Necromance Digital Magazine 71

REDACCIÓN Y STAFF: DIRECTOR: David Déniz Plaza

NÚMERO 71

EDITOR, REDACCIÓN Y PUBLICIDAD: David Déniz Plaza MAQUETACIÓN Y DISEÑO: David Déniz Plaza REDACTORES | CRONISTAS: Alicia Castaño Carlos Bermejo Cesar Luis Morales Daniel Gallar Jesús Muñoz Caballero Jorge De La Cruz Juan Angel Martos Luis Martínez Nacho Peña Robin RM Santi Gzlez Sebastián Abdala FOTÓGRAFOS: Sebastián Abdala EN PORTADA: HOLYCIDE

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advert@necromance.eu PRÓXIMO NÚMERO: 30.ABRIL.2020

CONTENIDO SECCIONES REGULARES 04 05 08 40

EDITORIAL CONTENIDO RECOPILACIÓN DIGITAL CRÍTICAS (NOVEDADES)

ENTREVISTAS 14 15 16 18 20 22 24 26 28 29 30 32 33 34 35 36 37

ANKHARA APOSTLES OF PERVERSION HOLYCIDE MYSTAGOS PROFANATION GRIM COMET CRS ABISME HEREJIA NANDA DEVI VOICES OF GALADH MANO DE PIEDRA AMENTI BLOOD EAGLE THE DRY MOUTHS SOUL DEALER ORTHODOXY

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cronicas live 60 VI PALACIO METAL FEST

NECROMANCE DIGITAL SAMPLER - VOLUMEN 44 5. GRIM COMET (ESP) A MILLION SUNS

Extraído de / Taken from “Afterlife” (CD 2019) Art Gates Records

6. SATHAMEL (GBR) HORROR VACUI

Extraído de / Taken from “Horror Vacui“(CD 2019) Autoeditado | Self financed

7. CRS (MEX)

TAN LEJOS DE DIOS (NOWHERE BUT HERE) Extraído de / Taken from “The Collector of Truths” (CD 2019) Concreto Records

8. ABISME (ESP) AMORAL ERA

Extraído de / Taken from “As Fear Falls In” (CD 2019) Autoeditado | Self financed

9. SATHAMEL (GBR)

RAISE FLAME FROM ASH

Extraído de / Taken from “Horror Vacui“(CD 2019) Autoeditado | Self financed

10. HEREJÍA (ESP) HASTA MORIR

Extraído de / Taken from “La Quinta Herejía” (CD 2019) Duque Producciones

11. VOICES OF GALADH (ESP) NEW BIRTH

Extraído de / Taken from “Wondering” (CD 2019) Autoeditado | Self financed

12. NANDA DEVI (ESP) NO QUISO SER

Extraído de / Taken from “Refugio” (CD 2019) Violence in the Veins

13. MANO DE PIEDRA (ESP) THE RAPTURE

Extraído de / Taken from “Today’s Ashes” (CD 2019) The Braves Records - La Fosa Nostra - Hecatombe Records - Hombre Montaña - Odio Sonoro Violence in the Veins - Base Record Production

14. AMENTI (ESP) FUERZA VITAL

Extraído de / Taken from “Fuerza Vital” (CD 2019) Duque Producciones

15. BLOOD EAGLE (DNK) DOCTRINE OF DEATH

Extraído de / Taken from “To Ride in Blood & Bathe in Greed II” (CD EP 2019) Nuclear Blast Records

1. HOLYCIDE (ESP) EMPTY CYBER LIFE

Extraído de / Taken from “Fist to Face” (CD 2020) Xtreem Music

2. ANKHARA (ESP) SIGO EN PIE

Extraído de / Taken from “Sinergia” (CD 2019) Fighter Records

16. THE DRY MOUTHS (ESP) LA MASCOTTA

Extraído de / Taken from “Lo – Fi Sounds For Hi – Fi People” (CD 2019) Aneurisma records - Zona rock - Violence in the veins

17. SOUL DEALER (ESP) FAREWELL TO THE GODS

Extraído de / Taken from “Aliennation” (CD 2019) Rock CD Records

3. APOSTLES OF PERVERSION (ESP) THE HAND THAT PUT THE STRING Extraído de / Taken from “Scars of a Sick Mind” (CD 2019) Pathologically Explicit Recordings

4. PROFANATION (DEU) DER GEMÜTLICHE

Extraído de / Taken from “Into Cascades of Blood and Burning Soil” (CD 2019) Hostile Media

DISEÑO DE PORTADA REALIZADO POR: THE CORE INSIDE - ESCÚCHALO Y DESACARGALO EN necromancedigitalmagazine.bandcamp.com

ANKHARA

Tras casi catorce años fuera del panorama musical en cuanto a grabaciones de estudio se refiere, pues en directo sí que han estado en activo cuando en 2013 decidieron reunirse para retomar la carretera y editar un Dvd “Dueños el Tiempo” (2015); ANKHARA vuelve a la carga con más ganas que nunca y este nuevo álbum, “Sinergia”, bajo el brazo, y desde Necromance Digital Magazine no podíamos perder la oportunidad de charlar con ellos.

Primero de todo daros las gracias por atender a esta entrevista y personalmente me alegro mucho de la vuelta de ANKHARA y casi con la formación clásica. ¿Cómo han sido estos años en silencio para vosotros hasta que en 2013 volvisteis a reunirnos?

Pues han sido años de mucha actividad , aunque Ankhara lo tuviésemos parado cada uno hemos estado involucrados en muchos proyectos y hemos estado de gira casi todo el rato así que nunca hemos perdido la forma en cuanto al directo se refiere ni al estudio .

“Sombras del Pasado” editado en 2003 fue vuestro último trabajo de estudio hasta hoy, que volvéis con muchas ganas y fuerza. Ahora presentáis vuestro nuevo Lp, “Sinergia” ¿Cómo ha evolucionado vuestro sonido entre estos dos trabajos?, ya que este último es mucho más contundente y con unas guitarras graves y metaleras.

Bueno personalmente creo que siempre fuimos cañeros solo que en Sombras se nos piro la pinza un poco e hicimos un disco mas progresivo y quizás no se notaba la agresividad tanto , de todas formas tanto Alberto como yo siempre hemos sido muy seguidores del metal mas cañero y extremo así que es algo innato .

Vuestro artwork es futurístico, guardando entre engranajes la muerte y la evolución tecnológica. ¿Qué hay tras el nombre de “Sinergia”? ¿Y qué tiene que ver con vuestro artwork? Por cierto, ¿Quién lo ha realizado?

Bueno yo no lo veo tan futurista , simplemente se trataba de hacer una analogía con el titulo y como un ente se alimenta de la fuerza y el talento de cinco personas totalmente distintas para crear algo único que seria Ankhara .

Habéis grabado en Meiga Sound Studio, Cadillac Blood y Mojo Road ¿Cómo ha sido este proceso de 14 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 71

grabación y vuestro reencuentro en el estudio? ¿alguna anécdota que nos puedas contar, ya que siempre hay alguna?

Como ya te digo todos estamos muy preparados en cuanto a las grabaciones de estudio se refiere ya que no hemos parado de trabajar en el con los distintos proyectos así que todo fue muy fluido , cada uno sabe el trabajo que tiene que hacer y los estudios con los que trabajamos los conocemos perfectamente al igual que la gente que trabaja en ellos así que todo fue muy fluido.

Si tuviera que quedarme con algún o algunos temas de vuestro álbum, sin duda elegiría “¿De Qué Lado Estas?”, “Libertad” y “Un Buen Día Para Morir” ¿Qué historia guarda en su interior cada uno de estos temas? ¿Cuál ha sido el más difícil de componer?

Yo te puedo hablar de los que yo he compuesto que son Libertad y un Buen día para morir , y creo que los títulos son suficientemente explícitos de lo que hablan jajaja , la verdad es que surgieron de una manera muy fluida , los temas de este ultimo álbum son bastante directos y no demasiado enrevesados , que era una cosa en la que estábamos de acuerdo de cómo debía ser el álbum, por lo cual es desarrollar la idea principal y poco mas , obviamente teniendo en cuenta que la idea principal sea buena jajaja.

Este 2019 habéis estado en una extensa gira presentando “Sinergia”, ¿tenéis más fechas listas para seguir la gira para este 2020? ¿Cuáles son vuestros planes de futuro, quizás un nuevo álbum?

Pues este año haremos unas cuantas fechas muy contadas ya que nos centraremos en la composición de un nuevo disco , o esa es la idea principal , en unos días tendremos una reunión y decidiremos mas concretamente la línea a seguir , pero si la

idea es sacar otro gran disco con el que girar a tope en 2021 .

Imagino que como músicos aun apreciáis la música en formato físico, en una época en que lo digital y el streaming está de moda. ¿Cuáles son los últimos CD físicos que habéis comprado? Podríais decirnos 3 grupos nacionales/internacionales a descubrir o que queráis recomendarnos.

Yo personalmente compro vinilos a no ser que la banda no lo tenga en ese formato , me gustan mucho Witchtower , Monasthyr , hay muchos grandes grupos en el panorama nacional , básicamente me gusta la música hecha con corazón , cuanto mas se aleje del circo mejor , últimamente parece que hay que ir disfrazado de cualquier extravaganza que se nos ocurra para llamar la atención y se esta dejando la música casi a un segundo plano , así que bandas autenticas de verdad que hagan música de corazón .

Un placer poder hablar con vosotros, desde Necromance Digital Magazine.

[JUAN ANGEL MARTOS]

APOSTLES OF PERVERSION Veinte años ya, y por aquí siguen los APOSTLES OF PERVERSION. En noviembre de 2019 volvieron a la carga como sólo ellos lo saben hacer, con un “Scars of a sick mind”, un monolito de Brutal Death Metal al que hay que echarle muchas pelotas para tragártelo de una sentada. Con el cerebro hecho papilla tras varias escuchas continuadas, hablamos con ellos.

Buenos días, buenas tardes y buenas noches, buenas gentes de APOSTLES OF PERVERSION. Nuevo disco después de tres años desde el “Revenge beyond the Grave”. ¿Qué tal las primeras impresiones y las primeras respuestas/críticas del “Scars…”

Buenas Cesar y a toda la gente de Necromance, la verdad es que muy contentos con el resultado final del disco y con la respuesta de los medios de diversas latitudes y sobre todo la respuesta de la gente.

Contadnos un poco la historia del grupo, porque desde 2002 ha entrado y salido más gente que del camarote de los Hermanos Marx. Y sobre todo ese cambio de ubicación, actualmente en las Canarias.

Pues si, como bien decís hemos sufrido cambios de formación a lo largo de estos años, la banda nace en Madrid y se traslada a Gran Canaria donde esta afianzada hace ya muchos.

Con respecto a los anteriores cambios, ¿qué ocurrió? ¿Diferencias personales, musicales? ¿Falta de tiempo, compromiso? Y, aun así, ¿quién es el alma mater del grupo, el que sigue hacia adelante a pesar de todo?

Los cambios de formación son situaciones no deseadas en una banda, pero diversas situaciones laborales, o de cambio de residencia o prioridades te obligan a cambiar, pero al final todo esto te enriquece musicalmente sin darte cuenta, y el único miembro original es Hector el guitarra, actualmente la banda esta formada por Darrel en vocales, Pedro al bajo, Esteban y Hector en Guitarra y Pablo Blanco en las bateras.

Reitero, y, aun así, APOSTLES OF PERVERSION sigue adelante, esperemos que estos sean los últimos cambios. Y, aun así, no se nota una banda desangelada, sino todo lo contrario, cohesionada, como un muro, cinco miembros y un solo objetivo. ¿El objetivo está conseguido? ¿Esta es la banda soñada? ¿Este es el disco soñado?

Si la clave de todo es creer en lo que estas haciendo y ser cien por cien honesto con vos mismo a nivel musical eso al final se nota. Cada cd que sacamos son varios pasos al frente notamos nosotros, y este ha sido igual, estamos muy contentos con el resultado final.

Hablemos de “Scars of a sick mind”. A pesar de todo el movimiento entre bambalinas, el disco ha salido adelante y suena como un trueno. ¿Ha habido mejoras entre los primeros esbozos compuestos hace unos años y ahora? ¿Algo que hayáis escuchado y hayáis dicho “¡Wow, esto ni se parece a cómo empezó!”?

La verdad es que obviamente cuando compones los primeros riffs o las primeras maquetas e ideas para el álbum, sabes como queréis el tema el camino a seguir, pero claro después con el trabajo de Mezcla y Master aquello empieza ya a estar en su sitio y a sonar como queríamos pero ya de manera hiperbrutall. ¿Qué podéis contarnos de los temas, tanto a nivel musical como a nivel lírico? Porque mi sentido arácnido me avisa de que en el primer tema “A gaze into the Abyss of Insanity” habéis utilizado el pareado más famoso de Lovecraft.

Bueno, con respecto a los temas del Scars en materia musical, fuimos componiendo las canciones del cd siguiendo el mismo método que con el anterior, trayendo ideas estructuras que después entre todos terminamos de desarrollar y darle el toque que queremos, en la parte de letras, Miguel se encarga de todo y en este trabajo, había una idea de clara de atacar todas las atrocidades sexuales de la iglesia en tanto tiempo y todo ese mundo. ¿Cómo se lleva eso de ser una banda de Death Metal en las islas? Seréis los únicos de por allí. Y para dar un concierto, o hacer giras, aunque sea por España, ya tenéis que hacer embarque, vuelo, furgoneta, etc… ¡auténtico amor al arte!

La verdad es que ya estamos acostumbrados y para nosotros es algo normal, hemos hecho 3 increíbles giras por Sudamérica y también por España, acá no hay muchos sitios donde tocar pero siempre hay pequeños festivales.

Ahora que ya estamos otra vez de vuelta, ¿qué tenéis previsto para 2020? ¿Gira? ¿Festivales?

Recientemente acabamos una gira de 3 semanas por Brasil, Uruguay, Argentina y Chile, y ahora en 2020 la idea es hacer una gira por España y presentar el disco en Europa ya que acaba de salir.

Una banda que os haya marcado; la que consideráis que es la referencia; una gira, festival o un

cartel soñado.

La banda que marco mi vida fue Sepultura con Beneth the Remain, una gira soñada Suffocation y Wormed.

Y por último, gracias por vuestro tiempo. Micrófono abierto para saludar a papa y a mamá, para mandar besos a la tía, para vendernos vuestro merch y convencernos de que vayamos a vuestros conciertos.

Muchas gracias por la oportunidad de llegar a todo el publico extremo a través de Necromance, terrible onda!! Espero que les guste nuestro nuevo trabajo y espero verlos en la gira 2020 por España o Europa!!!

[CESAR LUIS MORALES]

NUM. 71 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 15

HOLYCIDE

Si le echas un vistazo a la historia de HOLYCIDE verás que llevan rulando desde los primeros devaneos de Dave Rotten con Vicente Payá (GOLGOTHA), cosa que no cuajó y que luego a lo largo de los últimos años, entre idas y venidas de músicos, se han tirado una pila de años en sacar adelante este segundo disco. A pesar de ello, “Fist to face” sale a la luz en febrero de este año y cumple lo que promete: puño a la cara.

Saludos a las buenas gentes de HOLYCIDE. Recién salido del horno, aunque ha costado sacarlo adelante.

Leo en vuestra historia la larga andadura a través de todos estos años, gente que entra, gente que sale, el historial de los músicos… Obviamente, tenemos AVULSED para rato, al igual que DARK MOOR, y el resto de las bandas… ¿Qué podemos esperar de HOLYCIDE? ¿Banda, proyecto, cómo cuadramos las agendas?

Hola y un saludo para vosotros también. Holycide es una banda en toda regla, consolidada y con una gran química entre nosotros. De momento no hemos tenido ningún problema para cuadrar las agendas, así que perfecto jajaja.

Death o en el Power sinfónico)?

Personalmente creo que todo sigue igual, hay currar mucho, tener suerte…ya sabes, el día a día de cualquier banda jajaja!.

Desde que se compusieron los primeros riffs de este disco hasta que ha salido por fin, ¿Cuánto tiempo ha pasado? ¿No habéis perdido la perspectiva o la visión del trabajo? ¿Cómo se mantiene viva la llama?

Empezamos hace bastante tiempo con los primero bocetos, desde cero porque no teníamos nada guardado o que nos sobrara de “Annihilate..then ask!”, la verdad es que “Fist to Face” lleva algo de retraso ya que nos surgieron algunos imprevistos con los que no contábamos, así que tuvimos que retrasar unos meses la salida del álbum, pero bueno aquí esta, lo hemos conseguido y estamos mas contentos que nunca.

Contadnos un poco del disco en sí. Primeras impresiones y reviews, respuestas por parte de la prensa.

Así mismo, desarrolladnos un poco los temas, que buscabais conseguir y temas favoritos del “Fist to Face”.

Como te decía antes estamos muy contentos del resultado, parece que a la gente le ha gustado bastante y la prensa tiene buenas impresiones en general. Las redes sociales crecen y nuestra pequeñísima legión de fans va aumentando poco a poco. Lo que buscamos en este álbum es lo que ves, un disco cañero y mordedor en todos los sentidos y con ese toque vieja escuela que tanto nos gusta..es nuestro “Reign in blood” salvando las distancias claro…, de momento todos son favoritos hasta que empecemos a elaborar los setlist para los shows, ahí empezaremos a descartar alguno porque todo no lo vamos a poder tocar…

Otra cosa a colación de la larga carrera de fondo que lleváis y debido a que habéis sacado un disco muy de Thrash (Old School, si queréis llamarlo así), ¿qué ha cambiado o qué notáis que ha cambiado en la escena musical extrema (tanto en el Thrash, como en el

Comenzamos con “Intrump”, que entiendo será uno de los últimos temas añadidos al álbum. ¿Es quizá este disco más político que lo anterior? Contadnos un poco a nivel lírico y temático de los temas.

Quizá sea un poco mas critico con la sociedad en general, no solo con los políticos, también con la gente que vive obsesionada con las redes sociales, esos mesías que prometen mucho pero que luego todo es mentira…en fin, en general las letras del álbum tocan casi todos los palos de la sociedad actual.

Repetimos trabajo de portada. Ya tenemos mascota como Snaggletooth o Vic Rattlehead. ¿Qué nos podéis contar del amigo zombie bio-químico?

Todo empezó con el EP “Toxic Mutation”, nuestro amigo “Mutty” nació allí y se ha quedado con nosotros hasta que decida irse y pasar de nosotros!. ¿Hay proyecto de que HOLYCIDE se configure como banda de directo o como banda de estudio?

Ambas, sin duda alguna…como te dije antes, Holycide es una banda en toda regla.

Sois todos músicos experimentados con largo historial a la espalda. ¿Qué bandas consideráis clásicas y de influencia crucial en vuestra carrera? Del mismo modo, ¿qué escucháis ahora y qué os llama la atención o auguráis gran futuro? ¿Algo que escuchéis y que sea un vicio inconfesable, en plan “Pues a mí me gustan los VILLAGE PEOPLE”?

Atrophy, Infernal Majesty, Annihilator, Sacred Reich, Hoobs (Angel of death) por decirte algunas, es lo que nos basamos para componer nuestras canciones, lógicamente no estamos en la misma época pero intentamos darle ese toque old school que nos gusta tanto. Personalmente me gusta mucho la música disco setentera, esos temas tienen rollo que te cagas, son superdivertidos de escuchar y cantar jajajaja!.

Por último, ahí tenéis el micrófono abierto para saludar a papa y a mama, a las bases de fans, para recomendar supervitaminarse y mineralizarse para concierto de HOLYCIDE. Invitar a la gente que escuche el nuevo álbum “Fist to Face” si aun no lo ha echo y después del verano empezaremos a presentar el disco donde quieran tenernos, así que nos vemos en los conciertos!. Un saludo y gracias por la entrevista, es genial que os acordéis de Holycide!.

[CESAR LUIS MORALES]

NUM. 71 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 17

MYSTAGOS MYSTAGOS es el proyecto uni-personal del músico Heolstor, personaje que tiene el culo pelado de tocar en distintas bandas pero siempre buscando el sonido extremo y el Black Metal. Como debe de ser que tiene un problema de hiper-actividad y como estar en no sé cuántas bandas a la vez no le basta, pues este genio loco se ha cascado con su “Azoth” un lanzamiento de los que hacen historia.

Saludos, Heolstor. Enhorabuena por este “Azoth” que, como he dicho, me parece un lanzamiento de los de altura. ¿Has leído ya alguna otra review en otro medio? ¡Saludos! Muchas gracias, me alegra mucho saber que te ha gustado el disco.

La verdad es que todas las reseñas han sido fantásticas; es sin duda alguna el disco de Mystagos que mejor recibimiento ha tenido. Esto se debe en gran parte a la genial tarea de promoción que ha llevado a cabo el equipo de Blackseed Prod., las reseñas y entrevistas no han parado de llegar y es muy satisfactorio saber que el disco está siendo un éxito.

Cuéntanos un poco sobre ti, porque de lo que puedo encontrar en diversas páginas veo que has estado en varias bandas, sigues con varios proyectos a la vez, y ahora, nuevo trabajo con MYSTAGOS. ¿Cómo lo haces? ¿Cómo lo compaginas? ¿Duermes? ¿Cuál es tu objetivo principal?

Llevo tocando en grupos de black metal desde mediados de los noventa, y desde entonces no he parado. Cuando se llevan tantos años activo es inevitable que la lista de grupos se alargue, sobretodo al ser baterista, ya que siempre somos escasos… Si bien nunca se me ha ocurrido parar, sí es cierto que en los últimos años creo que me estoy ralentizando; no por falta de interés, sino por falta de tiempo. Llega un momento en la vida en el cual si no eres músico profesional tenerlo como hobby es complicado. Actualmente mi proyecto principal es Mystagos, no cabe duda, pero siempre tengo otras cosas en marcha, ideas que necesitan salida y que no encajan en Mystagos. No puedo decir que tenga un objetivo, se trata más bien de una necesidad; la necesidad de expresarme como persona a través de la música. En esencia: no puedo parar, ni tengo intención de hacerlo.

Desde que he comenzado a escucharlo, he tenido la sensación de que “Azoth” lleva un gran trabajo por detrás. Si bien es cierto que el primer álbum de MYSTAGOS lo sacaste en 2017, al año siguiente un EP, y en 2019 el nuevo disco, pero no suena a algo como que te has sentado una tarde a rascar la guitarra a ver que salía. ¿Cuánto tiempo ha llevado el proceso de “Azoth”?

Pues desde el momento en el que me senté a componer, a que saliera el disco, han sido unos dos años; sí es cierto que por temas del sello el disco estuvo en el limbo durante unos seis meses… Primero compuse todo, lo cual me llevó unos nueve meses, lo grabé y luego Simón (The Empty Hall Studio) se encargó de todo el aspecto técnico: sacar sonido a los instrumentos, mezclar, arreglar detalles, y masterizarlo. Ese proceso llevó unos cuantos meses, ya que Simón es muy detallista y siempre explora distintas posibilidades. Si bien la composición fue una tarea larga y compleja, al final resultó ser la parte más rápida…

Cuéntanos más sobre “Azoth”. ¿Qué buscabas con este disco? Porque exploras una serie de campos que no entran dentro del Black Metal más Old School. Y te lo has hecho tú todo. Lo has compuesto, lo has grabado…

Buscaba precisamente eso, hacer un poco lo que me diera la gana, siguiendo unas pautas más o menos determinadas por lo que había hecho en discos anteriores. Más que adherirme a un estilo musical u otro, me interesa más conseguir una atmósfera o transmitir una sensación determinada. Si eso supone que una parte va a sonar a rock gótico, pues no tengo ningún problema. Sin embargo, Mystagos siempre será un grupo de black metal, y como tal ese es el estilo que siempre tengo presente cuando compongo.

Profundicemos más sobre el disco. ¿Qué es realmente “Azoth”?

Tanto a nivel musical como a nivel lírico. ¿Sobre qué temas tratas?

Tras haber grabado “Ho Anthropos…”, que es un disco altamente conceptual, necesitaba hacer algo totalmente opuesto; mi idea desde el principio era usar cualquier idea (tanto lírica como musicalmente) que se me ocurriera, siempre y cuando estuviera dentro de las pautas que me pongo a mí mismo cuando trabajo en algo para Mystagos: oscuridad, espiritualidad, ritualismo y experimentación. A nivel lírico hay temas puramente ocultistas que tratan sobre evocación y magia ritual, y otros que son simplemente odas a la oscuridad. En “Azoth” incluí ideas y letras de la última década; he querido mezclar y aceptar prácticamente todo. Gracias a la labor de Simón, al final el disco quedó como una entidad coherente, pero inicialmente no tenía muy claro cómo íbamos a hacer que temas tan dispares sonaran como si pertenecieran a un mismo disco… ¿Por qué MYSTAGOS? ¿Cuál es el origen del nombre? Y, sobre todo, ¿Cuál es el origen de la banda / proyecto? ¿Cuál es el origen, sí, pero, sobre todo, cuál es el futuro? ¿Y por qué MYSTAGOS? ¿Qué exploras o buscas aquí que en las otras bandas no haces?

La palabra “mystagos” es una corrupción de “mystagogios”, que es una persona que inicia a otros en secretos y prácticas místicas. El proyectó se inició

en 2005 bajo el nombre de Chains ov Beleth, pero tras una década con ese nombre decidí que era hora de cambiarlo por algo que reflejara mejor la esencia del grupo. Conceptual o musicalmente nada cambió, sin embargo; la idea inicial tras este proyecto era la de dar voz a mi interés en el ámbito ocultista y espiritual, juntar mis dos pasiones: el black metal y el esoterismo. Con Mystagos intento explorar ideas y conceptos que, dentro del ámbito ocultista, no estén limitados de forma artificial. Mi intención es explorar las posibilidades del metal extremo y ver a dónde me puede llevar, qué nuevas sonoridades se pueden adaptar a ideas utilizadas durante décadas. En Mystagos doy rienda suelta a la experimentación, intentando mantener la sonoridad del metal extremo pero sin ningún tipo de límites.

Con respecto a muchos de tus proyectos, veo que en unos cuantos, de los mismos, te encargas tú de todo. ¿Qué ocurre? ¿Fanático del control? ¿No te fías de los otros? ¿Distintas visiones musicales?

Circunstancias de la vida, más que nada. La gente se hace mayor, pierde interés por la música, o tal vez lo mantienen pero tienen otras prioridades. Cuando tengo una idea me gusta darle salida lo antes posible, no me gusta tener que esperar a que otros tengan un momento para trabajar en ello. Tengo proyectos a medias con otra gente que llevan años atascados… Si publicara todo lo que tengo a medias con otra gente publicaría varios discos de golpe. Por eso mismo, si quiero sacar adelante mis ideas no queda otra, lo tengo que hacer todo yo mismo. Y no me quejo; se pierde la magia de crear algo en común, pero se gana en eficiencia y control.

Con la cantidad de años y de publicaciones que llevas, alguna anterior a “Azoth” de la que estés especialmente satisfecho y que te gustaría recuperar para volverla a tocar.

La demo de Eald “Through a World Impatient for my Death” me sigue pareciendo bastante buena, no me importaría recuperarla y darle algunos arreglos… Pero eso supondría dejar de trabajar en los proyectos que tengo ahora mismo en marcha, y no creo que merezca la pena.

Prefiero mirar hacia delante. Tampoco me importaría volver a tocar los temas de Alverg; el año que estuvimos componiendo ese disco fue de las mejores experiencias de mi vida y ese disco siempre tendrá un significado especial para mí.

Con todos estos años, ¿qué notas que ha cambiado en la escena? ¿Qué echas de menos? ¿Qué futuro le ves?

Sinceramente llevo tantos años desconectado de la escena española (tanto física como intelectualmente) que no te sabría responder. Sigo detenidamente la trayectoria de grupos como Foscor, Voidescent, Hipoxia, todo lo que hace el maestro Sixto, Aversio Humanitatis, Balmog, y algunos otros más, pero eso es por interés personal, porque me parece que su música es realmente espectacular, y no por sentirme parte de una escena. Echo de menos tocar con gente, organizar conciertos y la sensación de camadería, pero eso es algo que he perdido más por temas personales que por una carencia en la escena española. En cuanto al futuro, mientras haya grupos de tan grandísima calidad (y los hay a día de hoy más que en ningún otro momento), no creo que vaya a desaparecer. Mientras haya gente creando buena música, y gente que disfrute de esa música, siempre habrá una escena.

Una banda fundamental en tu vida, un disco, un músico.

La banda sonora de mi música siempre ha sido Paradise Lost; jamás me cansaré de escuchar discos como “Gothic” o “Draconian Times”. Sin embargo, como disco voy a decir el “Rebel Extravaganza” de Satyricon, que siempre me parecerá una obra de arte. Como músico, Czral; es inigualable y una referencia, algo a lo que aspirar como artista.

Micrófono abierto para decir lo que quieras y recomendarnos tu “Azoth”.

Aprovecho la oportunidad para mencionar mi nuevo proyecto, “At the Altar of the Horned God”, que saldrá en Abril a través de I, Voidhanger Rec. Cualquier persona interesada en música ritual con influencias de Dead Can Dance, Arckanum y música ritual y ambient en general, creo que disfrutará de este nuevo proyecto. Muchas gracias por tus preguntas, ¡ha sido un auténtico placer!

[CESAR LUIS MORALES]

PROFANATION

Damos la bienvenida a Necromance Digital Magazine a la legendaria formación alemana de death metal PROFANATION, que, de la mano de Anton (bajista) vienen a hablarnos de su nuevo trabajo «Into Cascades of Blood and Burning Soil».

Hola chicos, gracias por vuestro tiempo para contestar a esta entrevista para Necromance Magazine.

Vuestro nuevo álbum «Into Cascades of Blood and Burning Soil» ya está disponible, ¿están satisfechos o incluso más con el resultado final? Creo que deberían estarlo….

Saludos, David. Tenemos que darles las gracias, es absolutamente increíble recibir tan grandes reacciones a nuestro último álbum, incluso 10 meses después del lanzamiento. Recientemente, también tuvimos una gran crítica en la revista DEAF FOREVER del legendario periodista alemán de metal Götz Kühnemund, que siempre ha estado a mi lado desde que escucho metal, jaja. Todo esto ayuda a llamar más la atención de nuestra música y a mantener la llama encendida. Estamos absolutamente contentos con el lanzamiento y nos ha dado una nueva inyección de poder después de que el trabajo en las canciones y la producción nos llevaran 8 años. Todo el proceso fue ensombrecido por algunos cambios de formación y tiempos semiproductivos. Pero de alguna manera, todo esto nos llevó más a la dirección del Death Metal que queríamos conseguir, con canciones más largas, más partes tensas y, en general, más espacio para trabajar por los riffs. Lo que me enorgullece más es el hecho de que cada canción es diferente y es difícil para mí elegir una favorita. Todo crece sobre mí, cuanto más los toco. ¡Así que gracias por apreciar nuestro trabajo!

en Max, pero la energía realmente nueva vino cuando Vincent se unió a nosotros en 2016. De hecho, podría ser nuestro hijo, pero tiene todas esas vibraciones de la vieja escuela. Desde ese momento volvimos a trabajar todas las ideas de canciones que ya teníamos y escribimos cosas nuevas que resultaron sorprendentemente productivas con canciones bastante largas, en comparación con nuestros trabajos anteriores. Así que a fines de 2017 tomamos la decisión de entrar al estudio como cuarteto, ya que Jeff solo era algún tipo de miembro de sesión. La formación de grabación fue Alex en guitarra y voz, responsable de la mayoría de la composición y voces infernales. El otro miembro fundador, Luxl, en la batería: batería de condena y perfecto compañero de composición para Alex. Vincent en guitarra solista con muchas ideas nuevas para arreglos y yo en guitarra baja, enfermo de gripe en tiempo de estudio, jaja.

En el tema final, «A Place To Pray / Ablaze For Pray», Jeff se hace cargo de los deberes vocales y definitivamente hizo de la canción un punto destacado del álbum.

¿Cuál fue la formación que grabó este álbum?

Después del lanzamiento de «Contorted Bodies In Pain» en 2011, teníamos esperanzas con Mad Lion Records / Twilight Distr con nosotros. Pero el sello se declaró insolvente solo 3 meses después del lanzamiento y de alguna manera nos quedamos atrapados en la nada con solo un puñado de conciertos. Para ser sincero, tampoco utilizábamos las redes sociales tan bien como lo hacemos hoy, lo que creo que es crucial si haces la mayoría del trabajo promocional por tu cuenta. Nuestro segundo guitarrista Chris nos dejó para concentrarse en Saprobiontic en 2014 y nuestro cantante Jeff se mudó y no estuvo disponible para los ensayos la mayor parte del tiempo.

En algunos conciertos tuvimos un reemplazo para la guitarra

El Death y el Grind juegan factores importantes en la música que hace Profanation. ¿Cuáles son las razones detrás de la fusión de los dos estilos?

No hay una razón obvia, la banda comenzó en 1997 para fusionar todas las cosas que amamos. A través de los álbumes, siempre había canciones más para Death o para Grind, ya que en cada estilo encuentras buena música cuando se toca bien. Últimamente hemos estado más en el Death Metal con muchos ritmos fantásticos y nuestra última canción es la más relajante para nuestro baterista, tal vez nos estamos haciendo viejos, jaja. No importa el qué, solo tocamos lo que amamos y siempre encontrarás diferentes ingredientes para mantener la música fresca y viva.

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¿Como de desafiante fue el proceso de escritura y grabación de «Into Cascades …»?

Como se dijo antes, tuvimos nuestros tiempos de inactividad entre los álbumes, pero cuando Vincent se unió, las nuevas canciones tomaron forma de forma bastante natural y la grabación fue bastante fluida bajo las manos de Jörg Uken. ¿Sientes que el tiempo de inactividad te ayudó a entrar en un mejor momento creativo?

Realmente no, en algún momento, estuvimos cerca de la ruptura y tuvimos que agarrarnos la cabeza y sacarnos del barro nosotros mismos, jaja. Definitivamente ayuda a apreciar el estado en que nos encontramos ahora, con una banda a todo vapor, tocando conciertos y escribiendo cosas nuevas ¿Qué recuerdas de los primeros días en la banda?

Me uní a la banda en 2000 a través de un amigo común con Alex y Luxl. Solíamos ensayar en un club juvenil y había tiempo para ensayar todos los días y el club también tenía excelentes conciertos de bandas como Sinister, organizadas por Alex.

Muy triste, este club fue cerrado por la administración de la ciudad unos años más tarde. En los primeros días solíamos tocar como trío y hay grandes recuerdos de conciertos en un trailer en ninguna parte con la batería cayéndose a pedazos y la electricidad encendiéndose y apagándose. Hubo momentos excelentes cuando estuvimos en el Festival Fuck The Commerce con un grupo de personas que simplemente disfrutaban del Metal extremo. Y, por supuesto, algunos conciertos con

amigos nuestros, haciendo exhibiciones similares a GG Allin durante nuestros conciertos. Durante la grabación de nuestro primer álbum, incluso éramos delincuentes, esquivando facturas como la factura de 200 € en un elegante restaurante en Dresden, tantos buenos recuerdos… Aquí hay un enlace a un diario de la gira de 2011, si alguien quiere leer más: https:// profanation-deathgrind.jimdofree.com/dirty-sanchez/ ¿Quién es el responsable de mezclar y masterizar el álbum?

Al igual que en el álbum anterior, todo el trabajo fue realizado por Jörg Uken en Soundlodge Studio, Rhauderfehn, que realmente tiene una forma de trabajar relajante y nos hace brillar y sonar muy bien. ¿Quién se encargó de la portada del CD? ¿Qué importancia tienen estas para los trabajos de Profanation?

Esta vez, la portada fue realizada por Rudigorgingsuicide Art Yanto, un hombre que Alex encontró en Facebook y que diseña mucho de ese arte espeluznante. También utilizamos algunos de sus diseños para camisas. Todo el concepto fue creado por ellos dos, con ideas de Alex y el extraordinario oficio de Rudi. Incluso llegó al anuario de Heavy Music Artworks con este trabajo. Especialmente en los últimos dos lanzamientos, la portada se volvió más importante, ya que queríamos tener una obra de arte que resumiera perfectamente el contenido de los álbumes y se ve impresionante. ¿Puedes hablarnos sobre el concepto lírico del álbum?

No existe un concepto real, ya que esta vez las letras fueron de 5 escritores diferentes. Sin embargo, de alguna manera todos están lidiando con visiones apocalípticas. Desde puntos de vista críticos sobre la histeria del cambio climático, pasando por historias de terror con toques humorísticos hasta un baño de sangre religioso, lo obtienes todo. Y eso de alguna manera se refleja perfectamente en la obra de arte que muestra una escena de inocencia masacrada por los poderes malvados del mundo mientras la masa silenciosa está zombificada en el fondo. ¿Cómo se firmó con Hostile Media, vuestra última compañía discográfica y qué despertó vuestro interés en ellos?

A finales de 2018, estaba enviando algunos archivos mp3 promocionales de las nuevas canciones a todas partes en las que podía pensar. Tras seguir a Bloodshot Dawn (Reino Unido), encontré su sello y en la página había un formulario de envío. 2 días después, Andrew me contactó y tuvimos una muy buena comunicación. Por lo tanto, el acuerdo se firmó con bastante facilidad, pero la comunicación se redujo después y nos sentimos un poco solos. No importa, la mayoría depende de ti y yo solo trabajo para que sigamos adelante. ¿Qué intentáis conseguir con este álbum?

Ya que el lanzamiento es de hace un tiempo, puedo decir que obtuvimos algunas reacciones y críticas realmente geniales y definitivamente expandimos nuestra base de fans. El álbum nos trajo de vuelta al mapa y tuvimos algunos conciertos increíbles el año pasado con algunos destacados como In Flammen Open Air y un viaje a Polonia con 2 conciertos de apoyo a Pestilence. Así que el escenario está listo y nos gustaría seguir adelante, tocar aún más shows este año. También encontramos un nuevo líder en Henri (Ex-Maledictive Pigs) y actualmente estamos trabajando en un nuevo show en vivo con todas las canciones de «Into cascades Of Blood And burning Soil». Las siguientes ideas son un EP compartido a finales de este año y entrarán al estudio el próximo invierno, por lo que el tiempo de espera hasta nuestro sexto lanzamiento no debería ser tan largo.

Gracias por vuestro tiempo para contestar esta entrevista con Necromance, el final es vuestro …

Te agradecemos mucho tu trabajo de apoyo al underground y nos gustaría expresar nuestro agradecimiento a todos los que nos ayudaron a llegar a donde estamos, los que nos vienen a ver y nos apoyan de cualquier manera.

[DAVID DÉNIZ PLAZA]

GRIM COMET

han significado mucho para ti y te han influenciado mucho pero la vida lleva a cada uno por un camino distinto. Te acuerdas de esas personas pero ya no están contigo o no pueden estarlo de la manera que querrías. Pero bueno tampoco quiero que se interpreten así las letras, es decir, prefiero que cada uno las interprete como quiera, por eso las escribo con metáforas y todo lo ambiguas que puedo, aunque tengan un tema de fondo.

Seis añitos nada más, ¡Seis añitos! Es lo que llevan activos los madrileños GRIM COMET. Un Ep, un directo y dos álbumes. Ésta es su carta de presentación. Un Power-trio y una actitud de aquí a Lima. Y para cuajar sus ideas, este “Afterlife”.

Saludos a las buenas gentes de GRIM COMET. Enhorabuena por el “Afterlife”, que ha quedado un disco – como dicen al otro lado del charco – bien chingón.

Muchas gracias! Me alegro de que os mole.

Contadnos un poco de los orígenes de la banda, del origen del nombre de la banda y veo que desde hace años un continuo ir y venir de músicos. ¿Qué ha pasado?

El grupo lo formé en 2014 con la idea de que fuera mi banda porque estaba harto de componer para otros o estar en grupos de versiones. Ha habido varios cambios de formación sí, para mí la verdad que demasiados, y cada vez que se producían eran un quebradero de cabeza para encontrar a otra persona que pudiera estar a la altura. Cada cambio tiene su historia detrás, y siempre he intentado defender los intereses del grupo lo mejor que he podido, pero si eres el que toma las decisiones puede haber veces que te equivoques. Personalmente creo que la banda ha ido a mejor con cada cambio. Pero bueno siempre habrá más puntos de vista. Ahora llevamos desde 2017 sin cambiar de formación. Maiden los 5 primeros años estuvo así o peor, Deep Purple ni te cuento. Espero no cambiar más. El nombre es algo metafórico con respecto a un cometa que vuelve para recuperar el sonido de décadas anteriores.

¿Cómo os definiríais, dentro de un estilo musical? Y no vale utilizar la palabra Rock.

Intento dar mi punto de vista de temas que me recuerdan a uno cionado el sonido de la banda, desde unos inicios más u otro grupo, intentando que las canciones sean diferentes enDoom y más Stoner hacia este nuevo sonido: más sim- tre sí. Quizás ecléctico sea la palabra. También porque no quiero ple, más orgánico, aunque una evolución natural, un rehacer el mismo tema. Me aburren los discos así. retorno a las raíces de todo. ¿Qué es “Afterlife”? Así, de primeras. Me refiero, ¿qué os ha llevado a grabar Una banda referencia, un disco fundamental, un músiun disco tan directo y tan poco artificial como este dis- co. Un cartel soñado. co? Es sencillo, es –como decía Lemmy – R’n’R, pero se Banda, Cream, por ejemplo o Motorhead o ZZ Top. Disco es notan todas las fuentes y las raíces, se nota el cariño y más difícil, depende del momento. Músico voy a decir JJ Cale el trabajo, el desnudarse y desprenderse del artificio por su humildad. Y cartel, me da igual la verdad. Laura Pausini con Vomitory. para dejar lo natural, lo puro.

Tenía pensado grabar otro disco, más dentro del metal, más continuista con lo que ya hemos hecho, y en el que llevaba trabajando unos 2 años. Al final, a un mes de entrar a grabar, estaba pasando por una crisis personal y se me empezaron a ocurrir temas que considero que eran más directos y con los que me sentía mucho más identificado. Así que deseché los otros y me quedé con estos nuevos. Fue un poco agobiante componer el disco en tan poco tiempo la verdad. Pero creo que no quedó mal.

¿Y a nivel lírico? “Dead or Alive / Are you dead? / Are you alive?” O, por ejemplo, “A million suns stand in our way” Dead or alive es un mensaje a la escena. Y A Millions Suns habla de personas a las que quieres pero con las que no tienes una Hablemos ahora del “Afterlife” y de cómo ha evolu- relación personal buena porque chocas constantemente o que 22 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 71

Y después de todo lo eléctrico, de todo el Rock…

“Azabache” ¿Qué nos podéis contar de ese tema?

Estudié un poco de flamenco, y quería hacer mi punto de vista sobre el flamenco como una especie de Granaína. Tiene 5 partes y cada parte cuenta las fases de la historia que tuve con una chica. Y bueno, es mi muy humilde punto de vista porque está tocado con guitarra acústica y mi conocimiento del flamenco de momento es muy lamentable.

Deseos para este 2020.

Que el coronavirus nos deje volver a China.

Micrófono abierto para que saludéis a papa y a mama, a la tita Carmen, a amigos, a primos; para invitarnos a que vayamos a vuestros conciertos, para que agotemos el merch y para que compremos “Afterlife”.

Gracias por la entrevista!. Escuchad Afterlife, la vida es corta y el disco también. Nos vemos.

[CESAR LUIS MORALES]

CRS

La banda mexicana CRS es un nuevo proyecto formado por integrantes de la legendaria (¿pausada?) CIRROSIS, se nota en cada canción de “The collector of truths” que viven desde hace años para respirar Metal Extremo, un disco con toda la esencia y brutalidad de un México que hace propio cualquier estilo que le plazca. Con una fusión bien encastrada de Death y Technical, la banda se planta con un debut que promete y suena como una calle oscura, en un verano arrasador y terrores nocturnos a diestro y siniestro.

Antes que nada, quiero felicitarlos por un disco que, además de ser muy variado en cuanto a estilo, suena con una potencia furiosa. ¿Cómo ha sido el resurgimiento de CRS luego de estar pausados? ¿Y dónde queda CIRROSIS? Es una historia interesante. Teníamos 15 años desde que detuvimos a CIRROSIS, los miembros vivíamos en distintas ciudades (incluso países) y cada quien con sus propias ocupaciones. En 2013, coinciden en Ciudad de México, Chucky (Guitarrista fundador y productor) y Sir OZ, encontramos las maquetas que grabamos en el año 2000, justo recién terminado el álbum “Reciclando Desesperación”, los escuchamos y nos sorprendimos al encontrar que sonaban actuales, que teníamos aun algo por hacer y decidimos hacerlo. Contactamos a Joseph Lev (Que ya vivía en Holanda) y a Tavo que seguía en Cd. Obregón, Sonora y nos pusimos a trabajar por algunos años en este nuevo disco.

CIRROSIS es el corazón de todo, la banda de adolescentes con un nombre que nos fue impuesto por los propios amigos que solían ir a vernos tocar. Algunos no lo saben, pero el usar la abreviatura CRS es algo que tiene años, desde antes del “Reciclando Desesperación”, no es un cambio de nombre, es solo una nueva forma de identificarnos, aunque algunas cosas de aquel primer Cirrosis han quedado atrás, su esencia contestaría y brutalidad cruda creemos permanece intacta.

Entrando en “The collector of truths” ¿Cómo ha surgido la idea de un disco tan variado a nivel estilos? ¿Y el concepto del mensaje?

Es algo un poco extraño, ya que por una parte el buscar un álbum que abrazará todas nuestras influencias fue totalmente intencionado pero al mismo tiempo natural, orgánico. Casi todas las canciones fueron compuestas a principios de 2000 pero se quedaron en maquetas. En estos tiempos de inme24 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 71

diatez, donde el público dará “avanzar” a tu canción e incluso quitarán tu álbum si les resulta monótono, queríamos lograr un álbum que fuera dinámico, que tuviera un poco del sabor de todos los estilos que nos han gustado pero teniendo como columna vertebral el Death Metal. No queríamos abusar del virtuosismo, tampoco de la hipervelocidad, queríamos recuperar las melodías y los riffs más moderados propios del estilo Death Metal clásico, ya sabes, ese sabor a James Murphy (Obituary, Disincarnate, etc). Además de eso, buscamos alimentarlo con letras más intensas y aterrizadas en la realidad.

El concepto del álbum es sencillo en apariencia y tan complejo según quieras sumergirte. La idea detrás del título es algo que SIR OZ tenía pensado para una historia que desarrollaría en forma de novela y tiene como base que en esta vida hay muy pocas verdades, uno debe buscarlas y conservarlas, es la única manera de sobrevivir en un mundo lleno de mentiras. El álbum raya en lo conceptual y tiene un orden secuencial en lo que a las letras refiere. Es un viaje de transformación, donde un personaje se siente asfixiado en su realidad y decide huir para poder cambiar, descubre que debe asesinarse para avanzar, empezar de cero, matar a sus demonios pasando por un proceso de reconocimiento y despojo. El universo no conspira a nuestro favor, al universo le importamos una mierda. ¿Qué influencias han sido referenciales para la creación de este concepto?

Nos gusta pensar que la influencia de thrash metal está muy presente, a veces nosotros mismos nos sorprendemos, viendo algo de Kreator, de Sepultura y hasta de Metallica en el sabor de algunas de nuestras canciones. Claro que también verán sonidos de Carcass, de Meshuggah, de Fear Factory, de Pestilence, de Cynic, de Death, y de muchas bandas más, crecimos con esas bandas y nos siguen fascinando, lograr un disco que junte todo eso es una gran satisfacción.

¿Entraron con el set preparado o fueron agregando o quitando a medida que grababan?

Tenemos la suerte de que nuestro guitarras, Francisco “Chucky” Oroz es un reconocido productor (nominado diez veces al Grammy), te sorprendería saber que ha trabajado con muchos artistas pop como “La Quinta Estación”, Malú, entre otros. Dicho lo anterior, debo mencionar que hicimos un trabajo intenso de pre-producción, teníamos 30 temas en maquetas, y elegimos siete, agregamos un octavo que es la composición más reciente “A better place to hate”. Fue algo difícil y desgastante la selección de temas, realmente muchos que quedaron fuera son realmente buenos pero elegimos aquellas que creímos más correctas para darle forma a “The Collector of Truths” Cada canción es un universo particular, con un ritmo diferente ¿Cuánto ha aportado cada integrante? ¿Cuánto tiempo han invertido en una selección tan oscura?

Creo que trabajamos estupendamente como equipo, a tal grado que ya es difícil distinguir entre las aportaciones específicas de cada miembro. Musicalmente podemos decir que en partes iguales Joseph y Chucky compusieron todas las canciones, las letras fueron compuestas en su mayoría por Sir OZ pero con aportaciones de Chucky y Joseph. Respecto al tiempo, fue realmente bastante, empezamos a trabajar en 2013 y terminamos hasta 2019, hay decenas de razones tras ese proceso tan lento pero entre ellas está nuestra determinación es alcanzar el álbum que queríamos, trabajamos arduamente para quedar todos satisfechos.

El sonido es muy puro, ¿Cómo ha sido alcanzar este objetivo en la post producción?

Creemos que el haber cuidado cada una de las etapas fue fun-

damental, la ejecución de cada instrumento por parte de cada integrante fue extremamente cuidada, buscando siempre el mejor nivel de perfección alcanzable, especialmente de limpieza, buscando y eligiendo los sonidos perfectos para cada cosa. En palabras del productor Francisco “Chucky” Oroz mucho de ese sonido puro se reduce al nivel de ejecución técnica de cada integrante, es decir, son buenos músicos.

El disco cuenta con 2 colaboraciones más que interesantes, ¿Cómo surgió la idea de llamar a Talley y Klausenitzer?

Somos artistas locales, de una comunidad pequeña en el desierto de Sonora, crecimos soñando con ser una banda de fuerza internacional. En la primera etapa de Cirrosis no fue posible llegar más arriba, eramos adolescentes, locos, inestables, borrachos y sin ingresos hahahaha.

Ahora que decidimos volver, queríamos demostrarnos que desde nuestra pequeña ciudad podíamos estar al nivel de cualquier banda internacional, en calidad de sonido y en todo, quizá el termómetro para ello fue llamar a respetados músicos que admirábamos y mostrarles lo que hacíamos, en ambos casos su respuesta fue inmediata y absoluta, les gustaron todas nuestras canciones y ambos querían grabar todo el álbum, cuando leímos sus respuestas, pensamos: “Realmente lo estamos haciendo bien”. ¿Cómo está la escena de Metal Extremo en México?

México es un país rico en bandas, en la última década hemos comprobado la gran cantidad de estupendas bandas que existen, sin embargo, hace falta más difusión y plataformas correctas y unidas de exposición. Hay decenas de miles de metaleros en el país pero una inmensa mayoría consume solo metal extranjero pero ello se debe a que no conocen lo que se está haciendo en México. Estoy seguro que vienen tiempos muy buenos para el metal mexicano. ¿Planes para el futuro más próximo?

Ahora estamos muy ocupados con la promoción del álbum, esperamos lanzar la versión en vinilo a fines de 2020. Queremos consolidar el disco. Es posible que hagamos alguna presentación en vivo, quizá como despedida. Es posible que grabemos algo más, pensamos que sería lo último pero ahora sabemos que es difícil decir adiós cuando aun tienes mucho por hacer y decir. ¿Algo que añadir para terminar esta entrevista?

Agradecer el espacio para difundir nuestra música, en estos tiempos su trabajo no solo resulta necesario sino urgente, muchas gracias. A los lectores, agradecemos que nos hayan dedicado su tiempo para saber un poco de nuestra historia. Metalheads del mundo, no importa la edad que tengan, ni sus profesiones, o bien si ya son padres de familia responsables, no dejen morir al metal que nos ha dado tanto, sigan escuchando música brutal, este mundo necesita más personas chingonas, como decimos en México, y los metaleros son los mejores. ¡MANTENGANSE BRUTALES HASTA MORIR! [SEBASTIÁN ABDALA]

ABISME

cios sobre los que respecto lo que en la sociedad lamentablemente cristiana en la que vivimos, parecen no seguir las normas.

Amoral Era es un grito de las huellas que dejan una mentalidad de producción y consumo sin limites, de como dejamos al planeta y cómo se consideran vidas inferiores según especie o nivel económico.

What Open Eyes Brings habla del proceso de abrir los ojos a realidades incómodas que la vida te planta en medio, y del difícil camino que conlleva el hacerlo.

Gateles Call, como podréis ver su significado extendido en el videoclip, trata de las diferentes caras de un trauma por agresión sexual desde dentro, en especial de la disociación, el creer y vivir más real un mundo interno de sombras que arrastra a depresión y el concepto de decidir darle las manos a las sombras que acechan. Tiene múltiples dimensiones con las que explicarla y con el videoclip buscamos crear consciencia de parte del espiral que hay detrás de una agresión, y poner el tema que de por si le rodea el silencio sobre la mesa.

Tal como indican en su página de Bandcamp, las primeras ideas de ABISME surgen en Suecia hace unos añitos, aunque se establecen como banda realmente en 2017. Supongo que entre el año pasado y enero de éste, ya han grabado y publicado su primer larga duración “As Fear falls in”.

Después de escucharlo y reescucharlo como mil veces, uno se da cuenta de que joven no es sinónimo de bisoño, y esta gente no son cuatro colegas intentando rascar unas cuerdas de guitarra.

Bienvenidos y bien hallados, buenas gentes de ABISME. Lo primero daros la bienvenida al mundillo metálico y a la familia de NECROMANCE. Muchas gracias a vosotros por concedernos esta entrevista.

Contadnos un poco de los orígenes de la banda. Como he indicado arriba, en vuestra página de Bandcamp, se comenta que las primeras ideas surgen en Suecia y acaban hace unos años en Barcelona. ¿Qué ocurrió desde que os habéis juntado desde la primera vez? ¿Quién conforma el núcleo duro de la banda? Porque leo que ha habido varias entradas y salidas en el puesto de la batería.

Si, como bien dices empezó en Suecia donde empezamos a componer los primeros temas y a poner los cimientos de lo que sería la banda actualmente. Uri se unió al grupo a inicios del 2017, cuando volvimos a Barcelona, y puso las ideas de las lineas de bajo. ¿De dónde surge el nombre? ¿Es en catalán? Porque la palabra tiene una raíz muy similar en muchos idiomas y utilizarla en catalán me parece un acierto y un puntazo diferenciador.

Pues sí, es en catalán. Creemos que nos define mucho en las temáticas que tratamos, después de un buen tiempo buscando nombre sentimos claro que el nombre tenía que ser este.

Para nosotros poner el nombre del grupo en la lengua de tu tierra lo hace algo más auténtico. ¿Cómo, en nombre de que deidad ignota y oscura, se compone un tema como “Amoral Era”? ¿Cómo funciona el proceso compositivo?

Los acordes del inicio empezaron todo el desarrollo, fue muy curioso. En este tema la letra precedió los riffs y cuando tuve el riff que acompañarían las estrofas costó un poco acoplarlo con la forma de entenderlo del batería, yo tenía las ideas muy claras de mezclar el ritmo del tapping con la idea de melodía cruzada, tenía que acoplarlo a ritmos que encajasen con ambos. La temática de la letra es una fuerte crítica a la sociedad de consumo actual, capitalista y ciega de lo que se puede esconder detrás de ello, ergo sin valores o decididamente ciega; muchas luchas se mezclaban ahí y tenía que ser una vorágine de caos potente.. El interludio y algunos riffs posteriores los

Encima para redondear las cosas, el álbum es autoproducido y la portada a cargo de Anna. ¿Fanáticos del control, escuela del DIY (Do It Yourself) o escasez de recursos económicos?

La verdad que ha sido una mezcla de los tres. Realmente teníamos mucho entusiasmo en saber hasta donde podríamos llegar adentrándonos dentro de unos campos en los que somos totalmente autodidactas. Aún no tenemos claro si lo próximo que viene lo haremos de la misma manera o lo delegaremos.

Todo depende del tiempo que tengamos y de la situación en su momento.

compuso Joan. En realidad “Amoral Era” iba a ser un tema más largo aún. En general los procesos compositivos varían mucho, en función de lo que nos inspire más en el momento, pero podemos decir que fluyen bien. Cada uno tiene sus métodos pero por lo general empezamos grabando algunas ideas -mayormente de guitarra (aunque sea con el móvil), después le sigue un desarrollo cruzado y siempre la acabamos modificando más en el local.

Hablemos ahora del “As Fear falls in” como ese compendio monstruoso que os habéis sacado de la manga. ¿Cuántas capas de sonido, cuantas horas de ensayo, cuantas pruebas y cuánto trabajo hasta que ha quedado pulido como una gema? Pero, aun así, suena dinámico. Suena, como he dicho en la review, a completo, a que todo lo que está en cada tema, está porque tiene que estar para darle sentido.

Buff.. ha pasado tiempo desde que empezamos a componer sus temas. La producción musical consta de un bajo, dos guitarras (añadiendo puntualmente una 3a para los solos y algún detalle de teclados), y la batería ha sido grabada totalmente analógica, lo que le da un toque diferenciador de lo que se suele escuchar en algunas producciones actuales. Ensayos muchísimos, y siempre cuando llegas a grabar te das cuenta de que aún hubiesen molado hacer más. Hicimos una prueba el año previo a grabarla que se quedó a medias y decidimos volver a empezarla desde cero la segunda vez. Ha sido mi primera producción (Joan), como responsable de la grabación, mezcla y máster, y el nivel de exigencia era muy alto. Ha sido un proceso duro pero al final satisfactorio y del que he sacado mucho aprendizaje. Estamos orgullosos del punto al que ha llegado y de haberlo sacado ya para que lo podáis disfrutar.

Habladnos más en detalle, tanto musical como líricamente del disco. Algo que queráis destacar, algo que queréis que llegue a toda la gente. En vuestro Bandcamp hay una nota al pie que habla sobre una voz contra el asfixiante consumismo patriarcal…

Igual que dos voces, hay dos focos compositivos y de mensajes en el grupo y es muy difícil generalizarlos todos los temas en una respuesta, pero vamos a ello: Hive trata de la perdida de individualidad. De como estamos atrapados en esta mente colmena, una sociedad reinada por los medios que tratan de encajonarnos su basura moldeando nuestros sistemas de pensamiento.

Sins podría considerarse una continuación de Hive. Esta en cambio se centra mas en los prejuicios que tenemos. Prejui-

Me siento especialmente honrado de ver como el disco se publica el 7 de febrero y yo ya lo he disfrutado. ¿Qué reacciones, reviews, qué respuesta está teniendo?

La verdad que la respuesta es muy motivadora. Nos encanta ver la variedad de opiniones tan diversas que vemos sobre algunos elementos del disco.

Creemos que es producto a la huida del encasillamiento en un único estilo. Al final mayoritariamente ha gustado y a alguna gente muchísimo, y lo agradecemos infinitamente. Vemos que todo el esfuerzo que ha supuesto sacar el disco ha tenido una mas que mejor acogida.

Proyectos a partir de ahora, giras, conciertos, fechas…

Parece que el coronavirus tiene números de complicar el tema.. El 29 de mayo haremos la presentación en la sala Monasterio (Barcelona) y el 17 de abril tenemos el Kanya fest en Viladecans. Después con también muchas ganas que se acerquen las fechas, el 13 de junio tocaremos en Palma junto con Golgotha y el 17 de octubre en Rocksound junto a Unbounded Terror. Si todo va bien podremos anunciar algunas fechas más que traemos entre manos.

Preguntitas que siempre cae: banda, músico o disco que consideréis que es fundamental en vuestras vidas. ¿Qué escucháis en vuestro día a día, una recomendación? Y por último, un vicio oculto y/o inconfesable.

Respuesta corta: Death / Chuck Schuldiner, tanto en letras como en su música. Como recomendación, hay una banda que nos flipa, Tigret, ha sacado solamente dos singles esta semana y fuah, nos tiene superatareados! jaja. Y de vicios, yo soy gran fan del rap feminista, en especial de Ira, y Joan, de grupos de metal cuyo cantante sea un gato. Y la Pizza.

Micrófono abierto para saludar, para maldecir, para animar a la gente a agotar el merch y lo que se os ocurra.

Muchísimas gracias por vuestro apoyo y feedback, tenemos muchas ganas que se acabe el confinamiento para volver a dar caña, esperamos veros en los conciertos!

[CESAR LUIS MORALES]

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HEREJIA

Desde Cantabria nos llega el nuevo trabajo de HEREJIA, bajo el nombre de “La Quinta Herejia”, donde retoman el heavy metal más clásico con tintes ochenteros, confirmando su proyección ascendente en este difícil mundo musical. Desde Necromance Digital Magazine nos pusimos en contacto con ellos para conocer un poco más sobre este álbum y el futuro de la banda.

Primero de todo daros las gracias por atender a esta entrevista y para los que aún no os conozcan ¿Quién se oculta tras el nombre de HEREJIA? ¿Cómo surgió la idea de este nombre?

“Herejía” hace referencia a la libertad de elección en la religión o en cualquier otro aspecto de la vida.Es una actitud frente a la imposición de dogmas de comportamiento,es una rebeldía.

La idea se le ocurrió a Rubén cuando fundó el grupo junto a Borja (los dos guitarras del grupo).

“La Quinta Herejía” es vuestro segundo trabajo, con un sonido mucho más clásico que su predecesor “Despierta” ¿Qué es lo que podemos encontrar en esta nueva entrega? ¿Cómo ha evolucionado vuestro sonido entre los álbumes?

Este disco encierra puro HEAVY METAL CLÁSICO ,grandes riffs de guitarras,bases rítmicas contundentes y voces en tonos altos armonizadas con potentes estribillos que se te pegarán en el cerebro. El sonido ha cambiado de nuestro primer disco a este sobre todo en la producción.Este disco es mucho mas potente y a la vez se nota un sonido “añejo” y moderno junto.

También las composiciones son mucho más “heavy metal”.

Vuestro artwork guarda tiene un toque entre el comic y trabajos de Luis Royo ¿Quién lo ha realizado? ¿Qué representa este, con respecto a lo que encontramos en el interior?

La portada la ha realizado un artista que dibuja a veces para la marca Marvel como es Daniel Azconegui a partir de la idea que le dimos, la cual entendió desde el principio y nos dejó muy satisfechos. La portada junto con el interior representa a nuestra mascota (una gárgola) describiendo lo que estamos haciendo con nuestro planeta y lo que probablemente ocurra de seguir así.

Habéis grabado con Dani G de DARKSUN en los Estudios Dynamita, adquiriendo un gran sonido, muy 28 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 71

limpio y con unos volúmenes muy equilibrados ¿Cómo ha sido este proceso de grabación? ¿alguna anécdota que nos puedas contar, ya que siempre hay alguna?

El proceso de grabación con Dani a sido a la vez bueno y extenuante jajaja, Dani es un gran tipo con un conocimiento de la producción muy grande pero que te exige en el estudio el 100% por lo que te exprime a base de bien( te enseña mucho si está dispuesto a aprender). El día que fueron nuestros amigos a meter voces para reforzar los coros era imposible grabar dos frases seguidas sin interrumpir,eramos un grupo de heavys con ganas de risas,así que entre chistes y sonidos no descriptibles ese día fue un descojono entero…..

En vuestro trabajo alternáis canciones con nombre más épicos cono “Pangea”, “Quinta Herejía” o “El Viaje Más Largo (Ítaca), con otros más modernos y clásicos, “hasta Morir”, “Resurrección”, “Tu Nombre”… ¿guardan algo esta dualidad en nombres, o es puro azar?

Es el vocalista Kike quien ha escrito todas las canciones y solo reflejan su personalidad dual(es geminis) jajajaja…..nah en serio supongo que es casualidad, lo que si es cierto es que tiene gusto por lecturas de relatos clásicos y supongo que eso lo refleja en sus letras buscando siempre relacionarlas con nuestra realidad.

Si tuviera que elegir algunos temas para que me hablaras de ellos, me quedaría sin lugar a duda con “Resurrección”, “Te Quiero Atrapar” o “Quinta Herejía” ¿Qué historia guarda en su interior cada uno de estos temas? ¿Cuál ha sido el más difícil de componer?

Resurreccion habla sobre las experiencias más allá de la oscuridad ,cosas que describen las personas que han “vuelto” de la muerte,gente que ha estado en coma y vuelven y cosas así….

Te quiere atrapar está basado en la historia de Jack el destripador aunque se puede aplicar a muchos temas de nuestra

actualidad ( a kike le gusta jugar con esos paralelismos).

Quinta herejía es una especie de canción profética que nos describe el manejo del mundo por parte de “fuerzas oscuras” y el daño que vamos a recibir todos los habitantes de este planeta.Desgraciadamente cuando escribo esto estamos en pleno “ataque” de coronavirus aunque la canción la escribió el año pasado.

Imagino que estaréis planeado vuestros próximos directos y presentar este nuevo álbum, desgraciadamente cuando este tema del coronavirus se acabe, que esperemos que sea pronto, ¿algunas fechas que podáis adelantarnos? ¿Cuáles son los planes de futuro más inmediato de la banda?

Teníamos fechas cerradas en Barcelona, Bilbao, Castellón, Vigo, Madrid, Cantabria….. Ya veremos si al final se pueden realizar en otras fechas…

No sé si sois de tradición antigua y seguís comprando CD o estáis sujetos a la era digital. ¿Cuáles son los últimos CD físicos que habéis comprado?

Uff nosotros somos de la escuela clásica, compramos CD y porque no hay vinilos si no compraríamos vinilos. El ultimo disco que he comprado es THE GEREG del grupo the HU. Podríais decirnos 3 grupos nacionales/internacionales a descubrir o que queráis recomendarnos.

Como te dije anteriormente ando escuchando the HU una banda de mongolia que mola bastante ,no se si te gustarán…..

Un placer poder hablar con vosotros, desde Necromance Digital Magazine, las últimas palabras son vuestras.

Muchas gracias a vosotros por la oportunidad y tu tus lectores decirle que si les gusta el heavy clásico y ven un cartel de HEREJÍA anunciando que tocan en su ciudad vayan a vernos, no se arrepentirán.

HEAVY METAL HASTA MORIR!!

[JUAN ANGEL MARTOS]

NANDA DEVI Buenos días, buenas tardes y buenas noches, buenas gentes de NANDA DEVI. Namasté. ¿Qué decir de “Refugio”? Bueno, yo ya lo he dicho en la review, os toca a vosotros.

Namaste, César. En primer lugar te quiero dar las gracias por tus buenas palabras en la review, nos encanta que hayas disfrutado con nuestro disco, de verdad. Con casi un año ya de vida podemos ver “Refugio” desde un perspectiva más amplia y, qué decir. Creo sobre todo que es un buen punto de partida, es clausura y transición. Me explico, somos de las personas a las que hacer música les inquieta, por eso creo que hemos definido, quizá con demasiada amplitud, y lo digo como algo positivo, cómo podemos sonar en conjunto, de ahí que hable de un punto de partida. Es clausura y es transición porque todavía había música e ideas de nuestro anterior grupo, The invisible man’s mirror, y ha sido maravilloso poder plasmarlas en un disco y que queden ahí para siempre, pero ahora toca hacer todo entre los integrantes de Nanda devi y que sea totalmente propio.

Verifico por los últimos datos que Úbeda, vuestra ciudad natal, tiene unos 34000 habitantes. Os conoceréis todos, ya sabéis, en plan “tú eres el pequeño de la Paqui”, pero ¿fue tan fácil conoceros entre vosotros y concretar vuestra apuesta musical?

No fue difícil desde luego, Jose Luis y yo tocábamos juntos desde antes y a Martín y David los conocíamos, surgió todo bastante espontáneo para nuestra suerte. Cuando nos juntamos a hacer música ya había un punto de partida, así que había poca decisión en principio sobre qué estilo hacer o cómo componer. Todo eso quedó atrás y ahora componemos entre todos sin tener ningún estilo o idea preconcebida en mente y trabajamos en una misma dirección casi sin pensarlo.

Ciudad Patrimonio Cultural de la Humanidad por la UNESCO en 2003, herencia musulmana, mudéjar, renacentista, todo un crisol de cultura. Por lo que veo la propuesta cultural es bastante alta y diversa. ¿Os habéis podido aprovechar de esa circunstancia a pesar de no venir de una ciudad grande, como Madrid?

Es cierto que Úbeda ha sido históricamente un crisol de culturas, como bien dices. Nos gustaría que la oferta musical actual fuera más amplia en cuanto a metal se refiere, pero eso no es un mal endémico de nuestra ciudad únicamente, una ciudad grande puede aportar más oportunidades, desde luego. La suerte que tenemos en nuestra tierra es pasear por las calles y ver que todo se construía o manufacturaba con una idea de belleza en la mente, no sólo estética, sino arquitectónica, matemática, buscando una determinada proporción en las formas. Si ha influido o no, no te lo puedo decir, pero sí que intentamos que nuestras canciones no se queden en la superficie, que haya un trasfondo. ¿Cómo surgió lo del nombre de la banda? Yo he hecho una historia en la review, de cómo me imagino aquellos momentos, pero contadnos un poquito más (porque verifico que existió una banda americana con el mismo nombre).

Es tal y como lo cuentas. :). La verdad es que la tarea de buscar un nombre para un grupo no es sencilla y es el primer punto de desacuerdo seguramente de cualquier grupo que haya existido. Un día Martín propuso la idea, nos explicó que no era sólo el nombre de la montaña, que también era de la Diosa, que había una mitología local en las faldas del Nanda devi y nos pareció muy buena idea. Lástima que no nos dimos cuenta de que existía una banda americana con ese mismo nombre, aunque creemos que no están en activo desde 2009. ¿A la hora de componer, qué prima en cada momento? ¿Os dejáis llevar y luego es ir puliendo ideas? ¿Hay un estado anímico, un patrón de trabajo? Porque la sensación que queda es de un trabajo redondo pero no encorsetado, que cada tema ha sido desarrollado según lo que os pedía el cuerpo.

Exacto, si te das cuenta, el primer arpegio limpio en “Juventud” suena a Opeth, surgió una tarde en mi casa intentando trabajar los acordes de forma distinta. El ritmo entrecortado en “No quiso ser” surgió porque Leprous me encanta y trabaja increíblemente bien los silencios. Al final, la música que escuchamos crea un poso que surge sin darnos cuenta al componer. Por cierto, has clavado las referencias en la review.

Parece mentira lo que ha evolucionado la escena nacional. Ya no hay esa sensación de hermanos pequeños y desamparados de las bandas, por ejemplo, americanas. En Andalucía, por ejemplo, te salen unos BOLU2 DEATH, como unos NARCO, o unos HELEVEN. ¿Qué opináis de la escena nacional?

Seguimos mirando la procedencia de los grupos cuando los escuchamos como si eso fuera a decirnos si son mejores o

Formados de las raíces de la extinta banda THE INVISIBLE MAN’S MIRROR, estos cuatro ubetenses con una visión musical casi tan alta como la montaña de la que han tomado su nombre, se han puesto a trabajar de lo lindo y “Refugio” es el resultado de ese trabajo; un álbum que está llamado a copar los primeros puestos de las listas de “mejor disco 2019” en muchas categorías. Eléctrico, etéreo, dinámico, versátil y ecléctico, son solo algunas de las cosas que podemos decir de él. peores. A mí me pasa, no lo voy a negar, pero creo que cada vez es menos un handicap. Tenemos muy buenos grupos, añado a los que has comentado Viva Belgrado, Santo rostro, Mundozero (vecinos de Baeza, lástima que no estén en activo), Aria inferno (grupo de Fran Suárez, amigo y productor con cuyo sello A world beyond records hemos trabajado para sacar Refugio), Catorce, por poner ejemplos de grupos andaluces; o Jardín de la croix, Angelus apatrida o Adrift a nivel nacional.

con quién quiere y siempre lo hace bien. No te gustan sus temas más pop, perfecto, tiene un disco de metal extremo brutal para que te deleites. Una banda: Architects, veo vídeos de conciertos y se me ponen los pelos de punta. El disco es de lo más complicado de elegir, ahora he vuelto a escuchar incansablemente el Aspera hiems synfonia de Arcturus. El cartel: ya puestos, Architects, Ishahn, Leprous, In flames, Devin Townsend, Numenorean – un grupazo que acabo de conocer que recuerda a Alcest y Gojira – y Nanda devi. Festivalaco.

Contadnos del disco ¿por qué “Refugio”? ¿Qué es “Refugio”?

Las noches de ensayo entre semana son nuestro refugio particular, se acabó el pensar en el trabajo, los problemas familiares, personales, todo queda a un lado en ese ratillo en que sólo estamos los cuatro. Era muy propio teniendo un nombre de grupo montañero.

Proyectos y deseos para este 2020.

Hacer música. Estamos preparando canciones nuevas y si mientras tanto damos algún concierto, mejor. El 6 de junio, si no pasa nada y las autoridades lo permiten podréis vernos en el festival Villacarock fest (Villacarrillo), estrenando algún tema nuevo. Las siguientes fechas las iremos confirmando más adelante.

¡Inchi! Como andaluces de pro, y para dar mayor calado a uno de los temas, nos cogemos el “Vientos del Pueblo” de Miguel Hernández, uno de los autores de mayor relevancia del s. XX y allá va, y hacéis un tema llamado así. ¡Ea! Cuchi, eh. Hay varias versiones de cansautores de este poema de Miguel Hernández, pero tal fuerza expresiva no se puede representar así, necesita potencia, distorsión, gritos desgarradores.

Por último, gracias por vuestro tiempo y micrófono abierto para vosotros.

Gracias a ti. Nuestro disco Refugio está en todas las plataformas digitales para ser escuchado o descargado. Y quien lo quiera disfrutar en físico puede comprarlo a través de nuestro Bandcamp. La primera edición se agotó pero hemos hecho una segunda coeditada con el sello Violence in the veins. Y seguid disfrutando de la música.

Ya sé que esta pregunta debido a vuestra ecléctica propuesta va a ser complicada, pero: una banda, un disco, un músico y un cartel.

Uf, cambia por días o semanas. No tengo dudas en cuanto al músico, Devin Townsend, hace lo quiere, como quiere y

[CESAR LUIS MORALES]

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VOICES OF GALADH

Primero de todo daros las gracias por atender a esta entrevista y para los que aún no os conozcan ¿Quién se oculta tras el nombre de VOICES OF GALADH? ¿Cómo surgió la idea de este nombre?

(PILAR) Detrás de este nombre se oculta un grupo de personas que tienen en común además de la música, su profundo respeto por la vida en todas sus formas, por la naturaleza. Es una suerte que podamos compartir estos valores en mayor o menor medida porque hace que nos sintamos más unidos y congeniemos mejor, y esto es vital para una banda. La idea surgió en un principio de nuestro productor, Javier Abreu, quién nos propuso ponerle a la banda el nombre del primer corte del disco, “Voices of despair”. Personalmente me convencía “voices” pero no “despair”, ya que huyo de las connotaciones negativas, así que seguimos buscando y a Jordi se le ocurrió “Galadh”, palabra élfica que significa “árboles”. Ahí es cuando vimos que el nombre encajaba a la perfección dada nuestra filosofía, además de tener una bonita sonoridad, cosa que también buscábamos.

“Wondering” es vuestro nuevo trabajo, con un sonido progresivo, pero empleando elementos de otros géneros como el gothic, la lírica y según he leído en varias fuentes o en vuestro bandcamp, conceptual ¿Qué es lo que podemos encontrar en esta entrega? ¿Alberga algún contenido conceptual? Y si es así, ¿sobre qué versa vuestro álbum?

(PILAR) Cómo músicos entregados nos gusta beber de diferentes fuentes de las que estamos constantemente aprendiendo, así que es inevitable que esto se acabe viendo reflejado, además creemos que es positivo porque siempre va a aportar riqueza y darle el toque personal a la banda. Son temas muy profundos, a grandes rasgos puede decirse que sus letras te invitan a la introspección y a partir de ahí a una rebelión y re-evolución, tanto a nivel individual como colectivo, algunas incluso son más anti-sistema de lo que puedan parecer (risas).

No sé si esto puede considerarse conceptual, al fin y al cabo las etiquetas tampoco tienen mucho sentido a mi parecer, pero esto es lo que te puedo decir sobre “Wondering”. De todas formas aprovecho para invitar al público a que no se quede solo con la música, que se pare detenidamente a leer las letras, a veces no lo hacemos (y yo me incluyo) y podemos perdernos un trabajo importante con mucho que decirnos.

Vuestro artwork guarda un toque de misterio, pero también queda presente la fantasía, sobre una doncella que parece flotar sobre las aguas en un bosque otoñal con colores cálidos ¿Quién lo ha realizado? ¿Qué representa este, con respecto a lo que encontramos en el interior?

(PILAR) Esta es una de esas “casualidades” y lo pongo entre corchetes porque no creo en ellas, en las que la vida te envía guiños de complicidad y cierta magia, por qué no! Me explico… el autor del artwork es Manuel Fernández de Darkmemories Photography, cuyo trabajo recomiendo encarecidamente por cierto. Lo conocí porque también es músico y hace años compartimos algún concierto con nuestras respectivas bandas anteriores. Al comenzar con el proyecto vimos unos trabajos suyos muy interesantes, así que decidimos contactar con él.

Lo único que hicimos fue enseñarle algunas demos de lo que sería nuestro trabajo discográfico, sin explicarle absolutamente nada sobre nuestra filosofía ni sobre la temática de las canciones. Al poco nos enseñó un diseño que aunque nos gustó mucho, por iniciativa propia quiso seguir trabajando porque intuía que podía dar con algo mejor. Finalmente nos mostró un diseño con el que quedamos maravillados, y es que no podía encajar mejor con la banda. Como ya he comentado, está siempre muy presente nuestro amor por la naturaleza, así que ese bosque otoñal como dices con ese toque místico era sin duda lo ideal, y el hecho de que aparezca en él una mujer pone de manifiesto nuestro sentido de unidad con todo lo que nos rodea. A mí personalmente me sorprendió mucho y gratamente que llevase a cabo este diseño sin conocer en absoluto nada sobre nuestra filosofía. Con respecto al interior, esas imágenes oscuras y misteriosas que nos propuso también nos gustaron mucho, si es que somos todos muy “dark” y no tan en el fondo (risas)… un viaje interior supone encontrarse de frente con toda clase de miedos y obstáculos, eso es lo primero que debemos hacer para llegar a la luz, en resumen, la introspección de la que hablé con anterioridad.

Lo que no me ha llegado son datos de vuestra grabación, por cierto, muy limpia y equilibrada ¿Con quién la habéis llevado a cabo? ¿Cómo ha sido este proceso de grabación? ¿alguna anécdota que nos puedas contar, ya que siempre hay alguna?

(JORDI) Para la grabación contamos con Javier Abreu, a quién habíamos conocido los dos por anticipado, y con quién teníamos una buena relación. De hecho habíamos pensado que si grabábamos algo serio, nos gustaría que fuese con él. Y fue el día de su cumpleaños cuando le felicitamos y le dijimos si podíamos quedar con él para proponerle algo. El proceso de grabación fue diferente y peculiar, ya que cuando empezamos no teníamos hecha la banda y nos pusimos a buscar mientras íbamos trabajando en la producción con Javier. Luego graba-

Los gallegos VOICES OF GALADH, nos presentan su nuevo trabajo “Wondering”, en el que encontramos un metal con tintes progresivos y toques de gothic rock, con voz femenina, en línea con bandas como STREAM OF PASSION, AYREON, LACUNA COIL,… Desde Necromance Digital Magazine, nos hemos hecho eco de su proyecto y nos pusimos en contacto con ellos para conocer un poco más. mos cuatro temas y todavía pasaron unos 10 meses antes de que nos pusiésemos a grabar los 4 restantes.

Pilar Fernández, también miembro de PRIMA NOCTE (a los que sí he visto en directo), es el alma de este álbum, expresando todo su potencial en cortes muy dinámicos y variados, además de Jordi Ribas (bajo), muy presente en la composición y fundadores de la banda ¿Cómo surgió la idea de montar este proyecto? ¿seguís con vuestras otras bandas, si es que alguno de los miembros está inmerso en otros proyectos?

(JORDI) Realmente nos falta tiempo para no poder tener más proyectos, Pilar y yo continuamos en Prima Nocte y aparte compartimos un grupo de versiones. Por otro lado yo tengo otro grupo de versiones con Jorge (Batería), y tengo un par de proyectos online. Jorge toca en un montón de bandas (sobre 8) y aparte trabaja como freelance para hacer sustituciones.

Fran tiene un proyecto (Innercial) y Pablo toca en otra banda que se llama Aspergilus de Coira. La idea de montar este proyecto surge por la pasión que tenemos Pilar y yo por la música, empezamos una vida juntos y no podía faltar un proyecto que la acompañase.

Por cierto, en vuestro trabajo también empleáis un acordeón y un contrabajo en “Empathy”, uno de los temas que más me han gustado. ¿Quiénes son vuestros colaboradores?

(JORDI) En Empathy contamos con la colaboración de Diego Roca al acordeón, tiene un proyecto de animación y música que se llama Troula, en el que Jorge toca percusión. Y por otro lado colaboró con su buen arte al contrabajo, Alex Grisin, quién fue mi profesor de bajo y gran amigo.

Si tuviera que elegir algunos temas para que me hablaras de ellos, me quedaría sin lugar a duda con “New Birth”, “Innocent Eyes” o “Empathy” ¿Qué historia guarda en su interior cada uno de estos temas? ¿Cuál ha sido el más difícil de componer?

(PILAR) New Birth es un tema muy especial y el único que difiere un poco del resto en cuanto a su temática. Es básicamente una canción de amor, y además es autobiográfica ya que marca tanto los inicios de nuestra relación de pareja (entre Jordi y yo) como el momento en el cual se empezó a gestar en nuestras mentes la idea llevar a cabo este proyecto musical, por eso es tan especial y tenía sentido convertirla en el single del disco.

(JORDI) Innocent eyes forma parte del espíritu de la banda, ya que somos grandes amantes de los animales y de la naturaleza, en especial Pily, que es vegana. La canción habla de la inocencia de los animales que sufren que el humano se haya apoderado de este mundo. En Empathy me esforcé por hacer un tema más progresivo, algo más complejo. Gran parte de las canciones son ideas de hace bastante tiempo, Empathy ( junto con Intermezzo) es la más reciente y cuadra más con la idea de

la música que tengo ahora, porque inevitablemente cambiamos y evolucionamos. Podría decirse que Empathy podría ser una anticipación de cómo sonarían futuros trabajos. Aunque siempre está bien tener temas más directos como New Birth.

Imagino que estaréis planeado vuestros próximos directos, ¿algunas fechas que podáis adelantarnos?

(JORDI) Ahora mismo está todo un poco en Stand By, debido a la crisis que nos asola, de hecho hemos tenido que cancelar un concierto que teníamos planeado para este Abril. Y los planes futuros han quedado un poco en el aire a la espera de que se aclare un poco la situación.

No sé si sois de tradición antigua y seguís comprando CD o estáis sujetos a la era digital. ¿Cuáles son los últimos CD físicos que habéis comprado? Podríais decirnos 3 grupos nacionales/internacionales a descubrir o que queráis recomendarnos.

(JORDI) Últimamente los cds que compramos suelen ser de bandas con las que coincidimos en directo, en cierta manera porque hemos disfrutado con ellas y después queremos escucharlas en casa, y aparte, para apoyarlas. Yo he disfrutado mucho a nivel nacional con Seventh Hell, con Mind Driller y con Against the waves. Aunque mis preferencias suelen ser más experimentales, si nos centramos en la actualidad recomendaría a Avatar, a Twelve foot Ninja, y Jinjer.

Un placer poder hablar con vosotros, desde Necromance Digital Magazine, las últimas palabras son vuestras.

(PILAR) Queremos daros las gracias a vosotros por vuestro excelente trato y por hacernos un hueco en vuestras páginas, el placer ha sido nuestro. Lo que me gustaría es transmitir nuestro apoyo a todas esas personas que en las duras circunstancias que estamos viviendo continúan trabajando dura e incansablemente por los demás, y también a aquellas que han sufrido las consecuencias en su salud o en la de sus seres queridos. Recordar la importancia de la colaboración mutua, para que todos salgamos de esta lo antes posible. Creo además que son tiempos de reflexión que debemos aprovechar en ese sentido, porque todos tenemos cosas que aprender y tal vez haya cosas que debamos cambiar para hacer un mundo mejor y más justo para todos.

[JUAN ANGEL MARTOS]

NUM. 71 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 31

MANO DE PIEDRA

Hace apenas cuatro años, cuatro conocidos de otras bandas viguesas decidieron aunar esfuerzos y formaron MANO DE PIEDRA. Trabajo duro y dedicación, dieron como fruto un primer EP en 2017, un primer aviso al tendido. Pero en octubre del año pasado publicaron “Today’s Ashes”, un disco que es, en efecto, como un directo de derecha de Roberto Durán.

Buenos días, buenas tardes y buenas noches, buenas gentes de MANO DE PIEDRA. Cinco mesecitos que han pasado ya desde la publicación del disco. ¿Qué tal las vibraciones (reviews, entrevistas, acogida…)?

Fran: Estamos flipando con la recepción que ha tenido el disco por parte de público y medios. Llevamos muchos años tocando, todo hemos tenido varias bandas, pero nunca nos hemos encontrado en esta situación, decir que estamos felices es quedarse cortos.

David: Nunca pensamos que la acogida iba a ser tan buena, la verdad. Estamos muy agradecidos. Muchas reviews, bastantes entrevistas, todo lo valoramos positivamente.

Escuchando el EP y el álbum, hay un salto cualitativo de gigante. No es que el EP fuese malo (a mí, personalmente, “Madness” me encanta), pero es que este “Today’s Ashes” es inmenso. ¿Tanto se crece en un par de años?

Nano: Para nosotros no es ningún salto, es más como un camino. Los temas del EP no estaban verdes, al contrario nos definen bastante bien, son un “producto” de esa etapa, pero por el camino nos hemos dejado llevar un poco más por el metal y los sonido más agresivos que se notan más en el álbum. Si también incluyes un productor que te ayuda con las partes vocales y el sonido en general, pues ahí vemos un cambio.

David: Yo creo que es una cuestión de ir conociéndonos poco a poco. Es cierto que los primeros temas eran temas que ya estaban ‘compuestos’ (a excepción de las líneas de voz). Los temas del disco son un producto que hemos ido trabajando entre todos durante más tiempo. Además hay que añadir que somos gente que lleva mucho en el mundo de la música, pero que nunca había trabajado junta. Fue todo parte del proceso y del descubrimiento. Yo veo una estrecha relación entre eso y la evolución del estilo.

Contadnos un poco como vino MANO DE PIEDRA a la vida: SUPA SCOOPA o CARCOMEDHI y más bandas en el pasado y llegamos a ese punto en el que os juntáis los cuatro, os miráis y… ¿y ahora qué hacemos?

Nano: Cuadró que más o menos estábamos todos en un parón de nuestras bandas y la verdad es que fue en el mejor momento para todos. Lo que buscábamos eran buenos músicos, muy originales y gamberros (y no por ese orden). El estilo no estaba definido, es “haz lo que te apetezca” y en cada momento eso varía. Una vez que estuvimos todos juntos los temas salieron solos. Un poco de cada uno y listo. Empastamos muy bien.

David: A mí me llamó Nano un día y me dijo que tenía una oferta que no podía rechazar… No se equivocó en nada. Firmé el contrato que me puso en la mesa por un par de millones de euros y para adelante… El día que me los pague os lo haré saber!

Veo en varias entrevistas que os preguntan por el nombre de la banda y preferís mantener silencio al respecto. Yo me he 32 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 71

elaborado mi propia teoría, pero ¿por qué ese secretismo al respecto del nombre?

Nano: Por que la realidad supera la ficción. Después de tanto tiempo sin explicar el por qué me encanta escuchar las teorías que tiene la gente. Yo jamás diré el origen del nombre. Tendréis que sobornar a otro.

Fran: Nos encantaría escuchar vuestras teorías conspiranoicas sobre el origen del nombre. Quizás con nuestro cuarto álbum cuando estemos de gira por Japón lo desvelemos… jajaja Aparte de la batería, de las labores vocales, también se ha encargado del artwork. ¡Este David es una joya! ¿Está soltero? Nah, en serio. Me recuerda a los trabajos de John Baizley de BARONESS y un poco a Brian “Pushead” Schroeder. Dos preguntas, ¿algo que no haga en la banda? Y ¿algo que no sepa hacer?

Davidian: Buah! Menudos dos referentes acabas de mencionar, unas bestias. Muchísimas gracias. Pues a nivel compositivo, me dejan proponer arreglos y modificar estructuras, pero no me pidas que haga líneas de guitarra. En cuanto a las líneas de voz, me gusta más trabajar con el tema, más o menos, finalizado. Croquetas, tío, no sé hacer croquetas. Y eso que las mejores de la zona del Val Miñor (Sur Pontevedra) las hace mi madre…

Volviendo a la pregunta anterior de los orígenes de la banda, ¿cómo ha sido el proceso para traer a la vida “Today’s ashes”? ¿Alguna pauta de trabajo o rascar cuerda hasta que sale lo que se quiere? ¿Cuándo se empezó a componer, inmediatamente después del EP? Nano: Como norma general Mano y yo solemos llevar riffs o temas completos, luego entre todos le damos ese color negro con manchas rojas. Las voces son una labor de David.

Fran: Salvo algún tema de última hora que nos costó un poco más encajar por complejidad, en general ha sido una labor bastante fluida, llevar ideas al local y entre todos “manopiedrizarlas”.

David: Hay que destacar la mano de Iago Lorenzo en algunas líneas de voz del disco. Y destacar que hubo un par de temas cuyas líneas terminamos en el estudio.

El video de “Ancient Gods” es una pasada. ¿Qué tal la experiencia? Contadnos algo más sobre él, porque hay leña para aburrir, tanto musical como físicamente.

Fran: La idea del vídeo fue del director, cámara y montador, Xácome Alcántara. Es un profesional del audiovisual gallego como la copa de un pino que forma parte actualmente del equipo de “El sabor de las margaritas” (Netflix, 2019). Tiene una capacidad creativa abrumadora. El trabajo de producción lo llevamos a cabo casi en su totalidad la banda, consiguiendo atrezzo, localización, figurantes, … Los dos luchadores, Juan Mera (campeón de españa en 2018 de Kick Boxing) y Jacobo Veloso son amigos/conocidos de Xácome (que todo sea dicho

es un gran fan del boxeo y demás deportes de contacto). En resumen, ha sido un trabajo duro en cuanto a la producción, pero con un resultado sobresaliente gracias al buen hacer de Xácome.

El año pasado, también hicimos crítica y entrevista a los STASIA MOMENTO, también vigueses. No sé si os conocéis entre vosotros, pero ¿Qué tal las relaciones con otras bandas de la zona? Y la misma pregunta que les hice a ellos, ¿qué carallo tiene el agua del concello? ¿O es el licor café?

Fran: Claro que los conocemos, yo mismo trabajé con ellos en su primer disco. Son muy buena gente y están apostando por un concepto original e impecable en cuanto a producción, ojalá lleguen muy lejos porque se lo merecen. En cuanto a la relación con las bandas de nuestra ciudad, o por qué no, de toda Galicia, es genial. Tenemos muchísimos buenos amigos por todas las esquinas de la geografía gallega sobre todo, pero también por toda la península. Por suerte en Galicia tenemos muchas bebidas y comidas increíbles, quizás sea la combinación de todas ellas y nuestras raíces culturales, pero nadie puede negar que los gallegos tenemos algo especial.

Bandas de referencia, o de culto, que os gustan. Disco fundamental para vosotros. Y, por último, ¿banda o gusto inconfesable?

Nano: Siempre me gustó Megadeth. Un disco que me alucina es el “The Crimson Idol” de W.A.S.P. Como banda o gusto inconfesable (si lo escribo muy inconfesable no es…) es el maravilloso y reputado artista portugués Zé Cabra, no puedo parar de escucharlo.

Fran: Soy más de metal modernete aunque escucho de todo.

Bandas que más suelo escuchar últimamente: Meshuggah, Gojira, Leprous, Mastodon, Red Fang, Sleep… Disco que me tiene loco desde hace tiempo: “Crack The Skye” de Mastodon.

Gusto inconfesable creo que ninguno, no me avergüenza escuchar música, pero coincido que Zé Cabra está más allá de la música y de los confines del universo…

David: A mí me gustaría destacar toda la onda de grunge de los 90, no solo por la calidad de los discos y lo musicazos que eran, sino por la influencia que pueden tener en chavales de 13 años. Como disco fundamental, el Vulgar display of power de Pantera. Una follada de mente a mis 12 años. Me flipan Ladilla Rusa, no sé si considerarlo inconfesable, en realidad no creo en esos términos, escucho lo que me mola sin prejuicios. Baby one more time o Single ladies (put a ring on it) podrían sonar en la furgoneta camino de cualquier bolo! Últimas palabras, micrófono abierto para vosotros.

Nano: Si acabáis de escuchar o estáis escuchando a Zé Cabra, os pido perdón por meteros en la droga. ¿Cuántos temas lleváis escuchados ya? Lo siento!!!

Fran: Gracias por el apoyo que dais a la escena y por la oportunidad de llegar a vuestros lectores y seguidores. Animo a todo el mundo a que escuche “Today’s Ashes” que está disponible en todas las plataformas de streaming, y en cuanto superemos este mal trago vírico por el que estamos pasando, esperamos poder retomar nuestros conciertos y conocer a mucha gente en muchos lugares diferentes.

David: Muy agradecidos que os toméis un rato para saber más de nosotros! Hasta la próxima.

[CESAR LUIS MORALES]

AMENTI

simplemente lo descartaron?

Si pensamos en hacer alguna canción que fuese un poco por la línea de balada, pero al final las letras de los temas y que lo que queríamos transmitir en cada canción nos llevaron a que las canciones sean lo que son y aunque alguna tiene medios tiempos más lentos, al final ninguna quedo en balada.

Si bien son músicos experimentados, nos gustaría saber acerca de las influencias que tienen para alcanzar estos sonidos.

Yo personalmente he seguido siempre a muchas bandas de los 80, 90. Tanto internacionales como nacionales de heavy, power. Y siempre algo se parecerá, pero siempre intentamos que lo que creamos tenga nuestra identidad propia.

La banda AMENTI tiene una nueva etapa en su existencia, con incorporaciones que dan un cambio a nivel interpretativo y compositivo, lanzan “Fuerza Vital” un trabajo que consta de influencias de Power Metal y Heavy clásico y con toques de virtuosismo. Hablamos con sus integrantes para ponernos al tanto de su actualidad y el proceso de creación de un nuevo disco que suma otra estrella a la escena nacional del Heavy Metal.

Ante todo, gracias por vuestro tiempo, y felicidades por este trabajo “Fuerza vital” que este recogiendo muy buenas reseñas por parte de la prensa especializada. ¿Esperaban esta acogida?

La verdad es que estamos muy contentos con el resultado del álbum y si esperábamos que tuviese buena repercusión.

mi lado.

Si bien AMENTI se forma en 2013, ha habido cambios importantes en su formación. ¿Cómo ha sido esta transición para llegar a este disco debut?

Ha sido un proceso largo, los cambios de formación siempre retrasan la grabación y más la salida de la banda. Los cambios han sido siempre porque componentes de la bandas por cuestiones externas a la banda en sus vidas no pudieron continuar.

Y la verdad es que en ocasiones ha sido un poco frustrante hasta poder reemplazar a los músicos. Pero al final somos una formación muy sólida de la que estoy muy contento tener a

Los teclados juegan un papel importante en el disco, ¿Desde qué lugar se los compone? ¿Están de primera hora, o se han ido sumando en función de la canción?

La mayoría de los teclados están compuestos de principio; aunque en producción se han modificado partes y también se ha trabajado mucho el buscar otros sonidos. En esto nos ha ayudado mucho Manuel Ramil ( Avalanch).

¿Cómo surge el concepto de “Fuerza Vital”?

El concepto de Fuerza Vital surge de tener muy presente esa energía que forma todo y a la vez provoca todo movimiento y todo suceso, la cual nos une a todo que existe en el universo.

El disco es toda fuerza, sin respiros, sin la “típica balada” que resta intensidad ¿No se os ha ocurrido o

“A sangre y fuego” es una de las más furibundas, tanto por cómo entran las notas en arrasando desde el primer segundo ¿Cómo ha surgido esta canción?

Esta canción nació de la idea del mensaje a transmitir, queremos expresar con este tema los valores que había en otras épocas de lealtad y hermandad entre los que compartían en la vida algo que creemos que están bastante perdidos. Y creo que de esa idea tan noble, surgió la energía al hacer la música. ¿Cómo ha sido la presentación en directo del trabajo?

Ha estado genial, personalmente pienso que el disco tiene aún más fuerza en directo e incluso las letras transmiten más su esencia. Y lo más importante es que estamos viendo que toda la gente que acude a nuestros directos queda muy satisfecha.

Un saludo a todos los fans y muchas gracias por estar ahí. ¿Habrá algún nuevo single en este 2020? ¿Planes para el futuro cercano?

No hay nada concretado aún. Si puedo decir que se están preparando nuevas ideas para nuevos temas. Y los planes para un futura cercano hasta ahora era dar muchos directos pero con la situación actual todo está parado. ¿Algo que añadir para dar por finalizada la entrevista?

Me gustaría mandar un mensaje de ánimo a todos dada la situación que nos encontramos con esta pandemia. Llevarlo lo mejor posible que todo esto pasara. Todo mi apoyo para quien haya sufrido alguna consecuencia a causa de todo esto.

Gracias a Sebastián y Necromance por hacernos esta entrevista. Un abrazo a todos los lectores, pronto nos veremos en los conciertos.

[SEBASTIÁN ABDALA]

NUM. 71 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 33

BLOOD EAGLE

El 2019 fue un año activo para la formación danesa BLOOD EAGLE, editando 3 EP’s en la todo poderosa Nuclear Blast, quisimos saber un poco más acerca de ellos y esto nos contó Franz “Hellboss” Gottschalk.

Gracias por contestar esta entrevista para Necromance Digital Magazine; ¿Cómo van las cosas en la banda estos días?

Todo va bien de forma general, lento pero constante. Acabamos de cancelar algunos conciertos debido a la situación actual por el virus. Pero aparte de esto seguimos dando caña. ¿Cómo surgió el nombre de la banda?

Nos atascamos durante mucho tiempo antes de encontrar un nombre y es que esto fue lo más difícil (risas). Creo que teníamos 5000 nombres, y de repente una noche en el ensayo apareció Blood Eagle, y finalmente todos estuvimos de acuerdo.

Además del death metal, hay algunos aspectos de Groove metal en los EPs, ¿surgió esto de forma natural?

Podríamos hacer lo que quisiéramos, ya que éramos una banda recién iniciada sin viejos fans que complacer. Queríamos tocar Death Metal, ya que eso es todo lo que podemos tocar (risas) y lo que está en los EPs es lo que salió de forma totalmente natural.

Entonces, ¿cómo describirías vuestro estilo musical?

Death metal.

¿Cómo se junto la formación que hay detrás de Blood Eagle?

Mircea y yo comenzamos a meternos con protools antes de que fuéramos una banda, pero sabíamos a quién queríamos y tenía que estar basado en la amistad. Todos tenemos giras juntos en bandas anteriores, así que nos reímos y lloramos juntos durante más de una década, así que todos estaban de acuerdo con la idea, y aquí estamos.

¿Cuáles son las conexiones entre los tres EPs? tal vez una historia conceptual?

Realmente no. Cuando entró Michael en la voz, tuvimos algunas conversaciones sobre en qué dirección deberían ir las letras,por ejemplo, deberían ser guturales como Cannibal Corpse o más en una línea política. Todos vemos sobre lo que está sucediendo en el mundo y es difícil mantener la boca cerrada al respecto, por lo que también fue algo natural.

¿Cómo es el proceso compositivo de una canción?

Guíanos por los pasos.

Parte de los primeros temas fueron hechos desde el sofá de mi casa, solo Mircea y yo y un ordenador; pero de lo que teníamos ganas era de tener a todos a bordo en el proceso y entonces comenzamos a crear canciones en el local de ensayo. Mircea y yo traíamos riffs y los tocábamos todos juntos. Algunas veces hicimos una canción en una noche mientras que otras canciones tardaron una eternidad en terminar.

¿Qué temas están representados en los EPs? Creo que la pregunta anterior lo resume bastante bien.

Lanzásteis tres EPs durante el período 2019, ¿por qué no fue, por ejemplo, un álbum completo?

En estos días modernos, queríamos tener tantas balas en el arma como fuera posible así que 3 lanzamientos nos brindaron un mayor esfuerzo para hostigar a las personas con nuestra música. Fue una estrategia que decidimos y también hemos hablado de poner los 3 EPs juntos en un vinilo en un futuro cercano, veamos …

Espero que todo vaya bien con la banda y gracias por hacer esta entrevista, ¿hay algo que quieras decirle a los fans?

Muchas gracias, fue un placer. Espero atrapar a algunos de ustedes tarde o temprano. Mantente a salvo y escucha Death Metal.

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¿Cómo consiguió Blood Eagle entrar a formar parte de Nuclear Blast?

Les presentamos nuestro material y después de mucho tiempo nos enviaron un contrato. Todas las canciones estaban listas y mezcladas cuando Nuclear Blast las escucharon, así que no tuvieron que decidir sobre el material de demostración.

[DAVID DÉNIZ PLAZA]

THE DRY MOUTHS Antes que nada, felicitaciones trabajo que suena como una larga por desiertos internos complejos. están llevando las recepciones de Nosotros hemos puesto un 9.5, otros especializados un 10…

Hola a todo el mundo…Cristo a las teprimer lugar agradeceros contar con para esta entrevista y también por la habéis hecho a nuestro disco, nos sacáis Recibir feedback tan positivos sobre un ha costado tanto realizar nos da fuerzas componiendo, grabando, sacando discos ciertos. Las críticas del disco están siendo como bien apuntas en “rockthebestmudieron un 10/10, ha habido muchas resey el disco también ha sido incluido en de mejores discos de 2019 en páginas y lonas. Así que GENIAL!

por este caminata ¿ C ó m o las críticas? algunos

Allá por el 2014, en una entrevista, ban que estaban en vuestro mejor ¿Hoy cómo se encuentran? ¿Ahora? Estamos aun intentando levantras nuestro peor momento, como ya año pasado falleció nuestro amigo y baLe herida quedara eternamente abierta, leucocitos muertos, con una costra densa ble. Por lo demás… mal, cancelando feal puto COVID-19 y rezando por que el de este año se pueda celebrar y con ello, ninguna desgracia mas, dejarnos la piel en el escenario Desert Stage.

De salud estamos bien, de momento, y nuestras familias también, y eso es BIEN!

comentamomento.

clas.

En nosotros crítica que los colores. trabajo que para seguir y dando conestupendas, sic.com” le ñas positivas varios TOPs revistas mo-

tar la cabeza sabréis el jista Andrés. supurando pero inestachas debido Resurrection si no pasa

Decir que THE DRY MOUTHS es una banda experimentada sobra, ya se sabe. Lo crucial sería poder describir los experimentos que realizan ellos con la música. Han conseguido en una consolidada carrera definir un sonido personal, lleno de innovación creativa y un poderoso rock que combina la intensidad del Psicodélico, con esa intrigante existencia del Psiconauta. Su más reciente trabajo “Lo-Fi Sounds For Hi-Fi People” es un compendio de armonías y una electricidad compleja, pero a la vez simple, para llegar a quien lo escuche y ponerlos en el ojo de la escena nacional.

Hablando ya de “Lo-Fi SoundsFor Hi-Fi People”, ¿Cómo ha surgido este disco? ¿Qué viaje nos están narrando?

Surgió de la idea de meternos en el estudio a grabar un disco “en directo”… hasta el momento todos los discos anteriores los habíamos grabado instrumento por instrumento, es decir, primero baterías…luego bajos… guitarras… voces… arreglos… Pensamos en meternos en el estudio e improvisar, hacer jams, grabar mucho material y luego seleccionar para un disco instrumental pero esto nos daba un poco de “pánico” porque cabía la posibilidad de que todo fuera una mierda. Así que compusimos unos cuantos temas para ir al estudio a hacer las dos cosas, grabar improvisaciones y además canciones previamente compuestas. Estuvimos 4 días a finales de 2015 encerrados 12-14 horas por día en los estudios Sonobalance de Granada y allí grabamos material para dos discos. Por un lado las sesiones de jams improvisadas dieron lugar a “Memories From Pines Bridge” y por otro lado grabamos en directo baterías, bajos y guitarras de lo que finalmente sería “Lo-Fi Sounds For Hi-Fi People”. En 2016 creamos nuestro propio estudio de grabación “Desert City Studio” y tranquilamente fuimos acabando esas canciones con voces, arreglos y la mezcla final.

Las guitarras hacen un juego constante de armonías y riff´s que parecen una suerte de guía en tramos de este viaje ¿Cómo han compuesto las canciones? ¿Sobre los riif´s o lo han encastrado todo en los ensayos?

Cada canción tiene una historia distinta, por ejemplo “Psychomental V” viene de una jam que hicimos en el local de ensayo, todo espontáneo y que coincidió que teníamos puesta la grabadora de mano. Un día escuchando grabaciones de ensayos dimos con ella y dijimos “Dios, esta hay que sacarla” y digamos que tuvimos que aprender a tocar una canción que en su momento fue totalmente improvisada. Dificil.

Por otro lado hay canciones como “Limoncello” que llegaron al ensayo compuestas casi en su totalidad en casa… y luego hay otras que salieron de un riff como “Los Pollos Hermanos” y le fuimos dando forma en el local.

“A Farewell For The Princess” fue compuesta por capas directamente en el estudio, es como una versión distinta de “L.P. Lie Too”, realmente son el mismo tema, pero con diferente instrumentación. Digamos que no tenemos un método, todo vale, hacemos canciones de local entre todos, canciones sobre jams, otras llegan al local casi acabadas… lo que sí hacemos mucho es ser autocríticos y desechar lo que nos parece que no mola o que apesta.

Personalmente me he dejado llevar por un viaje interior mientras los escuchaba. Mis imágenes han sido de desiertos, paisajes áridos de arenas de colores. ¿Se me fue la olla? ¿Cuál es la motivación para generar este sonido? La carga que conlleva no es solo “Sonar fuerte y parejo”

En absoluto, no es la primera vez que nos mencionan cristales de colores, desiertos y paisajes en relación a nuestra música, creo que nos dejamos llevar por el entorno en el que vivimos, hay sol, desierto, mar y montaña, todo muy cerca; también las influencias musicales que tenemos, que son muy dispares. Cerrarnos en un estilo concreto y fusilarlo nunca ha sido nuestra intención y con el tiempo hemos encontrado nuestro sonido, o mas bien, ese sonido nos ha encontrado a nosotros.

Nos gustan los paisajes sonoros, que las canciones suenen bonitas, que puedan llegar a ser desgarradoras, épicas … intentando que no sea “todo igual” aunque esto deje a algunos oyentes un poco confusos porque no pueden clasificarnos. ¿esto que es, post rock? ¿stoner? ¿grunge? ¿shoegaze? Qué mal canta este tío!!!! ¿Cómo se varía tanto entre canciones tan poderosas como “Limoncello” en contrapartida con “Toe Motion”?

La forma de tocar estas dos canciones es muy distinta, “Limoncello” es un tema directo, más frenético y radiable, con una afinación digamos más normal en Drop D, la cual estamos acostumbrados a escuchar en muchas canciones. “Toe Motion” es más relajada, oscura y pomposa, los acordes son abiertos, de dejar sonar mucho reverb y delay y está afinada en una variante personal de “open C” al igual que “L.P. Lie Too” o “Doomental VI”.

“Limoncello” funciona muy bien en conciertos, “Toe Motion” no tanto, es mas introspectiva, más una canción de disco.

Octubre 2020 los llevará de nuevo al “Tabernas Rock Fest” ¿Qué os genera tocar en vuestra casa, en un ambiente tan acorde a vuestro estilo?

Es un sueño hecho realidad, el cual hubiese sido pleno si Andrés pudiese disfrutar de ello con nosotros ya que tocar allí es el resultado de un trabajo duro que realizamos junto a él. De alguna forma seguro que sigue con nosotros, o al menos así lo sentimos.

Por suerte dimos con Victor (actual bajista) que es una persona que lleva la positividad y alegría por bandera, gracias a él podremos seguir disfrutando de todas estas experiencias.

Este año conoceremos y actuaremos junto a bandas que para nosotros son referencia como Colour Haze, Yawning Man o John García (Kyuss), esperemos que llegada la fecha no sigamos con esta mierda de Coronavirus o no haya una recaída, que a mal destino no nos gana nadie.

La canción “Ellis Lahm”, a mi gusto, es la que más me ha llegado, sobre todo esa transición con “Psychometal V…” ¿Cómo ha sido generar ese ambiente y unir las voces a esa quietud musical?

Una de las razones por las que el disco tardó tanto tiempo en publicarse (desde Dic 2015 hasta 2019) es porque estuvimos buscando las melodías vocales y los arreglos perfectos y definitivos para cada canción. En concreto “Ellis Lahm” fue la canción que más melodías tuvo y que fueron desechándose con el paso del tiempo. Esta canción también tiene una afinación abierta, pero en este caso en D, y acordes relajados. En composición es como uno de los temas instrumentales que hacemos, pero con la particularidad de que le añadimos melodías vocales, normalmente cuando hacemos canciones para cantar, las hacemos de otra forma. El estribillo definitivo salió casi en el último momento, cuando el disco estaba ya acabado y mezclado… una noche soñé con esa melodía, me levanté de la cama a las 5 de la mañana y me fui al estudio a grabarlo antes de ir a trabajar. Al día siguiente Andrés lo escuchó y dijo “lo compro”, Juanjo también dio el Ok, y así se quedó, no se volvió a regrabar.

“Ellis Lahm” también lleva en mezcla un tratamiento de voces y bajo distinto al resto, utilizamos unas frikadas que vimos en documentales y videos de Andy Wallace que consiste en pasarlos por un Yamaha SPX90 en un preset concreto y esta pista mezclarla con la original. Fue una movida porque ese cacharro ya no se fabrica y tuvimos que buscarlo de segunda mano para poder probar a juguetear con él, pero mereció la pena. ¿Algo que añadir para terminar la entrevista?

De nuevo gracias por contar con nosotros y hacernos un hueco en la revista. A los lectores que hayan llegado hasta aquí, gracias también por leernos y por dedicar un ratito a Necromance y The Dry Mouths. Paz, amor y salud para todos.

[SEBASTIÁN ABDALA]

NUM. 71 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 35

SOUL DEALER

El tercer trabajo de SOUL DEALER, tiene la característica principal de un sonido muy bien conseguido, y un concepto que sigue en la línea compositiva de la historia de la banda. Pero “Aliennation” además contiene 11 canciones tan diferentes entre sí, que los convierte en músicos complejos, que no experimentan, si no que se vuelcan a hacer sonar lo que conviene al disco, a su música. Hablamos con la banda para que nos den más detalles acerca de este nuevo paso en su carrera.

Ante todo, felicidades por seguir en una misma línea que los ha llevado a tener un sonido propio. ¿Cuál ha sido la idea conceptual para soltar “Aliennation”?

Hola, encantado de volver a hablar con vosotros y muchas gracias por tus palabras. Queríamos hacer un disco en el que las canciones contaran una historia ordenada, no solo conceptual, similar a los capítulos de un libro o las escenas de una película. «ALIENNATION» refleja nuestra idea de lo que puede ser la procedencia de la humanidad. Algo así como si juntáramos todos los libros sagrados y cambiáramos las palabras «angel» y «demonio» por alienígena. (Abusamos de muchos tipos de droga en nuestra juventud) El disco tiene de todo, Groove, Heavy y toques de Power. ¿Cómo ha sido la selección para tocar con tanta variedad?

A decir verdad, en cuanto a composición del disco no hemos buscado nada diferente. Simplemente escribimos canciones y las que más nos gustan van al estudio. Nuestros dos álbumes anteriores también tienen esa diversidad, supongo que ya es parte de nuestro estilo. Siempre nos ha gustado que nuestros discos suenen variados e intentamos que el resultado final sea de todo menos aburrido. Las diferencias entre este disco y los otros vienen por los miembros nuevos en Soul Dealer, Lluc Roig y mi hermano Dethniel Sangar, sus aportaciones le han dado un sonido nuevo a nuestra música.

La intensidad del disco va subiendo tema tras tema (salvo en “Farewell to the gods”, pero ya hablaremos de ella) ¿Esto ha sido planeado desde el primer minuto o lo decidieron mientras grababan?

Pues este disco tuvo los títulos de las canciones antes que la música, lo que ha sido todo un reto el escribirlas para que encajaran perfectamente en el rol de cada tema dentro de la historia de «ALIENNATION». Normalmente en los discos se busca lo contrario, las canciones van perdiendo intensidad de la primera a la última y esto se hace para enganchar al oyente 36 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 71

desde el principio. Pues en nuestro caso queríamos que la historia tuviera más importancia y hemos respetado el orden sin dejar los «hits» en el principio.

Decirle balada a Farewell to the gods es faltar a la verdad. El comienzo suave sí, pero luego parece una explosión contenida. ¿Qué nos cuentan de esta canción?

La verdad es que es una canción que nos gusta mucho, es bastante accesible y posiblemente sea la que tiene el estribillo más pegadizo del disco, pero como bien dices también tiene su dosis de mala leche. En este tema nuestro super cantante Wenderson se luce muchísimo y hace lo que quiere con su voz.

La ilustración del disco tiene toques místicos, mesiánicos. ¿Cómo ha sido la conceptualización de la imagen?

Teníamos muchas ideas diferentes para la portada, pero no fue hasta que contactamos con Joe de Arcadesign que acabó de redondearse. Él entendió muy bien el concepto y lo supo plasmar magistralmente. La portada refleja un alien en posición del loto y con un bebé humano en brazos, con la mano derecha hace el gesto que también hacen el diablo y cristo en muchos grabados antiguos. Bueno, en realidad está llena de detalles ocultos y si eres tan friki como nosotros te pasarás un buen rato buscando cosas. ¿Qué influencias han ido bebiendo a lo largo de esos 8 años de carrera?

Ya antes de empezar con Soul Dealer, cada uno de nosotros llevábamos años tocando en bandas y nuestras influencias estaban ya bastante asentadas. Se puede decir que tenemos un gran abanico de influencias ya que nos gustan muchos tipos de música. Desde que montamos la banda hemos aprendido mucho de todos aquellos con los que hemos compartido escenarios y no dejamos de evolucionar con cada disco, apren-

diendo sobretodo de los errores e intentando no repetirlos.

El sonido final del disco es limpio y claro, muy profundo. ¿Cuánto hay de la mano del productor junto con la idea de la banda?

El secreto para conseguir un muy buen sonido es rodearte de gente profesional. Hemos grabado nuevamente y ya por tercera vez en Moontower studios y masterizado esta vez en Psychosomatic studios, ambos son de lo mejor que tenemos en este país. Hemos producido este disco nosotros mismos con la inestimable ayuda de Javi Félez, que al igual que en los dos anteriores aporta su punto de vista y gran musicalidad, creemos que hemos conseguido un resultado estupendo.

En retrospectiva puede decirse que este es el mejor disco de la banda, ¿Cuánto han crecido en comparación a “Holy in your head”?

Nosotros creemos que este «ALIENNATION» es nuestro mejor trabajo hasta la fecha, pero les tenemos un cariño muy especial a «A PRICE TO PAY» y «HOLY IN YOUR HEAD» y seguimos pensando que son dos álbumes estupendos, aunque quede mal que lo diga yo jejeje. Siempre hay una evolución en la carrera de cualquier músico y cada vez que grabas un disco nuevo es como una foto en la que quedan retratados tus ideas y sentimientos de ese momento concreto.

Si bien actualmente (marzo-2020) hay todo un universo de reprogramaciones de fechas, ¿cuáles son los planes para el 2021?

Este 2020 hemos comido mierda al igual que el resto de bandas y hemos cancelado varios shows por culpa del puto coronavirus, pero estamos trabajando para poder girar a finales de este año y todo el 2021. ¿Algo que agregar a la entrevista que quieren comentar a los lectores?

Claro, quiero agradeceros vuestro trabajo y que siempre contéis con nosotros y a los lectores me gustaría animarles a descubrir a Soul Dealer si todavía no lo han hecho y a que vengan a nuestros shows y compartamos metal y birras juntos. ¡Un abrazo y mucho metal amig@s!

[SEBASTIÁN ABDALA]

ORTHODOXY

Desde Valencia nos llega el debut de ORTHODOXY, donde el death metal es su credo, creando un trabajo denso y oscuro, desde Necromance Digital Magazine, quisimos ponernos en contacto con ellos para conocer un poco más acerca de este nuevo álbum.

Primero de todo daros las gracias por atender a esta entrevista y para los que aún no os conozcan ¿Quién se oculta tras el nombre de ORTHODOXY? ¿y de donde salió este curioso nombre?

Saludos. Detrás de Orthodoxy estamos los miembros y exmiembros de bandas como Profundis Tenebrarum, Domains, Horripilant… En cuanto al nombre de la banda, teniendo en cuenta la naturaleza de nuestro mensaje, es un nombre más que apropiado. Nos define a todos los niveles.

“Novus Lux Dominus”, es vuestro álbum debut tras una demo de 2015, bajo el nombre de “Shaarimoth”, cuatro años en lo que la banda se ha establecido como banda y habéis trabajado en este nuevo trabajo ¿Cómo ha evolucionado vuestro sonido a lo largo de estos ocho años? ¿Qué es lo que podemos encontrar dentro de este álbum? ¿Posee alguna temática conceptual?

El ethos de ORTHODOXY radica en elevar la percepción de la profunda realidad espiritual que va más allá de la razón y el conocimiento, una expresión más allá de la materia, condensando una asfixiante y densa atmósfera en un ambiente tenso para cada una de nuestras composiciones.

El artwork, me encanta, porque es muy sobrio con esas tonalidades oscuras y donde una calavera ritual arde como ofrenda, pero en vez de darle ese toque de fuego os centráis en el humo que se une al color tonal, ¿Quién lo ha realizado? ¿Qué representa este, con respecto a lo que encontramos en el interior?

Cuidamos cada detalle, bien sea en el plano musical o relacionado con el artwork. Para nosotros es muy importante que la portada refleje el contenido, y al mismo tiempo buscábamos algo sencillo, directo, sin florituras ni adornos superficiales que puedan distraer la atención del oyente. Se hicieron unas cuantas fotos, todas en la misma sesión, y captura toda la esencia del contenido en una sola imagen. Las fotos fueron tomadas por Laura A. y Luis F. nosotros propusimos la idea, ellos la maduraron y ejecutaron.

Información sobre vuestra grabación no me ha llegado, ¿Dónde habéis grabado y masterizado? ¿Cómo ha sido este proceso de grabación? ¿alguna anécdota

que nos puedas contar, ya que siempre hay alguna?

La grabación se llevó a cabo en nuestros propios estudios, y apenas nos llevó unos pocos días grabarlo todo. Hay que tener en cuenta que nuestro batería apenas llevaba tres meses y medio con nosotros cuando grabó las baterías. Lo grabamos con una grabadora Fostex de 16 pistas, en bobinas de 1/2”, y toda la base fue grabada en directo, es decir, cada instrumento en su pista (a excepción de la batería que usamos 7-8 pistas), y de una toma. Posteriormente se grabaron las voces y solos. La mezcla también fue analógica, y para el Master recurrimos a un conocido con el que ya habíamos trabajado anteriormente en otros proyectos. Hemos quedado plenamente satisfechos con el resultado final. Como anécdota, podría destacar que lo grabamos en pleno mes de agosto, encerrados en un sótano, sin ventilación, ni ventiladores, ni aire acondicionado.. fue un auténtico infierno. Tuvimos que parar bastante a menudo, el calor era insoportable.

Habéis editado con The Sinister Flame de Finlandia y con Dark Descent Records para su distribución en América del Norte para este nuevo álbum y me llama la atención de que tengáis que recurrir al extranjero para ello, aunque os da más carácter internacional. ¿es difícil encontrar un sello discográfico que apoye estos estilos más extremos en España? ¿creéis que vuestra música tiene más futuro fuera que dentro del país?

The Sinister Flame contactó conmigo al poco tiempo de ser editada la demo “Shaarimoth” en cassette por HEXED CEMETERY RECS. (Spain, RIP) y por MORBID CHAPEL REC. (Poland) en CD, ofreciéndose para la edición del disco debut de la banda en los tres formatos, LP, CD y MC, así como el formato digital. Acepté su oferta y empecé a reclutar a gente para llevar a Orthodoxy a directo. También empezamos a ensayar para grabar el disco debut, donde el resto de miembros han hecho aportaciones bastante importantes. Por otro lado no es que sea difícil encontrar un sello, ya sea en nuestro país o fuera de él, lo que es difícil es tener una identidad propia como banda, una actitud y un sonido personal fiel a tu actitud, con una propuesta honesta. En cuanto a si nuestra música tiene más futuro fuera que dentro de nuestro país, lo cierto es que ya de por sí es un estilo minoritario, por lo que, ni de lejos, pretendemos vivir de esto, ni hacer grandes giras ni encabezar grandes

festivales… estamos satisfechos con dejar un legado honesto, imperecedero y atemporal.

Si tuviera que elegir algunos temas de vuestro álbum, me quedaría con “Key To Victory”, “Novus Lux Dominus” o “Voluptuous Death” ¿Qué historia guarda en su interior cada uno de estos temas? ¿Cuál ha sido el más difícil de componer?

No hay un tema específico para cada canción, sino un global para todo lo que envuelve a Orthodoxy. Ningún tema nos ha resultado realmente difícil de componer, de hecho evitamos el exceso de adornos en la composición, aunque cada uno tiene su sustancia y esencia, siempre siguiendo unas directrices.

Lo que sí ha sido realmente difícil es encontrar a gente que entienda y encaje dentro del perfil y el concepto de la banda.

Imagino que estaréis planeado vuestros próximos directos, ¿algunas fechas que podáis adelantarnos para este 2020? ¿Cuáles son vuestros planes para este nuevo año que comienza?

Estuvimos muy cerca de ir a tocar a Francia, pero a última hora todo se vino abajo debido a una mala gestión del promotor.

Seguimos trabajando y moviendo hilos para poder salir a tocar. Espero que pronto haya noticias. Por otra parte, estamos también trabajando en material nuevo.

No sé si sois de tradición antigua y seguís comprando CD o estáis sujetos a la era digital. ¿Cuáles son los últimos CD físicos que habéis comprado? Podríais decirnos 3 grupos nacionales/ internacionales a descubrir o que queráis recomendarnos.

Personalmente sigo comprando música en formato físico, preferiblemente analógico, no soy muy devoto de todo lo que tenga que ver con lo digital. Acerca de bandas actuales que pudiera recomendar, estoy bastante desconectado de la música extrema, pero por nombrar a unas cuantas bandas nacionales que realmente me interesan, nombraría, por ejemplo, a Spectrum Mortis, Marthyrium, Andhord, Horripilant, Balmog… y a nivel internacional, poco puedo aportar que no sea ya de sobra conocido.

Un placer poder hablar con vosotros, desde Necromance Digital Magazine, las últimas palabras son vuestras.

Gracias por tu tiempo, apoyo y dedicación, el placer es mío.

[JUAN ANGEL MARTOS]

NUM. 71 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 37

ZONA DE CRITICAS

AMENTI (ESP) FUERZA VITAL

DUQUE PRODUCCIONES, 2019 “Fuerza vital” es el nombre del disco lanzamiento de la banda española AMENTI, una agrupación con músicos de largo recorrido por la escena, con experiencia y claridad de ideas para volcar en este trabajo un concepto místico elaborado y de sonido contundente.

Abre la veloz y poderosa “Sueños” convirtiéndose en una declaración de principios, narrando la existencia de un lugar, dentro de uno, sin tiempo ni espacio. Las baterías marcan una velocidad exasperante, controla los cambios de ritmo propuestos de manera vertiginosa, con unos riff´s de guitarra que se mezclan con los juegos de voces que dejan paso a un teclado que aporta calma y armonía. “Ángel exterminador” ya es la confirmación de un estilo clásico bien combinado con sonidos actuales, una lenta evolución del tema va utilizando diferentes recursos para entregar una poderosa obra con mucho de Power Metal.

Seguimos recorriendo salones luminosos, con letras intensas y llenas de ideas que hacen un disco variado y que no se encasilla en estereotipos.

Si hay un duelo intenso en el disco, digno de presenciar, es entre la batería y los teclados, cada uno aportando tonalidades de manera precisa, para dejar espacio en medio a los solos de la guitarra que se despliegan para dar más teatralidad a la interpretación de las voces. “El enviado” es una muestra de ello, y “Fuerza Vital” se convierte en fundamental para poder comprender el mensaje que emite la banda a través de un gran manejo de sus recursos.

“A sangre y fuego” es una exposición del Heavy más clásico, que nos lleva a un estadio de almas iluminadas con infinitas llamas mientras, de nuevo, los cambios de ritmo, pero no de intensidad, acompañan las voces que entran suaves y contenidas, para en los estribillos soltar toda la potencia contenida, siempre, con un mensaje que interpreto como positivo y de una búsqueda interior de, no por casualidad, la Fuerza que nos hace luchar y seguir adelante.

AMENTI entrega “Fuerza Vital”, con cambios notables en cuanto a conceptos, haciendo de las experiencias anteriores de cada uno un buen campo de batalla para haber practicado las artes del Metal más exigente clásico, bien orquestado y con un trabajo fundamental compositivo que se refleja en las bases y en los arreglos, sabiendo cómo generar espacios para cada elemento y que no sea un trabajo sin alma.

SEBASTIÁN ABDALA |

8

ATMORAN (NDL) OMEN

HEADBANGERS RECORDS, 2019 Desde la ciudad holandesa de Dokkum y a través de Headbangers Records nos llega el Ep 40 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 71

debut de ATMORAN, bajo el nombre “Omen”, con un potente alternative/groove metal donde los tintes progresivos y deathmetaleros melódicos también están presentes.

Cuatro temas es lo que nos ofrece para presentarse este cuarteto, dondde apreciar desde el inicio que “Omen”, está cargado de melodías creadas por Frank Homma en las guitarras principales, perfectamente acompañado por una rítmica a manos de Klaas Haaksma que redondea las estrofas, y aunque en cuanto a producción del álbum, en un futuro deberían de darle un toque más grave, los pasajes instrumentales son muy atmosféricos y melódicos, con una percusión endiablada a cargo de Max Van Der Meij y su doble bombo y el bajo y voz de Frank Van Der Pioeg. Un fundido limpio y onírico da paso a la introducción de “Dignity’s Veil”, hasta que un acople pone los puntos sobre las íes y un cabalgad de guitarras, alternando el silencio rellenado de bajo, nos envuelve en un tema pegadizo y con un estribillo donde las armonías son su máxima, pero aun guarda una parte instrumental central, engalanada con una épica distinta, lo que les da ese toque de distinción con respecto a otros grupos, para volver con un solo clásico y que queda un poco bajo de sonido.

“Insomnia”, guarda ese toque thrashero que también le gusta a ATMORAN, bebiendo de bandas como MEGADETH, con un bajo muy presente, donde los riffs son perfectos para el headbanging y nos envuelven con una voz más presente, limpia y clásica dentro del thrash, otro tema que salta de la estética del álbum, aportando variedad y presentando y dándose a conocer en sus estilos, aunque es más lineal y nos lleva al último corte, “Black Harvest”, uno de los más destacados del Ep, y es que cuando este cuarteto, entremezcla potencia y clase, con esos pasajes instrumentales cargados de sensaciones, saben lo que hacen y al oyente le pone las pilas para apreciarlos y no ser un grupo más de entre los miles que hay. ATMORAN, nos dejan un gran Ep debut, con momentos muy originales, a la espera de un álbum de larga duración en el que den el salto y continúen con temazos como “Dignity’s Veil” o “Black Harvest”.

JUAN ANGEL MARTOS |

6.75

SLEEP, con esos cambios de ritmos y coros hechos para que todo fan disfrute de ellos y los canten en el estribillo, directa y efectiva, donde prima el metalcore y las voces rasgadas muy poderosas, que unida a “Blood Red Fists”, forman un tándem repleto de violencia y potencia, sobre todo esta última, otro de mis portes preferidos, donde los pogos estarán asegurados. “Lunar”, es un tema más clásico del estilo, pero le otorgan melodías al hardcore que profesan para darle un toquecito de distinción con otros grupos, lo que hace que sobresalgan dentro de la escena, como con “Your Mind” y su estribillo melódico, de lo mejorcito del álbum, alternando los estilos que emplean con unos giros muy bien enlazados, que encajan a la perfección sin emplear breakdown; ojo al final, brutal.

“Liberation”, continua con la línea de AWAKE HE DREAMER, pero introduciendo esas voces femeninas y unos teclados que guían la melodía y completan las partes instrumentales para darle un toque más onírico y llevarnos hacia “Vigilant”, en la que colabora Robert Ljung de ADEPT, otro de los puntos álgidos del trabajo, antes de “Negative Filters”, donde la simpleza y la melodía se impone a una voz rasgada en off, un toque distintivo, repleto de magia y emotividad, para cerrar un debut más que notable.

JUAN ANGEL MARTOS |

8

BACKDAWN (FRA) CONSUME

DOOWET AGENCA, 2019

AWAKE THE DREAMER (SWE) DISTORTED SOULS

ARISING EMPIRE, 2019 Desde Estocolmo, nos llega la nueva propuesta de AWAKE THE DREAMER, “Damaged Soul”, editado por Arising Empire, donde el quinteto de Melodic Metalcore / Post-Hardcore vuelve a la carga con un debut de mucha altura, donde encontramos matices de los últimos IN FLAMES, MEMPHIS MAY FIRE, CRYSTAL LAKE, SLEEPING WITH SIRENS… Tras una breve introducción, irrumpe “Atmosphere”, todo un temazo que te volará la cabeza con la colaboración especial de Ryo Kinoshita, vocalista de CRISTAL LAKE, en la que el quinteto escandinavo, nos muestra todas sus armas, con unas guitarras muy poderosas en las estrofas, intercalando unas melodías pegadizas y energicas (Alexander Backman y Oscar Järn), donde los breakdowns, la percusión aplastante de Fabian Fagerberg y el trabajo a las voces de Max Andrén y los coros y el bajo de Benjamin Turesson, crean un tema de mucha altura, de los mejores del álbum, con unos matices y arreglos para escucharlos una y otra vez. “Far Away”, ha sido uno de sus singles de lanzamiento, más melódico y atmosférico, pero a la vez pegadizo, donde priman las voces limpias en las estrofas, con un estribillo muy abierto y ambiental, donde los teclados le dan esa amplitud del post hardcore.

“Belive”, me recuerda en parte a WHILE SHE

BACKDAWN nos presentan su nuevo trabajo en formato EP. Tenemos tan sólo 2 temas pero que bien merecen una escucha.

Existe un cambio patente respecto a los discos anteriores. Nos encontramos con 2 nuevos temas mucho más elaborados y complejos que sus anteriores trabajos, con unas labores de producción, ciertamente, notables y un enfoque más maduro.

Ambos temas se encuadran en el estilo Death/ Thrash/Groove con tintes Prog de bandas como DARKANE pero con unas guitarras mucho más graves y pesadas, afinaciones cercanas a MESHUGGAH. “Consume” rememora los mejores tiempos de DARKANE, con ese riff inicial polirítmico mezclado con ritmos entre el Groove y el Death, una voz desgarrada pero no gutural y los constantes cambios de patrón. Todo ello junto con un solo al más puro estilo Malmström.

Por su parte, “Anti God Revolution”, comienza con unos punteos melódicos para romper con un ritmo pausado mezclado con un ritmo rápido, supergravote e intenso. A ciertas concesiones a la melodía en el tema, cerrando con la poloritmia.

Por ponerle un pero, la portada no me ha gustado nada y no hace justicia al cambio experimentado por la banda. Si el nuevo disco va en esta dirección, será un acierto pero deberán contar con algún profesional que haga justicia a la música que vamos a experimentar.

Sin duda, echadle una escucha y a la espera del nuevo disco.

NACHO PEÑA |

8

recomiendo un tema? Varios, casi todos (se me viene ahora a la cabeza el melódico “Heaven son Heartless”), pero no el disco entero del tirón, porque entonces puedes tener la sensación de incoherencia de la que hablo y abandonarlo. Y BAD WOLVES es una banda con demasiadas cosas buenas como para dejarla de escuchar por una falta de línea compositiva definida.

CESAR LUIS MORALES |

8

BAD WOLVES (USA) NA.T.I.O.N.

SEVEN ELEVEN MUSIC, 2019 Quizá porque el ser humano es gilipollas o por desconocimiento (más la primera razón y, como consecuencia, la segunda) en la mitología popular se asocia al lobo con las ideas de un animal sanguinario y maléfico. Nada más lejos de la realidad. Por fortuna, yo fui de los niños que se criaron viendo a Félix Rodríguez de la Fuente y me inculcó su amor por el cánido. Contrariamente a lo que se piensa, el lobo es un animal fuerte, inteligente y socialmente comunitario. ¡Colorea y aprende con Teo! Los lobos, como ya he indicado, forman manadas, se unen en grupos dirigidos por un macho y una hembra alfa con infinidad de interacciones sociales entre todos los miembros del grupo. Así que imaginaos como fueron los primeros encuentros entre los componentes de BAD WOLVES: John Boecklin venía de aporrear para DEVILDRIVER, Tommy Vext había sido vocalista en DIVINE HERESY y en SNOT y aquí se empiezan a unir más músicos de otras bandas: los hachas Doc Coyle (GOD FORBID) y Chris Cain (BURY YOUR DEAD) y Kyle Konkiel cierra filas con su bajo (IN THIS MOMENT). ¿Qué, estamos hablando de un super-grupo o qué? Veamos cómo interactúan los lobos entre ellos. “N.A.T.I.O.N.” es su segundo álbum y no pienses que por la portada vas a tener una banda Glammy (sí, se cómo trabajan los prejuicios, las ideas preconcebidadas). Abren con un traqueteo de guitarras en “I’ll be there” y descubrimos metal de alto octanaje -110% mínimo-, unos musicazos en estado de gracia, un tema con gancho, hímnico…

Del mismo modo, el siguiente tema “No Messiah”: guitarras con mucho groove, un ritmo sísmico, un Vext mostrando una versatilidad (en las partes claras te puede recordar a Chad Kroeger de NICKELBACK), interludios de piano, y una evolución del tema hacia una bestia donde el vocalista se deja la garganta con unos berridos escalofriantes. No tiene nada que ver el inicio, la parte media y la final.

“Learn to walk again” sigue en esa misma línea de groove, de voces nítidas y potentes con ramalazos más salvajes. “Killing me slowly” nos vuelve a mostrar la garganta de oro de Vext y ¡Cómo suena esa caja, por Dios! Realmente una producción brutal la de este disco. “Better off this way” es, por el contrario, un tema casi a cappella con unas guitarras acústicas y poquito más. Pero de repente, le dan la vuelta a todo el asunto y te asaltan con “Foe or Friend”, de vuelta al Groove, a los vocales más desquiciados y con un tratamiento más cercano al rap.

Esto es lo que me ha estado descolocando todo el rato con este álbum. Buenos músicos, buenos temas, buena producción, pero no hay una coherencia, una línea que una el tema uno al cierre con “LA Song”. Me queda la sensación de que serán demasiado potentes para según que audiencias y demasiado AOR para otros. Se puede ser unos genios como FAITH NO MORE y mezclar lo que te venga en gana en un solo álbum (si me apuráis, FNM lo pueden hacer en un solo tema), pero eso son cosas que están reservadas para genios como Patton y compañía. Con BAD WOLVES me ha faltado la cohesión, como decía, la línea compositiva clara y definida. Porque “Sober” tiene ese regusto a Metal alternativo tan de los 90’s que no pega nada con la agresión Groove de un tema como “The Consumerist”, un tema engorilado que parece tocado por otra banda.

Se han juntado unos cuantos buenos lobos en esta manada: seres potentes, magníficos, que muestran sus dientes, pero no sé… uno no puede mostrar los dientes cuando el compañero que tienes al lado muestra un aspecto más sumiso, o a la inversa. ¿Qué si te

BETHLEDEIGN (USA)

ICONOGRAPHY OF SUFFERING EDGEWOOD ARSENAL RECORDS, 2019 El primer L.P de los Death metaleros BETHLEDEIGN «Iconography of Suffering», salió al mercado el 13 de diciembre de 2019 gracias al sello Edgewood Arsenal Records.

Al conjunto le da vida las siguientes personas: Tony Petrocelly (guitarra, bajo y voz), Giulio Galati (batería), Gus Barr (guitarra solista).

Por el amor de Odín, descansados se quedaron los americanos al parir semejante asalto.

Nada, durante los 8 tracks que componen el Elepé, el power trio no da descanso alguno, ofrendando una ración del mejor «Metal Muerto» que os podáis imaginar. No contentos con ello, coquetean de muy buenas maneras con el Melo Death real – nada del Power Metal con guturales que hacen algunos- en «Eight Pointed Star» y «Besieged By Night».

Con esos temas, demuestran una versatilidad que más quisieran muchos para sí. La producción es genial. Al fin, después de mucho tiempo, he podido oír una mezcla realmente buena, donde no dejan a las cuatro cuerdas escondidas. Además, la portada resulta fresca. ¿Qué más se puede pedir queridos lectores de Necromace?.

Asfixiantes y cargados de maldad nos llegan las notas que salen despedidas de las seis cuerdas de Tony y Gus. Los impresionantes riffs fluidos y pesados, forman equipo con embistes de tremolo picking y dobles armonías si la ocasión lo requiere. Los solos no irrumpen siempre, mas cuando aparecen…¡madre mía!.

Usualmente unos cavernosos growls manejan el cotarro. La inclusión de un registro de tinte agudo rasgado es más que nada anecdótica, pero no inexistente durante el transcurso del redondo. Como ya apuntaba en el párrafo principal, las bass line se hacen oír. Sin ser nada del otro mundo, no podéis negarme que le dan más cuerpo a la música. Ah, casi se me pasa. Tienen su momento de gloria en «Iconography of Suffering». Trepidante hasta más no poder es la percusión. Enorme labor la de Giulio Galati tras su kit de tambores. Este hombre sabe perfectamente como y cuando despellejarnos con «golpes relámpago» y pasar sin miramientos a mid tempos destroza cuellos.

A decir verdad, he disfrutado bastante el plástico. Recomiendo su completa escucha para aquellos que como yo amen el «ruido» radical de buen nivel.

JESÚS MUÑOZ CABALLERO |

BLAME ZEUS (PRT)

9

SEETHE ROCKSHOTS RECORDS, 2019 La música tiene ese fantástico poder evocador y bien por una razón o por otra, escuchar un tema, nos puede retrotraer a un determinado momento, a una sensación, a un lugar… Todos, absolutamente todos, tenemos un mapa musical en la cabeza. Porque ahora mismo el movimiento del metal es tan universal que si yo digo Francia, pensarás en GOJIRA, si digo Alemania, pensarás en RAMMSTEIN. Si te digo Portugal, es muy probable que pienses en MOONSPELL. ¡Colorea y aprende con Teo! Con respecto a este último país, después de escuchar unas cuantas veces el “Seethe” de BLAME ZEUS, puede que la cosa cambie. Formados hace diez años en Oporto, este es su tercer álbum, con los previos “Identity” (2014) y “Theory of Perception” (2017). Y ya en su primer disco nos dieron una pista de lo que buscaban: identidad. Porque la banda gira en torno a la poderosa, calida y personal voz de Sandra Oliveira, pero no te pienses que vas a encontrarte unos LACUNA COIL y un clon de Cristina Scabbia o, en el lado extremo, a unos ARCH ENEMY con la guturalidad de Alissa White-Gluz. No, como ya he dicho uno de los puntos fuertes de la banda es su vocalista Sandra Oliveira, porque es, en efecto, la vocalista, el punto focal en un escenario, pero no te dejes engañar, porque el resto de la banda…

Abren con dos cañonazos como “How to Successfully Implode” y “Déjà Vu” y descubres que Paulo Silva y Tiago Lascasas se cascan unos riffs con más groove y con más gancho que la discografía de muchas bandas. Por no hablar de Celso Oliveira al bajo y Ricardo Silveira a la bateria que no se arredran ante nada e hilan una base rítmica sólida como el Ponte 25 de Abril.

Y lo complicado de esta banda es ubicarla dentro de un estilo concreto. Porque por aquí y por allí captarás retazos, influencias, destellos, pero todavía no han establecido un estilo concreto, o quizá sí, y ya estamos hablando de una nueva generación del Heavy Metal, ¿por cuál vamos ya? Porque estaba la NWOBHM, el Thrash, el Nü, el Alternative… ¿Qué más da? Cuando escuchas a unos músicos como BLAME ZEUS, sabes que hay calidad, que hay trabajo, que hay honestidad, ganas de hacerlo bien, y llámalo Metal del Siglo XXI si quieres.

Porque cuando lees sus influencias y ves que van de los IRON MAIDEN a GOJIRA, de PINK FLOYD a GHOST… ¿pues qué puedes esperar?

Pues que la colaboración con Rui Duarte de los thrashers RAMP y las líneas vocales compartidas en “Down to our bones” suena como un tiro. “White” suena actual, moderna, emotiva, orgánica y repleta de detalles que rozan el Prog (como los extraños tempos desplazados de la bateria).

Y el álbum sigue desarrollándose con temas a mid-tempo, donde destacan la brillante y tensa instrumentalización y, como siempre, la voz de Sandra. De hecho los tres siguientes conforman una trilogía bastante definitoria de lo que es la banda: “Bloodstained Hands”, “The Obsession Lullaby” y “Into the Womb”. Pero la cosa se vuelve a poner seria y brillante de nuevo con el siguiente tema: “No”, magníficos todos: los músicos, la voz, los riffs, los solos, las intervenciones de cada uno… Y seguimos subiendo, “The Warden” tiene un sentimiento tan TOOL en su estructura que te das cuenta que esta gente puede tocar lo que en cada momento necesite el tema, sin sonar forzados, dejando que el tema evolucione. Y para cerrar otro temazo tan en la línea de BLAME ZEUS: “The Crown and The Gun” melódico y metálico, con groove, con esa facilidad pasmosa para entrar por tu oreja, sin ser AOR, simplemente metal bien facturado. ¿Metal de nueva hornada? ¿Re-Nü Metal? ¿XXI Century Metal? o si quieres Metal tripeiro (son de Oporto). Llámalo como quieras, pero estate pendiente de BLAME ZEUS porque son el nuevo crisol donde se está fraguando el nuevo metal y, por la manera por la que trabajan estos portuenses, les quedan uno o dos álbumes para dar el pelotazo, para que empecemos a hablar de esta banda como el referente del país vecino.

CESAR LUIS MORALES |

8.9

BLOOD EAGLE (DNK)

TO RIDE IN BLOOD & BATHE IN GREED II NUCLEAR BLAST RECORDS, 2019 El quinteto danés BLOOD EAGLE, nos ofrece su cuarto EP de su carrera, la cual empezó en 2010 y han ido completando con EP pero nunca con un larga duración, algo raro la verdad.

La banda está formada por veteranos de la escena del país nórdico, encontramos a ex miembros de bandas reputadas como ILLDISPOSED, NECROSIS, HATESPHERE entre otras, lo que denota un sonido verdaderamente compacto. Su estilo aunque dentro de los parámetros del Death Metal, se aleja bastante de su esencia al incluir otro tipo de influencias como el Groove, sobre todo, y el Core en ciertos momentos. Aunque anclados en el Death Metal a medio tiempo que podemos encontrar en alguna de las bandas previas de sus componentes, también hay que añadir otras como BOLT THROWER, ENTOMBED (era “Wolverine”) o GRAVE (era “Soulless”). Pero ahí es donde la banda sabiamente, para distanciarse de estas bandas, han incluido una voz muy brutal, más cercana a las bandas actuales de Metalcore o Deathcore, voz grave y muy potente. Además ciertos riffs también guardan similitud con estos estilos, pero que han mezclado bien, para que tampoco se haga la escucha demasiado alejada de la esencia musical de la banda. Sin duda, este EP demuestra que es perfecto para el directo, con partes lentas, otras de verdadera velocidad, y otras donde se aceleran meten algún breakdown para hacer saltar a todo el mundo a base de potencia y odio sonoro.

Desde el primer corte “Eyes Sewn Shut” nos queda clara la propuesta que ofrecen, con “Doctrine of Death” se acercan a los ritmos que DOMINUS o ILLDISPOSED nos ofrecían en sus álbumes y que miles de seguidores disfrutaron, sin duda, este es mi tema favorito del EP y perfecto para meter en un recopilatorio propio y flipar con esta banda. “Kill Your Tyrants” es un tema corto, directo y veloz, con cambios puros del Death Metal más clásico, para dar paso al último tema del EP “For Those Who Remain”, tema que sigue una línea similar al tema anterior, para pasar a algo más lento y pesado, donde han añadido unas voces dobladas con un efecto que me ha recordado muchísimo al “God of Emptiness” de los maestros MORBID ANGEL, sin duda, algo tan característico me resulta raro que hasta ahora no lo hubiese escuchado en otras bandas y hayan sido estos daneses quienes lo hiciesen.

Buen y entretenido EP de estos daneses, donde nos ofrecen una buena combinación de estilos, aunque también hay que reconocer que los dos últimos temas no llaman tanto la atención quedando algo deslucidos, no son malos, pero no aportan nada nuevo ni realmente llamativo, aunque hay que reconocer que están bien compuestos, pero sin la calidad de los primeros, pese a todo si quieres un Death Metal diferente, trataría de darle una oída a este EP, porque seguro que te entretiene.

LUIS MARTÍNEZ |

7

BRETUS (ITA)

IDOLS

ORDO MCM, 2019

Desde Helsingborg (Suecia), a través de Listenable Records, nos llega el nuevo trabajo del cuarteto, CHRONUS bajo el nombre de “Idols”, donde un rock contemporáneo con toque heavies y dark nos envolverá con su magia hipnótica.

Y es que para mi eran unos completos desconocidos, pero el toque oscuro que envuelven sus temas, la magia creada por Sebastian Axelsson con su tono de voz y guitarra a la que se une, Svante Furevi (guitarra), Jonatan Östling (batería) y Oliver Delander (bajo), me recordaron a TRIBULATION, pero mucho más heavy, ya que ese toque distintivo se nota desde “Mountains Of Madness”, con unas estrofas donde predomina la voz, sobre una base de bajo y percusión que aderezan con unos riffs pactados con el diablo, pues su feeling es tan mágico y envolvente que no parará de resonar en tu cabeza. Y eso que sus composiciones parecen sencillas, pero se dejan escuchar una y otra vez sin darte cuenta, explotando algunos estribillos más rítmicos y pegadizos como en “Heavy Is The Crown” o la misteriosa y bella “My Heart Is Longing For You”, ambas son de mis preferidas del álbum y puestas en bucle.

“Shephered”, es pura potencia, con unos riffs cíclicos recreando una atmosfera envolvente, solo interrumpida por pequeños matices y con un estribillo para saltar y corearlo. Pero CHRONUS, tiene otros temas que suenan a himno, y aunque la base parece un poco vacía, no sé lo que tendrán que sus temas funcionan a la perfección, os hablo de “Pharos”, “Black Water”, con unas delicias de guitarras hardrockeras en los puentes o el tema que le da nombre al álbum, donde aceleran el tempo y nos dejan una buna dosis de su rock oscuro y elegante.

Antes de terminar tenía que mencionar el tema “Ghosts”, envolvente y misterioso, jugando con aceleraciones que nos preparan para el estribillo, con un aire fantasmagórico, y uno de los temazos de este álbum de CHRONUS, sino escucha el final apoteósico que nos preparan. Un gran álbum está a punto de aterrizar, dando un paso más hacia el lado oscuro que en su álbum debut “Chronus” (2017).

LISTENABLE RECORDS, 2020

AION TETRA

Los italianos de BRETUS nos traen su nuevo disco, cuarto larga duración, titulado “Aion tetra”, un complejo trabajo que se recuesta en una oscuridad latente y que se desarrolla a lo largo de una evolución de sonidos idénticos que conjugan Doom y Heavy bien marcado, rítmico y denso, con pocos cambios de velocidad.

En la misma línea que sus trabajos anteriores, se meten en un concepto basado en oscuras páginas escritas por Lovecraft, donde nos encontramos con melodías a lo largo de canciones estructuradas de una manera similar.

El ambiente sostenido con guitarras que van marcando un ritmo tranquilo, que nunca se descontrola ni sube de velocidad salvo contadas ocasiones, pero no carece de fuerza. Ciertas influencias Stoner dan el toque perfecto a la apertura puesta en manos de “The third mistic eye” o “Priest of chaos”. Aquí es donde la voz parece ir narrando ciertos eventos paganos con unos tonos profundos y bajos, con esfuerzos puestos más en la interpretación que en el virtuosismo. La banda entera se preocupa más de no perder el ritmo que de demostrar virtudes que, tal vez, no sea necesaria en esta idea.

“Prisioner of the nigth” saca ese costado Heavy, uno de los pocos temas más rápidos y con algunos cambios que las guitarras marcan con Riff´s que resaltan brevemente por encima del tono de la canción. Las bases parecen compuesta con un metrónomo que ajustan según la historia que quieran contar.

Con “Aion tetra” tenemos un cambio de ideas, ya que esta breve pieza instrumental da paso a, tal vez, la canción más referencial de todo el álbum: “Deep space voodoo”, quienes sean, repito, seguidores férreos de Lovecraft entenderán a qué me refiero. Es inevitable notar las influencias de esos Danzig que han hecho un sonido marca registrada y han traspasado las barreras del tiempo hasta llegar a 2019 tributados por BRETUS. Con “Mark of evil” sube un poco la potencia y la velocidad, para mezclar de forma precisa esa base Doom con el Heavy de carretera que puede ser la perfecta compañía para películas como Mad Max. A mi entender una de las mejores canciones es “Cosmic Crow”, donde la banda suena de una manera más compacta, con esa densidad y lisergia del Stoner, sin perder la meta-poesía que a lo largo de todo “Aion tetra” vamos consumiendo. Para el cierre la instrumental y chamánica “Fields of mar” nos pone una alarma sobre “City of frost”, donde un punteo casi apocalíptico nos envuelve lentamente, para terminar reventando con una furia que escasamente se ha demostrado en todo el disco.

Incluso la voz se pone más épica y utiliza un vibrato bien ejecutado.

BRETUS es una banda con 20 años a sus espaldas, donde algunos cambios los ha traído a, tal vez, mantenerse en un mismo trabajo conceptual que no muestra demasiada variedad. Sus líneas compositivas son similares, respetuosas de un concepto, de una lírica que se ajusta a las ideas y, la música, parece acoplarse a ellas. Con influencias muy de Black Sabbath en los ´70´s en cuanto a los sonidos largan un gran trabajo. “Aion tetra” es fuerte, y transmite cierto ambiente entre místico y caótico. Está bien que en una época con tantos efectos, haya alguien preocupado por mantener vivos aquellos mitos levantados dentro de cierto Hermetismo de hechicería romántica.

Aunque se haga un poco repetitivo.

SEBASTIÁN ABDALA |

CHRONUS (SWE)

7.5

JUAN ANGEL MARTOS |

8

influencias están ahí), pero sí en la atmósfera conseguida. Para ello también decir, que el sonido acompaña a esta enfermedad sonora, logrando unas guitarras pesadas, de baja afinación, un bajo que distorsionado aporta mayor pesadez al sonido, voces de ultratumba, cavernosas y profundas, completando la batería la cual aporta todos los recursos que los temas necesitan en cada momento.

Desde el inicial “Copremesis”, la tormenta de pestilencia se desata y nos envuelve en esta espiral de insalubridad, donde alcanza muy buenos momentos, “Forced Self Consumption” o “Miasma of Barbarity”, donde los cambios de ritmo son constantes, los riffs son muy pegadizos y hacen que se queden en nuestra cabeza grabados a fuego y nos entren ganas de golpear con saña y violencia cualquier cosa que tengamos delante. “Necrotized” nos golpea desde el inicio con velocidad para dejarnos muy buenos riffs en su podrido interior.

“Mechanical Separation” es quizás el tema más violento y veloz, con buenos cambios y una intensidad en las partes veloces muy lograda. “Coffin Rot” el tema más largo finaliza el álbum, nos ofrece una buena recopilación de distintas atmosferas y lo que la banda es en sí, en este tema homónimo.

Para finalizar, destacar que nos hallamos ante uno de los mejores álbumes editados a finales del pasado año en lo que a Death Metal de la vieja escuela se refiere. Buenas composiciones, ambientación perfecta, buen sonido y temas logrados, aunque como ya comenté, original no es, aunque ¿importa eso realmente?.

LUIS MARTÍNEZ |

9

COFFINS (JPN)

BEYOND THE CIRCULAR DEMISE RELAPSE RECORDS, 2019

COFFIN ROT (USA)

A MONUMENT TO THE DEAD ROTTED LIFE RECORDS, 2019 Desde Portland, Oregón, llega este cuarteto formado hace un par de años y que tras un par de interesantes Demos, nos ofrece su “Monumento a los muertos”, álbum debut de COFFIN ROT. Sólo por el significado del nombre de la banda ya podemos ir haciéndonos una idea de por dónde va a ir la música de estos dementes, efectivamente, el Death Metal más pestilente, podrido, pesado e insano es lo que nuestros altavoces van a reproducir a lo largo de treinta y dos minutos de pura enfermedad sonora.

Ocho son los temas que los de Portland nos ofrecen en el álbum. Musicalmente cercanos a varios de sus compatriotas que en la actualidad pululan por la escena y nos están regalando buenísimos álbumes de un Death Metal, al más puro estilo de finales de los ochenta, principios de los noventa. Predominantemente la influencia de AUTOPSY es notable, pero a todo ello le añaden otras influencias de bandas como pueden ser INCANTATION, FUNEBRARUM, DISMA,… a su fórmula, y verdaderamente la banda se nota cómoda en esa dinámica, logrando unas composiciones a la altura de estas bandas, quizás no en la originalidad (porque tanto el sonido como las

Los japoneses COFFINS no ofrecen su quinto álbum en estudio bajo el nombre “Beyond The Circular Demise”. Una banda ya muy veterana en la escena y que desde el año 1996 llevan ofreciendo decenas de grabaciones en distintos formatos y que este pasado año continuaban con estas ocho nuevas composiciones bajo el auspicio del sello yanqui Relapse Records.

Para los no iniciados en el sonido de este cuarteto, decir que COFFINS se encuadran en las bandas que mejor han adquirido el sonido de las antiguas bandas de Death Metal más pesado y pútrido, mezclado sabiamente con el más contundente y rítmico Doom, para lograr un estilo que los ha hecho un referente en el estilo y que miles de seguidores los han elevado a un estatus de banda de culto.

En esta nueva grabación el cuarteto ha sido fiel a su estilo, ofreciendo ocho composiciones donde los ritmos pesados, lentos o a medio tiempo, mezclados con algún leve riff más sludge se mezclan con el Death Metal de corte yanqui más añejo y “downtuned” de principios de los años noventa. Todo aderezado con una voz oscura, gutural y profunda que nos introduce en el más cavernoso averno, un mundo lleno de sufrimiento, dolor y podredumbre.

Hay composiciones que no olvidan los ritmos veloces como en “Hour of Execution”, pero por lo general las composiciones se desarrollan a un medio tiempo (“The Traquil End”, “Insane” o “Forgotten Cemetery”), que aunque pueda hacernos pensar en el aburrimiento, para nada ya que todas las canciones tienen un Groove que hace que te muevas y no aburran en ningún momento.

Sin duda, otro gran álbum de esta banda que han sabido mantener un nivel de calidad en su música y que con cada edición se las han arreglado para no aburrir. Si lo tuyo es el Death / Doom más pesado y rítmico, no dejes de escuchar este álbum, porque no tiene

desperdicio.

LUIS MARTÍNEZ |

9

CORTÉGE (USA) CAPRICORN

AUTOEDITADO, 2019 Desde Austin, Texas, nos llega en formato autoeditado un proyecto de dark ambient con toques espaciales y drone, basado en un post- western y un ambiente oscuro y denso.

CORTÉGE, es su nombre y este es su quinto trabajo de estudio “Capricorn”, tras el que se esconde Mike Swarbrick (bajo, guitarra, sintetizadores, percusión…), contando con Adrian para la batería.

Quizás sea su álbum más variado y en el que nos cuenta la historia de un explorador espacial y sus experiencias en un mundo extraño y confuso. Además el álbum se acompaña con un comic y un video para dar sentido a este viaje místico y de crecimiento personal.

En cuanto al aspecto musical, todo se desarrolla a través de la instrumentación, donde los sintetizadores ponen ese toque cósmico, iniciándose con “Aurora”, en el que apreciamos el inicio de nuestro viaje, con una cuenta atrás, sonidos de alarmas y teclas, que nos impulsan hacia lo desconocido, para entrar con unas melodías sencillas y muy etéreas de guitarra que simulan a la perfección lo que intenta transmitirnos, siguiendo con “Watch” y su ritmo lento, cercano al doom y al drone, con una melodía que nos hace flotar en la gravedad cero. “Occultation”, es sobria y a la vez inquietante, mostrándonos el vacio del espacio exterior, el silencio y la quietud cósmica, para con “Horizons”, abrirnos los ojos y descubrir algo al final de nuestra visión, un planeta, luna o satélite, llamado “Capricorn”.

Un tema instrumental de casi 18 minutos, “Capricorn”, pone el final de esta aventura, adentrándonos en unas sonoridades mágicas, donde cada detalle importa, donde los arreglos nos elevan hacia el karma, con un ritmo pausado y reverberado, como si flotáramos o estupefactos, pero a la vez desconcertados descubriéramos lo desconocido. Y es que esta música no se puede describir, se ha de sentir.

JUAN ANGEL MARTOS |

7

CRS (MEX)

THE COLLECTOR OF TRUTHS CONCRETO RECORDS, 2019 La banda mexicana CRS, con una importante experiencia a espaldas de sus integrantes, lanzan un impresionante álbum debut que despliega brutalidad y técnica por todas partes: “The collector of truths” es, a primeras escuchas, impresionante y lleno de matices compositivos que se pasean entre el Metal Técnico y un Death clásico y moderno.

La apertura en manos de “Asfixia” transmite lentamente lo que nos encontraremos a lo largo del disco. Furia a velocidad extrema que arrasa desde el primer segundo. Destellos de interpretaciones líricas y un gutural bien NUM. 71 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 43

podrido. “Tan lejos de Dios” ya nos mete por completo en tema (y cuenta con la colaboración de Kevin Talley): todo se pone más brutal, y de aquí será cuesta arriba con las voces y la guitarra. La batería y el bajo conforman la base, sólida y armoniosa, ejecuta los cambios de ritmo con un doble bombo trepidante y la caja parece multiplicarse tramo a tramo. Los riff de la guitarra ya merodean más en esas escalas de un técnico que suena por encima del resto de la banda, haciendo que tome un matiz más interesante, haciendo que no sea apenas otro disco de Death.

El disco sigue con tonos que se sumergen en los más variados arreglos, fusionan, además de todo, algunos toques de Groove y ese sonido latino maraca registrada en el Metal, que combina misticismo con brutalidad callejera.

“Kill my name” sobrelleva un ritmo endemoniado y más oscuro en las voces, con ciertas orquestaciones que lo hacen llamativo y, de nuevo, unos arpegios que resaltan por cambiar de tono con una interesante progresión.

“The art of breathing” es una maravilla con influencias clásicas del inconfundible Metal mexicano, además de contar con Linus Klausenitzer, y se plasma además de un Progresivo más feroz, una densidad de persecución, con un gutural que parece lanzado desde los intestinos y se pone en primera línea comiéndose todo a su alrededor. A estas alturas estamos sumergidos en una proyección del grupo donde el terror parece estar siempre a un paso, detrás de una puerta que parece protegernos de la calle, ¿pero qué ocurre cuando el enemigo está dentro de uno? Siguiendo con ejecuciones bestiales, una tras otra, vamos asistiendo a una genética distinta, pero en consonancia con el estilo global.

“The daydreamer´s nigthmare” puede que sea la joya del disco, la métrica y la estructura lo tienen todo. Comienza con un punteo que parece nos llevará a un “core”, a un sonido nuevo, pero de pronto meten otra velocidad y es, simplemente, Metal Pesado. Algunos cortes nos sorprenden para dejarnos, de nuevo, frente a un solo de guitarra que podría formar parte de cualquier trabajo de Funk, Metal o Heavy. “A better place to hate” se pone más febril todavía, y la batería acompaña a las guitarras a unos avernos que la voz se encarga de tirarnos encima. Cierra una fantasmal “I am the universe” donde todos los elementos conjugados hasta el momento se ponen a la cabeza de una canción caótica y llena de terrores nocturnos, las guitarras mantienen esas líneas tonales compuestas para dar más sensación de asfixia.

Los componentes de CRS anteriormente formaron CIRROSIS, siendo parte de la escena fundacional de México, una escena que siempre ha sido brillante y referencia del resto del continente. La banda muestra profundidad en cuanto a corazón y compromiso, asumiendo las influencias externas pero dándole un perfil social comprometido. Si bien al escuchar “The collector of truths” podemos pensar en FEAR FACTORY, la verdad es que el sonido se nota que es propio, con canciones que gozan de originalidad y esa brutalidad que es fundamental en el estilo Extremo. Esta banda, si bien lanza un disco estreno, puede convertirse en uno de los pilares de la escena extrema mexicana.

SEBASTIÁN ABDALA |

9

DEPRAVER (USA)

SUFFERING IN THE COFFIN REDEFINING DARKNESS RECORDS, 2019 La gente de DEPRAVER no solo son veloces a la hora de editar trabajos, también cuando se lanzan en este Thrash combinado con Black Metal de su trabajo “Suffering in the coffin”, 44 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 71

disco del año 2019 que con 4 canciones asesta un escupitajo en la cara y nos lleva de la mano hasta una época que hoy en día podemos encontrar, por suerte, en proyectos como este.

Abre una fuerte y sucia “Suffering in the coffin”, que en breves segundos nos dice qué vamos a vivir en el disco. Una guitarra martirizada espera a que la banda arremeta con odio y velocidad desde el vamos. La batería retumba en todo el trabajo, dejando que esa casi distorsión predomine sin aflojar en ninguna de las 4 composiciones, pero sin entorpecer el sonido global. Buenas combinaciones de Riif´s se deslizan ajustando influencias clásicas para hacer que no se convierta en aburrimiento. La voz está plagada de desprecio y no flaquea en ningún momento, haciendo que las letras vayan calando en tu cabeza.

Teniendo en cuenta la personalidad de la banda (editando también cintas) apoyada en todo momento en conceptos de Old School, no sorprende que “Cult of the serpent” sea llevada a cabo con la guitarra al frente y marcando ese ritmo frenético Thrasher para combinarlo con la maldad propia del Black Metal.

“Faustian Apex” nos lleva a esa desangelada época donde una televisión sintonizada en algún canal que repone series hasta la madrugada, se convierte en la recta final hacia una locura y la desesperación con gritos que retumban y algunos vientos que sorprenden como arreglos.

Buen cierre con “Bloodmoon ascendant” donde la densidad asesina del Metal Extremo nos va guiando hasta un final es potente y rápido.

Clásico, brutal y desesperado, un gran disco para meterte en casa un domingo soleado por la mañana, acompañado de temblores y buenas sacudidas de cabeza.

Esta puntada de DEPRAVER “Suffering in the coffin” es un nuevo punto de partida donde, con breves E.P.´s llenos de conceptos duros y antológicos van marchando con buen paso, trabajo tras trabajo ya que en 2020 lanzaron otro disco “Martyrs to an Absent Savior”, sumergidos en esa añoranza estética de los ´80´s, sonando igual de crudos que en esa época, pero con la técnica de hoy en día. Buen trabajo para los fanáticos del Black Metal más original.

SEBASTIÁN ABDALA |

7.5

recuerda a un naranjo en flor, que lentamente es sacudido por un viento tempestuoso –a final de la reseña regreso a esta idea. Perdonen si me pongo muy metafórico, pero no encuentro otra manera de escribir estos tramos.

La intensidad va llegando suavemente, en su tiempo, en su medida, para envolverte y, con la banda explosionando en el momento preciso, te encontrás sumergido en la idea del grupo, en lo que quieren transmitir. De momento el disco te tiene atrapado.

“Despierta del letargo” es una pieza que deja claro que hay una preocupación por la variación de tonos, de momentos intensos, que no todo es contemplativo en la Vida. Comienza con fuerza y velocidad, toques de oscuridad no muy evidentes, pero ahí están durante un rato, para reventar pasado el ecuador de la canción y entregar más fuerza y agresividad eléctrica. La batería está latente en varios colores, un par de cortes que hacen fluir la adrenalina con unos punteos de guitarra agudos que parecen deslizarse para que un suave velo con tonos Stoner dejen paso al cierre del disco.

“Cerezos sin flor” es un comienzo de una marcha sin retroceso. Un cambio bien planteado para salir de la línea compositiva entregada hasta el momento y dejar relucir la evolución del grupo con esta extensa obra, que se hace tan penetrante por momentos gracias a la precisión de los elementos grabados, como las notas que suben y bajan para dejarte sin respiro y lleno de Metapoesía musical. Brillante. Los espacios más lúcidos de la banda se encuentran con ciertas guitarras con un Metal importante, dejando que luzcan por pasajes subiendo la intensidad de la música, y cambiar la atmósfera por completo a un pequeño jardín Zen pronto a ser modificado por el viento. ¿Debería corregir la metáfora del principio, dónde describo un naranjo en flor en lugar de un cerezo tal y como llama la banda a la tercera obra que cierra el disco? Puede ser, pero antes de sentarme a escribir, oigo el disco sin ver más allá del envoltorio del álbum (maravilloso arte de tapa, digno dibujo para de ser tatuado en el brazo) y no leo nada del material de prensa. Mi sorpresa al leer éste título me dejó claro que, si la banda buscaba meterse dentro de quienes los escuchen, lo han conseguido.

DERIVA saca un segundo trabajo, que suena calmo y desesperado a la vez. Una decena de ambientes y paisajes se van dejando caer a lo largo que pasan los minutos, cambian los tempos y la guitarra parece señalar la puerta para un sueño lúcido tan blanco y melancólico, como técnicamente elaborado y sorprendente. “Haiku” es una grabación técnicamente precisa, espiritualmente inquieta y, lo fundamental, musicalmente inteligente. Recomendado para esos momentos internos de inseguridad que te ralentizan. Yo la escucharía para llegar a mi jardín interior y disfrutar de los sonidos de la naturaleza. O al menos eso me han inspirado estas canciones.

DERIVA (ESP)

SEBASTIÁN ABDALA |

9

HAIKU I

Alex Pelletier (batería), Yannick St-Amand (salmplers).

Increíble. Aún a día de hoy no entiendo por qué la banda decidió disolverse. En mi opinión, son una de las mejores dentro del género que ejecutan. Buena muestra de lo que digo es su nuevo disco. Su capacidad compositiva, sigue siendo tan efectiva y fresca como en aquel ya lejano 2002 cuando lanzaron su debut «Consumed by Your Poison». Esto se traduce en una percusión digna de ovación. ¡Los blast beats son inhumanos! Sin embargo, las seis y cuatro cuerdas no se quedan atrás, destruyendo a cada nota todo lo que se le pone al paso, obligando al más escéptico a reverenciar semejante potencial. El único momento de respiro lo contiene la pausada e inicial «Dernier souffle». A partir de ahí, todo lo que viene después es pura traca. La producción es contundente y para nada manida o estándar dentro del estilo en cuestión. Se agradece que la batería no suene pesada e inorgánica. Ya podían tomar nota el resto…

Respecto a la portada, representa de manera gráfica a la perfección lo que es el título del Long Play.

Rotundidad a raudales. No se me ocurren otras palabras para describir que es lo que consiguen sacar de sus respectivas «hachas» Eric y Ben. Sus fluidos riffs os subirán peligrosamente las pulsaciones. Cuando penséis que vais a morir, os reventarán con una contundencia inhumana, rematándoos con instantes de tremolo picking, dobles armonías o ramalazos netamente Hardcore. Poca broma con los solos de «Moving On», «Apex Predator» y «Dead Weight». Los registros vocales se dividen en dos: growsl cavernosos que se atreven incluso con pinceladas de pig squeals, – oíd «Snake in the Grass»- y screaming iracundos.

Completamente desquiciados os dejará la labor tras el kit de tambores de Alex Pelletier. ¡Cambios de dirección rasantes a troche y moche!

Me volaron los sesos para después pisoteármelos «Light Speed» y «Vies d’anges». ¡IMPRESIONANTES!. Uff, necesitaré varios días para recuperar fuerzas después de tan tremendo ejercicio de intensidad sónica. ¡Ya tardáis en compraros el álbum!

JESÚS MUÑOZ CABALLERO |

9

DIE KRUPPS (DEU) VISION 2020 VISION

AUTOEDITADO, 2019

OBLIVION RECORDS, 2019

Puede que nada te deje más en evidencia, como artista, que salir a escena sin más por vestido que un concepto, una fiebre y la garra que te hace sudar días tras día para entregar al mundo tus ideas. Al menos eso es lo que siento cuando escucho “Haiku I” el nuevo E.P. de la banda española DERIVA. Un proyecto que cuenta con la producción de Alex Cappa, si recurrimos a etiquetas, probablemente quitemos artística al proceso en sí. Valga decir para los curiosos que se presentan como “Post-rock/Metal”, y los sonidos que invocan en estas 3 canciones, que emulan versos poéticos, naturales y cuidados. Agresivos y súbitos, como tormenta de verano.

Estamos ante un trabajo que mezcla dos aristas disímiles: la simpleza de cuatro tipos haciendo música, y la complejidad de tres músicos llevando a la carga un concepto intenso, marcado de emociones. Quienes amamos la música instrumental (que no es lo mismo que el hilo musical que suele despertarnos a media madrugada en la televisión) una de las primeras cosas que evaluamos es la pureza con la cual llega el sonido. En este caso la encargada de abrir el disco es “Lluvia templada”, una canción que despierta lentamente esa melancolía de un amanecer nuboso, que me

Los Krupp fueron, y todavía son, una de las más grandes familias de industriales alemanes. Famosos por la alta calidad de su acero, fue la más grande empresa europea siempre relacionada con la potencia industrial de Alemania. Tuvieron un periodo de cierto rechazo social debido a que sus armas fueron utilizadas en ambas Guerras Mundiales. Posteriormente, en 1999 se fusionaron con la otra gran empresa alemana, Thyssen AG y os desafío a que busquéis un ascensor que no sea ThyssenKrupp AG. ¡Colorea y aprende con Teo! En ese periodo posterior a las Guerras Mundiales, en torno a 1980, un joven músico alemán llamado Jürgen Engler buscaba un nombre para su banda y se le pasó por la cabeza el nombre de los metalúrgicos alemanes. Lo tenía todo en el nombre: el metal y la polémica, DIE KRUPPS (Los Krupp). Y a fecha de hoy, la banda sigue activa y publicando; en concreto, en noviembre de 2019 salió su último álbum: “Vision 2020 Vision”. Los descubrí como banda en algún punto intermedio en la década de los noventa, con sus versiones de METALLICA y su álbum “Paradise Now” con el pelotazo aquel de “The Gods of Void”. Por aquellos entonces, RAMMSTEIN acababan de estallar con su segundo álbum “Sehnsucht” y mientras los

DESPISED ICON (CAN) PURGATORY

NUCLEAR BLAST RECORDS, 2019 Los amantes del Deathcore nos quedamos desolados cuando en 2010 DESPISED ICON decidieron parar. Gracias a Odín, en 2014 volvieron a la carga. Durante estas líneas, Necromance Digital Magazine se encargará de reseñar para todos vosotros su hasta ahora último Elepé «Purgatory», editado el 15 de noviembre de 2019 por Nuclear Blast.

El actual line up del grupo es: Alex Erian (voz), Steve Marois (voz), Eric Jarrin (guitarra), Ben Landreville (guitarra), Sebastien Piche (bajo),

segundos se encuadraban más dentro del NDH (Neue Deutsche Härte, la nueva dureza alemana), DIE KRUPPS han sido pioneros junto con FRONT 242 en cosas como el EBM (Electronic Body Music) y los estilos industriales (junto con EINSTURZENDE NEUBAUTEN).

Sí, han sido más pioneros y más avanzados que muchos de sus alumnos, pero para este “Vision 2020 Vision” lo que nos encontramos es Metal Industrial, con todas sus virtudes y defectos. El tema de apertura te lo firman RAMMSTEIN y, salvo por la voz de Jürgen, podría pasar como tal puesto hay muchas semejanzas. Aun así, DIE KRUPPS son capaces de otorgar un brillo especial a las composiciones y no son tan monótonas como las de las huestes de Lindemann. Lo mejor de todo este disco es que a pesar de que las guitarras te sonarán 100% RAMMSTEIN, como en “Welcome to the Blackout”, en ese mismo tema (o en cualquier otro) te tienes que fijar en todos los detallitos de la electrónica, de los teclados, de los sintetizadores, de los samples… ahí es donde está el pulido y la luz que les falta a otros. No quiero volver a hacer referencia a los berlineses, porque la banda que nos ocupa llevaba ya quince años cuando los de Lindemann saltaron a la palestra. Pero…

DIE KRUPPS son muchísimo más imaginativos, más musicales, más innovadores y más eclécticos en su propuesta. Los teclados y el sonido de alarma de “Trigger Warning” son buena muestra de ello. Incluso las distintas modulaciones vocales en “Wolfen (her pack)” te recuerdan que estamos ante una banda industrial, sí, pero no la monótona y fría cuadrícula a la que te has acostumbrado. Escucha, por ejemplo, el tema “The carpet crawlers”, con esa voz casi rasposa, como que no va a tiempo, el estribillo, toda la instrumentalización electrónica de fondo… Temas como “Fires” te mostrarán como hacer un tema de industrial sin que los teclados y el sampleo sean abrumadores. Al contrario que lo que ocurre con “Obacht”, donde tanto electrónica como guitarras sacuden a ritmo de electroshock. Del mismo modo, “Destination Doomsday” que avanza con ritmo militar y cuenta con desarrollos guitarreros más alternativos.

“Allies” contrasta con sus pesadas líneas guitarreras, así como “F.U.” que vuelve a entroncar con más con el estilo del NDH. “Active Shooter Situation” vuelve a recuperar la dinámica más electrónica de la banda.

Sé que si escucháis el disco vais a pensar que DIE KRUPPS son como RAMMSTEIN en modo viejuno; pero no, no os equivoquéis, son RAMMSTEIN los que son como DIE KRUPPS rejuvenecidos y con menos imaginación y creatividad. Las fechas de fundación de ambas bandas y este “Vision 2020 Vision” son buena prueba de ello.

CESAR LUIS MORALES |

8

DIMMAN (FIN) 152

INVERSE RECORDS, 2019 Desde Finlandia y a través de Inverse Records nos llega el nuevo Ep de DIMMAN bajo el nombre de “152”, cinco nuevos cortes de melodic death metal, al que le añaden un toque de modernidad con teclados, algunos ambientales y atmosféricos y otros con su propio protagonismo.

Ese toque de modernidad se nota desde la primera nota de “Capsized Reverie”, donde el inicio y sus teclados son más de metal industrial o incluso del gothic que del death metal, guardando un estribillo muy melódico donde la dualidad de voces entre Valtteri y Jenna sobresalen, para machacarnos con unas estrofas y puentes death metaleros y profundos con unos ritmos de guitarra y detalles como melodías y solos de los que se encargan Jaakko

y Mikael, un tema chocante para abrir este Ep que no gustará los más puristas, pero si a los más abiertos de mente. Sin embargo, “152”, presenta un cuadro más denso y oscuro, con pasajes muy poderosos con la voz gutural de Valtteri, mientras que Jenna pone el contrapunto melódico, además de recrear unos pasajes preciositas e hipnóticos con guitarras limpias y acústicas, enfrentando la belleza y la dulzura, con la contundencia y agresividad, un corte complejo y variable, que me ha encantado, donde la base de bajo por Elias y la percusión de Arto brillan, asi como las transiciones rítmicas de las seis cuerdas.

“The History”, tiene un comienzo barroco, con un piano clásico, para desembocar en la locura y en unos ritmos endiablados, para romperlos con unos pasajes de guitarras donde el headbanging está asegurado en este tema completamente instrumental y muy técnico, que sirve de unión entre las dos partes y que nos lleva hacia “Treason”, un medio tiempo hecho para Jenna, donde el death se queda de lado, transformando la potencia en belleza que nos llega en forma de balada, que aunque es buen tema, no llega a enganchar del todo.

El cierre lo pone “Entity”, un corte que representa completamente a DIMMAN, poderoso, con toques melódicos y donde su death metal melódico se entretejes con tintes góticos, para recrear un gran tema, junto a “152”, reflejan su sonido a la perfección.

JUAN ANGEL MARTOS |

6.5

DRAGONFLY (ARG) ZEITGEIST

ART GATES RECORDS, 2019 Con una orquestación calibrada para que los detalles se aprecien al máximo, y mezclado con una furia de antología, la banda DRAGONFLY ha lanzado nuevo trabajo: “Zeitgeist”.

Un disco que contiene muchos elementos de Metal, tanto sinfónico como Power, con claras referencias al estilo, y una fuerza que hace muy atractivo el trabajo desde el comienzo.

Abre una delicada pieza instrumental que nos va sumiendo en ambiente, limpiando los sentidos, con bases electrónicas y coros místicos que terminan reventando con la brutal “El guardián del tiempo”. Una voz rota, llena de emociones que se mezcla con unas bases trepidantes, bien encastradas que hacen de fundamento para lo que iremos encontrando mientras escuchamos el disco. La presencia del bajo, abrazado a la batería constantemente, hace que los teclados no se acoplen ni suenen manidos. Si bien las ejecuciones de la guitarra son contundentes, los blast-beat hacen que no tengamos ni un segundo de respiro.

La estructura del trabajo general está muy bien pensada, con la complejidad del Heavy Metal en sus distintas concepciones evolutivas, canciones con buenos estribillos, gancheros, que uno se aprende ya en la segunda escucha y sacude la cabeza sin querer casi.

Canciones como “Estrella fugaz” o “La travesía” puede que sean las más apreciables para los que son exigentes en cuanto a creatividad, con letras que llegan al pecho y te dejan pensando, sin omitir la épica que es inherente a este Metal. Lo mejor es que en ningún momento baja la intensidad, la fuerza y ese empuje que inspira y hace un trabajo intenso, tanto por cómo suena, como por lo que emiten en conjunto el grupo. La banda completa, en cada canción, se fuerza a no perder el ritmo, a no dejarte respirar, y si bien la voz no es esa dulce-lírica-virtuosa reluce mucho porque se emplea a fondo para que con su estilo particular vaya haciendo mella hasta brillar del todo.

Tenemos también “Un último adiós”, si bien es “la balada” que se espera, cierta melancolía de amanecer nuboso se hace presente en la

interpretación y en una guitarra acústica para dar un poco de respiro y hacernos encender un mechero y disfrutar de este oasis. No es empalagosa, al contrario, suma al trabajo global.

Los teclados se lucen en cada canción, haciendo gala de versatilidad en distintas funciones, como un buen fondo a modo de coros, como una interpretación llegado el momento para ir marcando ambientes luminosos y oscuros.

“Zeitgeist” es un trabajo que varía tanto en las letras como en los sonidos, si bien es un Power Metal marcado, con muchas referencias a distintas épocas de la historia del género, se hace muy propicio para aquellos que tengan curiosidad por acercarse un poco más al producto nacional. Por otra parte, quienes ya sean seguidores y no se pierdan paso de la escena, tienen aquí un referente tanto por historia como por eficacia. Y hablando de historia, nos encontramos al cierre del trabajo con “Solo depende de ti”, una canción que los seguidores de la banda conocen y muy bien, con un sonido que agrega fuerza a un himno, calidad técnica y un par de cambios con respecto a la versión primaria. Ojalá más bandas se revisitaran a sí mismas.

“Zeitgeist” es la nueva cara de una banda como DRAGONFLY, que ha variado, tanto de localidad como de integrantes, pero se ha hecho fuerte gracias a una búsqueda constante de evolución, aprovechando la calidad de un grupo de músicos que entran a saco y no desacelerar, proponiendo variantes en un buen puñado de canciones directas, fuertes y que reflejan inquietudes a la hora de sacar un disco.

SEBASTIÁN ABDALA |

difícil elegirlos porque el disco funciona como bloque a la perfección, como la continuista “ A Fall Of Design”, una delicia para los oídos con su ritmo creciente y su estribillo embriagador, temazo en toda regla.

“From Which We Came”, pone una nota más agresiva, donde los screams se apoderan de una estructura musical densa y oscura, con elementos de post black, hasta que un interludio instrumental, “Folgefonna”, pone un punto de inflexión, o mejor dicho, nos da un respiro, antes de “TheBody”, directa y agresiva, con un toque de screamo en las voces, que narran la desidia humana en las estrofas, para engalanarse en el estribillo que choca y sorprende en la composición. El reino animal, abre “Dominance”, una inserción y un contrapunto dentro del álbum con toques electrónicos, en un tema complejo, pero que despertará todos tus sentidos, en cuanto a la originalidad y variedad de clímax, cerrando el trabajo con una bomba sónica, antes de la delicadeza de “Folgefonna II”.

Un trabajo de sobresaliente para este cuarteto noruego, DREAMARCHER, a tener muy en cuenta en un futuro no muy lejano y el cual me encantaría ver en directo y ver como se desenvuelven.

JUAN ANGEL MARTOS |

8.5

8.5

DREAM STATE (GBR) PRIMROSE PATH UNFD, 2019

DREAMARCHER (NOR) THE BOND

INDIE RECORDINGS, 2019 Desde la capital de Noruega, Oslo, nos llega el nuevo álbum de DREAMARCHER, “The Bond”, editado por Indie Recordings, donde despliegan su elegante romanticismo ensoñador a través de un metal progresivo con tintes oscuros y blackened, para expresarnos la dualidad y dominancia entre el ser humano y la naturaleza, con mensaje naturalista, a la que deberíamos de respetar y cuidar más, y más en una región tan bella como Noruega con sus glaciares, sus cascadas y fiordos, una de las maravillas del mundo.

Este es su segundo trabajo, en el que confirman su calidad, con un sonido muy cuidado grabado en Ocean Sound Recordings, en Noruega y producido y mezclado por el ingeniero Ashley Stubbert, el cual le otorga una personalidad distinta a cada canción, cuidando al máximo los detalles y plasmando la evolución sonora de DREAMARCHER…, naturaleza contra el hombre, el hombre contra la naturaleza…, un álbum conceptual del que hablaremos a continuación.

En lo musical, DREAMARCHER, son muy complejos, intentando transmitirnos diferentes sentimientos y emociones con cada corte, pues si “Coal”, inicia ese viaje, con un aire más alternativo, en cuanto a lo musical y donde prima la voz limpia de Ruben Aksnes, también bajo, nos dejan un pasaje directo y agresivo, con Kim Christer Hylland a mando de los blackbeats, quien también comanda la voz en guturales, rasgados y limpios, al igual que Odd Erlend, además guitarra. Este juego de voces, no solo le da variedad y versatilidad al álbum, sino que crea unos diálogos y una mixtura muy interesante, como su música. Y si el primer corte estaba repleto de cambios y giros, “Black Water”, lo está de belleza y atmosferas, con el aporte de Eirik Krakenes, guitarra, de unos ritmos progresivos y cercanos al post rock,; uno de mis temas preferidos, aunque es

Los británicos DREAM STATE, tras su primer EP, debutan con este LP, “Primrose Path”, un trabajo editado a través de UNFD Records, y el cual está formado por diez temas bastante enérgicos y movidos.

Formados en Gales del Sur, Reino Unido, el grupo está compuesto por CJ en las voces, Aled Rhys Evans en la guitarra, Rhys Wilcox en la guitarra y coros y Jamie Lee en la batería.

El trabajo comienza con el tema “Made Up Smile”, que nos abre con ritmos lentos, que poco a poco van aumentando la velocidad, introduciendo pequeños acordes de guitarra acompañados de voz limpia. Ofrecen unos riffs bastante frescos, con toques electrónicos que aumentan la calidad de la composiciones.

Nos ofrecen un estribillo bastante pegadizo y ajetreado, muy enérgico y con un sonido fantástico, parecido a como lo hacen con “Hand In Hand” donde desde los primeros acordes nos dejan un unas composiciones bastante potentes y enérgicas, donde las guitarras nos dan unos ritmos muy enérgicos, que completan una batería bastante constante pero cargada de potencia. Pasado el ecuador del tema nos deleitan con unos ritmos mucho más pesados, haciendo hincapié en composiciones mucho más agresivos, predominando sonidos más graves.

“Twenty Letters” es el pilar base del trabajo, uno de los singles del trabajo y donde las melodías frescas y leves hacen acto de presencia y se quedan durante todo el tema. Comenzando con ritmos rápidos, predominando sonidos limpios, y componiendo una línea vocal limpia, con coros para dar dinamismo, crean la primera parte del tema, para ir avanzando e introduciendo toques más agresivos, para crear un buen contraste. Un tema bastante pegadizo, con mucho contraste en las composiciones.

Acercándonos a los temas finales, nos encontramos con “Primrose” donde lo primero que escuchamos es una mezcla entre electrónica y voces distorsionadas que nos lleva a unos riffs bastante enérgicos que derivan en una partes más liviana, donde la voz toma mucho protagonismo. En el estribillo nos deleitan con unas composiciones muy pegadizas, con unas guitarras bastante movidas y una línea vocal ideal, para pasar, poco después, a unas

composiciones mucho más agresivas, apostando por pequeños guturales en las voces para hacer el conjunto un poco más agresivo, y dar paso a “I Feel It Too”, tema que se encarga de cerrar el trabajo. Aquí nos encontramos con unas composiciones que se apoyan en la electrónica para componer las primeras líneas instrumentales, mezclando voces limpias con pequeños gritos, para romper con unos ritmos algo más agresivos y potentes, pero continuando con su sonido característico. Con múltiples altibajos durante todo el tema, mezclando diferentes composiciones en los ritmos, cierran con un tema muy bueno, que nos deja con ganas de seguir escuchando más.

En este primer LP de DREAM STATE han mejorado en gran medida lo que nos trajeron anteriormente en su EP. A parte de mejorar de una manera extraordinaria las composiciones, con una mezcla de melodías exquisitas y pegadizas; y con partes más agresivas, han conseguido traernos un sonido muy bueno, con riffs enérgicos e introduciendo estructuras con electrónicas y ciertos toques pesados, con guturales y sonidos graves. Sin duda, su éxito radica en la exquisita mezcla en las composiciones y una sonido exquisito al que han sabido sacar muy buen provecho.

JORGE DE LA CRUZ |

9

DUSTBORN (CZE) DETHRONED

METALGATE, 2019 Desde la Republica Checa y a través de Metalgate nos lleva el primer álbum de DUSTBORN bajo el nombre de “Dethroned”. Tras haber sacado un EP “MMXVIII”, para darse a conocer tras el single “In The Mountains” en 2018, ahora nos proponen su nuevo larga duración dándole rienda suelta a su symphonic death metal con tintes blackers desde los confines de Europa del Este.

Desde el comienzo con “River Stained Red”, nos golpean con un enfurecido black/death metal, donde los detalles sinfónicos le dan un aire muy operístico, aunque a veces el teclado queda un poco desubicado (solo en las estrofas, con unas notas agudas), pero por lo demás, la voz de Johny, enfurecidas, junto con la percusión endiablada de Bubno y las guitarras de Dandee, forman un bloque muy homogéneo, sin dejar a tras a Vlajda y su bajo. “Of All Our Anguish”, tiene un toque más potente y se transforma en un corte infernal, como si la filarmónica del submundo se apoderase de la canción y le diera un toque atmosférico más allá del averno, además los toques y cambios de ritmos, junto con las tonalidades de voces diferentes, lo transforman en un temazo.

“Parasite”, nos deja unos pasajes más melódicos y pausados, con transiciones de guitarras y un ritmo más marcado, para con “Age Of The Serpent”, seguir modelando el álbum, que se enfurece de nuevo con “Monster Along The Road”, para traernos un rodillo aplastante con un gran trabajo en percusión y unos riffs acelerados, guardando en su interior un pasaje más lento y melódico pero muy infernal. Seguimos nuestra aventura con “Only Memories Survived”, donde las orquestaciones retoman el pulso y se encajan perfectamente en los ritmos black, donde algunas partes deathmetaleras no pararan de transmitirte una obsesión para el headbanging, uno de mis preferidos de todo el trabajo.

Ya en la parte final, “Zealot’s Lament”, nos sorprende con un inicio donde la voz limpia a manos de Dandee, su guitarra, le da un toque muy interesante y crea variedad en el conjunto del álbum, con un corte diferente y que se agradece, además de un punto a su favor para un futuro explotar la voz limpia, temazo, que nos lleva al cierre con “Ethereal”, un cor-

te más lineal, mostrándonos el estilo musical que DUSTBORN nos ofrece, con un estribillo muy épico, de los destacados del álbum. No inventan nada, pero lo que hacen, lo hacen con gusto, dándole unos toques y giros que sorprenderán, y donde las orquestaciones están en su sitio, sin abusar de este recurso.

JUAN ANGEL MARTOS |

es otro hipnótico tema, que enlaza perfectamente con las concluyentes “Decoherence” y “Warth”. Y para cerrar, “Fringes”.

Todo un descubrimiento. Mientras otra gente se dedica al sopesamiento de bolsas escrotales, Christian Ludvingsson ha pergeñado una bestia llamada EIGENSTATE ZERO y ha cuajado sus ideas en un debut impresionante que, desde luego, poco tiene de “engaño sensorial”.

7

CESAR LUIS MORALES |

9

EIGENSTATE ZERO (SWE) SENSORY DECEPTION AUTOEDITADO, 2019

ECTOPLASMA (GRC) WHITE EYED TRANCE MEMENTO MORI, 2019 Uno de los países europeos con una sana y prolífica escena dentro del Death Metal es Grecia, sin ningún tipo de duda. Ya desde hace más de una década hasta ahora han surgido una buena cantidad de bandas que me han ido sorprendiendo con sus ediciones, las cuales en su gran mayoría destilan una calidad y brutalidad que hacen que siempre que surge una nueva banda tenga ganas de escucharla, ejemplos como los ya consagrados DEAD CONGREGATION a los menos conocidos WAR POSSESSION, ABYSSUSS, VULTUR, THE PLAGUE, RESURGENCY… ECTOPLASMA son otros veteranos ya en la escena helena y a través de la discográfica española MEMENTO MORI RECORDS nos traen su tercer larga duración, y he de reconocer que la banda continua la senda de su anterior álbum y su MCD editado el pasado año “Cryogenically Revived”, con un Death Metal verdaderamente demoledor, pesado y contundente. Enraizando sus influencias en las antiguas bandas yanquis del estilo, pero sin copiar a nadie y sonando en determinados momentos a una u otra, pero todo hecho con personalidad, pero si quisiese haceros una idea del sonido de este cuarteto imaginad una mezcla entre unos AUTOPSY y unos primerizos IMMOLATION, DEATH, MALEVOLENT CREATION y algo de los antiguos PESTILENCE… y por ahí podrían ir sus influencias.

Nueve son los cortes que nos traen en este “White-Eyed Trance”, ocho propios y una versión de los yanquis DEVASTATION para cerrar el álbum. Metiéndose en la grabación las guitarras tienen una importancia vital en el sonido de ECTOPLASMA, algo que ya en anteriores grabaciones la banda trabajaba muy bien, aquí hay que destacar que los riffs son muy directos, no se complican con ultra tecnicismos innecesarios, sino en la velocidad del redoble, el cambio brusco de atmósferas y la intensidad que quieren transmitir en todas y cada una de las canciones, donde son acompañados por una base rítmica incansable, aportando variedad en el golpeo de parches o con líneas de bajo que percibimos con nitidez y no dejan de destrozar nuestros oídos, algo sin duda que agradecemos los seguidores del estilo, porque todo está donde tiene que estar. Un gran sonido, que no suena perfecto, pero que para el álbum y estas composiciones no se debería buscar otro, esto es puro Death Metal anclado en los 90 y que suena brutal.

Os preguntaréis por temas, pues verdaderamente es difícil destacar uno sobre otro, porque todos tienen una buena composición y os harán disfrutar de principio a fin, porque este es un álbum de puro y verdadero Death Metal, como debe tocarse y sonar.

LUIS MARTÍNEZ |

9

Existe una refrán popular que reza de la siguiente manera: “Cuando el diablo no tiene que hacer, con el rabo mata moscas”, para referirse a aquellos que, cuando no tienen que hacer, se dedican a holgazanear o a perder el tiempo en cosas inútiles. ¡Colorea y aprende con Teo! Y luego están personas como el músico de origen sueco Christian Ludvingsson, la cabeza, el corazón y el alma mater detrás del proyecto EIGENSTATE ZERO. Tal y como él mismo ha declarado, todo comenzó sobre enero de 2018, donde se vio forzado a realizar un entrenamiento para reforzar las articulaciones, así que se enganchó a una guitarra y empezó a escribir los primeros bocetos de lo que luego sería este “Sensory Deception”. Se descargó el Cubase al ordenador y empezó a grabar y construir este álbum. Un año y pico después (noviembre de 2019) salió, por fin, a la luz. ¿Y qué ha salido? Pues un monolítico y apabullante debut de Death Metal técnico y progresivo. Y el año, casi dos, que ha estado Ludvingsson grabando cosas se nota en cada segundo de cada tema.

Porque aquí el amigo abre abrasando con “Fringe” y enseguida te das cuentas de que es Death Metal, de que lleva una parte de Prog y otra de Tech y vuelves a darle mil vueltas al panfletillo del disco hasta que descubres que, en efecto, todo es obra y gracia de Christian Ludvingsson. “1984.2” sigue la estela del inicio pero tiene una vibración muy a lo IN FLAMES, a ese sonido Göteborg que tan buenas sensaciones te deja. Por cierto, que estos dos temas son la introducción a una hora y cuarto de orgiástica instrumentalización y devaneos de la mente del músico sueco. Así que, ahora prepárate para casi doce minutos que dura el siguiente tema, “The Nihilist”; y te lo digo como dato anecdótico, porque cuando acabes de escuchar este tema, ni te habrás dado cuenta y te lo vas a volver a poner para disfrutarlo de nuevo.

A pesar de su larga duración, la creatividad y dinamismo de temas como “Eigenstates” hacen de este estreno un disco que no peca de pesado y monótono. A pesar de los abruptos estallidos de cólera como “Zentropic”, Ludvingsson es capaz de darle una luz y un brillo especial con una serie de arreglos originales que hacen que no pierdas la atención sobre este tema (ese interludio acústico y con voces limpias, ¿eh, cómo te quedas?). Y es que ha sido un año y medio largo germinando, quitando y añadiendo cosas, intentando concentrar el mayor número de ideas en cada uno de los temas, puliendo la gema. Y se nota. Se nota en cada riff, en cada break y en cada surco. “Communion”, como muchos interludios a lo largo del “Sensory Deception”, ofrece un despliegue de artillería muy de la escuela Göteborg, para luego dejar entrever una densidad de composición como si fuese un DEVIN TOWNSEND más encabronado, como en “Godeater”, donde desata el frasco de las esencias y ofrece riffs a medio tiempo y solos de guitarra más melódicos.

Da igual por donde cojas este disco, abruma, convence, te enloquece, te sorprende, se te pasan los diez minutos de “Strangelets” o de “Transhuman” en medio de una tormenta perfecta. Los interludios del primer tema, te recordarán a PESTILENCE, a DARK HALL (con el enormérrimo Steve DiGorgio); los del segundo, a que Ludvingsson se ha tirado perfilando este disco casi dos años y ahí está todo: la densidad compositiva de TOWNSEND, los fraseos más jazzys de las bandas anteriores, pero revestido con la agresión del Death Metal más intelectual y más técnico. “Comatorium”

EMPYREAL VAULT (FRA) EMPYREAL VAULT

GREAT DANE RECORDS, 2019 ¿Os gusta el Technical Deathcore? Si la respuesta es sí, no dejéis de leer esta reseña. Los protagonistas de hoy son los franceses EMPYREAL VAULT. Publicaron su primer álbum homónimo el pasado 20 de septiembre de 2019 gracias a Great Dane Records.

El line up del combo es: Jordy Besse (bajo y voz), PJ Paoli (batería), Sylvain Octor-Perez (guitarra), Sylver Alexandre (guitarra).

Es curioso, porque precisamente lo que los hace especiales es lo que no me cuadra. A ver, os comento. Incluye unas secciones de carácter futurista y espacial cuando la ocasión lo requiere que pienso que no terminan de cuajar en los cortes. Y es que a veces, el ser o intentar ser diferente no siempre funciona de la manera que se espera. Eso sí, solo porque procuran insuflar aire fresco al género que ejecutan ya tienen todos mis respetos. Por otro lado, he de confesaros que a pesar de que tienen la etiqueta de Technical, no me han parecido especialmente enrevesadas las composiciones. No obstante, su escucha se me ha hecho mucho más que amena. La producción es la típica en estos casos, mientras que la portada resulta evocadora a más no poder.

Sylvain Octor-Perez y Sylver Alexandre consiguen sacar de sus respectivos instrumentos una colección de riffs destensados y efectivos hasta decir basta. Usan dobles armonías e incluyen momentos de breaks muy efectivos.

Los solos no aparecen siempre, mas cuando llegan, harán que se os caigan los palos del sombrajo. Usualmente, predomina en las voces un registro cavernoso, aunque de forma anecdótica aparecen guturales agudos rasgados. Muy dinámica es la forma que tiene PJ Paoli de aporrear su kit de tambores. ¡Tremendos giros de recorrido que se marca!

Me han volado los sesos «Nameless and Evil», » The Ritual» y «Astral Wound». Os recomiendo que le echéis un oído. A pesar de haber arrancado de forma correcta, creo que los de Francia pueden dar mucho más de sí en sus próximos lanzamientos.

JESÚS MUÑOZ CABALLERO |

6.7

END OF MANKIND (FRA) FACIEM DIABOLI

MALLEVS RECORDS | MALLEFICARUM RECORDS, 2019 Desde las cenizas de la banda ETERNAL MAJESTY nace un nuevo proyecto de BLACK NUM. 71 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 47

METAL, violento, con sonido clásico pero que sabe cómo abordar variantes: END OF MANKIND, quienes lanzan su primer L.P.: “Faciem Diaboli”. 10 canciones con desgarradores elementos que se van superando a sí mismos a lo largo del disco. No estamos hablando solo de oscuridad y “suciedad”, los toques de Post los pone en esas cavernosas áreas donde la resignación se convierte en algo que da paso a la rebelión.

Abre un tema de corte más bien clásico, bruta, rápida y despiadada: “”Vision”, pero ya dejan asomar detalles de que hay una evolución dentro del conjunto, que se envuelve con el concepto del disco y el vocalista no solo pone tripas, también mucho sentimiento.

“Howlings and lurid figures” se convierte en un paso melódico más interesante, echan mano a todo volumen a ese Post Metal y despliegan unos buenos riff´s de guitarras para terminar con una inquietante grabación de corte argelino sonando y retumbando.

“Drowning in solitude” pega un salto más allá, sigue en la misma línea, un rato, para luego dejar un oasis musical y hacer 3 cambios de estilo con sólidas bases rítmicas y conjugar ese añejo rock callejero francés de finales de los ´70´s, intercalando unos arpegios en las guitarras que se mezclan con el extenso gris que lleva la canción. Excelente. Al pasar al siguiente track volvemos a un Black Metal de libro, bien ejecutado por todos los integrantes, pero que siempre parece querer dar un paso más allá, entonces la instrumental “Misanthropic Urge to expand” da paso a una veloz pieza de Metal como lo es “Dread reign”, violenta, extensa, con mucho de raíz propia de la banda, de tirar de sus influencias.

De nuevo paso instrumental con “Limbes” y entra la banda de manera caótica con “In the throes of displesure”: ya no quedan etiquetas, se la pasan cambiando de palo, dejando que la batería guíe los ritmos que le vengan mejor a la canción. La voz se la juega con un par de diferentes tonos dentro del mismo growl, y más violencia y velocidad entre Grind y Punk. Con todos estos ingredientes, cambian la afinación y se lanzan a “Faciem diaboli”, la narrativa no decae, la pureza de la banda sube de intensidad, toca mucho más rápida que en todo el disco, y nos deja melodías acompasadas, con tramos extensos donde parecen salir coros vocales de la nada. Son más de 6 minutos de estar en las calles más hediondas de una París que ha perdido la fe en todo, incluso en la traición. Hay tantos cambios de ritmos, que hacen de esta canción la pieza maestra de este disco. Nos abandonan con la que parece ser una mezcla de instrumentos grabados en vinilo, y este vinilo, tocado al revés.

Este disco es de contenido urbano, con tanta violencia y artística mezclada en su debido momento, que pierdo la capacidad de poder etiquetarlo bajo algún concepto. Es Black Metal, sí, pero END OF MANKIND no parece quedarse conforme con ese resguardo, si bien tocan desde esas composiciones, a lo largo de “Faciem Diaboli” van utilizando diferentes recursos para dejar un trabajo altamente recomendable para quienes gustan de escuchar variedad pero sin salirse demasiado de un estilo puntual.

SEBASTIÁN ABDALA |

gráfico Rockshots Records.

Este CD consta de diez cortes con una duración total de casi treinta y ocho minutos de duración repartido en los diez cortes que nos ofrecen, en el que si bien la tónica general es de un disco de Thrash Metal muy en la onda de TESTAMENT y METALLICA, aunque sin duda tienen su propio sello, sobre todo cuando la influencia de sonidos más Groove son notorios.

El disco abre con el corte “Faceless” con un riff principal muy potente en su primera parte, pero que baja bastante acto seguido en el pre-estribillo, demasiado melódico bajo mi humilde opinión. Por derroteros diferentes fluye el siguiente tema “Black Mud” que sin tener una estructura compleja ni enrevesada te engancha, es imposible permanecer impávido en su escucha.

“Suffered Defeat” es la siguiente, comienza con una parte cantada con las rítmicas cortadas para pasar a otras a acordes abiertos y con unos estribillos muy en la onda del corte que abre este trabajo discográfico, un tema con mucho Groove.

Y con el sonido de una apertura de celda comienza “Frozen Prision Cell” un corte en el que mezclan cambios de tempo de manera muy acertada, las fases machaconas llegan en su justa medida, a la par que esos coros thrashers que entran como anillo al dedo, gran corte sin duda.

“Deadline” comienzo con palm mute para darle protagonismo al bajo durante los primeros compases, para dar comienzo al tema, el cual en líneas generales podemos considerar medio tempo dentro de Thrash Metal que practica el cuartelo romano, algo parecido ocurre con el siguiente corte “System Failure” en el que además en éste vuelven a los estribillo cargados de melodía vocal recordando algunas fases al Black Album de METALLICA. Con “The Terror” volvemos a dar velocidad Thrash a la composición, eso si con su leve toque Groove como siempre en los estribillos, que es donde más se notan esos toques.

En la parte final de este disco encontramos dos de los mejores cortes del disco, personalmente así lo pienso, “Shitstorm” y sobre todo “No God in Kolyma” son puro Thrash Metal de gran octanaje, imposible no estar moviendo la cabeza escuchando estos dos enormes cortes. Como broche final incluyen “Devoured” un corte instrumental con una técnica de que mezcla partes limpias con otra distorsionada más lenta para terminar este trabajo discográfico.

CARLOS BERMEJO |

7.8

8 EXORCISME (USA) VISCERAL LIFESTYLES

REDEFINING DARKNESS RECORDS, 2019

ENEMYNSIDE (ITA) CHAOS MACHINE

ROCKSHOTS RECORDS, 2019 “Chaos Machine” es el cuarto larga duración del cuarteto italiano formado inicialmente en 1994 bajo el nombre SCAPEGOAT, el cual cambaron en 1999 por su actual nombre ENEMYNSIDE. El disco salió al mercado el pasado veinticinco de octubre a través del sello disco48 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 71

Tan sólo dos temas es lo que forma este primer lanzamiento de la banda norteamericana EXORCISME, a medio camino entre estilos como el speed metal, el black metal e incluso el punk más salvaje y despiadado.

«Visceral Lifestyles» es una demo que sabe a poco, tiene una duración apróximada de unos siete minutos y ha sido publicado por Redefining Darkness Records (OXYGEN DESTROYER, UNEARTHLY, NOCTURNAL HOLLOW…), sello que procede de su misma ciudad (Cleveland, Ohio, USA).

La producción y sonido, vaya usted a saber por qué motivo, me ha recordado tremendamente a aquel «Schizophrenia» de SEPULTURA. Sí, así es, la propuesta no tiene demasiado que ver, pero bien por el tratamiento y efecto de las voces, envueltos por ese sentimiento crudo y áspero, bien por las guitarras y batería… es lo que me ha traído a la mente, que le vamos a hacer.

El caso es que esta dupla de canciones, no encierra demasiado misterio, son directas y agresivas, con riffs obsesivos y letras feas y llenas de blasfemias (echando una ojeada a la portada de este material, podrás adivinarlo).

Cierto es que son adictivos y su música engancha, pero no encontrarás innovaciones ni inventos extraños, sólo metal extremo tocado al viejo estilo y con mala uva, ni más ni menos.

Engancha a los viejos VENOM más rápidos y asesinos, el punk/metal de MOTÖRHEAD y la actitud y técnica de los suizos HELLHAMMER, como resultado obtendrás algo similar a este «Enter the Flames»; quizá el que más me ha gustado de los dos cortes y su sucesor «Behold Eternity», con el acelerador pisado a fondo y que incluye un solo cochambroso y horripilante que le da cierta gracia adicional.

EXORCISME es un tándem que forman el vocalista J.Plague que se ocupa de todas las letras y JH, que lo hace de los diferentes instrumentos y composiciones.

Grabado en los Alchemy Studios (también de su misma ciudad, todo queda en casa chicos!) y publicado en versión cassette en la segunda mitad del pasado año, esta es una interesante edición para aquellos oyentes que flipen con las vibraciones de grupos actuales como TOXIC HOLOCAUST, HELLRIPPER, MIDNIGHT… ROBIN RM |

7

fiesta de Metal Extremo.

FREAKINGS saca un trabajo que arrasa y sorprende por lo bien grabado. La batería cuenta con momentos de una producción que revienta y la hace uno de los puntos álgidos del trabajo. La voz y el bajo van acordes a una velocidad precisa y los buenos riff´s apuntalan todo el disco para hacer de “Rise of violence” una obra conceptual planificada para exterminar a todos cuanto se les pongan a tiro en un concierto. Gran disco.

SEBASTIÁN ABDALA |

8

FIT FOR AN AUTOPSY (USA) THE SEA OF TRAGIC BEASTS

NUCLEAR BLAST RECORDS, 2019

FREAKINGS (SWI) RISE OF VIOLENCE AUTOEDITADO, 2019 Cuarto disco de la banda de Thrash FREAKINGS en el cual hace gala de su experiencia y ferocidad en un golpe sin piedad llamado “Rise of violence”. El estilo descarnado y lleno de velocidad tiene un sonido, principalmente, increíble, nítido, grabado con la mayor de los cuidados. Comienza con un grito que se mantendrá en todo el disco “False prophets” es una muestra de lo que son, de lo que hacen. Con un estilo que se lo relaciona con aquel Thrash norteamericano llamado “Bay Area Movement” se lanzan sin temor alguno canción tras canción con buenos cambios de ritmo, de sonidos, haciendo que cada una de las piezas sean distintas entre sí aunque con el mismo sonido personalizado. Paso a paso la intensidad del disco va subiendo de mano de una batería desenfrenada que recuerda las mejores épocas de ese Hard-core, pero matizado con unas guitarras que cambian de ritmo en un instante. Incluso la banda va mutando a lo largo que progresa la grabación.

Violencia total con canciones como “Timebomb” o, justamente, “Rise of violence”, pero cuando verdaderamente suben más la velocidad y la fuerza es con “Dictator of hate” con una elaborada obra de odio, sustentado por una voz que hace parecer fácil gritar con esa ira. El bajo pasa a primer plano y allí se queda para ir soportando junto al Blast-beat las distintas velocidades que se imprimen en todo el disco.

Luego hay cosas más clásicas, al parecer, con títulos y odas como “Wash me with blood” que comienza y parece fundirse al dejar paso a “Brainwash” y “Nuclear Attack”, haciendo un tándem que, en directo, debe ser apoteósico.

Por lo pronto el disco es un fenómeno.

Los coros clásicos, también, están presentes y rugen en algunas canciones, trayendo cierto aire a Biohazard, y llegando al final del disco algunos trallazos de la guitarra lo ponen todavía más interesante, en la misma escala de violencia se lucen las cuerdas en “Psychedelic Warfare” y para cerrar en esta línea tenemos a “Time to thrash” dondela banda deja todo lo que pueda quedar en pie hecho migajas. Un riff escalado que abre para que el bajo y la batería hagan de la introducción una verdadera

Will Putney y compañía vuelven al ataque con este nuevo disco de la mano de la todo poderosa Nuclear Blast. Llevo varios meses enganchado a este disco, lo habré escuchado ya 30 veces, y tengo que hacer memoria para recordar las sensaciones de la primera escucha y enlazarlas, tras haber reposado convenientemente, en mis oídos.

FIT FOR AN AUTOPSY son una banda encuadrada dentro de la etiqueta de Deathcore. Etiqueta que siempre nos hace venir a la cabeza a bandas como THY ART IS MURDER, CARNIFEX y WHITECHAPEL, por nombrar las que más me han llamado la atención a lo largo de los años.

Desde aquel primigenio Deathcore de 18 VISIONS, varias son las bandas que he ido escuchando a lo largo de los años, siendo un estilo que nunca me llamó demasiado la atención, siendo más proclive al Death Metal, que a los blast beats combinados con breadowns procedentes de américa.

Con el paso del tiempo, el Deathcore, como no podía ser de otra manera, ha ido evolucionando y diversificándose, incorporando Groove y Djent (WHITECHAPEL y “Our Endless War”), derivando en Black-Death Metal de corte Europeo (CARNIFEX) o modernizándose en riffs y estructuras (THY ART IS MURDER). Y con ello, llamando más mi atención.

“The Sea Of The Tragic Beasts” es un álbum que incorpora 2 géneros a la fórmula de forma muy natural, creando un Cd variado pero a su vez coherente, quizá fácil de escuchar, donde el Metalcore y el Death Metal melódico más actual convierten a FIT FOR AN AUTOPSY en una banda con personalidad.

Sin duda, sigue existiendo patrones Deathcorianos como la propia “The Sea Of The Tragic Beasts”, que abre el disco, “No Man Is Without Fear” o la breve “Unloved”. Pero entre los surcos de los temas se escapan melodías más propias del metalcore. Basta escuchar “Your Pain Is Mine” o “Mourn”.

También le meten toques de bandas como THE BLACK DAHLIA MURDER que podemos ver en “Shepherd” o “Birds Of Prey”.

La guinda del pastel la ponen las personales “Warfare” y “Napalm Dreams”, donde podemos hablar de un estilo propio de la banda, difícil de enmarcar en algún cliché o etiqueta.

Consiguen así firmar un trabajo que los sube varios peldaños hacia el ansiado trono del estilo y, a su vez, establece distancias y diferencias con sus congéneres.

Podrá defraudar a los más puristas del género pero álbumes como este son los que dan un soplo de aire fresco a la música.

NACHO PEÑA |

10

GRAVERED (CHL)

GRIM COMET (ESP)

IRON BLOOD AND DEATH CORPORATION, 2019

ART GATES RECORDS, 2019

Seis son los temas que nos traen en este MCD del trío chileno GRAVERED. Una banda devota de los sonidos añejos, pesados, escalofriantes y monstruosos. Una introducción a piano, con una triste y lenta melodía da paso a los lentos y tortuosos riffs de “Classic Cult to Death”, que poco a poco van cogiendo mayor intensidad, acompañados por una oscura y abominable voz, que para mayor realce también se acompaña de voces más agudas y agresivas. Un tema bastante clásico dentro del estilo, que sin ser una copia ni plagio, nos trae a la mente el sonido del Death Metal nórdico de principios de los años noventa. Aunque hay que destacar, que aunque está bien hecho, no llega al nivel de calidad del logrado por aquellas bandas. Todo suena bastante estandarizado, las partes lentas son muy básicas y no terminan de ofrecer algo realmente destacable. “Outro (Ad sepulcrum)”, es una breve despedida de esta primera parte de la grabación, un tema también interpretado a piano, que vuelve a ofrecernos una triste, melancólica y algo siniestra melodía. Con “Non Cristo” continúa esta obra y la segunda parte de esta grabación, esta vez los siguientes 4 temas son sacados de un concierto en directo. Este es el tema más largo del MCD, con siete minutos que comienzan con un eclesiástico coro, acompañado de oscuras y demoníacas voces, una verdadera misa negra que nos mete en atmósfera, unos lentos y pesados riffs nos dan la bienvenida a este infierno terrenal. De nuevo una voz de ultratumba, nos transporta a ese Armagedón. Musicalmente es un tema más veloz en general, con un continuo golpeo de caja / bombo, y esas guitarras pesadas y ultra distorsionadas, que nos meten de lleno en este vórtice de maldad. Aquí debo destacar que la calidad sonora baja con respecto a la primera parte y aunque se escucha todo, bien es cierto, que hay momentos que algo más de nitidez aportaría una mayor clarividencia.

“Podrido” es el título del siguiente tema, que se presenta más agresivo y machacón. El estilo es el mismo que en temas anteriores, un Death Metal oscuro y pesado, pero se echa en falta una mayor calidad sonora, aunque hay que reconocer que este tipo de Death Metal, con este sonido, es mucho más brutal y oscuro, que es como fue esta música en sus inicios. Cierra la grabación “Coffins, Graves and Tombs”, otra verdadera oda a la muerte, a la podredumbre y a la putrefacción. Tema lleno de riffs lentos y otros más agresivos, que vuelven a tomar como referencia la esencia del Death Metal añejo, quizás aquí hay riffs bastante logrados y pegadizos, que pegan muy bien con el estilo de la banda y que aportan algo de variedad a la grabación, buen tema este que cierra el CD. Buena grabación de esta banda chilena, no mata la verdad, pero hay que reconocer que la ambientación en su música y su propuesta podría ser muy interesante en el futuro. Creo que si siguen trabajando pueden lograr algo con más personalidad, temas con un mayor impacto y que se queden en nuestra mente anclados. Por ello, quedo pendiente de próximas grabaciones, porque potencial hay, solo espero que la banda sea capaz de extraerlo y mostrárnoslo.

En la antigüedad, cuando éramos aún más gilipollas de lo que somos ahora, se pensaba que los cometas eran como una especie de heraldo de desgracias venideras, que anunciaban grandes pesares para los hombres, como venganza o castigo de los dioses. Por suerte, Tycho Brahe y Edmund Halley dedicaron sus estudios a verificar que eran simples y pasajeros cuerpos celestes. ¡Colorea y aprende con Teo! Por suerte o por desgracia, cuando miramos al cielo y vemos algún fenómeno astronómico, como una aurora boreal, una lluvia de estrellas o, como es este el caso, un cometa no podemos por menos de asombrarnos.

Así somos, unos monos vestidos que siguen asombrándose de según qué eventos. Así que sí, voy a actuar como uno de esos monos, y me voy a asombrar ante un cometa; pero en este caso, el asombro está justificado, porque la gente de GRIM COMET lo merece. Tres melenudos en plan power-trio, como CREAM, como ZZ TOP, como THIN LIZZY, como tantas y tantas bandas, como tantas y tantas leyendas… ¿Pero, hey, nena, guitarra, bajo y batería, qué más necesitas para menear el esqueleto? Porque aquí los amigos se han marcado un “Afterlife” que podríamos definir como una cátedra de media hora sobre la historia del Rock de los últimos ¿Cuarenta años?

Si el riff de apertura de “Dig up her bones” con su cadencia boogie-woogie tan ZZ TOP no te hace mover los pies, es que estás muerto en vida. Una de las cosas que más llama la atención a lo largo de este disco es la simplicidad que han desarrollado, pero ¡ojo, que simple no quiere decir, vacío, facilón o carente de filo!

Porque ponerte un “On & On” al 11 y empezar a menearte es inevitable, pero te das cuenta de la simplicidad, de la potencia, del músculo, de la garra… ¡fuera todo artificio, fuera la complejidad! Pura víscera, tocado y cantado desde las entrañas. ¡Como decía el gran LEMMY: It’s only Rock ‘n Roll! Pero como he dicho, no hacen falta grandes desarrollos instrumentales, grandes alardes técnicos, grandes mierdas pomposas. Tan sólo una guitarra, un buen riff, un estribillo, una base rítmica como un cañón… ¡Y GRIM COMET van sobrados de talento para crear ganchos que van directos al KO! Da igual por donde cojas el “Afterlife”, siempre te vas a encontrar algo bueno. Da igual que escuches el “A million suns” y descubras su aire THIN LIZZY (recordarás lo buenos que eran y de que ya no se hace música así). “Dead or Alive”, trallazo con un riff más gordo que MEAT LOAF, y una potencia y un groove acojonante.

Willy de Moya emulando las mejores líneas vocales de Papa Hetfield, pero sin esfuerzo, sin tanto ¡Yeah! y sin tanta mierda. Juanma Cayuela machacando tímbalas acompañado por Raul Cabañas cerrando filas y trabajando como el pulso que mantiene vivo al universo.

Músicos precisos, compenetrados, que trabajan cómodos, versátiles, ¡así da gusto escuchar a la gente tocando! “Over you” es más arrastrada, pero ¡Cómo se arrastra y qué solo de guitarra! Pero y ¿qué me decís del riffing de “All on me”? Cómo se mueven los tres en una misma dirección, con que swag (tal cual, qué insolencia y qué arrogancia).

Después de veinte vueltas, sigue molando 1000 el “Afterlife”. Desde los sonidos más Stoner o los riff más desérticos del “Born to die” y con su natural y orgánica manera de enlazar los estribillos con el solo melódico y de nuevo la voz de Willy acompañada por un bajo, una batería y una guitarra. Si es que no hace falta más. Este disco es un constante recordatorio de que simple no es fácil, pero que simple

CULT TO...

AFTERLIFE

LUIS MARTÍNEZ |

7

es mejor. Por ejemplo, la reflexiva y oscura (y muy ALICE IN CHAINS) “In the Dark”, ¿para qué más? Todo está ahí, en su cantidad exacta, nada sobra, nada falta. Pero y ¿qué te creías, que iban a despedir el disco con el “A million Suns”? ¡Qué va! Justo después de ese trallazo, redondean la despedida con un “Azabache”, aires sureños, flamencos en concreto, y ¿Qué crees? ¿Qué desentona? ¿Qué es una cantada? ¡Pues no! Ahí te lo dejan los GRIM COMET para que te quedes boquiabierto, pensando que eran “otra” banda de Stoner… KYUSS eran una banda Stoner, y no hay nada malo en ello, pero, se me ocurre pensar al cierre de esta review, que, bandas como LOS NATAS también empezaron como Stoner, pero que fueron evolucionando para expandirse más allá de las fronteras del género.

Un paso más en la andadura de esta banda, demostrando algo muy escaso hoy en día: identidad. Si a eso le añadimos buenos riffs, actitud, destreza compositiva y evolución pero con un ojo en el pasado para no perder la perspectiva… pues ¿qué quereis que os diga? Tenemos GRIM COMET (y celebración por dicho motivo) para rato. “Afterlife” es buena prueba de ello.

CESAR LUIS MORALES |

zás de lo más intenso del álbum y volverá locos a los fanáticos de temas que desprenden tanta intensidad.

Me ha gustado este “Culto Morbido”, un álbum que no aporta novedades al mundo de la música, pero que tiene muchos puntos positivo; está bien grabado, tiene once temas que en ningún momento caen en el aburrimiento o pesadez, ya que es tal la intensidad que desprenden que no dejan indiferente al oyente, los músicos cumplen de sobra en todo momento y es música hecha con cojones y mala hostia. Hazte con este álbum sin duda si lo tuyo es este estilo, porque no te arrepentirás, una sorpresa sin duda!

LUIS MARTÍNEZ |

8.5

10 HEREJIA (ESP) LA QUINTA HEREJIA

DUQUE PRODUCCIONES, 2019

HELLSODOMY (TUR) MORBID CULT

SATURNAL RECORDS, 2019 Segundo álbum del cuarteto turco HELLSODOMY, que en un año adelante harán su primera década como banda. Este pasado año 2019 editaron estas once canciones que aquí nos ofrecen de un agresivo, veloz y asesino, Death Metal con algún que otro aroma al más agresivo Thrash Metal que se practicaba en Centro Europa a mediados de los años ochenta, cosa que aporta una dosis de macarrismo que se agradece. También hay que destacar que si la cosa no era lo suficientemente violenta, hay muchas partes a puro “blastbeat” que añaden intensidad a esta grabación.

El cuarteto no destaca por ofrecer una música de corte técnico, sino que lo suyo va hacia el lado de la velocidad, temas directos, que tampoco significa simpleza, porque los cambios de ritmo son constantes y las estructuras tampoco resultan monótonas o anquilosadas en largos riffs repetidos una tras otra. Aquí se va cambiando de riffs a medio tiempos a otros veloces o ultra veloces, para dar una mayor sensación de intranquilidad y hay que decir que la banda lo consigue, porque es un álbum que destila una hedor virulento admirable. Pero todo muy bien hecho, porque no pensemos que los riffs no tienen sentido, sino que todo está bien construido, sí que hay veces que parece que este o aquél riff los hemos escuchado antes, pero todo suena muy personal y la banda va mezclando estilos con facilidad. “Charged To Kill” es un tema que, en su comienzo, bien podrían haber firmado unos antiguos SLAYER, KREATOR, MORBID SAINT,… para pasar a pura velocidad y una voz desgarrada, pero a la vez oscura, que casa perfectamente con el estilo de la banda. “Pestilence of Black Blood” es puro Death Metal, con riffs veloces, otros pesados y acabando con una breve sección algo más oscura y que me ha recordado en la melodía utilizada a otros compatriotas suyos como ENGULFED o BURIAL INVOCATION. “From the Seed to the Graves” es un tema muy rítmico, pero que nos mantiene en vilo con una sección de riffs con mucho Groove, que van mezclando sabiamente con otros veloces, para terminar a toda velocidad y ese estribillo repetido constantemente que nos mete en unos solos de guitarra agresivos como pocos y se clavan en nuestra mente como estacas. “Hateclan” es puro odio sonoro, velocidad y contundencia a todo meter, qui-

Desde Cantabria y a través de Duque Producciones, nos llega el segundo trabajo de HEREJIA, bajo en nombre de “La Quinta Herejia”, donde dan un vuelco a su estilo anterior centrado en el power metal para dejarnos una muestra del autentico heavy metal ochentero en sus diez nuevos cortes. Para obtener su sonido han trabajado con Dani G de DARKSUN en los Estudios Dynamita de Asturias, que le han otorgado un toque muy limpio y equilibrado, en el que encontrar influencias que van desde JUDAS PRIEST o RIOT, a PRIMAL FEAR o KING DIAMOND. Tras “Pangea”, una introducción musical épica con las guitarras dobladas de Borja Díaz y Rubén Fernández, dan paso a “Quinta Herejía”, donde el dúo, vuelven a destacar con unos riffs y unas melodías muy ochenteras, pero a su vez poderosas, como poderosa es la voz de Enrique Nieto, otro puntal de la banda, que en sus estrofas con un bajo muy presente por Antonio Celis, nos engancha y nos lleva hacia una parte central muy KING DIAMOND, con un falsete imposible. “Hasta Morir”, tiene un toque más rockero donde el cabalgar del bajo sirve de soporte a la voz en las estrofas, con un estribillo muy coreable en los directos, acelerando el pulso con “Tu Nombre”, recordándome a los grandes momentos de SARATOGA, con un heavy metal clásico y enérgico, en uno de los cortes destacados del álbum.

Con “Soy Como Soy”, endurecen sus riffs y agravan sus notas, otorgándole un toque de oscuridad al álbum, y añadiendo variedad a su concepto musical, que con “Libre” retoman el auge más clásico con unos coros en estribillo made in heavy metal, además del continuo cabalgar. Y como no podía faltar, la balada del disco se llama “Ahora yo”, y aunque la primera parte se me hace muy lenta, el cambio musical a medio camino de la canción le da mucha fuerza y envuelve en magia uno de los cortes más largos del álbum. Jonathan Fernández a la batería se emplea a fondo en “Resurrección”, otro de los cortes que más me gustan, ya que posee una potencia distinta, y un halo épico en su estribillo que a buen seguro será uno de sus temas icónicos en directo, con un gran trabajo vocal por parte de Enrique.

“El Viaje Más Largo (Ítaca)”, retoma una de las epopeyas más grandes de la mitología griega, y el tema recrea ese viaje con música, haciéndolo muy épico, con un mensaje esperanzador, donde los coros le dan ese toque guerrero y Enrique aparta todos los obstáculos con su voz, en una parte central con un giro musical, donde la incertidumbre confirma el fin de la aventura, con agudos imposibles y unas melodías repletas de aventuras que nos acercan al final con “Te Quiero Atrapar”, un corte que condensa todo lo que HEREJIA pretende transmitirnos, en su vuelta al ruedo, con un álbum que hará las delicias de todo heavy metalero nacional y latinoamericano que se

preste a escucharlo.

JUAN ANGEL MARTOS |

7.5

HYSTERIA (FRA)

FROM THE ABYSS... TO THE FLESH ADIPOCERE RECORDS, 2019

HYPERBOREA (BUL) UMBRA

ART GATES RECORDS, 2019 Pues desde los tiempos de la Antigua Grecia nos llega el concepto de Hiperbórea, que traducido, viene a ser “más allá del norte”. Para los griegos, comprendía aquellos terrenos desconocidos y salvajes más allá de la región de la Tracia (lo que actualmente comprende la zona oriental de Bulgaria y toda la zona en torno a Estambul). Fuera del régimen de la Polis griegas y de la cultura, estaba Hiperbórea. ¡Colorea y aprende con Teo! Así que si una banda sale de la capital de Bulgaria, Sofía y se otorga como nombre el de HYPERBOREA, vamos a levantar las orejas como buen perro de caza y escuchar lo que estos hiperbóreos nos tienen que ofrecer. Más de veinte años de carrera a las espaldas y por desgracia, un largo parón de doce años entre “Cryogenic Somnia” (2007) y “Umbra” (2019).

Este su último trabajo presenta una formación renovada con nuevo voceras, Dancho Ivanov, y nuevo baterista, Antonis Trochopoulos. Tras la breve introducción de advertencia de Jung (sí, el psicoanalista, Carl Gustav Jung) empezamos la fiesta con “Home of my misery” y a correr: el recién llegado aporreador se despacha a gusto con velocísimas intervenciones sobre las que los dos guitarras, Yordan Kanchev y Andrey Andronov, machacan e intercambian riffs abrasivos con multiples cambios de ritmo, pero donde predomina la velocidad sí, pero una velocidad precisa, nítida y clara.

Por el contrario, la apertura de “From within” tiene unos riffs muy de la escuela del Nü Metal, pero no asustarse los muy puristas, que simplemente es que esta gente vive en el siglo XXI y saben lo que les gusta y no tienen miedo a probar cosas, porque luego volvemos a la leña burra, a la aceleración y al crujido del Death Metal, formando un híbrido de lo más interesante. “Silent Stream” comienza con unos potentes y grandilocuentes acordes, como si fuese un Melodic Death Metal, pero HYPERBOREA siguen esa senda bruta y cazurra, armando un tema que deambula entre los estilos. “Supremacists” ya desde el inicio abruma con un arsenal de riffs traídos de la vieja escuela, tipo SLAYER, con esos solos retorcidos y tirando de palanca de tremolo.

“Two extremities” sigue siendo lo mismo que todo el disco, abrasión pura y dura por la cara, con una línea de bateria bombeante, los dos guitarras corriendo arriba y abajo por el mástil como cabrones, en una carrera contra sí mismos.

“Unwelcome” es un monstruo a medio tiempo que avanza aplastando a la humanidad, abandonando los cánones del Death Metal más clásico y adentrándose en una versión más moderna del estilo, aunque sin olvidar el esqueleto de dobles bombos a todo trapo y guitarras en plan motosierra. Lo mismo ocurre con “Wrong Planet Syndrome” que abrasa para saltar a la final y larga “Atavistic Fear”, un tema con un inicio acústico que camina sobre riffs más Thrash, con aceleraciones y parones brutales que dejan la impronta de la calidad de la banda.

Lo que descubre uno en estos días. HYPERBOREA, la gente más allá del norte, unos búlgaros que llevan más de veinte años dándole a tu cuerpo alegría, Macarena. Y más de una década parados que no les ha afectado para nada al filo compositivo; si no lo crees, escucha la muestra que te han dejado con este, “Umbra”.

CESAR LUIS MORALES |

8-

Nuevo EP del cuarteto de Lyon HYSTERIA, donde la banda ofrece un Death Metal que por momentos roza otros estilos, como el Doom, el Black, el Melodic aunque predominantemente su música es un Death Metal, muy variado eso sí y que suena realmente bien, por las bien pensadas composiciones.

Desde el primer tema instrumental, y que podría servir de intro, se aprecian influencias de bandas espesas, tristes y melancólicas, ya que la melodía compuesta, nos introduce en un mundo marchito y sin vida, pero a la vez, con esa tristeza de la vida que se acaba y no volverá. “Your Pain My Revenge” es el tema que continua la grabación y donde se explora una amplia gama de sonidos, atmósferas y sensaciones. Sin duda, el grupo no han escatimado, ni limitado, sus influencias y la música tanto puede ofrecer ritmos y riffs, puramente Death Metal yanqui, como comenzar con secciones de riff redoblado en cuerda, que podrían venir de cualquier banda nórdica, ya que las melodías así nos acompañan y se quedan pegadas en nuestra mente, dando paso a riffs veloces, acompañados de voces guturales u otras más desgarradas, que rozan el Black. “From the Abyss… To the Flesh” es el tercer tema, y donde siguen una onda similar al anterior tema, aunque hay riffs que podrían ser compuestos por unos magníficos PARADISE LOST, y que dan paso a otros donde se nota una leve influencia de bandas más épicas y casi cercanos al Viking Metal, todo muy bien hilvanado y conjuntado, haciendo que el tema fluya de forma genial y se disfrute en todo momento.

Desde aquí el Extended Play nos ofrece tres temas “Bonus” en directo, grabados en el Sylak Open Air, con muy buen sonido y donde la banda demuestra su excelente potencial en directo. Los temas que nos ofrecen son de su anterior larga duración “Flesh, Humiliation and Irreligious Deviance”, con los temas “Sadistic Deviance”, “O Father” y “The Unhealthy Signature”.

Buen EP el que nos ofrece este cuarteto, el cual da muestra del potencial de esta banda, espero escuchar su próximo álbum porque este EP es un adelanto que deja con ganas de más.

LUIS MARTÍNEZ |

8

INFAMY (IND) AGE OF DECEIT

AUTOEDITADO, 2019 Desde el misterioso sub-continente de la India nos llega un disco lleno de maldad y velocidad: “Age of deceit” de la banda INFAMY. Un lanzamiento que contiene todos esos ingredientes para los amantes del Hard y Metal Rock agresivo de los ´80´s con toques de Heavy que los hace una propuesta interesante.

Comienza el disco “Hellfire” con muestras de lo que cada músico es capaz de hacer, una

canción rápida, equilibrada y donde la voz, lejos de esos tonos agudos típicos, aprovecha un tono más bajo para jugar con la oscuridad intensa de un disco con sonido de clásico.

Siguen “Fatal freedom” y “Age of deception” como golpes al pecho, la velocidad, el tempo, es siempre el mismo, lo cual lo hace más interesante en cuanto hay un cambio de ritmo, pero previsible. Los riff´s de las guitarras son el punto fuerte de la banda, haciendo que cada canción, que se repite en estructura, tenga ese toque particular, elaborados y sin grandes aspavientos, para ir ganando fuerzas antes de cerrar cada pieza. “Days of retribution” mantiene el tono, pero aquí se le da espacio a la labor de cada integrante, con una batería muy agresiva y que se esfuerza más por llevar un par de tempos complicados pero bien pulidos para que la voz no lleve todo el peso.

Lo mejor para el final: “Smoking gun”, cambiando el tono de todo cuanto habíamos escuchado, incluso la voz, parece estar relajadamente a la expectativa detrás de una batería que entra derribando todas las paredes. Utilizan ese “caos” compositivo Metal que recuerda a MOTORHEAD o BADLANDS, combinando leves cambios de ritmo con una potencia arrolladora, para a mitad de canción tirarnos todo lo que tienen encima haciendo un puente que dura casi dos minutos de un instrumental altamente entretenido.

Si bien las estructuras de las canciones son casi iguales, el trabajo creativo está bien aprovechado para dejar que las referencias que los hacen ser INFAMY nos mantengan cómodos, sintiendo que ya escuchamos este sonido, y eso es algo positivo. En cuanto a estilos podemos decir que este es un disco que a los amantes del Rock duro clásico, con mucho de Heavy en cuanto a guitarras y más de Metal agresivo a la hora de terminar de poner el lazo a un buen disco de Rock, de los que llamo para carretera, sin espacio para la tranquilidad, y con años de hacer escuela en los clásicos, bien representados en este “Age of deceit”.

SEBASTIÁN ABDALA |

7

que carece de fin. Brillante.

Vemos que en este disco han intentado volcar más inquietudes que me llevan a rincones desangelados de ese Stoner apenas sugerido en algunas introducciones, que no tiene fisuras y que, simplemente, está bueno y hace la “balada” del disco. Luego cambia todo de repente. La voz melódica quiere estar tan alejada, desértica casi, para crear el ambiente perfecto en una entrada de todo el conjunto de cuerdas y una batería que pasa de un Metal Extremo al Alternativo como cambia una veleta por el viento de la tormenta. Esto carece de todo tipo de etiquetas, es Música, con mayúsculas, lista para entrar en tu cabeza y arrasar con fríos vientos aquello que todavía deje en pie alguna tristeza.

Pasamos de lentos ritmos a trepidantes pantallazos de Death Metal más crudo, más estructurado para dejar que se convierta todo en una orquestación perfecta y rítmica. Los guturales se intercalan con tonos melódicos muy bien conseguidos, y las guitarras se pasean de lado a lado para que no olvidemos que toda esta oda sigue siendo un disco que mezcla y fusiona estilos.

La poética en las letras y los nombres hace un contrapunto con la ejecución; hablo de “Huntress Moon” y “Tribunal of sun” como dos piezas que representan el juicio de valores matutino a la sangre derramada la noche anterior. Toda esta furia para dar paso a la extensa y orquestada a la perfección “The lost outpost”, una obra que funciona como el cierre perfecto para un nuevo paso en la carrera de IN MOURNING. Los detalles se aprecian a la perfección, cada nota está puesta allí para poder jugar con esa teatralidad ya no tan visceral como oscura y triste.

Para los que se orientan mejor con etiquetas, aquí tenemos Death&Black Metal… con ese toque de Post y algo menos de Progresivo, pero con la idea conceptual muy bien trabajada y sin fisuras a lo largo de todo el trabajo.

Las voces hacen un juego perfecto para afrontar los extensos puentes musicales y que no aburra. Sin desperdicios: IN MOURNING ha sacado un disco que los proyecta a una nueva etapa. Los fanáticos agradecidos por no repetirse, al contrario, experimentar constantemente para renovar cada nueva idea y no sonar a reminiscencias de mentes cerradas.

SEBASTIÁN ABDALA |

9

IN MOURNING (SWE) SHADOW OF STORM

AGONIA RECORDS, 2019 La banda sueca IN MOURNING ha lanzado un nuevo y excelente trabajo que mezcla todo aquello que a lo largo de su existencia ha ido proponiendo: “Garden of storms” es un disco que combina todo lo bueno de lo técnico del Metal Extremo, con unas ondas poéticas y sentidas en tramos del trabajo que lo hacen casi perfecto. Exploran zonas de melodías que anteriormente no habíamos visto y dejan de lado, por completo, la parte Gótica de su ADN. Con base renovada (bajo y batería nuevos en 2018) se lanzan a un océano de oscuras aguas donde abre “Black Storm” una terrible y poderosa canción que parece escrita en medio de interminables lluvias que nos abrazan con esa desesperación propia del Melodic y el Post, para dejarnos estáticos y, casi sin querer, pasar a otro capítulo que ya tiene algo más de Metal Progresivo, sin perder esa variedad que confunde por un rato y nos va llevando hasta una extensa canción muy bien ejecutada.

La mística y la teatralidad entran en escena con “Hierophant” para seguir desplegando unas melodías que cambian de ritmo de modo casi imperceptible. Las bases se encastran de manera lúcida con las guitarras para dar paso a pequeños tramos de éxtasis a cargo de un solo de guitarra que encaja de manera perfecta sin excederse. Estamos ante un sacrificio, la banda se pone a cabalgar sobre el punteo del bajo, haciendo que todo suene veloz y potente. Un breve respiro, parece que todo acaba, y de nuevo a montar en una ola

IRON FLESH (FRA) FORGED FAITH BLEEDING

EPICTURAL PRODUCTION, 2019 Los Death metaleros IRON FLESH lanzaron el 1 de mayo de 2019 su primer L.P «Forged Faith Bleeding» con el apoyo del sello Epictural Production.

Su formación es la siguiente: Seb (bajo), Guilhem (batería), Sylver (guitarra), Julien (guitarra y voz).

El más claro ejemplo de cómo sonar retro pero no manido lo encontramos en el Elepé que protagoniza las líneas que ahora leéis. La verdad, he quedado gratamente sorprendido con la propuesta musical de los franceses. Su principal virtud es que no ofrendan una y otra vez la misma tonada, haciendo su escucha amena e impidiendo que cualquiera que le dé al play deje de prestarle atención. En general, he tenido la sensación de que los mid tempos les han ganado terreno a los instantes acelerados. No obstante, os garantizo que no falta la velocidad. Como punto en contra, está… como decirlo… el pedal de distorsión que usan. A ver, ¿es que han regalado un HM2 por cada compra de púas o juego de cuerdas?

Creo que se está sobre explotando ese efecto en la actualidad. De la portada no tengo mucho que decir. Macabra y en blanco y negro, – menos el logo del combo- pero ante todo NUM. 71 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 51

correcta.

Dobles tonos y armonías, tremolo picking, partes pausadas… Sí, hablo de las cualidades de las seis cuerdas y sus características.

Lástima la ausencia casi total de solos. En las últimas «To the Land of Darkness & Deep Shadow» y «Where Universe Collide» introducen clean vocals que se unen con los clásicos growls. En el resto, únicamente degustaréis guturales a troche y moche. Como os comentaba un poco más arriba, creo que la rotundidad predomina más que la rapidez. Lo que no se puede negar de ninguna de las maneras es que la percusión es dinámica a más no poder.

Lo mismo os despellejan a blast beats y que os machacan con mid o down tempos.

Aluciné especialmente con «Invade, Conquer & Dominate» y «Red Sky Aeon». ¡Ponéosla si tenéis lo que hay que tener!. «Metal Muerto» de alto octanaje que gustará a los amantes del susodicho género.

JESÚS MUÑOZ CABALLERO |

7

ISSUES (USA)

BEAUTIFUL OBLIVION RISE RECORDS, 2019 Han tardado 2 años en escribir este nuevo álbum los chicos de Atlanta pero, el año pasado, salía “Beautiful Oblivion” y, seguramente, much@s ya hayáis disfrutado de este disco.

Para los curiosos o los despistados, está esta reseña.

Obviamente, si te gusta esta banda, sabes que te vas a encontrar música muy comercial. Seguramente, por este motivo, mucha gente lo descarte. Pero, lo cierto, es que este disco está muy bien compuesto y está bastante bien.

ISSUES son una banda que ha conseguido aunar a la perfección, con este disco, el metalcore más moderno (aires djent) con el NuMetal y el R&B. La producción es impecable así como la ejecución. La cantidad de arreglos, fuera de guitarras y demás, es numerosa, al nivel de una superproducción.

He de decir que, claro, soy una persona que escucha más que metal y, en especial determinada música electrónica o R&B me gusta. Y es que, de este último, tenemos unas armonías vocales que perfectamente podrían estar en los 40 principales. Los JACKSON 5 o el propio MICHAEL JACKSON me vienen a la cabeza, así como artistas más modernos como KATY PERRY, KESHA (¡sin coñas!) o los MAROON 5.

La parte “metalera” es un sonido gravote de guitarras con ritmos entrecortados djent y ciertos patrones rítmicos propios del NuMetalcore. Y es que dentro del metalcore, hay una cierta tendencia con este género, que nos da un poco de aire fresco a los manidos estilos mencionados (Ejemplo, VOLUMES).

No se han quedado cortos en temas, hasta un total de 13, dentro de los cuales destacaría sobre todo: “Here´s To You”, “Find Forever”, “Without You” y, el mejor para mí, “Downfall”, por el intenso regusto a MICHAEL JACKSON meets Metal que tienen.

ISSUES perfectamente podrían ser pinchados en los bares NO metal. Es lo que pretenden, sonar así. No lo esconden.

Like it or not discazo.

NACHO PEÑA |

10

puede ser prescindible. “Body of Ligth” tiene esa potencia del clásico, de un par de gamberros que llegan con chaquetas ajadas de cuero, bucles mal peinados y camisetas de Jack Daniels descoloridas, para subirse a un escenario pequeño en algún local de Edimburgo, y despeinarte el espíritu, mientras vas llenando el vacío que te generan con cerveza.

KING WITCH está recomendado para quienes gozan de riff´s electrizantes, detalles y arreglos que apenas modifican la pureza de una cantante con voz de acero. Para los que exigen a una banda que no necesita trabajo de post producción.

JERKSTORE (DNK)

KING WITCH (GBR)

ART GATES RECORDS, 2019

LISTENABLE RECORDS, 2020

JERKSTORE saca un nuevo disco para sumar a su extensa carrera que dio comienzos allá por 1995- “The great time robery” Es un disco que, como las bandas que llevan mucho tiempo formando parte de la escena, es complicado de definir. Eso es un alivio, porque simplifica la reseña a la hora de contar de qué va el concepto.

Con un sonido clásico, fuerte y bien producido (ventajas que da la edad a algunos músicos) nos encontramos con un trabajo plagado de unas guitarras bien agresivas, una batería potente y que cambia de ritmo sin complejos, y esas voces poco cálidas, cabreadas y con un tono que en ningún momento es virtuoso pero que sabe cómo llegar a unas notas interesantes.

El trabajo, extenso y variado, puede competir tranquilamente en varios estilos, “Piles of excuses” y “Hall of mirrors” son dos muestras de una claridad compositiva que roza el “hitradio” pero con esa clase envolvente en un sonido liderado por unos riff´s de guitarras compuestos en la misma línea, pero como coros conductores a estribillos que buscan el gancho. Muchas veces lo consiguen.

Pasamos a una faceta más marcada en cuanto a instrumentación, con una intro que busca cierto ambiente tragicómico, con una apuesta por volver a sonidos que son efectivos, buenas estructuras y ciertas similitudes con esa movida “Metal-Grunge” que nos lleva a esa estirpe de bandas como SOUNDGARDEN. Antes del ecuador la furia se suaviza un poco, y nos metemos de lleno en ciertos aspectos que pueden parecer novedosos para la banda, pero que ya han ensayado en discos anteriores. Los comienzos son tranquilos, pero en algún momento, más que a potencia, cambia de marcha a una oscuridad que puede sonar a NEUROTIC OUTSIDERS. El resto del disco se difumina un poco con experimentos que no quedan muy claro a dónde van, sonidos que coquetean con el Country para terminar convirtiéndose en versiones que tiran más al Pop, sobre todo por algunos coros que, si fueran tirados con guturales, pondría sin lugar a dudas que es ese Melodic Metal facilón… pero no lo hace, entonces cambia el tempo y no está mal del todo la idea, se nota que quieren ser ellos mismos. Lo más interesante es que estamos ante una banda experimentada y, como tal, tiene muy claras sus influencias y, sobre todo, que han sobrevivido a ellas, y que JERKSTORE fue parte de esa escena que muchos descubrimos con 20 años.

“The great robery” está compuesto por 11 canciones diferentes, con una temática clara en cuanto a cómo sonar, referencias inevitables que ellos mismos han construido a lo largo de su carrera. Tal vez sea un poco extenso, si buscamos algo que suene bien, es el disco adecuado, plagado de canciones que, parece, han sido compuestas para ser “radiables”: esto no es malo, es simplemente lo que un grupo de tipos quiere hacer… Y si han sobrevivido juntos tantos años, creo que se han ganado el derecho. Específico para quienes no sufran de prejuicios ante nada novedoso ejecutado por buenos músicos; repito, ellos estuvieron ahí cuando esto era nuevo.

La banda escocesa de Metal KING WITCH ha sacado su tercer disco (segundo larga duración) llamado “Body of litgh”. Cada canción no tiene desperdicio, está cargado con poderosas interpretaciones vocales, riff´s de guitarras clásicos, progresivos y técnicos; sumado a unas bases de batería y bajo capaces de demoler cuanto le pongan por delante. ¿Esto es Heavy? Sí. ¿Puede ponerse dentro de las pobres etiquetas que maneja el lenguaje “especializado”? No. Nos encontramos con unas exasperantes mezclas de Doom, Clásico y sobre todo, un virtuosismo en cada uno de los integrantes que se superan a sí mismos canción tras canción.

Dentro del argumento épico de narraciones históricas, las estructuras de las canciones van cambiando de un tramo a otro del disco, compuesto con esa ferocidad desesperada por salir a la luz de los tempranos años ´70´s, donde el Progresivo estaba comenzando a desprenderse como estilo “per-se”, pues la gente de KING WITCH han tomado esa época como punto de partida, y lo reflejan en “Of rock and Stone” y “Call of the hunter”. Una canción maravillosa que comienza con una densidad Doom, lento fluir de los espacios musicales, para luego de un puente breve y cadencioso, saltar con una sucesión de riff´s que te ponen los pelos de punta. La voz se dedica a narrar con su propio ritmo, con versatilidad asombrosa. Pasa de unos tonos bajos a registros más altos. Pero lo más llamativo es que su voz grave, lo cual le suma una presencia más intensa, toma vuelo y sube a melodías sostenidas y cambia por completo la tonalidad sin salir de afinación. Todo esto con mucha potencia.

El largo camino de “Body of ligth” se hace cambiante, con toques épicos y con cierta oscuridad que van transitando en lentos comienzos, canciones que parecen serán instrumentales, desde leves oscuridades va amaneciendo la voz, para gobernar el ambiente sobre la tranquilidad. Punto extra el de la batería que suena clásica, en el punto justo, sin demasiado brillo, con ese toque de opacidad, encastrando con el bajo para que, llegado el momento, la guitarra se ponga frenética y despiece toda la historia y, de nuevo, un cambio de ritmo con tintes progresivos con la voz que se salta todas las normas y te estremece.

Las épicas “Return to dust” y “Orden from chaos” cuentan con mucho de esta descripción, todo conjugado con ese salvajismo natural de una banda de rock haciendo lo que quiere, conectando a través de ideas simples pero ejecutadas de forma maravillosa. Cuando quieren resaltar todos a la vez esperan a que la voz suelte un buen alarido, lanzan un puente Técnico y de nuevo a la densidad del ambiente que proponen a lo largo del trabajo.

“Solstice I” es realmente épica. Una suavidad durante todo un entramado que se recuesta en sonidos clásicos, arpegios muy progresivos y una espiritualidad llena de melancolía. La voz es la de una hechicera, narrando historias lejanas de seres ancestrales, nos va conduciendo como una chamana a un estado meditativo donde, lentamente, nos dejamos introducir.

“Witches Mark” deja toda luz a un lado, y se pone eléctrica, como este tramo final del disco. Ya hay una violencia, un cambio total en las estructuras y nos deja ver otro costado del grupo. Los sonidos son complejos dejando que la batería hacen que tome más color la brutalidad de la voz.

Muchas veces el Heavy tiene además de una excelente producción musical, demasiado brillo, muchos artilugios de un hedonismo que

THE GREAT TIME ROBERY

SEBASTIÁN ABDALA |

52 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 71

SEBASTIÁN ABDALA |

9.5

BODY OF LIGHT

7

KUBLAI KHAN TX (USA) ABSOLUTE

RISE RECORDS, 2019 Lo nuevo de los estadounidenses KUBLAI KHAN TX se llama “Absolute” y sale al mercado editado por el sello discográfico Rise Records. Este cuarto trabajo está compuesto por diez temas cargados de pura fuerza.

Formados en 2009 en Sherman, Texas, el grupo está compuesto por Matt Honeycutt a la voz, Nolan Ashley en la guitarra y coros, Eric English al bajo y coros y Isaac Lamb en la batería.

Comenzamos escuchando “Armor of Goddamn”, una introducción bastante lenta, dándonos sonidos de un ambiente oscuro, que rompe al momento con unas guitarras super pesadas y una batería de fondo con unos golpes super contundentes. En las voces, no dejan con un gutural super agresivo, que mantiene un tono potentes todo el rato, hasta pasar a escuchar “Boomslang” donde este gutural se mantiene, generando una agresividad increíble. Mantienen ritmos lentos pero potentes, gobernados por sonidos graves, intercambiando fuerzas entre las diferentes guitarras y apoyándose en una batería con una pegada abismal.

“Self-Destruct” es el quinto tema del trabajo, que nos abre con unas guitarras bastante rápidas, que al grito de la voz, se tornan en composiciones mucho más pesadas, fundiéndose con la batería en una composición super agresiva, con riffs llenos de potencia. Todo eso se ensalza con un gutural que en ningún momento baja la potencia. Nos encontramos con ciertas partes de locuciones, que dan algo más de protagonismo a una instrumentación que suena por encima de todo y sobre a todo a un bajo, que en ciertos cortes, suena solo, cerrando el tema con una potencia brutal.

Acercándonos al final suena “High Hopes” donde desde el primer momento la voz nos abre con una agresividad pasmosa, para sumarse a ella unas guitarras y batería super potentes, donde todos los riffs derrochan agresividad por todos lados. Generan una sensación de furia brutal, sobre todo por una voz gutural, cargada de potencia, donde los gritos graves, crean esa sensación de fuerza bruta de una manera magistral, muy parecido a lo que pasa en el último tema del trabajo, “Before It’s Too Late” donde la voz gutural hace acto de presencia y coge un protagonismo en la fuerza de muy buena manera. A esto le sumamos los pequeños coros que introducen de vez en cuando, que nos deja con una línea vocal sorprendentemente potente. En poco más de tres minutos, nos deleitan con un tema super agresivo, donde el bajo toma bastante protagonismo, desplazando un poco a la guitarra, y tomando un poco las riendas de la potencia, cosa que hace de manera magistral. Sin duda un buen tema para acabar por todo lo alto, cerrando pasando al silencio, y haciendo un contraste abismal con los ritmos agresivos que nos mostraron anteriormente.

Este cuarto LP de KUBLAI KHAN TX les hace mantenerse en una línea bastante conservadora, volviendo a mostrarnos su cara más potente y bruta, mediante composiciones cargadas de fuerza, con riffs y sonidos graves y una voz gutural super potente que no decae en ninguno de los diez temas. Mantienen su esencia, y eso les hace bien, consiguiendo un disco bastante sólido, con temas cortos pero directos, y bastante variados a pesar de su duración y su composición. Sin duda alguna, un trabajo bastante bueno, muy potente, bien ejecutado, producido y con una fuerza increíble, que nos hará disfrutar de cada uno de los temas que los forman.

JORGE DE LA CRUZ |

muchas bandas de este palo adolecen. LEGENDRY por tanto se une con su tercer trabajo a las hordas de bandas de metal tradicional de Estados Unidos y si siguen así prometen grandes cosas. Aunque si quieren salir del sonido underground tendrán que modificar la producción y presentación de su trabajo (nadie dice que lo tengan que hacer, ojo).

DANIEL GALLAR |

7.5

8

MANO DE PIEDRA (ESP) TODAY’S ASHES

AUTOEDITADO, 2019

LEGENDRY (USA)

THE WIZARD AND THE TOWER KEEP HIGH ROLLER RECORDS, 2019 Está claro que el heavy clásico, o el New Wave of Traditional Heavy Metal (NWOTHM), está muy de moda desde hace ya unos cuantos años con bandas como ENFORCER, SKULL FIST, CAULDRON, AMBUSH, HOLY GRAIL o RAM a la cabeza de este movimiento que emula y añora aquellos años prolíficos y dorados del heavy de los ochenta (aunque muchos de sus miembros eran bebés de teta por aquellos tiempos o incluso todavía nadaban y nadaban dentro de los testículos de sus papás). Dentro de este renacimiento o “revival” de este género hay bandas que han optado por derroteros más épicos, como los formidables VISIGOTH, y LEGENDRY es una de ellas. El trío norteamericano ya ha sacado dos larga duración, y este tercer trabajo «The Wizard And The Tower Keep» es su debut con la incombustible High Roller. Se trata de un álbum conceptual curiosamente basado en la novela homónima de su frontman Vidarr (voz y guitarra).

El disco se escucha bien y tiene cierto halo de autenticidad que viene acentuado por el sonido un poco hasta maquetero que impregna a la obra. La verdad es que queda bien. De la portada se podría decir lo mismo… es un poco como “low budget” pero hace que todo quede bastante genuino. Me pregunto si era lo que andaban buscando… a mí me da que sí.

Vayamos a los temas. Tres de las siete canciones están por debajo de la marca de siete minutos. El tema más épico sin duda es «Sorcery’s Bane», un tema cautivador caracterizado por un tempo bastante lento y coros con tecladitos ochenteros a más no poder. El final de «Earthwarrior» se destaca por su un final épico y fantasioso. A nivel de estructura de los temas, parece que Vidarr y los suyos han dado con una fórmula la mar de efectiva, con buena alternancia de versos, coros, luego el obligado solo épico de carácter soñador y luego vuelta a la carga.

También nos encontramos a lo largo de la placa con temas más rápidos como “Vindicator”, un tema más animado y totalmente entroncado en el NWOTHM más genérico y el corte “Behind The Summoner’s Seal”. También se puede escuchar una mandolina en la intro acústica (que me ha encantado) «The Bard’s Tale» y que da un toque de folk y misticismo muy especial.

Como puntos débiles quedaría la producción tirando a maquetera (pero con su encanto) que queda bien a nivel de underground pero poco más y las voces de Vidarr que son correctas pero para nada espectaculares. Un vocalista con más técnica y registros hubiera hecho ganar enteros a este disco.

Aun así, “The Wizard and the Tower Keep” es un disco muy ameno que se disfruta bien… con un toque un poco hasta folk si se me apura y un halo de autenticidad y frescura del que

Roberto Durán Samaniego es un exboxeador de origen panameño, al que apodaron “El Cholo” o también “Manos de Piedra”. “El Cholo” es considerado uno de los mejores pesos ligeros de todos los tiempos, y uno de los mejores libra por libra de toda la historia y ahí está su palmarés para demostrarlo: 103 victorias de 119 combates. ¡Colorea y aprende con Teo! Pero cómo tendría que ser la pegada de este panameño para que en el mundo del boxeo se te apode como “Manos de Piedra”. No en vano, corre el rumor, de que fue capaz de tumbar a un caballo por una apuesta. Pues así trabajan estos vigueses, MANO DE PIEDRA, jab, jab, desplazamiento lateral y gancho al hígado… ¡KO! Y eso es lo que obtienes con este “Today’s Ashes”. Sólo por como abren con “Ancient Gods” hay que subir a este ring. Porque los riffs son dinámicos, con ese saborcete a MASTODON, esa voz desgañitada a lo NEUROSIS, en una amalgama perfecta, porque donde los primeros se ponen a elucubrar con desvaríos técnicos y progresivos, MANO DE PIEDRA se quedan anclados en lo crudo del momento y cuajan un primer tema perfecto: dinámico, agresivo, potente, groovy… “Storm of axes” es, precisamente, eso, una tormenta de hachas, otro pelotazo intenso, mostrando una banda que ha mamado desde hace décadas electricidad, riffs, mala leche (atención a cómo se deja la garganta en cada tema el baterista y vocalista David Durán).

Pero no pienses que la mala leche no te va a permitir disfrutar de un sonido claro y nítido.

“We are sickness” tiene ese aire desértico tan Stoner hasta que la banda decide acelerar el ritmo y empezar a bombear odio a ritmo de crust, y ese estribillo: “We are sickness, We are sickness, We are sickness”. Un gancho de derecha que se clava directamente en el mentón ¡Nuevo KO! “The Rapture” se arrastra con un sonido muy MANO DE PIEDRA: seco, heredero del Stoner, del Doom, a medio camino entre el Sludge y el Post, con detalles de esto y de lo otro… Pero un sonido crujiente, novedoso, fresco… Sí, se han pasado décadas escuchando y tocando música, pero ahora en su momento y han decidido plasmarlo en un debut alucinante. “The Damned” tiene ese percutir rítmico que suena como debe latir el corazón del más profundo de los pantanos, y unas líneas de bajo, cortesía de Fran Alvarez, que te van a saltar los empastes. Por su parte, Nano Galez y Mano García rascan las seis cuerdas con una maestría abrumadora.

Y con respecto al trabajo de guitarras no me refiero a trabajos técnicos extremos. Aquí lo que MANO DE PIEDRA busca es músculo, potencia, garra, groove, ambiente, riffs gordos como el cuello de Mike Tyson, aunque vayan con las revoluciones bajadas, como en “Oroku”, pero ¿para qué correr por un mástil si puedo crear atmósfera con dos o tres acordes?

“Abyss Sleeper” es una bestia que combina riffs afilados como navajas barberas con una batería repicante e histérica para acabar evolucionando en un maquiavélico ejercicio de riffs pesados, más Doom que el propio Doom.

Como queriendo superarse a sí mismos, el inicio de “Today’s Ashes” sigue esa dinámica Doom, lenta, pausada, asfixiante, para iniciar

otra evolución hacia otra entidad que es un magisterio de la epicidad dentro del estilo de la banda. Si comenzaban con un “Ancient Gods” de 10, terminan con “Today’s Ashes” en un 11 o un 12.

Lo reconozco, soy más de Vasyl Lomachenko que de los antiguos boxeadores, pero lo reconozco, ¡maldita sea! Cuando uno se encuentra con una banda como MANO DE PIEDRA, hay que reconocer lo obvio: que posiblemente Roberto Durán tumbase un caballo de un puñetazo y que esta banda acaban de sacar un KO perfecto: esquiva, desplazamiento lateral y gancho ascendente al hígado.

CESAR LUIS MORALES |

10

pues de tal manera llegamos a “The ascendig of Jupiter” (uno de los cortes promocionales) para cerrar con la épica de más de 9 minutos “Germanicus”, donde lentamente se narra el ocaso de este imperio extenso y sádico con varios tramos que cambian de ritmo, de tono y de velocidad, sí, varias canciones en una.

El concepto original de METAL DE FACTO ha sido claro desde el principio, “hacer grande de nuevo el Power Metal”, con un tema conceptual por disco. Tal es así que esta selección de músicos ha decidido no salir de gira hasta que le pre producción de su segundo trabajo no esté lista. Con “Imperium Romanum” puede meterse en el bolsillo a todos los seguidores del Metal, buenas canciones, con un guion estructural y mejores ejecuciones de toda la banda, con un sonido impecable, ya que también ha sido considerado como un elemento fundamental en este proyecto (gracias a Dios).

No es simplemente Power, tiene mucho de ese Heavy clásico, pero con una intensidad de este siglo y perfectamente planeado.

SEBASTIÁN ABDALA |

8.5

METAL DE FACTO (FIN) IMPERIUM ROMANUM

ROCKSHOTS RECORDS, 2019 ¿Qué ocurre cuando un grupo de músicos pasan mucho tiempo de gira, tocando para otros proyectos? Pues que se les ocurren más giras y más maneras de permanecer dentro de un estudio de grabación, pero esta vez con una idea magistral. Por varias razones y con distintos músicos que pertenecen a diferentes bandas de Power Metal, ha surgido el proyecto METAL DE FACTO, una agrupación con entidad propia diseñada, literalmente, para hacer grande el Metal de nuevo. Según ellos no es un proyecto alternativo, ni es algo paralelo: es una banda como tal. Así lo han visto sus integrantes y han decidido grabar un trabajo poderoso, prolijo y con todos los ingredientes necesarios para que un llame la atención del público: “Imperium Romanum”.

Puede que la presentación de la banda suene un poco pretenciosa, pero la experiencia de cada uno de ellos, sumado al sentimiento que los hace parte del mundillo musical escénico de Finlandia, les dan de por sí un aval para tenerlos en cuenta.

Abre el disco un agudísimo grito sobre un solo de guitarras que golpea fuerte: “The conqueror”. Construido sobre el poderío del bajo y la voz, vamos avanzando por melodías potentes y veloces, que no dan respiro en ningún momento. Con teclados bien plantados y que no están continuamente en primera línea; funcionan de apoyo a la estructura de la canción. Cada uno de los temas ha sido cuidadosamente planeado, se nota en cada pequeño arreglo, en cada orquestación que se muestra casi como al pasar. El riff de guitarra en “Naturalis historia” se encuentra tan bien plegado sobre el teclado, con el bajo sonando profundo sin errores de matices, y la batería sacudiendo el doble bombo dan muestra de las intenciones que ya viviremos en la decena de canciones que integran el disco.

Hay toques un poco más modernos y electrónicos en algunos tramos, una suave oscuridad que pretende aportar teatralidad a las historias. Por algo cada comienzo sugiere una velocidad original, cambiando de una canción a otra, nada tiene que ver “Inferno” con “Ides of march”, pero están albergadas bajo el mismo concepto de sonido.

Ya cuando suena el comienzo de “Echoes in eternety” nos encontramos ante la balada del disco, un principio calmo, de tintes medievales y melancólicos que se mantienen en baja intensidad toda la canción. La voz se luce con agudos impresionantes, bien ejecutados todos los instrumentos para dar ese toque de orquesta. De ahí en adelante todo parece cobrar más violencia, nos metemos en “Colosseum”, una pieza instrumental donde hay varios duelos de guitarra contra bajo, con escalas febriles y llenas de ese virtuosismo que te hace estar pendiente sin dejar de ver qué ocurrirá luego. Una verdadera lucha.

Queda claro que el disco está basado, íntegramente, en la historia del Imperio Romano,

MICROWAVE (USA)

DEATH IS A WARM BLANKET PURE NOISE RECORDS, 2019 Según ellos, su música se define como Adult Mid-Tempo Contemporary Rock, y la verdad es que originales son, hablamos del cuarteto de Atlanta, MICROWAVE y su nuevo trabajo “Death Is A Warm Blanket”, editado por Pure Noise Records, y en el que encontramos elementos del grunge, del garage, del rock y punk, para crear una mezcla explosiva, repleta de dinamismo y original.

Y este es uno de esos discos que tras la primera escucha, te quedas con ganas de más y vuelves a ponerlo e introducirte en una propuesta musical repleta de matices con rasgos a NIRVANA, AS CITIES BURN…, donde las melodías y sobre todo las letras introspectivas e incluso poéticas repletas de sensaciones y mensajes te atraparan una y otra vez, porque desde que escuchas las primeras notas de “Leather Daddy” y su toque grunge dado por la voz de Nathan Hardy y las atmosferas creadas por su guitarra junto a Travis Hill, donde el bajo de Tyler Hill y la percusión de Tomothy Pittard, son otro de sus puntos fuertes quedas atrapado hasta la última nota de “Part Of It” con su giro más rockero, abarcando casi 30 minutos de magia musical y originalidad, en un mundo saturado de bandas, en el que destacar se convierte en una misión complicada; pues MICROVAWE, lo hacen y con creces.

“Float To The Top”, es hipnótica con unas estrofas reflexivas para golpearnos con un estribillo vibrante y visceral, donde la calma y la rabia se unen a partes iguales, para con “DIAWB”, girar hacia un rock enérgico y propio del sonido Seattle, a pesar de ser de Georgia, que continua con “The Brakeman Has Resigned”, donde el estribillo melódico invade nuestro ser hasta la última gota, por medio de unos screamings muy poderosos y unas estrofas mas atmosféricas cercanas al post, que giran hacia un toque más comercial con “Hate TKO”, un temazo más pop pero con reminiscencias DEFTONES. “Pull” está repleta de belleza intimista y delicada, que se une al interludio “Love’s Will Tear Us Apart”, en un break antes de la grunge “Mirrors”, directa a la yugular, con la que no pararas de moverte mientras desarrollan sus tres minutos mágicos, una de mis preferidas antes de “Carry”, pues retomará este pódium en lo más altos, siendo uno de los momentos álgidos de este trabajo sobresaliente.

JUAN ANGEL MARTOS |

9

MUNICIPAL WASTE (USA) THE LAST RAGER

NUCLEAR BLAST RECORDS, 2019 Tras dos años desde de su anterior disco “Slime and Punishment”, los del estado de Virginia MUNICIPAL WASTE formados originariamente en 2001, sacaron al mercado el pasado once de octubre “The Last Rager”, su nuevo trabajo discográfico, en esta ocasión en formato EP (quinto de su carrera) a través del sello Nuclear Blast.

Este trabajo consta de cuatro temas repartidos en poco más de diez minutos de duración, de su ya tan característico Thrash/Crossover crudo y directo, algo que queda constatado en la corta duración de los temas (ninguno de ellos supera los tres minutos y medio de duración), algo lógico en el género, pero no por ello escasos de calidad, todo lo contrario, es un disco muy bien estructurado, quizás el más trabajado compositivamente en su carrera.

Otro punto a favor es sin duda el sonido de la grabación tan acorde a la música que nos ofrece la banda el conseguido por su bajista Land Phil y la masterización de Joel Grind (CALAVERA CONSPIRANCY, EXHUMED, TOXIC HOLOCAUST, GAME OVER,…). Para la portada han contado con el ilustrador Brian Crabaugh (TIME RIFT, NIGHT DEMON, GATEKEEPER, ALPHA VIPER,…) con el resultado que podéis observar el cual va como anillo al dedo a lo que nos ofrece el quinteto.

“Wave of Death”, es el tema que abre el disco y fue el elegido para hacer el videoclip adelanto, canción con mucha rabia y rítmicas demoledoras, en la que se constata el esmero con el que han compuesto este disco, “Car-Nivore (Street Meat)” pista de Thrash correoso en el que en la parte final del mismo desatan de nuevo su rabia contenida, posiblemente el corte más thrasher del álbum, “Run for Your Life” la cual a pesar de tener una voz menos agresiva, es un corte de puro y excelente Crossover diseñado para volarte la cabeza, una de las mejores canciones del disco sin duda, y para acabar nos ofrecen de “The Last Rager”, corte que da título a esta obra de arte y posee un regusto inevitable a S.O.D. (sobre todo en los palm mute más pesados) que lo hacen un disco muy ameno, muy trabajado, mimando cada detalle y su corta duración invita a volver a oírlo muchas veces seguidas.

Estamos por tanto ante un excelso disco de Thrash/Crossover como nos suelen tener acostumbrados y en el que el sonido de la grabación aumenta aún más esa sensación, temas cortos y directos llenos de calidad, personalmente pienso que es de largo su mejor trabajo discográfico, lo que es seguro es que si eres amante de estos sonidos lo vas a disfrutar de lo lindo sin duda alguna.

CARLOS BERMEJO |

MYSTAGOS (ESP) AZOTH

BLACKSEED PRODUCTIONS, 2019

10

Hace unos cuantos siglos hubo una serie de estudiosos que dedicaron su vida, su intelecto y sus esfuerzos a comprender el mundo que les rodeaba. Aquello, por entonces, se llamaba alquimia y comprendía distintas disciplinas como la filosofía, la química, la astrología o la semiótica. Años después las ciencias evolucionaron y despojaron al antiguo y noble arte de la alquimia de todos esos elementos conciliadores, quedando las distintas disciplinas separadas en ciencias impermeables entre ellas. ¡Colorea y aprende con Teo! Como ejemplo de ello, tenemos la eterna búsqueda de los alquimistas de la piedra filosofal, cuyo aspecto más prosaico era su capacidad para convertir cualquier metal en oro. Pero lo que encerraba dicha piedra era la obra que denominaban Opus magnum, la perfección es su máxima expresión, la iluminación, el techo intelectual de toda aquella disciplina. De hecho de aquellos tiempos nos quedan determinados términos y la incorporación en nuestro acervo de los mismos, la piedra filosofal, la alquimia, el azogue… Uno de los conceptos más complejos es el de Azoth (unifica en una misma palabra letras en latín, en griego y en hebreo; opuestos como el Aguila y el León, el Sol y la Luna). Por eso, cuando te enfrentas a un álbum que se denomina así, “Azoth”, tienes que injertarte un par de orejas extras para escuchar el nuevo trabajo de MYSTAGOS. La banda es, en realidad, el proyecto de un solo músico, Heolstor, que tiene a sus espaldas un listado de bandas que ya quisieran muchos (CARCHAROTH, NAZGUL, EALD, TRASGO, URUK HAI, ALVERG y la lista sigue).

Pero debe de ser que como es de mente inquieta, Heolstor sigue alternando alguna de ellas con MYSTAGOS y el año pasado publicó este “Azoth”. ¿Hay Black Metal? ¡Claro que sí!, pero de la misma manera que la piedra filosofal no era simplemente para transformar cualquier mineral en oro, este disco tiene muchas cosas más. “Adam Kadmon” abre con una base rítmica a doble bombo atómico que sí, que es Black Metal, y la voz, esa rascada de cuerdas vocales, también es Black, pero el riff melódico del inicio y como desarrolla las partes de guitarra, como modula, como pasa de un ambiente a otro, rompe toda la dinámica, haciendo que abandones la presunción de que un álbum de Black al uso.

Pero es que con “Solve” la cosa no hace nada más que mejorar. El tempo baja, los riffs son más abiertos, mesméricos, y la voz deambula entre el clásico shriek del Black hacia otra más operística, gótica y nítida de barítono a medio camino entre Thomas G. Warrior y Garm. Cuando todavía no me ha dado tiempo a bajar las cejas, me asaltan con “Empire of Bones” y la cosa se pone seria, seria: una bofetada a lo Old School, pero para que no te fíes y pienses que ya lo has escuchado todo, tiene, en su segunda mitad, un desarrollo de lo más interesante, abandonando esa trillada senda del Old School para meterse en otras tesituras más post, cosa que es de agradecer (ya os he dicho que hay que injertarse un par de orejas extras para escuchar este álbum). Al igual que “Ritual”: sólo ese aporreo inicial te abruma, pero… comienzan una serie de cánticos, unas líneas vocales que únicamente podemos definir como mantras y ¡maldita sea, encajan a la perfección con la artillería que se lanza desde la batería! Y como crece, palpita y evoluciona el tema…

El atípico comienzo de “Shamdom” ya te dice que vas a escuchar un tema raro. Aquí todo trata de actitud, de atmósferas, de creatividad, de imaginación, de evolución… ¡Como la primera vez que escuchaste ese álbum que te levantó la tapa de los sesos! Pues lo mismo con este tema, sencillo de escuchar y de adorar, difícil de encuadrar… Lo mismo que “The weight of a burial shroud”: bienvenido a esta epifanía negra, deja que sea Heolstor tu santo padre: no sé si es Goth, si es Post, si es Black, si es todo a la vez, si es uno de los mejores temas oscuros que he escuchado en mucho tiempo… Y con la miel en los labios, sigo con “Wind of Death” en la misma dinámica que la anterior, ¡yo es que flipo! Cómo se nota el trabajo, el concepto, las horas de trabajo, como una sola persona, trabajando como un alquimista le ha dedicado tanto tiempo y tanto esfuerzo en que todo vaya en su sitio, cada detalle, cada guitarra, cada break, cada pista y cada capa y ¡así ha quedado, claro! ¡La piedra filosofal del Black Metal!

CESAR LUIS MORALES |

10

NANDA DEVI (ESP) REFUGIO

nas tres minutos. “Gantavy” es otra sinfonía Post, etérea, agresiva, una demostración de que los polos opuestos se pueden atraer y encontrar el equilibrio perfecto. “Radón” aúna la porcelana sónica con la fiereza eléctrica, porque todo tiene cabida en el universo NANDA DEVI. Sí, no hay duda, estos ubetenses lo tienen claro. Desde el nombre, con sus miras puestas a lo alto de la cumbre, a el concepto de ser dadores de felicidad. Porque escuchar a NANDA DEVI te llevará a un estado anímico distinto, a extasiarte, a asombrarte, a soñar, a viajar, a querer viajar a Úbeda para estrechar sus manos, y a querer viajar hasta el Himalaya para ver a la Diosa, y a querer leer la obra de Miguel Hernández y… y… ¡Y yo que sé! Escucha “Refugio” y lo entenderás.

A WORLD BEYOND RECORDS | VIOLENCE IN THE VEINS, 2019 El Mulhacén es el pico más alto de la península ibérica y el segundo de España tras el Teide.

Dicha montaña se encuentra enclavada en el Parque Nacional de Sierra Nevada, enclavado en la provincia de Granada. Son “apenas” 3500 metros, pero a nivel nacional, es lo más alto. ¡Colorea y aprende geografía con Teo! Pues en algún viaje de esos de fin de semana, o algo, tres miembros de la agonizante banda ubetense THE INVISIBLE MAN’S MIRROR debieron bajar hasta Granada y contemplaron la altura del Mulhacén y empezaron a darle vueltas a un nuevo proyecto. Miraron a la montaña y se dijeron que había que llegar más arriba, muchísimo más arriba. ¿Everest? Se dijeron.

No, que vá, que ya hay una editorial. Pero buscando, buscando, dieron con otro nombre de otra montaña, más molón y más redondo.

Porque por aquellas latitudes del Himalaya localizaron una montaña de “apenas” 7816 metros, la vigésimo tercera del mundo, llamada NANDA DEVI, que es más molón que ponerse como nombre Mulhacén o Everest. Y encima, que dicho nombre signifique “Diosa dadora de la felicidad” pues, como suele decirse, miel sobre hojuelas.

Y desde 2016 perfilando y trabajando dan a luz este “Refugio” y el nombre les viene que ni pintado: son una diosa dadora de felicidad, de ubérrimos pechos de los que mana de modo continuo la leche y la miel, el mana, la ambrosía, lo eléctrico, lo etéreo, lo gutural, lo progresivo, lo post… “Juventud” abre potente y majestuosa, con paso firme y confiado, para sumergirse en un post meditabundo y a medio tiempo, que es gloriosos por la intervención de los teclados, de las guitarras…

Pienso en OPETH, en LEPROUS, en TOUNDRA, en veinte bandas más, todas grandes, todas espectaculares, y todas condensadas aquí.

Y entonces, David Ortal y Juanba Pastor empiezan a escupir odio, frustración, rabia, dolor, pena… toda la magia, todo lo etéreo disipado por ese arrebato de dolor musical. ¡Perfecto! Y el siguiente tema, sigue con esa espectacularidad de esas bandas pero con unos preponderantes teclados (cortesía de David) y una voz desesperada, gutural, de un Black que te destroza la cordura, para que te quedes arrullado con el desarrollo de las guitarras, de los teclados, de una base rítmica (Martín Campos Romero al bajo y José Luis Fernández García a la batería) que es una maravilla: solida, dinámica, limpia, precisa y nítida.

Hay algo en este banda que engancha y tiene un punto diferenciador de otras, y quizá sea la inserción de esos teclados, porque cuando estás más metido en el rollo shoegaze tipo ALCEST de repente salen unos teclados que te rompen la cabeza. Y eso, aparte de la excelencia como músicos y compositores, les da un punto, no, ¡un puntazo! “Sunanda Devi” es un viaje, pero de los buenos, de la escuela de Robert Fripp en su mejor momento, con esos interludios de notas que caen como en cascada… Quizá uno de los temas más brutales de este “Refugio” sea el siguiente: “Vientos del pueblo” con versos de Miguel Hernández. Sí, quizá esté bien escuchar dicho poema a la voz de uno de los grandes del doblaje como Constantino Romero o Pepe Mediavilla, pero yo ahora mismo sólo me puedo imaginar dicho poema a la voz de Juanba Pastor y las huestes de NANDA DEVI. “Staropramen” comienza tan suave y evocador como un tema de SMASHING PUMPKINS, pero luego te sorprende un ataque completamente enraizado en el Black. ¿Pero te crees que va a ser así todo el tema? ¡Sigue, sigue escuchando!

Pero sigue escuchando todo el disco, porque “Kintama” es una pequeña maravilla de ape-

CESAR LUIS MORALES |

10

NILE (USA)

VILE NILOTIC RITES NUCLEAR BLAST RECORDS, 2019 Y que puede decir un pobre mortal como yo de una banda como NILE. Señoras y señores, que llevan desde el 93 dando cera, que han editado nueve trabajos completos y que además revolucionaron en su día la manera de entender el metal extremo y el Death metal en especial.

Señoras y señores, que cuenta en sus filas con los maestros Karl Sanders y George Kollias, y por si fuera poco ahora también con Brian Kingsland!!!

En realidad, aunque fuera una banda mediocre o de serie B ya merecería todos mis respetos por su trayectoria, pero es que además no es así. Como decía, crearon escuela y fueron, y son, referentes de un estilo que hace que a la hora de hablar de él tenga que decir que NILE suenan a NILE, y no puedo recomendar otra banda parecida, pues las que hay son copias de los americanos. Más aun en este trabajo en el cual han sabido crear una obra de cincuenta y cinco minutos en los cuales todo suena a ellos. Usan la técnica para hacer que las composiciones sean dinámicas, apasionadas y extremas. Usan la experiencia para dar un toque de modernidad a algo que llevan haciendo durante más de veinticinco años, y usan el talento para poder meter en semejante muralla de sonido esas melodías y atmósferas mesopotámicas que son marca de la casa.

Quizás en este trabajo están más metidas con cuenta gotas que al principio de su carrera, pero eso no hace que este disco no suene a NILE, ni lo hace más extremo, ni menos, sino que lo hace único.

No escatiman en melodías, armonías, teclados e instrumentos orientales, voces limpias y medios tiempos, de la misma manera que no pierden el tren de los blast beats, de las veloces cabalgadas y de los poderosos mutes.

Todo ello sin perjuicio de hacer un trabajo poderoso pero variado, entretenido pero extremo y además sonando a ellos mismos, insisto.

Teniendo en cuenta que es una banda que ha tenido sus subidones y sus bajones, sus fans que vienen y van en cada trabajo, Metalheads que no quieren saber nada de ciertos trabajos pero que adoran otros, me atrevería a decir que este noveno trabajo es el punto medio en el que se encuentra la virtud. Un CD que tiene de todo, incluido un sonido limpio pero no soso y que hace que las partes más lentas y acústicas, las más mesopotámicas, no desentonen con la muralla de sonido que crean los poderosos Karl, George y compañía.

Siendo cierto que siempre pienso que un CD debe entenderse como un trabajo completo y no como un compendio de canciones, en LPs como este la sensación es mayor. Lo digo porque ante temas poderosamente rítmicos, NUM. 71 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 55

o melódicos, o técnicos, tenemos otros que lo tienen todo y esto hace que en la totalidad apreciemos la belleza de una obra de arte que, aunque no va a perdurar a lo largo del tiempo precisamente por venir de artistas que ya tienen obras que sí que lo harán, será recordada por unos cuantas, no pocos, como la mejor obra de los americanos.

SANTI GZLEZ |

9

OPPOSITION PARTY (SIN) TALES OF HORRIFY

PULVERISED RECORDS, 2019 “Tales to Horrify” es el nuevo trabajo discográfico del combo procedente de Singapur y formados allá por el año 1986 OPPOSITION PARTY, y como es costumbre en ellos, lo sacan en formato EP, sólo tienen un larga duración en treinta cuatro años de carrera. El 15 de noviembre salió al mercado este disco a través del sello Pulverised Records.

El trío asiático nos ofrece algo más de once minutos de un Crossover/Thrash envuelto en un inevitable aura Punk repartido en los cuatro temas que componen este disco. El sonido de la producción obtenido por el productor sueco Tore Stejna de Necromorbus Studio (CORPUS CHRISTII, WATAIN, , MORTUARY,…) es simplemente perfecto, un sonido totalmente analógico que le va como anillo al dedo a lo que nos ofrece la banda. Para la portada del disco han contado nada más y nada menos que con el prestigioso Ed Repka (MEGADETH, DEATH, NUCLEAR ASSAULT,…) con el resultado que podéis observar.

El disco comienza con “Ancient Horror” buen corte para comenzar el álbum, desde el inicio de este trabajo nos muestran su propuesta, una combinación de Crossover, Thrash y Punk muy bien repartida, y como en la totalidad del disco, sin aditivos, crudo y directo. En los siguientes cortes “Evil Paradise” y “Living Dead Island (Zombie II)” observamos la misma tónica que la canción de inicio, pero en la segunda de ellas la influencia Crossover/Harcore es bastante más notable que en el resto de pistas.

Y para acabar este disco nos ofrecen el corte “Parasitical” que bajo mi punto de vista es el mejor del disco junto con el tema que lo abre, supongo que estarán puestas en este orden a conciencia, pero es que este corte que en líneas generales es más pesado que el resto y con un aura de oscuridad novedosa en esta banda.

CARLOS BERMEJO |

8

PLAGUE PIT (IRL) LABYRINTHINE

AUTOEDITADO, 2019 PLAGUE PIT, lanzó de forma independiente el 13 de septiembre de 2019 su último E.P «Labyrinthine». Tristemente, parece ser que el proyecto musical procedente de Dublín ha cesado su actividad. Esperemos que decida volver, ya que realmente vale muchísimo la pena.

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Pero dejémonos de preámbulos y vayamos a la reseña. De entrada, lo que nos encontramos en el susodicho asalto no es otra cosa que cuatro cortes completamente sorprendentes de Black Death con generosos toques de Prog y técnica extra. La frescura compositiva es una constante. La calidad y la intensidad no bajan un ápice a lo largo de los 25 minutos escasos de puro éxtasis sónico, asegurándose de esta forma dejar sobradamente satisfecha a la parroquia extrema mundial. La producción, está a la altura de las circunstancias. El Extended Play suena peligroso, punzante y oscuro. En lo que respecta al artwork, resulta único y llamativo. Se agradece mucho las portadas que no caen en los típicos tópicos del mundillo.

Asfixiantes, disonantes, macabras y siempre letales son las seis cuerdas. No faltan las dobles armonías, y tampoco temen nada a la hora de incluir leves partes más pausadas, pero igualmente siniestras. Como decía un poco más arriba, los riffs están envueltos en un manto de enrevesamiento digno de admiración. En lo que a voces respecta, los predominantes growls conviven sin problema alguno con pinceladas de guturales agudos rasgados y clean vocals espeluznantes. Las bass line se salen del tiesto en «Feverish Stupor». Da gusto cuando explotan correctamente el bajo. Los parches, variados y variables os desollarán vivos. Consiguen ser tan malsanamente veloces como pútridamente pesados.

La inicial «Accursed Clay» es mi canción favorita del ataque. No obstante, el resto son igualmente impresionantes. ¡Necesitamos más redondos y conjuntos así!, ¡tienen que resucitar!

JESÚS MUÑOZ CABALLERO |

9

partes veloces, contrastando ambos ritmos y haciendo la escucha muy amena y variada.

Como curiosidad han incluido un tema cantado en su idioma natal, pero que no notaremos diferencia con respecto al resto de los nueve temas que nos ofrecen, aunque musicalmente hay que destacar que es el más mórbido, lento y putrefacto tema que se incluye en el álbum.

Sin duda, PROFANATION nos ofrecen un muy buen álbum de puro y autentico Death Metal, el cual recomiendo a todo aquel seguidor del estilo que disfruta con la velocidad, la agresividad, pesadez y contundencia de este estilo y que destilaba con mucha mayor frecuencia el estilo en los años noventa, porque estos cuatro alemanes lo han logrado en su nueva grabación.

LUIS MARTÍNEZ |

8

RINGS OF SATURN (USA) GIDIM

NUCLEAR BLAST RECORDS, 2019

PROFANATION (DEU)

INTO CASCADES OF BLOOD AND BURNING SOIL HOSTILE MEDIA, 2019 Quinto ataque de pura violencia y decadencia de este cuarteto alemán, que llevan desde finales del siglo pasado ofreciendo unos álbumes de puro Death Metal violento, veloz y diabólico, con “Into Cascades of Blood and Burning Soil” no se han alejado ni un ápice de esa línea que marcaron en su hoja de ruta.

El cuarteto de Görlitz, Alemánia, nos ofrece diez veloces y contundentes temas de auténtico Death Metal, donde las influencias de bandas como MORBID ANGEL, ANGEL CORPSE, IMPRECATION, SINISTER… dejan a las claras por dónde van los tiros de esta gente. Música realmente veloz, con voces guturales, aunque no tanto como están en bandas actuales, sino que aquí acompañan aportando una ambientación y brutalidad, que combina a la perfección con la música del grupo. En el lado técnico la banda raya a un muy buen nivel, sin ser una banda que se adentre en terrenos predominantemente técnicos, el nivel de los cuatro músicos está muy bien desarrollado, con buenos cambios, riffs variados y que se van cambiando constantemente, que hacen de los temas algo retorcido y enrevesado, pero que con unas escuchas pronto se queden en nuestra cabeza, ya que los temas están bien estructurados y tienen esa ambientación “Old School” que los hace más cercanos, aunque todos tengan un nivel de complejidad en el número de riffs y cambios. Todos los temas tienen una duración de entre cinco y seis minutos, lo que permite un desarrollo musical idóneo para tampoco hacerse pesado o soporífero. Así temas como “Seed of Evil” o “Bloodbath in Heaven” (con algún riff algo cercano al Grind), entre otros, nos ofrecen esa vertiente vertiginosa y veloz, mientras “Silent God” o “Unholy Brutality Unleashed”, se acercan más a otros terrenos potentes y donde los riffs tienen mayor pesadez, pero que siempre son acompañados por

Siempre y cuando no hagas asco a los sonidos modernos, escuchar un trabajo de estos Americanos es una experiencia que hay que probar. Aún recuerdo como me quede cuando los escuche por primera vez cuando a mis manos llego “Lugal Ki En”. No dejaban de sorprenderme e incluso aunque las escuchas fueran repetidas, una y otra vez, te dabas cuenta de la cantidad de nuevos detalles que encontrabas.

Pensaba; “pero estos no hacían Death core?”.

Pero claro, es que ese es un concepto que a ellos se les queda muy corto, y más aun con el control, evolución y desmadre que han ido adquiriendo con los años, además de mucha personalidad.

Dicha personalidad empieza por el artwork, siempre, por la temática, y una cosa muy importante también, por tomarse la música en serio, pero la vida a broma. No hacen que esto sea cosa de hombretones con cara de pocos amigos, sino que ellos quieren reír, y hacer reír, disfrutar y hacer disfrutar, y para ello no se dejan llevar por nada ni por nadie, y si hay que reírse de uno mismo, pues que mejor que empezar tú mismo. Un aplauso, desde luego.

Y otro por su técnica, que no está al alcance de todo el mundo.

Decía que me sorprendieron en el 2014, pero es que 5 años después me vuelven loco. Cuando te crees que estas cayendo en las redes del deathcore te das cuenta de que los breakdown aquí no son lo que parecen, enseguida te encuentras con partes de Death técnico a piñón fijo, con riffs ultraveloces, con voces superpuestas, con ritmos más “bailables” para luego, de golpe, pegarte en la patatita con unos shred que acojonan. Sí sí, asustan, y es que solamente el sonido elegido para la guitarra solista es tan “artificial” que uno duda si está tocado por un humano o por una secuencia. Esta otra de las peculiaridades de RoS. Un sonido modernísimo, producido hasta la saciedad, pero que causa asombro por el poderío, te atrapa y te hace pensar si te gusta o no, cuando en realidad lo que te gustaría es que otras bandas sonasen así también. Pero claro, eso está al alcance de muy pocos. Entiendo yo que por eso la poderosa Nucler Blast se ha fijado en ellos, después de haber editado trabajos con Unique Leader, pese a que el line up parece más una banda de estudio que un grupo estándar serio.

Ya he comentado alguna vez que la calidad del metalcore hace que el trono este muy discutido, pero en esta ocasión no hay ni lucha, porque ellos juegan en otra liga. No tienen etiqueta, ellos son la etiqueta, es lo que tiene ser maestros en tu estilo, forma y postura.

SANTI GZLEZ |

9.5

ROSK (POL) REMNANTS

PAGAN RECORDS, 2019 Desde la ciudad polaca de Warszawa y a través de Pagan Records, nos llega el segundo trabajo de ROSK bajo el nombre de “Remmants”, donde dan rienda suelta a un nuevo pasaje donde el doom metal se fusiona con el ambient, a través de seis nuevos pasajes enigmáticos y con un gancho melancólico y nostálgico para narrarnos una historia donde lidiar con la vejes, la pérdida del ser querido y la soledad son sus máximas. Y es que para este álbum han prescindido de ese toque post metal de su primer álbum, “Miasma” (2017), que fusionaban con contundentes guitarras oscuras, para simplificar al máximo la distorsión en un álbum completamente acústico, a excepción de los toques ambientales producidos por teclados.

“The Alley Of Burdens”, nos abre ese paso solitario hacia el fin de nuestros días, con una percusión ejecutora, un desfile que la voz amansa y transforma en un lento caminar melódico y enternecedor, al que se une el violin de Julianna Grzeszek, para hacerlo aun más emotivo, emotividad que llega a su culmen con “Rosary”, elegante y nostálgico, centra su visión y su imagen en la soledad y la pérdida del ser amado, a través de casi 10 minutos melancólicos y tristes, pero con la esperanza de que el mas allá los unirá de nuevo, uniéndose en temática con “A Dying Breath”, en el que la tonalidad vocal y las armonías te atraparan en un halo mágico, uno de los temazos del álbum, perfecto para dejarte llevar.

Los sintetizadores toman el inicio de “Ceased In Me”, para diluirse en un segundo plano y crear la base para la voz y la guitarra que caminan lentamente en otro claro ejemplo de lo que ROSK pretende transmitir. Y es que el álbum es muy compacto compositivamente y aunque casi todos los temas poseen el mismo halo y la misma rítmica, los detalles hacen que cada uno se diferencie del resto, como este “One Minute, A Lifetime”, donde las voces dobladas le dan mayor misticismo, sobre una base de teclados que parece celestial, como si el final del túnel estuviera más cerca de lo que esperábamos. Cierra el trabajo “The Long Solitude”, es otro camino fantasmagórico, con un pequeño giro central en música y voz, que le da otro giro incrementando el ritmo, el tempo y la agresividad, pero encajando a la perfección; otro temazo que une los dos álbumes de ROSK. Muy recomendables.

JUAN ANGEL MARTOS |

8.5

SECOND TO SUN (RUS) LEGACY

AUTOEDITADO, 2019 Venus, el planeta más cercano a nosotros, comenzando desde el Sol, es, a pesar de su cercanía (astronómicamente hablando) un gran desconocido y eso que lleva observándose desde la más remota antigüedad. Su órbita,

al contrario que el resto de los planetas, es casi circular. Pose el día más largo del Sistema solar, con 243 días terrestres y tiene un movimiento de rotación dextrógiro (en sentido de la agujas del reloj). Y aún hoy en día no se sabe el porqué de dicho movimiento. ¡Colorea y aprende con Teo! A pesar de ese desconocimiento, seguimos levantando la cabeza hacia las estrellas y allí, desde tiempos prehistóricos, nos saluda al amanecer y al atardecer. El segundo hasta el Sol, con todo su misterio, como esa joya prendida en el cielo. Siempre a la vista y siempre oculta. Como la banda que nos ocupa, SECOND TO SUN (los segundos hasta el Sol), una joya que lleva desde pululando por ahí desde 2011, con una producción abrumadora de álbumes, EP, singles y como nota curiosa, sus dos últimos álbumes, “The Walk” (2018) como este “Legacy” (2019) tienen una versión completamente instrumental. Aquí la mente pensante, el cerebro tras la bestia, debe ser su guitarra Vladimir Lehtinen, único miembro original. Pero, ¿realmente son esa joya misteriosa?

Pues, por lo menos en mi caso, sí. Hasta hace una semana, me eran unos perfectos desconocidos. Ahora, tras no sé cuántas escuchas, adoro lo que han grabado estos rusos en este “Legacy”. Porque supongo que hace unos diez años, cuando comenzaron andadura, lo del Black Metal les parecía una idea cojonuda: era impactante, iban de negro con el pelo largo, eran los malotes de San Petersburgo. Pero en los últimos años la cosa ha evolucionado, ¿hacia dónde? La música de SECOND TO SUN sigue enraizada en el Black Metal, en cuanto escuchas el inicio y el subsiguiente desarrollo de “Devil” te das cuenta de ello: el atómico ataque de Theodor Borovski tras el kit de batería, la voz tan Dani Filth de Gleb Sysoev, pero entonces la cosa empieza a derivar hacia otros derroteros: los riffs de guitarra en síncopa, los grandilocuentes sintetizadores, los samples…

Pero si bien partimos de la misma premisa Black en el siguiente tema “Confessional of the Black Penitent”, ocurre lo mismo, de repente te encuentras con unos riffs con más Groove que PANTERA puestos de esteroides.

Y estos ruskys siguen deambulando por cualquier estilo de metal potente, emocional y efectivo. Porque lo siguiente que escuchas es un largo desarrollo melancólico llamado “Pages for a Manuscript” (melancólico hasta que te abrasan las orejas con andanadas Black).

“Monster” retoma la tradición de los grandes temas del género, con pinceladas a lo COF, pero también con esos interludios Groove y con rimbombantes teclados, cogiendo lo que en cada momento les place de cualquier género y mezclándolo en el enorme estómago de SECOND TO SUN para vomitar pelotazos como el arriba mencionado o el siguiente, “No need to be afraid now” (una autentica trepanadora, más groove, más samples, más ferocidad, más tremolo picking…). Y la pasada rítmica de “Once upon a Time in Russia” te dejará pulverizado (una auténtica fiesta rave donde se dan la mano el Groove, el Post, el Black…). Al igual que “Raida”, al igual que los bonus tracks: “Me or Him 2020” y “Virgo Mitt” Pues así descubre uno estas cosas. Como Venus, el segundo planeta desde el Sol, si miras con detalle, lo descubrirás sobre el horizonte, como una joya colgada del cielo. Al igual que esta banda, si escuchas con cuidado, descubrirás que SECOND TO SUN son como Venus, que llevan ahí desde el 2011 y son una joya por descubrir.

CESAR LUIS MORALES |

La banda estadounidense SEEYOUSPACECOWBOY lanzan al mercado su segundo álbum de estudio, a través de Pure Noise Records y al que han llamado «The Correlation Between Entrance and Exit Wounds».

La banda, formada en 2016, en San Diego, California, está compuesta por Connie Sgarbossa en las voces, Ethan Sgarbossa en las guitarras, Cameron Phipps al bajo, Sal Argento en la batería.

Comenzamos escuchando “Armed with Their Teeth”, donde en menos de dos minutos nos dejan con una tralla brutal, dandonos unos riffs rápidos y pesados a la vez, generando una agresividad brutal, que se alterna con ritmos algo más movidos, apostando por líneas de guitarra bastante contundentes, al igual que “Disdain Coupled with a Wide Smile” donde apuestan por una contundencia brutal, dejándonos con ritmos frenéticos, con varios cambios en los ritmos, donde la voz queda en primer plano, y se potencia la línea vocal.

En el ecuador del trabajo nos dejan con “Late December” uno de los temas más largos del trabajo, donde en poco más de cuatro minutos nos deleitan con varios cambios de ritmos, que comienzan dandonos unos ritmos muy lentos, apostando por guitarras leves y batería muy tranquila, para poco a poco ir alternando con partes mucho más pesadas, donde las composiciones se tornan en melodías más complejas y agresivas, consiguiendo un tema bastante variado y donde a pesar de su longitud, no se hace monótono.

En el bloque final de temas, nos dejan con “Put on a Show, Don’t Let Them See You Fall”, que comienza con unos riffs atronadores, donde nos encontramos una batería frenética, contagiando de una velocidad abrumadora al resto de componentes y consiguiendo generar una velocidad increíble en el tema, para poco después dejarnos con un tema donde apuestan más por la potencia, como es “The Phoenix Must Reset”, que se encarga de cerrar el trabajo. Aquí nos encontramos con unas guitarras super potentes, con un sonido muy grave y potente, caracterizándose por darnos unos riffs aplastantes. Sin embargo, hacia mitad del tema, nos dan unas melodías mucho más pausadas, generando un contraste que se torna en agresividad para cerrar el tema y el disco por todo lo alto, cargado de potencia y agresividad a raudales.

En este segundo trabajo de SEEYOUSPACECOWBOY es toda una oda a la potencia y a la agresividad que manifiestan desde el minuto uno, con unas composiciones bastante agresivas que se van contagiando tema a tema, donde cada uno de ellos, rara vez, supera los tres minutos de duración. De vez en cuando, introducen alguna que otra parte, algo más lenta, creando un contraste bastante acusado y generando variedad en las composiciones.

Sin duda un trabajo bastante entretenido, donde la potencia hace acto de presencia desde el minuto uno, con un sonido muy bueno, y nos acompaña hasta los últimos acordes del tema final.

JORGE DE LA CRUZ |

7.5

9

SENTIENT HORROR (USA) MORBID REALMS

TESTIMONY RECORDS, 2019

SEEYOUSPACECOWBOY (USA)

THE CORRELATION BETWEEN ENTRANCE AND EXIT WOUNDS PURE NOISE RECORDS, 2019

Aunque este “Morbid Realms” ya fue editado el pasado año, a finales de Noviembre para ser más exacto, no vamos a dejar pasar la oportunidad de hacer una reseña a un álbum que seguro para muchos pasó desapercibido y merece toda vuestra atención. SENTIENT HORROR ya nos habían ofrecido un álbum debut en 2016 bajo el título de “Ungodly Forms” y un EP en 2018, titulado “The Crypts Below”, el cual solo hacía mejorar en todos los aspectos su debut, que ya fue muy interesante.

Si solamente nos centrásemos en su música, enseguida tendríamos claro que la banda procede del norte de Europa, y que sus influencias están muy marcadas por las bandas más clásicas del estilo Death Metal procedente de Suecia, pensemos en DISMEMBER, NIHILIST / ENTOMBED, UTUMNO, NECROPHOBIC,… pero yo nombraría sobre todo a EDGE OF SANITY, en su versión más ruda, bruta y pesada, pero nos hallamos ante un trio de New Jersey, USA. Y en este álbum no han escatimado tiempo en ofrecernos un mayor gusto por la melodía. Pero además de los tempos veloces, que son en su gran mayoría hay tiempos pesados, lentos. Destacar que siempre están acompañados con unos excelentes solos de guitarra, algo que no es tan habitual en el género y que hay que agradecer a sus guitarras Matt Molitti y Jon López, los cuales hacen un trabajo espectacular a lo largo de todo el álbum, combinando unos riffs excelentes y que se quedan en nuestra mente pegados como clavos apuntalados en la madera. La voz de Matt es grave, profunda, potente y realiza un brutal trabajo a lo largo de todas las canciones, sin duda, una mejora que a cada grabación se percibe, destacando en este álbum de manera notable.

Temas podría nombrar todos, porque todos rayan a una calidad muy por encima de la media en grabaciones de bandas de este estilo, pero es que si un tema como “Sworn To The Dead” no os levanta de vuestra silla y os hace moveros como auténticos poseídos, está claro que esta música no es para vosotros. Y ya desde los riffs iniciales de “Call of the Ancient Gods” o “Obsessive Killing Disorder” se nota que estamos ante un álbum de puro Death Metal, las composiciones, el sonido y el arte del artista español Juanjo Castellano, todo está perfectamente cuidado y hace de este “Morbid Realms” un álbum para escuchar repetidas veces y que siempre se disfruta.

En definitiva, SENTIENT HORROR aunque vengan desde New Jersey son uno de los mejores ejemplos de lo que es el Swedish Death Metal, porque sin duda, han clavado este estilo, haciéndolo suyo, mejorando en cada álbum y que hace que sus fans esperen ansiosos nuevas grabaciones. A por él!!!

LUIS MARTÍNEZ |

9

Llegamos a la más extensa y compleja de “Pagan Fire”, titulada “From the Deep below” donde, tal y como ellos declaran, la clara influencia de esos BLACK SABATH se pone a recorrer oscuros pasillos de una lírica muy bien trabajada, con toda esa carga del rock místico de los ´70. Una banda que se mueve muy despacio, como una serpiente, te va envolviendo en un viaje de ácido que, según cada oyente, puede decir si terminará bien o mal. Cierran, en una sintonía completamente diferente “Room of illusion” y “August 1972”, cadenciosas y lentas, tal vez un poco reiterativas y sin grandes sorpresas, salvo un par de saturaciones de la guitarra con notas que, adrede, parecen desafinar junto a la voz.

“Pagan Fire” de SERPENT WARNING es un buen disco que, tal vez, peque un poco de falto de cambios de ritmo y reiteraciones en canciones complejas e indivisibles una de otra. Las guitarras suenan con la saturación justa de este Doom Metal clásico. Lo mejor las letras y el ambiente constante de estar en medio de una ascensión místico-espiritual, las bases con un bajo que parece ocuparse de los coros y la sensación de un desastre moral próximo a ocurrir. Un poco tedioso en cuanto a variaciones musicales, pero atractivo para los que disfrutan de sensaciones intensas y dispares en un solo trabajo.

SEBASTIÁN ABDALA |

7

SODOM (DEU)

OUT OF THE FRONTLINE TRENCH SPV / STEAMHAMMER, 2019

SERPENT WARNING (FIN) PAGAN FIRE

TOPILLO RECORDS, 2019 SERPENT WARNING lanza un extenso y poderoso disco para celebrar sus 10 años de vida llamado “Pagan Fire”. En silencio discográfico desde 2014, se lanzan a la luz con 8 canciones llenas de influencias clásicas y un sonido que recrea momentos referenciales de la historia del Doom Metal.

Abre una canción con un ritmo cadencioso y una voz interpretativa que nos hace sentir en un bosque siendo instruidos por un milenario Maestro: “Pagan fire” cuenta con toda la épica del sonido nórdico que ha sido fuente de vida de bandas como NAZARETH o CELTIC FROST. Las melodías de la guitarra van a una velocidad lenta y bien llevada con punteos al frente que se toman su tiempo para recorrer el mástil entero para, de pronto, cambiar de ritmo y pasar a un frenesí donde toda la banda se convierte en un colchón para la voz, algo que se repite en todo el trabajo.

“Oriente yes” se pone más salvaje y agresiva, con un bajo que suelta sonidos que oscurecen todo el ambiente. La voz con una entonación distinta canta sobre la melodía para seguir conduciendo un ritual iniciático. Avanza el disco y la intensidad sube, aunque la velocidad cambia apenas un poco, las guitarras ganan espacio y son las protagonistas en las canciones “Death´s tower” (puede que la mejor del álbum) y “Whirlwind”.

“Out of the Frontline Trench” es el nuevo trabajo discográfico con el que los míticos thrashers alemanes formados en 1981 SODOM, para la ocasión lo han vuelto a sacar en formato EP que, como ya ocurriera con todos sus trabajos de estudio del presente siglo, fue editado el pasado 22 de noviembre por el sello Steamhammer/SPV. El álbum cuenta con una duración total de casi veintinueve minutos repartidos en cinco cortes, tres de nueva creación, la regrabación del mítico tema “Agent Orange” y el corte “Bombenhagel” en directo. El disco ha sido producido por Klaus Spangenberg (DEWSCENTED, WHEEL, MOTORJESUS,…) para los cuatro primeros cortes ya que, para el tema en directo contaron con Cornelius “Corny” Rambadt, ingeniero de sonido y baterista del proyecto paralelo de Angelripper, ONKEL TOM, la masterización ha corrido a cargo de Patrick W. Engel (AGENT STEEL, ASPHYX, DESTRUCTION, POSSESSED).

“Genesis XIX”, “Down on your Knees” y “Out of the Frontline Trench”, son los tres cortes de nueva creación que encontramos en el disco, y si bien es cierto que son bien distintos entre sí, son pistas que en directo tienen que ser para no dejar prisioneros, el primero es un adelanto para su nuevo larga duración y los otros dos son exclusivos para este trabajo discográfico, lo que tienen en común los tres es ese aura de encontrarte en medio de una batalla luchando por tu vida, es inevitable acordarte de discos como “Agent Orange”, “Persecution Mania” e incluso si me apuras de “Tapping the Vein”.

Para cerrar el álbum, y tras la regrabación de “Agent Orange”, nos encontramos como comenté al principio, con el tema “Bombenhagel”, el cual fue registrado en directo en 2018 en su Gelsenkirchen natal, para mi perfectamente elegido ya que parece que por ahí van a ir estos renovados SODOM, esperemos que esto sea una muestra para un próximo larga duración que no tarde en llegar, estaremos atentos a ellos, de momento os recomiendo que escuchéis este EP para ir haciendo boca porque merece muchísimo la pena a pesar de su corta duración.

CARLOS BERMEJO |

9

Como canciones más atrevidas a nivel vocal encontramos “Star child”, una buena canción de Rock duro, áspero, violento. Un buen contrapunto con “Farewell to the gods”, decirle balada es mentir, pero sí podemos decir que es una joya más de Metal.

El segmento final lo ocupan más efectos teatrales en este gran cuento de Naciones y Verdades ocultas. La canción de despedida es pura velocidad, entrega total por parte del grupo, cada uno a lo suyo para formar un buen puño que los muestra en una forma estupenda, tanto a nivel creativo como de cara al buen futuro que SOUL DEALER amenaza con “Aliennation”.

SEBASTIÁN ABDALA |

7.5

SOUL DEALER (ESP) ALIENNATION

ROCK CD, 2019 La banda catalana SOUL DEALER lanza un disco épico, donde suelta toda la estirpe Metal que vienen trabajando desde 2012 y le da una vuelta de tuerca a todo. El caso de “Aliennation” presenta 12 canciones donde se toman recursos técnicos y, claro, las virtudes del grupo.

Abren dos canciones plagadas de una Heavy que veremos en todo el trabajo, con unas bases de intensidad bien sostenidas por dos guitarras que se multiplican y hacen la esencia del sonido de la banda. Una voz bien plantada, con tonos medios que van terminando de ajustar los preceptos más poderosos del mensaje. A medida que avanza el disco encontramos toques de distinción, arreglos que no se hacen excesivos y suman colores más variados al disco.

Cada una de las canciones es distinta de la anterior, se luce en algunos casos más la batería en una complicidad bien conseguida con el bajo, y allí dejar espacio para que el resto del grupo vaya creciendo sobre tramos bien marcados. Algunos teclados de fondo hacen un buen colchón para que sean, simplemente, una banda tocando. Varios conceptos musicales asoman a medida que vamos viviendo una historia de conquista, de lucha, donde el Power Metal asoma por la teatralidad que despliega la banda.

A partir de “The finding” las cosas cambian a otra velocidad, canciones más brutas, más Groove, por decirlo de alguna manera, con riif´s violentos que apoyan a un doble bombo trepidante. Es un cambio total de tercio en el ecuador del álbum, lo que sorprende y denota una idea más extensa que los parámetros clásicos. La voz, siempre bien encuadrada es más oscura y frontal. Un tramo del disco donde notamos a los SOUL DEALER más salvajes.

De ahí en adelante nos queda seguir apreciando la variedad que deja a la batería de nuevo como el elemento más destacado. Ciertos arreglos ponen la puntilla a un disco de sonido bien logrado y estructuras que hacen notar la idea de la banda.

STEINBOCK (ESP) TILL THE LIMIT

ART GATES RECORDS, 2019 ¡Lérida existe! Es curioso porque hace unos meses tuve el gusto de reseñar el debut de la formación catalana BLINDPOINT y ahora toca el primer larga duración de este cuarteto con nombre alemán STEINBOCK (que traducido sería «capricornio» en castellano). Banda formada en 2013 y con dos EPs editados, ahora nos brindan este LP de debut titulado «Till the Limit» de la mano del sello valenciano Art Gates Records.

Está BASTANTE claro que la joven formación lleidatana ha escuchado METALLICA con muchísima atención. De eso no cabe duda, y además doy por supuesto que es algo que no intentan ocultar. Sería tontería. ¿Nos encontramos por tanto con un grupo más que se limita a copiar a los californianos? Yo no llegaría a tanto. Esto es heavy/thrash aunque tirando más al thrash diría yo… yo les ubicaría en la época «Black Album» por momentos y luego ya noto muchas influencias de sus discos más recientes tipo «Death Magnetic» o «Hardwired»… esos discos semi-thrash de METALLICA con toques más modernetes para no quedarse fuera de onda. El disco es cortito, 36 minutos, lo cual me parece perfecto porque más temas hubieran supuesto un problema a la hora de disfrutar de la placa (esto es hoy en día bastante normal).

Pasemos a los puntos fuertes: estos chicos saben tocar. ¡No te quepa la menor duda! Hay

energía positiva, buen riffeo cañero con actitud y bastante dinamismo. Los temas están bien compuestos. Los arreglos son acertados.

El disco está muy bien producido, rollo thrash moderno, con un tono thrash de guitarra con guiños al hard rock bastante acertado y solos muy currados, con un bajo audible y penetrante y un tratamiento de la batería excelente. El disco en sí, sabiendo que es un disco de debut y que la formación (al menos por lo que se ve en las fotos promocionales) es bastante joven, me hace esbozar una sonrisa porque uno se da cuenta de las horas y horas y más horas de trabajo que se han pegado estos chicos para sacar este disco. Se nota ímpetu y energía (sin estas dos características es imposible hacer thrash en condiciones). Se nota que están hambrientos. Hay un buen feeling groove que impregna toda la obra y que te hace mover el pie. Hasta ahí todo bien.

Pasemos a las pegas: las voces no me convencen… ni en ejecución ni en producción.

Tampoco es que me disgusten, ojo. Aparte del hecho más que evidente de que son una copia descarada de James Hetfield, las veo bastante limitadas. Al principio están bien, no son una maravilla pero se complementan bien con el buen hacer a nivel musical. Pero al rato… lo siento pero se pueden hacer un poco cargantes y monótonas. Tampoco me mata a nivel de producción el tratamiento que han dado a las voces. Suenan un poco «secas»… les falta un poco de calidez. ¿Es esto un gran problema a la hora de disfrutar de este buen disco de thrash? Gracias a que la obra dura 36 minutos, no tanto. Pero si hubiera sido un LP más largo al final me hubiera resultado un poco aburrido y repetitivo.

La balada no me ha gustado demasiado. No parece ir a ningún sitio. Promete por momentos pero se queda en agua de borrajas. De nuevo, esas voces cuando intentan ponerse melódicas y transmitir no logran dar la talla.

Falta un poco de registro vocal, creatividad a la hora de crear líneas vocales interesantes y feeling. Se les nota un poco limitadas la verdad. Que conste que no son horribles… pero en comparación con la música de calidad son sin duda el punto débil. ¡Lo siento!

Los títulos de los temas pasan de genéricos a cliché o a infantiles. «Trash», «Beer» o «War» la verdad es que no son títulos que animen a uno a escuchar un disco. ¡Títulos interesantes y sugerentes joder!

Ya de lleno en los temas, «Thrash» se nos presenta como un buen pistoletazo de salida, como no podía ser de otra forma en un disco de thrash: con riffs thrash monolíticos, buenos solos melódicos e hirientes y una batería exquisita. «Gamble Man» tiene muy buenos momentos también. En «4 Vices» y en la power ballad «Keep It On» es donde abandonan un poco el thrash y se adentran en el heavy y el resultado es por momentos un poco salchichero. Todo un poco forzado, siguiendo clichés sin seguir sus instintos. En «Jump!» vuelven al thrash y vuelven a sorprender con buenos riffs thrash/groove y buenos coros.

Ya terminando, «Till the Limit» es un buen

álbum de heavy/groove/thrash que, aunque bien ejecutado y con buenas dósis de dinamismo, es imposible de escuchar sin pensar cada diez segundos en METALLICA. Los instrumentos están muy bien tocados, la producción es bastante buena (thrash moderno) y los temas están bien compuestos sin lugar a dudas… aunque al terminar de escuchar la obra te queda el regusto a que son una banda que copia demasiado a METALLICA. Las voces hay que trabajarlas más. No quiero sonar demasiado negativo porque STEINBOCK son un grupo MUY bueno y que promete mucho. Pero para poder progresar van a tener que refinar un poco más su sonido y encontrar su propia personalidad. El disco a mí me ha gustado y lo he disfrutado, a pesar de todo. Ya estoy deseando escuchar su próximo plástico porque si se esmeran un poco y logran limar estas asperezas nos hallaremos con una de las grandes esperanzas del thrash español. Y algo me dice que esta banda nos va a dar mucho de qué hablar en el futuro, ¡ánimo! Como podéis ver, a pesar de todo soy absolutamente incapaz de ponerle menos de un 7 a este álbum de debut. Me ha divertido, y eso en thrash es casi lo que más cuenta.

DANIEL GALLAR |

7

SYBERIA (ESP) SEEDS OF CHANGE

METAL BLADE RECORDS, 2019 “Seeds of Change”, el último disco de SYBERIA, es la puta polla. Y con esto, doy por concluida la review de hoy. ¿Qué, qué más queréis que añada? No hace falta ser un genio para, en cuanto has escuchado un par de riffs o un par de estribillos, saber si una cosa te gusta o no. Del mismo modo, ocurre que puedes saber que una cosa te gusta y es porque es magistral o porque te gusta a ti solo (que eres un poco rarito). Los barceloneses de SYBERIA se sitúan en la primera categoría, escucharlos es amarlos y los amas porque te das cuenta con cada nota, con cada evolución, que son unos maestros.

Sí, son Post y tú podrás decir que a ti ese rollo no te va, pero es porque eres un puto inútil y eres fruto de una relación endogámica. Simple y llanamente es eso.

En primer lugar, una de las grandes aporta-

ciones que tienen estas bandas de Post, al prescindir de los vocales, es que los músicos tienen que sublimarse y concentrar toda esa historia que en otro grupo relataría el cantante en un riff, en una atmosfera, en un break.

Todo el poder evocador de la música con el Post se eleva al siguiente nivel. Te hace viajar, te hace soñar, te hace imaginar, sientes como un anhelo palpita en tu interior y que se sincroniza con la caja de la batería. Esa guitarra que deambula de las notas más etéreas a los muros sónicos dibuja imágenes en tu cabeza, en ocasiones hace que tu respiración se acelere y que notes el pulso en las sienes y abras mucho los ojos. En otras ocasiones, hará que te recuestes lánguidamente en el sofá y los entrecierres y te dejes llevar, para darte cuenta que un par de minutos después estás de nuevo sentado al borde del sillón, crispadas las manos sobre los muslos.

Y así van cayendo un tema tras otro. Sí, si queréis podemos hablar de las influencias, podemos hablar de ISIS, de RUSSIAN CIRCLES o de otros grandes nombres del Post; pero entonces tendremos que hablar también de grandes nombres del ROCK (de esos bandas que lo han escrito así, con letras mayúsculas), y también tendremos que hablar de los grandes de la Psicodelia o del Progresivo. Podemos hablar, sí, adoptar un tono pomposo y huero, un tono académico, e intentar descifrar las intrincadas composiciones y hacer referencia a las otras bandas… Vano esfuerzo, porque estamos intentando aplicar unas leyes matemáticas y rígidas a una serie de conceptos que tienen que ver con una cosa no cuantificable y que son las emociones. Escuchar “Seeds of Change” de SYBERIA no va de determinar que aquí van tocando en un compás de amalgama o 7/4, que esta guitarra va haciendo powerchords mientras el bajo va tocando la quinta dominante o bobadas de esa.

Escuchar “Seeds of Change” de SYBERIA va de emociones, de sentimientos puros y de lo que es el objetivo del ARTE (así, en mayúsculas): provocar una reacción, un sentimiento, una reacción en el que disfruta de ese arte. A mí me provocarán una reacción, a ti otra, a lo mejor similar, a lo mejor completamente contrapuesta, pero no te van a dejar indiferente.

No sé cuántas veces he escuchado este disco; de hecho, ahora mismo, mientras escribo esta review, está sonando por enésima vez, y lo disfruto de la misma manera que lo disfruté la primera. Ni siquiera miro los títulos de las canciones. Como decía Shakespeare: la rosa no dejaría de ser rosa, y de esparcir su aroma, aunque se llamase de otro modo. Aprecio cada una de las capas de cada uno de los temas, cada instrumento, cada matiz, cada giro.

“Seeds of Change”, como obra, es el vino que te convierte, lo quieras o no, en un sumiller.

Como ya he dicho: escuchar “Seeds of Change” de SYBERIA va de emociones, por lo que no te lo voy a desmembrar (¡escucha este tema o este otro!) porque entonces te perderías una experiencia sensorial de la que no quiero privarte. Escucha un tema, déjalo reposar, escucha otro aleatoriamente; escucha el disco del tirón, haz lo que quieras con él. La premisa de esta review sigue siendo la misma: “Seeds of Change”, el último disco de SYBERIA, es la puta polla.

CESAR LUIS MORALES |

10

TAKE OFFENSE (USA) KEEP AN EYE OUT

PURE NOISE RECORDS, 2019 El combo californiano formado en 2005 TAKE OFFENSE lanza al mercado su tercer larga duración, seis años después de su anterior trabajo nos ofrecen este “Keep an Eye Out” que salió al mercado el pasado dieciocho de octubre a 60 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 71

través del sello Pure Noise Records.

Este trabajo discográfico consta de diez cortes repartidos en algo más de treinta y dos minutos de duración total en el que el quinteto de Chula Vista nos ofrece un Crossover/ Thrash cargado de Hardcore de gran calidad técnica y compositiva que, unido al sonido de la producción obtenido entre Nick Jett y Joel Grind es para que estén más que satisfechos del resultado final.

Desde el tema que abre y da título al disco “Keep an Eye Out” ya te dice que esperar de este álbum, es como meter en una coctelera lo mejor de ANTHRAX y SUICIDAL TENDENCIES, pero además conseguir sonar fresco, diferente y ellos lo consiguen.

Personalmente si tengo que destacar algunos temas del disco sin duda además del primero destacaría “Above No One” y sobre todo “Guilt Free” dos trallazos en los que la mezcla de Thrash, Crossover y Hardcore es simplemente perfecta, sin desmerecer por supuesto el resto de cortes de este excelente trabajo discográfico. Musicalmente, el álbum está en un nivel muy superior a cualquier cosa que la banda haya producido anteriormente. Decir eso no es restar valor al trabajo anterior de la banda, sino más bien destacar que han sabido madurar en estos últimos años Este álbum proporciona el punto de partida perfecto tanto para aquellos que la escuchan por primera vez como para sus fans que esperaban otro larga duración desde 2013.

CARLOS BERMEJO |

8.5

donde vamos arrastrando los pies buscando un rumbo, que parece reventar desde alguna nube que no hemos visto venir, para que la adrenalina se mantenga fluyendo. Tal y como siempre lo hemos querido.

Recuperamos el tono y “La mascota” suelta electricidad de nuevo, unas reminiscencias a ese Rock desconcertante europeo que ha hecho escuela en el mundo. Donde la idea de los músicos se interpreta con ayuda de sinestesias neuronales complejas.

El tramo final de este trabajo nos lleva de nuevo a un sitio que la banda está muy cómoda, cierta oscuridad Stoner lista descargar en cualquier momento. “Toe motion” es, de nuevo, una tromba de voces y bases ajustadas.

“A farewell for the princess” es una despedida con ese amargor lisérgico. El rollo es de cada uno, lo entiendo, pero a mí me detuvo constantemente en una casa de dos plantas, en medio de un desierto, como el de Sonora, o en esa aridez de ciertas tierras patagónicas, donde la Naturaleza de algunas yerbas te hacía conectar con cierta parte oculta del resto de la humanidad. La simpleza de la orquestación de este puñado de canciones, me ha hecho conectar con esa lisergia tan denostada y mal tratada por lo cotidiano. Más que un disco, estamos ante una obra de esas que hay que cuidar mucho, tener el álbum muy pegadito a “Las puertas de la percepción” de aquel rebelde y psico-novato Huxley, y esos versos escritos por Michaux, descendiendo por Sudamérica hasta lo más cercano de su personalidad. Mientras escribo esto seguimos en una cuarentena Global (marzo-2020), creo que es un buen momento para tapar algunas ventanas, tomar estos ingredientes y dejar que “Lo​-​Fi Sounds For Hi​-​Fi People” de THE DRY MOUTHS haga la iniciación de un viaje a tu interior.

SEBASTIÁN ABDALA |

9.5

Está claro que la estrella de esta banda es la front-women que se come canción y la lleva a su terreno con un arte tan desesperado como psicótico. Pasajes donde hay una afinación perfecta, y otros donde la locura juega con tonos de growls y desgarros de garganta que llevan al punto más alto en cada canción.

Promete mucho, sobre todo por la descuidada (pero producida) actuación en cada tema, como si todas las canciones fueran la última.

Si bien el corte lanzamiento fue la estupenda y ácida “Why won´t you die” donde los coros irónicos acompañan a una banda que no solo tiene actitud Punk, si no que lo mejoran y no dejan espacio al fallo o a la descoordinación como en “Alien face”El cierre se pone mucho más Rocker con “The end A.D.” la más extensa del trabajo, donde nos van a tirar desde el principio con una suerte de solo de batería y pliegue de distorsiones que terminan reventando con la voz más desatada que nunca, narrando y cantando, muy Hardcore, en tramos que en verdad hacen parecer como 6 canciones juntas, muy Punk, mezclada ¡con la pureza de unos groove´s que hacen de la canción una verdadera locura de cambios de ritmo. Se desvanece constantemente para luego entrar de nuevo con más fuerza en cada oasis. Tal vez los efectos de post-producción saturen un poco, pero ya de por sí la actitud y lo que la banda propone hace un trabajo más que recomendable.

“Badlands” es el segundo larga duración de esta banda formada allá por 2014, coge todo lo que otros grupos como SUM41 o ALIEN ANT FARM, por citar un par, no han podido mantener o apenas vislumbraron pero sin tener la creatividad necesaria como los THE END A.D., quienes entregan 11 canciones que parecen una procesión por los últimos 30 años de Punk, aderezado con una fuerza de Metal que los pone en primera línea.

SEBASTIÁN ABDALA |

8

THE DRY MOUTHS (ESP) LO-FI SOUNDS FOR HI-FI PEOPLE

ANEURISMA RECORDS | ZONA ROCK | VIOLENCE IN THE VEINS, 2019 Este disco es un buen disco de Rock para quienes buscan electricidad y estructuras bien conjugadas con ambientes espirituales urbanos, tiene esa profundidad bien conseguida en un estudio de grabación con muchas horas de curro. Pero, además, tiene una carga lisérgica, psicodélica y Stoner que nos va llevando lentamente hacia un paso de nuestra mente que, muchas veces, necesita algo de luz para ser atravesado. Hablamos de THE DRY MOUTHS y su larga duración “Lo​-​Fi Sounds For Hi​-​Fi People”. Una experiencia ultra sensorial para Psiconautas inquietos.

Si bien la introducción parece ser algo más meditado, en cuanto rompe “Limoncello” la música nos envuelve, no es simple psicodelia, es un juego constante de melodías enfundadas en una guitarra que juega con efectos de Theremin para en menos de 3 minutos tenernos listos, ya, en la cresta de una ola de emociones bien generadas.

“Los Pollos hermanos” es ultra ganchera desde el principio, claro, es un disco también. La rítmica se te clava en la cabeza y te obliga a moverte. Los tempos de la batería van cronometrados en esas intensidades que te impiden parpadear o ponerte a hacer otra cosa.

La guitarra va cambiando de plano (¿dimensión?) para ir soltando buenos Riff´s que se convierten en la base de este Rock hipnótico.

Pasamos a un breve oasis, parece calmo, con arenas verdes y azules para que lentamente la armónica “Elis Lahm” vaya a construirse lenta y progresivamente. Las voces tienen un juego de efectos que suma a la hora de dar la entrada a unos suaves y melancólicos punteos de la guitarra para acercarte a un tope de endorfinas maravillosos. Un verdadero viaje donde la voz desesperada parece hacer los coros a la banda, que entra con una carga sincera y arrolladora. De forma casi literaria se va fundiendo con “Psychomental V Code Rosaura”, donde la banda se mete en un laberinto de tonalidades profundas, extensas, todavía en ese desierto

THE END A.D. (USA) BADLANDS

FASTBALL MUSIC, 2019 La banda THE END A.D. sigue su camino, irrefrenable, hacia una cima que quieren tomar en base a fuerza y brutalidad. Su reciente trabajo “Badlands” es un puñetazo directo al estómago, con toda la desesperación típica de las bandas que ejecutan Punk Hardcore, con toques de Groove, bebiendo de influencias tan variadas y acertadas de la historia de la música.

La vocalista se lleva un superado desde el primer segundo, puede que toda la banda esté formada alrededor de ella, ya que incluso en el disco de estudio transmite una violencia y una actitud que te compra desde los primeros acordes de “Addiction”, con la banda entregada tanto en tempo como en intimidación. Cada canción ocupa un espacio dentro del trabajo, siendo una distinta de la otra por completo, sin miedo a cambiar de estilo, levemente, e imprimir más velocidad luego de una calma orquestada como en “Enemy action” o “I feel like death”. Las voces son una catarata de cambios y gritos tan bien puestos que recuerdan a tantos cantantes a la vez, pero asimilados a su propia interpretación.

Momentos de ese Weiland desesperado de STP, matizado con algo de Debbie Harris o un Dexter Holland en pasajes más oscuros.

La versatilidad del grupo queda plasmado en “Tundra” donde el ambiente comienza oscuro, para ir entrando en ese Punk místico de los ´70´s más ácidos y confusos. Como más destacable tenemos a la batería, saltando al Hard Rock, dejando al frente el sonido de los platos para acompañar a unas guitarras que funcionan de base acompasada y no se extralimitan en ningún solo sin sentido.

THE LAST MARTYR (AUS) LIKE A GHOST

AUTOEDITADO, 2019 Se dice en el refranero español, que lo bueno si breve, dos veces bueno… Y a pesar de que, por norma general, el refranero es sabio, también es cierto que hay ocasiones en que se equivoca. Hay cosas que es mejor que duren más tiempo, para disfrutarlas, para sentirlas, para… ¡bueno, que cada uno piense en lo que quiera!

Porque cuando empecé a escuchar “Like a ghost” de THE LAST MARTYR me pasó algo así. Pillas a la banda, la buscas por Spotify y le das al “play” y, mientras, vas haciendo otras cosas, pero siempre con la libreta y el boli a mano, para tomar notas, para dibujar unos primeros bosquejos de la review. Así, por lo menos, es como trabajo yo. Y cuál es mi sorpresa cuando después del tema, el silencio es lo que queda. En todos los aspectos.

THE LAST MARTYR es una banda de Melbourne que apenas tiene los dos años de vida, y ya hay que prestarles atención, aunque tienen este single “Like a ghost” y un EP “Creatix” de abril de 2019. Al frente la increíble vocalista Monica Strut, el punto focal de la banda. Pero no os penséis que el resto de la banda se queda a la zaga. El tema abre con unos potentes trallazos de guitarra a cargo de Ben Rogers, muy en la onda del Metal contemporáneo, ese batiburrillo de géneros, pero cargados de intensidad, de melodía y de electricidad a raudales. Acompaña una base rítmica demoledora y precisa como un reloj atómico, Matthew Mumford al bajo y Vin Krishnan a la batería. El tema está bien construido, es dinámico, potente donde tiene que serlo y melódico donde lo requiere. Todos sonando como tienen

que sonar. Pero se te queda ahí… como ese momento en el que la persona que te gusta inclina su cabeza hacia ti, tus labios se entreabren anticipando el momento, e incluso cosquillean al notar el aliento de la otra persona cerca y… ¡Se queda ahí! Nunca mejor dicho, te dejan con la miel en los labios.

Por fortuna, la banda también ha colgado en Spotify y en su Bandcamp el EP que hemos mencionado. Y sí, tenemos más de THE LAST MARTYR, y tenemos más variedad. Tenemos una banda de Metal XXI, heredera de grandes bandas con grandes vocalistas (rellena el espacio con la que te interese: JINJER, EVANESCENCE, LACUNA COIL, OTEP, ___) e incluso descubrimos registros más rasgados y guturales en la voz de Monica (escuchad “Fear”). Pero como he dicho, se queda en esa anticipación al beso…

Me es muy difícil darle una valoración a la banda. No en puntuación, pues reconozco que lo que he escuchado me gusta, está bien construido, bien ensamblado, se ven las ideas claras, las ganas y la garra, la melodía y lo metálico, quizá algo más de variedad e innovación, pero este “Like a ghost” y el EP “Creatix”, se me han quedado demasiado, demasiado cortos. Y ya os lo he dicho, lo bueno, si breve, no siempre es bueno.

CESAR LUIS MORALES |

donde “Trailsign” nos comienza con una mucho más dinámica, apostando por voces sobre líneas de guitarras agudas con una batería lineal de fondo, y donde a veces quedan por encima de todo. Con riffs bastante enérgicos, crean un tema bastante cambiante, pasando por ritmos muy leves, donde apenas hay instrumentación y llegando a otros más pesados, donde la batería, bajo y guitarras crean una mole de potencia brutal, dejándonos un tema perfecto para acabar.

Con este nuevo trabajo THE OKLAHOMA KID se posiciona como un grupo bastante agresivo, con composiciones muy potentes, tanto en las partes instrumentales como en las voces, donde estás juegan un papel súper importante, aumentando la agresividad del conjunto de manera brutal. Con potentes riffs de metalcore, voces guturales y algunos toques de electrónica por algunas partes, crean once temas cargados de fuerza, que sin duda les hace tener un disco bastante completo y muy bien equilibrado.

JORGE DE LA CRUZ |

8

8

THE SCOURGE (USA) WARRANT FOR EXECUTION SEEING RED RECORDS, 2019

THE OKLAHOMA KID (DEU) SOLARRAY

ARISING EMPIRE RECORDS, 2019 El grupo alemán THE OKLAHOMA KID lanzan al mercado su segundo trabajo, de manos de Arising Empire Records. El conjunto de los once temas que lo forman lleva como título “Solarray”.

Formados en 2012 en Rostock, Alemania, el grupo está compuesto por Tomm Brümmer en las voces, Fred Stölzel y Andreas Reinhard en las guitarras, Robert Elfenbein al bajo y David J. Burtscher en la batería.

Comenzamos escuchando “Oasis”, donde nada más comenzar nos topamos con unos riffs bastante potentes, donde las guitarras hacen acto de presencia con agresivos sonidos y composiciones. En las voces nos dejan con una voz gutural super potente, que se va alternando con melódica en los estribillos, donde el conjunto baja el ritmo, para dejarnos con unos ritmos más pegadizos y melódicos, dejando algo de lado la potencia, para brindarnosla poco después en “Feed Me Fear” donde la batería nos deja con una base super potente, sobre la que fluyen unas guitarras potentes pero cambiantes, entremezclando ritmos con algunos toques electrónicos, que aumentan la variedad de las composiciones, pero mantienen esa potencia que nos dan desde el principio. Para el estribillo generan unos ritmos potentes y rápidos a partes iguales, rompiendo un poco la potencia de los primeros ritmos y fijándose más en la velocidad.

Justo en el ecuador del trabajo nos topamos con “Balaclava” donde los ritmos electrónicos son protagonistas desde el segundo uno, entremezclando con leves guitarras y baterías, para poco a poco aumentar la agresividad del conjunto con composiciones super potentes y rápidas. Al añadir la voz agresiva, todo conforma un tema super potentes, con cortes agresivos, que alternan entre velocidad y potencia de muy buena manera. Sin duda un tema súper dinámico, con mucha variedad en sus composiciones.

“Monster” suena acercándonos al final dejándonos con unos sonidos muy agresivos, encabezando unos riffs bastante rápidos, que en momentos se vuelven más lentos para dar protagonismo a unas voces agresivas, que se completan con unos coros bastante profundos, para dar más dinamismo a la línea vocal,

«Warrant for Execution» es el álbum debut de los norteamericanos THE SCOURGE, que ha visto la luz a través del sello Seeing Red Records (MAGGOT TWAT, SUBTYPE ZERO, ATOMIC WITCH…) procedente también de los Estados Unidos.

Creados en 2012, en su discografía únicamente encontramos un EP que lanzaron en 2014 y que llevaba por título «First Comes Destruction». En aquel entonces eran un cuarteto y de esa misma formación pasaron a ser un trío que es el que continúa en la actualidad.

Musicalmente podrían encasillarse en el género thrash metal (poseen esos riffs incisivos, rápidos, los tradicionales coros del estilo…), aunque igualmente poseen elementos del power o del heavy más clásico. No cabe duda de que son buenos músicos, de hecho, un par de ellos han acabado siendo componentes de la “banda de culto” HELSTAR en sus últimas encarnaciones, pero aquí no han conseguido ese algo particular que los haga destacar.

Los dos primeros cortes desfilan con dificultad, son generosos en cuanto a duración y no parecen contener nada especialmente memorable. Cosa que sí que parece suceder en su “Hellbound and Down”, tercero en discordia y que sí que contiene un estribillo pegadizo (el mejor diría de todo este trabajo), definitivamente más corto y certero. Todo continúa mejorando con el tema título y “One by One”, otro de los destacados, que ataca como un auténtico torbellino y es ligeramente más pegadizo.

No me olvido tampoco de la última canción “The Cross on the Wall”, que viene a extenderse por más de diez minutos, pero en ella se puede disfrutar de lo mejor de este material, con buenos cambios de ritmo, diferentes tempos y el sentimiento adecuado. Las letras son de temática política (se incluye algún sampler por ahí y por allá) y están salpicadas de horror.

Para la grabación de este «Warrant for Execution», han utilizado un buen puñado de diferentes estudios para cada instrumento, pero fue mezclado y masterizado en los Subterranean Watchtower Studios de Virginia con Damian Herring (HORRENDOUS, DRAWN AND QUARTERED, DECREPITAPH…). La portada es obra de Diego Garza/Diablo Macabre (BLACK PHANTOM, MOTIVE, SHIT LIVER…) y THE SCOURGE es un grupo tejano, que está compuesto por Andrew Atwood (voces, guitarras y teclados), Alex Erhardt (batería) y Garrick Smith (bajo y voces).

En resumidas cuentas, thrash metal con pizcas de power/heavy metal, que puede conte-

ner influencias o similitudes en determinadas ocasiones con grandes de la talla de ANNIHILATOR, ICED EARTH, METAL CHURCH… pero por desgracia con falta de ese encanto. Pasa de la media pero poco más.

ROBIN RM |

6.5

bles que esta tiene. Conforme avanzamos por los temas, vamos bajando y subiendo en los diferentes temas con los que nos van dando, comenzando el trabajo con un tema bien enérgico y cerrando con todo lo contrario, un tema lento, con el que disfrutar poco a poco de las composiciones. Sin duda, un gran contraste, para un disco que se disfruta de principio a fin.

JORGE DE LA CRUZ |

8

THOUSAND BELOW (USA) GONE IN YOUR WAKE RISE RECORDS, 2019 El grupo estadounidense THOUSAND BELOW lanzan al mercado su segundo álbum de estudio. “Gone In Your Wake” es el nombre del disco, el cual está compuesto por once temas que han sido editados por la discográfica Rise Records.

Formados en 2016 en San Diego, California, James DeBerg a la voz, Josh Thomas en la guitarra, Josh Billimoria en el bajo y Max Santoro en la batería.

Comenzamos escuchando “Chemical”, tema que se encarga de abrir el trabajo, con unos riffs rápidos, que al momento se tornan en sonidos más leves, para introducir una voz limpia bastante pegadiza. Introducen unas composiciones lentas, donde la instrumentación es escasa pero efectiva, completando con algunos pequeños toques electrónicos y una línea vocal excelente, con ciertos guturales puntuales, pero donde domina la voz limpia.

“Fake Smile” nos abre con unos sonidos muy leves, encabezando las melodías una voz limpia, que se convierte rápidamente en protagonista de las composiciones, sonando por encima de una base donde las guitarras leves son mayoría. Con una batería bastante discreta terminan de cerrar un tema bastante lento, con ciertas partes energías que suben el listón de muy buena manera, consiguiendo un tema bien contrastado, con ciertas partes agresivas hacia el final del mismo.

En el ecuador del trabajo nos topamos con “Vanish”, que comienza con unas guitarras muy lentas, que introducen una voz, cargada de efectos, para al momento dejarnos con unos riffs más potentes, que se van alternando con las partes melódicas de las voces.

Componen ritmos super potentes, con guturales agresivos y ritmos pesados y rápidos, creando un contraste brutal con la primera parte del tema y dejándonos con un tema super potente en general.

Acercándonos al final y en octavo lugar, nos dejan on “Learn To Lose And It All Gets Easier”, un tema muy lento, con sonidos leves y algunos toques electrónicos que les da profundidad a las primeras composiciones.

Poco a poco van introduciendo más electrónica, basando en esta, practicamente toda la instrumentación. Dejan claro que crean buenas composiciones con cualquier instrumentación, como en este tema, entremezclando electrónica con voz limpia, para dejarnos con un tema interesante, muy diferente al resto y el cual destaca por eso mismo. Un punto y seguido en el trabajo.

“Gone In Your Wake” se encarga de cerrar el trabajo, con unas primeras melodías lentas y pausadas, que nos introducen en una atmósfera tranquila y sosegada, que se mantiene durante los más de tres minutos que dura el tema. Nos deleitan con cortes muy lentos, cargados de energía allá donde la voz toma mucho protagonismo, así como con un tono aterciopelado muy bonito. Termina con un silencio cortante, que nos deja con ganas de más, y cerrando el trabajo de manera muy diferente a como empezó.

Este segundo trabajo de THOUSAND BELOW es una mezcla brutal de sonidos y composiciones leven con potentes, donde entremezclan instrumentación pesada con partes más melódicas, al igual que con la voz, dejándonos de manera muy evidente, los matices increí-

TRAGEDIENS TRONE (NOR) TRAGEDIENS TRONE

OSMOSE PRODUCTIONS, 2019 «Tragediens Trone» es el álbum debut de un nuevo acto de black metal, de idéntico nombre, desde las frías tierras de Noruega. Su historia es como una de tantas formaciones, lanzan una edición menor en sus comienzos, para desaparecer de la faz de la tierra y regresar años más tarde con fuerzas renovadas y un disco completo bajo el brazo.

«The Cold Dephts of Solitude» es la demo en cuestión y doce, son los años que han pasado desde la misma hasta el material que nos ocupa. La banda es un dúo que cuenta en sus filas con componentes y ex-componentes de SLAGMAUR y este álbum debut, ha sido editado por el mismo sello que lleva a este grupo y que no es otro que Osmose Productions (IMPALED NAZARENE, WITCHMASTER, CRYFEMAL…).

Siete cortes de black metal disonante, gélido, agresivo… Con melodías, guitarras limpias, coros y que cuenta con voces ásperas graves y rasgadas, lejos de aquellos clásicos chillidos con los que nos propinaban en sus primeros álbumes EMPEROR o …IN THE WOODS por poner algunos ejemplos.

A destacar, además del sonido que han logrado para este trabajo, pues lo haría con el segundo tema, «Cold Depths of Solitude» (regrabado y ligeramente modificado de su maqueta) un poco más a medio tiempo y con una parte intermedia inquietante, tenebrosa… con susurros y unas disperas teclas. Por alguna razón, los que más me han llamado la atención han sido las canciones más lentas y atmosféricas, caso también de «Stygian Fluke» o el final y extenso «Siphon Anima». Aunque a decir verdad, gran parte de este disco transcurre en ese terreno… pero sin llegar al DSBM o similares diría yo.

Skard es el encargado de las voces y guitarras mientras que Wardr, lo ha hecho de las teclas y efectos. Para los directos como bien podréis imaginar, se valen de miembros de sesión para así completar la alineación de estos TRAGEDIENS TRONE. En resumidas cuentas, black metal moderno con elementos actuales, publicado a finales del pasado año y que viene de la mano del veterano sello Osmose, pudiendo ser del agrado de seguidores de SHINING, DEATHSPELL OMEGA… ROBIN RM |

TRAGEDY IN HOPE (RUS)

7.5

SMILE AT DEATH AUTOEDITADO, 2019 “Smile at death” es el primer EP de este proyecto creado, diseñado e interpretado por Sasha Giller, quien se viste como TRAGEDY IN HOPE. 1 introducción y 3 canciones extrañas pero bien plantadas que reflejan un poco lo que venía anunciando en sus singles anteriores. Y que esta vez viste todas sus ideas con ropas medievales y organillos “core”.

La fantasmagórica apertura instrumental nos pone en línea, música que parece entrar desentonada, como una orquesta de músicos cadáveres que lentamente van encontrando su sitio, y comienzan a dar forma a la canción que da nombre al disco “Smile at death”, el Black Metal se despliega de inmediato, llenando de locura y velocidad el entorno de lo que será el resto del disco. Es una obra que tiene varios tramos que pueden considerarse como experimentales, los coros sinfónicos traídos por los sintetizadores aparecen con brevedad para que la voz descargue algo más que odio. “Pierce the heaven” ya está más armada, pero menos extrema. Si bien no salimos de lo Sinfónico, el toque Black, esas voces que se conjugan con desesperante locura en agudos altísimos, decaen un poco al bajarlos a una narración más que a un gutural de Black.

Estamos ante una opereta de muerte, con toques progresivos y de Metal Extremo, tal vez fallen un poco en lo interpretativo la parte musical, sorprende su capacidad de plegar casi sin que suene extraño esta épica composición que no puede ser analizada como una banda en sí. No solamente porque el creador del proyecto se encargue de tocar todos los instrumentos, si no porque la complejidad roza un poco esa incoherencia que da brillo en ciertas ocasiones a la idea.

El cierre está a cargo de “Grim love story”, donde esta vez sí que parece estamos asistiendo a un teatro donde fantasmas que se niegan a desencarnar toman todo tipo de instrumentos y los interpretan con mucho “Core”. Los teclados y los efectos ganan protagonismo y, por breves momentos, parece que una influencia gigante de ese primigenio MR.BUNGLE lo ha poseído para entregarnos un álbum más complejo que ecléctico de Black Metal.

“Smile at death” es apenas un suspiro de las neurosis que devienen en el proyecto TRAGEDY IN HOPE, 3 canciones que tienen una carga creativa curiosa, sacudidas espasmódicas de unas guitarras sampleadas varias veces sobre sí mismas. Más cerca del Death&roll y al eclecticismo histriónico de un genio loco, correteando por un conservatorio una noche tormentosa en Stalingrado. Interesante, una oscura obra de teatro de marionetas sádicas entregadas a algún depravado antro de placer sinfónico.

SEBASTIÁN ABDALA |

nos hace retroceder a los antiguos rituales de centurias pasadas cuando según los astros en el cielo nos acercábamos a las fechas donde podíamos acceder a las puerta del Infierno e invocar a diferentes demonios; tanto para pedir favores como para entregarles nuestra alma. Ya con “The final gate” vemos que esa puerta se abre, y los sonidos estridentes de la introducción nos llevan a un estado de concentración para recibir a los invocados y dejarnos llevar por lo místico de una ofrenda litúrgica. La progresión de esta banda (compuesta por miembros que militaron o militan en otros proyectos de Black) queda demostrada porque en este álbum no solo se centran más en el concepto, si no que hay un cambio de ejecución, de tempos y de composiciones.

La creatividad es llevada a unas fronteras interesantes, con un sonido global de esos que te llevan a una casa abandonada, a las afueras de la ciudad, con habitaciones frías y olor a animales muertos. Allí es donde, según el tramo, distintas voces comienzan a invocar, a leer y gritar, textos oscuros de libros prohibidos. El concepto es brillante, oscuro y, muy probablemente, sea verdadero en la cabeza de los integrantes. En más de un país serían prohibidos.

Si bien vamos pasando de ritmos y estilos distintos, pero siempre dentro del Metal Extremo más bestial posible, llegamos a una canción perfecta de velocidad, potencia y total compenetración por parte de la banda para reventar: “Supreme command of satanic will”, y de aquí en adelante el disco se mantiene en esta línea, hay otro color de guitarra, un ritmo más veloz, donde el protagonista principal es la música. Los efectos en las voces llegan desde un averno metálico, para montarse sobre las guitarras y sacar guturales que, lentamente, se van saliendo de la melodía para seguir relatando lo maravilloso que es convertirse al satanismo más extremo. El cierre con “Heretic terrorist” nos lleva cruzar todas las barreras, tanto morales, como de bestialidad.

“Supreme command of satanic will” es un trabajo que no respeta ningún límite en cuanto a lo esencialmente sagrado se refiere. Es una obra para analizar en 2 aspectos, el técnico y el conceptual. En ambos nos encontramos con que TRAJETO DE CABRA ha creado una verdadera joya del Black Metal, con ejecuciones clásicas, sonidos que han sido planeados con precisión para dejarnos vislumbrar una entrada al hermético mundo satanista. Ideal para quienes gustan de ir siguiendo pistas ocultas (o no tanto) en la carrera hacia los brazos de Satán.

SEBASTIÁN ABDALA |

9

7

UNITYTX (USA) MADBOY

PURE NOISE RECORDS, 2019

TRAJETO DE CABRA (CAN)

SUPREME COMMAND OF SATANIC WILL IRON BONEHEAD PRODUCTIONS, 2019 Si analizamos la escena canadiense de Black y Death Metal nos encontramos con un verdadero útero animal satánico, lleno de pequeños fetos que, lentamente, van cobrando algo similar a un espíritu terreno y comienzan a deambular por la Tierra. Ironbonehead Records parece ser esa matriz de coyote hembra donde los hijos de Satanás son engendrados.

La agrupación TRAJETO DE CABRA forma parte de esta metáfora, convirtiéndose en 2019 en la punta de lanza de la escena con “Supreme command of satanic will”. Un disco grabado en plena Misa Negra y conseguido con efectos que superan lo teatral.

La apertura del trabajo es “In fear of saturn”

Desde Dallas y a través de Pure Noise Records nos el nuevo Ep de UNITYTX, “Madboy”, donde el hardcore y el hip hop americano se funden para crear un rap/metal underground y combativo capitaneado por SHAOLIN G, a través de 8 nuevos cortes, creando una música étnica y con un mensaje de crecimiento.

Y es que el álbum se hace muy corto, apenas veinte minutos de conexión con el oyente que comienzan con “Ruckus” a modo de introducción y se funde com “Hail Mary”, dejándonos claro de que va este álbum, donde las guitarras creadas por Alberto Vázquez y Ricky Cova, son densas y graves, creando una respuesta hardcore en la que se une Jonathan Flores en la percusión para darnos una buena dosis de rap metal, oscuro y agresivo, pero guardando unos estribillos abiertos y muy atmosférico, aunque lo que resalta aparte de la voz de SHAOLIN, son los riff de guitarras, en una simbiosis perfecta.

Con “Cross Me”, no pararas de saltar, con un tempo muy rítmico y una rabia contenida directa a tus oídos; uno de los temas del álbum.

Pero el toque rapero siempre presente, se enfatiza en una especie de interludios como “60 Seconds” o temas muy cortos como “Bang Sh!t” y “Better Dayz”, que intercala entre los más metaleros y los transforma en sonatas raperas desde el mas ínfimo underground donde transmitir mensajes a los adolescentes americanos. Antes de cerrar este pequeño repaso por el Ep de UNITYTX, “Piece Of Mind”, nos golpea con sus estrofas contundentes y unos riffs cortantes y machacones, para abrirse en su estribillo ambiental e “Lused2lookup2u”, cierra el trabajo, guardando un estribillo mas metalero y melódico, cantado en lugar de rapeado, poniendo la guinda a un gran Ep, aunque la portada personalmente no me gusta nada, pero representa ese esfuerzo que como personas representa la vida y que con esfuerzo todo se consigue, por muchos inconvenientes que nos pongan delante.

JUAN ANGEL MARTOS |

7.5

Así vamos disfrutando de una noche en la ópera del Metal que combina recursos a diestro y siniestro para un cierre lleno de artificios sorprendentes. “Valcata” y “The termination” (De 7 y 11 minutos respectivamente) son la puntilla para encontrarnos con más influencias medievales y de una interpretación de alto nivel.

La intención del creador de VALCATA está lejos de ser pretenciosa. Se inspiró y, lentamente, fue dando forma a un universo bien acompañado de elementos que han sabido interpretar tanto su idea como el concepto.

Trabajado con las ventajas de una era donde se permite de modo no presencial elaborar un disco, cada pieza ha sido fundamental para encontrar una sinfonía técnica, progresiva y sinfónica a la vez. Los actores vocales de este proyecto han sido entre otros: Zuberoa Aznárez, Mary Zimmer, Hadi Kiani, o Liel Bar-Z. Experimentados integrantes de diversos proyectos de altísimo nivel, tanto de orquestas nacionales de conservatorio, como actores de obras de teatro musicales o bandas de Metal Progresivo consagrado.

Un centenar de detalles hacen de este disco una adquisición para valorar tanto por su contenido inmediato al oírlo, como su forma de ser concebido, grabado, mezclado y producido. Repito, no puede ser tomado como un trabajo en la trayectoria de un grupo, es mucho más que un disco, es una obra de arte.

SEBASTIÁN ABDALA |

9

VALCATA (USA) VALCATA

AUTOEDITADO, 2019 Ante todo no podemos plantarnos ante este disco como si fuera otro trabajo de una banda, porque no lo es. Hay un cerebro, que se disfrazó un poco de dramaturgo y se lanzó tras una fiebre creativa donde consiguió plasmar una verdadera saga con casi una decena de voces y músicos de altísimo nivel. Imaginen esas películas donde el personaje principal tiene un plan para robar un museo. Bien, ahora imaginen que va a por los mejores, según él, para realizar este trabajo. Y va contactando uno a uno, para ponerlos al tanto de su plan, de su idea. Pues eso mismo es lo que ha hecho Oha Cade, la piedra fundacional de VALCATA, un ambicioso proyecto de Metal Progresivo, técnico y sinfónico con matices complejos de describir. El disco, del mismo nombre, contiene 10 piezas rigurosamente planeadas y ejecutadas, tal vez, en mayor tiempo que compuestas.

Cada canción contiene a varios vocalistas, los cuales han trabajado con sus características de Soprano, mezo-soprano, barítono y demás… menos “growl” tenemos de todo. Abre una suave instrumental que sería un decorado que no tiene tiempo ni espacio, para luego dar paso a “Our quest”, una obra que, si bien no es tan Metal, tiene unas dosis vocales que están a la altura de, por ejemplo, AYREON por nombrar apenas una de las mayores influencias.

Como piezas más complejas y veloces tenemos “Horror Machine”, una oda con cierto toque de locura y, ahora sí, un Técnico que reposa en un Progresivo limpio y de sonido impecable. No sorprende ya encontrarnos con varias voces tan diferentes entre sí, es un musical épico ambientado en la actualidad de producciones de ordenador, con tomas registradas en un estudio casero y orquestada de violines y trombas de batería que dan paso a un sinfín de elementos amoldados sobre un guion, un libreto, que cada personaje interpreta a la perfección.

A todo esto tenemos detrás una banda que aporta, acaso, lo que una tropa de bailarines a ciertos momentos. Samplers mezclados con teclados y una batería que cambia de estilo, arpegio tras arpegio. Unas guitarras que no se inquietan por demostrar en un riff extenso su capacidad, al contrario, los solos son breves, con un acertado Tech que luego se convierte en puro Metal para dar paso a los cierres que hayan sido pensados para cerrar cada una de las canciones.

VOICES OF GALADH (ESP) WONDERING

AUTOEDITADO, 2019 Tras un nombre repleto de fantasía, hadas y naturaleza, VOICES OF GALADH, se encuentra un grupo gallego que nos presenta su debut “Wondering”, (Autoeditado), creado por Pilar Fernández (vocalista de PRIMA NOCTE) y Jordi Ribas (bajo), al que se les unen Jorge Guerra (batería), Fran Rubio (guitarra) y Pablo Nimo (teclados), para dar forma a un rock progresivo con tientes metal muy embriagador y con un aire a bandas como STREAM OF PASSION, AYREON… Como si de una caja de música se tratase, “Voices Of Despair”, nos da la bienvenida con un aire mágico, que me recuerda a los espíritus del bosque. Y es que Pilar Fernández le pone todo su encanto en la voz para atraparnos con una música donde los tintes orquestales van progresando lentamente hasta adentrarnos en su portada, un bosque otoñal, que nos transporta a un mundo de fantasía. Con “New Birth”, dan un toque más agresivo donde las guitarras quedan más presentes en los puentes, pero con unas estrofas a base de voz y bajo donde los matices orientales aparecen ocultos hasta que el estribillo, uno de mis preferidos, infringe ritmo y melodía como si fluyéramos en un remanso de agua y transportarnos a la progresiva “Hypnotized”, con una estructura engalanada por unos teclados que otorgan una atmosfera especial durante todo el álbum.

Una sonrisa te saltará al escuchar “Intermezzo” y su ritmo feliz y agradable, sin dejarnos lugar a dudas del rock progresivo que trabajan, donde apreciamos a cada instrumento perfectamente engarzados por una gran producción, limpia y equilibrada, que nos lleva hacia “Innocent Eyes”, otra muestra más de que VOICES OF GALADH, han venido para quedarse y de que Pilar Fernández es una frontman de mucha calidad, acentuando determinadas partes y otorgándole de alma a sus canciones. “Wondering”, es el tema lento del álbum, engalanado con toques medievales en sus guitarras limpias y con una melodía que me recordó a WITHIN TEMPTATION en tonalidad, NUM. 71 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 63

un pequeño bocado para relajarte y dejarte llevar, aunque con un estribillo un poco más épico hubiese ganado más, pero es un muy buen tema.

Ya en la parte final del álbum, los sonidos mecánicos de un acordeón y un contrabajo bajo nos da la bienvenida a “Empathy”, un tema distinto y variado, de lo mejorcito del álbum y con unos pasajes musicales tanto instrumentales como vocales que transmiten y empatizan, nunca mejor dicho con el oyente; para mí el tema del álbum junto a “New Birth”. El cierre lo pone “Paradise”, y es que VOICES OF GALADH, se funde en cada corte y le conceden ese toque especial a cada uno, pues este último tiene unas estrofas delicadas, que se enfatizan en otro gran estribillo, empleando los teclados para darle ese toque paradisiaco.

Un debut muy interesante.

JUAN ANGEL MARTOS |

7.5

VOID VATOR (USA) STRANDED

AUTOEDITADO, 2019 En noviembre de 2019 y bajo el sello de Ripple Music, VOID VATOR sacó su último disco, “Stranded”, con dos canciones más de lo que tenía previsto en un principio, constando finalmente de ocho temas.

El grupo estadounidense está formado por Lucas Kanopa (guitarra y voz), Erik Kluiber, (guitarra), German Moura (batería) y Sam Harman, (bajo).

Una de las cosas que más me ha llamado la atención del grupo es el sonido. Una fusión incansable de Hard Rock, Heavy Metal y Grunge.

Todo el disco está enmascarado por un sonido noventero tremendo que enriquece las melodías, especialmente las vocales.

La banda tiene influencias de grupos como SOUNDGARDEN, PANTERA, FOO FIGHTERS, IRON MAIDEN o METALLICA. El disco comienza con una de las canciones más heavy, “Put Away Wet”, que sobre el minuto 1:22 da un giro tremendo con una carga noventera que a mí personalmente me ha recordado al sonido de ALICE IN CHAINS, (las melodías, los coros, el ritmo, …), para luego retomar el sonido del inicio. En otra canción que también siento esta influencia es en la homónima, “Stranded”.

En otras canciones como “Toxic Waste” o “Inside Out”, se aprecia la influencia de FOO FIGTHERS en la voz y en las melodías instrumentales. Pero la canción en la que más se recalca es en “Nothing To Lose”, una canción muy pegadiza que he escuchado sin parar esta semana.

Eso sí, cada uno de los miembros lleva siempre estas influencias remarcándose en su propio estilo y creando, temas a tema, un discazo.

El grupo tiene muy buenos ritmos y melodías pegadizas. Sin olvidar al bajo, que lleva con soltura y fiereza cada uno de los temas.

Es un disco para escuchar y escuchar. Si aún no conocéis a VOID VATOR, es el momento para hacerlo.

ALICIA CASTAÑO |

9

WATERPARKS (USA)

WEDNESDAY 13 (USA)

HOPELESS RECORDS, 2019

NUCLEAR BLAST RECORDS, 2019

La música, y eso no sé si está demostrado científicamente, tiene varios asombrosos poderes. Uno de ellos es el de activar en nuestra memoria recuerdos, sensaciones. Otro de sus grandes poderes es que puede afectar a nuestro estado de ánimo. Supongo que algún estudio habrá al respecto, porque es indudable que, como seres sintientes que somos, reaccionamos ante un estímulo externo. ¡Colorea y aprende con Teo! Así que en cuanto escuche la intro “Cherry Red” del “Fandom” de WATERPARKS enseguida se dibujó una sonrisa en mi rostro. – ¡Esto va a ser “easy-listening”! – me dije. Y así fue. Y así se fueron desgranando un tema tras otro de este álbum. “Watch what happened next” tiene un riff y un leitmotiv bien estructurado, heredado del punk-pop californiano. Y, en efecto, se escucha bien y se agradece. No necesitamos estar siempre con el rostro ceñudo y escuchando con atención, escuchando cada pequeño detalle, analizando, diseccionando, porque corremos el riesgo de perder la perspectiva. En segunda o tercera vuelta, me percato de unos coros… ¡vaya, en eso no había caído! “Dream Boy” es un pop electrónico aderezado con unos guitarrazos que no desentonan. Y así los temas, van cayendo uno detrás de otros.

Punk-pop, unas veces más punk que pop, otras más pop que punk, sin más pretensiones que las de tres chavales pasándoselo bien y grabando lo que les apetece. No todo tiene que ser, como he dicho, grave, adusto, técnico… hay música que puede ser amable. A mí, personalmente, escuchar el Soul de la Motown me induce a un estado automático de buen rollo. Y con WATERPARKS puede pasar eso; como en uno de sus temas reza “Easy to hate”: es demasiado fácil odiarte. Claro que sí, es demasiado fácil odiarlos, pero ese tema es tan rítmico, tan melódico, y tan cantable (bailable, odiable, reseñable…) que es fácil odiarlos… Pero, ponte tú a intentar crear algo que tenga ese gancho. ¿Me gusta el Black Metal? Sí, lo adoro, sobre todo el más oscuro, el más brutal, el más zumbado. ¿El Groove? Claro que sí (soy de los que se traga el “Far Beyond Driven” del tirón). ¿El Death? Sí, por favor. ¿El Grind? Siempre que pueda. El Crust, el Noise, el Shoegaze… pero, como he dicho anteriormente, también el Soul, el Funk, la Clásica o el Pop… ¿Que “Telephone” tiene una línea de piano en plan JERRY LEE LEWIS y luego un montón de efectos, pistas de voces dobladas y unos coros melosos? ¡Perfecto! ¿Que “Turbulent” tiene una pista secuenciada que acompaña a la guitarra y es un tema que podrías meter en una recopilación de música Disco? ¡Pues vale! “Never Bloom Again” es pop íntimo y sencillo. Como poppy también es el siguiente tema, y no molesta.

Que lo podría haber firmado una KATY PERRY o cualquiera de las otras grandes divas… ¡y no pasa nada!

WATERPARKS tienen una capacidad asombrosa para crear ganchos melódicos y mezclar estilos, sin que haya discrepancias, como es el caso de “War Crimes”: ahí están los guitarrazos más punk, las líneas más pop, las pistas de apoyo… y todo mezclado en un batiburrillo fácil de escuchar y de digerir. “[Reboot]” sigue con esas pistas secuenciadas, pero con ataques vocales más del hip-hop pero sólo por unos instantes… “Worst” es etérea, es sutil…

“Zone Out” es corta e íntima, una breve línea de acompañamiento y chasquidos… Y el último tema lleva efectos por todos los lados, guitarrazos y coritos de “Woh-hooo”…

Si ya lo intuí en cuanto sonó “Cherry Red”, que WATERPARKS iban a ser una banda de música de “buen-ro”, de esas bandas que despectivamente se las llama “easy-listening”, pero, como he dicho, no todo tiene que ser muro sónico y brutalidad. Hay gente que es feliz haciendo esto y se les nota y son capaces de transmitirlo en cada surco de un disco. ¡Bravo por ellos!

WEDNESDAY 13 está de vuelta. La legendaria banda que retuerce cualquier etiqueta y se auto define como Hard-Rock (y por la mayoría de recursos así lo parece) ha editado una nueva obra de arte superando, nunca mejor dicho, decenas de demonios internos. Aquí tenemos “Necrophaze” una descarga más que poderosa de música, de conceptos, de capítulos que van ensamblando un disco increíble y que funciona como tributo a una época que dista mucho de ser olvidada.

Con el vocalista en mejor estado que nunca (alejado del alcohol desde 2018) y una reinterpretación de una jugosa contrapartida de Punk, Gótico y toques Metal-Industriales, se lanzan con todo a un mundo de Rock y calidad en el cual no basta con ponerse maquillaje, una máscara y salir a hablar de zombies.

Abre “Necrophaze”, dejando desde entrada unos efectos típicos de ese rock inspirado en el cine de terror de los ´70´s que han cantado nanas a una generación entera de jóvenes.

Contiene toques feroces que recuerdan a ese ROB ZOMBIE fanático de bandas como BLACK FLAG, ALICE COOPER o W.A.S.P. (ahora verán por qué), WEDNESDAY 13 ha metido todo esto en un saco y ha hecho un producto personalizado.

Lo mejor del trabajo (se queje quien se queje) es que las referencias al Metal Extremo Originario están por doquier. Si bien vamos paseando por cementerios tranquilos (pero veloces de Rock) con voces de adolescentes disfrazados pronto a ser empalados, como en “Bring your own blood” o “Zodiac”, llegamos a un cambio de ideas gracias a un blast-beat infernal en “The hearse”, donde lo salvaje y ese sonido lento, denso y mórbido los separa de la sección anterior del disco. “Time me a noose” se mantiene de a ratos en esas variaciones rítmicas que fuerzan la voz a un grito que se acerca por mucho al terror interpretativo de ese Metal Alternativo tan bien expuesto hace décadas por un joven MARYLIN MANSON. Sigue otra veta aclarativa con “Life will kill us all” donde las guitarras se mantienen en fraseos constantes que dan ritmo y ese toque Rock que entretiene y te hace mover la cabeza y sacar la lengua. Así siguen en “Bury the hatchet”, tal vez más Punk, o sea con menos recursos pero igualmente veloz y estrictamente directa para los que buscan diversidad.

Cerramos con la gran joya de la corona “Animal (fuck like a beast)” canción de esos W.A.S.P. antisistema que en los ´80´s se hicieron famosos por esa salida de tono de la línea del Glam, dando un empuje a este Metal que hoy vivimos. Con la colaboración de Alex Laiho (CHILDREN OF BODOM) que le da un cierre, si cabe, más retrospectivo a esos años de donde han bebido WEDNESDAY 13 para ser hoy de los mayores exponentes de este Rock tan bien añejado, producido e interpretado.

“Necrophaze” ha sido un éxito desde que salió a la venta, con un Sold-out en su gira presentación por U.S.A., tanto que ahora WEDNESDAY 13 están embarcados en un tour mundial con STATIC-X en su vigésimo aniversario.

Este disco no puede ser etiquetado dentro de alguna sección del Metal, pero desde su portada, las letras y la creatividad auto impuesta por la banda a la hora de componer, los pone en línea para quienes adoramos ese “revival de Cinemascope” donde un máscara dada vuelta nos perseguía hasta debajo de la cama para quitarnos cuantos órganos tuviéramos.

Para disfrutar con palomitas y George Romero en blanco y negro.

FANDOM

CESAR LUIS MORALES |

64 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 71

NECROPHAZE

8

WRAITH (USA) ABSOLUTE POWER AUTOEDITADO, 2019 La gente de WRAITH nos trae un nuevo L.P. en el cual continúan en su línea destructiva de todo cuanto encuentran a su paso, y que anunciaban en sus ediciones anteriores. Estamos hablando del disco “Absolute power” que contiene 10 canciones furiosas y variadas en cuanto a temática y estilo se refiere.

Abre una poderosa “Devil´s hour”, cañera, rápida y sin miramientos, con ese toque tan irreverente del Black Metal hecho en U.S.A. que combina oscuridad, problemáticas sociales y toques de Speed sin caer en grandes teatralidades o parafernalia mística. Correcto.

En “Meanning planet” encontramos un cambio, con toques menos encasillados y más variantes, ya asoman algunos Riif´s que convierten atrayente el disco por no caer en una repetición de fórmulas. La velocidad y la falta de misericordia siguen adelante con esa brutalidad que recuerda a cierto Grind revelado por la asquerosidad de sociedad que vivimos.

Viven. Sí, hay asesinos sueltos, pero no todos tienen alucinaciones místicas: algunos pueden matarte por robarte la camisa.

La batería no afloja ni un momento, marcando con el bajo las bases para que la guitarra ejecute los cambios y genere un vértigo constante con la banda, que no aburre con falta de creatividad y haciendo que cada canción sea diferente a la anterior. Lo mejor del disco es que lo breve de las canciones pone la adrenalina al máximo. Muestra de esto son “Cursed” (la mejor del disco tal vez) y “The Hunt”, violentas y bien compuestas, con un despliegue de la guitarra para ir variando de tonos en cierto caos muy bien pensado que no hace de la distorsión un recurso.

La voz al frente todo el tiempo, con desprecio y dolor nos va arrastrando hasta un mundo lleno de suciedad y se mantiene en su línea con una constancia interesante. Si bien hay muchos tonos diferentes dentro de este disco, la ausencia de etiquetas lo convierte en una pieza a tener en cuenta. Cierran, en una línea distinta al resto de las canciones, “Absolute power” que demuestra una cadencia que roza lo extremo y cierto rasgo de Doom, y ya con “Death comes ripping” en algo menos de 2 minutos despliegan la velocidad que les quedaba.

WRAITH saca un buen disco, rápido, furiosos y entretenido. Las variantes que despliega en menos de media hora son interesantes a la hora de mostrar su arsenal y su calidad. Lo mejor: los cambios de ritmo y la versatilidad de la guitarra, que nos va llevando por distintos cuartos de una mansión abandona donde pernoctan asesinos callejeros. Si bien no tiene ese toque perverso ni místico de otras bandas de Black, en su estilo hacen una referencia constante a quienes abrieron camino en su tierra amenazada por una sociedad que, para quienes están en la calle, no evoluciona ni un gramo.

SEBASTIÁN ABDALA |

7.5

SEBASTIÁN ABDALA |

8.5

WÖMIT ANGEL (FIN) UNDER SADISTIC PRESSURE

METAL REAPER PRODUCTIONS, 2019 WÖMIT ANGEL saca un nuevo trabajo basado en la velocidad del Thrash y el odio inagotable del Black Metal. «Under Sadistic Pressure» es una combinación maravillosa de estos estilos, macerados con toques de Extremo y una gran virtud compositiva (a la hora de meter variaciones) para que a lo largo de las 10 canciones del disco estemos atentos todo el tiempo a los cambios, los matices y el odio. Ah, y quedemos extenuados.

Trazas de un futuro que no parece estar muy lejano, los WÖMIT ANGEL nos entregan canciones que van subiendo en cuanto a velocidad y fuerza. Si bien las canciones “Religión latex suffocated” y “Slaugtherburster” son feroces y con un toque más clásico, ya con “Paindomain” y “Doom to the know world” los decibelios suben hasta un nivel más alto y hacen de punto de partido para jugar con otros sonidos. Sorprende la densidad de la batería haciendo unos cambios de ritmo interesantes y sosteniendo la intensidad pase lo que pase.

Un detalle que me parece genial: nos encontramos con algunos Riff´s ejecutados con una técnica impresionante, pero no en todas las canciones. Son breves, duran escasos compases y se clavan en el cerebro como agujas infecciosas, dándote ganas de que no acaben.

Fantástico.

Tenemos, insisto, una buena bandeja para servirnos diferentes sonidos, estilos, ideas. La más veloz de todas, con más variaciones y de exigencia para la batería está en “Sadocommand” (puede que la joya del disco) donde además de unas variaciones bien apretadas en una de las canciones más extensas (4 minutos) hay un solo de guitarra que apenas se percibe pero suma enormemente a esta locura compositiva y de destrucción.

Em “Flesh necrotic lunacy” llegan las voces, las introducciones más terroríficas y la destrucción total de cuanto tuvimos hasta el momento. Perfecta pieza satánica que resuella todo el tiempo, a un paso de la saturación intempestiva, pero que la mantienen a raya con buen pulso. Seguimos, para cerrar a gusto, con versos de un exorcista algo confuso, para entregar más velocidad sin tanto miramiento: la banda a tope con velocidad y escupitajos para mantener en línea un gran trabajo. Como todo lo bueno, se acaba, tristemente, con la canción que da nombre al disco: “Under sadistic pressure” donde si les quedaba algo para entregar, aquí lo dejan. Una introducción que amenaza con convertirse en instrumental, para luego sorprendernos con unas voces en la misma línea de desesperación que vivimos en todo el trabajo… Nuevos cambios de ritmo y un “fade-out” que nos deja más que satisfechos.

WÖMIT ANGEL se basa en una batería feroz y que no cede ni siquiera en los tramos más lentos del disco, buenos cambios de ritmo y una gran mezcla entre Thrash y Black que hace de “Under sadistic pressure” una marca más en el estirpe de esta banda que ya lleva un decenio con vida.

SEBASTIÁN ABDALA |

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que Clark Ashton Smith (otro colega del ermitaño de Providence) llamó Zoth y que en la obra de Lovecraft fue llamada XOTH. ¡Colorea y aprende con Teo! Como también he mencionado en alguna otra review, adoro al escritor de Providence, o sea que no es de extrañar que cuando esta banda apareció por la redacción pidiese hacer la review. Estos cuatro tarados provienen de Seattle (Washington), cuna del Grunge y ciudad natal de JIMI HENDRIX, y ¿a qué se pueden dedicar cuatro instrumentistas de alto nivel, con ese acervo cultural en la ciudad y que han elegido ese nombre? Pues hombre, a la electro-cumbia no, desde luego que no.

Por el contrario, estos cuatro terroristas facturan un Death Metal de alto octanaje, pero con un filo técnico y complejo que apabulla a la escucha. Se nota lo que han mamado desde que eran pequeños (DEATH, CYNIC, SUFFOCATION) pero también hay algo más y lo que han plasmado en su segundo álbum, “Interdimensional Invocations”, merece, cuanto menos, una escucha.

“Casting the Sigil” ya nos ofrece las señas de identidad de XOTH. Las líneas de guitarras se van doblando la una a la otra (habrá que meter a Tyler Sturgill y a Woody Adler dentro del listado de grandes combos junto a DowningTipton, Murray-Smith, Hanneman-King) en un intrincado arabesco en la que es difícil determinar cuál es solista y cual rítmica; el bajo de Ben Bennett arrolla y cierra filas en torno a las otras cuerdas con unas complejas y notorias líneas que redondea Jeremy Salvo con una demostración de cómo pulverizar una batería, anclado en lo más Death. Y eso sólo en el primer tema. A continuación, “Mountain Machines” desarrolla aún más lo expuesto en el primer tema, elevándolo hacia un nuevo nivel y si escuchas con atención, si eres capaz de discernir los cuatro instrumentos de forma separada, oirás una hidra con cuatro cabezas, pero todas con un objetivo común: fundirte el cerebro dentro del cráneo.

Todos los temas tienen una no-estructura similar. XOTH no es una banda de intro-versoverso-estribillo-solo-verso, etc. No es una banda sencilla de escuchar. Aprovechando la extensa obra de Lovecraft, vamos a definir la banda con otro término: la banda es como la arquitectura de R’Lyeh. Dicha ciudad, sumergida en el Pacífico Sur, es la tumba del Gran Cthulhu. De los edificios de dicha ciudad, se dice que están hechos de colosales piedras verdes que encajan entre sí de un modo no eúclideo, con ángulos imposibles. Pues así es la música de estos cuatro tarados. Ya os lo llevaba advirtiendo desde el principio. “Unseen abductor” ataca de un modo histérico y machacón, con esas guitarras atacando tu cordura, el bajo y la batería doblando y remachando el asalto. Y da igual este tema, que “Haruspex” o “The Ghost hand of God” o la brutal, y no por ello menos melódica, “Melted face of the Soul”.

No, no es banda fácil. Pero después de doscientas o trescientas escuchas, te das cuenta que es como la música de Erich Zann (otra referencia a otra obra del genio de Providence): hecha de chirridos cósmicos, síncopas imposibles, tempos anómalos y de algo que te dice que no es bueno para tu salud mental seguir escuchando eso. Pero en mi caso, como he dicho, después de doscientas escuchas, me he dado cuenta de otra cosa; que a pesar de no ser banda sencilla, XOTH son alta y extrañamente adictivos.

CESAR LUIS MORALES |

XOTH (USA)

INTERDIMENSIONAL INVOCATIONS AUTOEDITADO, 2019 En el capítulo de hoy de “La influencia de la obra de H.P. Lovecraft en el Heavy Metal” (título ficticio, pero que habrá que ponerse a escribir en breve) tenemos una nueva entrada/aportación. Hoy nos referimos al hogar del gran Cthulhu, una estrella binaria gris a la que los antiguos egipcios se referían como Sothis,

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VI PALACIO METAL FEST

07.03.2020, PARQUE DE LAS MARISMAS, LOS PALACIOS Y VILLAFRANCA | SEVILLA TEXTO & FOTOS: SEBASTIÁN ABDALA

un despiadado solo de batería y una voz que sacudía a los ejércitos de cuero y cerveza en una imagen extrema; porque el público era como el de un parque cualquiera de España en un sábado soleado. Familias enteras (no-víricas) paseando, comiendo un perrito caliente, comprando camisetas, niños correteando y bailando, pero todo con “Balls to the wall” como banda de sonido, de Accept, interpretada por EVIL HUNTER. Así dio la puntada de cierre la única banda de este estilo inmortal y padre de todos los sonidos actuales, he dicho.

La noche, lentamente, comenzaba a querer llegar, no así la gente de SDI, que por problemas de motor no pudieron llegar a su hora y los TRALLERY adelantaron su turno sin queja ni divismo. Qué decir de esta banda que no se sepa ya, y menos en Los Palacios.

Altamente conocidos y apreciados por su entrega y carisma, por su cercanía con cualquiera que se arrime a charlar, sufrieron la parte “épica” de la velada. Con algunas líneas de fiebre y molestias físicas el bajo, y con otras dificultades de sonido, se lanzaron a por todas en modo destrucción desde el primer acorde con “Crystallizing”. Tocaron el antológico ya “Isolation”, muy bien plantado por el directo de un trío que se multiplica y se sobrepone en instantes. Siguiendo con la épica, en un momento se rompe una cuerda del bajo y, mientras conseguía una de mano de un compañero, guitarra y batería comenzaron un hilo musical con breves momentos de PANTERA, METALLICA, y “Whole lotta love” de LED ZEPPELIN con el vocalista de EVIL HUNTER en el micro para, luego sí, intentaran terminar su set. Digo intentaran porque la gente les pedía una tras otra con tanto cariño que les impedía bajar, hasta que terminaron de reventar al público con la maravillosa interpretación de “Crepping death”. Directo al infierno.

En verdad, mientras me tomaba un par de vinos con Dani (bajista de Bloodhunter) y me ponía al tanto de la actualidad de la banda, llegaron, montaron y tocaron los germanos de SDI, para soltar su “80´s Metal band”. Gran sonido, mucha firmeza y seguridad desde el primer segundo y una buena acogida por parte de la gente. Un recorrido por toda su carrera, con un joven guitarrista impiadoso y que parece llevar siglos en la escena, fueron una nota de color interesante para ver lo bien que se conservan algunos, y el gran futuro que tienen otros.

La sexta edición del PALACIO METAL FEST prometía por cartel (y por corta pero elegante trayectoria) ser una de las fiestas del año no solamente en Andalucía. Lo vivido en la ciudad de Los Palacios ha dejado testimonio de que así fue. Un gran trabajo por parte de los organizadores que han hecho sentir cómodos tanto a las bandas (españolas y extranjeras) como a los que asistimos, sin tener ningún anécdota desafortunada que contar y quedando extenuados por la intensidad y fuerza que se ha descargado sobre la buena cantidad de fanáticos del Metal que asistimos desde las 16 hasta la muerte de las últimas estrellas.

Abrió la gente de REAKTION, desde Barcelona, llegaban con su disco “Learning to die”, una poderosa composición que hace base en un Thrash veloz y agresivo, solos de guitarra muy violentos que respaldaban la performance (o actitud ante la vida) del vocalista que arengó a la gente desde el primer segundo. La actitud de la banda se llevó puesta a la gente que de a poco comenzaron a dar color al recinto. La intensidad y entrega de la banda fueron imponentes y junto a su técnica hicieron un tándem para comenzar la jornada sobresaliente. Canciones como “The great citizen”, “Learning to die” o “Blackmailed” dejaron a la gente ya bien entrada en calor para continuar la tarde que recién comenzaba.

66 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 71

Seguían los valencianos de DAWN OF EXTINCION. De una escuela algo menos clásica pero igual de efectiva, desplegaron un Set muy bien sincronizado, variando sin cesar entre Thrash, Death y algo de “Core”, sacaron chapa de estar dando grandes pasos y aplastar cualquier escenario, ya sea el Resurrection o donde toquen. Una voz bien aguerrida, bruta, con contenido y, también, entregados al máximo hacían que la gente estuviera en constante excitación. La percepción del sonido era un poco difusa, pero es un detalle menor. Lanzaron golpes, uno tras otro, con canciones como “Looking to the other” “Decadence” o la acertadísima y furiosa “Motherfucker”, contra la violencia de género, para cerrar con un Wall of death celebrando la canción “The Apocalypse”. A esta altura los Mosh, los Pogos y y los Circle ya eran una constante.

Mientras saludaba y bebía con varios integrantes de bandas andaluzas (Mauser, Devil in You, Vietnam Side entre muchas otras) subió EVIL HUNTER, para echar una buena horda de canciones de Heavy Metal. Poderosa banda, de alta estirpe en estas lides, dieron un directo arrasador, con presencia en el escenario que no necesita de ningún tipo de artilugio más que su propia entrega. “Hold Me tigth” “By your side” o “Evil hunter” fueron una descarga que, según mi sensación, era lo que la gente estaba esperando, incluido

Entonces ocurrió, opino por gusto personal, la oscura brutalidad de los SINISTER. Una mezcla de adoradores del Heavy, con porteros de bar de motos y dependientes de la tienda de tatuajes más oscura de tu ciudad, subieron a escena para soltar una carga enrojecida de violencia y huestes del infierno slaugther más abismales. Un gutural de enciclopedia, un despliegue de velocidad y salvajismo escénico que fueron quienes más pogos recibieron en un set que incluía un repaso, también, por su carrera. Momento de peligro-zombie cuando un comensal intentó saludar al vocalista y luego saltar desde el escenario hacia la gente… pero un cálculo erróneo hizo que diera con sus costillas contra la valla. Tranquilos, el alcohol y el Death Metal siempre se ocupan cuidar esos huesos.

El sonido envolvente de esa garganta de Balrog interpretando “Bood ectasy” o “Neurophobic” helaba la sangre.

Cerraron los sorprendentes DR.LIVING DEAD, 4 músicos escondidos tras sendas máscaras/cascos de calavera que bailaron e hicieron bailar a toda la gente que todavía tenía fuerzas. Un Metal corrosivo, que me llevaron a esos Suicidal Tendencies implacables, a esas bandas de la escena de N.Y. que soltaban golpe tras golpe con un sonido cuidadosamente sucio. Un grupo de niños estaban en primera fila del concierto, mientras a sus espaldas un Circle-pit constante bailaba con “Mental warzone” “UFO attack” (maravillosa) o el cierre con “Dr.Living dead”.

Lentamente la gente asumió que la noche estaba terminada, cargaron un par de cervezas para el camino y, satisfechos por una celebración Extrema perfecta, marcharon a sus casas, recordando lo vivido, haciendo apuestas de, el año que viene, con qué bandas nos sorprenderá la organización del PALACIO METAL FEST. [SEBASTIÁN ABDALA]

sinister

DAWN OF EXTINCTION

TRALLERY

REAKTION

dr. living dead