Necromance Digital Magazine 69

REDACCIÓN Y STAFF: DIRECTOR: David Déniz Plaza

NÚMERO 69

EDITOR, REDACCIÓN Y PUBLICIDAD: David Déniz Plaza MAQUETACIÓN Y DISEÑO: David Déniz Plaza REDACTORES | CRONISTAS: Alicia Castaño Carlos Bermejo César Luis Morales Daniel Gallar Jesús Muñoz Caballero Jesús Sánchez García Jorge De La Cruz Juan Angel Martos Luis Martínez Nacho Peña Robin RM Santi Gzlez Sebastián Abdala FOTÓGRAFOS: EN PORTADA: Unbounded Terror (Fotografía de Tuco Martín)

REDES SOCIALES: Necromancedigitalmag NecromanceMag necromancedigitalmag necromancedigitalmagazine necromancemagazine necromancedigitalmagazine

DIRECCIÓN POSTAL: Necromance Digital Magazine Apdo. de Correos 66 38320 La Cuesta Tenerife - España EMAIL: Información general

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advert@necromance.eu PRÓXIMO NÚMERO: 29.FEBRERO.2020

CONTENIDO SECCIONES REGULARES 04 05 08 28

EDITORIAL CONTENIDO RECOPILACIÓN DIGITAL CRÍTICAS (NOVEDADES)

ENTREVISTAS 14 16 18 20 22 23 24

SUN OF THE DYING UNBOUNDED TERROR NORTH OF SOUTH GOLGOTHA ADEWELLO MASSIVE DESTRUKTION ETERNAL STORM

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NECROMANCE DIGITAL SAMPLER - VOLUMEN 42

1. UNBOUNDED TERROR (ESP) SILENT SOUL

Extraído de / Taken from “Faith in Chaos” (CD 2020) Xtreem Music

2. SUN OF THE DYING (ESP) ORION

Extraído de / Taken from “The Earth is Silent” (CD 2019) AOP Records

3. NORTH OF SOUTH (ESP) EMBERS REMAINS

Extraído de / Taken from “The Dogma and the Outsider” (CD EP 2019) Worm Hole Death

4. GOLGOTHA (ESP) ERASING THE PAST

Extraído de / Taken from “Erasing the Past” (CD 2019) Xtreem Music

5. ADEWELLO (ESP) PESTE BLANCA

Extraído de / Taken from “Exp. #ES000001” (CD 2018) Autoeditado | Self financed

6. ETERNAL STORM (ESP) THE MOUNTAIN

Extraído de / Taken from “Come the Tide“(CD 2019) Transcending Obscurity Records

7. MASSIVE DESTRUKTION (ESP) THE PUNISHMENT

Extraído de / Taken from “Mercenaries” (CD 2019) Autoeditado | Self financed

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necromancedigitalmagazine.bandcamp.com DISEÑO DE PORTADA REALIZADO POR: THE CORE INSIDE

SUN OF THE DYING

SUN OF THE DYING tienen una vida relativamente corta. Fundados en 2013, publican en 2017 su primer larga duración, “The roar of the furious sea”, y ahora, a finales del 2019, acaban de publicar el segundo álbum, “The Earth is silent”. Y sí, así nos hemos quedado, callados con la mandíbula a la altura del esternón debido a lo que acabamos de escuchar.

Un saludo a la gente de SUN OF THE DYING. Lo primero, felicitaciones por haber sacado este segundo trabajo en tan poco tiempo después de vuestro debut. Unas primeras palabras sobre este, “The Earth is silent”.

Weser: Gracias por la invitación a poder participar en esta entrevista y muchas gracias igualmente por la felicitación de este arduo año en el que ha supuesto la elaboración del LP. Pese a ser una tarea titánica por compaginar nuestra apretada agenda laboral y personal con la labor musical, estamos muy satisfechos con lo realizado y con el impacto que está siendo la respuesta por parte de la gente. Últimamente, trabajos en los que he tenido la suerte de hacer la crítica han sido el de HEX (“God has no name”) o el de TOTENGOTT (“The Abyss”), y me vuelve la misma pregunta a la cabeza ¿qué está pasando con los últimos lanzamientos nacionales? ¿Es algún tipo de venganza contra los internacionales? ¿Qué desayunáis?

Yuste. Es el síndrome de que todo lo de casa es malo y de que todo lo de fuera es lo mejor. Hay grupos en los locales de ensayo que harían palidecer a muchas de las vacas sagradas del metal nacional y por supuesto del internacional, pero al final la falta de apoyo quita las ganas de invertir en un producto mejor y terminan por no salir del local. Y por supuesto mucho menos de su ciudad.

David: Tengo la convicción de que el Doom Metal en particular y el Metal Extremo en general tienen en España una salud envidiable. Las bandas que citas, y otras como Helevorn, Evadne, Golgotha, Dantalion… La calidad y cantidad de la oferta son espectaculares, y parece que empieza a haber público para todo ello. Aún falta infraestructura para hablar escena, pero, joder, da gusto escuchar a las bandas de por aquí y ver que hay cosas tan buenas.

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Contadnos un poco de la banda, de sus orígenes, de aquellos primeros ensayos, de esos momentos en los que os miráis y decís ¡hostia, pues no suena nada mal, de aquí puede salir algo bueno!

Yuste. Yo creo que el punto de inflexión fue la participación en la Metal Battle del 2018, cuando sin tener la menor expectativa nos vimos en la final y con una gran aceptación. Quizá ahí cuando nos vinimos más arriba.

Decantarse por un sonido como este, ¡uff, tiene tela!

No es precisamente la música más alegre del mundo. Por mí, perfecto, me encantan tanto MY DYING BRIDE o PARADISE LOST, en todas sus etapas, como SATURNUS o SKEPTICISM… Siempre me he preguntado una cosa: ¿os habéis encontrado alguna vez a alguien que le chocase vuestro sonido, o sugiriese tocar otro estilo menos tétrico? Mama, mira, toco en una banda… Pero, hijo, ¿tienes que tocar con esos melenudos? ¡Y encima vestido de negro!

Weser: El apoyo familiar en estos géneros musicales no suele ser muy frecuente, es cierto, más pese al gusto artístico de la gente que nos rodea siempre nos hemos sentido apoyados desde el principio viendo que, al fin y al cabo, alguien se queda con ciertas ideas dentro de la música que queremos transmitir.

De hecho, incluso a personas que no conocían el género es para nosotros un orgullo dentro de nuestro ámbito el podérselo acercar y que les haya podido llegar a atraer.

David: Gente muy cercana me ha preguntado, literalmente, que qué me ha pasado para hacer esto. Pero en fin, pasa con prácticamente todo el underground, ya ni te cuento cuando nos vamos a géneros extremos.

En el anterior álbum, se encargaba de las voces Lavin Uruksoth e Ivan al bajo. ¿Qué ha pasado, sin entrar

en terrenos personales? ¿Distintos puntos de vista?

Casuso. En el caso de Lavín por disponibilidad y distancia, llegó un punto en que no encajaba con el ritmo que necesitaba la banda; Y en el caso de Iván fue puramente por motivos laborales. Somos amigos de hace tiempo y llevaba tocando con él en varios grupos. Cuando se fue a trabajar fuera de españa fue algo duro, pero nos seguimos viendo y está al día de las novedades de la banda de forma privilegiada.

David: Los cambios de formación al final siempre han sido por temas logísticos. Iván se fue a vivir al extranjero, Lavín estaba en Santander… Somos, ante todo, una banda de directo.

El escenario es nuestro hábitat y para eso hace falta ensayar regularmente. Respecto a puntos de vista, nunca ha habido problemas, por suerte es una banda con una dirección muy clara y todos vamos a una con ello.

Volviendo al nuevo disco, ha sido publicar el anterior y casi poneros con este. ¿Cómo ha sido el proceso? ¿A nivel compositivo, cómo lo hacéis? ¿Sale un tema casi del tirón y luego se le añaden los detalles? ¿Alguien que viene con un riff y a partir de ahí, darle vueltas y vueltas?

Weser: En efecto, el tránsito entre el anterior disco y el actual ha sido raudo. Fue terminar la promoción del primero e inmediatamente cerramos filas con la incorporación de Yuste y Edu y ponernos a componer para un nuevo trabajo que reflejara fielmente esta nueva formación. En efecto, a las preguntas siguientes contestamos ambas con un sí. Trabajamos en ambos aspectos, desde una idea básica que se desarrolla en el local, como un tema casi completo que ultimamos después todos juntos.

David: Sobre el proceso compositivo, varía de unas canciones a otras. Lo importante es que en directo funcione; si nos toca la fibra, es que está bien.

Edu: En sí hay un poco de todo, hay temas que surgen en el local, otros que los trae ya medio planteados uno de los miembros del grupo… Aun así siempre hay una puesta en común de ideas para todas las canciones, de esta forma entre todos le damos forma a esa idea, cambiando estructura, haciendo arreglos… en definitiva, haciendo que suene a Sun of the Dying.

A nivel lírico, ¿qué o quienes os inspiran? ¿Primero la

letra y luego la música, al revés, o a la par? ¿Algún tema que queráis destacar o del que estéis especialmente orgullosos?

Edu: Las letras tratan principalmente de cosas que nos han marcado personalmente, ya sean experiencias propias, poesía como en el trato de Dylan Thomas, escritores como H. P. Lovecraft, Neil Gaiman o Cormac McCarthy, o incluso historias de la cultura griega. Todo influencias que nos aporten esa emotividad y expresividad entre nostalgia, dolor y tristeza que representa nuestras canciones Weser: A medida de aumentar las escuchas del disco creo que la canción más redonda que tenemos es White Skies and Grey Lands, pero creo que Monolith es la más representativa. A Dying Light es la primera canción que compusimos para este nuevo disco y, no sé vosotros, pero escuchada en vinilo es increíble.

David: Siempre comenzamos trabajando la música, aunque muchas veces se trabaje sobre ella con algún tema o historia en mente, como en White Skies and Grey Lands. Buscamos inspiración en prácticamente todo y escribir es prácticamente un proceso de catarsis: experiencias personales, libros, historia, mitología….

Y a día de hoy, ¿qué tal está funcionando el disco? ¿Qué tal la aceptación, tanto nacional como internacional? ¿Tenéis fechas ya reservadas para alguna gira, conciertos? ¿O ya estáis pensado en el próximo álbum?

Weser: Desde la fecha del lanzamiento hasta la actualidad es increíble el acogimiento tanto nacional como internacional del mismo. Ya no sólo por la estadística de las escuchas, reproducciones y críticas en diversas plataformas o revistas, sino que los que escuchan nuestra labor en este último trabajo podemos realmente sentir que les mueve y que viven la música tal y como queríamos nosotros expresarla. Para nosotros está siendo un absoluto éxito. A corto plazo empezaremos a lanzar las fechas de la gira que tenemos pensada, si no también conciertos aislados; así pues, por el momento nos centraremos en la promoción de este nuevo trabajo aunque con la vista puesta en el horizonte del próximo, como no podía ser de otra manera. La máquina de Sun of the Dying está muy bien engrasada.

Una banda, un disco, una referencia fundamental en vuestra música. Y ésta es más cabrona, ¿una banda, o disco que nadie esperaría, un secreto inconfesable, en plan “Pues a mí me gusta Britney Spears”?

Yuste. Como referencia musical no sabría si quedarme con Emperor o Paradise Lost : /, y un secreto inconfesable, no sé… quizá mi debilidad por los Village People.

Weser: Personalmente Saturnus y Ahab dentro de este disco. Sobre vicios confesables: si ponen en algún sitio ABBA (que no Abbath) es imposible que no empiece a bailar, pese a lo tímido que se pueda mostrar un batería según qué cosas…

David: Iba a hablar de vicios inconfesables, pero creo que mis compañeros se han dejado suficientemente en evidencia como para seguir tirando de la manta. Oasis. Bien. Y para nosotros creo que la influencia de los Peaceville Three es más que palpable, así como la de grupos nórdicos de Doom. Personalmente, el Nighttime Birds de The Gathering es un antes y un después en el estilo.

Muchas gracias por vuestro tiempo y vuestras palabras. Micrófono abierto para saludar a papa y a mama, al tito y la prima, para que saludéis a los fans y que nos vendáis “The Earth is silent”.

Weser: Imposible no agradecer a Simón y Fer de The Empty Hall Studios, a Sven de AOP Records, a Pau de Blood Fire Death, a JC Rayo, Sara Juanes, Roberto Millán, todo el equipo de rodaje del que va a ser el próximo videoclip. Mención especial a Anto y Macho, también.

A todos gracias de corazón por el apoyo de tiempo, material e interés que han mostrado con nosotros.

David: Muchas gracias a Necromance por dejarnos tener voz. No se habla mucho del currazo que desempeña la prensa en el underground, pero es uno de los pilares fundamentales. ¡Muy agradecido!

[CESAR LUIS MORALES]

UNBOUNDED TERROR

«Faith in Chaos» supone la vuelta a la escena de una de las bandas pioneras dentro del death metal nacional, estamos hablando de los legendarios UNBOUNDED TERROR que con Vicente Paya al frente han vuelto a la escena para deleitarnos con su enorme Death Metal. A continuación os dejamos con la entrevista donde nos cuentan muchísimas cosas sobre este regreso y su nuevo trabajo.

Hola a todos desde Necromance Digital Magazine, deciros que es un verdadero placer poder tener esta charla con vosotros, siendo, como sois, una de esas bandas legendarias de la escena española. Para comenzar me gustaría que nos hablaseis de qué músicos forman en la actualidad UNBOUNDED TERROR y sobre todo qué es lo que ha llevado a retomar esta banda tras tantos años.

El placer es mio por la buena acogida que estamos teniendo y por no habernos olvidado. La nueva formación esta integrada por Jaume Portas a la batería, Andrew Espinosa Voz/Bajo, Juan Mateu guitarra y yo como único miembro original. A principio del año pasado 2019, me pidieron permiso para hacer unas camisetas y parches de Unbounded Terror, un tío que se dedica solo a bandas de los 90. Me comento algo de porque no volvía a reunir la banda. Yo estaba en pleno proceso del nuevo álbum de Golgotha y pensé que no tendría tiempo, pero en abril acabe lo de Golgotha y me puse con U.T componiendo los temas de lo que es el Faith in Chaos. En el 2019 compuse y grabe los dos albumes (Golgotha,U.T).

Siendo una banda que se formó hace treinta años, me gustaría saber qué diferencias habéis notado en la escena española, si veis alguna, desde aquel lejano comienzo y los primeros años de la banda, comparándolo con la realidad actual, porque me parece que ese entusiasmo que había hacia el estilo ahora mismo se ha apagado un poco. ¿Cómo lo veis vosotros?

Yo ahora veo el mismo entusiasmo o mas, lo que pasa que ahora los medios son mas fáciles para todo y hay muchas bandas. Antes todo era mas difícil, y éramos pocos los que podíamos editar algo. La verdad es que antes se trabajaba mucho, correo, paquetes, ahora todo esta en internet, la manera de grabar es mas fácil, mas económica……. La manera de comunicarse…….. También veo que ahora podemos disfrutar de muchas buenas bandas. No veo que se haya apagado, veo un resurgir del death.

Como banda de Death Metal tenéis el honor de ser la primera del estilo en este país en editar una lar16 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 69

ga duración, con vuestro debut “Nest Of Affliction”. ¿Cómo funcionó ese álbum? Visto ahora desde la distancia en el tiempo, ¿cuál es vuestra opinión hacia lo que supuso para UNBOUNDED TERROR? Cuando aún a día de hoy escucháis a gente catalogarlo como un álbum de culto, ¿qué os viene a la cabeza?

Uffff…..en cierta manera me hace sentir muy bien, es verdad que fuimos la primera banda death española en sacar un álbum, pero había otras bandas sobre todo Necrophiliac que también editaron un gran álbum. La verdad es que el álbum funciono muy bien, el Death estaba en alza en ese momento y como primera banda en editar un álbum la gente se lanzó a por el……Muchas personas cuando me ven siempre me comentan lo mismo, “cuando era pequeño escuchaba tu álbum y fue muy importante ….” Me llena oír eso, estoy muy agradecido.

Creo recordar que gracias a ese álbum se os abrieron puertas en salas de toda España, más de veinticinco años tras eso ¿Qué recuerdos os viene de esa época y esos conciertos?

Si, hicimos una gira por toda España y tocamos con muchas bandas tanto de aquí como de fuera, Aposento, Obscure, Deicide, D.R.I, Doomsday… Fueron meses tocando, antes era diferente, la gente llenaba los recintos, era el punto de reunión de los metaleros, no había lo que hay ahora, festivales, conciertos cada día……..Y todo el mundo tenia hambre de ver a las bandas en directo. Ahora es igual, pero a veces no sabes a donde ir de tantos que hay. La gira en si, pues imagina, durmiendo mal, sin dinero, sin comer……..

Este pasado 2019 Vicente, decide ponerse manos a la obra y revitaliza UNBOUNDED TERROR de nuevo. ¿Fue difícil tomar esta decisión? Supongo que en Mallorca no abundarán músicos para un estilo tan extremo como el que practicáis, ¿Fue difícil encontrar a los actuales miembros?

No lo pensé mucho…fue dicho y hecho, rápidamente busqué a gente que me acompañara y la encontré. Gente joven pero con muchas ganas, es lo que buscaba….

Vamos ahora a centrarnos en esta nueva edición “Faith in Chaos”. ¿Cómo fue el proceso de composición de los temas? ¿Han sido trabajados en un global como banda o por el contrario han salido todos de la mente de un solo miembro? ¿Llevaban mucho tiempo en elaboración, o fue algo rápido y sencillo?

Como te he comentado antes todo lo he creado yo, después de acabar con los temas de Golgotha me puse a componer el de U.T, normalmente hago demos en casa y se las paso a la banda para que se las aprenda……después vamos a grabar y ensayamos los temas. El proceso de composición y grabación me ha llevado unos meses.

El disco cuenta con un sonido muy bueno, limpio, pero a la vez muy potente. ¿Dónde y cómo fue la grabación? ¿Estáis satisfechos con el resultado final?

Lo grabamos en Palma con Nico Beninato en sus estudios Kimera Recording, trabajar con él ha sido lo mejor que me ha pasado, ha sabido captar el sonido old school y añadirle una producción de ahora sin quitarle personalidad a la banda. La masterización ha corrido a cargo de Dan Swano El los Unisound, toda una institución en el mundo del Death Metal. Muy contento, es lo que buscábamos ahora: el equilibrio entre el pasado y el presente. ¿Qué le diríais a un seguidor del Death Metal actual, y que nunca ha escuchado UNBOUNDED TERROR para que diese una oportunidad a vuestro nuevo álbum? ¿Qué temas creéis que sin duda demuestran toda la potencia de la banda y recomendaríais escuchar a los fans más nobeles?

Si es un seguidor de toda la vida, le diría que seguimos haciendo lo mismo que antes, temas sin tecnicismos, simplemente dureza, pesadez, todo ello con un sonido de ahora pero sin perder la esencia del pasado. A los nuevos que no nos conocen solo que escuchen como se hacían las cosas antes. Es otra forma de hacer Death. Temas! Me gustan todos en general pero me decanto mas por Insidious, The Will Come from The Pain y Hated in hell. ¿Supongo que el apartado lírico es algo que intentareis cuidar también, nos podríais hablar un poco sobre este aspecto en “Faith in Chaos”? ¿Hay algún mensaje global que busquéis transmitir a través de vuestras letras?

Las letras en este caso están todas hechas por Amon (Golgotha) buscamos crear una protesta a todas las envidias, poder, mentiras, daño, pero todo mirado del lado infierno y cielo, con los buenos y malos , ángeles y demonios……

Si vuestro debut lo editó Drowned Productions, esta vez también habéis trabajado de nuevo con Dave Rotten en su sello Xtreem Music. ¿Cómo surgió todo esto y qué os supone volver a trabajar con Dave?

Dave es un buen amigo y también es el pionero en España de todo lo que engloba el Death metal. Es un tío que lleva años y que nos ha hecho descubrir bandas, su sello pionero aunque haya cambiado nombres es de los mas importantes en Europa y si no esta a la altura de otros con renombre es porque es de aquí……si hubiera sido de otro país puntero ahora hablaríamos de palabras mayores. Confío mucho en su trabajo. Como surgió, cuando le comente lo de U.T me ofreció sacarlo él, siempre ha sido un gran fan de la banda.

Sé que estuvisteis descargando en directo en el Iberian Warriors Metal Fest 2019 en Zaragoza, de hecho, leí que la reacción del público fue muy buena hacia vosotros. ¿Qué nos puedes contar de esta experiencia tras tantos años sin llevar a UNBOUNDED TERROR al directo? ¿Hay posibilidades de volver a llevar a la banda de gira o a conciertos por la península o estaréis más centrados en ser banda de estudio?

Fue nuestro primer concierto y podría haber sido mucho mejor…..Pero estábamos un poco verdes. Después tocamos en Valencia con Obscure y fue tremendo…..Si que queremos tocar por todo de echo ya tenemos fechas…..es de lo que mas ganas tenemos. Y ahora te puedo asegurar que llevamos un buen directo……Temas nuevos y antiguos…..no os lo perdáis si pasamos cerca de vuestra ciudad.

Habéis contado con el artista Juanjo Castellano para el arte de este nuevo álbum, ¿Cómo ha sido la experiencia de trabajar con él? ¿De dónde salió la idea para la portada de este nuevo álbum? ¿Qué buscáis transmitir con esta portada?

Fue cosa de la compañía y la verdad que es una muy buena elección. Solo le dijimos de que iban las letras y ellos dos crearon esa gran portada, como te he comentado antes, la batalla entre el mal y el bien……

Desde hace unos años la promoción y todo lo relacionado con la imagen de la banda, ha cambiado totalmente a como era a principios de los años 90. ¿Cómo os lleváis con las nuevas tecnologías y las redes sociales? ¿Cuál es vuestra opinión sobre toda esta cantidad de información, bandas, música… que los seguidores tienen de un medio como Internet?

Muchas saturación…ahora escuchas una banda y a los dos días otra, a la media hora otra…..te olvidas de la primera…..Eso es lo que a veces le pasa a todo el mundo con quien hablo de esto.

Antes tenias poca música y la quemabas……Ahora teniendo a tu alcance toda la música al momento es menos sorpresivo todo. Yo como devorador lo aprovecho pero compro mucho físico… la vieja escuela. ¿Puede esto llevar a que vuestra vuelta, pueda llegar a pasar desapercibida por esta saturación musical a la que se ven sometidos los seguidores a través de todos estos medios?

Claro…..A lo mejor somos la comidilla de unas semanas y ya esta…Pero estoy haciendo lo posible para que no sea así, recordando continuamente que hemos vuelto, que escuchen nuestro álbum. A veces me pregunto como se hace ahora para estar en boca de todos, como lo haces para que se fijen en ti…….

Antes os preguntaba por el tema de los festivales, relacionado con esto, parece ser que ahora mismo todo lo que suene a festival es lo que funciona y la gente asiste, quedando los conciertos en pequeñas salas algo olvidados, que es donde las bandas más Underground reciben un apoyo más directo ¿Cuál es vuestra opinión sobre esto?

Lo de los festivales es como un buffet, lo tienes todo y rápido.

Me quedo con las salas y las bandas en ellas, es mas intimo, mas directo. Por supuesto que tocaríamos en festivales y me gustan los festivales, pero no es lo mismo…..una sala te da tu intimidad con la banda, con los temas y con el publico ya que vas a ver a una banda en concreto…….En los festivales nos juntamos mucha gente de diferentes estilos o diferentes gustos en las bandas….. ¿Qué nos podemos esperar de UNBOUNDED TERROR en el futuro?

Pues esperar a que el álbum guste, presentarlo lo mas posible y nuevos álbumes venideros. Nos quedamos, no nos iremos nunca más.

Esto es todo por ahora, antes de terminar agradeceros el tiempo en responder esta entrevista, mucha suerte con este nuevo álbum y si queréis añadir algo para finalizar, este es el momento.

Gracias a ti por los años que llevas apoyando la escena.

[LUIS MARTÍNEZ]

NORTH OF SOUTH

Desde la ciudad de León, nos llega el segundo trabajo de NORTH OF SOUTH un proyecto individual de Chechu Gomez, que nos presenta”The Dogma and the Outsider” tras sorprendernos con su debut “New Latitudes” dos años atras. Desde Necromance Digital Magazine, nos pusimos en contacto con él, para conocer un poco más sobre este proyecto.

Personalmente ya tuve la oportunidad de entrevistarte con tu primer álbum “New Latitudes”, dos años después nos presentas tu segundo trabajo “The Dogma and the Outsider”, ¿Cómo ha evolucionado tu música de un álbum a otro?, presiento que este segundo es más contundente que el anterior, aunque sin perder nada de técnica ni calidad.

En primer lugar, encantado de saludarte, Juan Ángel. Muchísimas gracias por interesarte, de nuevo, en North of South. Yo diría que este nuevo EP mantiene cierta línea de continuidad con respecto a lo que fue el álbum de debut, «New Latitudes».

En realidad, entre uno y otro lanzamiento, sólo han mediado trece meses (Septiembre de 2018 y Octubre de 2019).

Estilísticamente, «The Dogma and The Outsider» sigue teniendo un tronco central que, en sentido amplio, podría definirse como Metal Progresivo, pero del que, a su vez, surgen multitud de ramificaciones hacia otros géneros. Eso permite que aparezcan elementos más extremos, otros más próximos al Pop, al Jazz, a lo alternativo, a lo latino. El principal propósito era potenciar las virtudes del primer disco y pulir aquellos otros aspectos que pudieran mejorarse. Pienso que el sonido es más redondo, más rotundo. Los arreglos, quizá, también puedan ser algo más completos y fluidos. Y el oyente encontrará que las partes duras son más duras y las melódicas, más melódicas, que en «New Latitudes». Mi principal satisfacción es que el sonido propio de North of South va cogiendo forma y consolidándose, aunque en el siguiente lanzamiento trataré de arriesgar aún más para intentar seguir sorprendiendo al oyente.

“The Dogma and the Outsider”, pretende aunar diversos estilos a la hora de transmitir ideas, música y conceptos, pero a diferencia de su predecesor, tiene 18 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 69

partes más death y contundentes ¿A qué se debe este endurecimiento en tu sonido? ¿Cómo lo definirías y cuál es la temática del álbum?

Incorporar partes más duras a las nuevas canciones fue una de las premisas a la hora de empezar a trabajar en este «The Dogma and The Outsider». Escucho todo tipo de músicas, aunque, seguramente, el 60 por ciento de lo que me llevo al oído es Metal, más o menos, Extremo. Y, sin embargo, tengo ciertas dificultades para proyectar eso sobre mis canciones, porque, al final, siempre tiendo a irme por derroteros más melódicos.

Se trata de algo que quería explotar y en lo que espero poder seguir incidiendo en el futuro, sin olvidar, en todo caso, que la melodía es el eje principal en torno al cual pivota la música de North of South. En cuanto a la temática del disco, podría decirse que es variada, aunque siempre desde una aproximación bastante poética, literaria y metafórica. «Ember Remains» habla de cómo enfocar con optimismo las pérdidas que nos resultan dolorosas: no se trata tanto de revolcarnos en la tristeza por lo perdido, sino en sentirnos afortunados de haber podido vivir momentos de gozo compartido con quienes ya no están entre nosotros. «We Refused to Hear Them (It’s Our Song)» es un canto a la perseverancia en nuestros ideales, a no tirar la toalla aunque la multitud te repita machaconamente que todo está perdido y no merece la pena luchar. «Thicker than progress water» es una letra que escribí pensando en todas aquellas personas que tienen que abandonar su tierra por falta de oportunidades para poder labrarse un futuro. Y «Against Oblivion» gira en torno a cómo nuestros muertos pueden seguir, en cierto modo, vivos mientras su recuerdo perdure en nuestra memoria.

El artwork, me encanta, enigmático y mágico ¿Quién lo ha realizado? ¿Qué representa este, con respecto a

lo que encontramos en el interior?

La cuestión del arte gráfico era una asignatura pendiente que se arrastraba del anterior trabajo. Con «New Latitudes» hubo que introducir algunas modificaciones sobre la marcha que me dejaron la sensación de que el resultado final podía haber sido algo más completo. En esta ocasión, tenía claro que eso no se podía repetir. De tal modo que, con las ideas bastante claras sobre lo que quería, contacté con un excelente artista gráfico de mi ciudad, León, para hablarle de este proyecto. A partir de esas premisas, Pablo Jeje (aka Pablo García) hizo un trabajo excelente, que no sólo se ajustó a mis peticiones, sino que lo superó con creces. En mi caso, buscaba algo alejado de los tópicos habituales de sangre, esqueletos, espadas y demonios. Quería un arte en tonos claros, elegante, limpio, con una puesta en escena que jugara con la estética surrealista y en el que apareciera una figura femenina, pero con un tratamiento respetuoso y no sexista. A partir de ahí, Pablo apareció con una propuesta maravillosa sobre un paisaje real de la Montaña Leonesa y con ese enigmático oso abrazando a una joven de espaldas. Creo que, además, conecta perfectamente con el concepto y el título del EP, «The Dogma and The Outsider», jugando a la doble lectura sobre quién puede encarnar al dogma, a la norma, y quién puede personificar al outsider, lo extraño, lo inesperado, aquel que se sale de lo habitual. El libreto se completa con una sesión de fotos muy divertida, aunque también algo dura, que hice con mi mujer en otro puerto de León: Vegarada.

Para este nuevo álbum, has contado con la colaboración de varis músicos conocidos, como Kobi Farhi vocalista de ORPHANED LAND o Anna Murphy, ex ELUVEITIE y actualmente frontman en CELLAR DARLING, además de Zuberoa Aznárez, vocalista de DIABOLUS IN MUSICA ¿Cómo surgió esta idea? ¿Fue fácil trabajar con ellos?

Forzado por el hecho de no haber encontrado otros componentes para tener una base estable, North of South es, hoy por hoy, un proyecto individual, pero no quería que esa circunstancia me limitase. Creo que, a pesar de todo, éste es un proyecto de alma colectiva y, como tal, me planteé la cuestión de con quién me gustaría colaborar y quiénes podrían enriquecer con sus aportaciones mis composiciones. Ahí, enseguida salieron

los nombres de Kobi Farhi y de Anna Murphy. Me encantan sus trabajos y trayectoria tanto en Orphaned Land como en Eluveitie y Cellar Darling. Sin saber qué actitud me encontraría por su parte, contacté con ellos y les mostré los temas en los que me gustaría que participasen. Para mi sorpresa, su respuesta fue afirmativa y poder colaborar con ellos ha sido todo un regalo. Con los medios tecnológicos de hoy en día, trabajar a distancia no es un problema. Al tiempo, para North of South es también muy importante resaltar el componente local/nacional/español, de tal modo que también me apetecía mucho que este EP incluyera una destacada colaboración vocal de nuestra escena. Y, en ese sentido, Zuberoa Aznárez es una de las grandes voces de nuestro país. Con su banda, Diabulus in Música, ha conseguido incluso tener una muy respetable repercusión en el extranjero y el hecho de que ella también accediese a participar fue, igualmente, estupendo.

Hizo un trabajo fabuloso con la versión de Sting, «Englishman in New York», que, de hecho, es uno de los temas del EP que mejor acogida parecen estar teniendo. Tengo muchas ganas de escuchar su nuevo disco.

No me ha llegado información del proceso de grabación, ¿Dónde lo has grabado? ¿Cómo fue ese proceso, alguna anécdota que puedas contarnos?

Al igual que con el disco de debut, este nuevo Ep se grabó en los Zoilo Unreal Studios de Marín (Pontevedra). Zoilo Unreal y yo hemos encajado muy bien como equipo y grabar allí era la opción más natural y lógica. Tenemos prácticamente la misma edad, compartimos algunos gustos musicales y pienso que también coincidimos en el hecho de estar interesados en las producciones de sonido muy contemporáneo frente a quienes les tira más lo «retro» o «vintage». Repetir nos ha permitido retomar el trabajo donde lo dejamos con «New Latitudes» y pulir más las aristas al sonido de North of South. Por otro lado, nuestra relación ya trasciende lo profesional y, a día de hoy, ya somos grandes amigos en el plano personal, porque, además de su talento, Zoilo destaca por ser un tipo muy divertido y entrañable. Lo que sí difirió bastante entre las sesiones de grabación del debut y de «The Dogma and The Outsider», fue mi permanencia en Marín. En el primer caso, pasé alrededor de quince días de verano seguidos grabando el disco. En este caso, las sesiones se repartieron en cuatro fines de semana de noviembre y diciembre que me obligaron a pasar muchas horas en carretera, saliendo los viernes de trabajar para poner rumbo a Pontevedra y, luego, volver los domingos por la tarde. Fueron fines de semana de mal tiempo, mucha lluvia y muchos kilómetros. Además, tenía que trabajar contrarreloj puesto que, para enero, esperaba el nacimiento de mi primer hijo y era consciente de que, a partir de ahí, mi disponibilidad y tiempo libre iba a reducirse mucho, como así ha terminado ocurriendo, jaja. Por fortuna, la grabación se terminó a tiempo. Y el resto del trabajo (mezclas, colaboraciones, etc.) se pudo rematar a distancia.

Si tuviera que elegir algunos temas para que me ha-

blaras de ellos, me quedaría sin lugar a dudas con “Ember Remains” y “We Refused to Hear Them (It´s Our Song)” ¿Qué historia guarda en su interior cada uno de estos temas? ¿Cuál ha sido el más difícil de componer?

Siento que, de algún modo, «Ember Remains» es una versión evolucionada de «The Human Equation», el primer corte del primer disco, «New Latitudes». Es una especie de resumen de la multiplicidad de influencias que hay en mi música. Contiene metal progresivo, guiños a lo extremo en forma de guturales, momentos muy guitarreros, guitarras dobladas, pasajes aflamencados y melodías de cierto poso Pop. Y todo ello con la carismática voz de Kobi Farhi, a quien propuse que concluyera su interpretación con unos melismas de rollo arabesco que permiten enlazar directamente esta canción con la siguiente, «Spanish Momento», mi personal aproximación al Flamenco desde el Metal instrumental. En «Ember Remains» las partes cantadas en inglés son de Kobi, mientras que yo me encargo de las líneas en castellano y de algunas armonizaciones que acompañan los versos de Kobi. En cuanto a «We Refused to Hear Them (It’s Our Song)», la idea original era la de hacer un tema mucho más directo y metálico. A pesar de todo, creo que también trasluce cierta diversidad de influencias, dando cabida a pasajes más Modern Metal, un interludio central con ritmos más sincopados y próximos a lo Progresivo, el desenlace con un riff muy Black y, sin embargo, algunas voces de sonoridad más Metalcore o incluso Emocore. Aquí, Anna Murphy hace también un papel fantástico, especialmente, en algunas armonías que grabó reforzando la línea principal de voz.

Además, incluyes dos covers una de BJORK y otra de STING, dos clásicos de los 90, de las cuales personalmente me que do con la de la islandesa ¿Por qué esta elección?

Me encantan las versiones, siempre y cuando quien las hace lleve a cabo un esfuerzo creativo y de modificarlas hasta llevar el tema original a un plano distinto. Eso, al menos, es lo que he intentado: llevar las canciones originales a otro contexto, en este caso, del Metal. Aunque, para mí, metalizar un tema Pop no es sólo tocarlo con guitarra a tope de distorsión y con cuatro guturales. Me gusta hacer una adaptación bastante libre de esas canciones y, en realidad, me lo tomo casi como un juego.

Todo eso hace que no me haya decantado por versionar a ningún grupo de Metal. Es muy probable que lo haga en el futuro, pero, en ese caso, seguramente será para hacer lo contrario: «desmetalizarlo». En cuanto a la elección de temas de Sting y Björk, son artistas que escucho con cierta regularidad y a los que respeto mucho. Soy un niño de los 80 y, como tal, la música de The Police y de Sting siempre estuvo ahí. En el caso de Björk, me encantan no sólo muchas de sus canciones, sino también su actitud de reinventarse constantemente y de concebir su carrera como algo global en lo que música y arte van de la mano en todo momento.

No sé si eres de tradición antigua y sigues compran-

do CD o estás sujeto a la era digital. ¿Cuáles son los últimos CD físicos que has comprado? Podrías decirnos 3 grupos nacionales/internacionales a descubrir o que quieras recomendarnos.

Tengo una amplía colección de casi 5.000 cds. Cuando el formato físico ya había caído claramente, he seguido siendo uno de esos «últimos mohicanos» que aún compraban cds. Sin embargo, reconozco que la explosión de plataformas digitales, como Spotify en su versión Premium, ha terminado por modificar bastante mis hábitos y ya adquiero mucho menos formato físico que antes. Me gusta comprarlos, sobre todo, como gesto de premio hacia aquellas bandas que me han agradado en directo. En otras ocasiones, casi por cuestión sentimental, procuro seguir completando la discografía de aquellas bandas favoritas de las que tengo todos sus discos.

Creo que las tres últimas incorporaciones a mi colección son «Invierno/Infierno», de Los Montañeros de Kentucky, una gran banda de Hardcore de León, «Prokopton», de los franceses Aephanemer, y una vieja edición del «Angel Rat», de Voivod.

Y, sobre las recomendaciones, pues puedo aprovechar para decirte los discos que más he disfrutado en este pasado 2019.

Los tres internacionales: Cellar Darling «The Spell» (Delicioso. Me ha recordado a los mejores The Gathering y The 3rd and The Mortal de los años 90. Enorme Anna Murphy) While She Sleeps «So What?» (Me encanta la frescura de esta banda, sus producciones, la forma de combinar caña moderna y melodía, sus coros) The Mariana Hollow «The Abandoned Parade» (Desde el underground, Metal británico con muy variadas influencias que van desde el Gothic Doom a un Alternative metal. Con voz femenina).

Y los tres españoles: Ciconia «Meraki» (Post-Metal Progresivo desde Valladolid) Dioivo «II» (prometedor dúo gallego de Black Metal influido por grupos como Dissection, Ulver, Sacramentum, etc, que también ha grabado en los Zoilo Unreal Studios) 91 Suite «Starting All Over» (Ep de retorno de la mejor banda de Hard Rock melódico de la escena nacional).

Un placer poder hablar contigo, desde Necromance Digital Magazine, las últimas palabras son tuyas.

Muchísimas gracias, Juan Ángel, por permitir que North of South llegue a vuestros lectores. Es un agradecimiento que hago extensivo a David y al resto de la familia de Necromance. Espero que pueda seguir siendo así en el futuro, puesto que me gustaría que, antes de que acabe este 2020, esté en condiciones de presentar nuevo material. Hasta entonces, invito a todo el mundo (especialmente, a aquellos que estén en constante búsqueda de propuestas musicales distintas y con un punto de innovación) a que escuchen «The Dogma and The Outsider». Un fuerte abrazo desde León. North of South is A Different Kind of Metal!!!

[JUAN ANGEL MARTOS]

NUM. 69 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 19

GOLGOTHA

Como ya he dicho en la review, aquí la gente de GOLGOTHA lleva desde el 92 trabajando en este mundillo. Mientras la peña andaba como tonta con la Expo y con los Juegos Olímpicos, había gente que se estaba encerrando en un local de ensayo a rascar unas guitarras y probar a ver si sacaban algo bueno. En el 95 sale el primer álbum “Melancholy” y a partir de ahí siguen trabajando hasta el 2005, momento en el que hay un parón indefinido. Por fortuna, se retoma la banda en 2014 y aquí siguen, dándonos alegrías.

Un saludo, buenas gentes de GOLGOTHA. Un auténtico placer redescubrir el Doom con vosotros. Desde aquellos entonces, del año 92 hasta ahora, han pasado un porrón de cosas, incluido ese parón de casi una década. ¿Qué ha pasado en ese tiempo? ¿Qué habéis hecho? ¿Alguno ha sido padre? ¿Quién ha perdido más pelo? Es lo que toca, que aquí ya no somos unos chavales, cada vez menos pelo y más barriga.

Jajajajaja…Gracias por seguir escuchándonos. Han pasado muchas cosas, después del New Life (2005) paré la banda y me 20 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 69

tomé un descanso. Monté un grupo Tributo A Black Sabbath donde tocaba el Bajo, solo para divertirnos y tocando en bares de mi isla. Alguno de los miembros ha sido padre. En el 2017 sacamos un E.p ya con tres miembros originales, Arise sin ningún tipo de repercusión lo cual es una pena, porque los temas eran buenos. Hasta hoy, con nueva formación, hemos sacado Erasing de Past (2019). Seguimos igual que hace 25 años sin engordar, y con mucho pelo. ¿Qué ha cambiado de entonces a ahora? ¿Qué notáis que ha cambiado? Tanto a nivel personal como musi-

cal. ¿Echáis algo de menos de los inicios?

En lo personal en este caso Amon y yo que hemos madurado, nos entendemos mejor, nos respetamos y compenetramos. Y en lo musical, la tranquilidad de componer sin tener que lidiar con nadie. En la escena, en como se hacen las cosas ahora, la promoción, la manera de llegar a mas gente, la forma de grabar… ahora todo es mucho mas sencillo y mejor. Echo de menos que el publico compre mas en físico.

En 2014 os juntáis con la gente de HELEVORN para “Lonely” y decidís reunir de nuevo a la banda, veinte años después del “Melancholy” y a partir de ahí, aparecen Tomeu y Mega. ¿Sangre fresca? ¿Músicos con la misma afinidad que antes no habéis encontrado? Todo empieza a fluir de nuevo… contadnos un poquito.

Si, Helevorn nos invitó a Amon y a mi y fue mágico. Luego contactamos con los otros miembros para rehacer la banda pero no duró nada. Algún concierto, pero había miembros que ya no sentían la pasión de antes y tuvieron que irse. Amon y yo reestructuramos la banda, compusimos el Earasing the Past los dos, contactamos con Tomeu y los tres, mas la ayuda del productor lo grabamos. Mega nos ayudó a teclados, bajos y productor. Tanto Tomeu como Mega nos han dado un chute

de sangre fresca. Tomeu es un batería muy dinámico y profesional, ya me hubiera gustado tenerlo desde los principios.

Los temas antiguos con él tienen otro dinamismo mas doom, como siempre me hubiera gustado. Luego en directo llevamos a Andrew al Bajo también compañero en U.T. En ese ínterin hasta la reunión del 2014, veo relaciones con bandas como YSKELGROTH (¡maemía, vaya trallazos!), UNWOM, FIRESWORD o HYDE XXI… ¿Problemas de hiperactividad o músicos a los que le gusta tocar y probar cosas nuevas, independientemente del estilo?

Si, cada uno tiene sus proyectos Amon, yo….Tomeu también tienen sus bandas. La verdad es que si lo miras hay muchos diferentes estilos. Nosotros escuchamos de todo en la rama metal, yo me decanto mas por el Death, doom….pero me gusta el heavy, Stoner…A los otros también. No somos cerrados.

En los últimos discos de METALLICA, Bob Rock ha actuado como productor y también, hasta la entrada de Robert Trujillo, como bajista… ¿Qué tal ha sido trabajar con Mega a un lado y al otro de la mesa de mezclas? ¿Qué ha aportado tanto como músico como productor?

Mega es un productor y músico. Ha aportado su bajo y teclados que no es poco. También algunas ideas en algunos temas, pero lo que me ha gustado de él es que no te cambia nada de la base que tu llevas. En nuestro caso yo le pasé una demo con los temas y fue fiel a ellos. Es la primera vez que me he sentido entendido y ante dudas ayudado.

El disco suena de ensueño, vivo, orgánico, es Doom pero no es como muchos lanzamientos que he escuchado, que me hacen abandonarlos a los dos, tres temas, por aburridos y volverme a los clásicos. ¿Qué tal la experiencia de grabarlo y qué buscabais con este disco?

A veces es difícil explicar lo que buscas. Lo primero de todo buscaba sencillez, quería hacer temas que a mi me gustaran, que me crearan placer porque si a mi me gustan se que al publico le gustarán. Yo soy un gran devorador de música y escuchar un álbum que me engancha y saborear sus temas me produce una gran satisfacción. Eso es lo que quería crear con ellos. También quería expresar algunos estados de animo en los que me encontraba en ese momento. Y como dices tú busco dinamismo que sea un álbum que no aburra: directo…….

Próximos conciertos en el Kanya Extreme Fest (BCN), el Metal Weekend en Zaragoza… ¿Qué tal la aceptación y qué más planes hay para 2020?

Si te refieres a la aceptación de el disco parece que bien, aunque es pronto. La compañía ha hecho una muy buena campaña y las reseñas son buenas. Los directos serán buenos, solo hemos hecho uno en nuestra ciudad, pero la prueba de fuego es en Kanya. Tenemos muchas ganas de empezar a hacer directos……eso nos da mucha motivación y es una manera de agradecer a todos los que nos apoyáis.

Un clásico que no puede faltar en vuestra discoteca, un tema, un referente (tanto músico como álbum).

Algo que hayais escuchado en los últimos tiempos que os haya sorprendido gratamente, una recomendación.

Madre mía, en mi caso puedo estar hasta pasado mañana escribiendo lo que me ha gustado…….Rotting Christ – The Heretics, Swallow The Sun – When A shadow is Forced into the light, Monkey3 – Sphere este año y los que me dejo…….y luego lo clásico, Paradise Lost, Immolation, My Dying Bride…

Por último, micrófono abierto para que digáis lo que queráis, nos vendáis vuestros discos, saludéis, mandéis recuerdos, lo que queráis… ¡Muchas gracias por vuestro tiempo y por “Erasing the Past”!

Solo deciros que le deis una escucha a nuestro ultimo álbum, que encontrareis el trabajo de unos músicos sencillos que lo único que tratan es de hacer buena música para un publico que le gusten las melodías, la oscuridad y que te puede animar en malos momentos porque es dinámico. Cargado de melodías que en según que momento las puedes interpretar de una manera u otra según el estado de animo, igual que las letras. Muchas gracias por esta oportunidad para expresarme y todo el apoyo brindado. Nos vemos en los conciertos.

[CESAR LUIS MORALES]

ADEWELLO podido nacer como es dentro de un cuarto de las escobas de menos de 14 metros cuadrados, cogeros bien los “pantis” que en septiembre entramos a grabar en un estudio de verdad.

Contadnos un poco de este “Expediente”. ¿Qué buscabais y que habéis conseguido, me refiero en cuanto a sonido, producción, etc…? Y sin pelos en la lengua, política, religión… como ya he dicho en la review, aquí hay para todos y para todas.

Expediente España ha sido todo un reto para toda la banda, buscábamos poder hacer lo que nos diera la gana, como nos diera la gana y al que le pique que se joda. ¿Sabéis ese sonido que toda banda busca que le caracterice? Pues nuestro Fernando Martinez a los mandos fue el encargado de hacer realidad toda aquella magia y leña. En aquel entonces creímos tener la capacidad de llevar a cabo el proyecto por ambicioso que fuera y así fue, todo salió adelante con sus más y sus menos, pero creednos, al final puede ser tan gratificante como corrosivo por lo que después de esto y con uno menos hemos decidido tomar otro rumbo que nos lleve al mismo puerto. Seguiremos hablando de toda la mugre que caracteriza a la raza humana, sin dejar títere con cabeza, pero delegando parte del trabajo en profesionales del sector.

Con respecto al terrible tema del caso del Bar España, ¿Qué reacciones habéis tenido a vuestro alrededor? ¿Alguien que os haya dicho que de ese tema mejor no hablar, que no lo publiquéis, advertencias?

Este tema nos toca de cerca. No somos un grupo que habla de un caso aislado que haya pasado a muchos kilómetros, lo sucedido fue dentro de nuestra propia provincia por lo que tenemos una relación cercana con el caso, esa comidilla de la que todo el mundo habla a escondidas, pero nadie sabe nada, uno de esos casos que huelen a mierda pero del que nadie husmea por miedo. Nuestras familias y amigos se preocuparon y nos dijeron que tuviéramos cuidado, otras personas nos felicitaron por tener el valor de hablar del tema. De momento no ha habido sustos ni amenazas, pero si algún día pasa o desaparecemos del mapa ya sabéis por dónde empezar a buscar, hasta entonces aún tenemos más casos de los que hacer eco.

Y ahora, ¿qué os pasa con Kevin Spacey? La intro, las frases de John Doe de “Seven” … Se respira amor. (risas) Realmente fue todo coincidencia, buscábamos otras frases buenas del mismo doblador para mantener una continuidad independientemente del actor que doblará y antes de toda polémica posterior las frases ya estaban escogidas y ya las estábamos disparando en nuestros conciertos. ¿Quién os molaría a vosotros que fuera nuestro actor fetiche para el siguiente CD?

ADEWELLO acaban de irrumpir en el mercado (bueno, en realidad, en noviembre de 2018) como un elefante en una cacharrería. Death metal furioso o como dicen ellos mismos, #puropuñopelao. Mala leche tamizada con un montón de riffs y una actitud de DIY (Do it yourself, háztelo tú mismo) respaldan un trabajo honesto y molesto (depende de quién lo escuche, molestará o escocerá, ya lo has podido leer en la review). Pero vamos a hablar un rato con ellos.

Saludos a la gente de ADEWELLO. Contadnos un poco de la banda, de los orígenes, porque veo que casi todos vienen de otras bandas, incluso algunos de parón (En FB, ¿Aitor de hikikomori? ¿Tan aislado estaba?), como empezáis a establecer los contactos entre vosotros.

El impulsor del proyecto fue Fernando Martínez tras su paso por Abortos de Satán, grupo en el cual ha estado más de 10 años. Él fue quien se decidió a montar un proyecto más allá de lo que había conocido hasta entonces, algo con más zapatilla y con menos poesía. Es entonces, cuando decide reclutar a músicos que fueran capaces, tuvieran disponibilidad y les molara hacer algo que pudiera considerarse como traca/patá en la boca.

Para los que no conozcáis Castellón, el 50% de la población somos músicos, así que con un ligero repaso a la agenda del móvil y un par de almuerzos, el grupo estaba hecho, 5 colegas de toda la puta vida.

posibilidad que ofrecía el nombre así escrito desde el apartado del diseño gráfico. En cuanto al “puro puño pelao”, todo nació de un concierto que organizamos en su día en el que fue el pub donde hemos estado toda la adolescencia, el Barri Gótic, un bar que en el cartel prometimos destruir, con un cartel diseñado a modo de esquela del mismo y donde pedíamos expresamente: “prohibido traer armas, solo puro puño pelao”, a día de hoy, ese pub ya no existe.

¿Qué primeras sensaciones recordáis de aquellos primeros ensayos y cómo ha evolucionado la cosa?

No sabríamos si calificarlo como nostalgia, pero sí, está claro que el grupo nos ha cambiado mucho a todos. Hemos pasado por mil trabas, dificultades, parones y contratiempos. Uno de nuestros componentes originales se fue a vivir a Austria, por lo que hemos tenido que tocar en alguna ocasión con uno menos. La posterior marcha del mismo y el parón que supone buscar a otra persona que encaje con lo que es el proyecto lo cual hace unos Ya estáis los cinco en el local de ensayo y empezáis a meses parecía que había podido ser pero ha resultado a última rascar las cuerdas y tal, ¿de dónde sale el nombre y esa hora que no. A día de hoy somos 4 solo, pero 4 muy motivados etiqueta de #puropuñopelao? y con muchas cosas que decir y mucho que demostrar.

Uff…el nombre…, nos costó meses y darle vueltas, muchas vueltas. ¡Cada semana nacían nombres nuevos, nombres guapos de Para este primer disco habéis optado, como ya se ha verdad, pero no convencían a todos y por eso decidimos espe- indicado por el DIY, ¿seguirá así en el futuro? ¿No os rar hasta que apareciera ese nombre que PEIM! Te lo sueltan y fiais de nadie: productores, discográficas, ¿etc.? dices: “hostias, no sé qué tocan, pero me gustaría saberlo”. Es Para este 2020 hemos trazado una ruta, un plan de acción, se en ese entonces cuando Aitor Martí (este vive de diseñar cosas) puede llamar como a cada uno le dé la gana pero ya os podedijo: “lo tengo, Adewello” y no fue algo meramente escogido mos avanzar que incluye una gira, un CD de estudio y alguna por su sonoridad o significado, sino que fue escogido por la sorpresa más. Lo que queremos dejar claro es que si ese CD ha 22 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 69

Ya ha pasado más de un añito desde la publicación del álbum, ¿Qué ha pasado en este tiempo? ¿Hay gira, hay fechas, qué tal la respuesta por parte de la gente y de los medios?

Durante todo ese tiempo ha sido todo muy difícil, buscarnos conciertos por nuestra cuenta o contando con la ayuda de algún colega que dedicándose al tema del managing contara con nosotros (¡gracias Nadher!), teniendo nuestras respectivas vidas patas para arriba, con los interminables parones que se sucedían y luchando contra Cualquier contratiempo que os podáis imaginar. Ha sido en estos meses pasados en los que nuestro bajista, Dídac C. decide coger la iniciativa con todo el tema del mailing, la organización, promoción y demás con tal de darnos a conocer, y es el que os puede confirmar desde ya que si, que en breve vamos a anunciar nuestra primera gira por todo el país. ¿Y por parte de la gente? Pues deberías venir a uno de nuestros conciertos aquí, saltos mortales del escenario, bailoteos irreverentes, mucho desfase y sobre todo, muchas hostias.

Recordad siempre, aquí vamos a puro puño pelao. ¿Cómo se presenta el año 2020? ¿Proyectos, nuevo disco? ¿Un álbum de electro-cumbia?

Como habéis podido leer arriba este año viene fuertecito, gira inminente, videoclip nuevo recién grabado, fecha de estudio ya hablada y en cuanto a la electro-cumbia… somos más de pasodoble.

Tenéis micrófono abierto para decir lo que queráis, para saludar, para convencernos de ir a vuestros conciertos y agotar el merch, lo que queráis.

No sabemos cómo saldrá la gira, lo que tenemos claro es que puede que el último concierto sea ante el tribunal superior de justicia (nos mola ser optimistas) así que aprovechad si pasamos cerca de vuestras ciudades para venir a partiros las caras antes de que sea demasiado tarde y nos cierren el chiringuito.

Si odias fuertemente a alguien y quieres reventarlo a hostias de manera justificada, tráelo a uno de nuestros bolos y os echamos un cable [CESAR LUIS MORALES]

MASSIVE DESTRUKTION

Primero de todo daros las gracias por atender a esta entrevista y para los que aún no os conozcan ¿Quién se oculta tras MASSIVE DESTRUKTION? ¿y de donde salió este curioso nombre o que pretendéis transmitir con él?

Massive Destruktion esta compuesta por Abraham Baez (vocalista), PJ Zapata (guitarrista), CJ Cintron (guitarrista), Norman Saez (Baterista) y Joel Rodríguez (Bajista). La Banda fue fundada en el 2007 por mi (Abraham Baez) y nuestro ex baterista Rob Torres. El nombre original de la banda era Massive Distortion, luego al crear música mas agresiva y cambiando nuestro genero a thrash metal se decidió cambiar el nombre a Massive Destruction, luego añadiendo la letra K en Destruktion para darle un poco mas de originalidad. ¿Cómo ha sido dar este paso adelante? ¿Qué podemos encontrarnos en este nuevo álbum?

Para nosotros este álbum ha sido la conclusión de los años que hemos trabajado en la banda algunos ex integrantes y este servidor, y el comienzo de lo que es la banda ahora y nuestras nuevas ideas hacia el futuro. Ha sido una gran satisfacción poder sacar este álbum y recibir muchas reseñas positivas. ¿Qué ha cambiado en estos diez últimos años en MASSIVE DESTRUKTION? ¿Qué han aportado los nuevos miembros?

En el comienzo de la banda solo tocábamos en barras y negocios por diversión y disfrutar entre amigos, pero con la reacción de la gente pudimos ver el potencial que teníamos en salir hacia adelante. A pesar de las altas y bajas que hemos tenido en nuestra carrera el apoyo de la fanaticada nos a mantenido fuerte para continuar hacia adelante. Los integrantes nuevos han brindado tremendas ideas y melodías que le dan un toque a nuestra música que a mucha gente le a gustado y siguen brindando ideas que nos ayudaran a trabajar en nuestros futuros proyectos. ¿Qué representa con respecto al interior del álbum?

En nuestro álbum encontraran que nuestras líricas hablan sobre las guerras, política y muerte, y como todo esto de alguna forma u otra afectado nuestro diario vivir. El arte es una representación de nuestra imagen que brindamos en vivo que es la de mercenarios listos para la guerra.

Desde Puerto Rico, nos llega el regreso de una de las bandas thrasher del país más icónica, MASSIVE DESTRUKTION y su nuevo álbum autoeditado “Mercenaries”, tras la restructuración de la banda resurgen con más fuerza que nunca. Desde Necromance Digital Magazine, nos pusimos en contacto con ellos para conocer un poco más su nuevo álbum. ¿Cómo ha sido este proceso de grabación? ¿alguna anécdota que nos puedas contar, ya que siempre hay alguna?

El proceso de grabación fue uno muy difícil, quien es ahora nuestro bajista estaba en proceso de crear su propio estudio, mientras construía el estudio nosotros comenzamos a grabar con él en una habitación provisional. El álbum originalmente estaba pautado para salir en el año 2018, Pero un fuerte Huracán azotó nuestra isla y la mayoría del trabajo del álbum se perdió debido a los daños por falta de electricidad. Luego de recuperarnos del huracán pudimos continuar trabajando en el álbum no solo con el estudio de nuestro bajista ya terminado, sino también con un sonido mas agradable y agresivo para nuestro álbum. Al final todo salio positivo con el álbum.

nuestras siguientes fechas al momento son el 14 de marzo, 28 de marzo y 13 de abril. Nos encantaría poder tocar por Europa y otros países latinoamericanos, Al momento estamos trabajando para poder cuadrar un tour por los Estados Unidos. ¿Cuáles son los últimos CD físicos que habéis comprado? Últimamente solo he comprado discos de bandas locales de nuestra isla como Avandra, Fulminator y Out of Hand. Nuestro bajista es un coleccionista y ya hemos perdido la cuenta de cuantos CDs a comprado, creo que ya ha llegado a los mil discos.

Podríais decirnos 3 grupos nacionales/internacionales, especialmente latinoamericanos a descubrir o que queráis recomendarnos. ¿Qué historia guarda en su interior cada uno de estos Personalmente me gusta recomendar artistas de mi país ya que temas? ¿Cuál ha sido el más difícil de componer? hay gran potencial en nuestra isla. Les recomiendo las antes Cada tema de alguna forma u otra representan mas o menos lo mencionadas Avandra (metal progresivo) , Fullminator (crossomismo, que es el tema de la guerra, política y muerte. Algunas ver thrash metal) y Out hand (death/thrash metal) canciones representan situaciones que suceden al momento alrededor del mundo y en ocasiones como la canción «Sending Un placer poder hablar con vosotros, desde Necrothe War» puede representar lo que sucede en estos momentos mance Digital Magazine. en la política de nuestra isla de Puerto Rico. No sabría decir cual ha sido la mas difícil de componer, pero para mi personal la [JUAN ANGEL MARTOS] canción «Cheating Death» en un principio solía tener mas lírica y era bastante difícil de cantar. Luego la analicé y decidí eliminar secciones que eran insignificantes para la canción y se convirtió en lo que es la canción ahora. ¿algunas fechas que podáis adelantarnos? ¿tenéis pensado el salto a la Europa u otros países Latinoamericanos?

Al momento solo tenemos fechas en Puerto Rico, el 1ro de febrero de 2020 estaremos tocando junto a Vio-Lence. Luego NUM. 69 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 23

ETERNAL STORM

El disco “Come to tide” de ETERNAL STORM es una obra que demuestra un proceso de creación complejo que abandona las etiquetas y sorprende por las diferentes atmósferas que vamos viviendo en cada canción. Del Death al Ambient en un abrir y cerrar de ojos, nos sumergimos en una aplanadora oscura épica.

Primer larga duración de la banda española, poniendo el listón muy alto y con buena proyección internacional, hablamos con la banda para conocer sus procesos creativos y la elaboración de un concepto que los saca de cualquier etiqueta. ¿Cómo han afrontado el desafío de sacar un álbum tan intenso como debut discográfico de larga duración?

Daniel Maganto: ¡Hola! Primero de todo, muchas gracias por ofrecernos un espacio en Necromance. Creo que todo surgió de manera bastante natural, nos llevó su tiempo componer este disco, pero hemos disfrutando plasmándolo de la mejor manera que podíamos en ese momento.

Los arreglos en las canciones suman oscuridad y presión, ¿han basado las canciones en un sonido en particular o en varias influencias?

Daniel Maganto: Tenemos una paleta bastante amplia de influencias tanto fuera como dentro del metal y somos bastante abiertos a la hora de incorporar nuevos elementos siempre y cuando sean coherentes y fluyan dentro del contexto de la canción.

Jaime Torres: No hemos buscado ningún sonido premeditado a la hora de componer el disco, digamos que tenemos una cierta base de death/black melódico que sale de forma natural pero no es ni mucho menos la única influencia que tenemos, todos en la banda escuchamos bastante música y nos gusta experimentar con diferentes sonidos que creemos que pueden aportar algo a los temas.

Las canciones son extensas, juegan con varios estilos, ¿Estuvieron seguros desde el primer minuto de “Come the tide”? ¿O han ido ganando fuerza a medida que lo componían?

Daniel Maganto: Creo que según fuimos avanzando en la 24 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 69

composición del disco fuimos dejándonos llevar tanto con el minutaje, como con cosas que nunca habíamos probado antes: voces limpias, un solo de saxofón, riffs en compases menos comunes y otros elementos, pero intentamos que todo empaste bien y no sea una riff salad, como dicen fuera. Sabíamos que queríamos hacer algo más variado que nuestro EP, pero como indicas, fuimos atreviéndonos con más cosas con el tiempo.

Jaime Torres: Teníamos bastante claro que queríamos explorar sonidos más allá de lo que hicimos en el EP, también hacer temas más largos y más atmosféricos, así que fue todo bastante natural. Si que es cierto que según íbamos avanzando en la composición se nos fueron ocurriendo ideas nuevas, pero en líneas generales la idea de dar un paso más estuvo desde el principio.

Las influencias del “gotenburg sound” han quedado bastante lejanas, el disco tiene una variedad de matices muy complejos ¿Cómo fue la creación del concepto del disco?

Daniel Maganto: No es un disco conceptual, aunque haya algunos temas en común. Creo que la base que mencionas sigue estando allí, pero claramente hay una mayor presencia de black metal en estos temas, además de bastante doom y algo de post rock. Queríamos tirar hacia derroteros más atmosféricos y huir un poco de los tupatupas y riffs reciclados del “Slaughter of the Soul”, ajajajajaja. ¿Cómo fue la composición de un disco tan extenso? ¿Cómo han creado ambientes tan intensos a través de

los cambios de ritmo?

Jaime Torres: Algunos de los temas, en concreto “The Mountain” y “Of Winter and Treason” fueron compuestos, al menos en su forma más básica, incluso antes de que nuestro primer EP “From the Ashes” se editase, pero diría que el grueso de la composición nos llevó alrededor de unos dos años, más o menos. Sobre los cambios de ritmo, lo cierto es que no hay muchos en el disco realmente, creo que en “The Mountain” y “The Scarlet Lake” es donde utilizamos más ese recurso, el resto del tiempo solemos mantener los temas en un mismo tempo y ritmo y nos centramos más en añadir capas extra de guitarra u otros arreglos como teclados, voces limpias, etc…

Daniel Maganto: El grueso de los temas se compuso entre 2014 y 2015, antes teníamos algunas ideas y versiones primitivas de los dos temas que comenta Jaime…llegamos hasta a tocar una versión ligeramente distinta de “Of Winter and Treason” en directo algunas veces, con otro título.

El sonido “ambient” suma mucho en canciones como “Through the Wall of light” ¿Cómo ha sido atravesar este muro y jugarse por esta apertura doble?

Jaime Torres: Teníamos bastante claro desde un principio que queríamos despegarnos un poco del sonido más propiamente death melódico de nuestro anterior trabajo e incorporar partes tanto más extremas como más calmadas, eso unido a que tenemos una cierta predilección por los temas largos hizo que “Through the Wall of Light” cogiese forma de manera natural y llegase a alcanzar un minutaje bastante extenso. Nos parecía que podía ser una buena carta de presentación para el disco por la variedad de sonoridades que tiene y lo cierto es que en principio iba a ser un solo tema, fue Maganto el que me convenció de dividirlo en dos para no dar la chapa tanto a la gente con 14 minutazos de entrada.

Daniel Maganto: Para mí sigue siendo un único tema: en directo la tocamos del tirón, así que en realidad fue un mero placebo para que la gente no se acojonara al ver que el disco comienza con un ladrillaco de casi un cuarto de hora, jajajajajaja.

En canciones como “The mountain” muestran variaciones de sonido en los riffs, como relajando un poco la oscuridad, buscando una melodía más “suave” ¿Cómo han compuesto las melodías para que encajen con esa calma?

Jaime Torres: Para esas partes más tranquilas buscamos acercarnos un poco a un sonido mas post rockero y un poquito de blues también para el pequeño punteo limpio de “The Mountain”. Nos llevó un tiempo ver cómo encajar las transiciones entre estas partes limpias y la tralla, pero creo que nos quedo bien el contraste al final.

“Of Winter and treason” tiene cierto toque “pagano”, ¿Cuáles han sido las influencias para componer estas letras?

Daniel Maganto: Creo que el toque “pagano” solo se encuentra presente en la introducción de guitarra clásica, el resto me parece un poco más cercano al doom, somos grandes amantes de la vertiente más “tristona” del género, incluyendo el Funeral. A nivel lírico, Jaime se inspiró en la novela “La mano izquierda de la oscuridad” de Ursula K. Le Guin.

Jaime Torres: Como dice Maganto, la letra está basada en la novela de Ursula K.Le Guin, que entre los numerosos temas que toca nosotros nos quedamos con lo que concierne más a la manipulación que ejerce el poder a la hora de manejar a los ciudadanos y ahogar las posibilidades de entendimiento.

El relax de “Drifters” es como una pausa antes de cambiar el tercio del disco antes de lanzar “The scarlet lake” ¿Cómo ha sido la idea de esta variación?

Daniel Maganto: Es un interludio más ambiental, casi trip-hopero, que pensamos que iba a venir bien para dar un poco de aire al oyente tras un tema de más de diez minutos bastante lento (“Of Winter and Treason”), además de que “The Scarlet Lake” empieza un poco del tirón, directamente con un lead de guitarra y así entra mejor. Grabamos algunas cosas bastante estúpidas en “Drifters” y les dimos la vuelta a los susurros, pero solo lo sabemos los cinco pringados que estábamos en el estudio, jajajaja.

“Embracing waves” es una oda que pone a la banda al máximo, tanto en interpretación como en sonido ¿por qué eligieron este cierre épico?

Jaime Torres: Creo que, junto con “Through the Wall of Light”, es la canción que sentimos que nos representa mejor, no digo nuestra favorita (aunque en mi caso lo es), pero sí que muestra

toda la paleta de sonidos que componen nuestra música, las partes más machaconas, las partes más calmadas cercanas al post rock, las voces limpias y guturales… creo que viene a dar un cierre al disco bastante completo.

Daniel Maganto: Sí, aunque no tenga blast beats ni partes extremas, creo que a nivel de feeling sí que es lo más representativo para nosotros, es un tema muy dinámico y las voces que metió Fiar de Foscor le dan mucha personalidad. Creo que desarrolla todo para hacer un final de disco muy épico y tristorro. ¿Cómo se definirían hoy por hoy al estar recibiendo tan buenas críticas por el disco?

Jaime Torres: Pues nos hace muchísima ilusión el ver que el disco se está llevando tantos halagos y apareciendo en numerosos top ten, después de tanto tiempo trabajando en él y esperando a su edición es muy gratificante ver que está funcionando tan bien.

Daniel: Estamos muy agradecidos de ver que el disco ha tenido tan buena recepción, tanto aquí como, sobre todo, fuera de España. No paramos de enviar pedidos todas las semanas y ha sido una inyección de motivación y alivio tras lo mucho que nos ha costado parir “Come the Tide. ¡Ahora toca defenderlo en directo todo lo posible y acabar pronto el siguiente disco! ¿Algo que añadir para terminar esta entrevista?

Jaime Torres: Muchisimas gracias por la entrevista y por vuestra reseña! Ahora mismo estamos centrados en terminar nuestro próximo disco y en promocionar “Come the Tide” por donde se pueda, ojala nos veamos por algún lado!

Daniel Maganto: ¡Gracias de nuevo por esta entrevista! Estamos ya trabajando duramente en la continuación de “Come the Tide” con nuestro nuevo vocalista, pero antes estaremos haciendo todas las fechas que podamos por el Estado y tocando en el festival Rock the Night en Madrid. ¡Esperamos veros a unos cuantos allí!. Si queréis escuchar nuestra música o comprar merch, visitad nuestro bandcamp -> eternalstorm.bandcamp.com ¡Un saludo para todos los lectores de Necromance!

[SEBASTIÁN ABDALA]

NUM. 69 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 25

ZONA DE CRITICAS

XTREEM MUSIC, 2019

ABRAHMA (FRA)

IN TIME FOR THE LAST RAYS OF LIGHT DEADLIGHT, 2019 Desde Deadlight Records nos llega el tercer y último trabajo de los franceses ABRAHMA, bajo el nombre de “In Time For The Last Rays Of Light”, donde desarrollan su atmospheric heavy doom con toques progresivos tras hacer pasado una época tumultuosa de cambios en la formación han sabido sobreponerse para traernos 8 canciones tumultuosas, técnicas y narrativas donde la depresión encuentra su explicación para salir de las sombras tras la pérdida de conciencia en uno mismo y el mundo que le rodea.

Todo esto lo realiza este quinteto francés con unas estructuras elegantes, bañadas de oscuridad y melodías embriagadoras, donde Sébastien Bismuth (voz, guitarra, efectos) se transforma en el hilo conductor de esta historia, creando una pequeña obra de arte, que desde “Lost Forever” abre un pasaje doom atmosférico embadurnado de estrofas limpias, cargadas de un cosmos particular donde el doom tiene su estancia asegurada, endureciéndose en “Lucidity Adrift”, una de mis preferidas con las guitarras y coros de Florian Leguillon y Benoit Caret, alternando pasajes donde la voz toma las riendas, con otros más efusivos marcados por Baptiste Keriel y su percusión; tanto música como los tonos vocales reflexionan en sí mismos para crear un verdadero temazo.

La esencia más oscura y depresiva la pone “Eclipse Of The Sane Pt.1 Isolation Ghost”, con su desarrollo lento y denso, puro doom, jugando con los tonos vocales y un ambientación dolorosa, cerrada por la breve “Dusk Contemplation” que sirve de puente entre “Last Epistle”, como si de unos ALICE IN CHAINS envueltos en tinieblas se tratasen, giran hacia un toque más personal en lo estilístico pero que funciona muy bien, en otros de mis preferidos con su toque psicodélico que contrasta con “Wander In Sedation” donde una ambientación tenebrosa y lenta cabalga sin cesar, recordándome por momentos a MY DYING BRIDE”, en una estructura variable que crece a medida que traspasa los segundos con una parte final espectacular; otro temazo.

Ya en la parte final del álbum, encontramos “Eclipse Of The Sane Pt 2 Fiddler Of The Bottle”, con un toque más moderno, empleando una percusión electrónica y unos misteriosos riffs de guitarras que multiplican los ecos fantasmales que inundan el comienzo de este corte diferente, pero de una gran calidad donde el aspecto vocal te guiará hasta la inconsciencia y un cierre mágico “There Bears The Fruit Of Deceit”, con lo que ABRAHMA habrá conseguido que le prestes toda tu atención en cada uno de sus rincones musicales. Un gran álbum.

JUAN ANGEL MARTOS | 8.5

ABYTHIC (DEU)

CONJURING THE OBSCURE 28 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 69

“Conjuring the Obscure” es el segundo álbum de los alemanes ABYTHIC, que a mediados del pasado año ficharon por la discográfica española Xtreem Music Records y, un año después de su debut, nos ofrecen este nuevo larga duración.

Ante todo decir que estos cuatro músicos de Westfalia, son auténticos devotos del antiguo Death Metal, fuertemente enraizado en la vertiente europea del estilo, aportando mucha oscuridad y centrándose más en las atmósferas y pesadez, que en la velocidad y contundencia, que todo hay que decirlo, también la hay en el álbum aunque prevalezcan los medios tiempos e incluso tempos lentos.

Ocho temas es lo que nos ofrecen en esta grabación, llegando a una duración de treinta y cinco minutos. El sonido es pesado, pútrido, emana distorsión y suciedad algo que para el estilo de la banda lo veo totalmente adecuado. Adentrándome en el álbum he de reconocer que en muchas ocasiones me ha venido a la mente el nombre de bandas finlandesas como DEMIGOD, ABHORRENCE o unos primerizos AMORPHIS, con ese Death Metal pesado, añejo y purulento, donde los riffs pesados dan paso a secciones de redoble en cuerda, con armonías dobladas tan habituales en estas bandas (“Order of the Gash”, “Let the Purge Begin” o “Shrouded in Perpetual Darkness” entre otros). Pero la banda no se queda ahí solamente, ya que en otras ocasiones, incluso varían para meter una voz desgarrada y más aguda, más similar a bandas como ASPHYX o unos primerizos PESTILENCE (“Shadows of Becoming Might”), aunque sin el aporte Thrash violento que estos últimos poseen.

Verdaderamente la banda logra un álbum muy atractivo, si te gusta este estilo de Death Metal, no es que sea variado, porque todas las canciones mantienen un estilo, pero sí que se diferencian y cada una aporta algo que otras no tienen, ya sean unos coros, voces distintas, o incluso melódicas en “Ruins in a Wasteland of Visions”, con un enfoque algo más Viking Metal, me atrevería a decir.

Buen álbum de esta banda alemana, que recomiendo si quieres escuchar algo diferente, bien hecho y tremendamente entretenido.

LUIS MARTÍNEZ | 8

ACROLYSIS (AUS) BLACK DOG’S SERENADE AUTOEDITADO, 2019 “Black Dog’s Serenade” es el EP debut de los australianos formados en el año 2017 ACROLYSIS y el pasado diez de julio salió al mercado este trabajo de forma autoeditada.

Este trabajo consta de cinco temas en algo más de treinta minutos de duración, los cuales podríamos catalogar en líneas generales como Heavy/Thrash, pero sería demasiado generalizar dado que en este disco puedes encontrar muchas influencias como Nu Metal, Metal Alternativo e incluso Grunge, lo que es indudable es la excelsa calidad técnica que atesoran, además cuentan a su favor lógicamente, con unas composiciones muy buenas que unido el excelente sonido que ha conseguido tanto en la producción como en la masterización es para que el combo esté más que satisfecho del resultado final.

El álbum abre con “I Should Have Known“ tema perfecto para abrir este trabajo discográfico, y que junto a la siguiente “One Trick Pony” en los que su siete minutos de duración no es ningún lastre para su escucha y sobretodo disfrute, y “Fifty Four” que es la encargada de cerrar este disco, son sin duda alguna las pistas más destacadas, sin menospreciar las dos restantes pero las que he resaltado me han sorprendido muy gratamente por su fres-

cura y como han sabido fusionar estilos tan dispares de una manera excelente.

CARLOS BERMEJO | 8

ADE (ITA)

RISE OF THE EMPIRE EXTREME METAL MUSIC, 2019 Evidentemente que para mal, pero siempre me ha sorprendido que una banda como ADE no tenga un reconocimiento mucho más multitudinario que el que tiene. Es una banda con cuatro trabajos a sus espaldas y una trayectoria que data desde 2007. Tienen una temática más o menos original, una puesta en escena poderosa, giran, tocan, técnica depurada, buena imagen y discos con un ritmo lento pero certero. Trabajos que son bueno o más que buenos, como por ejemplo su anterior “Carthago Delenda Est”, que para mí esta entre los mejores trabajos de los editados en 2016, ahí es nada. Pues ni por esas, es una banda que no despega, que se mantiene en la brecha, en la dura brecha de underground, pero no salta. Es fácil de escuchar, con melodías trabajadas, ambientes sobrios y seriedad en la escucha, pero…. Nadie dijo que esto fuera fácil, pero en su caso la cuesta arriba está siendo demasiado larga.

Todos aquellos que ya conocieran la banda saben que tiene una fuerte personalidad. Su temática inspirada en el imperio romano, su música con reminiscencias folk acordes a la temática, su excelente forma de introducir y empastar los ambientes orquestales, su técnica depurada, su vieja escuela del Death metal acompasada con la modernidad de la producción. Vamos, que lo que habéis escuchado en anteriores trabajos es lo que vais a escuchar en este su ultimo plástico, solo que multiplicado por dos.

Con una fuerte presencia vocal de Dioclerianvs, nos apabullan con ritmos influenciados por la esencia folk musical romana mezclada con Death metal no muy acelerado en la mayoría de las ocasiones, pero con un regustillo de la vieja escuela que, empastado con orquestaciones, con instrumentos de época y de la zona, estructuras casi de película de romanos y ambientaciones epopéyicas. Todo muy épico, muy pomposo en algunas ocasiones pero con un buen gusto fuera de lo común. En la mayoría de las ocasiones este tipo de trabajos son demasiado pastelones, muy dulces y empalagosos a mas no poder, pero estos italianos se han empeñado en que esto suene primero a Death metal, segundo a épico romano epopeyico y por ultimo a leones y espadas, jajaja.

Y hacer esto y que suene bien no siempre es cosa únicamente de la banda, precisamente por ello se han encargado de currar con Stefano Morabito en 16th Cellar Studios para que el trabajo sea poderoso, moderno y sin estridencias.

SANTI GZLEZ | 8.5

ADEWELLO (ESP) EXP. #ES000001

AUTOEDITADO, 2018 Hay bandas que definen mucha de su personalidad y de su rollo musical con sus coletillas, con sus palabras. O’FUNK’ILLO, recordemos son funk “embrutessío”, ¿O cuantas veces dice ¡Yeah! Rob Zombie en una canción? NachoVoid, bajista de TOTENGOTT termina todas sus interacciones sociales con un ¡Ugh! Así que, cuando uno empieza a trabajar sobre una banda cuya máxima es la etiqueta #puropuñopelao ¿qué podemos esperar? ¡Veamos lo que nos depara el “Colorea y aprende con Teo” de hoy?

El nombre de la banda también les acompaña en su andadura musical: ADEWELLO, son, en efecto, puro pop romántico de los 80’s, recogiendo las influencias de la escuela italiana. Su primer larga duración, tampoco deja lugar a dudas sobre sus intenciones: “Exp. #ESP000001”, el expediente español número uno. Así que tenemos una banda que va “a degüello”, una etiqueta que reza #puropuñopelao y un primer álbum que es el primero de muchos expedientes. ¿Qué te puedes esperar?

Después de la desesperanzadora intro sobre el mundo y nosotros “Kevin Spacey te comenta”), entramos con “A puño puro pelado”: Death Metal descarnado, sucio, vicioso, con Aitor Martí escupiendo cada sílaba , guitarrazos que se cruzan Fernando Martínez e Ismael Bahmane y solos tirando de palanca de trémolo. “Nube de narcóticos” lleva un groove bastante interesante sobre todo porque bajamos de revoluciones para llegar a un puente que va a ser un puntazo en directo: “Odio… débil de espíritu” (¡ah, sí, se me olvidaba!

Cantan en español, aunque lo que sale de la garganta de Aitor te parezca lengua negra de Mordor – tal es el encabronamiento que lleva). “Peste blanca” es otra hostia a la cara, con interludios a medio camino entre el Thrash más SLAYER y tempos y estructuras más oscuras y más Death.

“No me mates hoy cariño” se estructura sobre una serie de riffs más escandinavos para dar paso a un dialogo más a lo PIMPINELA entre Aitor y Sara (HIRANYA), aunque convenientemente tamizado por el filtro de ADEWELLO (o sea que, como habréis imaginado, cualquier parecido con el meloso dúo es pura fantasía).

Porque como aquí no hay descanso, seguimos con el interludio “Televisión”, arenga para que apaguemos la caja tonta y volvemos a la carga con “Al Babuino 7200V” con unos interesantes arreglos distorsionados de la guitarra. Si no sabes de qué va el Caso del Bar España, cuándo escuches el siguiente tema se te van a revolver las tripas, vas a abrir los ojos como platos y vas a pensar que no es cierto. Que estos de ADEWELLO están enfermos y demás… ¡Ahí te lo dejo y ya, si quieres, investigas y lees!

Por si no había suficiente mierda en el mundo y demás, una preciosa tonadilla melodiosa con “Yo, yo mismo y el Presidente”, te recomiendo que veas el video, a ver si no te parece insano y enfermizo.

Y seguimos para bingo, que aquí hay para todos y para todas, “…Soy Jesucristo?” tiene riffs potentes, un solo melódico y vuelve a tratar un tema también, con Kevin Spacey otra vez sampleado: esta vez como John Doe en “Seven”. Y para cerrar, un guiño a parte de las influencias de la banda, todo un clásico tocado casi con total fidelidad al original: “Blinded

by Fear” de los AT THE GATES (aquí redefinido como “Blinded by Ferk”.

ADEWELLO no se han andado con chiquitas.

Han sido un grupo valiente y han grabado lo que les ha dado la gana, Death Metal airado, vicioso y encabronado, escupiendo a todo lo falso y lo hipócrita; un paso al frente y como ellos mismos dicen, #puropuñopelao CÉSAR LUIS MORALES | 9

AGNOSTIC FRONT (USA) GET LOUD!

NUCLEAR BLAST RECORDS, 2019 El 8 de noviembre de 2019, Nuclear Blast Records lanzó el nuevo trabajo de los incombustibles AGNOSTIC FRONT llamado «Get Loud!».

En la actualidad, el combo está compuesto por: Mike Gallo (bajo), Craig Silverman (guitarra), Pokey (batería), Vinnie Stigma (guitarra), Roger Miret (voz).

No sé si os pasará a vosotros, pero para este humilde redactor el hecho de sacar a estas alturas un disco de tan indiscutible calidad como el que se han marcado los veteranos padrinos del Hardcore / Hardcore Crossover de New York es digno de ovación. Para mi humilde opinión, trabajos así son los que crean afición y muestran de forma real y sin adulterar lo más mínimo el auténtico estilo que acabo de nombrar un poco más arriba. Sin querer desmejorar a agrupaciones de nueva hornada como TERROR o BORN FROM PAIN, pienso que la new school acaba metalizándose y ralentizándose en exceso, ofrendando una propuesta contundente, pero en muchos casos repetitiva. Gracias a Odín, esto que comento, jamás les ha pasado al «Frente Agnóstico», sino más bien todo lo contrario. La nueva colección de tracks resulta trepidante y variada, manteniendo la intensidad en todo momento. Ya podrían aprender muchos novatos de su escena de ellos. La producción es impoluta. Asimismo, el artwork se puede equiparar al que usaron en su obra maestra de 1986 «Cause For Alarm». Para mí es demasiado desenfadado, mas no me digáis que no es resultón.

Riffs asesinos a troche y moche los que nos traen una vez más Craig Silverman y Vinnie Stigma. No faltan los ramalazos Thrash, ni tampoco las pinceladas de dobles armonías cuando llegan a ser necesarias. El inconfundible registro vocal de Mr Miret sigue siendo tan poderoso y efectivo como siempre. A su vez, y como era de esperar existen inclusiones puntuales de coros iracundos. Las cuatro cuerdas sobresalen en «Get Loud!», «I Remember» y » Isolated». De forma intensa y jamás estática, Pokey aporrea su kit de tambores con una pasión fuera de lo común. El equilibrio entre celeridad y contundencia es total, No obstante, para éste que os escribe, el Elepé le ha parecido más bien veloz. Así da gusto.

Recalco las abrasivas «Conquer And Divide» y » Dead Silence». Ponéosla y sabréis lo que es bueno.

No podría estar más orgulloso de que mi primera reseña de 2020 para Necromance DIgital Magazine sea la de este grandísimo L.P y grupo. Recomendado no, lo siguiente.

JESÚS MUÑOZ CABALLERO | 9

AKHLYS (USA) SUPPLICATION

ANNAPURNA RECORDS, 2019 A través de Annapurna Records nos llega la reedición del debut de AKHLYS, “Supplication” directamente desde Estados Unidos, para dejarnos con dos nuevos temas largos y extensos de un drone/ambient con toques black repletos de oscuridad.

El álbum, inicialmente editado en 2009 y en una sola pista, se divide ahora en dos temas completamente instrumentales, “Supplication Part I” y “Supplication Part II” tras los cuales se esconde Naas Alcameth, más conocido por ser partícipe de bandas como NIGHTBRINGER y BESTIA ARCANA. Centrado en la búsqueda sonora de un dark ambient tétrico y macabro donde dejarse llevar por unos sonidos envolventes, con una base que pone los pelos de punta, pero sobre la que juega con elementos sonoros, susurros de almas y un cosmos

elegante y misterioso para crear una perfecta banda sonora a esas noches de insomnio de las que no podrás salir con esta pesadilla ritualística y envilecida. Una delicia tétrica para todos los amantes de las ambientaciones que llegará a ponerte los vellos de punta.

JUAN ANGEL MARTOS | 7

ALGEBRA (SWI) PULSE?

UNSPEAKABLE AXE RECORDS, 2019

ALFAHANNE (SWE) ATOMWINTER

INDIE RECORDINGS, 2019 La banda sueca ALFAHANNE presenta su nuevo disco de estudio “Atomwinter”. Un trabajo de rock que suena a ese post-punk melódico y oscurecido, con melancolía y una carga de cierto desprecio, pero que no deja nada novedoso ni llamativo. Con un trasfondo armónico importante, han conseguido transmitir ese desangelado “No-future” que muchos cenábamos en los ´90´s combinados también con una furia marcada que se mantiene como hilo conductor muy repetitivo a lo largo de todo el disco.

Abre una buena “Atomwinter”, donde marca los tiempos y el clima que vamos a vivir a lo largo de las 8 canciones. Buenas voces, con odio, ira y mucha potencia, tal vez más que el resto de la banda que parece girar en torno a los teclados. Las melodías son buenas y mantienen un ritmo interesante, poético, sin grandes lujos ni florituras por parte de ninguno de los integrantes, aquí volvemos a encontrarnos con un rock callejero, bailable incluso, que no trae nada nuevo, pero sí hace interesante cada una de sus esquelas a una sociedad que, aunque estemos en 2020, no ha cambiado mucho para la clase europea que sigue vagando en búsqueda de un sitio donde ser feliz. Ah, cuánto se añora cuando “Requiem for a dream” era una novedad, ¿no?

El piano y las guitarras (eléctricas y acústicas) son estrellas en canciones como “Lovers against the world” o “A place to call home”. Comienzan tranquilas, tristes, para luego entrar con potencia, sin grandes artificios, a romper y dejar unos poderosos estribillos que, en directo, pueden sonar entretenidos. Lo mejor de un trabajo monótono a la larga.

En canciones un poco más eléctricas y Punk, la repetición de una fórmula los hace un poco reiterativos, si bien parece que han grabado a pelo, ciertos efectos en las voces hace que estemos siempre ante la misma puesta en escena. Sin embargo en otras canciones intentan cambiar un poco el paso, el ritmo y hasta la línea de sonido (“The heavy burden” o “Himlen kan vänta”) recuerda un poco a esas bandas de sonido de películas sórdidas de clase “b”, de esas que siempre te dejaban con mal sabor de boca y ganas de salir a tomar el aire. Si bien los que ya conozcan esta banda puede que estén agradecidos por la intensidad y el sonido que parece ser marca registrada del grupo, hay una carencia de evolución en comparación a los trabajos anteriores.

Alguien digo que esta banda combinaba ciertos toques de Black Metal con Punk y Rock… pues bueno, creo que no. El toque de Black Metal no está por ningún lado, sobre todo porque los veo más cerca de arrimarse a ciertos festivales que intentan dar cabida a bandas úndeground con propuestas que ya hemos escuchado un centenar de veces en una decena de países.

Si bien este paso de la banda suena mejor que sus anteriores trabajos, si bien se nota que hay una preocupación más cuidada en la producción y en los arreglos, la idea es la misma, aunque más melódica y melancólica. Hay ciertos pasajes donde encontramos mucha fuerza y muy buenas armonías… pero luego se deshacen en un cambio de tono que nos conduce, de nuevo, a lo mismo.

SEBASTIÁN ABDALA | 6

Excelente nuevo trabajo de esta formación suiza, que para un servidor y hasta el momento, era totalmente desconocida y eso que este al parecer, es su tercer álbum completo de estudio y segundo que sacan con su actual sello, el norteamericano Unspeakable Axe Records (RIPPER, AGGRAVATOR, NUCLEUS…).

Banda creada en 2008 y como digo con varios discos ya editados, el último de ellos “Feed the Ego” (lanzado en 2014), además de un LP en directo publicado en 2013 y otras ediciones menores, que incluyen un single con una versión del “Rust in Peace… Polaris” de los MEGADETH, el cual apareció durante el 2017.

En esta ocasión, nos presentan doce temazos (ahí es nada) con intro, interludio y versión incluidos, de buen sonido y una dirección de la vieja escuela, que podría ser la de grupos como sus compatriotas CORONER o primeros ANNIHILATOR, con toques tipo TESTAMENT, XENTRIX, EXODUS… Como contrapartida, seguramente diría que la duración de este “Pulse?” es algo extensa, quizá con un par de canciones menos ganaría un poco más si cabe.

Los cortes rondan los cinco minutos más o menos, son afilados y agresivos. La primera mitad del álbum es más directa y durante la segunda (“Quantum God”, “Concrete Jungle”…), llegan pequeñas influencias extrañas que podrían ser similares a VOIVOD, MEKONG DELTA… pero mantienen la dinámica general, no hay nada que se desvíe en exceso.

Como destacables, no sabría cual dejar fuera pues desde “Inner Constraints”, demuestran ese salvajismo y bestialidad propias del género que te invita a seguir el ritmo con los pies, la cabeza o maltratar tu cuello. Podría nombrar también “Simulated Mind” o el que da título a esta obra, con un buen final guitarrero. Por cierto en “Digital Master”, hay un riff del estribillo que se parece bastante a otro del del tema “Horror of it All” del disco “Among the Living” de los ANTHRAX, ¿influencia? ¿Coincidencia?… En cualquier caso, si queréis oír una versión de verdad, podéis hacerlo con la que hacen del “Dead Embrionic Cells” de SEPULTURA, más thrash y menos death metal que la original, lo que la hace curiosa de escuchar al menos, puesto que lo que se suele hacer siempre es brutalizarla más y no al contrario.

ALGEBRA lo componen Chaos Edy (guitarra solista y voz), Mat Jass (bajo y coros), Phil Void (guitarra y coros) y Tony Sharp (batería).

“Pulse?” es un estupendo álbum, que de seguro estaría en más de un top del 2019 si hubiese salido con unos meses de antelación. Si te gusta ese sonido clásico del thrash crujiente y agresivo, tocado y compuesto como debe ser… desde aquí no me queda más que recomendároslo!!

ROBIN RM | 9

ALOGON (ITA) CHRYSALIS

AUTOEDITADO, 2019

El disco larga duración Chrysalis de la banda italiana ALOGON es un conjunto de combinaciones de un Metal progresivo, por tramos experimental y de altísimo nivel. La portada de una leve mariposa azul es, apenas, un ardid para que creamos que estamos ante un disco calmado. La combinación de estos matices hace de este lanzamiento una verdadera obra de arte.

Una obertura tranquila y de sonido inusual y quedo, que luego derrapa por completo al entregarnos a la crudísima “Omen I: Deconstruct”. El bajo y una guitarra nos dicen que estamos ante un análisis perfecto de la figura de Oscura del Hijo del Diablo. Las voces hacen lo que quieren, son coros angelicales, mezclados con esa angustiosa desesperación que vivíamos en los primeros discos de TOOL. Sonidos de Metal Progresivo se reiteran de modo maniático a lo largo también de “Omen II: Resonance”. Las canciones son largas y con un sonido que ahoga y hace los sigamos a un infierno que han desplegado de un modo conceptual trabajado con samplers en una medida justa y necesaria.

Sigue “Fortune bound” unas voces solitarias con toque sinfónico son la entrada a unas guitarras muy fuertes que sueltan unos riffs que varían y navegan por diferentes arpegios para meternos, de nuevo, una intrépida composición que nos deja pasmados con sonidos que juegan con un Thecnical que se convierte en la base de la banda. Se ponen, de pronto, una vestido de Groove para lanzar un salvajismo menos cuidado pero igual de efectivo, cambios de este tipo suman a las armonías que dejan a las voces un primer plano casi perfecto. Una llamada al margen, los que estén fascinados con este Metal de fusión y altibajos complejos y técnicos, mezclados con brutalidad, pueden recurrir en España a la banda SCAPE LAND, una muestra de la evolución compleja a la cual estamos asistiendo.

“Chrysalis” es la parte más poderosa del disco, con voces muy pútridas que salen desde el averno de la garganta del vocalista que luego retoma tonos altos a contrapunto del bajo, mientras la batería suena bien Hardcore para desplegar un Metal Extremo tan inquietante como puro. Mientras que “Husk” lleva un fondo de violines que nos hacen descansar un poco y navegar por una melancólica “interferencia” antes de pasar al final del disco; estamos ante una perfecta evolución de ruidos mentales que parecen apagarse y nos entregan una balada de cuerdas y guitarras acústicas, un poco empalagosa, sí, pero tan necesaria para comprender, tal vez, la última pieza, imperdible y extensa: “The fool”. Ya hemos roto la crisálida, la batalla por salir a la luz ha acabado, ahora toca enfrentarnos a la vida, con alas y fría soledad. El suave “fade” se convierte en una introducción incontestable donde la banda se pone a tope y comienza a tirarnos todo lo que le quedaba en su arsenal. La composición va creciendo y llenando de frenesí el éter, para frenar por momentos en oasis que nos hacen tomar fuerza para encontrarnos con unas subidas de tono altísimos, tanto en guitarra como en voces. Un duelo que no tiene desperdicios y nos lleva a esa época de oro de MARS VOLTA, pero con identificación personal, muy bien construida a la hora de salirse de tono y espetarnos unos “growls” que terminan de coronar esta canción como algo simplemente maravilloso. Nos arrastran hasta el final más jugado, con tantas ejecuciones bien fusionadas que se tornan, simplemente, en una desesperada y extrema recreación de sensaciones. Maravillosa.

El disco “Chrysalis” es un lanzamiento muy trabajado, con niveles de introspección y melodías que lo hacen ponerse en primera línea del Metal Extremo italiano, los cambios de ritmo están medidos para beneficiar a la canción y la locura que parece ser la escolta de esta banda. Un Metal bien fusionado el de ALOGON, que recrea un estilo muy complicado, pero con un sello personal que si bien tiene raíces muy reconocibles, apenas las utiliza como referencia para crear sobre ellas un disco oscuro, preciosista y de alta calidad, tanto por los músicos como por las voces.

AMANITA VIROSA (FIN) ORIGINAL PLAGUE

INVERSE RECORDS, 2019 Desde las frías tierras de Mikkeli (Finlandia), y a través de Inverse Records, nos llega el nuevo trabajo de AMANITA VIROSA bajo el nombre de “Original Plague” donde despliegan su symphonic black/death metal repleto de contundencia y pasajes épicos.

Tras un preludio ambiental con cierto barroquismo, “I Wlak Away” nos golpea directamente con la poderosa voz de Clamors, que se entremezcla en una estructura blacker engalanada con los teclados de Cantor Satana, que se encajan perfectamente en la estructura sin destacar sobre la mayoría de instrumentos, todo un acierto pues los pasajes de guitarras y solos que nos dejan Melni13 y Kingcohol son épicos y técnicos, muy a tener en cuenta.

“My Enemy”, continua esa fórmula, pero priorizando las ambientaciones, aunque ciertos pasajes me recordaron a DIMMU BORGIR, en potencia y presencia, sobre todo la parte central, más pausada y marcada, aunque “Despair Is For The Living”, demuestre la robustez de Torsoholocaust en la percusión y el bajo de Robustuz, y aunque las orquestaciones son similares a temas anteriores, cuando llegan al estribillo se atenúan o desaparecen para dejar paso a una parte, donde los adornos quedan sutilmente enmarcados en segundo plano; todo un acierto en un temazo.

Continuamos con “Waek Strong & Wise”, temazo de symphonic black metal en toda regla, atmosférico pero repleto de fuerza y de nuevo resaltar los riffs y detalles en las guitarras que le dan un toque diferencial; uno de mis cortes preferidos del trabajo con aceleración final incluida, que engancha con la rápida “Open Your Mouth”, donde se doblan las guitarras y los constantes giros estructurales lo transforman en un corte muy versátil, que tras pasar “Armias, Ole Huorani”, nos llevan a un combo con “The Night” y “Hatred Becomes Entwined” donde juegan con los tempos de la estructura musical acelerando, manteniéndolas y girando hacia medios tiempos que le dan melodía al álbum, quedándome con la segunda de ellas y su toque orquestal en la parte central, donde, Clamors, diversifica su tonalidad vocal.

El cierre de este trabajo en el que dan un paso más comparándolo con su debut, lo pone “Longing”, una epopeya maléfica que no se demarca de la línea argumental de esta review, aunque con unas estrofas más death metaleras y un cierre perfecto con otro de los temas más destacados del trabajo. Solo remarcar que escuchando el disco de una tacada, un par de temas me sobrarían, pues se hace demasiado largo; por lo demás un trabajo de mucha calidad.

JUAN ANGEL MARTOS | 7

SEBASTIÁN ABDALA | 8.5

ANGELBLAST (SWE) ROTTING PARADISE

EDGED CICLE PRODUCTIONS, 2019 ANGELBLAST se lanza al mundo del Death

Metal con el trabajo debut “Rotting Paradise” un E.P. de escasas 3 canciones que está dando mucho de qué hablar. En verdad, según palabras de la banda, son 2 temas, porque tenemos un “outtro” que cierra este primer disco.

Si bien la brutalidad de Death Metal está desde el primer sonido, la mezcla de algunas influencias le dan más color a “”Rotting Paradise”, nos salpica desde el gutural más violento, ejecutado con mucho odio y precisión quirúrgica diría, que hace gala de unos cuantos años en la escena. El concepto en sí está muy claro, la batería multiplicada en cada tramo, mientras las guitarras van subiendo la intensidad para dejar toques de un “Ambient-atmospheric” muy currado. Resalto los riff´s, pegan en el momento justo para dar un leve respiro al odio con el que se han compuesto dos velocísimas canciones que poseen arreglos que suman cierta melodía añeja y, por encima de todo, suena excelente.

Curiosidad: las dos canciones duran lo mismo 3.26´, y la violencia sube en la segunda oda “”Descending of the immortals” se pone “gore” y completamente oscura, con la batería reventando todo lo que sale a su encuentro y la voz dejando un inquietante silencio en los últimos segundos, para dar entrada a la tercera “composición” que son unas cuerdas, parecen humedecidas en sangre y lágrimas, que nos deja con los dientes largos… En palabras de la banda, si escuchan esto en Spoty o alguna otra red digital, si se saltan este track no pasa nada… Pues yo lo recomiendo, porque te calma un poco esa adrenalina negra que ha creado en apenas 7 minutos de furia y violencia.

ANGELBLAST es uno de esos proyectos complejos y conceptuales, lanzan este golpe violento que, como en muchas otras reseñas, nos dejan con ganas de más y nos pone atentos a sus próximos pasos. Death Metal potente, oscuro y de una ejecución impecable. Lo peor, repito, es lo escaso… como el veneno, dicen, ¿no?.

tal y el heavy/power que les da personalidad propia.

“Sigo En Pie”, marca la parte central del álbum con un corte heavy metal 100%, con algún toque en que me recordó a los míticos ANGELES DEL INFIERNO(uno de los grupos de mi infancia) y que guarda un estribillo y una parte central que destaca sobremanera con las estrofas, para llevarnos como cualquier grupo de heavy metal a la balada del álbum, “En La Oscuridad”, tema que no podía faltar, y que cumple su cometido de emocionar con un crescendo poderoso y ochentero, para doblar las voces en un estribillo muy emotivo.

Y parece que ANKHARA, nos reserva para el final dos temazos en toda regla “¿De Qué Lado Estas?” y “Un Buen Día Para Morir”, aunque antes tenemos “Tu Ultima Vez” con un ritmo aplastante y unas estrofas donde Pacho Brea nos demuestra sus dotes vocales, decae un poco en el puente demasiado lineal. Pero la traca final es puro power/heavy metal, iniciándose con “¿De Qué Lado Estas?”, uno de mis cortes preferidos y 100% ANKHARA, que a buen seguro será coreada en sus directos donde el heavy metal toma su nombre y la estructura musical ayuda en cada momento para que no decaiga la fuerza que le prestan a cada una de las partes, culminada con un gran estribillo., Pero si hablamos bien de este corte, el cierre, lo es aún mejor, donde la música se hace identitaria, le infringen ese estilo de antaño con el mejor tema del álbum, por lo menos para mí y que demuestran que ANKHARA han vuelto para quedarse. Como bonus tracks en el álbum, nos dejan como cierre con tres canciones de sus álbumes clásicos en directo como son, “Un Paso Más”, “Hasta El Fin” y “Acordes Mágicos”.

JUAN ANGEL MARTOS | 7.5

SEBASTIÁN ABDALA | 8

APOKALYPTIC RAIDS (BRA) THE PENTAGRAM

HELL’S HEADBANGERS, 2019

ANKHARA (ESP) SINERGIA

FIGHTER RECORDS, 2019 Tras catorce años de su último trabajo editado, “Sombras del Pasado” (2003), regresan uno de los grupos clásicos de la escena nacional en lo que a power/heavy metal se refiere, estamos hablando de los madrileños ANKHARA y su nuevo trabajo editado por Fighter Records bajo el nombre de “Sinergia”.

Y regresan casi con la formación original que tan buenos momentos nos dejaron años atrás, cuando se codeaban con las grandes bandas nacionales del estilo como SARATOGA, TIERRA SANTA, AVALANCH… con Pacho Brea en la voz, Sergio Martínez al bajo, Cecilio Sánchez y Alberto Marín en las guitarras y la percusión de Matt Vallejo que sustituye a Jesús Alcaide.

El quinteto retorna con más ganas que nunca y lo demuestran en este álbum de estudio del que hablaremos a continuación.

Desde el inicio con “Te Toca Sufrir”, ya nos recuerda a ese heavy de principios de siglo que tenia a Leo Jiménez y SARATOGA como estandarte, y ANKHARA, retoma su mejor versión con una música mucho más agresiva y metalera, donde se nota la influencia de Alberto Marín en las guitarras y un Pacho Brea rejuvenecido, que mantiene la misma intensidad aunque algo más apaciguada en los agudos centrándose en un tono medio en “Ayúdame”, pegadiza y melódica, para acelerar en “Sueña” y guardar un estribillo para ser coreado con dos voces. “Libertad”, con su inicio limpio y acústico, se presenta como un medio tiempo, muy poderoso y una cosa que me gusta de este nuevo trabajo son los tonos graves de la afinación, creando una mezcla entre el me-

El 11 de octubre de 2019, Hells Headbangers Records reeditó el quinto álbum de los Black Thrash metaleros APOKALYPTIC RAIDS, bautizado con el nombre de «The Pentagram».

El grupo lo compone: Necromaniac (guitarra y voz), Pedro Rocha «Skullkrusher» (batería), Vinícius «Hellpreacher» (bajo).

Sentimientos encontrados tengo con el power trio brasileño. De entrada, la banda nos intenta llevar de nuevo a los primeros años de la música extrema con una propuesta simplista y cruda. Básicamente, la estructuración general de las tonadas se basa en la inclusión de dos riffs diferentes que se intercalan entre sí, apareciendo un seudo solo sobre la mitad de las susodichas. Dicho así, puede parecer un trabajo estático, y ciertamente lo es. Sin embargo, no puedo explicar como la cosa acaba cuajando de buenas maneras. Supongo que los que al igual que yo sean veteranos le verán su gracia, pero no tirarán cohetes. La producción obviamente es retro y terriblemente orgánica. Respecto al artwork, es lo que se puede esperar de una agrupación de las características que os acabo de relatar.

Seis cuerdas nihilistas y efectivas a más no poder reinan a lo largo y ancho de los casi 36 minutos de «ruido». La originalidad brilla por su ausencia, mas no la intensidad. La lead guitar es resultona sin más. Iracundos son los registros vocales de Necromaniac. ¿No os recuerda un poco a Cronos pero pasado de mala baba?.

Los tambores suelen ir a up tempo de pulso lento sin dejarse atrás los necesarios instantes a medio gas.

Recalcaría «Victory Beyond Imagination» y «The Story of Pope Joan». La primera, es un zambombazo directo. La segunda la podemos partir en dos, mostrando una parte inicial de corte muy a lo Metal clásico para acabar a NUM. 69 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 31

toda potencia.

Nostálgicos de tiempos mejores, echadle un oído.

JESÚS MUÑOZ CABALLERO | 6.5

ASPHODÉLE (FRA)

Al igual que la banda de referencia, AMESOEURS, tenía como propósito crear un tipo de música que reflejase “el lado oscuro de la era industrial y la civilización moderna”, ASPHODÈLE se sitúan en esa coordenada y en ese vacío que dejaron en su momento al desaparecer las almas gemelas. Casi, casi se han llevado el trofeo, casi han llenado el hueco, me ha faltado un punto, ese momento de dejarme boquiabierto. Porque me han hecho recordar y añorar a AMESOEURS, me han vuelto a poner en situación de aquella vez que escuché las primeras notas de bajo de “Gas in veins” y, si bien es cierto que no me suena a refrito, si no a actualización (ya han pasado diez años desde aquel disco), me ha faltado algo para la perfección (¿Neige, tal vez?).

JOURS PALÉS

con las que cuentan. El concepto está llevado a la máxima pureza expresiva, unas muy buenas referencias en cada uno de los instrumentos para sonar clásico, pero sin recordarnos, en demasía, a ninguna otra banda. “Diseased” de BONES, es un disco bien hecho, con ciertos momentos caóticos que nos llevan a esa escena donde importaba más la fuerza que la precisión, mucha actitud Post-Punk que se acerca más a un Metal oscuro bien combinado entre Thrash y Death.

SEBASTIÁN ABDALA | 7

CESAR LUIS MORALES | 9

LES ACTEURS DE L’OMBRE PRODUCTIONS, 2019

ARVAS (NOR) EQUANIMITY

SATANIC ART MEDIA, 2019 Bergen, la ciudad noruega que ha sido escenario del Black Metal y que ha visto crecer bandas como BURZUM y GORGOROTH, también vio surgir a la precuela del grupo que hoy tenemos entre manos, ARVAS, bajo el nombre de ÖRTH en 1993.

Tras el suicidio de uno de los miembros, Erik Brodreskift, (llamado comúnmente Grim), el 4 de octubre de 1999, V-Rex, como único miembro restante, decidió cambiar el nombre del grupo y comenzar a producir música.

Aquí tenemos el origen de ARVAS. Su primer disco se publicó en 2009 y hasta la fecha ha consolidado una producción de cinco discos.

“Equanimity” es el quinto y último, siendo publicado el 1 de noviembre del 2019.

“Equanimity” es una mezcla insaciable de Thrash, Death y Black Metal anclado en el sonido de los noventa. Consta de diez canciones, las cuales han sido en su totalidad compuestas y grabadas por V-Rex, (guitarra, bajo, batería, teclado y voz). Lo cual me parece admirable y me recuerda al trabajo de Varg Vikernes en BURZUM. En directo, el grupo se forma por V-Rex, (guitarra principal y voz), Jarl I Brynhildsvoll, (Bajo), Kristoffer Lunden, (batería) y Roald, (guitarra rítmica).

La Intro, “Andante Noire”, es un tanto peculiar en contraste al resto del disco. Es cierto que tiene pinceladas oscuras que parecen ponerle banda sonora a la portada del disco, pero no tiene ningún tipo de relación con las demás canciones. Incluso termina con un órgano que, a mi parecer, no pega nada.

Sin embargo, a partir de la segunda canción, “Thoughts In Despair”, el disco ya adquiere su forma. De hecho, es una de las canciones que más me ha gustado. Es un Black Metal noventero, con una melodía muy Thrash y una batería muy bien marcada.

“Wastelands”y “Perception and Vision” se enlazan muy bien, llevando al disco cada vez más al extremo. En esta última canción siento que hay una influencia muy clara de grupos como MAYHEM. Otro tema que me ha gustado mucho ha sido “Carven” porque me parece que sintetiza muy bien la influencia Thrash con algunas pinceladas estilo BATHORY. La última canción, “Masked Jackal”, (en mi opinión también muy buena), es un tributo a CORONER. La portada tiene impreso el logo del grupo sobre un fondo nocturno. Se aprecia la silueta de los árboles y el dibujo de las montañas. La única luz que destaca es la de la luna y la del logo, (ambos de la misma tonalidad para resaltar).

A modo de conclusión, me parece que V-Rex ha conseguido superarse y traernos un Black Metal actual sin separarse en ningún momento de sus raíces temporales. Sigue sorprendiéndome el trabajo que ha hecho al realizar tan bien todas las secciones instrumentales y vocales y creo que eso merece admiración.

ALICIA CASTAÑO | 8.5

32 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 69

Entre los muchos rituales mortuorios alrededor del mundo, uno, muy común y extendido, es el de llevarle flores a los muertos por distintas razones. Para los antiguos griegos, los asfódelos facilitaban el tránsito de los difuntos hacia los Campos Elíseos, que imaginaban tapizados de estas blancas flores. ¡Colorea y aprende con Teo! Con esa misma esencia, entre lo romántico y lo bello de las flores y los fútil y decadente de nuestras vidas, ASPHODÈLE nos muestran su primer repertorio sónico: “Jour Pâles”. Tras la estremecedora y emotiva introducción de “Candide”, nuestro estado de ánimo ya está exacerbado para recibir los siguientes temas.

“De brèves étreintes nocturnes” nos retrotrae a aquellos espectaculares momentos que tanto echábamos de menos de la escuela francesa del Post-Black y del Blackgaze. Sí, en cuanto empieces a escuchar las capas y capas de distorsión de este tema caerás en la cuenta de lo que echabas de menos a AMESOEURS, y que esta banda se sitúa perfectamente en aquellas coordenadas, en aquel hueco dejado por Neige y sus huestes. Y claro, claro que la voz que suena, pues ahí está Audrey Sylvain, la lánguida vocalista de aquellos álbumes (AMESOERUS, PESTE NOIRE), cargada de fuerza expresiva. Como decía Red (Morgan Freeman) en “Cadena perpetua”: “[…] No tengo ni la más remota idea de qué coño cantaban aquellas dos italianas; y lo cierto es que no quiero saberlo. Las cosas buenas no hace falta entenderlas. […]”

El trabajo del resto de la banda es simplemente magnífico, y simplemente hay que echar un vistazo a los impresionantes Curriculum de cada uno de los músicos que componen ASPHODÈLE. Wilheim, el baterista, ya compartió labores con Stéphane Bayle, uno de los guitarristas en AU CHAMP DES MORTS, pero que sepáis que han estado involucrados en veinte banda más. Spellbound el vocalista en ocasiones te recordará, por sus gritos desesperados y su rabia, a Kim “()” Carlsson de los LIFELOVER. A lo largo de todo el disco, pasaremos de los muros de riffs, en plan tremolo picking traídos directamente del Black Metal a los pasajes más etéreos gracias a la voz de Audrey, acompañada casi únicamente por una melodía de piano y de ahí a las atmosferas y texturas saturadas del Post que lo que buscan es más la emoción, debido a la repetición de estructuras para llevarte en su infinito viaje, como por ejemplo “Gueules crasses”.

Un ejemplo de maestría compositiva de adicionar capas es el siguiente tema, “Nitide”.

Primera capa, la guitarra acústica; segunda, añadimos la voz de la Sylvain; tercera, la batería; cuarta, adornos melódicos de guitarra eléctrica; arrancamos de nuevo guitarras, bajo y batería, nueva entrada de Sylvain; nuevo parón, recitativo de Spellbound y arrancada en plan LIFELOVER, guitarras post, vocales desgarrados sobre la hermosura que desarrollan el resto de músicos, desarrollo épico y melódico hacia el final de la canción, teclados etéreos y cósmicos en fading para enlazar con el siguiente tema “Refuge” . Retomando las palabras de Morgan Freeman en la misma peli y en la misma escena: “[…] Supongo que cantaban sobre algo tan hermoso que no podía expresarse con palabras y que precisamente por eso, te hacía palpitar el corazón […]”

“Reminiscences” nos lleva a aquellos años de Neige y de aquellas bandas francesas, al contraste de las dulces voces de Audrey Sylvain y al gañido de Spellbound: el miedo, el amor, la náusea, la melancolía, la pérdida, el hastío… la perfección efímera como los primeros minutos de “Décembre”.

CHAOS MOTION (FRA)

PSYCHOLOGICAL SPASMS CACOPHONY TRANSCENDING OBSCURITY RECORDS, 2019

BONES (USA) DISEASED

TRANSCENDING OBSCURITY RECORDS, 2019 6 años después de su último disco “Sons of sleaze” la banda de Chicago BONES, saca un nuevo y extenso disco “Diseased” donde encontramos oficio, asco y desprecio… Que nos llama a sus garras con influencias tan variadas y bien dispuestas a lo largo de 11 canciones con un nexo común en cuanto a sonido, pero diferentes en cuanto a estilos.

Abre una perfecta combinación de golpes que suenan muy bien “Blood, diarrhea & tears” que marca el camino, un Death seco, que juega con el sonido podrido del directo. Se pueden apreciar todos los matices que quieren imprimir a través de la fuerza. Siguen “Mass graves” y “Carrion crows” donde las variaciones melódicas agregan velocidad y cambios bien marcados con la batería subiendo y bajando los ritmos. La voz, podrida, gutural plenamente en forma, suena rabiosa y sin piedad.

Un costado de buenos riff´s, con tonos que resaltan y hacen un buen cóctel, entretenido y sin artilugios de estudio.

Las voces, de nuevo, son una oda a la calle más profunda, puede que tenga una reminiscencia a ese Rollins de BLACK FLAG, con la batería y el bajo empeñados en sonar al frente y romper las armonías de las guitarras y recordarnos que esto es Metal… excelente. Te podés imaginar la saliva y el sudor del cantante por lo crudo de la grabación.

Destacables: “”Boozer” “No one matters” y “Crucifer” 3 canciones cortas que son el claro ejemplo de un Crust saturado al máximo y donde toda la banda pone su mayor arte para conseguir en contados compases esa mezcla perfecta que resuma Hardcore-Punk y Death, todo combinado en una grabación que suena a cuarto mal sellado y un desprecio total por la afinación. Perfecto.

“Down” es la puerta más oscura que pueden abrirnos a esos pasillos de casas abandonadas donde se pillan enfermedades venéreas metafísicas con solo quedarse un rato. Suena a carros de policía ardiendo en las calles, muertos por todos lados, y esto no es un problema zombie, ni una distopía, es un montón de gente que vive bajo un puente y han venido a por lo suyo. El desgaste se nota hasta tal punto que, en serio, da la sensación de estar grabadas las canciones una tras otra en una sola tarde… El ambiente es muy oscuro y pesado, el aura de Death está sobrevolando todo el tiempo, hasta que la guitarra se desmarca con un solo que puede encajar perfectamente en cualquier estilo que requiera fuerza y personalidad.

Si bien las líneas compositivas varían de un tema a otro, hay varios matices a lo largo de todo el trabajo, buenos cambios de ritmo y un toque artesano en toda la grabación. ¿Cómo han conseguido esto? Con años de patear las calles y los escenarios, conociendo las armas

Existen muchos ejemplos en el mercado en el cual el título del Cd es una expresión válida para la música que dentro nos vamos a poder encontrar, pero es que en el caso de estos mexicanos… es difícil encontrar una descripción mejor. Diría que la portada es también altamente descriptiva de lo que dentro nos va a deslumbrar. Con esto no quiero decir que sepamos lo que escucharemos solo con ver o leer, nada más lejos, sino que para un simple mortal que escucha la música en una sola dimensión y a lo largo de un tiempo humano, describir esto es altamente complejo si lo que espera es que el lector sepa de qué estamos hablando.

Evidentemente es un trabajo extremo, brutal y muy selecto. Evidentemente no es para todos los públicos y he aquí el dilema. ¿Qué publico acepta esta discordancia? En más de cuarenta minutos nos encontramos con música metal extrema, de una técnica exquisita y a veces muy difícil de entender. Estamos delante de composiciones de una complejidad altísima, que requieren de cientos de escuchas a lo largo de varias semanas de intervalo y que además no es sencillo memorizar en ningún aspecto, lo cual me lleva a pensar en el proceso de composición y grabación de esta monstruosidad majestuosa.

Imaginemos los instrumentos típicos del metal, a partir de ahí, todo fluye por sus manos como si en su cabeza la coordinación ,música y técnica fuera de otra dimensión, y en ese momento te das cuenta de que todo cuadra, aunque asimilarlo ya sea otra historia. Tenemos millones de notas disonantes, cientos de armonías fuera de partitura, riffs que se cortan y entrecortan, solos que parecen no ser de ese mismo tema, canciones que son simplemente armónicos naturales y artificiales, y todo esto con instrumentos metal, con talento y diría que con cierto atrevimiento puesto que esto puede salir bien, como es el caso, o ser una autentica basura.

Diría que un tanto por ciento elevadísimo de los más selectos melómanos de metal técnico no sabrán ni por donde empezar con este CD, pero… todos aquellos expertos en technical que se atrevan con él lo van a disfrutar de principio a fin. Cada nota, cada atrevido ritmo, cada golpe de batería, cada descontrol en la voz, cada armonía desquiciada, todo, todo, necesita de tremenda concentración para asimilarlo, mucho tiempo y decenas de escuchas. Es por eso que, en mi caso, sé que volveré a él una y otra vez y caerá un mes sí y otro también porque no llegare a descubrirlo entero en varias semanas, pese a que cada tema se diferencia de su predecesor por la variedad compositiva, pero su estilo es de tal calibre diferenciador que lleva a CHAOS MOTION a lo más alto de la lista de trabajos selectos.

SANTI GZLEZ | 9

CHAOS OVER COSMOS (AUS) CHAOS OVER COSMOS AUTOEDITADO, 2019 CHAOS OVER COSMOS es un proyecto, colaborativo, de metal progresivo online creado, en sus comienzos, por Rafal Bowman y Javier Calderón. Dos músicos que nunca se habían conocido y que decidieron que ser de países separados no podía evitar que hiciesen buena música juntos.

Desde el lanzamiento del álbum debut «The Unknown Voyage», en septiembre de 2018, y su relanzamiento con 2 nuevas canciones, en abril de 2019, Javier decide abandonar el proyecto y es sustituido por el vocalista australiano, Joshua Ratcliff de RESURGENCE. Fruto de esta nueva colaboración tenemos entre manos este EP de 3 nuevas canciones.

En las labores compositivas e instrumentales está el polaco Rafal Bowman, que consigue facturar 3 cortes de buen y melódico metal progresivo.

El trabajo me ha parecido mucho mejor que su anterior disco, no porque este no tuviese calidad, sino por la elección vocal, que combina secciones melódicas (omnipresentes anteriormente) con voces desgarradas (como líneas principales). Para dotar de concordancia a este cambio vocal, las guitarras rítmicas añaden una capa de mayor brutalidad procedente del death metal. Por tanto, deja de sonar tanto a SYMPHONY X y se adentra en terrenos más extremos e interesantes para mi gusto.

“Cascading Darkness” es el tema elegido para abrir el EP. Rafal no decepciona a sus seguidores, facturando un tema complejo, con polirritmias, punteos atmosféricos, solos progresivos arropados por los clásicos sintetizadores. Todo ello, bajo el ritmo de una batería programada, que queda relegada a un segundo plano en pro de las virtudes a las cuerdas del polaco.

Le sigue “Consumed”, un tema melancólico e intenso, con un áurea cósmica alrededor a base de buenos delays en los punteos limpios y con solos más complejos que en el anterior corte. Flojea un poco la labor vocal en los melódicos, sobre todo si los comparamos con el anterior trabajo. Pero ese “sacrifico” es compensado con la variedad al combinar los dos registros.

El corte que cierra este CD es “Asimov”, en clara alusión al magnífico autor de novelas de género Sci-fi. Es un tema más corto que los otros 2 y enteramente instrumental, basado en un extenso solo de guitarra, sobre el que recae todo el peso de la canción.

Un EP interesante que seguramente os dejará con ganas de más, de cara a un futurible nuevo LP.

es común a todos ellos, y que, según el contexto en que se utilice puede tener una connotación positiva o negativa. Esa expresión, ese concepto es el de “vieja escuela”, lo que los ingleses llaman el “Old School”. Así que veamos que nos depara el ¡Colorea y aprende con Teo! De este modo, habrá médicos que os causarán pavor por sus métodos de la vieja escuela y sus recomendaciones de cucharada de aceite de ricino, así como otros profesionales que con su talento de la vieja escuela os causarán gran placer. En este último ámbito, podemos ubicar a los gallegos COME BACK FROM THE DEAD. ¿Eso es malo, es bueno? Échale un par de orejas a su último lanzamiento “The Rise of the Blind Ones” y me cuentas. Porque Old School, lo que se dice Old School hay, y a toneladas.

Porque en cuanto escuches los primeros riffs de “Outcast of the Light”, ya te viene el hedor y, lo sé, lo aspiras gozoso, porque esta miasma es la que te gusta. De los riffs más Doom y oscuros pasamos en seguida a un acelerón Death con multiples cambios de tempos y riffs y más riffs uno detrás del otro, en cascada, en avalancha… ¡Pim, pam! Poco más de tres minutos y ya te has dejado el cuello. Pero la fiesta no ha hecho nada más que empezar, por que COME BACK FROM THE DEAD solo acaban de empezar y si bien es cierto que su siguiente tema, “Martyr of a Gruesome Demise” lleva un tempo y un desarrollo más lento, sigue teniendo actitud y pelotas para parar un tren (¡y por cierto, que bien se escucha el bajo y la campana del Ride!). Inciso aparte, retomamos la velocidad y ese punto tan Old School sueco, y más en concretamente, en aquella escuela / estilo con el que se desmarcaron los ENTOMBED, y es que Paul se deja las cuerdas vocales como LG Petrov. “Restless in Putrescence” alterna partes aceleradas con otras más Death ‘n Roll en un combo absolutamente letal, para reventarte las cervicales a base de headbanging.

Y si antes hablábamos de lo bien que se escucha el bajo, escucha como arman el tema “Jugular I – Heretic Impaler” sobre el riff con el que comienza Iago (ex-BOKLUK). Luego lo continúan con “Jugular II – The Altar of your Neck” y vaya manera de cabalgar tienen las dos guitarras, llevadas por Hector (NASHGUL) y Miguel. Y si bien es cierto que no todo va a ser velocidad, también hay que señalar lo axfisiante y pantanoso que puede ser el sonido de “Nebulaes of Malevolent Shining”, puro fango maloliente invadiéndote las fosas nasales.

Pero no preocuparse, que recuperamos la velocidad en “Darkness Abominations”, con buenos trallazos cortados para darle un groove y un dinamismo espectacular. “Lick my hands wild beasts” tiene un riffing continuo y una actitud (en común con muy buena parte del disco) muy punk, no en sonido, pero si en ese “vamos a darlo todo, vamos a reventarlo todo, y que les jodan”. Del mismo modo, el siguiente tema “Dead March” o el cierre, “Possessed by the Death”, actitud, entrega, dientes apretados, Old School, riffs viciosos y thrasicos, velocidad,… ¿qué más quieres?

Media hora, diez temas, Old School puro y duro. Y como hemos dicho antes, lo de “vieja escuela” según se considere, puede tener connotaciones positivas o negativas, pero en este caso, COME BACK FROM THE DEAD es justo lo que me había recomendado mi médico.

CESAR LUIS MORALES | 9

NACHO PEÑA | 8

COME BACK FROM THE DEAD (ESP) THE RISE OF THE BLIND ONES

TRANSCENDING OBSCURITY RECORDS, 2019 Existe, dentro de todos los idiomas que ahora se me vienen a la cabeza, una expresión que

CROWN THE EMPIRE (USA) SUDDEN SKY

RISE RECORDS, 2019 CROWN THE EMPIRE ha construido un disco poderoso, limpio y lleno de variaciones, sin complejos y con una gran calidad a la hora de combinar elementos del Metal Extremo

con ese Electro-core que deriva, a lo largo del trabajo “Sudden Sky”, en 10 pistas para incluir un domingo por la mañana de esos que no queremos acostarnos.

Con unos orígenes en el Post-Hardcore, los objetivos eran, allá por 2010, “traer estribillos Pop a un estilo más pesado” y vaya si lo han logrado en este álbum de 2019. Luego de una breve intro “(X)” abre la futurista “2020”, poniendo todo, desde el primer segundo, en tu cabeza para hacerte bailar, saltar y gritar.

Buenos coros, gancheros, puros y con una guitarra que se lleva la estrella principal por la agresividad más evidente. La composición de las canciones, además de salvaje, tienen una profundidad que, si bien está retocada por varios sitios en el laboratorio, despliegan calidad y buen tino a la hora de hacer cambios de ritmo para pasar de un tornado a una calma breve que nos mantiene conectados para gritar de nuevo. “What i am” es un claro ejemplo de una influencia que utiliza el poderío como ingrediente principal, jugando con leves toques de distorsión.

“Blurry” es un juego constante de voces pasadas por cámaras y efectos en un leve desierto de teclados electrónicos que nos hunden de pronto en otra explosiva canción que no duda en sacudir con varias voces a la vez para agitar el pecho. Es un constante sin parar de estilos y recursos que, la verdad, recuerdan un poco a LINKIN PARK, y eso es bueno. “Red pills” se pone el disco al hombro y, además de ser una gran canción –puede que la mejor del discoes una muestra de los diferentes estilos que vienen tocando desde sus primeros E.P. como “The Fallout” donde los growls eran más constantes y había menos aporte de efectos para dejar por varios instantes mano a mano a la banda con el público. Genial.

“MZRY” es una brillante base que viene y va en una electricidad intermitente, para luego pasar de nuevo a una decena de voces y cambios que lo hacen casi teatral y con un video animado alucinante… Una curiosidad: el single salió a las redes el mismo día que lanzaron material los SUM41 o BAD OMENS… Y CROWN THE EMPIRE se llevó el trofeo a más cantidad de reproducciones en 24 horas.

Con “Under the skin” cambiamos un poco de tercio hacia la electrónica, con efectos más típicos, coros, y lista para ser pinchada en discotecas alternativas. Los que siguen esta banda, este estilo de música, son bastante exigentes en cuanto a la originalidad de la propuesta, una cosa es el sonido, otra la repetición de sonidos y fórmulas, en el caso de CROWN THE EMPIRE estamos ante una fuente inagotable de recursos, con un centenar de referencias, sí, pero propias y llevadas a su terreno. “SECU3NCE-FIX” regresa a la brutalidad y a las interacciones con una distopía próxima que se hace patente en las guitarras que nos cubren y parecen estar al límite de la distorsión continuamente. Esta es la parte más esencial de CROWN THE EMPIRE. Un sonido que es agresivo y juega continuamente con cambios, porque ellos mismos se aburren y buscan otra vertiente al pasar a “March of the ignorant”. Sonidos nuevos en el disco y más coros y matices que te acercan a un sonido “remix” y allí se mantiene… para poner de fondo en el salón y bailar toda la tarde. Cierra “Sudden Sky” con la misma tesitura. Las bases grabadas en estudio se convierten en multipistas, y se ponen al máximo para despedir este excelente disco lleno de buenas ideas y que parece tirarnos por la cabeza todo cuanto les quedaba por hacer. Se ponen brutos, buenos gritos y gran presencia de recursos idénticos que se apoyan en los instrumentos y en una buena voz que encaja los tonos y se pone Pop un rato para luego volver a reventar con grandes growls.

CROWN THE EMPIRE, salen por primera vez de gira como cabeza de cartel con este disco bajo el brazo que está teniendo buenos números de ventas y los ha hecho cosechar más seguidores, sobre todo de la triste desaparición de CHESTER BENNINGTON, quizás CROWN THE EMPIRE sean quienes estén más cerca de ocupar, un poco, el lugar que ha dejado vacante. También porque el hecho de poder generar ideas para entregar canciones fuertes, intensas sobre todo y sentidas, y escritas con el propósito de sacar truenos Hardcore de un estudio portátil que se convierte de pronto en una sala Únderground como en un After pletórico.

Si ya los escuchaste, este disco va a recordarte lo buenos que son a la hora de montar y componer, en una línea, tal vez un poco excesiva

a nivel electrónico que en trabajos anteriores; pero sin perder ni un poco la fuerza, la brutalidad; “Sudden Skin” los hace más interesantes y versátiles.

SEBASTIÁN ABDALA | 8.5

DEREK TED (USA) BETTER SPIRIT

PURE NOISE RECORDS, 2019 En la zona oeste de Estados Unidos, tenéis una de las costas que sea quizá más prolífica, musicalmente hablando. California, la dorada california, nos ofrece un montón de posibilidades, y como cantaba Mike Love de los BEACH BOYS hace como un millón de años: I wish they all could be California girls… ¡Colorea y surfea con Teo! METALLICA surgieron de allí y parieron el crujiente sonido conocido como Bay Area Crunch. RED HOT CHILI PEPPERS también vienen de la zona y la homenajearon en su “Californication”. KORN se juntó en Bakersfield y nos reventaron la cabeza con su nuevo estilo. MÖTLEY CRÜE, SOAD, RATM, LINKIN PARK, SUICIDAL TENDENCIES, MEGADETH… y la lista se extiende a lo largo de los años y de la geografía de California. Y ahora vamos a hablar de DEREK TED, que no tiene nada que ver con todo lo que hemos hablado anteriormente, salvo que es del área de la Bahía y que vive en Los Ángeles.

No, no tiene nada que ver, ni con el primer Thrash Metal, ni con las evoluciones del Hard Core, ni el Rap Core, ni el Nü Metal… Por lo que he podido averiguar, este muchacho de dudoso gusto a la hora de elegir camisas (si veis alguna foto publicitaria y os gustan esas floreadas camisas, ¡ya tal!) ya ha publicado unos cuantos álbumes en solitario y forma parte de otra banda llamada OWLS PAWS. Ahora tenemos este segundo álbum, “Better Spirit” y ¿qué tenemos?

Pues sabe Dios por qué extraños avatares del destino este disco ha llegado a la redacción de NECROMANCE, publicación especializada en Metal extremo. Y aquí llega DEREK TED con su guitarra debajo del brazo y un álbum de… ¡Pop! Sí, y lo he escuchado, y re-escuchado y vuelto a escuchar otra vez. ¿Y sabéis qué? ¡Que da gusto escucharlo! Es un Pop intimista, sencillo, alegre, suave… Acompañemos a Derek al atardecer a una de esas playas de California, encendamos una hoguera, fumemos un par de porros y comencemos a rasguear la guitarra. Tampoco hace falta mucho más para ser feliz. Y así discurre el disco, de un tema a otro; canciones cortas, acústicas, con unos arreglos efectivos y redondos, unas percusiones testimoniales que marcan levemente la estructura rítmica de cada tema… Puede que incluso no haya ni baterías reales. Hoy en día, con una guitarra, un par de pedales de efectos y un secuenciador, uno se puede grabar todo lo que quiera sin necesidad de grandes artificios y grandes producciones.

Echadle un oído al disco y decidlo con toda normalidad: ¡Pues escuché el disco de DEREK TED y era de Pop bien hecho! No pasa nada.

Los BEATLES hicieron Pop y nadie les puede negar su relevancia ni su importancia en la historia de la música. Este muchacho no es John Lennon, pero da gusto escuchar como con una guitarra, su voz y poquito más puede escribir un “Better Spirit”. Sencillo, de buen gusto, sin estridencias, ni sobreproducciones… Basta una frase del propio Derek en su tema “Tired” para explicarlo todo: “Flower in the dirt, growing thru the pavement…” (Una flor entre escombros, creciendo a través de la acera…)

SEBASTIÁN ABDALA | 8.5

DIABOLICAL MENTAL STATE (PRT) DIABOLICAL WORLD AUTOEDITADO, 2019 Desde la vecina Portugal nos llega el nuevo trabajo autoeditado de DIABOLICAL MENTAL STATE bajo el nombre de “Diabolical World”. Este es el segundo trabajo de la joven formación tras su Ep debut en 2013 “Basic Social Control”, con el que se dieron a conocer, además de tener una gran acogida por publico y prensa, tras la salida del grupo de dos miembros en 2016 (vocalista y guitarra), estuvieron un año y medio cocinando lo que seria este nuevo álbum hasta que dieron con Joao Saraiva en las voces y Gonçalo Assunçao en las guitarras para completar su thrash/groove metal y darle forma a este nuevo álbum.

Tras una delicada introducción, “The Town” irrumpe directamente a la yugular con unos ritmos grooveros muy potentes donde los riffs de las estrofas destrozaran tus neuronas con las guitarras de Pedro Isaac Ribeiro y Gonçalo Assunçao, que combinan a la perfección con los guturales y tonos rasgados de Joao Paulo en las voces, quien nos deja diferentes registros, añadiendo versatilidad a cada canción, todo un acierto con las incorporaciones. El bajo de Apache Neto, nos da la bienvenida a “Home Invasion”, un corte muy thrashero, que incluso juega con toques hardcore en unas estrofas contundentes y dobladas vocalmente, me encantan los ritmos de sus guitarras en los puentes, al igual que la percusión de Rafael Santos a lo largo de todo el álbum.

“Jungle” es corta, directa y efectiva, thrash portugués de pura cepa, manteniendo la sección rítmica en “Elements of War”, donde las guitarras juegan con las escalas a placer, con un giro sorpresivo al final, al que añaden unos toques a lo ALICE IN CHAINS, atmosféricos y con unas voces fantasmales que preceden a la tormenta antes de cargar el arma, todo un temazo que precede a otro, Dark Days”, donde las florituras se dejan de lado para crear una música muy solida y contundente, que en directo ha de ser demoledora. Aunque la técnica la desarrollan al máximo en los dos últimos cortes, “Anger Within” y “Children of the Tides”, siendo los cortes más largos en cuanto duración y con una enorme calidad estructural, que nos dejara con una grata impresión de estos chicos portugueses, empleando unas estrofas muy directas y unos riffs muy grooveros en el estribillo de “Anger Within”, mientras que “Children of the TIdes” emplea su técnica thrashera en el comienzo, con un puente groove directo en el que juega con los tempos y las transiciones de guitarras de gran técnica, eso sí quizás al escuchar el álbum al completo eche en falta algo más de versatilidad tonal en las voces.

JUAN ANGEL MARTOS | 7.5

DOMINATION INC (GRC) MEMOIR 414

SPV / STEAMHAMMER, 2019 Vaya. Thrash y del bueno. El quinteto griego

DOMINATION INC., formado en 2011, captura maravillosamente con este segunda duración las cálidas temperaturas del sudeste europeo en con un riffeo muy cañero, contundente y acertado, una buena porción de velocidad y esta actitud callejera, fresca y despreocupada que a todos nos lleva cautivando décadas.

Además parece ser que el quinteto heleno, ahora bajo el apoyo de la potente SPV/Steamhammer y con un sonido poderoso pero terrenal por fin está recogiendo frutos y recibiendo la atención que se merecen. Me alegro por ellos.

La escena metal griega se dio a conocer a nivel internacional sobre todo gracias a los grupos de Black Metal de los noventa con bandas como ROTTING CHRIST (que si se me apura de black metal sólo tenían los primeros discos) o NECROMANTIA. Nadie hubiera pensado por aquél entonces que la escena metalera helena pudiera llegar a ser tan próspera… especialmente en lo que a thrash se refiere. Sí, claro que me refiero a los prolíficos SUICIDAL ANGELS y no tanto a los power metaleros FIREWIND. DOMINATION INC. son sin duda otro ejemplo de buen hacer y tener las cosas claras.

Mezclando las formas tradicionales de los maravillosos años ochenta y usando aspectos tanto de la escuela norteamericana como la teutona aunque adoptando una imagen algo más actual y moderna, a mí por ejemplo al escucharlos me vienen a la cabeza los EXODUS o HEATHEN debido al buen nivel técnico. Sí, hay caña para dar y tomar, pero también usan buenas melodías que se aprecian sobre todo en los solos de guitarra.. La producción es bastante correcta y se adapta perfectamente al estilo thrash. Han optado por una producción a medio camino entre la vieja escuela y lo moderno y creo que han acertado.

Pasando a los temas, a mí me han gustado ante todo la furia rápida y destructiva de «Cutting Edge», con muy buenas guitarras, riffs monolíticos y solos sorprendentemente melódicos), la rica y variada “Day VIII Deus’ Ignorance», con una sección rítmica impresionante o la brutísima «Dark City». La versión de «Love Me Forever» de MOTÖRHEAD la verdad es que me ha dejado frío y no me ha dicho mucho… pero bueno, no se lo tengo en cuenta.

Está claro que no han inventado nada nuevo, pero con “Memoir 414” el joven quinteto heleno se nos ha revelado como una de las bandas thrash a tener en cuenta en Grecia con un disco que tiene todos los ingredientes necesarios para hacer las delicias de todo buen fan del thrash.

DANIEL GALLAR | 8

ENGULF (USA) TRANSCEND

EVERLASTING SPEW RECORDS, 2019 Everlasting Spew Records, lanzó el 25 de enero de 2020 el tercer E.P de la One Man Band de Death Metal ENGULF llamado «Transcend».

Hal Microutsicos es el artífice del proyecto.

Este hombre se encarga de guitarras, bajo, voz y de la programación de batería.

Pues nada, así como quien no quiere la cosa, al darle al Play al susodicho empuje nos topamos con cuatro cortes del mejor «Metal Muerto» que os podáis imaginar. Vaya tela, que gustazo da oír cosas así camaradas. Cada track contiene todos los ingredientes necesarios para hacer que hasta el más experimentado y escéptico headbanger se vuelva completamente loco de alegría ante tal poderío compositivo. Las estructuras de las tonadas además de ser geniales son completamente adictivas, convirtiendo cada segundo de música en una devastadora a la par que placentera experiencia que querréis vivir una y otra vez. Lo único que le puedo achacar es su corta

duración. Sinceramente, los menos de veinte minutos de «ruido» radical me han llegado a saber a muy poco. Por lo demás, nada que objetar. La producción es contemporánea y nítida. Asimismo, la portada transmite maldad por los cuatro costados. Al menos para mí, el artwork sin ser una oda a la originalidad no me ha resultado manido, y eso es muy de agradecer.

Poderosos y siempre siniestros resultan los riffs. Degustaréis dobles armonías, punzantes armónicos, disonancias y asaltos de tremolo picking. Poco puedo describir en el apartado vocal. Sin florituras ni innecesarias variaciones de tonos llegan los growls de Hal. ¿Moderneces?, no, gracias. Alucinando me ha dejado los parches. Para ser programados, os aseguro que resultan inmejorables. ¡Vaya manera de idear ritmos y crearlos de forma artificial!

Colegas de lo extremo, ante tal nivel, solo puedo hacer dos cosas: destacar cada canción que da forma a la acometida que ha protagonizado la reseña de hoy y darle la nota más alta. Así si que sí.

JESÚS MUÑOZ CABALLERO | 10

ESOGENESI (ITA) ESOGENESI

TRANSCENDING OBSCURITY RECORDS, 2019 ESOGENESI banda formada por Jacopo Marinelli a las voces, Davide Roccato a las guitarras, Carlo Campanelli al bajo y Michele Adami a la batería. Banda italiana, procedente de Milán, Fundada en 2016, pero que hasta el pasado Octubre del 2019 no lanzaron su primer trabajo Homónimo.

Su trabajo está compuesto por cinco temas en poco más de 39 minutos que te dará una idea claro del género predominante, ya que hace un Doom/Death Metal que es bastante característico por su sonido asfixiante lleno de riff saturados y lentos.

En general los cinco cortes están planteados en un tiempo lento, con riff de guitarras muy marcados dejándolos sonar, donde los sonidos rasgados y saturados son muy importantes para la creación de ese Doom oscuro y machacón. Pero las guitarras destacan también en su parte limpias con una distorsión más comercial, como en la canción “Esilio Nell Extramondo” o “…Oltregenesi…” donde las partes instrumentales creadas no son tan crudas. La canción “Incarnazione Della Conoscenza” es un ejemplo de la mezcla perfecta de sonidos de distorsiones limpias con sonidos pesados y densos. Las Voces guturales y duras, con frases lentas y marcadas que ayudan a crear la atmósfera de agonía, dando ese punto de fuerza a la música ya que esos tiempos tan lentos no es nada fácil. La parte Rítmica es muy marcada y contundente, sin ser compleja, pero que hacen de un estupendo pegamento entre los instrumentos para que las canciones se eleven ese punto extra.

Banda interesante para tener en la mente, para poder ver su evolución. El disco me ha gustado con mucho carácter y grandes intenciones, pero creo que pueden evolucionar aún mucho.

JESÚS SÁNCHEZ GARCÍA | 6.5

ETERNAL STORM (ESP) COME THE TIDE

TRANSCENDING OBSCURITY RECORDS, 2019 Puesta de largo en un L.P. sin desperdicios para los amantes del Death Metal complejo, armado como una oda épica, llena de matices y profundidad armónica. Hablamos de la banda española ETERNAL STORM y su disco “Come to Tide” Abren las maravillosas “Througth the Wall of ligth” (Parte I y II) que nos introducen desde el vamos en una tormenta que fusiona “Gothenburg Sound” con un Atmospheric muy bien ejecutada. Extensas composiciones ambas que superan los 15 minutos en una arriesgada bienvenida al concepto de la banda. Hacen que llueva en tu cabeza, te rodean con los sonidos de las guitarras y las bases se convierten en camas de clavos que hacen la perfecta entrada a una voz desesperada y rodeada de un “Primal Scream” (licencia filosófica que me permito) para salir de toda etiqueta y dejarnos claro que no hay manera de encasillar a ETERNAL STORM. Las baterías son una marcha incesante que sobrelleva el ritmo mientras un riff alienante sale a la luz suavemente. Oscuridad completa que suena entre los coros y la locura gutural que se desvanece para dejar que las guitarras se ocupen de llevar el traspaso entre canción y canción.

Lenta y dramática ejecución hace que la parte II nos dé un respiro para seguir adelante en un disco que se llena de voces melódicas y vientos… melodías interpretativas que nos van preparando para, de nuevo, comenzar con una densidad de sonido que es pura magia.

“Detachment” y “The mountain” conviven como si nada extraño ocurriera. Me traen sonidos paganos a la cabeza, oraciones oscuras llenas de intensidad, todo el trabajo está ejecutado al límite, un desgaste bien producido, donde la batería pasa de la velocidad más intensa y apretada, a un ritmo menos trepidante pero igual de poderoso. “Of Winter and treason” se las gasta como la mejor canción del disco. 10 minutos que nos pone en un estado mágico, donde la narración es la épica conductora que dirige a la banda, como si fueran dando un paso adelante mientras avanza la espesa y angustiosa melodía que siempre nos arrastra. Hay cambios de ritmo, fusión intensa y riffs antológicos que ponen los pelos de punta. Las etiquetas del sonido marca registrada ha quedado lejos de toda adjetivación que pueda utilizar. “Drifters” es un leve descanso antes de entrar de nuevo con todo en “The scarlet lake”, una excelente variación en la creatividad de la banda, cambio de tercio a unas voces que bajan la intensidad y me da un sabor “stoner” tan bien recreado con las cuerdas de la guitarra que sorprende con un nuevo y definitivo cambio de ritmo, salvaje y melódico.

“Embracing waves” es el cierre de oro, 11 minutos que comienzan con un salvajismo oscuro que varía en un abrir y cerrar de ojos.

Voces melódicas que entran en un duelo con guturales limpios (vaya paradoja, ¿no?) y de un nivel que te da ganas que no acabe nunca la canción. Manejan, como en todo el disco, unos cambios de ambiente y atmósfera de corte, prácticamente, virtuosos. Los arreglos están pensados para colocar tu sentido del oído en un viaje sensorial inesperado. Hay tantos matices en esta canción que demuestra que el disco entero no es otra cosa que un trabajo conceptual de una oscuridad que se basa en teatralidad y sentimientos. “Come to tide” no es otro-disco-de-death-melódico, es la compleja elaboración de unas mentes que saben muy bien lo que querían, y creo que lo han conseguido. El cierre del disco, los últimos 3 minutos son la banda desquiciada, poniendo cada fibra y cada molécula en la interpretaNUM. 69 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 35

ción de una canción que se convierte en una ola gigantesca que te ahoga por completo y estalla, al fin, en toda tu cabeza. Maravilloso.

Este disco es una fusión incesante que apuesta por una mutación compleja, recorre estilos, sonidos, mezclas y agrega unos arreglos que suman a la obra, no al sonido, lo cual lo convierte en una joya del Death Metal europeo.

Para enmarcar y tener siempre a mano, listo para darle al play y sentir la presión y energía de una banda que ha dado un gran salto de calidad.

que ya está de sobra establecido y definido, sí se puede darle un lustre distinto y remozarlo con gusto, con técnica y con calidad.

CESAR LUIS MORALES | 9

SEBASTIÁN ABDALA | 9.5

FORMICARIUS (GBR) RENDING THE VEIL OF FLESH

SCHWARZDORN PRODUCTIONS, 2019

EVA BARTOK (GBR) EVA BARTOK

AUTOEDITADO, 2019 Los británicos de EVA BARTOK nos tiran a la cara un nuevo E.P. basado en dos cosas: violencia, velocidad y una actitud PUNK bien aceitada.

Abre el trabajo “Lies and trickery”, un primer golpe directo al mentón, sin copias ni influencias “mainstreem”, composiciones rítmicas complejas, cambios de ritmo y agobiante presión por parte del vocalista que se conjuga con la guitarra para ir derramando Punk feroz, mucho rollo a un paso de desafinar y, la verdad, interesante juego con melodías que no parecen estar afinadas del todo y eso lo hace más interesante, porque suenan bien.

Sigue “Chess Club” con un bajo al frente que se las apaña con la batería para dejar de lado cualquier timidez y entrar a lo bestia la banda entera sonando sucia y con cierto aire “Grunge” muy bien marcado. Los diferentes matices que nos van entregando hacen notar que hay un concepto de trabajo muy oscuro detrás y, sobre todo, muy furioso. Las voces apenas recurren a los efectos, están crudas ahí, en un primer plano, dejando que el ritmo cambie una y otra vez para que, en menos de 3 minutos, nos hayan dejado agotados y pendientes de ver qué harán en la próxima canción.

“Houses”, es una pieza más que interesante, hay cierto coqueteo con sonidos “Stoner”, para luego tirar todo por la borda y ponerse bien Punk y reflejar que este pequeño E.P. ha sido meditado y bien trabajada la postproducción. Los sonidos están en un límite de distorsión que, parece, se van a salir de tono de inmediato… pero para nada, cuando parece que están justo en el límite, cambio de ritmo, bajan un tono, y de nuevo te tiran encima toda la banda para que sacudas la cabeza y te preguntes qué demonios ha pasado.

Cierra “Mexcio”… Un riff muy ´70´s que se recuesta sobre una batería que lo toca todo a una buena velocidad. Esta comparación es odiosa, pero muy positiva: los que hayan escuchado con admiración y aprecio el “Incisticide” de NIRVANA, quienes se hayan divertido con esas brevas Punk podridas y locas como “Hairspray Queen”, con este disco se lo van a pasar bomba.

EVA BARTOK saca este E.P. (homónimo) de apenas 4 canciones que no tiene espacio para pensar qué demonios ha pasado, pero que mezcla varios estilos y los hace propios, con letras que mantienen una acidez bien elaborada y una banda que suena perfectamente entre esa zona de distorsión y afinación que los acerca mucho a una choque eléctrico de toques “Grind” y “Stoner”. Bien jugada la carta de los tiempos modernos que vivimos para sacar apenas un puñado de canciones que nos hacen agendar este nombre y buscarlos en las redes. Lo mejor: la variedad de ritmos, si bien el sonido está muy definido, hay un juego constante con variaciones que demuestra una versatilidad rara en las fechas que corren.

SEBASTIÁN ABDALA | 8

36 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 69

Uno de los primeros libros que trata la brujería, escrito allá por el siglo XV, es el Formicarius, de Johannes Nider. En concreto, en su sección quinta, el autor trata dicho tema, desechando la idea de que las brujas podían volar de noche. De hecho, Nider establece en su obra unas concepciones sobre la brujería que trascenderían a lo largo de los años. Antes de dicho libro, se pensaba que la magia era realizada por hombres instruidos a través de intrincados rituales. A partir del mismo, se infiere que la mujer -[sic] debido a sus condiciones morales, físicas y mentales inferiores- es la autora de dichas brujerías. Todo un ejemplo el paisano este del Nider. ¡Colorea y aprende con Teo! Todos esos libros, como el Malleus Maleficarum, y diversos grimorios reales (como el Clavícula Salomonis) o ficticios (el Necronomicón) han proporcionado un imaginario infinito de nombres para bandas, como es este el caso de los británicos FORMICARIUS. Recien llegados a la escena (llevan operativos como banda desde 2014) ya han publicado dos álbumes (el “Black Mass Ritual” de 2017 y este que analizamos, “Rending the veil of Flesh”). Y ¿Qué nos ofrecen estos londineses?

De una manera casi abrupta, abren el disco con “Beyond the Veil of Flesh” con la rasgada de voz de Lord Saunders y los ataques guitarreros clavándonos en las coordenadas del Black Metal, y si bien los riffs y el resto de la banda cumplen como banda de Black hay un componente altamente melódico y técnico que hace que podamos digerir de buen grado el primer tema. “Dieu et mon droit” abre de una manera acústica y relajada con Morath (Vicki Thompson, teclados) llevando todo el peso de la intro. Pero luego volvemos a entrar en materia: Saunders y el otro guitarra, Nazarkardeh, comparten labores desgranando intrincadas líneas de guitarra aunque con un trabajo muy melodioso e incluso también apreciamos dobles armonías vocales muy bien contrastadas. No se pierde en un solo momento el filo metálico, todo está compuesto, estructurado y armado de una manera preciosista.

Y la cosa sigue con “Within the Depths”, con ese punto que recuerda a los grandes: unos EMPEROR menos densos y agresivos, unos DIMMU BORGIR un poco más melódicos, un Black Metal un poco menos abrumador… Un equilibrio perfecto que ya consiguieron en el anterior disco y que en este han seguido desarrollando, más máduros, más relajados, como en “Early Will I Seek Thee” con qué facilidad el trabajo de guitarras va avanzando acompañando los versos de estribillo en estribillo…

Lo mismo podemos decir del espectacular trabajo que desarrollan en “Inherit our sickness”, las melodías de las guitarras, las modulaciones de los teclados, los cambios de tempos…

“The Four Horseman”, “Stalker among the Stars” (¡otra joyita!), las continuas y dinámicas aceleraciones y paradas de “Crimson Purge”, para cerrar con “O, Dread Impaler”, épica y majestuosa en su desarrollo, rebajando el filo black metalero hacia otros más melódico.

Un gran descubrimiento el de estos FORMICARIUS. A lo largo de su breve historia, han definido un estilo que retoma el concepto del Black metal más sinfónico, de aquellos grandilocuentes DIMMU sin ser tan rimbombantes, al más técnicamente complejo de los EMPEROR pero sin irse por unos derroteros tan extremos y saturados. El primer álbum fue su descubrimiento y su prueba de fuego, este segundo “Rending the veil of Flesh” es la validación de que si bien es cierto que es muy difícil innovar y decir algo nuevo en un estilo

FREEDOM CALL (DEU) M.E.T.A.L.

SPV / STEAMHAMMER, 2019 Los abanderados del happy metal como ellos se definen, donde encontramos himnos repletos de power / heavy metal con unos toques muy adictivos, están de vuelta con su nuevo trabajo “M.E.T.A.L.” editado por Steamhammer / SPV, hablamos de FREEDOM CALL. Además de la vuelta de Chris Bay (voz/guitarra) al set para celebrar su veinte aniversario, lanzan su decimo trabajo de estudio desde que debutaran allá por el 2009 con “Stairway To Fairyland”.

Y es que desde el inicio con “111” se denota esa actitud positiva, con una producción impecable y unas guitarras clásicas del estilo alemán a manos de Lars Rettkowitz quien también apoya en los coros a Chris Bay, para dejarnos el primero de los once estribillos pegadizos que nos aguardan por delante.

Desde los coletazos de “Spirit of Daedalus” con un toque más speed y guerrero, hasta “Sole Survivor”, con su cabalgar de guitarras y bajo (Francesco Ferraro), y un estribillo para ser coreado, la sonrisa no se te quitara de tu cara, pues FREEDOM CALL, esto lo sabe hacer muy bien, tan solo hace falta escuchar el tema homónimo del álbum “M.E.T.A.L.”, para saber de lo que hablo, además de estar hecho 100% para el directo con un crescendo musical muy moderno.

“The Ace Of The Unicorn” y “One Step Into Wonderland”, son dos de los temas más happys del álbum, como ellos dicen en la nota de prensa “corremos grave riesgo de conmoción”, pues son perfectas para un mundo de fantasía e infantil, un toque de humor que siempre introducen en sus trabajos, teniendo la primera un pasaje de percusión, grabada por Timi Breideband. “Sail Away”, es mucho más seria y una de mis preferidas del álbum, con unas estrofas donde Chris va modificando tonalidades de una forma muy pegadiza, unos teclados y coros en segundo plano en los puentes muy oportunos y un estribillo casi operístico repletos de fuerza. Para en la parte final acelerar la mayoría de sus temas con un toque de power como “Fly With Us”, “Days Of Glory” o “Ronin”, tres temas made in FREEDOM CALL, en los que parecen rejuvenecer veinte años musicalmente, y de las que personalmente me quedo con “Days Of Glory”. Por último mencionar “Wheel Of Time”, porque otro de los temas destacado no lo iba a dejar fuera, con un estribillo quizás demasiado largo, cantado con dualidad de voces, pero que funciona muy bien en este veinte aniversario de la banda alemana.

JUAN ANGEL MARTOS | 7

GESCHLECHT (ITA) NEW LOAD CONTINUE

TIME TO KILL RECORDS, 2019

La banda italiana GESCHLECHT, nos entrega su primer larga duración “New load continue”, un Metal extremo moderno, con toques de industrial y muchas bases preconcebidas y basado en sonido de oscuridad, apretado y con guitarras que se hacen las dueñas de los cambios de ritmo y entregan bases sólidas a una voz que es de lo mejor del álbum, aunque es muy largo para la propuesta.

Abre una fuerte “Geschlecht” (homónima) que nos anuncia lo que escucharemos a lo largo de todo el trabajo, un toque de Black Metal y brutalidad que se retuerce en cambios de ritmo imprevisibles que, a veces, cortan un poco el rollo de cada canción al meter efectos para intentar ganar fuerza. Juegan con una buena saturación en las voces (Oscuras, potentes, podridas), mucho efecto en la producción y samplers que resaltan instrumentos según sea conveniente para dar más “chicha” al tema.

Así una y otra vez durante 12 canciones.

“Cursed” y “Bloodmoon” son muestras de un buen laboratorio donde se exprimen cada uno de los elementos de la banda sonando al máximo, hay variaciones melódicas que los muestran con varios recursos que, a lo largo del disco, nos va poniendo al tanto de la intención de la banda. La versatilidad, en este caso, parece más un batiburrillo que un aporte. Las voces, dentro de una gama de guturales bien puestos, son bastante acordes al concepto que intentan acercarnos, ese terror de ingenieros biológicos que, al parecer, también están metidos en la producción del disco.

“The power of five” ya muestra más calidad en cuanto a Metal Core se refiere, mantiene esas melodías tristes metidas en samplers que acompañan correctamente a las guitarras que ya comienzan a mostrar un poco más de técnica. La brutalidad está a un paso de pegarnos en la cara, pero con tantos recursos de “Electro-core” terminan diluyéndose en una fórmula que no es ni una cosa ni otra. “The prophecy” y “One mind” son ejemplos de ejecución técnica muy ambiciosa y correcta, pero ese filtro de sampler (otra vez, sí) los hace decaer un poco. La batería gana en profundidad y fuerza, los blast-beat son alucinantes y las guitarras siguen intercalando solos (muy cortos y en segundo plano).

Llegando al final, tomamos un poco de aire y escuchamos “Legion XXI” con guitarras Heavy que dan paso a la fórmula preferida de las bandas de Metal de esta segunda década del siglo XXI, casualmente, la fórmula es la misma que en todas las canciones anteriores, algún destello que las diferencia a una de otras, para luego dormir en una estructura indefinida que abusa de efectos en las voces. Casi sería mejor que invitaran a otro vocalista para completar esos cambios abruptos y a esos ruidos que, se notan, han sido grabados un par de veces y repetidos hasta el hartazgo en el estudio de mezcla. El Industrial ha quedado lejos hace rato, nos metemos en bucle y apreciamos los cambios y buenas combinaciones que pueden haberse elegido en una galería pintoresca de estudio de sonido.

Cerramos con la irónica “Home sweet home” que es toda una composición pensada para jugar en un escenario lleno de efectos y sonidos de ordenador, siendo más un buen “single” remix que da paso a “Trascend”, donde de nuevo las ideas se repiten sobre el mismo recurso desde que ha comenzado el disco.

Efectos en guitarras, bajo y batería. Cambio de ritmo para la entrada de un growl que, si bien tiene buen gancho, no termina de convencer por la monotonía de las melodías. Son todas las canciones iguales, aunque dentro de una leve variedad de cambios que se tuercen al recurrir siempre a los mismos efectos y samplers.

GESCHLECHT ha decidio ir por las oscuras sendas de los recursos prefabricados, “New Load Continue” no carece de fuerza, pero sí de creatividad. El problema de estos 12 temas es la similitud entre unos y otros, y la recurrencia a samplers para cerrar algunos fallos de carencia de ideas. No es Electrocore, no es Industrial, no es Death-Tech, es una recopilación de tonos, efectos y recursos teatrales que a otras bandas les queda muy bien porque tienen sobra de oscuridad y el concepto claro. Aquí, tal vez, si de estos 12 temas hubieran sacado 7 estaríamos ante un excelente E.P. más ajustado a las expectativas y a la originalidad.

Un buen disco debut, demasiado pretencioso y eléctrico para los recursos que poseen. Se nota la calidad de cada uno, pero falta creatividad para salir de un laberinto de efectos.

SEBASTIÁN ABDALA | 6

la voz de Maria J. Lladó. ¡Con álbumes de esta calidad, el Doom está asegurado!

Un cuarto de siglo, veinticinco años son muchos. El Doom tuvo su auge sobre todo en la década de los noventas, pero… GOLGOTHA siguen ahí. Y siguen pariendo obras tan magistrales como este “Erasing the Past”. Pero, como ya he dicho antes, hay bastantes paradojas en todo esto: no, este disco no está borrando el pasado, bebe directamente de él. Así como que el Doom está vivo, está pero que muy vivo y asegurado con bandas como GOLGOTHA. CÉSAR LUIS MORALES | 10

GOLGOTHA (ESP) ERASING THE PAST

XTREEM MUSIC, 2019 La literatura siempre ha facilitado una fascinante lista de nombres para las bandas de música. Tiramos desde mitologías clásicas a obras más recientes; desde las palabras más místicas a los nombres más ridículos. Pero siempre, si tiras de los libros se te puede aparecer el nombre de una banda. ¡Colorea y aprende con Teo! Para los que así lo crean, hubo, un lugar de la calavera, una colina donde murió crucificado su salvador y creador. Para los que no nos tragamos eso ni con un litro de whisky, nos interesaremos más por la etimología: el Calvariæ Locus, de donde luego derivaría la palabra castellana calvario, viene del arameo gagûltâ y ahí sí, efectivamente la traducción puede ser lugar de la calavera, un lugar para las ejecuciones públicas. ¿Mola o no mola? Así lo debió pensar allá por 1992, Vicente Payá y fundó GOLGOTHA. Y un cuarto de siglo después (que se dice pronto) aquí estamos disfrutando del nuevo pelotazo de la banda: “Erasing the Past”.

Y cómo decía el conejo, ¿Qué hay de nuevo, viejo? De nuevo, poco, porque en cuanto escuchas los tres o cuatro primeros acordes hasta la primera vuelta de “The way to your soul” ya sabes de que va el tema. Doom Metal. Del bueno, del de verdad, de aquel que se pergeñó en UK con todos aquellos grandes nombres (PARADISE LOST, MY DYING BRIDE, ANATHEMA o CATHEDRAL). Eran otros tiempos, pero para GOLGOTHA no parecen haber pasado los años. Las buenas (y pesimistas) vibraciones que transmiten hacen que no puedas dejar de escuchar este disco. Porque enseguida descubrimos unos riffs pesados, ampulosos, lentos y majestuosos que dibujan la urdimbre de cada tema. ¿Aburrirte como con algunos de los últimos lanzamientos de algunas de las bandas de Doom? Puede ocurrir, y de hecho, me ha pasado con algún álbum. Con GOLGOTHA eso es imposible.

Aparte del excelente trabajo de guitarreo por parte de Vicente con su hacha, descubrimos una banda de altura. Amón se mueve igual de cómodo y de versátil entre las voces más violentas y raspadas que con los vocales limpios, como en “Distorted Tears”. Tiene unos tonos operísticos y una teatralidad que me recuerdan a las voces de Peter Steele. ¡Todo un puntazo! Pero espera, que aún hay más. Los tempos del Doom hacen que sea muy complejo meter una buena línea de batería que no sea la aburrida 4/4 en 30 bpm. A lo largo de todo el disco Tomeu Crespí aporta un dinamismo al instrumento que hace que las canciones palpiten y tengan una dinámica que sube y que baja, como los parones en “Burning the disease” o el doble bombo de su parte central – que no es una línea a 250 bpm, sino una que empuja al tema hacia adelante o como por ejemplo en “Rewrite your destiny”.

“New Hope” es otro tema, como los anteriores, Doom ¿no os lo había dicho? Pero es Doom de la nueva década, y no aburre. Suena fresco, suena vivo (paradojas de la vida, el Doom suena vivo), suena moderno, suena contemporáneo, y también hay un cuarto músico que ha aportado una barbaridad, Miguel Angel “Mega” Riutort, con unas solidas líneas de bajo para cerrar la base rítmica. Pero también ha añadidos unas líneas de teclado altamente efectivas y orquestales. Y aparte, también les ha producido el álbum (¡este chico es todo un partido!). El tema homónimo es un buen ejemplo de ello: inicio de teclados, riffs que no buscan la velocidad ni la espectacularidad, sino la atmósfera y construir un escenario para que Amón se vuelva más oscuro ante la luz de

HAWTHORNE HEIGHTS (USA) DAS OF SAD

PURE NOISE RECORDS, 2019 Los estadounidenses HAWTHORNE HEIGHTS lanzan al mercado un pequeño EP, compuesto de dos versiones que ha editado la discográfica Pure Noise Records. Este pequeño trabajo lleva como nombre “Das Of Sad”.

Desde Dayton, Ohio, el grupo actualmente está compuesto por JT Woodruff en la voz y guitarra, Matt Ridenour al bajo y voces, Mark McMillon a las guitarras y voces y Chris Popadak en la batería.

Comenzamos escuchando “Butterflies” donde la melodía comienza poco a poco con unas composiciones muy lentas, con guitarras muy livianas y voces limpias muy tranquilas que nos dejan con unos ritmos bastante tranquilos. Poco después introducen algo más de melodía, dejando un tema algo más enérgico, pero que al momento vuelve a las riffs leves y sin sobresaltos, para cerrar con sonidos muy tranquilos y dar paso al siguiente y último tema, “8”, donde nada más comenzar nos dejan con unos riffs muy livianos, pero que rompen en la monotonía del anterior, dejándonos con diferentes sonidos electrónicos que consiguen hacer que la voz gane en variedad. Nos deleitan con una melodía, donde el bajo toma un gran protagonismo, formando gran parte de la melodía principal y haciendo un conjunto extraordinario con el resto de instrumentación. Terminan el tema como comenzaron, con sonidos leves y cortando de lleno dejado a la voz principal para el final.

Este pequeño experimento de HAWTHORNE HEIGHTS, no ha salido nada mal, ya que nos han dejado con unos temas muy tranquilos y lentos, pero muy disfrutables; pero sobre todo muy distintos a los que nos tienen acostumbrados, donde suelen darnos riffs más agresivos y guitarras más electricas. A pesar de contar con grandes diferencias con su sonido normal, estos dos temas tienen una producción excelente, ya que luego los han introducido como los dos últimos temas de su nuevo LP, y se fusionan muy bien con el resto de temas. Sin duda una buena y rápida escucha para tener otro punto de vista sobre el grupo.

JORGE DE LA CRUZ | 7

HORRIFIC DEMISE (USA) EXCRUCIATING EXTERMINATION

COMATOSE MUSIC, 2019 A nadie le amarga un dulce y, el poder disfrutar de un trabajo como este que lleva fraguándose durante más de una década hace que solamente el placer de poder tenerlo en tus manos valga más que muchas escuchas. Una espera desquiciante, mastodóntica y desproporcionada se mire por donde se mire. Eso sí, Comatose va a hacer que si alguien aún tiene dudas, pueda encontrarlo en su tienda underground, pues ya sabemos cómo se las gasta y la capacidad de distribución que atesora.

Habéis de saber, aunque ya sé que estáis al tanto, que aquí hay unos músicos más que experimentados en destrozar cabezas, en herir a los más débiles y en hacerte sentir placer a ti, amante de la música más extrema y enfermiza. Músicos como Matt Bishop de LIVIDITY que empezó a trabajar en este su proyecto allá por el 2005 y que en todo este tiempo, además de hacer un buen puñado de riffs, también se ha encargado de rodearse de animalitos que saben hacer lo que a él le gusta.

Animalitos que, además, son de todo menos novatos. Animalitos que militan en bandas como NECROTIC DISGORGEMENT como es el caso de Tony Tipton. Animalitos como Kyle Christman de GORGASM y SARCOPHAGY o Phil Good de los mencionados NECROTIC DISGORGEMENT. Animalitos como Antony Voight de los también mencionados GORGASM. Como podemos apreciar entre colegas ha quedado la cosa.

Pese a todo esto, a la experiencia, a la maestría, a las aseguradas posibilidades a la hora de rodearse de lo mejor, a la mano de Comatose y a ser americanos, les ha quedado un CD más que ramplón. Y no porque el trabajo sea malo, que no lo es, sino porque suceden varias cosas en estos casos. A destacar; editas el primer trabajo sabiendo todo el mundo de ti, de cómo haces las cosas y perteneciendo a bandas míticas del under y el personal pide calidad al más alto nivel, es decir, todo nos va a parecer poco. Si además tardas más de una década en darnos en los morros, pues la cosa se pone seria y queremos algo aún más extremo y… aquí solo hay más de lo mismo.

Un LP muy resultón, con riffs Death metal de la vieja escuela por aquí y por allí, con un sonido muy brutal Death, más que el estilo musical propiamente dicho, y con una notable variedad en sus temas, para lo que también influyen los solos que de vez en cuando se atreven a grabar, a veces alejados de los cánones para, en otras ocasiones, hacer que todo lo que escuchemos nos parezca haberlo escuchado millones de veces desde los noventa. Y es que esto suena a eso, a los noventa, ni para bien ni para mal.

gen nórdico (ya hemos hablado mucho de ella, ya sabéis, Noruega, Finlandia y aledaños).

Pues al igual que en el Neoclasicismo de todas las partes del mundo, la gente rememoraba y reproducía la cultura clásica de Grecia y Roma, ahora pasa a la inversa: desde Grecia nos llega esta banda que hace una remembranza de aquel metal noruego.

“All shall return to Chaos” está compuesto por una intro, “Within a Dissolving Stare”, y seis temas hasta completar unos compactos tres cuartos de hora del más puro Black Metal de aquella escuela nórdica. Desde los primeros riffs de la intro muy a lo “Hell Awaits” con su amenazador crescendo, saltamos con el primer tema, “I, The Void” en modo masacre, y cómo nos gusta: unas guitarras que no paran de vomitar riffs y melodías retorcidas, la batería que va del tempo acelerado a los midtempos para que se puedan agitar bien las melenas al viento (el que las tenga). ¡Y la voz de Sacrilegous! Un puto demonio enfermizo y torturado escapado del infierno. Pero así es como quedó definido entonces (el “De mysteriis…” es de 1994, que ya son veinticinco años, un cuarto de siglo) y así es como, a fecha de hoy, sigue sonando igual de bien, como lo que han hecho INSANITY CULT. Y además lo han grabado en griego, ¡toma ya, puntazo!

Da gustito en la punta de las orejas subir el volumen y escuchar a todo lo que da el equipo “To Dwell in Absence”, con todo lo que echábamos de menos un buen trallazo a lo MAYHEM, o a lo DARKTHRONE, y demás dioses que se sientan en el Olimpo del estilo, pero aquí tenéis a los INSANITY CULT. O temas como “Through Self-Destruction and Stars”, que si bien rebaja el tempo no pierde intensidad y el tremolo picking de los dos guitarras (Vohamon y Έκπτωτος) no hace más que dibujar esas melodías tan características del género. De hecho, parece que en “Noose of the black moon” esas melodías parecen estar más acentuadas, a pesar de que el contraste con el resto de la violenta instrumentalización nos recuerda que estamos escuchando Black Metal.

El resto del disco, “Of Dyings Suns” y el cierre de “And all shall return to Chaos…” es más de lo mismo, pero no lo digo con la connotación negativa, sino con la positiva: Black metal vicioso, airado, rápido y bombeante, con sus shrieks y sus riffs de tremolo. A ti y a mí nos mola, a tu vecino, le parece un horror y una tortura sónica. Pero ¿qué sabrá él de lo que es el Neoclasicismo y el Black Metal? Pues eso, INSANITY CULT. CESAR LUIS MORALES | 8.5

SANTI GZLEZ | 6

MASSIVE DESTRUKTION (PRI) MERCENARIES

INSANITY CULT (GRC) ALL SHALL RETURN TO CHAOS OGMIOS UNDERGROUND, 2019 El término Neoclasicismo surge en el siglo XVIII y es aquel movimiento estético que quería repetir las huellas del pasado, en concreto de las culturas griegas y romanas, sobre todo en lo que a escultura, arquitectura y otras artes se refiere. Se retoman los modos en las que nuestros ancestros construían sus villas o sus templos o en el que tallaban el mármol para representar a sus dioses y su mitología.

La catedral de Pamplona o la Puerta de Brandemburgo son claros ejemplos de lo que hablo. ¡Colorea y aprende con Teo!.

Para que nos entendamos, si algo es bello y hermoso como se concibió en su origen ¿por qué no reproducirlo en los tiempos actuales para nuestro disfrute y deleite? Pues eso parecen haberse propuesto los INSANITY CULT, pero invirtiendo los orígenes. Me explico, la segunda oleada del Black Metal tuvo un ori-

AUTOEDITADO, 2019 Desde el otro lado del Atlántico, más concretamente desde Puerto Rico, nos llega en formato autoeditado lo nuevo de los thrashers MASSIVE DESTRUKTION bajo el nombre de “Mercenaries”. Grupo que lleva activo desde 2007 cuando Abraham Baez y Rob Torres decidieron fundarla y abrirse paso en la escena puertorriqueña. A lo largo de todos estos años la banda ha cambiado su formación, resurgiendo con fuerza en estos últimos años con Abraham Baez a la cabeza y convirtiéndose en una referencia para la música thrash del país, resurgiendo con este trabajo que supondrá un antes y un después en su historia como banda.

Tras una introducción entre sonidos bélicos y militares entrelazados con unos toques de guitarras dispuestos a calentar motores, nos explota “Nations of Doom”, con un ritmo aplastante y unos riffs thrasheros al máximo creado por el dúo de guitarras que conforman Kelthvin Torres y CJ Cintron, que afianzan sus transiciones en “Possessed by the Bullet”, con

su inicio vertiginoso para ralentizar los ritmos y jugar con los tempos, terminando por todo lo alto donde un solo de guitarra se funde con los riffs y la percusión metálica a cargo de Norman Saez. “The Punishment”, es otra clásica canción thrash, con un ritmo machacón y un doble bombo bestial, aunque los timbales me suenan demasiado agudos, realizan su cometido, incrementado por la voz de Abraham, poderosa y rasgada que encaja a la perfección con el grupo, e incluso cambia tonalidades para darle un toque de distinción al conjunto.

“Massive Destruction”, sigue con la formula de MASSIVE DESTRUKTION, donde la estructura musical en lugar de ser lineal, juega con varios ritmos y tempos que le aportan un toque más de calidad y frescura en un álbum muy compacto que con “Wasteland”, una de mis preferidas, certifican que el regreso no va a ser en vano, un temazo con unos ritmos pegadizos donde el headbanging y el air guitar está asegurado, con una segunda parte que personalmente me encanta, al igual que los ritmos iniciáticos de “Sending the War”, muy apocalípticos y otro de los temas destacados del álbum, donde el metal lo llevan por bandera, a pesar de ser unos riffs muy clásicos que engancharan a cualquier seguidor del estilo, que si tenían alguna duda de este nuevo trabajo, solo con escuchar “Puppets of War” se le despejará al instante; una parte final de álbum muy notable y este otro temazo, quizás el mejor del álbum.

Para finalizar nos guardan la contundente “Cheting Death”, donde imprimen velocidad a sus cuerdas y baquetas, visualizando un circle pits con cada estrofa y por supuesto con “Ultimatum”, donde la voz se transforma con un toque más rasgado y agudo en su inicio, alternando con los graves, dejándonos casi 5 minutos de puro thrash metal latinoamericano, recordándonos a clásicos como KREATOR o SODOM, que solo con una producción un poco más contundente y grave hubieran mejorado un poco más, porque calidad les sobra.

JUAN ANGEL MARTOS | 7

MITHRIDATIC (FRA) TETANOS MYSTIQUE XENOKORP, 2019 Sabiendo cómo sé que este quinteto francés tenía todo para convencerme, aun ahora, en el momento de escribir estas líneas y después de varias semanas escuchando este trabajo… no sé porque no me ha convencido. Lo tenía todo por aquí ha metido la mano Kevin Paraise de BENIGHTED , porque la propuesta conceptual es “molona” y porque parece que le gusta a todo el mundo, pero…

Es “molona” porque un tio se inyecta el tetanos para adentrarse en un delirio febril en busca de inspiración. La historia lo vale, el sonido también lo vale, es poderoso, moderno y limpio en su justa medida con un crunch muy curioso y con una distorsión muy medida que deja aire para escuchar pero suciedad para engordar.

También lo valen decenas de riffs de los cientos que hay en este trabajo, enorme en este aspecto, y lo vale esa gran combinación de estilos, haciendo que el Death con ciertos toques técnicos se coma a una prestigiosa presencia Black. Ni que decir lo que lo vale la labor del tremendo batería, eso ya me lo imaginaba, y quizás es la mayor fuente de alivio de este trabajo. Aunque para ser sincero, el trabajo vocal de Guitou se lleva la palma.

Es variadísimo y con mucha personalidad y fuerza, mezclando a la perfección recitados con gruñidos, pasajes mas guturales con otros ciertamente Black y todo con un regusto muy old school que cae perfectamente sobre su base musical.

Y a todo esto, a todo este amasijo de grandes

dosis de presencia beneplácita de Death Black le falta chicha, le falta caerte bien y le falta que te llame l atención. Porque cuando un trabajo te desilusiona por algo al final, el poder reconducirte le va a costar mucho, y a veces no llega a pasar, es por eso por lo que yo aún me pregunto qué es lo que yo no he visto de este trabajo que resto sí que ha visto.

SANTI GZLEZ | 6

MOCKER’S (ESP) OREKA AHULA

SPINDA RECORDS, 2019 Ha llegado a mis manos esta banda llamada MOCKER´S, que cambia un poco de tercio, con respecto a la música que me llega normalmente. Es un trío de Durango, País Vasco con un LineUp de Voces y bajo a cargo de Jon García Zabala, Guitarras y teclados por Ritxi Blanco y percusiones por Asier Elías Azpiri.

Bueno para ser justo, esta banda es una gran desconocida para mi, pero ellos presentan su tercer trabajo llamado “Oreka Ahula”, el cual tiene un sonidos mezcla de Stoner y grandes toques de Hard Rock.. Los de Durango apuestan por la fuerza de sonoridad que añade cantar en Euskera.

Metiéndonos en el disco, la banda abre con la canción que da nombre al disco “Oreka Ahula”, canción instrumental atmosférica con grandes gesto, marcando esa pauta para todo el álbum, que te dará una clara pista por dónde se dirige este trabajo. «Taurus», una mezcla perfecta hard rock con Psicodelia, donde el riff de entrada y base de la canción demuestra que estos chicos saben muy bien lo que hacen. «Ërebo» tiene un sonido y un riff de inicio que te engancha y que hace de esta canción una de las mejores del disco, donde su sonido destaca aún más si es eso es posible, en la parte central del tema el guitarra se marca unos dibujos de escalas,que hacen una melodía exquisita. En «Marte» el tema a medio tiempo roza los sonidos y sabores Psicodélicos aún más que en otros temas donde el sonido de la guitarra son acompañados de las voces, y donde se destaca las bases rítmicas fuertemente marcadas con las baterías. «Pangea» pone cierra el álbum de manera más Rock Progresivo dándole vueltas a ese estilo y combinandolo con lo ya antes descrito, este es el tema más largo de todos con algo más de nueve minutos, en los cuales puedo echar en falta algo más de contundencia en las partes más rápidas.

Un disco muy fácil de escuchar y con grandes intenciones que han plasmado con gran acierto y profesionalidad, tanto en la producción como con la composición. Aunque me hubiera gustado encontrar más partes Stoner y menos medios tiempos, pero en general merece la pena.

JESÚS SÁNCHEZ GARCÍA | 7.5

Si su anterior trabajo “New Latitudes” despertó mi interés por el proyecto unipersonal NORTH OF SOUTH tras el que se oculta el multinstrumentista Chechu Gómez, desde la histórica ciudad de León, este nuevo EP, “The Dogma and the Outsider”, lo corrobora.

Seis nuevos temas y dos covers para los que se ha rodeado de algunas colaboraciones de lujo como Kobi Farhi vocalista de ORPHANED LAND o Anna Murphy, ex ELUVEITIE y actualmente frontman en CELLAR DARLING, además de Zuberoa Aznárez, vocalista de DIABOLUS IN MUSICA quie pone su voz a una de las covers. Un trabajo como él dice “más poliédrico” y es que las estructuras beben de ese toque hispano donde la música latina y el flamenco van al frente y los entremezcla con partes progresivas, con toques vintages, death metal, pop o incluso jazz.

“Ember Remains”, fue su primer single y el tema con el que abre el EP, en el que colabora Kobi Farhi, y Chechu hila entre sus estructuras un toque oriental, que perfectamente encaja con todo lo representado en él, dualidad de voces (la cual me encanta), unas transiciones muy delicadas y elegantes para recrear las diversas partes, destacando sus guitarras progresivas y esa parte final con arabescos y cambio idiomático al cantar; un temazo en toda regla cargado de positividad y luz propia, que se funde en una instrumental “Spanish Momento” tan corta y degustable como el aceite de oliva más puro y virgen con toque andaluz. Con “We Refused to Hear Them (It´s Our Song)”, vuelve la energía y ese toque vintage de hammond, donde las guitarras beben del sonido made in Chechu, progresivas y melódicas añadiendo dinámicas que intensifican el tempo del corte donde la actuación de Anna Murphy es perfecta; un tema que sorprenderá a muchos.

Su toque latino no podía quedar atrás y en el inicio de “Thicker Than Progress Water” le otorga unos ritmos de percusión que esconden el que quizás sea el tema más contundente de su discografía, veloz y contundente, con una estructura sencilla y unas guitarras rítmicas bestiales (se nota que le gusta el metal extremo). Y si el toque latino en el tema anterior nos daba ese toque especial, en “Against Oblivion” aparece de nuevo para quedarse, incluido las voces en español que se unen al ingles, predominante, una mezcla que aunque queda bien, me resulta un poco extraña. Su EP, sin contar las covers, lo termina la instrumental “On Unexpected Shores”, que alberga un deja vu de melodías que te recordaran a determinadas partes del trabajo, como un ouroboros que se muerde a través del piano, rítmica y con una sensación de toque clásico pero moderno para acabar con el ruido del mar.

En cuanto a las covers, su intención es metalizar dos temas clásicos, uno de BJORK, “Hyperballad” y otro de STING, “Englishman in New York”, dos clásicos para todos los que hemos disfrutado la década de los 90. Personalmente, me quedo con el primero de ellos, captando la esencia de la original y transformándola a su estilo propio pero sin perder la magia de la original, con ese toque múltiple de voces en el estribillo que queda perfecto, al igual que la introducción de teclados y piano. La segunda cover es más plana y sencilla, aunque también está dotada de su carácter, pero queda más vacía.

Lo que en definitiva nos queda, es que NORTH OF SOUTH continua creciendo y dejándonos pizcas de todo su talento con cada EP que va saliendo del talento de Chechu Gómez, superándose con cada álbum.

JUAN ANGEL MARTOS | 7.75

Hace poco más de un año, revisábamos por aquí el directo de OPETH, “Garden of the Titans” y quedábamos a la espera de cuál o cómo iba a ser la continuación del “Sorceress” (2016). En septiembre del año pasado, salimos de las tinieblas para encontrarnos con el nuevo lanzamiento de los suecos, “In Cauda Venenum”. Ya lo dijimos entonces, y lo volvemos a decir ahora: ¡Colorea y aprende (hoy poco) con Teo! Porque desde hace unos años OPETH, o la mente maestra detrás de todo, Mikael Akerfeldt, han entrado la etapa más Prog y más setentera (desde el “Heritage” de 2011), y lo que han hecho ha sido mantener esa línea y pulirla como una gema. Personalmente mi favorito siempre será ese disco, simplemente por contener un tema como “Folklore”, pero…

“In Cauda Venenum” sigue siendo OPETH más grandes que nunca, aunque bien es cierto, y tal como el propio Mikael ha declarado, tienen 45 tacos y no van luchando por ser la banda más grande, o la más heavy o la más… lo que sea (rellénese por el interesado).

Antes de continuar debemos añadir que este álbum, tiene dos versiones: la sueca (la que podría definirse como la original) y la inglesa (grabada posteriormente). Lo digo por si en un determinado momento veis que pongo dos títulos.

En cuanto escuchas las primeras notas de la apertura “Livet’s Trädgård” / “Garden Of Earthly Delights” ya vas a pensar en gente como TANGERINE DREAM. Y aviso, también hay un montón de samples y cosas pregrabadas salpicando todo el disco. Pero luego ya entramos en materia con “Svekets Prins” / “Dignity”, OPETH puro, magistral, dramático, acústicos, eléctricos, creando la necesaria tensión y atmósfera. Una banda (no solo Akerfeldt) que está a años luz del resto del mundo, no por hipertécnicos o por cualquier otra movida rara.

Escucha la siguiente “Hjärtat Vet Vad Handen Gör” / “Heart In Hand” y ves que esta banda tiene una cosa desesperante, y es hacer que las cosas fluyan, con un palpito que es como el de tu corazón: si no hay latido, si no hay pulso, no hay vida. Hay gente que toca muchísimo más complejo, muchísimo más rápido, muchísimo más todo, pero ninguno, ninguno llega a lo orgánico, visceral, fluido y vital de OPETH. Hacen lo complejo sencillo, te tienes que parar a escuchar con mucho detalle para ver lo que realmente está ocurriendo en las pistas de cada tema ¡y ahí, amigos míos, es donde OPETH gana por goleada!

“De Närmast Sörjande”/ “Next Of Kin” es otro clásico desarrollo de la banda: riffs brutales, acústicas, melodías vocales de Akerfeldt que arrancan desde unos registros muy altos, solos épicos… Las armonías, la composición, la producción, todo, todo en este disco es una sublimación de los últimos diez años de la banda. Y se lo merecen, tienen el culo pelado de tocar y de aguantar críticas (absurdas por otra parte), que por temas como el siguiente “Minnets Yta” / “Lovelorn Crime” les pueden caer (como en su momento, por ejemplo, “In my time of need”). Pero cuanto más lo escucho, más cosas descubro, más quiero volver a escucharlo, y me lo vuelvo a poner, y vuelve a deslumbrar. Temas como “Charlatan”, como “Banemannen” / “The Garroter” (¿cantos gregorianos al final?), o como “Kontinuerlig Drift” / “Continuum”, son como experiencias extracorpóreas, tienes que vivirlas tú para sentirlas realmente. Como único referente es que sabemos que son OPETH. Hay cosas muy setenteras, muy psicodélicas, hay retazos jazzeros. Suenan a LEPROUS, a PROCOL HARUM, a KING CRIMSON, a un montón de cosas más, pero siempre, siempre, en cuanto escuchas dos acordes, por encima de todo, ya sabes que estás escuchando a OPETH. Quizá sea su mejor disco de esta etapa prog-psicodélica-setentera (¡por intentar definirlo de algún modo aparte del ya consabido “Son OPETH”!). Pocas veces esa frase explica tanto el concepto de la banda como define tan poco este disco. Son una banda que siempre ha sido un desafío, y “In Cauda Venenum” no iba a ser menos.

CÉSAR LUIS MORALES | 9.9

NORTH OF SOUTH (ESP) THE DOGMA & THE OUTSIDERS WORM HOLE DEATH, 2019

OPETH (SWE)

IN CAUDA VENENUM NUCLEAR BLAST RECORDS, 2019 NUM. 69 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 39

conceptual que merece un vídeo por cada tema, jugueteado con el horror psiquiátrico de estar drogado y a merced de dolores internos y temblores provocados por medicación errónea. SANCTION es un gran proyecto, para tener en cuenta y no perderle pista. Exclusivo para amantes de lo Extremo y visceral.

SEBASTIÁN ABDALA | 8

PENITENCE ONIRIQUE (FRA)

SABATON (SWE)

SANCTION (USA)

LES ACTEURS DE L’OMBRE PRODUCTIONS, 2019

NUCLEAR BLAST RECORDS, 2019

PURE NOISE RECORDS, 2019

Nuestros vecinos franceses siempre se han creado una música diferente en lo que respecta a géneros extremos, con un toque especial como CELESTE, ALCEST, LES DISCRETS, ANOREXIA NERVOSA…, y PÉNITENCE ONIRIQUE, es un nuevo descubrimiento, que acaba de editar su tercer trabajo “Vestige” bajo el sello Les Acteurs De L’ombre. Su black metal es atmosférico, melódico y con una potencia bestial que transforma su música en toda una experiencia intensa y repleta de oscuridad, black metal en francés de alta calidad.

Y es que desde el inicio onírico con “Le Corps gelé de Lyse”, sabes a lo que te enfrentas con las primeras guitarras de Bellovesos y Vorace, que infunden unos riffs enfurecidos pero repletos de melodías mientras Cathbad sobresale en la percusión con unos blast beats bestiales y un juego de timbales muy poderoso, al igual que el bajo de Dimiourgos, con esa cuerda suelta que martillea y pone otro acento a la composición. Y sobre todo los cambios vocales de Diviviacos, con registros rasgados, otros más graves o esos coros casi de ultratumba que le dan un toque de distinción y variedad a la estructura musical, que nunca se repite y siempre crece y crece, un temazo de 10, que se mantiene y se solidifica a lo largo de los 46 minutos del álbum, pues cada una de las canciones que lo componen se muestran implacables, como “la cité des Larmes” con un ritmo más marcado y unas estrofas ambientales que intercalan con una endiablada percusión, frenada por las armonías de guitarras cercanas al post black, un corte para evadirse y escuchar cada uno de sus detalles y arreglos.

“Les sirénes miserables”, es una epopeya donde la instrumentación se alza con el poder, creando una solida base que navega por la oscuridad mientras alza una ligera niebla cargada de pesadez y melodía, un tema puro black metal ralentizado y contundente que se funde con la instrumental “Hésperos” toda una delicia onírica, ojala hubiera más pasajes como este insertados en sus canciones, que parece convertirse en la introducción de “Extase Exquise”, otra de mis preferida. Y es que PÉNITENCE ONIRIQUE, sabe recrear un mundo nostálgico, oscuro y agresivo a la perfección, conjugando todos sus elementos y recreando unas enormes melodías tanto vocales como instrumentales, atended al bajo de Dimiourgos en este tema porque es una delicia al igual que las armonías de guitarras.

Con el combo formado por “Souveraineté suprême” y “Vestige”, llegamos al final de un álbum sobresaliente, que de haberlo escuchado antes estaría en mi top anual de 2019.

Estos dos últimos cortes son un perfecto resumen de lo que el quinteto francés pretende transmitirnos, mientras que el primero es más enérgico y guarda en su interior unas transiciones bestiales donde los riffs navegan sobre el apocalipsis; el segundo corte y cierre del álbum guarda entre sus notas la dualidad entre melodía y fiereza, con unos ritmos de percusión diferentes en su primera parte que nos golpea sin miramientos y le añaden versatilidad a otro temazo. Un álbum sobresaliente y a tener muy en cuenta, apunten este nombre, PÉNITENCE ONIRIQUE.

Desde que en 2012 editaran “Carolus Rexx” y consiguieran un cuádruple platino en ventas, los suecos SABATON solo han hecho crecer y crecer con su heavy metal centrados en historias militares, tanto a nivel personal como de directo, desplegando todo un elenco de imágenes fuegos y atrezzo que no dejará indiferente a nadie, todo un espectáculo, una ópera de heavy metal en toda regla. Y su noveno álbum de estudio “The Great War”, editado por Nuclear Blast, no iba a ser menos; una obra conceptual centrada en la Primera Guerra Mundial, en la que mantienen su sonido bélico y épico para transmitirnos otra pizca de historia en otro trabajo 100% SABATON. Hablamos de la esencia SABATON porque desde que comienza el conflicto con “The Future Warfare” y “Seven Pillars of Wisdom”, los himnos, la épica y los estribillos pegadizos están perfectamente hilados para crear ese ambiente de lucha y poder a través de su heavy metal con un gran Joakim Brodén al frente de la narración, las guitarras juegan a su favor creando la caballería de la que se encargan Tommy Johansson y Chris Rörland, como en “82 nd All the Way”, donde juegan con los silencios en las estrofas solo amenizadas por unos teclados atmosféricos y una percusión muy fiestera de Hannes Van Dahl. Este tipo de percusión continua en “The Attack of the Dead Men”, donde el desfile está servido y el deleite del solo de guitarra perfectamente acompañado por las notas graves de Pär Sundström al bajo.

“Devil Dogs” y “The Red Baron”, se convertirán en sendos himnos made in SABATON, con estrofas cabalgantes la primera con unos coros operísticos que le dan aun más potencias a lo largo del estribillo y determinadas partes, mientras que el segundo corte acelera e introduce unos teclados muy fiesteros que harán bailar al más pintado, en uno de mis temas preferidos del álbum con un ritmo diferente, para ponértelo una y otra vez. “The Great War”, como su nombre indica es un tema épico a más no poder, que en directo tiene que funcionar a la perfección con atrezzo de pirotecnia y un estribillo que será coreado por las masas.

Si por algo se caracterizo esta Primera Gran Guerra fue por la lucha de trincheras, que remarcan en “A Ghost in the Trenches”, enérgica y dinámica, al igual que “Fields of Verdun”, la batalla más larga de todo el conflicto entre el ejército alemán y francés, donde más de un millón de hombres perdieron la vida y aquí queda plasmado con un homenaje puro heavy metal que nos acerca a “The End of the War to End All Wars”, para cerrar el trabajo con un tema sinfónico y otra lección de historia militar del mundo, pero antes de despedirnos, nos guarda una sorpresa con la interpretación del poema “In Flanders Fields”, escrito por el teniente coronel médico John McCrae ante la muerte de su amigo en el frente, un broche perfecto para otro gran álbum de SABATON, de lo mejor de su discografía.

Cada vez que me llega un disco desde N.Y. pongo el listón muy alto… No tanto en la parte técnica (en principio) como en la brutalidad y el odio, la conjunción de la batería con las guitarras para sentir ahogo, desprecio y ganas de romper todo… Pues en este caso “Broken in reaction” de la banda SANCTION está a la altura de tomar ese parámetro, masticarlo y escupir huesos de enfermitos mentales.

Abre una introducción oscura, donde se presienten niños en rincones de cuartos mal iluminados; con esa falta de aire que en escasos segundos se desvanece con la banda entrando a lo bestia con “…an empty thought”, las influencias callejeras están en todo el trabajo, así como un sonido Hardcore en la batería, pero las variaciones de las guitarras y el despliegue de la voz nos plantea una apuesta por un Metal Extremo que no cesa. Oscuridad y cambios veloces de ritmo con grandes riff´s que nos lleva en un abrir y cerrar de ojos por “Paralysis” y “Answer from a Syringe”.

Cambia un poco el tercio y se oscurece mucho más todavía, las voces no están en un primer plano, se ocultan tras las guitarras que tiran una catarata de acordes que están producidos con pocos efectos, lo cual le hace ganar mucho al frío cadavérico del disco. La calle vuelve a la garganta del cantante y “Radial lacerations” abre una puerta interna que nos conduce por la cabeza de una enfermedad inquietante. El concepto, si bien gira entorno a la violencia, se juega todo en “Mirror síndrome”, aquí ya no caben etiquetas, los ritmos se ponen más salvajes y aunque las armonías ya no están al frente, lo que ganan en fuerza e interpretación los hace ganar muchos puntos.

Puede que sea la mejor del disco, en menos de 2 minutos nos hace pasear por tres cambios de ritmo tan bien llevados que uno ni se da cuenta del breve tiempo transcurrido. Sin darnos cuenta nos metemos en “Conscius coma”, donde el terror de estar sintiendo una suerte de posesión se hace muy latente. Por instantes no pude dejar de pensar en CANNIBAL CORPSE, nada que ver con el estilo, con el sonido, pero ese terror implícito, el miedo de estar a un paso de ser atendido por un forense sucio y perturbado… Puf. La banda suena muy poderosa en todos los tramos del disco, hay una línea de creación compleja, que gira en torno a una frase que se encuentra en varias formas a lo largo del disco “pensamientos vacíos”, un asqueroso zombie atrapado en vida. Los golpazos finales “Infants in plastic” y “Cordia”, son dos paraísos de sedación total mientras el mundo pasa alrededor haciéndonos daño. Es una excelente muestra de todo el empeño que sigue manifestando el Estado (cual sea) haciendo ver que a los niños hay que martirizarlos si se mueven mucho… “Shattering man” es el cierre perfecto de todo este diagnóstico erróneo de T.D.A. y mucha pastillita por la mañana, es la canción donde antes de dejarnos con un “outro” que deja ciertos temblores y ganas de poner el disco de nuevo.

Si algo tiene “Broken in refraction” es un sonido casi perfecto, que refleja un gran trabajo de producción, con ese toque necesario de originalidad para que no pierda la violencia de una banda que sabe sonar bruta y con exceso de claridad. Las voces en su punto justo, pocos efectos y variaciones bien puestas, pero un sin cesar de gritos que se llevan de maravillas con los cambios de estilo. La etiqueta de Hardcore viene bien para que nos hagamos una idea del sonido, pero es una sorpresa que, en apenas algo más de media hora, nos hayan pateado el cuerpo y las emociones sin piedad ninguna. “Broken in refraction” es un trabajo

VESTIGE

JUAN ANGEL MARTOS | 9

40 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 69

THE GREAT WAR

BROKEN IN REFRACTION

JUAN ANGEL MARTOS | 8

SORCERY (SWE)

NECESSARY EXCESS OF VIOLENCE XTREEM MUSIC, 2019 Una de las bandas suecas más antiguas, más incluso que las legendarias ENTOMBED, DISMEMBER, GRAVE, UNLEASHED…, están de vuelta con un nuevo álbum, su cuarto en la discografía de la banda, número realmente corto pensando que es una banda que se formó a mediados de los años 80 del siglo pasado. Tras haberlo dejado y retomado en el año 2009, el sello español Xtreem Music, los acogió bajo sus brazos y desde ese año ha editado ya tres álbumes a estos adoradores del metal muerto.

“Necessary Excess of Violence” impacta desde su portada, obra del artista patrio Juanjo Castellano, donde ha logrado de nuevo una portada realmente detallada, atrayente y con un colorido que hace que nuestros ojos se fijen en cada pequeño detalle, desde un ardiente y tenebroso cielo, a una oscura y tenebrosa fortaleza, portada muy en consonancia con lo que el álbum nos va a ofrecer.

Musicalmente estos cinco músicos suecos nos ofrecen 10 temas repletos de buenos ritmos, cambios constantes de velocidad, melodías oscuras y voces desgarradas y no excesivamente guturales, que hacen el álbum más audible a público que no busque brutalidad por brutalidad. Aquí predominan las composiciones, se trata de hacer buenos temas, donde partes veloces dan paso a medios tiempos, para volver a la velocidad y cambiar a partes más machaconas, logrando un álbum realmente intenso, porque realmente es un no parar durante los 46 minutos de duración del álbum. Temas como “Darker Part of You”, “I´ll Be Gone in the Dark” o “Death Is Near” (el tema más salvaje del álbum) son buenos ejemplos de temas bien compuestos y que cualquier seguidor del Death Metal clásico va a disfrutar sin duda. No busquemos una banda original, porque estos cinco suecos han tocado este tipo de Death Metal desde sus inicios y ellos sí han influenciado a cientos y cientos de bandas que hoy en día se toman como influencia de otras, Pese a que el álbum está muy bien le veo algún punto donde flojea, y es que hay temas no tan logrados, que pueden llegar a hacerse algo pesados y bajan el nivel con respecto al resto, temas que parecen más de relleno, aunque esto también puede ser una opinión más personal. El sonido tampoco me acaba de convencer del todo, sonando en general algo “apagado”, no sé si me explico con claridad con este adjetivo, y es que parece que los instrumentos no terminan de impactar en su sonido como deberían, aunque también es cierto, que para una banda que mantiene su sonido desde sus inicios, este sonido realmente les queda bien, pero personalmente me gustaría algo más de “punch” en la producción.

Finalizando, este “exceso necesario de violencia” es un muy bien álbum, no es la panacea, pero sí ofrece lo que nos dice el título, violencia e intensidad, con lo que si el Death Metal Clásico y con ese “toque” especial que le dan los suecos al estilo te gusta, sin duda, debes escuchar este disco.

LUIS MARTÍNEZ | 8

asfixiante camino del personaje a lo largo de su andadura por los estadios posteriores a la muerte física que Dante tan bien nos ha señalado en su obra.

SEBASTIÁN ABDALA | 8.5

STARBYNARY (ITA)

DIVINA COMMEDIA | PURGATORIO ART GATES RECORDS, 2019 Tercer disco de la banda italiana STARBYNARY, continuando con la saga inspirada en Dante Alighieri, toca reseñar la maravillosa obra “Divina Comeddia: Purgatorio”, una mezcla de estilos, recursos y arreglos que supera toda las etiquetas. El virtuosismo en cada uno de los integrantes de la banda hace que este sea un viaje más que recomendable para los amantes de esta vertiente del Metal, tan prolija, cuidada y variada en cuanto a ejecuciones musicales se refiere. En cuanto al concepto en el cual gira el disco a nivel lírico, es, simplemente, una obra digna de ser representada en teatros.

Lo mejor de este trabajo es la sabia utilización de pasajes en distintos tramos, pasando por momentos, por oscuros rincones de Metal extremo, una batería que marca los ritmos y no afloja nunca. La pureza de la grabación, el sonido resultante de la mezcla, es purísimo, se aprecia cada uno de los instrumentos, haciendo que los arreglos cobren más brillo todavía y sumen a cada tema una personalidad propia.

“On the shores of Purgatory” es la introducción perfecta para este trabajo conceptual que no escatima en producción para que nos encontremos con la versatilidad de un estilo que, si no tiene un buen argumento, pierde mucho. “Miserere” no solamente se pone épica por los coros, además de todo hace que las voces estallen en cada uno de los distintos climas que van recorriendo las canciones del disco.

Los teclados tienen cuerpo y expresividad propia, son la lanza que abre cada una de las canciones y encaja perfectamente con el bajo, haciendo que las guitarras y la batería sean entes aparte que pasan a un segundo plano cuando la voz entra para describir dónde estamos…

Los “solo” de guitarra combinan perfectamente con los arreglos épicos que plantan unos coros que parecen hacer tronar un centenar de voces y se ocultan en el momento adecuado para dar paso a la banda, cuando se pone bruta y asienta cada una de las canciones haciendo recordar que, por más que sea una obra compleja y conceptual basada en la literatura, esto es un grupo de Heavy Metal y hay que hace sacudir la cabeza y gritar.

Cada una de las canciones refleja a la perfección el conocimiento que tienen de la obra, es una reinterpretación que nos sumerge en ese sitio tan alejado del terror y la desolación (Inferno) y nos sume en un repaso eterno por la culpa de los actos fallidos cometidos en vida.

La voz, a veces, hace un esfuerzo para llegar a tonos que no parecen resultarle cómodos, pero se basa más en una cuestión de interpretación artística, de compañía de teatro, más que de banda de rock. Canciones que suenan oscuras y están ejecutadas con precisión Metal-matemática son “Running and screamiing” o “The suffering”.

Sorprendente el “Outtro” que puede señale el camino que vendrá con el “Paraíso”, aunque por lógica debería ser algo más luminoso, no debemos olvidar el tono de tristeza y melancolía que le representaba a Dante la revelación total de los efectos de los actos en vida, del desprecio por la cultura y el arte…

Este es un disco para fanáticos de la literatura y el Metal, para seguir atentamente la reinterpretación que STARBYNARY ha hecho del Purgatorio. Un trabajo que se puede poner a la altura de bandas como RHAPSODY o WHITE SKULL… A nivel disco: una muy buena pieza de este Metal complejo y artístico, histriónico y sentido. Como concepto mágico es maravilloso por la excelente interpretación del

STEIGNYR (ESP)

MYTHS THROUGH THE SHADOWS OF FREEDOM ART GATES RECORDS, 2019 Desde Barcelona (España) y a través del sello Art Gates Records, nos llega la nueva y épica epopeya de STEIGNYR bajo el nombre de “Myths Throught The Shadows of Freedom”, dando rienda suelta a suepic celtic death metal, para el que han contado con un artwork creado por Jon Thorgrimr e Ingrid Lacueva, grabándolo en Crossphase Studio por Juan Molina dándole forma a trece nuevas canciones.

Y es que nuestro viaje comienza con “Salvation Throught Divinity”, una introducción hecha a medida donde las orquestaciones y teclados introducidos por Hyrtharia se une a la percusión de Zeither, en una simbiosis mágica y guerrera que se funde con “Those Who Lie”, donde apreciar su estilo céltico con la introducción de gaitas e iniciando esta andadura entre guerreros, magos y épica norteña, con las guitarras de Jörmun y Jön Thörgrimr, que a su vez pone su voz gutural densa y oscura para envilecer cada canción y darle ese toque death metalero, a pesar de la atmosfera festiva que se envilece en “Black Rain”, en la que aparece una de las colaboraciones del álbum, Elisa C. Martin (DARK MOOR, DREAMAKER), creando un combo muy interesante con su voz melódica pero con mucha personalidad, en una de las canciones del álbum, al igual que “Whisper Calling” donde también participa Elisa, además de ser el corte elegido como segundo adelanto del álbum, representando el sonido de STEIGNYR 100%.

“Calling the Immortals”, tiene un aire bélico, corta e intensa muy en línea con el sonido AMON AMARTH, pero con un toque más épico que queda aun más marcado en “Frost World”, un corte cabalgante y algo más lineal, que deja paso a “Moonlight Forest”, toda una sorpresa dentro del álbum, un tema instrumental, donde la magia se apodera de la estructura musical, una danza druídica donde los seres del bosque resurgen de su escondite, además de ser de mis preferidas del trabajo, nos demuestran que STEIGNYR tienen mucho que decirnos, de igual forma si mencionamos el cierre del álbum “The Seven Eyes of God”, otra delicia musical. Y si la belleza queda presente aquí, también saben dedicarnos unos riff pesados y machacones, llevándonos hacia caminos mas death metaleros como en “Arrows of Time”, aunque endulzado por ese aire celta, los teclados y elementos tradicionales de su música presentes a lo largo y ancho del álbum, solo tienes que escuchar “You’ll Never Be Forgotten” para saber de lo que hablo.

Como no quiere repetirme porque el trabajo es muy compacto, antes de terminar esta pequeña revisión no podía dejar en el tintero uno de mis cortes preferidos, “Frozen in Time”, donde aparece Snowy Shaw, quien ha trabajado con bandas como THERION, MERCYFUL FATE, DIMMU BORGIR…, para crear una epopeya de siete minutos de duración repleta de vigor que unida a “Myths Through the Shadows of Freedom”, resumen el espíritu del álbum- Un buen trabajo de STEIGNYR, que podría haber sido un poco mejor con una producción diferente, que equilibre volúmenes y de limpieza a determinadas partes muy saturadas, pero que nos deja claro que tienen un largo camino por delante, destacando las atmósferas creadas, el trabajo de las orquestaciones y teclados así como los temas donde Elisa colabora crecen en versatilidad y calidad, al igual que los temas instrumentales donde

la belleza y el aire céltico los transforman en delicias musicales.

JUAN ANGEL MARTOS | 7

brilla más el sol? Cuando lo comparas con la noche. Cómo en sus últimos minutos, pasada la lóbrega tormenta de decibelios, las notas del piano brillan como los primeros rayos de sol del amanecer hasta que se van diluyendo El Doom y este “The Earth is silent” brillan por el contraste, por la contraposición de opuestos, y salir de la más oscura noche para contemplar el amanecer es la misma experiencia reconfortante que descubrirás al escuchar el último lanzamiento de SUN OF THE DYING. CESAR LUIS MORALES | 10

SUN OF THE DYING (ESP) THE EARTH IS SILENT AOP RECORDS, 2019 El Sol (que a pesar de todo no deja de ser una estrella enana blanca) ha tenido, a lo largo de su historia, bueno, más bien de nuestra historia, una importancia crucial. Científicamente ya está demostrado que sus pulsos electromagnéticos y erupciones y demás ciclo vital son fundamentales para nuestra existencia.

Pero en otros tiempos, aquella luz incandescente que pendía del cielo era el dios Sol Invictus, el padre, el originador de todo y su ausencia, la noche, poblaba a aquellos habitantes de temores y congojas. ¡Colorea y aprende con Teo!.

Y otra cosa aún más importante, que es el contraste por oposición. Que negra es la noche sin luna cuando la comparas con la luminosidad de la luz del sol en un día despejado.

Y que desesperante es ansiar el Sol en esa noche, salvo que estés muerto. A los muertos ya les da igual el sol, o la ausencia de él; los muertos al sol solo pueden pudrirse, desecarse, mostrar sus blancas osamentas… Es el más triste de los soles, el sol de los muertos. Como los SUN OF THE DYING, que son hermosos y tristes, ¡Doom metal en estado puro!

“A Dying Light” es todo un poema: desde el etéreo inicio con el simple teclado de David Muñoz, la contenida voz de Eduardo Guilló y ¡oh, maravilla! Cómo entra la banda, las guitarras al paso lento y magnífico del Doom más puro, el coro femenino… Cómo son capaces de mantener ese ritmo lento, en un 4/4 espaciado y orquestal, soberbio, en esa atmósfera contenida, melódica y desgarrada, melancólica y magistral. Ocho minutos y pico espectaculares, que se nota que la banda ha grabado porque era lo que les pedía el tema y todo equilibrado perfectamente, nada falta y nada sobra, como el perfecto engranaje de un reloj suizo. Por el contrario, “A Cold Unnamed fear” tira más por la vertiente más acelerada y con más destellos Death, pero que con ese acompañamiento de teclados adquiere esa dimensión épica y sinfónica que te hace amar el contraste con las ásperas vocalizaciones.

“Orion”, ese evocador nombre, esa constelación que lleva acompañándonos en la mitología desde tiempos remotos, aquí, para los SUN OF THE DYING es quizá su tema más redondo, más sinfónico, más Doom, más completo, más equilibrado y hermoso… Un tema que puedes elegir perfectamente como epitafio sonoro en tu funeral. Esta banda tiene ese puntazo de tomar el Doom más clásico, y a pesar de lo oscura y tétrica de la música, darle ese punto de brillo y luminosidad con los teclados (al igual que MY DYING BRIDE tenían aquel punto diferenciador en sus primeros trabajos con el violín de Martin Powell). Pero no se basa todo en ese sonido, sino que también la banda de metal que son (me refiero al bajo, a la batería y a las guitarras) son capaces de armar unos temas brutalmente espectaculares, con una atmosfera opresiva o melancólica según se requiera, como “When the morning came” o el lento y arrastrado inicio de “Monolith” (¡dios, que arreglos, que acompañamientos!) para mutar a la bestia arrolladora que te remueve las entrañas. Y cuando te han dejado devastado, olvídate de todo el Doom y el Death y disfruta del nocturno que te arrulla al final.

Si con el inicio tan frágil y tan minimalista de “White skies and grey lands” no sientes que algo se te rompe dentro, es que no tienes alma. Vale, que luego volvemos a recordar que SUN OF THE DYING es una banda de Doom y desarrollan el tema como la elegía que es, pero escúchalo y recuerda: ¿Cuándo

THY ART IS MURDER (AUS) THE GREAT WAR

NUCLEAR BLAST RECORDS, 2019 Corría el año 1979 y George Miller ofrecía al mundo su distópica versión de la Australia del 2021, donde había una escasez endémica de recursos básicos y el desorden y el caos estaba implantado en la vida cotidiana. Sólo un grupo de fuerzas del orden, menguadas en su número, podían hacer frente a la situación y el mejor de todos aquellos agentes era Max Rockatansky, más conocido como Mad Max. ¡Colorea y aprende con Teo! Aquella película se hizo un clásico instantáneo, y, por desgracia, vemos como Australia arde por los cuatro costados, en una senda para convertirse en aquel erial descrito en la película. Eso ya es el inicio del fin. Y como para poner banda sonora a dicho apocalipsis, los también australianos THY ART IS MURDER regresan con su quinto álbum, “Human Target”. Poca sorpresa nos vamos a encontrar. En los estilos extremos, como es este caso con el Deathcore, la base de fans es muy cerrada y muy reaccionaria. Pero es que así es este estilo (y muchos otros) y así son la banda también. ¿Para qué van a andar inventando o probando cosas nuevas si es lo que quieren hacer? ¿Y para qué van a hacer otra cosa si lo que quieren los fans es esto?

“Human target” es THY ART IS MURDER en estado puro, tal como aparece reflejado en el cover-art del disco: una puta apisonadora que aplasta todo a su paso. Destacar, eso sí, la incorporación del nuevo baterista Jesse Beahler que ha encajado como un guante con el resto de la banda, brutal a los dobles bombos pero sin perder el groove en todo momento (atención, al ataque en “Make America hate again”).

Desde el inicio con la espaciada y rítmica “Human Target” hasta el cierre con “Chemical Christ” (que habla de la religión de la adición, desde las farmacéuticas a las de los smartphones) todo es violencia sónica, muy bien tamizada y muy bien estructurada, pero violencia a fin de cuentas. Escuchar a CJ McMahon dejarse la garganta cantando a los nuevos dioses de los “social media” en “New Gods” y sobrevivir es todo un logro.

Pero es que el ataque sigue y sigue y la agresión se eleva hasta unos niveles difícilmente soportables. “Death Squad Anthem” recupera la esencia de clásicos anteriores de THY ART IS MURDER como pueden ser el “Slaves beyond Death” o “The purest strain of hate”.

“Eternal suffering” es, precisamente, eso, sufrimiento extremo, un muro de riffs que se te clavan en las entrañas. ¿Y “Atonement”?

Sí, esto es expiación pura y dura, lo quieras o no. Así como el ataque directo y furibundo de “Voyeurs into Death” es capaz de fundir todas las barreras entre el Death y el HC, su visceral crítica hacia los sistemas penitenciarios también debiera fundir los barrotes de muchas cárceles. Y es que aquí hay crítica social para todos, como en “Eye for an Eye”, crítica y deseo que comparto: The ruin of man, the Earth endures, there will be nothing more (La ruina del hombre, la Tierra pervive, no habrá nada más).

Como ya he dicho nada nuevo por estos lares, tan solo el quinto lanzamiento de THY ART IS MURDER, con su justo equilibrio de Death, de

HC, de crítica social. Van como el Ford Falcon XB GT, el Interceptor, el último de los V8, van como un tiro lanzados a meterse como los titanes que son entre de los grandes nombres del DeathCore, junto con CARNIFEX o WHITECHAPEL. Avisado quedas.

CESAR LUIS MORALES | 8.5

TRENCH WARFARE (USA) HATRED PRAYER

TRANSCENDING OBSCURITY RECORDS, 2019 Desde Trascending Obscurity Records, nos llega el debut de los americanos TRENCH WARFARE bajo el nombre de Hatred Prayer” con un brutal black/death metal sin concesiones ni atisbo de relax, solo pura adrenalina y mala leche, reflejado a lo largo de sus 12 canciones directas a la yugular con un sonido old school.

Y es que este trío tejano formado por Tony Goyang Jr., encargado de las guitarras y el bajo, Lee Fisher en la percusión y Jay Gorania a las voces, nos dejara sin aliento con cortes incisivos y sucios como “Spare No Wrath” o “Evil Shall Triumph”, dos de mis preferidas donde en apenas tres minutos de duración, nos sitúan en un mundo apocalíptico, con unas voces que me recuerdan en tonalidad a OBITUARY, escuchad “Behead Muhammad” y veréis porque lo digo, y unos blast beat enfurecidos y endiablados que inundan las composiciones y acompañan a un sonido afilado y sucio de guitarras que vomitan riffs enfurecidos cada segundo como en “Blood Cleansing”.

Entre tanta tormenta y destrucción, también dejan tiempo para dos temas un poco diferentes del resto como son “Barbarous Temperament”, con un inicio caótico y técnico, que rápidamente se transforma en una debacle de violencia, donde la voz sale desde el mismísimo infierno. O “Astral Projection”, un tema prácticamente de ultratumba, con un ritmo lento y pausado que machacará tus neuronas con un ritmo muy marcado y constante, como le ocurre a “New Lord”, en el que un doom/ death pone un toque de variedad dentro de la vorágine de black/death envilecido. Estos síntomas lo condensan en “Hatred Prayer”, el tema que cierra el trabajo, otro de los destacados, en el que TRENCH WARFARE, dejan toda la rabia que llevan acumulada en un corte muy flexible y que nos deja unos buenos detalles para entregas posteriores en este gran debut para los amantes del género en su vertiente más tradicional.

JUAN ANGEL MARTOS | 7.5

TURILLI | LIONE RHAPSODY (ITA) ZERO GRAVITY

NUCLEAR BLAST RECORDS, 2019 Sí, lo sabemos, la idea era sacar, en principio, un disco bajo un nombre diferente… pero presiones de compañías los han empujado a mantener visible lo que ellos consideran rentable (esto no es un ataque a los músicos). Sí, la idea original de Turilli y Lione, al estar en buena sintonía luego de la gira aniversario del primer trabajo juntos, era sacar un pro-

yecto nuevo llamado Zero Gravity… Los que mandan, los que ponen el dinero y poseen a los músicos dijeron que no, que se llamaran como quisieran pero con un RHAPSODY por ahí… De ahí que la banda sea TURILLI/LIONE RHAPSODY, y el nombre del álbum “Zero Gravity – Rebirth and Evolution”. Así las cosas, en julio 2019 ve la luz un trabajo complejo, cuidado, que los integrantes han intentado explicar diciendo que no es RHAPSODY, aunque a muchos les suene a ello y los juzguen por vendidos, mercenarios e infames. Así que los voy a poner en situación antes de meternos a fondo con el disco. Entrando en 1997, hacía unos meses que los SEX PISTOLS habían acabado su “Filthy Lucre Tour” y (por ejemplo) “Evil Empire” de R.A.T.M. recién estaba comenzando a descender en la lista de más vendidos… mientras RADIOHEAD irrumpía con “OK Computer” RAMMSTEIN lanzaba su debut “Sehnsucht” y PRODIGY, PORTISHEAD o DAFT PUNK rompían los chart´s. En ese competitivo año musical sale a la venta el trabajo debut de RHAPSODY OF FIRE “Legendary tales” y hace que las cadenas de radio y T.V. deban buscar espacio para un estilo que estaba en pleno apogeo. Hago esta introducción para que, aquellos que no valoren esta banda, recuerden en qué año salieron a la luz, y para los que no lo sabían ya tienen una buena referencia.

Un gran amigo mío, Vidu, me hizo escuchar a estos monstruos por primera vez en Radio Universitaria allá por el 1999… Namasté.

Abre el disco un track que pone todo el Power Metal en el frente “Phoenix Rising”, una brutal muestra de poderío y clase. Una orquestación fabulosa que no descansa para nada en ritmos lentos, se pone a mil de entrada con la maravillosa voz de LIONE. Pero si bien la potencia es altísima, se nota que estamos ante el primer acto y nada está claro. “D.N.A. (Demon And Angel)” ya nos deja con un buen sabor de boca. Las guitarras se enloquecen y rozan la temática Heavy Metal, el dolor y la teatralidad de lo sinfónico comienza a asomar, sobre todo en un duelo de voces entre LIONE y la vocalista Elize Ryd (AMARANTHE), una joya que pone el listón muy alto. “Zero gravity” es una obra maestra de los arreglos, de la orquestación, y cuando las guitarras parecen estar escritas con complejas fórmulas matemáticas que suenan agradables al oído y al corazón. Las voces de LIONE (denostado en exceso, creo yo, por su última grabación con ANGRA) son simplemente perfectas, cumpliendo con un virtuosismo y una magia que en “Decoding the multiverse” o “Fast radio burst” queda por encima de las melodías y orquestaciones que, ahora sí, nos llevan a ese RHAPSODY más personal.

“Amata inmortale” es una absoluta tormenta de lirismo, música clásica extrema y potente, casi absolutamente “unplugged”… Sonido Sinfónico de principio a fin. Digno de ponerle una escenografía de ópera y observarlos por el escenario correteando con ropajes de época esperando a Pavarotti para inundar con un torrente épico el teatro y, cuidado, que algo muy similar aparece y asombra. ¿Sobra? No. ¿Si no estuviera pasaría algo? Tampoco. Esta es la daga que utilizan para decir “No somos RHAPSODY”, porque además de estar cantada en italiano, demuestra que es un experimento que nos hemos sacado de la manga porque somos científicos locos y queremos sonar así: maravilloso. Dicho esto saltan a la complejísima, maravillosa y salvaje “I am”. Secuencias electrónicas, con teclados suaves, y un piano que acompaña a los coros y los traslada para entrar como un avión a miles de kilómetros por hora y llenar tu cabeza de notas y colores y profundidad emocional. Imperdible el pequeño homenaje a “Rapsodia Bohemia” de QUEEN. Casi como al pasar, lo dejan caer, lo arman y te hacen sonreír, porque les sale bien, casual y perfectamente ejecutado. Un guiño que demuestra la complejidad con que han labrado este disco. Y, aquí sí, TURILLI se descompone en un despliegue técnico con la guitarra que la hace, evidentemente, la canción más valiosa del trabajo.

Cierra una bellísima “Arcanum (Da Vinci´s enigma) con una introducción entre futurista y lírica, con buenos samplers y profundas y dolorosas entonaciones que nos mantienen navegando en profundo drama y guitarras que rompen y marcan cambios de ritmo sobre coros más que sinfónicos, más que arreglados, más que violentos… se lanzan todos los músicos a desplegar su arte y su furia que nos deja con ganas de más.

“Zero Gravity – Rebirth and Evolution” es una pequeña joya que está bien presentada, contiene historia molecular de lo que fue RHAPSODY, y tiene giros interesantes y complejos que, tal vez, no se atrevan del todo a cruzar una barrera “moderna” aunque lo sugiera continuamente. TURILLI/LIONE RHAPSODY es un proyecto eficaz, de alto nivel y sin complejo alguno de ahondar en un estilo que requiere no solo formación técnica, si no también espiritual a la hora de llegar al fanático.

Los que digan que este disco no es bueno, o es una copia o un mero producto comercial, evidentemente, siguen viviendo en esa época a la que me refería al principio de este artículo y ellos sí que no han sabido crecer. Power, Sinfónico, épico y con toques diversos. Una joya para el coleccionista.

SEBASTIÁN ABDALA | 8.5

UNBOUNDED TERROR (ESP) FAITH IN CHAOS

XTREEM MUSIC, 2020 Nada más y nada menos que veintiocho años separan este álbum del anterior, y debut, de estos Death Metaleros de Mallorca. Una banda que este recién acabado 2019, decidieron volver gracias a su miembro fundador Vicente Payá y que tras buscar a los tres músicos restantes, hizo renacer a UNBOUNDED TERROR. En este “Faith in Chaos” nos ofrece 10 temas, una intro más nueve canciones, que siguen sonando a UNBOUNDED TERROR, con ese estilo característico de la banda de ofrecer un Death Metal directo y lleno de cambios de ritmo, pero que a la vez resulta sencillo de escuchar, porque la ambientación Old School está tan presente como hace años, la voz oscura y raspada también, aunque lógicamente con la mejora de sonido que las bandas han experimentado en todos estos años de diferencia, pero que a la música de estos cuatro músicos les ha salido muy bien con la mezcla del antiguo Death Metal, con blastbeats algo más actualizados a como los que realizaban en su debut “Nest of Affliction”. Así nos encontramos con temas algo más sencillos y que mantienen esa onda de Death Metal cafre y oscuro que la banda ha practicado hace tantos años, “They Will Come for the Pain” o “Destroyed From Within”, entre otras son buenos ejemplos de esto. Aunque si lo que se busca es la agresividad y el salvajismo del Death Metal, la inicial “Hiding From the Light” o “Hated in Hell”, serán de las favoritas. Pero ante todo nos hallamos ante un álbum bastante variado en la composición de las canciones, ya que hay riffs algo más Metal por un lado, otras veces algo más pesados y densos, pero que sabiamente se han mezclado con riffs agresivos para mantener la intensidad y la brutalidad que una grabación como esta debe tener.

Buen álbum y buen retorno de UNBOUNDED TERROR con este “Faith in Chaos”, no es nada nuevo, estoy completamente seguro que la banda no ha intentado ir de originales, sino más bien poder ofrecer una visión más actualizada de su música y mezclando su antiguo estilo con un sonido más actual. Sin duda, para mi han logrado un álbum muy entretenido y merecedor de una escucha por parte de los seguidores del estilo.

LUIS MARTÍNEZ | 8

WALKWAYS (ISR) BLEED OUT, HEAL OUT

NUCLEAR BLAST RECORDS, 2019 Tras un sello que siempre esconde calidad, Nuclear Blast, se esconde uno de los grupos que más me han sorprendido este 2019 y del que no tenía constancia hasta hace escasas semanas, hablamos de WALKWAYS y su nuevo trabajo “Bleed Out, Heal Out”, procedentes de Tel Aviv (Israel). Tras abrir en su país para AVENGED SEVENFOLD y girar con IN FLAMES, los israelíes se asientan en la escena de metal alternativo europea con unos ritmos frenéticos y cambiantes, donde las melodías enamoran y profesan una originalidad musical escasa en estos tiempos modernos, cogiendo elementos de diversos estilos, nos traen un álbum dividido en 6 capítulos que van desde la rotura a un nuevo amor, engalanado con la venganza y la liberación para tornarse en una desesperación continua por la miseria del ser humano donde el caos siempre se conserva.

Y es que la bienvenida que nos dan con “Till The End” y “Hell Born Shove (Impossible)”, es todo un anticipo de lo que encontraremos a lo largo de 14 canciones flexibles, originales y donde la estructura musical queda guiada por los riffs a veces técnicos, a veces efectivos y otras aplastantes de Bar Caspi y Yoni Menner en sus guitarras, así como la voz de Ran Yerushalmi nos presenta un tono tan pegadizo como desgarrador en sus partes más energicas, cambiando entre agudos, rasgados, falsetes y limpios, otorgando flexibilidad a cada uno de los temas, como demuestra en “Despair (For Heaven’s Sake)” envolviéndose por unos coros en el estribillos que lo elevan aun más o en “Half The Man I Am” donde desde la estrofa desgarradora hasta el estribillo melódico y mágico demuestra una gran versatilidad, en uno de mis cortes preferidos del álbum.

En sus temas tienen toques a DEFTONES, KORN, TWELVE FOOT NINJA, SEVENDUST…, que empacan a la perfección para demostrarnos que la música va más allá, “Trumpet Call” lo demostrará de nuevo una vez más y con “Levitate”, un pequeño break enérgico y efusivo, nos lleva hacia “Bleed Out Heal Out”, donde las guitarras nos vuelven a golpear con ritmos un-metaleros, pero que sin el combo formado por el bajo de Avihai Levy y la percusión de Priel Horesh la música de WALKWAYS no sería posible; una base de 10. Con “You Found Me”, ponen un toque emotivo en el álbum, precioso medio tiempo muy sentimental que se une a la ambiental “Unbearable Days” donde una base orquestada se une a la voz para reflexionar y cerrar esta parte central con “Enough” donde la desesperación y agonía interna va creciendo en el subconsciente y la plasman en “Human Beings”.

Ya en la parte final del álbum, encontramos temas como “Care (In This Together)” donde la técnica de las guitarras y los ritmos entrecortados, se transforman en un estribillo muy abierto y épico, para dejarnos momentos de silencio primando la voz limpia y alternando con unos pasajes muy metálicos y con toques math metal, que volvemos a escuchar al final de “Thank You”, dos temazos, en especial este segundo con un final apoteósico que nos lleva al cierre del trabajo, “Bone Deep”, uno de los cortes que podría estar escuchando horas y horas, y que condensa toda la esencia de WALKWAYS y resume a la perfección este álbum, emocional.

JUAN ANGEL MARTOS | 9

NUM. 69 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 43