Catálogo de la 17ª Feria de Arte Múltiple Contemporáneo Estampa

17 FERIA INTERNACIONAL DE ARTE MÚLTIPLE CONTEMPORÁNEO 28 OCTUBRE / 1 NOVIEMBRE

17 INTERNATIONAL PRINT AND CONTEMPORARY ART EDITIONS FAIR 28 OCTOBER / 1 NOVEMBER

ORgANIzA ORgANIsER

CATÁLOgO CATALOguE

EUXENITA DIECIséIs en colaboración con

Colaboradores_Collaborators

Producción_Production

Fundación ACTILIBRE

Ministerio de Cultura

In Time

C/ guzmán el Bueno, 99.

Comunidad de Madrid Coordinación_Coordination

28015 Madrid t. +34 91 544 77 27

socio Tecnológico_Technology Partner

www.estampa.org

EPsON

Ruth santana Diseño_Design

info@estampa.org Colaborador Tecnológico

Vida zubieta Piedra

Directora_Director

_Technology Collaborator

Isabel Elorrieta

Taller Digigráfico

Director artístico_Art Director

Patrocinadores_Sponsors

Armando guerra

Javier Duero

YCAM

Viktoria Fuchs

Traducción_Translation Taiki Kubota Ramírez

Museo de san Clemente Coordinación General_Coordination

Fundación Antonio Pérez

Cubierta_Cover

Mª Pilar Ramírez de Verger

Loop

Jesús Pastor

Click tv Coordinación de proyectos

Kitchen stories

_Projects Coordination

Bodegas Ramón Bilbao

María Ozcoidi

Chic & Basic Hotels

Coordinación editorial y publicidad _Marketing and publishing coordinator Paula Romo Gabinete de prensa_Press Office Enrique Armendáriz Diseño y Montaje de la feria _Fair Design and Set-Up M6 Hermanos Martínez Diseño_Design Ana Pérez-Cacho

IsBN: 97884-89050-31-0

Este catálogo ha sido editado por: Vicepresidencia, Consejería de Cultura y Deporte y Portavocía del gobierno de la Comunidad de Madrid This catalogue has been published by: Vice presidency, Regional Department of Culture and Sports and the Regional Government Spokesperson’s Office of the Community of Madrid

Presidenta de Honor_ Honorary President S.M. La Reina Doña Sofia Vicepresidenta de honor_ Honorary Vice President Excma. sra. Dª Esperanza Aguirre gil de Biedma.

COMIsIóN DE HONOR HONORARY COMMITTEE

PATRONATO BOARD

Ángeles gonzález-sinde

Alicia Moreno Espert

Ministra de Cultura_Minister of Culture

Delegada del Área de gobierno de las Artes del Ayuntamiento de Madrid_Government

Alberto Ruiz gallardón

Councillor for the Arts Area, Madrid City

Alcalde de Madrid_Major of Madrid

Council

soraya Rodríguez

Isabel Rosell Volart

secretaria de Estado para la Cooperación

Directora general de Archivos, Museos y

Internacional_Secretary of State for

Bibliotecas de la Comunidad de Madrid_

International Cooperation

Director-General of Archives, Museums and Libraries of the Community of Madrid

Ignacio gonzález gonzález Vicepresidente, Consejero de Cultura y

Mª José Pérez-Cejuela Revuelta

Deporte y Portavoz del gobierno de la de

Directora general de la Mujer de la

la Comunidad de Madrid_Vice president,

Comunidad de Madrid_Director-General

Head of the Regional Department of

of Women’s Issues of the Community of

Culture and Sports and Spokesperson of

Madrid

the Community of Madrid

Milagros del Corral Paloma Adrados

Directora Biblioteca Nacional_Director of the

Consejera de Empleo y Mujer de la

National Library

Comunidad de Madrid_Head of the Department of Employment and Women’s

Mª Ángeles Albert de León

Issues of the Community of Madrid

Directora general de Bellas Artes y Bienes Culturales del Ministerio de Cultura_

Antonio Bonet

Director-General of Fine Arts and Cultural

Director de la Real Academia de Bellas

Heritage, Ministry of Culture

Artes san Fernando_Director of the Royal Academy of Fine Arts of San Fernando

COMIsIóN ORgANIzADORA ORgANIzINg COMMITTEE

COMIsIóN AsEsORA ADVIsORY COMMITTEE

COMIsIóN TéCNICA TECHNICAL COMMITTEE

Juan A. Rodríguez Deorador

Catherine Coleman

Javier Duero

Presidente_President

Jefa Departamento Fotografía del Museo

Director Artístico de EsTAM PA_Art Director

Nacional Centro de Arte Reina sofía_Head

of ESTAMPA

Isabel Elorrieta

of the Photography Department, Museo

Directora_Director

Nacional Centro de Arte Reina Sofía

Carmen Herrero

Carlos urroz

Contemporáneo_Director of the Museum of

Jefa del Departamento de Museos y

Asesor de Artes Plásticas de la Consejería

Contemporary Spanish Engravings

Patrimonio del Ayuntamiento de Madrid_

de Cultura y Turismo de la Comunidad de

Head of the Department of Museums and

Madrid_Advisor for Plastic Arts, Regional

Joan Oliver

Heritage resourses, Madrid City Council

Department of Culture and Tourism,

Coordinador de Talleres de Obra Gráfica

Community of Madrid

Fundación Pilar i Joan Miró, Palma de

José María Luna Director del Museo del grabado Español

Manuel José Rodríguez gonzález

Mallorca_Coordinator of Graphic Art

gerente de la Agencia Financiera de la

Isabel Ortega

Workshops, Pilar i Joan Miro Foundation,

Consejería de Economía y Consumo_

Jefa de servicios de Dibujos y grabados de la

Palma de Mallorca

Manager of the Financial Agency of the

Biblioteca Nacional_Head of Drawing and

Department of Economy and Consumption

Engraving Services, National Library

José María sainz Ruiz

Carmen Rodríguez

Crítico y Profesional del Arte_Art critic and

servicios de Dibujos y grabados de la

expert

Biblioteca Nacional_Drawing and Engraving

Javier Blas

Services, National Library

Comisario independiente_Freelance Curator

Claude Bussac Directora PhotoEspaña_Director of

Jesús Núñez Presidente y Director de la Fundación CIEC_President and Director of the CIEC Foundation

Ana Muller Crítico y Profesional del Arte_Art critic and expert

José Luis Alexanco Francesc Artigau Rafael Canogar Alberto Corazón Luis Feito Juan genovés Fernando Bellver Especialistas y Profesionales del Arte_Art

Mª Jose salazar Conservadora del Departamento de Colecciones del Museo Nacional Centro de Arte Reina sofía_Head Curator of the Collections Department, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

Yvan Nommick Director de estudios artísticos Casa de Velázquez_Artistic Studies director, Casa de Velázquez

specialists and experts

PhotoEspaña

ﾃ］geles Gonzﾃ｡lez-Sinde Ministra de Cultura_Minister of Culture

un año más damos la bienvenida a EsTAMPA y queremos sumarnos a la felicitación por su decimoctavo cumpleaños. Es su mayoría de edad, aunque EsTAMPA hace tiempo que había alcanzado la madurez. En todos estos años, la Feria Internacional del Arte Múltiple Contemporáneo ha logrado algo muy difícil: consolidar una marca visible y reconocida por la sociedad, lo que no está al alcance de muchas organizaciones.

We welcome ESTAMPA for another edition, and we want to congratulate it for its eighteenth birthday.

Although it has officially reached its age of majority, ESTAMPA had long achieved maturity. In all these years, the International Print and Contemporary Art Editions Fair has accomplished something very difficult: to consolidate a brand that is both visible and recognized by the society, something that is not at the reach of many organizations.

Referirse actualmente a EsTAMPA es aludir a conceptos tan importantes como la calidad y el compromiso. Calidad artística que nos muestra lo más descollante en el panorama del arte múltiple. Y compromiso con el público que masivamente sigue cada una de sus ediciones y con las galerías y los creadores que encuentran en EsTAMPA la plataforma adecuada para continuar con su labor profesional.

To refer to ESTAMPA today is to allude to such important concepts like quality and commitment. An artistic quality that shows us the most outstanding examples in the print and art editions scene. And a commitment to both a public that follows each of its editions in a mass, and the galleries and creators who find the adequate launch pad in ESTAMPA to continue their professional work.

Tampoco podemos olvidar su espíritu de colaboración con las instituciones públicas para seguir avanzando en la promoción de la sensibilidad cultural y artística de los ciudadanos. Ni su acendrado sentido del riesgo al posibilitar que emerja el talento creativo en el mundo del Arte, indispensable para garantizar la multiplicidad de voces y de concepciones que agrandan los limites de la creación.

We cannot forget its collaborative spirit with the public institutions in order to continue progressing in the promotion of cultural and artistic sensitivity of the citizens. Or its pure sense of risk by making the emergence of creative talent possible in the Art world, indispensable to guarantee the multiplicity of voices and conceptions that widen the limits of creation.

uno de los valores principales que atesora EsTAMPA es su capacidad para ser catalizadora del mercado, única manera de que los autores puedan crear desde unas condiciones de auténtica libertad, permitiendo la profesionalización de la actividad artística y dejando de lado los clichés de un arte que simplemente se autocontempla.

Por todas estas circunstancias, y porque no podemos olvidar hasta qué punto la complicada situación económica determina el desarrollo del sector aglutinado en torno a esta Feria, queremos felicitar a sus promotores, a las galerías y a los artistas. su labor es más que encomiable y provechosa. Y les animamos, por lo tanto, a que continúen con ella.

One of the main values that ESTAMPA amasses is its capacity to be a driving force for the market, which is the only way in which authors can create from a series of real conditions of freedom. This is achieved by allowing the professionalization of the artistic activity, and by putting aside the clichés of an art that simply engages in self-contemplation.

For all these circumstances, and due to the fact that we cannot forget the extent to which the difficult economic situation determines the development of a sector that is united around this Fair, we would like to congratulate its promoters, the galleries, and the artists. Their work is more than laudable and profitable; and therefore, we encourage them to continue with it.

La crisis necesita ser superada, y lo será, sin duda. A ese empeño contribuyen quienes se dedican a la tarea de crear Arte y de comercializarlo. su trabajo tiene un evidente valor económico, pero, qué duda cabe, supone también levantar una referencia cultural —o, en otras palabras, un contrapeso de belleza y de lucidez— en un contexto ciertamente complejo.

The crisis needs to be overcome, and it will no doubt be so. Those who are dedicated to the creation of Art and to its commercialization are contributing to this effort. Their work has a clear economic value, but, beyond any doubt, it also means building a cultural reference –or, in other words, a counterweight of beauty and perceptiveness– in a context that is surely complex.

Deseamos a EsTAMPA un futuro tan fértil y lleno de ilusión como ha sido su trayectoria en todo este tiempo. si tuviésemos que resumir en pocas palabras estos años, las elegidas serían ‘éxito’, ‘tesón’ y ‘valentía’. Todo un ejemplo para cuantos nos dedicamos a la apasionante tarea de promocionar la Cultura.

We wish ESTAMPA a fertile future full of excitement as it has been its journey so far. If we were to summarize these years in a few words, the appropriate words would be “success,” “determination,” and “courage.”

It is exemplary to all of us who are dedicated to the passionate mission of promoting Culture.

Esperanza Aguirre Gil de Biedma Presidenta de la Comunidad de Madrid_President of the Comunity of Madrid

La celebración de la XVIII edición de EsTAMPA, Feria Internacional de Arte Múltiple Contemporáneo, me brinda la oportunidad de felicitar a todos los que han hecho posible que este acontecimiento cultural alcance, como suele decirse, su mayoría de edad como cita imprescindible para los amantes de las artes plásticas y de la obra gráfica en particular.

The celebration of the 18th edition of ESTAMPA, the International Print and Contemporary Art Editions Fair, gives me the opportunity to congratulate everyone who has made it possible for this cultural event to reach, as it is commonly said, its age of majority, as an unmissable event for the enthusiasts of the fine arts in general, and the graphic work in particular.

Los dieciocho años que cumple EsTAMPA en esta edición confirman el acierto de quienes decidieron crear un certamen dedicado a la obra gráfica contemporánea, para sumarse año tras año a la extraordinaria oferta artística que Madrid acoge cada temporada en sus museos, ferias, salas de exposiciones y galerías de arte.

ESTAMPA’s eighteen editions confirm the excellent judgement of those who decided to create an event dedicated to the contemporary graphic work that has joined, year after year, the extraordinary artistic scene that Madrid offers each season in its museums, fairs, exhibition halls, and art galleries.

En los últimos años he tenido ocasión de comprobar personalmente, durante mis visitas a ese certamen, el éxito continuo y creciente de EsTAMPA. Los madrileños tenemos la suerte de acoger una de las grandes ferias internacionales del grabado contemporáneo y podemos sentirnos orgullosos de ello.

EsTAMPA, ha contribuido a mostrar la fuerza creativa de los artistas que se dedican al grabado y a reforzar la pujanza del mercado de obra gráfica. Y es que, desde sus inicios, este certamen ha logrado abrir una puerta accesible y asequible para que los amantes del arte, sobre todo, los más jóvenes, puedan adentrarse en el coleccionismo de obras de arte. EsTAMPA ha logrado año tras año situar a la obra gráfica contemporánea en el lugar que le corresponde, en pie de igualdad con las demás artes plásticas a la hora de servir de cauce de expresión a la libertad y la creatividad del artista, a su afán de experimentación y de innovación.

In my visits to the event during the last years, I have had the opportunity to personally confirm the continuous and increasing success of ESTAMPA. Us Madrid residents have lucked into hosting one of the large contemporary graphic arts fairs, and we can feel proud of it. ESTAMPA has contributed to showcase the creative strength of artists who are dedicated to engraving as it reinforces the vigour of the graphic work’s market. Since its beginnings, this event has been able to open a door that is both accessible and affordable for art enthusiasts, especially the younger ones, to go into the collection of works of art.

Every consecutive year, ESTAMPA has managed to place the contemporary graphic work where it deserves, which is on equal terms as the other fine arts when it comes to serve as a channel of expression for the artist’s freedom and creativity, as well as for its urge for experimentation and innovation.

Conscientes de la relevancia que posee EsTAMPA en la agencia cultural madrileña, como lugar de encuentro entre artistas y público y como plataforma de proyección de las artes plásticas en nuestra sociedad, desde la Comunidad de Madrid estamos orgullosos de colaborar y participar una vez más en la celebración de este certamen, consagrado ya como una de las citas indispensables de la temporada artística madrileña.

Aware of the relevance that ESTAMPA bears in the cultural agenda of Madrid as a meeting point between artists and public, and as a launchpad of the fine arts in our society, the Regional Government of Madrid is proud to collaborate and to participate, yet another year, in the celebration of this event, established as one of the indispensable visits of the artistic season in Madrid.

Como en otras ediciones, la Comunidad de Madrid tiene la satisfacción de estar presente en la sección “Tentaciones”, donde se expondrán cuatro proyectos de jóvenes creadores madrileñas que han resultado ganadores de las Ayudas a la Producción de Artes Plásticas de la Comunidad de Madrid 2009.

Además, celebramos la tercera edición del Premio Comunidad de Madrid-EsTAMPA, cuyo jurado seleccionará entre las obras presentadas al certamen la que, a su juicio, merezca ser incorporada a la Colección de Arte Contemporáneo de la Comunidad de Madrid.

As in previous editions, the Regional Government of Madrid has the satisfaction of being present in the section “Tentaciones,” where four projects by young creators from Madrid are displayed after winning the 2009 Fine Arts Production Fellowship from the Regional Government of Madrid. Moreover, we are celebrating the 3rd edition of the Regional Government of Madrid - ESTAMPA Prize, whose judges will select, among the competing works, the piece that deserves to be included in the Contemporary Art Collection of the Regional Government of Madrid.

A todos los que ya son asiduos a esta Feria, como a los que la visitan por primera vez, les animo a disfrutar de esta nueva edición de EsTAMPA, y a sentirse protagonistas de una brillante manifestación de este Madrid más creativo y dinámico que vive y siente la cultura como señal inequívoca de libertad.

To everyone who are already regular visitors of the Fair, as well as to those who attend it for the first time, I encourage you to enjoy this new edition of ESTAMPA, and to feel like the protagonists of a brilliant expression of a more creative and dynamic version of Madrid that

Alberto Ruiz-Gallard贸n Alcalde de Madrid_Major of Madrid

La Feria Internacional de Arte Múltiple Contemporáneo, más conocida como Estampa, alcanza su mayoría de edad. Con dieciocho ediciones a sus espaldas, mantiene intacto su firme compromiso con el arte y la creación actual, favoreciendo una constante e intensa reflexión en torno a nuevas vías, medios expresivos y disciplinas, que explican su poderosa vigencia.

The International Print and Contemporary Art Editions Fair, better known as ESTAMPA, reaches its age of majority. With eighteen editions under its belt, it maintains intact its firm commitment to the current art and creation, favouring both a constant and intense growth round new channels, expressive means, and disciplines that explain its powerful relevance.

Coleccionistas, profesionales del sector, críticos, galeristas y amantes del arte en general estamos invitados a repartir nuestra atención entre las exitosas secciones con las que cuenta el certamen, como Video.Es, Book In o todo un clásico, Tentaciones, que cumple su décima. Además, en 2010, el Comité Técnico de la feria ha elegido con maestría como artista invitado al portugués José Pedro Croft. Considerado como uno de los más significativos representantes del arte contemporáneo del país vecino, su obra transita entre el dibujo y la escultura, manteniendo una cuidada libertad expresiva, que le ha permitido trazar un universo creativo muy personal. Además de Croft, Estampa también nos permitirá admirar el trabajo de otro buen número de artistas, muchos de ellos ya consolidados. Entre todos componen un espléndido fresco, que nos transporta a nuevos escenarios, nos da a conocer temáticas y nos incita a investigar, a descubrir los diversos recovecos, enfoques y puntos de vista por los que discurre la creación.

Collectors, professionals in the sector, critics, art gallery directors, and art lovers in general are invited to distribute our attention to successful sections that the event has, such as Video.Es, Book In, or the all-time classic, Tentaciones, which celebrates its tenth edition. Also, in 2010, the Fair’s Technical Committee has skilfully chosen the Portuguese Jose Pedro Croft as its guest artist. Considered one of the most significant representatives of the contemporary art scene in the neighbour country, his work flows between drawing and sculpture, maintaining an expressive freedom that is well-cared for, which lets him device a very personal and creative universe.

Besides Croft, ESTAMPA will also let us admire the work of a good number of artists, many of them already well-consolidated. Together, they compose a splendid fresco that takes us to new stages, presents us with new subject matters, and urges us to investigate, to discover the various nooks and crannies, approaches, and viewpoints through which creativity drifts.

gracias al tesón de sus organizadores, Estampa mantiene un discurso artístico vigoroso, heterogéneo, abierto a todas las sensibilidades, a todas las tendencias y supone una excelente plataforma de proyección para artistas emergentes, que son, no lo olvidemos, el futuro al que siempre debemos mirar.

As a result of the tenacity of its organizers, ESTAMPA preserves a vigorous and heterogeneous artistic discourse, open to all sensibilities and all tendencies. Moreover, it stands as an excellent stepping stone for emerging artists who are, let us not forget, the future that we should always contemplate.

Por todo ello, para Madrid ser sede de Estampa, feria internacional que ha alcanzado la categoría de acontecimiento cultural y de cita imprescindible para todos los interesados por el arte más actual, constituye toda una satisfacción. De ahí nuestro apoyo y aliento continúo a Estampa, puesto que su celebración nos enriquece y nos hace progresar como ciudad.

It is, thus, a source of satisfaction for Madrid to be the venue for ESTAMPA, the international fair that has reached the level of a cultural event and an unmissable date for everyone interested in the most up-do-date art. Hence our continuous support and encouragement for ESTAMPA, for its celebration enriches us and makes us progress together as a city.

Enhorabuena a todos.

Congratulations to all.

Juan A. RodrĂ­guez Deorador Presidente de ESTAMPA_President of ESTAMPA

EsTAMPA cumple, con esta edición, dieciocho años de cita ininterrumpida con el Arte, lo que equivale a decir dieciocho años de una intensa relación con galerías, artistas, instituciones y autoridades comprometidas con su difusión y, sobre todo, con el público. una fecha así, tan redonda, no puede pasar desapercibida para nadie. La Feria ha llegado a esa edad en que las personas adquieren la mayoría de edad y se les hace depositarias de responsabilidades. Probablemente, en el caso de EsTAMPA, esa asunción de madurez se produjo de manera temprana, desde el momento en que asumió el compromiso de erigirse en escaparate y plataforma de mercado para galerías y artistas. No obstante, nos disponemos con inmensa felicidad a celebrar este cumpleaños que, en todo caso, nos brinda una oportunidad para echar la vista atrás y hacer el necesario balance.

En los años transcurridos se han contado por cientos de miles las personas que nos han brindado su apoyo y reconocimiento visitándonos en cada edición; cientos los artistas que han visto colgadas sus obras en los stands, y varias las decenas de jóvenes artistas que han encontrado una primera oportunidad de enfrentarse al mercado o de consolidar su posición en el siempre complicado circuito del arte. si a esto se suma el montante de las operaciones cerradas por las galerías, cuyo cálculo se hace difícil, pero que sin duda es un volumen de negocio muy considerable, debemos concluir que EsTAMPA ha cumplido sobradamente su compromiso.

Probablemente, no se ha hecho ni se hará el análisis econométrico del impacto que representa la Feria, pero, sin duda, todos los que de alguna manera hemos crecido al mundo del arte y el coleccionismo, yo mismo entre ellos, no podremos negar que EsTAM PA nos acompañó en esa andadura, y que aprendimos mucho con ella. su aportación, grande o pequeña, al ensanchamiento de la sensibilidad artística en España queda fuera de toda discusión.

EsTAMPA ha sido una iniciativa de la sociedad civil, de hombres y mujeres, con nombres y apellidos, que en un momento apostaron por promover y difundir el arte múltiple en España, y esto, si cabe, constituye una extrañeza, y hasta un cierto idealismo, si me lo permiten, en el panorama nacional de la cultura y el arte. Es bueno que la feria sea fruto del impulso civil, que reúna la iniciativa y las inquietudes de voluntades privadas, de galerías, artistas, como también es imprescindible que ese avance que representa siga siendo reconocido y apoyado por las instituciones públicas, con las que coincidimos en la tarea de promover esos valores que distinguen a los pueblos cultos y prósperos, y a las que desde aquí quisiera agradecer su apoyo incondicional.

Pasado el umbral de la efemérides, EsTAMPA mira ilusionada al futuro, convencida de que lo mejor está aún por llegar. Y llegará en forma de nuevas iniciativas y propuestas en el plano organizativo y artístico. Quiere ser el mejor escaparate de lo que acontezca en el mundo del Arte Múltiple Contemporáneo, una referencia y una guía para el público coleccionista y aficionado, el mejor aliado de los artistas y el más potente de los instrumentos para que las galerías, nuestro mercado, continúe prestando un servicio social doblemente importante: en lo estético y en lo económico.

The present edition of ESTAMPA celebrates eighteen consecutive years of meaningful encounters with Art, which equals to eighteen years of intense relationships with galleries, artists, institutions, and authorities committed to its diffusion, and, above all, with the public. A date like this, so perfect, cannot go unnoticed. The Fair has reached that age at which people acquire their age of majority, and are made worthy of assuming responsibilities. In the case of ESTAMPA, such assumption probably occurred precociously, from the moment it committed itself to stand up as a market showcase and launch pad for galleries and artists. Notwithstanding, we set out, with immense joy, to celebrate this birthday that, in any case, gives us the opportunity to look back and present a proper assessment.

Throughout the years, there has been hundreds of thousands of people who have given us their support and appreciation by visiting us in each edition; hundreds of artists who have seen their works hanging at the stands, and various dozens of young artists who have found a first opportunity to face the market or to consolidate their position in an alltoo-complicated art circuit. If we also consider the bulk operations finalized by the galleries, something difficult to calculate, yet certainly constituting a considerable business volume, we should conclude that ESTAMPA has surpassed its commitment.

Probably, there has not been, and there will not be, an econometric analysis of the impact that the Fair represents, but, without a doubt, all of us who have somehow grown into the world of art and collection, myself included, will not deny that ESTAMPA accompanied us along the way, and that we learned a lot from it. Its contribution, however big or small, to the widening of artistic sensitivity in Spain is out of any discussion.

ESTAMPA has been an initiative by the civil society, by individual men and women who at the time committed themselves to promote and disseminate print and art editions in Spain. This constitutes a rarity, and even a certain degree of idealism, if I may, in the national culture and art scenes. It is a good thing for the fair to embody the results of a civil impulse that meets the initiative and the concerns of private wills, of galleries, and artists. It is equally essential that the development it represents continues to be recognized and supported by the public institutions with whom we coincide in the task of promoting those values that distinguish cultured and prosperous towns, and to whom I would like to extend my gratitude for their unconditional support.

Having reached its anniversary, ESTAMPA now looks to the future with enthusiasm, convinced that the best is yet to come. And it will arrive in the form of new initiatives and proposals at the organizational and artistic levels. It aspires to be the best showcase of the world scene in contemporary print and art editions, a reference and a guide for collectors and amateurs alike. It aims to be the best ally for artists and the most potent instrument for galleries, our market, to continue offering a social service with an importance that is twofold: in the aesthetic and the economic realms.

Ă?ndice_Index 16

artista estampa 09_estampa artist 09

28

frame

84

galerĂ­as y editoras_galleries and editors

182

stage

194

video.es

206

book in

230

tentaciones 09

268

instituciones_institutions

313

revistas y portales de arte_magazines and art web sites

337

colaboradores y patrocinadores_collaborators & sponsors

345

Ă­ndice de artistas y expositores_artists and exhibitors index

galerĂ­as y editoras artista estampa 09 _galleries and artist editors estampa 09

artista estampa estampa artist

Pensar problemáticamente. Teoría de la imagen en Jesús Pastor Thinking problematically: Image theory in Jesús Pastor Javier Blas Benito En el marco de los cursos de verano organizados por la universidad de Castilla-La Mancha en 1991, Jesús Pastor formulaba algunas cuestiones relevantes sobre la definición de la estampa, en particular el desplazamiento de la noción de categoría por el concepto de sistema para caracterizar al arte múltiple.

El fundamento de tal proposición inducía a la renuncia de las clasificaciones genéricas y a su sustitución por una estructura dinámica de interrelaciones y mediaciones no jerarquizadas, un sistema adaptable a la incorporación de nuevos componentes y permeable a flujos, circulaciones y reajustes estructurales.

También entonces cuestionaba la dependencia evolutiva de las fases procesuales del arte gráfico respecto al producto final y reivindicaba la autonomía de los tres estadios del proceso creativo –idea, matriz y estampa–, enfatizando sus posibles dispersiones y sus cualidades diferenciales al margen del esquema obsoleto de causalidad. Además, subrayaba en aquella intervención del año 91 uno de los aspectos de mayor interés de la imagen múltiple, un rasgo que hasta esos momentos había pasado casi inadvertido en el análisis sobre la caracterización de la estampa, su dimensión conceptual: “El grabado no sólo es un procedimiento técnico, sino que básicamente es una forma de crear, y como tal forma no es inocente, es decir, es una forma de enfrentarse a la creación con un fuerte substrato ideológico y conceptual”.

En el planteamiento teórico de Jesús Pastor subyace un bagaje intelectual construido a partir de significativas aproximaciones y confrontaciones estéticas, literarias y filosóficas. La relación de obras y artistas del apartado Contenidos reflexivos de su programa para la Facultad de Bellas Artes de Pontevedra presentado en 1993, donde abordaba cuestiones atingentes a las nociones de repetición, serie y modulación, originalidad, circulación, apropiación..., incluía algunos mentores referenciales del minimal y conceptual de los años sesenta, de la fotografía analítica, los movimientos performativos, el neodadaísmo postconceptual o la corriente post-minimalista de los setenta, y del apropiacionismo posmoderno de los ochenta. De Judd a Broodthaers, de Nauman o Flavin a Matt Mullican o Haacke, de Levine, LeWitt, On Kawara, Opalka, Buren o Kosuth a Koons, Kelly, sherman o Jeff Wall, de Jürgen Olbrich a gary Hill o Bill Viola...

Mediante concordancias y discrepancias, acercamientos y fugas, Jesús Pastor es consciente del interés de las estrategias minimalistas y conceptuales en los procesos de contextualización de la

During the summer courses at the University of Castilla-La Mancha in 1991, Jesús Pastor asked relevant questions about the definition of print, particularly the change in the notion of category for the concept of system to define multiform art.

The basis for such proposition was the rejection of generic classifications and instead, the attempt to substitute them for a dynamic structure of non-hierarchical interrelations and interventions; a system adaptable to the incorporation of new components and flexible to influences, flows and structural readjustments. Furthermore, he then questioned the development dependency of the production phases of graphic art with regards to the final product; and he demanded the independence of the three stages of the creative process –idea, matrix and print– emphasizing its possible distribution and its qualities of difference outside of the obsolete framework of chance. Jesús Pastor also highlighted in 1991 one of the most interesting aspects of the multiform print –one that had almost escaped the analysis of print–, its conceptual dimension: “Engraving is not only a technical procedure, but is also basically a way to create and as such, it is not innocent, that is to say, is a way to face creation with a strong ideological and conceptual background.”

In Jesús Pastor’s theory lies an intellectual background construed from meaningful aesthetic, literary and philosophical approaches and contrasts. The list of works and artists in the item Reflective Contents of his curriculum for the Faculty of Fine Arts of Pontevedra in 1993 –where he dealt with questions regarding the notions of repetition, series, modulation, originality, circulation and appropriation– included some big names of the minimal and conceptual art of the 1960s, from analytical photography, performance movements, post-conceptual neo-dadaism or the post-minimalist trend of the 1960s; and the postmodern appropriationism of the 1980s. From Judd to Broodthaers, from Nauman or Flavin to Matt Mullican or Haacke, from Levine, LeWitt, On Kawara, Opalka, Buren or Kosuth to Koons, Kelly, Sherman or Jeff Wall, from Jürgen Olbrich to Gary Hill or Bill Viola....

Through agreeing and disagreeing, coming together and escaping, Jesús Pastor is aware of the interest of minimalist and conceptual strategies in the contextualization processes of the image, and in the communication and construction of meanings.

The perceptive experience of space –an axiomatic

E2 JesĂşs Pastor

19

Pensando en Leibniz nÂş2, 2009.

Lambda, Dibond y metacrilato._Lambda, Dibond and methacrylate. 275 x 275 cm.

artista estampa estampa artist

20

E2 JesĂşs Pastor

21

Pensando en Leibniz nÂş1, 2009.

Lambda, Dibond y metacrilato._Lambda, Dibond and methacrylate. 125 x 400 cm.

artista estampa estampa artist

imagen y comunicación de significados. La experiencia perceptiva del espacio, principio axiomático del minimal, ámbito donde acontece el encuentro entre el sujeto perceptor y la obra, es un argumento central en los elementos de aluminio expandidos de la serie Inflexiones (1994-1996), en las dispersiones matéricas en muros y ángulos o en los puntos imantados cubiertos de viruta metálica polícroma de Reversos (1997-2003) y en las superposiciones de planos en vidrio de Latitudes (20052007). De hecho, los significantes elegidos para nominar estas secuencias aluden explícitamente al espacio –inflexión, reverso, latitud–. Y también de hecho, el énfasis puesto en el estudio de la interrelación espacial con motivo de sus exposiciones –por ejemplo, la de 2007 en el Círculo de Bellas Artes de Madrid o la de ese mismo año en el Patio de Escuelas Menores de salamanca– incide en la consideración, genuinamente minimalista, del espacio como factor cognitivo, escenario de percepción de las cualidades físicas del objeto. Todo aboca hacia una experiencia de la obra de arte entendida como conocimiento de lo real: “Toda experiencia es conocimiento –en palabras de Judd–: la experiencia subjetiva es conocimiento: la experiencia objetiva, que es ciencia, es obviamente conocimiento”. La posición de Jesús Pastor se alinea con esa tesis al afirmar que “el espacio tiene en sí mismo un contenido significativo”. Sin embargo, y a pesar de esa empatía teórica, sus propuestas visuales no son específicamente minimalistas, entre otras razones porque trascienden la estricta literalidad de las propiedades materiales del objeto; es decir, la radical objetualidad dogmatizada por el minimal está subyugada en el caso de Jesús Pastor a una intencionalidad no exclusivamente empírica y a niveles de interpretación complejos, más allá de la apariencia objetual.

Desde las Tramas de finales de los ochenta (1988-1990) resulta evidente su voluntad metalingüística en la deconstrucción gráfica de la imagen. En cierto modo, esa búsqueda de la génesis de la forma y de su comportamiento orgánico, así como la ulterior investigación analítica de los planos de representación, en la medida en que reclaman la participación activa del sujeto en la decodificación del sentido, tienen conexiones con las tácticas conceptuales. Es evidente, no obstante, la distancia de sus postulados estéticos respecto a la praxis conceptual, pese a la común atracción por el lenguaje, ya que la prioridad absoluta hacia los dispositivos mentales propia de los conceptuales ortodoxos, despreciando al producto, aparece compensada en Jesús Pastor con la realización material, la experiencia sensorial directa y la valoración de las cualidades perceptivas.

Los parámetros relativos al lenguaje han ocupado una posición de centralidad en su reflexión crítica sobre la imagen múltiple.

No fue casual la atención prestada a la electrografía a finales

principle of the minimal, where the subjectrecipient and the work meet –is a key argument in the aluminum elements spread in the series Inflexiones (1994-1996); in the matter dispersions on walls, angles or magnetic points covered by polychromatic metallic shavings in Reversos (19972003); and in the superposition of glass planes in Latitudes (2005-2007). In fact, the signifiers chosen to name these sequences explicitly hint at the space –inflection, reverse, and latitude. In fact, the emphasis in the study of the spatial interrelation stemming from his exhibits –for example, in 1007 at the Círculo de Bellas Artes de Madrid or in this same year at the Patio de Escuelas Menores de Salamanca– insists on the genuinely minimalist consideration of space as a cognitive factor, a stage to perceive the physical qualities of the object. All falls back on the experience of the work of art as knowledge of reality. “All experience is knowledge –quoting Judd– “the subjective experience is knowledge: the subjective experience, which is science, is obviously knowledge.” Pastor’s position takes side with this thesis when asserting that “space has in itself meaningful content.” However, despite this theoretical empathy, his work is not specifically minimalist, among other reasons, because it transcends the straightforward material properties of the object; which is to say, the radical quality of the object turned dogma in minimalism is subjugated by Jesús Pastor’s not exclusively empirical intentions and to more complex levels of interpretation, beyond the object’s appearance.

From Tramas by the end of the 1980s (1988-1990), we can perceive his metalinguistic desire to graphically deconstruct the image. In a way, the search for the genesis of the form and its organic behavior –and also the analytic investigation into the representation plane while demanding the active participation of the subject to decode the meaning– have connections with conceptual tactics. It is, however, evident the distance between his aesthetic proposition and his conceptual praxis.

Despite the common attraction to the language, the absolute priority toward mental devices –which is proper of orthodox conceptualists when despising the product– appears in Jesús Pastor as the material realization, the direct sensorial experience and the appreciation of the perceptive qualities.

The relative parameters of language have occupied a central position in the Pastor’s critical thoughts on the multiform image. It was no chance that by the end of the 1970s he embraced electrostatic art –a medium with no precedent in Spain then, which makes him a pioneer– in a historical moment in which the communicative potential of the Xerox copy had been assumed in Europe and the US by creators, performance artists and mail-art activists; and which was being used in feminist actions

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Pensando en Leibniz nÂş4, 2009.

Lambda, Dibond y metacrilato._Lambda, Dibond and methacrylate. 125 x 250 cm.

artista estampa estampa artist

de los setenta –un medio del que no existían precedentes en el país, circunstancia que confirma su condición de precursor–, en un momento histórico en el que las posibilidades comunicativas de la copia electrográfica habían sido asumidas en Europa y Estados unidos por creadores de situaciones, artistas performativos y activistas del mail-art, y comenzaban a ser exploradas en acciones feministas contra la deformación estereotipada de la femineidad impuesta por el orden masculino dominante. La fotocopia hacía posible representar partes del cuerpo femenino desnudo eliminando la narratividad simbólica institucionalizada y despojando a la imagen de contenidos retóricos. Desde un posicionamiento distinto, aunque no exento de finalidad identitaria, Jesús Pastor también se adentró en la práctica electrográfica a través de la representación del cuerpo. Sin embargo, su objetivo no era tanto explorar el cuestionamiento de la identidad cuanto buscar un sistema capaz de traducir en dos dimensiones un fragmento corporal dinámico, esto es, un volumen en movimiento, lo que le acercaba a los experimentos cronofotográficos de Eadweard Muybridge.

Aprehender el movimiento, en tanto que paradigma semasiológico de las nociones de tiempo y espacio, condensando el desarrollo del desplazamiento secuencial de un volumen, fue el punto de partida de las primeras electrografías de Jesús Pastor, y también de sus hallazgos con transferencias de pigmentos sobre matrices de grabado calcográfico a finales de los ochenta.

La consecuencia más significativa de ese interés por las variables espacio temporales fue la inserción de la relatividad en su enfoque, así como la elección de un método basado en el análisis de componentes, piedra angular de la descomposición de la imagen en tramas, y base, también, de una renovada definición de serie a partir del principio de modulación. Estos dos aspectos –deconstrucción estructural y dinámica de flujos (o permutaciones sistémicas de una idea)–, así como el interés por los planos de representación, articulan la teoría de la imagen en Jesús Pastor. Son, en definitiva, las coordenadas en las que se desenvuelven sus propuestas desde comienzos de los noventa.

Tal vez convenga precisar que, pese a la búsqueda consciente de la transversalidad de las categorías, su reivindicación del dibujo, su continuada exploración teórica del arte gráfico y su predisposición hacia un tratamiento objetual de la materia, pese a todas las apariencias, la actitud de Jesús Pastor es prioritariamente fotográfica. Y conviene precisarlo porque algunas de las hipótesis planteadas en torno a la representación del movimiento, la luz y la interrelación de los registros visibles tienen su punto de partida en la “percepción en base a resultados de tipo fotográfico”.

against the stereotyped deformation of the female imposed by the male status quo. The Xerox copy allowed the representation of the female body parts eliminating the institutionalized symbolic narrative and getting the image rid of rhetorical contents.

From a different position, although not lacking an identity, Jesús Pastor also explored electrostatic art through the representation of the body. His objective, however, was not so much to explore the questioning of the identity, but to look for a system capable of translating in two dimensions a dynamic corporal fragment, that is, a volume in movement, which brought him close to the chronophotography of Eadweard Muybridge.

To grasp movement –semasiological paradigm of the notions of time and space–, condensing the development of the sequential movement of a volume, was the starting point of Pastor’s first electrostatic pieces; and also if his discoveries with pigment transfers over engraving matrixes at the end of the 1980s. Probably, the most significant consequence of such interest for the variables of temporary space was the insertion of relativity in his approach, as well as his choice of a method based on the analysis of components, the cornerstone of the decomposition of the image in wefts and the basis of a renewed definition of series based on the principle of modulation. These two aspects –structural deconstruction and dynamic of flows (or systemic permutations of an idea)– as well as the interest in the representation plane, articulate the theory of the image in Jesús Pastor. They are, in short, the coordinates around which his works revolve since the beginning of the 1990s.

It may be convenient to point out that, despite the conscious search of the transversality of categories, his recognition of drawing, his continued theoretical exploration of graphic art and his predisposition towards an objectual treatment of the matter.

Contrary to all appearances, Jesús Pastor’s attitude is mainly photographic. It is convenient to highlight it because some of the hypothesis around the representation of movement, light and the interrelation of the visible registers have a starting point in the perception based on results of the photographic type.”

In Wefts (1988-1990) Pastor created a differentiated formal syntax by means of the recurrent degenerative process of a surface without an image. Absolute black exposed to a series of Xerox enlargements until its organic nature is revealed. It is a paradoxical deconstructive technique to give birth the image of its own negation. Like a test lab, Wefts anticipated higher concerns: the attention to the lying visual structure behind (or beyond) the superficial representation plane and the assessment of the difference of successive prints of the same work.

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Pensando en Leibniz nÂş6, 2009.

Lambda, Dibond y metacrilato._Lambda, Dibond and methacrylate. 125 x 125 cm.

artista estampa estampa artist

Probablemente, su aportación más notable al análisis crítico de la estampa sea la refutación de la identidad mimética de los ejemplares de una serie, el rechazo de la copia y de la estricta reproductibilidad de la matriz, o lo que es lo mismo, la redefinición de la imagen múltiple como una suma modular de sutiles variaciones portadoras de sentido. Tomando como referente la metafísica de Leibniz, explicitada en su descripción de las mónadas como substancias simples contenedoras de totalidad, Jesús Pastor expuso sus argumentos a comienzos de los noventa y los desarrolló en No es reproductible, sólo repetible (1989), Inflexiones (1994-1996) y Latitudes (2005-2007). Lo que se estaba cuestionando era, ni más ni menos, el más sensible de los pilares del arte múltiple, la significación del principio mismo de multiplicidad. Como cabría inferir, una diagnosis de ese alcance no podía pasar por alto la razón de ser de la matriz, otro de los fundamentos de la caracterización tópica del arte gráfico.

Y, efectivamente, Jesús Pastor ha examinado en profundidad la competencia de la matriz.

If we had to choose his most important contribution to the critical analysis of print, it would be the refusal of the mimetic identity of the copies of a series, the rejection of the copy and the strict reproducibility of the matrix, or in other words, the redefinition of the multiform image as the modular sum of meaningful subtle variations. Taking Leibniz’s metaphysics as a reference, –exposited in his description of monads as simple substances containing wholeness— Jesús Pastor put forth his arguments at the beginning of the 1990s and developed them in the series No es reproductible, sólo repetible (1989), Inflexiones (19941996) and Latitudes (2005-2007). What was being questioned was nothing else but the most sensitive of the foundations of multiform art: the meaning of the principle of multiplicity itself. As expected, the range of such analysis could not overlook the matrix’s reason of being, another foundation that characterizes graphic art. And, of course, Jesús Pastor examined in depth the competency of the matrix.

Las tramas y estructuras gráficas transferidas desde un papel a una superficie de cobre en No es reproducible, sólo repetible, o la dialéctica positivo-negativo entre las formas cóncavas y convexas del aluminio y del mármol en Inflexiones, subvierten la idea convencional de matriz y la relación de dependencia entre el modelo primigenio y el producto receptor de la imagen.

La secuencia de fases y elementos, su potencialidad reproductiva, sus cualidades táctiles y visuales, son tan intercambiables, tan relativas, tan fluctuantes... que plantear una posible adecuación del binomio matriz-estampa resulta quimérico.

The wefts and graphic structures transferred from paper to a copper surface in No es reproductible, sólo repetible, or the negative-positive dialectics between aluminum and marble concave and convex shapes in Inflexiones subverts the conventional idea of the matrix and the dependency relation between the primogenial model and the product that receives the image. The sequence of phases and elements, its reproductive potential, its visual and tactile qualities, are so interchangeable, so relative, so fluctuating that stating a possible suitability of the matrix-print entity would be an illusion.

Consideraciones aparte, la mediación de soportes tridimensionales ha sido frecuentemente utilizada por Jesús Pastor para resolver interrogantes de naturaleza foto-génica, como la captación de la luz, su aprehensión por la materia y la generación de empatías perceptivas tendentes a expandir el plano visual.

Jesús Pastor’s frequent use of tridimensional supports attempts to solve questions of a more “photo-genic” nature, like the capture of light, his use of the matter and the generation of perceptive empathies tending to expand the representation plane.

No extraña lo más mínimo que Jesús Pastor se sienta atraído por la evocadora metáfora del espejo. Al fin y al cabo la distancia entre la apariencia y la realidad es sólo una cuestión de matices, o más bien, un problema de percepción, y por tanto, de representación.

It is not surprising that Jesús Pastor feels attracted to the evocative metaphor of the mirror plane. In the end the distance between the reflected and the reality is only a question of nuances, or better yet, a problem of perception and therefore, of representation.

En su Libro de citas aparece anotada esta confidencia de Lewis Carroll: “Quién es el León y quién es el Jardinero. Es muy importante no confundir a los dos animales. Y es muy fácil hacerlo en este caso (ambos tienen boca)”.

In his Libro de Citas there is an excerpt from Lewis Carroll: “which is the Lion, and which is the Gardener.

It’s most important not to get two such animals confused together. And one’s very liable to do it in their case —both having mouths, you know—”

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Pensando en Leibniz nÂş7, 2009.

Lambda, Dibond y metacrilato._Lambda, Dibond and methacrylate. 125 x 125 cm.

YCAM

Yamaguchi Center for Arts and Media (A2) (p.30)

Photographica 09 (D7) (p.60)

Frame

YCAM

Yamaguchi Center for Arts and Media (A2)

Seiko Mikami + Sota Ichikawa Gravicells - gravity and resistance (p.40)

Ryuichi Sakamoto + Shiro Takatani LIFE - fluid, invisible, inaudible... (p.42)

Steve Paxton

Phantom Exhibition (p.44)

DoubleNegatives Architecture Corpora in Si(gh)te (p.46)

Tsuyoshi Shirai, Takao Kawaguchi y Takayuki Fujimoto True (p.48)

Keitai Spy Workshop

YCAM Education Team (p.52)

Otomo Yoshihide Ensembles (p.54)

El Centro Yamaguchi para las Artes y los Medios (YCAM) es un complejo cultural que abrió sus puertas en noviembre del 2003 dotado de un teatro, espacios de exposición y una pequeña sala de cine, además de la Biblioteca Central Municipal.

Esta plataforma compartida para la tecnología de los medios, ha organizado representaciones teatrales y de danza, exposiciones de arte, proyecciones de películas, eventos musicales y de sonido así como talleres y conferencias.

Yamaguchi Center for Arts and Media [YCAM] is a cultural complex that opened in November 2003 with a theater, exhibition spaces and a small cinema, in addition to the central municipal public library. This shared platform for media technology has hosted theater and dance performances, art exhibitions, film screenings, music/sound events, workshops, and lectures.

El YCAM no solo exhibe obras de arte internacionalmente reconocidas, sino que además produce y expone obras que han sido desarrolladas por artistas residentes. Este es precisamente su rasgo más destacado. Varios artistas han creado obras aclamadas internacionalmente, con la colaboración de la propia sección de producción del YCAM, el YCAM InterLab. Por otra parte, las actividades educativas únicas que ofrece la instalación, brindan a los ciudadanos de Yamaguchi la oportunidad de nutrir sus facultades imaginativas y sus conocimientos de los medios, estimulando sus pensamientos sobre el arte y la tecnología.

YCAM’s most outstanding feature is that not only existing, internationally recognized works of art are being introduced here, but the Center also produces and exhibits works developed in artist residencies. Several artists have so far produced works of international acclaim in collaboration with YCAM’s own production section, the YCAM InterLab. The facility’s unique educational activities provide Yamaguchi citizens with opportunities to nurture their imaginative faculties and media literacy by stimulating their thoughts about art and technology.

El principal objetivo del YCAM es conectar la región de Yamaguchi con el mundo. A través de los conceptos claves de “comprensión creativa”, “métodos creativos” y “entornos creativos”, el YCAM pretende servir como una plataforma donde la gente se encuentre, hable y en última instancia, cree y comunique nuevas formas de arte de la información.

YCAM’s objectives are to connect the Yamaguchi region to the world, and via the key concepts of “creative understanding, “creative methods”, and “creative environments”, serve as a platform for people to meet, discuss, and ultimately create and communicate novel forms of information art.

Las exposiciones y las representaciones de las obras, creadas en residencia dentro de las actividades de YCAM, se dividen en cuatro categorías, “Arte”, “Interpretación”, “sonido” y “Educación”.

Exhibitions and performances of works realized inresidence as part of YCAM’s activities are divided into the four categories “Art”, “Performance”, “Sound” and “Education”.

www.ycam.jp

www.ycam.jp

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Imagen_Photo: Ryuichi Maruo (YCAM InterLab) Por cortesía_Courtesy of: Yamaguchi Center for Arts and Media (YCAM)

LIFE – fluid, invisible, inaudible..., 2007. Instalación audiovisual_Audiovisual installation.

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La próxima dimensión en Media Art y la inevitabilidad de la expresión.

The next dimension in Media Art and the inevitability of expression.

Entrevista con_Interview with: Kazunao Abe (YCAM Curador Jefe_YCAM Chief curator)

¿Cuáles son algunas de las características del arte que sale de YCAM? En principio, estamos continuamente interesados en ese acto de “creación” centrado en la producción. También realizamos proyectos en los cuales se entrelazan la corporrealidad y la representación. Por ejemplo, es bastante diferente ver “data.tron” de la exposición “datamatics” de Ryoji Ikeda, si se hace en una revista o un catálogo. Es importante ver la pantalla gigante de siete por diez metros a través de la percepción sensorial limitada del cuerpo humano. En esta exposición la película, los proyectores y los monitores se utilizan como medios de salida pero, ¿hasta qué punto pueden estos medios resolver y separar una información densa? También se cuestiona el grado en el que esta información puede ser renovada por los sentidos humanos.

En vez de que lo presentado se convierta en íconos que transmiten algún tipo de significado, el problema que se plantea es más bien el tipo de relación que se puede construir entre los medios utilizados y la conciencia del observador. Dichos conceptos no surgieron de obras basadas en la comunicación, los artefactos y demás.

What are some of the characteristics of the art coming out of YCAM? Firstly, we’re continually engaged in the act of “creating” centered on production. Furthermore, we’re also undertaking projects in which corporeality and performance are intertwined.

For example, viewing “data.tron” from Ryoji Ikeda’s “datamatics” exhibiton is quite different from viewing it in a magazine or catalog. It’s important to view the giant seven by ten meter screen via the limited sensory perception of the human body. At this exhibition, film, projectors, and monitors are all used as the output media, but to what extent can these media resolve and separate dense data? Also, the extent to which this resolved data can be renewed within the realm of the human senses is also open to question.

Rather than the things presented becoming icons transmitting some kind of meaning, the problem being posed relates to the kind of relationship that can be built between the resolution of the media used and the awareness of the viewer.

Such concepts didn’t emerge from works based on communication, gadgets, and so on.

¿Cuál es la posición del Media Art dentro del marco del arte contemporáneo?

El Media Art no se vió afectado por esa circunstancia histórica centrada en Europa y Norteamérica que llegó a conocerse como “arte contemporáneo”, ni por sus influencias de mercado, etc. Creo que el punto de partida de este tipo de arte –que requiere la comprensión de la cibercultura surgida a partir del desarrollo de las tecnologías de la información– fue el mismo independientemente de que la gente estuviese en Europa, Norteamérica o donde sea. En cierto sentido, esto se convirtió en una ventaja para el arte que sale de Japón. Además, tras el 11 de septiembre, el significado y la posibilidad de establecer la mera comunicación ha sufrido una gran metamorfósis. Enfrentado a problemas tales como la hibridación, la inmigración y la cultura compartida; el Media Art (que tradicionalmente ha abogado, ante todo, por la comunicación) presenció de primera mano cómo dependía de la tecnología casi por completo.

What’s the position of Media Art within the framework of contemporary art?

Media Art wasn’t affected by the historical framework centered on Europe and North America that came to be known as “contemporary art” nor by its market influences, etc. I think the start line for this kind of art, which requires a grasp of the cyber culture that emerged as a result of the spread of IT, was the same irrespective of whether people were in Europe, North America, or wherever. In a sense, this became an advantage for art coming out of Japan. As well, in the wake of 9/11, the meaning of, and possibility of establishing, communication itself have undergone a huge transformation. Faced with such problems as hybridization, immigration, and shared culture, Media Art, which has traditionally advocated communication above all else, witnessed first hand how it was almost entirely reliant on technology.

El siguiente problema es hasta qué punto el Media Art puede incluir una sociedad en la cual, cosas como la realidad híbrida y el sentido de lo público se han transformado. se necesita una perspectiva que abarque las dos caras de las dicotomías visible/

The next problem is the extent to which Media Art can include a society in which things like hybrid reality and publicness have been transformed.

Moreover, there’s a need for a perspective that views both sides of the dichotomies of

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Imagen_Photo: Ryuichi Maruo (YCAM InterLab) Por cortes铆a_Courtesy of: Yamaguchi Center for Arts and Media (YCAM)

Ensembles (Without records), 2008. Instalaci贸n audiovisual_Audiovisual installation.

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invisible y real/posible, mientras que se toman en cuenta cosas como los algoritmos y los entornos de programación. una vez que estos problemas hayan sido abordados, la frescura del Media Art en su sentido primario deberá hacerse valer frente al arte en general.

visible/invisible and real/possible while also taking into account such things as algorithms and programming environments. Once these problems have been addressed, the freshness of Media Art in its original sense ought to be able to assert itself in the face of art in general.

Como curador especialista en Media Art, ¿hay algo a lo que Ud. dé particular importancia?

El descomponer el concepto de producir algo basándose en las nociones establecidas de “representación” y “significado.” En vez de recrear de manera simbólica objetos sociales o culturales, si deconstruimos el significado de las imágenes, los íconos y demás, podemos destacar la función de los medios con sus múltiples capas. Por ejemplo, ¿cómo sería la sociedad si la fotografía y la película hubiesen aparecido hace 400 años? ¿Por qué no aparecieron entonces? A través de este tipo de cuestionamiento, debería hacerse evidente si cosas como la relación entre los medios y nosotros, así como las diversas organizaciones que existen en este momento, son realmente necesarias. Pienso que de esto es de lo que trata el estudio del Media Art. Y es por eso que tenemos que facilitar el desarrollo de los medios emergentes y colaborar con los artistas que tienen una conciencia aguda del tema y sentido del diseño.

As a specialist Media Art curator, is there anything you attach particular importance to?

Breaking down the concept of producing something on the basis of established “representation” and “meaning”. Rather than recreating social or cultural objects symbolically, if we comprehensively deconstruct the signification of visual images, icons, and so on, we can throw into relief the multiple-layered function of media. For example, what would society be like if photography and film had appeared 400 years ago? Why didn’t they appear at that time?

Through such questioning, it should become clear whether such things as the relationship between media and ourselves as well as the various organizations that are currently in existence are really necessary. I think this is what the study of Media Art entails. And it’s why we need to facilitate the emergence of media’s position and collaborate with artists who have keen awareness and design sense.

Otra cosa en la que estoy interesado es en el tipo de expresión que surge cuando el artista toma en cuenta todos los sentidos por igual, en vez de concentrarse en el sentido de la vista. solíamos hablar bastante sobre multimedia, pero esto casi siempre se centró en lo visual, con los elementos “multi” actuando solo como refuerzo. En el futuro, creo que habrá un “sentido de la información” una “conciencia de la información”. La gente entonces buscará nuevas posibilidades de expresión y buscará la espacialidad y la temporalidad necesarias para desarrollarlas ¿Cómo afecta a su trabajo el hecho de que YCAM esté situado en provincia y no en una ciudad importante?

Queremos que la gente de la zona que apoya YCAM comprenda las ideas y desarrolle nuevas sensibilidades al experimentar las obras directamente. Los trabajos se pueden ver como arte o como juicios morales hacia los medios, la comunicación y demás. Es importante que la acumulación de esta experiencia de interacción con el arte dé lugar a una educación en el sentido general de la palabra y que, por ejemplo, se creen capas de memoria. El sistema social según el cual todo viene de Tokio y las copias son distribuidas a las provincias se está derrumbando. Tanto las ciudades como las regiones tienen el mismo valor como lugar actualmente. se nos invita a tomar todo tipo de

One other thing I’m interested in is the kind of expression that emerges when the artist considers all the senses as equal rather than concentrating on the sense of sight. We used to talk a lot about multimedia, but this was almost always centered on the sense of sight, with the “multi” elements there for reinforcement. In the future, I think there’ll be a “sense of information” in the form of information awareness, and people will be searching for possibilities of expression when this sense becomes more open as well as for spatiality and temporality for these to develop.

How does the fact that YCAM is located not in a major city but in the provinces affect your work?

We want the people from this area who support YCAM to grasp ideas for new sensibilities by experiencing the works directly. The works can be viewed as art or as morals for media, communication, and so on. It’s important that the accumulation of these art-viewing experiences gives rise to literacy in the broad sense of the term and builds up layers of memories, for example. The social system whereby everything is in Tokyo and copies are distributed to the provinces is starting to break down. Both the cities

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Imagen_Photo: Ryuichi Maruo (YCAM InterLab) Por cortesía_Courtesy of: Yamaguchi Center for Arts and Media (YCAM)

Phantom Exhibition, 2008. Videoinstalación_Video installation. 30’.

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decisiones desde una perspectiva basada en las cosas que están ocurriendo a nuestro alrededor. Igualmente, creo que interactuar con el arte es importante para pensar sobre cosas como las razones por las cuales el arte es necesario aquí y ahora, así como su relación con el entorno. Por esta misma razón, hacemos un esfuerzo activo para presentar en otros sitios lo que hemos creado en el YCAM. Creo que la metodología según la cual la ciudad de Yamaguchi apoya las actividades de YCAM es efectiva como modelo para la sociedad en su totalidad. ¿Qué opina sobre el papel de YCAM como centro especializado en Media Art? Vivimos en una era en la que es difícil sobrevivir sin ordenadores, redes, etc. Por eso debemos pensar de manera constante sobre el futuro de la ciudad interconectada, incluyendo la manera de desarrollarnos y de coexistir con ella y también, de vez en cuando, resistirnos a ella. Todo esto está estrechamente conectado a lo que sentimos y a cómo lo expresamos en el contexto de dicha sociedad. De alguna manera, la expresión es como una nueva célula: la mayor parte de ella es una réplica de lo que existió anteriormente, pero también cabe la posibilidad de que haya estado albergando hasta ahora elementos indeterminados nunca vistos. En este sentido, me gustaría que los observadores consigan sentir también la necesidad de expresión.

and the regions have the same value as places that currently exist. We’re called on to make all kinds of decisions from a perspective based on the things that are actually occurring around us. In viewing art, too, I think it’s important to think about such things as the reasons why art is necessary here and now and its relationship with the environment. For this same reason, we want to actively endeavor to present the things we’ve created at YCAM at other locations. I think the methodology whereby Yamaguchi city supports YCAM’s activities is effective as a model for society as a whole.

What are your thoughts on the role of YCAM as a Media Art center?

We live in an age in which it’s difficult to survive without computers, networks, and suchlike. Which is why we must continue to think constantly about the future of the network society, including how to develop and coexist with it, and also occasionally resisting it. This is closely connected to what we feel and how we express this in the context of such a society. In a way, expression is like a new cell in that most of it is a replica of what existed before but that it may harbor hitherto unseen indeterminate elements. So in this sense, I’d like viewers also to get a feeling for the necessity of expression.

¿Podría decirnos cuál es el futuro rumbo de YCAM? “Recuerdos” fue uno de los temas sugeridos por la exposición “Ensembles” de Yoshihide Otomo, la cual marcó nuestro quinto aniversario. Nuestros recuerdos se basan no solamente en lo visual, sino también en lo táctil, lo auditivo y otros recuerdos. ¿Cómo podemos llevar un registro de ello? Este es un punto crítico que es abordado en las exposiciones de artistas como Ryoji Ikeda y Yoshihide Otomo, y es algo sobre lo que debemos pensar en el futuro. Otra cosa que me interesa son los proyectos que se desarrollan en períodos más largos. Últimamente, cierto tipo de arte está sujeto al consumismo. sin embargo, durante la Edad Media, el arte tuvo un flujo temporal y espacial más largo y funcionó durante decenas o incluso cientos de años. Creo que sería interesante si algo así se viviera otra vez en el presente.

Quiero presentar paisajes mediáticos donde el énfasis no recaiga sencillamente en observar pensamientos momentáneos o temporales, sino en donde uno pueda adoptar un método de visualización diferente para el micro y el macro mundo.

Could you tell us about the future direction of YCAM? One of the themes suggested by Otomo Yoshihide’s “Ensembles” exhibition, which was held to mark our fifth anniversary, was “memories”. Our memories are not solely visual but also include tactile, aural and other memories. How can we keep a record of these? This is a critical point addressed in exhibitions by people like Ryoji Ikeda and Otomo Yoshihide, and is a point we need to think about in the future. Another thing I’m interested in is projects developed over longer timeframes. These days, some art has become the subject of consumption. However, art in the Middle Ages had a longer temporal and spatial flow, and functioned according to a timeframe of tens or even hundreds of years. I think it would be interesting if this kind of thing were revived in the present. I want to present mediascapes in which the emphasis is not simply on viewing momentary or temporary thoughts, but in which one can adopt a different viewing method for the micro and macro realms.

La entrevista se editó en el 2009 para el catálogo del quinto aniversario de YCAM

The interview was edited in 2009 for the fifth anniversary catalogue of YCAM

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A2 YCAM Yamaguchi Center for Arts and Media

Imagen_Photo: Ryuichi Maruo (YCAM InterLab) Por cortes铆a_Courtesy of: Yamaguchi Center for Arts and Media (YCAM)

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Corpora in si(gh)te, 2009. Instalaci贸n multimedia arquitect贸nica_Media architecture installation.

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g--r.com

gravedad y resistencia, nuestro mundo se basa en el equilibrio de estos dos elementos. Esta obra de arte ofrece la posibilidad de re-conocer el cuerpo humano a través de una sensación consciente de gravedad –a la que no estamos acostumbrados en nuestra vida diaria– y estimular, de esa manera, una nueva forma de percepción.

Gravity and resistance, it is the balance of both that all aspects of our world are based upon. This work of art is charged with the possibility to recognize the human body through a conscious sensation of gravity in a way we usually don’t feel it in daily life, and thus to stimulate a new form of perception.

“gravicells” se exhibe en un campo dinámico virtual logrado a través de dispositivos especiales y sensores. El campo magnético entre ambas fuerzas, la gravedad y la resistencia antagónica, se manifiesta en forma de imágenes en movimiento, luz y sonido.

Cuando se accede y se camina libremente dentro de este campo, el visitante experimenta una visualización del peso de la gravedad sobre el cuerpo humano y de la fuerza reactiva opuesta –de ninguno de los dos procesos somos consientes habitualmente– para luego ser testigo de la transformación de todo el espacio expositivo. Por añadido, la ubicación exacta del punto donde la pieza esta siendo instalada se calcula por medio de un satélite gPs. La introducción de un punto de observación extraterrestre alude a la ya relativa posición de la obra, pues la pieza en sí misma es desplazada continuamente por la fuerza de la gravedad mientras descubrimos sus múltiples connotaciones.

“Gravicells” is exhibited in a virtual dynamic field made with special devices and sensors. The magnetic field between the two forces of gravity and resistance against it is highlighted through moving imagery, light and sound. By entering and walking around freely within this field, the visitor triggers a visualization of the load of gravity on the human body and the reactive force against it –both of which we are normally not aware of– and ultimately a transformation of the entire exhibition space. Furthermore, the location where this piece is being installed is measured via a GPS satellite. The addition of an extraterrestrial observation point hints at the relative position of the work itself as it is constantly moved by gravity, and besides this it is a design that enables us to unravel the multiple connotations of gravity.

seiko Mikami es profesor del Media Art Lab en La universidad de Arte en Tama. La mayor parte de sus obras son instalaciones interactivas de media art que incorporan la percepción humana, un proyecto de rastreo visual “molecular Informatics” en el Canon ARTLAB (Tokio 1996) y otro sobre el sentido acústico y los sonidos del cuerpo en la colección permanente del Centro NTT de Intercomunicación (Tokio, 1997). sus obras se han presentando en DEAF (Rotterdam, Holanda, 1995, 1996, 2004), EXIT (Creteil, Francia) y VIA Festival (Maubeuge, Francia), el Museo Miró (Barcelona, España, 1999), el Museo de Bellas Artes en Nantes (Nantes, Francia, 2000) y transmediale (Berlín, Alemania). Obtuvo una Mención de Honor en Prix Ars Electronica (Linz, Austria, 2005).

Seiko Mikam is professor of Media Art Lab at Tama Art University. Most of his works are interactive Media Art installations incorporating human perception, eye tracking project “molecular Informatics” at Canon ARTLAB (Tokyo 1996).

About acoustic sense and the living body sound at NTT Intercommunication Center’s permanent correction (Tokyo 1997). Mikami’s works were show at DEAF (Rotterdam Holland 1995, 1996, 2004), EXIT and VIA festival France, Miro Museum (Barcelona, Spain1999), Musee des Beaux Arts de Nantes (Nante France 2000), transmediale (Berlin Germany). He won an honorary Mention in Prix Ars Electronica (Linz Austria 2005)

sota Ichikawa es arquitecto. Desde 1995 está trabajando en el proyecto “smooth compound-eyes super Eye”. En 1997 colaboró con Knowbotic Research en “IO_DENCIEs - Tokyo” (coproducido por Canon ARTLAB) como arquitecto e investigador urbano. En 1998, trabajó para el “Hinaya Project in Nishijin, Kioto”, la construcción de un “sukiya” de shusaku ARAKAWA y Madelaine gINs bajo la tutoría del Instituto Lifescape. Durante el mismo año creó doubleNegatives Architecture. DEAF04 (Rotterdam, Holanda), transmediale05 (Berlín, Alemania), sHARE (Torino, Italia), VIA (Maubeuge, Francia), EXIT (Creteil, Francia), Ars Electronica (Linz, Austria), y Arte y Tecnología en el Japón de la Posguerra (NTT ICC Tokio, Japón).

Sota Ichikawa is an architect. Since 1995 he has started a project “smooth compound-eyes Super Eye”. In 1997, he collaborated with Knowbotic Research for “IO_DENCIES - Tokyo”(co-produced with Canon ARTLAB) as an architect and an urban researcher. In 1998, he worked for “Hinaya Project in Nishijin, Kyoto”, a “sukiya” construction of Shusaku ARAKAWA and Madelaine GINS in the frame of Lifescape Institute. In the same year, he set up doubleNegatives Architecture. DEAF04 (Rotterdam, the Netherlands), transmediale.05 (Berlin, Germany, SHARE (Torino, Italy), VIA (Maubeuge, France), EXIT (Creteil, France), Ars Electronica (Linz, Austria), Japanese postwar art and technology (NTT ICC Tokyo, Japan).

A2 seiko Mikami + sota Ichikawa Gravicells - gravity and resistance

Imagen_Photo: Ryuichi Maruo (YCAM InterLab) Por cortesía_Courtesy of: Yamaguchi Center for Arts and Media (YCAM)

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Gravicells – gravity and resistance, 2004. Instalación audiovisual_Audiovisual installation.

FRAME YCAM

rsst.ycam.jp

La Opera “LIFE” (1999) de Ryuichi sakamoto simula minuciosamente formas de música del siglo XX, combinadas con citas de películas sacadas de la propia historia bélica de este siglo de guerras y revoluciones. El trabajo que aquí se expone marca una evolución del material, desmontado y recombinado en una instalación con nuevos sonidos e imágenes. Como se sugiere en el subtítulo, el tema central de la obra gira en torno a una zona amorfa, incierta, entre lo perceptible y lo imperceptible, así como a nuestra propia transformación en tanto nos adentramos en ella

Ryuichi Sakamoto’s opera “LIFE” (1999) minutely simulates forms of music in the 20th century, combined with filmic quotes from the same century’s history of war and revolution. The work exhibited here marks a further evolution of the material, decomposed and recombined into an installation with new sounds and visuals.

As suggested in the subtitle, the piece revolves around the central theme of an amorphous, uncertain area between the perceptible and the imperceptible, as well as the transformation of ourselves as we access that area.

Las imágenes son proyectadas en nueve tanques de agua llenos de niebla suspendidos en el techo, y se acompañan por una mezcla de nueve sonidos diferentes que reverberan durante el recorrido cuando se solapan. Mientras contempla los depósitos de agua, el visitante puede caminar alrededor o tumbarse y abandonarse en un escenario de luces vacilantes, creadas por la gradual trasformacion de las imágenes que penetran la niebla y el despliegue de sonidos recurrentes, a veces sincronizados, a veces separados. Este trabajo, en tanto experimento novedoso que mezcla sonido e imagen, puede ser interpretado como un mensaje para el mundo contemporáneo que se abre a los “recuerdos”, desde el siglo XX hasta la actualidad.

Images are projected onto nine fog-filled water tanks suspended from the ceiling, accompanied by a concoction of nine different sounds that reverberate throughout the venue as they overlap. Visitors can either lie on the floor or walk around while gazing at the water tanks overhead, abandoning themselves to the scenery of wavering light and sound created by the gradually transforming visuals that penetrate the fog, together with the recurring, sometimes synchronously and sometimes separately unfolding sounds. A novel experiment blending sound and image, this work can be interpreted as a message to the contemporary world that opens up “memories” spanning from the 20th century up to the present.

Ryuichi sakamoto. Compositor y músico. Ha traspasado las fronteras de la música y la tecnología durante toda su carrera. sakamoto ha experimentado y destacado en muchos estilos musicales haciendose un nombre propio tanto en la música popular como en la orquestal o la música para el cine. Miembro fundador de la Yellow Magic Orchestra (YMO), ha compuesto música original para 19 películas. En 2005, su último proyecto en solitario, Chams fue reinterpretado por 14 de los mejores creadores de música electrónica en el volumen Bricolages.

En 2006, sakamoto continua su colaboración con Alva Noto y en el 2007 reedita su colaboración con Christian Fennesz lanzando su primer álbum juntos, Cendre.

Ryuichi Sakamoto. Composer and musician, has made a career of crossing musical and technological boundaries.

Sakamoto has experimented with, and excelled in, many different musical styles, making a name for himself in popular, orchestral and film music. A founding member of Yellow Magic Orchestra (YMO), Sakamoto has composed original scores for 19 films. In 2005, his latest solo project, Chasm was re-interpreted by fourteen of electronic music’s top artists on the release Bricolages. In 2006, Sakamoto continued his collaboration with Alva Noto and in 2007 he revisits his partnership with Christian Fennesz with the release of their debut full length album, Cendre.

shiro Takatani. Fue uno de los fundadores de Dumb Type en 1984 y se ha centrado especialmente en los aspectos visuales de las piezas de este colectivo. Creó las imágenes para el concierto Dangerous Visions con Art zoyd y la Orquesta Nacional de Lille en marzo de 1998. Es autor de las vídeo instalaciones Frost frames (1998) y Optical flat (2000). Su instalación Ice Core fue presentada como parte de una retrospectiva del trabajo con el hielo y la nieve del científico Ukichiro Nakaya. Takatani fue seleccionado como artista residente en Australia, residencia de un mes que culminó con la exhibición de su trabajo, Chrono, en Melbourne.

shiro Takatani joined Dumb Type as one of the founders in 1984, and has been involved especially in the visual and technical aspects. He created images for the collaboration concert Dangerous Visions with Art Zoyd and the National Orchestra of Lille in March 1998. He released solo video installation work Frost frames 1998, Optical flat 2000 His installation Ice Core was presented as part of a retrospective of the works of the snow and ice scientist Ukichiro Nakaya. Takatani was selected for a one-month artist residency in Australia, culminating in an exhibition of his work, Chrono, in Melbourne.

A2 Ryuichi sakamoto + shiro Takatani LIFE - fluid, invisible, inaudible...

Imagen_Photo: Ryuichi Maruo (YCAM InterLab) Por cortesía_Courtesy of: Yamaguchi Center for Arts and Media (YCAM)

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LIFE – fluid, invisible, inaudible..., 2007. Instalación audiovisual_Audiovisual installation.

FRAME YCAM

www.contredanse.org

Desde 1986, steve Paxton ha venido desarrollando “Material for the spine” como método de exploración del centro mismo del cuerpo. La instalación muestra, en cinco grandes pantallas, secuencias de Paxton y otros performistas moviendo su cuerpo según este método, así como imágenes digitales que analizan dichos movimientos. Dentro de este espacio, completamente rodeado de imágenes, el visitante encuentra una nueva forma de sensación física al percibir, con todos sus sentidos, la relación entre el cuerpo humano y la gravedad, el interior de su organismo y el exterior, o la estructura de sus huesos. La obra original fue creada por Paxton junto a dos videoartistas belgas y reproducirla en unas instalaciones de alta calidad espacial como estas solo es posible con la ayuda del equipamiento de estudio y la tecnología del YCAM.

Steve Paxton has been developing “Material for the Spine” as a method for exploring the center of the body since 1986. The installation consists of five large screens showing video footage of Paxton and other performers who move their bodies based on this system, as well as computergenerated images analyzing those dance moves.

Within a space that is entirely surrounded by images, visitors will encounter a new form of physical sensation by perceiving with all their senses the relationship between the human body and gravity, the body’s interior and exterior, and the structure of its bones. The original work was created by Paxton together with two Belgian video artists, and is reproduced in a high-quality spatial installation as it can only be realized with the help of YCAM’s own studio equipment and technology.

Steve Paxton es bailarín y coreógrafo. Nacido en 1939 en Phoenix, Arizona ha investigado durante 40 años sobre la ficción de la danza convencional y la “verdad” de la improvisación. Vive en una granja, habiendo recibido subvenciones de Change, Inc., la Fundación para las Artes Escénicas, Fondo de John D. Rockefeller y una Beca guggenheim. Ha recibido dos Premio Bessie de Nueva York y es editor colaborador en la revista de danza “Contact Quarterly”. Fue uno de los fundadores de Judson Dance Theatre, grand union, Contact Improvisation y Touchdown Dance para los invidentes (Reino unido). Comenzó su carrera estudiando técnicas de arte moderno, ballet, aikido, tai chi chuan y meditación Vipassana. Entre 1961-65 actuó con la Merce Cunningham Dance Co. Actualmente da conferencias, actúa, coreografía y enseña fundamentalmente en los EE.uu. y Europa. Ha colaborado recientemente con Mikhail Baryshnikov, Trisha Brown, Lisa Nelson entre otros.

Steve Paxton is a dancer and choreographer born 1939 in Phoenix, Arizona. He has researched the fiction of cultured dance and the ‘truth’ of improvisation for 40 years. He lives on a farm, and he has received grants from Change, Inc., the Foundation for Performance Arts, John D. Rockefeller Fund, and a Guggenheim Fellowship.

He has been awarded two NY Bessie Awards, and is a contributing editor to “Contact Quarterly” dance journal. He was one of the founders of the Judson Dance Theater, Grand Union, Contact Improvisation, Touchdown Dance for the visually disabled (UK), and began his career studying modern dance techniques, ballet, Aikido, Tai Chi Chuan, and Vipassana meditation. He performed with the Merce Cunningham Dance Co. from 1961-65. He lectures, performs, choreographs and teaches primarily in the USA and Europe.

Recently he collaborated Mikhail Baryshnikov, Trisha Brown, Lisa Nelson and etc.

A2 steve Paxton Phantom Exhibition

Imagen_Photo: Ryuichi Maruo (YCAM InterLab) Por cortesía_Courtesy of: Yamaguchi Center for Arts and Media (YCAM)

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Phantom Exhibition, 2008. Videoinstalación_Video installation. 30’

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www.doubleNegatives.jp

En “Corpora in si(gh)te” los nodos autónomos estructurales programados en el software, son capaces de convertirse en perspectivas subjetivas en el espacio, adaptándose incesantemente en relación con los nodos estructurales contiguos. Reproducen y organizan sus copias o se destruyen entre ellos según los cambios en el entorno físico. Asimismo, el acto de rediseñarse ocurre de manera continua en el espacio que rodea cada nodo. Dicho proceso permite al final la creación de el estado donde ocurre “la formación del cuerpo entero por generación autónoma”, que es lo que el título “Corpora” sugiere de manera simbólica.

In “Corpora in Si(gh)te,” the autonomous structural nodes programmed in the software are able to become subjective viewpoints in the space, which ceaselessly adjusts the relationship between each surrounding structural node. They are newly reproducing and arranging their own copies or destroying themselves based on changed in the physical environment. In addition, the act of redesigning is continuously occurring within the space surrounding each node. Such a process enables the state of “the whole body to form by autonomous generation” to finally develop, as the title “Corpora” symbolically suggests.

La creación y destrucción de la información entre sistemas locales y globales se traduce para el observador en puntos de salida visuales y sonoros. De esta manera se consigue mostrar las posibles combinaciones de un sistema de notación único, idea básica del proyecto y AR. Todo esto nos lleva hacia un enfoque desde el punto de vista interno para investigar “varias perspectivas subjetivas e inherentes que controlan la arquitectura entera/parcial de abajo hacia arriba”, frente al “control objetivo desde una ‘perspectiva externa’, que ha sido el enfoque general de la arquitectura.”

The rise and fall of information between a local and a global system is the audio and visual output for the viewers. This shows the combination of a unique notation system, which is the basic idea of the project and AR. It gives us a clue towards an approach from an internal viewpoint to investigate “many inherent subjective views that control the whole/partial architecture from the bottom up” in opposition to “the objective control from an ‘external viewpoint’ which has been the general approach to architecture.”

doubleNegatives Architecture, surgido en 1998 como creación del arquitecto sota Ichikawa, ve los procesos y los instrumentos utilizados para medir el espacio como “arquitectura”. dNA forma un equipo para cada proyecto que desarrolla un espectro único de actividades, incluyendo instalaciones, software y diseño arquitectónico. Actualmente dNA emplea un programa de automatización celular desde abajo para estudiar el moldelaje arquitectónico a través de formas autogeneradas y, en un futuro, ser capaces de convertirlas en medios tridimensionales y presentarlas en espacios urbanos.

doubleNegatives Architecture, launched in 1998 as the brainchild of architect Sota ICHIKAWA, views the processes and devices used to measure space as “architecture”, assembling a team for each project and engaging in a unique spectrum of activities including installations, software and architectural design. Currently dNA is employing a bottom-up style cell automaton program to study architectural modeling through the autonomous generation of forms, and in future aims to convert this to three-dimensional media and present it in urban spaces.

A2 DoubleNegatives Architecture Corpora in si(gh)te

Imagen_Photo: Ryuichi Maruo (YCAM InterLab) Por cortes铆a_Courtesy of: Yamaguchi Center for Arts and Media (YCAM)

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Corpora in si(gh)te, 2009. Instalaci贸n multimedia arquitect贸nica_Media architecture installation.

FRAME YCAM

www.dumbtype.com www.baneto.topolog.jp/cws www.kawaguchitakao.com

El nuevo espectáculo de sonido, luz y danza, True, es una performance escénica que explora, a través de la representación de dos performistas, la relación entre el cerebro y la realidad que enfrentamos.

The new sound, light and dance performance, True is a stage performance piece that explores the relationship between the brain and the reality we face, and is, performed by two performers.

Por ambos lados, dos enormes andamios comprimen el blanco escenario de True y sobre este cuelga una estructura metálica de 8 metros de diámetro, soporte del sistema de iluminación LED. Al fondo, sobre una gran pantalla, se proyectan imágenes digitalmente generadas y en el centro se ubica una mesa de madera sólida, aparentemente ordinaria, pero en realidad cargada de dispositivos mecánicos. sobre la mesa, centro neurálgico del escenario, se ubican una serie de objetos comunes como libros, fotografías, un globo terráqueo, copas y vasos con los que los artistas interactúan sobre, a través y alrededor de la mesa durante la performance.

En lo referente a la iluminación, la tecnología LED controlada digitalmente permite cambios de color instantáneos y una precisa sincronización que renueva la experiencia luminosa.

Por otra parte, se han adherido varios osciladores a los andamios situados a ambos lados del escenario. Estos dispositivos estremecen la estructura metálica al ritmo de la música y del movimiento de los artistas, enriqueciendo de esa forma, la experiencia sonora del auditorio. Todos estos efectos sensoriales, incluyendo los efectos visuales, están sincronizados a niveles de precisión sorprendente, con las acciones de los performistas a través de sensores mioeléctricos adheridos a sus cuerpos. Así, lleno de estas nuevas formas de iluminación y sonido, el espacio teatral se convierte en una extensión del cuerpo de los artistas, que vibran y se estremecen repetidamente para provocar en la audiencia toda una nueva experiencia multisensorial.

The white-floor stage is sandwiched by metal scaffoldings on both sides, has an circular truss 8 meters in diameter up in the ceiling to hang LED lights, a screen in the back onto which computergenerated graphic images are projected; and a table that looks like a simple, regular wooden table, although a bit bulky, but is in fact loaded with a number of mechanical devices, and works as the main “neural center” of the stage. On top of the table are some usual things like books, a photograph, a globe, cups and glasses, etc, and the two performers play with them, on, through and around the table.

As for lighting, the digitally controlled LED technology enables instant color changes and high-speed synchronization for a whole-new lighting experience. For sound, oscillators are attached to the metal scaffoldings on either sides of the stage and shake them in synch with music and the performers’ actions to enhance the acoustic experience of the audience. Using myoelectric sensors attached to the performers’ bodies, the above effects as well as visuals are linked and synched to, and even controlled by, the performers’ actions at amazingly high resolution levels that are only possible with today’s advanced technology. Filled with such new kind of light and sound, the theater space itself becomes the extension of the performers’ bodies that repeatedly flickers and vibrates to provide the audience with a totally new sensory experience.

Fujimoto Takayuki es miembro activo de Dumb Type desde 1987. Ha trabajado como diseñador de iluminación en varias actuaciones de la compañía como “s/N”, “OR”, “memorandum” y “Voyage”. Más recientemente se ha concentrado en la aplicación de proyectores de tecnología LED en sus trabajos teatrales. Takayuki explora constantemente el uso de la tecnología digital como medio de interación con los performistas, como forma de crear una sensación de inmediatez y de contacto en la performance.

Fujimoto Takayuki is an active member of Dumb Type since 1987. The performance he has worked on lighting design with Dumb Type includes “S/N”, “OR”, “memorandum” and “Voyage”.

Most recently, he focus to use LED (Light Emitting Diodes) lighting projectors for theater works. Takayuki constantly seeks to explore the use of digital technology as a means of direct interaction with the performers, to create a sense of immediacy and contact in the performance.

Tsuyoshi shirai, antiguo miembro de Kim Itoh + the glorious Future, apareció en “Kinjiki”, basada en la novela de Yukio Mis-

Tsuyoshi shirai, former member of Kim Itoh + the Glorious Future appeared in “Kinjiki,”

A2 Tsuyoshi shirai, Takao Kawaguchi y Takayuki Fujimoto True

Imagen_Photo: Ryuichi Maruo (YCAM InterLab) Por cortesía_Courtesy of: Yamaguchi Center for Arts and Media (YCAM)

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True, 2008. Performance escénica_Dance performance. 70’

FRAME

hima y creada/coreografiada por Kim Itoh en el 2005. En el 2006 colaboró con el famoso cuarteto de cuerdas Arditti String Quartet en “Apartament House 1776” de John Cage. En este mismo año recibió el primer galardón en los Premios de Coreografía Toyota con “mass, slide”.

based on Yukio Mishima’s novel and created/ choreographed by Kim Itoh in 2005. In 2006 he collaborated with famed Arditti String Quartet for John Cage’s “Apartment House 1776.” In the same year, he was honored with the first prize of Toyota Choreography Award with “mass, slide”.

Takao Kawaguchi nació en 1962 en Kyushu, Japón. Obtuvo su Licenciatura en Literatura Española por la Universidad de Sofía en 1986 En etapas tempranas de su carrera, Kawaguchi se formó en el teatro de movimiento y pantomima, participando en un amplio abanico de proyectos que iban desde el teatro textual hasta el performance o la danza. Tras un año de estudios en España, fundó junto con Atsuko Yoshifuku su propio grupo ATA Dance y creó algunas piezas de danza experimental entre 1991 y 1995. Desde 1996 es parte de la compañía de interpretación multimedia Dumb Type, participando en “OR”, “memorandum” y “Voyage”. Desde 2000, compagina su trabajo con proyectos independientes en solitario.

Takao Kawaguchi was Born in 1962 in Kyushu, Japan. Finished bachelor degree in Spanish literature at Sophia Univ. in 1986. In the early stage of his career Kawaguchi was trained in pantomimebased movement theatre, and took part in a wide range of projects from textbased theatre to per formance art and dance.

After a year of studying in Spain, he founded, together with Atsuko Yoshifuku, his own dance group ATA Dance and created a number of experimental dance pieces from 1991 to 95. From 1996 he joined the multimedia performance company Dumb Type and appeared in “OR”, ”memorandum” and “Voyage”. At the same time he has also been active in his independent solo projects since 2000.

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A2 Tsuyoshi shirai, Takao Kawaguchi y Takayuki Fujimoto True

Imagen_Photo: Ryuichi Maruo (YCAM InterLab) Por cortesía_Courtesy of: Yamaguchi Center for Arts and Media (YCAM)

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True, 2008. Performance escénica_Dance performance. 70’.

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Los participantes en este taller utilizan las funciones de cámara y correo electrónico de los teléfonos móviles para jugar al “corre que te pillo”, al mismo tiempo que definen y modifican las reglas a lo largo del juego. Para hacer un uso creativo de la creciente variedad de medios a nuestro alcance, es indispensable que el usuario encuentre formas de operar independientemente y sin temer a los cambios en la sociedad y en la comunicación que la tecnología conlleva.

El objetivo de este taller es resaltar la conexión existente entre la sociedad y los medios a través de un juego que nos es familiar y proporcionar a los participantes la oportunidad de acercarse a ellos de manera activa como jugadores que se involucran en la creación y modificación de las reglas por medio del diálogo. Ser más conscientes sobre las reglas y los modales que los medios (herramientas) emergentes introducen, así como pensar en el papel que juegan y su significado, nos ayuda a entender la relevancia de las reglas y los modales en general.

Participants in this workshop use the camera and email functions of cell phones to play tag, while defining and modifying rules in the process of the game. In order to make creative use of the growing variety of media, it is essential for the user to figure out ways of operation independently and undaunted by the changes in society and communication they bring along.

This workshop aims to highlight the connection between society and media through a familiar game, providing participants with an opportunity to approach it from the active position of players involved in the making and modification of rules through

discussion.

Raising

awareness

of

the

rules and manners introduced by newly emerging media (tools), and thinking about their roles and meanings helps us understand the significance of rules and manners in general.

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A2 Keitai spy Workshop YCAM education team

Imagen_Photo: Ryuichi Maruo (YCAM InterLab) Por cortesĂ­a_Courtesy of: Yamaguchi Center for Arts and Media (YCAM)

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Keitai spy Workshop, 2005. Taller educativo_Education Workshop.

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otomo.ycam.jp www.japanimprov.com/yotomo

Este amplio proyecto de colaboración en torno al concepto de formar un “conjunto de conjuntos” con un gran número de personas, involucra a más de 400 artistas, entre músicos y otros creadores de Japón y el extranjero, quienes participan en los talleres y actuaciones en vivo, u ofrecen sonidos o equipos para obras específicas, además de los participantes del público en general.

This extensive collaborative project on the concept of assembling an “ensemble of ensembles” with large numbers of people involves a total of more than 400 participants, including musicians and other artists from Japan and abroad who take part in workshops and live performances, or provide sounds or equipment for specific works, in addition to participants from the general public.

En la instalación se solapan las siluetas de ocho músicos con las grabaciones de sus actuaciones. Las siluetas de tamaño real se proyectan sobre un cubo blanco de 3.3 x 2.5 metros, colocado en medio de una sala oscura. Al mismo tiempo, detalles de objetos que vibran al ritmo de la música son proyectados en las paredes opuestas a cada cara del cubo. Cuando se mira el cubo mientras se escuchan los sonidos que salen de él, el espectador tiene la impresión de que los músicos se encuentran dentro, mientras que las imágenes de piezas de madera, hierro o líquidos visibles en las paredes añaden un sentido de materialidad a esta peculiar experiencia sonora. Cada grabación que se proyecta sobre cada uno de los lados del cubo se mezcla y llena el espacio con música compuesta al azar. Esta instalación presenta lo que puede ser denominado como un nuevo tipo de performance improvisado, en el que un cuarteto se puede escuchar como un grupo de actuaciones en solitario mientras que las dimensiones del cubo nos imposibilitan ver a los cuatro músicos y disfrutar de su interpretación todo al mismo tiempo.

This installation overlaps the silhouettes of eight musicians with recordings of their musical performances. The life-sized silhouettes of performing musicians are projected onto a white cube measuring 3.3 meters in width and 2.5 meters in height, which is placed in the middle of the darkened hall. At the same time, details of objects that vibrate to the rhythm of the music are projected onto the walls facing each side of the cube. When watching the cube while listening to the sounds coming from it, the visitor gets the impression that the musicians are actually inside the cube, while images of pieces of wood, iron or liquids visible on the walls add a sense of materiality to the peculiar sonic experience.The solo performances projected onto each of the cube’s sides blend together to fill the exhibition space with randomly composed music. This installation introduces what may be called a new type of improvised performance, in which a quartet is audible as a set of solo performances, while the cube’s dimensions make it impossible to see all four musicians and enjoy their concert all at the same time.

Otomo Yoshihide nació en 1959 en Yokohama, Japón. En 1979 Otomo se mudó a Tokio para ir a la universidad. Mientras tocaba jazz y punk, Ha creado y organizado varias bandas y proyectos además de ground zero. Otomo ha tenido dos grupo entre 1992 y 1994: la Double unit Orchestra, compuesta de dos grupos a los que dirigía al mismo tiempo; y la Celluloid Machine gun. Otomo ha mostrado un talento excepcional como compositor de bandas sonoras para películas, televisión y videos. En particular ha disfruta de una excelente relación con cineastas de China y Hong Kong. También ha trabajado de director musical de grupo de teatro Rinkogun desde 1992 hasta 1995, creando la música de obras como Bird Man, Inu no seikatsu, Hamlet symbol, y Picnic Conductor. Finalmente, hay que hacer mención de sus grandes dotes de escritor: desde los años ochenta ha presentado sus ideas sobre la música en sus artículos y ensayos para varios libros y revistas en Japón.

Otomo Yoshihide was born 1959 in Yokohama, Japan. In 1979 Otomo moved to Tokyo to attend university. While continuing to play jazz and punk rock. Otomo has created and organized various bands and projects in addition to Ground Zero. He had two bands between ‘92 and ‘94: the Double Unit Orchestra, comprised of two groups which he conducted simultaneously; and Celluloid Machine Gun. Otomo has demonstrated an exceptional talent as a composer of movie/TV/video sound tracks. He has in particular enjoyed an excellent relationship with creators in the Chinese and Hong Kong film worlds. He also served as music director of the theater group Rinkogun from ‘92 to ‘95, creating the music for such works as Bird Man, Inu no Seikatsu, Hamlet Symbol, and Picnic Conductor. Finally, mention should be made of Otomo’s vital and wide-ranging writing activity.

Since the eighties he has presented his ideas on music in his articles and essays for various magazines and books in Japan.

A2 Otomo Yoshihide Kimura Yuki, Benedict Drew, Hirakawa Norimichi, Ishikawa Ko, Ichiraku Yoshimitsu, Jim O’Rourke, Kahimi Karie, sachiko M, Axel Dörner y Martin Brandlmayr.

Ensembles

Imagen_Photo: Ryuichi Maruo (YCAM InterLab) Por cortesía_Courtesy of: Yamaguchi Center for Arts and Media (YCAM)

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Ensembles (Without records), 2008. Instalación audiovisual_Audiovisual installation.

A2 Otomo Yoshihide Kimura Yuki, Benedict Drew, Hirakawa Norimichi, Ishikawa Ko, Ichiraku Yoshimitsu, Jim O’Rourke, Kahimi Karie, sachiko M, Axel Dörner y Martin Brandlmayr.

Ensembles

Imagen_Photo: Ryuichi Maruo (YCAM InterLab) Por cortesía_Courtesy of: Yamaguchi Center for Arts and Media (YCAM)

Ensembles (Orchestras), 2008. Instalación audiovisual_Audiovisual installation.

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A2 Otomo Yoshihide Kimura Yuki, Benedict Drew, Hirakawa Norimichi, Ishikawa Ko, Ichiraku Yoshimitsu, Jim O’Rourke, Kahimi Karie, sachiko M, Axel Dörner y Martin Brandlmayr.

Ensembles

Imagen_Photo: Ryuichi Maruo (YCAM InterLab) Por cortesía_Courtesy of: Yamaguchi Center for Arts and Media (YCAM)

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Ensembles (Quartets), 2008. Instalación audiovisual_Audiovisual installation.

Photographica 09 (D7) Paula Rubio Infante Arteinversión (p. 63)

Sergio Sotomayor

Factoría Compostela / C5 colección (p. 65)

Santiago Garcés

Galería Fotonauta (p. 69)

Juan Baraja Rodríguez Photo Gallery 20 (p. 71)

Mawashi Geri

Inés Barrenechea (p. 72)

Fernando Bayona 3 Punts (p. 73)

Badri Lomsianidze

Alexandra Irigoyen (p. 74)

David Jiménez

La Fábrica Photogaleria (p. 75)

Jose Luis Santalla Blanca Soto (p. 76)

Silvia Gruner

La Caja Negra (p. 77)

Marcos Morilla

Esquina Arte Contemporáneo (p. 78)

Soledad Córdoba Blanca Berlín (p. 79)

Roger Guaus

Galeria Sicart (p. 80)

Ellen Kooi

Camara Oscura (p. 81)

Cecilia de Val

Spectrum Sotos (p. 82)

El arte en la época de su reproducción tecnológica: la fotografía Art in the era of its technological reproduction: photography Rosa Olivares La idea, y la posibilidad de que un original pueda ser repetido, duplicado, multiplicado, que la obra de arte, una sola obra de arte, pueda desdoblarse, ser muchas siendo una sola, es algo que ha alterado no solo el mercado del arte, sino la propia valoración del arte. Más que una alteración mercantil es un problema conceptual. Casi parece un problema mágico.

Una de las características definitorias de la obra de arte es su singularidad, ser única, y estar realizada directamente por la mano creadora del artista. si aplicásemos esta regla de tres (singular, única y manufacturada por el artista) a las obras de arte actuales prácticamente acabaríamos con el mercado del arte.

Estas tres patas no son las mejores para sustentar el arte actual, y difícilmente pueden aguantar el arte de otras etapas. Ya en el Renacimiento eran escasas las obras que estaban realizadas por una sola mano, los talleres de los pintores se encargaban de los fondos, de los colores, de rellenar los espacios que el maestro marcaba…, a eso se debe la cantidad de “atribuciones” desmentidas, de obras recuperadas que estaban atribuidas a otros autores, la cantidad de obras firmadas por el “taller” o por los discípulos. Pero no hay que remontarse a tan lejos para entender que prácticamente todo el minimalismo está formado por objetos producidos en serie industrialmente, sin hablar del “ready made”, que como su nombre dice es un objeto “que ya está hecho” y que el artista reinterpreta dotándole de un nuevo significado y dándole una nueva vida. Que Jeff Koons tenga un taller con más de 100 trabajadores no debe sorprendernos más que saber que Frank ghery (el arquitecto del guggenheim de Bilbao) tiene 200 empleados en su estudio. Después de Andy Warhol y su Factory hablar de estos temas es algo redundante.

En un momento en el que el problema que se debate es como controlar las copias de un video, como canalizar comercialmente en el mercado del arte un producto que por su naturaleza no puede ser único sino tener cientos, miles, de copias, cuestionarse si una obra de arte seriada es realmente una obra de arte, establecer una suerte de clases sociales artísticas supone, cuanto menos, no conocer la historia del arte.

Entre la obra seriada la obra la que cuenta con una más larga tradición y un mercado estable, aunque tal vez falto de incen-

The idea and possibility of reproducing, duplicating, and multiplying an original piece; a unique work of art, being able to unfold itself, being many and one at the same time, has been something that has not only altered the art market, but the valuation of art as well. More than a commercial alteration, it is a conceptual, magical problem.

One of the defining characteristics of works of art is their singularity, to be unique, and to be directly made by the creating hand of the artist. If we were to apply that logic (being singular, unique, and made by the artist) to the current works of art, we would ruin the art market all together. These three supporting legs are not the best ones to hold today’s art and would hardly sustain the art from other times. Already during the Renaissance, works that were made by only one hand were scarce: painters in workshops were in charge of the backgrounds, colours, of filling in the spaces that the master had marked... This is the reason for the large number of refuted “attributions”, rediscovered works that had been attributed to other authors, and the large amounts of works signed by the “workshop” or the disciples. It is not necessary, however, to go back so far in time to understand that practically all minimalism is composed of objects that are mass produced, not to mention the “readymade” that, as its name indicates, refers to an object “that has already been made”. The artist then reinterprets it, providing it with a new meaning and a new life. It should not be surprising to consider the fact that Jeff Koons has a workshop with 100 employees, the same way that Frank Ghery (the architect of the Guggenheim in Bilbao) has 200 employees working in his. To speak of these issues after Andy Warhol and his Factory is somewhat redundant.

If the problem that is being discussed is how to control multiple copies of a video, and how to commercially conduct, in the art market, a product whose nature cannot allow to have one, but hundreds and thousands of copies, to question if a work that is numbered can really be considered a work of art, and to establish a kind of artistic social classes is, at least, to be unknowledgeable about art history.

Among numbered works of art, those that have the longest tradition and a stable market are, though perhaps lacking incentives, the graphic artworks. These are known in the world of museums, auctions, and conservation as “paper”, work on paper. This category may include

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tivos, es la obra gráfica. Lo que en el mundo del museo, de la subasta y de la conservación, se conoce como “papel”, obra sobre el papel. se pueden incluir dibujos pero la gran mayoría son grabados, sea cual sea la técnica (serigrafía, litografía, etc.) y, cada vez más, fotografía. Aunque la fuerza de la fotografía en el mundo del arte actual es tan grande que ya está empezando a ser diferenciada en un apartado propio. Pero la fotografía tiene una larga serie de elementos en común con la obra gráfica tradicional, entre ellos el estar realizada sobre papel y ser producto de un proceso técnico y/o tecnológico. La fotografía no solo se puede reproducir más de una vez con un solo original sino que ese proceso técnico no tiene porque hacerlo el autor de la obra. El laboratorio, el especialista técnico, es el que realiza las copias, igual que un experto se encarga del tiraje de la obra gráfica. Naturalmente el autor está presente, controlando el proceso y, posteriormente, firmando las copias. Pero puede no estar y hay ocasiones que un buen laboratorista es tan autor como el que disparó la máquina.

drawings, but it is mainly composed of engravings (regardless of the employed techniques such as silk-screen, lithograph, etc.) and, increasingly, of photographs as well. Nonetheless, the strength that photography has in the present art world is so significant that it has become to be distinguished as a separate category. However, photography has a long list of elements in common with traditional graphic works, including the fact that it is made on paper and that it is a product of a technical and/or technological process. Not only can photography be reproduced more than once with one original copy; its technical processing does allow someone beside the author to perform it as well. The laboratory, the technical specialist, is the one who makes the copies the same way that an expert is in charge of the print run of graphic artworks. Naturally, the author is always present by controlling the process and, subsequently, signing the copies. But it may be the case that the author is not present, and there are occasions where a competent lab technician is equally considered the author as the one who had shot the image.

También tiene el común la obra gráfica y la fotografía haber sido considerado tradicionalmente un mercado “plataforma”, es decir, ese mercado en el que se inicia un futuro coleccionista.

El primer mercado al que se accede por dos razones: por el precio más asequible y por la pérdida del temor reverencial a la obra de arte. un grabado, una fotografía no tienen ese aura de exclusivismo que la pintura o la escultura han tenido en toda la historia del arte, aunque una escultura pueda ser original hasta la decima copia (en vaciado de bronce) y un pintor puede copiarse a si mismo durante toda la vida. Pero la obra gráfica hace tiempo que se independizó y, aunque es cierto que ha sido el punto de partida para muchos jóvenes coleccionistas también es cierto que hoy en día es el sujeto de un coleccionismo altamente especializado y de una singularidad y riqueza incomparable, que genera y alimenta ferias temáticas en todo el mundo y galerías, editores y profesionales de reconocido prestigio internacional, además de que hay artistas que desarrollan toda su creatividad sobre papel y que otros plantean gran parte de su trabajo, además de la pintura la escultura, en formatos gráficos como desarrollo de sus planteamientos estéticos.

Graphic works and photography also share the fact that they have been traditionally considered a “platform” market, which is where a future collector is initiated. There are two reasons for this: a more affordable price and the loss of deferential fear toward works of art. An engraving or a photograph does not have that aura of exclusivity that painting and sculpture have irradiated throughout art history, even if a sculpture were an original up to its tenth copy (in bronze moulding) and a painter copied himself during all his life. Notwithstanding, graphic works have long gained independence, and even though it has been the starting point for many young collectors, it is also true that it is currently the object of a highly specialized collecting activity that is of an incomparable uniqueness and wealth that generates and feeds thematic fairs around the world with renowned galleries, editors, and professionals of international prestige. There are artists who develop all their creativity on paper and yet there are others who plan their work on it, beside painting and sculpture, graphically displaying the development of their aesthetic approaches.

Por supuesto, la fotografía al margen del soporte papel y de su posibilidad de reproducción técnica, es independiente desde su nacimiento. un nacimiento que si tiene paralelismos con la gráfica en sus facetas de servir como soporte para ciertos fines documentalistas y científicos, pero que plantea unas guías conceptuales totalmente propias, heredadas en un principio de la propia historia de la pintura y que paulatinamente va acomo-

Beyond its support in paper form and the possibility of technical reproduction, photography has undoubtedly been independent every since its creation. It is a creation that does have parallelisms with respect to the graphics in their use as support for documentary and scientific purposes that, nonetheless, sets out its own conceptual guidelines, originally inherited from the history of painting. Photography has thus slowly adapted these principles into its

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Paula Rubio Infante

galer铆a_gallery: Arteinversi贸n 63

Ciudad del sol, 2009. Digigraphie, siliconado Plexigallery uV brillo sobre dibond Digigraphie, gloss PlexiGallery UV silicon mounted on Dibond. 100 x 100 cm

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dando esta directrices a su propia naturaleza, marcada por el instinto documentalista, por la velocidad del siglo en que nace, por los cambios de la narratividad cinematográfica y literaria, por la peculiaridad de un canon alejado de lo físico del individuo para ser un canon puramente visual. La fotografía, teniendo un origen claramente derivado del arte tradicional y especialmente de la pintura, ha llegado a derivar por el mundo de la escultura, de lo documental, de lo puramente conceptual para crear un lenguaje propio, una forma característica que evoluciona ya dentro de unos canales diferenciados en lo estético y en lo formal. De hecho en este siglo XXI ya podemos hablar de la influencia de la fotografía en la pintura, en la literatura, en el cine, de cómo la forma de construcción fotográfica de una realidad subjetiva incide en otras formas de ver el mundo. Es ya, de hecho, un lenguaje diferenciado y característico, autónomo. Aunque, como pasa también con cualquier otra forma de creación visual, no es oro todo lo que reluce y una estética clasicista, unas modas fáciles y unas tendencias sumidas con retraso forman una cara excesivamente blanda y comercial de la fotografía, lo que puede derivar en una aparente debilidad del lenguaje y en una falsa incapacidad para renovarse. Pero, como siempre en el arte, la innovación de la mano de la obra de los artistas, de sus ideas y sus hallazgos formales, si bien la fotografía todavía tiene una historia excesivamente cercana y por lo general desconocida como para ganarse el respeto de todos. Es el comienzo de un camino seguramente lleno de sorpresas y de cambios.

El mercado fotográfico ha surgido rápidamente, incluido en ámbitos más genéricos como las subastas o ferias de arte, alcanzando cotizaciones que han superado los 600.000 euros por una imagen de una serie de cinco copias (una obra de Andreas gursky), pero más allá de records o de cifras de gran envergadura, la fotografía se ha convertido en un mercado altamente revalorizado, en el que la existencia de copias o la todavía no reglada numeración, fechas de tirada, y otros aspectos esenciales para la gráfica en general, no padecen ser excesivamente significativo para unos compradores ansiosos ante lo nuevo y que parecen, finalmente, valorar la obra por lo que es en sí misma, por su valor formal, por la aportación conceptual, por la experiencia estética que les proporciona, confiando en que esos deben ser los valores para marcar la cotización económica de la obra, y no otros aspectos puramente técnicos, fríos y ajenos a la calidad del arte, aspectos que en vez de reforzar la importancia de la obra de arte, la debilitan, mostrando la creación plástica como algo puramente objetual, lejos de ser lo que realmente es: la depuración del sentir y del pensar del individuo.

own nature that has been characterized by the documenting instinct, the speed of the century in which it was created, the changes in the film and literary narratives, and the peculiarity of a canon that is purely visual, far from the canon of physical properties of an individual. With a clear origin that stems from traditional art in general, and painting in particular, photography has also moved on to the sculpting, the documentary, and the purely conceptual realms in order to create its own language, a characteristic form that already unfolds within a series of channels that differentiate the aesthetic from the formal. In fact, during the 21st century, we already can speak of the influence of photography on painting, literature, film, and on how the form of a photographic construction of a subjective reality affects other ways of seeing the world. It is a language that is differentiated, characteristic, and autonomous. However, as it is observed in any other form of visual creation, all that glitters is not gold. Classicist aesthetics and effortless trends that are sometimes appropriated too late create an excessively soft and commercial aspect of photography, which can result in an apparent weakening of the language and an inability to renew itself. Fortunately, though, as it is always the case in art, innovation brought about by the hands of the artists, their ideas, and formal discoveries, considering the fact that photography still has a recent history and it is still generally unknown by many to earn the respect it deserves from everyone, this is the beginning of a path that will surely be full of surprises and changes.

The photography market has rapidly emerged, including in more generic fields such as auctions or art fairs, thus reaching prices that have surpassed 600,000 Euros for an image from a series of five copies (a work by Andreas Gursky).

Beyond the marked records or significantly large numbers, though, photography has become a highly revalued market, in which the availability of other copies or the still unregulated numbering, print run dates, and other essential aspects for the graphic arts in general do not seem to be extremely significant for buyers who are eager for new forms of expression. Instead, they finally seem to value the work by what it is in itself, its formal value, its conceptual contribution, and the aesthetic experience that these provide, trusting that those ought to be the values to mark the price of the work. Pricing should not, then, rely on other aspects that are merely technical, cold and alien to the art quality; aspects that, instead of reinforcing its importance, weakens the work of art by showing the plastic creation as something purely objectionable, far from being what it really is: the purifying act of the individual’s feelings and thoughts.

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sergio sotomayor

galería_gallery: Factoría Compostela / C5 colección 65

Piedra, 2008. Digigraphie, siliconado Plexigallery uV brillo sobre Dibond Digigraphie, gloss PlexiGallery UV silicon mounted on Dibond. 70 x 150 cm

¿Copia fotográfica o estampa digital?_Photographic copy or digital print?

José Miguel Martínez-Quintanilla Puche sin lugar a dudas, la fotografía ocupa hoy un lugar muy importante en las colecciones tanto públicas como privadas, a pesar de las restricciones que se pusieron desde su nacimiento para ser considerada como obra de arte. El siglo XIX está lleno de ejemplos de cómo la fotografía era rechazada en exposiciones de arte por pintores y grabadores. Este paralelismo podría aplicarse en la actualidad a los fotógrafos y artistas que utilizan los medios digitales, y sin embargo, galerías, museos y coleccionistas prestan cada día más atención a las copias fotográficas digitales, consiguiendo una cuota de presencia muy importante en las ferias de arte más importantes.

La fotografía nació gracias a los hallazgos tecnológicos de Niépce, Talbot, Bayard y Daguerre en el siglo XIX. Ahora, la revolución digital está siendo tan importante como la propia invención de la fotografía, dando un impulso definitivo a esta disciplina.

Teniendo en cuenta que la primera fotografía digital la realizó steven sasson en 1975 con una cámara fabricada por Kodak, que tenía el tamaño de una tostadora y tardaba 23 segundos en guardar una imagen en blanco y negro de 0,01 megas, el cambio del proceso químico al nuevo mundo digital ha supuesto, en muy pocos años, una auténtica revolución en el mundo de la fotografía. Muchos fotógrafos han pasado del rollo de película al sensor eléctrico, atraídos por la rápida evolución de cámaras y objetivos, por la gran calidad de las capturas y sobre todo por la aparición del formato RAW como el auténtico negativo digital, que unido al avanzado software y los potentes ordenadores, ponen al alcance del fotógrafo la posibilidad de revelar sus negativos y tener un absoluto control sobre todo su trabajo. se abre así un mundo de nuevas posibilidades creativas, debilitando las fronteras entre fotógrafos y artistas gráficos.

Pero la auténtica revolución en la fotografía ha sido la aparición de la tecnología digital de impresión de altísima calidad, que ha dejado al laboratorio químico tradicional absolutamente desfasado, obligando a la industria a una rápida reconversión. En 1989, David Coons produce la primera fotografía artística con las primeras impresoras IRIs de inyección de tinta, por encargo de graham Nash y ya en 1990 el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York incluye en su colección permanente la fotografía digital “Tunnels Point Transformer” de sally Larsen. un año más tarde, en julio de 1991 abre Nash Editions, primer estudio del mundo de impresión digital profesional en Los Angeles, California, donde experimentan artistas de la talla de David Hockney.

Ya en el año 2000, EPSON da un paso definitivo con su impre-

Despite the restrictions that have been imposed on photography since its creation in order to be considered a work of art, today it undoubtedly holds a very important place in both public and private collections. The 19th century is full of examples of how photography was rejected by painters and engravers in art exhibitions. This parallelism could be applied today to photographers and artists who use the digital media; however, galleries, museums and collectors are increasingly paying more attention to digital photo prints, thus marking their presence in the most important art fairs.

The origin of photography lies in the technical findings of Niépce, Talbot, Bayard, and Daguerre in the 19th century. Nowadays, the digital revolution is becoming as important as the invention of photography itself, giving this discipline a definitive push. Considering the fact that Steve Sasson produced the first digital photograph in 1975 with a camera made by Kodak, a device the size of a toaster that took 23 seconds to save a black and white image of 0.01 megabytes, the change from chemical processing to the new digital world has meant a true revolution in the world of photography. Many photographers have switched from the film roll to the electric sensor. They are attracted by the fast evolution of cameras and lenses, by the high quality of the shots, and above all, by the emergence of the RAW format as a true digital negative that, in combination with advanced software and powerful computers, enables the photographer to develop his own negatives and to have absolute control over his work. This opens the door to a world of new creative possibilities, and blurs the boundaries between photographers and graphic artists.

However, the true revolution in photography has been the emergence of digital printing technology of the highest-quality that has completely outdated traditional chemical laboratories, forcing the industry to restructure itself very quickly. In 1989, David Coons produced the first artistic photograph with the first IRIS ink-jet printers, commissioned

by Graham Nash. In 1990, the Metropolitan Art Museum in New York already included the digital photograph “Tunnels Point Transformer” by Sally Larsen in its permanent collection. A year later, in 1991, Nash Editions opened its doors as the world´s first professional digital printing studio in Los Angeles, California, where artists as important as David Hockney experimented. In 2000, EPSON took a definitive step with its pigment ink printer Stylus Photo 2000P towards a new era in the professional editing market.

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sora stylus Photo 2000P de tintas pigmentadas, marcando así un punto y aparte en el mercado de la edición profesional.

Desde la aparición de las primeras copias digitales surgió la necesidad de buscar una terminología que definiera el nuevo concepto de edición. Cómo referirse a una impresión de arte digital de alta calidad creada con una impresora de inyección de tinta, alejándose de términos técnicos y confusos como computadora, digital, etc. En 1991 Duganne utiliza por primera vez el término “giclée”, adaptación de la palabra francesa gicleur (pulverizador). graham Nash empieza a utilizar el término “Digigraph” (digigrafía), buscando la proximidad con palabras como serigrafía y fotografía. En Europa, los artistas franceses se enfrentaban al mismo dilema, pero rechazan la expresión “giclée”, por no considerarla adecuada para una obra de arte. Así empiezan a utilizarse términos como “Pixographie” o “Hyperchromes”.

Como respuesta a esta inquietud, Epson France registra el término Digigraphie en 2003, con ámbito europeo, para denominar la certificación copias de autor en series limitadas con la máxima calidad, según sus requerimientos técnicos. Digigraphie es el resultado de años de investigación sobre las prestaciones técnicas de las impresoras Epson y la resistencia y calidad de las tintas pigmentadas ultraChrome K3, sobre una amplia gama de papeles certificados de los mejores fabricantes, como Hahnemühle o Canson, ofreciendo unos niveles de calidad y durabilidad inigualables.

Las copias realizadas siguiendo los parámetros marcados por la certificación Digigraphie cumplen los requisitos más exigentes de conservación museística en cuanto a estabilidad de la imagen, por combinación de tintas, papeles y materiales de recubrimiento, resistencia a la decoloración por efecto de la luz y permanencia, resistiendo cualquier cambio físico, ya sea por luz, calor, ácidos, etc. El estándar de permanencia se define en 60 años, aguantando el paso de tres generaciones. Los test realizados por el prestigioso Instituto Whilhelm Imaging Research alargan sin embargo la permanencia por encima de los 100 y 120 años, según los papeles utilizados.

Para los fotógrafos y artistas profesionales, es esencial que puedan controlar todas sus reproducciones para proteger el valor y legado de su trabajo. Toda obra artística impresa debería incluir un documento que recoja una explicación exhaustiva de los métodos y materiales utilizados, especificando papel y tintas, exigiendo un certificado de autenticidad que aporte valor tanto a compradores ocasionales como a museos, galerías y coleccionistas. En Estados unidos es una obligación legal en muchos estados, recogida en la ley de defensa de los consumidores. Hay

The emergence of the first digital prints created the need to find a new terminology to define the new concept of editing. The aim was to refer to high-quality printing of digital art using an inkjet printer, and to move away from technical and confusing terms such as computer, digital, etc.

In 1991, Duganne first uses the term “Giclée”, an adaptation of the French word gicleur (spray gun).

Graham Nash started using the term “Digigraph”, looking for proximity to words like serigraph and photograph. In Europe, the French artists were faced with the same problem but rejected the expression “Giclée”, as they considered it inappropriate for a work of art. This gave way to terms like “Pixographie” or “Hyperchromes”.

In response to these concerns, Epson France registers the term Digigraphie in 2003 on a European level, to refer to the certification of copyrighted prints in limited series at the highest quality level, following its technical requirements.

Digigraphie is the result of years of research of the technical qualities of Epson printers, and the resistance and quality of pigmented, UltraChrome K3 ink on a wide range of certified materials made by the best manufacturers such as Hahnemühle or Canson, offering unbeatable levels of quality and durability.

The copies that are produced in line with the parameters set by the Digigraphie certification meet the most demanding museum conservation requirements regarding image stability. This is achieved through the combination of different types of ink, paper, and cover material, the resistance to colour fading through light and age permanence, resisting any physical impact from light, heat, acids etc. The standard of age permanence is 60 years, the equivalent of three generations. The tests carried out by the renowned Whilhelm Imaging Research Institute, however, extend the aging resistance to above 100 and 120 years, depending on the types of paper that are used.

Being able to control all of their reproductions in order to protect the value and legacy of their work is essential for photographers and professional artists. Every printed work of art should include a document that contains an extensive explanation of the methods and materials used, specifying paper and inks and requiring a certificate of authenticity that serves occasional buyers as well as museums, galleries and collectors. In many US states, this is a legal requirement laid out in consumer protection laws. It is important to take into account the significance of the digital prints market in this country, where the annual growth it experiences is 27% higher than that of the art market as a whole.

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santiago Garcés

galería_gallery: Galería Fotonauta 69

009 (serie_series: Peculiar Aquatic Beings), 2008. Digigraphie, siliconado Plexigallery uV brillo sobre Dibond Digigraphie, gloss PlexiGallery UV silicon mounted on Dibond. 100 x 100 cm

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que tener en cuenta la gran importancia del mercado de impresiones digitales en este país, que crece un 27% anualmente, muy por encima del conjunto del mercado del arte.

Las copias fotográficas digitales han arrinconado rápidamente a los medios tradicionales por el aporte de un gran número de ventajas, desde el coste, ya que la impresión se produce bajo demanda, sin ser necesario realizar la edición completa, asegurando la consistencia de una copia hecha hoy con la realizada dentro de diez años, hasta el almacenaje de originales, ya que los medios digitales ocupan poco espacio y ofrecen mayor durabilidad. Además se pueden producir obras de tamaño hasta ahora impensables por su complejidad y altísimo coste.

Actualmente se producen copias digitales de gran tamaño, con un control absoluto por parte del artista, sobre una gama muy variada de papeles de gran calidad.

La revolución digital ha creado nuevas oportunidades para los fotógrafos, artistas y creadores de imágenes, pudiendo crear y distribuir su obra de una manera fácil, rápida y asequible. Las comunicaciones y en especial Internet ha facilitado el trabajo a larga distancia, pudiendo prescindir del desplazamiento del artista al taller de impresión, sin que por ello pierda el control sobre su trabajo. Nace una nueva generación de creadores digitales, que utilizan el ordenador como herramienta para manipular y alterar su arte basado en capturas fotográficas, creando arte con fórmulas fractales y matemáticas, produciendo nuevas formas de arte múltiple capaz de combinar muy diferentes medios.

En este contexto nace Photographica 09, como una decidida apuesta por la fotografía contemporánea desde la dirección de la Feria Estampa como plataforma de arte múltiple, que quiere dar apoyo y reconocimiento a las galerías de arte, auténticas embrionarias del mercado del arte. El comité técnico de la feria ha seleccionado 15 obras que representan el panorama actual de la fotografía como arte, mostrando sus derivaciones e incursiones en otros campos como la infografía y la manipulación gráfica, exponiendo la frágil barrera que débilmente delimita la fotografía de la gráfica, la copia fotográfica de la estampa digital.

Digital photo prints have quickly cornered traditional media due to a large number of advantages, from cost advantages –printing is linked to demand without having to carry out the entire batch, ensuring the consistency of a copy made today with another one made in ten years from now– to the storage of originals, since digital media takes up little space and offers higher durability. Moreover, one can produce works of a size unthinkable to date due to its complexity and very elevated cost. Currently, large-size digital copies are produced on a very varied range of high-quality papers, with the artist having absolute control over them.

Digital revolution has created new opportunities for photographers, artists, and image creators, as it allows them to create and distribute their work in an easy, fast, and affordable way. Means of communication, and particularly the Internet, have facilitated the possibility to work remotely, as they have eliminated the need for the artist’s personal presence at the printing studio without him losing control over his work. This gives way to a new generation of digital creators who use computers as a tool for managing and changing their art based on photo shots; thus, creating art with fractional and mathematical formulas, and producing new multiple art forms capable of combining very different media.

In this context, PhotoGraphica 09 emerges as a resolute support for contemporary photography from the Estampa’s management team. Estampa is a multiple art form platform that is geared towards providing support and recognition to art galleries, the actual incubators of the art market.

The technical committee of the Fair has selected 15 works that represent the current panorama of photography as art, showing its derivations from and incursions on other fields such as infography and graphic manipulation, and exposing the fragile boundaries that faintly separate photography from graphics, and the photo print from the digital image.

El proyecto, que nace con espíritu de convertirse en referencia anual, está apoyado tecnológicamente por Taller Digigráfico y Epson. La obra seleccionada se ha producido especialmente para la feria bajo los parámetros antes expuestos de Digigraphie, en los laboratorios que Taller Digigráfico tiene en Madrid.

This project has been conceived with a view to becoming an annual referent, and receives technological support from Taller Digigráfico and Epson. Following the aforementioned Digigraphie parameters, the selected work has been specifically produced for this Fair in the laboratories that Taller Digigráfico owns in Madrid.

La evolución tecnológica muestra un futuro apasionante que todo artista debería aprovechar, sin olvidar que las decisiones estéticas seguirán siendo del artista.

Technological evolution shows us a future that every artist should benefit from, without forgetting that the aesthetic decisions will still lie with the artist.

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Juan Baraja Rodríguez

galería_gallery: Photo Gallery 20 71

sin Título (serie_series: Fuera de escena), 2009. Lambda sobre Dibond Lambda print on Dibond. 80 x 80 cm.

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Mawashi Geri

galería_gallery: Inés Barrenechea Zoo, 2007. Digigraphie, Epson Tradicional Photo Paper sobre Dibond Digigraphie, Epson Tradicional Photo Paper on Dibond. 70 x 100 cm

72

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Fernando Bayona GonzĂĄlez galerĂ­a_gallery: 3 punts

73

La muerte de Gunn, 2009. Digigraphie, siliconado Plexigallery uV brillo sobre Dibond Digigraphie, gloss PlexiGallery UV silicon mounted on Dibond.. 140 x 100 cm.

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Badri Lomsianidze

galerĂ­a_gallery: Alexandra Irigoyen La Caida de los Dioses, 2009. Digigraphie, siliconado Plexigallery uV mate sobre Dibond Digigraphie, matte PlexiGallery UV silicon mounted on Dibond. 150 x 100 cm

74

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David Jiménez

galería_gallery: La Fábrica Photogalería 75

México 2007, 2007. Digigraphie, Epson Tradicional Photo Paper sobre Dibond Digigraphie, Epson Tradicional Photo Paper on Dibond. 150 x 100 cm

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Jose Luis santalla

galerĂ­a_gallery: Blanca soto Arte Recuerdo de tu esposa, 2005. Digigraphie, siliconado Plexigallery uV brillo sobre Dibond Digigraphie, gloss PlexiGallery UV silicon mounted on Dibond. 100 x 150 cm.

76

(D7) photographica 09

Silvia Gruner

galería_gallery: La Caja Negra 77

Un Chant d’Amour, 2005. Impresión digital_Digital Print. 90 x 120 cm

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Marcos Morilla

galería_gallery: Esquina Arte Contemporáneo sin título, 2009. Digigraphie, siliconado Plexigallery uV mate sobre Dibond Digigraphie, matte PlexiGallery UV silicon mounted on Dibond. 150 x 62 cm.

78

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soledad Córdoba

galería_gallery: Blanca Berlín Galería 79

En el silencio, 2009. Fotografía digital siliconada sobre Plexi gallery uV de 3 mm y montada sobre Dibond de 3 mm.

Digital Photograph, 3 mm Plexi Gallery silicon mounted on 3mm Dibond. 65,26 x 150 cm

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Roger Guaus

galería_gallery: Galeria sicart Living La Bleda #1, 2009. Fotografía BN, Digigraphie, Epson Tradicional Photo Paper sobre Dibond B&W Photograph, Digigraphie, Epson Tradicional Photo Paper on Dibond. 100 x 140 cm.

80

Ellen Kooi

galer铆a_gallery: Camara Oscura 81

Ophelia, 2006. Enduraprint, Plexiglass, Reynobond. 77 x 145 cm Edici贸n de 10 ejemplares + 2 PA_Print run of 100 copies + 2 AP

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Cecilia de Val

galerĂ­a_gallery: spectrum sotos The dreamer (serie_series: El otro reino), 2008. FotografĂ­a digital siliconada sobre Plexi gallery uV de 3 mm y montada sobre Dibond de 3 mm_Digital Photograph, 3 mm Plexi Gallery silicon mounted on 3mm Dibond. 100 x 123 cm

3 Punts galeria (D8) (p. 86)

galería glamart-DKs (B16) (p. 134)

a cuadros (C12) (p. 88)

galería José Rincón (D5) (p. 136)

Apart Edicions / Obra Recent (E6) (p. 90)

galería La Caja Negra (C7) (p. 138)

Aperture Foundation / Canopia (C9) (p. 92)

galería Maes (B11) (p. 140)

Arte Privado, galería de Arte (E5) (p. 94)

galería MDA (B10) (p. 142)

Arteinversión (D3) (p. 96)

galería Mikel Armendia (B8) (p. 144)

Artelandia.com - grabados-Chillida.com (B7) (p. 98)

galería Múltiple (C3) (p. 146)

Benveniste Contemporary (B2) (p. 100)

galería O+O gestión Cultural (E3) (p. 148)

Blanca Berlín galería (B3) (p. 102)

galería Quorum (E8) (p. 150)

Blanca soto Arte (C8) (p. 104)

galería Rina Bouwen (B5) (p. 152)

Camara Oscura galería de Arte (C6) (p. 106)

galería standarte (E1) (p. 154)

Capa (E11) (p. 108)

La Carbonería –Espacio de Arte– (D10) (p. 156)

Carmen de la Calle (B4) (p. 110)

Lorenart (E12) (p. 158)

Casa Falconieri (D6) (p. 112)

Multiplicidad (C2) (p. 160)

Círculo de Arte (D2) (p. 114)

Nuevoarte (C11) (p. 162)

Danag’art Production (B9) (p. 116)

Obra Gráfica Original (D4) (p. 164)

Editorial Fuentemolinos / galería Rodrigo Juarranz (D1) (p. 118)

PgD Ediciones de Arte (B14) (p. 166)

Editorial Hispánica de Bibliofilia (E9) (p. 120)

Photo gallery 20 (C1) (p. 168)

El Almez - El Lledoner (E16) (p. 122)

PHotogaleria (C5) (p. 170)

Eskulan (E14) (p. 124)

set Espai d’Art (B12) (p. 172)

Esquina Arte Contemporáneo (C4) (p. 126)

spectrum sotos (B6) (p. 174)

Estamparte (D12) (p. 128)

Taller 2/69 s.L. (E10) (p. 176)

Factoría Compostela / C5 colección (C10) (p. 130)

Taller de las Vistillas (E7) (p. 178)

galería Estampa (B1) (p. 132)

Taller del Prado (E4) (p. 180)

galerĂ­as y editoras galleries and editors

Galerías y editoras Galleries and editors

dirección_management: Javier López / Eduardo Duran creación_foundation: 1994

Aribau, 75. 08036 Barcelona (España) t. +34 93 451 23 48 / f. +34 93 451 23 48 galleria@3punts.com www.3punts.com

Fernando Bayona sumisión ante Gunn (serie_series: Once Upon a Time), 2008/09. Papel químico montado en aluminio_Chemical paper mounted on aluminum. 140 x 100 cm. Edición de 5 ejemplares_Print run of 5 copies.

86

D8 3 Punts galeria

artistas_artists Fernando Bayona Paola de grenet José Hernández Mark Laita Janelle Lynch gerard Mas Efraïm Rodriguez samuel salcedo

samuel salcedo 87

Real people, 2009. Resina de poliuretano policromada_Polychromed polyurethane resin 52 x 15 x 15 cm. Edición de 6 ejemplares_Edition of 6 examples.

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Fernando García Ortega

Augusto Figueroa, 41.

28004 Madrid (España) t. +34 91 521 99 70 / f. +34 91 527 87 36 informacion@a-cuadros.com www.a-cuadros.com

dirección_management: Carlos Velasco creación_foundation: 1992

artistas_artists Paco Aguilar Ana Alberca Pavel Albert Marina Anaya Iván Araujo Marie Beyou Christian Bozón Lidia Buente Joaquín Capa

serie_Series: Interiores, 2009. Técnicas aditivas y collage_Additive techniques and collage.

Edición de 15 ejemplares + 1 PA_Print run of 15 copies + 1 AP.

Danielle Creenaune Pablo Casado Olvido Castillo Narciso Echevarría Valentín Erausquin Andrea Fernández Hilda Fuchs gloria gallego Yaiza garcía Diana giménez

88

C12 a cuadros

germán gómez Inés gonzález Fernando garcía Ortega Belén gonzalo Carmen Herrero María Herreros sonia Higueras Mario Marini Ana Matías Erik Kirksaether

89

gabriel Moreno Alessandro Nocentini Merche Olcina Beatriz Palomero susana Peses Eva Poyato Alessandro Reggioli Juan Manuel Reyes Arún Roy Javier Roz

Wenceslao Robles gloria santacruz Roser sales Isabel salvador Paulino santos Cristina sicilia Carmen Torrego Mar Torrego Moisés Yagües Jean Pierre Tanguy

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dirección_management: Jordi Vilella creación_foundation: 1999 Marí, 23. 08032 Barcelona (España) t. +34 93 420 38 26 / f. +34 93 420 38 26 lapalmera@apartedicions.com www.apartedicions.com

E6 Apart Edicions

artistas_artists Marta Dansa Jordi Fontelles Josep Moscardó Ramón Moscardó Marcos Palazzi Jordi santacana Anna solanilla Jaume Roure

Josep Moscardó Plaza Dr. Andreu, 2009. serigrafía 9 Tintas_9-ink Silk-screen. Papel_Paper: somerset. 300 gr. 39 x 43 cm.

Estampado en_Printed at: Taller La Palmera.

Editado por_Published by: Apart Edicions. Barcelona.

Edición de 99 ejemplares + 10 PA + 10 HC_Print run of 99 copies + 10 AP + 10 HC.

90

dirección_management: sylvie Lourenço creación_foundation: 2002

Pasaje Can Xurroia, 4.

08348 Cabrils, Barcelona (España) t. +34 93 753 39 81 / f. +34 93 753 39 81 obrarecent@hotmail.com www.didierlourenco.net

E6 Obra Recent

Didier Lourenço 91

VA, 2009. Litografía 7 tintas_7-ink Lithograph. 90 x 60 cm.

Editado por_Published by: Obra Recent, s.L. Edición de 75 ejemplares + 10 PA_Print run of 75 copies + 10 AP.

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dirección_management: Juan garcía de Oteyza / Elena Navarro creación_foundation: 1952/2001

547 W. 27th st. 4th Fl, 10001 NY (EE uu) Orellana 6, 4º Izq. 28004 Madrid (España) t. +212 505 5555 / + 34 91 700 13 55 f. +212 979 7759 / + 3491 319 64 85 info@aperture.org info@canopiagestion.com www.aperture.org / www.canopiagestion.com

Eugene de salignac Vista del Manhattan Bridge desde la calle Washington, Nueva York 1908.

92

C9 Aperture Foundation / Canopia

artistas_artists Paul strand Edward steichen Alfred stieglitz Robert Capa Dorothea Lange W. Eugene smith Eugene de salignac Robert Adams Martin Parr Michael Wolf Jock sturges Joel Meyerowitz sebasti達o salgado Walter Martin & Paloma Mu単oz Thomas Ruff Eikoh Hosoe zwelethu Mthethwa

Augustus F. sherman 93

Hermanos holandeses de la isla de Marken, Nueva York 1905-1920.

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dirección_management: Arq. silvia guidotti / Alfredo Pérez creación_foundation: 1991

Manuel Dorrego, 26.

2000 Rosario (Argentina) t. +54 341 425 0237 / 447 2203 f. +54 341 155-865175 arteprivadogalería@hotmail.com arteprivadogaleria@argentina.com www.arteprivadogaleria.blogspot.com

Lidia Beiza sin Título , 2009. Técnica mixta_Combined technique. 191 x 191 cm.

94

E5 Arte Privado, galería de Arte

artistas_artists Belén Alegre Lidia Beiza Irene Bogo gloria gomez Calcerrada Joaquín Capa

Consuelo Cardenal Olga Castro Adrián Domínguez Nicole Herzog Mirtya Huizzi Néstor Alberto Iaderosa

Alicia Martín Pozuelo Enrifortiz Ana Rojas Paulino Lorenzo Tardón María Vera José María de la Rubia Tejeda

Consuelo Cardenal 95

Belleza Neo-Povera IV (serie_series: Lonas), 2009. Impresión sobre aluminio_Printing on aluminium. 50 x 50 cm.

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dirección_management: Juan Pablo Alonso / Paula Alonso creación_foundation: 2000

Isabel II, 24.

28660 Boadilla del Monte, Madrid (España) t. +34 91 632 53 58 / f. +34 91 632 53 59 contacto@arteinversion.com www.arteinversion.com www.clubdelgrabado.com

Luis Vioque Fuerteventura, 2009. Fotografía_Photograph. gelatino clorobromuro al sulfuro_Chlorobromide gelatin with sulphur.

35 x 100 cm.

96

D3 Arteinversión

artistas_artists Rosell Mesenger Javier Aranguren Luis Vioque José Manuel Ciria Pedro Castrortega Jorge Varas gilfer Rosa Rubio David de Almeida Luis Fega Paula Rubio Infante Méndez Lobo Antoni Miró Hernández Mompó Pablo Picasso José guerrero Eduardo Úrculo Rafael Canogar Eduardo Chillida Antoni Tapies

Rosell Meseguer 97

Maryland, 2009. Cianotipia sobre papel (técnica fotográfica)_Cyanotype on paper (photographic technique).

50 x 100 cm. Ejemplar único_Single copy.

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dirección_management: Agustín Ruiz Coca creación_foundation: 1992

Paseo de la Castellana, 150 3ºD. 28046 Madrid (España) t. +34 91 457 43 18 / +34 667 431 057 f. +34 91 457 27 32 grabados-chillida@grabados-chillida.com artelandia@artelandia.com www.grabados-chillida.com www.artelandia.com

Eduardo Chillida Leizaran, 1987. Aguafuerte_Etching. 99 x 64 cm Edición de 50 ejemplares, numerados y firmados_Print run of 50 copies, numbered and signed.

98

B7 Artelandia.com / grabados-Chillida.com

artistas_artists Eduardo Chillida Miquel Barceló Antoni Tàpies Faile Julian Opie Equipo Crónica Joan Miró salvador Dalí Antonio saura Christo Alex Katz Keith Haring Roy Lichtenstein Manolo Valdés sol Lewitt Ignacio Fernández del Amo

Faile 99

Everything Under The Sky, 2009. Acrílico y serigrafía_Acrylic and silk-screen. 96,5 x 63,5 cm. Papel_Paper: Lenox.

Edición de 20 ejemplares, numerados y firmados_Print run of 20 copies, numbered and signed.

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dirección_management: Margarita gonzález / Dan Albert Benveniste creación_foundation: 2006

Fernanflor, 6.

28014 Madrid (España) t. +34 91 369 29 88 / f. +34 91 369 51 08 bcpp@benveniste.com www.benveniste.com

Pat Andrea Headlines, III, 2009. Fotograbado y chine collé_Photogravure and chine collé. 1 Plancha de 24 x 32 cm_1 Plate of 24 x 32 cm. Papel_Paper: somerset, 310 gr. 38, 5 x 50 cm. Edición de 9 ejemplares_Print run of 9 copies.

Editado por_Published by: Benveniste Contemporary, Madrid Estampado en_Printed at: Benveniste CP&P, Madrid

100

B2 Benveniste Contemporary

artistas_artists guido Anderloni Pat Andrea Tom Bell Jacobo Castellano Federico guzmán Diango Hernández Britt Juul Abraham Lacalle Miki Leal geoff MacEwan sean Mackaoui Rita McBride Xisco Mensua glen Rubsamen Ann-Sofi Sidén Alison Wilding Troels Wörsel

Geoff MacEwan Husks, IV, 2008. Punta seca_Dry point. Plancha_Plate:20 x 17 cm.

Papel_Paper: Hahnemühle, 350 gr. 35 x 31 cm. Edición de 9 ejemplares_Print run of 9 copies.

101

Editado por_Published by: Benveniste Contemporary, Madrid Estampado en_Printed at: Benveniste CP&P, Madrid

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dirección_management: Blanca Berlín creación_foundation: 2007

Limón, 28. 28015 Madrid (España) t. +34 91 542 93 13 / 607 79 40 76 f. +34 91 542 93 13 galeria@blancaberlingaleria.com www.blancaberlingaleria.com

Jaime Compairé El mercader de sedas. Técnica mixta sobre lienzo_Combined technique on canvas. 112 x 112 cm.

Edición de 5 ejemplares_Print run of 5 copies.

102

B3 Blanca Berlín galería

artistas_artists Beatriz Moreno Beatriz Romero Castro Prieto Ernesto Arroyo Isabel Muñoz Jaime Compairé José María Mellado Michele Maurin Ouka Leele Peter Müller Peter Pilar Pequeño Ramón Masats soledad Córdoba sylvia Plachy Toni Catany Veru Iché

soledad Córdoba 103

S/t Ingrávida, 2005. serie de 4 fotografías_Series of 4 Photographs. 84 x 126 cm c/u_each.

Edición de 5 ejemplares + 1 PA_Print run of 5 copies + 1 AP.

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dirección_management: Blanca soto creación_foundation: 2000

Alameda, 18. 28014 Madrid (España) t. +34 91 402 33 98 f. +34 91 360 09 82 marta@galeriablancasoto.com www.galeriablancasoto.com

Paula Anta Faunia02 (serie_series: Geografías Nocturnas), 2008. C-print. 30 x 70 cm.

Edición de 3 ejemplares + 1PA_Print run of 3 copies + 1AP.

104

C8 Blanca soto Arte

artistas_artists José Luis santalla Paula Anta Hendrik Kerstens Michael Wesely & Lina Kim Imanol Marrodán PsJM

José Luis santalla 105

sin título, 2006. 30 x 68 cm. Edición de 10 ejemplares + 2 PA_Print run of 10 copies + 2 AP.

Galerías y editoras Galleries and editors

dirección_management: Juan Curto creación_foundation: 2007

Alameda, 16 1ºB 28014 Madrid (España) t. +34 91 429 17 34 / f. +34 91 429 17 34 info@camaraoscura.net www.camaraoscura.net

Nanna Hänninen Townhall of Kuopio (breathing) (serie_series: New Landscapes) 2005. C-Print, Diasec. 110 x 140 cm Edición de 5 ejemplares + 1 PA_Print run of 5 copies + 1 AP.

106

C6 Camara Oscura galería de Arte

artistas_artists Nanna Hänninen Johann Ryno de Wet Cecilia de Val

Cecilia de Val 107

The dreamer (serie_series: El otro reino), 2008. Lambda print. 100 x 123 cm y 75 x 90 cm.

Edición de 5 ejemplares + 2 PA_Print run of 5 copies + 2 AP.

Galerías y editoras Galleries and editors

dirección_management: Amparo López Corral creación_foundation: 1995

Claudio Coello, 19.

28001 Madrid (España) t. +34 91 431 03 65 f. +34 91 431 03 65 galeriamadrid@capaesculturas.com www.capaesculturas.com

XFLAsH <J.Gil Fernández> De Fluidos, 2009. Videoanimación digital color, acero inoxidable, metacrilato y LCD_Digital colour video animation, stainless steel, methacrylate and LCD. 140 x 70 x 20 cm – 7’.

108

E11 Capa

artistas_artists José Manuel Bouzas Pedro Fuentes Fanny galera XFLAsH <J.gil Fernández> José Luis gutiérrez

Rafael Jiménez Jaén santiago López Julio Murciego guillermo summers Emilio Velilla

Fanny Galera 109

Te estoy esperando. Hierro_Iron. 160 x 60x 20 cm.

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dirección_management: Carlota Juárez Briones

Conde de Xiquena, 5-7.

28004 Madrid (España) t. +34 91 523 54 41 www.galeriacarmendelacalle.es info@galeriacarmendelacalle.es

David Escalona El delirio de Darwin, 2009. Acuarela sobre papel_Watercolor on paper. 245 x 140 cm

110

B4 Carmen de la Calle

Rosa Basurto 111

Paisajismos 1, 2009. Copia RC brillo siliconada_Copy on RC Glossy Paper with silicon. 50 cm diรกmetro_50 cm diameter.

Galer铆as y editoras Galleries and editors

direcci贸n_management: gabriela Locci creaci贸n_foundation: 1980

Via Lagrange, 6.

09129 Cagliari, sardegna (Italia) t. +39 070 742 343 / +39 347/1095801 f. +39 070 742 343 casafalc@tiscali.it / info@casafalconieri.it www.casafalconieri.it

Gabriella Locci Mappa dello stagno, 2009. Carborundum, punta seca, berceau y aquatinta sobre cobre _Carborundum, dry point, berceau, aquatint on copper. 171 x 140 cm. Copia 煤nica_Single Copy

112

D6 Casa Falconieri

artistas_artists Antonello Cuccu Paola Dessy Elisabetta Diamanti Angelino Fiori gabriella Locci Roberto Puzzu giovanna secchi

Elisabetta Diamanti 113

Ricercare BN, 2006. Técnica calcográfica sobre lino e hilo de color _Intaglio technique on linen and color thread.

143 x 79 cm. Copia única_Single Copy

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dirección_management: Hans Meinke creación_foundation:1994

Princesa, 52. 08003 Barcelona (España) t. +34 93 268 88 20 / f. +34 93 319 26 51 info@circulodelarte.com www.circulodelarte.com

Fernando Bellver Bailando con la muerte, 2009. Aguafuerte iluminado a mano_Hand-iluminated etching. 96 x 96 cm.

Edición de 50 ejemplares, numerados y firmados_Print run of 50 copies, numbered and signed.

114

D2 Círculo del Arte

artistas_artists Fernando Bellver Hugo Fontela José Hernández El Roto Alberto gironella Arnau Alemany

Alberto Gironella 115

Nietzsche II, 1999. grabado al azúcar_Sugarlift. 24,5 x 19,5 cm. Papel_Paper: Molí Ca l’Oliver, 45 x 36 cm.

Edición de 70 ejemplares, numerados_Print run of 70 copies, numbered.

Galer铆as y editoras Galleries and editors

direcci贸n_management: Papa gora seck

unite 8 N 205 (senegal) t. +00221 77 516 76 74 danagartproduction@yahoo.fr www.geuz.ifrance.com

Papa arfang bahingue sagna Le savant, 2009. gravado en papel_Engraving on paper. 70 x 40 cm.

116

B9 Danag’art Production

artistas_artists Mouhamadou Mansour Cheikh Issa Leye Moustapha Kane Mamadou Diouf Modou Toure Yaya Ba Allassane sylla El Hadji Cheikh Dioum

El hadji thiam kane 117

l’avenir de l’enfant, 2009. gravado en papel_Engraving on paper. 70 x 40 cm.

Galerías y editoras Galleries and editors

Viriato 65 7º Ida. 28010 Madrid (España) t. f. +34 91 448 36 30 fuentemolinos@fuentemolinos.com

D1 Editorial Fuentemolinos

artistas_artists Mit Borrás Antonio Jiménez Luis Moro Cristina Moroño Cristóbal Olmedo María Oriza

Cristina Moroño Nudes 1, 2006. Impresión digital sobre metacrilato en primer plano. En segundo plano aguafuerte y collage en papel japonés.

Composición final en forma de caja_Digital print on methacrylate for close-up. For background, etching and collage on japanese paper. Final composition shaped in a box. 72 x 51 cm.

118

dirección_management: Rodrigo Juarranz

artistas_artists Clavé Mit Borrás Antonio Jiménez Luis Moro Cristina Moroño Cristóbal Olmedo María Oriza Plensa Tàpies Manolo Valdés Vasarely

119

Isilla, 3. Planta sótano 09400 Aranda de Duero, Burgos (España) t. +34 659 19 25 89 contacto@rodrigojuarranz.com www.rodrigojuarranz.com

D1 galería Rodrigo Juarranz

Cristina Moroño Nudes 2, 2006. Impresión digital sobre metacrilato en primer plano. En segundo plano aguafuerte y collage en papel japonés.

Composición final en forma de caja_Digital print on methacrylate for close-up. For background, etching and collage on japanese paper. Final composition shaped in a box. 60 x 60 cm.

Galerías y editoras Galleries and editors

dirección_management: Angel de las Heras Pérez creación_foundation: 1980

Av. Alfonso XIII, 109 Bajo Izq 28016 Madrid (España) t. +34 91 327 12 13 / f. +34 91 304 44 05 info@galeriahispanica.es www.galeriahispanica.es

Manolo Valdés Perfil VII, 2009. Aguafuerte, aguatinta y collage_Etching, aquatint and collage. 170 x 130 cm.

Edición de 50 ejemplares + 5 PA_Print run of 50 copies + 5 AP.

120

E9 Editorial Hispánica de Bibliofilia

artistas_artists Manolo Valdés Agustín Redondela Rafael Canogar Joan Miró Antoni Tàpies Antonio Clavé Pablo Palazuelo Juan uslé Eduardo Chillida Menchu gal Rafols Casamada Eduardo Naranjo José guinovart Lucio Muñoz Joaquín Capa Pablo Picasso Mercedes R. Elvira Aitor urdangarín Venancio Blanco Manolo Valdés silvino Poza

Joan Miró 121

La Arpía, 1969. Aguafuerte, aguatinta y carborundum_Etching, aquatint and carborundum. 94 x 69 cm.

Edición de 75 ejemplares_Print run of 75 copies.

Galerías y editoras Galleries and editors

dirección_management: Antonio M. gonzález Martín creación_foundation:1983

Raval de les Cases Noves, 9.

17137 Viladamat, girona (España) t. +34 97 278 83 70 / f. +34 97 278 83 70 antonio@ellledoner.com www.ellledoner.com

Elena Laura Terra, 2008. Aguafuerte, aguatinta a la resina, linóleo, 3 planchas de zinc, 3 planchas de linóleo _Etching, aquatint with resin, linoleum, 3 zinc plates, 3 linoleum plates. 44 x 40 cms.

Edición de 29 ejemplares_Print run of 29 copies.

122

E16 El Almez - El Lledoner

artistas_artists Elena Laura gudrun Ewert Lola Catalá Miguel Ruíz-Poveda Noemí gómez Posada Marina Olalla Marqués Esperanza gonzález Perlado

Elena Laura 123

Generalife. Acequias de luz, 2009. serigrafía_Silk-screen. 56 x 81 cms Edición de 30 ejemplares_Print run of 30 copies.

Galerías y editoras Galleries and editors

dirección_management: Javier Viñaras creación_foundation:1983

Apolo, 31.

20150 Villabona, guipúzcoa (España) t. +34 943 69 34 88 / f. +34 943 69 17 12 eskulan@hotmail.com www.eskulan.com

Gregori Valero Flors d’ombres, 2009. Aguafuerte y Aguatinta sobre papel Eskulan_Etching and aquatint on Eskulan paper.

22 x 22 cm. Edición de 50 ejemplares_Print run of 50 copies.

124

E14 Eskulan

artistas_artists gregori Valero

125

Galerías y editoras Galleries and editors

dirección_management: Adrián Piera sol creación_foundation: 2009

Almadén, 19. 28014 Madrid (España) t. +34 91 311 20 58 info@galeriaesquina.com www.galeriaesquina.com

Pablo Maojo salsa de pescado para el señor malhumorado, 2009. serigrafía_Silk-screen. 38 x 55 cm.

Edición de 50 ejemplares_Print run of 50 copies..

126

C4 Esquina Arte Contemporáneo

artistas_artists Luis Caruncho Pablo Maojo Marcos Morilla Ricardo B. sánchez Olimpia Velasco

Marcos Morilla 127

sin título, 2008. Fotografía_Photograph. 118 x 110 cm.

Edición de 5 ejemplares_Print run of 5 copies.

Galerías y editoras Galleries and editors

dirección_management: Alicia Hernanz creación_foundation: 2005

Alburquerque, 5. 28010 Madrid (España) t. +34 91 446 37 58 info@estamparte.com www.estamparte.com

MasauR sólo una parte de tus sueños I (XX), 2009.

Obra seleccionada en la III Bienal Iberoamericana de Obra Gráfica Ciudad de Cáceres-2016 Selected work at the III Iberoamerican Biennial of Graphic Work City of Cáceres-2016 Aguatinta, litografía, xilografía y chine collé_Aquatint, lithography, woodcut and chine collé. 75 x 55 cm.

Papel_Paper: Aquari + lokta. Edición de 10 ejemplares_Print run of 10 copies.

128

D12 Estamparte

artistas_artists MasauR M. E. santiso Enric Bardera María Verdugo Althöfer María Bejarano Jens Jaeger Marta sanz

M. E. santiso 129

sin mirar atrás, 2009. Litografía, xilografía y cosido_Lithography, woodcut and sewing. 100 x 70 cm. Papel_Paper: BFK Rives.

Galerías y editoras Galleries and editors

dirección_management: Concha Fontenla san Juan creación_foundation: 2003

Rúa da Conga, 9. 15704 santiago de Compostela, A Coruña (España) t. +34 981 55 78 53 / f. +34 981 55 78 53 info@factoriacompostela.com www.factoriacompostela.com

Manuel sendón sin título (serie_series: Derradeira sesión), 2009.

Fotografía digital en caja de luz_Digital Photography in a light box. 100 x 100 cm.

130

C10 Factoría Compostela / C5 colección

artistas_artists Ana DeMatos Félix Fernández Mónica Fuster Fran Herbello Yolanda Herranz Antía Moure Jesús Pastor Manuel sendón Olaia sendón sergio sotomayor David Trujillo

Jesús Pastor 131

Pensando en Leibniz nº 5 (díptico_diptych), 2009.

Lambda, Dibond y metacrilato._Lambda, Dibond and methacrylate. 125 x 265 cm.

Galerías y editoras Galleries and editors

dirección_management: Manuel Cuevas creación_foundation: 1978

Justiniano, 6. 28004 Madrid (España) t. +34 91 308 30 30 info@galeriaestampa.com www.galeriaestampa.com

Zhou Wendou sin título, 2009. Técnica Mixta_Combined technique.

132

B1 galería Estampa

artistas_artists Rosa Basurto Ramiro Fernández saus Juan Ángel gonzález sara Huete Luis Mayo guillermo Pérez Villalta zhou Wendou

Juan Ángel González 133

Curioso Conejo, 2009. Técnica Mixta/Papel_Combined technique/Paper. 103 x 140 cm.

Galerías y editoras Galleries and editors

dirección_management: Rosa sánchez Carril creación_foundation: 1995

Pintor Vera Fajardo, 20 bajo.

01008 Vitoria, Alava (España) t. +34 94 520 00 25 / 657 797 218 f. +34 94 520 00 25 galeriadks@hotmail.com

Dukessa Universo X, 2009. Collagraph sobre collage_Collagraph on collage. 26 x 26 cm. Editor_Publisher: galería glamart-DKs. Edición de 5 ejemplares_Print run of 5 copies..

134

B16 galería glamart-DKs

artistas_artists Amadeo gabino Arroyo Barjola Canogar Capa Chillida Clavé Concha Corral Dalí Dukessa Equipo Crónica guinovart Jenifer Carey José Trobo José A. Andrés Vera Lindner Lucio Muñoz Maite de la Parte Matta Miró Naranjo Paciel gonzález Palazuelo Pedro Carrasco saura sofía Reina sonia Delaunay Tapies Valdés

Chillida 135

La nuit, 1976-1995. grabado_Engraving. Editor_Publisher: A.C.P.Y., France.

Galerías y editoras Galleries and editors

dirección_management: José Rincón creación_foundation: 2002

Valverde 39, Bajo Izq. 28004 Madrid (España) t. +34 665 602 704 www.grabado-joserincon.com

Garcinuño sin título. grabado en relieve sobre polímero_Embossed engraving on polymer. 76 x 56 cm. Papel_Paper: Velin Arches.

136

D5 galería José Rincón

artistas_artists José P. garcinuño Pilar Capulino José Castellanos Milagros garcía Mercedes Andreu David Ortega José Ramón Llonis Paca zaballos

Milagros García 137

En la mesa, 2009. Linografía_Linocut. Papel_Paper: Hahnemühle.

Plancha_Plate: 31 x 31 cm. Papel_Paper: 55 x 43 cm.

Galerías y editoras Galleries and editors

dirección_management: Fernando Cordero de la Lastra Raul Cocero Matesanz creación_foundation: 1998

Fernando VI, 17 - 2º Izq 28004 Madrid (España) t. +34 91 310 43 60 / f. +34 91 308 72 38 info@lacajanegra.com www.lacajanegra.com

Luis Gordillo Alma de flor B (serie_series: Archipiélago), 2009. serigrafía_Silk-screen. 70 x 100 cm.

Edición de 50 ejemplares_Print run of 50 copies.

138

C7 galer铆a La Caja Negra

artistas_artists Roland Fischer Luis gordillo silvia gruner Jan Hendrix Anish Kapoor Edgar Martins Liliana Porter Richard serra

Anish Kapoor 139

shadow II, 2008. Aguafuerte_Etching. 49 x 65 cm. Edici贸n de 35 ejemplares_Print run of 35 copies.

Galer铆as y editoras Galleries and editors

direcci贸n_management: Maria Luz Pascual creaci贸n_foundation: 1998

Doctor Vallejo, 5. 28027 Madrid (Espa帽a) t. +34 91 368 07 96 / f. +34 91 368 07 96 galeriamaes@telefonica.net www.galeriamaes.com

Arun Roy AR-02. Aguafuerte y aguatinta_Etching and aquatint. Papel_Paper: 72 x 83 cm. Plancha_Plate: 47 x 60 cm.

140

B11 galería Maes

artistas_artists Artigasplanas Isabel Tallos Javier Redondo Pepe Aznar Arun Roy Carmen garcía suarez Pilar garcía Abril Rufa Fernandez Orallo shu Chuan Lee Luz gonzález de la Torre Concha Ávila Armando Arenillas

Isabel Tallos 141

Claudias. gelatina de plata sobre Kodak Endura_Silver gelatin on Kodak Endura paper. 100 x 130 cm.

Galerías y editoras Galleries and editors

dirección_management: Miguel de Agustin creación_foundation: 1991

Fågelsångsgatan, 3.

25220 Helsingborg, skåne (suecia) t. +46 70 5902038 galleri.mda@telia.com www.gallerimda.com

Antoni Tapies AT, 1985. gravado_Engraving. Edición de 99 ejemplares_Print run of 99 copies.

142

B10 galería MDA

artistas_artists Eduardo Chillida Antoni Tàpies Pablo Palazuelo sean scully Joan Miró serge Poliakoff Andy Warhol Pablo Picasso Jaume Plensa Antoni Clave Toni Cragg Jacob Dahlberg Andreas Eriksson Mikael Fagerlund Marika Mäkelä Per Enoksson Kjell Nupen Magne Furuholmen

Pablo Palazuelo 143

Alborada, 1952. Litografía_Lithograph. Edición de 100 ejemplares_Print run of 100 copies.

Galerías y editoras Galleries and editors

dirección_management: Mikel Armendia creación_foundation: 2005

Plaza Conde Rodezno, 6 bajo.

31004 Pamplona, Navarra (España) t. +34 948 248 885 / +34 670 357 324 galeria@mikelarmendia.com miguelarmendia@hotmail.com www.mikelarmendia.com

Antoni Tapies Peu Roig (Pie rojo), 1983. Aguafuerte y carborundum en varias tintas y collage de papel negro.

Etching and carborundum in various inks and black paper collage. 56 x 76 cm.

Edición de 75 ejemplares_Print run of 75 copies.

144

B8 galería Mikel Armendia

artistas_artists Víctor Arrizabalaga Jordi Alcaraz Miquel Barceló Eduardo Chillida Hernández Pijuan Christo Javacheff Pablo Palazuelo Jaume Plensa Javier Muro Joan Miró Pablo Picasso Antoni Tapies Manolo Valdés Víctor Vasarely Tom Wesselmann

Miquel Barceló 145

Hombre Ivre (Hombre ebrio), 1983. Litografía en varios colores_Lithograph in various colours.

48 x 70 cm. Edición de 75 ejemplares_Print run of 75 copies.

Galerías y editoras Galleries and editors

dirección_management: Ramón gonzález Marazuela creación_foundation: 2005

santa Teresa, 10.

28004 Madrid (España) t. +34 91 319 98 69 info@galeriamultiple.com www.galeriamultiple.com

Pablo Picasso sueño y Mentira de Franco, 1937. Aguafuerte y aguatinta_Etching and aquatint. 38 x 57 cm.

Edición de 850 ejemplares_Print run of 850 copies.

146

C3 galería Múltiple

artistas_artists Miquel Barceló Don Herbert Joan Hernández Pijuan Jacinto Moros Lucio Muñoz Pablo Palazuelo Pablo Picasso unai san Martín Antonio saura santiago serrano José Luis zumeta

José Luis Zumeta 147

Oi! Bihotz Ay! Corazón Oh! Heart! (Libro de Artista_ Artist’s book), 2009. 38 serigrafías_38 Silk-screen. 36 x 31 cm.

Edición de 150 ejemplares_Print run of 150 copies.

Galerías y editoras Galleries and editors

dirección_management: Enriqueta Hueso creación_foundation: 2007

Francisco Martínez 34-36 Bajos 46020 Valencia (España) t. +34 96 133 64 49 / +34 639 990 392 omasoart@gmail.com enriqueta.hueso@googlemail.com www.galeriaomaso.com

Raúl Belinchón Ópera, Metro París 2003 (serie_series: Ciudades subterráneas).

Impresión Fotográfica Inkjet montado en metacrilato brillo_Photographic Inkjet print mounted on gloss methacrylate. 200 x 80cm.

Edición de 3 ejemplares_Print run of 3 copies.

148

E3 galería O+O gestión Cultural

artistas_artists Cuca Balaguer Raúl Belinchón sergio Belinchón Luís Beltrán Mª Jesús Crespo Valme de Toledo David del Bosque Paloma Delbreil Enriqueta Hueso Eduardo Larrasa Julián Ortíz Julia Reig Mª Antonia sánchez sanzsoto Domingo sarrey Mª Jesús soler Helena zapke

sergio Belinchón 149

Tierparck, 2004. MiniDY_MiniDY. 02,09 min Video edición 3 copias + 2 PA_Video edition 3 copies + 2 PA.

Galerías y editoras Galleries and editors

dirección_management: María Jesús Alonso / Miguel Alberquilla creación_foundation: 1983

Costanilla de los Angeles, 13.

28013 Madrid (España) t. +34 91 542 47 38 / f. +34 91 542 47 38 quorumgaleria@yahoo.es

Roy Lichtenstein serigrafía_Silk-screen. 60 x 70 cm.

150

E8 galería Quorum

artistas_artists Patricia Viño Eusebio sempere Carmen Moreno Clavero Roy Lichtenstein José Leal Mª Ángeles Heras Adonis Escudero Luisa Enciso José Luis Casas sabela Baña Miguel Alberquilla

Roy Lichtenstein 151

serigrafía_Silk-screen. 60 x 70 cm.

Galerías y editoras Galleries and editors

dirección_management: Rina Bouwen creación_foundation: 1992

Augusto Figueroa, 17 3º.

28004 Madrid (España) t. +34 91 522 29 89 / f. +34 91 522 29 89 galeriarinabouwen@wanadoo.es www.rinabouwen.com

Cristina Almodóvar Foraminiferos y Glóbulos, 2009. Metacrilato grabado y sombra_Engraving on methacrylate and shadow. 30 x 60 cm

152

B5 galería Rina Bouwen

artistas_artists Cristina Almodóvar Kae Newcomb Paco Pepe Posada Pasquale Caprile

Kae Newcomb 153

sin título, 2007. Fotografía en color sobre papel Crystal Fuji_Colour photograph on Fujicolor Crystal paper.

Galerías y editoras Galleries and editors

dirección_management: María Careaga / María Correas creación_foundation: 2000

Padilla, 1. 28006 Madrid (España) t. +34 91 577 37 41 galeria@galeriaestandarte.com www.galeriaestandarte.com

Cassandra Constant Bailando los tres (serie_series: ¿Efímero?), 2009. Fotografía iluminada_Illuminated photograph. 70 x 70 cm.

Edición de 7 ejemplares_Print run of 7 copies.

154

E1 galería standarte

artistas_artists Ana Alberca sebastián Beyró Pilar Cavestany Cassandra Constant Piedad Palacio Beroiz Pérez de Rada Irene Prada Justa Rayego Pilar sagarra

Irene Prada 155

Para rozar los sueños. Litografía_Lithograph. Mancha_Shaded area: 35 x 30 cm.

Papel_Papel: 60 x 46 cm. Edición de 20 ejemplares_Print run of 20 copies.

Galerías y editoras Galleries and editors

dirección_management: María Jesús Buil salas creación_foundation: 2004

Plaza san Pedro, 3.

22001 Huesca (España) t. +34 974 241 114 / 610 956 332 f. +34 974 222 128 arte@lacarboneria.net www.lacarboneria.net

Ramón Casanova, Jorge Egea, Mapi Rivera Cuerpo revelado, 2007. Fotografía analógica y revelado digital en papel semimate sobre aluminio_Analog photography and digital developing on semimatte photo paper mounted on aluminium. 180 x 180 cm. Edición de 5 ejemplares_Print run of 5 copies.

156

D10 La Carbonería –Espacio de Arte–

artistas_artists Katia Acín Josef Albers Iñigo Arregi Alfredo Alcain Eva Armisén José Beulas José Manuel Broto A. Carrera Blecua Pepe Cerdá J. guinovart Vicky de sus Hernández Pijuan Victor Mira Rafael Navarro M. J. Pérez Vicente Mapi Rivera Antonio santos Antonio saura Carlos saura Antoni Tàpies Lina Vila Asun Valet

Rafael Navarro 157

Involución #1. 1976. Fotografía blanco y negro_Black and white photograph. 25,5 x 17 cm.

Edición de 50 ejemplares_Print run of 50 copies.

Galerías y editoras Galleries and editors

dirección_management: Ernesto gutiérrez creación_foundation: 1992

Fernández de los Ríos, 96 Bajo A 28015 Madrid (España) t. +34 91 543 22 21 / f. +34 91 544 72 28 lorenart@lorenart.es www.lorenart.es

Joan Miró El cerco. grabado_Engraving. 96 x 140 cm.

158

E12 Lorenart

artistas_artists Joan Miró A. saura A. Tàpies W. Lam J. Plensa A. Clavé E. sempere Picasso M. Valdés

Manolo Valdés 159

Reina Mariana IX. grabado con collage_Engraving with collage. 167,6 x 96,5 cm.

Galerías y editoras Galleries and editors

dirección_management: Carmen Catalán / Mayte Fdez. salamanca creación_foundation: 2002

Escalinata, 1. 28013 Madrid (España) t. +34 91 547 12 47 / f. +34 91 559 43 13 multiplicidad@telefonica.net www.multiplicidad.es

Eleazar Landscape II. Grabado calcográfico y collage sobre papel Fabriano 300 gr. 50% de algodón_Intaglio print and collage on Fabriano paper 300 g. 50% cotton. 80 x 80 cm. Edición de 50 ejemplares_Print run of 50 copies.

160

C2 Multiplicidad

artistas_artists Badri Manuel Barbero Eleazar Arántzazu g. Calderón David de las Heras Maite Labiaga Ferrer Papín Lucadamo Alfonso Quiroga Antón Patiño Manolo Quejido santiago serrano Juan ugalde Belén uriel Jimmy Day Consuelo Vinchira gerardo López Mozo Javier Lozano Menchu Lamas

Arántzazu G. Calderón 161

Mercato del pesce blanco, negro y color (serie_series: Mercado. Premio Aena 2009). Fotografía_Photograph.

Edición de 7 ejemplares_Print run of 7 copies.

Galerías y editoras Galleries and editors

dirección_management: Paz Nosti creación_foundation: 1999

san Vicente, 32. 41002 sevilla (España) t. +34 95 491 56 68 info@galerianuevoarte.es www.galerianuevoarte.es

Óscar Pérez (arriba_top) Carta a Carlos de Haes (serie_series: Cartas), 2009. Aguatinta al azúcar y ácido directo_Sugar aquatint and direct acid.

Mancha_Shaded area: 10 x 60 cm. soporte_Support: 22 x 69 cm - Michel. 1 tinta_1 ink. 1 plancha_1 plate.

Taller de Estampación_Printed at: Taller del Autor_Author’s workshop. Málaga.

Edición de 50 ejemplares + 5 PA + 5 HC_Print run of 50 copies + 5 AP + 5 HC.

162

C11 Nuevoarte

artistas_artists Carmen salazar Wenceslao Robles óscar Pérez Paco Aguilar Magdalena F. Merino gloria Ceballos Pepa satué

Óscar Pérez (abajo_bottom)

163

Escalera de color (serie_series: Cartas), 2009. Aguatinta al azúcar y ácido directo_Sugar aquatint and direct acid.

Mancha_Shaded area: 10 x 60 cm. soporte_Support: 22 x 69 cm - Michel. 1 tinta_1 ink. 1 plancha_1 plate.

Taller de Estampación_Printed at: Taller del Autor_Author’s workshop. Málaga.

Edición de 50 ejemplares + 5 PA + 5 HC_Print run of 50 copies + 5 AP + 5 HC.

Galerías y editoras Galleries and editors

dirección_management: Víctor galán creación_foundation: 1984

Pradillo, 54 Local g.

28002 Madrid (España) t. +34 91 413 62 65 obragraficaoriginal@hotmail.com www.obragraficaoriginal.com

Juan Francisco Casas sin título, 2009. Fotopolímero_Photopolymer. Plancha_Plate: 26 x 40 cm. Papel_Paper: gravar Art. 320 gr. 43,5 x 56 cm.

Edición de 75 ejemplares_Print run of 75 copies.

164

D4 Obra Gráfica Original

artistas_artists Francis Bacon Louise Bourgeois Jean Francisco Casas Eduardo Chillida Fujita Luis gordillo Keith Haring Jasper Johns Joan Miró Henry Moore Eloy Morales Antonio Palomo Robert Rauschenberg Antonio saura sean scully Julian schnabel Richard serra Antoni Tàpies Manolo Valdés

Francis Bacon 165

Tríptico inspirado en la Orestíada de Esquilo, 1979-1981. Litografía_Lithograph. 53,5 x 103,5 cm. Papel_Paper: Velín de Arches.

Edición de 150 ejemplares_Print run of 150 copies.

Galerías y editoras Galleries and editors

dirección_management: Ana Cueto / Carmen Requejo creación_foundation: 1993

Avda. Juan Andrés, 42, Bajo-B 28035 Madrid (España) t. +34 91 386 18 10 / f. +34 91 404 51 82 pgd@pgd.es www.pgd.es

María Rubio Cerro Paseo hacia el Pantano, 2009. Linograbado y acuarela_Linocut and watercolour. 18 x 30 cm.

166

B14 PgD - Ediciones de Arte

artistas_artists Carlos Baonza Cristina gayarre Encarnación Hernández Raquel Laguna Anna Pownall María Rubio Cerro David smith Beatriz ujados Luis Yngüanzo

Raquel Laguna 167

Limones y botella, 2009. Aguafuerte_Etching. Plancha_Plate: 30 x 42 cm.

Galerías y editoras Galleries and editors

dirección_management: Javier gimeno Martínez-sapiña creación_foundation: 2006

Juan de Ajuriaguerra, 20.

48009 Bilbao, Vizcaya (España) t. +34 94 423 60 72 info@photogallery20.es www.photogallery20.es www.twitter.com/Photogallery20

Gotzon Ugarte Dadson, 2007. Impresión Lambda en papel fotográfico_Lambda print on photographic paper. 125 x 125 cm.

Edición de 3 ejemplares + 1 PA_Print run of 3 copies + 1 AP.

168

C1 Photo gallery 20

artistas_artists Javier gimeno Álvaro Villarrubia gotzon ugarte Ouka Leele

serafín Rofríguez Teja Oier Ituarte Carlos Terreros Juan Baraja Carlos Villoch

Juan Baraja 169

Encrucijada, 2008. Fotografía Lambda color sobre Dibond de 3mm_Lambda colour photograph mounted on a 3mm Dibond panel. 100 x 100 cm. Edición de 5 ejemplares + 1 PA_Print run of 5 copies + 1 AP.

Galerías y editoras Galleries and editors

dirección_management: Pau Andrés creación_foundation: 2001

Tapioles, 53. 08004 Barcelona (España) t. +34 93 329 22 37 / f. +34 93 329 71 42 photogaleria@lafabrica.com photogaleria.com

Ferran Freixa Colònia santa Maria, 2009. Papel baritado virado al selenio_Selenium toning on baryta-coated paper. 50 x 50 cm.

170

C5 PHotogaleria

artistas_artists Humberto Rivas David Jim茅nez Xavier Miserachs Ferran Freixa gonzalo Juanes Rafael Navarro

David Jim茅nez 171

Londres, 2005. Copia con tintas pigmentadas sobre papel algod贸n Museo Copy with pigmented inks on cotton Museum paper.

40 x 27 cm. Edici贸n de 7 ejemplares_Print run of 7 copies.

Galerías y editoras Galleries and editors

dirección_management: Reyes Martínez Fuentes Joan Montagud Bella creación_foundation: 2004

En grenyo, 7.

03730 Javea, Alicante (España) t. +34 96 579 06 75 / 666 439 585 info@setespaidart.com www.setespaidart.com

Rubén Tortosa Densidad II, 2009. Registro digital sobre óleo/barniz_Digital record on oil/varnish. 110 x 75 cm.

Edición de 5 ejemplares_Print run of 5 copies.

172

B12 set Espai d’Art

artistas_artists Rafael Alberti Agustí Puig Joaquín Capa Rubén Tortosa Riera i Aragó

Rafael Alberti 173

sin título, 1990. serigrafía_Silk-screen. 50 x 70 cm.

Edición de 150 ejemplares_Print run of 150 copies

Galerías y editoras Galleries and editors

dirección_management: Julio Álvarez sotos creación_foundation: 1977

Concepción Arenal, 19.

50005 zaragoza (España) t. +34 976 359 473 f. +34 976 568 487 galeria@spectrumsotos.com www.spectrumsotos.com

Cecilia de Val First anniversary (serie_series: El otro reino), 2008. Lambda print. 100 x 150 cm y 75 x 100 cm.

Edición de 5 ejemplares + 2 PA_Print run of 5 copies + 2AP

174

B6 spectrum sotos

artistas_artists Cecilia de Val

Cecilia de Val 175

The wedding (serie_series: El otro reino), 2009. Lambda print. 120 x 120 cm y 80 x 80 cm.

Edici贸n de 5 ejemplares + 2 PA_Print run of 5 copies + 2AP

Galer铆as y editoras Galleries and editors

direcci贸n_management: Pepa Castillo creaci贸n_foundation: 1987

Avenida de Valladolid, 69.

28008 Madrid (Espa帽a) t. +34 91 547 90 75 / f. +34 91 547 90 75 taller2_69@hotmail.com www.taller269.com

Pepa Castillo Alternativa II, 2006. Aguafuerte, aguatinta y estampa digital_Etching, aquatint and digital print.

176

E10 Taller 2/69 s.L.

artistas_artists Ramiro undabeytia Pepa Castillo

Ramiro Undabeytia 177

Nยบ9, 2009. Mezzotinta_Mezzotint.

Galerías y editoras Galleries and editors

dirección_management: Cecilia santamaría / Erik Kirksaether creación_foundation: 1982

Travesía de las Vistillas, 9.

28005 Madrid (España) t. +34 91 365 02 75 / f. +34 91 365 02 75 cecilia@tallerdelasvistillas.es www.tallerdelasvistillas.es

Elena Blasco grabado_Engraving. 75 x 112 cm. Edición de 40 ejemplares_Print run of 40 copies.

178

E7 Taller de las Vistillas

artistas_artists Elena Blasco Luis Caruncho Pablo Casado Luis gordillo Erik Kirksaether Eduardo sanz

Luis Gordillo 179

Monotipo en serigrafĂ­a_Silk-screen printed monotype. 100 x 70 cm.

Galerías y editoras Galleries and editors

dirección_management: Francisco Molina Montero creación_foundation: 2001

Victoria, 9. 28012 Madrid (España) t. +34 91 360 47 13 / f. +34 91 360 47 14 info@tallerdelprado.com www.tallerdelprado.com

Rafael Canogar El Pensador, 1975. Litografía + fotolito_Lithograph + photolith. Papel guarro_Guarro Paper.

Mancha_Shaded Area: 56 x 76 cm. soporte_Support: 56 x 76 cm. 3 Tintas_3 Inks.

Edición de 75 ejemplares, numerados +13 HC_Print run of 75 copies, numbered + 13 HC.

180

E4 Taller del Prado

artistas_artists Eduardo Naranjo Juan Alcalde Joan Miró Antoni Tàpies Fernando Bellver Rafael Canogar Eduardo Chillida Joaquín garcía Donaire Manuel Rivera Ana Juan Juan Lara Molina Montero salvador Dalí Enrique Brinkmann Juan genovés Amadeo gabino Antonio López, Pablo Picasso Antoni Clavé

181

Homenaje a Goya, 1975. Litografía + fotolito_Lithograph + photolith. Papel guarro_Guarro Paper.

Mancha_Shaded Area: 56 x 76 cm. soporte_Support: 56 x 76 cm. 3 Tintas_3 Inks.

Edición de 75 ejemplares, numerados +13 HC_Print run of 75 copies, numbered + 13 HC.

Irene López de Castro

galería Alexandra Irigoyen (A4) (p. 184)

David Trujillo Ruiz

Factoría Compostela / C5 colección (A5) (p. 186)

Olimpia Velasco

Esquina Arte Contemporáneo (A7) (p. 188)

Mikel uribetxeberria

galería Inés Barrenechea (A3) (p. 190)

gisela Ràfols

galeria sicart (A6) (p. 192)

Stage

sTAgE gALERÍA ALEXANDRA IRIgOYEN

dirección_management: Alexandra Irigoyen creación_foundation:2004 Columela, 6. 28001 Madrid (España) t. +34 91 577 63 51 / +34 656 591 793 galeria@alexandrairigoyen.com www.alexandrairigoyen.com

DJOLIBA Fruto de los viajes de la pintora madrileña Irene López de Castro a Malí y de su amistad con Ismael Kati, gran poeta, filósofo, historiador y director de la Biblioteca andalusí del Fondo Kati de Tombuctú, nació hace unos años este proyecto llamado “DJOLIBA”: un libro de 10 grabados basados en los apuntes de viaje de la artista por el corazón de Malí y 10 poemas de Ismael Kati inspirados en el río Níger.

DJOLIBA The project “DJOLIBA” started a few years ago as a result of Irene López de Castro’s trips to Mali and of her friendship with Ismael Kati, a great poet, philosopher, historian, and director of the Andalusian Library of the Kati Holdings of Timbuktu. “DJOLIBA” is a book composed of 10 engravings, based on the artist’s road journals through the heart of Mali, and 10 poems by Ismael Kati, inspired by the Niger River.

Es una obra soñadora que destila belleza y melancolía, sencillez e humanidad, toda ella nacida junto a las riberas del “gran río de la vida”; es el Malí visto a través de una pintora y de un poeta enamorados de aquel lugar.

It is a work that exudes beauty and melancholy, inspired by the banks of the “great river of life”. It is the Mali seen through the eyes of a painter and a poet who are in love with that land.

Contemplando los apuntes y leyendo estos poemas compartimos con los autores, momentos, lugares, personajes, encuentros... un mundo de emociones contenidas en una obra irrepetible.

By gazing at the journals and reading these poems, we share with the authors moments, places, people, encounters... a whole world of contained emotions within an once-in-a-lifetime work.

Irene López de Castro. Madrid, 1967. Licenciada en Pintura por la Facultad de Bellas Artes de san Fernando, Madrid 1991.

En 1989 viaja por primera vez a África, en un momento clave de su vida que resulta ser de gran influencia en su carrera pictórica. A aquel impactante viaje por la curva del río Níger en Malí siguen otros a Mauritania, guinea Conakry, Níger y senegal. A Malí ha vuelto en múltiples ocasiones, la última en 2009.

Irene López de Castro. Madrid, 1967. Graduated with a degree in Painting by the Faculty of Fine Arts of San Fernando, Madrid, in 1991. In 1989, she travels to Africa for the first time, a key moment in her life that turns out to be of great influence in her pictorial career. The astounding trip by the curve of the Niger River banks in Mali was later followed by others to Mauritania, Guinea, Niger, and Senegal. She has returned to Mali on multiple occasions, the last one in 2009.

Entre sus exposiciones individuales destacan: “Mother Africa” galería Bandi, seul, Corea 2009. “sahel” galería san Lorenzo, Milán, Italia 2008. “Ecos de Tombuctú” galería Alexandra Irigoyen, Madrid 2006. “Tombuctú” galería san Lorenzo, Milán, Italia 2006. “Il fiume della vita” Schola dei Tiraoro e Battioro galería san Lorenzo, Venecia, Italia 2003. “La mirada nómada” Madrid 2002.”sable et lumière”, galerie Espace saint Martin París, Francia 2002. “Il Ánima del Malí” societá Belli Arti, Piaza Dante, Verona, Italia 2001. “Ciudades y mercados de Malí” Centro Cultural de Tres Cantos, Madrid 2001. “Malí” galería Nolde, Madrid 2000, “A orillas del río Níger” galería Maes, Madrid 1999.

Her individual exhibitions include outstanding works such as: “Mother Africa” Bandi Gallery, Seoul, Korea 2009. “Sahel” San Lorenzo Gallery, Milano, Italy 2008. “Ecos de Tombuctú” Alexandra Irigoyen Gallery, Madrid 2006. “Tombuctú” San Lorenzo Gallery, Milan, Italy 2006. “Il fiume della vita” Schola dei Tiraoro e Battioro San Lorenzo Gallery, Venice, Italy 2003. “La mirada nómada” Madrid 2002. “Sable et lumière” Espace Saint Martin París Gallery, France 2002. “Il Ánima del Malí” Societá Belli Arti, Piaza Dante, Verona, Italy 2001. “Ciudades y mercados de Malí” Cultural Centre of Tres Cantos, Madrid 2001. “Malí” Nolde Gallery, Madrid 2000. “A orillas del río Níger” Maes Gallery, Madrid 1999.

artistas de la galería_gallery artists Irene López de Castro, Alberto schommer, Badri, Charlotte Adde, Carlos greus, Magdalena F. Merino, Emilio Cobertera, Isabel de la O, Fernando suárez, Isabel g. Carnicer, María Tarruella, uBE

A4 Irene López de Castro Galería Alexandra Irigoyen

185

Djoliba, grabados_Engravings: Irene López de Castro. Poemas_Poems: Ismael Kati Diez grabados sobre planchas de polímero, estampados a mano sobre papel Hahnemülhe, 350 gr.

Ten engravings on polymer plates, hand-printed on Hahnemülhe paper, 350 g.

Plancha_Plate: 30 x 40 cm. Papel_Paper: 28 x 38 cms Edición de 50 ejemplares numerados y firmados por el autor, 10 PA + 1 HC + 2 PT + 1 BAT _Print run of 50 copies, numbered and signed by the author + 10 AP + 1 HC + 2 PT + 1 BAT. grabado y Estampado_Engraving and printing: Juan Lara Estudio de grabado.

Cajas artesanales de cuero_Leather hand-made boxes por_by the Tuareg artisans of Timbuktu

sTAgE FACTORÍA COMPOsTELA / C5 COLECCIóN

dirección_management: Concha Fontenla san Juan creación_foundation: 2003 Rúa da Conga, 9. 15704 santiago de Compostela, A Coruña (España) t. +34 981 55 78 53 / f. +34 981 55 78 53 info@factoriacompostela.com www.factoriacompostela.com

Imágenes de archivo, pet show La obra “pet show”, perteneciente a la serie Imágenes de archivo, toma como referencia el transporte de seres vivos, y se compone de unidades independientes (cajas de embalaje) pero que conjuntamente y con el espacio expositivo forman una instalación visual y sonora. Las cajas de embalaje (de 5 a 9 unidades), están realizadas en madera tratada y tablero marino, y en ellas hay aberturas, grietas, agujeros, por donde el espectador ve fragmentos, imágenes pregrabadas, de animales en las cajas, de mí encerrado en una de ellas, de la propias cajas vacías o de otros espacios, a través de monitores de LCD, televisores de tubo, marcos digitales etc. Las imágenes son potenciadas por efectos sonoros que acompañan los movimientos y las acciones reproducidas.

Archive images, pet show The work “pet show”, belonging to the “Archive Image” series, takes the transportation of living beings as a reference. It is composed of independent units (cases), but with the exhibiting area, together they create a visual and audible intervention. The cases (from 5 to 9 units) are made out of treated wood and marine board.

They have openings, cracks, and holes from which the spectator see fragments, pre-recorded images of animals inside these boxes, of me trapped inside one of them, of the boxes themselves, or of other spaces, through LCD monitors, picturetube TVs, digital frames, etc... The images are strengthened by the sound effects accompanying the movements and the reproduced actions.

La pieza cuestiona la “realidad” percibida desde los medios de comunicación, junto al recuerdo de los aspectos conocidos de esa realidad, “la memoria”, y una cierta cantidad de predicción sobre el futuro inmediato de esa realidad, en un contexto de control de los nuevos sistemas audiovisuales. Lo que se pretende con la pieza es que el espectador reflexione sobre la estrecha articulación entre realidad y ficción, y realidad y su representación... desde los sentidos y la experiencia del espectador; planteando el enfrentamiento e interrelación del espacio con la obra, y su posterior construcción por parte del público.

The piece questions the “reality” that is perceived from the communication media, together with the remembrance of the known aspects of that reality, “the memory”, and a certain quantity of prediction about the immediate future of that reality, within a context of control of the new audiovisual systems. The piece intends for the spectator to reflect about the close relationship between reality and fiction, reality and its representation... from the viewpoint of the senses and the experience of the spectator; setting out the confrontation and interrelation of the space with its work and its subsequent construction by the public.

David Trujillo Ruiz. granada, 1977. Artista interdisciplinar, realiza intervenciones interactivas e instalaciones en espacios públicos, caracterizadas por el empleo de las últimas tecnologías multimedia: proyecciones, monitores, CCTV, conexiones de internet, sensores y otros dispositivos. Sus obras reflexionan sobre las características intrínsecas de las imágenes, sobre el consumo estético de los medios de comunicación, la dislocación del uso de la información, del tiempo, de la realidad, es decir, el control social a través de la nueva tecnificación. En 2007, recibió el premio de la crítica al mejor artista de Tentaciones 07.

En la actualidad es Profesor de “Instalaciones” y “Arte en la red y aplicaciones multimedia” del Área de Escultura de la Facultad de Bellas Artes de Altea (uMH).

David Trujillo Ruiz. Granada, 1977. Interdisciplinary artist, he creates interactive interventions and installations in public spaces, characterized by the use of the latest multimedia technologies: projections, monitors, CCTV, Internet connections, sensors, and other devices. His works reflect on the intrinsic characteristics of images; about the aesthetic consumption of communication media, and the dislocation in the use of information, time, and reality, in short, the social control through the new technification. In 2007, he received the critics’ award for best artist in Tentaciones 07. He is currently a Professor of “Installations” and “Art in the net and multimedia applications” in the Field of Sculpture at the Faculty of Fine Arts of Altea (UMH).

artistas de la galería_gallery artists Ana DeMatos, Félix Fernández, Mónica Fuster, Fran Herbello, Yolanda Herranz, Antía Moure, Jesús Pastor, Manuel sendón, Olaia sendón, sergio sotomayor, David Trujillo

A5 David Trujillo Ruiz Factoría Compostela / C5 colección

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Imágenes de archivo, 2009. Cajas de madera y palets, medidas variables_Wooden boxes and pallets, variable sizes.

3 televisores_3 TV sets. 3 monitores TFT_3 TFT monitors. 3 marcos digitales_3 digital photo frames.

2 microcámaras color de videovigilancia_2 colour surveillance microcameras. 5 reproductores de DVD_5 DVD players.

3 tarjetas de memoria CF_3 CF memory cards. 3 altavoces stereo amplificados_3 amplified stereo speakers.

sTAgE EsQuINA ARTE CONTEMPORÁNEO

dirección_management: Adrián Piera sol creación_foundation: 2009 Almadén, 19. 28014 Madrid (España) t. +34 91 311 20 58 info@galeriaesquina.com / www.galeriaesquina.com

Inside the Red Box La mujer araña vive en un mundo de pensamientos cruzados.

La mujer araña ha ido creando su guarida, una gran telaraña llena de historias. Teje como Penélope e inventa cuentos como sherezade. Cada vez se aplica más porque cada vez pasa más tiempo sola. Tejer la serena de ese nerviosismo que tenemos cuando esperamos y así, araña un día más de vida. La mujer araña se defiende de la realidad y ha creado sus mundos paralelos; historias inacabadas que va seleccionado por sueños, pesadillas y miedos. La mujer araña convive con los personajes que la persiguen y los incluye en sus tejidos, “zumba, la perra bolso”, “el gato peineta de su vecina Anette”, “los hombres disfrazados”... y especialmente su propia sombra, que la lía constantemente y que hace que se pierda en sus laberintos. La mujer araña quiere dejarse seducir por objetos sencillos y palabras que suenan bien, a veces en el silencio de su habitación blanca flotante se visiona deleitándose con las pequeñas cosas y se tranquiliza, pero en pocos segundos aquel pensamiento se empieza a complicar y enredar dejándola atrapada: tejiendo y destejiendo.

Inside the Red Box The spider woman lives in a world of crossed thoughts. The spider woman has been creating her lair, a great spider web full of stories. She weaves like Penelope and makes up tales like Scheherazade. Each time she applies herself more to the task because she spends more and more time alone. She weaves the composure of this nervousness we feel when we wait, thus scratching one more day of life. The spider woman defends herself from the reality by creating her own parallel worlds; unfinished stories that she selects by dreams, nightmares, and fears. The spider woman lives with the characters that chase her and includes them in her web, “Zumba, the bag she dog”, “the comb cat that belongs to her neighbour Anette”, “the disguised men”... And it is specially her own shadow that confuses her constantly, making her get lost in her labyrinths.

The spider woman wants to let herself be seduced by simple objects and words that sound nice.

Sometimes, in the silence of her white, floating room she envisions herself enjoying the small things and calms herself down. In a few seconds, though, that thought begins to complicate and entangle itself, leaving her entrapped: weaving and disentangling.

Olimpia Velasco. Madrid. Vive y trabaja en Palma de Mallorca. En su trabajo utiliza la instalación, el dibujo, la pintura, la escultura, la performance o el vídeo dependiendo cual sea el medio que más encaje y se adapte a lo que siente la necesidad de comunicar en cada momento. Debido a una sólida formación académica, Olimpia Velasco es una creadora multidisciplinar, una artista completa que maneja con gran maestría las más diversas técnicas lo que le permite hacer uso de los diferentes soportes, antes descritos, con una gran coherencia y consiguiendo que su obra sea claramente reconocible independientemente el medio de expresión que utilice. Con más de una década de ejercicio profesional, Olimpia Velasco tiene una interesante trayectoria internacional con acciones y exposiciones en Francia, Alemania, grecia, Italia, Corea.

Olimpia Velasco. Madrid. She lives and works in Palma de Mallorca. In her work she uses installation, drawing, painting, sculpture, performance, or video, depending on the medium that suits her the most, adapting it to what she feels like to communicate each time.

Due to a solid academic training, Olimpia Velasco is a multidisciplinary creator, a full artist who handles with great mastery the most diverse techniques. This allows her to make use of the aforementioned media with a great coherence, achieving a work that is clearly recognizable, regardless of the means of expression she uses.

With more than one decade of professional practice, Olimpia Velasco has an interesting, international career path with actions and exhibitions in France, Germany, Greece, Italy, and Korea.

artistas de la galería_gallery artists Luis Caruncho, Pablo Maojo, Marcos Morilla, Ricardo B. sánchez, Olimpia Velasco

A7 Olimpia Velasco Esquina Arte Contemporáneo

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Inside the Red Box. Instalación_Installation.

5 cajas rojas_5 red boxes (Alone, Pain, Fear, sex, Dead).

Vídeo en loop y 20 serigrafías (100 x 70 cm)_A video recording in loop mode and 20 silk-screen prints (100 x 70 cm).

sTAgE gALERÍA INés BARRENECHEA

dirección_management: Inés Barrenechea creación_foundation: 2006 general Arrando, 34.

28010 Madrid (España) t. +34 91 702 46 84 info@inesbarrenechea.com www.inesbarrenechea.com

Animalia La presencia de la naturaleza tanto en mi vida como en mi trabajo es muy alta. La reflexión sobre el comportamiento humano y nuestra relación para/con la naturaleza siempre me ha llamado la atención. “Animalia” pretende ser un puente entre humanos y naturaleza.

Animalia The presence of nature, both in my life and at my work, is very strong. The reflection on human behaviour and our relationship to/with nature has always caught my attention. “Animalia” intends to be a bridge between humans and nature.

Hoy en día estamos inmersos en un sistema de vida 100% humano. Hemos inventado la economía que rige nuestro día a día, diferentes modos y estructuras sociales de convivencia, habitamos espacios arquitectónicos construidos por nosotros mismos... no soy crítico con esto, simplemente ha surgido de la “evolución” humana, por tanto tampoco deja de ser natural.

Pero, ¿qué hay de la bio-naturaleza?, ¿en qué momento dejamos de ser animales?, ¿estamos realmente en otra categoría?

Nowadays, we are immersed in a life system that is 100% human. We have invented the economy that controls our day-to-day life, different social modes and structures of coexistence. We inhabit architectural spaces that are built by ourselves...

I am not critical with this. It has simply emerged from the human “evolution”; and therefore, it does not cease to be something natural. However, what about bio-nature? At which point do we cease to be animals? Are we really in another category?

Cada uno de nosotros mantenemos un instinto, una personalidad, una forma de actuar y de ser. En nuestra identidad influye nuestra cultura y educación, pero también ese algo indefinible hace que seamos diferentes incluso habiendo recibido la misma educación y habiendo crecido en el mismo entorno. Esa es nuestra libertad, la que a veces buscamos en la soledad o en entornos “no cotidianos” para sentir el animal por encima de normas morales, éticas, etc... a veces de forma violenta y agresiva, pero también de forma espiritual y reflexiva. En “Animalia” se busca reflejar esta segunda forma de expresión.

Each of us maintains an instinct, a personality, and a way of acting or being. Our culture and education have an influence on our identity, but that non-definable something makes us different from each other, even when having received the same education and having grown up in the same setting. That is our freedom. The one that we sometimes search in our solitude or in “non-daily” settings to feel the animal beyond the moral, ethical, etc., morals, sometimes violently and aggressively, but also spiritually and reflexively.

The latter forms of expression are searched for in “Animalia”.

Mikel Uribetxeberria, 1975. Compaginó sus estudios de Bellas Artes y Arquitectura entre el País Vasco y Austria. Ha participado en diferentes exposiciones a nivel nacional e internacional, la ultima el pasado mayo en la galería Baudoin-Lebon de Paris.

Mikel Uribetxeberria, 1975. He combined his studies in Fine Arts and Architecture between the Basque Country and Austria. He has participated in different national and international exhibitions, the last one taking place in May at the BaudoinLebon Gallery in Paris.

artistas de la galería_gallery artists Antonio Olazábal, Puy Pinillos, Ektor Rodríguez, Mawashi geri, Mikel uribetxeberria, Alfonso Batalla, Luis Baylon

A3 Mikel uribetxeberria Galería Inés Barrenechea

Gorila. Fotografía_Photograph. 100 x 150 cm. Edición de 5 ejemplares_Print run of 5 copies.

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The hole. Fotografía_Photograph. 50 x 70 cm. Edición de 3 ejemplares_Print run of 3 copies

sTAgE gALERIA sICART

dirección_management: Ramon sicart creación_foundation: 2000 c/ de La Font, 44.

08720 Vilafranca del Penedès, Barcelona (España) t. +34 93 818 03 65 / +34 629 237 560 f. +34 977 678 067 galeriasicart@galeriasicart.com / www.galeriasicart.com

Proyecciones En las imágenes fotográficas que forman esta serie pretendo representar diferentes estados anímicos del ser humano. Destaca el predominio del negro, fondo y a la vez contorno del núcleo de la imagen, representación de la parte desconocida de nosotros mismos, nuestro yo más oculto. En todas ellas una parte del cuerpo –la cabeza, los brazos o las piernas– está ausente, y provoca la impotencia delante de determinadas situaciones.

Así muestro las posibles reacciones de la persona, que pueden ir desde la agresividad hasta la resignación. Los cuerpos están desnudos, para mostrar la parte interior del individuo y así evitar que el vestuario o los complementos puedan condicionar a la hora de pensar en un tipo u otro de persona. Estos cuerpos no están localizados en ningún escenario concreto, ya que es el hombre en esencia el que interesa, y lo que lo envuelve es el vacío. La acción no deja indiferente al observador, y le invita a la reflexión. En cierto modo exterioriza y pone en escena la sensación de angustia que el individuo sufre.

Projections In the photographic images composing this series, I attempt to represent different emotional states of the human being. The predominant dark background and outline of the nucleus of the image stands out as a representation of our unknown parts, our most hidden selves. In all of them there is a part of the body –the head, the arms, or the legs– which is missing, causing the feeling of impotence on the face of certain situations. I thus show the possible reactions of the person, which can range from aggressiveness to resignation. The bodies are naked in order to show the interior of the individual so as to avoid the clothes or the accessories from conditioning the thought of a type of person or another. These bodies are not set in any particular stage, for it is the man on stage that interests us, surrounded by emptiness. The action does not leave the observer indifferent, and invites him to reflect upon it. In a certain way, it both exteriorizes and stages the feeling of anguish that the individual endures.

Gisela Ràfols. Vilafranca del Penedès, 1984. Estudió fotografía en el Centro de la Imagen y la Tecnología Multimedia (uPC) de Terrassa (Barcelona). Esta joven fotógrafa ya lleva algunos años en el mundo artístico representada por galería sicart con la que ha participado en el circuito internacional en ferias como Buenos Aires Photo, ArtBo, Chaco, Circa, ArteBa, Artelisboa, Bridge New York, Photo Los Angeles, Art Los Angeles, Photo Miami, Artesantander y swab Barcelona, así como ahora en Estampa. Al mismo tiempo también ha realizado exposiciones individuales y colectivas. gisela Ràfols también está representada por gachi Prieto gallery de Buenos Aires, donde expuso individualmente en 2008.

Gisela Ràfols. Vilafranca del Penedès, 1984.

Studied photography at the Centre of Image and Multimedia Technology (UPC) of Terrassa (Barcelona). This young photographer has already spent a few years in the artistic world, represented by Galería Sicart with whom she has participated in the international fair circuit such as Buenos Aires Photo, ArtBo, Chaco, Circa, ArteBa, Artelisboa, BridgeNew York, Photo Los Angeles, Art Los Angeles, Photo Miami, ArteSantander, Swab Barcelona, and ESTAMPA. At the same time, she has also created individual and collective exhibitions. Gisela Ràfols is represented by Gachi Prieto Gallery of Buenos Aires as well, where she had a solo exhibition in 2008.

artistas de la galería_gallery artists Arturo Aguiar, Nicanor Araoz, Lluis Barba, Florian Beckers, Diego Beyró, Muu Blanco, Cristina Calderón y J. Paulete, Nicola Costantino, Leonardo Damonte, Marta Espinach, Patricio gil Flood, Roger guaus, Miquel Jordà, Bjargey ólafsdóttir, Anna Olivella, Laura Ortego, Jaume Parera, gisela Ràfols, Tristán Reyes, Florence Vaisberg, Marcela Valero Narváez, Eulàlia Valldosera

A6 gisela Ràfols Galeria sicart

No puedo confiar en ti, 2009. Fotografía color_Colour photograph. 150 x 100 cm. Edición de 3 ejemplares_Print run of 3 copies 193

sin ti, 2009. Fotografía color_Colour photograph. 180 x 120 cm. Edición de 3 ejemplares_Print run of 3 copies

{vivimos del aire}

Demolden Video Project (A1) (p. 196)

gao shiqiang

Magee Art gallery (A1) (p. 198)

Manuel Vázquez

Marisa Marimón (A1) (p. 200)

Fátima Tocornal

Ob-Art Video (A1) (p. 202)

Leonor Torres

galería Rita Castellote (A1) (p. 204)

galerías y editoras _galleries and editors

video.es

VIDEO.Es DEMOLDEN VIDEO PROJECT

dirección_management: Luis Bourgon zubieta creación_foundation: 2009 sol, 12 sótano.

39003 santander, Cantabria (España) t. +34 626 208 198 demoldengallery@yahoo.es www.demolden.com

Rendez-bú Es una metáfora sobre el amor, a partir de una narración lineal que va creciendo en intensidad, desembocando en un encuentro color carmín. La proyección comienza con una imagen partida que se funde en una única imagen que puede ser entendida como el principio de una historia o contemplarse como el recuerdo de lo que fue, como la luz de una estrella muerta.

Rendez-bú It is a metaphor about love, starting from a lineal narration that increases in intensity to finally culminate in a crimson colour encounter.

The projection begins with a divided image that melts into one, which may be understood as the beginning of a story or regarded as the memory of the past, like the light that a dead star emanates.

Esther Estévez. santander, 1983. plisotic. f, su talla de zapato es un poco más grande que la huella de su pie en la arena, y la de camiseta un poco más pequeña que si se la pusiese por los pies.

Esther Estévez. Santander, 1983. plisotic. f, her shoe size is a little bigger than her footprint on the sand, and the shirt’s is a little smaller than if she wore it from her feet.

Luis Bezeta. santander, 1976. bezeta. m, es un artista de la pista, lo mismo te monta un video que te baila un tango. Sus cambios de estilo se ven reflejados en los distintos cortes de pelo que aparecen en sus videos. {vivimos del aire}. Desde que se creó este binomio, bezeta + plisotic, en abril de este año, han realizado video-instalaciones en espacios que van desde instituciones (Artesantander) hasta emplazamientos callejeros. son organizadores del Picnick Festival, certamen en el que conviven las artes audiovisuales y peformáticas. su trabajo “Rendez-bú” ha sido seleccionado en el Festival Optica. En su obra se refleja la necesidad de introducir el arte en su vida cotidiana así como su vida cotidiana en el arte.

Luis Bezeta. Santander, 1976. bezeta. m, he is a track artist; one day he creates a video and the next one he dances a tango. His changes in style are reflected by the different haircuts appearing in his videos. {vivimos del aire}. Ever since the couple, bezeta + plisotic, was created in April of this year, it has carried out video installations in spaces that range from institutions (ArteSantander) to street locations. It is the organizer of Picnick Festival, a contest where the audiovisual and performing arts coexist. Its work “Rendez-bú” has been selected in the Optica Festival. Its work reflects the necessity to introduce art in its daily life, as well as to introduce its daily life in art.

artistas de la galería_gallery artists Diego Agudo, Javier Largen, María Cañas, Alberto gonzález, Reynaldo Thompson, Tom skipp, Bigas Luna, Vicent gisbert, Bezeta + Plisotic

A1 {vivimos del aire} = bezeta + plisotic Demolden Video Project

197

Rendez-bú, 2009. DVD 7’ 7’’

sTAgE MAgEE ART gALLERY

dirección_management: Carmen Blánquez de la Torre creación_foundation: 2008 Antonio Maura, 7 Bajo Drcha. 28014 Madrid (España) t. +34 91 521 87 12 madrid.mageeart@gmail.com / www.gallerymagee.com Magee Art Gallery (Beijing) E06, 798 Art zone, N 4, Jiuxianqiao Road Chaoyang District. t. +86 10 5978 9034

Exceso de Oxígeno Hasta ahora “Exceso de oxígeno“ es mi obra más antropológica. Expresa mi preocupación por la posibilidad del entendimiento real entre la gente y las diferentes culturas.

Faint with Oxygen “Faint with Oxygen” has been my most anthropological work so far. It shows my concern about the existence of real understanding between people and different cultures.

He elegido tres localizaciones en diferentes alturas. A 5.000 metros sobre el nivel del mar en las zonas montañosas del altiplano tibetano hay un gesto de posesión de la civilización moderna por parte de Luo song, un pastor que decide aprender chino mandarín escuchando la radio. A 3.600 metros retrata una ciudad en la que conviven dos mundos y dos culturas. La parte más baja es a 20-40 metros, una típica ciudad moderna china, Hangzhou. Allí se ha comercializado el gusto por la vida en las montañas, absorbiéndola en el imaginario colectivo, pero sin que exista un conocimiento real de la misma.

In this video, I have chosen three shooting locations set at different altitudes. At 5,000 metres above sea level in the mountainous zones of the Tibetan plateau, there is a gesture of possession of the modern civilisation by Luo Song, a shepherd who decides to learn Mandarin Chinese by listening to the radio. At 3,600 metres, a city where two worlds and two cultures coexist is portrayed. At the lowest part, with an altitude of 20-40 metres, lies Hangzhou, a typical modern Chinese city. In there, the good life in the mountains has been commercialized, absorbing it onto the imaginary collective, without the existence of a real knowledge of the culture.

Gao shiqiang. shandong (China), 1971. Actualmente es profesor del Departamento de Audiovisuales en la Academia China de Bellas Artes, en Hangzhou. Tras la colisión cultural de los 90 y la vertiginosa entrada de la sociedad de consumo en China, Gao fija su mirada en identidades locales e individuos con una cuidadosa observación de la realidad, en la que enfatiza diferentes interpretaciones de las experiencias individuales del ser humano. su lenguaje poético, metafórico, es un híbrido entre el cine y el videoarte, con influencias de autores cinematográficos como Tarkovski.

Gao Shiqiang. Shandong, China), 1971. He is a Professor at the Audiovisuals Department at the China Fine Arts Academy in Hangzhou.

Following the cultural clash of the 90’s and the booming growth of the consumer society in China, Gao fixes his attention on local identities and individualism with a careful observation of reality. He emphasizes different interpretations of the individual human experience. His poetic and metaphorical language is a hybrid between cinema and video art, with influences by great film masters such as Tarkovski.

artistas de la galería_gallery artists gao shiqiang, Cui Jie, Cui Xiuwen, Li Chao, Li Wei, Tu Hongtao, Wang Yabin, Wang Yaqiang, Wang Yin, Yuan Yuan, Li Qing, Dong Wensheng, Jin shi

A1 gao shiqiang Magee Art Gallery

199

Exceso de Oxígeno, 2008. 28’58” Video/ HD

VIDEO.Es MARIsA MARIMóN

dirección_management: Marisa Marimón creación_foundation: 1994 Cardenal Quiroga, 4 Bajo. 32003 Ourense (España) t. +34 988 24 48 87 / +34 670 580 421 f. +34 988 24 48 87 galeria@marisamarimon.com www.marisamarimon.com

“La mirada atrapada en los faros de un coche como un animal desorientado” (John Berger) uno de los temas más recurrentes en la obra de Manuel Vázquez es la luz y en el caso de “Prado” es el elemento a través del que se articula la narrativa de la obra. sin embargo, en esta ocasión, el protagonista es otro y por una vez, se sitúa detrás de la cámara. Espectador o autor se enfrentan al tráfico de la Calle Prado de Madrid ante una escena hostil pero que finalmente nos descubre una nueva actitud ante la imagen. una ciudad es un escenario de tránsito que favorece el movimiento y que se resiste por tanto, a cualquier actitud estática.

Puentes, túneles, autopistas, pasos de peatones... no fueron construidos para detenerse, sino para evitar nuestros propios obstáculos en el menor tiempo posible. un actor que no esté familiarizado con este escenario, probablemente necesite detenerse. Detenerse a mirar es una actitud extraña, diferente, que entorpece el movimiento y que incluso en algunos casos está prohibido o es peligroso. sólo el despiste, la fascinación de una imagen o un cambio brusco e inesperado en el escenario que deja de fluir, puede provocarlo... Un accidente en la autopista seguramente provocará una retención en el carril contrario. La luz frontal es un elemento agresivo que borra la imagen, amenaza al espectador pero a la vez fascina, dibuja un nuevo espacio para la imaginación, abre un espacio para contemplar.

“The gaze trapped in the headlights of car like a disoriented animal” (John Berger) One of the most recurrent themes in Manuel Vázquez’s work is light, and in “Prado”, it is the element through which the work’s narrative is articulated. However, on this occasion, the main character is someone else who, for the first time, is placed behind the camera. The spectator or author is confronted to the traffic of Prado Street in Madrid in front of a hostile scene that, nonetheless, reveals us at the end a new attitude toward the image. A city is a passing setting that favours movement, and hence, it resists to any static attitude. Bridges, tunnels, highways, pedestrian walks... They were not built to stop, but to avoid our own obstacles in the least amount of time. An actor who is not familiarized with this setting will probably need to stop. Stopping to look at something is a strange attitude, different, that hinders movement. In some cases, it is even forbidden or dangerous. It can only be provoked by absentmindedness, the enthrallment of an image, or a rough and unexpected change in the setting that stops it from flowing... An accident on the highway will surely provoke a traffic jam on the opposite lane.The front light is an aggressive element that erases the image, threatens the spectator and captivates him at the same time, draws a new space for imagination, and opens a new space to contemplate.

Manuel Vázquez. santiago de Compostela, 1969. se ha formado en la Facultad de Bellas Artes de Pontevedra y en el Central saints Martins school of Art & Design de Londres.

Ha mostrado su trabajo en diversas exposiciones individuales y colectivas. su obra se encuentra actualmente en las colecciones del CgAC Centro galego de Arte Contemporánea, MusAC Museo de Arte Contemporáneo de Castila y León y CA2M Centro de Arte Dos de Mayo de la Comunidad de Madrid, entre otras.

Manuel Vázquez. Santiago de Compostela, 1969.

He studied in the Faculty of Fine Arts of Pontevedra and at the Central Saints Martins School of Art & Design in London. He has shown his work in different individual and collective exhibitions.

His work is currently part of the collections of the CGAC Galician Centre of Contemporary Art, MUSAC Museum of Contemporary Art of Castilla y León, and CA2M Dos de Mayo Art Centre of the Regional Government of Madrid, among others.

artistas de la galería_gallery artists Tamara Arroyo, Vicente Blanco, A. Bofarull Viladás, starsky Brines, Ignacio Burgos, Antón Cabaleiro, salvador Cidrás, Alberto Datas, Damián Flores, Ignacio goitia, santi Jiménez, Ignacio Llamas, Rosell Meseguer, Ángel Nuñez, Diego Opazo, José Paz, Iván Prieto, Mauro Trastoy, Manuel Vázquez, Manuel Velasco, Javier Viver

A1 Manuel Vázquez Marisa Marimón

201

Prado, 2009. 03’ 09’’ loop. Edición_Edition: 1/5 DVD. Autor del audio_Author of audio sample: Kaze.

VIDEO.Es OB-ART VIDEO

dirección_management: Eduardo Robles creación_foundation: 2006 Provença, 318 3º-1º.

08037 Barcelona (España) t. +34 93 530 56 23 f. +34 93 530 56 23 info@ob-art.com / www.ob-art.com

El Movimiento de la Vida La vida no tiene instrucciones de uso. Nos acercamos a ella tímidamente, procurando un encuentro dulce, sin traumas. Pero con el uso le perdemos el respeto y nos enfrentamos a ella aviesamente, con violencia, con fuerza. Inevitablemente el fluido de la vida se evasa. La educación nos enseña como tratarla, con urbanidad, con mesura, pero es tarea inútil. La violencia vuelve y el fluido se escapa. Finalmente el proceso se acaba. Ya no queda fluido interno. Todo está perdido. En el último momento, cuando ya no queda vida, una única aspiración: VIVIR.

The Movement of Live Life does not have a user’s manual. We approach it timidly, hoping for a sweet encounter without trauma. With use, however, we lose the respect and confront it maliciously with violence, with force. The fluid of life inevitably escapes. Education teaches us how to treat it with courtesy, with moderation, but it is a futile task. The violence returns and the fluid escapes. Finally, the process ends. There is no internal fluid left. Everything is lost. At the last moment, when there is no life left, there is only one aspiration: TO LIVE.

Fátima Tocornal. Cádiz, 1956. Diplomada en Pintura y Procedimientos Contemporáneos de la Imagen por la Escuela Massana, en Barcelona donde vive y trabaja.

Fátima Tocornal. Cádiz, 1956. Diploma in Painting and Contemporary Processes of Image at Massana School of Art, Barcelona in Barcelona, the city where she currently lives and works.

Realiza sus primeros vídeos dentro del colectivo Corriente Alterna y exposiciones de pintura y escultura desde 1990 en numerosas galerías. En 2006, Fátima Tocornal vuelve a dedicarse al videoarte con la producción de Ob-art video y sus trabajos han sido presentados en numerosos festivales internacionales.

She creates her first videos within the collective Corriente Alterna, and has been creating exhibitions of painting and sculpture since 1990 at numerous galleries. In 2006, Fátima Tocornal returns to Video Art with the production of Obart video, and her works have been presented in numerous international festivals.

artistas de la galería_gallery artists E. Alonso, M. Arnal, B. de Azevedo, E. Benítez, O. Berdullas, V. Bianchetti, F. Blanes, Bonzo, z. Bulhosen, L.Celada, Combes & Renaud, Damako, A. Dyaz, garbi KW, M. garrido, L. gonzález, C. Hierro, D. Iturrizaga, R. Jung, Kesler&Reich, P. León, Malaventura, Matlop, A. Merino, M. Montiel, B. Pelaéz, L. Peñuela, D. Pissarra, Píxel in Fact, g.Ramos, M.Rodríguez, Visto desde el zaguán.

A1 Fátima Tocornal Ob-Art video

203

El Movimiento de la Vida, 2009. 03’10’’. DVD-HD.

VIDEO.Es gALERÍA RITA CAsTELLOTE

dirección_management: Rita Castellote Cuadrado creación_foundation: 2006 Torrecilla del Leal, 3.

28012 Madrid (España) t. +34 91 528 25 26 www.galeriaritacastellote.com info@galeriaritacastellote.es

Brave New World La videoinstalación “Brave New world” de Leonor Torres, con su literal alusión a “un Mundo Feliz” de Aldous Huxley, nos presenta un mundo superpoblado, en el que la individualidad se desvanece, en el que la subjetividad se oculta tras un mundo en el que prima la actual dictadura de los sentidos.

Brave New World The video installation “Brave New World” by Leonor Torres, with its literal allusion to Aldous Huxley’s “Brave New World”, presents to us an overpopulated world where individuality is vanishing,and subjectivity is hiding behind a world in which the current dictatorship of the senses prevails.

La artista utiliza historias reales de personas que encuentra en las calles de Madrid para presentarnos un paisaje, por momentos caótico, por momentos onírico, que hace alusión a esa sociedad sobrecargada de Huxley, a una sociedad autocontenida en la que el Espacio es tan preciado como desconocido.

The artist uses real stories of people she meets on the streets of Madrid to show us a landscape, at times chaotic, at times oneiric, that alludes to Huxley’s oversaturated society, a self-contained one in which the Space is very much valued as much as it is unknown.

Leonor Torres. Madrid, 1984. se licenció en Bellas Artes en la universidad Complutense de Madrid (2002–07), compaginándolo con estudios oficiales de danza clásica y contemporánea en Carmen Roche y Real Conservatorio Profesional de Danza.

Culminó sus estudios en Kunsthøgskolen I Oslo, donde desarrolló las nuevas tecnologías y el performance. Ha obtenido numerosos premios, entre ellos “Dibujo y Obra Gráfica” de la universidad Complutense y “Diseño” en la Fundación Progreso y Cultura. Ha sido artista residente en la Casa de Velázquez y ha expuesto a nivel nacional –Madrid y Barcelona– e internacional –Noruega, México y Filipinas–. En su trabajo, la autora explora la interrelación del ser humano post-industrial con la naturaleza, el espacio y la memoria. De esta forma, en sus obras establece una serialización de la singularidad, buscando el resquicio donde la homogeneidad y la identidad se encuentran.

Leonor Torres. Madrid, 1984. She was graduated in Fine Arts from the Complutense University of Madrid (2002-07) while carrying out her official studies of classic and contemporary dance at Carmen Roche and the Royal Professional Conservatory of Dance. She finished her studies at Kunsthøgskolen I Oslo, where she developed new technologies and the performance. She has been awarded numerous awards, including “Drawing and Graphic Art” at the Complutense University and “Design” at the Progress and Culture Foundation. She has been an artist in residence at the Casa de Velázquez, and has exhibited her works both nationally (Madrid and Barcelona) and internationally (Norway, Mexico, and the Philippines). In her work, the author explores the interrelation of the post-industrial human being with nature, space, and memory.

In this way, she establishes in her works a sequencing of singularity, searching for the trace where homogeneity and identity meet.

artistas de la galería_gallery artists Roberto gonzález Fernández, David Trullo, guzmán de Yarza Blache, Diego Alonso, Alex Mitchell, David del Bosque, santos Javier, susana Ragel, Erick Miraval, Luis Adalid , Fernando garcía Malmierca

A1 Leonor Torres Galer铆a Rita Castellote

205

Brave New World, 2009. Loop. Videoinstalaci贸n monocanal proyectada sobre estructura Single-channel video installation projected onto a estructure. Color_Colour: DV-PAL. stereo.

Cálamo Arte y Bibliofilia (BN4) (p. 208) El Caballero de la Blanca Luna (BN2) (p. 210) Espacio Tangente (BN9) (p. 212) Eurolibro (BN3) (p. 214) Exit Publicaciones (BN6) (p. 216) Fast gallery (BN12) (p. 218) galería Estampa (BN7) (p. 220) galería Fotonauta (BN8) (p. 222) Imprimerie d’Alsace-Lozère (BN5) (p. 224) La Fábrica Editorial (BN10 / BN11) (p. 226) summa Editores de Arte (BN1) (p. 228)

book-in

Book-in

dirección_management: Pedro Tejerina creación_foundation: 2002

Avenida M40, 19 Of. 53 (Pol. Industrial Ventorrro del Cano) 28925 Alcorcón, Madrid (España) t. +34 91 485 53 14 / f. +34 91 352 21 12 calamo@calamoart.net www.calamoart.net

Celedonio Perellón Decamerón Giovanni Boccacio (Técnicas múltiples de grabado), 2005. Aguatinta al azúcar_Sugar aquatint.

208

BN4 Cálamo Arte y Bibliofilia

artistas_artists Celedonio Perellón Eduardo Naranjo David zaafra Pedro Castrortega Rafael Alberti Vicente Arnas Marga Ruiz seguí y Riera Laxeiro Lemarie Daniel Merino salvador Dalí Pablo Picasso

M. Bering – Gradassi 209

Tao te King – Confuccio, 1988/2000. Pochoire/Acrílico_Pochoir/Acrylic.

Book-in

dirección_management: Vicente Chambó Castell creación_foundation: 2001

En Borras, 16 bajo derecha.

46003 Valencia (España) t. +34 96 391 66 78 / 34 629 623 445 f. +34 96 391 66 78 info@elcaballerodelablancaluna.com www.elcaballerodelablancaluna.com

Carlos Domingo El arquero (de_from: Fábulas y cuentos tibetanos)

210

BN2 El Caballero de la Blanca Luna

Producciones, gestión y conservación de patrimonio cultural

artistas_artists Carlos Domingo María Balibrea Xus Bueno Oscar Vázquez Ernest Peshkov Ernesto Casero David Pellicer sergio Luna Alfredo Pardo Jonay Cogollos

Xus Bueno 211

El Burro del aceitero (de_from: Fábulas Literarias de Iriarte).

Book-in

creación_foundation: 2001

Valentín Jalón, 10 bajo.

09005 Burgos (España) t. +34 947 216 127 espaciotangente@mac.com www.espaciotangente.net

sergio Corral N.B.R.O. o “El Cartulario Cuatrícomo”. grimorio que contiene un libro de artista de 80 páginas con diversos textos, estampas, manipulaciones y una carpeta con 16 grabados originales_Grimoire containing an Artist’s book of 80 pages with different texts, prints, manipulations and a folder with 16 original engravings. Encuadernación artesanal_Bound by hand. 30 x 30 cm.

Edición de 24 ejemplares_Print run of 24 copies.

212

BN9 Espacio Tangente

Centro de Creación Contemporánea

artistas_artists Pablo del Barco Ricardo Blackman Álvaro gómez sáiz Igor Torres Taller El Mucílago Editorial V.u.B. Izaskun Álvarez Ralf Pascual Los Navegantes del Palomar

Muy frágil 213

Libro de artista con obra seriada original de 37 artistas_Artist’s book with original serial work of 37 artists.

Diversas técnicas_Differents techniques.

Cubierta artesanal y presentado en recipiente de vidrio_Bound by hand and presented in a glass container.

Edición especial limitada a 50 ejemplares, 10 de ellos a la venta pública_Print run of 50 copies, 10 copies for public sale.

Book-in

Pérez galdós, 2.

48010 Bilbao (España) t. f. +34 944 211 942 eurolibro@mixmail.com

214

BN3 Eurolibro

artistas_artists Eberhard schlotter David zaafra Ricardo Baroja Daysi Carmona

Eberhard schlotter 215

El Quijote. 1979 160 Aguafuertes, 2colores, 2 planchas_160 Etchings, 2 colours, 2 plates.

4 estuches 42 x 57x 6,5 cm encuadernados en pergamino_4 cases 42 x 57x 6,5 cm bound in parchment. Papel_Paper: gvarro Casa.

Edici贸n de 300 ejemplares firmados por el artista_Print run of 300 copies signed by the artist.

Book-in

direcci贸n_management: Rosa Olivares creaci贸n_foundation: 2000

san Marcelo, 30.

28017 Madrid (Espa帽a) t. +34 91 404 97 40 f. +34 91 32 600 12 editor@exitmedia.net pedidos@cataclismo.net www.exitmedia.net / www.cataclismo.net

Bego帽a Zubero Tempelhof

216

BN6 Exit Publicaciones

Revistas y libros que edita el grupo EXIT Magazines and books published by the group EXIT: EXIT Imagen y Cultura. Revista trimestral temática de fotografía EXIT Express. Revista de información y debate sobre arte EXIT Book. Revista semestral de libros de arte y cultura visual EXIT Publicaciones · Colección 100 EXIT Publicaciones · Colección Proyectos fotográficos

EXIT Express 217

Revista de información y debate sobre arte_Magazine of information and discussion about art.

Book-in

creación_foundation: 2008

Madrid (España) hola@fastgallery.net fastgallery.net / fastgallery.blogspot.com

Hélène Bergaz Fotografía estenopeica sobre papel baritado_Pinhole photography on baryta-coated paper.

218

BN12 FAsT gALLERY

artistas_artists Rafafans Alberto Masa Hélène Bergaz Christian Fernández Mirón Carlos Monleón

Rafafans 219

Collage_Collage

Book-in

dirección_management: Manuel Cuevas creación_foundation: 1978

Justiniano, 6. 28004 Madrid (España) t. +34 91 308 30 30 info@galeriaestampa.com www.galeriaestampa.com

Luis Mayo El parlamento de Marcela, 2009. Texto con 1 dibujo original_Text with an original drawing.

Texto_Text: Miguel de Cervantes. 33 x 16.5 cm.

Edición de 200 ejemplares_Print run of 200 copies

Daniel Quintero Florencia, 2009. Texto con 1 estampa original_Text with an original print.

Texto_Text: Vicente Blasco Ibáñez. 33 x 16.5 cm.

Edición de 175 ejemplares_Print run of 175 copies

Luis Feito El discurso de la dignidad del hombre, 2009. Texto con 1 estampa original Text with an original print.

Texto_Text: Picco Della Mirándola. 33 x 16.5 cm.

Edición de 175 ejemplares_Print run of 175 copies

220

BN7 galería Estampa

artistas_artists Eduardo Arroyo Rosa Basurto Luis Feito Ramiro Fernández saus Juan Ángel gonzález sara Huete Luis Mayo Javier Pagola Daniel Quintero guillermo Pérez Villalta zhou Wendou

221

Book-in

dirección_management: santiago garcés / Joana Burgues Pi-sunyer creación_foundation: 2004

Av. Diagonal, 359 3º1ª.

08037 Barcelona (España) t. +34 93 457 80 49 f. +34 93 457 80 49 fotonauta@fotonauta.com www.fotonauta.com

Vicente B. Ballestar John sinclair 105 TE. Ilustración en guache_Gouache ilustration.

222

BN8 galería Fotonauta

artistas_artists Vicente B. Ballestar santiago garcés Emilio Lekuona Petter Hegre Bob schalkwijk

santiago Garcés 223

Ana Ros. Polaroid.

Book-in

direcci贸n_management: Bernard-gabriel Lafabrie creaci贸n_foundation: 1981

Rue de Crussol, 14 75011 Paris (Francia) t. +33 1 43 38 43 69 f. +33 1 42 74 74 34 bernard-gabriel.lafabrie@orange.fr www.lafabrie.com

Bernard-Gabriel Lafabrie Retrato de la linda Africana, 2009. Litograf铆a 3 colores_3-colours lithograph. 28 x 38 cm.

Edici贸n de 20 ejemplares_Print run of 20 copies.

224

BN5 Imprimerie d’Alsace-Lozère Imprenta barroca con instrumentos de época

artistas_artists Arman Evaristo Benitez Colette Brunschwig Henri Chopin Bertrand Dorny Robert groborne James guitet Joan Hernández Pijuan Jean-Paul Huftier Bernard-gabriel Lafabrie Vera Molnar Richard Negre Christian Paraschiv Torsten Ridell

Robert Groborne 225

Una de las 6 fototipográficas del libro Ruine One of the 6 phototypographic illustrations from the book Ruine, 2009. 17 x 22 cm.

Edición de 72 ejemplares (los 12 primeros aumentados de 1 grabado)_Print run of 72 copies (the first 12 augmented by 1 engraving).

Book-in

dirección_management: Alberto Anaut creación_foundation: 1995

Verónica, 13.

28014 Madrid (España) t. +34 91 360 13 20 f. +34 91 360 13 22 comercial@lafabrica.com www.lafabricaeditorial.com

Ramón Masats sanfermines.

226

BN10 / BN11 La Fábrica Editorial

autores de la editorial _list of authors Chema Madoz Robert Capa Carlos spottorno Luis Buñuel Jordi socias Isabel Muñoz Dorothea Lange Alberto garcía-Alix Ortiz Echagüe Leopoldo Pomés Cristina garcía Rodero Emilio Morenatti David Jiménez José Ramón Bas Toni Catany Ouka Leele Ramón Masats Alexander Rodchenko Robert Frank Alberto Korda W. Eugene smith Anders Petersen

Chema Madoz 227

Obras Maestras_Masterpieces.

Book-in

dirección_management: Juan Carlos solís

Juan Duque, 12.

28005 Madrid (España) t. +34 91 559 60 25 / +34 91 559 85 42 f. +34 91 542 91 06 www.summaeditorial.com info@summaeditorial.com

Daysi Carmona Veinte poemas de amor y una canción desesperada de Pablo Neruda.

Prólogo de Antonio gala_Prologue by Antonio Gala. serigrafía_Silk-screen.

228

BN1 summa Editores de Arte

artistas_artists Daysi Carmona Carmen garcía suárez Irene Bogo Ángel Ramírez Janette Brossard Norberto Marrero Julio César Peña

229

Tentaciones 09 (p. 232) Premio Comunidad de Madrid (p. 258)

Tentaciones 09

Tentaciones 09

Antònia del Río

Alimento Discursivo Teórico (p. 234)

Federico Bayón

Memoria al Vacío (p. 236)

Hisae Ikenaga

Se puede medir el tiempo en Kilogramos (p. 238)

Jonathan Notario Worker Man (p. 240)

Julio Falagán

Asombrosa Cochambre (p. 242)

Marlon de Azambuja Metaesquemas (p. 244)

Miguel Pueyo

Nöjespark (p. 246)

Oscar Shocking Lie (p. 248)

Paz Tornero

The Couple (p. 250)

Raisa Maudit

Y fueron felices y comieron perdices (p. 252)

Sae

Silla Modelo Tietar (p. 254)

Sito Mújica

Philomythés / Mitomani (p. 256)

galerías y editoras _galleries and editors

Javier Duero director artístico EsTAM PA_ESTAMPA art director.

Celebramos la XI edición de Tentaciones en un momento de cambios e incertidumbres de cara a futuro como nunca las generaciones de jóvenes han vivido anteriormente.

We welcome the XI edition of Tentaciones at a time of change and uncertainty facing the future as the younger generations never have experienced before.

si en la pasada edición invitamos a investigar sobre el concepto de sostenibilidad, este año nos hemos dejado guiar por temas de actualidad sobre los que los artistas seleccionados reflexionan con humor y crudeza desde un compromiso asumido con su tiempo.

If in the last edition we invite to research the concept of sustainability, this year we have been guided by current issues on which the selected artists reflect with humor and harshness from a commitment assumed with its time.

Tentaciones, una convocatoria pública a realizar proyectos que incidan en la comprensión de nuestra realidad, ha tenido en esta edición una magnífica respuesta, evidenciando el buen estado del músculo creativo, y permitiendo que autores con un cuerpo de obra sólido e incipientes trayectorias demuestren talento, riesgo y coherencia en la exposición colectiva que les presentamos.

El papel del artista y la función de una galería de arte en un contexto de mercado está siendo superado por rápidos acontecimientos económicos y sociales y se vislumbra ya un nuevo panorama de relaciones profesionales y comerciales entre estos agentes y el resto del sector del arte contemporáneo. Por ello, el espacio Tentaciones es un laboratorio concebido para incentivar la creatividad artística y promover nuevas tendencias y experimentaciones en el mundo del arte gráfico y la edición, actualizada esta a parámetros técnicos y estéticos del siglo XXI. Es al mismo tiempo, un lugar donde descubrir nuevos talentos y donde ofrecer a los artistas jóvenes la oportunidad de entrar en contacto con el mercado del arte, de recibir premios o becas de instituciones para seguir desarrollando su actividad profesional, en definitiva para formalizar una carrera profesional como creador.

En este sentido es importante mencionar el esfuerzo realizado por Estampa para establecer una red de trabajo con instituciones y garantizar su estabilidad y colaboración en el tiempo con acuerdos de intercambio muy beneficiosos para los artistas participantes. También resulta imprescindible resaltar la colaboración de dos instituciones como el Ministerio de Cultura y la Comunidad de Madrid, sin cuyo apoyo económico, la plataforma Tentaciones no podría ser posible.

Finalmente, dar la bienvenida a los nuevos propietarios de Estampa, de cuyo compromiso con el arte han dado sobradas pruebas en su larga trayectoria como mecenas y favorecedores de iniciativas relacionadas con la creación contemporánea.

Tentaciones, an open call to create projects that affect the understanding of our reality, this year has got a great response, demonstrating the well state of the creative muscle, and allowing authors with a solid body of work and emerging trajectories show talent, risk and coherence in the group exhibition we are presenting.

The role of the artist and the role of an art gallery in a business context is being overcome by rapid economic and social developments; and a new landscape of professional and trade relations between these agents and the rest of the contemporary art sector is already glimpsed.

Therefore, the space of Tentaciones is a laboratory designed to encourage artistic creativity and promote new trends and experiments in the world of graphic art and printing, this one updated to technical and aesthetic parameters of the XXI century.

It is both a place to discover new talents and where to offer young artists the opportunity to come into contact with the art market, to receive awards or scholarships from institutions to further develop their professional activity, ultimately to formalize a professional career as creator.

In this regard it is important to mention the Estampa´s effort to establish a network with institutions and ensure its stability and cooperation with great benefit sharing agreements for the participating artists. Also it is essential to highlight the collaboration of two institutions as the Ministry of Culture and the Community of Madrid, without whose support, the platform Tentaciones would not be possible.

Finally, to welcome the new owners of Estampa, whose commitment to art has given ample proof in their long career as patrons and related initiatives-promoting contemporary creation.

TENTACIONEs

Conocimientos y pensamientos construidos a partir de la recopilación de citas de algunos referentes clave en el desarrollo de la obra llevada a cabo en los últimos cinco años.

Knowledge and thoughts based on the compilation of quotations and key references from the development of the work in the last five years.

Perec, Boltanski, sontag, Benjamin y muchos más han intervenido en la elaboración de un discurso que se presenta fragmentado para dar paso a nuevas combinaciones posibles en manos del visitante.

Perec, Boltanski, have taken part presented herein to new possible hands.

Frases aisladas de su contexto, ofrecidas a modo de folletos de sala que cada espectador puede seleccionar, coger o no las que le interesen y rehacer o recomponer discursos, dar un nuevo sentido o distintos usos a las frases. un texto que se forma a medida que desaparece de la sala de exposición: en múltiples relecturas, en un cajón de cualquier casa o en simple papel para reutilizar, por qué no, como lista de la compra.

Sontag, Benjamin and others in the creation of a discourse fragmented to pave the way combinations at the visitor’s

Phrases out of context that the attendees receive as an exhibit brochure and which can be modified, selected or recomposed thus infusing the phrases with new meanings. It is a text that emerges as it disappears from the exhibit hall: through multiple re-readings, in a drawer, as a simple piece of paper to reuse or why not, as a shopping list.

Ofrezco algunos apuntes de mi Alimento Discursivo Teórico a disposición de quien quiera servirse.

I offer my notes on Theoretical Discursive Food to whom they may be useful.

Antònia del Río. Capdepera, Mallorca, 1983. Licenciada en Bellas Artes y Master en Producciones Artísticas e Investigación por la universidad de Barcelona. sus proyectos se basan en los diálogos entre la memoria y el olvido en múltiples disciplinas. su obra ha sido expuesta en el Centro Cultural Alfonso X El sabio de Villa de guadarrama, Casino de Vic, Centro Cultural Bellavista de Les Franqueses del Vallés, Centro Cultural Francesca Bonnemaison, Centros Cívicos golferichs y Can Basté de Barcelona. En Mallorca: Can Creu d’Inca (Capdepera), Torre de ses Puntes (Manacor), Claustre de sant Domingo (Inca) y La Misericòrdia (Palma).

Antònia del Río. Capdepera, Mallorca, 1983.

She has a BA in arts and a Master in Artistic Productions and Research from the University of Barcelona. Her projects are based on the dialogs between memory and oblivion in multiple disciplines. Her work has been shown at the Centro Cultural Alfonso X El Sabio of Villa de Guadarrama, Casino de Vic, Centro Cultural Bellavista de Les Franqueses del Vallés, Centro Cultural Francesca Bonnemaison, Centros Cívicos Golferichs and Can Basté from Barcelona. In Mallorca: Can Creu d’Inca (Capdepera), Torre de ses Puntes (Manacor), Claustre de Sant Domingo (Inca) and La Misericòrdia (Palma).

Antònia del Río Alimento Discursivo Teórico

235

Alimento Discursivo Teórico, 2008-2009. Instalación sobre pared: 13 portafolletos de metacrilato Installation on the wall: 13 acrylic brochure holders.16,5 x 15,7 x 3,5 cm. Impresión sobre papel A5_Printing in A5 paper size.

TENTACIONEs

El proceso de envasado al vacío en alimentos tiene infinitas ventajas: se mantienen los sabores, las texturas y los olores primigenios, la oxidación provocada por el oxígeno es inexistente (se evita la putrefacción), y los tiempos de conservación en el tiempo son muy superiores. Pero, ¿qué ocurre si aplicamos este mismo proceso a la memoria y a los recuerdos? La historia de amor entre Francisco Antón y Carmen Rodríguez no se puede contar en primera persona. Francisco Antón falleció en 1976 y Carmen Rodríguez padece Alzheimer en estado avanzado. En un intento de que esa historia personal, y a la vez universal por su contexto histórico, se conserve y no se pierda para siempre, se ha aplicado el proceso de envasado al vacío a objetos/recuerdos para aprovechar las virtudes antes mencionadas. Fotografías, diarios, pañuelos, gafas… funcionan como narradores en primera persona y catalizadores de sensaciones. Mientras, se escucha la narración de Carmen Antón (hija de ambos) exponiendo lo que una vez le dijeron o vio de pequeña. En el otro monitor, Carmen Rodríguez incapaz ya de contarnos su relato, aparenta escuchar y por momentos parece ser ella la que esté narrando los hechos, estableciéndose un diálogo entre ambas.

Vacuum-packing food has an infinite number of advantages: taste, texture and smell stay the same; oxygen-induced oxidation is not taking place (thus avoiding putrefaction); and the preserving time spans are very elevated. However, what happens if we apply the same process to memory and memories? The love story between Francisco Antón and Carmen Rodríguez cannot be told in first person. Francisco Antón passed away in 1976 and Carmen Rodríguez suffers from Alzheimer at a very advanced stage. In an attempt to preserve this personal story –and at the same time universal story due to its historical context– and avoid it getting lost forever, the vacuum-packing process has been applied to objects/memories for them to benefit from the aforementioned virtues.

Photos, diaries, kerchiefs, glasses… serve as first-person narrators and catalysts for feelings.

In the meantime, you can hear Carmen Antón (daughter of the two) recounting what she was told at some point or what she saw as a child. In the other screen, Carmen Rodríguez, who is no longer able to tell us her story herself, seems to be listening and at times it seems like it is actually her who is relating the facts, thus establishing a dialogue between the two.

Federico Bayón. Madrid, 1976. Licenciado en Filología Inglesa mientras compagina distintos cursos de Fotografía. Desde 1998 trabaja en cine y televisión como ayudante de dirección.

En 2006 comienza a realizar videoarte, perfomances e instalaciones. sus obras han sido expuestas en La Casa Encendida de Madrid, en la Biblioteca Nacional de Belgrado y en festivales como OPTICA, IN-sONORA o VAD.

Federico Bayon. Madrid, 1976. He has a degree in English language, while he was also taking different photography classes. Since 1998, he has been working in cinema and television as assistant director. In 2006, he started creating videoart, performances and installations. His work has been shown in La Casa Encendida in Madrid, in the National Library in Belgrade and in festivals such as OPTICA, IN-SONORA or VAD.

Federico Bayón Memoria al Vacío

237

Memoria al vacío, 2009.

Instalación de 2 canales de vídeo y objetos envasados al vacío_Installation, 2 channels video and vacuum packed objects.

Dimensiones variables_Variable sizes.

Monitor 1: formato_format 16:9. stereo. 19’42’’ / Monitor 2: formato_format 4:3. stereo. 19’42’’

TENTACIONEs

La serie nace de una reflexión sobre lo habitual que resulta leer o escuchar en los medios de comunicación referencias a terrenos de juego deportivos a la hora de medir superficies de grandes dimensiones. La mayoría de las ocasiones se utilizan dichas referencias para tratar de facilitar al lector u oyente la medición de extensiones ingentes, cuando en realidad el efecto que se logra es el opuesto, produciéndose continuas equivocaciones e inexactitudes a la hora de emplear estas referencias de medida.

Pero... ¿realmente sabemos cuánto mide un campo de fútbol?

The series is born out of a reflection on the fact that usually we read or listen to on the mass media references to soccer fields when measuring large land extensions. Most of the times such references are used to make easier to understand huge spaces, but the result is the opposite: there are continuous mistakes and inaccuracies. And do we really know a soccer field’s dimensions?

También es curioso observar cómo cada uno empleamos nuestros propios métodos para medir superficies: solemos utilizar referencias de objetos que nos resultan habituales y conocemos mejor. Así, las obras que propongo consisten en medir distancias, áreas, volúmenes, tiempo, etc. utilizando como referencia campos de fútbol y otros objetos.

It is also curious to see how each of us uses our own methods to measure a surface: we use as reference objects familiar to us. The pieces of the series will measure distances, areas, volumes, time, etc., using as a reference soccer fields and other objects.

El proyecto para Tentaciones 09 consiste en la medición de tiempo en kilogramos. El tiempo que quiero medir es específicamente el necesario para llevar a cabo el montaje de las obras de Tentaciones 09. Esto se conseguiría por medio de una acción constante durante el montaje de toda la muestra.

Dicha acción consistiría en clavar clavos en una pared, acción común en los montajes. Los clavos han de ser de una misma medida y de un mismo peso. una vez medido el peso de los clavos, se formarían paquetes de 250 gramos cada uno. Al contarse los paquetes que se vayan utilizando se sabría el peso final. El resultado de la obra consistiría en una pared con clavos y en una cartela, a colocar al lado de la pared, se recogerá la relación del tiempo que se tarda en clavar

The project for Tentaciones 09 is about the measuring of time using kilograms. The time I would like to measure specifically is what it takes to assemble the pieces for Tentaciones 09. This can be achieved by a constant action during the assembling process. Such action will consist on hammering nails to a wall, a common assembling procedure. The nails need to have the same measure and weight. I will make 250g nail packages so that as the nails are used the final weighted can be measured. The resulting piece will be a wall with nails and a gusset. Also I will register the time used in nailing.

Hisae Ikenaga. México D.F., 1977. Vive y trabaja en Madrid.

Estudió en la Escuela de Pintura, Escultura y grabado “La Esmeralda”, en Ciudad de México y ha realizado estudios de postgrado en la universidad de Arte y Diseño de Kyoto (Japón), en la universidad de Barcelona y en la universidad Complutense de Madrid. Ha expuesto individualmente en: Prinz gallery, Kyoto (2001); galería de La Esmeralda (2002); garash galería (2003), ambas en México D.F. Mehr gallery, Nueva York; Instituto de México en España (2007); galería Formato Cómodo (2008 y 2009) y galería Praxis, Nueva York (2008 y 2009). Ha disfrutado de una residencia artística en Camac, Francia y otra en HANgAR en Barcelona. Ha sido acreedora de un primer premio en generaciones 2008 que organiza Caja Madrid.

Hisae Ikenaga. México D.F., 1977. She lives and works in Madrid, Spain. Ikenaga studied in the “La Esmeralda” Painting, Sculpture and Engraving School and followed post graduate courses at the Art and Design University of Tokyo; the University of Barcelona and the Universidad Complutense de Madrid. She has had individual exhibits at the Prinz Gallery, Kyoto (2001), Galería de La Esmeralda (2002) and Garash Gallery (2003) both in México D.F.; Mehr Gallery, New York; the Mexican Institute in Spain (2007); Formato Cómodo Gallery (2008 and 2009) and Praxis Gallery, New York (2008 and 2009). She has been a residence artist in Camac, France and in HANGAR, Barcelona.

Ikenaga has won the Generaciones 2008 Prize awarded by Caja Madrid.

Hisae Ikenaga se puede medir el tiempo en kilogramos serie_Series: “sistema Métrico Campo de Fútbol”

239

se puede medir el tiempo en kilogramos, 2009. Instalación in situ con clavos_In situ installation with nails.

TENTACIONEs

Worker Man es el invento que a todos nos gustaría tener: una réplica de nosotros mismos a tamaño real para colocarlo en nuestro puesto de trabajo y hacer creer al jefe que estamos trabajando. Ahora ya podrá dedicarse por entero a las cosas que le apasionan realmente como en mi caso hacer este proyecto ya que mientras worker man me suplantaba haciendo creer a mi jefe que yo estaba en mi puesto de trabajo yo estaba en casa haciendo este proyecto para tentaciones 09.

Worker Man is the invention we all would like to have: a real-life replica of ourselves that goes to work instead of us and that makes the boss believe we are at work. Now we can devote ourselves entirely to the things we feel passionate about, like in my case, I can create from home this project for Tentaciones ’09 while worker man is at work fooling my boss.

una réplica exacta y customizable de uno mismo, ideal para trabajos mecánicos y de oficina, en los que te pasas las horas sin moverte del asiento. Worker Man está perfectamente indicado para diseñadores gráficos que quieren ser artistas o artistas que trabajan de diseñadores gráficos ya que gracias a él no tendrán que ir a trabajar y podrán utilizar las ocho horas de jornada laboral en realizarse como personas.

An exact and customizable replica of oneself, ideal for that repetitive and office work in which you spend hours perched on the chair. Worker Man is perfectly indicated for graphic designers who want to be artists or artists working as graphic designers. Thanks to Worker Man you no longer have to go to work. Instead you can use your 8-hour day to realize yourself as a person.

Es fácilmente customizable, y con unos pequeños retoques, puedes hacer que se parezca a tí. En breve podrás disfrutar de la version femenina (Worker Woman) y la versión infantil (Worker Kid) especialmente indicada para que los niños puedan hacer peyas en el colegio sin que el profe se entere.

It is easily customizable and with a very few touches you can make it look like you. Very soon you will enjoy the female version (Worker Woman) and the child version (Worker Kid) especially made for those children who want to play hooky without the teacher noticing it.

Jonathan Notario. León, 1981. Estudia Bellas Artes en la universidad de salamanca (1999-2004). Del 2004 al 2005 compagina el arte con su trabajo de diseñador y grafista creativo, actualmente trabaja en una agencia de publicidad en Madrid.

Ha obtenido numerosos premios como el Accesit en el premio de Jóvenes Pintores de la gaceta de salamanca 2004, el segundo premio de pintura de los cines Van Dick, 2004, el segundo premio de pintura de la galería Montón de Trigo Montón de Paja (segovia); el primer Premio de Pintura Rápida Ciudad de León 2006, el premio de Comic de la Junta de Castilla y León en el 2007. Y el premio de adquisición de obra en el certamen de jóvenes artistas de Caja de Burgos.

Jonathan Notario. León, 1981. He has a BA in Fine Arts from the University of Salamanca (1999-2004). From 2004 to 2005, he combines graphic design with his artistic career. Notario is currently working for a publicity firm based in Madrid. Among his awards are: the Accesit Award for Young Painters by Gaceta de Salamanca in 2004; the runner-up’s prize by Van Dick Cinemas in 2004; the runner-up’s prize by the Montón de Trigo Montón de Paja Gallery in Segovia; the Fast Paiting Award by the city of Leon in 2006; the Comic Award by the Regional Government of Castilla and León in 2007. His work has been acquired by Caja de Burgos.

Jonathan Notario Worker Man

241

Worker Man, 2009. 4 dibujos de 30 x 40 cm cada uno_4 drawings, 30 x 40 cm each.

Packaging con mu単eco de 200 x 150 cm, con sistema de sonido para decir frases; atrezzo vario del montaje, cartel.

Speaking toy doll in packaging, 200 x 150 cm, props, promotional poster.

Dimensiones variables_Variable sizes.

TENTACIONEs

“La vida es lo que pasa mientras haces planes” Esta frase podría resumir a la perfección “Asombrosa Cochambre”. si extrapolamos esta frase al mundo del arte, podríamos decir que arte es lo que hacemos entre trabajo y trabajo. “Asombrosa Cochambre” es un compendio de obras realizadas en los ratos muertos del estudio, entre cuadro de gran formato y cuadro de gran formato, entre capa y capa de pintura, y en definitiva, entre trabajo y trabajo. Estas producciones huyen de metodologías y normas, son pequeños actos de libertad creados de forma lúdica y sin ninguna intencionalidad práctica. una serie de piezas menores (collages, pinturas, ensamblajes, dibujos) que en realidad son el germen puro de mi obra. ¡Viva la cochambre!

“Life’s what happens when you are busy making other plans.” This quotation fits to a T “Amazing Filth.” If applied to the art world, the quote may tell us that art is what we make between one work and the next. “Amazing Filth” is a summary of pieces created during those dead hours at the study, between a large-format painting and the next, between one layer of paint and the following; in short, between one work and the next. These pieces run away from methodology and norm. They are small acts of freedom created in a playful way with no practical intention in mind; they are minor pieces (collage, painting, assembling, drawing) that constitute the pure seeds of my work. Long Live Filth!

Julio Falagán. Valladolid, 1979. Licenciado en Bellas Artes por la universidad de salamanca. Ha sido reconocido con galardones como “Procesos 09” AVAM/CRAC, Beca de la Casa de Velázquez 09, Premio Injuve 06 o la Mención de Honor en “generaciones 04” Caja Madrid. su trabajo aborrece las grandilocuencias, apoyándose más bien en los despojos y nimiedades de nuestra sociedad para, desde ahí, plantear dilemas universales. su obra se ha expuesto en diferentes galerías e instituciones nacionales e internacionales, lo cual no le ha hecho cambiar de amistades.

Julio Falagán. Valladolid, 1979. He has a BA in Fine Arts from the University of Salamanca. He has received awards such as “Procesos 09” AVAM/ CRAC, the Casa de Velazquez 09 scholarship, the Injuve 06 Award or the Mention of Honor by “Generaciones 04” Caja Madrid. His work shuns grandiloquence and instead uses the remains and trifles of society to deal with universal issues.

Although Falagán has exhibited his pieces both nationally and internationally, his friends remain the same.

Julio Falag谩n Asombrosa Cochambre

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Asombrosa Cochambre, 2009. Instalaci贸n mural_Mural Installation. Dimensiones variables_Variable sizes.

TENTACIONEs

Observar el entorno urbano y tratar de buscar conexiones, relaciones, lecturas, entre los elementos que ahí están para construir otro modo posible de entender y relacionarse con la ciudad es una estrategia que empleo a menudo en el desarrollo de mi trabajo. En la serie Metaesquemas parto de fotografías que hago del suelo, más específicamente de estos elementos metálicos que pueblan las calles como testigos de alguna actividad o lugar oculto bajo tierra, para enseguida establecer conexiones geométricas entre ellos por medio del dibujo sobre la imagen impresa. Del diálogo entre los elementos surgen formas angulares que permiten una conversación muy interesante con el arte concreto y sobretodo con el neo-concretismo brasileño de los años 50. De hecho el nombre metaesquema (que podría ser interpretado como “esquema del esquema”…) viene de un grupo de obras de Hélio Oiticica, en las cuales el artista provoca tensiones entre elementos geométricos que se desaliñan en el plano del cuadro.

Observing the urban environment and trying to find connections, relationships, readings among its elements to construct a different way of understanding and interacting with the city, is a strategy that I often make use of in my work.

For the series Metaschemes, I started with photos that I took of the ground, more specifically of the metallic elements that populate the streets like witnesses of some hidden activity or place underground, to then establish geometrical connections between them via a drawing on top of a printed picture. From the dialogue between the elements, angular forms emerge that allow for a very interesting conversation with concrete art and above all with the Brazilian neoconcretism of the 1950s. As a matter of fact, the name metascheme (which could be interpreted as “scheme of the scheme”…) comes from a group of works by Hélio Oiticica, in which the artists provoke tensions between geometrical elements that get out of line in the layout of the picture.

Intento resaltar estas tensiones y diálogos que se dan por el ordenamiento casual (o práctico) de estos elementos en el entorno urbano, resultando en una conexión poética con la historia de arte, lo que me permite pensar que se trata de un testimonio del vivo contacto entre el dúo arte/vida. En otras palabras, trato de potencializar una situación que ya estaba presente, buscando un modo más de leer, entender, pensar y relacionarse con la ciudad.

I try to highlight these tensions and dialogues that emerge through casual (or practical) order of these elements in an urban environment. This results in a poetic connection with art history and allows me to think that this is a testimony of live contact between the duo of art/life. In other words, I try to magnify a situation that was already there, by looking for a different way of reading, understanding, thinking and interacting with the city.

Marlon de Azambuja. Brasil, 1978. Estudió en el Centro de Arte Contemporáneo Edilson Viriato en Curitiba (Brasil). Desde 2005 vive y trabaja en Madrid. sus exposiciones individuales más importantes son: Movimento Concreto, galería Furini / Roma, Italia 2009; Potencial Escultórico, Matadero Madrid / Madrid, España 2009; Projeto Moderno, galería Luisa strina / sao Paulo, Brasil 2009; Tres Propostas para a Cidade de Lisboa, galería zaum Projects / Lisboa, Portugal, 2009. Y varias exposiciones colectivas desde el 2006: Residency 09, Futura Project - Praga; Hambre, Madrid, La Ligne, La Vitrina-Paris; A propósito del espacio, semana de Arquitectura de Madrid, Espacio OTR; Construir, Habitar, Pensar - Estrategias para el arte y arquitectura contemporáneos, IVAM; generaciones 2008, La Casa Encendida; Premios Injuve, Círculo de Bellas Artes, Madrid. su obra se expone en el Museo de Arte Contemporáneo de Paraná, Curitiba-PR, Brasil; el Museo Oscar Niemeyer, Curitiba-PR, Brasil; la Fundación Cultural de Curitiba-PR, Brasil y la Casa de Brasil, Madrid, España, entre otros.

Marlon de Azambuja. Brazil, 1978. He studied at the Centro de Arte Contemporáneo Edilson Viriato en Curitiba (Brazil). He has been living and working in Madrid since 2005. His most important solo exhibitions are: Movimento Concreto, Galería Furini / Rome, Italy 2009, Potencial Escultórico, Matadero Madrid / Madrid, Spain 2009, Projeto Moderno, Galería Luisa Strina / Sao Paulo, Brazil 2009, Tres Propostas para a Cidade de Lisboa, Galería Zaum Projects / Lisbon, Portugal, 2009. And several joint exhibitions since 2006: Residency 09, Futura Project - Prague; Hambre, Madrid, La Ligne, La Vitrina-Paris; A propósito del espacio, Madrid Architecture Week, Espacio OTR; Construir, Habitar, Pensar - Estrategias para el arte y arquitectura contemporáneos, IVAM; Generaciones 2008 , La Casa Encendida; Premios Injuve, Circulo de Bellas Artes, Madrid. His work is on display in the collections of the Museo de Arte Contemporáneo in Paraná, Curitiba-PR, Brazil, the Museo Oscar Niemeyer, Curitiba-PR, Brazil, the Fundación Cultural de Curitiba-PR, Brazil and the Casa de Brasil, Madrid, Spain, among others.

Marlon de Azambuja Metaesquemas

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Metaesquemas, 2009.

Tinta china sobre impresi贸n ink-jet. 21 x 30 cm (cada dibujo)_Ink on ink-jet printing. 21 x 30 cm (each drawing).

TENTACIONEs

El proyecto NÖJEsPARK se concibe para presentar ante en el espectador una serie de piezas cuya finalidad es producir, a partes iguales, aspereza y amabilidad, rechazo y filia, deseo y asco. Las obras plantean una contraposición entre el mundo inocente, débil e indefenso de la infancia y un mundo oscuro y tenebroso, violento y morboso, cruel y sádico.

Así las cosas, en sCHAVOTT nos encontramos una simpática construcción de amable madera lijada y sin tratar. Lo morboso del asunto radica, por lo tanto, no en el aspecto de la obra, sino en su finalidad. La construcción es una reproducción a escala de un cadalso (en sueco, schavott). El juguete es, en realidad, una máquina para ahorcar niños. El mundo de la infancia (el juego, la escala) frente al mundo de la violencia y la muerte, la más salvaje de éstas, la infantil. En esa misma línea, FALBILLA nos presenta una guillotina (en sueco, fallbilla) cuya afilada hoja metálica ha sido sustituida por una nueva pieza de madera. sLIsK es, por el contrario, un inocente tobogán. sin embargo su violencia radica en que, en lugar de ser un objeto que permite al niño aterrizar suavemente, lo lanza por los aires para provocarle, ésta vez sí, un daño físico real. Por último, NÖJEsPARK, reproduce el típico parque infantil en el que se protege a los niños cuando son pequeños. En este parque, sin embargo, se han colocado unas alambradas por todo su perímetro. se plantea la dualidad de proteger y encerrar al niño, de salvarle de los de fuera o de protegernos nosotros de él.

La denominación de las piezas en sueco, la posibilidad de transportar montar y desmontar fácilmente todas las obras así como los dibujos del proyecto, que reproducen las instrucciones de montaje y desmontaje de las obras, nos remiten al mundo publicitario de la cadena de muebles IKEA, queriendo de este modo normalizar las obras introduciéndolas en un entorno cotidiano y popular, un mensaje de tranquilidad que contraponer a lo morboso del tema principal”

Miguel Pueyo. Pamplona, 1974. Cursa estudios de Bellas Artes en la uPV de Bilbao. Ha realizado exposiciones individuales en el Museu d´Art Modern de Tarragona o el Centro de Arte Contemporáneo de Huarte, entre otros. Con la galería de Moisés Pérez de Albéniz ha participado en las ferias ARCO, Madrid; DFoto, san sebastián; Loop, Barcelona o DIVA, Nueva York. Con la galería Casaborne ha participado en las ferias Arte Lisboa y Arte santander. Ha recibido premios como la Ayuda a la creación del gobierno de Navarra, Beca de residencia en París por el Ministerio de Asuntos Exteriores de París, Beca de Formación de Artistas de Vegap o Beca para el curso de Hondarribia por el Círculo de Bellas Artes de Madrid.

NÖJESPARK presents a series of pieces whose end is to equally produce harshness and kindness, rejection and love, desire and disgust. The works deal with the comparison between the innocent, weak and helpless childhood world and a dark, violent, morbid, cruel and sadistic world.

In SCHAVOTT we find a joyful construction of soft sanded and untreated wood. The morbid element is not in the look of the piece, but its purpose: it is a reproduction of the gallows (in Swedish, schavott). The scale, somewhat lesser than 1:1, hints at a children’s world, a reduced scale. In short, the toy is in reality a machine to hang children. The childhood world (playing, the proportions) opposed to a world of violence and death, and the most shocking of all, the death of a child. In the same line FALBILLA introduces a guillotine (in Swedish, fallbilla) whose sharp blade has been replaced by a new wooden piece.

SLISK is, however, an innocent toboggan, but its violence is in the fact that instead of allowing the child to land softly, it throws him/her in the air to provoke real harm. Lastly, NÖJESPARK reproduces a typical playpen used to protect children when they are little. This playpen, however, has been surrounded by barbed wire.

There is the duality of protecting the children and locking them up; saving them from outsiders or protecting us from them.

Using Swedish names, the possibility of easily tranporting, assembling and taking apart the pieces, the assembly instructions refer to the advertising world of IKEA, as an attempt to standardize the pieces and inserting them in a normal environment with a message of peace as opposed to the morbid main theme.

Miguel Pueyo. Pamplona, 1974. He has a BA in Fine Arts from UPV in Bilbao, Spain. He has had individual exhibits at the Museum of Modern Art in Tarragona or the Contemporary Art Center in Huarte. With Moisés Pérez de Albéniz Gallery he has particpated in ARCO, Madrid; DFoto, San Sebastian; Loop, Barcelona and DIVA, New York.

With the Casaborne Gallery he has participated in Arte Lisboa and Arte Santander fairs. He has received the Creation Grant from the Government of Navarre, the residence grant of the Ministry of Foreign Affairs of France, the Artists Training Grant from Vegap and the Hondarribia Grant by the Círculo de Bellas Artes de Madrid.

Miguel Pueyo Nรถjespark

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Nรถjespark (2 piezas_pieces): Schavott, 2009. Madera_Wood, 80 x 120 x 240 cm. Dibujo y collage_Drawing and collage: 30 x 40 cm.

Nรถjespark, 2009. Madera y alambrada_Wood and wire fencing, 100 x 100 x 100 cm. Dibujo y collage sobre papel, encolado sobre madera_Drawing and collage on paper, glued on wood. 98,5 x 150 cm.

TENTACIONEs

LIE es el nombre que da título a un proyecto de videoarte que gira en torno a la mentira (octavo mandamiento en el decálogo de la ley judío-cristiana) como eje de nuestra propia supervivencia.

LIE is the title for a videoart project on the concept of lying (the 8th commandment of the Judeo-Christian Decalogue) as the key to our own survival.

LIE es una primera pieza enmarcada en un proyecto más ambicioso, en el que a través del vídeo pretendo abordar el pecado como elemento sociológico y cultural desde una óptica personal, ajena a los juicios de valor, teniendo siempre presente el sufrimiento del hombre.

LIE is the first piece within a more ambitious project: through the video I intend to explore sin as a cultural and sociological element from a personal viewpoint, free from judgment and having always present man’s suffering.

Este trabajo es una reinterpretación del pecado como manifestación y consecuencia del mal inherente al ser humano. Hurga en la maldad, en su influencia y determinación en la mente humana. se pueden reconocer los temas relacionados con la culpa, el autoengaño y el tormento del hombre en el estilo pictórico, en los decorados de la composición... y en los primeros planos del rostro.

The piece is a reinterpretation of sin as a sign and consequence of evil inherent to human beings. It delves into evil, its influence and determination in the human mind. Themes related to man’s guilt, self-deceit and tormenting could be recognized in the pictorial approach, the decoration of the composition and the close-ups on the face.

LIE es un retrato a color, con tratamiento pictórico y estilismo teatral sobre fondo negro en el que una voz en off va narrando la “mentira” en inglés con subtítulos en castellano. En realidad LIE es un Audio, ya que la importancia del texto es capital.

LIE is a color portrait –with a theatrical style and a pictorial treatment– against a black background and a voiceover telling the “lie” in English with Spanish subtitles. As the importance of the text is essential, LIE is actually a sound clip.

Oscar shocking. Madrid, 1970. En 1997 nace Locking shocking, una firma de moda que mantiene fuertes lazos con otras disciplinas artísticas (fotografía, vídeo, instalación), de las cuales se impregna para sus desfiles obteniendo premios tan importantes como el L’Oréal Paris a la mejor colección en 2002 y el grand Prix de la Moda Marie Claire al mejor diseñador nacional en el 2004. Como dúo creativo ha mostrado en diversos formatos expositivos el mundo que nutre su propia vida. De esta manera ha colaborado con diversas instituciones artísticas y museográficas como MACBA, Barcelona; La Fábrica, Casa de América, Casa Encendida, Madrid; IVAM, Valencia; DA2, salamanca, MusAC de León con la instalación “Regret”. Ingenio 400 de CajaMadrid con el vídeo Fahrenheit 1º premio del jurado. Tras la desaparición de la firma, emprende en solitario como Oscar shocking una nueva etapa creativa. En la actualidad combina la docencia en centros de moda y arte con proyectos artísticos. En 2008 presentó sus dos nuevos trabajos en vídeo “Endless not” y “Nurse with Wound” en studio Banana.

“The Boy” (proyecto editorial) y “LIE” (videoarte) exposición en Tentaciones 09 EsTAMPA son los nuevos proyectos del 2009.

Oscar shocking. Madrid, 1970. He was one of the two founders of fashion firm Locking Shocking in 1997. From the beginnings the firm brought in other art fields such as photography, video and installation. Locking Shocking drew from them for its fashion shows, winning important awards such as L’Oréal Paris best collection of 2002 and the Marie Claire Grand Prix for best national designer in 2004. The firm worked with different cultural and artistic institutions like MACBA, Barcelona; La Fábrica, Casa de América, Casa Encendida, Madrid; IVAM, Valencia; DA2, Salamanca, MUSAC in León with the installation “Regret”; and Ingenio 400 of CajaMadrid with the video “Fahrenheit,” winning the best prize. After Locking Shocking disappeared, Oscar Shocking begins his solo career. He currently combines teaching in art and fashion centers with artistic projects. In 2008 Shocking presented two video pieces “Endless not” and “Nurse with Wound” at Studio Banana. The Boy (an editorial Project) and LIE (videoart) are his latest projects.

Oscar shocking Lie

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Lie, 2009. V铆deo monocanal, sonido_Single-channel video, sound.

Manouk Films (Barcelona). Direccion_Director: Cristina Enblanco. gui贸n y producci贸n_Script and production: Oscar shocking.

TENTACIONEs

The Couple consiste en la grabación de una coreografía entre dos bailarines, con el fin de crear una instalación audiovisual.

En este caso, mi interés se centra en los estilos hip-hop, brake dance y funk tan de moda entre la juventud.

The Couple is a dance composition by two dancers in order to create an audiovisual installation. My interest is centered on the HipHop, break-dance and funk styles, which are so popular among young people today.

La intención es analizar y contar mediante la danza, el comportamiento dentro de una relación de pareja que llega a menudo a manifestarse en la vida diaria. una comunicación visual utilizando la danza y a través de lo que se denomina “Battle” o batalla, dentro del mundo del hip-hop.

Through dance, I analyze the behavior of a couple and their relationship in their daily life. It is a visual piece of communication using dance and what is known as “battle” in the HipHop lingo.

Los bailarines, o la pareja, comenzarán una “conversación” suave y sincronizada, siendo más tarde cuando emerjan las diferencias entre ellos por medio de sus movimientos corporales, que se tornaran más agresivos e intensos, dejando ya de ser un dúo para dar paso a la “batalla” o al enfrentamiento.

The dancers, or the couple, start a soft and synchronized “conversation” and eventually, when differences emerge, their body movements become more aggressive and intense; thus ceasing to be a duo and letting in the “battle” or clash.

The Couple quiere mostrar al espectador el problema de la distancia o en contraposición cercanía, de la construcción conjunta o la rivalidad, del dúo o el individualismo que es característico en la pareja de nuestra actual época. La “guerra de sexos”.

The Couple shows the problem of distance or as an opposite, that of being close; of creating together or rivalry, of being a duo or an individual, which is so common in current couples. It is the “war of the sexes.”

Paz Tornero. Murcia, 1975. Es Licenciada en Bellas Artes por la universidad Politécnica de Valencia, con ampliación de estudios en Inglaterra y EE uu; Máster en Artes Digitales por la universidad Pompeu Fabra y actualmente realiza un Doctorado en Creatividad Aplicada en la universidad Complutense y Autónoma de Madrid. Visiting Fellow en Harvard en la Facultad de Ingeniería y Ciencias Aplicadas, 2009-2010. Ha participado en numerosos festivales como: VAD de girona, Loop Festival de Barcelona, Art TV Festival de Cine de Málaga, zemos98 REPL(A)Y comisariado por María Pallier en sevilla, Artists’ Television Access en san Francisco y soundCast III (Estados unidos), La Enana Marrón y MOsTRA’T en Madrid y Barcelona. Arte Público, AlterArte y MuchoMásMayo en Murcia. Ha expuesto en The Frame gallery, Regina gouger Miller gallery y Kipp gallery en Estados unidos, galería Extrapool en Holanda, Centro Cívico san Agustín en Barcelona y la sala Cruce de Madrid. Becada por el Centro Párraga de Murcia, el Ministerio de Educación y Ciencia y la Fundación Krea. Ha colaborado con La Fura dels Baus creando una escultura interactiva en su obra OBIT. su trabajo se ha mostrado en el programa de televisión METROPOLIs, TVE2, titulado “Comentaristas Irreverentes” 2008.

Paz Tornero. Murcia, 1975. She has a BA in Fine Arts from the Universidad Politécnica de Valencia, Valencia, Spain. She has also studied in the UK and the States. Tornero holds a Master in Digital Art from the Pompeu Fabra University and is currently finishing a PhD in Applied Creativity at the Universidad Complutense y Autónoma de Madrid, Spain. She is a Visiting Fellow at the School of Engineering and Applied Sciences in Harvard, 2009-2010. Tornero has attended several festivals such as VAD in Girona, Loop Festival in Barcelona, ARTtv Film Festival in Málaga, Zemos98 REPL(A)Y curator for María Pallier in Sevilla, Artists’ Television Access in San Francisco and SoundCast III (US), La Enana Marrón and MOSTRA’T in Madrid and Barcelona. Arte Público AlterArte and MuchoMásMayo in Murcia. She has exhibited her work at The Frame Gallery, Regina Gouger Miller Gallery and Kipp Gallery in the US; the Extrapool Gellery in Holand, Centro Cívico San Agustín in Barcelona and Cruce Gallery in Madrid. Scholarships incluye: Centro Párraga in Murcia, the Ministry of Education and Science and the Krea Foundation. She worked with La Fura dels Baus creating an Interactive sculpture for the piece OBIT. In 2008 Tornero was featured on the TV program METROPOLIS, TVE2, in the show called “Irreverent Commentators.”

Paz Tornero The couple

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The Couple, 2008. Instalación audiovisual de 2 canales de vídeo_Audiovisual installation, 2 single-channels. 8’36’’.

TENTACIONEs

Partiendo de la construcción del Yo y sus necesidades en la sociedad actual; aparece un nuevo estadio del individualismo.

El individuo coexiste en una sociedad de confort, hipercomunicada; en la que la estabilidad cada vez es un valor más utópico, el “yo” se convierte en un ancla de sujeción, y las relaciones interpersonales se ramifican. Una contradicción turbadora que crea una sensación de fuerte desposesión. Este es un retrato de ese emergente individualismo, el individualismo narcisista…

From the construction of the “I” and its needs in today’s society, there comes a new stage of individualism. The individual exists in a hyper communicated comfort society in which stability is more utopian than ever, the “I” becomes an anchor and interpersonal relations are ramified. It is a disturbing contradiction that creates a strong feeling of dispossession. This is a portrait of that emerging individualism, the narcissistic type.

“Y fueron felices y comieron perdices” es una secuencia fotográfica en la que la artista mediante autorretratos representa la personificación de ese individuo, que intenta encontrar la estabilidad carente en su existencia creando un onanismo sentimental. Hacia el espectador es como lanzar una pregunta al aire, de hacer explícita la existencia de esa tendencia de comportamiento y meditar sobre: ¿es eso amor, es eso estabilidad?, ¿desde dónde vivimos las relaciones interindividuales? ¿es negativo y antinatural a nivel social? O ¿podría ser que se convirtiera en una nueva forma de ver las relaciones afectivas, manteniendo el romanticismo de los cánones tradicionales del amor ya obsoleto, pero desde un contexto artificial? Una distopía emocional sobre el amor y la felicidad igualmente turbadora.

“And they lived happily ever after” is a photo sequence in which through self-portraits the artist represents the personification that individual and attempts to find that absent stability by creating a sentimental onanism. It is like leaving a question up in the air for the participants. It is like making explicit the existence of that type of behavior and asking, is this love, is this stability? Where do we live interpersonal relations? Is it negative and anti natural at a social level? Or, could it be that it is a new way to see love relations, keeping the romanticism of the traditional canons of that obsolete love, but from an artificial context? It is as disturbing an emotional dystopia about love and happiness.

Raisa Maudit, (Raisa Fernández). Canarias, 1986. se encuentra concluyendo la Licenciatura de Bellas Artes por la universidad de Barcelona (2004-09), donde previamente completó su formación audiovisual. su obra ha sido expuesta en las colectivas “Creació emergent 08/09” (2009), “El saló de té” (2007), ambas en Barcelona. Y en la individual “El concepto manifestante” (2009) en la Obra social y Cultural de Caja Canarias.

Raisa Maudit, (Raisa Fernández). Canarias, 1986.

She is currently finishing her BA in Fine Arts at the Univeristy of Barcelona (2004-2009), where previously she completed audiovisual studies. Her work has been exhibited in the collective shows “Creació emergent 08/09” (2009), “El saló de té” (2007), both in Barcelona; and the individual show “El concepto manifestante” (2009) by Obra Social y Cultural de Caja Canarias.

Raisa Maudit Y fueron felices y comieron perdices...

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Y fueron felices y comieron perdices, 2009. serie de 7_Series of 7. FotografĂ­a digital_Digital Photography.

Copia baritada sobre Dibond y bastidor de aluminio_Baryta-coated paper on Dibond mounted on aluminum.

20 x 31 cm (cada una_each)

TENTACIONEs

¿Os imaginais que pasaría si la naturaleza se rebelase, agotando “nuestros” recursos, para desarrollar ella los suyos?

Can you imagine what would happen if nature rebelled and used up all “our” resources to develop its own?

La silla representa una inversión de la relación con los objetos y la naturaleza: en ella se invierte el proceso natural en que el ser humano convierte la naturaleza en objetos, siendo éstos conquistados de nuevo por la naturaleza, pero con la huella de haber pasado por las manos del hombre. El proceso de creación forma parte de la narración en esta obra. Es una silla recogida de la basura, que “alguien ha desechado”, cuando yo la encontré, a parte de algún tornillo un poco suelto, algún golpe y el mal estado del barniz, estaba perfectamente. La restauré con mucho amor y cuidado, para quemarla después con un soplete, puedo asegurar que me dolió más a mí que a ella.

This chair represents a reversal of our relationship with objects and nature: it reverses the natural process of the human being converting nature into objects; these are reconquered by nature, but with the mark of having passed through the hands of man. The creative process is part of the narrative of this piece. It is a chair picked up from trash, a chair that “someone threw away”; when I found it, it was in perfect shape, except for a few loose screws, a few bumps and the bad state of the varnish. I restored it with lots of love and care, only to burn it afterwards with a blowtorch; rest assured that I was in more pain than the chair.

El resto de materiales son líquenes, tierras, ramas y piedras de pinares castellanos y bosques gallegos, que han pasado por un riguroso proceso de selección.

The remaining materials are lichens, a bit of earth, twigs and stones from pine forests in Castilia and woods in Galicia, all of them selected very carefully.

sAE (saelia Aparicio). Ávila, 1982. se licenció en Bellas Artes por la universidad de Cuenca en el 2009, ese mismo año obtuvo un áccesit en la INJuVE en la modalidad de artes plásticas; estuvo en ARCO 40 con la galería Art Nueve; participó en la colectiva “Arpía” de Mediodia Chica y expuso su proyecto final en la Diputación de Cuenca con una beca que le dieron por la facultad de BBAA de allí, la diputación de Cuenca y la fundación Antonio Pérez en el año 2008. Algunas de sus exposiciones más destacadas: Ikas Art 2008 de Balsameda, en el Palacio de la Virreina en la exposición “Ingrid last login”, gracias a una colaboración con el director Eduard Cortés en su última película. Le gusta colaborar en Fanzines como smecta, Cosmos, Montaña sagrada, gristle, etc... y con sus hermanas: Attua y Raquel.

Sae (Saelia Aparicio). Ávila, 1982. She graduated with a degree in Fine Arts from Cuenca University in 2009 and in the same year she was granted access to INJUVE in the plastic arts module; she took part in ARCO 40 with the gallery Galería Art Nueve; she participated in the group exhibition “Arpía” in Mediodia Chica and showed her final project in the Council of Cuenca with a scholarship from the Faculty of Fine Arts of Cuenca, the Council of Cuenca and the Antonio Pérez Foundation she won in 2008. Some of her most important exhibitions are: Ikas Art 2008 in Balsameda, in the exhibition “Ingrid last login” in the Virreina Palace, thanks to a collaboration with film director Eduard Cortés in his most recent film. She likes contributing to Fanzines such as Smecta, Cosmos, Montaña sagrada, Gristle, etc... and she also enjoys working with her sisters Attua and Raquel.

sAE silla Modelo Tietar

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silla Modelo Tietar, 2009. Instalaci贸n: silla rescatada de la basura, restaurada y quemada, tierra, piedras, ramitas y l铆quenes Installation: chair rescued from garbage, restored and burnt, earth, stones, twigs and lichen. Medidas variables_Variable sizes.

TENTACIONEs

El significado que damos a las palabras es consecuencia del tiempo, el sentido, las asociaciones, el conocimiento del referente y nuestra actitud ante las cosas. En un sentido contemporáneo, “mito” sirve para designar cosas o personas que tienen algún vínculo con aspectos referentes a su etimología clásica: del griego “fábula, leyenda” al actual “persona o cosa rodeada de extraordinaria estima”. El mito es una creación cultural que pretende trascender los límites de la condición humana.

Desde la “red social” Myspace, Philomythés / Mitomani analiza nuevas significaciones del mito, de su aspecto público, su autogestión y difusión.

The meaning we attribute to words is a consequence of time, of sense, of associations, of the referent’s knowledge and of our attitude towards things. In a contemporary sense, “myth” serves as a word to designate things or people that are in some way linked to aspects of its classical etymology: from the ancient greek “fable, legend” to the current “person or thing surrounded by extraordinary esteem”. A myth is a cultural creation that aims to go beyond the limits of the human condition.

On the basis of the “social network” Myspace, Philomythés / Mitomani analyses new meanings of a myth, its public outlook, its self-management and its diffusion.

El proyecto está formado por dibujos a grafito que toman como modelo fotografías y frases de presentación de los “perfiles” de Myspace, recomponiendo desde una mirada trans-histórica las imágenes con las que los usuarios se autorepresentan, exteriorizan y “mitifican”.

This project comprises graphite drawings that are modelled on photos and introductory phrases from Myspace “profiles”. From a transhistorical point of view, they recompose the images used

by Myspace members to represent themselves, externalise themselves and “turn themselves into a legend”.

sito Mújica. Sabadell, Barcelona, 1971. Estudia diseño gráfico en la Escola Illa de sabadell. En 2005 realiza un taller de creación en “La Nau” de sabadell, dirigido por el artista Ramiro Fernández saus. En 2007 inicia su proyecto “Copiadas” donde reproduce, con técnicas tradicionales como el óleo, la acuarela o el lápiz de grafito, fotografías extraídas de páginas webs y blogs. “MIMEsIs/DIégEsIs” fue su primera individual en la galería sIs de sabadell. su obra se ha mostrado en festivales como el Bac (Festival de Arte Contemporáneo de Barcelona) y en galerías como N2 de Barcelona o Envoy gallery de NYC. Pero su principal medio de difusión, los sitios de redes sociales, le han permitido entrar en contacto con los artistas a los que copia y admira, Paul Sepuya, Ryan Pfluger, David Youngs... y participar en proyectos como en el libro “Toscaza 3” de Matthias Herrmann. Actualmente, compagina su actividad artística con la docencia.

Sito Mújica. Sabadell, Barcelona, 1971. He studied graphic design at the Escola Illa in Sabadell. In 2005, he lead a creative workshop at “La Nau” in Sabadell, directed by the artist Ramiro Fernández Saus. In 2007, he started his project “Copiadas” for which he reproduced photos from websites and blogs with traditional techniques such as oil painting, watercolor painting and graphite.

“MIMESIS/DIÉGESIS” at the SIS gallery in Sabadell was his first solo exhibition. His work has been shown in festivals like Bac (Contemporary Art Festival Barcelona) and in galleries such as N2 in Barcelona or Envoy Gallery in NYC. Social networks are his main means of communication; they have allowed him to contact artists that he imitates and admires, such as Paul Sepuya, Ryan Pfluger, David Youngs, and to take part in projects like the book “Toscaza 3” by Matthias Herrmann.

He currently divides his time between his artistic activities and teaching.

sito Mújica Philomythés / Mitomanis

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Philomythés / Mitomani, 2008.

Instalación_Installation: 16 dibujos, 14 x 19 cm, enmarcados en 30 x 40 cm_16 drawings, 14 x 19 cm. Frame, 30 x 40 cm Lápiz sobre papel_Graphite on paper.

Premio Comunidad de Madrid

Diana Larrea, Félix Fernández y Andrés Senra Nexus (p. 260)

Lucía Loren

El bosque hueco (p. 262)

Marta Soul

Boys&Cars (p. 264)

Rocío Asensi

¿En qué se diferencian nuestros sueños? (p. 266)

galerías y editoras _galleries and editors

La Comunidad de Madrid, en su claro apoyo a los jóvenes creadores, participa en esta edición de la Feria Internacional de Arte Múltiple (EsTAMPA) a través de Tentaciones, la plataforma de difusión de la creación emergente en España, que se presenta anualmente en el contexto de EsTAMPA y cuyo objetivo es el de fomentar la actividad creadora y apoyar a aquellos artistas que, individualmente o como colectivo, desarrollan sus proyectos desde una perspectiva de investigación, y que entienden el proceso de creación como parte de un acto de comunicación relevante y necesario para un mayor conocimiento sobre la compleja sociedad en la que vivimos y los cambios a los que ésta se ve sometida.

The Regional Government of Madrid, in its open support of young artists, is participating in ESTAMPA 2009 through Tentaciones, the platform to annually promote emerging creators in Spain. The objective is to foster creativity and to support artists who, collective or individually, carry out their projects from a research perspective; and who understand the creation process as part of a relevant and necessary act of communication to have a better understanding about the complex society in which we live and the changes it is undergoing.

Con esta nueva iniciativa, la Feria EsTAMPA avanza en su empeño de potenciar la visibilidad de jóvenes artistas, mediante el establecimiento de acuerdos con instituciones públicas y privadas comprometidas también con la promoción artística, y por su parte, la Comunidad de Madrid da una mayor difusión a sus ya consolidadas Ayudas a la Producción de Artes Plásticas.

With this new initiative, ESTAMPA advances in promoting the visibility of young artists through agreements with public and private institutions equally committed to artistic development. In turn, the Regional Government of Madrid further promotes its consolidated Grants for the Plastic Arts Production.

Estas ayudas tienen como objeto subvencionar la realización de proyectos de creación en el campo de las artes plásticas, con la finalidad de recompensar la actividad creadora de los artistas y contribuir a la difusión de sus creaciones. A través de la participación en Tentaciones se les ofrece la oportunidad de optar a las distintas becas que desde la feria EsTAMPA se otorgan en distintos centros internacionales de arte contemporáneo.

The objective of the grants is to sponsor plastic arts projects in order to reward the artists and contribute to the promotion of the resulting works. By attending Tentaciones, artists are offered the opportunity of opting for the grants that ESTAMPA makes available in different international contemporary art centers.

TENTACIONEs

Este trabajo audiovisual nace del encuentro entre tres artistas plásticos que compartimos intereses comunes hacia algunos iconos densos de significado en nuestra sociedad occidental contemporánea. En esta ocasión, elegimos dirigir nuestro interés hacia un hito cinematográfico que constituye todo un referente dentro del imaginario visual colectivo. se trata de la emblemática película de culto “Blade Runner” , un paradigma cultural que ha trascendido mucho más allá del género de ciencia-ficción al que pertenece. El proyecto gira en torno a esta epopeya postmoderna, tan rica en alusiones filosóficas y teológicas, y se materializa en una ambiciosa propuesta audiovisual que, de un modo subjetivo y particular, profundiza en el sentido esencial de este mito. El proyecto está compuesto por tres grabaciones, rodadas en calidad cinematográfica, que están concebidas para ser expuestas en una triple proyección simultánea. Cada una de estas cintas, toma como punto de partida a tres de los replicantes protagonistas de este relato: el líder Roy Batty, su fiel amigo Leon Kowalsky, y la sofisticada Rachael, supuesta sobrina del jefe de la compañía Tyrell Corporation. En base a estas tres personalidades, indagamos de manera libre e independiente en ciertos conceptos universales que plantea el film original.

This audiovisual piece emerged out of the common interest by three plastic artists in some meaningful icons from our modern Western society. We focused on one of the cinematic landmarks in the visual collective mind: the cult film Blade Runner, a cultural paradigm that has transcended beyond the sci-fi genre. The project touches on this postmodern epic –so full in philosophical and theological allusions– and materializes in an ambitious audiovisual piece, which, in a subjective and particular way, aims to go deeper into the film’s essence. Composed of three recordings shot on film, each of the project’s pieces will be screened simultaneously.

Each recording takes as a starting point three of the replicants from Blade Runner: the leader Roy Batty, his faithful companion Leon Kowalsky and the sophisticated Rachel, supposed niece of the head of the Tyrell Corporation. Based on the three personalities we freely and independently explore some of the universal concepts in the original film.

Diana Larrea. Madrid, 1972. Es licenciada en Bellas Artes por la universidad Complutense de Madrid. Entre sus exposiciones colectivas más recientes destacan EXPO zaragoza’08, en la sección de Intervenciones Artísticas permanentes y “In Transition Russia” en el National Centre of Contemporary Art de Moscú (Rusia). De sus exposiciones individuales destacan: galería Espacio Líquido de gijón y el Espai 13 de la Fundació Joan Miró.

Diana Larrea. Madrid, 1972. She has BA in Fine Arts from Universidad Complutense of Madrid.

Her recent exhibits include EXPO Zaragoza’08, permanent artistic interventions sections and “In Transition Russia” at the National Centre of Contemporary Art in Moscow, Russia. Her individual series can be seen at Galería Espacio Líquido in Gijón and at Espai 13 of the Joan Miró Foundation.

Félix Fernández. Lugo, 1977. Artista multidisciplinar. Licenciado en Bellas Artes (Pontevedra 2001) se forma paralelamente en danza contemporánea y teatro-performance. Ha sido becado en 2009 por unión FENOsA para residir en Berlín y New York. Ha expuesto en numerosos espacios entre los cuales destaca: Instituto Cervantes, Tokio y Pekín, Kunstlerhaus Dortmund, Alemania, Museo de Arte Contemporáneo de Tel Aviv y MARCO.

Félix Fernández. Lugo, 1977. Multidisciplinary artist. He has a BA in Fine Arts (Pontevedra 2001) and studies in contemporary dance and performance theater. He has received in 2009 a scholarship by Unión FENOSA to live in Berlin and New York. His work has been showcased at the Instituto Cervantes, in Tokyo and Beijin, Kunstlerhaus Dortmund, Germany, the Tel Aviv Contemporary Art Museum and MARCO.

Andrés senra. Río de Janeiro, 1968. Es licenciado en Biología Fundamental por la universidad Complutense de Madrid. su última exposición individual, “Hechos reales”, tuvo lugar en el año 2008 en Espacio Menosuno de Madrid. Ha participado en numerosas muestras colectivas como “Desvelados”, dentro de La noche en blanco’08 de Madrid; “Miró una mirada” desde el video en la Book Art Fair 2007 de Frankfurt; “Tentaciones” en la Feria EsTAMPA’05 de Madrid; “Microcinema” en el Museo de Arte moderno de Río de Janeiro (Brasil); o el “Festival internacional de cine pobre” de gibara (Cuba) entre otras.

Andrés Senra. Río de Janeiro, 1968. He has BA in Biology from Universidad Complutense of Madrid. His last individual exhibit was in 2008 at Espacio Menosuno in Madrid. He has participated in several collective shows like “Wide Awake” within La Noche en Blanco, Madrid 2008; “Miró una mirada”, video at the Book Art Fair, Frankfurt 2007; “Tentaciones”, ESTAMPA 2005, Madrid; “Microcinema”, Museum of Modern Art, Rio de Janeiro, Brazil; and the International Non-Budget Film Festival in Gibara, Cuba.

Diana Larrea, Félix Fernández y Andrés senra Nexus

261

Nexus, 2009. Vídeo en tri-proyección_Tri-projection video. 8’ 07’’ Productora_Producer: sandra Hermida y Colosé Producciones.

TENTACIONEs

Es un proyecto de creación audiovisual que remarca los valores paisajísticos, culturales y estéticos de un paisaje vivo. Lucía Loren realiza una serie de intervenciones en la naturaleza en las que ensalza el árbol como parte fundamental de un paisaje y su memoria. Estas intervenciones han servido de hilo conductor para que Juanma Valentín realice una videocreación en el que las voces de los que pueblan este lugar forman un tejido de pensamientos y sentires que nos hablan de la importancia del entorno que habitan.

The Hollow Forest is an audiovisual project that highlights the scenic, cultural and aesthetic values of a living landscape. Lucía Loren creates a series of interventions in nature praising the tree as a fundamental part of a landscape and its memory.

The interventions have served as a connecting thread for Juanma Valentín to produce a video creation in which the voices of those who inhabit this place make a web of thoughts and feelings that speak about the importance of the place they inhabit.

Lucía Loren. Madrid, 1973. Licenciada en Bellas Artes por la universidad Complutense de Madrid (1997). Varias becas y premios le han permitido participar en proyectos de investigación artística: Beca Erasmus, “Accademia di Belle Arti”, Bologna, Italia (1997); Beca Convenios Internacionales, “Facultad de Artes”. Tucumán, Argentina (1999); Beca Ministerio Asuntos Exteriores, “Accademia di Belle Arti”, Bologna, Italia, (2000); Premio Artes Plásticas, Consejería Cultura y Deportes de la Comunidad de Madrid (2003). Las relaciones de intercambio del ser humano con el entorno y el paisaje que se conforma, son el tema principal de reflexión de su trabajo en estos últimos años. Esta vinculación con el paisaje ha inspirado las intervenciones específicas que ha realizado en diversos entornos naturales: “Reserva Biológica Horcomolle” Tucumán (Argentina); “I poetti fanno la cittá” Bolonia (Italia); ”Oltre il giardino” san Mauro Pascoli (Italia); “Parque de Esculturas Lomos de Oro” Villoslada de Cameros, La Rioja; “Arte en la Tierra” santa Lucia de Ocón, La Rioja; “El Bosque Hueco” Puebla de La sierra, Madrid; “Naturalmente Artificial” Museo Arte Contemporáneo Esteban Vicente, segovia; “un camino entre el Arte y el Medio Rural” Valdemanco, Mancomunidad servicios Culturales, Madrid. Ha participado en numerosas exposiciones colectivas, entre ellas: Centro Cultural Montehermoso (Vitoria), Museo Arte Contemporáneo Esteban Vicente (segovia), Círculo de Bellas Artes (Madrid), Centro Riojano de Logroño (La Rioja), Museo Provincial Bellas Artes de Tucumán (Argentina), Palacio de la Mosquera (Arenas de san Pedro, Ávila), Mirador (Berzosa de Lozoya, Madrid), Centro de Artes Plásticas (Las Palmas de gran Canaria), V Muestra de Teatro de Calle de la sierra Norte, “Artifariti”, Encuentros Internacionales de Arte en Territorios Liberados del sahara Occidental…

Lucía Loren. Madrid, 1973. She has a BA in Fine Arts from the Universidad Complutense of Madrid (1997). For her artistic research, she has received scholarships and awards such as the Erasmus scholarship, “Accademia di Belle Arti”, Bologna, Italy (1997); Convenios Internacionales scholarship, School of Arts, Tucumán, Argentina (1999); a scholarship from the Ministry of Foreign Affairs, “Accademia di Belle Arti”, Bologna, Italia, (2000); the Plastic Arts Award from the Madrid Culture and Sports Council Department (2003). The human relations of exchange with the environment and the landscape is the main subject of Loren’s work of the past years. The link with the landscape has inspired intervetions in the places as follows: the Horcomolle Bio Reserve, Tucumán, Argentina; “I poetti fanno la cittá”, Bologna, Italy; ”Oltre il Giardino”, San Mauro Pascoli, Italy; “Parque de Esculturas Lomos de Oro”, Villoslada de Cameros, La Rioja, Spain; “Art on Earth”, Santa Lucía de Ocón, La Rioja, Spain; “The Hollow Forest”, Puebla de La Sierra, Madrid, “Naturally Artificial”, Esteban Vicente Contemporary Art Museum, Segovia, Spain; “A Path between Art and a Rural Environment”, Valdemanco, Mancomunidad Servicios Culturales, Madrid, Spain. Lucía Loren has participated in several collective exhibits at the Centro Cultural Montehermoso (Vitoria), Esteban Vicente Contemporary Art Museum (Segovia), Círculo de Bellas Artes (Madrid), Centro Riojano de Logroño (La Rioja), Fine Arts Provincial Museum, Tucumán (Argentina), Palacio de la Mosquera (Arenas de San Pedro, Ávila), Mirador (Berzosa de Lozoya, Madrid), Plastic Arts Center (Las Palmas de Gran Canaria), V Sierra Norte Street Theater, “Artifariti”, International Art Meetings in the Western Sahara Liberated Territories.

Lucía Loren El bosque hueco

263

El bosque hueco, 2005. Vídeo monocanal, 4:3, 11’_Single-channel video, 4:3, 11’. DVD PAL Dolby .

TENTACIONEs

Boys&Cars reflexiona sobre la figura del inmigrante y la sociedad de consumo desde la perspectiva del éxito, de status, bienestar y de felicidad, si se quiere, que representa una nueva utopía individualista compartida por todos.

Boys&Cars is a reflection on the image of the immigrant and the consumer society from a perspective of success, status, wellbeing and happiness –if so interpreted–, which represents a new individualistic utopia shared by all.

La serie fotográfica se estructura en tres partes; retratos individuales localizados en plazas de garaje vacías, grupos de inmigrantes en Madrid posando junto a coches de lujo y representaciones del retorno de hombres inmigrantes a sus países de origen exhibiendo los coches ante sus vecinos, familiares y amigos.

The photo series is structured in three: individual portraits taken in empty garage spaces, immigrant groups in Madrid posing next to luxury cars and representations of immigrants’ environments showing off their cars back to neighbors, relatives and friends in their countries of origin.

La base de la que partir es la idea del éxito alcanzado mediante la posesión de ciertos bienes de consumo, en este caso es el vehículo de lujo que pretende aludir directamente a una imagen estereotipada del nuevo hombre rico y moderno. En la serie videográfica, los personajes anónimos aparecen como reflejo de un idealismo social en el que la realidad se disfraza y se ve similar a un sueño, el sueño capitalista. Filmados en la ciudad de Pekín, Caracas y El Cairo, tres diferentes personajes son entrevistados en escenarios concretos, respondiendo preguntas rescatadas de internet al filósofo alemán Peter Sloterdijk y mostrando su particular visión del mundo.

The rationale is the idea of reaching success by possessing certain consumer goods, in this case a luxury car, that directly hints at a stereotyped image of the new rich and modern man. In the video series, anonymous characters appear as a reflection of a social idealism, which in reality is disguised and is revealed like a dream, the capitalist dream. Shot in the cities of Beijing, Caracas and Cairo, three different subjects are interviewed in specific settings, answering questions –taken off the Internet– to German philosopher Peter Sloterdijk, thus showing their particular world vision.

Marta soul (Madrid 1973) vive y trabaja en Madrid. Tiene estudios de Fotografía y Diseño. su trabajo se interesa principalmente por roles establecidos de identidad, sexualidad y en la importancia de la apariencia en la que a la verdad se le otorga una realidad superior. sus últimos proyectos, Chance of Love (2005), Wellhome (2007) y Boys&Cars (2008), abordan el tema de la inmigración ajustada a una determinada iconografía de consumo. su trabajo se ha exhibido en lugares como Canal de Isabel II, Madrid (2002 y 2003); Cuartel de Conde Duque, Madrid (2005); Círculo de Bellas Artes, Madrid (2007); Caixa Forum, Barcelona (2007); Bienal de Fotonoviembre, Tenerife (2007); International Festiwal in Lodz, Polonia (2007); Espai Visor, Valencia (2007); Fotomuseum Winterthur, suiza (2008); Pingyao International Photography Festival con el premio al mejor fotógrafo extranjero (China); Dom gallery, Eslovaquia (2008); Feria de Arte Contemporáneo ARCO representada por la galería Visor (2008 y 2009) y Centro de Fotografía de la universidad de salamanca, sala “Patio de Escuelas” (2009).

Desde el año 2005 es socia fundadora del colectivo Nophoto (www.nophoto.com)

Marta Soul. Madrid, 1973. She works and lives in Madrid. She studied photography and design.

Her work mainly deals with the established roles of identity, sexuality and the importance of appearance as becoming a truth in a superior reality. Her last projects, Chance of Love (2005), Wellhome (2007) and Boys&Cars (2008) deal with the issue of immigration related to an iconography of consumerism. Her work has been shown at Canal de Isabel II, Madrid (2002 and 2003); Cuartel de Conde Duque, Madrid (2005); Círculo de Bellas Artes, Madrid (2007); Caixa Forum, Barcelona (2007); Bienal de Fotonoviembre, Tenerife (2007); International Festiwal in Lodz, Poland (2007); Espai Visor, Valencia (2007); Fotomuseum Winterthur, Switzerland (2008); Pingyao International Photography Festival, winning the best foreign photographer award (China); Dom Gallery, Slovakia (2008); Contemporary Art Fair ARCO, represented by the Visor Gallery (2008 and 2009) and Centro de Fotografía of the University of Salamanca, “Patio de Escuelas” hall (2009). Since 2005 she is a founding partner of the Nophoto collective (www.nophoto.org)

Marta soul Boys&Cars

265

Boys&Cars, 2007-2009.

18 fotografĂ­as_18 photographs. Dimensiones variables_Variable sizes.

TENTACIONEs

Vivimos en un mundo de tensiones raciales, geográficas, económicas y culturales, donde lo más fácil es encontrar diferencias y enfrentamientos entre unos y otros. Donde parece que el entendimiento y la tolerancia carecen de significado. Me pregunto si buscando en nuestros anhelos y deseos más profundos nos encontraríamos con las mismas diferencias. ¿Hasta qué punto influye nuestro entorno personal o cultural en nuestros sueños y anhelos? ¿Es fundamental el conocimiento y confianza en uno mismo para el descubrimiento y la realización de nuestros sueños y deseos más auténticos? ¿De qué manera evolucionan éstos desde nuestra infancia? ¿Hay tantas diferencias entre nosotros? He representado este proyecto de manera multidisciplinar, trabajando con diferentes medios como luz, fotografía, instalación, escultura y vídeo. La génesis de este trabajo es el vídeo, que muestra una búsqueda de nuestro sueño más profundo, el que mejor nos representa, sacarlo a la luz y ver si somos tan diferentes o mucho más parecidos de lo que nos imaginamos. También trabajo con el concepto de deseo como principio de toda creación, a partir del primer pensamiento ya estamos creando. Para la grabación seleccioné a personas de diferentes nacionalidades, niveles socioculturales, creencias, edades y sexos. A través de una meditación guiada, en la que también se utilizaba la visualización, buscaron en lo más intimo de ellos para encontrar sus deseos más personales. Después de escribir lo que habían visto en un papel, que posteriormente quemaron y plantaron, procedieron a contar su sueño en el vídeo. Trabajé con 45 personas, de las cuales hice una selección final de 19.

Rocío Asensi. Madrid 1971. Licenciada en Bellas Artes por la universidad Complutense de Madrid. Comienza a exponer en el año 2000, siendo su exposición más reconocida en EsTAMPA’00 con la Instalación “Equilibrio” por la que recibe la Mención de honor de la Casa de Velázquez de Madrid.

Participa en la colectiva “Percances del Presente” en La sala Naranja de Valencia, en el año 2002. En el año 2003 expone su primera individual con “Paraíso Artificial”. En el año 2004 presenta en EsTAMPA’04 “Lo aparente y lo oculto”, por la que recibe el Premio “Ella”, emitido por la Dirección general de Igualdad de Oportunidades del Ayuntamiento de Madrid.

Esa misma obra se expone en la colectiva lo que no se ve en La sala Naranja. Valencia. Expone en el 2005 en la galería Rafael Pérez Hernando de Madrid “Paraíso Artificial”, con la que va a la Feria de Colonia (Alemania). Ha recibido el Premio de Creación Artística de la Comunidad de Madrid 2007 por “¿En qué se diferencian nuestros sueños?”.

We live in a world of racial, geographic, economic and cultural tensions, where it is very easy to find differences and conflict among one another; where understanding and tolerance lack meaning. I wonder if by looking in our inner desires we would find the same differences.

To what extend does our personal or cultural environment influence our dreams and desires?

Is knowledge and trust in oneself essential in discovering and realizing our most authentic dreams and desires? Are there so many differences among us?

This project’s approach is multidisciplinary. I have used different media such as light, photography, installations, sculpture and video. The genesis of the piece is video. It shows the search for our deepest dream, the one that best represents us, and one in the light, can compare if we are so different or so alike as we imagine being. I also work with the concept of desire as the beginning of every creation, we create from the very first thought. To record the work, I selected people from different nationalities, walks of life, beliefs, ages and sex. Through guided meditation, in which visuals were also used, they looked into their inner selves to find their most personal desires. After writing on a piece of paper what they had seen, they later burned it and planted it and told their dream on camera. I narrowed the selection to 19 people out of a total of 45.

Rocío Asensi. Madrid 1971. She has a BA in Fine Arts from Universidad Complutense, Madrid. She began exhibiting her works in 2000. Her most recognized piece is the installation “Equilibrio”, which during ESTAMPA ’00 received the mention of honor by the Casa de Velázquez de Madrid.

In 2002 she participated in the collective show “Percances del Presente” at Sala Naranja in Valencia. In 2003 “Paraíso Artificial” was Asensi’s first individual exhibit. The following year she presented at ESTAMPA ’04 “Lo aparente y lo oculto” for which she received the Ella Prize, awarded by the Equal Opportunities Department of the Regional Government of Madrid. The same piece is part of the collective show at Sala Naranja in Valencia. In 2005 “Paraíso Artificial” is shown at Rafael Pérez Hernando Gallery in Madrid and is later sent to the Cologne Fair in Germany. She has received the 2007 Artistic Creation Award by the Regional Government of Madrid for her work “¿En qué se diferencian nuestros sueños?”

Rocio Asensi ¿En qué se diferencian nuestros sueños?

267

¿En que se diferencian nuestros sueños?

Vídeo_Video: Mini Dv con sonido externo_Mini DV, external sound.

Realización_Production: Rocío Asensi Edicion Vídeo_Video edition: Cintia sanchez-Lafuente Edicion sonido_Sound edition: Vera Domínguez y Pablo Demichelis subtítulos_Subtitles: Cristina gancedo, Beatriz Carpio y Javier Asensi

Comunidad de Madrid (Tentaciones) (p. 270) Amnistía Internacional / Arte Implicado (F6) (p. 272) Ayuntamiento de Móstoles (F3) (p. 276) Casa Falconieri (D6) (p. 278) Casa de Velázquez (F9) (p. 280) Consejería de Empleo y Mujer / Comunidad de Madrid (F4) (p. 286) Fundación Antonio Pérez (F1) (p. 292) Fundación CIEC (F7) (p. 300) Fundación Fuendetodos goya (F2) (p. 302) Museo Español del grabado Contemporáneo (F8) (p.304) MuFACE (F5) (p. 308)

instituciones institutions

INsTITuCIONEs INsTITuTIONs

dirección_management: Esteban Beltrán Verdes creación_foundation: 1977 Fernando VI, 8, 1º Izq. 28004 Madrid (España) t. +34 91 310 12 77 / f. +34 91 319 53 34 aespinosa@es.amnesty.org www.es.amnsety.org

Amnistía Internacional siempre ha mantenido una relación privilegiada con el mundo del arte, tanto que fue gracias a la venta de reproducciones de “El Abrazo” que Juan genovés cedió a la organización que pudo sufragar sus primeros gastos para abrir una oficina en España en 1978.

Amnesty International has always maintained a privileged relationship with the world of the arts, to the extent that the sale of copies of “El Abrazo” that Juan Genovés gave to the organization, allowed it to cover the costs of opening an office in Spain in 1978.

Desde entonces, más de 25 artistas han donado su obra a Amnistía Internacional formando la colección Arte Implicado y poniendo de manifiesto su compromiso con la defensa de los derechos humanos. Entre ellos destacan, Antoni Tapies, Juan genovés, Martín Chirino, Chema Madoz, Ouka Leele, Joan Hernández Pijuan o Luis gordillo entre otros.

Ever since, more than 25 artists have donated their work to Amnesty International, thus making up the collection Arte Implicado and demonstrating their commitment to defending human rights. Outstanding names among them are Antoni Tapies, Juan Genovés, Martín Chirino, Chema Madoz, Ouka Leele, Joan Hernández Pijuan or Luis Gordillo, among others.

Y gracias a su generosidad, Arte Implicado sigue recaudando fondos que nos permiten poner en marcha campañas para conseguir que un día ninguna persona en el mundo sea ejecutada, torturada, desaparecida, ni discriminada por razón de su orientación religiosa o sexual, el color de su piel, su género o sus ideas.

Thanks to their generosity, Arte Implicado continues raising funds allowing us to run campaigns to try and achieve that one day, nobody in the world will be executed, tortured, kidnapped, nor discriminated against because of their religious or sexual orientation, the colour of their skin, their gender or their ideas.

Adquiriendo obra gráfica de Amnistía Internacional estarás contribuyendo a que ese día esté un poco más cercano. La obra se vende al precio mínimo autorizado por el artista. El envío por mensajero incluido dentro de nuestro país.

By buying graphic art from Amnesty International, you will be contributing to making this day come a little bit closer. The pieces of art will be sold at the minimum price fixed by the artist. This price includes shipment by courier within Spain.

artistas_artists Antoni Tàpies Juan genovés Martín Chirino Chema Mádoz Ouka Leele Joan Fontcuberta Pablo sycet Ángeles Agrela Luis gordillo Iván Larra Pepe Yagues susana solano Andreu Alfaro Daniel Quintero Luis gordillo Alfredo Alcaín

F6 Amnistía Internacional sección Española - Arte Implicado

Antoní Tapies 273

grabado a cuatro planchas_Engraving using 4 plates. 55 x 63 cm.

Edición de 75 ejemplares, numerados y firmados_Print run of 75 copies, numbered and signed.

INsTITuCIONEs INsTITuTIONs

Chema Mádoz Mariposa. Fotografía_Photograph. 50x40 cm.

Edición de 50 ejemplares, numerados y firmados_Print run of 50 copies, numbered and signed.

F6 Amnistía Internacional sección Española - Arte Implicado

Martín Chirino 275

Aguafuerte, 1 tinta_Etching, 1 ink. 89 x 71 cm.

Edición de 75 ejemplares numerados y firmados_Print run of 75 copies numbered and signed.

INsTITuCIONEs INsTITuTIONs

dirección_management: Da Mirina Cortés Ortega Concejal Delegada de Educación y Cultura Councillor for Education and Culture Plaza de la Cultura s/n 28931 Móstoles, Madrid (España) t. +34 91 664 75 73 / f. +34 91 664 12 80 www.mostoles.es / ccultura@ayto-mostoles.es

El Ayuntamiento de Móstoles, a través de la Concejalía de Educación y Cultura, celebra este año su X aniversario en esta Feria Internacional de Arte Múltiple Contemporáneo. Para ello contamos con la participación de prestigiosos artistas que han expuesto en nuestro stand a lo largo de estos diez años y han contribuido con su presencia en nuestra andadura cultural.

The Móstoles Town Hall, through the Councillorship of Education and Culture, celebrates its 10th anniversary this year in the International Print and Contemporary Art Editions Fair. For this occasion, we are graced with the participation of prestigious artists who have exhibited in our stand in the past ten years, and who have contributed to our cultural path with their presence.

Al mismo tiempo mostramos las carpetas, cajas, libros de grabados, que hemos presentado estos años. Trabajos realizados por alumnos/as del taller y aula abierta de grabado del Centro sociocultural Caleidoscopio y que han ocupado un lugar privilegiado en nuestro proyecto, al representar la participación de los ciudadanos que realizan una labor artística día a día en nuestros centros.

At the same time, we are showing the folders, boxes and engraving books that we have presented in these years. The artworks have been created by students of the engraving open workshop and classroom at the Caleidoscopio Sociocultural Centre. These creations have taken a privileged place in our project by representing the participation of the citizens who carry out an artistic job at our centres daily.

artistas_artists Iván Araujo Manuel Ayllón José Duarte Mireille Fombrún Luis gordillo Rado Jeric Jafar T. Kaki José Luis Kuevas Victoria Lavín Chema Madoz Luis Rapela santiago serrano Jordi Teixidor gonzalo Torné Miguel Villarino

F3 Ayuntamiento de M贸stoles

Imagen del fondo fotogr谩fico del Ayuntamiento de M贸stoles Image from the Photographic Holdings of the M贸stoles Town Hall

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Enrique Fombella. Libertad (fragmento), 2008. Monumento conmemorativo del bicentenario de 1808 Monument commemorating the bicentenary of 1808.

INsTITuCIONEs INsTITuTIONs

dirección_management: gabriela Locci creación_foundation: 1980 Via Lagrange, 6. 09129 Cagliari, sardegna (Italia) t. +39 070 742 343 / +39 347/1095801 f. +39 070 742 343 casafalc@tiscali.it / info@casafalconieri.it www.casafalconieri.it

10 años de presencia en EsTAMPA Diez años de presencia continuada, pero sobre todo, el compartir un pensamiento innovador y una colaboración cada vez más estrecha, son los elementos que se encuentran en la base de la relación entre Casa Falconieri y EsTAM PA.

A 10-year presence in ESTAMPA Ten years of continuous presence, but above all, sharing an innovating thought, and a closer collaboration, are the elements on which the relationship between Casa Falconieri and ESTAMPA are established.

se trata, sin lugar a dudas, de una importante meta alcanzada a través de un diálogo continuo entre las dos estructuras, que se ha concretado y definido cada vez más, con la directora de EsTAMPA, Isabel Elorrieta.

It is a relationship that, without a doubt, stems from an important goal that has been achieved through a continuous dialogue between the two institutions. With the passage of time, it has become a reality and clearly-defined thanks to the director of ESTAMPA, Isabel Elorrieta.

EsTAMPA, que ha llegado a su decimoséptima edición, es la presencia internacional que sin lugar a dudas, ha modificado una manera de hacer arte múltiple.

ESTAMPA, which has reached its 17th edition, is the international presence that has certainly modified the way to do multiform artwork.

Casa Falconieri, con sus dieciocho años de actividad, ha llevado a cabo un recorrido que ha innovado la modalidad y los conceptos que se hallan en la base de la gráfica original. Ambas, por tanto, han valorizado y renovado el sector del arte múltiple, mediante un proyecto original que se propone la valorización de estos lenguajes.

Casa Falconieri, como EsTAMPA, promueve la experimentación; implica y forma a los más jóvenes; valoriza la profesionalidad; promueve la colaboración de las instituciones; estimula la relación con el público, con los artistas, coleccionistas, y con las galerías de arte. Con su actividad, que se involucra en situaciones internacionales, EsTAMPA ha ampliado la posibilidad de difusión de un pensamiento innovador y ha promovido un gran interés hacia todo el arte múltiple.

Casa Falconieri durante todos estos años de presencia ha llevado, al salón de EsTAMPA, la innovación de su investigación, las experimentaciones de sus artistas, y la originalidad del pensamiento italiano.

artistas_artists Antonello Cuccu Paola Dessy Elisabetta Diamanti Angelino Fiori gabriella Locci Roberto Puzzu giovanna secchi

Casa Falconieri, with its 18 years of activity, has a trajectory that has incorporated innovation into the modality and concepts that lie at the base of original graphic arts. Thus, both institutions have valued and updated the multiform artwork sector through an original project that intends to appreciate these languages.

Both Casa Falconieri and ESTAMPA stimulate experimentation; implicate and train the youngest ones; value professionalism; encourage the collaboration from institutions, and stimulate the relationship with the public, artists, collectors, and art galleries.

With its activity, which is also involved internationally, ESTAMPA has extended the possibility of spreading an innovative thought, and it has aroused a great interest toward everything that is multiform artwork.

Throughout all these years of presence, Casa Falconieri has introduced to ESTAMPA the innovation of its investigation, the experimentations of its artists, and the originality of the Italian thought.

D6 Casa Falconieri

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INsTITuCIONEs INsTITuTIONs

dirección_management: Jean-Pierre étienvre director de estudios artísticos_director of art studies: Yvan Nommick Calle de Paul guinard, 3. Ciudad universitaria 28040 Madrid (España) t. +34 91 455 15 80 / f. +34 91 455 15 97 info@casadevelazquez.org / www.casadevelazquez.org

situada en la Ciudad universitaria de Madrid, la Casa de Velázquez forma parte de la red de altas escuelas francesas en el extranjero y se encuentra bajo la tutela del Ministerio francés de Enseñanza superior e Investigación. su originalidad reside en el carácter pluridisciplinar, pues acoge a la vez a artistas e investigadores en Ciencias Humanas. Desde su fundación, en 1928, esta institución contribuye al fomento de los intercambios artísticos, científicos y culturales entre España y Francia.

Located in Madrid’s neighbourhood of Ciudad Universitaria, Casa de Velázquez is part of a network of French grands établissements abroad, which are run by the French Ministry of Higher Education and Research. Its originality lies in its multidisciplinary make-up, as it welcomes artists and researchers alike in the field of Human Sciences. Since it was founded in 1928, this institution has contributed to the growth of artistic, scientific, and cultural exchange between Spain and France.

su sección Artística cuenta con 13 artistas seleccionados en Francia, y especializados en las siguientes disciplinas: arquitectura, artes plásticas, cine, fotografía, videoarte, composición musical. Acoge también a dos artistas nombrados por el Ayuntamiento de Valencia y la Diputación Provincial de zaragoza, respectivamente. se conceden también becas para estancias de corta duración (de uno a seis meses), algunas de éstas en colaboración con instituciones y organismos como la Fundación Calouste gulbenkian de Lisboa o la Feria Internacional de Arte Múltiple Contemporáneo (EsTAMPA).

artistas_artists Aurélia Frey Pascal Laborde Muriel Moreau Anne-Catherine Nesa Quiberon-(gilles Margaritis) Joseph seroussi Cristina silván sergio sotomayor

The Arts Section of Casa de Velázquez provides for thirteen selected artists from France. It has a multidisciplinary structure covering architecture, plastic arts, cinema, photography, video art, and musical composition. It also provides for two artists selected by the Valencia City Hall and the Provincial Council of Zaragoza, respectively.

Short-term scholarships (of about 6 months) are also awarded in collaboration with institutions and organizations such as the Calouste Gulbenkian Foundation of Lisbon or the International Print and Contemporary Art Editions Fair (ESTAMPA).

F9 Casa de Velรกzquez

Cristina Silvรกn 281

Apariencias I. (serie_series: 1-3), 2008.

Impresiรณn fotogrรกfica sobre Dibond_Photographic print on Dibond. 100 x 100 cm

INsTITuCIONEs INsTITuTIONs

Pascal Laborde sin título, 2009. Carbono y collage sobre papel_Carbon and collage on paper. 50 x 40 cm

sergio sotomayor Homeostasis, 2009. Instalación audiovisual. Vídeo proyectado sobre escultura de metacrilato y estructura de madera, audio surround Audiovisual installation. Video projected on methacrylate sculpture and wooden structure, surround audio. 242 x 100 x 100 cm

F9 Casa de Velázquez

Aurélia Frey sin título (serie_series: Passage), 2006. Tríptico fotográfico sobre Dibond_Photographic triptych on Dibond. 78 x 100 cm

Joseph seroussi 283

Jonas, la baleine, Vénus et le sport national (serie_series: Métis), 2008/09. Aguafuerte_Etching. 23 x 30 cm

INsTITuCIONEs INsTITuTIONs

Quiberon-(Gilles Margaritis) sin título, 2009. Plástico y cola_Plastic and glue. 45 x 55 x 48 cm

F9 Casa de Velázquez

Muriel Moreau Les échappées d’âme (detalle), 2009. Aguafuerte_Etching. 74 x 90 cm

Anne-Catherine Nesa 285

Te veo, 2009.

Punta seca sobre plástico, tarlatana entintada e hilo de latón_Drypoint on plastic, inked scrim and brass wire. 27 x 37 cm

INsTITuCIONEs INsTITuTIONs

Alcalá, 253. 28027 Madrid (España) t. +34 91 720 62 46

XII Premio de Grabado Contemporáneo El premio de grabado Contemporáneo para mujeres artistas, creado en 1996 por la Dirección general de la Mujer, tiene como finalidad la promoción de la creación artística femenina a través del apoyo a las iniciativas de mujeres que desarrollen o quieran desarrollar su trayectoria profesional en el campo del arte gráfico.

XII Contemporany Engraving Award The Contemporary Engraving Award for female artists, created in 1996 by the Directorate General for Women’s Issues, seeks to promote the female artistic creation by supporting initiatives proposed by women who are developing or who want to develop their professional careers in the field of graphic arts.

Los grabados seleccionados en cada edición se exponen en la Feria Internacional de Arte Múltiple contemporáneo, Estampa, pasando posteriormente a integrar la colección de grabados de la exposición Itinerante de esta Dirección general. El grabado ganador de cada edición se utiliza como motivo ilustrador en los distintos actos del Día Internacional de la Mujer que organiza la Consejería de Empleo y Mujer. El primer premio de la XIII edición (año 2008) fue otorgado a la obra presentada por Eva santín, bajo el título “Equinoccio”

The selected engravings in each edition are exhibited at the International Print and Contemporary Art Editions Fair, Estampa, to subsequently join the engravings collection of the Directorate General’s Travelling Exhibit. The winning engraving from each edition is used as an illustrative motif for the different events of International Women’s Day, organized by the Council of Employment and Women’s Issues. The first prize during the 13th edition (2008) went to the work presented by Eva Santín, under the title “Equinoccio”.

Eva Santín. Madrid, 1984. Licenciada en Bellas Artes por la universidad Complutense, Diplomada en grabado y Diseño Gráfico por la Fundación Real Casa de la Moneda, Master en Arte Creación e Investigación por la Facultad de Bellas Artes de la universidad Complutense. Desde 2006 ha sido seleccionada en diversos concursos, obteniendo el primer premio en el Certamen de Arte Gráfico para Jóvenes Creadores de Las Rozas, en el II Certamen de Artes Plásticas y visuales “Mujeres y Arte” en Torremocha del Jarama (Madrid) y en el III Certamen de Arte Gráfico Jesús Nuñez. En 2009 recibe el segundo premio del X Premio de grabado “san Lorenzo del Escorial” y la primera Mención de Honor en el Premio de grabado Rafael Canogar del Ayuntamiento de Pinto. Asimismo, ha participado en númerosas exposiciones colectivas.

Eva Santín. Madrid, 1984. Graduated with a degree in Fine Arts from the Complutense University of Madrid, Certificate in Engraving and Graphic Design from the Royal Mint Foundation, Master’s degree in Art, Creation, and Research from the Faculty of Fine Arts of the Complutense University. Since 2006, she has been selected in different contests, having won first prize in the Graphic Art Contest for Young Creators of Las Rozas, the 2nd Plastic and Visual Arts Contest “Women and Art” in Torremocha del Jarama (Madrid), and the 3rd Jesús Nuñez Graphic Art Contest. In 2009, she wins second prize at the 10th Engraving Contest “San Lorenzo del Escorial” and first Merit Award at the Engraving Award “Rafael Canogar” of Pinto Town Hall.

Also, she has participated in numerous collective exhibits.

Artistas premiadas en ediciones anteriores: Prize-winning artists in previous years: 2007. Almudena Lobera 2006. Beatriz Martínez 2005. satur Peña e Isabel Aliaga (Equipo sAIsA) 2004. Cristina Moroño 2003. Caterina Burgos Capacci 2002. Ascensión Biosca 2001. Elena Jiménez 2000. María Eugenia Blázquez 1999. Cristina Moroño 1998. Ana soler Baena 1997. Ascensión Biosca 1996. Carmela saro

F4 Consejería de Empleo y Mujer Comunidad de Madrid

Eva Santín 287

Equinoccio, 2008. Impresión digital, xilografía y chine collée_Digital print, woodcut and chine collée. 50 x 70,5 cm

INsTITuCIONEs INsTITuTIONs

Almudena Lobera Dando a luz, 2007. Aguafuerte, gofrado e impresión digital_Etching, embossing and digital print. 67,5 x 100 cm

Beatriz Martínez 8 de marzo, 2006. Linograbado_Linocut. 70 x 100 cm

satur Peña + Isabel Aliaga (sAIsA) Entente, 2005. Técnicas aditivas y aguafuerte_Additive techniques and etching. 57 x 78 cm.

F4 Consejería de Empleo y Mujer

Cristina Moroño sí, 2004. Aguafuerte y collage en plancha de cobre (grabado de fondo)_Etching and collage on copper plate (background printing).

Estampación digital impresa en metacrilato_Digital printing on plexiglass (methacrylate). 70 x 90 cm

Caterina Burgos Cappacci Escaleras invisibles, escaleras sin color, 2003. Aguafuerte, entintado decoupe y fonditos_Etching, inked in cut and backgrounds.

70 x 100 cm

Ascensión Biosca 289

Cosmología, 2002. serigrafía-6 tintas_6 colour silk-screen.

51 x 67 cm

INsTITuCIONEs INsTITuTIONs

Elena Jiménez Jardín de la Ninfa Eco, 2001. Impresión digital y collagraph_Digital print and collagraph. 64 x 83 cm

María Eugenia Blázquez Rodríguez Uno y uno son dos, 2000. Electrograbado, aguatinta y punta seca Electro-engraving, aquatint and dry point. 60 x 82 cm

Cristina Moroño Las hijas de Lilith, 1999. Aguafuerte, aguatinta al azúcar y 4 collages_Etching, sugar aquatint and 4 collages. 81 x 101 cm

F4 Consejería de Empleo y Mujer Comunidad de Madrid

Ana soler Baena Folie, 1998. Collagraph, papier collé y serigrafía_Collagraph, papier collé and silk-screen. 64,5 x 84 cm

Ascensión Biosca Tentación, 1997. Aguatinta bruñida y papel encolado_Burnished aquatint and pasted paper. 57 x 78 cm

Carmela saro Bernaldo de Quiróz 291

Jugaré siempre, 1996. Xilografía, técnicas aditivas y acetatos Woodcut, additive techniques and acetates. 55,5 x 76,5 cm

INsTITuCIONEs INsTITuTIONs

Ronda de Julián Romero, 20. 16001 Cuenca (España) t. +34 969 230 619 / f. +34 969 211 420 fapcuenca@telefonica.net / www.dipucuenca.es

En 1998 inició su andadura la Fundación Provincial de Cultura Antonio Pérez de Cuenca, una institución dedicada al arte contemporáneo que se creó con la finalidad de albergar la colección que Antonio Pérez (coleccionista, editor y artista) donó a la Diputación Provincial de Cuenca. un museo cuya colección inicial de pintura, escultura, fotografía, obra gráfica y libros de artista, se ha incrementado de manera espectacular durante los diez años que el museo lleva en funcionamiento. A día de hoy se cuenta ya con más de tres mil obras de arte, fruto de esa colección inicial y de otras adquisiciones y donaciones que el museo ha ido obteniendo a lo largo de estos años.

In 1998, the Antonio Pérez Cultural Provincial Foundation of Cuenca began its activity as an institution dedicated to contemporary art, created with the aim to hold the collection that Antonio Pérez (collector, editor and artist) donated to the Provincial Council of Cuenca. It is a museum whose initial collection of paintings, sculptures, photographs, graphic works and artist books has increased remarkably during the 10 years that the museum has been running. Today, it holds more than three thousand artworks, the result of that initial collection and of other acquisitions and donations that the museum has been receiving through these years.

uno de los principales objetivos de la Fundación Antonio Pérez de Cuenca ha sido ampliar la oferta cultural existente en esta ciudad, que posee una arraigada tradición en el arte contemporáneo desde la creación del Museo de Arte Abstracto de la Fundación Juan March. A día de hoy son ya varios los espacios dedicados al arte contemporáneo en Cuenca como por ejemplo el Espacio Torner o la Fundación Antonio saura (Casa zavala, Cuenca), entre otros. Aunque para la Fundación Antonio Pérez, desde sus inicios, uno de los objetivos que ha perseguido ha sido la dinamización artística, consiguiendo así ampliar sus horizontes a través de más de un centenar de exposiciones temporales e itinerantes con obras de la propia colección y otras exposiciones de producción propia tanto de artistas consagrados como de otros más jóvenes.

Al mismo tiempo, la expansión de la Fundación, se llevó a cabo a la provincia de Cuenca en el año 2006 cuando se inauguró la primera subsede de la Fundación: el Museo de Obra gráfica (San Clemente, Cuenca). Tras la experiencia positiva de esta desarticulación de la colección del museo, la Fundación ha puesto en marcha la creación de otras dos subsedes: el Museo del Objeto Encontrado (en san Clemente, Cuenca) y el Museo de Fotografía (en Huete, Cuenca). Actualmente estos dos museos se encuentran en proceso de desarrollo y está prevista su próxima inauguración y apertura a principios del próximo año 2010. En definitiva, se trata de un gran proyecto artístico y museológico en el que a través del desglose de distintas colecciones, se quiere dar el enfoque y la importancia merecida a cada uno de los campos que se pretenden cubrir, sin olvidar la esencia primordial: Antonio Pérez y la Fundación.

One of the main objectives of the Antonio Pérez Foundation of Cuenca has been to widen the already existing cultural offer in this city, which has a deeply-rooted tradition in contemporary art ever since the creation of the Juan March Foundation’s Museum of Abstract Art. To this day, there are different spaces already in Cuenca dedicated to contemporary art such as the Espacio Torner or the Antonio Saura Foundation (Casa Zavala, Cuenca), among others. For the Antonio Pérez Foundation, however, artistic dynamization has been one of the objectives to be reached, thus succeeding to expand its horizons through more than a hundred of temporary and travelling exhibitions. These exhibitions have held works from its own collection as well as other expositions of its own production from both acclaimed artists and younger ones.

At the same time, the expansion of the Foundation took place in Cuenca in 2006 when its first sub-branch was inaugurated: the Museum of Graphic Works (San Clemente, Cuenca). Following the positive experience of the museum’s disarticulation of its collection, the Foundation put in motion the creation of two other sub-branches: the Museum of the Found Object (San Clemente, Cuenca) and the Museum of Photography (Huete, Cuenca). These two museums are currently a work in progress, and their inauguration and opening in the near future are scheduled for early next year in 2010. All told, it is a great artistic and museographic project in which a much deserved focus and importance are given to each of the artistic fields covered by the Foundation. This is achieved by breaking down its different collections while preserving the primordial essence: Antonio Pérez and the Foundation.

F1 Fundación Antonio Pérez.

Museo de Obra Gráfica San Clemente

293

Museo de Obra Gráfica San Clemente (Cuenca)

INsTITuCIONEs INsTITuTIONs

Museo de Obra Gráfica (San Clemente, Cuenca) El Museo de Obra Gráfica de San Clemente (Cuenca), se creó en febrero del 2006 a partir de los fondos de obra gráfica de la colección de la Fundación Antonio Pérez de Cuenca. El Museo se encuentra ubicado en uno de los edificios más representativos del municipio levantando en el siglo XVI bajo los bocetos del arquitecto Domingo zaldivi, hoy declarado Bien de Interés Cultural. El Museo se encuentra articulado en tres plantas: en la planta baja se ubica una sala de exposiciones temporales en la que el museo ha realizado ya más de cuarenta exposiciones, algunas de ellas de la talla de artistas como Luis Feito, Alfredo Alcain, Picasso o Corneille, entre otros. En la primera planta encontramos una colección de grabados de Manolo Millares junto con los diecisiete libros de la Editorial Antojos que Antonio Pérez creó en 1978 cuando decidió instalarse definitivamente en Cuenca. En esta misma planta encontramos una sala dedicada a obra gráfica de artistas españoles, y otra pequeña sala dedicada a Corneille y Lucebert. En la planta superior el museo ha querido dedicar un gran espacio para mostrar un panorama de gráfica internacional, y otro espacio dedicado a la obra gráfica de Antonio Saura.

Museum of Graphic Works (San Clemente, Cuenca) The Museum of Graphic Works of San Clemente (Cuenca) was set up in February 2006 with the holdings of graphic works from the collection of the Antonio Pérez Foundation of Cuenca.

The museum is located in one of the most representative buildings in the municipality, built in the XVI century according to the sketches of the architect Domingo Zaldivi, and now declared Property of Cultural Significance. The museum is articulated into three floors: the ground floor holds a room for temporary exhibitions, some of them from artists of the stature of Luis Feito, Alfredo Alcain, Picasso or Corneille, among others. On the first floor, we find a collection of engravings

by Manolo Millares, along with seventeen books from the Antojos Publishing House that Antonio Pérez set up in 1978 upon his decision to settle in Cuenca. On this same floor, there is one room dedicated to the graphic works of Spanish artists, and another smaller one dedicated to Corneille and Lucebert. On the upper floor, the museum has dedicated a wide space to show a spectrum of international graphics, and another one dedicated to the graphic works of Antonio Saura.

siguiendo la línea de difusión y didáctica de la sede matriz (la Fundación Antonio Pérez de Cuenca), el Museo de Obra Gráfica realiza cursos de grabado de manera habitual para iniciados en la materia y para profesionales, al igual que talleres didácticos en los que se trabaja con centros escolares de toda la provincia y Castilla-La Mancha. Para desarrollar estos cursos el Museo posee un taller de grabado en el que se pueden practicar las técnicas básicas.

Following the line of diffusion and didacticism established in the headquarters (the Antonio Pérez Foundation of Cuenca), the Museum of Graphic Works regularly carries out courses on engraving for both beginners and professionals, as well as didactic workshops where schools in the whole province and in Castilla-La Mancha are involved. In order to develop these courses, the Museum is equipped with an engraving workshop where the basic techniques can be practiced.

Museo del Objeto Encontrado (san Clemente, Cuenca) La experiencia positiva con el Museo de Obra Gráfica de San Clemente, ha dado la oportunidad a que la Fundación Antonio Pérez pueda abrir una nueva subsede en san Clemente (Cuenca). se trata del Museo del Objeto Encontrado, ubicado en un edificio histórico del municipio, obra de Juan de Zuri, antigua Cárcel de la Villa del siglo XVII, destinado con posterioridad a sala de la santa Inquisición, centro de salud y talleres municipales finalmente.

Museum of the Found Object (San Clemente, Cuenca) The positive experience with the Museum of Graphic Works of San Clemente has given the Antonio Pérez Foundation the opportunity to open a new sub-branch in San Clemente (Cuenca). It is the Museum of the Found Object, based in one of the municipality’s historical buildings, a work by Juan de Zuri, and former Town Jail from the XVII century. It was subsequently turned into a hall for the Holy Inquisition, a health centre and, finally, the town council’s workshops,

Tras una ardua labor de rehabilitación del edificio para fines museísticos, el museo cuenta con dos plantas: una planta baja

Following an arduous restorative work in the building, the museum now has two floors: a

F1 Fundación Antonio Pérez.

Museo de Obra Gráfica San Clemente

295

arriba_top: Fundación Antonio Pérez (Cuenca) / abajo_bottom: Museo del Objeto Encontrado (san Clemente, Cuenca)

INsTITuCIONEs INsTITuTIONs

destinada a sala de exposiciones temporales, y una primera planta articulada en distintas salas para la exposición de la colección permanente del museo.

La idea de creación de este museo dedicado al Objeto Encontrado viene propiciada por una de las colecciones más importantes de la Fundación. Es de sobra conocida la tarea de coleccionista y editor de Antonio Pérez, pero no sería hasta la apertura de la Fundación, en 1998, y tras haber realizado exposiciones en Madrid, Valencia, París o Milán, cuando la labor de artista de Antonio fuese definitivamente consolidada. Desde joven la inquietud por encontrar y buscar objetos de la vida cotidiana, objetos de desecho, etc., le ha perseguido hasta hoy, lo que ha provocado que sean miles los objetos que ocupan las salas de la Fundación y todos y cada uno de los espacios de su casa. siguiendo la línea del readymade de Marcel Duchamp y los objets trouvés de Picasso, Antonio “no encuentra sino que busca sin cesar” todos aquellos objetos que de una manera u otra le puedan recordara un rostro, una figura o a las obras ya realizadas de artistas como saura, gordillo, Merz o Chamberlain, creando así sus cada vez más conocidos Homenajes, sobresauras o sobregordillos. Es indudable que esto es fruto de una vida y una vista educada e inmersa en el arte que sin duda ha merecido un espacio propio, el Museo del Objeto Encontrado, donde la Fundación Antonio Pérez ha destinado una gran parte de esta colección creando no sólo un museo sino una gran instalación.

ground floor destined to a temporary exhibition hall, and a first floor arranged in different rooms for the museum’s permanent collection.

The idea of creating a museum dedicated to the Found Object stems from one of the most important collections that the Foundation owns.

Although Antonio Pérez´s tasks as a collector and editor are well known, it was not until the Foundation’s opening in 1998, and after creating exhibits in Madrid, Valencia, Paris or Milan, that Antonio’s work as an artist was consolidated for good. Ever since his youth, Antonio Pérez has been haunted to this day by his interest to find and to search everyday life articles, waste objects, etc., which has given way to thousands of objects occupying exhibition halls of the Foundation, and each and every corner of his house. Following the line of Marcel Duchamp’s readymade and Picasso’s objets trouvés, Antonio “does not find, but incessantly searches” all those objects that, in one way or another, could remind him of a face, a figure, or the readymade works by artists such as, Saura, Gordillo, Merz or Chamberlain. He thus creates his increasingly known Tributes, Sobresauras or Sobregordillos. Undoubtedly, this is the result of an educated life and sight immersed in the art that has deserved a place of its own, the Museum of the Found Object. The Antonio Pérez Foundation has destined a considerable part of this collection to create, not only a museum, but an exceptional installation.

Museo de Fotografía (Huete, Cuenca) Otro de los proyectos que la Fundación Antonio Pérez ha logrado llevar a cabo ha sido la creación del Museo de Fotografía de Huete (Cuenca). un museo ubicado en uno de los municipios de la provincia más ricos desde el punto de vista arquitectónico. A medio camino entre Madrid y Cuenca se encuentra Huete, lugar donde la Fundación Antonio Pérez ha decidido ubicar otra de las grandes colecciones con las que cuentan sus fondos, la fotografía.

Museum of Photography (Huete, Cuenca) Another project that the Antonio Pérez Foundation has carried out has been the creation of the Museum of Photography of Huete (Cuenca). It is a museum based in one of the province’s richest municipalities from the architectural viewpoint. Half-way between Madrid and Cuenca, there is Huete, the place where the Antonio Pérez Foundation has chosen to base another great collection from its holdings, which is photography.

una de las principales causas que han inducido a la creación de este museo es la gran laguna museística en el campo de la fotografía que actualmente encontramos a nivel nacional, y con este museo se quiere contribuir al apoyo de una de las disciplinas que mayor auge está teniendo en los últimos años, la fotografía artística.

One of the main reasons that have led to the creation of this museum is the great gap that we find at a national level in the museum sector with respect to photography. Therefore, it is its aim to contribute to the support of one of the disciplines that have been experiencing the highest peak in the recent years, the artistic photography.

F1 Fundación Antonio Pérez.

Museo de Obra Gráfica San Clemente

297

Museo de Fotografía (Huete, Cuenca)

INsTITuCIONEs INsTITuTIONs

El museo está ubicado en el antiguo convento de Jesús y María, un edificio del siglo XVI que acoge la parroquia de Santa María de Castejón, hoy todavía en uso. El museo está estructurado en dos plantas, ubicándose en la planta baja una gran sala de exposiciones temporales en la que se realizarán periódicamente, siguiendo la política expositiva de la sede matriz de Cuenca, exposiciones que complementen los fondos del museo, del mismo modo el gran patio porticado que articula el edificio será utilizado para estos mismos fines. En la planta superior se ha destinado un espacio donde se realizarán conferencias y cursos especializados para profesionales del mundo de la fotografía artística, y el resto de las salas, así como el claustro, estarán destinados a albergar la colección permanente del museo.

The museum is located in the former convent of Jesús y María, a XVI century building that houses the parish of Santa María de Castejón, still in use today. The ground floor has a large temporary exhibition hall where exhibits that complement the museum’s holdings will be created periodically by following the exhibition policy of the headquarters in Cuenca. In the same way, the great arcaded patio that articulates the building will be used for the same purpose. On the upper floor, there is a space where conferences and specialized courses will be given for professional artistic photographers. The other exhibition halls, as well as the cloister, will be destined to house the museum’s permanent collection.

La colección procede de los fondos fotográficos de la Fundación Antonio Pérez y se ha articulado en dos bloques: uno dedicado a la fotografía histórica representado por Luis Escobar y por una rica colección de fotografías de grabado romántico, y otro bloque dedicado a la fotografía contemporánea dedicado a las series fotográficas de grandes artistas como Isabel Muñoz, Juan Manuel Castro Prieto, Ramón Masats, Juan Manuel Díaz Burgos, Ricky Dávila o Jean-Marie del Moral, entre otros.

The collection comes from the photographic holdings of the Antonio Pérez Foundation, and it has been structured into two blocks: one that is dedicated to the historical photography, represented by Luis Escobar, and a rich collection of romantic photographs, and another one that is dedicated to the contemporary photography, specialized in the photography series of great artists such as Isabel Muñoz, Juan Manuel Castro Prieto, Ramón Masats, Juan Manuel Díaz Burgos, Ricky Dávila or Jean-Marie del Moral, among others.

Mónica Muñoz Conservadora Fundación Antonio Pérez

Mónica Muñoz Antonio Pérez Foundation Curator

F1 Fundación Antonio Pérez.

Museo de Obra Gráfica San Clemente

Laura Limón Fernández sin título, 2009.

Técnica mixta/cartón_Combined technique/cardboard. 15 x 43 cm.

Julio Adán sin título, 2009.

Oleo/cartón_Oil/cardboard. 15 x 43 cm.

Claudia González 299

sin título, 2009.

Técnica mixta/cartón_Combined technique/cardboard. 15 x 43 cm.

INsTITuCIONEs INsTITuTIONs

dirección_management: Jesús Núñez creación_foundation: 1997 Rúa do Castro, 2.

15300 Betanzos, A Coruña (España) t. f. +34 981 77 29 64 ciec@fundacionciec.com / www.fundacionciec.com

La Fundación CIEC, Centro Internacional de la Estampa Contemporánea, tiene como objetivo fundacional el apoyo y difusión del Arte Gráfico y sus creadores. Para la consecución de este fin se organizan: exposiciones temporales, publicaciones, cursos monográficos, un Master de Obra Gráfica, visitas guiadas a su Colección Permanente, cursos de verano… actividades que se complementan con charlas, talleres libres, talleres experimentales, conciertos, intercambios y encuentros.

The main objective of the CIEC Foundation (International Center for Contemporary Engraving) is the support and promotion of graphic art and its creators. To that end, the CIEC Foundation organizes exhibits, monographic courses, publications, a Graphic Art Master degree, guided visits to its permanent collection, summer courses, etc. These activities are complemented with discussions, free and experimental workshops, concerts and meetings.

La Fundación cuenta con un amplio programa de becas dirigido a los alumnos de talleres así como un departamento didáctico que facilita a los escolares su primer encuentro con la gráfica.

The Foundation has an extensive scholarship program for students attedning the workshops and a didactic department that helps students in their first time with graphic art.

Artistas, profesores y alumnos encuentran un espacio de trabajo e intercambio donde poder desarrollar sus experiencias artísticas. Por otro lado, la posibilidad que brinda la visita de recorrer tanto la colección como el taller, permite al público entrar en contacto directo no sólo con la obra si no también con los artistas y su forma de abordar la gráfica.

Artists, professors and students find the Foundation a place of work and exchange where they can develop their artistic experiences. On the other hand, the possibility of visiting both the collection and the workshop allows the public to meet first hand not only the work, but the artists and their approach to graphic art.

F7 Fundación CIEC

© Xosé Durán

301

Fundación CIEC, Centro Internacional de la Estampa Contemporánea.

INsTITuCIONEs INsTITuTIONs

dirección_management: Joaquín gimeno salueña Cortes de Aragón, 7.

50142 Fuendetodos, Aragón (España) t. +34 976 143 867 / f. +34 976 143 801 fundacionmuseogoya@fuendetodos.org www.fuendetodos.org

Fuendetodos expone en su stand las aportaciones más recientes de su singular colección de arte gráfico iniciada en 2001: los “Disparates de Fuendetodos”. Las obras resultantes, con planteamientos técnicos e iconográficos sumamente variados y sorprendentes, dan fe de la singular visión con la que cada uno de los artistas invitados han abordado la serie inacabada del maestro aragonés.

Fuendetodos exhibits in its stand the most recent contributions from its unique collection of graphic art that began in 2001: Fundetodos’ Nonsense. The resulting works, with highly varied and surprising technical and iconographic approaches, testifies to the unique vision with which each of the guest artists has tackled the unfinished series of the master from Aragón.

Asimismo, Fuendetodos presenta las actuaciones que en torno al arte gráfico viene realizando la Fundación Fuendetodosgoya encargada de llevar a cabo la creación del nuevo Museo, y las actividades (cursos, seminarios, estampaciones, ediciones) que se realizan a lo largo de todo el año en el taller de grabado “Antonio saura”.

artistas_artists Pepe Hernández gordillo El Roto José Beulas Ricardo Calero Jaime Plensa

Also, Fundetodos presents the actions around graphic art that the Fuendetodos-Goya Foundation has been carrying out. The Foundation is in charge of carrying out the creation of the new museum and the activities (courses, seminars, printings, editions) that are offered throughout the whole year at the “Antonio Saura” engraving workshop.

F2 Fundaci贸n Fuendetodos goya

Jos茅 Hern谩ndez 303

Disparates, 2009. Aguafuerte_Etching. Papel_Paper: Arches, 250 gr.

Edici贸n de 75 ejemplares +7 PA + 7 HC_Print run of 75 copies + 7 AP + 7 HC

INsTITuCIONEs INsTITuTIONs

creación_foundation:1992 Hospital Bazán, s/n.

29600 Marbella, Málaga (España) t. +34 952 765 741 / f. +34 952 764 591 info@museodelgrabado.com www.museodelgrabado.com

Constituida en 1992, la Fundación Museo del grabado Español

Founded in 1992, the Contemporary Spanish Engraving Museum Foundation of Marbella is based in the building of the historic Bazán Hospital, which was restored by the Regional Government of Andalusia, following the architect Rafael Martín Delgado’s restoration project.

Its interior was renovated and conditioned for its current use by the Marbella City Hall, which commissioned the architects Elisa Cepedano and Roberto Barrios to undertake this museographic project. The building is located in the city’s historic zone, very close to both the Parish Church of Nuestra Señora de la Encarnación and the remnants of the ancient fortifications of the Moorish castle. The building derives from the Renaissance era, but with an archaic imprint, noticeable in the numerous echoes of the Gothic and Mudejar traditions.

Contemporáneo, de Marbella, tiene su sede en el edificio del antiguo Hospital Bazán; restaurado por la Junta de Andalucía, según un proyecto del arquitecto D. Rafael Martín Delgado, y rehabilitado y acondicionado para su uso actual por el Ayuntamiento de Marbella, que encargó a los arquitectos Dª Elisa Cepedano y D. Roberto Barrios el proyecto museográfico. El edificio se encuentra en el casco antiguo de la ciudad, muy próximo tanto a la Iglesia Parroquial de Nuestra señora de la Encarnación, como a los restos de la antigua muralla del castillo musulmán. se trata de una construcción de época renacentista, pero con una marcada impronta de carácter arcaizante apreciable en numerosas reminiscencias de tipo gótico y mudéjar.

La Fundación Museo del grabado Español Contemporáneo fue creada en virtud de la generosa donación de su colección particular de obra gráfica española contemporánea, del que fuera profesor de la universidad Autónoma de Madrid, el Dr. D. José Luis Morales y Marín –que ejerció como Director general de la Fundación hasta su inesperado fallecimiento en 1998– y está regida por un Patronato que es su máximo órgano de gobierno y decisión. El Patronato está formado por veinte miembros, de los que diez son nombrados por el M.I. Ayuntamiento de Marbella y los diez restantes lo fueron por el fundador, Ilmo. sr. Dr. José Luis Morales y Marín (Murcia 1945 - Marbella 1998). El Museo actualmente se haya inscrito tanto en el sistema Español de Museos como en la Red Andaluza de Museos.

La Fundación ha dirigido de forma primordial sus actuaciones a la promoción del grabado y la obra gráfica original, sus técnicas y sus autores. su intención es poner en valor la obra seriada y la producción gráfica como vehículos de expresión plástica y creativa. Para ello pone a disposición de público, investigadores y estudiosos sus colecciones permanentes y también su importante biblioteca especializada en arte. En sus fondos obras de, entre otros, goya, Picasso, Miró, Dalí, Chillida, Tápies, Canogar, Palazuelo, Barceló, Torner, sempere, Martín Chirino, Valdés, genovés, Plensa, Perejaume, Muntadas y un largo etcétera de nombres y obras hasta completar las más de tres mil piezas registradas.

The Contemporary Spanish Engraving Museum Foundation was set up by virtue of the generous donation of Dr. José Luis Morales y Marin’s private collection of contemporary Spanish graphic art. Having held a position as a professor at the Autonomous University of Madrid, he served as the Foundation’s Director-General until his sudden passing in 1998. The foundation is governed by a Board of Trustees, which is the maximum managing and decision-making body.

The Board of Trustees is comprised of twenty members, ten of whom are appointed by the Marbella City Hall. The remaining ten were originally appointed by the founder, The Hon. Dr. José Luis Morales y Marín (Murcia 1945 Marbella 1998), and since then this role has been undertaken by the Foundation´s General Manager. The Museum is currently registered in both the Spanish Museums System and the Andalusian Museums Network.

The Foundation has fundamentally directed its activities toward the promotion of engraving and original graphic artwork, and of their techniques and their authors. Its aim is to enhance the value of works produced in series as well as the graphic production as a means for plastic and creative expression. For this purpose, the public, researchers and scholars are given access to the Foundation’s permanent collection, as well as to its valuable library specialized in art. Its holdings include, among others, Goya, Picasso, Miró, Dalí, Chillida, Tápies, Canogar, Palazuelo, Barceló, Torner, Sempere, Martín Chirino, Valdés, Genovés, Plensa, Perejaume, Muntadas, and a large list of names and works that amount to more than three thousand registered pieces.

F8 Fundación Museo del grabado Español Contemporáneo

305

Fundación Museo del grabado Español Contemporaneo (Marbella)

INsTITuCIONEs INsTITuTIONs

Desde su creación se vienen realizando numerosas exposiciones temporales –ya sean en sus instalaciones o de carácter itinerante– complementadas con más de doscientas cincuenta conferencias, tres congresos internacionales sobre historia e historiografía, actividades didácticas y talleres de iniciación a las técnicas de grabado que permitan divulgar los conocimientos sobre la obra gráfica al mayor número de personas. Estos son los instrumentos de los que se ha valido la Fundación Museo del grabado Español Contemporáneo para conseguir sus principales objetivos fundacionales: profundizar en el conocimiento de sus fondos y darlos a conocer, contribuyendo a ampliar y mejorar la oferta cultural de su ámbito de actuación y de su entorno, pues, la entidad pretende ser un elemento dinamizador del estudio y mejor conocimiento de la obra gráfica española contemporánea.

La Fundación, ha conseguido consolidar su posición dentro del mundo del arte contemporáneo español gracias a su carácter dinámico, activo y abierto a diversas propuestas. La cantidad y calidad de sus actuaciones ha merecido el elogio de artistas, instituciones, medios y críticos, que han reconocido el esfuerzo realizado, lo que en el año 2000 le hizo merecedora de la concesión del Premio Nacional de grabado, convocado por la Calcografía Nacional de la Real Academia de Bellas Artes de san Fernando.

Después de más de dieciséis años de funcionamiento, el Museo del grabado empieza una nueva etapa en la que pretende abrirse a los medios y lenguajes más actuales. Ello se traducirá tanto en su política expositiva y sus actividades complementarias, además de, por supuesto, en su línea de adquisiciones.

Ever since its creation, the Foundation has been creating numerous temporary exhibitions –either at their facilities or as travelling shows– complemented by more than two hundred and fifty lectures, three international conferences devoted to history and historiography, educational activities and introductory workshops on engraving techniques that would allow disseminating the knowledge about the graphic arts to as many people as possible. These are the instruments that the Contemporary Spanish Engraving Museum Foundation has deployed to achieve its main objectives of incorporation: to deepen the knowledge of its holdings and to make them known, thereby contributing to the widening and improvement of the offer of cultural projects in its field of action and its environment. The Foundation hopes to be a dynamizing element of the study and greater understanding of the contemporary Spanish graphic arts.

The Foundation has managed to consolidate its position within the realm of the spanish contemporary art thanks to its dynamic character, both active and open to various proposals. The quantity and quality of its activities have earned it the praise from artists, institutions, the media and critics, who have acknowledged the effort, thus winning the National Engraving Prize, organized by the National Engraving of the Royal Academy of Fine Arts of San Fernando.

After running for more than sixteen years, the Engraving Museum begins a new phase where it hopes to open its way to the most upto-date means and languages. This will in turn be translated into its exhibition policy and complementary activities and, of course, into its range of acquisitions as well.

307

INsTITuCIONEs INsTITuTIONs

dirección_management: María Angeles Fernández simón Paseo de Juan XXIII, 26. 28040 Madrid (España) t. +34 91 273 95 00 / f. +34 91 273 98 25 sg@muface.es - ri@muface.es www.muface.es

La Mutualidad general de Funcionarios Civiles del Estado (MuFACE) es un Organismo público, adscrito al Ministerio de la Presidencia, cuyo cometido fundamental es la gestión de un Régimen de seguridad social: el Régimen Especial de seguridad social de los Funcionarios Civiles del Estado.

The General Benefit Society of Civil Servants (Mutualidad General de Funcionarios, MUFACE) is a public authority attached to the Ministry of Presidential Affairs; its core task is managing a Social Security Scheme: The Special Social Security Scheme of Civil Servants.

No obstante, desde sus orígenes MuFACE ha tenido muy presentes los intereses artísticos y culturales de los empleados públicos que tiene adscritos. Tras una incipiente labor desarrollada durante años a través de la revista que edita la propia Mutualidad, en el año 2005 inició la convocatoria de una serie de concursos de pintura, con los que continuaba su compromiso con la difusión y fomento del arte y la cultura entre sus mutualistas y funcionarios.

However, MUFACE has from the very beginning paid close attention to the artistic and cultural interests of the state employees that are its members. After some years of groundwork via a magazine published by the General Benefit Society itself, in 2005 the Society officially announced a series of painting competitions, thus continuing its commitment to the distribution and promotion of art and culture among its members and civil servants.

En el año 2009, constatado el notable éxito de las diversas ediciones del certamen de pintura convocadas, la Mutualidad ha querido ampliar el objeto de esta actividad cultural a otras manifestaciones artísticas. Con este objetivo nace el certamen MuFART (Artes Plásticas para el siglo XXI), que pretende abrir camino y premiar manifestaciones artísticas innovadoras y experimentadoras en el contexto del arte contemporáneo (del grabado tradicional o la fotografía analógica y digital al net-art, la impresión digital sobre todo tipo de soportes, el video-arte, el graffiti, las técnicas mixtas...). En su primera edición, el premio MUFART se ha dirigido a la obra gráfica a través de una doble modalidad: grabado tradicional y técnica digital impresa sobre soporte plano.

In 2009, due to the outstanding success of the various editions of the painting contest, the Society wanted to broaden the scope of this cultural activity to include other art forms. This goal led to the creation of MUFART (Plastic arts for the 21st Century), whose aim it is to pave the road for and to reward innovative and experimental artistic expressions in the context of contemporary art (from the traditional engraving to analog and digital photography to net-art, digital prints on every kind of material, video-art, graffiti, mixed techniques…). In its first year, the MUFART prize has addressed graphics in two categories: traditional engravings and digital print technique on flat material.

Grabado tradicional_Traditional Engraving Juan Pablo Villalpando Huete (1º premio_1st Prize).

María Pilar Capulino soria (2º premio_2nd prize).

Francisco Javier Pardo Ríos (mención honorífica_honourable mention).

Carmelo Rubio López (mención honorífica_honourable mention).

Técnica digital_Digital technique Carlos sanz Aldea (1º premio_1st Prize).

Andrés garcía Bodega (2º premio_2nd prize).

Josepa Busqué Rosich (mención honorífica_honourable mention).

Pedro Hervás Garrachón (mención honorífica_honourable mention).

F5 Mutualidad general de Funcionarios Civiles del Estado (MuFACE)

Juan Pablo Villalpando Huete 309

El placer de la cocina oriental, 2009 XilografĂ­a y Punta seca_Woodcut and drypoint. 68 X 54 cm

INsTITuCIONEs INsTITuTIONs

El certamen ha respondido, con creces, a las expectativas generadas en cuanto al número de obras presentadas y, sobre todo, en cuanto a la calidad y cantidad de los temas tratados y la diversidad de las técnicas empleadas, revelando un nivel general creativo muy alto. Muestra de ello son las dos obras que se incluyen en este catálogo y que representan el primer premio de cada una de las dos modalidades convocadas. No puede desconocerse que MuFACE cuenta con el enorme privilegio de tener en su colectivo protegido una importante “cantera” de artistas profesionales, funcionarios pertenecientes a Cuerpos Docentes relacionados a su vez con el mundo de las artes en general. Otros participantes, sin embargo, proceden de otros Cuerpos de la Administración.

The contest has far exceeded the expectations created with regard to the number of works that were submitted, and above all with regard to the quality and quantity of topics addressed and the diversity of the techniques used, thus revealing a very high level of creativity. This is demonstrated by the two pieces which have been included in this catalogue and have received the first prizes in the two categories of the competition. It is important to note that MUFACE has the privilege of having among its members a significant “pool” of professional artists, civil servants belonging to Teaching Bodies, that are themselves linked to arts in general. Other participants, however, come from other Administrative Bodies.

Este interés de los funcionarios artistas por el premio anima, sin duda, a la Mutualidad a seguir convocando este tipo de certámenes. Y con la experiencia acumulada, y en la medida de sus posibilidades, MuFACE seguirá comprometida en mejorar las condiciones de participación en este premio MuFART, para hacer de él un verdadero referente, capaz de ir dando cabida a las diferentes manifestaciones del arte múltiple actual.

This interest that the artists have shown for the prize has without a doubt inspired the Society to continue organizing this kind of competition. Based on the experience gathered and the possibilities at hand, MUFACE will keep committing to improve the conditions for participating in the run for a prize MUFART, so that this award may become a true reference, capable of accommodating the different expressions of today’s multidisciplinary art.

F5 Mutualidad general de Funcionarios Civiles del Estado (MuFACE)

Carlos sanz Aldea 311

Cave Canem, 2009.

Impresi贸n Digital sobre Dibond_Digital print on Dibond. 100 x 70 cm

revistas y portales de arte magazines and art web sites

colaboradores y patrocinadores collaborators & sponsors

Ă­ndice de expositores exhibitors index

ÍNDICE DE ARTIsTAs Y EXPOsITOREs ARTIsT AND EXHIBITORs INDEX

gALERÍA/EXPOsITOR_GALLERY/EXHIBITOR

sTAN D_BOOTH

PÁgINA_PAGE

3 PuNTs gALERIA

D8

A CuADROs

C12

86 88

AMNIsTÍA INTERNACIONAL / ARTE IMPLICADO

F6

272

APART EDICIONs

E6

90

APERTuRE FOuNDATION / CANOPIA

C9

92

ART NOTEs

P5

325

ARTE PRIVADO

E5

94

ARTEINVERsION

D3

96

ARTELANDIA.COM / gRABADOs-CHILLIDA.COM

B7

98

ARTELIsTA.COM

P8

331

AYuNTAMIENTO DE MósTOLEs

F3

276

BENVENIsTE CONTEMPORARY

B2

100

BLANCA BERLÍN gALERÍA

B3

102

BLANCA sOTO ARTE C5 COLECCIóN CÁLAMO ARTE Y BIBLIOFILIA

C8 C10 / A5

104 130, 186

BN4

208

CÁMARA OsCuRA gALERIA DE ARTE

C6

106

CAPA

E11

108

CARMEN DE LA CALLE

B4

110

CAsA DE VELÁzQuEz

F9

280

CAsA FALCONIERI

D6

112, 278

CÍRCuLO DE ARTE

D2

114

Tentaciones

270

CONsEJERÍA DE EMPLEO Y MuJER / COMuNIDAD DE MADRID

F4

286

DANAg’ART PRODuCTION

B9

116

DEMOLDEN VIDEO PROJECT

A1

196 318

COMuNIDAD DE MADRID

DEsCuBRIR EL ARTE

P3

EDITORIAL FuENTEMOLINOs / gALERÍA RODRIgO JuARRANz

D1

118

EDITORIAL HIsPÁNICA DE BIBLIOFILIA

E9

120

EL ALMEz - EL LLEDONER

E16

122

EL CABALLERO DE LA BLANCA LuNA

BN2

210

EsKuLAN

E14

124

EsPACIO TANgENTE EsQuINA ARTE CONTEMPORÁNEO

BN9 C4 / A7

212 126, 188

EsTAMPARTE

D12

EuROLIBRO

BN3

214

P2

328

BN6

216

EXIT EXIT PuBLICACIONEs FACTORÍA COMPOsTELA FAsT gALLERY

C10 / A5

128

130, 186

BN12

218

FuNDACIóN ANTONIO PéREz - sAN CLEMENTE

F1

292

FuNDACION CIEC

F7

300

Índice de Expositores_Exhibitors Index

gALERÍA/EXPOsITOR_GALLERY/EXHIBITOR

sTAN D_BOOTH

PÁgINA_PAGE

FuNDACIóN FuENDETODOs gOYA

F2

302

gALERÍA ALEXANDRA IRIgOYEN

A4

184

gALERÍA DE ARTE

E5

gALERÍA EsTAM PA

B1 / BN7

94 132, 220

gALERÍA FOTONAuTA

BN8

222

gALERÍA gLAMART-DKs

B16

134

gALERÍA INés BARRENECHEA

A3

190

gALERÍA JOsé RINCóN

D5

136

gALERÍA LA CAJA NEgRA

C7

138

gALERÍA MAEs

B11

140

gALERÍA MIKEL ARMENDIA

B8

144

gALERÍA MÚLTIPLE

C3

146

gALERÍA NuEVOARTE

C11

162

gALERÍA O+O gEsTIóN CuLTuRAL

E3

148

gALERÍA QuORuM

E8

150

gALERÍA RINA BOuWEN

B5

152

gALERÍA RITA CATELLOTE

A1

204

gALERÍA sET EsPAI D’ART

B12

172

gALERÍA sICART

A6

192

gALERÍA sTANDARTE

E1

154

gALLERI MDA

B10

142

gRABADO Y EDICIóN (REVIsTA DE ARTE)

P6

314

HOYEsARTE.COM

P12

323

IMPRIMERIE D’ALsACE-LOzèRE

BN5

224

JEsÚs PAsTOR LA CARBONERÍA –EsPACIO DE ARTE– LA FÁBRICA EDITORIAL

E2

18

D10

156

BN10 / BN11

226

LAPIz

P1

332

LORENART

E12

158

MAgEE ART gALLERY

A1

198

MARIsA MARIMóN

A1

200

MAsDEARTE.COM

P10

326

MuFACE

F5

308

MuLTIPLICIDAD

C2

160

MusEO EsPAñOL DEL gRABADO CONTEMPORÁNEO

F8

304 202

OB-ART VIDEO

A1

OBRA RECENT

E6

90

OPENART.COM

P11

316

OBRA gRÁFICA ORIgINAL

D4

164

PgD EDICIONEs DE ARTE

B14

166

PHOTO gALLERY 20

C1

168

PHOTOgALERIA

C5

170

ÍNDICE DE ARTIsTAs Y EXPOsITOREs ARTIsT AND EXHIBITORs INDEX

gALERÍA/EXPOsITOR_GALLERY/EXHIBITOR

sTAN D_BOOTH

PÁgINA_PAGE

PHOTOgRAPHICA 09

D7

60

REVIsTA TENDENCIAs DEL MERCADO DEL ARTE

P4

320

REVIsTADEARTE.COM

P9

317

REVIsTART

P7

330

sET EsPAI D’ART

B12

172

sPECTRuM sOTOs

B6

174

suMMA EDITOREs DE ARTE

BN1

228

TALLER 2/69 s.L.

E10

176

TALLER DE LAs VIsTILLAs

E7

178

TALLER DEL PRADO

E4

180

YAMAguCHI CENTER FOR ARTs AND MEDIA

A2

30

Ă­ndice de artistas artists index

ÍNDICE DE ARTIsTAs Y EXPOsITOREs ARTIsT AND EXHIBITORs INDEX

ARTIsTA_ARTIST

PÁgINA_PAGE

A ALBERTO CARRERA BLECuA

157

ABRAHAM LACALLE

100

ADONIs EsCuDERO

151

ADRIÁN DOMÍNguEz

95

AgusTÍ PuIg

173

AgusTÍN REDONDELA

121

AITOR uRDANgARÍN

121

ALB ERTO gARCÍA ALIX

227

ALB ERTO gIRONELLA

115

ALB ERTO KORDA

227

ALB ERTO MAsA

219

ALEssANDRO NOCENTINI

89

ALEssANDRO REggIOLI

89

ALEX KATz

99

ALEXANDER RODCHENKO

227

ALFONsO QuIROgA

161

ALFRED sTIEgLITz

93

ALFREDO ALCAÍN

157, 272

ALFREDO PARDO

211

ALICIA MARTÍN POzuELO ALIsON WILDINg

95 100

ALLAssANE sYLLA

115

ALMuDENA LOBERA

288

ÁLVARO góMEz sÁIz

213

ÁLVARO VILLARRuBIA

169

AMADEO gABINO

135, 181

ANA ALBERCA

88, 155

ANA JuAN

181

ANA MATÍAs

89

ANA ROJAs

95

ANA sOLER BAENA

291

ANDERs PETERsEN

227

ANDREA FERNÁNDEz

88

ANDREAs ERIKssON

143

ANDRés gARCÍA BODEgA

308

ANDRés sENRA

260

ANDREu ALFARO

272

ANDY WARHOL

143

ÁNgEL RAMÍREz

229

ÁNgELEs AgRELA ANgELINO FIORI

272 113, 278

A-B Índice de Artistas_Artists Index

ARTIsTA_ARTIST

PÁgINA_PAGE

ANIsH KAPOOR

139

ANN-sOFI sIDéN

100

ANNA POWNALL

167

ANNA sOLANILLA ANNE-CATHERINE NEsA ANTóN PATIñO

90 280, 285 161

ANTONELLO CuCCu

113, 278

ANTONI CLAVé

159, 181

ANTONI MIRó ANTONI TàPIEs ANTòNIA DEL RÍO ANTONIO CLAVé ANTONIO JIMéNEz

97 97, 99, 119, 121, 135, 142, 143, 144, 145, 157, 159, 165, 181, 272, 273 234 119, 121, 135, 143 118, 119

ANTONIO LóPEz,

181

ANTONIO PALOMO

165

ANTONIO sANTOs ANTONIO sAuRA

157 99, 135, 147, 157, 159, 165

ARÁNTzAzu g. CALDERóN

161

ARMAN

225

ARMANDO ARENILLAs

141

ARNAu ALEMANY

115

ARTIgAsPLANAs ARÚN ROY AsCENsIóN BIOsCA AsuN VALET AugusTus F. sHERMAN AuRéLIA FREY B BADRI LOMsIANIDzE

141 89, 140, 141 289, 291 157 93 280, 283 74, 161

BAJOLA

135

BEATRIz MARTÍNEz

288

BEATRIz MORENO

103

BEATRIz PALOMERO

89

BEATRIz ROMERO

103

BEATRIz uJADOs

167

BEgOñA zuBERO

216

BELéN ALEgRE

95

BELéN gONzALO

89

BELéN uRIEL

161

BERNARD-gABRIEL LAFABRIE

224

BEROIz PéREz DE RADA

155

BERTRAND DORNY

225

ÍNDICE DE ARTIsTAs Y EXPOsITOREs ARTIsT AND EXHIBITORs INDEX

ARTIsTA_ARTIST

PÁgINA_PAGE

BOB sCHALKWIJK

223

BRITT JuuL C

100

CARLOs BAONzA

167

CARLOs DOMINgO

210

CARLOs MONLEóN CARLOs sANz ALDEA

219 308, 311

CARLOs sAuRA

157

CARLOs sPOTTORNO

227

CARLOs TERREROs

169

CARLOs VILLOCH

169

CARMELA sARO BERNALDO DE QuIRóz

291

CARMEN gARCÍA suÁREz

141, 229

CARMEN HERRERO

89

CARMEN MORENO CLAVERO

151

CARMEN sALAzAR

163

CARMEN TORREgO CAssANDRA CONsTANT

89 154

CAsTO PRIETO

103

CATERINA BuRgOs CAPPACCI

289

CECILIA DE VAL CELEDONIO PERELLóN CHEIKH IssA LEYE CHEMA MADOz

82, 107, 174, 175 208 115 227, 272, 274, 276

CHRIsTIAN BOzóN

88

CHRIsTIAN FERNÁNDEz

219

CHRIsTIAN PARAsCHIV

225

CHRIsTO

99

CHRIsTO JAVACHEFF

145

CLAuDIA gONzÁLEz

299

COLETTE BRuNsCHWIg

225

CONCHA ÁVILA

141

CONCHA CORRAL

135

CONsuELO CARDENAL

95

CONsuELO VINCHIRA

161

CRIsTINA ALMODóVAR

152

CRIsTINA gARCÍA RODERO

227

CRIsTINA gAYARRE

167

CRIsTINA MOROñO CRIsTINA sICILIA

118, 119, 289, 290 89, 280

CRIsTóBAL OLMEDO

118

CuCA BALAguER

149

B-C-D-E Índice de Artistas_Artists Index

ARTIsTA_ARTIST

PÁgINA_PAGE

D DANIEL MERINO DANIEL QuINTERO DANIELLE CREENAuNE DAVI D DE ALMEIDA

209 220, 272 88 97

DAVI D DE LAs HERAs

161

DAVID DEL BOsQuE

149

DAVI D EsCALONA

110

DAVI D JIMéNEz

75, 171, 227

DAVI D ORTEgA

137

DAVI D PELLICER

211

DAVI D sMITH

167

DAVI D TRuJILLO RuIz

186

DAVI D zAAFRA

209, 215

DAYsI CARMONA

215,228

DIANA gIMéNEz

88

DIANA LARREA

260

FéLIX FERNÁNDEz

260

DIANgO HERNÁNDEz

100

DIDIER LOuRENçO

90

DOMINgO sARREY

149

DON HERBERT DOROTHEA LANgE DOuBLE NEgATIVEs ARCHITECTuRE DuKEssA E

147 93, 227 46 134

EBERHARD sCHLOTTER

215

EDgAR MARTINs

139

EDITORIAL V.u.B.

213

EDuARDO ARROYO

221

EDuARDO CHILLIDA

97, 98, 99, 121, 135, 143, 145, 165, 181

EDuARDO LARRAsA EDuARDO NARANJO EDuARDO sANz

149 121, 135, 181, 209 179

EDuARDO ÚRCuLO

97

EDWARD sTEICHEN

93

EFRAïM RODRIguEz

87

EIKOH HOsOE

93

EL HADJI THIAM KANE

117

EL ROTO

115, 302

ELEAzAR

160

ELENA BLAsCO

178

ÍNDICE DE ARTIsTAs Y EXPOsITOREs ARTIsT AND EXHIBITORs INDEX

ARTIsTA_ARTIST ELENA JIMéNEz ELENA LAuRA ELIsABETTA DIAMANTI ELLEN KOOI

PÁgINA_PAGE 290 122 113, 278 81

ELOY MORALEs

165

EMILIO LEKuONA

223

EMILIO MORENATI

227

EMILIO VELILLA

109

ENCARNACIóN HERNÁNDEz

167

ENRIC BARDERA

129

ENRIFORTIz

95

ENRIQuE BRINKMANN

181

ENRIQuE FOMBELLA

277

ENRIQuETA HuEsO

149

EQuIPO CRóNICA

99, 135

ERIK KIRKsAETHER

89, 179

ERNEsT PEsHKOV ERNEsTO ARROYO

211 103, 135

ERNEsTO CAsERO

211

EsPERANzA gONzÁLEz PERLADO

123

EugENE DE sALIgNAC EusEBIO sEMPERE EVA ARMIséN

92 151, 159 157

EVA POYATO

89

EVA sANTÍN

286

EVAR IsTO BENITEz F

225

FAILE FANNY gALERA

99 109

FÁTIMA TOCORNAL

202

FEDERICO BAYóN

236

FEDERICO guzMÁN

100

FéLIX FERNÁNDEz

260

FERNANDO BAYONA gONzÁLEz FERNANDO BELLVER FERNANDO gARCÍA ORTEgA

73, 86 114, 181 88

FERRAN FREIXA

170

FRANCIs BACON

165

FRANCIsCO JAVI ER PARDO RÍOs

308

FuJITA G

165

gABRIEL MORENO

89

E-F-g-H-I Índice de Artistas_Artists Index

ARTIsTA_ARTIST

PÁgINA_PAGE

gABRIELLA LOCCI

112, 278

gAO sHIQIANg

198

gEOFF MACEWAN

101

gERARD MAs

87

gERARDO LóPEz MOzO

161

gERMÁN góMEz

89

gILFER gIOVANNA sECCHI

97 113, 278

gIsELA RàFOLs

192

gLEN RuBsAMEN

100

gLORIA CEBALLOs

163

gLORIA gALLEgO

88

gLORIA gOMEz CALCERRADA

95

gLORIA sANTACRuz

89

gONzALO JuANEs

171

gONzALO TORNé

276

gORDILLO

302

gOTzON ugARTE

168

gREgORI VALERO

124

guDRuN EWERT

123

guIDO ANDERLONI

100

guILLERMO PéREz VILLALTA

133, 221

guILLERMO suMMERs H

109

HELENA zAPKE

149

HéLèNE BERgAz

218

HENDRIK KERsTENs

105

HENRI CHOPIN

225

HENRY MOORE

165

HERNÁNDEz MOMPó HERNÁNDEz PIJuAN HILDA FuCHs

97 145, 157 88

HIsAE IKENAgA

238

HugO FONTELA

115

HuMBERTO RIVAs I

171

IgOR TORREs

213

IMANOL MARRODÁN

105

INés gONzÁLEz IñIgO ARREgI IRENE BOgO IRENE LóPEz DE CAsTRO

89 157 95, 229 184

ÍNDICE DE ARTIsTAs Y EXPOsITOREs ARTIsT AND EXHIBITORs INDEX

ARTIsTA_ARTIST

PÁgINA_PAGE

IRENE PRADA

155

IsABEL ALIAgA (sAIsA)

288

IsABEL MuñOz IsABEL sALVADOR IsABEL TALLOs IVÁN ARAuJO

103, 227 89 141 88, 276

IVÁN LARRA

272

IzAsKuN ÁLVAR Ez J

213

JACINTO MOROs

147

JACOB DAHLBERg

143

JACOBO CAsTELLANO

100

JAFAR T. KAKI

276

JAIME COMPAIRé

102, 103

JAIME PLENsA

159, 302

JAMEs guITET

225

JAN HENDRIX

139

JANELLE LYNCH JANETTE BROssARD JAsPER JOHNs

87 229 165

JAuME PLENsA

119, 143, 145

JAuME ROuRE

90

JAVI ER ARANguNEN JAVI ER gIMENO

97 169

JAVI ER LOzANO

161

JAVI ER MuRO

145

JAVI ER PAgOLA

221

JAVI ER REDONDO

141

JAVI ER ROz

89

JEAN FRANCIsCO CAsAs JEAN PIERRE TANguY

165 89

JEAN-PAuL HuFTIER

225

JENIFER CAREY

135

JENs JAEgER

129

JEsÚs PAsTOR JIMMY DAY JOAN FONTCuBERTA JOAN HERNÁNDEz PIJuAN JOAN MIRó JOAQuÍN CAPA

18 161 272 147, 225 99, 121, 135, 143, 145, 158, 159, 165, 181 88, 95, 121, 173

JOAQuÍN gARCÍA DONAIRE

181

JOCK sTuRgEs

93

I-J Índice de Artistas_Artists Index

ARTIsTA_ARTIST JOEL MEYEROWITz

PÁgINA_PAGE 93

JOHANN RYNO DE WET

107

JONATHAN NOTARIO

240

JONAY COgOLLOs

211

JORDI ALCARAz

145

JORDI FONTELLEs JORDI sANTACANA

90 90

JORDI sOCIAs

227

JORDI TEIXIDOR

276

JORgE EgEA

156

JORgE VARAs JOsé A. ANDRés VERA JOsé BEuLAs

97 135 157, 302

JOsé CAsTELLANOs

137

JOsé DuARTE

276

JOsé guERRERO

97

JOsé guINOVART

121, 135 ,157

JOsé HERNÁNDEz

87, 115, 303

JOsé LEAL

151

JOsé LuIs CAsAs

151

JOsé LuIs guTIéRREz

109

JOsé LuIs KuEVAs JOsé LuIs sANTALLA

276 76, 105

JOsé LuIs zuMETA

147

JOsé MANuEL BOuzAs

109

JOsé MANuEL BROTO

157

JOsé MANuEL CIRIA

97

JOsé MARÍA DE LA RuBIA TEJEDA

95

JOsé MARÍA MELLADO JOsé P. gARCINuñO JOsé RAMóN BAs

103 136, 137 227

JOsé RAMóN LLONIs

137

JOsé TROBO

135

JOsEF ALBERs

157

JOsEP MOsCARDó JOsEPA BusQué ROsICH JOsEPH sEROussI JuAN ALCALDE JuAN ÁNgEL gONzÁLEz JuAN BARAJA JuAN FRANCIsCO CAsAs JuAN gENOVés

90 308 280, 283 181 133, 221 71, 169 164 181, 272

ÍNDICE DE ARTIsTAs Y EXPOsITOREs ARTIsT AND EXHIBITORs INDEX

ARTIsTA_ARTIST JuAN LARA JuAN MANuEL REYEs

PÁgINA_PAGE 181 89

JuAN PABLO VILLALPANDO HuETE

308

JuAN ugALDE

161

JuAN usLé

121

JuLIA REIg

149

JuLIAN OPIE JuLIÁN ORTÍz

99 149

JuLIAN sCHNABEL

165

JuLIO ADÁN

299

JuLIO CésAR PEñA

229

JuLIO FALAgÁN

242

JuLIO MuRCIEgO

109

JusTA RAYE gO K

155

KAE NEWCOMB

153

KATIA ACÍN

157

KEITAI sPY WORKsHOP KEITH HARINg

52 99, 165

KJELL NuPEN L

143

LAuRA LIMóN FERNÁNDEz

299

LAXEIRO

209

LEMARIE

209

LEONOR TORREs

204

LEOPOLDO POMés

227

LIDIA BEIzA LIDIA BuENTE LILIANA PORTER

94 88 139

LINA VILA

157

LINDNER

135

LOLA CATALÁ

123

LOs NAVE gANTEs DEL PALOMAR

213

LOuIsE BOuRgEOIs

165

LuCÍA LOREN LuCIO MuñOz

262 121, 135, 147

LuÍs BELTRÁN

149

LuIs BuñuEL

227

LuIs CARuNCHO

127, 179

LuIs FEgA

97

LuIs FEITO

220

LuIs gORDILLO

138, 165, 179, 272, 276

J-K-L-M Índice de Artistas_Artists Index

ARTIsTA_ARTIST LuIs MAYO

PÁgINA_PAGE 133, 220

LuIs MORO

118

LuIs RAPELA

276

LuIs VIOQuE

96

LuIs YNgüANzO

167

LuIsA ENCIsO

151

Luz gONzÁLEz DE LA TORRE M

141

M. BERINg – gRADAssI

209

M. E. sANTIsO

129

M. J. PéREz VICENTE

157

Mª ÁNgELEs HERAs

151

Mª ANTONIA sÁNCHEz

149

Mª JEsÚs CREsPO

149

Mª JEsÚs sOLER

149

MAgDALENA F. MERINO

163

MAgNE FuRuHOLMEN

143

MAITE DE LA PARTE

135

MAITE LABIAgA FERRER

161

MAMADOu DIOuF

115

MANOLO QuEJIDO

161

MANOLO VALDés

99, 119, 121, 135, 159, 165

MANuEL AYLLóN

276

MANuEL BARBERO

161

MANuEL RIVERA

181

MANuEL sENDóN

130

MANuEL VÁzQuEz

200

MAPI RIVERA

156

MAR TORREgO MARCOs MORILLA MARCOs PALAzzI MARgA RuIz

89 78, 127 90 209

MARÍA BALIBREA

211

MARÍA BEJARANO

129

MARÍA EugENIA BLÁzQuEz RODRÍguEz

290

MARÍA HERREROs

89

MARÍA ORIzA

118

MARÍA PILAR CAPuLINO sORIA

308

MARÍA RuBIO CERRO

166

MARÍA VERA MARÍA VERDugO ALTHÖFER MARIE BEYOu

95 129 88

ÍNDICE DE ARTIsTAs Y EXPOsITOREs ARTIsT AND EXHIBITORs INDEX

ARTIsTA_ARTIST

PÁgINA_PAGE

MARIKA MäKELä

143

MARINA ANAYA MARINA OLALLA MARQués MARIO MARINI MARK LAITA MARLON DE AzAMBuJA MARTA DANsA MARTA sANz MARTA sOuL MARTÍN CHIRINO MARTIN PARR

88 123 89 87 244 90 129 264 272, 275 93

MAsAuR

128

MATTA

135

MAWAsHI gERI

72

MENCHu gAL

121

MENCHu LAMAs

161

MéNDEz LOBO

97

MERCEDEs ANDREu

137

MERCEDEs R. ELVIRA

121

MERCHE OLCINA MICHAEL WEsELEY & LINA KIM MICHAEL WOLF MICHELE MAuRIN

89 105 93 103

MIguEL ALBERQuILLA

151

MIguEL PuEYO

246

MIguEL RuÍz-POVEDA

123

MIguEL VILLARINO

276

MIKAEL FAgERLuND

143

MIKEL uRIBETXEBERRIA

190

MIKI LEAL

100

MILAgROs gARCÍA MIQuEL BARCELó

137 99, 145, 147

MIREILLE FOMBRÚN

276

MIRóN

219

MIRTYA HuIzzI

95

MIT BORRÁs

118

MOIsés YAgüEs

89

MOLINA MONTERO

181

MOuHAMADOu MANsOuR

115

MOusTAPHA KANE MuRIEL MOREAu MuY FRÁgIL

115 280, 285 213

M-N-O-P Índice de Artistas_Artists Index

ARTIsTA_ARTIST

PÁgINA_PAGE

N NANNA HäNNINEN

106

NARCIsO ECHEVARRÍA

88

NésTOR ALB ERTO LADEROsA

95

NICOLE HERzOg

95

NOEMÍ góMEz POsADA

123

NORBERTO MARRERO O

229

OIER ITuARTE

169

OLgA CAsTRO OLIMPIA VELAsCO OLVI DO CAsTILLO ORTIz ECHAgüE ósCAR PéREz

95 127, 188 88 227 162, 163

OsCAR sHOCKINg

248

OsCAR VÁzQuEz

211

OTOMO YOsHIHIDE OuKA LEELE P PABLO CAsADO PABLO DEL BARCO PABLO MAOJO PABLO PALAzuELO PABLO PICAssO PABLO sYCET

54 103, 169, 272, 227 88, 179 213 126 121, 135, 143, 145, 147 97, 121, 143, 145, 146, 147, 181, 209 272

PACA zABALLOs

137

PACIEL gONzÁLEz

135

PACO AguILAR

88, 163

PACO PEPE POsADA

153

PALOMA DELBREIL

149

PAOLA DE gRENET PAOLA DEssY PAPA ARFANg BAHINgQuE sAgNA PAPÍN LuCADAMO PAsCAL LABORDE

87 113, 278 116 161 280, 282

PAsQuALE CAPRILE

153

PAT ANDREA

100

PATRICIA VIñO

151

PAuL sTRAND PAuLA ANTA PAuLA RuBIO INFANTE PAuLINO LORENzO TARDóN

93 104, 105 63, 97 95

ÍNDICE DE ARTIsTAs Y EXPOsITOREs ARTIsT AND EXHIBITORs INDEX

ARTIsTA_ARTIST

PÁgINA_PAGE

PAuLINO sANTOs

89

PAVE L ALBERT

88

PAz TORNERO

250

PEDRO CARRAsCO

135

PEDRO CAsTRORTEgA

97, 209

PEDRO FuENTEs

109

PEDRO HERVÁs gARRACHóN

308

PEPA CAsTILLO

176

PEPA sATué

163

PEPE AzNAR

141

PEPE CERDÁ

157

PEPE HERNÁNDEz

302

PEPE YAguEs

272

PER ENOKssON

143

PETERL MüLLER PETER

103

PETTER HEgRE

223

PICAssO

159

PIEDAD PALACIO

155

PILAR CAPuLINO

137

PILAR CAVE sTANY

155

PILAR gARCÍA ABRIL

141

PILAR PEQuEñO

103

PILAR sAgARRA

155

PsJM Q

105

QuIBERON-(gILLEs MARgARITIs) R RADO JERIC RAFAEL ALBERTI RAFAEL CANOgAR RAFAEL JIMéNEz JAéN RAFAEL NAVAR RO RAFAFANs

280, 284 276 173, 209 97, 121, 135, 180, 181 109 157, 171 219

RAFOLs CAsAMADA

121

RAIzA MAuDIT

252

RALF PAsCuAL RAMIRO FERNÁNDEz sAus

213 133, 221

RAMIRO uNDABEYTIA

177

RAMóN CAsANOVA

156

RAMóN MAsATs

103

RAMóN MAsATs

226

RAMóN MOsCARDó

90

P-Q-R-s Índice de Artistas_Artists Index

ARTIsTA_ARTIST

PÁgINA_PAGE

RAQuEL LAguNA

167

RAÚL BELINCHóN

148

RICARDO B. sÁNCHEz

127

RICARDO BAROJA

215

RICARDO BLACKMAN

213

RICARDO CALERO

302

RICHARD NEgRE

225

RICHARD sERRA

139, 165

RIERA I ARAgó

173

RITA MCBRIDE

100

RIVELINO DÍAz BERNAL ROBERT ADAMs ROBERT CAPA

99 93 93, 227

ROBERT FRANK

227

ROBERT gROBORNE

225

ROBERT RAusCHENBERg ROBERTO Puzzu ROCÍO AsENsI ROgER guAus ROLAND FIsCHER ROsA BAsuRTO ROsA RuBIO

165 113, 278 266 80 139 111, 133, 221 97

ROsELL MEsEguER

97

ROsER sALEs

89

ROY LICHTENsTEIN

99, 150

RuBéN TORTOsA

172

RuFA FERNANDEz ORALLO

141

RYuICHI sAKAMOTO s

42

sABELA BAñA

151

sAE

254

sALVADOR DALÍ sAMuEL sALCEDO sANTIAgO gARCés sANTIAgO LóPEz sANTIAgO sERRANO sANzsOTO

99, 135, 181, 209 87 69, 223 109 147, 161, 276 149

sARA HuETE

133, 221

sATuR PEñA

288

sEAN MACKAOuI sEAN sCuLLY sEBAsTIÁN BEYRó

100 143, 165 155

ÍNDICE DE ARTIsTAs Y EXPOsITOREs ARTIsT AND EXHIBITORs INDEX

ARTIsTA_ARTIST sEBAsTIAO sALgADO sEguÍ Y RIERA sEIKO MIKAMI

PÁgINA_PAGE 93 209 40

sERAFÍN ROFRÍguEz TEJA

169

sERgE POLIAKOFF

143

sERgIO BELINCHóN

149

sERgIO CORRAL

212

sERgIO LuNA

211

sERgIO sOTOMAYOR

65, 280, 282

sHIRO TAKATANI

42

sHu CHuAN LEE

141

sILVIA gRuNER

77, 139

sILVIO POzA

121

sITO MÚJICA

256

sOFÍA REINA

135

sOL LEWITT sOLEDAD CóRDOBA

99 79, 103

sONIA DELAuNAY

135

sONIA HIguERAs

89

sOTA ICHIKAWA

40

sTEVE PAXTON

44

susANA PEsEs

89

susANA sOLANO

272

sYLVIA PLACHY T

103

TAKAO KAWAguCHI

48

TAK AYuKI FuJIMOTO

48

TALLER EL MuCÍLAgO

213

THOMAs RuFF

93

TOM BELL TOM WEssELMANN TONI CATANY

100 145 103, 227

TONI CRAgg

143

TORsTEN RIDELL

225

TROELs WÖRsEL

100

TsuYOsHI sHIRAI U

48

uNAI sAN MARTÍN V

147

VALENTÍN ERAusQuIN

88

VALME DE TOLEDO

149

VAsARELY

119

s-T-u-V-W-X-Y-z Índice de Artistas_Artists Index

ARTIsTA_ARTIST

PÁgINA_PAGE

VENANCIO BLANCO

121

VERA MOLNAR

225

VERu ICHé

103

VICENTE ARNAs

209

VICENTE B. BALLEsTAR

222

VICKY DE sus

157

VÍCTOR ARRIzABALAgA

145

VICTOR MIRA

157

VÍCTOR VAsARELY

145

VICTORIA LAVÍN

276

{VIVIMOs DEL AIRE} W

196

W. EugENE sMITH W. LAM WALTER MARTINN & PALOMA MuñOz WENCEsLAO ROBLEs X

93, 227 159 93 89, 163

XAVI ER MIsERACHs

171

XFLAsH <J.gIL FERNÁNDEz>

108

XIsCO MENsuA

100

Xus BuENO Y

211

YAIzA gARCÍA

88

YAYA BA Z

115

zHOu WENDOu zWELETHu MTHETHWA

132, 221 93

ÍNDICE DE ARTIsTAs Y EXPOsITOREs ARTIsT AND EXHIBITORs INDEX

3 PuNTs gALERIA

D8

A CuADROs

C12

gALERÍA INés BARRENECHEA

A3

gALERÍA JOsé RINCóN

D5

AMNIsTÍA INTERNACIONAL / ARTE IMPLICADO

F6

gALERÍA LA CAJA NEgRA

APART EDICIONs

E6

gALERÍA MAEs

APERTuRE FOuNDATION / CANOPIA

C9

gALERÍA MIKEL ARMENDIA

B8

ART NOTEs

P5

gALERÍA MÚLTIPLE

C3

ARTE PRIVADO

E5

gALERÍA NuEVOARTE

ARTEINVERsION

D3

gALERÍA O+O gEsTIóN CuLTuRAL

ARTELANDIA - gRABADOs CHILLIDA

B7

gALERÍA QuORuM

E8

ARTELIsTA.COM

P8

gALERÍA RINA BOuWEN

B5

AYuNTAMIENTO DE MósTOLEs

F3

gALERÍA RITA CATELLOTE

A1

BENVENIsTE CONTEMPORARY

B2

gALERÍA sET EsPAI D’ART

B12

BLANCA BERLÍN gALERÍA

B3

gALERÍA sICART

BLANCA sOTO ARTE

C8

gALERÍA sTANDARTE

C5 COLECCIóN

C10 / A5

CÁLAMO ARTE Y BIBLIOFILIA

BN4

E3

A6 E1 B10

gRABADO Y EDICIóN (REVIsTA DE ARTE)

C6

HOYEsARTE.COM

CAPA

E11

IMPRIMERIE D’ALsACE-LOzèRE

CARMEN DE LA CALLE

B4

JEsÚs PAsTOR

CAsA DE VELÁzQuEz

F9

LA CARBONERÍA –EsPACIO DE ARTE–

CAsA FALCONIERI

D6

LA FÁBRICA EDITORIAL

CÍRCuLO DE ARTE

D2

LAPIz

TENTACIONEs

C11

gALLERI MDA

CÁMARA OsCuRA gALERIA DE ARTE

COMuNIDAD DE MADRID

C7 B11

P6 P12 BN5 E2 D10 BN10 / BN11 P1

LORENART

E12 A1

CONsEJERÍA DE EMPLEO Y MuJER

F4

MAgEE ART gALLERY

DANAg’ART PRODuCTION

B9

MARIsA MARIMóN

A1

DEMOLDEN VIDEO PROJECT

A1

MAsDEARTE.COM

P10

DEsCuBRIR EL ARTE

P3

MuFACE

F5

EDITORIAL FuENTEMOLINOs / RODRIgO JuARRANz

D1

MuLTIPLICIDAD

C2

E9

EDITORIAL HIsPÁNICA DE BIBLIOFILIA EL ALMEz - EL LLEDONER EL CABALLERO DE LA BLANCA LuNA EsKuLAN EsPACIO TANgENTE EsQuINA ARTE CONTEMPORÁNEO

MusEO EsPAñOL DEL gRABADO CONTEMPORÁNEO

F8

E16

OB-ART VIDEO

A1

BN2

OBRA RECENT

E6

E14

OPENART.COM

P11

BN9 C4 / A7

ORBRA gRÁFICA ORIgINAL

D4

PgD EDICIONEs DE ARTE

B14

EsTAMPARTE

D12

PHOTO gALLERY 20

EuROLIBRO

BN3

PHOTOgALERIA

C5

PHOTOgRAPHICA 09

D7

REVIsTA TENDENCIAs DEL MERCADO DEL ARTE

P4

REVIsTADEARTE.COM

P9

EXIT EXIT PuBLICACIONEs FACTORÍA COMPOsTELA FAsT gALLERY FuNDACIóN ANTONIO PéREz - sAN CLEMENTE

P2 BN6 C10 / A5 BN12

REVIsTART

F1

sET EsPAI D’ART

FuNDACION CIEC

F7

sPECTRuM sOTOs

FuNDACIóN FuENDETODOs gOYA

F2

suMMA EDITOREs DE ARTE

A4

TALLER 2/69 s.L.

gALERÍA ALEXANDRA IRIgOYEN gALERÍA EsTAM PA gALERÍA FOTONAuTA gALERÍA gLAMART-DKs

B1 / BN7 BN8 B16

TALLER DE LAs VIsTILLAs

C1

P7 B12 B6 BN1 E10 E7

TALLER DEL PRADO

E4

YAMAguCHI CENTER FOR ARTs AND MEDIA

A2

Plano_Map Pabell贸n_Pavilion 10. IFEMA

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