Panera Notebook#3

centre d’art la panera novembre 2012

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#03

ÍNDEX

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ENTREVISTA

Martí Guixé

ARTISTES DE LA COL·LECCIÓ

7 Notes sobre la col·lecció 11 Les portes de Lleida, de Francesc Ruiz,

a la col·lecció de la Panera SERVEIS EDUCATIUS

14 Art i hospitals

CENTRE DE DOCUMENTACIÓ

20 Crema aquest text o llegeix-lo ART MÒBIL

26 Marina Núñez, Worlds inside (2012) AGENDA

28 Exposicions 29 Activitats SUGGERIMENTS

30 «Els Immutables» 31 Jorge Conde, «Qualsevol Lloc És un

Altre Lloc» 33 «2 Galeristes, 299 Artistes...»

Un projecte de ferranElOtro

propera Biennal de Venècia

35 Lara Almarcegui Representarà Espanya en la 35 Louise Bourgeois, «HONNI soit QUI

mal y pense» 2

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Martí Guixé

Martí Guixé. «Zoo de Cartró». Espai miniPanera. De l’1 de juliol al 25 de novembre de 2012. Fotografia: Jordi V. Pou.

Irma Secanell | Aquest estiu, al Centre d’Art la Panera s’hi ha pogut veure la mostra titulada «Zoo de Cartró», de Martí Guixé. En aquesta mostra, unes maquetes d’animals salvatges omplien l’espai miniPanera. Com sorgeix la idea de crear aquestes figures? Han estat pensades perquè els espectadors hi juguin i hi interactuïn?

Sí, són elements que inicialment s’han de construir seguint unes instruccions, i després serveixen com a base per jugar. Aquest joc pot consistir en diferents activitats: pintar els animals o manipular-los —es tracta de peces que són consumibles; això vol dir que no estan pensades per durar en el temps i que es fan malbé manipulant-les.

En principi, tot surt del fet que existeix un estàndard de joguina de cartró, que consisteix en una casa amb la qual el nen pot jugar i que també pot pintar. Jo vaig pensar que la casa com a element es refereix a la família; per tant, és un element molt conservador.

Vaig intentar buscar quina seria la versió contemporània de l’objecte. Al final, vaig creure que la balena és un element molt més ric i més complex pel que fa a referències, que són tant religioses com del món de la ficció o també de l’ecologia. Per tant, vaig decidir fer aquesta balena de nou metres de llarg, que té una boca que s’obre i es tanca, i dins la qual el nen pot entrar. A partir d’aquesta figura van sortir els altres animals.

El joc és deformació de les substàncies i dels objectes; és imitació, representació i alteració. La crida que fas a la participació activa de l’espectador, per tal que modifiqui i intervingui en les teves peces, quin objectiu té?

Jo penso que és una forma d’apropiació, i al mateix temps intenta estar en el mateix nivell que els mitjans digitals, en què la interacció és el punt clau.

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- entrevista -

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El material emprat per crear aquestes figures o maquetes gegants ha estat el cartró. Com que és un material de baix cost, reciclable i fàcilment manejable, atansa la idea de joc als espectadors. Com treballes aquest lligam entre utilitat i joc que caracteritza els teus dissenys?

Sí, en el context de les joguines no és gaire habitual, però jo penso que està bé que una joguina tingui un període de caducitat, ja que forma part d’una certa lògica: les joguines estan destinades a cobrir una part temporal, i després, a mesura que el nen creix intel·lectualment, perden el seu interès funcional. Així doncs, en la seva pròpia funció, la joguina ja és per se un consumible.

Altres creacions, com My first office, Autoband o Football tape, són objectes quotidians i útils, però que alhora poden propiciar el joc i la interacció. Per què aquest interès constant de subvertir les funcions habituals dels objectes?

Interacció és un dels tòpics rellevants de la meva feina. Penso que forma part d’una complicitat que es pot establir amb l’objecte, d’una apropiació d’aquest objecte, i també de la idea de l’objecte com a eina, que d’alguna manera deriva d’allò que seria el web 2.0, i que en un moment jo vaig anomenar design 2.0.

«El joguet és la primera iniciació del mateix nen o nena a l’art, o més aviat la seva primera realització; i arribada la maduresa, les realitzacions perfeccionades no aportaran al seu esperit ni el mateix caliu, ni el mateix entusiasme, ni la mateixa fe» (Charles Baudelaire). D’acord amb la citació de Baudelaire, entens els teus treballs com aquest pas intermedi entre la joguina i l’art?

La balena, per exemple, m’agrada molt perquè normalment, en tots els workshops per a nens, fan una cosa ells mateixos, molt concentrats en el seu ego, mentre que, en construir la balena, com que és tan gran, els obliga a treballar en equip, a seguir uns protocols i a entendre, d’aquesta manera, els principis més bàsics del que seria el concepte de política. És per això, doncs, que per mi és una peça molt interessant, pel que aporta de percepció del que és la funció d’una joguina.

Amb els teus treballs, les fronteres entre disseny i joc es dissolen, i ens acosten a una manera diferent d’entendre la cultura actual de consum. Com entens aquest canvi? Es presenta com una necessitat en les societats actuals? Com preveus que els teus treballs modifiquin la manera actual d’entendre el valor, o no-valor, dels objectes?

Jo entenc l’objecte com un element que té, a part de la funció, un valor emocional, que configura una relació, i més encara ara que moltes de les nostres activitats estan vinculades a un context virtual.

No estic tan vinculat als objectes en la meva feina, i durant un període fins i tot vaig estar lluitant per fer-los desaparèixer, sense èxit.

Quant a les publicacions, has realitzat llibres que se situen entre els llibres d’artista, els objectes de disseny, els llibres de cuina i el joc. A partir d’aquest tipus d’edicions, planteges una forma diferent d’interactuar i utilitzar els objectes domèstics? És una constant en el teu treball?

Sí, intento que les coses siguin més contemporànies, més complexes. Intento evadir la inèrcia que fa que tantes coses noves siguin només un reestailing formal d’una cosa que existeix des de sempre.

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Football_tape, 2012. Fotografia: Inga Knölke.

Irma Secanell | Este verano, en el Centre d’Art la Panera se ha podido ver la muestra titulada «Zoo de Cartón», de Martí Guixé. En ella, unas maquetas de animales salvajes llenaban el espacio miniPanera. ¿Cómo surge la idea de crear estas figuras? ¿Han sido pensadas para que los espectadores jueguen e interactúen con ellas?

Sí, son elementos que inicialmente se tienen que construir siguiendo unas instrucciones, y después sirven como base para jugar. Este juego puede consistir en diferentes actividades: pintar los animales o manipularlos —se trata de piezas que son consumibles, lo que quiere decir que no están pensadas para durar en el tiempo y que se estropean manipulándolas—.

En principio, todo surge del hecho de que existe un estándar de juguete de cartón, que consiste en una casa con la que el niño puede jugar y que también puede pintar.

Yo pensé que la casa como elemento se refiere a la familia; por lo tanto, es un elemento muy conservador. Intenté buscar cuál sería la versión contemporánea del objeto. Al final, creí que la ballena es un elemento mucho más rico y más complejo con respecto a referencias, que son tanto religiosas como del mundo de la ficción o también de la ecología.

Por lo tanto, decidí hacer esta ballena de nueve metros de largo, que tiene una boca que se abre y se cierra, y en cuyo interior el niño puede entrar. A partir de esta figura surgieron los otros animales.

El juego es deformación de las sustancias y de los objetos; es imitación, representación y alteración. ¿El llamamiento que haces a la participación activa del espectador, para que modifique e intervenga en tus piezas, qué objetivo tiene?

Yo pienso que es una forma de apropiación, y al mismo tiempo intenta estar en el mismo nivel que los medios digitales, en los que la interacción es el punto clave.

El material utilizado para crear estas figuras o maquetas gigantes ha sido el cartón. Como es un material de bajo coste, reciclable y fácilmente manejable, acerca la idea de juego a los espectadores. ¿Cómo trabajas este vínculo entre utilidad y juego que caracteriza tus diseños?

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Sí, en el contexto de los juguetes no es muy habitual, pero yo pienso que está bien que un juguete tenga un periodo de caducidad, ya que forma parte de una cierta lógica: los juguetes están destinados a cubrir una parte temporal, y después, a medida que el niño crece intelectualmente, pierden su interés funcional. Así, pues, en su propia función, el juguete ya es per se un consumible.

Otras creaciones, como My first office, Autoband o Football tape, son objetos cotidianos y útiles, pero que al mismo tiempo pueden propiciar el juego y la interacción. ¿Por qué este interés constante de subvertir las funciones habituales de los objetos?

Interacción es uno de los tópicos relevantes de mi trabajo. Pienso que forma parte de una complicidad que se puede establecer con el objeto, de una apropiación de este objeto, y también de la idea del objeto como herramienta, que de alguna forma deriva de lo que sería la web 2.0, y que en un momento yo llamé design 2.0.

«El juguete es la primera iniciación del propio niño o niña al arte, o más bien su primera realización; y llegada la madurez, las realizaciones perfeccionadas no aportarán a su espíritu ni el mismo calor, ni el mismo entusiasmo, ni la misma fe» (Charles Baudelaire). De acuerdo con la citación de Baudelaire, ¿entiendes tus trabajos como este paso intermedio entre el juguete y el arte?

La ballena, por ejemplo, me gusta mucho porque normalmente, en todos los workshops para niños, hacen una cosa ellos mismos, muy concentrados en su ego, mientras que, al construir la ballena, como es tan grande, los obliga a trabajar en equipo, a seguir unos protocolos y a entender, de esta forma, los principios más básicos de lo que sería el concepto de política. Es por eso, pues, que para mí es una pieza muy interesante, por lo que aporta de percepción de lo que sería la función de un juguete.

Con tus trabajos, las fronteras entre diseño y juego se disuelven, y nos acercan a una manera distinta de entender la cultura actual de consumo. ¿Cómo entiendes este cambio? ¿Se presenta como una necesidad en las sociedades actuales? ¿Cómo prevés que tus trabajos modifiquen la manera actual de entender el valor, o no valor, de los objetos?

Yo entiendo el objeto como un elemento que tiene, aparte de la función, un valor emocional, que configura una relación, y aún más ahora que muchas de nuestras actividades están vinculadas a un contexto virtual.

No estoy tan vinculado a los objetos en mi trabajo, y durante un periodo incluso estuve luchando por hacerlos desaparecer, sin éxito.

En cuanto a las publicaciones, has realizado libros que se sitúan entre los libros de artista, los objetos de diseño, los libros de cocina y el juego. ¿A partir de este tipo de ediciones, planteas una forma distinta de interactuar y utilizar los objetos domésticos? ¿Es una constante en tu trabajo?

Sí, intento que las cosas sean más contemporáneas, más complejas. Intento evadir la inercia que hace que tantas cosas nuevas sean solo un reestailing formal de una cosa que existe desde siempre.

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Notes sobre la col·lecció Glòria Picazo | La particularitat de la col·lecció que s’ha anat reunint a Lleida des del 1997, amb l’organització de les diferents edicions de la Biennal d’Art Leandre Cristòfol, és una cosa tan senzilla i òbvia com el fet d’haver-se mantingut fidel a uns principis bàsics establerts en la primera edició. No deixa de ser curiós que una qualitat com la constància, que hauria de ser inherent a molts dels nostres actes, esdevingui particularitat i rellevància. Sens dubte, això ens aboca a pensar que la inconstància i els canvis sobtats de polítiques artístiques, sovint motivats per interessos polítics, estan a l’ordre del dia. Allà on un dia uns van pensar un centre d’art, ara uns altres hi fan una fàbrica de producció; allà on havíem de prendre decisions, ara hi encarreguem nous plans i estratègies d’actuació de llarguíssima durada… Davant de la situació actual de dubtes i incerteses, el que és cert és que la «constància» i la «persistència» en els projectes aviat seran uns béns rars i molt preuats.

Centre de Documentació de la Panera. Fotografia: Jordi V. Pou.

I potser també és aquesta mateixa tenacitat en la defensa d’un projecte patrimonial, que té com a fita principal la d’anar configurant una col·lecció d’artistes catalans i de la resta de l’Estat espanyol sorgits a partir de la dècada dels noranta, la que ha motivat que darrerament la col·lecció hagi crescut amb donacions fetes pels mateixos artistes. Però el motiu no només ha estat la fidelitat a un projecte, que en un principi era una col·lecció i el desig d’un futur centre d’art contemporani, sinó, d’una banda, la consolidació del projecte del centre d’art amb els nou anys de funcionament que ja porta la Panera, i, de l’altra, la singularitat d’un projecte de patrimoni contemporani, que malauradament a Catalunya encara és un tema molt desatès per part de les administracions públiques. Les recents donacions de Francesc Abad, Francesc Ruiz, Txuspo Poyo i Xoan Anleo a la col· lecció del Centre d’Art la Panera són, sens dubte, una ajuda molt important i d’un valor inestimable pel que signifiquen de suport al centre, al seu equip i a la seva trajectòria. Es tracta d’unes donacions que també han anat acompanyades de l’oferiment d’un important fons bibliogràfic per part de la Galeria Estrany – de la Mota, que s’està incorporant al fons del Centre de Documentació de la Panera.

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- artistes de la col·lecció -

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La presentació que el grup curatorial RMS, La Asociación va fer a principis d’aquest any sobre la col·lecció va marcar un punt d’inflexió en les lectures sobre la col·lecció que hem anat presentant des que el centre va obrir les seves portes. La seva proposta, precisa i rigorosa com a punt de partida, ja que sistematitza any per any tota la col·lecció, la qual cosa posa de manifest l’arc temporal de vint anys que abraça, quedava curiosament contrariada amb les constel·lacions de referències, tant culturals com econòmiques, polítiques o sociològiques, que acompanyaven cada obra. Com ells mateixos assenyalaven, «una col·lecció és una narració construïda en el temps, un conjunt d’obres la intencionalitat de les quals es defineix per la seva constitució, amb la progressiva incorporació d’obres i les seves derivacions». I si la seva proposta va oferir-nos una determinada lectura sobre la col·lecció, en el futur altres propostes podran mostrar-nos discursos diferents i noves narracions, perquè aquest és un dels principals objectius d’una col·lecció actual d’art contemporani. El discurs sistemàtic a partir de tendències artístiques i d’estrictes cronologies que abans emparava les col·leccions, avui en dia ha quedat tan obsolet que els avantatges que hem adquirit amb aquests trencaments de condicionants ens han permès que una col·lecció d’art contemporani sigui un camp obert, un context a partir del qual repensar el nostre món, o, per emprar de nou paraules d’RMS, un context expositiu vist com «una unió de coses que s’entrellacen i s’entreteixeixen», sempre obert a noves revisions.

Recentment, el director del Museo Reina Sofía de Madrid, Manuel Borja-Villel, en parlar de les darreres presentacions de les col·leccions d’aquest museu advocava a favor de canviar la narració lineal i unívoca a la qual ens tenien acostumats els museus per una altra de plural i rizomàtica. Per aquest motiu «pensem en una col·lecció en la qual s’estableixin múltiples formes de relació que qüestionin les nostres estructures mentals i jeràrquiques establertes. Propugnem una identitat relacional que no és única ni atàvica, sinó d’arrel múltiple». Aquesta multiplicitat de possibles mirades i en conseqüència de possibles lectures té com a fil conductor el de la creativitat. I hem d’entendre la creativitat com una eina de presentació de les col·leccions, però també com un recurs que l’espectador hauria d’aplicar pel que fa a la recepció dels múltiples missatges que generen les obres d’art i, per extensió, les exposicions, enteses aquestes com a contextos també creatius.

«Contextos en Desús. Estratègies per Habitar l’Espai de l’Altre». Del 26 de gener al 15 d’abril de 2012.

Fotografia: Jordi V. Pou.

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- artistes de la col·lecció -

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Xoan Anleo. «Realitat Inversa». Del 8 de maig al 24 de juny de 2012. Centre de Documentació. Fotografia: Jordi V. Pou.

Notas sobre la colección Glòria Picazo | La particularidad de la colección que se ha ido reuniendo en Lleida desde 1997, con la organización de las diferentes ediciones de la Biennal d’Art Leandre Cristòfol, es una cosa tan sencilla y obvia como el hecho de haberse mantenido fiel a unos principios básicos establecidos en la primera edición. No deja de ser curioso que una cualidad como la constancia, que tendría que ser inherente a muchos de nuestros actos, se convierta en particularidad y relevancia. Sin duda, esto nos lleva a pensar que la inconstancia y los cambios repentinos de políticas artísticas, a menudo motivados por intereses políticos, están a la orden del día. Allí donde un día unos pensaron un centro de arte, ahora otros hacen una fábrica de producción; allí donde teníamos que tomar decisiones, ahora encargamos nuevos planes y estrategias de larguísima duración… Ante la situación actual de dudas e incertidumbres, lo cierto es que la «constancia» y la «persistencia» en los proyectos pronto serán unos bienes raros y muy preciados.

Y quizás también es este mismo tesón en la defensa de un proyecto patrimonial, que tiene como hito principal el de ir configurando una colección de artistas catalanes y del resto del Estado español surgidos a partir de la década de los noventa, lo que ha motivado que últimamente la colección haya crecido con donaciones hechas por los propios artistas. Pero el motivo no solo ha sido la fidelidad a un proyecto, que en un principio era una colección y el deseo de un futuro centro de arte contemporáneo, sino, por un lado, la consolidación del proyecto del centro de arte con los nueve años de funcionamiento que ya lleva la Panera, y, por el otro, la singularidad de un proyecto de patrimonio contemporáneo, que desgraciadamente en Cataluña todavía es un tema muy desatendido por parte de las administraciones públicas. Las recientes donaciones de Francesc Abad, Francesc Ruiz, Txuspo Poyo y Xoan Anleo a la colección del Centre d’Art la Panera son, sin duda, una ayuda muy importante y de un valor inestimable por lo que significan de apoyo al centro, a su equipo y a su trayectoria. Se trata de unas donaciones que también han ido acompañadas del ofrecimiento de un importante fondo bibliográfico por parte de la Galeria Estrany – de la Mota, que se está incorporando al fondo del Centro de Documentación de la Panera.

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La presentación que el grupo curatorial RMS, La Asociación hizo al principio de este año sobre la colección marcó un punto de inflexión en las lecturas sobre la colección que hemos ido presentando desde que el centro abrió sus puertas.

Su propuesta, precisa y rigurosa como punto de partida, al sistematizar año por año toda la colección, poniendo de manifiesto el arco temporal de veinte años que comprende, quedaba curiosamente contrariada con las constelaciones de referencias, tanto culturales como económicas, políticas o sociológicas, que acompañaban cada obra. Como ellos mismos señalaban, «una colección es una narración construiTxuspo Poyo. 24-12-2006, 2006. da con el tiempo, un conjunto de obras cuya intencionalidad se define por su constitución, con la progresiva incorporación de obras y sus derivaciones». I si su propuesta nos ofreció una determinada lectura sobre la colección, en el futuro otras propuestas podrán mostrarnos discursos distintos y nuevas narraciones, porque este es uno de los principales objetivos de una colección actual de arte contemporáneo. El discurso sistemático a partir de tendencias artísticas y de estrictas cronologías que antes amparaba las colecciones, hoy en día ha quedado tan obsoleto que las ventajas que hemos adquirido con estas roturas de condicionantes nos han permitido que una colección de arte contemporáneo sea un campo abierto, un contexto a partir del cual repensar nuestro mundo, o, utilizando de nuevo palabras de RMS, un contexto expositivo visto como «una unión de cosas que se entrelazan y se entretejen», siempre abierto a nuevas revisiones.

Recientemente, el director del Museo Reina Sofía de Madrid, Manuel Borja-Villel, al hablar de las últimas presentaciones de las colecciones de este museo abogaba por cambiar la narración lineal y unívoca a la que nos tenían acostumbrados los museos por otra plural y rizomática. Por este motivo «pensamos en una colección en la que se establezcan múltiples formas de relación que cuestionen nuestras estructuras mentales y jerárquicas establecidas. Propugnamos una identidad relacional que no es única ni atávica, sino de raíz múltiple». Esta multiplicidad de posibles miradas y en consecuencia de posibles lecturas tiene como hilo conductor el de la creatividad. I tenemos que entender la creatividad como una herramienta de presentación de las colecciones, pero también como un recurso que el espectador tendría que aplicar con respecto a la recepción de los múltiples mensajes que generan las obras de arte y, por extensión, las exposiciones, entendidas estas como contextos también creativos.

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Les portes de Lleida, de Francesc Ruiz, a la col·lecció de la Panera Antoni Jové | Aquest any l’artista Francesc Ruiz i la Galeria Estrany – de la Mota (Barcelona) han fet donació al Centre d’Art la Panera de la instal·lació Les portes de Lleida (2009). Aquesta nova incorporació amplia la col·lecció del centre, que ja compta amb dues obres més d’aquest artista (Zona alta i Up & down, ambdues del 2006), a més a més dels llibres i les publicacions especials que ha realitzat en els darrers anys. Aquesta és la tercera donació que rebem aquest any —Francesc Abad ha donat quatre obres, i Xoan Anleo, una—, i podem dir que són autèntics gestos de suport per part del sector artístic a la Panera, uns gestos que agraïm afectuosament en un moment de crisi estructural en el terreny econòmic, polític i cultural.

Centrant-nos en el treball de Francesc Ruiz (Barcelona, 1971), observem que es fonamenta en el dibuix i el llenguatge del còmic per tal de construir narratives que, malgrat que parteixen d’una realitat cognoscible i identificable, acaben suggerint noves vies de lectura i d’interpretació del tema abordat. En molts casos, aquestes narratives presenten un fort arrelament en el context del qual sorgeixen gràcies a la tasca de flâneur de l’artista, de caminant curiós que cerca perdre’s per la trama de les ciutats on treballa.

Alhora, les seves obres i instal·lacions es despleguen en l’espai, tensen i trenquen formats

Fotografia: Jordi V. Pou.

preestablerts, i creen, així, el que s’ha anomenat còmics expandits. Tal com comenta el mateix artista, «repassant la meva trajectòria, preferiria dir que, més que en el dibuix, m’he centrat en els vincles existents entre el còmic, les persones i les ciutats. I tot això ho he fet sempre amb la voluntat de comentar el context on es mostrava l’obra, per tal d’evidenciar diferents capes de realitat. Escullo el còmic d’una manera natural. […] a mitjan anys noranta començo a fer estructures escultòriques que acaben convertint-se en maquetes d’edificis que amb el temps acaben convertint-se en còmics amb forma d’edifici. A partir d’aquest moment, començo a desenvolupar d’una manera molt conscient els vincles entre còmic, ciutat, persones i realitat, i desenvolupo mecanismes de visió i formats que em permeten mostrar, segons el context, un tipus de tècnica o un altre».1 En el cas de Les portes de Lleida, ens trobem amb una instal·lació concebuda específicament per a l’exposició individual «Big Bang», que va acollir la Panera (del 6 de maig al 1. Traducció a partir de l’article «Entrevista al artista Francesc Ruiz con motivo de su exposición en la Panera», de la revista número 7 de l’Asociación Aragonesa de Críticos de Arte, secció «Panorama de Arte | Entrevistas» (http://www.aacadigital.com/contenido. php?idarticulo=207).

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30 d’agost de 2009), i que va incorporar noves produccions de l’artista. Aquesta obra respon a l’autoexigència de Francesc Ruiz d’incorporar en el procés i en el resultat creatiu el context social, cultural, econòmic, relacional… de la institució o la ciutat que acull els seus projectes. La disposició d’aquesta instal·lació està inspirada en els expositors que habitualment es fan servir en les llibreries especialitzades en còmics: una gran taula allargada amb capses a banda i banda que ens mostren, a l’interior, 6.000 revistes. Totes tenen a la seva portada diferents portes d’edificis de la ciutat de Lleida, amb rètols comercials, anuncis i grafits. Aquestes «portades–portes», una vegada n’hem passat el llindar, ens condueixen a l’interior d’habitatges de Lleida extrets dels webs de venda i lloguer de cases. La instal·lació ens permet la interacció de cada espectador, que pot escollir la seva deriva particular per la ciutat, saltant d’una casa a una altra i penetrant en la intimitat domèstica. L’obra en conjunt es podria definir com una maqueta plegada de ciutat, una ciutat que, com la resta d’Espanya, el 2009 encara no preveia l’esfondrament del sector immobiliari i encara menys divisava la gran crisi sistèmica que ara ens afecta. Així, doncs, ens trobem amb un retrat d’un temps i un espai que ara ben segur que han canviat; allà on hi havia desenes d’immobiliàries, ara possiblement hi ha sospitoses botigues de compra i venda d’or, o simplement locals comercials completament buits.

Amb aquesta incorporació, el fons de la Panera es veu enriquit per una obra que analitza i recrea l’urbanisme i l’economia d’un període concret de la ciutat de Lleida, i que, com tot bon treball, guanya cada cop més vigència i aporta noves lectures amb el pas del temps.

Fotografia: Jordi V. Pou.

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Les portes de Lleida, de Francesc Ruiz, en la colección de la Panera Antoni Jové | Este año el artista Francesc Ruiz y la Galeria Estrany – de la Mota (Barcelona) han hecho donación al Centre d’Art la Panera de la instalación Les portes de Lleida (2009). Esta nueva incorporación amplía la colección del centro, que ya cuenta con dos obras más de este artista (Zona alta y Up & down, ambas de 2006), además de los libros y las publicaciones especiales que ha realizado en los últimos años. Esta es la tercera donación que recibimos este año —Francesc Abad ha dado cuatro obras, y Xoan Anleo, una—, y podemos decir que son auténticos gestos de apoyo por parte del sector artístico a la Panera, unos gestos que agradecemos afectuosamente en un momento de crisis estructural en el terreno económico, político y cultural.

Centrándonos en el trabajo de Francesc Ruiz (Barcelona, 1971), observamos que se fundamenta en el dibujo y el lenguaje del cómic con el fin de construir narrativas que, aunque parten de una realidad conocible e identificable, acaban sugiriendo nuevas vías de lectura y de interpretación del tema abordado. En muchos casos, estas narrativas presentan un fuerte arraigo en el contexto del que surgen gracias a la tarea de flâneur del artista, de caminante curioso que busca perderse por la trama de las ciudades donde trabaja. A la vez, sus obras e instalaciones se despliegan en el espacio, y tensan y rompen formatos preestablecidos, creando lo que se ha llamado cómics expandidos. Tal como comenta el propio artista, «repasando mi trayectoria, preferiría decir que, más que en el dibujo, me he centrado en los vínculos existentes entre el cómic, las personas y las ciudades. Y todo esto lo he hecho siempre con la voluntad de comentar el contexto donde se mostraba la obra para evidenciar diferentes capas de realidad. Escojo el cómic de una manera natural. […] A mediados de los años noventa empiezo a hacer estructuras escultóricas que acaban convirtiéndose en maquetas de edificios que con el tiempo acaban convirtiéndose en cómics con forma de edificio. A partir de este momento, empiezo a desarrollar de una manera muy consciente los vínculos entre cómic, ciudad, personas y realidad, y desarrollo mecanismos de visión y formatos que me permiten mostrar, según el contexto, un tipo u otro de técnica».1 En el caso de Les portes de Lleida, nos encontramos con una instalación concebida específicamente para la exposición individual «Big Bang», que acogió la Panera (del 6 de mayo al 30 de agosto de 2009), y que incorporó nuevas producciones del artista. Esta obra responde a la autoexigencia de Francesc Ruiz de incorporar en el proceso y en el resultado creativo el contexto social, cultural, económico, relacional… de la institución o la ciudad que acoge sus proyectos. La disposición de esta instalación está inspirada en los expositores que habitualmente se utilizan en las librerías especializadas en cómics: una gran mesa alargada con cajas en ambos lados que nos muestran, en su interior, 6.000 revistas. Todas tienen en su portada diferentes puertas de edificios de la ciudad de Lleida, con letreros comerciales, anuncios y grafitis. Estas «portadas–puertas», una vez cruzado su umbral, nos conducen al interior de viviendas de Lleida extraídas de las webs de venta y alquiler de casas. La instalación nos permite la interacción de cada espectador, que puede escoger su deriva particular por la ciudad, saltando de una casa a otra y penetrando en la intimidad doméstica. La obra en conjunto se podría definir como una maqueta plegada de ciudad, una ciudad que, como el resto de España, en 2009 todavía no preveía el hundimiento del sector inmobiliario y menos aún divisaba la gran crisis sistémica que ahora nos afecta. Así pues, nos encontramos con un retrato de un tiempo y un espacio 1. «Entrevista al artista Francesc Ruiz con motivo de su exposición en la Panera», de la revista número 7 de la Asociación Aragonesa de Críticos de Arte, sección «Panorama de Arte | Entrevistas» (http://www.aacadigital.com/contenido.php?idarticulo=207).

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que ahora, con toda seguridad, han cambiado; allí donde había decenas de inmobiliarias, ahora posiblemente hay sospechosas tiendas de compra y venta de oro, o simplemente locales comerciales completamente vacíos.

Con esta incorporación, el fondo de la Panera se ve enriquecido por una obra que analiza y recrea el urbanismo y la economía de un periodo concreto de la ciudad de Lleida, y que, como todo buen trabajo, gana cada vez más vigencia y aporta nuevas lecturas con el paso del tiempo.

Art i hospitals Roser Sanjuán | Aquest projecte de tallers s’ha dut a terme gràcies a l’ajut Projectes Culturals d’Impacte Social de «la Caixa» (2011–2012), i s’ha realitzat, en part, amb l’Hospital de Dia Infantil i Juvenil Santa Maria de Lleida i principalment amb la unitat d’escolarització compartida (UEC) de Lleida, que organitza la Fundació Formació i Valors i que col·labora estretament amb l’Hospital Santa Maria.

La convocatòria per part de l’Obra Social de «la Caixa» d’aquest tipus de projectes, sota el títol «Art per a la millora social», fa possible que entitats culturals i artístiques afavoreixin l’ús de l’art i de la cultura com a instruments d’intervenció i transformació socials.

Des del Centre d’Art la Panera apostem per la realització de tallers d’artista amb diferents col·lectius, perquè estem convençuts que l’apropament a l’art contemporani sota el guiatge dels creadors i d’una forma participativa és un esglaó clau per a la formació i la democratització de la cultura contemporània. Les pràctiques artístiques participatives exerceixen un doble creixement —individual i col·lectiu—, construeixen i desenvolupen nous públics, i enforteixen els vincles entre institucions culturals i comunitat.

L’especificitat d’aquest col·lectiu aportat per la Fundació Formació i Valors ens ha plantejat nous reptes i objectius en l’educació artística de col·lectius adolescents en risc d’exclusió. Des de l’inici d’aquest projecte es va voler que els adolescents estiguessin en contacte amb diferents creadors, per tal que els tallers els donessin a conèixer noves formes d’expressió i noves possibles sortides laborals, vinculades amb el disseny, el disseny gràfic i el llenguatge audiovisual. Així, es programaren tres tallers: Dissenyem!, a càrrec de Curro Claret; Teen sms hope, a càrrec de Juan Cardosa, i Zombies al Facebook, a càrrec d’Enric Cortés. Tots tres estaven dirigits per artistes amb una trajectòria professional consolidada.

Curro Claret. Dissenyem!

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Juan Cardosa. Teen sms hope.

Tallers Curro Claret, Dissenyem!

Aquest taller consisteix en el disseny d’objectes tenint en compte les necessitats de l’espai on es troben i a partir de conceptes com el reciclatge i de les regles d’or del disseny: funcionalitat i estètica. En la primera sessió es realitzà una presentació de l’ofici de dissenyador industrial, amb el precepte d’«imaginar coses que no existeixen, però que podem aconseguir». Així, es volgué incitar els nois i noies a pensar quines són les coses que es podien millorar de l’escola, per tal que després ells se’n poguessin beneficiar. Per estructurar la pluja d’idees es posà com a condició pensar en els espais que eren més urgents de remodelar i que a la vegada fossin els més factibles quant a materials (havien de ser reciclats) i pel que fa a la dificultat d’elaboració (havia de ser realitzable pels mateixos participants).

Juan Cardosa, Teen sms hope El taller va tenir com a objectiu fer conèixer la tipografia i la professió de dissenyador gràfic i elaborar una impremta manual, en la qual poguessin produir quelcom tan contemporani com un missatge amb el llenguatge que utilitzaríem si fos un mòbil i nosaltres fóssim adolescents. L’única condició era que els missatges havien de ser optimistes, per

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Enric Cortés. Zombies al Facebook.

tal d’intentar fer front a una situació cada cop més difícil a causa de la crisi econòmica.

Potser els nois no són tan conscients d’aquest context, però els educadors ens transmeten el seu neguit, perquè en una situació de recessió econòmica s’evidencia que aquesta sempre afecta de manera més virulenta els estaments més fràgils de la societat.

Enric Cortés, Zombies al Facebook L’objectiu fou realitzar un curtmetratge col·lectivament, tenint en compte tots els passos necessaris per dur-lo a terme: (1) guió, (2) caracterització, (3) gravació i (4) edició.

Les tasques es dividiren en diferents departaments. D’una banda, hi havia el departament de producció, que havia d’idear un curt amb les condicions de l’entorn i els mitjans que tenien a l’abast: tenir una idea, desenvolupar-la, escriure un guió, escriure uns diàlegs, fer el pla de gravació i desenvolupar les tasques de claqueta, tècnic de so i càmera.

D’altra banda, hi havia el departament artístic, que havia d’assajar les interpretacions.

També fou l’encarregat de buscar el vestuari i l’attrezzo. Un cop fet aquest procés, es començà a gravar segons el pla de producció i es muntà el vídeo.

El resultat d’aquest taller es pot visionar a: http://www.youtube.com/watch?v=PTcdTQlHhU.

Conclusions Valorem aquests tallers com una pràctica innovadora d’educació artística a les UEC, basada en l’experimentació, sota el guiatge de creadors i amb la col·laboració i supervisió de l’equip docent d’aquestes entitats.

No considerem que es tracti de pràctiques d’artteràpia, de les quals ja existeixen experiències anteriors,1 en què els procediments, els protocols i les tècniques estan estretament lligats amb els objectius terapèutics. La col·laboració amb els tècnics de l’hospital (terapeuta, infermera i professor) i amb els educadors i la psicòloga de la UEC ha fet que aquests tallers tinguessin les garanties suficients per dur a terme unes bones pràctiques, la qual cosa és totalment indispensable per a aquest tipus de projectes.

1. Eva Marxen, «Art-teràpia i adolescència: una experiència a la Unitat d’Escolarització Compartida (UEC)», http://www.evamarxen.com/ Eva-Marxen/Eva-Marxen_Articles_files/Intro_Art-terapia_i_adolescencia.pdf.

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Arte y hospitales Roser Sanjuán | Este proyecto de talleres se ha llevado a cabo gracias a la ayuda Proyectos culturales de Impacto Social de «la Caixa» (2011–2012), y se ha realizado, en parte, con el Hospital de Dia Infantil i Juvenil Santa Maria de Lleida y principalmente con la unidad de escolarización compartida (UEC) de Lleida, que organiza la Fundació Formació i Valors y que colabora estrechamente con el Hospital Santa Maria.

La convocatoria por parte de la Obra Social de «la Caixa» de este tipo de proyectos, bajo el título «Arte para la mejora social», hace posible que entidades culturales y artísticas favorezcan el uso del arte y de la cultura como instrumentos de intervención y transformación sociales.

Desde el Centre d’Art la Panera apostamos por la realización de talleres de artista con distintos colectivos, porque estamos convencidos de que el acercamiento al arte contemporáneo de la mano de los creadores y de una forma participativa es un eslabón clave para la formación y la democratización de la cultura contemporánea. Las prácticas artísticas participativas ejercen un doble crecimiento —individual y colectivo—, construyen y desarrollan nuevos públicos, y fortalecen los vínculos entre instituciones culturales y comunidad.

La especificidad de este colectivo aportado por la Fundació Formació i Valors nos ha planteado nuevos retos y objetivos en la educación artística de colectivos adolescen­tes en riesgo de exclusión. Desde el inicio de este proyecto se quiso que los adolescentes estuvieran en contacto con distintos creadores, para que los talleres les diesen a conocer nuevas formas de expresión y nuevas posibles salidas laborales, vinculadas con el diseño, el diseño gráfico y el lenguaje audiovisual. Así, se programaron tres talleres: Dissenyem!, a cargo de Curro Claret; Teen sms hope, a cargo de Juan Cardosa; y Zombies al Facebook, a cargo de Enric Cortés. Los tres estaban dirigidos por artistas con una trayectoria profesional consolidada.

Curro Claret. Dissenyem!

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Curro Claret. Dissenyem!

Talleres Curro Claret, Dissenyem!

Este taller consiste en el diseño de objetos teniendo en cuenta las necesidades del espacio donde se encuentran y a partir de conceptos como el reciclaje y de las reglas de oro del diseño: funcionalidad y estética. En la primera sesión se realizó una presentación del oficio de diseñador industrial, con el precepto de «imaginar cosas que no existen, pero que podemos conseguir». Así, se quiso incitar a los chicos y chicas a pensar cuáles son las cosas que se podían mejorar de la escuela, para que después ellos se pudieran beneficiar. Para estructurar la lluvia de ideas se puso como condición pensar en los espacios que eran más urgentes de remodelar y que a la vez fueran los más factibles en cuanto a materiales (tenían que ser reciclados) y con respecto a su dificultad de elaboración (tenía que ser realizable por los propios estudiantes).

Juan Cardosa, Teen sms hope El taller tuvo como objetivo dar a conocer la tipografía y la profesión de diseñador gráfico y elaborar una imprenta manual, en la que pudieran producir algo tan contemporáneo como un mensaje con el lenguaje que utilizaríamos si fuese un móvil y nosotros fuéramos adolescentes. La única condición era que los mensajes tenían que ser optimistas, para intentar hacer frente a una situación cada vez más difícil a causa de la crisis económica.

Quizás los chicos no son tan conscientes de este contexto, pero los educadores nos transmiten su desazón, porque en una situación de recesión económica se evidencia que esta siempre afecta de forma más virulenta a los estamentos más frágiles de la sociedad.

Enric Cortés, Zombies al Facebook El objetivo fue realizar un cortometraje colectivamente, teniendo en cuenta los pasos necesarios para llevarlo a cabo: (1) guión, (2) caracterización, (3) grabación y (4) edición.

Las tareas se dividieron en distintos departamentos. Por un lado, estaba el departamento de producción, que tenía que idear un corto con las condiciones del entorno y los medios que tenían al alcance: tener una idea, desarrollarla, escribir un guión, escribir los diálogos, hacer el plan de grabación y desarrollar las tareas de claqueta, técnico de sonido y cámara. Por otro lado, estaba el departamento artístico, que tenía que ensayar las interpretaciones. También fue el encargado de buscar el vestuario y el atrezo. Una vez hecho este proceso, se empezó a grabar según el plan de producción y se montó el vídeo.

El resultado de este taller se puede visionar en: http://www.youtube.com/watch?v= PTcd-TQlHhU. 18

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Conclusiones Valoramos estos talleres como una práctica innovadora de educación artística en las UEC, basada en la experimentación, de la mano de creadores y con la colaboración y supervisión del equipo docente de estas entidades.

No consideramos que se trate de prácticas de arte terapia, de las que ya existen experiencias anteriores,1 en las que los procedimientos, los protocolos y las técnicas están estrechamente unidos con los objetivos terapéuticos. La colaboración con los técnicos del hospital (terapeuta, enfermera y profesor) y con los educadores y la psicóloga de la UEC, ha hecho que estos talleres tuvieran las garantías suficientes para llevar a cabo unas buenas prácticas, lo cual es totalmente indispensable para este tipo de proyectos.

Juan Cardosa. Teen sms hope

Enric Cortés. Zombies al Facebook.

1. Eva Marxen, «Art-teràpia i adolescència: una experiència a la Unitat d’Escolarització Compartida (UEC)», http://www.evamarxen.com/ Eva-Marxen/Eva-Marxen_Articles_files/Intro_Art-terapia_i_adolescencia.pdf.

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Crema aquest text o llegeix-lo Txuma Sánchez | Fa alguns mesos, en aquestes mateixes pàgines i amb motiu de la primera jornada sobre edicions especials organitzada pel Centre d’Art la Panera, vaig redactar a petició del centre algunes ratlles amb referència a aquesta trobada (Panera notebook #2, juny de 2012), que va reunir durant un dia diversos professionals del sector relacionats amb el món de l’edició d’artista en el nostre context. En aquell petit text vaig intentar resumir-hi el que al meu entendre van ser algunes de les qüestions que van sobrevolar la xerrada, alhora que aprofitava l’oportunitat per deixar-hi una breu reflexió al voltant de la no sempre ben portada relació entre institució artística i iniciativa independent.

Pel que vaig poder observar durant la jornada, en la trobada s’hi expressaren, entre altres coses, alguns dubtes i no poques queixes respecte a les polítiques de suport al sector de l’edició d’artista per part de les institucions, encara que el que més em va cridar l’atenció va ser la insistent incògnita que es va dibuixar entre els allí reunits sobre si es podia arribar a articular, o no, algun tipus d’estratègia comuna per a la promoció de les pràctiques de l’edició d’artista. Dit d’una manera més crua: si ens pagava la pena als professionals implicats considerar seriosament impulsar-les més enllà de la pràctica individual o constitucional de cadascú. En aquesta segona ressenya m’agradaria poder llançar alguna proposta sobre això.

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Compromís, organització, mediació i persistència La idea de sumar l’esforç institucional al de les iniciatives independents nascudes gràcies precisament a la seva pròpia autonomia, inventiva i recursos propis és generalment controvertida. Pensar en «institució» i «independència» quan parlem d’art en general i d’edició en particular per a un objectiu comú és habitualment pensar en la fagocitació de la iniciativa experimental i arriscada dels professionals particulars per part de les estructures oficials, tenint en compte que de moment fer edicions d’artista, vendre-les, comprar-les i col·leccionar-les segueix sent una cosa que passa i que interessa tant a la institució artística com als agents independents (no sabem durant quant de temps). Una lectura que em resulta òbvia i productiva és la que vincula la suma d’expectatives, necessitats i resultats des dels dos costats del mateix bassal editorial: artistes, institucions, editors i altres agents, en aquest cas, treballant junts. Si a aquesta col·laboració li donem el rang de beneficiosa, el següent pas ens du llavors a plantejar-nos coses com el «qui fa què» i el «qui fa com» per tal d’articular aquesta acció. Per entendre’ns, en ocasions el professional independent «fa» i la institució artística «recull», tot i que no d’una manera automàtica ni amb la intensitat que alguns desitjarien. A la inversa també passa, però menys. És aquí on considero que una de les claus per tal que funcioni aquesta hipotètica col·laboració entre institució artística i independència pot raure en el com i el qui «hi intervé». En el terreny pràctic, parlaríem sobretot de qui articula la relació entre estructures de diferent naturalesa, qui proposa el disseny de programes (de difusió, d’investigació, etc.), així com qui reforça la recerca de finançament i la connexió amb nous agents. En definitiva, qui planteja estratègies i qui les du a terme.

Segons la meva opinió, en el nostre context artístic tenim dues institucions que poden inicialment impulsar en part aquest procés —el Centre d’Art la Panera de Lleida i el Museu d’Art Contemporani de Barcelona—, totes dues dotades de col·leccions sobre edició i interessades per diferents motius en el seu estudi i divulgació. La primera jornada sobre edicions especials organitzada pel Centre d’Art la Panera abans de l’estiu és un bon exemple d’aquest possible impuls inicial del qual parlem, però si no acaba tenint continuïtat serà difícil establir les bases de les quals puguin derivar accions efectives, i —hi insisteixo— productives, que siguin favorables al context de l’edició d’artista en el nostre territori. En aquesta línia, la col·laboració d’un centre com el MACBA per tal de dotar de continuïtat un fòrum com l’iniciat per la Panera seria indispensable, més enllà de les seves pròpies accions puntuals, a través d’exposicions esporàdiques sobre edició, o d’obrir als investigadors els seus arxius, com s’està fent des de fa alguns anys. Aquestes accions, d’altra banda, també són dignes de menció.

En la demanda d’articulació que pretenc fer des d’aquestes línies, estic demanant a les dues institucions, Panera i MACBA, un lideratge inicial «flexible» amb l’aportació d’uns recursos mínims, no necessàriament només econòmics, de cara a establir una estructura bàsica que pugui dotar de continguts —comptant amb els professionals independents— aquest mateix fòrum. Així mateix, demanaria un compromís en el temps per vetllar per la seva continuïtat. Un exemple del que proposo seria el model de Proxecto-Edición desenvolupat fa alguns anys per CGAC, MARCO i Fundación Luis Seoane. Aquesta demanda, si fos atesa, podria ser la base, per què no, d’un futur «Observatori de l’Edició» ampliable posteriorment en l’àmbit nacional.

Més enllà del compromís d’ambdues institucions d’emparar una futura estructura «flexible» d’aquest tipus, a través d’avals cap a altres institucions o mitjançant la facilitació de recursos propis, el treball posterior estaria marcat per la mediació, enfocada a aconseguir el compromís i l’adhesió dels professionals independents en la generació de continguts de qualitat lligats a aquest fòrum, uns continguts que, d’altra banda, podrien ser compartits a través dels mateixos programes públics d’aquelles institucions. I aquí, si

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es vol, aquests continguts podrien actuar com a contrapartida a l’aportació dels recursos mínims dels quals parlem per part de les dues institucions.

El que proposo aquí, resumidament, és que les jornades sobre edicions especials que ha iniciat el Centre d’Art la Panera en un futur siguin alguna cosa més que una posada en comú de problemàtiques o queixes. I que es puguin convertir en el germen d’una plataforma de la qual extreure propostes factibles per a l’expansió de l’edició. Tot plegat amb el compromís també del Museu d’Art Contemporani de Barcelona. Per a això, a tall de carta oberta a les dues institucions i als agents independents de l’edició del nostre context, em prenc la llibertat de proposar un full de ruta, que espero que tingui alguna adhesió. Des d’aquí també ofereixo el meu compromís com a professional de la mediació per treballar en cadascuna de les fases que proposo.

Proposta per a un full de ruta: «Observatori de l’Edició» No m’agradaria, en aquest delicat moment de l’aportació institucional de recursos a la cultura, i de la també delicada situació dels professionals independents de l’edició en el nostre país, pecar d’ingenu i demanar implicacions impossibles a un futur «Observatori de l’Edició». En tot cas, deixaré igualment anotats alguns suggeriments d’estructura, que crec que podrien ajudar a articular el fòrum en un futur.

Per començar, seria interessant que totes dues institucions, Panera i MACBA, poguessin arribar a un acord per donar continuïtat a les jornades sobre edicions especials iniciades pel Centre d’Art la Panera el 2012, que establissin una periodicitat de sis mesos a l’hora de celebrar-les durant els propers dos anys, que n’alternessin la ubicació en els dos centres i que dediquessin alguns recursos mínims per preparar-les i desenvolupar-les.

Cada trobada podria partir d’una agenda base i d’una agenda específica de debat acompanyada d’esdeveniments relacionats, que podrien ser inscrits en els programes públics de cada institució. Aquests esdeveniments podrien tenir el seu reflex en activitats com «Libros Mutantes», realitzada a La Casa Encendida de Madrid el 2012, en el marc de les Jornadas sobre Edición y Arte Contemporáneo «Sexy books for all ages», organitzades a Matadero Madrid per RMS La Asociación, o en iniciatives més híbrides, com «Curating the Library», al centre deSingel, sota el guiatge de Moritz Küng, en relació amb les pròpies adquisicions.

Abans de la convocatòria de la propera i hipotètica trobada, també seria necessària l’elaboració d’un «document marc» sobre els objectius de l’«Observatori de l’Edició», un document sorgit presumiblement i en primera instància del Centre d’Art la Panera —com a primer impulsor— i que implicaria la definició d’una estructura, un llistat de possibles col·laboradors i de les seves aportacions, així com indicacions sobre el seu possible model de funcionament i viabilitat. En definitiva, es tractaria d’un document que servís per donar entitat a les trobades i per proveir-les també d’eines organitzatives, així com de possibles instruments per a l’aplicació de les propostes sorgides a partir d’elles. A més, i no menys important, en aquest document marc, així com en les agendes específiques de cada jornada de l’«Observatori de l’Edició», caldria precisar-hi la competència del fòrum per proposar accions sobre tres prioritats bàsiques, com són: l’estimulació de la investigació en les col·leccions públiques i privades sobre edició d’artista de què disposem en el nostre territori, així com la seva difusió; l’augment, i suport, de la iniciativa privada en la venda i distribució des d’editorials i galeries del treball d’artistes del nostre context, i, per últim, la potenciació de les relacions amb estructures de formació i consum dels productes editorials, com són les universitats, les escoles d’art, les biblioteques i les llibreries, entre d’altres. En aquest cas, es tractaria d’incorporar a la definició de les jornades, i del mateix observatori, «a qui» i «què» proposar després de cada una de les trobades.

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Quema este texto o léelo Txuma Sánchez | Hace algunos meses, en estas mismas páginas y con motivo de la primera jornada sobre ediciones especiales organizada por el Centre d’Art la Panera, redacté a petición del centro algunas líneas en referencia a este encuentro (Panera notebook #2, junio de 2012), que convocó por un día a diversos profesionales del sector relacionados con el mundo de la edición de artista en nuestro contexto. En ese pequeño texto intenté resumir lo que a mi entender fueron algunas de las cuestiones que sobrevolaron la charla, al mismo tiempo que aproveché la oportunidad para dejar una escueta reflexión en torno a la no siempre bien llevada relación entre institución artística e iniciativa independiente.

Por lo que pude observar durante la jornada, en el encuentro se expresaron, entre otras cosas, algunas dudas y no pocas quejas respecto a las políticas de apoyo al sector de la edición de artista por parte de las instituciones, aunque lo que más me llamó la atención fue la insistente incógnita que se dibujó entre los allí reunidos sobre si se podía llegar a articular, o no, algún tipo de estrategia común para la promoción de las prácticas de la edición de artista. Dicho de una manera más cruda: si nos valía la pena a los profesionales implicados considerar seriamente impulsarlas más allá de la práctica individual o institucional de cada uno. En esta segunda reseña me gustaría poder lanzar alguna propuesta al respecto.

Compromiso, organización, mediación y persistencia La idea de sumar el esfuerzo institucional al de las iniciativas independientes nacidas gracias precisamente a su propia autonomía, inventiva y recursos propios, es generalmente controvertida. Pensar en sumar «institución» e «independencia», cuando hablamos de arte en general y de edición en particular para un objetivo común, es habitualmente pensar en la fagocitación de la iniciativa experimental y arriesgada de los profesionales particulares por parte de las estructuras oficiales, habida cuenta de que por el momento hacer ediciones de artista, venderlas, comprarlas y coleccionarlas sigue siendo algo que ocurre y que interesa tanto a la institución artística como a los agentes independientes (no sabemos por cuánto tiempo). Una lectura que me resulta obvia y productiva es la que vincula la suma de expectativas, necesidades y resultados desde ambos lados del mismo charco editorial: artistas, instituciones, editores y otros agentes, en este caso, trabajando juntos. Si a esta colaboración le damos el rango de beneficiosa, el siguiente paso nos lleva entonces a plantearnos cosas como el «quién hace qué» y el «quién hace cómo» para articular esta acción. Para entendernos, en ocasiones el profesional independiente «hace» y la institución artística «recoge», aunque no de una manera automática ni con la intensidad que algunos desearían. A la inversa también sucede, pero menos. Es aquí donde considero que una de las claves para que funcione esa hipotética colaboración entre institución artística e independencia puede estribar en el cómo y el quién «media». En el plano práctico, hablaríamos sobre todo de quién articula la relación entre estructuras de diferente naturaleza, quién propone el diseño de programas (de difusión, de investigación, etc.), así como quién refuerza la búsqueda de financiación y la conexión con nuevos agentes. En definitiva, quién plantea estrategias y quién las lleva a cabo.

En mi opinión, en nuestro contexto artístico tenemos dos instituciones que pueden inicialmente impulsar en parte ese proceso —el Centre d’Art la Panera de Lleida y el Museu d’Art Contemporani de Barcelona—, ambas dotadas de colecciones sobre edición e interesadas por diferentes motivos en su estudio y divulgación. La primera jornada sobre ediciones especiales organizada por el Centre d’Art la Panera antes del verano es un buen ejemplo de ese posible impulso inicial del que hablamos, pero si no acaba teniendo

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continuidad será difícil establecer las bases de las que puedan derivarse acciones efectivas, e —insisto— productivas, que sean favorables al contexto de la edición de artista en nuestro territorio. En esta línea, la colaboración de un centro como el MACBA para dotar de continuidad un foro como el iniciado por la Panera, sería indispensable, más allá de sus propias acciones puntuales, a través de exposiciones esporádicas sobre edición, o de abrir a los investigadores sus archivos, como está haciendo desde hace algunos años.

Acciones estas que, por otro lado, son también dignas de mención.

En la demanda de articulación que pretendo hacer desde estas líneas, estaría pidiendo a las dos instituciones, Panera y MACBA, un liderazgo inicial «flexible» con la aportación de unos mínimos recursos, no necesariamente solo económicos, de cara a establecer una estructura básica que pueda dotar de contenidos —contando con los profesionales independientes— este mismo foro. Asimismo, pediría un compromiso en el tiempo para velar por su continuidad. Un ejemplo de lo que propongo sería el modelo de Proxecto-Edición desarrollado hace algunos años por CGAC, MARCO y Fundación Luis Seoane. Esta demanda, si fuera atendida, podría ser la base, por qué no, de un futuro «Observatorio de la Edición» ampliable posteriormente a nivel nacional.

Más allá del compromiso de ambas instituciones de arropar una futura estructura «flexible» de este tipo, a través de avales hacia otras instituciones o mediante la facilitación de recursos propios, el trabajo posterior vendría marcado por la mediación, enfocada a conseguir el compromiso y la adhesión de los profesionales independientes en la generación de contenidos de calidad ligados a este foro, unos contenidos que, por otro lado, podrían ser compartidos a través de los propios programas públicos de esas mismas instituciones. Y aquí, si se quiere, estos contenidos podrían actuar como contrapartida a la aportación de los recursos mínimos de los que hablamos por parte de las dos instituciones.

Lo que propongo aquí, resumidamente, es que las jornadas sobre ediciones especiales que ha iniciado el Centre d’Art la Panera, en un futuro fueran algo más que una puesta en común de problemáticas o quejas. Y que pudieran convertirse en el germen de una plataforma de la que extraer propuestas factibles para la expansión de la edición. Todo ello con el compromiso también del Museu d’Art Contemporani de Barcelona. Para ello, y a modo de carta abierta a las dos instituciones y a los agentes independientes de la edición de nuestro contexto, me tomo la libertad de proponer una hoja de ruta, que espero tenga alguna adhesión. Desde aquí también ofrezco mi compromiso como profesional de la mediación para trabajar en cada una de las fases que propongo.

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Propuesta para una hoja de ruta: «Observatorio de la Edición» No me gustaría, en este delicado momento de la aportación institucional de recursos a la cultura, y de la también delicada situación de los profesionales independientes de la edición en nuestro país, pecar de ingenuo y demandar implicaciones imposibles a un futuro «Observatorio de la Edición». En todo caso, dejaré igualmente apuntadas algunas sugerencias de estructura, que creo podrían ayudar a articular el foro en un futuro.

Para empezar sería interesante si ambas instituciones, Panera y MACBA, pudieran llegar a un acuerdo para dar continuidad a las jornadas sobre ediciones especiales iniciadas por el Centre d’Art la Panera en 2012, estableciendo una periodicidad de seis meses en su celebración durante los próximos dos años, alternando su ubicación en los dos centros y dedicando algunos recursos mínimos para su preparación y desarrollo. Cada encuentro podría partir de una agenda base y de una agenda específica de debate acompañada de eventos relacionados, que podrían ser inscritos en los programas públicos de cada institución. Estos eventos podrían tener su reflejo en actividades como «Libros Mutantes», realizada en La Casa Encendida de Madrid en 2012, en el marco de las Jornadas sobre Edición y Arte Contemporáneo «Sexy books for all ages», organizadas en el Matadero Madrid por RMS La Asociación, o en iniciativas más híbridas, como «Curating the Library», en el centro deSingel, de la mano de Moritz Küng, en relación con las propias adquisiciones.

Con anterioridad a la convocatoria del próximo e hipotético encuentro, también sería necesaria la elaboración de un «documento marco» sobre los objetivos del «Observatorio de la Edición», documento surgido presumiblemente y en primera instancia del Centre d’Art la Panera —como primer impulsor— y que implicaría la definición de una estructura, un listado de posibles colaboradores y de sus aportaciones, así como indicaciones sobre su posible modelo de funcionamiento y viabilidad. En definitiva, se trataría de un documento que sirviera para dar entidad a los encuentros y para proveerlos también de herramientas organizativas, así como de posibles instrumentos para la aplicación de las propuestas surgidas a partir de ellos. Además, y no menos importante, en ese documento marco, así como en las agendas específicas de cada jornada del «Observatorio de la Edición», cabría precisar la competencia del foro para proponer acciones sobre tres prioridades básicas, como son: la incentivación de la investigación en las colecciones públicas y privadas sobre edición de artista de que disponemos en nuestro territorio, así como su difusión; el aumento, y soporte, de la iniciativa privada en la venta y distribución desde editoriales y galerías del trabajo de artistas de nuestro contexto; y, por último, la potenciación de las relaciones con estructuras de formación y consumo de los productos editoriales, como son las universidades, las escuelas de arte, las bibliotecas y las librerías, entre otros. En este caso, se trataría de incorporar a la definición de las jornadas, y del propio observatorio, «a quién» y «qué» proponer después de cada uno de los encuentros.

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Marina Núñez, Worlds inside (2012) Anna Roigé | Worlds inside (2012), de Marina Núñez, és la tercera de les peces que presentem dins l’apartat «Art Mòbil» de l’aplicació per a iPhone de la Panera.

«Les imatges del món que l’usuari triï d’entre les seves fotografies es descompondran en les seves partícules integrants o es construiran a partir d’elles. En aquesta aplicació veiem com cada fragment del món —un retrat, un paisatge, un objecte…— constitueix un micromón, una amalgama —de sobte inestable— de partícules microscòpiques que rememoren àtoms, molècules, cèl·lules, microorganismes… Però també pot entendre’s com una realitat poètica, com una porció capaç de contenir tot un univers, un macromón representat com una constel·lació d’estrelles» (Marina Núñez).

Aquestes peces s’entenen dins la proposta de la Panera en què es convida diferents artistes a crear una obra per a aquest suport tecnològic. L’aplicació compta amb dues peces anteriors, Eternal labyrinth, d’Ignacio Uriarte, i Glassgate, de Juan López.

Properament podrem veure una exposició al Centre de Documentació de la Panera sobre les tres peces d’«Art Mòbil».

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Anna Roigé | Worlds inside (2012), de Marina Núñez, es la tercera de las piezas que presentamos dentro del apartado «Arte Móvil» de la aplicación para iPhone de la Panera.

«Las imágenes del mundo que el usuario elija de entre sus fotos se descompondrán en sus partículas integrantes o se construirán a partir de ellas. En esta aplicación vemos cómo cada fragmento del mundo —un retrato, un paisaje, un objeto…— constituye un micromundo, una amalgama —de repente inestable— de partículas microscópicas que rememoran átomos, moléculas, células, microorganismos… Pero también puede entenderse como una realidad poética, como una porción capaz de contener en sí todo un universo, un macromundo representado como una constelación de estrellas» (Marina Núñez).

Estas piezas se entienden dentro de la propuesta de la Panera en la que se invita a diferentes artistas a crear una obra para este soporte tecnológico. La aplicación cuenta con dos piezas anteriores, Eternal labyrinth, de Ignacio Uriarte, y Glassgate, de Juan López.

Próximamente podremos ver una exposición en el Centro de Documentación de la Panera sobre las tres piezas de «Arte Móvil».

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- art mòbil -

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EXPOSICIONS / EXPOSICIONES

Francesc Abad 16/10/2012 - 25/11/2012 «TOYS» 01/07/2012 - 25/11/2012 Centre de Documentació

Martí Guixé. «Zoo de Cartró» 01/07/2012 - 25/11/2012 Espai miniPanera

Juan López. «A la Derriba» 08/05/2012 - 18/11/2012 Juan López. «Zona Baixa» 08/11/2012 - 20/12/2012 Facultat de Ciències de l’Educació de la UdL

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ACTIVITATS / ACTIVIDADES

Seminari d’infantil i primària Art contemporani, una eina educativa als centres educatius d’infantil i primària.

D’octubre de 2012 a abril de 2012

Seminari de Llars d’infants i escoles bressol Art contemporani, una eina educativa a les escoles bressol i llars d’infants

D’octubre de 2012 a abril de 2013 Art i adolescència Seminari de secundària, batxillerat i Mòduls formatius

D’octubre de 2012 a maig de 2013 Paper toys + Decora i crea el teu propi zoo 01/07/2012 - 25/11/2012 Centre de documentació i espai miniPanera

Matins a la Panera: dotze artistes per entendre l’art contemporani De novembre de 2012 a juny de 2013 Imatges contemporànies VIII 13, 14 i 15 de novembre de 2012 panera notebook

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«Els Immutables» Comissaris: Jordi Antas i David Armengol

22/09/2012 - 24/11/2012

DAFO. C. Anselm Clavé, 2. 25007 Lleida Horari: de dimarts a divendres, de 10.00 a 17.30 h; dissabtes, d’11.30 a 13.30 h Artistes participants: Aggtelek, Raúl Díaz Reyes, Lola Lasurt, Paula Mueller, Rasmus Nilausen, Luis Vassallo Jordi Antas i David Armengol | «Els Immutables» és l’exposició amb la qual DAFO completa la declaració d’intencions iniciada el mes d’abril passat amb «L’Estendard Daurat». Es tracta de dues exposicions col·lectives que marquen les premisses fonamentals que defineixen l’espai: una aproximació autocrítica a allò que suposa treballar en art, una relació amb els artistes basada en l’experiència directa i un intent per fusionar escenes artístiques diverses. En aquest sentit, «Els Immutables» pren com a punt de partida el dibuix i la pintura per analitzar el caràcter inalterable d’aquests registres des d’una perspectiva conceptual. És, doncs, un gest estoic i valerós —el de seguir pintant en escenaris menys receptius al treball pictòric— que convida a una revisió actualitzada de la condició perifèrica del pintor a la pràctica artística actual; un acte de persistència que, ja sigui des d’un punt de vista més paròdic i descregut amb el mateix mitjà, ja sigui des d’una lectura més romàntica i apassionada, propicia una atraient proliferació de propostes pictòriques des dels contextos de l’art emergent.

Paral·lelament a l’exposició «Els Immutables» es presenta l’«Aparador de llibres #2», un projecte compartit entre la llibreria Múltiplos i DAFO. Sota el títol Tornar a començar(t) una vegada i una altra, l’artista Rafel G. Bianchi ha fet una tria de llibres d’artista que ens permet entreveure quines són les seves afinitats i els seus interessos creatius, així com descobrir clàssics com Ed Ruscha o joves creadors com Florian & Michael Quistrebert.

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«Los inmutables» Comisarios: Jordi Antas y David Armengol DAFO. C. Anselm Clavé, 2. 25007 Lleida Horario: de martes a viernes, de 10.00 a 17.30 h; sábados, de 11.30 a 13.30 h Artistas participantes : Aggtelek, Raúl Díaz Reyes, Lola Lasurt, Paula Mueller, Rasmus Nilausen, Luis Vassallo Jordi Antas y David Armengol | «Los Inmutables» es la exposición con la que DAFO completa la declaración de intenciones iniciada el pasado mes de abril con «El Estandarte Dorado». Se trata de dos exposiciones colectivas que marcan las premisas fundamentales que definen el espacio: una aproximación autocrítica a lo que supone trabajar en arte, una relación con los artistas basada en la experiencia directa y un intento por fusionar escenas artísticas varias. En este sentido, «Los Inmutables» toma como punto de partida el dibujo y la pintura para analizar el carácter inalterable de estos registros desde una perspectiva conceptual. Es, pues, un gesto estoico y valeroso —el de seguir pintando en escenarios menos receptivos al trabajo pictórico— que invita a una revisión actualizada de la condición periférica del pintor a la práctica artística actual; un acto de persistencia que, ya sea desde un punto de vista más paródico y descreído con el propio medio, ya sea desde una lectura más romántica y apasionada, propicia una atrayente proliferación de propuestas pictóricas desde los contextos del arte emergente.

Paralelamente a la exposición «Los Inmutables» se presenta el «Aparador de llibres #2», un proyecto compartido entre la librería Múltiplos y DAFO. Bajo el título Tornar a començar(t) una vegada i una altra, el artista Rafel G. Bianchi ha hecho una elección de libros de artista que nos permiten entrever cuáles son sus afinidades y sus intereses creativos, así como descubrir clásicos como Ed Ruscha o jóvenes creadores como Florian & Michael Quistrebert.

Jorge Conde «Qualsevol Lloc És un Altre Lloc»

20/09/2012 - 31/10/2012 Fundación Círculo de Lectores de Barcelona, c. Consell de Cent, 323 De dilluns a divendres, de 16.00 a 20.00 h Jorge Conde |«Qualsevol Lloc és un Altre Lloc» és un projecte d’investigació sobre les utopies, el model institucional i els nous paradigmes de la cultura contemporània en diversos països, con ara Alemanya, l’Argentina, Bèlgica, Espanya, França, Gran Bretanya, Irlanda, Itàlia, Suïssa, etc.

«Qualsevol Lloc és un Altre Lloc» adopta la forma d’una exposició multidisciplinària, en què les imatges, els textos i els sons contribueixen a presentar la transformació de l’espai com una estratègia per estimular la creació, generar prestigi, articular la societat, especular amb el valor del sòl i, en el millor dels casos, prefigurar la utopia.

Cal dir que, malgrat que algunes d’aquestes transformacions han obtingut un èxit notable, i han aconseguit construir ponts entre la cultura i la societat civil, hi ha casos absolutament inoperants, desmesurats o decebedors. Encara més: alguns projectes han quedat inacabats a causa de les retallades pressupostàries, una gestió deficient o les disputes polítiques. Això em fa pensar que potser ens trobem davant el final d’un model

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que ja no sembla sostenible a causa d’una crisi que no és conjuntural, sinó sistèmica. Es tracta, per tant, de la crisi entesa com una oportunitat per repensar els principis d’institucionalitat cultural, creació i educació, així com els mecanismes per a la formulació d’utopies.

Text extret de: http://www.qualsevolllocesunaltrelloc.blogspot.com.es/p/presentacio.html.

Un dels centres representats és el Centre d’Art la Panera.

Jorge Conde «Cualquier Lugar Es Otro Lugar» Fundación Círculo de Lectores de Barcelona, c. Consell de Cent, 323 De lunes a viernes, de 16.00 a 20.00 h Jorge Conde | «Cualquier Lugar Es Otro Lugar» es un proyecto de investigación sobre el modelo institucional, las utopías y los nuevos paradigmas de la cultura contemporánea en países como Alemania, Argentina, Bélgica, España, Francia, Gran Bretaña, Irlanda, Italia, Suiza, etc.

«Cualquier Lugar Es Otro Lugar» adopta la forma de una exposición multidisciplinar en la que imágenes, sonidos y textos contribuyen a presentar la transformación del espacio como una estrategia para estimular la creación, generar prestigio, articular la sociedad, alimentar la especulación y reactivar zonas deprimidas del paisaje urbano.

Ni que decir tiene que si bien algunas de estas transformaciones han obtenido un éxito notable, logrando tender puentes efectivos entre la cultura y la sociedad civil, existen casos absolutamente inoperantes, desmesurados o decepcionantes. Más aún: algunos proyectos han quedado inconclusos a causa de los recortes presupuestarios, la gestión deficiente o las disputas políticas. Todo esto lleva a pensar que quizás nos encontremos ante el final de un modelo que ya no parece sostenible a causa de una crisis que no es coyuntural, sino sistémica. Se trata, por lo tanto, de la crisis entendida como una oportunidad para repensar los principios de institucionalidad cultural, creación y educación, así como los mecanismos para la formulación de utopías.

Texto procedente de: http://www.cualquierlugaresotrolugar.blogspot.com.es/p/presentacion.html.

El Centre d’Art la Panera está representado en esta exposición.

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Vista de l’exposició «299 Artistes, 24 Comissaris, 23 agents...». Cortesia de la Galeria Estrany - de la Mota.

«2 Galeristes, 299 Artistes, 24 Comissaris, 23 Agents, 51 Exposicions Col·lectives, 90 Exposicions Individuals, 16 Glass Cabinets, 53 Fires, 3 Locals, 532 m2, 7 Logotips» Un projecte de ferranElOtro El projecte expositiu proposa una hipòtesi de la història de la galeria des de la seva inauguració el 1996 fins ara. Tanmateix, el punt de partida de la investigació són les galeries que, en fusionar-se el 1996, van donar lloc a l’actual Estrany – de la Mota —la Galeria Àngels de la Mota (1987–1996) i la Galeria Antoni Estrany (1990–1996)—, i les trajectòries prèvies d’ambdós galeristes.

La proposta es materialitza en un arxiu de format doble: d’una banda, un arxiu analògic en l’espai expositiu, i de l’altra, un arxiu digital en línia (http://www.estranydelamota. com/__/), que permet a l’espectador entrar en el prosceni del projecte. Malgrat que l’origen de la proposta és la recuperació i edició de tot aquest material per a la construcció d’un arxiu, aquest s’expandeix per la sala en format expositiu, un exercici de memòria expositiva que és només un resultat dels molts possibles que podrien haver derivat del procés.

En un moment com l’actual, aquesta proposta de caràcter historicista no és un exercici d’enyorança de moments millors, sinó una anàlisi propositiva, perquè el paper que hauria d’exercir qualsevol exposició no és cap altre que el de sacsejar-nos i que aquesta no s’acabi un cop sortim de la sala d’exposicions.

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«2 Galeristes, 299 Artistes, 24 Comissaris, 23 Agents, 51 Exposicions Col·lectives, 90 Exposicions Individuals, 16 Glass Cabinets, 53 Fires, 3 Locals, 532 m2, 7 Logotips» Un proyecto de ferranElOtro El proyecto expositivo propone una hipótesis de la historia de la galería desde su inauguración en 1996 hasta la actualidad. Sin embargo, el punto de partida de la investigación son las galerías que, al fusionarse en 1996, dieron lugar a la actual Estrany – de la Mota —la Galeria Àngels de la Mota (1987–1996) y la Galeria Antoni Estrany (1990–1996)—, y las trayectorias previas de ambos galeristas.

La propuesta se materializa en un archivo de formato doble: por una parte, un archivo analógico en el espacio expositivo, y por otra parte, un archivo digital en línea (http://www.estranydelamota.com/__/), que permite al espectador entrar en el proscenio del proyecto. A pesar de que el origen de la propuesta es la recuperación y edición de todo este material para la construcción de un archivo, este se expande por la sala en formato expositivo, un ejercicio de memoria expositiva que es tan solo un resultado de los muchos posibles que podrían haber derivado del proceso.

En un momento como el actual, esta propuesta de carácter historicista no es un ejercicio de añoranza de momentos mejores, sino un análisis propositivo, porque el papel que debería desempeñar cualquier exposición no es otro que el de sacudirnos y que esta no termine una vez salgamos de la sala de exposiciones.

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Lara Almarcegui representarà Espanya en la propera Biennal de Venècia Lara Almarcegui (Saragossa, 1972), que viu i treballa a Rotterdam, serà la representant espanyola a la Biennal, que se celebrarà de l’1 de juny al 24 de novembre de 2013.

Tot i que el projecte encara no està tancat —es tancarà a Venècia—, serà un treball que comprendrà el pavelló, però també tota la ciutat.

Lara Almarcegui representará España en la próxima Bienal de Venecia Lara Almarcegui (Zaragoza, 1972), que vive y trabaja en Rotterdam, será la representante española en la Bienal, que se celebrará del 1 de junio al 24 de noviembre de 2013.

Aunque el proyecto todavía no está cerrado —se cerrará en Venecia—, será un trabajo que abarcará el pabellón, pero también toda la ciudad.

Louise Bourgeois, «HONNI soit QUI mal y pense» La Casa Encendida, Madrid Del 19 d’octubre de 2012 al 13 de gener de 2013 Es tracta d’una exposició que recull els deu últims anys de creació de l’artista, com un homenatge per part de Danielle Tilkin, comissària de l’exposició. La mostra reuneix escultures, dibuixos, gravats i altres treballs mai no exposats fins ara a Espanya.

Louise Bourgeois, «HONNI soit QUI mal y pense» La Casa Encendida, Madrid Del 19 de octubre de 2012 al 13 de enero de 2013 Se trata de una exposición que recoge los diez últimos años de creación de la artista, como un homenaje por parte de Danielle Tilkin, comisaria de la exposición. La muestra reúne esculturas, dibujos, grabados y otros trabajos nunca expuestos hasta ahora en España.

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Disseny: EumogrĂ fic

centre d’art la panera

Pl. de la Panera, 2 25002 Lleida Tel.: 973 262 185

www.lapanera.cat