Necromance Magazine 75

#75 EDITORIAL DIRECCIÓN DE CONTACTO NECROMANCE MAGAZINE Apdo. de Correos 66 38320 La Cuesta - Tenerife - España digitalmag@necromance.eu

DIRECTOR David Déniz Plaza

EDITOR | REDACCIÓN | PUBLICIDAD David Déniz Plaza

MAQUETACIÓN | DISEÑO

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David Déniz Plaza

COLABORADORES EN ESTE NÚMERO Alicia Castaño, Ataegina Moon, Cesar Luis Morales, Daniel Gallar, El Gallego, Jesús Muñoz Caballero, Jorge De La Cruz, Juan Angel Martos, Luis Martínez, Maki Pérez Jáuregui, Mark Berserk, Robin RM, Scheitan, Sebastián Abdala

PORTADA Black Altar

CONTENIDO | ÍNDICE

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SECCIONES REGULARES 08 Editorial 10 Recopilación Digital 52 Reviews (novedades) 83 Reviews (clásicos)

ENTREVISTAS 12 Omega Purge 13 D.A.D. 14 The End at the Beginning 15 Nemesium 16 Bring Out Your Dead 17 Saturno 18 Atrae Bilis 20 Tenebree 21 Black Altar 22 Abhorrent 23 Conquest Icon 24 Soulrot 26 Bear Mace

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NECROMANCE DIGITAL SAMPLER VOLUMEN 48

01. BLACK ALTAR (POL) DEUS INVERSUS ODIUM RECORDS, 2020

Extraído del Split álbum con Kirkebrann: Deus Inversus

02. D.A.D. (ESP) CAER EN EL ABISMO BASE RECORD PRODUCTION, 2020

Extraído del álbum: Mil Rostros

03. THE END AT THE BEGINNING (ITA) WATER AUTOEDITADO | SELF FINANCED, 2020

Extraído del Ep: Elements

04. NEMESIUM (AUS) THE FIRE AND THE FLESH BLACK LION RECORDS, 2020

Extraído del Álbum: Continua

05. BRING OUT YOUR DEAD (ESP) MACEDONIA ART GATES RECORDS, 2020

Extraído del Álbum: Bring Out Your Dead

06. SATURNO (CHL) AVALANCHA AUTOEDITADO | SELF FINANCED

Extraído del Álbum: Menhir

07. ABHORRENT (CHL) RULING DYNASTY AUSTRALIS RECORDS, 2020

Extraído del Álbum: Kathabasis

08. SOULROT (CHL) ALL THAT REMAINS MEMENTO MORI, 2020

Extraído del Álbum: Victims of Spiritual Warfare

09. BEAR MACE (USA) CHARRED FIELDS OF SLAUGHTER AUTOEDITADO | SELF FINANCED, 2020

Extraído del Álbum: Charred Fields of Slaughter

PORTADA DISEÑADA POR THE CORE INSIDE

OMEGA PURGE

Los alemanes OMEGA PURGE se presentan con “As Hell Emerged”, un EP donde presentan su propuesta musical, una fusión entre elementos de Melodic Death y algunos guiños al Metalcore y para saber más de este EP, su vocalista Maximilian Eckardt contestó a nuestras preguntas.

ción en el disco en general, ya que mis ideas sobre cómo hacer ciertas partes o el sonido general de un pasaje han cambiado o desarrollado.

Pero como no haremos eso ahora, tendré que dejarlo como está y verlo como parte de mi proceso de aprendizaje.

¡Hola chicos! ¡Un placer hablar con vosotros!. ¿Qué significa Omega Purge?

Hola David y gracias por invitarnos. Al principio, el nombre realmente no significaba nada, a Kai se le ocurrió y al resto de nosotros, o al menos a aquellos de nosotros que ya éramos parte del proyecto en ese momento, nos gustó y así lo elegimos. Cuando Martin se unió a la banda para tocar la segunda guitarra, fue el primero en preguntar qué significaba y fue entonces cuando nos dimos cuenta de que deja bastante espacio para la interpretación. Pero en el contexto del EP y de lo que trata en general, supongo que la interpretación más adecuada de “Omega Purge” sería algún tipo de “última limpieza” como en “Necropolis” de The Black Dahlia Murder: “traer un ira de fuego purificador, aquí ahora en la hora más sombría de la humanidad ”. Para resumir, diría que representa una visión bastante distópica sobre el futuro de la sociedad tal como la conocemos, si es que existe.

cerlos recombinar y finalmente “The Void”, que es lo más cercano que podríamos llegar a escribir una balada en este momento.

¿Cuál es el siguiente paso para Omega Purge? ¿Qué tenéis en mente?

Antes de que toda la situación del Corona llegara a nuestros planes para el resto del año, básicamente estaríamos haciendo conciertos.

Acabábamos de lanzar nuestro EP y tocamos nuestro primer concierto cuando todo comenzó, así que estábamos muy entusiasmados por haber sido escogidos para shows e incluso nuestro primer pequeño festival, pero todo se fue a la mierda cuando, comprensiblemente, cerraron todos los lugares y cancelaron todos los conciertos. Desde entonces todo ha sido melancólico y la entrevista ocasional. Comenzamos a ensayar nuevamente hace semanas y Kai siempre está trabajando en algunas canciones nuevas, pero hasta que podamos tocar en vivo nuevamente, desafortunadamente no hay un plan sólido sobre qué hacer.

Vayamos con este EP debut, “As Hell Emerged”. ¿De qué trata este lanzamiento, líricamente?

A excepción de “Call 13”, que básicamente se trata de una lucha ficticia de los personajes consigo mismo y sus elecciones y “The Void”, que en esencia es lo mismo, pero en un nivel mucho más personal, el EP generalmente trata cómo ya que la sociedad no es capaz de crear un mundo justo y pacífico, preferiríamos librar guerras por recursos, sobre quién tiene la mejor idea de cómo debería funcionar la economía o cuyo amigo imaginario en el cielo es el “más genial”, mientras observa que el único planeta en el que tenemos que vivir se va al infierno. Dejamos que los ricos se enriquezcan aún más, mientras que los pobres se empobrecen. Dejamos que los niños en África excaven los metales raros para todos nuestros teléfonos inteligentes, para que podamos hacer tuits sobre lo injusto que es todo esto. Se trata de toda la hipocresía, la mentira, la falsedad o cualquier palabra que quieras usar y darte cuenta de que somos parte de ella. Eso es básicamente, tomas esto y lo pones en metáforas más o menos crípticas y ahí tienes la letra de nuestro EP.

¿Cuál fue la parte más difícil de crear en los temas en el EP? Para mí, obviamente, escribir la letra. Había pasado algún tiempo desde que escribí la letra que yo mismo consideraría presentable, así que me tomó un tiempo meterme en ello. Realmente no sé si es bueno o malo, pero incluso cuando considero mis letras presentables, nunca estoy satisfecho hasta el punto de decirme “sí, eso es todo”. y nunca supuse que fuera de otra manera “. En algún momento iré con lo que tengo y veré qué piensan los demás al respecto; tal vez en algún momento tenga más confianza en esta parte de mi trabajo, o tal vez se suponga que sea así, supongo que ya veremos, pero puede llevar mucho tiempo.

El EP consta de 6 pistas, ¿Cuál prefieres y por qué?

Mi favorito de forma personal sería la canción principal “As Hell Emerged”. Es el que tiene el proceso de escritura más largo, lírica y musicalmente, pero también el que, al menos en mi opinión, resultó el mejor.

Simplemente me gusta su sonido general, la energía que da. ¿Puedes hablar más sobre las canciones que lo componen?

Primero tenemos “1984”, la introducción obligatoria para generar tensión, seguido de “Call 13”, en mi opinión, un tema bastante caótico con sus ritmos de batería rápida y sus partes pesadas. Debo decir que al principio era escéptico sobre el orden de esos dos, pero ahora no me puedo quejar. Seguimos eso con “Walk Astray” y “Tear It Down”, ambos con un buen ritmo , pero el primero con la actitud de una apisonadora y el segundo con la pizca correcta de melodía y golpes de explosión en el medio. Luego tenemos la canción principal “As Hell Emerged”, que básicamente toma todos los elementos definitorios de antes para ha12 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 75

¿Hay alguna historia interesante detrás del proceso de grabación para el EP? ¿Cuánto duró este proceso de grabación?

Todo sucedió en el sótano de Kais, ¡creo que es bastante interesante!.

Para mí fue la primera vez que grabé voces, así que estaba muy emocionado e incluso nervioso al principio, pero Kai es una persona muy paciente y comprensiva, por lo que mi falta de experiencia al menos no interfirió con el flujo de trabajo. Realmente no puedo decirte cuánto tiempo llevó todo el asunto, porque la mayor parte lo hizo Kais. Para grabar las voces hicimos dos sesiones, un día cada una, pero por lo demás, dudo que él pueda decirle exactamente cuánto tiempo tomó esa parte, ya que fue un trabajo en progreso durante un tiempo y de rehacer las cosas aquí y allá. , así que no es tan fácil de precisar.

¿Cómo es trabajar con Kai Seidel en Invisible Noise Studios ?, ¿Cómo lo conocieron?

Lo conocí por primera vez cuando Tobias, nuestro bajista, me invitó a un bar con ellos para hablar sobre comenzar un nuevo proyecto, que luego se convertiría en Omega Purge. Si no recuerdo mal, se conocieron en un concierto antes y, mientras buscaban un vocalista y como Tobias me conocía, me contactó. ¡Trabajar con Kai es genial!, como mencioné anteriormente, es muy paciente y, aunque ninguno de nosotros somos profesionales, tiene mucha experiencia y todos nos beneficiamos de eso. Aparte de las voces, todo el disco es básicamente él y realmente hace la vida mucho más fácil, cuando un miembro de tu banda está haciendo la producción. Por supuesto, uno podría argumentar que siempre es bueno tener a alguien más con una visión más objetiva trabajando contigo, lo que por supuesto es un punto válido, pero hacerlo tú mismo te da mucha más libertad para experimentar y encontrar tu sonido. ¿Cambiarías algo en el EP a día hoy?. La razón es que muchos músicos no están 100% satisfechos con su creación, volviendo a ella como oyentes y no como participantes en su creación.

Supongo que le daría a la voz bastantes tomas más aquí y allá. Como dije anteriormente, fue la primera vez que grabé voces, por lo que me tomó un tiempo hacerlo. Sí, a partir de hoy cambiaría mi propia actua-

¿Cómo crees que será la industria musical una vez que las cosas vuelvan a la normalidad?

En el peor de los casos, podría ser realmente triste, ya que muchas bandas y artistas en general simplemente han desaparecido, así como las salas que no han sobrevivido a la lucha de los últimos meses y los que están por venir. Cuanto más tarde todo, más difícil será para aquellos que no son lo suficientemente grandes como para pasar por una fase como esa. Como todavía es un hobby para todos nosotros, incluso si puede ser bastante costoso, ninguno de nosotros depende financieramente de lo que hace la industria, pero para aquellos que se ganan la vida, este puede ser el final para sus negocios Espero que no sea tan malo como algunos predicen, pero creo que deberíamos prepararnos para lo peor. Por otro lado, después de meses de retiro de los directos, tal vez haya una gran demanda una vez que las salas puedan reabrir, haciendo posible una recuperación rápida al menos para algunos, pero tendremos que esperar y ver qué pasa.

Muy bien, gracias por vuestro tiempo para responder esta entrevista. ¿Te gustaría enviar un mensaje a nuestros lectores? ¡Gracias por invitarnos, o más bien a mí, contigo!. Espero haberles podido dar una idea de nuestro proyecto bastante joven, escuchar el EP en Spotify, YouTube o Bandcamp, dejarnos algunos comentarios y lo más importante, en estos tiempos difíciles, ¡mantenerse seguros y saludables!.

[David Déniz]

EP: As Hell Emerged TEMAS: 6 DURACIÓN: 25’ SELLO: Autoeditado ESTILO: Melodic Death LANZAMIENTO: Marzo 2020

Primer larga duración de la banda sevillana D.A.D., donde hacen un despliegue de brutalidad y rebeldía que es digno de ser tenido en cuenta como punto de partida del grupo. “Mil rostros” es un trabajo con excelente sonido, una furia incontrolable y, sobre todo, natural a los integrantes que utilizan decenas de referencias, para que apenas pueda quedarte grabado en la mente una contundencia altísima. Un disco que para quienes no los hayan visto en directo puedan hacerse una idea del espíritu de D.A.D. Ante todo, me sorprende lo bien que han conseguido plasmar el sonido de la banda en el disco. Esa violencia de vuestros directos se palpa en “Mil rostros” ¿Fue difícil conseguir esto en la post producción y mezcla?

Pues la verdad es que en ese aspecto, aunque es algo que generalmente es complicado o que al menos da bastante trabajo, Rubén Rodríguez, el productor del disco, gracias a que también nos había visto varias veces en directo, tenía una idea bastante clara del sonido que debía tener el disco, de hecho es curioso que nombres esto, porque cuando le preguntábamos sobre el sonido antes de empezar a grabar o cuando estaban las tomas recién grabadas, él decía…”yo tengo bastante claro en la cabeza como debéis sonar”, lógicamente escuchaba nuestras propuestas, pero realmente le dejamos bastante libertad en todo el proceso y la verdad es que prácticamente lo clavó desde el principio.

Ahora sí, felicitaciones por un disco que huele a mucho trabajo. ¿Cuál es el concepto de “Mil rostros”?

Muchas Gracias de verdad, el concepto que sobre todo se intenta explicar en el vídeo, que quizás sea lo más visual y llamativo, es como el intento de adentrarse en una mente perturbada como la de un asesino en serie en este caso, qué puede llegar pasar por la cabeza de una persona para llegar a realizar tales atrocidades y a partir de ahí hacer como una pequeña historia de ello, el resto de las letras del disco también trata de un modo u otro sobre problemáticas personales o sociales adentrándose en como afecta a la mentalidad de la gente en su mayor aspecto. ¿La portada en manos de quién estuvo y cuál fueron las directrices de trabajo para el artista?

Pues es algo con lo que estamos especialmente contentos, la verdad, desde el principio teníamos la idea de plasmar en dibujo o fotografía la letra y el concepto detrás del tema de Mil Rostros, llevábamos visualizando de forma común en nuestras cabezas la imagen de ese tipo en un cuarto lúgubre y bastante hecho polvo frente a esos “mil rostros” que han ido cayendo uno a uno y que ya cada vez van quedando menos, ese era el concepto que perseguíamos y las directrices que le dimos y la verdad que el artista, Rodolfo Ramírez (en Facebook lo encontrareis por su nombre real seguido de su alter ego entre paréntesis Coheed Kilgannon), nos entendió en seguida, le dimos el concepto que te hemos dicho, con la idea de que el tipo apareciese de espaldas mirando las fotos y vamos, parecía que nos leía el pensamiento conforme nos iba mandando los bocetos de la portada, ya por último le pedimos que incluyese en esa pared nuestras fotos y las de algunos amigos y familiares que nos han ayudado a hacer el disco y ahí está el resultado.

Me dio una sensación distinta entre las dos primeras canciones, luego entre “Solo tu ser” y “Última hora”, para que ya el tándem final suene como a otro concepto. ¿Puede ser?

Bueno, es posible tal y como lo planteas, el tema del orden de las canciones del disco es algo que también tiene su rollo jeje, seguro que si le preguntas a otros grupos te dirán lo mismo, finalmente entre muchas posibilidades dejamos claro que el disco tenía que abrir con el tema ho-

mónimo, el resto lo fuimos colocando también por consenso y ahí colocamos Sin Perdón más o menos en el centro que, en principio, nos daba la sensación que cambiaba un poco el tercio de lo que venía antes (un tema que por cierto ha sido de los que en general más gente ha señalado como entre sus favoritos) y así en global se puede decir que la sensación que nos has transmitido es bastante acertada y nos gusta que nos lo señales, porque realmente como grupo con un estilo bastante definido, lo que si que buscamos e intentamos es que cada canción suene diferente, que sean diferenciables entre sí y creemos que lo hemos conseguido, algo que también pasaba con el anterior EP. Las colaboraciones con Zequi y Olea, ¿Cómo surgieron? ¿Buscaron a ver quién estaba más cabreado todavía?

Jejeje, bueno las colaboraciones con esos dos bichos prácticamente las teníamos claras desde el principio, sabíamos que tenían que entrar en el disco sí o sí, han sido muchos conciertos juntos, los tres grupos hemos compartido mucho y a parte de la admiración que les tenemos a sus dos bandas y a ellos como cantantes en particular pues, como puedes imaginar, ha surgido una amistad muy fuerte entre todos y ya cuando los temas estaban bastante bien definidos elegimos los dos donde podrían canalizar esa mala leche que tienen dentro jajaja (al final no nos queda claro quién es el que está más cabreado, podríamos sacar una encuesta jeje) “Caer en el abismo” me pareció más recia y de una letra oscura y melancólica, como una de las joyas del disco. ¿Cómo fue currar esta canción?

Es un tema que trata el tema del suicidio, Alejandro (cantante) es el creador de todas las letras y en este caso se inspiró en historias y vivencias más o menos cercanas junto con noticias etc que como señalamos antes ayudan en ahondar en la mentalidad y personalidad de personas con este tipo de dificultades y que le pueden llevar a plantearse algo así. En el apartado musical nos gustó mucho la idea de la melodía inicial a dos guitarras harmonizadas junto con nuestros ritmos más movidos (más Groove si quieres) y armónicos que ya van siendo marca de la casa jeje.

El disco tiene tramos de furia y machaque. Pero hay distintas ejecuciones por parte de batería y guitarra (por ejemplo), en este estilo no suele haber ese tipo de “lujos”, como el que encontramos en “Sin perdón” o “Tu realidad”. ¿Entraron con estas ideas claras o fueron modificando mientras grababan?

Si, entramos con esas ideas bastante claras, ningún tema sufrió una modificación de cómo lo llevábamos preparado a como lo grabamos posteriormente, enlaza bastante bien con lo que hablábamos antes, somos un grupo que nos gustan los riffs de guitarra junto con ritmos de batería que te hagan mover el cuello, que nos lo mueva a nosotros y que podamos transmitirlo a la audiencia, es por lo que se nos engloba más dentro del llamado Groove metal o Groove thrash metal que nosotros creemos que nos define más, creemos humildemente que tenemos de los dos y en estos estilos es casi mandado meter esas secciones de guitarra y batería que nombras y a nosotros la verdad que nos encanta.

D.A.D. El 2019 les ha pegado un palo traicionero, de esos que te llenan el alma de preguntas. (la sala de ensayo sufrió un robo y varias bandas se vieron afectadas) Hoy, con este discazo entre manos, viendo atrás ¿Qué sienten? Sobre todo, lo pregunto por los rumores de que se plantearon la separación.

Intentamos no pensar mucho en ello, perdimos material muy valioso, tanto económicamente como sentimentalmente hablando, el tema de la separación nos duró un poco los primeros días, desde cuando nos plantamos en ese local prácticamente vacío y reventado hasta un par de días después, finalmente gracias a los ánimos y apoyo incondicional de la comunidad metalera y musical en general de la ciudad que nos llegaron a ofrecer desde material prestado gente que ni siquiera conocíamos personalmente, organizar un concierto para darnos todos los beneficios a nosotros etc etc pensamos, qué coño, son cosas al fin y al cabo y afortunadamente no afectó a nuestra integridad física, a un chaval de un local de al lado le tuvieron una hora maniatado cara al suelo sin saber el pobre por donde iba a salir la historia, eso sí que fue una putada. Ya con equipo que teníamos en casa y material que nos hemos podido ir comprando, hemos ido reponiéndonos tanto materialmente como mentalmente, hay que seguir y es algo que desgraciadamente le puede pasar a cualquiera y seguirá ocurriendo.

Ahora, junio-2020, parece comenzar a verse una pequeña luz en el futuro de la escena. Pero anteriormente tampoco es que estuviera de lujo. Ustedes siempre se han movido mucho por vuestra cuenta, ¿Cómo ven la escena Únder?

Extremadamente variada y con un nivel altísimo sinceramente, si piensas detenidamente, ¡¡¡en esta ciudad tenemos cubiertos todos los estilos!!! y como suenan todos, tenemos thrash metal (Medictum, Mauser, etc..) tenemos Rap Metal (Caos Day, Tos..) Hardcore (nuestros Marabunta sin ir más lejos), Death Metal, Brutal Death etc ni te cuento (Murderworker, Dying hasta hace nada, Devil in You…) Grindcore (Lead Coffin, Scumworm…) Hard Rock Heavy un montón también y algunos desde siempre ( Que decimos de Cadena Perpetua, Silveranto, Pinball Wizard..) joe tenemos hasta Black Metal del bestia tipo Noruega o más allá ¡¡¡en Sevilla!!! (Hate Legions) jajaja, la salud del under en Sevilla es de hierro en cuanto a bandas, nivel y estilos, fíjate que hemos querido nombrar a un buen puñado para ilustrarlo y cuantas nos habremos dejado fuera, creemos que no hay duda sobre ello.

Para cerrar la entrevista, ¿algo que quieran agregar, corregir, mentar o transmitir a nuestros lectores?

Pues agradecer la buena acogida que en general está teniendo el disco y por supuesto agradecer a todo el equipo de Necromance el interés y el apoyo mostrado de forma tan clara e incondicional. Para nosotros es un orgullo aparecer en vuestra revista.

[Sebastián Abdala]

ÁLBUM: Mil Rostros TEMAS: 8 DURACIÓN: 35’18’’ SELLO: Base Record Production ESTILO: Groove Metal LANZAMIENTO: Marzo 2020

THE END AT THE BEGINNING

Con los elementos de la naturaleza como trasfondo, los italianos THE END AT THE BEGINNING nos traen su nuevo trabajo titulado “Elements”, un EP donde encontraremos un metalcore directo y potente. De este trabajo hablamos en esta entrevista con la banda y esto nos han contado.

Bienvenido a Necromance Magazine. ¿Podéis presentar The End At The Beginning a nuestros lectores?

Hola David y gracias por esta entrevista. El proyecto TEATB nació hace nueve años en el verano de 2011 en nuestra ciudad natal, Bolonia. Nos conocíamos porque vivíamos en la misma ciudad, así que comenzamos a tocar juntos para participar en un evento musical al final del verano. Comenzamos como amigos que querían divertirse con la música que nos gustaba escuchar.

Han pasado 4 años entre tu álbum anterior “Revelations” y vuestro nuevo EP “Elements”. ¿Qué pasó durante todo ese tiempo en la banda?

Muchas cosas nos sucedieron en estos 4 años: pudimos tocar “Revelations” en toda Italia y tener contacto directo con nuestros amigos y fans; Desafortunadamente, en septiembre de 2017, Nicola, nuestro ex cantante, decidió abandonar la banda debido a divergencias creativas y lo mismo sucedió con Andrea unos meses después. Sin embargo, siguen siendo unos de nuestros amigos más queridos y nunca han dejado de apoyar a la banda y eso nos llevó a buscar nuevos miembros sin perder el entusiasmo y al final encontramos un nuevo equilibrio encontrando a Nicolò.

Lo único que queremos es que nuestras canciones y nuestro mensaje puedan ser entendidos. ¿Fue “Fire” siempre la primera opción para abrir el Ep? Honestamente, no lo recuerdo, pero se convirtió en la primera opción cuando pudimos escuchar el producto final. ¿Cuál fue la razón para lanzar el Ep en forma autofinanciada?

Si quieres decir sin una compañía, decidimos hacerlo de manera independiente porque ahora hay muchas herramientas para compartir la música y queríamos probar con nuestras propias fuerzas. En este momento preferimos trabajar con nuestro gerente y promotor. ¿Cuáles son vuestras expectativas para “Elements”? ¿Qué esperan lograr con este disco?

Honestamente, no teníamos grandes expectativas debido al largo período de silencio, pero sin embargo, quedamos asombrados por la reacción de la audiencia y nos alegra que nuestro nuevo punto de partida pueda servir para continuar nuestro viaje.

¿Cómo es el proceso de composición de los temas en The End at the Beginning? ¡Ah, esta es una pregunta difícil porque la composición ha ido cambiando a través de los años!. En resumen, comenzamos a tratar de definir un concepto como una guía y tratamos de escribir a través la música, todas las emociones que trae este concepto.

¿Cómo caracterizarías la evolución de la banda en “Elements” ?, ¿Cuánto ha cambiado la banda desde los primeros días?

Ummh … la banda ha cambiado mucho porque la música que escuchamos ha cambiado y nosotros también hemos crecido como músicos. Sin embargo, escuchando nuestros viejos discos, quizás la principal diferencia es la presencia de la sección orquestal.

¿Cómo se mantiene ese entusiasmado con el proceso de escritura y grabación?

Al igual que los niños que no pueden esperar la Navidad, no podemos esperar para escuchar el producto final.

¿De dónde viene la inspiración lírica en este nuevo trabajo?

Las letras provienen del mismo concepto que usamos como guía.

¿Cuál fue la parte más difícil de componer y grabar del Ep? Cuando comenzamos a componer, todo el proceso es como un continuo, por lo que no hay una parte más difícil. La parte más desafiante es respetar los plazos y el calendario evitando la procrastinación. ¿Cómo describirías el Ep musicalmente?

Intentamos combinar elementos modernos de metal y metalcore con una sección orquestal. La voz limpia y un fondo melódico siguen siendo la parte fundamental, incluso si los elementos de deathcore y los breakdowns siempre están presentes a lo largo de las canciones. ¿Qué quieren que el oyente se lleve de “Elements”?

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¿Algo que te gustaría agregar para terminar la entrevista?

Ahora acabamos de empezar a escribir cosas nuevas y no podemos esperar para tocar “Elements” en vivo y ver la reacción de los fans cara a cara.

[David Déniz]

EP: Elements TEMAS: 4 DURACIÓN: 18’31’’ SELLO: Autoeditado ESTILO: Metalcore LANZAMIENTO: Junio 2020

Tras sacar un EP en el año 2015, la salvaje banda australiana NEMESIUM, debuta con su primer larga duración este 2020 a través de Black Lion Records. “Continua” es el título de este trabajazo donde la banda nos deleita con un Black / Death cargado de ritmos rápidos y cortantes; te invitamos a leer lo que nos contaron en esta entrevista.

Bienvenidos a Necromance Magazine y gracias por vuestro tiempo para esta entrevista. ¿Podrías presentar la formación a nuestros lectores?

Nemesium son Justin Rhodes (batería), Clint Williams (voz), Andrew Reid (guitarra), Chris Mcewin (guitarra) y Marcus Ritli (bajo).

relaciona con nuestras luchas personales y la relación entre tecnología y conciencia. Definitivamente, hay temas líricos que se tocan en todo el álbum, pero no necesariamente lo clasificaría como un “álbum conceptual”, no hemos intentado crear ningún tipo de narrativa que se ejecute a lo largo.

¿Cómo surgió la idea de formar la banda? ¿Cómo se conocieron los miembros de la misma?

Todos estábamos tocando en bandas que “explotaron” al mismo tiempo, ninguno de nosotros quería dejar de tocar, así que se nos ocurrieron algunas ideas y comenzamos a componer riffs. Clint (voz) y Chris (guitarra) habían estado tocando juntos en Dawn of Retribution y Justin (batería) habían tocado previamente con Chris en Dominaeon. Marcus (bajo) y Clint crecieron juntos en la región de Victoria y habían tocado juntos en bandas a lo largo de los años. Yo Estaba trabajando en el comercio minorista con Clint en ese momento y lo vimos como una oportunidad para juntar a todos y ver qué se nos ocurría. Las cosas tardaron un tiempo en comenzar a moverse, todos tuvimos que hacer malabarismos con los compromisos laborales y familiares. Marcus y Justin estaban tocando en otras bandas que eran bastante activas, Justin logró que funcionara entre bandas, pero Marcus tuvo que tomar la decisión de “retirarse” desde el principio y nos quedamos sin un bajista. Finalmente, encontramos a Luke, que dio un paso al frente y asumió tareas de bajo para que pudiéramos salir y comenzar a tocar, Luke grabó el EP “Sentient Cognizance” y tocó con Nemesium durante aproximadamente 12 meses después del lanzamiento antes de irse debido a las crecientes presiones de trabajo / vida. Luke fue lo suficientemente comprometido como para ayudarnos a tocar algunos shows mientras su reemplazo, Dave, se estaba aprendiendo el material y preparándolo todo para el concierto. Dave tocó en vivo y trabajó en nuevas ideas con Nemesium en el período entre el EP y las etapas de composición para “Continua”.

Durante las etapas de preproducción de “Continua”, Marcus regresó a la banda y reemplazó a Dave en el bajo. Nemesium esencialmente han “completado el círculo” y han terminado siendo la banda que inicialmente imaginamos.

¿Estuvieron todos los miembros de la banda involucrados en el proceso de composición de “Continua”?

Todo en “Continua” es un esfuerzo grupal, cada miembro de la banda ha contribuido con ideas de composición, riffs, ritmos, ideas vocales … todos dejan su huella en las canciones. Muchas de las canciones en “Continua” han crecido a partir de un riff o 2 que hemos tenido atascados “en la habitación” y alguien se los ha llevado y ha hecho algunos deberes, partes refinadas, contrapartes de guitarra agregadas, ritmos cambiados, secciones agregadas, etc. ..

Vuestro nuevo álbum “Continua” fue lanzado hace algunas semanas, ¿Qué creen que los fans pueden esperar de este nuevo disco?

En una palabra … variedad. En algunas palabras más … de ritmo rápido e implacable. Intentamos funcionar como un “crisol” de metal extremo, sabemos lo que nos emociona y lo juntamos todo y encontramos la manera de hacerlo funcionar. Nuestras influencias son tan amplias que realmente no podemos apegarnos a ningún modelo de fórmula o un solo subgénero, hay demasiados estilos / subgéneros increíbles para incorporar, y mucho menos elegir uno y apegarse a él. ¿Cuáles son los temas principales en los que se enfoca “Continua” ?, ¿hay un concepto o es más una colección de conceptos e ideas en un solo registro?

Continua es poco conceptual … en el sentido de que se

¿Podría describir la creación del álbum desde sus etapas embrionarias hasta el producto final?

Siendo nuestro primer álbum de larga duración, nos hemos esforzado por lanzar algo que muestre la progresión de la banda y se traduzca efectivamente en un medio de grabación. El material en Continua abarca toda la historia y la evolución de Nemesium, hemos estado “probando” algunas de las canciones en nuestro set en vivo durante los últimos 12 meses y tenemos 2 pistas en el álbum que datan de la formación de la banda. Hemos tratado de preservar esa emoción desenfrenada que estábamos sintiendo cuando escribimos el material en “Sentient Cognizance”, al mismo tiempo que tratamos de trabajar con un enfoque más consistente de las canciones. Una de las pistas de ese EP terminó en “Continua” con algunos cambios sutiles junto con otra canción que se escribió al mismo tiempo que grabamos “Sentient Cognizance”. Incluso nos atrevimos a escribir una canción que tenga menos de 200bpm para este álbum. Los trabajos diurnos, las familias y la adulteración dejan muy poco tiempo para cualquier otra cosa, todos hemos tenido que hacer sacrificios en el camino para dar vida a este álbum. ¿Cuál fue el sentimiento general en la banda cuando escuchasteis el resultado final de la grabación y masterización del nuevo álbum?

Ansiedad jaja. Habíamos pasado tanto tiempo con estas canciones que era imposible para nosotros ser objetivos una vez que llegamos a las etapas de mezcla. Había todas las frases de estudio habituales de “esto tiene que subirse un poco” y la vieja mentalidad de “todo más fuerte que todo lo demás”. Pero con toda honestidad, teníamos mucha confianza en Marcos Cerutti (mezcla / masterización) para “realizar nuestra visión”, por lo que esas ansiedades disminuyeron con cada mezcla posterior que se envió. Una vez que escuchamos la mezcla final / master, comenzamos a emocionarnos mucho.

Considerando la portada para el nuevo cribirías su representación junto con

álbum, ¿Cómo desel sonido de tu

NEMESIUM álbum? ¿Quién es el creador de esta portada?

Encontramos a este tipo ruso extremadamente talentoso, Kirill Semenov, en línea y le encargamos que hiciera la carátula del álbum.

La portada nos atrapó de inmediato, la intensidad y el nivel de detalle realmente llamaron nuestra atención. Siento que captura la vibra de los temas de “Continua” y puede dejarse algo abierto a la interpretación, al tiempo que proporciona cierto nivel de continuidad a través de la portada que usamos en el pasado.

Siendo vuestro segundo lanzamiento como banda, ¿Qué dirías que destaca más en “Continua” en comparación con vuestro EP anterior “Sentient Cognizance”?

El EP fue un proceso de grabación muy rápido y sucio, un intento de capturar lo que Nemesium tenía para ofrecer en ese momento. Esas fueron las primeras canciones que escribimos como banda y todavía estábamos tratando de “encontrar nuestro lugar” como banda.

Probablemente los más destacados del EP son la composición y producción. Las actuaciones y la producción están en un nivel más alto y realmente hemos tratado de capitalizar la química musical en la banda, escribiendo canciones que utilizan nuestras fortalezas como banda y como músicos individuales. ¿Cómo ha sido la recepción de “Continua” hasta ahora de la prensa del metal y los fans?

Estamos gratamente sorprendidos con toda la positividad que “Continua” ha estado recibiendo a través de las críticas, honestamente puedo decir que ha sido muy inesperado. Sabíamos que estábamos lanzando algo de lo que todos podríamos estar orgullosos, pero es muy difícil predecir cómo responderán las personas fuera de la “burbuja de la banda”. La recepción de los fans ha sido increíblemente comprensiva y hemos podido llegar a un público mucho más amplio gracias a todo el arduo trabajo de la gente de Black Lion y la actividad en torno al lanzamiento del álbum.

Muchas gracias por vuestro tiempo para responder a nuestras preguntas. ¿Te gustaría mandar un mensaje final a nuestros lectores?

Mantengas sus ojos y oídos atentos a Nemesium, volveremos a tocar en el no muy lejano post apocalipsis …

[David Déniz]

ÁLBUM: Continua TEMAS: 12 DURACIÓN: 48’44’’ SELLO: Black Lion Records ESTILO: Black / Death LANZAMIENTO: Junio 2020

BRING OUT YOUR DEAD

Vosotros y los Monty Python…. ¡¡¡Ejem!!! ¿¿Algo que decir??

Ni!

BRING OUT YOUR DEAD se presentan en sociedad con un álbum de título homónimo. Con calidad, capacidad de experimentación y mucho oficio. NECROMANCE se encara con la banda con una entrevista para sacar a la luz los entresijos de los madrileños y su debut discográfico.

¿Cómo surge la idea de montar BRING OUT YOUR DEAD? Cuando Gauntlet se disolvió a finales de 2014, en mi caso decidí que tenía que tomar distancia con todo lo referente a la música, ya que estábamos todos muy quemados. Me tiré semanas sin tan siquiera escuchar nada de heavy… Según fueron pasando los meses me sentía raro, triste, descolocado… Me faltaba la música. Así de simple. Entonces, Tim (batería) y yo, que nunca perdimos el contacto, empezamos a hablar más en serio sobre formar algo nuevo e ilusionante. Yo ya había tenido ofertas de grupos, pero quería una banda desde cero. Mía.

Nuestra. Así que nos juntamos y empezamos a componer cositas a principios de 2016. Como Unsouled también se habían disuelto, fue el momento perfecto para cortejar a Reverend J. Nibbler (co-frontman conmigo) quien habíamos tenido siempre en mente porque es un musicazo, amén de buen amigo. Y la pieza que nos faltaba al bajo se completó cuando en una charla de bar Litos&Ti se ofreció para el puesto. Desde ese momento, no hemos parado de currar para llevar BRING OUT YOUR DEAD hacia arriba. ¿A la hora de coger un tema, componerlo y montarlo… cómo os lo curráis?

Buf! Hasta que está redondo pasa por muchos procesos. Estos temas son lo más elaborado que hemos hecho nunca, por eso a veces ha parecido interminable… Todo empieza con la elección correcta de algunos riffs míos o de Nibbler. Los trabajamos individualmente en casa mucho, mucho y cuando la canción ya tiene un esquema aproximado y ha pasado los estándares de calidad de uno mismo, lo ponemos en común en el local. Y aquí llega el proceso de deconstrucción jajajaja… en ese momento, los riffs y melodías pueden dar un millón de vueltas hasta que el puzzle tiene sentido. Puede ser complejo, pero tiene que tener gancho. Hemos grabado demos continuamente y hemos ido retocándolas. Y es en ese punto cuando ya hilamos más fino, trabajando mucho las partes de batería y las líneas de bajo. Aquí aportan todos. La guinda del pastel son unas armonías originales, los solos adecuados y las letras cuidadas.

Vuestro trabajo es variado y experimental podría decirse… ¿esto ha salido de forma fluida y natural?

Desde luego, porque cuando fuerzas los temas hacia donde tú piensas que deben ir… mal. Llega un momento en que la canción tiene 16 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 75

como vida propia y es ella misma quien dicta las reglas. Eso es fluir.

Cortes como “Macedonia”, “Kot Begemot” o “Mad girl’s love song” son claramente diferentes y se abren a unos oyentes variados. ¿Qué influencias tenéis para enfocar esos temas?

Efectivamente, todos los cortes son muy variados, porque nuestras influencias son infinitas. Por ejemplo, ya que lo citas, en “Kot Begemot” yo oigo Pantera, Alice In Chains, Megadeth, Devin Townsend, Death… y todo salpicado con algo de música electrónica y diferentes enfoques vocales. Así que hemos conseguido crear una coherencia dentro de lo “extraño” con mucho curro. Lo mejor de todo es que la interpretación de cada oyente es muy personal y todas las referencias que nos dan son de grupos totalmente diferentes… eso es bueno. ¿Alguna anécdota que contar del proceso de grabación y composición de este disco?

Resoplo otra vez jajajaja! Es que han sido tantas horas que ha habido mil… por ejemplo, hemos tenido como invitado especial a un hurón tocando los teclados. No quedó como pensábamos y tuvimos que borrarlo. ¿Qué nos podéis contar acerca de la portada de este trabajo y su relación con el contenido?

Es un portadón de Jorge Benedito, amigo y pedazo de artista gráfico, basado en una idea del grupo. Representa a Melpómene, una de las dos musas del teatro en la mitología griega. Inicialmente era la musa del canto y la armonía musical, pero pasó a ser la musa de la tragedia… y se erige por encima del carro donde la gente lleva sus muertos.

Podría representar el triunfo del arte, de lo vivo y colorido sobre lo marchito y mugriento… dos mundos unidos por una lágrima de sangre y ahí sobreviene el cariz trágico. Vaya ida de pinza, eh?? Jajaja!

Ensayos, bolos… covid19… ¿Esto cómo se come?

Mucho trabajo desde casa, sobre todo con la promoción del disco

y la planificación de la conquista interplanetaria. En cuanto a conciertos, debido a esta excepcional situación no podemos asegurar nada… no hemos cerrado ninguno previamente y estamos deseando que llegue la “nueva” nueva normalidad y poder presentarlo como merece cuando se pueda.

Habéis apostado fuerte por el proyecto y se nota que sabéis del tema y os habéis rodeado de profesionales reconocidos, ¿Consideráis que habéis saltado de la escena underground a otro escalón?

Evidentemente, al escuchar el disco te das cuenta de que tanto en sonido, como en composición e interpretación, nada tenemos que envidiar a nadie. Ni aquí, ni fuera. Hemos grabado y mezclado con Carlos Santos y masterizado con Jens Bogren. Pero evidentemente, vamos conectando con la gente poco a poco porque somos un grupo nuevo. El término “underground” puede sonar peyorativo a veces… ¿Tenéis plan de salir de España cuando esto aplaque?

Y quién no…? ¿Y vuestros shows qué tal? ¿Algo de puesta en escena? ¿Enchufar y descargar?

Hemos cuidado todos los detalles en la edición del disco y así será también en directo. Y luego enchufar, descargar, sudar y disfrutar.

En fin, gente, espero veros en directo y que vuestro disco rule a tope, que suene y que la peña lo disfrute como lo he hecho yo. Un saludo y gracias por vuestro tiempo.

Muchas gracias por tu apreciación, colega. Nos veremos en directo seguro. Tened paciencia! Saludos y gracias al lector que ha llegado hasta aquí. Un fuerte abrazo de B.O.Y.D. [El Gallego]

ÁLBUM: Bring Out Your Dead TEMAS: 7 DURACIÓN: 44’29’’ SELLO: Art Gates Records ESTILO: Progressive Metal LANZAMIENTO: Junio 2020

SATURNO

SATURNO es un lanzamiento que resume una trayectoria por parte de sus integrantes, como por el concepto que el disco “Menhir” trata, con altísima calidad y oscuridad, como para detenernos en cada una de las composiciones y plantearnos, de verdad, Qué Somos y qué nos han intentado hacernos creer que éramos. Con un despliegue técnico que abarca grandes referencias, aquí la entrevista con la banda para darle más ampliación al campo de batalla de su proyecto.

Ante todo, felicitaciones por un trabajo tan poco usual dentro del Metal Extremo Clásico. “Menhir” es un concepto desde la portada hasta su contenido ¿Contentos con el resultado?

Estamos muy contentos con los resultados, tanto por el sonido que nos ha permitido expresar rasgos salvajes y explorar al mismo tiempo ambientes profundos y agresivos. Así como también la unión de los conceptos artísticos y poéticos que rodean la lírica y la estética visual en su conjunto, todo esto se ha sumado para concretar, lo que creemos que es un proyecto sólido y maduro.

La portada y el logo de la banda han sido encargadas al ilustrador Tomas Morales Reid, quien luego de extensas conversaciones, ensayos, conciertos y algún que otro influjo malicioso, ha logrado acertar un arte que para nosotros simplemente ha sido la guinda de la torta en esta gran experiencia.

¿Cómo es trabajar un disco desde la Arqueología Espiritual de una raza y fusionarlo con el Metal?

Desde un principio, supimos que el trabajo que nos ocupaba en horas de ensayo tendría que ser extendido más allá, de esa forma dedicamos mucho tiempo a pensar y divagar acerca del concepto, revisando las letras que fueron trabajadas una a una pensando en la visión general del proyecto. De esta manera y en el transcurso de un año aproximadamente, logramos reunir suficiente material escrito para convertirlo en canciones como tal.

Y hablando de la temática, nos centramos tanto en aspectos espirituales de lo que consideramos el hombre arcaico, como en los rituales asociados a las culturas primigenias de la zona, que aunque humildes en avances sociales y arquitectónicos, poseían avances indescriptibles en lo puramente humano y espiritual. De esta manera pusimos hincapié en lo que consideramos son los aspectos fundamentales de la cultura, incluso antes de la vida en sociedad, la cosmología, la lucha por sobrevivir, la añoranza del cosmos, el respeto por la tierra, y el aprendizaje del individuo.

Se encuentran conectados en una temática que se ha vuelto la piedra angular de nuestro proyecto.

El estilo del disco tiene decenas de referencias, no es simplemente “otro-disco-de-Death”, hay variaciones, cambios importantes en la ejecución de la batería, ¿Cómo fue conseguir este sonido?

Trabajamos en silencio por más de un año y además de eso fue fundamental la experiencia que traían consigo los músicos que se iban sumando, junto con ello el énfasis de un sonido más allá de las modas imperantes, forzando cada amplificador a dar el máximo en el refuerzo de graves y sin descuidar el equilibrio natural de las notas más cristalinas. La profundidad de los tambores en concordancia con la distorsión del bajo, bañados por el eco de voces guturales que sobrevuelan la pesadez. Aun así, varios meses tuvieron que transcurrir luego de la grabación para darnos por satisfechos con el sonido, en síntesis hubo una total obsesión por el resultado final hasta lograr un sonido sólido, equilibrado y orgánico.

sugestiva, me permitió recordar a mis amigos Araucanos, y recordar a las Machis Mapuches, ¿transmitir magia era una de las intenciones del disco?

Por supuesto, las Machis, el símil austral y femenino de los antiguos druidas, de alguna manera, siempre han estado en nuestros pensamientos creativos más avezados, teníamos la esperanza de transmitir cierto dejo del espíritu viviente de los antiguos habitantes y depositarlo directamente en el inconsciente de los oyentes. Una reminiscencia que te arrastra a épocas inimaginables.

¿Entraron a grabar con las canciones listas? ¿O fueron variando a medida que producían?

El 99% del disco ya estaba súper ensayado y revisado antes de entrar a grabar, sin embargo siempre dejo algo de espacio para la creatividad espontánea, que según creo muchas veces otorga esa cuota de magia extra en algunos detalles.

¿Algo que quieran agregar, decir, corregir o mentar a nuestros lectores?

Somos una banda tremendamente humilde pero con un corazón de piedra, hemos asestado el primer golpe y dos más están por venir. Somos independientes y todo el apoyo que puedan darnos es fundamental para mantener con vida este proyecto, estamos en la búsqueda de un sello de cualquier rincón del planeta, y estamos ansiosos de poder cruzar pronto las fronteras de nuestro país llevando esta brutalidad austral a cualquier parte del orbe.

Si bien el proyecto es de Lautaro Muñoz, ¿Cómo ha sido implicar y convocar al resto de los integrantes para Menhir?

Debido a que muchos de los integrantes tienen sus propias bandas y proyectos asociados, no podemos determinar a ciencia cierta cuanto tiempo pueda quedarse un músico en este proyecto; sin embargo, después de la reciente salida de Bastian Contreras (batería), Sergio Rojas (guitarra), casi al instante hemos encontrado gente con mucha experiencia que se está sumando a las filas, como lo son el baterista Andrés Enríquez (ex-Decem Maleficium) y el guitarrista David Sandoval (A Sad Bada /Thvnvtos), con los cuales ya estamos trabajando en lo que será el segundo LP de la banda. Al margen de pandemias y catástrofes el sonido infernal no ha de detenerse nunca. ¿En manos de quién ha caído el arte de tapa, y cómo ha sido trabajarlo?

En pocas palabras, ¿Cuál es el concepto de Menhir”?

Menhir es una exhalación antigua, un grito olvidado, un recuerdo creativo, el vaho de los arboles después de una gran tormenta, el ruido golpeando las paredes de las cavernas.

A mi gusto personal, “Avalanchas” me derritió el cerebro, el sur de América tiene tanta intensidad espiritual que he notado en esta letra, en esta furiosa canción. ¿Cómo fue componer y grabar esta canción?

Fue la última canción en componerse, las estructuras y riff principales hechos por Lautaro Muñoz con arreglos de la banda. Fue increíblemente rápido hacerla, ya sabíamos dónde iría, y lo que queríamos lograr, creo que tan solo nos tomó unos tres ensayos tenerla terminada. En estudio, fluida, con los arreglos ya en mente, la verdad es que fue un placer haberla dado a luz de manera tan relajada.

Por otra parte “Mente indomita”, con esa introducción tan

¿Planes para este 2020 que acaba, y el 2021 que viene?

Sobrevivir a las pestes y los gobernantes nefastos. Vivir lo suficiente ver terminada nuestra obra, una trilogía de discos bajo el mismo concepto. MENHIR fue el primero, le seguirán DOLMEN y CROMLECH. Así que atentos, esto acaba de comenzar…

[Sebastián Abdala]

ÁLBUM: Menhir TEMAS: 6 DURACIÓN: 42’32’’ SELLO: Autoeditado ESTILO: Black / Death / Doom LANZAMIENTO: Mayo 2020 NUM. 75 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 17

ATRAE BILIS

El próximo 14 de agosto a través de Transcending Obscurity Records, verá la luz “Divinihility” , el esperado trabajo de los canadienses ATRAE BILIS, un trabajo donde la combinación de una exquisita técnica con la potencia y ferocidad del Death Metal estarán más que presentes y donde se demuestra el potencial de esta banda. De este trabajo y más aspectos de la banda nos habló su guitarra David Stepanavicius.

Bienvenido a la revista Necromance. ¿Puedes presentar Atræ Bilis a nuestros lectores?

Hola David y gracias por invitarnos a hablar contigo. También agradecemos la cálida revisión de DIVINIHILITY en Necromance Magazine, así que también te agradecemos eso.

ATRÆ BILIS es un proyecto de death metal de Vancouver, Columbia Británica. Somos cuatro amigos con diferentes antecedentes: Luka toca la batería y es originario de Serbia, Brendan y Jordan siempre han vivido en Canadá, y tocan el bajo y cantan respectivamente, yo soy David, toco la guitarra y soy originario de Australia. Nuestras bandas anteriores tocaron una mezcla de black, death y grind. Ninguno de nosotros nos conocíamos antes de ATRÆ BILIS. Luka y yo nos conocimos en una tienda de discos local y comenzamos a tocar juntos aproximadamente una semana después de eso; nos llevó unos meses hasta que descubrimos a Brendan a través de proyectos personales en línea, y un par más para que Jordan nos encontrara a los tres a través de un anuncio que habíamos publicado. Originalmente, este anuncio buscaba a una persona para cantar y tocar la guitarra, pero Jordan encajó tan bien con nosotros que decidimos continuar con la formación actual. con la que llevamos tocando juntos desde finales de 2018, creo.

Vuestro debut “Divinihility” saldrá en agosto de 2020, ¿Qué se pueden esperar los fans?

Así es. DIVINIHILITY estará disponible en CD, vinilo y digitalmente a través de Transcending Obscurity Records. Es difícil para nosotros describir nuestro sonido a otras personas y, si somos totalmente honestos contigo, todavía no sabemos cómo explicarlo. Nunca tuvimos ambiciones de sonar como algo específico, por lo que nos gusta evitar las comparaciones en ese sentido. Pero, según lo que los críticos han dicho sobre DIVINIHILITY, los fans pueden esperar un death metal disonante con momentos de tecnicismo y atmósfera. ¿Hay algo con lo que quieras que los oyentes se queden principalmente de este álbum?

DIVINIHILITY no tiene ímpetu político ni agenda social, por lo que consideramos que “quiero” es una palabra fuerte aquí: los oyentes deben interpretar el trabajo libremente.

Para nosotros, sus temas se centran en la experiencia y la exploración y si hay algo que nos gustaría que lograra el disco, sería conectar con los oyentes que se acercan a las canciones sintiéndose tan inspirados y capacitados como nosotros al tocarlas. ¿Hay algo en el disco que crees que pueda sorprender a los fans?

Fuimos muy meticulosos con respecto a los detalles de producción del disco, por lo que no hay mucho que nos sorprendiera una vez fue terminado pero. sin embargo, nos sorprendió gratamente lo fácil que fue elegir la portada. El artista, Adam Burke, estaba entusiasmado con el concepto de nuestra portada cuando contactamos con él; nos envió un boceto para revisar, y luego se puso a trabajar para terminar la portada que ves ahora. Además de ese bosquejo inicial, no recibió más comentarios de nuestra parte. Volviendo a esta pregunta, nos gustaría que nuestros fans nos sorprendieran a nosotros y confiamos en sus percepciones de lo que hacemos para conseguir nuestro sonido. Nunca habíamos considerado que nuestras canciones estuvieran en el lado técnico, ni siquiera momentáneamente, por ejemplo, pero eso es lo que algunas personas están escuchando, lo cual es una locura. Además, los fans también dicen que somos exclusivamente canadienses y, a pesar de que esa afirmación es complementaria (las bandas de Canadá son realmente increíbles), la realidad es que la mitad de la banda acaba de desplazarse a vivir en Canadá después de estar en el extranjero. Así que no estoy totalmente convencido de que el entorno haya influido en nuestro sonido en ese grado. ¿Cómo se escribió el álbum y cómo fue la participación de los miembros de la banda?

DIVINIHILITY fue escrito en dos etapas y musicalmente, se unió por sí solo. No confiamos (y aún no lo hacemos) en software o grabaciones caseras para componer nuestra música y creemos que escribimos más orgánicamente dentro de nuestro local de ensayo. En ese sentido, nuestras principales herramientas de escritura son nuestro régimen de práctica y el momento del ensayo en sí. Creo que la razón por la que nuestros fundamentos han necesitado tan poco es porque Luka y yo aparentemente compartimos una

química musical muy natural, los riffs de guitarra, los patrones de batería y los arreglos solo ocurren de alguna manera cuando estamos juntos en ese espacio. Para mí, el proceso de escritura de canciones para DIVINIHILITY se sintió más como amarrarse al asiento y disfrutar del viaje que cualquier otra cosa. Cuando Brendan y Jordan se unieron a nosotros después de que se compusiera la mayor parte de DIVINIHILITY, estuve muy involucrado. No obstante, las canciones se terminaron definitivamente a través de sus perspectivas, instrumentación y una sesión de preproducción en Rain City Recorders, que hicimos durante tres semanas antes de comenzar las sesiones de grabación reales.

Líricamente, había un poco más de presión. Utilizamos un período de tres semanas para completarlos. También tuve mucha participación con la letra, aunque no era mi intención desde el principio. Pero, los otros muchachos apoyaron las ideas propuestas, así que simplemente seguí con ellas. En total, escribí la letra de las primeras cuatro canciones del disco, y Brendan escribió la letra de la última.

Una vez que tuvimos suficiente contenido, Jordan utilizó las grabaciones de preproducción para hacer sus arreglos vocales y hacer que las letras funcionaran y este proceso también nos permitió revisarlos contextualmente. Jordan logró adaptar e hizo múltiples revisiones de canciones bajo un crunch realmente exigente. ¡Grita Jordan! ¿Teniais una idea de lo que querían que fuera “Divinihility” cuando comenzaron a componerlo?

Siempre hemos previsto que DIVINIHILITY sea un conducto para hacer cosas geniales con nuestras vidas. Si este disco, que es una muestra de lo que vendrá, nos permite pasar más tiempo personal con otros artistas, pensadores y nuevas oportunidades, entonces nuestras ideas y motivaciones iniciales se habrán manifestado completamente. Todos deberían creer en lo que hacen.

Grabasteis “Divinihility” con Matt Roach y Jesse Dean en Rain City Recorders. ¿Qué os pareció trabajar con ellos?

Matt Roach nos fue presentado a través de Rain City Recorders, que es una colaboración de productores, ingenieros y técnicos. Como nunca antes habíamos conocido a Matt, era importante para nosotros comunicarle nuestras ambiciones y gestionar las expectativas de todos antes de comenzar a trabajar juntos. Matt estaba increíblemente entusiasmado y se esforzó por hacernos sentir cómodos durante todo el proyecto. Mientras me tomaba mi tiempo libre del trabajo para estar en el estudio con la mayor frecuencia posible, Matt y yo pasamos más tiempo juntos que nadie. Ahora sabemos mucho sobre la vida personal de cada uno gracias a los largos días en cuartos pequeños.

Nuestra ética de trabajo es intensa, por lo que a veces los estómagos vacíos y poco sueño aumentan esas intensidades. Sin embargo, en última instancia, siento que esas condiciones sacaron la mejor energía del disco y nos hicieron estar más cercanos. Matt siempre hizo un esfuerzo adicional para apaciguar a los momentos raros, a menudo solicitudes frustrantes, todo mientras hacía malabares con sus otros clientes y sus proyectos igualmente importantes, lo que es un testimonio de su compromiso profesional. Esperamos trabajar con Matt nuevamente. Jesse, Dean y Matt trabajaron juntos para acelerar el proceso de grabación y producción; no teníamos tanto contacto directo con Jesse como con Matt, pero Jesse era un tipo genial y también era muy fácil trabajar con él, al igual que el resto del equipo de producción, que también incluía a Emily Ryan, la ingeniera asistente y Alex Glassford, el técnico de batería. ¿Cuál fue tu momento favorito durante las sesiones de grabación?

Hubo muchas ocasiones memorables. La mayoría de las veces, se centraron en que nos reíamos de lo pesadas que se estaban volviendo las canciones y quizás una omnipresente nube canadiense dentro de la sala de control tuvo mucho que ver con eso o tal vez siempre nos sentiremos como niños excitables cuando se trata de música pesada, de cualquier manera, las sesiones estaban llenas de risas.

Si tuviera que elegir personalmente un solo momento favorito, probablemente fuera el momento de entrar al estudio para comenzar las sesiones, sintiéndome orgulloso de lo que íbamos a emprender.

Líricamente, ¿hay algún un concepto que una las canciones?

El disco es un trabajo conceptual, por lo que todas las canciones están conectadas líricamente (y musicalmente).

Para maximizar la experiencia, DIVINIHILITY debe escucharse en la secuencia prevista. La narrativa lírica involucra una profunda experiencia psicodélica, atravesando la puerta de la muerte y renaciendo como un gusano dentro del mismo cuerpo difunto. Las cosas también se vuelven más complicadas a partir de ahí, pero deberás tener una copia física de la edición para leer y descubrir qué sucede a continuación. ¿De dónde viene el título del álbum “Divinihility”?

Bajo plena libertad artística, “DIVINIHILITY” es una combinación de dos palabras: “Divinity” y “nihility” y es a la vez el cenit del arco de la historia y la letra de cierre. ¿Qué nos puede decir sobre las primeras reacciones de la prensa al lanzamiento hasta ahora?

Las reacciones de la prensa han sido extremadamente positivas. La mayoría de las impresiones son que somos una banda interesante, algo que es una combinación humilde y gratificante, pero las respuestas seguramente variarán con el tiempo. Todavía es muy temprano para nosotros, por lo que agradecemos a todos los que se han tomado el tiempo para escribir sobre nosotros de cualquier forma. Cada reseña, entrevista y opinión nos da tracción, así que gracias. ¿Qué os hizo firmar con Transcending Obscurity Records? ¿Recibisteis alguna otra propuesta?

Cuando Transcending Obscurity Records nos contactó, también estuvimos en negociaciones contractuales con sellos de los EE. UU., Italia y los Países Bajos. Si bien nos hubiera encantado firmar con cualquiera de esas otras compañías, descubrimos que Transcending Obscurity Records eran muy razonable y estaban dispuestos a reunirse con nosotros en el camino durante nuestras negociaciones. Creemos que hicieron un gran esfuerzo para trabajar con nosotros porque realmente creen en lo que hacemos; esto, junto con los riesgos que estaban dispuestos a asumir con nosotros, es la razón principal por la que elegimos firmar con ellos. Esta compañía está haciendo cosas con nosotros que nunca antes habían hecho, y no lo tomamos a la ligera. Hay algunas bandas realmente interesantes en el sello, y estamos entusiasmados de ver lo que logran con el apoyo de Transcending Obscurity. ¿Algo que te gustaría añadir para terminar la entrevista?

Gracias de nuevo por la entrevista. Esperamos que todos los que la lean estén bien en este momento. Recuerden, ayúdense entre sí y apoyen a los artistas como puedan.

Compartir enlaces, dejar comentarios y hacer recomendaciones a otros no cuesta dinero, y aumenta la presencia de un artista exponencialmente. Si no han escuchado nuestra música, no duden en encontrarnos en Bandcamp o Spotify: Bandcamp – https://atraebilisdeath.bandcamp.com/ Spotify – https://open.spotify.com/artist/5bjXyzUjaDhe7az H8qkIRu?si=erFfOl1rRZWiRpWJa4ZHsQ También pueden reservar DIVINIHILITY en los siguientes puntos de venta: Estados Unidos – https://transcendingobscurity.aisamerch.com/ Europa: https://transcendingobscurity.aisamerch.de/ shop-en Tienda Indie Merch – https://www.indiemerchstore.com/b/ atrae-bilis-canada

Para todas las consultas de prensa, gestión y reservas, póngase en contacto con atraebilis@gmail.com [David Déniz]

EP: Divinihility TEMAS: 6 DURACIÓN: 22’04’’ SELLO: Transcending Obscurity Records ESTILO: Death Metal LANZAMIENTO: Agosto 2020 NUM. 75 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 19

TENEBREE

Nos encontramos hoy hablando del segundo álbum de los chilenos TENEBREE. “Errante Herejía” es un trabajo muy íntimo e interesante que nos permite disfrutar de un black metal clásico con tonalidades bastante modernas que supone un soplo de aire fresco en el género.

Hola a todos, al habla Maki. Espero que todo vaya bien por allí a pesar de estos meses tan duros que hemos pasado y que todavía perduran. En primer lugar, quería felicitaros por “Errante Herejía”, he disfrutado muchísimo de vuestro trabajo.

Muchas gracias por tus palabras Maki, nos alegra saber que nuestro trabajo está gustando a los amantes del Black Metal.

Como siempre, me gusta preguntar por el proceso de composición, ¿cómo trabajáis en TENEBREE? Desde nuestros inicios, la base musical siempre ha sido predominantemente dominada por las guitarras, tanto Neguss como desde hace un par de años Chkngr, son los cerebros tras las composiciones musicales. En segundo término, entra en función el trabajo de Mathl e Iskandar en el bajo, para terminar con mi trabajo en las letras y voces, lo que finalmente se acomoda, retroalimenta y se perfecciona en las sesiones de ensayo grupal. ¿Cuáles son las principales referencias de TENEBREE?, ¿Qué os inspira?

Nuestra principal referencia es el Black Metal melódico, no al estilo sueco de los ’90, sin que nos apasiona el sentimiento que las melodías pueden transmitir, acentuando el trabajo de las guitarras y la voz principalmente en este sentido, ya que junto a Neguss venimos cultivando este tipo de Black Metal desde 1999. Si bien es cierto, cada uno de nosotros posee influencias en cuanto a estilos, bandas, formas de interpretar, etc., lo que nos mueve como agrupación es visibilizar nuestras ideas que rayan en la Oscuridad, anticristianismo, valoración por nuestros pueblos originarios, rescate de las tradiciones del siglo XVIII y XIX de la zona centro sur de nuestro país, todo bajo el manto protector de la Naturaleza.

Para aquellos que no hayan escuchado “Errante Herejía”, ¿podéis hacer un resumen sobre lo que queréis transmitir?

Nuestro tercer disco en estudio se aleja de los anteriores puesto que para nosotros, evidencia un mayor y mejor trabajo de composición, nos tomamos el tiempo necesario en la elaboración de cada tema, tuvimos numerosas sesiones de ensayo, afinamiento y tanto esta parte que te señalo, como el arte gráfico, la grabación en estudio y luego su publicación, nos brindó una gran satisfacción a cada uno de nosotros, ya que le entregamos una gran dedicación desde mediados del año pasado hasta su salida en marzo de este año.

20 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 75

“Errante Herejía” transmite una alegoría o suerte de panegírico a todos aquellos seres vivientes que rechazaron la imposición de creencias extranjeras como el vomitivo cristianismo, se opusieron a la violenta invasión española iniciada en el siglo XVI en nuestros territorios, resaltando sus esencias ancestrales, su derecho natural e inmanente a la autodeterminación y por supuesto, a la libertad que encarna la verdadera naturaleza del ser humano en relación a su entorno natural.

Ahora más concretamente: “Herética negación del Maule” me ha encantado, ¿nos podríais comentar de qué trata exactamente para que los lectores de otros países puedan empatizar?

Nosotros habitamos la llamada “región del Maule”, ubicada al sur de la ciudad de Santiago, capital de Chile. El tema que refieres es para nosotros un himno, una declaración de principios que caracteriza la esencia de TenebreE, estableciendo a esta zona como nuestra fortaleza de resistencia ante la preeminencia de hechos y procesos que rechazamos, negamos y denunciamos por medio de nuestra música.

Desde el Maule rescatamos a quienes, a pesar de todo y sus circunstancias, trataron de seguir viviendo como sus antepasados y no cambiaron ni vivieron una especie de “sincretismo” que sólo llevaría a la desaparición de la cultura primigenia, única e irrepetible. Herética Negación del Maule, engloba a los grupos humanos que ante la invasión de los seguidores de la cruz, resistieron y continuaron cultivando sus esencias ancestrales.

Personalmente me ha encantado el tema anterior y “Virtuosa soledad eminente”, ¿alguna composición de la que estéis especialmente orgullosos o defina mejor a TENEBREE? Cada uno de nuestros trabajos ha tenido una creación que sobresalta, por ejemplo, en “Proclamación Atávica Testimonial”, el tema que nos representó fue “Proclamación Testimonial desde las alturas”, en “Infinito Honor de Existencia” fue el tema homónimo y ahora creo que nos sentimos representados por todos los temas, porque para nosotros son un conjunto de heréticas manifestaciones. ¿Me podéis comentar qué os parece la escena de metal extremo actual de Sudamérica y, más concretamente, de Chile?

En términos generales, consideramos que a nivel sudamericano hay extraordinarias bandas que cultivan diferentes estilos de Metal que muestran una fisonomía diversa, original y que

irradian un sentido nacional muy importante; decimos esto porque percibimos que cada país tiene importantes grupos que resaltan estilos propios, es decir, sentimos que Chile se destaca en el Black y Death Metal por largos años, es una marca registrada desde fines de los años ’80.

De nuestro país podemos señalar que la escena es pequeña comparada con lo que sucede en tu continente, sin embargo, a pesar de las excelentes agrupaciones que tenemos el apoyo de los “metaleros” se queda un poco rezagado – por decirlo de manera suave –, ya que se valora más a lo extranjero que al producto nacional en sí. ¿Algún proyecto a medio plazo en cuanto a más publicaciones o conciertos? (si el Coronavirus nos lo permite).

A mediano plazo solo nos hemos ocupado de la difusión de “Errante Herejía” a nivel mundial y además, lentamente hemos ido creando nuevos temas que aún no tienen una columna vertebral específica, sino que estamos rescatando melodías que han estado guardadas durante un tiempo. ¿Cuál va a ser el camino de la banda a partir de ahora?, ¿qué buscáis en TENEBREE? Nuestro camino como banda, desde la llegada de Chkngr y de Iskandar a fines del 2018 ha tomado un tránsito de mejor calidad, mayor encadenamiento de la esencia musical de TenebreE, y sobre todo, una mejor unión tanto profesional como personal entre nosotros, lo que es muy importante en un grupo humano, ya que la colaboración, la discusión crítica que poseemos y el permanente espíritu de perfección nos han entregado un crecimiento que nos avizora que lo mejor está por venir.

Muchas gracias por vuestro tiempo, ha sido un placer realizar esta entrevista y poderos conocer un poco más, ¿Nos recomendaríais a los lectores de Necromance algún tema de black metal que no nos podamos perder?

Sin lugar a dudas les recomendamos un tema nuestro, que se llama “Herética Negación del Maule” del disco “Errante Herejía”. Muchas gracias por tu interés y buenas vibras Maki, ha sido un agrado para mí, saludos a todos y por siempre… TenebreE. [Maki Pérez Jáuregui]

ÁLBUM: Errante Herejía TEMAS: 8 DURACIÓN: 50’06’’ SELLO: Australis Records ESTILO: Black Metal LANZAMIENTO: Enero 2020

BLACK ALTAR

De la potente escena Black Metal polaca llegan BLACK ALTAR, formados en el año 1996 y liderados por su bajista / vocalista Shadow, con el que contactamos para que nos hablara de la banda y de su más reciente trabajo compartido con la banda Kirkebrann.

Bienvenido a Necromance Magazine y gracias por tu tiempo para atender esta entrevista. ¿Cómo se está moviendo la banda con la pandemia actual, y cómo ha impactado en los planes de Black Altar?

Hola. En privado, lo estamos haciendo bien, es un momento mucho más tranquilo durante el cual podremos ponernos al día.

La única diferencia es que las salas de ensayo están cerradas y tenemos que ensayar en casa.

Black Altar es ahora un proyecto de un solo hombre; sin embargo, ¿hay planes para agregar nuevos miembros a la banda?

Durante unos 3 años, Black Altar ha sido una banda completa. Al principio se me acercaron músicos del grupo sueco Ondskapt, pero ya no tocamos juntos. Tengo una nueva formación completa con Mauser, ex miembro de Vader, y espero que siga así. ¿Cuáles son algunas de las bandas y artistas que inspiran a Black Altar?

Demasiados nombres para mencionar, pero generalmente es black metal escandinavo. Una vez fue principalmente noruego y ahora es más sueco. No sé si estas bandas tienen alguna influencia directa en el trabajo de Black Altar, porque trato de evitar la imitación y espero que tengamos nuestro propio estilo reconocible, pero son las bandas que más me gusta escuchar.

“Desus Inversus” (compartido con Kirkebrann) salió el 30 de junio a través de Odium Records; ¿Cómo están de animados Black Altar relacionados con esta edición?

Han pasado unos días después del estreno del split y debo decir que la respuesta superó mis expectativas. Muy buenas críticas que oscilan entre 8,5 y 9 sobre 10 y mucho interés de los medios.

Puedo ver que también hemos conseguido muchos fans nuevos.

Antes del lanzamiento del álbum, tuvo lugar el estreno del video musical, que preparó el terreno para el lanzamiento del split e hizo un muy buen trabajo promocional. ¿Podrías describir vuestra parte del Split desde sus primeras etapas hasta el producto final? ¿De qué manera fue diferente la grabación de “Deus Inversus” en comparación con los trabajos anteriores?

Hace unos años escribí la letra de “Deus Inversus” y luego junto con el guitarrista trabajamos en la música de este tema. Luego compuse la segunda canción “Ancient Warlust”. Hay 2 pistas + outro en la parte de Black Altar en el Split. En cuanto al proceso de grabación, primero Lars Broddesson (ex Marduk) grabó sus

partes en Suecia, luego grabamos guitarras en Londres con Mauser y finalmente tuvo lugar el proceso de postproducción. ¿Cuáles fueron los principales contratiempos para grabar el EP? Fue un proceso de postproducción extremadamente doloroso esta vez. Primero, Mauser hizo la mezcla y masterización, y luego nuestro actual baterista se hizo cargo. Se hicieron unas 100 versiones, tanto Black Altar como Kirkebrann, y cada una tenía algunos matices para mejorar, por lo que todos estábamos agotados por esta situación y la fecha de lanzamiento nos estaba alcanzando. Sin embargo, estoy satisfecho con el resultado final y valió la pena luchar por él. ¿Quién creó la portada del Split?

La portada fue realizada por el conocido artista Nestor Avalos.

Conocido por colaborar con, por ejemplo, Dark Funeral. ¿Qué dirías que más se destaca en “Deus Inversus” en comparación con el otro material de la banda?

Creo que estas canciones son las más exitosas de toda la discografía de Black Altar. Además, la letra de “Deus Inversus” es la más oculta que he escrito. ¿El Split es simplemente un calentamiento para un álbum completo y cuándo podemos esperar ver esto en Black Altar?

En parte sí, pero tenemos otro Split con los noruegos Vulture Lord el próximo año. El último álbum fue lanzado hace 12 años y creo que es hora de comenzar uno nuevo. Por ahora, tenemos casi 4 canciones, así que creo que podría lanzarse en unos 2 años. ¿Cuáles son algunos de tus gustos y lo que menos te gusta sobre la escena underground actual?

Honestamente, trato de no mirar a los demás, sino de hacer lo mío. Se sabe que la escena es completamente diferente ahora que hace 20 años. Como todos los que comenzaron su actividad en esos tiempos, recuerdo este período con gran sentimiento; se escribieron docenas de largas cartas y esperé ansiosamente una respuesta, envié flyers, cassettes, etc…, era una época en que el black metal era algo muy extremo, peligroso e indeseable para el comercialismo. La mayoría de las bandas tocaban música muy original, todos tenían su propio estilo, no había internet y todo estaba rodeado de un aura de misterio y elitismo. Hoy sabemos cómo se ve; toda la información sobre si la música está disponi-

ble en el acto. Sin embargo, no pretendo desesperarme y vivir solo con sentimientos, los tiempos han cambiado y quien no se adapte a la nueva realidad no sobrevivirá. ¿Qué significa para ti el black metal?

Pregunta extensa pero, en resumen, es un estilo de vida. La llama del Black Metal ha estado ardiendo en mí durante un cuarto de siglo y sigue tan fuerte como siempre, o lo amas o no. Para algunos músicos es solo imagen, diversión, dejan el escenario, se quitan el maquillaje y se convierten en personas completamente diferentes. Mirándome, nadie diría que soy un fanático del metal, pero en mi corazón vivo mis viejos ideales todo el tiempo. Sin una ideología, el black metal es solo un subgénero ordinario del metal.

También llevas Odium Records. ¿Puedes decirnos por favor los planes que tienes en este momento y cómo se formó este sello?

He estado llevando Odium Records desde 1997. En general, me concentro en la calidad de mi actividad y en los últimos años he publicado trabajos de bandas como Varathron, Thornspawn, Beastcraft, Graveland, Mephorash. Este año, el Split de Black Altar con los noruegos Kirkebrann y el álbum de los griegos Enshadowed se lanzaron en junio. En octubre, hay dos retornos después de muchos años de ausencia. El primero es la banda polaca Hell-Born, con ex miembros de Behemoth, incluido el cofundador de la banda de los que reeditaré toda su discografía. Se lanzará junto con los noruegos Vulture Lord, quienes regresan después de un descanso de 17 años con el álbum compuesto por Nefas. La nueva formación incluye músicos de Urgehal, Carpathian Forest, Beastcraft, Endezzma y Thornspawn y estoy muy orgulloso de que este álbum sea lanzado por Odium Records.

Como mencioné antes, sacaré otro split de Vulture Lord y Black Altar. Después de estos planes de publicación, tengo la intención de limitar la actividad del sello el próximo año y centrarme más en Black Altar, conciertos, etc.

Gracias por contestar esta entrevista para Necromance. ¿Algunas palabras para nuestros lectores?

Gracias por tu interés en la banda. Los invito a familiarizarse con el trabajo de Black Altar. ¡Saludos!

[David Déniz Plaza]

ÁLBUM: Deus Inversus (Split con Kirkebrann) TEMAS: Black Altar (3) - Kirkebrann (5) DURACIÓN: 31’28’’ SELLO: Odium Records ESTILO: Black Metal LANZAMIENTO: Junio 2020 NUM. 75 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 21

ABHORRENT

ABHORRENT, el grupo chileno de thrash metal, lanzó recientemente su nuevo LP “Katabasis”. 8 temas de thrash clásico con toques death metal que nos dejan entrever cuales son sus influencias musicales.

A través de las siguientes preguntas vamos a tratar de acercarnos al mundo de ABHORRENT. Ante todo, me gustaría felicitaros por vuestro nuevo trabajo y podríamos empezar hablando sobre vuestros inicios en la música y sobre la trayectoria que habéis llevado; contadnos un poco cómo empezasteis en este mundillo…

Hola, ¿Qué tal? Gracias por las felicitaciones. Estábamos en el colegio, éramos muy jóvenes, adolescentes, que comenzábamos a escuchar rock más duro, metal. No era fácil conseguir material muy nuevo, la dictadura militar en Chile tenia un bloqueo a las producciones extranjeras, tú sabes cómo es la mente de los milicos. Se instaló una tienda de música especializada y exclusiva en uno de los barrios más acomodados de la capital (lamentablemente no recuerdo el año que abrió, debió ser por 1985 más o menos), llamada Rock Shop. Los pocos aficionados al metal que había en la ciudad conseguían ahí ese tipo de metal extremo para la época, paralelamente se abrió un poco, en las radios y la TV, espacio para mostrar rock y metal, cosa que no duró mucho por la oposición de grupos ultraconservadores y religiosos. Nos conseguíamos material regrabado en cassettes y algunas veces conseguíamos algún vinilo. Con toda esa música en la cabeza, comenzó a rondar la idea de hacer nuestra propia música. A finales del año 1987, los hermanos Ayala (Carlos y Richard) y yo, comenzamos con los primeros intentos y formamos una banda que se llamaba ACCURST. Reclutamos algunos otros amigos y pudimos tocar en vivo (totalmente subterráneo) 3 veces. El año 1989 decidimos dar otro enfoque a la música que hacíamos y también el nombre, desde ahí en adelante somos ABHORRENT. Acerca de vuestras influencias musicales… ¿Cuáles son? ¿Son unas influencias comunes para todos vosotros?

Lógicamente que el metal, especialmente el Thrash. No negamos que también el Death metal nos gusta mucho y en la música d ABHORRENT se nota. Pero también tenemos influencias que vienen de otras ramas del rock: el progresivo, el sinfónico, el rock&roll, etc.

También nuestra música chilena que camina entre lo folclórico y el rock, menciones a Los Jaivas y Congreso, por ejemplo. Eso es lo que es común entre los miembros de la banda, ya personalmente la lista sería extensa. ¿Cuál ha sido vuestro mayor obstáculo como banda? ¿Y vuestro mayor logro?

Nos ha pasado de todo, la vida se ensaña con nosotros. Sin llorar por supuesto. Principalmente lo económico ha jugado en contra muchas veces. También problemas de salud, familiares, lo habitual para las personas comunes y corrientes. En cuanto a los logros, definitivamente tener nuestro sonido, esencia, propia en la música. ¿Cómo os repartís el trabajo a la hora de componer?

Las ideas vienen de todos los integrantes. Quien llega con una idea, la muestra y luego entre todos vamos dándole forma y vida. Nuestros Frankenstein sonoros nacen así.

22 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 75

¿Cómo fue el proceso de creación y grabación de “Katabasis”? ¿Grabáis siempre en el mismo estudio?

Katabasis fue construido con canciones que nos rondaban hacia un tiempo en la cabeza, que finalmente decidimos decantar y darles vida.

En el proceso se crearon otras canciones que incluimos en el álbum.

Hemos grabado en distintos estudios, lo que ha permitido alejarnos del sonido típico y tradicional de las bandas chilenas, junto con darle un carácter propio a cada producción. ¿Cómo le está yendo a “Katabasis” a nivel de críticas y de ventas? ¿Qué os comentan vuestros seguidores acerca del álbum?

Katabasis ha recibido muy buenas críticas en los medios especializados extranjeros. En Chile ha recibido una respuesta más bien fría. Tenemos entendido que las ventas van muy bien, considerando la crisis de salud y económica que afecta a todo el mundo. Los seguidores de ABHORRENT han encontrado excelente el álbum. ¿Hay algún tema del álbum que represente algo especial para vosotros o con el que os sintáis más identificados?

A los hijos se les quiere a todos por igual… Naaaaa, mentira, siempre hay uno favorito. En el caso de los españoles Felipito es el regalón (jajajajaja). Fuera de esa pequeña broma, solo podría opinar a título personal. The Deluge es uno, pero “Llamando” me gusta mucho por lo inquietante que llega a ser.

Hay un tema, “Llamando”, que no acabo de entender el papel que representa. ¿Se trata de algún tipo de transición hacia la parte final del álbum? ¿Qué podéis contarnos acerca de este tema?

El tema “Llamando” fue concebido con el propósito de desconcertar al oyente. Las personas naturalmente buscarán una explicación y una respuesta pensando, al igual que tú, que es una transición hacia el resto del álbum, que es una locura musical de la banda, un experimento, una volá (como decimos en Chile) y cosas similares. La verdad es que “Llamando” es un tema, una canción, que relata ese tipo de historias que se cuentan solas. Es el único tema escrito en castellano del álbum, pero en código morse. Cuando lo descifras, comprendes el contexto y la sonoridad del tema. Para darte una pista: Se recibe un mensaje (para las mentes imaginativas) en un punto lejano del universo que proviene de un planeta muerto (La Tierra). El código completo está en el librillo del CD. En España se han cancelado la mayoría de festivales y conciertos para las próximas fechas y los que se celebrarán tendrán un aforo muy reducido y con medidas frente a posibles contagios. ¿Cómo os ha afectado a vosotros la crisis del COVID-19?

Esta va a ser una respuesta que no irá por el carril de lo políticamente correcto. Chile tiene todo cancelado, suprimido, prohibido o en el mejor de los casos restringido…para población sin privilegios, ósea casi

todos. No vamos a negar la existencia del virus, ni su contagio o hasta su letalidad, pero aquí se le ha usado sin medida ni piedad como un instrumento político de control de masas. Desde octubre de 2019 que la población ha entrado en una protesta permanente contra el gobierno, el modelo económico, la desigualdad socio económica y las injusticias de la sociedad chilena. Por ese motivo, muchos conciertos, ya sea internacionales o de bandas locales, se vieron mermados o cancelados. Llegó marzo de 2020 y comenzamos, sospechosamente, con los primeros contagios. Muy ágilmente el gobierno decretó estado de emergencia sanitaria, estado de catástrofe, toque de queda, nuevamente la fuerza militar en las calles, con el claro objetivo de terminar con la protesta y amedrentar a la población con el temor a la enfermedad. Ahora, todos los eventos masivos están suspendidos, eso incluye conciertos de cualquier volumen de asistencia. De verdad que aquí las cosas son muy contradictorias, por decir algo amable y mínimo. ¿Qué próximos proyectos tenéis en mente?

Por ahora aprovechamos esta situación de confinamiento para explorar nuevas ideas y componer nuevas canciones para un nuevo álbum, ya tenemos algunas cosillas que se van desarrollando. Esperamos que resulte en toda una sorpresa para el público. Por otro lado, poder realizar alguna gira que nos permita mostrar nuestro trabajo a la mayor cantidad de personas posible, nuestra agenda está abierta.

Individualmente los integrantes de ABHORRENT participan en otros proyectos y bandas. Freddy, el baterista, es parte de una legendaria banda de hard rock chilena y creo que están a punto de sacar un nuevo álbum también. Rodrigo, el bajista, participa en una banda tributo a Led Zeppelin y además tiene su proyecto de Blues, y Luis, Vocalista, está trabajando con una banda paralela que también sacará su primer EP próximamente.

Y ya para cerrar esta entrevista me gustaría felicitaros nuevamente por vuestro trabajo y daros las gracias por atendernos. Es vuestra oportunidad de comentar a nuestros lectores lo más os apetezca.

Gracias a ustedes por darnos la oportunidad de mostrar nuestro trabajo y un poco como somos de manera más íntima. Queremos saludar también a todas las personas que les gusta, siguen y apoyan a ABHORRENT. Esperamos poder encontrarnos en algún momento y compartir nuestra música con ustedes en vivo. Un gran abrazo para todos. KATABASIS está disponible en https://abhorrentau.bandcamp. com/releases [Ataegina Moon]

ÁLBUM: Kathabasis TEMAS: 8 DURACIÓN: 40’08’’ SELLO: Australis Records ESTILO: Thrash Metal LANZAMIENTO: Abril 2020

CONQUEST ICON

¡Bienvenido a las páginas de Necromance !. ¿Cómo comenzó Conquest Icon y cómo fueron sucediendo los acontecimientos de la formación?

Hola y gracias por invitarnos a las páginas de vuestra revista!!. Conquest Icon fue fundado en 2009 por Empherion (Empheris) y yo.

Inicialmente se suponía que era un proyecto: queríamos grabar un álbum con ideas que teníamos en mente y eso es todo, pero cuando terminamos de grabar nos dimos cuenta de que no queríamos detenerlo y fue entonces cuando Conquest Icon se convirtió en una banda “normal”. La formación inicial fue: Empherion – voz, Th0rn – batería, Major – guitarras, Blast! – bajo y yo – guitarras y voces. Poco después, Th0rn y Empherion abandonaron la banda debido a problemas personales y otros compromisos; Imp, que nos ayudó con la batería invitada en “Hellspire”, se unió a nosotros permanentemente y Ronve fue recomendado por Empherion antes de irse y esta es nuestra formación actual: Imp – batería, Ronve – voz, Blast! – bajo, mayor – guitarras y yo – guitarras y voces.

“Empire of the Worm” es vuestro segundo álbum que fue lanzado en marzo de 2020, ¿puedes contarme algo sobre el proceso de composición?

Me gusta componer música de manera espontánea y todo comienza con un trozo de papel en blanco; no empiezo a escribir con una idea en mente: “comenzamos con la explosión, luego vamos más despacio, aquí habrá un puente y luego un coro”, etc. No podría escribir así. En cambio, solo me siento con mi guitarra y toco un rato y durante ese tiempo empiezo a escuchar algunos patrones interesantes y escribo o grabo estos patrones. La siguiente vez que vuelvo a tocar, empiezo con estos riffs e intento desarrollarlos más. Cuando finalmente tengo un borrador de la canción, grabo una demo y la envío a los chicos y luego nos reunimos en el local de ensayo y trabajamos en los detalles.

Bueno, ese fue el proceso para “We Are The Ancients” y “Empire of the Worm”, ya que no pudimos reunirnos con demasiada frecuencia debido a todo tipo de razones personales. ¿Cuáles fueron algunas de las partes más difíciles de crear para “Empire of the Worm” desde tu punto de vista?

Falta de tiempo … sinceramente. Comenzamos a hablar sobre el nuevo álbum alrededor de 2014 y poco después compartimos algunos videos del local de ensayo con avances. Al mismo tiempo, tuvimos hijos, así que tuvimos que dar prioridad a la familia primero. Luego yo decidí volver a los estudios después de 15 años de descanso y estábamos en el medio en ese momento y todo esto afectó nuestra disponibilidad. Hubo momentos en los que no nos vimos durante 3-4 meses seguidos porque nadie pudo hacerlo y cuando finalmente comenzamos a grabar este álbum, también nos mermó la falta de tiempo, por lo que tuvimos que dividir las sesiones entre diferentes estudios y meses …

Cada banda tiene su propio método para componer nuevas canciones, ¿Cómo lleváis vosotros esta tarea? ¿Es mucho más una actividad grupal o se deja principalmente a un miembro?

Creo que es más bien una actividad grupal. Debido a que trabajábamos principalmente de forma remota, yo era responsable de la mayo-

En modo devastador se nos presentan los polacos CONQUEST ICON con su 2º y más reciente trabajo de estudio “Empire of the Worm”, un trabajo que ha visto la luz a través de Godz ov War y donde nos encontraremos con un Death Metal potente y directo y con cierto regustillo Old School. Charlamos con Andy Blakk, guitarrista / vocalista de la banda y esto es lo que nos contó… ría de las partes de guitarra y establecía el concepto para la batería, pero no imponía mi opinión si los chicos tenían algunos comentarios o inquietudes y los tenían muchos de ellos y la mayoría fueron tomados en cuenta. De todos modos, las cosas van a cambiar ahora. Los niños han crecido, hemos terminado algunas cosas personales, el encierro ha terminado, así que volvemos al local de ensayo y ahora estaremos trabajando en cosas nuevas.

Algunas bandas escriben canciones al azar y otras con un concepto detrás, ¿me podrías contar cuál es la historia detrás de “Empire of the Worm”?

Cuando comencé a escribir música en este álbum tenía en mente algunos conceptos líricos, ya que a Ronve no le gustaba la ciencia ficción oscura, pensé en algunas historias orientadas al horror. Y antes incluso de que empezáramos a hablar sobre las letras, mi buen amigo Łukasz Radecki, escritor polaco, me dio su colección de historias llamadas “Kingdom of Gore”. Entre todas esas historias había una llamada “Kingdom of the Worms” que realmente me gustó. La historia fue un viaje a través del mundo surrealista y monstruoso que era una alegoría de la naturaleza humana oscura. Pensé que encajaba perfectamente con lo que Ronve estaba escribiendo: significado, historias sobre la naturaleza y el comportamiento humano oscuro y ese fue un concepto para la letra. De todos modos, pasé de contrabando algo de ciencia ficción oscura a mis letras y puedes escuchar algunas referencias a “Hellspire” y “We are The Ancients” en la canción llamada “Crown the Beast”. ¿Qué pueden esperar los fans de este nuevo disco?

Bueno, la gente puede esperar 40 minutos de death metal en su forma pura. Pero en lugar de decir qué música pueden encontrar en este álbum, permítanme decirles tanto el bandcamp de Godz ov War y el nuestro donde pueden escuchar el álbum. https://godzovwarproductions.bandcamp.com/album/empire-of-theworm https://conquesticon.bandcamp.com/album/empire-of-the-worm ¿Cómo compararías “Empire of the worm” con “Hellspire” del 2010?

Es difícil para mí compararlos, ya que no puedo ser objetivo aquí. He compuesto ambos álbumes y ambos son muy importantes para mí.

El nuevo álbum tiene una producción definitivamente mejor ya que he aprendido mucho en estos 10 años y también es más diverso. Sin duda es un paso adelante y un progreso natural de la banda, pero aún escuchas que se trata de Conquest Icon, especialmente en temas como “Behold the Flames of Hell”, que tiene un ambiente de “Hellspire”.

¿Cómo lograsteis firmar con Godz Ov War Productions?

Cuando terminamos las grabaciones, le envié algunas pistas a Greg.

Todavía no se habían mezclado y masterizado, pero quería saber su opinión y en base a lo que escribió, sabía que llegaríamos a un acuerdo. En realidad, esperábamos firmar con Godz ov War, así que esta fue una gran noticia el que le gustará lo que escuchó. Greg está haciendo un gran trabajo en la promoción de sus bandas y además, nos conocemos desde hace tiempo así que es una situación muy cómoda para nosotros.

Polonia, una tierra de bandas increíbles. Gente de todo el mundo conoce Polonia a través de sus bandas clásicas y las nuevas bandas que salen. ¿Qué apoyo has recibido en tu tierra natal?

Recibimos muchos comentarios excelentes de los oyentes, así como de otras bandas. No hemos estado activos durante muchos años debido a las razones que mencioné anteriormente, por lo que era natural pensar que muchas personas se habían olvidado de nosotros pero no fue así realmente y la cantidad de comentarios fue realmente impresionante. También tenemos algunas propuestas de conciertos de bandas de diferentes partes de Polonia, así que espero que podamos materializar algunas de ellas en 2021.

Si pudieras cambiar una cosa sobre la historia de la banda hasta ahora, ¿Cuál sería?

No creo que me gustara cambiar nada. Bueno … tal vez falta permanente de tiempo, pero es más nuestro problema personal que el de la banda. Como banda estamos bien, estamos donde estamos y estamos muy contentos con eso. Sé que podríamos haber hecho más en estos últimos años, pero hay cosas importantes y más importantes.

Tuvimos que lidiar con esto último para poder enfocarnos en Conquest Icon. ¿Hay algo más que quieras decir o agregar?

Muchas gracias por contar con nosotros en la revista Necromance y tu apoyo. No los haremos esperar quién sabe cuántos años para el nuevo álbum, eso es seguro. Por lo tanto, mantengan sus ojos (y oídos) abiertos. band@conquesticon.org – https://www.facebook.com/ ConquestIcon/ [David Déniz Plaza]

ÁLBUM: Empire of the Worm TEMAS: 10 DURACIÓN: 140’41’’ SELLO: Godz ov War Productions ESTILO: Death Metal LANZAMIENTO: Marzo 2020 NUM. 75 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 23

SOULROT

Los chilenos SOULROT editan a través de Memento Mori su nuevo y segundo trabajo “Victims of Spiritual Warfare”, una nueva demostración del potencial que tiene esta banda dentro del Death Metal y del que nos habla en profundidad sus tres miembros JH Wilschrey, DE Fredes y JL Olmos.

Primero de todo, un placer poder entrevistaros de nuevo. Para empezar, preguntaros cómo estáis y cómo vivís esta época tan dura con los confinamientos por el COVID-19?

JH: Saludos Luis, ya con una cerveza en mano mientras redacto estas respuestas, nos gustaría expresar el honor que sentimos de formar nuevamente parte de esta sección de Necromance.

Sobre cómo hemos vivido este virus, te comento que acá en Chile desde marzo hemos estado haciendo cuarentena desde nuestras casas. Gran parte de la población ha cambiado su modalidad laboral a trabajo remoto, pero no deja de preocupar la situación de muchas personas que no pueden optar por esta modalidad, ya sea por la naturaleza de su trabajo o que muchos son trabajadores independientes. A pesar de las pobres medidas de nuestro gobierno, esperemos que esta situación no se extienda más de lo necesario y podamos volver pronto a una normalidad que nos deje este momento tan solo como un amargo recuerdo.

Vamos a hablar en esta primera pregunta de cómo funcionó “Nameless Hideous Manifestations”, ¿Qué tal fue la recepción de los medios, público y underground en general? ¿Qué aportó este debut a SOULROT? JH: Ufff, no solo la recepción sino todo el proceso fue increíble y enriquecedor. Nunca pensamos que nuestro primer disco podría generar tanto ruido en rincones tan distintos del planeta. Desde la salida del CD en España a través de Memento Mori y en grecia el formato Tape (Screaming Victims) y LP (Floga Records), nos han llegado muchos buenos comentarios de la calidad musical y sonora, rememorando a modo de homenaje aquellas bandas de Death Metal de los 90s que escuchábamos y nos batían el cráneo. Ha sido potente leer reviews y opiniones tanto positivas como negativas, pero sobre todo el recibir en modo de comentarios y mensajes el cariño que guardan los bangers con este material. Nunca pensamos, por ejemplo, que se convirtiese en un material de culto. Acá en nuestro país las copias en todos sus formatos se nos acabaron muy rápidamente y eso nos llamó muchísimo la atención.

Aún hoy día hay bangers que nos contactan para tener copias de este material en su colección.

DE: Desde las Entrevistas y reseñas hasta la compra de material, fue un muy buen recibimiento, agradecemos mucho el apoyo en ese sentido, también nos da retroalimentación a través de todas las críticas, pero el hecho de haber puesto todo de nosotros en el proceso, se retribuye enormemente con la buena energía de la gente, que nota el trabajo ya sea en los instrumentos como en la producción, y creo que entrega esa vibra de hacer las cosas de forma creativa.

Bien estos días se edita el nuevo álbum “Victims of Spiritual Warfare”, de nuevo bajo la ayuda del sello Memento Mori. Tras haber trabajado con ellos en vuestro debut del año 2017, ¿qué nos puedes comentar de su trabajo con SOULROT, vuestra relación con el sello y expectativas con este nuevo álbum?

JH: Así es Luis. Con los años hemos forjado una relación muy cercana con Memento Mori en base a la confianza mutua y la calidad de nuestro trabajo en conjunto.

Para la banda trabajar con Raúl Sampedro ha sido trabajar con gran amigo que no solo nos apoya, sino que no tiene pelos en la lengua para decirnos si “la estamos cagando” o no jajaja. Agradecemos mucho su sinceridad y confianza, y creo que como banda hemos correspondido muy bien en base a la calidad de nuestro trabajo. En base a esa relación es que nuevamente decidimos trabajar en conjunto con Memento Mori para Victims of Spiritual Warfare, el que creemos es un digno sucesor de Nameless Hideous Manifestations. El proceso de producción fue muy similar salvo algunos elementos en la fórmula que quisimos innovar. Por un lado, VoSW tiene un génesis más desde el grindcore ácido como Napalm Death, Traumatic y Terrorizer 24 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 75

pero manteniendo esa esencia de sonido sueco en base al HM-2.

Creemos que las nuevas canciones de VoSW van a dar tanto que hablar como lo fue NHM, gracias a su propuesta sonora y creativa, pero también al pequeño toque ácido que quisimos incorporar haciendo canciones más cortas y más rápidas.

DE: Una tremenda experiencia trabajar con Memento Mori, agradecemos mucho su disposición y excelente trabajo. El nuevo álbum ha sido un nuevo ciclo que cumplimos de nuestra forma de hacer música, bastantes ensayos para revisar y pulir las canciones, más el trabajo con el metrónomo. Esos pequeños cambios que se nos ocurren durante las grabaciones, en fin jugar y disfrutar el proceso, sabiendo desde dónde viene lo que queremos comunicar.

JL: Tenemos una muy buena relación con Raúl de amistad y trabajo, es muy grato trabajar con el sello. Este nuevo trabajo en particular trae más del grind del ‘90 con el sonido de Soulrot, los singles liberados han tenido una crítica positiva.

Adentrándome en la música de este nuevo CD, he comprobado que habéis optado por incluir bastantes temas, 15 algo poco habitual en grupos de Death Metal, acortando la duración de los temas en muchos casos. ¿Cuál es el motivo de esto? ¿Creéis más en el sentimiento que ofrece un tema directo y corto o en temas más largos y que ofrezcan diferentes atmosferas?

JH: VoSW es un viaje, directo, doloroso y punzante. Temas cortos y directos sin mucho aviso ni parafernalia. Nos gusta mucho esa esencia propia del Grindcore o el D-beat en que puedes comunicar mucho desde tan poco, la filosofía más purista del menos es más.

Riff simples, ritmos fáciles de asimilar y letras desgarrantes. Esa es un poco la fórmula del caos que utilizamos en el proceso jajaja.

Creo que incluso incluyendo los intermedios y las canciones más extendidas, es una experiencia auditiva que se hace corta y amena, gestando constantemente el deseo de querer seguir escuchando más y más.

DE: Desde que se gesta la idea de un material nuevo, nos enfocamos en lo que queremos manifestar, y en los ensayos se fue dando de forma natural, una y otra vez hasta que nos convence cada tema,

en esta ocasión fuimos en esa línea de hacer canciones cortas, más apegadas al grindcore, pero con el sonido de Soulrot.

JL: Es algo que se a tratado de mantener a la hora de crear en Soulrot, canciones directas que queden en tu mente!

Siguiendo un poco más con este nuevo álbum, quiero comentaros que suena verdaderamente potente y pesado, pero sin perder ni un ápice de nitidez y creo que es algo ha mejorado con respecto a vuestro álbum debut. ¿Qué nos puedes decir de la grabación y qué sentimientos tenéis hacia ella tras unos meses de su finalización?

JH: Muchas gracias por tus comentarios sobre la producción Luis y nos alegra mucho saber que este sonido “bulldozer” no pasó desapercibido jaja. No creo que la producción de VoSW sea superior o inferior a NHM, más bien suena distinto por el cambio metodológico en el proceso de mezcla. Acá “la mano” en la cocina cambió un poco pasando el rol de ingeniería de mezcla de Javier Reyes, quién mezcló NHM, a mi persona. En el proceso de NHM estuve más que nada asistiendo a Javier como productor y director de ciertas decisiones, pero todo el mérito del sonido logrado de Nameless es 100% de Javier Reyes. Creo que con todos estos años de amistad, y porque no decirlo, de constantes peleas, he aprendido mucho de su metodología y criterio para entender el porqué buscar o no cierto sonido, y eso lo valoro enormemente ya que es muy difícil mantener una amistad al mismo tiempo que seguir con el rigor de querer entregar piezas de arte bien construidas y definidas.. VoSW representa más bien mi propia visión del sonido Soulrot considerando todos sus ancestros y en lo que nos gustaría transformarnos. Queríamos buscar un sonido ácido que nos diferencie un poco de todas estas bandas Entombed-like, que sin querer sonar peyorativo, hacen que el sonido HM-2 los encierre en un género muy rígido, donde la forma de componer y expresar ideas está muy definida por lo que dice la norma. Creemos que con Soulrot podemos dar estos pequeños pasos fuera del género, romper reglas y sentirnos bien tocando un buen Death Metal.

También nos gustaría destacar el trabajo de mastering realizado

por Javier Félez, quién nos aportó un tremendo sonido resaltando toda la acidez que buscábamos con VoSW. ¡Muchas gracias Javier!

Sin duda, vuestro estilo está realmente enraizado en el viejo Death Metal que salía a finales de los años 80 y principios de los 90, de países como Suecia (sobre todo), Finlandia o Noruega. En mi opinión, creo que SOULROT ha conseguido ya un nivel donde, aunque las influencias estén en vuestra música, no puedo decir que se copie a una u otra banda. ¿Cómo veis vosotros vuestra búsqueda de una identidad propia en vuestra música y no ser una copia de otras bandas legendarias del estilo?

JH: Personalmente creo que los conceptos de creatividad o innovación a veces se sienten un poco grande e inalcanzables, sobre todo cuando uno compara su trabajo con el de otras bandas o incluso con sus propias influencias. Cuando aparece este sentimiento creo que el término “robar como un artista” encaja a la perfección ya que no hay que tener miedo a copiar o influenciarse de bandas o estilos para construir cosas nuevas. Con esto no estoy diciendo que haya que influenciarse de una sola banda o copiar literalmente un riff o una idea, ya que eso es derechamente plagio.

Me refiero más bien a tomar elementos de muchos lados para generar algo nuevo. Pueden ser influencias musicales tanto dentro del Death Metal como fuera de él, incluso otros estilos musicales y artísticos. Lo importante es hacerlo conscientemente y de una manera honesta. La creatividad es un proceso iterativo de copia e imitación, desde que aprendemos a tocar un instrumento con covers de Iron Maiden por ejemplo, hasta qué somos capaces de entregar algo tan nuevo y fresco que puede sonar como un montón de bandas, pero no es ninguna en particular.

DE: Al darse cuenta del proceso musical, ya sea con el instrumento y sus posibilidades, como en la composición, todo lo que escuchamos influye, y escuchamos tanta música de distintos estilos, que finalmente las influencias son muchas. Este proceso es constante por lo que cada vez que comenzamos un nuevo trabajo, venimos con muchas ideas, la evolución no se detiene y no solo cuando ensayamos si no en el día a día, eso nos da bastantes

opciones para probar ritmos y sonidos que destaquen.

JL: La idea siempre es tener tu identidad como Banda o más bien crear tu sonido, pensando en que hay bandas que ya crearon el sonido o estilo, pero entre ellas habían diferencias que marcaban su sonido, eso es lo que se debe buscar, siempre influenciado por bandas de la vieja escuela.

Supongo que el componente lírico es importante para SOULROT, ¿Qué temas habéis trabajado en este nuevo álbum? ¿Hay algún tema que os guste destacar en vuestras letras y que nos puedes comentar sobre la evolución en este tema a lo largo de la historia de la banda?

JH: Ha sido difícil encontrar un concepto central que logre abarcar un imaginario propio y que por supuesto logré conectar con el/ la oyente de Soulrot. Creo que VoSW ha sido un desapego de esa necesidad que teníamos de justificar el miedo o el horror a través de la ficción para aterrizarlo a algo más tangible y cercano. Desde nuestro EP All Hail the False Kings quisimos dar un pequeño golpe de timón que nos hiciese sentir más seguros del mensaje que queremos transmitir a través de nuestra música. Si bien es pretencioso pensar en que una canción pueda cambiar la forma de pensar de las personas, creemos que plantear temas atingentes y que puedan conectar con lo que vivimos día a día puede marcar la diferencia entre pensar o no qué ocurren con ciertas decisiones.

Hoy vivimos en una sociedad tan automatizada, tan ajena a la realidad que viven las personas, que creemos, en base a nuestras convicciones de vida, que debemos plantarle cara a todo lo que no está bien. Es lo que siempre ha hecho la música desde sus épocas inmemoriales, comunicar sentimientos y exponer nuestros malestares. Una de las canciones que más me gustan del disco es All That Remains, que relata de una manera eufórica la negación a la pérdida de un ser querido. Esta canción simboliza todo el oscuro momento que siente una persona después de la partida de un familiar o cercano, sintiéndose todos los días arrepentido de las cosas que nunca se dijeron o de las muestras de cariño que nunca se entregaron. Finalmente todo lo que queda son recuerdos para

los vivos, y cada uno decide qué es lo que hace con ellos.

En esta ocasión no habéis optado por una portada en color y con un tema específico, sino que se ha escogido la crudeza del blanco y negro para representar distintas formas de decadencia y morbosidad. ¿Qué nos puedes comentar sobre el arte de “Victims of Spiritual Warfare” y qué tratáis de transmitir a través de este arte?

JH: Creímos que la mejor manera de reflejar una temática tan deprimente como las guerras espirituales era con una portada en B/N y por supuesto con un gran artista que entendiese su trasfondo. Aprovechando la oportunidad, queremos agradecer mucho el trabajo de César Valladares, ya que le apuntó claramente a lo que queríamos expresar jaja. Nos gustó mucho el estilo de puntillismo y trao de César, y creo que fue una gran decisión ya que tiene una crudeza muy característica. Recuerdo que en esa época nos llamaba mucho la atención el materializar una portada multitemática. Pensamos en hacerlo a través de fotomontaje (como lo hacían Napalm Death, Gorefest o Terrorizer), pero creo que encontrando las inspiraciones adecuadas, César pudo graficar todo lo que necesitaba ser graficado. Un par de discos que sirvieron de inspiración (tanto en portadas como en música) fueron el Ácido Argentino y el Victimas del Vaciamiento de Hermética. Ambos discos en particular me marcaron muchísimo, ya que a través de su lírica tan bien pensada el oyente puede encarnar todas las injusticias y dolores que vivieron (viven) los Argentinos (y gran parte de los países latinos) en esa época. El contexto histórico de Hermética es fascinante ya que encontraron inspiración en un contexto tan duro y crudo, con tan pocas oportunidades, y sin embargo lograron con ello crear una música tan inspiradora y vigente. Creo que a pesar de todas las limitaciones técnicas que puedan tener ambos discos, son piezas de arte totalmente atemporales. Me gusta pensar que la portada de VoSW tiene un poco de ese sentimiento. Creo que lo descubriremos en 20 o 30 años más jaja.

En la anterior entrevista que os hice en 2017, me comentabais que os encantaría poder traer la música de SOULROT a Europa, ¿Será con este nuevo álbum cuando podáis dar ese tremendo paso adelante? ¿Qué tal van las presentaciones por vuestro país?

JH: Lamentablemente aún no se ha dado la oportunidad, es decir, ni siquiera hemos podido salir de Chile a algún país vecino jajaja. Tenemos muchas ganas de poder tocar en otros países, no solo de latinoamérica sino que poder aterrizar en el viejo continente para poder mostrarles nuestro Death Metal con sabor latino. Esperemos que ya normalizado y estabilizado el tema de la pandemia podamos organizarnos mejor para planificar una gira o por lo menos una visita a otros países.

Sería genial poder visitar España pronto ya que tenemos un par de amigos y varios bangers que nos deben unas rondas de cerveza jaja. ¿Qué podemos esperar en un futuro de SOULROT? JH: Al igual que se puede pensar en King Crimson como una metodología para hacer música más que una banda, pienso que Soulrot es algo parecido (guardando las proporciones, claro). La experimentación es parte de nuestra esencia y de la forma en que amamos la música, no solo como metaleros sino como melómanos. Con cada año nos despegamos cada vez más de la idea de que Soulrot es un imaginario limitado a hacer Death Metal vieja escuela entre 3 personas, es más bien una forma de crear y entregar a la gente un batido de música que resulta de mucha otra música que escuchamos y digerimos, y que en consecuencia, nos gusta tocar y ejecutar. La música es una forma de escape de nuestra realidad, por lo que se puede considerar como una especie de terapia, pero también es una ciencia que se puede medir al mismo tiempo que una forma de arte que llena el alma. Creemos firmemente en el poder que tiene la música de expresar sentimientos y malestares, y que éstos puedan ser escuchados por cualquier otra persona que ni siquiera conoces y le puede sacudir el cráneo con un significado personal. Creemos que Soulrot es nuestra forma de entregar nuestra música y convicciones al mundo, y que éste lo reciba en forma de blastbeats y riffs de ultratumba.

Bueno esto es todo por ahora, recibir un cordial saludo desde la redacción de NECROMANCE MAG. y desearos mucha suerte con este nuevo álbum. Si queréis añadir algo más este es vuestro momento.

JH: Muchas gracias Luis y Necromance por el tiempo y el espacio. Esperemos que todos los oyentes Victims of Spiritual Warfare puedan disfrutar de este viaje que preparamos y puedan entregar sus almas a la aplanadora de HM-2.

[Luis Martínez]

ÁLBUM: Victims of Spiritual Warfare TEMAS: 15 DURACIÓN: 39’43’’ SELLO: Memento Mori ESTILO: Death Metal LANZAMIENTO: Julio 2020 NUM. 75 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 25

BEAR MACE

Con la ferocidad de un oso pardo, los americanos BEAR MACE irrumpen de nuevo en la escena Death Metal asestando 8 zarpazos directos y letales en su nuevo trabajo “Charred Fields of Slaughter”, toda una declaración de intenciones de la que nos habla su vocalista Chris Scearce. ¿Cómo se unieron Bear Mace?

En 2011, me encontré con Mark (guitarra) en un show y comenzamos a hablar sobre cómo no había muchas bandas en ese momento que tocaran DM al estilo de las bandas de Tampa como Death and Massacre. La cosa en ese momento era el sonido sueco, del que conscientemente queríamos mantenernos alejados. Así que nos reunimos a principios de 2012 y escribimos un par de canciones que terminaron como nuestra demo “Kodiak Killers”.

¿Cuáles son algunos de los temas destacados en “Charred Field of Slaughter” desde tu perspectiva?

Los amo a todos, pero para mí destacan “Xenomorphic Conquest”. ¡es tan pesado y trata de Xenomorphs!. También la canción principal es ardiente, pero podría decir eso de todos ellos.

¿Tenías una idea de qué querías que fuera “Charred Field of Slaughter”, vuestro nuevo álbum, cuando comenzasteis a escribir para él?

En realidad no, pero justo después de grabar “Butchering the Colossus” hubo una explosión de composición de canciones que sucedió en un período de tiempo bastante corto, tuvimos la mayoría de los temas hechos en ese momento. Queríamos sacarlos, pero hubo un par de cambios de formación y eso retrasó las cosas, pero ahora está aquí y creo que a los fans del OSDM realmente les gustará.

¿Hay algo en el disco que pueda sorprender a los fans?

No hay sorpresas en este disco, creo que les damos a nuestros fans exactamente lo que quieren: un golpe sonoro de una banda que es realmente buena en eso.

¿Cómo fue el proceso de escribir todo el álbum?

Por lo general, Mark me envía la música. Se le ocurrió así y, en general, algo en los riffs hizo que despertara una idea lírica para mí.

En nuestro primer disco escribí todas las letras pero esta vez, tanto Mark como Garry Naples (batería) escribieron algunas letras, y fue un proceso tranquilo que pulió todo. ¿Cuáles fueron tus momentos favoritos durante las sesiones de grabación?

Para mí fue ver a Garry grabar sus pistas de batería, amigo, es un MONSTRUO detrás del kit. También escuchando el master final y asombrado por el trabajo que hizo Damian Herring. El disco suena enorme. ¿Qué hicisteis diferente para este nuevo álbum?

En el primer disco, grabamos juntos como una banda en la misma habitación porque creo que estábamos tratando de capturar una sensación en vivo al hacer eso. Esta vez grabamos nuestras partes por separado de una manera más tradicional y suena exactamente como queríamos. MASIVO. 26 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 75

¿Qué pueden esperar los fans de este nuevo álbum?

Esperen ser aplastado por el puro poder de la música.

¿Qué tratan las letras de este álbum?

Bueno, la canción de apertura “Destroyed by Bears” se basa en una historia del Antiguo Testamento sobre el profeta Eliseo que fue abordado por un grupo de niños que se burlaron de su calvicie. En su mezquindad, Eliseo imploró a Dios que castigara a estos niños y Dios, en su propia mezquindad, envió a dos osos para separarlos.

Mark escribió la letra del coro en este caso. El artista Gustav Doré en el siglo XIX hizo una famosa imagen sobre el incidente llamada “Los niños destruidos por los osos” que proporcionó inspiración visual. “Rogue Weapon” es directo sobre la película “First Blood”.

“Xenomorphic Conquest”” cuenta una invasión de xenomorfos para subyugar a la raza humana y usarnos como manadas reproductoras. “Let crack the whip” cubre una represión fascista y es una especie de precuela de la canción principal de nuestro último álbum “Butchering the Colossus”, que trata sobre el derrocamiento de una dictadura a largo plazo. La canción principal “Charred field of Slaughter” habla de la futilidad de la guerra y el enorme costo de la misma, literalmente, nada, una colina numerada que ni siquiera tiene un nombre o ningún tipo de valor estratégico. “Plague Storm”, ¿Qué pasa si un enemigo siembra nubes con un virus que podría llover sobre una población y eliminar a todos de manera efectiva? Este tema fue escrito mucho antes del golpe del COVID. “From the sky rains hell” Drones Reaper eliminando terroristas. La idea y muchas de las letras de esta fueron de nuestro baterista Garry Naples. “Brain Rot” trata sobre una enfermedad llamada Kuru o la enfermedad de

la risa que afecta a los caníbales y los vuelve locos, la mayoría de las letras son de Mark. ¿Cómo describirías a la banda ahora en comparación con sus primeros días en 2012?

Durante un par de años solo fuimos Mark y yo. Nos llegaban solicitudes para tocar en vivo, así que formamos una banda que grabó el primer disco e hicimos algunos shows. Después de eso tuvimos un cambio de formación y agregamos a John Porada en el bajo de Planet Shaking y a Tommy Bellino en esa guitarra loca y chillona.

Ambos son asesinos absolutos y eso es lo que está pasando. ¿Te sientes cómodo donde estás en tu carrera hoy en día?

Creo que operamos algo por debajo del radar y nos gusta de esa manera, pero es hora de mostrarle al mundo de lo que somos capaces. ¿Qué opinas de “Butchering the Colossus” mirando hacia atrás ahora?

Es un excelente disco en el que todos trabajamos muy duro y es una reflexión sobre dónde estábamos en ese momento. Ese trabajo fue nuestra tarjeta de presentación, nos presentó y les hizo saber a todos que no nos jodemos cuando se trata de Death Metal. Este nuevo trabajo se basa poderosamente en esa premisa y simplemente nivela todo. ¿Qué aspiraciones tienes para Bear mace en esta etapa del juego?

Bueno, tocar en vivo nuevamente sería genial, ¡quién sabe si eso podrá suceder y cuándo!. Espero que la gente realmente disfrute este nuevo disco y haga correr la voz sobre nosotros. ¿Algún mensaje para nuestros lectores para terminar la entrevista?

Sí, el 14 de agosto sale el disco, ¡así que consíguelo y ponlo lo más fuerte posible!

[David Déniz Plaza]

ÁLBUM: Charred Fields of Slaughter TEMAS: 8 DURACIÓN: 34’39’’ SELLO: Autoeditado | Self Financed ESTILO: Death Metal LANZAMIENTO: Agosto 2020

REVIEWS estribillos nos encontramos con unas estructuras que beben de la parte más tranquila, generando una buena mezcla de melodías.

Sin duda, este nuevo trabajo de 156/SILENCE les hace avanzar un poco más en su carrera, dejándonos con un trabajo que desde el principio nos da unas composiciones super potentes, mezclando una instrumentación muy agresiva y compacta con unas voces guturales que aumentan la agresividad del conjunto. Diez temas muy completos, con muchos cambios y apostando por ir intercalando diferentes estructuras para crear esa variedad que se apoya en una buena producción de los mismos, que da como consecuencia un segundo LP bastante completo del que pueden estar orgullosos.

JORGE DE LA CRUZ 8/10

156/SILENCE (USA) IRRATIONAL PULL AUTOEDITADO, 2020

La banda estadounidense 156/SILENCE lanzan al mercado, de manera autoeditada, su segundo trabajo de estudio, bajo el título “Irrational Pull”.

Formado en Pittsburgh, Pennsylvania, el grupo está compuesto por Jack Murray a las voces, Jimmy Howell en la guitarra, Ryan Wilkinson en la guitarra y coros y Max Bradshaw a la batería.

Con potentes y agudas guitarras nos dan la bienvenida a “High Dive in a Low Well”, primer tema del trabajo, donde muy poco poco van añadiendo potencia al conjunto, mezclando riffs pesados con esos cortes agudos y partes de silencio, donde el bajo y la voz destacan por encima de todo, generando una base potente y agresiva. Juegan con los cambios entre voces y guitarras, donde el contraste de sonido entre una y otras genera unas composiciones agresivas, que se complementan con los pequeños golpes de batería, dejándonos con un primer tema muy agresivo y compacto.

En “Taste of Ashes” nos encontramos con unas composiciones mucho más pesadas desde un primer momento, donde la mezcla de baterías y guitarras nos da unos primeros ritmos bastante pesados, apostando por batería profundas y guitarras algo más agudas. En las voces nos dejan con unos guturales muy agresivos, que consiguen darnos mucha más potencia, generando un conjunto super agresivo, que no para la potencia en ningún momento, plantándose con estribillos super potentes para terminar un tema que en su mayoría derrocha potencia por todos lados.

“Lost Visual” comienza con una melodía tranquila, donde una mezcla de batería y voces genera el ritmo principal junto con una guitarra de fondo que da el toque al momento de subir la potencia, tornando a la batería y voz en sonidos mucho más agresivos y potentes. Se van entremezclando estas dos estructuras, consiguiendo un contraste brutal, pero manteniendo el punto de unión en una voz gutural super agresiva, que se mantiene constante durante todo el tema.

En “Conflict of Interest” nos encontramos un tema bastante potente desde el segundo uno, donde los primeros riffs que nos encontramos son estructuras muy pesadas y potentes, que crean un juego excelente con unas voces agresivas, generando una melodía pegadiza a la vez que agresiva. Alternan con estructuras más sencillas, donde la voz queda por encima de todo, quedando la melodía en un segundo plano, con composiciones mucho más simples, para dar importancia a la voz. De igual manera luego encontramos lo contrario, la voz calla y hay un ensalce a las melodías, donde los cambios son evidentes en ella, jugando con multitud de composiciones diferentes para dar ese toque de potencia y versatilidad.

El tema que se encarga de cerrar el trabajo es “Denouement”, el tema más largo del trabajo que comienza dándonos unos ritmos muy livianos, dejándonos con voces limpias que suenan sobre una estructura muy tranquila y sólida, apostando por melodías y sonidos algo más melódicos al resto.

Poco después vuelven a dejarnos con los ritmos agresivos, vuelven los guturales y las melodías agresivas, donde todo derrocha potencia. En los 30 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 75

ABHORRENT (CHL) KATABASIS AUSTRALIS RECORDS, 2020

sibilidad y emotividad que en gran parte se le debe a su pareja Juha Raivio, guitarra de SWALLOW THE SUN y TREES OF ETERNITY, recogiendo estas grabaciones entre 2002-2006, y creando un álbum doble con versiones en acústico del álbum principal. Un legado para la memoria, para el tiempo y las futuras generaciones, que no podrían perderse la increíble voz de Aleah y su talento para la música, colaborando con multitud de bandas entre las que se encuentran las dos mencionadas anteriormente, AMORPHIS, DRACONIAN, THAT WHICH REMAINS… En lo musical, posee dos partes, pero a cual más intimista y relajante, pues las ambientaciones, la sutil electrónica y la voz de ALEAH, te transportará a otra dimensión, con temas como “My Will” que parece flotar en una nube de sueños, la mística “Sacrifice” en la que colabora ANILAH, otorgándole un aire mágico e etéreo. Pero también un toque más moderno con un electro shoegaze en “Vapour”, donde los teclados se encargan de la estructura musical mientras los susurros de su voz despiertan tus sentimientos más profundos, compenetrándose a la perfección con la maravillosa “Breathe” o el toque medievalista de “The Tower”, que me recuerda a la cautividad y la esperanzadora huida de una princesa cautiva, en un cuento narrado en el siglo XXI. La parte acústica es mucho más intimista y sincera, donde solo voz y guitarra transmiten tanto como si miles de músicos ejercieran su derecho musical, y es que este formato sale del alma y desde el corazón, hubiera sido una delicia verla cantar en una sala semi apagada con su guitarra y un foco apagando los rostros de los presentes mientras ella se introduce en “Sacrifice”, nos da esperanzas con “Open Sky”, nos hipnotiza con “My Will” y “Breathe”, que si en el otro formato son de 10 aquí lo supera con creces. Pero también nos deja algún tema distinto que no aparece en el álbum eléctrico, como “Closing Under Pressure”, “Terrestrial Torrents” o “Touch My Face. Un álbum intimista, folk y creado desde el alma de Aleah y Juha para todos los amantes a la música.

ABHORRENT es una banda chilena de thrash metal creada en 1987 inicialmente bajo el nombre de ACCURST. Tras numerosos cambios su formación actual está compuesta por Rodrigo de la Hoz (bajo), Freddy Ayala (batería), Luis Mella (voz) y Richard Ayala (guitarras). “Katabasis” es su tercer LP lanzado en abril de 2020 por Australis Records.

JUAN ANGEL MARTOS 8/10

Velocidad, ritmo y cambios de tiempo hacen de “Katabasis” un LP de thrash metal técnicamente bien resuelto en el que se reúnen sin complejos todas las influencias musicales de ABHORRENT. Tienen un estilo clásico que aun no ha evolucionado lo suficiente como para dejar ver con claridad qué camino tomarán en posteriores trabajos.

ATAEGINA MOON 8/10

Con “Shepard” empieza a ganar terreno la limpieza propia de la producción metalera moderna y se pierde la esencia de la grabación a pelo original. No obstante, es entendible, se trata de su particular homenaje al comandante Shepard del juego Mass Effect y contiene esa pincelada sci-fi donde se agradece que no hayan usado maquinitas. Buscando el lado bueno, encuentro un juego del tempo que genera la tensión apropiada, dobles guitarras juguetonas y cierre demoledor con ligera teatralización de calidad. “Born to Frag”, otro de los temas regrabados, sufre de lo mismo, ese rollo viejoven que lo hace indefinido temporal y sonoramente queriendo ser CARCASS, MEGADETH y CHIMAIRA a la vez. Lo mismo le pasa a “Toxic Troll”, la pieza más extrema, con buena técnica death, amenaza con aplastarte pero no llega a consumar en ningún momento.

“Blood Lord” y “Stomping on a Face” son las otras dos regrabaciones. La primera, inspirada en Warcraft, contiene cierta mesura épico-fantastica con trémolo deathmetalero y está sontenida por un riff sacado del “Raining Blood” con discutible efecto.

La segunda, mi favorita, mejora la original y es un buen medley de base thrash, de ese ludico-festivo made in America, pero con mucho aderezo. Punteo y velocidad ANNIHILATOR, voz agresiva y base deathmetalera que pasa por fases rítmicas a lo ICED EARTH para alimentar este buen tributo a la distópica 1984 de Orwell.

Combinando la estela de esta última y la buena “The Plague”, aparecen la facilona pero efectiva “Rise From the Grave”. Tema que atufa a big4, endurecida en lo vocal, tiene punteos y coros destacables (y armónicos ridículos, todo hay que decirlo) para rendir tributo a uno de los mejores videojuegos de mi infancia. ¿Quién no recuerda ese “Yo te ordeno que te levantes de tu tumba y rescates a mi hija” del mítico Altered Beast?. Y “Panopticon”, que tributa a la peli Dark City a ritmo de buen thrash/ death y goza de los mejores blastbeats del disco. Es rápida, elástica y enlaza sus diferentes embestidas con pegamento a lo “The Ripper” guapísimo.

“Fame of Thrash” es el homenaje definitivo al género, no en lo sonoro, pero si en lo letrístico, cargado de referencias a algunos clásicos. Aquí sí hay buenos armónicos, riff y velocidad SLAYER, buenos solos y breakdowns jugosos con dosis grooveta pero que se alarga demasiado. “Louder Than All” también groovea, pero es otra cosa, ya que quiere beber más del death y combina técnicas en base a mi amado trémolo quedándose a medio camino de nada.

Aunque la banda se define como thrash metal chileno, en “Katabasis” se muestran pinceladas de death metal si bien es cierto que no llegan a tener esa presencia extrema tan característica del death.

Nos encontramos ante 40 minutos de guitarras afiladas, riffs rápidos y cortantes, solos endiablados y una batería que es una auténtica apisonadora.

La temática de “Katabasis” supone un descenso a los propios horrores a fin de enfrentarlos, volverlos conscientes y luego ascender purificado por el horror y la compasión.

que anuncia la llegada de la legión de no-muertos.

Tema directo que contiene buena fase de lucimiento entre tanto palm mute y navegando entre HAVOK y ULVEDHARR.

ANAXAGOR (FRA) ANAXAGOR GREAT DANE RECORDS, 2020

La discográfica francesa Great Dane Recs, la de CARCARIASS, me tiene gratamente sorprendido este año tras la publicación de buenos trabajos con BLIGTHMASS, ARMAGEDDON DEATH SQUAD o RED DEAD, factor que me decidió a lanzarme a ciegas a la escucha activa para desgranar el debut de estos chicos de Burdeos, ANAXAGOR.

“Anaxagor”, dentro de su escasa complejidad de estructuras, requiere su tiempo para pillarle el gusto y ponerlo en valor. Es un fan-art sonoro con fases de calidad que gira en torno a esa cara recreativa del thrash, agresivo pero sin maldad, cargado de estereotipos y afeado por el afán de querer sonar moderno en un género clásico que para mí no admite la nitidez (artificialidad) de las producciones actuales. Como siempre, el problema lo tengo yo, que soy más de SLAYER, Destiny, Blade Runner o LOUDBLAST. SCHEITAN 7/10

Banda de concepto pastichero, con un punto friki incluso, toma su nombre del filósofo presocrático Anaxágoras, quien desarrolló su investigación en base a la memoria, la experiencia y la técnica.

Estos, formados en 2017, experiencia no tienen mucha, sí algo de técnica, pero sobretodo tienen memoria, ya que en este debut homónimo nos pasean en clave thrash big4 style por algunas de las obras que les han marcado, ya sean discos, libros, pelis o incluso videojuegos.

ALEAH (SWE) ALEAH SVART RECORDS, 2020

Svart Records ha sido el encargado de lanzar al mercado el álbum póstumo de Aleah Starbridge, bajo su propio nombre ALEAH, vocalista de la banda sueca/finlandesa TREES OF ETERNITY, que el pasado 2016 falleció debido a un fatídico cáncer con 39 años. Pero su música, quedará eternizada para todos los fans en este álbum repleto de sen-

“Anaxagor” está compuesto por diez cortes, seis inéditos y cuatro regrabados de su demo “Only the Strongest”(2018), para el que han contado con Sylvain Octor-Perez, de sus paisanos EXOCRINE, en la grabación y masterización, consiguiendo un sonido potente, compensado y con un punto fresco y moderno, sobretodo en la base, para mi gusto excesivamente limpio, donde destaca el buen hacer palmutero de la dupla de hachas cargadas de referencias y técnicas thrash old school y adoptando, gracias a la versatilidad vocal, el apellido death.

Abre el disco su primer single, “The Plague”, un arranque fulgurante y más que prometedor que contiene técnica, fuerza y velocidad thrash/death con base sucia y golpeante que empasta con la fiereza vocal de Alex, bien apoyado por el coro

ASTRAL SLEEP (FIN) ASTRAL DOOM MUSICK SAARNI RECORDS, 2020

Desde Finlandia y a través de Inverse Records nos llega el tercer trabajo de la banda de doom metal experimental, ASTRAL SLEEP, bajo en nombre de “Astral Doom Musick”, donde cuatro inmersivas canciones que elevan el minutaje a los 44 minutos te harán sentir un cosmos en constante movimiento con estructuras muy dinámicas y pasajes espaciales, donde la volatilidad y la sensación espacial quedaran presentes en tu mente mientras te dejas

llevar.

pongo es que solo dura veinte minutos.

“Vril” e “Integratron”, se elevan desde la oscuridad con unos riffs mastodónticos e hipnotizante creados por Markus Heinonen y Aaro Haverinen, mientras que la base de bajo le da mucha corporeidad a todo el álbum, añadiendo unos graves que se reciclan en el espacio/tiempo por Jaakko Oksanen, junto a la percusión de Jiri Pyörälä. Pero aparte de todo este conjunto, el aspecto vocal de markus resalta en la obra con una multitud de aspectos tonales que dan un ritmo y una diversidad al conjunto de 10, además de cantar en diverso idiomas, pues estos dos temas son en ingles, pero habrá uno en alemán y otro en fines. Dos cortes donde lo astral se hace terrenal y lo terrenal va más allá de nuestra imaginación en un doom más que notable.

“Schwerbelastungsköper”, es más densa y oscura, donde las melodías vocales limpias desaparecen para dejarnos un gutural profundo y denso emergido desde el horror cósmico más aterrador, pero que al final emerge un rayo de esperanza con una musicalidad tremenda, que con “Aurinko Ja Kuu”, vuelven a sosegarnos en un letargo finlandés aunque el idioma esta vez sea más difícil de buscarle la tonalidad. Antes de terminar, quería mencionar los increíbles arreglos que guardan en su interior cada uno de los cortes de este trabajo, donde ASTRAL SLEEP elevan su zenit musical con orquestaciones, coros y una ambientalidad mágica. Un gran disco de doom metal.

JUAN ANGEL MARTOS 9/10

ATRAE BILIS (CAN) DIVINIHILITY TRANSCENDING OBSCURITY RECORDS, 2020

Los canadienses ATRÆ BILIS nos presentan “Divinihility”, un trabajo muy esperado que verá la luz el próximo catorce de agosto. Fichados por el sello discográfico Transcending Obscurity Records, ATRÆ BILIS tiene entre sus filas a Brendan Campbell al bajo, Jordan Berglund realizando las voces, Luka Govednik a la batería y David Stepanavicius a la guitarra. “Divinihility” cuenta con tan solo seis cortes y una duración aproximada de veinte minutos que, sin duda, se nos han hecho muy cortos.

Antes de entrar en materia, cómo no comentar el artwork de la portada, obra de Adam Burke, una explosión de colores que nos hace perder la cabeza.

Comenzamos con “Gnode”, una intro que nos pone a punto con unos riffs muy psicodélicos para estallar en “Sulphur Curtain”. La combinación de los growls profundos con las voces agudas te ponen la piel de gallina. Es un corte que a veces repta lento y sinuoso como lava y otras sufre unos cambios de ritmo en el que un doble bombo no nos deja ni respirar. “Phantom Veins Trumpet” vuelve a presentar estos cambios impredecibles que juegan con el oyente. El bajo ronronea a base de golpetazos contra la batería mientras que los alaridos desgarrados de Jordan resquebrajan la composición. Continuamos con “Ectopian”, el tema más ambicioso del disco por excelencia. Los canadienses hacen gala de un death muy cañero y clásico, la batería dicta sentencia y la línea de guitarra es espectacular. A mitad de corte el tempo aminora y la atmósfera se vuelve solemne mientras un coro comienza a cantar y el bajo martillea nuestros oídos. “Upon the Shoulders of Havayoth” es tema muy rápido y muy bien trabajado. La melodía es contundente y efectiva, sufriendo casi a final otra transformación drástica en la que vuelve a participar el coro para desencadenar en una locura de blast beats. Por último, se despiden con “A Ceremony of Sectioning”.

Este corte tiene un sonido muy exótico y particular, con unos trémolos que van in crescendo y una esencia brutal, con la participación inesperada de un violín durante unos segundos.

ATRÆ BILIS han publicado un trabajo espectacular que se ha hecho de rogar y que, aun así, nos ha dejado con ganas de más. Con un death metal muy técnico, los canadienses no logran caer en la monotonía de la que pecan muchas bandas del género. Más que recomendado, la única pega que le

MAKI PÉREZ JÁUREGUI 9/10

AVERSIONS CROWN (AUS) HELL WILL COME FOR US ALL NUCLEAR BLAST RECORDS, 2020

“Hell Will Come for Us All” es el título del cuarto L.P del grupo de Deathcore AVERSIONS CROWN. Fue lanzado el 12 de junio de 2020 por Nuclear Blast.

El combo lo forma: Jayden Mason (batería), Michael Jeffery (guitarra), Chris Cougan (guitarra), Tyler Miller (voz).

El Elepé de hoy resulta gélido, futurista y dramático a más no poder. ¿A qué os habéis quedado de piedra? No es para menos. Jamás pensé que podría utilizar esa serie de adjetivos para describir un disco del género anteriormente mencionado, pero eso es precisamente lo que lo hace único y diferente. No contentos con ello, incluyen de muy buenas maneras pinceladas de teclado que dejan un regustillo de ciencia ficción difícil de olvidar. La producción es contemporánea y nítida, mientras que la portada es toda una obra de arte. ¡Tremendo artwork!.

La seis cuerdas os van a dejar el cuello dislocado de por vida. Si la ocasión lo requiere, existen incursiones de Melo Death Metal. Además, descubriréis en más de una ocasión que Michael y Chris pueden llegar a ejecutar riffs realmente técnicos. Los registros vocales de Tyler son violentos hasta decir basta. Gracias a Odín, no existen clean vocals ni tonterías similares que lo único que hacen es restarles intensidad a las tonadas. La labor de Jayden no es humana. De verdad, su forma de aporrear los parches es extraordinaria. Los cambios rasantes de velocidad y el dinamismo que consigue sacar del kit de tambores es sublime.

Por exhibir las “hachas” más sesudas y armoniosas, mis cortes favoritos han sido “Born in the Gutter” y “Scourge of Violence”. Así, sí que sí.

Quien piense que la fusión de estilos que crean los australianos está de capa caída o simplemente muerta, que se atreva a oír su nuevo álbum. De seguro que cambiará de opinión de inmediato.

JESÚS MUÑOZ CABALLERO 8/10

BEAR MACE (USA) CHARRED FIELD OF SLAUGHTER AUTOEDITADO, 2020

Generalmente comienzo las reviews con una reflexión sobre algún tema que posteriormente relaciono con la banda, con el título del álbum o con algún miembro, y es lo que me sirve de hilo conductor para el desarrollo de la crítica. Pero, en este caso, no he visto como entrarle al asunto. No pasa nada, el ¡Colorea y aprende con Teo! de esta crítica va sobre el hecho de que, a veces, pues no sabes cómo comenzar a escribir. El temor de todo escritor, el horror vacui.

Si queréis podemos hablar de osos, pues el nombre de la banda se las trae, BEAR MACE (el mazo para osos). Cuando buscas así, en Google, “bear mace” te empiezan a remitir a páginas para comprar un spray para ahuyentar osos, como un spray antivioladores pero para plantígrados. Contienen, por

lo que veo, capsaicina, lo que hace que te abrase la lengua cuando te comes un chile y te dan ganas de arrancártela. Habrá que hacerles una entrevista a los americanos para ver el origen del nombre de la banda. De lo que no hay duda es de dónde han sacado las influencias. En cuanto abren con el primer tema, “Destroyed by Bears” (otra vez con los osos), ya te das cuenta de que va el rollo. Ese Death Metal Old School, que te hace pensar en aquella escuela floridense, en DEATH, en OBITUARY, pero también en BOLT THROWER. Después del growl sostenido y de transición, a fundir los instrumentos. Riffs thrashicos pero tocados a lo cabrón, bombardeo incesante desde detrás de las tímbalas, continuos cambios ensamblados perfectamente, solos terroríficos tirando de palanca… y una banda que es como un supositorio de capsaicina.

Continúan con una muy dinámica “Rogue Weapon” que no te deja respiro para menear la cabeza una y otra vez hasta conseguir que se desencaje de los hombros. Y si este tema te parecía bueno, espérate a que te entre el potente “Xenomorphic Conquest”, del medio tiempo inicial a la aceleración y destrucción masiva del primer estribillo, para volver a reducir tempos con una base rítmica que es una bomba atómica. Esto es un grizzly que te ventea a lo lejos, se acerca curioso, se alza sobre sus patas traseras y cuando ha decidido que eres comida, se lanza a la carrera hacia ti. ¡Estás muerto! “Let crack the whip” es precisamente eso, un castigo sonoro en forma de multiples chasquidos de látigo. El tema homónimo, “Charred field of Slaughter” es una buena muestra del poderío sónico de BEAR MACE . De su poderío sónico y de sus influencias; suenan potentes, nítidos, técnicamente impecables, te acuerdas de la vieja escuela del Death Metal floridense, pero en manos de estos americanos suena no a innovador, pero si a fresco y vivo. Da gusto escuchar temas como este, y con un solo espectacular, con riffs más gordos que un oso pardo a punto de hibernar (si al final, si va a haber hilo conductor con el tema úrsido).

“Plague Storm” machaca a toda velocidad con esos riffs mamados directamente del Thrash más primigenio, pero con esos interludios realmente brillantes por parte de las guitarras armando una estructura y barullo que te hacen estar con las orejas enhiestas. Ojito la que montan con un tema como “From the Sky rains Hell”, un tema gélido, despiadado y desesperanzador. Y para cerrar, más barullo, más agresión, más de todo, más ursus spelaeus…

La verdad que una sorpresa, una banda que desconocía y, por lo que he leído, que operaba en las sombras desde 2012, lanzando su primer álbum en 2017. Los recientes cambios de formación han hecho que las identidades de los miembros salgan a la luz. El tema del nombre me sigue teniendo loco, pero creo que por potencia, por Death, y por agresión lo del oso les viene que ni pintado.

los maestros DEATH nos ofrecían en sus últimos álbumes, aunque quizás desde una visión algo más agresiva aquí. Una nueva sección acústica nos sirve de introducción en “At the Mountains of Madness”, siendo este el tema más largo de la grabación con ocho minutos. Aquí verdaderamente se resume todo lo que “Hypnogogic Hallucinations” nos ofrece, que he de decir que es variedad, dentro del Death Metal, no es el más brutal (como practican muchos de sus compatriotas), sino que aquí está más cuidado, el sentido de la melodía, el ritmo, variándolo constantemente y sin pudor a adentrarse en diferentes estilos, así nos encontramos algún riff verdaderamente Heavy, otros más melódicos o incluso, ambientales / etéreos que contrastan con la agresividad que la banda ofrece en muchos otros momentos, sin duda un tema bien estructurado y trabajado. “Cauliflower Growth” fue el tema adelanto en la presentación de este álbum, pese a ese extraño título, la banda nos ofrece un tema de Death Metal en estado puro, con una voz mucho más oscura, quizás con demasiado reverb para mi gusto, y donde se encuentran algunos de los momentos más veloces del álbum, aunque siempre contrastándolos con partes lentas y más ambientales, algo que puede parecer raro, pero que saben hacerlo lo suficientemente bien como para que suene al menos personal. “Disembowelment of the Souls (Tabanidade)”, tiene un ritmo más pesado y decadente, con voces que parecen sacadas de las entrañas del infierno, y que jugando con acoples y extraños sonidos, nos adentran en un mundo de desesperación que muy poco a poco va progresando y haciéndonos ver la luz, con una sección a guitarras dobladas y pronto muta en una hipnótica y enfermiza atmosfera que varía constantemente, con el uso de guitarras acústicas y otras distorsionadas. Cerrando el álbum llega “Brains on the Tarmac”, comenzando con una ambiental y progresiva sección acústica, muy variada y que nos transporta un brutal cierre de álbum, donde la banda ofrece riffs más directos y menos técnicos, basándose en la intensidad y velocidad, aunque decorando todo con buenas melodías para hacer un cierre de álbum verdaderamente notable.

Muy buen álbum el que nos ofrecen BEDSORE, sobre todo si quieres escuchar Death Metal variado, algo técnico por veces, atmosférico en otras y también un poco progresivo, pero que cuando se sueltan suena tan agresivo que los hace estar dentro de este estilo, sin duda, me quedo con ganas de escuchar una próxima grabación.

LUIS MARTÍNEZ 9/10

CESAR LUIS MORALES 8/10

BLACK FALCON (GBR) EGO MORTEM MACHINA MSH MUSIC GROUP, 2020

BEDSORE (ITA) HYPNAGOGIC HALLUCINATIONS 20 BUCK SPIN, 2020

Con un atmosférico y progresivo “The Gate, Disclosure” el cuarteto italiano, procedentes de la ciudad eterna, nos sorprenden en el inicio de este “Hypnagogic Hallucinations”, aportando algo tan diferente, pero a la vez bien compuesto como es esta introducción, tema que da paso a un veloz y agresivo “The Gate, Closure”(Sarcotes Obitus), canción que verdaderamente se adentra en los dominios de la muerte, aunque la banda se las ha arreglado de forma muy eficiente para variar mucho su propuesta y mezclar riffs y estilos de forma continua y que sorprenden en la escucha, porque verdaderamente no sabes qué es lo que va a llegar a continuación, ya que este mismo tema finaliza con una atmosférica sección acústica bien. “Deathgazer” continua la grabación y de nuevo la velocidad, los riffs asesinos redoblados en cuerda a toda velocidad, acompañados por una desgarrada y agresiva voz, hacen que este tema se acerquen por momentos a lo que

“El Halcón maltés” es una obra de arte en cualquiera de los campos al que nos refiramos. En el literario, la novela de Dashiell Hammett de 1930 es un clásico de la novela negra. Años después, en 1941, la adaptación al cine de la mano de John Huston nos grabó en nuestro subconsciente el rostro del detective Sam Spade, ya por siempre vinculado a los rasgos de Humphrey Bogart. ¡Colorea y aprende con Teo! Desde entonces, esa estatua, ese tributo de los caballeros de la Orden de Malta al emperador español Carlos V, es –como se cita en una frase de la película- la materia de la que están hechos los sueños. Pues con los británicos BLACK FALCON y su último EP “Ego Mortem Machina” me ha pasado algo así. Comenzar, comenzamos con una cósmica introducción “Hawkmoon”, en plan VANGELIS versión Blade Runner que ya me hace asentir, ya sostengo el negro halcón entre mis manos y me digo, sí, esto es de la materia en que están hechos los sueños. Pero… ¡espera! Redoble potente y vigoroso acompañado de platos y guitarras a toda polla… ¡Hey, hey, hey, como el halcón de la película! Debajo de la primera capa, hay una estatuilla con forma de halcón incrustada de gemas! Y la primera es “Ego Mortem Machina” y funciona como un dragster saturado de nitroglicerina, ronronea como lo

que es: un temazo de Stoner Rock, potente, crudo y directo con una magnífica voz a cargo de David Ayres y unas guitarras rocosas que todo lo mueven a cargo de Jony Hunter y Ricard Dale.

“Credit to play” sigue en la misma dinámica, otra joya potente que engalana este EP. Déjate de historias raras, de experimentos. A falta de aquellos discazos de los SPIRITUAL BEGGARS o de los ORANGE GOBLIN, esta gente sigue manteniendo la llama del género con una llama bien potente e hiper vitaminada. Aunque no lo quieras, un tema como este te dispara las pulsaciones y es 100% adictivo. Al igual que el siguiente, “Again and Again” con ese riff de inicio. Pero es que cuando se empiezan a meter el resto de cuerdas, el bombo y empieza el tema como tal… esos riffs tan sabbáticos… Los hemos escuchado mil veces, pero algo de brujería tienen, cuando a la siguiente vez que los escuchas, sigue bajándote un escalofrío por la espalda y lo único que haces es subir el volumen para escucharlo OPV (otra puta vez). Y las veces que hagan falta. ¿Y qué más da que las fronteras estén tan desdibujadas? ¿Qué más da lo que sea Stoner, lo que sea Doom, lo que sea proto-Doom, o lo que sea más Rock o más Hard Rock? Si son tres pelotazos, se dice y ya está.

te atrapa. Muy bueno.

LUIS MARTÍNEZ 8/10

Con “Kot begemot” se sacan un poco la “chorra” y se meten con el trash metal más clásicote y lo tiñen con algo de Death. Mola un huevo este corte!!!

Ouh yeah!!!

Siguen con “Outrun” con un comienzo en plan peli de terror ochentera, y luego giran hacia sonidos industriales, sonando variado y fresco, todo hay que decirlo.

Y para dar la estocada final; “Rain over Fire”. Un combo metalero variado y que entra como Pedro por su casa, en todas las cabezas de todos los seguidores de estos sonidos afilados. Buena manera de cerrar este “Bring out your dead” El tema es que este disco me ha flipado cosa seria.

Vaya calidad y vaya composiciones que se marcan estos tipos. Todo un descubrimiento para disfrutar a tope y degustar todos los matices y arreglos que van apareciendo en cada escucha. Bandaza con nivelazo.

EL GALLEGO 9/10

Y, como cerrando un círculo, después de esas tres joyazas, BLACK FALCON cierran el EP con otro tema instrumental y cósmico llamado “Neon”, en la misma línea que el “Hawkmoon”. Pero lo que es indudable que la banda demuestra destreza compositiva, crudeza y vigor en un estilo que ya debiera estar manido, aportando vitalidad y sangre fresca a algo que nunca morirá y es que ya sabéis… ¡es la materia de la que están hechos los sueños!

CESAR LUIS MORALES 8/10

CARDIAC ARREST (USA) THE DAY THAT DEATH PREVAILED MEMENTO MORI, 2020

Dos años después de su último larga duración, “A Parallel Dimension of Despair” (Memento Mori Rec. 2018), los americanos CARDIAC ARREST repiten con la discográfica española para traernos nueve canciones llenas de desesperación, intensidad y putrescencia.

BRING OUT YOUR DEADD (ESP) BRING OUT YOUR DEAD ART GATES RECORDS, 2020

Los madrileños BRING OUT YOUR DEAD debutan con este trabajo de título homónimo a través de Art Gates Records. Un compendio de sonoridades metaleras donde se ve claramente que gustan de experimentar, y se mueven como pececillo en el agua por derroteros entre rock, metal, tintes prog, electrónica y mucho más.

La banda está compuesta por Tim The Enchanter en los tambores, Lito & Ti al bajo, M. R Boyd a las voces y guitarras, y Reverend J. Nibbler también cantando y a las seis cuerdas. Cierto es que esta gente vienen rodaditos ya; UNSOULED y GAUNLET, se puede decir que han sido las “ bandas madres” de estos tipos. Demuestran nivelazo y lo plasman en este plástico con siete cortes redondísimos. El álbum fue grabado a camino ente Madrid, Verín, Toledo… Mezclado y producido por Carlos Santos en los Sandman Studios y el master se hizo en Suecia por el amigo Jens Bogren. Ósea que nada de medias tintas.

“Bring out your dead” empieza fuerte con “Macedonia “, donde se dibujan unos guitarrazos tremendos y la base rítmica a todo trapo. Unas melodías vocales guapísimas, en lo que es un corte que se erige pulido y firme. Un cacho de tema magnífico.

Continúan con “In the blink of a snake’s eyes” donde elevan el tono y el nivel un puntito más por encima de su anterior composición. Muy melódico y agresivo a partes iguales. Sin duda estas dos primeras pistas se alinean para desmembrar este trabajo.

“Mad girl’s love song” da un giro extraño y se disfraza completamente y te descoloca. Rompe la tónica que venía cogiendo el disco, y es electrónica con un regusto clásico. No sé cómo definirlo para que quede claro… la cosa es escucharlo y que cada uno dé su punto de vista.

Turno para “90”, con ese gancho y punch más comercial se podría decir. Es una buena puerta de entrada a BRING OUT YOUR DEAD . Es rock metalizado y alternativo. Con un aroma que se te pega y

Un álbum no excesivamente largo, ya que la gran mayoría de los temas incluidos no llegan a los 4 minutos e incluso alguno no llega a los 3 de duración, donde la banda nos obsequia con un Death Metal de la vieja escuela, pero con influencias que pueden estar algo cercanas al “Punk-crust” por momentos, lo que no quita brutalidad, pero si añaden un toque incluso más directo a su música. Desde el inicial “Thrive on the Fear” la banda no se anda con tecnicismos, sino que aquí lo que prima es el sonido pastoso, denso y ultra distorsionado, siendo la seña de identidad de la banda, con esa contundencia en los riffs y unas guitarras y bajo que destilan suciedad y distorsión al más puro estilo de las viejas grabaciones de los años 90. “Birth of Hideki” es uno de los temas más largos de este séptimo álbum de los de Chicago, un tema verdaderamente marchoso, con mucho Groove, un estribillo pegadizo y que seguro puede ser de los favoritos de toda la grabación. Pero la banda también sabe ofrecer velocidad y nos regala diversos momentos a lo largo de toda la grabación, con baterías que se aceleran endiabladamente y que harán las delicias de los seguidores de ritmos más veloces, aunque lo que prima realmente es esta devoción hacia la densidad y pesadez en los riffs, que es aumentada con el sonido que acompaña a este “The Day that Death Prevailed”. “Plague Ridden Destiny” es el tema más largo de la grabación y en él nos encontramos una muestra de cómo ir in crescendo un tema, empezar lento e ir añadiendo velocidad y marcha, para llegar a una melancólica parte a guitarras dobladas que llama la atención, aunque quizás me vengan a la mente los maestros AUTOPSY. “A Call for Violence” hace su honor al título y quizás sea de los temas más violentos, rápidos y agresivos, aunque siempre manteniendo la esencia de CARDIAC ARREST , y donde los cambios de ritmo están más que asegurados, lo mismo puedo decir de “Erradicate the Masses”, un tema de apenas minuto y medio, que es una verdadera masacre sonora, hecho para lo que su propio título dice: erradicar a las masas.

Buen álbum el de los yanquis, no puedo decir que sea la quinta esencia de este estilo, porque no, pero si te gusta el Death Metal de la vieja escuela, sucio, pesado y brutal, donde se pueden encontrar una actitud verdaderamente macarra, algo punk y callejera, sin duda, apreciarás este álbum porque pocos álbumes más directos te vas a echar a la cara en estos días.

CRYOSPHERE (DNK) CONSTELLATIONS SLIPTRICK RECORDS, 2020

Desde Sliptrick Records nos llega el nuevo EP de la banda danesa CRYOSPHERE bajo el nombre “Constellations” y que realiza un symphonic metal con toques de death melódico; con anterioridad en 2019 lanzaron un primer EP “Reflections” que recopilaba todos los singles que habían ido lanzando al mercado para darse a conocer.

Si su primer tema, “Into Decay”, nos muestra un metal sinfónico con toques progresivos de la mano de su guitarra Emil y la voz femenina de Sirene, introducen un combo vocal con Anders, para darle variedad y crear una simbiosis de melodías y fiereza, que los mueve por un estilo moderno, apreciándose a su vez unas orquestaciones muy atmosféricas que le dan un toque gótico noventero; su segundo corte, “I am Become Death”, es más directo, con elementos metalcore, aunque abre su estribillo a la épica y la voz de Sirene, creando un hibrido más interesante. Con “Nevermore”, nos dejan un inicio muy WITHIN TEMPTATION, donde Sirene y las armonías creadas por el piano nos sumergen lentamente en una canción muy melódica que cabalga a medio tiempo, pero que tiene en su interior una parte muy agresiva que me encanta, con guitarras muy poderosas y unos guturales de gran calidad, aunque vuelve a su tono más simpatico.

Antes del cierre instrumental, que da nombre al álbum, hay que mencionar el corte “Ashes”, donde Sirene, le da mucha más personalidad a su forma de cantar en las estrofas y las transiciones musicales nos adentran en su particular mundo que aun están construyendo, por lo que CRYOSPHERE tendrán que definir su camino, pero nos dejan unas intenciones muy interesantes a las que atenernos.

para abrir y dar paso a lo que parece es una nueva etapa del disco en sí, se percibe cierto cambio con respecto al tándem anterior. La bestialidad sube, pero también los arreglos, cambios de ritmo con solos de guitarra endemoniados, pero breves, como para dar un matiz de color distinto y luego volver, sin tecnicismos, a la caña pura y dura. Brillante. Y si hablamos de buenas piezas, tenemos “Tu realidad”, con la participación del vocalista de CHAOS DAY, que agrega todavía más putrefacción, fastidio y odio a una banda que se pone adrenalínica y, sin que te des cuenta, te está combinando arpegios de alto nivel, pasajes de Thrash clásicos y elaborados, con referencias en la lírica muy bien escritas. Sí, lo remarco de nuevo; para que al calzarte los auriculares aprecies el discurso como una parte importante de “Mil rostros”. Además de sudar uno piensa; algo que se agradece muchísimo hoy en día. De aquí en adelante nos encontramos con una suerte de variaciones en los tonos, ganando a veces más profundidad las bases (“Sin perdón” tiene un aire de mística previa a tomarse un par de Molotov como aperitivo) y con “Última hora” la locura es total. Fuerza y técnica, putrefacción y un sonido de Metal, decenios de Metal, servidos en tu cabeza gracias a una letra que te asfixia.

A mediados (creo) de 2019, la banda sufrió un golpe que los hizo replantear el camino a seguir, o no, debido a un robo en los locales de ensayo. Ante esa fuga de esencia, ante esa desazón de sentir que te quitan más, incluso, que lo económico, D.A.D. aguantó, apretó los dientes, y puso más garra todavía, más furia. Y con “Caer al abismo” y “Manos marchitas” (donde participa un miembro de MARABUNTA) cierran un larga duración que no te da respiro, que tiene detalles técnicos que suman más odio, más contundencia.

Este disco me lleva a estar viendo una pelea infernal, de un par contra una decena; voy teniendo la oportunidad de percibir, por instantes, esa falta de aire en uno de los que luchan, pero que no retrocede, que no se rinde, al contrario, más duro golpea.

Esa es la metáfora más adecuada que se me ocurre para definir un disco de mi ciudad, que huele a ese rancio sevillano invertido, despojado de caretas y marchas de semana santa, donde el Hiphop parece tener las verdades de la calle. Un carajo, escuchen “Mil rostros”, es bruto, trabajado con muy buen tino, para que no perdamos ni un poco de la contundencia. Eso se llama profesionalidad; mantener la calle y la resistencia en todo momento. Eso es “Mil rostros”.

SEBASTIÁN ABDALA 9/10

JUAN ANGEL MARTOS 6.5/10

DAWN OF A DARK AGE (ITA) LA TAVOLA OSCA

D.A.D. (ESP) MIL ROSTROS BASE RECORD PRODUCTION, 2020

Con una brutalidad efectiva, contundente y sin prisas para demostrar su esencia, el primer larga duración de la banda sevillana D.A.D. se convierte en una marca sanguinaria de altísimo nivel tanto por la técnica como por el despliegue del grupo en cada tema. “Mil rostros” es un compendio de todo aquello que venían avisando tanto en su primer E.P. “Falso profeta” (2015), como en las decenas de presentaciones en directo donde han arrasado.

La apertura a cargo de “Mil rostros” es una pieza de categórico Groove, pero que apenas insinúa todo el poder de fuego de la banda. Te bombardean con un sonido muy bien conseguido en una gran mezcla, y una pestilencia callejera e inmisericorde. Bases fuertes que toman el mando de a ratos, jugando con buenas guitarras y, lo más particular, un estilo definido desde el primer momento. Tanto la voz, en técnica y letras, como las aperturas de los riff´s son de una violencia que se irá creciendo a lo largo que avancemos por el disco.

“Solo tu ser” te pone los pelos de punta, y si te descuidas, los dientes contra el suelo. Un grito

ANTIQ RECORDS, 2020

Desde el Sur de Italia, en la región de Isernia, se esconde un pequeño pueblo conocido por su tradición en la fabricación de campanas, Argolese, desde donde nos llega también este nuevo trabajo bajo la batuta de Vittorio Sabellini, multinstrumentista del proyecto DAWN OF A DARK AGE, que tras cerrar una primera saga “The Six Elements” sobre los elementos de la naturaleza, une su talento a la voz de Emanuele Pradoni (PROGENIE TERRESTRA PURA, ANCIENT, ANAMNESI…), para comenzar una nueva epopeya bajo el nombre de “La Tavola Osca”, editado por Antiq Record.

La Tavola Osca, es una inscripción de bronce escrita en oscano y una de las más importantes descubiertas en este idioma, en la que se narra una serie de ofrendas a deidades como Ceres, los sacrificios de los fieles en fiestas paganas para la agricultura, la fertilidad…, pero a su vez guarda otra historia en particular, su descubrimiento y su misterio que Vittorio nos narra en dos actos, que a su vez se dividen en episodios, pero que son dos temas enormes y dinámicos para acercarnos un poco de la intrahistoria de Italia a través de su música donde el avantgarde, el black metal y el folk se funden en un viaje profundo y mágico.

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En el aspecto musical, asistimos a una historia, a una obra teatral que entremezcla pasajes donde el folk y una música repleta de belleza, flautas, clarinetes, guitarras acústicas, toques jazzísticos… arropan a un narrador que nos acompañara en nuestro viaje dándole unión a la historia en sí y alternándolo entre unos pasajes de black metal cargados de potencia y melodías donde la voz de Emanuele Pradoni le da esa carga oscura que necesita, fundiéndose con unos riffs de guitarras recurrentes y muy adictivos. El acto dos se inicia con un toque operístico donde Antonia Gust pone su voz, con un toque festivo, incluso circense y palaciego va creciendo lentamente hasta unirse al black sosegado que pone el acento en la composición, para terminar en una marcha fúnebre hacia el parnaso tétrica y tenebrosa, guiada por unos timbales graves que se perpetuán en el espacio y el tiempo, para recrear uno de los sacrificios a sus deidades.

DAWN OF A DARK AGE, nos muestra una parte de la historia de Italia oculta y alejada de los grandes relatos que todo el mundo conoce, pero son estos pequeños detalles los que engrandecen a una cultura y que merece la pena conocer y si es a través de la música mucho mejor.

JUAN ANGEL MARTOS 7/10

DEAD CARNAGE (CZE) FROM HELL FOR HATE IMMORTAL SOULS PRODUCTIONS, 2020

Desde la República Checa nos llega “From Hell for Hate”, según larga duración de DEAD CARNAGE . después de un EP que volverían a reeditar en formato Split y su disco debut “ Flash, Blood, Orgy”. Le toca el turno a este nuevo disco que editará el sello Inmortal Souls Productions. Formado por ocho canciones y una versión de HIPEROPHANT que será la encargada de cerrar el CD y una duración de poco más de la media hora.

Lamentablemente carecemos de mucha información sobre su grabación, portada… Así que iremos al grano. “Edges of Manipulation” es el encargado de abrir, tras una breve introducción saltan a la carga con un Death Metal sin modernices ni fusiones extrañas. Directo y conciso. Tampoco vamos a encontrar grandes florituras ni cambios de tiempos, Solo Death Metal en su vertiente más Old School sin edulcorantes. El tipo de producción es decente para el género aunque demasiado alto en mezcla el volumen en las baterías , siendo estas la parte que hacen que el álbum termine resultando un poco monótono y repetitivo pues son más bien poco complejas y dadas a realizar pocos cambios.

“Devastation” comienza con buenos Riffs y voces podridas acompañadas de una base rítmica más bien minimalista aunque cumpliendo con su función perfectamente. “Caged Brutality”, da comienzo con unos tiempos menos acelerados y con influencias entre el Thrash y el death. “My Blood is Black” es uno de los temas que más me han gustado del redondo. Teniendo todos los elementos que me gusta encontrar en el género. Riffs oscuros, acompañados de voces cavernosas y solos de guitarra. “Gods Lobotomy” vuelve a la carga a mostrarnos su influencia más Thrash en su inicio para después arremeter a la carga con su peculiar Death Metal. “Chapel Of Decay” es otro de los temas a tener en cuenta. Una verdadera brutalidad sonora. “From Dust” tiene un aire que me recuerda mucho a una mezcla de OBITUARY Y SIX FEET UNDER por todo el Groove que contiene. “First Kill Last Kill”, será el último tema propio de la banda en el CD siendo uno de los más extraños del álbum.

Si te gusta el Death Metal auténtico no dudes en hacerte con este disco.

MARK BERSERK 7/10

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tado en un sonido más bien denso, con armonías que te incitan a correr, pero que, al parecer, te dejan agotado por intentar salir de aguas infectas. “Endless sea of graves” es el maravilloso nombre para 6 canciones que terminan resultando escasas.

DEAD TREE SEEDS (FRA) PUSH THE BUTTOM MUSIC RECORDS, 2020

Con una desesperada mezcla entre varios estilos de Metal, aunque predomine el Thrash en su gran mayoría, nos llega el nuevo trabajo de los franceses de DEAD TREE SEEDS llamado “Push the button”.

Con buenos tramos de velocidad salvaje que nos hacen mantener la adrenalina a tope a lo largo de todo el disco, aunque luego, por momentos, la idea se pone algo difusa.

Con un comienzo más bien melancólico, y con un paso firme pero lento, vamos atravesando tramos de un Thrash Metal sucio, de corte clásico, y con un sonido “garaje” que le da una carga extra a la buena interpretación. Las canciones “Fangs of the White Wolf” o “Thru god for vengance” se ajustan a esta descripción y van marcando este ritmo veloz pero contemplativo. Sin embargo hay otras composiciones que contienen un mayor vínculo con otros elementos del Metal… Mayores cambios de ritmo superpuestos con riff´s anfetamínicos que dan un toque más elaborado a las melodías. “No time for complain” o “Abjection” son quienes llevan un ritmo distinto, si bien el comienzo es de mayor densidad, en un punto algo se quiebra dentro de la banda y se lanzan a conquistar el éter con una brutalidad gutural que combina a la perfección. Sin embrago nos encontramos con “The way to eternity”, una pequeña pieza instrumental entre guitarras eléctricas y españolas, que abren un portal a canciones más extensas y con más fusión. “Wailing Wall” es una canción que resalta por encima de las demás, tal vez sea la mejor del disco, con toque de teatralidad y efectos que suman a la violencia más contundente en todo el trabajo, sacando lo mejor de cada uno de los integrantes, y con una duración perfecta. Luego nos encontramos con “Enemies of Rome” de un corte bien Thrasher ´80´s que es la introducción perfecta al cierre del disco con “Shotdead”, marcadas en una misma línea de locura y agresividad, elaboradas con diferentes secciones que te llevan a esas cavernosas noches donde el Metal tiene ese sabor añejo que juega un poco con cierta poesía y calma para terminar de arrastrarte en un extenso sueño. Tal vez estas canciones pierdan un poco de brillo en su extensión, y el registro tan esquemático te haga desconectar por momentos.

La apertura es un estallido: “Fields of flesh” es básica, bruta y se apoya en la garganta y el odio del vocalista así como en un sonido intenso y bien manejado. Luego pasamos a una joya de la interpretación de la banda entera: “Phobos descendt” tiene escasos cambios de ritmo, pero bien marcados por una batería increíble, un bajo que aguanta y juegos de guitarras que, además de machacarte, ejecutan unos riff´s perfectos, tanto por técnica como por velocidad. La voz, claro, acompaña en una descomposición que parece emanada de un pozo, por momentos, y detrás de una pared por otros.

Luego tenemos un tándem desolador, rápido y con un sonido que complementa ecos, voces y cambios de ritmo con leves variaciones de velocidad, “Armoured apocalypse” y “Plagued by mortality” son más bien violentas, con segmentos donde las guitarras pasan al frente y hacen un buen coro mientras las notas del vocalista desgarran paredes de sarcófagos mal cerrados. Entonces cambia un poco el tercio, entramos en otras dimensiones de la Muerte, y los cambios de ritmo juegan un papel que acrecienta la sensación de asechanza por parte algo anti natural. “Per maleficum” es una canción que contiene esa ansiedad del vocalista por transmitir terror. Vaya si lo consigue.

Entonces ocurre algo extenso, maligno… penetrante ; que demuestra el control de la banda sobre el concepto que nos acerca este trabajo: entra en escena “Endless sea of graves”, una obra casi perfecta de 14 minutos que nos hace recorrer al completo este océano infinito de tumbas. Se puede apreciar cada instrumento al máximo rendimiento.

Con partes que parecen grabadas en crematorios abandonados, extensas llanuras de cementerios que sin fin ni visitantes; generando una atmósfera entre resacosa y de ensueño mal llevado. Trayectos donde todo lo que ocurre es la banda preparando el éter sobre un sonido armonioso estén en el compás que estén. Trombas de ejecución, que son hipnóticas, como lo que ocurre a partir del minuto 9, convirtiéndose en una banda tan distinta a la que presentaron hasta el momento, como una introducción perfecta a trabajos porvenir. La voz jugando entre gutural, tripas y cochinos suicidas, mientras las guitarras llevan una marcha que nunca decae. Así hasta el final.

La banda cuenta que el “renacimiento” ha sido en 2008, cuando decidieron entrar en los complejos caminos del Death Metal Old School, desde esa época hasta ahora la progresión es innegable, porque además de registrar un sonido pérfido y maligno DECREPID nos deja entre manos una obra que tiene detalles que dejan afectado hasta al más acérrimo de los seguidores de este estilo que, como vengo escribiendo, nos está colmando de buenas nuevas podridas, tanto en técnica como en Espíritu. Sea lo que sea esto último para cada uno.

tercer LP, después de casi 13 años sin noticias de ellos; se lo publica un sello indonesio, nosotros ya lo estamos escuchando antes de su salida, el 31 de julio. ¡Y vaya monstruo! Brutal Death metal con tintes Slam y una apertura con “The Process of Comprehension” que ya te deja clara las intenciones de este retorno. Sonido SUFFOCATION y Brutal Death a saco, abrasivo, saturado pero nítido… se pueden escuchar las líneas de Nils Berndsen al bajo, plenamente metálicas a pesar de estar tocadas con los dedos (eso sí, debe utilizar unas cuerdas para sostener un puente colgante, porque ¡vaya leñazos que mete el amigo!).

El siguiente tema, “The Enlightened One” nos descubre el arsenal artillero de Septimiu Hărşan tras el kit de bateria; Robbe Kok se funde las cuerdas vocales en cada ataque, bien con los guturales o con los berridos a plena potencia. Las líneas de las guitarras son complejas, entrelazadas y un baño de ácido sulfúrico para tus orejas (y Nils aporreando el bajo, no se te olvide). Entramos en el tema homónimo del álbum con unos tiempos más Slam que se engorilan y aceleran para apabullar y arrasar con toda forma de vida en unos cien metros alrededor de tu equipo de música. Algo más lento, algo más técnico, mucho más maduros… DISAVOWED escribiendo su propia entrada en la enciclopedia de la música extrema. “Imposed afterlife” entra como un cuchillo bien afilado en la carne blanda, la separa del hueso con hábil movimiento de mano y la expone trémula. ¡A qué nivel nos estamos enfrentando con estos holandeses!

Una banda que está en el aspecto técnico impecable; en el compositivo, madura; en el apartado de producción, inmejorable (muchas veces lo he comentado en otras review, me gusta escuchar todos los instrumentos y muchas veces, el bajo se pierde en la mezcla). Pero DISAVOWED se unifican como una entidad capaz de grabar temas como “Therapeutic Dissonance”, arrollarte como un 747 y seguir camino con otros temas como “Defractured in Contemplation”. Murallas y murallas de riffs, miles de ellos ensamblados unos con otros en una arquitectura perfecta y maliciosa; unas líneas de batería que parecen querer rebasar los límites establecidos de golpes por minuto, un bajo con una presencia brutal, pericia a raudales… Que da igual que estén en tempos más lentos como en “The Inevitable Outcome”, la brutalidad la tienes asegurada, la calidad, la técnica, lo que tú quieras con temas tan adictivos como “Facing the Singularity”.

Una banda. Holandeses (como los PESTILENCE o los GOREFEST, o los ASPHYX). Que se buscan a un sello indonesio para publicar su tercer álbum.

Después de un parón de trece años. Ahí, para darle más rollito a lo de la aldea global. Y nos salen con “Revocation of the Fallen”, que es la demostración de que para DISAVOWED ninguna de las premisas anteriores es un óbice para destrozar tus oídos con uno de los álbumes del 2020 de Brutal Death.

Ojalá no haya que esperar otros trece años para el siguiente.

CESAR LUIS MORALES 9/10

SEBASTIÁN ABDALA 9/10

Con diferentes recursos, una cadencia bien diferenciada entre cada tramo del disco “Push the button” deja pequeñas secuelas de una banda que está a mitad de camino de su carrera, conjugando con sabiduría y buen ojo recursos Extremos y unas mezclas de estilos que, si bien a veces parecen repetirse un poco, le da un buen sello personal a DEAD TREE SEEDS .

SEBASTIÁN ABDALA 7.5/10

DISAVOWED (NDL)

DECREPID (GBR) ENDLESS SEA OF GRAVES XTREEM MUSIC, 2020

Con saña y una putrefacción que hiere desde el primer instante, con algunas secuelas de un pasado oriundo en el Thrash en lugar del Death, los británicos DECREPID lanzan nuevo trabajo, fundamen-

DISMAL (CHL) MEMENTO MORI

REVOCATION OF THE FALLEN

AUSTRALIS RECORDS, 2019

BRUTAL MIND, 2020

Hace casi sesenta años que el sociólogo canadiense Marshall McLuhan apostilló el término de aldea global. A fecha de hoy, tal es la conexión entre todos los puntos de la Tierra y todo viaja a tal velocidad que, por efecto de saturación y su normalización, ya ni nos damos cuenta de lo inmersos que estamos en esa aldea global. ¡Colorea y aprende con Teo!

Se cuenta, se dice, que cuando un general romano desfilaba por las calles de Roma, a su regreso victorioso de alguna campaña, se le hacía acompañar por un esclavo, montado en el adornado carro detrás de él. Para impedir que el ego del general engordase al verse vitoreado por las calles de la Ciudad Eterna, el esclavo que le sujetaba la corona de laureles le susurraba: Memento Mori (recuerda que morirás). ¡Colorea y aprende con Teo!

Pero hay momentos y cosas que te lo recuerdan.

Como por ejemplo, que una banda holandesa como DISAVOWED firme con un sello de Yakarta (Indonesia) como es Brutal Mind para la publicación de su nuevo disco, “Revocation of the Fallen”.

Maemía, como está el asunto: la banda publica su

Así que, con esa premisa, lo primero que escuchas de este EP, llamado “Memento Mori” es una intro con un ampuloso sonido de órgano de iglesia; las notas son graves, severas y solemnes. Ya te está dando una pista de por dónde van los chilenos DISMAL. Los primeros acordes del siguiente

tema, o movimiento, “Memento Mori I – Ashes” ya te disipan todas las dudas. Con unos riffs bien sabbáticos nos sumergimos en la atmosfera Doom que ya esperábamos. No podía ser de otra manera; ya todos sabemos de dónde vienen los riffs que nos hicieron caer arrodillados ante la “Música del Diablo”. Reseñable también el uso de dos vocalizaciones distintas, una nítida y otra con el growl característico lo que ofrece dicotomía y dinamismo a la banda. El siguiente movimiento de esta oscura sinfonía se llama “Memento mori II – The Rite” donde la atmosfera se vuelve más asfixiante y desesperanzada. Aparecen unas líneas de bajo pero muy difuminadas en la mezcla.

Porque algo que hay que señalar de este EP, aparte del esfuerzo musical y conceptual de la banda es la producción opaca que tiene. No es algo terrible que te impida escuchar a los DISMAL y a su “Memento Mori”, puede ser incluso que hayan buscado ese sonido soterrado, pero… Me gusta que los discos –y aquí viene la paradoja con un disco de Doom- tengan su luz. Me gusta que los platos suenen afilados, que las guitarras suenen crujientes y que el bajo tenga presencia. Con este disco no me pasa eso. Me gusta, porque adoro el Doom, pero me parece que tengo que andar subiendo el volumen y jugando con el ecualizador para ponerlo donde yo quiero. A lo mejor soy un viejo y estúpido sibarita presuntuoso, a lo mejor los chilenos no tenían acceso a mejores medios para la producción o a lo mejor era el sonido tortuoso y apagado que buscaban. Para lo que es el EP, para lo que es el Doom, para lo que son estos estilos de música le viene que ni pintado. Pero…

Estoy pensando en el primer disco de, por ejemplo, SEPULTURA, aquel “Morbid Visions”, del 86 con Cogumelo Produçoes. Aquel sonido completamente amateur, con aquellas canciones y una banda que tocaba con instrumentos prestados. Intenta adquirir a fecha de hoy un ejemplar de aquella hornada del primer trallazo de los brasileños, ¡a ver cuántos riñones tienes que empeñar! Volviendo al tercer movimiento de DISMAL, “Memento Mori III – Memories” sigue reptando por esos pasajes de oscuridad y es uno de los temas más equilibrados en cuanto a partes con riffs sabbáticos, growls, voces nítidas y recitativos, así como la presencia de un bajo audible. “Memento Mori IV – Ascension” nos arrulla con esa introducción acústica y etérea. Pero como buenos amantes del Doom ya sabéis lo que toca después, y sobre todo, atentos al cambio de ritmo hacia el final del tema. Cierra el EP un tema, “A la espera de la oscuridad”, un recitativo desesperanzado que nos lleva hasta el final “Outro”, más órganos eclesiásticos, más ambiente solemne…

Ecos de nombres como PARADISE LOST, MY DYING BRIDE, bandas que sabemos que son muy, muy grandes, pero DISMAL se han acercado sin temor y con respeto al género y lo han hecho bien.

Un buen primer lanzamiento, ideas, concepto global de banda y de sonido, un montón de buenas canciones de Doom, pero… ¡recordad que soy un viejo y estúpido sibarita presuntuoso! Algo más de imaginación, un poquito más de riesgo, de aportar algo nuevo al género, y una mejor producción. Y sí, ya lo sé, no habéis hecho más que recordármelo una y otra vez: recuerdo que voy a morir. ¡Memento Mori, memento mori, lo sé!

CESAR LUIS MORALES 8.5/10

Comenzamos escuchando“(F)Inally (U)Nderstanding (N)Othing” donde unos potentes riffs nos da bienvenida para al momento sumarse la voz gutural y una increíble mezcla de batería y bajo que acusa aún más la potencia del conjunto. Nos brindan una melodía pesada, constante, que se rompe para dar protagonismo a una voz que crea un juego melodía-voz muy interesante. Como primer tema, toda una oda a la potencia que termina con melodías electrónicas, cerrando de manera muy diferente.

“I’ve Scene God” nos abre con sonidos agudos de fondo que al momento se torna en composiciones muy pesadas y agresivas, apostando por sonidos graves con mucha pegada, donde la batería genera una base muy sólida sobre la que fluye el resto de componentes. Crean unas composiciones con muchos contrastes, añadiendo multitud de silencios y unas voces rapeadas con efectos electrónicos que les hace tener una buena variedad en las líneas vocales. Lento pero pesado y con estructuras muy cambiantes.

“Thunder Mouth” se encuentra en el ecuador del trabajo y nos abre con sonidos de fondo que se transforman en pesadas melodías acompañadas de pequeños toques electrónicos que crean una profundidad asombrosa. Nos encontramos con unos juegos de guitarras-voces muy acusados, generando composiciones pegadizas a la par que potentes. En el estribillo nos topamos con unos sonidos super potentes, que juegan con silencios y sonidos super agresivos, creando un contraste abismal, que nos da una sensación de potencia bruta cada vez que sube y baja el sonido.

Pequeños sonidos con voz bajita de fondo nos abre “203” donde, al momento, aparecen voces por todos lados, con pequeños sonidos, para irse mezclando con golpes de batería y guitarras de fondo que acompañan a una voz lenta pero constante rompe esa calma con un grito. A raíz de eso, nos brindan una potencia brutal, con guitarras constantes que se mezclan con partes electrónicas para dar más agresividad al conjunto. Juegan con muchos altibajos en el tema, creando un gran contraste y cerrando con calma para el siguiente tema.

El encargado de cerrar el trabajo es “Uncontrollable Descent” que nada más comenzar ya nos deja con unos de los riffs más duros y potentes de todo el trabajo, dejándonos claro que piensan acabar por todo lo alto. Eligen para ello una mezcla super agresiva de guitarras potentes que se nutren de una estructura de batería y bajo muy sólida y potente sobre la que fluye una voz plagada de guturales agresivos, donde a veces nos encontramos algunas estructuras rapeadas que dan profundidad a las voces. La guinda del pastel la da unas melodías electrónicas que pasan desapercibidas, pero completan la melodía sin destacar en exceso, rasgo muy positivo. Sin duda un tema perfecto para acabar este potentísimo disco.

En este nuevo trabajo de EMMURE vamos a encontrarnos con unas composiciones super potentes, como viene siendo costumbre, donde la mezcla de potente instrumentación con unos guturales de vértigo, crean una atmósfera de potencia increible. Se nota una producción algo mejor que en su anterior trabajo “Look at Yourself” que ya de por sí era excelente, y donde se ve que van consolidando un sonido propio con las mezclas de sonidos agresivos y electrónica acompañante. Un paso más en la carrera de los estadounidenses que les hace avanzar más aún en un panorama donde ya están más que cómodos y consolidados.

JORGE DE LA CRUZ 8/10

EMMURE (USA) HINDSIGHT SHARPTONE RECORDS, 2020

Los estadounidenses EMMURE vuelven a la palestra con un nuevo trabajo, un nuevo LP que está compuesto por trece potentes temas. Editado por Sharptone Records, este nuevo trabajo lleva como título “Hindsight” Formados en 2003 en New Fairfield, Connecticut, y actualmente está compuesta por Frankie Palmeri a las voces, Joshua Travis en la guitarra y sintetizadores, Josh “Baby J” Miller en la batería y Nicholas Pyatt al bajo.

GODARK (PRT) FORWARD WE MARCH AUTOEDITADO, 2020

Desde la vecina Portugal, nos llega el debut de GODARK, “Forward We March”, donde dan rienda suelta a un melodic death metal para transmitirnos un mensaje sobre una sociedad individualista y corrupta, donde el honor queda de lado y alientan a

luchar por el futuro. Grabado, producido, mezclado y masterizado en Blind & Lost Studios por Guilhemino Martins y siendo autoproducido, los sonidos a AMON AMARTH, DARK TRANQUILITY o IN FLAMES , están por doquier.

Solo con escuchar el combo que abre el álbum, “Miserable Noise” y “Freedom”, apreciamos esa épica en las guitarras de Rui Fernandes y Diogo Ferreira, ese toque vikingo con tintes nórdicos en la voz de Víctor Costa, que te recordaran a AMON AMARTH con unas melodías agresivas pero a la vez melódicas, abriéndose en un estribillo donde los riffs inundan de armonías y acompaña a la explosiva percusión de Fabio Silva y al bajo de Daniel Silva, todo esto en la primera que mencionamos, pues el segundo corte tiene un toque más a lo DARK TRANQUILITY con un halo oscuro que lo recorre desde el primer minuto, además de introducir detalles de teclados que personalmente no me agradan mucho y podían haber prescindido.

Y aunque este tipo de death metal melódico está muy machacado, GODARK, introduce algunos elementos fuera del estilo para darle su toque, como las guitarras de “Repealing Silence”, con un toque muy groovero, y un estribillo digno del Valhala, la pegadiza y directa “Disorder’s Edge” con un toque atmosférico que le viene como anillo al dedo, la modernizada “Everything Is Gone” donde las transiciones de riffs le vuelven a dar ese toque groove en los puentes, pero se transforman en las estrofas y se matizan en el pre-chorus… Una de mis preferidas del trabajo viene bajo el nombre de “Wings Of Hope”, adquiriendo todos los detalles de la banda en un tema muy épico, donde el death metal noreuropeo rezuma por los cuatro costados, con un gran equilibrio ente agresividad y melodías.

Un debut que nos deja muy buenas sensaciones y que a buen seguro hará las delicias de muchos aficionados a estos sonidos escandinavos, pero esta vez procedentes de Portugal bajo la batuta de GODARK. Eso sí innovan poco en un estilo muy parecido entre las bandas que lo destilan, pero aun así es obtendrás una buena dosis de buena música, donde la epicidad será el trasfondo del death metal.

JUAN ANGEL MARTOS 7/10

como en escalas) para dejar un disco que tiene un registro atractivo.

GUARDIAN OF LIGHTNING es un proyecto planteado por personas que no solo saben cómo cortar el paño, es muy probable que ellos mismos hayan construido el paño, la edificación de las estructuras, los arpegios y melodías implementadas con muy buen tino dan cuenta de esto a lo largo de “Cosmos Tree”.

Disco que es altamente recomendable para músicos que buscan, dentro de los recursos clásicos, una vuelta de tuerca, una exposición y cierto riesgo a la hora de encontrar detalles y matices que enriquecen el conocimiento. Por lo demás es un disco con mucho peso Espiritual para la banda por no haber podido contar con uno de los productores que estaban en este proyecto desde el principio.

Pero estoy seguro que esté donde esté al escuchar las grabaciones de este bajo se habrá dado por satisfecho.

SEBASTIÁN ABDALA 7.5/10

HEBOÏDOPHRENIE (FRA) CANNIBALISM FOR DUMMIES GREAT DANE RECORDS, 2020

Desde Francia nos llega “Cannibalism For Dummies”, segundo larga duración de HEBOÏDOPHRENIE. Disco totalmente autoproducido por la banda y será editado en formato CD por Great Dane Records. Consta de once cortes y una duración de unos cuarenta minutos. En el arte de portada cuentan con Bastien Jez. Lo que nos vamos a encontrar es una mezcla de Death con muchos elementos modernos tipo Deathcore , Groove metal y algunos guiños progresivos, Djent…

GUARDIAN OF LIGHTNING (BRA) COSMOS TREE ECLIPSE RECORDS, 2020

Con una efectiva presentación, con una voz seca y dura, con tan solo una guitarra rítmica y un bajo “líder” soportando batería, punteo y voces, tenemos ante nosotros, desde Brasil, a la banda GUARDIAN OF LIGHTNING; que nos trae su disco lanzamiento “Cosmos tree”. Un interesante proyecto que se llama a sí mismo como intérpretes del Thunder Metal, y que nos trae una buena dosis de Metal con tintes clásicos, oscuros y, sobre todo, una presencia que juega con los sonidos a lo largo de todo el álbum con una base extremadamente eléctrica.

Una apertura lisérgica que intenta envolvernos con su base desde una introducción bastante amenazadora para luego, simplemente, lanzarse al ruedo con poderosas composiciones que están compuestas en ese límite tan delgado entre la distorsión, la saturación y la contundencia. La idea de este nuevo sonido es dejar que esas guitarras maquiavélicas sean remplazadas por las diestras armonías del bajista, por la potencia que se mantiene en una misma velocidad de las bases, en este caso, tomadas por la guitarra y la batería.

Interesante.

Con momentos épicos de interpretaciones, con pocos efectos pero bien presentados, nos quedamos con joyas como “Sound of thunder” (¿tal vez la mejor del disco?) y la eléctrica “Another place”.

La consistencia de las canciones se mantiene a lo largo de todo el trabajo, con recursos muy bien ejecutados y esa inteligencia compositiva e interpretativa de “zorros viejos” que conocen bien cada tramo de su instrumento, de su sonido, y lo plasman en melodías similares (tanto en voces

Después de la intro de rigor, saltamos a “H.F.C”. En donde después de unas narraciones, comienzan con su cóctel de Metal. La propuesta es original y está bien producida y con una buena ejecución.

“Beheaded” es el siguiente en saltar en nuestro reproductor. Estribillos pegadizos acompañado de solos de guitarra y mucho Groove. “Flush the Meat” comienza con medios tiempos, mucho más pesado que sus antecesores y en una línea más Death con muchos matices Deathcore. Después de una introducción tipo “Deathstep” saltan a un sonido muy Djent tipo MESHUGGAH con muchas partes progresivas y algunos soundscapes de fondo que le dan cierto misticismo al tema. “Bleeding Love” comienza entonando pasajes más Doom para después volver a la carga con su Death plagado de Groove. “Doomsday” será el siguiente siendo un tema completamente instrumental en donde regresan a jugar con el Dub y el Djent. El siguiente tema “Hipster Slaughter” continua en una línea muy Deathcore marcada por elementos progresivos. “2064” es posiblemente uno de sus mejores temas siendo más fiel a un sonido más Death, aunque está lleno de ritmos a medios tiempos y patrones tipo breakdown que me recuerda a los últimos trabajos de ABORTED en una versión todavía más moderna que los belgas. “Left Half Dead” comienza muy directo y con melodías muy pegadizas. Las partes Djent regresan mezclados de nuevo con solos de guitarra y varios registros vocales. En este tema juegan mucho con los cambios de tiempo.

Para cerrar tenemos “The Last Breath”, en donde se aprecian algunos riffs más Thrash combinados con sonido Djent muy progresivo.

Si te gusta el Metal de carácter más moderno, no dudes en escuchar este disco, no te dejará indiferente.

MARK BERSERK 7/10

HORMIGON (ESP) LEYENDA NEGRA BASE RECORD PRODUCTION, 2020

La música a veces es complicada, pero si se lucha y más hoy en día, puedes sacar ese álbum que siempre has soñado y eso es lo que le ha pasado a los andaluces HORMIGÓN, que a principios de los noventa editaron dos demos “Hormigon” (1992) y “Evil” (1993) ambas cantadas en ingles para después desaparecer en el underground nacional, hasta que dos miembros originales, Miguel Jiménez a la guitarra y Francisco Molero en el bajo y voz, deciden retomar esos temas y regrabarlos, esta vez en castellano, aunque la segunda demo ya tenía temas en nuestro idioma. Un logro que ahora en 2020, han podido conseguir gracias a Base Records Production y darle forma a su primer LP, bajo el nombre de “Leyenda Negra”, en el que se han unido José Antonio Fernández en la guitarra y Mario Jiménez en la batería programada, para dar rienda suelta a 10 temas con un toque diabólico.

En cuanto a lo musical, los temas suenan añejos, noventeros, pero reacondicionados a la actualidad, con unos riffs de guitarras muy adictivos y cabalgantes, como lo hace en “Eterna Condena” o en “Salvator Mundy”, donde además de ese toque death metal, apreciamos la influencia thrashera clásica, con unos pasajes vertiginosos y una voz rasgada y gutural que da la talla, aunque a veces la voz doblada y distorsionada como extraída de los diablos de “Braindead”, no le hace justicia y estorba más que aporta, en algunos temas funciona mejor que en otros, aquí tenemos en los mencionados una de cal y otra de arena.

“Leyenda Negra”, tiene unos de los mejores riffs del álbum en su parte final, siendo un temazo en toda regla, con unas estrofas directas y machaconas aderezadas con esos riffs y solos que elevan al tema de categoría, para con “Posesión” dejarnos otro corte marca de la clásica. “Divina Muerte”, es más contundente y aplastante, a la cual le hubiera quitado las voces diabólicas, (al igual que al tema “La Vida Mas Velocidad”) adentrándonos en un mundo oscuro con un cambio de guion en su estrofa acelerando el tempo para reducirnos a un headbanging noventero.

Desde aquí al final, el álbum es muy homogéneo, cambiando pequeños matices que marcan la diferencia como las voces de “En El Nombre De”, o el toque macarra de “Conclave Sangriento”, donde el bajo es imprescindible, enfureciéndose en la parte final, entregándonos dos minutos de puro thrash/ death metal. “Hipnótica Perdición”, tiene un halo más melódico y es otro de mis temas preferidos del trabajo, con un aire apocalíptico y esas armonías que aportan un toque de aire fresco al conjunto, todo un señor tema, que se une a “Agónico Ser”, en un cierre por todo lo alto con 8 minutos de gran calidad, donde las estrofas te harán mover tu cabeza sin cesar, unos solos y arreglos de lujo, para girar hacia un vertiginoso abismo donde las seis cuerdas se exprimen al máximo, terminando con unas orquestaciones que se apoderan del final, de 10.

En definitiva, si eres amante del death/thrash ochentero, los granadinos HORMIGÓN, te gustaran, pero eso sí, las segundas voces a veces chirrían un poco. Un álbum que debió ser grabado en su época, pero más vale tarde que nunca y el resultado merece la pena.

JUAN ANGEL MARTOS 7/10

HORNWOOD FELL (ITA) CURSED THOUGHTS

hermanos Basili. Un Black visceral y crudo que me lleva a pensar en relatos como “El corazón delator”, que no tienen un lirismo tan exacerbado como el de Baudelaire.

dido. Excelente para quien todavía tiene dudas de tener razón acerca de por qué ocurre lo que cada día nos despierta con un buen traje mal planchado y un café amargo y añejo.

Dos partes de una misma obra que se acaban diferenciando, pero que se pueden escuchar como un todo. Baudelaire Vs. Poe. Una primera parte más rimbombante, una segunda parte más descarnada, pero igualmente adictivas las dos. Recordemos que los dos eran coetáneos, que hablaban de la desesperación humana, de los monstruos interiores… Ahora tú eliges, ¿de quién eres? ¿De Baudelaire? ¿De Poe? Si te ocurre como a mí, que no puedo elegir entre ellos, tenemos el “Cursed Thoughts I&II” de HORNWOOD FELL para no tener que descartar a uno.

Mi preferida “Undisclosed world” tanto por la marginal perfección a la hora de controlar los cambios de ritmo y la violencia mental que asemeja a esas personas que repiten una y otra vez las mismas frases. Genial cierre de un trabajo que, además de ser un delicado experimento entre músicos que forman parte de una escena cada vez más lejana a cualquier colectivo social y más cercana a mostrar ironía ante cualquier medida que se tome para intentar evitar que, este juego vano de cuidar a quien odiamos, sea un pilar fundamental de HUMAN CARNAGE .

CESAR LUIS MORALES 9/10

SEBASTIÁN ABDALA 9.5/10

KADABRA MUSIC, 2020

Hay dos autores que, si bien eran casi coetáneos, no llegaron a conocerse en persona y es una lástima, porque eran probablemente los más grandes de su época. Para mí, por lo menos, son dos de los autores más relevantes en mi largo noviazgo con la literatura, y son el americano Edgard Allan Poe y el francés Charles Baudelaire. ¡Colorea y aprende con Teo! Del primero aprendí el gusto por el horror (sobre todo su colección de cuentos cortos). Del segundo, el gusto por la decadencia (¿todo un ensayo sobre el hachís? Leed “Los paraísos artificiales”).

Incluso, debo añadir, las traducciones que hizo Baudelaire de la obra de Poe siguen siendo consideradas como las mejores en lengua francesa y son canónicas. Así que cuando me asomé a este disco, los hermanos Basili tenían la partida ganada.

HORNWOOD FELL es el nombre de dicha banda; nueva referencia literaria a “Juego de Tronos”, donde los Hornwood eran vasallos de la Casa Bolton, una de las Casas de Invernalia, rivales de los Stark.

Pero basta de genealogías. El asunto de este “Cursed Thoughts” está compuesto por los hermanos Basili, Andrea a la batería y Marco, al resto de instrumentos (voz, guitarra y bajo), y para mejorar el asunto, el trabajo está dividido en dos partes.

Del tema primero al sexto, se basan en uno de los mejores libros de poemas del genio francés, “Les Fleurs du Mal”. La segunda parte del álbum (temas siete al trece) se basan en poemas de E.A. Poe. ¿Hay o no hay pa’cagalse?

Dos genios unidos bajo un mismo álbum, y me refiero tanto a los literatos como a los hermanos Basili. Y cómo ellos mismos declaran: se han inspirado en dos poetas que hablan de la desesperación humana. Los fantasmas interiores de cada uno, el horror y el dolor. Dos voces completamente distintas. ¿El resultado? Pues ya solo con el tema de apertura, “The Joyous Defunt” te das cuenta de que estás escuchando algo muy, muy especial (y encima hay una serie de arreglos de vientos por ahí de fondo). Se me vienen a la cabeza los grandes nombres del género, todos a la vez, todos en tropel. Una de esas bandas que se está labrando su propio sonido y su propia identidad y en cuanto los escuchas los reconoces, como los WOLVES IN THE THRONE ROOM. Pues con HORNWOOD FELL pasa lo mismo; sí, enseguida pillas que es Black Metal, pero eso sólo es el vehículo para toda la expresión artística de los hermanos Basili. “Magnetic Horror” es otro temazo que se te va a clavar en la cabeza y te va a llevar a ponértelo en bucle. ¿Y qué decir de “Obsession” y sus etéreos y melancólicos interludios? Puro Baudelaire sirviéndose otra copa de ajenjo. Monolítica, solo así se puede definir la estructura de un tema como “The Possessed One”, monolítica, abrumadora, orquestal (de nuevo aparecen esos arreglos de cornos tan CELTIC FROST) y ese final reiterativo y desesperanzado. Esta parte del disco no hace sino mejorar con los últimos trallazos, “The Spiritual Dawn” eleva el listón muy mucho y el agobiante riffing de “The Giantess” rubrica una primera parte (la de Baudelaire, la de “Les Fleurs du Mal”) soberbia. Por el contrario, la parte de Poe (a partir del tema 7), abre con un “Dream-land” un furioso ataque blackmetalero que, en comparación con lo escuchado anteriormente, parece menos refinado, menos creativo, aunque también tiene sus destellos de luz. Lo mismo con “The spirit of the Dead”, ataque blackmetalero crudo y sin paliativos ni adornos. Pero HORNWOOD FELL vuelven a recuperar el tono y la maestría compositiva en el siguiente tema, “Alone”, desde el sintetizador del inicio a esos devaneos entre el Death y el Black, hasta las armonías finales.

Fantasmagóricos retazos en “The Divine Right of Kings” nos llevan a “The Lake” que tiene esa urgencia en sus entrañas de devorarnos vivos, pero siempre esa vibración Blackmetalera, que como he mencionado es la justificación vehicular de los

HUMAN CARNAGE (ESP)

HUMAN EMBROIDERY (ESP)

ANCIENT COVENANT OF OBSCENITY

SUBMISSIVE SERVANTS

BASE RECORD PRODUCTION, 2020

BASE RECORD PRODUCTION, 2020

Cada tanto ocurre, es verdad. Así como hace casi 100 años atrás la Humanidad estaba cercada por guerras de ideologías evolutivas confusas y gripes apocalípticas, en este 2020 la ferocidad introspectiva de HUMAN CARNAGE ha decidido tomar forma de conjunción misantrópica y entregar su segundo trabajo “Anciant covenant of obscenity”, un disco que además de rebosar calidad técnica y compositiva tiene ese toque tan sobrecogedor de quienes sabemos que, al no encajar para nada en esta Sociedad que se pone dócilmente un bozal, tenemos un refugio donde encontrar alivio, paz mental y aire repleto de convulsiones al imaginar que algo más puede cambiar este aburrido infierno.

Con una potencia basada en la velocidad y en unas melodías capaces de atravesar las membranas de tus oídos, HUMAN EMBROIDERY ataca con su álbum “Submissive Servants” y pone patas arriba el concepto de “Grind”. Estos 3 vascos, con amplio recorrido por la escena, en algo así como un año decidieron poner toda su perversión a los pies de un Metal Extremo que se basa en la intensidad caótica y desenfrenada de un Brutal que arrasa y descompone, pero con amplios detalles que golpe tras golpe terminan de concretar un compendio de 10 canciones llenas de rabia y veneno.

La apertura del disco deja claro que estamos ante un despliegue de técnica liderada por el batería, quien se encarga en todo momento de aportar diferentes tonalidades a la locura del resto de la banda. Con guitarras que juegan entre un Progresivo más ligado a escalas matemáticas difíciles de componer y hacer sonidos altamente adictivos a la hora de fijarse en otras notas histriónicas, una garganta parece dar vuelta todo ese corpúsculo humano que apenas es un portador de dolores e incomprensión. El disco duele… y gusta.

Con canciones que se toman su tiempo a la hora de desarrollar una idea, un concepto, con una apertura más aferrada a la violencia que a la técnica, “Ancient covenant of obscenity” juega con esa locura que va marcando ritmos entre guitarras que corren desquiciadas con una garganta que parece tener los ojos clavados en un pozo inagotable de dolor y furia, con bases que se someten a ejecuciones que se multiplican en un duelo épico con las guitarras. ¿Es técnico? Sí, y del bueno, con escalas que parecen más preocupadas por romper armonías que por formar parte del conjunto, tomando un primer papel relevante y que así continuará en todo el L.P. Con “Dig disentomb santify” entramos en un momento más profundo en cuanto a la lírica, mientras que la velocidad se acompasa, ahora, un poco más con un juego instrumental que parece cordialmente desprolijo, pero que a lo largo de la fuerza que la banda te va chupando termina con ciertos arreglos que luchan por estar presentes, también, en la maravillosa y oscura sin par “On your Knees”.

Las fragmentaciones de la idea se notan en cada coro, pero están muy bien hiladas a lo largo de un sonido global que, por momentos, hace demasiado hincapié en una percusión que se opaca ante los riff´s que contienen detalles increíbles .La banda parece estar a merced de un Kraken fétido y que apenas cesa cuando el bajo aporta brillo a segmentos vocales muy intensos. Con “In sun” la voz parece ocultarse tras una banda que no cesa de arreciar contra un muro de sensaciones cada vez más feroces en las letras, con “Never existed” el Extremo es más y más profundo, salvaje y corrosivo, conservando esa frescura de quien tiene todo per-

Como primera virtud podemos apuntar al gran trabajo de mezcla y post producción, haciendo que la idea integral del trabajo sea de muy buena calidad.

Si bien nos enfrentamos a un desprecio total por cualquier sentimiento empático, con pasajes de oscuro canibalismo social de comportamiento y manejo de aptitudes a la hora de conjugar el terror con ciertos toques Gore, “Human Ineptitude” es como una aguja que se te encaja en las glándulas lacrimales, pervirtiendo toda posibilidad de moverte impresionado por la crueldad de una batería y una banda que van a velocidad sónica. Sin embargo, toda esta acritud, ese desprecio y la rapidez con la cual combinan los instrumentos y una voz profunda y maligna, se supera continuamente con canciones como “Bukkake of cash” y “”Borders”.

Fulminantes, complejas y feroces. Básicamente asistimos a un fusilamiento clandestino. Excelente.

Cuando uno piensa que ya no puede ir a peor aparecen en escena “”Wave of terror” o “Calculated genocide” se sube un cambio en la velocidad y la banda se pone más agresiva, manteniendo esa técnica, pero con una voz que se hunde todavía más en un pozo de impiedad. Entonces ocurre “Revenge party” (puede que la mejor canción del disco)lo moral ya se cae por completo: la voz de un policía (imagino) pidiendo a alguien que suelte el cuchillo, para de inmediato dispararle, pone los pelos de punta con las interpretaciones de las gargantas que dialogan entre toques ácidos y extremos, mientras la banda intenta frenar durante instantes la violencia y dejarnos un tramo tan Gore, Brutal y perverso que, de verdad, es para enmarcar y escuchar cada día antes de salir a las calles y ver como todo esto que nos rodea y se llama Humanidad es un chiste que merece pasar por una picadora desafilada.

Si hablamos del Grind como un estilo que suele ser “vilipendiado” hasta por algunos sectores del Metal, en este caso nos encontramos con una gran obra que en apenas un puñado de minutos nos deja exhaustos y con una violencia impregnada en cada poro de nuestra piel. Sin recurrir a una excesiva perversión Gore, pero con momentos asfixiantes, HUMAN EMBROIDERY nos regala un trabajo imprescindible para los tiempos que corren: donde un buen corte de pelo y su respectiva sonrisa estúpida en Instagram nos acerca a quienes se dicen músicos anti-sistema y ya quisieran grabar con un gramo de lo que tiene “Submissive Servants”. Con NUM. 75 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 37

el odio que tenemos dentro, apuntemos a la cara de los policías sociales sin placa, y dejemos que la ira corra como caballos salvajes del apocalipsis esta nube tóxica tan bien conceptualizada, ejecutada y, repito, mezclada en un límite complicado pero limpio y sorprendente.

SEBASTIÁN ABDALA 8/10

LAMB OF GOD (USA) LAMB OF GOD NUCLEAR BLAST RECORDS, 2020

INSATANITY (USA) HYMNS OF THE GODS BEFORE CDN RECORDS, 2020

Si eres aficionado el death/black metal de mediados de los 90, debería sonarte el nombre de estos INSATANITY, ya que en los últimos tiempos, han visto como su primer y único álbum hasta el momento, “Divine Decomposition” de 1996 ha sido reeditado y su anterior trabajo, el EP “Upon the Ivory Throne”, ha sido publicado también por el sello patrio Pathologically Explicit Recordings (HORDE CASKET, APOSTLES OF PERVERSION, SICKENING HORROR…).

Para este nuevo “Hymns of the Gods Before”, sin embargo han contado con los canadienses de CDN Records (BLOOD OF CHRIST, GUTTED ALIVE, DISPLEASED DISFIGUREMENT…), que han reclutado este cuarteto formado allá por el lejano 1992.

En principio la producción me había parecido floja, con respecto a su obra anterior, le falta un punto de potencia diría, aunque bien es cierto que el sonido general (mezclas y demás) es estupendo. En cuanto a las canciones, no encontrarás ninguna novedad destacable en su haber, su música es lo que es y ya está, no hay más o lo tomas o lo dejas. Rápida, intensa y enérgica, desde el corte inicial “Seed of Baal”, pasando por los que han elegido como adelanto y han realizado sendos lyrics videos, como son “Ashes of the Apostle” o “Demons with Creation”. Alguno de los mejores y más destacados al igual podrían ser “Whose Hands Embalms”, con esos riffs entrecortados y el clásico dueto de voces (grave y aguda), si bien es cierto que es un presente en la fórmula de este cuarteto norteamericano.

Igualmente señalaría “Trail of Terror”, que habla de un asesino en serie y el cual contiene unas aplastantes partes a medio tiempo, que sin duda marcan la diferencia. Pone el punto final una versión de los DEICIDE más clásicos y su “When Satan Rules his World”, que aparecía en aquel “Once Upon the Cross” de 1995, pegando a la perfección con la temática de sus letras, pues estas hablan sobre lo oculto y la hipocresía cristiana.

INSATANITY cuenta con una lista nada envidiable de miembros y ex-miembros entre sus filas, los cuales acompañan a su alma máter Chris Lytle, que se ocupa de la producción, grabación… además del bajo y la voz. Scott Zupet, presente en el último EP, se encarga de las guitarras y las nuevas incorporaciones, Ronnie Parmer a la batería (que se encuentra en otras bandas como MALEVOLENT CREATION o BRUTALITY por ejemplo) y Vanessa Cordoba también a las guitarras y voces. La mezcla y la masterización han sido realizadas por Jarrett Pritchard (EULOGY, BRUTALITY, GRUESOME…) y la portada de Guang Yang en el Confessional Studio.

THE BEATLES no sacaron un álbum homónimo hasta su décimo lanzamiento; por el contrario, QUEEN fue el primero que sacaron. LED ZEPPELIN por su parte no se comieron mucho la cabeza, y los cuatro primeros álbumes fueron publicados simplemente con numeraciones romanas. Para METALLICA fue su quinto álbum y como diez años después de comenzar. Pero el ¡Colorea y aprende con Teo! de hoy nos lleva a plantearnos esa pregunta. ¿En qué momento una banda es lo suficientemente madura para sacar su álbum homónimo? ¿Cuándo está una banda en ese punto? A los LAMB OF GOD les ha llevado unos veinte años y ocho discos de estudio. ¿Y el resultado? Pues lo que todos sabemos que los americanos y los franceses GOJIRA puede que sean las dos bandas en mejor estado del Metal actual. Y el álbum homónimo de los virginianos es la prueba de ello. Y si los habéis visto en directo, sabéis que lo que hay en estudio es lo que hay en directo. ¡Palabrita del Cordero de Dios, Amén! Así que ya sabemos que el agobiante inicio de “Memento Mori” nos va a llevar a un estallido de ira abrumadora, pero aun así, cuando ese momento llega, sigue apabullando como siempre ha hecho la banda. Tan afilados como siempre, tan críticos, tan – como rezaban en el primer álbum- “New American Gospel”, el nuevo Gospel americano.

Están todos ahí, Morton y Adler rebanando cuellos con sus seis cuerdas, Blythe escupiendo bilis en cada palabra, y no, no está Chris Adler a los timbales, pero está Art Cruz que hace un trabajazo impecable. Todo el disco es puro odio americano. ¿Qué tipo de padre enseña a su hija a actuar y a esconderse ante la amenaza de tiradores activos?

Pues la de Mark Morton, como aparece reflejado en “Reality Bath” ¿En qué puto país de locos se puede enseñar a un infante de ocho años eso?

Pues en uno capitaneado por un tarado como Donald Trump. El disco, como tantos otros de LAMB OF GOD , es reflejo de la sociedad en la que viven inmersos sus músicos. Y compra, compra todo lo que puedas aunque no lo necesites, rellena tu vida de acciones vacuas, compra y mantente en línea, como rezan algunas frases de “Gears”, un estribillo brutal para berrear y, si sirve de algo, que tomes conciencia de algo.

“New Colossal Hate” es, sin duda, uno de esos temas que está destinado a convertirse en un nuevo himno de los LAMB OF GOD . Dale un par de vueltas y cuando te hayas recuperado de la hostia, me dices. Y ese inicio tan SEPULTURA de “Resurrection man” nos lleva a otro medio tiempo que acojona a los muertos (“I was born in a cementery” empieza a cantar el bueno de Randy). Y sí, en “Posion Dream” cuentan con Jamey Jasta (HATEBREED) pero vaya temazo a nivel compositivo, vaya trabajo de guitarras (como en su momento, “Pathetic”).

Otro testamento de por qué esta banda se sitúa en lo más altos puestos en el Metal. Y hablando de los testamentos, en el siguiente tema, “Routers” con el modo de hiper-velocidad puesto en el medidor a +120, participa el grande en todos los sentidos Chuck Billy, y de hecho, es el los estribillos donde más se nota la influencia de la participación del vocalista de los TESTAMENT.

“Hymns of the Gods Before”, es el último trabajo completo de INSATANITY, si previamente los conocías no te decepcionarán y si no, y tus gustos andan entre la escena clásica y DIABOLIC, DEICIDE, VITAL REMAINS y similares, no dudes en hacerte con esto.

“Bloodshot Eyes” es otro trallazo que se va a convertir en clásico de los directos, un tema de esos para echar abajo un festival. Y para cerrar el disco, “On the hook”… Sí, hay una New Wave of American Heavy Metal y sí, están todos esos grandes nombres como BIOHAZARD, DISTURBED, DILLINGER SCAPE PLAN o TRIVIUM… Pero, los LAMB OF GOD son cosa seria y bruta, y no sería arriesgado decir que ellos ya están en otra división. Este “Lamb of God” no es otra cosa que una prueba irrefutable de ello. ¡Palabrita del Cordero de Dios, Amén!

ROBIN RM 7/10

CESAR LUIS MORALES 9/10

38 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 75

LANTERN (FIN) DIMENSIONS DARK DESCENT RECORDS, 2020

Con una historia digna de un documental, con la claridad de aquellas bandas que van detrás de un estilo más que de un sonido, nos llega un trabajo que mantiene a este año 2020 con un nivel altísimo acerca de bandas de Death/Black Metal clásico. LANTERN lanza “Dimensions”. Un trabajo que no soporta un análisis sin dejar claro que no es que esté influenciado por el Old School sino que son ESE sonido… aunque el proyecto se haya concebido en 2007, aunque apenas tengan registrados un puñado de cintas y este sea su segundo L.P., podemos aseverar que SON de lo más puro de este estilo.

Con una apertura de sonidos jugando a estar saturados, con reminiscencias más bien Black en los cambios de ritmo y velocidad regulada a medida que recorremos el trabajo, encontramos una base creativa apoyada en ese sonido “antiguo”, originario, primigenio casi, en canciones de distinto corte como “Strange Nebula” o “Shrine of revelation”.

Cada canción tiene un contundencia que no se excede en velocidad, se apoya en armonías bien trabajadas y deja unos buenos solos de guitarra que acompañan esa violenta oscuridad tranquila, como aguas nocturnas que nos rodean lentamente y nos hacen parte de ellas. Muy bien.

Una breve composición más bien melancólica como la introducción de “Portraits” termina estallando con una expresión furiosa que a través de riff´s bien mezclados deja una estela de cierta furia resignada. Podríamos hablar de esta canción como la balada del disco, que sube y baja de intensidad con una batería exacerbada por el bajo y, de pronto, acaba para dejar una entrada de maravillosa ejecución llamada “Cauldron of souls”, donde toda la tristeza sugerida hasta el momento revienta en una veloz muestra de despliegue Death. Gran tramo del disco.

Pero hablando de complejidades y melodías dramáticas la última pieza del disco se lleva todos los laureles: “Monolithic abyssal dimensions” es una obra aparte. 14 minutos de un viaje intenso, como si de un mal viaje estuviéramos intentando bajarnos, pero no encontramos el modo. Aquí hay una violencia compuesta para que cada uno de los instrumentos suene en el momento adecuado y haga que nos vayamos olvidando de la finitud del concepto de tiempo. Cambios de ritmo que entran como si fuera una lluvia de sangre negrísima, las guitarras recorriendo todas las cuerdas en escasos instantes, y la batería pasando de ritmos más calmos a una locura completa; la voz se mantiene en ese esfuerzo monocorde siendo, apenas, un puntal para que no podamos despertar de un pasaje onírico construido con una crueldad brillante.

LESOIR (NDL) MOSAIC GLASSVILLE RECORDS, 2020

Finalmente llega, finalmente ocurre; una banda de Rock que bebe de infinidad de influencias y, con buen tino, combina distorsión con melodías, dulzura con tristeza, furia y despliegue ajustado a parámetros técnicos muy interesantes. Como fanático del Únder Rock Independiente que dio cabida a infinidad de escritor@s que se refugiaron en la música antes que en los libros, aquí está LESOIR y su reciente disco “Mosaic”. Resalto la capacidad de su vocalista por sonar pura y “naif”, y la versatilidad de la banda entera para, de la nada, representar una ajustada rabia, tristeza y mirada de reojo a algún arma es impecable. El concepto global de estar frente a un puñado de músicos que despliegan un sonido parejo, rítmico y potente, como plato principal de un concepto construido desde el arte más sincero, como la fotografía, la pintura o la literatura.

Si bien la apertura parece un poco “atenta”, con “This is it” ya se lanzan en una búsqueda más histriónica y llena de coraje, insinuando fuerza con muy buenas conjugaciones entre las distorsiones y la melodía. Luego nos encontramos, creo yo, con la canción más virtuosa del disco, con la mejor e innegable referencia a monstruos emocionales como James Maynard Keenan: “Somebody like you” es un cóctel que, con mucha sutileza nos lleva a “Mer de noms”, sin fallar una sola vez, dando la cabida correcta a cada instrumento, a cada momento, a una resistencia poética que nos levanta en el aire para dejarnos caer como un cuerpo inane, lóbrego y completamente vencido. Y para no despegarnos de esa línea atmosférica llega la suave “The geese”, que contiene unos cambios de tono, de tempos e interpretaciones asombrosas, líricas. Brillante.

Brillante oscuridad. Como dice por ahí algún poeta truncado “Tengo el brillo necesario // para ser oscuro”.

Luego entramos en una sala densamente ambientada con humo e instrumentos de cuerda bien arreglados, puestos a merced de esa dosis injustificada de Librium; con toques étnicos que asombran. Cambio de densidad y “Dystopia”, una canción que resuma fuerza, agresividad y tal incomodidad en el léxico que complica un poco disfrutarla la primera vez, toques orquestales apoyados en el bajo, instrumentos y guitarras tan solitarias como sugestivas. Buscamos ese frasco de pastillas y seguimos cabalgando por pasillos bastante más oscuros por lo que sugiere que por lo que cuenta.

Salto a una introducción tan sugestiva como alarmante; “MXI” nos relaja para la despedida, que entra prendida fuego con “Two faces”. Absolutamente atemporal al disco, completamente ajena, casi diría que podrían construir un E.P. completamente nuevo. La potencia de la banda se mantiene con largos fraseos para una interpretación vocal muy bien trabajada, como una larga lectura de un poema azul, furibundo y doloroso. Con una banda controlando la energía en compases distintos que terminan de construir este maravilloso álbum; novedoso, original y puro.

Venimos escribiendo que aunque el 2020 sea una experiencia entre depuradora y ridícula, las bandas de Death Metal que pueden llamarse originarias, han editado trabajos furibundos, complejos a nivel técnico pero, sobre todo, de un sonido que envuelve, atrapa y, sin temor a equivocarme, nos pone ante una vertiente inagotable del Arte que, a muchos, nos mantiene con vida. LANTERN forma parte de ese conjunto.

Un disco imperdible para los que añoren esa fuerza lírica de 10.000 MANIAC´S, esa intensidad instrumental de A PERFECT CIRCLE tan desconcertante por momentos, esa callada forma de componer detalles en la guitarra como Roger Waters. Tal vez lo mejor sea que al leer la ficha técnica, al ver los nombres titánicos de los productores (técnicos y de voces) uno entienda que LESOIR es una de esas bandas que hay que tener muy cerquita, no perderle el paso; porque “Mosaic” calza a la perfección con un aviso de lo que será la carrera de esta excelente banda. Exclusivo para quienes disfruten de viajes multi-sensoriales entre la literatura, la música y el dolor.

SEBASTIÁN ABDALA 9/10

SEBASTIÁN ABDALA 10/10

se atreve a acercarse a la obra del genio torturado de Trent Reznor? Pues oye, un chico de Newburgh (NY) y te mete una versión tan brutal y exagerada en plan mash-up del “Gave Up” y “The Perfect Drug” que te deja la cabeza dada la vuelta. Cierra el EP con otro tema propio, muy en la línea NIN, llamado “The Current Subsides”.

MARTYR ART (USA)

¡Oído cocina! si alguna vez os encontráis con un neandertal musical, ya sabéis de los de “el teclado o la electrónica es incompatible con el Metal”, “el auténtico metal es el de pantalón de cuero y nalgas al aire, de bandas que empiezan por MAN y acaban por OWAR”, tenemos una vastísima obra a cargo de Joe Gagliardi III o MARTYR ART para callar unas cuantas bocas.

CESAR LUIS MORALES 8.8/10

THROUGH SOUNDWAVES VOLUME 2 AUTOEDITADO, 2020

Volvamos a recordar que hubo un tiempo en el que en el Universo Metal no se admitía la utilización de teclados. Aquello era la “máquina del demonio” y lo que llevase teclados no era metal. Les cayó la del pulpo a los JUDAS PRIEST en los años del “Turbo Lover” o a IRON MAIDEN en los tiempos de “Somewhere in time”. Y había defensores a ultranza de la pureza del metal, ya sabemos de quien hablamos (llevan pantalón de cuero, nalgas al aire, empiezan por MAN y acaban por OWAR). ¡Colorea y aprende con Teo! Nuevamente se asoman a nuestras orejas los ecos industriales, los sonidos saturados y las pistas programadas. A estas alturas de la película seguimos escuchando ritmos bailables a lo funk o los más salvajes Drum&Bass combinados con guitarras metálicas. Si se sabe un poquito de historia de la música, independientemente de vuestro estilo favorito, veremos que la hibridación y el mestizaje han estado ahí desde el principio de los tiempos.

Desde los cantos de plantación a los espirituales negros, del Blues del Delta al Jazz, al Dixie, al Swing, al Rock, al Bluegrass, al Metal o al Folk. Pensar en la música como compartimentos estancos es la peor manera de matarla. Así que, cuando me pongo los cascos y empiezo a escuchar a MARTYR ART las cosas se empiezan a disparar y pongo las orejas enhiestas, porque por aquí hay cosas que me gustan y llevan sampleados y sintes por toneladas, pero también guitarras a saco. ¿Industrial? Como sustitutivo de cualquier otra definición que se te queda corta, puede valer. Como si le llamas Experimental o Noise Pollution.

Ya son unos cuantos años a las espaldas en los que te das cuenta de que si las cosas encajan es por algo. ¿Las colaboraciones entre ANTHRAX y PUBLIC ENEMY? Cojonudas. ¿Las bestialidades sonoras de THE PRODIGY? Me chiflan. ¿Los devaneos a lo T-800 a cargo de FEAR FACTORY? Fundamentales para entender el metal del nuevo milenio.

Son tantos y tantos los músicos y bandas que, en un determinado momento, pasaron de los de los pantalones de cuero y las nalgas al aire, que no se pueden nombrar todos, pero si reconocer su trabajo en acercar estilos, en apariencia, tan dispares.

Investigando un poco sobre el paisano en cuestión, descubro que lleva desde 2004 dándole cera al asunto. Joe Gagliardi III, que así se llama el hombre en las sombras de MARTYR ART , es productor, compositor, cantante, ingeniero de sonido, multiinstrumentalista y artista multimedia. Y realmente lo es. Me refiero a que si accedemos a través de sus redes sociales, a su Bandcamp, vemos multitud de trabajos, de imágenes, de arte volcado por cualquier medio de que disponga Joe. Este nuevo EP comienza con un tema propio “The Chosen One” y la cosa se pone gorda, gorda: sonidaco electrónico y saturado, coros etereos, teclados… y arrancamos, sin casi transición, con el conver “Buffy The Vampire Slayer” de NERF HERDER. Apenas llega al minuto, pero ¿recordáis una apertura de una serie tan potente como con este tema? Si es que te pone las pilas aunque no quieras. Pero como para dar a entender que no te dejes llevar por las primeras impresiones, nos encontramos como segunda joya con una versión del “Love like Blood” de los KILLING JOKE. Y ahora pregunta, ¿en quién no han influido los KILLING JOKE? Perdemos la presencia del bajo original de Martin Glover pero el resultado final es lo suficientemente redondo y tiene el gancho metálico necesario para que te deje buen sabor de boca. Y si seguimos, nos encontramos con el “Blinding Lights” de THE WEEKND. Sí, el segundo es un artista R&B, de pop, de una paleta que, en un principio nada tiene que ver con sonidos más metálicos. Pero escucha lo que ha hecho el bueno de Joe Gagliardi III, y verás el regusto que te queda, vocales mistéricos a lo PETE STEELE, metal e industrial en el mismo tema y una versión de un artista de R&B. ¿Qué más quieres? Pues un cover de los intratables NIN. ¿Quién? ¿Quién en su sano juicio

MERIDIAN DAWN (USA) THE FEVER SYNDROME SEEING RED RECORDS, 2020

“The Fever Syndrome” es el título que lleva el primer trabajo de la banda Internacional MERIDIAN DAWN. Estando repartidos sus integrantes entre Finlandia, Bélgica o Estados Unidos. Este disco debut será editado en un formato limitado a 300 copias en Digipack por el sello Seeing Red Records.

El álbum consta de nueve cortes y una duración de poco más de la media hora. En el arte de la portada nos encontramos con una obra de Gustavo Sazes ( ANGRA – ARCH ENEMY- EXODUS…).

En la mezcla tenemos a Nicholas Ziros y a Jeff Cloyes (CROWBAR) en el master. Lo que nos vamos a encontrar es un Death Melódico con mucha velocidad recogiendo muchas fusiones de otros géneros como el Thrash (sobre todo en las partes vocales) o el Black Metal más melódico. También se pueden ver muchos matices del Power en sus composiciones. El sonido de la la banda recuerda mucho al que practicaron muchas bandas Suecas en los mediados de los años noventa como IN FLAMES – SOILWORK – GARDENIAN – DARK TRANQUILLITY… pero con una renovación en cuanto estilo.

Siendo las voces mucho menos agresivas y en un registro mucho más cercano al Thrash o incluso Hardcore. Muchos Riffs ampliamente marcados por su melodía y bases rítmicas veloces y rabiosas muy acorde al estilo. En lo generarla la producción y composición son muy buenas aunque no inventen nada nuevo, se defiende muy bien en su terreno. Por lo penal todos los temas van en la misma línea sin desmarcarse mucho y sin tener un atractivo realmente espectacular en algunas corte en concreto. los más destacables son “Involuntary Seclusion” que da comienzo con mucha velocidad y “Luminescent” que es posiblemente uno de los más completos del CD y en donde encontramos buenos Riffs muy pegadizos que hacen que vuelvas la vista al pasado y pienses en cuando el género estaba en auge sobre finales de los noventa .

Si te gusta el Death Melódico con un toque muy elegante sin duda este disco no puedes dejarlo pasar por alto. Ampliamente recomendado a fanáticos de las bandas citadas en sus buenos tiempos.

MARK BERSERK 7/10

MIEA (CZE) CHAOS AND PERFECTIONS

SLOVAK METAL ARMY, 2020

El 16 de junio de este año, la banda checa MIEA publicó su segundo disco de estudio “Chaos And Perfections”.

Me parece increíble lo natural y lo orgánico que suena este álbum, lo entrelazados que están los temas y sobre todo la pureza de la voz, que tiene una mezcla entre dulzura y aspereza que le da una propiedad única.

Solo con escuchar el primer tema, “Mammatus”, uno se queda pasmado. Comienza con unas pinceladas muy místicas que adquieren un golpe un tanto folk y que rompen con la voz, que como decía tiene un timbre muy característico entre dulce y áspero. En mi opinión maneja la canción de tal manera que le da un giro completo a la melodía.

“Under The Healing Stone” adquiere un tono nostálgico y apagado que nos recuerda la máxima del disco: el aislamiento personal, las decisiones individuales y la conexión que hay entre el caos y la perfección.

A partir del minuto 1:40 aproximadamente, me recuerda un poco a TOOL en la voz, en los coros, en los golpes instrumentales… Y sinceramente, me encanta.

En esa línea se mantiene “Epyphany Of Dying Sun” que carga con fuerza cada una de las notas. Tiene un ambiente muy noventero y no pierde de vista ese sonido que veíamos en el primer tema.

El cuarto tema, “Your Priest Can´t Heal Me”, tiene al principio un aspecto de balada con sonidos muy limpios pero se rompe llegando al primer minuto dándonos el lado más cañero de la banda con unos riffts increíbles. La voz en este tema me recuerda un poco a DANZING, pero sin duda lo que me llama la atención es la versatilidad de cada tema. No podría encontrar un patrón que siguieran todas las canciones porque es innovación constante.

Es una canción muy pegadiza que tiene cambios sin parar. Marca muchísimo el bajo en el minuto 3:28 y la voz vuelve a cambiar, esta vez recordándome un poco a Layne Staley de ALICE IN CHAINS. “Once Again” y “Heavy In My Bones” siguen asombrándonos con una caña y unas variaciones increíbles que adornan cada una de las palabras.

Finalmente el disco termina con “Comfort Of Nothing”, un tema de diez minutos que pone el broche final a las siete pistas que llevábamos escuchando. Se trata de una guitarra suave adornada por una percusión tranquila. La voz nos suena muy lejana, quizás recordándonos el tema del álbum que ya mencionábamos.

Es un disco muy completo, con un sonido muy acústico que enriquece cada tema, con una voz absolutamente versátil, … Sinceramente no podría decir nada malo de él, lo he escuchado en bucle una y otra vez y os animo a hacerlo porque sean los que sean vuestros gustos, estoy segura de que este “Chaos And Perfections” tiene entrada fija en vuestras reproducciones.

Relacionado con la parte técnica, una no tan delicada introducción nos pone alertas acerca de qué manera van a encarar el disco. Entonces aparece “Revolt against the modern world” y “A homage to the tribes”; con una vocalización extrema y bien acomodada a la velocidad que propone la batería y que a lo largo de este tándem irá subiendo sin cesar de escupir a la cara de las estructuras de poder un hilo lírico libertario. Unos buenos cambios de ritmo, manejados por las guitarras sacando provecho a unos riff´s de base simple, pero bien mezclados para ganar, si cabe, todavía más contundencia.

Con “The end of tradition” entramos en un ambiente que intenta generar ese anarquismo ideológico tan preciado en estos días para llevar a cabo una revolución moral; puede que la mejor toma del trabajo. Una introducción en mano de las guitarras con una cantidad de Groove y Core tan incandescente como melódico. Es ese tipo de canciones que en un directo nos arrastra a subir al borde del escenario, chocar los puños con el vocalista, que tira todo su espíritu en todo momento con resentimiento digno de los estropicios que se viven gracias a los noticieros, y saltar sobre la multitud intentando liberarnos. Luego deja paso, con buena cantidad de artilugios técnicos, a “Silence the earth” que sigue subiendo la velocidad montados en la batería que no parece humana, pero que se complementa con unas melodías tan agudas como contundentes. Con “Exposure” entendemos que MIND TERRORIST ha desarrollado sonido propio, ya que todas las canciones, si bien tienen un mismo color, buscan una introducción particular, aportando teatralidad y carga emocional que te desborda. Una sensación similar ocurre con “Still dreaming” tal vez la canción con más armonía y recursos que juegan entre el Hardcore y recursos técnicos muy bien tratados.

El cierre con “Μήνυμα Ελήφθη” es una joya para quienes adoran lenguas vernáculas y quieren un toque más localista. El idioma griego es tan hipnótico como cálido y aunque no es la primera vez que escucho una pieza tan impactante que conjuga Rap Metal con Core y violencia callejera una reacción corporal de empatía crece aunque no comprenda de qué va la letra, ni el título. Entonces recuerdo que todo aquello que ocurre en las calles, gracias a la policía (tanto estatal como social y de balcón) pierde fuerza cuando el idioma Universal de la música te atrapa.

Un disco (cuarto) de los griegos MIND TERRORIST viene a poner más empuje a quienes todavía disfrutamos de la intensa poética de un barrio periférico mal tratado en el Metal. Con muy buenas melodías y trabajo de cuerdas, con un tándem entre batería y bajo que soporta las fragmentaciones diferentes de cada canción, “Spiritual Revolution” es un gran tributo a esas hordas que hemos visto denunciar la violencia, y buscar un cambio que comienza por uno mismo. Una voz activa y que no requiere de matices para ilustrar con muy buena técnica 9 canciones que exudan ímpetu.

SEBASTIÁN ABDALA 8/10

ALICIA CASTAÑO 9.5/10

MIND TERRORIST (GRC)

MOTHERS OF THE LAND (AUT) HUNTING GROUNDS

SPIRITUAL REVOLUTION

STONEFREE RECORDS, 2020

OPOS RECORDS, 2020

Desde Viena (Austria) y editado por Stonefree Records, nos llega el nuevo trabajo de MOTHERS OF THE LAND bajo el nombre de “Hunting Grounds”, su segundo álbum desde que editaran en 2016 “Temple Without Walls”, el cual los llevo a telonear a bandas de la talla de ASTEROID, ELDER o RED FANG. El cuarteto formado por Georg Pluschkowitz y Jack Jindra en las guitarras, Johannes Zeininger al bajo y Jakob Haug en la percusión, realiza un rock con guitarras dobladas que le dan un aire clásico al que han unido un toque psicodélico del que hablaremos a continuación.

Grecia. Cuna de la civilización… o lo que demonios sea esto que nos agrupa y obliga a seguir determinadas normas de convivencia cada vez más ridículas, crueles y separatistas. Grecia, tierra donde habita la banda MIND TERRORIST, que desde el año 2012 azota sin piedad la escena del Metal con una brutalidad digna de esas corrientes contestarías creadas por PUBLIC ENEMY, y bien adaptadas por BIOHAZARD o MACHINE HEAD. Con tales referencias sale a la calle “Spiritual Revolution” una enérgica descarga de adrenalina, furia y pensamientos positivos (aunque no lo parezca) buscando romper el paradigma de esta realidad a través de la liberación espiritual. “To be in the world, but not of it”; Namasté, Hermanos.

Sus guitarras son las verdaderas protagonistas de cada uno de sus temas, con un sonido muy ochentero y rockero al estar dobladas en los momentos cruciales, aportándole sonoridad, para crear una

estructura musical pegadiza y vintage, que la certifican a cada paso que dan como en “Hunting Grounds” o “The Beast”, tema que tiene un halo misterioso y unos pasajes instrumentales muy elegantes, siendo uno de mis preferidos del álbum.

“Queen Of The Den”, pone un inicio muy emotivo y se convierte en un corte que te sacará una sonrisa durante sus algo más de cuatro minutos con una progresión de guitarras muy efectista y pegadiza, donde el cabalgar esta vez lo pone el bajo y la percusión juega con unos ritmos muy agradecidos al conjunto, un temazo en toda regla que nos dirige hacia un final de álbum apoteósico con “Sanctuary” y “Showdown”, dos temas largos de más de ocho minutos cada uno donde MOTHERS OF THE LAND , nos muestra toda su técnica compositiva, creando unas estructuras dinámicas y versátiles, empleando pedales para distorsionar sus sonido, el clásico wah wah y toques limpios para atrapar nuestra alma en su particular mundo. Eso sí, el álbum es muy compacto, pues los temas se parecen mucho entre sí, salvaguardando las melodías de guitarras y algunos elementos, como este ultimo “Showdown”, que se demarca un poco de la tónica del álbum, pero quedando como un broche de oro que si eres amantes de estos sonidos, disfrutaras mucho con estos austriacos.

JUAN ANGEL MARTOS 7/10

PESSIMIST (DEU) HOLD OUT MDD RECORDS, 2020

Desde Alemania nos llega “Holdout”, tercer larga duración de los Thrashers PESSIMIST. No confundir con la mítica banda de Death Metal Americana liderada por el gran Kelly Mclauchlin( I AN MORBID…). El nuevo trabajo será editado por el sello MDD Records y consta de nueve cortes y una duración de cincuenta y cuatro minutos. Quizás un poco largo para los tiempos que corren y el número de pistas que lo componen, llegando algún tema a sobrepasar los diez minutos de duración. El disco ha sido producido por Christoph Brandes.

Después de siete años desde su anterior Cd, vuelve a impresionar con un Thrash Metal intransigente y una gran cantidad de detalles de Old School, que no solo es contemporáneo sino también atemporal debido a la producción despiadadamente afilada. Quien eche un vistazo más de cerca a el aspecto lírico del álbum también notará rápidamente que la banda trata el tema de la guerra de manera muy crítica sin caer en los típicos clichés y de un modo indiferente.

NUG (UKR) ALTER EGO WILLOWTIP RECORDS, 2020

Desde Ucrania nos llega el debut de NUG, bajo el nombre “Alter Ego” y editado por Willowtip Records, donde dan cabida a un post metal con tintes progresivos en línea con bandas como ISIS, RUSSIAN CIRCLES, THE OCEAN… Tras una introducción, “The Birth”, se abre paso “Beast”, dodne nos ofrecen ese toque moderno de guitarras en los ritmos, para crear una telaraña progresiva sobre la estructura musical creada por el tándem fundador Jevgen Tarasenko (percusión) y Yurii Popov (guitarras), al que se une el omnipresente bajo de Andrii Kerecun, la guitarra de Vitaliy Rysakov y la poderosa voz de Yuri Dubrovsky, que le otorga mucha corporeidad a este tercer tema repleto de una atmosfera embaucadora que lo transforma en uno de los mejores del álbum. La contundente y corta “Psyche”, acentúa sus elementos estilísticos, recordándome por momentos a CULT OF LUNA, además de recrear unos pequeños pasajes progresivos convincentes y oníricos, para abrirnos paso tras la tormenta a “Shores”, otro temazo, distanciándose de sus influencias y creando un sonido propio con un corte muy poderoso y visceral pero repleto de una sutilidad especial, menudo debut de la banda.

“Eleven”, nos deja un gran regusto con sus transiciones de guitarras y su composición, creciente, ganando en espacialidad y abriendo la atmosfera más allá de lo terrenal, solo echo en falta algunos detalles de voz limpia que le hubieran dado un toque especial. “Dorian”, es el corte más pesado y denso del álbum (solo en su inicio), con un sonido doom demoledor y un inicio de ultratumba, para ir diversificándose en una maravilla sonora donde los delicados toques de guitarras y la percusión progresiva van creando unas texturas muy homogéneas y reflexivas donde recapacitar antes de la vorágine final.

Ya en la parte final encontramos “Radiance”, que aunque queda enmarcada dentro del álbum y con un sonido muy parecido, los arreglos y las melodías y las sonoridades que construyen hace que cada corte se distinga de los demás y este, y el cierre con Night Shine, se convierten en dos de mis preferidos de un debut más que notable de NUG. Apunten su nombre si te gustan estos sonidos densos, atmosféricos y repletos de energía como las bandas mencionadas.

JUAN ANGEL MARTOS 8/10

Después de unos segundos de introducción bélica comienzan a la carga con “Landsknecht” en donde la similitud vocal es similar a los Americanos SLAYER, recogiendo muchos elementos del Thrash actual pero en una línea muy similar a los Americanos. “Roaring Thunder”, con riffs mucho más pegadizos sigue recogiendo elementos de la escena Americana pero de un modo más “salvaje”.

En un principio al imaginar una banda Alemana practicando este estilo tiendes a pensar en Kreator, Sodom o DESTRUCTION pero no es el caso. En este tema están más cerca de S.O.D jugando con alguna elemento más crossover mezclado con sonidos de la vieja escuela, pero sin dejar de lado un toque mucho más moderno. “Kill & Become” se mezclan registros más Death en las voces pero sin dejar ese espíritu SLAYER. “Death Awaits” es el siguiente, en donde nos aplastan con sus riffs pesado pero a la vez cargados de melodía y sentimiento Hardcore en algunos puntos. Le sigue el tema que da título al redondo en donde se vuelven más melódicos y veloces con una actitud muy Punk llena de rabia e ira en uno de sus mejores cortes. “Mountain of Death” no deja ni un segundo para la tregua. En “The King of Slaughter” nos sorprenden con medios tiempos en donde las bases rítmicas cobran el principal protagonismo. “Agony” es uno de esos temas con espíritu del Thrash de la época dorada. Para cerrar nos encontramos con “7-28”, uno de los temas más raros del álbum, presentando una propuesta mas intimista. Dónde van desde influencias a EXHORDER, PANTERA y sonidos más groove, pero sin dejar su rabia y acelerado Thrash y alguna pequeña parte más melódica a medios tiempos con grandes Riffs de guitarra. Si te gusta el estilo este disco es casi de obligada escucha.

MARK BERSERK 8/10

Barker, a Poe… A cualquiera que me pueda guiar por esos oscuros callejones de la literatura que te hielan el alma y te estremecen el corazón en mitad de un latido. Pero… los relatos que más me han aterrorizado son dos que no tienen nada que ver con monstruos debajo de la cama, con el Pennywise, con entierros prematuros o con Midian.

No, los relatos que más me han asustado son los que, en forma de futuro distópico, escribieron dos autores: “1984” de George Orwell y “Un mundo feliz” de Aldous Huxley. El Gran Hermano no es como no los describen en la primera obra, la droga soma no es suministrada como en la segunda, pero…

Al ir leyendo dichos libros, y con un poquito de pensamiento crítico, descubres otras formas de control totalitario más sutil, otras drogas, otras eugenesias. Esa sensación de cotidianeidad y de familiaridad, esa sensación de estar inmerso en Matrix… Y eso, oh, niños y niñas, es más terrible que todas las novelas de terror juntas. ¡Colorea y aprende con Teo! Y un músico, como sapiens dotado con habilidades creativas, es un ser que debe dar rienda suelta a esa creatividad, pero también, inmerso como se haya en una sociedad, debe tener claridad de pensamiento y saberse fruto de esas circunstancias y de esa sociedad, y si hay que criticar, se critica. Y sobre todo, fundamental, derivado de esa claridad de pensamiento, mente abierta, ¡porque he hablado con cada troglodita a tantos niveles, musical, social, político! Pero no es el caso que nos ocupa.

PHIL STILES es la mente pensante detrás de FINAL COIL, a los que, por suerte, hicimos la crítica de su segundo lanzamiento “The World We left behind for others”. Y como músico, el británico nos vuelve a dar muestra de su talento creativo. Olvídate de aquellos ramalazos entre el Prog y el Post de FINAL COIL. Bueno, vamos a hablar en justicia: Phil sigue con la guitarra colgada al cuello, pero para el resto de instrumentalizaciones, se ha rodeado de un conjunto de samples, de loops, de electrónica… ¡Que me supongo que a algún troglodita musical le parecerá una aberración! Pero este músico está aquí para expresar lo que le quema en el interior, y esta vertiente electrónica de su música es tan válida como la de FINAL COIL. “The Anchorite”, que así se llama el EP, abre con una “Intro”, una reverberación a modo de base sobre la que rasguea una serie de acordes tensos. Primera llamada de atención y a mí ya se me levantan las orejas. “A nation’s trust” mantiene un riff contenido, pero todo lo que llena el espacio es esa cantidad lisérgica de sonidos, de efectos, y la arrastrada voz a lo Snake de VOIVOD. Y la alienada y crítica letra no hace sino estremecerte: “A nation’s guilt not cleansed by lies”. ¡Madre mía, primera bofetada a la cara!

Y ahora viene una pregunta bien jodida: ¿Cuánto crees que sabes de la realidad, de que tus pensamientos te son propios y de que tus opiniones no son inducidas por los Mass Media? Pues escucha “A slide into depravity” y se consciente, como dice PHIL STILES , de que estamos a la deriva en un mar de información en el que nos ahogamos. Ya os he dicho que Orwell y Huxley me dieron más miedo que King o Barker. Con dos temas ya pasados, te das cuenta de que sí, en efecto, hay guitarras, pero también más electrónica y trip-hop que en el “Mezzanine” de los MASSIVE ATTACK. ¿Y qué queréis que os diga? ¡Mola! Para la siguiente pista, “Antipathy”, no obstante, la guitarra si lleva la voz cantante hasta que la electrónica toma su protagonismo. Las letras, simplistas pero descarnadas.

Para ir cerrando un “Critical Thinking” (¿Qué os había dicho de pensamiento crítico?) glorioso: líneas de piano, base rítmica a base de electrónica, guitarras bien estructuradas y en su sitio con acordes emotivos y un mensaje claro: piensa por ti mismo, cuestiona la autoridad ¿o eres un borrego?

PHIL STILES (GBR) THE ANCHORITE EP EPICTRONIC RECORDS, 2020

Sí, lo reconozco. He leído a Stephen King, a Clive

Una nueva y excelente muestra de un músico como debe de ser. Comprometido con su rol como comunicador, consciente del tiempo y de la sociedad que le ha tocado vivir, políticamente crítico, atrevido e independiente en cómo afrontar este “The Anchorite”. ¿Electrónico? Sí ¿Trip-hop?

También. ¿Guitarras? También. Pero un montón de cosas más. Échale unas cuantas escuchas y utiliza ese melón que tienes por cabeza, si no quieres que el Gran Hermano piense (aún más) por ti.

CESAR LUIS MORALES 9/10

PUTRID OFFAL (FRA) SICKNESSES OBSESSIONS XENOKORP, 2020

Formados en el 91, la banda francesa de Grind/ Death PUTRID OFFAL lleva encadenando una serie de acertados pasos al frente desde su regreso, demostrando que dentro de un subgénero tan enquistado y marcado por sus orígenes aún tiene cabida el concepto evolución sin perder un ápice de la contundencia extrema que gobierna el estilo.

El punto de inflexión fue el EP “Suffering” (2014) tras 20 años de silencio, que incluía el temarraco bestial e inédito “Livor Mortis” y que a muchos nos dejó boquiabiertos. En 2015 dedicen regrabar aplicando un sonido modernizado a sus primeras demos y splits, “Mature Necropsy”, discazo que suponía su debut en largo tras 25 años de carrera. En 2017, sustituyen la caja de ritmos por Laye Louhenapessy (DEHUMAN, EX-VIBRION), publican el EP “Anatomy” y empiezan a rular sin parar, destacando en el Deathfest, Obscene Extreme y Hellfest probando nuevo material. Y llegamos al incierto presente, cuando PUTRID OFFAL termina el MIR y anuncia la publicación de su segundo largo “Sicknesses Obsessions”. Discazo de producción magistral, con el que abren su propia morgue y abandonan la órbita de esos primeros CARCASS, GENERAL SURGERY o NECROMY y nos muestran una colección de temas cuajados y podridos que cabalgan entre el clásico Grind quirúrgico primigenio y el OSDM, emanando sabiduría, madurez y dando sentido al eslogan promocional, ¡deja que se pudra!

“Sicknesses Obsessions” contiene la innegociable velocidad, ira, náusea y viscera pero viene envuelto en un concepto antiguo, con el anatomista del siglo XVI Andreas Vesalius en portada, donde en lo sonoro encaja sobremanera con la colaboración de la soprano Helene Le Deist aportando ese punto onírico entre tanta cera. Presente embelleciendo la aplastante “Viscera”, o poniendo la guinda en la extensa y maravillosa “Charnel House” donde también participa el hardcoreta Arnaud Dhenain Le Bourhis (BLACK BOMB A). Temarraco en modo fosa común donde cabe el BDM, el OSDM y el Grindcore más sucio perfectamente temporizado, mostrando la enorme evolución de Franck Peiffer en el grunt. Buena alianza entre Arnaud y Franck en “Skilled Ritual” recordando a su mítico “Garroting Way”, primer tema donde escuché un gregoriano entre la casquería Gore/Grind. Aunque para splatter, la moderna y bestial “Y Shaped” que combina magistralmente el buzzsaw y trémolo clásico con bendings y riffs groovetas.

“Sicknesses Obsessions” tiene previsto ver la luz el próximo 11 de septiembre, larga espera (con el preorder de la edición especial que incluye DVD con su actuación en Hellfest agotada), no sé hasta qué punto son acertados los adelantos “Heaven’s Door” o “Dura Matter”, temas que muestran su lado más punkarra, sucio, embarullado, directo y alejado del concepto global del disco. No hacen justicia a este torrente malvado, chorreante de fluidos y distorsión de impacto sobrenatural que ha elaborado el pionero cuarteto francés, donde reinan el bajo de Houriez, apoyando increiblemente a la solitaria guitarra del doctor Reinhalter.

Especial mención también a la aportación de Stephane Buriez (LOUDBLAST), presente en los mejores temas del álbum asentando ese poso de madurez que desprende este flipante disco. Doble registro arrollador en la golpeante “Let There Be Rot”, imparables en la a degüello “Necrotic Mutilation” que pasa del grind al death en un breakdown memorable, y grandiosos en la nueva versión de “Livor Mortis”, más tensionada que nunca, en la que estrenan cadena en la motosierra de potencia descontrolada para descuartizarte vivo. Del resto de temas, la buena de “Barber Butcher”, contiene esa interesante dosis CARCASS, con riff atípico y buenas arrancadas y las clásicas píldoras “Glorify Me” o “Pallor Mortis” que todo disco de Grind/ Death debe contener.

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En definitiva, discazo espectacular, en otro caso de esos que se ven poco, similar al de nuestros TERATOMA, cada uno en su estilo. Banda que ha sabido reinventarse, darle una vuelta a lo que quieren hacer y tener la paciencia de darle el tiempo necesario a los temas hasta que desprendan olor a podrido para poder ser publicados.

SCHEITAN 9/10

REGRESSIVE (LIT) BORN IN THE GRAVE DEFENSE RECORDS, 2020

Para los amantes de lo clásico, de la putrefacción más rocker, sin etiquetas, tenemos a la banda REGRESSIVE, que nos trae nuevo disco (y nuevo batería) para disfrutar de salvaje velocidad, buenas composiciones suicidas y una actitud que dan ganas de verlos en directo.

La apertura del disco no tiene medias tintas… es de esos que mola ponerlos en el equipo, darles “play” y no recordar que el volumen estaba muy alto (ah, aquellos años de los mini-componentes) “Join us” maravillosa patada visceral (como todo el disco) que parece más Grind que otra cosa, pero a medida que los golpes nos van llegando podemos encontrar grandes muestras de tecnicismos. Para abrir boca, para dejar claro de qué va la cosa, “The devil´s daugther” es una recopilación de elementos Death más limpios, unas breves partes con violentos riff´s de técnica superlativa y un gran ambiente de destrucción.

Hablando de destrucción: el tándem “City under siege” con “Born in the grave” son dos canciones de distinta calaña, pero con una presencia tan cruda que merecen un párrafo aparte. La manipulación del bajo es increíble, la narrativa descontrolada, los disparos, las sirenas y esa voz de decenas de madrugadas con aguardiente como todo rescate las hacen, simplemente, de una combinación tan bien ajustada entre ese odio callejero típico del Speed y la calidad técnica de una banda que sabe cómo llegar a su objetivo. Genial.

Con la obra llamada “The fear” entramos en un campo más abierto a nivel creativo, distinto ambiente, atmósfera más densa y calmada, y una armonización para lograr un clímax en una muy buena pieza de Rock Oscuro, bien trabajado dentro de una putrefacción que va de la mano con el entorno de la grabación, la interpretación del cantante y la densidad que aporta la banda, tirando, de pronto, unos riff´s que cambian de golpe para ir sumando más intensidad a la canción. La joya del trabajo.

Una oscura pieza de clásico Speed, que combina y maneja la violencia con la rotunda fuerza para poder estallar en toda tu cara sin ningún tipo de temor. Simplemente Rock, odio y risas de un sistema que no cambia… Y por ello ciertas ramas del Metal están obligadas a no cambiar.

SEBASTIÁN ABDALA 8/10

REVERBER (ITA) SECT OF FACELESS PUNISHMENT 18 RECORDS, 2020

Atravesando el doloroso luto por el descenso a segunda de mi Lega y pensando en buscar refu42 - NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE | NUM. 75

gio en algo de funeral doom o DSBM, me ofrecen desde Necromance el reto de sumergirme en el estudio y análisis de una formación desconocida para mí, los italianos REVERBER. Un cuarteto capitolino formado por Marco Mitraja (rítmica y voz), Alessio Alessandretti (guitarra), Emanuele Evangelista (bajo) y Alessio Stazi (batería), que me ha sorprendido gratamente ya que practica un thrash old school de tendencia al fantasioso camino de la mano izquierda, mi thrash, pero sin rechazar la vertiente crítica del “otro thrash”, consiguiendo un producto accesible a la par que potente.

Tras el amateur fan-art entre la NWOBHM y el Big 4 “Serial Metal Killer” (2009) y superar varios cambios de formación, publicaban “Immortals”(2016), también autoproducido pero con el que mejoraban y definían notablemente su sonido alejándose del Big 4 americano y acercándose a la crudeza europea de sus admirados KREATOR. Es ahora, con este “Sect of Faceless” con el que renuevan el logo, se ponen serios y lanzan su all in para dar el salto profesional. Publicado el pasado 8 de Mayo, por el momento solo en formato digital, es la gran apuesta de la genuina Punishment 18 Records, para el que han contado con el gran Stefano Morabito (FLESHGOD APOCALYPSE, HOUR OF PENANCE, BEHEADED, OBSCENITY…) como arquitecto de un sonido clásico pero actual, trillado pero con personalidad.

“Sect of Faceless” ofrece variedad en lo lírico pero poca originalidad, aunque sabe combinar con maestría los recursos musicales del género, una base de cabalgada taladrante y una rítmica incansable y poderosa con magistrales solos y una voz, que sin ser portentosa, destaca hasta eclipsar. Reporta descaradamente a KREATOR pero contiene elementos propios y otras influencias que suavizan el resultado, haciéndolo disfrutable y evitando el temido plagio.

Arranca con todo y ofrece de inicio 10 minutos gloriosos entre la descarada, trallera y veloz “Gods of Illusion”, que contiene un puente heavy/thrash que conecta la bahía americana con la cuenca del Ruhr, y “Sect of Faceless”, el tema principal, cuidado y trabajado, de innegable calidad que desprende metal y combina buen golpeo, incansable palm mute y digitación con buenas figuras de frescura ANNIHILATOR y torrente Petrozza con atractivo punto teatral.

SAME SIDE (USA)

SANDNESS (ITA)

SAME SIDE

ENTER PLEASE

PURE NOISE RECORDS, 2020

ROCKSHOTS RECORDS, 2020

SAME SIDE es el nombre del proyecto en solitario del guitarra de THE STORY SO FAR, Kevin Geyer, que en esta ocasión se encarga de dar forma a todo el proyecto. Nos encontramos ante un EP de cinco temas que ha sido editado por Pure Noise Records.

Ya creo haber hablado en alguna otra crítica del “Diabolus in Musica”, el intervalo musical de tres tonos que, debido a la resolución y el desplazamiento de notas da como resultado esa melodía disonante y siniestra. Todos lo hemos escuchado y Papa Iommi lo utilizó para crear el sonido oscuro que tanto nos gusta. ¡Colorea y aprende con Teo!

El primer tema que escuchamos es “Smoke” donde guitarras tranquilas nos abren y nos dan unos ritmos muy aterciopelados, donde la mezcla de guitarras acústicas y batería constante deja un tema muy tranquilo. En la voz, nos encontramos con una línea vocal muy leve, aderezada de pequeños coros casi imperceptibles, pero que consiguen generar un buen levantamiento de estas, para crear una atmósfera de calma. Un tema tranquilo para comenzar, que altera con un solo de guitarra en la misma línea pero con algo más de energía y que da paso a “Stuck in a Hole”, segundo tema del EP y donde las guitarras tranquilas se mantienen, abriéndonos en solitario, desdoblando la melodía principal, e introduciendo pequeños toques de percusión que entran con la voz, y nos da un toque diferente pero que mantiene ese ambiente de calma. Durante los tres minutos, mantiene esa melodía tranquila, sin muchas alteraciones, dando especial importancia a unas guitarras, que a pesar de su simpleza, suenan muy bien y mantienen su toque especial intacto.

Del resto de temas, el slow tempo “Wood of Suicides”, que pensaba me vendría al pelo por el momento bajo, es más moñas de la cuenta y atufa a METALLICA. “Black Plague”, tiene un punto power que no acaba de cuadrarme y “Vlad” es relleno puro, con un riff metido con calzador, sobreactuación vocal y la temática vampírica que me satura.

Ahora bien, el cierre es espectacular, versionaca de “Angel Witch” de ANGEL WITCH, celebrando el 40 aniversario de este himno de la NWOBHM, que REVERBER se lleva a su terreno e imprime la velocidad necesaria para reconvertirlo, aportando ese toque desenfadado del que carece el resto del álbum. Para ponerlo en bucle.

Al llegar a la mitad nos deja con “The Way It Seems”, qué sube un poco el ritmo, con unas guitarras, que dentro de su tranquilidad, transmiten algo más de energía, apoyándose en una batería que se mantiene constante, pero con una buena estructura y base. Sin duda, la voz es de lo mejor, a pesar de contar con muy poco contraste, se amolda a la perfección son el sonido de la instrumentación, generando un todo muy compacto, que pese a ser bastante plano, se defiende muy bien para dar paso a “Fall Back in Again”, que crea un gran contraste con su tema predecesor, dejándonos esta vez una voz protagonista, casi sin instrumentación, y donde la línea vocal nos dirige durante toda la composición del tema, casi sin variedad, con un toque de levedad muy marcado, que se rompe en ciertas ocasiones donde añaden ciertos toques de guitarra algo más acusados, pero sin pasarse y que nos continúa con “Same Side”, tema que da nombre al trabajo y el cual nos devuelve sonidos tranquilos y leves, muy parecidos al resto, con pocas sorpresas, pero con composiciones que suenan muy bien, tanto instrumental como vocalmente y se mantienen en una línea muy continuista. Cierra con algunas composiciones más energías, apostando por unas guitarras algo más eléctricas, y acabando de una manera diferente a como comenzó el trabajo.

Que se sepa, en Roma hay una banda capaz de hacer buen thrash que ha decidido dar un golpe encima de la mesa con “Sect of Faceless”, un disco que a pesar de sonar demasiado a los KREATOR de “Enemy of God”, DEATH ANGEL o los TESTAMENT del 2008-12, demuestra que poseen la clave con la que antes o después conseguir sorprender con buenas composiciones. En la contra y dada mi tendencia cafre, me queda la duda si sabrán manejar ese lado soft, al que le falta un poco de maldad y acaben por aclararse demasiado. Lo que está claro es que pasan a formar parte de mi Big 4 italiano, país donde me temo que pueden sufrir el mal VIOLBLAST (más queridos fuera que dentro), y después de haber tragado mucho barro, es pero que se les brinde con este trabajo la oportunidad de visitar la primera división del thrash. ¡¡FORZA REVERBER y AUPA LEGA!!

Este trabajo en solitario de Kevin Geyer, al que ha llamado SAME SIDE es una manera de sacar a relucir su buen hacer como músico, dejándonos con cinco temas muy compactos, bien estructurados y definidos pero que no varía demasiado entre sí, jugando poco con sonidos o arriesgando poco en diferentes estructuras. Nos encontramos con cinco temas muy tranquilos, con muy buena producción, donde la calma reina en cada uno de ellos, añadiendo brevemente alguna pizca de energía como toque casual. Verdaderamente, es un trabajo correcto, con muy buen sonido y buena composición, pero que puede parecer algo plano sabiendo la trayectoria que pesa sobre sus hombros, pero como manera de experimentar o sacar a relucir otras ideas o inquietudes como músico, merece la pena darle una oportunidad.

SCHEITAN 8/10

JORGE DE LA CRUZ 6/10

Buenos temas también como “My Name is Destruction (Alboin the Conqueror)”, con intro de sustain METALLICA, en la que añaden cierta épica en el redoble para honrar a la leyenda italiana entre tanto tupatupa vertiginoso. “Nightmareland”, un ejercicio de sincronía con riff y breakdown británico y base galopante. O “Arachnophobia”, mi favorita, intrigante gracias al tono oriental, y pesada gracias al buen trabajo de antebrazo marca ICED EARTH además de logrados contratempos. Por último, el crítico “Channel 666”, de corte SLAYER/ KREATOR donde sobresale Mitraja en lo vocal además del golpeo de Stazi, pero huérfano de riff.

Pero… de la misma manera, ¿no hay algo que vaya al contrario? ¿Un “Felicisimus in Musica”? Una serie de acordes que te enchufen el buen rollo, la vitalidad y la energía… Pues así empieza el EP de SANDNESS, titulado “Enter… Please”. Nos invitan y ¡oh, niños y niñas, aceptemos gustosos la invitación, porque esto es una fiesta! “Alive & Kickin’” es un temazo rockero, adrenalítico, con una línea constante de teclados en la línea del “Jump” de VAN HALEN. Cuándo te quieras dar cuenta estarás pegando botes por la habitación, porque ¡Sí, nena, estoy vivo y pateando culos! Un sonido muy HardRock de los 80’s, pero… En esta mierda de mundo de plástico en el que vivimos, de producciones falsas, de autotune por doquier, encontrarte con este sonido. Bueno, quizá debería decir reencontrarte con ese sonido, es realmente gratificante y te mete el buen rollo en el cuerpo. El segundo tema, “Get It On” pues otro pelotazo de aquellos que reventaron las listas americanas entre los 80’s y los 90’s. Ese Hard-Rock, Heavy, ese rollo Sleazy, esas pinceladas de AOR… Si es que se me van los pies…

Pero suena fresco y, sobre todo y más importante, honesto. SANDNESS son un power trio y son de Italia y están enamorados de aquel sonido, de L.A. GUNS y de HANOI ROCKS, de RAMONES y de ZZ TOP… con semejantes referentes no hay lugar a fallos, el acierto es seguro. Para el tercer tema de este EP, se cascan una hiper-vitaminada versión del “Saturday Night’s Alright for fighting” de ELTON JOHN. SÍ, del hombre de las gafas imposibles. Olvídate de las mierdas melosas del “Sacrifice” o del “Goodby England’s Rose”. Sir ELTON JOHN cuando se ponía, escribía unos pelotazos como el “Saturday Night’s” o el “Crocodile Rock”. Y la versión de los italianos le hace justicia (no es tan machacona y acelerada como la que se marcaron los FLOTSAM & JETSAM en su segundo álbum, pero te pone a funcionar al primer acorde).

Para completar el EP, tres temas en directo. Tres pelotazos de su anterior álbum, “Untamed” (2019).

“Tyger Bite” explota con su vena hard-rockera, con una guitarra que crea espacios para dejar que la base rítmica atruene y te haga menear la cabeza y chasquear los dedos. “London” es un patadón con uno de esos riffs tan DARKNESS que te sigue metiendo el buen rollo en el cuerpo, la antítesis del “Diabolus in Musica”, ya os he dicho, ¿el “Felicisimus in Musica”? ¿Y los coros en plan “Uooohuoooh”? Si es que no hace falta más para hacer buena música y buenos temas: tres acordes, tres amigos y tres músicos. ¡P-e-r-fecto! Y “Tell me Tell me” tiene esa vibración vacilona tipo POISON o DEF LEPPARD. Demasiado corto para disfrutarlo, pero por lo menos el EP ayuda a descubrir a la banda. SANDNESS se llaman aquí los amigos, tres italianos haciendo sonido americano. Demasiado corto este EP, como ya he dicho, seis temas que saben a poco y que te hacen querer escuchar más. Yo por lo menos, yo ando buscando los trabajos anteriores y, sin lugar a duda, me lo voy a pasar “Felicisimus in Musica”.

CESAR LUIS MORALES 8.5/10

SATURNO (CHL) MENHIR

SCARS (BRA) PREDATORY BRUTAL RECORDS, 2020

AUTOEDITADO, 2020

Gran lanzamiento debut de un proyecto muy joven en cuanto a entidad, pero que cuenta con bastantes lustros encima contando a sus integrantes por separado. En Chile se ha cocido una banda casi profana, que invoca a la Mitología primaria de la raza Humana tal y como creemos conocerla. SATURNO, fundada y concebida por Lautaro Muñoz , lanza un disco bestial, macilento, condensado en cuanto a sonidos y altos detalles técnicos llamado “Menhir”. La descripción filosófica del álbum es muy concreta, no admite medias tintas ni interpretaciones vagas, es un concepto e arqueología espiritual y hermenéutica… pero el sonido, la intensidad musical y los detalles son destacables.

La apertura, a velocidad tranquila, en manos de “Death on hold” se toma su tiempo para acomodarnos en un ambiente místico, religioso casi, donde nos tomamos las manos para comenzar a ver el nacimiento de una nueva era. Transcribo la descripción del grupo acerca del trabajo, porque además de interesante es necesaria: “La banda diseña como concepto medular de Saturno, la cosmovisión del hombre antiguo teniendo como punto de estudio la era pre-socrática y hasta pre-sumérica, recogiendo como base filosófica los rituales primitivos, en donde las tribus rendían culto a los elementos de la naturaleza y el cosmos, con una visión orgánica y espiritual.” Y entre la profundidad de las gargantas, la oscuridad de las guitarras y las bases nos encontramos con la canción “Saturno”, que parece resumir estas inquietudes. No hay odio, al contrario, estamos hablando de una orquestación tan intensa entre baterías y guitarras, con recursos que no alcanzan para poder etiquetar qué estamos escuchando. Las armonías, las atemperaciones sin cambios de ritmo enloquecidos generan el ambiente necesario para, incluso, encontrarse a gusto con los riff´s extensos de la guitarra. “Fire in the sky” es ya más completa, llamadas a una raza original Antigua y un cambio de tercio enorme en la interpretación. Más fuerza, otro juego en las voces y armonizaciones que te envuelven dentro de una violencia azul intempestiva.

“Espíritu viviente” y “Avalanchas” ya tienen una presencia más profunda de las bases, juegos con cambios de velocidad, una soberbia pronunciación en español que nos sumerge en una paciente laguna con arte Stoner, Doom y melodías oscuras y apretadas. Impresionantes ambas, sobre todo, por la naturalidad de la guitarra a la hora de dar otro matiz en cada cambio de tempo. Despedida con “Urantia”, silencioso comienzo, largo silencio que comienza, desde muy lejos, para plantarse de pronto encima nuestro, como una inminente Machi ((Palabra de la Lengua Mapuche equivalente a Chamana) que nos permite entrar en un ritual antes de salir a combatir. De nuevo la batería se pone al frente mientras una garganta furibunda nos narra la dolorosa Verdad de la existencia que nos toca vivir, presenciar.

SATURNO lanza un puñetazo repleto de cuanto se busca en el Metal. Decir que es Death, Brutal o Doom es insultar un proyecto como “Menhir” que contiene tanta impostación de sensaciones y voces, como magia técnica al ser una suerte de convocatoria de músicos para llenar un espacio vacío en cuanto a Nuestra verdadera Historia. Con los tristes hechos que este año nos toca vivir, replantearnos nuestras raíces más profundas, primarias y fundamentales, no nos vendría para nada mal.

SEBASTIÁN ABDALA 8.5/10

La cosa es que los brasileños SCARS llevan unos 30 años haciendo thrash metal por tierras cariocas , giras americanas y con dos discos a sus espaldas.

Hasta 2018 no volvieron a la escena después de un largo tiempo sin actividad; concretamente 10 años.

En 2019 adelantan dos cortes del álbum “Predatory “ que nos ocupa. “Armaggedon” y “Silent force” abren la veda para este plástico. Bien calentito este trabajo, a las puertas de su lanzamiento en Agosto de este año, a través del sello Yanki Brutal Records.

Producido por Wagner Meirinho, “Predatory “ suena aplastante, rápido y en definitiva ; hiper Thrash metal de alto calibre. SCARS lo forman Regis como vocalista, Alex y Thiago a las guitarras, Marcelo al bajo y Joao Gobo a la batería. Una formación clásica con experiencia y recorrido sin lugar a dudas.

Los de Sao Paulo abren con el tema título “Predatory” con ese bajo muy en el royo de estos estilos.

Las guitarras irrumpen con fuerza y muy corrosivas. El tema se va por donde quieren; rapidez y contundencia. Buen corte de presentación desde luego.

“These bloody days” es breve pero va a la yugular.

Con unos corazos tremendos y bailando en la línea thrash que se nos dibuja para este plástico. Siguen con “Ancient power”. Agresividad como norma general, y unos punteos asesinos que te romperán el cerebelo. Frenética y potente. Turno para “Sad darkness of the soul” donde se nos presenta una melodía fresca y el tema suena diferente. Aunque SCARS tiene ese pulso que a veces juega en su contra, y otras a favor. Y es que las canciones suenan muy similares entre sí. Y este último se sale un poco del tiesto.

La instrumental “The unsung requiem “ podía haber sido el comienzo de “Predatory” perfectamente ; e incluso la presentación de sus shows o algo similar. Le toca a “Ghostly Shadows “que continua en el mismo tono de potentes riffs, base rítmica frenética y la voz de Regis recordando a Petrozza de KREATOR. Esto no descansa y “The 72 faces of god” se viste de técnica y suena compleja y enrevesada. Un punto diferente quizás, y cambia la tónica dominante del disco, aunque no nos volvamos locos eh!

“Beyond the valley of dispair “ si parece que haya sonado antes. Inevitable no pensar en que es algo repetido. Similar en estructura y sonido a los primeros cortes de este “Predatory “ “Violent show “ es crujiente y cañera. Despunta un poco del grueso del plástico, pero como comenté antes, tampoco gran cosa, aunque algo más variada y fresca. Van cerrando con los temas que adelantaron en 2019 a modo de bonus tracks. “Armaggedon “ y “ Silent force “. En una línea similar ineludiblemente familiar a todo lo que has escuchado en este álbum. Eso es lo que me chirría ; la falta de variedad. Suenan crujientes y thrashers, pero aún así pierden en ese aspecto. Aunque es un disco potente y bien hecho eso sí. Esperemos que no tarden otros 10 años en sacar material nuevo, y que este sea más variado y fresco.

EL GALLEGO 7.5/10

SELENSEAS (RUS) THE OUTER LIMITS ROCKSHOTS RECORDS, 2020

De aquellas primeras veces que el ser humano miró hacia el cielo nocturno debe venir esa impresión sincera y anhelante al descubrir, sobre el horizonte, una esfera de luz lechosa, suspendida como una perla sobre el oscuro del cielo nocturno.

Desde entonces, la mitología sobre nuestro satélite ha desarrollado distintas historias, a cual más hermosa, mistérica o triste. Máni para los nórdicos era hermano de Sól y recorrían el cielo perseguidos por los lobos Hati y Sköll, respectivamente. Tsukuyomi, para los japoneses, nació del ojo derecho del dios Izanagi cuando se bañó para limpiar sus pecados. Para los griegos, Selene era hija de los titanes Hiperión y Tea, y su etimología viene de selas, luz. ¡Colorea y aprende con Teo! Es indudable que nuestro satélite nos influye y nos atrae de muchas maneras aparte de la mera curiosidad. Y tal debe ser el anhelo y la inspiración del bajista Vladislav Tyushin, que desde 2010 está al mando de la banda que nos ocupa, SELENSEAS (los mares de Selene). Y con este álbum han ido más, mucho más allá; no por nada, el título le viene que ni pintado: “The Outer limits”. La intro es magnífica, orquestal, ese anticipo sinfónico que nos introduce en un “Hope” cuajado de buenos momentos que nos brinda el sonido Power Metal que anticipaba la intro; todos los instrumentos brillando como las estrellas de Ursa Maior sobre el cielo nocturno: magníficas armonías de teclados sonando a veces como un clavecín, guitarras potentes que comienzan a dibujar melodías complejas y solos melodiosos, líneas de batería clavadas al milímetro y barroquismo por doquier. “Frigate” tiene otro de esos comienzos épicos que desarrolla el leitmotiv del tema. Todo es preciso y preciosista.

Debemos aplaudir el esfuerzo de los rusos. Este álbum es una grabación en plan internacional de su álbum de 2017, “За гранью возможного”, regrabado completamente en inglés, con la colaboración de un montón de músicos. Y he dicho que es preciso y preciosista, y lo he dicho con toda la intención, pues notas que en cada momento hay unos músicos brutales al mando de sus instrumentos, que no se van ni una fusa del tempo, preciso como un reloj suizo. Pero no es algo robótico y sin alma, hay vibraciones, hay emociones, hay amor por la música, una pasión que se transmite en cada surco de este “The Outer limits”. “Time” es otro tema grande y tiene su propia historia, su propio ambiente, su propia animosidad, pero siempre notas que son SELENSEAS , haciendo que suene fácil, eficiente y orgánico. ¿Y cómo suena un tema cuyo título es “Asgard”? Pues como tiene que sonar: poderoso como el trueno, orquestal, sinfónico, con esos coros hiperpotentes en el estribillo. ¿Sabéis lo que es un ifrit? Pues en cuanto empecéis a escuchar las notas y el desarrollo del siguiente tema, enseguida vais a pillar a que mitología pertenecen estas criaturas. ¿Y “Dante” a quién se puede referir si no al inmortal bardo italiano y a su increíble viaje por los círculos del Infierno, pero aquí estructurado en un tema que sube y sube en espirales, en vez de bajar?

Tema potente el siguiente, “The Mirror”, con dobles armonías e intercambios guitarreros entre los dos hachas, con una vena muy maidenesca que ya se desata de verdad en los siguientes temas, “The Flame of Dawn” y “The Milky Way”. Y para cerrar el disco, la banda nos regala un tema instrumental homónimo que es el excelente colofón a este álbum.

Aparte la versión que hemos escuchado aquí, trae dos remezclas de “The Mirror” (Radio Edit) y “The Milky Way” (Alternative Version).

Gran carta de presentación al mercado internacional por parte de los soviets de SELENSEAS .

Indudable calidad, un trabajo realmente reseñable; como ya he dicho antes, preciso y preciosista; es indudable que a Vladislav Tyushin el influjo de Selene le hace trabajar a estos niveles y buscar esa perfección de una manera… lunática.

CESAR LUIS MORALES 8.9/10

SELF HYPNOSIS (GBR) CONTAGION OF DESPAIR SVART RECORDS, 2020

Mucho se ha hablado (y se seguirá hablando) sobre la hipnosis. Sobre su validez científica o sobre si es un grupo de patrañas pseudo-hippiosas; el asunto es que, en ese estado, la persona entra en un estado de consciencia con un foco de atención centrado, mientras que se reduce la consciencia periférica. ¡Colorea y aprende con Teo! Aparte de los típicos jueguecitos de mirar el péndulo y notar cómo te pesan los párpados, si parece demostrado que mediante esa alteración de estados, la atención se focaliza y se pueden grabar determinadas estructuras de pensamientos o de acciones en la psique humana. Y focalizado, lo que se dice pero que muy focalizado se encuentra Kris Clayton, anteriormente en CAMEL OF DOOM y que ahora ha unido fuerzas con Greg Chandler (ESOTERIC y veinte mil aventuras musicales más). ¿El resultado? SELF HYPNOSIS, cuyo primer trabajo “Contagion of Despair” tendréis disponible a partir del 21 de agosto, vía Svart Records. Pero como aquí queremos ponerte los dientes largos o, si los quieres ver de otro modo, meterte una idea fija en la cabeza y grabarte determinados comportamientos/ideas… pues ya lo hemos escuchado.

“Contagion” abre el disco con sus catorce minutazos de desarrollo agónico. La primera impresión según entra el tema es acordarnos de GODFLESH y todo aquel rollo que traía unas guitarras ultra-potentes traídas directamente del Doom y envuelto en capas y capas de industrial, para conseguir un sonido en plan muro. Eso sería la definición sencilla. Lo cierto es que tanto “Contagion” como el resto del disco de SELF HYPNOSIS van más allá de la mera etiqueta del insdustrial. Acompañados por el excelente baterista Tom Vallely, los tres genios se han dedicado a grabar y mezclar (cortesía de Greg Chandler) este disco. Al parecer han cableado todo el edificio de los estudios Priory Studios de Greg para crear espacios abiertos de grabación, digitalizando las señales de las baterías grabadas en directo para meterle sonidos en plan sub-bass. Un delirio tecnológico que hay que escuchar.

“Empowered (restricted)” es buena prueba de ello, las voces desgañitadas, todas las oleadas de sonidos electrónicos, la potencia sónica del groove, que no sabes si es guitarra o sinte, la línea de batería con esas notas de caja desplazadas en los tempos… sónidos cósmicos mezclados con PRONG. Aquí no hay límites o etiquetas. Y si ya para dar la primera hostia empezaban el álbum con catorce minutos de tema, “Omission” son otros diecisiete minutazos, que en su parte metálica llevan un sonido de guitarras Doom hiper-saturado, para luego trasportarnos a un interludio donde las cosas se ponen más etéreas, más cósmicas y más Post… (para el minuto diez y siguientes, pero merece la pena tanto una parte como la otra). Cuando un compositor o una banda pergeñan una cosa así hay que escuchar, hay que saborear y disfrutar cada minuto. “Scandal”, por el contrario, apenas llega a los tres minutos y es un estallido industrial con una línea estructural muy a lo MINISTRY. Y seguimos, “Divided” son otros dieciséis minutos y pico. La verdad es que si hay algo que reprocharle al disco es que si quieres escucharlo de una sentada se puede hacer un poco largo por la extensión de estos temas, aunque luego, una vez que estás metido en materia, ni te das cuenta. Este tema cuenta con una intro de piano que deriva en un orgiástico desparrame sónico, con desarrollos más progresivos (la definen como si THE PRODIGY hiciese un mash-up entre YES y MESHUGGAH).

Ahí queda eso como declaración de intenciones; así que ya sabes, si te encuentras con ánimos de auto-desafiarte y tienes un cuarto de hora… “Divided” es tu tema. Para “respirar” un poco, tienes “Leeches” (¡sanguijuelas, hmmmm?!?!) con un sonido de guitarra plenamente enraizado en el Doom más MY DYING BRIDE, aunque luego el desarrollo sigue por ese sonido tan SELF HYPNOSIS. Y para

cerrar… dieciocho minutos de “Succumbed”. No sé si me gusta más esa guitarra del inicio, no sé si es el rollo BURZUM o Angelo Badalamenti en “Twin Peaks”… Pero tiene algo que hace que me quede ensimismado escuchado… entra la lenta batería, entran las pistas de efectos de fondo… No sé si es esa sensación de angustia, los efectos de cómo las voces se van apagando, los ecos de las guitarras.

Esa sensación de que es Doom, pero que también es algo más, que hay Industrial, que hay Prog, de que esto sólo ha sido la primera mirada al abismo.

Sí, me quedo con eso. SELF HYPNOSISacaban de sacar su primer larga duración. Y es una bofetada considerable. Son gente, músicos con un alto poder de auto-focalización, están centrados, saben lo que quieren y como lo quieren. Y son unos temas largos, pero no aburridos, sino dinámicos, vivos, con un montón de influencias que van desde el Doom al Prog y la experiencia ha sido como mirar a un agujero negro y descubrir las infinitas posibilidades de esta banda.

CESAR LUIS MORALES 9/10

SHED THE SKIN (USA) THE FORBIDDEN ARTS HELLS HEADBANGERS RECORDS, 2020

“Forbidden Arts” es el título del tercer larga duración de los de Cleveland , SHED THE SKIN. Banda en la que se encuentran miembros que militan o han militado en bandas como ACHERON, INCANTATION, WOLFEN SOCIETY… Editado por el sello Hells Headbangers Records en CD y vinilo y formado por once cortes y una duración que sobrepasa los tres cuartos de hora. Grabado en los Bad Back Studios y mezclado y masterizado por el infatigable Dan Swanö en los Unisound (DARK FUNERAL, DISSECTION, APOSENTO, INCANTATION…). El arte de la portada a sido obra de James Bulloch.

Tras unos segundos de introducción comienza “Skeletal Firestorm”. Lo que nos encontramos es un Death Metal elaborado con mucha atmósfera y cierto Groove en muchos momentos que hacen que su sonido sea altamente accesible incluso algunos guiños a medio tiempo muy Doom como en “Archons of the Final Creation” o en “Necromantic Wellspring” que es uno de los mejores temas de la obra. Voces rasposas y cavernosas que de vez en cuando juega con otros registros, bases rítmicas que dominan a la perfección los cambios de tiempo haciendo que el disco transcurra de un modo muy agradable y sin apenas darte cuenta. Guitarras que crean muchas atmósferas y juegan bien con los riffs opresores y jugando buenos solos de guitarra. Si lo que buscas es algo de carácter moderno, olvídate de estos tipos porque su orientación es en el verdadero sonido del Death Metal. El tipo de producción es muy buena y las composiciones verdaderas obras maestras del género. Lo más destacable del álbum es su manera de llevarte hacia paisajes realmente oscuros en muchas ocasiones como en “Trow of Tragedy”. Sin duda recogen a lo largo del redondo todos los clichés que hacen grande al género y sin llegar a inventar nada nuevo bajo el sol, sorprende y pueden presumir de tener una cierta identidad propia. Sin duda una grata sorpresa con este nuevo álbum.

Sin duda si eres un verdadero admirador del Death Metal más oscuro no dejes pasar la oportunidad de hacerte con este disco.

MARK BERSERK 8/10

SOULROT (CHL) VICTIMS OF SPIRITUAL WARFARE MEMENTO MORI, 2020

“Victims of Spiritual Warfare” es el segundo álbum de estudio de los chilenos SOULROT, y que han sabido mantener el estilo y ambientación nórdica que ya nos ofrecieron en su debut “Nameless Hideous Manifestations” (Memento Mori 2017). De nuevo repiten discográfica y he de reconocer que este nuevo larga duración es un verdadero ataque de Death Metal de la vieja escuela y aunque esté creado por tres músicos chilenos, han captado el estilo de las bandas que salían de Suecia a finales de los ochenta y principios de los años noventa a la perfección.

Quince son los temas que nos ofrecen, aunque hay que resaltar que varios de estos son o pequeños samplers de introducción, que son discursos apocalípticos, ruidos o sonidos tenebrosos que introducen siguientes temas. Desde el inicio de la música en “Nihilistic Automata” la banda nos regala un nivel de agresividad y velocidad que por momentos nos recordarán a los legendarios DISMEMBER o ENTOMBED / NIHILIST, en sus mejores épocas, pero la masacre continua con “Buried Alive”, un tema corto e intenso como pocos en el album. “I, Master” se ralentiza un poco y juega más con los medios tiempos y riffs más densos, algo que nos ofrece un poco de descanso después del asfixiante comienzo del álbum. La velocidad e intensidad vuelve con otro corto tema “God Forsaken”, sin duda un golpe en todo el cráneo, al igual que “Chainsaw Worship Hymn”, “Protect the Coven” y “Evolutive Slaves”, tres temazos que son una masacre sonora desde su comienzo al final.

Sin duda, estamos ante uno de los mejores álbumes de Death Metal old school de lo que llevamos de año, y más para los fanáticos del sonido sueco ya que la masacre que han grabado estos tres chilenos hace que el album sea de escucha continua y demostrando que el Death Metal bien hecho, directo y con mala uva tiene su sitio en una escena que en muchas ocasiones se obsesiona por la técnica y el virtuosismo, perdiendo la verdadera esencia de lo que significa este estilo y aquí está perfectamente representado.

diación de un crítico musical o lo que sea, salga el nombre de un estilo, pues tiene pero que mucha tela. Shoe, de zapato y gaze, de mirar con fijeza.

Pues ala, ventilado, ya tenemos nombre pa’l estilo.

Como lo podrían haber llamado “seemingly simple pop music with distorted guitars and substance”.

Pero el asunto es que aquellas bandas, al igual que STAY TO SLEEP tenían una propuesta musical interesante y evocadora (de ahí, probablemente, que también se le conociese como “dream pop”). Sin presiones y sin prejuicios, enchufo la primera pista y “Ice Cactus” me sorprende con esa línea de batería tan ALICE IN CHAINS, con un sonido contenido y orgánico. Y a continuación, las guitarras; esos sonidos tan característicos, esas reverberaciones sensibles… Y entonces entra la voz… ¡femenina!

Paro la reproducción y empiezo a buscar información de la banda. Noe Grimes a la voz, Amara Baila al bajo, María Makia y Cristo a las guitarras y Tony Linares a las baquetas. ¡Guay, banda mixta! ¡Dream pop, doble guay! Cierro cuaderno de notas y vuelvo al reproductor. Esto cada vez se va poniendo mejor. Vuelvo a iniciar el EP y cierro los ojos. Y vuelvo a comenzar con “Ice Cactus”. Terciopelo sónico. “Called Loop” es más potente, pero mientras una guitarra mantiene los power chords la otra dibuja las atmosferas, y hacen que la banda (y el oyente) viajen, como dice JAMIROQUAI, viajen sin moverse. “Yoraluz” derrama paisajes sónicos melancólicos, muy bien equilibrados con la potencia eléctrica de las guitarras, pues es el tema más largo del EP y la banda se explaya a gusto. A continuación, “Dead Dreamin’ Blues” y sí, desde luego que sí, tiene ese rollo bluesy, tiene esos parones en los que Noe Grimes se queda sola con la voz por encima de todo; las guitarras rascan bien, y puede que hasta estén tocando escalas pentatónicas, pero ahí está, el tirón shoegaze, guitarras saturadas y con efectos. De ahí, nos vamos a una instrumental – “Ashes of Love” – con una línea percusiva que sin llegar a ser tribal, tribal, si es palpitante y las melodías son un auténtico komorebi.

No se me ocurre otra manera de definirlo. Pero es que, como ya he comentado muchas veces en muchas reviews, la música, la buena música, tiene esa capacidad de hacerte viajar, de conmoverte, de disparar imágenes en tu cabeza. Pues este tema es eso, komorebi (el efecto de la luz del Sol al filtrarse a través de las hojas de los árboles).

Y llega el momento más triste que es el cierre. Porque estamos hablando de un EP, estamos hablando de cinco temas que se quedan cortos y que te hacen desear más y saber más de la banda. STAY TO SLEEP y su “Ethereal” son hipnóticos, llámalos shoegaze o dream pop o “seemingly simple pop music with distorted guitars and substance”. El caso es que desde que escuchas la primera nota, te conquistan, te hacen viajar, y eso, eso es el mayor elogio que se le puede hacer a una banda.

CESAR LUIS MORALES 9/10

LUIS MARTÍNEZ 9/10

STONEBIRDS (FRA) COLLAPSE AND FAIL RIPPLE MUSIC, 2020

STAY TO SLEEP (ESP) ETHEREAL ANEURISMA RECORDS, 2020

Desde luego, el mundo de las denominaciones de los estilos musicales tiene lo suyo. Hay veces que se acierta, otras… ¡bueno! Denominar a un estilo derivado del pop con matices de humor e improvisaciones flamencas como Agro-Pop, como el que hacían NO ME PISES QUE LLEVO CHANCLAS… ¡bueno, pues eso: unas veces se acierta y otras, se salva la papeleta! ¡Colorea y aprende con Teo! Del estilo del que vamos a hablar, pues lo mismo.

Decir cualquier cosa en inglés tiene ese aire glamuroso, pero también tiene tela, sobre todo cuando entramos a traducirlo. Mirarte los zapatos como hacían los músicos de MY BLOODY VALENTINE, con escasa o nula interacción con los asistentes a los conciertos y que de ahí, de ese gesto, por me-

Desde la Bretaña francesa y formados en 2008, nos llega este bombazo a manos de STONEBIRDS, “Collapse And Fail”, editado por Ripple Music, donde un sludge doom con toques atmosféricos y progresivos nos embaucara de principio a fin en uno de los discos que estará en mi top anual y con un sonido cercano a bandas como CULT OF LUNA, THE OCEAN, UFOMAMMUT, JESU… La rocosa “Only God” abre la tormenta con unas guitarras agresivas y rítmicas donde el stoner y el sludge viajan por tu subconsciente a manos de Fañch y el poderoso bajo de Sylvain, ambos complementados perfectamente por la percusión de Antoine, para darnos una lección en toda regla con un inicio muy contundente que lentamente va desenmarañando la intriga al unirse las voces de Fañch y Sylvain, que juegan con unas tonalidades limpias pero con un toque sucio y unas melodías rasgadas y screams que encajan a la perfección en

la estructura musical para dejarnos claro que STONEBIRDS van a por todas, además de poseer unas estructuras muy flexibles y variantes, todo un temazo para abrir el álbum que se une a “Stay Clean”, para crear una dupla mágica, siendo esta segunda más contundentes en sus estrofas, pero dejándonos unos riffs de guitarras de otra dimensión.

“Down”, se postra señorial e intimista, con un inicio limpio y muy atmosférico que te hace recapacitar y adentrarte en tus pensamientos viajando hacia tu yo, interior, dándonos paso a “Turn Off TheLight”, otro temazo, oscuro y potente, con unas estrofas machaconas y densas, que matizan con pinceladas de luz entre la dupla vocal y un bajo omnipresente en segundo plano, además de unos ritmos de percusión muy técnicos incluso jazzísticos en determinadas partes, un temazo, que posee una parte central muy etérea y ambiental. “Fade Away”, incluso diría que tiene un toque DEFTONES en determinadas partes, pero más sucio y carnal y con una parte final muy apoteósica que nos lleva al cierre con “Collapse And Fail”, un tema muy enigmático y que encierra reminiscencias a CULT OF LUNA o THE OCEAN, dos de mis grupos favoritos, al que se unen ahora STONEBIRDS. JUAN ANGEL MARTOS 9/10

TENEBREE (CHL) ERRANTE HEREJÍA AUSTRALIS RECORDS, 2020

Desde que estoy en Necromance he tenido la oportunidad de conocer muchas bandas de black metal de la escena sudamericana y, sin duda, Chile no deja de sorprenderme nunca. Totalmente desconocedora del producto que nos ofrecen allí, elegí, un poco escéptica, a una de mis primeras bandas y me enamoré completamente. Cada vez que tengo la oportunidad de reseñar metal extremo de aquí, me adelanto sin pestañear. Y aquí estoy, un día más, con la suerte de haber podido descubrir “Errante Herejía”, el último álbum de los chilenos TENEBREE, publicado de la mano de Australis Records a principios de este año. Formados en 2014, TENEBREE cuentan ya con un EP, una demo, y dos discos. Entre sus filas se encuentran Iskandar al bajo, Tralkan como vocalista, Neguss (POSTUMO LUMBRE) a la guitarra y voz secundaria, Chkngr a la guitarra y Mathl en la batería. “Errante Herejía” es un trabajo impecable, con un mensaje muy profundo que dudo que logremos comprender o empatizar a la perfección la gente de fuera. Cuenta con ocho pistas con una duración aproximada de cincuenta minutos.

Comenzamos con “De los bosques fantasmales” con una introducción instrumental acústica que estalla en un estruendo de riffs y blast beats muy agudos y, al principio, ruidosos. La atmósfera se torna fría y sobrecogedora a medida que unos shrieks agudos nos calan los huesos. El black metal de TENEBREE es una mezcla muy inteligente entre un estilo clásico con momentos muy trasgresores que hacen que su música sea como un soplo de aire fresco. El bajo y la guitarra luchan en un mar de trémolos hasta que llegamos a un momento de calma: la tranquilidad tras la tormenta. Sin embargo, es una falsa ilusión, puesto que a la suavidad del bajo se le une la guitarra que culmina en un solo que acuchilla el cielo. “Hacia el norte…” cuenta con el bajo como protagonista, seguido de un doble bombo que le pisa los talones imponiéndose. Este tema requiere de varias escuchas: en primer lugar, para poder apreciar todos los matices musicales e impregnarte con la melodía y, en segundo lugar, para prestar atención a la historia que nos cuenta.

El estribillo hace que se te ponga la piel de gallina: el picking de las guitarras unido a la voz desgarradora de Tralkan crean un ambiente melancólico del que es difícil escapar. “Herética negación del Maule” es un tema muy interesante que comienza con un sample de un hombre contándonos una historia. Los cambios de tempo de este corte son espectaculares y muy intensos, con fragmentos muy rápidos y blackers con otros más progresivos NUM. 75 | NECROMANCE DIGITAL MAGAZINE - 45

que hacen que se nos encoja el alma. Este corte es, sin lugar a duda, el más potente de todo el trabajo. “Ensombrecer” es un interludio instrumental que cuenta con una melodía preciosa a mano de las guitarras. Continuamos con “Montañosa compañía entre nieblas”, que comienza con la timidez de un cuento. Una mujer nos narra unos sucesos que han ocurrido, pero es interrumpida, de repente, por unas guitarras. En comparación con el resto del álbum este tema es bastante más agresivo que los demás. La batería es extremadamente poderosa y es adornada por un solo de guitarra breve pero intenso. La pista sufre un cambio de ritmo brutal hasta que un bombo dicta sentencia. “Virtuosa soledad eminente” es un tema muy oscuro en el que podemos disfrutar de las mejores guitarras de todo el trabajo. “Evocaciones de antiguos emblemas” es una recapitulación de todo lo que hemos podido disfrutar anteriormente. Una gala de riffs virtuosos, una melodía muy pegadiza y unas voces muy depressive de fondo. “Memorias” es el punto final del álbum. Podemos escuchar a unos hombres gritándole al ganado acompañados de perros. Se trata de un corte completamente acústico con el que se despiden los chilenos.

“Errante Herejía” es un trabajo muy íntimo e inteligente. El black metal más clásico sabiamente adornado para que suene a nuevo y aporte frescor a la escena. Mi más sincera enhorabuena a TENEBREE y desde Necromance esperamos recibir noticias de ellos muy pronto. Álbum más que recomendado para los amantes del género.

MAKI PÉREZ JÁUREGUI 9.5/10

TEXAS MURDER CREW (USA) EVERYONE’S LAST BREATH COMATOSE MUSIC, 2020

El próximo 7 de agosto de 2020, Comatose Music lanzará al mercado el primer E.P de los Slam Brutal Death metaleros TEXAS MURDER CREW llamado “Everyone’s Last Breath”.

La formación está compuesta por: Timothy Dewayne Ratcliff (bajo), Benjie Quezada (batería), Kevin Clark (guitarra), Brent Wells (voces), Terry Burleson (samples, voces), Logan Ross (voces).

Desde el que hasta la fecha ha sido el último disco de DEVOURMENT, no había oído un disco del género mencionado un poco más arriba que me llamase especialmente la atención. Gracias a Odín, eso ha cambiado con el Extended Play que hoy os comento. Los de Texas, presentan unas composiciones variadas y brutales como pocas. Para conseguirlo, no han renunciado a la rotundidad, pero sí han introducido buenas raciones de velocidad que hace que la experiencia sea absolutamente amenazadora y dinámica. Además, la producción acompaña, siendo contundente a la par que nítida.

Agarraos, que en lo que vienen siendo las seis cuerdas vienen curvas. Mr Clark crea una muralla sónica destroza columnas. Hallaréis instantes leves de tremolo picking, que junto con embestidas de riffs fluidos y anecdóticos armónicos conseguirán desollaros vivos. El apartado vocal es todo un ejemplo de lo que significa la palabra descarnado. No contentos con ello, cuando menos lo esperéis llegan toques muy puntuales de pig squeal. Siempre en constante cambio está la percusión. Tal vez predomine algo más los mid que los up tempos, mas os garantizo que cuando pisan el acelerador a fondo no queda títere con cabeza.

Ojo a “Destroy the Witness” y “Everyone’s Last Breath”. ¡Es imposible hacerlo mejor dentro del estilo en cuestión! Si buscáis auténtica música extrema, no le perdáis la pista a los americanos. ¡Así da gusto!

JESÚS MUÑOZ CABALLERO 8.5/10

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y ritmos lentos y pesados ponen la guinda sobre el pastel de estas sólidas pero contrastadas composiciones. Sin duda, tienen un trabajo con muchos cambios en los ritmos, alternando de muy buena forma la agresividad con el aspecto melódico, pero que mantiene de muy buena manera esa potencia que llevan como estandarte; unido a la gran labor de producción del trabajo, les hace tener un disco muy completo que los amantes del deathcore sabrán apreciar.

JORGE DE LA CRUZ 7/10

THE ALPHA STRUCTURE (USA)

THE WISE MAN’S FEAR (USA)

7 DEADLY SINS

VALLEY OF KINGS

MUSIC RECORDS, 2020

SHARPTONE RECORDS, 2020

Los estadounidenses THE ALPHA STRUCTURE lanzan al mercado su primer álbum de estudio.

Este primero sale editado a través de Music Records y el cual, está formado por once temas al que al conjunto lo llaman “7 Deadly Sins”.

THE WISE MAN’S FEAR es un sexteto estadounidense, que este 2020, lanzan al mercado su cuarto álbum de estudio. Esta vez, editan el trabajo a través de SharpTone Records, y el cual, formado por once temas, lleva como título “Valley of Kings”.

Formados en 2016 en Oregón, el grupo está formado por cinco componentes; Terrence Dean en las voces, Ryan Christian y Nathan Gifford a las guitarras, Colin Dean al bajo y Colton Dishner en la batería.

Formados en 2013 en Indiana, Estado Unidos, el grupo está formado por Joseph Sammuel y Tyler Eads en las voces, Nathan Kane a la guitarra y voces, Codi Chambers en la guitarra, Thomas Barham al bajo y Paul Lierman en la batería.

Comenzamos escuchando “Empty Vessel” que nos abre con unos potentes riffs y voces super agresivas, que nos dan el primer contacto con el grupo. Poco después continúan dejándonos con unos ritmos mucho más rápidos, que general de igual manera una potencia brutal, que da paso a unas extrañas melodía que rompen en un breakdown oscuro y agresivo, el cual da paso al siguiente tema, “7 Deadly Sins” que es el que da nombre al trabajo y en el que nos topamos con unos ritmos super agresivos, con una mezcla de voces increíbles, combinado guturales agudos con graves. Nos deleitan con múltiples cambios en las melodías, jugando con partes agresivas super potentes con otras mucho más lentas, donde predominan los golpes profundos que dan pie a una atmósfera oscura con ritmos lentos y pequeños golpes de instrumentación muy agresivos.

En “Shell” nos adentramos en un tema mucho más rápido, donde las guitarras nos guían por un río de velocidad constante, jugando diferentes composiciones que mantienen la fórmula de la velocidad desde el primer momento. Generan un tema muy compacto, donde la mezcla de ritmos rápidos con partes agresivas es todo un alarde potencia, introduciendo pequeños cortes con partes electrónicas que acusan más esos cambios. Sin duda, parte de la agresividad del tema viene dada por las profundas partes vocales, que desarrollan un gutural super potente que agrava más aún la potencia de la instrumentación.

Acercándonos al bloque final de temas nos topamos con “In Circles” donde nada más comenzar escuchamos unas guitarras muy al fondo que poco a poco van subiendo su volumen, rompiéndose con unos ritmos agresivos, donde la mezcla de voces predominan en los primeros compases.

Los ritmos frenéticos de batería se encargan de marcar los diferentes cambios de melodías, alternando partes más agresivas con otras algo más lentas y aderezando las composiciones con partes muy tranquilas, que abogan por coros de fondo y melodías electrónicas, que terminan dando paso a las composiciones agresivas. Todo un altibajo muy llamativo y que les hace muy bien a la composición final del tema.

El tema encargado de cerrar el trabajo es “Return to the Earth” donde nada más comenzar nos encontramos con una voz gutural super profunda y agresiva, que se entremezcla con los potentes y rápidos riffs de guitarras y batería. Poco después abogan por unos ritmos más lentos pero más potentes, donde el bajo toma una presencia imponente, consiguiendo una estética muy buena al tema. Alternan esas partes más agresivas con otras donde la melodía juega un papel fundamental, dejando los instrumentos por encima de todo, dando prioridad a melodías constantes, que nos cierran el tema dejándonos con muy buen sabor de boca.

Este primer contacto de THE ALPHA STRUCTURE nos deja con once temas plagados de potencia, donde la mezcla de potente instrumentación con voces agresivas les hace darnos unas composiciones que derrochan fuerza por todos lados, pero manteniendo buenas melodías a su paso. Las variaciones en las voces guturales generan una sensación de profundidad magnífica, consiguiendo temas variados, donde los profundos breakdowns

THE END AT THE BEGINNING (ITA) ELEMENTS NO RECORDS, 2020

Desde los tiempos de los antiguos filósofos presocráticos nos viene la idea de los cuatro elementos fundamentales de la Naturaleza, que se complementaban, que aunaban opuestos, arriba y abajo, seco y húmedo, caliente y frio, humano y celestial, blando y duro, fijo y mutable… Todo iba enlazado, la astrología, la química, la medicina… Todo era agua, tierra, aire y fuego. ¡Colorea y aprende con Teo! Así que cuando una banda como los italianos THE END AT THE BEGINNING se sacan un EP llamado “Elements” con cuatro temas y cada uno de ellos llamado (¿a que no adivináis?) con cada uno de los elementos antes citados… Y el resultado pues es como tiene que ser, equilibrado, ardiente, vaporoso, vital, móvil, duro, metálico, etéreo… La alquimia perfecta entre los distintos elementos. Una banda con un proyecto y con una visión… Abrimos con “Fire”, potente y con pulso, un trallazo de PostHardcore, con una síncopa en los ritmos traída directamente de los ambientes más djent, pero que nos muestra su versión más melódica a las voces.

A lo largo de todo el tema (y de todo el EP) entran y salen unas líneas de arreglos menos metálicos, llámalos orquestales, llámalos de teclados, una puta maravilla sin que por ello pierda el filo metálico que te permita menear la cabeza hasta desencajarla de los hombros.

Parece mentira que tanto el vocalista, Nicolo Bazzani, como el guitarrista Massimo Botempi sean unos recien llegados, pues llevan desde 2019 integrados en la banda, pero perfectamente integrados, lo que se dice amalgamados, como la suma de elementos y de opuestos de la que estamos hablando: arriba y abajo, aire y tierra, agua y fuego… “Air” inicia enseguida su andadura como tema etéreo, con esas líneas dibujadas casi como al azar, casi como inexistentes pinceladas de un tema que se convierte en mastodonte metálico. Tienen esa capacidad cabrona de crear una expectativa y evolucionarla y hacerla crecer y arrasar por partes iguales, en la melódica y en la metálica, como unos BOLU2 DEATH. “Earth” comienza con ese pulso telúrico, con esas vocalizaciones enterradas para pasar a brillar como una supernova, con ese híbrido de Metal, de Post, de pistas insertadas con multitud de efectos, de guitarras Hardcore de lo más cabrón acompañadas por otras que dibujan melodías que nos llevan a una segunda mitad del tema de lo más emocional. ¿Y el cierre con “Water”? Más djent, más pistas de efectos, una maravilla de composición por parte de THE END AT THE BEGINNING , quizá el mejor tema de este EP, aunque esto ya es una valoración personal, y por elegir alguno, porque, dicho sea en honor a la verdad… “Elements” es uno de los EP mejor armados, más equilibrados en cuanto a musicalidad, producción y composición que he tenido la suerte de escuchar en los últimos tiempos. Una recomendación sincera, emotiva y una recompensa sonora si lo que buscas es el equilibrio entre los opuestos, entre metal y melodía, entre arriba y abajo, entre agua y fuego, entre tierra y aire.

CESAR LUIS MORALES 10/10

“The Relics of Nihlux” se encarga de abrir el trabajo, comenzando con pesadas melodías donde a las voces nos encontramos una muy buena mezcla de guturales con toques de voces limpias, que juegan con un gran contraste entre ambas. Se apoyan principalmente en unas estructuras a base de composiciones pesadas, donde parte de la importancia recae en unas guitarras muy agresivas, que casi desaparecen en un estribillo más melódico, donde las voces limpias toman la delantera y forman prácticamente toda la melodía principal.

El tercer tema que nos encontramos es “The Tree of Life” donde pequeños sonidos de fondo son los encargados de darnos la bienvenida, para al momento contar con una voz melódica muy limpia que nos lleva hacia unas composiciones más rápidas, contando con una línea de batería bastante constante. Entremezclan multitud de composiciones, creando un juego de altibajos importante, donde la mezcla de agresivo con lo pegadizo de los estribillos, incluyendo pequeños toques de instrumentos de viento, que le dan un toque diferente.

En el ecuador del trabajo nos topamos con “What Went Wrong” donde desde el principio nos deleitan con una melodía constante, donde batería, guitarras, bajo y voz son un todo muy compacto, hasta que se alteran introduciendo melodías algo más agresivas. Destacan las líneas de bajo, sobre todo en las partes leves, donde se escuchan a la perfección y se llevan parte del protagonismo de una base instrumental compacta. En general, apuestan más por las partes pegadizas y melódicas, derrochando en voces limpias, pero introduciendo algunas pequeñas partes agresivas para generar mucho contraste auditivo.

En el bloque final nos encontramos con “The Sand of Time” que desde un principio nos aborda con unas guitarras super potentes y agresivas, apostando por riffs super pesados que se entremezclan con una oscuro gutural, pero que de repente, rompen con una estructura melódica, cambiando toda la composición de golpe, generando una atención inmediata a este corte. Un tema corto, muy conciso y potente, con unos cortes super acusados, pero bien conseguidos, mezclando de manera brutal los ritmos limpios con las agresivas partes cargadas de guturales.

“Valley of Kings” es el tema que se encarga de finalizar el disco y del cual éste toma el nombre. Nos abre con unas melodías limpias muy pegadizas, cargadas de energía, donde la batería se encarga de darnos unos ritmos rápidos y cambiantes, sobre los que fluye una voz melódica que se amolda a la perfección. Sobre esa misma base instrumental, añaden guturales, generando una sensación diferente al mezclar melodías lentas con profundos guturales, que poco después hacen transformar esa melodía en riffs graves y potentes. Un tema perfecto para cerrar el trabajo, enseñándonos un poco de todo lo que saben hacer en un tema final muy completo.

Sin duda, THE WISE MAN’S FEAR van dando poco a poco con la tecla, dejándonos con un trabajo muy completo, donde mejoran en todos los puntos de su ya sorprendente “The Lost City” que era un trabajo exquisito. Han sabido aprovechar todos sus puntos fuertes para darnos un trabajo repleto de cambios de ritmo donde el juego de melodías potentes con otras más melódicas les salen de ma-

ravilla, brindándonos once temas muy completos y entretenidos, con una producción excelente y unas composiciones mucho más maduras y pensadas.

Mejoran a pasos agigantados y para muestra, este LP cargado de buenos temas.

JORGE DE LA CRUZ 8/10

instrumentos del industrial y de los estilos electrónicos, sintetizadores y samples; pero a todos ellos les dan el mismo tratamiento que en su vertiente más Black. Hay algo insano, irreverente y despiadado en esta obra, sea guitarra, sea voz o sea sinte.

Una banda más para añadir al molestómetro. ¡Y, oye, yo encantado!

CESAR LUIS MORALES 8/10

TRISTWOOD (AUT) BLACKCROWNED MAJESTY AUTOEDITADO, 2020

No recuerdo exactamente el año, pero corrían los primeros de la década de los 90’s y, por fin, adquirí mi primer CD. Un par de semanas después de su pago, llegó al domicilio parental (para su desgracia) aquel primer CD que, a fecha de hoy, todavía conservo: “The Mind is a terrible thing to taste” de MINISTRY. Mi primer acercamiento al industrial fue con aquella bomba, y unos años después vendría el “The Downward Spiral” de los NIN. Luego ya descubriría todo el universo subyacente, pero esos dos álbumes articularon mi gusto por el género. ¡Colorea y aprende con Teo! Desde entonces, siempre que hay industrial, acudo a su llamada. No son cantos de sirena, sino golpes sobre superficies metálicas, silbidos de vapor, samples y sobresaturación de pistas… y ya que buscamos esos, TRISTWOOD te lo van a dar pero a base de bien. Que comencemos con esa pista de teclados, de sonidos con efectos cósmicos, titulada “Re-Enthronement of the Damned” y que la guitarra entre reventando empastes mientras esos sonidos cósmicos quedan en loop, abrumados por una bomba termobárica de percusión y vocales desquiciados… que todo esté presente a un volumen violador… te dejan temblando cual plato de gelatina. Y eso solo ha sido el inicio. Recuerdo la primera vez que puse a reproducir el “Spiral” de los NIN. La bestial producción de las guitarras en el primer tema, “Mr. Self Destruct”, me pilló completamente por sorpresa (de hecho, pensé que se me habían jodido los altavoces). Desde entonces, uno busca siempre ese sonido bestial y saturado. Hola, TRISTWOOD, mi nueva banda favorita.

Y es que la despiadada “He who traversed a greater oblivion” se ancla en el Black/Death (ese doble bombo ametrallando), pero cuando escuchamos con detenimiento la guitarra tiene ese acoplado y abrumador sonido de tratamiento industrial, de hecho, ahí se quedan acopladas hasta el final. Un tema quizá un poco plano, pero el molestómetro de tus vecinos se va a poner en +100 puntos (qué es lo que interesa). Un poco mejor se ponen las cosas en el siguiente tema, “A Blackcrowned majesty” dónde volvemos a mezclar pistas de teclados más etéreas con abrasiva percusión, muros impenetrables de guitarras distorsionadas, voces que son gruñidos de los sabuesos del Averno para desembocar en una parte central totalmente delirante, trayendo directamente a los MINISTRY al salón de tu casa.

“Her wraith through Stygonian Lands” no me trae a los KOVENANT, sino de nuevo a los más bestias sonidos: un muro de sonido en el que me gustaría poder distinguir algo más (se me viene a la cabeza THE BERZERKER: no llegan a ese nivel, un poquito menos saturados, un poquito menos Death-Grind, pero con la misma actitud destructora).

Por lo menos, “The Hall of Rauthra’s Fate” nos trae un poco más de diversidad, aunque siempre dentro del universo TRISTWOOD y parecen centrarse más en la vertiente Black Metal con los Blast-beats del principio, pero en seguida nos percatamos que es otra vez lo mismo, agresión por agresión, muro sónico por muro sónico. Pero sí, en “Acherontic Deathcult” si me consiguen enganchar, aquí sí, cuando rebajan la tensión musical mediante la inserción de esos pasajes de teclados que me permiten navegar (o esquivar, diría) entre toda la artillería metálica. “Bone catedral” pasa como masticando vidrio para enlazar con la final “Nightshade eternal”, una orgiástica tormenta de decibelios, un insano acercamiento a la utilización de los sonidos industriales al Black…

TRISTWOOD pueden que utilicen elementos e

VALGRIND (ITA) CONDEMNATION MEMENTO MORI, 2020

Formados en 1996 este cuarteto italiano nos ofrece su cuarto larga duración a través del sello español MEMENTO MORI y tras poder seguir su trayectoria desde su primer larga duración, he de reconocer que si ya los anteriores eran buenos álbumes, este “Condemnation” da un paso adelante en la evolución de la banda hacia un sonido más personal, ya que si bien los anteriores álbumes tenían unas influencias mucho más marcadas, en esta nueva grabación su estilo, sin variar del Death Metal puro y agresivo, se nota más personal y si bien no se puede decir que sea original, sí que han logrado que el estilo de la banda evolucione en el sentido correcto sin caer en copias de una u otra banda, algo que es complicado a la hora de componer.

Lo que llama la atención es que el nivel que están consiguiendo a nivel técnico es excelente, sonando todo super compacto, con temas que sin llegar a entrar en el terreno del Technical Death Metal, sí ofrecen un buen nivel técnico y bastante enrevesado, pero siempre bajo un prisma de la vieja escuela, aquí no se basan en hacer riffs ultra complicados, sí que hay multitud de cambios y ritmos, con alguno complejo, pero se basan más en la velocidad y agresividad, mezclando éstos con partes más densas, o incluso para mayor contraste, algún riff algo melódico. Aunque no son temas excesivamente largos, son lo suficiente como para poder evolucionarlos y poder crear diferentes ritmos en cada uno que hacen no ser aburridos pero a la vez intensos y directos, dentro del estilo brutal que desarrolla la banda. La voz ahogada y oscura de Daniele pega perfectamente con el estilo y hace un muy buen trabajo a lo largo del álbum, aunque si he de destacar algo en el disco es el buen trabajo de composición musical, ya que la cantidad de riffs buenos que podemos encontrar por tema hacen de este álbum un excelente ejemplo de lo que el Death Metal es, música agresiva, veloz, oscura y técnica.

He de destacar el buen trabajo de producción sonando la banda de forma magnifica, todos y cada uno de los instrumentos suena atronador, potente, con volumen y realmente es perfecto para el estilo de Death Metal que la banda práctica.

Todos los temas me han gustado, pero he de destacar que “The Day” me ha encantado, ese regusto a MORBID ANGEL me ha vuelto dejado sin aire.

“Furies” por los cambios de ritmo tan brutales y la intensidad que desprende desde su inicio. Esta brutalidad solamente da descanso en el inicio y final de “Divination – Marked by the Unknown” que es otro de los cañonazos del álbum, un tema realmente pegadizo, con un regusto a los maestros de Florida, pero bastante leve y visto desde la perspectiva de la banda, la cual hace una labor sobresaliente.

Un gran álbum de puro y agresivo Death Metal es el que nos ofrecen VALGRIND, el cual recomiendo ya que sin duda es un álbum muy completo, denso (no entrará a la primera escucha) y con todos los ingredientes para hacerlo uno de los destacados de este año.

LUIS MARTÍNEZ 9/10

VALVERA (BRA)

VOLTUMNA (ITA)

CYCLE OF DISASTER

CICLOPE

BRUTAL RECORDS, 2020

EXTREME METAL MUSIC, 2020

La mítica banda brasilera VALVERA está de vuelta. Luego de pasar por una gira europea que los ha hecho crecer a pasos agigantados en cuanto a difusión, lanzan (en agosto 2020) un nuevo trabajo, cruento, histórico y reivindicativo: “Cycle of disaster” no es solamente una pieza de colección para quienes veneren el Thrash Metal Técnico y contundente, es, también, parte de esa cultura oscurantista que se ha vivido (y vive, carajo) en tierras Sudamericanas. A modo de introducción, apenas contarles que las letras del disco se basan en diferentes tragedias ocultas por los medios masivos de comunicación a lo largo de la historia no tan reciente de Brasil pero pronta a caer en el olvido si no se habla de ella. Las letras recorren un “accidente” radioactivo en Goiânia con metales pesados. La limpieza social realizada en el manicomio Hospital Colônia de Barbacena, donde se han registrado más de 60000 muertes entre 1960 y 1980, apenas por nombrar un par de las referencias de la banda.

En cuanto a la parte técnica del disco encontramos desde el primer tema una violencia y una garganta a un paso de estallar enarbolando cada verso que te entra en la cabeza como una patada. Si hay que destacar algo es la diferencia técnica entre cada una de ellas, no es la misma batería, ni el mismo ritmo de velocidad en ninguna de ellas. Sin embargo la intensidad de las escalas sobre las cuales parecen componerse los riff´s aportan más locura a todo el conjunto. Aunque las dos canciones que abren tienen esa carga extra por los temas que toca, cuando llegamos a “Glow of the death” la banda entera se convierte en una aplanadora tan contundente y elaborada que se quedan cortos los adjetivos. Creo que es la mejor del disco por las tonalidades comprometidas de la garganta, la locura de las guitarras, y una ejecución de la batería simplemente devastadora. Brillante.

Avanzamos en pasillos cada vez más oscuros, tan complejos como salvajes. Si bien, como ya dije, cada canción es distinta de la otra, la línea compositiva tiene un trabajo de producción que hace que otras resalten más que otras. Por ejemplo “O.S.1977” (basada en las primeras investigaciones realizadas por la Fuerza Aérea Brasilera sobre avistamientos OVNI) tiene distinta esencia en su desarrollo, con una oscura presentación, y luego una incontenible velocidad por parte de las guitarras que se apoyan sobre un bajo que despliega contundencia tan vertiginosa como vandálica. Cierran el trabajo “Figth for your life” y “Bringer of Evil”, como una suerte de desalentadora realidad que nos pasa por encima con solos veloces en esa extremidad que parece caerse del tempo, y una batería tan bruta como técnica.

Los antiguos tiempos mitológicos del cristianismo, las miradas de magia oscura que convirtieron dicho simbolismo espiritual en “real”, están de vuelta de la mano pérfida de los italianos de VOLTUMNA. Su nuevo trabajo se llama “Cíclope” y, qué ventaja, apenas tener un ojo para embarcarnos en una aventura despiadada por pasillos Técnicos, Extremos y de laboratorio con una interpretación que raya en el virtuosismo, amparado por la creatividad de ciertas programaciones.

Como apertura una tenebrosa sucesión de sonidos nos va poniendo en manos de una parte electrónica, incluso con tintes étnicos y una buena condensación de centenares de Tiempos. Así y todo, de la nada, estallan combinaciones Core, voces que narran en lenguas muertas diferentes puntos que son algo más que leyenda. Las bases parecen compuestas en un duelo entre el programador y el baterista, con aportaciones cruciales del bajista a la hora de acompañar la estructura y dar su aporte particular a las melodías que se dividen entre los teclados y las guitarras. Con segmentos verdaderamente llenos de enajenación y contraste ajustado nos van sumergiendo en unas aguas densas, brutales y con interesantes juegos de estilos. Del primer tramo del disco resaltan “The Megalithic Circle” y “Cosmos” que fusionan a la perfección la sabiduría de la banda en electrónica y elaboración artística regada con toques de Power. En cambio “Collapsed Island” “Divine Bloodline” o “La furia del ciclopi” (por ejemplo) parecen más de orfebrería creada a mano, entre pentagramas borroneados y sangre en los dedos del guitarrista líder. Hay unas escalas que se rodean de tal velocidad al mismo tiempo que la voz frasea un gutural que saca ciertos toques de “pig-squeal” que son admirables.

Entre composiciones más bien clásicas (Progresivo o Heavy) volvemos a bases electrónicas que mezclan, como si nada, tramos de teclados que aportan mucha magia sinfónica y exasperada en las letras, arreglos y voces que llenan de un Técnico histriónico pero limpio. El tándem de brutalidad, que hace un cóctel singular en esta parte de “Cíclope” y muy complejo, llega con “The double spiral” (una verdadera joya) y la oscurísima y Extrema “When giants walk this earth” Pequeña obra de teatro de las sombras, de los verdaderos fantasmas que han arrasado estas tierras antes que nosotros.

Piezas, repito, para ponerle un marco y disfrutar con alguna máscara teatral italiana pintada con secreciones adrenales. Cierre con más locura, velocidad y falta absoluta de piedad: “Sublime Astral conception”. De nuevo entran las mezclas capaces de conjugar con total impunidad en un escenario técnico complicado el Brutal más bestial posible.

La realidad Latinoamericana es cruel, siempre lo ha sido, los que crecimos tutelados por familiares con miedo a decir cualquier cosa por temor a represalias violentas, cada vez nos desencantamos más por tener a nuestra merced incontables cantidad de canales de información… que terminan siendo inutilizados por estar más pendiente de los Reality Show´s o de la velocidad con la cual un atleta golpea un balón. Entonces entre tantas sombras, donde apenas encontramos el terror recién cuando Leo Dicaprio interpreta un personaje bonito pero vilipendiado por el Sistema, de la nada sale un disco como el de VALVERA, gritando con Metal por aquellas vidas que fueron apagadas por la desidia, el color de la piel, el dinero. Sí, es un disco que merece estar junto a esas obras de Osvaldo Bayer o Rubem Fonseca.

La gente de VOLTUMNA vienen de ganarse unos galones interesantes por sus directos devastadores, por su técnica a la hora de ejecutar complicadísimas líneas interpretativas que los ha puesto en el ojo de medios de Europa y el otro lado del océano.

A mí me parece ideal que hayan sido capaces de recrear un mundo mítico que, por desgracia, hoy sigue en pie alimentado por todos los vaticanistas temerosos de la mano de un dios que, seguro, está escuchando este proyecto mientras lee los evangelios que anunciaban estos tiempos convulsos entre caladas y amargas sonrisas.

SEBASTIÁN ABDALA 9/10

SEBASTIÁN ABDALA 9/10

WOLOK (FRA)

YANOMAMO (AUS)

FADING MIRTH & DRY HEAVENS

NEITHER MAN NOR BEAST

DEATH KNELL PRODUCTIONS, 2019

IOMMIUM RECORDS, 2020

Con ascendencia francesa, pero afincados en Luxemburgo, WOLOK, nos traen su tercer disco titulado “Fading mirth & Dry Heaves”. La banda surgió allá por el 2003, compuesta únicamente por dos músicos de dilatada experiencia en la escena underground francesa. Eimeric Germain, canta, toca el bajo, la guitarra, los teclados y la batería, mientras el otro miembro Cypher se centra exclusivamente en su labor como baterista. Tienen numerosos proyectos en el país galo como son HYMEN, LA DIVISIÓN MENTALE o FALLEN ARKANE, por poner unos ejemplos. WOLOK vienen ahondando en sonidos Black metal, con dosis de Atmosférico, psicodelia o Avantgarde.

“Fading Mirth & Dry Heaves” está compuesto por 5 cortes extensos, donde dan el pistoletazo de salida con la inicial “Stolid”. Se muestran con un Black metal muy en plan pagan, pero a la vez juegan con unos teclados y samplers que te introducen en una psicodelia, que te vuela la cabeza literalmente. Es sin duda un estilo muy fresco y que sorprende de cierta forma.

Siguen en el mismo tono con “Bitter swill”, con la base del tema bien formada sobre el Black, pero de nuevo con ese aroma psicodélico muy en plan vintage, que le dan un toque único y personal. Dos grandes canciones que te meten un hype importante sobre este disco. Pero, y ahora ya entra mi opinión personal; es en los dos siguientes cortes donde WOLOK parece que no dan con la tecla y pierden un poco de fuelle.

“Deceptive Serpents” cambia de rumbo y se meten en sonidos Avantgarde. Aunque no lo hacen mal ni mucho menos, la banda parece que está un poco fuera de sitio. Viniendo de los dos primeros temas donde suenan frescos y diferentes. Aquí bajan el nivel, ya que no llegan a cuadrar mucho en lo que quieren hacer.

Con esa clásica suciedad del Rock distorsionado, como recién llegando desde otras tierras oscuras, “No simpathy for a rat” nos deja en un sitio tenebroso, entre dos carreteras que conducen a la oscuridad, al Doom, a la sensibilidad extrema de una idea que, sin prisas, va imprimiendo señales inhumanas en nuestra cabeza. YANOMANO es un proyecto que está cercano a cumplir los 10 años, y cada E.P. que esputan deja una pisada contundente, bruta, sin medias tintas en cuanto a interpretación, pero sí relativo a la velocidad que se toma la banda para despojarnos de carne y huesos.

La apertura, inmisericorde, en manos de la canción de “No simpathy for a rat” lo tiene todo. Brujería, hechizos de una guitarra que suena a decenios de proyectos Sludge, esa carga eléctrica a un paso de reventar el amplificador, un bajo sobre expuesto, y una garganta que se pudre en cada verso. Oscuridad de propósito total. Cierto coqueteo con el Black, odio y furia avasallante. Brutal. “The offering”, sin embargo, podría estar metida, sin temor alguno a equivocarme, en cualquier álbum que, por suerte, vengo reseñando en este podrido 2020. Bandas de culto, clásicas, que manejan con arte y locura la distorsión y el sonido crudo de las cuerdas, grabaciones casi saturadas, y un dolor en cada palabra que se convierten en la banda de sonido perfecta, para ver Hellraiser… puntualmente la escena en la que le dejan una navaja a un enfermito para que se limpie los bichitos imaginarios. Resaltan, de nuevo, el bajo y ciertos arreglos que, por momentos, parecen poner en peligro toda afinación. Pero como si nada siguen con armonías inversas y desprecio por cualquier tipo de Luz que pueda llegar desde el Más Allá. “Miasma” es una joya peligrosa, palabras de brujas desdentadas, riff´s de bajo y guitarra que se convierten en algo tan cercano al Brutal sin medias tintas, con pequeñas huellas de influencias Doom y Post no apta para personas impresionables.

Con “Neural Misfire” continúan en la misma tónica que su antecesora. Por debajo de lo que muestran al principio de este plástico. Dan un salto cualitativo con el tema que cierra el trabajo; “Squalor”.

Sonando a medio camino entre el Black y el doom, muy oscuro y pesadillesco, y la banda se nota compacta y potente. Desde luego mejoran al final y se te queda quizás un sabor agridulce. WOLOK no consigue redondear su “Fading Mirth & Dry Heaves” pese a su buen hacer, y desde luego el comienzo es muy bueno, pero pierde punch, para finiquitar de buena manera. Se nota que son muy buenos, y fijo que traerán más material más redondo y pulido.

Cierra un compendio perfecto del disco: “Iron Crown”, de nuevo con inmejorables interpretaciones de la banda, buscando huecos para melodías bien armadas, y pequeños toques de sintetizadores que con un poco de distorsión agregan tal furia al trabajo completo, que se hace casi imposible pensar en demonios psicológicos que, lentamente, van tomando forma en cada cambio de ritmo, en cada cambio de velocidad, a una definición algo más compleja en el ámbito conceptual. YANOMANO en verdad, juegan a ser Brujos oscuros que relatan una mala tarde ácida, colores sepia y mucha sangre. Ideal para poner escenario a Holocausto Canibal, pero en Australia. Salvaje y peligroso.

Para quienes buscan esa sensación Extrema que solo pueden darte quienes han sido seducidos por términos como necrofilia, coprofagia, canibalismo.

EL GALLEGO 7/10

SEBASTIÁN ABDALA 8/10

VOI VOD (USA) WAR AND PAIN METAL BLADE RECORDS, 1984

¡VOIVOD! Mítico cuarteto franco-canadiense que sacó auténticas joyas en los ochenta y de alguna forma “revolucionó” o “reinventó” el género thrash con un estilo tan original como inimitable. Hasta el artwork era siempre una pasada… y era parte del encanto de comprarse el material de esta gente en físico. Esos portadones conceptuales cortesía del batería “Away” post-apocalípticos/holocaustonucleares con esa extraña criatura-mascota, el “Voivod”, o “VoiVod”, como algunas veces he visto escrito también, en constante evolución y sobreviviendo en esas lúgubres e inhóspitas y desadoladoras atmósferas que mezclan la guerra fría, un posible futuro post-nuclear y la ciencia ficción. Una auténtica experiencia hacerse con un plástico de esta gente. Los quebequeses siempre fueron pioneros — hicieran lo que hicieran. Y de hecho, si tuviéramos que sacarnos de la manga un “big four del thrash canadiense”, los francófonos estarían ahí sin duda junto con SACRIFICE, RAZOR y ANNIHILATOR. Su álbum de debut, “War and Pain”, que salió en agosto del año’84, es un auténtico festín de speed/ thrash metal marrullero, caótico y macarra digno de quitarse el sombrero. Una obra tan fascinante como primitiva, con una actitud muy a lo MOTÖRHEAD/DISCHARGE que resulta encantadora tras un par de escuchas por su autenticidad y atmósfera arrolladora. Digamos que mezclan la parte más bruta de la NWOHM con la escena emergente (por aquellos tiempos) del hardcore punk más reivindicativo y para postre, por si no fuera harto difícil, lo rocían todo con toques de rock progresivo/psicodélico alucinantes (cortesía por supuesto del malogrado y harto infravalorado guitarrista Dennis D’amour, apodado “Piggy” por su ligero sobrepeso).

Para empezar, el tono de guitarra es PERFECTO. Es callejero, agresivo, cañero… siempre me ha encantado. Seamos francos, esto es speed-thrash caótico y apocalíptico pero los cabritos tenían cada nota estudiada. Este estilo no sale así por casualidad. La placa destila una energía especial por la atmósfera desoladora que evoca y por la muralla sónica inquebrantable que logran conseguir. Snake nunca fue ni será un gran vocalista pero tiene ese (aunque un tanto genérico) tono semi-nasal y rasgado-gruñido perfecto para VOIVOD. Posteriormente pasaría a cantar más limpio en discos como “Dimension Hatröss” o esa auténtica joya llamada “Nothingface”.

Digamos que al menos en los tres primeros trabajos de los canadienses, es decir, este “War and Pain”, esa apisonadora llamada “RRRRÖÖÖÖÖAA-

ARRR” y el siempre inquietante “Killing Technology”, lo que prima ante es la atmósfera que logran conseguir. Luego ya a partir del “Dimensión Hatröss” se pasarían a lo que algunos denominaron “space metal”, que tenía que ver con la temática más que con la música, que se estaba haciendo cada vez más técnica/progresiva, pero como decía los tres primeros trabajos no son para lucimiento personal de sus componentes (la formación clásica estable de ellos y que perduró hasta el ’91 fue la de Snake a la voz, Piggy (DEP) a la guitarra, Blacky al bajo y Away a la batería amén de genio detrás de todas las portadas y conceptos sci-fi que manejaban) sino que todos contribuyen a crear una orgía sonora digna de elogio. Con títulos como “Warriors of Ice”, “War and Pain”, “Black City”, “Live for Violence” o “Nuclear War” uno ya se puede hacer una idea de por dónde van los tiros. Pura violencia sónica dentro del contexto de una fría atmósfera postapocalíptica de caos y desolación. De nuevo: una de esas bandas que ya te “entran por los ojos”. La magia de tener material en físico que el que “colecciona emepetreses” en una carpeta amarilla de su ordenador portátil no puede ni llegar a imaginarse.

La producción es tirando a horrible pero eh, no la cambiaría por nada del mundo. ¿Alguien se imagina esta placa con una producción cristalina/hiperprocesada a lo TRIVIUM o MACHINE HEAD? ¡¡NO!!

Queda perfecta con ese tono de guitarra y bajo tirando a “guarrete” y esas baterías un tanto lejanas y poco nítidas que añaden misterio al asunto.

Ya de lleno en los temas, es difícil destacar alguno… por una parte porque son todos igual de buenos, y por otra porque el estilo de todos es obviamente muy similar. A mí me encanta el title track, “Suck Your Bone” (qué título más cojonudo por favor), “Live for Violence” o la traca final “Nuclear War”.

Piggy logra meter notas que hasta añaden una dimensión psicodélica dentro de ese amasijo de sudor, sangre y metralla que es este “War and Pain”.

Hay como “disonancia” dejando que los acordes respiren (con la garantia de que Blacky nos va a brindar mientras una buena ristra de riffs de bajo entre acorde y acorde). La música es furiosísimo y primitivo thrash-speed, que acompañada de esas letras (a veces en un inglés no perfecto al provenir de una parte no angloparlante de Canadá) que rezuman holocausto nuclear nos transportan una y otra vez a una película de ciencia ficción de serie B de la que no querrás escapar jamás.

Lo mejor de todo es que VOIVOD siempre estuvieron/están en constante (y lógica) evolución.

“RRRRÖÖOOOAAAARRR” pasaría a ser una placa un poco más técnica, así como la criatura Voivod que ha aprendido a sobrevivir en ese ambiente hostil y se nos muestra como una criatura más agresiva y mecanizada. “Killing Technology” fue el disco en el que se notó un cambio de estilo que lograron ya perfeccionar y bordar con “Dimension Hatröss” y “Nothingface”. En fin, como podéis ver VOIVOD son una banda que ya desde sus principios no pararon de impresionar e innovar irradiando un encanto especial. Siempre vanguardistas, siempre genuinos, siempre enigmáticos. “War and Pain” es un disco que logra subsanar cualquier fallo o carencia a base de energía y autenticidad. Un diamante en bruto que supuso el comienzo de una banda con una trayectoria coherente y admirable.

BEWARE OF THE VOIVOD!!!

DANIEL GALLAR 8.75/10