Necromance Digital Magazine 61 by Necromance Magazine

REDACCIÓN Y STAFF:

NÚMERO 61

DIRECTOR: David Déniz Plaza EDITOR, REDACCIÓN Y PUBLICIDAD: David Déniz Plaza MAQUETACIÓN Y DISEÑO: David Déniz Plaza REDACTORES | CRONISTAS: Antonio José Lastres Carlos Bermejo César Luis Morales Daniel Gallar Fernando Turrillas Gabriel Pastor Sánchez Jesús Muñoz Caballero Jesús Sánchez Jorge De La Cruz Jose Antonio Gallego Juan Angel Martos Luis Martínez Mark Berserk Nacho Peña Nuel González Rudy Pertu Santi Gzlez Vicente Sánchez FOTÓGRAFOS: FOTO DE PORTADA: Helevorn

DIRECCIÓN POSTAL: Necromance Digital Magazine Apdo. de Correos 66 38320 La Cuesta Tenerife - España EMAIL: Información general

digitalmag@necromance.eu

advert@necromance.eu WEB: www.necromance.eu | FACEBOOK: www.facebook.com/Necromancedigitalmag

CONTENIDO ENTREVISTAS 12 14 15 16 17 18 20 21 22 24 26 28 30 32

SUDESTADA MARASME SPAWN OF ANNIHILATION SANS SOLEIL PRIMA NOCTE DEATHTALE INSIGHT AFTER DOOMSDAY MASS INFECTION KHOUS RONIN HELEVORN CULT OF SELF DESTRUCTION PESTE NOT YET FALLEN

SECCIONES REGULARES 04 05 08 34

EDITORIAL CONTENIDO RECOPILACIÓN DIGITAL CRÍTICAS (NOVEDADES)

NECROMANCE DIGITAL SAMPLER VOLUMEN 34

1. DEATHFUCKER (ITA) DEVIL’S FIST

Extraído de “Devil’s Fist” (MCD 2019) - Iron Blood And Death Corporation www.facebook.com/agentsofsatan - ibdcorplabel.blogspot.com

2. ODIUSEMBOWEL (NZE) AWAITING INJECTION

Extraído de “U.S. Pricks vs. Kiwi Cunts” (SPLIT CD 2018) - Unmatched Brutality Records www.facebook.com/Odiusembowel-132793086785232 - ubrecords.com

3. MEATHOOK (USA)

PLACED UPON THE ALTAR

Extraído de “Crypts, Coffins, Corpses” (CD 2019) - Unmatched Brutality Records meathook1.bandcamp.com - ubrecords.com

4. AEOLIAN (ESP) CHIMERA

Extraído de “Silent Witness” (CD 2018) - Snow Wave Records www.aeolianband.com - www.snow-wave-records.com

5. PESTE (ITA)

MERCY - Extraído de “Peste” ( CD EP 2019)

This is Core www.instagram.com/xpestex - www.thisiscoremusic.com

6. AEOLIAN (ESP)

GOING TO EXTINCTION

Extraído de “Silent Witness” (CD 2018) - Snow Wave Records www.aeolianband.com - www.snow-wave-records.com

7. METHEDRAS (ITA)

A DEAL WITH THE DEVIL

Extraído de “The Ventriloquist” (CD 2018) - Massacre Records www.methedras.com - massacre-records.com

8. NOT YET FALLEN (ITA)

SURVIVALIST - Extraído de “Homebound” (CD 2018)

Indelirium Records notyetfallenhc.bandcamp.com - www.indeliriumrecords.com

9. KLEE PROJECT (ITA)

LIVING IN CONFUSION - Extraído de “Living In Confusion” (CD 2018) UAP Music www.kleeproject.com

10. BROWBEAT (ITA)

WHEN THE PROFIT KILLS - Extraído de “Remove The Control” (CD 2019) Indelirium Records www.facebook.com/Browbeat-1352410948149666 - www.indeliriumrecords.com

11. SECTLINEFOR (GBR)

IT WAS AN ACCIDENT - Extraído de “Don’t Make This About You” (CD 2018) Autoeditado www.sectlinefor.com

Escúchalo y descárgalo en

necromancedigitalmagazine.bandcamp.com

DISEÑO DE PORTADA REALIZADO POR: THE CORE INSIDE

SUDESTADA Desde Madrid nos llega un nuevo proyecto bajo el nombre de SUDESTADA que debutan con “Yo Soy El Mar” coeditado por The Braves Records, Odio Sonoro y Kill Vinyl. Desde Necromance Digital Magazine, nos pusimos en contacto con ellos para que nos hablaran un poco más de su debut. Primero de todo daros las gracias por atender a esta entrevista y para los más despistados que no os conozcan ¿Quiénes son SUDESTADA? ¿De dónde surgió la idea de vuestro nombre y relacionarlo con el “mar”? Antes que nada, agradeceros vosotros por darnos este espacio. Sudestada surgió de las cenizas de otro proyecto que teníamos Jorge y yo llamado This Thing Called Life. Cuando el grupo se empezó a marchitar, con Jorge aún teníamos un buen puñado de ideas con las que queríamos seguir adelante. Nos pusimos en contacto con Mario, un buen amigo desde hace muchos años y que en ese momento cantaba en Khmer, una de nuestras bandas favoritas del panorama neocrust nacional. Le ofrecimos con la humildad que nos caracteriza a ser sus “sparrings” y la verdad es con esa cómica excusa le convencimos de que se viniera al local. Peter se sumó a la batería algo más tarde, gracias a él los temas cogieron una agresividad más punk de la que estábamos acostumbrados y por naturaleza el grupo se transformó en otra cosa, la energía ya no era la misma, había otro mensaje que contar. Así que decidimos rebautizar todo y empezar de cero. El nombre como tal lo propuse yo (Fer, guitarra del grupo). En mi tierra, Buenos Aires, la Sudestada es el viento que sopla en el Río de la Plata y que anuncia que llega el invierno. Algo así como el “Winter is coming” argentino. El nombre del disco surgió de una letra de una canción que finalmente descartamos del tracklist. La canción por diferentes motivos no fluía y la olvidamos, pero el mensaje que contenía nos dejó muy tocados a los cuatro. Esto te lo podría contar mejor Mario yo, él es el compositor de las letras al 100%, pero 12 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 61

si no recuerdo mal la letra decía algo así: “Y en mitad de la tormenta, decidiste abandonar, te rendiste a la marea. Pero yo me quedé a luchar contra el viento, porque yo soy el mar” Vuestro álbum “Yo Soy El Mar”, está repleto de ritmos crust punk y hardcore, que se esconden tras un belleza de portada ¿Cómo definiríais vuestro estilo y cuál es la temática de vuestro debut, si es que la tiene? La gente que nos ha escuchado nos ha metido rápidamente en la escena neocrust y nosotros la verdad que lo agradecemos. Nos hemos aprovechado mucho hasta ahora de ese “hashtag”, ya que por suerte es una escena que está teniendo gran movimiento últimamente. Pero explicar de dónde proviene tu sonido siempre es algo más complejo que lo que puede decir una etiqueta. Yo por ejemplo aprendí a tocar la guitarra sacando temas de Deftones y Faith No More en mi habitación, y hasta día de hoy es un tic que no consigo quitarme a la hora de componer riffs. La magia está en dejar hacer a cada uno lo que mejor sabe hacer, y así pasa, que de repente te llega un batería de punk como Peter que le gusta correr, toca encima de tu riff lo primero que le nace y la cosa cambia automáticamente. Luego llega la review de turno y te dice “Te pareces a Converge”, ¿cómo explicarle que no? ¿cómo explicarle que es como Deftones tocando punk? Difícil… Así que neocrust está bien, aceptamos barco. A principios del 2000 todos coqueteábamos con grupos como Converge, Breach, Botch y toda la camada noisecore. Pero si hubo algo que nos voló la cabeza en aquella época de Dickies y collares de bolas fue todo el sonido que vino de Galicia: Ictvs, Madame Germen, Ekkaia… Eso

fue un antes y un después. Lo que se hizo en Galicia en esos años debería estar en los libros de Historia de la Música. Así que digamos que de esa amalgama de cosas fluye el proceso y las influencias compositivas de Sudestada. La temática del disco es algo más positiva de la que estamos acostumbrados. Sigue habiendo mucha rabia en las letras, en eso se parece a nuestros anteriores grupos, la diferencia quizás es que en ellas hay algo más de superación, y la música también lo refleja, somos más positivos de lo que parecemos a priori. Una linterna en la oscuridad. Vuestro artwork, que ya he mencionado en la pregunta anterior, me encanta, porque encierra ese toque bucólico del romanticismo alemán ¿Quién lo ha realizado? ¿Qué representa este, con respecto a lo que encontramos en el interior? Nuestra intención es alejarnos de la estética crust, es algo que intentamos en todo lo que hacemos a nivel visual. No es porque nos desagrade, simplemente nos gusta despistar, y creemos que nos ha salido bien la jugado, el artwork es de lo más comentado entre la gente que nos sigue. Mario es el diseñador, y con “Yo soy el mar” nos dijo que le apetecía salir de su zona de comfort, por eso decidimos tirar de fotos y eludir ilustraciones. La sesión del artwork es de una fotógrafa llamada Coral Devesa (@oceansoflilim en Instagram), el montaje final es de Mario, y su intención va un poco en la línea de lo que antes contaba sobre el nombre del disco, refleja la imagen de la derrota, de quien abandonó. Se podría decir que el disco está dedicado a esa persona que yace en la portada. Grabado y mezclado en KOLLAPSE STUDIO de Lugo y masterizado por Brad Boatright de Audiosiege, un combo brutal que os ha dado un gran sonido ¿Cómo ha sido este proceso de grabación? ¿por qué os decantasteis por estos estudios? ¿alguna anécdota que nos podáis contar, ya que siempre hay alguna? Ir a grabar este disco a Galicia con Iván Ferro (Ictvs, Khmer, El Ego) fue una de las mejores experiencias de nuestras vidas.

Nos tomamos 10 días de vacaciones en nuestros respectivos trabajos en pleno enero, y subimos en una furgo sin calefacción rumbo al norte. Fueron 10 días increíbles, de mucho trabajo en el estudio, de mucha lluvia, de dos pares de calcetines al día, pero también muy filosóficos para nosotros. Iván es una persona excepcional a todos los niveles, un auténtico maestro Jedi, y grabar el disco allí con él fue maravilloso, fue como pedir un lugar en la mesa de las leyendas de esa tierra y ser bien recibidos. Si tuviera que elegir algunos temas para que me hablarais de ellos, me quedaría con “Renacido”, “Barlovento” y “Soflamas” ¿Qué historia guarda en su interior cada uno de vuestros temas? ¿Cuál ha sido el más difícil de componer? Buena elección. Renacido es la composición más antigua que tenemos y se metió en el tracklist final en los últimos ensayos previos a la grabación por petición especial de Peter (nuestro batería), le fascina ese tema. A nivel lírico quizás es el tema del disco que mas enarbola esa idea de levantarse una y otra vez, de resistir. Barlovento es la canción del disco más meditada antes de ser compuesta, la dibujamos en la cabeza una y mil veces antes de empezar a escribirla, hablábamos de ella incluso sin tener un solo acorde. Cuando la terminamos, enseguida supimos que cerraríamos el disco con ella. Tiene para nosotros un aura de himno, y la quisimos titular sin hacerle caso a la letra sino en honor a la banda, “Barlovento” (de donde viene el viento) nos pareció un buen titular como cierre a nuestro primer disco. Soflamas es la canción más macarra del disco, y por lo tanto mi favorita. En nuestros debates de furgoneta siempre sale la misma crítica a la gente que le encanta dar su opinión sobre todo sin saber demasiado de nada. La hicimos para escupir la rabia que nos genera la incoherencia y las opiniones con fundamentos de cartón piedra. Imagino que ahora estaréis deseando de sacarlo al directo, ¿Qué fechas tenéis previstas para 2019?

“Nos hemos aprovechado mucho hasta ahora de ese “hashtag”, ya que por suerte es una escena que está teniendo gran movimiento últimamente. Pero explicar de dónde proviene tu sonido siempre es algo más complejo que lo que puede decir una etiqueta. ” ¿Cuáles son los planes de futuro de SUDESTADA? Mientras buscábamos sellos para el disco quisimos tocar todo lo que pudimos. Durante 2018 pasamos por Lugo, Murcia, Benissa, Burgos, Oviedo, Terragona, Barcelona, Portugalete y algún que otro bolo en Madrid también hicimos. Tenemos un video con imágenes recogidas en el estudio y en todas estas fechas con nuestro tema Pompeya. Lo podéis ver aquí: https:// www.youtube.com/watch?v=VO4ww3s97QM. Ya con el disco en la mano y con miras de reedición en vinilo en los próximos meses queremos salir a tocar aún más en 2019. Tenemos confirmada la presentación oficial en Madrid el 4 de enero junto a dos grandes bandas como Dûrga y Le Temps Du Loup, y participaremos en el Bizkaia Noise Fest el 15 de Febrero también junto a grandes bandas de toda la península. Además de esto, estamos planeando una gira para mediados de abril en la que intentaremos pasar por la mayor cantidad de ciudades posibles y tenemos intención de salir fuera de España a finales de verano, pero sobre ambas cosas aún no podemos confirmar nada.

es más cómodo.

Qué difícil es decir solo tres bandas… Si tengo que quedarme con tres nacionales que ahora mismo me vuelen la cabeza diría: Drei Affen, Néboas y Catorce. Y si decimos internacionales, por intentar ser un poco originales y ayudar a descubrir grupazos que quizás no son tan conocidos diría: My Fictions, Svalbard y The Broderick. Un placer poder hablar con vosotros, desde Necromance Digital Magazine, las últimas palabras os las dejamos a vosotros. El placer es nuestro, nuevamente gracias a vosotros por darnos este espacio para poder llegarle a más gente con nuestra música. POR JUAN ANGEL MARTOS

No sé si seréis de tradición antigua y seguís comprando CD o estáis sujetos a la era digital. ¿Cuáles son los últimos CD físicos que habéis comprado? Podríais decirnos 3 grupos nacionales/internacionales a descubrir o que queráis recomendarnos.

Somos de la tradición antigua pero reciclados en la moderna. Es decir, compramos discos que nunca abrimos. Los compramos solo por tenerlos y apoyar la música, luego los trillamos en Spotify hasta la saciedad porque NUM. 61 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 13

nos representaban ya no como músicos, sino como individuos. Nuestro objetivo dotar cualquiera de nuestras canciones de esa misma carga emocional a la que te refieres. La composición suele ser completamente colaborativa, a diferentes velocidades: hay canciones que han salido prácticamente de una pieza, en una misma tarde; otras, han podido llevar meses. Lo mismo que las letras, que tratamos de cuidar al máximo en cuanto a contenido y significado. Lo único que pretendemos con todo ello es crear el material que nos resulte lo más coherente y honesto posible en relación a lo que somos, nada más. ¿Qué mensaje es el que buscáis transmitir con vuestra música? Se nota que las letras son de rabia, desesperanza, dolor…. Sí, la verdad es que cada uno de nuestros discos refleja un estado de ánimo muy concreto. En nuestro disco anterior, “De llums i ombres” (2014), pasábamos una etapa extraña como individuos y se nota que tiene mucha carga de melancolía, de aislamiento, desolación y tristeza. Era un disco más introspectivo. “Malsons” da la vuelta y refleja esos mismos sentimientos que enumeras. Rabia, sobre todo. “Malsons”, en castellano, quiere decir “Pesadillas”, así que ha dado pie a darle un enfoque mucho más oscuro y más cabrón a aquello que queríamos transmitir con sus seis canciones. El disco posee muchísima fuerza, y tiene temas muy extensos como “Cap Vencedor”, “Malbocí” o la última “Ruines” Todo desarrollado en una línea muy oscura, y en la cual no sobra ni un segundo de música. Realmente ¿podría decirse que es un disco conceptual, donde cada corte nos adentra más y más en vuestra “pesadilla”? Nunca hemos pretendido hacer un disco conceptual, aunque la cohesión de la temática en cada canción invita a verlo de esta manera. Las letras de Jeroni siempre han sido bastante abiertas a la libre interpretación, así que en este sentido cualquiera podría ver sus temores del día a día reflejados, metafóricamente, en el contenido del disco. A la hora de presentar el disco, ¿Cómo trabajáis un directo?, ¿supongo que la puesta en escena, ayudará con la intensidad de vuestras composiciones no? La verdad es que nuestra puesta en escena suele ser bastante austera. Trabajamos con el objetivo de ofrecer conciertos lo más intensos posibles: sin parones, sin discursos o presentaciones entre canción y canción… Todo muy a saco y, por supuesto, al volumen más alto que podamos o nos dejen. Solemos hacer pocos conciertos al año, pero todos ellos parten de esta misma base.

MARASME El sexteto Mallorquín MARASME, presentan “Malsons”, colección de temas corrosivos que deambulan entre el sludge y el post metal. NECROMANCE se adentra en sus pesadillas, e intenta profundizar en lo que corroe a estos chicos. En primer lugar, gracias por concedernos esta entrevista. Suelo preguntar por el significado del nombre a las bandas. ¿Qué significa MARASME? ¿Y cómo lo encajáis en lo que hacéis? No, gracias a Necromance por el interés, en todo caso. Marasme, traducido al castellano, significa “Marasmo”, y básicamente se trata de la suspensión total de la actividad, física o mental, de una persona. O, también, un grado extremo de agotamiento, de debilidad. Su significado y la imagen que nos sugería el nombre encajaban bastante bien con el discurso de aquello que pretendíamos contar con nuestra música. ¿Cómo surge el montar una banda de metal? ¿Teníais recorrido previo? Sí, en la primera formación de la banda todos veníamos de otras bandas. El que tenía mayor recorrido musical, por decirlo de algún modo, era Jeroni (voz), que había formado parte de un grupo de brutal death llamado Strangled. El hecho de empezar Marasme surgió para dar lugar a un proyecto en el que pudiéramos contar con una mayor libertad creativa: trabajar con canciones más largas, estructuras un poco más abiertas, partes más ambientales… El hecho que, ya desde la primera formación, nos juntáramos gente con muchas inquietudes e influencias muy variadas fue determinante para enfocar el proyecto, teniendo clara la dirección que debía tomar la banda en cuanto a sonido. ¿Es obvio que el Sludge metal es vuestra base, por así decirlo, pero claro, sois seis en la banda y supongo que afloran numerosas influencias no? Bueno, realmente en la banda somos cinco personas, aunque Chús Ponce, que grabó el bajo tanto en “De llums i ombres” 14 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 61

(2014) como “Malsons” (2018), sigue de alguna manera formando parte del equipo. Pero sí, un día podemos estar hablando en el local de Amebix y al rato hacerlo de Dead Can Dance o de Darkthrone. Siempre hemos sido muy receptivos a un montón de bandas, con independencia de su estilo y época. Tenéis dos bajistas, es algo poco usual por lo general… ¿Ha sido buscado?, ¿o de repente os encontrasteis con la posibilidad de tener dos bajos, y surgió de forma natural, para el sonido de la banda? Haha! Me da que es un malentendido provocado por la información que aparece en nuestro perfil en Facebook. Realmente Marasme, de cara a los ensayos, directos y grabaciones, somos cinco personas. Así aparece en los créditos del disco. Lo que pasa es que Chús, como decía antes, sigue formando parte del equipo, colaborando de otras formas, como por ejemplo, en tareas audiovisuales. Él dio forma al videoclip de “Malbocí”, que fue el avance de “Malsons” (https://www.youtube.com/ watch?v=7XtBENHWL7Q). “Malsons” fue grabado como quinteto con un único bajo. De todas formas, tampoco descartaríamos emplear en un futuro tema dos bajos… Podría resultar interesante. Sentimos haber creado, en este aspecto, algo de confusión. “Malsons” es vuestro tercer larga duración si no me equivoco, ¿Cómo es componer un álbum con toda esa carga sentimental que transmiten vuestras canciones? Correcto, se trata de nuestro tercer disco. “Malsons” ha sido un disco muy pensado. Nos llevó como unos dos años componerlo y estar 100% seguros de que las canciones que contenía

En vuestras islas hay un buen puñado de bandas de calidad, como HELEVORN, EVETH, DEVOURING… Mucho Death metal principalmente… ¿Cómo veis la escena en las Islas Baleares? Bandas, Salas y festivales… Sí. También están Unburial, Dead-Eye Wolves, Dead Wood Tree, Aeolian, F/E/A, Inferitvm o Adipem Panda, que se disolvieron hace poco… La verdad es que en estos últimos años han aparecido bandas insulares con mucho potencial y buen repertorio. Hay un microclima de creación e inquietud muy interesante, así que en ese aspecto se puede decir que hay una buena escena. El circuito de festivales y, sobre todo, de salas es bastante limitado, lo que provoca en ocasiones una cierta sensación de desgaste y que muchas bandas terminen por disolverse antes de haber dado lo mejor de sí mismas. ¿Cuáles son los planes a corto y medio plazo de MARASME? El disco ha salido a finales del 2018, que es un momento algo extraño, en el que toda la información parece dirigirse a hacer resúmenes del año, top-tens, etc. Trataremos, en medida de lo posible, dar a conocer el disco entre los medios especializados, al tiempo que programamos algunas fechas en la isla o fuera de ella, si se da el caso. Durante este 2019 empezaremos a componer nuevo material, aunque ignoramos si se tratará de un EP o un hipotético cuarto álbum. Veremos. Bueno, desearos suerte con vuestro trabajo, y espero poder veros por la península, sería un placer sin duda. Un saludo y a seguir dando tralla. Por supuesto. Ojalá podamos regresar a la Península este 2019. Un abrazo y gracias por todo. POR JOSE ANTONIO GALLEGO

cerme con ellas. ¿Por qué incluir partes así cuando la base es tan sumamente extrema que el concepto musical tiene que cambiar por completo? ¿No crees que el tema ya estaba totalmente terminado sin estas partes y pueden llegar a sonar a relleno? Esos arreglos siempre los hemos incluido en algunos de nuestros temas desde el comienzo, demo, EP y ahora el LP y de hecho es algo que nos gustaría mejorar aun que nos gustó el resultado creo que podemos hacer mejor ya que nos agrada mucho jugar con arreglos orquestales y acústicos, también lo usamos como una pequeña firma musical de SoA.

SPAWN OF ANNIHILATION SPAWN OF ANNIHILATION llegan desde Jalisco (México), para destrozarnos con el potente y despiadado brutal death que nos ofrecen en su trabajo “Insurrection” y del que nos hablan en esta entrevista. Teniendo en cuenta que estáis presentado el primer trabajo completo y siendo de un lugar tan lejano a España como es Jalisco, es más que lógico pensar que no seáis muy conocidos depende en qué circuitos nacionales, así que, vamos a intentar solucionar esto y preséntate a ti y a tus compañeros de aventura. Bueno primero que nada muchas gracias yo soy Alfonso Márquez Guitarrista en la voz Rafael Espindola en el bajo Juan Arredondo y en la batería Julio Dávila. De todas formas, este no es el primer trabajo, aunque si el primer trabajo completo. Anteriormente editasteis una Demo en 2011, así como un EP en el 2013 y un single en el 2016. Vamos, que habéis estado currando duro, que es lo que cuenta. ¿Qué os llevo a seguir trabajando como la vieja escuela, editando trabajos menores antes de un LP? ¿Qué tal ha sido la acogida de esos viejos trabajos? La verdad es que nosotros quisimos ir mostrando nuestro trabajo poco a poco como lo hacían las bandas de antaño, en parte por la falta de apoyo de una etiqueta, pero también para ir introduciendo a la gente en lo que hacemos en SoA. En cuanto ah aceptación bueno pues creo que dentro de la escena mexicana pues siempre ha sido un poco difícil ya que nosotros tocamos una mezcla de brutal death de la vieja escuela con una un death metal moderno como es el technical, pero aun así nuestra audiencia ha ido creciendo poco a poco!. Vamos a empezar ya a hablar de vuestro primer trabajo. Empecemos por la portada. Creada por John Quevedo ¿Qué os llevo a trabajar con él? ¿Qué es lo que representa? ¿Ha sido idea vuestra o una obra libre del autor? Quisimos trabajar con él ya que nos parece un artista increíble ya que el plasma las ideas en una pintura y esa pintura te la envía a tu casa y es algo que nos agradó mucho, la portada son ideas de la banda en conjunto a John y básicamente quisimos representar todas las muertes que ha causado la religión atreves de la muerte y que a su vez hace que cada día la gente reflexione y abandone la religión y así poco a poco morirá la religión. Siempre me gusta fijarme en los logos de las bandas y en su evolución a lo largo del tiempo. En vuestro caso no noto grandes cambios en el desde el principio. ¿Podemos decir que este es el logo de la banda? ¿Quién lo realizo? ¿lo seguiréis usando en próximos trabajos? Si, nosotros hemos tenido 3 logos(el del Demo, del EP y el del LP) y pues si yo creo que este ya es el definitivo por lo menos para un par de trabajos más. Tremendamente extremo el nombre de la banda. ¿Por qué Spawn of Annihilation? ¿Cuál es el significado para vosotros?

La idea del nombre surge a partir de que leí un libro de mitología Egipcia en el en una de las mejores partes del libro narraba como el Dios RA ascendía al cielo y engendraba un ser que aniquilaría a todos sus enemigos en la tierra y de ahí es donde surge el nombre. El sonido del trabajo es bueno, no excesivamente retocado y más natural de lo que se suele dar últimamente, incluso se pueden escuchar detalles sin editar que denotan gusto por la naturalidad en la ejecución. El resultado es profesional y a la altura de la música y de un primer trabajo. ¿Dónde y por quien han pasado todos los procesos de grabación, mezcla y máster? Bueno la batería fue grabada por Aldo Montañés de bunker records en Leon gto Mexico, las guitarras las grabe yo en mi home studio, el bajo fue grabado por Todd de Amiensus en Minnesota, Estados unidos y las voces por Emmanuel Hdez en Lagos de moreno, al final la mezcla y la master fue realizada por Junior Patiño en Venezuela. Imagino que, como todo músico, ahora ya pensáis que algunas cosas podrían haber salido mejor, pero… ¿estáis contentos con el resultado? ¿Cambiaríais algo ahora a toro pasado? Si claro, como músicos estamos en constante aprendizaje y es obvio ya que lo hemos escuchado pues a todos nos surgieron ideas, pero bueno es parte de esto el aprender y mejorar esperamos que nuestro próximo trabajo poder llenar un poco más nuestras propias expectativas, mas sin embargo es un trabajo que nos gusta mucho y disfrutamos demasiado. ¿Quién ha sido el encargado de escribir o adaptar las letras? ¿Cuál es la temática utilizada? ¿Cuál es el punto de unión entre cada uno de los ocho temas que componen el trabajo? Bueno desde el comienzo de la banda nuestra lírica ha sido un tanto blasfemia y anticristiana pero en este álbum le agregamos un poco de filosofía, en la cual nos enfocamos Rafael y yo en componer una especie de historia en la cual un hombre es reprendido por la religión y a lo largo de los temas el asesinando a todos los que lo oprimieron y torturaron. Aunque vuestro estilo es altamente técnico, sobre todo es brutal, y lo mas no table, con unos cambios de tiempo y de riffs impresionantes, a veces desconcertantes, para bien y para mal ¿Cómo catalogaríais vosotros el estilo de la banda? Sí, yo también creo que ese es el estilo de la banda, es un estilo Técnico pero siempre tratando de mantener el sonido brutal.

Ocho temas en apenas 34 minutos demuestran la brutalidad sonora que se nos va a venir encima. Sería muy difícil escuchar un trabajo como el vuestro, tan intenso, de una sola pasada, sin pausas, si su duración fuera de más de 45 minutos. Está claro que hay para todos los gustos, pero… ¿Cuál crees tú que es la duración idónea de un trabajo de metal extremo? En vuestro caso ¿la duración del CD fue estudiada? Si claro todo eso fue estudiada ya que estas en lo correcto, un álbum de brutal death que dure más de 45 minutos terminaría por aburrir a mucha de la audiencia, nosotros quisimos hacer un álbum digerible no tan largo pero también que no fuese tan corto ya que me ha tocado escuchar algún álbum que son muy buenos pero te quedas con ganas de mas ya que la duración de 26 minutos o menos entonces para mí y no solo como músico sino como fan del genero creo que la duración debe estar entre los 30 y 40 minutos. Imagino que ahora todas las miras estarán puestas en ofrecer directo ¿hay ya algunas fechas seguras concretadas? ¿Qué podemos esperar al veros en directo? Ahora nosotros estamos enfocados en tocar en vivo todo el tiempo posible, inclusive estamos tratando de concretar algunas fechas por Sudamérica y Europa pero por el momento solo tenemos algunas fechas concretadas dentro de México. Brute! Productions creo que es la encargada de editar vuestro trabajo. ¿Qué os ha llevado a trabajar con ellos? ¿Habéis tenido muchas más ofertas? ¿No ha habido ninguna discográfica de México que se interesara por vosotros? Si tuvimos algunas ofertas de etiquetas de México al igual que de Sudamérica, estados unidos y Europa, pero al finas nos Hemos decidido por Brute Prod, porque fue la que mejor se acomodó a lo que esperábamos ya que nos brinda apoyo económico para publicidad y mercancía que era lo que queríamos, y en las otras era trabajar un poco más por nuestra propia cuenta en ese sentido. Supongo que entenderás lo difícil que es para alguien que está en España el estar al tanto de todo lo que ocurre en la escena de centro América, incluso aun con la facilidad que nos brinda internet. ¿Cómo está la escena por allí en cuanto a bandas, conciertos, promotores…? Supongo que tan difícil como en los demás sitios o más, pero… ¿Dónde crees que esta la mejor escena mundial de death metal? Desde mi punto de vista yo creo que es todas los países hay muy buenas bandas de death metal pero siendo honestos para mí el mejor death metal esta en Estados unidos, indonesia, Colombia y Canadá, ya que en mi país eh logrado escuchar muy buenas bandas pero existe un pequeño problema y el cual básicamente es que las bandas no graban su música se la pasan ensayando y tocando en vivo pero no les gusta invertir en una buena grabación o simplemente no graban nada, pienso que México podría ofrecer muy buen metal al mundo si las bandas invirtieran lo necesario en una buena grabación de su música, obviamente hay muy buenas bandas que si han logrado registrar su música solo por mencionar algunas Deconversion, Heretic, Sickmorgue, Paaltha Anunnaki. Muchísimas gracias por vuestro tiempo. Aquí tenéis, como siempre, un sitio para decir lo que queráis, lo que a mí se me haya pasado preguntaros o simplemente para despediros. Un placer hablar con vosotros. Muchas gracias a ti Santi Gzlez por tomarte el tiempo en hacernos esta entrevista te mando un fuerte abrazo al igual que a los lectores de NECROMANCE. POR SANTI GZLEZ

Ahondando más en este tema, algunas canciones tienen partes con secuencias de cuerda, piano o guitarra acústica. Como te comentaba, me ha desconcertado esto a la primera escucha e incluso en posteriores, sabiendo cuando llegaba esta parte, me costaba haNUM. 61 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 15

SANS SOLEIL

Desde Vigo nos llega el debut instrumental de SANS SOLEIL, “Variaciones cromáticas del Atlántico”. Una interesante propuesta de post rock atmosférico, que no podíamos dejar escapar. Desde Necromance Digital Magazine, nos pusimos en contacto con ellos para acercaros y conocer una propuesta más que interesante. Primero de todo daros las gracias por atender a esta entrevista y para los más despistados que no os conozcan aun ¿Quién se oculta tras el curioso nombre de SANS SOLEIL? ¿y de donde surgió la idea de este proyecto? Sans Soleil somos Laura y Jairo a las guitarras, Gian a la batería y Lucas al bajo y a los teclados. Todos estábamos interesados en desarrollar un proyecto instrumental y teníamos influencias de grupos de post-rock. Por aquel momento la escena en este estilo era bastante escueta y nos parecía tener un público escaso, así que fue todo un acierto dar con las personas indicadas y llegar a tocar juntos para llevar a cabo este proyecto. “Variaciones cromáticas del Atlántico”, es vuestro debut, el cual, a lo largo de cinco canciones, centradas en diversas tonalidades de color hacéis un todo de vuestra experiencia con el mar, transmitiéndonos sensaciones compartidas ¿Qué sonido estabais buscando? ¿Cómo definís vuestra música y temática? Nuestras influencias son bastante diversas, así que el sonido fue conformándose a lo largo de nuestra evolución a base de ensayos. Esto se hace notable también en los diferentes estilos que tenemos a la hora de componer, aunque poco a poco se fueron limando algo más esas diferencias para dar lugar algo más homogéneo. Pese a eso queríamos que lo que primase fuese lo evocativo y emocional, hacer un post-rock sensible que llegase al público y le hiciese imaginar. En el caso de este disco, pretendíamos transmitir sensaciones diversas en el oyente, dándole la mano y llevándole a una obra con motivos marítimos, grandes diferencias en las intensidades, crescendos, y una simbología del color que llevase a la reflexión. Es decir, hacer algo carente de letra pero suficientemente evocativo como para que el oyente crease su propia narrativa en su cabeza. El artwork, parece ser una fotografía de un anochecer, donde la inmensidad de la naturaleza se ve interrumpida por la industria y la mano del hombre ¿Quién lo ha realizado? ¿Qué representa este, con respecto a lo que encontramos en el interior? La fotografía la encontramos y rescatamos de un archivo, por tanto, el autor es desconocido. Posteriormente fue editada por Laura. El artwork en sí representa literalmente una plataforma en medio del océano, figuradamente esta plataforma representa al individuo, a ti, a mí, al oyente.. de ahí cada uno que forme sus propias conclusiones. 16 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 61

Grabado, mezclado y masterizado por Eloi Pascual en EP Studios, con un gran equilibrio entre las diversas instrumentaciones ¿Cómo ha sido este proceso de grabación? ¿alguna anécdota que nos puedas contar, ya que siempre hay alguna? Conocíamos a Eloi de antes y algunos ya habíamos tenido experiencia grabando con él, así que fue ir sobre seguro. Cuando grabamos, por aquel entonces era febrero, todavía teníamos algunas dudas respecto a los samples y arreglos, así que él no sólo nos aconsejó, sino que tuvo bastante paciencia con nuestros dilemas. Grabamos en cinco días y en la grabación, contra todo pronóstico, no hubo grandes percances, salvo algún diálogo (más o menos amistoso) y discrepancia acerca de cuál era el límite de lo utilizable y audible melódicamente en el uso del reverb. Si tuviera que elegir algunos temas para que me hablaras de ellos, me quedaría sin lugar a dudas con “Cian” y “Cobalto” ¿Qué historia guarda en su interior cada uno de estos temas? ¿Cuál ha sido el más difícil de componer? Cian es un tema tranquilo y optimista, aunque con un toque melancólico. En una ocasión nos comentaron en un concierto que era como si las guitarras estuviesen teniendo una conversación entre ellas. Por el contrario, Cobalto es seguramente el peor viaje de todo el conjunto de temas, disonancias y distorsiones que nos transmiten inquitud y ansiedad hasta llegar a un clímax, que se termina por resolver en Cerúleo. Cian probablemente fuese el tema más rápido en componerse, en este caso fue Jairo el que en un arrebato lo finiquitó. Cobalto fue evolucionando en base a ensayos, pero el tema más tedioso fue sin lugar a dudas Cerúleo, que nos llevó terminarlo con todos sus arreglos casi un año. Por cierto, las cinemáticas, las voces que podemos escuchar narrando pasajes en determinados temas ¿son vuestras? ¿sobre qué tratan? Pues hay dos temas con voces en el disco. Por un lado y como introducción tenemos la pieza ambiental Myosotis, en la que se junta el paisaje sonoro que crean las olas y la tormenta con dos guitarras que se entrecruzan y a las que se les une paulatinamente las cuerdas. Finalmente, se escucha un diálogo perteneciente al film Le Tempestaire (Jean Epstein, 1947), en este pasaje en estricto francés un marinero vuelve a casa tras la tormenta junto a su mujer, que continua preocupada tras la incertidumbre que le provoca su salida. Él le dice que todo va

a ir bien, y así es, al menos durante Cian. Por otro lado Índigo comienza con una guitarra incesante acompañada del testimonio real de Dani, un hombre que narra tiempo después del accidente cómo se ahogó su hermano mientras iban a nadar, cómo no pudo regresar del agua. Es por esto que la temática de la relación del individuo con el agua sigue siempre presente, de manera literal o metafórica. Ya en nuevo año, 2019, imagino que con ganas de nuevo álbum o tocar en directo. ¿Cuáles son los planes de futuro de SANS SOLEIL? ¿Tenéis algunas fechas cerradas para este nuevo año que podríais adelantarnos? De momento podemos adelantar que tenemos un directo por sacar, el cual incluye un par de canciones que no están presentes en Variaciones cromáticas del Atlántico. En cuanto a fechas, ahora mismo estamos algo distanciados geográficamente hablando así que no tenemos nada cerrado, pero el tiempo dirá. No sé si sois de tradición antigua y seguís comprando CD o estáis sujetos a la era digital. ¿Cuáles son los últimos CD físicos que habéis comprado? Podríais decirnos 3 grupos nacionales/internacionales a descubrir o que queráis recomendarnos. En compendio general, los últimos 3 CD’s son: Epitaph de God is an Astronaut, el álbum homónimo de Inmates y el Tales of Untold de Bear, The Storyteller. En cuanto a recomendaciones hay demasiadas cosas que decir pero puestos a escoger, y a nivel nacional pondríamos a Kaleikia, con los que ya hemos compartido escenario y tocan increíblemente bien. Con Kalte Sonne, con los que teníamos muchas ganas de actuar, ya que son el máximo referente en el estilo que teníamos a nivel gallego. Y finalmente, los cordobeses Bear, The Storyteller nos parecen de lo mejor del panorama nacional actual, son muy emotivos, tienen un sonido muy característico y además son encantadores. A nivel internacional recomendamos a los americanos Grails, el músico francés Vinc2 y la banda peruana Parahelio. Un placer poder hablar con vosotros, desde Necromance Digital Magazine, las últimas palabras son vuestras. Muchas gracias a vosotros por contar con nosotros y a todos los lectores! POR JUAN ANGEL MARTOS

PRIMA NOCTE PRIMA NOCTE dan a luz, su primer larga duración, llamado “Oniric “, donde se respira metal, sonidos sinfónicos, un aroma gótico preciosista; y todo mecido en grandes composiciones. NECROMANCE se aventura en su universo, y los entrevista. Como siempre agradeceros en nombre de NECROMANCE, la oportunidad de haceros esta entrevista. En primer lugar, ¿Cómo surge la idea de montar la banda? La idea surge de la inactividad. Chan (Juan Manuel, batería) y yo nos encontrábamos en un momento en el que no teníamos ninguna banda proyecto en marcha y simplemente fue un “ey, tío! Vamos a hacer algo!”. ¿PRIMA NOCTE significa algo en concreto? ¿Entra en el contexto tanto visual como sonoro, que buscáis? Sintácticamente significa “primera noche”. Era un derecho de la nobleza de acostarse con la novia la noche de bodas. En el momento de elegir no lo teníamos en cuenta. Ahora Prima Nocte para nosotros significa un proyecto en común. Algo con lo que soñar, por lo que luchar y seguir adelante. Claramente se notan multitud de influencias en vuestros temas, pero… ¿Qué bandas han sido, quizás las más influyentes en vosotros? Hablo desde escuchar música en el coche, hasta a la hora de montar un tema… Hay una infinidad!! Si escucharas la lista de reproducción colaborativa que tenemos para escuchar cuando vamos de viaje a algún concierto entenderías lo problemático de contestar esto. Tenemos muchísima variedad y diferencias entre nosotros de lo que escuchamos. Eduardo tira a lo progresivo y jazz, Jordi escucha música muy rara, experimental, funky; Pilar metal melódico, sinfónico, música de los 80’s y 90’s… Chan escucha metal de todo tipo…. A mí me encanta el hardcore, escucho rap y electrónica. Hay demasiados!!! Ha habido cambios muy significativos en PRIMA NOCTE. Pilar como nueva vocalista y Jordi al bajo. ¿Han influido estos cambios a la hora de componer el nuevo material? Sin duda. Del primer disco sólo quedamos Chan y yo. Con una variación de 3 miembros de 5 que somos, es de esperar que haya cambios significativos en el sonido. Y los hay. Las nuevas influencias, forma de trabajar e ideas que han aportado los nuevos integrantes son en esencia el nuevo trabajo. Sois una banda relativamente joven, pero mostráis un gran nivel, supongo que todos habréis tenido un bagaje, en otros proyectos ¿no? Pilar y Jordi llevan muchos años en la música. Tienen un buen rodaje y experiencia. Edu habia formado parte de proyectos

antes de conocernos y Chan y yonos conocimos en una banda de instituto y de ahí a Prima Nocte. La mayor parte (por no decir toda) viene casi de esta banda. “Oniric” tiene un gran sonido, y se nota el mimo con el que está hecho. ¿Como fue el proceso de grabación y producción? Pues ha sido duro, intenso y emocionante. Trabajar en algo nuevo, con gente nueva y con la presión de “hacer algo mejor” ha sido un reto. El estudio de Zoilo Unreal es casi una casa para nosotros por el tiempo que hemos pasado ahí metidos. En el álbum aparte de sonidos sinfónicos y góticos, se nota muchísimo el gusto por lo progresivo, la banda raya a un gran nivel dentro de un género que tiene muchos altibajos. ¿Cómo veis la escena de metal progresivo a nivel nacional? Es un estilo que rozamos gracias a Edu y a su pasión. Dentro del metal, es un mercado minoritario, referente a que tiene menos público, debido a que (creo) hay menos gente que lo entiende y que lo sepa tocar. Sinceramente creo que es un género hecho para músicos y no para el público medio por su complejidad. ¿Cómo lleváis la presentación de “Oniric”? Fechas y sitios donde os gustaría tocar? Está siendo una auténtica locura. Hemos estado en casi toda la península, en comunidades que no pudimos llegar con el primer álbum y con una acogida brutal por parte del público. Estamos haciendo amigos a cada kilómetro que recorremos… Queremos tocar en todos los sitios posibles. A partir de febrero volvemos a la carretera. Estad atentos! En Galicia, hay una muy buena escena, tanto de rock como de metal. ¿Cómo encaja PRIMA NOCTE en toda la amalgama y variedad de bandas gallegas? Pues… la verdad es que no sabría contestar. Galicia es casi donde menos tocamos, pero al haber una buena variedad y una buena escena pues la gente es receptiva al estar acostumbrada a escuchar de todos los géneros y estilos. Muy buen sitio para vivir y venir a tocar. Os lo recomiendo!!

Para bandas como nosotros no soñar con grandes festivales es una estupidez, me parece. Es una forma de abrir mercado, llegar a más gente y sólo por la ilusión de compartir cartel con bandas que escuchas y admiras ya sería un privilegio. Obviamente es un royo diferente. En sala la gente va a verte a ti, tienes que salir y hacer sentir a tu público especial por estar compartiendo ese espacio contigo y hacerle llegar que formáis parte del mismo sueño, que es Prima Nocte. Lo bueno de las salas, como dices, es la intimidad y la complicidad que puedes llegar a tener con el público. Una relación más cercana. En los festivales llama la atención la cantidad y desde luego el privilegio de formar parte de un gran cartel. “Embrace your soul” se ha convertido, al menos para mí, en vuestro himno y tema estrella, tiene videoclip y entra a la primera escucha. ¿Cómo afrontáis el sacar un tema adelanto, para que cale en el público? Con mucha deliberación y pensando bien cual de los temas tendría mejor pegada o sería la mejor presentación/adelanto del disco. Por las reacciones de la gente parece que hemos acertado. El hecho de ser un tema especialmente emotivo, que se nota a la hora de interpretarlo, pues nos hizo decantarnos por él. Desde luego lo pasamos muy mal. Nervios, el pensar si gustará, si no; el grabar el primer videoclip, si quedará bien…al final tienes que salir con la sensación de “he hecho lo mejor que he podido. A partir de aquí ya no puedo hacer más. Qué sea lo que Dios quiera”. ¿Cuáles son vuestros planes de futuro con la banda a corto y medio plazo? Tocar, tocar, viajar, tocar… Sin más que deciros, desearos mucha suerte con vuestro “Oniric “, esperando tenga el reconocimiento que merecéis. Un saludo. Muchísimas gracias por vuestro interés y esperamos coincidir en algún momento! Un saludo! POR JOSE ANTONIO GALLEGO

Vuestras composiciones son complejas y a veces extensas, ¿Buscáis un directo más íntimo? Me refiero a salas…. ¿U os llama más la atención los grandes festivales con multitud de bandas?… Una cosa no quita a la otra claro está. Jajaja NUM. 61 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 17

DEATHTALE

tanto como me hubiera gustado ya que al mismo tiempo tuve que aprenderme todos los temas. Sin embargo formĂŠ parte de todo lo hablado en cuanto a detalles y arreglos. En mi opiniĂłn es difĂcil tener un proceso estĂĄndar porque lo que debe de primar es la creatividad. ÂżCuĂĄles son vuestras influencias principales en el metal? ÂżTenĂŠis influencias fuera del metal que os cueste reconocer? Tom: Soy un â&#x20AC;&#x153;producto de los ochentaâ&#x20AC;? y por supuesto me influenciĂł mucho el metal que se hizo en aquella ĂŠpoca. TESTAMENT, MEGADETH o KREATOR son algunos de mis favoritos. Me gustan claro estĂĄ grupos mĂĄs nuevos, pero creo que hay demasiados. Algunas de esas influencias se pueden percibir al escucharnos aunque esta no es nuestra intenciĂłn. Gilli: Todos nacimos en dĂŠcadas diferentes asĂ que cada miembro tiene sus propias influencias. A mĂ personalmente lo que mĂĄs me ha influenciado ha sido el thrash vieja escuela y el metal de los noventa. Otros te dirĂĄn que el death tĂŠcnico o el metal de los noventa o de los 00â&#x20AC;&#x2122;s. Depende. Yo ha he tenido el gusto de veros en directo varias veces, pero para la mayorĂa de lectores de habla hispana que nunca os hayan visto en directo, ÂżquĂŠ se podrĂan esperar? Gilli: Pues lo primero de todo deberĂamos tomar una cerveza y brindar hahaha. Normalmente no comemos carne humana en el desayuno. Somos tĂos normales asĂ que nos gusta echarnos unas risas y a veces reĂrnos de nosotros mismos. ÂżQuĂŠ podĂŠis contarles a nuestros lectores acerca de la escena austrĂaca? ÂżQuĂŠ opiniĂłn tenĂŠis de ella y quĂŠ se cuece por allĂ ahora mismo? ÂżAlgĂşn grupo interesante? Tom: Creo que Austria tiene una escena metal relativamente grande. Hay grupos muy vĂĄlidos que seguramente escucharĂŠis muy pronto. Sin embargo, si nos ponemos a contar grupos de metal conocidos provenientes de Austria la cosa cambia. El problema es ventas y discogrĂĄficas a nivel nacional, ya que si quieres apoyo o simplemente vender discos dependes mucho de otros paĂs. Al menos ĂŠsta es mi experiencia.

La banda vienesa de death/thrash DEATHTALE acaba de sacar su tercer disco a travĂŠs del sello espaĂąol Art Gates Records. En vez de soltar el acelerador, el quinteto austrĂaco ha sacado su disco mĂĄs caĂąero hasta la fecha y ha aĂąadido un segundo guitarrista a la formaciĂłn. De esto y mucho mĂĄs hablamos con Tom (baterĂa) y Gilli (guitarra). ÂĄHola chicos! AquĂ Daniel de Necromance. ÂżCon quiĂŠn hablo y quĂŠ tenĂŠis puesto de fondo para responder a mis preguntas? Tom: Hola Daniel, aquĂ Tom, baterista de DEATHTALE. Es todavĂa muy temprano asĂ que tengo la radio puesta de fondo. Gilli: ÂĄHey Dan! AquĂ Gilli, guitarrista de DEATHTALE. Estamos escuchando una emisora de metal ahora mismo de fondo. Tercer ĂĄlbum ya y parece que el grupo apenas ha cambiado en cuanto estilo. ÂżQuĂŠ nos podĂŠis contar acerca del nuevo disco? ÂżCuĂĄndo y dĂłnde se grabĂł? ÂżCĂłmo fue todo el proceso? Tom: Tras cambiar a nuestra nueva discogrĂĄfica Art Gates Records decidimos sacar disco lo antes posible. Para nosotros era de vital importancia mejorar la calidad e intensidad de los temasâ&#x20AC;Ś pero nunca nos planteamos cambiar de estilo. La elaboraciĂłn del disco, sin embargo, fue mĂĄs agotadora de lo que esperĂĄbamos. De todas formas, considero que hemos progresado y no sĂłlo porque ahora tengamos (de nuevo) dos guitarristas en la formaciĂłn. Gilli: Las guitarras y bajo se grabaron en nuestro local de ensayo durante los meses de abril y julio del aĂąo pasado. Las baterĂas y voces las grabamos en los Penzig Recording Studios de Viena ya en agosto. Las guitarras fueron a su vez reamplificadas en el estudio. Esto nos dio la posibilidad de tener una mĂĄs rĂĄpida respuesta en caso de que surgiera algĂşn tipo de imprevisto. Dado que esta vez hemos escrito los temas de forma conjunta por primera vez, necesitĂĄbamos este tipo de flexibilidad a la hora de trabajar en el disco. Tom: Ha sido la primera vez que todo el grupo se ha visto involucrado en la elaboraciĂłn del ĂĄlbum, y quieras que no esto siempre supone una nueva experiencia. Yo estaba acostumbrado a componer con Phil (bajista, ndr) y luego finalizar los temas con el conjunto de la banda. Este modus operandi de trabajo causĂł por momentos algo de estrĂŠs dentro del seno de la bandaâ&#x20AC;Ś pero por otra vez fue beneficioso para el ĂĄlbum. Gilli: TambiĂŠn fue la primera vez que grabamos con guitarras de siete cuerdas. Si a esto aĂąadimos el factor tiempo y temas mĂĄs ambiciosos a nivel tĂŠcnico todo fue un gran desafĂo. Este disco es mĂĄs variado que los otros justo debido al hecho de que hubo mĂĄs personas involucradas en el aspecto compositivo. Compruebo que ya no sois cuarteto. ÂżPodrĂas decirles a nuestros lectores cuĂĄl es la actual formaciĂłn de DEATHTALE? Tom: Por suerte, la formaciĂłn no ha variado desde que sacamos â&#x20AC;&#x153;Whole World Burnsâ&#x20AC;?. Lo que sĂ hemos hecho es completar la formaciĂłn con la adiciĂłn de un segundo guitarrista. AsĂ que ahora somos Phil Spaeth al bajo, Arian Rezaie guitarra solista, Gilli Gehring guitarra rĂtmica, Patrick Pieler a la voz y un servidor, Tom Kraeutner a la baterĂa.

Gilli: Soy nuevo en la banda. Ya habĂa estado en varias anteriormente, de hecho diez aĂąos en mi banda anterior. Ahora estoy muy ilusionado de estar en un grupo que tiene la firme intenciĂłn de progresar. Por lo que a mĂ respecta siempre habĂŠis tocado death/thrashâ&#x20AC;Ś a veces tirando al death metal melĂłdico. ÂżCĂłmo etiquetarĂais vuestro sonido? Tom: No me gusta ponerle etiquetas a la mĂşsica. Tocamos mĂşsica pesada y lo hacemos a nuestra manera. Ya sĂŠ que no estamos haciendo nada tremendamente original, pero lo que hacemos lo queremos hacer bien y mientras pasar un buen rato. Creo que es el oyente el que debe ponerle la etiqueta, no nosotros. Gilli: Creo que tras el lanzamiento del nuevo disco ahora mĂĄs que nunca no pertenecemos a ningĂşn estilo. Si acaso en esencia se podrĂa decir que tocamos thrash/death. ÂżQuiĂŠn produjo el ĂĄlbum y por quĂŠ optasteis por este productor en particular? Tom: Lukas Wiltschko fue el productor el ĂĄlbum y creo que ha hecho una labor excelente. La sugerencia de trabajar con ĂŠl vino de la mano de nuestro guitarrista Arian. HacĂa tiempo que se conocĂan los dos y tras hablar con Lukas quedĂł muy claro que ambas partes tenĂan la misma visiĂłn acerca de la realizaciĂłn del ĂĄlbum. La portada estĂĄ genial y pega muy bien con vuestro sonido. ÂżQuiĂŠn es el artista y quĂŠ tipo de mensaje querĂais transmitir? Tom: Desde que estaba en la banda DEMOLITION siempre he sido yo el que se ha encargado del artwork. Esto no ha cambiado desde que formĂŠ DEATHTALE. QuĂŠ duda cabe que estoy abierto a las sugerencias de los otros. Simplemente querĂamos una portada con un toque oscuro y amenazante, algo que quede bien con nuestras letras. AdemĂĄs, siempre quise tener una portada con un ojo jajaja. Gilli: Tom ha hecho un trabajo sensacional. El toque oscuro de la portada se adapta perfectamente a nuestras letras. Si prestas atenciĂłn.. podrĂĄs encontrar â&#x20AC;&#x153;el origen mismo del odioâ&#x20AC;? đ&#x;&#x2DC;&#x2030;

Ya por Ăşltimo, veo que este tercer trabajo ha sido editado a travĂŠs de la valenciana Art Gates Records. ÂżCĂłmo ha acabado un grupo austrĂaco firmando un contrato discogrĂĄfico con una casa espaĂąola? ÂżCĂłmo van las cosas de momento? Tom: Art Gates Records se pusieron en contacto con nosotros hace dos aĂąos y nos hicieron una oferta. Nos lo pensamos y al final nos decidimos a trabajar con ellos. De momento no nos arrepentimos. Nos apoyan mucho y nos brindan oportunidades que antes no tenĂamos. Son profesionales y trabajan bien. Espero que todo siga asĂ. Gilli: De hecho les conocĂ en persona cuando fui de vacaciones a Valencia. Son gente muy maja. El Ăşnico problema es que beben cerveza muy suavecita â&#x20AC;&#x201C; no como aquĂ en Austria. ÂżA lo mejor es que no hay cervezas mĂĄs fuertes en EspaĂąa? đ&#x;&#x2DC;&#x2030; ÂĄBueno! Ya son suficientes preguntasâ&#x20AC;Ś enhorabuena por el nuevo ĂĄlbum, mucha suerte en el futuro y si querĂŠis aĂąadir algo mĂĄsâ&#x20AC;Ś bueno, ahora es el momento. ÂĄSalud! Tom: Muchas gracias por la entrevista y por darnos la oportunidad de darnos a conocer un poco mĂĄs. Esperamos veros muy pronto en alguno de nuestros conciertos. Hasta entoncesâ&#x20AC;Ś Thrash â&#x20AC;&#x2DC;till Death! Gilli: Muchas gracias Dan como siempre por tu apoyo. TambiĂŠn gracias a nuestro sello Art Gates y un gran aplauso a todos nuestros fans por su apoyo. Seguid asĂ, bebed mucho, pasadlo bien y ÂĄmenead la cabeza! POR DANIEL GALLAR

ÂżQuiĂŠn escribe las letras? ÂżTenĂŠis un proceso establecido en cuanto a quiĂŠn escribe ciertas partes, etc.? Tom: Phil compuso toda la mĂşsica en los dos Ăşltimos discos. Ă&#x2030;l y yo nos encargamos de todos los arreglos y luego yo me encarguĂŠ de las letras. AsĂ llegamos con los temas listos para tocar al local de ensayo. Esta vez ha sido todo diferente. Todo el mundo aportĂł sus partes al disco. Arian y Phil han compuesto solos increĂbles. Patrick y yo hablamos de la temĂĄtica de las letras para encontrar puntos en comĂşn. Y asĂ de forma conjunta trabajamos los temas. Gilli: Al llevar poco tiempo en el grupo no pudo componer NUM. 61 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 19

Nou de Barcelona el próximo 25 de enero. Toda la información al respecto la encontraréis en nuestras redes sociales y páginas oficiales. Habéis sacado un lyric-video de “My Shelter”. ¿Algún plan para un videoclip? Por supuesto que tenemos un plan! Acabamos de presentar nuestro nuevo videoclip de “My Shelter” por los medios oficiales de nuestra firma discográfica. En breve se podrá disfrutar de él en Youtube y más plataformas digitales para que se pueda disfrutar del gran trabajo realizado por Dani Moreno que seguro no dejará indiferente a nadie.

INSIGHT AFTER DOOMSDAY Tras 4 años desde la salida de su anterior trabajo, ya tenemos de vuelta a los chicos de INSIGHT AFTER DOOMSDAY que nos hablan en esta entrevista de su reciente trabajo “Events Of Misery”. Bienvenidos a las páginas de Necromance Digital Magazine. Acabamos de escuchar vuestro más reciente trabajo y he de decir que me ha sorprendido para bien, sobre todo por el gran esfuerzo compositivo que hay detrás y la variedad que presenta. Han pasado 4 años desde vuestro “The Way to Nihilism”. ¿Cómo os habéis enfrentado a la composición y gestación de “Events Of Misery”? ¿Esos 4 años responden a la necesidad de concebir el disco que queríais? Nuestro nuevo trabajo ha sido una lucha enfermiza en cuanto la composición se refiere. Siempre hemos intentado superar la composición de un trabajo a otro y creo que lo hemos conseguido. La gestación no ha sido nada fácil, porque esta vez hemos tenido que hilar muy fino para poder dar un sentido a cada tema, ya que las sensaciones al componer y tocar cada tema han sido muy diversas e interesantes. Los 4 años han sido necesarios para poder moldear el disco a nuestras propias exigencias. El trabajo ha sido muy duro y constante, ya que cada vez surgían nuevas ideas, nuevas propuestas para poder perfeccionar cada tema del disco, a nuestra manera de ver claro está. He encontrado una enorme variedad de influencias. A parte de las expuestas en vuestro anterior trabajo, he visto cabida para elementos más progresivos, para Pop alternativo, Metal alternativo, llegando a recordar determinados pasajes a Mnemic, Placebo, Muse, Raunchy, todo ello con vuestra personalidad y ese toque de Death Metal melódico moderno sueco, por el que sois conocidos. Creo que decidís arriesgar y os sale muy bien la jugada. ¿Qué opináis al respecto? ¿Había que romper con lo esperable? ¿Ahora o nunca? Pues la verdad que al escuchar/leer todas las influencias que encuentran los oyentes cuando descubren nuestra música nos encanta. Creo que con el paso del tiempo es bueno saber que no llegamos a encajar en un determinado estilo musical, y para ser sinceros nos encanta mezclar cualquier tipo de estilo musical. Creo que esta macro mezcla es posible a las influencias musicales que tenemos cada miembro de la banda. Creo que es nuestro objetivo cada vez que nos embarcamos en un nuevo trabajo, el romper con lo esperable. Nuestra mentalidad siempre es la misma, poder superarnos cada día, porque si no tenemos esa mentalidad acabaríamos tocando y componiendo siempre las mismas melodías, mismas rítmicas y caeríamos en la rutina que desgraciadamente sufren algunas bandas de índole europea y mundial. Como he comentado, creo que esas tres palabras son la base de nuestra música. Siempre damos el 100% y probamos, mezclamos, cambiamos y recomponemos hasta encontrar la mezcla perfecta que nos motiva a seguir tocando. El sonido que habéis alcanzado en este álbum está al nivel de cualquier banda internacional. Contadnos un poco como se gestó “Events Of Misery” desde el punto de vista de producción y grabación. Este tema es el que la gran mayoría de gente no puede entender por qué se invierte tantísimo tiempo. En nuestro caso 20 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 61

todo el peso de la grabación del disco ha recaído sobre Jose y Ricardo. Por suerte, Jordi ha ayudado mucho en las grabaciones, ya que es el único en poder entender sus ideas, cortes e infinidad de micro composiciones que hacen que el disco tenga un toque especial. Toda la producción ha recaído sobre la espalda de Ricardo y Jose, que a mi parecer son los únicos que pueden sobrellevar tanta presión, impresiones, arreglos de última hora, sonidos nuevos para cada uno de los integrantes y una infinidad de cosas que se escapan de mi entendimiento. La diferencia en este nuevo trabajo ha sido la organización y coordinación que hemos tenido todos en gestionar toda la información y temas ajenos a la producción y la grabación, para no retrasar la finalización del trabajo. ¿Es este disco de transición (por su variedad) o creéis que es donde queréis estar de aquí al futuro? ¿Puede evolucionar vuestro sonido hacia alguna de las tendencias que exponéis en este “Events Of Misery”? ¿O seguiréis apostando por la variedad? La verdad que no creemos que sea una transición en nuestra música, sino una evolución a nuestra madurez compositiva y a la forma de dar a conocer nuestras ideas por medio de nuestras composiciones. El futuro creo que es incierto para todos, pero si seguimos con la misma línea de estos últimos años, quién sabe dónde estaremos en un futuro. De momento intentamos evolucionar siempre que podemos. Al vivir en una era tan cambiante tecnológicamente hablando, siempre nos encontraremos nuevas tendencias, nuevos retos con los que plasmar nuestra visión y ganas de sorprender. Nos gusta vivir y disfrutar mucho el momento, pero por supuesto que apostaremos por nuestra firma musical, que es la variedad y los retos que suponen la mezcla de tantos estilos musicales sin perder el metal. ¿Por qué “Events Of Misery”? ¿Qué hay detrás de ese título? ¿Qué relación guarda con la portada? ¿Existe algún concepto en el conjunto del trabajo? “Events of Misery” es el resumen de los contextos de las letras de cada tema. A diferencia de los anteriores trabajos, cada miembro de la banda ha querido plasmar las vivencias personales. Personalmente ha sido un cambio importante, porque he tenido la oportunidad de aportar mi granito de arena más personal al trabajo. La portada nos encanta, porque creemos que la no personalización del hombre es perfecta por todas las historias narradas en el disco, ya que le pueden ocurrir a más gente y así compartir las emociones sentidas. Este último disco no es conceptual, aunque lo parezca. Lo que sí que es muy personal, y hemos aprovechado nuestra única vía que disponemos para poder expresarnos. ¿Qué planes tenéis de conciertos? ¿Podéis adelantarnos algunas fechas? De momento tenemos 2 fechas en enero. Empezaremos nuestra presentación del disco con un show acústico el próximo 15 de enero en el FNAC del centro comercial Las Arenas en plena Plaza España de Barcelona. Cerraremos el mes de enero con la presentación oficial del disco en la sala Bóveda en pleno Poble

¿Preferís los festivales o sois más de salas, con el público cercano? ¿Con que banda os gustaría compartir escenario si pudieseis elegir para mañana mismo? Pues la verdad que nos encantaría estrenarnos en algún festival. Creo que es el único escalón que nos queda por cumplir y el cual estamos ansiosos de poder llegar a él. Viendo el panorama nacional de festivales sería casi como un sueño entrar en las listas del Resurrection Fest por ejemplo. Las salas nos encantan desde siempre, parece como nuestra segunda casa, y seguiremos asistiendo a ellas las veces que hagan falta. De bandas para compartir hay muchísimas, pero creo que serían las siguientes: para cumplir un sueño de Ricardo compartiríamos encantados con “In Flames” y “Soilwork”. Creo que Jose y yo (Eric) compartimos bastante las bandas y nos decantamos por “Architecs”, “Anathema” y los desaparecidos “Texas in July” por ejemplo. Por la parte de Víctor compartiría con “Mastodon”. A Jordi lo he dejado para el final porque es el que se apunta a un bombardeo, ya que cualquier banda a compartir se quedará boquiabierta al verlo en el escenario, como seguimos disfrutando cada uno de nosotros. Repetís con Art Gates Records, como en anteriores trabajos. ¿Qué tal funcionó vuestro anterior LP? Nuestro anterior LP “The Way to Nihilism” funcionó perfectamente. Art Gates Records nos ha ido guiando desde entonces para que cualquiera de nuestros trabajos tengan la repercusión que se merecen. Son una gente de lo más entregada y tenemos una relación tan estrecha y profesional que era imposible cambiar de firma. Da gusto cuando trabajas con ellos, con la misma ilusión y ganas del primer día. Si tuvieseis que elegir un tema de todo “Events Of Misery”, ¿Cuál escogeríais? Nos acabas de formular la peor pregunta para responder. Hemos tenido que ser muy objetivos para poder decidir el tema representativo del disco. Nos decidimos por 3 temas en concreto por los siguientes motivos: “My Shelter”, es el single escogido para presentar nuestro último trabajo. Este tema implica la madurez en la composición que hemos adquirido y representa lo que el oyente se encontrará en el disco. “Revolution”, es el ejemplo de nuestra fuerza directa que tenemos desde hace años. “The Other One (Part II)”, es el ejemplo de nuestra apuesta por los nuevos sonidos y composiciones que se verán reflejadas en muchos de los temas del disco. Como has podido ver, es casi imposible decantarte por un único tema… Decidme el último disco NO metal que os hayáis comprado. El disco que hemos comprado es el nuevo trabajo de “MUSE” – “Simulation Theory”. Para terminar, tenéis este espacio por si queréis añadir algo que nos haya quedado en el tintero. Por nuestra parte, ¡muchas gracias por vuestra participación y un saludo! Muchísimas gracias a vosotros por darnos la oportunidad de hablar sobre nuestro nuevo trabajo. Es alucinante la buena recepción que está teniendo nuestro trabajo, y es muy de agradecer que gente entendida pueda dedicar su tiempo para escuchar e interesarse por nuestro trabajo. Espero que nos veamos pronto en alguna sala, radio, festival o cualquier otro sitio donde podamos compartir momentos especiales, que al fin y al cabo son los momentos que se recuerdan. POR NACHO PEÑA

MASS INFECTION Entrevistamos a los griegos MASS INFECTION que nos traen, vía Comatose Music, su nuevo álbum “Shadows Became Flesh”, toda una declaración de death metal contundente,agresivo, oscuro y brutal… En primer lugar, quiero felicitaros por el nuevo álbum, “Shadows Became Flesh”, es un disco increíble y, en mi opinión, vuestro mejor trabajo hasta la fecha. ¿Está la banda contenta con el resultado final? ¡Muchas gracias por tus comentarios! son muy apreciados. Sí, estamos muy contentos con el resultado final. ¡Hemos trabajado mucho en este álbum y nos alegra que muchas personas realmente lo estén disfrutando! Las reseñas comparan a la banda con artistas como BEHEMOTH, HATE ETERNAL, DEEDS OF FLESH, SUFFOCATION … ¿cómo te hace sentir eso y cómo describirías tu propia música? Tenemos muchas influencias en nuestra música y algunas de ellas son de las bandas que me dijiste. En mi opinión, después de 15 años tenemos nuestro sonido personal y la gente parece reconocerlo en nuestros álbumes. ¡Esto nos hace muy felices! ¡Queremos daros una música agresiva con nuevos elementos durante nuestros álbumes! Según las reseñas que has leído de tu álbum, ¿qué bandas ves que mencionas con más frecuencia cuando intentan dar puntos de comparación con vuestro estilo? Con más frecuencia creo que mencionaré a Hate Eternal, Deeds Of Flesh y Monstrosity. Cuéntanos un poco más sobre el nuevo disco. ¿Cómo se hizo todo?, ?el resultado final se puede atribuir a un esfuerzo de equipo o algún miembro asume el papel de compositor principal? Es un esfuerzo de equipo. La música compuesta principalmente por George y yo, pero cada uno tiene su propio “toque” en esto. ¿Cuándo y cómo se compuso el álbum? ¿Cómo fue el proceso de composición? La mayor parte de este álbum se compuso el año pasado. Estábamos componiendo y juntando riffs. Después de todo, estábamos tratando de componer un tema específico de principio a fin. Estábamos probando riffs y pensando en cómo

poner las baterías y en los ensayos empezaron a salir muchas ideas. ¿Cómo comparas “Shadows Become Flesh” con los lanzamientos anteriores de la banda, en particular “For I am genocide”? En mi opinión, es más maduro, comprensible y oscuro que “For I Am Genocide”. Es un progreso físico que sale; puedes escucharlo en muchas partes del álbum, desde el riff hasta el resultado final. “Shadows Became Flesh” es nuestro lanzamiento más oscuro hasta ahora. Cuéntanos sobre los temas líricos explorados en este nuevo disco … Las letras una vez más han sido escritas por nuestro ex bajista Victor, que técnicamente no está en la banda, pero hasta ahora está detrás del tema lírico de Mass Infection. En este momento, las letras están más relacionadas con las entidades oscuras y las pesadillas más horribles de la gente. ¡Realmente está haciendo un gran trabajo! ¿Cuáles son vuestros planes para apoyar esta edición? Queremos tocar donde sea posible. Estamos organizando en este momento algunos shows en Grecia y una gira europea en 2019. ¡Esperamos visitar España por primera vez! ¿Cuáles son sus metas más realistas para la MASS INFECTION en los próximos años? Hacer algunos buenos álbumes y giras alrededor del mundo, ¡ jaja!

¿Algo más que quieras añadir? Gracias por dedicarnos tu tiempo!! Muchas gracias por la entrevista. Espero visitar este año a todos nuestros amigos en España por primera vez. Para noticias y visita oficial de merchandising: massinfection.net ¡Apoya el Underground! POR DAVID DENIZ PLAZA

¿Tu top 5 de álbumes del 2018 es…? Voy a escribir algunos discos que he escuchado más o menos este año … Hate Eternal – Upon Desolate Sands Marduk – Viktoria Monstrosity – The Passage of Existence 1914 – The Blind Leading the Blind Obliteration – Cenotaph Obscure NUM. 61 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 21

Una vez acabados y escuchados los temas, ¿Cuál es vuestro tema favorito? ¿Cambiaríais algo de alguno de ellos? Bueno para gustos, colores. Cada uno tenemos nuestros temas favoritos, podría decir que caben destacar Arnastu, Eskutik eskura, Homo y/o Bakoitzak, cada uno de ellos puede transmitirte cosas muy diferentes, es lo que hace que este disco suene fluido, no todas las canciones están cortadas por el mismo patrón, siempre eso si de un estilo musical, pero todas ellas con sus variantes, hemos tenido mucho mimo a la hora de componerlas y perderían sentido si cambiásemos algo de ellas. ¿Porque elegisteis componer las letras en Euskera? ¿Pensáis hacer algún tema en otro idioma en el futuro? El euskera es nuestro idioma natal, no es raro que en Euskal Herria haya grupos en euskera, seguro que te vienen varios de ellos a la cabeza sin pensarlo demasiado, aquí es algo normal, si que es cierto que en determinados estilos ya los hay menos, y puede ser que en un futuro compongamos algo en otro idioma o hagamos alguna versión de las nuestras, pero no dejaría de ser una cosa esporádica y aislada. ¿Tenéis pensado alguna pieza audiovisual en breve? Siempre tienes algo en mente nuevo para hacer, en este caso, los EPs que salieron antes de completar Geroaren haziak, tenían un Video clip cada uno, en el EP de Itsukeria del tema Kontuz Ibili y en el EP de Fedea del tema Ispilua, que junto al video que sacaremos en un futuro del EP Sinergia queremos contar una historia enlazando todos los clips. ¿Qué tal está siendo la acogida vuestro nuevo trabajo? ¿Nos adelantáis algunas fechas que tengáis para 2019? La verdad que está teniendo muy buena acogida tanto en prensa especializada como por el público, es de agradecer que después de tanto trabajo, este sea valorado tan positivamente, decidimos dejar que Khous evolucionase a un sonido más concreto y crudo, y creemos que esto es lo que ha conseguido que Geroaren Haziak tenga un carácter tan especial sin haber perdido nuestra esencia. Ahora estamos cerrando fechas a corto plazo, como por ejemplo el 26 de Enero en el Ardo Ona de Gasteiz o el 9 de Febrero en Edaska de Barakaldo, cosas muy cercanas y de poca afluencia, para ver cómo funcionan los temas en directo, sin dejar de organizar cosas de mayor calibre para un futuro próximo. ¿Cómo veis el panorama del metal a nivel nacional? Ahora parece que vuelve a resurgir el metal, en esta zona por lo menos llevamos muchos años donde los chavales no escuchaban más que Ska, Oi! Pero está volviendo el metal, esta vez de parte de bandas emergentes, de mucha calidad y a las que poco a poco las estamos viendo en festivales nacionales. ¿Podéis recomendarnos alguna banda o bandas que os hayan podido influir? Caliban, Unearth, Killswitch Engage, Trivium o 36 Crazyfists son bandas con muchos recursos y de calidad dentro de sus estilos, pero siempre aunque no te des cuenta, estas aprendiendo de toda la música que escuchas, desde el cabeza de cartel del mayor festival, hasta el grupo con el que compartes escenario.

KHOUS Tras 4 años desde la salida de su anterior trabajo, ya tenemos de vuelta a los chicos de INSIGHT AFTER DOOMSDAY que nos hablan en esta entrevista de su reciente trabajo “Events Of Misery”. En primer lugar, daros las gracias por concedernos un rato y contestar nuestras preguntas, ¿Quiénes formáis KHOUS? ¿Cómo surgió la idea de montar la banda? Khous se forma en 2001 tras la disolución de una banda anterior que duró pocos meses en la que Iñaki y Kupi eran miembros, siempre ha habido mucha cultura musical en Berriozar, debido a una escuela de música muy activa y locales de ensayo cedidos por el ayuntamiento, todo eran facilidades para empezar a interesarte por la música. Tras varios cambios de formación, actualmente se compone por Iñaki Villanueva – Voz, Kupi –Guitarra, Aritz Gonzalez –Bateria y Hegoi –Bajo.

nuestro futuro será escrito y aprovechado por otros. El Artwork ha sido realizado por Ritxi (Mugaz argazkiak) en colaboración directa con Khous. Queríamos un diseño el cual se reconozca fácilmente.

¿Dónde se ha grabado, mezclado y masterizado el trabajo? ¿Quién se ha encargado de ello? El disco se grabó entre los estudios NX y estudios Aberin, donde este último se encargó también de la mezcla y masterizado, llevamos muchos años trabajando con Iñaki Llarena (estudios Aberin), es una persona con la que se nos hace muy fácil trabajar ya que entiende perfectamente la esencia de Khous, en ¿Qué significa el nombre de la banda? este caso también junto a Leyre Aranguren hemos dado vida Nada hasta el día que decidimos llamar a nuestro grupo así, ya a este LP. que no queríamos que el nombre hiciera referencia a otra cosa ¿Como fue el proceso de composición y grabación del más que a la banda. trabajo? ¿Por qué el título de “Geroaren Haziak”? ¿Quién se ha Fue un proceso muy largo debido a cambios de formación y longevidad del trabajo (18 temas).Decidimos componerlo en 3 encargado de realizar el artwork? Geroaren haziak, significa las semillas del mañana, lo cual nos bloques de 6 temas (Itsukeria, Fedea y Sinergia), los cuales veplantea que todo lo que hagamos hoy tendrá un resultado en rían la luz en diferentes años en forma de EP con muy pocas un futuro, si queremos que las cosas cambien en un maña- copias para ver la evolución del proyecto y poder tener un pena mejor, no va a pasar por que sí, algo hay que hacer, si no, queño feedback dentro de la gente cercana. 22 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 61

Por último, quisiera volver a daros las gracias por vuestro tiempo, las últimas palabras os las dejo a vosotros para que contéis a los lectores de Necromance Digital Magazine lo que os apetezca. Agradecer tanto a Necromance todo el apoyo a las bandas emergentes, como a sus lectores y seguidores por hacer posible que grupos como nosotros puedan llegar a tantos oídos, hay mucho nivel en bandas por descubrir y hay que darles la oportunidad que se merecen. POR JORGE DE LA CRUZ

RONIN

el frenesí que despliega siempre en directo es apabullante… Apostate por ejemplo es uno de los temas más sencillos que tenemos, pero tiene ese tonito Nu Metal oscurito de los 00” que tanto nos flipa y nos hace gracia tocar. Depende del músico en el grupo te dirán temas distintos supongo y en el fondo ahí está la gracia, todos vivimos los mismos temas de formas distintas. ¿Qué tal está siendo la acogida vuestro nuevo trabajo? ¿Nos adelantáis algunas fechas que tengáis para 2019? La acogida está siendo brutal, tanto en Youtube como Bandcamp o Spotify la gente se está volcando muchísimo con el trabajo. Hace poco nos escribieron unos chavales de Ohio para pedirnos camisetas. Esos flipaos decían que nos habían descubierto por una recomendación en nosequé Web de Hardcore alternativo y que desde entonces nos llevan reventando en el coche allí dónde van. Mola ver que hay gente fuera de aquí que disfruta y vive tu música de forma tan intensa. En febrero estaremos presentando el disco en Madrid y pronto arrancaremos la gira, para más info estad pegaos al canal de Southeast Promotions, esa peña sabe montar buenos saraos y mover una buena fiesta. ¿Tenéis pensado alguna pieza audiovisual en breve? Pronto saldrá nuestro primer videoclip… el tema elegido sorprenderá bastante a la gente porque esperamos que ellos esperen otra cosa. También te diré que para este disco tenemos pensadas como mínimo 3 piezas audiovisuales más que iremos trabajando. Tenemos a nuestra ingeniera de imagen Marta Capture trabajando en mil ideas, vídeos, historias, sesiones de foto. Si tienes un jodido grupo en la capital y no estás trabajando con ella ahora mismo es porque, o eres un pringao, o todavía no sabes buscar y trabajar con gente pro.

“No Gods, No Master, Only Ronin” es el primer trabajo de los madrileños RONIN. Hablamos con ellos sobre el trabajo, el grupo y su visión de futuro. Antes de comenzar, daros las gracias por atendernos y contestar nuestras preguntas, ¿Cómo surgió la idea de montar la banda? ¿Qué significa el nombre de la banda? La Banda surge a raíz del abandono de Fontcu del proyecto de Nebraska. Debido a diferencias a la hora de seguir con el estilo y la proyección musical del género, Fontcu decide continuar con su proyecto por separado. Más tarde contacta con Álvaro gracias a unos amigos en común y luego deciden animar a Gio, compañero de Fontcu en Nebraska, a meterse también en este proyecto. Gio tiene un colega que está buscando por aquel entonces un proyecto fresco en el que meterse y es como Walan se integra en el grupo. Después de un largo proceso de grabación y regrabación del disco por un incidente con el antiguo cantante John entra en la banda aportando mucha garra, entusiasmo y hambre musical. La idea de Ronin nace de la misma palabra. Vagabundo. Gente errante que se une para hacer música porque siente que no pertenece a ningún lado y siente ese desarraigo y soledad que únicamente encuentra en un objetivo común como es el hacer música y expresar esa desolación. ¿Quiénes formáis RŌNIN 浪人? Ronin lo formamos Fontcu como guitarra, Álvaro en la Bateria, Gio en la otra guitarra, Walan en el Bajo y John en la voz. ¿Dónde y quien se ha encargado de grabar, mezclar y masterizar el trabajo? La tarea del disco ha sido divida en tres partes para ser exactos. Guillermo Laorga, nuestro amigo, confidente y productor de toda la vida se ha encargado de la grabación y edición de las pistas. La voz por otro lado, debido a que tuvimos que regrabar el Lp entero después de haber producido las voces con el anterior cantante, Mauro, fue reeditado por Alex Tena, guitarra y productor de Cannibal Grandpa. Alex nos ayudo muchísimo e hizo su magia con John para soltarle frente al micro en el estudio. El máster fue un trabajo frío y concienzudo del propio Gio que además es un técnico excelente y realizó con mimo extremo la potenciación final del proyecto. ¿Por qué el título de “No Gods, No Master, ¿Only Rōnin”? ¿Qué significado tiene? El título viene a referirse a un antiguo proverbio que se utilizaba para los propios samuráis. Una vez que eran despojados de su honor y se quedaban sin rumbo frente a la vida separados de un señor al que servir, sólo encontraban un nuevo signifi-

cado a través del viaje y camino que realizaban ellos mismos. No tener un Dios, un señor y sólo entender que la fuerza sale de uno, es un mensaje que, aunque parezca antiguo y prosaico está muy enraizado en nuestra cultura contemporánea. Adoramos al dinero, servimos a la imagen que queremos dar en una red social inabarcable y aúna sí a menudo nos encontramos solos, desorientados y confusos. El disco es un poco el reflejo de esas etapas de una forma personal despegada de relaciones que nos han mantenido atados, pensamientos que nos han hecho vivir con miedo o simplemente sentimientos extraños de nostalgia que viven aun en nosotros y no sabemos despegar de nuestro pecho. ¿Quién se ha encargado de realizar el artwork? El artwork fue un magnífico trabajo de Sara Casal, amiga, compañera y fan de la banda que se encarga prácticamente de todos nuestros diseños de merch. ¿Como fue el proceso de composición y grabación del trabajo? La composición corre un poco por parte de todos siempre. Es cierto que generalmente hay miembros como Fontcu que llevan más tiempo componiendo canciones y demás desde un punto de vista puramente estricto en la guitarra. La idea se suele presentar con una serie de riffs que ya vienen trabajados de casa, luego se les da forma entre el resto de la banda, John improvisa una línea de voz, intentamos cuadrar versos, ritmos de batería, otras veces Gio llega con un riff muy Groove y movemos la cabeza instantáneamente mientras Walan y Alvaro lo revientan dándole ese aroma… En cuanto a la grabación no hay mucho más que decir. A full en el estudio con Guille y Tena. Un trabajo tedioso, duro y en ocasiones muy sacrificado, pero siempre merece la pena ponerte los cascos en tu casa y flipar con lo que has hecho, o mejor aún, que la peña te escriba porque ama tu trabajo. Una vez acabados y escuchados los temas, ¿Cambiaríais algo de alguno de ellos? ¿Cuál es vuestro tema favorito? Sí, Heal up. Lo cierto es que no nos termino de convencer la producción del tema. No sabemos por qué, en directo tiene atmósfera y pegada, pero en el estudio no quedó muy a gusto de todos en cuanto al sonido. Si pudiésemos creo que lo volveríamos a editar y grabar con otro sonido y producción. Tema favorito… No sabríamos elegir uno. Anna fue el primero, le tenemos mucho cariño, suena potente, directo, es corto y

¿Podéis recomendarnos alguna banda internacional que os haya podido influir? ¿E internacional? A nivel nacional últimamente no escuchamos nada. Y en cuanto internacional, por mucho que te sorprenda, tampoco estamos muy inspirados escuchando nada en concreto. El metal en general lo tenemos muy abandonado. Bebemos de mil movidas más interesantes. Luego es una excusa porque tocamos el hardcore emo modernillo que nos flipa, pero siempre nos mantenemos frescos intentando no respirar el mismo oxígeno de la misma burbuja. Si quieres saber con lo que hemos crecido siempre… Counterparts, por ejemplo, es de los pocos grupos que a lo mejor si que seguimos un poco su estela y mantenemos ahí. Lo nuevo de Varials es una patada en el pecho impresionante. En definitiva, tampoco hay algo que realmente te pueda decir que haya cambiado nuestra perspectiva o forma de hacer música de manera radical. ¿Cómo veis el panorama del metal a nivel nacional? El metal nacional… Ni nos lo planteamos. Tampoco es que compartamos gustos o aspiraciones con muchas bandas. También es verdad que creemos que cada vez hay menos bandas, o por lo menos, bandas que realmente despeguen de alguna manera brutal e inesperada. Los chavales de Counteractt tienen un rollito muy tocho y guapo y son gente fetén. Meltdown, por el norte, son unos tíos de puta madre y hacen su movida rara que nos flipa bastante. The Thousand Faces acaban de sacar un disco que es canelita fina. Pero ahora mismo tampoco estamos muy puestos en “quién o qué” lo está reventando a nivel nacional. Lo suyo será seguir tocando y viendo a la gente hacer su movida. Ya para acabar, volver a daros las gracias por contestar a las preguntas, las últimas palabras os las dejo a vosotros para que contéis a los lectores de Necromance Digital Magazine lo que os apetezca. Queremos agradecer a Necromance esta entrevista. Mola ver que hay medios comprometidos a dar voz al panorama más under. Como recomendación: si no tienes tiempo para escucharte un disco, si te agobia ver que los temas de algunos grupos se te hacen interminables, echanos una oreja. Temas rápidos y directos de no más de 2 minutos, líneas melódicas y agresivas, un rollito Nu alternativo que te va a hacer mover la cabeza, y sobretodo pasión y energía para gente que siente que se asfixia. Seguidnos en las redes @weareroninforlife, buscadnos en Spotify y si os mola apoyar a las bandas locales a despegar y ayudarnos a pagar nuestros videoclips y nuevas piezas musicales, no dejéis de buscarnos en Bandcamp, comprar nuestro disco o pillar una cami. Un saludo para todos los lectores de Necromance y a esa peñita guapa que nos sigue a todos laos a dónde vamos. POR JORGE DE LA CRUZ

NUM. 61 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 25

HELEVORN Son, sin duda alguna, una de las bandas españolas con más proyección dentro de la escena Doom de nuestro país y con un potencial que queda demostrado en todos sus trabajos, como el reciente “Aamamata”, del que nos hablan en esta entrevista. Hola a todos en HELEVORN, ¿Qué tal el comienzo de año por Mallorca? ¡Saludos! Comienzo de año movidito, pero todo en orden. Bien como ya no sois una banda nueva y vuestra trayectoria es bastante larga, vamos a comenzar con la duda que tengo ahora mismo. A unos días de la edición oficial de vuestro nuevo álbum, el cuarto en la historia de la banda ¿Cómo os sentís con respecto a esta nueva edición? Y ¿Qué expectativas tenéis hacia “Aamamata”? Qué alegría que no empieces con ‘dinos qué significa Helevorn y presenta a la banda’… La sensación grupal ahora mismo es como cuando eres adolescente y faltan unos días para que lleguen las vacaciones de verano sin que te haya quedado ninguna asignatura suspendida, sabes que has trabajado duro y que viene una buena recompensa. Así nos sentimos. En estos últimos dos años no hemos hecho otra cosa que exprimirnos al máximo para componer lo mejor posible. Somos gente con un nivel de expectativas adecuado a la realidad: hacemos Doom Metal y somos una banda española y de Mallorca, así que dentro de estos hándicaps nos movemos en pensar que ‘Aamamata’ será un paso firme y hacia delante en nuestra carrera. Todo lo que venga a partir de allí pues bienvenido sea. Casi se puede decir que son cinco años desde la edición de vuestro anterior álbum, “Compassion Forlorn”, ¿Qué sentimiento os deja ahora tras todo este tiempo y qué os ha proporcionado a HELEVORN ese álbum, tanto como grupo como músicos individualmente? ‘Compassion Forlorn’ fue sin duda un gran avance para la banda dentro del underground internacional. Hicimos muchos conciertos en Europa y se puede decir que nos abrió la puerta a tocar con bandas de primera división. Fue un álbum muy muy trabajado, con muchos matices y del que creo que nació el verdadero estilo propio que creo que tenemos, y seguramente la culpa de eso la tenga el haber conocido a ‘Mega’ y grabar con él. A nivel individual fue precisamente haber trabajado con ‘Mega’ el que nos hizo ver algunas carencias e investigar como sacar lo mejor de nosotros mismos. Hubo un momento en que creímos que no seríamos capaces de sacar un disco mejor que ‘Compassion…’. Afortunadamente creemos que no ha sido así. Bien, para empezar a hablar sobre “Aamamata”, me gustaría saber cómo surgió todo el aspecto visual, lírico y musical detrás de las nueve canciones de este nuevo álbum. Todo el aspecto lírico y conceptual es muy importante, sin ello no hay letras ni rumbo musical. Tenía claro que quería hacer mención a una figura universal que tenemos en Mallorca, la Sibi·la y su canto, las profecías del fin del mundo y como encaja todo en el drama de la muerte en nuestro Mediterráneo. Pero necesitaba algo que uniera todo eso… Así que de repente me acordé de una visita que hice años atrás al museo de Quai Branly, en París, un museo entográfico impresionante. A mi me encantan las culturas de Polinesia y Melanesia, así que en esa visita al museo fui a sus expositores. Entré en una cabina donde se podía escuchar música y lo que escuché era una 26 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 61

grabación de baja calidad de dos mujeres cantando al mismo tiempo. Me fascinó. Me puse a leer los créditos y era un canto fúnebre que hacen exclusivamente mujeres de la etnia ‘Are ‘Are de las Islas Salomón. Unos años más tarde, pensando en un título para el disco, me acordé de ese canto y no recordaba su nombre, así que indagué y lo encontré, era el canto del ‘aamamata’. A partir de allí creé un concepto donde todo se relaciona: el mar, la muerte y ella, la Sibil·la. La música debía seguir esos derroteros, por eso hemos incorporado musicalidad mediterránea en forma de bouzukis, baglamas, voces femeninas, tradiciones, etc. Veo por la portada que el mar está muy arraigado al concepto del álbum, el hecho de proceder de una Isla como Mallorca, con toda su historia y cultura, también habrá influido. Podríais hablar sobre el concepto de la portada, lo que significa para vosotros y la importancia del Mediterráneo en HELEVORN. Buscamos una cierta nostalgia en nuestro mar. Este nos ha ubicado siempre dentro de un imaginario y cosmología colectiva muy común entre los pueblos que tienen su influencia, situándonos en este el mundo de una forma específica. El antiguo Mare Nostrum siempre ha sido un auténtico conductor cultural, de referencia y de supervivencia de nuestros pueblos, nuestra auténtica patria. Lo que ahora somos es el resultado de todos los intercambios que allí se han llevado a cabo durante milenios por nuestros antepasados. Está claro que también hubo guerra y expolio, pero lo que fue un crisol cultural en el pasado ahora es un verdadero estercolero y un muro hecho con cuerpos muertos de mujeres, hombres y niños que escapan de la miseria y la guerra que nosotros hemos provocado. Esa es nuestra vergüenza, y esa realidad es la que nos ha inspirado para escribir el disco. Vuestro estilo no ha variado en demasía respecto a anteriores álbumes, quizás note una mayor presencia de melodías un tanto “magnificentes” que realzan muy bien determinadas partes en las composiciones. ¿Cuántas horas de trabajo hay detrás de toda la música de “Aamamata”? ¿Cuánto trabajo de producción se añade a todo esto? Muchas. Básicamente hemos sido Sandro (guitarrista) y yo (Josep) los que hemos grabado muchas maquetas, mil riffs, etc. para montar poco a poco las canciones durante un poco más de un año. Después Guillem (bajista) se unió para dar algún toque más técnico y zanjar el 80% del trabajo. Posteriormente los ponemos en común en el local de ensayo y cada uno arregla sus partes. Hay que decir que hemos apurado más que nunca los temas en el estudio, y eso se nota. ‘Mega’ es un productor muy talentoso y ha sabido incluir sus ideas de una forma excepcional. Se involucró al 100% en la grabación y se hizo el disco suyo. Hablando un poco de la grabación veo que este excelente nuevo larga duración, está grabado y mezclado en los Psychosomatic Studios y para la masterización habéis escogido los Fascination Street Studios de Suecia. ¿Cómo fue registrar estas nuevas composiciones y porqué optasteis por la masterización en un estudio diferente? ¿Cuál es vuestra opinión ahora

que todo está finalizado? El proceso de grabación ha sido más meticuloso, más laborioso y por eso, más largo que el anterior disco. Una vez teníamos la mezcla no dudamos en hacer la masterización con Jens Bogren, que nos produjo el ‘Forthcoming Displeasures’, nuestro segundo disco, y que ya nos masterizó ‘Compassion Forlorn’. Conoce perfectamente a la banda y nuestro sonido, así que no había ninguna duda. El resultado final creemos que es excelente, y estamos muy orgullosos de lo que hemos hecho. Creo que para este nuevo álbum hay alguna que otra colaboración especial por parte de músicos de la escena, ¿Qué nos podéis contar sobre esto y que sentimientos tenéis cuando un músico como esta categoría aceptan poder colaborar en vuestros álbumes? Nos gusta hacer de nuestros proyectos algo colaborativo. Han grabado partes vocales Júlia Colom, una joven promesa del canto, ha grabado guitarras griegas y turcas el gran guitarrista mallorquín Jaume Compte, etc. Supongo que te refieres a Heike Langhans de Draconian. Efectivamente, ha colaborado cantando en una canción. Nos conocemos bastante, ya que hemos tocado con ellos varias veces, y de echo ella siempre se ha ofrecido para cantar, así que se lo propusimos y en una semana ya nos había pasado su grabación de estudio. Fue todo estupendamente. Según he leído la última canción “La Sibil-la” es una adaptación de una canción medieval catalana. ¿Cómo surge la idea, preparación y preparar una canción sobre algo de estas características? La Sibil·la es uno de los elementos culturales más potentes que tenemos en Mallorca. Es un canto que se hace el 24 de diciembre y que data del siglo X y que la Iglesia hizo desaparecer en todos los territorios de habla catalana y que sobrevivió en Mallorca y en algunas puntos dispersos de Menorca y Cerdeña. Ella es una profetisa que adelanta el fin del mundo, y su origen pagano es indiscutible y agrega un significado que creemos que es magnífico y el cual encaja mucho en nuestro concepto. Hace unos años nos llamaron de la TV pública balear para ver si queríamos grabarlo para un programa. Nos pareció extraño pero finalmente accedimos y la adaptamos. Resulta que nos gustó y mucha gente nos animó a que la grabáramos, y eso es lo que hemos hecho. Creo que es un tema muy especial y que es una buena guinda para acabar el disco. Siguiendo con las letras de “Aamamata”, mi tema favorito “Aurora” parece ser que tiene una historia detrás también bastante dura. ¿Podríais hablarnos un poco sobre ella? Así es. Intentamos recrear las últimas horas de Aurora Picornell, una modista mallorquina que fue violada, torturada y finalmente asesinada un 5 de enero de 1937 por unos matones falangistas. Tenía 25 años. Parece ser que era una mujer magnífica y una gran luchadora por los derechos de la clase trabajadora. Hemos aprovechado para recordar a las muchas víctimas de la guerra civil que todavía hoy, más de ochenta años después, siguen en cunetas o en fosas comunes, sin haber recibido ni siquiera un entierro digno, como es el caso de Aurora, que la siguen buscando en antiguas fosas de algunos cementerios de Mallorca. Comparando vuestra discografía a lo largo de los años ¿en qué aspectos veis que HELEVORN ha mejorado con el paso de los años? ¿Qué creéis que podéis ofrecer de aquí en adelante? Creo que hemos encontrado un estilo donde nos sentimos muy cómodos y al que nos autoidentificamos. No miramos

mucho que hacen otras bandas, sinceramente. Hemos mejorado mucho en el aspecto compositivo y en el lírico, que es algo en que la gente no se fija tanto, pero hay muchísimo trabajo detrás de eso. No pienso que podamos ofrecer mucho más que música emotiva, profunda y melancólica. Eso en directo lo intentamos reflejar de forma contundente. No me veo haciendo lo que hizo Paradise Lost o Anathema. Bueno tras la edición del álbum, supongo que también tocará una etapa de promoción, ¿Cómo trabajáis vosotros este tema? Y en lo referente a conciertos ¿Tenéis pensado hacer algún tipo de gira, conciertos de presentación o qué nos podéis adelantar? Estamos trabajando la parte de promo en España con Pau Navarra de Blood/Fire/Death, y recientemente, debido a la confirmación de nuestra gira por Canadá con los mexicanos de Majestic Downfall en mayo, con Asher Promotions, que nos cubrirá algo de promoción del nuevo disco y de la gira en territorio canadiense. Lo más cercano que tenemos es la presentación del disco el próximo 22 de febrero en Barcelona y el 23 en Palma, junto con Saturnus, Onirophagus y Aeolian. En septiembre tocaremos en el Iberian de Zaragoza y a ver si poco a poco van saliendo más cosas. Con la implantación de internet, los teléfonos móviles, la escena musical ha cambiado mucho desde que vosotros os empezasteis, ¿Cuál es vuestra opinión acerca de cómo está la escena musical tanto a nivel de bandas como de apoyo de la gente? A veces me da la sensación de que es un apoyo un tanto falso, se tienen muchos seguidores en redes sociales, o se escucha la música masivamente en plataformas digitales, pero las bandas siguen teniendo muchos problemas financieros para seguir adelante con su día a día. Los grandes beneficiados de todo esto son, sin duda, las empresas de telecomunicaciones. Les estamos pagando nuestro trabajo. El hecho que la cultura, la música, etc. sea tan fácilmente disponible de forma gratis ha hecho que todo se haya amateurizado mucho y tengamos que pagar para tocar, prácticamente. Económicamente es absolutamente inviable, imagínate siendo de una isla. Un like en redes sociales significa poco, pero la contrapartida es que nos hace llegar a muchísima más gente, el contacto es más directo y hay mucha más información de todo lo que ocurre. Claro, todo se ha convertido en fugaz, en cultura efímera, en algo que no trasciende o lo hace muy poco. Estamos perdiendo la capacidad de retener, de analizar, de saborear, de detenernos y sentir qué cojones pasa a nuestro alrededor. Tampoco creo que se tenga que medir la repercusión de una banda a nivel económico, que está claro que es importante. Nos contaron que estar en internet haría que tuviéramos más seguidores y eso haría que en los conciertos viniera mucha gente y no… el problema es cultural, de concepción de las cosas, no de tener más o menos seguidores en Facebook o de cobrar más o menos royalties. Este álbum sale por el sello ruso BadMoonMan Music, sello especialista en Black, Doom, Gothic, …¿Qué tal está siendo el apoyo de vuestro sello hacia la banda? ¿Pensáis que un sello más cercano podría aportar mayores beneficios hacia HELEVORN? Nos gusta mucha ser dueños de lo que hacemos, de manejar nuestros derechos digitales y que el sello nos envíe una parte de los cds físicos, y ese es el acuerdo que tenemos con BadMoodMan. Es un sello pequeño pero que hace que hagamos como queremos, y eso no tiene precio. Supongo que con la edición de “Aamamata” tendréis vuestras propias copias para distribuir, ¿Cómo pueden los que estén leyendo esto conseguir este magnífico álbum y qué material más tenéis para venta? Nos hacía mucha ilusión sacar el disco en vinilo, así que directamente nos los hemos autoeditado con una edición de solo 165 copias. La edición es preciosa y seguramente las venderemos en un par de meses. El sello ha sacado el disco en dos formatos, digipack y el clásico Jewel, que ya tenemos a nuestra disposición, más un montón de material de merchandise es lo que ofrecemos, a precios muy ajustados, en nuestra webshop. (helevorn.com/webshop) Bueno esto es todo por ahora, recibir un cordial saludo, nuestra enhorabuena por este buenísimo álbum y si se me ha olvidado algo por preguntar, este es vuestro espacio para añadir lo que queráis. Muchas gracias por el apoyo que siempre hemos tenido por vuestra parte desde el primer día que nació Helevorn. Nada más que añadir. ¡Un fuerte abrazo y esperamos veros pronto! POR LUIS MARTÍNEZ

CULT OF SELF DESTRUCTION Entrevistamos a los griegos MASS INFECTION que nos traen, vía Comatose Music, su nuevo álbum “Shadows Became Flesh”, toda una declaración de death metal contundente,agresivo, oscuro y brutal… Primero de todo daros las gracias por atender a esta entrevista y para que nuestros lectores os comiencen a conocer ¿Quién se oculta tras el nombre de CULT OF SELF DESTRUCTION? ¿y qué os llevó a realizar este proyecto? Gracias a vosotros por darnos esta oportunidad de aparecer en vuestra revista. COSD esta formado por Mark Berserk (APOSENTO – BIZARRE) que se encarga de las voces y baterías y Pablo Gar (BAÏKAL) que es el responsable de las cuerdas. Ambos nos conocemos desde hace muchos años y da la casualidad de que somos vecinos en el local de ensayo y coincidimos con mucha regularidad. Entre cerveza y cerveza empezamos a hablar sobre la idea de hacer algo juntos. Ambos teníamos unas cuantas ideas de temas en una dirección Black Metal y empezamos a pasarnos bocetos y así surgió COSD, lo demás fue llegando poco a poco. “Exitium”, es vuestro debut, donde un black metal atmosférico y con ciertos toques doom nos habla de la autodestrucción de la raza humana y de sus miserias ¿Qué sonido estabais buscando? ¿Es así como definiríais vuestra música y temática? En ningún momento, nos planteamos el sonar a nada en concreto cuando empezamos a componer o cuando decidimos iniciar el proyecto. Solo teníamos claro que queríamos hacer Black Metal. Poco a poco se iba mostrando nuestra faceta mas orientada hacia los sonidos mas oscuros, melancólicos o incluso depresivos, que finalmente le da esos toques Doom que mencionas. Pero tampoco es algo buscado, simplemente a salido así. En cuanto a como definimos nuestra música, pues creo que Black Metal atmosférico es una etiqueta con la que nos sentimos cómodos, hay mucho mas si indagas tema por tema, se pueden apreciar muchos matices de otros géneros, como el Death Metal, Doom, Dark Folk, progresivo… Sobre la temática, es un poco lo que tú mismo comentas sobre la autodestrucción de la raza humana. Digamos que el tema principal en el que gira el concepto tanto lírico como de la banda en si misma es la muerte y como tendemos a destruirnos a nosotros mismos. Otro factor muy importante que nos influencia mucho a la hora de componer es el ocultismo y nuestro fuerte odio hacia el cristianismo. El artwork, me parece sencillo pero muy efectivo y esa tonalidad azul/verdosa me encanta ¿Quién lo ha realizado? ¿Qué representa este, con respecto a lo que encontramos en el interior? Todo el diseño ha sido realizado por Mark. La portada representa el antiguo gesto retórico que utilizaban los Greco28 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 61

Romanos y que mas tarde se apropiaron los cristianos en sus imágenes, con una especie de estigma. Digamos que el estigmatizado en cuestión es una especie de Baphomet. En el interior del libreto el tipo de imágenes son mas de carácter ocultista o incluso esotérico. No me ha llegado información sobre el proceso de grabación y mezcla ¿Quién lo ha grabado y masterizado? ¿Cómo ha sido este proceso de grabación? ¿alguna anécdota que nos puedas contar, ya que siempre hay alguna? Todo el proceso de grabación ha sido realizado por nosotros mismos. La mezcla y el master a sido realizado por Mark en su estudio (DeathRune Studios). Teníamos muy claro que queríamos un sonido lo mas “autentico” posible y optamos por no adulterar las composiciones en el desarrollo de la producción. La verdad que tampoco hay muchas anécdotas que contar, la grabación se realizo bajo la influencia del eclipse de la luna de sangre. Si tuviera que elegir algunos temas para que me hablaras de ellos, me quedaría sin lugar a dudas con “Sui Caedere”, “Until The Dying“ y “We Will Be Wolves” ¿Qué historia guarda en su interior cada uno de estos temas? ¿Cuál ha sido el más difícil de componer? Todos los temas tienen su complejidad y ha sido un proceso de composición en el que intentamos cuidar cada detalle al máximo. “Sui Caedere” es el termino que utilizaban en la antigua Roma para referirse al acto de cometer suicidio. La letra trata sobre la desesperación y la oscuridad que generan los estados de ansiedad y de como podría ser tan extremo de llevarte a desear la muerte. No por el simple hecho de no querer vivir mas, sino de que se termine el sufrimiento. “Until The Dying” es una visión bastante nihilista sobre el absurdo concepto cristiano de lo que nos espera cuando morimos. “We Will Be Wolves” trata sobre lucifer representado como el conocimiento y la sabiduría del portador de luz y de como el cristianismo vende sus mentiras creando sumisos corderos. Nosotros simplemente preferimos ser Lobos. Por cierto, las cinemáticas, las voces que podemos escuchar narrando pasajes en determinados temas ¿son vuestras? ¿sobre qué tratan? A lo largo del disco, hay unas cuentas. Algunas son propias y otras son sampleadas de películas. Tratan sobre la negación de Cristo, otras sobre la muerte, la desesperación… En “Sui Caedere” en concreto la narración es una frase de Al-

bert Camus de su obra “El Mito de Sisifo” y que siempre me ha marcado mucho personalmente, incluso el nombre de la banda es un pequeño guiño sobre este ensayo, así que tenia que estar presente. Viene a decir algo así como que en verdad solo existe una pregunta filosófica realmente importante y es si suicidarse o no. La muerte es la única certeza de la vida. El tema que cierra el disco, contiene el mítico discurso de Oppenheimer citando el libro Hindu “Bhagavad Gita” Sois dos miembros en la actual formación, por lo que ¿es solo un proyecto de estudio o tenéis pensado llevarlo al directo? ¿Cuáles son los planes de futuro de CULT OF SELF DESTRUCTION? Actualmente no nos preocupa el llevar los temas al directo, no lo descartamos en el futuro. Incluso nos han llovido unas cuantas ofertas para realizar conciertos, pero de momento preferimos centrarnos en componer. Actualmente nos encontramos componiendo nuestro segundo disco y el próximo mes de Marzo vera la luz “Nihil Verum Nisi Mors”, un EP conceptual que trata sobre la decadencia de la iglesia católica en los tiempos de la peste negra. Saldrá de la mano de Base Record Production y será en formato Digipack doble a modo de Split, compartido con la banda de Pagan / Viking Metal ITNUVETH. Será una edición especial muy limitada. No sé si sois de tradición antigua y seguís comprando CD o estáis sujetos a la era digital. ¿Cuáles son los últimos CD físicos que habéis comprado? Podríais decirnos 3 grupos nacionales/internacionales a descubrir o que queráis recomendarnos. Todos los meses de un modo u otro termina cayendo algún disco, es algo que no pierdo por costumbre. Si un disco me gusta intento hacerme con el físicamente. lo último que e comprado estos días ha sido, Darkwood -“ Notwendfeuer”. Marduk – “Viktoria”. Wardruna -“Skald”. Nytt Land – “Odal”. Sobre recomendaciones, pues Regarde Les Hommes Tomber, Svartidaudi y Leviathan. Un placer poder hablar con vosotros, desde Necromance Digital Magazine, las últimas palabras son vuestras. Muchas gracias, el placer ha sido nuestro. No olvidéis pasaros de vez en cuando por nuestro Facebook y por el Bandcamp que pronto tendremos novedades. POR JUAN ANGEL MARTOS

PESTE

PESTE llegan desde tierras italianas con un EP titulado de la misma forma y con el que te destrozarán a base ritmos frenéticos y agresivos marcados con ese regustillo Hardcore / Punk que tiene la banda. Con ellos tuvimos esta entrevista y esto nos contaron. Bienvenido a las páginas de la Necromance Digital Magazine, ¿podrías presentar a la formación a nuestros lectores? Marco, voz, de la banda ‘If I Die Today’. Simone, bajo, de la banda ‘Tutti i Colori del Buio’. Mario, batería, de la banda ‘Papazeta’, ‘Meele’ y muchos más. Nico, guitarra, de la banda ‘Haram’. ¿Cómo se formó PESTE? Simone tuvo la idea de crear una nueva banda en Torino, la ciudad en la que todos vivimos, para tocar lo más rápido que podamos y de la manera más cruda posible. Nos conocemos desde hace años y por eso decidimos crear Peste. ¿Cómo es el proceso de composición en PESTE? Por lo general, yo, Nico y Mario nos reunimos para ensayar y componemos temas; luego todos nos reunimos, modificamos y arreglamos juntos la música. El proceso es muy rápido. ¿Puedes hacer una introducción de “Peste” vuestro nuevo EP ? “Peste” es una oleada de violencia y rabia, eso es todo. Creo que es un ep muy espontáneo, hay pocas ideas y estas son directas, son rápidas, son complicadas. ¿Cómo describirías el sonido en el EP? Me gusta el sonido, trabajamos con Davide Donvito, en Magma Studio, en Torino, tiene un estudio increíble y es mi compañero en la banda Haram. No nos tomó mucho tiempo descubrir el sonido correcto para la peste. Usamos marshall jcm 800 y un peavy 6150, Simone usó su propia sonido para el bajo, no usamos muchos pedales. Después de Magma Studio, Jack Shirley pasó el ep en Atomic Garden Studio (Comadre, Deafheaven, Oathbreaker, Dangers). El sonido resultante es muy agresivo y doloroso. Es fuerte pero al mismo tiempo bastante denso. Es un aproximación del sonido que nos gustaría tener en el futuro, pero es solo el comienzo. Queremos aumentar la cantidad de suciedad en el sonido que tenemos ahora y seguimos trabajando en ello. 30 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 61

¿Qué queréis que el oyente se lleve de “Peste”? Creo que el oyente necesita tomar la ira rápida y el momento, creo que peste es solo un momento de caos inútil. ¿Puedes describir las canciones con detalle a nuestros lectores? El tema que abre es Mercy, que es la canción que lanzamos al principio. Tiene riffs muy cortantes, es una canción muy pegadiza y es bastante pop para mí, porque el final tiene un momento de guitarra muy abierta con una batería evocadora. Le sigue Faith, que es un himno para no creer en nada, en este mundo, es un tema bastante ruidoso y nada complejo. Una canción bastante directa, nos gusta que sea así. La tercera canción es Dead, una canción bastante divertida de tocar, consta de muchas partes diferentes, el comienzo tiene ese ritmo explosivo de la vieja escuela, luego la parte punk / rock que termina en una parte condenatoria. ..tienes que escucharlo!. El cuarto es Humanless, una canción muy lenta y trivial que combina una especie de riff con una parte rápida y psicótica para terminar en un riff hardcore. La última canción es Coffin, una canción punk / rock solo un poco más rápida y más sangrienta, creo que es una canción interesante debido a los diferentes riffs, siempre hay los mismos 3 acordes, Mario y yo solo le damos unos toques y eso es muy divertido. Escucha lo simple que siempre funciona. ¿Hubo alguna razón para firmar con This Is Core para el lanzamiento del EP? ¿Alguna otra oferta sobre la mesa? Teníamos diferentes opciones para “Peste”, pero nos decidimos por This Is Core por la amistad que nos une al jefe de la compañía. ¿Cuáles son tus expectativas para “Peste”? ¿Qué esperas conseguir con este disco? ¿Esperanzas?, hablo por mí mismo, pero no me gustan las expectativas, supongo que no son algo bueno para una banda. Esperamos hacer una gira con este ep y estamos casi listos para el LP. Estamos a punto de grabar un par de canciones.

¿Qué nos puedes contar sobre tu escena musical local? Italia tiene una bonita escena musical, durante estos años de conciertos y curioseando, conocí a muchas personas que realmente aman el underground y lo disfrutan mucho. Ir y conocer amigos que no has visto en mucho tiempo es agradable y así es como funciona la escena italiana. Hay muchas bandas buenas en este momento, para mí, quiero decir que no estoy hablando por los demás miembros de peste, bandas como Hate y Merda o Infall, Viscera ///, Turin Horse, Loro, Hobos, Bologna Violenta son super bandas italianas. Sobre nuestra escena local, estamos luchando por mantenerla viva, tratamos de organizar conciertos en nuestra ciudad e intentamos mantener la música, pero eso no es muy fácil. ¿Conoces alguna banda de la escena metalera española? No sé mucho de la escena del metal española, lo siento … ¿Algo que quieras agregar para terminar la entrevista? No, solo un consejo, ve a los conciertos, apoya tu escena local, toca duro, toca rápido. POR DAVID DÉNIZ PLAZA

NOT YET FALLEN Llegan desde Padua (Italia) con el EP “Homebound” bajo el brazo, su nombre es NOT YET FALLEN y nos deleitan con un hardcore de corte melódico y esto es lo que nos cuentan en esta entrevista que les enviamos. Saludos NOT YET FALLEN y gracias por vuestro tiempo! Empecemos con la pregunta básica: ¿te importaría presentar a la banda a nuestros lectores? Hola, gente de Necromance, soy Francesco y canto en la banda Not Yet Fallen. Somos una banda de 5 músicos de Italia que hacemos hardcore melódico, nacidos en 2008. Soy yo en las voces, Luigi y Emmanuel en las guitarras, Andrea en la guitarra y Davide en la batería.

¿Tienes una canción favorita en este trabajo? Si es así, ¿cuál es y por qué? Pregunta difícil. Simplemente no puedo elegir una favorita ya que para mí todas son buenas canciones, pero si tuviera que hacerlo, probablemente elegiría “Countless Steps” por el profundo significado de las letras y porque representa el “núcleo” de la letra. grabar.

Sois de Padua, Italia. ¿Cómo describirías la escena metalcore, allá? La escena hardcore / metal en el norte de Italia está prosperando. No tienes que conducir un largo camino para ver a una gran banda en vivo aquí, ya que hay literalmente un montón de talentosos artistas underground. Podría mencionar algunos, pero la lista real sería ridículamente larga, confía en mí. De todos modos, algunos de nuestros amigos más cercanos acaban de publicar / están lanzando / lanzarán sus nuevos trabajos en estos días, así que eche un vistazo a Forlorn Seas, None, Wrong Way to Die and Shading.

¿Cuánto tiempo duró todo el proceso de composición y grabación del álbum? El proceso nos llevó 5 años, literalmente demasiado tiempo, desafortunadamente. Esto se debió a muchas desgracias y dificultades imprevistas, como la eliminación involuntaria de todas las grabaciones (lo que nos obligó a volver a grabar todo el EP desde el principio), poco tiempo para escribir fuera de la sala de ensayos, cambio de miembros de la banda , problemas laborales y familiares, etc. En una nota positiva, aprovechamos este largo período para acostumbrarnos a las canciones y analizarlas en todos los aspectos.

Vuestro nuevo EP, “Homebound”, está disponible desde el 16 de noviembre de 2018. ¿Te importaría presentar este lanzamiento a nuestros lectores? “Homebound” es un EP de 6 pistas de intenso / emocional, melodic metal / hardcore. Este EP explora el concepto de un viaje, tanto fuera como dentro de nosotros mismos. La razón por la que decidimos llamarlo así se debe a la doble y opuesta naturaleza de la palabra “homebound”, que por un lado puede significar “hacia el hogar” y por el otro “confinado en el hogar”.

¿Quién se encarga de escribir las canciones y de qué se tratan? Toda la banda está involucrada en el proceso de escritura: comenzamos desde un solo riff y luego seguimos estructurando la canción agregando nuestras líneas y eligiendo “democráticamente” cómo debería ser el estado de ánimo de esa canción. Hace un tiempo solíamos escribir solo durante los ensayos, ahora con la ayuda de nuestro bajista Andrea, hemos empezado a componer y grabar las pre-producciones simultáneamente. Soy el único responsable de las letras, y simplemente me inspiro en mis experiencias pasadas o del momento. Las letras de ‘Homebound’ tratan sobre el concepto de comenzar un viaje, sobre la voluntad de crecer y superar nuestros miedos al salir de nuestra zona de confort, para regresar a casa como mejores personas.

Para aquellos que todavía no lo han escuchado, ¿qué tipo de canciones podemos esperar en este disco? ¡Puede esperar todo el rango de composición de una banda metalcore jaja! Bromas aparte, en mi opinión, hay mucha diversidad con respecto al estado de ánimo y la estructura de las canciones: puedes encontrar alternativamente pistas más lentas / melódicas y más rápidas / caóticas en una secuencia perfecta. 32 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 61

¿Cómo describirías “Homebound” musicalmente, en relación con lo que habéis hecho antes?

Como dije antes, ‘Homebound’ es una buena combinación de momentos intensos y emotivos, y combina más de un género. Al igual que nuestro disco anterior, “Closing Lines”, este EP fue influenciado por los principales actos internacionales ‘melometal-hc’, como Misery Signals, Counterparts, The Ghost Inside, Hundredth y The Eyes Of A Traitor (y mientras estoy escribiendo, lamentablemente, la mitad de estas bandas están divididas, inactivas o en un hiato). Sin embargo, mientras que ‘Closing Lines’ sonaba más como un lanzamiento de metalcore, ‘Homebound’ se encuentra a medio camino entre nuestro sonido anterior y algo primordial (como el punk-hardcore real) y más experimental (como el post-hardcore). ¿Hay planes de viajar al extranjero, en un futuro cercano? Realmente espero que sí! Nuestro objetivo es promover el EP con algunos shows en Italia y, sobre todo, en los que nunca hemos tocado antes. Esto incluye también algunos países en el extranjero. Todo depende de nuestros trabajos, ya que todos trabajamos regularmente. Somos más como una “banda de fin de semana” en lugar de una “banda de gira” real, pero nunca decimos nunca jaja. ¡Incluso podríamos recorrer tu hermoso país un día, si tenemos la suerte! ¿Algo que quieras agregar para terminar la entrevista? Gracias por darnos la oportunidad de ser escuchados en su webzine, ¡realmente lo apreciamos!. Esperamos que hayan disfrutado de nuestra música, y esperamos lanzar pronto un nuevo material, ¡entre una mini-gira y otra, con suerte! ¡Saludos! POR DAVID DÉNIZ PLAZA

ZONA DE CRITICAS 34 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 61

nos vuelve a la estrofa, aunque con un toque más de rapidez; llegamos a “V”, de sensaciones cósmicas y a “Akira”, donde una voz omnipresente se apodera del cierre de este trabajazo a manos de 22. JUAN ANGEL MARTOS | 8.5

ANGELUS APATRIDA (ESP) CABARET DE LA GUILLOTINE

CENTURY MEDIA RECORDS, 2018

22 (NOR)

YOU ARE CREATING: LIMB 2 LONG BRANCH RECORDS, 2018 Desde la frías tierras de Noruega nos llega el nuevo trabajo doble de los progresivos 22 bajo el nombre de “You Are Creating”, editado a través de Long Branch Records, enmarcados en la nueva oleada nórdica de grupos súper interesantes y con una calidad encomiable para hacer música distinta y original como VOLA, LEPROUS, AGENT FRESCO y ahora mis recién descubiertos 22, de los que hablaremos a continuación. La primera parte, “Limb 1”, se abre con “Inspec”, un tema cargado de energía y positividad, donde ya apreciamos la estructura intrincada y elegante que este cuarteto noruego pretende transmitirnos; canciones que se crean a sí mismas con la mente y el corazón para trasladarnos un desarrollo instrumental que nos haga sentir y vibrar. Con “Staying Embodied”, ya me han ganado, y es que la introducción intimista a base de voz por Per Kristian Fox Trollvik y una percusión progresiva de la que se encarga Andreas Kjøl Berg, mientras el bajo de Mats Paulsen omnipresente en todo el trabajo y las guitarras que recrea Magnus Børmark, esta vez en un segundo plano, dándole protagonismo al resto de instrumentos, además de poner voces en determinados momentos, hacen que este corte sea mágico y que con el inicio de “Sum Of Parts” tengan reminiscencias a unos QUEEN modernizados, en otro temazo que a cada paso crece y crece, repleto de matices y arreglos que te hacen descubrir nuevos elementos con cada escucha. Y es que hablar de su música es complicado sin escucharla, pues cada corte, cada paso que dan recrean una sensación nueva como la modernista “A Mutation Of Thrushes”, un tema distinto al resto, que pone un punto de frescura estilística, así como “Adam Kadmon Body Mass Index”, que tiene nombre de videojuego futurista, es un despliegue de técnica instrumental con un gran bajo y unos pasajes djent muy marcados y matemáticos, jugando con arritmias, para después del caos, darnos un respiro con “Ectypes”, toda una delicia para nuestros oídos con unos falsetes vocales complicados y selectos. “You Are Creating”, cierra esta primera parte, con uno de mis temas preferidos, donde las atmosferas y los ritmos cambian de una forma tan radical, pero tan elegante que piensas ¿Cómo se le ocurren estas melodías?, un temazo. En la segunda parte “Limb 2” y tras una atmosférica introducción musical “Node 2”, encontramos “Call Me Trimitab”, un corte que me recordó a AGENT FRESCO, comenzando como la primera parte, con energías renovadas y un corte donde el estribillo brilla por sí solo, tanto a nivel vocal, con voces dobladas, como a nivel instrumental, una delicia para nuestros oídos, que continua con “Dillemanns Clarity” y su ritmo jazzístico donde Per Kristian se sale en el aspecto vocal. Un punto de inflexión encontramos en “Autumn Stream”, donde unos toques djent progresivos se apoderan de los instrumentos en un corte con diferente y repleto de arreglos vocales, para con “Chroma Keys”, infringirle unos ritmos funks en un corte variado y cargado de positividad. “Sylphs”, encierra un toque vintage en su percusión, con un bajo sobresaliente y un estribillo entrecortado, que cuando despega,

AGONY FACE (ITA)

CXVI EVOLVING DISCHARGES SLIPTRICK RECORDS, 2018 Cuando me dispongo a escribir estas líneas aún me encuentro un poco desconcertado por la extraña sensación que me causó la primera escucha de este CD. En ese momento aún no sabía que llevaban en activo desde el 2004 ni tampoco que este es su tercer trabajo y lo cierto es que me enfrenté a ellos con una ignorancia buscada para que el efecto sorpresa fuera mayor, y vaya que si lo fue!! Aunque debo confesar que no precisamente para bien. Me desconcertó por completo esa extraña manera de mezclar estilos, de intercalar fraseados de guitarra con piano jazz o de meter líneas de voz muy métricas con riffs mucho más técnicos. Esos cambios de tempo… en definitiva, que, el descontrol mental fue goloso y precisamente por eso decidí, sin pasar mucho más tiempo, entrar en detalle para aprovechar esa situación y acrecentar mi necesidad de AGONY FACE. A esta necesidad imperiosa también influyo bastante el ver como de extrañamente han querido poner nombre a los trabajos, a los temas e incluso a su estilo, porque…. ¿Qué quiere decir eso de “Suerrealistic Death metal”? Surrealistas son un rato, pero un rato, pero… difícil saber a qué se refieren. Cosa que a veces no lo sabes ni cuando le has pegado ya unas escuchas. Puede ser que sea esa extraña forma de mezclar estilos siempre bajo una base que podríamos llamar Death metal técnico. Pero… aquí hay mucho de progresivo, haciendo mezclas de estilos que a veces parecen no tener nada que ver entre sí. También hay cambios de ritmo, de riff, de sonoridad y de estilo que a veces parece que no vienen a cuento pero… vienen, ya te digo que si vienen. A estos movimientos progresivos hay que añadir piano en ocasiones, no siempre cuando la guitarra eléctrica se calla, lo cual da cierto dramatismo al sonido. También debemos añadir muchos toques heavy metal de eso que tenían muchísimas influencias de Black metal melódico/ sinfónico. Esas melodías melosas que en esta ocasión se tornan en poderosas armas de degeneración armónica. A esto añádele, como no, un bajo que adorna sin parar y una batería que sin destacar por su desenfreno ni por su técnica, tampoco por pasar desapercibida. Ah, y unas líneas vocales que lo mismo son agresivas estilo PANTERA, como rítmicas, como variando de tono entre frasedos o simplificando tempos a mas no poder. De todas todas, lo que menos me ha gustado es la producción. Algo sosa, un poco vacía en cuanto a distorsión, que me ha parecido muy artificial, y con un sonido de batería que muchas veces no encaja con el resto del trabajo. Quizás esto hace que no estemos ante una grandísima obra de Death metal técnico, progresivo, sinfónico, jazzístico, evolutivo y desconcertante. Aunque si este pequeño detalle no es de importancia para ti, desde luego que debes dar unas escuchas a estos italianos

ANGELUS APATRIDA dan un paso adelante, y pulen con destreza melodía y fuerza, aún más si cabe que en su anterior trabajo. Con portada del reconocido artista Gyula Havancsák, que también ha trabajado con DESTRUCTION, GRAVE DIGGER o ANNHIILATOR, por poner un ejemplo. La banda, continúa intacta desde sus inicios, con la misma formación(Guillermo, David, Víctor y José) y con la capacidad innata de componer temazos increíbles. Así lo vienen demostrando sin ningún problema durante su ya dilatada carrera. El disco empieza con “Sharpen the guillotine “, con un aroma inequívoco a heavy metal. La voz de Guillermo, está a gran nivel, con unas tremendas melodías. Un gran corte, que para los seguidores de la banda, sonará al puente perfecto entre el “Hidden Evolution “ y este “Cabaret de la guillotine “ Seguimos con “Betrayed”, una composición algo más lenta que su predecesora, aunque las guitarras suenan súper pesadas. La cuestión es que suena a MEGADETH cosa mala, incluso en la voz. “Ministry of God” es un corte marca de la casa, suena a ANGELUS APATRIDA desde el primer acorde. Brutal base rítmica y brutales Guillermo y David con las seis cuerdas. Continúan con “ The Hum”, una maravilla de canción, con un estribillazo de aúpa, y ese royete a TESTAMENT que te dejará loco con total seguridad. “Downfall of the Nation” comienza bestial, riffs afiladisimos e hiper metálicos, y de nuevo Guillermo con una voz impresionante y cruda. Una pasada! “One of Us” es de lo más rápido y thrash del álbum, una delicia para los seguidores de la banda y el buen trash metal. Turno para “The Die is cast”, donde vuelven a meternos unos estribillos muy melódicos, acompañados de unas guitarras en la mima línea. “Witching Hour” tiene un toque más pausado, y suena a metal noventero con un royazo tremendo, personalmente me encanta este tema. “Farewell“ sin duda es una de las sorpresas de este trabajo. Es una balada magnífica, así por derecho. Tremendas voces y unas guitarras preciosistas, que dan entrada a pasajes súper heavys y potentes. Grandísima composición. Y para acabar a lo grande “Martyrs of Chicago”. Tema cañerisimo y muy fresco, quizás con un toque más actual, tipo metal core y similares. Perfecto para el directo sin duda. En resumen; Estamos ante uno de los mejores trabajos, tanto nacional, como internacional, en lo que a metal se refiere, desde que salió a mediados de 2018 hasta ahora. Los Albaceteños dejan de nuevo el listón altísimo, cosa buena para sus seguidores, ya que conociéndolos, seguro que en su próxima obra lo superarán. JOSE ANTONIO GALLEGO | 9

SANTI GZLEZ | 8.5

ARKAID (SWE)

CREMATORIA ART GATES RECORDS, 2018 Desde Suecia y editado por Art Gates Records, nos llega el nuevo trabajo de la banda de modern metal con tintes industriales y death, ARKAID, bajo el nombre “Crematoria” y del que hablaremos a continuación. El debut de estos chicos suecos es groovero y muy variado, desde el primer corte, “Crematoria”, donde los toques circenses a lo AVATAR, sobre todo en la voz de J.R. Kensington, nos dejan un tema muy poderoso, que se une a “Tragical”, donde mezclan la agresividad death metalera de la estrofa, con un puente moderno y core para dejarnos un estribillo épico, el cual me encanta, con unos coros muy poderosos y un doble pedal continuo por Eric Highbury. Aunque el punto de humor lo ponen con la versión de “Sex Bomb” de TOM JONES, que la verdad está muy simpática e introducen unos teclados que se unen a fiesta y aportan un poco más de versatilidad a este inicio de locura. Continuamos con “The Ruined Bouquet”, oscura y siniestra, donde nos enseña su registro limpio, en un inicio muy teatral y atmosférico, para agravar las estrofas con unos tonos rasgadas y doblados por corales en una especie de mitin mágico; otro tema que corrobora la versatilidad de la que hablamos y que te dejará perplejo con “November”, un corte con toques de punk rock festivo, luminoso y grácil, que contrasta con “Far Away”, un temazo en toda regla, con unas guitarras muy poderosas a cargo de Spike y un bajo muy presente por Delilah Paris, guardando también uno de los estribillos del álbum. Y es que ARKAID, manejan a la perfección el juego de sus voces y coros, doblándolas y aportándole una gran emotividad a este recurso que emplean a la perfección; lo repito, “Far Away”, uno de los temas del álbum. Su parte más moderna nos la muestran en “Wielder Of Your Past”, un corte más industrial e incisivo, con una melodía muy pegadiza, que sin emplear grandes artificios funciona a la perfección, para con “Dagger & A Drink”, dejarnos otra pizca de humor en otro corte fiestero y muy alegre, que sacará una sonrisa de tu “yo” metalero. “Here At The End Of All”, cierra el trabajo, un tema muy apoteósico y con otros coros muy bien insertado, donde los arreglos orquestales le dan un toque muy épico en otro temazo. Y es que en el cómputo general, salvando un par de temas, ARKAID, nos presentan un gran debut, con unas ideas muy claras en cuanto a su estilo y personalidad y dejándonos temazos como “Far Away” o este ultimo “Here At The End Of All”.

Comienza la placa con “Waters of Acheron” en el que pasa de la calma al thrash pata negra con mucha energía y buen sonido. El cantante Giancarlo Picchianti tiene una buena voz a caballo entre el thrash y el heavy tradicional que funciona muy bien. No es que tenga un registro increíble pero hace un uso bastante inteligente de su tipo de voz. “Ashes Of Warsaw” sigue en la misma línea con buenas melodías intercaladas que quedan muy conseguidas. El title track nos ofrece un excelente trabajo de guitarras que empastan a la perfección con una sección rítmica muy sólida. Hay buena variedad de tempos para que no perdamos la atención ni un solo momento. “Imagine The Day” vendría a ser la balada thráshica de la obra y, aunque no es una gran maravilla, demuestra clase y elegancia. El estribillo suena un poco a refrito pero las voces sacan las castañas del fuego al tema. Muy bien interpretadas y muy expresivas. “Decide Or Die” es un tema un poco diferente, lo cual se agradece. “Sadness N’ Tears” es la vuelta al thrash… aunque de nuevo tengo que decir que esto es thrash con un componente importante de heavy metal que les hace sonar cañeros pero muy refinados. Si se me apura… hay momentos que tiran sin duda al US power metal. “Fragments” es un delicioso y brillante interludio acústico que nos da un pequeño respiro. La verdad es que se disfruta mucho y da paso a “Dreams of Freedom” que tiene mucha fuerza y pegada. Ya para terminar, “Fallen Apart” sirve como colofón a la placa con muy buen groove y dinamismo. La verdad es que el disco gana enteros con un par de escuchas ya que se van descubriendo detalles y las melodías acaban enganchando. Por otra parte, a mí personalmente me gusta la mezcla de heavy/US power metal/thrash metal que hacen. Hay mucha energía pero también melodía, clase y elegancia. La producción es correcta aunque podría ser mejor. Un disco recomendable sin duda de un grupo italiano al que yo creo les depara un futuro prometedor. DANIEL GALLAR | 8

JUAN ANGEL MARTOS | 7

BAD BONES (ITA) HIGH ROLLERS

SLIPTRICK RECORDS, 2018

ATHROX (ITA)

THROUGH THE MIRROR REVALVE RECORDS, 2018 De la región italiana de la Toscana el quinteto ATHROX nos sorprende con un segundo trabajo que sorprende por su calidad. El estilo es un thrash refinado que mama mucho del heavy metal tradicional… yo diría que por momentos hay un 50% de thrash y un 50% de heavy metal tradicional para luego pasar a una predominancia del thrash. Tras un álbum de debut titulado “Are You Alive?” editado en 2016 que ya les colocó en el mapa el grupo parece haber conseguido pulir ciertas carencias y nos brindan un disco con mucha energía, variado y que se nota que se ha hecho con mucha pasión. Formados en 2014 por el joven guitarrista Sandro Seravalle, la verdad es que se aprecia el duro trabajo del combinado italiano que en apenas cuatro años han conseguido sacar dos discos de calidad más que aceptable.

Desde 2007 llevan los italianos BAD BONES dando guerra en esto de hacer hard rock. Pueden sonar a THIN LIZZY o a MOTLEY CRUE, por nombrar claras influencias, aunque desprenden ese aroma a las grandes bandas clásicas. Con cuatro álbumes y un Ep a sus espaldas, los oriundos de Ceva, presentan “High Rollers”. Magnífica producción de rock duro con toques heavy, que suena fresca como ella sola. Lanzado a través del sello letón Sliptrick Records, los transalpinos con Max Bone a las voces, Serjoe Bone a las seis cuerdas, Steve Bone al bajo y Lele Bone a la batería, construyen este álbum a base de guitarrazos heavys, una base netamente rockera y un puñado de temazos. El disco empieza a tope con “American days”, un corte rápido y super heavy. La voz de Max Bone le viene como anillo al dedo a la banda, y a veces rezuma un tufillo a lo Axl Rose., “Lost again” siguen esa línea enérgica, con un bajo atronador y un estribillo de 10. Continúan con “wild rose” en un claro homenaje al rock más clásico y enérgico , otro corte donde el bajo brilla mágicamente. “Midnight Rider” es puro hard rock potente, que abraza un tremendo estribillo, y juega con unas guitarras muy melódicas. Seguimos con “Solitary fields” que a primera vista parece más calmada y discreta, pero pronto sube el tono y aparece la distorsión, en un corte que da un respiro a este trabajo.

“Now or never” recupera la tónica general del disco, con la batería rápida y potente, y el bajo de nuevo marcando la diferencia. “Blood Trails” es una pasada con esos riffs hard que posee. Una canción que es un ejemplo de lo que son BAD BONES. “Wolf town” es otro corte marca de la casa, con ese bajo omnipresente y su correspondiente estribillazo. “ Story of a broken bone” baja las revoluciones en un tema más sosegado, que antecede al último de la lista; la magnífica versión del “ Rock’n me “ de STEVE MILLER BAND. Estupendo cierre con un tema clásico, del cual se adueñan y se lo llevan a su terreno para disfrute del respetable. Trabajazo enérgico y poderoso de los italianos BAD BONES, gran producción y un sonido fresco y actual, que bebe de los clásicos atemporales del hard rock mundial. JOSE ANTONIO GALLEGO | 8

BANE (SRB)

ESOTERIC FORMULAE BLACK MARKET METAL LABEL, 2018 El 30 de noviembre de 2018, el sello Black Market Metal Label publicó el tercer disco de los Melo Black Death metaleros BANE “Esoteric Formulae”. El grupo lo forma: Branislav Panić (voz, guitarra, bajo y teclados), Honza Kapak (batería). Es necesario comentar que Giulio Moschini de HOUR OF PENANCE introdujo un solo en “Wretched Feast”. Asimismo, Amduscias de TEMPLE OF BAAL puso voces en “Into Oblivion”, y Ophélie Gingras creó las orquestaciones para “Invocation of the Nameless One” y “Wrathful Reflections”. ¡Qué buen sabor de boca me ha dejado este L.P señores! Da gusto encontrar agrupaciones con un buen sentido de la melodía. Los de Serbia en ningún momento se hacen estúpidamente empalagosos, y eso es muy de agradecer. Personalmente, conforme escuchaba el asalto, me han venido a la mente dos bandas en concreto: DISSECTION y BEHEMOTH. Creo que la influencia de ambos conjuntos es más que evidentes, sobre todo de los primeros. Pero tranquilos, que todo está pasado por un personal filtro de composición. Otro punto a favor es que no abusan de los teclados. De hecho, todo lo contrario. Si exceptuamos al primer y último track, en el resto de temas no hay atisbo de “teclas”. La producción…. umm, no sé. No es ni mucho menos mala, aunque tiene algo que no me termina de cuajar. Del artwork no puedo objetar nada. Tan macabro como es de esperar. Las dobles armonías campan a sus anchas bajo un colchón de riffs armoniosos, disonantes y punzantes. No solo se dejan oír muy bien, sino que jamás pierden fiereza. Las voces son corrosivas e insidiosas. Existe una especie de coro puntual e ínfimo de clean vocals en la recta final de “Beneath the Black Earth”. Maravillosamente dinámica es la percusión. Os toparéis con cambios rasantes de celeridad, donde no falta los “golpes relámpago”. Destacaría la anteriormente mencionada “Into Oblivion” como lo mejor del embiste. Si sois seguidores de los combos que comenté unas líneas más arriba, sin duda disfrutaréis de este álbum. JESÚS MUÑOZ CABALLERO | 8

BILLY BIO (USA) FEED THE FIRE

AFM RECORDS, 2018 Tras la salida de Scott Roberts de BIOHAZARD todo hacía presagiar que no había mucho futuro para la banda, más si cabe con los últimos lanzamientos que habían realizado desde aquel “New World Disorder” de 1999, pero estamos en 2019 y BIOHAZARD ha resucitado en forma de BILLY BIO, eso sí, a una sola voz y con un sonido mucho más fresco y renovado. Billy Graziadei ha cogido las riendas de su propio proyecto y le ha dado la forma que él ha querido con la mítica esencia de los mejores BIOHAZARD. Y qué mejor manera de comenzar el disco que con “Freedom`s Never Free”, un trallazo en toda regla y que incluso con la letra delante cuesta seguir. Ritmos frenéticos al más crudo hardcore en la mayoría de la canción que no te dará tregua hasta el final. “Feed The Fire” es el corte que da título al disco y a su vez más accesible que su predecesora con ritmos más “heavies” y melodía en su estructura sin dejar de ser lo que es, BILLY BIO. “No Apologies, No Regrets” nos obliga de nuevo a pisar el acelerador y no soltarlo en toda la canción. Energía pura y dura y es que es la tónica general del disco. Llega la canción old school del disco, “Generation Z” con esos ritmos hardcore/punk/rock que invitan a corear el tema y bailarlo y que podrían haber escrito los mismísimos AGNOSTIC FRONT. En “Sick And Tired” nos encontramos una canción pesada no exenta de partes aceleradas y melódicas aunque en menor medida. Con “Remedy(Interlude)” se nos da el tiempo justo para coger aire y seguir el frenesí general del disco con “Soladity” incluyendo un regustillo a “Mata Leao” en alguna parte de la canción. “Rise And Slay” me retocede a los tiempos de “New World Disorder” y eso se agradece. Parece como si el señor Graziadei hubiese cogido lo mejor de los discos de BIOHAZARDy lo mezclase en una batidora americana, dando como resultado un señor discazo. Y con “Stfu” me sucede lo mismo. Es como escuchar el mítico “Shades of Grey” en versión mejorada, una de mis preferidas de este disco, sin duda alguna. El señor Billy nos deja de nuevo un pequeño lapsus para descansar con este “Trepidation(Interlude)” para seguir con”Untruth” en la más pura onda “State of the World Adress” y es que no me canso de decirlo, tenemos en este lanzamiento lo mejor de BIOHAZARD en un solo disco. Y llega otra de old school con “Enemy”, porque aquí se barajan muchos palos del hardcore. Y llegamos al final con “Disaffected World” con melodía rápidas por momentos y pesadas en otros para acabar con un largo outro. Si pones el repeat en tu reproductor déjatelo escuchar porque te servirá para coger oxígeno de nuevo y escuchar otra vez este disco tan variopinto como brutal. En esta nueva singladura de Mr. Billy no echaremos de menos al otro cantante de Biohazard, ya que él sólo se basta y sobra para abarcar todo el disco, por eso es BILLY BIO y no BIOHAZARD, eso está claro. No sabemos si los de Brooklyn volverán algún día a reunirse de nuevo, pero de momento estamos más que cubiertos con este lanzamiento en solitario. Los fans más acérrimos de BIOHAZARD gozarán de este disco, sin duda alguna, como yo lo he hecho. Producción muy cuidada tanto en sonido como en los lanzamientos audiovisuales hasta la fecha. Larga vida a BIOHAZARD y BILLY BIO!!! FERNANDO TURRILLAS | 10

BLOOD FEAST (USA)

CHOPPED, SLICED AND DICED HELLS HEADBANGERS, 2018 La mítica banda procedente de New Jersey BLOOD FEAST formada inicialmente en 1985 bajo el nombre de BLOOD LUST lanzó al mercado el pasado veintiuno de diciembre su nuevo trabajo discográfico titulado “Chopped, Sliced and Diced”, tras su vuelta el año pasado con “The Future State of Wicked”, ahora nos presentan un EP editado de nuevo por el sello Hells Headbangers Records. Este trabajo está compuesto por seis cortes repartidos en un total de algo más de veinticinco minutos de duración y que sigue la línea del Thrash Metal de corte agresivo tan característico en ellos desde sus inicios. El álbum comienza con “Concubine” único corte de nueva creación de este disco, el cual posee mucha influencia de su disco estrella “Kill for Pleasure” en el que observamos unos riffs asesinos y un estribillo demoledor, sí este va a ser el camino elegido para futuros trabajos vamos a disfrutar de lo lindo con el combo de Bayonne. Los siguientes cuatro cortes “Hunted, Stalked and Slain”, “Darkside”, “Chopping Block Blues” y “Chemical Imbalanced” ya aparecieron en sus dos primeros discos registrados a finales de los ochenta, pero no se han limitado a lo fácil, a remasterizarlos y meterlos sin más, sino que los han regrabado para la ocasión, con una sobresaliente producción por parte de Joel Grind y además sirve como presentación de su nuevo baterista Adam Kieffer (Ex.M.O.D.). Para finalizar este trabajo discográfico incluyen el corte “By The Slice” perteneciente a su último disco en una versión en directo de su paso por Osaka, la cual al igual que el tema anterior son dos bonus tracks incluidos sólo en su edición en CD y Cassette. CARLOS BERMEJO | 8

lo largo de los casi 20 minutos de duración de cada una; sí, es cierto que hay cambios notables, algunas secciones más melódicas y con menos machaque, pero si de 20 minutos tenemos una variación notable en tan sólo 2… Al final es como si no estuviese. La longitud de los temas, al final, me parece más una excusa para alargar los riffs hasta el infinito y rellenar. Sin ir más lejos, el tema ‘Par-dela Les Aubes’ tiene casi 3 minutos al final de fade out que son totalmente innecesarios. Las diferencias entre los dos temas que componen ‘Les Avatars Du Vide’ no son significativas, encontramos el mismo sonido, sin diferencias notables. Sí, hay riffs diferentes (¡Sólo nos faltaría que fuesen iguales!), pero el sonido es fundamentalmente idéntico. Más que black atmosférico, yo creo que BLURR THROWER han intentando hacer un black más próximo a la primera ola, con las voces de fondo marcadas por la desesperación y angustia tan propias del género. Las partes más melódicas (las pocas que hay) sí que recuerdan algo a un black atmosférico, pero ni de lejos podríamos encajar este trabajo como tal. Para ser un primer álbum por parte de BLURR THROWER no puedo decir que esté mal, pero para ser un álbum de black tampoco puedo decir que esté muy bien. ‘Les Avatars Du Vide’ no os va a descubrir nada nuevo, no es un trabajo excepcional, no sobresale en ningún aspecto. Se queda en un trabajo mediocre dentro del género, bien ejecutado pero monótono y aburrido. Los temas excesivamente largos hacen que el oyente no pueda escuchar las partes que sí que brillan un poco más sin tener que pasarse varios minutos navegando a través de un mar de riffs casi idénticos, tratando de discernir qué parte del tema es cada una y si no es esa la misma que habías escuchado hacía 10 minutos ya. GABRIEL PASTOR SÁNCHEZ | 4

BURNING (NDL) THE P.I.D. FILES

AUTOEDITADO, 2018

BLURR THROWER (FRA) LES AVATARS DU VIDE

LES ACTEURS DE L’OMBRE PRODUCTIONS, 2018 La reseña de hoy es de la banda BLURR THROWER y su álbum ‘Les Avatars Du Vide’. Como el nombre del álbum sugiere, la banda es francesa, pero poco más sabemos acerca de sus componentes, ya que no he conseguido encontrar ninguna información al respecto, ¿Se trata de una formación clásica de 5 personas? ¿Es una one-man band? Nos quedaremos con la incógnita. ‘Les Avatars Du Vide’ se trata de un álbum de black metal, en teoría atmosférico, con tan sólo dos cortes y una duración de 36 minutos. Hacía tiempo que no encontraba una banda del estilo que apostase por temas tan largos, de modo que BLURR THROWER me han llamado bastante la atención por ese detalle. Ahora bien, he de decir que no es necesariamente positivo, lo veo algo más achacable a géneros como el doom, ya que las dos canciones que componen este álbum llegan a hacerse pesadas. El sonido es bastante uniforme a

Desde su localidad natal, Stadskanaal al norte de Holanda desde donde procede esta banda llamada BURNING (nombre no muy original) nos han hecho llegar su último Ep editado llamado “The P.I.D. Files”. Este trabajo representa su tercero, ya que anteriormente tienen un primer EP y un disco de larga duración anteriores. La banda tiene un line Up clásico dos guitarras, bajo, batería y voces. “The P.I.D. Files” está compuesto de cuatro temas, los cuales encontraras unas claras influencias de BLACK SABBATH, con esa oscuridad de las canciones tanto por las voces como por los instrumentos, pero bajado de revoluciones y agresividad. En general los cuatro temas son de un Heavy Metal fácil de escuchar, con esos detalles que destacan mucho, y que hacen que la composición de las canciones sean de muy alto nivel. De los cuatro temas sin duda alguna mi tema favorito ha sido “On the Run” donde realmente se ve esa influencia dándole a la canción ese gusto setentero. “The Angels of the Universe” tiene una parte final muy destacable que le da contundencia a la canción. En “Paul” puedes saborear más a los IRON MAIDEN con esos típicos ritmos de guitarras pero con unas voces e interpretación en distinto registro. Gran aperitivo para mantenernos a la espera de un disco completo, espero que realmente continúen en esta linea de composición. JESÚS SÁNCHEZ | 8.5

CANTIQUE LÉPREUX (CAN) PAYSAGES POLAIRES EISENWALD, 2018

BURNING WITCHES (SWI) HEXENHAMMER

NUCLEAR BLAST RECORDS, 2018 Hacía mucho tiempo que no escuchaba un álbum de heavy metal, hasta que llegó a mis manos el nuevo trabajo editado por Nuclear Blast del quinteto suizo BURNING WITCHES, “Hexenhammer” y la verdad es que estas chicas no me extraña para nada que estén teniendo tanto éxito en su carrera musical, pues desde el 2015 y con tan solo dos álbumes en sus espaldas están en boca de toda prensa y aficionado al heavy metal old school. Su segundo trabajo es rápido, agresivo y técnico, centrado en el libro MALLEUS MALEFICARUM, El Martillo de Brujas, que en alemán da título al álbum, “Hexenhammer”, centrando sus letras en la opresión, la violencia y la manipulación. Producido por el mismo equipo que su debut homónimo, ha sido grabado en Little Creek Studio por V.O. Pulver (PRO PAIN, DESTRUCTION, NERVOSA…). Tras una introducción instrumental e invocadora de brujas, “Executed”, nos deja un muy buen sabor de boca con la rapidez de sus guitarras a cargo de Romana y Sonia, con unas poderosas estrofas con voz doblada y es que Seraina hace un grandísimo trabajo con su voz, cambiando tonalidades a lo largo del álbum con una gran personalidad; un temazo para abrir boca. Con “Lord Of War”, nos dejan un corte más lento y marcado, heavy metal y rock, para adentrarnos en su música con “Open Your Mind”, donde el cabalgar rítmico, el bajo de Jay repetitivo y la percusión de Lala, acompañan en un recitar oscuro en las estrofas, con un punto de melodía en un gran estribillo, que invita a levantar el puño y cantar, dando paso a la balada del álbum “Don’t Cry My Tears”, emotiva y sentimental; buen tema. Y es que su heavy metal es clásico, con un toque épico como “Maiden Of Steel”, enérgico y guerrero corte a lo MANOWAR, para con “Dead Ender”, endurecer su discurso, con ritmos MAIDEN, en un corte machacón pero muy heavy, que a estas alturas sus estructuras musicales ya te sonaran. “Hexenhammer”, guarda uno de los estribillos del álbum, el cual me encanta, con un trasfondo oscuro y heroico, que nos lleva a la frénetica “Possession”, donde la sucesión de guitarras dobladas, guardan otro himno para cantar y que a buen seguro funcionara en sus directos con un continuo headbanging que nos lleva a “Maneater” y a una de las cover más realizadas de la historia, la cual me encanta, hablamos de “Holy Diver” de DIO, en un homenaje particular y la cual interpretan con gran calidad. BURNING WITCHES, siguen trabajando con este segundo trabajo para situarse en primer plano del heavy metal europeo, y aunque todavía les falta un punto más en cuanto a variabilidad en sus estructuras musicales y quizás introducir algún coro más, poco a poco van creciendo en su estilo, estética y composición. Con este segundo trabajo dan un pasito más. JUAN ANGEL MARTOS | 7

Inspirado en las regiones heladas de Quebec, el título del segundo larga duración de CANTIQUE LÉPREUX se traduce directamente en “paisajes polares”, explorando un tema recurrente de la naturaleza helada que constituye la mayoría de la patria de la banda. Musicalmente, “Paysages polaires” continúa el camino nostálgico que se establece, con las melodías arcaicas y escarchadas del álbum debut de la banda (Cendres Celestes) mientras el disco se adentra en otros 45 minutos de oscuridad, miseria y pesimismo, dividido en dos partes y costando de siete temas de frío black metal plagado de himnos conmovedores. Con un enfoque de composición de canciones más nítido y directo, lideran el camino a lo largo de las siete pistas hipotérmicas de black metal rápido y atmosférico. El Álbum se equilibra entre los bordes bellos y duros en combinación con el tríptico medio conceptual de canciones basadas en el invierno norteamericano. Los apasionados Angloquebequenses llevan un fuego secreto de esplendor estelar, como el aquí revelado en un salvaje monumento de metal negro esculpido en hielo y piedra. La grabación y mezcla a sido realizada por Blanc Feu. Percusiones grabadas por François C. Fortin en La Boîte Noire Studio. Mezcla final y masterización por G. de Eos. Master en vinilo de Greg Chandler en los estudios de grabación de Priory. Letras de Blanc Feu, excepto los tres “Paysages polaires” que fueron escritos por el poeta quebequense René Chopin (1885-1953). La portada fue realizada por el artista francés Gabriel Loppe, titulada Mont Blanc Massif (1896). MARK BERSERK | 8.5

CITY OF TYRANTS (USA) REVELATIONS

AUTOEDITADO, 2018 Hoy presentamos el primer larga duración de la banda CITY OF TYRANTS, “Revelations”, con un sonido entre el Groove Metal y sonidos más del ámbito Core. Su sonido es muy agresivo, se podría decir que cada canción compite para demostrar esa gran agresividad. Pero toda esa rabia siempre va aderezada con unas partes melódicas haciendo el clásico claroscuro tan característico de estos géneros y una fuerte instrumentalización muy técnica y llena de filigranas en las que se ha buscado un exceso de distorsión para enfatizar esa energía, que para los más técnicos será una auténtica delicia. El disco en sí es una historia contada en primera persona por una divinidad que es elegida para llevar la paz a un mundo post apocalíptico. En última instancia, el personaje termina en una batalla consigo mismo, luchando contra sus impulsos para convertirse en exactamente lo contrario de lo que se proponía ser. En propias palabras de Kevin Michael, batería de la banda, “Los fanáticos tendrán que escuchar el álbum para descubrir cómo termina la historia”. Por mencionar un tema, escojo “Astral Projections”, tema que sacaron justo antes del lanzamiento del disco, con lo que podréis encontrarlo fácilmente en vuestras plataformas online preferidas para poder escuchar el tema. La canción abre de forma rápida y agresiva como ya os he comentado, punto fuerte de todos los temas. A medida que avanzamos, el tema se vuelve más melódico, para explorar ese sentimiento de presión y autoculpa reflejados en la letra. Me parece todo un acierto precisamente estas partes melódicas, porque NUM. 61 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 37

aunque no son tan tralleras en nuestra cabeza, aportan cierta profundidad y la misma energía y mala baba que las partes más contundentes y la fusión de ambas partes hacen un conjunto muy profundo y pesado. En resumidas cuentas, “Revelations” es un muy buen disco, una base sólida de la que poder seguir creciendo con un sonido muy masticado y fácil de reconocer. CITY OF TYRANTS es una banda que te hará pensar y sonreír al mismo tiempo. Sinceramente, me parece un álbum que podría gustar a todos los amantes del metal moderno, da igual realmente los gustos que tengas, creo que puede tener algo para todos este disco y mas si entras en profundidad en él, que es donde realmente se puede llegar a disfrutar este disco.

te respecto a su anterior trabajo de estudio “Crying of Broken Beauty”, notándose sobre todo en las voces. Si siguen así, se harán un hueco en la escena hardcore mundial, o eso creo… FERNANDO TURRILLAS | 7

RUDY PERTU | 8.5

CRYPTOPSY (CAN)

THE BOOK OF SUFFERING - TOME II AUTOEDITADO, 2018

CLOUDBURST (IDN) CLOUDBURST

SAMSTRONG RECORDS, 2018 Cuando oigo hablar del metal indonesio, siempre me vienen a la cabeza, bandas de brutal death, grindcore y demás sucedáneos del death metal, aunque bien es cierto que últimamente este abanico ha tendido a abrirse en cuanto a estilos me refiero, y éste es uno de esos casos. Desde la isla de Java, concretamente desde Yogyakarta, llegan CLOUDBURST , con un hardcore metálico abrazando las esencias del noisecore al más puro estilo Converge. Comenzamos con “Strange Acrobat”, con ritmos desenfrenados en la música y recurriendo en ocasiones al spoken word en sus letras. Con “Crimson Mask” los gritos inhumanos rebosan por todos lados en una canción muy dinámica en velocidad y que a su mitad, nos da un respiro para coger aire y acabar de nuevo con el frenesí con el que empezó. “Tornado” no es ni más ni menos que lo que dice el título, un tornado de canción. En ocasiones arrimándose a esencias del death metal, ésta canción también nos deja el último minuto dejando claro que son una banda de hardcore aún con todas sus vertientes, hablándonos sobre el uso que damos los humanos de nuestra naturaleza y como destruímos el planeta. Sigamos con “Eternal Gunfight” y sus riffs hipnóticos y de nuevo letras al más puro estilo spoken. No es una canción rápida, pero sí en la que abundan ritmos desacompasados, redobles y demás ritmos imposibles. “Oral Staircase” es el punto de cordura de este disco. Un interludio instrumental que ha dado tregua a las canciones anteriores donde no había respiro. Cogemos aire y seguimos con “Personal Golgotha”, una canción en la que predominan sus ritmos disonantes y que progresivamente va a más, un poco de “tupa-tupa” nunca viene mal en un disco de éstas características. En “Human Origami” recurren de nuevo al spoken-word para reflejar sus letras aunque la combinan de nuevo con eso chirridos que salen de la garganta de su vocalista A. Okta. Canción ideal para escuchar con una camisa de fuerza bien atada.Y vamos llegando casi al final con ésta “First Cry”, una canción más orgánica y fácil de escuchar. Bastante rápida en su totalidad y que enlaza directamente con el corte final, “Final Cry” y que nada tiene que ver con su predecesora, donde nos encontramos de nuevo con esos ritmos disonantes y esquizofrénicos, y en ocasiones un poco acelerados. Tengo que confesar que cuando empecé a oir este disco no me llamó poderosamente la atención, en cuanto al estilo de hardcore que practican, pero a medida que he ido escuchándolo me ha ido enganchando cada vez más. Lo dicho, Indonesia se va abriendo camino en el mundo del harcore y CLOUDBURST son una buena muestra de ello. En cuanto a producción han mejorado considerablemen38 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 61

Nuevo EP de una de las bandas más violentas, agresivas e intensas que han salido desde Canadá, los ya veteranos CRYPTOPSY nos ofrecen cuatro nuevos temas en este segundo tomo del “Libro del Sufrimiento”, su primer tomo editado en 2015 dejó muy buenas sensaciones en toda la escena y siendo considerado por muchos de lo mejor editado ese año, y hay que reconocer que esta nueva grabación está a la altura de lo esperado y no defrauda en absoluto, ofreciendo cuatro temas realmente enfermizos, técnicos e intensos como pocas cosas que uno pueda escuchar. Lo primero que sigue llamando la atención es la complejidad técnica y el dominio absoluto de los instrumentos de estos cuatro maestros, porque realmente en los temas los riffs destilan una velocidad de ejecución, melodías disonantes y agresividad que nos enganchan desde el segundo uno. De todos es conocida la maestría de Flo Mounier a la batería, uno de los más veloces y técnicos de la escena del Brutal Death, pero si a esto le añadimos el trabajo de Christian Donalson a la guitarra y Olivier Pinard, la grabación no deja a nadie indiferente, pero también hay que destacar el trabajo alocado de Matt McGachy a las voces, haciendo un verdadero recital de cambios de estilo vocal y siempre sonando agresivo y brutal, algo que es imprescindible en la música de CRYPTOPSY. Pese a que es una banda que pasó por un bache bastante pronunciado en la década de los 2000, parece que en estas dos últimas grabaciones se han puesto las pilas, y las composiciones sin perder ni un ápice de velocidad, agresividad, intensidad y técnica, consiguen que los temas suenen accesibles y pese a esa complejidad técnica no sean difíciles de escuchar y en sucesivas escuchas muchos riffs ya los tengamos pegados en nuestra mente, así temas como “Sire of Sin” me recuerdan a su etapa dorada de la obra maestra titulada “None So Vile”, otros como “The Law is the Flesh” demuestran el buen momento compositivo y de creatividad por el que atraviesa la banda. Excelente y una de las mejores grabaciones para todo el fanático del Brutal Death técnico y sobre todo para los seguidores de una banda como CRYPTOPSY, ya que la banda vuelve a componer como unos maestros en el arte de la brutalidad, velocidad y riffs alocados.

A través de Base Record Production y War Production, nos llega el trabajo debut de una nueva banda nacional de black metal, CULT OF SELF DESTRUCTION y su “Exitium”, donde los pasajes melancólicos y melódicos le dan también la etiqueta de atmospheric black metal, del que hablaremos a continuación, para fans de MGLA, DRUDKH o UADA. Así, frente de este proyecto se encuentran dos nombres propios, Mark Berseker de APOSENTO y BIZARRE quien pone la voz y la percusión, y Pablo Gar de BAÏKAL, encargado de las guitarras y bajo; además de aportar cada uno detalles de teclados que aumentan esa atmosfera opresiva, doom y melancólica que nos transmiten a la perfección, iniciándose con la instrumental “Initium”, para enlazarse con cinemáticas a “Descending To The Deepest Of The Abyss”, un corte de desarrollo lento y con un ritmo asíncrono que lo diferencia del resto, aportándole un toque de distinción desde el inicio, para arrancarse con un as estofas viscerales que contrastan con las partes más épicas y oscuras, un contraste que será la tónica de su trabajo y el cual me encanta. “Misanthropic Condition”, es más agresiva y directa, con una percusión endiablada, pero siempre con ese toque melódico de trasfondo esta vez en los puentes y dados por teclados y un estribillo más épico, donde la dualidad de voces entre las desgarradas blacker y los guturales encajan perfectamente; unos guturales que deberían haber utilizado alguna vez más a lo largo del álbum. “Moon On Saturn”, bebe de ese toque doom, siendo un himno oscuro CULT OF SELF DESTRUCTION, nos muestra otra faceta más de su música, las ambientaciones machaconas creadas por una música con mucho carácter; carácter que demuestran en “Sui Caedere”, un tema intimista, con una voz desnuda sobre una base muy sencilla de bajo, percusión y delicadas notas de guitarras que quedan en un segundo plano, hasta el estribillo que nos traslada hacia otro mundo, con unas armonías muy post black metal (influencias de ambos músicos y sus proyectos paralelos); un temazo en toda regla al igual que “Until The Dyining”, versátil, oscura y goticista, donde la variabilidad y dualidad en las voces le dan un punto a su favor, en un contraste que se agradece en uno de los cortes destacados para escuchar y escuchar. Ya en la parte final del álbum encontramos “The Curse Of The Witch” con un black más marcado y la instrumental “Exitium” que cierra el trabajo, entre las que encontramos “We Will Be Wolves”, otro de mis temas preferidos con sus casi ocho minutos de duración, extrapolándonos a una dimensión oscura con unas melodías místicas y profanas, unos detalles en segundo plano de voces corales que surgen del abismo y un desarrollo lento y machacón, como manda el doom, pero con el ritmo de un medio tiempo black que nos lleva hacia el apocalipsis. CULT OF SELF DESTRUCTION, han creado un debut de gran talento, donde los ritmos endiablados del black se entremezclan con matices doom y goticistas para crear un combo muy interesante en un debut a tener muy en cuenta.

y su característico sonido: grueso, crujiente, traqueteante… Tony Iommi, como era el único guitarra con el que contaban los SABBATH tuvo que idearse un sonido potente que venía de las escalas pentatónicas del Blues para rellenar el espacio en las canciones. ¿Qué hizo? Afinaciones graves (C#4), ritmos lentos y sustain a saco. De hecho, en su segundo disco, “Paranoid” (1970) y, en concreto, en su tema “Hand of Doom”, se les atribuye dar origen al estilo que nos ocupa, el Doom. Parece mentira como a estas alturas de la película, uno ande descubriendo a una banda como los alemanes DAWN OF WINTER. ¿Unos recién llegados? ¡Qué va! Llevan desde el año 1990 arrastrando su Doom. No, aquí no hay innovaciones raras, evoluciones grandilocuentes, hay lo que tiene que haber: Doom 100%. “A Dream within a Dream” abre el disco con unos riffs gruesos que arrastran la melodía del tema contrastando con la nítida y peculiar voz de Gerrit P. Mutz y un estribillo realmente infeccioso. Para que te quedes sentado expectante por ver lo que continúa, siguen con “TheThirteenth of November”, en la misma línea lodosa, con una base rítmica (Dennis Schediwy a las tímbalas y Joachim Schmalzried al bajo) que es capaz de derrumbar la Gran Muralla China a base de breaks. Sin grandes alardes técnicos, toda la banda, incluido el guitarrista Jörg M. Knittel, se mueven como un mastodonte metálico, Doom Metal de la vieja escuela, al que ni siquiera han tratado de darle una pátina de modernidad. El Tritono, el diábolus in música, esas tres notas que en la Edad Media fueron tildadas de música del Maligno, volvieron a aparecer en la música recuperadas por esta gente, por Iommi y toda su vasta prole: SAINT VIRUS, CATHEDRAL, PENTAGRAM, PARADISE LOST, TROUBLE, CANDLEMASS… Pues, resulta que DAWN OF WINTER entran dentro de esa categoría del Doom, del primigenio, llevan treinta años en el negocio, y yo los ando descubriendo ahora. Treinta años en el negocio, y tres discos publicados en cada año que finaliza en 8: “In the Valley of Tears” (1998), “The Paceful Dead” (2008) y este “Pray for Doom” (2018). Trallazos lentos, crepitantes, con unos riffs como “The Sweet taste of Ruin” o el inicio acústico y melancólico del tema título. Seguimos viajando por los años setenta con el poder evocador de la música con la percusiva “The Orchestra Bizarre”. Todo el disco rezuma el Doom metal original, el que luego desarrollaron el resto de bandas. No busquéis sonidos actuales, experimentaciones, algo innovador: cuando algo funciona, ¿para qué cambiarlo? Lo único que podemos hacer es rezar, para que DAWN OF WINTER no tarden otros diez años en sacar un nuevo álbum: rezamos por el Doom (“Pray for Doom”). CESAR LUIS MORALES | 8

JUAN ANGEL MARTOS | 8

DEAD UNS (ITA)

LUIS MARTÍNEZ | 10

COLD WINDS

INDELIRIUM RECORDS, 2018

DAWN OF WINTER (DEU) PRAY FOR DOOM

I HATE RECORDS, 2018

CULT OF SELF DESTRUCTION (ESP) EXITIUM

BASE RECORD PRODUCTION, 2018

Génesis del Metal, versículo 1: Al principio estaba la Nada, y, entonces, Tony Iommi puso el ampli al 11 e inventó el Metal. Así, grosso modo, comenzó todo. Y aquel fue nuestro Big Bang; del resto, de lo que ocurrió desde aquel momento ya sabéis; y si no, tenéis abundante bibliografía. Pero en el principio, estaba BLACK SABBATH,

Todo fan del punk rock sabe que en Italia tiene un buen filón de bandas de las que disfrutar, véase bandas como PUNKREAS o LOS FASTIDIOS. En esta ocasión hablamos de DEAD UNS, una banda de punk rock de corte melódico, muy alejados de las bandas citadas anteriormente, y más cercanos a bandas como los míticos HOT WATER MUSIC, que se presentan al mundo con un flamante EP, “Dead Winds”. Al ser un EP, no se puede sacar una conclusión demasiado explícita sobre este joven grupo, a ratos agresivos, a ratos más melódicos y virada hacia el pop punk más empalagoso. “Chains”, por ejemplo, supondrá un comienzo tal vez algo flojo para lo que se espera de una banda de punk. Muy pausado y melódico, pero que sin embargo encajará con esa voz

tan ruda que posee su vocalista, tan propia de la escuela italiana. Al contrario que su predecesora, “Cold Winds” aumentará las revoluciones y si se encargará de satisfacer las expectativas de los amantes de un punk algo más agresivo. La banda encuentra aquí el equilibrio perfecto entre melodía y velocidad. Su vocalista gana enteros a cada canción, ya que posee una personalidad abrumadora. “I’m Saint, I’m Poison” baja de nuevo el acelerador con la intención de crear un himno para conciertos con bastante gancho y con una enorme presencia para el bajo. “Hands off this Hand” es la más breve y rápida del disco y, por consecuencia, la más contundente, en la que toda la banda lo suelta todo y crea un veloz y carismático himno de punk rock de la vieja escuela. Como si fuese cosa de turnar “The Road Not Taken” supone levantar un poco el pie del acelerador, pero no es un mal tema. Al contrario, la banda tiene ese magnetismo y carisma que hará las delicias de cualquier oyente familiarizado con el género. Breve muestra de lo que el punk italiano sigue siendo capaz de ofrecer. En los apenas quince minutos de música que nos regala esta banda se aprecian buenas maneras y unas ganas enormes de comerse el panorama. Veremos, si se deciden a sacar un LP y asientan lo que seguro conseguirán con este breve EP. ANTONIO JOSÉ LASTRES | 6

DEATHALE (AUT) THE ORIGIN OF HATE

OPETH en las partes más progresivas y melódicas (Arian tiene mucho que ver con esto). A mí el disco me ha gustado… quizás incluso un poquito más que su segundo trabajo. La producción es buena pero por momentos suena demasiado “clínica” y un poco “sin vida”… pero por otra parte, éste es el tipo de producción que casi siempre nos vamos a encontrar en este género así que esto es un mal menor. El tratamiento de las guitarras es por momentos casi exquisito y la sección rítmica no desluce para nada con buenos detalles que se van pillando tras varias escuchas. Patrick es sin duda un buen voceras y con talento aunque por momentos da la impresión de que intenta hacer demasiado… quizás hubiera sido mejor menos letras para que los temas puedan respirar mejor. De todas formas es indudable que tiene un chorro de voz impresionante para este estilo, con buenos guturales y a veces sorprendentes agudos, pasando por algunas notas que a mí me suenan un poco bastante al señor Anselmo de PANTERA. La verdad bastante versátil y con mucha energía. Sin contar “The Dark One”, que es una intro (bastante buena por cierto), mis cortes favoritos de la placa serían “Bloodgod”, “Origin of Hate”, que tiene una sección rítmica muy conseguida, “Hell Exists”, con un buen groove que domina la canción. El trabajo dual de guitarras en “Seven Sins “ hace a su vez que este tema sin duda destaque en el tracklist. Por lo general todas las canciones tienen calidad suficiente para entretener al oyente sin apenas relleno, y además este estilo tan “a caballo” puede por supuesto gustar tanto a los fans del metal extremo como a aquellos fans del heavy más clásico que de vez en cuando no hacen ascos a algo más cañero pero con melodía. Y poco más que decir… buena currada que se han pegado estos vieneses para sacar nuevo disco tan pronto y, además, mejorando en todos los aspectos. El disco es ameno y tiene de todo… partes súper cañeras, breakdowns, toques progresivos, solos muy currados, una sección rítmica muy sólida y todo rociado con el impresionante chorro de voz de Patrick (aunque lo dicho… a veces menos es más). Espero que sigan en esta línea porque lo dicho, lo que hacen, lo hacen bien… así que no hace falta reinventarse en este caso. ¡Seguid así chicos!

ART GATES RECORDS, 2018 Dos años han pasado desde que los vieneses DEATHTALE sacaran su segundo larga duración “Whole World Burns” y ya nos vuelven a sorprender con otro álbum, esta vez a través de la valenciana Art Gates Records. La banda lleva activa desde 2009, habiendo sacado su debut titulado “Apocalyptic Deadline” en 2012. Echando un oído a “Whole World Burns” para refrescar la memoria y acto seguido escuchando con mucha atención “The Origin of Hate” uno se da cuenta enseguida de que, al menos en cuanto estilo, pocos cambios hay. Sin duda se trata de un satisfactorio trabajo de death/thrash (¿o acaso thrash/death?) con buenos toques melódicos, lo cual hace que por momentos suenen a melodeath más que otra cosa. Incluso en algún momento puntual se perciben ciertos toques metalcore, con lo cual no tengo ningún problema. El sonido en general es obviamente de corte “moderno” y, aunque se trata de un estilo algo trillado, no cabe duda de que esta banda lo que hace lo hace bien y está muy claro que tampoco tenían como objetivo fundamental sacar algo tremendamente innovador. De entrada algo que me llama la atención es que ahora son quinteto con la entrada de Gilli Gehring (ex VOID CREATION) a la segunda guitarra y el cambio ha añadido fuerza y dinamismo al quinteto austriaco complementándose a la perfección con ese diamante en bruto llamado Arian Rezaie. Menudos solos se marca el tío. El resto de la formación consiste en Patrick Pieler (ex CAMP CHAOS, EMPYRE, MAGNUS ANUS), Philipp Späth al bajo y el baterista y fundador Tom Kräutner (ex DEMOLITION). Nos hallamos pues con 11 temas y una duración de casi cuarenta minutos, lo cual se agradece y hace que el disco sea entretenido y ameno. El que busque algo original y revolucionario aquí desde luego no lo va a encontrar como he dicho. El que escuche el disco y sea ya un entendido inmediatamente identificará influencias de bandas como HYPOCRISY en lo que a melodeath se refiere, algo de MESSUGAH si se me apura por momentos en las partes precisas y machaconas y sin duda de

DANIEL GALLAR | 7.9

DECEASED (USA) GHOSTLY WHITE

HELLS HEADBANGERS RECORDS, 2018 “Ghostly White” es el octavo disco de estudio de la legendaria banda Americana DECEASED, y si contamos todos sus lanzamientos en total suman la friolera de treinta y nueve desde el año 1985 que se formo la banda. Este ultimo trabajo será editado por el sello Hells Headbangers Records tanto en formato CD como en Cassette. Y esta compuesto por ocho cortes y una duración de cincuenta y cinco minutos. Lo que nos vamos a encontrar es un oscuro Heavy Metal que recuerda mucho en esencia a bandas como IRON MAIDEN, MERCYFUL FATE, VENOM… fusionado con elementos de un primerizo Death Metal /Thrash de bandas como POSSESED. Canciones en donde la velocidad y la melodía se junta por momentos y los Riffs de guitarra al mas puro estilo Old School son los protagonistas. La portada también sugiere ese toque añejo de los primeros años noventa, en donde vemos un guiño a las películas de terror de la época. Otra cosa que llama mucho la atención es lo largas que son las canciones y lo variadas que resultan, en “Germ of Distorted Lore” dan la sensación de ser tres temas en una sola pista. Por otro lado a pesar de que los cortes tienen ese toque Heavy metal no dejan de lado para

nada su raíz Death, recordando por momentos a bandas como ENTOMBED en sus buenas épocas o incluso fusiones de Death Metal mucho mas melódicas que recuerdan a varias formaciones también Suecas. Los temas mas destacados son, “A Palpation´s Warning” en donde la melodía es el protagonista, bien fusionado con la velocidad de las bases rítmicas y las agresivas voces. “Endless Well” tiene un aire mucho mas épico y Heavy pero sin perder ni un poco de agresividad. “The Shivers” es el típico tema característico de la época en la que brillaba el NWOBHM, pero con un toque mucho mas oscuro. Disco recomendado para los fanáticos de las citadas bandas anteriormente o de el metal mas clásico con cierto toque “oscuro”. MARK BERSERK | 7.5

DEMONBREED (DEU) HUNTING HERETICS

TESTIMONY RECORDS, 2018 Los Death Metaleros alemanes DEMONBREED, publicaron el 14 de diciembre de 2018 su nuevo E.P “Hunting Heretics” vía Testimony Records. El grupo lo forma: Johannes Pitz (bajo), Ferli Thielmann (guitarra, voces y batería en el estudio), Daniel “Mett-God” Jakobi (guitarra y voces), Jost Kleinert (voz). Los de Alemania, entran de cabeza en el saco de bandas que ejecutan “Metal Muerto” a medio gas. El asalto suena oscuro y dramático a partes iguales. No obstante, para los que como yo seáis obsesos de la velocidad, puede que os resulte un poco soso. En líneas generales, la cantidad de giros en las tonadas son las justas – tal vez demasiado- para que el concepto de dinamismo exista. Eso sí, todo lo que le falta en celeridad le sobra en solidez. Os aseguro que os será imposible encontrar fisuras compositivas, y eso por supuesto es genial. La producción es potente y actual, mientras que el artwork, escalofriante a más no poder, permite percibir sin problemas toda la malevolencia de los ritos más insidiosos. Satán tiene que estar orgulloso de las notas que despiden las “hachas” de Ferli y Daniel. Sus riffs son macabros hasta decir basta. Los hallamos fluidos y a una cuerda. Existen las dobles armonías, pero no se exceden con las susodichas. Con los solos, bueno, no sorprenden, pero cumplen su función a la perfección, siendo de carácter melódico. ¿Qué os puedo decir de las voces?, pues prácticamente nada. Los registros de Jost son tan violentos como cabe de esperar en este estilo. Como ya decía un poco más arriba, lo que predomina aquí es ir a medio gas. La percusión es compacta si más. Destacaría la inicial “Fear the Verdict”, por ser un claro ejemplo de cuál es el camino sónico que siguen estos tíos. Ah, y por supuesto la veloz “Suprema”. Ojalá exploten más su vertiente acelerada en sus siguientes obras. No será la mejor agrupación de los últimos años, mas su valía es evidente. Echadle un oído. JESÚS MUÑOZ CABALLERO | 6

DEVIL WORSHIPPER (USA) MUSIC FOR THE ENDTIMES

I VOIDHANGER RECORDS, 2018 “Music For The Endtimes” es el titulo del primer larga duración del proyecto DEVIL WORSHIPPER. A medio camino entre Finlandia y Portugal nos presentan esta continuación de su anterior EP titulado “ Hex Your Lover”. Para este nuevo trabajo el dúo a contado con la presencia de voces adicionales femeninas. El disco será editado en edición limitada en Digipak por el sello I, Voidhanger Records. Consta de diez cortes y una duración de poco mas de los sesenta minutos. Lo que vamos a encontrar es una mezcla de Avant-Garde, Industrial, Dark Ambient y algo de Black Metal mucho mas enfocado hacia terrenos depresivos en plan DSBM o incluso Doom y elementos alternativos y experimentales. De primeras al contemplar la portada en lo primero que piensas es en una banda de Black Metal en plan Ocultista o con trasfondos esotéricos pero lo que te topas son composiciones caóticas , bajo un tipo de producción acorde al estilo. La desesperación y los pasajes desoladores juegan un papel principal en las composiciones, siendo el tras fondo mas predominan te. En ocasiones se hace incluso agobiante el escuchar este disco, teniendo partes que llegan realmente a desquiciarte, rozando lo psicótico o incluso momentos paranoides muy esquizofrénicos por decirlo de algún modo. Uno de los cortes que mas me a gustado es “Requiem Ex Abyssus”, a pesar de ser muy experimental , llega a crear una atmósfera realmente inquietante y oscura. Si te gusta la música experimental y no tienes miedo a sufrir daños psíquicos, este disco podría ser de tu agrado. MARK BERSERK | 5.5

DIMITRY (ITA / NOR) THE SILENT WATCHER AUTOEDITADO, 2018 Interesante cuarto álbum en solitario que nos presenta el guitarrista de ARCADIA, el italiano Demetrio Scopelliti, también conocido como DIMITRY. Tras sus éxito en solitario con “The Art of Complications”, el virtuoso guitarrista se vuelve a lanzar a la aventura, esta vez con artistas invitados de la enorme talla de Marco Minnemann (THE ARISTOCRATS, NECROPHAGIST) a la batería o Jorgen Munkeby de SHINING (NOR). El disco abarca ocho canciones de una duración media discreta para lo que se espera uno en un disco de este estilo, abriendo con “Ain’t the Sleeper”, donde ya deja manifiesta su enorme calidad a las seis cuerdas a base de escalas y melodías enormemente ejecutadas dentro de un contexto de heavy clásico. “Innerself” dejará de lado el lado más clásico de DIMITRY y entrará de lleno en terrenos progresivos. No dejará de recordar a su máxima inspiración, el legendario JOE SATRIANI. Las bases sobre las que el italiano se desenvuelve no dejarán de tener un matiz melódico en el que desenvolverse con la calidad que se espera de un guitarrista de su nivel. “Time” es de las más contundentes del álbum y la más corta. Potencia exacerbada y muy compaginada con los delirios compositivos y melódicos del músico italiano Si hay algo que caracteriza para bien a este músico es que no pertenece a esa escuela de guitarristas que solo buscan el amor propio, sino que buscan tener un público expectante y atento. “M-Psychosis” sonará a progresivo clásico y noventero, retrotrayendo a bandas tan legendarias como DREAM THEATER o SYMPHONY X. Como ya había demostrado antes, sabe cohesionar muy bien los momentos más groovies con los más técnicos e incluso melódicos, como también podemos observar en “Obser-

ving The Thinker”, más ligada al heavy clásico de principios de disco pero con la misma eficacia a la hora de aplicar la dicotomía groove/ melodía. “Transmutations” tiene un inicio que colma las barreras del progresivo al acercarse amistosamente al djent para terminar desembocando en una bonita parte melódica que confluirá con esos delirios más djent durante toda la canción, demostrando así que DIMITRY no es un músico cerrado de miras en absoluto. “The Silent Watcher” tendrá como invitado al virtuoso guitarrista Mattias IA Eklhund (FATE, SOILWORK), por lo que la diversión está asegurada. Un excelente duelo de velocidad, virtuosismo, elegancia, melodía y todos los apelativos que se pueden venir a la cabeza cuando se trata de dos guitarristas de esta talla. De lo mejor del disco, sin duda. “The Mirror” dará paso a los otros dos invitados del disco, Marco Minnemann y Jorgen Munkeby. Con tanto quilate la canción no puede ser menos que una joya, siendo de las más experimentales. Canción que inicia con una interesante base electrónica que transmuta progresivamente (nunca mejor dicho) en una lección de saxofón a cargo de Munkeby, que se lleva la medalla en esta canción. Evidentemente DIMITRY no se quedará atrás, al igual que Minnemann, que hará gala de sus dotes rítmicas y demostrará por qué estuvo a punto de ser el batería de DREAM THEATER tras la marcha de Mike Portnoy nada menos. El disco contará, a modo regalo para los fans, con dos increíbles canciones bonus con José Escudero como invitado. Nada que añadir, virtuosismo y creatividad a partes iguales. Es una alegría contar con músicos de este calibre y con un perfil tan bajo, no sé si me explico. Excelente trabajo de un guitarrista que, sin hacer mucho ruido, ha sabido ganarse su merecido puesto en este mundillo. Gustará a los amantes de los sonidos más progresivos a la par que gustará a los seguidores del heavy más clásico. Sin delirios de grandeza pero con las ideas muy claras, DIMITRY ha compuesto un excelente trabajo. ANTONIO JOSÉ LASTRES | 8

DRUG CHURCH (USA) CHEER

PURE NOISE RECORDS, 2018 Desde Albany, New York, nos llega a través de Pure Noise Records lo nuevo de los alternativos DRUG CHURCH, “Cheer”. El quinteto americano, nos deja un álbum repleto de potencia, donde entremezclan su rock con tintes grunge y punk, recordándonos por momentos a grupos como NIRVANA, TURNSTILE o CULTURE ABUSE. Esos toques a NIRVANA mencionados, los tenemos en el primer tema del álbum, “Grubby”, pero pasados por un filtro de punk de la costa oeste, un tema corto y perfecto para abrir el trabajo, que se une a “Strong Reference”, donde el quinteto formado por Patrick en las voces, Nick y Cory en las guitarras, Chris en la percusión y Patrick al bajo, demuestran su estilo base un rock alternativo con tintes punk, donde emplean melodía y potencia a partes iguales, que también se puede ver en “Avoidarama”, y es que su rollo casi hipnótico y pausado en las estrofas, contrasta con un enérgico estribillo, pegadizo y que te recordará a varios grupos de los ’90 sin pestañear. Con “Dollar Story”, nos dejan un gran corte, en el que aplican un punto extra de melodía en la voz de Patrick, que junto a “Unlicensed Guidance Counselor” o el cierre con “Tillary”, conforman un bloque más melódico y meloso, donde la emotividad y los sentimientos son traspasados al rock/punk de corte clásico, teniendo en “Weed Pin”, un puente acelerado y muy OFFSPRING, para darle otra marcha

con “Unlicensed Hall Monitor”, empleando elementos de bandas como BLINK182 o unos TURNSTILE más universitarios. Antes de terminar, mencionar “Foam PIt”, de mis preferidas, con una melodía coral muy ensoñadora que le da un toque distinto y atmosférico y donde el bajo y las guitarras comandan unas estrofas que Patrick maneja a la perfección; un temazo, al igual que “Conflict Minded”, donde juegan con los tempos y ritmos a su antojo, en un corte de contrastes, y en la que colabora Carina Zachary de HUSBRANDY, aportándole el toque que le faltaba para crear un dueto perfecto junto al carismático Patrick. DRUG CHURCH, gustará a los nostálgicos del rock y el punk noventero, con unas letras afiladas y apoyándose en el sonido clásico, traen un álbum fresco y de mucha calidad a este final de año 2018. JUAN ANGEL MARTOS | 7.5

ELECTRIC MARY (AUS) MOTHER

LISTENABLE RECORDS, 2018 Los australianos ELECTRIC MARY, a través de Listenable Records, nos traen bajo el brazo este “Mother”, con ocho cortes de exquisito y a la vez, contundente hard rock con toques clásicos. Formados en 2003, y después de tres discos y otros tantos Ep, los de Melbourne tienen mucho oficio en esto de rockear, y se les nota a la legua. Con su vocalista Rusty, y su característica voz, la banda es muy identificable, y logran crear una amalgama de sonidos stoner, blues y hard rock; muy bien ejecutados y con mucho royo. Completan la formación actual los guitarristas Peter Robinson y Brett Wood, Alex Raunak al bajo y Dave Porter aporreando los tambores. Son una auténtica banda de directo, y toda la crítica y público es unánime en describirlos como espectaculares, e incendiarios en sus shows. Han teloneado a grandes como DEEP PURPLE o WHITESNAKE, y ya tienen una gran legión de seguidores, deseosos de su hard rock. “Mother” comienza con “Gimme love”, auténtico pelotazo que te taladrará el cerebro con sus tremendos riffs y la voz de Rusty. En “Hold onto what you got “ empiezan con mucha fuerza, con Rusty un tono por encima, y un estribillo brutal para cerrar un temazo. Continúan con “How do you do it”, con un toque blues rock, en un corte más pausado pero de mucha calidad. Con “Sorry baby” siguen una línea similar al tema anterior, pero durante sus seis minutos largos, nos da un paseo por la esencia pura de la banda; guitarrazos, una voz increíble y una base rítmica de aúpa. Eso si, a menores revoluciones claro. Siguen con “The way you make me feel”, auténtico torbellino rockero, súper rápido y enérgico, dándole un giro a su predecesora. “It’s Allright “ es otra maravilla con un aroma muy árido, una canción que hará las delicias sin ninguna duda, de los amantes de estos géneros tan conectados; como son el hard rock y el stoner. “long long day” es un corte más pesado, donde la banda demuestra que domina todos los pasajes dentro de su estilo. Y para cerrar este magnífico disco, “woman”, un hit en toda regla, con riffs increíbles y un estribillazo que será un himno en su set list de directo. Menuda pasada de disco se han marcado ELECTRIC MARY, una gozada absoluta. Esta banda demuestra que está un pasito por encima de muchas formaciones similares. Dadle una oportunidad y disfrutaréis mucho con este “Mother”. JOSE ANTONIO GALLEGO | 8.5

EMBRYONIC CELLS (FRA) HORIZON

APATHIA RECORDS, 2018 Como un hijo bastardo resurgido de los territorios helados del norte de Europa, EMBRYONIC CELLS se mantiene fiel a la segunda ola de Black Metal. Sus armas son las de sus padres, las bases rítmicas son como una fuerte ventisca, la voz es un terror que sopla desde el cuerno de los antepasados, los teclados caen sobre el enemigo como fantasmas de hielo con voces hechizadas. La banda construye un paisaje épico en una mezcla efectiva en donde “Horizon” recuerda la magia del Black Metal original, puro, intenso, trágico y destructivo, pero con un pequeño guiño de actualidad. Este cuarto disco de los Franceses, esta formado por ocho cortes y una duración de cuarenta minutos. Muy recomendado para fans de bandas como SATYRICON, IMMORTAl o los viejos DIMMU BORGIR. Parte de los temas mas destacados de este disco son , “ Horizon”, tema que da titulo a la obra y en donde las atmósferas, tanto como el tipo de composición recuerdan enormemente a la escena Nórdica de mediados de los años noventa, sin duda es uno de los mejores temas del redondo. “Don´t Serve Your King” tiene muchas melodías que recuerdan a los primeros THE KOVENAT. “ Never Let You FALL” es un tema muy épico en donde los riffs de guitarra son los principales protagonistas. MARK BERSERK | 7

FEARS AWAY (ESP) BEYOND REFLECTIONS AUTOEDITADO, 2018 Hay ocasiones que las condiciones meteorológicas adversas dan con una base para crear proyectos musicales de Metal extremo, es el caso de los Vascos FEARS AWAY que desde su Vitoria natal nos presenta su último trabajo en estudio. Formación creada atrás en el 2016, acaban de hacer público su último álbum llamado “Beyond Reflection”. Dando al mundo una imagen de seguridad absoluta con este trabajo, compuesto por trece temas nada más y nada menos, se ve que tienen muchas cosas qué decir y compartir. La banda con un line Up de quinteto, dos guitarras, bajo, batería y Voces. Hasta este punto nada raro. Cuando miras la portada, montañas nevadas reflejadas sobre un lago o mar plato no te da ni una pista de lo que te espera, una descarga de METALCORE duro, rápido, técnico y melódico en ciertas partes. Entrando en materia, “Beyond Reflection” abre con un tema super corto llamado “T.F.I.H” donde ya aparecen esos sonidos de guitarras y bajos muy trabajados, cargados de riff duros distorsionados y graves, con la base rítmica rotunda. En temas como “Poison” o “Hygge” las voces en su interpretación destaca por transmitir esa rabia del Hardcore. Los ritmos de baterías abren todo un pozo de cambios rítmicos marcados con el bajo contundente.

“Suspects Of Existence” o “Golliat” canciones donde los coros acompañan en los estribillos que se rompen con esos riff de guitarra cortados y descompasados, nuevamente esos cambios de velocidad dando esas notas largas y graves aparecen. Otros temas como “Our Hearts Together” o “My Own Fate” donde el bajo y guitarra marcan notas contundentes acompañados de batería rudas y pesadas que te hacen sentir esos golpes de las notas en el pecho, pero que abren paso a una descarga de riff veloces que hacen que las frases del cantante encajen con esas rafagas de palabras. Un trabajo espectacular, muy detallado y bien cuidado en la producción, que te hace recordar que también en este país se puede hacer Metal con una gran calidad, Me ha gustado y sorprendido mucho el sonido de las guitarras y bajos, impresionante. JESÚS SÁNCHEZ | 9

FERUM (ITA) VERGENCE

EVERLASTING SPEW RECORDS, 2018 Nueva edición del excelente sello italiano Everlasting Spew Records y como ya viene siendo habitual desprende aroma a Death Metal, esta vez menos técnico a lo que acostumbra el sello con muchas de sus bandas, y FERUM nos ofrecen un pesado y pútrido Death Metal con muchas influencias del Doom más mortal y decadente, todo con una ambientación muy yanqui en su sonido, aunque de vez en cuando podemos escuchar algún que otro riff más cercano al frío Black nórdico, de forma muy esporádica (“Perpetual Distrust”). Muy buena producción, donde cada instrumento suena nítido y se parecía con su esplendor, que realmente se ajusta al estilo de música que FERUM nos ofrece, guitarras pesadas y contundentes, batería con mucha presencia en bombos y caja que golpea nuestros oídos a cada baquetazo, voz diabólica y desgarrada, siguiendo por momentos la vocalización de un joven Chuck Schuldiner, aunque en temas como “Subconcious Annihilation” esta influencia también se traspase claramente a la música, tema que parece sacado de un álbum como “Scream Bloody Gore”, “Severed Survival” o “Mental Funeral”. Temas como “Funeral” exploran más los terrenos lentos y densos, con predilección para ofrecer atmósferas enfermizas y repletas de sufrimiento, siendo el tema más largo de la grabación con cinco largos minutos. Cierra este EP el outro “Ed E’ Subito Sera”, tema que resume un poco lo que he dicho, en anteriores temas, lentitud, contundencia, pesadez y densidad, ideal para los seguidores del primer álbum de Schuldiner o Reifert, y donde se añaden pequeñas pinceladas de riffs más cercano al Black nórdico, variando un tanto el sonido en esos momentos y mostrando diferencias con las bandas que principalmente influencian a FERUM, pero que no termina de arrancar y demostrar un mayor potencial. Buen EP debut de este trío italiano, donde las influencias de varias bandas quedan muy expuestas y solamente en momentos puntuales demuestran una personalidad propia, como comienzo está bien, pero espero una próxima grabación con un mayor trabajo buscando su propio sonido y autenticidad, porque esto recuerda en muchas ocasiones a otras bandas, pero si la banda sigue explorando el estilo seguro que pueden ofrecer mejores temas y más personales. LUIS MARTÍNEZ | 6.5

NUM. 61 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 41

FORBIDDEN RITES (MEX / CYP) PANTHEON ARCANUM

GRIMM DISTRIBUTION, 2018 Desde el otro lado del Atlántico, México, nos llega el debut de FORBIDDEN RITES, “Pantheon Arcanum”, editado por Grimm Distribution. Tras 20 años de esfuerzo, los integrantes de esta banda han podido crear su propio álbum, ya que pertenecen a otras bandas (VOMITILE, ARDRA, XIUHTECUHTLI) además de que Vlad Marín (voz y bajo), Carlos Martínez (guitarra) y Raúl Campos (guitarra) residen en México, mientras que Hugo Olivos (batería) vive en Chipre. A pesar del hándicap de la distancia y tras hacer versiones en sus primeros años, el tiempo y el esfuerzo les ha llevado a crear su álbum debut del que hablaremos a continuación. Su música es puro blackened death metal, con toques noventeros cargado de paganismo y filosofía ancestral como demuestran en cada uno de sus cortes desde el comienzo con “Human Mortuary Landscapes” y la épica “Slavery Before The Soma”, con un estribillo muy poderosos y repleto de melodía, para cambiarnos a unos estrofas eficientes y caóticas, que contrastan a lo largo de un tema complejo y variado, para escucharlo y degustar su toque infernal y progresivo. “Reborn”, es más death metalera, con unos cambios muy marcados en sus guitarras machaconas y cambiantes de ritmos thrashers. Pero de repente aparece “Judgement”, una apisonadora en toda regla donde el headbanging en sus pausados puentes está más que asegurado; uno de mis cortes preferidos. Con “Now That The Moon Illuminates The Remains”, FORBIDDEN RITES, nos muestra otra cara muy distinta, un medio tiempo atmosférico, donde las guitarras limpias acompañan a la voz rasgada en su estrofa inicial para desenvolverse en un corte agresivo entre el death y el thrash, que se enfurece aun más en “The Hope Of The Abandoned Planet”, uno de los cortes más furiosos del trabajo. Antes de llegar a la mística y bella instrumental “Arcane Initiation” que cierra este debut y la cual me encanta, nos quedan dos trallazos, “We Are Your Sinister”y “The Defeat Of Man By Man”, donde este cuarteto chipriota/ mexicano, nos demuestran la calidad que han adquirido a con los años, dejándonos un gran trabajo de death metal con toques old school, pero cargado de melodías y pasajes blackened, donde las almas infernales desencadenan toda su furia. JUAN ANGEL MARTOS | 7

FRANKELY EVERLONG (SWE) TILL THE DANCE DO US PART ECLIPSE RECORDS, 2019 Nueva tanda de pop punk que nos brinda una banda como los suecos FRANKLEY EVERLONG, que nos presentan “Till The Dance Us Part”, su segundo disco tras su interesante debut “Songs For The Broken” (2014). El mérito de estos suecos radica en no ser la 42 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 61

rutinaria banda de pop punk a la vieja usanza. Como bien ha declarado sus miembros, el género está muy estancado y refrito, por lo que había que darle una vuelta de tuerca. ¿Qué mejor manera de hacer esto que incluir algo de electrónica? Ya sabemos que en los países nórdicos hay mucha cultura de música electrónica, y esta banda ha sabido nutrirse de ella. El álbum arranca con la canción que da nombre al disco. Canción al uso de pop punk pero con el aliciente de la música electrónica antes nombrada. Curiosa la mezcla, como si ESKIMO CALLBOY y BLINK 182 decidiesen colaborar en un álbum. La voz retocada con miles de efectos en estudio será la perfecta compañera para esta y las demás canciones del álbum. Tal vez sea una propuesta difícil de digerir en un primer momento pero acabará gustando a cualquiera que esté dispuesto a abrir mínimamente la mente. “As You Wither”, single adelantado por la banda como toma de contacto, estará más cerca del pop punk típico, con menor influencia electrónica. Una canción breve y concisa que solo contará con leves retoques electrónicos. “Animatronic” o “Endless Infinity” seguirán la estela de sus predecesoras, sobre todo de la primera canción. Sin duda es una propuesta interesante la que nos presenta esta joven banda sueca, muy consciente de que se mueven en un género en el que es muy difícil innovar o aportar algún elemento innovador. Saben equilibrar las dosis de punk y de electrónica para brindarnos una propuesta muy interesante, sabiendo también que podrá chocar con más de un asiduo al género. Pueden pecar de repetitivos, pero recordemos que es una banda que proviene de lo más estricto del pop punk. Un disco muy compacto a pesar de su arriesgada apuesta que podrá chocar de primeras pero que, con una buena escucha, hará las delicias de los oyentes más atrevidos y abiertos de mente. No son el punto de inflexión que la música necesita pero son divertidos a más no poder. Recomendados. ANTONIO JOSÉ LASTRES | 7

GRANT THE SUN (NOR) SIMMAR UR BILD

MAS-KINA RECORDINGS, 2018 Cada vez que me sumerjo en un trabajo de música instrumental, siempre comienzo un poco escamado al respecto. Opino que a veces es muy complicado transmitir, incluso con vocalista, en la música en general; y mucho más en el rock o en el metal; y tratándose de un disco puramente instrumental; más aún. El trío noruego, cuyos miembros pertenecieron a BEATEN TO DEATH e INSENSE, hace alarde de su saber hacer, y crean una obra potente a la vez que profunda y onírica. GRANT THE SUN presentan “Simmar ur bild”, un EP de cuatro temas donde tocan un poco de progresivo, ambient y Djent. Ya en su debut homónimo demostraron su inmensa calidad, y apenas un año después retornan de nuevo. El contexto es fácil de asimilar, y ya desde el primer corte; que da titulo al disco, priman las guitarras ácidas con cierto toque prog muy bueno. Te sumergen en una vorágine de sonidos cambiantes y ritmos complejos, simplemente genial. El segundo tema titulado “Ondskans vaktmastare”, es llevado en volandas por unas guitarras que comienzan melódicas, y son complementadas por una potentísima base rítmica; evolucionando en un sumun de punteos y solos magníficos. Rompiendo la canción con un metal progresivo de alto calibre. Seguimos con “Tje kjonoj”, que despunta con su comienzo agresivo, de nuevo con el combo batería /bajo desgranando los ritmos de for-

ma brutal. Las seis cuerdas se visten de gala con su parte melódica y unos riffs aplastantes. El corte suena fresco y se disfruta de maravilla. Para acabar, “Sjuttonde maj” muestra de nuevo la calidad de las guitarras y el resto de la banda noruega, funcionando como una maquina de rock metal progresivo, bien engrasada y de altísimo nivel. No faltan punteos y partes más tranquilas que dibujan otro color en este singular trabajo. GRANT THE SUN, son magníficos. Cuatro temas han bastado para atraparme en sus redes y abrir mi mente a sus sonidos. Si lo tuyo es el rock metal instrumental y progresivo, no te los pierdas. Para degustadores de bandas como THE OCEAN o PELICAN.

HELEVORN y sobre el cual gira todo la música y liricas de “Aamamata”. HELEVORN han logrado un gran álbum con “Aamamata”, recomendable si el estilo Doom Metal melancólico, triste pero con personalidad y lleno de momentos grandiosos, no se debe dejar escapar ni de dar una oportunidad, porque se demuestra la madurez de una banda en plena grandiosidad creativa y que los pone entre una de las bandas importantes del género, y no solo a nivel estatal, ni lo dudéis. Vaya comienzo de año para la escena Metal nacional! LUIS MARTÍNEZ | 9.5

JOSE ANTONIO GALLEGO | 8

HELLIONS (AUS) RUE

HELEVORN (ESP) AAMAMATA

BLOOD FIRE DEATH, 2019 Una de las más importantes y, sobre todo, reconocidas bandas de Doom Metal de este país HELEVORN nos ofrecen su nuevo larga duración este mismo mes de Enero (el cuarto de la banda), y para aquellos ansiosos de su nuevo material ya adelanto que sin duda no defraudará, porque la banda se ha estrujado las neuronas para poder ofrecer nueve cortes de inmensa calidad, llenos de melodías oscuras, otras más etéreas, melancolía y en contraposición partes llenas de densidad y brutalidad. Lo primero que destaca es la increíble calidad sonora que nos ofrece este álbum, con un sonido limpio y nítido como pocos, sin duda, la grabación y mezcla junto a Miquel Ángel Riutort en los Psychosomatic Studios de Mallorca junto a la masterización realizada por Jens Bogren en los Fascination Street Studios de Suecia han dotado a este “Aamamata” de una calidad que se agradece porque facilita la escucha, logrando una combinación perfecta para el estilo del HELEVORN. El estilo de la banda como ya comenté arriba sigue dentro del Doom Metal, más melancólico, triste e intimista, pero que no excluye cambios hacia partes más agresivas (no por velocidad) con la inclusión de voces guturales y riffs mucho más pesados cuando se trata de realzar determinadas secciones. Pero lo realmente asombroso es lo bien conjuntadas que estas estas partes, porque compositivamente el grupo vuelve a darnos una lección de maestría en un estilo que está al alcance de pocas bandas en la actualidad. Destacando que temas como el avance “Blackened Waves”, nos muestran unas leves influencias algo similares a los suecos KATATONIA, mientras “A Sail to Sanity”, me traiga a la mente la mejor época de unos primerizos PARADISE LOST, al igual que “Forgotten Fields” con ese ritmo más movido ideal para el directo, pero hay que destacar que todo está hecho con una personalidad propia y no copiando riffs o momentos, hay que destacar que HELEVORN aunque puedan traernos a la mente otras bandas, su música es perfectamente reconocible. Así temas como “Aurora”, desde su comienzo acústico y con esa melodía musical mediterráneo /arabesca acompañadas de una dulce voz femenina, n os ofrece alguna de las más memorables melodías del álbum, con cambios realmente admirables de voces limpias y guturales, que seguro serán de los favoritos de los seguidores. Pero esto que os comento se podría ir comentando en el resto de temas de este gran álbum, donde todos y cada uno de los temas ofrecen algo bueno, y que dará muchas horas de goce a todo el que se introduzca en sus atmósferas y musicalidad, como en “Nostrum Mare (Et Deixo un Pot de Mar Brava)”, el cual incluye una sección inicial recitada en varios idiomas hablados a lo largo del Mar Mediterráneo, aguas tan ligadas a la tierra natal de

UNFD, 2018 “Rue” es el nuevo trabajo de los australianos HELLIONS, bajo el sello discográfico UNFD. Este se trata de su cuarto trabajo, el cual está formado por doce temas. Formados en 2013 en Sydney, Australia y actualmente la formación del grupo la componen Anthony Caruso en la batería, percusión y voces; Dre Faivre en la voz principal, Matthew Gravolin en la guitarra y voces y Josh Campiao en la guitarra y coros. Comenzamos el trabajo escuchando “(Blueberry)”, una introducción basada en instrumentos con una melodía como de feria, donde las voces sobresalen por encima de todo, para luego tornarse en el tema “Odyssey” en partes mucho más festivas, donde los riffs de guitarras se convierten en melodías muy enérgicas y positivas, que encabezadas por las voces limpias, consiguen darnos unos ritmos muy conseguidos y pegadizos. “Smile” suena pocos temas después, donde lo primero que escuchamos son unas voces, que al momento nos dejan con unos riffs bastante cañeros, con toquecitos de electrónica, que da a las melodías una variedad absoluta. Nos encontramos pues, con estribillos bastante pegadizos, donde los coros son la principal atracción, juntos con toques de sintetizadores que dan ese rollo tan bueno que caracteriza al grupo. “Rue” es uno de los temas que nos encontramos sobre el ecuador del trabajo, y es el tema que da nombre al trabajo, el cual empieza con el sonido ambiente de un reloj, para al momento darnos unos riffs algo más enérgicos, donde la magia de las composiciones residen en los coros, que crean un ambiente cargado de fuerza y versatilidad. Esto, en conjunto con una instrumentación bastante movida, crean en conjunto un tema muy contrastado, con partes más livianas y otras mucho más movidas, introduciendo en ocasiones, partes vocales reapeadas que dan movimiento al tema. En el bloque de temas final, nos encontramos con “Get Up!” que comienza con unos ritmos bastante enérgicos, dandonos unos ritmos de batería rápidos y cambiantes que se armonizan con el resto del grupo, sobre todo con unas voces que, esta vez si, derrochan mucha más fuerza que de costumbre, dándonos un tema donde, en general, es mucho más rápido y algo más agresivo que el resto de canciones. “26” es el tema encargado de cerrar este último trabajo de los australianos, el cual nos abren con unas melodías, tanto de guitarra como de batería, muy lentas y donde la voz se hace presente con unos ritmos muy leves. En el conjunto del tema nos encontramos con composiciones lentas, con pequeños toques de energía en los estribillos y donde al acabar, nos dejan con muy buena sensación, y el sentimiento de haber acabado un disco sentimental y enérgico a partes iguales. Este “Rue” de HELLIONS suena muy parecido, o prácticamente igual a su anterior “Opera Oblivia”, por lo que nos encontramos ante una

especie continuación con el mismo, con temas muy similares. La mezcla de energía con ritmos más sentimentales es todo un acierto, y su fórmula del éxito, por lo que saben explotar a base de bien lo que siempre les ha funcionado genial. Sín duda un disco que mezcla rock con algo de punk y toques de pop, con teclados; ritmos movidos y estribillos pegadizos, donde los amantes de los ritmos enérgicos y voces limpias, sabrán apreciar de buena manera. JORGE DE LA CRUZ | 7.5

HOLLYWOOD UNDEAD (USA) PSALMS

BMG, 2018 Desde Los Ángeles, California, nos llega el nuevo trabajo de HOLLYWOOD UNDEAD, “Psalms”, editado por BMG en formato Ep y tras casi 4 años de su “Day Of The Dead”. Un Ep donde esta banda de metal/hip hop, deja notas de los nuevos estilos como el trap en su estilo que sigue remarcando el camino que plantearon allá por 2005, pero modernizándose y volviéndose un poco más comerciales. Cinco temas que sabrán a poco a sus fans más acérrimos, donde el metal solo aparece en un tema “Bloody Nose”, personalmente el mejor del Ep, aunque modernizado pero activo y eléctrico, guardando un toque de oscuridad en sus estrofas, con un estribillo apoteósico y muy coreable, aunque le falta algo de fuerza y énfasis, es un corte clásico de ellos. El resto de temas podría haberlos hecho cualquier grupo de hip hop/trap estadounidense actual, “Live Fast Die Young”, posee una base electrónica poderosa, sobre la que baila la voz y reminiscencias a EMINEM aparecen por doquier en la forma de rapear, para dejarnos un toque más trap en “Something To Belive” con un estribillo con toques a LINKIN PARK. “On Another Level”, es el tema de hip hop que más me gusta, sobre todo la segunda parte ya que se endurece en sus versos y la base electrónica que tiene es contundente y agresiva, apta para cualquier fiesta apocalíptica. “Let Go”, cierra el trabajo con un tema 100% comercial y juvenil, un tanto descafeinado y más popero, donde el metal o el rock brillan por su ausencia. Un regreso un tanto descafeinado de HOLLYWOOD UNDEAD, donde solo dos temas como “Bloody Noose” y “On Another Level”, se salvan de la quema, dejan do un poco desconcertados a sus fans que esperaran a su próximo larga duración para ver por qué caminos musicales nos llevan. JUAN ANGEL MARTOS | 5

un pogo de Transformers. Aquí la lista se puede extender hasta el infinito, dependiendo de la inventiva del orador de turno. Después de escuchar el “Manifest Destiny” de ICE WAR, podemos añadir una nueva: ser más heavy de Jo Capitalicide. Desde hace unos años, el interfecto anda pululando por la escena metalera canadiense, y su currículo de bandas y ocupaciones se extiende hasta el abuso: batería en BARROW WIGHT, BASTARDATOR y TRIOXIN 245, guitarra y vocalista en GERM ATTAK, multi-instrumentalista en IRON DOGS, METAL RESCUE y, ahora, en ICE WAR. Como he dicho, a este tío hay que añadirlo en la tabla periódica de elementos, en el apartado de metales pesados, por ahí, entre el Mercurio (Hg) y el Cadmio (Cd), o quizá crearle una categoría propia. ICE WAR es el nombre del proyecto unipersonal de Jo Capitalicide, que mea Napalm y caga eslabones de cadena. Independientemente de cual sea vuestro estilo favorito, recordemos que el Heavy Metal nació en Birmingham con BLACK SABBATH y luego fue depurado por las bandas de la NWOBHM, tipo IRON MAIDEN o JUDAS PRIEST. Pues ICE WAR se sitúan en aquellos primeros años de la década de los 80s, cuando ni siguiera los de la Dama de Hierro habían realizado su cambio de vocalista hacia Bruce Dickinson. ¿Recordáis aquel proto-Heavy a medio camino entre el rock más pesado, el Punk y el oscurantismo del Blues? Pues yo tampoco; bueno, yo tampoco me acordaba hasta que he escuchado este “Manifest Destiny” de ICE WAR. Tanto musical, como estética y/o filosóficamente, Jo Capitalicide, que es más heavy que el timbre de Mordor, nos retrotrae a aquellos años. Él se encarga de todos los instrumentos, consiguiendo un sonido que sería como un hibrido entre los IRON MAIDEN primitivos, con estructuras que varían desde el Heavy Metal más clásico con pinceladas del último Punk y las aceleraciones tan Speed Metal de EXCITER (¿Recordáis a los padres del Speed Metal, también canadienses, para más señas?). Pues a eso, añadidle una voz nasal que os va a recordar a OZZY. De primeras, alcé las cejas en señal de disgusto o de vergüencita ajena. ¡2018! – Pensé- ¡Estamos en 2018, y este Jo Capitalicide, que es más heavy que tener de mascota al perro de los Baskerville, sigue haciendo la música de 1980! Y, estéticamente, igual. El logo no puede ser más ochentero, con sus brillos de estrellita y sus letras simulando metal. ¿Y la foto del interfecto? Sólo en esa instantánea hay más cuero y tachuelas que en toda la discografía de JUDAS PRIEST. Pero, ¡hete aquí que, después de unas cuantas escuchas, descubres algo! Este ICE WAR o Jo Capitalicide, que es más heavy que una maraca de nitroglicerina, compone unas canciones que son altamente infecciosas. Cuando te quieres dar cuenta estás tarareando el “Cause You know / We’ve got the might / Lord be with us / Manifest Destiny”. Y todo el disco sigue ese nivel compositivo: metal ochentero, unas veces más acelerado, otras más punk, pero con unas melodías de guitarra y unos estribillos que se te acaban metiendo en la cabeza y se te graban a fuego, antes de que puedas decir “Two minutes to Midnight”. De primera escucha, iba a valorar a ICE WAR con una puntuación más baja, pero después de unos días… No sé si esta banda es una parodia, una nostalgia, algo a medio camino entre las dos cosas. Lo que es innegable es que Jo Capitalicide, que es más heavy que el niño que hizo llorar a Conan en el parvulario, es un currante nato: él se lo guisa, él se lo come, él se lo compone, se lo graba, se lo produce… Sólo por eso ya le sube la nota. Si a eso añadimos que encima te puede clavar en la cabeza melodías como las de este “Manifest Destiny”, pues eso… Incluyamos en nuestro acervo cultural la expresión “más heavy de Jo Capitalicide” CESAR LUIS MORALES | 8

ICE WAR (CAN) MANIFEST DESTINY

DYING VICTIM PRODUCTIONS, 2018 Hay determinadas expresiones en nuestra lengua que debían considerarse como patrimonio de la humanidad y debíamos exportarlas y que hacen referencia a nuestro amado mundillo metalero. Verbi gratia: ser más heavy que una lluvia de hachas o ser más heavy que

ICHOR (DEU)

HADAL ASCENDING WOOAAARGH | DEATHWORK, 2018 “Hadal Ascending” es el cuarto larga duración de los Alemanes ICHOR. Editado por el sello Unholy Conspiracy Deathwork en diferentes formatos y formado por diez cortes en una duración de poco mas de los cuarenta minutos. La grabación, mezcla y master a sido realizada en los Hertz Studio en Polonia y la genial portada que me recuerda a “La Historia Interminable” por Pär Olofsson. Lo que vamos a encontrar en este trabajo es una fusión de Death Metal con muchos elementos modernos, desde Death Core o incluso algo de Blackened en algunos matices, Djent y muchos arreglos melódicos cargados de melancolía. El sonido del redondo, así como ejecución y composición son de una altísima puntuación. “Paradise Or Perdition” me recuerda gratamente a unos BEHEMOTH un poco mas modernos. En “Tales From the Depths” nos muestran una versión mas progresiva con mucha fusión con momentos Death muy melódicos. “Black Incantation” tiene cierta profundidad, mucho mas brutal que lo que nos han ido mostrando hasta el momento, pero sin dejar ese cierto aire melancólico progresivo que les acompaña. En “ In Ecstasy” comienzan sonando mucho mas Doom para rápidamente regresar a esos momentos mas Blackened, que personalmente es donde mas poderosa me parece la formación. Sin duda un disco que difícilmente dejara indiferente a nadie, pues esta muy bien llevado en cuanto a unas fusiones con mucha personalidad, pudiendo llegar a contentar a fanáticos de diferentes sectores del metal extremo. MARK BERSERK | 7.5

IMPERIAL JADE (ESP) ON THE RISE

EPICTRONIC RECORDS, 2018 IMPERIAL JADE; oriundos de Maresme (Barcelona), después de su magnífico debut “Please welcome”, allá por el 2015, donde recibieron magníficas críticas, y fue uno de los trabajos destacados a nivel nacional ese año; regresan a la palestra con su segundo larga duración “On the rise”; a través de Lengua Armada; donde la banda se muestra más madura y cohesionada, dando un salto de calidad enorme en esta obra. El combo catalán formado por Hugo Nubiola y Alex Pañero a las guitarras, Ricard Turró al bajo, Francesc López a la batería y Arnau Ventura a las voces ; presentan su hard rock “vintage”, ejecutado a las mil maravillas. Para amantes de lo clásico como LED ZEPPELIN, DEEP PURPLE, THE WHO, RIVAL SONS….. Etc. Son una auténtica delicia, que hará disfrutar, os lo aseguro. La banda destripa las canciones con una calidad tremenda, pese a su media de edad de unos 24 o 25 años, se les notan tablas y saber hacer en sus composiciones. Y es impresio-

nante el nivel que destilan. Si no te suenan, ya estás tardando en meterles una escucha. IMPERIAL JADE comienzan el álbum con la funkera “You ain’t seen nothing yet”, que te hará mover la cabeza con sus ritmos y estribillos contagiosos. Siguen con “Dance” y “Sad for no reason, dos cortes con ciertos toques de rock clásico sureño, incluso algo de country. Demostrando lo versátiles que pueden llegar a ser, siempre dentro de su estilo. En “The call” continúan con su hard rock setentero, con aromas de psicodelia. En una canción compleja pero fresca a la vez. “Glory train” es un tema magnífico de puro rock vintage, con la voz de Arnau, en una línea claramente ascendente en todo el disco. Una magnífica labor sin ninguna duda, al igual que el resto del grupo. Continúan con “Lullaby in blue” donde se muestran más sosegados, en un corte de cinco minutos largos, con mucho blues. “Keep me singing”, es súper pegadiza, con ese royo retro, con un teclado clásico de fondo. Magnífica canción. Con “ Heatwave” recuperan ese color del rock sureño americano setentero, y construyen un temazo cojonudo. Con “ Rough seas” se acercan al final del trabajo, a lo LED ZEPPELIN, sin duda de lo mejor del disco. Y cierran con la progresiva “Struck by lightning”, donde dan el do de pecho y demuestran el nivelazo que tienen estos IMPERIAL JADE. Asi que lo dicho, menudo discazo se han sacado de la manga estos chicos. Muy muy buenos, clásicos y vintage a más no poder. De lo mejor del año, en lo que a trabajos de rock nacional se refiere. JOSE ANTONIO GALLEGO | 8.5

INIRA (ITA)

GRAY PAINTED GARDEN ANOTHER SIDE RECORDS, 2018 Gotemburgo es la segunda ciudad en tamaño e importancia de Suecia. Una población que podría haber pasado desapercibida en el mundo metálico si no hubiese sido por una andanada de bandas como IN FLAMES o AT THE GATES que dieron un enfoque más melódico al Death Metal, con la utilización de escalas menores así como armónicas menores, en lo que devino como el Göteborg Sound. ¡Colorea y aprende con Teo! Pues así comenzaron INIRA, banda proveniente de Friuli, la zona al noreste de Italia. En 2006 el bajista Marco “Cucci” Bernardon y el vocalista Efis Canu, inician el proyecto de la banda con un sonido Death Metal melódico del estilo de IN FLAMES. Desde entonces, girando y grabando, llevan un primer álbum sacado en 2010, “Revolution has begun”, una demo, un EP y este último trallazo, “Gray Painted Garden”. Y los años se han notado, y se han notado para bien. La banda ahora presenta un sonido más moderno, más agresivo, con muchos matices y detallitos que hay que tener en cuenta. Presentaron en Octubre del año pasado el video de “Discarded”, el segundo single del álbum y ahí pudimos comprobar aún más la calidad de esta banda. Un tema con una estructura Djent que bien podría haber firmado MESHUGGAH, pero que no se queda en la mera agresión ni en el mero muro de sonido de los suecos. El vocalista Efis Canu nos muestra un registro que va desde el growl más Death a otros segmentos más limpios y melódicos; al igual que el guitarrista Daniele “Acido” Bressa que nos ofrece composiciones que podríamos incluir en discos de Djent como otros acordes abiertos y melódicos que nos alejan de esa agresividad 100%. Pero no nos equivoquemos, tal como nos advierten los italianos en sus redes sociales: no es Djent o Post Hard Core como estás acostumbrado a escucharlo, es música violenta. Música violenta, sí, lo cual es de agradecer.

Porque aparte de aunar sus orígenes de ese sonido Göteborg al que antes hacíamos referencia, han evolucionado, han pasado por el Metalcore y el Post-Core, llegando hasta el sonido actual al que también le añaden claros trallazos Djent, pero siguen siendo ellos, siguen siendo INIRA. A todo ese sonido hay que añadirles programaciones y efectos de sonidos electrónicos que les dan un toque aún más vanguardista, como “Zero”, un midtempo que nos unifica todas esas influencias de las que estamos hablando. “The Path” por el contrario muestra otra tendencia más melódica donde la línea principal de la canción la lleva el bajo, netamente metálico. O por ejemplo, “Oculus Ex Inferi” despliega ataques sincopados en su inicio, mezclado con un ataque más Groove, otra demostración de calidad de lo que es tocar música violenta. El Metal, nuestro querido Metal, lleva ya unas cuantas décadas abrasando nuestras orejas, ha crecido, evolucionado y envejecido. Pero por todas partes salen bandas que prometen seguir llevando el estandarte y son sangre fresca, nuevas versiones mejoradas de aquel Metal originario. INIRA son una de esas bandas que han saltado a la palestra presentando su versión, su interpretación de lo que tiene que ser música violenta, agresiva, metálica. Y, quien sabe, quizá conviertan Friùli en una nueva Gotemburgo del Metal Mundial. Ya no los advirtieron en su primer álbum: “Revolution has begun”: la revolución ha comenzado. ¿Hablaremos en un futuro del “Friuli Sound”? ¡Hmmm! INIRA seguro que estarán allí, entre esos nombres de la nueva vanguardia del Metal. CESAR LUIS MORALES | 9

INOCULATED LIFE (USA) EXIST TO DECAY

REDEFINING DARKNESS RECORDS, 2018 Bueno señores, ya estamos en 2019. La primera reseña del año para Necromance de este humilde redactor no es otra que la del nuevo L.P del combo de Death Grind INOCULATED LIFE, titulado “Exist to Decay”. El redondo, fue publicado el 30 de noviembre de 2018 por Redefining Darkness Records. Su formación es: Kevin Ruiz (guitarra y voz), Kyle Goldsberry (bajo y voz), Eric Gutierrez (batería). Pues bien, Odín ha querido que inicie la temporada con una buena ración de Sonido Estocolmo venido de nada más y nada menos que de Colorado. Si no supiera de donde proceden, hubiera jurado que el power trío es sueco sin dudarlo. Poca, o mejor dicho, ninguna sorpresa ofrenda estos tíos. Sin embargo, lo que si regalan, es una propuesta convincente y terriblemente destructora, que gustará sin duda a los amantes de la vieja guardia y nostálgicos de los primeros compases de los 90. Durante sus poco más de 22 minutos, la banda exhibe mucho más su cara Death que su vertiente Grind, mas no se olvidan ni mucho menos de esta última. La producción es descarnada, adjuntando un artwork en blanco y negro evocador. Crujientes y siniestros son los guitarrazos de Kevin. Se nota que este hombre es amante de los primeros ENTOMBED o DISMEMBER. Sus riffs son fluidos, a una cuerda y pesados. Las dobles armonías no faltan, pero tampoco es un recurso muy explotado. Asimismo, los solos sería imposible hacerlos más punzantes. Nada nuevo bajo el sol en lo que a growls se refiere. Guturales al más puro estilo Suecia, con la anecdótica inclusión de un tono más agudo y rasgado en “Indignation”. Buen equilibrio el existente en la percusión de Eric en lo que a contundencia y celeridad respecta. Sinceramente, no sé por qué, pero la forma de aporrear los parches de este hombre, me ha

llamado especialmente la atención. Echadle un oído y judgad por vosotros mismos. Destacaría la inicial “Exist to Decay” ya que enseña sin tapujos todo el potencial que tiene el grupo, siendo posiblemente la tonada más representativa. No se les puede dar un premio a la frescura, aunque si se le podría entregar uno por su poderío e intensidad. Buen Elepé, sí señor. JESÚS MUÑOZ CABALLERO | 7

IN TWILIGHT’S EMBRACE (POL)

ningún tipo de piedad por sus víctimas en el poco mas de la media hora de duración del CD. Editado por los sellos I Hate que se encargara dela versión en CD y Dying Victims Productions, en formato cassette. Desde el punto de vista del concepto lírico, trata con los aspectos más oscuros y macabros de la naturaleza humana; “Crimen verdadero” se ofrece aquí. JT RIPPER termina el 2018 de la manera más enferma y retorcida. ¡Que reine el culto a el caos!. Algunos de los temas mas recomendables son, “Nightstalker”, “Cvlt”, “Shadows” o la veloz “Maza”. Si te gusta el Black Metal fusionado con el Speed Metal al mas puro estilo Oldschool, este disco no puedes dejarlo escapar. MARK BERSERK | 7

LAWA

LEFT HAND SOUNDS, 2018

INSIGHT AFTER DOOMSDAY (ESP) EVENTS OF MISERY

ART GATES RECORDS, 2018 Vuelven a la carga los veteranos INSIGHT AFTER DOOMSDAY y repitiendo para Art Gates Records. 4 años han pasado desde su “The Way To Nihilism”, que fue al álbum con el que los conocí. Suponía que seguirían con un estilo cercano al mostrado en ese trabajo, muy “codo con codo” con las concepciones más modernas del Death Metal Melódico sueco, léase SOILWORK, IN FLAMES y demás bandas que incorporarían altas dosis de voces melódicas, guitarras con sonidos más graves del sonido clásico y estructuras con ciertos ritmos más Groove. Un estilo repudiado por los puristas y que, los menos talibanes, supimos aceptar con agrado. Sin embargo, en este “Events Of Misery”, la banda ha dado rienda suelta a sus variadas influencias y las han sabido conjugar para seguir sonando a ellos mismos pero más variados que nunca. Lo primero que hay que reconocer, sin atisbo de duda, es la gran labor compositiva, encontrándonos con 13 cortes, nada más y nada menos. Durante algo más de una hora, ha sabido ir plasmando toda la amalgama de ideas e influencias que paso a destripar. Las influencias suecas (de las bandas mencionadas) siguen presentes como en temas como “Revolution”, “My Shelter” y “Rise Of The Doomsday Breed”. Pero hay varias sorpresas. Una de ellas son los toques a lo Mnemic como en “The Other One Pt.II” (que abre el disco) o en “Sick”, este último mi tema favorito de todo el trabajo. Pegadizo y original, si la banda tuviese que decantarse por una evolución, tiraría por aquí. Todo el disco está abundantemente regado de influencias EBM/EDM bien encajadas y que aportan personalidad a la banda. Una capa más de complejidad y frescura al estilo y que, también, permite facilitar la escucha a oídos menos acostumbrados a sonidos extremos. Determinados temas tienen deudas con el Pop más alternativo. Ejemplos hay varios como “The Nails Of Memory” (con un inicio deudor de PLACEBO) o el toque hacia el final del corte “Surrender”, con la vista puesta en MUSE. O el matrimonio Pop y Metalcore electrónico típico de RAUNCHY en “Misery”. Por último, hay sitio para momentos pausados, acústicos y melódicos en “The Sigh”, “Events Of Misery” y “Part Of Me”, siendo este tema muy diferente al resto del álbum y que cierra el trabajo a modo de guinda y oda a la variedad. Como veis, se han tomado su tiempo y es un disco para tomarse con calma. Necesita de varias escuchas para ir desgranando cada una de las composiciones que, por otro lado, entraran con facilidad en los oídos por el gran trabajo melódico, con mención especial a la labor vocal, a la altura de una banda con esa trayectoria. Si todo esto lo sazonamos con una buena producción, tenemos un LP que debería llevar lejos a esta banda de la ciudad condal. Espero que se acerquen a cada rincón de España a presentarlo porque merece la pena. NACHO PEÑA | 9

“Lawa” es el titulo del quinto trabajo de estudio de los Polacos IN TWILIGHT´S EMBRACE. Editado por el sello Left Hand Sounds y distribuido por Arachnophobia Records y Malignant Voices. Esta nueva obra cuenta con seis temas y una duración que no llega a los treinta minutos. Grabado y mezclado en Vintage Records y Left Hand Sound, ademas de contar con el master de Michal Kupicz. El arte de la portada es obra de Mateusz Holak. Cantada completamente en polaco, “Lawa” captura lo que ellos piensan que es la esencia del espíritu Polaco: una mezcla hirviente de pasión demente, creencia en lo sobrenatural, adoración a la muerte y morada en el pasado. Inspirándose tanto en el famoso drama poético “Dziady” (“Forefathers ‘Eve”) de Adam Mickiewicz como en su psicodélica versión cinematográfica “Lawa” (1989) de Tadeusz Konwicki. Este nuevo trabajo es la prueba de que las tradiciones románticas siguen siendo la piedra angular del ADN y del paradigma cultural de Polonia, para bien o para mal. Este nuevo disco es un paso mas hacia el inframundo sónico, una ruptura entre los principios fundamentales del Black Metal y el Death Metal, pero esta vez incluso en direcciones más atmosféricas, idiosincrásicas y surrealistas. Es como un exorcismo, durante el cual los espíritus son liberados en una noche de noviembre y bailan entre los vivos. Los temas mas destacables son, “Dziś wzywają mnie podziemia (The netherworlds beckon me today)” en donde las atmósferas y los Riffs opresivos casa perfectamente con las bases rítmicas y los diferentes juegos vocales. “ Pełen czerni (Blackfilled)”, en donde se aprecia una visión mucho mas Blackened recogiendo una excelente fusión de la oscuridad del Black y la rabia y pesadez del Death Metal. “Żywi nieumarli (Alive undead)” tema encargado de cerrar el redondo, en donde vemos una fusión mucho mas melódica y progresiva pero sin perder su toque atmosférico. MARK BERSERK | 8

JT RIPPER (DEU)

GATHERING OF THE INSANE I HATE RECORDS, 2018 “Gathering of the Insane” es El Segundo larga duración del trío Alemán JT RIPPER. Cargados de energía primigenia enraizada en el clásico sonido Teutónico de finales de los años ochenta , en donde el Black Metal y el Speed/ Thrash caminaban de la mano. Este nuevo trabajo está destinado a caer bien entre los maníacos del metal tradicionalista y las personas que dan la espalda a las abominaciones de sonido dominantes que florecen en todas partes. El álbum esta muy enfocado a seguidores de bandas como DESASTER, PENTACLE, POSSESSED, HELLISH CROSSFIRE… Compuesto por diez veloces puñaladas y sin

KHOUS (ESP) KHOUS

ART GATES RECORDS, 2018 Art Gates Records editan el tercer trabajo de KHOUS el cual está formado por dieciocho cortes, al que han llamado “Geroaren Haziak”. Formados en 2001 en Berriozar, Navarra, actualmente forman el grupo Iñaki Villanueva en la voz, Hegoi al bajo, Kupi en la guitarra y Aritz Gonzalez a la batería. El trabajo comienza con “Arnastu”, un tema donde comenzamos a escuchar los primeros pasos que da la banda en sus composiciones, con guitarras potentes y batería con muy buena pegada. Los primeros riffs son bastante enérgicos, muy constantes, creando unos ritmos base cargados de fuerza, para después brindarnos “Eskutik Eskura” donde el sonido de las guitarras cambia por completo, generando unos ritmos mucho más crudos y potentes, con un sonido algo más agudo, llevando al velocidad de las guitarras a otro nivel. Temas como “Eboluzioan” o “Moztu” abogan por crear una atmósfera algo más oscura, mezclando sonidos muy potentes, con guturales en las líneas vocales, dando como resultado unos temas mucho más potentes, en un disco que busca crear muchos contrastes con melodías muy dispares. Guitarras mucho más rápidas y abogando por ritmos más constantes nos encontramos en “Heroiak”, donde intercambios de ritmos entre guitarras y batería crean unas melodías muy interesantes, como nos ofrecen en “Zenbat Hitz”, donde con una fórmula parecida, generan ritmos muy potentes, con guitarras atronadoras y algunos breakdowns que dejan sin aliento. Temas como “Jainkoen Legea” o el tema final “Bakoitzak” se caracterizan por una base rítmica mucho más sólida, donde nada más comenzar, nos encontramos con unos ritmos de bajo muy sólidos, y una batería enérgica que asienta muy bien las bases, para plantar una espléndida mezcla de voces guturales y melódicas increíble; que en el caso del tema final, nos deja con un sabor de boca brutal, haciéndonos tener la sensación de haber disfrutado a tope el trabajo. Un disco muy largo este que proponen KHOUS, pero que se sobrelleva a perfección por la variedad de cambios que componen cada uno de los dieciocho cortes que conlleva este “Geroaren Haziak”. La mezcla de ritmos tanto lentos como agresivos, son una maravilla, jugando a la perfección con una mezcla perfecta de voz, guitarra, bajo y batería, para dotar a este trabajo de temas muy agresivos. Para mi, de lo mejorcito que tienen en el trabajo son los riffs potentes, donde las guitarras toman mucho protagonismo, añadiendo de vez en cuando algunos breakdowns que al romper y mezclarse con la voz gutural, te dejan boquiabierto. Sin duda, un grupo muy a tener en cuenta, ya que este trabajo dará que hablar y les proporcionará bastantes éxitos, NUM. 61 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 45

eso sin duda alguna. JORGE DE LA CRUZ | 8

LACERATION (USA) IMITATION

ROTTED LIFE, 2018 Desde la conocida Bay Area de San Francisco, California, nos llega este nuevo trabajo del cuarteto LACERATION, nombre que puede llevar a confusión con la gran cantidad de bandas que pululan este mundillo musical con el mismo nombre. Pero estos son los yanquis, y este es su nuevo EP que bajo el nombre “Imitation” nos ofrecen tres temas de puro Death / Thrash Metal que con un sonido atronador y perfecto, seguro que va a hacer muchos seguidores por ahí adelante. El estilo es ideal para todos los seguidores de DEATH, SKELETAL REMAINS, DEMOLITION HAMMER, PESTILENCE… porque la banda tanto técnicamente, donde raya a un muy buen nivel, como compositivamente se mueve entre esas directrices. Desde la voz de Luke Cazares que recuerda a un joven Schuldiner mezclado con Patrick Mameli, ya te vas haciendo una idea de lo que nos pueden ofrecer estos tres temas, que se corrobora según empieza a sonar la música. Cambios de ritmo constantes, mezclando unos pesados y machacones con otros más técnicos y veloces, sin desestimar el añadir una alta dosis de agresividad para que no nos dé el sueño y nos mantenga en tensión durante su escucha. Los tres temas aquí incluidos siguen una misma onda, sin ser excesivamente largos (sobre los tres minutos y medio) y dejan con ganas de mucho más, de hecho es un EP que se puede escuchar tres o cuatro veces del tirón y no llega a aburrir en ninguno de ellos, porque la calidad compositiva está más que demostrada y los temas suenan lo suficientemente variados en sus estructuras para que nos parezcan de bandas mucho más reconocidas, un gran trabajo en este sentido. Sin duda, una gran sorpresa este EP de LACERATION, quedando con muchísimas ganas de escuchar más material de ellos, porque cuando se tienen buenas ideas y se saben plasmar instrumentalmente se logran cosas interesantes, y estos cuatro músicos californianos lo han logrado, si lo tuyo es el Death Metal de la vieja escuela, con algún leve toque del más agresivo Thrash Metal, no dudes en echarle una oída a este “Imitation” porque no te arrepentirás.

nuevo trabajo de los franceses, LANDMVRKS, editado bajo el nombre de “Fantasy” y editado a través de Arising Empire Records. Tras su primer álbum “Hollow” de 2016, se situaron en el ojo de críticas y aficionados al modern metalcore con toques hardcore, obteniendo muy buena acogida, pero ahora dan un paso más adelante con este trabajo mucho más maduro, que los establece en primera línea europea y del que hablaremos a continuación. Dos fueron los adelantos que nos dejaron a modo de single, “Fantasy” y “Scars”, tema en el que cuentan con la colaboración de Florestan Durand de NOVELIST. En ambos se reconoce su sonido metalcore moderno, donde Nicolás Expósito recrea con sus guitarras unas melodías repletas de belleza en las partes atmosféricas, así como una potencia bestial en sus cambios. A esto le unimos un gran trabajo en el bajo de Rudy Purkart y una percusión aplastante a manos de Nicolás Soriano, que junto a unas voces muy bien trabajadas en cuanto a tonalidades e intensidad por Florent Salfati; obtenemos un trabajo con muchos elementos clásicos pero con una gran versatilidad como se aprecia es estos dos singles, capaces de dejarnos unos estribillos pegadizos, o unos pasajes muy contundentes. “Wake Up Call”, me parece un trallazo en toda regla, siendo uno de los temas más contundentes del trabajo, con una parte vocal limpia que engalana la estructura y hacen de este corte uno de los más destacados del trabajo, al que le dan un punto hardcore el cual continua en “The Worst Of You And Me”, un vendaval de ritmos en las estrofas, las cuales tienen un toque más rapeado y que nos lleva a uno de los momentos melódicos del trabajo, la post hardcore “Blistering”, dándonos un respiro, repleto de una ambientación emotiva, pero con unos break downs a base de un bajo metalizado, calma, que volverá con “Alive” y el dueto con Camille Contreras en una balada atípica en un grupo de metalcore, repleta de emotividad y en la instrumental “Kurhah”, ya casi al final del trabajo. Otras colaboración destacada y otro de los trallazos del álbum la encontramos en “Reckoning”, con Aaron Matts de BETRAYING THE MARTYRS, uno de mis temas preferidos contundente y melódico, encerrando uno de los estribillos del álbum. Antes de terminar el álbum, mencionar la aplastante “Dead Inside”, groovera y hardcore, para destrozarnos con sus estrofas y llevarnos hasta el final del álbum con un toque de punk con “Disdain”, que guarda unas melodías en segundo plano muy luminosas. LANDMVRKS, han vuelto para cerrar 2018 con su segundo trabajo donde dan un paso adelante en madurez y estilo, aunque esta fórmula está ya muy trillada, siempre se encuentra alguna banda aportando un soplo de aire fresco, que pasara por nuestro país en Enero y también acompañara el próximo 2019 a WHILE SHE SLEEP en su gira europea. JUAN ANGEL MARTOS | 7.75

LUIS MARTINEZ | 9.5

brosos y castillos medievales en ruinas. Pues de esos estilos musicales también vamos a hablar, pues LOCUS TITANIC FUNUS se sitúan en esas coordenadas. La base del sonido de estos rusos es el Doom metal, harto conocido por todos nosotros, no hace falta que mencionemos los nombres ya consagrados. LOCUS TITANIC FUNUS se fundó allá en el 2010 por el guitarrista Alexey Mikhaylov, al que se le fueron sumando varios miembros, hasta que el 2012 se incorpora la vocalista y violinista Mila Ionova. Un año después publican su primer álbum, “Castus Lacrima” y, cinco años después, este último “Never Pretend”. Siguen en la misma línea, con ese sonido arrastrado y melancólico del Doom Metal, con toques Goth e incluso a veces pueden llegar a sonar un poco Funeral Doom. En el apartado de las vocalizaciones, destacar que podemos contar con hasta tres registros, desde una voz ronca y susurrada al estilo Peter Steele, a otra más chillona tipo Dani Filth, pasando por los meros recitamientos con voz limpia. Si bien es cierto que como os he dicho antes, actualmente disponen de una vocalista, no podemos disfrutar de ella a lo largo de todo el disco, y no es hasta el sexto corte, “You are my Despair” donde la delicada y bella voz de Mila Ionova hace su entrada. Y qué manera de comenzar el tema, qué intro: “I was forteen years old when I was murdered, and every night I dream the same dream” Lo que os he dicho, gente alegre y colorista, no, no son. Pero lo que tocan es como poner melodía al otoño, como les corresponde por el tipo de banda que es. Son la banda sonora que podrías poner para acompañar la lectura de “La muerta enamorada” de Theóphile Gautier o del “Carmilla” de Sheridan Le Fanu… y no, no llevan el rollo metal vampírico, para eso ya tenemos a CRADLE OF FILTH, pero por la hermosura y melancolía de sus composiciones si lo podríamos utilizar como acompañamiento sonoro de nuestra tarde de lectura gótica. Como muestra, tenéis “Eornion… my dear phantasm” donde, a ritmo de endecha Doom-metálica, atendemos al diálogo entre las voces masculinas, desde el susurro hasta el growl endemoniado en contrapunto a la brillante voz de Mila Ionova. Temas largos – por encima de los diez minutos- con multiples desarrollos instrumentales, ambientes y atmósferas. De hecho, anécdota del álbum: si excluimos las pausas entre los temas, la duración del álbum es de 66 minutos y 66 segundos. Quizá por ahí vengan los peros. Gente alegre y colorista, no, no son. Pero tampoco lo son sus discos: no son discos de fácil escucha y de la inmediatez de un “hit-single”, eso está claro. Hay que dedicarles tiempo y dedicación (¿por qué no acompañados por una lectura como las arriba indicadas?), pero también es cierto que no hay una serie de melodías reconocibles y tarareables. Puedo canturrear la línea de violín de “The Cry of Mankind” de MY DYING BRIDE hasta el día de mi muerte, pero con los temas de LOCUS TITANIC FUNUS me ha faltado eso, algo más de estructura de canción. Ha estado ahí, casi, casi, pero salvo las últimas líneas de “The Flowertale” no he notado una estructura real de canción. Ni mucho menos, mal sabor de boca, son LOCUS TITANIC FUNUS, gente alegre y colorista no son. Su disco requiere tiempo y dedicación para apreciarlo. Por ahora, lo dejaremos descansar en el frío y solitario sueño de los muertos. Y volveremos a encontrarnos, de eso estoy seguro, y entonces sí, lo amaré. CESAR LUIS MORALES | 8

LOCUS TITANIC FUNUS (RUS) NEVER PRETEND

ANOTHER SIDE RECORDS, 2018

LANDMVRKS (FRA) FANTASY

ARISING EMPIRE RECORDS, 2018 Al borde de acabar este 2018, año igual que curre casi todos los años surgen algunos bombazos que nos dejan un muy buen sabor de boca como está siendo con lo nuevo de ARCHITECTS o los nacionales SUDESTADA o HABITAR LA MAR. Dentro de este grupo, por supuesto también es de obligada inclusión este 46 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 61

Todo lo relativo al gótico, como subcultura o movimiento social, viene de los movimientos a finales de los años 70, influenciados por la literatura y el cine de terror, y que, históricamente, nos retrotrae a la Época Victoriana, siglo XIX. Aunque las primeras referencias en la literatura de un estilo, digamos gótico, y más concretamente de un terror gótico, vienen de un poquito antes, desde finales del siglo XVIII. ¡Colorea y aprende con Teo! Como ya sabréis sobre el gótico, gente alegre y colorista no son. Hablamos de romanticismo decadente, paisajes sombríos, bosques tene-

LUCIFER’S FALL (AUS) TALES FROM THE CRYPT SUN & MOON, 2018 “Tales from the Crypt” es el nuevo trabajo de

los Australianos LUCIFER´S FALL, a modo de recopilatorio en donde nos muestran gran parte de su recorrido en estos últimos cinco años con contenido inédito así como versiones de varias bandas. Hasta la fecha la banda cuenta con dos discos de larga duración y una gran colección de singles, splits, Ep´s y demos. Este nuevo trabajo esta compuesto por trece pistas y una duración que supera los sesenta minutos. Será editado por el sello Sun & Moon Records. Lo que vamos a encontrar es una colección de pistas divididas en ensayos y grabaciones en vivo. Todas las pistas son inéditas o lanzadas previamente en números limitados. El sonido en ocasiones es mejor que en otras, pero siendo el tipo de disco que es podéis hacernos una idea de que la calidad no va a ser muy impresionante. El tipo de sonido de la banda es como a medio camino entre el DOOM fusionado con el Heavy y el Horror Punk. Podemos encontrar versiones de bandas como REVEREND BIZARRE , EXCITER, ANGEL WITCH. Recomendable para fanáticos de la banda, o nuevos iniciados. MARK BERSERK | 6

MANAM (ITA)

REBIRTH OF CONSCIOUSNESS ROCKSHOTS RECORDS, 2018 Desde Italia, nos llega a través de Rockshots Records el debut de MANAM, “Rebirth Of Conciousness”. Un trabajo centrado en el melodic death metal, que recrea una atmosfera melancólica, pero a la vez juegan con otros estilos como el heavy metal o el progresivo, en línea con bandas como WINTERSUN. Desde el inicio con toques folk de “Fallen Lives”, donde entremezclan sonidos de la naturaleza de una forma muy épica, ya se puede ir apreciando la versatilidad estilística de la banda, sobre todo al escuchar “Supernova”, con un inicio muy metalero a base de las guitarras de Fabiola Bellomo y Marco Salvador, el cual también pone un contraste vocal muy marcado con unas estrofas de voz rasgada y black metalera, para en el estribillo dejarnos su toque metal, acelerando el ritmo y con voz limpia que me llevó a recordar a grupos como RAPHSODY, LUCA TURILLI o DREAM THEATRE, que aunque suene muy variopinto cuando lo escuchéis veréis como llevo razón. Y es esta dualidad de estilos mezclados lo que le da su personalidad, con “Atman Denied” nos dejan unas estrofas cabalgantes, donde la percusión incisiva pero poco variada de Nicola De Cesero marca el ritmo a seguir y llevarnos hasta “Inner Daemon”, un corte con toques progresivos en las guitarras, las cuales se doblan en tonalidades junto al bajo de Marco Montipò, en un corte con marcado acento death metalero para llevarnos a “Revelation”, uno de los cortes destacados del álbum, con un estribillo para corearlo en directo y unas estrofas pegadizas, doblando voces limpias para matizar determinadas partes que encajan muy bien. “Total War”, es un corte oscuro y denso en el aspecto vocal, el cual me gusta, pero con una música demasiado metalera para mi gusto, que a estas alturas se hace un poco repetitiva y pareces haber escuchado los riffs otras veces, aunque este corte en cuestión es de los que más me gustan del disco también. “A Raw Awakening”, pone la parte sentimental, un medio tiempo, que bebe de la escuela metalera italiana, con toques épicos, que nos traslada al final del álbum donde encontramos una joyita llamada “Anam”, mi tema del álbum, metal y death ensamblados en un corte de mucha personalidad, siendo el camino a seguir para futuras entregas; temazo. “Sahara”, cierra el álbum y pone un punto de inflexión, introduciendo teclados y un doble bombo aplastante, donde las atmósferas son

recreadas por unas guitarras muy envolventes y unas melodías vocales que destacan sobre otras escuchadas en el trabajo, y es que estos dos últimos temas son una delicia de escuchar y demuestran la calidad de la banda, asesorándoles para seguir estos pasos, que a buen seguro los llevará lejos. Un trabajo que va de menos a más con un cierre por todo lo alto donde MANAM dejan claro que tienen futuro. JUAN ANGEL MARTOS | 6

MASS INFECTION (GRC) SHADOWS BECOME FLESH COMATOSE MUSIC, 2018

MARIUS DANIELSEN (NOR)

MARIUS DANIELSEN’S LEGENDA OF VALLEY DOOM PART 2 CRIME RECORDS, 2018 A veces las travesías no solo se realizan remando sobre un cauce sonoro y bajo una tempestad de metralla distorsionada. Los periplos memorables no solo preceden al recuerdo idealizado del fantástico paso de la percusión épica y el canto de sublevación artística, también anteceden a la incredulidad abatida. La persistencia de la música es aquella que nos guía por el imaginario intangible y las bandas no son más que los trovadores de la contemporaneidad metalizada y, en este declive de 2018, en la antesala del que todo esperamos que sea un nuevo año excelente, la banda Noruega MARIUS DANIELSEN´S LEGEND OF VALLEY DOOM comparte con nosotros una obra apoteósica que se inspira en el verdadero apogeo power que pareció extinguirse hace una década. Esta segunda entrega que forma parte de los anales épicos de su discografía resume en una hora y cuarto la calidad incuestionable de la inspiración que honra a héroes y victorias en batallas distintas. Tenemos a nuestra disposición una selección de 12 temas que rememoran la eficacia ensalzadora de MANOWAR, los gráciles interludios de ORDEN OGAN y el desempeño lírico de RHAPSODY (el añejo y para nada el moderno edulcorado). Es un álbum que canaliza la alegría por vociferar el despertar de la valentía de los puños rebeldes. Raudo y hegemónico es el ritmo con el que se cimientan las profecías y armónico es el nudo de todas sus composiciones, centradas en satisfacer las desacostumbradas mentes ajenas a la majestuosidad de la barbarie clásica. Peter Danielsen no nos ensordece con una técnica de notas más altas que el Monte Olimpo, pero sí que nos mantiene satisfechos con su atino vocal, mientras que los pianos, tal vez no tan resaltados como es habitual (o al menos popularizado por los frutos musicales de la bandas italianas de power sinfónico), perduran con una capa de sonoridad de poco detalle pero maciza en su conjunto y; por último, el desgaste de los riffs en este género es bien conocido, pero la instrumentación está tan bien dosificada que permite el disfrute sin adolecer por algún posible refrito asimilado por los oídos después de tantos años. Es una experiencia de significativa velocidad, pasión y desempeño, recobra todo lo que no sea ha producido decentemente en nuestros días(salvando las honrosas excepciones que se nos vienen a la mente) y elevan el zenit anual con un producto melodioso que debe ser elogiado como una hazaña hercúlea. NUEL GONZÁLEZ | 9

Siempre que me entere de que alguno de los miembros de HIDEOUS DIVINITY esté en alguna banda o proyecto iré a por ella de cabeza, y es que después del pedazo de trabajo que sacaron el año pasado es más que seguro que calidad, por lo menos instrumental, va a existir. Y en esas estamos con estos MASS INFECTION, cuarteto griego en el cual milita Giulio Galati, batería de los HIDEOUS, y claro, como toca!!!!! A eso tenemos que añadir que la edición es de Comatose, que ya sabemos por qué tipo de edificaciones se caracteriza. He de reconocer que cuando vi la portada pensé que, de todas formas, no iba a ser otra edición más del sello americano, no tenía esa pinta ultra extrema y violenta. Esto pintaba a algo más old school y con más ambiente oscuro black, y está vez las apariencias no engañan. Estamos ante el cuarto trabajo lo cual nos asegura consistencia, experiencia y saber hacer, además ideas claras. De todo esto tenemos aquí para aburrir. La banda se presenta con un sonido oscuro pero no por ello sucio, aunque con ese brillo opaco de producciones que van a llevar al sonido a ambientes tenebrosamente oscuros, pero dejando que cada instrumento esté al alcance de los oídos más tapiados. No tardamos ni un momento en meternos de lleno en una propuesta que apuesta por una perfectísima mezcla entre lo que sería la brutalidad oscura de HATE ETERNAL, de la cual adopta también el sonido, y la oscuridad brutal de BEHEMOTH. En ambos casos optando por unas estructuras que ya no usan dichas bandas pero que devoraron en sus trabajos de su época intermedia. Es por ello que al mismo tiempo que nos deleitamos de veloces riff de pua contra pua también caemos en la oscuridad del infierno con ambientes realmente tétricos, demoníacos y sobrecogedores de esos en los que la melodía aparece sutilmente solo para ponerte la piel de gallina. Para ello, velocidad exquisita en la batería y una con gutural forzada de alta calidad y líneas rítmicas. Mención aparte el muro de guitarras y bajo, haciendo casi en la totalidad del CD unas armonías de guitarras a dos líneas que tiene un efecto siniestro y un enfoque monstruosamente desgarrador, creando estructuras de ultratumba no al alcance de cualquier humano. SANTI GZLEZ | 8

NAHUM (CZE)

WITHIN DESTRUCTION METAL GATE RECORDS, 2018 “Within Destruction” es el tercer disco de estudio de los Checos NAHUM. Grabado a medio camino entre los GM Studio, Abbadon Studio y Kapec Studio, nos muestran estos nueve nuevos temas, con una duración de treinta y cinco minutos. Mezclado y masterizado en los

Hertz Studio y con una portada impresionante, obra de W. Smerdulak. Todo esto editado por el sello Metal Gate. Lo que vamos a encontrarnos es una fusión de Thrash Metal y Death Metal en una linea muy Oldschool con pequeños guiños mas orientados hacia el Blackened. Una especie de fusión con unos SEPULTURA de su época buena, MORBID ANGEL y unos BEHEMOTH en su época mas Death. Temas muy acelerados con potentes bases rítmicas que recuerdan en esencia al “Beneath…” de los brasileños, con voces mas tipo CANNIBAL CORPSE . También se aprecian ciertas pinceladas de Death Metal Melódico, sobre todo en los momentos de los solos de guitarra. Los temas mas destacables son, “Between The Hammers of Doom” en donde llegan a un sonido mucho mas Groove que recuerda a SFU por momentos pero llevado hacia terrenos mas personales. “Mother Death” en donde muestran su influencia mas Thrasher, recordando a los nuevos VADER o KREATOR pero con voces mas Death. “Whores of War” vuelve a fusionar el Groove pero esta vez con Thrash. Y para cerrar tenemos “Annihilated. All. Absolutely”, en donde nos topamos con un tema mucho mas experimental en comparación al resto y mucho mas “Heavy”. MARK BERSERK | 7

NECROART (ITA) CAINO

THE GOATMANCER, 2018 A finales de Noviembre del 2018, esta banda Italiana llamada NECROART distribuye su último trabajo de estudio llamado “Caino”, compuesto por nueve temas. Aunque la banda se formó en 1999, y con varios trabajos en el mercado, tres EPs y tres discos completos, NECROART ha sufrido varios cambios en su formación a lo largo de estos años. Podrás encontrar claras influencias de grupos de los 90, tal como PARADISE LOST, en la época de “Icon” o MOONSPELL en sus inicios, tratando temas oscuros, e Esotéricos, creando una atmósfera muy sólida en cada uno de sus temas. Entrando en “Caino”, el disco abre con un tema instrumental creando un sonido oscuro para dar paso a “March Of The Ghouls” tema rápido con grandes partes pesadas, que cambia por completo a la mitad dando ese giro PARADISE LOST con voces agónicas, melódicas que acompañan a los instrumentos. “Mastodon Rising” y “Caino” son los dos singles que la banda propone para este álbum. La primera es un tema lento, cortado con partes armónicas, muy al estilo MOONSPELL de la primera época, con riff repetitivos mezclados con esos voces simulando coros de iglesia. “Caino” por lo contrario, es un tema más rápido con arpegios de guitarra marcados y distorsionado muy al estilo Black Atmosférico, sin ser rapidísimos pero dando potencia suficiente al tema, que se centra mucho en las voces con un registro más agónico en la segunda parte de la canción. En la segunda parte del disco, la banda propone canciones como “Flames” o “One Is All, All Is One” cargadas de una potencia melódica, combinadas de cambios tanto de ritmos como de velocidad. Un buen trabajo de estos italianos NECROART, Buena mezcla de Death lento y oscuro con Black Atmosférico, con grandes composiciones pero que le falla un poco su producción sobre todo en las baterías. JESÚS SÁNCHEZ | 6.5

NEMUS (DEU) SEE-MENSCH

NATURMACHT PRODUCTIONS, 2018 “Creature from the Black Lagoon” (1954), conocida por estos lares como “La mujer y el monstruo”, es uno de esos clásicos que, a fecha de hoy, sigue influyendo en nuevas generaciones de artistas. Influyó sobre Steven Spielberg, fue una de las primeras pelis que vio Stephen King e incluso Guillermo del Toro ha reconocido la influencia de esta película en su oscarizada “La forma del agua”. Y este es mi brico-consejo de hoy: si podéis, vedla. Y si por un casual te llamas Frank Riegler y vives por la zona de Baviera, pues tendrás un proyecto en solitario llamado NEMUS y en noviembre de 2018, acabas de publicar “SeeMensch”: en el fondo del lago, oculta en las sombras, hay una criatura, una que nunca debió existir. Una vez, un ser humano; ahora, una quimera, un hombre pez. Pues NEMUS bebe directamente de la influencia de la película de 1954, y crea lo que podría ser la banda sonora encabronada y Blackmetalera: seis cortes en total, cuarenta minutos de duración, aunando un buen puñado de influencias del Black, del Post y elementos más folkies. Y una serie de sonidos de la naturaleza grabados por el propio Frank Riegler: el sonido del agua corriente que acompaña muchos de los temas de este disco, o el trinar de los pájaros en el claro del bosque tienen cabida junto con la abrumadora y abrasiva producción del álbum. Y sí, vamos a decirlo también: es un álbum de esos que graba un tío en el estudio de su casa, pero no suena a enlatado; suena como tiene que sonar: un cañonazo eléctrico pero también orgánico, vivo como el riachuelo que ha grabado para la intro de “In Die Tiefe” o para el cierre del disco “Nachts Im Teich”. Y de la misma manera que te vuela la cabeza con el agresivo ataque Blackmetalero, también tenéis esos interludios de gran belleza, acompañados de una guitarra menos saturada, o de unos arpegios de piano, de belleza melancólica, de los pensamientos del monstruo, del hombre-pez que yace en lo profundo del lago y que se pregunta, rabioso, por el sentido de su existencia. Son seis temas, en el que no destaca ninguno por encima de otro, manteniendo en todo momento esa dinámica: partiendo de las bases y del sonido del Black Metal para evolucionarlo hacia sonidos más actuales, dejando que las digresiones más Post rompan el machacón ataque y nos permitan respirar arrullados por el sonido acuático, que tiene ese maravilloso poder de resetear el curso de tus pensamientos. “Blut und Schuppen” es una clara muestra de ello: la caja, que comienza a los típicos y machacones 200 bpm, suena a caja de verdad, casi se pueden sentir los bordones vibrando. Cuando bajamos de revoluciones, la guitarra ejecuta su preciosa melodía mientras que la voz es todo dolor, odio y rabia. Hacia la mitad descansamos, dos acordes lentos de piano, acompañamientos de cuerda, para volver a la agresión, a la voz desquiciada, a las guitarras post… Y así, todo el álbum. Sinceramente, observo como últimamente están saliendo muchas bandas unipersonales, y me estaba dando un poco de miedo. Pero, respiro tranquilo. Porque sé que hay bandas que se siguen juntando, cuatro o cinco melenudos en un garaje machacando sus instrumentos, ¡ya sabéis! Y también hay gente que son como Frank Riegler, y su NEMUS, y su “See-Mensch” y sí, respiro tranquilo: porque hacen Black, hacen Post, hacen Atmosférico, y con la tecnología actual, no suenan secuenciadores y loops por doquier, se puede parir un disco tan orgánico, tan rabioso como este, porque como se dice al final de “Tiefengesang”: “Der See-Mensch

für immer”: El hombre-pez para siempre. CESAR LUIS MORALES | 9

NOOSE ROT (USA) CREEPING UNKNOWN

SENTIENT RUIN LABORATORIES, 2018 Debut de esta banda formada el ya pasado año 2018 en Minnesotta, USA, y que desentierra la mayor de las podredumbres y decadencia que pueda existir en la música para hacerla suya y ofrecernos un EP del que emanan cuatro temas llenos de pesadez y putrescencia a niveles inhumanos. En estos últimos años, son muchas las bandas que tratan de ofrecernos este Death Metal denso, con multitud de partes lentas en su música y que complementadas con la brutalidad y las monstruosas voces son un perfecto ejemplo de como el más allá debe sonar, porque la visión de mortalidad y todo su espectro decadente está perfectamente reflejado en la música de NOOSE ROT, desde un sonido que parece sacado de las mismas entrañas de un olvidado cementerio, y donde las voces son monstruosamente oscuras y guturales (varias veces acompañadas con desgarradores gritos procedentes del averno), las guitarras afinadas bajas para que acompañen ese sonido decadente y una base rítmica donde el bajo aporta mayor pesadez e intensidad, junto con un decente trabajo de la batería, donde quizás de forma algo simple cumple su cometido pero que no destaca en su trabajo de ejecución instrumental. No podemos decir que la banda quiera ofrecer temas algo pegadizos o con melodía, su música está enfocada en ofrecer atmósferas asfixiantes y opresivas, sin destacar en exceso las partes rápidas, sino los pesados y contundentes riffs del Death Metal con otras lentas y oscuras melodías que están más cercanas al Doom más viscoso, quizás “The Creeping Unknown” sea el tema más veloz, sin serlo verdaderamente, pero es lo que más se acerca a un tema más propiamente Death Metal en sí, ya que el resto son más lentos, aunque igualmente contundentes, incluso nos podemos encontrar con una parte lenta demasiado AUTOPSY en “Bound In a Dark House” que está bien, pero quita un poco de personalidad al tema. Interesante primera grabación, quizás falta de personalidad ya que sí existen muchas otras bandas ofreciendo este tipo de Death / Doom Metal viscoso y putrefacto, pero que sirve como una primera toma de contacto con estos músicos. Lo que sí se demuestra es un estilo que pueden evolucionar y llegar a ofrecer algo más interesante en el futuro, porque suenan bien aunque sin una personalidad propia.

en forma de EP, al que han titulado “Homebound”. Formados en 2008 en Padua, Italia, el grupo está formado por Francesco en la voz, Luigi y Emmanuel a las guitarras, Andrea al bajo y Davide en la batería. Comenzamos escuchando “Lone Walker – Foreword” donde leves guitarras y batería nos dan la bienvenida para al momento romper con unos ritmos mucho más oscuros y potentes, donde la voz juega un papel fundamental, deleitándonos con unos guturales que hacen aumentar esa furia, que continua por todo lo alto en “The Lesser Evil – In Regard to Anxiety” donde los riffs y las composiciones toman otra dinámica y nos dan unas composiciones más rápidas, que se van intercalando con guitarras pesadas. Introducen ciertos toques de voces limpias, que hacen que las líneas de voz ganen algo de profundidad, jugando con el contraste de la potencia de ambas voces. En el tema “Survivalist – About a Wreck” empezamos escuchando unas composiciones más agudas, donde prima la velocidad, incluso con voces guturales potentes. Introducen cambios de ritmos bastante agresivos, apoyados en una base rítmica de bajo-batería muy contundente, que toma mucho más protagonismo en “Countless Steps – Concerning Change” donde nos deleitan con una batería mucho más rítmica, jugando con multitud de composiciones, que al mezclarse con los ritmos de guitarra, también muy variados, nos dan un tema bastante completo, donde la instrumentación toma mucha presencia, y consiguen darnos un tema con muchos cambios, deshaciéndose de las composiciones lineales. Acercándonos al bloque final, nos topamos con “A Catharsis, Pt, 1 – Detachment” y “A Catharsis, Pt. 2 – The Comeback Chronicles” dos temas que conforman una pieza final donde en la primer parte prima la velocidad, con unos riffs bastante rápidos con una parte final lenta que se funde con el principio del siguiente tema que comienza derrochando una potencia brutal. Aquí tenemos unos riffs mucho más potentes, que se ensalzan con la voz gutural. Sin embargo, encontramos unas voces limpias espléndidas, que nos dan un contraste increíble en las voces, haciendo un tema mucho más variado, y cerrando el trabajo de la mejor manera posible. Este EP de NOT YET FALLEN, a pesar de ser un trabajo bastante corto, es un disco muy completo, donde la agresividad y la velocidad priman en los seis temas que lo forman. En cada uno de los temas nos encontramos con riffs sobresalientes, donde la guinda la pone una voz muy agresiva, conformada por guturales graves. A pesar de ser un buen trabajo, he tenido que esperar hasta el último tema para que verdaderamente dejen salir toda su potencia, ya que ha sido muy positivo la mezcla de voces limpias-guturales, que nos encontramos en la línea vocal del tema final del trabajo, cosa que espero introduzcan más en el resto de futuros trabajos. Sin duda un buen EP, que gustará a los amantes del hardcore/ metalcore, con un grupo que irá subiendo poco a poco, ya que el potencial lo tienen, ya solo es ir ascendiendo. JORGE DE LA CRUZ | 7.5

LUIS MARTÍNEZ | 7

ONE STEP BEYOND (AUS) IN THE SHADOW OF THE BEAST WORM HOLE DEATH, 2018

NOT YET FALLEN (ITA) HOMEBOUND

INDELIRIUM RECORDS, 2018 El grupo italiano NOT YET FALLEN lanzan a través de Indelirium Records su nuevo trabajo

“In The Shadow of the Beast” es el titulo del cuarto álbum de estudio el dúo Australiano ONE STEP BEYOND. Este nuevo álbum será editado por el sello WormHoleDeath, consta de nueve temas y una duración de treinta y siete minutos. Lo que vamos a encontrarnos es una extraña visión de Death Metal muy Experimental y

con un tipo de producción altamente diferente para el genero. De primeras se hace muy raro nada mas que empiezan a sonar, de este tipo de sensaciones que no sabes si lo odias o te encanta. El tipo de composiciones a pesar de estar enfocadas hacia un terreno Death Metal, se salen del típico canon de genero, tanto en voces como en el estilo de Riffs. En algunos momentos tienen un aire Folk. Incluso me recuerdan a la típica banda sonora de los video juegos de los años noventa. Las distorsiones de guitarra son altamente extrañas para una banda de Death Metal. Según vas pasando de tema la sensación de los ocho bits incremente, llegando a hacerse pesado o incluso aburrido en algunos cortes. Como ya dije anteriormente o lo odias o te encanta… Los temas mas destacables son, “Shadow Warriors”, en donde parece que la experimentación es mucho mas sutil. “Pitch Black Within” con ciertos ramalazos Grind. “Isolde”, tema encargado de cerrar el CD, que sin duda es el que mas me a llegado a gustar. Riffs mas progresivos, partes mas atmosféricas, combinándolas con medios tiempos con cierta esencia Doom y un tipo de experimentación mas acorde a mis gustos personales. La banda en el sentido original, lo es un rato. Si eres de esos que no tienen problemas en escuchar cosas nuevas, el resultado de este disco es mas que curioso. MARK BERSERK | 6

OPEN SURGERY (SWE) AFTER BIRTH ABORTION BVR RECORDS, 2018 La presión tiene que ser enorme si procedes de Finspång, Suecia y haces DEATH METAL. Desde la cuna del Metal extremo esta banda llamada OPEN SURGERY son valientes y buscan su hueco dentro de esta escena músical agresiva y oscura. El género se desarrolló a fines de los años 80, cuando bandas como Dismember y Entombed dominaron la escena en Suecia desde su natal Finspång. Bueno estos valientes OPEN SURGERY nos presentan su último Ep llamado “After Birth Abortion” compuesto por seis temas. Este Ep ha sido editado después de dos largas duraciones en 2014 y 2016 respectivamente. Tal como comenta la propia banda su primer trabajo los puso en el mapa haciendo algunos conciertos locales, con es segundo abrieron algo su posición global. Entrando en este su último Ep, la banda ha optado por un estilo clásico de Death Metal Sueco del que están orgullosos, combinado con la escena Death de Florida con claros toques de MORBID ANGEL. El Ep contiene temas rápidos y agresivos con esas voces sin ser guturales pero que salen del final de la garganta, un sonido sólido y grave. El sonido de distorsiones saturadas de las Guitarras rasgadas con riff sólidos y bien compuestos, donde los solos recuerdan más a Florida que a Suecia. Baterías duras pero con grandes variaciones, haciendo breaks de ritmos constantes y una destreza destacable en esos ritmos de doble bombo que destacan mucho. El bajo se nota en cada una de las notas dando ese sonido redondo a las canciones. Por destacar alguno de los temas me quedaría con “Altar of Death”, “Decades of Extreme Confinement” y “After Birth Abortion” que son los que más me han gustado en su composición. En “Evil Possession” encontrarás un claro guiño a la canción “God of Emptiness” de MORBID ANGEL. Gran banda de Mezcla de Death tanto Sueco como Americano donde las composición de las canciones destacan y la ejecución sorprende. No es nada nuevo, no pretende serlo, pero es de gran calidad. JESÚS SÁNCHEZ | 8

OPETH (SWE)

GARDEN OF THE TITANS (OPETH LIVE AT RED ROCK AMPHITHEATRE) NUCLEAR BLAST RECORDS, 2018 ¿Y qué queréis que os cuente de OPETH? Podríamos hablar de curiosidades, como que su nombre lo tomaron prestado de un libro de Wilbur Smith, donde Opet significa ciudad de la luna, y que posteriormente ellos añadieron la “h” por motivos meramente estéticos de su pronunciación en inglés. ¡Colorea y aprende (hoy poco) con Teo! Porque de OPETH poco o nada se puede decir, así que mejor creamos un foro para hablar de la emigración del escarabajo pelotero a Mesopotamia o la mejor manera de emparejar calcetines. Porque OPETH es “esa banda” o “LA banda”, así que, como he dicho, poco o nada resta que decir. Tan solo que el 2 de Noviembre, a través de Nuclear Blast Records, han publicado este “Garden of the Titans”, un directo con diez de sus temas. OPETH lleva ya la friolera de treinta años en escena y cada álbum ha sido siempre un desafío. Desde los primeros lanzamientos, “Orchid” o “Morningrise” ya veíamos que no estábamos ante una banda de Death Metal al uso. La evolución comenzó al poco tiempo y, con ello, la incomprensión, la constante crítica, pero, lo que es cierto, que pese a todo y pese a todos, OPETH ha seguido hacia adelante haciéndose cada vez más grande, siendo, como tal, “esa banda” o “LA banda”. Ya desde el “Still Life”, de 1999, en una de sus muchas evoluciones estilísticas, vengo oyendo hablar de que si OPETH esto, que si OPETH lo otro… Que si ya no eran la misma banda, pero allí estaban “Face of Melinda” o “The Moor”, por poner algunos ejemplos. A lo largo de los siguientes años vinieron todas las otras joyas: “Blackwater Park”, “Deliverance”, “Damnation” hasta llegar a esta década con otros hitos como el “Heritage” o el “Pale Comunion”. Siempre, siempre, OPETH son, como ya he dicho “esa banda” o “LA banda”, una banda cuyos discos malos (o menos buenos) son el sueño húmedo de cualquier purista musical. Por suerte, a lo largo de los últimos años he podido verlos en directo dos o tres veces. Y bueno, lo que tenéis en los álbumes de estudio, es lo que os encontráis en directo. No es una banda que esté sobreproducida, y a pesar de lo complejo y floreado de su sonido, en directo lo clavan. Puesta de escena sobria, la propuesta musical por encima del artificio, unos músicos increíbles (no en vano, Martin Axenrot fue elegido por dos años consecutivos como “Mejor batería Prog” por la revista Music Radar) y, en el centro de todo, la enjuta estampa de Mikael Àkerfeldt liderando todo el cotarro, parco en palabras y de humor socarrón. Pues este “Garden of The Titans” es eso mismo: OPETH en directo, presentando tres temas de su último álbum, “Sorceress” e intercalando unos cuantos más de álbumes anteriores. Nada que señalar sobre OPETH que no sepamos ya; nada que objetar, ni argumentar, ni criticar… Bueno sí, a lo largo de muchos años, se han escuchado críticas hacia Michael Àkerfeldt porque había abandonado el Death Metal debido a que no le daba la voz para los “growls”… ¡Ejem, ejem! ¿Sabéis quien ha vuelto y mete unos berridos como un orco mal follado? Como he dicho, los chicos de la ciudad de la luna están de vuelta y siguen siendo “esa banda” o “LA banda”, y mientras vuelven a grabar un nuevo desafío sonoro, tenemos este “Garden of The Titans” (Live at Red Rocks Amphitheatre) para quitar el hambre de OPETH. No les otorgo la máxima puntuación, porque, en estos tiempos que corren, publicar un directo me parece un poco… ¡No sé! No he entendido esta publicación. Estamos en la época NUM. 61 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 49

en que las bandas sobreviven por la puesta en escena, por el directo, y no por las ventas de los álbumes de estudio, así que si la quieres gozar, te vas a su página, miras qué fechas de su gira te caen mejor y te vas a verlos, que es lo que tenéis que hacer.

KRUCYATOR PRODUCTIONS, 2018

CESAR LUIS MORALES | 9.5

PESTE (ITA) PESTE

THIS IS CORE, 2018

PENSEES NOCTURNES (FRA) GRAND GUIGNOL ORCHESTRA

LES ACTEURS DE L’OMBRE PRODUCTIONS, 2019 El sello discográfico Les Acteurs De L’Ombre Productions, nos traen la sexta función circense de PENSÉES NOCTURNES, “Grand Guignol Orchestra”, que saldrá a la venta el próximo mes de Febrero. Y digo circense, porque su estilo y su mezcla es eso, circo y black metal, una función del circo de los horrores que este grupo parisino nos ofrece, a veces caótica, a veces agresiva y otras veces cómica, como si de un espectáculo bajo una enorme carpa se tratase. Lo que si me queda claro, es que tras la mente de este proyecto Vaerohn, encargado de todos los instrumentos y voces, la mezcla es original y distinta al resto de bandas del género. Todo su trabajo está inmerso en un ambiente oscuro y circense donde los payasos se apoderan de la escena para transmitirnos unas sensaciones agobiantes y de locura que desde el primer single lanzado, “Deux Bals Dans La Téte”, descubrimos su terrorífico mundo farandulero, donde las trompetas, los teclados y las guitarras distorsionadas y acopladas, junto con los acordeones, nos transmiten tensión y horror a cada segundo, además los cambios vocales entre los guturales, los tonos operísticos y los lamentos y alaridos aumentan la atmosfera recreada en este primer corte bestial. Y ese marcado acento de función se aprecia en “Poil De Lune”, “L’Alpha Mal” o “Comptine A Boire”, donde la ambientación y los sentimientos van cambiando, desde la agresividad y densidad de la primera, donde las voces guturales enmarcan unas estrofas muy agresivas, que contrastan con los pasajes de piano, trombones y acordeón, elegantes y funambulescas, que nos llevan a la cómica y enmascarada “L’Alpha Mal”, una locura de canción que quizás tus nervios te lleven a pasarla, para cerrar este bloque con el tercer corte, una de las más siniestras y macabras del álbum, con un ritmo circense lento, donde discurren unas figuras demacradas, como si un velo nos dejase ver a los payasos maquillarse mientras asesinan a pobres inocentes. Por otra parte y antes de finalizar, mencionar el lado más black del trabajo, aunque cada canción es una mezcla de circo y metal, pero “Les Valseuses”, es un torbellino de canción y emociones sado-operisticas, con unos cambios de ritmo brutales que sacará de sus casillas a más de uno. “Gauloises Ou Gitanes?”, es directa y una de las más agresivas, pero siempre con ese toque circense en sus adentros, como “Anis Maudit” o “Triste Sade”. PENSÉES NOCTURNES, es un grupo diferente y desquiciado, el cual me gustaría ver como desarrollan este circo de los horrores en directo, pero que en álbum, presentan un tinte demasiado desquiciado, pudiendo llegar a marcarte y provocar ansiedad si lo escuchas entero. O quizás esa es su intención, el desasosiego y horroriza a los oyentes, con ritmos frenéticos, ambiente circense y un elenco de estructuras desquiciadas y rocambolescas que nunca te tranquilizaran.

Los italianos PESTE se lanzan al mercado musical con su primer trabajo en forma de EP. El conjunto de cinco temas homónimo, está editado por la discográfica This Is Core y cargado de puro hardcore-punk. Formados en italia por la unión de varios músicos underground de la escena, el grupo está compuesto por Tutti I Colori Del Buio, Haram, If I Die Today y Papazeta. El trabajo comienza con el tema “Mercy” donde en minuto y medio nos trasladan un tema cargado de una furia y velocidad asombrosa, donde los riffs de guitarras se tornan super pesados, generando una mezcla con la batería brutal. También nos deleitan con algunos toques más oscuros y con una voz potente, como en “Faith” donde los guturales de las líneas vocales generan una brutalidad increíble, que aumenta la fiereza del resto de componentes. “Dead” suena justo en el ecuador del trabajo, y con la velocidad que nos han acostumbrado, nos vuelven a dar unos temas muy vertiginosos, aunque introducen algunos toques más lentos, jugando con riffs de guitarras pesados y graves, que se mezclan con composiciones agudas, creando un muy buen contraste. Un tema que nos lleva a varios cambios de composiciones, pasando por tonos más limpios y contrarrestando con otros mucho más oscuros. Acercándonos al bloque final de temas, suena “Humanless”, un tema algo más lento, donde el riffs principal se torna muy pesado, pero que al momento se convierte en ritmos mucho más rápidos, acompañados de voz estridente, para acabar repitiendo el riff inicial algo alterado y dar paso al tema final “Coffins” que cierra el trabajo con algo menos de dos minutos de furia y rapidez, donde guitarras y batería toman un papel muy importante, derrochando una agresividad brutal y ejerciendo unos juegos entre ellos, que nos dejan un tema completo, que nos cierra con una voz muy agresiva que suena sobre ritmos repetitivos de batería que poco a poco se silencian para acabar el tema y el trabajo. Este primer trabajo de PESTE no es que sea corto, es fugaz; pero presenta unas bases de fuerza y velocidad increíbles, muy presentes en cada uno de los cinco temas que nos ofrecen. Estos menos de veinte minutos, les dan al grupo una base increíble, con muy buen sonido, para presentarnos dentro de poco un LP cargado de ritmos potentes, que no decepcionará a los amantes de los ritmos crudos, como igualmente lo hace este trabajo. Sin duda un buen acercamiento a un grupo que esperemos, dentro de poco, nos deleiten con mucha más agresividad.

LUIS MARTÍNEZ | 8.5

JORGE DE LA CRUZ | 7.5

RAINBURN (IND) INSIGNIFY

AUTOEDITADO, 2018

JUAN ANGEL MARTOS | 6.5

PULVERIZED (CHL)

MONUMENTS OF MISANTHROPY 50 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 61

Desde Chile llegan PULVERIZED con la intención de convertir todo lo que encuentren en su camino en polvo y deshecho, un quinteto que ofrece un contundente veloz y machacón Death Metal, influenciado por la vieja escuela americana afincada en la calurosa Florida, con una música que tranquilamente podría provenir de esa zona geográfica ya que su música guarda muchas influencias y similitudes compositivas con los grandes grupos del género salidos de la tierra de los pantanos y paradisiacas playas norteamericanas. Seis son los temas que nos ofrecen en este álbum debut, que pese a contener solamente seis temas, estos tienen una duración aceptable para conseguir que no sea una grabación excesivamente corta, pero que en ningún momento se hace pesada o aburrida, ya que estos cinco músicos chilenos ofrecen un Death Metal de alta calidad, con una ejecución instrumental muy buena, quizás hecho un poco en falta algún solo de guitarra de mayor calidad o con mayor técnica, pero eso es un muy pequeño fallo, en una grabación donde lo que se ofrecen son mucha variedad de ritmos y riffs, con combinaciones constantes que hacen que nuestra cabeza no pare de moverse en todo momento, además la banda ofrece buenísimos riffs con mucho palm mute, para que los acompañemos a golpe de cuello y baqueta, una orgia de sangre y brutalidad que los fanáticos del Death Metal clásico sabrán dar la enhorabuena y recibir con brazos abiertos. La voz es oscura y gutural, pero sin llegar a extremismos como en algunas bandas de Brutal Death, sin duda, en este caso pega perfectamente con el estilo de la banda, aportando esa brutalidad y oscuridad que los amantes del estilo demandan, pese a que en temas como “Cadáveres” o “Aniquilación Genética” están cantados en español, para nada notaremos diferencia con los otros temas cantados en inglés, porque suena igual de enfermiza, tanto en una lengua como en otra. Guitarras limpias pero que suenan contundentes y no paran de ofrecer buenos riffs uno tras otro, una sección rítmica que aporta esa contundencia, con la pesadez del bajo y un buen trabajo de la batería, cambiando con acierto en los ritmos u ofreciendo detalles, velocidades y contundencia cuando se le requiere. Así temas como “Consumed By Ignorance”, el ya nombrado “Aniquilación Genética” o el que cierra este álbum “Profecia – Flagelo – Extinción” son verdaderos cañonazos con una buenísima composición, selección de riffs y donde la banda con constantes cambios que realizan de forma acertada, crean unas brutales e interesantes composiciones. Está claro que todavía tienen mucho camino por recorrer, pero he de reconocer que si siguen este camino aquí emprendido, pueden ofrecer muy buenas ideas e interesantes álbumes en un futuro, que pueden ser seguidos por muchos fanáticos aburridos de un género que muchas veces ofrece monotonía y sonidos similares y aquí eso es totalmente distinto, por ello recomiendo que se le de una oportunidad a este “Monuments of Misanthropy” porque no se arrepentirán.

Esta banda India llamada RAINBURN, nos proponen diez temas dentro de su trabajo llamado “Insignify”, esta banda hace un Rock Progresivo con toques de psicodelia con muchos detalles y bien ejecutados. La banda está compuesta en forma de cuarteto clásico, dos guitarras, batería, bajo y uno de los guitarras

es el frontman. Después de la intro insustancial para mi gusto, entra un gran ejemplo que puede hacer estos chicos, “Merchant of dreams” y “Elusive Light” respectivamente donde los riffs de guitarra complejos y de gran calidad, ejecutados a la perfección dando a las canciones un estilo muy DREAM THEATHER, hasta que entra las voces suavizando el tema dirigiéndose más a la parte Rock/Psicodélico al estilo QUEENSRÿCHE, donde los solos de guitarra precisos y melódicos destacan, base rítmica muy trabajada con ritmos desacompasados y llenos de detalles que en cada escucha de la canciones apreciaras mas. Encontraras temas lentos que son para mi gusto demasiado empalagosos como “Mirror”, “Purpose” o “Insignify” donde se centran mucho en las voces, ya que la parte instrumental pasa a un segundo plano. No se puede decir que sean malos temas, pero no son de mi gusto. “Someone New” o “Within” temas potentes dando un estilo KING CRIMSON en el disco “Discipline”, rock de alta calidad con grandes guitarras y complejos ritmos de batería, siendo temas algo más lentos pero de gran carga armónica y rítmica. Banda técnica que desarrolla un estilo mezclado para dar un producto final de gran calidad, algo más ROCK que METAL pero interesante proyecto al cual dar una oportunidad. JESÚS SÁNCHEZ | 6.5

REALM OF WOLVES (HUN) OBLIVION

BEVERINA PRODUCTIONS, 2018 Los Montes Cárpatos son la cadena montañosa que recorre una importante extensión de territorios de Europa oriental, formando fronteras con países como Polonia, Ucrania, Rumanía y Hungría, entre otros. Allí se encuentran las más importantes poblaciones de lobos de Europa. ¡Colorea y aprende con Teo! La imagen de los Cárpatos anida en nuestro consciente común metálico con gran fuerza: hay una banda (CARPATHIAN FOREST), hay canciones (“Funeral in Carpathia” de los CRADLE OF FILTH), y si rascáis un poquito más, hay veinte mil historias que contar sobre los Cárpatos. Todo lo que hace referencia a esa zona evoca grandes bosques atravesados por jirones de niebla, por donde una vez paseó Erzsébet Báthory, la mayor asesina en serie de la historia. Pero como he dicho antes, lo agreste de muchas zonas de los Cárpatos hace que se concentre allí la mayor población de lobos de la zona europea, aquello, como la banda que nos ocupa, es un “reino de lobos”. REALM OF WOLVES son una banda de la zona húngara, de reciente formación. De hecho, se formaron como banda a principios de 2018, con miembros de otras bandas como VVILDERNESS, SILENT ISLAND o EPHILEXIA. Y en octubre de este año, se han marcado este “Oblivion”. Alucinante como en poco más de unos diez meses, conforman una banda, componen y graban esta joyaza, una mezcla entre Post-Rock, Death melódico y Black atmosférico. Poco más sabemos de ellos, que utilizan sobrenombres pues consideran que el foco de atención debe recaer sobre la música, y que el batería Vvildr, aparte de otras tareas es el que ha diseñado y realizado la preciosista portada, una ilustración a carboncillo de lo que parece un cernunnos, la deificación celta de un espíritu del bosque, símbolo de la fertilidad, del renacimiento, el señor de los animales salvajes. ¡Una flipada, vaya! Fue lo primero que me llamó la atención del álbum, pero luego, al meterme a las escuchas… Pista tras pista, descubrir esta banda ha sido toda una satisfacción. Es increíble, como he dicho antes, que unos

húngaros de distintas bandas se junten en formato power-trio y se graben este álbum. Los trallazos del Post-Black o del Blackgaze, o como quieras llamarlo, esos álbumes de ALCEST o de AMESOEURS, están garantizados con esta nueva hornada de músicos que están saliendo por doquier. El otro día descubríamos a los belgas SOUL GRIP y su “Not Ever”; hoy son REALM OF WOLVES y su “Oblivion”. Desde el inicio del álbum con la etérea y frágil “Cascadia” los húngaros nos demuestran un buen gusto y un buen hacer que te hace caer rendido a sus pies. Siguen con el brutal inicio de redoblante doble bombo de “Ignifer” que le da ese aire tan militar, para atacar con todo el despliegue instrumental, ¡tres músicos increíbles sonando como una banda consolidada! Y lo mismo podemos decir de cualquier otro tema del disco: “Old Roots” comienza con ese martilleo continuo de la caja tan Black, pero acompañado de la melodía de la guitarra a mid-tempo y entonces, salta el bajo a la posición preeminente. Porque una de las cosas que hay que destacar de este álbum es el tratamiento que le han dado a las líneas de bajo de Ghöul, que demuestra que no se va a limitar a doblar las pistas de batería cerrando la base rítmica, sino que interactúa como una guitarra más, metiendo melodías y líneas por doquier de una musicalidad brillante. Cosa que es de agradecer porque hay ocasiones en las que el bajo es un instrumento poco agradecido y, en según qué estilos, las grabaciones suelen ofrecer una difusa ráfaga de sonido grave, opacada por el resto de instrumentos. Por raro que parezca, y siendo como es este un disco de Post-Black, aquí el bajo brilla, y de qué manera. Y esta sólo es una de las muchas virtudes de este “Oblivion”. “Translucent stones” es otra brutal maravilla de dobles guitarras, etéreas, atmosféricas. Cierran el disco con un “Northern wind” que resume su sonido en una sola oda: guitarras saturadas o etéreas según convenga, un bajo que canta unas melodías personalísimas, una banda cohesionada que hace un Post-Black al que hay que seguirle la pista. REALM OF WOLVES, este reino de los lobos, no tiene ni un año de antigüedad, y se han marcado este álbum, que no inventa nada nuevo, pero que nos recuerda que el PostBlack está ahí y que se le debe prestar la atención que se merece, pues rompe los límites y las barreras encorsetadas de los viejos estilos. Melodía, potencia, agresividad y musicalidad pueden tener cabida en este reino de lobos. CESAR LUIS MORALES | 10

REINFECTION (POL) BREEDING HATE

DEFORMEATHING PRODUCTIONS, 2018 “Breeding Hate” es el titulo del segundo larga duración de los Polacos REINFECTION. Editado por el sello Deformeathing Production y formado por nueve temas, en una duración inferior a los treinta minutos. Lo que nos vamos a encontrar es una fusión entre Brutal Death y Grindcore. El tipo de producción es muy caótica, en donde predominan los agudos de la caja llegando a ser un martillo golpeando tu cerebro constantemente. Combinan partes a medios tiempos con velocidades realmente extremas. Temas predominantemente cortos y directos en donde no dejan tregua. La base rítmica es quien lleva el peso de los temas y lo que mas destaca en la mezcla, así como los variados registros vocales, jugando constantemente con agudos y guturales. La portada a pesar de su simpleza, esconde un gran mensaje, siendo realmente perturbadora a pesar de no ser la típica foto ultra explicita de mal gusto. Muchas veces se dice mas mostrando menos. Los temas mas destacables son; “To See Your

World Collapse”, en donde desde El Segundo cero comienzan con brutales riffs de guitarra seguidos de aplastantes bases rítmicas y gritos desgarradores. En “ Far Blocked And Blind” comienzan con un clásico ritmo death, aunque apenas dura segundos y empiezan a fusionarlo con Crust/ Grind en donde dentro del caos se aprecia cierta melodía. “Chasing Life´s Demise” tiene cierto aire Punk bien llevado hacia terrenos mas Death. “Bleeding Hate” es el encargado de dar titulo al álbum y es posiblemente uno de los temas mas agresivos del trabajo. “Inversión – Implosione” es el encargado de cerrar, en donde comienzan de un modo mucho mas experimental con ciertos aires mas Noise o incluso Industrial en plan primeros álbumes de las bandas Inglesas pioneras del genero como GODFLESH o PITCHSHIFTER. Si eres fan del “ruido” mas extremo lo recomiendo totalmente. MARK BERSERK | 6.5

RONIN (ESP)

NO GODS, NO MASTER, ONLY RONIN AUTOEDITADO, 2018 El grupo madrileño RŌNIN lanzan al mercado, de manera autoeditada, su primer trabajo, al que han llamado “No Gods, No Master, Only Rōnin”. Este trabajo está formado por diez temas, que han sido grabado y mezclados por Guillermo Laorga, excepto la grabación de la voz que ha sido grabada por Alex Tena. El mastering del mismo está realizado por Jorge González. El artwork del trabajo corre a cargo de Sara Rodriguez Casal. El grupo procede de Madrid, y está formado por Juan Grajera a la voz, Alejandro Fontcuberta Villar y Jorge González Yebra en las guitarras, Luis Álvarez González al bajo y Álvaro Luque Generoso en la batería. “Anna’s Hell (Beautiful Suicide)” es lo primero que escuchamos de los madrileños, donde ritmos lentos nos abren, para al momento rompen con melodías mucho más rápidas y agresivas, con unas guitarras frenéticas y una batería que cosecha una pegada de escándalo. En poco más de minuto y medio nos brindan unos ritmos bastante completos, con composiciones cargadas de furia, donde como adelanto a “Cloudy // Clearence”, segundo tema del trabajo, que nos brindara otros casi dos minutos de furia, esta vez mezclado con algunos ritmos más tranquilos, pero donde la voz despunta b de gran manera, dotando al conjunto de una fuerza brutal. Seguimos disfrutando de potencia a mansalva en temas como “Apostate”, donde nos topamos con unos sonidos mucho más graves, con composiciones más lentas y pesadas, jugando con sonidos mucho más oscuros y pausas más largas entre golpes de batería. Sin duda un tema muy diferente al resto, donde consiguen generar un ambiente muy diferente, que se rompe radicalmente en “Harakiri”, el tema que continua, donde las composiciones cambian drásticamente, basándose en una voz mucho más agresiva y rápida, que fluye sobre una batería bastante frenética y donde las guitarras cabalgan a medio camino entre la rapidez y la potencia, consiguiendo una mezcla bastante interesante, en el tema más largo del trabajo. Acercándonos al bloque final de temas, escuchamos “Save Your Breath” donde en poco más de dos minutos, nos deleitan con ritmos atmosféricos que al momento se tornan en composiciones con velocidades de vértigo, donde el broche de potencia lo pone una voz gutural muy agresiva, que se ensalza con unas líneas de bajo atronadoras, como pasa en “Heal Up” último tema del trabajo, donde los instrumentos nos deleitan con unas composiciones muy potentes y agresivas. A pesar de la lentitud de los ritmos, el conjunto de todos los instrumentos y la voz gutural, crea una atmósfera muy agresiva, incluso en las partes

más lentas, donde el contraste, les hace despuntar de buena manera. Un tema perfecto para acabar, que aúna en sus composiciones todo el buen quehacer del grupo en una misma canción. Este primer trabajo de RŌNIN los pone en un nivel muy alto, donde la mezcla de hardcore melódico con toque progresivos que nos ofrecen, les ha llevado a concebir diez temas cargados de fuerza y expresividad, que los amantes de los ritmos crudos no deben perderse. Sin duda, la agresividad de las guitarras y los ritmos contundentes de bajo y batería, les hace posicionarse a un buen nivel de agresividad, donde la voz, en mayor parte gutural, ayuda a llevarlos a otro nivel de potencia. Su magia reside en la dualidad y mezclas de composiciones, ya que son capaces de deleitarnos con potencia a la vez que juegan con técnica e incluso sonidos ligeros y ambientales que les hace contar con una variedad inmensa de sonidos. Un genial primer contacto del grupo con el panorama musical, que les dará más de una alegría. JORGE DE LA CRUZ | 7.5

a cada paso. Un corte nostálgico y melancólico, pero con una belleza insertada en sus notas que va transformando las sensaciones internas de cada individuo, para cerrar el álbum con un esplendor único, sabiendo que algún día…, volverás a ver el mar. JUAN ANGEL MARTOS | 8

SAVES THE DAY (USA) 9

RUDE RECORDS, 2018

SANS SOLEIL (ESP)

VARIACIONES CROMÁTICAS DEL ATLÁNTICO AUTOEDITADO, 2018 Hace un par de años, en 2016, nació en Vigo este proyecto musical creado por Laura León y Jairo Daponte, ambos guitarras, uniéndose un año después Lucas Roca (bajo, teclado, metalófono) y Gian Franco (batería, percusión), para crear SANS SOLEIL y dejarnos este 2018 su álbum debut, “Variaciones cromáticas del Atlántico”, donde recorren las sensaciones promovidas por el océano y lo que simboliza para ellos. Y es que cada vez en nuestro país proliferan los grupos instrumentales, como BUENSUCESO, EL ALTAR DEL HOLOCAUSTO o LE TEMPS DU LOUP, que siguen las influencias de grandes nombres como MONO, EXPLOSIONS IN THE SKY o GOD IS AN ASTRONAUT. Y la verdad es que este género cada vez tiene más adeptos, jugando con elementos audiovisuales, con sensaciones o emociones que hacen cada uno de sus encuentros únicos, de los que SANS SOLEIL también forman parte, siendo mi última review en este año 2018, con la que he descubierto a un grupo repleto de sentimientos, transmitidos a través de una música elegante y muy compacta, que tras su introducción “”Mysotis”, donde la naturaleza y los teclados se funden en un cosmos único, “Cian”, nos sumerge en el primero de los colores de su océano, su mar…, su estilo de vida, donde las guitarras juegan con el vaivén de un oleaje en calma que refleja los rayos de un mediodía repleto de belleza. “Índigo”, es más intimo, más oscuro, que personalmente me transmite una sensación contemplativa, donde la melodía de guitarra principal, acompaña a una voz cinemática, en un crescendo dado por una percusión que se sitúa en un oleaje moderado que acaricia mis pies durante un pequeño paseo por su orilla; una delicia escucharla una y otra vez con unos arreglos y matices en las seis cuerdas muy sutiles y mágicos que se abren mediante el metalófono, llevándonos hacia “Cobalto”. Un corte, que en sus doce minutos se extiende y propaga en su primera parte una sensación desgarradora e inquieta, transformándose en dolor y garra, con un giro en su parte final apoteósico y agresivo; el océano a veces puede ser cruel. Con “Cerúleo”, llegamos a la parte final del despliegue cromático y auditivo que SANS SOLEIL nos propone; y lo hacemos con una oda 14 minutos de duración, que va desarrollándose lentamente a golpe de metales y una delicada guitarra que acompaña a las atmósferas que infunden el teclado, para aumentar

Tal vez me equivoque, pero no pocos recordarán, allá a finales de los 90s, a una banda que intentó hacerse un hueco entre toda la música comercial que florecía en la época. Hablamos de SAVE THE DAY, banda que se movía entre aquello que se conocía como pop-punk con temática emo (ya saben, BLINK 182, SUM 41, FALL OUT BOY…). Si bien esta banda originaria de Nueva Jersey nunca consiguió el prestigio y fama de sus coetáneos, si nos dejaron algún que otro memorable trabajo para la época como “Through Being Cool” (1999). Esos tiempos ya han pasado, y ahora la banda se mueve en otra liga. Ahora, en 2018, los estadounidenses regresan tras cinco años con Chris Conley como único miembro original en activo de la banda, repasan sus más de veinte años de carrera musical bajo el prisma del vocalista, quien resume en nueve canciones lo que para él ha sido esta aventura musical hasta la fecha. Siendo realistas, no encontraremos nada nuevo en este disco. Pocas bandas de este estilo han decidido innovar en algún momento de su carrera. Si te gustó esta banda en algún momento, te gustará su nuevo trabajo, si no, olvídate. Tal vez encontremos una atmósfera más optimista en las letras de Chris, quien ya ha pasado de ser un veinteañero con serias dudas existenciales a ser una estrella del rock. Sin embargo, los ajenos al género (y otros tantos que no) huirán despavoridos ante esta propuesta descafeinada, vacía y anacrónica. Canciones como “Save the Day” o “Suzuki” terminarán por chirriarte debido a esa voz de adolescente metida a calzador por un Chris de casi cuarenta años. Tal vez haya momentos divertidos e incluso dignos como “Side by Side”, donde la guitarra solista tirará bastante del carro para desviar la atención sobre el apartado vocal. Si aún sigues aquí puede que te agrade algo más “Kerouac and Cassady”, mucho más interesante en el apartado musical que todo lo escuchado previamente. Las influencias más alternativas florecerán, pero no dejará de ser en un contexto netamente adolescente e infantil. “It’s Such a Beautiful World” volverá a divertir al más entregado valiéndose de una sección rítmica muy dinámica. Será un espejismo para lo que viene detrás, como “Rosé” o “1997”, un homenaje a la trayectoria de la banda con un bajo interesante, pero poco más a no ser que quieras conocer las aventuras de Chris en estos últimos veinte años. “Rendezvous” ilusionará durante sus primeros segundos para volver a sumirte en el mismo ambiente empalagoso y descafeinado solo apto para fans de la banda. Para rematar, la banda (Chris más bien) dejará para el final “29”, una ida mental de 21 minutos cuyo propósito es desconocido. Puede que el disco, en un contexto de banda y trayectoria gane enteros, pero como pieza musical deja bastante que desear lo cojas por donde lo cojas. En definitiva, un disco que solo podrá gustar a fans incondicionales de la banda o como mucho a los seguidores del género que los acoge en cuestión. Un disco anacrónico, sin ápice de originalidad alguna y que ni por asomo marcará ningún hito. ANTONIO JOSÉ LASTRES | 4

SECTORIAL (UKR) V:Y:R

NOIZR PRODUCTIONS, 2018

SECTLINEFOR (GBR)

DON’T MAKE THIS ABOUT YOU AUTOEDITADO, 2018 Desde algún lugar del Reino Unido nos llega el segundo trabajo de SECTLINEFOR, “Don’t Make This About You”, en formato autoeditado y con un estilo variopinto y no apto para oyentes más clásicos, moviéndose entre el industrial, el progresivo y el experimental, teniendo influencias de MINISTRY, FAITH NO MORE o DEFTONES. Su variedad estilística procede de la unión de Piton en la guitarra, el cual pertenece también a la banda de technical death metal YGODEH, y el vocalista Jared, obsesionado con las texturas vocales, de ahí sus cambios tonales desde voces limpias, circenses, narradas, rasgadas, agudas…, un álbum para escucharlo varias veces. “Undercooked Steamed Booze Children”, abre el álbum, donde los toques a MINISTRY o incluso a los primeros MANSON se denota en el ambiente y atmosfera, con una fuerte base de guitarra y unas voces desquiciadas entre tonos rasgados y otros más agudos y enloquecidos, los cuales serán la tónica del álbum y certifican con “We’re All Getting Too Old For This”, uno de mis cortes preferidos por sus dejes a lo MINISTRY y su base electrónica, desde la percusión a los samples o sonidos de violines metálicos. “George Campbell’s Wife Cooks The Best Lasagne”, sigue con su toque metálico y circense, desde el simple titulo con toque humorístico a una composición lineal, pero efectiva. Este toque de humor, también lo encontramos en “Jesus, Elvis And Lana Walk Into A Bar” o en “Why Are You Talking To Me”, donde los instrumentos son secundarios, excepto el bajo a manos de Aal, priorizando la voz, que en determinadas canciones se puede volver algo pesada al abusar de su tono más agudo. “It Was An Accident, Officer”, es electrónica, dislocada y esquizofrénica, mientras que “Don´t Make This About You”, pone una nota de calma quizás en el tema más normal del álbum, un medio tiempo muy atmosférico, que nos golpea en un estribillo visceral, para con “Bran Flake Clever” centrarse en la electrónica, aunque las voces a estas alturas del álbum no son muy de mi agrado haciéndose incomodas. Por último, mencionar “So Exiceted” un corte con unas orquestaciones muy interesantes, que lo convierte en uno de los mejores de este trabajo, donde la voz es desquiciada pero está acorde con la música y no varía tanto como en cortes anteriores. SECTLINEFOR, en su segundo trabajo mantiene su estilo personal y pintoresco, donde una base industrial da pie a una voz peculiar, que a veces se vuelve un poco cansina, pero que otras veces funciona muy bien. Un álbum no apto para todo el mundo, pero que si te gusta escuchar algo diferente, te recomiendo “So Excited” o “We’re All Getting Too Old For This”, para hacerte una idea de lo que te espera. JUAN ANGEL MARTOS | 6

“VYR” es el titulo del tercer larga duración de los Ucranianos SECTORIAL. El nuevo álbum será editado en edición limitada a quinientas copias en Digipak por el sello Noizr Productions. Está compuesto por doce cortes y una duración de sesenta minutos. Grabado, mezclado y masterizado por Warkhoros en los Tyrant Studio y un arte de portada de Lita Akhmetova en donde nos muestra una especie de triple uroboros cósmico creando agujeros negros al devorarse a si mismo. Lo que vamos a encontrarnos es un técnico Death Metal con muchas influencias progresivas, incluso del Brutal Death o del Grindcore. Pero a la vez hay cierta atmósfera muy marcada que podríamos considerar Blackened o incluso orientada hacia el Pagan Black Metal, con ciertos aires épicos e instrumentos tradicionales jugando un papel muy importante en sus composiciones, que hace que cada tema sea un punto y aparte. La fusión es mas que curiosa e incluso gratificante el poder escuchar algo tan original en estos tiempos que corren. Es una especie de mezcla extraña de bandas como DYING FETUS o NASUM mezclado con elementos paganos y bandas como DRUDKH, HATE FOREST, WALKNUT… Sinceramente el disco me a sorprendido tanto que me es casi imposible decantarme por ciertos temas en concreto. Si te gusta el metal extremo de calidad tanto técnica como compositiva y los sonidos mas tradicionales y paganos, este disco es imprescindible.

Llegando a la parte final del trabajo, escuchamos “Toothpick” donde la voz, muy limpia, sonando solo por encima de una guitarra acústica, nos da la introducción. Estamos ante un tema muy tranquilo, donde la protagonista será la voz, sin apenas florituras, dejándonos con un sonido perfecto, y evocando muchos sentimientos de golpe. Sin duda, la calma y la tranquilidad que consiguen transmitir es increíble, rompiendo con los moldes del resto de temas. “Roses” es el último tema que nos encontramos en este trabajo y donde la energía y los buenos ritmos serán los encargados de despedir el disco. Con una mezcla increíble de guitarras potentes y voces limpias con algunos coros, crean una atmósfera muy enérgica, donde batería y bajo bastante constante aumentan esa potente energía. Un tema que reúne todo lo establecido en su fórmula, y que se torna perfecto para cerrar un trabajo muy potentes y enérgico. En este primer trabajo STAND ATLANTIC han sabido plasmar perfectamente en diez temas, su espíritu cargado de energía y se nota a la perfección en cada una de las composiciones que nos brindan, dónde voz, guitarra, bajo y batería se unen a la perfección para darnos unos ritmos rápidos y cargados de fuerza. Parte de las maravilla de los temas, son los estribillos donde nos topamos con composiciones muy pegadizas, gracias en parte a una voz que disfrutaremos desde el primer momento. Sin duda, un trabajo que, si eres amante de los ritmos de rock potentes y cargados de energía, disfrutarás, sin duda.

tarra, que me recordó a esa idílica imagen del film The Crow, pero que rápidamente nos recrudece la mente con “Credo” y “Pompeya”, y es que no hay lugar para el descanso, aunque en estos temas las guitarras parecen ralentizar el ritmo y tempo de los temas, empujados por la percusión a no parar; un álbum que dura 28 minutos en su totalidad, lanzando mensajes como puñales; su directo tiene que ser bestial. El cierre lo pone la instrumental “Lebeche”, pero antes de ella, tenemos a “Barlovento”, el tema más largo del trabajo y uno de los más completos que representaría todo lo que SUDESTADA nos ofrece en este álbum, a través de sus pasajes cambiantes y mostrándonos sus diversos estilos; otro temazo. SUDESTADA, irrumpen con fuerza en este panorama underground, uniéndose a grupos consagrados como VIVA BELGRADO, BONEFLOWER…, y a otros que pisan fuerte como HABITAR LA MAR, para dejarnos una cosa bien clara, y es que el underground en este país esta mas que vivo. JUAN ANGEL MARTOS | 7.5

JORGE DE LA CRUZ | 7

MARK BERSERK | 9

THE CASCADES (USA) PHOENIX

ECHOZONE, 2018

STAND ATLANTIC (AUS) SKINNY DIPPING

HOPELESS RECORDS, 2018 Desde Australia llega el primer disco del trío STAND ATLANTIC, un trabajo compuesto por diez temas. Este trabajo lleva por nombre “Skinny Dipping” y editado a través de Hopeless Records. Formados en Sydney, Australia, el grupo está compuesto por Bonnie Fraser a la voz y guitarra, David Potter al bajo y Jonno Panichi en la batería. Comenzamos escuchando “Lavender Bones”, el primer tema del álbum, donde guitarras y pequeños ritmos electrónicos de fondo nos dan la bienvenida a un tema bastante enérgico y cañero. Nos damos buena cuenta de ello en los estribillos pegadizos que nos brindan, cargados de ritmos rápidos y frescos, encabezados por una voz limpia que casa a la perfección con la batería y bajo muy movidos que nos mantienen en vilo durante todo el tema. “Skinny Dipping” es el tema que da nombre al trabajo y el cual escuchamos en tercer lugar, donde nada más comenzar nos topamos con una voz en primer plano, que toma mucha importancia, dejando en segundo lugar a la instrumentación, bastante leve en este caso. Pero al momento, esta calma se rompe, dándonos unas composiciones más movidas, donde nos encontramos con una batería muy pegadiza, que armoniza con unas guitarras enérgicas y una voz que nos brinda un estribillo muy pegadizo. Sin duda un tema muy potente y positivo. Composiciones tranquilas suenan en “Cigarette Kiss” donde la guitarra acústica y la voz suenan en primer plano, para dejarnos con un conjunto muy tranquilo, donde con pequeños toques de guitarra eléctrica, dan contraste en las composiciones. Mezclan estas partes con otras mucho más rápidas y potentes, consiguiendo una mezcla bastante atractiva, con altibajos muy conseguidos.

SVDESTADA (ESP) YO SOY EL MAR

THE BRAVES RECORDS, 2018 Desde Madrid nos llega un nuevo proyecto de crust punk / hardcore creados por viejos conocidos de la escena como Mario C. Vaises a la voz y proveniente de KHMER, Peter López en la batería nos llega de WAYLON JONES. Jorge Urosa al bajo y Fernando Lamattina en la guitarra desde THIS THINGS CALLED LIFE; este cuarteto, han creado SUDESTADA debutando con su primer trabajo “Yo Soy El Mar”, coeditado entre The Braves Records, Odio Sonoro y Kill Vinyl, del que hablaremos a continuación. Su nombre lo cogen prestado de los vientos helados que recorren el Rio de la Plata, justo antes de la llegada del invierno y que representan en su introducción “Ostro”, para unirse a la fiereza de “Bengalas”, dejándonos claro lo que nos espera por delante, un hardcore/ punk potente y visceral, con unas voces rasgadas como VIVA BELGRADO, y unas melodías muy adictivas comandada por la guitarra de Fernando, que ya en el tercer corte “Soflamas”, nos han atrapado, acompañado de mensajes muy directos “¿Alguna vez has pensado que tu filosofía cabe en un panfleto?”. “Zozobra” no deja ni un segundo de descanso y unen su titulo de álbum a su temática lírica, con otro corte muy visceral y que parece unido a todos los anteriores, en una melodía recursiva, guardando en la parte central una parte más lenta pero pesada y brutal. En “Renacido”, cuentan con la colaboración en la guitarra de Iván Ferro, quien también ha grabado el álbum en sus Kollapse Studio de Lugo. Este corte es uno de mis preferidos del álbum, con una estructura musical cambiante, incisiva y muy enérgica, donde el bajo esta omnipresente y la banda cultiva una composición variable, repleta de tonalidades y pasajes atmosféricos; un temazo. “Siroco”, marca el inicio de la parte final del álbum, mediante una instrumental que crece como la lluvia tormentosa que se escucha acompañando a unos tristes acordes de gui-

“Phoenix” es el titulo de el ultimo trabajo de los Alemanes THE CASCADES. La banda fue formada a finales de la década de los ochenta y después de un tiempo de letargo, regresaron a mediados del 2000 sacando cinco discos. En el 2017 la banda regresa con los miembros fundadores, presentando “ Diamonds and Rust”. Ahora vuelven al estudio para renacer con este nuevo disco, una declaración para el rock gótico moderno, pero de influencia clásica, que suena familiar y aún así, está ajeno a cualquier obligación de igualar cierto estilo comercial o expectativas. Altamente influenciados por bandas como THE SISTERS OF MERCY, THE MISSION, GARY NUMAN… Editado por el sello Echozone, y compuesto por trece temas de rock gótico puro, pegadizo, oscuro, melódico y un agradable sonido atmosférico. Cuenta con una producción moderna y nítida, aunque evoca el espíritu de los 80 y principios de los 90. Los temas mas destacables son: “Dark Daughter´s Diary” con un sonido que te hace mirar hacia el pasado, recordando a las bandas citadas anteriormente. “This world is Yours” donde los estribillos pegadizos son los protagonistas. “Ihr Werdet is Yours” en donde se salen un poco del molde y coquetean con sonidos mas industriales y agresivos. Si eres fan del sonido Gótico de las décadas pasadas, este disco te va a encantar. MARK BERSERK | 7

THE CASTOR TROYS (CAN) LEGENDS NEVER DIE AUTOEDITADO, 2018 Desde la ciudad canadiense de Hamilton y en formato autoeditado, nos llega el nuevo Ep de NUM. 61 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 53

los rockeros punks THE CASTOR TROYS, “Legends Never Die” teniendo por influencias a bandas como THE OFFSPRING, HEADSTONES o SOCIAL DISTORTION, nos dejan seis enérgicas canciones repletas de positividad y buen rock. “Blackout Love”, abre el álbum con una guitarra demoledora con tintes punks a cargo de Chris Ledroit, con unos ritmos pegadizos, jugando con las estrofas donde alternan el bajo de Matthew Bowker y la percusión de Bryson Emmons, compenetrándose de forma perfecta con la voz de Aaron Waish, aunque en esta banda todos los miembros colaboran en el aspecto vocal, como perfectamente se aprecia en “We Are One”, donde los coros y los apoyos vocales son constantes en un temazo de 10, que no debería faltar en ninguna fiesta de rock, bailable, re-escuchable y divertido con un estribillo enloquecedor. “Watch The City Burn”, tiene un aire más del sureño, jugando con una melodía de bajo muy enriquecedora y la formula de coros y estribillos alternando entre el rock y el punk de la épica “Legends Never Die” o la rápida y enérgica “Wreck Of The Bastard”, con algunos ritmos de guitarras que recuerda a MOTORHEAD y su “Aces Of Spades”, que nos llevará al cierre del trabajo con “Running Down A Dream”, un tema distinto, aunque sin desmarcarse de su estilo, pero el toque vocal en las estrofas con un tono más bajo y pausado, da alas a un estribillo coral y directo, otro de los temas destacados de este trabajo. Y casi sin darnos cuentas habremos pulsado de nuevo el play para volver a escuchar este Ep de THE CASTOR TROYS, rápido y fugaz como la muerte que conduce en su portada, sin inventar nada nuevo pero con unas ideas muy claras y melodías que te atraparan de primeras. JUAN ANGEL MARTOS | 6.75

THE INTERSPHERE (DEU) THE GRAND DELUSION

LONG BRANCH RECORDS, 2018 12 años son muchos para una formación grupal, algo que solo parece darse en bandas de grandes lucros comerciales o en grupos de garaje que se pasan décadas reproduciendo el mismo sarao sonoro. En este caso nos encontramos con una excepción, ya que los alemanes THE INTERSPHERE, ni son lo suficientemente famosos (aunque se lo merezcan) ni su sonido apesta a producción casera. Veamos qué tal es su quinto álbum que lanzaron ahora a finales del ya muerto 2018. Nada más empezar el gancho pop pero alternativo de la banda alemana impacta con fuerza mezclando dos energías. Mientras que la entonación de Christoph perdura con encanto juvenil en todos los temas, las licuadas notas de las guitarras reproducen las vertientes más resaltables del inconformismo mainstream. Si es que “The Grand Delusion” no es más que una mentira conceptual, ¡no os fiéis solo de títulos y portadas! Porque si ese romanticismo más o menos deprimente de las líricas pretenden ensalzar una trastocada personalidad musical, eso no provocará en nosotros ninguna sensación de engaño, sino más bien la alegría tremendamente inesperada de escuchar un álbum con tantos toquecitos salvajes y picarescos. Parte de este desempeño lo podemos escuchar, por ejemplo, en “Man on the Moon”, pasaje de instrumentación volátil, sinfonías momentáneas, viento metal vociferando en algún auricular de manera repentina… el filo espiritual del art-rock parece mostrarse con intangible influencia. Los picos de intensidad del rock propio de los pubs universitarios también se reparten con 54 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 61

el desenfreno correcto y la progresión de los ritmos implica una eficacia compositiva de muy alto nivel. A veces surge el temor de que el sonido varíe a algo similar al pop punk pero no, se mantiene terco en el resplandor turbio y mellado del alternativo, a veces rugiendo más y en otras tranquilizándose en un recreo de brevedad pasmosa. “The Grand Delusion” es un álbum con tremendas canciones y rico detallismo dimensional, con una mezcla que amortigua los sonidos dispares y que evita casi con total éxito un efecto de solapamiento mutuo. No dudo en absoluto que esta banda se haya ganado, con este quinto lanzamiento, un espacio en el nicho digital del móvil de cualquier millenial. Es entretenido de principio a fin, con ritmos que contagian la hiperactividad y una presentación más que amigable apta para todo público joven. NUEL GONZÁLEZ | 8

(THE TRUE) VEILED (DEU) IN BLINDING PRESENCE

INTO ENDLESS CHAOS, 2018 “In Blinding Presence” es el titulo del primer larga duración de los Alemanes (THE TRUE) VEILED. Después de un primer EP de dos temas, regresan presentando este nuevo álbum que será editado por el sello Into Endless Chaos Records. Siete cortes en una duración que no llega a los cuarenta minutos. Lo que vamos a encontrar es un caótico y oscuro Black Metal cavernoso y primitivo a mas no poder. El tipo de sonido es muy en la linea de los primeros trabajos de la escena Nórdica. Composiciones básicas pero hirientes y cortantes con altas dosis de atmósferas oscuras. Ásperos y opresivos Riffs de guitarra, acompañados de gritos cavernosos y lúgubres con bases rítmicas hipnóticas. “Triunity” es un tema que destaca por su sencillez pero a la vez es capaz de llevarte al trance. En “The Healing Atter” nos muestran un enfoque con mucha mas melodía y altas dosis de oscuridad. “Steps” podría ser un tema compuesto a finales de los años noventa, pues contiene la esencia de las primeras grabaciones del genero. “Staintly Aisles” tiene un enfoque mucho mas “moderno” en sus inicios dejando ver una influencia mas post para después regresar a un sonido mucho mas clásico. “Selfchasm” contiene pequeños guiños de experimentación. Y para cerrar tenemos “Bringer of Lambency”, siendo un tema extraño, de una duración de mas de los diez minutos en donde se salen del molde en comparación al resto de temas. Un buen disco si eres fanático del Black Metal con cierto aire a los años noventa pero sin dejar de lado sonidos mas “nuevos”. MARK BERSERK | 7

TOMBTOKER (USA) COFFIN TEXTS

SEEING RED | METAL SWARM, 2018 Desde Baltimore, nos llega esta banda interesantísima llamada TOMBTOKER. Se podría

decir que es su primer Ep o disco corto o como queráis llamarlo. Este “ Coffin texts” es sin duda una sorpresa dentro del Doom Metal/ Sludge/Stoner. Es un trabajo donde convergen múltiples influencias; desde la psicodelia, aromas Death, Doom, incluso ramalazos blues. Todo ejecutado con mucho estilo por parte de la banda, compuesta por: Brandon Laing y Nick Baldwin a las guitarras, Dave Hagen al bajo, Bret Lanahan a la batería y Mark kuckzak a la voz. De entrada opino que sabe a poco este disco, quizás sea la pega más seria. Sus 5 cortes pasan volando entre guitarrazo y guitarrazo, y tienes que volverlo a poner otra vez, para digerir esta obra. Empiezan con “Warfare Revolution “, corte pesadisimo y brutal. Guitarras machaconas con una base rítmica aplastante. Muy Doom, con las seis cuerdas, rozando la psicodelia casi al final del tema. Magnífico. “Robo cujo” se inicia con una buena parte de batería, que introduce a pasajes stoner super oscuros. Con Mark cambiando sus registros entre voces más Doom y otros guturales típicos del Death. Otro corte de alto nivel. “Stenchsquatch” juega con unas atmósferas decadentes y explota con sus partes más death. Un tema enérgico con la batería más rápida y cambiante. “Bloodfreak” es brutal, con unos punteos magníficos y unas guitarras corrosivas que parecen salir del mismísimo infierno. Y la voz de Mark una vez más, impresionante. Y para cerrar, “Globster”, donde se mezclan death, doom y sludge de forma gloriosa y oscura. Lo dicho, TOMBTOKER y este “Coffin texts” saben a poco. Sin duda quedo expectante sobre un futuro larga duración, que seguro los pondrá en un lugar merecido dentro de la escena. Sobre todo por las variadas influencias que tienen. Muy buenos. JOSE ANTONIO GALLEGO | 7.5

TUSMORKE (NOR)

OSLOBORGERLIG TUSMORKE: VARDOGER OG UTBURDER VOL 1 KARISMA RECORDS, 2018 Desde Noruega y editado a través de Karisma Records nos llega el nuevo trabajo de TURMOSKE, “Osloborgerlig Tusmorke: Vardoger og Utburder Vol 1”. Un álbum excéntrico y folk, donde recorren varias historias y mitos locales, que aunque tiene canciones que conectan, la mayoría no conectan con el público europeo, tanto por el idioma, cantado en Noruego, como por algunas composiciones demasiado locales y folklóricas. Por ejemplo “Grefsenasen”, tiene un toque medieval, como si un trovador estuviera narrando una historia en la plaza de un pueblo, mientras danza y canta el estribillo con el resto del pueblo, siendo uno de los cortes más destacados del álbum, con unos arreglos repletos de belleza y de mística, empleando el arpa bucal, flautas, xilófono, violines, guitarra acústica y unas melodías vocales muy embaucadoras. Esto mismo lo consiguen con “Hovedoya” o la alegre y simpática “Kjentmannen”, que invitan a danzar y tomar cerveza. Sin embargo tiene otras canciones más abstractas como “Gamle Oslo” o “Alvene i Oslo”, donde el elemento folk futurista se mezcla en la primera y un paseo por el bosque nos inunda en la segunda, pero con algunos elementos progresivos que se hacen complicados escuchar sin entender el idioma ni la intención. Otras como “Akers Akropolis”, el tema quizás más roquero del trabajo, nos recuerda a JETHRO TULL, con elementos como la flauta como guía, en un corte animado con un teclado vintage que le da un toque especial y del que disfrutamos en “Gamle Aker Kirke”, tema el cual define a TURMOSKE en su composi-

ción musical, progresiva, folk y casi 11 minutos de un viaje alucinógeno. JUAN ANGEL MARTOS | 5

WHITEMOUR (FIN)

THE DEVIL INHERITS THE WORLD ART GATES RECORDS, 2018 Los finlandeses WHITEMOUR sacan su primer larga duración “The devil inherits the world” a través de ART GATES RECORDS, tras unas cuantas demos, EPs, y un paréntesis en su carrera que trajo consigo un cambio de estilo, de black metal a death metal, aun así siguen teniendo tintes black en ocasiones, con mezcla de death y melodía bastante interesante, y le sumamos partes más suaves que le dan variedad a sus temas. Formados en 2006 y tras unos trabajos, pararon en 2012 y retomaron en 2014 ya con nuevo estilo y nuevo proyecto en las manos. Empezamos con la intro “Deathlike silence”, un buen tema instrumental con un aire melancólico, buenos teclados, oyendo esto parece que se va a tratar de un disco de black o metal progresivo. “Voice of the fallen” tiene un aire a los últimos trabajos de SATYRICON al principio, también tiene una parte con una melodía que recuerda a AMORPHIS, un referente en Finlandia, y más allá de esa melodía, hay más influencia de esa banda, y terminan con un toque más de estilos más modernos de metal. “Wrath”, un tema potente, con cierto Groove, y melodía como en el caso anterior, y riffs que recuerdan a bandas como BENEDICTION o PESTILENCE, sin ser exactamente una clarísima influencia, y una parte del solo oscura, como debe ser en el caso de una banda finesa, y terminando brutal. “The day i died”, un tema cañero y rápido, salvo la voz, puede recordar a CANNIBAL CORPSE, pero como digo antes, sin ser influencia clara, y luego pasamos a una parte Groove, y otras más machaconas, un solo muy a la finlandesa. “Aileen”, en este caso veo más influencia escandinava (ENTOMBED), buen riff melódico. “Malefica”, un buen tema con toque melódico, y aire oscuro, con un muy buen estribillo, buen trabajo de coros. “The devil inherits the world”, comienzo brutal, con algún toque moderno después, y partes cañeras, otras melódicas, otras oscuras. “Blackheart deathride”, un tema con aire ENTOMBED, NAPALM DEATH, algo macarra, peleona, tema de directo. “Carnal obsessions of mind”, buen comienzo con teclado, al que le sigue un riff oscuro siguiendo al que le precedía al teclado, siguen partes melódicas y otras más cañeras, con también un aire a ENTOMBED, buen tema. Y para cerrar tenemos un bonus “Koulinnamio”, un tema brutal, cantado en finés, rápido, más directo que el resto de temas del álbum, es un tema de un trabajo anterior. Un buen trabajo de estos fineses, tienen buenas aptitudes para abrirse un hueco en la escena, buenos temas, buena producción, buena portada, tal vez les falta algo que no sé qué es para terminar de romper, pero tienen los ingredientes, en próximos trabajos seguro que será. VICENTE SÁNCHEZ | 8