Elio Casalino "Onirikon"

ELIO CASALINO onirikon

palazzo collicola arti visive spoleto

ELIO CASALINO onirikon A cura di Gianluca Marziani

25 Giugno 25 Settembre 2016 Casa Romana. Spoleto

Pathos Gianluca Marziani

La pittura esige una limpida disciplina del quotidiano, un esercizio metodico fatto

di visione veggente, energia espressiva e necessario talento. Dipingere con serietà e coerenza rimane un mantra muscolare che coinvolge i cinque sensi in una verti-

gine interiore dalle ricadute epifaniche. Sia chiaro, non si deve parlare di quantità ma di qualità del momento esecutivo, racchiudibile in pochi minuti d’azione (come nel caso di Cy Twombly) o in un lunghissimo approccio pratico (come nel caso

di Balthus che impiegava mesi per eseguire una singola tela). Tutto dipende dalla grammatica pittorica nonché dal percorso che l’artista compie, dalle sue abitudini, dagli obiettivi e dai modi che determinano una personalità e uno stile. Mario

Schifano, ad esempio, dipingeva a velocità vertiginose, in pieno caos domestico,

mostrando un’indole selvaggia, priva di pazienza e intellettualismi, una slavina istintiva che avvolgeva il mondo coi suoi filamenti e schizzi liberatori. Capirete

bene che la pittura va relazionata alla vita del suo autore, al contesto d’origine e

sviluppo, ai riferimenti storici e umani, ai temi affrontati, alla natura di un’estetica funzionale. Non esiste un singolo metodo d’azione come non esiste una singola lettura dell’opera: l’arte è molteplicità, alterazione della norma, angolo non so-

spetto, scarto e scatto improvviso. L’arte ragiona per valori autonomi, ritualità private, ossessioni interiori. Avviene una sospensione della normalità quando si

parla di arte visiva: ogni visione rappresenta la regola e la sua eccezione, l’artista diviene archetipo e la sua interiorità si trasforma in un mondo. Il suo personalissimo mondo. Un mondo che l’autore, attraverso l’opera, offre al di fuori di sé.

Il vero racconto di una mostra inizia dalla geografia biografica di un artista. Ciò

significa entrare nelle zone dell’animo, nei sentimenti profondi, nella coscienza dietro il quotidiano. Significa illuminare le stanze intime che disegnano l’atti-

tudine, l’indole, l’etica e le passioni di una persona con il fuoco limpido della

creazione. I quadri diventano capitoli temporanei di una cronologia che si porta appresso implicazioni, desideri, esperienze, decisioni, errori, ripensamenti, intui-

zioni… il DNA di un quadro contiene la sintesi compressa di una vita umana, un

codice informativo in cui la disciplina del quotidiano si tramuta in una qualità del momento esecutivo.

La storia che voglio raccontarvi è quella di Elio Casalino. Un uomo che fino a ieri

regalava ai propri quadri un’esistenza privata, lontana dai contesti espositivi. La casa in cui vive è (quasi) interamente arredata con le sue opere, sparse negli am-

bienti con un allestimento mimetico, come se volesse lasciarle intravedere, darne

tracce timide. Nel suo appartamento ho scoperto le prove di una lunga relazione con la pittura, anni di passione artistica dentro una vita da professionista affermato,

dentro una di quelle esistenze in cui non è semplice sottrarre tempo ai doveri del mestiere. Ma come dicevo prima, l’arte è qualità del momento esecutivo, miscu-

glio virtuoso di metodo e disciplina, una questione intima che occupa gli spazi conquistati, giammai gli spazi del semplice dovere. Casalino usa la notte per ritro-

varsi faccia a faccia col quadro, lui e la sua coscienza rivelata per un dialogo con i propri fantasmi, le ombre, i ricordi, le idee, le priorità, l’urgenza di un tema da affrontare e sviscerare. Il quadro si trasforma nel palcoscenico notturno di una lirica

struggente, un grido straziato o un volo nel mondo di Eros, una torsione dramma-

tica dei corpi o un gioco di apparenze carnevalesche. Fateci caso, le opere hanno

atmosfere notturne e fantasmatiche, le luci plasmano note artificiali che esaltano i corpi nel buio cavernoso. Lo sguardo incarna quella luce aggiunta: l’occhio come un faro per scegliere il focus dentro il respiro affannoso del mondo. Casalino di-

pinge di notte, con la notte, dentro l’anima della notte: assorbe le radici barocche di una Roma che al buio mostra il suo aspetto veritiero, una Roma che rilascia la memoria sanguigna di Scipione, Mario Mafai, Tano Festa… una città di prelati e fantasmi, togati e corrotti, banditi e puttane, intellettuali e artisti eroici, attori e

registi altrettanto eroici, scrittori e scritturanti, politici e politicanti, una città tra

delirio e follia, bellezza struggente e decadenza congenita… Roma ha plasmato le atmosfere mentali di Casalino, stabilito le coordinate della sua luce, regolato il suo corredo linguistico e tematico. Quei neri astronomici, i rossi lavici, il bianco alie-

no degli incarnati, la pastosità archeologica della materia, le chiarezze espressive

della pelle denudata: d’improvviso Roma abbassa le voci per lasciare la scena ai quadri, inscenando l’ennesima sospensione della normalità quotidiana… l’artista

metabolizza la città, la cronaca, i riferimenti culturali, le esperienze immaginate e vissute, l’amore per il femminile… l’artista non resiste alla forza soggiogante di Roma, al contrario accetta le regole d’ingaggio e fa scorrere la città dentro le opere, lasciando che la potenza millenaria reciti il ruolo che le compete.

La parola del titolo, PATHOS, attraversa la produzione di Casalino come un filo rosso che

traccia connessioni figurative e simboliche. Quasi ovvio che la cucitura ideale ricordasse una scia di sangue vivo: non esiste colore più evocativo per ragionare sulla drammaturgia

dei grandi temi morali, per criticare, con spessore tattile, la violenza, i modi di ferire e uccidere, l’ingiustizia nei confronti dei deboli. I quadri nel catalogo introducono lo sguar-

do nella pulsazione vertiginosa del rosso sangue, densamente grumoso e atavico, che si rivela una ferita figurativa e metaforica. Talvolta il rosso invade l’intera superficie di volti e corpi, esasperando la radice drammaturgica del tema pittorico. Altre volte torna per det-

tagli significanti, con linee o riquadri compatti, definendo un prologo o un raccordo, una fusione o una linea di confine. Un rosso dagli odori bruciati e ferrosi, sovraccarico di con-

tenuti, così magmatico da sconfinare nel solido, fino a rendere la pittura un bassorilievo

anomalo, una figurazione che spinge verso l’esterno, con quei volti che sembrano fuggire dal cuore del dramma, cercando ossigeno oltre il nero.

Partirei da un quadro bianco, sorta di sindone misteriosa che ci osserva dal suo substrato

archeologico, come se gli occhi e la bocca spuntassero da una pietra carsica che ha visto e registrato guerre, atti di pace, scene d’amore, bellezza e crudeltà nel corso dei secoli.

Un volto che è fuori dal tempo storico, archetipo della pietas umana, incipit definitivo per

l’arte di Casalino. Sembra l’inizio perfetto del suo viaggio pittorico: un osservatore etico

che non parla ma capisce gli eventi, non attacca ma giudica in silenzio, registrando il mondo attraverso lo sguardo, nel silenzio francescano di una pietas dolente ma necessaria.

Il volto si prende il centro dello scenario pittorico, sembra quasi avanzare verso la tela, spingendo con forza la trama e le materie. Facce urlanti o straziate, figlie di paura e violenza, facce che vibrano nel loro mutismo cavernoso, stravolte dall’orrore vissuto. Visi lu-

ciferini che hanno percepito il diavolo attorno a loro, nella disfatta del virtuosismo civile, nella caduta di qualsiasi ideale, nell’assurdo che governa le ragioni del potere. I volti di Casalino hanno assorbito il dolore sulla pelle, i loro occhi hanno ferite che sono solchi in

cui scorre il sangue dei vinti. Sono davanti a noi, impressivi e catartici, degni della nostra pietas, del nostro accordo interiore. Chiedono di essere guardati: per comprendere il loro

dramma avvenuto, per capire noi stessi e la nostra posizione davanti al dramma, aiutando ad alzare l’asticella del nostro coraggio, della nostra forza morale, del nostro collocarci dentro la rivoluzione interiore.

Capita spesso che il volto si trasformi in una maschera, carnevalesca e ambigua, al confine

tra il folklore di alcune tradizioni e la letteratura dei surrealismi magici. Ho pensato subito al belga James Ensor, grande artista nel solco di una scuola fiamminga dai simbolismi oni-

rici. E’ stato il pittore delle maschere e degli scheletri, due archetipi tra satira e grottesco, due momenti in cui si sfida la morte, smascherando coloro che non sanno giocare con il doppio, l’ambiguo, il trasgressivo. Le maschere di Casalino sono merce rara nella pittura italiana, anche perché la nostra tradizione del Carnevale, unita alla cultura cattolica, produce un grottesco non sempre perfezionato, talvolta così comico da perdere l’effetto dissa-

crante che la satira possiede. Per il nostro artista c’è una coincidenza tra volti e maschere, quasi una fusione che amplifica il legame tra tragico e grottesco, realtà e finzione, amore

e morte. Torna in luce il ruolo attivo di Roma nell’immaginario artistico: esiste una città italiana più carnevalesca e mascherata, più ambivalente e ambigua della Capitale?

Altro archetipo immancabile è la figura femminile. La Donna spunta nella maggior parte dei quadri, ora con una centralità monolitica, ora nel campo lungo di una narrazione collettiva. Rinascita e salvezza passano comunque per Lei, per la vertigine erotica dello sguar-

do, per il sinuoso erotismo del corpo, per la morbidezza setosa dei capelli, per l’energia rigenerante di una nudità catartica. Casalino trova qui lo spazio alchemico della bellezza, unico antidoto al male che affligge l’umana specie. In un quadro verticale ci sono tre don-

ne strette assieme, nude e amalgamate nelle loro forme tornite e invitanti: racchiudono la misura dello sguardo privato, della passione intima, della pulizia morale. Incarnano un

dialogo muto dove il conflitto viene risolto con lo sguardo, l’abbraccio, la comprensione silenziosa delle anime vaganti. La Donna incarna la riconciliazione, l’armonia momenta-

nea, il valore generativo, il nuovo inizio dopo ogni fine. La Donna riconcilia l’artista con una luce mercuriale, mistica, effettivamente rigenerante. Sembra dirci che ogni buio, anche il più arcaico, rinasce nella luce del mistero femminile.

Il pathos cresce lungo la produzione, attraversa le opere con le loro storie, catalizza i nostri sguardi, ci trascina nella vertigine narrativa dei protagonisti. L’atmosfera è intensa, strati-

ficata, bollente. Le storie figurative sono sguardi profondi che tagliano il buio, illuminando

solo ciò che merita una carezza visiva o un conflitto muscolare. La vita è lotta, l’arte è lotta: e il quadro si trasforma nel campo di una battaglia sanguinosa eppure indimenticabile. Una sfida necessaria e ancora bellissima.

Francesca Carol Rolla + Elio Casalino

Dialogo sulla pittura

Rome, the artist’s studio, March 2016.

For you, words are freedom, you say that the sea is your mirror and art is a space within the soul.

When we are free, we are able to express our true selves and take responsibility for decisions we make. You say that freedom is birth and self-possession. Yet accepting freedom also implies an awareness of the fact that there are no certainties, since the boundary lies on the horizon. To my mind, freedom also means participation, but it is not always easy to bear the burden of the liberated self. How is it possible, through art, to act in the name of a plural freedom?

Freedom implies the possibility of being and I move through time seeking to interpret just that.

I contemplate my soul and, from the sea, I turn to the infinity that is the horizon. The episodes which have gone into making up my life are the matter through which my painting takes shape and emotions mark the beat of my relations with time. I project forms, smells, sensations, colours onto my canvas. I feel all directions as belonging to me. It is the mystery of never knowing exactly what will appear, it is something highly instinctive. I simply allow myself to be transported, I offer no resistance. I approach the canvas without a specific destination in mind. I see the point where shade and colour are projected and it is where the experience begins.

There are painters who inhabit the canvas in order to express that which words are forced to leave behind on the threshold of sentences. According to what you say, it seems to me that, in your view, painting offers us the chance to simply not respond to the mind’s logic, but rather to become one with it and reflect upon the world at large, to rethink things as pleasure and necessity dictate.

What I set out to paint is the space existing within the soul. My paintings, for example Aborto, Evoluzioni amorose, Vitriol, Atanor, are an outward indication of a journey through an invisible wall, where matter blends with imagination. My hands work and the action is direct. I don’t paint things. I try to dip my brush into the soul and every painting is the result of an emotion which is then projected through matter and colour.

Colour is a powerful vehicle capable of making the soul vibrate. Your red would be as nothing if it weren’t also for your white and black. You say that you seek to achieve fullness through contrasts. You try to be free, but I detect a certain limitation to your painting: you are unable to hold out against representation and form, which you say you wish to free yourself from in the name of a greater freedom. Do you believe it is possible to renounce an imitation of nature, to turn your back on forms of reference and classicality, in order to open oneself fully to the nondifferentiated, to paint that emotion awoken by the mysterious relationship existing between oneself and the painting?

Red is the external expression of my being, it is the representation of contrast par excellence – passion, movement, combining with white while entering into discourse with the fragile nature of paper. Paper can be easily shaped and black covers the canvas in the same way that night opens onto day. In the colours, I project everything that I have seen and accumulated along the way; it is a process of personal growth and development, the identification of oneself and the act of opening oneself to the world. But before and after colours there is light and shade, and these have no form.

So, you’re looking for the great light and the great shade, and in your ongoing transformation of forms you are accompanied by the need to represent beings which live, love, suffer, feel. Why then do you persist in returning to a form which remains so imbued with tradition, classicism and figuration?

I am aware of the contradictions in my work, and that is why I continue in my search for the transcendent function in the dynamic movement of opposites. Painting for me is a process of alchemy, and everything has to start somewhere. I experience the painting as both a destination and a point of departure, where elements and forms allow me to identify and acknowledge whatever it is I am searching for.

At what age do you think we are best equipped to observe light? Do you think a time will come when we are no longer afraid of the dark? Light gives of itself freely, never holding back, yet at the same time, wherever I go, I tremble as I look around me, aware of the enormous effort light exerts in manifesting itself.

Painting for me, in its highest form, represents the challenge for humankind. I paint because, in my innermost being, I experience it as a form of purification. And it is at night, during the act of creation itself, that I cleanse my soul. Night is a time for getting in contact with our innermost selves, a time for sacredness and silence.

Is painting an act of life, then, for you?

Yes, absolutely.

The time of darkness. Listening to and learning from silence implies letting oneself go into a realm which only reveals itself to those who search for it. It seems to me that nowadays, humankind has turned its back on silence. And yet nature grows and moves in silence, which seems to me a great teaching.

Silence is meditation, rightness, the capacity for introspection and reflection. Silence is a necessary requisite for absorbing, assessing, meditating. But in some circumstances, silence also implies an inability to answer back, to contradict, to be receptive to dialogue. Before speaking, we should know what it is we want to say. And silence comes into contact with knowledge in terms of its intrinsic willingness to learn. Silence is strength or, better still, the achievement of strength.

Stronger is he who makes silence his strength and weapon.

“Now the Sirens have a still more fatal weapon than their song, namely their silence. And though admittedly such a thing has never happened, still it is conceivable that someone might possibly have escaped from their singing; but from their silence certainly never. Against the feeling of having triumphed over them by one’s own strength, and the consequent exaltation that bears down everything before it, no earthly powers could have remained intact.” Franz Kafka, The Silence of the Sirens, 1917.

Silence and tolerance, not weakness, and only the strong can be tolerant as this also requires the ability to understand and accept; to live and not cede.

Nowadays, do you believe that contemporaneity lies in silence or in words?

I believe we will need more silence. Painting demands silence. For this reason, night time is my time.

When you stand before a canvas, what do you see? You have led me to understand that, for you, silence is the true temple of the soul, secret time. You observe it, you see it. Yet it is no easy task portraying something of the magnitude of silence. And so I have the feeling that, in your paintings you are hiding something, keeping secrets.

When I stand in front of one my works, it generates within me the same emotions which initially motivated the painting. These sensations resonate again through my body, crystalizing in forms and painting. When I paint, I am aware of the relationship between myself and everything else around me, and it is for this reason that I include some hidden details.

Are these details visible or invisible?

Some are visible, others not.

Now, your relationship with the feminine. The presence of woman in your paintings plays a predominant role. (laughs) My relationship with the feminine is one of love and hate. I am fascinated by the feminine world; womanhood represents strength, honesty, purity. But, in terms of my own experience, I have always feared the type of relationships which are underpinned by dependency and abuse. I have always feared the need to get tied down; I am wary of anyone trying to curtail another person’s freedom. Yet at the same time I acknowledge that, at times, man can be weak.

Possibly owing to an age-old inferiority complex he has towards woman, since womanhood is also motherhood and the source of all life. It is as though man were unable to recompose that single unit that each of us has within but which, symbolically, was lost at our fall from Eden and expulsion from earthly paradise. But while woman by virtue of her nature is able to heal this fissure, man on the other hand encounters more difficulties in relating to the world around him.

In your opinion, what is beauty?

Beauty is eyes.

You have painted very few eyes in your work.

Eyes are the window of the soul and, for that reason, they are difficult to define.

What does it mean to be contemporary? And what, being contemporary, are we accountable for?

Being contemporary implies seeking to understand the way the world is evolving and keeping one step ahead of it. Keeping ahead of time, going beyond the static perception we have of the present.

Someone who is contemporary looks to the future and likewise, art also has to be envisaged in the same way. Art must launch a bridge, expressing the complexity of the world using simple, direct language – something which is not always easy. Which is why we run the risk of closing in on ourselves, communicating only with ourselves or a select few.

The philosopher Giorgio Agamben claims that to be contemporary, one must be of one’s time yet simultaneously not coincide with it perfectly. It may be this anachronism, this ability to distance oneself from time, to be open to the future, which allows one to interpret the present moment in a slightly different key. Personally, this is where I believe we need to engage our efforts, this is what I believe we need to be held accountable for. Whoever is able to perceive the darkness, not only the light, in his own time, is truly contemporary – Agamben claims in another definition of contemporaneity. Now, if you say that art is a means to heal the soul and its time, it only follows that I should ask you what you believe it needs to be healed from. (silence) That’s a good question, the most difficult. (silence) In Letters to a Young Poet, young Kappus turns to Reiner Maria Rilke, between 1903 and 1908, asking his opinion on some of his verses. “Most happenings are beyond expression; they exist where a word never intruded. Even more inexpressible are works of art; mysterious entities they are, whose lives, compared to our fleeting ones, endure.” In this correspondence, it is clear that for Rilke, writing is an act of life, of listening and of necessity. I would therefore like to ask you, Elio, if you believe that painting responds to parameters of pure necessity, an absolute demand capable of mutating and guiding an entire life.

Painting for me is breathing, it is renewal, it is death and rebirth, it is the ouroboros, it is the cleansing of the soul, it is continual study, it is alchemy!

Intervista di Francesca Carol Rolla (Independent Curator of Contemporary Art, Ecole Doctorale des Humanités, Université de Strasbourg)

onirikon

ATANOR 2012. Tecnica mista su tela. 50x50cm.

IL FILO DI ARIANNA 2012. Olio su tela, tecnica mista. 50x100cm.

NATURA MORTA 2014. Olio su tela. 100x100cm.

AUTUNNO 2015. Olio su tela, tecnica mista. 50x100cm.

APOCALISSE 2013. Olio su tela. 80x120cm.

SOGNO DI UNA NOTTE DI MEZZA ESTATE 2014. Olio su tela, tecnica mista. 180x120cm.

EBOLA 2016. Olio su tela, tecnica mista. 120x120cm.

STUPRO 2016. Olio su tela, tecnica mista. 150x50cm.

NON NOBIS DOMINE 2009. Olio su legno, tecnica mista. 83x63cm.

EVOLUZIONI AMOROSE 2013. Olio su tela, tecnica mista. 50x150cm.

FECONDAZIONE 2010. Acrilico e olio su legno, tecnica mista. 80x60cm.

GIOCHI DI CORPI 2016. Olio su tela grezza. 100x200cm.

AMORI VELATI 2012. Olio su tela, tecnica mista. 150x50cm.

IL TEATRO DELLA VITA 2015. Olio su tela, tecnica mista. 300x100cm.

LACRIME D’ARLECCHINO 2010. Acrilico su legno, tecnica mista. 55x65cm.

ABORTO 2013. Olio su tela, tecnica mista. 150x300cm.

PIRAMIDE SILENZIOSA 2011. Olio su tela, tecnica mista. 50x300cm.

PROIEZIONI 2008. Olio su tela. 50x40cm.

RISVEGLI 2015. Olio su tela, tecnica mista. 80x40cm.

SOGNANDO TANGO 2014. Olio su tela, tecnica mista. 100x100cm.

DANZA DI NUDI 2012. Olio e acrilico su tela. 150x50cm.

CAVALIERE ERRANTE IN CERCA DI PUREZZA 2011. Olio su tela, tecnica mista. 40x30cm.

TRADIMENTO 2010. Acrilico su legno. 50x40cm.

TRANS-GRESSION 2014. Olio su tela. 100x150cm.

WAITING FORRESTER 2012. Olio su tela. 50x60cm.

VITRIOL 2010. Olio su legno, tecnica mista. 80x60cm.

REVOLUCIÃ’N 2016. Olio su tela. 150x100cm.

MAE DE SANTOS - MACUMBEIRA 2013. Olio su tela. 120x80cm.

NUDI IN UN Â INTERNO 2016. Acrilico su tela. 100x120cm.

Casa Romana. Spoleto

Elio Casalino, di origini napoletane, si avvicina alla pittura in giovanissima età, ricer-

cando nel colore delle avanguardie storiche le forme e i contenuti dell’espressione figu-

rativa. Assorbito dallo studio e dalla carriera professionale, si discosta per anni dall’eser-

cizio pratico ma resta sensibile e adiacente ai mondi culturali, amando e confrontandosi con la molteplicità linguistica, in particola-

re la musica jazz e la pittura, la fotografia e l’architettura. Ritrova la pratica pittorica durante gli anni Novanta, quando l’esigen-

za interiore torna a farsi sentire, quando la pittura si trasforma in una rivelazione quoti-

diana, metodica, catartica. Da quel momento

inizia a dipingere le molteplici espressioni dell’animo umano, raccontando le emozioni, le paure, le sensazioni, le riflessioni, i ricordi e i sentimenti radicali che da sempre sen-

te come una spinta necessaria e liberatoria.

Elio Casalino vive e lavora a Roma, dove svolge la sua professione di notaio.

SINDACO Fabrizio Cardarelli

ASSESSORE ALLA CULTURA E TURISMO Gianni Quaranta DIRIGENTE Stefania Nichinonni FUNZIONARIO RESPONSABILE Anna Rita Cosso

ESPERTO TECNICO BENI CULTURALI Maurizio Lupidi

STORICA DELL’ARTE Cinzia Rutili

PALAZZO COLLICOLA ARTI VISIVE DIRETTORE ARTISTICO Gianluca Marziani COMUNICAZIONE VISIVA E GRAFICA Emanuele Marziani ALLESTIMENTI Maurizio Lupidi Furio Profili Ezio Mattioli UFFICIO STAMPA Comune di Spoleto VISITE GUIDATE, SERVIZI DIDATTICI, CUSTODIA Sistema Museo FOTOGRAFIE Emanuela Duranti

www.eliocasalino.it

catalogo www.dogma01.it