y luego tenemos a Cris y Nico (guitarras), Dionis (bajista) y Toni (batería).

¿Qué os llevó a elegir el nombre de PROLOGUE OF A NEW GENERATION para la banda? Nuestro nombre surge después de una gran lluvia de ideas. Hace unos años, nuestra ciudad pasó por unos momentos tristes para la música en vivo y las bandas de rock metal, todos desaparecían y queríamos ser un nuevo comienzo.

¿Cuales son las principales influencias que os han inspirado?

Si tuvieras que hacer la reseña de vuestro nuevo trabajo “Mindtrip”, ¿Como lo describirías? Grabar “Mindtrip” fue un paso que estábamos deseando tomar. Ha sido el sueño de todos desde la primera vez que pusimos los pies en el local de ensayo. El álbum fue grabado completamente en “Los Pollos”, el estudio de nuestro guitarrista Nico; esto nos permitió experimentar incluso durante la fase de grabación. Intentamos recrear un camino que atraviesa nuestras mentes y experiencias; algunos temas salieron bastante violentos, mientras que otros son más cerebrales y mecánicos. Sin embargo, siempre tuvimos mucho cuidado de no pasar por alto el aspecto melódico de nuestra música, que recientemente ha sido nuestro enfoque principal y es por eso que la melodía es un elemento destacado de muchas de las canciones que encontrarás en “Mindtrip”.

Por supuesto, “Neverbloom” que habla de la parte más difícil del crecimiento, la comparación con nuestros padres.

¿Como ha sido la respuesta a este CD hasta el momento? Estamos muy contentos, y es más de lo que podríamos imaginar.

¿Cuando tomásteis la decisión de trabajar con Antigony Records? ¿Como es trabajar con ellos? Después de un show en Firenze conocimos a Francesco de Antigony Agency. Fue una buena oportunidad de reunión y nos dimos cuenta de que estábamos en sintonía y después de un corto tiempo decidimos trabajar juntos.

¿Cuales son los planes a largo plazo de PROLOGUE OF A NEW GENERATION? ¿Como quieres que crezca esta banda? Estamos trabajando en la gira y en un nuevo video oficial.

¿Algo que decir a los lectores?

Escuchamos mucho material variado… desde Messhuggah a Deftones. Creo que estamos fuertemente influenciados por todos nuestros gustos y estilos musicales diferentes, desde el post hardcore hasta el metal extremo pasando por el prog y el djent. Entre nuestras influencias están Veil of Maya, Erra, Vildhjarta, Tesseract y Periphery , que aportan sus influencias en nuestro proceso creativo de música.

Cuando se refiere a la manera de componer, descríbenos como es el proceso en PROLOGUE OF A NEW GENERATION…

Vuestra primera edición fue el EP “Written, buried & forgotten”, ¿qué opinas de esta edición hoy en día?

¿Cual es el concepto de “Mindtrip”?

Todo fue muy rápido, estábamos tan impacientes por tener algo que pudiéramos llamar “nuestro”. Escribimos las canciones en un par de meses y grabamos justo después; algo totalmente diferente al nuevo álbum “Mindtrip”. Esto es algo por lo que todas las bandas tienen que pasar, para mejorar sus propias composiciones y buscar su “sonido” y algo que los represente. Por ahora, estamos satisfechos con los resultados del Ep y, en concierto, seguimos tocando el tema “Human Connections”.

especial significado para tí?

Todas las composiciones y la idea de riffs vienen directamente de nuestro local de ensayo. Es una forma de conocer nuestras influencias y conocernos. A veces la improvisación es la forma de construir y crear poco a poco lo que estamos buscando.

Intentamos crear un viaje a través de diferentes aspectos de lo que nos afecta como personas y como ser humano. Un largo viaje en el que nuestra mente estará encerrada por miles de ideas preconcebidas y falsas, forzadas y persuadidas por su propia belleza y perfección. “Mindtrip” es un viaje a través del círculo infinito de la vida, comienza con un riff de guitarra que podríamos encontrar en la última canción “Skyburial-Jhator”, una ceremonia fúnebre con buitres como jueces que eliminarán cada momento de nuestra existencia con sus propias alas negras, trayéndonos a la creación e infinito.

¿Alguno de los temas de este nuevo trabajo tienen

¡Escuchad nuestro último trabajo “Mindtrip” en Youtube! y si te gusta, puedes comprarlo en nuestro Bandcamp y mantenerte actualizado en nuestra página de Facebook. Estamos trabajando en un nuevo video oficial para suscribirse al canal, seguidnos! Por David Déniz

PROLOGUE OF A NEW GENERATION MINDTRIP Antigony Records , CD Fecha de salida: 23.06.2017

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I THE MIGHTY

Llegan desde territorio americano con “Where the mind wants to go…” bajo el brazo y son I THE MIGHTY, una banda que nos trae una propuesta musical marcada por la combinación de rock alternativo con toques progresivos… nos pusimos en contacto con ellos para enviarles algunas preguntas que os mostramos a continuación. Bienvenidos a Necromance Digital Magazine! ¿Puedes presentar a la formación a los lectores? Brent Walsh – Vocal/Guitarra/Teclados , Ian Pedigo – Guitarra, Chris Hinkley – Bajo/Voces, Blake Dahlinger – Batería/Programación.

¿Como describirías el sonido de los I THE MIGHTY? Una mezcla de progressive rock, alternative, indie, pop, y post-hardcore.

¿Cuanto tiempo después de la salida de “Connector” (2015) comenzó la composición de “Where the mind…”? Siempre estamos escribiendo y haciendo notas de voz de ideas, pero realmente no nos sumergimos en la escritura del disco hasta el otoño de 2016 después de nuestra última gira. Casi todo fue escrito entre noviembre de 2016 y marzo de 2017.

¿Como os organizáis para la composición? ¿es un trabajo de equipo o más bien tarea de algunos miembros de la banda? Principalmente escribo las voces, pero los cuatro contribuimos a la composición y hasta las partes individuales. Es grandioso estar en una banda no solo con músicos talentosos sino también con compositores individuales. Puede llevar a muchos pequeños argumentos, pero creo que, al ﬁnal, esto lleva a un sonido más único y un mejor resultado.

¿De donde viene el tema lírico de “Where the mind…”? “Where the Mind Wants to Go / Where You Let it Go” juega con la delgada línea entre el pensamiento consciente y el subconsciente. Muchas de las decisiones que tomamos a lo largo de nuestras vidas están en algún punto intermedio y quería explorar ese espacio. 30 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 46

¿Qué es lo primero que los fans deben conocer de “Where the mind…”? Muestra mucho de lo que hace que nuestra banda sea única. Desde su naturaleza excéntrica hasta los diferentes estilos y, por supuesto, un gran enfoque en la melodía y los ritmos pegadizos. Llevamos activos nueve años y creo ﬁrmemente que este es nuestro mejor trabajo hasta la fecha.

¿Puedes darnos mas detalles del mismo? Fue grabado por dos productores diferentes. Casey Bates quien hizo muchas de las guitarras y voces en Seattle, WA. y Kris Crummett quien grabó la sección rítmica y también mezcló y masterizó el disco.

¿Y qué hay sobre las letras del álbum? 6 de las 11 canciones en el disco son parte de una historia. Una mirada a una relación desde su inicio hasta su ﬁnal amargo. Con la excepción de esa historia de amor, son temas de anarquía, de escapismo y de mi interés por lo paranormal.

lescentes que irrumpen en una casa abandonada y que se encuentran atrapados en su extraño diseño y uno a uno terminan desapareciendo. Al ﬁnal, nuestro narrador queda poseído por el espíritu que mora en la casa, el mismo que está en el relicario que se encuentra y que le dice dónde se encuentra una lata de gasolina y una caja para al ﬁnal quemar la casa con todos los que están dentro.

¿Recuerdas en primer trabajo que compraste con tu propio dinero? Creo que fue el primer álbum de Backstreet Boys, tan embarazoso como eso… jaja.

¿Algo que añadir para ﬁnalizar la entrevista? ¡Gracias por leer y por favor escuchad nuestra música! Saludos desde Usa! Por David Déniz

¿Qué quiere conseguir la banda con este nuevo trabajo? Simplemente enfocarnos en la composición de canciones y no preocuparnos demasiado por quedarnos con las cosas que hemos hecho en el pasado. Siempre queremos esforzarnos y progresar, tanto como músicos como como compositores y creo que lo logramos con este disco.

I THE MIGHTY

¿Puedes coger un tema del nuevo álbum y darnos tu punto de vista, algo en lo que pensemos al escuchar el tema?

WHERE THE MIND WANTS TO GO / WHERE YOU LET IT GO

“111 Winchester” te muestra la historia de algunos ado-

Fecha de salida: 20.10.2017

Rude Records, CD

BORN IN EXILE

BORN IN EXILE son una banda de Barcerlona que el pasado mes de mayo sacaron su nuevo trabajo “Drizzle of cosmos”, un excelente álbum cargado de grandes temas que os invitamos a escuchar si os gusta el sonido progresivo. Nuestro redactor Álvaro García se encargó de prepararles unas preguntas para saber algo más acerca de ellos. Hola chicxs, antes de nada, aunque ya me presenté en su momento, vuelvo a presentarme: soy Al García, el autor de la crítica a vuestra gran obra maestra “Drizzle of Cosmos”, y, si no es mucha molestia, voy a proponeros unas cuantas preguntas. Vamos allá. Ante todo, muchas felicidades por vuestro trabajo Drizzle of Cosmos, ¿por qué habéis escogido este nombre? ¿Qué pretendéis mostrar con este título? El título salió mientras estábamos en plena mezcla del disco. Siempre habíamos tenido mil ideas al respecto, de hecho la idea de la portada la teníamos incluso antes, y supongo que eso también facilitó el título final. Drizzle of Cosmos es la lluvia de ideas a la que nos hemos visto a lo largo de estos 5 años, hasta que hemos encontrado nuestro lugar.

En vuestro disco se pueden escuchar muchos tipos de influencias, además de un mix entre un progresivo más clásico y algo más de metal moderno (me encanta que citéis a Twelve Foot Ninja), ¿Cómo habéis llegado a este punto? Por suerte o por desgracia, todos tenemos unos gustos muy distintos, aunque muchas veces compartimos grupos o movimientos musicales. El hecho de escuchar grupos tan dispares nos hace tener una visión mucho más amplia a la hora de componer y de crear, haciendo (voluntaria o involuntariamente) que la mezcla de estilos sea más palpable en según que piezas del disco.

¿Cómo fue el proceso de composición de este trabajo, una tarea de toda la banda o de algunos miembros en particular? Toda la banda tiene peso a la hora de componer o aportar ideas, muchas veces componemos fragmentos en el local, y Carlos luego se encarga de unir todo el popurrí intentando darle sentido, creando una canción. Kris es la encargada la gran mayoría de veces de componer las letras de las canciones. Alguna vez también se trae material preparado de casa, con una estructura firme, donde

cada uno pone su granito de arena con su instrumento, dándole así, ese toque personal.

¿Quién se ha encargado de la portada de este trabajo y que relación guarda con el título del mismo? Rodrigo es el encargado de todo el Artwork de la banda. Siempre hacemos una lluvia de ideas y él se encarga de plasmarlo todo. La portada es la unión de nuestras ideas y personalidades tan dispares a veces, fusionándose en la espiral y juntándose finalmente, en el ojo central de la portada. Al igual que en el título, mostramos la unidad de todos nosotros, cosa que creemos que es lo más importante en un grupo.

Dado el panorama actual en la música metal aquí en España, ¿Cómo consideráis afrontar la defensa de un disco de gran calidad como éste? ¿Os mostráis optimistas? España es un terreno peligroso en según que estilos dentro del metal. Lo que parece que puede funcionar muy bien a veces, cae en la repetición y no llama la atención todo lo que debería, pese a poder tener muchísima calidad. En nuestro caso, hay poco precedente. Obviamente hay un público amante del progresivo, pero al ser un estilo tan “imprevisible”, te arriesgas a pasar desapercibido. Aún así, creemos que hay que trabajar duro y ser constante, y poco a poco ir luchando por hacerse un hueco.

y en continuar con conciertos, y a poder ser festivales, ya de cara al verano del 2018.

¿Cuál es vuestro sueño en la música? ¿Qué es lo que más os gustaría conseguir? Poder vivir de la música parece un sueño de grupos del siglo pasado, aunque ninguno de nosotros discutiría poder tener una vida así. Obviamente, somos realistas y principalmente lo que queremos es disfrutar todo lo posible tocando, grabando nuevo material que guste igual o más que lo ya creado, y en definitiva, poder llegar a ser, como mínimo, reconocidos.

¿Cómo definiríais vuestro camino en la música hasta ahora? Seguramente en lo que todos coincidimos es que todos nuestros proyectos y grupos pasados, nos han dado la experiencia suficiente para poder crear Born In Exile, y que fuese un trabajo maduro y sensato. Como banda, creo que estos 5 años nos ha centrado y nos ha mostrado el camino a seguir, a saber disfrutar de lo que tenemos y a ser mucho más ambiciosos.

Si no es muy íntimo y a modo de relajación un poco, ¿Podríais explicarnos una de las anécdotas más divertidas que recordéis como banda? Seguramente tendremos muchísimas, aunque no recordamos ninguna en especial. Siempre que nos juntamos fuera de los ensayos o conciertos, nos lo pasamos genial, pero no creemos tener “La Anécdota”. En algún momento saldrá, de eso no tenemos duda. Por Álvaro García

¿Qué respuesta os está llegando de este trabajo hasta ahora tanto de los medios como de los fans en general? Pues estamos muy contentos de como está yendo todo. Hemos estado recibiendo muy buenas críticas, tanto de unos como de otros, y eso siempre te da un empujoncito para seguir adelante.

¿Cuáles son vuestros planes para el futuro? De momento tenemos varias fechas por territorio nacional hasta acabar el año. Una vez acabadas, nos sentaremos a pensar en la pre-producción de un segundo disco

BORN IN EXILE DRIZZLE OF COSMOS Autoeditado, CD Fecha de salida: 17.05.2017

NUM. 46 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 33

ZONA DE CRITICAS

36 CRAZYFISTS (USA)

LANTERNS SPINEFARM RECORDS, CD 2017 Vuelven a la carga los incombustibles 36 CRAZYFISTS. 20 años, por lo menos, que llevan dando guerra, con sus altibajos, y aquí tenemos un LP que comienza con muchísima fuerza en “Death Eater”, uno de los mejores temas del disco. Aquí Brock Lindow se desgañita entre los riffs Groove metaleros de Steve Holt, productor y encargado de la mezcla de álbum. “Wars To Walk Away From” toma una dirección algo diferente, con la voz orientada al Metal alternativo y unas líneas de guitarra más melódicas y Metalcore, algo más sencillo todo el conjunto, pero muy efectivo.”Better To Burn” está en un punto intermedio entre ambos conceptos, con ritmos pesados combinados con otros más accesibles, predominancia de la voz alternativa con algún screaming ocasional. A mitad de camino, hay tiempo para parar en la estación acústica que es “Where Revenge Ends”. Un corte que suena a una especie de catarsis personal de Brock y que da paso a “Sleepsick”, donde se retoma la cara más dura de la banda, con ritmos pesados, siendo el tema menos melódico de todos. Quizá el disco no se mantiene del todo regular a lo largo de su desarrollo y hacia el final, encontramos otro tema interesante como es “Below The Graves”, con algún lick más potente y más intensidad Groove, así como la aparición de screamings. “Dark Corners” cierra el disco, a modo de tema cuasiacústico. En general, no me termina de convencer algunas voces con determinados ritmos de guitarra y, quizá, echo en falta algún tema sobresaliente. Por lo demás, no defraudará a los fans de esta mezcla de Metal Alternativo con toques Groove y cierto regustillo aquí y allá a Metalcore. NACHO PEÑA |

7.5

GRAVE, que nos aportan su nuevo trabajo “The Red Moon” grabado y producido en NeroArgento en AExeron Studios, la banda italiana nos trae su Metal Moderno influenciado por el Punk Horror/Hardcore apoyado por una amplia gama de voces y las habituales imágenes de inspiradas en las películas de terror, derivadas directamente de los días dorados del Metal/Rock de los años 80. La portada del disco es claramente una evidente parodia de la saga de films basados en las películas de acción de los 80 “Los Mercenarios”, uniendo al bueno de Jason Voorhees. Así que con solo mirar eso, nos podemos hacer una idea de lo que nos encontraremos dentro. Empezaré hablando de su segundo tema “Eat you Alive” que también es su segundo sencillo. Empieza con un teclado que le da un toque moderno y una batería muy rítmica, la cual jugará a dar intensidad a todo el tema con ese toque mas del Metal Clásico. La banda apuesta por meterle en este tema a su base de Metal Moderno, toques de Industrial, donde sobretodo se apreciaran en los estribillos. En cuanto a las guitarras, muy melodiosas, jugando con un ritmo muy fluido, e impresionante en el solo, toda una maravilla súper vibrante y enérgico. Es una canción funcional, pegadiza, con fluidez y ese toque añejo de la vieja escuela impregnado en él. Otro pequeño salto más al que fue su primer single “The Ballad Of The Vampire” una de las canciones más potentes del disco, dado que mezclan un poco de Hardcore de estilo californiano con un poquito de Death. Me encantan esos coros hardcoretas a lo largo del estribillo, te incitan a cantar con ellos “uooo uooo”, mientras tiendes a mover todo tu cuerpo al ritmo de las guitarras. Una canción corta, pero afilada a más no poder y con el estilo tan característico de esta banda. Avanzamos hasta “He Never Died” otra canción de corte Hardcore, rápida intensa y fluida, que nos aportará dinamismo y nos hará botar al ritmo de la música. Con un estribillo bastante fácil de cantar y otra vez con los coros típicos del Hardcore. La guitarra mantiene unos riffs prácticamente constantes, bien ejecutados y muy limpios, mientras que la batería nos aporta a base de técnica mucha energía. Resumiendo es una canción muy divertida, la veo muy buena para los directos, e incluso mientras haces algún tipo de deporte, te aportará inconscientemente energía y te moverás a su ritmo. La banda suena terriblemente bien, es de esos grupos que tiene las ideas muy claras y una actitud profesional que han sabido transmitir en su trabajo, el cual se nota que ha recibido muchas horas y ha sido muy mimado. Os dejo entre los 10 temas que componen el álbum y que no nombro, alguna sorpresa adicional como es de esperar, y es que es tan amplia la variedad de estilos que se mezclan en cada uno de los temas, que sera un placer auditivo descubrir todas las maravillas ocultas en el. 38 minutos aproximadamente de pura magia auditiva que no os podéis perder. RUDY PERTU |

5 STAR GRAVE (ITA)

THE RED ROOM SLIPTRICK RECORDS, CD 2017 Hoy tenemos el placer de hablar de 5 STAR 34 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 46

llegar muy lejos, ya no en el panorama estatal, sino a nivel mundial. Obviamente es una banda recomendada para todos, pero en especial para los amantes de INFECTED RAIN, JINJER o lo nuevo de ARCH ENEMY, un metal extremo en el que la potencia femenina viene a marcar un antes y después en el mundo del metal, y ABSALEM vienen a ser parte de ese poderoso grupo. RUDY PERTU |

ABSALEM (ESP)

CHAOSVOLUTION ART GATES RECORDS, CD 2017 Desde Salamanca llega ABSALEM una banda formada en 2016 y que ya están para sacar su primer larga duración “Chaosevolution” de la mano de Art Gates Records. Y es que estos chicos vienen hambrientos de éxitos con su poderosísimo Modern Metal, la banda capitaneada por su vocalista Gina, a las voces combina partes melódicas con intensos guturales combinándolo con esas guitarras pesadisimas y el doble bombo como protagonistas principales, mientras el bajo mantiene una cohesión perfecta de todo el ritmo. Comenzamos el disco con “Deceiver” es un tema que nada más empezar ya empieza a aplastarte la mente a base de unos riffs machacones, en los que se irán añadiendo guturales potentes y llenos de fortaleza. Según avanza el tema, empiezan unos cambios de ritmo entre rápidos y lentos, los guturales dan paso a voces limpias, y que voz tiene Gina, gritos agónicos y las guitarras empiezan a jugar con muchísima distorsión. Como primer plato ya nos arrojan una muy buena idea de lo que nos encontraremos en el resto del disco. Le sigue “Chaosvolution” canción homónima con el disco, tengo que decir que la voz limpia de Gina es muy bonita y con el juego de los guturales, solo hace potenciar en este tema la voz limpia. Las partes más melódicas de este tema me han fascinado, me parecen muy profundas y ya no me refiero a la voz, si no a en composición instrumental, me parecen muy bien conseguidas, destacaría el trabajo de la batería en este tema, aporta mucha fluidez y dinamismo en las partes veloces y mantiene una cohesión entre ambas partes del tema. Imposible no mencionar el parecido de INFECTED RAIN que se gastan en este tema. Pego un pequeño salto hasta “Brainshot”, un pedazo de tema, es mas, diria que uno de mis favoritos del disco. con un ritmo algo más lento que los anteriores, pero muy contundente y basto, en ningún momento te hace sentir aun asi que se pierda esa agresividad tan característica del disco. Me encanta el solo de guitarra, con esa distorsión, esa vibracidad, y como se paran el resto, para dejarle brillar. Este tema en directo tiene que pegarle de lo lindo. Al final nos encontramos con un pedazo de trabajo de principio a fin, cualquiera diría que es su debut como banda dada la calidad con la que nos sorprenden, un trabajo muy fino y que se nota solo con oírlo el mimo con el que se ha hecho. Personalmente no los he visto en directo, pero por la información que tengo, me han dicho que tienen un muy buen directo, con mucha calidad y que suena muy bien, así que si estos muchachos siguen demostrando esta calidad y la saben mantener, calculo que pueden ser una banda que puede

ANTIVERSUM (SWI)

COSMOS COMEDENTI INVICTUS PRODUCTIONS, CD 2017 Tenemos el placer de poder hablar de este LP venido desde Suiza “Cosmos Comedenti”, el primer trabajo de los poderosos y oscuros ANTIVERSUM. es a la vez una declaración de intenciones devastadora y un registro que nos recordará a grandes bandas Suizas como CELTIC FROST o TRIPTYKON. Una aplastante amalgama de Doom/Black Metal, géneros que van tan bien relacionados, sin mencionar un toque de fatalidad también, dado el ritmo ocasionalmente reptante y tortuoso. Dentro de “Cosmos Comedenti”, encontrarás que engulle a TRIPTYKON llevándolo un par de pasos más allá, momentos tremebundos, así como un campo de juego que se retroalimenta en la desesperación y en acordes- disonantes. Dentro de este amalgama de ruido retumbante, se sienta un mar de apabullantes riffs de pesados y funestos , que bordean la agresividad de GORGOROTH y la brutalidad impulsada por la batería de TEITANBLOOD. El registro general es completamente oscuro, denso y genera una atmósfera asfixiante. La música aquí sigue siendo una masa arremolinada donde la melodía es rara y parece no seguir un ritmo o un tempo concreto, lo que hace a los matices ocultos parte importante para ir dando esa cohesión extraña y bestial. Sobresalientes e inmersivas, las voces profundas y las guitarras premonitorias resultan completamente hipnóticas, la percusión casi implacable en su bombardeo constante se asemejan como a una tromba de misiles despegando. Como ejemplo de esta genialidad, nos encontramos con la mejor canción del disco “Creatio e Chao Orta Est” que muestra todas las fortalezas de la banda a la vez.en sus 7:20 minutos que dura. La intro a partir de un sonido de la batería como si de tambores tribales se tratase, la guitarra mantiene esa densidad y ritmo tribal, con una oscuridad que solo ayuda a volver más psicodélico el ambiente mientras gritos van inundando la escena. Después de deambular por un túnel lento y pesado de ruido estático, la canción se desliza en un surco de masa de Black Metal que nunca desaparece hasta el final, cargando fuera de las puertas del Inframundo con salvajismo, ya que la banda deja que los reinos oscuros se suelten

por completo y se lanza a un corpulento asalto mortal. Al final nos encontramos con 4 canciones que nos llevan por 37 minutos intensos llenos de ritmos asfixiantes y llenos de locura y malestar. El problema es que una vez has escuchado los dos primeros temas, los dos siguientes te sonarán completamente iguales. Otro detalle, es que es una banda que no inventa realmente nada, no aporta una mezcla nueva, un algo que los haga completamente diferentes del resto. Aun así para todos los amantes de CELTIC FROST, TRIPTYKON o GORGOROTH entre otros muchos ejemplos, se encontrarán con un disco que promete, y con ANTIVERSUM una banda que aspira a quedarse en este mundo tan prolífico y extenso dentro del Doom/Black Metal. RUDY PERTU |

que empieza muy denso y directo al grano con unas guitarras afiladas y contundentes. Es un tema sin ningún tipo de remilgos, es áspero, es duro con algunos riffs de guitarra mordientes y apabullantes. Es un tema “violento” que genera tensión y que transmite muchísima fuerza a base de golpearnos la mente una y otra vez con cada uno de sus cambios de ritmo. La verdad es que en este tema, me parece que la batería es una auténtica maravilla que aporta dinamismo en todo momento. En resumen, nos encontramos con un disco denso, pesado y con cierta oscuridad, que aporta dinamismo al género y sus temas no suenan similares entre ellos, aportándonos mayor variedad y una sensación de necesidad de volverlo a escuchar para sacar todas las filigranas ocultas en él. Es un disco que nos va a ir machacando tema a tema de forma constante y precisa nuestro cerebro a través de los casi 40 minutos que dura, hasta moldearlo a su gusto. RUDY PERTU |

ARCHONS (USA)

LORDS OF LIGHT AND THUNDER AUTOEDITADO, CD 2017 Desde San Diego nos llega ARCHONS con su denso y pesado Doom/Sludge Metal para apisonarnos nuestra mente. Vienen a desatarnos su lado más “nerd” en su poderoso nuevo álbum “Lords of Light and Thunder”. Nos encontramos en sus letras un montón de referencias a la ciencia ficción, con lo que tenemos un Sludge/Doom con toques de Stoner muy “geek”. El disco comienza con “Galaxians”, el comienzo es lento, nos lleva casi 30 segundos el empiece hasta que empiezan las guitarras intensas y estructuradas creando una atmósfera de psicodelia típica del Stoner de los 90, que nos darán paso a la voz áspera, donde ya el despliegue psicodélico se termina de cuajar. Nos encontramos que es un tema muy intenso, épico y colosal, donde todo aporta más fuerza y poder. La siguiente canción a comentar es “Mysterians” y porque me parece la mejor del álbum sin dudarlo. Empezamos con sintetizadores aportando ese espectro espacial y aumentando la psicodelia, para pasar a base de unos poderosos golpes de la batería que son los que despiertan a las guitarras. Y estas, como no podía ser de otra forma, son impresionantes, con ese sonido entre el Doom y el Stoner nos van generando densidad en la atmósfera, dejando en pleno espacio flotando y sin poder respirar, hasta que llega la voz con ese característico estilo del Sludge tan áspero y lleno de rabia e intensidad. Es una canción super pesada y densa, pero muy melódica, algo que normalmente es incongruente, pero los chicos de ARCHONS convierten en una realidad. El guitarrista Jeff Haynes realmente brilla en esta pista, mezclando acordes crujientes con riffs intrincados de una manera que es nueva y emocionante mientras evoca esa buena y vieja nostalgia del metal pesado.Es de esos temas que terminan, pero vuelves a ponerte, porque tienen tantos detalles en los que pararse a maravillarse que es difícil resistirse. Y para finalizar destacar “Creature” un tema

ARKHON INFAUSTUS (FRA)

PASSING THE NEKROMANTEION LES ACTEURS DE L’OMBRE PRODUCTIONS, CD EP 2017 Desde la capital francesa, Paris, nos llega el nuevo trabajo de ARKHON INFAUSTUS, “Passing The Nekromanteion” donde DevianT Von Blakk (voces, guitarra y bajo) y SkVm (batería), nos muestra el lado más oscuro de la “ciudad del amor” con una descarga de black/death metal brutal a lo largo de cuatro canciones. Con una portada entre el régimen militar y la factoría del film de culto Metrópolis de Fritz Lang, se esconde una amalgama de ritmos satánicos y decadentes que despertara nuestro lado más atroz. “Amphessatamine Nexion”, entremezcla y define a la perfección lo que estos franceses pretenden transmitirnos, un corte repleto de pasajes que giran entre el black y el death metal con fluidez, dejándonos elementos corales y abrumadores como la parte final, donde las voces surgen desde el averno, como si una multitud de almas clamaran socorro desde el abismo. “The Precipice Where Souls Slither” continua con nuestra historia y ese dolor de las engendros en pena, mientras las llamas blackers hacen de las suyas, ritmos vertiginosos entremezclados con unas melodías vocales guturales y más pausadas que ponen un acento de agresividad y contundencia, un corte que nos deja una parte central muy atmosférica donde las guitarras toman el protagonismo. Uno de los temas destacados del álbum. “Yes Li El Yadi”, es un tema más desquiciante y complejo con dos melodías contrapuestas que se superponen a lo largo del mismo, donde tendrás que agudizar para centrarte en las guitarras o en la batería y la voz, enrevesado pero eficaz perfectamente pulido para ir evolucionando hacia unos ritmos aplastantes con unas guturales de ultratumba, un temazo bestial que no dejara neurona alguna en tu cabeza. El pequeño Ep lo cierra “Corrupted Epignosis”, superando los diez minutos de duración

en toda una apuesta por una épica envilecida, un corte instrumental denso y oscuro, donde las melodías de guitarras te trasportan a un viaje hacia el averno. ARKHON INFAUSTUS, crean un pequeño pero valioso Ep, con gran dosis de black/death metal en estado puro, donde escuchar el tema “Yes Li El Yadi” es toda una delicia y un punto novedoso dentro de los grupos del mismo estilo. JUAN ANGEL MARTOS |

7.5

BORN IN EXILE (ESP)

DRIZZLE OF COSMOS AUTOEDITADO, CD 2017 Tengo el gran placer de haber descubierto una banda vecina a la que desconocía por desgracia. Quien sabe, es un tema más que evidente y discutido el de la poca visibilidad de las música metal en nuestros medios, cosa que intentamos solventar como buenamente podemos. Hoy os traigo a BORN IN EXILE, de Barcelona. Un grupo con personalidad, de sonido y producción increíble. Quizás pueden pecar de un sonido demasiado clásico en cuanto a lo que progresivo se refiere (sí, suena a contradicción, pero es así) pero realmente han conseguido un producto ante el cual me tengo que quitar el sombrero. El disco que nos traen es “Drizzle Of Cosmos”, que cuentan con diez canciones llenas de riffs pesados y poderosos, de espacios ritmos acelerados y estribillos abiertos que permiten a la voz explayarse en melodías desgarradoras. Comenzamos con “Subject 6850”, una introducción al disco rodeada de motivos tribales y acompañamientos de cuerda que te preparan para la síntesis conceptual que viene. “Revenant” golpea con todo. Es la segunda canción del disco y en ella oigo influencias de todo tipo, desde progresivo a lo DREAM THEATER hasta AVENGED SEVENFOLD pasando por voces a lo HALESTORM y motivos de guitarra como haría BULLET FOR MY VALENTINE, con espacios acústicos que sirven de respiro a la dinámica cargada de la canción. Seguido entra, con sonidos de guerra y dolor, “Fields on Fire”, donde los cambios melódicos se suceden con gran ritmo, haciendo que los 7 minutos de canción vuelen entre tus oídos. Sobre todo recomiendo la parte final, una especie de outro con sonoridad decadente que me ha enamorado. “Divergent”, presentado como single del grupo, nos introduce con las clásicas sonoridades arábicas que podemos encontrar en este tipo de música. Es un estándar que siempre se cumple pero que no deja de ser efectivo. Seguido, y consiguiendo de esta manera la continuidad conceptual, aparece “Between” siguiendo el estilo sonoro, aunque bajando el tempo y la agresividad, aportando esos espacios melódicos que tan necesarios son en la música progresiva, para relajar nuestro cerebro y darle ese olor reconocible a hogar. La verdad es que este tema me parece uno de los más completos de todo el disco, sabiendo aportar y reforzar muchos de los mejores recursos del

grupo. “End of the World” sigue en la misma dinámica que el resto de sus compañeras. “Tycoon” es una canción con grandes toques oscuros, pero conserva la liricidad de otras de las canciones, con un gran poder melódico. La canción que, para mí, tiene un mejor ritmo a nivel percutivo y que básicamente centra su estructura alrededor del frenesí de la batería es “Madness Light”, otra de esas joyas que nos deja este gran disco. “No End”, canción más larga del disco y que, sin duda, hace buena referencia con su título. Éste grupo tiene una curiosa forma de construir los temas en torno a estructuras cambiantes que usan leit motivs encaminados a mantener un ritmo dentro de los mismos. Y vaya solazo al final de esta canción. “La Serpiente del Condenado”, la única canción en castellano, trae un mensaje muy potente. Quizás la más comercial de todas las canciones del disco (quitando las estructuras rítmicas), tiene detallazos como el uso de la palabra “cuervos” a modo de graznido y diferentes recursos auditivos. Sinceramente, y como he dicho al principio, me he llevado una grata sorpresa con estos chicos de BORN IN EXILE, grupo al que por desgracia desconocía, pero al que ahora seguiré sin duda. Su carisma, personalidad y capacidad creativa añadidos a la fuerza y la habilidad de proponer temas musicales que hacen que canciones de más de 6 minutos se escuchen como un single en la radio hacen de ellos un grupo a tener en cuenta para el futuro. ÁLVARO GARCÍA BENITO |

BRAIN APE (GBR)

AUSLANDER SCHLIMBUM RECORDS, CD 2017 BRAIN APE es una banda londinense de rock underground que mece su sonido entre diferentes espectros, por un lado tienen la rabia del Punk y por otro la irreverencia del Grunge, todo ello matizado con una sonoridad especial que le da elegancia y sutileza a su propuesta. Además tampoco falta el humor británico en algunas letras o títulos de canciones. Un coctel muy especial que merece una escucha. El disco cuenta con un sonido muy comprimido y austero, pero que cumple con creces las exigencias del oyente de este tipo de propuestas. Quizá le falte algo de contundencia a las guitarras, sin embargo esta carencia la cubren con un uso exquisito de los efectos y una parte rítmica muy conseguida. “Give Me My P45” abre el álbum y es, además, el tema elegido como single. En él se notan las diferentes influencias que nutren a la banda, capaces de recordarnos a cualquier banda de rock psicodélico de los 70, sin olvidarnos de los matices noventeros que los hacen parecer unos primos lejanos de QUEENS OF THE STONE AGE, por ejemplo. “Watercolour” y “Graphomania”, siguen esa línea más Grunge de la banda, jugando con sonidos limpios y distorsionados, consiguiendo una atmósfera realmente depresiva.

“Respect Your Icons” es pura rabia Punk con un toque psicodélico de los más adictivo, ¡es hora de ponerse a saltar como un poseso! “The Quick Brown Dog Jumps Over The Lazy Fox”, ¡toma ya el título! Solo por eso ya merece una escucha. Sin ser de los mejores del disco, mantiene el interés y lo incrementa con una parte final realmente magnífica, que me ha hecho recordar nada menos que el “Astronomy Domine” de PINK FLOYD. La canción acústica y opresiva no podía faltar, “I Could Use Some Food”. La voz espectral del cantante y los efectos utilizados, sin olvidarnos de esa especie de acordeón del infierno que suena al final, hacen del tema una pieza oscura e interesante a más no poder. “Stop Sulking” es difícil que nos sorprenda a estas alturas y no lo hace, aún así cuenta con ciertos giros y efectos de sonido en los coros que lo hacen cuanto menos llamativo. “Das Krokodil Will Barfuß Sein“, otra a la lista de títulos curiosos. Una especie de epopeya de punk psicodélico que vuelve a sorprender a nuestros incautos oídos. “Blood Blister” consigue cambiar radicalmente la dinámica y el sonido de todo el grupo. Tema contundente y pesado que recuerda a los BLACK SABBATH de los comienzos. “Extra-Tourette’strial”, otro título ocurrente y otra muestra de Punk rabioso, o como lo definía un buen amigo mío “con malos huevos”. Tema corto, conciso y directo. “Oh, David” vuelve a las atmosferas depresivas del comienzo del disco y, por momentos, las lleva al extremo. Aterrador podría ser un buen adjetivo para definir este tema. “Hunger” parece que da un respiro y utiliza un patrón más happy, más popero al comienzo. Sin embargo tiene momentos lúgubres y casi claustrofóbicos. La canción juega claramente con esa dualidad y la explota al máximo, dejándonos escapar del álbum con una sensación dividida que anima a la confusión. Pero no nos confundamos, BRAIN APE es un grupo a tener muy en cuenta en el panorama actual del Rock Underground y este disco es buena muestra de ello. DAVID IBAÑEZ |

8.5

BULLETBACK (BRA)

THE QUEST FOR NEW HORIZONS AUTOEDITADO, CD 2017 Brasil no es, tradicionalmente, un país demasiado exportador de bandas de Heavy Metal a la escena internacional. De hecho exceptuando un par de excepciones, como podrían ser ANGRA o SEPULTURA, muy distintas entre si, pocos más nombres realmente importantes podríamos sacar a la palestra. Eso no quiere decir que hayan habido, y sigan habiendo, un buen puñado de grupos con calidad de sobras y muchas ganas de dar el gran salto. BULLETBACK podrían ser un gran ejemplo. Heavy Metal de corte clásico, potente, y con un innegable derroche de energía el que nos ofrecen este trío en su disco debut. “Down and out” es un claro ejemplo de riffs

puramente metaleros y velocidad rítmica. Una golosina para cualquier amante del Heavy que encontrará en la voz (y guitarra) de Raphael Gazal un nombre a tener en cuenta. Afiladas vuelven a sonar las seis cuerdas en “The Quest for New Horizons”, corte que da título al álbum, con un acentuada crudeza durante toda su composición, rubricada por un estribillo tremendamente pegadizo y un solo a la vieja escuela. Sigue la tralla con “Battlefield”, sin dejarnos un solo momento de respiro, como si nos estuviéramos en el propio campo de batalla. Un golpe directo al mentón, sin florituras ni parafernalias. Poco o nada le tiene que envidiar “Holy Words”, en la que la voz de Gazal me recuerda en algunos pasajes a la de Blaze Bayley de WOLFSBANE e IRON MAIDEN, aunque con un rango agudo mucho mayor. Crece la épica en “Scream it Out”, ya con los primeros dibujos melódicos de esas líneas de guitarra que arrancan el tema, y un título que se repite constantemente a lo largo del mismo. Uno de esos puntos fuertes que no suele fallar en directo. La base rítmica gana enteros con “Faking”, marcando un compás denso, pesado y muy agresivo, firmado por el bajo y la batería de Aléxis Gallucci y Fabio Buitvidas, respectivamente. Curioso ese interludio que se marcan, mucho más oscuro y tenebroso de lo que nos han acostumbrado a estas alturas, pero que tan solo es un espejismo dentro del trabajo, ya que rompe de forma temprana por el veloz solo de guitarra. Recuperan su vertiente más clásica, en “Rust”, aunque dejen alguna concesión rítmica al más puro estilo METALLICA. “Running Away” es otro de esos temas netamente metaleros, que te empujan al moshpit y a levantar el puño bien alto, especialmente en un estribillo de esos que en seguida se quedan grabados en tu memoria. Contundencia y melodía a partes iguales. Adictivo. Pisan el acelerador de nuevo en “Fire in the Hole”, en donde la base rítmica se alía con los riffs de guitarra para firmar otro corte compacto, aunque con un juego de melodías vocales más elaborado que en otros temas anteriores. El heavy metal más puro sigue en alza con “Where are the Angels”, eléctrica y afilada. El arranque arrollador de “Here I Stand” poco o nada tiene que envidiar a los mejores ANTHRAX, para seguir por una senda de Heavy Power Metal que bebe directamente de la época “Jugulator” de los mismísimos JUDAS PRIEST. No inventan nada nuevo, ni tampoco lo pretenden. Heavy Metal directo, sin adornos ni sorpresas. Quizás ahí este su mayor defecto, ya que es un disco que cumple las expectativas metálicas más primarias pero puede caer peligrosamente en cierta repetición y monotonía. Eso sí, bendita monotonía la de estos BULLETBACK. LLUÍS GARCÍA SOLA |

En NECROMANCE estamos de enhorabuena, puesto que disponemos para la magazine del último trabajo de COFFIN CAROUSEL titulado “Between Death and Dead” de la mano de Eclipse Records. Esta banda procedente de Melbourne se caracteriza por hacer lo que ellos denominan como Horror punk, un estilo musical que rematan gracias a Von Noise a la voz y a la guitarra, Skinny Horror al bajo, Alex Sittcher a la guitarra solista y Leethal a la batería. Este trabajo comienza con “Echoes from the Crypth” un tema introductorio que se caracteriza por tener un ambiente tenebroso dentro de una esfera rockera, con la presencia de solo instrumentos y aún nada de voz para entrar de lleno en “Pale Raven Sky”, primera canción donde Von Noise deja reflejada su voz, muy melódica y pegadiza al ambiente oscuro que presentan los australianos. “Majestic” presenta un toque metal para nada esperado por parte de esta banda. Y es que la presencia de un riff pesado de guitarra destaca en el tema, junto a una batería de lo más contundente. Si tenemos claro el concepto de Doom pop, “Skull Candy” es nuestro tema. Riffs muy cargados de distorsión con ambientes de películas de horror, muy original por parte de la banda. Partiendo de este estilo encontramos también “Black Casino” y “Beyond the plague”. Como hemos citado anteriormente, este trabajo posee toques punk, sobre todo de punk hundido en el más íntimo terror con toques que recuerdan incluso a MARILYN MANSON. Entre estos temas más punk, encontramos “Death Delight”, “Bat shit crazy” o “Delusions”. En otros temas existen toques muy pop al más estilo GHOST , grupo muy actual que lo está dando todo alrededor del mundo. “The crawler” o “So cherry” poseen estos toques siniestros pero a la ve pop que hacen que esta música sea única. “Sleeping Hollow” comienza con un bajo muy pesado y contundente que va ascendiendo de potencia según los instrumentos se van incorporando al tema. Cabe destacar la voz de Von Noise, que en algunas ocasiones parece incluso Troy Sanders. Por otro lado encontramos también temas acústicos, casi baladas como “The coffin” que le dan a este trabajo una gran versatilidad, ya que abarca varios estilos musicales. En este sentido también vemos “Voodoo Riot” y “Carnalveil” con toques al más estilo KORN. “Devils Parade” es el tema más oscuro de todo el álbum, tocando incluso los bordes del Doom metal. Menudos riffs más pesados junto a guitarras cristalinas que nos muestran la grandísima calidad musical por parte de este grupo. Para finalizar, COFFIN CAROUSEL cierra este trabajo con “You keep me Hanging on” un tema muy especial por parte de la banda, que se caracteriza por la contundencia y fuerza ascendente que gana la canción a lo largo de sus minutos. De nuevo, cabe destacar la presencia de la voz de Von Noise, que de nuevo es sobresaliente. En definitiva, nos encontramos ante un disco de una gran variedad musical debido a la gran cantidad de temas (18) y a la genialidad de los músicos que posee esta banda, que podemos calificar de sobresaliente. ÁLVARO CASTILLA |

COFFIN CAROUSEL (AUS)

BETWEEN DEATH & DEAD ECLIPSE RECORDS, CD 2017

COME BACK FROM THE DEAD (ESP)

CARDO DATA VERMIBUS TRANSCENDING OBSCURITY RECORDS, CD EP 2017 Tras tres años de su debut “The Coffin Earth´s Entrails”, los coruñeses COME BACK FROM THE DEAD, nos ofrecen un nuevo EP, esta vez con 4 temas que continúan la senda trazada en su debut. Lo que nos ofrecen es un excelente y pesado Death Metal, de marcadísima influencia sueca de principios de los 90, añadiéndole alguna parte un tanto más Crust, algo más Doom, algún Blast Beat y tendremos la mezcla para hacernos una idea de por dónde suena la banda. Técnicamente la banda cumple a la perfección, suenan compactos y en su estilo no se buscan demostraciones instrumentales majestuosas, pero todos los instrumentos encajan a la perfección y se nota que la banda sabe lo que quiere y cómo quiere sonar. Además, hay que añadir que el sonido es muy bueno, recordando a grabaciones como “Wolverine Blues”, sonido pesado, distorsionado y algo punkarra. Comienza este EP de forma muy directa y agresiva con “Vomits of a Demonic Infestation”, buen tema donde destacan los continuos cambios de ritmo y el vozarrón de Paul, muy en la onda “Clandestine” de ENTOMBED, al menos a mí me lo ha recordado. “Caro Data Vermius” es el segundo tema, algo más pausado y con partes mucho más pesadas y densas, buen ritmo y un poco de aire. “Endless Bloodshed” es otro violento y rápido tema, con multitud de cambios de ritmo y que como el inicial, será el favorito del que busque algo más rápido y virulento. Finaliza el EP con “Carnivorous Carving From Beyond”, para mí el mejor tema de la grabación, un impresionante riff central, con muchísimo ritmo, pesado y muchísimos detalles que decoran el tema en cada momento. Sin duda, un tema de diez! La única pega que se le puede poner a este EP, es su duración, porque estos cuatro temas se hacen muy cortos, del resto, estoy seguro que satisfará las ansias de purulencia sonora y sonidos pesados al cien por cien. Excelente EP y esperando su segundo larga duración con ansias! LUIS MARTÍNEZ |

CORAXO (FIN)

SOL NUM. 46 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 37

ría. Una grata sorpresa que se quedará en mi reproductor por un tiempo. Si te gustan grupos como STICK TO YOUR GUNS, UNDEROATH, COMEBAC KID o TERROR será un fijo en tu discografía. A tenerlos muy en cuenta.

SNOW WAVE RECORDS, CD 2017 Una nueva propuesta nos llega de tierras finlandesas, CORAXO y su segundo trabajo “Sol”, editado a través de Snow Wave Records. El dúo formado por Tomi Toivonen (voz, guitarra y teclados) y Ville Vistbacka (batería), nos presenta un interesante genero basado en el avantgarde metal, creando una música muy cambiante y con muchas atmósferas basadas en un death metal melódico, así como toques industriales y algo black. Y algo de culpa tiene su masterización, realizada por Dan Swanö y las colaboraciones de Chris Amott (exARCH ENEMY) o Peter Huss (SHINING), que aportan ese sonido y ese toque característico en un álbum mucho menos caótico que su anterior trabajo, dejando paso a las melodías y a una lírica basada en el caos de la sociedad y en la creación de nano máquinas que controlan el mundo. Tras una introducción donde el teclado toma el protagonismo, “Your Life, Our Future”, el death metal melódico toma riendas con “Of Stars Reborn”, un corte directo y agresivo donde nos muestran la versatilidad vocal y ese toque atmosférico recreado por las guitarras, destacando por encima de todo el trabajo en la percusión, un temazo para abrir el álbum. “Satellite”, tiene un toque más futurista con los solos de teclados ochenteros, apoderándose del estribillo una épica grandiosa, para continuar con “Helios”, tema más convencional dentro del estilo pero que nos deja un solo de guitarra espectacular, ralentizando el ritmo y un toque heavy muy versátil.“Retrograde”, es oscura y densa, con un sample en segundo plano que inunda las estrofas. La voz de Tomi aquí gira entre los guturales más profundos, pasando a los gritos blackers y susurros narrativos. Ya en la mitad del álbum encontramos un corte distinto, “Revenants”, que bien podría haber estado compuesto por DEVIN TOWNSEND, donde la voz femenina de Elena Cor Tauri (HUMAN DEBRIS), nos recuerda a las colaboraciones de Anneke con Devin; un corte muy melódico y que brilla con luz propia, donde la dualidad vocal y los teclados le dan ese aspecto futurista y progresivo que rompe con lo que veníamos escuchando y nos da paso a la segunda parte del álbum. “Ascension”, sigue ese toque progresivo y rockero, donde una voz rasgada se superpone a unos ritmos de guitarra muy pegadizos y frescos, dejándonos un toque en las voces espectaculares con tonos heavies operísticos y desquiciados, un temazo y otro toque de distinción dentro del género, demostrándonos la creatividad de CORAXO. “Sunlight”, continua con este giro progresivo a lo DEVIN TOWNSEND, que tanto se agradece, dejándonos un corte oscuro vocalmente pero con una música repleta de matices y detalles para escucharla una y otra vez. “Sacrifice Made”, alberga en su interior los toques mas rockeros del disco, con un apartado más lineal y que nos sirve para cercarnos al final del álbum donde se abre “Spearhead”, un tema que me recuerda a SAMAEL o PAIN con ese toque industrial y sus teclados densos y atmosféricos, pero guiados por unas guitarras graves y metaleras. Un gran cierre para un trabajo que me ha sorprendido y que estaré al tanto de sus novedades. JUAN ANGEL MARTOS |

38 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 46

JUAN ANGEL MARTOS |

CRNKSHFT (CAN)

CROWSNEST (SWE)

CRNKSHFT

RATIONAL YOUTH

AUTOEDITADEO, CD EP 2017

MONUMENTS, CD 2017

Los estilos exprimidos ya hace un par de décadas no son solo el placer de los oyentes maduros del panorama, sino también la manifestación joven y musical de artistas asociados a un perspectiva de inconformismo añejo. Siendo su pronunciación un misterio, el grupo canadiense CRNKSHFT hacen gala de su poderío musical con el enfoque antiguo pero vívido de diversos géneros. Y es que cuando una banda se presenta con chupas de vaquero y motocicletas clásicas como adrezo representativo resulta imposible confundirse, estamos ante una formación que adora la magia rebelde que ya no se cultiva en demasía. De su nuevo EP homónimo podríamos decir bastantes cosas, y una de las virtudes que resulta primero es que el vocalista Shane posee una voz que intima con nosotros, adquiere el carisma que muy pocos vocalistas son capaces de recrear y se desfoga con su desgarro pasional. Al estilo de cantantes irascibles pertenecientes al movimiento grunge, como los inmortales NIRVANA o los actuales SEETHER, un enamoramiento inmediato que se vuelve incondicional del que pocos oídos podrán ignorar ese encanto. Los riffs nos transmiten la efectividad rítmica que nos invita al bailoteo y meneo rockero, un dulce y catatónico estado de pesadez metalera y dinamismo melódico adquirido del rock más duro. En cierta manera reivindican un sonido mixto similar al que buscan los daneses VOLBEAT, temas de grandísima fuerza y contundencia estable. El arranque de los seis temas avecina un desarrollo imparable, cual avalancha de energía con notas que se sacuden entre sí, y la progresión satisface el interés que nos genera esta mezcla de muchos matices que ya hemos presenciado en otros trabajos, pero que CRNKSHFT hace suyo con un carácter personal. Gritos de desvarío intensificados por las letras, la rebeldía joven de la instrumentación enviciada con cierto toque de distorsión salvaje, la intensidad de lo que busca ser único ejemplarizado durante 20 minutos de desfogada composición. Un trabajo tremendamente pulido y contundente, incluso tratándose de la versión deluxe resulta corto y demasiado adictivo, los oídos demandan más de un material que escasea como el oro de 24 quilates.

En Suecia también se hace metalcore/hardcore como bien lo demuestran CROWSNEST y su álbum debut “Rational Youth”, tras llevar en activos desde 2013 y lanzar dos pequeños eps. Cada vez resalta más el inconformismo con la sociedad actual, transmitiéndolo a través de la música con garra y agresividad como nos dejan claros estos chicos a través de sus canciones. La visceral y corta introducción “Fake”, da paso a “Snake Eyes” para hablarnos de la corrupción de los líderes mundiales a través de un hardcore de corte muy americano, mezclando unas estrofas muy viscerales con un estribillo repleto de melodías el cual me encanta. Gran culpa de esto tiene los tonos vocales de Adam Hennings, así como las afiladas guitarras de Andreas Larsson y Adam Stjernqvist que a grito de ¡Fight, fight!, despierta las armas revolucionarias. Con “Think” ponen un punto de inflexión, con una primera parte más meditativa y ambiental, para infringir una aceleración brutal a mediados del tema con toques de hardcore/punk. “Fed Up”, enfurece sus guitarras con una base de percusión a cargo de Rasmus Hermansson muy potente, así como el bajo de John Gordon, para continuar con la adrenalínica “Virus”, acelerada apero alternando tempos a lo largo de la composición lo que la transforman en uno de los temas que más me gustan del álbum, donde el metalcore se une perfectamente con ese espíritu joven y revolucionario, transmitido con unos riffs muy potentes, una voz agresiva y poderosa, pero sin dejar de lado pequeños toques de melodías que aumentan la calidad de este temazo brutal. “She Will You Know”, es uno de los temazos del disco, con un inicio preparatorio a base de una voz que recita y te prepara para la debacle, el cambio es bestial para dejarnos clavados con la melodía de su estribillo que contrasta con los riffs graves y directos de sus estrofas. Un corte para escucharlo mil veces. “Mad World” guarda un toque groove en sus estrofas, hasta que el bajo se convierte en protagonista junto a la voz para dejar evolucionar un tema que juega con los silencios, perfecto para dejarte el alma en los directos coreando su estribillo. “Dirty Old Town” es puro hardcore, rápido y agresivo y con letras comprometidas al igual que “Ruined”. La parte final del álbum está comandada por “Take Cover”, con un inicio muy rockero pero que rápidamente da un giro retomando el estilo de la banda, con señas de identidad propia y llevarnos hasta “Everyday Collapse”, tema que pone el cierre al disco jugando con todo lo acaecido durante el mismo. Personalmente no me prodigo en grupos de hardcore, pero CROWSNEST me han convencido de sobra por sus ritmos versátiles, sus cortes melódicos sin dejar la agresividad de lado y un toque original y distinto a la mayo-

NUEL GONZÁLEZ |

8.5

CURSED EARTH (AUS)

CYCLES OF GRIEF VOL 2: DECAY UNFD RECORDS, CD 2017 El grupo australiano CURSED EARTH lanzan al mercado la segunda parte de su álbum “Cycles Of Grief”. Esta segunda parte o segundo EP se titula “Cycles Of Grief Vol. 2: Decay” y sale al mercado editado por UNFD Records. Formados en Perth, Australia, el grupo está compuesto por Jazmine Luders a la voz, Kieran Molloy y Paul Cottrell en las guitarras, Robert Owens al bajo y Sam Forward en la batería. El primer tema que nos encontramos en el disco es “Regression”, tema corto, de menos de dos minutos, que comienza dándonos unos ritmos cargados de intensidad, con unas guitarras muy potentes, y una batería atronadora que sobresale por encima de todo. En la parte vocal nos topamos con unas voces agudas, muy agresivas, que acompañan a la perfección al resto de sonidos. Hacia la parte final, nos brindan con un breakdown bastante agresivo, que sirve como colofón del primer tema. “Grief” suena en cuarto lugar, ya pasado el ecuador del trabajo. Este tema nos abre con unos sonidos extraños que se entremezclan con unas guitarras oscuras, las cuales, crean unos juegos de ritmos con la batería, manteniendo esa oscuridad y creando unas composiciones con sonidos graves. En las voces también nos encontramos con esa variación, escuchando algunos guturales graves sobre el reinado de los gritos agudos. El tema encargado de finalizar el trabajo es “Eternal”, donde las guitarras leves nos dan la bienvenida al mismo. En las voces nos encontramos unas melodías más melódicas, pero con tintes muy oscuros, llevando a la perfección con el resto de composiciones, ya que nos topamos con unas melodías mucho más pausadas, tanto de guitarras como de batería. Todo esto, hace que este tema tome un color muy diferente al resto, acabando el trabajo con buen sabor de boca. Esta segunda parte del disco “Cycles Of Grief” de CURSED EARTH, es la buena continuación y evolución de una primera parte que estaba compuesta y grabada de una manera correcta. Nos encontramos ante un disco bastante agresivo y enérgico, sin sobresalir en exceso, a la par que goza de buena variedad, mezclando sonidos graves con otros más melódicos y agudos que dan como resultado una telaraña de agresividad constante, que gustaran a todos los amantes de los sonidos crudos y rápidos. JORGE DE LA CRUZ |

6.5

DABDA (ESP)

DEADSMOKE (ITA)

FIVE STAGES OF GRIEF

MOUNTAIN LEGACY

AUTOEDITADO, CD EP 2017

HEAVY PSYCH SOUNDS, CD EP 2017

Desde Albacete, nos llega el debut de una nueva banda, DABDA y su trabajo “Five Stages Of Grief”. Un álbum basado en el modelo de Kübler-Ross, que nos muestra las cinco etapas emocionales por la que pasan los individuos antes de morir, pero también aplicable a la pérdida del amor, negación, ira, negociación, depresión y aceptación, los cuales dan nombre a las canciones. “Denial” inicia el álbum y lo que apreciamos a la primera de cambio es una producción un poco embarullada, aunque se pueden apreciar los diversos instrumentos con cierta nitidez (el bajo quizás esté demasiado alto en determinadas fases sobrecargando de graves las composiciones). El tema está repleto de ira y potencia con un death metal melódico por bandera y con unas voces muy interesantes, así como las melodías de guitarras muy ambientales. “Anger”, es más básica y seguimos con el problema de la saturación de graves, así como la poca presencia de la percusión (se nota mucho que no es real), ahora si, este corte tiene un pasaje instrumental muy interesante. “Bargaining” es más interesante, aunque repiten estructura, dejando el bajo solo, como en los temas anteriores. Un buen corte de death, machacón y con unas melodías en segundo plano para explotarlas más, pues son las guitarras y la voz lo que destacan de este corte, así como un pasaje oscuro y misterioso muy bien introducido y que le da versatilidad al tema, que por cierto es el que más me gusta del Ep. La triste y bucólica instrumental “Depression” da paso al cierre del álbum, “Acceptance”, otro de los cortes destacados. Su inicio armónico le otorga mucho cuerpo a la estructura musical del álbum, donde musicalmente este corte es de los que más me gustan, así como las voces de su estribillo, (aunque algún tono diferente no les vendría mal). Otro de los cortes más destacados donde las transiciones están muy bien engarzadas y la versatilidad que le otorgan al tema destaca sobre los primeros. DABDA, tiene potencial, que espero que desarrollen a lo largo de posteriores entregas, destacando las atmósferas y riffs de guitarras, así como unas melodías muy pegadizas como en “Bargaining” o “Acceptance”, los dos temas más destacados del Ep. Por otro lado, haría una recomendación, y es tener al día las redes sociales o información con respecto al grupo, pues me ha sido casi imposible saber quiénes son sus miembros, de donde son o donde se ha grabado, un detalle para los medios de información que nos ayuda a conocer tanto la música como a los grupos. Death metal interesante, que habrá que esperar su desarrollo con el tiempo, ya que nos dejan algunos detalles muy interesante.

Desde Italia nos llega el nuevo trabajo de sludge/doom de DEADSMOKE, “Mountain Legacy” editado a través de Heavy Psych Sounds, grabado, mezclado y masterizado por Fabio en NoLogo Rec Studio. El aura que desprende este trabajo es oscura e inmersa en una espesa niebla, como refleja su introducción “Malevolent Path” repleta de inquietudes y que se funde con “Endless Cave”, decadente y pesada, con un bajo grave y distorsionado que pone una base inconfundible para adentrarnos en la ínfima profundidad de una cueva habitada por el trío italiano formado por Matteo en las guitarras, Maurice en la percusión y Gianmaria en el bajo. Un tema profundo y lento, donde una voz lejana se abre paso lentamente entre la maraña de sonidos, que continua en “Hiss Of The Witch”, escondiéndonos en su parte central una especie de ritual o misa negra, con voces y coros en un tema que pondrá nuestros nervios a flor de piel. “Emperor Of Shame”, es más movida y aceleran el tempo de su música para dejarnos un sludge más abierto con toques de rock, dotando de variedad a su trabajo y rompiendo un poco con los temas oscuros y pesados iniciales, donde el doom se hace dueño y señor de la estructura musical, un gran tema que cuenta con la flexibilidad vocal de gritos, guturales y voces limpias. El tema principal del álbum es el aislamiento personal, la ilusión del silencio y la lejanía de la sociedad, “Wolfcurse” lo transmite en cierto modo, con su lenta percusión y su ya clásica distorsión, pero entremezclando toques de psicodelia que engrandece la estructura compositiva, pero sin dejar de lado ese halo misterioso que envuelve sus temas y que nos traslada al último combo, la siniestra instrumental “Forest Of The Damned” y la magna “Mountain Legacy”, donde a lo largo de sus casi diez minutos, desarrollan todos sus espectros musicales, desde el doom inicial, hasta el sludge central y un final donde los toques de psicodelia y rock quedan marcados en nuestras neuronas en el tema más completo de DEADSMOKE y que sin lugar a dudas pone un broche por todo lo alto.

JUAN ANGEL MARTOS |

DECATUR (CAN)

BADDER THAN BROOKLYN

AUTOEDITADO, CD 2017 Hoy en NECROMACE os traemos una banda de metal de lo más innovadora, ellos son DECATUR y nos presentan su trabajo “Badder than Brooklyn”, disco que ha sido totalmente autoeditado. Esta banda procedente de Toronto está compuesta por 4 jóvenes canadienses que se dedican exclusivamente a escribir buenas canciones de metal con una gran energía para entregarlo todo en los conciertos y dar lo mejor de sí mismos. Su trabajo comienza con “Internal War”. Un tema que empieza a toda caña, demostrándonos desde la track 1 de que van estos canadienses. Podemos ver riffs muy duros y veloces en este tema, además de voces muy guturales que nos recuerdan a grupos como BULLET FOR MY VALENTINE o TRIVIUM. Si buscábamos algo de thrash metal, lo tenemos en “Into the night”. Menuda manera de comenzar el tema, vaya forma de octavar las guitarras, mezclar la contundencia del bajo y la batería con la voz, impresionante. Comenzamos a ver toques sureños con “Vegas girl”, un tema con unos riffs muy potentes, que nos llegan a recordar incluso a BLACK LABEL SOCIETY. Podríamos afirmar que este tema te hace conducir con tu harley por los estados sureños americanos. “Worst enemy” es un tema cargado de sentimiento y rabia, en el cual la banda canadiense intenta explicar ese estado de furia en el que se encuentra a través de una espectacular voz y unos instrumentos de lo más pesados. Siguiendo un mismo esquema estructural, encontramos “ Badder than Brooklyn” que le da nombre a este trabajo. Sin duda alguno es uno de los temas que más debemos destacar, debido a la potencia y energía expulsada por el grupo a lo largo de los casi 4 minutos de duración. “Bottled Inside” es un tema muy especial y es que tiene cierta coincidencia con el estilo musical de CHILDREN OF BODOM, algo que nos asombra en este disco, que hasta ahora tenía un sonido muy americano. Este hecho, personalmente, hace que el disco gane más puntos, pues muestra a la persona que lo oye la versatilidad del grupo. Por otro lado, encontramos “Abbadon” y “Tear you” que son dos temas progresivos, si ponemos nuestra mira en grupos como MASTODON, estos dos temas tienen mucho que ver y se notan las influencias claramente. Podríamos decir que además de este estilo algo progresivo, también poseen unas partes metalmente hablando brutisimas. De sobresaliente la manera en que se compactan los riffs de guitarra con los bombos de la batería. “Shaterproof” es el mejor tema del álbum de largo. Menuda fuerza poseen los estribillos de esta canción, que hace que nos vengamos arriba en cuestión de segundos. Las guitarras suenan demoledoras que junto a la voz rasgada harán que nos exploten las entrañas. Para finalizar el disco, los canadienses nos ofrecen un tema instrumental que va de menos a más. Comienza con unos limpios casi acústicos de guitarra, a los que se suma el bajo y batería, pero terminar rompiendo con distorsiones y un espectacular solo de guitarra. Sin duda alguna, una gran forma de poner los pelos de punta para terminar este trabajo. DECATUR es una banda que nos ofrece metal muy duro, pesado, con grandes riffs y que expresa una rabia y potencia muy similar a las grandes bandas mundiales que conocemos hoy en día. No titubeamos al decir que con este disco conseguirán llegar a grandes festivales.

ÁLVARO CASTILLA MEDINA |

8.5

DEUS OTIOSUS (DNK)

OPPOSER GREAT DANE RECORDS, CD 2017 Si no he contado mal, este “Opposer” es el cuarto álbum completo para esta formación danesa, que responde con su música de la mejor manera a la definición de death/thrash metal. Según ellos mismos con la etiqueta “old-school” en su haber, aunque en este lanzamiento más bien parecen de nueva hornada. Parte de la culpa la tiene la producción del disco que es…demasiado limpia, creo que es la definición exacta, le faltan graves al sonido (especialmente a la batería) y aunque todo se entiende a la perfección (incluido el bombo y las líneas de bajo), le resta potencia al conjunto global y eso en el género que practican… También están las guitarras, en general todas ellas poseen una mezcla equilibrada entre riffs thrashers y death metal pero de baja calaña. Tienen una base digamos tipo UNLEASHED o PESTILENCE (era “Consuming Impulse”) que intercalan con influencias de MESHUGGAH, GOJIRA…con esos clásicos “stop ‘n’ go” y partes “groove”. De acuerdo que hasta podría decir que son en cierto modo originales o mejor dicho, que se salen de la norma general, pero a muchos de ellos les falta gancho sin lugar a dudas y se suceden uno tras otros sin despertar demasiado interés. Lo mejor de este trabajo es el vocalista, brutal, gutural, con voz cavernosa y poderosa, ya estaba temiendo alguna voz melódica y/o limpia pero por suerte no, ni de lejos. También los solos de guitarra son bastante decentes y endulzan las canciones con su presencia aquí y allá. Los mejores momentos están presentes en cortes como el que abre este plástico, “Kneel”, un ataque rápido y directo, “Disturbing the Dead” que a pesar de ser un tema digamos estándar, tiene su gracia debido a esas paradas/arranques, que le hace mantener viva la atención del oyente. Igualmente “Greater Horror”, intenso y con algo de melodía, que hace pensar en la escena de Göteborg sueca, “Towering Flames” por su parte, incluye unos teclados esporádicos dándole un buen resultado al conjunto. La mezcla y masterización la ha realizado Rasmus Toftlund (SPITANGER, DECAY OF EXISTENCE, THE PETULANT…), en sus Fast Beat Studios de Dragør (Dinamarca), quien ya había trabajado con la banda como productor en su álbum “Rise” y en el EP “Sis Mortuus Mondo” de 2014 y 2015 respectivamente. Tras su paso por varias discográficas underground, este “Opposer” ha sido lanzado por el sello francés Great Dane Records (SEPULCHRAL, DEATH CONTROL, CARCARIASS…), que mucho me temo que verá como esta obra no llega demasiado lejos. ROBIN RM |

5.5

DOM ZLY (POL)

DOM ZLY UNQUIET RECORDS, CD EP 2017 Vivimos tiempos en los que bandas como NAILS, ALCEST o WOLFBRIGADE son grandes referentes dentro de lo que es el panorama Extremo mundial. Sin tener nada que ver (al menos aparentemente); nos muestran dos de las múltiples caras de este inficaedro que es el la música. Es entonces, cuando en 2017 llegan desde Polonia DOM ZłY; como un vértice en el que se fusionan estas vertientes. Krzysztof D (voz), Grzegorz K (batería), Łukasz W (guitarra), Mariusz A (bajo) y Grzegorz N (guitarra); son los encargados de dar forma a este buldócer poláco. “Dom Zły” es su EP debut, lanzado en formato físico el 13 de Octubre por el sello Unquiet Records. Sin duda, una buena dosis de brutalidad y macarrismo. Tras una pequeña intro, “Bór” machaca a ritmo de Post Black Metal con una percusión digna de un grupo de Grindcore. Las líneas de guitarra tienen un corte extremadamente gélido; que acaba derivando a tonos más propios del Hardcore Melódico durante los bridges. Con un claro contraste rítmico, se pone en juego el D-Beat con “Psy”. La batería tiene que pisar el freno, mientras las guitarras lloran emotivas líneas; creando una base perfecta para que Krzysztof despedace las letras con sus cuerdas vocales. “Tramp” es uno de los puntos más Crust de todo este “Dom Zły”. La crudeza, recuerda al sonido del Crust escandinavo; donde los ritmos galopantes y medios tiempos sirven para desplegar una nube de desoladora agonía. El lado más sentimental de la banda queda plasmado en “Dom Zły”; donde una explosión de Grind-Crust, sirve para conducirnos a un interludio de lo más depresivo y decadente. Imposible no pensar en el Post-Black metal de bandas como PSYCHONAUT4 o HARAKIRI FOR THE SKY; sobretodo durante este interludio y la segunda parte del tema; dominada por los

blast-beats y guitarreos afilados. Esta línea se mantiene durante los primeros instantes de “W noc”, para acabar mezclándose de nuevo con elementos más propios del Hardcore. Un tema de 8 minutos, que marca el final de este “Dom Zły”. El artwork es un elemento muy cuidado dentro de esta edición. Obra del ilustrador Kuba Sokólski, que ha trabajado para bandas como YOB o BATUSHKA. DOM ZłY son una banda con un futuro muy prometedor; esperemos que este trabajo sea el comienzo de una larga y fructífera carrera musical. Si lo tuyo son bandas como KHMER, TRAGEDY o NAILS; este trabajo te enamorará. PABLO VÁZQUEZ |

DRAKONIS (IRL)

THE GREAT MIASMA HOSTILE MEDIA, CD EP 2017 DRAKONIS desde Irlanda del Norte, nos traen su nuevo EP titulado “The Great Miasma”, desarrollando en más profundidad su intenso y poderoso Black/Death Metal. Fueron un proyecto solo de estudio hasta 2015 cuando decidieron salir a escena, realizando un gran espectáculo visual. Pintados como muertos, típica pintura del Black Metal, sangre, calaveras, clavos, cota de malla, etc. Todo eso y más para aumentar el espectáculo en vivo. Tras ir cosechando un gran éxito por crítica y público de su primer EP “Ravens Fuel The Sky”, las críticas empezaron a pedir un LP sólido de la banda, pero DRAKONIS decidió aplazarlo para sacar este nuevo EP, haciéndolo un trabajo más gigantesco y completo en los tres temas que nos ocupan. Por lo tanto, “The Great Miasma” surgió, un nuevo concepto basado en una historia que abarca 3 canciones. Cada canción nos lleva a través de un capítulo diferente, siguiendo el sacrificio ritual, la posesión y la ira de una niña para apaciguar a un dios antiguo. Cada uno de los temas será acompañado por un video musical altamente visual, impulsando la historia, haciéndonos sentir como que estamos viendo una película y que la

música solo intensifique el apartado visual. Solo cuando los 3 videos se hayan lanzado y se hayan reproducido en orden, la historia se aclarará. La pista de apertura “The Great Miasma”, canción homónima al disco, empieza con una niña hablando con un sonido de fondo que nos incorporara a los segundos unas guitarras intensas y oscuras, pero muy melódicas y se mantendrán en este espíritu a lo largo de todo el tema, salvo en algunas partes donde a base de unos riffs afiladisimos, nos aportarán poder al tema. El trabajo de la batería, las guitarras y el teclado es excepcional, mientras la voz solo aporta poder e ira. Este tema me recuerda mucho a bandas como BURZUM o IMMORTAL. En “Let Us Pray” nos encontramos con una pista más acelerada, mucho más completa con ritmos de explosión y guitarras de trémolo. El ritmo de la canción se mueve aún más rápido en torno a la marca de dos minutos y medio, sentí que la acumulación hasta el interludio lento era obra de un genio, especialmente por las guitarras trémolo y las rapides del doble bombo, que solo hacían intensificar el impacto de las voz. Este tema me recordó enormemente a la fórmula de TAAKE. Para mi el mejor tema del disco. La canción final, “Queen of Swarms” durará siete minutos, y es la más sorprendente. Hay un interludio acústico, una sección de blast beat, pero quizás lo más interesante es la guitarra más melódica que se encuentra en la segunda mitad del tema. En general, aprecio cómo esta banda sabe si algún segmento puede volverse obsoleto o repetitivo, y por lo tanto, cambian pequeños detalles para mantener las canciones frescas e interesantes. Con este nuevo lanzamiento, DRAKONIS están listos para llevar las cosas al siguiente nivel y aspirar a llamar la atención internacionalmente. El mayor problema que le encuentro al EP es que al final, te sabe a poco y es que hablamos de que está compuesto por solo 3 temas que nos lleva 18 minutos escucharlos. Aun así, al durar tan poco, incita a darle unas cuantas escuchadas para descifrar todos esos pequeños detalles ocultos. Recomendado para amantes del buen Black Metal, aficionados a bandas como las mencionadas antes o BEHEMOTH y/o GORGOROTH. RUDY PERTU |

DRAGONHAMMER (ITA)

OBSCURITY MY KINGDOM MUSIC, CD 2017 Italia es una tierra que ya ha mostrado una clara efectividad en los trabajos del género que representa cabelleras largas que portan guerreros mata dragones, el power metal. No debe de haber individuo que no conozca a RHAPSODY y su “gloria perpetua”, y también tenemos, en un escalón de popularidad más abajo, a los grandes músicos de DGM. Pero en esta ocasión estamos ante otra banda con una gran trayectoria a sus espaldas en nuestro punto de mira, DRAGONHAMMER. Con tres álbumes estrenados desde 2001, la obra “Obscurity” viene para recuperar la grandeza que muchos pudieron ver en los inicios de la formación, aunque eso sí, por mucho que el título de a entender cierto tenebrismo impreso en la obra, lo cierto es que la voluntad de su música sigue aferrada a una exaltada ejecución melódica. Con la introducción “Darkness Is Coming”, la sintetización ya se presenta en la antesala de lo que será la pasional obra power metalera que ha construido DRAGONHAMMER para rematar este año 2017. De riffs intensos y crepitantes, la forma de ejecutar las virtudes de las guitarras es bastante plural, un carácter adquirido de los tintes progressive que se muestran con medida deliberación, siendo más una propiedad secundaria que primaria, pero que consigue aportar lo suficiente a un trabajo que ha quedado bastante curioso. Probablemente el elemento más contundente y ejemplar en su ejecución sea el piano electrónico, protagonizando buenos pasajes de volumen amplificado y timbre peculiar, acercándose al clavecín pero no tan agudo, y en otras secciones en las que de verdad efectúa un papel de acompañamiento utiliza una reconocible línea progresiva setentera, y en el resto de ocasiones desenvuelve de manera rauda una cautivadora energía power. La locura épica es un don propio del disco, la

pasión de buena parte de los temas es descarada y los retoques matizados que se usan de vez en cuando (como los coros de la última canción homónima) no exageran hasta resultar irrisorios, tal y como ha ocurrido en producciones excesivamente hollywoodienses de power metal sinfónico. La preferencia de la banda en recrear un estilo clásico es muy notoria y, quizás, abarca demasiado la sonoridad del álbum. No estamos ante un claro caso de “copy & paste” que tantos grupos han optado realizar en una vergonzosa muestra de dejadez por la música original, de hecho, los toques únicos en lo que viene siendo la interpretación melódica de algunos instrumentos están ahí, DRAGONHAMMER demuestra querer aportar algo al clasicismo heavy, pero hay riffs y ciertos énfasis compositivos que nos suenan, que sin duda podemos recordar como un déjà vu de un melenudo sacudiendo su cabeza en infinitos remolinos. Pese a este defecto (asentado en el conjunto de partidarios de la década de los 80) no podemos negar que la banda italiana ha erigido sus temas con intensidad y que, seguramente, el nivel esté a la par de su primer larga duración, “The Blood of the Dragon”, y es muy notable su eficacia a la hora de presentar un contexto de vertiginosa adrenalina. NUEL GONZÁLEZ |

“Circles”, acelerando los tempos e introduciendo algunos blast beats pero a medio tiempo. “Dark Blue”, nos da un respiro antes de llegar a la parte final, con una sonata nocturna instrumental donde los teclados ponen un énfasis atmosférico muy marcado, acompañado de unas melodías en segundo plano donde los trémolos y las armonías son marca de la casa. “Bright Eyes”, es otro de los temas más destacados de este trabajo, muy compacto y melódico, pero con un toque de distinción, un leit motiv recreado por un riff de guitarra más agudo que el resto, que marca toda la composición, repleta de variantes y cambios suaves y técnicos, que harán una delicia escucharlo una y otra vez. El cierre a este gran trabajo lo pone “Just Like Rain”, que resume a la perfección la ambición musical de DREAMSHIFT, post black metal de alta calidad y con un gusto personal muy especial, donde las canciones con partes más agresivas, remarcan ese espíritu con partes instrumentales repletas de matices que nos devuelven a nuestra paz interior. Un gran trabajo debut, que nos deja con muy buenas sensaciones de cara a próximas ediciones. JUAN ANGEL MARTOS |

EASY LIFE (AUS)

THERE CAN’T BE THIS MUCH WATER IN THE SKY UNFD, CD EP 2017 DREAMSHIFT (DEU)

SECONDS STF RECORDS, CD 2017 A través de STF Records, nos llega el debut de DREAMSHIFT, “Seconds”, un proyecto de un solo hombre que nos traslada sus inquietudes de envejecer en una sociedad corrompida y repetitiva a través de una mezcla de post rock y black metal atmosférico, en línea con DEAFHEAVEN, OATHBREAKER… “Flowers” abre el álbum de una forma muy positiva, con una melodía limpia de guitarra muy placentera, para desarrollarse en un tema marcado por las armonías y las atmosferas que encajan a la perfección con los cambios blackers que le imprime, alternando pasajes cinemáticos, con el post rock y unas partes instrumentales preciosistas que incluso a veces me recuerdan a NORDIC GIANTS. “Growing Up”, tal y como su nombre indica crece desmesuradamente a cada paso estructural, uno de los temas del álbum, que trabaja con los cambios de ritmos y unos riffs de guitarras muy ambientales, intercambiando los tempos y los ritmos para hacerte reflexionar con elegancia, con una parte central que es una delicia. Tras el puente creado por “Everithing”, donde una voz cinemática pone su particular narración acompañada de la dulce y nostálgica melodía de un piano, se une a la blackmetalera “Remember”, que sigue una melodía enigmática continua, hipnotizándonos por momentos y transcurriendo con una soltura magnifica, que coloca un poco más de agresividad en 42 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 46

Desde UNFD Records, nos llega el Ep debut de la joven banda EASY LIFE bajo el nombre “There Can´t Be This Much Water In The Sky” desde la ciudad australiana de Shellharbour y nos demuestran una vez más que desde uno de los más jóvenes continentes nos están llegando grandes grupos de metalcore como NORTHLANE, PARKWAY DRIVE…, de los que beben directamente. “Light Me Up” da el pistoletazo de salida y la verdad es que es un gran tema que rápidamente te absorbe con sus melodías y un gran estribillo, donde la música suena poderosa pero repleta de armonías y una atmosfera repleta de sentimientos, que engancha desde la primera escucha y te hace volver a ponerla de nuevo tras finalizar. “I´m Fading Away”, nos presenta un mediotiempo con toques hardcore en sus estrofas, mientras que “21”, es un tema lento, donde predomina las voces limpias y las ambientaciones, con un gran trabajo del bajo creando una base muy firme sobre la que se apoya el resto de instrumentos en un corte muy emotivo y de corte emocional, una especie de balada core americana. El cierre de esta presentación lo pone “I’ll Leave You Behind”, con unos riffs muy directos y groveros, los cuales endurecen por momentos su estilo, jugando con los silencios y un toque hardcore/punk muy agresivo dejando una parte central donde la melodía, la bajada de tempo y la voz limpia recupera el aliento, para ir creciendo y acelerándose tras el parón. EASY LIFE, crean un gran debut, sin reinventar nada, pero con temazos como “Light Me Up”, mi favorita o “I’m Fading Away”, que

mantendrán mi radar activo para sus futuras composiciones. JUAN ANGEL MARTOS |

EXHUMED (USA)

DEATH REVENGE RELAPSE RECORDS, CD 2017 El veterano combo estadounidense de Death Metal / Goregrind EXHUMED están de vuelta. Iniciaron su carrera en el ya lejano año 1990. Desde entonces, han publicado un buen puñado de Demos y Splits, además de lanzar 7 discos de estudio. Obviamente, en esta reseña nos centraremos en el que será su octavo Larga Duración “Death Revenge”, que verá la luz el día 13 de octubre de 2017 vía Relapse Records. El line up es el siguiente: Matt Harvey (guitarra y voz), Ross Sewage (bajo y voces), Bud Burke (guitarra solista), Mike Hamilton (batería). Parece que fue ayer cuando con unos aproximados 21 años un buen amigo me pasó el “Anatomy Is Destiny”. Por aquellos entonces, este humilde redactor estaba más centrado en las primeras bandas de Thrash y Death Metal, y buscaba de forma general que hubiese una frescura compositiva, cosa que no encontré en estos americanos. No me mal interpretéis, ese disco en cuestión me gustó, pero no llegó a entusiasmarme. La influencia de CARCASS era tan evidente que me resultaba insultante. Pero claro, aquellos eran otros tiempos, y casi se podría decir que otro yo. Desde entonces, a decir verdad, les perdí totalmente la pista. Los años han pasado, y cuando vi que su esperado nuevo L.P llegó a la redacción de Necromance me asaltó la curiosidad, haciendo que me encargase yo de la reseña del susodicho. Hermanos, tengo que confesaros que he disfrutado sobremanera con esta obra. La intensidad no baja ni un solo instante, y a pesar de que el influjo de los padres del Goregrind sigue estando más que presente, la solidez de las composiciones es incontestable. Además, han incluido ramalazos de DEATH y SLAYER en su propuesta, e incluso un punto de técnica extra si la ocasión lo requiere. Con esta premisa solo pude hacer una cosa: reverenciar lo aquí exhibido. Que alegría me he llevado de verdad. Es curioso, los proyectos que forma Matt Harvey carecen de personalidad, pero les sobra gancho, y si no que se lo digan a su otra banda GRUESOME. La producción es simple y llanamente perfecta. adjuntando un artwork que parece salido de la caratula de una película de terror de serie b. Los riffs cortan más cabezas que una guillotina en Francia en 1789. Los hallamos fluidos, pesados y en ocasiones a doble armonía y a una cuerda. Todo ello lo aderezan con unos solos precisos, a veces melodiosos y siempre potentes. Como era de esperar, en cuanto a registros vocales se refiere, nos topamos con la doble tonalidad del predominante gutural agudo

rasgado entremezclado con latigazos de cavernosos growls. La batería sorprende por sus cambios de velocidad rasantes. Madre del amor hermoso que gran trabajo hace Mike Hamilton a los parches. Personalmente destacaría “Night Work”, “Unspeakable” y “A Funeral Party” por las siguientes razones: “Night Work” sorprende por ese canje de dirección sobre la mitad del track. ¿Queréis saber más?, pues escuchadla. El instante de elaboración en las “hachas” llega en “Unspeakable”. Poca broma, estos tipos saben tocar y lo demuestran con creces en esta canción. Con “A Funeral Party” se os caerá los palos del sombrajo gracias a los punteos. ¡Qué bestia camaradas! Amigos, debéis… que digo debéis, TENÉIS que comprar obligatoriamente este plástico. JESÚS MUÑOZ CABALLERO |

EXSOM (ITA)

ROUNDTRIP AUTOEDITADO, CD EP 2017 Presentación en forma de EP de la banda italiana EXSOM, procedente de la bella Lugano, y con unas ganas (y formas) tremendas de comerse el mundo. Un trabajo heavy, intenso y potente, de tan sólo cinco cortes, pero que deja las intenciones muy claras. Su sonido bebe de las aguas más tradicionales del Heavy Metal europeo pero con una puesta apunto, con una producción y un espíritu mucho más moderno y actual, acorde a los tiempos que corren. “Roundtrip” es la encargada de abrir el trabajo, corte que, por cierto, le da título al mismo. Metal rápido, poderoso, con una base rítmica muy potente y riffs de guitarra a cargo de la dupla Tullio Roccasalva y Juri Vukusic muy afilados, pero repletos de melodía. Cabe destacar la capacidad vocal del agudo registro de Stefano Dell’Ava, que demuestra en cada verso y estribillo la facilidad con la que logra alcanzar las notas más altas. Y “The Window” es un claro ejemplo. Una composición menos acelerada, más contundente, y con unos dibujos de guitarra que sirven de preludio a un estribillo muy logrado. Aunque hablando de riffs no nos podemos dejar en el tintero el que da inicio a “It’s Not The End”. Aquí se alejan un poco de la zona de confort que les otorga su corte más clásico, para adentrarse en unas tonalidades sonoras y compases propios del metal más vanguardista. Recuperan la senda del Power más melódico en los primeros pasajes de “Myself And I”, construida bajo un aura mística propia de bandas como KAMELOT. Eso sí, a nivel vocal poco tienen que ver, y es que la voz de Dell’Ava está más próxima de algunos de sus compatriotas como Fabio Lione. Quizás el acento influya en esa sensación, aunque poco o nada se le puede achacar a su inglés. Tema denso, en el que las guitarras vuelven a brillar y nos dejan un solo veloz, que se va desacelerando sin perder un ápice de energía. Finalizan con “I Scream

You Bleed”, que como podréis adivinar por su título, suena demoledora. Gran parte de culpa recae en la imponente base rítmica firmada por el bajo y la batería de Piter Ferrari y Uoue Sedili, respectivamente. Una carta de presentación notable, a falta de ver que son capaces de ofrecernos en un álbum completo. Si su directo está a la altura de su trabajo en estudio, habrá que seguirles la pista. LLUÍS GARCÍA SOLA |

7.5

biera pasado al Metal Extremo. Un álbum conceptual que, influenciado por la naturaleza y la geografía, demuestra que todavía hay muchas ventanas por abrir y explorar dentro del género extremo. Marcela Bolívar es la encargada del artwork de la portada; habiendo sido la propia Isabel Restrepo la modelo para esta. Este “Solar Time’s Fables” es un trabajo muy interesante para cualquier amante de bandas como AGHORA o GORDIAN KNOT. Todos aquellos aficionados a bandas como YES o GENESIS en busca de sonidos algo más extremos, pero en una línea conceptual. O simplemente alguien que desee expandir su mente hacia este amplio mundo que es el Avant-Garde. La música de FABULAE DRAMATIS solo tiene una norma… “NO HAY NORMAS”. PABLO VÁZQUEZ |

FABULAE DRAMATIS (BEL)

SOLAR TIME’S FABLES AUTOEDITADO, CD 2017 El 19 de Septiembre de 20017, la banda belga FABULAE DRAMATIS muestra al mundo su segundo elepé: “Solar Time’s Fables”. Con un line-up de lo más complejo, formado por: Isabel Restrepo (voz, sitar, harmónica, programación, teclados, letras y composición), Daniel Díaz (guitarra, bajo y composición), Hamlet (bajo, voz, teclados, programación, letras y composición), Isadora Cortina (voz, programación, teclados y composición), Maxime Moreira (batería) y Wesley Beernaert (voces y letras). Esta claro que nos enfrentamos a una banda que ha trazado una tangente a lo establecido. FABULAE DRAMATIS nos traen 49 minutos de Avant-Garde Metálico; distribuido en un total de 11 historias cargadas de sentimiento y pasión. Ya con su primer tema “Agni’s Dynasty (Fire I)” muestran su clara influencia extrema. Las voces guturales y la contundencia golpea de lleno; pero sin dar la espalda a las progresiones enrevesadas y el lado más melódico. Con este tema FABULAE DRAMATIS dejaran a más de un oyente algo atónito, ya que cuesta enganchar al principio con este trabajo; pero resulta difícil escapar una vez que lo hayas hecho. Para mi gusto, los distintos registros masculinos de voz se quedan atrás algunas veces; mientras que las voces femeninas gozan de una calidad muy superior. Este trabajo tiene cortes muy buenos además de ideas realmente originales. “Sirius Wind” tiene un cierto regusto a bandas como AGHORA o CYNIC (en su etapa como PORTAL). Las melodías de saxofón de esta canción una verdadera maravilla; al igual que los juegos a dos voces, que entremezclan el gutural y las voces limpias femeninas. Junto a “Coatlicue Serpent Skirt (Earth)” son dos de mis temas favoritos de este “Solar Time’s Fables”. El Jazz y el Metal más cercano a la Fusión dejan una impronta verdaderamente magnifica; con arreglos instrumentales muy enriquecedores. “Forest” es una clara demostración de recursos y creatividad, en los que la banda se vale del sitar e instrumentos de percusión, para crear todo un espectro sonoro. Con “Roble Para El Corazón (Wood)” FABULAE DRAMATIS te trasladan al mismísimo Buenos Aires; donde el acordeón consigue mecerte en una cuna sonora con aroma a bosque. Por un instante parece que RAUL BARBOZA se hu-

FINGERS TO THE BONE (ITA)

BURNING IT DOWN INDELIRIUM RECORDS, CD EP 2017 El primer EP de la banda italiana FINGERS TO THE BONE lleva como nombre “Burning it Down”. Seis temas de potentisimo hardcore que son editados por el sello discográfico Indelirium Records. Formados en 2016 en Bolonia, Italia, el grupo está compuesto por Peter a la voz, Max en la guitarra, B.E. al bajo y Zoppy en la batería. “Broken Fingers” es el primer tema que nos encontramos en un trabajo, que comienza con mucha fuerza, mediante unas melodías agresivas, y una voz gutural que se mantiene en alto durante todo el tema. Nos topamos con unos ritmos bastante rápidos, que se van alternando con otros más agresivos, haciendo una combinación bien ejecutada y compuesta. Pasamos “Burning it Down”, tema que da nombre al trabajo, y donde en menos de tres minutos nos topamos con un tema bastante contundente, con unas líneas de bajo muy interesantes; para meternos de lleno en The Threat is Real“ que nos adentra en el tema con un bajo distorsionado, que nos augura un tema agresivo. Y asi es, nos damos cuenta en cuanto empiezan a sonar los primeros gritos de la voz, que son aderezados con guitarras contundentes, que componen unos riffs rápidos, con muchos cambios según avanza el tema, pero que mantiene una buena agresividad, al contrario de “Neversleep”, donde las líneas de bajo toman un mayor protagonismo, haciendo que el tema suene de manera diferente e interesante. “If There Is a God” y “What I Am” es el último par de temas que nos encontramos, correspondiendo a temas cortos, pero con mucha intensidad, sobre todo en el primero, donde las melodías rápidas hacen acto de presencia durante toda la canción. En el tema final, llaman la atención unas guitarra y bajo, que realizan una buena ejecución de unos riffs finales, donde destacan con una gran agresividad, y se encargan de poner el broche final a un buen trabajo.

Esta primera aventura de FINGERS TO THE BONE se trata de un trabajo con una buena solidez, donde las composiciones están bien pensadas, consiguiendo transmitir una gran fuerza en cada compás. Sin embargo, en ocasiones peca de repetitivo, sin dejar de ser interesante, pero llegando a colapsar en ciertos momentos. Un repaso a la producción tampoco estaría mal, porque aunque suene bien, con un sonido bastante peculiar, algo puede mejorar, aunque hay que decir, que el bajo suena espectacular. Sin duda, hay puntos a mejorar, pero también tienen partes buenas, donde la ejecución y la composición juegan muy a su favor. Puro hardcore, bastante rápido y agresivo; merece la pena darle una escucha. JORGE DE LA CRUZ |

FLAMES AT SUNRISE (ESP)

BORN IN EMBERS AUTOEDITADO, CD 2017 Tenemos el placer de poder hablar del último trabajo de FLAMES AT SUNRISE, “Born in Embers”, presentándonos su fabuloso y poético Modern Metal con toques de Metal Alternativo y Gothic. El álbum comienza con “Embers”, una intro atmosférica en la que Eve Nezer, nos deslumbra con su potencia lírica, recordándonos este tema a canciones que podemos encontrarnos en series de prestigio como son “Vikings” o “The Last Kingdom”. Luego viene “Dolmen” y aquí podemos admirar el poderoso sonido de esta banda. Es una canción con mucha garra que mezcla diferentes estilos como son el Nu Metal, Rock Alternativo con su predominancia de Gothic Metal. Su vocalista, que como ya iréis viendo me tiene maravillado por su calidad vocal, alterna bien entre cantar en limpio y gutural. también destacar los riffs que son impresionantes y agudos, haciéndolos fluidos y dándole peso al tema. Además, la canción tiene muchas variaciones, una estructura bastante compleja con diferentes cambios de velocidad. Su siguiente tema es “Ark Flesh”y aquí empezamos con emocionantes riffs técnicos que abren el apetito mientras entran otras atmósferas góticas abriendo el apetito para cuando comienzan las voces limpias y luego los guturales. La voz juega con diferentes tonalidades, tempos y estilos líricos demostrándonos todo el arsenal que puede desplegar en tan solo 4:41 min que dura el tema. No me extraña que fuese escogido como sencillo del álbum, lo tiene todo para pegar un buen golpe en la mesa para decir al mundo quienes son y de lo que son capaces de hacer. En “Dark Ages”volvemos a comenzar con una melodía de guitarra rítmica que juega con una melodía alegre que nos lleva con un estilo más cerca del Hard Rock mezclado con sus influencias del Gothic Metal. El estribillo es simplemente pegadizo haciéndonos tararearlo inconscientemente. En su quinto tema nos encontramos con “The Myth (Eurydice’s Death)” una semi balada muy interesante que nos cambia el tempo hasta

ahora usado para relajarnos y demostrarnos que pueden jugar a todos los juegos y salir victoriosos.El liderazgo del vocalista es increíble, acompañado por un notable solo. En “Never Coming Home” seguimos con ese ritmo lento con una melodía excelente a la guitarra, intensa, melódica hasta el punto de que ronronease como un gato. Un precioso “outro” para dar paso a “Shades Falls Into Oblivion” esta vez nos embarcamos en el estilo del Nu Metal y a base de cantar rap nos abren el tema para luego volver tras unos guturales al estilo clásico obtenido en el álbum. La canción cambia de estilo muchas veces y parece apuntar a desorientarnos, como suele ser el caso en las canciones de FLAMES AT SUNRISE donde se mezclan tantas cosas diferentes. Por ejemplo, hacia el final hay una especie de pasaje lírico como el de la intro bellísimo, volviendo a descolocarnos.. Hacia el final del álbum viene el espléndido “III Faces” . Esta es la mejor pieza del álbum en mi opinión, la que es realmente intrigante, una pieza que es abrumadora a cuánto mezcla de estilos. Y es que esta es de esas canciones que repetirás una y otra vez para irle sacando todos y cada uno de los secretos con una sonrisa boba en la cara de lo bien hecha que está. . Para cerrar el álbum viene “ More Than Fear” donde la melodía y potencia sonora se mezclan en perfección, una de las peculiaridades de esta banda. Y es que el juego entre la lírica más operística y el poderoso gutural se unen para destrozarnos en un último tema muy completo, todo ello bien aderezado de un conjunto instrumental y unos coros soberbios. Nos encontramos con un disco maravilloso de principio a fin. Un trabajo mimado hasta en los más mínimos detalles, complejo y muy bello. Saben mezclar un montón de estilos dentro del Metal, pero convirtiéndolos a su estilo en una maravilla técnica llena de fluidez y melodías enrevesadas que nos harán quedarnos embobados escuchándolos. No puedo esperar a cruzarmelos en directo y poder disfrutar con su sonido. Sinceramente una grata sorpresa auditiva y de lo mejor que he podido encontrarme en el año. Una banda que a partir de ahora seguiré muy de cerca y recomiendo que hagáis lo mismo. RUDY PERTU |

GENUS ORDINIS DEI (ITA)

GREAT OLDEN DYNASTY ECLIPSE RECORDS, CD 2017 Desde Italia nos llega la banda GENUS ORDINIS DEI con un potentísimo Death Melódico que absorberá sonidos desde el Groove hasta el Epic. Cada uno de los cuatro miembros de la banda proviene de un fondo de música académica; Estudiaron y se graduaron en algunas de las mejores academias de música en Italia (RGA, MMI, NAM). Con un sonido refinadísimo y una potencia sinfónica, cada uno de sus temas son únicos y muy diferenciables entre sí. Su nuevo álbum “Great Olden Dynasty” fue grabado y producido por Simone Mularoni

(Luca Turilli’s Rhapsody, DGM). El disco comienza con “The Unleashed” y tras unas breves palabras, el tema empieza a soltarnos caña y caña con una guitarra afiladisima y muy intensa, una batería que parece un cañón de la potencia que se gasta y con la voz gutural increíble, recordandome en algunos momentos a Randy Blythe de LAMB OF GOD. Todo esto acompañado de una sinfonía de fondo en algunas partes del tema que solo hace darle epicidad y hace del conjunto algo mágico, bien definido y muy potente. Continúa en “You Die in Roma” y en esta nos encontramos con un principio épico. Con esos sonidos ambientales, que van dando paso a la batería marcando el ritmo, como si de la legión romana se tratase, para ir a base de coros aumentando el corte épico del tema y haciéndolo cada vez más intenso. Para pasar a entrar brevemente las guitarras con esta intro épica y cambiarnos la melodía otra vez por la del Death Melódico que se gastan estos chicos. Potencia, intensidad y brutalidad son las tres primeras palabras que se me ocurren al escuchar esta parte, la voz en este tema me encanta como juega con las diferentes tonalidades y con los estilos de canto. La guitarra me parece soberbia, y sobretodo en ese pedazo de solo técnico y fluidísimo que se marca, denotando calidad y la batería como una apisonadora de principio a fin. Aunque “Cold Water” también me parece otro tema soberbio, en el cual vuelvo a recalcar el parecido de la voz con el de Randy Blythe, me salto a “The Flemish Obituary”. Comenzamos sonando el órgano, para pasar por un coro femenino que nos transportaran al medievo y esa música tan característica del goticismo, para estallar las guitarras y la batería y fusionarse con la melodía haciendo una mezcla increíblemente buena y fresca que solo hará de este disco una increíble mejora. Para mi es posiblemente la canción que más me guste, y no solo por lo mencionado, sino porque el solo es vibrante y muy melódico lo que aporta aún más intensidad al conjunto, la batería sigue en su línea de ser una auténtica bestia, y la voz aporta una dimensión más a todo el conjunto casando muy bien con el coro femenino. Y la última que quiero comentar, aunque para mi desgracia todas absolutamente todas son comentables y remarcables, será “Salem” en la cual participa a la voz femenina cantando Cristina Scabbia (LACUNA COIL). Un piano suave da comienzo para que el resto de instrumentos aportan intensidad. La voz de Cristina en este género queda fantástica aportándole refinura y delicadeza, mientras que Nick aporta brutalidad y potencia, haciendo una buena simbiosis en cuanto al conjunto vocal.

En resumen, nos encontramos con 10 temas que nos llevarán por cerca de 47 minutos de pura epicidad musical, en la que todo el trabajo está refinadísimo y no se le puede sacar ni un solo pero. han sabido coger el Death Melódico, aportarle todo aquello que les gusta y convertirlo en una auténtica joya para todos los amantes del buen Death Melódico, con unos temas grandiosos y que solo hacen demostrar la técnica tan trabajada de estos pedazo de artistas. RUDY PERTU |

HAZZERD (CAN)

MISLEADING EVIL WORLD WAR NOW! RECORDS, CD 2017 “Misleading Evil” es el larga duración debut de los canadienses formados en 2013 HAZZERD, tras su EP de 2014 “Victimize the Innocent”. Este trabajo salió al mercado el pasado mes de septiembre a través del sello World War Now Records. Ante nosotros nos encontramos con algo más de cuarenta y un minutos de un Thrash Metal ochentero más clásico con bastante influencia de la NWOBHM, pero no nos llevemos a engaños, esto es un disco de Thrash Metal y del bueno repartidos en los ocho temas que componen este disco. El sonido de la producción conseguido es simplemente perfecto, un sonido cálido y analógico que le va como anillo al dedo a lo que nos ofrece el cuarteto de Calgary. El disco abre con “The Tendencies of a Madman” corte que comienza con un juego de timbales y desemboca en una colección de riffs thrashers y directos a la yugular, pista perfecta para abrir el disco sin duda. A continuación llega “Absolute Destruction” que es sin duda uno de los mejores cortes del trabajo, gran tema de Thrash con gran influencia de Heavy Metal clásico, donde los coros y las melodías de guitarra le dan una fuerza y energía descomunal sin ser un corte rápido. “Executin of the Damned” es un tema de Thrash Metal de corte pesado y machacón cargado de fuerza en el que la melodía de gui-

tarra que se va repitiendo durante el desarrollo del mismo es la protagonista sin duda, por encima incluso del magnífico solo de guitarra y los potentes coros. El siguiente tema “Misleading Evil” que da título al disco, es un corte instrumental de casi ocho minutos de duración en el que la banda pone a relucir toda su artillería, bajo mi opinión es uno de los mejores temas del disco, en la cual podemos observar incluso algunas pinceladas de metal progresivo, excelente corte sin duda alguna. “The Fallen” una canción de Thrash de corte más agresivo pero en el que se observan también partes más pesadas tan propias en ellos como vamos escuchando, como en la parte central del tema con un solo de bajo unido al de guitarra sobre una base rítmica lenta que va in crescendo hasta la parte final del mismo. Turno para “Under the Influence”, la canción del disco bajo mi opinión, derroche de energía, base rítmica propia del Thrash más festivo y unos riffs afilados como cuchillas hacen del corte un auténtico trallazo en sus cuatro minutos de duración. Vamos llegando a la recta final de este trabajo discográfico en el que encontramos “Apocalypse Dawn” tema que es otro puñetazo en la cara de Thrash y Heavy Metal e incluso me atrevería a decir que con alguna influencia progresiva. Y Para cerrar este larga duración nos presentan “Road to Nowhere”, otro trallazo al nivel de su corte instrumental en cuanto a composición se refiere pero además introducen la voz, convirtiéndola a pesar de sus más de seis minutos de duración en un tema muy acertado para cerrar este excelente álbum. En definitiva, nos encontramos ante un excelente trabajo de Thrash Metal al que la banda da su toque personal con sus grandes dosis de Heavy Metal, unos grandes músicos y una producción envidiable. Disco altamente recomendable sin duda. CARLOS BERMEJO |

HEIR (FRA)

8.5

AU PEUPLE D L’ABIME LES ACTEURS DE L’OMBRE PRODUCTIONS, CD 2017 Crudeza, oscuridad y macarrismo a raudales es lo que nos trae “Au peuple de l’abîme”, el primer LP de la banda francesa HEIR de Sludge-Black Metal. Un estilo de lo más amplio, donde el espectro es tan infinito como la creatividad de los músicos. Donde las texturas e instrumentaciones pueden llegar a encauzarse en unos derroteros muy alejados de las líneas comunes, pero manteniendo una raíz fría y perturbadora. Es así como desde su formación en 2015, este quinteto de Touluse se decidió a dar forma a sus influencias Post-Black y Sludge, de una forma sublime. Cinco temas contienen nada más y nada menos que 40:00 minutos; perfectos para dedicarlos a una odisea de introspección hacia lo más profundo de nuestra decadencia. “Au Siecle des siecles” abre este “Au peuple de l’abîme” de la mejor forma posible. En el sonido de HEIR las cadencias lentas y agónicas de bandas como COOLDBLOOD es predominante; pero a diferencia de esta, siempre existe un regusto de gélido Black Metal. Ya desde el principio, resulta fácil poder seguir las progresiones que la banda nos regala a lo largo del disco; las cuales acaban derivando en esta canción, hacia un Shoegaze-Post Black Metal muy bien ejecutado. Los toque depresivos se prolongan durante el inicio de “L’heure de’helios”, como si de unos HARAKIRI FOR THE SKY se tratara; para luego romper al más puro y primigenio Black Metal. Subida que aprovechan, para dar paso a un viaje de atmosferas… clara influencia del sonido francés, de bandas como ALCEST o LES DISCRETES. Tras un breve speech, “Meltem” nos vuelve a encauzar en el Black Metal; esta vez en su vertiente más experimental. El sonido de las guitarras me recuerda al deje más vanguardista de bandas como MAYHEM. Todo ello acompañado de un bridge, donde la voz solo es acompañada de la base rítmica; un descanso perfecto para volver a afrontar la subida de intensidad. Con 6:55 minutos “L’ame des foules “ es el tema más corto del álbum. De inicio totalmente nórdico, que luego acaba siendo reconducido a una especie de Post-Black con toques de Sludge. Los riffs tienen una personalidad muy propia y un gusto exquisito. Es sin lugar a dudas la canción más agresiva, cargada de Blast Beats y dobles bombos. Una propuesta sin duda, verdaderamente interesante. Con un sonido comparable a los primeros trabajos de ALCEST; pero al mismo

tiempo, jamás había escuchado anteriormente. Sin duda, HEIR han puesto su sello personal. “Cendres” marca el final de “Au peuple de l’abîme”, en la misma línea en la que la banda ha trabajado el resto del disco. Destacaría un interludio realmente emotivo y atmosférico; donde unos arreglos corales ponen un broche de oro. Un disco sin fisuras. Un primer LP fascinante. “Au peuple de l’abîme” es una obra maestra en toda regla. Si eres amante de bandas como ALCEST, DEATHSPELL OMEGA, LES DISCRETES, HIGHGATE… o simplemente deseas disfrutar de un Metal de calidad… HEIR están hechos para ti. PABLO VÁZQUEZ |

En “Dark Passengers” nos encontramos con el Stoner y los toques más heavies de HELA es una canción llena de rabia, súper intensa y con unas melodías muy intensas y psicodélicas que nos harán fluir en la amalgama de rabia que transporta el tema, poniéndonos los pelos como escarpias. Con “Repulsion” nos encontramos con un trabajazo muy intenso en cuanto a Doom, en el que nos transportan a los mundos más funestos ingeniados por la mente elocuente de H.P Lovecraft, mostrándonos la misantropía en toda su esencia. Y el disco cierra con “Bodies in Hell” otro tema poderoso e intenso. La voz de Mireia en algunas estrofas aporta una extraña calma de esas que te hacen sentir incómodo mientras la oscuridad te devora, para otras sacar una voz más violenta que te absorbe y te incita a regodearte de dicha oscuridad. Nos encontramos con uno de los mejores discos del Doom del año, muy completo oscuro y denso, aportándonos unas mezclas que solo hacen intensificar las cualidades positivas de este “Death May Die”. TANIA KYMMENEN |

no del tema intro que inicia este C.D nos llega el que es sin duda el track más elaborado de todos. Éste sin ninguna duda es “The Singularity”. Estos tipos saben muy bien como estructurar y crear esta música. “Advent Anathema” y “Chronochasm” resaltan por su salvajismo. ¿Queréis violencia? pues aquí tenéis de sobra. “Umbra Tempest” es grandilocuente y dramática sin perder ni un ápice de fiereza. Enorme empuje. Esta formación no es una promesa, es toda una realidad. Gran futuro les espera si siguen sacando plásticos como este. JESÚS MUÑOZ CABALLERO |

MORTUARY CULT VIA NOCTURNA, CD 2017

DISCOS MACARRAS | MUSICA HIBRIDA | COSMIC TENTACLES, CD 2017 Cuando la banda comenzó en 2012, nunca podrían imaginar el nombre que ellos eligieron, HELA, la diosa nórdica del inframundo, podría encajar tan bien con su música. El primer álbum, “Broken Cross” tiene una colección de pesados y sucios riffs y un montón de melodías etéreas y melancólicas. Varias revistas y blogs especializados en todo el mundo pusieron el álbum como uno de los mejores de 2013 dentro del género del Doom Metal. “Death May Die” se produce cuatro años después del disco introductorio. Es la historia convulsa, oscura e hipnóticamente sonora de una lucha, perteneciente a la disidencia femenina contra el orden establecido. Un álbum extraordinario en el que los alicantinos encuentran el punto promedio perfecto entre Doom Metal y el Rock Alternativo de los años 90, con fuerte influencia del Stoner y la Psicodelia. El disco comienza con “The Getaway”, un tema oscuro, sucio y pesado, que genera como intro una atmósfera densa mientras las voces van remarcando aún más si cabe esa oscuridad, para dar paso a “Mother of Monster”. Es la primera de 4 canciones épicas que aparecen en el álbum y esta es quizás la canción que más me ha llamado la atención, con la voz de Mireia con ese tono tan del Rock de los 90 imbuido en intensidad con la magia, oscura obviamente, del Doom más moderno. Me parece una canción que camina bien entre los estilos predominantes de la banda y aporta frescura al género del Doom. “Touched by Evil”, mantiene la línea generada en el tema anterior, esa tensión, esa atmósfera densa, pero combinandolo aún más con el Rock Psicodélico de los 90. Este trabajo me recuerda a lo que podemos encontrarnos en el “Spine of God” de Monster Magnet, pero oscureciendolo hasta el mismísimo infierno. El tema habla sobre la pederastia oculta en la iglesia católica, de una forma tan sublime que lo hace ser super intenso y maravilloso para nuestros oídos. 46 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 46

IMPERIALIST (USA)

CIPHER AUTOEDITADO, CD 2017 IMPERIALIST es un novedoso combo de Melodic Black Metal procedentes de Estados Unidos. Se formaron en 2013, editando dos años más tarde su E.P debut “Quantum Annexation”. Finalmente, el 28 de noviembre de 2017 aparecerá su primer L.P “Cipher”. al cual este humilde redactor se encargó de realizar la crítica que ahora vosotros estáis leyendo. El line up es el siguiente: Adrian Castaneda (bajo), Rod Quinones (batería), Bryant Quinones (guitarra), Bryant Quinones (guitarra y voz). Completísimo álbum el que nos ofrendan este conjunto, donde la maldad penetrará en vosotros corrompiéndoos hasta el tuétano. Gracias a Odín aquí no hay lugar para una experimentación innecesaria ni para temas de relleno. De esta forma, el grupo se asegura que la experiencia sea tremendamente placentera para todo aquel que sea afín a este tipo de sonoridades. La producción es perfecta para este género, adjuntando un artwork futurista a la par que siniestro. El escaparate de riffs es variado e insidioso a más no poder. Los hallamos fríos, disonantes, fluidos, a una cuerda y a doble armonía. Todo ello lo adornan cuando la ocasión lo requiere con unos dramáticos e intensos solos. Las voces se basan exclusivamente en unos escalofriantes shrieks que os helarán el alma. La batería ofrece una buena cantidad de cambios de velocidad. Lo que predomina aquí es la celeridad con cortantes blast beats y up tempos, sin olvidarse por supuesto de la potencia. Personalmente destacaría “The Singularity” , “Advent Anathema”, “Umbra Tempest” y “Chronochasm” por lo siguientes motivos: Al térmi-

INCONCESSUS LUX LUCIS (GBR) INCARNAL (POL)

DEATH MAY DIE

ROBIN RM |

HELA (ESP)

que la formación se compone de Karol “North” Łapczyński (voz), Krzysztof Kiecana (guitarra), Aleksander Szymański (guitarra solista y principal compositor), Mateusz Szymanek (bajo) y Mikołaj Kujda (batería). Sinceramente, reconozco que el grupo es genial, lo hace bien y es brutal, pero su propuesta no ha logrado cautivarme demasiado, a lo mejor a ti sí, con lo que prueba a darles una escucha y compruébalo por ti mismo.

“Mortuary Cult” es el tercer álbum para este quinteto polaco que ha sido editado por su sello compatriota Vía Nocturna (WINGS OF DAHAK, MEDEBOR, FJELLTRONE…), el cual también hizo lo propio con su anterior trabajo “Hexenhammer”, publicado hace un par de años. Surgidos en 2010 de las cenizas de una banda local llamada LEVIATHAN, fue concebido por su vocalista y por uno de sus guitarristas como un simple dúo, con el que lanzaron su disco debut “Where Evil Has Its Beginning”, tras el cual decidieron añadir más componentes de cara a los directos. Esta nueva obra me temo que no es de fácil escucha, es uno de esas de las que necesitas de varias para sacarle todo el jugo que posee. Se compone de un death metal oscuro, con elementos técnicos y algún guiño sinfónico, algo enrevesados y poco habituales, no es que sean super originales (ni creo que sea su meta) pero sí que diría que no es un grupo común y corriente. El sonido de este “Mortuary Cult” es adecuado aunque tosco y opaco, queda lejos de ser una de esas producciones de las grandes formaciones polacas, pero tampoco es nada despreciable. Concretamente las guitarras diría que son heredadas de la escuela sueca de la clásica escena de los 90, es como si fusionaras el muro sónico de los ENTOMBED con los riffs oscuros de MORBID ANGEL o IMMOLATION, pero con el juego de algunos pedales y sintetizadores que me han traído a la mente aquel “Spheres” de PESTILENCE. En cuanto a las canciones más destacadas, señalaría la inicial “Behold The King Of Mortuary Cult”, realmente intensa y agresiva, con algún buen medio tiempo. “In Blood I Bathe”, la cual contiene un comienzo lento y pesado sumado a ligeros toques hipnóticos, que se fusionan con algunos cambios de ritmo agresivos y un excelente solo. “Under the Sign of Fire”, una de las que más presencia de esos sintetizadores comentados anteriormente posee y también, “In Death We Trust”, con un aire muy “old-school” de Estocolmo. Las letras de INCARNAL, giran en torno a la era medieval, su filosofía e historia, mientras

THE CROWNING QUIETUS I, VOIDANGER RECORDS, CD 2017 El combo inglés de Black Metal INCONCESSUS LUX LUCIS -anteriormente conocidos como WHORETHORN- iniciaron su carrera bajo el actual nombre en 2009. Desde entonces, nos han ofrecido dos Demos, 2 E.Ps y un L.P llamado “Disintegration: Psalms of Veneration for the Nefarious Elite”. Finalmente, y bajo el arrope del sello Invictus Productions, el 31 de octubre de 2017 el mundo verá nacer a su nuevo y flamante Larga Duración “The Crowning Quietus”. Así que bueno, sentaos, poneos cómodos y disfrutad de la lectura de esta reseña. El line up es el siguiente: W. Malphas (guitarra, batería y voz), A. Baal (bajo), M. Hemlock (batería para los shows en vivo). Hermanos, anonadado me ha dejado la nueva obra de este conjunto. Para mí, han conseguido lo que muy pocos logran: transmitir originalidad sin aportar ningún elemento nuevo dentro de lo ya conocido. Las composiciones están realmente bien trabajadas, resultando no solo dinámicas, sino también adictivas. Por otro lado, añaden si la ocasión lo requiere toques de elaboración extra en las guitarras, e instantes de Metal Clásico a su propuesta. Si alguien se está preguntando si esa mezcla casa, os puedo asegurar que todo encaja a las mil maravillas. Esto es una auténtica joya. Lejos de querer ofrendar amasijos sonoros inentendibles, los ingleses apuestan por un sonido pulido y orgánico, por supuesto sin renunciar a la agresión, donde el metalhead viaja a través de un universo desolado, repleto de sufrimiento y violencia. Cabe resaltar la simpleza a la par que la efectividad del artwork. Si es que aquí todo es bueno. Da gusto cuando uno se encuentra con un trabajo tan redondo en todos los aspectos. Los riffs son asesinos hasta decir basta. Loa hallamos fluidos, a una cuerda, contundentes y a veces con matices añadidos de técnica y doble armonía. Todo ello lo aderezan con unos solos melódicos que os volarán la tapa de los sesos. La voz de W. Malphas irradia tal cantidad de violencia que su registro no os dejará indiferentes. Además, se atreve incluso con oscuras clean vocal en la final “Fever upon Firmament”. La batería tiende a la velocidad, sin que se llegue a dejar de lado las siempre necesarias partes a medio gas.

Personalmente destacaría “To Satiate Silence”, “The Crowning Quietus” y “Fever upon Firmament” por las siguientes razones: “To Satiate Silence”, se puede describir con una sola palabra: épica. Este track os hará disfrutar hasta límites insospechados. En “The Crowning Quietus” y “Fever upon Firmament” la cantidad de cambios de dirección es impresionante. Pero no contentos con ello, encima agregan el influjo de la vieja guardia del “Metal Pesado” más ochentero. Para volverse loco compañeros. Lo mejor que podéis hacer, cuando llegue la fecha anteriormente nombrada, es que vayáis a vuestra tienda de discos habitual y os hagáis con una copia. Esto no es solo de escucha, sino también de compra obligada. JESÚS MUÑOZ CABALLERO |

INSURRECTION (CAN)

EXTRACTION GALY RECORDS, CD 2017 Amigos del groove, amigos del death más rítmico, amigos de sonidos a lo PANTERA, amigos de los últimos trabajos de DECAPITATED, amigos de esa fascinante mezcla de thrash con death que bandas como THE HAUNTED llevan a lo más alto, amigos del riffs de guitarra resultón, amigos de los sonidos modernos pero no modernetes, amigos del headbanging, amigos del airguitar, pero sobre todo amigos metaleros que os gusta disfrutar del metal, de la música y de un buen rato de death sin contemplaciones ni complicaciones, aquí tenéis otro disco para ello. Y ojo, que digo “otro” en el sentido despectivo de la palabra, pero no por ello debe obviarse este trabajo. No tiene nada nuevo, nada diferente, pero a la vez no tiene nada malo. Producción de lujo, guitarras y batería con una pegada brutal, bajo gordo y derribador, todo perfecto. Riffs de esos que a la segunda ya te sabes de memoria y que estás esperando su llegada segundos antes de su inicio. Voz agresiva, poderosa, variada y doblada, con líneas muy cantables, casi podríamos decir que con estrofas. Todo esto en diez canciones de esas que te hacen moverte todo el tiempo cuando las escuchas, que hacen que el CD se pase volando, y que se disfruta entero y del tirón, pero también sin pena ni gloria, sin momentos gloriosos y sabiendo que has escuchado esto más veces, muchas más, y algunas con más acierto y enganche. Death groove hecho totalmente para el directo y de los cuales no perdería la oportunidad de verles si se me pusieran a tiro puesto que estoy seguro que ahí es donde está su punto fuerte, su valor y el total significado de este trabajo. SANTI GZLEZ |

6.5

INVERTED SERENITY (CAN)

AS SPECTRES WITHER AUTOEDITADO, CD 2017 De nuevo Canadá nos sorprende con una banda al más alto nivel técnico, compositivo y de buen gusto. Bueno, sorprender lo que se dice sorprender ya no sorprende a nadie, al revés. Más bien cuando veo que es una banda procedente de Canadá me espero lo mejor y quizás por ello también exijo un plus. Lo que de allí viene lo exige y, aunque sé que no es justo, a la fuerza ahorcan. Un país con semejante cultura musical, más aún hablando de metal extremo y en lo más alto cuando a lo que nos referimos es a technical death metal, pide que les pidamos estar a la altura. Rara vez fallan, y esta vez no es de las raras. Extenso trabajo con nueve temas, algunos de los cuales alcanzan los nueve minutos de duración. Pero aún así se disfruta de arriba a abajo y es que aún siendo death técnico no estamos escuchando nada especialmente retorcido. No es de la escuela de GORGUTS, no lo es, y eso hace que los temas pueden ir pasando más relajadamente por nuestros oídos. También el echo de su más próxima vertiente melódica, más fácil de asimilar, con menos desarmonías y más solos al alcance del ser humano. Junto a ello tenemos una fuerte dosis de influencias variadas y de todo tipo. Pasando todas ellas por la base lógica del death, de modo técnico, pero flirteando mucho con el groove, más aún con el black, en ocasiones con el brutal e incluso dando cabida a movimientos puramente grind. Y como a todo esto le dan un carácter claramente progresivo y muy melódico, el concepto musical es variado, ameno, fácil de asimilar e incluso adictivo. Es curioso notar como al bajar el pedal en cuanto a necesidad técnica puramente dicha hace un trabajo más alentador y novedoso frente a toda la gran vertiente de bandas ultratécnicas que inundan el planeta. Fascinantes muchas de ellas, pero perdiendo eso que estos canadiense no han perdido. No olvidarnos de todas formas de que aquí tenemos riffs y más riffs, infinitas melodías y armonías y un trabajo de guitarras excepcional, con una producción nítida y claramente equilibrada dejando escuchar todo a la perfección, pero con algo de hueco para la brutalidad en esos momentos de death burro, de groove o de black. Batería y bajo cumplen sobradamente. Ciertamente perfectos en ejecución pero también en un respetuoso segundo plano. Mientras que las voces, aún sin ser el instrumento principal del trabajo, son acordes. Tenemos dos voces principales, una muy aguda y chillona, mientras que la otra es más de tonos medios y graves que adornan y dan variedad a las líneas, no muy saturadas de trabajo ni profusas de abundancia. Justas y finas. Puede que el término technical te eche para atrás de sopetón, y es comprensible, pero aquí tienes un modelo para todos los públicos en el que la técnica está al servicio de las canciones y de las emisiones, nunca al revés. Y este

es su tercer trabajo, así que no pensemos que es algo puntual o casual, es algo a destacar, eso sí. SANTI GZLEZ |

8.5

JAG PANZER (USA)

THE DEVIANT CHORD SPV / STEAMHAMMER, CD 2017 I THE MIGHTY (USA)

WHERE THE MINDS WANTS TO GO... RUDE RECORDS, CD 2017 Cuando te hayas metido en esto de las reseñas de trabajos musicales, hay a veces que la redundancia se apodera de ti y necesitas desconectar para aclararte las ideas. Pero otras descubres ese grupo o banda que si no fuera por esto, jamás los hubieras escuchado y te sorprenden de tal manera que te atrapa en sus redes. Esto me ha ocurrido con los californianos I THE MIGHTY y su nuevo trabajo editado por Equal Vision Records/Rude Records, “Where The Mind Wants To Go / Where You Let It Go”, y eso que su estilo no tiene nada que ver con el metal, pero si con el rock alternativo con toques progresivos e indies. “Degenerates”, abre el álbum con un toque muy intimista y juvenil, en un tema que va creciendo progresivamente, recreando con sus guitarras unas armonías muy ambientales e intercalando pasajes limpios con distorsión. Sus toques a grupos como SAOSIN, HANDS LIKE HOUSES o PIERCE THE VEIL están muy presentes a lo largo del trabajo, en el que otorgan toques electrónicos/teclados, que les hacen ser un poco más originales dentro de la escena en temas como “Chaos In Motion”, una delicia escucharlo con un toque moderno y desenfadado, de lo mejorcito del álbum. O en “Pet Names”, donde las ambientaciones recrean un mundo de sensaciones que brilla con luz propia, destacando un gran trabajo de Chris Hinkley al bajo y las voces de Brent Walsh también guitarra. Pero tambien guardan temas más movidos y típicos de la escena americana donde nos dejan toques de post-hardcore y de rock alternativo, “Where The Minds Wants To Go”, “Silver Tongues”, donde colabora Tilian de DANCE GAVIN DANCE o “Escapism”, son claros ejemplos de los que os queremos mostrar, con un toque desenfadado y energico, dejándose ramalazos punk con toques universitarios. Aunque personalmente las canciones que más me han enganchado son los medios tiempos en los que los detalles creados por Ian Pedigo en la guitarra o la percusión de Blake Dahlinger, se entremezclan con grandes melodías vocales, apoyadas en determinados momentos con unos coros muy enérgicos y que aumentan el status del tema, “Symphony Of Skin” o “111 Winchester”, recoge lo aquí expresado. Este es el cuarto trabajo de I THE MIGHTY, y han evolucionado en su sonido, creando temas como “Chaos In Motion”, “Pet Names” o la intimista “Where You Let It Go”, que te harán gozar y disfrutar de cada rincón de su estructura musical. JUAN ANGEL MARTOS |

Que un grupo que comenzó sus andadas en esto de la industria musical a primeros de los ochenta, en plena efervescencia de la NWOBHM (New Wave Of British Heavy Metal) y de bandas como IRON MAIDEN o JUDAS PRIEST, en territorio americano, ya de por si tiene y merece todo mi respeto, y el de cualquier heavy que se precie. Si además estamos hablando de JAG PANZER, unos luchadores natos que han pasado por diversos altibajos a lo largo de su historia y que, tras sufrir un más que posible punto de no retorno hace unos años, lejos de tirar la toalla vuelven a la plena actualidad con un gran disco como este “The Deviant Chord”, demostrando, casi cuatro décadas después, que lo suyo más allá del dinero, la fama y la gloria, es el Heavy Metal. “Born of the Flame” es la responsable de devolvernos la esperanza, y sigue los patrones más clásicos del género. Esos dibujos de guitarra tan típicos en el Power a cargo de Mark Briody y Joey Tafolla, y la voz de Harry Conklin poniéndole una nota aguda y enérgica de color, junto a un estribillo de lo más pegadizo. Aunque no es ni de lejos de lo mejor del disco. Con “Far Beyond All Fear” aparecen las primeras cabalgadas, la esencia ochentera, los repiques de batería y los coros épicos, en los que la inspiración y la memoria de los viejos mitos del Metal se nos vienen fácilmente a la cabeza. Es turno del corte que da título al disco, “The Deviant Chord”, que tras un pausado y melódico arranque baladístico de tintes acústicos, se convierte en una tormenta eléctrica de esas que no ves venir. No busquéis aquí la velocidad, porque no la encontraréis, pero intensidad, riffs desgarrados y la entregada al límite voz de Conklin son más que suficientes ingredientes para convertirla en todo un himno. Un medio tiempo lleno de fuerza y de soberbio poder sonoro. ¡Y qué solos! La rabia se apodera del álbum de nuevo con “Blacklist”, Heavy Metal afilado, de esencia oscura y contundencia que más de una banda joven querría para ellos. Por cierto, ¿Soy yo o por momentos Conklin recuerda a KING DIAMOND y la banda suena como MERCYFUL FATE? Pisando freno le sigue “Foggy Dew”, que se tras su lento primer pasaje pasa a navegar entre la épica medieval y el Folk más fiestero. Un nuevo cambio de timón que deja claro que no han vuelto para repetirse ni tirar por el camino fácil. No dejamos atrás la épica, aunque nos metemos en terrenos más Heavy Power Metal en “Divine Intervention”, con grandes melodías de guitarras de la dupla Briody/Tafolla y esos doblados tan característicos, sin dejar de lado esos coros que, de nuevo, nos invitan a levantar el puño. Podríamos definir a “Long Awaited Kiss” como la balada del disco, siendo también la composición más larga del mismo. Más de seis minutos que viajan de los sonidos más calmados a los más intensos, en el que la voz de Conklin acapara (casi) todo el protagonismo, y es que no se pueden obviar

esos solos de tantos quilates. Música hecha con alma, corazón y pasión. “Salacious Behavior” recupera la velocidad y la agresividad más netamente metálica de los americanos, con una base rítmica aplastante, a cargo del bajo y de la batería de John Tetley y Rikard Stjernquist, respectivamente. El que busque caña, y de la buena, aquí la va a encontrar de sobras, con todas las señas de identidad que han hecho grande a este estilo. Aunque si hablamos de velocidad no podemos obviar los frenéticos punteos de “Fire of our Spirit” que, de buen comienzo, ya deja claro que van a ser una constante en el tema. Un corte al que se le puede tachar de repetitivo, con una estructura de lo más clásica, pero al que le sobra calidad por todos los lados. Da igual por donde lo mires. Eso sí, los coros aquí cobran especial importancia y prácticamente secuestran a la voz de Conklin que, no nos engañemos, cuando resalta lo hace, y mucho, brillando como si del inmortal DIO se tratara. Palabras mayores. “Dare” pone punto y final sin sorprendernos pero llenando nuestros corazones metálicos sobradamente, con un tema de corte muy clásico, melódico y tremendamente pegadizo, cabalgando de forma épica como si nunca nos hubieran abandonado. En resumidas cuentas, un placer redescubrir a una formación tan clásica como JAG PANZER, que, aun siendo de origen estadounidense, no pueden negar ni esconder sus raíces más directas del Heavy el Power europeo. Cada vez que una banda vuelve uno se teme lo peor, que tirarán por lo clásico sin arriesgar un ápice, o que lo harán con una calidad más que discutible, por la sencilla razón de ponerse en acción de nuevo y subirse a un escenario, pero tanto este “The Deviant Chord” que nos ocupa, como la vuelta de otros míticos de la escena como son NOCTURNAL RITES nos demuestran que no siempre es así. Bienvenidos al lugar del que nunca os tendríais que haber ido, si es que alguna vez lo hicisteis. LLUÍS GARCÍA SOLA |

8.5

KLOGR (ITA)

KEYSTONE ZETA FACTORY, CD 2017 Desde Italia nos llegan los prodigiosos y ambivalentes KLOGR los cuales tienen un impresionante Metal Alternativo que conquista por allá donde pasa y fidelizar a un montón de fans. Con su nuevo disco, “Keystone”, la banda hace honor a su nombre y vuelve en la escena con un álbum impecable, cuidado con los detalles más pequeños y lleno de armónicos. Tras su último álbum “Black Snow”, la banda puso de manifiesto sus ideales, dando voz a temas críticos sociales y ambientales, haciéndonos ver que el hombre no es el centro del mundo, y que el mundo sin nosotros podría vivir, nosotros sin él, no. Esto se puede ver en temas como “Pride Before The Fall” y “Dark Tides”, dedicado a sus amigos del Sea Shepherd. Para “Keystone”, KLOGR decidió confiar en la

experiencia musical y la sensibilidad de David Bottril (KID ROCK, SMASHING PUMPKINS, TOOL), el cual les ayudó a alcanzar un sonido más único y trajo consigo una vista exterior centrada en la música y no en lo que está “de moda”. Esta evolución se percibe en las doce pistas del álbum en una alternancia de riffs pesados y más aberturas melódicas e introspectivas, de las cuales os quiero destacar las tres que más me han marcado. Para empezar destacar “Prison of Light” primer sencillo de este, su nuevo disco. Me recuerda enormemente a aquellos temas más noventeros donde dentro del Metal Alternativo o el Nu Metal más melódico. La guitarra suena super pesada e intensa, solo hay que ver el pedazo de solo que se marca, el cual es increíblemente técnico lleno de arpegios y con una sensibilidad asombrosa, mientras la voz suena super limpia y compacta, aportando ese toque tan clásico que me fascina. En “Drag Your Back” nos encontramos para mi la mejor canción del disco, y seguramente, aparte de porque es una canción magistral, me parezca aún más maravillosa por lo que trata. Y es que este tema es especial para Rusty (voz) y Pietro (guitarra), que comparten en él una forma de exorcizar uno de los momentos más difíciles de sus vidas, la pérdida de un hijo. Cito textualmente lo que dice Rusty de este tema, para que os hagáis una idea más clara: “Tal vez para un hombre, una de las cosas más difíciles es aceptar la muerte, pero cuando llega en la primera edad es peor. Exorcizar estas cosas a través de la música es una cura … incluso si no es un solución definitiva “. Y volviendo a hablar de ella musicalmente hablando, veremos que es una canción cantada desde lo más hondo del corazón, que la energía en este tema fluye de forma diferente, mucho más emocional que cualquiera del resto de temas, y se podrá denotar por la elegancia y lo melodiosa que es la guitarra, por lo finos de los acompañamientos, resumiendo una pieza mágica y muy sentida. Y por reseñar sólo una más, porque podríamos hablar de cada uno de sus temas, me quedo con la ya mencionada “Dark Tides”, en la cual nos encontramos con un tema con una lírica contundente que habla de la destrucción del ecosistema oceánico debido a la explotación incontrolada de los recursos y cómo en poco tiempo la humanidad hemos erradicado especies del fondo de los mares. Como tema, es un tema súper intenso, que transmite a la perfección esa sensación de malestar que nos quieren hacer sentir por la barbarie de la que somos capaces, a base de unos cambios de ritmos bastante marcados que nos irán sumergiendo más y más en la poesía hecha música del tema. Al final nos encontramos con un disco trabajado de forma magistral que alterna positivamente entre temas de forma grácil y nada repetible, algo que nos hará desear escucharlo más de una vez. Y es que aunque sean 12 temas que nos llevaran cerca de 51 minutos, no se hace pesado ni repetitivo como ya comento. Han sabido mezclar a la perfección los riffs más pesados con las melodías más delicadas para hacer una buena conjunción. Y es que esta banda no para, ya están girando por Europa siendo los teloneros de THE RASMUS. RUDY PERTU |

KRANE (SWI)

KULT MOGIL (POL)

PLEONEXIA

PORTENTAQUE

CZAR OF CRICKETS PRODUCTIONS, CD 2017

PAGAN RECORDS, CD EP 2017

Tengo el placer de poder traeros a una banda bastante original. Defensores del género post del metal, os traigo esta vez a los suizos KRANE y su nuevo disco “Pleonexia”. A todos los que seáis seguidores de grupos como LEPROUS, PAIN OF SALVATION o TOUNDRA, seguro que tienen algo que deciros, aunque no necesitan voz para hacerlo, porque con sus instrumentos tienen más que suficiente. Debo añadir que cada vez que vienen a mis manos bandas como estas, recupero un poco más la fe en la música. Todo este movimiento del post metal, del que me declaro gran fan, reaviva mis oídos y mis ganas de buscar nuevas de formas de expresión musical más allá de los trillados estereotipos que tanto abundan. En KRANE vamos a encontrar un viaje a través de expresiones sonoras envolventes, obviando la constante distorsión para crear una atmosfera que introduzca lentamente al oyente en espacio especial, íntimo y reflexivo. La búsqueda de sonoridades diferentes, que alternan entre lo agresivo y lo delicado, se torna el leit motiv de éste gran disco, que, como si de Hans Zimmer en INTERSTELLAR se tratara, van creando una sensación ingrávida, introduciendo a su vez discursos políticos que guían conceptualmente la evolución de las canciones. Cabe mencionar que este disco no cuenta con separaciones entre tracks, todo está concebido como si de una pieza de mármol se tratara. Y no se cortan con la duración de las canciones, para nada, como en “II Operation Level”, de 12:03 min. Pero supongo que es algo absolutamente necesario si quieres desarrollar un gran mensaje, no te puedes dejar ni un solo detalle. La guerra, un momento cruento en la historia de la humanidad, demasiadas veces repetido, es el motivo y concepto de este disco, que explica, no solo con sus títulos sino con su música, los tiempos de un combate. Los viajes entre las tonalidades de “III Tactical Level” sirven como recurso expresivo y que consigue implantar dudas o esperanza, miedo o rabia… Pone un objetivo y no escatima en recursos para poder crear esa sensación. Y es de eso de lo que verdaderamente quiero hablar. No me he encontrado ante algo tradicional, algo que pueda segmentar y sobre lo que pueda opinar abiertamente. Me he encontrado ante un mensaje personal y debo descifrar sus códigos para juzgarlo. Si podéis escuchar “Pleonexia”de KRANE, encontraréis un mensaje claro, que se dilata en el tiempo y va adquiriendo formas perfectamente explicadas, contornos delimitados, información valiosa que debe ser escuchada con atención. Es un mensaje que debe tomarse su tiempo de escucha, pero que transmite a muchos niveles. Un gran disco.

Desde Polonia nos llega este EP de tres temas de un oscuro, disonante y ambiental Death Metal. El trio polaco KULT MOGIŁ, formados en 2014 y tras editar una Demo en 2015 y un larga duración ese mismo año bajo el nombre de “Anxiety Never Descending”, nos ofrecen ahora “Portentaque”. Los tres temas aquí registrados nos ofrecen un Death Metal muy oscuro, con mucho riff disonante, cambios por doquier y un ambiente frío, macabro y cavernoso. Musicalmente es complicado buscarles una banda referencia, quizás un poco de MORBID ANGEL, algo de la disonancia de bandas como DEATHSPELL OMEGA, o más Death Metal como ENCOFFINATION, o los maestros INCANTATION. La voz nos asalta desde el primer tema con una tonalidad guturalmente grotesca que hiela la sangre por la frialdad que aporta a nuestros sentidos, otras veces nos sorprende con vociferaciones propias de una invocación a las miasmas del inframundo. La música va cambiando con un ambiente un tanto psicodélico por la multitud de atmósferas que nos trasmite y cambios de furiosos Blast Beats a partes más lentas, disonantes y enrevesadas. El sonido mugriento logrado en la mezcla final ayuda a dar esta sensación de frialdad y oscuridad a este EP, aquí todo suena a decadencia y oscuridad. “Portentaque” es un EP, de tres largos temas, repleto de musicalidad oscura, interesante en su propuesta por la novedad y ofrecer una visión más enrevesadamente psicodélica del oscuro Death Metal, donde cada riff nos golpea con variedad pero sin apartarnos de un oscuro sendero lleno de muerte y claustrofobia.

ÁLVARO GARCÍA BENITO |

LUIS MARTÍNEZ |

LLOTH (GRC)

ATHANATI SLEASZY RIDER RECORDS, CD 2017 Nos llega desde Grecia, LLOTH, una banda de intenso y melódico Black/Death Metal. Esta es la banda que fundó María “Tristessa” Kolokouri antes de cambiarse a ASTARTE, con la cual solo grabaron un EP titulado “Dancing in the Dark Lakes of Evil” que formaria parte del NUM. 46 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 49

primer LP de ASTARTE con el mismo nombre. En 2013 se vuelve a reactivar LLOTH, buscando un sonido puro del Black/Death Metal pero que a su vez estuviera imbuido con toques de Epic y Folk. Debido a la enfermedad de Tristessa todo se tuvo que parar de nuevo. Tras una larga batalla heroica María “Tristessa” lamentablemente dejó este mundo y los miembros de LLOTH, yendo a la cabeza el marido de Tristessa, Nicolas Maiis, decidieron honrarla continuando con su legado en su memoria, como ella quiso que se hiciese.. Así que el 10 de Agosto de 2017 (exactamente 3 años después del fallecimiento de Tristessa), salió este poderoso LP cargado de sentimiento titulado “Athanati” (Inmortal). Y es que nos encontramos con un trabajo muy completo que se ha cuidado a la perfección, recordándonos a bandas del Black griego como ROTTING CHRIST, NIGHTFALL, VARATHRON o SEPTIC FLESH, pero mezclados con el poderoso Death Sueco que tan bien casa con el Black. Y es que “Athanati” tiene de todo, poderosos riffs super pesados, otros más melódicos y embelesantes, voces brutales y enfadadas, una batería desenfundada y apoteósica y un bajo rítmico que confluye toda la magia individual. Mención especial a su noveno tema “Tristessa” (si, soy un romántico). Es un tema lento de guitarra muy sentida, mientras se escucha la voz femenina susurrando y con una voz lírica operística nos transporta por una tristeza y agonía sin igual, es una sensación que te acongoja el corazón. Para terminar con “I (Dead Inside)”, un tema contundente y una alegoría clara del sentimiento de Nicolas Maiis. En cuanto al trabajo de la portada realizado por Timo Wuerz (ASTARTE, ACHERON, NECROMANTIA, etc.), nos encontramos con trabajo finísimo recordándonos a aquellas portadas clásicas de libros, videojuegos basados en la Grecia Clásica. En definitiva, un trabajo exquisito de principio a fin que nos transportará a través de los casi 50 minutos que dura por el río Estigia, mientras Caronte nos enseña la tristeza de la muerte por la fundadora de LLOTH y como hasta las almas apenadas lloran por su muerte. Un disco sobresaliente y muy completo que os gustara a todos los amantes del Black Metal, como los nombrados anteriormente. Y no puedo cerrar esta reseña sin decir que me ha gustado poder ser parte de esto, poder honrar a Tristessa de esta forma. RUDY PERTU |

LOINCLOTH (USA)

PSALM OF THE MORBID WHORE SOUTHERN LORD, CD 2017 Hoy tengo el placer de presentaros a LOINCLOTH, una banda de metal instrumental americana, que presenta su nuevo disco (dejando claras sus tendencias un tanto oscuristas) “Psalm of the morbid whore”. Realmente no sé qué pensar del título y no tengo claro 50 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 46

que si me gusta, pero me parece curioso cuanto menos. La verdad es que la música está muy en la línea del metal progresivo, pero mezclado con la densidad del sonido del Black. Provoca que la desorientación que ya de por sí genera la música que se mueve de forma progresiva, se torne como una masa informe de tonalidades graves, sonidos pesados y sensaciones intensas. Un ejemplo es “Necro Fucking Satanae”, una canción que se basa únicamente en variaciones de la batería alrededor de un riff constante. La repetición constante de las estructuras, seccionadas de manera abrupta por la percusión, es algo que podemos encontrar en “Poroths”, igual que en “Clausa Vulgate”. En general es un disco muy repetitivo, que suena como una única canción que se repite constantemente. Esta homogeneidad sonora es capaz de generar atmósferas como la de “Pentacost Dissident”. Verdaderamente, lo que más me sorprende de este grupo son los nombres de las canciones, donde encontramos “Sigil Ov Five Horns”, aludiendo todo a figuras mitológicas bíblicas, temática presente, sin ir más lejos, en “Let The Snakes Decide”. LOINCLOTH, con “Psalm of the morbid whore”. nos presenta un disco constante, oscuro y metálico, lleno de referencias bíblicas. A veces repetitivo en exceso, pero con ideas claras sobre cómo llevar la complejidad de las estructuras de sus temas. ÁLVARO GARCÍA BENITO |

LIKE MOTHS TO FLAMES (USA)

DARK DIVINE RISE RECORDS, CD 2017 Tenemos el placer de poder hacer la reseña del cuarto y último trabajo de los de Ohio, LIKE MOTHS TO FLAMES, que nos traen una vez más su increíble Metalcore en “Dark Divine”. Nos volvemos a encontrar con un álbum intenso y vibrante de principio a fin, pero con una gran evolución y técnica distribuida a través de 11 poderosos temas. “Dark Divine” es el resultado de la experiencia, el entusiasmo y el vigor renovado, un esfuerzo destinado a garantizar la longevidad de la banda dentro de la escena underground dominada por la tendencia del desvanecimiento. LIKE MOTHS TO FLAMES con este álbum, han dado un gran salto a base de la dedicación y las duras lecciones aprendidas en el camino. Después de todo, la versatilidad de la banda fue evidente cuando aceptaron una invitación para participar en la popular serie de PUNK GOES POP, ofreciendo una vibrante y segura cobertura de “Some Nights” de FUN. “Dark Divine” da un salto creativo abismal, aportando mayor dinamismo y una perspectiva evolutiva potenciadora, sin sacrificar la pesadez, firma del grupo, lanzando un equilibrio difícil que muchas bandas no logran ejecutar. El disco empieza con “New Plagues” con un inicio suave comenzamos poco a poco a meternos en materia hasta que entran las guita-

rras para remarcar la intensidad dando paso a unos guturales bien realizados y llenos de pura fuerza. El estribillo es super pegadizo y melódico, jugando bien con la voz limpia para hacerlo más atrayente a todos los oídos. En resumen una canción con mucha garra y energía que no pasará desapercibida en directo. Su segundo tema “Nowhere Left To Sink” es el primer sencillo de la banda y con razón. El propio vocalista Chris Roetter comenta de él “Creo que esta es una de las canciones que combina la mayoría de las cosas nuevas que tratamos de hacer con el álbum. Queríamos mantener ciertos elementos que recuerden a nuestro viejo material, mientras que todavía estamos explorando un equilibrio saludable entre nuestras nuevas ideas.” Y es que es un tema fresco lleno de energía, que mantiene la esencia de sus anteriores trabajos, pero aportando esa evolución de la que ya hablamos. Nos encontramos con una melodía fresca como base mientras la técnica fluye a base de riffs de guitarra, mientras la voz juega un papel importante cantando con voz limpia, demostrando que los guturales no son básicos para sacar un tema profundo, pesado y potente para hacernos mover la cabeza inconscientes. Pasamos al tema de “Dark Divine”, título homónimo al disco. Es brutal, es directo y es muy intenso. En este tema nos demuestran muchas de las fuerzas del álbum en muy poco tiempo, entregándonos toda la energía con muchos de los elementos clásicos. Unos riffs de guitarra técnicos y afilados, mientras la batería nos mantiene una base rítmica perfecta, el bajo nos aporta intensidad y fuerza y la voz juega con cambios de intensidades, tonales y de estilos. Y me gustaría cerrar la reseña con “False Idol” otra brutalidad de tema muy potente y técnico. Es impresionante el juego con la guitarra en este tema, la técnica que desprende y lo bien que combina con la voz limpia de Chris Roetter, me parece una auténtica maravilla. Y sin olvidarnos de esos coros de “ooh, ooh” que serán las delicias de los directos. Y tiene bastantes momentos muy intensos para un buen circle pit o un wall of death. Al final nos encontramos con un disco innovador, pero que a los amantes de los trabajos anteriores les fascinará la evolución. Equivale a un álbum valiente y estimulante que hace de este “Dark Divine” un disco que se convertirá en clásico del género igualandose a bandas de gran renombre como THE DEVILS WEAR PRADA o AUGUST BURN RED. Un gran disco que marca un antes y un después, y si no me creéis, os lo recomiendo encarecidamente. RUDY PERTU |

el primer grupo de doom/stoner que conozco de allí, el cual pretende abrirse al mundo con este pequeño debut del que hablaremos a continuación. “Hills Of Sands”, abre el álbum, con unas guitarras y unas melodías muy marcadas y poderosas, recreadas por Luis De Sousa y Santiago Hernández, con una percusión muy machacona a cargo de Jonathan Daniel y una voz grave y rasgada por Néstor Sanfield, cuya tonalidad y forma de cantar me parece muy personal, cabe resaltar el trabajo de Manuel Pérez al bajo pues está muy presente en cada uno de los cortes, aportándoles esa corporeidad que requiere el doom. Este primer corte es más lineal, con pequeños matices en el tempo que deambula como un ser extraño perdido en un escenario sin salida. “Flavours Of The Stars”, presenta un stoner más marcado, con unos riffs de guitarras que afirman la estructura con sus acoples y alargamientos de notas. Un ritmo muy pesado nos encamina a lo largo del Ep. Con “Touch Of Light”, llegamos al primer adelanto del álbum, lanzado en forma de videoclip donde un naufrago queda atrapado en una isla sin salida, ¿reflexión acerca del grupo y su ubicación? MAGEC, continúan con sus ritmos oscuros y farragosos, en los que de vez en cuando se echa en falta algo más de diversidad, pero que remarcan su estilo y personalidad, siendo este uno de los cortes más destacados del álbum, a pesar del parecido entre sí, con un gran final donde el doble bombo hace su trabajo a la perfección para machacarnos y dejarnos ese sabor amargo de la desesperación. “The Flame Inside Us”, si que aporta versatilidad al álbum, destacando sus melodías y riffs de guitarras mucho más rockeras, en los puentes y estrofas, creando un ritmo que será difícil de quitártelo de la cabeza, personalmente el tema que más me gusta del Ep y el que nos lleva hacia el cierre del álbum puesto por “The Limit”, donde Néstor adquiere una forma de cantar muy personal y distinta a la mayoría de los grupos, aunque un poco de variabilidad tonal no hubiera quedado nada mal. Un corte donde el doom y la pesadez musical recogen el espíritu de MAGEC, con un ritmo final perturbador creciendo en intensidad, gran detalle. Si te gustan los sonidos oscuros y densos con ritmos incisivos donde el stoner es su base compositiva, dadles una oportunidad a estos chicos canarios en su debut, del que me quedo con sus dos últimos cortes, puesto que me parecen los más originales y versátiles del trabajo. JUAN ANGEL MARTOS |

MAGEC (ESP)

DEPARTURE ISLAND 3DB RECORDS, CD EP 2017 Desde las Islas Canarias nos llega el debut de MAGEC, “Departure Island” editado a través de 3DBRecords. SU propuesta dentro de las islas es muy original, ya que personalmente es

MASON (AUS)

IMPERVIOUS AUTOEDITADO, CD 2017 Ante nosotros tenemos el segundo larga duración de los australianos formados en 2009 MASON, tras dos demos, y el excelente larga duración debut de 2013 “Warhead”, el pasado ocho de julio lanzaron al mercado este “Im-

pervious”. En este trabajo ya encontramos a unos MASON más hechos, más maduros, subiendo el listón compositivo con respecto a su LP debut. Nueve cortes en algo más de treinta y seis minutos en total, forman este disco, un trabajo que rezuma escuela Thrash Metal old school por los cuatro costados, sobre todo de la escena californiana. Por lo general en el Thrash está todo inventado y ellos no son la excepción pero lo que hacen, lo hacen sobresalientemente, además les ayuda mucho el sonido tan analógico conseguido en la grabación del disco, el cual ha sido grabado por la propia banda encargándose de la mezcla y el master, como en su anterior LP, el productor Ermin Hamidovic (DEMOLITION, IN MALICE’S WAKE, BESTAL MURDER,…). En cuanto a la portada, también han vuelto a apostar por el ilustrador israelí Eliran Kantor (TESTAMENT, CROWBAR, EVILE, SODOM,…) realizando esta obra de arte, la cual define perfectamente el estilo musical de la banda. Tras la intro “Eligos” el álbum comienza con “Burn”, un tema que comienza con una colección de riffs galopantes a la vez que agresivos para mostrarnos desde el principio de que pasta están hechos el cuarteto, buena elección para comenzar el álbum. El siguiente tema, “Tears of Tradegy” continúa con la tónica de la pista anterior, Thrash agresivo y a la yugular, sin aditivos, con una base ofrecida por la batería espectacular. Algo que cambia bastante en el siguiente corte “The Afterlife” en el que observamos un Thrash más moderno con bastante influencia Groove. El siguiente corte “Impervious” el cual da título al disco, es un corte que sin tener la velocidad de los anteriores mantiene su agresividad característica, con aires de Death melódico y un excelente solo de guitarra, siendo uno de los cortes más destacados que además ayuda a que este álbum no se haga monótono. Con “Cross This Path” vuelven a la carga con un corte vertiginoso y cargado de rabia con una soberbia parte final instrumentalmente hablando. Con la siguiente “Sacrificed” nos vuelven a mostrar otro corte cargado de rabia y velocidad, directo y sin contemplaciones. En “Hellbent on Chaos” nos ofrecen uno de los temas más completos del disco, a la velocidad y agresividad similar a las dos anteriores hay que unirle una colección de riffs que son de las mejores del disco. El álbum se cierra con “Created to Kill”, un corte completo, en el que ofrecen como en el primer tema, la propuesta que ponen encima de la mesa, quizás éste sea estructuralmente más complejo, pero es ideal para cerrar el álbum y animarte a volver a reproducirlo. CARLOS BERMEJO |

MEGASONIC (BEL)

WITHOUT WARNING SLEASZY RIDER RECORDS, CD 2017 La banda belga de Heavy Metal melódico MEGASONIC lanza su segundo álbum, un trabajo muy variado, plagado de buenas melodías,

que juguetea con el progresivo de la misma manera que rinde homenaje al sonido más clásico de bandas como TESLA, DIO o incluso DREAM THEATER. Nos encontramos ante una producción exquisita, a la que es imposible ponerle un pero, para quitarse el sombrero, quien lo tenga. Por otra parte, a nivel compositivo podemos encontrar una cierta irregularidad, hay temas poderosos, originales y muy efectistas y hay otros de relleno que no aportan nada, eso sí, todos con la calidad de la que esta banda impregna cada uno de sus temas. Empezamos con la instrumental “Sirius A”, una intro inmejorable y que recuerda por momentos a cuando DEF LEPPARD hacían buenos instrumentales en sus discos, allá por mediados de los 80. “Atlas” se alza imponente enseguida y nos da una ligera idea del sonido de la banda, ritmos progresivos y una voz bastante agradable, que no es ningún portento pero que cumple a la perfección y posee un timbre muy particular. “Walk The Wire” nos muestra en esta ocasión, con más claridad, la vertiente más clásica del grupo en lo que a sonido y composición se refiere. Tema contundente y melódico con unos coros que podría firmar el mismísimo AXEL RUDI PELL. “Run And Hide” es el tema elegido para la grabación del videoclip. Se trata de un tema con un riff muy original, que parece de esos que salen al practicar una escala o al hacer un ejercicio, pero que saben aprovechar al máximo y desarrollan un pedazo de tema alrededor de él. Aquí demuestran la enorme calidad musical de la banda, guiño al Metalcore al final del tema incluido. Contundente, llamativo y adictivo, uno de los mejores cortes del disco. Y de la fusión de estilos y la originalidad del tema anterior, volvemos al clasicismo más hardrockero con “Hammered”, medio tiempo en la onda de aquellos grupos casi olvidados del Hard Rock, como TESLA, PRETTY BOY FLOYD y tantos más. A estas alturas la balada “Someone?” entra bastante bien, ayuda a romper la dinámica -si no la había destrozado ya el tema anterior- y nos hace disfrutar de una autentica joya. Tema lento y muy emotivo el que consiguen los belgas, que de nuevo se vuelven a inspirar en los clásicos. Faltaba la mención a JUDAS PRIEST, “Signal Fire” es un claro ejemplo de las influencias clásicas de la banda y los metal gods no iban a ser menos. Buen tema, aunque demasiado largo. “Taking Back My life” devuelve al disco al medio tiempo y al clasicismo noventero. No es un tema espectacular, perfectamente podría haber quedado fuera, claramente de relleno. Lo mismo sucede con “Hit Squad” tema festivo que no tiene cabida, a mi modo de ver, junto a esta colección de canciones. “Down By The River” vuelve a engancharnos al disco. Guitarras muy distorsionadas cercanas al Stoner/Doom, todo un golpe encima de la mesa que deja clara la enorme calidad de la banda y su buen hacer compositivo. Tranquilo, no te ha saltado un anuncio de Spotify, se trata de “Love Like Rain” y si, siguen siendo MEGASONIC. Se atreven con un tema entre el pop, el soul y el ryhthm and blues. Lento, radiable y completamente olvidable. Una vez que esperamos a que temine el interminable anuncio, le metemos mano a “Last Man Standing”, otra pieza de buen hard rock lista para ser disfrutada. Muy buen cierre para el disco. En realidad ha sido un descubrimiento esta banda para mí, a pesar de los temas de relleno

y las sorpresas frustradas, he disfrutado mucho con el disco. Es variado, entretenido y divertido. Es solo Rock And Roll pero me gusta! DAVID IBAÑEZ |

7.5

MIDNIGHT SIN (ITA)

ONE LAST RIDE SCARLET RECORDS, CD 2017 MONARCH! (FRA)

NEVER FOREVER PROFOUND LORE RECORDS, CD 2017 Hoy en NECROMANCE tenemos a una banda Europea que promete mucho en el estilo del Doom. Ellos son MONARCH! Y nos presentan en exclusiva su último trabajo “Never Forever” de la mano de Profound Lore Records. Esta banda procedente de Bordeaux se dedica a hacer Doom Metal y lo que ellos llaman su particular estilo “Ghost”. La formación está compuesta por Emilie Bresson “Eurogirl” a la voz, Shiran Kaidine a la guitarra solista, Michell Bidegain al bajo y Stéphane Moillan a la guitarra acompañante. Este “Never Forever” está compuesto por tan solo 5 temas, pero que para nada nos dejaran indiferente ya que la música de esta composición francesa es muy particular. Comenamos con “Of Night, With Knives”, primer tema de este álbum es una introducción al más puro estilo doom y sobre todo gótico. Es un tema con guitarras distorsionadas pero para nada cargadas, incluso ni contundentes. El eje vertebral de este tema es de la voz de “Eurogirl” que nos llega a crear miedo alternando voces guturales, chillidos… Si vamos buscando el típico doom metal pesado, este grupo no es el ideal, ya que nos sorprenden una vez más con “Song to the void”. Es un tema muy ambiental, con guitarras muy cargadas llenas de reverb , consumiendo nuestra capacidad auditiva con mas y mas volumen. Por otro lado, destaca la presencia de una melodiosa voz que hace que el tema no sea tan repetitivo, cosa a la que ayuda también la batería tan cargada. Llegamos así al tema más sensible y ambiental del trabajo, con el cual podríamos describir un paisaje, de lo que nos llega a transmitir esta canción. Mezclado con auras góticas y voces guturadas, hacen que este sea el tema que más destaque de todo el trabajo de los franceses. “Diamant Noir” es un tema que coge influencias directas de grupos como BLACK SABBATH, DISCLOSE o CORRUPTED. Y es que el riff de guitarra es de lo más destacable del tema, junto a la cantidad de voces que destacan por ser melodiosas y darle un carácter tenebroso y doom al tema. Finalmente llegamos al último tema, que se caracteriza por ser un claro ejemplo de doom. En él podemos escuchar un conjunto de voces muy personales y desgarradas que junto a un bajo tenebroso hace que la canción llegue incluso a dar miedo. En definitiva, MONARCH! Ha creado un álbum muy personal, mostrándonos sus entrañas y lo duro y pesado que puede llegar a ser este estilo, del que ellos disfrutan tocando. ÁLVARO CASTILLA MEDINA |

6.5

Nos encontramos ante el segundo lanzamiento de los italianos MIDNIGHT SIN, un grupo que lleva con orgullo la etiqueta de Glam Metal en pleno siglo XXI, y eso me gusta. Presentan una colección de canciones potente, bien ensamblada y sobretodo divertida, muy divertida. Hard Rock noventero en estado puro. A pesar de tratarse de un grupo que bebe de influencias de los tardíos 80 y primeros 90, el sonido es moderno, no cayendo en la moda de imitar producciones pasadas. Nos encontramos con guitarras en primer plano y volumen rozando los límites del Vu-Meter. Las voces limpias con el reverb justo y la compresión alta pero no demasiado. La sección rítmica es lo más flojo de la producción. “Day Zero” es la intro perfecta para “Loaded Gun”, donde ya dejan claro desde el principio que lo suyo es el Glam Metal o más bien el Sleaze Rock, una vertiente más callejera y con menos parafernalia. El sonido nos transporta rápidamente a los días dorados de grupos como L.A. GUNS o SLAUGHTER, aunque también encontramos pinceladas de los SCORPIONS de “Love At First Sting”. Una vez tenemos claras las influencias de la banda, podemos ver la esencia propia que imprimen a todos los temas, como al magnífico medio tiempo “Land Of The Freak”, bajo mi punto de vista el single perfecto, que define lo que nos encontraremos a lo largo del disco. “Game Over Fame” ha sido el tema elegido para grabar el videoclip. Se trata de un corte de estilo más moderno, con ritmos sincopados y melodía vocal de corte actual. Es un buen tema, sin embargo no recoge la esencia del grupo como lo hacía el anterior. Merece especial mención la calidad musical de todos los componentes, sobretodo Albert Fish y su espectacular voz. “Send Me A Light” se encarga de romper la dinámica y de ofrecernos un tema lento a ritmo de blues. Queda un poco vacío y elemental con respecto a los demás, pero nunca está de más un blues, aunque sea un poco mancillado como este. “Never Say Never” vuelve al Hard Rock de corte clásico y le devuelve el ritmo al disco. No es de los mejores pero se escucha fácil, se disfruta y sube bastante el ánimo. “The Maze” quizá represente la faceta más contundente de MIDNIGHT SIN, que en este tema rozan el Power Metal. Sonido realmente espectacular el que consiguen. “Plan B” quizá sea la canción que cae con más asiduidad en los clichés del género, pero no por eso le resta un ápice de interés, más bien al contrario. Logran marcarse un tema de esos que gusta escuchar con una cerveza fresquita en la mano, mientras se piensa en el próximo pecado que cometeremos más allá de la medianoche. Con “Not Today” vuelven los sonidos pesados e implementan algo de oscuridad a su sonido. A decir verdad no les queda nada mal ese so-

nido algo macarra y malote. Con “Born This Day” cierran el disco y nos dejan una sonrisa en los labios. Que mejor forma de terminar que recordando la irrepetible época dorada del Hard Rock. Por mi mente se pasean DEF LEPPARD, GUN, BON JOVI, etc. Fabuloso cierre que te deja la moral por lo más alto. Muy buen disco de Hard Rock el que se marcan MIDNIGHT SIN, sin complejos de ningún tipo, sin necesidad de copiar estructuras ni de evocar producciones pasadas. Un grupo de Sleaze Rock como los de antes pero que los podemos disfrutar ahora, todo un lujo. DAVID IBAÑEZ |

8.5

MOONLIGHT PROPHECY (USA)

como toda buena balada del Metal, un toque melancólico y triste. Eso sí, atentos al solo, porque es una maravilla, desde el momento que entra más pausado y melódico hasta según va avanzando, que se va comportando de forma más técnica a base de un tapping rapidísimo. Damos un salto hasta “Omen Under the Stars” último tema del disco. Un tema con un empiece suave que te va metiendo en atmósfera con su guitarra y el sonido del viento, para ya explotar las guitarras con unos riffs apoteósicos llenos de fuerza y vivacidad que te irán transportando a través de diferentes técnicas por una amalgama de ritmos super intensos y técnicos todos y cada uno de ellos. Es increible lo rápido que se pasan los 5 minutos que dura este tema por la magia que insufla la guitarra a base de su elocuencia musical. Lawrence es un melómano de la música que ha escrito una enorme biblioteca de música y sigue bombeando material nuevo y mejor todo el tiempo. Y este nuevo proyecto es solo otra muestra más de lo formidable que es. Si disfrutaste de la música anterior de Lawrence o simplemente te encantan las canciones increíbles con solistas de guitarra y composiciones épicas que os dejen boquiabiertos atentos porque con MOONLIGHT PROPHECY, este nuevo proyecto será las delicias de todos. RUDY PERTU |

VANQUISHED

AUTOEDITADO, CD 2017 Desde el sureste de Pennsylvania surge una banda llamada MOONLIGHT PROPHECY, que nos trae a base de contundencia su primer LP “Vanquised”. Los fans describen el proyecto como “Shred Metal”. Lawrence Wallace, el creador del proyecto se destaca no sólo por su virtuosismo y ser todo un maestro en la guitarra, sino también por su compostura épica. Él escribió toda la música para la banda de Black Metal SHADOWS IN THE CRYPT, que ganó más de cientos de reseñas sobresalientes con su segundo álbum de larga duración “Cryptic Communications” en 2012 y toda la música para su proyecto en solitario LAWRENCE’S CREATION, que también obtuvo gran aclamación en todo el mundo en 2012 con su debut de lanzamiento “Drop Zone” y “Timeless Universe” en 2016. También ha escrito bandas sonoras y piezas de sintetizador. EL LP comienza con “Abandonned” una intro tormentosa con un órgano de sonido tenue y lento, que nos abre paso a “Escape the Ruins”, y aquí es donde empieza la mandanga buena. Empieza intenso y duro con un riff rápido y una batería aún más rápida, para soltarnos una guitarra aun más rápida melódica y técnica. Este tema es explosivo y muy intenso, no hay otra forma de describirlo. Su tercer tema es “The End Times”, un tema fuerte y contundente con un ritmo endiablado que no os dejará indiferentes a nadie. Es una descarga de energía frenética, en donde todo va super acelerado, pero la guitarra es mágica, parece como si fuese la cantante en más de una ocasión, se sobrenota esa técnica endiablada que te hipnotizara y te hará intentar seguirle el ritmo con tu “air guitar”, y sabes que no podrás aun así. El solo es una brutalidad de notas, aún mayor y más intenso que hará que te explote la cabeza y salgan humo de tus orejas. Y como no todo puede ser caña de la brava, “Fading Away” es una balada lenta y melódica, donde la voz se lleva todo el protagonismo, mientras la guitarra se mantiene en una melodía suave y constante. Es un tema lento, y más con lo visto hasta el momento, que aporta

MY TICKET HOME (USA)

UNREAL SPINEFARM RECORDS, CD 2017 “unReal” el nombre del último y tercer disco de la banda estadounidense MY TICKET HOME. El trabajo está compuesto por trece cortes y sale al mercado editado a través de la discográfica Spinefarm records. El grupo, originario de Columbus, Ohio; está formado por Nick Giumenti a la voz y al bajo, Derek Blevins y Matt Gallucci en las guitarras y voces, y Marshal Giumenti a la batería y voces. El primer tema que nos encontramos en el trabajo es “Thrush” que comienza dándonos mucha caña con unos riffs de guitarras bien cargados, acompañados de una batería potente, que al primer compás cambian de tono, y nos devuelven unos ritmos más melódicos pero cargados de intensidad. En el estribillo nos topamos con una melodía pegadiza, bien ejecutada a la voz por Nick, que crea una atmósfera muy enérgica y gustosa, dejando el listón muy alto con el primer tema. “Time Kills Everything” suena en cuarto lugar, manteniendo ese sonido oscuro y potente que les caracteriza, y que suena sobre una voz melódica, manteniendo una composición lenta, que rompe con el ritmo frenético que nos traían el resto de temas. Ese punto de contraste se agradece, creando un tema, que a pesar de ser lento, se mantiene con buena energia durante todo el tiempo, consiguiendo un buen resultado tanto de composición como de ejecución. “Hyperreal” se trata de uno de los temas más

potentes del trabajo, que se posiciona en quinto lugar. Nos introducen al mismo dándonos unos ritmos potentes, que derivan en unas melodías más leves, que se entremezclan con sonidos frenéticos en los estribillos. El ritmo del tema va en altibajo, dejando los ritmos más potentes para el estribillo, y los más melódicos para el resto del tema; exceptuando algunos puentes donde esta regla no se cumple. Sin duda, esa mezcla hace que estemos delante de un gran tema. El noveno tema que escuchamos es “Cellophane” que nos abre con unos ritmos de guitarra agudos, entremezclado con batería y bajo potentes, consiguiendo una intro pesada y bien ejecutada. Este ritmo se acaba pronto, dando paso a unos sonidos más leves y constantes, con ciertos toques de ferocidad en la voz, pero que mantiene melódica durante casi toda la composición. Aun así, e introduciendo ciertos efectos en voces y guitarras, consiguen un tema que despunta por encima de algunos otros, pero con ritmo y una composición bastante parecidas. “Visual Snow” es el tema encargado de cerrar el trabajo, con una voz muy melódica y guitarras tranquilas, componen el principio del tema, que augura un final tranquilo. Esos sonidos melódicos se mantienen durante todo el tema, alejándose de la potencia que hemos escuchado en el resto de temas, centrándose más en la letra y la atmósfera creada, introduciendo multitud de composiciones, que se entremezclan, para conseguir un ritmo base tranquilo, pero enfermizo a la vez, ya que no tenemos excesivamente claro lo que estamos escuchando. Sin duda un tema que rompe con todo lo anterior y que cierra un buen trabajo. Este nuevo trabajo de MY TICKET HOME se compone de multitud de melodías potentes y lentas, que se mezclan entre si, coronadas por voces desgarradoras y composiciones rápidas y potentes, que dan como resultado trece temas muy agresivos y melódicos a la vez. El sonido y la composición de este trabajo es todo un gustazo, con un resultado muy positivo sobre todos los campos. A pesar de esto, y de la mejoría del sonido, personalmente pienso, que no supera al disco anterior “Strangers Only”. Aun así, “unReal” es un paso más en su carrera, un buen paso que les dará muchos éxitos. JORGE DE LA CRUZ |

industria. El caso, que son alemanes y muy buenos, fin de la historia. Vale, pero hacen metal extremo, así que al grano. ¿Qué tipo de metal extremo? Pues uno que tiene la perfecta simbiosis entre death metal standard, groove metal, riffs grind, old school, technical shred, ambientes black, ciertas melodías heavy e incluso ciertos break core. Sí, se que esto así leído parece un popurrí cuando menos raro, pero no es así, todo lo contrario, todo encaja. Para que todo encaje hace falta una coherencia en las formas y sobre todo no mezclarlo todo a lo loco, sino hacer canciones con diferentes influencias, a base de ellas, para luego ir distribuyendo el resto entre los demás temas. Es por eso que, por ejemplo, tenemos “Hunt Down The Crown” con un ambiente black, oscuro y majestuoso, siendo una de las mejores canciones del plástico, para después dar entrada a “Vile Vermin” con un principio down tempo brutal core, que de nuevo va bailando con el death clásico de los noventa. Y como a este tema ya no le meten nada de black, favorecen la variedad compositiva hasta el infinito pues todas las influencias van apareciendo y desapareciendo cual Guadiana. Por supuesto esto hace que el trabajo sea más que entretenimiento y te mantenga atento durante los diez temas del CD. También ayuda a ello el fantástico trabajo vocal de sus dos vocalistas, dando un espectro a las líneas algo devastador. Ya no solo porque su coordinación es tremenda, sino porque encajan a la perfección aún siendo de potente variedad, growl, agresiva, screaming, alguna mas entonada, casuales gorrinillo… Un lujo para los oídos. Aunque lo mas variado en este CD son las guitarras. No es que tengan un amplio repertorio de riffs, sino que tienen un amplio repertorio compositivo. No en vano este instrumento es el dueño y señor del proceso compositivo de estos tíos, limitándose bajo y batería a seguir sus líneas. Eso sí, a un altísimo nivel ejecutor, y es que hay que ver como une y encaja todas esas diferentes influencias el señor Markus Braun con los palos, parches y platos. SANTI GZLEZ |

7.5

NIHIL EYES (GBR)

BLACK PATH AUTOEDITADO, CD 2017 NECROTTED (DEU)

WORLDWIDE WARFARE RISING NEMESIS RECORDS, CD 2017 De la todopoderosa Alemania nos llega el tercer trabajo de este sexteto de músicos de alto copete, experiencia y saber hacer, y es que cuando tu país ha sido pionero en la cultura metal esto se hace notar. No digo que sea más fácil todo el proceso productivo, pero desde luego los genes ya los tienes. Seguramente también tienes una infraestructura más poderosa y gente con ganas de apoyar y generar

“Black Path” es el album debut del trio británico, NIHIL EYES, banda de Bradford que con apenas un año de vida ya nos obsequian con este álbum. El trio está compuesto por los músicos, Casey Jones, vocales y guitarra, Szymon Ogiello, batería y Max Morgan al bajo. NIHIL EYES es la confirmación de que en las islas británicas también se está trabajando muy bien en la escena musical y nos presentan un debut lleno de fiereza y potencia, tomando como base un Death Metal clásico, con alguna influencia del Grindcore de su país. La propia banda confirma muchas de sus NUM. 46 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 53

influencias, con bandas como PARADISE LOST, BOLT THROWER, CARCASS o NAPALM DEATH, casi por así decirlo, los cuatro grandes nombres de la escena extrema británica. Para este “Black Path” la banda, pese a ser tan reciente, se ve claramente que tienen las ideas bien claras, ya que este álbum suena impresionante. Para ello han contado con la experiencia de Dan Swäno para la mezcla y masterización, corriendo la producción a cargo del guitarra / cantante, Casey. Los ocho temas incluidos en este álbum demuestran una claridad de ideas y buen hacer interpretativo, consiguiendo un álbum bastante atractivo, que cautiva por su inmediatez, potencia y variedad. Porque sí, que es una banda que pese a que no descubren nada nuevo, lo que componen y tocan lo hacen realmente bien, basando sus temas en un poderoso sonido y unos riffs de guitarra realmente destripantes, que nos pueden recordar a la mejor época de BOLT THROWER o CARCASS, mezclados con partes veloces u otras incluso más caóticas y Grindcore. Pero todo con un buen gusto para que no llegue a ser inaudible. “Treachery and Id”, “Burn the Leech”, “Lord of Flies” son buenos ejemplos de esto que os comento. Pero la banda, tampoco hace ascos a la composición de temas lentos, oscuros y con melodías melancólicas que nos pueden traer a la mente álbumes como “Icon”, “Shades of Grey” y temas como el cuarto “As Water Falls”, nos dan otra perspectiva de lo que puede ofrecer esta banda. “Manifesto”, pese a llevar un ritmo más acelerado también nos ofrece pinceladas de esto que comento de partes mucho más pausadas y oscuras. “Black Path” es una demostración del buen hacer de este trío de Bradford, con temas llenos de potentísimos riffs, baterías contundentes y veloces, y ofreciendo un Death Metal de corte clásico con influencias de variadas que hacen del álbum una experiencia muy disfrutable al cien por cien. Apuntemos en nuestra agenda el nombre de NIHIL EYES, porque si con menos de un año, nos ofrecen este notable álbum, hay que esperar a ver qué más nos pueden ofrecer en un futuro. LUIS MARTÍNEZ |

8.5

“Entre Regnes” nos dispara a bocajarro, con un crust de primer orden donde los cruentos ritmos salvajes iniciales se tornan en unos riffs aplastantes que me recordaron a TEETHINGH pero pasados por un filtro donde el black se apodera por momentos de la composición. Brutal el trabajo de percusión de Alex y las guitarras de Dani, personalmente uno de los temazos del álbum. Pero “Jo No Ploro Els Màrtirs” no deja riendas a concesiones, imprimiéndole ese toque donde las voces de Xavier y Vali juegan con su catalán hasta la saciedad intercambiando registros a cual más oscuro, recreando unas estrofas bestiales y cruentas. “Caça Furtiva” pone una pausa infernal en el álbum, con unos ritmos más pausados y deathmetalero, pero donde el bajo de Benja sobresales por encima del resto creando una atronadora masa de graves para acelerarse en la parte central y dar rienda suelta a toda la rabia contenida que ÓSSERP encierra dando paso a “La Falç De Saturn”, con dos partes bien diferenciadas entre sí, un inicio donde el doom se vuelve agónico y una segunda parte donde el death metal evoluciona a pasos agigantados, un punto de inflexión de categoría en el álbum. “Amb El Cap Ben Alt”, se torna en una espiral violenta de grind/black con dos minutos de una realidad rabiosa y enfermiza pero donde los catalanes le infringen un toque punk muy original, siendo esto uno de los puntos fuertes de su trabajo, la variabilidad dentro de la vorágine. Casi sin darte cuenta, ya has atravesado la mitad del álbum con “Sota La Creu De Gentil” un corte donde la crueldad es sinónimo de musicalidad para llevarte a “El Culte”, el cual fue tomado como bandera y adelanto en su promoción, quizás su tema más asequible, retomando elementos de sus anteriores entregas en una especie de invocación demoniaca. “De Dalt Del Campanar”, nos acerca al final con un corte de death metal old school en toda regla pero amenizado por una orquesta de blast beats que te dejará sin aliento y dar paso al cierre con “El Buit”, donde la creación de una atmosfera oscura e inquietante a base de voces en off y distorsiones te atrapará aun más en el abismo. ÓSSERP vuelve a golpearnos de bruces con un discazo de death/grind/black, demostrándonos que el underground en su vertiente más extrema está en plena ebullición con grupos como BARBARIAN SWORDS o TEETHINGH. Disfrutable al máximo si lo tuyo son estos sonidos sacados del averno. JUAN ANGEL MARTOS |

de RISE AND FALL, OATHBREAKER y MAUDLIN, nos presenta seis nuevos cortes donde el post/punk toma las riendas con un toque de rock gótico ochentero. Y todo ello queda claro desde el principio con “You And I”, donde las melancolicas melodías bucales, se entremezclan con un una música profunda y muy ambiental, pero con un alma THE CURE siempre presente, que continua en “No Last Surrender” con sus enigmáticas melodías que te atraparan sin darte cuenta. Un corte más directo donde el post punk se mezclan con la esencia ochentera del rock gótico siendo uno de los mejores temas del álbum que no podrá faltar en tu reproductor si te gustan grupos como JOY DIVISION o THE WIPERS. “Change”, mezcla unas estrofas muy bellas y delicadas con las distorsiones y acoples del estribillo, endureciéndose por momentos pero manteniendo unas guitarras elegantes basadas en el pop con un toque dark que se mantiene a lo largo de los seis cortes como en “Sometimes”, la cual define a la perfección las palabras de la banda “menos post, más punk y pop” para atraparte en su delicado sueño y estructuras musicales. Y es que cada vez que lo escucho mas te sumerge en su propio universo, donde destaca “Forget”, tema lento y siniestro que se desarrolla con elegancia y unos rasgados oníricos de guitarras, mientras la percusión acompaña con sus platos y caja pausada en un viaje que no olvidaras, repleto de melancolía, tristeza pero con una luz que brilla al fondo de la que no podrás apartar la vista, sucumbiendo a su sonido y melodía. “El álbum lo cierra “I Have Always Loved You”, donde introducen un dialogo cinéfilo durante todo el tema, recurso muy utilizado por NORDIC GIANTS y su rock cinemático, el cual cierra un gran trabajo de PARTISAN, delicado, bucólico y de fácil audición con el que disfrutaras en días oscuros y tristes, poniendo un haz de luz a tus sentimientos. JUAN ANGEL MARTOS |

7.5

música base es el post rock, pero entremezclan tantos detalles que los hace diferentes y te obligan a prestar atención en cada giro interpretativo, desde elementos blackers como blast beats y voces rasgadas y agudas, hasta pasajes góticos donde las melodías de violín te embadurnaran de arriba abajo. “Owls Not What They Seem” continua el viaje hacia la oscuridad donde las lechuzas ponen su canto en un segundo plano a lo largo del tema, mucho más ambiental, pero respetando elementos acelerados de black metal, aunque las transiciones ya nos dejan entrever por dónde van los caminos, introduciéndonos en un mundo propio y original donde cada matiz eleva el precio de cada corte. Una delicia que apreciaras con cada escucha en este temazo. La progresiva “Thoughts Like Silver Bullets”, nos hace cambiar de tercio y nos adentra en atmósferas oscuras pero repletas de alma propia, donde los susurros de las estrofas, los teclados y una fuerte presencia del bajo, se entremezclan con gran gusto en un toque gótico. Los tres siguientes cortes dejan de lado las voces, en “Symmetric Kakophony”, “Leviathan” y “Wanderlvst” lo que vamos a encontrar son pasajes idílicos para recordar y meditar, tres temas para gozarlos al máximo y dejarte imbuir por su ambientación cinemática que me recordaron a grupos como NORDIC GIANTS o ANGELA MARTYR. Pero POSTCARDS FROM ARKHAM, también tienen un toque folk en su universo musical, como bien demuestran en “Dunwich Shaman”, introduciendo guitarras acústicas y toques de percusión tribal, los cuales alargan en “Valley of the Past Lives” pero con un toque idílico repleto de ensoñaciones, una canción mágica de cuna que nos transporta a otro mundo, a otra época con elementos basados en los sueños. “Her Cosmic Song”, cierra el álbum, y lo hace como lo empezó, con un corte de post metal en toda regla, pero sin perder su esencia, estrofas donde los diálogos establecen su punto cinéfilo, pasajes más agresivos y distorsionados, y momentos de lucidez repletos de una instrumentación muy bella y atmosférica. Un disco muy disfrutable para todos los amantes del post metal y con un toque original. JUAN ANGEL MARTOS |

8.5

POSTCARDS FROM ARKHAM (CZE)

MANTA METALGATE RECORDS, CD 2017

ÓSSERP (ESP)

AL MEU PAS S’ALÇA LA MORT VARIOS SELLOS, CD 2017 Desde Barcelona, nos llega el nuevo trabajo de ÓSSERP “Al Meu Pas S’alça Le Mort”, editado conjuntamente por varios sellos entre los que se encuentran Kremon Recs, Abtract Emotion, The Braves o Hecatombe, mientras que el trabajo de estudio se divide entre la grabación y mezcla de Aleix Archs y la masterización de Brad Boatright en sus Audiosiege Studios de Portland. Su cuidado underground toma las riendas en este crudo viaje a través del death/grind metal, sin olvidar su poderoso black metal o incluso sus toques punks, para confeccionar un infestuoso álbum repleto de violencia agresividad y oscuridad. 54 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 46

PARTISAN (BEL)

WE HAVE BEEN SO TERRIBLE BETRAYED HYPERTENSION RECORDS, CD EP 2017 Nos llega el tercer trabajo en forma de Ep de los belgas PARTISAN, “We Have Been So Terribly Betrayed”, editado por Hypertension Records, grabado y mezclado en House Rott Child y masterizado por Jack Shirley en Atomic Garden. El trio formado por ex-miembros

Desde la Republica Checa, nos llega el último trabajo de POSTCARDS FROM ARKHAM, “Manta”, editado a través de Metalgate Records y tras el que se encuentra Marek “Frodys” Pytlík como autor de música y letras, dentro de su mundo lovercraftiano. Post rock original y realizado con muy buen gusto donde las atmósferas, los elementos de música clásica, progresiva e incluso toques black, recrean un mundo propio y una visión distinta del mundo de HP Lovecraft a lo largo de nueve temas de los que hablaremos a continuación. “The Kvlt of Dream”, abre el álbum, además de ser su primer videoclip promocional para este álbum y quizás el tema más diferente del álbum, donde unos orcos/globins se embarcan en un viaje repleto de magia y venganza. Su

PRIMITIVE MAN (USA)

CAUSTIC RELAPSE RECORDS, CD 2017 Desde Denver, nos llega el segundo trabajo del trío sludge/doom PRIMITIVE MAN, “Home Is Where Hatred Is” editado a través de Relapse Records. Grabado y producido en Flatline Audio por Dave Otero (COBALT, CEPHALIC CARNAGE, CATTLE DECAPITATION), nos dejan 12 cortes repletos de sonidos claustrofóbicos, agresividad y suciedad, donde tratan la corrupción política y social del mundo actual. Desde los primeros compases de “My Will”, una sensación de inquietud y violencia se apodera de tu interior donde los pesados y rasgados

ritmos de Jonathan Campos recrean unas melodías inquisitoriales junto a Joe Linden, mientras que Ethan Lee pone su voz cruda y salida del mismísimo infierno. “Victim”, continua con esos ritmos abrasivos, que pondrán a prueba tus nervios. Para este corte han realizado un videoclip tan sectario como que me extraño que no estuviera censurado, echadle un ojo en youtube para adentraros en los entresijos más oscuros de la mente humana. Tres cortes son mastodónticos y catarquicos, “Commerce”, “Disfigured” e “Inevitable”, cuya máxima es un doom lento y agónico, donde acoples y la descomunal voz de Ethan te adentran en una mundanal corrupción con sus más de 10 minutos cada uno. Los detalles pondrán la distinción, desde la pesadez y oscuridad de “Commerce” con su doom/ sludge, la oscura y desquiciante “Disfigured”, con un final tan neurótico que te hará pasarlo o enloquecer y la ambiental y esquizofrénica “Inevitable”, donde las guitarras agudas pondrán tu sensibilidad a prueba. Está claro que PRIMITIVE MAN no hace música para todo el mundo, pero si conectas con ellos la experiencia será inolvidable y desquiciante, como particularmente me ha ocurrido a mi mientras escribía esta review. También contiene otros temas mucho más acelerados con toques crust/punks, como “Sterility”, con un inicio demoledor, para adentrarse en una pesadilla letal al igual que “Tepid”, donde la voz se convierte en desgarros de una víctima inocente. PRIMITIVE MAN, consiguen inquietarte a lo largo de más de 70 minutos, tras lo cual tendrás que reponerte de la experiencia vivida. JUAN ANGEL MARTOS |

7.5

PROSTITUTION (USA)

EGYPTIAN BLUE AUTOEDITADO, CD EP 2017 Comienzo con esta banda con una sensación realmente especial, ya que estoy ante lo que para mi es un caso de esos en los que intuyes que el disco en este caso ep, va ser uno de esos fenómenos del underground que ocurren esporádicamente y que encumbra a una formación de una forma rápida y para mi en este caso merecido. Sin más presento a PROSTITUTION y su ep “Egyptian Blue”, la banda está integrada por miembros de varias formaciones con reconocimiento en esto del metal extremo y residente en New York. En cuanto a lo musical, eso es lo bueno de estos chavales, son una combinación excelente de estilos que culminan en un viaje psicodélico en el cual su gran base es el black metal pero mezclando absolutamente estilos sin ningún miedo, y cuando eso ocurre con acierto normalmente el resultado es espectacular, aquí nos encontramos con influencias desde thrash, black metal y shoegazen/ psicodelia, que hacen un combo verdaderamente especial. Son tres temas los que forman este ep y cada cual tiene una raíz pero dándole su toque personal, haciéndolo del todo ameno, inusual y

atrevido pero con un saber hacer que al medir esas proporciones también nos regalan una pequeña joya para poder disfrutar con una mente totalmente abierta. Inclusive la portada y logo son totalmente alejados a los patrones habituales, recordándome a las bandas de jazz/progresivo inclusive bandas de a.o.r, cosa que me parece personalmente un acierto y que abre la curiosidad nada más verla, y conseguir esos efectos hoy en día es un logro a mencionar. Los miembros no son nuevos y pertenecen a bandas como BLACK HARVEST, DEMILITIA BEAST MODULUS, así que la experiencia de este cuarto trabajo está asegurado, son 3 temas que están sobre los veinte minutos pero que puestos en bucle todo el rato aun logra un mayor impacto. JESÚS Q.C. |

8.5

PUTRID WOMB (USA)

PROPENSITY FOR VIOLENCE ROTTEN MUSIC, CD 2017 Dos años después de la disolución de la banda de Black Metal NOKTURNAL NEKROMANCY, sus integrantes formaron PUTRID WOMB. Una banda que contaba además con un nuevo miembro y que estaba orientada al Brutal Death Metal. El 22 de Septiembre, el sello británico Rotten Music presento al mercado su trabajo debut “Propensity for Violence”; con 10 cortes de absoluta brutalidad, con el que el cuarteto tejano pretende demostrar su valía, dentro de una escena tan compleja y exigente. Tras una “Intro” instrumental viene “Propensity for Violence”; donde la banda nos arroja su Slamming Brutal Death. El sonido de la batería se queda algo atrás en algunos momentos; quedando para mi gusto algo limitado en cuanto a matices. A pesar de que Tiago Correira (batería de ANALEPSY) ha sido el encargado de la masterización. PUTRID WOMB no dudan en utilizar el típico recurso de “Speech” a modo de introducción para sus temas en más de una ocasión. Esta claro que no estamos enfrentándonos a una banda increíblemente innovadora y experimental. Pero desde luego, si disfrutamos de una banda que sabe hacer un Brutal Death reglado. “Diarrhea Waterboarding” es uno de los temas más potentes del disco; donde me gustaría destacar los arreglos de guitarra, con unos armónicos de lo más quebradizos y afilados. Otro de los temas que más me llaman la atención es “Vaginal Evisceration”, donde los tejanos comienzan a ritmo de Blast-Beat y veloces riffs que acaban derivando hacia su lado más machacón. Con un abominable Pig Squeal, PUTRID WOMB nos conducen hacia el final del tema inmersos en el máximo exponente de “brutalidad Slam”. “Of Incest and Depravity” abre con unas líneas de guitarra muy interesantes con cierto roque Rockero. Existen muchos matices dentro del álbum, que requieren más de una simple escucha para poder apreciar.

Este “Propensity for Violence” llega a su fin con “Perpetual Punishment”, uno de los cortes brutales del disco. PUTRID WOMB despliegan toda la maquinaria y técnica a su disposición para alcanzar la máxima intensidad. El artwork ha sido creado por el artista indonesio Gorgingsuicide, de sobra por sus portadas dentro del mundo del Brutal Death y que en los últimos años esta siendo un gran referente artístico dentro de esta escena. PUTRID WOMB han tenido un inicio muy ambicioso, que esperemos les lleve muy lejos. Si eres de esos que disfrutan de bandas como DEVOURMENT, ANALEPSY o KRAANIUM; este “Propensity for Violence” será perfecto para ti. PABLO VÁZQUEZ |

RISING CORE (ESP)

UNDER THOUGHTS AUTOEDITADO, CD 2017 RISING CORE se formó en el año 2013, la mayoría de sus componentes provienen de la banda de metal progresivo Bartok (20002012). Con su anterior trabajo “Rise” tuvieron muy buena acogida a nivel nacional e internacional, teniendo muy buena acogida en países como Japón, Canadá, Estados Unidos o México entre otros. RISING CORE han sido nominados entres las 5 mejores bandas del mes en “Unleash the furies”, Veronica seleccionada entre las mejores cantantes del metal estatal en 2014 “Metal Español”, “Rise” votado con un 9/10 en “Black Phoenix Rising”, nominados mejor banda del mes en “Women of metal” (Canadá) y premiados entre las 10 mejores bandas del 2014 en “La caja de pandora”. Y ahora, con su nuevo trabajo, “Under Thoughts”, vienen a comerse el mundo entero y a terminar de fabricarse su lugar en esta vorágine de bandas hambrientas. “Under Thoughts” trata sobre una mujer de 43 años casada y con un hijo de 11 años, triunfadora en los negocios con una empresa multinacional, ella es una líder, entra la primera a trabajar y sale la última. La trama comienza una noche en la que está en su despacho y ya no queda nadie en el edificio, de repente recibe una llamada diciendo que su marido acaba de sufrir un accidente de coche cuando iba a buscarla. A partir de aquí ella empieza a desmoronarse a todos los niveles y está a punto de perderlo todo, la relación con su hijo, la fe en sí misma, su trabajo e incluso su propia vida. A lo largo del álbum se van describiendo las diferente fases y ambientes por las que va transcurriendo la trama y los sentimientos más profundos de cada personaje. En definitiva, en un viaje que nos hace reflexionar acerca de nuestro “modus vivendi” y como las decisiones que tomamos afectan a nuestra vida. Y hablando ya en materia del disco, nos encontramos con un poderoso Metal Melódico que mezclara ritmos contundentes con melodías embriagadoras, unas intensas armonías con unos solos refinados y emotivos, diferentes juegos tonales en la voz y en resumidas cuentas, un disco muy completo. Pasemos a hablar de algún tema en concreto para desta-

car las virtudes de este álbum. Como gran tema del álbum me decantaría con “Broken”, me parece un tema lento, pero con una gran carga emocional. El tema empieza con un piano prodigioso que suena muy triste y nos adentra en un mundo más oscuro, para ir entrando la voz y el resto de instrumentos de forma perfecta. Como en cada uno de los temas que nos encontramos en el trabajo, nos incluyen un estribillo fácil de recordar, algo que ayudará a corear sus temas en directo. Y un solo increíblemente bien trabajado intenso, preciso, melódico y con una buena dosis de pura magia artística. Otra canción que me gustaría destacar es “Into the Darkness” otro tema interesante, por ser el más potente del disco a mi parecer, gracias al trabajo ofrecido por las guitarras. Y es que el tema empieza con la voz de Verónica acompañada ligeramente por el piano y la guitarra, para darnos paso a unas guitarras más intensas y fluidas, intentando aportar ese toque oscuro que necesita este tema. En resumen, nos encontramos con diez canciones que nos llevan por alrededor de casi 43 minutos, con una sobrecogedora fuerza melódica que nos hará vibrar el corazón con fuerza a través de todas las emociones que nos hará sentir. Por sacarles una pequeña pega, creo que han sido excesivamente cautos y no han arriesgado en sacar un sonido algo más fuera de lo establecido. Aun así, un disco increíble de principio a fin que como ya dije, viene a imponerse en esta vorágine de bandas emergentes que buscan su lugar. RUDY PERTU |

SACRILEGIOUS RITE (DEU / FRA)

SUMMONED FROM BEYOND DUNKELHEIT PRODUKTIONEN, CD 2017 “Summoned from Beyond” es el título del primer larga duración de esta banda germano-francesa formada en 2009 , que sucede al split que lanzaron el pasado año con sus compatriotas DETHRONED vía Dominance of Darkness Records (GRAU, TAVARON, NEOCORTEX…). Surgidos de las cenizas de lo que fueron CAPITIS DAMNARE y con varias grabaciones ya a sus espaldas, este álbum que ha publicado la también alemana Dunkelheit Produktionen (HORRID, GOATBLOOD, BOSQUE…), se constituye de diez canciones de un oscuro death metal con rasgos black metaleros y una producción algo pobre, aunque bien es cierto, que al grupo le viene como anillo al dedo ese sonido feo y sucio. Estos ocho temas encerrados entre una intro y una outro, de grabación un tanto casera gracias a ciertos detalles pero durante los cuales, podemos encontrarnos con algunas referencias o similitudes con combos como ORDER FROM CHAOS, THRONEUM, WRATHPRAYER… ese death metal primigenio y orientado al género black tanto en atmósferas como en las letras blasfemas y antirreligiosas, patentes en cortes como el inicial “Sacrilegious Rite”

(¿recordáis cuando las hordas de los 80 tenían un himno con el nombre propio de la formación?), “Deathstalker” o “Remains of the Deceased”, con esas voces femeninas de fondo, que le convierten en uno de los mejores de este trabajo. Igualmente hay momentos con ráfagas de los viejos SLAYER (primeros discos) o similares, gracias a esos riffs thrashers pero con un toque sombrío caso de “I Believe” por ejemplo. Además hay colaboraciones en el apartado vocal que complementan las voces guturales y algo rasgadas al mismo tiempo, como las de Lord Ashir de la horda singapurense INFERNAL EXECRATOR, Hekte Zaren de ADAESTUO o Sonia Sepulcral de los bolivianos BESTIAL HOLOCAUST ya desaparecidos y con los que compartieron un split en 2015. Grabado durante el pasado año y mezclado por E. I.-M. (Ex Ipsis-Mors), guitarrista y vocalista de la banda, al que acompaña Sitrom Rogir a la batería. La masterización ha sido orquestada por Barkayal (GOATTHROAT, NORTHERN HATE, CARN DÛM…), que se sentó al mando de los parches durante una temporada en SACRILEGIOUS RITE y la portada, obra del artista conocido como Remember the Fallen (ENDEZZMA, FRONT BEAST, CORROSIVE CARCASS…). Si te gustan las bandas mencionadas, situadas a medio camino entre del death y el black metal alejadas de tecnicismos absurdos, letras gore, políticas o influencias modernas, este grupo será de tu agrado. ROBIN RM |

claros toques góticos, alguna reminiscencia a RAMMSTEIN y al metal industrial, con esa composición electrónica constante y un sonido tan digitalizado. ¿Pruebas de ello? Sin duda “This World” o “Against All Enemies”, que por estructura me recuerda mucho a Mutter, de los anteriormente mencionados RAMMSTEIN. En todas las canciones podemos observar el mismo dibujo estructural y sonoro, un mensaje parecido y casi los mismos recursos, que, como he mencionado antes, no es algo precisamente malo en este caso, aunque demasiado excesivo para un disco formado 12 canciones y una bonus track. Éste quizás sería un disco que me pondría para salir a correr o cuando esté de muy mal humor por algo, puesto que el sonido incita a un pensamiento violento. Estoy seguro de que es un grupo que se puede disfrutar mucho en directo. “Hegemony” dibuja un mundo sonoro lleno de agresividad, violencia, conquista y batallas. Es un paraíso de testosterona desbocada e incontrolable, un marco perfecto para resolver tus problemas a puñetazos. Personalmente no lo he disfrutado demasiado, pero debo admitir que su fuerza es contagiosa, porque no te deja descansar ni un segundo, todo el disco consiste en sonidos duros sin espacios para apartados más melódicos. ÁLVARO GARCÍA BENITO |

cambiando por completo el ritmo del trabajo, y dandole algo de frescura. En el último bloque nos encontramos con dos de los temas más largos del trabajo, “Assault and Mischief” y “Five Nerve Drive”, donde nos encontramos con bastantes similitudes en ambos, gobernando en sus composiciones unas estructuras bastante parecidas, encabezas por ritmos rápidos, con una voz agresiva, donde los coros ayudan a dar más profundidad. Cierran el trabajo con unos ritmos repletos de sonidos graves y coros, que ayudan a aumentar la fuerza y acabar el trabajo con una gran intensidad. Este segundo trabajo de SCARFOLD da un paso adelante conforme a su trabajo anterior, conformando un EP compuesto por temas de hardcore potente, pero que le falta algo de chispa para echar a volar. Cuentan con un sonido bastante agresivo y una voz que les puede dar mucho juego. Un trabajo bien ejecutado, pero que repite fórmulas tradicionales, mezclado con pequeños tintes modernos que, a pesar de innovar poco, se convierte en un trabajo que deja buen sabor de boca. JORGE DE LA CRUZ |

6.5

SEEDS OF MARY (FRA)

THE BLACKBIRD AND THE DYING SUN KLONOSPHERE RECORDS, CD 2017 SCARFOLD (CAN)

DIVIDE / DECLINE INDELIRIUM RECORDS, CD 2017 SAMAEL (SWI)

HEGEMONY NAPALM RECORDS, CD 2017 Desde Suiza, sonando como las Valkirias de Wagner en “Apocalypse Now”, con una desgarradora agresividad y un epicismo apocalíptico, llegan SAMAEL con su “Hegemony”, un disco que transmite unas imágenes muy potentes. Su sonido me recuerda a las grandes películas de acción de principios de los 2000 o, no acabo de entender porque, al juego Diablo. Supongo que por su simbología demoníaca se puede relacionar perfectamente con el sonido destructor de esta banda. Pese a la monotonía de la sonoridad en sí, donde no se busca una experimentación auditiva, dejan clara la intencionalidad de su mensaje, que posee una potencia envidiable. La elección de la mezcla y ese toque de constante distorsión electrónica ayuda a expresar este mensaje de agresividad; parece que hablen desde una cueva llena de lava y cosas muertas. Hablan de la hegemonía, como bien expresa su primera canción y título del disco “Hegemony”, también de la elección de matar o morir como en “Murder or Suicide”, por lo tanto ya podemos ver esa especie de obsesión supremacista y conquistadora, militar incluso, aunque con toques de protesta política, reivindicativos. Ellos deciden incluirse dentro del género Metal, algo muy genérico, aunque tienen

El grupo de hardcore canadiense SCARFOLD lanzan al mercado su segundo EP, bajo el título “Divide/Decline”. Este nuevo trabajo está compuesto por seis temas y sale editado a través de la discográfica Indelirium Records. Formados en 2015 en Montreal, Canadá; el grupo está compuesto por cuatro miembros. El trabajo nos abre con “Welcome to the Divide”, donde en menos de un minuto comienzan a meter una caña tremenda, jugando con unos riffs de guitarras bastantes agresivos, aderezados de una voz gutural cargada de fuerza. Esto no da paso a “Falsifier”, donde nos adentran en unas composiciones mucho más rápidas, marcadas de una manera intensa por una batería que fluye a ritmo de vértigo. Nos encontramos con algunos cambios de ritmo, donde las guitarras toman el protagonismo, cambiando el tono y ajustando la velocidad a una voz que se rehuye en los breakdowns, para dejar por encima a la agresividad. En “19 Below” inyectan una furia abrumadora mediante los primeros riffs de la composición, donde la voz se acopla a la perfección a esa velocidad. Nos encontramos con composiciones que se van alternando entre sí, mezclando partes rápidas con otras más lentas e intensas, donde las primeras, tienen bastante similitud con sonidos anteriores. Si embargo, en “Self Worth One”, nos introducen mediante una melodía de bajo bastante acusada, crea contribuye a que el resto del tema, se mantenga en un tono bastante lento, pero contundente,

SEEDS OF MARY es una banda fundada en 2011 en Francia que mezcla hábilmente el Grunge de los 90 con un rock más moderno, tan poderoso como el melódico. Motivado y fuerte con muchas experiencias en vivo, la banda alterna riffs pegadizos y potentes atmósferas. SEEDS OF MARY nos traen su segundo álbum “The Blackbird and the Dying Sun” lanzado el pasado 20 de octubre a través de Klonosphere Records. En este álbum nos encontramos con 12 temas muy atractivos con toques de Heavy Metal, Rock alternativo, Grunge y toques góticos. Empezamos destacando “I’m not Afraid” un tema que me recuerda enormemente a “Would?” de ALICE IN CHAINS, pero con un ritmo más decadente y con un juego de voces muy interesante. La guitarra funciona muy bien en este tema desarrollándonos unos riffs muy melódicos, decadentes y fluidos. Un estribillo pegadizo y bastante fácil de cantar, es más, terminaremos tarareándolo con ellos inconscientemente. Damos un pequeño salto y nos pasamos a su quinto trabajo “The Blackbird”, el tema que fuese su primer sencillo. Una canción que empieza lento, con una melodía tranquila mientras todo el protagonismo lo toma la voz, hasta llegar a un punto en el que la música parece pararse, para con susurros y un cambio de intensidad nos va abriendo paso a un ritmo diferente bastante más pesado, que juega con violonchelos para aportar más ritmo e intensidad. Este tema me recuerda a algunos temas vocales de APOCALYPTICA. No podía dejar de nombrar a “Sense of Sacri-

fice” donde la batería suena muy similar a la de “Beautiful People” de MARYLIN MANSON, haciendo que el tema suene bastante similar también. Una canción con mucha garra y un buen juego de voces. Recordemos que en SEEDS OF MARY tenemos al cantante principal Jerem, que es acompañado vocalmente por Xav, el bajista, y por Ralph, uno de los guitarristas. Cerrando el disco está la preciosa “Back to the Woods” que aprovechando el violonchelo nos hace una intro lenta con un sonido precioso que nos da paso a las guitarras aportando fuerza. Tiene ese toque gótico en la atmósfera que la hace muy interesante. Este tema esconde uno de los mejores solos de guitarra de todo el disco, y eso que ya es decir, porque a lo largo de los 12 temas nos irá desencajando la mandíbula a base de los poderosos solos que nos encontraremos. El solo entrará en juego en el 3:50 min cuando le da paso la voz, que jugará repitiendo el estribillo en lo que suena, pero aun así, un sólo fluido y mágico, que jugará enormemente con la distorsión y los arpegios para maravillarnos. El tema cierra súper épico e intenso, con la repetición de unos riffs pesados y bien elaborados, mientras dejan volar al violonchelo de forma abismal, que dará paso al juego de coros para despedirse. Al final nos encontramos con una banda que se dedica a mezclar sonidos de aquí y allá, para sacar su propio estilo que alberga desde el Hard Rock o el Stoner, hasta ritmos más trepidantes como puede ser el Gótico. Con sus 12 canciones nos demuestran esa terrible ambivalencia de la que son capaces de sorprendernos en un disco muy sexy lleno de buenos sonidos que nos llevará una hora y tres minutos de puro placer auditivo y que encima nos instará a volverlo a escuchar para poder sacar todos esos pequeños detalles que esconde. TANIA KYMMENEN |

SHARPTOOTH (USA)

CLEVER GIRL PURE NOISE RECORDS, CD 2017 El grupo estadounidense SHARPTOOTH lanzan al mercado su primer LP, bajo el título “Clever Girl” editado a través del sello discográfico Pure Noise Records. La banda, formada en 2012 en Baltimore, Maryland, está compuesta por Lauren Kashan a la voz, Keth Higgins y Lance Donati a las guitarras, Phil Rasinski al bajo y Conor Mac en la batería. “Rude Awakening” es el primer tema que nos encontramos en el disco, que nos abre poco a poco, con una melodía de bajo sutil, y sonidos de guitarras muy leves, sobre los que empieza a sonar la voz. Más adelante, sobre el primer minuto, la calma se rompe, brindándonos unos ritmos mucho más frenéticos, cargados de intensidad. A parte de una fuerza muy grande, mediante cambios de sonidos constantes, son capaces de transmitir una energía enorme, a través de riffs rápidos y voces agresivas. NUM. 46 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 57

El tema que nos encontramos en cuarto lugar es “Fuck You Donald Trump” que en dos minutos y medio, nos condensan un tema cargado de contenido político, acompañado de riffs de guitarras frenéticos, con una batería bastante ráìda. Pero donde la agresividad se nota de verdad es en la voz, que mantiene un ritmo bastante rápido y agresivo, sobre todo por el tono agudo que sostiene durante todo el tema, sin dejar de tener fuerza en ningún momento. “Jesus Loves You” suena justo en el ecuador del trabajo, comenzando con unas voces muy leves, que rompen unas guitarras muy agudas, acompañada de unos extraños sonidos. Estamos ante un interludio prácticamente instrumental, creado con melodias con pocos cambios, que se distribuyen en tres partes bien diferenciadas. Un tema que parte el disco en dos, del que tampoco sobresale nada. Guitarras agudas nos abren “Left 4 Dead”, para al momento ser acompañadas por la voz, que mantiene un ritmo constante con sonido agudo y agresivo, pero que en momentos cambia, dotando a la composición de un sonido más melódico y fresco, y consiguiendo variedad en el tema, haciendo una melodía más pegadiza. Seguimos encontrándonos breakdowns potentes, con partes muy agresivas, guturales y baterías de vértigo, en un tema de poco menos de tres minutos donde nos encontramos muchos cambios. “Pushing Forward” se encarga de cerrar el trabajo, componiendo una melodía bastante agresiva, sobre todo por una batería muy rápida que no baja el ritmo en todo el tema. Las guitarras sostienen multitud de sonidos, pasando por sonidos agudos muy estridentes, has por partes melódicas donde son bien acompañadas, por una voz limpia, que nos demuestra que no todo son gritos, creando un tema perfecto para cerrar un buen trabajo. En mi opinión, estamos ante un gran trabajo de SHARPTOOTH donde han sido capaces de mezclar partes de hardcore tradicionales, con toques modernos, intercalando melodías muy suaves, con voces limpias, manteniendo buena intensidad y un sonido abrumador. Sin duda, su álbum debut está a un gran nivel, ya que han sabido componer un disco bastante variado y agresivo a partes iguales, con canciones que rozan la media de dos-tres minutos que sin duda derrochan creatividad por todas partes. Una banda muy a tener en cuenta, ya que ponen el listón bastante alto, y casi seguro que no piensan bajarlo en mucho tiempo. JORGE DE LA CRUZ |

salió al mercado mediante el sello Spinefarm Records este nuevo trabajo del quinteto. Ante nosotros nos encontramos con once cortes repartidos en casi cuarenta y ocho minutos en un disco de Thrash Metal influenciado por la vieja escuela, pero con un sonido más propio de las bandas de la nueva ola del género, con una afinación más grave en sus instrumentos de cuerda, que tras la primera escucha la sensación que deja a priori es que han madurado mucho con respecto a su anterior trabajo, tanto en composición como en estructuración de los temas, que si lo unimos al resultado de la producción que posee este álbum es para que el combo esté más que satisfecho. El trabajo comienza con “Hollow Earth” que tras unos compases atmosféricos a modo de intro desatan toda su agresividad en un primer momento ya que en este corte entremezclan esas partes frenéticas con otras más pesadas y oscuras ofreciéndonos una excelente carta de presentación del disco. “Complete Resection” es, en pocas palabras, un guantazo en la cara, blast beats asesinos y velocidad desbocada encontramos en, prácticamente, su totalidad. Por parecidos derroteros del primer corte discurre la siguiente “The Boundaries Set” que si bien el tempo no es tan rápido como la anterior, la pista de batería grabada en este corte le da la energía y rabia precisa. Todo lo contrario encontramos en las pistas “Jester”, “Pariah” y “Echoes of Emptiness” que si bien tienen algunas fases rápidas, en general son cortes pesados y predominando los medios tiempos, una mezcla de Heavy/Thrash muy bien combinada y perfecta para que este trabajo discográfico no se haga plano en su escucha. Con “Carved From Above” volvemos al Thrash agresivo, directo a la yugular, con una excelente colección de riffs y unas fases pesadas más propias del Groove Metal. En “1.0.1” obvian las partes pesadas para ofrecernos casi cuatro minutos de rítmicas frenéticas secundadas, como en la totalidad del disco, por la excelente labor de Jonathan Grimley a la batería. Turno para “Raised on Decay” que da título al disco y es un corte que empieza lento, oscuro y atmosférico para poco después convertirse en una obra de puro Thrash Metal con una excelente colección de riffs de guitarra, en este tema concretamente me recuerdan sobremanera a los también británicos ONSLAUGHT. Por los mismos derroteros discurre el siguiente tema “Choir of Wolves” que tras su intro de pasajes limpios con voz hablada nos ofrecen otro de los cortes más destacados del trabajo discográfico. Y, para cerrar el álbum encontramos “Antichrist” otro tema corto y directo, totalmente diferente al resto del álbum, un corte fresco y desenfadado cargado de Thrash’n’Roll que lo hacen una canción ideal para cerrar este excelente trabajo discográfico. CARLOS BERMEJO |

SHRAPNEL (GBR)

RAISED ON DECAY SPINEFARM RECORDS / CANDLELIGHT, CD 2017 “Raised on Decay” es el larga duración debut de los thrashers ingleses SHRAPNEL, tras dos grabaciones en formato EP, irrumpieron en la escena con el segundo de ellos “The Devastation to Come” de 2014, el 29 de septiembre 58 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 46

8.5

SPECTRALE (FRA)

*** LES ACTEURS DE L’OMBRE PRODUCTIONS, CD 2017 SPECTRALE es el proyecto en solitario del polifacético artista, Jeff Grimal (THE GREAT OLD ONES) que, junto con Jean-Baptiste Poujol, ha creado un universo construido sobre melodías hipnotizantes y atmósferas, colores e imágenes etéreas. El álbum es una invitación a un viaje mucho más allá del mundo físico, una experiencia que no se puede describir con palabras. Se trata del primer álbum de la banda, de título “#” y compuesto por 9 temas. Según su creador, es el resultado de un trabajo a largo plazo en la exploración musical acústica, hipnótica y esotérica. El concepto de la banda es la libertad total en términos de composición, experimentación de ritmo o armonía. La música llama claramente a la meditación y a la búsqueda interior de sentimientos ocultos. El trabajo presenta unas ilustraciones obra también de Jeff Grimal, que acompañan a la perfección el transcurrir del disco y ayudan a comprender la música. En el plano estrictamente musical, podemos adivinar un cierto viraje hacia las bandas más influyentes del rock psicodélico, progresivo y sinfónico, así como a otros estilos de música alejados por completo del rock como el New Age, pero todo desde una óptica acústica. La producción es soberbia, embriaga la claridad y contundencia con la que suenan las guitarras acústicas, motor principal del disco, así como el espacio dado a otros instrumentos secundarios como el violín, el piano o incluso el sintetizador. Ya en el primer tema “Andromede”, se advierte la experimentación sonora, esa búsqueda de la armonía que lo llena todo a base de arpegios repetitivos, que forman una base cómoda y acolchada sobre la que crecen las melodías de los violines. También hay espacio para que la composición crezca y nos lleve a través de un onírico viaje a través de nuestro propio universo. Toda una experiencia escuchar este tema -y el disco completo- con los auriculares, la luz apagada y los ojos cerrados. Este resumen del primer tema valdría para el resto de cortes que componen este disco. No quiero decir que sea repetitivo ni lineal, simplemente cada tema es una etapa del viaje. “Contact” continúa ese trayecto hacia lo desconocido y, hacia la mitad del tema, nos da el por qué de su existencia, trazas y trazas de sonido que se entrelazan de una manera preciosista y efectista. “Atraction” suena algo más oscura, jugando con esa dualidad entre sonidos graves y agudos tan característica de la guitarra acústica. Aquí nos dan más pistas sobre sus influencias psicodélicas y sinfónicas, recordando en los coros de la mitad del tema a los primeros KING CRIMSON. En definitiva, tema que nos adentra en el mundo onírico y turbio de SPECTRALE. “Landing” comienza más melancólica, haciéndonos encontrar un hueco de paz después de la explosión de sentimientos del tema anterior. Pero dura poco, pronto una guitarra eléctrica trazará sus psicodélicas notas, entrelazadas con una compleja melodía que surge entre la maraña de arpegios. Hacia la mitad del tema el piano nos vuelve a reconfortar, demostrando que cada tema es un viaje en sí mismo. Podríamos calificar a la música de SPECTRALE como progresiva en el más amplio espectro de la palabra. “Magellan” es un tema descriptivo en el que incluyen sintetizadores, que ayudan a darle al corte un aire misterioso y extraño. Se trata

de un tema de transición hacia las 2 partes del tema “Monocerotis”. Todo el disco tiene un enfoque de ópera espacial, los temas aluden a temas centrados en el universo, a un viaje de ida y vuelta por la galaxia. “Monocerotis Part 1” y “Monocerotis Part 2”, continúan esta epopeya de épica acústica y quizá sean los temas más característicos del sonido de SPECTRALE, también los más impresionantes y evocadores. Llegó el momento del tema con el título más extraño e impronunciable “#”. Pero no solo el título es inusual, se trata de un corte radicalmente distinto a los demás, sigue la tónica acústica del resto pero es el único con una base rítmica tradicional, con una batería totalmente hipnótica que junto a las melodías psicodélicas, consiguen evocar lo desconocido, lo misterioso, lo esotérico del viaje planteado por la banda en este álbum. También se nota la ineludible inspiración en el disco “Saucerful Of Secret” de los primigenios PINK FLOYD. “Retour Sur Terre” continúa con la senda psicodélica del anterior corte, llevándola al extremo, despidiendo el disco de una forma casi grotesca, que no hace sino aumentar las ganas de volver al inicio del viaje. Merece la pena hacer este trayecto y montarse en la nave de SPECTRALE. No es música de fácil escucha, no es Metal, ni Rock. Es solo música diferente hecha de manera sincera que pretende remover conciencias, solo por eso ya merece una escucha. DAVID IBAÑEZ |

STAGE OF REALITY (ITA)

STAGE OF REALITY ROCK AVENUE RECORDS USA, CD 2017 Desde Roma y pisando fuerte vienen STAGE OF REALITY con su frenético Rock Alternativo, trayendo bajo el brazo su disco de nombre homónimo “Stage of Reality”. La banda fundada por Andrea Neri nace como tal en 2014 a partir del deseo de éste, de tener un proyecto a solas una manera de expresar su propio estilo y mensaje. Es un punto de inflexión en la investigación musical de la banda, cada una de las diez canciones originales en “Stage of Reality” es una crítica a nuestra sociedad, tratando temas sociales específicos o con algunos de los episodios más oscuros de la crónica italiana, como el “caso Stefano Cucchi” (a los 30 años de edad, misteriosamente murió mientras estaba bajo custodia). Aparte tenemos dos prestigiosas colaboraciones que hacen que este proyecto sea único en la escena del metal alternativo: Blaze Bayley interpretará “Warlord” y Amanda Somerville dará su voz al único cover del álbum, “Back to Black” de Amy Winehouse. Y hablando de “Back to Black”, es el tema de inicio del álbum, una muestra prodigiosa del buen saber hacer de la banda, con un cover que mantiene toda la esencia del tema original, pero aportándole la fuerza del Rock, sin olvidarnos de lo bien que suenan estas dos poderosas y tremendas voces juntas, y es que

Damiano Borgi y Amanda Somerville hacen un trabajo impresionante intensificando aún más este tema. Su segundo tema es “Bad Religion” y aquí nos encontramos con ese Rock de los 80-90 en estado puro, esa energía, ese dinamismo tan habituales en este género. A base de ritmos agradables, rápidos y concisos nos insuflan vida. Increible el solo de guitarra de este tema, con unos arpegios y unos riffs muy técnicos. Hago un pequeño salto hasta “Not in Vain” otro tema muy del estilo de los 80. Empezamos con una sirena amenizando los riffs de guitarra y la contundencia de la batería, los cuales nos darán paso a la voz. Este inicio de tema podra recordarnos vagamente a GARY MOORE en algunos de sus temas más rockeros. Me impresiona mucho la potencia vocal de Damiano, algo que me sucede en todos los temas, pero en este en algunos gritos del estribillo me llega a erizar los pelos. En cuanto a técnica, un trabajo muy completo que casa muy bien y aporta mucho dinamismo. La verdad es que el solo de Andrea es otra autentica pasada, se nota el virtuosismo, la facilidad y belleza con la que disfruta haciendo estos solos, con el mero hecho de escucharlo. Y por finalizar la reseña hablare un poco de “Warlord” el último tema del disco y en el que colabora Blaze Bayley. El tema más duro del álbum. Empezamos con unos riffs pesados e intensos, mientras la batería aporta intensidad y con sintetizadores aportamos algo más de ritmo para dar paso a la voz de Blaze que nos irá golpeando con cada una de sus estrofas con puro y pesado Rock. El juego de voces es muy bueno en este tema también, porque Blaze aporta fuerza e intensidad al tema, mientras que Damiano aporta fluidez y virtuosismo. Y como no Andrea vuelve a hacer de las suyas con otro impresionante solo de esos que te dejan sin respiración, desbordando virtuosismo y técnica a partes iguales para dar paso al estribillo cantando por ambos genios y haciendo del final del tema, el colofón de la epicidad y la técnica. Nos encontramos con un disco que es de lo mejor del año en cuanto a Rock se refiere, con una base muy clásica, pero aportándole modernidad a base de aportar intensidad extraída de otros géneros cercanos. 11 temas que nos llevarán por sus aproximadamente 52 minutos por una oleada de puro Rock y mucha energía. Es un gran trabajo que te hará hacer desear escucharlo una y otra vez, y aunque no seas amante del Rock, te parecerá un disco increíble de principio a fin. RUDY PERTU |

STICK TO YOUR GUNS (USA)

TRUE VIEW END HITS RECORDS, CD 2017 El trece de octubre salió al mercado, el tan esperado, sexto álbum de la banda estadounidense STICK TO YOUR GUNS. Este trabajo lleva como nombre “True View”, está formado por trece temas, y ha sido editado a través de la discográfica End Hits Records.

La banda, formada en 2003 en Orange County, California, está compuesta por Jesse Barnett a la voz principal, Chris Rawson y Josh James a las guitarras y coros, Andrew Rose en el bajo y George Schmitz a la batería. El trabajo comienza con “3 Feet from Peace” que cuenta con la colaboración de la madre de Jesse, para abrirnos un tema que comienza con unos toques muy leves, que poco a poco van a aumentando el nivel, hasta llegar a brindarnos unos ritmos mucho más pesados, introduciendo una buena energía que continua con “The Sun, The Moon, The Truth: “Penance of Self””, que fue el primer single del trabajo. En este tema nos encontramos con una atmósfera algo oscura pero cargada de intensidad, con unos ritmos potentes y frenéticos a partes iguales. Justo en tercer lugar suena “Married to the Noise”, segundo single del trabajo que se coloca como un gran tema, todo gracias a unos riffs bastante potentes, acompañados de una voz agresiva y unas composiciones en los ritmos base envidiables. El colofón llega a cargo de un estribillo, bastante pegadizo, donde la voz y las guitarras son las encargadas de conseguir esa fuerza, que hace que la composición se quede en nuestra mente con solo escucharla una vez. Después suena “Deleine” con poco más de dos minutos y medio, nos lanza una tralla abrumadora acompañada de un estribillo melódico muy bueno, para dar el paso a “Cave Canem” y “56” donde en esta última nos encontramos unos ritmos mucho más tranquilos y melódicos. Sin duda se trata de un tema cargado de sentimientos, donde la voz suma un papel muy importante, creando una atmosfera de tranquilidad, que da un contrapunto a una mitad de disco bastante agresivo. Seguimos escuchando temazo tras temazo, como “The Inner Authority: “Realization of Self””, “Your Are Free”, “Doomed by You” y “The Better Days Before Me”, temas muy cortos pero intensos, con muchos toques de hardcore agresivo que nos harán disfrutarlos a tope. Nos detenemos en “Owed Nothing”, donde solo el principio ya llama la atención, con una batería y guitarras algo leves dándole mucho protagonismo a la voz, que la toma durante toda la composición. Los coros forman también, una parte importantísima en los estribillos, mezclando la voz agresiva principal, con los tonos melódicos de estos, consiguiendo un gran tono vocal en estas partes. Continuamos con “Through the Chain Link“ que nos abre con voces muy sutiles, para luego al momento romper, creando una atmósfera muy agresiva, que acaba convirtiéndose en unos sonidos muy suaves que dan paso a “The Reach for Me: ”Forgiveness of Self”” tomando como protagonista una voz muy melódica, con guitarra y batería de fondo, que se van transformando en unos que mezclan melodías más ligeras, creando composiciones tranquilas y pegadizas. Un tema con un sonido enérgico, que mantiene la estética de temas lentos pero a la vez mágicos, les hace convertir un gran trabajo en uno excelente. Para mí, este nuevo trabajo de STICK TO YOUR GUNS no podía haber sido de mejor manera, ya que han cogido la esencia y la frescura de “For What It’s Worth” pero mezclado con la gran experiencia y el buen sonido que han ido adquiriendo en estos años que les hacen ser la gran banda que son. La buena mezcla de hardcore potente con toques de agresivos del metalcore y partes pegadizas del punk, les ha dado como resultado trece temas muy variados, donde, en la gran mayoría de ellos, la velocidad es clave. Tampoco falta

espacio para los temas suaves, que hacen sin duda dar un respiro a nuestros oídos y ver el álbum desde otro punto de vista, mezclando diferentes sonidos para crear un álbum excelente, que lo convierte en uno de los grandes trabajos del año, sin duda alguna. JORGE DE LA CRUZ |

JUAN ANGEL MARTOS |

STORMWRATH (ESP)

THE BLOOD OF CAIN AUTOEDITADO, CD 2017

STONEBIRDS (FRA)

TIME AUTOEDITADO, CD 2017 Los amantes del sludge/post metal, están de enhorabuena con la salida del tercer trabajo de los franceses STONEBIRDS, “Time”, crudo, seco pero con un toque especial en sus elementos post que le otorgan una versatilidad distintiva. Grabado en Kerwax Studio, recrean a lo largo de sus 55 minutos unas atmosferas oscuras y pesadas, que compaginan a la perfección con otras ambientaciones más oníricas siendo claro ejemplo de esto su corte “Blackened Sky”, una delicia musical de casi 8 minutos que te absorberá por momentos con sus delicados tonos, como su una tenue niebla fuera apoderándose de tu alma más profunda para oscurecerla entre la melancolía y una paz interior repleta de calma, un temazo. Pero antes de esto ya nos han dejado una introducción instrumental “I”m donde el post metal es la base incondicional del tema, creando unas armonías muy clásicas dentro del pos con las guitarras de Fanch y el bajo de Sylvayn, para recrudecerse en el sludge más oscuro y denso de “Sacrifice”, pero sin dejar de lado esos pasajes instrumentales místicos que les da un toque de distinción, además cuentan con una voz muy peculiar que les aporta aun más versatilidad a sus composiciones, en línea con KYUSS, MELVINS o pasajes a lo unos ALICE IN CHAINS endurecidos. “Only Time”, es un tema mastodóntico y con estructuras tan flexibles a lo largo de sus casi 10 minutos de duración que te harán pasar por diversos estadíos mentales sin darte cuenta en otro de los temazos del álbum. “Shutter I & II”, es otra magna creación de paisajes musicales, con una primera parte más oscura y densa pero repleta de sentimientos, mientras que va en auge y creando una estructura que me recordó a ALICE IN CHAINS, vocalmente, intercalando un rock alternativo con un sonido crudo y rasgado muy peculiar el cual les da un toque diferente y los saca de lo tradicional en la escena, apuntándose un punto a su favor. “Animals”, nos acerca a la parte final del trabajo en un corte donde el sludge se va apoderando lentamente de su estructura musical y de ti sin darte cuenta, ambiental como pocas y con texturas muy ricas en color y sensaciones, que nos llevara al culmen con “II”, una instrumental más lenta y pesada pero con luz propia para cerrar el álbum. STONEBIRDS, me han sorprendido en un disco repleto de texturas y estructuras musicales variables, donde conjugan casi a la perfección todo lo que pretenden transmitirnos. Un álbum de altura que se asegura un hueco en mi top anual.

Ante nosotros tenemos el segundo larga duración del combo valenciano y formados en 2009 STORMWRATH, tras una demo, dos EPs y su anterior larga duración “Swords of Armageddon” de 2011, el veintisiete de septiembre sacaron al mercado este “The Blood of Cain” que nos ocupa. En este trabajo encontramos a una banda más hecha y madura, subiendo el listón compositivo con respecto a sus anteriores trabajos. Nueve cortes en casi treinta y siete minutos en total forman “The Blood of Cain”, un trabajo que mezcla perfectamente el Thrash Metal de la vieja escuela teutona con pinceladas de Black Metal y Death Metal, e incluso algún aroma a NWOBHM que le dan al trabajo en su globalidad un toque muy acertado. Otro punto a su favor es el gran sonido alcanzado en esta grabación, crudo y sin aditivos, que es simplemente como el estilo que defienden deber ser grabado. Tras la excelente intro “The Damned Thing” el álbum sigue con “Blood of Cain”, corte que da título al disco y nada mejor que comenzar con uno de los mejores cortes del álbum, puñetazo en la mesa para empezar, desde el inicio del cd nos muestra el combo lo que son capaces de hacer. Por la misma senda discurren los tres siguientes cortes “Belmez”, “Burial Jackal” con unas soberbias melodías orientales y “Stygian”, temas de muchos quilates observamos en las primeras pistas, si unimos el Thrash Metal teutón a los blast beats y al aura que tenían los primeros discos de SODOM, el resultado obtenido por la banda es brutal. “Rebellion” comienza lento con una batería marcando el ritmo a través de su hit-hat parar desembocar en el Thrash asesino que llevan dentro, constantes cambios de ritmo y un estribillo con bastante carga melódica es lo que encontramos en este corte, convirtiéndolo en otro de los más destacables del disco. El siguiente corte “Cast Down Through the Abyss” tiene la tónica general del disco pero en él van más allá, posee una fuerte influencia del NWOBHM al que hacía referencia al inicio aumentada sin duda por la colaboración vocal de Victor M. de la Chica (SOMBRAS DEL DESTINO, STARDUST REVERIE, WITCHTOWER), un corte cuanto menos curioso y sorprendente, que bajo mi opinión le da un toque de aire fresco a la globalidad de este trabajo discográfico. El álbum se cierra con los cortes “Seeing Red” y “Of Wolf and Blood” aullidos de lobo incluidos en la parte final, dos obras brutales en este caso para finalizar el disco, aquí vemos claramente toda la rabia que lleva dentro la banda, riffs endiablados, buenos estribillos, blast beats y constantes cambios de tiempo es lo que podemos encontrar en las pistas más cortas del álbum. Dos cortes completos, perfectamente estructurados e ideales para

cerrar este gran trabajo discográfico. CARLOS BERMEJO |

THE BLACK DAHLIA MURDER (USA)

NIGHTBRINGERS METAL BLADE RECORDS, CD 2017 Los americanos (Detroit, Michigan) THE BLACK DAHLIA MURDER están de vuelta con su octavo álbum de estudio, “Nightbringers”, editado a través de Metal Blade Records. Una banda que he escuchado esporádicamente pero me gustan mucho y que a raíz de verles en directo en el Resurrection Fest de este año, tenía que hacer la review de su último trabajo. Si eres amante de sonidos como AT THE GATES, DISSECTION, THE HAUNTED o los primeros IN FLAMES, con este trabajo disfrutaras de lo lindo, pues es uno de sus mejores trabajos desde “Nocturnal”, pero manteniendo la línea evolutiva de “Ritual”, la cual superan con creces. Con un sonido más crudo que anteriores entregas, retoman ese espíritu agresivo y afilado que los caracteriza y el primer tema, “Widowmaker”, es clara muestra de ello, con un Brian Eschbach muy a la altura de sus voces, las cuales se mueven en un gran espectro de agudos y guturales más profunda, manteniendo la versatilidad en todo momento. Destaca sobremanera el trabajo de Alan Cassidy en la percusión y los solos y melodías de Brandon Ellis en la guitarra, recreando su personal mundo deathmetalero pero repleto de riffs que te atraparan desde el inicio, como en “Of God And Serpent, Of Spectre And Snake”, un corte brutal. “Matriarch”, tiene ese toque del death sueco desde el inicio, destacando las estructuras desquiciantes creadas por las guitarras y un bajo muy presente a cargo de Max Lavelle, para dejarnos uno de los cortes más deathmetaleros y directos del álbum, al igual que “Jars”. Contrastando con los pasajes musicales creados en “Nightbringers”, donde introducen algun que otro coro para reforzar determinadas partes, o los ritmos pausados de “Kings

Of The Nightworld”, donde aseguran con un pequeño toque hardcore los pogos y circle pits, demostrándonos que la evolución THE BLACK DAHLIA MURDER aun no ha tocado techo. El álbum se hace corto, a pesar de contar con diez cortes, pero es tan rápida su ejecución y el desgaste de adrenalina que rápidamente llegaremos a “Catacomb Hecatomb”, tema que me encanta con esa parada técnica central repleta de atmosfera, o “As Good As Dead” un corte brutal con estrofas clásicas, donde los blast beast vuelan y que contrastan con otra parte más incisiva donde ralentizan sus esfuerzos. El final se acerca con “The Lonely Deceased”, el corte más largo del álbum, superando los cinco minutos, y todo un ejemplo de su estilo musical, con un solo de guitarra espectacular, que contrasta con una parte acústica donde juega con nuevos y modernos elementos, uno de los temas del álbum. La corta y vertiginosa “Gone But Not Forgotten” como en los mejores momentos de NAPALM DEATH, da paso hacia algunos extras que han incluido como la cover de CARCASS, “This Mortal Coil”o la de AT THE GATES, “The Swarm”, dos delicias que os encantará escuchar pasada por el filtro de los americanos. Y para demostrarnos su directo, aunque con un sonido muy por debajo de su nivel, interpretan “Abysmal” y “When The Last Grave Has Empted”, sonando mucho mejor este segundo corte. THE BLACK DAHLIA MURDER han vuelto por todo lo alto con este “Nightbringers” que a buen seguro será uno de los grandes álbumes de su larga trayectoria. Si tienes oportunidad de verles en directo, no lo dudes, pues machacaran y te extraerán toda la adrenalina que te quede en el interior. JUAN ANGEL MARTOS |

8.5

calidad e innovación musical, dentro de la música extrema y, particularmente, el Metal, es un referente histórico. Quizá el flujo de bandas y la eclosión no sea tan bestial como antaño pero no hay duda que todo aquello que nos viene de ese país solemos tener tendencia a posicionarlo al lado de la calidad, decimos que “será bueno casi seguro”, sin haberlo escuchado. Obviamente, luego la realidad puede ser otra. Pero en el caso de THE GREAT DISCORD, habremos acertado. Lo cierto es que la combinación de una voz preciosa y por encima de la media, una música elaborada y diferente, melodía, buena producción y personalidad, son caballos ganadores, se mire por donde se mire. Lo que tenemos entre manos es una especie de híbrido, bien resuelto, entre un Death Progresivo y música Pop. Algo parecido encontramos en su día en ese brutal disco que es “Death Pop Romance” de RAUNCHY. Pero aquí la orientación es diferente. La cara metalera es menos brutal y rítmica que la de los daneses. Aunque el sonido de guitarras se le acerca en gordura, hay un mayor uso de la vertiente Pop y Progresiva respecto a los RAUNCHY. También a ello contribuye el hecho que la voz es entera melódica, sin guturales. Es una voz femenina muy bonita y nada empalagosa. La primera banda que me ha venido a la mente, en ese sentido, ha sido IN THIS MOMENT. El uso de teclados es muy elegante, generan un ambiente melódico, pero no invasivo, sobre las líneas de guitarra; y resultan en un complemento muy bien resuelto, fundamental y funcional, al mismo tiempo. Por momentos, también me recuerdan a OPETH como en la progresiva “The Red Rabbit”, o se permiten baladas como “Neon Dreaming”. El segundo disco de estos suecos supone un soplo de aire fresco a la escena Metalera. Resulta comercial, sí, pero también tiene muchos elementos que pueden degustar los más escépticos y no me queda duda en recomendar, encarecidamente, que le deis una escucha a este buenísimo CD porque no os vais a arrepentir. NACHO PEÑA |

THE GREAT DISCORD (SWE)

THE RABBIT HOLE THE SIGN RECORDS, CD 2017 Creo que estaremos todos de acuerdo que Suecia es un país que, en cuanto a variedad,

THE MODERN AGE SLAVERY (ITA)

STYGIAN INNERSTRENGHT RECORDS, CD 2017 Desde Italia nos viene una de las bandas más poderosas del género del Death Metal y/o Deathcore del panorama Mundial, THE MODERN AGE SLAVERY con su nuevo trabajo tras 4 años de silencio, “Stygian”, el cual es simple y llanamente brutal. Y es que es una banda que desde el año 2007 que se formó han ido cosechando premios y fama allá por donde han pasado, haciéndolos tocar con bandas como CANNIBAL CORPSE, DYING FETUS, GORGOROTH, SEPULTURA, DECAPITATED, SUICIDE SILENCE y muchos más. En cuanto a las letras están inspiradas en un tema común, de donde proviene el nombre “Stygian” y la obra de arte correlacionada, discutiendo el cuestionable asunto de la evolución humana que lleva a los hombres a una lenta pero inevitable mutación en un ser que perdió la mente y la compasión devorada por codicia y el poder. El disco comienza con “A Stygian Tide”, con un sonido brutal haciéndonos de intro, en el que las guitarras ya nos irán formando una melodía muy bruta pero conservando esa tonalidad melódica gracias al piano, para irnos acompañando de un coro en el tramo final, que tras un segundo de silencio dará paso a la voz de Box, una voz impresionante que no dejará de soltar unos guturales intensos y destructivos e irá jugando con diferentes tonalidades de guturales a lo largo del tema. En cuanto a la batería soltara un despliegue de ritmos y compases abrumadores y el doble bombo será parte indispensable del tema. Mi segundo tema a destacar es la impresionante cover de PANTERA que se marcan con “Skin Sandblasted Skin”. Un tema que mantiene la fiereza del original pero que le aporta una bestialidad y destrucción inigualables, gracias al aumento de la velocidad y la potencia de cada uno de los instrumentos y la voz. Para el final dejo “The Theory of Shadows”

dado que es claramente uno de los mejores temas que te encontrarás dentro de este disco. Con los gruñidos hablados actuando como una introducción increíble y el piano de estilo del Exorcista tocando en partes del tema, aportan un dinamismo diferente al encontrado en otros temas. Con un sonido agresivo, giran la tuerca un poquito más para hacernos sentir una mezcla feroz de ritmos tremendamente rápidos, riffs técnicos y una atmósfera épica. Es terriblemente impresionante el solo de este tema, una melodía llena de altibajos, vibrante y con un montón de arpegios y riffs delicados y apasionados, que aun así nos transmiten una ferocidad y agresividad increíble. Con este nuevo álbum han dado un paso más en la evolución de su sonido, lo que escucharás es una atmósfera bastante oscura que ofrece una experiencia sombría y malvada, pero manteniendo la pesadez de la matriz del Death Metal que marcó su música en los álbumes anteriores Todas las piezas del rompecabezas están perfectamente pensadas para crear un álbum hecho de pasión, de ira y emociones reales.Tras sus poderosos 9 temas que nos llevarán por los 32 minutos aproximadamente, terminamos extenuados y con la mente destrozada de tanta potencia y brutalidad. Es como ya dije al principio, un disco brutal de principio a fin, que nos dará una dosis de intensidad constante que nos dejará K.O una vez terminemos de escucharlo. No puedo más que recomendarlo, a todos aquellos que os guste la buena caña, el Deathcore más poderoso y los que lo habéis pasado como enanos con los mejores discos de SUICIDE SILENCE, WHITECHAPEL o DECAPITATED. RUDY PERTU |

samente con uno de los nombrados antes “Haruspex”, un tema rápido, con unas melodías bien trabajadas, mientras que a base de guturales nos demuestran la magia que tiene en la voz Danny Rodriguez. Mención especial al pedazo de solo que nos encontramos en esta tema, muy intenso y melódico con una profundidad solo realzable al trabajo de la segunda guitarra y la batería, que nos va repartiendo caña a través de todo el cd. Mi segundo tema a comentar es “Stygian Maelstrom” un tema que empieza con una batería potentísima con un ritmo desenfrenado mientras que los riffs de guitarra son en su mayoría lentos, pero rítmicos, pesados e intensos para dar paso a los guturales que jugaran con una intensidad constante a lo largo del tema, haciéndolo ganar solidez. Y para finalizar me gustaría reseñar “ Till Solace, She’ll Haunt”, otro temazo de esos que sientes que te machacan la cabeza y te arrancan el alma. Y es que nada más empezar nos recibe un riff pesadisimo para luego soltarnos a la batería machacona y el gutural super denso y pesado que nos va poco a poco aplastando y haciéndonos añicos. Al final los casi 40 minutos que dura el disco se nos pasan de forma rápida mientras vemos la oscuridad con nuestros propios ojos y vemos que no tenemos salvación de ninguna forma. Y no es de extrañar que THROUGH THE EYES OF THE DEAD hayan tocado con bandas de gran calibre como CANNIBAL CORPSE, SUFFOCATION, WHITECHAPEL, BEHEMOTH y BLACK DAHLIA MURDER. RUDY PERTU |

por dónde van los derroteros de estos cuatro músicos chilenos, pensemos en el Death Metal que provenía de los Estados Unidos a principios de los noventa, BRUTALITY, MONSTROSITY, DEICIDE, MORBID ANGEL, GOREAPHOBIA, IMMOLATION, EXMORTIS, BRUTALITY,… podemos nombrarlos para hacernos una idea de cómo suenan. Sin duda, los 11 temas de este “The Supremacy of Chaos” no dan descanso con continuos cambios de riff, partes a toda velocidad y otrás mezclando guitarras más densas, pero que no dan descanso, logrando un punto de intensidad importante en su música. También destaco los solos de guitarra, bastante logrados en un género en el que es cada vez más complicado escucharlos, aquí aportan un toque un tanto más Thrash o incluso Heavy Metal, pero que dan un soplo de aire fresco a la grabación, entre tanta batería veloz y riff sofocante. Temas como “Apocalyptic Horse of War”, “Supremacy of Chaos”, “Endless Hate” o “Necrophago” son claros ejemplos de esto que os comento, por otro lado hay temas donde predominan los riffs más pesados como “The Goddess of The Lust”, “Into the Depths of Hell” o el que cierra el álbum “Leviathan”, tema que me recuerda al “Omen of Masochism” de GOREAPHOBIA. Es una pena que una banda de la calidad de estos chilenos hayan dejado, porque esta banda sin duda, satisfará a todos aquellos fanáticos del Death Metal clásico bien hecho, oscuro, poderoso y veloz. Esperemos que los músicos sigan y en el futuro tengamos noticias de ellos ofreciéndonos música de similares características y calidad. LUIS MARTÍNEZ |

totalmente limpios y faltos de alma, aquí nos encontramos con una producción que deja un amplio margen a la naturalidad sonora, cosa que solo hace sumar puntos en el computo final en este disco, y lo cual es de agradecer rememorando cuando este estilo estaba en su nacimiento y todavía se encontraban productos interesantes. Aparte de todo ello UNDER THREAT gozan a su vez de un toque técnico que hace ver que todos sus componentes saben lo que hacen y solo es fijarse un poco en su técnica para ver que esos años que acumulan de respaldo son un valor a tener muy en cuenta y me ha parecido este, “The Prision Within” un disco que se desmarca de ese continuo hacer de las bandas de death melódico haciéndome recordar esos principios más naturales de tal estilo. Para mi una banda que deberíamos tener un poco más presente por estas tierras y que es un claro ejemplo de que muchas veces el tener una producción despampanante no es sinónimo de calidad y que los temas se hacen desde los instrumentos y no tras la consola de control de un estudio. Una gran banda la de estos colombianos que esperemos que sigan sin decaer y haciendo esta buena labor durante mucho más tiempo, la portada también me ha gustado bastante ni pretenciosa ni vacía, lo justo y necesario, tanto como este disco. JESÚS Q.C. |

7.5

UNFOLD (SWI)

BANSHEE O BEAST DIVISION RECORDS, CD 2017 THY SERPENT’S CULT (CHL) THROUGH THE EYES OF THE DEAD (USA)

DISOMUS EONE / SPV, CD 2017 THROUGH THE EYES OF THE DEAD regresa tras un parón de 7 años con su poderoso Death Metal que irá pasando por todos los estilos abarcables del Death incluso llegando en algunos temas hasta el poderoso Deathcore, todo ello bien aderezado con el estilo de la costa este, trayendonos su cuarto disco “Disomus”. Una oscura meditación sobre espíritus inquietos, despertares embrujados, nihilismo oculto y visiones del más allá. El título del álbum, “Disomus” es en término médico la descripción de un feto anormal con dos cuerpos pero una cabeza y cada uno de los temas del disco tienen un significado oculto, por ejemplo os expondré los que para mi me han llamado más la atención, “Obitual” es la historia de un hombre enterrado vivo por un culto, “Haruspex” es la creación de un mago oscuro de una entidad maligna a través de la matanza sacrificial o “Dismal” espíritus subterráneos condenados a vagar por la tierra. Y empezaré hablando de los temas preci62 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 46

SUPREMACY OF CHAOS

UNDER THREAT (COL)

ORDO MCM, CD 2017

THE PRISON WITHIN

Este próximo día veintitrés se editará la obra póstuma de esta interesantísima banda procedente de Chile. Con esta edición la banda se despide, ya que se ha separado recientemente, tras dos álbumes previos, “Infernal Wings of Damnation”, año 2011, y “Sedition, Sorcery and Blasphemy”, año 2014, para el pasado año editar “Supremacy of the Rehearsal”, donde de forma más de promoción incluyeron temas incluidos en este tercer larga duración. Desde hace un lustro para aquí, el país sudamericano se ha convertido por derecho propio, en uno de los más interesantes en bandas de metal extremo y sobre todo de Death Metal, bandas que destacan todas por su calidad y por ofrecer una música profundamente enraizada en las bases del Death Metal de finales de los años ochenta o principios de los noventa, bandas como PRAISE THE FLAME, IGNOMINIA, INFAMOVS, SOULROT,… son clarísimos ejemplos de esto que digo, a estos nombres también hay que añadir a estos THY SERPENT´S CULT, cuya música logra ofrecernos un auténtico huracán de riffs asesinos, oscuridad, un ambiente recargado al máximo y una excelente calidad instrumental en sus músicos. Para que nos hagamos una idea de

HATEWORKS, CD 2017 Nos encontramos ante este combo de Bogotá, llamado UNDER THREAT los cuales realizan un death melódico con bastantes partes técnicas. En un principio lo primero que he pensado al escucharlos es en unos IN FLAMES de la época de “Whoracle”, pero ojo con su personalidad y con un toque bastante más técnico, en mi caso ha sido una sorpresa pero bueno ya sabéis lo subjetivos que pueden llegar a ser estos temas, la voz no es la típica de este estilo si no que tira a un death metal más prototípico, en resumen mas grave. Por lo que he podido averiguar llevaban activos desde 1997 con lo cual uno se puede hacer una idea de la amplia experiencia que se acumula tras ellos y eso se nota a la hora de ver cómo se desenvuelven instrumentalmente, y compositivamente. Tenemos que añadir que este es su quinto álbum y en su tierra gozan de cierta notoriedad llegando a ser teloneros de bandas internacionales como KATAKLYSM. Otro punto a su favor, no se si buscado o por falta de medios es su producción, que no es la típica cristalina que últimamente nos satura los oídos en estos últimos años de bandas de death metal melódico con sonidos

La negrura y la violencia se manifiestan de diversas maneras dentro del enorme espectro metalero y es por ello que los matices y retoques llevados a cabo en diversos géneros divergen tanto, a veces incluso el fenómeno está personalizado con el sustrato individual de cada grupo. En esta ocasión la banda UNFOLD es la que se adueña de lo macabro y lo hace suyo en este nuevo trabajo, llamado “Banshee O Beast”. Los suizos desvalijan la dignidad musical de lo caótico y la retuercen con su metodología. El sonido que ofrecen en su sexto álbum es como una niebla venenosa, generada por la distorsión absoluta de sus guitarras y por la intermitencia artificial de la sintetización. La pesadez y solidez de su cruda manifestación son grotescas, de un aspecto de compleja categorización, por lo que podemos suponer que su contemporánea recreación del hardcore mantiene una pecaminosa relación con el sludge metal, un enlace disparatado martirizado con una oscuridad presencial que desequilibra la balanza hacia una demencia blacker. Ahora mismo no sabría decir si mantienen similitudes con algo que haya escuchado en alguna de mis escapadas nocturnas, quizás los franceses COWARDS sean los más adecuados tratando esa rabia vocal desgarradora junto a la pestilencia negativa. Contando con múltiples variaciones compo-

sitivas, la esencia del álbum es reconocible pero su agónica manera de adoptar distintas figuras es muy diversa. Los pasajes más postrockeros resultan muy estimulantes y originales, la devastadora persistencia hardcoreta adopta recursos distintivos y la personalidad metalera está licuada en una mixtura extraña. Otro detalle muy remarcable es la ambientación tan anómala que se lleva a cabo en el disco, etérea en varias partes y en otras muy enigmática, casi como si procurase suscitar la reminiscencia del cosmos. Las 9 canciones de este trabajo son brutales pero genuinas, lejos de enfocarse en la extrema metodología habitual, deliberando con cuidado el cómo incluir cada elemento sin perder energía ni sobrepasar lo idóneo. UNFOLD ha elaborado un material destinado a ser estudiado. NUEL GONZÁLEZ |

8.5

Con “Distance” se desmarcan un poco de esa tendencia y podemos escuchar melodías de guitarra e incluso la forma de cantar es más melódica y menos enfermiza. Igual pasa con “A Slow Reaction”, un tema mucho más rico, musicalmente hablando, que la media del disco. “We’re Fucked” se adentra un poco en los terrenos del Doom, manteniendo intactas todas las señas de identidad de la banda, pero ese toque le da mucho más interés. Algo similar pasa con el último corte, “Avail”, él de más duración, casi 6 minutos de puro y enfermizo Noise Rock. Se trata de un tema menos lineal que de costumbre, que recrea diferentes ambientes y que es con diferencia la mejor del álbum. Disco demasiado lineal y repetitivo pero dotado de una originalidad inusual, que hace que nos sumerjamos en ese océano asfixiante que UNSANE construyen con su sonido desgarrador e insano. DAVID IBAÑEZ |

UNSANE (USA)

STERILIZE SOUTHERN LORD, CD 2017 El trío neoyorquino vuelve con su octavo disco de estudio “Sterilize”. A pesar de una trayectoria de casi 30 años, se trata de una banda poco conocida fuera de los círculos del Noise Rock o Noisecore. Con este disco nos demuestran que siguen en forma y que siguen creando escuela. El sonido del disco es asfixiante y claustrofóbico, con unas voces hundidas bajo el colchón de distorsión de las guitarras, que suenan en primerísimo plano y son una seña de identidad de la banda. De hecho, Chris Spencer modifica él mismo los amplificadores para conseguir ese sonido y, según él, no usa ningún tipo de pedal. No se trata de un disco de fácil escucha, en ocasiones puede resultar repetitivo y molesto, pero hay que reconocer que cuando se le pilla el gusto es muy adictivo. Comienzan con “Factory” y enseguida nos damos cuenta que estamos ante un grupo diferente, brutalmente original. Voces desgarradoras, guitarras chirriantes y un puntito de blues rock que le da fondo y base sobre la que crecer. “The Grind” continúa la descarga sin descanso, esta vez con registros más graves y cuidando más la base rítmica. Ambiente realmente tétrico el que dibujan en cada nota de esta canción. “Aberration” continúa taladrándonos el cerebro a base de distorsión y gruñidos varios, añadiendo matices de metal industrial por momentos. “No Reprieve” baja un poco las revoluciones, incluyendo además unos cuantos efectos psicodélicos. Rápidamente empieza “Lung” que sigue insistiendo en esa vertiente psicodélica, sin abandonar el ambiente general del disco. “Inclusion” sigue repitiendo cánones anteriores. Y es que de eso peca este disco, repetición continua y lineal, con unos pocos detalles diferentes, lo que puede hacer aburrida la escucha.

VEIL OF MAYA (USA)

FALSE IDOL SUMERIAN RECORDS, CD 2017 Desde Chicago, USA nos llega el nuevo disco de una de mis bandas favoritas de Metalcore VEIL OF MAYA lanzado el pasado 20 de octubre “False Idol”. Este cuarteto formado en 2004 es una de las pocas bandas que puede mezclar auténticamente elementos de Metal Progresivo, Death Metal Melódico, Thrash y brutalidad Hardcore de forma efectiva, mientras mantiene al oyente constantemente interesado con el aliento cebado preguntándose qué vendrá después. Con su sexto álbum “False Idol” podemos ver que dan un paso más allá introduciendo toques de Djent Metal, algo que me ha sorprendido muy positivamente. Comenzamos con una leve Intro hablada con voz de ultratumba titutala “Lull” con un sonido melódico y abstracto, dando paso a”Fracture” “Fracture” comienza con mucha brutalidad y oscuridad instrumental dando paso a gruñidos, susurros y guturales afilados. Cuando nos acercamos al estribillo la canción cambia de tempo al igual que la voz se convierte en limpia y armoniosa, conservando aun así la garra vocal. Las guitarras utilizan a lo largo del tema una base fuertemente influenciada por el género Djent Metal, lo que hace que el tema suene más potente. Aproximadamente en el minuto 2:20 los sintetizadores dan un aspecto fantasmagórico o espectral a “Fracture”. Damos un pequeño salto en el disco hasta la sexta canción “Echo Chamber”, es un tema que intercala muy bien la voz melódica con el gutural, haciéndole un tema muy fluido e intenso. La batería es muy contundente lo que aporta garra y poder, dejando trabajar más libremente a la guitarra. Ahora nos vamos a”Folow me”, uno de los temas que más me ha gustado, es una canción súper fuerte, súper intensa con unos riff afiladísimos y una batería demoledora. Lo que

más me ha llamado la atención de este tema es que la columna vertebral es es igual al ritmo de la Intro de la serie Westworld pero acelerando el ritmo considerablemente, un gran trabajo hecho en la melodía y en el teclado, haciendo de una canción melódica una locura infernal. A todo el mundo que le haya gustado esta serie, le va a volver loco este tema. Finalizo el disco destacando la última canción “Livestream”, otra de mis favoritas, volvemos con la guitarra con base Djent, pero esta vez nos encontramos con una base más melódica que en temas anteriores, destacando sobre todo en el estribillo. El juego de voces vuelve a ser prodigioso gracias a los cambios de estilos, destacando la belleza de la voz limpia de Lukas Magyar, me encanta como el teclado mantiene la melodía de fondo, funcionando similar a como la haría el bajo. VEIL OF MAYA en este nuevo disco, “False Idol” nos llevara a través de 13 temas por aproximadamente 44 minutos llenos de magia, fuerza, emoción, intensidad y prodigiosos riff. “False Idol” se te hará muy ameno de escuchar y pasara el tiempo volando, un buen trabajo del que sentirse orgullosos y un disco muy recomendado para todos los amantes del Metalcore e incluso del Core en general. TANIA KYMMENEN |

que Hekate suelte su poderío de voz jugando entre una voz limpia bien ejecutada y algún que otro grito más desgarrado y áspero. Luce muy bien el estribillo del tema, aportando con las voces a coro más fuerza y garra al tema y esos “never come back” a coro de fondo haciéndole jugar con diferentes tonos y ritmos al tema. Otro punto interesante, es que el solo habitualmente de guitarra, en este tema es del teclista. Damos un pequeño salto a uno de los mejores temas del álbum “Behind the Mask”. Con un arranque suave y muy hermoso, nos da paso a unos riffs acelerantes y afilados con toque muy épico, que junto a la profesionalidad de la batería y el bajo para mantener el ritmo, nos dan paso a la voz que a base de una base lírica poderosa y unos coros muy acordes, junto con algunos guturales muy interesantes, nos llevarán por sus 5;40 minutos hipnotizados y embelesados. Y os podría describir más, pero prefiero dejaros el trabajo a vosotros y que podáis disfrutar de la totalidad del álbum en orden, que merece la pena ver ese cambio paulatino tema a tema de su protagonista May y poder vivirlo con ella. WAIT HELL IN PAIN se diferencian del resto de Metal Melódico femenino por tener un sonido de metal mucho más duro. Hay muy pocas áreas donde se puede encontrar una falla. Nunca es aburrido gracias a la variedad con la que está trabajado cada tema. El tema es interesante y la historia está muy bien hecha. Una banda que sabe exactamente lo que están haciendo y cómo hacerlo bien. Un álbum de metal melódico increíblemente brillante y que aspira a sentar unas bases en el género. RUDY PERTU |

WAIT HELL IN PAIN (ITA)

WRONG DESIRE REVALVE RECORDS, CD 2017 El proyecto WAIT HELL IN PAIN nació en 2011 cuando el guitarrista Stefano Prejanò y la cantante Kate Sale se reunieron. Ambos tenían en mente comenzar una banda y tocar una mezcla de Hard Rock y Heavy Metal. Después de algunos cambios, la alineación final se completó en 2016. El sonido de la banda se ha convertido en un tipo de Metal Moderno y Experimental aumentando su presencia en escena mediante su potente sonido. “Wrong Desire” trata de un tema muy común: la violencia y el abuso contra las mujeres. Las 9 pistas (más una portada) que componen el álbum, son instantáneas que retratan los importantes momentos de un viaje metafórico de May, la protagonista ficticia, a su renacimiento. Como pasa de ser una mujer maltratada, a desencadenar su lado más oscuro y poderoso. Tras enterarnos de esta historia, el disco cambia completamente y el poder crudo detrás de las voces de Kate ‘Hekate’ Sale es lo que destaca en “Wrong Desire”. Hace de su canto muy expresivo, transportandonos por el dolor, las emociones en ebullición o la poderosa ira que surge entre tanta desgracia. Habiendo aclarado todo esto, pasamos a las canciones en sí. Y empezamos para ello con “The Last Trip”. Con un empiece lento, generando una atmósfera tétrica, mientras paulatinamente se van añadiendo instrumentos para ir generando más sensación de oscuridad, suena un tren pasando y empieza ya los riffs intensos y melódicos, generando una estructura bella y a la vez pesada. Todo esto para

WOE UNTO ME (BLR)

...THE VOIDNESS FLASHED SOLITUDE PRODUCTIONS, CD 2017 Hoy toca una buena dosis de doom de la mano de WOE UNTO ME. Se trata de un sexteto de Bielorrusia que se han currado un pedazo de álbum titulado ‘Among the Lightened Skies The Voidness Flashed’. El doom suele significar temas largos, tempos lentos y pesados, ¿Verdad? Pues esta banda no se ha andado con tonterías y han creado un doble CD con casi dos horas de doom (114 minutos para ser exactos). Ambos CDs parecen ser bastante diferentes, a lo que entraremos ahora. Creo que voy a empezar comentando por la parte más light de este ‘Among the Lightened Skies The Voidness Flashed’, que es el CD 2. Este se compone de 7 temas con 45 minutos de duración, más que aceptable para un trabajo completo. En este caso, encontramos un doom muy suavecito y melódico, con voces limpias en su totalidad, ausencia de distorsiones en la mayor parte, y baterías muy ligeras que acompañan la ambientación. WOE UNTO ME demuestran un dominio total del género, pudiendo moverse por sus distintas vertientes y experimentar un poco. Aún así, queda palpable el sonido propio de la banda,

que parece una extraña mezcla de atmósfera fantástica y, a la vez, melancólica (y me parece que la viva prueba de ello es el tema ‘Along Came The Imminence’). Las pistas de voz son preciosas, siempre a la par con las guitarras limpias o con distorsiones muy sutiles que llevan riffs súper melódicos. El contraste de este segundo CD es increíble con el primero, que es del que voy a hablar ahora. Mientras que antes se repartían 45 minutos en 7 temas, aquí tenemos 70 minutazos en tan sólo 5. Y, sí, es el doom más clásico que cabría esperar; tempos muy lentos, distorsiones atronadoras y riffs aplastantes. Los vocales que vamos a tener en este primer CD de ‘Among the Lightened Skies The Voidness Flashed’ son growls en su gran mayoría, con voces limpias sueltas. Las pistas de batería son lentas pero muy llenas y dinámicas, con un buen juego de platos. Y aún cuando todo suena como el más típico doom, WOE UNTO ME han añadido elementos diferenciadores, tales como pistas de trompeta/saxofón en temas como ‘I Come To Naught’. Pasando desde los 10 a los 18 minutos de duración, los pequeños detalles añadidos por la banda Bielorrusa consiguen que su marcha funeraria particular no sea en absoluto monótona o aburrida. WOE UNTO ME han indagado en lo profundo del doom, han experimentado y añadido pequeños retoques a un sonido clásico del género, consiguiendo que te absorba y estés en todo momento con la curiosidad del qué podría llegar a continuación. ‘Among the Lightened Skies The Voidness Flashed’ viene en forma de doble CD, que no podría contrastar más uno con otro, pero que, sin lugar a dudas, debéis dar un escucha. GABRIEL PASTOR SÁNCHEZ |

es un todo que eleva a la enésima la contundencia legendaria. Una innegable virtud que destella en la carcasa superficial e inmediata del trabajo es la personalidad inherente de toda la composición. Al estar tan tremendamente influenciado por el metal sinfónico cabría esperar que las composiciones y la dirección compositiva de los riffs pecaran de ser demasiado prototipo; sin embargo, no hay repetición ni influencia evidente, estamos ante una fórmula inédita que otros nombres conocidos, como son PROTEST THE HERO o SPECTRAL LORE, consiguieron presumir en sus respectivos discos, siendo estos distintivos respecto a todo lo demás. No cabe duda que los aires cinéfilos que buscan explotar están bien construidos, de la misma manera que CARACH ANGREN consigue recrear la temática de piratería y terror, las partes atmosféricas se diluyen pero no sin antes formalizar algún paisaje natural que nos invita a descansar. El álbum hace hincapié en la solvencia progresiva del metal, motivo por el cual la tradición estilística del grupo de tocar black metal melódico ya no está tan presente como para tratarse de un absoluto. Las variaciones compositivas son multitudinarias y reflejan la predilección evolutiva que realiza brincos entre lo sinfónico y lo puramente coral entre mixtos de diversas voces con registros y timbres complementarios que se las apañan para ser autoconclusivas, recurriendo a veces a la técnica de cantar a capella como ocurre en el interludio “Through Caverns Old and Yawning”; por otro lado, el pretexto incontrolable viene de la mano del black metal y ciertos toques de death, todas esas manifestaciones extremas que enloquecen el equilibrio casi operístico de las canciones, endulzadas para que la distorsión no apague la armonía de la instrumentación, aunque la batería sigue activa con el potencial esperado y algunos cuantos riffs muestran un matiz viciado. Su presencia identificativa es ciertamente única, todo lo presentado es una ovación al buen hacer de la imaginación. Un álbum constituido por 8 piezas magistrales que no parecen réplicas de otros trabajos pasados. Muy cuidado y destacable álbum que está destinado a ser de lo mejor del año sin duda alguna. NUEL GONZÁLEZ |

XANTHOCHROID (USA)

OF ERTHE AND AXEN ACT II ERTHE AND AXEN RECORDS, CD 2017 XANTHOCHROID es una banda que en primera instancia nos impresiona por su nombre, y después de llamarnos la atención nos mantienen en vilo con una obra apasionada y de sorprendente intensidad. Los californianos, no contentos por autodenominar su música como “cinematic black metal” y demostrar trabajo tras trabajo sus competencias melódicas, este año se han propuesto a elaborar una saga de pura emotividad sinfónica, la cual bautizaron como “Of Erthe and Axen Act”, de la cual su primera parte ya salió a finales de agosto y su secuela, de la cual vamos a hablar, saldrá ahora a mediados de octubre. En una inconcebible forma de armonía y absurda calidad, esta segunda parte demostrará una impecable forma, de dinamismo puro y resonancias sinfónicas. Con la tónica coral que propulsa la efímera captación de la emoción humana, el destacado protagonismo de la ejecución vocal reproduce las líricas con una perfilada épica, el canto clamoroso que se da en todos los temas resulta apoteósico, siempre contundente y claro, y la grave y majestuosa voz masculina

9.5

ZONA DE CLÁSICOS sus giras y su gran estado de forma. En definitiva si eres amante de los sonidos extremos, puede que te guste más o menos pero es una de esas obras a las que se la tiene que reconocer su valor, ya no solo por la música, sino por el concepto que creó y ayuda y ayudará a que esta escena sea lo que es hoy en día. JESÚS Q.C. |

9.5

CANNIBAL CORPSE (USA)

BUTCHERED AT BIRTH METAL BLADE RECORDS, 1991 Cagaros, mearos, vomitar, todo al mismo tiempo, y no rozareis el espíritu de este hijo puta disco, nos topamos con una de las piedras angulares del género llamado Death Metal el segundo álbum de este banda que quizás te suene CANNIBAL CORPSE, que con este “Butchered at birth” ya no eran una promesa, pasaban a consolidarse como unos de los maestros de este género incipiente de Death/Brutal metal. Chris Barnes nos empieza a dejar ver su registro gutural que disco tras disco es cada vez más bestial hasta convertirse en referencia dentro de esto del Death Metal, a su vez todos sus miembros hacen una labor magnífica. Como dudarlo, siendo este disco uno de los clásicos del género, quizás tendríamos que destacar al gran Alex Webster al bajo, otro creador de un sonido y de una manera de tocar inconfundible a día de hoy. Personalmente en este álbum se nota una banda realmente asentada, y creando su propias directrices de brutalidad antes difícilmente vistas, desde su sutil portada, a letras propias de un demente haciendo un combo que marcaría un antes y un después y que solo consiguen unas pocas bandas en el mundo del metal. La mayor diferencia de este a su primer álbum para mi es que en el primero “Eaten back to life” nos encontrábamos una banda brutal que intentaba utilizar todos los recursos a su alcance, pero en este segundo ya dan un paso mas allá, cimentando una banda sonora perfecta para descuartizar a cualquier persona que se le ponga a uno por delante, y también un disco que nos prepara para mi, la que es su obra maestra el también gran “Tomb of the mutilated”. Tampoco se me ocurre mucho mas que añadir porque si esto aun no pasó por tus tímpanos quizás deberías replantearte esto de la música extrema y escuchar sonoridades más dulces como unas putas nanas o alguna mierda de esas. Este disco es una piedra más para construir lo que es un grupo que pocas fisuras se le pueden sacar a lo largo de su carrera, y que constituye uno de los pilares fundamentales donde el género ha ido construyéndose, y a día de hoy siguen despertando el mismo o más interés que hace unos años, solo tenemos que ver

DEATH (USA)

LEPROSY COMBAT RECORDS, 1988 Pocos deben de ser los amantes del Metal Extremo que no hayan escuchado este trabajo en alguna ocasión. Y es que, estamos ante uno de los trabajos estrella dentro del genero del Death Metal; todo un icono, referencia e influencia para las generaciones de artistas que vendrían después. Fue el 16 de Noviembre de 1988, cuando el sello neoyorquino Combat Music, lanzaría al mercado “Leprosy”; el segundo trabajo del por aquel entonces, trio de Florida, DEATH. Una portada del artista Ed Repka; con quien ya habrían trabajado en su “Scream Bloody Gore”; sería un reclamo perfecto para los jóvenes en busca de experiencias extremas en las tiendas locales de discos. Poco tardaría en convertirse en una de las portadas más famosas y reconocibles del Death Metal. Por supuesto, Scott Burns estaba tras el monitor de grabación, haciendo que el sonido se ajustara a los patrones del Death Metal que los propios DEATH estaban fijando. La producción fue mucho mejor que la de su predecesor, pero igualmente primitivo y añejo. Rick Rozz (guitarra) y Bill Andrews (batería) serían los acompañantes de Chuck Schuldiner (voz, guitarra y bajo) en esta ocasión; a pesar de que Terry Butler figura en los créditos del disco. “Leprosy”, se abre con su tema homónimo en forma de un tempo pausado. Rápidamente resulta perturbado por la furia vocal de Chuck, dando comienzo a una sangrienta cruzada sonora. Una batería frenética y gruñidos despedazadores se ven envueltos por la agresividad de las guitarras. Caótico y afilado; técnico y cargado de sentimiento. Autentico Death Metal. “Born Dead” es uno de esos temas icónicos,

que ya nos dejaban entrever lo que después acabarían siendo DEATH. La progresión prevalece, intercalando el macarrismo con líneas más pausadas. Las líneas de bajo en este tema tienen cierto protagonismo, acompañando a una base rítmica férrea. Otro de esos himnos es “Forgotten Past”, tema machacón donde los haya. Cabalgante y cañero; la guitarra impulsa hacia el infinito la intensidad sonora, mientras la desgarradora voz de Chuck se ocupa de hacer sufrir al oyente. “Left to Die” ya desde su intro, nos pone en una tesitura de evoluciones farragosas y enrevesadas. La batería intercala los medios tiempos y acelerones; mientras el bajo empuja desde la retaguardia, para empastar bien la brutalidad sonora. Marcando el ecuador del álbum “Pull the Plug”. Poco se puede decir de este tema que no se haya dicho ya. La genialidad se sucede riff tras riff. Simple y llanamente, uno de los mejores temas jamás escritos dentro del Death Metal. ¿Quién no se ha desgañitado voceando ese “End it now, it is the only way”? La furia y velocidad de las guitarras, nos conduce a un virtuoso solo donde Chuck prueba una vez más su increíble valía como músico. “Open Casket” sigue la línea de riffs enrevesados y progresiones. Ritmos que intercalan la agresividad con la decadencia; líneas de guitarra que incluso resulta difícil seguir y desembocan en otro magnifico solo, que más de uno se desesperaría tratando de imitarlo. DEATH en estado puro. Las evoluciones que realiza Bill Andrews son una maravilla, demostrando un gusto exquisito. Esta honda de brutalidad continua en “Primitive Ways”; un tema influenciado por los densos pantanos de Florída, infestados de depredadores. “Choke On It” pone marca el punto y final de este “Leprosy”. Chuck parece escupir las letras desde una caverna en lo más profundo del averno. La brutalidad y riffs decadentes se mantienen hasta el final; acompañados de una base rítmica de lo más violenta; y embebidos en frenéticos solos. DEATH hicieron verdaderas obras maestras de cada disco que editaron. Puede que unos se acerquen más o menos a los gustos de uno; pero debemos entender la historia de la banda como un todo. Y DEATH supusieron un antes y un después en la historia de la música. Es por tanto, que cualquier melómano con independencia de sus gustos, debería aventurarse a conocer la obra de esta magnífica banda. Este trabajo es absolutamente recomendable para todo aquel amante de bandas como MORBID ANGEL, OBITUARY o POSSESSED; además de aquellos en busca de un disco de primigenio Old School Death Metal. PABLO VÁZQUEZ |

HELLOWEEN (DEU)

KEEPER OF THE SEVEN KEYS PART I NOISE RECORDS, 1987 Escribir la crítica sobre cualquier trabajo de uno de los grupos más míticos de la historia del Heavy Metal siempre es un placer. Un placer, y un marrón, para que nos vamos a engañar. Pero si además, la tienes que hacer sobre una de las obras más importantes que ha dado el género, la cosa aún cobra mayor responsabilidad. Sí amigos, hoy toca el turno de “Keeper of the Seven Keys part 1”, una joya de menos de cuarenta minutos, que unos tal HELLOWEEN publicaron allá por el 1987 y que, a día de hoy, es una obvia y clara influencia para bandas que vinieron después, ahora, y lo harán en un futuro. Uno de esos clásicos inmortales para los que pasa el tiempo, pero en el mejor de los sentidos. Vamos, como el buen vino. Pero pongámonos en situación antes de comenzar. Tenemos que remontarnos a finales de la década de los 70 cuando unos jovencísimos Kai Hansen y Piet Sielck ( músico, productor y futuro fundador de los no menos míticos IRON SAVIOR) formaron una banda llamada GENTRY. Durante estos primeros años pasaron por varios nombres como SECOND HELL e IRON FIST antes de llegar a ser los HELLOWEEN que hoy conocemos, no sin tener varios cambios de formación antes de grabar su primer MiniLP y posterior álbum debut, “Walls of Jericho”, en el que mostraban un Speed Metal que llamó poderosamente la atención de crítica y público. Poco después Hansen dejó las voces con la idea de reclutar a un tal Ralph Scheepers (de sobras conocido por GAMMA RAY y sus actuales PRIMAL FEAR, hay que ver las vueltas que da la vida y lo pequeño que es el mundo), que declinó la oferta y que dio pie a que un desconocido Michael Kiske se hiciera con el puesto de vocalista. Y aquí cambió todo. Llamadle destino o como queráis, pero aquí comenzó a escribirse una de las épocas más doradas del Power Metal, con un cambio de timón y una presencia mucho más melódica al sonido de los germanos. Y lo que tuvo que ser un disco doble, finalmente se lanzó por separado. “Initiation” nos introduce de forma épica, tras ese primer guiño al “Happy, Happy, Helloween” que siempre ha acompañado a la

banda en lo que, sin duda, es el primer cañonazo y toda una declaración de intenciones de lo que está por venir. Los primeros riffs de “I’m Alive” y esas líneas de guitarras dobladas de la insuperable dupla formada por el propio Hansen y Michael Weikath ponían de manifiesto ya en los primeros segundos que no nos encontrábamos ante un álbum cualquiera. La definición perfecta de melodía y caña, una fusión brillante de lo mejor del Heavy Metal y lo mejor del Speed Metal, el nacimiento del Power Metal. Nada más ni nada menos señores y señoras. Unos solos largos, complejos, de distintos y dispares tintes y velocidades, y de una influencia irremediable directamente heredada de la música clásica, no en vano hablamos de una composición de Kai Hansen. ¿Algo más que añadir? Unos agudos imposibles. Bien, imposibles para la mayoría de vocalistas del mundo. Pero aquí tenemos a Mr. Michael Kiske. Seguimos con “A Little Time”, dejando claro que no todo es velocidad desenfrenada y doble bombos. Ese sostenido “Higher” inicial pone de manifiesto que Kiske se miraba en el espejo de los mejores vocalistas de la época, como podían ser Bruce Dickinson o Rob Halford, auténticas leyendas ya por entonces. Pero la nitidez vocal del joven alemán, ese timbre vocal tan único, cargado de sensibilidad, alma, técnica y naturalidad no era normal. Curiosos los coros que acompañaban al corte, quizás lo más discutible de toda la composición (o grabación, producción y masterización), pero nadie es perfecto y, no nos engañemos, tenían su propio e indiscutible encanto. Un corte hecho por y para Kiske. “Twilight of the Gods” es otra de esas pequeños joyas, donde el power más épico volvía a desfilar de principio a fin, con Hansen, una vez más, dejando claro que es esto del Power Metal. No en vanos estamos hablando, más que probablemente, del padre del estilo. Tal cual. Volvemos a poner la quinta marcha y dejarnos llevar por la poderosa base rítmica marcada por el contundente bajo de Markus Grosskopf y la imparable batería de un genial Ingo Schwichtenberg al que todos echamos mucho de menos. Probablemente no podríamos entender la existencia de grupos como BLIND GUARDIAN y otros tantos sin canciones como ésta. Por cierto, una de las grandes e, injustamente, olvidadas. ¿Serán capaces de recuperar en la inminente gira reunión? Dicen que la esperanza es lo último que se pierde. Vale, esto es Heavy Metal, en eso estamos todos de acuerdo, ¿No? ¿Y que sería de un buen disco metálico sin su correspondiente balada? Pues imaginamos que eso pensarían los germanos, especialmente Weikath, responsable de la composición de la preciosa “A Tale That

Wasn’t Right”. Os diría que es imposible imaginársela cantada por alguien que no sea Kiske, pero os mentiría, puesto que el propio Andi Deris, vocalista actual (y desde hace muchos años) de la formación lo ha interpretado y defendido tan bien como ha podido en repetidas ocasiones. Pero sería muy injusta la comparativa de una y otra vez, porque no tienen absolutamente nada que ver. Eso sí, me parece que la figura de Deris se reivindica demasiado poco y con demasiada frialdad en muchas ocasiones, pero eso ya es otro tema que, hoy, no toca. Y si Kiske pone todo el corazón en la voz, ¿Qué vamos a decir de ese solo de guitarra tan intenso, aunque breve, que es tan capaz de emocionarnos? Si alguna vez habéis estado enamorados, de la forma que sea, entenderéis lo que os quiero decir. Y llegó el turno de “Future World”. Esta vez no os voy a decir gran cosa, porque poco o nada puedo aportar que no se haya dicho o conocido ya. Uno de los mayores clásicos del grupo y de la historia del Heavy Metal. Un himno de apenas cuatro minutos con un estribillo que es imposible no cantar, y con uno de los solos de guitarra más emblemáticos que conozco. ¿No se os esboza una amplia sonrisa cada vez que la escucháis? A mi sí. Lleva toda la vida haciéndolo y dudo que algún día deje de hacerlo. Esto se va acercando al final, pero no sin antes pasar por “Halloween”, el tema más épico, complejo y ambicioso de la banda alemana, hasta esa fecha. Más de trece minutos de deliciosa locura instrumental y vocal que ha pasado a la historia. La banda sonora perfecta para la noche de Halloween perfecta. Es imposible resaltar a ninguno de los músicos por encima del otro, porque todos y cada uno de ellos está a un nivel de talento e inspiración que hasta entonces no podíamos ni imaginar. La voz de Kiske ya no se posiciona como una de las promesas del Heavy Metal, se confirma como tal. Unos agudos imposibles, unos cambios de registros al alcance de muy pocos y unas melodías al alcance de pocos, muy pocos. Los solos de guitarra son una preciosa y valiosa demostración de la indudable técnica de ambos guitarristas, cada uno en su forma y personalidad, con Hansen y Weikath en uno de esos duelos que quedan registrados para la posteridad. ¿Pero que sería de todo esto sin la base rítmica absolutamente desenfrenada y con capacidad de sorprendernos una y otra vez a lo largo y ancho del corte? Markus e Ingo rubricando una obra maestra. Como el propio tema dice “Magic in the Air…”. Esa una de esas canciones que no se puede explicar, hay que escucharla, vivirla, y experimentarla. Con una parte central absolutamente inesperada, repleta de misticismo y de un aura absolutamente tétrica. Llegados a este punto, ¿era

realmente necesaria una despedida como la de “Follow the Sign”? Un servidor no tiene nada que objetar. Un broche final en forma de epilogo que no hace otra cosa que poner la guinda final de un delicioso pastel. Un disco del calibre de este “Keeper of the Seven Keys Part 1” no podría estar exento, después de tantos años, de varias ediciones, y entre ellas podemos encontrar una pequeña maravilla como es la inclusión del tema “Judas”, casi a traición haciendo honor a su nombre, a mitad del compacto. La última aportación vocal de Kai Hansen a un nombre que hay que escribir en mayúsculas en la historia del Heavy metal, HELLOWEEN. Quizás el enlace perfecto entre este trabajo y su anterior “Walls of Jericho”. Mucho más bruto, netamente heavy y de una fuerza imparable. ¿Mas curiosidades? Por supuesto, dos clásicos del mini lp con el que se presentaron al mundo como “Victim of Fate” y “Starlight” regrabados con la voz de Kiske. Para gustos colores, y la verdad es que cada una tiene su propia esencia, pero si algo podía mejorar estas dos composiciones son una voz como la del señor Michael. ¿Queréis más? Lo hay. Una versión alternativa, y no demasiado distinta, de “A Little Time”, y una desmerecida edición para radio de la extensa “Halloween”, en la que es completamente imposible condensar todos sus ingredientes en apenas cinco minutos. Me he permitido un lujo de ponerle un diez al disco por una sencilla razón: Hoy podría estar cualquiera de estas canciones en un setlist del grupo, treinta años después, y no sobraría ni un solo segundo. Para cerrar este texto, ¿me permitís una pequeña corrección? Antes os he hablado de poner la guinda final de un delicioso pastel. He de confesar que os he mentido. Eso llegará con “Keeper of the Sven Keys Part 2”. Pero eso ya es otra historia, ¿o tal vez no? LLUÍS GARCÍA SOLA |

OVERKILL (USA)

FEEL THE FIRE MEGAFORCE RECORDS, 1985 Para muchos de nosotros OVERKILL es una las bandas indiscutibles pioneras de thrash

de todos los tiempos y uno de los grupos que ayudaron a forjar el sonido thrash tal y como lo comprendemos hoy en día. El debut de los de Nueva Jersey (y luego posteriormente Nueva York) se grabó en el ’85 pero está repleto de material que llevaban tocando desde 1980. Problemas de formación, agenda, discográfica, y, sobre todo, financieros fueron la causa de este gran retraso. Francamente pienso que si OVERKILL hubieran sacado esta joyita en el ’83 al mismo tiempo que por ejemplo el “Kill ‘Em All” se les hubiera respetado mucho más. Un respeto que creo que se tienen merecidísimo, y del que no siempre gozan por desgracia por parte de algunos. Por alguna extrañísima razón, hay gente que o bien conoce a OVERKILL sólo de oídas o no se los toma demasiado en serio. Misterios de la vida… Uno de los aspectos más interesantes de este álbum es la garra, furia y agresividad que se desprende de él si tenemos en cuenta el año en que salió. La actitud y el sonido un poco punk y más “macarra” (al contrario que grupos thrash de la costa oeste) le dan un encanto muy particular a este trabajo. Por otra parte tenemos la inconfundible voz de Bobby “Blitz” Ellsworth. Sello absolutamente inimitable. Resulta curioso que aquí canta un poco diferente respecto a como luego nos acostumbró durante tantos años. Más grave y hasta melódico quizás en ocasiones (recordemos, son temas de principios de los ochenta y por tanto de los primeros que jamás se compusieron en el thrash), con más cuerpo pero también soltando los alaridos de rigor que luego le caracterizarían. Lo increíble es que este chico hoy día suena igual o mejor que por aquellos tiempos. ¿Sabéis de muchos cantantes de thrash de los que se pueda decir lo mismo tras décadas de abuso constante de sus cuerdas vocales? Otro punto fundamental es el segundo pilar del grupo: el gran D.D. Verni que se nos muestra como una especie de Steve Harris del thrash con su Rickenbacker a un volumen como mínimo tan potente como el de las guitarras rítmicas. De-mo-le-dor. Sonido que ha acompañado a OVERKILL durante décadas (al contrario que otros grupos de thrash donde el bajo siempre ha estado relegado a un segundo plano… EXODUS ahora mismo me vienen a la cabeza). Pues bien: este tipo parte la pana, y cómo. La guitarra de Bobby Gustafson tiene un tono como he dicho tirando a punk que se complementa muy bien con la furia y garra de los temas. Ya para terminar a la batería el cofundador (junto con D.D.) Rat Skates (que sorprendentemente dejó la banda justo antes de grabar la obra maestra “Under the Influence”), cuyos patrones de batería no son la octava mayoría del mundo pero cumplen perfectamente la función de patearte el culo. Quizás

de hecho lo que peor está producido en el álbum son las baterías (no fueron los únicos por aquellos tiempos) pero esto no impide que el disco se disfrute muchísimo (y, si nos ponemos nostálgicos, es un tipo de producción “antiguo y trasnochado” que hasta se echa de menos). De principio a fin este disco es un increíble popurrí de riffs thráshicos memorables, shredding pentatónico a muerte, dobles bombos y mucha mucha mala leche adezados con la voz de Bobby Blitz. Temas como “Raise the Dead” con su inolvidable intro, la adictiva “Rotten to the Core” con un estribillo 110% efectivo, el title track o la famosa “Overkill” (primera de la saga) son temas demoledores para aquella época (y repito que cuando los grabaron ya eran temas “antiguos”). “Rotten to the Core” es uno de mis favoritos no sólo del álbum sino de toda la discografía de OVERKILL con un riff principal electrizante y una voz thrash de ensueño por parte de Bobby Blitz. El ritmo galopante del title track también cautiva desde el primer momento y ese “”Higher! Higher! Feel the Fire! She burns at the stake like a witch!” se te queda para siempre grabado en la memoria y pasa a formar parte de tu ADN. Los temas restantes no son moco de pavo: “There’s No Tomorrow” tiene una atmósfera muy especial con un riff bien pegadizo, así como “Blood and Iron”. El bonus track, “Sonic Reducer” es un tema muy interesante y además es una versión de un tema punk aunque consiguen que suene más thrash que otra cosa (también será porque llevaban tocándolo en directo casi desde su primer concierto). OVERKILL… grupo al que admiro porque siempre se la ha traído floja pertenecer a “los grandes del thrash”, han seguido su propio camino y tienen una de las discografías más coherentes y consistentes del metal. ¿Que no te gusta la voz? Pues vale, mala suerte. ¿Prefieres otros grupos con cantantes que suenan todos a copias unos de otros? Tú mismo… “Feel the Fire” es un álbum con un encanto muy especial. Sí, es cierto que lo mejor de OVERKILL todavía estaba por venir y que otros grupos del género sacaron debuts más refinados, pero la fuerza y furia que lograron transmitir en su primer LP es difícil de superar. Riffs cañeros, macarras y pegadizos, solos geniales y un Bobby Blitz que nos deleita desde el primer verso de “Raise the Dead”. Y aparte… ¡vaya título más cojonudo para un disco de thrash! Higher… higher… feel the fire!!!! DANIEL GALLAR |

9.3

PESTILENCE (NDL)

TESTIMONY OF THE ANCIENTS R/C RECORDS, 1991 Nos encontramos en el año 1991. Dos años después de sacar uno de los discos de death metal más perfectos que jamás hayan salido de Países Bajos, PESTILENCE volvieron a dar en el clavo con su obra maestra “Testimony Of The Ancients”. La gran diferencia respecto a su trabajo anterior “Consuming Impulse” es la siguiente: la producción es más limpia, gran cantidad de intermezzos o interludios entre canción y canción y tempos en general más ralentizados. Ah, y, claro está, ahora la “voz cantante” la lleva el alma de PESTILENCE: el gran Patrick Mameli. “Consuming Impulse” combinaba brutalidad y agonía de una forma sin precedentes. La voz de Martin Van Drunen, que ya me encantó en su primer álbum “Mallevs Malleficarvm”, pasó a tener un cariz menos thrash, más brutal y con dos nuevos elementos, la angustia y la desesperación. Algo único hasta entonces ya que no sólo se trataba de dar alaridos sobrehumanos, había mucho más… esa sensación de dolor en las entrañas y sufrimiento. Recuerdo cuando leí que Van Drunen “se había marchado” de PESTILENCE que me dije “buas, ya la han cagado”. ¿De veras? Bien. “Testimony” es un disco más pausado, pero eso quizás juega a su favor en tanto que nos brindan melodías más oscuras, inquietantes y amenazadoras. Otro punto más a su favor es el de las letras con esa atmósfera Lovecraftiana tan especial que lograron conseguir. A nivel técnico se nota que se ha subido el nivel y además la entrada del gran Tony Choy (CYNIC, ATHEIST) al bajo dio al cuarteto un nivel técnico envidiable (en “Consuming” el bajo quedó relegado a un tercer plano… además tocado con prisas por Mameli, nunca por Van Drunen como muchos sabréis). A nivel de batería Marco Foddis cumple su papel a la perfección, con buenos breaks, mucha energía y poderosos redobles. Pero sin duda aquí lo que prima es el trabajo de las guitarras… madre mía. El todopoderoso Patrick Mameli y Patrick Uterwijk eran

(y hasta hace poco fueron) una combinación perfecta para el death metal con su excelente y elegante colección de solos y riffs obsesivos rociados de trémolos caóticos perfectamente estudiados. El disco empieza con “The Secrecies of Horror”, un tema devastador con un solo increíble. A continuación nos encontramos con uno de esos interludios tan característicos de esta obra. He leído por ahí críticas diciendo que estos intermezzos son un incordio… yo estoy totalmente en desacuerdo. Siempre he pensado que aportan muchísimo a la atmósfera misteriosa del álbum y meten al oyente más si cabe en el disco. A nivel compositivo hay una especie de fifty-fifty entre guitarras “elegantes” (si se me permite la expresión aplicada a un disco de death metal) y guitarras brutales con solos chirriantes destinados a destrozarnos los tímpanos. Otro tema dignísimo de mención es “Land of Tears”, quizás mi favorito del disco. El solo de guitarra en la sección central comienza de forma muy melosa y melancólica, casi como si se tratase de una balada para luego pisar el pedal bien a fondo para asegurarnos de que lo que pensábamos que era un camino de rosas vuelve a convertirse en la cruda y mórbida realidad. Siempre me ha encantado este cambio tan repentino en este tema. Hay también que mencionar aquí el uso bastante generoso de teclados (¿sacrilegio en el death metal?). Si bien no los utilizan tanto como digamos NOCTURNUS (es decir, hasta el punto de tener que justificar que haya un teclista en la formación) los teclados en algunos pasajes son omnipresentes y, en vez de quitar energía a las guitarras, lo único que hacen es dar más carácter y atmósfera a los temas. Absolutamente brillante. “Twisted Truth” a su vez es un tema más directo y pegadizo. “Stigmatized” roza casi la perfección en el death metal con una buena combinación de partes brutales, otras más thrash y otras más heavymelódicas que hasta nos podrían recordar a unos MAIDEN. El predominio de riffs típicos de Mameli es, como he dicho antes, lo que da a este álbum ese toque tan especial. Riffs que, sin ser demasiado complicados, “llegan” al oyente y buen conocedor del death metal. Yo diría que “Testimony” tiene un toque un poco “DEATH” en el sentido Chuck Schuldiner-iano del término (menuda palabra me acabo de inventar). El hecho de que el señor Scott Burns produjera el álbum no era necesariamente garantía de que el álbum (amén de la maestría de la banda y calidad indudable de los temas) fuera a ser una obra maestra. A mí por ejemplo nunca me gustó demasiado lo que hizo con OBITUARY. Sin embargo lo que hizo con TERRORIZER fue para ponerle una medalla. Quiero

decir que a veces acertó y a veces pues no dio en el clavo. A pesar de ser un disco diferente de los dos anteriores, “Testimony” es capaz de brindar al oyente una nueva interpretación del death metal en sí. El death metal puede tener un toque poético y elegante sin renunciar a la brutalidad. Y, a decir verdad y a pesar de lo mucho que me gusta el “Consuming”, la salida de Van Drunen y la introducción de Mameli como vocalista y Choy al bajo no fueron una idea tan descabellada al fin y al cabo (y tanto). La producción en definitiva puede dividir un poco a la audiencia. Algunos se quejarán de que es demasiado “limpia” para un álbum de death metal. Pues bien, para el tipo de death metal que representa “Testimony”, para mí es (casi) perfecta. Creo que con este álbum PESTILENCE se ganaron a pulso un puesto de honor dentro de lo que es el la primera oleada de grupos de death metal “de élite” junto con DEATH, CYNIC o ATHEIST. Consiguieron un disco de death metal progresivo en su justa medida y sin pasarse (al contrario que con el disco que sacarían más tarde “Spheres”… un disco que nunca me llegó a entrar). Por ello, “Testimony Of The Ancients” tiene para mí una importancia histórica importante en el sentido de que nos brinda una concepción o dimensión diferente del death metal. Es la prueba perfecta de que el death metal puede ser tocado con elegancia y por momentos hasta refinado, y siempre nos quedará en el recuerdo como uno de los álbumes pioneros dentro del death progresivo. ¡Compra o muere! Twisteeeeed… trrrruuuuth \m/ DANIEL GALLAR |

9.6

SLAYER (USA)

SOUTH OF HEAVEN DEF JAM RECORDINGS, 1988 “An unforseen future nestled somewhere in time. Unsuspecting victims no warnings, no signs. Judgment day the second coming arrives. Before you see the light you must die!” Ehm… y así comienza uno de los álbumes más envolventes y enloquecedores de la prolífica historia del thrash.

Estamos en 1988 y el thrash como estilo ya está más que asentado con sus respectivas escenas bien definidas en casi todos los países y hasta con grupos que ya están haciéndole guiños a la MTV. ¡SLAYER! Miembro indiscutible de los cuatro grandes del thrash que tiene que sacar su cuarto álbum y se juega mucho más de lo que podamos pensar… recapitulemos: “Show No Mercy” era un festín de riffs insanos con grandes temas, producción tirando a mala (que le quedaba hasta bien al disco) y una imagen satánico/mosh/cervecera bastante forzada y hasta un poco cutre en mi opinión. Aun así, un más que decente debut pero más apto para adolescentes rebeldes que otra cosa. Con “Hell Awaits” se subió mucho el listón y puedo llegar a comprender por qué es el favorito de muchos fans del cuarteto de Los Ángeles. Es oscuro y siniestro, con una atmósfera muy particular. El aclamadísimo “Reign in Blood” debió de crear serios problemas de cervicales a muchísima gente. Es un álbum que no defrauda y vale su peso en oro por lo que es: un puñetazo en plena cara (con un puño americano incluido). Un álbum fácil de escuchar para el buen amante del thrash, “divertido” y ameno (bueno… durando apenas 30 minutos sería difícil aburrir al personal si los temas son buenos). Dicho esto, a pesar de ser un gran disco, “Reign in Blood” siempre me pareció un poco “unidimensional”, con grandísimos temas pero sin gran variedad de matices (si hubiera durado 45 minutos no hubiera funcionado ni la mitad de bien, seamos absolutamente francos). Supongo que entonces se plantearon… ¿sacamos “Reign in Blood” parte II? De pronto los californianos sacaron “South of Heaven” y nos encontramos con unos SLAYER… diferentes. Mira la foto de la contraportada… ¿no notas algo diferente? ¿Qué pasa aquí? Esto es otro nivel. No digo ni mejor ni peor… simplemente otro nivel que ya se palpa en esa foto y al ver la portada. A nivel musical es como si se hubieran estudiado los tres primeros álbumes y hubieran exprimido lo mejorcito de cada uno de ellos para crear esta obra maestra. Lo tiene todo. Cada nota, dentro de su contexto, forma parte de un perfecto engranaje que nos brinda una atmósfera hasta entonces nunca vista. No siendo un disco conceptual, la placa nos da una visión apocalíptica del mundo capaz de poner los pelos como escarpias. Atrás quedan las letras pseudo-satánicas (que Araya nunca llegó a cantar con convicción y nunca me parecieron genuinas) para pasar un nuevo estado mental. Una nueva filosofía o visión de la vida cargada de crudo realismo. Aquí todo gira en torno al infierno en la tierra (o dicho de otro modo, al “south of heaven”) y para ello Araya

nos deleita con letras que giran en torno al apocalipsis, las miserias de la guerra, el nazismo, el aborto, la promiscuidad, el incesto, la fe ciega, el suicidio y ya para acabar con “Spill the Blood” SLAYER nos recuerda que la maldición eterna se acerca y quieren apoderarse de nuestras almas. Esto es un banquete de riffs obsesivos que te perseguirán de por vida y es que, al contrario que en “Reign in Blood”, aquí no prima la velocidad. Momentos rápidos “haylos”, por supuesto, pero el predominio es el medio tiempo machacón en el que nunca, ni por un nanosegundo, decae el nivel de intensidad. Una intensidad casi “controlada” que hace que devores con más ganas si cabe el disco y luego pidas pan para repelar. Igualmente, si bien “Reign in Blood” ha sido en muchas ocasiones coronado “el mejor disco de SLAYER” e incluso de la historia del thrash a mí siempre me dio la impresión de que por momentos algunos temas podían haber sido un poco más elaborados o trabajados. “South of Heaven” es todo lo contrario. Todo parece perfectamente calculado y al ser todo más ralentizado no se puede enmascarar o esconder ningún punto débil. Se degusta cada momento. Antes de meternos de lleno con los temas, hagamos un par de observaciones: Este disco es de Jeff Hanneman (RIP). No os engañéis. ¡Y se nota! Las aportaciones de King en este álbum fueron muy escasas (coescribió 3 temas con Jeff ). Aquí tenemos a un Hanneman inspiradísimo que nos da la mejor actuación de toda su discografía. Incluso escribe las letras de “Behind the Crooked Cross” (que viene de nuevo a reflejar la más que controvertida obsesión que Jeff tenía por el Tercer Reich). Tom Araya puede… ¡cantar! Sí señores, y además lo hace bien. Tom utiliza un tipo de voz casi monotono y monotono al mismo tiempo, si se me permite el juego de palabras. Este no es un disco para que la voz se luzca… digamos que la voz casi pasa a un segundo plano y el contenido de las letras es lo que prima. Letras que, por otra parte, ahora son perfectamente inteligibles. Aun así, siempre me encantó el cambio para bien de Araya y de todas formas en ocasiones da alguno de esos gritos agudos de antaño que te hacen estremecer. Dave Lombardo es, junto con Hanneman, la gran estrella de este disco. Qué elegancia y agresividad al mismo tiempo. Qué creatividad y energía. “South of Heaven” es uno de los discos donde la batería me transmite muchísimo. Éste es el disco que para mí le colocó directamente en el trono del mejor baterista de thrash… título que para mí defendió holgadamente durante muchos años. El title track comienza con una extraña me-

lodía, casi hipnótica, que suena casi como el comienzo de un mal sueño. Poco a poco en este tema se va creando una atmósfera densa que va in crescendo hasta que uno piensa que puede cortarla con un cuchillo. Absolutamente demencial. “On an on south of heaven”… un estribillo tan simple pero tan poderoso y electrizante al mismo tiempo. “Silent Scream” es un tema a medio camino… casi podría haber estado en “Reign in Blood” en cuanto a tempo aunque la atmósfera pertenece a “South of Heaven”. Ante todo es un tema muy pegadizo y ultra-cañero, con excelentes breaks… quizás un tanto genérico pero de altísima calidad. “Live Undead” es una auténtica pasada, comienza lento pero va ganando enteros en intensidad. Tiene el mejor solo de King de todo el disco. La voz de Tom es de las más “cantadas” de todo el LP ya que este tema así lo requería. Y funciona de maravilla. De nuevo — es un tono casi “monótono” pero tremendamente efectivo. Cambiemos de párrafo para abordar aquí los para mí ganadores del disco: “Behind the Crooked Cross” y “Mandatory Suicide”. ”Behind” es uno de esos temas tan controvertidos y polémicos típicos de SLAYER que tanto nos gustan. La atmósfera es insana. Describe la fe ciega, la obediencia obsesiva que yacía detrás del Tercer Reich y, por ende, de los seguidores de la cruz gamada cuando llegan al punto de dudar y cuestionar los ideales nazis. El riff inicial es hipnótico y brutal al mismo tiempo y de nuevo la voz “cantada” de Tom es sublime al comenzar (“time melts away in this living inferno”). Uno de esos temas que ya nunca podrás olvidar. “Mandatory Suicide” es una joya a medio tiempo en la que Lombardo te revolverá las entrañas con cada golpe de caja y plato (“suicide… suicide… suicide”). Este tema está pensado para destrozarte el cuello sin compasión… y ya para acabar tenemos ese final post-apocalíptico con esa voz hablada que nos describe una perfecta y brutal imagen de un campo de batalla en el que jovencísimos soldados van a una muerte segura en pos de sus ideales. Una imagen dantesca de la miseria humana. Con “Ghosts of War” subimos el tempo y nos hallamos ante un tema potentísimo con dos partes bien diferenciadas. La primera es cañera y machacona con un intercambio de solos increíble y luego todo se ralentiza para pasar a una segunda parte a medio tiempo brutal con una melodía de guitarra digna de quitarse el sombrero. Me encanta la parte en la que se queda sola la guitarra y Lombardo mete un redoble absolutamente antológico. De los mejores temas del disco sin duda. “Read Between The Lines” es uno de esos temas que a la primera escucha crees que va a ser de los

peores (o menos buenos) del disco pero… ni mucho menos. Gran tema que poco a poco se va haciendo hueco en tu cerebro reptiliano con esa atmósfera inquietante y siniestra… y además tiene uno de los mejores versos del disco que casa con la temática del mismo (“There is no Heaven… without a HEEEELLLLLL!!). Casi nada. “Cleanse The Soul” es un dignísimo tema que si se me apura podría ser el menos brillante del disco. Aunque para qué te voy a mentir… me encanta. El cambio que hacen en la segunda mitad después del solo de Hanneman es grandioso. Pasamos a la versión de rigor… “Dissident Aggressor” es una muy buena cover de uno de los mejores temas de JUDAS PRIEST. Lejos de intentar emular al gran Halford, Araya sigue utilizando ese monotono cantado para darle una nueva dimensión a la canción. “Spill The Blood” es ya el último tema y la conclusión del álbum por decirlo de alguna manera. Comienza con una extraña melodía de guitarra que luego se transforma en una secuencia doom cromática obsesiva y amenazante. La letra es simple pero increíblemente efectiva y cierra el álbum con el tono apocalíptico con el que empezaba “South of Heaven”. La producción por parte de Rick Rubin es perfecta. Orgánica, para nada aséptica o superproducida, con un tono de guitarra potente, un sonido de batería de ensueño (el doble bombo está conseguidísimo) y un sonido de bajo perfectamente audible (con Araya ya se sabe… líneas de bajo simples acompañando a las guitarras y sin complicarse la vida). Con “South of Heaven” SLAYER llegaron a un punto de madurez que ya nunca volvieron a igualar (aunque con “Seasons” se acercaron bastante). Lo tiene todo… la furia del “Show No Mercy”, la atmósfera del “Hell Awaits” y la aplastante velocidad del “Reign In Blood” para brindarnos un disco soberbio, denso, barroco y complicado, con una muralla sónica absolutamente imposible de derribar. Force to find behind… the crooked cross!!! \m/ DANIEL GALLAR |

9.6