Necromance Digital Magazine 62

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NÚMERO 62

DIRECTOR: David Déniz Plaza EDITOR, REDACCIÓN Y PUBLICIDAD: David Déniz Plaza MAQUETACIÓN Y DISEÑO: David Déniz Plaza REDACTORES | CRONISTAS: Alicia Castaño Carlos Bermejo Cesar Luis Morales Daniel Gallar Fernando Turrillas GaBriel Pastor Sánchez Jesús Muñoz Caballero Jesús Sánchez García Jorge De La Cruz Jose Antonio Gallego Juan Angel Martos Luis Martínez Mara Martínez Vargas Mark Berserk Nacho Peña Robin RM Rudy Pertu Santi Gzlez Tania Kymmenen Unai Endemaño FOTÓGRAFOS: Laín Romasanta Unai Endemaño EN PORTADA: Mind Driller

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CONTENIDO SECCIONES REGULARES 04 05 08 34

EDITORIAL CONTENIDO RECOPILACIÓN DIGITAL CRÍTICAS (NOVEDADES)

ENTREVISTAS 12 14 16 17 18 20 21 22 24 26 28 30 31

FEARS AWAY SCAPE LAND DELPHOS CHILDRAIN STONEWOOD BROWBEAT GINKGO DAWN SHOCK CATORCE INVERSUS MIND DRILLER ANGOIXA TALES OF GLOOM SOUNDCRUSH

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ESPECIALES 32 AQUELARRE

CRONICAS LIVE 54 DESOLATION METAL FEST

NECROMANCE DIGITAL SAMPLER VOLUMEN 35

1. MIND DRILLER (ESP) EIN ENDE

Extraído de / Taken from “Involution” (CD 2019) Art Gates Records

2. GINKGO DAWN SHOCK (ITA) SADCASM

Extraído de / Taken from “Inward | Flare” (CD 2019) This Is Core

3. FINAL CUT (SWI) FULL STEAM AHEAD

Extraído de / Taken from “Jackhammer” (CD 2019) Art Gates Records

4. STONEWOOD (ITA) OUT OF SIGHT

Extraído de / Taken from “Stonewood” (CD 2019) This Is Core

5. HAEREDIUM (FRA) BREATHE

Extraído de / Taken from “Ascension” (CD 2019) Art Gates Records

6. BROWBEAT (ITA)

A FORGOTTEN NUMBER

Extraído de / Taken from “Remove The Control” (CD 2019) Indelirium Records

7. HARMDAUD (SWE) KRAFT

Extraído de / Taken from “Skärvor” (CD 2019) Art Gates Records

8. SLENDERS (ITA) CLOSE TO

Extraído de / Taken from “Angry Youth” (CD 2019) This Is Core

9. HELEVEN (ESP)

MEDUSA’S LOVE STORY

Extraído de / Taken from “Medusa’s Love Story” (CD 2019) Art Gates Records

10. NEW DISORDER (ITA) MIND POLLUTION

Extraído de / Taken from “Mind Pollution” (CD 2019) Art Gates Records

11. STASIA MOMENTO (ESP) LET ME SEE IN YOUR EYES

Extraído de / Taken from “Manifestwo” (CD 2019) Art Gates Records

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DISEÑO DE PORTADA REALIZADO POR: THE CORE INSIDE

FEARS AWAY Aquí os dejamos con la entrevista que nuestro redactor Jesús Sánchez hizo a los chicos de FEARS AWAY para que nos hablaran sobre su nuevo trabajo “Beyond Reflections”.

Hola lo primero muchas gracias por darnos la oportunidad de haceros esta entrevista y llegar a conoceros un poco mejor. Me gustaría pediros que os Presentéis y nos contéis un poco como se formó la Banda.

Aúpa! Muchas gracias a vosotros por darnos la oportunidad de aparecer en vuestra revista. Fears Away somos 5 componentes, de los cuales 3 somos de Vitoria-Gasteiz y 2 de Bizkaia.

Damos nuestros primeros pasos como banda en 2016 como proyecto paralelo de Ion (Voz) Mangui (Batería) y Javi (Guitarra), tres miembros de Fourscore. Debido a la disolución de Fourscore, decidimos dar un pequeño empujón al proyecto y entran a formar parte Iñaki (Bajo) y Ander (Guitarra), para completar la formación. A mediados de 2016 empezamos a dar los primeros ensayos como quinteto y a componer los primeros temas, que formaron el EP “The Bravest The Strongest”, grabado con Diego Teksuo y que vio la luz en 2017. Nuestro último trabajo es un LP formado por 13 temas que actualmente estamos presentando en directo por todo el estado y que tiene como nombre “Beyond Reflections”. Por último, cabe destacar que recientemente hemos pasado a formar parte de la familia de Atlas Artist Agency.

Honestamente, no os tenía en mi radar, pero tras escuchar vuestro último trabajo nos podéis comentar, ¿Cuales son vuestras raíces e influencias?

La idea principal de la banda al nacer era seguir la onda de The Ghost Inside. Con ese objetivo compusimos nuestro primer trabajo. Poco a poco empezamos a meter otro tipo de recursos en las composiciones, como toques más técnicos, por ejemplo. Podemos decir que en el segundo trabajo “Beyond Reflections” las influencias han sido mas numerosas que en el EP debut. A la hora de componer los temas nuevos hemos tenido una gran influencia de grupos como Wage War, Counterparts, Obey The Brave o Crystal Lake entre muchos otros. ¿Escucháis normalmente otros Géneros de Metal o solo Hardocore y Metalcore? Os pregunto esto ya que tras las escucha de “Beyond Reflections” detecto muchos estilos además del Metalcore ¿Creéis que algún grupo de otros estilos metal os ha marcado para considerarlos influencias?

Somos bastante fanáticos del Hardcore en general, algunas bandas de Metalcore, algo de Melodic Hardcore y algo de Beatdown. A la hora de componer diría que no salimos mucho de esos géneros pero esta claro que todo lo que oyes en cierta medida influye la forma de tocar y de componer. A la hora de crear nuestros temas tenemos muy claro lo que queremos y como lo queremos. ¿De dónde ha salido la idea compositiva para este “Beyond Reflections”? ¿Qué temas tratáis en vuestras canciones? No sé si tenéis pensado cantar algu12 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 62

no de los temas en Castellano o Euskera?

Desde la formación de la banda teníamos claro que sacaríamos un disco tarde o temprano. Grabamos nuestro primero EP como carta de presentación y luego queríamos sacar algo más largo, más elaborado. En cuanto a los temas que se tratan, nuestras canciones hablan en gran medida de experiencias y vivencias personales la mayoría de veces desde un punto de vista positivo. Se tratan temas como la amistad, el hogar, la unidad, la traición, etc… No tenemos intención de componer letras en castellano ni en euskera. Los integrantes de la banda hemos hecho un largo camino en otras bandas en las que hemos cantado en euskera y en castellano. Ahora mismo nos sentimos muy cómodos cantando en inglés, aunque no todos los integrantes dominan el idioma jajajajaj Vuestro último trabajo “Beyond Reflections” con trece temas, ¿Cómo ha sido el proceso grabación? ¿Alguna anécdota que destacar? ¿Cuál es vuestra opinión del resultado final?

La grabación fue como la seda en el estudio de Diego Teksuo (donde grabamos el primer EP), así que ya nos conocíamos y teníamos confianza. Diego es un productor muy profesional y no duda en aportar ideas, lo cual solo hace que el disco crezca.

Entre risas y buenos ratos grabamos 13 temas completos en 10 días y estamos encantados con el resultado. Cabe mencionar que estábamos en tierras Asturianas y nos pasamos los días grabando y comiendo, literalmente. Como anécdota podemos destacar el alojamiento que tuvimos, era una especie de lonja a pie de calle con habitación en la que dormimos todos. Tuvimos que llenar el espacio de colchonetas hinchables para poder dormir, pero eso lo hizo más especial y no parábamos de reír y hacer el tonto. No descansábamos demasiado.

Entrando un poco de forma superficial en el tema técnico, me ha llamado mucho la atención el sonido, sobre todo guitarras y bajos, ¿Nos podéis contar cuales son los Setup de amplificadores, guitarra y bajos que usáis normalmente? ¿Cuáles son las afinaciones con las que soléis tocar?

La afinación de las cuerdas es Drop A#, lo que le aporta ese punto de brutalidad a los temas, ya que se trata de una afinación bastante grave (aunque en el Hardcore y en el Metal bajar de tono es bastante común). También tenemos un tema en el que bajamos otro tono más y otros dos temas que llegamos a bajar hasta dos tonos (en momentos concretos) gracias al pedal Drop de Digitech. Las guitarras utilizan un cabezal Kemper con un EVH 5150 III y solemos utilizar una Ibanez Frix 6 Iron Label y una LTD TE 406 para los directos. Para el bajo combinamos un Fender Delux Active Precision Bass con un cabezal Orange y pedales Sansamp y Darkglass.

Pensando un poco en este año recién estrenado ¿Cuales son vuestros planes sobre conciertos festivales etc.?

Nuestros planes son presentar el LP por todas las ciudades posibles y que nuestra música llegue al mayor número de gente. Este año, con el disco recién estrenado pasamos a formar parte de Atlas Artist Agency (con bandas del nivel de Bellako, Meltdown, WEED y Syberia). Nos hizo una tremenda ilusión entrar en la familia y esto nos da un buen empujón a la hora de llegar al mayor número de ciudades posibles y poder acceder a nuevos lugares donde tocar. Esto no para, y tenemos pensado sacar sorpresitas relacionadas con el LP y ya hemos empezado a crear los primeros riffs de algún tema nuevo. Al final, cuando sacas un trabajo a la venta, la banda lleva tocando los temas nuevos mucho tiempo y siempre quieres un poco de aire fresco.

Por último ¿Qué opináis de la escena Metalcore Nacional?

Ufff… podríamos hablar horas sobre este tema. En general, creemos que está creciendo y que cada vez hay más gente en los bolos, ya que años atrás no iba tanta gente a conciertos de estos estilos musicales, por lo menos en nuestra zona del País Vasco y alrededores.

Esto es resultado del esfuerzo de muchas bandas, colectivos, crews, promotoras, etc… que han ido remando en una misma dirección contra los obstáculos que vas encontrando por el camino. Por el contrario, creemos que también existen numerosos agentes que cada vez ponen más difícil el que una banda underground nueva pueda salir hacia delante y presentar sus discos en unas condiciones medianamente razonables en el mayor número de sitios posibles. Un ejemplo rápido, creemos que las condiciones de alquiler de salas en algunas ciudades son abusivas y desproporcionadas. En determinados lugares, es dificilísimo montar un concierto de este estilo y que sea medianamente rentable, tanto para las bandas como para la organización. También creemos que cada vez el mercado está más saturado y cuesta llegar más a la gente, pero en el estado hay bandas con mucha calidad que no tienen nada que envidiar musicalmente a las grandes del género.

Para terminar, me gustaría daros mi enhorabuena por este fantástico trabajo y esperar veros rompiendo escenarios por toda España.

Muchísimas gracias a vosotros por el apoyo y por la entrevista.

Gracias a medios como vosotrxs las bandas podemos llegar a más gente y expandir nuestra música. Hacéis una gran labor en la escena.

POR JESÚS SÁNCHEZ

SCAPE LAND

“Evil Mind Pieces”, todo un discazo que se han marcado los chicos de SCAPE LAND y del que nos hablan en esta entrevista que os presentamos a continuación.

Enhorabuena por el disco. Habéis publicado un álbum muy bien producido, compacto y muy ecléctico. Como veo en vuestra información por Facebook, “Vete a saber que Metal”. Luego reviso influencias, y mencionáis desde YES a DEATH o LAMB OF GOD. Metal hay, y a saco, pero ¿tanto (os) puede restringir una etiqueta?

Jejejeje, muchas gracias. Bueno, restringir… Realmente no es algo premeditado, ni es nuestra intención evitar las etiquetas.

Es cierto que hemos querido buscar hacer lo que realmente nos motive, nos divierta sin fijarnos demasiado en buscar un estilo concreto. Pero digamos que esto de que se nos tilde de “inclasificables” ha sido algo “natural”. Para nosotros es un honor que nos ocurra esto, en la época donde todo es “gratis”, de fácil acceso y donde “todo está inventado”. Así que, respondiendo a tu pregunta, pensamos que si, en cierto modo restringe. Al menos eso pensamos. No ponerte limites a nivel creativo es una apuesta arriesgada, pero es en lo que creemos y así lo hemos reflejado en nuestros dos discos. No es que sea malo restringirse a un estilo concreto, admiramos mil bandas de estilos concretos. Pero no es nuestro estilo.

También leo que lleváis desde 2006 en funcionamiento, pasando por varios cambios de formación y estilísticos. Incluso en un determinado momento, hubo un teclista. ¿Os consideráis ya establecidos como banda o estáis abiertos a la incorporación de un nuevo miembro, otro guitarra u otro teclista?

Ya estamos establecidos como banda. Sin duda, llegar al punto en el que estamos ahora es lo que mas cuesta a cualquier banda. Es lo mas difícil. Creo que si preguntaras a cualquier banda te diría lo mismo. Las entradas y salidas de miembros pueden estar derivadas de mil razones, pero generalmente todos los procesos de adaptación son difíciles. En nuestro caso, no sobra ni falta nadie, y es algo que nos ha costado mucho tiempo e intentonas, jejeje. Ademas en nuestro caso, con lo rarito que somos, sería muy difícil encontrar a alguien que encajara en nuestro “esquema”, jejejeje. Nosotros somos muy distintos entre si, tanto a niveles de carácter, como de gustos personales. Quizá esto sea parte del éxito de nuestra formula, jejeje. ¿Quizá podría, en algún tema concreto venir bien un teclado?. Probablemente. ¿Un segundo guitarra?. Quizá. Pero pensamos que estamos en un punto de equilibrio muy complejo de conseguir y la incorporación de algún otro miembro, en este momento, podría desestabilizar mas que otra cosa.

Nos encontramos cómodos, tenemos un directo, pensamos, muy sólido, por lo que en este momento solo nos toca mirar hacia delante y no pensar en “posibles carencias”.

En 2015 pudisteis cristalizar vuestro primer álbum homónimo, también un disco bastante reseñado como una de las mejores publicaciones de aquel año.

Las portadas de aquel y de este nuevo “Evil Mind Pieces” nos muestran al mismo personaje ¿o me lo parece a mí? ¿Alguna historia detrás de este calvo o es una mascota en plan Vic Rattlehead de MEGADETH o el Snaggletooth de MOTÖRHEAD? ¡Siiiii!, ¡Claro que es nuestra mascota! La verdad es que es una historia difícil de contar, pero por resumir, se trata de un personaje creado por JJFEZ, autor de todos los diseños relacionados con Scape Land, hace muchos años, mientras estudiaba la carrera de Bellas Artes. El caso es que cuando le encargamos la realización de la primera portada, sin conocer la historia de su personaje, coincidió perfectamente con lo que buscábamos. Así que, “Insane King”, que es su nombre, se convirtió en nuestra mascota. Otra cosa son las historias de cada portada, pero por contar un detalle que hace al segundo “Insane King” muy especial, es que esta hecho utilizando una técnica en la que se mezcla dibujo digital con fotografía real, de manera que, en nuestro segundo disco “EVIL MIND PIECES” nuestro querido calvo, esta hecho con trozos de fotografías reales de nuestras caras.

Está claro que “no to er mundo puede ser de Cai”, ¿qué tal eso de ser una banda de metal en la cuna de las Chirigotas y de LA CHIPIONERA? Bueno, pues que te voy contar que no sepas. Es complejo.

No hay salas, no hay locales, no hay apoyos por parte de las instituciones, etc. Aquí montas una chirigota y te faltan fines de semana para tocar. Pero con metal… no hay forma. Para que te hagas una idea. Acabamos de tocar este pasado 26/1/19 en Cádiz después de más de 2 años sin tocar. Mientras tanto hemos tocado en muchísimos sitios por todo el país. Aun así.

Seguiremos dando guerra, esto es lo que nos mueve, lo que nos motiva, y el haber nacido en Cádiz es algo circunstancial, jejejeje.

También habéis grabado un vídeo para “Evil” que, sin desvela/r nada a los que no lo han visto, tiene un final que me ha dejado bastante alucinado, mostrando una interesante dicotomía de la naturaleza humana. ¿Qué tal la experiencia?

Tremenda, la verdad es que fue una experiencia única. Entre otras cosas porque fue absolutamente “home made” pero cuando digo “Home Made” es que lo hicimos nosotros mismos junto con JJFEZ. No hubo cámaras, no hubo técnicos, por no haber no había ni luces externas, nos fuimos al campo y claro. ¡No habia enchufes, jajaja!. Asi que grabamos todo con la luz natural de aquella tarde y en una sola tarde, jejeje. JJFEZ vive en Alemánia y aprovechamos su visita para rodar metraje y que el, solo el, hiciera todo el trabajo de producción, dirección, etc. Tuvimos que trabajarcon un equipo, con un crono sobre la cabeza, sabiendo que el sol se iba, rodando las escenas de carreras, mientras montabamos los instrumentos, etc… Este video es un ejemplo clarísimo de un videoclip hecho con muchísimo amor, y muy pocos medios.

De hecho estoy convencido de que si hubiéramos podido contar con un gran equipo técnico, miles de € de presupuesto etc., no habría salido tan genial. Podría ser mejor en según que aspectos, pero no así. Para nosotros es una obra de arte.

El álbum es ecléctico y bastante inclasificable. Volviendo a vuestras raíces, una banda que admiréis o que consideréis como una referencia. Y siguiendo con lo mismo, un músico con el que flipéis.

Ufff, es que es muy complejo. Como comentaba somos muy distintos. Pero si yo (Diego) tengo que responder, Steve VAI es algo extraterrestre. No creo que haya nadie en este planeta que sea capaz de llevar el instrumento al extremo que lo lleva este genio. Mas allá de esto, disfrutamos de muchísimas influencias diferentes, Iván (voz) te diría que “Blue Murder” es lo mejor, o Adrián (Batería) alucina con grandes clásicos como Judas, y a Josema (bajista) le pasa un poco como a mí y es que nos lo “bebemos” todo. Aunque quizá esto nos ha hecho a todos disfrutar de muchos géneros diferentes.

Supongo que una vez presentado el álbum, girar todo lo posible para presentarlo en directo. ¿Qué tal la experiencia en directo en las distintas salas por las que habéis estado y la relación tanto con el público, como con el resto de las bandas? ¡Genial! A ver, las realidades de las bandas emergentes son las que son, en algunas localizaciones hemos tenido mas o menos público, pero independientemente de la cantidad de público, siempre hemos tenido un feedback impresionante de ellos, todos nos felicitan por nuestro trabajo en directo y por como defendemos nuestros directos. Esa ha sido siempre una de nuestras máximas, lo que grabemos en un estudio, tenemos que poder llevarlo al directo, si no, no vamos bien.

Pero dicho esto hay algo que nos enorgullece y es que cada vez que repetimos una plaza, vienen mas a vernos y es por el boca a boca de aquellos que ya nos vieron. Como ejemplo te comento lo de nuestro último concierto en Cádiz, la anterior vez que lo hicimos, fué delante de 14 personas. Esta ultima nos encontramos con una sala llena, por fin se rompió la maldición

aquella de “nadie es profeta en su tierra”.

Proyectos para el futuro, medio y largo plazo ¿estáis ya preparando nuevo material? ¿Quién escribe las letras, quién compone?

Nuestro proyecto en este momento es tocar, tocar y tocar, y si podemos, intentaremos conseguir alcanzar públicos mas masivos, como por ejemplo acceder a algún festival. Yo (Diego) soy el compositor y escritor, y no es que esté ya trabajando en nuestro tercer disco, es que llevo trabajando “toda mi vida” jejejejeje. Quiero decir que la cabeza nunca para de dar vueltas y siempre estoy desarrollando ideas , riifs, etc. pero de ahí a ponerlo en común con mis compañeros y empezar a trabajar en común lo que será el tercer disco de la banda, no. Aún queda mucho para eso. EVIL MIND PIECES acaba de cumplir escasos 7 meses de vida y le queda mucho por decir aún, jejejeje.

Esperemos encontrarnos en alguno de los próximos conciertos, ¿unas palabras para los fans y para los que todavía no os han escuchado? ¿Qué se van a encontrar en el directo?

Ojalá podamos vernos en directo. Muchas gracias por vuestro apoyo y por esta entrevista. En cuanto a que podemos encontrar en una directo de Scape Land… ¡Sorpresa!, ¡ jajajaja!

De eso se trata. No esperes grandes artificios, grandes maquillajes, disfraces, o fuegos artificiales, solo encontraras música, pero eso si… si no nos has escuchado aun y te pilla en un directo… ¡sorpresa! ¡ jajaja! Pensamos que de una manera u otra disfrutaras de nuestro directo, ya sea por lo heterogeneo de la música, por lo inclasificable del estilo, por tener a un de los mejores y mas “cabra loca” de vocalista del país o por lo que sea… pero disfrutarás, seguro. Nosotros, nos mataremos para conseguirlo.

POR CESAR LUIS MORALES

NUM. 62 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 15

DELPHOS La banda de rock metal alternativo DELPHOS nos traen su primer larga duración “Tras la marea”. Necromance se aventura entrevistando al quinteto madrileño, para intentar adentrarnos en su música y sus inquietudes.

Gracias por concedernos esta entrevista a Necromance Magazine Digital; en primer lugar, ¿Cómo surge DELPHOS? Alonso, Diego (guitarristas de la banda) y Manuel (cantante) tenían otro proyecto anterior que terminó convergiendo en el actual Delphos. De ahí se encontró a Julián, con quien comenzamos a trabajar en unos temas que nunca han visto la luz. Más tarde comenzamos la producción de nuestro primer disco, y entonces apareció Guillermo para el puesto de bajista.

Más o menos así es como hemos llegado aquí.

En vuestros temas se vislumbran bastantes influencias. ¿Cómo gestionáis vuestros referentes a la hora de componer canciones?

Consideramos que es parte fundamental del resultado de nuestras canciones. Los cinco que formamos Delphos tenemos influencias lo más dispares posibles, pero el buen rollo que hay entre nosotros y el buscar lo mejor para la canción hacen que de cada estilo nos quedemos con lo mejor y con lo que creemos que más nos va a hacer avanzar como grupo.

“Tras la Marea” ¿podría tratarse de un álbum conceptual? Una vez profundizas, parece que todos sus cortes estén relacionados entre sí…

Has dado en el clavo. Creemos que los discos tienen que ser algo más que una recolección de canciones. Para nuestro primer disco queríamos buscar un concepto que mostrara la evolución que habíamos tenido y todo lo que habíamos encontrado y dejado por el camino. “Tras la marea” simboliza eso y es lo que hemos intentado plasmar en las letras del disco.

Os habéis rodeado de buenos profesionales como Alex Cappa, Koke Díez o Ritxi Ostáriz, para pulir este disco. ¿Cómo es trabajar con estos cracks? Supongo que fácil… ¿no?

Efectivamente. La profesionalidad no se nota tanto por sus resultados finales (que también), sino por el trato que tienen con las bandas. Personal, personalizado y humano. Un placer trabajar con estas personas y lo recomendamos fehacientemente. ¿Cómo valoráis vuestra evolución desde el Ep “Presagios “hasta “Tras la Marea”?

Directamente nos consideramos una banda distinta. Mantu16 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 62

vimos el nombre porque nos gusta bastante, pero creemos que nada tiene que ver lo que hacíamos y cómo lo hacíamos, con lo que hacemos ahora. La evolución es notable y nos ha llevado a ser una banda más “actual”. Pero bueno, no nos gusta tampoco comparar por lo que hemos dicho. Creemos que son dos etapas distintas.

El álbum posee temas muy carismáticos, al menos para un servidor; como “Porcelana”, “Calima”o “ La ciudad”, con buenas letras y música. ¿Quién es el artífice de las letras de las canciones?

Las letras de las canciones y el concepto del disco han corrido a cargo de Manuel. Todo está consensuado con la banda.

Ha sido un trabajo muy exhaustivo y delicado en el que ha intentado que cada letra mostrara una parte distinta de este concepto que estábamos intentando construir. ¿Cómo está funcionando este trabajo de cara al público?

Todas las opiniones que estamos recibiendo son muy positivas. Más o menos coinciden en lo mismo. Música actual, bien hecha, con buena producción y que tiene algo que contar. Es lo que buscábamos con este trabajo: posicionarnos y que a la gente le empezara a sonar nuestro nombre. ¿Cómo está de salud la escena rock metalera, tanto de la capital como a nivel nacional?

Vivimos un momento único. Esto es una moneda con sus dos caras bien diferenciadas. Por una parte, cada vez tenemos más grupos con muchísima presencia internacional, festivales gigantes, conciertos todos los fines de semana y grupazos en todos los estilos. Por otro lado, la masificación de grupos y de oferta concertística hace que cada vez sea más difícil montar un concierto y que salga rentable, o salir de gira… Es complicado, creemos que la escena le tiene que dar una vuelta a todo este tema. ¿Qué ofrecen DELPHOS en sus shows?, para que aquellos que aún no os conocen tengan una idea sobre la banda…

Intentamos que sea un directo lo más orgánico posible y lo más parecido al disco. Por eso en cuanto a efectos y sonidos de fondo tampoco nos comimos mucho la cabeza. Queremos ofrecer algo honesto, cercano y vivo: un show auténtico.

¿Planes de la banda a corto y medio plazo?

Lo primero es intentar presentar el disco en el mayor número de sitios posibles de la Península. De aquí a final de año es nuestra máxima prioridad. La composición tampoco la hemos dejado de lado nunca. Eso es un poco todo lo que os podemos contar, ni nosotros mismos sabemos qué va a ir surgiendo. Las bandas del underground vivimos el aquí y el ahora, es difícil hacer predicciones.

Bueno, ¿algo que decir a nuestros lectores, y a futuros oyentes de vuestra música?

Muchísimas gracias por dejarnos vuestro espacio para expresarnos y poder realizar esta entrevista. Muchas gracias también por la reseña que habéis hecho de “Tras la marea”. Se nota cariño y dedicación con lo que hacéis. Sin más, un saludo muy caluroso a todos los lectores y lectoras de Necromance y esperamos que vengan a alguno de nuestros conciertos para conocerles.

Sin más que decir, desearos suerte con vuestro flamante ”Tras la marea”, y espero siga en aumento la buena aceptación que está teniendo. ¡Un saludo!

POR JOSE ANTONIO GALLEGO

CHILDRAIN En las siguientes líneas tenemos la entrevista que Unai Endemaño hizo a los chicos de CHILDRAIN con motivo de la salida de su nuevo trabajo “The Silver Ghost”, todo un pelotazo del que nos hablan a continuación. ¿Quién es el fantasma plateado al que hace referencia el título del disco?

Bueno, lo somos todos. El término fantasma viene a hablar del cuerpo astral, pero de una forma más metafórica. Para lo que estén familiarizados con experiencias astrales no será difícil unir términos, ya que el cordón de plata es el que une al cuerpo físico con el astral. Hicimos un juego de palabras.

Con los que no estén familiarizados con estos términos les recomiendo que se interesen, ya que es apasionante, al menos para mí. Otra gran parte de los que lean esto pensarán que estamos tronados, bueno está bien, todo vale. ¿Cómo ha sido la primera respuesta de la gente ante los nuevos temas que habéis mostrado?

Muy positiva. La gente nos tiene medidos ya y nos ha dicho que “suena muy childrain”, algo que hoy en día es de agradecer mucho. Creemos que estamos llegando a una personalidad importante en nuestras composiciones, y que se valore eso, más allá de si gusta más o menos, es importante. De todos modos parece que han gustado mucho, porque nos han llegado varios covers ya, algo que nos hace una ilusión tremenda. Nos morimos de ganas de soltar el resto de temas, darán que hablar jaja. ¿Sentíais vértigo ante la idea de incluir tantas voces limpias en vuestros nuevos cortes?

La verdad es que no. Siempre, desde nuestra maqueta, hemos incluido voces limpias y estribillos coreables. Nuestros temas más solicitados son los más “melódicos”, por lo que era natural seguir por esa senda, habiendo gritado ya todo lo gritable en los anteriores discos. Simplemente te cansas de ofrecer lo mismo y quieres darle otra forma. Sigue habiendo alaridos y blastbeats, pero hemos querido explorar otras texturas también. Creemos que es mucho más completo y rico el disco así. Habrá defensores y detractores, pero vamos a lo nuestro. Siempre ha sido así.

Por lo que se ve, habéis cuidado mucho la factura de los videos que habéis lanzado para presentar vuestro fantasma ¿Cómo fue la elección de las personas que los han diseñado?

Bueno lo de Joseba Elorza de Miraruido nos vino de la admiración de sus trabajos. Conocíamos sus trabajos con Green Day, Berri Txarrak, National Geographic…y nos alucinaban.

Creaba unos mundos de un surrealismo y majestuosa belleza que nos dejaron boquiabiertos. Su estilo iba como anillo al dedo a nuestro concepto, así que le enviamos un tema y dijo que sí, que adelante. El resto lo podéis ver en vuestras pantallas ya. Con los lyric videos hemos elegido a Javi Reaktiu,

un tío con una dilatada carrera como creador audiovisual y que ha trabajado con Hamlet, Berri Txarrak, Leo Jiménez…artistas todos de primer nivel. Estamos muy contentos con el resultado y con su forma de trabajar.

La grabación imagino que una vez más ha corrido a cargo de Iker en sus propios estudios. Es una gran ventaja, contar con un productor de prestigio dentro de la misma banda, ¿No es así?

Pues imagínate que la persona que compone los temas, además sabe perfectamente cómo deben sonar y cómo grabarlos para ello. Y además de esto cuenta con un estudio con todas las prestaciones top en la misma ciudad en la que vives. Si le añades que es tu hermano ya la cosa se descontrola jajajaja.

Pero no es casualidad, hay mucho trabajo e inversión de tiempo y dinero detrás de ello. Desde que grabamos un disco y no nos quedamos a gusto con el resultado, juró que eso no le volvería a ocurrir. Ahora vive de ello, no está mal, ¿no?

En nada comenzáis gira europea ¿Creéis que este será el punto definitivo, en el que Childrain consiga llegar al siguiente nivel?

Pues eso esperamos. En España la escena está muy limitada a ciertas ciudades o ciertas bandas. Hemos hecho mucho ya a nivel nacional y era hora de dar el salto. Queríamos hacerlo en muy buenas condiciones, para no quemarnos, y creo que con una banda del calibre de SIX FEET UNDER hemos dado en el clavo. Ir en un autobús sleeper recorriendo Europa siempre ha sido soñado por todos, y ahora lo vamos a cumplir. Comeremos fatal y oleremos peor, pero viviremos otro más de los sueños que nos ha brindado esta banda, que no son pocos. ¿Cual es vuestro festival favorito de España? ¿Para tocar o para beber? Fuera bromas, siempre es increíble ir a un Resu o a un Download, es como ir a una megaboda con barra libre y mil recursos, en la que además, te pagan.

Vas como flotando todo el día. Pero también hemos tenido la suerte de ir a muchos de medio formato que nos han tratado como reyes. Son tantos que no te puedo nombrar todos y tampoco me quiero dejar ninguno, pero es un gustazo ir siempre. Te tratan como si fueras los putos Metallica, hay muy buenos festivales de medio formato en España, se les debería prestar toda la atención, no siempre es así y luego algunos desaparecen por no resultar rentables. Es una pena.

años de inocencia pensando que tal vez vendría un Mesías y nos aupara a ser los nuevos Maiden jajaja, aunque eso ya vimos que no sería así al mes y medio de empezar. Eran años más locos, más chupitos, más juerga, descuidábamos más otros aspectos. Todo cambió cuando S.A. nos llevó de gira con nuestro segundo disco. Aprendimos mucho de una banda con tanto recorrido como ellos, desde entonces crecimos mucho y prestamos muchísima atención a todos los detalles.

Ir con S.A. de gira es como un doctorado en música, aprendes muchísimo. ¿Cómo fue el fichaje con una discográfica importante cuando ya apenas se venden discos?

Buenos nosotros siempre intentamos rodearnos de gente profesional que pueda aportar a la banda su know-how. En cada paso de la banda ha sido así, y ahora con Master of Metal como management y Graviton como discográfica, la cosa ha avanzado mucho. Son gente que ha estado en las filas de Roadrunner Records, poca broma. Saben cómo se mueve todo a esferas muy altas, y tenemos la suerte de que vamos de su mano en esta nueva etapa. ¿Cómo ocurrió? Les escribí un mail con nuestra música y nota de prensa, y parece que les gustó.

Una suerte tremenda para nosotros.

Metal, Metalcore, Death Metal melódico, Groove… se os ha identificado con tantas etiquetas que nos gustaría saber de la propia banda cómo os veis a vosotros mismos.

Sí, siempre es conflictivo el mundo de las etiquetas. Bueno, nosotros siempre decimos que somos una banda de metal, porque concretarlo más no tiene sentido. Los inicios igual eran más identificables con el death melódico, pero era porque coincidimos en tiempo con un boom de aquello y no teníamos tantos recursos musicales entonces como los que tenemos ahora. Siempre hemos intentado no cortarnos en meter elementos a nuestra música, y así lo hemos hecho desde el tercer disco. Hay punk, hay hardcore, hay rock, hay líneas de ska embrutecidas y hay muchas texturas de voz. Somos metal porque esa es la raíz de las composiciones, no somos ni pop ni rock, pero no podemos detallarlo más, si escuchas nuestro último disco creo que podrás entenderlo mejor.

POR UNAI ENDEMAÑO

¿Qué recuerdos tenéis de los inicios de la banda, ahora que lleváis más de diez años dando el callo?

Pues que estábamos perdidos en el cómo hacer las cosas, pero que teníamos claro el qué hacer. Recuerdo los primeros NUM. 62 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 17

STONEWOOD Nacidos en Roma, STONEWOOD son una banda con una clara pasión por el stoner metal y la música alternativa, y lo han reflejado en su álbum debut “Stonewood”; con ellos tuvimos esta entrevista con la que os dejamos. ¿Cómo se formaron STONEWOOD?

La banda nació en 2014, pero la formación final y real se estableció en 2016. En 2014 Carlo y Fabio, los fundadores, estaban tocando en otra banda juntos, por lo que decidieron comenzar un nuevo proyecto.

¿Cómo describirías el sonido de STONEWOOD?

Queríamos fusionar nuestras influencias musicales de stoner / desert rock con los sonidos de nuestro pasado, principalmente el grunge de Seatlle.

¿Fue fácil escribir el álbum debut “Stonewood” o fue difícil expresar todo lo que sentíais?

Fue un proceso creativo muy natural, cada miembro puso sus ideas durante la composición y juntos decidimos cuáles eran las buenas.

¿Cuándo entró This Is Core Records en escena?

Poco después de la grabación, This is Core se puso en contacto con nosotros.

¿Cuanto se había escrito del nuevo trabajo cuando os hicieron la oferta para editarlo?

El álbum estaba listo en ese momento. A la gente de This Is Core les gustó el sonido y el atractivo en vivo del álbum.

Cuéntanos algo sobre la grabación del debut “Stonewood”.

El álbum fue grabado en The Lab studio por Pierangelo Ambroselli y mezclado en los Kaos Studio por Luca Spisani, dos personas que nos ayudaron mucho a encontrar sonidos asombrosos y expresaron nuestro potencial.

¿Cuáles fueron algunas de las dificultades para dar vida a este álbum de debut?

Grabamos en vivo en el estudio, así que hay pros y contras. El 18 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 62

sonido es mejor, pero tuvimos que mantenernos muy centrados en lo que estábamos haciendo. Fue muy estresante.

Musicalmente, ¿cuáles eran vuestras intenciones en “Stonewood”?

Queríamos hacer música pesada, con un sabor realmente vivo. Nos gusta pensar que lo hemos clavado.

¿Qué temas exploráis en el álbum debut?

En nuestras canciones hablamos de vida, amor, sexo, soledad delirante con muchas referencias literarias. Hay muchos de nosotros en este álbum.

¿Cómo han sido hasta ahora las reacciones al álbum debut?

El álbum tuvo una buena recepción crítica y tuvimos un impulso en nuestros perfiles de redes sociales, las cosas van muy bien. Los últimos conciertos están llenos de energía y la multitud parece apreciarlo.

¿Qué te gustaría ver hacer a STONEWOOD desde este momento?

Deberíamos comenzar una gira nacional pronto, nuestra esperanza es viajar más y llevar nuestra música a todo el mundo.

¿Algo que te gustaría decir para terminar la entrevista?

Esperamos llegar a todas las cabras del mundo: no estás solo, ¡únete a nosotros!

POR DAVID DÉNIZ PLAZA

BROWBEAT Los italianos BROWBEAT nos destrozan con una dosis directa de Hardcore en toda regla en su nuevo trabajo “Remove The Control”, trabajo del que nos hablan en la siguiente entrevista con Fabio (vocalista) entre otras cosas. ¡¡¡Hola chicos!!! ¡Bienvenido a las páginas de la revista digital Necromance! ¿Podrías presentar la formación actual a nuestros lectores?

Hola a todos, somos Browbeat de Italia y les agradecemos la oportunidad que nos brindan para hablar sobre la banda.

Browbeat son M.V. – voz, Luca Cocconi – guitarra, Mirco Bennati – guitarra, Dimitri Corradini – bajo y Nicholas Badiali – batería.

Después de “Eve Of Darkness” (2005), la banda desapareció … ¿Qué pasó?

En 2005, el histórico cantante M.V. Dejó Browbeat por las diferencias musicales y el resto de la banda quiso experimentar un sonido más metal con un nuevo cantante, pero fue algo sin éxito, porque era un sonido que no estaba en línea con la verdadera identidad de Browbeat al principio. Así que decidieron romper el proyecto en 2007. ¿Como ha cambiado la banda entonces desde su separación en 2007 y la reunión en 2017?

Todos los miembros empezaron sus propios proyectos musicales, pero el deseo de tocar en directo con Browbeat y escribir nuevas canciones resultó ser más fuerte de lo que esperábamos, ¡así que aquí estamos! ¿Qué recuerdas de la era de “No Salvation” (vuestro primer álbum)?

Nuestro primer álbum NO SALVATION lanzado en 2000 tuvo muchos comentarios positivos tanto de la prensa como de la gente en Italia. Siempre recordaremos ese período porque las redes sociales no existían y muchas personas cargadas de energía siempre acudían a nuestros directos. ¿Cómo caracterizarías la evolución de la banda en “Remove The Control”, vuestro nuevo álbum?

Nuestro objetivo era crear un sonido moderno, sin descuidar el estilo de nuestro hardcore-metal 90 en los riffs que ha caracterizado nuestra música desde nuestro primer álbum. ¿Puedes presentar este nuevo álbum a nuestros lectores?

Realmente creemos que esta mezcla de sonido antiguo y nuevo es el punto fuerte de nuestro último álbum, ¡REMOVE 20 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 62

THE CONTROL! Este álbum es seguramente muy recomendado para los fans de Hatebreed, Madball, Sick of it, Merauder, Biohazard, Lionheart, Stuck Mojo y los primeros Machine Head. Tiene un concepto muy específico y habla de muerte y explotación en el trabajo, especialmente causado por las multinacionales. ¿Puedes hablar de algunos temas de “Remove The Control”?

En este nuevo álbum puedes escuchar todas nuestras influencias musicales desde los años 90 hasta hoy, que incluyen hardcore, metal, crossover y hip-hop. Cada canción representa un cierto período de escritura con el objetivo de obtener un resultado determinado para cada canción. Así que pensamos que no hay una canción en particular para resaltar porque el álbum debe ser escuchado en su totalidad.

“A Forgotten Number” tiene un vídeo directo y poderoso, ¿de qué trata esta canción?

La letra de esta canción está basada en una historia real ocurrida en Italia. Una mujer de la limpieza que ha sido despedida sin una razón justa, por lo que se quemó en una oficina pública para protestar contra las instituciones, que la han olvidado por completo sin proteger sus derechos. ¿Qué deseáis que el oyente se lleve de “Remove The Control”?

Esperamos que el álbum sea escuchado y apreciado por mucha gente. Nos gustaría que las canciones puedan dar emociones fuertes, energía positiva y también reflejar los mensajes que queríamos expresar. ¿Cómo fue el proceso para “Remove The Control”, desde el tiempo composición hasta la grabación en estudio?

El álbum fue escrito, mezclado y grabado en seis meses. Trabajamos muy duro en la preproducción, tiempo durante el cual nos concentramos en cada detalle y arreglamos cuidadosamente las partes de cada instrumento. Después de esto, nos encerramos unos diez días en el Audiocore Studio (www. audiocorestudio.com) para grabar y mezclar el álbum. ¿Cuál fue la parte más difícil de componer y grabar

este nuevo álbum?

Nuestro guitarrista Luca Cocconi, que es el compositor principal, se hizo cargo de la parte musical, desde la composición musical hasta la producción del álbum. Luego, cuando las canciones alcanzaron una estructura más o menos definitiva, reorganizamos y perfeccionamos todos los detalles al reproducir todas las canciones hasta el agotamiento. Es un disco concebido y reproducido de forma natural e instintiva, sin seguir las modas. Simplemente tocamos la música que nos gusta. ¿Cómo describirías el sonido resultante en este trabajo?

También estamos muy satisfechos con el resultado final porque participamos directamente en la producción del álbum.

Creemos que podemos definir este registro tan poderoso, real, cálido, muy agresivo, elegante, moderno y lleno de actitud. ¿Por qué elegisteis lanzarlo a través de Indelirium Records? ¿Alguna otra oferta sobre la mesa?

Simplemente porque conocemos muy bien a la gente de Indelirium Records y sabemos cómo funcionan, pero sobre todo son honestos y llenos de pasión. Y luego, actualmente, es el sello independiente más importante en Italia para este tipo de música. Realmente habíamos recibido algunas ofertas de contratos de pequeños sellos independientes europeos, pero no fueron tan convincentes para nosotros. ¿Algo que quieras añadir para terminar la entrevista? ¡Sí, por supuesto! Te recordamos que nuestro nuevo álbum, REMOVE THE CONTROL, saldrá el 1 de marzo a través de Indelirium Records y estamos seguros de que te pateará el culo.

Para obtener más información, visite nuestras páginas sociales en Facebook e Instagram. ¡Nos vemos en el escenario!

POR DAVID DÉNIZ PLAZA

GINKGO DAWN SHOCK “Inward | Flare”, de los italianos GINKGO DAWN SHOCK se nos presenta como un trabajo donde apreciamos una fusión de elementos tanto de la música progresiva como del post y la música psicodélica, pero lo mejor es que la banda nos lo cuente de primera mano en esta entrevista. ¡¡¡Hola chicos!!! ¡Bienvenido a Necromance! ¿Podríais presentar la formación actual a nuestros lectores?

Hola David, me alegro de hablar contigo!. Alessandro Ciccolella voz, guitarra; Guitarra Giordano Bufi, bajo de Gabriele Terlizzi, batería Gilberto Bufi. ¿Qué nos puedes contar sobre la historia de GINKGO DAWN SHOCK? La formación actual de GDS existe desde mayo de 2013, cuando los cuatro miembros se reunieron, con su propio estilo musical, donde las diversidades se volvieron significativas en términos de influencias y actitud hacia la música: su objetivo final era crear algo que pudiera alcanzar emociones colectivas lo más cercanas posible y no llegar a un resultado simple e insignificante. En 2014 salió su primera demo, llamada “3.24”, que fue el primer paso de su trayectoria musical: en marzo de 2015 llegó su primer CD, titulado “Heed”. Han tocado varias veces en su localidad, Apulia, teniendo el placer de compartir escenario con grupos eterogéneos como ORK (con miembros de KING CRIMSON, PORCUPINE TREE, MARTA SUI TUBI, OBAKE), GOD IS AN ASTRONAUT, DUFRESNE, NERO DI MARTE, MARNERO, NOVEMBRE, DEVOTION. ¿En qué momento empezasteis a centraros en un estilo y una dirección musical?

Concretamente ,creo que desde el primer momento en que decidimos tocar juntos. ¿Cómo ha evolucionado la banda entre su debut y el nuevo disco?

Seguramente en este nuevo álbum exploramos muchas formas alternativas de mantener la raíz que ya plantamos con nuestro álbum debut “Heed”. Intentamos encontrar nuevas ideas entre lo que hemos vivido a través de los años, aprovechando lo que no es típico del género en sí. Nunca nos enfocamos en las estructuras y actitudes de los estándares, pero creamos un equilibrio entre nuestros elementos antiguos y nuevos.

Son diferentes formas de emociones violentas y suaves. Es una mezcla de Post Rock, Metal alternativo, Math Rock y Metal progresivo. ¿A qué hace referencia el título del mismo?

El título se refiere a todo lo que está entre la pérdida y la conciencia de haber tocado el centro de todo. ¿Cuáles son vuestras expectativas para este nuevo álbum? ¿Qué esperáis conseguir con este disco?

Esperamos ser un representante del género en la escena mundial proveniente de una tierra en la que ese género no está considerado. ¿Cuál fue la parte más difícil de hacer el disco?

Ciertamente, durante el proceso de composición, el logro de algo que representa una evolución no se da por sentado en lo que es nuestro primer registro. ¿Cómo fue el proceso de composición para este álbum? ¿Cómo te acercaste al material?

Típicamente, el proceso de composición está caracterizado por un flujo espontáneo de lluvia de ideas donde se expresan todos los sentimientos crudos. Sí, hay elementos del rock \ metal alternativo pero puedes encontrar más y más influencias que provienen de diferentes preferencias musicales personales. Más tarde, este embrión se incuba en un punto de vista más racional para lograr una mejor manera de completar el proceso. ¿Algo que quieras agregar para terminar la entrevista? ¿Quieres un buen Behringer Space-C chorus barato?. Gracias por la entrevista, te amamos.

POR DAVID DÉNIZ PLAZA

¿Puedes presentar “Inward | Flare ”, el nuevo disco?

Es un viaje emocional explosivo a través del interior que se extiende desesperadamente hacia la fuente primordial del movimiento. ¿Cómo lo describirías musicalmente?

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CATORCE “Arcadia” es la nueva obra maestra que nos traen los sevillanos CATORCE; si su anterior trabajo “Agua. Naufragio. Equilibrio.”, supuso un paso más en su carrera musical, con este tercer trabajo avanzan a pasos agigantados en lo que es y será uno de los discos de este 2019. Desde Necromance Digital Magazine no podíamos dejar pasar esta oportunidad para conocer los entresijos del mismo.

Primero de todo daros las gracias por atender a esta entrevista. CATORCE se están convirtiendo en uno de los grandes de este país, a base de trabajo, esfuerzo y carretera, ¿Qué le diríais a la gente que aún no os conoce? ¿Cómo estáis viviendo estos años tan placenteros en lo musical?

Jaime: Bueno, creo que nos queda un buen trecho para ser siquiera “medianos”, jajaja. ¡Pero es todo un cumplido que nos veas así! Realmente no sabría qué decirle a la gente que no nos conoce, a veces no sé qué decirle ni a la gente que ya lo hace, somos una banda que hacemos esto por y para nosotros. Nos gusta fluir y ser auténticos con nuestro trabajo, así que imagino que quien conecte con nosotros, lo hará porque siente eso al escucharnos. Ahora mismo estamos empezando la gira, pero la verdad es que de momento tanto la reacción de la gente como de los medios que nos han prestado atención está siendo muy sorprendente para nosotros.

José Miguel: Agradecemos mucho tus palabras y esta oportunidad, pero nosotros nos seguimos sintiendo simplemente como 3 amigos disfrutando mucho de esta reciente buena racha, tanto en el local como cada vez que salimos a tocar. A veces Aunque eso no quita que nos lo tomemos de la manera más profesional posible, es la mejor forma que tenemos de devolver a la gente todo lo que nos brinda y de agradecer el tiempo que nos dedican, exigiéndonos la pasión como mínimo (como dicen nuestros hermanos de Berri Txarrak). La verdad es que son muchos años de trabajo que comienzan a dar sus frutos poco a poco, pero tenemos los pies en la Tierra; somos muy conscientes de la dura realidad de la música, una realidad que no abandonamos. Y a quien no nos conozca, le diría que tratase de adentrarse en nuestra música sin complejos; con la mente abierta, como en nuestra infancia; sin prejuicios y disfrutando de las letras, los paisajes y viajes que nos brindan; con los ojos cerrados o incluso imaginando sus propias vivencias a través del brillante arte de The Braves Church que nos acompaña en los dos últimos trabajos.

Luis: ¡Muchas gracias por tus palabras! Yo soy el último que ha llegado y he visto casi toda la evolución desde fuera y está claro que el esfuerzo ha sido gigantesco a todos los niveles (y sigue siéndolo). Sin embargo, como dice José Miguel, no es un esfuerzo que nos ‘cueste’ mucho realmente, porque somos unos 22 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 62

apasionados de la música y nos encanta lo que hacemos. Nos encanta echar un par de horas o el tiempo que sea en el local al final del día, para nosotros es realmente un placer. A la gente que no nos conozca, le invitaría a escucharla tranquilamente, sin ideas preconcebidas o simplemente le invitaría a alguno de nuestros conciertos.

Tras “Agua. Naufragio. Equilibrio” y el aluvión de críticas positivas que recibisteis llega “Arcadia”, reinventándoos a vosotros mismos, pero sin perder la esencia ¿Cómo ha evolucionado vuestro sonido entre estos dos trabajos? ¿Tenéis miedo a realizar un álbum tan top, que sea difícil de superar?

J: Bueno, “A.N.E.” fue un disco extraño. Ya desde el momento en que empezamos a componer las canciones quisimos alejarnos de ciertos “clichés” a los que tendíamos a acercarnos. Luego la gira que empezamos a montar se quedó en nada y pudimos sacarla adelante poco a poco gracias a la colaboración de muchos y muy buenos amigos que nos ayudaron y a quienes les estaremos agradecidos de por vida. “Arcadia” es un poco volver a ese sonido que nos caracterizaba antes pero pasándolo por el filtro de todo lo que aprendimos con “A.N.E.”. Hemos seguido creciendo como oyentes y por extensión, como músicos, imagino. La posición de este disco creo que sólo el trabajo y el tiempo la dirán, pero no veo positivo en ningún aspecto pensar “vale, hemos llegado a lo más alto de nuestra creatividad”. No creo que lo hayamos hecho, creo que cada banda a la que le importe su música mejora con cada álbum, jeje.

JM: Creo que nuestra autoexigencia nos hace no quedar nunca satisfechos del todo con nuestro trabajo, pero enfocándolo de la mejor manera posible, visualizándolo como un reto en lugar de como ese miedo a no poder hacer algo mejor. Siempre terminamos un disco pensando cómo podríamos haberlo hecho mejor, porque aunque disfrutamos cada uno de los procesos que nos llevan al producto final, somos mentes inquietas y siempre estamos maquinando.

L: Aunque yo no participé en la composición de Arcadia pero lo que sí puedo decir es que Arcadia es un disco mucho más complejo en todos los aspectos y además acompañado de un sonido, en mi opinión, muy distinto a los anteriores. También sé que tenemos muy claro que queremos superarnos en cada

trabajo que hacemos así que, en principio, no tenemos miedo a que nos pase eso The Braves Church, ha realizado otro inmenso trabajo artístico con el artwork de este tercer álbum, otorgándole un toque cósmico mágico y especial ¿Qué representa este, con respecto a lo que encontramos en el interior? ¿Cómo es trabajar con el artista detrás de la portada?

J: La idea detrás de la portada es la de contraponer un pasado y un futuro idealizados. Nosotros estaríamos en medio, flotando en la nada, sin estar en ninguno. Todo bajo la luz de Orión, el Cazador. Al acecho. Básicamente, la portada explica que da igual en qué punto de la Historia estemos, somos los mismos salvajes que en la Antigüedad, solo que con más aparatos a nuestra disposición para hacernos daño los unos a los otros.

JM: Trabajar con Kantz es muy sencillo, es una mente privilegiada para esto, además de una de las mejores voces del país. Le contamos un poco el concepto sobre el que giraba el disco, le comentamos algunas ideas que teníamos y dio con la tecla a la primera. Llevamos mucho tiempo juntos y nos conocemos tan bien que en ocasiones parece estar dentro de nuestra mente jajaja!

L: Kantz dio a la tecla a la primera. Teníamos una idea muy clara pero realmente no sabíamos muy bien si lo estábamos explicando claramente, pero él lo pilló enseguida. La idea de la portada fue principalmente idea de Jaime y los 3 estábamos de acuerdo en hacerla, ya que creemos que refleja muy bien el concepto del disco.

Adentrándonos en este álbum un poco más, lo primero que llama la atención es todo el trabajo compositivo y lírico que hay detrás, con homenajes cinéfilos a “Blade Runner”, “1984” o “Un Mundo Feliz”, según vuestras declaraciones, pero enfocándolo siempre como un viaje intimista y metafórico para que cada individuo se adueñe de sus propios pensamientos. ¿Cómo surge esta idea de enlazar cine, literatura, búsqueda interior, miedos?

J: Realmente es algo que llevamos haciendo desde siempre, jeje.

Ya en “A.N.E.” había claras referencias a escritores como Murakami o Robert Graves. En “Arcadia” ha sido un cúmulo de cosas.

Por un lado, me pilló en una etapa muy obsesiva con la lectura de novelas distópicas y de ciencia-ficción (“1984”, “Un Mundo Feliz”, “Trilogía de la Fundación”…) y aparte, con el estreno de “Blade Runner 2049” reavivé la llama de mi amor por la cinta y todos los mensajes que esconde. Así que mezclé mis estados de ánimo y mi visión personal del mundo moderno con los mundos de los que me estaba empapando y encontramos la manera de unir nuestra devoción por esas historias y mensajes con los sentimientos y experiencias por los que estábamos pa-

sando en ese momento.

Para este trabajo habéis grabado en los Sadman Studios junto a Carlos Santos, en el que obtenéis un sonido diferente al otorgado en Estudios La Mina de vuestro anterior trabajo, más limpio y potente ¿es lo que buscabais con el cambio de estudio? ¿Cómo ha sido este proceso de grabación? ¿alguna anécdota que nos puedas contar, ya que siempre hay alguna?

JM: Por un lado, admiramos mucho los trabajos de Carlos Santos y por otro, buscamos salir de nuestra zona de confort con Raúl Pérez en la Mina. Pensábamos que podía darnos el peso, en cuanto a sonido, que necesitábamos para un disco tan ambicioso como este. Todo el proceso, tanto de grabación como de preparación (en Westline con Juan Blas y Pablo Ponz), supuso una auténtica aventura, una montaña rusa de emociones que parecen haber terminado en buen puerto. En cuanto a anécdotas, creo que la mejor es que Carlos Expósito se grabó todas las baterías en un solo día y en chanclas, es alucinante la capacidad de este hombre.

Si tuviera que elegir algunos temas para que me hablaras de ellos, me quedaría sin lugar a dudas con “Myria”, “Tannhäuser” o “Antípodas” ¿Qué historia guarda en su interior cada uno de estos temas? ¿Cuál ha sido el más difícil de componer?

J: “Myria” es una canción que habla sobre la depresión. Lamentablemente, la mayoría nos hemos enfrentado a esta enfermedad en algún momento de nuestras vidas, ya sea nosotros mismos o gente cercana a nosotros. El riff principal tiene ya varios años, de la época de “A.N.E.”, pero no terminó de cuajar en la idea que manejábamos entonces para el disco. “Tannhäuser” es una canción que habla sobre la esclavitud moderna, la esclavitud de las ideas preconcebidas. Todos somos esclavos de conceptos que nos enseñan, y con eso nos están quitando la oportunidad de ser otra cosa. “Antípodas” es quizá el tema más personal del disco, es una reprimenda hacia mí mismo y una manera de cerrar capítulo o pasar página con nuestro anterior trabajo, jaja.

Esta última en concreto recuerdo que nos costó bastante parirla porque cada uno teníamos una idea diferente sobre cómo debía ser. Como anécdota un conocido nuestro siempre que le hablo de “Arcadia”, me contesta: “El álbum no se llama Arcadia, se llama Tannhäuser”, imagino que sabéis de quién hablo, ¿por qué esta respuesta?, solo vosotros puede contestarme.

J: Ahora creo que te dirá que el disco se llama “Antípodas”, nuestro amigo en común va por semanas pero lo queremos con locura, jajaja.

JM: Tenemos alguna versiones y videos de seguidores en YouTube, pero creo que el mejor video que nos han hecho nunca es el suyo de “Catorce – Antipodas 1 hora pa tu body” jajaja!

¿Cuáles son los planes de futuro que os depara esta vuelta a la actividad?

J: Pues por un lado se vive con una emoción doble por la cantidad de años que llevamos tirando de esto, y por otro, lo vives con un poco más de serenidad y madurez. Son premios por el trabajo y el esfuerzo, pero para nada es nuestra realidad.

Somos una banda pequeña que sigue yendo de una punta a otra del país, a veces para encontrarse salas medio vacías. Pero seguimos trabajando para que esto no nos haga perder fuelle, al contrario.

JM: Son premios, que disfrutamos al máximo y ansiados siendo sinceros; que nos ayudan a seguir adelante porque como bien dice Jaime, no son nuestra realidad diaria. Sin ir más lejos, si no hubiésemos tenido el Download terminando la gira del disco anterior, probablemente a día de hoy yo no estaría en Catorce por lo dura que fue la composición de “Arcadia”. Mantener cierto nivel de calidad y profesionalidad en algo que no te da de comer, en ocasiones se torna complicado y genera conflictos difíciles de superar.

L: Mucha mucha emoción sin duda. Es sin duda consecuencia de todo el trabajo que Catorce ha realizado durante tantos años.

Aunque realmente todos los conciertos que hacemos tienen su encanto. Tocar delante de cientos de personas es una pasada pero la sensación de estar en una sala pequeña, en contacto directo con el público (aunque no haya más de 60 personas) es impagable.

Igualmente habéis acabado dos fechas con DESAKATO, prácticamente haciendo sold out en Sevilla y Córdoba ¿Cómo han sido estos directos? ¿Qué ciudades visitareis de aquí hasta el verano?

J: Pues mientras que el bolo en Sevilla fue una gozada, el concierto de Córdoba fue algo agridulce. Yo me puse enfermo aquél día y mi garganta se resintió tanto que era casi incapaz de cantar. Aún con todo la peña se portó y pudimos terminar el setlist, lo cual fue muchísimo de agradecer porque no era una situación ideal, jaja.

JM: Uno sigue poniéndose nervioso antes de ciertos conciertos, y comenzar una gira en casa con todo vendido y unos gigantes como Desakato aumenta esa sensación. De momento todos los conciertos que hemos dado han sido diferentes, pero a pesar incluso de las dificultades acontecidas en Córdoba, estamos disfrutando mucho de estas canciones en directo. Parte de la culpa, es también de nuestro nuevo compañero Luis, que se ha adaptado de maravilla y nos aporta mucho personal y musicalmente. Ahora a finales de febrero visitamos Madrid, Valderrobres, Barcelona (al fin, por primera vez), Tolosa, Vigo, Gijón, Bilbao, Palma de Mallorca, Torrevieja y Murcia por el momento; además, claro, de Viveiro para uno de los mejores Resurrection Fest que recuerdo.

L: Ambos conciertos fueron una pasada, sobre todo el de SeEstáis inmersos en una gira que os llevará prácti- villa. Han sido los conciertos en los que más gente me ha visto camente por toda la geografía española, incluso al tocar (contando mi otro grupo Carving Colours y otro grupo Resurrection Fest este verano, tras vuestro paso por que tuve antes, Neter) y fue una sensación increíble.

Download el pasado año. ¿Cómo se vive una situación así, tocando en los festivales más grandes del país? No sé si sois de tradición antigua y seguís comprando

CD o estáis sujetos a la era digital. ¿Cuáles son los últimos CD físicos que habéis comprado? Podríais decirnos 3 grupos nacionales/internacionales a descubrir o que queráis recomendarnos.

J: Ahora de hecho compro más CD’s y vinilos que nunca, jaja.

Lo último está siendo la discografía de Pink Floyd, me la estoy comprando a dos o tres por semana. Bandas internacionales te recomendaría a Mutoid Man (acaban de venir con Mastodon y Kvelertak y no he podido ir y me duele en el alma), a Gatherers ( su último disco, “We Are Alive Beyond Repair”, me parece una maravilla) y la banda sonora que hicieron Hammock para una peli llamada “Columbus” (como curiosidad diré que no he visto la peli, pero la BSO es espectacular). Proyectos de synthwave como FM-84, Timecop 1983, Gunship… Nacionales te puedo recomendar bastantes. Escuchad a Viven, escuchad a Ella La Rabia. Escuchad a Le Mur, Rojo 5, Habitar La Mar, Anima, Caboverde, Bones of Minerva, Avida Dollars, a Aphonnic, El Altar del Holocausto, Boneflower, Viva Belgrado y un sinfín más que me dejo pero que están ahí y que espero que tengáis la jodida suerte de descubrir. Escuchad lo que se está haciendo en este pedazo de tierra que reniega del sonido, porque nos podemos sentir muy orgullosos de lo que tenemos cerca.

JM: Yo sigo siendo un yonki musical, compro muchos CDs y ahora estoy adentrándome poco a poco en el vinilo; aunque también he terminado por abrirme una cuenta de Spotify tras mucho tiempo con mi iPod Classic, es toda una ruina… Los últimos discos que he comprado han sido los de Lavida (con gente de Tao Te Kin), Celacanto y la reedición en vinilo del Supersilver Haze de Moksha. La verdad es que suelo comprar más material nacional que otra cosa, me gusta apoyar lo mucho y bueno que tenemos por nuestro país y con The Braves Records abarcamos bastante menos de lo que nos gustaría. A nivel internacional, así de primeras se me vienen a la mente Don Broco, Joliette o Zeta.

L: Yo tengo que decir que ya no suelo comprar muchos CDs en físicos, digamos que soy el que más sujeto está a la era digital de los 3. Siempre me ha gustado más comprar Merch de grupos a comprar los Cds, sobre todo camisetas. Sobre grupos nacionales te podría recomendar muchísimos y de muchos estilos distintos. Viven, Carving Colours, Neter, Ella la Rabia, Frutería Toñi, Moonloop, Andhord… La lista es interminable.

Un placer poder hablar con vosotros, desde Necromance Digital Magazine, las últimas palabras son vuestras.

J: Muchísimas gracias, como siempre, por cedernos un sitio y dejarnos contar nuestras movidas. ¡Un abrazo!

JM: Gracias por vuestro tiempo, nos vemos en la carretera.

L: Muchísimas gracias por el apoyo.

POR JUAN ANGEL MARTOS

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INVERSUS

Regnum phobos de Cauldron a mi personalmente también me ha gustado mucho y el de Siroll también.

Vuestro último trabajo llamado “Requiem Pandemia” está compuesto por ocho canciones ¿Como ha sido el proceso de composición? ¿Cuál de los temas fue un parto fácil y cual se atascó?

Cuando terminamos el anterior disco La era del cuervo Entrevistamos recientemente a INVERSUS para que nos hablaran la idea era tocar y presentar el tanto como pudiéramos, sobre su más reciente trabajo “Requiem Pandemia” y esto es lo disco pero al poco tiempo abandono el grupo nuestro bajista de toda que nos contaron… la vida, fue jodido teníamos puesta mucha ilusión y ganas.

Hola, en primer lugar, me gustaría daros las gracias La maquinaria no podía parar y no queríamos amargarnos en por compartir vuestro último trabajo y por la ocasión el local de ensayo, esto lo digo por que Lleida es una ciudad de poder hacer esta entrevista para poder conoceros pequeña y difícil de encontrar músicos y menos aun de memejor. tal … a lo que iba, pues decidimos empezar a componer un Gracias a ti por hacernos un hueco y gracias por tu trabajo y nuevo disco y entre la mala ostia que llevábamos y las ganas apoyo a la escena. de tirar adelante dimos forma a estos 8 temas que incluye Requiem Pandemia. Javi el batería se encargo de grabar también Entrando en materia, podéis presentaros y comentar el bajo. Uno de los temas que salio bastante fluido fue Replica un poco como se formó la banda y cómo llegasteis 6, Adversarios y Código eterno se atascaron varias veces. cada uno de vosotros a este proyecto.

La banda se creo en 2006 tras la disolución de otros grupos locales, casualidades de la vida hicieron que coincidiéramos y como no queríamos parar de tocar decidimos empezar a trabajar juntos. Todos procedíamos de estilos muy distintos y al principio fue difícil que dirección tomar y decidimos unir nuestras experiencias pasadas para intentar encontrar un sonido personal. Y sin darnos cuenta ya nos hemos plantado con 4 demos dos CD y un DVD, 12 años de Inversus y cantidad de conciertos y altibajos en la banda que siempre hemos superado con optimismo y dedicación por el metal.

Por entender un poco vuestras influencias, ¿Qué grupos creéis que os han influenciado?, por otro lado ¿Que grupos nacionales o internacionales os tienen enganchados con su último trabajo?

Bueno nos han influenciado cantidad de bandas pero nunca hemos querido copiar a ninguna, podría nombrarte muchas, pero así a voz de pronto pues Black Sabbath, Kreator, Manowar, Immortal, Death, Celtic frost, Metallica, Manilla Road, Gojira, Amorphis, Bathory … no terminaría nunca, cada banda ha marcado un momento de nuestras vidas, esta claro que las que descubrimos en la adolescencia son las que te marcan, todo era novedoso y cada grupo era particular. Ahora mismo de las mas recientes apariciones discográficas nos ha gustado mucho el ultimo disco de Kreator y nacional el ultimo disco de Ouija, aunque este ya tiene unos años, son buenos amigos nuestros y hemos colaborado juntos en varias ocasiones, el 24 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 62

Sobre el proceso de grabación nos podéis comentar algo más de detalle de dicho proceso, por otro lado, ¿Alguna anécdota que os gustaría compartir?

El nuevo disco al igual que La era del cuervo se grabo en Nomad Studios, lo llevábamos todo muy estudiado y fue todo sobre ruedas, al no poder actuar nos pudimos centrar en todo lo que conlleva grabar, sin tener que alternar ensayos para directo con ensayos para estudio. Terry el propietario del estudio nos conoce bien, y sabe nuestras limitaciones, hizo un gran trabajo de preproducción en el local de ensayo puliendo detalles antes de entrar a grabar añadiendo y eliminando lo innecesario, lleva tiempo en esto y ha trabajado con grandes músicos, y lo mas importante, le gusta el metal. Una de las anécdotas divertida fue que, este disco se financio con una campaña de mecenazgo, una de las recompensas era participar en los coros de un par de temas, pues bien, en la canción que cierra el álbum. La tierra de chacal, los mecenas que hicieron coros se les propuso hacer gritos de locura, y lo que quisieran para crear un ambiente desquiciado, algunos de los participantes llegado el momento les cogió un ataque de risa al verse y oírse unos a otros haciendo locuras y así se quedó en el disco, fue muy divertido. ¿Cuál es vuestra opinión del resultado final?

Siempre se puede mejorar, y hacer mucho peor también pero estamos muy contentos del resultado, todos hemos aprendi-

do y hemos intentado mejorar el sonido respecto al disco anterior. Esta vez la voz se ha tratado de otra forma, para el disco anterior grabe dos y tres pistas para todas las lineas de voz, en cambio esta vez una para las estrofas y mas capas para los estribillos y así realzarlos para que entraran con mas fuerza.

Aunque no hemos tenido la ocasión de escucharlo, he visto que tenéis un Ep “Réplica 6” en inglés, ¿Que tal la experiencia? Supongo que el objetivo es abrir puertas internacionales y ver cómo reacciona el público a esta apuesta ¿Estoy en lo cierto?

Principalmente fue un regalo para nosotros y para los mecenas, una de las recompensas era optar a este trabajo, queríamos ofrecer algo nuevo y exclusivo a la gente que hace un esfuerzo en apoyar a Inversus, también hicimos una cerveza exclusiva. Son detalles que nos gusta tener con ellos. No descartamos en un futuro utilizar este trabajo como promoción, o incluso grabar un disco completo, ya se vera, de momento los que lo han escuchado su reacción ha sido muy buena y algunos nos han animado a seguir en ingles, esta claro que la gente mayoritariamente prefieren el metal en ingles, pero para hacer un buen trabajo en este idioma requiere muy buenos conocimientos, y yo no los tengo, esto me supuso un trabajo adicional de muchas horas, por todo esto de momento este mini solo llegara a unos pocos privilegiados por decirlo de alguna manera.

Para terminar, nos podéis comentar ¿Cuales son vuestros planes a corto plazo?

Inversus somos un grupo que no solemos planificar demasiado, vamos sobre la marcha, ten en cuenta que la media de edad del grupo es de 45 años y no nos podemos permitir según que cosas, ya sabes, giras, vídeos o gastos extra en promoción. No soñamos en alcanzar grandes metas y menos en este país, tenemos suficiente en saber que cada x tiempo iremos sacando un disco y que habrá gente que lo escuchara, mientras queden cervezas frías y metal en nuestras venas seguiremos componiendo canciones, gusten o no.

Es todo un placer poder hablar con vosotros y nuevamente os damos las gracias por vuestro tiempo. Os gustaría aportar algo más a esta entrevista, es ahora o nunca.

Muchas gracias a ti y animar a la gente a ver y escuchar música en vivo de su zona. Y a los jóvenes que empiezan con una banda que sean valientes y que compongan sus propias canciones y busquen su propio sonido aunque los critiquen mil veces por no sonar a lo establecido.

POR JESÚS SÁNCHEZ

MIND DRILLER

Uno de los grupos de metal industrial a nivel nacional, MIND DRILLER, vuelven con su tercer trabajo, “Involution”, editado por Art Gates Records. Desde Necromance Magazine, no podíamos perder la oportunidad de entrevistarles y que nos dieran a conocer un poco más de los entresijos de este álbum.

Primero de todo daros las gracias por atender a esta entrevista. MIND DRILLER, es una de las pocas apuestas de metal industrial que podemos encontrar en la Península ¿Qué le diríais a la gente que aún no os conoce? ¿Os sentís como abanderados del sonido industrial?

Javix: Es un placer para nosotros y estamos muy agradecidos de que nos prestéis vuestro espacio para presentar nuestro trabajo. A la gente le diríamos que le diera una oportunidad tanto al estilo como a Mind Driller y luego decidan. El Metal Industrial, como otros estilos, acoge muchos matices y puedes incluir en él diferentes maneras de llevarlo a cabo. A día de hoy, todavía existen prejuicios al mezclar electrónica con metal, y es hora de que eso acabe. Sinceramente, no nos sentimos abanderados ya que en España somos pocas bandas de este rollo pero las hay, y algunas con muchos años de trayectoria.

Simplemente somos una banda que nos gusta muchísimo lo que hacemos y luchamos por ello.

Con vuestro anterior álbum “Zirkus” os pusisteis en boca de mucha gente, dando que hablar a los medios de prensa y a todos los asistentes a vuestros directos, donde desarrollabais vuestro show, por cierto, espectacular. ¿Cómo ha evolucionado vuestro sonido entre estos dos trabajos?

Javix: Muchas gracias. La evolución creemos que ha sido importante, tanto en sonido y producción como en composición general. El tema del sonido y producción es una cuenta pendiente que teníamos que mejorar, y luego lo demás ha venido 26 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 62

solo. Hemos trabajado mucho las melodías, letras, estructuras… quizás sea un disco más agresivo y también más oscuro, algo menos alegre que Zirkus.

Primero de adentrarnos en el nuevo trabajo; todos hemos podido ver la sesión fotográfica que habéis realizado para este “Involution”, con un toque más post apocalíptico. ¿Imagino que dejareis de lado el mundo circense para preparar un show remodelado al 100%? ¿A qué se debe este punto y aparte conceptualmente? ¿va de acorde a la temática del nuevo trabajo?

Estefi: Totalmente, el concepto del disco no tiene nada que ver por lo tanto tocaba pasar página y seguir innovando. Queríamos seguir manteniendo concordancia respecto a la portada así que nuestra ropa también está dividida en dos, una parte más destrozada representando esa involución y otra parte más standard por decirlo de alguna manera. Para este nuevo disco hemos querido mejorar todo, y dentro de ese todo entraba nuestra imagen. Para ello, recurrimos a Kareev Renclar quien nos diseñó y fabricó la ropa desde 0, y repetimos con nuestro ex-compañero Jordi para la fotografía, porque tiene un talento innegable. A la vista está que ambos han hecho un trabajo fantástico. Respecto a la puesta en escena, seguiremos manteniendo los ingredientes de los que se han caracterizado nuestros directos hasta el momento pero al mismo tiempo intentando mejorarlos.

Vuestro artwork, ha sido realizado por una de vues-

tras voces, V, como en trabajos anteriores ¿Qué representa este, con respecto a lo que encontramos en el interior? ¿Has realizado trabajos para otros grupos, en cuanto a diseño gráfico?

V: Pues lo cierto es que lo primero en llegar fue el título del álbum, “Involution”. A partir de ahí empezamos a componer melodías y letras, y era como si todo girase en torno a esta idea de la “involución”. De modo que empezamos a pensar en posibles portadas para el álbum, y nos gustó la idea de representar esta división de mundos que vivimos hoy en día, donde, a la vez que prosperamos tecnológicamente, por otro lado nos volvemos más desalmados, y donde la distancia entre clases es cada vez mayor. Todo el artwork que encontraréis está enfocado a esta idea. De momento sólo he realizado trabajos para mis propias bandas, pero creo que voy mejorando con cada encargo, y quien sabe, lo mismo me has dado una idea para ingresar dinerito extra (risas).

Para este trabajo habéis trabajado con multitud de profesionales para darle vida, desde la mezcla por Raúl Abellán y la masterización por Marco D’Agostino quien ha trabajado con grupos como LACUNA COIL o MORPHIUM, hasta la grabación con Javix, miembro de la banda en sus JX Estudio, entre muchos otros ¿Cómo ha sido este proceso de grabación? ¿alguna anécdota que nos puedas contar, ya que siempre hay alguna?

Javix: La verdad que ha sido un trabajo muy largo y que ha pasado por muchas etapas, incluso nos llegamos a agobiar un poco porque pensábamos que no cumpliríamos los plazos de salida del disco, pero por suerte todo salió bien. El disco ha sido grabado en varias etapas; Guitarras, bajos, las voces de Daniel NQ y secuencias se grabaron en Estudios J.X; las voces de Estefania y V en los estudios On Tracks a cargo de Rafa Esplugues (Arise) y baterías en los estudios de Dani Dynamita en Oviedo. La anécdota más significativa fue que por problemas de tiempo tuvimos que cambiar de productor en las mezclas a

apenas un mes de la fecha límite fijada, pero por suerte todo salió bien y estamos muy contentos con el resultado. Finalmente el disco fue mezclado por Raúl Abellán (TheMixtery) y masterizado por Marco D’Agostino.

Si tuviera que elegir algunos temas para que me hablaras de ellos, me quedaría sin lugar a dudas con “Rotten”, “The Last Drop” o “Calling At The Stars” ¿Qué historia guarda en su interior cada uno de estos temas? ¿Cuál ha sido el más difícil de componer?

Javix: Todos los temas tienen una historia, algunos más directa y otros de forma mas metafórica. Todos hacen referencia un poco a la temática del disco y a la actualidad en la que vivimos, quizá “M4N1KÍ” por ser el tema en castellano del disco y “The Last Drop” han sido los temas más costosos en componer en cuanto a melodía y letras, y Rotten en el apartado musical.

V: “Rotten” (Podrido) habla sobre las atrocidades que ocurren, y por desgracia cada vez con más frecuencia, en este mundo loco en el que vivimos. Escuchas las noticias y parece una película de terror.

“The Last Drop” (La última gota), trata sobre esos momentos en los que tu paciencia se agota, cuando ya has dado suficientes oportunidades a algo/alguien y acabas explotando. En cambio “Calling at the stars” es un chute de energía positiva y de sentirse invencible.

Se aprecia a lo largo del álbum la mezcla de idiomas que planteáis, inglés, alemán o castellano ¿Cómo surgió esta idea?

V: (Risas) Esta locura ha sido así desde el principio. Lo cierto es que nunca nos paramos a pensar demasiado en esto. Daniel tiene unas influencias muy alemanas, y se encuentra muy cómodo con este idioma. En cambio, Estefi y yo “mamamos” más del inglés y sin querer casi todo nos sale en este idioma. Por último, tenemos el castellano, nuestro idioma “madre” que, aunque nos cuesta cada vez más incluir, intentamos no descartar nunca. Aún así, como novedades en este tercer disco, yo me he atrevido algo con el alemán e incluso hemos metido alguna frase en árabe.

Imagino que estaréis deseando presentar en directo vuestro nuevo álbum, ¿podéis adelantarnos fechas? ¿qué ciudades visitareis de aquí hasta el verano? Lo que sí sé es que acompañareis a los emblemáticos OOMPH en si gira por España con dos fechas en Madrid y Barcelona ¿imagino que estaréis desenado que llegue la fecha? ¿cómo se vive una situación así?

Estefi: A día de hoy visitaremos bastantes ciudades de la península, pisando por primera vez: Almería, Valladolid, Huesca, Teruel (entre otras). Tenéis todas las fechas en nuestra web www.mind-driller.com donde además encontraréis los enlaces de venta anticipada para los conciertos (en caso de haberlas).

Lo de OMPH! fue totalmente inesperado y una sorpresa muy grata, y que en gran parte se lo debemos a Jenny Grant (Vampire Productions) a quien estamos eternamente agradecidos.

Es un sueño poder acompañar a una de tus bandas referentes y que han influenciado tantísimo a algunos de nosotros. Estamos realmente emocionados por que lleguen las fechas y poder darlo todo y disfrutar de esta experiencia.

No sé si sois de tradición antigua y seguís comprando CD o estáis sujetos a la era digital. ¿Cuáles son los últimos CD físicos que habéis comprado? Podríais decirnos 3 grupos nacionales/internacionales a descubrir o que queráis recomendarnos.

V: Pues habéis ido a preguntar a alguien que precisamente sí es un amante del formato físico. Tengo una buena colección de cds, y últimamente intento comprar mucha música emergente para apoyar la escena. Los últimos que he comprado han sido “Eva” (CAIN’S DINASTY), “El Brote” (LE MUR) e “Himnos del Desencanto” (LUMINARIA), todos ellos música emergente, y bandas que os recomiendo muchísimo.

Estefi: Yo soy más de comprar el merch cuando voy a los conciertos, cosa que desgraciadamente cada vez puedo hacer menos, pero amortizo mucho Spotify premium y por suerte las reproducciones también cuentan (risas). Ahora mismo estoy muy viciada a Arcadia, el nuevo disco de los nacionales Catorce y al Strength in Numb333rs de los internacionales Fever 333, ambos los recomiendo muchísimo.

Un placer poder hablar con vosotros, desde Necromance Digital Magazine, las últimas palabras son vuestras.

Javix: Estamos muy agradecidos por dejarnos vuestro espacio, animamos a toda la gente a que le dé una escucha a Involution y si tiene ocasión venga a algún concierto de la gira.

Muchas gracias a todos.

POR JUAN ANGEL MARTOS

ANGOIXA

¿Eres seguidor del death metal de la vieja escuela con ese regustillo sueco?, pues para aquí y lee esta entrevista nuestro redactor realizó a los chicos de ANGOIXA, una banda que viene a presentarnos su más reciente trabajo “Esclaus De la Por”.

Hola, ¿qué tal todo por Barcelona en este frio febrero?

Saludos Luis, pues muy bien y disfrutando del frío como se puede.

Bueno creo que la banda ha estado siempre formada por un solo miembro, Robert Garcia, pero desde hace unos años varios son los miembros que se han unido, ¿podríais presentar a estos nuevos miembros, y me gustaría saber la razón de porqué tras estos años se decidió la entrada de más músicos en el grupo? ¿Ha variado algo el concepto de la banda con la entrada de estos nuevos miembros?

El proyecto nació como one-man-band ya que tuve las herramientas para poder hacerlo. Siempre había rondado por mi cabeza la idea de hacer un grupo de death metal de la vieja escuela con ese sonido característico que es pura inspiración.

Si te digo la verdad no pensé en formar una banda con cara y ojos pero a la gente pareció gustarle y después de unos años de duro trabajo y búsqueda de músicos pudimos reencarnar el proyecto en algo real y sólido. Yo (Robert) me encargo de la voz principal y la guitarra, Héctor (ex-Vrademarkg) se encarga de la otra guitarra y los coros, Uri del bajo y Mario (Madera, exUnbounded Sadism) de la batería. Cuatro amigos que disfrutamos mucho haciendo death metal. Y claro está que el concepto ha cambiado un poco ya que antes no había casi nadie que interfiriera en la composición pero ahora somos cuatro mentes, cuatro maneras diferentes de ver las cosas y nos retroalimentamos los unos de los otros. Si que el tema lírico ha cambiado ya que los primeros dos trabajos son más personales y incluiendo también varios clichés de los cuales hemos querido alejarnos un poco en “Esclaus de la Por”.

Hace casi cinco años tuve la suerte de escuchar ese primer “La Foscor del Bosc”, el cual me tuvo enganchado a los auriculares por semanas, ofreciéndome una dosis del excelente Death Metal de la vieja escuela. ¿Pasados tantos años, como veis esa grabación a día de hoy? ¿Cumplió su cometido en términos de ofrecer una primera visión de lo que es hoy en día ANGOIXA? Pues la verdad que me sigue gustando mucho. Ten en cuenta que lo grabé en un mes aproximadamente, todo muy visceral, crudo, a canción por semana e incluso dos y luego casi ni está mezclado ni nada, sonido directo, equilibrar volúmenes y listo.

Creo que quedó bastante bien aunque si que cambiaría algunas cosas. Quien sabe si algún día regrabamos alguna canción antigua.

Unos meses más tarde editasteis “Camins Sense Destí”, el cual desafortunadamente no pude escuchar, ¿qué fue lo que me perdí por el camino? ¿Cómo funcionó este primer álbum?

Se trata de un disco más maduro, mejor producido y en general mejorado en todos los aspectos, un disco más pensado que el anterior. También gustó mucho tanto a medios como aficionados del death metal.

Pese al revival del antiguo Death Metal de los 90, el cual incluso nos ha traído algún que otro nuevo álbum de alguna banda clásica, ¿creéis que este revival también se ha notado en la escena a nivel de Catalunya o España? ¿Consideráis a ANGOIXA una banda totalmente enclavada en traer elementos de esa época a la música actual?

Está claro que nos encantan grupos como Entombed, Dismember, God Macabre, Demigod, Nirvana 2002 y un largo etcétera pero si escuchas nuestra música también verás influencias de Carcass, Death, Obituary… Nosotros intentamos hacer que todo lo que hay dentro de la canción funcione y sea coherente y sobre todo que nos guste. Un grupo referente por como ha sabido adaptarse es claramente Bloodbath de los que incluso hice un versión en el disco “Camins Sense Destí”. Lo del revival son ciclos; hubo el del thrash, del power y por supuesto del death. Las cosas que tienen esencia y están bien hechas están destinadas a ser recordadas hasta el fin de los días. Y si, Angoixa queremos aportar nuestro granito de arena rememorando esa época pasada pero sin olvidar que ya no estamos en los 90 y dispuestos a experimentar si es necesario.

Relacionado con lo anterior, ¿qué os parecen estas vueltas de bandas clásicas a la escena actual y sus nuevos álbumes?

Me parece genial ya que cuando surgieron todos estos grupos bien bien no se sabía ni lo que estaban haciendo ni la repercusión que tendría con los años. Todo este revival se debe principalmente a internet que ha sido clave para que muchos grupos no se quedaran en el olvido. Pero la verdad que al prin-

cipio (y bueno, hoy día también) el death metal no era muy rentable y por eso muchos grupos cambiaron o evolucionaron su estilo. Hoy en día lo veo más como una manera de ver la vida y algo que hay que llevar y hacer con pasión.

Este pasado 2018 editáis “Esclaus de la Por” siendo ya un cuarteto, ¿cómo se ha trabajado en la composición de este álbum, ha sido más individual o en colectivo? ¿Qué diferencias notáis entre este álbum y las anteriores grabaciones?

Todos y cada uno de los miembros de Angoixa hemos estado involucrados en la composición de las canciones. Si bien compuse la idea embrión de cada una de ellas ha sido el trabajo conjunto que le ha dado forma definitiva a las canciones. Actualmente ya estamos trabajando en la composición de nuevas y hemos cambiado un poco la forma de crearlas, casi sin una idea preconcebida y a ver que sale entre todos juntos.

Hay diferencias sobre todo en la batería que las programé en los primeros discos y aunque me encantan, al no ser batería, pues tampoco me complicaba mucho la vida. También que estemos todos involucrados te hace ver las cosas de otra manera.

Una cosa que he destacado en la reseña del álbum es la buenísima calidad del sonido, el cual pese a recordarme en sonido a antiguas bandas nórdicas, sí que destaca por ser mucho más nítido pero sin perder fuerza, ¿Qué nos podéis comentar sobre la grabación y todo el proceso de creación de este nuevo disco?

Grabamos con Mr. Ax (Dejadeath, Crisix), un gran productor de la ciudad de Barcelona que regenta los Axtudio y desde un principio fue la primera opción. Ya había trabajado con él años atrás y nos conocemos desde hace como 20 años así que todo fue genial. Llevamos todo muy trabajado del local de ensayo y la grabación fue muy rápida y cómoda. Entendió desde el minuto uno qué queríamos conseguir y así lo ha plasmado en la fantástica producción que ha realizado.

He notado alguna diferencia bastante interesante en la musicalidad en el tema “Rabia” tema del que además hay un videoclip, ¿estoy en lo cierto o son cosas mías? ¿Cómo surgió lo de hacer un videoclip y porqué este tema?

Es una canción bastante diferente al resto, tienes razón. Tiene cosas en común con el resto pero es más técnica y con una estructura curiosa. Esta canción fue un reto para todos, hacer una canción épica, agresiva y mucho más elaborada. La letra surgió en mi mente tras lo sucedido el día 1 de octubre de 2017 y el posterior discurso de ese que lleva corona y dice ser rey. El título refleja lo que sentí ese día, los posteriores y también en la actualidad. No viene a reivindicar ninguna posición política, simplemente que sigamos luchando por nuestras libertades, las de todos y que no tiremos por los suelos todo lo que las anteriores generaciones consiguieron gracias a no rendirse nunca. Era obvio que el vídeo mostraría imágenes de ese fatídico día y otras pequeñas muescas de la historia de este país.

Habéis optado desde un comienzo por el uso de vuestra lengua materna, el catalán, como vía de transmisión de vuestras letras, al igual que otras bandas en vuestra comunidad como VIDRES A LA SANG. ¿Pensáis que el uso de vuestro idioma puede restar interés hacia ANGOIXA? No, la verdad es que poner barreras a la música por el idioma en el que se cante me parece una gran tontería. Creo que resta más interés cuando aquí nos empeñamos en cantar en inglés con una pronunciación pésima pero si cantas en tu lengua, ya sea catalán, castellano, chino o ruso seguro que tu mensaje, se entienda o no, llegará mejor y será más creíble.

Hablando de las letras, ¿qué importancia tienen en el concepto de ANGOIXA? ¿Sobre qué temas versan en este “Esclaus de la Por”?

Son importantes pero para mi la música lo es mucho más aunque si queremos transmitir un poco el concepto del grupo, la angustia, el hacerte pensar sobre lo que ocurre a nuestro alrededor. En este disco tratamos temas como las religiones, el terrorismo, las guerras, la muerte, el odio desde un prisma crítico hacia todos estos conceptos.

Una vez editado el álbum supongo que lo importante sería un buen trabajo de promoción y dar a conocer vuestra música. ¿Cómo trabajáis desde ANGOIXA ese tema? ¿Tenéis pensado llevar el grupo al directo?

Somos un grupo que nos lo hacemos todo nosotros ya que no tenemos dinero y no nos queremos embarcar con una agencia de management ni sello. Lo que tenga que suceder bienvenido será. Con Angoixa ya hemos subido a los escenarios en varias ocasiones y siempre hemos recibido muy buena respuesta por parte de medios y fans compartiendo tablas con grandes grupos tanto nacionales como internacionales.

La presentación oficial del disco la realizaremos el próximo 22 de marzo en la sala Razzmatazz 2 en el marco del MetalCat Fest junto a los grupos Forja, Icestorm y Siroll!, una iniciativa con continuidad para dar visibilidad y voz al metal cantado en catalán.

Como banda ¿qué sentimientos os vienen cuando alguien os dice que se bajan de internet vuestra música y que prefieren escucharla en el móvil a comprar un cd físico?

Hoy en día el dinero escasea, los sueldos son patéticos y hay que priorizar. Yo quiero que la gente escuche nuestro disco sea donde sea ya sea gratis o pagando. Por suerte aún hay coleccionistas que aman tener el producto en formato físico por lo que en breve tendremos disponible una edición limitada en digipack que quien quiera podrá disfrutar. Personalmente soy usuario de plataformas como Youtube, Bandcamp, etc. y es una manera rápida y cómoda de acceder a la música de un artista o grupo. Si puedo, cada día intento descubrir algo nuevo. ¿Qué nos deparará el futuro con ANGOIXA? ¿Tenéis algo planeado para el futuro que nos podáis contar en exclusiva?

Actualmente estamos preparando el concierto de presentación que he comentado antes y también trabajando en algunas canciones que formarán parte del cuarto disco. También estamos confirmados para el festival Cornucopia de Parets del Vallés en el que compartiremos escenario con grupos como Fractality, Devorate the Universe o Bacteria Forte. También tenemos una fecha para octubre en Barcelona de la que todavía no podemos dar más detalles y con ganas de viajar por varias ciudades de Cataluña y España para presentar el disco.

Una cosa que considero importante es el apoyo de la gente comprando el material de las bandas, sean sus álbumes o su merchandise, ¿tenéis algún tipo de tienda online o dirección donde la gente pueda escribiros para apoyar al grupo directamente?

De momento no, en breve puede que la montemos. No obstante cuando tengamos el material disponible, todo aquel que quiera una copia del disco o una camiseta podrá contactar con nosotros por mail a angoixadeathmetal@hotmail.com o a través de nuestro Facebook.

Bueno esto es todo por ahora, recibid un cordial saludo y desearos mucha suerte con la banda, si me he olvidado de preguntar algo, este es vuestro espacio para añadir lo que queráis.

Muchas gracias por vuestro continuo apoyo a la escena estatal que tan necesario es. Os invitamos a escuchar nuestro nuevo disco desde cualquier plataforma digital y también os esperamos en nuestros conciertos. Un saludo extremo y un fuerte abrazo.

POR LUIS MARTÍNEZ

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TALES OF GLOOM Los ibicencos TALES OF GLOOM, nos traen su tercer larga duración “Unexpected Traces of a falling escape “. Un compendio de sonidos rock metal alternativos, que completan un trabajo de lo más fresco y ecléctico. NECROMANCE se acerca a la banda, y a sus propuestas musicales con esta entrevista.

Como siempre agradecer de parte de NECROMANCE, que nos concedáis esta entrevista. Y siempre suelo preguntar por el nombre; ¿Por qué TALES OF GLOOM? ¿Qué significa y cómo se relaciona con vuestra música?

Gracias a vosotros por el interés. Literalmente sería “Cuentos de melancolía”, si bien es verdad que la palabra “gloom” es un tanto polisémica y no tiene una palabra totalmente homónima en castellano. Sería una mezcla de melancolía, oscuridad… El nombre supongo que respondía a la intención de reflejar la oscuridad densa de los primeros temas compuestos por el lejano 2008. Nuestro sonido ha ido evolucionando, pero todavía tiene algo de esa oscuridad, así como la estética y las letras.

Sin duda se notan influencias en la banda, variadas desde luego… ¿Cómo es el proceso de composición?

No es siempre exactamente el mismo. A veces componemos desde la improvisación con la guitarra para hacer la base, a veces desde el bajo (que sorprendentemente da resultado muy diferentes, como es el caso del tema “Unexpected Traces”…

Otras veces tenemos una melodía en la cabeza y tratamos de llevarla a los instrumentos desde ahí. Pero siempre tiene una importancia vital la melodía de la voz.

Es vuestro tercer larga duración, y en vuestros anteriores trabajos; “To be Continued…. “ y “ 4 seasons of gloom”, tanto crítica como público, los acogieron muy bien. ¿Cómo ha sido tanto el proceso de creación y grabación de este disco, viniendo; digamos de un listón bastante alto con los álbumes predecesores?

Siempre intentamos no repetirnos, evolucionar. Ya el 4 Seasons sonaba totalmente distinto a To Be Continued. Con este hemos pretendido exactamente lo mismo. Estar dentro del génerocajón desastre que es el rock alternativo nos viene muy bien para ello, para no encasillarnos y experimentar siempre cosas nuevas, sin perder nuestra esencia, por supuesto.

Hoy día, suele etiquetarse a las bandas rápidamente, con vosotros no está tan claro… Eso puede ser un arma de doble filo… ¿Qué opináis al respecto?

Compartimos tu análisis, pero si te fijas, todas las bandas que han hecho historia suenan diferente y a menudo son difíciles de etiquetar. Incluso hay muchas que han creado su propia etiqueta o incluso género y a partir de ahí muchas las han seguido. Nos encantaría pensar que somos capaces de eso, pero somos conscientes que eso solo está al alcance de muy pocas, con mucho talento, e incluso, fruto de un momento muy determinado. Sin embargo, creemos que el sonar diferente, el ser diferente e incluso inclasificable, a la larga, va a jugar a tu favor, ya que a quien de verdad le gustes no va a poder buscar eso en otro sitio.

En cuanto a letras, tratáis temas como el amor, la 30 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 62

tragedia, desesperanza y demás, visto de una forma un tanto especial, cómo por ejemplo el tema título “Unexpected Traces of a falling escape “, “Broken in two” o “A piece of Hope” ¿En qué os basáis para su creación?

En cuanto a las letras, es tan sencillo y complejo a la vez como buscar en el interior y vomitar todo de la manera más catártica posible, siempre teniendo previo un trabajo de melodía y musicalidad. Las letras en realidad es lo que más espontáneo sale en nuestro caso. Es empezar y es como si la propia canción cobrase vida y fuera adquiriendo un sentido que ni siquiera desde un principio quisiéramos darle.

Vuestro tema “Soma”, personalmente es de mis favoritos del disco, aunque no consigo descifrarla… es un concepto muy abstracto la verdad…

Si te refieres a la letra, viene a ser como una reflexión que hace paralelismos entre las partes del cuerpo y de la mente y como sufre cada una en cada situación de forma intrínseca. Cuerpo y mente no están disociados, sino que se alimentan para bien o para mal de forma recíproca. De ahí el título, la palabra griega que significa “cuerpo”, y que se usa en medicina y psicólogia para definir procesos como estos. La somatización es el proceso por el cual un malestar emocional afecta con dolencias físicas de tipo sintomático o incluso real.

En cuanto a vuestros directos, tengo entendido que os curráis unos buenos shows, que no dejan a nadie indiferente… ¿ponéis al mismo nivel la puesta en escena y la música en los conciertos?

No hay nada por encima de la música, pero también es cierto que, sobretodo hablando de un directo, la música tampoco lo es todo. En este sentido, todo lo que nos pueda ayudar a transmitirla, bien sea a través de la energía que desprendamos en el escenario, como apoyos visuales o incluso performances, o la propia estética nuestra, siempre son tenidos muy en cuenta. Pero nunca de forma gratuita o arbitraria. Intentamos que todo esté al servicio de la música y la idea o atmósfera que queremos recrear en base a ella. ¿Cómo va la presentación de este trabajo?

Creemos que muy bien. Hicimos una presentación muy potente en la ciudad de Ibiza, en el teatro principal, con un mapping que recreaba la portada del disco entre otras cosas, y también hicimos otro en la ciudad de San Antonio en Ibiza, proyectando visuales en una pantalla de LED detrás nuestra. Estos shows nos han servido de calentamiento para ir preparando la futura gira y para volver a lo que más nos gusta: el contacto directo con nuestro público. Al mismo tiempo, un mes y medio después de la salida de del disco, en plena fase de promoción, y por el momento parece que el recibimiento está siendo bastante bueno. Tenemos previsto después del verano empezar la gira por España en función del feedback recibido.

En cuanto a escena en Ibiza, hay bastantes formaciones conocidas, y otras no tanto, pero que dotan a la isla de un buen puñado de bandas… RELS, THE FRIGOLOS, DR TRAPERO, LA VARGAS BLUES BAND… etc, por poner un ejemplo. ¿Cómo está la situación para conciertos y demás?

Pues, teniendo en cuenta como está el mercado en general en el país, en Ibiza, con lo pequeño que casi podemos considerarnos unos privilegiados. Hay un buen número de locales que programan música en directo con regularidad, que pagan un caché justo a las bandas y en las que la asistencia de público es bastante aceptable. También hay numerosos eventos organizados por las instituciones de la isla en las que se puede actuar cobrando cachés mayores y en los que la gente a menudo se vuelca. No nos podemos quejar, la verdad. ¿Qué planes tiene TALES OF GLOOM, a corto y medio plazo?

Pues como te comentábamos anteriormente, de momento seguir con la promoción, cosa que incluye lanzar algunos videoclips más de los temas clave (avanzamos que van a ser trabajos de alta producción y que creemos que no van a dejar indiferente), y tras eso, evaluar la respuesta y empezar a planificar la gira, de la que ya tenemos alguna cosilla medio cerrada, pero que todavía no podemos desvelar. Y a partir de ahí seguir avanzando. Queremos ser muy cautos e ir haciendo cada paso pensando en el siguiente. Sin prisa, pero sin ninguna pausa.

Y ya para cerrar; ¿Cómo os podéis presentar a alguien que no os ha escuchado nunca? En plan…. Tomando unas cervezas… y ” Resulta que tengo una banda de rock… “ Cuando me tomo unas cervezas con alguien normalmente evito hablar de mi en estos términos, pero ya que nos formulas la pregunta, le diría que somos una banda de rock alternativo cañero, con letras en inglés, y con una onda noventera algo modernizada. Que no tenemos un estilo muy fácil de definir y que nos encanta dar saltos encima del escenario y pasárnoslo bien. Y que se anime un día y nos venga a ver en directo o nos escuche en Spotify o donde sea.

Bueno, sólo desearos mucha suerte rulando con vuestra música y que sigáis ofreciendo vuestro particular y ecléctico estilo. Un saludo desde NECROMANCE .

Muchas gracias. Esperamos poder hablar de nuevo muy pronto. Un abrazo de toda la banda.

POR JOSE ANTONIO GALLEGO

Encantados chicos, y gracias por dedicarnos un poco de vuestro tiempo para esta entrevista. Para los que no os conozcan, ¿Quiénes sois? ¿Qué podéis contarnos de vosotros?

La banda está formada por cuatro integrantes, amantes de diferentes estilos del metal y el hardcore. Somos un grupo con ilusión, ganas y motivación, cuatro chavales que quieren expresar con su música y disfrutar tanto arriba como abajo del escenario. Somos Emi a la batería, David a la guitarra y coros, Nel al bajo y Ales a la guitarra y voz. ¿Cuál fue el detonante para formar SOUNDCRUSH? Nos conocimos durante conciertos, debajo del escenario. Teníamos afinidad musical y diferentes expectativas, simplemente nos veíamos tocando en un escenario. Teníamos ganas de componer y sobre todo de tocar, algunos habíamos tenido diferentes grupos previos a SoundCrush y vimos un punto de partida común. Teníamos muchas ganas de encontrar un sonido propio y disfrutar encima de los escenarios.

Sois una banda con una carrera corta a vuestras espaldas todavía ¿Cómo ha sido el proceso hasta llegar aquí?

Muchos ensayos y sacrificios, hemos tenido que currar para sacar esto adelante, para poder llegar a todos, participamos en algunos concursos, nos lanzamos a gramas un Ep algunos videos… sobre todo tocando en directo, compenetrados y unidos, tomando decisiones democráticamente. ¿Cómo os repartís el trabajo a la hora de componer?

Normalmente solemos partir de una idea, puede ser un riff, un concepto o una melodía. Le vamos dando forma, dándole una estructura, un ritmo, cambios ……… normalmente solemos hacer un brainstorming, todos aportamos nuestras ideas para añadir componentes a las canciones, hasta que llegamos a un punto común. ¿Cuál o cuáles fueron los temas de trabajo más complicado/s de grabar en el estudio?

Aquí tenemos opiniones enfrentadas, cada uno tiene sus puntos débiles y fuertes. Por reseñar algún tema concreto, “Democracy is dead” fue duro de enfrentar por las guitarras rítmicas, “Unleashed” por ser diferente a lo que normalmente hacíamos y de cara al bajo, “Only dust” fue desafiante. ¿Cuál es vuestra visión acerca de la música? ¿Qué metas tenéis como banda?

Creo que todos tenemos una visión común respecto a la manera de trabajar en la música, disfrutar, mejorar como banda y como músicos evolucionando todos juntos, dar conciertos, seguir componiendo y plasmando nuestras ideas para que nos gusten a nosotros y al público. ¿Cuáles son vuestras inspiraciones a la hora de componer? ¿Qué bandas son las que os inspiran?

Cada miembro del grupo tiene muchísimas influencias, cada uno tenemos preferencia por ramas de distinta índole, géneros como el hardcore, el thrash, el metalcore, el prog, el punk y el Groove metal, están presentes en nuestro estilo. Bandas por nombrar algunas de las infinitas que nos influencian serían, Lamb of God, Gojira, Trivium, Angelus Apatrida, Scila, Crisix, The haunted, Meshuggah,Pantera, Hatesphere, Revocation y sobre todo aquellas con las que hemos tenido el placer de compartir escenario. ¿Cómo describirías un concierto vuestro?

Energía, contundencia, dureza y motivación. Si te gusta el metal o el hardcore y tienes ganas de pasar un buen momento descargando adrenalina, te va a gustar un concierto nuestro!. ¿Qué significa para vosotros el artwork de la portada? ¿Qué simboliza con el título del álbum?

En el artwork del disco quisimos plasmar esa frustración e impotencia que se produce cuando vives oprimido de alguna manera. La representación de alguien que ha pasado por ciertos momentos en la vida y ha tenido que luchar, que no encuentra la manera de sentirse pleno, que no tiene voz, siempre perseguido por un ente omnipresente que no te deja despertar, que hace que te quedes sin habla y ni si quiera puedas gritar. ¿Preferiríais pasar un día grabando en el estudio o actuando en vivo? ¿Por qué?

Aunque nos gusta mucho grabar y plasmar nuestras ideas, la sensación de tocar en directo sale ganando. Es cierto que el clima a la hora de estar en el estudio, la motivación por hacerlo lo mejor posible y la innovación a la hora de grabar es llamativo, pero la descarga de adrenalina, la interacción con el público y disfrutar encima de un buen escenario no tiene precio. ¿Cuál ha sido vuestro mayor obstáculo como banda? ¿Y vuestro mayor logro?

Sin duda uno de los mayores problemas a los que nos enfrentamos es conciliar la vida laboral y personal con el tiempo que hay que dedicarle al grupo. Sin duda nuestro mayor logro has-

SOUNDCRUSH Tras realizarles una reseña a su espectacular “Screams of the Voiceless”, nuestro redactor Rudy Pertu entrevistó a los chicos de SOUNDCRUSH para que nos hablaran de primera mano sobre este trabajo. ta la fecha ha sido conseguir sacar adelante nuestro vástago, el “Screams of the Voiceless”, es fruto del esfuerzo y el resultado de la ilusión y el trabajo de mucha gente.

cionales o nacionales. Ángelus Apátrida, Crisix, Scila, Trallery, sería un placer compartir escenario con ellos.

Ahora una pregunta de esas algo más incómodas, ¿Que opinión tenéis del panorama nacional actual? ¿Qué creéis que está fallando? Y por el contrario ¿Que creéis que se está haciendo bien?

El panorama actual está mejorando cada vez más. Es cierto que faltan salas acordes para la realización de los conciertos, accesibles a grupos como el nuestro, son o demasiado caras o demasiado pequeñas o demasiado ocupadas …… hay muy pocas que se amolden a todos los grupos y que tengan un alquiler acorde. Vivimos un momento de esplendor dentro de la escena estatal, hay muchos buenos grupos, muchos medios que apoyan la escena, la comunicación nunca fue tan directa como ahora pero parece que nunca llueve a gusto de todos y siempre existen peros, esa visibilidad permanente actúa a veces en nuestra contra y abrirse un hueco cuesta mucho.

Y si pudiesen hacer una colaboración ¿cuál sería aquella banda con las que os gustaría realizarla? Ángelus Apátrida, Gojira…… hay tantas……

¿Qué canción recomendarían a aquellos que os acaban de conocer?

“Unleashed” o “The last stand” son buenas opciones.

Si pudieran actuar en cualquier parte del mundo ¿Dónde lo harían?

Estados Unidos, Alemania, Reino Unido, Latinoamérica….

Y hablando de directos…¿Qué tema tenéis más ganas de tocar en directo?

Sudden Evil y The last stand nunca faltan en nuestros conciertos, son muy motivadores.

Pues yo me despido ya, no sin antes deciros que vuestro trabajo ha sido impresionante. Os dejo un espacio en blanco por si queréis añadir algo más para todos los lectores, algo que sintáis que ha faltado poder decirles.

Muchas gracias por concedernos esta entrevista, por las buenas palabras y nuestra más sincera enhorabuena, Necromance está haciendo las cosas bien, sois un medio muy interesante. Solo añadir que gracias a todos por hacer esto posible y por mostrar interés por el grupo y por el metal de este país.

POR RUDY PERTU

¿Habrá en fechas venideras una gira a nivel estatal? ¿Y por el extranjero tenéis algo planteado?

Actualmente estamos continuamente añadiendo fechas a nuestra agenda a nivel estatal, estamos trabajando en ello. Por el extranjero aún no nos lo hemos planteado, creo que todavía nos queda algún paso para llegar a poder planteárnoslo. ¿Cómo definiríais vuestro camino en la música hasta ahora?

Muy enriquecedor. Lleno de obstáculos que hacen que tengas todavía más motivación para superarlos. ¿Con qué bandas os gustaría tocar? Ya sean internaNUM. 62 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 31

PRESENTACIÓN DEL NUEVO DISCO DE AQUELARRE

TEXTO: LUIS MARTÍNEZ | FOTOS: LAÍN ROMASANTA

Este pasado Sábado, 26 de enero, la banda de Heavy / Power Metal viguesa AQUELARRE presentó lo que será su tercer álbum en estudio. Para ello emplazaron a medios invitados y público en la Sala Master de su ciudad natal para dar a conocer el trabajo que la banda publica ya, y el cual es fruto del trabajo de estos últimos años.

Con casi siete años de andadura y trabajo, esta joven banda ya tiene empieza a tener una discografía que les ha forjado un buen nombre en la comunidad gallega, pero que con este “Suevia” se intenta dar un paso más allá y crecer para llevar su nombre a todo el territorio español.

A las 20:45 puntuales la banda nos emplazó en la “Master” para presentarnos este tercer trabajo, explicando sus inquietudes, su proceso de creación y todo lo que rodea a “Suevia”, álbum conceptual el cual versa sobre la historia y leyendas de su amada tierra gallega, variando distintos temas en su lirica que van desde la licantropía (“Romasanta”) a temática más social como fue la repercusión en las familias gallegas con la entrada de estupefacientes en los años ochenta y noventa (“Heroína”), pero sin olvidarse de la rica historia gallega (“Jakobsland”, “Aurora”, “Galicia 19”…). Así mismo, también se han atrevido a una versión, con su propia visión musical, del tema del grupo folk Luar Na Lubre, con “Tu Gitana”. La banda explicó que para este álbum musicalmente han querido dar un paso más allá en su sonido clásico Power Metal, para añadir influencias que van desde el Metal Alternativo hasta el Metal Extremo, gracias a la producción de Zoilo Unreal (“UNREAL OVERFLOWS”) el sonido es más contundente y agresivo. Así mismo, enseñaron el precioso arte que acompaña la portada y libreto de este nuevo Cd, obra de Ana Alonso, el cual aporta esa elegancia, buen hacer y gusto por el detalle en esta edición. Tras unos minutos para fotos y un catering que la banda puso a disposición de los asistentes, vendría lo mejor de la noche con la presentación de “Suevia” en directo.

Sobre las 22:00 saltaron los cinco miembros de AQUELARRE al escenario para ofrecer un show, realmente entretenido y donde el público que llenaba la Sala se volcó con el grupo desde el primer momento, la banda así lo reconoció y estuvieron a la altura animando constantemente y dando todo para hacer de esta noche algo que perdurase en el tiempo. Varios músicos de la escena local saltaron y acompañaron con sus instrumentos o con su voz a la banda durante varios temas, así músicos como Emi Ramirez (IRON HUNTER), Oky (QUARZUM), Rober (ex DRUIDAS), Dany e Iván (ATREIDES) y Adolfo (STONED AT POMPEII) hicieron que el concierto fuese todavía más emotivo e inolvidable, ya que rara vez se podrá ver a todos estos músicos acompañando a la banda.

Tras hora y media de concierto, se acercaba el plato final de la noche y así todos los asistentes fueron invitados a acercarse a la Sala Transylvania, para continuar la fiesta con la sesión de Jason Cenador, y donde la cerveza y los regalos no faltaron así como el buen ambiente y el Metal acompañando la noche, haciendo una fin de fiesta perfecto que se alargó hasta altas horas de la madrugada.

Sin duda, un evento muy entretenido, variado y donde el sexteto vigués, dio buena cuenta de lo que nos van a ofrecer con este magnífico nuevo álbum y que en breve ya estarán presentando por los escenarios de Barcelona, Madrid y Donostia como teloneros de RHAPSODY of FIRE, en tres fechas que si tienes ocasión de verlos no debes perderte.

Para finalizar, no quiero dejar pasar la ocasión para agradecer la enorme ayuda aportada por Laín Romasanta y su gran trabajo en el apartado fotográfico, junto a los fotógrafos enviados por la propia banda, los cuales también cedieron parte de su trabajo para este reportaje.

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ZONA DE CRITICAS 34 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 62

tal, con NWOAHM, les da ese toque tan característico. La gran mezcla que hacen de ritmos pesados, donde las guitarras se vuelven muy contundentes; con otros más melódicos, es un gran acierto, ya que saben sacarle muchísimo partido. Un gran disco, de un gran grupo que se mantiene en buena posición en el mundo del metal.

las bandas sino que disfrutas de la música sin prejuicios, este segundo álbum de ANGOIXA es para ti y deberías echarle un oído porque no te arrepentirás.

LUIS MARTÍNEZ | 9

JORGE DE LA CRUZ | 8

ALL THAT REMAINS (USA) VICTIM OF THE NEW DISEASE ELEVEN 7 MUSIC, 2018 La mítica banda estadounidense ALL THAT REMAINS, lanzaron al mercado lo que es su noveno álbum de estudio, al que han titulado “Victim Of The New Disease” y está editado a través del sello discográfico Eleven Seven Music.

Formados en 1998 en Springfield, Massachusetts; el grupo actualmente está formado por Philip Labonte en la voz, Mike Martin en la guitarra, Aaron Patrick al bajo y Jason Costa en la batería. Oli Herbert que se encargaba también de la guitarra, falleció hace poco.

Comenzamos escuchando “Fuck Love”, donde nada más comenzar nos topamos con unos riffs crudísimos, con guitarras muy aceleradas y potentes, y una base de batería increíble, donde el doble bombo, nos deja una furia tremenda. En las líneas vocales nos encontramos con unos guturales muy profundos durante todo el tema, con pequeños coros oscuros y algunas partes agudas que hacen despuntar mucho a la voz cerrando con un grito potente e interminable que da paso a “Everything’s Wrong”, un tema totalmente opuesto a su predecesor. Aquí nos vamos a topar con unos ritmos más lentos, con estructuras mucho más medidas, pero que conservan una velocidad rápida. Lo que cambia muy drásticamente es la voz, ahora nos dan una voz limpia muy melódica, que nos deja un contraste increíble.

“Wasteland” es lo que escuchamos poco después, donde guitarras de fondo nos dan la bienvenida, para hacer una introducción rara, pero bastante potente, que culmina con unas voces super agresivas, entremezclando con riffs de guitarras potentisimos, potenciados por un bajo atronador. Estos ritmos se acaban alternando por un estribillo-puente bastante más melódico, sobre todo por unas voces que asombran por la gran variedad que son capaz de darnos. “Broken” es otro de estos temas atronadores, donde la mezcla de potencia de todo el grupo se nota, consiguiendo no bajar el ritmo en ningún momento. La estructura de composición se parece bastante al tema que hablaba con anterioridad, proponiendonos mezclas de ritmos agresivos con estribillos más pegadizos y melódicos. Una mezcla muy acertada y que se les da de maravilla interpretar.

Acercándonos un poco más al final tenemos el tema “Just Tell Me Something” donde Danny Worsnop, vocalista de ASKING ALEXANDRIA colabora en las partes vocales. Esta vez, nos deleitan con un tema muchísimo más lento, donde nos encontramos con una base rítmica bastante constante y guitarras muy leves, que suben algo más el nivel en un estribillo donde las voces sobresalen, notándose mucho la voz de Danny, que complemente a la perfección a la de Philip. Una buena colaboración, en un tema que rompe con el resto de los del trabajo, pero que sorprenderá a más de uno.

“Victim Of The New Disease” es el tema que da nombre al trabajo y el que se encarga de cerrar el mismo. Este tema final nos abre con guitarras y batería muy agresivas, jugando con alternar ritmos con jadeos en coros, para hacer más agresiva la introducción. Plantean un tema bastante pesado, con estribillos pegadizos, muy en la línea de resto de temas, sin despuntar en exceso para acabar. Lo bueno es que mantienen un buen ritmo que perdura hasta el final, aunque el primer y último tema sean muy diferentes; cierran de muy buena manera el trabajo, con un tema corto, pero contundente.

Este nuevo trabajo de ALL THAT REMAINS los mantiene en lo alto del panorama musical como uno de los mejores grupos de metalcore del momento. Sin duda, su mezcla de me-

ANTECESSOR (ESP) EX LIBRIS

AUTOEDITADO, 2019

ANGOIXA (ESP) ESCLAUS DE LA POR AUTOEDITADO, 2018 En 2014, en pleno revival del Death Metal de la vieja escuela buscando nuevas bandas me encontré con un largo EP titulado “La Foscor Del Bosc”, una banda de Barcelona que cantaba en su lengua materna y sonaba realmente “Old School” la sorpresa fue grande, porque la banda sabía lo que hacía y ese EP estuvo en mis auriculares durante varias semanas, les perdí la pista he de reconocerlo y su primer larga duración “Camins sense Destí” no llegó ni a mis manos, ni sabía de su existencia, pero cuál fue mi sorpresa cuando me llega este “Esclaus De La Por”, editado ya este pasado 2018.

Ocho son los temas que nos ofrece el ahora cuarteto, y la verdad que hay que destacar que el sonido es muy bueno, con cierto aire nórdico en el sonido de las guitarras, pero que no suena tan sucio o embarullado como muchas bandas que tratan de sonar con este tipo de afinación o cercanas al Death Metal nórdico de principio de los noventa, aquí quizás el sonido se acerca más a las bandas finlandesas, aunque la música beba tanto de esa escena como de la sueca, con lo que guitarras pesadas pero muy definidas en la producción, al igual que el bajo el cual retumba con claridad y aporta unos graves realmente demoledores, la batería aunque parece algo apagada, no pierde y aporta ese sonido añejo que de vez en cuando se echa de menos actualmente con baterías tan retocadas, la voz es grave y combina esta tonalidad con otros momentos algo más rasgados, pero sin perder mucha fuerza, lo cual aporta esa oscuridad que es realzada por los teclados en temas como “El Turment Dels Caiguts”, “Més que Odi”. Los temas son un verdadero homenaje a esa época dorada del Death Metal nórdico, y realmente nos transportan a casi treinta años atrás cuando este estilo comenzaba, pero sabiendo combinar estas influencias con una calidad de sonido más actualizada, que no por ello les hace perder fuerza y mucho menos calidad, ya que lo que este “Esclaus De La Por” lo que nos ofrece son ocho buenísimas canciones de un Death Metal de altísimo octanaje, y para todos aquellos que frunzan el ceño con el pensamiento de “esta cantado en catalán”, seamos maduros y está tan bien implementado que ni nos daremos cuenta realmente a excepción de los títulos de las canciones. En “Rere el Mirall” se dejan entrever unas leves influencias de los maestros DISMEMBER en ese riff inicial, pero que tampoco nos echarán para atrás, ya que son momentos breves, que por otro lado se agradecen por su inmediatez y ser tan brutalmente directas y pegadizas.

“Rabia” tiene una ambientación algo más técnica y da una variedad a la grabación que se agradece y nos ofrece una exploración que se agradece enormemente, mezclando esas influencias viejas con riffs más rebuscados y quedando muy bien.

Para finalizar, recomendaría este álbum sin duda a todos los que aprecian y disfrutaron del buen Death Metal en sus primeros años, también para todos los que disfrutan ahora de todas esas bandas revival del género como de los clásicos y que han levantado la llama del antiguo Death Metal más purulento, mórbido y pesado. Si no miras la nacionalidad de

Exlibris o ex libris es una locución latina que significa “de entre los libros”. Es una marca de propiedad consistente en una estampa que suele colocarse en la tapa o en las cubiertas de los libros, conteniendo además el nombre del dueño del ejemplar. ¡Colorea y aprende con Teo! También “Ex libris” es el nombre del tercer trabajo de los burgaleses ANTECESSOR y, probablemente, sea uno de los lanzamientos del 2019 a nivel nacional.

De primeras, sorprende el origen de la banda.

Entendedme bien, y como ya he mencionado en otras muchas reviews, el Metal – como el amor – está en el aire. Pero si es cierto que, a nivel nacional, y esto es una realidad sociodemográfica, existen determinadas ciudades en las que hay más gente pululando por lo que es más fácil que unos cuantos “metalheads” coincidan, cuadren ideas y se decidan a montar una banda. ¡Burgos! – pensé cuando empecé a trabajar la review – La Jura de Santa Gadea, el Cid Campeador, tierra de castellanos viejos y ¡que erial para darle forma a una banda de metaleros!

Pues deben haberse juntado los cuatro alumnos más aventajados del Metal moderno que pululaban por allí y han formado ANTECESSOR, una banda que suena a metal por los cuatro costados. Si escucháis los trabajos anteriores, “El peso del alma” (2014) e “Hijos de la ira” (2010), la base y gran parte del sonido estaban ahí, palpitando a la espera de este “Ex Libris” que es dónde, verdaderamente, la banda estalla y consigue su trabajo más redondo.

El sonido tiene esa potencia a la que nos hemos rendido en los últimos años, a esos riffs gordos y engorilados tan groovys, marca GOJIRA o PANTERA, por poner algunos ejemplos, con una base rítmica (Rodrigo Arroyo a las tímbalas y José A. Delgado al bajo) que bien puede echar abajo lo que queda de la Muralla de Burgos. ¡Aquí hay más metal que en la Colada y la Tizona juntas!

Y para redondear la jugada, este “Ex Libris” basa su temática en libros, letra y música a cargo de David Oter (guitarra y voz). Ya sólo abriendo como abren con “Patria” (el libro es de Fernando Aramburu), el álbum merece la pena: potencia y riffs crujientes, la rabiosa voz de Oter, la dinámica batería como un metrónomo que redondea la interpretación.

Todo son puntos a favor y este “Ex Libris” no hace sino mejorar con cada escucha. Como un buen vino de la zona, un Balbás Reserva, hay que saborearlo, como el ominoso comienzo de “Los hombres que no amaban a las mujeres” (el libro es de Stieg Larsson) y todo su posterior desarrollo. Este tema, por ejemplo, te lo firman unos GOJIRA y lo consumes como ambrosía de los dioses. Pues no, no son los franceses, son ANTECESSOR, y son de Burgos. Pero lo mismo pasa a lo largo de todo el álbum: los guturales del inicio de “La memoria del agua” (libro de Teresa Viejo) son electrizantes, pero la segunda mitad del tema es gloriosa: el recitativo de David Oter o la manera de cantar el estribillo acompañado por los coros del bajista José A. Delgado).

Da igual por donde cojas este “Ex Libris”, por el principio o por el final, con esa agresiva “El Camino” (libro de Miguel Delibes). ANTECESSOR han puesto el listón a un nivel estratosférico, lo acaban de sacar al mercado hace un par de semanas, y eso me jode mogollón, porque

estamos en febrero y ya te encuentras con el que puede ser el disco del año.

CESAR LUIS MORALES | 10

AQUELARRE (ESP) SUEVIA

ARCHANGEL A.D. (USA) WARBAND

AUTOEDITADO, 2019 ARCHANGEL A.D. son una nueva banda de thrash afilado como una navaja barbera.

Provenientes del estado norteamericano de Texas, la verdad es que con este debut a modo de mini LP titulado “Warband” han conseguido un sonidazo indicadísimo para este tipo de thrash que queda como anillo al dedo. Seis temas es lo que nos encontramos aquí… con lo cual es absolutamente imposible que esta placa pueda aburrir a los paladares thráshicos más exquisitos. El disco apenas supera los treinta minutos de duración (aunque si nos paramos a pensar… el “Reign in Blood” no pasa de los veintinueve y se le considera un LP completo… curioso). Lejos de intentar algo innovador, el cuarteto texano trata en sus letras de derramamientos de sangre, invocaciones demoníacas, brujas y caos, desmadre y destrucción por doquier. ¿Para qué reinventar la rueda si sabes que la fórmula trillada funciona a las mil maravillas? Pues eso. Lejos de cantar acerca de zombis granulentos, pizzas, extraterrestres y festecitas como viene siendo norma últimamente, aquí nos hallamos con un grupo que se ciñe a los clichés que elevaron al género thrash al olimpo del metal y la verdad es que lo hacen con acierto.

En cuando el CD comienza a girar resulta más que evidente que los guitarristas Jacob Garcia y Matthew Karr fueron más que preparados al estudio de grabación. Los dos primeros cortes de la placa, a saber “Unto the Evil” y “Blighting” son muestra del talento de ambos guitarristas con riffs tan monolíticos como frenéticos, técnicos y hasta galopantes. Justin Lopez (bajo y voz) aporta una buena base de bajo que se complementa muy bien con los susodichos guitarristas, y además a nivel voces a mí me ha recordado un poco al Chuck Billy de los primeros trabajos de nuestros queridos TESTAMENT. La verdad es que la producción de este trabajo es acertadísima y se aprecia hasta el más mínimo detalle con un resultado muy cohesivo y sobre todo potente. Esto es thrash crudo y corrosivo y aquí no hay tiempo para florituras. El cuarteto texano quiere que acabes con un collarín, sin más.

A pesar de ser un EP hasta tenemos un corte instrumental muy bien ejecutado que, como debe ser con los temas instrumentales, da oportunidad a la banda de explorar otros sonidos y ser un poco creativos. El último tema, titulado “Metal Horde”, es el ejemplo perfecto y resumen de lo que la obra nos ofrece. Un tema clásico de thrash con actitud marrullera y cañera a más no poder. Un tema rápido y pegadizo para que te quedes con la copla y además con ganas de escucharlo más veces.

Lo único que no me ha gustado es la portada… pero esto es un mal menor. En definitiva, ARCHANGEL A.D. han dado en el clavo con un disco de thrash tradicional pero de alguna forma innovador en cuanto a actitud y energía. Se quedan más en el terreno del thrash vieja escuela aunque no hacen ascos a la nueva ola de grupos de thrash y si siguen así yo creo que tienen ante sí un futuro bastante prometedor.

DANIEL GALLAR | 8.3

AUTOEDITADO, 2019 Tercer álbum de la banda de Power Heavy Metal viguesa AQUELARRE, banda que con duro trabajo y buenas ideas va poco a poco haciéndose un hueco en la escena musical del estilo en este país. Está vez nos ofrecen un nuevo álbum y por el cual la banda apuesta muy fuerte para poder dar ese paso al frente y que su nombre sea más nombrado, para ello desde un cuidadísimo aspecto artístico el cual ya desde una primera visual destaca por lo cuidada y el buen gusto, y que tras comenzar la escucha del álbum todavía casa más con el aspecto musical que la banda propone.

Esta vez, el estilo de la banda ha abandonado ligeramente su estilo más Power Metal, para adentrarse en algo más puramente Heavy Metal, aunque añadiendo influencias de otros estilos como el Metal alternativo o incluso, voces guturales en algún que otro momento de la grabación, lo cual en ciertos momentos llama la atención, pero que tras varias escuchas no desfavorece en absoluto. Otro aspecto que llama la atención en este aspecto, es una mayor presencia del teclado, el cual hace un gran trabajo, aunque he de reconocer que su uso en el último tema “Heroína”, a mí personalmente no me ha convencido en absoluto, pero sí en el resto de temas, como el épico y largo “Galicia 19”, donde la banda se permite el detener la fuerza del tema para una parte central muy atmosférica, lenta y musical. “Suevia” es otro tema que llamará la atención, al estar cantado íntegramente en su lengua materna, el gallego, y aunque podríamos pensar que nos va a echar hacia atrás, para nada, el grupo se las ha arreglado para que quede verdaderamente bien, incluso una corta sección donde las panderetas y una canción tradicional tienen su momento pero con la visión de AQUELARRE, sin duda, aporta variedad y un muy buen hacer, es arriesgar sin duda, pero lo han hecho tan bien que no se les puede achacar error. Estos riesgos también los han tomado en una versión de “Tu Gitana”, tema que interpretó el grupo gallego folk LUAR NA LUBRE, y donde la banda le da una vuelta y lo adapta muy acertadamente a su estilo, algo que se agradece y aporta frescura y diversidad a lo que escuchamos. Los momentos lentos también tienen su momento con “Aurora”, tema más intimista y donde la voz de Icko Viqueira destaca por su versatilidad. Pero la banda tampoco se ha olvidado de componer buen Power Metal, para ello nos ofrecen un potente “Jakobsland”, tema más cercano a sus antiguas grabaciones y que seguro en directo será de los favoritos por su movimiento, al igual que “Romasanta”, tema que llama la atención por su ambientación más oscura y más tenebrosa, donde sin duda, se dejan ver alguna influencia más extrema, pero muy bien mezclada con el Power Metal y el Heavy Metal más clásico.

A todos estos aciertos musicales hay que añadir un aspecto lírico muy trabajado, y donde la banda nos ofrece un álbum conceptual, totalmente dedicado a su tierra gallega, introduciendo una temática que va desde las antiguas leyendas (“Romasanta”), la problemática de las familias que dedican su vida al mar, el desastre causado por la droga, la historia vikinga en Galicia,… logrando un álbum muy ameno de seguir y escuchar, haciendo de este un muy buen álbum y el cual recomiendo su escucha ya que la banda ha logrado superarse de una manera brutal con anteriores álbumes, han arriesgado pero esto les ha dado dar un paso al frente con mucha calidad.

LUIS MARTÍNEZ | 9

escuchas, más se expande y más gusta.

CESAR LUIS MORALES | 10

AZUSA (USA / GRC / NOR) HEAVY YOKE

SOLID STATE RECORDS, 2018 La sinestesia, biológicamente, es la experimentación de dos sentidos que funcionan mezclándose entre ellos. Una persona sinestésica percibe correspondencias entre tonos de color, tonos de sonidos e intensidades de los sabores o colores. ¡Colorea y aprende con Teo! Para que nos entendamos, un sinestésico puede “ver música” o “escuchar colores”. Aclarado este punto, es la única definición que se me ocurre para definir a AZUSA: una banda sinestésica, tridimensional, cósmica… Cualquier epíteto o símil que quiera ponerle se quedará corto. Podemos hablar de los orígenes de sus miembros y tampoco quedará nada claro. El bajista Liam Wilson viene de THE DILLINGER ESCAPE PLAN, el guitarra Christer Expevoll y el batería David Husvik provienen de EXTOL, y la vocalista Eleni Zafiriadou (el gran descubrimiento y aliciente de este “Heavy Yoke”) milita en SEA + AIR. Pero con esto tampoco os aclaro nada.

El álbum hay que escucharlo y hay que hacerlo con las orejas bien abiertas puesto que no es un disco fácil. AZUSA es una de esas bandas que salta a la palestra con una propuesta harto complicada, difícil de escuchar por lo complejo de los arreglos, por esos tempos raros que no van en el 4/4 que nuestro cerebro puede procesar; una música que, como digo, es sinestésica. Parece que quieren que la sintamos con otra cosa que no sean las orejas. Y, de hecho, lo consiguen: explotan en tu cabeza con la intensidad de una Bomba H; tienen esos devaneos que te atreverías a definir como jazzeros, pero que tampoco lo son; tienen riffs gordos y por ponerle una etiqueta, dices que es Avant-Garde, o Post o Progresivo para salvar la papeleta. Pero en realidad, no es nada de eso. Podemos hablar de bandas inclasificables y de calidad, como DARK HALL, como ARCTURUS o como EPHEL DUATH, y ahí, en ese Olimpo de intocables, también están AZUSA y este “Heavy Yoke”.

Once temas en los que la sinergia compositiva de estos músicos te deja anonadado. No sabes muy bien lo que estás escuchando porque ya sólo con el primer corte, “Interstellar Islands”, te han levantado los empastes, y la embriagadora e hipnótica voz de Eleni Zafiriadou te deja clavado en el sitio. Pero es que no sólo es la voz de ella, sino todos ellos, todos los músicos trabajando a un nivel para el que no existe escala humana. “Heavy Yoke” el tema que da título al álbum es otro pedazo de composición que aúna la voz de Eleni con unos efectos de guitarra de órdago: fiereza y agresividad, delicadeza e interludios que proyectan la música hacia otro nivel. Al igual que “Fine Lines”, un tema corto (01:58) pero con una magistral interpretación. Siguen con “Lost in the Ether”, agresivo, tempos raros…

Cualquier cosa que intente desentrañar el disco, se queda corta. Hay que escucharlo y, como he dicho antes, hay que hacerlo con las orejas bien abiertas. Porque en esa sinergia compositiva que también he señalado antes, AZUSA no han abandonado la melodía, grabando en muchos de sus temas unas cadencias en sus estribillos que se te graban en el mesencéfalo a fuego y bailan con tus neuronas hasta dejarlas exhaustas, como sucede con “Eternal Echo”. Y, por último, señalar también el aspecto lírico, porque, por ejemplo, las letras de “Iniquitous Spiritual Praxis” dan para un ensayo filosófico.

AZUSA han grabado este “Heavy Yoke” como les ha dado la gana; un álbum de una banda inclasificable, que no es de fácil escucha, pero repleto de satisfacciones según te vas haciendo a él, según vas comprendiendo la grandeza de lo que estás escuchando. Cuanto más lo

BENEATH THE HOLLOW (USA) NIHILIST

AUTOEDITADO, 2018 BENEATH THE HOLLOW son un cuarteto de Chicago que con “Nihilist”, nos muestran su carta de presentación.

El CD consta de 6 temas donde se dan la mano el Metal alternativo y el Groove Metal. A mí me han recordado por momentos a DEFTONES y a SLIPKNOT en otros. Guitarras gordas, un sonido moderno en la producción, ritmos machacones junto con disonancias y melodías atípicas, voces rasgadas y melódicas de la mano y pasajes acústicos intercalados entre potentes riffs.

El disco arranca con la potente “Killing Floor”, con unos pegadizos ritmos Groove y una voz que nos recordará en el rasgado a la de Corey Taylor, combinada con los melódicos de la mejor época del Grunge.

Algunos arreglos de guitarra también me han traído a la mente patrones de KORN como los matices de “Our Own Hell”.

La banda tiene bastante potencial y mantiene un ojo pegado al Death Metal, como nos dejan ver en el corte que da título al disco, con un riff central que nos hace pensar hasta en los mismísimos MORBID ANGEL. Todo esto, tomándolo bajo la perspectiva general del disco.

Si todo esto le dotamos de una buena producción, clara y potente, y lo envolvemos en una excelente portada (al menos para mí, claro), tenemos un debut altamente recomendable y con sonoridades que nos permiten escapar de los sonidos más habituales de los tiempos que corren.

Quizá le falte algún riff memorable que, sin duda, es cuestión exclusiva de tiempo como banda desarrollando su propuesta. Pero lo cierto es que consiguen firmar un inicio muy bueno para una banda que seguro dará qué hablar.

NACHO PEÑA | 7

BROWBEAT (ITA) REMOVE THE CONTROL

INDELIRIUM RECORDS, 2019 Indelirium Records, publicará el 1 de marzo de 2019 el nuevo disco de los Hardcoretas BROWBEAT titulado “Remove the control”.

Su formación es: M.V (voz), Cocco (guitarra), Mibbe (guitarra), Dimmo (bajo), Nicho (batería).

Supongo que más de uno estará preguntando “¿qué hace este tío haciendo una reseña de Hardcore Metal”? La respuesta es bien sencilla. No solo de Death Metal se vive. Ahora bien, dicho esto, vamos a dejarnos de tonterías y pasemos a la reseña. Hay que ver lo que ha cambiado este género, desde aquellos lejanos días en los cuales se editaron cosas como “Kings Of Punk” de POISON IDEA. A partir de la aparición de MADBALL y similares, junto con la irrupción del Metalcore, este tipo de

música ha abrazado elementos puramente metálicos sin renunciar en ningún momento a su auténtica esencia. En lo que al disco que protagoniza estas líneas respecta, los italianos ofrendan unos aproximados 27 minutos de pura potencia, creando toda una muralla sónica impenetrable, ofrendando un buen puñado de himnos que os harán disfrutar más que un cerdo en un charco de barro. El disco en sí es variado, alejándose por completo del exceso de pesadez y falta de dinamismo que llegan a regalar algunas vacas sagradas del estilo. La producción, es terriblemente poderosa, aunque desde mi punto de vista, el sonido de la caja, tan de moda últimamente, podría ser menos “falso”. A su vez, el artwork es toda una oda a la locura y complejidad de la mente humana.

Cuidado con las seis cuerdas, ya que un solo riff de Mibbe y Cocco podría aplastaros. Los hallamos fluidos, a doble armonía y muy contundentes. Con las voces no hay sorpresa. Os toparéis con el típico registro core. Asimismo, no faltan pinceladas de coros enérgicos. Aunque eso sí, no abusan de esto último, todo lo contrario. La percusión es dinámica, pero tendente a ir a medio gas. Sosegaros amantes de la velocidad, que aquí no faltan los up tempos tampoco.

Ahora, voy a intentar describiros muy brevemente el asalto corte a corte, ¿os parece? Pues allá vamos.

El Elepé lo abre “The New Slavery Nation”.

Esta intro nos pone en guardia, dejándonos entrever lo que está a punto de reventarnos en toda la cara. A su término, llega “The Labor Blackmail” y sus buenos cambios de recorrido. Sin duda, es la tonada más elaborada de todas, mostrando con creces de todo lo que son capaces los de Italia. Sin dejar respiro, la veloz “When The Profit Kills” no deja títere con cabeza. En cambio, “A Forgotten Number” enseña una vez más la pasión por la pesadez. En estructura es tan cambiante como el segundo track. Llegamos a lo que para este humilde redactor es el tema estrella. Hablo de “Underpaid”. ¿Por qué es mi favorito?, ponéoslo y lo sabréis. “Nothing More And Nothing Less” nos da un leve respiro para encarar sin problemas la rabia de “A Personal War”.Que por cierto, ojo a lo que sucede sobre la mitad de éste. Llegados a este punto, nos adentramos en la recta final. “The Power Of The Few” y “The Suffocated Rights son tan rotundas que consiguen sin despeinarse arrancaros la cabeza de cuajo.

Finiquitamos con “Remove The Control… Till Death!” Aquí creo que le sobra ese carácter tan máquina que le meten. A pesar de ello, no desentona para nada en la tónica general del plástico.

Camaradas, si os gusta cosas como TERROR o BORN FROM PAIN debéis de catar la susodicha acometida.

he dicho antes y tal… pero… Un trozo de jugosa carne de res americana, bien cocinada, bien preparada y aderezada en su punto justo, crujiente por fuera, con un puntito casi cruda por dentro, todo muy muy apetecible, con su mostaza, con su kétchup, sus pepinillos y tal… ¡Y ya está! Se acabó, ya no hay más.

CAN’T SWIM estará muy bien para su público, que no dudo que lo tendrán, y que vayan y giren por muchos festivales pues es un sonido cómodo, fácil, asequible. Pueden aparecer en un festival de Rock, o en otros más alternativos, y habrá gente que los conocerán y corearán sus temas, pero…

En cuanto al tema de las letras, como ellos mismos declaran en su propia página web: las cosas no van a mejorar, no todo lo cura el tiempo y los problemas se desvanecen. El mal nos rodea y algunas veces, entra a formar parte de lo que somos. Así que CAN’T SWIM es una banda que vuelca las paranoias existenciales del vocalista Chirs LoPorto en un intento de catarsis Esta banda canta a esa desazón, pero ¿cómo decirlo?, sosamente. Hay bandas que me pueden desgarrar el alma como la náusea de la que hablaba Albert Camus, y lo pueden hacer electrificándome de arriba abajo. NIN es otro producto netamente americano y son capaces de con un solo tema (“Hurt”, por poner un ejemplo) dejarme emocionalmente desolado.

Pero claro, Trent Reznor es un genio y una de las personalidades más miserables que te puedes echar a la cara.

Lo siento mucho, habrán volcado todas sus mierdas existenciales y lo habrán hecho en un intento de catarsis, serán una banda sincera y honesta con un sonido genuino, pero a mí, ni fu ni fa. Va la puntuación que va por el respecto que hay que tenerle siempre a un músico y por eso mismo que han hecho: porque han tenido los cojones de sentarse a componer y a escribir y tocar una serie de temas, porque han volcado sus experiencias vitales y sus mierdas en una serie de temas. Todo eso está muy bien, pero que ellos lo hayan hecho bien y lo hayan hecho así, no significa que me tengan que gustar. Aun así, para aquellos que buscan un buen álbum de Hard Rock americano, sin muchas pretensiones ni complicaciones, pues esta banda les puede interesar. Si ahondáis un poquito en sus letras, quizá incluso encontréis un reflejo de alguna historia personal y la hagáis “vuestra canción”.

Yo sigo con lo dicho, a mí me emociona y me duele más el primer estribillo de “Hurt” de NIN que todo este “This too won’t happen” de CAN’T SWIM. “I hurt myself today / to see if I still feel / I focus on the pain / the only thing that’s real” CESAR LUIS MORALES | 6.5

JESÚS MUÑOZ CABALLERO | 8

CATCH FIRE (GBR)

KARMA OWES ME A LIFETIME OF HAPINESS

CAN’T SWIM (USA) THIS TOO WON’T PASS

PURE NOISE RECORDS, 2018 Los americanos CAN’T SWIM nos presentaron el año pasado su segundo álbum llamado “This too won’t pass”. Bueno, pues otro álbum más de rock americano. Tampoco voy a decir más. Está bien grabado, bien producido, son buenos músicos y consiguen algunos estribillos que, sin ser de alto octanaje o altamente infecciosos, son correctos.

Todo el álbum suena así, compacto en su sonido. Pero ¿cuál es su sonido? Se me ha quedado un amalgama entre el Hard Rock, la vertiente más comercial del Punk, pero que tampoco llega a ser ese Punk-Rock contagioso o por el contrario, el Punk-pop de otras bandas americanas. Se me queda todo ahí en un batiburrillo de sonido, bien grabado, como

RUDE RECORDS, 2018 CATCH FIRE es una banda nacida en Nottingham, a la voz tenemos a Miles Kent, en la guitarra a Neal Arkley, Jordan Kimbley en el bajo y por último a Ash Wain en la batería.

Esta banda de Emo/Alternative/Punk nos traen su primer debut de larga duración titulado “Karma Owes Me A Lifetime Of Happiness”, el cual me a trasladado a mi adolescencia, y es que me recuerdan a bandas como Blink 182 o Sim 41 entre muchos ejemplos y me a entrado una gran nostalgia al escucharlos ¡quiero ser una adolescente rebelde de nuevo! Con mi carpeta decorada con mis bandas favoritas acudiendo al instituto, Es lo primero que pensé, pero no quiero enrollarme mucho mas con mis bonitos recuerdos y empezar destripando este excelente LP que me ha sorprendido gratamente.

El disco comienza con un gran tema” Petri-

facion”, muy bien ejecutado y con un buen trabajo por delante, es una de las canciones que más me han llegado, con esos coros que dan una garra espectacular al tema, ese sentimiento en cada letra y por no hablar de la gran melodía que acompaña la guitarra en todo momento.

Seguimos con “Malignance” y es que esta banda sabe lo que que hace y ha sabido como mejorar su sonido y sacarle su propio estilo, en este tema nos encontramos y nos transmiten tristeza pero con una gran fuerza y oscuridad en la misma, la típica balada que harán que nuestros pelos se pongan de punta con cada riff, cada golpe de voz, cada melodía… simplemente brillante, os aconsejo que la escuchéis detenidamente y saquéis cada gota de sentimiento que hay en ella.

Para finalizar voy a dar un salto hasta “Stabbing Pains”, un tema muy movido y pegadizo al mas estilo del punk rock, que a diferencia de las canciones anteriores es más duro, rápido y agresivo.

Me transmite muy buen rollo y seguro que como yo no podrás evitar moverte al escucharlo.

Empieza con un sonido suave para poco a poco ir subiendo de intensidad hasta meterse como una bala en tu cabeza, ¡explosivo!

En resumidas cuentas, ¿lo recomendaría? ¡Por supuesto que sí! CATCH FIRE se han salido con este nuevo disco, que para mí revela a un adolescente que la vida no le ha tratado muy bien y por eso pide al karma un momento de felicidad para él como su título indica, creo que han puesto mucho sentimiento en este LP y que lo han bordado. Definitivamente será un disco de escucha frecuente mía y espero que para muchos de vosotros también lo sea, solo puedo felicitar a CATCH FIRE. TANIA KYMMENEN | 10

CATORCE (ESP) ARCADIA

THE BRAVES RECORDS, 2019 Comienza el año, comienza Febrero, en el corazón del invierno surgen días para el amor a la música y la doble moral avalada por mascaras que cubren nuestros rostros liberándonos de nuestros pecados, pero que siempre viviremos atraídos por los mismos miedos y los mismos sentimientos, como ellos mismos dicen “somos esclavos de la misma naturaleza salvaje de nuestro pasado”.

Es en este contexto donde CATORCE entra con su magia, con sus pasiones y emociones para traernos su tercer trabajo “Arcadia”, creciéndose ante las adversidades y creando un monstruo que no para de crecer. Y es que tras la gira de su anterior trabajo “Agua. Naufragio.

Equilibrio”, su batería Luisma se despidió de la banda antes de entrar al estudio para empezar una nueva etapa siendo sustituido en el grupo por Luis Ruiz ( CARVING COLORS, NETER), ha sido Carlos Expósito el encargado de la grabación de las mismas.

Editado por The Braves Records, Spinda Records, Odio Sonoro y Monasterio de Cultura, ha sido grabado en los Sandman Studios junto a Carlos Santos, con la inclusión de un nuevo elemento, teclados y programaciones en Dopplermedia a manos de Luis López Pinto y con una preproducción por Juan Blas y Pablo Ponz, formando un equipo humano de enorme calidad como lo es este álbum que tenemos entre las manos.

En lo que respecta a lo musical, CATORCE se eleva a la máxima exponencia, en un álbum cuidado al máximo en detalles, arreglos y lirica, donde Jaime Ladrón de Guevara (voz y guitarra) se exprime al máximo en cuanto a melodías y unas letras metafóricas que cada individuo podrá identificarse con ellas a su manera, además le acompaña José Miguel

Ocón, con un bajo grandioso conformando una pareja desde los inicios de la banda inseparable, dándole carácter a este proyecto.

Tras una introducción espacial y futurista “Autómata”, gritando al vacio sentimientos ocultos irrumpe con fuerza “Myria”, desgarradora y armónica, con un toque de post hardcore en su estrofa, para reinventarse en un puente y un estribillo mágico, grabándose a fuego en tu piel, llevándonos hasta los ritmos de “Tannhäusser” recordándonos a temas como “Eistein-Rosen” o “Nuevacosta”, que guarda en su interior uno de los estribillos del álbum con un toque progresivo que me encanta; un señor temazo. “Caribdis”, tiene un ritmo made in CATORCE, con un bajo omnipresente y unos riffs de guitarras oníricos, uniéndose a “La Montaña”, quien acelera el ritmo y pone ese toque de teclados nuevo y empatizador en un corte con un toque especial que te hará mover el esqueleto y bailar con un toque de positividad.

El toque intimo lo pone “Conjura”, donde juegan con las voces sobre una base de bajo y teclado ambiental, como si las notas y las letras flotaran en un universo placido del que se aleja cada vez más y más, para despertarnos con “Ekbom” y su renacer tras un fuego interior que nos aleja de convicciones equivocas, al que otorgar un punto de amarga positividad con “Vivos (Pasaportes A Viajes Imposibles)”, donde su letra nostálgica contrasta con el ritmo vivace de su música, como ocurre con “Las Hienas”, con una base rítmica a cargo de la batería de Carlos Expósito que lleva el peso inequívoco de un nuevo renacer que comienza con “Antípodas”, con un ritmo que nos que nos lleva al inicio del álbum, reclamando el no tener miedo, reclamando una historia que no puede diluirse haciéndolo a través de una melodía vocal e instrumental que es una delicia; una de mis preferidas del disco.

Ya en la parte final y antes de acabar este trabajo, una ventana al futuro se abre con “Noviembre, 2019”, con un inicio enigmático donde la guitarra se va apoderando lentamente de unas notas de bajo que crecen y una percusión incisiva, para gritar unas estrofas cargadas de rabia, que se transforma en un estribillo pop/rockero, para poner la guinda con un corte más experimental, “Una Ventana Atlántica”, donde resopla un viento húmedo y atmosférico, que pone una ambientación etérea mientras los pensamientos se abren a un vacio oscuro. Y es que CATORCE con este álbum exprime y explota cada uno de sus sentimientos hasta el extremo, con un giro hacia la tristeza y melancolía, pero con una música muy viva que enmascara ese sentir póstumo en unas letras metafóricas y repletas de interpretaciones. Un Trabajo que a buen seguro desde ya estará en mi top ten anual.

JUAN ANGEL MARTOS | 9

CEREBRUM (GRC) IRIDIUM

TRANSCENDING OBSCURITY RECORDS, 2018 Formados ya en el 2002 y tras grabar una demo en 2005 que recibió críticas excelentes, la banda helena CEREBRUM pasó a grabar su primer larga duración en 2007 y luego su segundo LP cinco años después. Ya a finales del año pasado los griegos grabaron su ansiado tercer álbum “Iridium” a través del sello Transcending Obscurity Records. La verdad es que se hace de rogar el cuarteto de Atenas compuesto por Jim Touras a la guitarra y voz, Michalis Papadopoulos a la guitarra, George Sullkos al bajo y Defkalion Dimos a la batería.

Ya desde el principio del disco estos veteranos de la escena death griega nos dejan bien claro que no se andan con tonterías. Desde los primeros segundos consiguen cautivar al oyente con una atmósfera de death técnico progreNUM. 62 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 37

sivo impresionante y un poco intrigante. Tenemos unas baterías absolutamente impresionantes cortesía de Defkalion Dimos que no dan cuartel y con una precisión y creatividad encomiables, solos de guitarra curradísimos, riffs oscuros y una producción un tanto opaca y tenebrosa que queda la mar de bien. La voz es tirando a gutural en su punto justo y sin pasarse.

La verdad es que a nivel técnico esto es impresionante. El cuarteto mediterráneo apenas da descanso al oyente al arrasar con los nueve temas que componen el disco que tiene una perfecta duración de 35 minutos. No hay apenas descanso no por ello no hay variación pues hay cantidad de cambios de ritmo, un gran trabajo a las seis y cuatro cuerdas y esas voces potentes y brutales. También hay ciertos toques de distinción a lo largo del disco, como la guitarra española que se escucha en “A Face Unknown”. “Iridium” es una placa que al ser del género death progresivo técnico es imposible que aburra con su variación a nivel de tempos, el trabajo excelente a las cuerdas y esa batería de altísima precisión directa a lo más profundo de tus tímpanos.

Algo que me gusta mucho de la obra a nivel de producción es el tratamiento que se ha dado al bajo. Bien audible y con un sonido grueso y potente como en “Euphoric Control” por ejemplo, un muy buen tema con buenas guitarras entrecortadas con mogollón de cambios, patrones interesantísimos de batería y ese elemento a la vez brutal e impredecible que viene de la mano de este estilo. “Cognitive Dissonance” es un tema instrumental más ralentizado que sólo sirve para que el siguiente tema “Astral Oblivion” suene aún más cañero y potente. ¡Demoledor!

Otros temas dignos de mención serían “Memory Hoax” y “Gods In Trance” que siguen en la misma línea con un nivel técnico envidiable, blastbeats en su justa medida y unos riffs con algún que otro toque thrash que la verdad llegan a impresionar. Al rato el disco crea una especie de atmósfera íntima de la que el oyente se siente partícipe y es que la producción es muy apta para este estilo. Por momentos parece que algunos de los redobles de batería los estén tocando a unos metros de ti, y es que esta producción cruda y opaca en este caso está muy lograda.

Sin duda CEREBRUM han conseguido crear un muy buen disco de death técnico con buenos tintes progresivos que no tiene absolutamente nada que envidiar a bandas más grandes. Es más, a nivel técnico/compositivo y de complejidad de los temas se nos rebelan como auténticas bestias. “Iridium” es un disco de death metal cañero, potente, obsesivo y visceral que no defraudará. ¡Bravo!

DANIEL GALLAR | 8.7

CHROME DIVISION (NOR) ONE LAST RIDE

NUCLEAR BLAST RECORDS, 2018 CHROME DIVISION ha decidido tomarse un pequeño descanso pero no sin antes sacar a la luz su quinto disco: “One Last Ride”.

La banda Noruega formada en 2004 está actualmente compuesta por Eddie Guz (voz principal), Mr.Damage (guitarra principal, bajo y coro), Shagrath (guitarra, bajo y coro) y Tonny White (batería y percusión).

Al igual que los cuatro anteriores discos “One Last Ride” lleva el sello de Nuclear Blast y la marca del Hard Rock y del Heavy Metal. El grupo además está muy conectado a la subcultura motociclista y lo plasma en el sonido de carretera y en la portada, cuyo elemento principal es una moto llevada por un esqueleto en un fondo negro.

“Returns from the wasteland” inicia el disco creando un ambiente que más bien parece 38 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 62

localizarse en el Sur de Estados Unidos. Un sonido de guitarra limpio y una voz que recita el comienzo.

La entrada del Hard Rock aparece con la siguiente pista; “So Fragile”. (Canción que he escuchado en bucle.) Los riffs claramente anclados en esos dos estilos dejan a intuición algunas influencias. La más clara es la del grupo británico MOTORHEAD. (Sobre todo en la voz).

Aunque el guitarrista y también miembro de DIMMU BORGIR, Shagrath, ha manifestado en algunas ocasiones la conexión musical con otros grupos como KISS o BLACK LABEL SOCIETY. La voz es muy característica. Como acabo de mencionar es uno de los símbolos de influencia de MOTORHEAD que aunque se mueve a lo largo del disco, se desarrolla con fuerza en “Back in town” y en “The call”. (Esta última me ha gustado especialmente por el ritmo marcado del bajo y el rifft final).

En el sonido también destaca la espontaneidad, de hecho así explica Shagrath la forma de componer. Y “Staying until the end” parece el himno de ese lema.

Por último decir que la pista homónima del disco, “One last ride”, se lleva uno de los puestos principales del disco tanto por los riffts de guitarra como por la facilidad de mostrar cómo suena CHROME DIVISION. Aunque personalmente me quedo con “The call” y “So fragile”.

Todos los integrantes tienen proyectos ajenos a CHROME DIVISION. Pero se nota que realmente disfrutan componiendo y tocando en la banda que comparten consiguiendo plasmar ese entusiasmo en su música y en sus seguidores.

ALICIA CASTAÑO | 8.5

CREATE A KILL (USA)

es un disco totalmente recomendable, seguro que no os decepcionará.

CARLOS BERMEJO | 9

CROOKED TEETH (USA) HONEY

RUDE RECORDS, 2018 El trío californiano CROOKED TEETH, tiene un nuevo Ep en el mercado, “Honey”, editado por Rude Records, en el que nos ofrece cinco nuevos cortes de rock alternativo fresco y juvenil; Tyson Evans, Adam Miranda y Adam Galindo son sus responsables.

“Hate Me”, da el pistoletazo de salida con un corte juvenil donde un rock fresco, made in californiano nos despierta con unas estrofas entrecortadas y un estribillo pegadizo, que continua con “Honey”, un corte radio fórmula que juega con un enérgico estribillo y que destaca dentro de este Ep sobre los demás temas, siendo mi preferido, aunque “Absent”, también tiene un feeling especial, con unos arreglos electrónicos y ritmo fiestero, que juega con unos incisos lentos de piano contrastando con su estribillo, en un combo de calidad.

“You And Me (Whatever)”, es un medio tiempo moderno, alternativo y rockero, en el que introducen elementos y samples para recrear una atmosfera juvenil, con toques a DON BROCO, antes de cerrar el Ep con “Broken Bones”, un tema de corte universitario, más acelerado y repleto de positividad, pero que se me hace empalagoso. Un Ep, corto donde el rock alternativo adolescente nos deja dos temas muy buenos, aptos para la adolescencia o el buen rollo donde el surf, las playas y las fiestas se desprenden de cada una de sus notas, pero sin innovar.

constante. Como guinda proponen unos ritmos de guitarras algo más enérgicos y melódicos, sobre todo en un estribillo que complementan con voces limpias, consiguiendo composiciones más homogéneas.

Justo en mitad del trabajo tenemos “Feel The Same”, donde pequeños ritmos nos abren, para al momento ajustar una voz limpia muy leve, que suena sobre una base de instrumentación muy leve. Jugando con el contrapunto, y manteniendo la voz limpia, pero con algo más de energía, nos deleitan con riffs más potentes, que llegan a un culmen donde se tornan muy agresivos, y las voces los acompañan con guturales muy potentes.

Acercándonos al final, tenemos “The Rope” el cual nos abre con unos riffs bastante potentes y rápidos, que desbordan furia por los cuatro costados, para al momento y de repente, romper con ritmos mucho más leves, donde las guitarras y bajo se recrean mucho más en la melodía, dándonos multitud de matices.

“Forever Marked” es el último tema completo que nos encontramos en el trabajo, el cual se encarga de cerrar con unas melodías bastante rápidas, con riffs contundentes y una línea vocal que no descansa en ningún momento, dejándonos con breakdowns agresivos y cambios de voces brutales.

En este nuevo trabajo de CURRENTS nos vamos a encontrar con un sonido madurado, más contundente, pero en la línea de lo que nos tiene acostumbrado el grupo, notándose cómo se asientan cada vez más y van tomando una identidad propia que poco a poco ha ido cambiando. Lo notamos sobre todo en los temas instrumentales, donde la música entra directa, sin nada más que brutalidad en los instrumentos. Eso sí, la línea vocal marca un punto y a parte dentro de los temas, ya que pone un broche increíble en cada uno de los cinco cortes, jugando con un contraste increíble y cerrando de manera brutal cada una de las composiciones. Sin duda un trabajo corto, pero que nos da un buen adelanto de lo que el grupo está por preparar, esperemos que en breve.

JORGE DE LA CRUZ | 7

JUAN ANGEL MARTOS | 6.75

SUMMONED TO RISE

REDEFINING DARKNESS RECORDS, 2018 El pasado mes de diciembre salió al mercado a través del sello Redefining Darkness Records el larga duración debut del power trio formado por Alex Marquez (SOLSTICE, ex-MALEVOLENT CREATION, ex-DEMOLITION HAMMER,…), Gus Rios (GRUESOME, ex-MALEVOLENT CREATION,…) y Daniel Gonzalez (GRUESOME, POSSESSED,..) el cual lleva por título “Summoned to RIse”.

Metiéndonos en harina con este álbum, nos encontramos con alrededor de cuarenta minutos de un Death Metal de auténtico old school aderezado a la perfección por un Thrash Metal directo y agresivo, formando una mezcla exquisita para los amantes de estos géneros, a lo que hay que unir el excelente sonido tanto en la grabación por parte de del propio Gus Rios, como en la masterización, la cual ha corrido a cargo del productor holandés Robbe Kok (DEATH SQUAD, WARMASTER, NECROTIZED,…). Para la portada han contado con el ilustrador César Adrian de Soul Asphyx, la cual está totalmente acorde para lo que nos quieren ofrecer el combo de Florida.

En este trabajo destaco la carga instrumental que posee en líneas generales, así como sus composiciones, todas ellas de altísimo nivel consiguiendo que un estilo tan definido no se haga monótono en ningún momento, cada tema tiene algo especial que te hace mantener la atención durante todo su recorrido, por ello aunque destaque los temas “Create a Kill” que es el de apertura, “Gauntlet of Pain” que para mí, en lo que a composición se refiere es el más destacado del álbum o el emotivo “Flesh, Blood and Stone” que cierra el disco en esta edición especial, el cual rinde homenaje al desaparecido frontman de MALEVOLENT CREATION, el gran Brett Hoffman, pero como decía antes, el disco entero es sobresaliente y no tiene ni un solo segundo de desperdicio,

DAGLA (ESP) EL ENEMIGO

AUTOEDITADO, 2018

CURRENTS (USA) I LET THE DEVIL IN

SHARPTONE RECORDS, 2018 La banda estadounidense CURRENTS lanzan a través de SharpTone Records su nuevo trabajo en forma de EP. Este nuevo trabajo, al que han titulado “I Let The Devil In” trae un formato diferente, donde de los diez temas, cinco son los completos y el resto de trata de las versiones instrumentales de los anteriores.

Formados en Connecticut, Estados Unidos, el grupo está compuesto por Brian Wille en la voz, Chris Wiseman y Ryan Castaldi en las guitarras, Dee Cronkite al bajo y Matt Young en la batería.

“Into Despair” es el primer tema que nos encontramos en el trabajo, donde pequeños ritmos lentos nos dan la bienvenida para al momento arrancar con unos riffs muy potentes y graves, que al momento cambian de tercio y añaden una línea vocal super agresiva, que acompaña a la perfección a los ritmos pesados. Acto seguido escuchamos “My Disguise” que nos abre con una voces muy potentes, donde la base rítmica la ponen una batería con una pegada potente y una línea de bajo

Tras una demo lanzada en 2014 bajo el mismo nombre de la banda, los stoner coruñeses DAGLA vuelven a la carga con un nuevo Ep bajo el nombre “El Enemigo”, de forma autoeditada. Cuatro nuevos temas grabado en los Studios Bonham, siendo producidos por el mismo grupo y por José Manuel Martínez García, donde un contundente stoner rock con pasajes hipnóticos nos dan la bienvenida al Norte.

“Auri”, da el pistoletazo de salida de una forma enérgica, siendo puro stoner, donde las guitarras de César Lerma y Javi Barreiro suenan rocosas y rockeras, perfectamente acompañados con una base potente por Pedro Coira en la percusión y Mon Chiño al bajo, poniendo finalmente la voz Diego Silva, quien se muestra con carácter, rasgadas en las estrofas y con un matiz melódico en un pedazo de estribillo; tema clásico pero muy efectivo. Con “Teruel”, nos muestran otra cara, introduciendo un teclado sutil que engrandece la composición, rompiendo con una estrofa muy contundente, desarrollándose en un alegato letrístico a la lejanía, con una parte central onírica e hipnótica; posiblemente el tema del álbum.

Con “El Viaje”, volvemos al principio, pero donde se marca más su toque rockero, que si tuviera otra afinación sin duda lo seria, pero le dan ese cuerpo de graves que lo oscurece y envilece, tema convencional, que nos lleva a otro temazo, “El Enemigo”, desarrollándose

con un toque de psicodelia y creciendo lentamente, para irrumpir con una base muy BLACK SABBATH, que se mantiene a lo largo de sus primeros cinco minutos, para acelerar en un headbanging continuo, en un giro brutal; por este lado DAGLA tiene mucho que aportarnos aun y esperemos que no sea muy tarde.

JUAN ANGEL MARTOS | 7.75

DARKEST HORIZON (DEU) AENIGMATA

AUTOEDITADO, 2018 Desde Alemania nos llega lo nuevo de DARKEST HORIZON, lo cuales ya tienen en su haber dos EPS y un largometraje anterior. Ahora nos sorprenden con “Aenigmata” un paso más en su camino dentro del Death Metal melódico, en el cual mezclan cortes más épicos y sinfónicos.

Si bien es cierto que la definición que ellos mismos, y la primera que se te puede venir a la cabeza, es Epic Death Metal Melódico, DARKEST HORIZON va un paso más allá en cuanto su sonido gracias al trabajo tan bien realizado por los sintetizadores que respaldan todo el trabajo rítmico y melódico, llegando en ocasiones a ser la fuerza motora de los temas. Pero no solo destacando esto nos podemos quedar contentos al hablar del sonido, las guitarras trabajan en todo el álbum de forma afilada y precisa soltando algunos riffs muy intensos y técnicos llenando de sonoridad y melodía el álbum.

Como ejemplo de este sonido nos encontramos con su primer tema “Omnipotence Paradox” una canción muy oscura y llena de fuerza.

La intro que se realiza al principio es muy épica haciéndonos ya disfrutar antes de dar paso a la voz. Sinceramente es un corte muy épico que podría servir para alguna serie, película o lo que se os pueda ocurrir, me parece que podría quedar genial en muchos sitios. Tras este inciso que no he podido evitar hacer, sigamos hablando de la entrada de la voz, es una voz que roza entre el Death y el Black, ayudando a oscurecer esa melodía épica que gobierna la canción. Es una canción con el tono rápido y extremadamente pesado donde siente que te llevan en un paseo a través de algún evento que sucedió hace mucho tiempo. Pero no como un personaje de la historia, si no que te hacen sentir que estás viendo aquel evento en primera persona.

“Aenigmata” es una necesidad para todos y cada uno de los fanáticos de Melodic Death Metal, y les ruego que sean diferentes. Si después de haber escuchado “Aenigmata” no crees que DARKEST HORIZON merezca estar entre la compañía de los grandes, creo que tenemos un gran debate. Si bien es cierto que todavía les queda para jugar en las grandes ligas como tal, este disco pretende ser un buen precedente para ello en donde poco se necesita depurar para encontrarnos con un disco del año. Como es obvio recomiendo este disco a cualquier persona que le gusta el Death Metal Melódico y los cortes altamente épicos.

RUDY PERTU | 8

DAWN OF EXTINCTION (ESP) WELCOME TO THE NEW CENTURIES AUTOEDITADO, 2018 Desde El Puerto de Sagunto, el cuarteto DAWN OF EXTINCTION, nos traen este EP titulado: “ Welcome to the new centuries – slaves”, auténtico compendio de ritmos Trash, Death y Metalcore. Goza de un sonido magnífico, producido por la propia banda, junto a Alex Demarjal. Grabado, mezclado y masterizado por Alex Tomás en los estudios Demarjal Producción Musical. La banda Valenciana, formada a finales de 2013,tiene tras de sí, la demo “Apocalipse” que sacaron en 2016; y su primer larga duración “Rebirth of hate” en 2017. Formada actualmente por Cristian Juárez a la voz y guitarras, Marcos Morales al bajo, Alexis Gálvez a la batería, y Daniel Juárez a la guitarra.

En este EP de seis cortes, pulen su propuesta metalera, y dan otra vuelta de tuerca a su sonido; sin duda hiper rápido e intenso, con riffs brutales y una gran base rítmica, que va a tope.

Hay mucha gente, reticente con esto de los EP, aunque yo personalmente, lo veo como una oportunidad de saborear; normalmente pocos temas, pero con mucha calidad generalmente. Funcionan como una colección magna, sin fisuras, sin relleno. Y eso es lo que nos encontramos en este “Welcome to the new centuries – slaves “ El trabajo empieza con “The new century”, una intro de apenas un minuto, instrumental y oscura. Engancha perfectamente con “Decadence”, corte super rápido y metálico. La batería magnífica, y los riffs trashers 100%.

Continúan con “ The fall of the human race”, con aromas power metal, con un solo increíble a manos de Daniel Juárez. Y un estribillo épico! Temazo “Looking the other way” comienza suave, y deriva en ritmos Death melódicos, con voces agresivas y limpias que redondean el corte. De nuevo con grandes solos de guitarra.

Con “ Behind the mirror” siguen en su línea, muy trash metalera, a todo trapo, alternando voces crudas, de nuevo con partes super melódicas y corales. Bestial.

Y para cerrar este magnífico EP, “ The Heresy “, con guitarras muy heavies, que rompen con partes contundentes. Grandiosas voces, y otro pedazo de solo de guitarra increíble.

Me ha encantado, DAWN OF EXTINCTION, se han currado un trabajo de altura, que hará disfrutar sin duda alguna a los metaleros de pro. Nivelazo musical, y grandes composiciones. Ansioso quedo de nuevo material. Que seguro será brutal.

JOSE ANTONIO GALLEGO | 8

DEATH ABOVE (ESP) DIGITAL BREED

THEY LIVE WE SLEEP, 2019 Tras seis años desde de su anterior larga duración “The Attack of the Soul Eaters”, los tinerfeños DEATH ABOVE formados originariamente en 2010, que además cuentan con un EP y un split, sacaron al mercado el pasado veintidós de febrero de este año “Digital Breed”, a través del sello They Live we Sleep.

Este trabajo consta de doce temas repartidos en casi cuarenta y cinco minutos de duración, de su ya tan característico Thrash/Crossover crudo y directo, algo que queda constatado en la corta duración de la mayoría de los temas que componen este trabajo discográfico, algo lógico en el género, pero no por ello escasos de calidad, todo lo contrario, es un disco muy bien estructurado.

Otro punto a favor es sin duda el sonido de la grabación tan acorde a la música que nos ofrece la banda el conseguido en Goat Studios por

Rafa Pérez y ConnyMelefas. Para la portada han contado con el ilustrador Riaj Gragoth de Luciferum War Graphics (DESOLATOR, 4ARMS, MISTVEIL,…) con el resultado que podéis observar el cual va como anillo al dedo a lo que nos ofrece el combo chicharrero.

Como cortes a destacar en el álbum encontramos “Darkness Falls”, es el tema que abre el disco, canción con mucha rabia y rítmicas que van de menos a más, en la que se constata el esmero con el que han compuesto este disco, “Annihilation Message to Oblivion” pista de Thrash correoso en el que en la parte final del mismo desatan de nuevo su rabia contenida, posiblemente el corte más thrasher del álbum, “Digital Breed” que da título al álbum y ha sido la elegida como adelanto, unos de las mejores canciones del disco sin duda, sin olvidarnos de “Patino and Destroy” que son dos minutos de puro Crossover diseñado para volarte la cabeza incluso en sus partes más densas, para mí los temas más destacados de este cd, sobre todo el que da título al disco, sin desmerecer por supuesto el resto de cortes, ya que todos los temas están hechos para disfrutarlos al 100 por 100 tal cual, bien condensados, es un disco muy ameno, muy trabajado mimando cada detalle.

Estamos por tanto ante un buen disco de Thrash/Crossover al que nos tienen acostumbrados y en el que el sonido de la grabación aumenta aún más esa sensación, temas cortos en su mayoría y directos, llenos de calidad, si eres amante de estos sonidos lo vas a disfrutar de lo lindo sin duda alguna.

CARLOS BERMEJO | 8

ción conforme avanza, abrazada a una buena labor vocal. Buen tema. “Calima” es similar a su predecesora, rápida y cañera. Sobresale la colaboración de Sara de ”Hiranya” en las voces.

Turno para “Siempreviva”, donde aparece de nuevo el metal alternativo, mecido con melodías vocales muy logradas.

Con el extraño titulo de “…”, corte muy breve y nuevamente instrumental, llegan al ultimo tema del álbum; “Prontuario”, un tanto experimental, a la vez que melódico y con un color singular.

DELPHOS sin duda son frescos y consiguen un trabajo atractivo y muy fino. Si lo tuyo es el rock y el metal más alternativo en la línea de bandas como SOBER o HAVALINA, mételes una escucha, te sorprenderán.

JOSE ANTONIO GALLEGO | 7

DEPTHS ABOVE (CZE) EX NIHILO

AUTOEDITADO, 2018

DELPHOS (ESP) TRAS LA MAREA

AUTOEDITADO, 2018 Los madrileños DELPHOS, después de cinco años desde su Ep “Presagios”; después de bastante curro, cambios y demás inconvenientes varios, propios de una banda de rock; y gracias a una exitosa campaña de Crowdfunding; nos presentan su primer larga duración “Tras la marea” El combo matritense viene puliendo su sonido poco a poco, hasta conseguir una mezcla homogénea de rock y metal alternativo; con reminiscencias grunge, algo de stoner e incluso progresivas. Así en las primeras escuchas viene a la mente SOBER; pero claro está, con un cierto toque personal. DELPHOS lo componen los guitarristas Alonso Gimeno y Diego de Benito, Guillermo Suárez al bajo, Julián J Sánchez a la batería y Manuel Mellado como teclista y vocalista.

En “Tras la marea”, han metido mano en la producción ;Koke Díez (“De la Cuna a la tumba”), Alex Cappa en el master y Ritxi Ostáriz en la parte artística . Un buen puñado de profesionales que han ayudado a pulir este primer álbum de los madrileños.

Podría decirse que es un disco conceptual, ya que parece que todos los cortes, están intrínsecamente enlazados y relacionados con el titulo del trabajo.

Empezamos con “La Playa”, un temazo magnífico para abrir boca. Grandes ritmos pesados, y melodías de voz con mucho royo. “Guerra y paz” es muy potente e hiper melódica. Magníficos riffs muy metalizados dan forma a este buen corte.

Continúan con “Porcelana”, que es más rápido y punzante. Una gran canción, sin duda de lo mejor del disco. “Aquel viaje”, sigue en la línea similar a los anteriores temas, y antecede a “En la deriva”, siendo un pasaje más tranquilo e instrumental, que oxigena la escucha sin lugar a dudas. Seguimos con “La ciudad”, corte muy rockero, con la voz de Manuel desgranando la letra con acierto, y con un buen estribillo.

“Ananké” es más vertiginosa, con riffs muy currados y la base rítmica construyendo la can-

Desde la República Checa, más concretamente desde Brno, esta banda llamada DEPTHS ABOVE nos propone un Black Metal atmosférico, sinfónico. La banda tiene un EP anterior llamado “The Descent” y a finales del 2018 presentaron su primer disco completo llamado “Ex Nihilo”. Dentro de este trabajo encontramos cuatro temas únicamente, pero de gran duración que hace que el disco tenga poco más de treinta minutos.

Abriendo el disco te encuentras con “Here and Everywhere”, donde la banda nos ha creado una intro con un sonido nítido, pero que te prepara para esa agonía que va en aumento solo cortada por esas notas de guitarras veloces, que rápido son acompañadas de las baterías y bajos marcando esos ritmos clásicos del back. “The Descent” abre con un ritmo de Timbales, que es acompañado por las voces limpias, dando la entrada de las guitarras afiladas y voces infernales sin ser guturales, que marca todo el álbum. Este es mi tema preferido ya que la variación de ritmos hace que los poco más de siete minutos de canción se esfumen sin darte cuenta. “A Prayer” es una canción instrumental algo larga, pero que en el conjunto te da un respiro a esa agonía y depresión continuada. “Ex Nihilo”, canción homónima que cierra el disco, es el tema más largo de todos y donde la banda se recrea en sus instrumentos con notas prolongadas y riff repetitivos, sin tener prisa en terminar, las voces son en este tema el gran protagonista. Dentro del paquete promocional, que han hecho llegar a NECROMANCE, la banda ha diseñado una portada y un póster adjunto en formato de gran calidad. La portada es una pintura al óleo que representa el descenso al abismo del infierno, nada más y nada menos.

Este cuarteto ha trabajado los temas dándole ese sonido agónico y áspero del género, que puede resultar algo asfixiante, ya que el sonido está super saturado, sobre todo con las voces. Supongo que es algo provocado y buscado, pero que han hecho de este trabajo No te mantenga dentro de esa atmósfera oscura, agónica y depresiva que DEPTHS ABOVE ha trabajado tanto.

JESÚS SÁNCHEZ GARCÍA | 6.5

jazz, o el Avant-Garde, o el Post, o… ¡Yo qué sé! Si el nombre ya lo dice todo: DRONTE, más raros que un dodo, pero… Si belle qu’elle me fait souffrir (Tan hermoso que me hace sufrir).

CESAR LUIS MORALES | 10

DRONTE (FRA)

QUELQUE PART ENTRE LA GUERRE ET LA LACHETE APATHIA RECORDS, 2019 El Dodo o Dronte (Raphus cucullatus) es una especie de ave extinta, no voladora, endémica de las Islas Mauricio. Su extinción, datada sobre finales del siglo XVII, la convierten en el arquetipo de especie animal extinta por causa de la presión del ser humano. ¡Colorea y aprende con Teo! O sea que, para decir que algo es raro, podemos decir que es más raro que ver un Dodo o Dronte. Pues igual de raros son, como habréis adivinado ya, DRONTE y su álbum “Quelque part entre la guerre et la lache”. Siete músicos franceses que, en formato acústico, nos ofrecen una visión completamente alucinada y alucinante de lo que ellos han dado en llamar “Post-metal acústico”. Y sí, por ahí van los tiros. De la misma manera que podemos decir que el Dodo era un ave. Sí, por ahí van los tiros, pero es una definición paupérrima de lo que era un Dodo, o en este caso, de lo que son DRONTE. De primeras, los instrumentos habituales del género (guitarra, bajo, batería) son todos acústicos. Añadamos a la formación, instrumentos tan poco “metálicos” como el saxofón (¿WTF?), el vibráfono (¿What the Fucking Fuck?) o el palo de lluvia (¿en serio, What the Motherfucking Fucking Fuck?). Y es que la intención es buena; el resultado, aún mejor. La intención es jazzística; el resultado, metálico.

Abrir el disco con un contrabajo tan pesado como el de “Champion En Série”, cortesía de Benoît Bedrossian y romper con la voz de Frédéric Braud con esos guturales acompañados de las cristalinas notas de vibráfono (Camille Segouin), mientras Ève-Rosemarie Boulada mantiene su saxo cerrando el primer minuto del álbum, es toda una declaración de principios. Y sí, sí se escucha el palo de lluvia. Pero es que siguen desbarrando temas tras tema: “Théatre Du Vacarme” sigue la pauta: saxo, guitarras acústicas, percusión frenética con ese balanceo jazzy… Y estos siete gabachos dando más leña que muchas bandas con toda su artillería eléctrica enchufada. ¡Alucino pepinillos!

Y a todo esto, para redondear el asunto, como estos siete gabachos de DRONTE componen como componen, dejan espacio a la música para que respire, para que se desarrolle, creando atmosferas alucinantes, etéreas o espesas, según convenga. Y redondeando, redondeando, utilizan el francés, una lengua que tiene una cadencia y una sonoridad que en los recitativos de muchos temas otorga una sofisticación que el inglés no podría darle. Para que os podáis echar una primera impresión a la cara, ya disponen de un video de su tema “Notre grande machine”: simple, efectivo, siete tíos tocando, rodado en blanco y negro, pero potente y apabullante.

Incluso cuando no te saturan con su instrumentalización salvaje, crean unas atmosferas que son como la resaca del mar: te van atrapando y te arrastran, te acunan y te alejan de la playa, como por ejemplo, “Escalade en chute libre”, cuya segunda parte evoluciona bajo la repetitiva melodía del vibráfono, acelerándote el pulso para finalizar dejándote devastado, y así te dejan, abandonado, arrullado por una descendente melodía de saxofón. 0% instrumentos eléctricos, 100% escalofríos recorriendo la espina dorsal.

Una gran banda, un gran descubrimiento. Una propuesta nueva y original. Si queréis llamarlo como se autodefinen ellos (“Post-metal acústico”), por mí, perfecto. Son DRONTE y con este “Quelque part entre la guerre et la lache” han grabado un disco que viene a desmontar todo lo que tenías más o menos ordenado en tu cabeza o creías saber sobre el metal, o el

FERAL (SWE)

FLESH FOR FUNERALS ETERNAL TRANSCENDING OBSCURITY RECORDS, 2018 Los amantes del death metal sueco más clásico y visceral como ENTOMBED, AT THE GATES o BLOODBATH están de enhorabuena con el sello discográfico Transcending Obscurity Records, que nos trae el nuevo trabajo de los incombustibles FERAL, “Flesh For Funerals Eternal”, donde técnica y potencia se entremezclan para traernos desde la pequeña ciudad de Skelleftea (Suecia) este trallazo en toda regla.

Y es que desde los primeros riffs de guitarras de Markus Lindahl y Sebastian Lejon en el inicio de “Vaults Of Undead Horror” sabemos a qué atenernos y sobre todo si al frente de la voz está su miembro fundador David Nilsson con sus guturales clásicas y desgarradas, que nos volaran la cabeza desde el inicio, al igual que la percusión de “Black Coven Secrets” a cargo de Roger Markström, que inicia una escala de violencia y de notas de bajo por Viktor Kingstedt por doquier, machacándonos de nuevo con el inicio más pausado y machacón de “Gathering Their Bones”, donde las transiciones son técnicas y progresivas.

“Dormant Disease”, “Horrendous Sight” y “Buried”, están hechas para el headbanging continuo, sobre todo la primera y la última, con unos riffs machacones que nos harán mover la cabeza de forma instintiva una y otra vez mientras te dejas atrapar por ese death metal noventero que tanto dio que hablar en su época. Y si antes hablábamos del bajo de Viktor, “Of Gods No Longer Invoked” es una delicia para los que les guste este instrumento, omnipresente en cada segundo de este temazo junto a un solo vertiginoso que se queda un poco en segundo plano ante la bola sónica que no da ningún tipo de concesiones a lo largo del álbum.

En la parte final encontramos “Stygian Void”, donde las escalas y screamings iniciales dan comienzo a otro de los temazos destacados de este álbum, con unas estrofas cambiantes y unos ritmos muy machacones con un rasgueo con tintes thrashers, pero con unas armonías death metaleras puras que no llevaran hacia el final del trabajo con “Bled Dry”, quizás el tema más moderno del trabajo, con una percusión peculiar al inicio, pero que rápidamente se transforma en un huracán de blast beats que van a mas; una locura de tema para poner el punto y final. Si lo tuyo es el death metal sueco, FERAL debería estar en tu lista de favoritos.

JUAN ANGEL MARTOS | 7.75

GINKGO DAWN SHOCK (ITA) INWARD | FLARE

THIS IS CORE, 2019

No he podido encontrar mucha información de este grupo Italiano llamado GINKGO DAWN SHOCK, parece que provienen de Molfetta en la parte Sur Este de Italia, ciudad costera bañada por el mar Adriático. Una banda con un Line Up de quinteto que nos presenta este álbum de larga duración llamado “Inward Flare”, disco compuesto por diez temas, de gran riqueza instrumental, compositiva y lírica. Encontrarás muchos parecidos ya que hacen Un rock Progresivo con partes psicodelicas. Yo les encuentro una gran parecido a grandes bandas como KING CRIMSON y TOOL en algunas partes de sus temas.

Realmente este álbum “Inward Flare” está cargado de grandes Riffs, ritmos ricos, con detalles que cada escucha hacen destacar mas y mas matices.

El repertorio de canciones está dividido en dos grandes grupos, canciones agresivas con grandes gesto Metaleros que combinan a la perfección, con esa parte extraña de ritmos desacompasados y psicodélicos al más estilo TOOL, como son “Sadcasm” tema con el que abre el disco, “Klys” o “Mankerat” que son más animadas y rockera, con grandes breaks y forma de cantar más contundentes e incluso algo agresivas. Sin duda alguna los tres mejores temas de todo el álbum, que destacan muchísimo y que me han parecido de un gran nivel sobre todo “Mankerat”.

Hay Otra parte más melódica donde encontrarás más referencias a los mencionados KING CRIMSON o PORCUPINE TREE donde los registros bajan de velocidad y se dedican más al disfrute musical. Son canciones de gran perfección como “Yedinyy” ,“Glaciar” o “Allistee” donde el grupo reduce la intensidad y las rpm para sacar temas complejos de grandes armonías y variaciones.

Una banda que me ha sorprendido muchísimo sobre todo en los registros más agresivos dentro de su ROCK Progresivo, el trabajo en general está muy bien producido.

JESÚS SÁNCHEZ GARCÍA | 7.5

GOZERK (ESP) BIZARRE FLAVOURS

ritmos anteriores, aunque su parte central le da un toque melódico distinto a los demás, así como su estribillo.

GOZERK, vuelven tras seis años con un buen trabajo, aunque personalmente me guste más su disco anterior, mucho más directo y variado que este, donde destacan, “Keep On Hiding” y “Golden Touch”, dos temazos.

JUAN ANGEL MARTOS | 6.5

GRAVES (PRT)

LITURGIA DA BLASFEMIA IRON BONEHEAD PRODUCTIONS, 2019 Desde Portugal nos llega “Liturgia Da Blasfémia” primer larga duración de GRAVES. Después de su anterior demo del año pasado titulada “Unholy Desecration” que apareció en cassette por el sello Signal Rex en una limitada tirada a 100 copias. Le llega el turno a su debut con el sello Iron Bonehead Productions, quienes lo editaran tanto en cd como en vinilo, todo ello en ediciones limitadas y numeradas a 500 copias.

El trabajo esta formado por nueve temas y una duración de poco mas de la media hora.

Lo que vamos a encontrar es un primitivo y caótico Black Metal muy Old School. Producción sucia acorde al estilo, cargado de atmósferas opresoras. Veloces bases rítmicas y voces cavernosas, acompañadas de Riffs de guitarra sin muchas florituras y muy influenciados por los primeros trabajos de las bandas de las dos primeras oleadas Nordicas como DARKTHRONE o SATYRICON… Los temas mas destacables del redondo son, “Impregnado p´ la Foice”, en donde a pesar del caótico y primitivo sonido logran atmósferas realmente oscuras en donde me recuerdan a los Franceses MÜTIILATION. Partes a medio tiempo se mezclan con pasajes veloces, realmente desgarradores. Logrando transmitir una desesperación palpable. “Minha Alma Imoilei Em Golgota” comienza con los clásicos “clips” Lo-fi de las grabaciones de principios de los noventa. Excelente debut que calara bien entre los fanáticos de los sonidos primigenios del genero.

AUTOEDITADO, 2018 Desde Las Palmas de Gran Canaria vuelven a la palestra tras seis años sin editar álbum los grooveros GOZERK con su trabajo “Bizarre Flavours”, siendo autoeditado y creado en Goat Studios. Un trabajo donde se aprecia una pequeña evolución en su estilo que gira introduciendo elementos metaleros cercanos a grupos como KOMA, pero conservando su esencia aunque un poco menos directo que “Probably A Bad Idea” de 2012.

Su groove está hecho para el directo, con un sonido de guitarras grave y agresivo, que desde el inicio con “The Bright Side”, lo dejan muy claro, groove metal, pesado y contundente, donde las voces rasgadas y graves comandan la estructura, apreciando en temas como “Adrenaline” ese toque nacional que comentamos en la introducción es sus estrofas. “Keep On Hiding”, bebe del progresivo con una larga introducción instrumental muy GOJIRA, siendo uno de mis cortes preferidos del álbum, donde la percusión aplastará tus intenciones, con un poderoso golpeo de bajo y unas estrofas muy marcadas; un temazo.

“Don´t Pray For Me” es también un tema poderoso donde el groove y el progresivo se entremezclan en sus estrofas, con un acentuado estribillo, aunque la voz se hace a estas alturas un poco monótona, introduciendo variantes mas agudizadas en “Golden Touch”, un tema de corte más extremo y death metalero con screamings marcando los cambios de ritmo; un buen tema. “Idiocrazy”, pondrá el cierre a este trabajo, manteniendo las características mencionadas anteriormente y recordándote a

MARK BERSERK | 7

HELLLIGHT (BRA) AS WE SLOWLY FADE

SOLITUDE PRODUCTIONS, 2018 Directa mente desde Sao Paulo, nos llega “As We Slowly Fade” sexto disco de estudio de los Brasileños HELLLIGHT. Formado por siete temas nuevos y una duración de poco mas de los sesenta minutos para esta edición del sello Solitude Productions. La portada a sido obra del artista Rodrigo Bueno.

Lo que vamos a encontrar en esta obra, es un sonido Doom/ Death cuidadosamente combinado con el desarrollo de sus ideas sin caer en el auto plagio o típicos clichés del genero. la banda produjo un material brillante lleno de una atmósfera pesada, melodías y solos de guitarra memorables en esta fiesta melancólica que nos acompaña.

NUM. 62 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 41

Después de una depresiva intro, saltamos al tema que da titulo a esta obra. En donde encontramos una obertura de pianos clásicos que nos van introduciendo poco a poco al tema, con atmósferas depresivas y melancólicas en donde a pesar de su oscuridad es posible ver cierta luz. Su Funeral Doom combina partes de voces narradas, limpias y los guturales característicos del genero. A pesar de la similitud con muchas bandas como por ejemplo SATURNUS, EVOKEN, FUNERAL… se aprecia cierta personalidad en las composiciones. En “While The Moon Darkens”, repiten formula, comenzando con los teclados, para después seguirle ritmos ultra densos y pesados cargados de atmósferas funerarias. A pesar de los ritmos a medio tiempos la belleza de las melodías es casi mágica en muchos momentos. “The Ghost” tiene partes mucho mas enfocadas al Death y muchos mas cambios de velocidades, sin dejar de lado a las envolventes melodías llena de aflicción. “Bridge Between Life and Death” es un tema con Riffs muy opresivos y buenas combinaciones vocales, en donde fusionan a la perfección el Funeral Doom con partes mas “goticas”. “The Land of Broken Dreams”, es uno de mis temas preferidos del redondo, en donde a través de sus deprimentes atmósferas consiguen transmitir el decaimiento. Para cerrar tenemos “Ocean”, en donde los teclados recogen parte del protagonismo, junto a los cambios de voces femeninas . Una obra muy recomendada a los fanáticos de los sonidos densos y melancólicos.

MARK BERSERK | 7.5

HOMICIDE HAGRIDDEN (ITA) EFFECT LUCIFERO

THE GOATMANCER RECORDS, 2018 Desde Italia, más concretamente desde la capital de la región del Piamonte, Turín. esta banda llamada HOMICIDE HAGRIDDEN nos propone un trabajo compuesto por nueve temas llamado “Effect Lucifero”. Un Álbum completamente de Thrash Metal clásico de los 90.

Por comentar un poco sobre la banda, formada en 1994 como quinteto, line Up clásico de este tipo de bandas dos guitarras, bajo batería y voces, Destacar que de la formación original sólo quedan el guitarrista/Voces Massimo Moda y el batería Stefano Moda. Este álbum representa para la banda su tercer trabajo de larga duración.

Entrando un poco en materia, me gustaría empezar comentando el sonido. Un sonido espectacular, desmejorando en algunos puntos su calidad, ya que si escuchas el disco con Auriculares, que es mi caso en la mayoria de las veces puedes apreciar algunas imperfecciones.

Hablando un poco en general del estilo, como he comentado arriba son un estilo de Thrash Metal muy de los 90, grandes similitudes a SLAYER, incluso destacaría que la forma de cantar de Massimo se parece mucho a la de TOM ARAYA. Por destacar alguno de los temas me encanta la forma que entra el disco con “4 Letters” un tema con mucha pegada entrando al 100% con esas cabalgadas. Como tercer corte te encuentras con “Regimen” canción donde la base rítmica de la batería y bajo destaca mucho, hasta que las voces a doblete entran al más estilo “South Of Heaven”, incluso el punteo me recuerda mucho a los solo de Kerry King, rápidos y precisos. En “Raped” la banda ya te han ganado por completo y en este tema con cambios de ritmos se sale. En “Letthal Agreement” la banda se marca un tema rapidísimo pero que interrumpen con una parte sólida de acordes abiertos, acompañados de unos punteos limpios de guitarra española o clásica.

Un gran trabajo, a la altura de la escena actual.

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La Banda trabajan con unos buenos cimientos y lo saben aprovechar, haciendo un trabajo maravilloso.

JESÚS SÁNCHEZ | 8

pectacular cierre como la instrumental “Q & A”, once minutos donde INFINITA SYMPHONIA demuestran que no les hace falta apoyarse en los nombres de grandes vocalistas para demostrar su calidad y originalidad.

Sí, lo reconozco y lo vuelvo a decir, que no soy yo mucho de Prog o Sinfónico. Pero, cuando te encuentras con una banda como los italianos INFINITA SYMPHONIA y su “Liberation”, no te queda más remedio que admitirlo: así, sí.

CESAR LUIS MORALES | 9

IN THIS TEMPLE (SWI) ANIMA

AUTOEDITADO, 2018

INFINITA SYMPHONIA (ITA) LIBERATION

MY KINGDOM MUSIC, 2018 Vamos a decir las cosas bien claras desde el principio: nunca he sido un gran fan de los Prog o de lo Sinfónico. Me da por el orto esos largos desarrollos instrumentales en plan “Mira qué bien y qué rápido toco, y mira como evoluciono de las quintas mayores a las menores empleando escalas dóricas en un compás 5/8”. Pero también es cierto que uno sabe reconocer cuando se ha equivocado y sabe admitir las derrotas. Sobre todo cuando, como se hacía antiguamente, le dan a uno una bofetada con un guante de buen cuero, como han hecho INFINITA SYMPHONIA. En 2009, dos músicos, el vocalista Luca Micioni y el guitarrista Gianmarco Ricasoli aunaron esfuerzos y formaron este proyecto que, a lo largo de su corta vida, ya han contado con participaciones de otros vocalistas de renombre, como Michael Kiske o Tim “Ripper” Owens. Pero para este “Liberation” se han marcado un póquer de ases a nivel vocal: Ralf Scheepers (PRIMAL FEAR), Blaze Bayley (IRON MAIDEN, entre otros) y Alessandro Conti (TRICK OR TREAT). Y no sólo eso, porque en el tema “A New One” descubrimos dos vocalistas que son capaces de fundir los casquetes polares con la calidez de sus voces: Julia Elenoir (5RAND) y Daniela Gualano.

En muchos discos de Prog y de Sinfónico siempre me ha quedado la sensación de vacuidad. Los temas eran puestos al servicio de los músicos para que estos desarrollasen sus habilidades técnicas, el artificio frente a la emoción… Pero, con INFINITA SYMPHONIA, no ha sido esa la sensación, más bien el contrario. Ya sólo por la instrumental que abre el álbum, “Hope”, con sus sonidos pregrabados y esa maravilla de teclados, te das cuenta de que aquí hay algo más. Temas muy bien estructurados, con unos estribillos tan HardRock que es imposible que esas melodías no te enganchen.

Se nota la escuela de la que vienen estos músicos, pero hay algo más, siempre hay algo más. INFINITA SYMPHONIA son, como su propio nombre indica, una infinidad de sonidos y de influencias para ser desarrollados por una orquesta. De hecho hasta su logo refleja la personalidad de la banda, tan sencillo y que abarca tanto a la vez: el símbolo del infinito y la S de la sinfonía. Porque hablamos de ese póquer de ases a nivel vocal, pero a nivel instrumental, la banda trabaja a un nivel pasmosamente sencillo de complejidad: el Sinfónico o el Power cohabitan tan perfectamente ensamblados que tienes que hacer un ejercicio de abstracción emocional para alejarte de la música y percatarte de que lo que estás escuchando es, en efecto, Power/Progresivo/Sinfónico. Y estos italianos, INFINITA SYMPHONIA, te la han colado antes de que puedas decir “tifosi”. A mí, por lo menos.

Y si queréis hablamos de la maravillosa intervención del barítono Blaze Bayley en el medio tiempo “A silent hero”, o de las altas notas de Ralf Scheepers en “Never Forget”, de la potente “Coma”, de lo infeccioso de la introducción de “Don’t fall asleep again”. Pero “Liberation”, tanto el álbum como el tema, son mucho más que eso: son una sinfonía sin límites, son música que va más allá del mero artificio y de la demostración técnica, son la prueba empírica de que se puede hacer buena música más allá de una etiqueta. Y si queréis, después de todo el maravilloso desarrollo que son todas las canciones del disco, hablamos de un es-

INNER DECAY (USA) SOULS OF WAR

AUTOEDITADO, 2018 Una orquestal, misteriosa y corta introducción nos prepara para el ataque de Old School Death Metal de los americanos INNER DECAY, quinteto de Chicago el cual con “Souls of War” nos presentan nueve canciones repletas de cambios de ritmo y con temas pegadizos que hacen que la grabación sea fácilmente audible y se aleje del moderno y ultra producido Death Metal que muchas bandas nos ofrecen hoy en día.

Lo primero que nos llama la atención es que la banda opta por un estilo muy clásico en su propuesta musical, con muchas referencias a bandas distintas, pero sin centrarse en copiar o fusilar el estilo de una en particular, así la voz puede recordarnos a la potente y gutural voz de bandas como los suecos VOMITORY, pero musicalmente hay momentos densos y pesados a lo BOLT THROWER, como otros más técnicos y que pueden traernos a la mente a unos DEATH, PESTILENCE en su etapa más mórbida y esencialmente Death Metal. Temas sencillos de escuchar, que no quiere significar repetitivos o simples, sino que los riffs son pegadizos y bien ejecutados, con lo que pese a sus cambios de ritmo o de sonoridad, en pocas escuchas se quedan en nuestra mente, esto es algo positivo para poder disfrutar de la grabación en pocas escuchas, pero quizás también nos reste algo de mayor exploración porque realmente no la hay, ya que los temas son como son, directos y ofreciendo un sonido clásico, sin mayor profundidad. Eso no quiere decir que sea malo, pero sí que en la actualidad muchos degustadores del género demanden mayor profundidad músical o de ejecución técnica, pero INNER DECAY no se basan en eso, pero ofrecen un buen puñado de temas que los fanáticos del género sin mayores demandas que disfrutar de un buen álbum de Death Metal. En ese caso, temas como “Souls of War”, “Ocean Away” (con una interesante sección épica en su mitad de tema) o el veloz “There is no Law at Times of War” (con una referencia en su título, a los maestros ingleses anteriormente citados) son verdaderos cañones en plena ebullición de arsenal tremendamente devastador.

Buen álbum debut de este quinteto de Chicago, donde nos dejan claro su visión musical, pero del que espero aun una mayor exploración y mejora en siguientes grabaciones, esta suena muy potente y nítida, ofreciendo ocho interesantes y pegadizos temas, pero que todavía se puede lograr algo mejor, aunque esta grabación como primera piedra de toque es muy entretenida para cualquier seguidor del Death Metal de la vieja escuela.

El grupo Austriaco IN THIS TEMPLE lanzan al mercado su último trabajo, está vez en forma de EP. El álbum lleva como título “Anima” y sale de manera autoeditada por el grupo.

La banda, en forma de trío, fue formada en 2013 entre Graz y Viena, y está compuesto por Jan en las voces y Juergen y Paul en las guitarras.

El primero de los cinco temas que escuchamos es “Damned and Cursed” que nos abre con unos extraños sonidos electrónicos, para al momento introducir una instrumentación cruda, que encabeza la voz, con una línea vocal cargada de agresividad. Componen con multitud de cortes, dejando al descubierto la electrónica de fondo, y entremezclando, en la línea vocal, partes más agresivas con pequeños toques melódicos.

“Stories Repeat” suena justo en mitad, el tercer tema del trabajo, donde lo primero que escuchamos es la voz, muy agresiva desde un principio, para momentos después, mezclarse con una melodía cargada de sonidos graves. Poco después, nos deleitan con unos ritmos más melódicos, donde la línea de bajo y batería, toma más importancia, quedando al descubierto quedándose a solas con la voz.

Sin duda un punto interesante, que genera un tema bastante variado.

El tema que se encarga de cerrar este EP de cinco temas es “Flying Colours”, donde la calma es la compañera de los primeros segundo del tema, que se va rompiendo poco a poco, con pequeños riffs de guitarra, pero que siguen manteniendo esa esencia tranquila y oscura que nos acompaña desde el principio.

De golpe, introducen ritmos mucho más agresivos, donde los riffs de las guitarras, mezcladas con la voz agresiva, crean una atmósfera furiosa que se entremezcla de vez en cuando con las composiciones lentas, que son las últimas que escuchamos en el tema.

En este nuevo trabajo de IN THIS TEMPLE, a pesar de ser un trabajo corto, se nota un trabajo más madurado, con un sonido mucho más trabajado y que poco a poco les va dando un toque diferencial al grupo. Nos deleitan con unas composiciones agresivas, con riffs rápidos y voces guturales muy agresivas; que crean un conjunto cargado de fuerza.

Esa fuerza se nota en cada uno de los cinco temas, incluso en las partes más melódicas, que consiguen dar muy buen contraste a los temas. Sin duda un buen grupo de metalcore, a los que no hay que perder la pista, ya que sorprenderán a más de uno.

JORGE DE LA CRUZ | 7

LUIS MARTÍNEZ | 7

INVERSUS (ESP) REQUIEM PANDEMIA AUTOEDITADO, 2018 Este cuarteto llamado INVERSUS, compuesto por dos guitarras, bajo y batería. Proceden desde Lleida, Cataluña y el pasado 2018 han

editado lo que significa su segundo trabajo de larga duración llamado “Requiem Pandemia”, compuesto por ocho canciones cargadas de Heavy / Thrash Metal clásico, pero con grandes detalles instrumentales y de ejecución.

Antes de comentar el álbum, me gustaría destacar varias cosas. La primera parece que hay una versión digipack que contiene un ep llamado “Réplica 6” con cinco temas cantados en inglés, algo que puede ser curioso de escuchar, pero que no he tenido esa oportunidad. La segunda cosa, las voces de Hastur con una forma de cantar e interpretar con mucho carácter, eso sin duda, pero que me ha resultado muy plana y algo monótona, ya que es una voz monotónica, con muy poca variación de notas altas o bajas, siempre en la misma escala.

Entrando en materia, el disco abre con “Éxodo de Luz” tema con riffs de guitarras repetitivos y de grandes características de Heavy metal de sonido característico. Los temas “Requiem Pandemia” y “Codigo Eterno” son canciones con una gran fuerza en los estribillos y coros, que hacen su fácil memorización ya que son repetitivos, grandes cabalgadas de Heavy clásicos, creo que les puede funcionar muy bien en los directos.

Mi canción favorita del disco en “Réplica 6” cargadas de esas cabalgadas míticas y un sonido algo más pesado y oscuro en las entradas y salidas de los estribillos. El disco termina con “La Tierra del Chacal” tema con riffs rápidos y contundentes acompañados de baterías rítmicas alternadas con algo de blast beat.

Puntuar este álbum puede ser algo complicado y dispar dependiendo mucho del oyente.

En mi caso, la banda me era completamente desconocida y musicalmente me ha parecido de 7,5 pero las voces no han me han ayudado mucho, resultándome un trabajo difícil de escuchar.

JESÚS SÁNCHEZ | 5.5

KOMODOR (FRA) KOMODOR

SOULSELLER RECORDS, 2019 Desde Soulseller Records, nos llega el debut de los franceses KOMODOR, bajo titulo homónimo, “Komodor”, desplegando su rock psicodélico con elegancia y toques setenteros, en el que aparece la banda BLUE PILLS, abanderada del sonido y de la que su bajista Zack Anderson grabó los cuatro temas.

Y es que ese toque BLUE PILLS, con su carismática frontman Elin Larsson se nota en este Ep debut, con unas voces en segundo plano y coros que refuerzan las de Slyde Barnett otorgándole más cuerpo en los estribillos, como en “Still The Same” o “Join The Band”. El primer corte es 100% rock and roll setentero con un acento a lo THE VINTAGE CARAVAN o los mismos BLUE PILLS, con unas estrofas y puentes enérgicos marcados por la percusión de Elrik Monroe y las gutarras de Ronnie Calva y Slyde Barnett, donde queda muy presente el trabajo del bajo en cada uno de los cortes. El segundo corte, continua con la misma fuerza y positividad setentera donde los efectos en las guitarras dobladas le dan esa psicodelia que también consiguen con su parte central elegante e hipnótica; un temazo.

En “Nasty Habits” introducen un piano a cargo de André Kvarnström y Rickard Nygren, dándole otro toque más americano, en un tema con un estribillo doblado en voces y con la pandereta clásica como referencia, para desarrollar un tema con aires western muy curioso y adictivo que nos llevará hacia “1984”, tema que cierra el álbum, de una forma mágica; personalmente es uno de los que más me gustan, donde apreciar las intenciones de KOMODOR así como su calidad de una forma sencilla y vitalista.

JUAN ANGEL MARTOS | 7.5

LASCAR (CHL) WILDLIFE

A SAD SADNESS SONG, 2018 El primer album de THE CRANBERRIES se llamaba “Everyboy Else is doing it, so Why Can’t We?”, publicado en 1993. El título, traducido, podría ser algo así como: “Todos los demás lo están haciendo, ¿por qué no nosotros?”. En aquel mismo año, un joven nórdico apellidado Vikernes, cambiaba legalmente su nombre cristiano al de Varg (lobo en noruego).

Varg Vikernes, Count Grishnackh o, como actualmente se hace llamar, Louis Cachet es de sobra conocido en el mundo del Metal en general y en el del Black Metal, en particular.

De hecho, es el único miembro de BURZUM, una de las bandas más quintaesenciales del Black Metal. En ese mismo año 1993 al que hacíamos referencia antes, BURZUM publica su EP “Aske” (en español, cenizas) con la archiconocida portada de la Iglesia de Fantoft después del incendio que el bueno de Varg había provocado. En ese mismo año, Varg asesina a su mentor Euronymous a la par que se publica su segundo trabajo de BURZUM, “Det Som Engang Var”. Todo un fenómeno el Vikernes: lo mismo te apuñala, que te graba un álbum, que te quema una iglesia.

Bromas y sensacionalismos aparte, y parafraseando el álbum de THE CRAMBERRIES: Si Varg Vikernes lo está haciendo, ¿por qué no yo? Es lo que se debió preguntar Gabriel Hugo a la hora de parir a LASCAR. Él solo, emulando al Vikernes de aquellos días, se ha cascado ya tres álbumes: “Absence” (2016), “Saudade” (2018) y este último, “Wildlife” (2018).

Da gusto reencontrarte con aquel estilo tan característico de BURZUM, pero remozado a los tiempos que corren. Aquí no encontramos los devaneos Dark Ambient a los que últimamente nos tiene acostumbrados Vikernes. No, LASCAR bebe directamente de aquellos álbumes de los noventa, los reformula y presenta su versión. Y lo hace muy, muy bien. Si Varg Vikernes lo está haciendo, ¿por qué no yo?

“The Disdain” abre como tiene que abrir una grabación de estas características: es agresiva, es melodiosa, es saturada, se te graba a fuego en las orejas. Del mismo modo que el mágico y acústico comienzo de “Petals” te seduce para que te quedes a escuchar la avalancha que va del Black al Post, y de vuelta. La voz, y esto es una constante a lo largo de toda la grabación, es metida como un instrumento más, como una guitarra más, o como un bajo, es un grito constante, es una vocalización extrema, pero está perfectamente integrada en la dinámica de la música. ¿Y qué decir “The Zenith”? Otro tema que no te vas a encontrar en un disco de BURZUM, pero que en un disco de LASCAR encaja a la perfección con su etérea introducción, con sus guitarrazos más Post, pasando del frenetismo Black a interludios más melancólicos en unos siete minutos de auténtico deleite musical. “Fatigue” tiene otros fragmentos realmente interesantes, con un toque Groove que también tiene cabida en el Universo LASCAR. Cierra el disco con un “The Majesty Decay”, que es otro monstruo, una sinfonía ensamblada con guitarras acústicas, trallazos Black y Post, la voz que todo lo rompe y un último minuto que es el perfecto ocaso después de la tormenta.

Poco más que añadir a un álbum redondo, a un proyecto que, por lo que se ve, ya está consolidado y promete dar muchas alegrías si sigue por estas líneas maestras que está dibujando. BURZUM, en la lengua negra de Mordor significa oscuridad (¿creíais que hoy no aprenderíais nada con Teo?) pero LASCAR es aún mejor, porque es la luz que, de un modo paradójico, se puede dar en el Black Metal. Y

todo esto es el resultado de que una buena mañana, Gabriel Hugo se preguntase parafraseando al disco de THE CRAMBERRIES: Si Varg Vikernes lo está haciendo, ¿por qué no yo?

CESAR LUIS MORALES | 10

LIGHT YEARS (USA) AFTERLIFE

RUDE RECORDS, 2018

LIFELOST (ESP)

DIALOGUES FROM BEYOND TRANSCENDING OBSCURITY RECORDS, 2018 En la antigua mitología griega, el Tártaro era un lugar de su Inframundo, dónde estaban aprisionados los antiguos titanes. Luego, acabaría siendo un lugar de castigo dónde estaban las almas de condenados como Sísifo.

Era una fortaleza rodeada de un río de fuego llamado el Flegetonte (Phlegéthôn, flamígero). ¡Colorea y aprende con Teo! Virgilio en su Eneida lo menciona, Dante en su Divina Comedia. Vamos, que buen rollo, lo que se dice buen rollo, tanto el Tártaro como el río en cuestión, no dan.

Pero… hace unos cuantos años, un músico decidió ponerse como sobrenombre el de dicho río. Phlegeton (J.L. Rey, 1979) es un músico inquieto cuyo currículo es un fiel reflejo de su mente bulliciosa y creativa. Da gusto ver como a lo largo de los últimos veinte años ha estado ahí, ora en una banda como THE YTRIPLE CORPORATION, ora en bandas como HUMAN MINCER o (su trabajo más conocido) WORMED. Y es que aquí el amigo Phlegeton es como Pinhead de “Hellraiser” (Clive Barker, 1986): “Tenemos tantas cosas para mostrarte”. Y lo hace, lo ha hecho, lo sigue haciendo y ahora, ha dado un nuevo giro a su particular Caja de Lemarchand y nos trae un nuevo mapa de los infiernos: LIFELOST. Nuestro inquieto músico se ha puesto esta vez al mando de un proyecto en solitario y se ha grabado él solo este “Dialogues from Beyond”: Black Metal del que nos gusta, potente, furioso, crepitante, con esas guitarras de musicalidad enfermiza y riffs saturados, demenciales y retorcidos.

Abre con “Malign Emanatio” con una declaración de intenciones que no deja lugar a dudas de lo que nos vamos a encontrar; ni dudas ni respiro: a degüello y a por la carótida. Y por cierto, fijaos en el extraño efecto del último par de segundos, esa especie de subida de tono y el corte súbito. Seguimos antes de que nuestro particular Pinhead nos haya dejado tiempo para reponernos con “Sepulchral Vault” y damos otro giro a la Caja de Lemarchand, nuevos placeres se abren ante nosotros, insidiosas melodías de guitarra, batería machacona. Y es que este “Dialogues from Beyond” tiene tantas cosas para mostrarte. Sobre todo a partir de “Released from Life”, uno de los mejores trallazos del álbum, y la cosa no hace sino mejorar a partir de este corte, junto con la maléfica trinidad que se conjuga junto con las finales “Metanoia” e “Incorporeal Gate”.

La Configuración del Lamento, la Caja de Lemarchand cristalizada en música: veintitrés minutos escasos, que te dejan el cuerpo trémulo, atravesado por miles de ganchos como en “Hellraiser”.

Algo tiene el Black Metal que atrae como la llama de una vela a una polilla. Quizá sean las instrumentalizaciones extremas, el ver como los músicos pueden dibujar en su mente un nuevo mapa de los infiernos y darles una forma que podamos percibir. Phlegeton es, como ya he dicho, uno de esos cenobitas, y con LIFELOST y su “Dialogues from Beyond” una nueva vuelta a la Caja Lemarchand. Recordad: “Tenemos tantas cosas para mostrarte”.

CESAR LUIS MORALES | 9.5

Oriundos de Cleveland, LIGHT YEARS, nos traen bajo el brazo su tercer álbum de estudio titulado; “Afterlife”; a través de Rude Records .

La banda, formada hace unos diez años, vuelven con su pop- punk super melódico. Ellos mismos se auto denominan como “Smashing American pop punk” y ofrecen un sonido fresco con composiciones en la onda de los desaparecidos MIXTAPES o de STATE CHAMPS. El combo de Ohio, lo forman Tommy Englert al bajo, Kent Sliney a la batería, Andrew Foerst a la guitarra y Pat Kennedy a la voz y a las seis cuerdas. Nos encontramos con un trabajo bien producido, y muy arreglado. Sin duda gustará a los seguidores de este género punk; edulcorado y bajo de revoluciones, donde priman las melodías vocales, y las guitarras distorsionadas, eminentemente rockeras.

“Afterlife “ comienza con “Back then” y sus guitarras típicas del punk americano, la voz con la melodía justa, en un corte digno para comenzar.

Le sigue “ Bottom of the ocean”, más lenta y pesada, aunque Pat sigue en su línea melosa.

“Lost on the way home” suena más clasicota, con la batería cien por cien punkarra, y las guitarras bailando con pequeños solos.

Continúan con temas como “ It doesn’t matter”, “Graveyard “ y “How are you”, donde alternan velocidad, guitarras melódicas de gran nivel y ritmos clásicos del pop punk de principios de los 2000.

“Should have been” Es hiper rápida, en apenas dos minutos le cambia la cara al álbum. Muy buen tema.

Con “ Bottle rocket” parece que la melancolía llega a este “Afterlife”, con un estribillo pegadizo, pero las seis cuerdas te mecen con partes más sensibles.

LIGHT YEARS, saben mezclar aroma juvenil, partes más tristes y pop, de una forma admirable. Los temas se van alternando hasta componer este trabajo, donde el punk pone la guinda.

Con “Burning in my blood” sucede todo eso.

En uno de los mejores cortes del disco.

Para acabar; “Paradise” y “If I knew Then”, dos canciones en la tónica general de todo el álbum; voces cargadas de melodía, estribillos pegadizos, una buena base rítmica y las guitarras desgranando los temas de forma magnífica.

LIGHT YEARS, no son muy conocidos, pero han sabido dar con la tecla en su estilo. Todo muy trabajado, y con vistas a seguir evolucionando para bien. Un disco fresco que se escucha del tirón, sin más pretensión que disfrutar de la música.

JOSE ANTONIO GALLEGO | 7

MASTER’S CALL (GBR) MORBID BLACK TRINITY AUTOEDITADO, 2019 Desde Reino Unido nos llega “Morbid Black

Trinity”, primera presentación en formato de EP de la banda MASTER´S CALL. Este nuevo proyecto ofrece miembros de NECROTIZE, TRIVAX y FUNERAL THRONE. Grabado y mezclado por Neil Haynes en The Parlour Studios de Reino Unido y masterizado por Peter In De Betou en los Tailor Maid Productions de Suecia( AMON AMARTH, DARK FUNERAL, ARCH ENEMY, DIMMU BORGIR, WATAIN…) La edición es totalmente autoproducida y de forma independiente y consta de tres cortes y un metraje de diecisiete mentimos de duración. El arte de portada y libreto a corrido a cargo de John Wilcox y Adam Tricklebank.

Musicalmente lo que vamos a encontrar es una combinación de Death / Black Metal muy al estilo Nórdico. Una impecable producción cargada de melodías y atmósferas realmente oscuras y una excelente composición y ejecución. La única pega a este trabajo es su escasa duración. Sin duda tendremos que estar atentos a su debut en formato LP. Abrimos con “ From Once Beneath The Cursed”, en donde desde el primer minuto ya te das cuenta del potencial y la calidad que le va a preceder. Potentes bases rítmicas se juntan con los melodiosos riffs de guitarra y la agresividad de las voces para crear atmósferas realmente oscuras de autentico Blackened Death Metal. Le sigue el turno a “The Spire Cranes” que después de una inquietante introducción regresan a la carga con un tema que en muchas ocasiones me trae a la cabeza a los DIMMU BORGIR de la época del Puritanical.

Para cerrar este EP tenemos “My Eyes Are The Night” en donde nos muestran una faceta mas a medio tiempo, sin dejar de lado su agresividad y melodías. Un excelente trabajo que sin inventar nada nuevo llega a sorprender gratamente. Esperemos que con mas duración de por medio no pierdan el rumbo.

MARK BERSERK | 8

MEATHOOK (USA)

CRYPTS, COFFINS, CORPSES UNMATCHED BRUTALITY RECORDS, 2019 Tercer trabajo de estos death metaleros de Arizona, nada más y nada menos que 6 años después de la edición de su anterior CD. Tres en total, si no contamos con la demo de 2017, demo además de la cual utilizan sus tres temas para este nuevo trabajo, así que, nuevo nuevo, aquí tenemos poco. Y además en todos los sentidos, porque lo que encontramos aquí es todo más que viejo, old school.

Desde el propio sonido, que es añojo, escuro, sucio, borroso y viscoso, vamos, que nadie diría que está grabado en el siglo XXI, y tengo más que claro que es algo intencionado, porque este sonido vienen al pelo a lo que estamos escudando. Riffs densos, rápidos pero sin pasarse y con una distrosion tremendamente densa que no deja hueco ni para respirar. Por no hablar de la tremenda voz de Marcelino Gonzales, impresionantemente growl. Esta es la intención, así que cojonudo., de aquí no esperes nada que no sea muerte, destrucción, putrefacción y mucha mucha oscuridad. Todo ello con elementos muy de los noventa, más que resabidos y en ocasiones demasiado simples, pero no por ello mal ejecutados, sino más bien todo lo contrario, pues se nota a la legua la calidad cuando, una siendo algo muy de la vieja escuela, todo está perfectamente encajado en tempos y ritmos, altgo que no siempre pasaba al principio de esta historia del Death metal.

Estoy seguro que los buscadores de grandes bandas que en la actualidad suenan como en los principios tendrán este disco entre lo más de lo más, o por lo menos de lo más en lo editado este año, pero a decir verdad, si llevas en esto unas cuantas décadas y buscas algo más en la música, puede que este trabajo sea otro

de los que pasará sin pena ni gloria.

SANTI GZLEZ | 6

grando desde que en 2009 sacaran su álbum debut “Seleepwalking”, y a pesar de que su anterior álbum alcanzara el puesto 42 en dicha lista de éxitos musicales estadounidense de la revista homónima. Aunque a al igual que a dicha revista, a mi tampoco me ha resultado trabajo extraordinario o sorprendente, he de reconocer que no me parece que sea algo a tener en cuenta para tú decidas darle una escucha al disco. Pues para gustos colores, o en éste caso, discos y bandas musicales. Puede no haberse posicionado en el top de Billboard, pero perfectamente si entre los tuyos si eres amante del metalcore más yanki y melódico y por ello decidas darle una oportunidad al nuevo trabajo de MMF. MARA MARTÍNEZ VARGAS | 7

MEMPHIS MAY FIRE (USA) BROKEN

RISE RECORDS, 2018 Tras una década de carrera de este combo estadounidense de metalcore al que conocemos como MEMPHIS MAY FIRE (o bien por sus siglas MMF) el pasado 16 de Noviembre vio la luz “Broken”, el último y sexto larga duración.

Bajo una oscura portada que muestra una calavera quebrada que deja entrever una rosa roja en su interior se encuentran las letras compuestas por Matty Mullins, algo que toma bastante peso en este trabajo de la banda de Texas, ya que muestran y se centran en una parte turbulenta y muy personal de la vida del cantante al tratar sobre su propia experiencia y lucha contra la depresión y sus síntomas. De hecho, con el single “The Old Me”, publicado como avance de “Broken” meses antes ver la luz este trabajo, trata sobre la ansiedad y su forma de plantarle cara. Incluso en temas como “Live Another Day” habla de como mandar a tomar viento posibles pensamientos de auto-lesión. Muy valiente por su parte reflejar esto en sus letras al ser aún hoy en día, aunque parezca mentira, un tema bastante tabú como es el de la gestión de emociones durante estas enfermedades que suponen claramente una guerra interna en la personas que las sufren. No obstante, pese a la crudeza del tema, ha sido enfocado de forma positiva, como podemos ver por ejemplo en el tema “Watch Out” dónde se promete que existe una solución para todo.

Pero no sólo de letras se compone la música.

En sus diez nuevas canciones, la banda MMF muestra un metalcore melódico bastante “made in USA”, con una producción cuidada y realizada por Kane Churko, que ha trabajado anteriormente con bandas como FIVE FINGER DEATH PUNCH o PAPA ROACH, y mezclado por Drew Fulk. Por otro lado, se trata del primer álbum desde 2011 en el que no se cuenta con la presencia del guitarrista Anthony Sepe, ya que en 2017 abandonó la formación.

Este trabajo, repleto de baterías con tintes numetal más que metalcore y sonidos electrónicos que apoyan los riffs de guitarra marca de la casa, son envueltos por una voz limpia, aguda y melódica que devuelve el sonido global de las composiciones al estilo predominante de la banda; el metalcore americano. Aunque se hecha bastante en falta más screams potentes durante todo el trabajo a excepción de temas como “Mark My Words” dónde están algo más presentes. Eso sí, la intensidad y velocidad de los ritmos son cambiantes durante todo el repertorio, encontrando tracks más veloces como puede ser “Watch Out”, más lentos pero no menos pesados como “Sell My Soul”, más rudos como “Fool” o que alternan todo lo anterior como “Live Another Day”.

Entre las lineas vocales de Matty Mullins, la voz del rapero Andy Mineo nos sorprende en el comienzo del tema “Heavy is the weight”.

También encontramos una balada titulada “You and me”, que va introducida por unas notas de piano algo melancólicas pero simples.

Por otro lado, el tema “Live Another Day” que mencionábamos antes, sirve de cierre para el trabajo de los americanos, y nos trae de vuelta tras la balada a un sonido más nu metal e impregnado de fuerza la cual prevalece principalmente en su estribillo y estrofas finales, para darle, junto a la letra, una conclusión alegre e intensidad instrumental a todo lo que se incluye en esta obra.

“Broken” es el primer álbum de la MEMPHIS MAY FIRE que no aparece en el top “Billboard 200”, algo que todos sus trabajos venían lo-

MIND DRILLER (ESP) INVOLUCION

ART GATES RECORDS, 2019 El metal industrial, por desgracia en España no cuenta con muchas bandas en activo, como en Alemania u otros países europeos, pudiendo mencionar a KILLUS, HASSWUT, KTULU y por supuesto MIND DRILLER; banda de Alicante que ha sabido forjarse su camino a base de trabajo, cuidar mucho sus directos y fe en su música, desde que comenzaran allá por el 2011, editando un año después su primer trabajo “Red Industrial” (2012), el cual ya les puso en boca de muchos, para con “Zirkus” (2015), consolidarse y apostando por su sonido propio aunque las referencias a grupos como RAMMSTEIN, LACUNA COIL, AVATAR… son indiscutibles. Cuatro años después y tras aparcar su circo de los horrores particular, vuelven a la carga con su tercer trabajo “Involution” que será editado por Art Gates Records, en el que supone una vuelta de tuerca a su música, con una nueva estética post apocalíptica que me recuerda a Mad Max o Rescate en Nueva York 1984.

Mezclado en The Mixtery por Raúl Abellán y masterizado por Marco D’Agostino quien ha trabajado con grupos como LACUNA COIL o MORPHIUM, haciéndose el trabajo previo de grabación con Javix, miembro de la banda en sus JX Estudio, como han hecho anteriormente. A todo esto le pones un artwork realizado por el vocalista de la banda V, en el que refleja el avance tecnológico de la sociedad junto a la deshumanización que padece a través de paisajes sonoros muy contundentes de los que hablaremos a continuación.

Los dos primeros temas que hemos podido escuchar en forma de adelanto han sido “Ritual” y “Ein Ende”, como curiosidad son los que abren y cierran el trabajo, a través de los cuales vemos lo que nos espera, un metal industrial con unas guitarras muy poderosas, donde la electrónica y programaciones tienen una gran presencia a cargo de Javix, una percusión aplastante a manos de Jordi y un bajo que le aporta mucha base al conjunto a cargo de Pharaoh. Pero la verdadera arma de MIND DRILLER es, su trío vocal, donde Daniel le pone ese toque grave a lo RAMMSTEIN con su poderoso timbre, complementado a la perfección por V y su toque medio, donde las melodías y los screamings aportan otra dimensión, complementada por Estefanía Aledo, la nota de distinción dentro de los grupos de metal industrial a nivel europeo, donde su calidez y melodía les otorga su propio sonido pudiéndose apreciar en estos dos singles perfectamente.

Continuamos con “The Game”, un corte más atmosférico que despliega su maquinaria como un medio tiempo, en el que la tecnología imprime una gran presencia junto al bajo y la percusión, explotando en un estribillo muy AVATAR, que nos lleva a “Rotten”, donde toman el sonido por excelencia alemán en

uno de mis temas preferidos, con dos partes diferenciadas, agresivo y melódico a la vez como un percutor infinito, un temazo que será una bestialidad en directo. Tras este vendaval, “Kianda” pone su magia en una especie de balada donde la voz de Estefanía nos eleva a otra dimensión, en una cósmica sonata que crece y crece con la presencia de Daniel en las estrofas y con V en la parte final otorgándole ese toque alternativo y metalero; MIND DRILLER darán que hablar este 2019.

A medida que vas escuchando el álbum, aprecias que también han arriesgado a nivel compositivo y letrístico, sobre todo este último, intercalando el inglés, el alemán y en “M4N1k1”, el castellano, siendo de las pocas canciones de metal industrial que recuerdo en castellano (obviando “Te Quiero Puta” de RAMMSTEIN, y la verdad es que no queda para nada mal, aunque personalmente es el tema más flojo del disco, con una ambientación electrónica muy KILLUS, como en “Zero”, aunque en esta ultima la melodía creada por la voz femenina te atrapa, haciéndose muy corta ¿habrán probado a doblar esa melodía V y Estefanía a la vez?. El tema homónimo al álbum, “Involution”, continua con una poderosa y fantasmal presencia en las estrofas dada por la electrónica para comandar un estribillo alemán 100% y llevarnos a “Calling At The Stars”, otro corte donde el trío vocal triunfa y despliega su potencial, en uno de los cortes más comerciales del álbum; estos chicos se nota que han currado muchísimo en este trabajo, en sus arreglos, matices, melodías, ambientaciones…

Ya en la parte final, encontramos “The Glass House”, con una gran introducción instrumental, donde el avance, refleja el alma del ser humano, para desquiciarse con multitud de reflejos, en un giro contundente, solo apaciguado por la voz que calma a las bestias.

Aunque con “The Last Drop” después es difícil de calmar, porque tiene ese toque especial, con unos ritmos vertiginosos que acentúan los cambios, siendo otro de mis cortes preferidos del trabajo. Mi final lo pone “Wo Ist Dein Gott?”, donde la línea de bajo lleva el peso melódico y es imposible no acordarse de RAMMSTEIN durante su transcurso, en un tema muy en la línea de los primeros álbumes de los alemanes, con un matiz en el estribillo que le otorga ese grado de distinción.

MIND DRILLER, con este “Involution” se ponen a la cabeza del metal industrial nacional y se convierte en otro álbum para mi top anual asegurado. Si lo tuyo es el metal industrial, no busques fuera de España, porque MIND DRILLER con este tercer trabajo se consolidan a lo grande, con un trabajazo de 10.

JUAN ANGEL MARTOS | 9

MORKNATT (ESP) VICTORIOUS SATAN

NEGRA NIT DISTRO | ABYSSAL SOUNDS RECORDS, 2018 Satán ha sido el mejor amigo que la iglesia ha tenido jamás, ¡pues él la ha guardado en el negocio todos estos años! Tal es la novena de las nueve declaraciones satánicas con la que abre “La Biblia Satánica” escrita por Anton Szandor LaVey y publicada en 1969. ¡Colorea y aprende con Satán, digo, con Teo! Y aparte de mejor amigo de la Iglesia, siempre ha sido un buen aliado del Rock para escandalizar y dar por culo a las mentes puretas.

TOMMY JOHNSON, el rey del Delta Blues, vendió su alma al Diablo en un cruce de caminos para ser el mejor bluesman del mundo; los ROLLING STONES fueron “Sus Satánicas Majestades”; VENOM, MARILYN MANSON… el listado de amigos, conocidos, relacionados, etc, con el Maligno es infinita.

Pero que los grupos de Black metal presenten esa tendencia natural al satanismo, es algo natural, pues representa el rechazo hacia las NUM. 62 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 45

religiones organizadas en general, y hacia el Cristianismo en particular. Por eso es normal que en esta desoladora época en la que vivimos se pueda publicar un trabajo como “Victorious Satan” MØRKNATT, sus creadores, lo tienen claro: Satán Victorioso está aquí y su reinado ya ha comenzado en la tierra, así que cantemos un negro aleluya. Que no os engañe el nombre (MØRKNATT en noruego es “negra noche”) ni la oscura liturgia que es el “Victorious Satan”.

45 minutos de Black Metal de la vieja escuela, nueve temas, como nueve son las declaraciones satánicas de LaVey. Y es que todo el álbum rezuma ese tufillo a “Black Metal Old School”; ese miasma que te pica en las fosas nasales y te escuece en los ojos. Como os he dicho, que no os engañe el nombre ni la declaración de principios del álbum. No, MØRKNATT no son noruegos, ni han publicado por Season of Mist o Deathlike Silence; no, son de Tarragona y se han cascado un álbum vicioso, oscuro, retorcido, como no te esperas encontrar por estas latitudes.

Abrir un álbum con un tema que se llama “Jesus Funeral” ya es toda una declaración de intenciones y si te encuentras con una guitarra que despacha riffs en modo motosierra, una batería que dispara blast-beats con una precisión y una rapidez demoníaca; si por encima de todo ello, tenemos a un Fenrir que escupe odio hecho letras como un poseso. Si todo lo que te encuentras en un primer tema te retrotrae a los grandes del género, ¿qué queda para después? Pues “Diabolus Frequences” o “Calanda of Antichrist”, un decálogo de riffs retorcidos y malsanos. Pero siguen en la misma dinámica con intervenciones como “Void”.

Siguen con lo que fue el adelanto para este nuevo álbum “I have sinned” y te siguen apabullando con su Black Metal, sin concesiones y sin prisioneros. Pero, como he dicho al principio del párrafo, si abren con “Jesus Funeral”, ¿con que van a cerrar? Pues con “Victorious Satan”, ocho minutos de exquisita tortura para el neófito y para el avezado blackmetalero.

Añadir también que para este álbum han recuperado temas de su anterior trabajo “Witchcraft of Domination” (2014) aquí incluidos como extras: “Satanic Sex”, “Serpents” y “Ave Leviathan”. La última pieza es otra gloriosa demostración del buen hacer de MØRKNATT en uno de esos medios tiempos tan crepitantes que te hacen rechinar los dientes.

Interesante hallazgo el de esta banda; completamente comprometidos con su estilo, una propuesta nada fácil de escuchar, pues puede ser tedioso y plomizo. Salvo que te encuentres con MØRKNATT, en cuyo caso, estamos de suerte, pues revitalizan en Black Metal sin necesidad de irnos a las inhóspitas tierras noruegas.

CESAR LUIS MORALES | 9

que tan bien nos hemos acostumbrado por el trabajo de bandas como ARCH ENEMY, AT THE GATES y demás gentes del Sonido Gotemburgo. Sigue habiendo toques de progresivo que aparecen a lo largo de todo el álbum, pero se han venido hacia la rama del Death Metal menos Prog y más melódico. Eso sí, el trabajo es sólido como una pared de ladrillo y tenemos lo que hemos venido a buscar, pero… Que veinte años no es nada, es una manera de hablar y si no, a ver quién es el majo que aguanta la comparativa – ahora tan de moda- del #tenyearchallenge. Pues si con diez años, uno cambia; con veinte años, imaginaos. Lo digo porque el escuchar este “Contra Mundum” de MOURNING SIGN me ha llevado a escuchar sus trabajos anteriores y ¡oh, niños y niñas, ahí es dónde estaba lo bueno!

“Contra Mundum”, como he dicho, marca el retorno de MOURNING SIGN a la palestra musical, con un álbum que cubre todas las expectativas del género; abren con una potentísima trinidad de temas con “Dualism”, “Homage of a Dying World” y “Nest of Vipers”, y siguen desgranando temas tras tema con un mismo estilo melódico, con breves pinceladas de Progresivo por aquí y por allá e incluso, intercalando el uso de voces más limpias como es el caso de “Sleep”. Pero…

Pero para saber hacia dónde va uno, primero debe saber de dónde se viene. Y como he dicho, me gusta investigar de una banda, escuchar más trabajos, leer, descubrir cosas, y con MOURNING SIGN ha sido igual que con otras bandas. Sí, vale, escuchemos este “Contra Mundum” y también lo anterior. Hace veinte años (que según GARDEL, eso no es nada) estos suecos publicaron “Multiverse” (1996). Por ponernos en contexto, en aquel mismo año, IN FLAMES publicaban “The Jester Race” (¡casi nada!) o AMORPHIS sacaban su “Elegy” (¡casi nada, parte 2!). Pues “Multiverse” de MOURNING SIGN ahondaba más en el híbrido del Death Metal Melódico con el Progresivo y la experimentación musical. Abrían con un alucinante “Just another Jesus”, para seguir con la jazzistica “I’ll be dancing”, y te apabullaban con flipadas musicales de la talla de “Get real”, “My turn to sleep” o “Neerg”. Aquellos MOURNING SIGN del ’96 sí que molaban, estos de 2018…

MOURNING SIGN han vuelto después de un hiato de veinte años. “Contra Mundum” es un correcto álbum de Death Metal Melódico, pero que poco o nada tiene que ver con la brillantez musical que los encumbró en el 1996. En su página de Facebook, hace unos días lanzaron una pregunta a los fans: ¿Cómo nos gustaría que fuera lo que hagan a continuación? ¿Más rápido, más lento, más técnico, más melódico? Yo lo tengo claro, que sigan por esta misma línea de “Contra Mundum” pero que recuperen el espíritu del “Multiverse”: de lo musicalmente correcto pasarán a lo musicalmente brillante, y entonces sí podremos decirles que veinte años no es nada, y que siguen en forma. Por ahora, que este “Contra Mundum” les sirva a ellos y a nosotros como calentamiento para lo que está por venir. (¡Espero!)

CESAR LUIS MORALES | 8

MOURNING SIGN (SWE) CONTRA MUNDUM

ORCHESTRATED MISERY RECORDS, 2018 Cantaba CARLOS GARDEL en su tango más inmortal, “Volver”, aquello de “Volver con la frente marchita, las nieves del tiempo platearon mi sien, sentir que es un soplo la vida, que veinte años no es nada”.

Y eso es lo que debieron pensar Kari Kainulainen (guitarra, vocalista, teclados y programación), Petri Aho (guitarras) y Thomas Gardh (bajo), los miembros originales de MOURNING SIGN. Formados allá por 1992 en Suecia, publicaron dos trabajos antes de separarse: “Mourning Sign” (1994) y “Multiverse” (1996). Y como veinte años no es nada, se han vuelto a reunir hace un añito largo y se han marcado este “Contra Mundum”.

Lo que MOURNING SIGN nos ofrecen en este nuevo álbum es un Death Metal Melódico al 46 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 62

MUSMAHHU (SWE) REIGN OF THE ODIOUS

IRON BONEHEAD PRODUCTIONS, 2018 Como viene siendo habitual con este brutal sello alemán se nos presentan a los suecos MUSMAHHU, banda que cumple con casi todos los cánones de las ediciones de IRON BONEHEAD RECORDS, música veloz, caótica, oscura, misteriosa y casi ritual. Estos suecos como otras muchas bandas en la actualidad podríamos catalogarlas en esa mezcla del Death Metal más Black, o como es conocido el

estilo, en el Blackened Death Metal, atrapando y mezclando influencias de ambos estilos con soltura y creando un amasijo de oscuridad, vociferaciones, invocaciones y velocidad que tanto a los seguidores de un estilo como de otro puede agradar. Pero eso sí, siempre que no se busque en su música el sonido limpio, técnico ni sofisticado, para nada, esto es un descenso a los abismos de la muerte y de la desolación hecho música, donde las guitarras corren veloces y la sección rítmica suena, y retumba, como los tambores que presagian una absoluta desolación. La voz es desgarrada, y ofrece dependiendo del momento otros tipos de modulaciones, desde gritos desgarrados, hasta otros guturales y graves, que se van entremezclando para crear esa sensación caótica y que es acompañada por la velocidad en la ejecución de los riffs, la gran mayoría redoblados a toda velocidad, o con pasajes oscuros propios del Black Metal lento y desgarrador.

Siete son los temas que nos ofrecen en este debut el dúo sueco, donde el estilo es inalterable y desde el primer tema al último no hay una variación de estructuras, tipo de melodías o ambientación, es una completa masacre sonora. Con lo que si disfrutas del primer tema, el resto del álbum te gustará aunque no sorprenderá, es esto algo bueno, por un lado sí, pero por otro, hace del álbum algo monótono que supongo en pocas escuchas pasará a nuestra colección y quizás no volvamos a escuchar. Esa es mi mayor critica a este debut, donde me gustaría que para futuras ediciones, la banda explorase más el estilo y añadiese una mayor variedad y musicalidad, porque este álbum se queda un tanto plano, hay buenos momentos, pero estos se pierden al no profundizar más en ellos.

de ello, a base de crear ese aura espesa, malévola y oscura que impregna esta obra en su extensión, en la que influyen unas acertadas melodías como en el caso de “Suicidium, The Sudectress of Death”, primer adelanto que publicaron y que sirvió de lanzadera de este “Kul of the Raven”. Respaldado por una recomendable producción, ataca de la misma manera los siguientes “Corvus Corax Crown” o “Return to Nevermore”, en un aluvión de brutalidad. El sr. Lee realiza aquí sin duda un trabajo destacado, dando fuerza y potencia con sus guturales pero también mostrándose misterioso cuando la ocasión lo requiere, mediante susurros y otras armas, caso de los inquietantes “The Anger of Despair When Coping with Your Death” o “Kingdom Of The Nattravnen” por ejemplo, en una onda más a medio tiempo pero indudablemente efectivos.

Trascending Obscurity Records (MASTER, CRAWL, SATHANAS…) se ha encargado de publicar este álbum, sello que lleva una más que decente serie de lanzamientos aplastantes y de calidad a sus espaldas, e igualmente, es uno de los punteros en lo que a la escena contemporánea se refiere. Con eso creo que está todo dicho, así que supongo que ya sabes qué esperar de este notable debut de NATTRAVNEN. ROBIN RM | 8.5

LUIS MARTÍNEZ | 7

NAZRAK (FRA)

CANTIQUES FUNEBRES WOLFSPELL RECORDS, 2018

NATTRAVNEN (GBR | USA) KULT OF THE RAVEN

TRANSCENDING OBSCURITY RECORDS, 2018 Enésimo banda/proyecto o como buenamente se quiera denominar del señor Kam Lee, sobradamente conocido en la escena gracias a sus aportaciones en el underground extremo y a clásicos como DEATH, MASSACRE o los más recientes BONE GNAWER o BROKEN GRAVESTONES entre otros muchos. ¿Qué podemos esperar del álbum debut de estos NATTRAVNEN? Pues efectivamente, death metal, pero bueno ¿qué esperabas?

Bien es cierto, que no estamos ante una burda copia de ENTOMBED/DISMEMBER, INCANTATION o DEATH, por poner unos ejemplos contemporáneos que usan muchos combos, sino más bien diría para daros una idea, que es un hibrido similar a lo que resultaría si formaciones tipo SULPHUR AEON y DIMMU BORGIR se fundieran en un único grupo. No diría que es una propuesta altamente original pero sí diferente a lo típico.

El caso es que y como suele ser habitual, esta nueva andadura cuenta con un colaborador, nuestro personaje norteamericano normalmente no suele contribuir tocando algún instrumento (a pesar de haber hecho ya sus contribuciones con el bajo o la batería por ejemplo) y se trata de otro trotamundos, que no es otro que el sueco Jonny Pettersson; igualmente un guerrero subterráneo que posee ya un nombre por haberse involucrado con bandas como ASHCLOUD, WOMBBATH, URSINNE… Conteniendo una portada espectacular de Juanjo Castellano (UNLEASHED, DETERIOROT, REVEL IN FLESH…), estas nueve canciones poseen un alto componente atmosférico, que a veces pueden llegar incluso a dar la sensación de creer que nos encontramos ante esos grupos de black metal sinfónicos; “The Night of the Raven” el corte inicial, da buena prueba

Nadie se va a sorprender a estas alturas de que muchos de los nuevos proyectos de black metal que nos encontramos sean de una sola persona o, a lo sumo, de un dúo. Es el caso de NAZRAK, un dúo francés de black metal que nos presentan ‘Cantiques Funèbres’. La propuesta que nos encontramos es un black que mezcla elementos de su vertiente más clásica y cruda con toques del atmoblack más actual.

‘Cantiques Funèbres’ es un trabajo breve, de 34 minutos de duración a lo largo de 6 pistas.

Lo primero en lo que me fijé de este álbum de NAZRAK es en la batería, cuya monotonía nos deja bastante que desear, convirtiéndose más en un machaque continuo que en un instrumento más en la mezcla. Entiendo el deseo de añadir agresividad al conjunto y dar velocidad a los temas, pero el machaque tiene un límite.

Los vocales, por su parte, son un aspecto muy positivo del dúo; nos encontramos las voces más clásicas del black metal, con sonidos rasgados y secos, que encajan a la perfección con el sonido general de la banda. En cuanto a bajo y guitarras… Bueno, no nos descubren nada nuevo en el género, no profundizamos en nada más experimental. Tenemos lo que tenemos, que es black, y es ejecutado de manera muy correcta. Todos los riffs siguen la línea del black más clásico sin problemas. El tema de los teclados es lo que da a NAZRAK su punto de dinamismo, introduciendo el sonido general un poco más dentro del black atmosférico y desplazando en muchas ocasiones al black más crudo y clásico a un lado, a favor de un enfoque más actual sin perder las raíces.

‘Cantiques Funèbres’ es un trabajo curioso pero que no os va a descubrir nada nuevo.

Tenemos puntos fuertes como los teclados, y punto que necesitarían algo más de atención, como las pistas de batería. Nos vamos a encontrar un sonido a medio camino entre el atmoblack y el black clásico y, aunque parece una descripción muy sugerente y la ejecución es correcta, no me ha parecido especialmente original. Tenéis un trabajo de black breve y bien hecho por parte de NAZRAK, pero no esperéis descubrir una obra maestra.

GABRIEL PASTOR SÁNCHEZ | 6.5

NOCTAMBULIST (USA) ATMOSPHERES OF DESOLATION BLOOD HARVEST RECORDS, 2018 Desde Denver nos llega “Atmospheres of Desolation”, primer trabajo del cuarteto NOCTAMBULIST. Su debut a sido editado por el sello Blood Harvest Record y consta de 6 temas y una duración inferior a los treinta minutos.

Después de la intro de rigor, pasamos a “Abnegation” en donde nos topamos con un Death Metal con altas dosis de Black Metal, sobre todo en lo que a atmósferas se refiere.

Le sigue la pista que da titulo al álbum, en donde encontramos unas influencias mucho mas progresivas dentro del Death/Black, incluso rozando el Avant-garde, pues el tema contiene muchos pasajes experimentales realmente inquietantes y repletos de oscuridad. Llegados a este punto del álbum la comparación con bandas como ALTARAGE o BLOOD INCANTATION es casi innegable. A modo de continuación saltamos a “Jubilant Cataclisym” en donde continúan por el mismo camino en donde lo dejamos, Riffs opresivos, elaboradas bases rítmicas y voces realmente de ultratumba. Todo esto empañado con atmósferas hipnóticas. “Denial of Autonomy”, nos muestra una composición con muchas influencias Doom, siendo uno de los temas mas destacables del redondo, tanto por ejecución como por la musicalidad del mismo.

Para cerrar tenemos “Habitual Falsehood” en donde exhiben una faceta mas intimista y experimental, jugando en terrenos mas alejados de sus anteriores temas, mas acercados hacia un sonido mas post. Buen debut, aunque se me hace extremadamente corto.

MARK BERSERK | 8

NOISE TRAIL IMMERSION (ITA) SYMBOLOGY OF SHELTER

DROWN WITHIN RECORDS, 2018 Desde la ciudad italiana de Torino nos llega a través de Drown Within Records el nuevo trabajo de NOISE TRAIL IMMERSION, bajo el titulo “Symbology Of Shelter”, donde descargan un poderoso y contundente Blackened death/ black metal tocado con 8 cuerdas, en una vorágine de agresividad y estructuras de mathcore caóticas de las que hablaremos a continuación.

En los 43 minutos que enmarcan la visceral y disonante “Mirroring”, hasta la homónima al título del álbum “Symbology Of Shelter” mucho más densa y pesada, con unos cambios de percusión frenéticos y muy técnicos a cargo de Paolo, se encierra un mundo de locura y disociación de sonidos, que juegan con atmosferas de post metal donde descansar toda esa adrenalina que beben del blackened y del mathcore; trabajo no apto para todo el mundo, pero que si sabes adentrarte en su técnica y sus pasajes te llevaras una grata sorpresa.

“Repulsion And Escapism I y II”, son dos temas contundentes, desarrollándose con una fuerte base de bajo a manos de Lorenzo, mientras

Fabio se desgañita una y otra vez con unos screamings muy poderosos; como viene siendo marca de la casa, las guitarras de Daniele y Nebil entretejen unas estructuras muy intrincadas con disonancias constantes, pero también nos dejan unos pasajes cortos y muy atmosféricos que nos dan un respiro más que merecido, para demolernos con una segunda parte bestial. “Acrimonious”, nos sirve como un pasaje entre los dos combos de canciones, pero de igual forma no baja ni un ápice la intensidad del producto.

Por último hablare del como que conforman “The Empty Earth I y II”, dos tema largos e intensos que se transforman en un pasaje sonoro de casi veinte minutos, con sendas instrumentaciones oscuras y pesadas tocando el doom, para acelerar en el primer caso en una espiral de dolor y ritmos cambiantes pero afilados. En la segunda parte, la estructura también es densa, iniciándose con una voz limpia en un medio tiempo oscuro y lóbrego, solo aderezado como en el caso anterior con un suculento toque de agresividad, pero esta vez más contenida; un detalle que me encanta.

JUAN ANGEL MARTOS | 7

OVERT ENEMY (USA) INCEPTION

CONFUSSED RECORDS, 2019 Ante nosotros tenemos el EP debut de los americanos formados en 2013 OVERT ENEMY, el cual lleva por título “Inception”, siendo lanzado al mercado por el sello Confused Records.

Cinco cortes en algo más de diecisiete minutos en total, forman este disco, un trabajo que rezuma escuela Thrash Metal por los cuatro costados, sobre todo de la escena más cercana a la Bay Area. Por lo general en el Thrash está todo inventado y ellos no son la excepción pero lo que hacen, lo hacen sobresalientemente, además les ayuda mucho el sonido tan analógico conseguido en la grabación del disco, el cual ha sido producido por Joshua Lopez.

El álbum comienza con “Mercenary”, un tema que comienza con una colección de riffs galopantes a la vez que agresivos para mostrarnos desde el principio de que pasta están hechos el combo de Texas, buena elección para comenzar el álbum.

El siguiente corte “Political Cancer” es bajo mi punto de vista, el mejor del trabajo discográfico, no pueden evitar tener ese aire SLAYER, pero en este caso en menor que en el primer corte, no en vano nacieron como banda tributo de los californianos, pero en este disco intentan desmarcarse de esa etiqueta, aunque a veces les es imposible.

Con “Inception”, corte que da título a este trabajo discográfico, cierran el mismo en cuanto a su parte compositiva se refiere, con una pista instrumental, en la cual nos quieren mostrar la calidad instrumental de cada uno de ellos consiguiéndolo con creces.

El álbum se cierra con la versión radio de los dos primeros cortes a modo de bonus track, de un EP que bajo mi opinión dice mucho bueno de ellos, ya están preparando su primer larga duración, así que habrá que estar atentos a ellos, se intuye claramente que es una banda con mucho potencial.

CARLOS BERMEJO | 7.5

PERVERTICON (SWE) WOUNDS OF DIVINITY

IRON BONEHEAD PRODUCTIONS, 2018 Esta banda Sueca PERVERTICON desde un pueblo llamado Gävle, nos presentan su segundo álbum de larga duración llamado “Wounds of Divinity” , que es una propuesta de Black Metal sin derivaciones ni cosas raras.

La banda es un Trío, donde las voces las pone el batería y el bajista se intercambia entre bajo y guitarra. Este su último trabajo representa su segundo larga duración.

Dentro del este “Wounds of Divinity” encontramos nueve temas que ocuparan poco más de cuarenta y ochos minutos de tu vida. En la portada y en el titulo del album ya te dan una pista de los temas que tratan en sus canciones tales como Religión, sexo etc…

El primer tema con el que abren el disco “Thirsting for Ruin” que entra con unos coros de Iglesia y gritos de agonía. Las guitarras y baterías se presentan con un sonido nítido con esos acordes abiertos de arpegios y la gran variedad rítmica con cambios de velocidades que será una tónica muy marcada durante el resto del disco. Las voces son agresivas pero no guturales, más aguda y con una forma de interpretar al más estilo Black de los inicios. El tema que más destacaría de todo el álbum el el cuarto corte llamado “The Cease of Absolution” donde la banda propone un tema clásico, pero con variaciones en las guitarras dándole a las canción un gusto diferente y destacable de entre las otras. En “The Apostate´s Communion” es el tema más oscuro donde las voces se camuflan entre los instrumentos pasando a un segundo plano.

“Breath of Sulphur/Aura of Flies” canción que abre con unas frases repetitivas de guitarra que sirven de estructura de la canción a la cual le añaden partes o florituras a cada cual más interesante y gustosa de escuchar.

Un gran disco que podría ser de cualquiera de las bandas de mayor nivel del Género. se nota que la banda tiene claro su rumbo y es de agradecer.

JESÚS SÁNCHEZ | 8

(2001). Este primer álbum lo han remasterizado ahora, pero lo que es segundo, que es el que nos ocupa en esta review… Os puedo decir lo que es, o lo que no es, pero para experimentarlo, os lo tenéis que meter entre oreja y oreja, y es recomendable 1000%.

De primeras, “…lun yolina un yolina thu Dardavogh…”, que así se llama el álbum no está escrito en polaco, como podríamos suponer.

Investigando un poco, descubro que las letras están en var-inath, una lengua creada por Gnat (el baterísta) que nos trae reminiscencias del áspero alemán aderezado con acentos eslavos. ¿Qué? ¿Hay pa’flipar o no hay pa’flipar?

Por fortuna, en su página de Bandcamp, han colgado las letras en var-inath, algunas con su traducción al polaco e incluso alguna al inglés. “…lun yolina un yolina thu Dar-davogh…” viene a ser en inglés: “…from ever for ever far to the horizon…” (…desde siempre para siempre hacia el horizonte…).

Y adentrándonos en terrenos musicales… pues lo dicho, un viaje psicotrópico. Me lo habían vendido como Dark Metal y sí, bueno, hay Dark y hay Metal, pero… El álbum abre con “Mahad Lavor sa-zax” y lo primero que pensé fue en JOY DIVISION por ese sonido gótico, oscuro y tétrico, pero sin el omnipresente bajo de Peter Hook. Suenan como una versión metálica de los ingleses, pero a su manera; aquí todo es a la manera de los polacos. Es una formación clásica (Gnat a la batería, Kumala a las guitarras, K-vass a la voz y Chrzaniec al bajo) que han grabado un álbum oscuro, inclasificable, y si lo que buscas es lo mismo de siempre, ésta no es tu banda. Pero si alguien te ofrece un buen psicotrópico y, como le decía Morfeo a Neo en Matrix, quieres saber hasta dónde llega la madriguera de conejos, PSYCHOTROPIC TRANSCENDENTAL es esa puta pastilla roja. Las evoluciones y las melodías de “Lavor ni termaned” con sus trece minutos son sólo una pequeña muestra de lo que está banda tiene que ofrecer: distintas ambientaciones, interludios más acústicos, fragmentos más saturados, una voz que te adormece o que te envenena la mente y todo ello orquestado por una banda que no tiene miedo a hacer lo que están haciendo.

Siguen con otros temas más cortos y más directos como “Iin Varandhaar iin Badenath mahad Karvii”, más desquiciados, para volver a los desarrollos más largos y experimentales como en “Float wid xeruaned Rattha”. Y el disco va evolucionando, provocándote cambios temporales en el estado de ánimo, en la percepción, ya sabéis a que me refiero…

Hasta que llegamos al cierre con la alucinada “Hoxathilag”… Y os puedo hablar de JOY DIVISION, de ULVER, de ALCEST, o de EARTHTONE9 o de THE DOORS, y de Blackgaze, de avantgarde, de experimental, de folk… y como os he dicho antes, puedo deciros lo que es, o lo que no es, pero si quieres saber hasta dónde llega la madriguera de conejos… PSYCHOTROPIC TRANSCENDENTAL es vuestra puta pastilla roja. Y también advierto, los efectos de un psicotrópico son temporales, pero los de esta banda, no.

CESAR LUIS MORALES | 10

PSYCHOTROPIC TRANSCENDENTAL (POL) ...IUN YOLINA UN YOLINA THU DAR-DAVOGTH...

AUTOEDITADO, 2018 Un psicotrópico es un agente químico que actúa sobre el sistema nervioso central, lo cual trae como consecuencia cambios temporales en la percepción, en el ánimo, el estado de la conciencia o el comportamiento. ¡Colorea y aprende con Teo!.

O sea, que ya sabéis lo que ocurre cuando te tomas un ácido, mescalina o cualquier otra sustancia similar. Bueno, lo podéis suponer, pero para saberlo de verdad, hay que probar y sentir. Pues lo mismo ocurre con PSYCHOTROPIC TRANSCENDENTAL, banda polaca que presenta su segundo álbum el año pasado, tras una sequía de casi diecisiete años desde su primer larga duración, “Ax Libereld”

RAVENOUS DEATH (MEX) CHAPTERS OF AN EVIL TRANSITION MEMENTO MORI, 2019 El cuarteto de Guadalajara, México, nos trae su álbum debut a través de la discográfica especialista en sonoridades purulentas y mórbidas como es MEMENTO MORI RECS. Y en esta ocasión, RAVENOUS DEATH no se anda con tecnicismos ni complicadas estructuras, esto es puro y veloz Death Metal fuertemente influenciado por la vieja escuela, tanto nórdica como americana, la banda no nos va a ofrecer nada que no se haya escuchado anteriormente, pero hay que reconocer que el álbum po-

see una intensidad tan aplastante que desde el primer momento engancha.

Diez son los temas incluidos en este “Chapters of an Evil Transition”, donde salvo la inicial intro, la cual es una sucesión de lentísimas melodías tenebrosas que nos meten en ambientación con esa oscuridad que emanan, el resto de temas son un auténtico y brutal ataque frontal de puro y veloz Death Metal.

“Doomed To Exit” parece sacada del primer álbum de UNLEASHED por ese continuo y veloz redoble en cuerda acompañado por una batería incansable, que solo descansa para volver a destrozar nuestros oídos a base de blastbeats al más puro estilo yanqui de principios de los noventa. Pero esto que os comento del segundo tema se puede hacer extensible a otros igualmente intensos, y donde no hay descanso a la velocidad, quizás se puede pensar que el álbum se hace aburrido, pero no es así, porque es tan intenso en su ejecución y hay una buena variedad de riffs entremezclados, para que la fórmula de RAVENOUS DEATH funcione, está claro que la banda no inventa nada, y este tipo de Death Metal ya otras bandas lo han grabado anteriormente, pero es de agradecer que surjan bandas con la intención de ofrecer verdadero Death Metal sin aditivos, ni añadiduras de otros géneros, sino con la única intención de sonar lo más cercana a la esencia del estilo, sonando brutales, pero ofreciendo buenos cambios y partes a medio tiempo poderosas y que no ceden en su afán de bajar el nivel de intensidad, así temas como “Evil Dementia”, “Awakening Of The Damned”, “Cursed Origin” (quizás el más veloz de la grabación) o “Massacre Cult” (el cual tiene un redoble en su riff bastante nórdico) son verdaderos cañonazos que harán que no podamos parar de movernos. Quizás “The Sinister Being” nos muestre un lado diferente, con riffs más pesados y algo más “melódicos”, para dar paso a velocidad y oscuridad a raudales, estaría bien un poco más de experimentación de esta faceta a lo largo del álbum.

Buen debut de estos cuatro músicos mexicanos, con un álbum que si tuviese que definirlo con una palabra es “intensidad”, porque los temas aquí incluidos no dan respiro, ni tregua para descansar ni coger aliento, pura brutalidad.

LUIS MARTÍNEZ | 8

RUTA 57 (ESP) MAMA

LENGUA ARMADA RECORDS, 2019 Desde Alcalá de Henares, nos llega el nuevo Ep de los madrileños RUTA 57 bajo el nombre de “Mamá” editado por Lengua Armada. Si hace un año el power trío, formado por Héctor Trujillo (voz y guitarra), Alberto Notario (bajo) y César Romero (batería), nos sorprendió con “1995” y su poderoso funk rock, con este nuevo trabajo, dan un paso firme al frente de la escena con tres nuevos temas de adelanto, donde lo único malo es que saben a muy poco y te queda con ganas de más, deseando escuchar el nuevo Lp. “Guerra Invisible” abre el Ep, llevando el funk rock por bandera con un toque a O’FUNKILLO o SPIN DOCTORS, con un trabajo instrumental de gran calidad y una melodía vocal que te engancha desde el primer segundo, con un corte fresco, bailable y muy disfrutable, en resumen un temazo, que guarda una parte central más ambiental y un contrapunto moderno. Con “Diez”, tenemos el que sin lugar a dudas es el tema más contundente del Ep, recordándome a HORA ZULU en su primera estrofa solo, y del que han grabado un videoclip. Digo solo en su primera estrofa, porque da un giro hacia el funk bestial, repitiendo un estribillo que será perfecto para sus directos, pegadizo y cantable al 100%. Y

como cierre, “Club Infierno 13”, donde dejan su toque funk un poco de lado, demostrándonos su lado más rockero, aunque el retazo en segundo plano funky juguetón no se lo quita nadie, en manos del bajo de Alberto, que lleva el peso en sus manos; un punto a su favor.

RUTA 57, tienen un gran futuro dentro de su escena si se mantienen en forma musicalmente hablando como nos muestran en este Ep a la espera de su nuevo álbum que a buen seguro nos dejará un gran sabor de boca.

jodido medir un planeta, imagínate valorar a una banda como SCAPE LAND. CESAR LUIS MORALES | 9.5

JUAN ANGEL MARTOS | 7.5

SLENDERS (ITA) ANGRY YOUTH

SILVER DUST (SWI) HOUSE 21

FASTBALL MUSIC | ESCUDERO RECORDS, 2018

SCAPE LAND (ESP) EVIL MIND PIECES AUTOEDITADO, 2018 “How to measure a planet?” (1999) fue el quinto disco de THE GATHERING y su título nos viene que ni pintado para la ocasión. ¿Cómo se mide un planeta? Cuando uno no sabe cómo clasificar algo, eso puede presentar un problema o no, según se mire. Si es necesario para definir esa cosa, para cuantificarla, para mesurarla, no tener las herramientas adecuadas representa una putada.

SCAPE LAND, la banda que nos ocupa, se fundó allá por 2006 en Cádiz y nos presentan ese problema. ¿Cómo se mide un planeta? ¿Cómo cuantificamos y valoramos a una banda como SCAPE LAND? Cuentan con un sonido que es una amalgama de las últimas tendencias del metal, pasando del Prog al Groove, del Metalcore al Sludge, adornado con retazos más Hard Rock, y todo ello redondeado por una banda que, a nivel instrumental, brilla por los cuatro costados que son sus cuatro miembros: la versatilidad de la guitarra de Diego, la demoledora y precisa base rítmica formada por Adrian a la batería y Josema al bajo y al frente, Iván con una voz que varía pasmosamente de un registro más claro a los growls según el tema lo requiera.

Así que estos cuatro pichas se han marcado un segundo disco que, como su primera obra homónima de 2015, promete ser uno de los lanzamientos del año. Y calidad, destreza, músculo y corazón no les falta. Lo tienen claro, “no to er mundo puede ser de Cai”, y han venido a demostrarlo. Desde la apertura de álbum con “Evil” hasta el cierre con “Mind Pieces”, el álbum viaja entre las últimas tendencias del metal con una fluidez y un pulso que te electrifican.

Volvemos a la misma pregunta del principio, ¿cómo se mide un planeta? ¿Cómo se valora una banda como SCAPE LAND? Pues como lo que son: una propuesta rompedora, inclasificable, que han sabido aglutinar un montón de influencias y, utilizando su propio estómago musical las han asimilado y han regurgitado un sonido propio, único y distintivo. Que el inicio de “God’s Love” comience con esos acordes melódicos y acústicos, no quiere decir que el tema no evolucione hacia derroteros más brutales y que la banda saque la artillería más pesada. Del mismo modo, se pueden grabar un interludio como “Breath” para saltar hacia un “Alive” donde se desatan a gusto. Y es que “no to er mundo puede ser de Cai”.

SCAPE LAND, estos cuatro gaditanos, son una banda que hay que tener en cuenta. Una banda que demuestra que no hace falta buscar grandes lanzamientos y grandes nombres en el extranjero. Que el Metal ha arraigado por todas partes y que de dónde menos te lo esperas puede surgir una banda con una propuesta interesante, con un sonido sorprendente, con una calidad y una destreza compositiva que nada tiene que envidiar a cualquiera de esos grandes nombres extranjeros. Acabemos con esa tendencia a la sobrevaloración que les solemos dar a lo que viene de fuera. SCAPE LAND han venido para eso, para declarar que “no to er mundo puede ser de Cai” y que si es

Se define la coulrofobia como el miedo irracional a los payasos y a los mimos. Ya sabemos: excesivo maquillaje, la nariz roja y el color extraño del cabello, un cuerpo común con una cara poco familiar. Así que todo lo relacionado con los payasos y el circo, si sufres de esta afección, te provocará un pavor rayano al paroxismo. ¡Colorea y aprende con Teo! Para el resto de los mortales oír la típica musiquita circense, pues no nos da buen rollo…

Así que cuando empecé a escuchar el “House 21” de SILVER DUST, la cosa prometía. Abren el álbum con “Libera Me”: sonido de lluvia, y un leitmotiv circense, coros de voces femeninas… Siguen con “The Unkown soldier” y descubro la lenta y arrastrada vocalización de Lord Campbell, una voz grave, casi operística.

Siguen con “House 21” y ahí está, la melodía circense que interpretan las guitarras. Pero…

En “Forever” realiza una buena intervención Magma, el batería que se ha incorporado recientemente, sustituyendo al original Mr. Killjoy. La adaptable y versátil voz de Lord Campell está por todo el álbum. De hecho, “La La La La” es un tema que difiere un poco del resto de la temática más goth del resto, y se van a una estructura, una instrumentalización y una vocalización que es totalmente SYSTEM OF A DOWN, sin la brillantez vocal de Serj Tankian, eso sí, ni la locura inherente a las composiciones de los armenios. Y es que todo el álbum se queda a medio gas. Incluso, para que veáis lo ecléctico de su propuesta, se marcan una versión de “Bette Davis Eyes” de KIM CARNES, donde participa hasta Mr. Lordi. El nivel compositivo baja un poco con la siguiente “This war is not mine”, y hacia el final descubrimos vocalizaciones más guturales en “It’s time”.

El concepto de la banda SILVER DUST está bien desarrollado: una banda de Dark Rock, con unas pinceladas de Goth y de Metal a partes iguales; en el apartado visual también han acertado con el uso de levitas victorianas y chisteras, los sobrenombres (completan la banda Tiny Pistol a la guitarra y Kurghan al bajo)… Con “House 21” se graban un álbum correcto, con buenos riffs, buenas melodías, y como he dicho, con esa mezcla de estilos, pero hasta ahí… No esperaba el extremismo Goth de CRADLE OF FILTH; pero, quizá por la utilización de esos elementos y melodías circenses, algo más… Algo más explosivo y emocionante en plan AVATAR. Pero se me queda en poco, una música para poner en el hilo musical del ascensor, de fondo.

SILVER DUST valen para demostrar que Suiza no es el yermo musical que parece ser desde la aparición de CELTIC FROST o CORONER, y que la federación centroeuropea tiene algo más que ofrecer que un paraíso fiscal y chocolate. Pero hasta ahí, álbum correcto, buenos riffs y buenas melodías. Si coincido con SILVER DUST en algún concierto o festival, no huiré despavorido, me quedaré a verlos, porque seguro que ofrecen un buen espectáculo en directo, pero… Chicos, si queréis seguir desarrollando el concepto circense y la coulrofobia, recomiendo encarecidamente la lectura de “IT” de Stephen King.

CESAR LUIS MORALES | 7.5

THIS IS CORE, 2019 El grupo italiano SLENDERS lanzan al mercado su primer larga duración, bajo el título “Angry Youth” y editado a través del sello discográfico This Is Core.

La banda, formada en 2013 en Arzachena, Cerdeña, Italia, está formada por Zbarah, Kerciak, Human, Matt.

Comenzamos escuchando “Close To” donde pequeños riffs de guitarras, empiezan a darnos un tema bastante enérgico, encabezado por composiciones muy limpias y rápidas, donde la voz toma un gran protagonismo, aderezada por coros que la hacen mucho más dinámica. A pesar de encontrarnos con una batería algo lenta en ocasiones, crea una base rítmica bastante sólida, donde esa mezcla de ritmos rápidos y lentos, les dan un punto interesante.

“Better of Dead” suena poco después, dándonos unos ritmos algo más potentes, abogando esta vez por sonidos algo más graves, y una melodía sin voz bastante pegadiza. Cuando comienza a sonar la voz, la melodía se amolda a ella, consiguiendo generar una atracción increíble, dándonos unas composiciones bastante enérgicas, donde los ritmos alegres reinan en el tema. Un estribillo bastante movido, corona con éxito un tema cargado de energía, que poco a poco animan este trabajo.

En el ecuador del trabajo suena “Angry Youth” y es el tema que da nombre al trabajo. Estamos ante el tema más largo del mismo y el cual comienza con una mezcla de guitarras y batería bastante rápida y contundente, donde la simbiosis de velocidad y energía hace acto de presencia una vez más. Sin duda alguna, en esta ocasión nos brindan uno de los estribillos más completos, con melodías muy pegadizas que acaban en un solo de guitarra interesante, para cerrar el tema por todo con el estribillo.

“Young Blood” es un tema que se condensa en tres minutos muy rápidos, dejándonos con riffs bastante rápidos, y una línea vocal algo más oscura, sin tanta floritura ni buen rollete.

Se acopla a una melodía que intercalan ritmos más lentos con partes rápidas, donde en el estribillo van haciendo cambios constantes, introduciendo de vez en cuando algún que otro grito, dejándonos con un ambiente algo más agresivo y oscuro que el resto de temas.

El tema encargado de cerrar el trabajo es “Dreams And Memories”, un tema largo que entremezcla todo lo escuchado anteriormente, comenzando por una melodía bastante lenta, con una voz leve, que al momento sube el nivel, en conjunto con unas guitarras mucho más enérgicas, consiguiendo un tándem cargado de potencia. Un tema cambiante, cargado de buena energía y perfecto para cerrar con positividad su primer trabajo.

Este primer larga duración de SLENDERS se presenta como un buen primer disco, donde los ritmos rápidos y enérgicos están presentes en casi la totalidad del disco, entremezclando con algunas martes más lentas y donde las voces acusan mucho más cualquiera de las melodías que escuchamos. Sin duda, las líneas vocales están genial, amoldando a la perfección a los ritmos marcados por los instrumentos y donde los coros que añaden, les dan mucho más dinamismo, al igual que los pequeños gritos que escuchamos de vez en cuando. Sin duda, un disco de punk/rock, con algunos toques agresivos y bastante interesante, que irá buscando su hueco en el panorama; merece la pena darle una escucha.

JORGE DE LA CRUZ | 6.5

NUM. 62 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 49

SOILWORK (SWE) VERKLIGEHTEN

NUCLEAR BLAST RECORDS, 2018 20 años de carrera musical, dan para mucho.

10 álbumes en estudio también. SOILWORK vuelven a la carga este 2019 con su undécimo CD “Verkligheten”, cuyo significado en castellano es realidad. Y la realidad es que esta banda ha sido y será uno de los estandartes del Death Metal melódico sueco. Pero la realidad, como Björn mismo apunta con este título, es que una banda con mucha historia a sus espaldas o se reinventa o acaba cansando.

SOILWORK, con “The living Infinite”, nos prepararon para las líneas de actuación que se trazaron en “The Ride Majestic” y que cuajan en este nuevo LP. Tras haber escuchado este CD, no cabe duda que son ellos, ya que en su sonido pesa, y mucho, la voz de Björn. Y también algunas melodías “suecas” hacen aparición de tanto en tanto. Pero es el toque de Rock melódico e incluso Hard Rock, que imprimen sus guitarristas, lo que pone a nuestros oídos en alerta ante estos “nuevos” SOILWORK. Obviamente, este movimiento alejará a unos y acercará a otros, pero es seguro que la banda ha optado por hacer lo que les gusta en este momento de sus vidas. Y aunque esto suponga ciertos sacrificios, al final, y tras tantos años tocando, hacer lo que a uno le gusta, y no lo que a los demás, pues es una satisfacción.

“Verkligheten” es un trabajo que entra bien a la primera. La excelente voz melódica junto con las cuidadas melodías es algo que no falla en estos casos. Si me preguntáis si hay caña, claro que la hay. En 11 canciones, hay cabida para blast beats como en “Arrival” (que nos puede confundir con lo que esperaremos en el resto del disco) o en “Needles and Kin” (el tema más fuerte del conjunto). Pero es el plano más orientado al Rock donde se hace hincapié en este álbum. Temas como “Full Moon Shoals” o, sobre todo, “The Nurturing Glance” (AOR en estado puro) son un buen ejemplo.

A la hora de darse la mano, ambos géneros conviven con natural elegancia, como en “When The Universe Spoke”, que podría ser el mejor tema del disco.

Junto con los elementos nombrados, y la ya conocida técnica vocal de Björn, las canciones se construyen aderezándolas con cierto aire melancólico para remarcar esa mirada hacia atrás, hacia el rock and roll, que tiene el LP. Si SOILWORK vuelve a encontrar su sitio con este CD, es algo que decidiréis vosotros pero no cabe duda que es un giro a reinventarse a sí mismos, mirando a las raíces del Metal en lugar del Pop como han hecho sus compañeros IN FLAMES. Vuelve a encontrarte con la banda en este 2019.

NACHO PEÑA | 8

SOUNDCRUSH (ESP)

SCREAMS OF THE VOICELESS AUTOEDITADO, 2018 50 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 62

Pues hoy nos toca hablar de esta pedazo de banda Astur, que nos demuestra, una vez más, que el metal por el norte está agresivo y lleno de energía. Y es que si, “Screams of the Voiceless” es el nuevo LP de la banda SOUNDCRUSH y viene pegando muy duro.

Es un trabajazo de los pies a la cabeza, muy técnico y brutal, lleno de riffs pesados y contundentes, llenos de poder, líneas melódicas bien trabajadas y auténticos solazos como soles de grandes. Pero claro, no solo es el trabajo de la guitarra lo que hace un disco grande, el bajo retumbará en cada uno de los temas haciéndolos vibrar a su ritmo y la batería trabajará incesantemente, ya sea de forma rítmica o como una explosiva marea de sonidos.

Pero un apartado que hace muy interesante a su sonido, es lo trabajadas que están sus letras, las cuales, hablan sobre injusticias sociales, panoramas de la sociedad que nos rodea, sobre la cultura, etc.

Dicho esto, me gustaría empezar a hablaros de “The Last Stand”, tercer tema de este LP, el cual arroja nada más empezar unos riffs muy precisos que nos arremeten con fuerza de cara al comienzo de la voz. En este tema, podemos ver las fuertes influencias del Thrash Metal en su sonido, esa agresividad implícita, esa velocidad y ese sonido tan afilado. El tema avanza de forma contundente segundo a segundo llenándonos de energía, hasta llegar al solo, donde nos van a dejar boquiabiertos, qué melodías, que buen saber hacer, esto en directo tiene que ser digno de verse.

Saltamos hasta la sexta canción “Democracy is Dead” y ya solo por el título nos encontramos un buen tema, y nos hacemos una idea clara de qué va a ir la letra. Empieza dura, pesada y machacona, abriendo paso a un breve solo de bajo, algo agradable de escuchar hoy en dia la verdad, todo esto de antesala a la voz, que nos va a descargar su agresividad de forma sistemática a base de gutural. Me encantan los cambios de ritmos y tonales de este tema, para hacer claroscuros y aumentar esa sensación de descontento y rabia expuesta tras tiempo contenida.

Se nota el mimo y gusto con el que se ha elaborado “Screams of the Voiceless” y la evolución en cuanto a su sonido. Que no os extrañe nada, ir viendo a SOUNDCRUSH subir como la espuma en el panorama estatal, dado que como ya os he dicho, tienen un sonido muy potente, que será las delicias en los directos.

Así que si, este disco es uno de los recomendados del año y al que hay que pegarle una buena escucha, os va a encantar y os va a hacer llegar a las mismas conclusiones que yo.

RUDY PERTU | 8

sensación de estar flotando en el espacio, de sentir esa ingravidez en nuestro cuerpo. Perfectamente “The Pionner” podría ser banda sonora en alguna peli espacial. Gran trabajo el realizado con los sintetizadores. Y claro esto abre de antesala para el tema gordo “Black Star” un tema muy poderoso el que sigue esa estela de antigravedad como a os comento.

Pero claro, aquí el Djent vuelve a ser el centro. Y es que no puedo nada mas que adorar la técnica y complejidad que van soltando en cada tema los buenos de STEAM. El único problema que encuentro en este tema es que en el momento “rapero” del tema, la segunda voz no termina de convencerme, pero vamos una minucia con todo lo que aporta. Tras pasar la mitad de la canción, nos encontramos con un cambio de ritmo gracias al enfoque espacial, que sinceramente cuando empieza a meter esas emociones en el tema, entre el sonido, la voz, el ritmo, etc. No pude evitar que la piel se me pusiese de gallina.

Y el disco cierra con “Water”, me gusta destacarla, porque es completamente diferente a lo encontrado en el resto del disco, es como un experimento que se ha colado en el álbum sin querer y ahí se ha amoldado hasta hacerse su lugar. Funciona como cierre perfecto a la historia que no han querido contar a través del álbum. Suena como un ritmo eléctrico varios efectos, añadiendo la batería, y la voz del cantante con deje melancólico mientras una conversación aflora. Un cierre extraño, muy extraño, pero precisamente por ello quería nombrarlo.

En resumen, aunque pareciese que con la pesadez que proyectan STEAM la voz tan limpia pudiese flaquear, tras escuchar el disco entero ese contraste constante de claroscuro que realizan va tomando forma y absorbiéndote. Está claro que técnicamente son una banda llena de tecnicismos en cada una de sus composiciones, haciendo buen uso del estilo Djent en toda su amalgama de sonidos, sientes en algunos temas que se enfocan en muchas direcciones que tu cerebro intenta seguir sin posibilidad de ello. “Osiris” es un gran disco que enfatiza en la sonoridad, y podríamos decir que es un disco en dos fases, la primera se enfoca en el sonido puro del Djent, mientras que en su segunda fase se enfoca en esa sensación espacial, que en mi opinión es la línea más intensa que tendrían que seguir, ese rollo entre el Djent y lo progresivo. Creo que es obvio que se lo recomiende a todos los amantes del género, como es obvio, que también a todo aquel que le guste los sonidos mas modernos dentro de este mundo tan amplio que es el metal.

TANIA KYMMENEN | 8

STEAM (POL) OSIRIS

AUTOEDITADO, 2018 STEAM es una banda polaca de Progressive/ Djent/ Tech Metal nacida en 2012, ya cuentan con un disco que se lanzó en 2016, llamado “Warp”, y ahora nos traen su segundo disco titulado “Osiris” que consta de nueve pistas, que os voy a desglosar más adelante.

“Do Not Look Back” es el primer tema del disco que comienza con el sonido del bajo marcando un ritmo repetitivo y rítmico características principales del buen Djent Metal, dando paso a la parte vocal que canta con voz limpia, aportando pequeños guturales a lo largo del tema. El trabajo de la guitarra es muy bueno, manteniendo la coherencia técnica, comenzada con el bajo, haciendo del tema muy rítmico aun siendo machacante.

Creo que voy a hablar de unas de las mejores canciones del disco, “The Pionner” mas “Black Star”. Y es que en estos temas la transición es perfecta, haciendo buen combo entre ellas.

Aparte de ello, nos encontramos con esa

STONEWOOD (ITA) STONEWOOD

THIS IS CORE, 2019 Los Romanos STONEWOOD, traen este álbum homónimo; a través de This is core. Su primer larga duración; lanzado a principios de noviembre del pasado 2018. Y grabado en The Lab Studio; en la capital italiana.

La banda transalpina se formó en 2014, pero por diversas causas, hasta el año pasado, no han podido plasmar y dar a conocer su música. Una sólida mezcolanza de Stoner, Rock, Grunge y reminiscencias metaleras. Actualmente STONEWOOD están formados por Fabio y Carlo a las seis cuerdas, Francesco al bajo, Augusto en la batería, y Vito a las voces.

Mención especial a la portada, que personalmente me encanta, con ese aire vintage y retro; con esa cabra espacial; totalmente relacionada con un tema del disco.

Cómo bien he dicho, nos encontramos con un álbum evidentemente stoner. Aunque se nota que el metal es una clara influencia del com-

bo italiano. También ciertos toques Grunge noventero, que sin duda dan una dimensión notoria a este disco.

Comenzamos con “Down from the stars”,gran tema con guitarras corrosivas y una voz magnífica. Enlaza perfectamente con “Legs”, corte con cierto aire Grunge, incluso en sus estribillos. Una composición tremenda.

Siguen con “Out of sight “, con un royo árido y potente. Guitarras con melodías stoner 100%, y un estribillazo que se te mete en el cerebro.

En “Bluestone” continúan en la misma línea stoner que su predecesora, primando la estupenda voz de Vito, y las guitarras crujientes.

“China White” cambia un poco de tercio, y volvemos de nuevo por derroteros grunge, en un corte muy NIRVANA por así decirlo.

“Space Goat” es el tema que inspira la portada, y sin duda es de lo mejor de este trabajo. STONEWOOD carburando a tope, con la máquina bien engrasada, en otro ejercicio de stoner de calidad.

“Party Crasher” retoma el testigo grungero, en otra canción con reminiscencias noventeras.

Una composición muy buena.

Y cierran este buen disco, con “Ask the Dust”, resumen sin duda de lo que ofrecen los Romanos. Guitarras ardientes, una base rítmica sin fisuras y una voz rayando a un altísimo nivel.

STONEWOOD, son sin duda una grata sorpresa dentro del género stoner, saturado hoy día de bandas sin frescura y personalidad. Quizás peque de corto, con tan sólo ocho cortes; o quizás rezume demasiado grunge para los más puristas, pero resulta muy redondo y disfrutable. Invito fervientemente a su escucha, lo pasaréis en grande durante todo el álbum.

JOSE ANTONIO GALLEGO | 7.5

SUFFERING QUOTA (NDL) LIFE IN DISGUST

7 DEGREES RECORDS, 2018 A través de 7Degrees Records nos llega este visceral trabajo de grindcore “Life In Disgust” de los holandeses SUFFERING QUOTA, con el que cualquier aficionado a los sonidos más extremos estarán de enhorabuena durante los algo más de 20 minutos que dura el álbum donde el grind y el crush resuenan por doquier; para amantes de NASUM, NOSEBLEED o los primeros NAPALM DEATH. El cuarteto holandés nos presenta dos tipos de canciones, unas cortas, violentas y adictivas donde arrojar toda esa rabia contenida en apenas algo más de un minuto como en “Agnosia”, God Complex” o “Anger” donde René enfurece sus riffs al máximo, la percusión endiablada de Martin destroza uno a uno los parches, Stiff endurece su bajo para que Gerald en la voz escupa todos esos sentimientos reprimidos; brutal el álbum de estos chicos que a pesar de su violencia extrema y rapidez también tiene algunos detalles hardcore como los españoles TEETHING como en “Hate” o “Inferiority Complex”, de mis preferidos.

También le dan cabida en este aspecto a cortes más largos, atípicos del estilo como “Apathy”, “Disgust” o “Thought-Terminating Cliche II”, donde extienden sus parajes enfurecidos a lo largo de 3 minutos para dejarnos momentos densos y repletos de furia en una simbiosis de estilos grind/hardcore/crush que suena de maravilla, ya que ralentizan partes para machacarnos el cerebro sin perder ni un ápice de su agresividad; tres temazos de grindcore en toda regla en este discazo dentro del género que se han marcado SUFFERING QUOTA. JUAN ANGEL MARTOS | 8

TALES OF GLOOM (ESP)

UNEXPECTED TRACES OF A FALLING ESCAPE CRAZY SANDWICH RECORDS, 2019

SULPHUR AEON (DEU)

THE SCYTHE OF COSMIC CHAOS VAN RECORDS, 2018 “The Scythe Of Cosmic Chaos” es el tercer larga duración de los alemanes SULPHUR AEON, banda de Death Metal con cientos de influencias del Black y que con este nuevo trabajo, sin duda, los coloca como una de las mejores nuevas formaciones del estilo a nivel mundial. Si ya con sus dos anteriores obras habían logrado llamar la atención con su cuidado, variado, oscuro y brutal estilo, con éste no hacen si no, fortalecerse como banda y ofrecer un álbum verdaderamente compacto, brutal y lleno de matices. Nueve son las composiciones, y donde no tienen reparo en pasarse de un estilo a otro con muchísima soltura y naturalidad, ofreciendo detalles muy oscuros, propios del Black Metal, como otros del Death Metal más oscuro y caótico, decorándolo todo con melodías épicas y oscuras por momentos y más oscuras y misteriosas, incluso diría que magnificentes y que ofrecen una grandiosidad a las composiciones que por momentos pueden traer a nuestra mente a grandes del género como NILE, HATE ETERNAL, HOUR OF PENANCE,… porque la banda no duda en ofrecer brutalidad continuamente, pero variando ritmos y estilos o las voces que pueden ser oscuras, guturales, desgarradas y agresivas, y alternarlas con grandilocuentes coros o voces limpias que ofrecen otra dimensión a su música (“Yuggothian Spell” y “Thou Shall not Speak His Name”). La calidad técnica y de ejecución de los miembros está más que asegurada, siendo una música tan oscura, llama mucho la atención el cuidado a los riffs, los cuales por momentos, pueden llegar a recordarnos a los mejores EMPEROR (“The Summoning of Nyarlathopet”), para pasar a sonar cercanos a la mejor época de unos MORBID ANGEL, todo envuelto en un sonido denso, pesado y oscuro, que nos introduce en esta verdadera pesadilla que han creado, porque pocos álbumes tienen tal cantidad de detalles oscuros y arreglos en sus composiciones, haciendo todos y cada uno de los temas tan grandioso.

Otra vertiente de la banda que sigue en este álbum, es su devoción hacia el mundo de H.P. Lovecraft y el cual quedaba perfectamente reflejado en sus anteriores álbumes, en este continúan con ese culto a los mundos creados por el escritor y desde la excelente portada de Ola Larsson ya se puede observar lo que esta edición nos ofrece, verdadera oscuridad y brutalidad.

Sin duda, estamos ante uno de los mejores álbumes editados a finales de 2018, y que si lo escuchas este año puede ser tu álbum favorito del año sin duda, una banda grande, que sabe componer, como transmitir una oscuridad y densidad que ahoga y elimina todo rastro de vida, sin duda, album para tener en la estantería y de escucha obligatoria para el que disfrute del Blackened Death Metal en su máxima expresión.

“Unexpected Traces of a falling escape” es el tercer trabajo de la banda ibicenca de rock metal alternativo TALES OF GLOOM. El combo balear, cumple diez años en la escena, y lo celebra por así decirlo, con el lanzamiento de este álbum; original, fresco y ecléctico a partes iguales. La banda después de algún que otro cambio, actualmente está formada por Javier Riera, a la guitarra y voz, Isma González al bajo, Danilo Martínez a la batería y Chucky Planells como segundo guitarrista. Después de su primer “ To be Continued…. “ y el segundo larga duración “4 seasons of gloom”; los cuales tuvieron gran aceptación y buenas críticas, tanto de medios especializados, como de público; TALES OF GLOOM, dan otra vuelta de tuerca a su sonido, donde se ven influencias más notorias, como SMASHING PUMPKINS, MUSE, NIRVANA, e incluso sonidos más heavys y metaleros a lo MEGADETH. Lo que no quiere decir que pueda encasillarse a la formación en ningún género o estilo definido.

“Unexpected Traces of a falling escape” comienza con el tema que le da titulo al álbum.

Riffs modernos en un corte donde se respira pop, hecho con muy buen tino. Aunque deriva en sonidos más rockeros conforme avanza la canción. Mención a Javier Riera, en su labor vocal. Muy carismático su timbre y forma de cantar.

Continúan con composiciones como “A ticket for a last night” o “Blue sky”, donde endurecen su sonido, y se mezcla acertadamente con unos buenos estribillos. Quedando unos temas muy redondos. En “Late”, se van por derroteros más lentos, en un corte muy tranquilo. Le sigue “Generation 2” con un royo muy hard rock, donde se respira cierto aroma a rock noventero, incluso en la voz. Adornado con unas distorsiones muy eclécticas.

“Broken in two”, son cinco minutos largos donde convergen pasajes tranquilos, guitarras rockeras y grandes estribillos; siendo un tema perfecto para describir este disco. “Soma” es para mí gusto, el mejor corte. Unas guitarras magníficas y melódicas. Grandísima labor vocal, en una canción muy completa. Turno para “The last Season”, que es muy SMASHING PUMPKINS, con esas guitarras tan características. Muy buen tema sin duda.

“Angel smile” parece coger el rol de balada en este trabajo. Melódica y con fuerza en sus momentos más álgidos. Preciosistas guitarras y otra vez; Riera a gran nivel. “The Hugeness of stars” suena a rock noventero de nuevo. En otro corte que comienza más sosegado, y va in crescendo hasta su parte final. Siguen con “A piece of hope” donde suben sus revoluciones, en una pieza más rápida, donde las seis cuerdas son nuevamente protagonistas, con su doble juego de riffs y melodías.

Y cierran este magnífico trabajo con “Born in a Landslide”, donde marchan durante sus casi diez minutos, con todo lo que son TALES OF GLOOM. Tema disfrutable y con cambios muy bien realizados y variados.

La banda ibicenca ha logrado un disco ecléctico, melódico y muy fresco. Sin duda merecen una escucha, y profundizar en sus temas, que seguro no dejan a nadie indiferente.

JOSE ANTONIO GALLEGO | 7.5

LUIS MARTÍNEZ | 10

THETAN (USA) ABYSMAL

ANTI CORPORATE MUSIC, 2019 El dúo de Grindcore / Hardcore Drum n´ Bass THETAN publicó el 1 de febrero de 2019 su nuevo trabajo “Abysmal” vía Anti Corporate Music.

Su line up es: Chad (batería), Dan (bajo).

18 temas en más o menos 17 minutos. Ahí queda eso. Los de Nashville no se andan con chiquitas, y durante ese tiempo os aseguro que no dejan títere con cabeza. Para un obseso de la velocidad como yo esto es oro líquido, resultándome su escucha placenteramente intensa. Como podréis suponer, en líneas generales, las tonadas son simplistas y devastadoras. Todas ellas tienen un denominador común: la velocidad. Ahora bien, en varias ocasiones aparece una bass line clásica y limpia y otra pista distorsionada. Durante ese espacio de tiempo que ocurre varias veces a lo largo del C.D, no he podido evitar hacerme la pregunta de si en estudio han usado las seis cuerdas o simplemente han doblado el bajo, incluyendo efectos en éste. Pero mejor dejo de divagar, abandono este apartado y sigo con la descripción del asalto, ¿no os parece?

Como era de esperar, la producción es sucia y orgánica. No obstante, tranquilos, no estamos ante una maraña sónica inentendible. A su vez, el artwork a decir verdad no llama mucho la atención, pero si lo comparamos con el de su anterior 7″ “Welcome to Whine Country” acaba resultando maravilloso.

Destructor a más no poder es el bajo de Dan. Este hombre hace que su instrumento escupa notas punzantes a diestro y siniestro. Los registros vocales son desesperados e iracundos a partes iguales. Si buscáis algo de paz mejor será que os pongáis a otra banda. Y qué diablos, también otro estilo de música. Ya lo decía un poco más arriba. La percusión va a toda máquina. Los mid tempos son ínfimos y anecdóticos. Lo que sí que abundan, son los ritmos entrecortados. ¿Destacaría algún tema?, por supuesto que sí.

La instrumental “Welcome To Your Stupid Life”, unida a la bestial “By My Own Hand”, han conseguido volarme la cabeza. Recomendados a todos los que busquéis emociones muy muy fuertes.

JESÚS MUÑOZ CABALLERO | 8

ciones, “Veils Of Grey” guarda un pasaje mágico en uno de mis temas preferidos con un estribillo de corte goticista muy SENTENCED; mientras que en el otro corte que mencionamos en este bloque aparecen tonalidades vocales rasgadas y agresivas que contrastan con el resto, siendo un detalle de versatilidad que se agradece.

En la parte central del álbum encontramos la instrumental “Of Dark Suns And Dyining Stars” donde apreciamos la importancia de las orquestaciones y teclados en este álbum con un toque ensoñador, antesala de “Before The Fall” groovera y con un tono macarra en la voz de las estrofas, que va girando y guiando el tema hacia un puente y estribillo muy épico, como épico es el tema siguiente “Star-driven”, pero engalanado por un halo de modernidad que hace que casi sin darte cuenta hayamos llegado casi al final del disco. Final que lo pone “The House By The Grove”, perfecto para cerrar con sus contrastes este magnífico álbum que me tiene enamorado tras varias escuchas, apunten este nombre, TRAGODIA, si eres amantes del metal progresivo y épico con toques modernos.

JUAN ANGEL MARTOS | 8

TYTUS (ITA)

RAIN AFTER THROUGHT FIGHTER RECORDS, 2019

TRAGODIA (ITA) BEFORE THE FALL

REVALVE RECORDS, 2018 Desde Revalve Records nos llega el cuarto álbum de la banda italiana TRAGODIA, bajo el nombre “Before The Fall”. Una interesante propuesta mezclada por Giampiero Ulacco y masterizado por Jacob Hansen, que entremezcla una mezcla de estilos para traernos diez canciones repletas de ritmos heavies y progresivos con toques épicos y modernos además de obtener una atmosfera muy marcada y goticista con unos arreglos, orquestaciones y teclados muy elegantes (Francesco Lupi y Riccardo Tonoli).

El misticismo se arraiga con un inicio creciente en “The Untrodden Road”, donde a la contundencia de las guitarras creadas por Riccardo Tonoli, se le une las ambientaciones recreadas y la bella voz de Luca Meloni, creando unas melodías repletas de belleza y melancolía, pero con ese deje tonal de corte progresivo como EVERGREY, SYMPHONY X, RHAPSODY… “Master Of The Loss” o “The Fifth Season”, serian dos claros ejemplos de lo que hablo y en los que tengo que mencionar la percusión de Daniele Valseriati que da una gran corporeidad a cada tema junto al bajo de Marco Nicoli, perfectamente arropado en la estructura musical, de estos dos temas que encierran unos estribillos muy luminosos y pegadizos y donde empezamos a ver esas guitarras grooveras pesadas y contundentes que se entremezclan con su línea más heavy y progresiva.

Esta línea más potente y agresiva la podemos apreciar en “Veils Of Grey” o “The Forgery”, donde los riffs nos golpearan una y otra vez con gran potencia, contrastando con la magia desplegada en los estribillos o pasajes más etéreos que encierran cada una de sus can-

TYTUS es una banda italiana de Heavy Metal que nació en el 2014 y debutó en el 2016 con su primer disco “Rises”.

Está formada por Ilija Riffmeister (voz, guitarra), Mark Simon Hell (guitarra), Markey Moon (voz, bajo) y Frank Bardy (batería).

Comenzaron en el año 2017 trabajando en “Rain After Drougth” con Figther Records y por fin el álbum ha salido a la luz en Enero de este año.

La portada del disco se ambienta en una ciudad derruida en medio del espacio. Y la figura principal es un ser encapuchado y con tentáculos que alza el nombre del grupo en letras rojas llamativas.

A simple vista podría parecer la portada de un disco de Doom Metal pero las letras realzan el estilo al que procede.

De hecho la banda está influenciada por Hard Rock de los ´70, Thrash Metal de los ´80 y NWOBHM. Especialmente, al escuchar el disco, he notado una clara influencia de grupos como METALLICA. (En la voz y en algunos riffts de guitarra).

“Rain After Drougth” contiene diez temas.

Uno de los primeros que salieron a la luz fue la canción homónima que a su vez contiene dos partes: “Rain After Drougth pt.1.” y “Rain After Drougth pt.2”.

A nivel personal, el tema que más me ha gustado ha sido “Death Throes”. Tiene ese sentimiento “old school” de Heavy Metal sobretodo en la parte instrumental y parece tener un contenido diferente al resto del álbum.

“Rain After Drougth” se mantiene en la línea de su disco debut “Rises” pero cargado de riffts quizás más potentes. Asique si te gustó el primer trabajo de TYTUS es muy probable que este segundo no te decepcione.

ALICIA CASTAÑO | 6.5

UNENDLICH (USA) MISANTHROPIC SEDITION AUTOEDITADO, 2018 Desde Baltimore, Maryland, nos llega “Misanthropic Sedition” nuevo EP del dúo UNENDLICH. Editado de manera independiente, este nuevo trabajo consta de seis temas y una duración de poco mas de la media hora. Mezclado y masterizado en los Endarker Studio de Suecia por Devo de MARDUK. Y una portada creada por Misanthropic-art.

Como nota, decir que actualmente la banda ha editado su tercer larga duración a través del sello Horror Pain Gore Death Producciones.Puesto que este Ep que hoy nos atañe vino La Luz el pasado Noviembre del 2018. Lo que nos vamos a encontrar en este redondo, es un Black /Death con mucha atmósfera y melodía. Una impecable producción, llena de adornos y detalles en las composiciones.

Voces agudas, pesadas bases rítmicas y guitarras llenas de ambientaciones oscuras con mucha melodía. En muchas partes recuerdan mucho a la primera escena Sueca, sobre todo a DISSECTION en sus melodías y MARDUK en su velocidad y violencia. Para ser un EP la verdad que sorprende la duración y la cantidad de temas incluidos, pudiéndose considerar como una larga duración perfectamente. Los temas mas destacables son “Catalyst of Creation”. “The Figurehead” en la cual adaptan perfectamente a su sonido el clásico de THE CURE o “Where Dead Angels Lie” donde hacen lo propio con DISSECTION. Excelente EP de los Americanos.

MARK BERSERK | 8

VEILBURNER (USA)

A SIRE TO THE GHOULS OF LUNACY TRANSCENDING OBSCURITY RECORDS, 2018 “A Sire To The Ghouls Of Lunacy” es el titulo del cuarto disco del Dúo Americano VEILBURNER. Este nuevo álbum será editado por el sello Transcending Obscurity Records, consta de ocho cortes y una duración de poco mas de los cincuenta minutos. Será editado en Digipak y en una versión limitada a cien copias en caja que contendrá: parche, pegatina, poster, una postal autografiada y un sello de lacre con el logo de la banda.

Lo que nos vamos a encontrar es un melodioso Black / Death con muchas influencias modernas. Guiños hacia el Post Black / Blackgaze, momentos muy progresivos y experimentales que rozan lo alternativo. “Introvertovoid” es el encargado de abrir. Nada mas comenzar te das cuenta que esto no va a ser el típico Black Metal de corte Nórdico. Melodías hipnóticas con bases muy progresivas se entrecortan con un Blackened con momentos disonantes. En muchos aspectos me recuerdan ligeramente a los nuevos ENSLAVED, fusionados con los MAYHEM de la época de Rune Eriksen. “Panoramic Phantoms” regresa con el mismo tipo de formula en donde se dejan ver mucho mas Avant-garde. Le toca el turno a “Agony On Repeat” donde los ritmos a medio tiempo predo-

minan con profundas bases rítmicas y juegos de voces en diferentes tonalidades que le da riqueza al tema. Melodías repetitivas que se clavan en el subconsciente. “Abattoir Noir”, tiene ese tipo de sonido mas “Alternativo” y experimental que puede llegar a recordar a bandas como AMESOEURS, DEAFHEAVEN… En “A Sire to the Ghouls of Lunacy” regresan a un sonido mas orientado hacia el Black, pero sin dejar de lado su visión excéntrica de este. “Glory Glory Grotesque” es mucho mas depresivo y decadente, mostrándonos de nuevo esas fusiones mucho mas modernas.

“Upstream and Parallel” es uno de los temas mas rápidos del disco y con un sonido mucho mas clásico, en donde muestran un Death melódico con fusiones Black. Para cerrar tenemos “Where Torment has Danced Before”.

Un tema con tendencias mucho mas góticas y atmosféricas que el resto. Un disco extraño, no recomendado a todos los públicos. Para fans de sonidos mucho mas actuales y abiertos de mente.

MARK BERSERK | 7

VENOM (GBR) STORM THE GATES

SPINEFARM RECORDS, 2018 La impia trinidad de los VENOM de Cronos, Rage y Dante, celebran su décimo aniversario juntos con este nuevo álbum titulado “ Storm The Gates”. Compuesto por trece nuevas pistas y una duración de poco mas de cincuenta minutos . Editado por el sello Spinefarm Records el pasado mes de diciembre, tanto en formato CD como en 12 pulgadas.

Lo que vamos a encontrarnos es mas de lo mismo, tanto a nivel compositivo como en producción. Quizás esta ultima tiene un poco mas de calidad que en su momento, pero siguen sonando “vintage”. Su música podríamos definiría como un Heavy metal sin florituras ni voces virtuosas con mucha influencia del Punk. Pues en verdad a pesar de atribuirles el Black Metal como uno de los padres fundadores, musicalmente siempre fueron una banda que dentro de la denominada NWOBHM no llegaban a deslumbrar musicalmente como sus coetáneos. Y dentro del Speed Metal pues siempre les falto algo de velocidad.

VENOM aportaron mas a la estética y temática que realmente a lo musical. A pesar de esto fueron una piedra angular en el posterior desarrollo del Metal Extremo, pues sus grabaciones “sucias” en comparación a sus compañeros de escena de la época, inspiro a bandas como SLAYER, SODOM, KREATOR, BATHORY, HELLHAMMER, CELTIC FROST… que mas tarde realmente definieron el camino del Black Metal hasta la llegada en escena del movimiento Nordico. Muchas veces el secreto no es ser el mejor, sino simplemente ser diferente al resto. Regresando a este ultimo disco, la impresión que me dan es de unos MOTORHEAD descafeinados y aburridos, en donde verdaderamente ningún tema destaca por encima de otro. El disco posiblemente le vuelva loco a los fanáticos de la marca VENOM o a los “enamorados” del sonido mas oldschool del Heavy Metal, pero en verdad no deja de ser un álbum del montón parido por una “leyenda” que uso tachuelas antes que nadie y una actitud satánica. Para mi gusto se hace excesivamente largo, el tema que mas me a gustado del disco es “Over My Dead Body”. El resto siguen teniendo ese toque añejo que los caracteriza y solo el hecho de seguir ganándose las lentejas en el escenario y sacando discos nuevos pudiendo vivir de las rentas ya les honra y por ese mismo motivo les doy el aprobado.

MARK BERSERK | 6

VVORSE (FIN)

AJATUS VAPAUDESTA INVERSE RECORDS, 2018 El 5 de diciembre de 2018, Inverse Records publicó el nuevo E.P del combo de Neocrust Hardcore VVORSE titulado “Ajatus vapaudesta”.

Su formación es: Jussi (guitarra y voz), Lauris (guitarra y voces), Topi (batería), Jaakko (bajo).

22 furiosos y oscuros minutos de música es lo que nos trae los de Finlandia. No solo llegan a destrozarlo todo con su propuesta, sino que también llegan a incluir elementos poco usados en el Crust como es el caso de los dobles tonos, los riffs a una cuerda y las armonías dobladas. Sinceramente, parece que esta nueva vertiente es más rica en matices que la raíz base. Obviamente, esto es señal de que el estilo en vez de caer en un pozo estanco está vivo y fluye correctamente. La producción es clara, añadiendo un artwork simple pero eficiente.

El asalto lo abre “Takaisin pimeyteen”. Desde el primer segundo, el conjunto pone las cartas sobre la mesa, exhibiendo todo su potencial.

Quien busque algo más sosegado mejor que vaya en busca de otra cosa. Le sigue la dramática, pero no por ello menos furibunda “Aivan tarpeeksi kauan”. Para este humilde redactor es el mejor corte del asalto. Estad atentos al parón rasante que realizan en la mitad final de la tonada. De ahí pasamos a “Tuhkapatsaat” y sus leves pero presentes “golpes relámpago” junto con sus pinceladas de “hachas” muteadas. Sin atisbo de ofrecer respiro, aparece “Vika on tässä paikassa”, mostrando una vez más su cara melancólica sin renunciar a la celeridad. El punto y final lo pone “Orjat”.

Esta canción, después de un inicio insidioso, acaba por estallar a up tempo. Al leer la breve descripción de los tracks, supongo que ya os habrá aparecido adjetivos como intenso por vuestra mente. Y efectivamente, ¡vaya embiste camaradas! Hacía tiempo que no me metía en estos jardines, mas os prometo que procuraré no volver a echar en el olvido este género de aquí en adelante. Y es que no solo de Death Metal se puede vivir.

Quien diga que esta escena está muerta no tiene ni idea. Echadles un oído a estos tipos.

Os aseguro que merecen muchísimo la pena.

base rítmica, aunque claramente se nota que aún necesitan rodaje, más empaque quizás, que les dé esa firmeza dentro de la escena. En cuanto a letras, hay cortes en inglés y en Polaco, con estrofas y versos muy cortos, dando vital importancia a la música de la banda. Claro está que es un trabajo complejo y caótico; tratándose sin lugar a dudas de un magnífico disco debut. Difícil de calificar y digerir desde luego, pero una vez profundizas en él, la escucha merece la pena.

El álbum empieza con “ Selfish“, corte bastante cañero y oscuro , quizás un anticipo de lo que es “Fading Days”. Con ambientes opresivos, ayudados por la voz de Bartek.

Continúan con “ Purpose“, con la voz; rayando a gran nivel, agresiva y perfecta para su estilo.

En “ Disaster “, aparecen guitarras propias del Djent, pero ese colorcillo hardcore oscuro y opresivo se palpa claramente. Después tenemos cortes como “Broken Promises“ donde aparece un estribillo de forma fugaz y casi única en todo el álbum ;“Tu i teraz “, “Doubt “, o “ Worth“ van dándole forma al disco; oscuros, llenos de melancolía, opresivos a la vez que cortantes y afilados. Con Bartek gritando y desgranando sus letras con dolor y caos.

Siguen con “ Putska“, en una línea muy similar a sus predecesoras. De nuevo con guitarrazos Djent y una base rítmica muy trabajada que otorga bastante fuerza al combo de Cracovia. “ Twisted“, es la canción que más me ha llamado la atención, tiene otro aroma aunque no lo parezca, y suena algo diferente. Más pausada, con mucha carga emocional, pero agresiva y devastadora a partes iguales.

WHITEWHALE, cierran su primer larga duración con “indifference “, un corte en el tono general de este “Fading Days “. Potentes y muy oscuros. Tampoco creo que busquen otra cosa. Confío, que con el tiempo continúen con este buen hacer en sus composiciones y consigan trabajos algo más accesibles, y que entren mejor en las primeras escuchas. Aunque, repito, creo que no buscan esos derroteros; si quieres disfrutar de WHITEWHALE , dale varias oportunidades, escúchalos tranquilo, sin prejuicios. Te sorprenderán seguro; complejos y casi inclasificables, pero con muchísima calidad.

JOSE ANTONIO GALLEGO | 7.5

JESÚS MUÑOZ CABALLERO | 7.5

WHITEWALE (POL) FADING DAYS

AUTOEDITADO, 2018 Desde Polonia, WHITEWHALE presentan su álbum debut; “Fading Days”.

Son una joven banda, que rápidamente ha compuesto este trabajo, ya que se formaron a principios de 2018, provenientes de otras formaciones de la escena polaca. Se mueven entre varios estilos como son el Hardcore, Metal,Post metal, Djent, Alternativo y demás sonidos contemporáneos. Tienen un toque fresco y actual; a la vez, suenan oscuros, pesados y con aromas de melancolía y desesperanza en sus canciones; lo que les da un color bastante único. Unos riffs abrasivos y una buena NUM. 62 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 53

DESOLATION METAL FEST Había expectación y cierto nerviosismo en ésta primera edición del DESOLATION METAL FEST, y no era para menos, un cartel de lujo para un estilo de metal no apto para todos los gustos. Y la cosa no pudo salir mejor. Era una apuesta arriesgada y que afortunadamente dio sus frutos.

12.01.2019, SALA ZENTRAL (PAMPLONA) TEXTO: FERNANDO TURRILLAS | FOTOS: UNAI ENDEMAÑO

MOSH

Desde el primer momento, la organización controló con una puntualidad suiza, los tiempos de actuación de cada grupo, así como los cambios entre uno y otro. Un diez en ese aspecto. Tanto en las labores de sonido, a cargo de Pablo Rousselon y los técnicos de la Sala Zentral, como en el espectáculo lumínico realizado por Aldeas Sonoras, hilaron un espectáculo que nos hizo disfrutar a todos de lo lindo.

Y toda esa “desolación” musical comenzó con los pamplonicas Spirikom, con su “Iruña ancestral metal” y su curiosa puesta en escena por parte de Iván, su cantante. Desglosaron por completo su primer lanzamiento discográfico y nos regalaron una cover de Brujería, “La ley de plomo”. Desde el primer tema “Hellter Skelter”, hasta el último, “Ley de plomo”, los irundarras dieron lo mejor de sí en su estreno en una gran sala como la Zentral de Pamplona.

Tras un rápido cambio de equipo, salían a la palestra los peralteses Mosh, donde demostraron que son una banda a tener muy en cuenta en el panorama musical estatal. Su segundo CD “El Filo”, es una apisonadora en directo, y así lo vivimos.

Suenan como una maquinaria perfectamente engrasada, no dejando nada al azar.

MOSH

THE BROKEN HORIZON

La calidad musical de Meltdown, no da lugar a la duda. Su extrema juventud con tres lanzamientos a sus espaldas quedó patente en este festival. Nos regalaron dos temas de su anterior trabajo “I Refuse To Die Here”, entre los que está “Gears”, una joya de canción, para seguir desgranando su último trabajo “From This Day To The Grave”, con temazos como “Titans”, “Rip Out My Eyes” o “Death Is A Promise”, para finalizar con una brillante cover de Linkin Park, “One Step Closer”, incluída en el último recopilatorio de HxC HxC (Hardcore Hits Cancer).

Un bolazo en el que lo dieron todo pese haber tenido otro concierto el día anterior.

Y llegaba el turno de la semilla germinal de este festival, The Broken Horizon. Desgranaron su LP debut “Desolation” con su nuevo cantante Víctor “Yisus” Parra, donde descubrimos a un gran frontman que sabe llevar a la banda a darlo todo sobre las tablas. Sonaron temazos como “Oui” y “Nothing Gleaming”, al cual se unió Iñi de Childrain, que colabora precisamente en este tema dentro de su disco. Nos regalaron una aplastante versión de “Psychosocial” de Slipknot, donde de nuevo las colaboraciones salieron a la palestra de la mano de Iñaki de Mosh y Sasu de Meltdown.

El despegue de esta banda pamplonica está siendo meteórico, augurándoles un gran futuro. Sonido de lujo, ya que a los mandos teníamos a Pablo Rousselon de TMF Studios.

Y llegaban los cabeza de cartel, Childrain, con un espectáculo y puesta en escena digno de los más grandes. Con un Iñi llevando la voz cantante, en todos los sentidos, espectacular, nos deleitaron en su mayoría con temas de lo que es su último disco, “Matheria” y joyitas como “The Wolf”, “Awakening” y “Confined”, de su predecesor “A Fairy Tale for the Dissent”. Echamos en falta algún adelanto de su inminente disco “The Silver Ghost”, pero seguramente volvamos a disfrutar de ellos en breve. El espectáculo de luces parecía salido de una película de Star Wars, increíble, la verdad. Ésta banda está ya en lo más alto del panorama musical estatal por méritos propios.

En cuanto a lo que se refiere al festival en general, un diez en todo. Esto no ha sido sino un preámbulo de lo que pueda venir en el futuro y esperamos que por muchos años. Larga vida al Desolation Metal Fest!!!

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CHILDRAIN

CHILDRAIN THE BROKEN HORIZON