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cultur TOP 10 OBRAS DE ARTE
Romanticismo y Surrealismo
La Creación de Adán
El Grito
La Última Cena El arte es lo más bello que existe y Dios es el más grande artista... y se lo ganó al crear la vida.
2 Top 10 Obras de arte
La Última Cena
1 Se encuentra en la pared sobre la que se pintó originariamente,
Otra obra de Da Vinci, en el que
representa la última cena de la vida de Jesús en la que ofrece pan y vino a sus apóstoles. Si de por si era muy conocida, su fama aumentó con el
libro (que después fue película) de Dan Brawn “El código da Vinci” en el que se especula sobre varios detalles curiosos de la obra, como la femineidad del apóstol a la derecha de Jesús, el cuchillo que porta san Pe-
dro, la ausencia del Santo Grial (el cáliz), etc. Mide 460 cm de alto por 880 cm de ancho. Muchos expertos e historiadores del arte, consideran la La última cena como una de las mejores obras pictóricas del mundo.
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Leonardo da Vinci nació en 1452.
En principio se trataba de un encar-
go modesto. En Santa María, el convento de los dominicos cercano al palacio, el duque había mandado a erigir una iglesia. En el refectorio de los hermanos, el milanés Montorfano había pintado una crucifixión, en cuya parte inferior Leonardo añadió como donante a Ludovico, a su esposa y a sus dos hijos.10 Leonardo colaboró también en la ejecución de los medallones y otros adornos murales con las armas de los españoles , como si quisiera probar primero la destreza de su mano para la gran tarea que se le avecinaba. Leonardo creó La última cena, su mejor obra, la más serena y alejada del
mundo temporal, durante esos años característicos por los conflictos bélicos, las intrigas, las preocupaciones y las calamidades.2 4 11 Se cree que en 1494 el duque de Milán Ludovico Sforza, llamado “el Moro”, encargó a Leonardo la realización de un fresco para el refectorio de la iglesia dominica de Santa Maria delle Grazie, Milán. Ello explicaría las insignias ducales que hay pintadas en las tres lunetas superiores. Leonardo trabajó en esta obra más deprisa y con mayor continuidad que nunca durante unos tres años.12 13 De alguna manera, su naturaleza, que tendía hacia el colosalismo, supo hallar en este cuadro una tarea que lo absorbió por com-
4 Top 10 Obras de arte
La Gioconda
2 Es con diferencia la pintura más visitada del museo con más de 6 millones de visitantes al año.
También conocida como “La Mona
llones de personas, hoy se sabe que la Lisa”, fue pintada por el conocidí- sonrisa fue pintada con colores que simo Leonardo Da Vinci. Sin duda apreciamos mejor con nuestra vista se gana el título de la pintura más periférica. La Gioconda es el cuadro conocida del mundo. Su misteriosa más famoso que existe. De ahí que sonrisa es lo que ha intrigado a mi- aunque nunca haya sido tasado, si lo
fuese, probablemente alcanzaría la cifra más alta de la historia del arte. Por ello, no es extraño que fuese robado del Louvre por Vicenzo Perrugia(pintor italiano) en 1911 aunque apareció dos años más tarde en Italia. El cuadro
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Con la Revolución francesa llegó A Louvre. No sólo fue robado, sino que también
ha sido rociado con ácido y golpeado con una piedra arrojada por un hombre en el propio Louvre. La Gioconda (La Joconde en francés), también conocida como La Mona Lisa, es una obra pictórica del italiano Leonardo da Vinci. Adquirida por el rey Francisco I de Francia a principios del siglo XVI, desde entonces es propiedad del Estado Francés, y actualmente se exhibe en el Museo del Louvre de París. Su nombre, La Gioconda (la alegre, en castellano), deriva de la tesis más aceptada acerca de la identidad de la modelo: la esposa de Francesco Bartolomeo de Giocondo, que realmente se llamaba Lisa Gherardini, de donde viene su otro nombre: Mona (señora, del italiano antiguo) Lisa.
Es un óleo sobre tabla de álamo de 77 x 53 cm, pintado entre 1503 y 1519,1 y retocado varias veces por el autor. Se considera el ejemplo más logrado de sfumato, técnica muy característica de Leonardo, si bien actualmente su colorido original es menos perceptible por el oscurecimiento de los barnices. El cuadro está protegido por múltiples sistemas de seguridad y ambientado a temperatura estable para su preservación óptima.2 Es revisado constantemente para verificar y prevenir su deterioro. Por medio de estudios históricos se ha determinado que la modelo podría ser una vecina de Leonardo, que podrían conocerse sus descendientes y que la modelo podría haber estado embarazada.
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La Noche Estrellada
3 Esta pintura muestra al pueblo de Saint-Rémy
La noche estrellada es una de las
que vivió durante toda su vida. Sin obras maestras de Vincent Van embargo, su situación económica Gogh. Aunque muchos conoce- nunca interfirió en su productividad, mos algunas de sus obras, pocos Van Gogh pintaba al menos un cuadro sabemos la tremenda pobreza en diario, mientras que sus contemporáneos tardaban meses en pintar uno
solo. Esta pintura muestra al pueblo de Saint-Rémy bajo un cielo nocturno tremendamente aluzado, ha sido reproducido en numerosas ocasiones, siendo una de sus obras más conocidas.
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Van Gogh pintó La noche estrellada cuando permaneció en un manicomio La noche estrellada por Vincent van Gogh ha subido al máximo de éxitos artísticos. Aunque Van Gogh vendió solamente una pintura durante su vida, el período subsiguiente tenía mucho éxito. La noche estrellada es una de las imágenes más conocidas en la cultura moderna además de ser uno de los grabados más reproducidos y deseados. De la canción de Don McLean “Vincent” (“Estrellada, noche estrellada”) (basada en la pintura), con el número eterno de productos que representan esta imagen, es casi imposible a evitarse de esta pintura increíble. Uno empezaría pedir sobre los rasgos dentro de la pintura que son responsables para su popularidad. Hay muchos aspectos fundamentales que
intrigan a las personas que miran a esta imagen, y cada rasgo afecta cada individuo en una manera diferente. Los aspectos serán descritos de abajo. 1. Hay el cielo nocturno llena de nubes con movimiento giratorio rápido, estrellas ardiendo con su propia luminosidad, y una luna creciente brilla. Aunque los rasgos son exagerados, esto es una escena podemos relatarnos, y también una que hace la mayoría de individuos se siente cómodo. El cielo mantiene el movimiento en los ojos de la audiencia, siguiendo las curvas y creando una imagen punto a punto con las estrellas. Este movimiento capta la audiencia mientras que los otros rasgos tienen efectos también.
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Las Tres Gracias
4 Representa a las hijas de Zeus
Las
Gracias, de Peter Paul Rubens, representa a las hijas de Zeus y pueden citarse como el tipo de belleza ideal, mientras que las de Rubens pueden corresponder a
la belleza más sensual. Aglaya, Talia y Eufrósine no fueron para Rubens más que una excusa para pintar tres academias femeninas, una reproducción de las exuberantes
formas de sus habituales modelos. En la actualidad, el cuadro se encuentra expuesto en el Museo del Prado de Madrid, España. Este óleo mide 221 cm de alto por 181 cm de ancho.
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Se dice que al menos una de las figuras es reproducción de la segunda mujer de Rubens,
Como en otros cuadros de tema mito-
lógico, Rubens lo plantea de modo muy distinto al de los artistas que le precedieron. En efecto, esta obra del llamado príncipe de los pintores flamencos es la antítesis de la obra anterior de Rafael Sanzio Las Gracias, caracterizada por un sentimiento general de castidad. Las Gracias de Rafael representan las hijas de Zeus y pueden citarse como tipo de belleza ideal, mientras que las de Rubens pueden corresponder a la belleza más sensual. Aglaya, Talia y Eufrósine no fueron para Rubens más que una excusa para pintar tres academias femeninas, reproducción de las exuberantes formas de sus habituales modelos.
La composición respeta el modelo clásico que representa a las Gracias completamente desnudas y reunidas, pero cambia la relación entre las tres figuras que están conectadas entre sí a través de los brazos, el velo transparente que las cubre, y sus miradas, es decir, psicológicamente, dando así nueva unidad al grupo. La disposición de las Gracias forma un triángulo, estando la de enmedio de espaldas, con la cabeza vuelta y apoyada en sus compañeras. Las tres hermosas mujeres se caracterizan por la ampulosidad de sus contornos. Parecen más bien tres desenvueltas bacantes que las pudorosas Cárites de la mitología griega. .
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El Grito
Top 10 Obras de arte
5 El grito está considerado como una de las más importantes obras del artista
Siguiendo el estilo de Van Gogh, “El
vard Munch. Esta obra fue consideGrito” trata de reflejar sentimientos, rada en su época como arte demente sentimientos de ansiedad, de des- y degenerado. Sus robos en1994 y en esperación. Tiene cuatro versiones, 2004 permitieron darle un poco de todas pintadas por el Noruego Ed- publicidad. Sin embargo su fama pro-
viene de su aparición en una portada de la revista ‘Times’. Otras dos versiones del cuadro se encuentran en el Museo Munch, también en Oslo,
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El grito adquirió estatus de icono cultural y comenzó en el período post-Segunda Guerra Mundial.
El grito (en Skrik), es el título de cua-
tro cuadros del noruego Edvard Munch (1863-1944). La versión más famosa se encuentra en la Galería Nacional de Noruega y fue completada en 1893.1 Otras dos versiones del cuadro se encuentran en el Museo Munch, también en Oslo, mientras que la cuarta versión pertenece a una colección particular. En 1895, Munch realizó también una litografía con el mismo título.1 En los últimos años, la obra, en dos versiones diferentes, ha sido objeto de robos de gran repercusión mediática. La versión más conocida, la de la Galería Nacional, fue robada en fe-
brero de 1994, y fue recuperada en una acción policial ocho semanas más tarde. En agosto de 2004 se produjo el robo de una de las versiones expuestas en el Museo Munch. Dos años después, el 31 de agosto de 2006 la policía noruega anunció la recuperación de la pintura, en buen estado. La versión que llevaba 70 años en manos del noruego Petter Olsen, cuyo padre había sido vecino, amigo y luego mecenas de Munch, fue subastada el 2 de mayo del 2012 por 119,9 millones de dólares, en la casa Sotheby’s de Nueva York, convirtiéndose así en la obra más cara vendida en una subasta
12 Top 10 Obras de arte
El Guernica
6 En 1940 un oficial alemán le preguntó a Picasso que si era él el que había hecho eso.
Uno de los cuadros más conocidos
de Pablo Picasso, lo hizo como encargo del gobierno español por motivo del bombardeo en Guernica. Los tonos grises se explican porque
la primera noticia que tuvo Picasso del bombardeo fue a traves del periódico. Se dice que en 1940 un oficial alemán le preguntó a Picasso que si era él el que había hecho eso. El pintor respon-
dió: “No, han sido ustedes”. Está en el Reina Sofia de Madrid, pintado en los meses de mayo y junio de 1937, cuyo título alude al bombardeo de Guernica.
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No, la pintura no está hecha para decorar habitaciones. Es un instrumento de guerra (Picasso)
En la década de 1940, puesto que en
España se había instaurado la dictadura militar del general Franco, Picasso optó por dejar que el cuadro fuese custodiado por el Museo de Arte Moderno de Nueva York, aunque expresó su voluntad de que fuera devuelto a España cuando volviese al país la democracia. En 1981 la obra llegó finalmente a España. Se expuso al público primero en el Casón del Buen Retiro, y luego, desde 1992, en el Museo Reina Sofía de Madrid, donde se encuentra en exhibición permanente. Su interpretación es objeto de polémica, pero su valor artístico está fuera de
discusión. No sólo es considerado una de las obras más importantes del arte del siglo XX, sino que se ha convertido en un auténtico “icono del siglo XX”, símbolo de los terribles sufrimientos que la guerra inflige a los seres humanos. Fue realizado por encargo del Director General de Bellas Artes, Josep Renau a petición del Gobierno de la República Española para ser expuesto en el pabellón español durante la Exposición Internacional de 1937 en París, con el fin de atraer la atención del público hacia la causa republicana en plena Guerra Civil Española.
14 Top 10 Obras de arte
La Creación de Adán
7 Esta obra volvió a circular en Internet gracias a la invención del Flying Spaghetti Monster.
La Creación de Adán es un fres-
Dios le da vida a Adán. Se dice que la co de Miguel Ángel en el techo de mujer que rodea el brazo de Dios es la Capilla Sixtina. Es una de las Eva, quien espera a que se le de vida obras de arte más apreciadas y re- en la Tierra. Algunos aseguran que las conocidas del mundo y represen- figuras representadas detras de Diosta la escena del Génesis en el que forman un perfecto cerebro humano,
Cronológicamente es el cuarto de los paneles que representan episodios del Génesis en el techo de la capilla, fue de los últimos en ser completados y es una de las obras de arte más apreciadas y reconocidas en el mundo.
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ha sido observado que el manto rojo alrededor de Dios tiene la forma del útero humano
Dios es representado como un hom-
bre anciano y con barba envuelto en una alborotada túnica color púrpura, la cual comparte con unos querubines. Su brazo izquierdo está alrededor de una figura femenina, normalmente interpretada como Eva, quien no ha sido creada aún y, en sentido figurado, espera en los cielos a que le sea dado un lugar en la Tierra. El brazo derecho de Dios se encuentra estirado, para impartir la chispa de vida de su propio dedo al de Adán, cuyo brazo izquierdo se encuentra en idéntica posición al de Dios. Es famoso el hecho de que ambos dedos están separados por una mínima distancia. La pintura tomó de tres a cuatro años en ser completada.
Las posiciones idénticas de Dios y Adán se basan en el Génesis 1:27, que dice que Dios creó al hombre a su imagen y semejanza. Al mismo tiempo Dios, que aparece flotando en el aire contrasta con la imagen terrenal de Adán, quien se encuentra acostado en una estable triángulo de tierra. El nombre de Adán viene del hebreo y significa hombre y la forma femenina Adamah significa Tierra. La inspiración de Miguel Ángel pudo haber venido del himno medieval Veni Creator Spiritus, en el que se pide que el dedo de la mano paterna derecha (digitus paternae dexterae) dé a los fieles amor y corazón.
16 Top 10 Obras de arte
Los Girasoles
8 Los cuadros muestran girasoles en todas las etapas de su vida
En realidad son una serie de cua-
vas. Los cuadros muestran girasoles dros muy parecidos pintados por en todas las etapas de su vida, lo que Van Gogh que destacan por la mi- le permitió utilizar toda la gama de nuciosidad de sus trazos, ya que amarillos. Van Gogh es una de las Van Gogh acostumbraba pintar personas a las que más admiro, auncon pinceladas fuertes y expresi- que en vida nunca fue reconocido, él
nunca dejó de hacer lo que le gustaba, y aunque su manera de pintar no estaba de moda en su época nunca se dejó influenciar. Desarrolló un estilo único que, bastante tarde por cierto, le dió fama y reconocimiento mundial.
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Yasuo Goto pagó una cifra récord hasta entonces en una subasta, de 39,9 millones de dólares Las
pinturas muestran girasoles en todas las etapas de su vida, desde plenamente en flor hasta que se marchitan. En su día fueron innovadoras en el uso de todo el espectro del color amarillo, que Van Gogh empleó en una gama cromática conjunta con naranjas, ocres, marrones y beiges. El color está aplicado con pinceladas fuertes, agresivas, en pequeños toques salteados, destacando la plasticidad de la pintura, que crea un fino relieve en la tela, para dar volumen a los girasoles. Para resaltar el amarillo y el naranja, empleó verde y azul cielo en los contornos, creando un efecto de suave intensidad lumínica.7 Para Van Gogh el amarillo tenía un especial simbolismo, era el color que representaba su mundo interior, hecho que se demuestra porque mandó
pintar de ese color su casa en Arlés, donde por primera vez tenía algo propio, un espacio personal, que pensaba convertir en una comunidad de artistas dedicados únicamente a la creación artística. El amarillo es para el artista la vida, el calor, la luz, al ser el color del sol; como él mismo expresó en una carta a su hermano:. La pintura reside en la actualidad en el Sompo Japan Museum of Art de Tokio. Después de la compra se planteó una controversia sobre si se trataba de una auténtica obra de Van Gogh o una falsificación de Émile Schuffenecker, una polémica finalmente resuelta en 2002 con la publicación de un informe conjunto del Museo Van Gogh de Ámsterdam y del Art Institute of Chicago que confirmaba la autenticidad del cuadro,
18 Top 10 Obras de arte
La tentación de San Antonio de Dalí
9 El cuadro describe literalmente las tentaciones a las que el hombre normalmente cae.
En el cuadro se muestra a san An-
antiguo gesto del exorcismo. Estas son tonio Abad en un desierto, arrodi- representadas por un caballo y una llado y sosteniendo una cruz hecha fila de elefantes, todos estos con sus con dos varitas para protegerse de patas alargadas de forma grotesca y las tentaciones que lo atacan, con el cada uno cargando con una tentación.
San Antonio es representado como un mendigo, está desnudo y despeinado y se apoya sobre una piedra. Delante de él hay una calavera.
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Dalí, se inspiraba en Freud, recurría al subconsciente para expresar su arte con mayor intensidad Bajo la proyección de un cielo azul cla-
ro, con discreto brillo del Sol, se puede observar a San Antonio en el extremo inferior izquierdo de la pintura desnudo, adelgazado, despeinado, sosteniendose sobre una roca con su mano derecha y con la contralateral, sujetando un crucifijo como si realizáse un exorcismo, por delante de él se encuentra una calavera. Sobre el desierto, en cuyo horizonte se puden observar a la lejanía 2 figuas humanas, una sosteniendo una cruz y la otra dirigiéndose hacia ésta, también se obseva, más lejana, la representación de un padre con su hijo (llama la atención ésta imágen, ya que es frecuente en los diversos cuadros del autor durante ésta época, creo que es la representación de esa lejanía que tuvo el Artista con su padre). El terreno es árido, desértico, propicio para el
contexto de la Obra. Las tentaciones se encuentran en forma de un caballo, que se va acercando al santo en forma desafiante, con los cascos de las patas delanteras gastados y el hocico dirigido hacia un lado. Representa al Triunfo, por detrás, viene un primer elefante con un lomo que conlleva un pedestal de oro sobre el cual una mujer desnuda se balancea peligrosamente, es el Sexo, el terecer paquidermo transporta un obelisco, presumiblemente de material áureo, copiado por Dalí del que se encuentra en Roma, realizado por Bernini. Los 2 restantes animales llevan pesadamente unas edificaciones de apariencia veneciana, doradas, muy lujosas y finamente decoradas, de una de ellas por una ventana se observan los seno y abdómen de una mujer desnuda.
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Los fusilamientos del 3 de mayo
10 Los fusilamientos data de entre 1813-1814, perteneciente al Rococó español
Del
autor Francisco de Goya, Los fusilamientos data de entre 1813-1814, perteneciente al Rococó español. Se trata de un óleo sobre lienzo y representa la lucha
del pueblo español contra la dominación francesa en el marco histórico de la Guerra de la Independencia entre los días dos de mayo de 1808, día en el que los españoles se sublevan y que
también está representado por dicho autor. Este cuadro fue un encargo de Luis María de Borbón y Vallabriga. Se conserva en el Museo del Prado
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Se sabe que Goya observó estos cruentos episodios desde su quinta y que tomó apuntes la misma La intensa pasión que inspira la com-
posición consiguió que este lienzo de Goya fuese más que un recordatorio de un hecho concreto, y mucho más también que una simple arenga o un manifiesto fruto del fervor patriótico del autor. El pintor, llevado por la intensidad dramática de los hechos que narra, supo expresar en toda su violencia, aunque con sobriedad y eficacia extremas, la crueldad inexorable del hombre para el hombre y a la vez su exasperado y rebelde deseo de libertad. Pero el acierto de la obra no radica sólo en su significación, sino también en su extraordinario sentido de la anticipación. En ella, Goya supo destilar lo más personal de su técnica, que desemboca en un lenguaje plástico de fuerza des-
conocida hasta el momento y abre las puertas (aún a principios del siglo XIX) al expresionismo más actual. La solución pictórica plasmada en este lienzo traduce un auténtico dramatismo, que parece, sin duda, captado directamente de la realidad. Contemplando la pintura resulta pues creíble la narración de Isidro, el criado. Goya presenció, probablemente, los trágicos acontecimientos que recogen sus pinceles y tomó apuntes en el mismo escenario donde tuvieron lugar los fusilamientos. La escena tiene por fondo una montaña desolada, tras la cual se erige la silueta tenebrosa de Madrid. El grupo de los soldados, convertidos en verdugos, cumple su cometido sin saña, con la fría precisión de una inexorable máquina de matar.
En el arte contemporáneo el campo de las bellas artes se ha expandido, volviendo a incorporar a las artes aplicadas prestigiosas con el término diseño, e incluyendo a nuevas artes: la fotografía (con sus sucesivas variantes tecnológicas y de nuevos soportes, como el anime, las caricaturas, la cinematografía, la televisión, el manga, el videoarte, los videojuegos, etcétera.), el cómic y manifestaciones más difícilmente catalogables, como la performance, el arte conceptual y las denominadas instalaciones artísticas. La estética y la teoría del arte tienen como objeto determinar la naturaleza, los fines y la función del arte, y con ello si la finalidad de una obra de arte es la de imitar a la naturaleza (mímesis), limitarse a ser un objeto de belleza en sí mismo (con abstracción de cualquier otro referente), ser vehículo de la expresión del artista o de la comunicación con el espectador, aportar algún significado o simbolismo (en lo que se centran la semiótica y la iconografía). La naturaleza gratuita del arte (arte desinteresado o arte por el arte) entiende las obras de arte como opuestas a los objetos útiles o prácticos, a pesar de que muchas de ellas tengan funciones utilitarias (como servir de vivienda, o divulgar mensajes políticos o religiosos).