Necromance Magazine 73 by Necromance Magazine

#73 EDITORIAL DIRECCIÓN DE CONTACTO NECROMANCE MAGAZINE Apdo. de Correos 66 38320 La Cuesta - Tenerife - España digitalmag@necromance.eu

DIRECTOR David Déniz Plaza

EDITOR | REDACCIÓN | PUBLICIDAD David Déniz Plaza

MAQUETACIÓN | DISEÑO David Déniz Plaza

COLABORADORES EN ESTE NÚMERO Alicia Castaño, Ataegina Moon, Carlos Bermejo, Cesar Luis Morales, Daniel Gallar, El Gallego, Jesús Muñoz Caballero, Jorge De La Cruz, Juan Angel Martos, Juan Robledal, Luis Martínez, Maki Pérez Jáuregui, Mark Berserk, Robin RM, Santi Gzlez, Scheitan, Sebastián Abdala, Vir Cave Canem

PORTADA

Flat Earth Society

CONTENIDO | ÍNDICE SECCIONES REGULARES 06 Editorial 08 Recopilación Digital 36 Reviews (novedades) 72 Reviews (clásicos)

ENTREVISTAS 10 Necrophiliac 11 Cenizas del Edén 12 Funeralia 13 Colosso 14 Born in Exile 16 Banisher 18 Aposento 20 The Third Grade 21 Morbid Death 22 Hasswut 23 Itnuveth 24 Coffeinne 25 Vredehammer 26 Flat Earth Society 27 Origin Of Infinity 28 Innards 30 Nightfear 31 Hybrid Moon 32 Savage Annihilation 33 Unblessed

NECROMANCE DIGITAL SAMPLER VOLUMEN 46

PORTADA DISEÑADA POR THE CORE INSIDE

14. MORBID DEATH (PRT) OXYGEN ART GATES RECORDS

Extraído del álbum “Oxygen” CD 2020

15. HASSWUT (ESP) RETTE MICH ART GATES RECORDS

Extraído del álbum “Atomkrieg” CD 2020

01. FLAT EARTH SOCIETY (ESP)

16. ITNUVETH (ESP)

LIGMA

LAKES OF LAVA

ART GATES RECORDS

BASE RECORD PRODUCTION

Extraído del álbum “Friends are temporary, Ego is Forever” CD 2020

Extraído del álbum “Enuma Elish” CD 2020

02. NECROPHILIAC (ESP)

17. COFFEINNE (ESP)

WHEN MOTHER ATE SON

FOREVERMORE

XTREEM MUSIC

ART GATES RECORDS

Extraído del álbum “No Living Man is Innocent” CD 2020

Extraído del álbum “Requiem” CD 2020

03. CENIZAS DEL EDÉN (ESP)

18. ORIGIN OF INFINITY (CZE)

JÓDETE

LEAVING EARTH

HUESSO PRODUCCIONES

SLOVAK METAL ARMY

Extraído del álbum “Extinción” CD 2019

Extraído del álbum “Last Day on Earth” CD 2020

04. BORN IN EXILE (ESP)

19. CALIBRE (IRL)

ZIGGURAT

THE AGONY

ART GATES RECORDS

DOWNFALL RECORDS

Extraído del álbum “Transcendence” CD 2020

Extraído del álbum “The Storm Inside” CD 2019

05. CANCERFAUST (POL)

20. ANGEL VENGEANCE (THA)

INTO THE VOID

OPEN YOUR EYES

GODZ OV WAR

DOWNFALL RECORDS

Extraído del álbum “Let The Earth Tremble” CD 2020

Extraído del álbum “Angel Vengeance” CD 2020

06. RITES OF DAATH (POL)

21. INTOXICATE (SWE)

SHRINES OF SECLUSION

CRAWLING FORWARD

GODZ OV WAR

DOWNFALL RECORDS

Extraído del álbum “Doom Spirit Emanation” CD 2020

Extraído del álbum “Cross Contamination” CD 2019

07. EXOTHERMIX (MYS)

22. INNARDS (PRT)

THRASH MENTALITY

ENLIGHTENMENT THROUGH HATE

WICKEDNESS

TRANSCENDING OBSCURITY RECORDS

Extraído del álbum “Reaction” CD 2020

Extraído del álbum “Back From the Grave, Straight in your face” CD EP 2019

08. FETAL SEWAGE (USA)

23. NIGHTFEAR (ESP)

TEARING THE REMNANTS

WE ARE BACK

WICKEDNESS

FIGHTER RECORDS

Extraído del álbum “Dahmer’s Kitchen” EP 2020

Extraído del álbum “Apocalypse” CD 2020

09. ODIAR (USA)

24. HYBRID MOON (ESP)

LIFE TAKER

LOVE

WICKEDNESS

AUTOEDITADO | SELF FINANCED

Extraído del Single “Life Taker” SINGLE 2020

Extraído del álbum “Evolve” CD 2020

10. BANISHER (POL)

25. SAVAGE ANNIHILATION (FRA)

DEVIL IN ISO 5

SOUS TERRE

SELF MADE GOD RECORDS

XENOKORP

Extraído del álbum “Degrees of Isolation” CD 2020

Extraído del álbum “Soumises á la procréation” CD EP 2020

11. APOSENTO (ESP)

26. UNBLESSED (CHL)

DOOMSDAY (THE METANOIA OF REDEMPTION PROCESS)

S.E.N.A.M.E.

XTREEM MUSIC

INFRAMUNDO RECORDS

Extraído del álbum “Conjuring the New Apocalypse” CD 2020

Extraído del álbum “Murdering Hope” CD 2020

12. THE THIRD GRADE (ESP) POLARIS ART GATES RECORDS

Extraído del álbum “Of Fire and Ashes (Pt. 2)” CD 2020

13. ETERNAL ROT (POL) DESCENT INTO TORMENT GODZ OV WAR

Extraído del álbum “Putridarium” CD 2020

NECROPHILIAC

Una de las bandas fundamental del Death Metal nacional, tiene nuevo disco. “No living man is innocent” se enmarca no solamente como el regreso de NECROPHILIAC; si no también como uno de los lanzamientos a tener en cuenta para ver cuánto tiempo tarda en convertirse en fundamental para tu discografía. Con un sonido original y que remite a esos años 90´s de Únderground y fiebres, conversamos con el grupo para intentar conocer cómo ha sido el proceso creativo y qué planes tienen para el futuro más próximo. ¿Cómo es volver, otra vez, a grabar un disco 30 años después del nacimiento de NECROPHILIAC? Es emocionante a la vez que un poco agotador. Ahora es más complicado disponer del tiempo necesario y tienes que compaginarlo con tu vida normal, trabajo, familia, etc. Sin embargo, teníamos el empeño de sacar el segundo lanzamiento que nunca vio la luz tras “Chaopula, Citadel Of Mirrors”. Eso nos ha motivado lo suficiente para componer nuevos temas y afrontar una nueva grabación. Salvo dos temas que teníamos más o menos perfilados desde nuestra reunión, preparar el resto ha sido un trabajo bastante laborioso. Nuestro proceso de composición es un tanto particular; hacemos infinidad de cambios hasta que todos estamos de acuerdo en que cada tema tiene el equilibrio justo y esto a veces se convierte en un trabajo extenuante. Ahora sí, felicitaciones por un disco que huele a clásico, bruto, oscuro y con mucha potencia ¿Cómo surgió el concepto de “No living man is innocent”? ¿Acerca de qué tratan las letras de este trabajo? Muchas gracias, apreciamos enormemente las críticas positivas que estamos recibiendo. El concepto para el disco es algo que, al igual que sucedió con “Chaopula”, se fue gestando mientras avanzaba la composición. Suelo dejar reposar todas las influencias, posibles ideas o temáticas hasta que de repente surge el hilo conductor de toda la obra. Así fue con “Chaopula” y así ha ocurrido con “No Living Man is Innocent”. La idea parte de un pasaje de la novela “Todo Fluye” de Vasili Grossman (escritor y periodista ruso que cubrió las crónicas de la batalla de Stalingrado). Grossman sentencia al final de un capítulo: “No hay inocentes entre los vivos, todos son culpables: tú, el acusado, tú, el fiscal, y yo, que estoy pensando en el acusado, en el fiscal y en el juez”. En el disco, esta frase se usa en un contexto más general para expresar que quizá todos somos culpables de las terribles atrocidades que se cometen paralelamente a nuestra existencia: crímenes execrables cometidos por asesinos en serie engendrados en el seno de determinadas sociedades, masacres indiscriminadas de población civil, exterminios selectivos o tragedias acaecidas durante el transcurso de algunos conflictos bélicos; todos somos en cierta medida culpables por acción, omisión o simplemente indiferencia, sólo los muertos son inocentes. Cada tema aborda un hecho histórico o personaje real más o menos cercano en el tiempo con esta premisa como hilo conductor. El sonido es claro, apretado, pero me suena un poco a esos ´90´s cercanos a la saturación ¿Cómo consiguieron este sonido? Es una de las cosas que más quebraderos de cabeza nos ha dado. Teníamos claro que no queríamos sonar como muchas otras bandas que recurren a bajar la afinación para conseguir un resultado más “grueso” sacrificando a nuestro juicio parte de “realce” en las melodías. Así que tuvimos que buscar un sonido más compacto manteniendo las guitarras en tonos algo más altos de lo que hoy suele ser habitual para 10 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 73

bandas de Death Metal. Ery (guitarra) ha invertido casi un año probando distintas alternativas hasta dar con el resultado que podéis escuchar en el disco. Consideramos que es el mejor sonido que podíamos obtener con los medios a nuestro alcance, que además conservara el espíritu de ese sonido de los 90. ¿Sintieron presión al volver a tomar velocidad? SI bien han tenidos tiempos de calma, siempre han estado cerca de la escena por un motivo u otro. Claro, se tiene mucha presión porque son muchos años fuera de la escena y te sientes un poco como pez fuera del agua. Tanto los medios que se emplean hoy día como técnica y sonido han evolucionado mucho desde aquellos años. Por eso, desde nuestro regreso hemos tenido claro que queríamos mantenernos fieles a nuestra forma de componer e interpretar. Puede gustar más o menos, pero queríamos preservar el estilo de nuestra etapa anterior. Con una mejor producción y algo más de técnica, pero siempre manteniendo el espíritu de aquellas composiciones de los 90. ¿Qué referencias tienen, hoy en día, a nivel musical, y cómo influyen a la hora de grabar? Seguimos un tanto aferrados a nuestras influencias de antaño. A juzgar por algunas reviews que han estado apareciendo creo que es algo evidente. Nuestra pasión por bandas como Death, Immolation, los primeros trabajos de Carcass o Asphyx, Morgoth o Gorefest sigue muy vigente. Durante estos años hemos continuado escuchando música de estilos muy diversos de donde hemos tomado pequeñas influencias aquí y allá. Siempre manteniendo una base muy fiel al estilo de Death Metal old-school que se hacía tanto en USA como en Europa e incorporando pequeñas pinceladas que conforman nuestro propio sello particular. Hay distintos estilos en el trabajo, por ejemplo “When mother ate son” parece parte de un tramo, luego “GodBundy” es otro tipo de corte ¿Cómo han currado estas combinaciones? Es cierto. Esto es debido a que algunos temas tienen más aportación de uno u otro miembro. Ery y Miguel son los compositores principales, cada uno aporta una base que luego es “refinada” por el resto introduciendo muchas ideas sobre la marcha. Hay temas con más participación de ambos como “Magma of Flesh” o “Inhabitants of the Red Forest”, donde la forma característica de componer propia de cada uno se diluye más. En otros como “GodBundy” o “When Mother Ate Son”, las aportaciones de un solo miembro tienen más peso. Es importante que hemos tratado de ubicar estos temas durante la escucha de una manera adecuada. “No Living Man is Innocent” es un tema muy denso y de más larga duración, por ello “GodBundy” aporta al inicio un toque de “frescura” a modo de preludio para la pesadilla de caos que se te

viene encima. Aunque estemos en dudas de cuándo volveremos a las calles, ¿Planes para el resto de 2020 y comienzo del 21? De momento nuestro plan más inmediato es volver al local de ensayo cuanto antes. El confinamiento nos cogió durante los ensayos para presentar en directo “No Living Man is Innocent”. Hay una fecha confirmada para el 20 de Noviembre de 2020 acompañando a Benediction y Perpetual en Sevilla, todo un lujazo para presentar el disco si finalmente el evento se lleva a cabo sin problemas derivados del Covid19. Si todo va bien podremos presentarlo también en otras capitales y tratar de subir un poco más hacia el norte más adelante. ¿Cómo ven la escena del Metal Extremo en general? En general nuestra percepción de la escena extrema es que cuenta con una salud envidiable, al menos comparada con la que dejamos atrás en los 90 aquí en el sur. Ahora encuentras bandas con una calidad tremenda, muchos eventos y la posibilidad de llegar a mucha más gente. Atrás quedan los tiempos en que nos comunicábamos exclusivamente por correo postal, todo se ha globalizado y en particular el Death Metal goza de un estatus que nunca hubiera imaginado en aquellos años. Las reseñas del trabajo están siendo muy buenas, ¿esperaban esta acogida por parte de la prensa y la gente? La verdad es que hemos recibido alguna que otra crítica enormemente positiva que nos ha dejado totalmente sorprendidos (también las hemos recibido negativas, por supuesto) Somos conscientes de que es un trabajo algo difícil de digerir al principio por su extensión, pero como mucha gente comenta, tras un par de escuchas descubres muchos aspectos, melodías y detalles que no se revelan en un primer momento. Estamos muy satisfechos en general porque estos temas son los que queríamos crear con independencia de si se consideraban anticuados para los tiempos que corren. También nos ha sorprendido mucho que alguna review apunta algunas sensaciones que coinciden con nuestra intención inicial, lo que te hace pensar que los temas funcionan correctamente a ese nivel de comunicación. ¿Algo que quieran agregar para completar la entrevista? Muchas gracias a vosotros por concedernos este espacio para hablar de “No Living Man is Innocent”, para nosotros supone muchísimo haber tenido esta oportunidad de publicarlo y sin la posibilidad de darle difusión no sería un trabajo completo. Gracias a todos los que nos han apoyado en nuestro regreso y espero que lo disfruten (o lo sufran, depende de cómo se encare..) [AUTOR: Sebastián Abdala] [FOTO: Janet Molina Photography | EDICIÓN: Rafael Alonso López]

ÁLBUM: No Living Man Is Innocent SELLO: Xtreem Music LANZAMIENTO: Marzo 2020

CENIZAS DEL EDÉN

El sonido del disco es de una violencia que se transmite desde la primera canción, porque incluso la introducción va marcando un agobio importante que luego rompe con “Jódete”, gran letra, gran comienzo. Así es! En este disco sin duda es cuando hemos alcanzado un punto más de rapidez, brutalidad y ‘violencia’. Es cierto que las canciones tienen mucha dinámica debido a la confluencia de estilos diferentes que se dan; pero el punto de partida es hacer música agresiva. ‘Jódete’ representa bien todo eso de lo que hablamos, quizás por eso era una buena canción para abrir el álbum. A todo esto, felicitaciones por un trabajo como “Extinción”, que está siendo recibido de mil maravillas por parte de la prensa. ¿Esperaban esta acogida? Por una parte no, porque nunca antes nos había ocurrido de esta forma. Pero en el fondo de la cuestión, los cuatro éramos conscientes de que habíamos hecho un buen trabajo y, de una forma u otra, eso mismo tendría su eco; en la prensa, o en la gente que nos sigue, etc..

se le suma la capacidad de Joaquín y Jorge, que se sumaron de inmediato a las composiciones participando de igual a igual. Por supuesto la madurez, claro. Grabar un álbum es también adquirir una experiencia y llevarte un librillo de errores a casa que, cuando empiezas a gestar el siguiente álbum, puedes consultar para no volver a equivocarte en las mismas cosas.

CENIZAS DEL EDÉN larga un nuevo trabajo, tercero en su carrera, que los puede poner en el tope de la escena del Metal nacional. Un trabajo que refleja sudor, sangre y sonidos muy bien forjados, fusionando varios estilos en 10 poderosas canciones con mensaje, y recursos tan bien conseguidos que convierten a “Extinción” en un viaje tan lleno de opresión y agobio que solo te hace pensar en cantar junto a ellos cada una de las canciones. Hablamos con la banda acerca de este nuevo disco y sus referencias a la hora de sacar este verdadero arsenal de Metal.

Cambios en la formación, pero no en la esencia del grupo, ¿Cómo fue terminar una gira y encerrarse a grabar con nuevos músicos, y con ese agotamiento dulce de tanta exigencia? Efectivamente, durante el Tour Sententia, Antonio y Joni nos dejaron para dar lugar a Joaquín y Jorge, éste último conocido de la banda desde hace años. Ellos son dos bicharracos en sus respectivos instrumentos y, además, tienen esa chispa de creatividad que permite aportar y colorear las composiciones de la banda con otras ideas muy frescas. Antes de esto mi hermano Dani y yo siempre habíamos cargado con la cuestión de componer dentro de la banda. El Tour terminó de maravilla, y entretanto íbamos haciendo canciones porque nos apetecía experimentar entre los cuatro. Así que cuando acabamos de presentar el anterior disco, nos metimos al estudio a cocinar esas canciones nuevas.

Por suerte el disco es complicado de definir, no podemos ponerle una etiqueta, pero sí hay unos dos tramos, uno más Thrash, y otro un poco más Heavy. ¿Salió así del tirón por las influencias de cada uno? En nuestro estilo de música predominan esos dos géneros porque quizá son los que más nos definen. El Heavy, la base desde la que partimos hace 13 años. El Thrash, el camino que hemos, de alguna forma, seguido. Y entre todo eso, hay muchos matices de distintos estilos como el Groove, el Metalcore incluso, o el Death para desvirtuar del todo la sensación de estar escuchando una banda de Heavy clásica, o de Thrash puro. Nosotros huimos de las etiquetas, porque encorsetan la música, y la convierte en esclava de su propio apellido. La música para nosotros es libre de hacerse tal y como salga, tal y como se comprenda.

Hablando un poco de algunas piezas “Un nuevo Edén” parece una balada, pero no lo es, tiene muchos cambios y la misma fuerza que, por ejemplo, “Mi redención”, ¿Cómo ha surgido esa tromba que hasta tiene algo de Rap? De la misma forma que antes te comentaba. El rap, por ejemplo, es otra influencia muy fuerte para algunos de nosotros. En concreto para mí, que escribo las letras, es un género clave. ¿Por qué no incluirlo?. Eso sí, hacer confluir diferentes géneros tiene un peligro, porque el conglomerado de canciones puede perder coherencia entre unos y otros. Por eso, además de dejarnos llevar componiendo, ponemos mucho empeño en plasmar esa identidad tan Heavy que desprenden los estribillos, o que desprenden también los riffs Thrash. De esa forma las canciones quedan cohesionadas y, aún distintas entre sí, mantienen muchos nexos en común.

En este momento de “confinamiento” (abril-2020) debimos rehacer todos nuestros planes, pero ustedes comenzaron a componer “Extinción” de inmediato terminado “Sententia”, ¿En qué momento se encuentran ahora? Con la miel en los labios. Un disco recién sacado… y un montón de fechas que se han tenido que aplazar. Esperamos ansiosamente poder ir a los escenarios y mostrar el potencial de este álbum. Esperemos que sea más pronto que tarde, aunque el panorama pinta regular…

¿Cómo está siendo el trabajo codo a codo con Hueso Producciones? Magnífico. Es la ventaja de trabajar con amigos. Recuerdo que en 2012, la primera vez que fui a un gran festival, quedé con Jesús Hueso para acampar juntos, porque éramos colegas, ya que somos de la misma provincia. Nos conocíamos del circuito local, de coincidir en conciertillos y tal. Por entonces, Cenizas estábamos dejando las típicas versiones y empezábamos a encarar el primer álbum, ‘Adamantium’, que salió en 2014. Ese ‘Adamantium’ coincidía con que Jesús empezaba a organizar sus primeras giras con bandas underground, y participamos en uno de esos tours llamado ‘Hard Rock South Tour’. Lo siguiente es, sacar Sententia y presentarlo al día siguiente de estrenar el disco abriendo para Leo Jiménez. ¡Y desde entonces! ¿Alguna pregunta para cerrar la entrevista? Mmmh… En realidad no. Las preguntas han sido muy acertadas. Lo que sí me gustaría es agradecer vuestra labor, y el mimo que habéis puesto en la entrevista y el crítica del álbum. Por supuesto también a todos los que nos siguen. Y me gustaría romper una última lanza por las bandas de nuestra categoría, porque es muy difícil atraer la atención del oyente para que se nos escuchen. Sea Cenizas del Edén o no, apoyen y escuchen a las bandas emergentes! Un abrazo enorme! Y espero que nos veamos en los escenarios. [AUTOR: Sebastián Abdala]

Se nota que se han superado a ustedes mismos, al disco anterior, sin que esto sea un desmerecimiento al trabajo “Sententia”, ¿La evolución ha sido algo natural en el día a día? ¿Qué influencias nuevas tienen como banda? Mi hermano Dani y yo estamos en constante crecimiento, como no podía ser de otra forma, porque es nuestra primera banda, y aún la mantenemos. Fuimos aprendiendo, y continuamos haciéndolo. A eso

ÁLBUM: Extinción SELLO: Autoeditado LANZAMIENTO: Noviembre 2019

NUM. 73 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 11

FUNERALIA

Primero de todo daros las gracias por atender a esta entrevista y para los que aún no os conozcan ¿Quiénes son FUNERALIA? ¿Cómo os decidisteis por este género tan poco cultivado en España? Lo primero darte las gracias Juan por darnos cabida en este fantástico magazine. Funeralia nace en el 2017 ya que tenia la necesidad de plasmar todo lo que sentía de forma musical y gracias a Rubén Rodríguez de NEBURZONE producciones el grupo se llevo a cabo ya que él me ofreció la posibilidad de encontrar músicos en Sevilla ya que aquí en Badajoz esa posibilidad era casi imposible. La primera formación se compuso de músicos y amigos de Sevilla; Tony Nogueras guitarra ( Batería de DYING), Enzeos orquestación (guitarra en AUTUMN DREAMS), Bárbara Carrasco vocal( Vocal en INFESTUS, DEVIL IN YOU), Lidi Lidalin soprano (cantante en AUTUM DREAMS) y yo que es el único que reside en Badajoz. Con esta formación grabamos nuestro primer trabajo “Where death is my hope” que salió editado en España por Base BASE RECORDS en formato MCD y en Rusia por M.F.L.(Moscow funeral league) que nos lo editó en cinta. Tras la buena acogida de nuestro primer trabajo, me decido a buscar de nuevo a gente con la gran suerte de encontrarme en el camino a Javi Ferrera que tras proponerle la idea y probar encaja perfectamente en el grupo realizando él las guitarras y orquestación en “Adaptation” y con la particularidad que es de un pueblo cercano a Badajoz y así podíamos trabajar juntos en las composiciones de echo él ha compuesto 3 temas en este disco.Las voces siguen siendo de Bárbara y Lidia y yo también me uno a ellas realizando las voces masculinas. Nosotros no nos consideramos Funeral Doom aunque es la base tomamos muchas influencias del Doom Gothic que se hacía en los años 90 (CELESTIAL SEASON, THEATRE OF TRAGEDY, AFTER FOREVER…) y del Doom Death de aquella época (MY DYING BRIDE, ANATHEMA, PARADISE LOST…).Esa época y estos grupos me quedaron marcado y si a eso le sumamos que nos encantan algunos grupos de Funeral Doom como EA, SHAPE OF DESPAIR, EVOKEM, AHAB…Pienso que Funeralia es la mezcla de todo. Tras editar en 2018, “Where Death Is My Hope”, volvéis con vuestro segundo álbum, “Adaptation”, donde dais implementáis un toque más denso y oscuro a vuestra música ¿Cómo ha evolucionado vuestro sonido entre estos dos trabajos? ¿Qué es lo que podemos encontrar en esta nueva entrega? En nuestro primer trabajo predomina más la melodía y un estilo más gótico con muchas influencias del Doom-Death-Gothic y en “Adaptation” nos adentramos más en la oscuridad, la depresión y la tristeza. La incorporación de Javi Ferrera a la banda fue todo un acierto ya que tanto él como yo tenemos una visión de la vida muy peculiar y eso lo traspasamos a las composiciones de Funeralia. Hemos vivido experiencias cercanas a la muerte. Yo personalmente he sufrido multitud de operaciones pulmonares y por ultimo un trasplante hepático hace ya muchos años (1996). La sombra de la muerte ha sido compañera nuestra durante mucho tiempo y creo que en “Adapatation” hemos reflejado esos sentimientos oscuros. El funeral doom, no es un género muy trabajado en España, ¿de ahí el trabajar con el sello italiano Black Tears? ¿os costó trabajo encontrar un sello para distribuir vuestro álbum? ¿Cuáles son vuestras influencias musicales? Aquí en España ni lo intentamos, desgraciadamente en España el estilo que ya de por sí es muy underground, aquí lo es más y la promo la 12 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 73

Desde las castizas tierras de Badajoz, algo fúnebre y melancólico emerge desde las profundidades, FUNERALIA y su nuevo trabajo “Adaptation”. Desde Necromance Digital Magazine, quisimos ponernos en contacto con ellos para que nos desvelaran un poco más sobre su nuevo trabajo. movimos por discográficas europeas más especializadas en este estilo y probamos con otras de estilos variados. Nos llegaron algunas ofertas, pero la que nos convenció fue la de BLACK TEARS desde el primer momento. Con Daniele Pascali hay un trato excelente y se dedica a esto desde los años 90. BLACK TEARS es un sello que trabaja muy bien, es serio y tenemos un trato con Daniele de amistad más que de grupo de su sello. Su sello cuenta con bandas como NECRODEATH, CADAVERIA, EVOL FROSTMOON ECLIPSE, y esto también nos hizo ilusión tener como compañeros a legendarias bandas. Las fotografías funerarias, a mí también me encantan, al igual que vuestro artwork, porque demuestran esa pesadez de la muerte, pero siempre engalanada con el amor, la tristeza y la esperanza ¿Quién lo ha realizado? ¿Qué representa este, con respecto a lo que encontramos en el interior? La foto la realizó Daniele en el cementerio Staglieno (Genova) donde el vive y el montaje corrió a cargo de Ruben Rodriguez de NEBURZONE Producciones. La foto me impacto desde el primer momento ya que “Adaptation” simboliza la adaptación de un ángel que el cortaron las alas y fue expulsado del paraíso teniendo que sufrir en la tierra un cambio en su organismo para vivir en el que por supuesto su hígado fue substituido, pulmones modificados…todo ello entre terribles dolores… y como castigo esa adaptación es eterna… De vuestra grabación, solo me ha llegado la información de que compartís producción de nuevo con NEBUR ZONE, ¿Dónde lo habéis grabado y masterizado ¿Cómo ha sido este proceso de grabación? ¿alguna anécdota que nos puedas contar, ya que siempre hay alguna? Hemos grabado y masterizado con Rubén Rodriguez en los estudios de Sevilla.La verdad es que es un placer grabar con él aunque es muy exigente y meticuloso pero el resultado merece la pena. Nos hace sacar lo mejor de nosotros y nos aporta ideas adicionales que mejoran nuestras composiciones. Que lleve tanto tiempo en la escena se nota a la hora de producirnos y sacar el sonido que queremos. Las letras y las estructuras vocales las realizo yo y para guiar a Bárbara y a Lidia (ya que ellas están en Sevilla) tengo que grabar el tema completo para decirles donde deben cantar. Las guturales no hay mucho problema pero imagínate las operísticas cantadas por mi…cuando les llega la grabación un descojono total, Con Lidia tienen que parar cada dos por tres de las risas que se echan al escucharme… Si tuviera que elegir algunos temas para que me hablaras de ellos, me quedaría sin lugar a duda con ““Joy Of Your Misery”, “When The Forest Murmurs Tears” y “Funeralia”, ¿Qué historia guarda en su interior cada uno de estos temas? ¿Cuál ha sido el más difícil de componer? “Funeralia” trata sobre el intenso placer dolor de una mesa de estudio postmortem. Tengo pensado donar mi cuerpo a la ciencia y espero tener esa dulce experiencia. “When The Forest Murmurs Tears” trata de la mayor miseria del ser humano bajo mi punto de vista, el que le han daño a un niño. No creo

en la pena de muerte ni en cadenas perpetuas pero si en la “creación de torsos”. Brazos, piernas y por supuesto sexo cortado, alimentados por sonda y que sufrieran de por vida. No creo en enfermos, creo en la maldad, eso de decir “esta loco” es algo para quitarnos el miedo y no ver la cruel realidad. “Joy Of Your Misery” trata de la envidia y de cómo las personas pueden joder la felicidad de otra por su propio interés y al final el que pierde suele ganar y disfrutar de la tristeza y miseria del envidioso. Quizás el más complejo haya sido” Black and White ya que es un tema algo experimental, donde hay partes muy “avant garde”,y otras disonantes. Una pregunta casi obligada en estos tiempos, en estos momentos tan complicados que estamos viviendo, con todo el tema del coronavirus, ¿Cómo estáis pasando el confinamiento? ¿Cómo creéis que va a pasar esto factura al mundo musical en un futuro próximo? Siempre he dicho que a cada persona de este mundo le tenían que hacer un trasplante o tener a la muerte muy cerca, se ve la vida de distinta manera, los problemas ya no lo son tanto y se disfruta más de pequeñas cosas y te das cuenta que realmente lo importante es la salud. Esto en cierta medida ocurrirá con este tema o eso espero que aprendamos a valorar otras cosas y disfrutemos de cada momento. Soy optimista y creo que el mundo musical al igual que todos volverá a emerger, eso no significa que vaya a ser fácil pero pienso que las dificultades harán que al final todo sea mejor y vivamos con más intensidad. Y ya que estamos, ¿Qué película, documental, libro o serie, recomendaríais a nuestros lectores para pasar la cuarentena? Bueno te diré tres películas españolas Durante la tormenta, Bajo la rosa y La trinchera infinita y tres extrajeras Mandy, La perfección y Ghostland. No sé si sois de tradición antigua y seguís comprando CD o estáis sujetos a la era digital. ¿Cuáles son los últimos CD físicos que habéis comprado? Podríais decirnos 3 grupos nacionales/internacionales a descubrir o que queráis recomendarnos. De España Crimson Slauguter “Surveillance states”,KRYPTICY “Hideous being” y DEFORMITY “Extreme deformity II”. Internacionales CATTLE DECAPITATION “Death atlas” IGORRR “Spiritual and distortion” AEONIAN SORROW “Alife Without”. Un placer poder hablar con vosotros, desde Necromance Digital Magazine, las últimas palabras son vuestras. Salud, salud y salud. [AUTOR: Juan Angel Martos]

ÁLBUM: Adaptation SELLO: Black Tears LANZAMIENTO: Febrero 2020

COLOSSO “A TODOS LES GUSTAN LAS PALABRAS DE ALIENTO / AMOR, PERO LA MEJOR SENSACIÓN ES CUANDO «LA MONEDA CAE EN EL SOMBRERO» DEL MÚSICO.” MAX TOMÉ Presentamos en esta entrevista a COLOSSO, el proyecto unipersonal de Max Tomé, que ha editado recientemente su trabajo «Apocalypse» a través del sello Transcending Obscurity Records y del que nos habla a continuación. Dado que muchos de nuestros lectores / seguidores pueden no estar familiarizados con la banda. ¿Puedes resumirnos brevemente la historia de la banda Colosso? Todo comenzó en enero de 2011, cuando decidí que, después de más de 15 años escribiendo canciones y participando en proyectos que nunca surgieron, iba a escribir un álbum de Death Metal. Ese álbum fue «Abrasive Peace», que fue lanzado en marzo de 2012 y en el que conseguí que Dirk Verbeuren (Megadeth) grabara la batería. Al año siguiente, reuní a algunos amigos para hacer shows en vivo y terminamos grabando dos EP y el segundo álbum «Obnoxious» que fue lanzado en 2016. Después de «Obnoxious», el proyecto se disolvió y volvió a ser un proyecto de un solo hombre nuevamente. Lancé un mini-álbum llamado «Rebirth» en 2018 a través de Lusitanian Music y a principios de 2020 el EP «Apocalypse» a través de Transcending Obscurity Records. ¿Los miembros de la banda están actualmente o estuvieron en el pasado involucrados en algún otro proyecto?. En caso afirmativo, ¿cuáles? ¿Cómo beneficia eso el trabajo creativo de Colosso? Bueno, actualmente tengo dos proyectos paralelos: Axia (axia. bandcamp.com) y Octopod (octopodofficial.bandcamp.com). Axia es grindcore para los fans de Nasum, Napalm Death, Rotten Sound. Octopod es «trance metal» para los fanáticos de Static-X y White Zombie. Escribo toda la música para los tres proyectos: ¡es lo que más amo en la música, escribir canciones!. Esto me ayuda mucho a mantener a Colosso en un punto estable, de lo contrario tendría 10 álbumes en espera de ser lanzados. ¿Qué banda / artista te inspiró a convertirte en músico y tener tu propia banda? ¿Cuántos años tenías cuando comenzaste a escribir tu propia música? Esta es una especie de respuesta controvertida, pero definitivamente diría que Nirvana fueron los únicos. Comencé a tocar la guitarra y tratar de imitar la composición de Nirvana cuando tenía unos 13 años. ¿Cómo funciona el proceso creativo en la banda Colosso? ¿Cómo definirías cuál es el papel de cada miembro de la banda en esta tarea? Escribo todas las canciones yo solo y luego envío las pistas a los miembros o invitados involucrados, que agregan sus propios arreglos. No soy demasiado inflexible con los arreglos y me gusta tener la perspectiva de otras personas sobre mis canciones para que no suenen demasiado unidimensionales. Tu último EP «Apocalypse» fue lanzado el pasado enero de

2020. ¿Cuál sería su mejor descripción para este disco? Premonición. jajaja, bueno, ¡realmente espero que no!, pero fue así con todo esto del COVID-19!. Incluso comienza con la canción «Pestilence». ¡Esperemos que no haya guerra después de esto! ¿Cómo fue el proceso de escritura, grabación y producción? Grabé 5 canciones para este disco, exactamente en el mismo orden que escuchas, en unos dos meses, supongo. Tuve que descartar la cuarta canción que escribí porque era demasiado «Gojiresque», si sabes a lo que me refiero y me alegro de haberlo hecho, porque la canción «Famine» es mi segunda favorita de las cuatro ( siendo «Death» mi favorita). Después de grabar todas mis partes, Alex (bajista) grabó las suyas y luego envié una mezcla previa a cada vocalista para que pudieran grabar sus partes individualmente. Unos meses más tarde, el álbum estaba terminado pero con la batería programada. Esperé unos meses con la batería programada, pero como no estaba 100% contento con esto, pedí consejo a Transcending Obscurity Records para saber a quién llamar y me presentaron a Robin Stone. Robin hizo un trabajo estelar, como puedes escuchar, ¡y estoy muy feliz de que haya sucedido! ¿Cuánto ha cambiado Colosso desde el disco debut? Yo diría mucho! y no fue planeado o algo así. Es solo que no me gusta hacer el mismo álbum una y otra vez en este proyecto y me gusta probar cosas nuevas y ofrecer algo un poco diferente en cada lanzamiento, y supongo que seguramente se nota. ¿Cómo está reaccionando el público y la prensa ante este nuevo lanzamiento hasta ahora? Mucho mejor de lo que esperaba, ¡eso es seguro!. Con cambios tan dramáticos entre los discos, nunca sé qué esperar del público y la prensa. ¡Pero la gente está siendo amable! y hasta ahora es el lanzamiento más exitoso que he sacado. ¿Cómo y cuándo comenzó tu colaboración con Transceding Obscurity Records? Trabajé con T.O.R. en 2016, haciendo relaciones públicas para «Obnoxious». Luego apareció «Rebirth» y estaba planeando como un autolanzamiento, pero en medio del proceso, dos sellos vinieron a mí y me ofrecieron lanzarlo, así que acepté. Tras comenzar a trabajar en «Apocalypse», contacté con T.O.R. para que escucharan la demo, y eso los llevó a lanzar el disco final. ¿Cómo describirías a tu banda en una frase para convencer a nuestros lectores de que te escuchen?

Ambient Death Metal: de eso se trata Colosso. Incluso a lo largo de los trabajos que hice con este proyecto, esa ha sido la guía principal. ¿Cómo ves la escena del Death Metal en estos días? ¿Qué nuevas bandas de tu país recomendarías? Sinceramente, no conozco la escena mundial del death metal pero el estado del metal actualmente es muy rancio, en mi humilde opinión; claro que hay bandas increíbles, siempre habrá bandas increíbles en todos los géneros., pero estoy muy cansado del enfoque de la música sobreproducida y altamente técnica… Solo quiero riffs simples y pegadizos, por favor. No más «Apuesto a que no puedes tocar esto». ¿Cómo ves la industria de la música en 10 años? Bueno, honestamente creo que nunca ha habido un mejor día para «la música» que la era en que vivimos. Quiero decir, si pones el esfuerzo y la voluntad en lo que estás haciendo, siempre puedes grabarte, hacer algunos shows en vivo, disfrutar de la música y el arte y hacer que algunas personas escuchen y disfruten lo que haces. Pero la industria de la música está en el lado opuesto de la moneda, en mi opinión, porque la industria de la música no puede sacar música como hace 10 o 20 años. La gente escucha y compra música de manera diferente hoy en día (y la industria de la música está empezando a ver esto), pero la mayoría de los músicos no pueden vivir de la música. Al menos no tan «rápido» como antes, debido a todo el «ruido» de las nuevas bandas / artistas existentes cada segundo. Según veo, la industria de la música se adaptará y habrá personas que viven de la música, pero los músicos / artistas que viven de la música serán cada vez menos en los próximos años. Esto ejercerá mucha presión y ganas de prosperar en los músicos, pero vivir de la música no es un trabajo para la gente común de todos modos… ¿Algunas palabras para nuestros lectores para dar por finalizada la entrevista? Siempre apoya a los artistas que te gustan comprando música y merchandise. A todos les gustan las palabras de aliento / amor, pero la mejor sensación es cuando «la moneda cae en el sombrero» del músico. Si no tienes los fondos para hacerlo, que es algo que puede ser normal, al menos corred la voz. ¡Gracias! :). [AUTOR: David Déniz Plaza]

ÁLBUM: Apocalypse SELLO: Transcending Obscurity Records LANZAMIENTO: Enero 2020

NUM. 73 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 13

BORN IN EXILE

Los barceloneses BORN IN EXILE traen bajo el brazo “Trascendence “, un compendio de melodía, sonidos progresivos y toques exóticos. Nos acercamos a ellos para esta entrevista tan “Trascendental” En primer lugar, agradecer en nombre de Necromance que nos atendáis en este cuestionario. Siempre me gusta preguntar por el significado del nombre a las bandas. ¿Por qué BORN IN EXILE? ¿Ahora en serio, de donde venís y cómo surge el montar una banda de metal? Pues si me lo permites, te voy a responder a las dos preguntas a la vez porque tienen relación directa. Todo empieza a la salida de varios de nosotros de otro proyecto, donde no todos llegamos a coincidir a la vez. Una vez fuera, junto con Juanma, nos reunimos con Ro y Yanet (antiguos miembros de BIE) y decidimos empezar este nuevo proyecto. Sentimos que el grupo había nacido de una ruptura un tanto obligada y de ahí salió la idea de llamar así a la banda. De una manera u otra nos vimos obligados a “exiliarnos” y buscar fortuna por nuestra cuenta. Se nota en vuestro estilo influencias claras del metal progresivo, ¿Qué bandas os han marcado el camino a la hora de definir vuestro estilo? Supongo que todas tienen un pequeño peso dentro de nuestra manera de crear nuestra música. No nos podemos quedar solo en los grupos referencia como Dream Theater, Symphony X o Myrath. Para mí, tienen mucho peso grupos con los que crecí y que no necesariamente nos parecemos en algo. Rammstein, Pink Floyd, Iron Maiden… entre muchos otros nos han dado la personalidad musical que ahora tenemos, aunque claramente nos parecemos mucho más a los otros que he mencionado. ¿Cómo definiríais este vuestro segundo álbum “Trascendence “? Se nota un gran paso adelante en comparación con vuestro disco debut… Parece ser que el “segundas partes nunca fueron buenas” solo pertenece al cine. Literalmente, este segundo disco es una transcendencia de nosotros mismos. Han habido muchos cambios, no solo de formación, y creo que se refleja en el sonido del disco. Lo definiría como un disco más maduro, equilibrado, sabiendo cómo y qué línea seguir. De errores se aprende y aunque el “Drizzle” gustó mucho a prensa y público, nosotros mismos sabíamos de qué pie cojeaba y hemos intentado arreglar esos matices para hacer un disco más completo. Me llaman la atención los arreglos orientales de algunos temas como por ejemplo “Living Inside Me” donde un aroma exótico envuelve la composición. ¿Quién ha tenido la idea de incluir dichos pasajes? ¿Es por algún motivo en particular? Mea culpa. Me fascinan esas melodías orientales que te transportan a otra época y siento esa pequeña obligación de crear mi visión de ellas. En el caso de “Living Inside Me” tiene doble sentido, además. La letra 14 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 73

habla sobre la agorafobia (miedo a los espacios abiertos), y qué peor que verse envuelto en un desierto donde todo lo que vas a tener a tu alrededor va a ser arena y más arena. Así que era una manera perfecta de darle sentido a la música y a la letra, conjuntamente. Otro corte muy potente y redondo, y quizás uno de los más progresivos es “Ziggurat“ donde hay una gran labor en las guitarras. ¿Cómo es componer un tema así? La idea de “Ziggurat” es transportarnos a una realidad cercana al tema de los “Annunakis” y los tiempos de los Sumerios, en Mesopotamia. Pensamos que la mejor idea para representar algo así eran líneas de guitarra más “arcaicas”, sonidos más digitales (como la propia intro de la canción) y algún punto oriental para enfocarnos en la zona donde se ubica toda esta historia (Próximo Oriente). De esa idea principal, fuimos madurando la canción cambiando partes y dándole más sentido para el oyente. El estribillo quisimos que no siguiera esa línea del resto del tema y enfocarlo desde el punto de vista de los humanos que estaban esclavizados por esas deidades, así que hicimos que fuera más melódico. Personalmente, creo que el broche final es el Solo de Joaco para acabar la canción. Perfección pura. ¿Cómo os presentaríais cómo banda y con este último disco ante alguien que no os conozca? Una banda joven con apenas 8 años de vida, con un segundo álbum que se está llevando grande elogios, pero que su predecesor nos hizo estar en uno de los grandes festivales de España, como es el Rock Fest BCN. Sin duda no hay mejor escaparate que ese. Evidentemente sois una banda de directo, y muchos que os han visto, coinciden en vuestra gran puesta en escena y sonido. ¿Cómo afrontáis esa parte del trabajo? Somos muy perfeccionistas. Nos gusta hacer nuestro trabajo y nos gusta hacerlo bien. Pese a que tenemos partes complicadas, instrumental o vocalmente hablando, no nos vas a ver parados en el escenario. Nos gusta movernos, nos gusta estar en contacto con la gente desde el escenario, nos gusta interactuar entre nosotros, disfrutamos mientras lo hacemos. Todo esto le da un punto de fuerza y dinamismo al directo que hace mucho más completo nuestro trabajo en comparación con el disco, donde ese plus, por desgracia, no puede darse de la misma manera. BORN IN EXILE, como todo el mundo, estará afectado por el Covid19; ¿Cómo lleváis el confinamiento y la separación con un disco recién salido del horno? Bueno, ya son dos meses en casa prácticamente. Está algo más asumido y digerido. Esta misma pregunta al principio de la cuarentena

hubiese tenido otra respuesta. Nuestra presentación era el día 13 de Marzo y el 14 del mismo empezó el confinamiento. Salíamos de ensayar el día 11 cuando leímos que se cancelaban conciertos ese mismo fin de semana o se reducía aforo (cosa que vimos inviable). Fue un golpe muy duro, llevábamos meses preparándolo todo, invirtiendo horas de trabajo y dinero, para finalmente no poder llevarlo a cabo. Al igual que esa fecha, se perdieron Lugo, la gira europea y alguna más en España que estábamos cerrando, para este mes de Mayo. Como te decía, ahora lo llevamos todo lo bien que se puede, nos hemos hecho a la idea y dentro de lo que cabe, es un mal menor. Pero esos días de cancelaciones o aplazamientos, fueron realmente duros. Mientras, hemos intentado estar lo más en contacto con nuestra gente por redes sociales, haciendo directos, charlando con ellos y haciendo algún sorteo. Hemos de agradecer el apoyo que nos han ofrecido todas estas semanas. Ha sido bastante reparador. Una vez acabe todo esto, ¿Qué planes tenéis a corto y medio plazo? Pese a la incertidumbre del momento estamos trabajando para que en cuanto todo vuelva a la normalidad, poder hacer todo lo que teníamos previsto lo antes posible. Tampoco queremos precipitarnos, hay que ver como evoluciona todo y ver si tiene sentido hacerlo pronto o esperar un poco más. Lo primero en lo que pensamos son los dos festivales confirmados que tenemos para los meses de Julio y Agosto. Si los organizadores ven factible dichos festivales, nosotros estaremos ahí ofreciendo nuestro show. Indiferentemente si se pueden llevar a cabo o no, ya estamos organizando todo para poder hacer las presentaciones de nuestro disco en Barcelona, Lugo y Madrid como ya teníamos programado antes del confinamiento. La gira europea quizás tiene alguna complicación más a corto o medio plazo, pero se terminará haciendo, el cuando ya es otro tema. Seremos pacientes. Y nada más chicos, mil gracias por todo, mucha suerte con vuestro “Trascendence“ y espero que el retorno de la banda sea apoteósico. Saludos desde Necromance. Muchísimas gracias a vosotros. Un saludo para la gente que sigue Necromance y para todo el equipo. ¡Nos vemos más pronto que tarde en los escenarios, seguro! [AUTOR: El Gallego]

ÁLBUM: Transcendence SELLO: Art Gates Records LANZAMIENTO: Marzo 2020

BANISHER

Formados en el año 2005, los polacos BANISHER llegan en modo apisonadora con su 4º trabajo de estudio titulado «Degrees of Isolation», donde su death metal se torna técnico y devastador; no dudamos ni un momento en enviarles unas preguntas que nos contestó rápidadamente su guitarrista Hubert Wiecek. ¡Bienvenidos a la revista Necromance! ¿Podrías presentar la formación actual a nuestros lectores? ¡Hola a todos! Banisher se formó en 2005 en Rzeszów Polonia por mí y mi amigo de la escuela secundaria. La formación actual existe desde 2017: Szczepan Inglot – voz, Hubert Więcek – guitarra, Piotr Kołakowski – bajo y Eugene Ryabchenko – batería. Con esta formación hemos grabado nuestro nuevo álbum «Degrees of Isolation», que es el cuarto LP de la banda. Los miembros actuales también son músicos (antiguos, actuales y en vivo) en Decapitated, Fleshgod Apocalypse, Belphegor, Acid Drinkers, Redemptor, Hate y Shodan. ¿Cuál fue el proceso de creación de “Degrees of Isolation”? Empecé componiendo riffs e ideas y luego escribí canciones de esas ideas y grabé demos de las canciones; posteriormente le envié las demos al resto de la banda y trabajamos en ellas para obtener las versiones finales de las canciones. Después de eso, entramos al estudio para grabar todos los instrumentos para luego seguir trabajando en las partes vocales, escribimos las líneas rítmicas y luego las letras, adecuadas a las líneas vocales designadas. Cuando todo estuvo listo, 16 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 73

grabamos las voces y partes adicionales de guitarra, solos o lo que sea que se nos ocurrió. ¿Te has dejado influenciar por otras bandas para el nuevo álbum? Subconscientemente, tal vez pero nunca he tenido ese tipo de enfoque de escuchar a otras bandas y querer sonar como ellas. Siempre es natural, no creo que tenga que ser como la banda «XYZ» o la canción «xyz», solo toco y escribo lo que hay en mi cabeza. ¿Alguna canción en particular que fuera más difícil de componer que el resto? No lo creo, pero si tuviera que elegir, entonces tal vez «Lockdown» y es que es la canción más larga en la historia de la banda; la hemos tenido que organizar de una manera que parezca antinatural, pero esta canción cuenta una historia sobre cómo el tiempo que se pasa en la cárcel se siente como la eternidad, por lo que la canción es tan larga a propósito; todo fue cuidadosamente pensado y no es accidental. La producción del álbum es de muy alta calidad. ¿Cuánto tiempo

os llevó todo el proceso? Comenzamos el proceso de grabación en octubre de 2018 y el álbum se terminó en agosto de 2019. Estuvimos trabajando en este álbum hasta el punto de que nadie tendría ninguna objeción sobre ni una sola cosa y eso nos llevó a 18 versiones de la mezcla y 3 versiones de masterización, pero definitivamente valió la pena. ¿Cómo ha sido la recepción hasta ahora de este nuevo álbum tanto de la prensa como de los fans? En lo que a mí respecta, después de 1,5 meses desde el estreno, hemos vendido más copias de «Degrees of Isolation» que el álbum anterior en general, así que creo que eso es sorprendentemente bueno y las críticas también son muy halagadoras. Estoy muy feliz y agradecido de cómo reaccionó la gente y eso me da aún más energía para seguir trabajando en la música con la banda y muestra que nuestro arduo trabajo y esfuerzo que hemos puesto para que este disco saliera definitivamente valió la pena. ¿Qué cosas se han hecho de manera diferente con este álbum en comparación con las anteriores? Este es definitivamente nuestro álbum más diverso musicalmente hablando y cada canción tiene algo nuevo. Nunca antes habíamos tenido tantas canciones pegadizas y melódicas, pero siguen siendo brutales, crudas y agresivas; además, las letras de este álbum son significativas y definitivamente vale la pena leerlas mientras escuchas

“NUNCA ANTES HABÍAMOS TENIDO TANTAS CANCIONES PEGADIZAS Y MELÓDICAS, PERO SIGUEN SIENDO BRUTALES, CRUDAS Y AGRESIVAS”

HUBERT WIECEK una persona detenida. Este lo filmamos en mi ciudad natal (Rzeszów) en un lugar muy paisajístico cerca de bosques y ríos, también las vistas que no incluyen la banda tocando fueron tomadas por Łukasz (el mismo tipo, que hizo el libreto y la portada) especialmente para nosotros desde un avión no tripulado durante su viaje a Arizona y algunos otros lugares en los Estados Unidos. «Devil in ISO 5» es una canción sobre un preso mental que estaba manifestando su disgusto de ser detenido por su comportamiento loco en la cárcel; incluso a pesar de estar recluido en solitario, sus escandalosos gritos estaban volviendo locos a todos los demás reclusos, estaba gritando, amenazando a los guardias y oficiales, destruyendo su celda, arrojando comida y heces por todas partes, discutiendo con otros reclusos durante 20 horas seguidas hasta que se desmayó. Después de recuperar la conciencia, toda la historia se repitió. En el video, el personaje principal que interpreta al «Diablo» usa ropa original que usan los reclusos en la cárcel del condado de Los Ángeles y ese es el que llevaba puesto. Además, el video fue filmado en mi sótano, que en realidad es un búnker atómico posterior a la Segunda Guerra Mundial. Las puertas y las habitaciones de allí se parecían bastante a las habitaciones de cárcel solitarias, por lo que decidimos usar eso en el clip. Dado que vivimos en una época de incertidumbre debido a la pandemia de COVID-19, ¿se ha hablado de vuestros próximos planes? Creo que va a ser muy difícil organizar conciertos hasta finales de 2020. Pero hay programados hacer shows especiales en línea en clubes cerrados y transmitirlos en vivo, pero estamos trabajando en eso todavía. Además de eso: promocionar el álbum, todavía tenemos algunas cosas que vamos a lanzar muy pronto para que podamos trabajar productivamente en la banda y, por último, escribir nuevo álbum.

las canciones. Cada canción es una historia basada en una historia real que me sucedió en EEUU en 2017. Las canciones, las letras y el folleto completo son como la trinidad sagrada: todo se conecta perfectamente y supongo que este es el activo más notable de este álbum.

Algunas bandas afirman que el marketing es tan importante para una banda como la música misma. ¿Qué piensas sobre eso? Desafortunadamente, todo va como un gran paquete aquí. Si quiere prosperar con una banda, debe ser no solo un músico, sino también manejar resevas de conciertos, ser un conductor semiprofesional, poder esperar varias horas, dormir en aeropuertos, autobuses, trenes, saber cómo usar herramientas de edición de videos / photoshop, administrar todas las redes sociales, llevar la logística, trabajar con sellos discográficos y promotores, hacer entrevistas, administrar relaciones públicas. Es realmente un proceso complejo y si no haces nada de eso (o no contratas a una persona que lo haga por ti) desaparecerás en el océano de otras bandas.

¿Quién creó la portada para «Degees of Isolation» y qué representa? El autor de la portada y el libreto es Łukasz Jaszak y debo decir que hizo un trabajo fenomenal donde queríamos crear una imagen que capturara los sentimientos y pensamientos de un personaje mientras está encarcelado. A Łukasz se le presentó el concepto completo del álbum, se le dieron pautas, letras, música y nuestra visión inicial de la portada y la creó todo tal como la visualizó. Estamos increíblemente felices con su trabajo, es una obra maestra y todos los que vean el libreto y todas las cosas incluidas allí sabrán de lo que estoy hablando. Łukasz también hizo dos videoclips para nosotros y la sesión de fotos de la banda. Es un chico realmente talentoso.

¿Cuál es tu consejo para las bandas de metal que empiezan? No seas falso, la gente lo olerá. Si no vas a ser real y honesto con tu música, no sacrifiques toda o la mayor parte de tu vida por eso, no tiene sentido.

¿Quién escribe principalmente las canciones y de qué tratan las letras? Cada canción en «Degrees of Isolation» (excepto «Apotheosis») describe los sentimientos y emociones durante varias situaciones durante el encarcelamiento, la detención y la absolución. Toda la música en Banisher siempre fue escrita por mí.

[AUTOR: David Déniz Plaza]

¿Cómo fue la experiencia de crear el video para «Extradition»? Fue un día realmente productivo y agotador debido a que vivimos en 4 ciudades diferentes en 2 países diferentes, y estamos muy ocupados con nuestras otras bandas y reunirnos a los cuatro es bastante desafiante, pero encontramos un fin de semana que no teníamos ocupado ninguno y grabamos dos videoclips: «Extradition» y «Devil in ISO 5» además de hacer una sesión de fotos en un día. «Extradition» cuenta la historia de los presos retenidos y transportados entre cárceles y los métodos para tratarlos durante el proceso, describe los sentimientos y la percepción subjetiva del mundo libre desde el punto de vista de

¿Hay algo más que quieras decir a nuestros lectores? ¡Muchas gracias por la entrevista!. Realmente la he disfrutado y sinceramente espero que toda la industria de la música vuelva a crecer muy pronto, para que la gente tenga la oportunidad de disfrutar de ésta en vivo. ¡Hasta entonces, mantente a salvo y escucha mucha música!

ÁLBUM: Degrees of Isolation SELLO: Self Made God Records LANZAMIENTO: Febrero 2020

NUM. 73 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 5

APOSENTO

Hablar de la historia de APOSENTO es intentar recurrir al génesis del Death Metal nacional. Con un sonido que se puede poner en una línea de fuego donde se encuentran CANNIBAL CORPSE (por ejemplo), con “Conjuring the new pocalypse” nos encontramos con que han vuelto a esas raíces inmisericordes de lo más Extremo del Death. Con estructuras que cambian de canción a canción, riff´s densos y machacantes, la banda ha conseguido una atmósfera donde la velocidad parece estar dividida entre las baterías, las guitarras y el bajo, y en otra la voz. Pero que al ensamblarse en la locura completa da por resultado un trabajo perfecto. Ante todo, felicidades por este gran trabajo. En algunas entrevistas han comentado que querían volver a las raíces del grupo con este disco. ¿Cómo surge esta idea, como una necesidad o como un nuevo paso? Muchas gracias, siempre hago lo que sale de mi cabeza, me crie con las bandas de los 90 especialmente con la escena de EE.UU. En el anterior disco compusimos de una manera algo más enfocada hacia el brutal death aunque tampoco fue algo premeditado. En este he querido que sean más llevaderos los riffs, mucho más densos y pesados y orientados a terrenos más old school con tendencias a varias bandas que me influenciaron y que puedan ser un poco más accesibles para el oyente. Realmente nuestra intención de regresar a nuestros orígenes ha sido algo más inconsciente que buscado, llegamos a esa conclusión una vez que ya teníamos todo terminado y realizamos las primeras escuchas del álbum. A lo largo del disco nos encontramos con variaciones rítmicas, cambios de estructura, y velocidades distintas ¿Entraron a grabar con todo compuesto o fueron variando a medida que grababan? Nos gusta variar y no hacer una canción monótona, de ahí los cambios de riffs. Entramos con todo listo, nos tiramos meses componiendo y preparando los temas en el local de ensayo, una vez que lo tenemos todo cuadrado es cuando decidimos entrar en estudio. 18 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 73

¿Cuál es el concepto del disco? Tanto en sonido como en mensaje. Se nota una atmósfera densa pero liberadora a la vez. El sonido lo único que ha cambiado en respecto a nuestro antecesor, ha sido la mezcla y el master que es algo crucial para un óptimo resultado. Sobre el concepto en esta ocasión es mucho más oscuro que en los anteriores trabajos y realmente eso ha marcado mucho en la densidad de la atmósfera global del mismo. La temática lírica es mucho más rebuscada e intimista que en otras ocasiones, estando muy marcado en temas de carácter esotérico y ocultista. ¿Cómo fue el trabajo de producción y cuánto estuvo en vuestras manos? Si bien hay un sonido muy compacto y limpio, se nota un cambio en relación con “Bleed to death”. En esta ocasión optamos por mezclarlo en los mismos estudios en donde lo grabamos junto con Dan Díez, esto facilito el poder estar presentes en estas fases y poder lograr una fidelidad más cercana a lo que buscábamos que como hicimos en el anterior trabajo, que fue todo a distancia. El master fue realizado por Dan Swanö . A pesar de que hace meses que teníamos el disco finalizado, hasta que no tienes la edición física del mismo en las manos y lo escuchas no eres consciente realmente del resultado final, y la verdad que hemos quedado muy satisfechos con el resultado.

El primer corte de este trabajo es “The dweller of on the Threshold”, que parece contener un poco de todos los elementos que contiene el trabajo. La opinión de los seguidores es buena, de los medios también. ¿Esperaban este recibimiento? Realmente el primer single fue “Liber Al Vel Legis” y pocas semanas después lanzamos el Lyric Video de “The Dweller on the Threshold”. La verdad que está teniendo muy buena aceptación, siempre es una incertidumbre de cómo va a reaccionar el público, está claro que a estas alturas tampoco vamos a cambiar nuestra manera de hacer las cosas, pero queremos que cada disco sea diferente y guste, pero lo principal es que quedemos satisfechos nosotros mismos. Me llamó la atención la intensidad del cierre, de la canción “Doomsday – The metanoia of redemption process”. Por el sonido conseguido, más la brutalidad de la voz y la banda, parece como si la hubieran grabado del tirón, todos juntos. Como un directo casi. ¿Buscaron algo así? Todos los temas fueron grabados de la misma manera, por pistas divididas e incluso en diferentes semanas se quiso que el último tema sería el más rápido y agresivo. El efecto conseguido desde el primer momento con este tema es que fuese el que cerrara el ciclo y terminase desatando el Apocalipsis, que es el tema conceptual en este trabajo. Si bien el 2020 está siendo un año que va a pasar a la historia para las masas por motivos obvios, para los fanáticos del Death y español particularmente, quedará vuestro disco, el de NECROPHILIAC, OBSCURE, entre otros, y ustedes claro ¿Cómo sienten ser referenciales en el Death, tanto por historia como por actualidad? ¿Cómo ven la escena nacional Extrema? En este país tenemos muy buenas bandas tales como las que mencionas, Avulsed, Legacy of brutality, bloody brotherhood etc. Es una suerte seguir en escena, después de tantos años a pesar del parón que tuvimos, nos alaga que nos consideren una referencia en el death de este país. Estamos contentos de estar en el

2020 y seguir componiendo discos, ahora mismo se goza de una buena escena extrema sobre todo en bandas, aunque el público ya escasea a la hora de ver algunos conciertos. Este es un disco contundente, con riff´s potentes y compactos, ¿Cómo ha sido juntarlos desde la composición a la garganta de Mark que da más matices de Brutal? La verdad que primero cuadramos todos los riffs hasta tener el tema enfilado y ahí es cuando Mark dice como estructurarlo para que encaje perfectamente la voz. Más de 30 años desde vuestros primeros pasos, han tocado con verdaderos bichos del Metal, y ustedes se han convertido en “animales referenciales” ¿Cómo lo ven en retrospectiva? El tiempo no se detiene y tenemos la suerte como he comentado antes de seguir en pie y haber compartido escenario con grandes bandas, no sé si seremos referentes, pero está claro que la edad de la banda y la trayectoria nos deja un buen sabor de boca. ¿Algo para cerrar o completar la entrevista o para decir a nuestros lectores? Estamos muy agradecidos al apoyo que tenemos de nuestros seguidores y medios que estáis con esta pequeña escena, abrazos y salud para todos y no olvidéis seguirnos en nuestras redes sociales para estar informados de futuros eventos. [AUTOR: Sebas Abdala]

ÁLBUM: Conjuring The New Apocalypse SELLO: Xtreem Music LANZAMIENTO: Mayo 2020

THE THIRD GRADE

Los valencianos THE THIRD GRADE están de vuelta tres años después con la segunda parte de “Of Fire And Ashes”, editado de nuevo a través de Art Gates Records, donde dan un paso más allá y a pesar de las adversidades, como los cambios en la formación, han sabido crear un ente con vida propia donde la música progresiva es su santo y seña, mientras que las emociones y sentimientos se desarrollan de una manera más que notable. Desde Necromance Digital Magazine, nos pusimos en contacto con ellos para que nos hablaran un poco más de lo que guarda la grabación de este trabajo. Todo el artwork ha sido realizado por Joe Arca tanto el de la parte 1 como la parte 2 y por eso se puede ver una continuidad. Joe entendió a la primera lo que queríamos transmitir y lo reflejó a la perfección en ambos discos. La primera parte queríamos que fuera todo más gris y con cenizas y la segunda con colores más rojizos y con fuego como bien indica el título del disco.

Primero agradeceros que atendáis a esta entrevista y en segundo lugar, tras tres años creando este nuevo trabajo, con cambios de formación, nuevo estudio, nueva mezcla… ¿Cómo han influido estos cambios en el nuevo álbum? ¿Cómo ha evolucionado vuestro sonido, aunque guarde una perfecta correlación con vuestro anterior álbum? Todos estos cambios nos han llevado a un nuevo nivel más profesional y la evolución musical se puede escuchar claramente. El nuevo sonido del grupo ha evolucionado de forma natural y gracias a los nuevos componentes que nos han traído aire fresco a las composiciones y nuevos puntos de vista. Estamos hablando de “Of Fire And Ashes Pt.2”, donde el toque progresivo es indiscutible y eleváis un punto más vuestras composiciones, además de recordarme en ciertos aspectos a bandas como ANGRA, ¿en que están unidos estas dos partes? ¿Cuáles son vuestras influencias más cercanas? ¿Es la evolución deseada la que habéis encontrado?, para mí, personalmente sí. Tanto la parte 1 como la parte 2 están pensadas para escucharse seguidas porque tienen una temática en común. La parte 1 fue la base desde la cual se desarrolló toda la parte 2. Desde luego se puede apreciar una evolución enorme en el sonido del grupo y las canciones están mucho más desarrolladas. Somos un grupo con influencias muy variadas como Dream Theater, Yes, Genesis, Nightwish, Pain of Salvation, etc. Vuestro artwork, es continuista, pero los colores se tornan más cálidos, pero a la vez aporta un toque de agresividad y oscuridad a la mismo ¿Quién lo ha realizado y qué es lo que habéis querido mostrarnos con él? 20 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 73

La producción, me parece de gran calidad, con una limpieza y una mezcla muy clara y concisa, creada por Raúl Abellán ¿Qué os motivó a cambiar el estudio de grabación con respecto a vuestro anterior álbum? ¿Cómo ha sido el proceso de grabación?, ¿algunas anécdotas que podáis contarnos? Buscábamos un sonido más moderno para este disco y a Raúl lo veíamos el indicado para conseguir ese sonido. Estamos súper contentos porque ha conseguido exactamente lo que buscábamos. El proceso de grabación ha sido largo pero muy cómodo. La grabación de voces, guitarras, bajo y teclados la hemos hecho en nuestro estudio y eso nos ha permitido trabajar con calma todos los arreglos que queríamos hacer. Las baterías y las guitarras acústicas las grabamos en Millenia Studios y las guitarras fueron reamplificadas por Raúl Abellán en The Mixtery donde luego mezcló y masterizó el disco. Ha sido un placer trabajar con él y el futuro de The Third Grade está ligado a él. Si tuviera que destacar algunos temas para que me hablaseis de ellos serían, “The Lost”, la encantadora “Intertwine” y “A Cold Awakening”, ¿Cuál ha sido el más complejo de darle forma? ¿Cuál es la temática que aborda el álbum?, ¿está relacionado con el anterior trabajo? The Lost es un tema muy directo pensado para abrir el disco y los conciertos. Pensamos que condensa muy bien la esencia del grupo. Intertwine es el single del disco, una canción bonita, melancólica y profunda. A cold awakening es donde teníamos toda la libertad para desarrollarnos musicalmente sin ningún límite. El tema más complejo para darle forma ha sido sin duda A cold awakening al ser una canción muy larga con muchos pasajes musicales. Algunos de ellos de gran dificultad técnica y buscábamos a la vez que la canción se escuchase con fluidez. El nexo de unión entre las canciones de las dos partes está en las letras. Todas intentan transmitir sentimientos.

No sé si seréis de tradición antigua y seguís comprando cd o estáis sujetos a la era digital. ¿Cuáles son los últimos cd físicos que habéis comprado? Podríais decirnos 3 grupos nacionales/internacionales a descubrir o que queráis recomendarnos. Los 4 componentes somos muy de coleccionar discos. En el caso de María uno de los últimos discos que ha comprado ha sido el Electric Castle Live and other tales de Ayreon. Javi ha pillado una recopilación de Andrés Segovia, el ballet lago de los cisnes y overturas de Rossini. Iván ha comprado Speaking of now de Pat Metheny Group. Os recomendamos: Bad Lands, Cellar Darling y Rick Wakeman. Y, por último, en este momento tan complicado que estamos viviendo con todo el tema del coronavirus, ¿Cómo estáis pasando el confinamiento? ¿Cómo creéis os afecta el sacar el álbum en este duro proceso para la cultura y la música? Fatal, nos ha afectado muy negativamente ya que toda la venta del disco se ha atrasado y la gira se ha parado indefinidamente pero seguimos trabajando para que esto no pare. Muchas gracias por atendernos y os dejo las últimas palabras a vosotros, un placer haber podido hablar con vosotros desde Necromance Digital Magazine. Muchísimas gracias a vosotros por contar con The Third Grade. Podéis encargar vuestro disco en la página web de Art Gates Records y escucharnos en todas las plataformas digitales: iTunes, Google Play, Amazon Music, Spotify y Youtube. ¡Nos ayudaríais muchísimo en esta mala época!. Gracias de antemano y ¡un abrazo grande desde Valencia!. [AUTOR: juan Angel Martos]

ÁLBUM: Of Fire And Ashes (Pt. 2) SELLO: Art Gates Records LANZAMIENTO: Marzo 2020

MORBID DEATH

Los portugueses MORBID DEATH han editado este año a través de la discográfica española Art Gates Records su nuevo trabajo «Oxygen», 16 años después de la edición de su anterior larga duración «Unlocked»; de este nuevo trabajo hemos hablado recientemente con su vocalista y bajista Ricardo Santos y esto es lo que nos contó. ¿Hola! Cómo estás? Gracias por tu tiempo para hablar con nosotros. Para aquellos que aún no os conocen, ¿puedes decirnos las personas que forman parte de Morbid Death? ¡Saludos! Un placer contestar a esta entrevista. Bueno, Morbid Death son Rafael Bulhões en la batería, Luís H.Bettencourt en la guitarra y coros y yo, en el bajo y las voces principales. ¿Cómo empezó la banda? ¿Cuál fue el motivo que os llevó a la formación del grupo y cuál era vuestro propósito? La banda se formó a finales de 1990, en septiembre para ser más precisos. Fue formada por Dinis Costa (ex guitarra) y yo. En ese momento, éramos una especie de roadies de una banda de Hard’n’Heavy llamada Wrek-Age y así surgió la idea de tener nuestra propia banda. Estábamos más interesados en Thrash y Death Metal y los ensayos comenzaron a ser parte de nuestra vida cotidiana; luego vinieron Miguelito (ex guitarra) y Pedro Rodrigues (ex batería). Todo lo que estábamos experimentando era muy nuevo y lo único que queríamos era formar parte del maravilloso mundo de la música. ¿Qué banda / artista te inspiró a convertirte en músico y tener tu propia banda? ¿Cuántos años tenías cuando comenzaste a escribir tu propia música? Tenía dieciocho años y Wrek-Age son los culpables (risas). Pero además, Sepultura, Testament, Mötley Crüe, Overkill, Metallica y muchas otras bandas también tenían «culpa» en todo este proceso. Nosotros, como adolescentes, solo queríamos ser como ellos, como nuestros ídolos. La banda tiene un sonido pegadizo de corte melódico y fusionado con toques góticos y groove desde mi punto de vista. ¿Qué dirección piensan tomar en el próximo álbum? ¡Gracias! Muy buena pregunta !!, en casi 30 años de carrera, Morbid Death prácticamente nunca ha seguido un género lineal. Es algo natural, acabamos de componer y si estamos satisfechos con el resultado, lo aceptamos y esto podría ser un desafío para el fan que no sabrá cómo sonará la próxima canción. De vez en cuando, somos criticados por eso, pero para nosotros, el heavy metal no tiene reglas de composición y creo que es más interesante que eso de una vez has escuchado un tema los has escuchado todos. Simplemente lo aceptamos y lo único que puedo garantizar es que sonará como … Metal (risas). Vuestro nuevo álbum «Oxygen» fue lanzado en febrero de 2020. ¿Podría contarnos un poco sobre todo el proceso, en cuanto a componer, grabar y finalmente lanzarlo al público? Luis, nuestro guitarrista es un tipo que respira música todo el día y tenía muchas ideas y una vez nos enseñó lo que tenía y habiendo decidido entre los tres, comenzamos a grabar y, por cierto, Luis produjo el álbum. OXYGEN está compuesto por 12 canciones y fue

masterizado en Top Floor Studios, en Gothemburg-Suecia por Robin Leijon y Jakob Herrmann, que ya trabajó con In Flames, Anthrax, Machine Head, Evergrey, Dark Tranquility y muchos otros. Mientras se preparaba el audio, la portada estaba en proceso de creación y nuestra intención era tener un mensaje limpio, simple y directo, sin calaveras, sin sangre, sin fantasmas y todo ese tipo de entornos que generalmente se usan en metal. João Godinho (director de arte) y Paulo Jorge (director de fotografía) desde el principio sabían lo que estábamos buscando. Tras esto llegó la fecha histórica de lanzamiento para nosotros: ¡28 de febrero de 2020! ¿Dónde encuentran la inspiración para las letras y cómo es el proceso de creación? Cada letra te lleva a diferentes lugares y, como solemos hacer con el instrumental, no obedecemos ninguna regla. Habla de seres queridos fallecidos, la desafortunada vida de las personas sin hogar, cirugía plástica, motivación, naturaleza, traición por religión e incluso sobre el poder del amor. Es una verdadera combinación de temas (risas). ¿Cómo está siendo la respuesta de la gente hasta ahora? ¿Ha alcanzado vuestras expectativas? Todas las bandas que lanzan un nuevo trabajo siempre estarán a merced de los críticos y no somos la excepción y nuestra larga experiencia también nos calma en este asunto. Afortunadamente para nosotros, y hasta ahora todas han sido positivas y excedieron las expectativas, pero si algún día nos llega una respuesta no tan buena, tendremos que aceptarlo y resaltarlo como lo hacemos con todo los demás, no tenemos la intención de ocultar nada y es parte de todo el proceso. Es solo una cuestión de respeto mutuo y, por supuesto, la música es subjetiva y no sería el fin del mundo. De todos tus trabajos hasta la fecha, ¿cuáles son tus canciones favoritas? Una pregunta muy complicada (risas). De este álbum ya tocamos en vivo Grow Stronger y Dead Inside y funcionaron bastante bien. Los demás, maldición, si pudieran tener una bola de cristal y ver cuándo vamos a vivir y tocarlos, ¡sería bueno! Simplemente me gustan todas las canciones que forman parte de OXYGEN. Incluso para nosotros, tuvimos una tarea difícil al elegir los tres sencillos que se lanzarían de forma anticipada. De otros trabajos anteriores, hay una canción que viene de nuestra primera demo-tape del ’93 (Nomad) que nuestros fans no olvidarán, Es la parte más oscuro del paraíso y en todos nuestros conciertos, tiene que ser parte de la lista de canciones de forma obligatoria solo porque a los fans les encanta tanto como a nosotros (risas). ¿Cuáles son, desde su punto de vista, las principales diferencias entre «Oxygen» y vuestros álbumes anteriores?

Cada álbum tiene su propio tiempo, su propia historia. Tuvieron un papel muy importante en la historia de la banda como OXYGEN está teniendo ahora. Yo, como parte de todos ellos desde el comienzo, considero a OXYGEN como el álbum más maduro y mejor hecho que hicimos y, por cierto, en treinta años de carrera, esta ha sido la primera vez que hemos tenido un productor extranjero trabajando en ello. ¿Podrías compartir con nosotros uno de tus mejores y peores momentos en el escenario? Hemos hecho muchos conciertos durante estos años, pero hay dos que nunca olvidaré. El primero fue nuestro debut en el ’91, estábamos muy nerviosos y teníamos la misión de hacer la primera parte del concierto y la segunda parte fue realizada por Wrek-Age. Puedes imaginar a 4 chicos con solamente unos meses de ensayos y solo con una canción para tocar (risas). Tocamos ese tema y luego nos despedimos y la gente decía ‘¿qué demonios? ¿Solo una canción? ¿y qué hicimos? la tocamos de de nuevo! (risas). El segundo fue en el Festival Maré de Agosto ’93, Ilha de Sta Maria, Açores. Tres años después de que comenzamos la banda, estábamos tocando en uno de los festivales más grandes de las Azores, nuestra tierra natal y fue surrealista. Todos los fans estaban locos con todo el slamdancing y mosh. Al final, el guardia de seguridad nos llamó varias veces porque había fans que querían hablar con nosotros, hacerse fotos y pedir autógrafos y casi tuve que regalar mi ropa como recuerdo, imagínate eso (risas). ¡¡¡Tiempos locos!!!. Lo peor fue un directo que dimos hace muchos años, tuvimos muchos problemas técnicos con descargas eléctricas incluidas. Además, entre la gente y mientras tocábamos, algunos de nuestros amigos comenzaron a ser golpeados solo porque estaban haciendo mosh y se empezaron a lanzar cosas hacia el escenario, golpeándonos. Fue una noche para olvidar … ¿Qué nuevas bandas de tu país recomendarías? Recomendaría a nuestros hermanos Moonshade con su Melodic Death Metal y Gwydion con su Folk Viking Metal. ¡Sería bueno vernos a los tres de gira juntos como artistas del mismo sello, Art Gates Records! ¿Algo que quieras decir para nuestros lectores? En nombre de Morbid Death, me gustaría agradecer a Necromance y por supuesto, a tí David, por la oportunidad, es muy importante para nosotros. Para todos aquellos que aún no han escuchado OXYGEN, ¡pruébenlo! Youtube, Instagram, Facebook … tus ‘Me gusta’, ‘Acciones’ y ‘Suscripciones’ solo nos hacen más fuertes. ¡Espero verte en un escenario, muy pronto! ¡Cuídate y mantente a salvo!. [AUTOR: David Déniz Plaza]

ÁLBUM: Oxygen SELLO: Art Gates Records LANZAMIENTO: Febrero 2020

NUM. 73 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 21

HASSWUT

Formados en 2013 con componentes de MIND DRILLER, la banda que no ocupa, HASSWUT, publica ya su tercer disco, “Atomkrieg”, asalto sónico de primer orden, electrónico, pesado, bailable, denso y yo que sé cuántas cosas más. Así que después de darle unas cuantas vueltas y recoger mi cerebro con una palangana, hablamos con ellos un rato. Un saludo a las buenas gentes de HASSWUT. Primera pregunta, en estos tiempos inciertos, ¿Qué tal estáis llevando el tema cuarentena, todos bien? Javix: Muchas gracias por esta entrevista, pues en lo personal bien la verdad, pero musicalmente nos ha jodido bastante esta situación, por que acabamos de sacar el disco y se ha parado todo, ni podemos tocar ni vender y apenas promocionar, y ya está la música complicada para encima esto jaja, pero bueno en pasar todo trataremos de reactivar la maquinaria. Contadnos un poco de los inicios de la banda, de cómo sale el proyecto, de por qué la opción de cantar en alemán, las primeras tormentas de ideas y la elección del nombre y como se establece la conexión con Zufo. Daniel: Los inicios fueron querer hacer un metal industrial que no podíamos hacer con Mind Driller, mucho mas industrial, ya que nosotros tres somos muy seguidores de muchos grupos del estilo. Cantar en alemán principalmente por mi ya que es donde mas cómodo me siento al hacer voces y además a los tres nos encanta el idioma. Y Zufo siempre quiso formar parte de un proyecto así haciendo sus teclados. Escuchando a MIND DRILLER, uno se da cuenta de la versión electrónica, de la industrial y de la metálica también, varios vocalistas, varios idiomas… Una propuesta muy ecléctica e innovadora, pero, aun así, sale por ahí el “hijo bastardo” (llamémoslo así) de HASSWUT. ¿Qué es lo que ofrece esta banda que no ofrezca MIND DRILLER? ¿Qué se busca desarrollar o explorar con HASSWUT que no se pueda desarrollar en MD? Javix: Principalmente los sonidos más electrónicos puros y machacones, en MD tienen menos cabida y en Hasswut los llevamos al extremo máximo jeje, es creo la principal diferencia, aparte de ser un estilo más puro industrial y menos complejo que el de MD quizá. Y mientras una banda saca “Involution” en 2019, hay una mente pensante por ahí que está componiendo las líneas maestras de “Atomkrieg”, ¿infidelidad musical, problemas de hiperactividad? Javix: jajajaja yo creo que lo segundo, principalmente yo soy el compositor de la música en las dos bandas y si es verdad que soy un culo inquieto, acabo con una y voy a por la otra, de hecho ahora mismo debido a la cuarentena estoy componiendo ya para MD. Las líneas de Atomkrieg les fuimos dando forma mientras girábamos con MD con Involution. 22 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 73

Entrando en materia de “Atomkrieg”, ¿Qué nos podéis contar del álbum? Primeras impresiones, críticas que hayáis recibido… ¿os ha cortado mucho la planificación que teníais para este 2020 el tema del confinamiento? Daniel: Pues el álbum principalmente es una critica de muchas cosas que nos rodean y pasan alrededor del mundo las cuales nos molestan bastante, también hay alguna letra sobre sentimientos vividos por ejemplo “Der Weg” o “Der Radiaktive mann”. Hemos recibido bastantes reseñas y criticas del álbum, algunas muy buenas y otras no tan buenas, ya que si alguien que no le gusta nada este estilo no va a decir nada bueno… Pero a nosotros nos da igual, hacemos lo que nos gusta y eso es lo importante. Y si, desde luego los planes de conciertos que teníamos para este año se han ido al traste… Esperamos que se pase todo este problema pronto para poder reanudar nuestros planes. ¿Qué nos podéis contar del álbum, a nivel lírico? ¿Algún tema que queráis destacar? Daniel: Las letras principalmente son criticas duras a nivel político ya sea el bando que sea y al ser humano en si, ya que cada dia que pasa parece que las personas se vuelven mas crueles y malas. Yo principalmente destacaría “Vorwärts” por el tema político que da igual la izquierda y la derecha, solo se empeñan en destruir el sitio donde vivimos. Y “Die Macht” que habla sobre el maltrato a una persona cercana, ya sean hombres o mujeres, porque hay de todo, y esta se libera del agresor. Muchas veces, muchos cabeza-cuadrada han argumentado lo típico de “si tiene teclados, no es metal”. Está claro que no es el caso, pero ¿os habéis encontrado a gente de ese tipo? ¿Habéis tenido que callar alguna boca? Javix: Uff demasiada jaja, incluso en prensa que es peor todavía, porque la gente ya sabemos cómo es mucha, nos gusta mucho criticar y hablar.. pero nos hemos encontrado reseñas en medios muy pobres y no por que pongan mal el disco o no les guste (eso puede pasar perfectamente) si no por la falta de conocimiento del estilo y se nota que ni a terminado de escuchar el disco.. eso dice muy mal de alguien que se quiere dedicar a hacer reseñas, es más.. voy a contar una de ellas que el periodista en cuestión empezó diciendo.. esto no es un disco para esta web ni un estilo que me guste… pero lo reseño… de una manera bastante simplona y poco constructiva… si no es un disco para tu web ni te gusta el estilo es tan simple como no reseñarlo..Sin más.

Proyectos para este 2020, una vez que se levanten las restricciones (¿seguiremos disfrutando de MIND DRILLER y HASSWUT?) Daniel: Si por supuesto, aún estamos concretando fechas con ambas bandas, en tenerlas seguras las iremos anunciando en nuestras redes sociales. Actualmente hemos empezado a componer canciones nuevas en Mind Driller. Y cuando pase un tiempo después de eso empezaremos nuevamente cosas nuevas en Hasswut, no estamos quietos…jajaja Una referencia musical en varios órdenes: un músico, un álbum, una gira soñada, o un cartel. Ese tema que os ponéis para despertaros o ese tema de HASSWUT que os gustaría que sonase en vuestro funeral. Daniel: Podría decir muchos artistas a los que adoro y giras con ellos que serían sueños, por el momento hemos podido disfrutar de la compañía de Oomph!, Eisbrecher, Ost+Front… Aunque a mi personalmente me hubiera gustado estar junto a Unheilig, pero se retiraron hace unos años… Y aunque suene a topicazo total, me gustaría estar junto a Rammstein pero es si es un sueño demasiado lejano quizá… jajaja pero con los dichos al principio ya es mas de lo que hubiera soñado asi que me doy por satisfecho y afortunado. Y una canción de Hasswut para nuestro furneral? Nunca lo he pensado, pero tendremos que componer una que hable sobre eso jajaja. Terminamos ya, muchas gracias por vuestro tiempo. Micrófono abierto para que digáis lo que queráis, para saludar, para que agotemos el merch, etc… Javix: Os agradecemos mucho este espacio para presentar nuestro trabajo, y animamos a todo el mundo a que nos pegue una escucha, sin ningún tipo de perjuicios, si os gusta genial y si no pues a otra cosa, pero dar oportunidades a bandas emergentes y hablo en general, siempre es bien. [AUTOR: Cesar Luis Morales]

ÁLBUM: Atomkrieg SELLO: Art Gates Records LANZAMIENTO: Marzo 2020

ITNUVETH

El viking metal está de enhorabuena, pues ITNUVETH, vuelve con una nueva historia épica y nórdica, a través de su música donde la epopeya y la potencia están más que presentes en “Enuma Elish”, su quinto álbum desde que se formaran en 2014. Desde Necromance Magazine, nos pusimos en contacto con ellos para conocer el presente y el futuro de la banda. Ya somos viejos conocidos por este mundillo y no voy a pediros que os presentéis, ITNUVETH, a no ser que haya habido algún cambio en vosotros; pero sí, que nos habléis de esta nueva entrega musical, de esta nueva epopeya, ¿Qué se esconde tras “Enuma Elish”? Funedëim: “Enuma Elish” es una nueva historia ficticia, creada a partir de situaciones y momentos que de algún modo han ido influyendo en nuestras vidas en el periodo compositivo del disco, o de historias anteriores. Nos gusta hablar de forma épica sobre la vida real, la lucha diaria del día a día, la monotonía diaria transformada en una aventura. Nuestro Berserker y su amada son contratados para acabar con una bestia que habita en la montaña “Enuma Elish”, dicha criatura es la culpable de que los pueblos que habitan a su alrededor hayan caído en una maldición que evita que sus tierras sean fértiles y que sus aguas sean puras. Este es vuestro quinto álbum si no me equivoco, desde aquel “The Way Of The Berseker” de 2014, en el que iniciáis vuestra carrera musical, consiguiendo plasmar y conseguir un sonido propio, aunque muy dentro del estilo ¿Cómo ha sido esta evolución en cuestión de 7 años y cinco álbumes? ¿sentís que habéis conseguido un sonido propio, que en cuanto pones una canción, dices para ti mismo, esto suena a ITNUVETH? Volundr: Bueno, la evolución en cada disco se va notando poco a poco, ya que te diré que somos una banda, que no busca hacer cambios radicales de un disco a otro, si no más bien seguir la línea de lo hecho anteriormente pero añadiendo nuevos elementos y matices y sobre todo intentando no repetirnos. En si hemos conseguido un sonido propio, no te sé decir, que lo hemos intentado seguro, pero bueno, hay gente que sí que nos lo ha dicho, que nada más empieza a sonar una canción nuestra ya les da el rollo, y cuando empieza a elaborarse que sí saben que somos nosotros, y eso es muy importante ya que quiere decir que vamos llegando a nuestro objetivo. En realidad creo que en los tiempos que corren, empezar una banda de estudio, con las complicaciones que tiene llegar a la gente al no tocar en directo, y llevar siete años en la brecha habiendo editado siete trabajos, los cinco álbumes, el mcd y el split, y todavía seguir vivos, es algo muy importante para nosotros. Estamos teniendo un repunte en cuanto a épica se refiere, y más concretamente el mundo nórdico y vikingo está muy presente en la actualidad, sobre todo por cierta serie de televisión que ha sido un éxito mundial, pero: ¿De dónde sacáis las ideas para las temáticas? ¿Os centráis en algunos textos o sagas para darles continuidad? ¿O creáis vuestro propio mundo? Funedëim: El mundo de Itnuveth ya existía antes que las mencionadas series, están bien, no te digo que no, y de algún modo pueden influir en ciertos detalles a la hora de crear una historia o un concepto para la misma. Pero Itnuveth y su temática siempre a tomado influencia en la historia, mitos y leyendas, no de las sagas vikingas o nórdicas, como erróneamente, siempre se nos identifica, si no de la historia antigua de nuestra tierra. Itnuveth es una banda Ibérica, del mediterráneo, bañada por sus aguas, nacida y criada en tierras donde el sol es una parte fundamental, y no la nieve y el frio, nos sobran historias, mitos y leyendas en nuestras tierras como para tener que hablar de las del norte. Vuestro artwork, es continuista, lo que le da homogeneidad a vuestros álbumes y se transforman en una forma de coleccionarlos tanto por su calidad lírica y musical como por la visual, siempre

de la mano de José Antonio Vives ¿es lo que buscáis, el dar esa continuidad estilística, que por cierto me encanta? Váli: Es correcto. Es otra parte más del concepto de Itnuveth tan importante como la música. El hecho de que J. A. Vives sea el creador de todo el apartado visual del grupo es algo que consigue el efecto que mencionabas en la segunda pregunta, lo de: esto es Itnuveth! Cada trabajo que editamos es casi como un libro o un comic de aventuras, porque la música siempre va acompañada de un elemento paisajístico muy fuerte y a mí personalmente es algo que me encanta también. También es muy importante el apoyo de un sello discográfico como Base Records Producciones, que da continuidad a un grupo y su visión musical, en un mundo cada vez más influenciado por los singles ¿Cómo veis esta nueva moda de ir lanzando singles o Eps? ¿Cómo es el trato con vuestro sello discográfico? Volundr: Nosotros vamos sacando algunos temas promocionales antes de la edición del disco y sacamos en su momento un MCD, el sacar singles editados en el formato que sea no lo hacemos, ya que es algo que creemos que es algo que para nuestra banda no tendría mucha salida. El trato con Gaspar del Valle y su sello Base Record es muy bueno. Para empezar hay un muy buen feeling con él, algo que creo que es importantísimo a la hora de trabajar con alguien, igual que lo tenemos con nuestro ilustrador Jose Antonio Vives y nuestro productor Rubén Rodríguez de Neburzone. Lo del sello fue algo muy curioso, ya que es un sello que aunque se dedique algo al black metal, lo que más predomina es el Brutal Death, el Grind y derivador, por lo que nuestra incursión en éste fue algo raro. Y a pesar de que gente pensara que ese no era nuestro sello, estaban totalmente equivocados, ya que todo va perfecto y estamos encantados de seguir ahí. En este álbum, contáis con la colaboración de Alba Carry de DR.X, en “Lakes Of Lava”, banda a la cual pude ver en directo y la voz de Alba me encanta por guardar ese tono vocal tan personal e intransferible, además de darle a vuestro álbum un final apoteósico y otro giro más de calidad ¿Cómo decidisteis por contar con ella? ¿de qué trata esta canción, una de mis preferidas? Volundr: Pues a Alba la conocí en la Prospe, el barrio donde vivo de Barcelona. Estaban en un concierto que montaba Metalcova y empezamos a charlar por una camiseta que llevaba yo de Itnuveth y sobre el trabajo del Vives. Hubo muy buena química y cuando ví a Alba encima del escenario no dudé en comentarle si le gustaría colaborar con un tema en el nuevo disco de Itnuveth. Ella aceptó encantada y todo fue sobre ruedas. Además tras esta colaboración salió la banda NIX, una historia totalmente acústica que compartimos junto a Jose Antonio Vives y Javi Ferrera de Funeralia. Si tuviera que destacar algunos temas para que me hablaseis de ellos serían, aparte de la ya meinconada “Lakes Of Lava”, serian, “The Abyss Of Immortals Flames”, “Enuma Elish” o “Dhym Vhorgur” ¿Cuál ha sido el más complejo de darle forma? ¿Adaptáis el estilo a las letras? Es decir, agresividad a las luchas mitológicas, temas más épicos o atmosféricos, durante los viajes de nuestro héroe… Funedëim: Pues si te digo la verdad no guardamos ningún secreto a la hora de componer y montar los temas, Volundr, primero compone toda la música junto a Adalsteinn, yo mientras voy creando la historia con las letras, y después vamos casando unas cosas con otras, las flautas de Váli, detalles, instrumentales, voces en diferentes registros, etc. Cada canción tiene su propia complejidad, pero si te digo la ver-

dad, después de 6 años escribiendo para Itnuveth, nos resulta muy fácil crear, y todo sale rodado, sin apenas esfuerzo, cuando algo lo haces con ganas e ilusión, sale solo. Ya que no soléis dar directos, sois una banda de estudio, ¿habéis pensado hacer alguna vez un directo online, hoy tan de moda por la pandemia que estamos viviendo? Váli: Pues sería divertido la verdad!! Nunca lo hemos intentado a través de internet antes porque la parte de directo es algo que está en un segundo plano. La manera que tenemos de trabajar es diferente al de una banda de directo, y aunque todos estamos a una, cada uno en su casa afronta su tarea como quiere. Tenemos el tiempo necesario para poder interiorizar las canciones y luego aportar nuestra parte. No consiste en comparar (no digo que tú lo hagas, claro) si es mejor ensayar mucho, poco, o si es o no necesario… todos nosotros tenemos bandas con las que ensayamos y damos conciertos, y a parte tenemos Itnuveth que es lo que grabamos estando en pijama!! Yo me lo paso de puta madre en ambos casos!! Y, por último, en este momento tan complicado que estamos viviendo con todo el tema del coronavirus, ¿Cómo estáis pasando el confinamiento? ¿preparando una nueva historia? ¿Cómo creéis que va a pasar esto factura al mundo musical en un futuro próximo? Funedëim: Yo la verdad que no lo llevo mal, no he dejado de trabajar y eso me mantenido cuerdo todo este tiempo. Volundr ha estado trabajando también muy duro en nuevas canciones. La factura al final habrá que pagarla de un modo u otro, pero también te digo que esto no puede durar para siempre, el coronavirus, al final, como todas las epidemias que ha habido en la historia del mundo, terminará, será solo un mal recuerdo más, estoy seguro. El mundo sigue girando y el sol sigue saliendo por el mismo sitio todos los días, un maldito virus no puede parar a la humanidad, ya encontraremos el modo de acabar con él, estoy seguro. Váli: Yo sigo trabajando y eso ayuda mucho a pasar este encierro, y las personas de mi entorno están bien. Ahora mismo no soy capaz de hacerme una idea de todo lo que está sucediendo, pero está claro que es algo que va a condicionar los tiempos que vienen a todos los niveles. Esperemos que todo termine pronto y de la mejor manera… mientras tanto me está viniendo muy bien para trabajar en los nuevos temas! Volundr: Yo hace dos semanas que volví a trabajar y la verdad, para mí ha sido bastante duro. No me quejo por que es lo que hay, y entre todos tenemos que tirar esto palante. El lado positivo es que me ha dado tiempo a componer todas mis partes del próximo disco, por lo que nuestra historia como ves no para ja ja ja. En que va a pasar factura al mundo musical eso seguro, bueno más bien ya le está pasando, pero bueno, cada uno se ha de buscar la vida como puede. Nosotros habíamos editado el disco nuevo “Enuma Elish” en febrero y se nos ha parado un poco, pero ya miraremos la fórmula de poder darle caña más adelante, algo se nos ocurrirá ja jajaj. Muchas gracias por atendernos y os dejo las últimas palabras a vosotros, un placer haber podido hablar con vosotros desde Necromance Magazine. Funedëim: Gracias por tu tiempo y esta entrevista, salud y fuerza amigo. Váli: Muchas gracias por vuestro apoyo!! Hoy y siempre!! [AUTOR: juan Angel Martos]

ÁLBUM: Enuma Elish SELLO: Base Record Production LANZAMIENTO: Febrero 2020

NUM. 73 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 23

COFFEINNE

El disco de la banda COFFEINNE está recibiendo críticas más que positivas y que los deja parados como una de las bandas a tener en cuenta de la escena. Luego de un gran debut con “Circle of time” no solo ratifican su calidad, sino que además con “Requiem” dan un paso en cuanto a identidad al combinar estilos, sonidos y potencia. Con un tándem entre la voz y las bases de la banda, sumada a una guitarra oportuna y que aporta brillo y Heavy, estamos ante un lanzamiento que está en boca de todos como candidato a uno de los mejores discos de 2020. Ante todo, felicitaciones por las buenas reseñas que están cosechando con este trabajo, ¿Esperaban esta recepción tan efusiva? Iñaki: Gracias! Bueno, para ser sincero, nunca estás seguro de si a la gente le gustará tanto lo que has hecho como a ti. Siempre hay dudas, por mucho que haya gustado tu anterior trabajo etc… Así que cuando ves que sí, que a la gente le gusta, te sientes satisfecho e incluso aliviado. El estilo de este disco combina y mezcla detalles de Power, Metal Melódico, ¿Cómo han encarado la creación del disco en cuanto a sonido? David: No hay nada premeditado en este disco, creo que de ahí la variedad. Salían canciones y si nos gustaba se quedaba. ¿Por qué “Requiem” y de qué habla? ¿Cuál es el mensaje? Iñaki: Bueno, aunque no es un disco conceptual, el álbum entero tiene un hilo conductor, un lugar común, que es que todos los temas giran alrededor de la muerte. Desde diferentes puntos de vista y en muy diferentes contextos, pero siempre hay una conexión con la muerte. Así que cuando escribimos Requiem nos pareció que era perfecto tanto para cerrar el álbum como para dar nombre al disco. En Requiem es la propia muerte la que habla en primera persona a alguien que lleva mucho tiempo sufriendo y pidiendo dejar este mundo. Pero la muerte en este caso se presenta como un ángel salvador (de hecho es la imagen de la portada) que trae compasión y paz en vez de la típica figura negra con la guadaña. El ritmo del álbum es intenso, no hay respiro, pero no abusan de esa velocidad trepidante que muchas veces hace que uno pierda detalles ¿Esto surgió a medida que componían, o fue planeado? David: Como te comentaba antes, nada ha sido premeditado en este disco. En cuanto a la velocidad de los temas, sí que hubo algunos cambios en alguna canción en concreto para probar, pero fue un proceso más enfocado en dejarme llevar. Creo que tuve un momento en el que estuve haciendo riffs a un tempo más pesado que rápido, aunque alguna rápida hay como Back to the light, pero 24 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 73

fue todo basado en lo que me salía en ese momento. ¿Quién sabe? En el próximo disco puede ser todo doble bombo o no jaja

“SE MANTIENEN INTACTOS LA ILUSIÓN, EL CONCEPTO DE HACER LA MÚSICA QUE NOS GUSTA SIN IMPORTARNOS EL ESTILO O LA ETIQUETA Y SOBRE TODO EL SONIDO.”

Hablar de influencias a estas alturas puede resultar aburrido, pero sí me gustaría nos dijeran algunas referencias en vuestro entorno para crear este sonido, este disco. David: Mis influencias son tan variadas como la música que hacemos y eso se ha visto reflejado. Desde el heavy metal de la N.W.O.B.H.M al thrash o el death metal sueco y mucho del power metal de primeros del 2000…

Son una banda joven, con “Circle of time” dieron un buen golpe sobre la mesa, 5 años después de vuestra unión, ¿Qué ha cambiado en COFFEINNE y qué se mantiene intacto? Iñaki: Se mantienen intactos la ilusión, el concepto de hacer la música que nos gusta sin importarnos el estilo o la etiqueta y sobre todo el sonido. Creo que a pesar del desarrollo o la progresión que hay entre el primer disco y éste segundo, nuestro sonido sigue ahí de manera muy evidente. Lo que más ha cambiado es que ahora somos una banda. En el primer disco y algunos de los primeros directos había músicos de sesión para completar lo que David y yo creamos. En un momento dado entraron Miguel y Pako y aunque a nivel de composición este segundo disco ha seguido la línea del primero con David y yo encargándonos de la composición, ahora Coffeinne es una banda compacta y eso se nota. Hay canciones más oscuras que otras, y otras más melódicas, ¿Cómo ha sido componer “Forevermore” y “Open your eyes”? David: No hay una fórmula, jajaja… por eso creo que son tan diferentes y a la vez nuestras. Simplemente es dejarte llevar en ese momento de inspiración y no ponerte una barrera estilística. Pero creo que eso pasa mucho más en bandas de fuera que en las de

IÑAKI aquí. En un disco de Arch enemy puedes oír a Judas priest y en la siguiente canción una bofetada de death. Y en Judas puedes tener un Painkiller y un Turbo y eso es algo que a mí me gusta mucho, el que una banda tenga diferentes texturas. El arte de tapa sigue un poco la línea onírica y luminosa, ¿Cómo ha sido el diseño? David: Nuestro portadista, Joe, hizo un trabajo espectacular. Desde el principio entendió lo que buscábamos, lo llevó a su terreno y salió esa gran portada. ¿Algo para cerrar o completar la entrevista o para decir a nuestros lectores? David: Sobre todo, dar las gracias a la gente que nos sigue y a la que nos da la oportunidad oyendo nuestra música entre tanta oferta que hay y, por último, a vosotros por apoyarnos con vuestro medio. [AUTOR: Sebastián Abdala]

ÁLBUM: Requiem SELLO: Art Gates Records LANZAMIENTO: Marzo 2020

VREDEHAMMER

Preparaos para la aniquilación total de la mano de los noruegos VREDEHAMMER y su nuevo trabajo «Viperous», 9 temas de intenso Black / Death editados este año a través de Indie Recordings de los que hablamos con ellos en esta entrevista. En primer lugar, debo confesar que me ha llamado la atención y gustado mucho el nombre de Vredehammer, ¿puedes decirnos qué significa y cómo os decidisteis por él? Vredehammer significa martillo de ira, y es una referencia a Thor con el martillo, y como saben, se enojaría mucho y golpearía mucho su martillo jaja. En realidad, se me ocurrió un día cuando caminaba a casa de una fiesta. Al principio pensé que era solo un nombre tonto, pero con el tiempo comenzó a gustarme, así que se convirtió en el nombre de la banda.

rial que componen o se compone más de lo que finalmente llega al álbum? Si les queda material después de completar un álbum, ¿qué se hace con el mismo? Definitivamente no uso todo lo que compongo. Las canciones normalmente pasan por muchos cambios antes de que sienta que son perfectas; por lo general, guardo todo lo que escribo en mi pc, por lo que puedo volver y usar material antiguo compuesto si decido que encajan mejor en las cosas más nuevas que estoy escribiendo. Pero muchos riffs nunca terminan siendo lanzados.

¿Puedes presentar la banda para los lectores que no conozcan a Vredehammer? En realidad solo hay un nuevo miembro y ese es el baterista Kai Speidel. Lo conocí a través de su canal de YouTube, donde hizo una versión de batería de nuestra canción «Cthulhu». Después de esto tocamos juntos en Nordjevel y nos hicimos buenos amigos. Kai es perfecto para Vredehammer, y estamos muy felices de tenerlo con nosotros.

Al grabar un álbum, ¿cómo comienza el proceso creativo y dónde encaja o se traduce a sus directos? Primero escribimos todo en casa con batería digital, luego escribo letras y al final en el estudio hacemos los ajustes finales.

¿Quién es, normalmente, el responsable de la dirección musical de la banda? Ese sería yo (Valla). Los otros miembros también son libres de escribir música para la banda, pero normalmente soy el que escribe la mayoría de nuestras cosas, al menos hasta ahora. ¿Cuál era la mentalidad de la banda cuando escribisteis vuestro primer álbum «vinteroffer»? Nuestro primer álbum en realidad estaba lleno de canciones que había escrito en los últimos diez años antes del lanzamiento y esta es probablemente la razón por la que tiene un estilo musical diferente al de los dos álbumes siguientes. Cuando están componiendo un nuevo álbum, ¿usan todo el mate-

Debo preguntarte acerca de tus influencias musicales, tienen un sonido único, pero aprecio un sonido muy variado y una mezcla de muchos géneros diferentes. ¿Qué bandas influyeron en el estilo musical y la dirección de Vredehammer? Escuché muchas cosas progresivas cuando era más joven, como DreamTheater, Rush y Symphony X, pero al mismo tiempo, estaba muy metido en bandas como megadeth, pantera y nevermore. Poco después comencé a escuchar cosas más extremas como dimmu, Cannibal Corpse e immortal. Supongo que todo se mezcló en mi cabeza y terminó representando el sonido Vredehammer. ¿Qué diferencias hay entre el nuevo «Viperous» y el anterior «Violator»? Para mí, violator es un álbum de riffs de guitarra muy contundente, y Viperous tiene un paisaje sonoro más amplio, especialmente con la adición del sintetizador.

¿Quién fue el responsable de la portada del nuevo álbum? ¿Tienen intención de trabajar con él nuevamente en el futuro? El diseñador de la portada es Carl Stjärnlöv de la banda Diabolical. Estamos extremadamente contentos con su trabajo y definitivamente haremos más cosas con él. ¿Cuál es tu canción favorita en el nuevo álbum? ¿Y cómo es la reacción de la prensa y los fans hasta ahora? Mi favorito a nivel personal en este momento es «In Shadow». Ha ido bastante bien, las reacciones han sido sorprendentemente buenas. No estaba seguro de cómo reaccionarían los oyentes a los sintetizadores agregados a nuestro sonido, pero la mayoría de ellos parecen disfrutarlo. ¿Hay algún cambio que te gustaría ver en la industria de la música? Eso nos lleva a una discusión muy larga jaja. La industria de la música está donde está debido a muchos factores. De alguna manera, es una situación de mierda para el negocio, pero por otro lado nunca ha sido tan fácil llegar a una gran audiencia como lo es hoy. En general, es lo que es, pero espero ver cómo será el negocio de la música dentro de diez años. Gracias por tu tiempo para responder nuestras preguntas para Necromance, ¿Algo que te gustaría añadir para nuestros lectores? ¡Lavaos las manos chicos! [AUTOR: David Déniz Plaza]

ÁLBUM: Viperous SELLO: Indie Recordings LANZAMIENTO: Marzo 2020

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FLAT EARTH SOCIETY

Llegar y besar el santo es una expresión que podemos aplicar a los madrileños FLAT EARTH SOCIETY. Acaban de publicar en Febrero de este año su debut y rebosan un montón de cosas, ninguna mala: actitud, imaginación, agresividad, musicalidad… Vamos a hablar un rato con ellos sobre “Friends are temporary, Ego is forever” Saludos a la gente de FLAT EARTH SOCIETY. Decidnos con quién estamos hablando y qué papel desempeñáis en la banda. Flat Earth Society somos Daniel Correa a la voz, Carlos González a la guitarra, Guillem Rodríguez a la guitarra, Jesús Espinosa al bajo y Alejandro Castro a la batería. Se comienza, como es normal, por el principio. ¿De dónde viene la banda? ¿Ya teníais experiencia en otras bandas? ¿Cómo os llegasteis a conocer y, por supuesto, de dónde viene el nombre de la banda y quién lo propuso? Carlos y Alex salieron de una banda anterior buscando formar un proyecto nuevo en el que impregnar sus principales influencias y dar rienda suelta a su creatividad. A principios de 2018 Alex entra a formar parte de A Blackened Sight, donde conoce a Daniel y Jesús. Daniel pronto mostró interés por el proyecto de Alex y Carlos y poco tiempo después ofrecieron a Jesús otro puesto a la guitarra, su instrumento habitual. Como quería probar algo diferente para Flat Earth Society decidió ocupar el puesto de bajista. El puesto de la otra guitarra fue ocupado por diferentes músicos, hasta que finalmente dieron con la tecla adecuada con Guillem. El nombre de la banda surgió como tantas otras ideas, Alex dijo de broma “y si nos llamamos así?” y le reímos la gracia diciendo “Si, si, palante, palante”… Y bueno, aquí estamos. Horas de ensayo, de ideas, de ensamblar los temas, de descartar cosas… ¿Hubo un momento en que os habéis mirado en el local y habéis dicho “Hostia, ¿pues esto suena brutal y funciona”? Casi cada vez que terminamos de montar y tocar un tema. Igual que nos encanta meternos mierda los unos a los otros por las risas, tampoco tenemos abuela y no nos cuesta nada andar echándonos flores. Aquí somos de gustarnos mucho. Así que ya tenemos los ocho temas y toca meterse en estudio. ¿Qué nos podéis contar de la grabación, con quién, en que estudios, etc…? ¿Algún motivo en concreto? La grabación la hicimos en The Metal Factory Studios; a los mandos estuvieron Alex Cappa y Pablo Rousselon. El motivo para grabar allí es simplemente que ofrecen lo mejorcito del país para que la música de corte extremo suene brutal, y no queríamos un disco que sonase a medio gas, queríamos apostar fuerte desde el primero. Como anécdota, el disco realmente está grabado de dos tandas diferentes con un intervalo de varios meses entre los primeros temas y los que vinieron 26 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 73

después. Ligma la llevamos a estudio con muy poco trabajo de local y tuvimos que ultimar detalles allí mismo, curiosamente el tema quedó muy redondo teniendo en cuenta el poco trabajo que pudimos dedicarle previo a la grabación. ¿Qué nos podéis contar el “Friends are temporary, Ego is forever” como concepto, como disco? Y también, comentadnos algo de la brutal portada, porque ahí, claramente, también hay mensaje. Por cierto, ¿Qué tal andamos de ego? El disco en éste caso en su mayor parte trata sobre terraplanismo (o su ridiculización) aunque hay algunas canciones que tratan otras temáticas. No todas las canciones giran entorno a la misma temática, aunque para futuros trabajos no descartamos la idea de hacer algo conceptual. La portada es obra de Iñigo Arr, que después de dar un par de vueltas a ideas previas no tan convincentes salió con ésta obra que pone cara al disco. La idea era mostrar una imagen donde un individuo destaca claramente por delante del resto en una clara alusión al ego. Describe perfectamente la idea general del título del disco, que básicamente viene a ser que no venimos a jugar, venimos a abrir nuestro propio camino a golpe de rabia y brutalidad. ¿Algún tema en especial que queráis destacar o si no es así, que nos podéis contar del conjunto de temas, a nivel lírico, a nivel musical? Explayaos con vuestra criatura, por favor. Creemos que cada tema tiene su detalle y su punto característico, así que es difícil destacar uno. No tenemos ningún tipo de pauta a seguir a la hora de componer ni nos ponemos ningún tipo de límite, dejamos que los temas fluyan en la dirección que los músicos remamos y sale lo que sale. Creemos que temas como Legfist, Ligma o CC Chain tienen más potencial de “single” en el conjunto del disco por sus melodías quizá más “para todos los públicos” en algunas partes. A nivel lírico la mayor parte de los temas son una visión muy personal de diversas cosas de Daniel, quien se encarga de ésta parte del proceso en su totalidad. Algunas veces proponemos de qué temática puede ir una canción que aún no tiene letra, pero luego el resultado final es producto del trabajo de Dani. A nivel musical cada uno de nosotros aporta a su manera, tanto interpretando las ideas de otro como componiendo sus propias secciones, arreglos o temas en su totalidad. A la hora de desarrollar ideas que aún están en una parte temprana del proceso de composición, muchas veces sólo uno de nosotros se encarga de los riffs principales y la estructura de la canción. Una vez terminado esto, se pone en común y cada uno va arreglando

y replanteando cómo interpretar la música. Así que al final un tema a priori planteado por un sólo miembro acaba teniendo siempre la influencia y el punto de vista de todos los demás. Disco en la calle, y crisis sanitaria por el COVID 19. ¡Putadón! ¿Os ha roto mucho el esquema para este 2020, me refiero a si ya había fechas confirmadas de gira o estabais en negociaciones? ¿Qué tal lo lleváis? Para la gente que nos sigue puede que no haya sido muy traumático, ya que no habíamos anunciado las fechas aún, pero ha sido un palo muy grande. Lo es para cualquier banda, pero no haber podido presentar el disco en condiciones ha sido muy jodido. Esperamos volver a la normalidad lo antes posible. Pregunta que siempre cae: una banda, un disco y un músico de referencia. La influencia fundamental o ese momento/tema/álbum que te impele a colgarte una guitarra. No tenemos una banda de referencia en común, uno dirá August Burns Red, otro Erra, o Periphery, o Sikth, The Dillinger Escape Plan, Architects, Converge… Eso es complicado porque somos la conjunción de diferentes influencias y no de un punto del que todos partimos, elegir sólo una banda cada uno de nosotros es complicado, como para poner una para todos. Por eso no nos cerramos a la experimentación con cualquier otro género extremo o no, ni desechamos una idea por no comulgar con nuestro estilo predilecto. Creemos que eso de hacer thrash puro o death puro es de gente con una visión muy cerrada de cómo funciona la música. Al igual que el que nos exige “meter solos es más progresivo” o “si no duran 12 minutos los temas no es prog” no solemos hacerle caso, porque creemos que la cerrazón y la exigencia de cumplir sus características para poder pasar su filtro no es algo que comulgue con nuestra forma de ver la música. Es sencillo, si te gusta dale a play, si no te gusta lo quitas. Micrófono abierto para vosotros y que saludéis a papa y a mama, a la tita Andrea, a amigos, conocidos, para convencer al incrédulo de que la Tierra es geoide… lo que queráis. Un saludo. Queremos enviar un afectuoso saludo a todos los auténticos terraplanistas que hay sueltos por el globo y que realmente lo ven una idea coherente. A vosotros, deciros que no cambiéis nunca, porque tiene que haber de todo en el mundo, incluidos los gilipollas. [AUTOR: Cesar Luis Morales]

ÁLBUM: Friends are Temporary, Ego is Forever SELLO: Art Gates Records LANZAMIENTO: Febrero 2020

ORIGIN OF INFINITY esa canción para usarla en el futuro. «Black mirrors» es bastante rápido y un poco más técnico. A Miroslav le gustan “Fragments of colossus” y “Hungry for Defence” , tal vez porque le gusta este estilo con más sabor a death metal. ¿Vuestro proceso de composición musical es colectivo? ¿Se ayudan entre ustedes para definir la estructura de sus pistas? Creo que tenemos un proceso clásico de composición. Yo hago una parte de guitarra y Miroslav compone las líneas de batería, una vez completada la canción, la tocamos una y otra vez y hacemos nuestras versiones demo para escuchar y tratar de sacar algunas ideas más. ¿Cuánto tiempo llevó completar el álbum y cómo fue el proceso de grabación? Pasamos cuatro días en el estudio trabajando desde la mañana a la noche todos esos días. En esos cuatro días se grabaron batería, guitarra y bajo. Después de este proceso, le dimos una mezcla inicial de los temas a Tomas Hospodka y él grabó las líneas vocales. Desafortunadamente, esto llevó un par de meses porque está activo en otras dos bandas. Por lo tanto, el proceso completo con el master final llevó más de seis meses. ¿Con qué palabras describirías Origin of Infinity para presentar la banda a una audiencia que aún no está familiarizada con ella y especialmente para convencer a la gente de comprar vuestro álbum? Es difícil porque el mundo está lleno de buenas bandas. Pero me gustaría invitar a nuevos fans y decirles que no se trata de «solo metal» sino de la colección de estilos metálicos que incluyen varias expresiones de ánimo. Eso significa que nos encanta usar la electrónica y las líneas de teclado a nuestra manera; además, nuestra música se centra en la atmósfera y el ritmo. ¿Cómo te trata la vida en cuarentena? ¿Algo productivo en lo que has estado trabajando? Oh si. Desafortunadamente, tuvimos que cancelar algunos de los conciertos de este verano. Planeamos hacer una mini gira de 4 conciertos en verano y espero que se haga en otoño. Ahora estamos trabajando / completando las 2 nuevas del EP. Hoy en día, la fuente más importante de información y publicidad es Internet, a diferencia del pasado con las dificultades que habían. Como Origin Of Infinity, ¿has aprovechado Internet y sus plataformas para difundir tu pasión musical? El poder de los medios de Internet es ilimitado sí, eso es verdad. Hemos aprovechado esta oportunidad para ser escuchados y vistos muy en serio. Hicimos una campaña promocional muy extensa, lo que significa que hemos enviado muchas invitaciones a amigos, sellos, bandas, productores, gerentes y todo este tipo de personas a las que les gusta la música metal. Lo triste es que la mayoría de estas plataformas funcionan con solo el 10% hasta que pagas un modo de bonificación especial. Eso es una mierda.

ORIGIN OF INFINITY llegan desde Checoslovaquia debutando con su trabajo «The Last Day on Earth», donde la fusión de metalcore con elementos progresivos da un toque muy llamativo a su propuesta y hace que su álbum te enganche desde la primera escucha; hablamos con Vladimir “Vladin” Novak para que nos diera más detalles sobre este trabajo y la banda. ¡Gracias por tu tiempo para contestar esta entrevista! ¿Podrías presentar la formación a nuestros lectores? ¡Hola! Origin Of Infinity ahora es un proyecto de dos miembros: Vladimir Novak (guitarra) y Miroslav Kocegura (batería), aunque también tenemos un tercer miembro que es básicamente un invitado: Tomas Hospoda (voz). ¿Qué tenías en mente cuando fundaste la banda a finales de 2017? Teníamos el pequeño sueño de crear una banda deathcore con un estilo técnico y moderno que se conociera en Chequia en pocos años. ¿Cuáles eran vuestros objetivos iniciales al formar la banda, qué objetivos ya se han logrado hasta ahora y cómo describirías vuestro estado actual? Uno de los objetivos iniciales era preparar canciones para el álbum completo y otro fue lanzar un álbum físico y esto es algo que finalmente hemos logrado. En este momento, estamos terminando un lyric video para la canción «Leaving Eart» y preparando otros temas para el lanzamiento de un EP de 2 temas. «The Last Day on Earth», vuestro primer álbum, fue lanzado en 2019; ¿Cambiarías algo en el álbum hoy?. La razón es que mu-

chos músicos no están 100% satisfechos con su creación, volviendo a ella como oyentes y no como participantes en su creación. Esa es una buena pregunta y, por supuesto, nos gustaría cambiar algunas partes o agregar algunas líneas más a nuestro primer álbum, pero «The Last Day On Earth» es nuestro debut y podemos decir que ahora es nuestro reflejo en la época del año 2018 y especialmente para mí: la primera experiencia con la guitarra de 8 cuerdas. Así que hoy podemos decir: nos gustaría mejorarlo, pero también estamos muy orgullosos del trabajo que hicimos.

¿Qué opinas de la escena metal de hoy? ¿Estás al día con los nuevos lanzamientos? Hay una gran diferencia entre la escena mundial del metal y la «escena del metal checo». La mayor diferencia es el apoyo local de los fans. Tenemos una proporción muy pequeña de fans que escuchan este tipo de música y aún menos que comprarán nuestra música en CD o LP. Han salido un par de lanzamientos de calidad en la República Checa en los últimos años. Muchas bandas lanzaron su nuevo álbum con un sonido moderno y presentaciones de álbumes muy bonitas, clips musicales y merchandising. Eso es lo que queremos hacer como ellos. ¡Eso es todo por nuestra parte! ¿Algo que te gustaría decir a nuestros lectores? Me gustaría dar las gracias a todos los fans que ya han comprado nuestro álbum y es que significa mucho para nosotros. Si están interesados en nuestra música, no se preocupen y escríban para pedir CD o LP, vendemos en todo el mundo!. También me gustaría decir a todas las personas relacionadas con la escena del metal: ¡APOYEN a las bandas locales!. Compren su música y su merchandising. O al menos vayan a sus conciertos. No dejes que la música muera y solo quede la forma digital. ¡Paz! [AUTOR: David Déniz Plaza]

Vamos a empezar a hablar de este álbum. ¿De qué trata este lanzamiento, líricamente? El concepto del álbum es básicamente una historia post-apocalíptica con características clásicas de los desastres mundiales. Puedes ver una ciudad muerta en ruinas en nuestra portada y también puedes leer estos temas en nuestras letras. El álbum consta de 12 temas. ¿Cuáles son tus favoritos y por qué? Mis canciones favoritas son «Leaving Earth» y «Black Mirrors». «Leaving Earth» es la canción más antigua del álbum y es la canción que escribí alrededor del año 2015, así que conservé

ÁLBUM: The Last Day on Earth SELLO: Slovak Metal Army LANZAMIENTO: Marzo 2020

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INNARDS

Destripamos al veterano guitarrista portugués Hugo Andremon, apasionado por el death metal, quien en plena mudanza nos cuenta los entresijos de su nueva banda INNARDS además de repasar sus años en Grog. Buenas Hugo, muchas gracias por acceder a esta entrevista para Necromance. ¿Cómo estás viviendo el momento actual? Buenas Scheitan, muchas gracias a vosotros, siempre es un placer hablar un rato de música y todo lo que la rodea. Las cosas no siempre salen como deberían, o al menos como estaban planeadas debido a algunos contratiempos además de esta pandemia. Trato de organizarme lo mejor posible, mantenerme informado y respetar la cuarentena, estoy ocupado resolviendo algunos problemas personales también. Para algunos, esto puede ser como unas vacaciones y para otros es una pesadilla total. Mi caso es intermedio y no puedo quejarme mucho, excepto que no tengo mi equipo conmigo en este momento, eso es lo que más me molesta. Afortunadamente no tengo ningún positivo del virus en la familia o amigos.

ros 200 discos de metal en cassette. Así que a mis 11/12 años ya era un metalhead.

Eres un músico incansable, cuéntanos qué te motivó a iniciarte en la música extrema. Siempre me sentí atraído por temas de terror y misterio, historias, películas, dibujos animados y libros, desde niño. Recuerdo ir de compras con mis padres alrededor del 86/87 y ver un montón de merchandising del «Somewhere In Time» de Iron Maiden. En la tienda de discos había un Eddie gigante con su pistola futurista protegiendo los discos. ¡Me engancharon las portadas y la música, por supuesto! Casi al mismo tiempo, un primo mío mayor me grabó una cinta con un programa de radio de metal llamado «Messenger of Massacre» con Slayer, Coroner, SOD, Fates Warning, Whiplash y algunas bandas portuguesas como Thormenthor, Braindead y Massive Roar. Ese año fui a la escuela secundaria y conocí a unos muchachos que editaban un fanzine metalero muy importante en Portugal llamado Nuclear Mosh. Esos tipos me grabaron mis prime-

«Back From the Grave, Straight to Your Face!!» es vuestro EP debut, publicado por Trascending Obscurity. Antes de hablar del disco ¿cómo surge el fichaje por esta discográfica? Fue algo genial, mi amigo Johan de las bandas belgas Suhrim y Marginal y su esposa estaban de visita y me contaron que habían lanzado su disco a través de Trascending Obscurity. Era consciente del crecimiento del sello y de muchas de sus nuevas bandas, Master era una de ellas, así que decidí contactar con Kunal de Trascending Obscurity para hablar sobre mi proyecto. Solo tenía 3 temas grabados sin voz ni bajo, solo guitarras y batería programada pero a Kunal le gustó y me dio tiempo para terminar de grabar las canciones. Debo agradecer a Kunal Choksi por creer en mi, mantener su palabra y por el impresionante lanzamiento que ha hecho con nuestra música.

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Más adelante profundizaremos en tu bagaje. Ahora cuéntanos cómo surge Innards, tu nueva banda. Innards comienza como un proyecto para satisfacer mi necesidad de tocar Death Metal/Grindcore a la antigua usanza. Me he cansado de la mierda muy técnica, el metal se ha vuelto aburrido en general, no me hace sentir nada. Así que sentí la necesidad de volver a mis viejos tiempos de «Macabre Requiems»(1996) y hacer música a mi manera como lo hice entonces, sin tonterías, sin egos, sin la filosofía de «soy tan técnico que cago escalas». Definitivamente necesitamos la actitud antiposer de los 80/90 de nuevo, ¡¡¡urgentemente!!! Jajaja.

Ahora sí, cuéntanos sobre la composición y grabación del EP.

¿Satisfecho? Sucedió muy rápido, hice las canciones, las grabé y las ensayé con la banda en seis meses. Las cosas en el estudio se retrasaron mucho después de grabar la música debido a algunos problemas de salud del técnico de sonido. Algún retrasos también el artwork, ¡pero al final todo salió muy muy bien! ¡Los boxset, los digipacks y el merch son increíbles! Muy buena calidad y muy atractivo para ojos y oídos. ¿Cómo surgieron las colaboraciones estelares? Al escribir la segunda canción, «Enlightenment Through Hate», hay un ritmo y un riff que siempre imaginé que la voz perfecta debería ser la de Kam Lee de Massacre, o Barney de Napalm Death, o Ingram de Benediction. El mismo riff al final requería un solo de guitarra en lugar de voces y contacté con una de mis grandes influencias cuando era niño, Frank Blackfire para ese solo. Hablé con Kam Lee y Frank a través de sus páginas de Facebook, les expliqué quién era yo, que era un gran admirador suyo desde niño, bla bla bla, ya sabes. Ambos solo pidieron escuchar la canción primero para ver si les gustaba y si tenía significado para ellos, la respuesta fue positiva. ¡Otro sueño hecho realidad! ¡Obtener el respeto y la participación de dos de tus mayores influencias en la música desde niño es una sensación increíble y gratificante! ¡Estaba y estoy muy feliz con eso! En mi reseña del EP, lo he relacionado con el fenómeno splatstick, ese toque divertido pero siniestro de los años 80. ¿Qué piensas? Veo que captaste el mensaje! De hecho, nuestra música está inspirada en las películas de terror de los 70/80, los dibujos animados, las revistas como Fangoria, los zombis y las desviaciones del comportamiento humano. El EP te deja con ganas de más. ¿Ya tienes material nuevo? Sí, ya estoy trabajando en nuevas canciones, un tema tiene una promoción antigua en Youtube desde 2017, pero no se llegó a grabar porque no estaba terminada en ese momento. https://www.youtube.

com/watch?v=QK0V7Z_irc0 ¿Por qué esa influencia old school tan marcada en 2020? No conozco otro death metal que no sea el OSDM… Ese es el puro death metal con el que crecí, soy muy afortunado de haber experimentado y vivido los primeros (y los mejores, en mi opinión) años del death metal. ¡A finales de los 80 y principios de los 90 fue la era del éxtasis del death metal!. Mis influencias son principalmente Kreator, Death, Sepultura, Deicide, Baphomet, Impetigo, Carcass, Sodom, etc… Como digo, ¡Innards es una mezcla del thrash metal europeo de los 80 con el death metal de Florida de finales de los 80, principios de los 90! Además de la referencia en el EP a «Evil Dead», ¿qué otras películas te han influenciado? Sí, «Evil Dead» es una de mis favoritas de siempre. Me encanta «Alien», «Night of the Living Dead», «Night of The Demons», «Demons», «Hellraiser», «Hell Bound», «Friday the 13th», «Halloween», «Fright Night», «Nightmare On Elm Street», «The Goonies», «The Fly», «Robocop», «Commando» , «Platoon», las películas de John Carpenter, libros y películas de Stephen King, etc… ¿Cuéntanos sobre tu etapa en GROG? ¿Por qué y cómo terminó aquello? Bueno, me uní a Grog con 16 años en 1992. ¡Fue mi primera banda de verdad!. Todos esos años fueron muy buenos, crecimos juntos. Hice mi parte, cree buenos riffs, también hice voces cuando el vocalista no pudo asistir a los primeros conciertos y difundí el nombre Grog por todas partes. Desde 1992 hasta 1997 fuimos como hermanos, algunos más que otros, pero tocando en vivo fuimos muy efectivos y fuertes! Escribí «Macabre Requiems» casi por completo, excepto 3 canciones de la demo anterior, ensayamos duro y tocamos muchos conciertos especialmente en los años 90. Lanzamos un EP en vivo en el 95, el álbum en el 96 y me fui en el 98 junto al bajista debido a algunos problemas personales e incompatibilidades con el vocalista y otro miembro (uno de mi instituto que invité, puse en la banda y todavía sigue allí). Me invitaron a regresar después de algunos cambios de formación y regresé en 2003, 5 años después, junto con un nuevo bajista y un nuevo batería (Rolando Barros), que ha colaborado conmigo en The Sorcerer e Innards. Una nueva alineación y más fuerte con la que tocamos en los principales festivales y salas de Portugal además de una gira por España con mis otras dos bandas en ese momento, Simbiose y Filii Nigrantium Infernalium, demostrando que Grog estaba más fuerte que nunca. Luego, en 2009 recibimos una propuesta para grabar un CD recopilatorio celebrando los 18 años de Grog. Le proporcioné al vocalista merchandising, folletos, carteles, canciones y grabaciones antiguas que guardé durante 18 años, ningún otro miembro de la banda tenía esas grabaciones excepto yo, y me encargué de remezclarlas y remasterizarlas para ese lanzamiento. Algunos días después mientras estaba enfermo y recibiendo tratamiento en una clínica, los mismos dos traicioneros me echaron de la banda mediante una llamada telefónica. Esta es la verdad sobre “Gastric Hymns Mummified In Purulence” y el comienzo del mal rollo entre nosotros. Cuando acabé el tratamiento, descubrí que el disco que mezclé y mastericé con mi material de casi 20 años ya estaba disponible, pero sin mi nombre. Mi energía no era compatible con sus nuevos «viajes de ácido chamánico de mierda y sus almas iluminadas». Puedo entender que no soporten escuchar en cada concierto que «Macabre Requiems» es el disco favorito de los fans de Grog y una referencia en la escena portuguesa ¿pero apuñalar a alguien por la espalda solo por envidia y celos? ¡Que les jodan ! Este es el line up y el diseño del disco original antes de su modificación. Comprobadlo si lo tenéis. Casi 25 años después, ¿cómo evalúas el envejecimiento de «Macabre Requiems» y la nueva dirección de Grog? ¡Todavía se considera el lanzamiento más brutal y pesado del death/ grind portugués!. Sigue siendo un referente. Fue mi primer «hijo», hice los riffs, las líneas de bajo, los ritmos de batería y solos entre los 17 y los 19 años. Ahora Grog es otra cosa, se volvieron mucho más técnicos, el batería es una máquina psicópata, sus nuevos álbumes están muy bien pero sin ese batería Grog no estaría donde está ahora. Para ser honesto, es triste para mí ver a la banda que ayudé a crecer a base de personalidad y sentimiento, convertirse en una versión feliz ultratecnológica tocando los temas de «Macabre Requiems» y ganando pasta por tocar mis canciones. Puedo contarte otra historia sobre la reedición del disco en vinilo hace 2 años, en 2018, cuando otra vez los mismos miembros de Grog quisieron estafarme a mí y a los otros dos ex miembros. Lo descubrí porque el contacto del sello que iba a lanzarlo pensó que estaba al tanto del lanzamiento y vino a hablar conmigo, jajaja ¡No importa lo que sucedió después, el caso es que todos obtuvimos nuestra parte de la reedición! Algunas personas cambian y se vuelven codiciosas y estúpidas cuando piensan que han alcanzado un cierto nivel de popularidad o «fama». Grog debería haber cambiado su nombre después de que todos los miembros originales nos fuimos. ¿Qué hay de tu proyecto personal The Sorcerer? ¿Tendrá continuidad? Si tengo tiempo tanto para Innards como para The Sorcerer tendrá continuidad. Mi objetivo siempre es grabar toda la música que me viene a la cabeza. Has tocado mucho en España, dejando buenos amigos y algunos recuerdos. ¿Algún momento memorable en nuestro país?

“NO CONOZCO OTRO DEATH METAL QUE NO SEA EL OSDM… ESE ES EL PURO DEATH METAL CON EL QUE CRECÍ, SOY MUY AFORTUNADO DE HABER EXPERIMENTADO Y VIVIDO LOS PRIMEROS (Y LOS MEJORES, EN MI OPINIÓN)”

HUGO ANDREMON

¡¡Oh hombre!!, ¡¡Tantos!! Jajaja. Muy buenos momentos en La Coruña y Salamanca con Grog, y en Barcelona, Bilbao y Madrid con Simbiose. En uno de La Coruña, llegábamos con tres horas de retraso, porque tocamos la noche anterior en el norte de Portugal, cuando estábamos llegando a la ciudad el volante se rompió y estampamos la furgo. Al llegar a la sala vimos que el backline y merchandising tampoco había llegado. Tuvimos que cancelar pero hicimos una buena fiesta, como siempre en España!. No puedo dar muchos detalles, pero nosotros (yo y mi compañero de fiesta en Grog, Rolando) terminamos en la habitación del hotel de 4 estrellas que nos pagó el seguro de la furgo con unas amigas españolas que nos hablaban de vino y del «tiempo», ya sabes, y tratamos de hacer una grabación en video sin éxito, el cámara se quedó dormido. En Salamanca la fiesta también fue salvaje, comenzamos a tomar tragos con Juan, el del bar a las 4 de la tarde. Tocamos completamente borrachos, las canciones al doble de velocidad, después recorrimos todos los bares y discotecas de Salamanca con la misma taza rellenándola de ginebra o vodka hasta las 11 de la mañana, jajaja. ¿Qué opinas sobre subgéneros como el deathcore? Odio el deathcore, no sé quién vino con ese estúpido nombre «deathcore». ¡Eso no es para mí! ¿Cuáles son tus discos innegociables? ¿Quieres un top 10, 20 o 30? Death- spiritual Healing Sepultura – Schizophrenia Deicide- Deicide Kreator – Pleasure To Kill Metallica – …And Justice For All Pestilence – Consuming Impulse Sodom – Persecution Mania Destruction – Eternal Devastation Napalm Death – F.E.T.O. Megadeth – So far, so good, so what!? Whiplash – Ticket To Mayhem At War – Ordered To Kill Morgoth – Cursed

¿Qué artista popular odias y cuál disfrutas en secreto? ¡Tantos artistas de mierda y estúpidos que no puedo elegir uno!. Tal vez Elton John o Axl Rose. Me encanta Rod Stewart, Tina Turner, Billy Ocean, pero no en secreto porque son muy buenos, ¡jaja!. Hay una canción latina que me gusta en secreto, pero ni siquiera sé la banda ni el nombre de la canción, ¡lo siento!, es antigua además. ¿Qué es lo que más te apetece o quieres hacer primero cuando superemos esta crisis? ¡Quiero ir a la playa, nadar en el mar durante el día y asistir a un concierto de death metal por la noche!. ¡Oh, y luego follar con un cerdo y un murciélago al mismo tiempo para comenzar una nueva pandemia! Muchas gracias por tu tiempo Hugo. Cierra con tú mensaje a nuestros lectores y lo que quieras añadir. ¡Gracias a todos por el gran apoyo que estamos recibiendo de todas partes del mundo, España incluida! ¡Es un gran placer y honor saber que nuestra música está siendo escuchada y disfrutada!. Especialmente con maravillosas críticas como hicisteis en Necromance! España es importante para mí, me encanta visitar España desde niño en vacaciones, espectáculos y ver amigos. Vivo en Cascais, Estoril, así que estoy acostumbrado a hacer amigos con muchos estudiantes y turistas españoles que vienen aquí. He compartido escenario con muchas buenas bandas españolas también a lo largo de los años como Fermento, Avulsed, Nashgul, Machetazo, Sin Dios, Madame Vermin, Disfear, Looking For An Answer y muchos más. Espero tocar en España con Innards pronto !! ¡Gracias a todos y por favor apoyen y compartan nuestra música!! . ¡¡¡¡Stay safe, stay undead!!!! \m/ [AUTOR: Scheitan]

ÁLBUM: Back from the Grave, Straight in your Face SELLO: Transcending Obscurity Records LANZAMIENTO: Febrero 2020 NUM. 73 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 5

NIGHTFEAR

Ya tenemos aquí «Apocalpyse», tercer trabao de NIGHTFEAR que hará las delicias de los amantes del sonido de bandas como JUDAS PRIEST, HELLOWEEN, RIOT, GAMMA RAY, IRON MAIDEN, PRIMAL FEAR,…. y de este trabajo hablamos con su vocalista Lorenzo Mutiozabal. En primer lugar, gracias por sacar unos minutos para esta entrevista. ¿Cómo surgió la idea de montar el grupo? Gracias a vosotros por dedicar vuestro tiempo a Nightfear. Nightfear surgió como muchas otras bandas, unos cuantos amigos que se juntan para tocar los temas de las bandas que más les gustan. Poco a poco se fue poniendo la cosa más seria y en el momento que estabilizamos la formación, empezamos a trabajar en el primer disco. “Apocalypse” es vuestro tercer trabajo. ¿Cómo ha sido el proceso de grabación? El proceso fue muy similar a lo que fue Drums of War, hemos trabajado prácticamente con el mismo equipo técnico. La mayor diferencia es que esta vez se grabaron las baterías en los estudios Sadman de Carlos Santos. Por lo demás, al final es la experiencia y el aprender de errores que pudiéramos cometer en el pasado lo que te hace mejorar y eso, lógicamente, se nota en el resultado final. Estamos muy muy contentos con el acabado técnico del disco. He reseñado “Apocalypse” y se aprecia una gran evolución a nivel musical. ¿En qué creéis que os habéis superado respecto a vuestros otros dos trabajos, “Inception”, (2012) y “Drums Of War”, (2015)? En Nightfear siempre hemos tenido muy claro que nosotros queremos producir nuestro material, es la única manera de tener control total sobre el acabado final. Al principio, cuando te queda mucho por aprender, cometes errores que acaban comprometiendo un poco el resultado, sobre todo a nivel técnico, de los discos y poco a poco vas mejorando y acabas sabiendo bien que es lo que funciona y que no. Esa evolución se nota en nuestros discos, quizá hubiera sido mejor, sobre todo al principio, contar con un productor, pero es la manera en la que hemos decidido trabajar. Compositivamente no nos marcamos un rumbo, simplemente intentamos hacer el mejor disco posible cada vez que escribimos nuevo material. ¿Qué grupos os han influenciado a nivel nacional e internacional a lo largo de los años? Infinidad de ellos, cada uno de los miembros tienen unos gustos muy marcados y muy distintos entre sí, quizá por eso el sonido de la banda es como es. Lógicamente hay un punto medio alrededor del cual gira estilísticamente lo que hacemos, que sería el Power Metal 30 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 73

europeo y el Heavy de corte más clásico, pero con muchos detalles aquí y allá de muchos otros estilos fruto de estos gustos tan variados dentro de la banda. No podría decirte bandas concretas que nos hayan influenciado específicamente. En cuanto al artwork del disco, ¿Qué nos podéis contar sobre él? ¿Refleja la idea musical de vuestro sonido? Bueno, hemos vuelto a contar con la misma persona con la que hemos trabajado en trabajos anteriores, que es Xabier Amezaga, normalmente no le solemos marcar las pautas de lo que queremos, más que unas líneas genéricas a nivel de temática, sobre todo el concepto alrededor del cual gira el disco, pero es bastante libre de hacer lo que quiera. Nos pareció súper interesante, además, que decidiera cambiar el estilo del dibujo, creemos que le da frescura y evita encasillarse en un estilo visual. La verdad es que ilustra bastante bien la temática del álbum, creemos que, una vez más, ha hecho un trabajo fantástico. Por la situación que estamos viviendo en todo el mundo, se han pospuesto los conciertos. ¿Qué tenéis pensado para cuando esto acabe? La pregunta del millón. La situación es malísima y las perspectivas son casi peores. Ahora mismo no es posible realizar conciertos pero en el momento que sea posible se prevé que se reduzcan los aforos a menos de la mitad de las capacidades de las salas, en estas condiciones es muy difícil girar, es imposible cubrir los gastos de un viaje si en el mejor de los casos solo van a poder acceder al recinto unas pocas decenas de personas. Durante este tiempo he hablado con promotores, dueños de salas y demás profesionales del sector y todo el mundo está acojonado porque lo peor no es sólo esto, es que encima la incertidumbre es total, nadie sabe cuándo se va a poder a empezar a trabajar. Por de pronto, los conciertos que teníamos cerrados para este año los damos por perdidos, estamos trabajando de cara a montar la gira en 2021, pero con cierta precaución, ahora mismo no se puede asegurar nada. “Angels Of Apocalypse” contrasta muchísimo con el resto de las canciones del disco, ¿Cómo surgió la idea de introducir ese toque “Western”? Bueno, no considero que contraste especialmente con otros temas de Nightfear, sí que es cierto que ese preludio es algo distinto a

otras cosas que hemos hecho pero el tema en su conjunto me parece un buen compendio de lo que hace la banda. En cuanto a esa parte que comentas, todo viene de la temática general del disco, que trata sobre el maltrato sistemático que nosotros, como raza, ejercemos cobre el planeta y todo lo que nos rodea, una actitud que nos lleva inevitablemente hacia la extinción. Este último tema precisamente trata el concepto de la extinción en forma del Apocalipsis bíblico, y personalmente, ese aire postapocaliptico, el yermo, el desierto, el polvo etc… me recuerda mucho a este tipo de sonidos, tipo western. Realmente la voz que se oye habla del ángel del apocalipsis, Abadon, pero en vez de parecer un ser ancestral con una espada de fuego, parece más bien un forajido del lejano oeste. En vistas al futuro, ¿Tenéis en mente la composición de un cuarto disco? Claro, Nightfear seguirá haciendo música, eso tenlo seguro, no sé cuándo pero ocurrirá. Es posible que mucho antes de lo esperado, porque tal como está la cosa con los conciertos igual sería buena idea ponerse a componer nuevo material. Para acabar con la entrevista, ¿Qué les diríais a los lectores de Necromance Digital Magazine que aún no os han escuchado para que se animen a hacerlo? Que hoy en día es muy fácil acceder a Spotify o cualquier plataforma digital y descubrir nuevas bandas, que a mí personalmente siempre me ha entusiasmado. Leed la fantástica crítica que Necromance ha hecho del disco, y si realmente creéis que por estilo os puede interesar dadle una oportunidad, yo creo que más de uno se va a sorprender. Ahora mismo en España se están haciendo trabajos fantásticos a un nivel totalmente internacional y creo que sería una pena que la gente pasase de ellos. Gracias por haber respondido esta entrevista, ha sido un placer poder hablar con vosotros desde Necromance Digital Magazine. Muchas gracias a vosotros, ha sido un placer. [AUTORA: Alicia Castaño]

ÁLBUM: Apocalypse SELLO: Xtreem Music LANZAMIENTO: Febrero 2020

HYBRID MOON Ante todo, felicidades por un disco que, como bien dijeron, tiene un nombre que refleja lo que han ido creando desde 2012 a la fecha ¿es así? Así es, elegimos el título EVOLVE porque para nosotros este disco representa la evolución que ha llevado la banda hasta llegar al punto en el que estamos. Partimos del objetivo de crear un proyecto de death metal, y creemos que poco a poco hemos alcanzado un punto, en el que sin llegar a tocar un death metal puro, hemos alcanzado un estilo bastante personal con un sonido y unos rasgos identificables. Hay mucho curro técnico, además de la fuerza del Death y una desesperación en las voces, las guitarras sueltan grandes solos a lo largo de todo el disco. ¿Cómo fueron las composiciones? La banda se ha visto en ocasiones sometida a un ritmo inconstante, a veces ajeno a su propio control con varios imprevistos y vaivenes, esto nos ha hecho tener un ritmo irregular y diferentes fases de más o menos disposición y constancia a la hora de abordar las opciones que íbamos barajando u oportunidades que iban surgiendo. En cada momento, según se iban dando estos ciclos, íbamos variando la expectativa y reordenando ideas… supongo que sucederá esto mismo a mucha gente que forma parte de este tipo de proyectos, formados por la suma de sus partes o grupo humano (muchas variables). Podríamos decir que no ha habido ninguna fase de composición como tal, simplemente las canciones han ido surgiendo a lo largo de estos ciclos, hemos ido llevándolas a un terreno común que ahora identificamos como una manera propia de hacer o estilo. En todos los casos, hemos partido de las bases de guitarra, y hemos ido añadiendo la batería y el bajo después. Una vez que teníamos la base instrumental, añadíamos los solos y las voces. Algunas de estas canciones tienen casi 8 años, no te puede imaginar lo que han mutado desde entonces… Nos gusta pensar que este disco se ha compuesto a fuego lento. Imagino que 8 años de trabajo y ensayo habrá dado mucho material, ¿Cómo se decantaron por estas canciones? Pues la verdad es que tampoco teníamos tanto material. Siempre nos hemos centrado más en tocar que en componer… Habremos descartado 4 canciones en total, y de manera bastante natural: hemos grabado lo que hemos mantenido estable en nuestro setlist en vivo durante los últimos años. ¿Al entrar a grabarlas estaba todo claro, o se detuvieron a modificar muchas cosas? Llevamos los temas bastante pulidos y la verdad es que no hubo mucho sitio para la improvisación en la parte instrumental. Las estructuras de las canciones estaban más que definidas y no han cambiado. Las mayores modificaciones han sucedido en la voz, ya que nuestro cantante Iban se incorporó a la banda durante el proceso de grabación. Fue un momento crítico, ya que nuestro último cantante tuvo que dejarnos por motivos personales en plena grabación y nos vimos con todas las canciones grabadas y sin voz. Por suerte, Mikel “El Gordo” (de estudios Ederson), que se ha encargado de grabar, mezclar y sobre todo guiarnos en el proceso, nos presentó a Iban, al que conocía de otros proyectos (como batería)… A partir de ahí todo fue muy natural. Iban escucho lo que teníamos y llevó las voces a su terreno personal, incluso atreviéndose a reescribir varias letras enteras. El resultado superó con creces nuestras expectativas… “The call” cuenta con un gran trabajo visual en su vídeo-lyric) ¿Tienen planeado continuar con más vídeos? Tuvimos la suerte de que Josep, de RCVVisualStudio, se puso en contacto con nosotros cuando publicamos los primeros temas en youtube y nos propuso hacer el lyric vídeo. Ha sido un favor que no nos esperábamos y que ha tenido como resultado éste vídeo tan currado, estamos muy contentos y agradecidos. En cuanto a algún futuro vídeo, tenemos las esperanzas puestas en poder realizar un videoclip, pero el confinamiento nos ha paralizado este aspecto. El trabajo de arte de tapa tiene su aporte a la idea del disco, ¿Cómo han elegido esta idea? La estética que hemos buscado ha sido una que defina un poco el estilo de las canciones, no tocamos death metal old school, de manera que tampoco nos parecía adecuado hacer una portada acorde con ese estilo. El pulpo, junto a la luna, ha sido un símbolo que llevamos tiempo utilizando, fue una simple idea que nos gustó y cuajó a la perfección, pero para nada predeterminada. Nuestra guitarrista Soraya ha sido la artífice de todo el diseño, incluyendo las fotos y fondos que se encuentran dentro del libreto. La portada representa el momento previo al pulpo sosteniendo la luna, que flota en la nada (o el todo, lo que cada cual quiera visualizar), que es la composición visual nos ha acompañado como telón de fondo en los directos de estos últimos años.

La banda HYBRID MOON arremete con una gran trabajo debut “Evolve” que no puede ser etiquetado por la buena combinación de estilos clásicos, Death, Thrash y un Tech-Progresivo que sorprende y deja un gran sabor de boca. “Name on a Stone” parece cortada con otra tijera, tiene una cosa más ritual, diría yo, ¿Cómo fue currar esta canción con ese ambiente más oscuro? Esta es una de las canciones antiguas del disco, y una de las que se ha mantenido siempre en el setlist. La canción surgió de varios riffs bastante lentos, que pedían esa oscuridad. Aunque puede que no lo parezca, la canción tiene muchísima influencia de Gojira Y de Machine Head… La verdad es que quitando la outro, que la adaptamos unas semanas antes de grabar, el resto del tema surgió muy rápido y fluido. El tono fúnebre de la canción nos inspiró a meter una letra oscura, que hace referencia al Alzheimer y a la demencia, tema que por desgracia a muchos nos toca de cerca… Cuanto más avanza la enfermedad avanza, más te conviertes en un nombre en una piedra…

guramente intentarán realizar conciertos en los que se llena el aforo, dejando de lado aún más a grupos de la escena underground. Además, la gente igual no se anima, por lo menos en un principio, a estar en un local pequeño pero si en un gran recinto. El metal es un estilo en el cual tanto espectadores como músicos disfrutamos extremadamente en directo, soltando adrenalina conjuntamente, con las personas que nos vamos encontrando por el camino, amigos que nos acompañan en nuestro proceso… Esperamos que la gente vaya acumulando esas ganas de directo para retomar y mejorar lo presente, animamos a las personas el reconsiderar la música en directo como una opción que va más allá del simple ocio, es algo visceral, emotivo y exclusivo en cada bolo, una suma de variables irrepetible…

Es un disco que no tiene nada que ver con ninguna etiqueta (por suerte), está recibiendo muy buenas críticas resaltando, justamente, la complejidad por encima de la fuerza ¿esperaban este recibimiento? La respuesta es un no rotundo, no nos esperábamos esta acogida. Estamos agradecidos y sorprendidos con el feedback, nos encanta leer las opiniones que nos van llegando y reflexionar sobre ellas, nos permite conocer cómo cada cual acoge y ubica un trabajo que ha sido importante para nosotros, es sorprendente saber que algo propio ha llegado al otro y apreciar la manera en la que viene de vuelta. Estamos estrenando emociones al respecto.

¿Algo más que quieran agregar para completar esta entrevista? Agradecer esta oportunidad, el tiempo que dedicáis a la escucha de grupos que comienzan su recorrido. Valoramos muchísimo la disposición para que nuestro trabajo llegue a las personas que quieran disfrutarlo. Por que no se pierda esto jamás. De verdad, gracias a todos los que apoyáis la escena y la mantenéis viva de una u otra manera, nos parece un compromiso enorme que alimenta y sostiene la cultura del underground.

¿Cómo ven la escena Únderground Extrema a nivel nacional? Si bien ya estaba algo herida antes de esta situación global, ahora debemos reinventarnos todos, ¿Cómo ven ustedes este proceso? ¿Planes para 2021? La falta de conciertos va a ser un gran problema; los locales en los que se puede tocar están cerrados y cuando abran se-

[AUTOR: Sebas Abdala]

ÁLBUM: Evolve SELLO: Autoeditado LANZAMIENTO: Mayo 2020

NUM. 73 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 31

SAVAGE ANNIHILATION

Entrevistamos a Dave Chaigne, guitarrista / vocalista de los franceses SAVAGE ANNIHILATION, que recientemente han editado el EP «Soumises á la procréation» a través de Xenokorp y del que nos habla en profundidad junto a otros aspectos de la banda. ¡Gracias por tu tiempo para esta entrevista!. En primer lugar, ¿Cómo les va en medio de esta situación actual?. Están siendo tiempo difíciles para muchos artistas y bandas. Hola David, vamos a ello, gracias. Sí, está siendo todo un poco complicado últimamente porque no hay conciertos, pero estamos bien y seguimos tocando, preparamos los próximos conciertos, ocupándonos de nuestros proyectos personales y en medio de la filmación de un video; así que no tenemos nada de qué quejarnos, creo que hay gente peor que nosotros, hemos anulado conciertos pero esperamos que se reanuden lo antes posible. Presenta la banda para aquellos que no están familiarizados con la misma y haznos un poco de historia. Savage Annihilation se formó en 2002 en el centro de Francia, en el Loiret, más precisamente, el Gatinaicticut, donde todavía vivimos hasta el día de hoy. Al principio éramos cuatro, Poussin (bajo, voz), Cedric Kuni (guitarra), mi hermano Mike (batería) y yo, Dave (guitarra, acompañamiento vocal). Sacamos una demo de 4 temas en el 2003 y un álbum autoproducido «Death In Progress» en el 2004. En el 2006 decidimos continuar sin Cedric porque no tenía tiempo para la banda y queríamos seguir adelante, después de un Cd compartido en el 2007 y muchos directos, Poussin decidió abandonar el grupo en el 2009. Buscamos un nuevo bajista tras su marcha, pero no pudimos encontrar uno, así que mi hermano Mike y yo grabamos nuestro primer álbum «Cannibalisme, Hérésie Et Autres Sauvageries» que fue lanzado en el 2011 en Kaotoxin records, Aara del grupo Blosius se unió a nosotros como bajista hasta 2014, dando paso luego a Benoit «Bono» Jean, ex bajista de Insain, con quien grabamos nuestro segundo álbum «Quand S’abaisse La Croix Du Blasphème» lanzado en el 2017 a través de Xenokorp, así como nuestro nuevo Ep «Soumises à La Procréation» recientemente editado el 10 de abril de 2020 también en Xenokorp. Vuestro último EP «Soumises á la procréation» fue lanzado en 2020, ¿cuál ha sido la reacción al álbum hasta ahora? Muy buena, nuestros fans parecen apreciarlo mucho y aquellos que nos descubren también, nunca se sabe qué esperar, ya que lo primero es tocar música para nosotros, no intentamos complacer y siempre componemos con nuestro corazón y nuestras entrañas. No esperábamos que gustara tanto y eso nos hace muy felices. ¿Algún contratiempo con este EP? No sé si puedes llamarlo contratiempo, pero la mayor dificultad fue incluso haber grabado las dos versiones en términos de sonido. Como no se grabaron en el mismo lugar o al mismo tiempo que las otras cuatro canciones, tuvimos que mantener la misma calidad de sonido para no sentir esta diferencia en la grabación, pero Alexandre Boise hizo un muy buen trabajo, al igual que en nuestros álbumes anteriores, nos encanta trabajar con él. ¿Qué nos puede decir sobre las versiones elegidas para este EP, puedes explicaros el porqué de su elección? Sí, por supuesto. Deicide es una de las principales influencias de Savage Annihilation, Mike y yo somos fanáticos de la era de los 32 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 73

hermanos Hoffman. La primera vez que escuchamos a Deicide fue en 1995 con su súper live «When Satan Lives», la primera canción es «When Satan rules his world» y nos marcó, por lo que tenía sentido el hacer una versión para lo que invitamos a nuestro gran amigo Max Otero de Mercyless, que aceptó gustosamente. En lo que respecta a Helloween, siempre hemos sido fanáticos del Heavy Metal y esta banda es una de las primeras que escuchamos junto a Iron Maiden. Siempre quisimos tocar algo de Helloween y especialmente la canción «Savage», que es una canción poderosa, pero nunca nos atrevimos hasta hoy. Estamos muy contentos con esta versión y nuestro amigo Trivette Loïc de Kronos tiene una voz perfecta para este tema, esta canción no hubiera sido tan buena si la hubiera cantado yo. Nos mantuvimos fieles a las canciones originales, no queríamos cambiarlas, pero rendimos homenaje a estas bandas que han influenciado y desarrollado el Metal durante todos estos años. ¿Puedes hablarnos sobre las letras y los temas para este disco (para las 3 canciones propias)? Cuentan la crónica del teniente salvaje, nuestra mascota desde 2009, el último sobreviviente de Annihilation Korps (una tropa de élite que se crea para exterminar a los zombis que regresaron del infierno para devorar a la especie humana). Viaja por las tierras devastadas de nuestro mundo y se encuentra en su camino con supervivientes que solo tienen apariencia humana, va narrando las cosas horribles que ve. En este Ep, el Teniente Savage descubre una antigua catedral en ruinas donde vive una población que anteriormente abrió las puertas del infierno al Diablo y sus hordas de zombis en la canción «Ouvrez La Tombe Des Assoiffés De Sang» que cierra nuestro primer álbum «Cannibalisme, Hérésie et Autres Sauvageries». Una población que busca crear una raza de antropófagos en un ritual macabro llamado «L’orgie Des Morts», haciendo que sus hembras copularan con zombis. «Soumise à La Procréation» habla del nacimiento de una de estas esclavas en los sótanos de esta catedral, dando a luz a un zombie de esta unión mórbida con la ayuda de un médico sádico, diseccionando cadáveres para estas experiencias, el teniente, horrorizado por esta aberración, decide poner fin a esta locura. «Sous Terre» cuenta la historia de un hombre que no está de acuerdo con la elección de esta población, que es crear una nueva raza y cree que solo hay una forma de erradicar a los últimos supervivientes de este mundo aniquilado que viven bajo tierra y es a través del diablo. ¿Cuánto tiempo os llevó completar el álbum y cómo fue el proceso de grabación? Nos llevo un tiempo porque no sabíamos qué hacer con estas canciones grabadas durante la sesión de «Quand S’abaisse La Croix Du Blasphème», hablamos de un posible trabajo compartido con Nephren-ka pero no se concretó nada, así que pasó un año para saber si realmente haríamos un split o un EP. Una vez que tomamos la decisión de hacer un Ep, tuvimos que grabar las dos versiones, hacer la portada y, como estábamos en el medio del lanzamiento del álbum «Mothershit» de nuestro proyecto grindcore Defecal Of Gerbe también lanzado en Xenokorp en 2019 y nuestro festival, el Gatinaicticut Metal Fest no teníamos mucho tiempo, «Soumises à La Procréation»

se demoró mucho y nos llevó tiempo antes de finalizarlo. Para la grabación, las primeras cuatro canciones se grabaron durante la sesión de «Quand S’abaisse la croix Du Blasphème» con Alexandre Boise en el 2016 y se realizaron rápidamente, en una semana grabamos 10 temas, grabamos en la casa de Mike, así que no hubo estrés y Alexandre conoce su trabajo. Para las dos versiones, también las grabamos en la casa de Mike, ya que tenemos algunos equipos de estudio, queríamos probar y fue una buena experiencia que utilizaremos de nuevo en el futuro. Una vez grabado, enviamos todo a Alex, quien hizo la mezcla y la masterización del Ep. ¿Cuál es tu canción favorita de Savage Annihilation hasta la fecha? ¿Cuál fue la más gratificante de ver grabada? Pregunta difícil, no sé, me gustan todas nuestras canciones. pero voy a elegir tres, «Les Catacombes de l’Abomination pt.1», «Hyrreit: Le Tombeau de l’Atrocité» y «Sous Terre», una canción de cada álbum, de hecho, son realmente las canciones que me encanta tocar. Creo que todas las cosas de las que hablamos en nuestros álbumes ya están hechas en este mundo y no es muy gratificante ver como se ha deteriorado tanto todo. Si te refieres a qué canción estamos más orgullosos de haber compuesto, creo que es «Organe Après Organe», es realmente buena y es de una idea original de Mike, este tema es realmente peculiar. ¿Estás trabajando en temas nuevos durante este período de confinamiento? Sí, tenemos algunas canciones, pero todavía están en modo demo, todavía no hemos trabajado a fondo en ellas, tenemos una buena base pero hay muchos detalles que ver y muchos cambiarán porque hemos progresado musicalmente desde su composición inicial. Nos tomamos nuestro tiempo, buscamos más calidad que cantidad, y nuestros otros proyectos nos llevan mucho tiempo y no queremos ir demasiado rápido si es para lanzar el mismo álbum 3 veces, no hay interés en ello. Gracias de nuevo por tu tiempo! Como siempre, te dejaremos la última palabra, ¿hay algo que te gustaría decir antes de terminar? Quiero agradecerte David y a todo el equipo de la revista Necromance esta gran entrevista y vuestro apoyo, gracias a todos aquellos que nos han apoyado y han apoyado la escena underground francesa e internacional durante todos estos años, indagar para encontrar las mejores bandas es la única forma de tener calidad hecha con el corazón, las tripas y las bolas. ¡El teniente salvaje te saluda! [AUTOR: David Déniz Plaza]

ÁLBUM: Soumises á la Procréation SELLO: Xenokorp LANZAMIENTO: Abril 2020

UNBLESSED

20 años desde que UNBLESSED comenzó a dar sus primeros pasos en el únder chileno. Infinidad de idas y vueltas que los ha formado más todavía como oscuros jinetes del Black Metal sudamericano. Hoy nos encontramos con que muy pronto estará en las calles su nuevo trabajo para que nos encontremos con una fuerte influencia de Black Metal, apretado, bien conseguido y de una sonoridad arrolladora. “Murdering Hope” es un álbum que se convierte en una excelente carta de presentación para la gira que encarará la banda en cuanto las condiciones lo permitan. Lo primero que me gustaría resaltar del disco es su sonido, profundo, de calidad agobiante, y con mucha claridad a la hora de dar brillo y oscuridad a cada canción. ¿Cómo ha sido elaborar esta propuesta 20 años después de las primeras canciones? Antes que todo, muchas gracias por darte el tiempo de comprender la esencia de nuestra música. En realidad la gente, entre tanta banda prostituta de la música, mal entiende la evolución. Por darte un simple ejemplo a mediados de los 90´s varias bandas grandes como Carcass, Entombed o Gorefest se tiraron hacia una composición más Death N Roll y trendy, menos mal volvieron a sus raíces y esencia con los años. Yo creo que con el tiempo tienes mucho mas claro lo que quieres lograr y plasmar en una nueva placa. Eso lo dan los años, gajes del oficio, carrera y experiencia. El sonido del bajo no me parece el mismo en todas las canciones, como si según cada tramo se requiriera una profundidad diferente. ¿Fue pensado así? La verdad algunos fueron concebidos para ser grabados con distorsión y otros más a la antigua. El bajista de ese disco ya había grabado tres discos anteriores y entendía muy bien lo que había que hacer. Como anécdota te cuento que yo grabé un tema ahí en bajo con uñeta y distorsión. ¿Compusieron este trabajo con las ideas de hacer algo nuevo, o simplemente surgió y las fechas cuadraron? Lo pregunto porque noto un cambio, una evolución, con respecto al trabajo anterior “Killing your last drop of innocence”. La verdad siempre he compuesto la totalidad de los temas en nuestros álbumes, pero como te mencioné anteriormente con el pasar de los años, uno ya tiene mucho mas clara la idea de lo que quieres lograr desde el momento en que entras al estudio. La experiencia de Mario Arancibia en las perillas, ya es el tercer LP que grabamos en Subterra también, tiene mucho que ver con el resultado final. Él conoce muy bien nuestro sonido y avanzamos disco tras disco. Ha sido un buen combo editar documental, más recopilaciones de trabajos anteriores y un nuevo disco, más allá del virus, ¿Cómo están llevando esta etapa de la banda? Me está salvando el bolsillo literalmente la banda en estos tiempos tan difíciles, estamos sacando mucho material y ha sido muy bueno manifestar y comunicare que somos una banda con 20 años de carrera, además ha gustado mucho ese trabajo audiovisual donde también participé como productor ejecutivo aportando rarezas y

enfoques desde adentro. Además de haber editado el video, S.E.N.A.M.E. es una canción que se la juega mucho, pura denuncia y una letra que lo explica todo. Mis más sinceras felicitaciones por el conjunto. ¿Cómo decidieron poner la cara para esta pieza? “Dan más asco que la iglesia, Repudio eterno e infinito.” Fue natural, en Sudamérica hay muchas injusticias que quedan impunes a pesar de la exposición mediática que tengan estas. Quisimos aprovechar de hacer una canción respecto a esto ya que siempre hemos estado a favor de los derechos humanos y por sobre todo de los niños. Fue espontáneo al 100%. En el videoclip quisimos mostrarle al mundo la realidad país de Chile y contingencia actual. Si bien sabemos que hay una escena de calidad y potencia en Sudamérica: Qué tan difícil es ser parte de la cultura del Black Metal en Chile hoy en día. ¿Y en 1999? El Metal está difícil desde hace muchos años aquí y en el resto del mundo, sin embargo eso lo hace mas llamativo, genuino y auténtico, que existan estos proyectos es importante para la raza humana como tal, ya que no imposta tanto el dinero ni otras cosas más banales. Ahora cuesta menos crecer con todas las herramientas de promoción que existen que en 1999, sin embargo la esencia de nuestra música se encuentra intacta. Me llama la atención que una de las primeras influencias de Paul, según recuerda, haya sido el riff que salía en “Beat it”. ¿Cómo se llega desde ahí, pasando por Soda Stereo” al Black Metal elaborado que compone hoy en día? Ese solo es bastante técnico y lleno de feeling, Michael Jackson fue un gran artista pero como persona me defraudó. En vivo era monstruoso, tuve la oportunidad de verlo para la gira del disco Dangerous. Soda Stereo tiene álbumes muy complejos en estructura, Mi favorito es el Dynamo y los vi en vivo varias veces, acá en Chile hicieron en 1997 uno de sus conciertos de despedida y la verdad es que fue impecable. Uno no debe renegar de sus gustos e influencias musicales. Conozco a varios qué, según ellos, escuchaban Morbid Angel y Cannibal Corpse a los 5 años de edad, jaja. Se llega desde ahí a lo más extremo principalmente escuchando mucha música. Con grandes discos de cabecera y años de circo.

¿Cómo surgió la idea de este documental, “Unblessed 20 Años De Crudeza y Demencia” y qué sienten ustedes al repasar tan a conciencia su trayectoria? Queríamos celebrar estas dos décadas de existencia, hacer algo diferente y por sobre todo, honesto. Mostrar el esfuerzos y la historia de Unblessed sin tapujos. Hemos trabajado mucho y muy duro durante todos estos años y por qué no mostrarlo. Se hizo y estoy muy contento con el resultado final. Imagino que los planes que tenían para esta gira se han pospuesto para 2021, ¿Cómo lo están planeando? La llevaremos a cabo igual, si bien sabemos que es un año muy difícil, pero mientras los productores no nos cancelen las fechas insistiremos. Supongo que nos encontraremos con los bangers sedientos de Metal, cerveza y shows en vivo. Como dije no me han bajado ninguna fecha los productores allá. Italia, por dar un ejemplo para junio se reactivará abriendo varios espacios, fronteras y supongo que deberemos aprender a convivir con el Covid19 por un periodo largo pero no por eso vamos a dejar de vivir y tratar de volver a la normalidad paulatinamente. Algo que quieran agregar para completar la entrevista. Mil gracias y fuerza. Muchas gracias por el apoyo y el interés, saludos para ti y a todos los seguidores de Necromance en España y esperamos volver pronto a tocar para Uds. Contacten a la banda por redes sociales o a Unblessed.chile@gmail.com. [AUTOR: Sebas Abdala]

ÁLBUM: Murdering Hope SELLO: Inframundo Records LANZAMIENTO: Junio 2020

NUM. 73 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 33

REVIEWS el mítico HM2 y que le iba como anillo al dedo a Petrov, pero además contaba con el apoyo vocal de un buen harsh/shriek, interesantes guitarras y un breakdown casi fúnebre que me invitó a escuchar el álbum completo. El disco me resultó monótono pero era técnicamente estupendo, el harsh/shriek vocal resultó ser algo circunstancial y la voz principal era una imitación de Petrov, pero contaba con algún buen juego del tempo y algunos riffs jugosos además de un cameo de James Murphy (Ex-DEATH, ExOBITUARY,etc..). Músicos experimentados en manos de Tomas Skosgberg con el que es imposible dar mal fruto y menos si buscas un sonido tan concreto, dando como resultado el mencionado homenaje del que rescaté «Falia Diaboli (Alisin)», corte que cerraba el disco, por su estructura elaborada y cierto descaro. Sinceramente, pensaba no tener noticias de ANGEROT en un buen tiempo.

ANCIENT BURIAL (PRT) BEYOND THE WATCHTOWER SIGNAL REX, 2020

ANCIENT BURIAL es una banda de raw black metal formada, presuntamente, en este año 2020. Y digo esto porque poco sabemos de esta agrupación salvo que son portugueses, que sus integrantes pertenecen a otras bandas de black de la escena portuguesa y que en mayo de este año ha publicado su primer álbum: “Beyond the Watchtowers”. Publicado bajo el sello Signal Rex, este trabajo cuenta con siete temas diferentes con una duración total de cuarenta minutos. “Beyond the Watchtowers” es un disco muy, muy crudo. Tiene un sonido bastante primitivo y chirriante como podemos apreciar en la intro y en el primer corte “Nighthunt”. Las distintas pistas se nos presentan tras un acople de guitarra que nos dan la bienvenida. El shriek es afilado y aterrador como podemos apreciar en temas como “Ritualistic Trinity of Evil” o “Dark Path Disciples”. La batería es rápida y ensordecedora, convirtiéndose en ocasiones en una masa de ruido informe. Los platillos añaden emoción a la oscura atmósfera que han creado como por ejemplo ocurre en “Wolferian Woods of Belial”. El bajo no se queda atrás y en los momentos en los que se deja apreciar se muestra bullicioso y vibrante. Cuando no, también se une a esa argamasa de ruido. Los riffs son repetitivos y zumbones, existiendo partes interesantes como en la última pista, “Eclipse de Almas”. “Beyond the Watchtowers” es difícil de digerir, siendo sinceros. Se lo recomendaría a los fans del raw black pero no a nadie que no esté acostumbrado al género. Es cierto que es un estilo que no es fácil de escuchar principalmente por la producción, pero también hay un hueco que rellenar en cuanto a composición. Aún así, estaremos pendientes de las próximas publicaciones de ANCIENT BURIAL . MAKI PÉREZ JÁUREGUI 6/10

Tan solo dos años después, el cuarteto de Dakota del Sur publica «The Divine Apostate» a través de Redifining Darkness Records con el que la historia se repite inicialmente pero con final muy diferente. Esta vez la llamada la provoca mi máxima debilidad musical, Snowy Shaw (NOTRE DAME, Ex-KING DIAMOND, Ex-MERCYFUL FATE, Etc…) músico al que admiro y sigo casi a nivel enfermizo y con el que he llegado a muchas bandas debido a sus innumerables colabos gracias a su versatilidad instrumental. En «Coalesced With Wickedness», tema cumbre de «The Divine Apostate», presta su riquísimo multiregistro vocal para impregnar el tema de fantasmagoria y llevar de paseo a ANGEROT lejos de Estocolmo. Sigue conteniendo la pesada distorsión HM2 pero no acapara en absoluto el sonido como en el pasado, el cambio estilístico es mas que notable y pasa hasta por un breakdown de black melódico insólito. Temazo-anzuelo descomunal que da sentido a las declaraciones de Chad Petit (guitarra y voz) tras la publicación del debut donde indicaba que en el coche llevaba «Clandestine» y «In Sorte Diaboli», pero mejor evaluar el álbum en conjunto… «The Divine Apostate» abre con la ceremonial y blackened «Below the Deep and Dreamless Sleep» y con ella comienza el mudaje de piel en ANGEROT pero mantenien la riqueza sonora de los temas finales de su debut desmarcandose del famoso buzzsaw. Guitarra limpia, cantata femenina y conjuro en latín adornan este buen tema donde luce el recién fichado batería Matt Johnson, quien conduce el trémolo de Jason Ellsworth y la combinación shriek/growl de Petit en el hi-tempo, y cabalga a golpe de ride en la parte solemne. Muy buen tema, dinámico, que de entrada descoloca un poco, pero que rápidamente compensan el fuerte contraste acercándose al sonido original en «O Son of the Morning, O Son of the Dawn» y «Vestiments of Cancer». La primera es directa y devuelve esa suciedad veloz necesaria del OSDM donde brilla el arenoso gutural de Petit y el solazo de Terrance Hobbs (SUFFOCATION). La segunda, con aire CARCASS goza de buen golpeo, riff creepy, combinación de voces dobladas y mucho break con buenas arrancadas, pero el exceso de estos provocan cierto barullo mental volviéndolo abstracto. Problema que resuelven en «Father, Mentor», con riff principal todavía más CARCASS y que también deambula entre breaks pero que resuelven magistralmente con buenas transiciones generando atmósfera tenebrosa y optimizando el uso del groove deathmetalero.

y evalúo el cambio como una autodemostración de haberse visto superados por su obsesión por el death metal sueco de los 90. Como he dicho, ANGEROT muda de piel, ganando en dinamísmo y coqueteando con buen gusto con otros subgéneros y regiones, pero sigue siendo una cascabel con veneno letal que ahora necesita mantener su sonido sin necesidad de colaboraciones para atacar. SCHEITAN 8.2/10

ANTE-INFERNO (GBR) FANE UKEM RECORDS, 2020

Hoy vamos a hablar de “Fane”, el primer álbum de los ingleses ANTE-INFERNO, publicado el uno de mayo de este año. ANTE-INFERNO se formó en 2017 y cuentan con una demo y un sencillo. Actualmente está formado por G. Stephenson a la batería; M. Zabawa a la guitarra; K. Beanland a la voz y guitarras y N. Lewis al bajo. “Fane” es un trabajo que cuenta con siete cortes distintos y una duración total de cuarenta minutos. El artista que ha llevado a cabo tanto el nuevo logo de la banda como la portada de este trabajo puede ser encontrado en redes sociales como Moonroot art. Comienzan abriendo con el tema que le da nombre al disco, “Fane”, una introducción con unos arreglos de teclado y un rollito dungeon synth muy interesante y cautivador. Continúan con “Oath”, corte que cuenta con un videoclip muy bonito que recomiendo a todo el mundo. El doble bombo es brutal y la atmósfera que crean es oscura e invernal. La composición sufre varios cambios de tempo para pasar con una melodía muy cristalina y original. El gutural es desgarrador y se clava en las entrañas. ANTE-INFERNO se toman su tiempo en crear un ambiente envolvente. Sin duda, este es uno de los temazos del disco. Continúan con “Passing”, que es un corte de tono más agresivo, con una batería mucho más rápida y unos riffs simples pero contundentes. Cambiamos a “Return”, la esencia pura del black metal. La oscuridad rodea a este tema y se desborda por todas partes con unos trémolos impíos pero juguetones. “Absence” es un interludio breve pero necesario en el que meten unos arreglos de teclado y los rasgueos de una guitarra. En “Worship” vuelve la brutalidad con un solo de guitarra caótico pero precioso. Nos encontramos con un cambio radical de ritmo que reconduce el tema a una melodía más melódica. Terminamos con “Fragments”, tema que continúa con el legado del corte anterior para darnos un final triste y tenebroso. ANTE-INFERNO ha publicado un trabajo del que pueden sentirse más que orgullosos. “Fane” es un álbum precioso que posee un sonido increíble. Recomendado para los amantes del black metal. MAKI PÉREZ JÁUREGUI 9.5/10

«Counsel of the Ungodly» quiere reconducir por la senda blackened al disco gracias al primer arpegio de la historia de ANGEROT pero la demoledora base y el HM2 lo evitan volviéndolo death y quedando un potente tema bien adornado por arriba con bendings de calidad y solazo a cargo de Ben Ash (Ex-CARCASS, SATYRICON (live)).

ANGEROT (USA) THE DIVINE APOSTATE REDEFINING DARKNESS RECORDS, 2020

Reconozco que se me hizo un poco cuesta arriba el debut de ANGEROT, «The Splendid Iniquity» (2018), ese exagerado tributo al death sueco báltico de los 90 al que acudí, como un perrillo, a la llamada en forma de colabo del amo LG Petrov. «Rivers of Chaos» era un tema rápido y poderoso, OSDM de Estocolmo marca ENTOMBED/DISMEMBER en el que hasta la batería llevaba enchufado 36 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 73

Cierra el álbum la bestial «Thy Kingdom Burned», nueva vuelta al sonido original, estructura OSDM tremolero y pesado con Petit echando el resto con buenos rugidos, Johnson machacando parches con pies y manos y Ellsworth a lo suyo desafiando la elasticidad de sus cuerdas. Rematan añadiendo al tema, a modo de outro, la epicidad divina de la coral acompañada del chasquido del fuego, que si tienes puesto el autoreply enlaza con el inicio del disco. ¿»The Divine Apostate» supone un cambio radical en ANGEROT? Sinceramente no lo creo. Sigo escuchando muchos elementos OSDM del debut

APOLLO STANDS (GBR) MINDS AUTOEDITADO, 2020

APOLLO STANDS se han currado un pedazo de EP tremendo. Empiezo así para que quede claro que “Minds” suena que te cagas de fresco, potente y disfrutable. El quinteto, nativos de Norwich; nacidos en 2016 y con otro disco a sus espaldas,

retoman el pulso con este disco que aunque sólo goza de seis cortes, suena equilibrado, completo y ni falta ni sobra nada por supuesto. La banda la conforman Ry Hase a las voces junto al guitarrista Alexei Swatman. Matt Hayward con las cuatro cuerdas, Edgar Taljaard a la batería y Olly Smith como segunda guitarra. Abren con ”Psyparadar” que desde luego es un golpe sobre la mesa, y una carta de presentación perfecta de lo que es este “Minds”. Guitarras muy potentes, sintetizadores y unas voces estupendas, donde unos estribillos muy logrados revisten el corte y lo redondean con un gran nivel. “A Mortal world” es el segundo en sonar, y se mueve por derroteros trashers y metalcore aunque eso sí, meten de nuevo samplers y electrónica. Está claro que la banda busca mezclar todos esos elementos, y lo hace con bastante tacto. No llega al punto por ejemplo de grupos como ENTER SHIKARI pero puedes hacerte una idea de por dónde tiran. “Fired up” continúa con un tono similar; metal y electrónica. Endurecidos y con una buena currada en las voces por parte del guitarrista Alexei Swatman y Ry Hase. El EP goza de una buena producción y ni que decir tiene, que le viene que ni pintado al grueso del trabajo, donde suena todo cañerisimo y limpio a la vez, edulcorado a tope con los sintetizadores. Le sigue el tema “Titan”. Como su nombre indica, es todo un coloso dentro del álbum. Suena futurista y atmosférico a la vez. Y rompe con guitarrazos metaleros y la mezcla de voces es perfecta para completar un buenísimo corte. Con “Supernova” parece que nos introducen en alguna peli de ciencia ficción pero al contrario que las otras canciones, es directa y rápida. Quizás la más activa y veloz de todo “Minds”. También es la que denota menos sonidos electrónicos, pero sigue la línea de APOLLO STANDS . Y finiquitan con “In the Garden”, donde se ve ese sonido que vienen rodando totalmente pulido y perfectamente homogeneizado. Sin duda el corte donde mejor plasman el metal con la electrónica. El camino a seguir para posteriores producciones. Los británicos consiguen una gran colección de cortes de metal moderno, con algunas pinceladas prog y todo mecido con sintetizadores. Fijo que si les das una oportunidad disfrutarás. Vamos a ello!! EL GALLEGO 7.5/10

APOSENTO (ESP) CONJURING THE NEW APOCALYPSE XTREEM MUSIC, 2020

El Death Metal español, en este complejo año 2020, está de parabienes por lanzamientos que podrán darnos un motivo para recordarlo que no sea claustrofóbico o confuso. “Conjuring the New apocalypse” es el regreso de APOSENTO. Formados allá por 1990, más de 30 años después siguen lidiando con oscuras sensaciones y terribles demonios que han llevado a un extremo de brutalidad y terror indescriptible. Abren con una canción tan oscura como podrida que, para que te hagas una idea, es apenas una muestra de lo que espera en el resto del disco. “Liber al vel legis” se muestra agresiva y rápida, dando una bienvenida que no admite dudas, las variaciones que ha vivido la banda parecen haber dejado los cimientos para que la formación actual se presente como una de las mejores versiones posibles. Riff´s que se llevan de una manera contundente la atención completa del disco, sin medias tintas, haciendo que la voz entre justo entre las batallas que libran a lo largo del trabajo la batería y el bajo. “Kadosh – Spitting on the trisag” se convierte en una invariable daga que abre en canal la atmósfera que se respira desde el primer instante. Es ridículo no tener en cuenta la experiencia del grupo, si acaso algunas bandas de las que quedan en activo de esa época es cimiento del sonido actual; una es APOSENTO, y “Akerbeltz” es una clara muestra de lo que escribo. Toda la canción

contiene en escasos 4 minutos la historia en sí del Death Metal. Un gutural que va tan al frente como los músicos, los cambios de ritmo convulsivos y las guitarras pareciendo crucificar las escalas y melodías en arpegios infernales hacen que el concepto de velocidad sean, simplemente, escasos. Brutalidad que no se detiene y continúa con “Noli me tangere”. Luego aspiramos un poco de lo que tengamos a mano y nos explota en la cara un nuevo tercio con “Vamachara – The left hand path” y, si bien seguimos encaminados en una brutalidad densa, se respira un cambio en las estructuras de las canciones. Lo mejor de este disco, de esta nueva etapa de APOSENTO mejor dicho, podemos encontrarlo en la voluntad de la banda en sonar más densos, como enfilando el Death a esos principios de la banda, y lo han logrado, pero con un sonido puro, que casi te permite meterte en cada variación que plasma la voz para completar el agobio. “Revelation 777” está compuesta con piezas que se diferencian del resto, por su velocidad y juego entre tonalidades rítmicas. Cierran y se despiden, terminando de prender fuego al infierno mismo, “The dweller on the threshold” (primer corte del disco), con un acercamiento a una transición mental más que inquietante. El denso machaque hace que la brutalidad se respire todo el tiempo, dejando unos riffs que desesperan y cambian de ritmo al máximo. Imposible escuchar esto sin mover la cabeza hasta reventarte el cuello. Sí, la imagen es recurrente, pero no hallo otra comparación más adecuada. Para terminar de reventarlo todo “Doomsday – the metanoia of redemption process” se sube a un pedestal de brutalidad extrema. Sin respiro, sin espacio al descanso, entregan el resto y la voz suelta su mejor interpretación. Una ferocidad profunda, con manejos de tonos que discuten con unas guitarras que enloquecen y parecen quemar las cuerdas, mientras que la batería se multiplica y destroza el Death Metal, lo mastica y lo engendra de nuevo, dentro de tu cerebro, con un estallido de silencio al final, que incluso se hace molesto, como abrir los ojos luego de un coma en el averno. Perfecto.

erwacht”, es más agresiva vocalmente, pero las armonías de las guitarras crean ese ambiente único en segundo plano, girando y cambiando, adaptándose a los tiempos modernos, con un giro brutal en su aparte central, tema corto pero efectivo al 100%, donde la epicidad queda remarcada en sus guitarras y percusión; temazo. Y si sus temas cortos son temazos, “Ein Wahrlich Wirrer Ort” y “Am Ende Ewinger Wasser”, juegan a otro nivel con sus más de diez minutos de duración, les da tiempo a embriagarte con sus ritmos lentos embellecidos, pero también a crear un black de alta alcurnia donde la ferocidad y la agresividad es marca de la casa, siempre con ese soniquete y las ambientaciones recreadas por las seis cuerdas que le dan valor a cada parte de la canción. Diez minutos y trece respectivamente que ni te darás cuenta de haberlos escuchados porque te atraparan con cada nota que el dúo Christian, deja transgredir de su mente, apoyados a la perfección por la voz desgarrada de Anna, todo un acierto haber contado con ella. Y si tuviera que elegir un tema de todo el trabajo, aunque es muy difícil, me quedaría con “Am Ende Ewinger Wasser”, porque encontramos todos los elementos definitorios de ASARHADDON, además de ser todo un señor temazo indescriptible, y el que tendrás que escucharlo para entenderlo. Antes de terminar, no podía dejar de mencionar la enfurecida y salvaje “Der Aufstieg”, otro temazo, con un doble bombo apoteósico, que remarca cada paso de las enfurecidas voces y de los envolventes riffs, que se van pausando con el transcurso del tiempo, para envilecerse de nuevo en un aplastante minuto. Por último, se me quedaba en el tintero “Pfad ohne Kehrt”, otra joyita en bruto, que alberga unos pasajes melódicos en su interior diferentes al resto de temas, aportando otro punto de vista musical y es que ASARHADDON, es un nombre para quedarse, darán mucho que hablar en un futuro no muy lejano. JUAN ANGEL MARTOS 9/10

La banda se refiere a este disco como un intento de acercarse de nuevo a sus orígenes, a esos años ´90´s que prometían tantas maravillas como desastres sociales hemos vivido. Este disco no es que sea una referencia a la época que pasamos, más bien es algo tan simple como bueno, violento y feroz. Sin artilugios, con puro virtuosismo “Conjuring of the new apocalypse” es un trabajo con sonido impresionante, técnicamente impecable, y con unas ideas tan jodidamente buenas como intensas. Es muy probable que este sea el mejor disco de APOSENTO. SEBASTIÁN ABDALA 9.5/10

ASTHAR (SWI) KAIKUJA EISENWALD, 2020

ASHTAR son un dúo de Basilea (Suiza) formado en 2013 por Nadine y Marko Lehtinen, quienes tocaban en SHEVER y en PHASED respectivamente. En el estudio se encargan de tocar todos los instrumentos ellos mismos y Nadine escribe las letras y canta la mayoría de las voces. En su formación en vivo, ASHTAR son un cuarteto con dos guitarristas invitados en el escenario.

ASARHADDON (DEU) REYSA GEISTERASCHE ORGANISATION, 2020

Desde Alemania nos llega el debut de ASARHADDON, bajo el nombre de “Reysa”, editado a través de Geisterasche Organisation, donde el dúo formado por Christian Kircher (batería, composición, arreglos) y Christian Koss (guitarra, bajo y letras) se une a Anna Nihil (voz), para crear un gran álbum de black metal atmosférico, repleto de poesía a través del espacio y del tiempo, además de ser mezclado y masterizado por Markus Stock (EMPYRIUM, THE VISION BLEAK). Desde que “Der Ursprung” comienza con su guitarra limpia, en ausencia de distorsión , para de repente inundarnos con unos blast beats enfurecidos y unas guitarras muy melódicas y envolventes, para girar una vez más, en un inicio in crescendo y apoteósico, sabes que el disco merece la pena. Este tema representa la esencia de la banda y el álbum en sí, un black metal atmosférico, pero repleto de vigor, donde las melodías se contraponen a la potencia, pero uniéndose en un bloque único formado por ASARHADDON. “Die Vergängnis

En 2014 grabaron su álbum debut «Ilmasaari», viendo la luz en 2015 y recibiendo muy buenas críticas, lo que los llevó a tocar por Holanda, Alemania, Francia, Bélgica, Austria y por su casa, Suiza. Durante el verano de 2019 empezaron a trabajar en este segundo álbum en el estudio Helium Records (Basilea) con Ramon Vaca. El título «Kaikuja» es una palabra finlandesa que significa «Ecos», y está acertadamente titulado por sus paredes de sonido densas pero espaciosas que tienen una rica fuerza reverberante. Está compuesto por cinco canciones épicas que emiten una densidad casi imposible, hechizante, revelando nuevas capas con cada escucha. En casi 40 minutos, el paisaje que ASHTAR pinta aquí es mucho más vasto de lo que sugiere el compacto tiempo de ejecución. La figura en la portada de «Kaikuja» es la «Night Queen», creada por la artista Amunra. Parece estar rememorando algo cataclísmico o reflexionando sobre algo asombroso por venir; o tal vez sólo descansa después de una batalla ganada o una tarea cumplida. El sonido del álbum es una mezcla áspera de Black Metal y Doom donde las letras hablan sobre sueños y voces del pasado, figuras y fuerzas desaparecidas o atemporales, con un fuerte vínculo a la naturaleza, el tiempo y el espacio como la mística reina de Amunra en la portada.

«Aeolus», el primer tema del álbum, evoluciona desde un riff en trémolo hacia una armonía e interválica más compleja y oscura, pasando por una parte pesada a medio tempo para llegar a un riff insistente sobre el que se crean melodías de guitarra que luego se ven armonizadas para dar un ambiente que invita a la reflexión y a la introspección.

nítido y pierde ese carácter sucio y noventero que veíamos en el interior del resto de canciones. Parece más bien una forma de mostrarnos una realidad destructiva que está “aquí”, más cerca que nunca. ALICIA CASTAÑO 8/10

«Between Furious Clouds», un tema de casi 14 minutos que se inicia con una larga intro con guitarra limpia a la que se van añadiendo instrumentos que dan amplitud al tema, primero el bajo y luego una melodía de violín en registro grave que cuenta una historia como si de una voz se tratase. La estructura evoluciona con el riff principal muy cargado de distorsión y esta vez la historia la cuenta la cantante. Al final del tema se inicia una parte con la batería con la que los compases rotos crean una sensación de caos y desesperación. En «Bloodstones» las partes instrumentales se basan en la alternancia de un riff con intervalos disonantes y otro cromático con más movimiento rítmico que contrastan con las partes de voz sobre melodías de guitarra tocadas con técnica de trémolo. «The Closing» destaca por el uso del modo frigio que da un carácter muy especial a este tema. En «(She is) Awakening» cabe destacar la textura disonante que crean diferentes melodías superpuestas sobre una nota pedal, generando una sensación muy agobiante. A lo largo de todo el álbum nos encontramos una atmósfera oscura, lenta y pesada con los riffs graves del Doom que van intercalados con los ritmos acelerados e inquietantes del Black metal. ATAEGINA MOON 9/10

BAÁ (FRA) DES QUI NON MENTITUR OSMOSE PRODUCTIONS, 2020

Bajo el sello de Osmose Production, la banda francesa de Black Metal, BÂ´A, publicó este 24 de abril su álbum debut: “Deus Qui Non Mentitur”. Es un disco de Black Metal melódico y atmosférico, influenciado por el sonido noventero y con una gran carga Doom en la voz. El tema del disco es la relación entre el hombre y lo divino, la posición del ser humano en el universo y como su egoísmo provoca desgracias. La portada plasma muy bien esa idea, con un ser humano sumido en la oscuridad y en la contemplación mística. El álbum comienza con “Transept”, un tema breve de 38 segundos que condensan melodías ambientales y atmosféricas. Suenan unas campanadas y se escucha a un hombre dar una bendición en latín, probablemente para introducirnos en esa temática de relación hombre-divinidad-pecado que el grupo quiere transmitir a lo largo del disco.

BANISHER (POL) DEGREES OF ISOLATION SELF MADE GOD RECORDS, 2020

A nadie se nos escapa la capacidad que tiene Polonia para darnos grandes bandas, cosa de agradecer por escena mundial, aunque quizás no tanto por el guitarrista Hubert Wiecek, que lleva 15 años luchando para sacar adelante a una banda que ha sobrevivido tras la estela de las grandes bandas polacas. Es un placer que sigan saliendo, que creen escuela, que creen estilo, pero al final, este hombre se ha tenido que meter a tocar en DECAPITATED, y es que si no puedes con el enemigo, únete a él. De todas formas olvidémonos un poco de esto, porque, aparte de compartir guitarra y país, la cosa no es la misma, ni por historia ni por resultado, y eso que este resultado no es malo, tampoco soberbio, pero se deja escuchar. Tenemos ante nosotros a una banda que ya comentaba que llevan década y media luchando y este que tenemos ahora es su cuarto trabajo completo, evidentemente salpicado de sus correspondientes demos y EPs, como marca la ley underground. Tenemos ante nosotros un trabajo con un gran sonido, poderoso y no especialmente producido, pero en absoluto sucio, es decir, esta todo equilibrado y muy asequible a la escucha. Pero sobre todo tenemos ante nosotros un CD que ha sabido aprovecharse de saber hacer las cosas bien, sin tener nada que sobre, ni nada que falte, sin abusar de su sabiduría técnica y yendo directo a lo que saber hacer bien, que es Death metal con mucho Groove. Porque en este Cd hay técnica, hay cierta atmosfera, hay mucha mucha rabia, hay riff poderosos, pero sobre todo lo que hay es mucho Groove. Esto se ha conseguido no solo por parte de la guitarra, sino porque la batería aquí no deslumbra por el doble bombo, ni por los blast beats, sino porque es rítmica, casi rock a veces y en ocasiones tan simple que apetece escucharla detenidamente. Esto me lleva, durante gran parte del trabajo a pensar lo mucho que gustará a toda le gran cantidad de seguidores de PANTERA que hay por la escena mundial. Especialmente porque la voz de Szcepan es rabiosa y, aunque evidentemente no es la de Phil, sabe hacerse notar y dar ese toque agresivo que necesita la música cuando los riffs son casi bailables. SANTI GZLEZ 7.5/10

Con la segunda canción, “Titan”, se rompe la claridad y la nitidad del primer tema para dar paso a la esencia musical de BÂ´A: riffs devastadores y una voz desgarradora con esas pinceladas de Doom Metal que mencionábamos antes. “Procession” es el tema que más me ha gustado. Por una parte, tenemos un sonido atmosférico de fondo que, junto a una batería muy marcada, nos va llevando a través de la oscuridad y de la desesperación. Y por otra, escuchamos una voz que parece gritar su dolor. Es la canción más larga. A partir del minuto cinco aproximadamente, se mantienen las melodías y se introduce un diálogo en francés. El cuarto tema, “Des Profondeurs Je Crie”, adopta un tono mucho más afligido. El sonido que consiguen le gustaría a cualquier seguidor del Black Metal, (al igual que el que asola el quinto, “Un Bûcher Pour Piédestal”), porque lo tiene todo: crudeza, agonía, melodías nostálgicas, una batería incansable y una voz atormentada. El álbum termina con “Outro”. Al igual que la primera canción, “Transept”, se escucha mucho más

BIESY (POL) TRANSSATANIZM GODZ OV WAR PRODUCTIONS, 2020

Parece que de tanto hablar de Black Metal y satanismo pérfido en los discos que escucho, al fin algún ser se ha manifestado para intentar tomar forma humana con carne mutilada en campos de batalla civil de Europa del Este, meterse en un estudio y editar un disco. O tal es el juego que vamos a seguirle a un laberinto de gritos y malformaciones

morales al artista conceptual llamad@ Faustyna IHS Moreau. El proyecto en cuestión es BIESY, con un disco donde muestra la piel de un alma atormentada y graba “Transsatanizm”. Un registro desesperado de alternancias entre voces complejas y exigidas, con melodías entre Post-core y Black. Si hacemos un repaso rápido, la interpretación, la performance, es fundamental y no puede omitirse. Si bien hay un trabajo interesante, con tintes de Industrial, Atmosferic y cuanta referencia europea se haya aportado al Metal, la pureza que impregna de desesperación cada canción es tan palpable que hace inevitable irse un poco a NATRAYM. Los discos conceptuales unipersonales reflejan una desidia permanente, un odio irreverente que escupe a la cara de todos los preceptos sociales que llevan años intentando dirigir el planeta. Pues lo conseguido en “Transsatanizm” es un ejemplo perfecto de irreverencia y acidez. Violencia sexual y personificar todo lo oscuro, malvado y agresivo del Black en un disco que contiene un mapa tecnológico y desesperado para la liberación interna de demonios Polacos que te mastican la carne. No se me ocurre mejor escenario para pinchar este disco que llevar un par de día sin dormir, tener que estar constantemente hidratándome los ojos y luego de dejar rular las primeras canciones de este disco, poner al máximo una buena torre de amplificadores, sentarme en medio de una fábrica abandonada y que suenen en repetición “Nowa Transylwania” y “Karolina 23”… Luego de eso recuperar el hábito de leer una biblia satanista, prender un cigarrillo y esperar a que llegue la policía agitando confusas banderitas de Vox. Es un muy buen trabajo, reitero, que no puede separarse de la confrontación moral que propone el personaje, el trabajo en sí peca, un poco, de repetición de estructuras y tonalidades que podrían haber sido más contundentes en un E.P., pero todo el juego que se propone es muy inteligente. El manejo de un éxtasis total desde la primera violenta canción, apenas mengua, pero, sobresale por encima del resto, las interpretaciones que emulan a entidades oscuras, doloridas, que se nutren de este sufrimiento encarnado a la perfección por Faustyna IHS Moreau en el diseño global del disco. Para quienes gustan de encontrar artistas conceptuales inconformistas que utilizan el dolor como motor de liberación, y quieren sentir el idioma universal de la música, este disco es perfecto. SEBASTIÁN ABDALA 7/10

idea, señalaría por ejemplo a sus compatriotas KREATOR, DESTRUCTION… si bien durante el tema título, ha habido un riff que me ha recordado a los DEATH de aquel “Symbolic”, aunque todo queda olvidado con ese gran comienzo lírico: “The world, is a big piece of shit!!”, apoteósico, sí señor!! “Dead World Order”, tiene un sonido estupendo fruto de la producción una vez más, y como en ellos es habitual, de Christoph Brandes (OBSCENITY, PROFANITY, REQUIEM…) en sus Iguana Studios, junto a la mezcla y masterización por nada más y nada menos, que Harris Johns (SODOM, TANKARD, ASSASSIN…) en sus Wave Akademie Für Digitale Medien de Berlín. De la portada se ha encargado Andrei Bouzikov (MUNICIPAL WASTE, CANNABIS CORPSE, TOXIC HOLOCAUST…), con el que también han contado con anterioridad. La formación se compone de Frank Urschler a las voces y guitarras, Andreas Kiechle a la batería y Thomas Kneer al bajo. Me gustaría equivocarme, pero supongo que estos tipos no son muy conocidos más allá de Centroeuropa, aunque sin duda, merecen un mínimo de atención si te gusta el thrash decente con alguna pizca de death. ROBIN RM 7/10

G.U.C. RECORDS, 2020

G.U.C. (DENY THE URGE, ANTIPEEWEE, KALI YUGA…) es uno de los sellos más veteranos que recuerdo de Alemania, en sus comienzos también era un fanzine y creo que la primera vez que pude ver su nombre, era en alguno de los VHS que vendían hace tiempo del tristemente desaparecido festival Fuck the Commerce, que se celebraba en el país germano y en el que actuaban como patrocinadores. En ellos andan desde hace ya tiempo enrolados estos BITTERNESS, que si mal no he contado, aquí nos presentan su séptimo álbum de estudio. Banda no menos experimentada que lleva batallando en el underground desde el lejano ya 2001. Este trabajo, sin duda posee unos momentos brillantes y altamente disfrutables de thrash/death, algo que no todos los grupos consiguen con esa misma fórmula. Podría citar canciones como “A Bullet a Day”, que abre después de la intro; “Idiocracy”, con un estribillo pegadizo y guitarras que te machacarán o “Forward Into the Past”, es asesino y contiene esos medios tiempos, que tanto nos gusta a los amantes del thrash, mezclados con ráfagas violentas e incluso melodía. Y hablando de cosas que enganchan a los thrashers, escuchad las guitarras de “Blood Feud”…pura delicia, jaja! En cuanto a similitudes o influencias para haceros una ligera

ART GATES RECORDS, 2020

Ante nosotros el segundo álbum de la banda madrileña COFFEINNE, “Requiem”, un poderoso disco que nos muestra una nueva faceta del grupo, donde combinan varios estilos de Metal con una sólida base de Heavy y mucha influencia de sonidos clásicos.

BORN IN EXILE (ESP) TRANSCENDENCE ART GATES RECORDS, 2020

BORN IN EXILE nacieron en 2012,en Barcelona; mamando del heavy metal y edulcorandolo con tintes progresivos y sonidos contemporáneos. La banda tuvo varios cambios de formación hasta que en 2015 consiguen redondear el quinteto y asentarse con los actuales componentes. A la voz Kris Vega, guitarras para Carlos Castillo y Joaco Luís, Lucas Comuñas al bajo y Juanma Ávila detrás de los parches. Este “Trascendence”es la culminación del estilo y sonido que crearon en su primer larga duración “Drizzle of cosmos”. Mucho más refinado y redondo; con una buena producción. Después de tres años desde aquel debut, los catalanes dan un paso al frente en cuanto a composiciones y arreglos. Todo bien matizado y montado.

La banda comienza con “Heretic Antiphon”,a modo de introducción instrumental que nos preparan para su siguiente corte;”Enchantress”, donde los guitarristas muestran su nivel y virtuosismo, y la banda deja clara su propuesta progresiva para el resto del trabajo.

BONES (BEL) GATE OF NIGHT BLOOD HARVEST RECORDS, 2020

Las ediciones del sello sueco Blood Harvest (SARTEGOS, PESTILENT DEATH, TOMB MOLD…) en EP, siempre me dejan con ganas de más y el caso de estos BONES belgas (no confundir con los norteamericanos), me temo que no es ninguna excepción.

Las dos canciones aquí contenidas, son extensas y variadas, agresivas y con una atmósfera densa y asfixiante, de las que suelen hacer gala y tanto les gusta a estas bandas de propuesta siniestra y tétrica.

DEAD WORLD ORDER

REQUIEM

BORN IN EXILE se consolidan sin duda como un exponente importante en el metal progresivo nacional. Sin ninguna duda. Y ahora adentrémonos en las profundidades de este “Trascendence”.

Cuarteto formado en 2010, con al menos una demo (2013) y otro single (2014) oficiales en su cuenta, son realizadores de un death metal oscuro y potente, con una de esas voces guturales y desgarradas, puede que encontrándose más cerca de la mezcla entre los géneros black y death.

BITTERNESS (DEU)

COFFEINNE (ESP)

El sonido que han conseguido, también es de ayuda pues casa muy bien con su fórmula, es áspero, afilado, crudo… Para llegaros a hacer una idea de por donde van los tiros de estos tipos, podríamos decir que es una mezcla entre MORBID ANGEL, POSSESSED, INCANTATION… y algo del death/ black sueco tipo GROTESQUE, MERCILESS… El primer corte, «Utterance Beyond Death», está más influencido por los de Florida, es directo pero intenso y rápido, aunque no olvidan introducir pequeñas partes pegadizas. El segundo por su parte y que da título a todo este material, es de duración más extensa y tiene un ligero halo más pesado, doom y críptico, de conjuntos como lMMOLATION, el mencionado grupo de John McEntee & co., AUTOPSY, etc. Su formación está compuesta por Stef a las voces y guitarras, Jeroen a la guitarra solista y también voces (el cual igualmente, se encarga de manera habitual, de todas las portadas de BONES), Viktor a la batería y Laurens al bajo, que se estrena en una grabación oficial con la banda, pues no grabó el EP «Awaiting Rebirth», que era su más reciente publicación. Edición limitada a 500 copias y en 2 colores (400 en vinilo regular negro y 100 en púrpura translúcido), de un death metal de notable calidad y al que no perderemos la pista en sus próximos pasos, hasta entonces… ROBIN RM 8/10

Siguen con “Living Inside Me” donde un aroma oriental nos recuerda irremediablemente a los sonidos de los tunecinos MYRATH. Coros exquisitos y una melodía preciosa. Un tema magnífico sin ninguna duda. Turno para “Herd of Deception”, donde siguen meciendo sus virtuosas guitarras y melodías, junto a una labor magnífica de Kris en las voces. Son canciones que parecen un mismo ser, un todo. Se continúan orgánicamente y eso facilita su escucha totalmente. Con “One More Line” nos introducen en un corte que es una balada en toda regla. Una canción muy emocional y bien ejecutada. Guapísima la voz una vez más de Kris. Esta chica destaca a partes iguales en su faceta melódica y casi gutural. Grandísimo curro el que hace desde luego. “Ziggurat” me suena a los DREAM THEATER de la era post- portnoy. Progresivo total, donde el trabajo de sus guitarristas es descomunal, y la banda suena potente con la base rítmica a toda mecha. Gran composición, de las más redondas de este “Trascendence”. Le toca a “Save Us, otro pelotazo prog al que le sigue “The Lighthouse of the Haunted Keeper”. Aquí continúan una línea similar aunque más moderada que en “Ziggurat”. Cortes progresivos con las guitarras a tope de virtuosismo, enconadas en el bajo y la batería, logrando dos buenos temas que anteceden al último “Torch”; donde sin duda se lucen y de qué manera para cerrar este trabajazo. Técnica brutal de todo el combo, voz tremenda y grandiosas melodías. Punto y final de altísimo nivel.

Abre “Frozen Seas”, con toda la energía que deja claro el sonido que disfrutaremos a lo largo del trabajo. Una voz al frente que se la juega en cada nota para no ceder en cuanto a intensidad sobre una velocidad bien llevada, mientras la banda va creciendo a sus espaldas y cubriendo con buenas armonías la atmósfera que comienza a desplegarse en cada track. El camino es sinuoso, pasamos de ritmos clásicos, a partes más actuales, como escuchamos en “One more day”, esa melancolía que va dando paso a mayor violencia de la banda, con estructuras simples pero efectivas. Es como si tuvieran en sus puños cierta furia que soltarán en su momento adecuado. Buena utilización de la velocidad en canciones como “Forevermore”, Metal clásico, construcciones que mantienen a todo el grupo en una línea de sonidos que van echando vientos poderosos sobre las nieblas que se conjugan para estremecer con buenos solos de guitarra. Pasamos a una nueva cara de “Requiem”, asoma una brutalidad que insinúa toques de cierto Death Melódico, pero con la mente puesta en esa épica de la banda desplegando un ambiente más Heavy. El ritmo no baja y seguimos encontrando nuevos detalles, más contrastados con el Hard y algunos toques de Power. Mientras que en “Open your eyes” sí pegamos un salto a los sonidos actuales del Metal, con una voz que trae muchas influencias encima y las suelta en los tramos más densos de la canción, ese rasguear lento, con tintes épicos, para llevarnos de pronto a una buena melodía apoyada en guitarras que dan más color a la canción. “Crash and burn” retoma la veta que mejor le cuadra a la banda: Heavy, con bases manteniendo un tempo más sosegado, con pasajes que te llevan a una zona de los 90´s que luchaban por escapar de las fórmulas radiales, pero manteniendo la esencia de un Rock con su toque de violencia y proyección clásica. Interesante. Cerramos con “Requiem”, donde la batería y las guitarras se oscurecen y multiplican, de nuevo ese Metal de ritmo trepidante, sin necesidad de subir la velocidad para sonar poderosos. El tramo central de la canción tiene una mezcla perfecta entre el sonido más bruto y buena ejecución de la guitarra en un intermitente punteo que nos devuelve a esa voz bien mantenida en la intensidad emocional del Power Metal sin exageraciones. COFFEINNE ha tenido en su primer trabajo grandes críticas y con este muchas más todavía. ¿El motivo? Salta al oído en la primera escucha: una gran evolución como banda, utilizando los detalles necesarios de varios estilos para crear su propio Espíritu. Toques de Power, mucho Heavy Rock y detalles de un Metal Melódico en cuanto a sensaciones y ritmos. Sin meterse un disfraz a la hora de interpretar, con “Requiem” tenemos una decena de canciones para estar a gusto y disfrutar, por fin, de variedad y algo novedoso. SEBASTIÁN ABDALA 8/10

Así qué BORN IN EXILE , logran dar un grandísimo paso adelante en su trayectoria metalera, y desde luego con un plástico disfrutable y con muchísimos matices y colores. EL GALLEGO 7.5/10

COLOSSO (PRT) APOCALYPSE TRANSCENDING OBSCURITY RECORDS, 2020

Descubrí a esta banda portuguesa un poco tarde, en su “Obnoxious” editado en 2016 y he de decir que me sorprendió sobremanera. Una banda que hacia algo que no es lo habitual, experimentar con el sonido pero sin salirse del tiesto y consiguiendo que te mantuviera pendiente para ver por donde salían, cuando en realidad te dabas cuenta de que todo cuadraba, encajaba y se fundía en sí mismo. NUM. 73 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 39

Desde entonces no han parado de evolucionar y este EP “Apocalypse” no hace más que convencerme mas de eso, ya sea para bien o para mal, pero evolucionar. El trabajo es atrayente de principio a fin. Su portada es especialmente llamativa, su presentación es atrayente y la propuesta lirica aún lo es más. Los cuatro jinetes del apocalipsis nos pasan por delante en cuatro temas cada uno dedicado a uno de ellos. Y por si esto fuera poco, cada uno de ellos cantado por un vocalista diferente, algo que hace de este EP algo realmente especial y fuera de rutina. No cabe ninguna duda de que Max Tome, su cabeza pensante, sabe muy bien lo que hace y es por ello por lo que se ha rodeado de Robin Stone a la batería, Alexandre Ribeiro al bajo y como digo cuatro vocalistas, a saber, Guilherme Henriques, Diogo Santana, Sergio Afonso y el mismo. Todos grandes conocedores de su trabajo e instituciones en el underground portugués. Evidentemente, y como pasaba en anteriores presentaciones, no pasa por alto el sonido, grueso, poderoso, demoledor, áspero y nítido a la vez y dando un golpe de efecto al hacer que lo oscuro suene fácil, y lo fácil suene grande. Todo en su sitio, coherente y creíble, algo que hacía falta porque cada tema es diferente entre sí, cubriendo gran parte del espectro del metal extremo. Basado en Death metal de no excesiva velocidad pero si sabiendo adquirir cabalgadas de vez en cuando para adentrarse en la inmensa magnitud del medio tiempo gordo y pesado cuando la ocasión lo pide. Quizás este trabajo sea menos alocado que otras presentaciones, pero es variado, de estructuras muy estudiadas y grandeza de ambientes, todo eso en tal solo veinte minutos y cuatro temas es mucho decir. Creo que sí que sacareis un rato en vuestras ocupadas vidas para escuchar una banda que lo merece, tiene experiencia, tiene talento, tiene ganas de trabajar, tiene una discográfica detrás que le apoya y una creatividad que esta fuera de toda duda.

Metal vicioso e impío, dejándote en el estado anímico perfecto para el siguiente tema. “Unholy Death Metal”, ¿no sé, quieres que te explique más? Si es que ya te lo dicen ellos mismos: “We stand in oppostion / Pround and strenght, worshipers of metal purity / Fist in face of underground traitors / Unholy Death Metal rebirth!” Una guitarra en modo motosierra, un doble bombo que te cruje las costillas… CONQUEST ICON no buscan experimentación, simplemente han metido la cabeza en una tumba recién abierta y han aspirado profundo. Y se han impregnado bien de la miasma para escribir cosas como el tema título, “Empire of the Worm”. El siguiente tema, “Toward Darkness”, es corrosivo, vicioso, apabullante, old school (que de eso, este disco rezuma por todos los lados).

Nada nuevo en el imperio del gusano. Salvo cosas que ya sabíamos: que Polonia es una de las escenas del Metal extremo más importantes ahora mismo y que esta banda no son sino otra prueba irrefutable de lo que ya sabíamos. Que a la gente le dan cosica los gusanos y que CONQUEST ICON son Death y son polacos. Una sencilla (y ganadora) ecuación. CESAR LUIS MORALES 8/10

CURSE (SWE) THE AWAKENING...AND THE OLD REDEFINING DARKNESS RECORDS, 2020

EMPIRE OF THE WORM GODZ OV WAR PRODUCTIONS, 2020

Quizá sea por su forma alargada, blanda, por la ausencia de patas, pero el gusano siempre ha causado una animadversión en el género humano. Lombrices, ténias, orugas y otros causan un rictus de repulsión incontrolada. De hecho, diversos autores han empleado al gusano como conducto para firmar sus terrores: “La Guarida del Gusano Blanco” (Bram Stoker), “Los Misterios del Gusano” (Stephen King) o el imaginario Grimorio de Robert Bloch, “De Vermis Misterys”. ¡Colorea y aprende con Teo! Dejando a un lado la escolequifobia, mencionar a los gusanos lanza un dardo envenenado a la cabeza de mucha gente. Tal es el caso de los encabronados polacos que nos ocupan, los CONQUEST ICON, que nos ofrecen o escupen (ya lo veremos) su segunda obra, “Empire of the Worm”: el imperio del gusano; corrupción, pústulas sanguinolentas, decadencia, y toneladas de Death Metal. Del bueno, del sangrante, del encabronado, del feroz… Si es que no te tengo que explicar más; es Death Metal y es polaco, una de las mezclas más volátiles que puede haber. “Vermin” abre estos cuarenta minutos de tortura sónica sentando bases y declarando intenciones. Tan agradable como lamer cuchillas de afeitar. Muro sónico de guitarras, batería machacona y growls por doquier. Cambio de ritmo y a correr. Si a estas alturas de la película no te voy a descubrir nada nuevo, pero lo vas a disfrutar bastante. Porque “Sacrificial Suicide” sigue en las mismas coordenadas, medio tiempo crujiente para lanzarse a un desparrame de velocidad. Y sí, “Deathlike Shadows Rising” da miedito, ese ominoso comienzo enraizado en las más oscuras simas del Doom, pero no te preocupes que solo es el inicio, luego se vuelve una bofetada de Death 40 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 73

Si lo tuyo son grupos suecos de la talla de NIFELHEIM, BATHORY, BESTIAL MOCKERY, KILL… puedes añadir sin dudar a estos CURSE a tu colección, no parará de sonar en tu… ¿estéreo? ¿móvil? ¿PC, tablet…? Lo que sea, en cualquier caso, no te arrepentirás!! ROBIN RM 8.5/10

“Behold the Flames of Hell” abruma con una agresión y una serie de riffs enganchados unos con otros que son una mano de hostias continuada. “Pilgrim of Doom” comienza con un traqueteo primitivo para adentrarse en esos desgarrados y abrumadores medios tiempos del Death más añejo. Y para la Bestia, una corona: “Crown the Beast” se abre paso con unos magistrales riffs para atacar el estribillo como un pitbull encabronado. Y para cerrar, un “Here and Beyond”, otra animalada pesada y pantanosa, porque hacia el final del tema empieza a convertirse en una bestia sludge.

SANTI GZLEZ 7.5/10

CONQUEST ICON (POL)

CURSE es un cuarteto que está compuesto por Pontus Pj Jansson a las guitarras y voces, M. Snake también guitarras, J al bajo y F a la batería. Patrik Hilfe se ha hecho cargo de la grabación, masterización y mezcla.

Con una actitud macarra y directa, llegan los suecos CURSE (sí, sí, ya sé lo que estáis pensando algunos, pues no es el nombre más original del mundo) y su nuevo material en forma de EP, que viene de la mano del sello norteamericano Redefining Darkness Records (TOMBSTONER, SOVEREING, CLERIC…). “The Awakening… and the Old” son una mezcla estupenda entre black metal melódico “marca de la casa” y thrash metal, contenidos en seis canciones que duran poco más de veinte minutos (¿Por qué tan poco? Aaaargh!!). Formados en 2010 tras cambiar el nombre de su antigua banda, TORMENT DIVISION por el actual, han registrado ya al menos un par de demos, una en 2011 y otra en 2013 (otro tanto hicieron bajo su anterior encarnación). Al parecer después de aquello, desaparecieron del mapa para regresar unos años más tarde con energías renovadas. Estupendo sonido (ya conocemos como se las gastan los grupos suecos ¿verdad?) y bajo una propuesta malévola, incisiva y asesina, comienza el desfile de temas con una base sólida y pidiendo a gritos un larga duración. El corte de apertura «The Curse», es muy recomendable, lo tiene todo, agresividad, buenos cambios de ritmo, melodía, una estribillo pegadizo… ¿que más quieres? No son especialmente sofisticados, pero sí muy efectivos. Otra prueba de ello es «Impaled and Crucified», con momentos épicos e inspirados y un título que se quedará en tu mente. Su vocalista tiene una voz rasgada pero tiene los suficientes recursos para no caer en la monotonía y engancharte en sus redes (en no pocas ocasiones, se me ha venido a la mente aquel Legion ex de los MARDUK cantando «Woman of Dark Desires» por poner un ejemplo). «I am Death», por otro lado, es obsesiva y estupenda para cabecear y hacer giros de cuello (en especial su parte final), su letra se basa en la peste negra que asoló nuestro contienente en el siglo XIV.

ge” ataca como el Cancerbero, tres cabezas para despedazarte, y ahí están, y antes de que te des cuenta, han acabado contigo. Como el despiadado asalto de “PC494”, la tormenta perfecta de riffs cabalgantes, la melodía perfecta para la marcha de los Cuatro Jinetes del Apocalipsis… Y cerrar con otra obra perfecta como “In Time”, un tema que te lleva hasta un abrupto parón que te paraliza el corazón en el pecho, para volvértelo a poner en marcha a base de solos melódicos y cerrar una obra maestra. Que no te lleven a engaño las apariencias. ¿DEATH & LEGACY ? Con ese nombre, serán Death Melódico. ¿Con una vocalista femenina? Sonarán como ARCH ENEMY. No, no y hasta setenta veces siete estás errado, pobre mortal. Es como si alguien te define “La Divina Comedia” como “un libro”. DEATH & LEGACY están ya en el Olimpo del Metal, o en el “Inf3rno”, lo que prefieras. CESAR LUIS MORALES 10/10

DEATH & LEGACY (ESP) INF3RNO DUQUE PRODUCCIONES, 2020

Hay gente que se pone a escribir y crean unas epopeyas que hacen palidecer al más pintado. Abruman con su creatividad, con su producción, con la calidad, con… Verbigratia, el “Divino” Dante Alighieri. Él solito, a lo largo de los últimos años de su vida, creó “La Divina Comedia”, dividida en sus tres cánticas principales (Infierno, Purgatorio y Paraiso), que a su vez se dividen en cantos, y toda la obra orbita alrededor del simbolismo del tres. ¡Colorea y aprende con Teo! Analizar en profundidad dicha obra es harto complejo. Basta decir que, por ejemplo, el tres es de crucial importancia debido a la Santísima Trinidad (Padre, Hijo y Espíritu Santo). Cada canto fue compuesto por estrofas de tres versos endecasílabos. Tres proposiciones tienen un silogismo al que se le sumaban los cuatro elementos (tierra, aire, fuego y agua), lo que da siete, como los Pecados Capitales. Nueve son los círculos del Infierno (tres veces tres)… Y esto solo es rascar la superficie. Así que cualquier banda que se proponga realizar un tratado sobre el Infierno, que tenga en cuenta la obra del Divino, o que sea capaz de articular toda esta serie de conceptos, merece la pena. Si encima te clavan un “Inf3rno”, DEATH & LEGACY se transforma de repente, no en una promesa, si no en una realidad consolidada, una banda madura y referente. Tras el cambio de vocalista, la recién llegada Hynphernia desata todos los infiernos (nunca mejor dicho) a lo largo de esta obra. ¿Y el resto de la banda? Pues jamás han sonado mejor. También es cierto que han grabado en los FINNVOX, bajo la producción de Mikko Karmila y la masterización de Mika Jusila. Pero todo eso no sería nada si detrás no hubiese una banda que lo estuviese dando todo. ¿Todo? Aquí han destapado el tarro de las esencias y han dado el 120%. Una banda, cinco músicos como los cinco dedos de una mano que se cierra en un puño y te revienta la cabeza. Así es DEATH & LEGACY y así es “Inf3rno”. “Pray”, sí, reza, reza, porque esto empieza bien, bien. El riff mantenido a medio tiempo, Thrashico, crujiente, una base rítmica que es el mazo y el yunque de Hefesto trabajando a destajo, los adornos melódicos de la otra guitarra, un tema electrizante que te pone a tono de manera inmediata. Pero sin darte tiempo ni a respirar, la banda sigue a saco con un atronador “Salvation”; atronador, sí, pero melódico y perfecto en su ejecución. En alguna otra review ya he comentado mi amor por los bajos gordos, esas líneas de bajo que tienen una presencia notoria, sólida, que parece que van a saltarte los empastes de las muelas. Pues ahí está “Insane”, pero eso no es todo, porque este tema es quizá el tema que me hizo enamorarme de este álbum. Tiene más gancho, más fuerza y más melodía en el estribillo que la discografía de mucha gente. ¿Y qué le pasa a Hynphernia en “Hellfire”? Esto sí que es fuego infernal, esto es la Lamia llorando por sus hijos perdidos, es Lilith abandonando el Jardín del Edén airada y reclamando sus derechos. “Dead Soul” es otro tema en la línea de “Insane”, sobresaliente en todos los aspecto: vocal, instrumental, metálico, melódico… Madre mía, si esto es lo que me espera en el Infierno, que me lleven ya. “Carna-

DEIFIED (GBR) ANTHROBSCENE AUTOEDITADO, 2020

DEIFIED son cinco tipos, enfrascados en esto de metalear desde 2013. Nativos de St Helens (Inglaterra) traen bajo el brazo esta especie de EP con alma de disco completo titulado “Anthrobscene”. Después de su álbum debut “Ascension” en 2015, han ido puliendo su propuesta y la verdad es que presentan un producto compacto y potente. La banda la componen Jamie Hugues en la labor vocal, Mathew Pike y Alistair Blackhall a las guitarras, con el bajo Tom Simm y a la batería Jordan Stanley Jones. Su guitarrista Mathew Pike ha cogido el material de la banda, lo ha producido, mezclado y masterizado, y cierto es que el chico se lo ha sabido currar y ha obtenido un gran sonido. El quinteto destila un aura a lo LAMB OF GOD, SYLOSIS y bandas de ese corte agresivo y pesado. Son rápidos y se mecen entre el trash y el metalcore. Si buscáis esos sonidos DEIFIED tienen una puesta a punto muy seria desde luego. El álbum podría decirse que es conceptual. Lo enfocan a la destrucción del planeta y la raza humana con la era digital como hilo conductor. Todo muy apocalíptico y a la vez muy crítico. “Anthrobscene” empieza muy futurista con su “Prelude”. Recuerda a alguna peli del espacio en el minutillo largo que dura. Buen anticipo y engancha con “ Dark Desires”, donde la velocidad se va alternando con ritmos muy pesados. Con un colorcillo oscuro y casi death metalero. Guitarras melódicas en un corte presentación total. “Broken Matrix” sigue la misma tónica con la mezcla de trash y death a toda mecha. Los riffs de las seis cuerdas tienen mucha melodía que contrapone a la voz súper cruda de Hugues. Continúan con “Enemies Within” con una intro bastante oscura que deriva en velocidad, otra vez trasheando a tope. Contundente y aplastante. Estos chicos destilan a veces un aroma a trash clásico que mola muchísimo. Esos ritmos sucios en plan BOLTTHROWER que te vienen a la cabeza son sólo otro atractivo más de los ingleses. “Intermission “ es una pausa donde resalta como una especie de guerra. Con bombardeos y caos. Le sigue “Apotheosis/Rebirth”, que es sin lugar a dudas uno de los puntos fuertes de álbum. Corrosivo y pesado a partes iguales. Se acelera con ese toque “Marca de la casa DEIFIED” y suena crujiente, aplastante y brutal. La voz de Jamie Hugues lo empaca aún más si cabe y queda redondo. “Blood Under The Bridge” se erige con una gran parte de guitarras. La voz una vez más a un gran nivel y jugando con distintos tonos, todo en la línea agresiva que la antecede. El tema es potente y oscuro y desde luego es otro momentazo de este “Anthrobscene “. Y acaban con “An Ode To Armageddon” que es un broche final de altura. Contiene todos los elemen-

tos que la banda británica ha regurgitado durante este EP. Es muy Trash, Death y melódico a la vez. Ese aroma clásico que se palpa le da un royo único, aunque el quinteto ha envuelto el álbum en un contexto futurista, y te vienen a la cabeza bandas de metalcore más actuales, eso está ahí y mola muchísimo. Ese crunch en las guitarras es un pasote. Baterías rápidas y voces áridas. Un disco para disfrutar y mover la cabeza.

CROWN son muy buenos y lo demuestran en este trabajo. EL GALLEGO 8.5/10

EL GALLEGO 8/10

DEMONHEAD (AUS) BLACK DEVIL LIES FASTBALL MUSIC, 2020

DEMISE OF THE CROWN (CAN) LIFE IN THE CITY AUTOEDITADO, 2020

“Life in the city” es el segundo larga duración de los canadienses DEMISE OF THE CROWN, banda con un nombre la mar de molón para los republicanos de pro. Bromas aparte, los de Montreal formados por: Manuel Iradian y Vince Doiron a las seis cuerdas, Kevin Alexander a la batería, Simon Doiron con el bajo y Darren Beadman a las voces; después de que en 2016 debutasen en la escena con su álbum homónimo, vuelven a la palestra con este cóctel de heavy, rock, power metal, metalcore y demás ramas endurecidas y toques pesados. Los muchachos, buenos hacedores de metal, completan un plástico del gusto de la mayoría a los que nos molen estos crujientes sonidos. Se dejan querer ellos y se curran unos buenos temazos, tocan varios palos y de paso contentan al grueso de los melenudos, calvos y demás fauna “Jevilona”. En plan Fanservice metalero pero del bueno vamos… El disco empieza como un tiro con “Dying Heat”, que es más heavy y power que el viento, y recuerda así a bote pronto a los IRON MAIDEN hiper ventilados y endurecidos, incluso en la voz, y te quedas un poco a la expectativa a ver por donde sale, entonces se desgarra y coge un royazo tremendo. Se montan unas partes de guitarras muy pesadas y redondean un buen corte sin duda. DEMISE OF THE CROWN son esto y mucho más. Le sigue “Sparks Fly” donde el amigo Beadman hace alarde de polivalencia vocal y pasa a recordarnos a un Mike Patton, pero con la banda a toda mecha en un momento power metalero cien por cien. Mención a las partes de guitarras que crujen de lo lindo con unos riffs tremendos. “GateKeeper “ baila de nuevo con las seis cuerdas de Iradian y Doiron, entre punteos de alto calibre y riffs magníficos. La batería suena aplastante y escolta la canción junto a la parte vocal, que se reivindica como punto fuerte de este “Life in te city”. Turno para “My Mind is free” que se colorea con toques orientales en plan “Las mil y una noches”, adornando junto a unos samplers uno de los cortes con más nivel del plástico. Los canadienses se marcan un tema cojonudo.

Cuatro años después de su álbum debut, “Bring On The Doom” (2015), el grupo australiano DEMONHEAD sacó a la luz “Black Devil Lies” en 2019 grabado por Chris Themelco en Monolith Studios. La banda está formada por Rue Power, (guitarra principal), Dave Lowes, (voz y guitarra), Dean Lewer, (batería) y Azz Mammoth, (bajo) y combina Heavy Metal, Hard Rock, Thrash Metal, raíces Punk Rock y una fuente inagotable de Stoner. “Black Devil Lies” supone el regreso de la banda. A lo largo de la gira del disco “Bring On The Doom” (2015), Dave Godfrey, (antiguo batería y actual miembro de MESHIAAK), abandonó el grupo. Durante la búsqueda de un sucesor, Rue Power tuvo problemas graves de salud que hicieron creer al grupo que no podrían volver a tocar, por lo que decidieron tomarse una pausa. Sin embargo, la salud de Rue mejoró en 2017 y Dean (antiguo miembro de Horizon´s Edge), ingresó en la banda. Por lo que el grupo retomó su trabajo con más fuerza que nunca. Y es que, ¿Qué mejor forma de plasmar tantos sentimientos que en música? Toda esa negatividad y esos pensamientos los han transmitido en “Black Devil Lies” mostrando un sonido pesado y oscuro. Desde el comienzo del álbum con “Against The Grain” se percibe esa sombra que ha marcado los últimos años de los miembros. Lo que vemos en “Rituals” o en “Children Of The Night” son riffts melódicos con una gran carga Thrash. En “Rituals” vemos esa influencia de grupos como PANTERA o METALLICA que tan bien defienden y mezclan con su propio sonido. “Zombocalypse” es uno de los ejemplos donde nos encontramos con una batería muy marcada e integrada con el grupo. Y lo cierto es que esa sensación así como la madurez y la pureza del sonido se ve a través de todos los temas. Pero si tengo que mencionar una canción de este disco, probablemente sería la homónima. Es la mejor muestra de un DEMONHEAD renovado y con ganas de darlo todo, de revivir su sonido con fuerza. Es un disco muy trabajado, hecho con muchas ganas y dedicación y que lleva a la banda a una madurez musical. Sin duda, tenéis que escuchar este “Black Devil Lies” porque es una auténtica joya.

“Wild life” es eso; salvaje. Un corte con reminiscencias death, con grandes solos de guitarra y un teclado por ahí refrescando el ambiente. Suena diferente y enriquece el conjunto de este trabajo.

ALICIA CASTAÑO 8.5/10

Le toca a “The Inmortal “ que se posiciona en plan himno metalero. Lo tiene todo desde luego y es épico a la vez que cañero. Huele a tema de puño levantado en sus directos. Continúan con “Glorious life”, “The rise & the fall” y “Fixated”. Tres cortes de metal contundente cada uno con un aroma diferente, con ciertos toques a PANTERA, las guitarras con un nivelazo de aúpa y la base ritmica sonando atronadora. La banda coge a más de un grupo conocido y cabeza de cartel de algún festi famoso, y los deja en bragas; suena mal, pero es que es así… Van cerrando con “Lightning strikes”, donde suben el nivel más aún si cabe, en el que es para mí el mejor tema del plástico. Grandes coros, riffs y ritmos hacen del él una pasada. Y acaban con el tema título “Life in the city” donde echan el resto y finiquitan a lo grande este discazo cojonudo. Manteniendo el listón muy alto y sonando frescos y personales, pero con ese toque a banda consagrada, compacta y potente. Corre como alma que lleva el diablo y métele una escucha pero ya! DEMISE OF THE

DESTRUCTION (DEU) BORN TO THRASH NUCLEAR BLAST RECORDS, 2020

En estos días extraños, que parecen no tener fin, la carencia fundamental y base del entrenimiento para muchos de nosotros son los conciertos. Está habiendo multitud de iniciativas por parte de los

artistas vía streaming y estamos quemando Youtube y videotecas rememorando grandes y pequeños eventos, pero aún así el síndrome de abstinencia hace estragos. El 1 de Mayo estaba marcado en mi agenda, DESTRUCTION venía a Madrid encabezando cartel en la segunda parte de su gira «Thrash Alliance», con la que seguírian rodando, después de su paso en Septiembre abriendo para OVERKILL, el magnífico «Born to Perish», discazo publicado el año pasado y del que poco se habló. Como era de esperar, el 15 de Marzo la gira se cancela y ese mismo día se empieza a trabajar en las oficinas carniceras en búsqueda de fechas alternativas además de la fórmula que palie el síndrome de abstinencia de la propia banda y sobre todo el de sus seguidores. El resultado es este «Born to Thrash», grabado el 10 de Agosto en el 25° aniversario del mítico Party.San ante sus compatriotas alemanes y tan solo un día después de la publicación de «Born to Perish». El formato de este festival extremo, para mí el ideal con tan solo dos escenarios, evita perderse grandes nombres y aglutina a la mayor parte de los diez mil asistentes en torno al escenario principal. DESTRUCTION relevaba a IMMOLATION sobre las 19hrs y empezaba a sonar la guitarra limpia que introduce el legendario «Curse the Gods», iniciando así una descarga de 53 minutos sin compasión, donde veinte años después mostraba sobre el escenario a la banda como cuarteto tras la incorporación de Damir Eskić como guitarra solista. Una primera parte del concierto un tanto fría donde suenan clásicos como la magistral «Nailed to the Cross», o la encadenación de himnos «Mad Butcher» + «Life Without Sense» entre los que se cuela la novedosa «Born to Perish» y cierra el single «Betrayal». Quizás estas dos novedades, o la ausencia de micros de ambiente, inspiran poca comunión entre banda y público, pero el buen hacer de Schmier y la embestida final que arranca mi «Total Desaster» seguida de «The Butcher Strikes Back» y rematada por las clavadas al milímetro «Thrash ‘Till Death» y «Bestial Invasion», vuelven a demostrar el espectacular estado de forma de estos dioses del thrash después de 35 años. 35 años dedicados al thrash más salvaje, ese thrash que camina por el sendero de la mano izquierda, sin alardes y humildad absoluta. No voy a entrar en muchos detalles sobre la grabación, como que el bombo de Randy Black no tiene pegada o que el bajo está poco presente, tampoco voy a ponerme pejiguero comentando detalles a nivel comercial como que es un concierto corto y con setlist festivalero sin «Eternal Ban» como acostumbro debido a mi deformación profesional. «Born to Thrash» es una grabación más que digna, repleta de clásicos archiconocidos y muestra fielmente que DESTRUCTION conserva la contundencia, velocidad y técnica de siempre, pero «Born to Thrash» es ante todo un tremendo gesto espontáneo de hermandad y empatía proveniente de una de las mayores leyendas vivientes del thrash mundial, un gesto que acerca un pasito más a Schmier, Sifringer y compañía al mismísimo núcleo del infierno donde gobierna un trono vacío en el que pone SLAYER, pero que ellos mismos se resisten a creer. El 11 de Diciembre respondo a este gesto, Vielen Dank DESTRUCTION. SCHEITAN 10/10

intitulado “The ground collapses”. Está siendo un año de parabienes para los que seguimos el Death/ Sludge, no solo por tantos nuevos discos de bandas legendarias, si no por las sabias maneras de conservar lo más básico de un estilo que, desde finales del siglo pasado, está anunciando que el futuro no pintaba nada bien. Un honor poder escribir esta reseña. Hablando de la parte técnica, del sonido que traen en este nuevo disco, nos encontramos con fraseos más oscuros, pero con ritmos que van intentando salir de un pozo. Los juegos de guitarra se pactan con una batería que repercute con un doble blastbeat constante que roza, por momentos, un estilo más bien melódico, pero con la furia y la venganza encarnada en una garganta que juega entre un profundo growl, y una voz más desgarrada. Repito un poco lo del futuro que no nos gustaba allá por 1990, años en los que las primeras cintas de esta banda pululaban por algunas radios más que Únderground, y hacían frente a un vacío social que te hacía pensar en un final cercano. Pues este disco, con tramos tan bien arreglados en el laboratorio de post-producción, me inspira más una esperanza, basada, claro, en formar parte de un ejército que está aquí para cobrar toda esa desilusión vivida hasta hoy. Esto al menos es lo que me genera una canción como “Killing to the last”, fabulosa apertura de guitarras inmisericordes que suenan al frente como si estuvieran solas, una batería detrás que te obliga a romperte el cuello, y al fin una garganta que va reclutando voluntades. Brillante. Estamos hablando de un disco con 11 canciones que no se basan en la velocidad si no en el buen tino de la ejecución de los músicos, donde el sonido es contundente pero naturalmente oscuro. Hay ciertas tendencias a ese primigenio Thrash Metal áspero, sin aditivos, con pequeños tramos de riff´s lentos y machacantes: muestra de esto son, por ejemplo, “The waiting” o “Hologram for the scum”. Quería resaltar la particularmente bruta “Soul destructor”, 3 minutos de furia y velocidad, donde la garganta se la juega en un diálogo con un demonio que obliga al cantante a merodear en un pig-squeal leve, pero efectista, siendo la mejor interpretación del vocalista en el disco. Esas canciones que por sí solas son capaces de derribar muros de Jericó. El toque místico, relajado y Sludge, llega de la mano de “Colder than ice”. Subrepticia, entra una batería cadenciosa que deja paso a unas cuerdas melódicas e inquietantes… El ritmo tranquilo va subiendo poco a poco, para terminar reventando con la banda entera sonando a miles de decibelios. El cierre del trabajo se divide en dos canciones que resumen el disco “Kill´s ending” es lenta, oscura y machacante. Mientras que “Depth of sorrow” es velocidad y pestilencia. La primera canción que escuché de DISBELIEF fue “Stranger in a stranger land”, allá por el 2002, de un tributo a IRON MAIDEN, los dejé marcados en mi casilla de “banda para escribir cartas a una distopía temerosa de mi persona”, intentando adivinar qué estaría haciendo yo cuando el Gran Hermano venga a buscarme. Parece que hoy me han llegado esas notas, llenas de buenas nuevas, como decía al principio, con este gran disco de Death Metal para acompañar esta puta nueva normalidad que nos quieren vender. Importante tener una banda de sonido para que cuando todo reviente tengamos un refugio interno. “The ground collapses” ya está en mi búnker. SEBASTIÁN ABDALA 9/10

DISBELIEF (DEU) THE GROUND COLLAPSES LISTENABLE RECORDS, 2020

Parece que se abre el cielo, parece que el momento llegó, imagino estar parado en lo alto de una colina, observando como todo alrededor cesa luego de un serio hito global. Una banda de sonido llena el ambiente con tanto Death Metal que solo resta abrir los brazos y dejar que algo ocurra. Así es la intensidad que despliega una banda que supo hacer un sonido propio y actualizarlo a medida que avanzan las épocas. Hablo del nuevo trabajo de DISBELIEF

DISSORTED (DEU) THE FINAL DIVIDE MDD / BLACK SUNSET RECORDS, 2019

“The Final Divide” es el larga duración debut de los germanos formados en 2004 DISSORTED, tras su EP “I” de 2014. Este trabajo salió al mercado el pasado veinticinco de octubre a través del sello Black Sunset. Ante nosotros nos encontramos con diez cortes repartidos en algo más de cuarenta y siete minu-

tos de un Thrash Metal envuelto en el Heavy Metal ochentero más clásico, pero no nos llevemos a engaños, esto es un disco de Thrash Metal y del bueno repartidos en los diez temas que componen este disco. El sonido de la producción conseguido por Jan Vacik y Florian Nowak en Dreamsound Studios es simplemente perfecto, un sonido cálido que le va como anillo al dedo a lo que nos ofrece el quinteto de Bavaria. El disco abre con “Aggressor-Protector” comienza con una breve intro que desemboca en una colección de riffs thrashers y directos a la yugular, pista perfecta para abrir el disco sin duda. A continuación llega “Deserter (Age of the Wall)” que es sin duda uno de los mejores cortes del trabajo, la cual va unida a la siguiente “Persecutor” otro gran tema de Heavy/Thrash como el anterior donde los coros le dan una fuerza y energía descomunal sin ser un corte asesino tiene su gancho. “The Plague” es un tema de Thrash Metal de corte pesado y machacón cargado de fuerza en el que la melodía de guitarra que se va repitiendo durante el desarrollo del mismo es la protagonista sin duda, más aun teniendo uno de los solos más flojos del álbum. El siguiente corte “Corrosion of Thoughts” es un corte muy en la onda del anterior en el que destaco las diferentes tonalidades en la voz de Mirco durante el recorrido del mismo. La siguiente pista “Leviathan” una canción en el que bajan el tempo en su composición sirve para el lucimiento musical de la banda, tema cargado de melodía pero escaso de velocidad a mí personalmente se me hace pesado al menos la primera mitad. Turno para “Bloodshed Divine”, la canción del disco bajo mi opinión, derroche de energía, base rítmica propia del Thrash de EXODUS y unos riffs afilados como cuchillas hacen del corte un auténtico trallazo.

los personajes esenciales de bandas como BLUTS AUS NORD y CHAOS INVOCATION y V.IT.H.R ha puesto la voz en SVARTELDER y NORDJEVEL desarrollandola, al igual que en este disco, con una gran influencia de grupos como MAYHEM o DARK FUNERAL.

una infernal carcajada eterna. Como si estuvieras ante un asesino caníbal de torpes recursos, pero que aunque parezca ridículo, tiene un cuchillo desafilado para limpiarte los intestinos antes de freírlos en mantequilla mientras mira “Mastercheff Celebrity”.

Volviendo al disco, “Wraths of Wraths” está compuesto por seis temas. La primera, “Shields of Faith”, ya nos sirve como presentación. Sonido oscuro, tintes noventeros que me recuerdan a esos grupos ya mencionados, MAYHEM y DARK FUNERAL, riffts pesados, voz desgarradora, …

Piezas puntuales que resaltan por sobre el resto se encuentran del ecuador del disco en adelante: “8.1.2. and life (Pitriffs gone wild)”, “I bless the slams down in Africa” (puede que la mejor del álbum) o “No ghey black metal!” son geniales, con estructuras rítmicas bien armadas, y de una brutalidad presuntuosa más acelerada por tramos, y de una densidad exasperante en otras partes. Simplemente brutal.

“Confess”, al igual que el resto de los temas, te deja sin descanso con sus gritos y sus potentes riffts. Le han metido algunas secciones que parecen sacadas de rituales satánicos. En “Seventh Seal” la batería me pone los pelos de punta. Parece tener la capacidad de ensuciar el sonido tanto o más que la propia melodía. Me gustan mucho el coro de voces disgustadas que parecen sonar de fondo mientras la guitarra lleva el camino del tema. “The Whore is the Temple” y “Cups of Anger” son los dos temas más oscuros y siniestros. Se desarrollan incasablemente y arrasan con todo lo que pillan sin dejarte ni respirar.

OSMOSE PRODUCTIONS, 2020

Álbum tras álbum, ENEPSIGOS ha intentado mostrar de lo que es capaz sacando a la luz un alma musical oscura, violenta y retorcida que se ha ido diseñando así misma hasta la actualidad. El 27 de marzo de este año, la banda noruega de Black Metal conformada por V.I.T.H.R ,(Voz), Thorns, (batería) y Rituul , (guitarra y bajo) dio a luz a su nuevo disco, “Wrath Of Wraths”. Si sois seguidores de la banda, solo tenéis que escucharlo para daros cuenta de que la evolución, (que ya venía prometiendo), está tocando un límite muy alto y que es más que probable que lo rompan con su próximo lanzamiento. Los que aún no conocéis a ENEPSIGOS y tenéis pensado hacerlo, (a los seguidores de Black Metal os lo recomiendo encarecidamente), vais a encontraros con un sonido crudo, oscuro y muy trabajado. Y es que, ¿Cómo no iba a ser así? Thorns, a la batería, ha sido uno de

JORGE DE LA CRUZ 8.5/10

ALICIA CASTAÑO 8/10

ENTER SHIKARI (GBR) NOTHING IS TRUE & EVERYTHING IS POSSIBLE SO RECORDINGS, 2020

Tras tres año, la banda británica ENTER SHIKARI vuelve al panorama musical con un nuevo disco de estudio bajo el brazo, esta vez editado a través de SO Recording. El álbum llega bajo el título de «Nothing Is True & Everything Is Possible» el cual está compuesto por catorce temas.

ENGUTTURALMENT CEPHALOSLAMECTOMY (USA) GLAM NOT SLAM

Llega a mis manos uno de esos trabajos en los cuales no hay miramientos, ni buena leche, ni razonamiento alguno para creer que la raza humana va a cambiar. Un total despliegue de Gore Brutal conceptual puro y lleno de irónico fanatismo: ENGUTTURALMENT CEPHALOSLAMECTOMY (¡Toma gíglico!) lanzan un larga duración en el cual dicen mofarse de los estereotipos del Death Metal: “Glam not slam”.

WRATH OF WRATHS

Sin duda, ENTER SHIKARI crean una propuesta de trabajo muy interesante, generando una mezcla de estructuras, bien colocadas, pero déjanos una mole de altibajos y mezcla de sonidos increíble. La gran apuesta que hacen por una mezcla imponente de baterías y electrónica y es muy acertada, cada vez la acoplan mejor, aunque, esta última, ya se ha convertido en su herramienta principal de composición, dejado en segundo plano a las guitarras. Un gran trabajo, con una apuesta diferente, con una variedad brutal, donde cada uno de los catorce temas tiene su alma y su encanto, y que para los amantes de este tipo de sonidos; es un disco imprescindible con el que disfrutarán bastante.

Poco más que decir que no diga el disco por sí solo. Si sois seguidores del Black Metal, ya estáis corriendo a escuchar “Wrath Of Wraths”.

GORE HOUSE PRODUCTIONS, 2020

ENEPSIGOS (NOR)

Para cerrar el trabajo nos dejan con casi tres minutos de “Waltzing off the Face of the Earth (II. Piangevole)” que comienza en lo más bajo, con una atmósfera de ópera, con sonidos naturales matizados con algo de electrónica, que poco a poco se anima, introduciendo múltiples sonidos con rasgaduras en las estructuras, dejando cortes interesantes. Este tema es una vuelta a la calma, después de trece temas de libre albedrío, cerrando así con estructuras muy leves y sonidos y voces livianos, pero que genera un punto interesante sobre como cerrar el trabajo.

Por supuesto, no acaba ahí. Enseguida comenzará la traca desmoronando el único minuto de aparente calma en todo el disco. Queda muy bien el sonido atmosférico que le meten, con una gran influencia noventera que parece remitirnos a esos primeros grupos de Noruega.

Y Para cerrar este larga duración nos presentan “Black Sea”, la cual podemos catalogar de balada/ medio tiempo cargada de emotividad y sentimiento tanto en la voz de Mirco Ebersold como en los solos de guitarra y melodías que salen de las seis cuerdas de Florian Schadhauer y Sebastian Stulz.

CARLOS BERMEJO 8.5/10

SEBASTIÁN ABDALA 7.5/10

La última, “Water and Flesh”, comienza con un sonido un tanto Ambient Metal y se le van sumando quejas de dolor y una leve línea de guitarra.

Vamos llegando a la recta final de este trabajo discográfico en el que encontramos “The Temple” tema que es otro puñetazo en la cara de Thrash y Heavy Metal e incluso me atrevería a decir que con alguna influencia de Power Metal, así como el puro Thrash en los menos de tres minutos de duración de “Picasso Warhead”.

En definitiva, nos encontramos ante un excelente trabajo de Thrash Metal al que la banda da su toque personal con sus grandes dosis de Heavy Metal, unos grandes músicos y una producción envidiable. Disco altamente recomendable sin duda.

ENGUTTURALMENT CEPHALOSLAMECTOMY se marca un muy buen disco de Slam-Gore-Death, que aunque se tomen en broma la temática, el discurso, o el ambiente, esto es solo en el libro, en las letras. Porque en cuanto al sonido, la brutalidad es muy buena, un buen disco para los que gusten de bandas nuevas de Extremo Brutal, y se diviertan con parodias del estilo en sí mismo… o acerca de sí mismos.

con muchos altibajos, consiguiendo un contraste alucinante, donde las voces y los coros ponen un broche increíble a una melodía que cuenta con un toque especial.

La apertura es una suave intro melódica, que nada tiene que ver con el resto del disco, donde desde la primera canción nos sumerge en un fraseo pútrido que se erige como gobernante del álbum entero; un gran Pig-squeal, profundo, cavernoso, sin variación tonal prácticamente, pero bien ejecutado. Pero la banda, que suena desde un escenario completamente hediondo y muy bien sonorizado, tira con una batería tan bien planteada, con blastbet que sí varían los ritmos según vaya variando la composición. Un buen bajo que parece estar tocando o con 6 cuerdas, o con una sola, con un cuerpecito de mascota robada, que va chorreando sangre espesa por el mástil. Pero todo muy bien orquestado. Aunque la batería y la voz estén al frente, las guitarras se las ingenian para soltar unos buenos riff´s, que marcan cambios de ritmo, entre extremo y algunos toques Core más que sugestivos y modernos. La banda se presenta como parodiando a los adoradores del Brutal por sus “paranoias mentales” y su acérrimo gusto por lo bruto, pero el trabajo volcado en cada una de las canciones es absolutamente preciso, casi quirúrgico, donde van recorriendo distintos pasillos de elementos clásicos del Death, el Black y, por supuesto un Brutal veloz por tramos, con ingredientes externos bien sumados a

Rou Reynolds en la voz gutural, programación, teclado, sintetizador y guitarra acústica; Rory Clewlow a la guitarra y coros, Chris Batten en el bajo y coros; y Rob Rolfe a la batería, percusión y coros; son los integrantes del cuarteto que fue formado en St Albans, Hertfordshire, Inglaterra en 2003, el cual cuenta ya con seis álbumes de estudio a sus espaldas. Comenzamos el trabajo escuchando “The Great Unknown” donde un piano leve nos abre, para poco a poco derivan en ritmos algo más agresivos, donde la mezcla de sonidos agudos con graves crea unos riffs bastante interesantes. Hacia mitad del tema suben la potencia, dejándonos con unos sonidos más potentes, donde la mezcla de batería y electrónica en la base genera una estructura perfecta para que el resto de composiciones creen su magia. “Waltzing off the Face of the Earth (I. Crescendo)” suena en cuarto lugar, apostando por estructuras más repetitivas y dándole mucho más protagonismo a la voz, que suena por encima de una pista electrónica dominada por sonidos agudos. Poco a poco van dándonos unos ritmos más intensos, hasta llegar a apostar por una instrumentación muy densa, que se funde en una mole de sonidos para acabar rindiéndose en sonidos cargados de trompetas. Sobre el ecuador del trabajo nos encontramos con “the pressure’s on” que nos presenta una base de ritmos electrónicos bastante enérgicos, con múltiples cambios y donde la voz, con sus respectivos efectos y coros, crea una atmósfera cargada de energía positiva. Dominan los ritmos tranquilos con un estribillo muy pegadizo, pero que poco a poco aumentan la fuerza, para concluir con unos ritmos electrónicos super potentes, apostando por unas estructuras artificiales muy movidas. Muchos temas más adelante, reproduciremos “satellites* *” donde las voces electrónicas es lo primero que nos encontramos, apoyadas por pequeños riffs electrónicos que aumentan su presencia conforme avanza el tema. Nos encontramos mucha potencia en las composiciones, dejándonos con estructuras muy variadas y movidas que derrochan libertad y un sonido alucinante. Juegan

EVOKER (AUS) EVIL TORMENT BLOOD HARVEST RECORDS, 2020

Desde Melbourne, Australia, nos llega la banda novel EVOKER. Formados en 2016, esta banda se caracteriza por hacer un blackened death metal con mucha esencia a macarra. Actualmente solo cuentan con dos publicaciones: una demo y el EP del que hablaremos hoy “Evil Torment”. Este trabajo sale publicado a finales del mes de mayo de 2020 bajo el sello discográfico Blood Harvest. EVOKER está formado por Hass al bajo, Eren a la batería y Merlin realizando las voces y con la guitarra. “Evil Torment” tiene una duración de veintidós minutos distribuidos entre seis cortes diferentes. “Evil Torment” suena sucio y arcaico. Da la sensación de estar invocando algo que lleva dormitando miles de años. Empezando con “From the Depths”, nos adentramos en la tormenta. Unas guitarras nos dan la bienvenida mientras que la batería es repetitiva pero consistente. El gutural de Merlin es muy raspado y te desgarra el alma. En “Old Evil” sacan su lado más blacker con unos riffs oscuros e impíos. Un solo de guitarra nos zarandea junto con el sonido de unas campanadas. La línea de bajo es brutal y destaca bastante tanto en este tema como en “Shackled to the Grave”. Siguiendo con “Exhumation of the Damned” nos encontramos con la mejor batería de todo el EP, con unos blast beats espectaculares que no nos dan un descanso. El gutural en esta pista es más profundo y oscuro que antes. En la segunda mitad, el bajo adquiere un sonido muy bueno mientras los riffs de guitarra van subiendo peldaños en una escalera de bestialidad. Sin duda, este es mi tema favorito de toda la publicación. “Sacrilicious Lust” sigue la misma estela que el corte anterior, aunque con un toque más macarrilla. “Parasomanic” es la carta de despedida de EVOKER, una gran forma de ponerle fin a este EP. EVOKER ha publicado un trabajo muy oscuro que sienta como una patada en la cara. La única pega que le pongo es que nos han dejado con ganas de más. Desde Necromance estaremos esperando nuevas entregas de los australianos, con la esperanza de que saquen un álbum pronto. MAKI PÉREZ JÁUREGUI 9/10

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de ritmo que ponen a prueba las artes de una batería que somete a la caja a un incesante primer plano que, en breves instantes, da paso a un doble bombo brutal. Mientras tanto la guitarra va machacando con inteligencia riff’s clásicos que, de la nada te sueltan en la cara unas escalas progresivas geniales. Sigue el paseo entre locura y algunos toques de oscuridad profunda que merodea en los pasillos de tu cabeza con juegos inquietantes.

EXHUMATION (IDN) ELEVENTH FORMULAE PULVERISED RECORDS, 2020

El 28 de febrero de 2020, Pulverised Records lanzó el tercer Larga Duración de los Death metaleros EXHUMATION llamado «Eleventh Formulae». Su alineación consta de los siguientes miembros: Ghoul (guitarras), Bones (voz). Los de Indonesia forman parte de esos grupos que ofrendan una ración sustanciosa de «Metal Muerto» a la vieja usanza. El disco en cuestión, rezuma maldad y oscuridad por los cuatro costados. Sin embargo, pecan de excesivamente sucios en cuanto a lo que a producción se refiere, convirtiendo su propuesta en un amasijo sónico que no será del agrado de todos. En líneas generales, las composiciones resultan asesinas e intensas. Lo que no me ha quedado muy claro, ha sido la razón de incluir dos cortes de carácter atmosféricos tan largos como «Formulae I: Malediction Bells» y «Formulae II: Ironheart Rapture». Con ellos, tan solo han conseguido romper la fluidez del trabajo.

La furia estalla incontenible en » Seventh circle» donde ya todo lo que resta es ser testigo de un duelo de infarto entre los instrumentos haciendo que en ningún momento se eche de menos una guía lírica. El tramo siguiente del trabajo ya explora más en algún experimento entre estilos y más virtuosismo de las cuerdas, desafiando un poco la lógica compositiva entran «Landbridge» o «Cut&Shut» rompiendo todas las reglas apoyados furtivamente en una violencia rítmica repetitiva pero acertada para jugar con matices interesantes en tu cerebro. «Continuance» suma decenas de arreglos que convierten en un ambiente paralelo al mundo «normal» del Metal Extremo, dejando chispas de una locura bien producida y puesta en andas sobre una guitarra imprescindible para convertir a FERMENTOR en una banda que pega muy bien con una dosis de anfetaminas, cascos a todo volumen y algún Block para dibujar sombras y misantropía. SEBASTIÁN ABDALA 8/10

precisión abrumadora los vocales más brutos con los coros más nítidos, mientras las guitarras dibujan una y otra vez melodías increíbles, que esto no es rascar las guitarras a tope de distorsión: se trata de crear atmosfera, de darle tensión y drama al tema… Y entonces sucede, uno de mis temas favoritos de los FLAT EARTH SOCIETY, llega “CC Chain” y no te voy a decir nada más, ¡si queréis descubrirlo, ahí lo tenéis! “Disarray” te arrastra en una corriente turbulenta de riffs, de base rítmica palpitante y con vida, de una interpretación sólida y honesta. Y esto es algo que hay que reconocerle a toda esa nueva pléyade de músicos que lo están haciendo de PM: buscan un equilibrio entre los estilos y las tendencias, y se puede ser abrasivo, sí, pero también melodioso; se pueden empujar los límites del Metal y no quedarse circunscritos a determinadas reglas (recordemos, que creo que ya lo he mencionado en alguna otra review, aquel obsoleto y arcaico mantra de “Si tiene teclados, no es metal”). Porque el disco cierra con otros dos trallazos como “The Gravity Paradox” o “Tortuga” (otro de los mejores temas de esta banda). Primer disco y los chicos de FLAT EARTH SOCIETYse graban este monstruo. Es indudable que han conseguido una fórmula y un sonido; y lo mejor de este disco y de ese sonido es que, en cuanto lo escuchas, te das cuenta de que no ha sido por casualidad, sino que hay trabajo e intencionalidad detrás de cada pista. Éxito asegurado y no por un golpe de suerte. Si no lo ves, es porque eres de los que piensan que la Tierra es plana y tienes el cerebro justo para pasar el día y no cagarte encima. CESAR LUIS MORALES 10/10

ritmos lentos pero potentes. Llegando al final nos sorprenden con las potentes baterías de “The Worst Part About Me”, donde nos dejan con unas estructuras bastante potentes, sobre las que nos dejan unas líneas vocales limpias, que van alternando su velocidad para amoldarse a una batería cambiante pero sólida. Durante todo el tema mantienen esa energía con la que comenzaban, terminando por todo lo alto con un puente rápido y conciso, que atrae unos sonidos agresivos y movidos. “Young at Heart” es el tema encargado de cerrar el trabajo, que nos abre con unos tonos muy eléctricos, para al momento dejarnos con la voz limpia que nos atrae con un tono tranquilo y sosegado que mantienen durante el primer cuarto del tema, donde pegan el salto a sonidos mucho más agresivos y contundentes, con una instrumentación muy sólida. Esta potencia desaparece al sonar la voz, que trae de nuevo la calma, que genera con pequeños cortes muy limpios. Cierran con calma, con una voz limpia que se rompe al instante para hacerse el silencio y terminar el trabajo. Los chicos de FOUR YEAR STRONG vuelven a la carga con un trabajo bastante intenso y sólido, que mezcla composiciones muy variadas, con unos ritmos bastante movidos y un sonido exquisito digno de una gran producción como esta. Han sabido solventar ciertos fallos o problemas que acarreaban en el trabajo anterior, dejándonos con un sonido más pulido y unas composiciones, que si no son demasiado variadas, si que cuentan con una muy buena intensidad, tanto las potentes como las lentas y suaves. Sin duda avanzan a muy buen paso, con un trabajo bastante completo y que merece la pena escuchar. JORGE DE LA CRUZ 8.5/10

Al leer todo esto, posiblemente estaréis pensando que la escucha del plástico me ha resultado todo un tormento. lo cierto y verdad es que no, aunque tampoco me ha hecho saltar de la silla de alegría, no sé si me explico. Las seis cuerdas son en todo momento funcionales. El chaparrón de riffs fluidos y descarnados es impresionante. Sin dejarse atrás las dobles armonías o los ataques de tremolo picking , no abusan de ambos recursos. Por otro lado, los solos tienen un exceso de wah – no teníamos bastante con Mr Hammett…- mas cumplen su función sin problema. Los registros vocales posiblemente resulten para más de uno de vosotros menos cavernosos de lo esperado. Lo que no se puede negar, es que son descarnados e iracundos hasta decir basta. Existe una clara tendencia a los up tempos dentro de lo que podríamos decir que es el apartado de la percusión. Digo esto porque los amantes de la celeridad quedarán satisfechos. Llamó mi atención de forma especial la letal «Blood Trails». Sus «hachas» os reventarán sin compasión. El Elepé que hoy os he reseñado ni cambiará la vida de nadie ni disgustará a los seguidores de la música radical. JESÚS MUÑOZ CABALLERO 6/10

FLAT EARTH SOCIETY (ESP) FRIENDS ARE TEMPORARY, EGO IS FOREVER ART GATES RECORDS, 2020

La intención de Colón de viajar desde España hasta Cipango (actual Japón) se sustentaba en la idea de que la Tierra era una esfera, por lo que daba igual ir hacia el Este (bloqueado entonces a los españoles) o hacia el Oeste (lo que le llevó a chocarse con América). Pero a pesar de los griegos ya demostraron la redondez de la Tierra, el Clero (¡como siempre!) y otros falsos científicos asentaron en el pueblo la idea de una Tierra plana. ¡Colorea y aprende con Teo! Y no os penséis que a pesar de saberse ya que la Tierra es un geoide, hay gente que no piensa todavía, en pleno siglo XXI, que la Tierra es plana. Hay evidencias científicas y luego hay gente que tiene el cerebro justo para pasar el día y no cagarse encima. Y luego, hay gente que tiene un sentido del humor sarcástico y mordaz y son como la banda que nos ocupa: FLAT EARTH SOCIETY que presentan su primer álbum y van de un sobrado que es reseñable. Primero, el nombre de la banda… En esta sociedad tan absurda y en la cual estamos viendo los defensores del terraplanismo o los anti-vacunas o… En fin, pues van ellos y se autodenominan así. ¡Con un par! Segundo, su primer álbum tiene un título que es otra bofetada: “Friends are temporary, Ego is forever”. Y por último, el contenido del álbum ¿vacuo, insulso, flojo…?

Si bien arrancamos a velocidad media con «The stench» lentamente la batería y la guitarra comienzan con infinidad de recursos bien armados para ir desgranando una idea bien conseguida.

Ya quisierais. “Pray” asalta tus temblorosas orejas con actitud, con 40000 riffs por estrofa… excelente y destacable trabajo el de las dos hachas, Carlos González-Aller y Guillem Rodríguez. Reminiscencias de NOVELISTS FR, TESSERACT o PERIPHERY… Si eso no te pone las orejas a mil, entonces sí, eres de esos que piensa que la Tierra es plana. “Ligma” sigue en la misma línea, increíbles guitarras, una garganta brutal por parte Daniel Correa, pero que también sabe cantar y que no es solo vomitar las entrañas en cada verso. Pero atención a la percutante velocidad de Alejandro Castro en “Danko”, que lo mismo te mete doble bombo, que te lo atresilla, que te mete semicorcheas, que golpes crosstick acompañando a los devaneos (¿flamencos?) del bajo de Jesús Espinosa… Poco más de tres minutos que te aceleran las pulsaciones hasta el límite.

«Thunderboss» larga ya con violencia y cambios

“Legfist” es otra obra maestra donde mezclan con

FERMENTOR (USA) CONTINUANCE AUTOEDITADO, 2020

«Continuance» es el nuevo disco del dúo/banda FERMENTOR que rompe de nuevo los moldes del Metal con un veloz trabajo que combina la velocidad impertérrita del Thrash con buenos artilugios del Death más típico y esos maravillosos toques Técnicos que te obligan a no despegar oído a la espera de no perder detalle.

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FOUR YEAR STRONG (USA) BRAIN PAIN PURE NOISE RECORDS, 2020

Los estadounidenses FOUR YEAR STRONG lanzan al mercado su séptimo álbum de estudio. Como los dos anteriores, este viene editado también a través del sello discográfico Pure Noise Records. Doce temas se encargan de dar forma a este nuevo álbum que lleva como título “Brain Pain”. Formados en 2001 en Worcester, Massachusetts, el grupo está compuesto por Dan O’Connor a la guitarra y voces al igual que Alan Day, Joe Weiss al bajo y Jake Massucco en la batería. Comenzamos escuchando “It’s Cool” donde potentes riffs de guitarras nos dan la bienvenida, dejándonos con una estructura bastante sólida, que se complementa con una voces limpias en diferentes planos que consiguen generar sensación de profundidad. Poco después nos sorprenden con unas estructuras mucho más agresivas, donde las guitarras aceleran el ritmo y la combinación con una potente batería, nos deja con un tema que en líneas generales se torna bastante potente. En “Crazy Pills” nos encontramos de primeras con una mezcla de guitarras y batería bastante interesante, donde la agresividad corre a cargo de las seis cuerdas, que nos dejan unos sonidos bastante potentes. Van alternando entre estructuras pesadas y otras más livianas, dejando pequeños cortes donde la voz queda desnuda y sin instrumentación, consiguiendo un buen contrapunto. Los altibajos que consiguen son bastante equilibrados, dejándonos con buenas partes agresivas, donde el bajo juega un papel importante en estas partes, con un sonido bastante potente y sólido. “Brain Pain” es el tema que da nombre el trabajo, en el cual nos dejan con unos primeros riffs super agresivos, donde las guitarras tienen un sonido grave muy potente, sobre los que suenan la voz limpia con ciertos toques guturales que crean aún más potencia. Poco después pasan a dejarnos con unas estructuras donde prima la velocidad, sorprendiendo con una batería que genera una pegada bastante rápida. Entremezclan estas dos partes, llegando a alterar la estructura con unas composiciones super lentas, donde la instrumentación toma mucho protagonismo, dejándonos con unos

FROM UNDER CONCRETE KINGS (USA) MODUS EXODUS AUTOEDITADO, 2020

Los estadounidenses FROM UNDER CONCRETE KINGS lanzan al mercado su segundo EP, autoeditado y la que han llamado “Modus Exodus”. Formados en Massachusetts, el grupo está compuesto por Joseph Izayea en la voz, Josh Previte al bajo y Freddy Velasco en la batería. El primer tema que escuchamos es “Destroyer” que comienza llenando la atmósfera de sonidos, creando ambiente para poco después darnos unos riffs super potentes que llegan de momento, generando unos ritmos muy contundentes y pesados. En la línea vocal nos dejan con una voz gutural super potente, que se torna en voces limpias cuando los ritmos cambian amoldarse a unas estructuras donde dominan unos sonidos mucho más melódicos, consiguiendo un gran contraste. Cortan de repente con potentes ritmos que continúan en “Self-Terminate”, donde la agresividad del bajo es palpable desde el segundo uno, donde la mezcla de este con potentes baterías, nos deja con una base instrumental super agresiva, perfecta para soportar los pesados riffs de las guitarras. Un tema bastante contundente, cargado de composiciones bastante agresivas. En “Grim Satisfaction” nos encontramos con unas estructuras mucho más densas, donde la potencia reina con unos potentes y rápidos riffs, que nos deja con unos sonidos mucho más contundentes. Crean una atmósfera mucho más oscura, generando voces guturales muy agresivas y oscuras, que se entremezclan con composiciones muy agresivas que apuestan con por sonidos graves en todo el conjunto del tema, rematando con breakdowns potentes y profundos que dan paso a “Snakecrusher”, último tema del álbum en el cual nos topamos con unas composiciones que apuestan por la velocidad, dejando un poco de lado, ese tono oscuro que nos encontramos en el tema anterior. Generan ritmos muy rápidos, donde las voces se acoplan

perfectamente a esa velocidad, entremezclando voces agresivas con limpias, pero siempre a una velocidad de vértigo. A pesar de apostar por la potencia, en la última parte del tema, abogan por composiciones más melódicas, con solos de guitarra bastante agresivos, y voces limpias que son acompañadas por unos potentes riffs, generados con sonidos más agudos, creando un contraste excelente, muy diferenciado y perfecto para acabar este trabajo. Este nuevo EP de FROM UNDER CONCRETE KINGS es un trabajo bastante contundente, cargado de ritmos y sonidos agresivos, apostando por una mezcla de velocidad y potencia que les hace tener cuatro temas muy buenos. El contraste que crean con las mezclas de composiciones potentes con las melódicas es toda una maravilla, siendo capaces de ejecutar de manera excelente ambas partes de las composiciones para dejarnos con unos riffs muy variados. Quizás en ciertos puntos de la producción flaqueen algo más, pero es algo que solucionan con las buenas composiciones con las que nos deleitan. Sin duda un EP corto, pero bastante agresivo, que sin duda es una muy buena antesala a lo que está por venir. JORGE DE LA CRUZ 7/10

GAYLORD (GBR) WINGS OF THE JOYFUL BLACKENED DEATH RECORDS, 2020

Richard Alan Weeks, el hombre detrás de la banda unipersonal GAYLORD, siempre ha acostumbrado a tirar del humor negro y la parodia en sus proyectos paralelos -y también unipersonales- como A CONGREGATION OF THORNS, CARNIVOROUS FOREST y la hilarante OLIVIA NEUTERED JOHN. Asímismo, este humor en las letras tenía como objetivo el feroz ataque al fascismo y la homofobia usuales del NSBM. Sin embargo, en “Wings of the Joyful” nos encontramos un trabajo que aspira a ser más serio tanto musicalmente como en sus letras, mucho más crudas y dentro del standard de un Black/Death más épico. Esto se refleja en el buen comienzo del álbum, una intro de no mucho más de un minuto seguida de un tema que recuerda ciertamente a SATYRICON en muchas partes, incluso en su pegadizo -y líricamente agresivo- estribillo. Estas influencias siguen al siguiente tema, “Devils from the Black”.

FUNERALOPOLIS (SWI) ...OF DECEIT AND UTTER MADNESS MEMENTO MORI, 2020

Formados en 2009 bajo el nombre de HUMAN WASTE, este cuarteto suizo nos ofrece un brutal ataque de puro y autentico Death Metal, adornado con muchos retazos del más pesado y denso Doom, y que para nada sigue una línea verdaderamente europea en su vertiente musical, ya que FUNERAROPOLIS tienen sus bases en el antiguo Death Metal yanqui, pensemos en bandas como INCANTATION, MORPHEUS DESCENTS, CEREMONIUM, SOLEMN o, incluso, DECREPIT. La música que estos cuatro bestias nos obsequian en este “Of Deceit and Utter Madness” es una avalancha sónica de maldad, pesadez y contundencia, con un Death Metal de una brutal factura, lo que hará las delicias de todos aquellos que disfrutan con las bandas que todavía mantienen la esencia de las bases fundamentales del género, aquí no esperéis por una técnica depurada y riffs extremadamente enrevesados, sino que esto versa más de ofrecer grandes riffs y atmosferas muy siniestras y oscuras, lo cual lo logran a lo largo de los diez temas que nos ofrecen en este álbum debut. No es que los temas fluyan a una velocidad realmente elevada, sino que la banda se mueve a la perfección en los medios tiempos, acertadamente aderezados con otros riffs más veloces y que son acompañados por una batería realmente asfixiante. Así temas como el inicial “Crawling Caskets”, “Downfall”, “Devouring Crypts of Darkness”, quizás algo más lento, o “Into Unknown Kadath”(con algún riff Black Metal) son verdaderas odas al estilo que la banda práctica. “Witchcraft Horror” también añade algún que otro riff cercano al Black Metal, que si bien no desentona aporta algo de variedad en el global de esta brutal obra. He de reconocer que es un álbum que me ha sorprendido positivamente, ya que no me esperaba ocho temas (ya que dos son instrumentales o ambientales como la Intro inicial y el séptimo tema “… Of Deceit and Utter Darkness”) con semejante ataque a un estilo que sí bien está ya muy manoseado, FUNERAROPOLIS han logrado ofrecer algo interesante, está claro que originalidad no hay, pero sí que está todo muy bien grabado, compuesto y tocado con la actitud y sonido apropiado, lo que le da mucho a favor, ya que un oyente deseoso de esta música va a agradecer. Sin duda, si el estilo es el tuyo, no dudes en hacerte con él y disfrutar de este buen álbum. LUIS MARTÍNEZ 7.5/10

En “Hunger” nos encontramos una velada crítica al neocapitalismo decadente de las grandes urbes, y es musicalmente un impass caracterizado por un medio tiempo de corte pesimista; desafortunadamente, debo admitir que la voz no acompaña a lo que podría ser uno de los mejores temas del álbum. Simplemente, no está a la altura. “Borne from Inferno Wings” nos trae un tema más purista, más dentro de los estándares del Black/ Death, pero aquí Mr. Weeks pone su particular sello de parodia, puesto que en el estribillo tiene la ocurrencia de mostrar una voz de lo más Heavy ochentero (¿?), que más que resultar refrescante o tener el efecto humorístico deseado, echa un poco por tierra otro tema que por otro lado habría sido bastante redondo. En el ecuador del álbum nos encontramos quizá el mejor corte de “Wings of the Joyful”, con “Godless Universe”, un extenso tema que contiene unas gotas de piano que añaden colorido a toda la orquestación de la pieza, unos cambios de ritmo muy acertadamente pensados y encajados en la estructura, y un tono bastante serio y maduro que hacen de este tema instrumental una escucha muy a tener en cuenta. Pero “Wings of the Joyful” no está pensado, ni mucho menos, como un álbum monocromático. Es un prisma de varias influencias, varios estilos, que arriesga mucho en caer en la autoparodia, mientras otras veces flirtea con la epicidad o los tonos más grises y existenciales. Del ritmo violento salpicado con algún punteo estratégicamente encajado en el tema más Death del álbum, “Thorns from Below”, volvemos al crisol de estilos y experimentación con “Odd”, un tema que es un tiovivo entre su principio de corte Goth -sí, he dicho bien, a mis oídos llegaron vagas reminiscencias de THE 69 EYES, con una voz acorde- , pasando a una mitad del tema que recuerda a PARADISE LOST, para rematar con un ritmo muy a lo SIX FEET UNDER. ¿Se ha vuelto loco Mr. Weeks con esta bizarra mezcla? No, esto es sencillamente GAYLORD. Volvemos a aterrizar con un golpe de efecto brutal y corto en “Silencing the Voice of God”, y en “Circle of Spears” de nuevo tenemos otra ración de la bipolaridad de GAYLORD: al principio es como si Till Lindemann y sus esbirros se hubieran tragado una buena ración de anfetaminas, para continuar con una base de nuevo muy a lo SIX FEET UNDER, con unas letras que, esta vez sí, son un ataque frontal y una amenaza a la ideología de extrema derecha. Para cerrar el disco tenemos el tema homónimo, “Wings of the Joyful”, que vuelve a tirar de manual Black/Death y letras cargadas de un espíritu de resiliencia frente a la adversidad, un ligero brote de esperanza que supone el broche final. GAYLORD muestra en este LP su lado más madu-

ro y serio, aunque en ocasiones arriesga demasiado en caer en la parodia. También parece no haber marcado aún un rumbo definitivo en cuanto a estilo. Un álbum con demasiadas luces y sombras, no obstante, es una escucha muy curiosa.

este periodo entre glaciaciones, habitamos en una era de trabajos vacuos e insulsos; pero es ahí donde los franceses apuestan por la era del hielo, por las glaciaciones sónicas, y ¡nosotros encantados! CESAR LUIS MORALES 8.8/10

JUAN ROBLEDAL 6.5/10

GLACIATION (FRA) ULTIME ECLAT OSMOSE PRODUCTIONS, 2020

A pesar de los últimos cambios climatológicos y del preocupante efecto del calentamiento global, la Tierra se regulará ella sola. Eso sí, acabará con nosotros y una vez que se haya desecho de su principal problema (el género humano) se recuperará y entrará en su siguiente fase, que será una próxima glaciación. ¡Colorea y aprende con Teo! Porque lo que estamos viviendo ahora es un periodo entre glaciaciones. La última fechada, la Würm se inició hace unos cien mil años y finalizó hace unos 10000 (la Edad de Hielo de las pelis de animación). Lo que en la cronología de la Tierra es hace un rato, vaya. Así que, en lo más crudo del invierno, piensa que estás más calentito que el homo sapiens que se movía por aquellas heladas extensiones. Puedes también escuchar el “Ultime éclat” (tanto tema como álbum) de los franceses GLACIATION. Porque el tema de apertura es un trallazo de Black Metal como nos gusta, bien noruego, bien gélido, con un Hreidmarr vomitando puro dolor existencial en cada verso, acompañado por una banda que se ha incorporado al proyecto hace dos años. Pero, ojo, ni una fisura, ni un pero se le puede reprochar a la interpretación. Como en el siguiente tema, “Le rivage”, donde aparte de la brutal muralla de sonido, emotiva y hermosa en su agresión, contamos con unos juegos vocales shriek/limpio a pachas entre Hreidmarr y Arnhwald (también guitarrista y teclista). Y esa (entre otras muchas virtudes) es una de las grandes cosas que nos ofrece el BM. Que podemos disfrutar de las voces de Garm mientras el resto de ARCTURUS desgrana su artillería Avant Garde o como ICS Vortex le da la réplica a Shagrath en DIMMU BORGIR. Y la misma dinámica se mantiene en el siguiente tema, “Et puis le soufre”, con su intenso desarrollo hasta que estalla a partir de la segunda mitad y es, en efecto, azufre sónico. “Acta est fabula” cuenta con una serie de subidas y bajas en plan montaña rusa, con un interludio central recitado y un final desolado con el piano de Katia von Wasgau que te deja… Huérfano, diría que es la palabra. Están ahí: las ideas, la agresión, la interpretación y el tema me deja la sensación de no haberlo comprendido. ¡Cagüen! “Ce qu’il y à de chaos”, por el contrario, sí siento como va creciendo, como va entrando el teclado, como el tema combina la vieja escuela con las nuevas sonoridades, aquí sí me resarcen del tema anterior (cómo acabarán las cuerdas vocales de Hreidmarr, eso ya es otro misterio). “Vers le zéro absolu” es otro temazo que aúna elegancia, parsimonia, ambiente, demostrando el poder de la escuela francesa del Black, y porqué es una de las mejores canteras de los estilos extremos. Lástima que ante el muro sónico de las guitarras, los teclados han quedado casi difuminados en la mezcla del tema (hay que estar muy atento para percibirlos en la mitad, aunque luego, en el final del mismo, cuando se rebaja la agresión, sí podemos apreciarlos en toda su justa y melancólica medida). Y, por supuesto, la tristona despedida de “Les grands champs d’hiver”, un piano desnudo y una coda, un nocturno de Chopin, un movimiento de aire que arranca el último pétalo a una rosa mortecina… El cierre, también, perfecto. Una mezcla un poquito más alta para las líneas de bajo y de los teclados habría hecho ganar varios puntos al resultado final. Muchas (muchísimas) luces y alguna sombra. Una nueva demostración del poder de GLACIATION. Tercer y magnífico opus de una banda que, como ya he dicho, viene a confirmar la grandeza de la escuela francesa en lo que a Black Metal se refiere. En

GLOOM (SVK) AWAKEN SLOVAK METAL ARMY, 2020

Es curioso ver como el corazón, que no deja de ser un músculo bastante potente que mueve a lo largo de nuestra vida la vital sangre, también tiene, dentro del ámbito poético e ideal, otras funciones. Cuándo algo es el centro de todo, es el corazón de esa cosa; cuando uno pone todo su empeño en un oficio, le pone corazón; cuando uno es emotivo, le pones corazón a las cosas. ¡Colorea y aprende con Teo, el cardiólogo! Hablo de corazón, porque hay gente que, indudablemente, pone el corazón en todo lo que hace. Porque un estilo ya no siga siendo un estilo más mayoritario o esté más o menos de moda, no significa que no se sigan grabando buenos discos. Tal es el caso del “Awaken” de los eslovacos GLOOM. La banda se dedica a facturar un híbrido de Goth Rock y Metal que, como ya he dicho, a pesar de que no es el momento más boyante para dicho estilo, se nota que está hecho con el corazón. El “Awaken” es como es porque es lo que la banda quiere grabar, es lo que les sale de dentro y es lo que han grabado. “Feel the Pain” abre con un riff potente acompañado con unos teclados juguetones; en seguida se te van a venir los HIM a la cabeza. Una banda perfectamente ensamblada y lubricada va avanzando en cada compás. La voz de Martin Pazdera es perfecta para el estilo, sobria, aterciopelada… como un Nick Holmes o Fernando Ribeiro menos amedrentador. Y para este tema, que es un trallazo, con una base rítmica brutal (Radoslav Priputen a la batería y Miroslav Mal´covský al bajo) cuenta con la colaboración de la vocalista Marcela Jurčenková, que realiza un trabajo esplendido cada vez que aparece en alguna de las pistas. “Everything Ends” cuenta con los mismos elementos que ya he descrito, un combo vocalista como LACUNA COIL, pero sin la voz rasposa de Andrea Ferro, una correcta instrumentalización se va por derroteros más melancólicos hasta que brilla en los estribillos. La sombra y la luz. Incluso se atreven con una versión de los fineses SENTENCED, “Bleed in my arms”. Si antes hablaba de contrastes, de sombra y de luz, GLOOM lo hace de una manera muy convincente en el siguiente tema, “Fragments of Life”, melodioso cuando corresponde, potente, melancólico, épico en los solos, contenido en la interpretación, redondo en su resultado final… Las cosas que están hechas con el corazón es lo que tienen. Lo mismo le pasa a la frágil y delicada “Broken”, un gran tema, conciso y sin grandes aspavientos ni cosas raras, que va desapareciendo como las brasas de un fuego con la voz a capela de Pazdera… Pero volvemos a recuperar pulso con los siguientes temas. Porque “Hollow” retoma el ritmo con esos medios tiempos en los que se puede desarrollar un tema con un enorme gancho en los estribillos (y el músico que se ha encargado de los teclados, que ha realizado un trabajo espectacular a lo largo de todo el “Awaken” – cada vez que entra, les da una luz y un juego a los temas dignos de elogio). “Lovecry” es de una sinfonía melancólica y orquestada con una candencia magnífica, que enlaza perfectamente con “Epilogue”, aunque este introspectivo tema no brilla tanto como el presente. Como para resarcirse, la banda ataca el último tema del álbum, “Noose”, con fiereza y determinación, ramalazos del Goth Punk y guitarras metálicas para cerrar este “Awaken”. Y ahí te lo han dejado GLOOM. Nueve temas de Goth. Sí, ya lo sé, hace años que el Goth no está de moda. Pero es que hay bandas que no hacen las cosas por o para estar de moda; hay bandas que hacen las cosas porque les salen del corazón. Y

cuando es así, ¿qué más da el estilo, o si está de moda o no? Es Goth, es GLOOM y es “Awaken”. Es lo que necesitas saber. CESAR LUIS MORALES 8.2/10

GÖDEN (USA) BEYOND DARKNESS SVART RECORDS, 2020

Desde Svart Records, nos llega el debut de una de sus últimas incorporaciones, los norteamericanos afincados en Nueva York, GÖDEN y su álbum de doom metal, “Beyond Darkness”. Este nuevo combo, renace de las cenizas de WINTER, creado por Stephen Flam, que se reinventa en este nuevo proyecto a través de un viaje existencialista, que abandona el pasado y mira hacia el futuro, para adentrar al oyente en un mundo de oscuridad, donde las canciones se desarrollan en bloque, mientras las voces cantan, pero parecen más narradas, como un contador de historias omnisciente que nos acompaña en un mundo de pesadillas, alternando cortes musicales, con pequeñas narraciones, elevando el numero de canciones a casi una veintena. El álbum, está desarrollado alternando pequeñas narraciones e interactuando con temas doom, oscuros y pesados, pero con un toque de lucidez otorgado por las guitarras de Stephen Flam, que se esconde tras el seudónimo de Spacewins; dichas narraciones son habladas por Tony Pinnisi o The Prophet of GÖDEN, encargado de los teclados y ambientaciones, para cerrar el trío con Vas Kallas como NXYTA (Goddess of Night), quien pone su voz femenina rasgada y grave al servicio de una aventura inquietante, iniciada por la instrumental “Glowing Red Sun”, una maravilla doom creada por unos riffs pesados y lentos, acompañados por unas atmosferas inquietantes y un solo de guitarra que comanda y guía nuestras almas, para llevarnos hacia “Twilight”, y su denso caminar, que lo mantendrán a través de todos sus cortes, pareciéndose algunos demasiados entre si, donde juegan con tempos pantanosos y muy matizados. “Kom Susser”, tiene un aire más macabro, otorgado por los teclados y la voz de Val, limpia y misteriosa, digna de cualquier novela gótica, que desvelará nuestros mejores sueños en uno de los cortes destacados del álbum. Esa dualidad vocal, aparece en “Genesis Rise”, mezclada con unos riffs hipnóticos, que nos machacan una y otra vez, adentrándote en un éxtasis continuo, pero que versa y varia en otros temas más oscuros y centrados en atmosferas densas y oscuras, donde toma el relevo los teclados, hablamos de la espectral “Dark Nebula” o la instrumental “Thundering Silence”. Hablar más de otras canciones, seria redundar en lo mismo, pues es un álbum muy compacto, que se mantiene a lo largo de unos 70 minutos, en una tonalidad constante, con las variaciones que os he mencionado, donde el doom metal más clásico y denso da riendas a un álbum con pocas variaciones y que redunda como un monolito sónico, en bloque, que personalmente se me hace un poco denso. JUAN ANGEL MARTOS 6.5/10

HASSWUT (ESP) ATOMKRIEG

ART GATES RECORDS, 2020

DEADLY BLACK SUN

No sé si habéis escuchado alguna vez a un alemán hablar. Hay una idea preconcebida de que es un idioma muy áspero, pero yo he escuchado a alemanes hablando y no es tan abrupto como parece. Sí, tiene sus cositas y sus palabras aparentemente interminables como Nahrungsmittelunverträglichkeit (indigestión alimentaria), pero luego es un idioma de lo más interesante. De este modo, dispone de términos como el doppelgänger, zeitgeist o Zugzwang (el significado y tal, eso ya os lo dejo como deberes) ¡Colorea y aprende con Herr Teo!

INVICTUS PRODUCTIONS, 2020

Otra de las palabras que saltaron del idioma teutón al resto de los idiomas fue el de la tristemente conocida como guerra relámpago, Blitzkrieg. Pues así atacan la gente de HASSWUT (si al traductor de Google no se le ha ido mucho la pinza, odio), con este álbum “Atomkrieg”. Y si ya has buscado los términos de antes, en cuanto escuches como abre este disco, con “Der radioaktive Mann”, enseguida pensarás que esta banda son los doppelgänger de los alemanes más conocidos actualmente en la escena musical, RAMMSTEIN. Pero aparte de las obvias similitudes (cantan en alemán, meten industrial a saco…) son las diferencias lo que hay que señalar y lo que les beneficia a los de aquí. Olvídate de la base rítmica y la guitarra de “Scheisse” y sigue atentamente toda la electrónica. Hay aquí más variación y más modulaciones que en toda la discografía de los teutones. Y dicho está. Lo siento pero es así. Los alemanes son buenos en lo suyo: riffs secos, cortantes, bases rítmicas sólidas y contundentes, pero automatizadas, 4/4, y pa’lante… y eso está bien, porque es lo que buscan, dar esa sensación fría y maquinal. HASSWUT (sí, lo reconozco, me volvieron loco desde la primera nota) van por otro rollo y es, otorgarle a la música electrónica de una organicidad de la que adolecen los alemanes. Hay palpitaciones en “Vorwärts”, hay electrónica, hay electro-dancemix-hard-core-bodas-y-comuniones-cardio-box… Me dan ganar de destrozarme el cráneo golpeándolo contra las paredes. Al igual que “Atomkrieg”, la densidad de la mezcla es abrumadora, pero aquí los amigos lo hacen fácil, y con un estribillo que hará que las salas donde toquen se vengan abajo. Y lo que más mola de una banda como HASSWUT es que son tres mentes (¿brillantes o perdidas? – eso está por determinar) que han unificado fuerzas para crear esta amalgama de industrial, electrónica y metal. No por nada, el vocalista Daniel NQ y el guitarra (y programación) Javix vienen de la banda industrial MIND DRILLER. Zufo (de MutantE Records) se encarga de añadirles las teclas. Y no hace falta más para montar un barullo y una gresca sónica de cojones. Y también es cierto que, de la parte no metálica, se derivan hacia los sonidos más electrónicos y menos industriales, pero que como ya te he dicho, ¡una gresca de cojones! “Die Macht” te causará más daño cerebral que haber vivido la Ruta Destroy en los 90’s. Y por si eso fuera poco, “La Purga” es un trallazo en español con una síncopa de caja enloquecedora (¡pídele eso mismo a Flake Lorenz!). “Der Weg” tiene un muro de guitarra que sí, que es puto RAMMSTEIN, pero, aunque sutiles, hay diferencias de base con HASSWUT, al igual que en “Rette mich”, las melódicas líneas de teclados, los estribillos. “Angstlos” es de una epicidad desbordante y orquestal, aunque también oscura y triste. Y para cerrar, “Dreck”, bien saturadito, bien acelerado, con ese ritmo espídico, machacón… “Ojo por ojo, diente por diente…” Así que HASSWUT te han engullido de un solo bocado, te han digerido y te han regurgitado, te han vuelto a escupir hecho un guiñapo. Reconócelo. Ahora que te venga cualquiera a decir del industrial alemán, y de esa banda berlinesa; míralo con desdén y dile ¡Ah, es que yo soy más de HASSWUT! Lo habrás dejado en un Zugzwang. CESAR LUIS MORALES 9.5/10

HEAD OF THE DEMON (SWE)

Aparece un nuevo disco de la banda sueca HEAD OF THE DEMONS. Un trabajo que rompe con 4 años de silencio y ha sido anunciado con bombos y platillos pero, tal vez, el concepto y la búsqueda de experiencias hayan hecho un poco de mella en el desarrollo de una obra monocorde en sí… que no ofrece variedad, fuerza, creatividad o sangre de rituales negros. «Deadly Black Doom» es un registro de ideas densas, con poca profundidad que, aparentemente, buscaba cierta magia trepidante que no hemos podido encontrar.

Heretical Triumph” posiblemente uno de los temas más flojos del redondo, en donde predominan las partes a medios tiempos.”Desecration Paradigm” comienza en una línea muy monótona para partirse en la mitad y mostrar alguna ligera influencia de Black Metal en su forma más primigenia. Para finalizar tenemos “Ruination Sacrifice”, después de una pequeña introducción regresan a la carga con riffs pesados y pantanosos repetidos en bucle una y otra vez. Si eres fanático del death Metal más primitivo y pesado no dejes de escuchar este trabajo. MARK BERSERK 6/10

6 canciones de extensión proclive a una repetición atmosférica que no termina de convencer. Si bien la propuesta intenta abrasar desde un mundo cercano a ciertas dotes propias del doctor Mesmer… la cadenciosa y monocorde interpretación de la banda llega mejor al sopor más que a la revelación mística. Si bien uno no espera grandes variaciones rítmicas o cambios de registro en el Black Metal, la lenta y, a veces, pretenciosa elaboración de pasajes que ni siquiera suben de volumen hace complejo hallar esa magia hipnótica que hacen referencia en la previa al lanzamiento. Como aspecto positivo y de relevancia podemos decir que «St.Cyprian» sí se acerca a algún inquietante tramo pérfido de un Metal de oscurecimiento crepuscular… pero lamentablemente el resto del disco, si bien es verdad que suena muy trabajado, no termina de explotar… o implotar… o mostrar algún trabajo técnico que pueda hacer temblar un poco las figuras diáfanas de Santos conversos e iluminados. Una pena, desde mi corto entender, no poder recomendar este disco nuevo de HEAD OF THE DEMONS… Si bien se nota un trabajo que busca experimentar con sonidos, la carencia de variaciones y ritmos agresivos hacen que «Deadly Black Doom» no termine de brillar… salvo por el esfuerzo de una batería que tiene más presencia en solitario que en el conjunto. SEBASTIÁN ABDALA 5/10

HEGEMONY (USA) ENTHRONED BY PERSECUTION HELLS HEADBANGERS, 2020

Directamente desde Alabama (Estados Unidos) nos llega el primer larga duración de HEGEMONY. Este álbum debut de los Americanos será editado por el sello Hell Headbangers Records, en formato CD, LP y cassette. Consta de ocho cortes en una duración que apenas supera la media hora. Producido por Alex Parra encargándose de la grabación, mezcla y master y una portada de Caleb Dickenson. Lo que nos vamos a encontrar es un Death Metal pesado y oscuro con muchos guiños a clásicos de la vieja escuela y con pocas florituras o adornos. Empezamos con “Exalted March To Decimation” que nos sirve como introducción con sus lentos y pesados Riffs con voces cavernosas y bases rítmicas a medios tempos para ir desarrollándose poco a poco en in crescendo. Le sigue “Rise in Turmoil” en donde la velocidad es más constante y cargada de buena cantidad de solos de guitarra y algunos cambios de tonalidad vocal. “Halter of Bloodlines” comienza en una línea muy “heavy” para transformarse rápidamente en un primitivo Death Metal. En “Driven By Hedonistic Vice” el bajo cobra un importante protagonismo en su introducción para después regresar a la fórmula que se viene repitiendo tema tras tema. Le sigue “Strength And Impurity” donde juegan con una fórmula un poco más pegadiza en su composición, pero sin mostrarnos nada nuevo. Quizás en este punto el disco empiece a parecer repetitivo y hacerse un poco pesado continuar con su característica y brutal visión del Death Metal. Le sigue el turno a “Fist of

HENRY KANE (SWE) AGE OF THE IDIOT TRANSCENDING OBSCURITY RECORDS, 2020

Johnny Petersson es el músico que está detrás de esta entidad llamada HENRY KANE, una banda donde este prolífico músico está detrás de todos los instrumentos y de la creación de esta abominable grabación que el sello TRASCENDING OBSCURITY RECS nos ofrece para regocijo de todos los fanáticos del Grind / Death Metal, donde también podemos escuchar algún que otro riff cercano al Crust, pero lo que aquí predomina es la brutalidad, la velocidad y la agresión. Para este segundo larga duración de HENRY KANE, diecinueve son los temas grabados, con un sonido aplastante, super directo y contundente. Cada instrumento se aprecia a la perfección, destacando la potencia de la voz así como el inmenso sonido de batería que está muy presente aportando un estruendo y brutalidad propia del estilo. La voz de Johnny es muy potente, sin estar cercana a otras variantes de sus bandas paralelas, donde el tono es más gutural y oscuro, aquí predomina la potencia y agresividad. El trabajo de guitarras y bajo es correcto, todo en su sitio, pero no busquemos técnica ni virtuosismo, esto es pura violencia sónica. De los diecinueve temas antes citados, destacar su corta duración (entre uno y dos minutos), y si bien los cinco primeros son una hostia en toda la cara por su violencia, llegados al tema título del álbum “Age of the Idiot” destaca una ambientación algo más “melódica” y, a mí, me ha parecido algo Black Metalera incluso. Desde aquí vuelta a temas de puro Grind Violence en toda nuestra cara, sin duda el álbum es pura adrenalina no apto para aquellos que buscan relajarse o algo tranquilo, esto es la antítesis. Quizás tengamos un pequeño respiro en “Entreched in Nihilism”, más Crust, lento al inicio y medio tiempo en su parte intermedia, también hablamos del tema más largo de la grabación con cuatro minutos, y veloz en determinadas secciones. Para finalizar el álbum nos ofrece una cover de ASTA KASK, el tema “Psykopaten” bajo la perspectiva de HENRY KANE, que si bien suena brutal, se nota algo más melódico y diferente al resto, con cierto regusto Punk del bueno. Buen álbum este segundo de HENRY KANE, quizás algo repetitivo a veces, ya que los temas aunque se distinguen, no varían mucho en ritmos, aunque siendo un álbum de Grind, no podemos pedir mucho más ya que el estilo es el que es. Recomendado para todo aquél que busque violencia, agresividad y adrenalina en estado musical. LUIS MARTÍNEZ 7.5/10

NUM. 73 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 47

esencia de esta banda. “Evolve” es un nombre que le cabe perfectamente, ya que nos permite pasear por su historia, su presente, y adivinar, o querer adivinar, su futuro. La apertura no puede estar mejor planteada: “The call” tiene un sonido apretado, oscuro, con tintes progresivos que no te dejan respirar. Una voz oscura y psicótica, bien conseguida, y una profunda inspiración para dar paso a puentes que parecen columpiarse en un bajo que acompaña a las guitarras dando profundidad al sonido en conjunto. Cambios de ritmo que tienen un sonido terrorífico, donde cada uno de los músicos cede, paso a paso, parte de su arsenal para dejar un contexto de qué es lo que nos espera en el resto del disco.

HER NAME WAS FIRE (PRT)

HOLDEN (USA)

DECADENT MOVEMENT

URSA MINOR

RAGING PLANET RECORDS, 2020

AUTOEDITADO, 2020

Los lisboetas HER NAME WAS FIRE, formados en 2016 nos traen bajo el brazo su segundo plástico titulado “ Decadent Movement “a través de Raging Planet Records. Los tipos, siendo sólo dos músicos( João Campos a las voces, guitarras y bajos / Tiago Lopes con la batería y también cantando) se han currado una colección de temas que van desde el grunge, al stoner, pinceladas funk e incluso toques prog; y todo con una producción magnífica, un señor sonidazo la verdad.

Desde los Estados Unidos, nos llega el nuevo trabajo en formato autoeditado de HOLDEN, bajo el nombre de “Ursa MInor”, donde el doom y el post metal, recogen tintes del grunge y del death metal, para crear un combo muy interesante, del que os hablamos a continuación.

Personalmente dibujan unos cortes que bailan sonando al más puro estilo MUSE, QUEENS OF STONE AGE o bandas alternativas con sonidos áridos y crudos, pero melódicos y poperos a la vez. Rezuman también tonos clásicos, ambient y toques diferentes en cada rincón de este álbum. Este “Decadent movement” arranca con “Enter Decadent” a modo de intro un tanto floja y con poco royo la verdad, pero bueno sirve como preámbulo de “ Devil’s Disco”; que se nos muestra como un corte clásico, con un aroma casi vintage, rozando la psicodelia pero con cierta moderación. Suena fresco y muy guay desde luego. Aquí la banda de Josh Homme se muestra claramente como influencia. El tercero en la lista es “ Another Rodeo” que se destapa muy pop e incluso mainstream. Ósea con otro estilo totalmente opuesto al anterior. Ni fu ni fa… ejem! Suerte que dan otro giro musical en ”Ran out of time” donde las guitarras stoner suenan corrosivas y áridas a tope. La voz es melosa y hace un contraste extraño. En una primera escucha se me hizo raro, pero si le das otra vuelta, suena acorde y no desentona. “Specter” vuelve por los derroteros de la psicodelia. Otro corte diferente, con un color casi atmosférico, melodía y rock. Cada tema tiene un royo nuevo y diferente conforme avanza “Decadent Movement “. Puede gustar o no, pero es innegable que a HER NAME WAS FIRE se la suda todo y hacen lo que les viene en gana. Totalmente plausible no? Con “Allure” van a medio gas, muy flojito, todo hay que decirlo. Meten unos samplers y la canción no llega al subidón en ningún momento, y se queda a medio camino de algo; no sé muy bien el que… Turno para “Far Gone”. Aquí los portugueses se adentran en el rock más alternativo, con un corte muy rápido y vivo. Personalmente me gustó bastante. De nuevo cambiando de registro, y no sé ya cuantas vueltas y estilos tocan estos tipos. Es un no parar. “Adam’s Gun” baja el listón, y se muestra lento y con poco fuelle, quizás sea el corte más olvidable de todo el álbum. Está ahí y tampoco dice mucho más. Le sigue “Close Enough” con ese sonido stoner, que la verdad cuando aprietan suenan muy guay. Lo endulzan con un sabor casi ambient, otorgándole algo de personalidad, y ya es decir dentro de toda esta amalgama sónica y estilística. Con el siguiente “Monolith” pasa casi lo mismo, está vez enlazan dos composiciones similares, cosa destacable eh!? Jajaj Y para cerrar esta auténtica montaña rusa de canciones y estilos; “ Cabin Fever”, donde suenan duros y rockeros, con un tono alternativo y cañero. Buena forma de acabar este trabajo tan dispar y que deja unas sensaciones tan opuestas a veces. La banda, repito suena a lo que quiere cuando quiere, sin mirar a nadie y sin pedir permiso. Ahí lo lleváis, y ahora digeridlo. Dejan un poso extraño, como que próximamente pueden meter un pelotazo o simplemente navegar en medio de ningún lugar. Ya veremos por donde salen la próxima vez. EL GALLEGO 5/10

“After The Fact”, es el primer corte que nos propone el trío formado por Palmer Sturman (voz y guitarra), Sam Berson (bajo) y Michael Arcane (batería), donde apreciamos una grabación cruda, pero clara, con una percusión omnipresente, en un corte que a pesar de tener un comienzo doom, va progresando entre riffs hacia un post metal, para dejarnos ese toque grunge y desértico en la voz de Palmer, que le otorga esa distinción, que los hace destacar o captar tu atención con la primera escucha, girando entre tonalidades rasgadas y limpias muy melódicas; casi nueve minutos donde dejarte llevar por una música contundente pero a la vez muy embriagadora. “Sparks Between Teeth”, es más explosiva y directa, en su inicio, dejándonos unas guitarras muy stoner, con una voz que parece tratada con algún efecto mínimo, y que emerge en un segundo plano, como ya hiciera KYUSS en su enorme “Welcome To The Sky Valley”. “However Small, However Hidden”, es una mastodóntica instrumental de más de quince minutos, que va cambiando su desarrollo desde la oscuridad inicial, repleta de contundencia y unos riffs graves perfectos para el headbanging, pasando por un break que introduce unas atmosferas progresivas y enigmáticas, pero donde brilla la luz con un bajo omnipresente, sobre el que se estructuran las guitarras y los rasgueos de cuerdas para acelerar la percusión y dar un golpe en la parte final de mucha calidad, para nada se hace pesada, aunque yo la hubiera recortado en tiempo, parece más un ejercicio improvisatorio, dejándose llevar por la inspiración y el éxtasis musical, como hacían YAWING MAN, aunque no tenga que ver nada en estilo, pues estos podían estar una hora tocando un tema improvisado dejándose llevar por el desierto y sus emociones. “Emperor Of Maladies”, vuelve ese toque progresivo y grunge, donde la curiosa forma de cantar, con aceleraciones y acompañando a los tonos de guitarras, despertaran de nuevo tu mente, tras quedar aletargada por la enorme instrumental, y nos muestra la cara más ruda de HOLDEN, con un tema muy variable y curioso, para cerrar el álbum con “ The Way It Was And Will Be”, una nueva instrumental, pero de tan solo dos minutos, que bien podría estar unida al tema anterior y servir como colofón y a forma de cerrar y limar su sonido stoner. Un álbum muy interesante y recomendable.

“Love” representa una locura, las guitarras juegan su partida personal, delineando arpegios que no cesan y se mantienen en una espiral ascendente, entre Técnica y Death: mientras tanto las bases atacan por otro flanco, como si fueran la caja de cambios de una maquinaria pesada que recibe el aporte de una voz que, de nuevo, interpreta una desesperación importante. Casi 7 minutos de bestialidad y música de lujo, donde un sesgado y falso final nos pone en alerta, para permitir que la banda consiga el control de todo. Aquí nos mantenemos por un rato, con composiciones de buena velocidad y cambios sádicos bien conseguidos, apretados y con un sonido de agresividad total. “When life means more” es tan completa, dúctil y elucubrada desde un averno de locura, que muchas otras bandas necesitan un disco entero para desplegar esta adrenalina y técnica. Si bien cada una del resto de las canciones tiene su personalidad en particular, y podemos apreciar pasajes que sudan Thrash, Death o Pregresivo, lo más destacable está en la forma en la cual la han dispuesto en el disco. Muestra de estas buenas combinaciones son las particulares “Violence” y “Die to begin”, donde la batería cobra una presencia particular y son tan distintas entre sí como complejas. Tramo final con oscuridad pérfida sonando, jugando, como en un lento ritual Voodoo. “Name on a Stone” es mística, con buenos toques de técnica, pero parece escrita y tallada, justamente, en piedra. Sin giros de más, de las que te patean la cara y luego preguntan. Cierra “Broken promises”, joya donde las guitarras sacan el muestreo completo de sus dotes, y las ideas están más que claras a la hora de confundirnos. Muchos cambios intempestivos, mucha furia y buena descarga de cuerdas que se complementan para imprimir velocidad en una pieza más de esta gran maquinaria que HYBRID MOON ha decidido poner en marcha. “Evolve” es una carta de presentación más que compleja, que te deja con buenas sensaciones. No es otro disco Death pensado para el mercado externo, porque el marketing puede planearse, pero las armonías y las estructuras puestas por HYBRID MOON como base en cada canción hay que ejecutarlas. ¿Cuántos anuncios más necesitamos para mirar hacia lo que viene desde nuestro Únderground en lugar de continuar visitando el museo de lo que ya ha ocurrido a precios infernales? SEBASTIÁN ABDALA 9/10

JUAN ANGEL MARTOS 7/10

“Turn the Light On: Acoustic Reimagination” fue presentado el pasado 10 de enero a través de Arising Empire, uniendo en una única obra de poco más de media hora, diez canciones envolventes con mucha alma, en las que vemos el lado más tierno y sofisticado de la banda. Sé que a otros grupos de metalcore y demás géneros se les haría imposible poder crear este cambio musical, y por pienso que IMMINENCE es una banda realmente versátil y diferente, con un talento excepcional. Hay que recordar que su frontman, Eddie Berg, además de poseer unos guturales con gran personalidad, tiene una voz melódica angelical, y además es multiinstrumentalista, ya que toca diferentes instrumentos, como el violín, detalle muy característico del grupo que aporta ese rasgo distintivo dentro del género. El trabajo del que estoy hablando comienza con “Erase”, probablemente uno de mis temas favoritos de estas versiones acústicas. Podría decir que lo tiene todo, ya que la guitarra acústica nos hace transportarnos a ese anochecer en verano cuando sopla la brisa que nos hace sentir melancolía por los momentos pasados. Esa conexión se acentúa con el violín y la voz hipnotizante de Eddie, que casi susurra la letra “Tell me how to chase the dark, erase these thoughts, it burns my heart. Erase, erase it all”. “Saturated Soul”, al igual que el tema anterior, es una versión del álbum que sacó el año pasado, “Turn the Light On”; el comienzo es refrescante, con un toque indie por los coros que parecen marcar en cierta forma la canción. Resulta demasiado agradable, tanto que acaricia cada uno de los sentidos, ya que los acordes son suaves y ligeros. Por otro lado, a continuación, nos encontramos ante la única cover del disco, “Crawling”, de mi querido grupo LINKIN PARK. Con este track, IMMINENCE se presta a hacer un homenaje al gran Chester Bennington, al que todos echamos de menos. Me parece una versión increíble, que recoge las emociones propias que sentimos con la canción original. El violín y el piano juegan un papel especial, ya que ambos instrumentos hacen que se ponga la piel de gallina con esa mezcla de sonidos equilibrados y elegantes. Otro de las canciones a destacar es “A Mark on My Soul”, un tema remasterizado que ya había sido publicado en 2015, y con el que diría que este grupo mostró su merecido ascenso y talento. La musicalidad es embriagadora y dulce, todos los instrumentos junto a la voz y los coros producen ese contagio del espíritu apenado que ha sido desencadenado por el desamor “What died away from your memory is still a picture in my head”. El track con el que voy a terminar se llama “Wine & Water”, versión acústica de uno de los temas de su primer EP “Return to Helios”. Esta canción es especial, se puede sentir desde el primer momento que la escuchas, ya que brinda una energía diferente a las anteriores, donde el piano destaca y la voz de Eddie se muestra más rasgada que susurrada, brillando ese talento que para nada queda escondido. No estoy acostumbrada a hacer reviews sobre álbumes acústicos, es más complicado escribir sobre ellos, porque creo que es realmente difícil poder describir las sensaciones que producen, que llegan a ser celestiales, y más concretamente, este. “Turn the Light On: Acoustic Reimagination” es magia, sutileza, elegancia, emoción, melancolía, versatilidad y talento, un disco para escuchar cuando queramos sentirlo todo y nos cueste expresar lo que llevamos dentro, es un arma que, sin hacer daño, nos alivia el alma. VIR CAVE CANEM 10/10

IMMINENCE (SWE) TURN THE LIGHT ON ACOUSTIC REIMAGINATION ARISING EMPIRE, 2020

HYBRID MOON (ESP) EVOLVE AUTOEDITADO, 2020

Gran debut para la gente de HYBRID MOON, banda formada en el año 2012, al fin hace su presentación con un disco que funciona para entender la 48 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 73

“Discarded” cambia el tercio, suben la velocidad, y una voz más agresiva, con reminiscencias Core hace las presentaciones con un demonio interno que se pasea por una colección de ideas que son representativas de varias influencias Extremas. Brillante.

hablando, me refiero a IMMINENCE, fundada en el año 2010 por Eddie Berg (vocalista) y Harald Barrett (guitarrista), y a la que poco después se unieron Alex Arnoldsson (guitarrista), Peter Hanström (batería) y Christian Höijer (bajista), comenzó a destacar en Suecia, pero su popularidad empezó a ascender vigorosamente cuando publicaron su single “The Sickness” en 2015.

La crítica musical de hoy es algo especial, ya que, aunque esta banda sueca se mueve entre el metalcore alternativo y el post-hardcore, el álbum al que voy a hacer referencia es acústico, y recoge varios temas de su álbum “Turn The Light On”, así como de otros discos y una cover de LINKIN PARK. Para aquellos que no sepan de qué grupo estoy

IMPIETY (SIN) VERSUS ALL GODS SHIVADARSHA RECORDS, 2019

Hoy os traemos una de las bandas más influyentes dentro de la escena de metal extremo en Singapur, IMPIETY. Formados en 1988 bajo el nombre de SEXFAGO, IMPIETY no ha dejado de componer desde entonces y poseen una larga trayectoria formada por nueve álbumes, seis splits, cinco EPs y varias compilaciones y directos. Bajo el sello “Shivadarshana Records”, a finales de 2019 nos traen su último trabajo de puro blackened death metal, “Versus All Gods”. Actualmente, IMPIETY se encuentra formado por Shyaithan al bajo y voces, Iszar a las guitarras y Dizazter a la batería. Como invitados especiales en este trabajo contamos con Wenceslas Carrieu de NECROWRETCH y Henriette Bordvik de ABYSSIC. Antes de entrar en materia me gustaría comentar la portada, sencillamente impresionante el artwork obra del artista Jenglot Hitam. Empezamos el trabajo con la “Intro: Kommand IX” con unos arreglos de teclado muy épicos y muy bien trabajados para continuar con “Reigning Armageddon”. El contraste de dinámica es espectacular y la batería nos estalla en la cara y no nos da tregua en ningún momento. Los trémolos llueven del cielo mientras un solo de guitarra muy veloz nos arrastra a un bucle de destrucción. La voz desgarrada de Shyaithan da sensación de dejadez o pasotismo, aportando un aura macarra al conjunto. Prosiguen con “Djinn of All Djinns” en la que nos dejan la boca abierta con la soltura a la batería que tiene Dizazter, nada nuevo. El estribillo es brutal y el aura de gamberrismo continúa. En “Barbarian Black Horde” continúan en la misma línea, pero con unas guitarras muy exóticas y sensuales que nos deslumbran en un solo. “Azazel” es uno de los temas fuertes del trabajo. La composición es caótica y los instrumentos se fusionan en una maraña de odio y crueldad. “Inviktus Satanikus” es un interludio a mitad de disco que nos aporta una atmósfera tétrica a manos de un piano. Con “Terror Occult Dominion” vuelven a repartir caña con un sonido bastante más oscuro que lo que nos ofrecían anteriormente. Seguimos con “Dajjal United“, mi tema favorito sin duda. La manera de abrir con esa lluvia de guitarras y la actitud chulesca de Shyaithan con ese “FUCK” hace que sea uno de los cortes más interesantes del trabajo. Finalizan con “Interstellar Deathfuck”, con unos coros místicos de mujeres muy cautivadores y con “Magickal Wrath”, con la misma esencia de tinieblas. IMPIETY nos demuestra que a pesar de sus 30 años de carrera todavía tienen mucho que ofrecernos. “Versus All Gods” es una fusión perfecta de ritmos thrashers con blackened death metal que no dejará indiferente a nadie. Muy recomendado para los amantes del género.

van desde 1999 con siete álbumes a las espaldas) sí descubrimos andanadas más electrónicas. Y empleo ese término, porque más que industrial, es en el modo de utilizar la electrónica y de los samples por parte de Riky Porzio, el baterista de la banda, el que le da ese punto. Porque “In.R.I” es un disco metalero desde que abre con “Slowly we suffer” a saco. Puede que haya tratamiento de electrónica en la manera de mezclar esas guitarras, en esas pistas de fondo que se aprecian cuando no te machacan las orejas con riffs anclados en la tradición más Thrash Groove. Otro tanto ocurre con el siguiente tema, “Unholy Demo(n)cracy”, donde ya me voy acostumbrando a la gritona y rasgada vocalización de Gabriele Oltracqua; buenos riffs, y me doy cuenta de que esos riffs buscan una repetición secuencial que dan ese aire maquinal a las estructuras de las canciones. Por el contrario, en el siguiente tema, “Where the Breath Ends” la electrónica está bien presente. Los riffs de guitarras son brutales, Groove Metal puro y duro, pero te meten un interludio de cuerda y lo dejan ahí, a la mitad, con un intermedio, casi, casi de ruido blanco que te obliga a prestar atención para darte cuenta de que siguen ahí. El riff y el aporrear de “The Cage” son urgentes, machacones, enlazando el Thrash más clásico con los modernos tempos del Groove, aunque la interpretación melodiosa por parte de Gabriele al final del tema me ha pillado completamente descolocado. Aquí volvemos a apreciar electrónica, samples, loops, etc… El comienzo de “Alteration” está logrado, y de ahí a cómo lo va llevando la banda, cómo le va dando paso, ver cómo crece y como camina, y cómo se desarrolla. Sin necesidad de electrónica, ni Industrial, ni nada… El inicio de “New Rotten Flesh” es un desordenado punk, y de hecho es uno de los temas más desagradables del disco. Lo digo porque cuando empiezan a cuadrar tiempos y hacer unos riffs más metálicos, empiezan a meter una serie de notas discordantes que hacen que te revienten los nervios. “Dead Proposal” tiene un comienzo que te va a llevar directamente a MARILYN MANSON, aunque luego la estructura y los riffs derivan de nuevo hacia los derroteros más Thrashys de la banda. Y para cerrar, “8HZ”, que desarrolla una serie de riffs en bucle para cerrar el disco, en esa secuencia que he hablado, dándole esa sensación de loop… Banda hasta ahora desconocida, estos chicos de INFECTION CODE. Disco correcto con algunos riffs mejores que otros, poco industrial y más electrónica, pero… Como siempre, me ha descubierto otros trabajos suyos dónde hay cosas mejores, y ahí sí, ahí sí hay material para recomendar a la banda. CESAR LUIS MORALES 7/10

MAKI PÉREZ JÁUREGUI 8/10

INFECTOR (CUB) LET THE INFECTION BEGIN

INFECTION CODE (ITA)

DEFENSE MERCH RECORDS, 2019

I.N.R.I.

“Let the Infection Begin” es el larga duración debut del combo cubano INFECTOR, el cual vio la luz el año pasado a través del sello discográfico Defense Records.

ARGONAUTA RECORDS, 2019

Cuenta la leyenda que al hijo del carpintero, cuando lo crucificaron en el Gólgota, le pusieron sobre la cabeza un cartelito que rezaba “IESVS NAZARENVS REX IVDAEORVM”. La traducción, ya la sabéis: Jesús de Nazaret, Rey de los Judíos. Y luego de ahí, a nuestro lenguaje cotidiano, para indicar una cosa que no ha hecho sino empeorar. ¡Colorea y aprende con Teo! Pues así se llama el último lanzamiento de los italianos INFECTION CODE. ¿Cómo? ¿Qué no los conoces? Bueno, no te preocupes, yo tampoco los conocía hasta ahora y aquí estamos. Bueno, el disco tampoco se llama así, sino “In.R.I”, o sea que algún rollo oculto hay. Si buscáis referencias relacionadas con dicha banda, os harán referencia a que es Metal Industrial. Pues, por lo menos, en este disco, no te esperes andanadas a lo RAMMSTEIN o MINISTRY. No, este no es el disco; aunque si tiramos de discografía para atrás (y hay, que lle-

El álbum está compuesto por diez cortes repartidos en algo más de treinta y cinco minutos en el que el trio de La Habana nos expone un Thrash Metal cargado de rabia y agresividad en el que combinan a la perfección la vieja escuela californiana con la vertiente alemana, al que además no le falta su dosis de Crossover. Así pues ya desde el inicio del disco con el corte “Shrine of Desperation” la banda deja clara sus intenciones, ellos tienen claro una cosa y es que no piensan dejar prisioneros, y no sólo lo hacen con esta canción, sino que en la totalidad del disco, ellos tienen claro lo que nos quieren ofrecer y no se pierden en experimentos, aquí tienes treinta y cinco minutos de Thrash Metal ochentero, o lo tomas o lo dejas, no hay medias tintas. En lo personal que quedo con los cortes “Let the

Infection Begin” que da título al disco, “Chernobil” y sobre todas las de este trabajo discográfico que quedo sin duda alguna con la canción oculta que hay tras treinta segundos pasados del último corte “Thrashard”. No sé el título de dicha canción pero es totalmente diferente a las del disco, es un tema de auténtico Crossover que te engancha a la primera escucha. En mi humilde opinión ese es el sendero que deberían lleva esta banda, creo que si se centraran más en el Crossover sería todo un acierto para ellos, el tiempo lo dirá, de momento si quieres escuchar poco más de media hora de Thrash ochentero, no dudes en darle una escucha a estos cubanos.

Final vertiginoso y brutal con nuevo guiño a «Posesión Infernal» como outro. «Back From the Grave, Straight in Your Face» es salvaje, directo y te deja babeando a la espera de más. Un interesantísimo debut, que sobre una base OSDM, INNARDS ha sabido añadir la dosis justa de grind y thrash donde el peculiar multiregistro vocal pone el sutil toque splatstick en formato 16mm. ¿Quién se atreve a poner a esto una Z? SCHEITAN 8.6/10

CARLOS BERMEJO 7.5/10

INVOCATION (CHL) ATTUNEMENT OF DEATH IRON BONEHEAD PRODUCTIONS, 2020

INNARDS (PRT) BACK FROM THE GRAVE, STRAIGHT IN YOUR FACE! TRANSCENDING OBSCURITY RECORDS, 2020

Hubo un tiempo en el que los zombis acojonaban. Fue tremendo el pavor que provocó en nuestros padres el cine de George A. Romero, quien estableció las normas sobre cómo acabar con ellos y nos enseñó a interpretar su conducta. Después en los 80, los muertos vivientes eran seres grotescos, caníbales y ultraviolentos que te paralizaban los músculos por su aspecto terrorífico y de los que era difícil escapar. Buena cuenta de ello dio el recién nacido death metal, degenerando en subgéneros putrefactos a la par que deliciosos, pero el pop y el punk cambiaron el paradigma de estos seres. A día de hoy nadie se acojona con los zombis y están integrados en nuestras formas de ocio, incluso en la de nuestros hijos, hoy en día a todo se le puede añadir una Z, se nos ha ido de las manos el splatstick. Cuando este se usaba en su justa medida nacían cintas de la talla de «Posesión Infernal» (1981), y cuando los muertos vivientes acojonaban se publicaban discos como el magistral «Scream Bloody Gore»(1987) de DEATH o salvajadas como «Horrified»(1989) de REPULSION, y esto es justo lo que INNARDS quiere recuperar con su propuesta. Con ese categórico nombre, el trio portugués, ha publicado recientemente a través de Trascencing Obscurity Records su EP debut con título aún más categórico, «Back From the Grave, Straight in Your Face». Formados en 2017 por el guitarrista Hugo Andremon (ex-GROG, Ex-DI.SOUL.VED), aparca su proyecto blackened unipersonal THE SORCERER, y recupera el apetito por el Death/Grind de la mano del bajista Rui Gil y con la ayuda del incombustible batería Rolando Barros (GROG, DI.SOUL.VED), con los que rememora tiempos del clásico de GROG «Macabre Requiems» (1996). La declaración de intenciones de la recién endemoniada Cheryl de «Posesión Infernal» lanza «Back From the Grave, Straight in Your Face» con «Night of the Anthropophagous», un tema incontenible, Death/Thrash old school con base callejera y riff tremolero nocturno que desde el grunt inicial te despeluzan gracias a un multiregistro procesado, donde el famélico e invocado Hugo, escupe sanguaza pura ansioso de carne fresca humana. El hambre torna a inquina extrema en la rabiosa «Enlightment Through Hate», donde el mismísimo Kam Lee (MASSACRE) hace otro de sus innumerables cameos. Frenético tema Death/Thrash/Grind donde se va aglomerando el torrente de berridos, cada cual mejor, hasta culminar en un coro inolvidable. Veloz blastbeat, palm mute, trémolo sanguinario sin titubeos y final grandioso con el solazo de Frank Blackfire (SODOM, ex-KREATOR). La más pesada y más Death «The Fog» cierra el EP, tema que goza de estructura mas desarrollada y que muestra la otra cara de la oferta de INNARDS. Se va endemoniando progresivamente según se van desvelando los horrores que hay ocultos tras la niebla, a base de buenas embestidas en las que luce el bajo de Rui Gil a diferentes velocidades y las cabriolas de Hugo con el apéndice y en el solo.

Hoy os traigo a Necromance una buena sesión de black metal chileno de la mano de INVOCATION, desde Valparaíso. INVOCATION nace en 2015 y publican una demo al año siguiente, “Seance Part. I”, con un sonido que dejaba bastante que desear pero que ofrecía brutalidad en estado puro. En 2018 vuelven con el EP “The Mastery of the Unseen” con una duración de 10 minutos y, de nuevo, este año nos vuelven a traer otro EP, su último trabajo, “Attunement to Death”. En “Attunement to Death” vemos una evolución increíble desde esa primera toma de contacto en 2016 y nos traen un sonido muy trabajado y oscuro bajo el sello alemán “Iron Bonehead Productions”, con quienes llevan publicando estos últimos dos años. El proyecto de INVOCATION está formado por tres sentidos: el sentido de la Clarividencia al bajo, la Clariaudiencia a la batería y la Premonición a la guitarra y como vocalista. “Attunement to Death” cuenta con seis pistas y una duración de media hora. Comienzan con “Oppression”, una introducción que me ha puesto simplemente la piel de gallina. Es como adentrarse en una cueva fría y oscura, crean un ambiente verdaderamente aterrador con la respiración agitada de un hombre en nuestros oídos. Continuamos con “Flying Ointments”, una pista rapidita en la que se regodean en la oscuridad que han conseguido asentar. El gutural es profundo y desgarrador, el sonido de las guitarras es muy clásico y la batería ronronea a lo lejos. Con “Divine Transition” el bajo toma el protagonismo y nos deja sin habla. Me gusta mucho el equilibrio que existe entre los distintos instrumentos en el que ninguno se come al otro quedando por encima del resto. Para mí siempre es un placer escuchar el murmurar del bajo sin tener que aislarlo mucho cuando escucho black metal. “The First Mirror” nos ofrece unos riffs de guitarra impresionantes. Los tremolo picking llueven del cielo como una tormenta mientras el bombo de la batería no nos da tregua. Siguiendo con “The Officiants”, cuando parece un tema que va a caer en la monotonía, meten unos cambios de ritmo y una línea de bajo súper interesante junto con los gritos de ultratumba de Premonición. Sin duda se han dejado el mejor material para el final. Terminan el EP con “Secret Tongues” con un juego de batería muy solemne y unos guturales que se expanden en eco. Los susurros nos envuelven mientras la guitarra nos machaca y todo estalla en un bucle de velocidad. La evolución de INVOCATION a lo largo de los años es más que evidente. “Attunement to Death” tiene una atmósfera terrorífica y una producción brutal. Gran trabajo por parte de los chilenos. EP más que recomendado para aquellos amantes del black metal y, sobre todo, para aquellos incalificables que en pleno 2020 no se atreven a indagar más en la escena sudamericana. Desde Necromance estaremos esperando con ganas los próximos proyectos de INVOCATION. MAKI PÉREZ JÁUREGUI 8.5/10

esta historia con todo un temazo “Lakes Of Lava” en la que colabora la potente voz de Alba Carry de DR.X, que por cierto los pude ver el pasado verano en directo en el SKULLS OF METAL, quedando prendado de esta voz tan personal y poderosa, que otorga a ITNUVETH otro giro monumental en este corte para escuchar una y otra vez, (ojala en un futuro cuenten de nuevo con ella). En definitiva, “Enuma Elish”, es otra saga, otra aventura concluida de nuestro berserker particular, perfecta para los ávidos a estas aventuras nórdicas y a cualquier amante del pagan viking metal, que tiene a ITNUVETH como un gran referente a nivel europeo, sin tener que envidiar en nada a otros grupos escandinavos.

IRDORATH (AUT)

IRIST (USA)

ITNUVETH (ESP)

THE FINAL SIN

ORDER OF THE MIND

ENUMA ELISH

ART GATES RECORDS, 2020

NUCLEAR BLAST RECORDS, 2020

BASE RECORD PRODUCTION, 2020

“The Final Sin” es el quinto y último álbum de los austriacos IRDORATH. Esta banda se caracteriza desde 2005 por su black/thrash con un sonido poco convencional, resultando en una combinación con un aire muy fresco e, incluso, en algunos tramos llegan a pecar de blackened death. IRDORATH se encuentra formado actualmente por Markus como guitarrista y vocalista, Thomas a la batería, Mario al bajo y Craig a la guitarra. Bajo el sello valenciano Art Gates Records, este último trabajo cuenta con nueve cortes con una duración aproximada de cuarenta minutos. El artwork de portada es obra del artista Sebastian Jerke, que también ha trabajado con otras bandas de renombre como AHAB, ALESTORM o GOD IS AN ASTRONAUT.

Desde Atlanta y a través de Nuclear Blast nos llega el debut de IRIST bajo el nombre “Order Of The Mind”, una banda de metal con toques de core y progresivos. Una banda que bajo ese curioso nombre que hace referencia al mecanismo de las plantas para recoger la luz y que tras viajar por Sudamérica, acabaron formando la banda en Atlanta.

Aun recuerdo cuando llegó el álbum de KING DIAMOND a mis manos “Vodoo”, donde sumergirme en una historia, a través de sus letras y su música, un desarrollo como si de un film o un libro se tratase, pero utilizando otros medios. Igualmente puedo nombrar otras experiencias como las operas rock de AVANTASIA o más recientemente el proyecto de DREVERNUE, aunque todos ellos enmarcados en un estilo musical, el metal. El caso que nos ocupa hoy es otro de esos proyectos que sigo desde que nació allá por el 2014 con su primer álbum “The Way Of The Berseker”, donde encontramos una historia épica, una epopeya vikinga, hablamos de ITNUVETH, que ha tenido continuidad con otras historias como “Paulsilaur: Under The Wolf’ Skin” (2015), “Enchantaments” (2016) y “Tales And Legends Of Wolves” (2017, aunque estas son pequeñas historias en si misma cada canción) y ahora tres años después vuelven a la carga con “Enuma Elish”, en un viaje épico en busca de tesoros por tierras baldías, montañas legendarias y con un regreso a sus raíces paganas a través del viking metal con toques death y black.

Si algo caracteriza a IRDORATH es por el trabajo que existe a nivel de las letras: la temática arremete constantemente contra las religiones y las creencias tradicionales. Esto podemos verlo en el primer tema “Chains of Virtue”. El gutural de Markus es rasgado y desprende brutalidad. “The Last Sin” posee un sonido muy cuidado y la producción ha sido realizada con mucho cariño. La batería suena genial, un doble bombo rápido muy bien mezclado en el fondo. Los riffs son muy cañeros y en algunas partes podemos encontrar influencias de grupos como BEHEMOTH. Comparativamente con sus anteriores publicaciones, han logrado encontrar un estilo muy pulido y único. Este tema, además, cuenta con un vídeo de estudio muy divertido que nos permite conocer un poco más a los integrantes de IRDORATH. “Debaptized” comienza con unos trémolos oscuros y unos tintes muy interesantes de thrash. Las guitarras se tornan melódicas creando un conjunto muy interesante. El estribillo es pegadizo y rápidamente te hace acompañarlo con la cabeza. Finalizan con unos breakdowns que aportan agresividad al conjunto. “Redeemer of the Heretics” cuenta con una de las líneas de bajo más prominentes entremezclada con unos riffs rápidos y afilados. “Divine Delusion” abre con una guitarra acústica muy dulce que te acaricia el alma. Es un tema que comienza mucho más pausado que los anteriores y comienza a ir in crescendo estallando en un doble bombo y un aura de oscuridad. Esta pista sufre varios cambios de ritmo que hace que sea una de las más atractivas de todo el álbum. La letra es increíble y os recomiendo de corazón que le echéis un vistazo mientras escucháis este tema. A final, se van fusionando guturales más profundos con voces más agudas. “Disgust of Enlightenment” sigue un poco la misma esencia del anterior corte y cuenta con unos cambios a nivel compositivo que se refugian constantemente en la melancolía. Sin duda, uno de mis temas favoritos. Continuamos con la naturaliza épica que brinda “The Anthem of the Final Sin”, un corte mucho más brillante gracias a ese solo de guitarra cautivador. El thrash vuelve a tomar protagonismo en “The Plague, I Am” con unos ritmos muy cañeros de la mano de Thomas con esos blast beats, estilo que vuelven a perpetrar en “Shatterer of Worlds”. Despiden el trabajo con “When the Last Bell Falls Silent” con el acompañamiento de una campana de fondo. La voz es muchísimo más profunda en esta ocasión, casi como salida desde las mismas profundidades de la tierra. Los rasgueos de guitarra entonan una melodía tétrica y violenta para acabar en un aluvión de velocidad y destrucción. Sin duda, IRDORATH se ha superado con esta última publicación. Cada vez tienen más claro el sonido que quieren conseguir y lo han hecho su marca personal. “The Final Sin” es un gran álbum que recomiendo tanto a los fans del género como a la gente que se esté iniciando en el estilo. MAKI PÉREZ JÁUREGUI 9/10

Formada en el verano de 2015 por Pablo Davila (guitarra) y Bruno Segovia (bajo), incorporándose después Adam Mitchell (guitarra) y Jason Sokolic (batería), para cerrar el elenco con el vocalista brasileño Rodrigo Carvalho, creando una banda que utiliza influencias desde RATOS DE PORAO a THE DILLINGER ESCAPE PLAN, pero sobre todo GOJIRA, dejándonos algunas cosas muy interesantes de las que hablaremos a continuación. “Eons” abre el álbum como un martillo, directa y sin concesiones y nos percataremos de un aliciente que introduce la banda en muchas de sus canciones, las texturas, la versatilidad y los juegos con las estructuras musicales, cambiantes y melódicas, donde la percusión de Jason juega un papel muy importante. Con “Burning Sage The Cleasing”, matizan esas partes progresivas, donde la voz rasgada y poderosa transmite mucha energía, aunque quizás abusen de alargar las notas vocales como una especie de eco en determinadas partes. Con “Severed”, nos sorprenden en este inicio, siendo imposible no acordarte de GOJIRA y su último trabajo “Magma”, con esas voces limpias que van más allá de lo terrenal y unos riffs atmosféricos que envuelven todo el tema, que aparecerá de nuevo en “Harvester”, uno de mis temas preferidos del álbum, diferente al resto y que encierra un contrapunto etéreo y envolvente; un temazo. De nuevo esa influencia francesa les viene en los riffs de “Creation”, progresivos y metódicamente calculados, para ir abriéndose poco a poco en busca de un estribillo melódico y pegadizo, en otro de los temas destacados del álbum, para golpearnos con la aplastante “Dead Prayers”, con guiños al hardcore y death metal, para con “Insurrection”, dejarnos una base donde el bajo retoma su papel predominante, sobre el que se entretejen las telarañas guitarreras, aunque hecho en falta algo de versatilidad tonal en la voz, que solo se me ha hecho pesada en un par de temas de todo el álbum, porque el siguiente, “Order Of The Mind”, con la primera escucha me paso igual, pero tras darle varias vueltas, se ha convertido en otro estandarte del álbum, complejo, adictivo y directo a tus neuronas, IRIST en estado puro. En el último bloque, tenemos que mencionar “The Well”, con un inicio apabullante y deathmetalero, se transforma en un himno machacón, donde el headbanging está asegurado y con unos cambios rítmicos de Pablo y Adam, muy interesantes, que hacen mantenerte despierto cada segundo de la canción, otra de mis preferidas y con una parte final espectacular. El cierre de este debut más que notable lo pone “Nerve”, que tras su introducción etérea y relajada, rompe con un golpe sobre la mesa, dejándonos otro corte, 100% IRIST, ambiental, melódico, poderosos y repleto de cambios. Muy buen debut de este nuevo grupo a tener muy en cuanta. JUAN ANGEL MARTOS 8/10

Desde la portada, creada por José Antonio Vives, el cual se ha encargado de todos los álbumes de la banda desde sus inicios, notamos esa continuidad, todo un acierto por parte de lavanda que demuestra esa unión entre su trayectoria musical, su lirica y su artwork. Además de contar con la distribución por Base Record Productions y producido y mezclado por Rubén Rodríguez en Neburzone Producciones. Adentrémonos en estas 12 épicas canciones de nuevo y dejémonos arrastrar por la mitología, la aventura y las luchas contra los elementos naturales y los seres mitológicos. Tras “Riding Alone Again”, donde un narrador comienza la historia, “Wandering Crows”, inicia la epopeya, con un ritmo cabalgante y un viking metal de manual, juegan con las voces blackers en estrofas, para guturalizarse en su estribillo acompañando a esos cuervos errantes que se asemejan a la historia de nuestro personaje, cabalgando solo en busca de aventuras hasta llegar a la montaña primigenia “Enuma Elish”, dándonos la bienvenida el sonido del viento y esas guitarras que suenan de otra época comandadas por Volundr, que también pone el bajo a su disposición, las voces dobladas en tonalidades, ese toque místico que se transforma en el susurro central, nos regresa a la realidad acelerando la percusión de Adalstein y con el gran trabajo vocal de Funedeïm a lo largo del álbum, que oscurece “Black Tongues” con sus frondosos tonos graves. Tras una primera parte de viaje el fuego de una hoguera nos da ese descanso bien merecido en “Fire In VEins”, apareciendo la flauta de V. VästrSkogen, reponiendo fuerzas para “Dhym Vhorgur”, transformándose en black metal primigenio, pero con ese matiz guerrero, mientras descendemos hacia las escaleras del infierno, con hacha en mano y preparados para lo que pueda ocurrir, adentrándonos en “White Bones” y su rugido de dragón, en otro ejercicio metalero muy bien llevado, pues sus guitarras nos dan ese aire berseker con sus melodías, al igual que las partes de voces limpias, pero transformando y acelerando tempos en determinadas partes claves que le dan ese toque de agresividad extra y los hace tan suyos, pudiendo recordar cualquier tema de sus discos anteriores, que suenan a ITNUVETH, (y eso es muy difícil, crear un sonido identitario propio). “Over The Tummulus”, pone ese punto de nerviosismo antes de entrar en los túmulos, donde de nuevo la magia de la flauta nos recorre cada poro de piel antes de “The Abyss Of Immortals Flames”, donde una lucha épica nos aguarda, jugando con ese riff de guitarra que se une a la voz en la estrofa y que destaca sobre el resto, en uno de los temas que resume su sonido al 100%, guardando todos los elementos en su interior y levándonos al final de

JUAN ANGEL MARTOS 8/10

JOAKEM (CYP) MIND MATTER AUTOEDITADO, 2020

Curioso y sorprendente. Serían los calificativos que me vinieron a la cabeza, una vez le di una primera vuelta a este “Mind Matter”. Una vez me puse a investigar sobre el disco, me encuentro con que JOAKEM, es un proyecto de rock metal progresivo de un músico solista chipriota. Stelios Loakim es el que está detrás de todo esto. Llamativo es que el chico viene de un reality caza talentos griego. En el cual pues destacó ; aunque dicho sea de paso, el chaval es cantautor, teclista y compositor. Ya tenía contacto y formó parte de unas cuantas bandas de metal alternativas, por lo que ya venía rodado musicalmente hablando. Se trata de su debut, y lleva rulando casi un par de años, pero hasta ahora no ha llegado a mis manos; y la verdad es que suena potente, agresivo y muy técnico. El trabajo es a todas luces un compendio de sonidos progresivos, con ciertos toques de metal extremo, pero baila en una línea similar a DREAM THEATER. Lo abre “A Peaceful Place”, y sin duda es una tremenda forma de comenzar. Guitarras muy técnicas que se mezclan con unos giros y cambios de ritmo que van evolucionando junto a unos teclados estupendos. Cinco minutos largos de virtuosismo e imaginación. “Resurgence” juega con varios momentos atmosféricos, siempre escoltados por magníficas guitarras, la voz de Stelios y unos ritmos similares al primer corte. Todo sigue una composición similar. Al igual que “Generation z”, que fue uno de los primeros adelantos de “Mind Matter” Aquí se nos presenta un corte perfecto de rock y metal con uno royete muy crujiente y agresivo. Los teclados le dan mucho color y cierto es que son una seña de identidad absoluta de JOAKEM. Sigue con “Illusory” en el que se intuye aún más ese tono oscuro que tiñe el álbum. Muy melódico y a la vez corrosivo. Y de nuevo un alarde de virtuosismo compositivo. “The Path” es otro de los singles que se adelantaron en este plástico y se nota que gracias a esta canción, el amigo Stelios se dio a conocer en este mundillo metalero. Grandes giros y cambios de tempo, melodía, y unos teclados magníficos. Un temazo. “Terra” quizás no entre en una primera escucha, pero es un corte súper loco y progresivo. Una tempestad sonora técnica y virtuosa. Desde luego personalmente es de los temas que más me ha acabado gustando sin lugar a dudas. Continúa con “Treacherous”, el cual sigue fluyendo enérgicamente, aunque parezca más sosegado, los sintetizadores y las guitarras lo elevan a un nivel similar a lo que viene siendo este trabajo. Y finiquita con “Departure”, con un piano exquisito, pero revienta de nuevo con esa tónica progresiva y metalera, en lo que es un gran cierre desde luego. Personalmente soy mucho de estos sonidos, y la verdad es que lo he disfrutado a tope, y lo recomiendo sin lugar a dudas. Amigos del metal proNUM. 73 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 51

gresivo, no os lo perdáis. EL GALLEGO 8.5/10

KEVERRA (USA) KEVERRA SEEING RED RECORDS, 2020

El 1 de mayo de este año, la banda estadounidense KEVERRA lanzó su álbum debut homónimo a través de Seeing Red Records. La banda está formada por Kurt, (guitarra y voz), Scott, (bajo), y Mateo, (batería y voz). Los miembros han trabajado en otros grupos como SOUTHERN, GOATSNAKE o MAYAN BULL, por lo que, aunque este sea un álbum debut, tienen más que conseguido un sonido claro y definido bajo el Sludge y el Doom Metal. Además, creo que también se les pondría vincular en el Stoner ya que una de sus claras influencias a nivel musical son MELVINS. Si tengo que remarcar algo es la unión de la dureza y la sofisticación de KEVERRA, un sonido salvaje que no pierde la compostura ni la pulcritud. Algo que vemos en la portada del disco: un diseño oscuro pero clásico. Lo interesante del trabajo a parte de la madurez del sonido son los interludios ambientales: “Incendiare”, “Anaesthetic”, “Bitter Air of Exile” y “Funerary”. La primera canción, “Albion”, ya pone de manifiesto un Sludge muy maduro sobre una base Doom y Ambient. En “Bathsheba” emplean melodías muy pegadizas con una batería muy marcada que, junto a la voz, van subiendo de nivel cada vez más. Aquí es donde se percibe muy bien la integración del Stoner especialmente en el bajo. A partir de “Tioga” el sonido se endurece y va a superarse a través de “No God”, (donde los riffts tienen una carga muy pesada sacándole partido a su vena Doom) y, la última, “Black Tie Event”. Una de las cosas que más me gusta de un disco es que cierre bien, que la banda consiga elegir “esa canción” que nos marque con la identidad del grupo. KEVERRA lo hace. Con “Black Tie Event” se aseguran de marcar ese sello identitario y mostrar todo de lo que son capaces. Si sois seguidores del Sludge/Doom/Ambient Metal, dadle una oportunidad a KEVERRA. Solo vais a querer más. ALICIA CASTAÑO 8/10

die con un debut que versa sobre la creación del universo por tres entidades omnipotentes que apreciamos a través de un colorido y matizado artwork creado por Sergey Shenderovsky, del que hablaremos a continuación.

1982, pero bajo el NOMBRE DE KREATOR desde 1985, desde la Alemania más renegada comenzaba la leyenda que hoy sigue con excelente salud y ha editado un tercer disco en directo: “London Apocalypticon – Live at the Roundhouse”.

Tras “Aether”, una introducción enigmática y misteriosa, irrumpe la enfurecida ”Noceo”, para dejarnos que el black metal será su base, con una grata presencia de teclados que les da un espacio más abierto, pero a la vez te recordaran a incursiones de BORKNAGAR, ARCTURUS…, con un equilibrio entre la fiereza y la calma, otorgándole cierta teatralidad, donde los pasajes más marcados y death metaleros le dan un punto más, llevándonos hacia “I’Annihilateur”, mucho más sinfónica, donde la voz limpia le infiere un carácter distinto, con una tonalidad parecida al gran Vortex, entremezclada perfectamente en un corte experimental, que tendrás que escuchar varias veces para dejarte atrapar, pero que una vez lo hayas hecho será imposible salir de su hechizo, que lo envilecen con “Harvesting Stars”, en la que las guitarras aparecen más difuminadas por teclados y percusión, que toman el relevo musical en un corte que podríamos denominar post apocalíptico, donde el trabajo vocal de nuevo emerge con gran fuerza y versatilidad, uno de los puntos fuertes del álbum, junto con encajar todas las piezas de este puzle que a la primera de cambio te puede resultar extraño para tus oídos.

Este trabajo ha sido definido como un “regalo para todos los seguidores de esta comunidad global del Metal” y como “el mejor disco en directo alguna vez grabado por KREATOR “ en las propias palabras de MIllie Petrozza, calculamos que algo sabrá. Un poderoso disco que contiene 17 canciones que recorre buena parte de la historia discográfica del grupo, con un sonido y una cercanía que, en un buen equipo, te puedo ayudar a visualizar las luces, los dedos recorriendo las cuerdas, las gotas de sudor volando a contra luz.

“De Vetus Ad Novum”, sigue la estética anterior, empoderando la parte sinfónica, pero con un ligero repunte de lo apocalíptico, unos riffs muy a lo SAMAEL, dejando claro los mensajes que quieren transmitir, para terminar con una parte muy evocadora, de diez. “Roe Too Noo (Flow Of The Mind)”, es uno de los cortes progresivos de los que hemos mencionado, aunque la percusión me suene un tanto extraña, quizás se haga pesado, pero queda arreglado este desliz con “Sempiternal”, un temazo death metalero, con ritmos machacones y unos guturales densos, además de dejarnos grandes detalles el bajo de Lars, donde demuestra su técnica y su buen trabajo a lo largo de todo el álbum. Tras la caótica “Existence”, llega la locura de “The Purge”, que te pondrá nervioso, donde los screamings, la música que gira entre lo melódico y lo confuso, despertará todos tus sentidos como si estuvieras en un manicomio donde todas las puertas acaban de abrirse, obteniendo nuestro descanso con “The Occultation Of Time”, aunque no del todo, pues su estructura musical está compuesta para adentrarte en un mundo donde el ocultismo, el misticismo, se apoderara de la normalidad, con unos riffs muy densos, marcados y una multitud de voces que en su parte central, se vuelve limpia y es toda una delicia, (me encantan el juego de voces limpias que ha introducido KHÔRA en su álbum). “Void”, cierra este trabajo, dejando unas narraciones siniestras e introduciendo guitarras acústicas, junto a unos cantos fantasmagóricos, que parecen flotar en un universo muy personal, el creado por KHÔRA y que merece la pena adentrarse en el, por su toque de distinción y arriesgado, pero que funciona muy bien.

No descubro nada si digo que los discos en directo siempre son un examen exigente donde las virtudes de los músicos suelen pasar a ser lo principal, donde se demuestra cuánto valen, en qué estado se encuentran. Canciones como “Gods of violence” “People of the lies” “Violent revolution” o “Pleasure to kill”, por elegir 4 de diferentes décadas atravesadas por la banda, contienen toda la furia, velocidad y experiencia que ha ido cultivando KREATOR . 40 años después de su primera cinta “demo”, esta gente refleja en cada canción de “London Apocalypticon – Live at the Roundhouse”, toda la rebelión de esos primeros años, la velocidad que han ido ganando 10 años después y esa faceta más tortuosa que atravesamos (todos) en los ´90. La consagración total y el sonido arrollador de la entrada de siglo, y esa buena salud que en este decenio que acaba han adquirido y nos encontramos en este álbum que todavía hoy es referente e influencia en bandas que siguen bebiendo de estas fuentes. La lista de temas incluye buenas dosis de sus últimos 10 años, además de un “intro & outro” digno de marcha ceremonial previa a los temblores de la Tierra, y esas joyas de los primeros pasos, donde la velocidad prevalecía sobre otros aspectos. Imperdible la ejecución, el estado de los sonidos que llegan a la gente y que, hoy, muy lamentablemente, ha cancelado la gira con LAMB OF GOD por esas condenadas razones que todos vivimos. Con un sonido perfecto, una selección de temas que siempre generará debate entre sus fanáticos por haber dejado tal o cual fuera, esta edición, hoy, es un premio consuelo más que triste para quienes hayan tenido la esperanza de verlos en directo en este 2020… pero al menos podemos destapar unas cuantas botellas mientras encadenamos “Live Kreation” (2003) “Terror prevails – live at the rock har festival” (2010) o, incluso los más afortunados, puedan hacerse con el D.V.D./Blue ray de este “London Apocalypticon – Live at the Roundhouse”. KREATOR sigue con vida, y en un excelente estado físico y mental, que se refleja en el despliegue de este nuevo disco en vivo. SEBASTIÁN ABDALA 8.5/10

JUAN ANGEL MARTOS 8/10

KURNUGIA (USA) FORLORN AND FORSAKEN MEMENTO MORI, 2020

KHORA (DEU) TIMAEUS SOULSELLER RECORDS, 2020

A través de Soulseller Records, nos llega el debut de KHÔRA, “Timaeus”, un interesante proyecto que abarca sonidos extremos como el black o el death metal, pero exprimiéndolos al máximo, otorgándole un giro hacia lo progresivo y la experimentalidad, además de contar con muchas colaboraciones, entre la que destacan, Vovotnik de DODHEIMSGARD, Henri Sorvali de FINNTROLL o A. Simonen de AND OCEANS. Lo que nació siendo el proyecto de un solo hombre, Oleg (guitarras, baterías, teclados, coros, letras, mezcla, arreglos…), tras su primera demo en 2016, se convirtió con la llegada de Kranos (voz, además de mezcla, master y producción) y Lars (bajo, voz), en un trío que no quieren dejar indiferente a na52 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 73

KREATOR (DEU) LONDON APOCALYPTICON NUCLEAR BLAST RECORDS, 2020

En esos lejanos años ´80´s, cuando ya estaba acabando la fiesta con el maquillaje corrido y narices sangrantes; cuando los desfases de buenas bandas del Glam Metal que estaban luchando contra adicciones estúpidas y fotógrafos de revistas del corazón chirriante de E.T.S.´s, un movimiento desde las tripas de las ciudades iba saliendo a la luz para poner en primera fila esta movida del Metal que hoy nos acoge… No solo en Yankilandia, sino también en estos rincones europeos. Estoy hablando de vientos de liberación, velocidad y denuncia que han traído bandas como SODOM o TANKARD. Pero hoy toca hablar de un grupo con un primer proyecto formado originalmente en

El death metal de Estados Unidos es siempre un placer para mis oídos y, precisamente, hoy nos toca conocer a los americanos KURNUGIA, procedentes de Ohio. Formados en 2012, KURNUGIA es una combinación de exmiembros de distintas bandas de la escena: DECREPIT, EMBALMER, DELUSION… En 2013 y 2016 nos trajeron dos EPs, “Tribulations of the Abyss” y “Condemned to Obscurity”. Así, nos encontramos a Brian Bergeron al bajo; a las guitarras Larry Kozumplik y Dylan Gordon; Chris Dora a la batería y a Paul Gorefiend como vocalista. El 27 de abril de este año publican el álbum “Forlorn and Forsaken” bajo el sello discográfico español Memento Mori. El diseño de la portada está realizado por el artista Mark Cooper con una combinación de colores brutal. “Forlorn and Forsaken” posee una duración de aproximadamente cuarenta minutos distribuidos en un total de nueve cortes más

una intro. “Forlorn and Forsaken” es un disco en el que reside el death metal más clásico de los 90. Se trata de un álbum muy dinámico que se hace bastante corto, aunque a veces puede llegar a caer en una tecnicidad que puede resultar monótona. El gutural de Paul es muy profundo como el rugido de una bestia y podemos apreciarlo mejor que nunca en “To the Cursed Depths” y en “Thy Sanguine Altar” combinado con unas voces desgarradoras de fondo. Por otro lado, las guitarras hacen su aparición estelar en “Pervert the Pious”, con unos riffs muy interesantes y un solo de guitarra muy bueno. El sonido es bastante clásico y la producción es muy suena sin llegar a sonar muy retocado. La batería va a la velocidad de la luz en temas como “Crown of Suffer” o “When the Moment of Death Arrives”. Este último es, sin duda, el temazo del disco. Otro corte muy bueno es “All Consuming Grief” que posee unos cambios de tempo muy interesantes con una línea de bajo brutal. KURNUGIA han hecho los deberes y nos han traído un disco de puro death metal y bestialidad. Muy recomendado para los amantes del género. MAKI PÉREZ JÁUREGUI 8/10

LEAGUE OF CORRUPTION (CAN) SOMETHING IN THE WATER AUTOEDITADO, 2020

Con un poderoso sonido, haciendo gala de un Groove Metal denso, la banda canadiense LEAGUE OF CORRUPTION edita, al fin, su primer trabajo de estudio “Something in the wáter”. Estilo clásico, con infinidad de influencias pantanosas, sureñas, y una gran construcción de sonido que mezcla esas referencias algo ocultas por lo bestial pero que se detectan, se huelen. El baterista parece un oso de 500 kilos… cabreado; sacudiendo los parches y el doble bombo con técnica y furia, un bajo afinado que no se pierde entre las agresivas notas de la guitarra, y una voz pantanosa, firme, que llega y te envuelve sin ningún tipo de duda, van construyendo un tándem para conseguir 6 canciones de buena estructura que se registran en un mismo estilo. Bien para ser un E.P. presentación. A lo largo de cada uno de los tracks encontramos una apisonadora que entra sin temor a nada, unos riff´s que se ponen al frente en distintas partes del disco, primero con una introducción que se va repitiendo de forma machacante, luego parece como si hubiera un estribillo para esos solos en lugar de la voz; interesante. Si bien todas superan los 5 minutos, la soberbia intensidad de la banda en sí, y los detalles que nos van entregando lentamente hacen que nos pleguemos atentamente a las bases, como caminando en el mismo sitio, disfrutando de un Stoner bien grabado, con dosis de Metal clásico y, sobre todo, repito, un sonido incuestionable, sin fisuras, que va dejando claro que estamos ante una banda de Rock. Groove, sí, pero Rock. Y esto lo encontramos, sobre todo, en “Want me gone” y “”Where´s your savior , canciones que, dentro de la medida velocidad que la banda nos deja, va creciendo tempo a tempo, con una introducción clásica, para hipnotizarnos y dejarnos estáticos, disfrutando de esta inyección de poder. Luego una entrada bruta, clásica, donde lo que hacen es pisarnos la garganta y dejarnos quietos, en el suelo, recibiendo una lluvia de poder y furia. LEAGUE OF CORRUPTION es una banda con experiencia suficiente para desplegar un trabajo que se bebe muy frío, a velocidad lenta, sin prisas, como disfrutar del paso de una división de tanques pesados, con pocas variaciones de tono y ritmo, pero con fuerza, autoridad y un sonido muy bien conseguido. Tal vez, me parece, esto mismo sea el punto negativo, la cadenciosa similitud de las composiciones, si bien cada una suena que impresiona, uno extraña alguna variación de colores y tonos. Un Metal Groove bien construido, establecido con una batería que marca potencia y ritmo, y unos

grandes guitarristas que se convierten en lo mejor de “Something in the water”. SEBASTIÁN ABDALA 7.5/10

LIVE BURIAL (GBR) UNENDING FUTILITY TRANSCENDING OBSCURITY RECORDS, 2020

Estoy muy contenta por traeros el último lanzamiento de LIVE BURIAL, “Unending Futility”, disco que ha sido una de mis grandes alegrías en cuanto a death metal durante la cuarentena. Cuando todo el mundo habla sin parar de ULCERATE, y con razón, yo añado a la suma a estos ingleses. Este trabajo fue publicado el tres de abril bajo el mismo sello en el que se encuentran actualmente los españoles COME BACK FROM THE DEAD, el sello indio “Transcending Obscurity Records”. LIVE BURIAL nació en 2012 y, contando con este último trabajo, poseen dos álbumes, un EP y una demo. LIVE BURIAL se encuentra formado por Lee Anderson al bajo, Matt Henderson a la batería, Jamie Brown realizando las voces y a las guitarras Richard Codling y Rob Hindmarsh. “Unending Futility” se compone de un total de siete pistas con una duración de, aproximadamente, cuarenta minutos. En esta ultima publicación podemos observar una maduración espectacular en cuanto a estilo y composición con respecto a su anterior álbum, “Forced Back to Life”, en donde podíamos encontrar unas tintas de thrash y un sonido, que, en mi opinión, dejaba mucho que desear. Como curiosidad antes de entrar de lleno en “Unending Futility”, una vez más, me gustaría señalar el increíble artwork de la portada, obra del artista Luke Oram. Os recomiendo que le echéis un vistazo ya que también ha trabajado con otras bandas y realiza ilustraciones de estilo futurista/fantástico y de la serie de juegos Dark Souls. Comienzan abriendo el álbum con “Seeping into the Earth”. Como carta de presentación es sublime, toda una declaración de intenciones. Es aquí cuando te empiezas a plantear lo que estás escuchando, porque suena definitivamente como añadir en una coctelera el “Mental Funeral” de AUTOPSY, a OBITUARY, INCANTATION y, cómo no, a DEATH. El espíritu de Chuck vive en este álbum, es tan alucinante que he estado con los pelos de punta durante toda la reproducción de este trabajo. LIVE BURIAL hace un old school death metal muy maduro y técnico. La producción es brutal y el sonido está muy bien mezclado. El gutural es profundo y desgarrado, recordándonos a veces a John Tardy e incluso al propio Chuck. La línea de bajo es demoledora y de mitad en adelante las guitarras se hacen con el protagonismo y nos regalan un solo salvaje. Continuando con “Condemned to the Boats” podemos observar uno de los puntos fuertes de estos ingleses: los riffs. Los riffs van progresando y avanzando de manera ascendente con una cadencia muy DEATH. La batería no se queda ni mucho menos atrás, cosa que podemos apreciar en la lluvia de blast beats en “Swing of the Pendulum”. Este tema además tiene una composición brutal gracias al bajo, creando un ambiente muy poderoso y sombrío. En “The Crypt of Slumbering Madness” llevan un tempo desacelerado que les permite recrearse sin parar en la melodía. Las guitarras comienzan a elevarse mientras que el bajo desciende enroscándose, creando una escalera de caracol musical. La atmósfera que consiguen los guturales de Jamie es absolutamente devastadora y consigue transmitirnos una historia. A continuación, entramos en la zona de peligro de cualquier disco en el que, o nos destruyen el cerebro o caen en lo mismo hasta el final. LIVE BURIAL nos planta ahora dos de sus temas de más duración con un pasaje entre medias. Por una parte, nos encontramos con “Rotting on the Rope”, sin duda mi corte favorito de todo el álbum. Con siete minutos de duración, la batería nos brinda un doble bombo muy bien mezclado con el resto de los instrumentos que crea una base sólida, como un suelo de roca, en donde se deslizan el resto de los instrumentos de cuerda. Se trata de un tema muy rápido

y cañero que tiene una progresión espectacular. El entorno se comienza a ensombrecer y casi al final de la pista aparece un solo que, sencillamente, me ha roto el corazón en mil pedazos. La guitarra emerge y desaparece escoltada por el bajo en todo momento. “Winds of Solace” se trata del interludio que comentaba anteriormente, en el que las cuerdas de una guitarra acústica nos acarician, de la mano de Dan Rochester, artista invitado en este corte. Por último, nos encontramos con “Cemetery Fog”, el corte más largo de todo el álbum que cuenta con la colaboración de Kari Kankanpaa en la realización de las voces. Realmente saben transmitirnos ese ambiente de cementerio con un sonido de ultratumba. Es un tema cocinado a fuego lento que, sobre el minuto cuatro, estalla para traernos una batería como una apisonadora. Impresionante la forma que tiene LIVE BURIALde cerrar un trabajo de semejante nivel. En definitiva, sin duda hay muchas bandas que intentan imitar a DEATH, AUTOPSY o a OBITUARY y que pueden acabar haciendo un old school de copiar y pegar, pero LIVE BURIAL comprende esa esencia y sabe transmitirla. “Unending Futility” es un álbum muy bien trabajado con un resultado más que pulido en el que se puede apreciar el cariño y la dedicación con el que ha sido producido. Los ingleses se han lucido con esta última publicación, la cual entra sin duda en mi top 10 de este año 2020. LIVE BURIAL prometen y mucho, desde Necromance estaremos encima siguiendo toda la evolución de esta agrupación. Ni que decir tiene que “Unending Futility” está más que recomendado, tanto para los amantes del género como para la gente que quiera iniciarse en el mundillo. MAKI PÉREZ JÁUREGUI 10/10

LOATHE (GBR) I LET IT IN AND I TOOK EVERYTHING SHARPTONE RECORDS, 2020

Catorce temas forman el tercer trabajo de los británicos LOATHE, el cual, editado a través de SharpTone Records, ha sido nombrado como “I Let It in and It Took Everything”. Formados en 2014 en Liverpool, Inglaterra, el grupo está compuesto por Kadeem France a las voces, Erik Bickerstaffe y Connor Sweeney en las guitarras y coros, Sean Radcliffe a la batería y Feisal ElKhazragi en el bajo y coros. El tema que se encarga de abrir el trabajo es “Theme”, que comienza de manera muy leve, dándonos pequeños sonidos tranquilos y sosegados, que poco a poco dan paso a “Aggressive Evolution” segundo tema del trabajo y donde la potencia comienza a brotar de manos de una instrumentación bastante agresiva, que plasma unos riffs cambiantes y potentes desde el segundo uno. Nos dejan con una mezcla muy particular, donde las voces agresivas consiguen alzar la brutalidad de muy buena manera. Mediante un corte seco, nos dejan con la otra cara de la moneda, donde ritmos y voces tranquilas entran en acción para conseguir una mezcla de altibajos muy movida que se mantiene como la esencia durante todo el tema. Con riffs bastante potentes nos abren “Two-Way Mirror”, donde escuchamos una mezcla de guitarras con un sonido muy interesante, que se tornan en composiciones donde la potencia y la tranquilidad van de la mano, jugando con estructuras más agresivas que dan paso a otras mucho más tranquilas. Consiguen un tema bastante inmersivo, sobre todo en los ritmos más lentos, donde la voz se te incrusta en los oídos, disfrutando de ella de muy buena manera. En general nos encontramos con un tema bastante melódico, donde los repuntes de potencia son esporádicos, pero sobre todo, apuestan por ritmos más enérgicos que agresivos, generando un tipo de sensación diferente. En “Screaming” nos topamos con unos riffs bastante movidos, que apuestan por una mezcla intensa de guitarras y baterías, bastante intensas, donde nos deleitan con un sonido muy peculiar con esa mezcla. Introducen pequeños cortes con voces gu-

turales, que ponen ese toque oscuro en unas composiciones que apuestan algo más por la potencia. Sin duda, una mezcla interesante que les da muy buen juego. En los cortes agresivos nos deleitan con unas composiciones bastante pesadas, donde nos dejan un con una voz gutural muy oscura y profunda, que sin duda, crea muchísimo contraste con las voces limpias que encontramos en el resto de cortes; todo un mérito el ver que bien encajan todos los ingredientes. “I Let It in and It Took Everything…” suena para encargarse de finalizar el trabajo, cerrando con un tema de cinco minutos donde las variedades en los sonidos están aseguradas. Comienza con sonidos ligeros, donde la voz resuena de fondo, donde poco a poco esos sonidos leves se van alzando hasta dejarnos con unos riffs bastante estridentes, llevando la agresividad por bandera a través de una mezcla increíble de sonidos graves y agudos. Parte de esa potencia es gracias a unos guturales super potentes, que dan paso a las guitarras, que junto con la pegada increíble de batería y los ritmos intensos de bajo, generan una mole de sonidos super potentes que crean el durísimo núcleo del tema. LOATHE han conseguido un tercer disco muy sólido, con unas composiciones extensas pero bien sostenidas y ejecutadas, haciendo un alarde increíble de la capacidad de síntesis que son capaces de realizar con los diferentes sonidos y composiciones que nos encontramos en este disco. Sin duda la mezcla de composiciones oscuras, apoyadas en profundos guturales y potentes baterías; con ritmos más simples donde las voces limpias y la apenas instrumentación son los protagonistas, es una fórmula mágica, que les hace destacar y por lo tanto dejarnos con un trabajo que despunta, les hace reconocibles y dándoles poco a poco una personalidad y sonido, que les pondrá en el sitio que merecen. Un trabajo que te llamará la atención y seguro que hará disfrutar del primer al último sonido.

de la nada, con un agudo desgarrador y totalmente Power se llevan las palmas del disco. Increíble combinación, arriesgada, de una intensidad interpretativa maravillosa. Cierra una obra maestra, oscura y lenta al principio, con esas brumas que cubren un lago nórdico, y de pronto un estallido, una voz, que despliega una capacidad técnica, una tonalidad tan conmovedora que, de verdad, te subyuga por la infernal ejecución del grupo que, en verdad, solo están haciendo música: excelente y simple. Para completar esta feroz pieza, entregan unos solos de guitarra a velocidad de la luz, y se la juegan por completo en una velocidad virtuosa y feroz. Muy bien pensado, muy bien ordenados estos 6 minutos hasta el inevitable final, donde un teclado con tonos de caja musical antigua te despide y te deja catatónico. LUTHARÖ es, personalmente, un descubrimiento increíble, combinan toda la performance emotiva del Melodic, exorcizando demonios de una sociedad exasperante, en un desierto de músicos que te tiran con frecuencias de Power Metal sinfónico. Un verdadero infierno que contiene decenas de detalles en apenas 5 canciones. Absolutamente jugados, dejando en un ataúd todas las etiquetas posibles para hacer gala de un virtuosismo que se rebela ante los cánones. Increíble voz, guitarras progresivas furiosas y unas bases aplastantes. Un trabajo imperdible, de nuevo, para los amantes de las bandas que asumen riesgos y plasman técnica a través de, simplemente, buen Metal. SEBASTIÁN ABDALA 9.5/10

JORGE DE LA CRUZ 8.5/10

MALICIOUS INC. (GBR) RED FLAG SLIPTRICK RECORDS, 2020

LUTHARÖ (CAN) WINGS OF AGONY AUTOEDITADO, 2020

Nuevo trabajo, breve, técnico, melódico, contundente y demoledor de los canadienses de LUTHARÖ. Sucesor del extremo “”Unleash the beast” (2018), llega a nuestras manos “Wings of agony”, que está dejando boquiabiertos a más de un medio y cosechando un catarata de cumplidos. Y al escucharlo se explica perfectamente. De nuevo 5 canciones son más que suficiente para desplegar un Metal con unas influencias que suenan clásicas, Power y megalomanía total por parte de un batería demoníaco. Cuando estás esperando que comience un agudo soprano contando las miserias de un universo de magos y hadas, te espetan los primeros guturales de la vocalista para dejar esa carga imponente de dolor y furia. “Barren”, como apertura, además, contiene una buena dosis de Riff´s tan complejos como sutiles, bien combinados con bases que terminan entregando un sentido Melodic Metal y un aviso de que es un disco para escuchar con extrema atención. “Diamond Back” sigue en esta línea, intrépida, dando un paso más allá y sin susurros ni freno en la velocidad. Blast-beat entreverado con el bajo para soportar la técnica de la guitarra, manejando cambios de tiempo y ya sí, gutural predominante antes de un melódico en el estribillo que hace la entrada a los músicos que avasallan con interpretaciones complejas, utilizando un caos bien estructurado. Una verdadera joya donde todavía no hemos visto todo el potencial de LUTHARÖ. Con “Blood Lightning” y “Will to survive” nos terminan de desencajar la mandíbula, las introducciones de la banda son totalmente Heavy clásico, con baterías que no paran y unas guitarras que se juegan la vida en unas escalas impresionantes. Coros que siguen esta línea pero al frente de todo un gutural que se convierte en oscuridad total que,

MALICIOUS INC son una banda relativamente reciente, con un sonido Nu Metal agresivo al estilo de MACHINE HEAD, KORN e incluso LAMB OF GOD. Desde luego este EP titulado Red Flag suena a todo eso, no hay más. Pareciese qué este trabajo está escuchado mil veces. Los mismos riffs afilados, voces guturales tipo Metal Core y poco más. La banda hace un buen trabajo desde luego, no destaca nada por encima del resto pero en conjunto suena contundente y cierto es, que goza de una buena producción. Vamos a ver, sin duda los chavales se curran una buena carta de presentación y se puede vislumbrar que los británicos en un futuro pueden aportar cosas muy interesantes. MALICIOUS INC lo forman: Kyle Mortiss a las Voces, Morgan Weeds y Kyle Zehtabi a las guitarras. Matthew Hulin con el bajo y Luke Hill a los tambores. Este Red flag es un EP cortito, cinco temas, cerca de veinte minutos. Empieza con “Master & Mutt”, con una buena ración de riffs afilados y potentes ritmos. Muy en la onda de MACHINE HEAD. Suena familiar a tope. Continúan con “LACFTW”, más pausado pero cambia radicalmente el color, volviendo a los registros corrosivos del primer corte. El tercer tema “Honesty“ es similar, bailando entre los mismos sonidos. Riffs correctos y potentes, voces rabiosas del amigo Mortiss y ese royo Nu Metal de última hornada. El tema título “ Red flag” destaca un poco por encima del resto, y ayuda algo ha digerir este EP un tanto descafeinado. Cierran con “ Wintered trees”, con una introducción curiosa y diferente, volviendo a sus ritmos agresivos y cortantes. MALICIOUS INC no son nada novedosos, y quizás bailan en demasía sobre los hilos del Nu Metal. Pero dejan un poso y un regusto bueno. Ojalá no lo dejen mucho y regresen con una propuesta más elaborada y personal. EL GALLEGO 6/10

interesante para quienes tengan la mente abierta y se permitan apreciar cierta evolución sin rasgarse las ropas ante una nueva versión del grupo.

MOANAA (POL)

MOLOKEN (SWE)

TORCHES

UNVEILANCE OF DARK MATTER

AUTOEDITADO, 2019

THE SIGN RECORDS, 2020

Muchas veces, muchos lanzamientos de Walt Disney están rodeados de polémicas. Vivimos en una época de ofendidos que tienen acceso a las RRSS y, se les pida o no, dejan su opinión. La cuestión es que en 2016 la última película de animación, “Moana”, vino a avivar nuevas polémicas. La cuestión es que el precioso nombre maorí significa “mar profundo, gran extensión de agua” y como en España y en varios países de Europa ese nombre ya se estaba utilizando, pues se cambió por el de “Vaiana”, en tahitiano, “agua procedente de la cueva”. ¡Colorea y aprende con Teo!

Desde la localidad sueca de Umea, nos llega el cuarto trabajo de la banda de metal con tintes progresivos y experimentales MOLOKEN, bajo el nombre de “Unveilance Of Dark Matter” y editado por The Sign Records. Once nuevos cortes será lo que podamos disfrutar de estos suecos tras su álbum “All Is Left To See” de 2015, donde el cuarteto continúa con su música e investigando caminos enrevesados que les ha llevado a girar con CULT OF LUNA o THIS GIFT IA A CURSE.

Se mantiene el agua pero, no sé, como que el primero es mucho más evocador y emotivo. Así lo debieron pensar los polacos MOANAA y el gran abanico de posibilidades que les ofrecía el nombre como banda. Por suerte, algo tiene el agua de Polonia, el Vístula o el Oder, o cualquier otro, que estoy por viajar allí para hacer abluciones. Da igual la banda de la que hablemos, si es polaca, es buena (VADER, BEHEMOTH, DECAPITATED, por ejemplo). Pues en las últimas tendencias, Polonia no se iba a quedar atrás y esta banda que nos ocupa es un claro ejemplo de ese Post Metal de calidad que escuchas y te remueve todo por dentro, dejándote desolado, por la intensidad de la música, por la interpretación, por la emotividad, por… Porque MOANAA se sitúan en ese cada vez más difícil y arduo camino para hacer música que realmente valga la pena, y superan la prueba con nota. Por desgracia, esto que tenemos ante nuestras orejas es un EP, con sólo tres temas. Por suerte, son temas largos y bien construidos que te permiten disfrutar de casi media hora de música, bueno ¡de MÚSICA! Porque comienzo por “Inflexion” y nada me falta; están NEUROSIS, están ISIS, están las voces desgarradas y angustiosas, están las guitarras etéreas y las sobrealimentadas, el bajo que dibuja melodías oscuras y con un sonido poderoso como escuchar el mar de fondo. Siete minutos que se me acaban demasiado pronto. Pero… ¿y lo siguiente? MOANAA se marcan una versión del “Without you I’m nothing” de los siempre rarunos PLACEBO y sí, la voz de K-vass no tiene el terciopelo de la de Brian Molko, pero sí el trueno y la angustia que me enamoró en su otra banda, PSYCHOTROPIC TRANSCENDENTAL (haceos un favor y escuchad su álbum de 2018, también hicimos la review aquí). Para cerrar, otros doce minutos con “Red”, otra maravilla del Post. ¿Y qué te voy a contar? ¿Qué quieres que te cuente? ¿Acaso no sabes que hay que esperar, que dejar que el tema vaya avanzando, que crezca y que palpite, y que, como el mar del que hablamos, dejes que las sucesivas oleadas que vienen y que van te vayan atrapando? Y el tema promete, crece, late, ves por donde va evolucionando y te emociona, pero lo que se han grabado en el último cuarto del mismo, a partir del parón, justifica que veneres este EP. A no ser que seas un pusilánime y el mar profundo te de miedo.

Y es que la banda a lo largo de sus doce años de existencia han tocado y jugado con muchos estilos que van desde el black o el death metal, hasta el hardcore y el doom, creando unas estructuras enrevesadas pero entendibles. Tenemos temas como “Surcease”, que posiblemente te recuerden a THE DILLINGER ESCAPE PLAN, donde la agresividad impuesta por las guitarras de Kristoffer Bäckström y Patrik Ylmefors, se traslada a sus voces, implementadas por un bajo omnipresente y muy marcado a manos de Nicklas Bäckström (tambien voz), en un corte esquizofrénico y repleto de ira y locura, que continua con “Shadowcastle”, donde la técnica y los constantes cambios de ritmos marcan un ese aire experimental y exprimen la percusión de Jakob Burstedt. La instrumental “No Ease, No Rest”, nos da un respiro,(y si es la cuarta canción, pero se necesita) con un toque sombrío y una delicada sonata de piano, para transportarnos con “Hollow Caress”, más metalera y ambiental, oscureciéndose y envileciéndose hacia el final, para engancharse con “Venom Love”, una delicia escuchar las transiciones del bajo y ese ambiente que me recordó a CULT OF LUNA, mientras las voces retoman otros tonos entre rasgados y limpios, para gritarnos de nuevo en su estribillo. “Repressed”, marca un nuevo giro y “Lingering Demise” lo remarca, progresiva y densa, toda una delicia escuchar su desarrollo técnico y cambiante, con esas partes progresivas limpias y esas partes hipnóticas donde el silencio se funde con unos delicados instrumentos y unas armonías hechizantes, que se extiende hacia “Unbearable”, con una actitud creciente y una estructura instrumental para disfrutarla. El cierre del álbum tras otro interludio instrumental muy onírico “One Last Breath”, lo pone “Unveilance Of Dark Matter”, volviendo a los inicios y mostrándonos de nuevo su agresividad directa y desquiciada, con un trallazo directo a la sien, en un corte que condensa la esencia de MOLOKEN en toda regla. Si eres fan de bandas como CULT OF LUNA, marca este álbum en rojo porque lo disfrutaras desde el inicio hasta el final.

Abre una canción más cercana al “Core”, con decenas de bases y detalles envueltos en una fuerza que no admite reclamos, aunque sí se complica a la hora de describir. Genial el ritmo, las melodías, toques de un Metal que en cualquier novato puede sonar reiterativo, pero que MORBID DEATH ha puesto a su servicio. Y de ahí en adelante nos meteremos en este universo que el grupo ha rediseñado. Teniendo en cuenta que desde 2004 no teníamos un L.P., que en 2008 lanzaron un DVD en directo que no tenía desperdicio, y que sus últimas novedades las tenemos en 2010 con “Metamorphic reaction”, podemos asegurar que este es un disco que pega carpetazo a toda esa época en ciertos aspectos y que, en la actualidad, con “Oxygen” se han puesto en otro contexto. Dejo claro que escupen la misma brutalidad de hace 30 años, pero con un dominio de cada uno de los elementos que querían mostrar totalmente controlado en el estudio. ¿Tenemos influencias de Thrash? Sí, pero mucho más todavía de un Death Core Melódico apretado, muy creativo y perfectamente armado en cada tempo, cada growl. Con algunos teclados en distintos tramos para dar mayor efectismo, y otras zonas donde se pintan las historias haciendo que las voces se retrotraigan hasta esa maravillosa época donde el War Metal significaba algo, y luego desvanecerse en unas fantasmagóricas voces que se dejan escuchar entre punteo y melodía con aires Metal Core bien grabados y ciertas influencias progresivas. Las canciones son más melódicas, con muchos tramos de posproducción muy acertados, y arreglos que matizan mucho en la mezclan esa rabia callejera de siempre, para dejar una nueva personalidad, distintos por completo a cualquier cosa que hubiéramos escuchado hasta ahora. La voz sigue estando presente, firme, violenta y jugando a un diálogo psicótico con guitarras machacantes y unas grandes bases que siguen estando contundentes aunque haya nuevas manos en el ajo. Canciones como “Grow stronger” o “Dark love” forman parte de un Universo dispar, donde encajarlas con el resto del trabajo se hace complejo, mientras que por otra parte tenemos estilos más veloces y furiosos como “Deep down” o “Parasites with ties”, con partes arrolladoras, y un cierre a toda revolución con “The perfect Lie”. Interesantes 12 canciones que incluyen una buena pieza instrumental de samplers y efectos que nos hunde en un clima distópico donde puede oírse las cuerdas de una “Viola da terra”, para acompañar algunas frases en portugués y una envolvente voz coral que suelta melancolía. Bien. La estructura de MORBID DEATH ha cambiado, sensiblemente. Con nuevos integrantes, y diez años después de silencio, podemos encontrar en “Oxygen” un trabajo que, en palabras de la banda, les da aire para enfrentar este nuevo proceso. Evaluar el disco con un ojo puesto en el pasado de la banda no sería justo, para nada. Es un trabajo para escuchar con la sinceridad de quien gusta de una buena combinación de elementos actuales, con una estructura poderosa, bien producida y arreglada.

no solo marcó al propio Aaron y a su familia, sino también a MY DYING BRIDE . Por otro lado, la banda sufrió una remodelación en cuanto a integrantes: Calvin Robertshaw y Shaun Taylor-Steels abandonan la formación. Con lo que, actualmente y para “The Ghost of Orion” la formación se compone de Andrew Craighan con las guitarras; Aaron Stainthorpe a la voz; Lena Abé al bajo; Shaun Macgowan con teclado y violín y, la incorporación, Jeff Singer a la batería. Además, como artistas invitados contamos con Jo Quail con el violonchelo y Lindy Fay Hella, de WARDRUNA. “The Ghost of Orion” tiene una duración de casi una hora con un total de ocho pistas. Me llena de pena escribir esta reseña, pero “The Ghost of Orion” es un álbum que está a medio cocer. De MY DYING BRIDE no puedo sino ser bastante exigente al ser una banda con semejante reputación que me ha acompañado durante muchos años de mi vida. Es verdad que contamos con temas muy buenos como “Your Broken Shore” y “To Outlive the Gods”, con un corte muy clásico, en el que nos mece el violín y la voz melancólica de Aaron. Las riffs añaden fondo y una atmósfera muy solemne y muy MY DYING BRIDE . Pero, sin embargo, no hay ningún riff ni ninguna melodía que sea memorable o se nos clave en el corazón, como me sucede siempre con estos ingleses. “Tired of Tears” es un tema con una letra simplemente PRECIOSA y muy triste en la que podemos empatizar con la situación familiar del vocalista, pero ese sentimiento no se ve transmitido en la música. Esa aflicción y ese sentimiento al que nos tienen acostumbrados, sencillamente, no se ven reflejados. No es musicalmente emocionante a pesar de que la letra es devastadora y personal. A continuación, viene uno de los tres pasajes, bastante innecesarios a mi parecer, que meten en el disco. Por lo menos en este primero, “The Solace” cuentan con la colaboración de Lindy y se convierte en una pista interesante pero que no sigue el hilo conductor del trabajo. Prosiguen con “The Long Black Land”, corte que merece mucho la pena porque salen a relucir esas raíces del doom. Los guturales nos desgarran por dentro mientras la batería dicta sentencia. Es entonces cuando el violín nos rescata y se ofrece como un vaso de agua fría en mitad del desierto. “The Ghost of Orion” es otro pasaje que continua con “The Old Earth”, un tema un poco repetitivo que llega a caer un poco en la monotonía. Sin embargo, es el corte con la línea de bajo más bonita. “Your Woven Shore” recoge y cierra el álbum. “The Ghost of Orion” no es un mal disco, aunque no es ni mucho menos el mejor trabajo de MY DYING BRIDE . Los ingleses nos regalan temazos clásicos, pero no logran ser consistentes a lo largo de la escucha y los desniveles son fácilmente apreciables. Posiblemente este álbum sea la pausa en el camino que necesitan para volver a tomar impulso y despegar de nuevo. MAKI PÉREZ JÁUREGUI 7/10

SEBASTIÁN ABDALA 7/10

JUAN ANGEL MARTOS 8/10

NAWABS OF DESTRUCTION (BGD) RISING VENGEANCE

Nueva banda recién descubierta y recién incorporada a la carpeta de “Favoritos”. Increíble sonido, increíble propuesta, un EP con tres temas con casi media hora de duración; una escena (la polaca) que no hace nada más que darnos alegrías. Y lo mejor, que MOANAA ya tienen otro EP y dos álbumes para poderlos disfrutar (por lo que supongo que el próximo larga duración estará al caer).

PATHOLOGICALLY EXPLICIT RECORDINGS, 2020

MY DYING BRIDE (GBR) THE GHOSTS OF ORION NUCLEAR BLAST RECORDS, 2020

CESAR LUIS MORALES 9/10

MORBID DEATH (PRT) OXYGEN ART GATES RECORDS, 2020

La ya legendaria banda portuguesa MORBID DEATH vuelve al ruedo este 2020 lanzando con furia apocalíptica “OXYGEN”; un trabajo que puede considerarse un renacer, un cambio abrupto, pero

Los ingleses MY DYING BRIDE regresan con nuevo material este marzo de 2020. Sin duda, es increíble que “The Ghost of Orion” haya logrado ver la luz debido a las dificultades por las que ha pasado la banda, tanto a nivel personal como profesional. Por una parte, la hija pequeña de Aaron Stainthorpe ha estado durante dos años bajo el tratamiento de un cáncer. Cualquier persona que haya tenido a un ser querido con esta patología sabe el desgaste emocional y lo duro que es el proceso. Este hecho

Si hay algo que da vidilla a esto del undreground es el poder encantarte bandas, buenas bandas, en cualquier lugar del mundo. Siempre ha sido así, pero ahora la globalización e internet hace que las conozcamos desde el mismo momento de su edición musical. Y eso es lo que pasa con este dúo de Dhaka. Desde Bangladesh para ser editado por Fernando de Patholotically Explicit Recordings. Y evidentemente si no habíais escuchado nada de esta banda, al leer la procedencia y la discográfica pensareis que estamos delante de una banda de talante extremo, brutal y blasfemo. Error, en esta ocasión Fernando ha apostado a lo grande por una banda que se sale de su temática habitual, y ha acertado de pleno. Su primer trabajo, y con no mucha experiencia demostrada en otras bandas pero con un resultado sobresaliente de principio a fin. Incluso desde la NUM. 73 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 55

portada, que es llamativa, atrayente y descriptiva, quizás incluso adelantando lo que nos vamos a encontrar. Aunque la producción sea más oscura de lo habitual o deseado en este tipo de bandas le da ese punto under que va a desaparecer en cuanto una discografica más mainstrem se fijen en ellos, que todo llegará.

SS (guitarra y compositor principal) para describir el monolito que representa al sepulcrador. Sonoramente posee una combinación de voces magistral, arpegio black tensionador, riffs deathmetaleros de quilates, trémolo asesino y un breakdown que te baja al abismo del doom en una atmósfera insana entre lo esotérico y lo putrefacto.

Quitando que esta banda hace metal extremo, no creo que se pueda catalogar en otro movimiento sin equivocarnos o dejando de lado otra influencia. Aunque evidentemente hacen Death metal, también evidentemente hacen progresivo, hacen Djent, hacen melodeath, tienen voces limpias, solos shred, voces guturales, blast beats, teclados ambientales, sonoridades étnicas, riffs industriales, elementos muy cercanos al power metal, metal melódico sinfónico… y así suma y sigue. Curiosamente aun así esto no suena desordenado o sin coherencia. Tampoco puedo decir que sea todo lo contrario, no, pero sí que todo encaja, que no desvarían y que el resultado final es coherente, equilibrado y soberbio en capacidad compositiva y facilidad para dar finalización a una serie de ideas que cuando se tienen parecen buenas pero que en muchas ocasiones, cuando se hacen canción, suenan a risa.

«Psychomanteum – Luminous Flames» nos reta a aguantar delante del espejo con escasa iluminación la repetitiva e hipnótica lluvia de arpegios y la mejor melodía del disco. Acojonante tema tenebroso que contiene solazo y buenos bendings además de potencia y velocidad. Los 12 minutos de las encadenadas «Pallid Eyes», un canto nigromante, sucio y directo, la breve instrumental «Serpentrance», ejercicio de pulso y púa, y la tensa descripción de los horrores que oculta la niebla en «Basilisk Fumes» rompen con la tónica soporífera del disco y aportan frescura y desentumecen los músculos ante la llegada de «Eremitorium», la otra joya que esconde este disco. 9 minutazos de angustia, donde el nigromante ya se muestra empoderado y desata un torbellino de ritmos oscuros que pasan del death a la pesadez del doom y el vértigo del black para coronar en un puente antológico a lo THE CURE.

Tampoco sabría muy bien que instrumento destacar, pese a que siendo un dúo es evidente que las carencias instrumentales son palpables en algunos casos, pero es que tanto las guitarras como las voces, de primer nivel compositivo y a veces técnico, mitigan cualquier otra carencia.

NEKROVAULT transmite con su manera de manejar el death metal el verdadero significado del terror que se siente antes de morir, conoce las palabras exactas para poder despertar a la muerte y con «Totenzug: Festering Peregrination» da el primer paso para conseguir la inmortalidad en el género.

No lo dejéis pasar, independientemente del estilo de música que más escuchéis, porque esto seguro que tiene algo que os llama la atención, seguro.

SCHEITAN 9/10

NIGHTFEAR (ESP)

NOVELIST FR (FRA)

APOCALYPSE

C’EST LA VIE

FIGHTER RECORDS, 2020

ARISING EMPIRE RECORDS, 2020

Después de cinco años de la publicación de su segundo disco, “Drums of War”, en 2015, NIGTHFEAR nos trae su nuevo trabajo, “Apocalypse”, muy esperado por todos sus seguidores.

La corriente filosófica del Estoicismo se basa en el dominio y control de los hechos, las cosas y las pasiones que perturban la vida. Su objetivo era alcanzar la felicidad pero prescindiendo de los bienes materiales. Era un aceptar la vida tal como viniese y llegar a la ataraxia: un estado anímico que se caracteriza por la tranquilidad y la ausencia de deseos o temores. ¡Colorea y aprende con Teo!

El quinteto madrileño, formado por Lorenzo Mutiozabal, (voz), Ismael Retana, (guitarra), Ángel Fernández, (guitarra), Manuel Moreno, (bajo) y Osckar Bravo, (batería), ha trabajado duramente estos años, siguiendo la línea que plasmaban en “Inception”, (2012) y en “Drums of War”, (2015) de Heavy y Power Metal. Pero como siempre, sin salir de su propia esencia y originalidad musical. En esta ocasión, la portada del álbum esta coronada por un guerrero imponente en medio de una ciudad en llamas. “Apocalypse” cuenta con diez temas que se inician con “We Are back”, una clara declaración de guerra para advertirnos que han vuelto y con más tralla.

SANTI GZLEZ 8.5/10

La segunda canción, “Shine”, arrasa con unas líneas de guitarra muy bien conseguidas y con unos ritmos machacantes a los que se le suma la voz con pinceladas al estilo IRON MAIDEN. “Living your life” es el tema que más me ha gustado junto a la décima y última canción. Tiene un peso mucho más Heavy a nivel instrumental, con una voz guerrera más Power Metal creando una fusión incomparable que define tanto a la banda. En esta línea se mantiene “A Better Word”. “The Stranger” saca el lado más oscuro de la banda, con una batería muy marcada y diligente que llevan la melodía a otro nivel.

NERVE SAW (FIN) PERIL

NEKROVAULT (DEU) TOTENZUG: FESTERING PEREGRINATION VÁN RECORDS, 2020

Formados en 2017, NEKROVAULT, desconocido cuarteto alemán para mí, publicó su debut el pasado 27 de marzo a través de Ván Records, discográfica con la que ya tenían editado un EP y un 7” previos a este «Totenzug: Festering Peregrination». Entre sus miembros hay prolíficos músicos del underground extremo alemán como P (bajo y voz, MÖTORCULT, NOCTURNAL WEED y VOLCANIC) y el bateria V (GRAVEN), quienes fundaron la banda tras la salida de V de REVEL IN FLESH. En «Totenzug: Festering Peregrination» ofrecen un death/doom contundente, con matices black y ligera influencia old school. Trabajo nauseabundo a la par que claustrofóbico y dinámico que reporta a INCANTATION, con sutileza TRIPTYCON, la voluminosidad de DEAD CONGREGATION, la riqueza de sus paisanos NECROS CHRISTOS e hipnótica KRYPTS o ABYSSAL, en una producción más que aceptable. Inspirado en leyendas locales, dejan a la dama de blanco, la chica de la curva y Loreley en cuentos infantiles gracias a la conseguida atmósfera creada a partir del magistral uso del espectro sonoro. Los extremos de este, dirigen esta radical santa compaña, con un poderosísimo grave ultrasensitivo y violento, y unos arpegios y trémolos de afiladísimas y continuas notas agudas que se apoderan de cuerpo y mente, dejando en zona media la profunda voz en segundo plano provocando ese efecto entre mágico y terrorífico. Buena cuenta de ello en «Totenzug – Funereal Hillscapes», que abre el disco describiendo el agobiante paisaje del que parte la encadenada muerte después de la vida entre gritos de lamento. Dominio absoluto del tempo que pasa del funeral doom al osdm. «Sepulkrator» es una de las joyas de este disco, con mucha personalidad, se va a convertir en uno de mis himnos del año. Funeraleonic, mortiferetorial, funeroyal o cadaveralchemistic son algunos de los adjetivos que han salido de la perversa mente de 56 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 73

TESTIMONY RECORDS, 2020

Debut de este trio finlandés el cual había ofrecido una EP y un par de singles antes de este primer larga duración bajo el sello Testimony Records. Aquí nos encontramos con una banda que mezcla el Swedish Death Metal de la vieja escuela, y que para mí tiene una grandísima influencia del antiguo Punk y HC inglés y sueco, así su música aunque es puramente un hibrido de la vieja escuela, llena de ritmos que bien podríamos encontrar en cualquier álbum de G.B.H. o DISCHARGE. Quizás esto no sea del agrado de los más puristas del género Death o los que buscan un Death Metal algo técnico o elaborado, porque aquí los ritmos son simples y se basan en el redoble de cuerda y ritmos más marchosos, d-beat por doquier, y que en temas como el inicial “Fool”, “Life Goes On… Not” o “No Lead” nos queda más que claro, además la duración es muy corta en todos ellos, pensemos que pese a encontrarnos con once temas el álbum en sí no llega a la media hora de duración. Hay temas más pesados y rifferos como “The Red Line”, “Last Verse for the Buried” o “Ghost in Disguise”, los cuales me recuerdan a una época más intermedia de ENTOMBED. “Nails” es de los temas más cafres y veloces, aunque sin dejar esas influencias punkarras en ningún momento. Hay que decir que es un álbum bastante simple, con un concepto bastante macarra y callejero, algo desenfadado en su concepción musical y con la intención de ofrecer temas cortos y directos, sin complicaciones y que ofrezcan justo la brutalidad que se busca en una música de este estilo, así que si quieres algo que te haga saltar de la silla y gritar a puro pulmón sus destructivos temas, NERVE SAW es para ti, porque está bien hecho y suena con la personalidad perfecta para la música que practican. LUIS MARTÍNEZ 7/10

“Psichokiller” es una de las canciones donde vemos el trabajo de la banda a nivel instrumental, cómo ha ido evolucionando hasta ganar el reconocimiento que merece. Es un tema instrumental, con cambios de ritmos que componen una auténtica locura. “Trough The Stars” tiene una intro de percusión brutal a la que se le irán sumando las guitarras, el bajo y en último lugar, la voz. Este tema tiene un importante trabajo coral que acompaña y enriquece el estribillo. “Nuclear Winter” y “The Evil In You” son dos temazos llenos de incansables riffts de guitarras, ritmos marcados y una voz desgarradora. Finalmente, el disco termina con “Angels Of Apocolypse”. El inicio pega un contraste tremendo con el estilo que llevaba caracterizando a las nueve pistas anteriores, con una melodía acústica de guitarra y una voz grave que canta sobre unos silbidos que recuerdan al Viejo Oeste Americano. Después aparecerá la voz del cantante, Lorenzo Mutiozabal, y el grupo completo tal y como lo hemos ido conociendo durante el CD, pero en un ritmo mucho más tranquilo y desesperado. Esta canción es otra de las marcas que nos muestra la evolución y el enriquecimiento de la banda. A los seguidores de NIGTHFEAR que aún no hayan tenido la ocasión de escuchar “Apocalypse”, decirles que les esperan diez temas llenos de buen material. Y a los que aún no conocen a la banda, animarlos a hacerlo. Porque viendo como alcanzan nivel tras nivel con cada disco, estoy segura de que nos esperan gratas sorpresas con sus futuros proyectos. ALICIA CASTAÑO 8.5/10

En el idioma francés, existe una expresión que alude a ese tipo de actitud vital, quizá impregnada de fatalismo, y es “C’est la vie”, “así es la vida”. Y ¿cómo es la vida? Pues tal como la comprenden NOVELISTS FR en su tercer álbum, titulado precisamente así, es una obra plena de momentos, de temas, de emociones y de luz. Un caleidoscopio musical que a mí, por lo menos, no me ha provocado estoicismo o ataraxia, más bien todo lo contrario: ha sido un Síndrome de Stendhal musical. Lo que se escucha en este “C’est la vie” es una obra maestra de una banda formada hace ocho años por los hermanos Durand (Florestan a la guitarra y Amael a la bateria, como la otra gran esperanza francesa, GOJIRA). El disco se abre con un “Somebody else” que comienza con devaneos entre el Math, el MetalCore, con una magnifica producción y la increíble y versátil voz de Matt Gelsomino, luz y oscuridad, growl y voces limpias. Ya solo con este tema, se han convertido en banda de referencia para el siglo XXI. Pero es que el disco no hace sino mejorar, tema a tema, escucha a escucha, porque es increíble la cantidad de detalles, de capas de sonido, de versatilidad que tiene. Así es la vida, ¿se puede definir con una sola palabra? Pues no. Del mismo modo que “Deep Blue” alterna riffs más Core con otros más emotivos y épicos, en una combinación perfecta de destreza musical que pone la banda a un nivel estratosférico, haciendo cosas que el resto de los mortales solo pueden llegar a soñar. Mientras que el inicio vocal de “Lilly” se asemeja a un rapeo, el resto de la interpretación de Gelsomino es brutal, desgarrada cuando tiene que serlo, emotiva, atmosférica… ¿y la interpretación de la banda? Versatil, adecuada, capaz, riffs gruesos, solos épicos, base rítmica espectacular y dinámica. Pocas veces una banda consigue noquear(me) con cada tema, y este “C’est la Vie” es un bombazo detrás de otro. Porque “Modern Slave” camina sobre una serie de riffs a medio camino entre el Djent y el Math, y todo se va alternado con una fluidez y un pulso, como la vida, a veces estás arriba, a veces estás abajo, a veces duele, a veces… A veces odio a NOVELISTS FR , por hacer lo que hacen, por dejarme sin palabras, boquiabierto, provocando el Síndrome de Stendhal que os indicaba antes como cada riff, con cada cambio, con cada línea, bien de batería, de bajo, de guitarra o de voz… Porque aparte de lo que escuchamos de modo directo, tenéis que escucharlo con las orejas ¿Y con qué lo vamos a escuchar, preguntareis? Hay que escuchar y escucharlo muy bien todo (afortunadamente la producción ayuda) porque es increíble el nivel al que están tocando esta gente, y hay que escuchar lo que hace Florestan, pero también de qué modo lo va acompañando Nicolas Delestrade al bajo, o como gestiona los polirritmos el otro Durand o como meten coros o… El tema homónimo “C’est la Vie” ¿qué os puedo decir? Inefable Camille Contreras. “Head Rush” arrolla por su emotividad, por su musicalidad, por ser otra muestra de perfección compositiva y balance entre todas las partes… ¡Dios, como los odio! ¿Y “Kings of Ignorance”, con esos arreglos de electrónica y sus riffs Djent? Así no hay quien sea estoico. “Rain” es una cátedra, un doctorado Honoris Causa de los que son NOVELISTS FR , una celebración de sonido y de contrastes… Y para cerrar otro increíble tema, “Human condition”, y la ataraxia a tomar por culo. Y es que, como reza el disco, “C’est la vie”, “Así es la vida”. Y NOVELISTS FR así lo han demostrado.

Apenas una década de existencia, tres discos y dejando al resto de la escena mundial a la altura del betún con un sonido propio y característico que cada vez van perfeccionando más. Si siguen creciendo así, van a ser lo más grande de y el resto de bandas y de mortales, solo podremos encogernos de hombres y decir “C’est la vie”. Así es la vida, o así son NOVELISTS FR . CESAR LUIS MORALES 10/10

lo consiguen, más vale tarde que nunca). Saltamos al “Berzeks of OD”, que es crepitante pero con un tiempo contenido; hay una extraña y enfermiza atmósfera, como que alguien no está yendo a tiempo, como que la voz se queda atrás ahogada, como que… Como que aquí NOX FORMULAE si están haciendo algo que no es el copia-pega de un montón de clichés del Black Metal. Buena manera de descubrir una nueva banda, de la escena griega en concreto. Buen acercamiento, pero casi que me voy a esperar al siguiente trallazo, porque ese, ese sí que va a ser el bueno. Mientras tanto, se pueden ir abriendo boca con este “Drakon Darshan Satan”. NOX FORMULAE están justo en el límite, si dan un paso más (un álbum más) habrán roto los límites y estarán a otro nivel. CESAR LUIS MORALES 8/10

NOX FORMULAE (GRC) DRAKON DARSHAN SATAN DARK DESCENT RECORDS, 2020

Decía Rosa Luxemburgo que quien no se mueve, no siente las cadenas. Los límites, y esto es innegable, están para expandirlos, para rebasarlos, para romperlos. Y con esto acaba la clase magistral del hoy, y el ¡Colorea y aprende con Teo! Nah, es broma. Digo esto porque algo pasa cuando uno escucha música desde el prisma del crítico, e incluso desde el mero concepto lúdico de escucharla. Una vez que escuchas cien, doscientos, mil discos de un mismo género, buscas algo más. Buscas a alguna banda que sí, que aparte del buen trallazo de Black Metal (que es de lo que estamos hablando) vaya un poquito más allá. Más allá, ¿hacia dónde?, os preguntareis; pues más allá, ¿ves esa raya, ves ese límite, ves esa restricción? Pues más allá, al otro lado de los miedos, de los prejuicios, de las reglas establecidas… NOX FORMULAE todavía no han cruzado esa línea pero acaban de llegar justo a ese límite, y están a punto de cruzarlo. No en este disco, su segundo larga duración, “Drakon Darshan Satan”, pero están tan cerca del límite que casi lo han cruzado, ¡quizá en el próximo trabajo! Porque aquí si hay cosas, hay ideas, hay bocetos que no han llegado a desarrollar y que les ha impedido dar ese salto. Abren con “Psychopath of NOX” y la primera impresión es: ¡vale, es Black Metal! ¡Vale, es el barullo noruego que tanto me (nos) gusta! Ojo, que no es sonido guarro y oscuro; todo lo contrario, es filoso, gélido, apabullante, como una navaja barbera apoyada contra tu cuello. Y de hecho, al final del tema es cuando hacen algo distinto y novedoso, dejando ese ominoso y terrible minuto final, dejándote con ganas de más en esa línea. Y vuelven a saltar al ataque bombardeante de “Ravens of Terror”, riffs en cascada, blast-beats, una escalofriante interpretación vocal de Monkshood 333 como vocalista principal acompañado por Wolfsbane 1.1, también a las voces y la guitarra. Y sí, volvemos a los mismos, al buen y purulento barullo noruego, pero no, me falta algo. Están justo en el límite para saltar a algo excepcional y no han dado el paso. ¡O quizá sólo son los desvaríos de este viejo que os habla! Eso sí, como toda buena banda que se precie en el género, tienen su vertiente intelectual bien clara, pues el álbum, tanto musical como líricamente, está basado en un grimorio (“At the Outskirts of the Shadow Current: The Dark initiation in this lifetime” de Daemon Gharrassielh). El siguiente tema, “Eclipse of Garrasielh”, si tiene un buen montón de riffs y de cambios de ritmo para mantenerte atento al salto a otro tema dónde el disco se empieza a poner interesante, “The Black Stone of Satan”, sobre todo por el modo en que consiguen mantener la intensidad y la melodía en las guitarras, junto con las tareas vocales, ora shrieks, ora recitativos. Y es en todo ese barullo noruego, como digo, cuando aprecias detalles como la increíble línea de batería que mete Mezcal en el siguiente tema “The Blood Oath of Thagirion”, que aparte del tupá-tupá machacón va metiendo originales líneas que le dan un aporte especial al tema. Pero dónde la banda se pone realmente sería, y pone, también, un pie en el otro lado del límite es en los dos siguientes temas. “The Arrival of the Noctifier” tiene otro rollo, otra estructura, otro aire, sí, enraizado en la viciosa miasma del barullo noruego, pero… Aquí sí, aquí la banda cruza el límite y no es una banda de Black Metal más, aquí hay ideas, imaginación, ganas de romper los límites (y

OBLIVION GATE (FIN) WISDOM OF THE GRAVE ATMF, 2020

En septiembre de 2019, la banda finlandesa OBLIVION GATE, publicó un EP autoeditado titulado “Wisdom Of The Grave”. Más tarde, el 17 de abril de este año y a través de Aeternitas Tenebrarum Music Foundation, (ATMF), el grupo lanzó el CD que hoy tenemos entre manos. Además de los cuatro temas del EP, el disco cuenta con otros dos más: “Lesser Key Of Solomon” e “In The Fields Where I Lay”. Dos temas que no podrían haber faltado para quedar tan completo y que echaría en falta si solo hubiera escuchado el EP. Si sois grandes fans del Doom Metal y habéis seguido de cerca la escena musical, os va a parecer una joya de trabajo. Son seis temas cargados de riffts pesados, de una buena línea melódica y de un sonido sucio y distorsionado característico del Black Metal. El álbum comienza con “Morphine”, en la que se integran unas melodías chirriantes y unos ritmos lentos a los que se le suma la voz. La voz me ha gustado mucho, personalmente. Consigue crear una entonación oscura y pesada sin perderse demasiado en el resto de los sonidos. Según pasen los minutos, (la canción dura unos ocho minutos), la sensación musical irá cambiando, creando un viaje en la oscuridad. El segundo tema es homónimo al disco y lo cierto es que lleva el alma del trabajo, mostrándonos una nostalgia espeluznante que no se detiene. “Give Me The Gun” y “A Strange Thing To Say” mantienen esa peculiaridad. Lo cierto es que es difícil explicar ese sentimiento musical, quizás es lo que lo haga un disco único y por eso me empeño en que lo escuchéis. Por último, hay que mencionar que la portada le hace un gran juicio al álbum. Esa expresión que parece distorsionado junto a la tonalidad nos parece remitir a la portada de un álbum de Black Metal Noruego tales como “Filosofem” de BURZUM. En el EP utilizan la misma portada en color mientras que en esta ocasión se han dispuesto colores ocres. Insisto en que escuchéis “Wisdom Of The Grave”, pues es sin duda uno de los trabajos de Doom Metal que deberíamos destacar este año y que no va a dejar a nadie indiferente. ALICIA CASTAÑO 8.5/10

la música folk con raíces en tradiciones vikingas, escandinavas y del folklore noreuropeo, que te transportaran a un lugar lejano en el tiempo donde los druidas, el misticismo y la magia, estaban presentes en cualquier rincón de la vida cotidiana.

ODRAZA (POL) RZECZOM GODZ OV WAR PRODUCTIONS, 2020

Polonia vuelve a traernos joyas desde el panorama musical, en esta ocasión, con la banda de black metal ODRAZA. Formada en 2009, ODRAZA cuenta únicamente con dos integrantes: Priest a la batería y guitarra y Stawrogin a la guitarra, bajo y realizando voces. Concretamente hoy vamos a hablar de su segundo y último álbum, “Rzeczom”, publicado en mayo de este año 2020 bajo el sello Godz ov War Productions. Este trabajo cuenta con diez pistas y una duración total de, aproximadamente, cincuenta minutos. “Rzeczom” es un trabajo muy personal e introspectivo que cuenta con un sonido excelente. A lo largo de la publicación vamos a experimentar distintas sensaciones como la tristeza, la ira, la melancolía, el hastío… reflejadas en los distintos cambios de tempo a los que nos exponen. Contamos con giros brutales como en el mismísimo inicio del álbum, con “Schadenfreude”, que abre con la melodía dulce y delicada como de una cajita de música, hasta que se desata la violencia en un sinfín de blast beats veloces y riffs muy oscuros. El gutural es profundo y feroz y, sin embargo, a veces se torna desenfadado y remolón. En ese sentido, a veces nos puede recordar un poco al estilo de Niklas Kvarforth o de PESTE NOIRE. Contamos con cortes rápidos y pegadizos como “W godzinie wilka” y otros con una cadencia más lenta como “…twoją rzecz też” o “Rzeczom” que nos permite entrar en un trance muy interesante. Casi a mitad de trabajo nos sorprenden con un interludio prácticamente hablado: “Długa”. A nivel de bajo nos encontramos con líneas poderosas como en “Młot na małe miasta” o en “Bempo”, en el que existe un juego muy interesante de riffs entre guitarras y bajo. En este último corte y en “Najkrótsza z wieczności” colabora Azar como artista invitado en la realización de los solos. Este tema es muy sentimental y melancólico y a mí, personalmente, me ha calado hondo. Sin duda una de mis pistas favoritas de “Rzeczom”. No me gustaría terminar la reseña sin hablar antes de uno de los cortes más potentes del trabajo: “Świt opowiadaczy”. Este tema rebosa black metal y crea una atmósfera realmente devastadora. Sin duda, este corte define a la perfección todo lo ODRAZA nos puede ofrecer a nivel de sonido y composición. Si no sabéis qué tema poneros primero para ver si os gustan o no estos polacos, os sugiero que optéis por este. ODRAZA es, sin duda, un soplo de aire fresco en el black metal. Consiguen un sonido muy personal con su propia percepción de la música. “Rzeczom” es el culmen de su trabajo hasta el momento, lo recomendaría sin vacilar a amantes del género. Desde Necromance estamos deseando ver qué más pueden ofrecernos ya que han dejado el listón bastante alto. MAKI PÉREZ JÁUREGUI 9/10

OLS (POL) WIDMA PAGAN RECORDS, 2020

Si mencionamos a grupos como HEIULUNG, WARDRUNA, FORNDOM o DANHEIM, todo amante a

El grupo al que nos acercamos hoy, es otro ejemplo de este pequeño resurgir que está dándose en el estilo, hablamos del proyecto personal de Anna Maria Oskierko, encargada de las voces, instrumentos, composición, letras y arreglos, que inundan su universo, concentrado bajo el nombre de OLS y su álbum “Widma” (espectros a la traducción), editado a través de Pagan Records. Un álbum conceptual dedicado a la caída del otoño, cuando el invierno va apareciendo con sus gélidos fríos y su semblante anciano; un paseo por las diferentes partes otoñales, desde las primeras caídas de hojas, el cabello gris, el oscuro noviembre, hasta la llegada invernal. Todo ello condensado en un neofolk repleto de oscuridad, pero suavizado por una delicadeza y una belleza mágica. Desde la ritualistica “Widma”, que nos da la bienvenida al álbum en una especie de invocación a los espíritus del bosque, donde le viento y la fauna se unen al sortilegio, hasta “Pod Lodem”, que cierra el álbum a través de un nuevo ritual cercano al solsticio, pero que engalana todo el ambiente con una belleza inusitada, las voces de Anna, se multiplican en varias capas y con una instrumentación minimalista, recrea unos pasajes repletos de magia. Y es que su música es un viaje a otras tierras, a otros tiempos, por el que dejarte atrapar como la “guerrera”, “Starucha”, con un aire muy heroica o “Siostry”, que te precipitará a la meditación y al paseo por frondosos bosques donde el ocaso deja las ultimas llamas en el horizonte, que contrasta con la intimista y con cierto toque medieval “W Ciemny Las”. La intimista “Ziarenko”, es toda una delicia escucharla y una de mis preferidas, pues Anna posee una voz dulce y embriagadora, que unido al toque del pandero, las flautas dulces y su toque ambiental, consigue su objetivo otoñal con un folk muy ligero y asequible para todos los públicos, representado también en “Ukojenie” o en la chamánica con toques de ritual ancestral, “Drzewa Dawno Zmarly”. JUAN ANGEL MARTOS 7/10

ORANSSI PAZUZU (FIN) MESTARIN KYNSI NUCLEAR BLAST RECORDS, 2020

ORANSSI PAZUZU es una banda finlandesa de black metal psicodélico formada en 2007 que cuenta actualmente con cuatro álbumes a sus espaldas. Sin duda, el nacimiento de ORANSSI PAZUZU junto con el de A FOREST OF STARS, unidos a bandas como NACHTMYSTIUM, supuso una revolución del género que ya venía, obviamente, precedido por muchas otras bandas experimentales. “Mestarin Kynsi”, su quinto y último trabajo, sale publicado en abril de 2020 en plena cuarentena y nos viene como maná caído del cielo bajo el prestigioso sello discográfico “Nuclear Blast Records”. Para los que desconocían la existencia de esta banda, ORANSSI PAZUZU se encuentra formada por Korjak a la batería; Ontto a manos del sintetizador, bajo y el trombón; EviLL realizando voces y efectos varios con sintetizador y teclado, Jun-His con voces, guitarras y el saz y, por último, Ikon con las guitarras y otros efectos varios. Y es que efectos hay para volverte loco y nunca mejor dicho. “Mestarin Kynsi” está formado por seis cortes de demencia extrema con una duración total de cincuenta minutos. Describir este trabajo o aproximarse a ORANSSI PAZUZU no es nada fácil si además nunca has tenido contacto antes con este estilo. Es tal la experiencia a lo largo de la reproducción que resulta difícil que el lector pueda hacerse una idea del estilo de estos finlandeses sin que lo haya escuchado previamente. A lo largo de todo el trabajo encontramos un espectáculo de arreglos electrónicos que se entremezclan con melodías complejas y,

en ocasiones, difíciles de comprender. Por otra parte, los riffs de guitarra y la línea de bajo suelen ser moderadamente simples pero muy efectivos. La monotonía es un recurso empleado a lo largo del álbum que crea un círculo vicioso y un frenesí que saben romper perfectamente de forma poco convencional. Así, nos encontramos fases de teclado machacón que, por ejemplo, como sucede en “Uusi teknokratia” se ven destrozadas por una sucesión de flautas que te vuela el cerebro en mil pedazos. Los guturales son shrieks desgarrados que saben crear una atmósfera tétrica y desamparada, aunque a veces, hacen burla de sí mismos asemejándose a gárgaras como sucede en “Ilmestys”. También nos encontramos con solos de guitarra potentes como los que podemos disfrutar en “Oikeamielisten Sali”. Con respecto a la batería, donde más sale a relucir es sin duda en “Kuulen ääniä maan alta” en el que se entremezcla con unos beats y unos arreglos de teclado tan agudos que duelen. Este tema se convierte prácticamente en un circo con una ambientación cristalina y bastante alegre, totalmente en contraposición con el último corte del trabajo. Este tema se trata de “Taivaan portti”, que rezuma black metal con una sucesión de blast beats potentísimos con una guitarra muy distorsionada. Esta última pista quizás recuerde más a anteriores publicaciones de los finlandeses. Con ORANSSI PAZUZU hay una cosa que está clara: no van a dejar indiferente a nadie nunca. O los amas o te planteas qué narices acabas de escuchar. O las dos a la vez, dudo que pueda existir el término medio con esta banda. Nos han vuelto a traer un trabajo increíble y muy interesante de escuchar, que posee varias capas que hacen necesario pegarle más de una escucha para poder disfrutar plenamente de él. No tengo palabras para describir la experiencia que es escuchar por primera vez este trabajo y solo puedo pedir encarecidamente que os lo enchuféis de noche con unos buenos cascos. Ojalá ORANSSI PAZUZU nunca dejen de crear esta magia.

una ambientación poderosa. En este tema los blast beats emergen aportando mucha velocidad a la composición. Los riffs son trémolos machacones, muy clásicos y oportunos. Nos regalan un solo de guitarra espectacular para cambiar totalmente a un tempo desacelerado. Sin duda, “Gleaming Night” es el temazo del álbum. Los próximos dos cortes, “Raging Idols” y “Snares and Thorns” son bastante similares. Ambos destacan por el trabajo a nivel de bajo, con melodías melancólicas pero serenas. Los solos empiezan a cobrar protagonismo aportando una chispa de luz necesaria. En “Crowned in Brass” vuelven a la carga con un doble bombo arrollador y unos riffs muy crudos. Se trata de un tema muy rápido en el que la agresividad se puede palpar con ese solo de guitarra recién empezada la pista. Volvemos a sufrir un cambio a un ritmo más pausado para terminar con “Dawning Light”. Estructuralmente, todo “Ablaze” sigue una línea similar que crea un conjunto muy sólido. ORDER OF ORIAS saben lo que hacen y crean un black metal muy trabajado con un sonido y una ambientación increíbles. Recomendadísimo para los amantes del género. Desde Necromance estaremos pendientes de las próximas publicaciones de esta banda con la esperanza de no tener que volver a esperar otros nueve años hasta su próximo lanzamiento. MAKI PÉREZ JÁUREGUI 9/10

MAKI PÉREZ JÁUREGUI 9/10

ORIGIN OF INFINITY (CZE) THE LAST DAY OF EARTH SLOVAK METAL ARMY, 2020

ORDER OF ORIAS (AUS) ABLAZE WORLD TERROR COMITEE, 2020

Hoy os volvemos a traer otra remesa de black metal de calidad de la mano de los australianos ORDER OF ORIAS. Desde Melbourne, en 2005 empezaron su trayectoria bajo el nombre de EIDÖLON y dos años más tarde se conformaría lo que conocemos como ORDER OF ORIAShasta la actualidad. Esta agrupación se trata de un proyecto de D.A. haciendo guitarras y bajo y A.S. como vocalista. Llevan editados un EP, dos álbumes y un split con los franceses AOSOTH. Su primer álbum, publicado en 2011, “Inverse”, tuvo muy buena acogida y desde entonces han estado publicando junto al sello alemán World Terror Committee. Su segundo y último álbum es “Ablaze”, sacado en abril de este año 2020, cuenta con seis cortes con una duración total de aproximadamente cuarenta minutos. Como siempre, me gusta dar crédito a los artistas de las portadas ya que se encargan de reflejar e ilustrar lo que nos vamos a encontrar en un álbum. Cierto es que no se puede juzgar al libro por su portada, pero es verdad que es un condicionante muy importante a la hora de que nos parezca un disco atractivo en un primer momento, además de aportar esencia al mismo. El artwork de “Ablaze” es obra del chileno Daniel Valencia, al que podéis encontrar en redes sociales como Fenómeno Design. “Ablaze” comienza con “Blood to Dust” en el que nos podemos encontrar una buena dosis de destrucción y oscuridad. El shriek es potente y sombrío, aunque en la mezcla suena algo bajito y la batería se sobrepone muchas veces. Sin embargo, el resultado es una masa negra y ominosa que crea una atmósfera aterradora. “Gleaming Night” continúa directamente tras el corte anterior creando un hilo conductor muy sólido. ORDER OF ORIAS hacen un black metal pulido muy centrado en crear

Desde el sello Slovak Metal Army, nos llega el debut de los checos ORIGIN OF INFINITY, “The Last Day On Earth”. Formados como trío en 2017 con Vladimir Novák, MiroslavKocegura y Jan Venzhöfer, grabaron el álbum en Jan Kapak’s Hellsound Studio, para un año después y tras sufrir dos bajas en la banda grabar las voces, a cargo de Tomas Hospoda de VICTIMS AND WHEN GOODBYE MEANS THE END y lanzar al mercado a finales de 2019 a la venta y dar rienda suelta a su progresive metal con toques djent y core, del que os hablaremos a continuación. Marcando su proceso por tres instrumentales “Origen”, “Prelude” y Epilogo”, desenvuelve unos poderosos riffs metálicos, que van creando su propio sonido desde el inicio con “Time Traveller”, matizando esas guitarras muy core y progresivas en unas estrofas más amenas, repletos de giros rítmicos y con unas voces propias del estilo, muy contundentes, que varían en tonalidad gutural, siendo muy contundentes y poderosas, además de introducirnos pequeños coros y unos pasajes limpios centrales que hacen este primer tema toda una delicia progresiva. Aunque el desarrollo ira girando lentamente y el sonido djent aparece en “City Haunted by Violence”, creando una mole sónica con la que los pogos y el headbanging está asegurado, además de emplear esos coros con un toque hardcore que tan bien encajan. “Prologue To Infinity”, es una pequeña introducción musical hacia “Hungry For Defence” y “Black Mirror”, dos apisonadoras modernas y repletas de metalcore, pero con esos elementos, mejor dicho, esos riffs progresivos jugando con las escalas y las cuerdas sueltas que alargan el sonido y envuelven la voz, llevándonos en volandas a “Leaving Earth”, uno de mis cortes preferidos, en el que giran su potencial en unas estrofas dinamicas, endureciéndose en el estribillo, dejándonos calidad de sobra entre melodía y agresividad, cada uno en su medida justa, sonido que continua en “Fragment Of Colossus”. Llegando al combo final, “Voices” es otro interludio musical, que anticipa la última canción como tal, “From Ashes To Glory”, que sigue todas las pautas anteriores, pero introducen unos pequeños recursos como son los arrastres, muy empleados por GOJIRA, que dan un toque diferente a esta canción y amenizan sus sonido, pudiendo encontrar en cada tema algún detalle que los saque de su monotonía, convirtiéndolos en temas variables y contundentes. ORIGIN OF INFINITY, lanzan un

debut muy interesante y a tener en cuenta, no arriesgan demasiado, pero dentro del metalcore y el djent ocupan un lugar alto en la tabla. JUAN ANGEL MARTOS 7/10

PAGANIZER (SWE) THE TOWER OF THE MORBID TRANSCENDING OBSCURITY RECORDS, 2019

OUR MIRAGE (DEU) UNSEEN RELATIONS ARISING EMPIRE RECORDS, 2020

Desde la ciudad alemana de Marl y a través de Arising Empire, nos llega el segundo álbum de OUR MIRAGE, “Unseen Relations”, tras su gran debut “Lifeline” en 2018, mezclando un estilo moderno de post hardcore donde Timo Bonner (vocalista y fundador de la banda), da rienda suelta a sus pensamientos y sensaciones sobre un mundo en depresión y hablando desde el corazón de problemas juveniles como la ansiedad, el suicidio o la mencionada depresión. Su música no se sale de los cánones del estilo, donde bandas como BURY TOMORROW, THE AMITY AFFLICTION o sus compañeros de sello ANNISOKAY e INMMINENCE, juegan con esa sensibilidad y potencia a la hora de formar canciones, que es lo que destaca en OUR MIRAGE, su forma de cantar y poder escuchar canciones mucho mas maduradas que su anterior trabajo. Desde el inicio de “Rivers”, apreciamos lo que acabo de comentar, con unas melodías muy enérgicas, pero que salen del alma, así como un gran estribillo que transmite a la perfección sus ideales y esos cambios entre voces melódicas y screams quedan muy bien balanceados en un temazo para abrir boca, continuando con otro gran corte donde colabora Telle Smith de THE WORLD ALIVE, plasmando de nuevo ese giro melancólico y emocional que será bandera de la banda. Con “Different Eyes”, introducen un toque más anímico, aportado por los teclados y ambientaciones, y el contrapunto que le da Manuel Möbs en las voces, además de crear una gran base con su bajo que flota en cada rincón de cada canción. “Strike A Match” y “Transparent”, se inician de una forma intimista, mientras que el primer tema crece y crece con unos ritmos muy marcados por las guitarras de Steffen Hirz y la percusión de Daniel Maus, el segundo nos deja una “balada” donde prima la voz limpia y una ambientación emotiva, creada para reflexionar y llegarte muy adentro. El interludio “Ourl All Home” centra la mitad del álbum, dando paso a “Unseen”, es otro de mis temas preferidos y es que OUR MIRAGE, sabe otorgar ese punto emotivo a cada uno de sus temas, ahondando en nuestros corazones con una forma musical, como es el post hardcore y con el equilibrio entre tonos vocales, aunque no inventen nada nuevo porque hay decenas de grupos así, pero cuando una canción te llega, es por algo especial. “My Last Day” y “Walk As One”, son sendos ejercicios, muy parecidos entre ellos, de lo que venimos escuchando a lo largo del álbum, hecho en falta algún inicio de tema diferente, más directo que las introducciones lentas y emocionales que enmarcan todas sus canciones, haciéndose un poco repetitivos, pero con “Distant & Obscure”, introducen un cambio, un toque diferente con un gran bajo que inunda las estrofas otorgándole un toque más funk, y un estribillo que versa entre screams, voces dobladas y un tono melódico excelente, para llevarnos al cierre del álbum con “After All”, un medio tiempo donde el tono rasgado de la narración muy hardcore en sus estrofas, se enternece con las armonías limpias pero queda esa rabia, ese toque desgarrado en las voces de Manuel Möbs.

Con algo más de veinte años en la escena los suecos PAGANIZER son unos clásicos ya en ofrecer álbumes llenos de brutalidad y morbosidad a partes iguales, lo que les ha generado un buen puñado de seguidores que si bien no los hace una banda grande, sí con el suficiente reconocimiento de la escena Death. Con “The Tower of the Morbid” nos ofrecen su undécimo larga duración, aunque bien es cierto que su discografía está llena de EP´s, splits, algún recopilatorio y otros 7”. Con lo que podríamos hablar casi de una treintena de grabaciones, algo que así de primeras podría extrañar, pero sabiendo que Mr. Rogga Johansson está a los mandos, no tanto, ya que este polifacético músico ha editado más material en los últimos años que ningún otro músico del país escandinavo. Adentrándonos en esta nueva grabación, once son los temas nuevos que nos ofrecen, y son puro PAGANIZERdesde su comienzo, aunque bien he de reconocer que, no sé si ha sido cosa mía, pero noto unas composiciones más frescas y directas que en anteriores grabaciones, con temas algo más logrados y que no decaen el nivel de la grabación, cosa que sí me tiene ocurrido con anteriores álbumes de la banda. Esto es puro Death Metal sueco a un nivel muy alto, no voy a decir que llegue a la altura de los más clásicos, pero bien es cierto, que este álbum editado a principios de los años noventa, habría puesto a esta banda entre las favoritas del género. Hay temas brutales y superveloces, como el inicial “Fresh Tornado” o “Demented Machines”, otros llenos de cambios de ritmo, donde han logrado una perfecta combinación entre riffs veloces y otros más a mediotiempo como “Beneath the Gauze”, “Purge the World” o “Cannibal Remains”, pero también han tenido tiempo para incluir otros más lentos, pesados y densos, como “They Came to Die” (con una melodía que me ha recordado a los añorados EDGE OF SANITY) o “The Tower of the Morbid”, con un gran trabajo vocal y de composición de riffs, realmente siniestros y aterradores. Hay que decir que el sonido es sueco al 100%, con ese característico sonido de guitarras ultra distorsionadas y pesadas, batería y bajo, nítidos y aportando una densidad extra al sonido y con la voz de Rogga que domina todo con ese tono tan grave y potente, en este sentido todo el mundo disfrutará de cada segundo de la grabación. Si a todo esto le acompañamos una portada magnifica, obra del maestro Dan Seagrave, nos encontramos con un álbum el cual recomiendo totalmente y estoy seguro que todos los seguidores de la banda, o los que disfruten del Death Metal sueco de toda la vida, no se sentirán defraudados. LUIS MARTÍNEZ 9/10

JUAN ANGEL MARTOS 7/10

PARADISE LOST (GBR) OBSIDIAN NUCLEAR BLAST RECORDS, 2020

Desde que conocí a PARADISE LOST con su álbum “Icon” de 1993, he seguido a esta formación británica, que dio el salto definitivamente con este mismo álbum, abandonando su estela death meNUM. 73 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 59

tal, para adentrarnos en su propio universo que llegaría al culmen con “Draconian Times” (1995), para mí su mejor trabajo, junto al ya mencionado; las voces limpias se apoderan de las estrofas, las atmosferas creadas por los teclados y esas guitarras melancólicas pero repletas de potencia, habían creado un monstruo, PARADISE LOST . Inquietos y creativos, giraron hacia la modernidad, con dos discos que fueron controvertidos, “One Second” y “Host”, donde su sonido tomaba un aliciente depechemodiano, que estilizaron su sonido hacia un rock más comercial, pero a la vez seguía teniendo ese halo que cubre toda su música, para unos años después ir eliminando poco a poco este sonido de sintetizadores, consiguiéndolo lentamente tras depurarse con un álbum homónimo y con “In Requiem”, para girar de nuevo hacia la inmensa oscuridad, regresando a sus inicios con “Faith Divides Us—Death United Us” y “A Tragic Idol” (2012), abandonando la comercialidad y renaciendo su esencia. El ultimo dúo de álbumes, “The Plague Within” (2015) y “Medusa” (2017), certifico ese regreso noventero creado por la vieja escuela, con dos trabajos monolíticos y pesados donde el doom y el death, reviven la esencia de los británicos, que regresan de nuevo con su decimosexto álbum de studio, que se dice pronto, “Obsisian”, editado con Nuclear Blast y emerge como un toque de aire fresco en una perfecta evolución que acoge todas sus épocas en un trabajo muy dinámico, donde cada matiz te transportará por sus distintas épocas a través de la elegancia, las atmosferas, el doom, el metal, el gothic rock…, son PARADISE LOST y llevan 32 años en esto. Nick Holmes y Greg Mackintosh, la pareja co-fundadora de la banda, nos da la bienvenida al álbum con una intimista y emocional “Darker Thoughts”, que irrumpe con unos riffs, marca de la casa, a los que se une la rítmica de Aaron Aedy, sobre una base creada por Steve Edmondson al bajo y la percusión de Waltteri Väyrynen, que acentúan este temazo intergeneracional de PARADISE LOST , que con “Fall From Grace”, nos regresa a los años 90, en un intenso ejercicio de historia, que bien podría haber entrado en “Draconian Times”, con un Holmes pletórico en sus registros vocales tanto rasgados, como melódicos, de los que volveremos a disfrutar en “The Devil Embraced”, creado para marcar y remover de nuevo su sonido propio, actualizado a 2020. También recuperan esa nota de rock gótico que vuela en sus estructuras musicales con “Ghosts”, “Ending Days” o “Hopes Dies Young”. Mientras que la primera, es el tema más completo, donde el juego de timbales, los delicados toques de guitarra en las estrofas y ese giro melódico y pegadizo en el estribillo, acogen el gen experimental de la banda, “Ending Days”, se convierte en una especie de balada donde las armonías creadas te servirán para matizar cada ángulo de tu alma y terminar con el ultimo corte mencionado que guarda una estética muy similar al primero, donde el goticismo queda muy presente en la banda. Y he reservado para el final, tres cortes que marcan el resurgimiento de los británicos, “Forsaken”, y su aire noventero, donde la ambientación creada por los teclados, se funde con unos riffs rockeros, ojo al solo de Greg, y con una voz de Holmes que se multiplica en cada rincón del tema, endureciéndose con “Serenity” y adentrándose en terrenos pantanosos con “Ravenghast”, una oda doom, lenta y pesada que camina como alma en pena, hacia un final, el del álbum, anunciado, demostrándonos que aún queda PARADISE LOST para mucho tiempo, mientras sus fundadores se encuentren con energías. Eso si es un álbum de transición que cierra una época, donde encontramos todos los sonidos que la banda ha ido trabajando a lo largo de su trayectoria, pero lo hacen con elegancia y centrándose en un revivir noventero, con su sonido propio al 100%. JUAN ANGEL MARTOS 8/10

PERDITION TEMPLE (USA) SACRAMENTS OF DESCENSION HELL’S HEADBANGERS RECORDS, 2020

Florida nos ha dado multitud de bandas potentes a la escena de metal extremo, entre las que nos encontramos a varios pesos pesados como DEATH, OBITUARY, DEICIDE, MORBID ANGEL, HATE ETERNAL… Precisamente de Florida, más concretamente, Tampa, es el grupo del que vamos a hablar hoy. PERDITION TEMPLE es una banda de blackened death metal formada en 2009. Desde aquel entonces, solo se mantiene en el grupo Gene Palubicki como vocalista y guitarra y posteriormente, formando la agrupación actual, contamos también con Ronnie Parmer a la batería y Alex Blume al bajo. El veintisiete de marzo de este año publican su tercer álbum, “Sacraments of Descension”, bajo el sello americano Hells Headbangers Records. Este trabajo tiene una duración de aproximadamente media hora repartida en un total de ocho cortes. El brutal artwork de portada es obra de Daniel Corcuera, quien ha trabajado hace poco con otras bandas del mismo sello como, por ejemplo, HAVOHEJ. PERDITION TEMPLE nos trae un álbum conciso pero efectivo. Es un aluvión de blast beats, trémolo picking con melodías complejas asentadas en riffs interesantes como los que se nos presentan en “Devil’s Countess”. Si, por otro lado, buscamos sabor añejo, temas como “Eternal Mountain” nos trae la mejor esencia de Florida junto con una batería que no nos da tregua. La tecnicidad es una característica en la que se regodea Palubicki como podemos apreciar durante todo el disco, haciendo mención especial a pistas como “Desolation Usurper” o, la primera de ellas, “Nemesis Obsecration”. Es un trabajo que, sin embargo, a algunos les puede resultar que llega a caer en la monotonía al no haber una evolución en cuanto a la intensidad al mantener siempre un listón muy alto. Con todo, prestando la suficiente atención, los sutiles cambios de tempo nos reconducen hacia un nuevo camino de destrucción. “Sacraments of Descension” es una presentación del mejor blackened death metal que se está haciendo últimamente. PERDITION TEMPLE puede sentirse orgulloso de haber publicado semejante discazo: nos encontramos ante media hora de brutalidad ininterrumpida que suena francamente bien, con una producción cuidada y un sonido espectacular. Recomendado para los seguidores de este género. MAKI PÉREZ JÁUREGUI 8/10

PESTIFER (BEL) EXPANDING OBLIVION XENOKORP, 2020

No estamos hablando, en absoluto, de unos novatos, aunque si quizás un poco desconocidos para su trayectoria, no extensa pero si larga. Editando su primer trabajo completo en 2010, este es su tercer larga duración, lo cual nos hace ver el tiempo que se toman entre trabajo y trabajo, concretamente 6 añitos desde su anterior “Reaching the Voind”. Tiempo bien ocupado, pero a todas luces excesivo. Ente tanto, entre los LPs quiero decir, se han dedicado a sacar demos o singles, pero nada significativo a no ser que seas una banda de culto o muy conocida. El caso es que no es mucho editado, a eso quería llegar, el de estos belgas. Una vez que te adentras en el álbum te das cuenta de que, evidentemente, se necesita tiempo para crear una obra de once temas y más de cuarenta y cinco minutos de duración de un estilo en el que todo merece una detallada y medida explicación. La tan manida palabra “técnico” que se utiliza a diestro y siniestro en el Death metal moderno, junto a la no menos tratada palabra “progresivo”, son de las dos más importantes en este trabajo, evidentemente junto a la palabra Death. Pero no deberíamos olvidarnos tampoco de la palabra

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“thash” porque en mi opinión es esto lo que le da un toque diferenciador, junto a los elementos jazzy por aquí y por allí y a ese sonido menos moderno que de costumbre. Suena todo en su sitio, evidentemente, pero la bacteria no esta tan producida como suele ser habitual en estas ediciones e incluso la guitarra es más natural, junto con un bajo que se lleva la palma, muy prog, muy tech, muy acertado en realidad. Quizás por ello, por el sonido, ciertos elementos estilísticos te hacen pensar el thrash de que hacia CORONER por ejemplo, junto a temas y elementos mucho más progresivos, ya de vuelta al Death y con pocos, pero notables, adornos de moderada técnica armónica pero acertada equidad. Aun así no llega a ser un álbum que impresione, sino todo lo contrario. Y aunque se empeñen en meternos elementos diferentes, como pianos… no llega a enganchar excepto en ciertos momentos álgidos instrumentales, como por ejemplo en la primera parte de “Ominous Wanderers”. Aunque después la vuelta a la normalidad estilística, a los cánones del manido estilo, y a la voz de Jerome, te hagan bajar de nuevo a la tierra y darte cuenta de que ni los elementos más jazzy van a hacer de este trabajo el que se espera de él. Seis años de espera es mucho como para no sacar un trabajo excelente, más aun teniendo en cuenta el nivel que ahora mismo reina en la escena internacional. SANTI GZLEZ 7/10

POLARIS (AUS) THE DEATH OF ME SHARPTONE RECORDS, 2020

Siempre sienta bien hacer críticas de grupos que consideras como uno de tus favoritos, porque puedes expresar con palabras lo que se produce en tu interior cuando lo escuchas, y dar a conocer ese conjunto de sentimientos infinitos, siempre alivia y enriquece. Efectivamente, una de esas bandas es POLARIS, un quinteto australiano de metalcore formado por Jamie Hails (vocalista), Jake Steinhauser (bajo y voz), Rick Schneider (guitarra), Ryan Siew (guitarra) y Daniel Furnari (batería). Desde su fundación en 2012, han ido creciendo gradualmente con diferentes EPs, hasta que, en 2017 con su primer álbum, “The Mortal Coil”, este crecimiento fue mucho mayor y empezó a destacar como una de las promesas del metalcore moderno, siendo hoy en día uno de los grupos actuales más reconocidos en todo el mundo. Su nuevo álbum “The Death of Me”, fue publicado el pasado 21 de febrero, y creo que ha cumplido de sobra con las expectativas que su público y los seguidores de este género, como voy a intentar contaros a continuación. “The Death of Me” se inicia con “Pray for Rain”, un tema que considero especial, y que, como una tormenta, comienza con brisas suaves y ecos sonoros y envolventes, que se van transformando progresivamente en sonidos más bruscos y rítmicos. Jamie se balancea entre una atmósfera calmada y unos screams arrolladores que están en continuo contraste, permitiendo descifrar la fragilidad que muestra la canción. “Hypermania”, solo respeta de la anterior la energía de ciertas partes, que aquí se ven constantes e infinitas, siendo la velocidad una característica ascendente, cuya culpa reside en la guitarra y sus riffs sucios, teniendo al bajo como ayudante y a la batería como compás. Tuve la suerte de ver a Polaris a finales de noviembre, y tocaron este track en directo, lo único que puedo decir es que cautivó al público de manera hipnótica y era imposible no mantener un movimiento frenético. “Masochist” es una ventana al subconsciente, profundizando en el dolor mental de ser uno mismo y tener que enfrentarse a eso. Tiene diferentes toques musicales que permiten plasmar esa sensación de desamparo que sentimos al escucharla, y en la que tanto el post-hardcore como el poppunk nos involucra en esa melancolía constante.

La guitarra parece abrazarnos el corazón para mantener esa calidez que se ve acomodada por sus acordes, así como la voz y su impulso que se rompe en pedazos. Por otro lado, “Landmine”, insaciable, introduce la agresividad mediante blast beats, creando melodías pesadas y “sucias”, partícipes de ese incendio interior que se ve provocado por el solo de guitarra y el breakdown que te dejaría KO en el pit. A continuación, “Vagabond” permite sentir el ritmo del punk/hardcore y el progresivo, resultando diferente a los temas anteriores, ya que tiene una apariencia distinta que da la sensación de ser más alegre, y que, en gran parte, se debe al estribillo tan pegadizo. Al final de la canción hay un solo que crea unas vibes rockeras ochenteras que acaban haciendo a esta canción una de las más completas del álbum. El sexto track se corresponde con el nombre de “Creatures of Habit”, en el que se perciben los estilos del metalcore y hardcore, incitando al movimiento completo del cuerpo. De nuevo, la guitarra transporta al oyente hacia melodías ágiles durante toda su duración, permitiendo al breakdown hacer su trabajo final en una atmósfera oscura y agitada donde te sientes desprotegido. Un tema algo más pop-punk y metalcore melódico es el que viene ahora, “Above My Head”, géneros perfectos para representar esa sensación constante del temor existente por perder a alguien, y que, de manera melódica, la guitarra acompaña de nuevo en este viaje a la introspección propia. Creo que uno de los temas que más tocan la fibra sensible es el próximo, “Martyr (Waves)”, mucho más tranquilo y emotivo gracias al instrumental que acaricia nuestra piel y a esas voces angelicales que reconfortan al más triste espíritu, y que, con su letra, puede rompernos en mil pedazos: “I’m giving up on the fairy tale, these dreams bring me nothing but pain. Believe that I meant every single word I said. When I said that when it comes, it comes in waves”. Casi en el punto final de “The Death of Me”, aparece una canción desgarradora titulada “All of This Is Fleeting”, que me hace imposible no pensar en ese punteo de guitarra, ya que me recuerda al estilo de BREAKDOWN OF SANITY. Algo que se debe destacar es el breakdown (valga la redundancia), que, en mi opinión, se transforma en una grata sorpresa, ya que llega a ser inesperado. Para terminar, el último track es “The Descent”, nos da de alguna forma ese final más agridulce con el que nos merecíamos concluir, debido al éter en el que nos hace estar a través de ritmos doom, groove y progresivo, donde la realidad parece un sueño y la vida, un soplo de irrealidad, con la que se despide un riff pesado y atrayente. A modo de conclusión, puedo decir que este álbum de POLARIS será uno de los mejores de metalcore de este año 2020. La banda consigue transmitir un gran número de emociones que se ven enfrentadas en la vida cotidiana, y contra las que luchamos también para poder mantenernos despiertos en un mundo que desborda caos y pensamientos negativos. VIR CAVE CANEM 9.5/10

PROTOSEQUENCE (CAN) A BLUNT DESCRIPTION OF SOMETHING OBSCENE LACERATED ENEMY RECORDS, 2020

El nuevo trabajo de los Technical Death Metal / Deathcore PROTOSEQUENCE verá la luz el próximo 19 de mayo de 2020 gracias a Lacerated Enemy Records. El redondo ha sido bautizado con el nombre de «A Blunt Description of Something Obscene». La formación del combo consta de las siguientes personas: Josh Hahn (voz), Dylan Parker (guitarra y voces), Jacob Teeple (bajo), Logan Vars (batería). ¿Qué les dan de comer a las bandas de ahí? De normal suelen ser impresionantes y desde luego estos tíos no son una excepción. Tremenda sorpresa la que me he llevado con ellos. Os voy a relatar

las múltiples cualidades del redondo en cuestión. A ver, cambios a troche y moche, celeridad a raudales y una técnica simplemente perfecta son sus características. La única pega que puedo ponerle, es la inclusión de clean vocals en el tema que le da título al Elepé. No obstante, el increíble desarrollo que viene después de su titubeante inicio hace cerrar la boca a cualquiera. Por otro lado, resulta curioso que la segunda mitad del Long PLay sea instrumental. Tranquilos, que por que ocurra lo que acabáis de leer no baja ni un ápice los enteros en el computo final, todo lo contrario, demuestran aún más si cabe su valía. La producción es fina, poderosa y contemporánea, mientras que la portada, en blanco y negro resulta extraña e impactante a partes iguales. Las seis cuerdas son intrincadas, precisas e intensas como pocas. De verdad, se os va a caer los palos del sombrajo cuando la catéis. Los registros vocales que hacen acto de presencia durante los cuatro primeros temas son iracundos hasta más no poder. Agarraos, que la mezcolanza de growls y guturales agudos rasgados está asegurada. Para más inri, como ya comentaba un poco más arriba, deciden exponer voces limpias y…. ¡pig squeals! Como veis, menos falsetes tenemos prácticamente de todo. Las bass line son de otro mundo. No tengo palabras para describir la labor de Jacob Teeple. Bien por él. En la percusión, los cambios rasantes de dirección y velocidad son maravillosos. Señores, de lo mejor de 2020. ¡Tenéis que comprarlo!. JESÚS MUÑOZ CABALLERO 9.5/10

PYRE (RUS) CHAINED TO OSSUARIES MEMENTO MORI, 2020

Segundo álbum de este trio de San Petersburgo, y que el sello español especialista en ofrecer los sonidos más sucios, mórbidos y pestilentes MEMENTO MORI edita en estos días. Seis años han pasado desde su debut “Human Hecatomb” y las ansias de avanzar de esta banda es notable, ofreciendo diez nuevas composiciones, intro más nueve temas, donde los seguidores del Death Metal de la vieja escuela van a disfrutar desde que los primeros riffs de “Impaler the Redeemer” empiecen a sonar por nuestros altavoces, riffs veloces, agresivos, perfectamente acompañados por una batería incansable y una voz oscura y áspera, esto va a hacer que ya desde un principio el álbum nos enganche hasta su final. Las influencias de bandas como los antiguos DEATH, PESTILENCE, NIHILIST, ASPHYX,… se nos aparezcan en la mente, mientras movemos nuestra cabeza al ritmo de la música de PYRE. “Wreath the Crucifix” tiene esa misma magia para enganchar desde el primer riff, bien compuesto, ritmos que siempre ofrecen algo, detalles en cada cambio, pero sobre todo variando riffs, otro gran tema. “Across the Shores of Emeral Frac” es uno de los temas avanzados de este álbum, sin duda, uno de los realmente buenos ejemplos de lo que este segundo álbum de PYRE nos puede ofrecer, puro Death Metal directo a nuestro mentón, quizás algo más lento y pesado que los dos anteriores, pero realmente oscuro y malévolo. “Ornaments of Bones” es un tema claramente con un aura a los antiguos DEATH realmente marcada, pero hay que reconocer que este pasaje por los dominios de la muerte la banda lo domina a la perfección y nos ofrecen un tema que para nada es una copia de riffs, sino una visión de música bajo la influencia de los maestros del estilo, que realmente se ajusta mucho a lo que PYRE nos ofrece. “Crown of Death” es otro gran tema, bien compuesto, variado, brutal y oscuro. No es el más rápido, sino que discurre a un medio tiempo que hace que desde un primer momento se siga y acompañe a golpe de riff y caja con nuestro cuello, para dar paso a cambios de lo más brutales de este álbum. Sin duda, PYRE han logrado uno de los mejores álbumes de lo que va de año en lo que a Death Metal clásico se refiere, ya que todo, está perfectamente

ensamblado en este “Chained To Ossuaries” para hacerlo un álbum que se disfruta desde principio a fin, un sonido crudo y vivo que retumba en nuestros altavoces, temas perfectamente elaborados y una concepción del estilo que la banda toca sobresaliente. Para mí de lo mejor que ha salido en este 2020. LUIS MARTÍNEZ 9.5/10

RE-ARMED (FIN) IGNIS AETERNUM BLACK LION RECORDS, 2020

Casi 20 años de carrera lleva a cuestas RE-ARMED, los 10 primeros editando demos, ahora prueban suerte con una cuarta discográfica para publicar su cuarto disco después de tres intentos fallidos. El próximo 5 de Junio verá la luz «Ignis Aeternum» a través de Black Lion Records, trabajo en el que los finlandeses vuelven a proponer un ejercicio de borrado de memoria, en el que debes dejarte guiar por la luz del fuego de Hermes y el mensaje esperanzador que porta su caduceo. Un nuevo e insólito intento de autoencontrarse estilísticamente, en el que ahora, con apuesta sinfónica, nueva pareja de hachas y optimismo tratan de tejer un hilo conductor que no consiguieron ni en un álbum conceptual ni en un EP de tres temas. ¿A la cuarta va la vencida?. Olvídate de encontrar thrash primigenio, death metal técnico, *core o ningún guiño blackened o osdm de sus anteriores discos en «Ignis Aeternum» y quédate con la base del death melódico actual como punto de partida. Cuatro años después de «The Era of Precarity», Jouni Matilainen, vocalista y único miembro original, aclara su registro y delega las composiciones en la nueva dupla Niekka/ Välimma quienes a su vez se ponen en manos del teclista Sami Tiitanen, quien lleva enriqueciendo a la banda desde 2014 y la batuta de Aapo Salo en los arreglos sinfónicos. He visto grupos cambiar de nombre por menos… A pesar de disfrutar por norma general de los arreglos sinfónicos y el Gothemburg, el single «Beyond the Horizon» ya me dejó algo descolocado por su mensaje blanco y el tufo power que me mata donde las buenas cabalgadas entre IN FLAMES y CHILDREN OF BODOM son invadidas por la épica desproporcionada de las voces. Aunque para épica «Dive Within», contiene los pocos segundos de palm mute del álbum y que pronto se enmascara por el omnipresente teclado, fanfarria sinfónica y los exagerados coros. Un batiburrillo, que milagrosamente mantiene cierta melodía donde se mezcla el power rollo SABATON con pianito gótico, break djentero, solos heavys encadenados y remate recitado del himno al fuego en melancólico finés. Las licencias del inabarcable death melódico. Superado el inicio power/epic, nos adentramos en zona gris, algo más pesada, groove y ligeramente industrializada donde la sinfónica da un paso al lado y deja el protagonismo a teclado/sinte y voces coreadas mecanizadas. «Ode to Life» suena entre RAMMSTEIN y EQUILIBRIUM mezclado con los peores IN FLAMES, con estribillo pegajoso, la salva el buen golpeo de base Karjalainen/Heinonen y el solo de Euge Valovirta (CYHRA). Enlaza con «Eager to Collapse», en la misma linea pero con efectivos arreglos sinfónicos que sumado a la combinación de voz limpia-sucia y el riff de teclado, quiere asomar algo de AMORPHIS en los pocos segundos que no groovea. Cierra el trio groove/nu/ industrialoide/melódico-sinfónico la esperpéntica «Resistance», que mira que estoy acostumbrado a chicharras desagradables que hasta disfruto con NONE, pero esa distorsión y el rollo PITCHSHIFTER/COAL CHAMBER queriendo encima mezclar con solemnidad tenebrosa es insufrible. «The Hollow Lights» marca la transición necesaria que pide el disco, a pesar del buen inicio con cuerdas y sinfónica cinematográfica, el colorido sinte de vuelta ciclista y la voz mediosa arruinan lo que podía haber sido un buen tema death melódico, con la épica esta vez bien contenida, a lo AMON

AMARTH. Un brote verde que avanza los mejores temas del álbum como «Remain Unbounded», death melódico de calidad que ahora sí reporta a IN FLAMES y AMON AMARTH, con estupendos contratempos, voz agresiva, buen tremolo y colchón neoclásico-atmosférico de calidad. O el slow tempo de «Words Left Unsaid», pegadiza, con pincelada narrativa oriental a lo THERION y atmósfera AMORPHIS con buen grano vocal y distorsión sueca acertada.

Los tracks que más han llamado la atención han sido «Eight Immortals Feast», «Throes of a Dying Age» y «Opening Salvo». Si sois de aquellos que echan de menos los mejores tiempos del «Metal Muerto» a la sueca, no deberían perderse bajo ningún concepto este disco. JESÚS MUÑOZ CABALLERO 8/10

La espacial «Voyager» saca a la palestra el lado más moñas y jinglelero del death melódico pero de ejecución impecable, combina buenas cabalgadas con incursiones de moog y estribillo SENTENCED en una buena colaboración de Micko Hell (DENIGRATE) combinando voces. Para el cierre dejan «Built To Last», pieza que adelantaron en Septiembre de 2018 y con el que surgieron los nuevos RE-ARMED. De lo mejor del disco y lo más cercano a su sonido anterior, donde hacen uso optimizado de los arreglos sinfónicos jugando con velocidades, ambientaciones oscuras y punto neoclásico a lo FLESHGOD APOCALYPSE. Tema del que publicaron una versión orquestada, que hubiese sido buena idea para el disco completo y evitar así la sobrecarga. RE-ARMED, 20 años aferrados al metal, buenos músicos, alegres, enamoradizos de sonidos que se han despreocupado de forjar su identidad, recurren en «Ignis Aeternum» a la sinfónica y limpieza vocal para intentar encauzar su torrente de ideas, para mi gusto, con poco éxito. Para los que no los conocían y disfruten del tuneo sin límites del Gothemburg deseo que aprecien el esfuerzo que esconde detrás este disco, pero corren el riesgo de defraudarse con el siguiente. Yo he disfrutado de la pluralidad de «Deathtrap», «Putos Muertos», «Meant To Be Broken», sobretodo con «Purification» o «Through the Barricades» y me quedo con algunos de «Ignis Aeternum», pero sinceramente, no creo que sea ahora la persona indicada para reseñar un disco tan luminoso. REARMED, no eres tú, soy yo, necesito tiempo para ordenar mis ideas, te mereces algo mejor… SCHEITAN 6.3/10

RIPPED TO SHREDS (USA) LUAN PULVERISED RECORDS, 2020

«(Luan)» es el título del segundo L.P de la One Man Band de Death Metal RIPPED TO SHREDS. El disco fue lanzado el 17 de abril de 2020 por Pulverised Records. Quien está detrás del proyecto, encargándose de todos los instrumentos y las voces no es otro que Andrew Lee. Antes de comenzar la reseña necesito exponer lo siguiente: Agrupaciones del mundo, ¿sois conscientes de que si usáis el HM2 sonáis exactamente igual que millones de grupos? Con esto, solo conseguís que no se os distinga las unas de las otras. Dicho esto, vamos a por la reseña en cuestión, que ya está bien de divagar. Curiosamente, y a pesar de utilizar el pedal de efectos anteriormente mencionado, resulta que la propuesta del de Estados Unidos es devastadora. Madre del amor hermoso, ¡vaya asalto camaradas! Las seis cuerdas enganchan cosa mala gracias a unos desarrollos geniales. Además, la percusión, intensa y trepidante hasta decir basta consigue acelerar el corazón del más escéptico. Degustaréis enormes acometidas de tremolo picking junto con riffs fluidos y crujientes. Las dobles armonías aparecen en su justa medida. Por otro lado, ojo a los solos. Tal vez la lead guitar no trabaje siempre, aunque cuando lo hace poca broma. Pocas veces catarán vuestras maltratadas orejas unos registros vocales más agresivos y desesperados. Si queréis un signo distintivo aquí lo tenéis. Ya lo dejaba de caer un poco más arriba. Los parches os dejarán con la mandíbula torcida gracias a sus giros rasantes de dirección y a su celeridad.

RITUAL DICTATES (CAN) GIVE IN TO DESPAIR ARTOFFACT RECORDS, 2020

A la cuadriculada escena extrema siempre le ha costado acoger en su seno a bandas que no cumplan con los cánones aplicando un restrictivo control de calidad, cuestionando su autenticidad en base a su procedencia y generando nuevas etiquetas para desmarcarlos de su denominación de origen, pero a su vez son constantes las quejas sobre el estancamiento y falta de frescura en la escena. De esta manera y debido a esta filosofía de la gata Flora, surge un limbo en el que caen muchas bandas que deciden innovar fusionando estilos. En ese limbo, muchas veces malnombrado avantgarde, he encontrado maravillas como CARNIVAL IN COAL, BIG DUMB FACE o ZIMMERS HOLE con los que el sentido del humor es fundamental, o formaciones más serias e igualmente disfrutables como POSTHUM, LICE o los magníficos FLUB, todas ellas carne de sanatorio. Como muchas otras veces, tiro de tremendismo, pero reconozco que el caso de RITUAL DICTATES no es tan exagerado y me mueve la emoción de haber dado con uno de los premios gordos del año. Banda formada a principios de 2014 por la mitad más ecléctica de 3 INCHES OF BLOOD y estancada por la despedida de estos además de la incursión en otros proyectos como DEAD QUIET o WORSE por parte de Justin Hagberg (guitarra, bajo, teclado y voz) y la entrada en REVOCATION por parte de Ash Pearson (batería). Seis años después publican su debut «Give in to Despair» a través de Artoffact Records y rememoran viejos tiempos extremos, cuando vivían ajenos a la gloria del heavy metal, de sus inicios con ALLFATHER y ANGEL GRINDER pero mostrándose mejores músicos y aplicando la riqueza sonora adquirida en los últimos veinte años. En los escasos 33 minutos repartidos en 11 cortes de «Give in to Despair», el dúo canadiense nos muestra un catálogo que combina death, grind, hardcore punk, black y hasta rock’n’roll en perfectas maniobras, donde por increíble que parezca no hay nada forzado y brilla una fluidez integradora protagonista. No faltan pistas directas y contundentes que recuerdan a EXTREME NOISE TERROR o NAPALM DEATH, sujetas al metraje y reglas del grindcore como «Obsolete Instinct» en la que tan solo un liviano colchón de teclado y breakdown blackened aligeran la descarga destructiva de este chorreo de growls y screams, blastbeats y buenos guitarrazos. O «What Cannot Be Altered Must Be Endured», en la misma linea, un rodillo impresionante que contiene el riff más punkarra del disco y velocidad vertiginosa. Son excepciones, las pistas más cercanas a cualquier estándar y a partir de aquí entramos en una sucesión de excentricidades sin olvidar la base death/grind. Ejemplos como «Indivisible Mind», que va por el camino perfecto del grind hasta que se cruza con un coro a lo THE OFFSPRING, o la aberrante y adictiva «Poisonous Proclamation» que circula directa por la senda del death/grind hasta que de nuevo un colchón de teclado, bajo punk y piano a lo Jerry Lee Lewis la transforman en rockera y que Danko Jones (este tío está en todas partes) arruina por momentos, arreglandose al final con una atmósfera a lo STRAPPING YOUNG LAD. Buenísimo inicio con «It’s About Goddamn Time (The Hours of Folly pt.1) combinando hardcore punk con rock’n’roll sesentero que lanza «Dominance and Will», uno de los temazos de este disco. Pieza que roza el progresivo con aplastante inicio deathcoreta y coros entre YES y OPETH además

del breakdown con magníficos arpegios black, que embrutecen y desplazan hacia el death metal con el gruntazo del invitado Shaun Haché (AUROCH y MITOCHONDRION) y el espectacular golpeo de Ash Pearson. Un Pearson que luce especialmente en «Last Phase of Life», pieza casi instrumental que rinde tributo al glorioso trémolo del death metal aplicado en brutales melodías. Especialmente destacables «Given to Despair», primer single allá por el mes de Enero es puro delirio que además de brutalidad tira de groove y fusiona a IMMORTAL, MASSACRE, BLACK SABBATH y DIRE STRAIS pasando por segundos de indie en los que Shane Clark (BISON, WORSE y ex-3IOB) colabora con la acústica y moldea este psicotrópico temarraco. Aunque para (des)colocante «Aperiam in Porta», el tema más largo del disco, de inicio hardcoreta cocina a fuego lento la irrupción del heavy épico de 3IOB que no podía faltar en el álbum con remate alucinante a la par que bestial. Seta de difícil digestión pero de efecto instantáneo. O «Extinction», ritual deathmetalero en el que irrumpe un coro prog en contratempos increíbles y final devastador. Imperdible el videoclip. Abre tu mente y olvídate de protocolos para poder disfrutar de este divertido, ecléctico y brutal «Give in to Despair». Yo ya lo hice marcado por las enseñanzas de Arnaud Strobl (CARNIVAL IN COAL), quien hizo arte de lo camaleónico e impredecible aplicado a la música extrema. Let’s go grind’n’roll!! SCHEITAN 9.7/10

a través del sello también galo XenoKorp (MERCYLESS, ATARAXIE, DISOWNING…). Formados en el 2002 por los hermanos Dave y Make Chaigne (bajo/guitarra/voz y batería respectivamente), cuentas a sus espaldas, con un par de discos completos y un par de ediciones menores. Sus letras habitualmente en su idioma natal, cuentan un concepto interesante, que trata sobre el teniente SAVAGE, único miembro de la tropa de élite ANNIHILATION KORPS el cual, vive en un mundo en el que ha estallado el apocalipsis y se encuentra infestado de zombis sedientos de sangre.

SANDSTORM (CAN) TIME TO STRIKE AUTOEDITADO, 2019

Queréis heavy clásico tipo JUDAS PRIEST, SAXON y compañía? SANDSTORM son tu banda sin lugar a dudas. La verdad es que en cuanto a originalidad, sonidos frescos y composiciones personales… poca cosa. Ahora eso sí, este trío de canadienses lo ejecuta del carajo. En 2017 Stevie “Broke” Whiteless (guitarra y voz), Reptile Anderson(Bajo, guitarra) y P.j “The butcher” La Griffe( Batería) decidieron dar rienda suelta a todo ese espíritu heavy que los atormentaba y crearon SANDSTORM. En Febrero de 2019 sacaron este EP “Time to strike“ a través de su propio sello Dying Victims Productions. En cuanto a sonido y producción la verdad es que flojea un poco, pero bueno, puede ir de la mano con el colorcillo clásico que pretenden buscar… no me queda claro y tampoco le doy mayor relevancia. Pero les falta algo de Punch! El EP comienza con “Death Is near”, donde meten una guitarras limpias pero va transformándose en ese Heavy castizo y clasicote que practican. Ahí te das cuenta de la bandaza que son.

RUINAS (ESP) IKONOKLASTA SPIKEROT RECORDS, 2020

Con “Whips and Chains” parecen unos JUDAS PRIEST refrescados, pero vamos, ahí duro con el puño y los cuernos en plan vintage! Es que gusta joder! No le pidáis a este tema otra cosa… le toca a “Witchman, sorcerer of Satan “, con un titulazo de esos más heavy que los músculos de los MANOWAR. Eso sí, el tema es rápido, muy típico y con un aroma a BLACK SABBATH en los ritmos que se palpa en el primer acorde. Decir que a los punteos les falta algo de fuelle; no sólo en esta canción, en general.

Desde El Ferrol, nos llega un nuevo proyecto musical llamado RUINAS. El 20 de marzo de 2020, lanzaron su primer L.P bautizado con el nombre de «Ikonoklasta», gracias al sello Spikerot Records.

Vamos con “Denizen of Hell” con un órgano que abre el corte, pero rápidamente vuelven a esas guitarras y partes 100% heavy rock estilo RAINBOW. Mola!!!

El combo lo forma: Ángel (batería), Rober Bustabad (guitarra, bajo, voz y sintetizadores).

“Hymn to the Hell knights” es muy royo setentero, y huelen a DEEP PURPLE que tira para atrás. Aquí viene para mí el defecto palpable de la banda. La falta de creatividad, y como tienden a imitar a estas míticas bandas. Puede ser una virtud, pero chirría un poco la verdad.

El dúo gallego, ha sabido aunar a la perfección los mejores atributos del Death Metal, el Grindcore y el Crust. El asalto resulta a veces oscuro, otras dramático y siempre visceral. De esta forma, se aseguran no caer en el profundo pozo de la linealidad compositiva donde parecen vivir más de una agrupación. De la producción no puedo poner pega alguna. Ésta es gruesa y orgánica. Tampoco hay nada que objetar del artwork. La portada es pútrida, sencilla y escalofriante como ella sola. Las notas que salen de las seis cuerdas de normal van a la velocidad de la luz. Los riffs, violentos y con buenas pinceladas de melancolía cuando la ocasión lo requiere, os harán alucinar. No contentos con ello, existen momentos realmente pesados que invitan al headbanging. Introducen también alguna que otra doble armonía y embistes de tremolo picking. Como anécdota, hallaréis solos en «Instinto genozida» y «Vómito de sangre». Al describiros los registros vocales solo os puedo decir lo siguiente: Preparaos para un ataque de growls y guturales agudos rasgados que os dejará sin aliento. A pesar de que lo que prima son los «golpes relámpago» y los up tempos, Ángel no teme en introducir instantes apasionantes a medio gas en su forma de aporrear el kit de tambores.

Y para acabar este “Time to strike”; “Lucía, Warrior of light”, en la misma línea, sonando a LED ZEPPELIN o THIN LIZZY, y no hay que ser un experto, te vienen a la cabeza inmediatamente. Qué si, que mola mucho lo clásico, que si está bien hecho y tiene royo es la bomba, pero a veces SANDSTORM pierden gas y suenan a un reciclado de clásicos que por desgracia le quitan mérito a los canadienses. Claro está que son grandes músicos y se les nota experimentados, y ojalá resurjan y sepan pulir su sonido. Coger su propia personalidad, que seguro nos harán disfrutar mucho más. EL GALLEGO 5.5/10

Todas las canciones demuestran un gran nivel. Sin embargo, mis preferidas han sido «Ikonoklasta», «Fauces de saturno», » Vómito de sangre» y «Retrovirus». Ojito con ellas. Nada, de lo mejor que vuestras maltrechas orejas van a catar en lo que va de año. Sin duda, estarán en mi top ten personal. JESÚS MUÑOZ CABALLERO 9/10

SAVAGE ANNIHILATION (FRA) SOUMISES Á LA PROCRÉATION XENOKORP, 2020

6 canciones nos traen el dúo francés SAVAGE ANNIHILATION con este su nuevo EP, que lleva por título “Soumise à la Procréation” y ha visto la luz,

En cuanto a los temas aquí contenidos, podemos decir que 3 son canciones nuevas y 3 son bonus, entre los que podemos encontrar un par de versiones, de un death metal potente y no muy típico en la actualidad. El mismo podría ser una propuesta parecida a una mezcla entre MORBID ANGEL, los polacos YATTERING (me han venido a la mente y no me preguntéis por qué…), tristemente desaparecidos, una pizca de CANNIBAL CORPSE… Los cortes nuevos, son los mejores en mi opinión, brutales, agresivos, oscuros y bien producidos. Trepidantes cambios de ritmo y aplastantes partes lentas, con un sonido de guitarra realmente demoledor. Los otros por el contrario, me han dejado un poco frío, a pesar de ser un homenaje al fallecido Jeff Hanneman de SLAYER y las colaboraciones, “When the Slayer Bangs His Head” (en una onda más thrasher) y las versiones de DEICIDE (“When Satan Rules His World”) algo descafeinada y HELLOWEEN (“Savage”)… como curiosidad están bien, pero no mucho más la verdad.

“Sneaky War” se atan a esta descripción. Luego hay otro corte de estilo, más de bar de moteros callejeros, con esos himnos, y guitarras clásicas como “Here and now”, bien clásicas, ochenteras, montadas en la fuerza de los músicos para ir narrando esa bilis de los sobrevivientes al Muro, a los hooligans, a las fábricas… y ya nos sume en una melancolía más brutal con los sonidos de “Back against the Wall”. Un riff imponente nos conduce por todo un callejón oscuro, donde tu vida pasada te puede pegar una paliza, pero no le va a ser fácil. “80´s Metal Band” es un trabajo que suena fuerte, que nos trae un sonido ya conocido, bien armado y del cual doy fe que en directo se mantiene firme en todos los detalles. En momentos donde la escena está plagada de tributos, ver el mantenimiento, la preocupación y el compromiso de bandas como S.D.I. por hacer brillar su oficio, su tradición, es una buena noticia. Si bien encontramos un universo conocido, no es un apelativo a la nostalgia, es trabajo de precisión acerca de cómo morir con las botas puestas, y hacer lo que mejor se da. Gran disco que tiene detalles para los que gusten del clásico Metal ejecutado con técnica y detalles de calidad indiscutibles. Para los amantes de esa vigencia, eterna, de bandas como TANKARD, DIE TOTEN HOSEN o TESTAMENT. SEBASTIÁN ABDALA 7.5/10

Aunque en este EP SAVAGE ANNIHILATION aparece como dúo, el bajo en la mayoría de los temas ha sido grabado por un antiguo componente suyo, Benoit Jean. También han contado con diversos músicos invitados conocidos de su escena, como han sido Max Otero (MERCYLESS), gallego de nacimiento por cierto, Loïc Trivette (ex vocalista de KRONOS), Sybille Colin-Tocquaine (WITCHES), hermana de Alex de los míticos AGRESSOR, Dums, bajista y vocalista de PLEASURE TO KILL… “Soumise à la Procréation” es una obra de más de veinte minutos limitada a 500 copias, de un death metal interesante y por qué no, disfrutable. ROBIN RM 7/10

SEPULTURA (BRA) QUADRA NUCLEAR BLAST RECORDS, 2020

Los Brasileños SEPULTURA retornan con una de las propuestas más sorprendentes del presente año, en cuanto a metal se refiere. Quadra,se trata de otro trabajo conceptual, típico ya en la banda, desde que el amigo Cavalera los abandonará cuál chamán en la hora de su muerte. He tenido que bichear un poco el tema y entender de que trata. En fin, cosas de Aritmética y Geometría; mal asunto para un tipo como yo que en el cole no iba muy sobrado con estos temas… jeje. Se meten de lleno en el tema del “Quadrivium”;de ahí que el trabajo se divida en múltiplos de cuatro. Se presenta con la primera parte más potente y una segunda donde abunda el aroma tribal tan característico de los cariocas

S.D.I. (DEU) 80’S METAL BAND MDD RECORDS, 2020

Nada mejor que escribir acerca de un disco cuando uno ya ha visto a la banda en directo, presentando ese mismo material… las sensaciones son mucho más vívidas, y uno tiene más información para compartir. Los germanos de S.D.I. han vuelto con un álbum que funciona como máquina del tiempo llamado, no casualmente, “80´s metal band”. El trabajo consta de un Metal original, veloz, contundente, bien ejecutado por este Power trío que tiene gran calidad, tanto en estudio como en directo. Con referencia a la gira (pospuesta por las razones obvias a nivel global) parte de ella los ha traído hasta el VI Palacio Metal Fest, que hemos cubierto, y donde el despliegue de la banda ha hecho pie en un amplio recorrido por su discografía, y con un muy joven guitarrista, brillante y a la altura de las expectativas del grupo. Abren con una buena sucesión de canciones de corte clásico, haciendo mucho pie en las bases, profundas y certeras, que se ocupan de ir llevando el ritmo para que la guitarra se balancee entre riff´s con base en el Speed y matices de ese Metal que coqueteaba con el Thrash, el Heavy e influencias de varias calañas. 12 canciones muy apretadas en cuanto a sonido, reflejando una cultura callejera, de colegas de bar hablando y viviendo esas letras que alcanzan la exasperación cotidiana para poder descargar un par de cervezas y relajarse. Cancines como la homónima al disco (encargada de abrir) “Porno” o

Abren con “Isolation,” con sus típicos colores percusivos y algo de samplers; aparecen los brasileros con un sonidaco potente y rápido. Muy al estilo de sus sonidos más clásicos y trashers. Encima le meten un royo clásico con arpegios muy bonitos, y desde luego no desentona para nada. Buen corte desde luego. Continúan con “Means to an End” que es un corte muy Thrash técnico, adornado con sonidos tribales, totalmente “sepulturero” Siguen con “Last Time” que continúa en la misma línea, con unos solos al comienzo muy logrados y que deriva en sonidos corrosivos y metalizados. “Capital Enslavement” es un temazo pesado y muy groove metal. No exento de rapidez, es un corte redondisimo, con Green logrando un nivel superior a la hora de cantar. Turno para «Ali”. Tiene variaciones de velocidad, donde el bajo sobresale junto a unos riffs de guitarra tremendos. Kisser sin duda es alma y referente en cuanto a las composiciones de SEPULTURA. “Raging Void” es un temazo épico donde los haya. La banda tiene un colorcillo muy fresco y diferente. Con algunos coros y esas guitarras y batería a contratiempo. Sin duda es uno de los cortes más diferentes de este Quadra. Le toca a “Guardians of the Earth” que empieza con unas guitarras limpias pero bastante oscuras. Eloy Casagrande despunta con su buen hacer percusivo en una amalgama étnica tremenda. Desde luego el chico destaca y de que manera en el disco; es una bestia parda a los parches. El tema tiene un aroma a MACHINE HEAD que canta a la legua. Esos solos!!! Temazo curradisimo y con nivelazo. NUM. 73 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 63

“The Pentagram”, corte instrumental tremendo. Riffs brutales mecidos por ritmos a contratiempo. La verdad que viene que ni pintado a estas alturas del disco. Vamos con “Autem”, donde hay un batiburrillo de riffs a lo “Roots” y de otros más trash de sus tiempos clásicos. La composición goza de una parte étnica/selvática, muy del estilo groove tribal metal tan característico de los brasileños. “Quadra” nos mece con sus sonidos acústicos y limpios y antecede a los dos cortes finales del trabajo. Nos encontramos con “Agony of Defeat», con ritmos a medio tiempo y riffs afilados aunque un punto por debajo del resto del álbum. Y finiquitando con «Fear, Pain, Chaos, Suffering” con orquestaciones, voces femeninas, riffs bastante currados pero aún así, suena descafeinado y lento. Quizás empañan un poco el final de Quadra, pero nada preocupante. Sin duda es un discazo con mayúsculas. SEPULTURA consiguen un trabajo contundente y a gran nivel. Bajo mi punto de vista es de lo mejorcito que han hecho desde “Roots”. Y hablo casi sin ser objetivo, me tira mucho esta banda. Crecí musicalmente con ellos, “Arise”, “Chaos A. D” son de esos álbumes que me marcaron para siempre. Cuando Max Cavalera se fue, me quedé algo tocado; supongo que como muchos. Luego SOULFLY no fue todo lo esperado, y SEPULTURA tampoco, pero a paso lento y sin despuntar, Kisser, Green y compañía han vuelto a un nivel a tener en cuenta. Me hace especialmente feliz recomendar este disco. Decirlo convencido de que su escucha llenará ese pequeño hueco que quedó cuando se desmoronó la banda de metal más grande que ha dado Brasil. Están de vuelta y de que manera. EL GALLEGO 8/10

SOLOTHUS (FIN) REALM OF ASH AND BLOOD 20 BUCK SPIN, 2020

Tercer álbum de este quinteto finlandés que descubrí gracias a la edición del sello patrio MEMENTO MORI RECS, hace ya siete años. Debut que llevaba el nombre de “Summoned By The Void”, seguido por “No King Reigns Eternal” en 2016, bajo el auspicio de DOOMENTIA RECORDS y llegamos a este 2020 donde nos presentan “Realm of Ash and Blood” con otro sello diferente, 20 BUCK SPIN esta vez. Siete son los temas nuevos que nos ofrece esta nueva edición, donde la banda sigue aposentada en los dominios de la muerte y de la desesperación, un Death Doom Metal verdaderamente aterrador, lento y monstruoso, pero que veo más evolucionado y aportando sonoridades algo diferentes a lo que la banda ofreció en anteriores grabaciones. Si bien “Father of Sickness” es un trallazo siguiendo la línea habitual del grupo, con riffs potentes y que dan paso a diferentes ritmos, llegamos a “The Watcher” y la sorpresa al encontrar algún riff más “progresivo”, marchoso y que con la brutalidad de la voz, super oscura y profunda, crean una sonoridad realmente cautivadora y que te transporta al averno a cada segundo que transcurre. “The Gallow´s Promise” nos ofrece riffs de lo más mórbidos y tenebrosos de la grabación, una auténtica fiesta macabra y misteriosa donde los riffs decadentes y a esa velocidad tan reducida nos lleva a un mundo sin vida e inhóspito, ocho minutazos de verdadera agonía hecha música que va ganando intensidad hasta un final realmente intenso. “Last Breath” es el tema más corto del álbum, el cual no llega a los tres minutos. Un tema acústico y donde las guitarras limpias lo llenan todo, para ofrecernos un bello y melancólico tema que sirve para presentarnos una segunda parte de la grabación que comienza con “Below Black Waters”, que ya desde su inicio decadente y algo disonante en melodías nos vuelve a llevar a los páramos inertes de la muerte y la decadencia. A ritmo lento la banda nos va ofreciendo una sucesión de riffs realmente mortales y destructivos, siempre acompañados con una voz verdaderamente profunda y oscura. Tema similar 64 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 73

en estructura y atmosfera es “Chasm of Shattered Bones”, incluso en su duración y propuesta, que da paso al monstruoso y tremendo “A Rain of Ash”, un tema de diez minutos, donde la banda da una lección del manejo de tempos y riffs oscuros, mórbidos y resume un poco todo este álbum, ofreciendo variedad en ritmos, pero siempre dentro de su estilo donde se mezcla sabiamente el Death Metal y el Doom Metal a partes iguales, pero de forma soberbia, sin duda un álbum para hacerse con él y disfrutarlo en tardes / noches oscuras y lluviosas. LUIS MARTÍNEZ 8/10

SHADOW KINGDOM RECORDS, 2020

“Detroit Rock City” decían los KISS sobre la ciudad del estado de Michigan, de la que proviene este quinteto de death/doom metal aplastante y brutal y lo que viene a ser, su tercer álbum de estudio, “The World that Was”. Sí lo sé, muy lejos está la música del cuarteto clásico de Nueva York de las vibraciones de TEMPLE OF VOID, pero puede que el tema mencionado, haya formado parte de la influencia de alguno de sus componentes, quien sabe. En cualquier caso, de la misma manera que sucedió con su último disco “Lords of Death” (2017), el igualmente norteamericano sello Shadow Kingdom Records (PALE DIVINE, IRON VOID, ALTAR OF OBLIVION…), ha sido el encargado en esta ocasión de publicarlo. Un par de splits (uno junto a REVEL IN FLESH y el otro con FETID ZOMBIE, ECTOPLASMA y NUCLEUS) y un single, son las últimas referencias de este grupo, que nos trae aquí, seis canciones en más de 37 minutos.

SYDNEY FATE (GBR) SILICON NITRIDE ECLIPSE RECORDS, 2020

SYDNEY FATE nos presentan su LP debut «Silicon Nitride» (Eclipse Records) grabado en InnerSound Audio en York con los productores Joe Graves y Sam Graves (ASKING ALEXANDRIA, EYES SET TO KILL, IN VISIONS). Son una banda de Metalcore melódico de Cardiff (Reino Unido) fundada por el vocalista Bailey Edwards. Las tragedias, las experiencias vividas en momentos de cambios vitales y los desengaños amorosos han sido los catalizadores de inspiración para muchas grandes canciones a lo largo de los años y, en el caso de SYDNEY FATE , ésta no es una excepción. El álbum contiene 8 temas melódicos cargados de emociones donde cabe destacar la importancia que adquieren las voces por su excelente calidad. La voz principal es melódica y bien fraseada usando de forma muy acertada los recursos expresivos. Frente a ella nos encontramos una voz gutural con bastante garra y bien marcada rítmicamente haciendo que la combinación de ambas aporte mucha fuerza al grupo. Junto a las voces nos encontramos con unos coros que añaden una textura interesante a la banda quedando todo muy bien empastado.

Sonido demoledor, denso y pesado, que te envuelve en una atmósfera sucia y pastosa, melancólica y desgarradora; rota por pequeños momentos más calmados, pegadizos o incluso la bella instrumental “A Single Obolus”. Se me hace harto difícil, el destacar cualquier corte pues todos tienen su aquel, la verdad. Desde el inicial “A Beast Among Us”, pasando por el siguiente “Self-Schism”… son variados y tienen bastante agresividad también. El final del disco, disfruta quizá de los mejores momentos del mismo, a cargo de “Casket of Shame” y el tema título que cierra este plástico. Las voces son mega guturales, tremendas, mentiría si no dijera que en determinados momentos me han recordado a las de Mikael Åkerfeldt de OPETH, pero bueno… De vez en cuando igualmente, podemos encontrarnos con algunas limpias y pesarosas, al estilo MY DYING BRIDE o similares. TEMPLE OF VOID se compone de Alex Awn y Don Durr a las guitarras, Mike Erdody a las voces, Jason Pearce a la batería y Brent Satterly al bajo. Clyde Wilson personaje familiar para la formación, pues ha estado presenta en casi todas de un modo u otro, ha sido el encargado de la masterización y producción, mientras que Adam Burke (HOODED MENACE, GATECREEPER, PAGAN ALTAR…) lo ha hecho de la portada. Death/doom metal de alta factura, si te gustan bandas clásicas del género como RUNEMAGICK, ASPHYX o más tipo BOLT THROWER, los primeros PARADISE LOST… harás bien en actualizar tu colección con este nuevo “The World that Was”. ROBIN RM 9/10

El LP tiene una importante carga de guitarras: en las intros y en los estribillos suelen ser muy rítmicas y con mucha ganancia en las que intercalan arreglos melódicos estableciendo diálogos con las voces. Las partes de estrofa más tranquilas van arregladas con sonidos más limpios y más abiertos.

un sonido apretado, con riff´s prolijos, técnicos y llenos de pureza progresiva. Para los momentos donde hay que generar un ambiente pérfido, de locura y desesperación, tenemos a la batería y la voz, haciendo que cobre sentido cada una de las composiciones. “Unholy predators” es más bien de un corte más armónico, mientras que en “The outer darkness” juegan con bases thrasher y voces exasperantes. Miles de gargantas apretadas para disfrutar de acordes que, sin exceso de tiempo ni regodeos innecesarios, nos van pateando las costillas hasta el agotamiento… para de pronto cambiar de ritmo y darnos un leve respiro… en lugar de huir, quedamos atrapados por la perfecta vocalización de los nombres adecuados de cada muerte y arpegios apoyados sobre un blast beat que no tiene misericordia. Utilizando decenas de recursos de distintas épocas, canciones como “Burn the books of hate” hacen parecer a ciertas bandas legendarias que hoy hacen acústicos anticovid como una versión oxigenada de todo lo que no queríamos cuando éramos jóvenes. Perfectas piezas de Death, combinadas con referencias de guitarras y breaks tan agresivas como incesantes, manifiestan un conocimiento completo de cada uno de los elementos que nos deben alegrar cada vez que bandas formadas cuando todo esto era nuevo se mantengan en activo. No hay complicaciones a la hora de escuchar cada canción, son distintas y puras, clásicas y modernas; “Corporate indoctrination” o “Legacy of the gods” son tan disímiles como recurrentes, dentro de este maravilloso despliegue de recursos bien utilizados y que nos escupen en la cara un dominio total de los tempos, las baterías y las escalas. Como si una comunión de Balrog´s viniera lentamente a rendirnos cuentas de qué han hecho con nuestra alma todas las mentiras que hemos vivido en los últimos decenios. “Violent death ritual” es un disco tan consistente y lleno de técnica, que uno no puede más que agradecer que se mantengan en la misma línea, sin agregar efectos que nunca han necesitado, y poniendo toda la energía en este trabajo como si fuera el primero. Y si acaso hay algo que pueda sumar importancia a este nuevo disco de THANATOS, es que hace escasas semanas han re-editado conciertos de 1991 y 1988… en vinilo y digital, con un sonido que, para los que sean fanáticos de haber vivido esta época, y valoren tanto una cinta como un “bluray”, y deja muy claro que las profecías no siempre se cumplen en su hora, pero hay guardianes que no cambian mientras esto ocurre… o no. ¡IMPERDIBLES! SEBASTIÁN ABDALA 9/10

La estructura de los temas no queda claramente definida y el motivo principal es el peculiar concepto musical del baterista. Aunque tiene buena técnica y un sonido con pegada, la forma en la que elige los diferentes ritmos y el uso que hace de los platos no ayuda a definir las partes de los temas. El groove de las voces y las guitarras en pocas ocasiones se ven apoyadas por los golpes de batería. En cuanto a la temática podríamos señalar un tema positivo sobre la superación de obstáculos en la vida como es «Sound Alive», en «Oceans» se aborda como el entorno tiene un gran impacto en la forma de ver el mundo y «TACENDA» trata sobre los conflictos internos de la mente. Una banda que va por buen camino. ATAEGINA MOON 7/10

TEMPLE OF VOID (USA) THE WORLD THAT WAS

THANATOS (NDL) VIOLENT DEATH RITUALS LISTENABLE RECORDS, 2020

La verdadera esencia del Metal Extremo perdura, está ahí, detrás de una maravillosa planta carnívora que hoy podés comprar en tu chino más cercano por apenas 2 pavos… mientras que en el año 1984 tenías que hacer más gestiones que para conseguir THC… Flipante, ¿verdad? Digo esto porque me es inevitable pensar en los inicios de THANATOS, en ese oscuro año que parecía signado como el culmen de una dictadura global y apátrida gracias a Orwell, pero que se ha retrasado un poco en llegar y que hoy 2020 (“pandemicyear”) nos regalan un nuevo trabajo de estudio llamado “Violent death rituals”, donde se muestran igual de místicos pero con tanta calidad técnica que da pavor. La apertura del disco en sí se convierte en una joya de la ironía, con una canción titulada “Violent death rituals”, nos reciben, sin prisas ni agobios, con una batería perfecta para hacernos sentir como en casa… sea este año o 1984 o 1084. Demuestran oficio desplegando su poder lentamente, con un “in crescendo” tácito, que se va llenando de miasmas con las interpretaciones de la banda… Hay sonidos clásicos, rítmicos bien ejecutados, pero sobre todo

THE A.X.E. PROJECT (BUL) FUTURE.IMPERFECT ART GATES RECORDS, 2020

Contrariamente a lo que se suele pensar, el gótico era un movimiento que iba en busca de la luz. El gótico original fue el movimiento artístico que surgió al finalizar la época más oscura de la Edad Media (después de la Peste Negra que asoló y diezmó Europa) y empieza a ser una celebración de la vida y de la luz que culminaría en el Renacimiento. Los avances en arquitectura hacen que las iglesias se eleven y que las paredes se llenen de ventanas y rosetones por las que entraba la luz a raudales. ¡Colorea y aprende con Teo! Pero la versión con la que nos hemos quedado del gótico fue la que ha quedado con el terror gótico. Sí, eran autores británicos de finales del siglo XVIII que situaban sus novelas en castillos apartados y derruidos, con sus iglesias en ruinas. Pero se estaban refiriendo a aquellas edificaciones que en siglo XIII eran un prodigio de la arquitectura, por donde entraba a luz a raudales. Ahora, eso sí, cinco siglos después ¿pues cómo iban a estar? La gente de THE A.X.E. PROJECT no se ha dejado engañar por los autores británicos y han buceado en la historia

y han recuperado el Gótico pero en su más pura tradición, en la luminosidad previa al Renacimiento. Y se nota, en cada una de sus notas, en cada una de sus composiciones, en cada surco de este, su último trabajo, “Future.Impferfect”. En cuanto escuchéis las primeras notas del disco, veréis que este proyecto tiene mucho que ofrecer. Hace ya más de dos décadas que este proyecto lleva en marcha bajo la batuta de los hermanos Georgiev (Georgy, a la voz, bajo y la composición) y Rosen (a la guitarra). Y ahora, para arrancar comenzamos con las cascadas de arreglos y de riffs cabalgantes de “Death” y enseguida te enamoras: sinfónico como los grandes, con una base rítmica juguetona y trotona a cargo de Rosen y la batería de Stoyan Petrov; los dedos mágicos del teclista, Jordan Todorov, que duplican notas por doquier y la embriagadora voz de Cveti Kirilova, una soprano lírica que nada tiene que envidiarle a la Turunen. Después del trallazo rápido, agil y épico de apertura, la banda opta por los medios tiempos, como en el siguiente tema, “Cry”, aunque siguiendo sus pautas: instrumentalización perfecta y bien mezclada (todos los instrumentos están ahí, en la mezcla), todos tienen su determinado momento de preponderancia (atención al momento de dueto vocal en la siguiente pista “Wall of Silence”), la utilización de determinados compases y determinadas estructuras que sin duda han sacado de estudios medievales. La preciosista introducción de “Runaway” te estremece hasta la medula, el uso de los arreglos de cuerda y esperar casi, casi hasta el final para darle ese salto a la epic-ballad que estás sintiendo que palpita en el tema desde el inicio, no hace sino dejarte con ganas de más. Y, entonces, la gente de THE A.X.E. PROJECT vuelve a acertar, porque es ahora cuando te meten el tema más largo del álbum, llamado “Desire”, ocho minutos de lucimiento de la banda. Como si fuese una versión metalera de “El Fantasma de la Opera” de ANDREW LLOYD WEBBER, la garganta de Cveti empieza a subir notas y ¡que me aspen si no hay un momento en que llega a registros de silbido y se cruza su línea vocal con la del teclado! Por el contrario en “The Great Beyond” sus registros son más graves, pero igualmente grandilocuentes y orquestales, acompañando toda la magistral orquestación de la banda. Instrumental para ir preparando el cierre del disco con “Vengeance”. Una sinfonía, sin estridencias, sin pajeos de mástil arriba y abajo a las guitarras; todo lo contrario, una pieza comedida y bien estructurada donde todos van evolucionando, al igual que el tema de cierre, “ The City and the Stars”, donde la banda nos deja acunados cerrando el disco con las voces a capela de Cveti y de Georgy Georgiev. Que no os de repelús cuando os hablen del Goth y os imaginéis a la peña en plan THE CURE (que también tienen un puntazo, musicalmente hablando). Debemos acordarnos de la luz que trajo el gótico a las lóbregas iglesias medievales y de ese mismo modo, THE A.X.E. PROJECT trabajan en el lado gótico del Metal, trayendo luz con un trabajo melódico, orquestado y sinfónico, con vocalizaciones e interpretaciones muy bien trabajadas y ensambladas. ¿Futuro imperfecto? No para esta gente, saben lo que se hacen y su futuro está lleno de luz. CESAR LUIS MORALES 8.5/10

te, que esta vez han sido grabados en The Mixtery (Valencia) y mezclado, masterizado y producido por Raúl Abellán. Y es que esta segunda parte, es la continuación perfecta y adecuada a su primer Ep donde dos largos y magníficos temas nos introducían en su particular mundo progresivo y conceptual. Ahora, “The Lost”, nos da la bienvenida, con unas guitarras muy contundentes donde José Masiá, nos deja detalles progresivos, pero otros riffs muy metaleros y unas melodías limpias que entremezcla con solos de guitarras para matizar cada parte, mientras pone su voz al servicio del tempo y María Cobos toma más protagonismo, además de crear partes de gran belleza donde el piano retoma el poder de la composición para jugar con las tonalidades vocales repletas de fantasía. “Exilium”, tiene un toque más operístico donde el bajo de Javier Masiá (también coros), crea una base muy consistente y es una delicia escucharlo a lo largo del tema y del álbum en completo, al igual que los ritmos creados y variables de Iván Tacchella en la percusión; un tema donde coge fuerza su estribillo, para crear unas estrofas entre la dualidad vocal de Jose y María, llevándonos hacia la fantasiosa “Polaris”, que me recordó a ANGRA, con esos teclados y esa tonalidad mágica, creando un tema que va creciendo con los minutos, más comercial pero que te sacará una sonrisa mientras lo escuchas al estar repleto de positividad. “Intertwine”, hace justicia al refrán, “si es breve, dos veces bueno” y es una maravilla de tema, que no se por qué, pero me recordó a THEATRE OF TRAGEDY y su melancolía transformada en belleza, María está soberbia, un corte que se disfruta como una noche de verano mientras la brisa te acaricia el cabello y el mar moja tus pies. Con “A Heart Inside A Box”, es un corte muy emotivo, donde toma las riendas José Masía, haciendo un tándem perfecto con el anterior, pero este desarrollado de forma diferente, mientras la primera parte es emotiva y repleta de sentimientos, se rompe en su parte central con unos riffs repleto de metal y rock, que te harán abrir los ojos, para infundirte de nuevo ese letargo en la parte final, que THE THIRD GRADE sabe hacer muy bien, antes de llevarnos hacia “The Darkest Times”, un tema que nos presenta la pura esencia progresiva, con una primera parte muy clásica, que evoluciona lentamente, para volver sobre un deja vu de casi nueve minutos creados para el disfrute. “Ray Of Light”, nos abre la parte final con un piano muy delicado y etéreo, donde la dualidad vocal está repleta de sensibilidad y la sencillez crean la complejidad, antes de adentrarnos en “Of Fire And Ashes”, donde un ritmo más endurecido en su inicio nos sirve de antesala hacia la evocadora “A Cold Awakening”, con unos ritmos más marcados y unas guitarras más duras, así como el doble bombo que ayuda a matizarlo, un corte que nos adentrá en los entresijos de THE THIRD GRADE, antes de la apoteosis progresiva final. Y es que “A Cold Awakening”, condensa en sus 16 minutos todos los elementos que nos han dejado a lo largo del álbum en un solo tema, repleto de matices y arreglos que encandilaran al oyente en un nuevo álbum más que notable, donde los cambios de formación han sabido mantener el status y darle su toque personal de forma muy positiva al sonido global. JUAN ANGEL MARTOS 8.5/10

THE THIRD GRADE (ESP) OF FIRE AND ASHES PT. 2 ART GATES RECORDS, 2020

Tras una primera parte de “Of Fire And Ashes Pt.1” (2017), lanzada en formato Ep a través de Art Gates Records, mismo sello que hoy nos ocupa, nos dejaron muy buen sabor de boca con su toque progresivo y su metal elegante, donde cada historia, cada canción, cada letra crea un espacio temporal por sí misma, y con la segunda parte de “Of Fire And Ashes Pt.2” (2020), esta vez en formato LP, THE THIRD GRADE, certifican su evolución, introduciendo elementos más dramáticos, pero manteniendo la intensidad a lo largo de cada cor-

THE WONDER YEARS (USA) BURST & DECAY (VOLUMEN II) HOPELESS RECORDS, 2020

El rock es algo tan sugerente como anacrónico, los términos, hoy, ya no son lo que eran. Una decena de etiquetas pueden ser puestas gracias a un breve momento de una canción, a un disco, a una experiencia. THE WONDERS YEARS tiene ya 15 años de vida, y este 2020 editan un trabajo que se mantiene dentro de su esencia, de sus sonidos y, por consiguiente, una evolución lógica hacia lo mismo. “Burst & Decay Vol.II” es un trabajo pensado, livia-

no, sin demasiadas variaciones a nivel musical, pero con unos arreglos que demuestran la calidad de los músicos, y una literatura intensa y profunda. Que los yanquis tengan términos para todo no es motivo para cabrearse… bueno, esto me lo digo a mí mismo y no funciona. Quienes hayamos escuchado, buena parte de los ´90´s música “Modern Rock Track made in Billboard”, podemos tomar canciones como “We look like lightning” o “Hoodie weather” y disfrutar pensando en cuando los que hacían Pop no tenían la obligación de dejarse bigotes anticuados y moquear por recuerdos tristes pero alegres. Hay buenas orquestaciones, sonidos y ritmos bien conseguidos, arreglos que entran a la perfección para mejorar algunas fallas en cuanto a originalidad. El disco está entre las mismas líneas vibracionales todo el tiempo, y, lo siento mucho, pero cada uno de los tramos, de los efectos, te pueden llevar a THE CURE, COUNTING CROWS y alguna reminiscencia de esos primeros R.E.M.. Si no viviste esa década y desconocés por completo lo que es tocar música Indie sin necesidad de vestirse de forma descoordinada, recorrer bandas como MATCHBOX 20, BETA BAND, LETTERS TO CLEO o SEMISONIC pueden aportarte mucho a la hora de comprender este tipo de bandas modernas (que no actuales). Grupos que no terminan de salir del Pop, pero siempre con un pie dentro de poderosas canciones que, arregladas con cuerdas y un cambio de velocidad, te entregaban grandes discos para los que no gustan de estridencias ni distorsiones. THE WONDERS YEARS es una buena banda, con un sonido claro y concreto, y un estilo que no se arriesga en ningún momento pero que te entrega un puñado de combinadas melodías, apoyadas sobre una suave literatura de sueños y decepciones colorinches. Ideal para quienes buscan canciones sólidas, detalles y melodías acertadas que podés silbar mientras te pegás una ducha antes de salir a trabajar, intentando ponerte de buen humor, pero recordando que el mundo da asco si no vas vestido a la onda que es la no onda. Un disco que dentro de su género se mantiene con buenas canciones, grandes arreglos y una voz que nació para este tipo de música. La pega es que no encontramos matices, algún experimento, más allá de ciertas armonías que sorprenden… poco. Pero algo es algo. SEBASTIÁN ABDALA 5.5/10

se adhieren a él, una sensibilidad especial y como ya he dicho, decadente, que a pesar de desarrollar una música oscura, son capaces de darle ese matiz, ese punto… esa capacidad de entender que la oscuridad existe por el contraste con la luz, las dos caras de la misma moneda, como en “Devil”, con sus reminiscencias a BAUHAUS. Cuando una banda mama directamente del Punk y esos estilos es que le dan una preponderancia al bajo que me chifla; me gusta que el bajo suene gordo, aunque sea una línea sencilla (Paul Simonon de THE CLASH, por ejemplo), ¿bien, no? Pues eso, “Dark End” o “I gave you everything” suenan a bajo gordo, aunque luego el resto de la banda, con sus dos guitarras se encarguen de darle el puntazo más Rock o más Goth según convenga. Y son temas que consiguen un Groove que, ¡coño, me apetece hasta bailar! Ahora uno de los mejores momentos del disco viene en la colaboración con Karolina Engdahl (de TRUE MOON) en el tema “Ritual”. Las dos voces se entrelazan a la perfección, como ya he dicho antes, luz y oscuridad, las dos caras de la misma moneda. “Apocalypse flare” sigue en la tradición y es otro puntal de THEN COMES SILENCE, estribillos oscuros, capas de guitarras gimientes… “W.O.O.O.U” tiene un puntazo que me recuerda incluso a la voz de Jim Kerr de los SIMPLE MINDS y una forma de avanzar hacia un estribillo que parece que nunca llega, quizá por esa manera tan contenida de cantar de Alex Svenson. No sé cómo lo hace esta gente, me refiero a estos compositores que con dos, tres acordes consiguen un gancho brutal. Escucha y analiza “In your name” y verás que no tiene una gran complicación, pero 110% seguro que una vez que finaliza el tema, se te queda la melodía en la cabeza durante una semana. Al igual que el inicio del siguiente tema, “Glass”, bajo gordo (ya lo hemos hablado), y ya a desfasar todos con unas guitarras vacilonas, y un gancho increíble. Hay un momento de bajada en el siguiente tema, el meditabundo “Kill it”, pero la banda vuelve a retomar el pulso en el último tema “Cuts inside”, con todas las bondades que hemos ido desgranando a través de esta review, incluidos coros femeninos a doble armonía. Así que ahí tenéis el quinto trabajo de THEN COMES SILENCE. Y después del “Cuts inside” ya sabes lo que quedará… el silencio, sí, pero también el recuerdo de haber escuchado un muy buen trabajo de Post Punk Goth. Escúchalo, no te vas a arrepentir y puede que descubras algún tema que te alucine. Lo que es seguro es que después de escucharlo, quedará el silencio, sí, pero no la sensación de haber desperdiciado tu tiempo escuchando a esta banda. CESAR LUIS MORALES 8.9/10

THEN COMES SILENCE (SWE) MACHINE SPV, 2020

Hay un momento en que por una vez habrá completo silencio en nuestras vidas. Sí, ya sé que, mientras lees estas primeras líneas, no estás pronunciando palabra alguna, pero tu cerebro sigue con su interminable y ronroneante monólogo interior. Incluso cuando duermes, hay ruido, tu respiración, el subconsciente que anda removiendo cosas en tu cabeza. Pero hay un momento, en el que, para todos, habrá silencio. Cuando muramos, cuando todo cese, entonces, entonces habrá silencio. ¡Colorea y aprende con Teo! Vaya pensamiento más aciago para comenzar una review, pensarás. Pero es que THEN COMES SILENCE sugieren con su nombre eso: y, entonces, llegó el silencio. Aunque ellos se van por otros derroteros. Lo tienen todo: el nombre, la actitud, las ganas, son de Estocolmo (que los suecos, gente animosa, lo que se dice animosa no son). Pues aquí los amigos son una de las propuestas más interesantes del Post-Punk Goth. Y nada más empezar este álbum (“Machine” es su quinto trabajo) nos abren con un “We lose the night”. Si has escuchado algo de los grandes del género, enseguida te va a venir un nombre como SISTERS OF MERCY a la cabeza; capas y capas de guitarras, una base rítmica traída directamente de los mejores JOY DIVISION, la voz oscura, seductora y decadente de Alex Svenson… ¡Todo un pelotazo! Algo tiene este estilo, y algo tienen las bandas que

TORCHIA (FIN) THE COVEN ROCKSHOTS RECORDS, 2020

Finlandia, cuna incorregible de grupos de metal y sonidos extremos nos regala a estos oriundos de Tampere. TORCHIA, formada por cinco músicos experimentados, después de su debut “Of curses and grief” allá por el 2017; vuelven con “The Coven”; que vió la luz a finales de Marzo a través del sello Italiano Rockshots Récords. Un compendio de sonidos death metaleros con tintes melódicos. El álbum goza de una buena mezcla y producción a manos de Hiili Hiilesmaa, tipo reconocido por su trabajo con Apocalyptica, Him o Amorphis; así que nada de medias tintas. Gran curro, directo, crudo y compacto. Emanan un royo casi Black metal, no tanto en cuanto a sonido, pero si en el concepto y estética, teniendo un aura oscura muy atractiva, a la vez que personal. La banda se montó una gira por toda Finlandia, parte de Europa y dio el salto a tierras Taiwanesas, estando un par de años funcionando en directo antes de componer y grabar este disco que nos ocupa. “The Coven” empieza directo y brutal, una vez acaba una pequeña intro en “Sky”, sonidazo hiper

agresivo. Te volarán la cabeza literalmente, no hay descanso. Siguen con “Gallows” y “Moon, Rise”, este último fue adelanto con videoclip tremendo. Las composiciones de guitarra son increíbles y las melodías se entrelazan con sonidos corrosivos y la voz desgarradora de Edward Torchia. Vaya dos temazos! Turno para “Lord of dreams (Cult March) “ que destila un olorcillo casi industrial podría decirse. Me encantó la verdad, como sin perder ni un ápice de agresividad refrescan su sonido. “Plague Pleasant” es sonido 100% metal fines podría decirse… Suena familiar, pero fresco y oscuro al mismo tiempo. Es lo que vengo a decir de TORCHIA, pasan con nota la criba de bandas metaleras agresivas. Estando un puntito por encima. Le toca a “Jaamaa”, otro corte tremendo, con unos punteos de altísimo nivel donde los guitarristas Ville Riitamaa y Henri Heikkinen demuestran como se las gastan. Continúan con “Memoirs” donde empiezan con armonías magníficas y algo suavizadas, pero amigo… estos tíos se las gastan… y el tema se acelera y te arrasa! Brutal! “Astral Planes” es bajo mi punto de vista, una de las mejores canciones de “The Coven”, aquí sí aparece esa reminiscencia Black antes mencionada. Completísimo corte, grandes guitarras, batería aplastante y unos coros increíbles. Y para cerrar, los fineses se marcan “ Forever Blood”, que viene a ser un potente resumen de este grandísimo trabajo. Todo lo que desarrollan a lo largo de este álbum lo concentran en este último aliento musical. Así que menuda sorpresa que me he llevado con TORCHIA, recomendadisimos si te molan INSOMNIUM o incluso KVELERTAK por poner un ejemplo. Eso sí, más oscuros y corrosivos. EL GALLEGO 8/10

TRAUMA (POL) OMINOUS BLACK SELF MADE GOD RECORDS, 2020

Polonia, ese país que me ha dado el mismo número de grupazos de metal extremo como de disgustos de estos mismos: DECAPITATED, BATUSHKA, BEHEMOTH, MGLA… Pero sin duda, hay que admitir que la escena polaca es brutal y tiene una calidad musical tremenda. Concretamente hoy, vamos a hablar del último trabajo de los veteranos TRAUMA, que llevan repartiendo death metal desde el 88. TRAUMA se encuentra formado actualmente por Chudy a la voz, Mały a la batería y Mister con la guitarra y el bajo. Publican en marzo de este año “Ominous Black”, su octavo álbum, bajo el sello polaco Selfmadegod Records. Me gustaría mencionar el artwork increíble que tienen de portada, sin duda fácilmente reconocible, del artista Mariusz Lewandowski que también ha trabajado con otras bandas como BELL WITCH o ABIGAIL WILLIAMS. “Ominous Black” tiene una duración total de 44 minutazos distribuidos en un total de nueve pistas. “Inside the Devil’s Heart” abre con unos riffs muy clasicotes que crean un ambiente de destrucción. La producción es brutal y el sonido está muy bien cuidado. La batería es una pasada y el bajo trepa desde las profundidades para sobresalir y brillar varias veces. Desde el primerísimo tema TRAUMA saben venderte todo el álbum. Continúan con “Insanity of Holiness” en el que me han dejado de piedra con la línea de bajo y la guitarra. “Astral Misanthropy” tiene de los mejores guturales del álbum. Este corte es una salvajada: la voz de Chudy, los coros, las guitarras zumbando en el oído, los breakdowns dejándonos sin respiración… En mi opinión, esta pista es fácilmente una de los mejores de todo el disco. “Soul Devourer” realmente cumple con lo que promete y no solamente me ha devorado el alma, sino que se han comido mi corazón y lo han escupido luego. Absolutamente increíble la atmósfera que crean con el bajo aporreando los tímpanos. “Among the Lies” es un tema muy

juguetón con muchos cambios de ritmo y con un trabajo alucinante por parte de los instrumentos de cuerda. Para los que no hayan apreciado la batería previamente, en “I Am Universe” Mały nos hace una demostración en la que nos deja claro que domina perfectamente la canción y se hace dueño de la situación. Un ritmo de galope nos arrastra hacia el caos mientras un solo de guitarra nos zarandea y todo comienza a dar vueltas. Cuando pensaba que TRAUMA no podían subir más el nivel, cogen y me dejan sin habla con esta pista, a la que corono sin dudar como el temazo del álbum. Seguimos con “The Black Maggots” que comienza con unos crujidos que se asemejan a los de un insecto. Regresan esas guitarras tan locas que nos ofrecían en “Astral Misanthropy” que parecen cerrar el círculo. El equilibrio entre instrumentos a nivel compositivo es demencial, todos crecen juntos y evolucionan a la vez a lo largo del trabajo. El principio de “The Godless Abyss” pone los pelos de punta y nos deleitan con una técnica brutal. Cierran con “Colossus”, con un doble bombo que entra como una apisonadora para destruirlo todo y unas guitarras muy sensuales en contraposición. El último minuto y medio es espectacular: TRAUMA se detiene a regalarnos un punteo con el que se ríe de ti, de mí y del género. Ellos mismos han elevado el listón hasta un punto que parecía casi imposible que me pudiesen sorprender de nuevo. Pero sí, lo han hecho y con creces. “Colossus” es la mejor manera con la que podrían haber cerrado este álbum.

está plagado de leyendas que no solo hacen pie en vikingos, Odin y un suculento Valhalla, también hay parte del pueblo que ha trabajado la tierra, o que sabe lo que significa pasar frío. Pues un poco en ello se basa este nuevo trabajo de TULUS. Con dosis justas de velocidad, intensidad constante pero con esos aires de retrospectiva interna que se refleja en “Old Old Death”. Si el Old School nórdico te conmueve y te recuerda a esa adolescencia donde un grito no tenía más fuerza que una narración callejera, con este disco te lo podés pasar muy bien.

TRAUMA saben perfectamente lo que están haciendo y a dónde quieren dirigir la banda. Nos han traído un discarral de puro death metal con un sonido verdaderamente impresionante que ya quisieran otras bandas. Estos polacos son perfectamente capaces de ofrecerte un death potente, técnico, clásico, pero sin dejar de innovar en ningún momento. “Ominous Black” no va a dejar indiferente a ningún amante del género.

A RESTING PLACE FOR THE WRATHFUL

MAKI PÉREZ JÁUREGUI 10/10

TULUS (NOR) OLD OLD DEATH SOULSELLER RECORDS, 2020

Hace muy poco tiempo reseñamos en Necromance, y también un servidor, el álbum de la banda SARKE, en el cual encontramos una clara predisposición a poner en primera línea, de nuevo, el clásico, antiguo y poderoso Old School Death Metal… Pues con este trabajo de TULUS tenemos asegurado un tándem de una banda de calidad superlativa, que saca un disco de sonido puro y claro: “Old Old Death”. Los que pinten canas en las sienes, los que sepan apreciar el trabajo de una banda de Rock que pasea con enorme tranquilidad entre demonios, aquí tienen un disco de sonido añejo, presentado con lenta calma, sin prisas algunas, y con la brutalidad contenida para, lentamente, ir desplegando con bases y ritmos pegadizos, melódicos, una lenta lección de historia nórdica.

SEBASTIÁN ABDALA 7/10

Pero vamos a soltar el “pause”, mirando hacia Chile, y posar el ojo sobre el nuevo lanzamiento (retrasado para junio 2020) de la banda UNBLESSED. El trabajo se llama “Murdering hope”. 10 potentes canciones que te dan un sacudón de realidad, de narrativa callejera y certera para que no olvidemos que hay quilombo más allá del Covid*_*. Con un sonido contundente, apoyado en unas bases bien apostadas para soportar lo que le tiren encima las guitarras, nos encontramos con una voz enojada, que no renuncia a denunciar, y sobre todo unas estructuras tan complejas como bien pensadas. Con 20 años en la espalda, y una cantidad de influencias tan dispares como bien aprovechadas, encontramos a una banda que se encontraba lista para recorrer buena parte del cono Sur y tierras europeas con un disco bestial. La intensidad de la música se basa en una furia que combina a la perfección voces que se la juegan entre gargantas a un paso de reventar y un profundo gutural de oscuridad precisa, que, en este disco, se despega un poco del Black Metal, tradicional para poner a nuestro servicio algunas variaciones que se mantienen dentro del estilo, pero aportan color en cambios rápidos y oscuros de ritmo.

TWITCH OF THE DEATH NERVE (GBR) COMATOSE MUSIC, 2020

Desde Reino Unido y creados en 2004 nos llega ahora, de la mano de Comatose Music, su segundo trabajo, seis años después de deleitarnos con su primera brutalidad. Largo camino el que han tenido que recorrer estos tres Death metaleros para permanecer en esta cada vez más abarrotada escena. Un camino que les ha llevado a seguir contando con Comatose Music y a dejarnos poco más veinticinco minutos de música devastadora. Una devastación que ya podría haber estado más cuidada a nivel de producción. El sonido de guitarras es demasiado agudo, muy incisivo y afilado y con una distorsión que, cuando se trabaja con una mezcla y master tan apretado y con los limitadores tan a reventar, dan un sonido que cansa la escucha y que pierde dinámica y hace que, incluso en las partes más débiles, en las partes con samplers de pelis, todo se derrumbe y pierda sentido musical. Pero dejemos pijotadas de audio absurdas y vamos a lo que cuenta, la brutalidad. Aquí la hay incluso aunque podamos escuchar partes más lentas, acústicas y movimientos a medio tiempo. Porque de hecho eso es lo que da valor a este trabajo, el que no sea siempre a toda velocidad, el que no sea siempre al límite de la técnica y el que sea siempre aplastantemente slam. Podemos decir que es variado y aquí encontramos veloces cabalgadas a lo SUFFOCATION, tremendos riffs retorcidos a lo CRYPTOPSY, elementos de ensordecedor ambiente fangoso a lo IMMOLATION. Para cubrir todo esto aparece una batería capaz, no exagerada pero si en su lugar, una voz aplastante, profunda en graves y muy punk en agudos, haciendo una mezcla muy underground, casi de garaje, pero que encaja con el sonido, con la música y con la escasa naturalidad que presenta el trabajo final.

Si hablamos de intensidad y de 20 años, nos encontramos con dos adelantos que pueden resumir un poco de qué va el disco, la banda y su historia presente y futura: denuncia y ni un paso atrás. Canciones como S.E.N.A.M.E. (sanguinarios exterminadores nefastos asesinos de menores) se convierten en un punta de lanza que entra en lo más hondo de esas entidades burocráticas e inútiles que se llenan la boca y dejan muchas dudas. O pocas. No es una cuestión ideológica de denuncia porque sí, en el video que pueden ver en YT encontrarán además de un breve resumen de portadas relacionadas con malos tratos y corrupción, la letra completa a modo de declaración de principios, con tal intensidad, que no me es posible, como escritor y sudamericano, no empatizar con este tipo de bandas que no solo denuncian desde un ideal, si no que se la juegan poniendo nombres y apellidos a lo que hacen. No es todo tan simple en todos lados, ¿sabés? A nivel técnico el disco entero, tanto en su sonido como en su registro, nos presenta unas guitarras que revolotean por escalas trepidantes, un bajo que parece multiplicarse según sea el registro que necesiten las guitarras, y una voz que se divide en una perfecta enfermedad psiquiátrica. Brutal. 20 años de escuchar y crecer masticando furia y rebelión. Exponentes completamente guerrilleros de este Metal moderno que a veces no sabe hacia dónde ir, pero que en sus raíces más profundas encuentra la contundencia necesaria para poder pararse y mirar de “tú a vos” a cualquier banda de la escena Únderground.

Aun así, como lo poco gusta y lo mucho cansa, aquí no nos da apenas tiempo a lo segundo y podemos disfrutar de sus ocho temas sin despeinarnos por la innovación ni aburrirnos por la modernidad.

Como fanático acérrimo del Death y el Black Metal, recomiendo particularmente este trabajo de UNBLESSED tanto por el sonido como por el espíritu. Mis últimas entrevistas con bandas de este estilo pueden resumirse como mantenerse firmes a la idea anti católica, pero seguir denunciando que la podredumbre está en la sociedad por las cosas que miramos en el día a día, bajo la luz de un sol que, de verdad, no siempre brilla para todos. “Murdering Hope” es un disco que a nivel técnico tiene todo lo que puede esperar un sibarita de una banda con más de 20 años de trayectoria (hay un documental muy revelador de la banda en YT), y a nivel concepto más todavía.

SANTI GZLEZ 7/10

SEBASTIÁN ABDALA 9/10

Desde la primera oda (“Hel”) hasta la cuarta (“Flukt”) es un disco de Rock clásico, intenso, con densidad en la voz, y una banda que va latiendo a buen ritmo. Pero notamos un cambio al entrar en “Folkefall”, algo se rompe, se vuelve definitivamente oscuro… y ya en “I hinmannes hand” con terrible pesar, asoman otro estilo de riff´s, con esa distorsión justa que pone a las voces en un punto de exploración y búsqueda que hace mella junto a las baterías para darnos, en la canción más larga del disco con 4´16, una lección de estirpe. El resto del trabajo va variando sobre estas mismas premisas, hay fuerza, pero no brutalidad, es un largo trecho recorrido por quienes han acerado buena parte de este camino del Death. A nivel creativo y compositivo, cambiando de tempo y afinación, podemos encontrar un disco de Metal clásico y lleno de aguardiente, pero con ese oficio de una banda que tiene claro el modo expresar sus inquietudes, su experiencia. El folklore nórdico

UNBLESSED (CHL)

UNHOLY DESECRATION (USA)

MURDERING HOPE

BLACK HORDE

INFRAMUNDO RECORDS, 2020

CONFUSED RECORDS, 2020

Sí, lo sabemos, el mundo parece flotar en esta viscosa letanía donde nos ha puesto este virus… todo parece quieto, pausado… desde casa apenas si nos asomamos a lo que sigue ocurriendo en el Globo.

Los Black Death metaleros UNHOLY DESECRATION lanzaron el 6 de febrero de 2020 su primer L.P «Unholy Horde» gracias a Sound of White Noise Records. NUM. 73 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 67

La alineación del combo es: Jaime (voz), Josh Villa (bajo), Arnold Blast (batería), Rob (guitarra), Leo Vela (guitarra). Amigos, la crítica de hoy no va a ser del todo favorable. A pesar de que el disco no es ni mucho menos mediocre, he tenido la sensación de que en líneas generales las tonadas han sido alargadas en exceso. Con esta característica, y con el transcurrir de las susodichas canciones, no he podido evitar ir perdiendo el interés paulatinamente. Asimismo, el hecho de que todo suela ir a medio gas tampoco ha ayudado. No obstante, los momentos de calidad, repartidos a lo largo y ancho del Elepé consiguen que los saque de la quema sin problemas. La producción es impoluta y poderosa, mientras que el amenazador artwork es impresionante. Rotundidad, fluidez y ferocidad. Esos son los atributos de las seis cuerdas. El tremolo picking no es un recurso del cual se abuse, mas está presente, al igual que las dobles armonías. La lead guitar, sin entrar en escena en la totalidad de los temas cuando lo hace cumple con creces. Predomina un tipo de growl profundo y francamente adictivo, que junto con anecdóticos registros de guturales agudos rasgados conseguirán que vuestra alma tiemble del más profundo terror. Ya os lo he comentado con anterioridad, el acelerador no tiende a estar pisado a fondo. Si queréis blast beats, echadle un oído a «Born of Evil» y «Seeds of Rebellion». Por cierto, dicho sea de paso, son los dos empujes sónicos que destaco sin dudar de todo el plástico. Algo me dice que, aunque me hayan dejado más bien frío, en próximos lanzamientos los americanos nos van a sorprender gratamente. Yo de vosotros, cataría su debut al igual que no les perdería la pista. JESÚS MUÑOZ CABALLERO 6/10

neration». Una salvajada que se abre paso a trompicones bien conducidos por la nueva bestia a las baquetas Trynt Kelly, espectacular todo el álbum, y mucha destreza y sincronía digitadora en las hachas, con solo descolocante además de un arpegio quebrantador. Eso sí, para abrir el disco, considero que le falta esa potencia del bajo, aquí inexistente, evitando la plenitud del disfrute de la tortura en la incineradora, que tira por tierra el esfuerzo del gruntazo de Karl Schmidt (GORGOTRON). Esta pequeña falta es compensada en el resto del disco, sin ir más lejos en el siguiente corte «Blazing Hatred», donde hay un pico de contundencia descomunal en los segundos que la caja deja de sonar. Increíblemente, de la mano de la velocidad vertiginosa, el disco crece en oscuridad, hasta llegar a la magnifica «Oblivious Descent», convirtiéndose este en el factor diferenciador con el resto de su discografía. Sin duda el tema que más he disfrutado del disco, técnicamente perfecto, con arpegios, armónicos y el fantástico sweep picking que adornan el amasijo de rabia que estalla para desatar la extinción de la humanidad. Del resto de cortes, destaco la rompecuellos «Predator to Prey», con la tradicional sincronía voz-guitarra del BDM y destreza máxima a toda velocidad. La equilibrada, y con un punto NILE, «Wrath Encompassed», que contiene el mejor riff del disco, buen jugueteo aéreo e improvisaciones de Justin Payne. La anárquica pero rica «Carnage Unleashed», con multiregistro torrencial y mil cambios de tempo. Y el cierre tirando de trémolo OSDM de «Inexorable Decay», que pone a prueba la capacidad pulmonar de Schmidt. En definitiva, un disco arrollador, vertiginoso, implacable, criminal y muy disfrutable de BDM a la vieja usanza, al que hoy en día le falta valor añadido. Disco que debería anunciarse directamente en la sección de sucesos debido a la alta carga de violencia, que o bien calma tu brote de Amok o bien te sirve de inspiración. ¡D-FENS! SCHEITAN 8.4/10

ferencia de que el tanque va a velocidad punta y no ha parado. Un puto minuto y dieciocho segundos. Destrucción total. Y ahora sí, ábrete bien de orejas para “Incineration of the Gods”, porque aquí hay variedad y, aunque no es innovador, si es un trallazo en toda regla: desde el inicio (con ese doble bombo marcado con precisión quirúrgica) a lo solos de guitarra, los multiples cambios de ritmo y todo condensadito en apenas tres minutos. “Sanctification Denied” aprovecha con maestría el trabajo de las cuerdas, viciosas, con un malicioso juego junto con el bajo, con destellos y solos discordantes a lo MORBID ANGEL. Claro que, a estas alturas de la película, comparar a una banda con la otra no procede, pero… es que esos solos discordantes son tan Trey Azagthoth. ¡Y seguimos para bingo! ¡A la rica bofetada Thrashy! “And Satan Wept”, sí, Satán lloró, y, no me extraña, de emoción al escuchar un tema tan cañero como este. O como “Emptiness”, empezamos tirando de palanca de tremolo, solo desquiciado y leña marismeña, y a sacarte las siete cervicales de su sitio, Thrash-Death o Death-Thrash o VADER arrasando con todo bicho viviente. Y no llevaremos más de veinte minutos o así, pero es que esta gente no concede descanso. Y, ala, a correr como demonios. “Final Declaration” pasa a la velocidad de la luz acuchillando todo a su paso, para enlazar con “Dancing in the Slaughterhouse”, versión de sus compatriotas ACID DRINKERS, que si ya era corrosiva la original, ¡imaginaos convenientemente “vaderizada”! Y volvemos a los temas cortos, apurados y con una intensidad que hace pensar en que los VADER están compitiendo contra ellos mismos por acelerarse todavía más, aunque luego el resultado es de una nitidez pasmosa. ¡Esto hay que verlo en directo, fijo! Y para cerrar, bien crepitante, bien potente y bien balanceado, con cambios de ritmos, entro, voy, salgo, ¡mosh, circle pit y Wall of Death!, sí, lo veo, “Bones”. Escuchado y hecha la review. Ahora si me disculpáis, voy a recoger los pedazos de mi cordura, y voy a taponar mis orejas para evitar que mi cerebro licuado se me escape por ellas. VADER lo han vuelto a hacer. Han vuelto a poner su nombre en lo más alto como uno de los malos más malosos del Universo. Solo con escuchar su nombre, uno ya tiembla. CESAR LUIS MORALES 8.5/10

UNMERCIFUL (USA) WRATH ENCOMPASSED WILLOWTIP RECORDS, 2020

Cuando todo apuntaba a banda caída en combate, Willowtip Records rescata al quinteto kanseño de brutal death metal UNMERCIFUL, quienes cuatro años después de «Ravenous Impulse»(2016), vuelven a ser presa del Amok en «Wrath Encompassed». Un tercer ataque de ira indomable canalizada y transformada en una barbarie sónica que tensa al límite los nervios pero que aporta todo lo que un amante del BDM necesita como terapia, porque todos podemos tener un mal día y desarollar pensamientos que nos inspiren a hacer un «D-fens», respira hondo. UNMERCIFUL da continuidad al proyecto con este lanzamiento, evitando así la espera de los diez años que pasaron entre su flamante debut «Unmercifully Beaten»(2006) y el infravalorado «Ravenous Impulse» (2016). Parecen haber conseguido una formación medio estable, aunque continua el intercambio de cromos con su hermano mayor ORIGIN, quienes recuperan tras el préstamo para «Ravenous Impulse», al magnífico batería John Longstreth (ex-ANGELCORPSE y ex-GORGUTS) pero conservan el corazón ORIGINal con Appelhanz y Turner (ex-CANNIBAL CORPSE (live)) a pleno rendimiento. Musicalmente no han variado mucho, BDM de escuela noventera reportando a SUFFOCATION con técnica depurada, pero no al nivel de estos, ORIGIN u otras formaciones que han sabido adaptar su brutalidad a la imparable evolución del death técnico. Apuestan sobre seguro, poniendo anteojeras a este directo «Wrath Encompassed» y evitan así cualquier tipo de distracción alejada de la devastación, aunque suponga su estancamiento, incluso un paso atrás respecto a sus anteriores trabajos a nivel técnico. «Wrath Encompassed» lo componen nueve cortes, alguno de ellos superando por primera vez la barrera de los cinco minutos como el inicial «The Inci68 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 73

VADER (POL) SOLITUDE IN MADNESS NUCLEAR BLAST RECORDS, 2020

Se conoce el Fandom a toda esa gente que es aficionada a algo, en mayor o menor grado de fanatismo. Deriva del concepto inglés “Fan Kingdom” (el Reino Fan). Y de ahí salen rivalidades de la cultura Pop tan notorias como “Star Wars” Vs “Star Trek”, Marvel Comics Vs DC, Superman Vs Batman. ¡Colorea y aprende con Teo! Lo que es indudable es que ya sabemos en qué bando se posicionó Piotr Pawel Wiwczarek hace la friolera de treinta y pico años. Es indudable que se tragó la trilogía de turno y lo flipó con el antagonista, así que, colgarse la guitarra y ponerse a elegir el nombre de su banda era fácil. ¿Quién era el más malo maloso de Universo? Pues eso, VADER. Y aquí, seguimos, 2020 y nuevo álbum de los polacos, “Solitude in Madness”. Once temas y apenas media hora; sí, en efecto, esto es la Blitzkrieg, la Guerra Relámpago. Abrimos con “Shock and Awe” a 1000 revoluciones por minuto, y antes de que te puedas dar cuenta, la banda te ha tragado, te ha triturado y te ha escupido hecho un guiñapo. Dos minutos, diecisiete segundos, no les hace falta más tiempo. Hay gente que con cincuenta y pico tacos está tranquilamente en su casa, casi retirado y disfrutando puede que incluso de los nietos. No es el caso de Piotr que, con sus 54, sigue rascando las cuerdas de su guitarra y vomitando odio. “Into Oblivion” es un remolino furibundo que arrolla con crujientes riffs anclados en el Thrash, llevado por un magistral James Stewart como una bestia percusiva. Pero, sin tiempo apenas para que puedas darle un trago a tu cerveza, los polacos te vuelven a bombardear con “Despair”, 1:18. ¿Recuerdas la imagen del chino aquel que se puso delante de un tanque en las manifestaciones de la plaza de Tiananmen? Pues esto es lo mismo, pero con la di-

VALDRIN (USA) EFFIGY OF NIGHTMARES BLOOD HARVEST RECORDS, 2020

“Effigy of Nightmares” es el título del tercer larga duración de VALDRIN, banda proveniente de Ohio (Estados Unidos). Editado por el sello Blood Harvest en diferentes formatos y en ediciones limitadas tanto en CD, cassette y Lp en dos versiones diferentes. Compuesto por seis temas y una duración de treinta minutos escasos. El inquietante arte de la portada ha sido obra del artista Lucas Ruggieri (EXHUMED…). Lo que nos vamos a encontrar es un Black Metal melódico con muchos pasajes atmosféricos en una línea de EMPEROR, DISSECTION, SACRAMENTUM o incluso primeros DIMMU BORGIR. El tipo de sonido logrado en la producción es realmente muy en la línea de mediados de los años noventa, transportandonos al pasado de una manera muy grata. Después de la intro de rigor pasamos a “Exsanguination Tunnel” en donde nos muestran el potencial de la banda con una brillante composición. “Red Burning Candles of Hatred” comienza con medios tiempos recordando en muchas ocasiones a la banda de Galder (OLD MAN´S CHILD). Le sigue “Serpentine Bloodhalls” en donde parten totalmente el tempo, haciendo un tema prácticamente instrumental en plan acústico, cargado de atmósferas para servir como puente a “Basilisk of Light” en donde regresan a la velocidad y agresividad, pero sin perder un ápice de melodías en el que será

posiblemente el mejor tema del álbum. Para cerrar nos topamos con “Down the Oubliette of Maelstrom”, el tema más largo del redondo en donde nos muestran de lo que son capaces de crear en sus más de ocho minutos de duración. Posiblemente el tema más intimista del álbum y en donde la dosis de melancolía es muy alta, mezcladas perfectamente con partes más rabiosas en donde nos dejan ver algunos pequeños toques más cercanos al melodeath de finales de los noventa tipo DARK TRANQUILLITY o cuando IN FLAMES sonaban bien que casan perfectamente con su enfoque de Black Metal melódico. Un gran trabajo que me ha sorprendido mucho. La escena Black Americana poco a poco va creciendo con grandes referentes que antaño pasaban muy desapercibidos. Si te gusta el Black Metal con buenas dosis de agresividad y melodías a partes iguales no puedes dejar pasar la ocasión de hacerte con este trabajo. MARK BERSERK 8/10

VERIKALPA (FIN) TUOPPITANSSI SCARLET RECORDS, 2020

Cuando una música te la definen como folk/troll metal, solo puede venir de un país, Finlandia y su folclore musical, donde bandas como FINNTROLL, KORPIKLAANI, ENSIFERUM, TURISAS…han dado fruto y se colocan en primera línea del panorama internacional, llenando salas y creando fiestas paganas allá por donde van. La banda que nos ocupa hoy, sigue sus estelas desde la cantera escandinava, emergiendo de la ciudad de Oulu (Finlandia) y a través de Scarlet Records, nos llega el segundo álbum de VERIKALPA bajo el nombre de “Tuoppitanssi”, donde dan rienda suelta a ese folk, mezclado con toques death y black, transformándolo en festivo/agresivo por momentos iguales y del que hablaremos a continuación. La apertura con “Naulattujen Vaellus”, más épica no puede ser, con ese cabalgar de guitarras por Jussi Heikkilä y Sami Ikonen, donde el punto definitivo y álgido lo pone a lo largo del álbum los teclados de Jussi Sauvola, con ese toque de acordeón, que eleva la moral de las tropas y anima a las fiestas en las tabernas, como en “Tuoppitanssi”, con la que no pararas de bailar y chocar garras de cervezas, donde aceleran el ritmo para brincar y brincar, pero guardando su toque épico y casi guerrero, tonalidades que apreciamos en cortes como “Peikon Kieli”, con una percusión muy marcada en timbales en las estrofas vocales, a cargo de Jari Huttunen, pero también en “Haaksi” está muy presente, además de ofrecernos coros vocales, y voces dobladas que le dan un giro más batallador, creando verdaderos himnos del estilo. Pero también a lo largo del álbum, nos dejan destellos de agresividad y un tono más poderoso y agresivo, “Talonväen Teuraat”, es un claro ejemplo, donde la voz de Jani Ikonen exprime sus registros rasgados, con partes instrumentales híper aceleradas, donde el doble bombo, primero y los blast beats después, dan paso a un estribillo muy coreable; en la misma línea pero con un toque más festivo se abre paso “Karhunkaataja”, e impregnada de malicia y un toque apocalíptico, “Verimaat”, emerge desde las tinieblas, con una música más marcada y donde el bajo de Sami Knuutinen inunda con sus graves la estructura musical que a mediados se envuelve en un heroísmo vikingo con los teclados y una parte final más pausada. Antes de concluir para no repetirme en descripciones, VERIKALPA, realizan un gran folk metal, creando temas como “Sankari, Saatana, Kostaja”, perfecta para ser coreada en sus directos o “Mettäväinö” donde los pogos están asegurados, cerrando el álbum con “Tuonen Miekkla”, un tema que condensa su energía y su folk metal. Si eres amante de estos sonidos, no te defraudaran. JUAN ANGEL MARTOS 7/10

nos ocupa: “Path to Immortality “ a través del sello M-Theory. En sus trabajos anteriores, los californianos venían construyendo este sonido; currandose composiciones heavy metaleras con sonidos más modernos y agresivos. Y es ahora cuando lo han redondeado por completo. El amigo Logan Mader se ha puesto a los mandos y les ha sacado punta y jugo sin duda.

VICTORIA K (AUS) ESSENTIA ROCKSHOTS RECORDS, 2020

VICTORIA K es un proyecto que llega desde Australia, tan salvaje y violento como una de esas tormentas de verano que parecen estar contenidas en este disco debut llamado “Essentia”. Melancólico, de una oscuridad que se toma su tiempo para envolverte, sin prisas, para que puedas apreciar cada uno de los arreglos, muy pensados tal vez, pero en manos de profesionales de envergadura más que probada. Podemos considerar los dos primeros tracks como parte de una misma introducción que conlleva intensidad ritual como tenebrosa. Con VICTORIA K al frente de ambas encontramos toques étnicos que acrecientan la calidez de su voz, “Surreal” es una combinación magistral que recuerda a DEAD CAN DANCE y esos caprichos magiares. Estamos frente a un disco que no sufre grandes variaciones, si no que construye a lo largo de un extenso tempo combinaciones de voces melódicas y guturales un ambiente entre onírico y espiritual. Encontramos también el entorno clásico del Power Metal más rancio en el que ha sido su primer video-single “The matrix”, aunque rompe de forma un poco brusca el ambiente creado hasta el momento, es una buena muestra del dominio vocal e instrumental de este proyecto. Con un gutural de esos que podrían contener decenas de demonios de un infierno a raya de nuestro mundo, la limpieza y claridad de quebrar ese ritmo que no termina de arrancar es, sencillamente, oro puro. De nuevo un cambio que demuestra sin complejos las influencias a las que hacen referencia y disfrutan ejecutando en baladas con un piano, digno escritorio para escribir un centenar de poemas y versos oscuros. “Shroud of solitude” y “Humanity” son grandes canciones, muy bien post-producidas y que resalta los valores necesarios de cada uno de los elementos que la componen. “Essentia” es un trabajo que, apoyado con aportes invaluables de “Sheri Vengeance” en los guturales y la participación de Michalina Malisz, te presenta un concepto de qué es, verdaderamente, VICTORIA K ; una conjunción de composiciones entre épicas y misteriosas, profunda melancolía y magia oscura, ritmos trepidantes de un Power Metal limpio y cuidado, o voces de literatura triste con toques étnicos que no desentonan en ningún momento. Interesante expresión sin recurrir a la brutalidad ni la velocidad excesiva, para disfrutar en un teatro, con temor, como dije al principio, a esa calma que precede a una tormenta de verano.

VOICES OF RUIN está formado por Steve Calton y Tom Barrett a las guitarras, Wally Myers a las cuatro cuerdas, Lonnie Van Horn a los tambores y Dave Barrett como vocalista. Yéndome ya con “Path to Immortality “, el plástico empieza con la intro titulada “Other Side”, en plan apertura y enganche con “Carved Out”, y ahí si empiezan en serio y se amarran bien los machos. Velocidad y contundencia, revestido con partes magníficas de guitarras melódicas y la brutalidad de Dave a las voces. Desgarra este tipo cosa seria. Turno para el tema título “Path to Immortality “, que se eleva a un nuevo nivel con un punteo cojonudo del socio Tom Barrett. La banda se estira bailando entre brutales riffs que se abrazan con tremendas partes rítmicas. Estos tipos saben montarse un Melo Death de primera división. “Suffering Silence” es un corte más moderno y actual. Tiene un royete a Metalcore y suena agresivo y rápido. Aunque las melodías de las guitarras están omnipresentes y la canción vira dentro de la línea de los de Anaheim. Le sigue “Reach Toward the sky” que se disfraza por momentos de Trash metal, aunque como viene siendo habitual la melodía protagoniza el grueso del tema. La voz también sigue una línea ascendente y Barrett se embrutece aún más. Con “I am God” demuestran que son capaces de componer temas con gancho. Aplastante y magnífica, sin duda de lo mejor del disco, al menos bajo mi punto de vista. Con unas partes de guitarras súper originales a la vez que brutales. “Into the Aether” es un pasaje instrumental muy conseguido, se agradece este corte la verdad sea dicha, la antesala perfecta a los tres últimos pelotazos del álbum. “Wishpers” engancha bien, con un aroma sosegado, pero vuelve por los mismos derroteros melo Death que vienen practicando VOICES OF RUIN. Con el vocalista rugiendo cosa bárbara y como seña de identidad absoluta de la banda. “The Undoing” cierra la colección de temas propios en plan a lo bestia. Rápida, demoledora y melódica a rabiar. Es un buen punto y aparte de este disco. Recalco lo de punto y aparte, ya que acaban con una versión del “Everlong” de los FOO FIGHTERS, así como el que no quiere la cosa; cogen la canción y le dan su royo Death metalero y la verdad es que les ha quedado guapa tela. Curiosa y a la vez tremenda forma de finiquitar su “Path to Immortality “. Un trabajo a tener muy en cuenta, de primer nivel y de escucha obligatoria para seguidores de estos sonidos. EL GALLEGO 8/10

SEBASTIÁN ABDALA 8/10

VOLTURIAN (ITA) CRIMSON SCARLET RECORDS, 2020

VOICES OF RUIN (USA) PATH TO INMORTALITY M-THEORY AUDIO, 2020

Anaheim (California), es el hogar de estos VOICES OF RUIN, bandaza de Death metal melódico que parecen suecos o de esas tierras nórdicas, tan prolíficas en estos sonidos. Ya sabéis de lo que hablo, guitarras melódicas, baterías aplastantes y una voz característica. La banda presenta su tercer larga duración que

Los transalpinos VOLTURIAN debutan en la industria con este “Crimson”. Se trata de un proyecto encabezado por Federico Mondelli de FROZEN CROWN y Federica Lanna de SLEEPING ROMANCE. Ósea en plan súper grupo, aunque lo que practican dista de lo que hacen en sus proyectos principales, o paralelos. Para que nos hagamos una idea, es como meter en la batidora, un poco de royo gótico, muy exquisito eso si, pinceladas de pop, metal, electrónica y sintetizadores, un toque de WITHIN TEMPTATION, aromas a los primeros LACUNA COIL y un color a AMARANTHE. Estamos ante un disco con mucha melodía y ritmos rápidos, a veces te viene a la mente algo de power metal e incluso riffs muy a lo death sueco; y si, la base de la banda nada por ritmos metalicos, aunque esto coge unos derroteros muy góticos, y edulcorados

con teclados hiper modernos. Todo muy bien llevado por la vocalista F. Lanna.

convierte en guía de una canción que lo tiene todo. Excelente.

Comienza con “Crimson Dust” a modo de intro electrónica. Dando paso a “New life”, lo que sin duda es el corte característico de este álbum. Ritmos rápidos, sintetizadores copando el grueso del tema y un estribillo pegadizo. Carta de presentación absoluta de VOLTURIAN.

Entramos en un laberinto que define lo conceptual del disco con las canciones “”I and my…” y “…Creations” (instrumental). El toque clásico del Death estalla en un diálogo con influencias Power y escenificaciones de precisos diálogos entre voces luminosas y no tanto. Fundamental: la fuerza que descargan, si bien vamos a una velocidad intensa, la potencia se convierte en factor imprescindible para disfrutar de una idea que sigue resguardada en el Death, con toques de Melodic y, sin dar marcha atrás, técnica y virtuosismo donde está la banda en solitario reventando escalas y haciendo una odisea donde no hay respiro, hasta un final abrupto que nos deja en mano de “VIsions”. Aquí de nuevo cierta normalidad al principio, con desprecio y desesperación que entra en la recta final del trabajo con más fuerza que técnica. Pero igual de impresionante.

Turno para “Haunting symphony”, con buenas partes de guitarras, aunque un tema a medio tiempo y de nuevo con los teclados como hilo conductor. Otro estribillo y coros muy logrados. “ Broken” y “ The killing Joke”,son dos cortes en una línea similar al anteriormente nombrado “New Life”. Con esa base rítmica muy power metal, y de nuevo con los coros y esos estribillos que se te meten en el cerebro! Tienen mano los italianos con esto de currarse canciones con gancho sin duda. Siguen con “In a Heartbeat “ donde hay un dueto a las voces de la amiga Federica con Jade Etro de FROZEN CROWN. La verdad es que queda muy resultón y le da al trabajo otra pizca de variedad, y ya es decir; la banda consigue un estilo fresco al tocar palos tan diversos en sus composiciones. Después viene “ Between the sleepers “ en el que es para mí un corte muy power metalero; la batería a toda mecha, buenas guitarras hiper melódicas, y de nuevo los sintetizadores coloreando el tema. La verdad es que suena muy épico. Con “Days before you die”, levantan un poco el pie del acelerador, y bajan las revoluciones. Meten teclados muy modernos que copan la canción, en un medio tiempo muy llamativo y de fácil escucha. “Forevermore” sigue en la misma tónica compositiva y sonora. Guitarras melódicas, estribillos pegadizos, unos coros la mar de currados y sintetizadores a porrillo. Para acabar se marcan una versión del “Fading like a flower” de ROXETTE, que si bien es un corte a medio gas, esos teclados que le meten, terminan por encajarlo muy bien en el conjunto de este “Crimson”.

Ya en los 10 minutos finales nos entregan tal resumen de oscuridad y fiebre técnica con una densa bruma nórdica cubriendo todo en un tono más alto. “The cruise of sanity” es la mejor canción del disco. La intensidad al máximo desde el principio, las guitarras repitiendo escalas y abriendo portales a otras dimensiones, desde donde las distintas voces que habitan a la vocalista, en escasos tramos, nos dejan K.O., las mismas estructuras, arreglos y detalles de guitarras clásicas y una suerte de rayo de luz atravesando las densas brumas que nos asfixia gracias a una batería infernal. Final con “The fall of the gilded city”. Broche perfecto para un debut en larga duración que se despega por completo en cuanto a la técnica y performance mostrada en su EP anterior. Evolución y maduración cuantitativa. VORTEX UNIT se ha sacado de la manga un disco que, si bien algo insinuaba allá por el 2014, ha cruzado decenas de barreras, tanto compositivas como de interpretación. La gran combinación entre Death y Técnico nos deja una gran e inapreciable paleta de matices para apreciar. Ideal para los amantes de lo Extremo y lo técnico.

VOLTURIAN, presentan un buen álbum debut, lleno de variantes metálicas y sonidos electrónicos. Todo muy gótico y victoriano. Es un disco de fácil escucha, con temas pegadizos, muy melódicos y que enganchan.

SEBASTIÁN ABDALA 9/10

EL GALLEGO 7.5/10

VREDEHAMMER (NOR) VIPEROUS INDIE RECORDINGS, 2020

VORTEX UNIT (SVK) THE BRINGER OF SUN SLOVAK METAL ARMY, 2020

El primer larga duración de la banda VORTEX UNIT, oriunda de Eslovaquia, “The bringer of sun” además de ser un muy buen trabajo conceptual, es un gran avance tanto en las aristas compositivas de una banda que escapa a todos los preceptos simplistas del Black/Death Metal, y apoyados en conseguir un sonido impecable, sueltan un gran despliegue ténico. Las primeras canciones son una muestra clara de las inquietudes y la locura que veremos plasmadas tanto en los ritmos cambiantes como en el despliegue que imprimen para dejar huellas de algún toque fantasmagórico, lejano, que revienta de pronto con una pútrida garganta, que varía según quiera a un aguerrido melódico, que entra a la perfección luego de unas guitarras técnicas desesperantes. Todo esto en las primeras muestras “Into the saturnine realm”, “A broken branch” y “The bringer sun”. Con “I speak with verity” sosegamos un poco el frenesí técnico para desplegar un Death algo más clásico en cuanto a las bases y la guitarra. Para que los puristas no corran peligro de caer en tentaciones experimentales, pero dura muy poco está ilusión conformista. Hay un detalle que le da un plus a este tramo del disco, como si se hubieran reservado hasta aquí: las voces. Ya no experimentamos guturales, si no que, dentro del caos irrefrenable aportado por la batería una voz femenina, firme, rocker y mostrando su valía, pero sin excesos, se

Una de mis mitologías favoritas es, sin duda, la nórdica. Thor, hijo de Odín y el más grande de los Aesir, protector de los hombres, de las cosechas, dios del trueno y veinte mil cosas más… Cómo el resto del panteón nórdico, sabía de antemano que moriría en el Ragnarok, enfrentándose a Jörmundgander, la titánica serpiente que rodeaba con sus anillos a Midgard, la Tierra. Y aun así, allá fue a la batalla, sonriente, encendidos los ojos, rubicunda la barba… empuñando su martillo Mjølner ¡Colorea y aprende con Thëo! Colorea y aprende con Teo (o Thëo) o cabalguemos todos juntos hacia Valhalla. Porque hoy la cosa está calentita, calentita. Tan caliente como estaba la fragua de los enanos Sindri y Brokk, que fueron los que forjaron el arma de Thor. Y, ahora, imaginaos como sonaría aquella fragua de dónde salió el mítico martillo. No hace falta que os lo imaginéis. Pinchad el último trabajo de los noruegos VREDEHAMMER y dejad volar la imaginación. Las primeras notas de este “Viperous” ya te enganchan y te hacen abandonar todo lo que estés haciendo para prestar el 100% de tu atención. ¿Y estos teclados? Vale, no pasa nada, he escuchado a ULVER y a gente así, haciendo cosas raras… pero como salta el tema (“Winds of Dysphoria” se llama el engendro) a convertirse en un ataque de primer orden en todos los sentidos: la voz de Per Valla y su guitarra, el arsenal blast-beats de Kai Speidel… Caliente y percusivo como para forjar el Mjølner de nuevo. Si piensas que ya con el primer tema te dejan arrasado, espera lo peor, porque “Aggressor” viene perfectamente balanceado: los riffs afilados, la voz agresiva, el medio tiempo de la bateria, el gancho melódico y la sensación de que hay discos que es-

tán grabados al 11 (en una escala del 1 al 10). Parece que en cuanto empiezan a sonar los altavoces están disparados; luego te das cuenta de que no, de que están al mismo volumen de siempre y que son estos tarugos de debajo del Círculo Polar Ártico los que vienen asilvestrados. Porque el siguiente tema sacude todo lo que encuentra a su paso; “Suffocate all light” es eso, precisamente, los titánicos anillos de Jörmundgander apretando cada vez su presa y ahogando toda luz (¿qué manera de aporrear es esa, Kai?). Y menos mal que a mitad de tema, rebajan el ritmo, pero esa densidad de teclados sigue abrumando… El tema homónimo lleva la perfecta conjunción de toda la carga de riffs con el doble bombo de Kai, una estructura densa y fluida como el mercurio pero que alberga unos solos melódicos entre toda la agresión pura y dura. “Skinwalker”… sin palabras… un tema que tienes que escuchar… VREDEHAMMER en estado puro; como su propio nombre indica, un martillo de ira. Pero es que aquí los teclados ya son de otra galaxia, y no, no son sinfónicos, son… son VREDEHAMMER (¡que hay que decírtelo todo, coño, escúchalo!) El trabajo de guitarras de Per y su compañero Kristoffer Hansen en el siguiente tema, “In Shadow” se mete en unos derroteros realmente interesantes, aunando lo más Tech e hibridando lo Thrash con el Death y el Black con una facilidad y una fluidez pasmosa, ¡digno de escuchar nuevamente! (¡y los omnipresentes teclados!). Que Per se ha dado un gustazo en grabar lo que le apetecía es un hecho y que tenía ganas de meter esas programaciones es un hecho tan contundente como Mjølner, porque “Wounds” está ahí, saturado hasta la saciedad, pero nítido y nuevamente esa sensación de que el disco está grabado al 11. ¡Y cómo gusta! Pero, ¿y el inicio de “Any place but home”? Pero, pero, pero… si tiene más Groove que los Pantera… y para cerrar, “From a spark to a Withering Flame”, que no se puede acabar un disco de una manera más asfixiante, más densa, más gélida y más magistral (como el título promete, de una chispa a una llama fulminante, porque el leit motiv es un riff sencillo, pero esa repetición ad nauseam… lo dicho, ¡magistral!) Es indudable que el Mjølner era un arma magnífica, empuñada por Thor dio muerte a Jörmundgander, la serpiente del mundo, en la batalla del fin del mundo, el Ragnarok. Hasta entonces, podemos escuchar a este otro martillo, al que empuña la mente maestra de Per Valla y que lleva por nombre VREDEHAMMER. CESAR LUIS MORALES 9.2/10

WARDAEMONIC (AUS) ACTS OF REPENTANCE TRANSCENDING OBSCURITY RECORDS, 2020

Desde Transcending Obscurity, nos llega el nuevo trabajo de los australianos WARDAEMONIC, bajo el nombre de “Acts Of Repentance”, el quinto en su carrera, donde el black metal pagano inundará tus oídos a lo largo de 45 minutos intensos. Dividido en cinco actos, los amantes de sonidos como MARDUK, WATAIN o DARK FUNERAL están de enhorabuena, además de dar un paso más allá en su musicalidad incluyendo partes más densas y disonantes, que suma una pizca de maldad y locura a sus atmosferas blackers. Y si “Introspection”, nos da la bienvenida, con una agresividad pasmosa en las guitarras de Anharat y Lord Bane, la percusión es una locura rítmica y cambiante a cargo de Maelstrom, para incrementar este status con un desquiciado juego de voces por donde Lor Bane y Maelstrom, enfatizan la oscuridad de este corte cambiante y directo, para continuar con “Admnission”, que aunque guarda relación instrumental con el primero, sus atmosferas están más marcadas y nos dejan un gran regusto infernal en sus pasajes épicos, una de mis preferidas y que parece fundirse con “Castigation”, el tema más largo del álbum, con 12 minutos crecientes de black metal de alta calidad, donde WARDAEMONIC, nos lleva a un viaje introspectivo hacia la oscuridad del alma, alternando ele-

mentos de puro black, con pasajes cinemáticos, oscuras melodías y una introducción teatral. “Sufferance”, vuelve a la crudeza, donde el juego vocal destaca sobre la estructura musical en un tema muy directo, aunque introducen un par de respiros tras una diabólica maldad, donde las ambientaciones te dejaran aliento para lo que está por llegar, “Repentance”, otro temazo que cierra el álbum, donde vemos las innovaciones que estos australianos han incluido en su música, con un pasaje central donde el bajo se transforma en el caballo de batalla y las melodías oníricas contrastan con el resto del álbum, personalmente me gusta mucho este nuevo camino que introducen en su música, creando pasajes que rompe con la normalidad y que sorprenden por como encajan y por su calidad, antes de volver a la fiereza inicial. Buen disco y una evolución muy interesante. JUAN ANGEL MARTOS 7.75/10

tarte con la banda entrando como aero-transportada por un ejército de dragones y, mientras intentas respirar una bocanada de aire, se toman su tiempo para desangrarte con variaciones, pequeños fragmentos de cada músico, colores oscuros y tan intensos que demuestran un altísimo brillo técnico. Lo mejor del nuevo disco de WARLUST, en sí, además de ser un gran trabajo clásico, es cuando la banda arriesga, mezcla y pone un listón altísimo en cada composición, sin considerar ninguna etiqueta. Si quisiera simplificar la reseña podría decir que es un disco clásico de Death/Thrash, con variaciones de ritmo y momentos de solos de guitarras que despuntan por encima del resto, pero me quedaría corto, porque es un trabajo de esos que cualquier músico que admire variaciones impredecibles y ejecuciones magistrales le gustaría tener en su colección. “Unearthing shattered philosophies” es velocidad, técnica, violencia y desprecio construido por una banda de alta calidad. SEBASTIÁN ABDALA 8.5/10

WARLUST (DEU) UNEARTHING SHATTERED PHILOSOPHIES DYING VICTIM PRODUCTIONS, 2020

“Unearthing shattered philosophies” es el nombre del nuevo trabajo de los alemanes WARLUST, una banda que a través de su trayectoria ha cosechado una increíble potencia basada en la feroz dominación de la velocidad que los convierte en un proyecto de alto interés para los amantes perversos del Death-Thrasher más clásico, así como para los que busquen variaciones técnicas. Maravillosa introducción instrumental parsimoniosa, profunda, casi orquestada, que pone una alfombra manchada de sangre para que aparezca “The burning eyes of Satan”, donde las locuras melódicas y cambios de ritmo constante nos dan una estupenda bienvenida clásica, combinada con una furiosa intensidad por parte de la batería que no se detendrá ni para respirar de aquí en adelante. Una buena garganta, sonando desde una caverna abismal, que aportará lo justo, acompañe, mejor dicho un comienzo devastador. Hay velocidad controlada perfectamente, con un ambiente más que apocalíptico, impredecible. Un juego de voces que escupen línea tras línea, mientras el resto de la banda se sumerge en ritmos clásicos, acelerados al máximo haciendo culto del Death más elitista y siendo la piedra angular de este disco. “In the shadow of the alchemyst” encontramos una progresión impresionante por parte de las composiciones. La verdad que, de esta canción de algo más de 8 minutos, podríamos extraer un E.P. sin ningún problema… se recuestan sobre un sonido perfecto, que los deja proyectar distintas películas en tu cabeza, con una buena base clásica, que los riff´s (memorables) van mutando según la canción lo requiere. Una joya en toda regla que merece una atención especial por parte de los amantes de la técnica y la ira, con tantos pormenores que en sí misma merece una reseña sola. Desde el Thrash más putrefacto, el Death más sardónico, hasta tramos con tintes algo Grind e, incluso, guitarras españolas. De las piezas más complejas que he tenido que reseñar.

WHAT WE LOST (ITA) PRETEND TO SLEEP AUTOEDITADO, 2020

Desde Italia y en formato autoeditado nos llega un nuevo Ep de WHAT WE LOST bajo el nombre de “Pretend To Sleep”, donde nos ofrecen tres nuevos cortes donde el melodic post hardcore tiene cabida a través de sentimientos y emociones, describiendo la soledad, el regreso y el amor, parámetros en muchas bandas del estilo. El primer corte es “Lungs”, del que recientemente han lanzado su videoclip correspondiente, en el que nos narran una historia de ruptura, representada a través de la figura del dormitorio y del hogar, donde todo regresa a su normalidad o por lo menos tenemos ese apoyo incondicional, y lo hacen con unas estrofas embaucadoras, donde la voz de Simone Galeotti comanda, la estructura creada por unas guitarras a cargo de Lorenzo Di Girolamo y Riccardo Ibatici que le dan ese toque sentimental con sus armonías que parecen flotar en lso recuerdos, llevándonos hacia un descenso hacia los abismos con “Still”, donde la soledad y el abandono se apoderan a través de la ansiedad, pero con un toque de luz y esperanza, pues el tema denota una gran positividad en lo musical, con un bajo a cargo de Enrico Tosti omnipresente y unas transiciones de voz, percusión (Andrea Barbieri) y riffs muy etéreas. “Enough”, es el tercer corte, recogiendo el cómputo emocional de los dos anteriores, como una especie de resumen para auto convencerse y salir de las tinieblas, a través de la versatilidad que dan sus cambios melódicos y screamings, pero engalanados con mucha belleza musical, que dan ese toque evocador a su música. La música a veces puede ser y es un sistema de autoayuda, que elimina de tu interior toda rabia contenida y frustraciones a través de la invención y el arte, un medio de expresión muy reconfortante, y WHAT WE LOST , así nos lo transmite. JUAN ANGEL MARTOS 7/10

En la misma línea, que ya no baja el nivel compositivo, encontramos un nuevo tramo del disco, más espectral, un poco más meditado por momentos, para escupir cuando se necesario, de nuevo, la velocidad y contundencia registrada hasta el momento. Detalles de oscuridad en cada introducción nos dan un poco de aire para respirar, tomar un trago de sangre y, de nuevo, reventar las vértebras con sacudidas espasmódicas. Claro ejemplo de esto lo encontramos en “I spit on your grave” o “Primal & divine”, ambas muestras de combinaciones clásicas de estilo, para de pronto soltar un cambio abrupto a espacios más técnicos. Cierra una composición de máximo nivel, para paladares exigentes: “To fall apart” es, de nuevo, un despliegue de poder creativo, introducción con sonidos de guitarras clásicas, para lentamente sepul-

WHITE STONES (SWE) KUARAHY

NUCLEAR BLAST RECORDS, 2020

Se conoce como sesgo cognitivo al efecto psicológico que produce una desviación en el proceso mental, lo que nos lleva a una distorsión o a un juicio inexacto, a interpretar los datos (la información disponible) de una determinada manera y buscar relaciones entre ellos. ¡Colorea y aprende con Teo! Ahora os pongo el ejemplo. Vamos a hablar de “Kuarahy” el primer larga duración de la banda WHITE STONES. Hasta aquí todo correcto, ¿no? Tenemos una serie de datos, unas premisas, información. Y ahora viene el elemento que va a provocar el sesgo cognitivo. La banda es un proyecto en solitario de Martín Méndez, el bajista de toda la vida de OPETH. De un modo automático, vuestro cerebro ha establecido la conexión entre la segunda banda, el músico y los WHITE STONES. Cada uno está esperando su versión favorita de OPETH para encajarla en los recién llegados. ¿Serán los de los tiempos de “Still Life” o serán de la etapa Post“Folklore”? Martín Méndez ha realizado un trabajo encomiable. Pues siendo como es uruguayo, acabó en Suecia tocando con los insignes OPETH (es junto con Mikael Akerfeldt el miembro más longevo en la banda; el guitarrista lleva desde 1990, el bajista desde 1997). Después de la gira del “Sorceress” en 2016, acabó en Barcelona donde conoció a Eloi Boucherie (de VIDRES A LA SANG), y allí empezaron a cuajar este “Kuarahy”, que en idioma guaraní charrúa, significa sol. El bueno de Méndez ha estado por todo el mundo tocando con OPETH y en ningún momento ha olvidado quién es y de dónde viene. Porque ahora ya entramos en materia musical. Y no, no dejéis que vuestro sesgo cognitivo os juegue malas pasadas. No, no es un álbum de pajeo por el mástil del Fender Jazz Bass. No. Martín Méndez sigue siendo un bajista altamente competente y musical. Ahora sigamos con el siguiente sesgo cognitivo y obviamente es la comparativa con OPETH. ¿Hay OPETH en WHITE STONES? Pues, obviamente, sí. Pero por otros motivos. WHITE STONES no es OPETH Versión 2.0. A ver, hay algo, puede que sea inconsciente, en la manera de componer, en la manera de montar los temas que es inevitablemente OPETH. Nadie aguanta un cuarto de siglo en una banda si no hay cierta afinidad musical. Nada que reprochar. También hay algo de OPETH porque estamos hablando que WHITE STONES ofrece Death Metal Progresivo, con toques jazz, con toques Prog, con una versatilidad y una paleta musical abrumadora, como OPETH. Pero… “Kuarahy”, el tema con el que abren, mínimo, corto, con ciertas sonoridades hispanas, da paso a un “Rusty Shell”, que camina bajo el constante doble bombo de Jordi Farré (que también viene de VIDRES A LA SANG). Sí, Death bien construido, a medio tiempo, sin estridencias, elegante, guturales e interpretación soberbia de Eloi Boucherie. Y sí, por aquí, se puede notar la sombra de OPETH, en la entrada del primer tema, era “Folklore” y en el segundo tema para irnos a la era “Still Life”. Pero… ¡Que no es OPETH todo lo que reluce! “Worms” se mete por unos derroteros realmente oscuros, al buen Death Metal Progresivo, hay otros matices de fondo, otro rollo que me lleva a bandas como VOIVOD, o ¿por qué hay que compararlos o mencionar otras bandas para crear ese sesgo cognitivo? Escúchalos por lo que son, escucha a WHITE STONES por lo que ofrece como banda. Porque “Drowned in Time” es siguiente tema, uno de los más largos del disco y hay que dejarlo que crezca, que vaya evolucionando. De lo acústico a una soberbia instrumentalización, al melodioso leitmotiv, de vuelta a la calma y a los cristalinos acordes que dan paso a “The One” donde Per Eriksson (ex-KATATONIA) aporta su soberbio solo de guitarra. De los mejores momentos del disco llega con “Guyra”, y no diré nada del mismo, ¡te lo escuchas y a ver que te parece! “Ashes” se adentra por unos derroteros más progresivos y lisérgicos. Pero “Infected Soul”… es otro tema que hay que escuchar. Probablemente sea de los temas que más definen lo que es WHITE STONES, fraseos de Méndez incluidos… un enorme caleidoscopio en el cabe de todo. Para no instaurar pauta y llevaros a un sesgo cognitivo, es mejor que lo vayáis escuchando vosotros y saquéis conclusiones y comentarios. Como con “Taste of Blood” o el cierre de “Jasy”. Así que, no vamos a hablar de la banda donde milita habitualmente el bajista de origen uruguayo, sino de WHITE STONES, de un excelente álbum que se ha grabado con colaboraciones de un colectivo de musicazos; de una serie de temas que ha compuesto con cariño y dedicación y que han dado como resultado un primer lanzamiento que NUM. 73 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 71

brilla como su propio nombre indica en la lengua guaraní, “Kuarahy” (Sol).

recida hace décadas tras publicar alguna demo y poco más, pertenecían a este último género. Después de regresar de las cenizas allá por 2014, su vuelta ha sido con mucha fuerza y potencia, de hecho, “Choirs of the Fallen”, es ya su tercer disco desde entonces (cuarto en su haber, si contamos su clásico debut de 1993 “Internal Caustic Torments”) y el segundo que publican con el sello neerlandés Soulseller Records (TULUS, SETHERIAL, VED BUENS ENDE…).

CESAR LUIS MORALES 9/10

WINTER DELUGE (NZL) DEGRADATION ETERNAL OSMOSE PRODUCTIONS, 2020

WICTIMS (CZE) LORN ECHOES SLOVAK METAL ARMY, 2020

Los checos WICTIMS lanzan al mercado su primer larga duración, bajo el título “Lorn Echoes” el cual está compuesto por siete cortes. El trabajo ha sido editado por el sello discográfico Slovak Metal Army. Formados en 2004 en Chomutov, República Checa, el grupo está compuesto por Marcus y Malci a las guitarras, Kozel en los sintetizadores, Hospi a la voz, Ondra the King al bajo y Pinky en la batería. Comenzamos escuchando “In the Darkness of Blood” donde sonidos leves comienzan dándonos los primeros indicios del tema, subiendo la potencia de golpe, con unos riffs bastante agresivos. Complementan esta´s composiciones con unos ritmos super pesados y oscuros, donde el juego de voces-batería, dominado por sonidos graves, crea una atmósfera muy oscura y potente. Cierran con conjunto bastante pesado, apostando por una instrumentación muy oscura, que corta de golpe para finalizar el tema y dar paso a “Brainwar” donde nos dejan con unas composiciones ya no tan apoyadas en la base de batería, por lo que los ritmos de guitarras destacan algo más, conjugando un juego de composiciones muy potentes con la voz. En esta nos encontramos unos tonos super agresivos, apostando por un gutural muy oscuro y profundo, que alterna con partes algo menos oscuras pero mantienen esa gran potencia. Un tema que apuesta mucho por la parte vocal del conjunto. En el ecuador del trabajo nos topamos con “I Touched the Face of God” donde nada más comenzar nos dejan con unas guitarras que suenan a lo lejos y dan paso a unas composiciones super agresivas, que generan unos ritmos muy pesados y oscuros. Alternan está partes más pesadas, con melodías super frenéticas, donde la velocidad toma protagonismo, encontrándonos con una batería que genera un doble bombo rapidísimo. El conjunto de ritmos veloces y sonidos aplastantes crea un tema donde cada unos de los segundo que lo componen es una oda a la agresividad. Acercándonos al bloque final, escuchamos “Hate” donde los primeros sonidos son muy leves, para al momento, dejarnos con unos ritmos super agresivos y oscuros, donde las guitarras generan unos riffs muy pesados. Un tema cargado de sonidos graves, con potentes ritmos y unos guturales muy oscuros y agresivos; sin duda, uno de los temas más potentes del trabajo, donde la instrumentación crea un ambiente potentísimo que se intensifica con agresivos solos de guitarra y breakdowns cargados de fuerza bruta que dan paso al tema final, “Smells Like Death” donde nos encontramos con un tema mucho más melódico, con guitarras más leves, apostando por melodías más cambiantes, tomando como único protagonista unas guitarras que mantienen un sonido más melódico y agudo, dejándonos un tema más tranquilo donde las últimas notas se desvanecen para terminar el trabajo de una manera muy diferente. Sin duda este primer larga duración de WICTIMS es toda una declaración de intenciones, donde la banda demuestra que son capaces de hacer, dejándonos con seis más un tema muy completos, donde los ritmos agresivos y potentes reinan en cada una de las composiciones. Un gran trabajo donde reina el blackend deathcore en cada una de las composiciones que forman parte del trabajo, generando unas atmósferas oscuras y potentes con la mezcla de brutalidad de la instrumentación y los guturales agresivos y oscuros de la línea vocal. En definitiva, un trabajo bastante completo, muy bien pensado y ejecutado y que si eres amante de los ritmos potentes y oscuros, debes escuchar. JORGE DE LA CRUZ 8/10

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Directamente desde Nueva Zelanda nos llega este nuevo EP titulado “Degradation Renewal”. Este nuevo trabajo de los Black Metaleros WINTER DELUGE, será editado por Osmose Productions tanto en versión cd como en una tirada limitada en LP. Formado por 5 temas y una duración de veinte minutos. La Banda ahora presenta su oferta más violenta y directa hasta la fecha, alimentada por el desdén de la sociedad moderna y la naturaleza autodestructiva de la raza humana. Grabado y mezclado por Raj Singarajah y Cam Sinclair (conocido por su trabajo con Bölzer, Diocletian…), el nuevo EP «Degradation Renewal» es un asalto vicioso y triunfante del Black Metal enraizado en la Segunda Ola que incorpora elementos de Black / Death & Thrash metal. La portada ha sido obra de Arzryth y la masterizacion ha corrido a cargo de de Luke Finlay. Lo que vamos a encontrar es un rápido y feroz Black Metal, no exento de melodías y partes disonantes que crean la atmósfera a lo largo del redondo. Desde los primeros segundos de escucha con “Mass Graves” nos damos cuenta de que no hay cabida para florituras o introducciones. Jugando con la velocidad de los riffs más característicos del Thrash y la pesadez del Death más oscuro nos topamos con temas como “Cold War”. Voces rasposas acompañadas de una potente base rítmica y unas guitarras opresivas. “What We Leave Behind” se sale un poco de la línea de sus antecesores temas pero sin dejar de lado la agresividad. En este corte recurren más un tiempo más pausado que recuerda a la escena Nórdica. “Architects of Extinction” es el tema que más me a gustado de este álbum. Puedes encontrar todos los elementos que hacen que un disco de Black Metal realmente funcione.Para cerca tenemos “Within The Remmants of Humanity” en donde encontramos una buena cantidad de riffs pegadizos que hacen que inconscientemente no puedas dejar de mover la cabeza. La única pega que se puede poner es su escasa duración.

En los viejos tiempos el sonido de esta banda, parecía provenir de otros lares pero el hecho es que en la actualidad, parecen más suecos que nunca. Esas guitarras, con sus melodías melancólicas y oscuras, las partes aplastantes y pegada de la batería, letras sobre un mundo que se desvanece condenado a la autodestrucción… También aunque no lo pueda parecer, las canciones son variadas dentro de un límite, no estancándose en una fórmula que repiten hasta la saciedad y que resultan de fácil escucha e interesantes para el oyente. Me quedaría con cortes asesinos como el inicial “Fallen”, la atmósfera insana de “We Shall Remain” o la brutalidad en la recta final de “A Vulgar Declaration”, “Wings of Horror” o el tema título, realmente demoledores. La formación en este plástico está compuesta por su miembro principal y fundador, Hakan Stuvemark (guitarras), al que acompañan Jonny Pettersson (guitarra y voces), Thomas von Wachenfeldt (guitarras) y Jon Rudin (batería); como miembro de sesión al bajo han contado con el italiano Giulio Rimoli (DEADBORN). La mezcla como podéis imaginar y sobre todo escuchar, es obra del gran gurú Tomas Skogsberg (INTERMENT, EVOCATION, SORCERY…) en los Sunlight Studio y la portada de Benny Moberg (BLOOD MORTIZED, ENTRAILS, JUST BEFORE DAWN…). Dos años después de su anterior trabajo completo, “The Great Desolation”, WOMBBATH regresan con un nuevo disco de puro death metal sueco de la vieja escuela (ENTOMBED, GRAVE, CENTINEX…). Si eres un fanático de aquella época dorada, no dudes en hacerte con este “Choirs of the Fallen”, porque te aseguro que no es un intento fútil de esos que pululan por ahí.

dad, ocultismo y malteísmo de PROFANATICA, SADISTIK EXEKUTION o los también italianos BLASPHEMOPHAGHER pero ajustando los tempos para cuidar precisamente la atmósfera. 10 temas que han perdido el sonido a demo, al realzar la parte baja, pero que mantienen la continua fluctuación electromagnética del sonido old school en sus riffs además de la batería macarrónica grabada a 2 micrófonos como encanto. «In Umbra Mortis Sedent» abre, al igual que en el debut, con las interferencias provocadas por la invocación en las profundidades de la cripta ante la llamada del canto y repicar de campanas en la catedral de Bérgamo. A partir de ahí el disco se convierte en una experiencia entre penumbras que combina fases de death/doom plomizo y riffslapa del black más tremolero y vertiginoso con la contundencia del gutural ultrareverberizado en primer plano. Buenos temas como la catacúmbica «Into the Sphere of Madness», con riffs básicos pero hipnóticos, o la náusea espiritual que provocan los planos sonoros en «Of Purity, Chastity and Temptation» o los vacíos de «Clerical Rooms of Depravity» además del doble scream y sincronía guitarra-voz. Sincronía, constantes paradas, breakdowns fúnebres y furiosas embestidas que son seña de identidad de XPUS y que relucen en el brutal y explosivo combo final «Righteous Hands of Molestation» + «Holy Sperm Upon the Lambs» y que con la outro culminan 11 minutos de hediento y blasfemo unholy death/black metal. Las similitudes estructurales con el debut son evidentes, «In Umbra Mortis Sedent» también cuenta con un lado nigromántico en el especialmente arreglado «Broken Is the Seal of Equilibrium» donde gobierna la imprescindible campana de XPUS y buenos efectos en bajo y voz aportando el toque ritualístico al álbum. Mi favorito junto a «Blood Rite of Liberation». XPUS nos deja pues una versión mejorada de su debut, más deathmetalero, rústico, denso, sucio y blasfemo, cargado hasta las trancas de luciferina para además brillar en la oscuridad. ¿Qué más se puede pedir?. Discazo. SCHEITAN 9/10

ROBIN RM 9/10

Si te gusta el Black Metal con raíces primigenias y cargado de melodías y velocidad no lo puedes dejar pasar por alto. MARK BERSERK 8/10

XPUS (ITA) IN UMBRA MORTIS SEDENT TRANSCENDING OBSCURITY RECORDS, 2020

El trio italiano XPUS, representado por los sigilos de Pazuzu, Astaroth y Beelzebub, ya dejó muy buenas sensaciones con su crudísimo y afilado debut «Sanctus Dominus Deus Sabaoth» (2015), que ahora dan continuidad y depuran con el fichaje por la flamante Trascending Obscurity (ETERNAL STORM, ASHEN HORDE, OFFICIUM TRISTE, …).

WOMBBATH (SWE) CHOIRS OF THE FALLEN SOULSELLER RECORDS, 2020

Cuántos y cuantos grupos de primeros de los 90 en Suecia, comenzaron haciendo death metal brutal copiando el estilo de pioneros compatriotas suyos, como ENTOMBED, CARNAGE o DISMEMBER, para después cambiar de estilo y buscar otro tipo de sonoridades; bien siguiendo la moda de bandas de aquella época (PARADISE LOST) o desmarcándose del género y/o renegando del mismo (haciendo rock o vaya usted a saber qué), para disolverse posteriormente en numerosos casos. Si bien WOMBBATH, formación que aquí nos ocupa, tampoco es de esas con un estatus actual desmesurado fruto de nuevas tecnologías, desapa-

Recurro una vez más al sepulturero George Birch del gran HP Lovecraft para arrancar una reseña, la última vez que lo hice fue para «Cadaver Circulation» de KRYPTS, para mí el mejor disco death/ doom de 2019. En aquella ocasión, la humedad, la sensación claustrofóbica e inquietante de encierro, el terror absoluto en la tenebrosa oscuridad con la única compañía de los ocho féretros que sintió el protagonista de «En la cripta», definía a la perfección la escalofriante atmósfera creada por los finlandeses, aspecto fundamental del death metal y atributo al que muchas bandas restan importancia en beneficio de la contundencia o el virtuosismo. La apariencia bruta y primitiva del indeseable Birch no aplicaba a relacionarse con KRYPTS pero sí con XPUS, quienes además de recrear esa asfixiante atmósfera añaden blasfemia y necromancia black a su tosco death metal y superan así los límites del buen gusto en «In Umbra Mortis Sedent» (2020). Respecto al debut gana en densidad pero mantiene la crudeza y las marcas de agua que dejaron hace 5 años, sigue sonando noventero y reporta a los primeros INCANTATION incluyendo la sucie-

BOLT THROWER (GBR) REALM OF CHAOS: SLAVE TO DARKNESS EARACHE RECORDS, 1989

BOLT THROWER son una auténtica institución dentro del death metal y el metal en general. ¿Alguien lo duda? Pocas veces encontrarás a una banda tan admirada no sólo por su música, sino también por su actitud y código deontológico. Es más, es un grupo al que admira incluso la gente a la que no le gusta el grupo. Y esto hoy en día, en un género tan amplio pero a veces tan plagado de envidias como es el metal, es harto difícil de conseguir. El año es 1989 y el quinteto de Coventry había sacado su debut «In Battle there is No Law!» justo un año antes. Una explosiva mezcla de death/grind/ crust que incluso a día de hoy yo personalmente todavía no logro pillar. Siempre encontré la música demasiado caótica, amén de estar sepultada bajo una pésima grabación. No obstante, esta placa de debut ya les colocó en lo más alto de una escena death/grind británica que acababa de arrancar con bandas como NAPALM DEATH, BENEDICTION, INTENSE DEGREE, EXTREME NOISE TERROR, FILTHY CHRISTIANS o CARCASS. Pues bien, en apenas un año el quinteto inglés dio un giro espectacular que ya les llevó por el camino adecuado al encontrar su propia personalidad y sonido – un sonido que acabó creando… ya no escuela, sino cátedra, y que a día de hoy es hasta reverenciado. Un death metal grueso y mastodóntico de carácter bélico que

no hace sino exaltar los horrores de la guerra y la miseria humana al mismo tiempo que enaltece y exalta valores como el honor, el valor y el orgullo (lo sé, esto acabaría siendo título de un disco de ellos años después). «Realm of Chaos: Slaves to Darkness» es un disco intenso que, para hacer honor a la temática bélica de la banda y obra, no da cuartel. Para empezar tengo entendido que cambiaron la afinación de las guitarras (algo que luego se convertiría en algo habitual en el death metal). Una afinación más grave y agresiva que por tanto da más juego a la hora de tocar este estilo. Por otra parte y casi más importante: la producción es mucho mejor (aunque dista de ser perfecta) y se ajusta bastante bien al estilo. Tengamos en cuenta que estamos en 1989 y hasta entonces en Europa se había coqueteado más con estilos como el grindcore que con el death metal puro y duro. Y eso es exactamente lo que de alguna forma representa este trabajo: el comienzo mismo del death metal auténtico en Europa (quizás un honor que pueden compartir con el obsesivo “Consuming Impulse” de los holandeses PESTILENCE). El sonido es pesadísimo, soberbio, con tintes épicos por momentos (algo en lo que se especializarían en trabajos sucesivos y que en este disco tiran más a «épicocaóticos»). Es un poco como la harmonía dentro del caos que metafóricamente su música quiere representar: la guerra misma. Las guitarras de Gavin War y Baz Thomson suenan sucias, marrulleras, potentes y con mucha mala hostia. La batería de Andy Whale suena por momentos como si fueran tambores de guerra ofreciéndonos redobles antes de la batalla final. El bajo de Jo Bench sin embargo apenas tiene protagonismo en este LP (algo que se iría subsanando disco tras disco). Karl Willetts tiene una voz death metalera no tan gutural como otras pero con un rasgado que suena un poco agónico y casa muy bien con todo. El LP comienza con una intro extraña y desconcertante sin instrumentación alguna pero que ya empieza a picar la curiosidad del personal. ¿Quién podría resistirse a seguir escuchando? El disco en teoría no es una obra conceptual, sin embargo todo gira en torno al juego de guerra/estrategia Warhammer 40000. Hay un halo de autenticidad que impregna cada surco del disco y que les acompañaría ya para el resto de su carrera. Algo que sí que ya harían por última vez sería utilizar blastbeats. A partir de «Warmaster» pasarían a concentarse en esos medios tiempos aplastantes y machacones y esas melodías tan acojonantes como pegadizas. BOLT THROWER es BOLT THROWER y es una de esas bandas que no decepcionan nunca pero que al mismo tiempo sabes que no te van a sorprender con notables cambios de estilo. Si tuviera que elegir temas favoritos del álbum me decantaría por «Eternal War», «All That Remains», «World Eater» o «Drowned In Torment». Pero no hay ni un solo tema malo. De hecho no hay ningún tema que no sea como mínimo bastante bueno. Algo que resulta poco menos que increíble es que, a pesar de ser un álbum de finales de los ochenta, ha envejecido estupendamente. De alguna manera ese carácter y sonido vetusto le ha dado atemporalidad. Suena igual de extremo ahora que antes. El tiempo se congela en este disco que evoca épicas pero cruentas batallas y que nos hace sentir el hedor a sangre, muerte y sufrimiento muy de cerca. Las guitarras suenan amenazantes, como en «World Eater» con ese riffeo enfermizo que luego pasa a un blastbeat aplastante aderezado con solos «caóticos» que quedan perfectos. No cambiaría una sola nota. Son como atonales, chirriantes y están ahí para dar atmósfera, sin más y tienen máxima efectividad. Otra lección que nos dan los BOLT THROWER con “Realm of Chaos” y que quedará aún mas de manifiesto en discos posteriores es que no hace falta tocar rápido para sonar sofocante y brutal. Hoy en día muchos grupos tiran por derroteros tipo “mil notas por segundo” para suplir creatividad. El quinteto inglés se centra en volarnos la cabeza con un predominio de medios tiempos pero orginales y rubricados con melodías cañeras y pegadizas dignas de quitarse el sombrero. HELLHAMMER ya nos indicaron lo que era el (proto)death metal a mediados de los ochenta, pero BOLT THROWER perfeccionaron el estilo incluso antes de llegar a la década de los noventa. Tendrán discos mejores y más trabajados, pero la importancia histórica de “Realm of Chaos” es indiscutible y por tanto merece una altísima puntuación. BOLT THROWER … una banda tan auténtica y honesta que después de sacar esa obra maestra titulada “Those Once Loyal” se negó en rotundo a editar material de calidad inferior hasta que al final acabaron por disolverse. Una banda que rechazó tocar en Wacken en 2007 a pesar de que fue una de las más votadas para que allí tocasen. ¿Razón?

BOLT THROWER son una banda 100% leal con sus fans. Es recíproco. Y prefirieron seguir tocando en ambientes íntimos de pequeñas salas para sus fans que para tropecientos metaleros festivaleros borrachos a las tantas de la mañana. Eso se llama orgullo y dignidad. Por desgracia la banda ya no continúa en activo pero para aquellos ultranostálgicos siempre se puede echar un oído a los MEMORIAM, que tienen entre sus filas a Karl Willets y Andre Whale. El estilo es similar aunque no son tan buenos… ¡pero mejor que nada! ¡Comprad o morid malditos! DANIEL GALLAR 9/10

CANNIBAL CORPSE (USA) TOMB OF THE MUTILATED METAL BLADE RECORDS, 1992

CANNIBAL CORPSE… sin duda banda pionera en el género death metal (qué tontería poner “vieja escuela” cuando en 1988, año de su formación, el death metal era “death metal” sin más). En sus humildes comienzos nos brindaron esa infame demo autotitulada de 1989 que ya incluía joyas como “A Skull Full of Maggots” o “Bloody Chunks”. Sin duda temazos así llamaron la atención de la ya por aquel entonces poderosísima Metal Blade (es decir, el visionario y cazatalentos Brian Slagel) que acabaron por ficharlos dando lugar al año siguiente a uno de los mejores debuts de la historia del death metal… me refiero a esa joyita llamada “Eaten Back to Life”. Al año siguiente (¿recordáis cuando las bandas solían sacar un LP por año?) se sacaron de la manga un más que digno segundo disco en “Butchered at Birth”, aunque para parte de la crítica no llegó a superar a ese potentísimo debut y, por tanto, no superó expectativas (aunque el tema “Meathook Sodomy” me parece puro arte hecho death metal). Yo la verdad es que estoy de acuerdo y pienso que “Eaten” es un trabajo más sólido. El tercer álbum, como comenté en una crítica que hice hace no mucho, es mucho más importante de lo que muchos se piensan pues es el que va a cimentar todo el trabajo y va a poner a una banda en perspectiva pues no hay excusas que valgan… ya no se puede pecar ni de juventud, ni de refinar el sonido para encontrar un sound en particular con cierto margen de error… aquí hay que poner la carne en el asador y sacar un disco que profundice en lo mejor de los dos primeros y aportar matices y rasgos de una personalidad bien definida. Estamos en el año 1992 y el quinteto proveniente de Buffalo (que luego y con razón acabó mudándose a la soleada Florida donde acabó cimentándose una de las escenas más inolvidables de death metal del mundo) está hambriento. Si nos fijamos, este año fue un año clave en el death metal con discos que marcaron un antes y un después como el “Legion” de DEICIDE, el “Retribution” de los siempre infravalorados MALEVOLENT CREATION, el “Onward to Golgotha” de los neoyorquinos INCANTATION o el enorme “The End Complete” de OBITUARY. Discos que encumbraron a estas bandas en el olimpo del death metal. En Europa no se quedaron cortos y de ahí salieron por ejemplo el “The IV Crusade” de esa institución imperecedera del death metal llamada BOLT THROWER, el brillante “Utopia Banished” de los icónicos NAPALM DEATH o el maravilloso “False” de los holandeses GOREFEST. Incluso la por aquella época floreciente escena finlandesa nos obsequió con el enloquecedor “Slumber of Sullen Eyes” que todavía goza de “cult status”. Por lo tanto, lo dicho… 1992 fue un año muy prolífico en death metal. A mi modo de ver, “Tomb of the Mutilated” es fiel reflejo del duro trabajo de la banda desde sus comienzos en 1988 y es el disco en el que logran perfeccionar su sonido y subsanar cualquier aspereza o imperfección que las dos placas anteriores pudieran tener. Para empezar, cuenta con la que probablemente sea la mejor producción de un disco de death metal de la historia. No puedo sacarle un solo defecto. ¡Es perfecta! Densa, sofocante y brutal (sí, brutal de verdad y no como lo que se hace hoy en día ultra-comprimido en plan “brutal

death” que la mitad de las veces te quedas igual) con un muro de guitarras pesadísimas y agresivas, un sonidazo de batería increíble con todo lujo de detalles (que lujazo de caja y platos en general), unas voces guturales de ultratumba con el sello inconfundible y personal de Chris Barnes (digan lo que digan algunos, no todos los cantantes guturales de death metal suenan igual y el que no se dé cuenta está más sordo que una tapia). Y ya por último… el bajo de Alex Webster. Lo dejo para el final porque merece mención especial… qué sonidazo. Aparte de que Alex sea uno de los mejores bajistas de metal extremo habidos y por haber (por aquellos tiempos desde luego sin duda alguna), el sonido que se sacó de la manga el señor Scott Burns de los Morrisound Studios de Florida es para quitarse el sombrero. Denso, cañero pero “cálido” y “orgánico” y con muchísimo ataque y prominencia, dando muchísimo juego a las guitarras y complementándolas a la perfección. Scott hasta ese momento había producido unas cuantas piedras angulares del death con excelentes resultados pero la verdad es que con “Tomb” logró algo muy especial. A nivel individual digamos que cada miembro está al más alto nivel. Para mí los grandes protagonistas son Barnes y Webster. Con una voz tan peculiar e inconfundible como lo fue en su momento la de John Tardy de OBITUARY (antes de que le empezaran a imitar hasta la saciedad), Chris Barnes está intratable con unos guturales agresivos grandiosos (por momentos son como gruñidos pero sin dar la sensación de “herniarse”) con ese sello tan particular. Nunca llegó a volver a cantar así… quizás en “The Bleeding” o ya en otro plano diferente en el debut de SIX FEET UNDER “Haunted” (las malas lenguas dicen que le echaron en parte por dedicar más tiempo a SFU que a CANNIBAL por cierto). Webster se nos muestra como una especie de Steve Harris época “Killers” del death metal. Qué ataque en esa mano derecha a la hora de tocar. Qué líneas de bajo más dinámicas y super elaboradas machacando cada traste hasta la saciedad. Qué saber estar. En fin: Alex Webster. Poco más se puede decir. Las guitarras de Owen y Rusay son excelentes, claro está, y la batería de Mazurkiewicz es exquisita en su ejecución – todo sea dicho. Ya adentrándonos en el desglose de temas: «Hammer Smashed Face» es el tema de CANNIBAL por autonomasia en el que todo el mundo piensa cuando se menta al quinteto norteamericano. Y de hecho hay una muy buena razón para esto: es un tema increíble increíble. Un riff de apertura extremadamente pesado y monolítico que suena exactamente como si un martillo enorme te estuviera aplastando la cara de una sacudida. Un solo de bajo corto pero la mar de efectivo que pasa inmediatamente a ser icónico. Muy pocas canciones pueden dar una auténtica sensación de “muerte”, pero ésta es una de esas canciones que te hace estremecer. «I Cum Blood» es un temazo rápido y contiene algunos de los mejores berridos de Chris. «Necropedophile» es para mí un tema muy infravalorado que para mí es de los mejores del disco con un estribillo la mar de pegadizo. «Addicted to Vaginal Skin» tiene una intro escalofriante y luego viene un riff crujiente y electrizante con un trabajo de guitarra y batería ultrapesadísimo. Pero si quieres algo realmente espeluznante, escucha «Post Mortal Ejaculation» alrededor de los dos minutos. Ese parón con esa melodía enfermiza cargada de miseria humana y decadencia moral rociada de gore para parar un tren ponen los pelos de punta. Y luego como colofón ese grito increíble y agónico de Barnes para redondear este pasaje inolvidable de la historia del death metal de todos los tiempos. Ahondando en el tema de la “evolución”, si escuchas “Tomb” con atención los riffs de este álbum son mejores que los de «Butchered at Birth». Son un poco más técnicos pero sin sonar presuntuosos (y mucho menos sin rayar en el “technical death metal” que a algunos puede llegar a irritar). Todo esto sin perder su sello de identidad y la huella que dejaron en sus dos primeros trabajos. Paul también mejora a la batería en este disco (y la producción tiene que ver con esto claro está). Se le ve más suelto a nivel de platos y les saca mucho más jugo incluso en las partes más rápidas. A nivel voz y bajo lo dicho anteriormente: sublimes Barnes y Webster. Ya a nivel letrístico… bueno, ¿es CANNIBAL CORPSE, no? No te esperes el “Bed of Roses” de BON JOVI. Por una parte se nota más madurez en el sentido de que van más al grano y no son letras facilonas para espantar viejas. Hay más visceralidad, repugnancia y repulsión. Todas las letras están compuestas por Barnes y están mucho más orientadas al tema de la aberración sexual (al contrario que en los dos anteriores que eran más en plan “arrancar tripas y hacérselas a la parrilla”). En fin, ¡cosas del “gore death metal”! ¡Hallelujah!

Los hay más cañeros. Los hay más rápidos. Los hay más bestias. Los hay más gore y sangrientos. Pero ésta es la banda genuina que dio lugar a todo un subgénero del death metal que hoy se sigue practicando y venerando. Toda una institución en su propio estilo y concepción del death metal, CANNIBAL CORPSE nos brindaron en aquel mágico 1992 una auténtica piedra angular que tirando de su discografía sólo puedo comparar con “The Bleeding” a nivel de madurez, destreza y calidad. Sofocantes, brutales, pesadísimos, siempre controvertidos y polémicos y sin apastelarse ni una pizca durante más de 30 años… CANNIBAL CORPSE son como las lentejas. Ellos desde luego a estas alturas no van a cambiar para ganar fans o amoldarse a los nuevos tiempos. ¡BLEEEERGH! DANIEL GALLAR 9.4/10

CELTIC FROST (SWI) INTO THE PANDEMONIUM NOISE RECORDS, 1987

La Música, como una de las Bellas Artes, se aprende a amar. A pesar de que nacemos con un instinto musical innato, hay que educar el oído para captar y disfrutar mejor de la experiencia. No os acordáis, pero cuando erais pequeños, antes de cumplir el año, ya reaccionabais a sonidos, a la voz de vuestros padres; luego aprendisteis a dar palmadas y aquello era la experiencia más alucinante de vuestro (por entonces) limitado conocimiento del mundo. Los años pasan y uno adquiere la bipedestación y las experiencias y el aprendizaje continúa en escala exponencial. Se toma conciencia del cuerpo, de los sentidos y todo el entorno se llena de colores, de luz, de sensaciones… Una vez finalizada la introducción, pongámonos nuestras mejores galas (de smoking ellos, de vestido color champán ellas) y retrocedamos nuestra memoria treinta y pico años atrás, para retomar aquel momento en el que aprendimos a escuchar música, o por lo menos, en lo que a este vuestro humilde crítico se refiere, el disco que abrió una puerta en mi interior por la que nunca han dejado de fluir las notas, los acordes, las melodías… Euterpe ha sido bondadosa con nosotros y nos ha regalado la Música. Si bien es cierto que la musa de la música ha sido generosa y amable con nosotros, vamos a hablar de la infancia de Thomas Gabriel Fischer, que no lo fue tanto. Escribió un libro junto con Martin Eric Ain en 2010, titulado “Only Death is Real: An Illustrated History of Hellhammer and Early Celtic Frost 1981-1985” (todavía no obra en mi poder, pero todo será ponerse). Lo que si engrosa la filas de mi biblioteca es un denso estudio de la escena por parte de Dayal Patterson, titulado “Black Metal: Evolution of the Cult” y en concreto, me voy a centrar en el inicio del capítulo V, dedicando a HELLHAMMER. De la música, ya hablaremos, pero prestemos atención al tercer y cuarto párrafo de ese capítulo. Lo que el autor británico nos refiere ahí son, en palabras del propio Thomas, la infancia y la pre-adolescencia del músico suizo. Hasta los seis años, tuvo una infancia normal, como la de cualquier niño. Entonces, es cuando los padres de Thomas deciden separarse. Así que la madre se trasladó a un pequeño pueblo rural de no más de 1500 personas con una fantástica colección de vinilos, le colgó una llave al cuello del niño y le dijo básicamente que se buscase la vida que ella se iba a pasar de contrabando relojes y diamantes. Así que allí estaba él, solo durante semanas, en un poblacho, sin conocer a nadie, sin parientes cercanos, así que se refugió en la música. Posteriormente, la madre empezó su deriva hacia la locura, llegando a acumular hasta noventa gatos en casa. Todos hacinados allí, el pequeño Thomas (a mediados de los setenta) creció entre heces, meados, cucarachas y gusanos. Cuando salía a la calle, era el objetivo de los matones del pueblo. Y en aquellos años no había el control y la conciencia actual sobre el acoso escolar.

Dibujado el mapa mental, vayamos a lo que escuchaba Thomas de aquella basta colección de vinilos. Como os podeis suponer, en aquel estado anímico, lo que el ávido niño buscaba gravitaba inevitablemente hacia lo más pesado del espectro, con lo cual empezó a descubrir a bandas como UFO o todas las andanadas del NWOBHM, y más en concreto, en un viaje a Londres descubrió la tienda HMV en Oxford St. dónde tenían una buena colección de la Nueva Ola del Metal británico e, incluso, el single de debut de los VENOM, “In League with Satan”. Lo que podeis suponer que supuso una epifanía para Thomas. Así empezó todo y en concreto con HELLHAMMER. Es importante hablar de su primera banda porque de ahí surgió CELTIC FROST. La banda primigenia es más leyenda que otra cosa (bueno, también la influencia musical y tal). Realmente HELLHAMMER publicaron tres demos en 1983 y un EP, el “Apocalyptic Raids” (1984). Pero la sombra de dicha banda fue alargada, sobre todo para Tom G. Warrior y, por ende, para CELTIC FROST. El hecho es que el músico quería recomponer filas y tomarse la música en serio, así que sacó adelante la banda grande. De su primera banda, se trajo al bajista y compañero inseparable hasta su muerte en 2017, Martin Eric Ain. Stephen Priestly, baterista de sesión con la primera banda, grabó con ellos el primer disco de la nueva formación, el celebérrimo “Morbid Tales”. Al poco tiempo salió y fue reemplazado por su baterista definitivo, el americano Reed St. Mark. Las cosas se empezaban a poner pero que muy interesantes. Así que ya tenemos una banda asentada, un salto cualitativo desde HELLHAMMER hasta CELTIC FROST (en palabras del propio Tom G. Warrior, aprendieron a tocar de verdad sus guitarras). Pero, como he dicho la sombra de la primera banda era alargada, y mucha gente veía en los CELTIC a los HELLHAMMER pero con otro nombre, cosa que enervaba al músico, puesto que la primera banda era aquel estallido de malhumor (adolescente si queréis), con nula sonoridad y competencia musical (Ya sabéis, basta con meter mucho barullo, ser los más malos y radicales, o los más satánicos y poquito más). Por eso, y debido al enorme y ecléctico acervo musical de Tom, la distancia entre los CELTIC y los HELLHAMMER se ampliaba cada vez más. La experimentación, el ampliar los horizontes, las influencias de bandas como BAUHAUS o SISTERS OF MERCY o los primitivos VENOM, todo tenía cabeza en la mente de los tres músicos. Imaginaos el subidón cuando el propio H.R. Giger les permitió usar una de sus obras (Satan I) como portada de su segundo álbum, “To Mega Therion”. Así que después de pasarse los primeros meses de 1987 encerrados en el estudio (de enero a abril), por fin, el uno de junio de 1987, sale a mercado “LA OBRA”, el disco definitivo y definitorio de CELTIC FROST: “Into the Pandemonium”. Desde el minuto uno fue clasificado como “avant-garde metal”, lo que básicamente, quiere decir: “no-tengo-ni-puta-idea” de lo que acabo de escuchar; me he quedado tan flipado que no sé dónde encuadrarlo. Las reacciones fueron dispares, tanto por la vieja guardia de HELLHAMMER, que esperaban una nueva versión del “Apocalyptic Raids”, como para los nuevos amantes de CF. Pero, ¿qué es “Into the Pandemonium”? Más o menos estamos situados en la segunda mitad de los ochenta. Ya hemos visto los primeros años de vida de Thomas Gabriel Fischer (aka, Tom G. Warrior) que lo llevaron a volcar su infancia en plan catarsis con su primera banda, HELLHAMMER y como la evolucionó hacia CF. Si establecemos como el año 0 del Heavy Metal el 13 de febrero de 1970 (publicación del primer disco homónimo de BLACK SABBATH) nos encontramos con que el Heavy es un adolescente que ha crecido lozano. Ya no es el ruido airando de unos melenudos y ha abandonado la marginalidad. Al contrario de su primo, el Punk, este jovenzuelo irreverente goza de una salud de hierro (¡nunca mejor dicho) y está sacando a relucir vertientes más intelectuales. Bruce Dickinson, el cantante de IRON MAIDEN, es un licenciado en Historia que lo mismo te canta sobre las invasiones normandas (“Invaders”) que de Alejandro Magno. METALLICA basan temas suyos en la obra de un Nobel como Hemingway (“For whom the Bell Tolls”) Pues CELTIC FROST llevan ese estado de bonanza al siguiente nivel. ¿Queréis saber lo que es la intelectualidad y la elegancia de las mentes del Heavy Metal? Joder, no hace falta pentáculos y cruces invertidas en la portada, ni que aparezca el nombre de Satán en cada puta frase (¡Ejem, señores de VENOM y demás, va por ustedes!). Más

heavys que una lluvia de hachas, los de CELTIC FROST se van a publicar un LP con la portada más heavy del mundo. Del tríptico de “El Jardín de las Delicias”, de “El Bosco” (1505), una de las obras más cripticas y fascinantes de la pintura universal, toman un pequeño retazo del panel derecho, del Infierno. ¿Y para el título? Pues se van al mejor poeta en lengua inglesa: al Señor John Milton, que en su obra “El Paraíso perdido” (1667) acuñó el nombre de la imaginaria capital de los Infiernos: el Pandemonium (del griego, pan, todos, y daemonium, espíritu, y luego, demonio). Y esto, sólo es el nivel básico de comprensión del álbum. Cómo podéis ver, este disco, la banda, el concepto, todo es muchísimo más sutil, muchísimo más elevado que cualquier cosa que había entonces e incluso de lo que hay ahora. Si puedes comprender, o atisbar no todos, pero si buena parte de los matices de este álbum, estás dentro de la intelectualidad del HM; si no, eres un gañan al que le gusta el ruido por el ruido. Este disco es ese tamiz por donde se filtran los dos extremos, el sibarita o el gañan del metal. Es ese momento y con este disco, en el que el Metal se convierte en adulto. Ya había muchas pruebas de que el Metal no era la música de los melenudos y que sus letras no eran de sexo, drogas y R’n’R. A no ser que seas MÖTLEY CRÜE y publiques en ese mismo año el “Girls, Girls, Girls”. Lo dicho, “Into the Pandemonium” es el tamiz. Porque Tom G. Warrior y sus huestes iban a saco. ¿Quieres que te revienten la cabeza? Pues empieza a escuchar el disco. Abrimos con riff potente y un cencerro (uno de esos recursos más para Rock, o Sureño o años después para los RAGE AGAINST THE MACHINE) y una versión. Para cagarse en todo lo cagable, CELTIC FROST abren el disco con una cover del “Mexican Radio” de la banda de New Wave WALL OF VOODOO (sí, has leído bien, New Wave). Y mientras los tres músicos evolucionan, se escuchan samples intercalados. Y sí, la primera en la frente. Abrimos el disco con una versión, no el noveno tema de diez, o no como bonus track. ¿Qué, qué pasa? ¿Quieres más? “Mesmerized” incorpora una cadencia que fluctúa entre ritmos más acelerados y otros más lentos, con un Reed St. Mark mostrando su valía detrás de los tambores; Warrior gimotea acompañado por los fantasmales y góticos coros de la soprano Claudia-Maria Mokri. Cosas increíbles pasan a tu alrededor y estás cayendo bajo el embrujo de una banda en su mejor momento, en su más alto nivel compositivo. Pero es que “Inner Sanctum” se acelera de una manera brutal y Reed se desata en una línea machacona donde va alternando rapidísimos ataques a doble bombo con tempos contenidos. Solos de guitarra sucios y tirando de palanca sirven para contrastar con unas letras inspiradas en los poemas de Emily Brontë. ¿De verdad prefieres escuchar a los MÖTLEY? Pues entonces “Tristesses de la Lune” no es para ti. Arreglos orquestales, violas, violines y cellos sobre el recitativo de Manü Moan. Pero es que esto es ambrosía pura. Es el soneto LXV de la obra más absoluta del poeta más maldito: “Les Fleurs du Mal” (Las flores del Mal, 1857) de Charles Baudelaire, obra que sufriría censura en Francia hasta 1949 por su “ultraje a la moral pública”. Unos temas después se graban el mismo tema, pero convenientemente metalizado (celticfrostizado), “Sorrows of the Moon” “Babylon Fell (Jade Serpent)” tira de los mismos sentimientos que la banda había grabado en su anterior obra, y tiene ese pulso crujiente, vuelven a aparecer los coros fantasmagóricos pero el riffing de Tow G. Warrior es absolutamente crujiente, oscuro, vicioso y enfermizo. Y, maldita sea, que me aspen si lo que inicia el siguiente tema, “Caress into Oblivion (Jade Serpent II)”, no es un puto almuecín llamando a oración. Pero si la cosa se estaba poniendo rara, adelantada a su tiempo, avant-garde o como quieras llamarlo, llega el momento de “One in their pride”, una pista con un loop percusivo, repleto de samples electrónicos, ráfagas de violines chirriantes y… ¡Yo que sé, si es que son CELTIC FROST en 1987! ¿Y las dobles armonías vocales del “I won’t dance” y esos coros? ¿Demasiado funky para ti, nene? ¡Demasiado CELTIC FROST para todo el mundo! Llegamos al final del álbum con otra obra maestra que abrió el camino al resto de bandas del metal extremo, del Black, del Goth y de veinte mil cosas más: “Rex Irae (Requiem)”. Demasiado innovador para su momento, volvemos a los arreglos de cuerda (violines, violas y cellos), un corno francés y timbales de orquesta, vocalizaciones femeninas nítidas en contraste con la decadente voz de Warrior… Y nada más que añadir. Bueno, dos notas al pie. El primer disco de DIMMU BORGIR,

como máximos representantes de un Black Metal Sinfónico fue el “For all Tid” de 1994, siete años después. ¡Siete! Y la segunda nota, este Requiem conoció una tercera parte en el álbum de 2006, “Monotheist” en el tema “Winter (Requiem, Chapter Three: Finale)”. La segunda parte, supongo que habremos de quedarnos con las ganas ahora que CF ya no existe. ¿Un disco fruto de los tiempos, de aquellos tiempos de cambio y de experimentación? ¿El resultado de un golpe de suerte? Es poco probable. Solo hay que ver lo que ha hecho Tom G. Warrior alejado de CELTIC FROST, y descubrimos bandas y discos tan magistrales como lo que ha publicado con APOLLYON SUN o con TRIPTYKON. Esto no es fruto de la casualidad, esto es fruto de una de las mejoras y más innovadoras y creativas mentes del metal, y es Tom G. Warrior. Y sin duda alguna, si hay un disco que tienes que escuchar para intentar comprender lo que es el Metal, lo que es la evolución, lo que es la innovación, lo que es romper fronteras es, sin duda, “Into the Pandemonium”. Treinta y tres años desde su publicación y a fecha de hoy, no sé cuántas veces lo he escuchado para escribir esta review… Sigue noqueando como entonces, una obra atemporal, el tamiz del Metal moderno. CESAR LUIS MORALES 10/10

ENTOMBED (SWE) CLANDESTINE EARACHE RECORDS, 1991

1991 fue un año bastante complejo y crucial en el mundo de la música, por lo menos en este sector que tanto nos interesa y que tantas satisfacciones nos ha dado. En ese año, los otrora grandes METALLICA entran ya dentro de la categoría de los muy grandes y de las leyendas, publicando el celebérrimo “Black Album” o el disco homónimo, o como quieras llamarlo. Como el “White Album” de THE BEATLES, allí había evolución y revolución. Unos de los padres fundadores del Thrash Metal y del Bay Area Crunch abandonaban el Thrash de sus anteriores álbumes con Cliff Burton y los devaneos progresivos del “… And Justice for All” y descubrían que se podían escribir canciones sin que existiese un muro de sonido y de guitarras. ¿Cuántos compases de silencio tiene el “Sad but true”? Adiós al Horror Vacui, y pronto vendrían el Hard Rock, el Blues, el Country… Es innegable que desde hace varias décadas los cuatro jinetes están marcando la historia de la Música en general y del Metal en particular con una serie de jalones. Cualquier disco que se te venga a la cabeza lo puedes referenciar con un ¿Qué hacía METALLICA en ese momento? Pero no es de los estadounidenses de quienes vamos a hablar. De modo que, situémonos de nuevo en 1991. Bandas de la NWOBHM empezaban a quedar relegadas como dinosaurios, los cuatro jinetes abandonaban el Thrash, SUBPOP ya empezaba a dar a conocer a los grandes del Grunge (PEARL JAM, ALICE IN CHAINS, SOUNDGARDEN…). Como años antes, una nueva hornada de músicos hacía sus pinitos en la música y querían devolverle al Rock su afilada lengua y darle una saludable patada en su abotargado trasero. Con la perspectiva del tiempo, vemos que, periódicamente, la música se reblandecerse y a perder su perspectiva y siempre hay un grupo de músicos que son el revulsivo. Un constante morir y renacer, un círculo sin fin, el uroboros musical. En aquel momento, en el año 1991, METALLICA eran como los BEATLES, más conocidos que Jesucristo. Habían parido un estilo (junto con SLAYER, ANTHRAX Y MEGADETH) que había sido el revulsivo del, por entonces, apolillado Heavy Metal Clásico y en dura pugna con el Glam Metal, las guitarras de flecha habían ganado a los cardados imposibles y al spandex. Pero entonces, horror y pavor, mientras SLAYER mantienen la vertiente dura, ANTHRAX se lanza al crossover más puro para grabar con PUBLIC ENEMY y MEGADETH…

(¡Bueno, de MEGADETH ya hablaremos otro día!), pero, como digo, METALLICA habían abandonado el Thrash para grabar el “Black Album”. ¿Qué si cambiaron algo? Preguntadle a cualquier trabajador de una tienda de música. De pasarse la mañana escuchando a gente probar guitarras con los acordes de “Smoke on the Water” o del “Stairway to Heaven”, empezaron a escuchar a la gente probando sonido con “Enter Sandman”. Aquellos primeros discos de los cuatro grandes habían inspirado a otra generación de músicos para los que el “Kill’em All” o el “Reign in Blood” eran el punto de partida y ya sabemos los objetivos que suelen tener los músicos del Metal: ser los más brutos, los más extremos, los más de lo más… VENOM ya habían establecido una serie de reglas de los estilos extremos, en aquella alocada mezcla de estilos que dieron tanto que hablar. Pero los hijos bastardos, los más aguerridos y avezados estudiantes, empezaban a realizar el trabajo de demolición. POSSESSED publicaron el “Seven Churches” en 1985, SEPULTURA el “Morbid Visions” en 1986, hasta que llegó Papa Chuck Schuldiner y con su banda, DEATH, publicó el disco que fue el inicio del fin, “Scream Bloody Gore” en 1987. Sí, habían mamado todos aquellos riffs, ya no eran simples evoluciones de las escalas pentatónicas del Blues, ya no eran afinaciones más graves, aquí ya se mascaba la tragedia. Jóvenes que habían mamado también la cultura del Videoclub y se habían tragado toda la serie Z, todas las películas de Slashers, de Gore y de Zombies tenían a sus espaldas un bagaje que les sirvió para pergeñar todas las letras de aquellos inicios del Death Metal. Así que la ciudad de Tampa, en la soleada Florida, se convirtió en la Meca del nuevo sonido, del Death Metal. En los Morrisound Studios se grabaron, de la mano de Scott Burns, todo lo gordo de aquel movimiento: DEICIDE, MORBID ANGEL, OBITUARY… Y ahora entramos en materia, aquello era la parte amable de la escena, porque en el resto del mundo, las putrefactas esporas del Death Metal se asentaban en los lugares más insospechados y aislados y daban lugar a nuevas bandas, nuevos jóvenes músicos empeñados en hacer tambalear los cimientos de la industria de la música. Y como suele ser habitual en estos casos, dos jóvenes melenudos que se conocían del instituto se deciden a montar una banda. A tropecientos kilómetros de la soleada Tampa, un joven y talentoso Nicke Andersson une fuerzas con Alex Hellid y conforman la primera versión de la banda, llamándose NIHILIST. Diferencias con el bajista Johnny Hedlund hacen que la banda se separe a los dos años tras unas cuantas demos. El bajista forma UNLEASHED y los otros se cambian el nombre al que ya conocemos, ENTOMBED. Y de primeras se graban lo que se considera uno de los grandes clásicos del género, el “Left Hand Path” (1990). Lo bueno de los sofomoros (de los segundos trabajos) es que son trabajos cruciales para verificar lo que es una banda; para comprobar si, en efecto, hay talento y destreza o si el pelotazo que metieron con el primer disco fue un golpe de suerte o no. Pues si “Left Hand Path” fue ese golpe sobre la mesa que hizo que todo el mundo girase la cabeza hacia la idílica y muy civilizada ciudad de Estocolmo, “Clandestine” fue la confirmación de que si bien el Death Metal era un estilo muy vicioso, había gente que podía ser incluso más potente que, por ejemplo, unos ATHEIST. Porque una de las diferencias fundamentales entre el Death americano y el europeo (del sonido escandinavo en concreto) es el sonido de guitarras. Aquel sonido era más crujiente, más saturado, como una motosierra trabajando de continuo. ¿Cómo lo consiguieron? Pues utilizando el pedal Boss HM2, el Santo Grial del sonido ENTOMBED. Este “Clandestine” también fue un álbum algo complicado en el ámbito interno de la banda. El histórico vocalista de la banda, LG Petrov, no estaba en la banda (volvería para el siguiente, el clásico “Wolverine Blues”). Al parecer, hubo acercamientos más que amistosos por su parte hacia la novia de Andersson y éste no se anduvo con miramientos. Así que, con Petrov fuera, ¿quién se encarga de las voces? En el álbum viene acreditado como Johnny Dordevic, pero, en realidad, fue el bueno de Nicke el que se encargó, aparte de la batería, del logo, de todo lo relacionado con la dirección artística, de las tareas vocales. Y ¡como berrea! “Living Dead” entra rompiendo como los buenos nórdicos, vikingos entrando en una villa hacha en mano, pero olvídate de dobles bombos y blastbeats de los americanos. Aquí, los de Estocolmo, entran a saco con los D-beats traídos directaNUM. 73 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 75

mente de la escuela de los DISCHARGE. Y los dos guitarras, Uffe Cederlund y Alex Hellid, trabajando a pico y a pala, tejiendo riffs y riffs, con un pulso y una cadencia brutal. No, no es el borrón difuso de sonido de muchas producciones de Death metal, es una Masterclass de cómo ir enlazando un riff con otro en una progresión geométrica de brutalidad. Y sólo es la apertura. “Sinners Bleed” abre en plan motosierra, sin tempos acelerados, sin cruces invertidas ni demás teatralidad impactante de otras bandas, salvo por el parón a la mitad, por la risa desquiciada y los redobles que te indican, amenazantes, que esto no ha acabado y que sigue y sigue y que estos chicos de ENTOMBED no van a parar aquí. Quizá de los temas más vacilones, “Evilyn”, tiene ese riff de intro que me hace desear aprender a tocar la guitarra simplemente para rascarlo con el ampli al 11. Berrear como berrea aquí Nicke, como un ghoul, eso ya lo dejamos para otro momento. “Blessed Be” recupera el percutante D-beat y empuja el tema como una apisonadora cuesta abajo, te arrolla, te pasa por encima, incluso cuando ralentiza el tempo, es un golem que avanza hasta “Stranger Aeons”. Otra salva de riffs pastosos, pero los cortes marcados por silencios que aprovechan para mostrar su destreza compositiva. ¿La letra? Una alucinada que hace referencias a Zarathrusta y, muy probablemente, a la obra de Lovecraft (Lovecraft y su influencia en el metal, Volumen 4732). ¿Una de riff pegadizos y cabalgantes? Otra Masterclass que tienes en “Chaos Breed”, cuando no se ponen a desafiar la velocidad del sonido. ¿”Crawl”? Una instrumentalización rayana a lo perfecto, un remolino infinito de electricidad, de tormentosos riffs, un revulsivo que se convierte en “Severe Burns”, con esos riffs asfixiantes que aprendimos a amar con OBITUARY, aunque aquí cien mil veces más densos y viciosos. Si bien el inicio del último tema, “Through the Collonades” es de una acústica civilizada, el berrido de troglodita de Nicke vuelve a desatar todos los infiernos y los ENTOMBED vuelven a la carga con toda la artillería y sus señas de identidad. Y mientras otras bandas se dedicaron a emigrar a Tampa para grabar con Scott Burns en los Morrisound Studios, ellos contaron con Tomas Skogsberg a la producción (su productor hasta el “Same Difference” de 1998). Y esto suena como suena. ¿Mejor entonces, mejor la etapa del Death ‘n Roll? ¿Mejor ahora? Por lo que se ve, da igual cuando pilles a los ENTOMBED, siempre tienen una tonelada y media de buenos riffs y buenas canciones para marcarse unos discos que son un punto (puntazo, diría yo) y aparte. Este “Clandestine” es otra prueba más, como he dicho de los segundos trabajos, de que Andersson y sus huestes no metieron un pelotazo como “Left Hand Path” por casualidad, sino porque ahí había banda, actitud, estilo y destreza compositiva. Y si bien es cierto que el que golpea primero, golpea dos veces, también es importante seguir manteniendo la llama encendida y mantenerse. En este caso, “Clandestine” fue la llamarada que rompió el cielo nocturno de Estocolmo (¡y del mundo!). CESAR LUIS MORALES 9.6/10

IMMORTAL (NOR) DIABOLICAL FULLMOON MYSTICISM OSMOSE PRODUCTIONS, 1992

El black metal se ha ido abriendo paso a través de la historia con unas raíces profundas y oscuras. Bajo el cobijo de las alas del punk, el thrash y la NWOBHM, este género surge para tambalear los pilares de lo convencional, para experimentar y para sembrar el caos y la polémica. Los inicios del black pueden encontrarse difuminados entre las distintas corrientes, y algunos lo atribuirán más a unos grupos que a otros. Sin duda, no podemos empezar a hablar del disco que hoy nos atañe sin haber entendido la etiología de esta enfermedad. Los cimientos del black están asentados en ban76 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 73

das como VENOM, DEATH SS, MERCYFUL HATE, CELTIC FROST, HELLHAMMER o BATHORY. Estas bases siempre van a ser puestas en dudas y van a iniciar algún debate que otro entre los más puristas. La escena de black metal noruega es una pieza clave y fundamental en el desarrollo de este género y nos trajo, además, los momentos más míticos, tenebrosos y de los que menos orgullosos nos podemos sentir algunos de los seguidores. A principio de los 90, en Noruega se comienza a macerar la definición del black metal clásico de la mano de bandas como MAYHEM, DARKTHRONE, IMMORTAL, BURZUM y SATYRICON. Nos encontramos en una época de máxima creación y de sentencia del true black. Estas bandas compartían una serie de intereses, inquietudes y corrientes de pensamiento que hizo que algunos de los miembros se agrupasen en lo que tradicionalmente conocemos como Inner Circle, alrededor de la famosa Helvete. Sin embargo, este Inner Circle fue rechazado por muchos y este concepto necesita un poco de más profundización que no voy a lograr, ni lo pretendo, en esta reseña. Todas estas bandas van a componer, antes o temprano, obras de arte que van a confluir en la época dorada del black metal. Las principales temáticas de estas canciones son el paganismo, la mitología nórdica, la exaltación de la naturaleza salvaje de noruega, la filosofía, el satanismo, la anti-religión, los asesinatos… Con respecto a estos últimos temas, la historia de Noruega se ha visto envuelta en una serie de sucesos macabros relacionados con el black metal: por una parte, la brutal quema de iglesias que comienza en 1992 y, por otro lado, una serie de homicidios y suicidios cometidos por miembros de las bandas más influyentes del momento. Para poder entrar en materia y hablar del “Diabolical Fullmoon Mysticism”, he visto necesario repasar un poco el contexto cultural de la Noruega de aquel entonces. Nos encontramos “actualmente” en 1992. En este año, además de este álbum de IMMORTAL, se publican otros trabajos como la demo “All Evil” de SATYRICON, el LP de BURZUM, “Wratg of the Tyrant” de EMPEROR o “A Blaze in the Northern Sky” de los míticos DARKTHRONE. IMMORTAL nace tras el desmembramiento de la banda AMPUTATION en 1990. Tras la publicación de una demo y un EP, lanzan su primer álbum titulado “Diabolical Fullmoon Mysticism” con la siguiente formación: Armagedda a la batería; Abbath como bajista y vocalista y Demonaz a la guitarra. Lo graban en los estudios Grieghallen y se refugian en el sello discográfico “Osmose Productions”, quienes han trabajado con otras bandas de renombre como MARDUK, ABSU, IMPALED NAZARENE… “Diabolical Fullmoon Mysticism” es un clásico imprescindible para cualquiera que se comience a adentrar en la senda del black metal. Media hora de oscuridad y frío nórdico en siete cortes perfectos que han marcado un antes y un después. El primer corte es una introducción que crea la ambientación perfecta para lo que va a continuar. El viento nos golpea y se arremolina a nuestro alrededor mientras unas voces nos susurran al oído. Continuamos con lo que, en mi opinión, es el tema más importante de este álbum y con el que una servidora se adentró de lleno en el black metal: “The Call of the Wintermoon”. La batería echa a galopar como un caballo en libertad regalándonos una percusión espectacular. Abbath le canta al frío, a la luna y a la oscuridad de Noruega. Jamás su voz ha sonado tan espectacular como en este álbum por mucha mejora posterior en las producciones. Es sucia, es desgarradora y es hielo en las venas. La agudeza de sus shrieks contrasta con los golpeteos del bajo, que se fusiona con el bombo. El riff es el rugir constante de una bestia hasta que nos encontramos con un solo que atraviesa el cielo como un relámpago. De este corte nos encontramos también con que existe un videoclip. No un videoclip, no, sino EL VIDEOCLIP. Historia de black metal de ayer y hoy, sin duda, todo el mundo nos hemos echado algunas risas con él. “Unholy Forces of Evil” saca a relucir la faceta más thrasher de los noruegos con unos riffs muy juguetones y pegadizos. El doble bombo se proclama dominante y corre como lava espesa mientras Abbath nos lleva de la mano al mismísimo infierno. Los cambios de tempo, dulcemente acompasados por el bajo, hacen que nos despidamos de este brutalísimo tema. Continuamos con la joya en bruto de “Cryptic Winterstorms” con unas notas en acústico que nos hacen cosquillas y se extienden como la niebla mientras un riff machacón contrarresta. La risa y los rugidos demoniacos de Abbath nos corroen por dentro mientras un solo muy, muy, sucio se alza por detrás.

La contraposición de la guitarra acústica con el sabor a óxido que nos deja esa guitarra hace que este tema sea muy original y nos da un descanso a mitad de álbum. Los tambores proclaman “Cold Winds of Funeral Dust” y el bajo hace de consorte en esta melodía infernal. No se puede NO adorar los gemidos desgarradores y vacilones de Abbath. En “Blacker than Darkness” dictan sentencia: la oscuridad ya se ha adueñado de todo el álbum y de nosotros. El sonido de la batería es BRUTAL, pero es que lo lleva siendo desde primera hora. Nos acompañan unos blast beats rápidos y demoledores. Las cuerdas juegan un papel muy simple en esta composición, pero muy efectivo: destruirnos por dentro. Terminan el trabajo con “A Perfect Vision of the Rising Northland”, el corte con mayor duración de todo el álbum. La crudeza, la escarcha y las tinieblas se apoderan de esta pista. Es una de las creaciones más bonitas e interesantes que nos traen: desde la guitarra acústica, los timbales, los arreglos de teclado y un solo de guitarra agudo que se te clava en las entrañas como garras. IMMORTAL sabe cómo dejarnos con la boca abierta tanto a los fanáticos del black metal como a los que no lo son. Es evidente lo importante que es “Diabolical Fullmoon Mysticism”, un antes y un después en toda una época de expansión y reinvención musical en el metal a nivel mundial. La huella que dejó IMMORTAL con este trabajo es imborrable y su esencia llena, hoy, las creaciones de las bandas más actuales. Por muchas disputas posteriores que haya podido tener la banda y por mucha nueva producción que nos hayan traído: esta será por siempre la esencia y el sonido de IMMORTAL. Único, inigualable y auténtico. Auténtico black metal noruego, más oscuro que la mismísima oscuridad. MAKI PÉREZ JÁUREGUI 9/10

MASSACRE (USA) FROM BEYOND EARACHE RECORDS, 1991

Después de que Terry Butler (bajo), Bill Andrews (batería) y Rick Rozz (guitarra) tocaran en los grandiosos DEATH, (en el caso de Terry y Bill me refiero a esas dos joyitas llamadas “Leprosy” y “Spiritual Healing” y en el de Rick al “Leprosy”… aunque dicen las malas lenguas que Butler nunca llegó a tocar en “Leprosy” y fue Chuck el que hizo los honores), el cuarteto de Florida MASSACRE al fin se decidió a grabar su álbum debut en el año 1991. El resultado fue “From Beyond”, un disco al que sin duda podemos clasificar de “clásico del death metal” que dejó al mundo el mensaje bien claro de que MASSACRE era algo más que un “grupo con ex-miembros de DEATH en sus filas”. Estamos de lleno en 1991 y como sabemos ésta y no otra es la auténtica época dorada del death metal en todo el mundo. La formación de MASSACRE para este potentísimo debut (la banda ya llevaba pululando desde 1984) es la mar de interesante pues es una mezcla de ex-miembros de DEATH junto con Kam Lee (voz) que no era otro que el cantante de la primera encarnación de DEATH que se llamaba MANTAS. Y como era de esperar, el death metal de MASSACRE tiene un sonido similar al de los primeros DEATH. Un death metal con muy buena base y con una buena dosis de thrash en cuanto a ejecución y estructura (amén del sonido de guitarra death metal puro y las voces de Kam Lee tirando a guturales y bastante extremas para aquellos tiempos). Algunos de los temas, como “Dawn of Eternity” o “Chamber of Ages”, comienzan con intros/efectos de sonido. Curiosamente de la placa es lo único que queda un poco desfasado aunque he de reconocer que ayudan mucho a construir la atmósfera death metalera de principios de los noventa y muy probablemente mejoran un poco las canciones, que ya de por sí son bastante buenas todo sea dicho. “From Beyond” es un álbum plagado de riffs monolíticos, pegadizos y memorables que

por alguna razón nunca llegó a despuntar o dar a la banda la fama que se merecían. La producción queda un poco desfasada (viene de los legendarios Morrisound Studios pero no lo produjo Scott Burns, sino Colin Richardson que había hecho sus pinitos con los canadienses GORGUTS) pero eh, hoy en día este tipo de producción se busca muchísimo para conseguir ese sonido “retro old school” tan anhelado. El principal elemento básico de los temas son los riffs de alta velocidad mezclados con algunas secciones lentas y machaconas para añadir más variedad. Hablamos además de “temas de verdad” y bien elaborados de death metal (el tema más corto es de tres minutos y el más largo de cinco). Kam Lee tiene unos guturales semi-gruñidos la verdad muy conseguidos que se complementan a la perfección con la muralla sónica que forman los instrumentos. Por momentos me recuerda a Barney de NAPALM en el maravilloso “Harmony Corruption” (que apenas había salido un año antes). Cuando digo que son guturales no me refieron claro está a los niveles de Frank Mullen en el debut de los grandiosos SUFFOCATION (que salió ese mismo año… como iba diciendo, ¡la época dorada del death metal!), pero sí correctísimos a nivel de rasgado, fraseado y agresividad – con la ventaja añadida de que se entienden todas las letras al contrario que con muchos otros voceras de la época. Muy de vez en cuando hay gritos rasgados agudos que dan variedad y una nueva dimensión a las canciones. Las letras, sin ser de por sí satánicas o anticristianas como podrían ser las de DEICIDE (con el infantilismo que a la larga esto puede conllevar), tratan de la muerte en general, espíritus malignos, etc. “From Beyond” es un señor disco de death metal de la escena de Florida de los noventa que siempre quedó a la sombra de otras obras que salieron al mismo tiempo, y esto es un poco injusto pues se trata de un sólido trabajo. Si tuviera que hacerle críticas negativas quizás la principal sería la falta de solos. No soy muy de solos por doquier en álbumes de death metal pero se hubiera agradecido un poco más en este departamento. Por otra parte, todos sabemos que éste nunca fue el punto fuerte de Rozz. En general es un disco que se escucha muy bien y que tiene como temas a destacar “Defeat Remains” y por supuesto “Cryptic Realms” con un riff principal a medio tiempo pegadizo y enfermizo (aunque hay algunas partes copiadas del “From Enslavement” si escucháis atentamente). En general, este es un gran álbum que cualquiera que sea fan del death o del death metal vieja escuela en general debería tener o como mínimo escuchar. Nunca llegó a alcanzar (ni el disco ni la banda) la fama que otras bandas de su entorno alcanzaron pero en retrospectiva es un señor disco. Además del death metal pata negra que impregna la obra, me quedo también con el espíritu que transmite. Ese espíritu de principios de los noventa, cuando se estaba forjando una escena sin parangón que hoy en día se admira y añora por su absoluta integridad y honestidad. Bandas para las que el death metal era un estilo de vida y que lo tocaban con el corazón. Para mí eso cuenta mucho también. DANIEL GALLAR 8.5/10

MEGADETH (USA) KILLING IS MY BUSINESS...AND BUSINESS IS GOOD COMBAT RECORDS, 1985

Como todos sabemos, MEGADETH es el hijo biológico indiscutible del virtuoso guitarrista Dave Mustaine después de su “marcha” de METALLICA. Todo aquél que sepa sólo un poco de la historia del metal conoce la historia de cómo METALLICA acabó echando al rubio guitarrista debido a sus problemas con el alcohol y las drogas. Acto seguido, clamó “venganza” y formó MEGADETH en 1983 a modo de represalia y con el único obje-

tivo de competir con ellos, con los que sólo llegó a grabar la maqueta “No Life ‘til Leather”. Dave se obsesionó con ser más grande y mejor que METALLICA. Por desgracia su música nunca llegó a alcanzar el nivel de popularidad de la de METALLICA. Llegaron a sacar álbumes que se han vendido por encima del estatus de platino y siempre formaron parte del “big four” del thrash en EEUU, pero incluso los peores álbumes de METALLICA (y álbumes malos, seamos francos, tienen unos cuantos) vendieron unos pocos millones de copias. Desde un punto de vista musical y si miramos de arriba a abajo las discografías de ambas bandas, ‘DETH ha sido más consistente y con más calidad que ‘TALLICA. Perdonadme esta pequeña introducción pero al ser la crítica del primer plástico de Mustaine y cía. pensé que sería menester dar un poco de contexto. Si tenemos que ponernos absolutamente técnicos, MEGADETH nació en el momento en que Mustaine lanzó una maceta que atravesó el cristal de la ventana del prolífico bajista Dave Ellefson ya que éste estaba tocando demasiado alto. El resto, como se suele decir, es historia. Metámonos en faena. «Killing is My Business…and Business is Good!» fue el primer álbum de MEGADETH, que salió en 1985 a través de la Combat Records. Para meternos dentro del contexto del “big four”, por aquel entonces METALLICA y SLAYER ya habían lanzado dos álbumes respectivamente de magnífica factura y ANTHRAX habían sacado el debut, el EP “Armed and Dangerous” y en unos meses sacarían el “Spreading the Disease”. MEGADETH (formados por Dave Mustaine a la guitarra y voz, Chris Poland a la otra guitarra, David Ellefson al bajo y el malogrado Gar Samuelson a la batería) por tanto arrancaron un poco tarde pero dado que Mustaine era uno de los miembros fundadores de METALLICA ya tenía los dos pies de lleno metidos en la zona thrash. Dicen por ahí que el fin principal de este LP fue demostrar a sus antiguos compañeros que Mustaine era un buen guitarrista dado que éstos ahora echaban pestes de su forma de tocar. Qué duda cabe que esto lo hacían por pura maldad y para crear mal rollo después de haberle mandado a paseo… el tío sabe tocar. Tengo que decir que este es quizás el disco que menos me gusta de ellos (por lo menos hasta “Risk”), pero al ser el primer larga duración de los de Los Ángeles tiene una importancia histórica indiscutible. Cabe decir ante todo que el sonido aquí es extremadamente crudo en comparación con los álbumes que le sucederían. Una vez leí por ahí que tenían un presupuesto de 8.000 dólares para grabar y producir este álbum. Sin embargo (sorpresón), más de la mitad de este dinero se destinó a las drogas y el alcohol. Es decir, fueron tan sumamente tontos que se perjudicaron a sí mismos y no tuvieron más remedio que despedir al tío que en principio les iba a producir el disco. A causa de esto Mustaine y compañía produjeron el álbum ellos mismos. Y eso se nota. La portada también es un poco chapucerilla aunque tiene su encanto. Aún así, la musicalidad y la composición de las canciones es bastante buena y para aquellos tiempos el nivel es impresionante. Francamente, no logro comprender cómo estos chicos pudieron estar constantemente metidos en drogas y alcohol y aún así lograr componer metal de tanta calidad. Las guitarras de Mustaine y Poland por cierto aquí son más rápidas que lo que acostumbrarían a hacer más tarde y casi suenan más a speed metal que a thrash (aunque la línea que divide estos dos estilos es a menudo harto borrosa y desdibujada). No me malinterpretéis – se trata de un disco de thrash. Pero los toques de speed metal están ahí y no pueden (ni deben) ser ignorados. Por otra parte, el magnífico bajista Dave Ellefson aquí ya se nos muestra como una bestia a las cuatro cuerdas… y lo mejor de todo es que álbum tras álbum se fue superando. Saliéndome un poco de madre, creo que la figura de Ellefson fue crucial para MEGADETH y que la banda nunca hubiera llegado a donde llegó sin él. Aparte de ser un músico excelente siempre fue más que “la mano derecha” de Dave. Fue alguien que dio a la banda estabilidad, saber estar y muchos temas co-compuestos por él. «Last Rights / Loved to Deth» es la primera canción del álbum y comienza con un piano clásico fantástico que luego pasa a ese riffeo y baqueteo tan agresivo para aquellos tiempos. Hay que decir que aunque la ejecución es muy buena, los ocho temas dan un poco la impresión de sonar muy parecidos… hay calidad pero poca variación entre temas. Incluso la versión que hacen de “These Boots” parece casi un tema suyo. “Rattlehead” es uno de los temas favoritos de las legiones de fans de la banda y también uno de los

temas más rápidos del álbum. La verdad es que escuchando el disco no puedo más que reafirmar que todo está muy bien pero falta algo que llame la atención. Es todo un tanto repetitivo, y la producción a cargo de la banda desde luego no ayudó demasiado a que los temas se lucieran más. La batería está bien tocada aunque la producción sea un poco mala. Sigue la fórmula tradicional del thrash/speed metal y suena casi mejor que buena parte de lo que Lars Ulrich había hecho hasta entonces. Creo que hay más variación aquí en el departamento de batería. Esto compensa la similitud general de la música y no se ciñe completamente al galope thrashy que tantas bandas utilizan en exceso. «Rattlehead» y «These Boots» contienen, probablemente, el trabajo de batería más impresionante del álbum.El último tema “Mechanix” por lo visto era un tema o esbozo de tema ya de los tiempos de METALLICA que por la parte de éstos acabó conviertiéndose en “The Four Horsemen” y por parte de MEGADETH acabó siendo “Mechanix”. Historias curiosas. La verdad es que si nos fijamos sólo en los debuts, el «Kill ‘Em All» es sin duda superior al “Killing Is My Business”. Lo único que sí puedo decir, sin embargo, es que este álbum es mucho más enérgico y agresivo que lo que fue «Kill», probablemente por la velocidad imprimida y ya segurísimo por la mala leche que le metió al asunto Dave Mustaine, que como todos sabemos estuvo décadas y décadas resentido y enemistado con METALLICA y poniéndolos a parir. Tengo que confesar que, aunque me considero un fan de MEGADETH, nunca he sido un gran fan de la voz de Mustaine. Entiendo que siempre ha cumplido su función y ya está, aunque al final mejoró con los años. Sin embargo aquí Dave ofrece, en mi honesta y humilde opinión, una de sus actuaciones más deslucidas. Musicalmente sin embargo, la placa es lo suficientemente competente como para ser considerada un “clásico del thrash”, sobre todo si tenemos en cuenta que fue el debut de una banda que acabaría siendo un “big four” y una de las bandas más celebradas del metal en general. Otra anécdota digna de mención es que la noche de Fin de Año del 85 MEGADETH tocaron en San Francisco con EXODUS, METAL CHURCH y… una banda llamada METALLICA como teloneros. Esa sería la primera y última vez que compartirían cartel hasta 1991 (esto no quiere decir que las bandas se hicieran amigas, ojo). Y poco más, damas y caballeros. Ésta fue la primera entrega de la banda capitaneada por Mustaine y Ellefson. Un disco bueno sin duda y cuya importancia fue innegable a la hora de establecer a MEGADETH como una de las bandas más relevantes en el heavy metal en general, así como para colocarlos en el «Big Four». Pero lo que queda claro es que lo mejor estaba por venir… ¡y cómo! Apenas un año después sacaron esa auténtica maravilla titulada “Peace Sells… But Who’s Buying?” que se convirtió en uno de los discos más icónicos y enloquecedores del thrash habidos y por haber. DANIEL GALLAR 8/10