EL PODER DEL ARTISTA MITOS Y VERDADES DE LA FIGURA DEL ARTISTA EN EL IMAGINARIO COLECTIVO
STAFF EQUIPO DE COORDINACIÓN FRANCISCO PAREDES / NICOLÁS HACHE RAQUEL MASCI / JOSEFINA ZUAIN / SEBASTIÁN LINARDO / COORDINACIÓN ACCIONES EN LA VÍA PÚBLICA JOSEFINA ZUAIN / CURADURÍA MUESTRA INVITADOS RAQUEL MASCI / REGISTRO MARTÍN NIEVA PAPO 2014 CUENTA CON EL APOYO DE LA BECA GRUPAL DEL FONDO NACIONAL DE LAS ARTES
PAPO
(Paternal Arte y Política) se lleva a cabo desde el 2010 en La Paternal Espacio Proyecto con el objetivo de crear puentes entre la práctica artística y el contexto social.
EL PODER DEL ARTISTA
PAPO y los artistas participantes construyen una posible respuesta a esta pregunta.
Este año PAPO 2013 propone analizar qué condiciones hacen posible que una acción en la vía pública sea considerada una obra de arte. Somos herederos de una tradición que eleva al arte como uno de los valores más importantes en nuestra sociedad, donde la construcción de un objeto que se presenta como obra adquiere carácter sagrado y/o superior.
Mitos y verdades de la figura del artista en el imaginario colectivo
El Ciclo PAPO consiste en una convocatoria para la realización de acciones en la vía pública en el barrio de La Paternal y una clínica/seguimiento de obra de duración trimestral con estos proyectos a partir de una orientación temática. En 2010 se trabajó como tema la idea de Arte y Política, en 2011 Derecho a la Ciudad, en 2012 Discurso y en 2013 El Poder del Artista - Mitos y Verdades.
Desde su inicio PAPO toma como eje de trabajo el vínculo entre el arte y la política entendiendo lo político como campo de sociabilidad activa no limitado solamente a la actividad partidaria. La base a partir de la cual se llevan a cabo los trabajos radica en la pregunta: ¿cuáles son las estrategias de producción contemporáneas en torno al vínculo entre el arte y la política? ¿Por qué hacemos lo que hacemos? Cada año
Nos proponemos reflexionar sobre dos conceptos: el de obra de arte y el de genio creador. Nos interesa cuestionar los supuestos que llevan a pensar al artista como un sujeto con un status diferente al de otros actores sociales. En este marco, nos interesan los Proyectos que trabajen una crítica a estas concepciones tradicionales de arte y artista y, al mismo tiempo fortalezcan los lazos entre los vecinos, promuevan la identidad barrial y/o señalen problemáticas del Barrio de La Paternal.
Primer encuentro con artistas seleccionados para Acciones en la vía pública
“Somos parte del barrio.
Somos parte del barrio. Lo caminamos. Lo intervenimos. Lo respiramos. Decimos que hacemos arte cuando hablamos con el vecino, nos movemos por sus calles y arreglamos sus veredas. Decimos que hacemos arte al cruzar la calle y entregar un volante, cuando pintamos la basura de color, juntamos caca de perro, nos apoyamos en la gente en la parada del colectivo, cuando pegamos figuras de niños con cabeza de llave y cerraduras en las paredes, cuando recuperamos leyendas de rios entubados y muchas cosas mas.
Caminata y reconocimiento del barrio donde se realizarán las acciones
Decimos que hacemos arte cuando nos juntamos a debatir qué hacer y qué no hacer para que nuestro esfuerzo impacte en nuestro entorno cercano. Decimos que hacemos arte cuando armamos mesas redondas, invitamos
Lo caminamos. Lo intervenimos”
a artistas con trayectoria a exponer que deciden venir hasta la paternal porque parece que algo acontece.
¿Hasta donde estamos sosteniendo sin saber un sistema de creencias que ha dado y sigue dando pruebas de que no funciona?
¿Pero por qué esto es arte y lo que hace un empleado de un centro cultural no lo es? ¿Por qué nosotros hacemos arte y la persona que pide en la esquina no esta haciendo arte? ¿Somos arrogantes o estamos realmente intentando aportar algo a nuestro entorno?
Estas son algunas de las preguntas que nos acompañan en este ciclo PAPO 2013.
¿Cuál es el poder del artista? ¿Qué es más importante: la obra o conformar las exigencias del ego? ¿Precisa una acción tener otro público que el propio vecino para ser arte?. ¿Hasta dónde las prácticas artísticas contemporáneas están sujetas a la mirada del sistema del arte y hasta dónde son emancipatorias? ¿Cuáles son los mitos y creencias que operan en el artista a la hora de hacer su trabajo?
Nuestro refugio puede ser llamado arte acción, arte relacional o arte de contexto, lo cierto es que son formas que habitan la frontera entre una situación dada y una situación provocada, entre lo cotidiano y lo poético, entre disciplinas y saberes, entre lo individual y lo colectivo. Nos proponemos atravesar fronteras, cruzar disciplinas y saberes. Seguir buscando diálogos posibles con el otro, entre pares, entre vecinos. Francisco Paredes
ACCIONES EN LA VÍA PÚBLICA UN AÑO MÁS EN LA CIUDAD
Introducción. Un año más en la ciudad por Josefina Zuain (coordinadora acciones en la vía pública) Resulta que éste es el cuarto año de acción de PAPO. Tenemos más claras las cosas, tenemos nuevas dudas, tenemos mucha experiencia y llegamos a la conclusión de que no existen las certezas. La Vía Pública, calle y/o vereda, ha devenido para nosotros un propicio espacio de trabajo. Nos gustan las anécdotas, los vínculos y las historias que emergen cada año en cada edición de este ciclo. Confiamos en que con intención y atención sucede la acción. Sabemos que todo hacer transporta un discurso y lo edifica en tanto tal. Creemos en el campo del arte porque es un espacio de pensamiento que se plantea la flexibilización de los límites del pensamiento mismo y eso es siempre una gran sorpresa. Actuar se ha logrado gracias a la respiración de muchas personas. Es un cúmulo, un depósito de energía, un enriquecimiento global. En esta edición hemos colocado a la figura del artista en el centro de la escena, casi como una necesidad que emerge del campo mismo
de acción. Intuimos que el por qué hacemos lo que hacemos, puede ser una pregunta sin respuestas, pero el para qué y el cómo exige ser pensado. Cada acción, ¿es un regalo?, ¿es una imposición?, ¿es egoísta o es generosa? ¿Alguien me espera? Es nuestra responsabilidad saber cómo y para qué salimos al espacio común a hacer lo nuestro, la calle no es de nadie, sino que es de todos. Para salir a trabajar en el mundo, ajeno a la real realidad cotidiana, pero determinado también por cada micro acción que se entrega allí, es necesario estudiar el mundo mismo. Predecir, hipotetizar, analizar con minucioso cuidado las variables que se ponen en juego en cada proyecto, las formas que puede tomar, las interpretaciones que puede despertar, la experiencia que determina para el artista y para los otros, son la tareas que llevamos a cabo todos juntos. El artista es un engranaje social, como cualquier otro. Moviliza sectores, tiene un campo de estudio y un campo de acción, tiene una tarea que llevar a cabo, tiene objetivos y tiene vínculos que lo definen como tal. No exagerar su acción, no disminuirla tampoco. Durante el 2013 trabajamos rompiendo mitos, estableciendo posibles verdades y reubicando la figura del artista y su valoración social.
CONVOCATORIA Convocamos a artistas a participar del Ciclo PAPO 2013, con el objetivo de promover una mirada crítica tomando como punto de partida la práctica artística en el contexto social. La convocatoria fué para la realización de Acciones en la Vía Pública que tomen como eje reflexivo la figura del artista y su capacidad de intervención social Nos interesan los proyectos que trabajan una crítica a las concepciones tradicionales del arte y artista y, al mismo tiempo fortalecen los lazos entre los vecinos, promueven la identidad barrial y/o señalan problemáticas del Barrio de La Paternal. Los artistas seleccionados participaron de: * La Noche de los Museos. * Taller de Desarrollo y Planificación de Proyectos. * Charlas a cargo de invitados especiales.
ARTISTAS SELECCIONADOS / ACCIONES EN LA VÍA PÚBLICA – PAPO 2013 Alejandra Ibañez Gomez / Cristina Honfi / Edén Bastida Kullick / Florencia Viton - Magui Verdejo / Luján Piccolo / Noelia Toscano / Eli Schürmann / Paula Pellejero / Romina Estecher / Heliana Karen Vera / Doberti – Corda / Cecilia Coppo / Vero Pujol INVITADOS ESPECIALES Luis Saray – Colombia / Laura Aguilera – Ushuaia RESIDENTES / BECA Rosa Apablaza Valenzuela – Chile / Katerin Patiño M – Colombia / Karen Packebusch - Alemania
Año 1536; la ciudad de Buenos Aires acaba de ser fundada por el granadino don Pedro de Mendoza, a las orillas de aquel río pardo que Solís denominara Mar Dulce. Los aborígenes que habitaban estas regiones eran los querandíes, que muy pronto se cansaron de ayudar con alimentos a los recién llegados y que evitaron su contacto, estallando entonces frecuentes y sangrientos combates que hicieron muy difícil la vida en el primitivo y casi indefenso poblado. Hubo que pensar en el abandono de la ciudad y las escenas dramáticas se sucedieron sin interrupción, hasta llegar a crudas situaciones. Sobre aquellos momentos de la historia de Buenos Aires conocemos algunas versiones y, entre ellas, la de Ruy Díaz de Guzman, escrita en el año 1616. Nos narra el cronista algo que interesa a los fines de este trabajo. Es el caso que entre los que vinieron con Mendoza había una mujer llamada Maldonado y a ella se refiere la narración. Eran tristes horas aquellas, porque el dolor y el hambre rodeaban a los españoles. Se llegó a una situación tal que no hubo alimentos y solo comían culebras, sapos, cuises, yerbas y raíces del campo. Fue entonces –siempre siguiendo la fuente nombrada- cuando la pobre mujer, desesperada por el hambre, abandonó el poblado y marchó por
la llanura hasta detenerse en una lomada con aguada natural. Acaso pensó llegar hasta tierra de indios, para no morir de inanición, pero luego, en su marcha por la llanura, ayudó a una puma (o Leona, para la terminología de aquellos tiempos), en el trance del nacimiento de sus crías. Poco después unos indios que llegaron al lugar en busca de agua encontraron a la española, desmayada, y a su lado a la fiera y a sus cachorros, los que huyeron de prisa. La Maldonado fue tomada prisionera por los indios y nada volvió a saberse de ella por un tiempo.
abandonada a a su suerte, que era, seguramente, morir de hambre y de sed o si no despedazada por los animales salvajes que había en el lugar. Por la noche la rodearon las alimañas- dice Ruy Díaz Guzmán, pero la Maldonado fue defendida por aquella puma a la que había ayudado tiempo atrás. A los tres días, unos soldados retornaron al lugar y hallaron a la mujer, extenuada, pero viva: a sus pies, dormitando, una enorme Leona y dos cachorrillos que jugueteaban.
Leyenda de una mujer que se llamo La Maldonado (1536)
Cierto día, un oficial español que comandaba un grupo de soldados r e s c a t ó a la cristiana y entonces la d e s d i c h a d a mujer, por haber abandonado el poblado y aceptado vivir entre los indios fue condenada a morir, echándola a las fieras de la llanura. Así se hizo: se llevó a la española hasta las márgenes de un arroyo distante algo más de una legua del poblado y se la ató a un árbol que crecía en una orilla, donde quedó
Y dice el historiador: “Desatada la mujer por los soldados, la llevaron consigo, quedando la Leona dando muy fieros bramidos, mostrando sentimientos y soledad de su bienhechora y haciendo ver, por otra parte, su real ánimo y gratitud y la humanidad que no tuvieron los hombres” “Historia y leyenda del arroyo Maldonado” Diego A. del Pino Cap I, La leyenda de una mujer que se llamo La Maldonado (1536)
ORILLA
Intervención urbana y recuperación de la memoria colectiva
Noelia Toscano // Irina Macagni toscano.noelia@gmail.com i_macagni@hotmail.com
Orilla es la recuperación del mito de La Maldonado para su reinserción en el espacio público. El relato fundacional de La Paternal se entreteje con la trama urbana actual. El nudo dramático de esta historia es el movimiento del agua a través de la historia del entubamiento del río, ese recorrido que hoy se llama Av. Juan B Justo.
En el proyecto Orilla se conjugan la memoria sensorial y el relato. El texto toma la forma del movimiento del agua. La historia de La Maldonado se vuelve una línea ondulada que permite la emergencia del relato. El entubamiento del río mantiene una estrecha relación con el tejido urbano, es parte inherente al mismo. El entubamiento del relato o el cauce del relato nos re-sitúa frente a un pasado no tan lejano, cuando el río era río y la ciudad aún no existía como tal. Un texto que trama los pequeños
accidentes geográficos del cemento, reconocibles como animales pintados quién oculta el agua que corre y se oye. en el cartel de un auto-partes o en el backlight de una heladería. Carteles Ritmos en la zona marcan realizados por el hombre, homenajean comportamientos. Desde un circuito de a los animales que formaron parte del seguridad a un modo generalizado de relato escrito, están en la zona, son circulación a pie. El tráfico establece alimañas, leones, arañas, monos. Son pausas, durante esas pausas, se oye el vegetación que brota. accidente natural que subyace.
Los horarios son datos claves de este proyecto, porque reinsertar el relato ha devenido una experiencia de sensopercepción barrial. Dos climas, el ritmo de la vida urbana, es lo común, “lo otro” se oculta, es el sostén de todo hecho, es el cimiento del escenario de la ciudad que hoy desfila por encima de algo que antes fue un Río. Pero no sólo ello, Irina y Noelia, descubrieron que el Mito de la Maldonado habita en toda la zona, no sólo como un fluir constante de agua, sino también que adquiere formas
La orilla del río se percibe como clima de agua, porque existe, la orilla es imperfecta en sus bordes porque fluye. Contar un cuento es una tradición. Todo aquí, se re-toma.
Mito El artista tiene la capacidad de crear cosas nuevas. Verdad El artista resignifica la realidad.
EL WARNES
Afiches + charlas espontáneas y recuerdos específicos Corda-Doberti
Facebook: Corda-Doberti
Recuperación de la memoria de un edificio inexistente y que alberga un perfil simbólico de la historia del país, partiendo de su nacimiento durante el primer peronismo en 1950 hasta su derrumbe en 1991, pleno auge menemista. Hoy, el ex albergue Warnes es un hipermercado. En todas las Ediciones de PAPO, hasta el momento el albergue Warnes fue el centro de la atención de algún proyecto. No es casualidad, aquí se concentra no sólo parte fundamental de la historia de nuestro país, sino, sobre todo, parte fundamental de la historia de La Paternal y de la actividad social que moviliza al barrio. En este proyecto, a modo de resucitación de una historia, más como si le dieran un electroshock que si la desenterraran de ultratumba, las artistas se proponen reactualizar la memoria del barrio con afiches que relatan, como cualquier evento de cumbia, las cifras que atravesaron esta historia. Los Números son espeluznantes. Quieren re-situar una memoria compartida-compartiéndola en el centro de la escena: La Isla. Entonces la acción consiste en intercambiar un afiche por un recuerdo y, de esta manera, las historias se multiplican al infinito. Una
Mito El artista como ser inspirado Verdad El artista investiga
bola de nieve, que avanza en la montaña hacia abajo, reconfigurándose a sí misma con la incorporación de ese mismo material que la constituye.
El Warnes 1950: Gobierno de Perón, comienzo de construcción del Hospital de Niños y Epidemología infantil en 19 hectáreas expropiadas a la familia Etchevarne. Se levantaron dos de los cuatro edificios proyectados /1955 Revolución libertadora: Suspensión y abandono de la obra /1969 habitada por 77 familias / 1975 Gobierno de Isabel Perón: devolución judicial del predio a la familia / 1991 Gobierno de Menem: Destrucción total por explosión / 1999 Gobierno de Menem: terreno adquirido por Carrefour /2006 los vecinos frenaron un mega emprendimiento de la constructora Sadia
aBORDANDO el barrio
Acción para unir el tejido urbano habitando el espacio Danza ritual en el espacio público Con el objetivo de vincular espacialmente La Paternal Alejandra y sus intérpretes exploran el espacio público por medio de una danza de percepción y reconocimiento, con la cual buscan apropiarse del espacio desde los sentidos. El encuentro es entre tres lugares: la Plaza triangular, el Boulevard en Av. Del Campo - Plazoleta Osvaldo Fresedo y el Puente peatonal sobre vías del ferrocarril Urquiza.
Alejandra Ibáñez Gómez ibagoal@yahoo.com.ar
Bailan: Candela Álvarez, Mercedes Lastra, Carolina Fontenla, Brenda Surijon, Roberto A. Tamburrini, Daniel Catebra Registro: Ariel Guerchicoff, Victoria Giesen
La Danza que se realiza en el espacio público se caracteriza por romper con los preconceptos que tenemos acerca de lo
que “ha de ser” un escenario. Entonces, Alejandra redobla la apuesta y propone que ese escenario que se elije, es un escenario que surge por la necesidad social de entretejerse y es la danza un ritual de re-unión que establece lazos invisibles entre territorios divididos simbólicamente. Lo particular del escenario entonces está dado por la fragmentación del espacio que podría ser una unidad, pero por cuestiones varias, pues no lo es. En la Danza de Alejandra y sus intérpretes, sucede la magia, porque hay una invención de realidad y una ilusión de hacer que toman cuerpo y figura en el espacio público y que con ello vuelven privados e íntimos los lazos invisibles que surgen. El modo de arranque es la exploración del espacio público por medio de una danza donde la forma es
superada por la percepción y el reconocimiento del intérprete, una danza, en la cual, los bailarines se apropian del espacio desde sus sentidos (sensoriales y simbólicos). El espacio cotidiano se transforma porque se entromete entre los objetos que delinean los espacios públicos, toma cuerpo, toma forma de cuerpo humano que danza, porque todo movimiento puede ser danza y toda danza es movimiento (físico, psíquico y social).Una vez realizada la danza, como todo ritual, los resultados no son medibles. Mito El arte es simbólico Verdad El arte es rito
Imaginarios <de barrio>
Registro sonoro y composición Heliana Vera // Martín Matus // Ezequiel Abregú helikoide@hotmail.com
“Imaginarios de <barrio>” propone repensar el concepto de barrio y la experiencia individual sobre el lugar de pertenencia. Cruzando elementos del imaginario colectivo con el personal arma una textura de símbolos, anécdotas, emotividad y vivencia. El ambiente sonoro define a modo de triangulación las características del lugar y el modo en que este lugar es transcurrido. Se construye a partir de un registro fragmentario y arbitrario que no jerarquiza sonidos o intervenciones, palabras o momentos, sino que en una trama sonora densa elabora vínculos desprejuiciados. Compromiso, desviaciones, cuadrado, cubo sonoro. La sala de exhibición se convierte en una muestra gratis del Sonido de La Paternal. Las líneas de sonido, a modo de frases que transportan verdades, máximas y accidentes sonoros, son casualidades en verdad. Los espacios del barrio son sonido y los sonidos del espacio
ingresan a la sala dando por resultado una escritura vanidosa. Lo que este trío de artistas busca es que cuerpos en diálogo con la ciudad permitan que suceda una experiencia espacial nueva del barrio. El recuerdo y la historia se reinventan a través de un presente pleno de movimiento y exploración sensorial, donde las llaves del mundo toman forma de cuerpo y el cuerpo dimensiona su ejercicio real de existencia en escenarios ciertosconcretos-reales y aleatorios. Mito La obra de arte puede abarcar una totalidad Verdad La obra de arte es parcial y ahí reside su valor y particularidad.
INSTALACIONES ACCIDENTALES Pintada accidental Romina Estecher
romina_estecher@yahoo.com.ar Romina altera parte del paisaje urbano señalando cúmulos de basura a los cuales cubre de pintura. Sus composiciones accidentales son un extrañamiento visual. La basura en manos de esta artista se convierte en un objeto de decoración, se engalana y con ello se le abre la puerta al mundo del arte. Esta obra arranca con un recorrido que encuentra formas singulares en la basura. Alguna especie de composición que se da por efecto de accidentes, algo que sucede, sin intenciones tiene la forma que Romina desea pintar y, con ello, coronar su existencia. La ciudad tiene formas, contiene formas, es forma. Interferir en la formación morfológica de la ciudad es alterar un ciclo “naturalmente” accidental y señalar su suceder. Es destacar, capciosamente, esos cúmulos de basura que aún tienen algo de vida en derredor, porque incluso a punto de salir de la ciudad, exigen ser vistos, quieren ser mirados. Romina ayuda, señalando esos cúmulos. Pero no existe, por delante de su acción un intento de acción artística per se, es un extrañamiento visual una alteración del orden, una subversión del mundo. ¿Existe en este artista un poder de transformación de la materia? ¿altera el valor económico del cúmulo, el hecho de que sea pintado? ¿Es bello? Sólo podemos dar cuenta de una cosa: Está ahí.
Mito El artista crea cuando pinta Verdad El artista modifica lo dado cuando pinta
obRA
Registro audiovisual de una experiencia vital
Cristina Honfi
honficristina@gmail.com
obRA es el registro fotográfico del proceso de construcción de dos edificios de 17 pisos de alto, en el barrio de Belgrano, intercalado con la biografía de una mujer. Procesos de construcción paralelos que se insertan en el barrio de La Paternal a modo de problemática común a toda la Ciudad de Buenos Aires. En el marco de PAPO asistimos a un estreno, es decir la primer presentación abierta del audiovisual dirigido por Cristina Honfi. El relato del audiovisual, es acerca de la problemática de las grandes construcciones que tapan la luz de las pequeñas. Construcciones que alteran el discurrir cotidiano de todo hogar que las rodee, no sólo porque a la larga modifican la fisonomía de su entorno, sino también y principalmente, interrumpen o maquillan la sonoridad del hogar durante largos períodos de tiempo (de 1 a 5 años) Entonces, como un grupo de autoayuda se junta a compartir sus problemas para, entre todos, encontrar una imagen más “liviana” de la problemática personal, un foráneo en el barrio cuenta su problema y comparte sus dolores para demostrar que, en definitiva, son problemáticas comunes las que nos atraviesan y las que atraviesan a los barrios de las grandes ciudades. Un problema de “otro” evidencia lo común. En La Paternal, además, existen varios grupos que trabajan en la circulación audiovisual, esto es, cines ambulantes que proyectan en diferentes lugares de la Vía Pública, con ellos se contacta Crisitina para que esta difusión sea masiva y para que el virus que se denuncia se proyecte sobre las pieles de los potenciales enfermos. La urbanización puede ser vivida como un registro de lo que veo, pero, lo que veo me modifica indefectiblemente. Así, obRA demuestra que la mirada es regenerable y que dialoga de manera intensa con la realidad que la circunda y la constituye como mirada de lo real.
Mito El artista visual trabaja con conceptos que elije estudiar Verdad El artista trabaja con la realidad que tiene a mano y lo afecta directa y personalmente
Movimiento Inmigrante Organizado . M.I.O Campaña política
Colectivo D.N.I Edén Bastida Kullick // Azucena Losana // Adam Sosinsky www.facebook.com/inmigrantesorganizados
Movimiento político compuesto en su mayoría por inmigrantes que simuló participar en las elecciones legislativas del 27 de Octubre del año en curso. El Movimiento se valió de toda la lógica y parafernalia electorera utilizada por los partidos políticos tradicionales (pega de afiches, entrega de volantes, discursos en diversos puntos de la ciudad etc.) La intención, analizar y cuestionar la relación que se da entre sociedad porteña y los diversos grupos de inmigrantes de reciente llegada a Buenos Aires. Baudrillard, para explicar la noción de simulacro, la compara con una enfermedad psicosomática, la cual, por
más comprobado que esté que el paciente la padece por cuestiones psquicas, exige ser tratada como una enfermedad real. Si el simulacro opera en la realidad como real y, por ello, es simulacro, porque son sus características indiscernibles de lo real que lo hacen ser y dialogar con el mundo que le permite ser simulacro del mundo. En este sentido, MIO, un movimiento político que llama a la concientización global (o local) acerca de la presencia de inmigrantes en el país, funciona en el encuentro con un público que pretende atraer y establece lazos de intercambio simbólico con el transeúnte cualquiera, quien recorre las calles de buenos aires juntando volantes de los partidos políticos que ofrecen sus servicios a la comunidad. Supongamos que los partidos políticos son la realidad,
ya que al ingresar la noción de simulacro podríamos primero preguntarnos dónde está realmente alojado lo real, desde esta perspectiva, el simulacro es la verdad oculta de MIO, es decir, que es un partido político que no podrá ser votado porque no tiene boleta. No es el carácter formal el que hace que el partido sea un simulacro, sino, la construcción simbólica que gira en torno y que constituye el nodo de la acción. Me refiero, específicamente a que el partido se constituye en torno a un grupo social que exige ser representado, que demanda una representación política porque tiene problemáticas comunes y que, ante un partido político, que como todo parido político, simula empatía, sucede la representación y finalmente el voto. Aquí, al final de la cadena, aparece la fractura, esta fractura es por la que corren los símbolos de MIO y lo hacen fluir al campo del arte, su mundo de pertenencia real, su mundo de surgimiento, el nodo de la cuestión. Ahora bien, inmigrantes organizados, tal como el nombre lo indica, está constituido verdaderamente por inmigrantes y su campaña gráfica está construida en torno a imágenes que evidencian que el inmigrante está identificado con determinado tipo de inmigrante, no son alemanes rubios, francesas excéntricas o deportista australianos, son los negros, los bolitas y algunos otros del margen que miran la fiesta desde afuera porque, sino son el servicio de limpieza, son los encargados de cuidar la puerta. Otra de las características de realidad de MIO es que evidencia lo acotado que es nuestro mundo simbólico respecto del foráneo.
Mito El arte es independiente de la política Verdad Arte y política son animalitos de la misma especie
3 MINUTOS
Campaña solidaria y de concientización Florencia Viton // Magdalena Verdejo
florviton@yahoo.com.ar ! magdaverdejo@gmail.com
Obra invitada de Mariela Pessah Campaña que gira en torno al lema: Tu ciudad es tu casa. Por medio de un análisis estadístico de datos referidos a la mierda de perros presente en las calles, avistaje de perros y métodos que permiten visualizar la gravedad de la situación, se va desplegando una obra que incluye desde la venta de un dispositivo de juntada de mierda, hasta un puesto de ayuda útil para facilitar esta tarea cotidiana. Bajo la mentirosa bandera de pretender “Generar conciencia de la ciudad como casa”, Florencia y Magdalena se zambulleron en el mundo de la mierda de perro y sacaron de allí una línea de productos absurdos que nadie quiere, nadie agarra y nadie colocaría en su mesa de luz.
Bajo la premisa falsa de querer reflexionar en conjunto sobre cuáles son las responsabilidades individuales, este proyecto se erige como una gran irresponsabilidad que hace de la mierda oro y de los perros tiernos culpables de su propia ingenuidad. Un instructivo enuncia las posibilidades de acción, se reparte, se difunde, ¿altera el modo de vida de los habitantes de la ciudad?. ¿cual es el problema con la mierda de perro? Los frascos con etiquetas ubicados en la calle, cual altar del Gauchito Gil, confunden. Los utensilios de trabajo (palita, escoba, guantes de latex, cámara de fotos, frascos limpios), conforman una colección singular y mapas de zonas, cuadros de estudios e instrucciones para juntar soretes edifican una bitácora al estilo Sprayette en su mejor momento. Un estudio con rigor científico sobre un hecho puntual, que no le importa mucho a nadie: thats all!!
Mito El artista sólo trabaja con materiales nobles y le interesan los grandes temas de la humanidad Verdad El artista puede trabajar con cualquier mierda y venderla
A BENEFICIO DE TODOS
Subasta a Beneficio de la Escuela N° 15 Provincia De Mendoza
Campaña para juntar recursos económicos y promover el contacto fluido con obras de arte. Paula Pellejero y Alejandro Thornton arterata@hotmail.com
La Escuela N° 15 “Provincia de Mendoza”, ubicada en la calle Juan Agustín García 1151, en el barrio La Paternal, desde hace unos años está comprometida junto al equipo directivo, los maestros y las familias, a mejorar y mantener en buen estado el edificio donde funciona. Esta subasta, celebrada en LPEP, hizo un aporte económico, bajo las siguientes condiciones: 1) que los artistas convocados vivan o transiten el barrio La Paternal. 2) que las obras a subastar no tengan un precio de base. Se recaudaron en total $9.000-. (Gacetilla del proyecto) Subasta a beneficio, es una estrategia ya vivida, pero esta subasta, a diferencia de otras, es a bajo costo, abierta al barrio, abierta a todos. Rugen y se tejen nuevos proyectos a partir de saber que existen personajes interesados en lo mismo, arte contemporáneo es una célula existente de la realidad social. La Escuela N° 15 “Provincia de Mendoza”, ubicada en la calle Juan Agustín García 1151, en el barrio La Paternal, desde hace unos años está comprometida junto al equipo directivo, los maestros y las familias, a mejorar y mantener en buen estado el edificio de la escuela. Nuestra hija concurre a esta escuela y como padres también queremos ayudar en esta tarea y por eso estamos organizando una especie de subasta a beneficio para recaudar fondos. Pero esta no es la única finalidad,
también queremos generar un diálogo y compromiso entre el arte, los artistas y el barrio. Es en este proceso de diálogo entre la escuela, los artistas y el barrio que queremos sumar a la subasta ciertas características particulares: 1) que los artistas convocados vivan o transiten el barrio La Paternal. 2) que las obras a subastar no tengan un precio de base. Esto es porque la venta de las obras está destinada a las personas del barrio, y gente que están fuera del mercado del arte y del circuito de galerías; que tengan inquietudes con respecto al arte y que quieran acceder o ver como real la posibilidad de comprar una obra de arte contemporáneo. La pegunta con respecto al precio o los posibles precios que pueden llegar a manejarse en la subasta se responde haciéndose cada uno estas peguntas: Vos artista, dentro de tu economía y tus posibilidades reales cuánto podes gastar en una obra? Cuantas obras compraste en tu vida? Por otro lado, conoces a los artistas que trabajan en tu barrio? Tenés algún vínculo con ellos? Te parece importante tener conocimiento de ellos y colaborar en el desarrollo de su actividad? Está previsto también que previamente a la subasta se genere un espacio de dialogo con respeto al tema a fin de verbalizar y conceptualizar la acción. Mito El arte es inútil Verdad El arte puede servir incluso para mejorar las instalaciones de una escuela
UNIÓN EN CRE(A)CCIÓN
Calcado del cuerpo + charlas espontáneas
Luján Piccolo
lujan.piccolo@gmail.com
Calcar con venda enyesada diferentes partes del cuerpo de las personas voluntarias a dicha intervención, guió la tarea de Luján. Una vez obtenidas las partes suficientes, la artista se propuso proceder a unirlas y a crear un nuevo cuerpo, generando UNO, un UNO infinito y rearticulable, un UNO que no llegó a ser sólo uno pero fue. Quienes fueron calcados, también fueron convocados a decidir el destino de UNO. Podrán llevarse cada uno la parte de su cuerpo calcado, la de otro vecino o conservar la pieza en su integridad. Asistimos esa noche a un (RE)nacimiento. Fragmentos de cuerpos que se desmiembran luego de haber sido reconstruidos. ¿Cómo es la unidad corporal?, ¿qué imaginario tenemos al respecto y cómo este fue construyéndose en nuestro interior-ser-psiquis-deseo?, ¿la relación de proporción entre partes es un prejuicio o es una condición de necesariedad del ser vivo? Durante el calcado del cuerpo del otro, un diálogo emerge entre el artista y su víctima. Dos personas toman contacto a través de sus cuerpos y este contacto es mantenido, se desliza en el tiempo, fluye entre vendas y yesos, agua, sensaciones, temperaturas y corrientes de aire. Son niños, mujeres, ancianos o jóvenes. Es indistinto, son la humanidad extraída de cada cuerpo, el “ser”
humano de cada cuerpo que constituye, por adición el UNO en su totalidad. Y, una vez coleccionados los fragmentos, una vez cumplida la tarea del descuartizador, ¿Cómo han de unirse los diferentes cuerpos que no se conocen? ¿Hay un respeto que subyace? ¿Donde aparca la memoria del hecho? La Creación hacia un (RE)nacimiento es un deseo irrealizable, porque además de irrepetibles y desproporcionados, somos resistentes al contacto corporal con otros, estas problemáticas enfrentaron a Luján, llegando al final de su recorrido, a la imposibilidad del Renacimiento materializable y a la conclusión de que un loop de intentos iba a ser mejor estado de cierre que una forzada cita en ilustres desconocidos. Entonces, finalmente, una mesa de disección exhibió los pedazos de la humanidad.
Mito El que trabaja con yeso es escultor Verdad Ni los materiales, ni la técnica definen al artista
LA PATERNAL WALKING TOUR. GUÍA TURÍSTICA DE ARTE URBANO Y OTRAS INTERVENCIONES CALLEJERAS Archivo y catalogación del espacio público Eli Schürmann
eli.schurmann@yahoo.com Mapeo cultural a partir de las diversas formas de arte urbano que se registran en el Barrio de La Paternal (muralismo, bombing, stencil, pegatina). Se documentaron, asimismo, aquellas intervenciones callejeras que no persiguen fines artísticos (santuarios, graffiti convencional, tags y pintadas políticas). Este mapeo está organizado en circuitos recorribles y que dan cuenta de un estado de situación que probablemente dure muy poco tiempo. Autores, circuitos, espacios divididos y clasificados, aparición de pintadas, stencils, derechos humanos, desaparecidos, un perfil de temáticas del barrio, temáticas que emergen de las paredes. Eli diseña un sistema de recolección y colección de datos que se erigen a partir de una caminata. El recorrido es un medio de acceso a la información que existe en la vía pública, disponible, esperando al encuentro de sus transeúntes. Recolectando imágenes disponibles con su cámara fotográfica, Eli dispone las imágenes en un mapa del barrio que define coordenadas específicas, como cualquier mapa turístico de una gran ciudad. Pero este mapa es obsoleto, va a perder su vigencia en poco tiempo, porque así es el espacio público en sí, muta constantemente y sin dar aviso. Estos planos funcionan como un mapeo cultural donde se insertan las expresiones “del borde”, no porque el Street Art no haya sido incorporado al sistema del arte, como bien todos sabemos que sucede hace más de diez años, sino porque en términos de catálogo, el Street Art ingresa a las páginas de la historia cuando es cadáver y no como propuesta de recorrido vivo. Cuando se fotografía una pintada, generalmente se lo hace apenas se ha terminado la misma, en su auge, como la quinceañera quien antes de ingresar al salón de fiestas recorre algunos escenarios bellos de su ciudad para que su máxima expresión de belleza atraviese el devenir del tiempo. Eli invierte el sentido del mapeo, genera una memoria antes de que el tiempo mismo haya pasado sobre ella, la inventa y la hace cierta al inventarla, así es que ingresan a sus mapas las expresiones del borde, las que están hoy pero pronto no estarán más.
Mito El sistema del arte es puertas para adentro de la sala Verdad El sistema del arte también incluye la calle
MUJER BONITA ES LA QUE LUCHA Mural montado en trencadís Cecilia Coppo asistente Rafael Mattos Mutuca pochipeluca@hotmail.com
Mural de mosaico realizado con la técnica de trencadís ubicado en el puente San Martín entre Lascano y Arregui. Tres mujeres están en una posición combativa y representan a la que trabaja, a la que lucha y aquella que estudia. Juntas, bajo el lema “Mujer bonita es la que lucha”, son: la mujer que vive la vida como la desea vivir. Mujeres que encarnan el pensamiento, la creatividad y la acción. Una bandera feminista se ha erigido. Si el arte funda verdades, un acto que habla de lo mismo que hace debe de estar fundando un hecho real, un suceso en el discurrir de la historia. Cecilia, junto a Rafael, andan por el barrio, tocan un timbre, piden permiso, inician un mural de cerámicos que les permitirá hacerle un regalo al Barrio, por un lado, pero también y principalmente, imponer un idea que ellos mismos consideran verdad.
¿Qué se esconde detrás de una frase que todos conocemos? ¿Cuál habrá sido el surgimiento y la difusión de la misma? ¿Por qué y en qué sentido estas seis palabras ordenadas de ese modo encarnan un mundo simbólico que representa la conciencia de un grupo? ¿Qué grupo?
Mito Hay más artistas hombres que artistas mujeres Verdad La mujer artista ha sido silenciada por la historia del arte
curanderXs
Campaña de reparación del espacio público Verónica Pujol // Matías Castro pujolveronica@gmail.com
Emparchamiento de veredas utilizando la técnica trencadís, técnica que permite el uso de restos de azulejos y/ o cerámicos de obras y corralones, así como también de vajilla rota. Este proyecto no es sólo una intervención artística sino que es una propuesta social-afectiva y urbana que busca revitalizar y resignificar el barrio, la tarea de emparchamiento se hace junto a quienes se ofrecen a colaborar. Verónica y Matías arman un comando. Invitan a los vecinos por medio de flyers y charlas puerta a puerta. Se juntan en la vereda y dejan las cosas más lindas. ¿Ayudan? Una técnica famosa, de la mano de Gaudí y, principalmente, de la mano del arte decorativo, deviene acción artística de reconstrucción de las veredas, porque una campaña así lo ha decidido. Este llamado a colaborar se propone e impone como acción modelo. Una buena actitud o, simplemente, una actitud recomendable. Es un servicio que requiere de la predisposición a aprender. Una acción que podría ser viralizada si la gente que experimenta la acción se anima a continuarla. Es una obra de arte que no se vende a pesar de tener, principalmente, una existencia material. En palabras de los artistas: “nos hemos propuesto realizar emparchamientos de veredas utilizando la técnica trencadís; la cual permite el uso de restos de azulejos y/o cerámicos de obras y corralones, como también de vajilla rota. De esta manera, se reutilizan y reciclan estos remanentes resignificándolos de forma artística. Con este proyecto se busca generar una mejora en la calidad espacial del barrio, utilizando como soporte las veredas rotas ubicadas en donde hay graffities y/o intervenciones artísticas en el barrio. De esta manera abrir un diálogo entre las paredes y las veredas de Paternal. Este proyecto no es sólo una intervención artística sino que es una propuesta social-afectiva y urbana que busca revitalizar y resignificar el barrio y a la cual lxs invitamos a que sean parte!”
Mito El mercado del arte define el valor histórico de una obra Verdad Existen obras que escapan al mercado del arte
EPÍLOGO. Siempre que el arte acontece, se produce en la historia un empuje y ésta comienza o recomienza El arte permite brotar a la verdad Heiddegger Para la realización de todos estos proyectos, hemos discutido mucho. Hemos puesto en común problemas y preguntas. Hemos generado acuerdos y diferencias. El laboratorio o taller de proyectos es un espacio para generar y utilizar las herramientas de trabajo necesarias para abordar la Vía Pública. Somos lenguaje, usamos lenguaje y escribimos con nuestros actos. Las potencialidades de la lengua se realizan en nuestro trabajo colectivo, en nuestro acto performático, en nuestra acción en el Espacio Público. ¿Qué dice de mí el texto de mi acción? ¿Existen discursos emancipatorios? ¿Cómo suceden? ¿Cómo se sostienen? ¿Necesitan imponerse ante alguien o algo?. Del recorrido quedan huellas que toman forma, ya sea de imagen, de texto, de objeto, de vacío... esas formas son el rastro y la ocultación del suceso que llevó a su existencia, un mundo de fuerzas que ha devenido existencia por medio de la acción de uno o muchos individuos, genera lazos, genera acuerdos, genera pactos, genera memoria. El modo de ver el mundo define el punto de confluencia de la perspectiva y arrastra consigo una actitud, de esta manera cada artista, junto a los mitos y verdades que lo constituyen, habita la Vía Pública como un espacio elegido para la acción del arte. Así sucede la política. Josefina Zuain 2013
RESIDENTES, INVITADOS VÍA PÚBLICA Y BECADOS LAURA AGUILERA // MAXIMILIANO LÓPEZ LUIS SARAY ROSA APABLAZA VALENZUELA KAREN PACKEBUSCH ROBERTO JAFFIER
Rosa Apablaza Valenzuela (Chile) COMO VIVIR (CASI) SIN DINERO, COMO VIVIR DEL INVENTO Campaña de supervivencia Proyecto que investiga las posibilidades que nos ofrece el barrio La Paternal para alimentarnos de manera gratuita y tener acceso a algunas necesidades básicas prescindiendo del dinero. Durante el proyecto se han llevado a cabo distintas acciones, tales como la recolección de alimentos,el trueque y la venta informal de algunos productos.
Luis Saray (Colombia) BASURASCOPIOS Dispositivo público para la mirada Ensamblajes de packaging desechado y otros objetos no biodegradables, con botellas pet recrearé un falso telescopio en el cual se podrán ver objetos encontrados en el entorno del barrio, el fondo del falso periscopio será semi transparente y permitirá ver parte del barrio, mezclando así dos dimensiones de una misma realidad.
Katherine Patiño Miranda (Suiza - Colombia) MANUAL URBANIDAD Y NUEVAS MANERAS Campaña de convivencia En 1853 Manuel Antonio Carreño escribió su manual de Urbanidad fundamentando las normas de civilidad y etiqueta de América Latina. 160 años después, Katherine Patino investiga las lecturas de la proximidad corporal en el espacio publico proponiendo a través de su manual una nueva forma de habitar el barrio y la ciudad.
Laura Aguilera // Maximiliano López (Argentina - Chile) LLAVES Intervención gráfica Abrir otras puertas, otras oportunidades de las que ya existen, como un pasadizo. Cada uno es responsable de poder abrir o cerrar. Si no nos movemos no pasa nada. La herramienta está en la cabeza. A veces no se nos ocurre que algo que está del otro lado de la montaña está demasiado lejos, pero el desafío activa, y dejamos crecer en la cabeza una nueva llave. Entonces, es posible.
Karen Packebusch (Alemania) LAVADERO Instalación in situ Karen viaja y observa. Es aquella recién llegada que aprende y comparte las actividades de las personas a las que se acerca. Así, los primeros días de su llegada al país, asombrada de las largas colas esperando el colectivo se sumó a los trabajadores y en un rito cotidiano dedicó largas horas a esperar. En Lavadero se mezclan olores con espacios. El típico olor de un lavadero de ropa (llamativo para un recién llegado) invade dos puentes de paso peatonal. Así uno siente que Karen con acciones simples y generosas nos limpia, nos devuelve algo del disfrute del viaje.
Roberto Jaffier (Brasil) Video intervención Es director de cine y artista audiovisual. Trabaja como director de fotografía, asistente de dirección, asistente y operador de cámara en cortos y largometrajes. En este caso presenta una instalación audio visual que pone en relieve la relación con los nacionalismos en la era de las migraciones y de la cultura globalizadora.
NOCHE DE LOS MUSEOS ARTISTAS INVITADOS SELECCIONADOS VÍA PÚBLICA PERFORMANCE POESÍA
Performance audiovisual de Aieda Freitas
Lectura de poesia por Gustavo Stocovatz
EL PODER DEL ARTISTA El lugar que el artista y el arte cumple en la sociedad se vió modificado a través de la historia. No sólo el lugar que ocupa sino también a quién se denomina artista y a qué se denomina arte.
que el artista terrenal también puede ser creador de su propia obra. Tal como Dios creó al hombre a su imagen y semejanza, el hombre crea artificios a su propia imagen. A partir de entonces el Artista deja de ser anónimo, para ser considerado un ser especial en tanto tiene la capacidad de crear.
Muestra de artistas invitados curaduría Raquel Masci
Varios son los modos de ver el quehacer artístico que entran en juego en el arte contemporáneo y en las obras de arte en la actualidad. Conviven visiones donde el artista mantiene su lugar privilegiado como iluminado persistiendo el romanticismo kantiano acerca del arte y otras donde las diversas prácticas artísticas buscan modos de romper esos parámetros. El concepto moderno de “arte” como una actividad superior del espíritu empieza a consolidarse en el siglo XV. En la antigüedad griega y romana el quehacer del pintor y del escultor era considerado simplemente una actividad técnica y artesanal. Durante el medioevo la pintura y la escultura no tenían un lugar entre las artes liberales, desde el punto de vista de la Iglesia pertenecían a la categoría de “artesanía”, por lo tanto serviles. (Cfr. José Jiménez, 1986) Es a partir del Renacimiento que el artista empieza a dejar su impronta en la obra, su firma. Hasta entonces, en la tradición judeo-cristiana, la capacidad creadora era algo que solo podía ser adjudicado a Dios. El primer paso fue dar a Dios la categoría de Artista (artifex creator), la creación divina considerada como arte. De allí se desprende, por analogía,
En el s. XVIII Immanuel Kant establece que el arte en general es producto del artesano o del artista, pero que las bellas artes en particular son el producto del genio. Para Kant el genio es una especie de fuerza de la naturaleza, mediante la cual ésta da la regla al arte y particularmente a las bellas artes, que son su producto. Las características más importantes del genio son la originalidad, en el sentido de que el genio no imita, su incapacidad para indicar como elaborar sus creaciones, como se si tratara de una especie de místico o de alucinado, que crea la obra de arte de modo intuitivo y la ejemplaridad, en el sentido de que sus productos son objeto de imitación. Ya desde el sXVI se aprecia en palabras de Giorgio Vasari esta última característica cuando nos habla de Giotto: “La gratitud que deben los artistas pintores a la Naturaleza, que sirve siempre de modelo a aquellos que se las ingenian para extraer de ella sus partes más admirables y hermosas con el fin de reconstruirla en sus representaciones, esa misma deuda la tienen con Giotto.” El artista, desde los tiempos en que se comenzó a
considerarlo como una individualidad, tenía una relación directa con la alta burguesía o el clero quienes hacían encargos y dirigían la temática de las obras de arte, su lugar de exposición y hasta el momento en el cual darlas por terminadas. Con la pérdida del mecenazgo, el artista entra en el mercado de libre competencia; su propia imagen pasa a ser importante. Por lo general, caracterizado como un hombre solitario, a veces lleno de conflictos, que se ve iluminado por la inspiración. El artista metido en su “torre de marfil” que permite que el común de los humanos se nutra de su capacidad creadora. En la segunda mitad del SXX, sobre todo en América del Norte, con el surgimiento del expresionismo abstracto se reforzó esa manera de ver al artista, cambiando la inspiración divina por la expresión. El artista es alguien que tiene tanta fuerza interior que debe volcarla en sus obras. No es casual esta reafirmación del artista-genio, ya que Estados Unidos de América había tenido, a raíz de la crisis económica de los años treinta, unas prácticas artísticas socializantes y colectivas. Estas prácticas estaban cercanas al Muralismo mexicano y al realismo socialista de la Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas. Luego de la Segunda Guerra Mundial, los Estados Unidos adquieren un nuevo lugar político en el mundo. Por lo tanto, su cultura nacional también debería cambiar. En el expresionismo abstracto no solo se implantan artistas como personas dignas de imitar sino que también se le adjudica una energía y una fuerza “típica” del pintor americano en contraposición con los artistas europeos más idealistas. Las obras que integran “El poder del artista. Mitos y verdades de la figura del artista en el imaginario colectivo” abordan desde una mirada crítica la figura del artista y, por extensión, al ejercicio de sus prácticas. Artistas reconocidos de gran trayectoria rompen con el mito de la originalidad, arrastrada desde el romanticismo, para dar lugar a la investigación, la denuncia y la ironía.
Dice Vivian, el personaje de Oscar Wilde en La decadencia de la mentira: “Realmente lo que el Arte nos revela es la falta de plan de la Naturaleza, su extraña tosquedad, su extraordinaria monotonía, su carácter completamente inacabado. La Naturaleza posee, indudablemente, buenas intenciones; pero como dijo Aristóteles hace mucho tiempo, no puede llevarlas a cabo. Cuando contemplo un paisaje, me es imposible dejar de ver todos sus defectos. A pesar de lo cual, es una suerte para nosotros que la Naturaleza sea tan imperfecta, ya que en otro caso no existiría el Arte.” La serie Arreglos florales de Catalina Schliebener parece hacerse eco de aquella mirada sobre el arte que primo hacia fines del siglo XIX, donde la naturaleza era considerada una deficitaria del arte, la naturaleza no se revela en todo su esplendor hasta que pueda verse a través de la interpretación artística. Así los arreglos florales enriquecen y completan esa belleza imperfecta. Una naturaleza que ya ha sido modificada por el arte, que ha sido domesticada y convertida en una imagen pintoresca. Pero en la obra de Catalina, los diversos collages que conforman la serie muestran con ilustraciones obtenidas de libros educativos de los años 40 y 50 a pequeños y grandes asombrándose ante las flores hermosamente arregladas que ocupan prácticamente la totalidad de la superficie de cada
ROGELIO Lร PEZ CUENCA Warning ART Impresiรณn
CATALINA SCHLIEBENER Arreglos florales Collage
ANA NAVARRETE TUDELA Una, grande y libre Investigaciรณn en progreso
cuadro. El mito del artista como divino creador poseedor del don de crear a la par de un Dios es puesto en cuestión, tanto por el uso de imágenes apropiadas como por la mirada lúdica sobre la temática.
Rogelio López Cuenca extiende esta visión de los mitos hacia la totalidad del arte. Su obra Warning art es un autoadhesivo con el texto Use under close absurd superstition que fue repartido en ARCO 2004 y replantea la visión que se tiene del arte como objeto suntuario, como fruto ultravalorado de la creación humana, como actividad enriquecedora del espíritu. Aquella religión del Arte, donde el arte tiene un valor incalculable en sí mismo y la capacidad de cambiar el mundo se encuentra aquí relegada a una absurda superstición. Sobre todo si se considera que esta obra fue realizada por primera vez
en una feria de arte, donde esa “absurda superstición” sigue manteniéndose absoluta ya que de esta manera garantiza el funcionamiento del mercado del arte internacional. Ana Navarrete Tudela se aleja de los estereotipos románticos sobre el Artista y asume un rol de investigadora. En Una grande y libre subvierte el lema franquista en el que se declara que España es una grande y libre, para referirse a aquellas mujeres que han luchado contra el franquismo insurrecto en armas contra el gobierno legítimo de la Segunda República española. Las barajas españolas representan a los diferentes estamentos de la sociedad: el oro a la burguesía dueña del poder económico; las copas al clero; espadas, los militares y bastos el pueblo llano. En cada una de sus cartas nos cuenta la historia de un representante de estas categorías, denunciando los crímenes y las complicidades de los poderes económico, religioso y militar. En los bastos aparecen las historias de las mujeres, historias que se mantuvieron escondidas, silenciadas y que Ana rescata para impedir que venza el olvido por sobre la justicia. La ironía y la agudeza están presentes en las obras de Luis Hernández Mellizo, Mariano González y Franco Vico. Mariano y Franco caracterizan a ese artista en permanente búsqueda del estrellato, el dinero y el triunfo. En cambio Luis, enfatiza en el trabajo de un artista que pretende vivir del arte: con recortes de periódicos recolectados en Colombia en un largo tiempo forma un archivo de los anuncios acerca de becas, concursos y premios a los que un artista puede aspirar. En esta
LUIS HERNĂ NDEZ MELLIZO Un artista vive de subsidios, auspicios, becas y promociones Collage
MARIANO GONZÁLEZ Ego Sacos y galones
obra se borran todas las fantasías y los mitos que circulan alrededor de los artistas, su bohemia o su gran triunfo económico, castillos y museos en vida, para mostrar una realidad cotidiana tan simple como la manutención diaria. Hernández Mellizo asume un rol de archivista e investigador y lo muestra, lo hace obra. Pero ese rol es ocupado por cada artista que debe encontrar medios para poder generar obras que a la vez serán las que le permiten encontrar esos medios, en un difícil círculo. “Los artistas tienen egos inmensos, pero esto se manifiesta de diversas maneras según la época. Me resulta tedioso toparme con personas que insisten en comunicarme los puntos destacados de su currículum. Siempre pensé que usar insignias o galones sería una buena solución. Si estás exponiendo en la Bienal del Whitney o en la Tate, lo puedes anunciar en tu solapa. Los artistas podrían usar galones, como los generales, y así todos sabríamos cuál es su rango”. Dice Mariano González en su obra EGO citando a John Baldessari. Mariano toma una frase dicha por un gran artista, quien quizás a su pesar ya se ha transformado en esa figura repleta de galones, admirado idolatrado y seguido por muchos. El absurdo es llevado un paso más allá al representarse plásticamente.
Franco Vico pinta luces de neón, cuál si fuera un logotipo de un grupo pop de los ´80, diciendo en colores contrastados Todos arties. Es una pintura de factura impecable la que se permite burlarse de sí misma, del autor de todos nossotros... El mundillo del arte existe, la charla frívola y banal, la sonrisa eterna, los brillos. La supuesta elevación espiritual a la que el arte aspira traída al mundo mucho más terrenal de las modas y las ventas. “Si las comunicaciones de masa reúnen armoniosamente y a menudo inadvertidamente el arte, la política, la religión y la filosofía con los anuncios comerciales, al hacerlo conducen estos aspectos de la cultura a su común denominador: la forma de mercancía”, dice Marcuse en El hombre unidimensional, texto q no pierde vigencia. “La música del espíritu también es la música del vendedor” Estas son miradas tautológicas sobre el Artista, cuestionadoras de su quehacer y generadoras de nuevas posibilidades. Asumiendo el riesgo de poner en marcha la maquinaria mitológica, estos artistas abren un camino para volver a pensar qué es un artista y cuáles son las verdades, mentiras y fantasías asociadas a ese personaje.
FRANCO VICO Todos arties Acrílico
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ACTIVIDADES CHARLAS PRESENTACIÃ&#x201C;N DE PROYECTOS TALLER
APERTURA DEL CICLO
Comenzamos el Ciclo PAPO 2013 con Peter Pank y Virginia Buitrón, quienes vinieron a presentar sus proyectos. Peter Pank mostró un work in progress de La Peli de Batato que realizó junto a Goyo Anchou. Un documental sobre Batato Barea, mítico artista del under de Buenos Aires de la década del 80 y 90. En esta película, la figura del artista Batato es construida mediante imágenes: grabaciones de VHS guardadas y encontradas que se mezclan con entrevistas y con historias contadas en primera persona por Peter. Virginia Buitrón nos presentó a Virgi Doll, un personaje inventado que, mediante un perfil de Facebook, interactúa en el espacio virtual. Virginia construyó una biografía para Virgi con sus actuaciones, sus novios y, finalmente, su muerte. En los dos casos la figura del artista-personaje se construye y genera un relato en el imaginario social. Batato Barea, como una persona real detrás del personaje y Virgi Doll como un personaje ficticio interactuando en la vida real.
Peter Pank El artista conocido como Peter Pank, nacido del under porteño, deleitó con sus performances y varietés en lugares como el Parakultural, Ave Porco, El Dorado y Morocco. Supo llevar su pasión por el cine de terror “clase B” creando en 1999 el cineclub “La Cripta” y participando de la organización del “Festival Buenos Aires Rojo Sangre”. Formó parte de 3 de las obras del director dramaturgo José María Muscari en el circuito off. Dirigió y actuó en su versión de “Los poseídos entre lilas” de Alejandra Pizarnik y en la obra under de culto “Las sangrientas hijas del Dr. Lecter”, entre varias otras. En 2011 junto a Goyo Anchou dirige el largometraje documental, “La Peli de Batato” (estrenado en el Bafici 2011), con el que gana varios premios. Virginia Buitrón Egresa de las Escuelas de Bellas Artes Carlos Morel y Prilidiano Pueyrredón.Sus primeros trabajos fueron producidos con máquinas y materiales para señalética. Descubre el net art, fascinación que se transforma en su principal fuente de trabajo, el diseño web. Realizó muestras individuales en CCR, Palais de Glace, Museo Provincial de Artes de Sta. Rosa, entre otros. Obtiene la Beca de formación ECuNHi – FNA 2011. Participa de residencias para artistas en Bogotá, Colombia (2011), Villa Alegre, Chile y Ciudad de las Artes, Córdoba (2012). Actualmente trabaja en la “última” etapa del proyecto Virgi Doll -identidad ficticia en facebook 2008/2012- que consistirá en un museo y un documental apócrifos.
CLASE DE EDUARDO MOLINARI PARA LOS ARTISTAS SELECCIONADOS
El artista y docente Eduardo Molinari dictó una clase llamada Un rayo en la tierra de los agentes dirigida a los artistas seleccionados para realizar acciones en la vía pública. Molinari puso en debate distintas estrategias posibles para abordar la producción de una obra en el espacio público y reflexionar sobre cual es rol del artista productor en este contexto específico. Este fue el primer acercamiento entre el Espacio La dársena (conducido por Eduardo Molinari y Azul Blasseoto) del que esperamos que surjan nuevas actividades en conjunto con PAPO. Eduardo Molinari Artista visual. Docente en el Departamento de Artes Visuales del Instituto Universitario Nacional de Arte, Buenos Aires, Argentina. Su obra se compone de dibujos, collages, fotografías, instalaciones, intervenciones en el espacio público y publicaciones. En 2001 funda el Archivo Caminante. Desde 2010 coordina junto a Azul Blaseotto el espacio cultural La Dársena, Plataforma de Pensamiento e Interacción Artística
FESTIVAL ARTE Y BARRIO
Los artistas seleccionados para realizar acciones en la vía pública participaron junto a LPEP y La Paternal Recicla en el festival de arte y barrio que se lleva a cabo en el Colegio Lorca (Chorroarin 305) organizado este año por el Club de Jóvenes de la Ciudad de Buenos Aires donde desplegaron partes de sus proyectos aprovechando la concurrencia de vecinos del barrio de La Paternal. El Festival de Arte y Barrio se realiza desde hace 3 años a partir de la iniciativa de La Paternal Espacio Proyecto a través del programa PAPO junto con la comisión de Identidad y Pertenencia del colegio y el Club de Jóvenes. Cada año se dan cita en el festival bandas de música invitadas, bandas del colegio, muestra de las actividades del club de jóvenes y muestras de los trabajos realizados en las aulas. Además se invitan a ONG`s a participar dando talleres y mostrando su actividad.
CHARLAS SOBRE EL PROYECTO PAPO Con el objetivo de generar redes de intercambio con otros grupos e instituciones, durante 2013 presentamos el proyecto PAPO en la Escuela de Arte Leopoldo Marechal en Isidro Casanova, en el marco de Seminario Arte de Acción realizado por la plataforma de arte contemporáneo Matanza Nómade. Compartimos esta charla con Juan Cuello y Marcelo Coy de Trans Entorno. También presentamos el proyecto PAPO en la Universidad del Sur en Bahía Blanca y en la Carrera Artes Multimediales del IUNA.
CIERRE DEL CICLO En el marco de la exhibición El Poder del Artista, se realizó el cierre del Ciclo PAPO con una presentación de los artistas residentes de LPEP. Se comentó sobre las características particulares de un artista que produce obra en una residencia. Además, invitamos a José Luis Meirás y al LAC(Laboratorio Audiovisual Comunitario) con quienes charlamos sobre formas activistas de producción artística.
Luis Saray, Karen Packebusch, Katherine Patiño y Roberto Jaffier
LAC (laboratorio Audiovisual Comunitario) y José Luis Meirás
José Luis Meirás Estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes “Manuel Belgrano”. Integró los colectivos de serigrafía y acciones visuales Gastar y Capataco. Integró el colectivo editorial Salchichón Primavera. Realizó diversos talleres y asistencias en artes visuales, historieta, fotografía, periodismo, video y diseño. Creó el sitio web de Página/12 en 1997 y coordinó su publicación hasta 2007. Integra actualmente el grupo Arde! y edita revista Underground. Se interesa en las prácticas artísticas, la pintura, la comunicación, el activismo cultural y político. Laboratorio audiovisual comunitario (LAC) Es un colectivo de realizadores, artistas, docentes y comunicadores sociales que desarrolla propuestas de creación, producción y capacitación audiovisual comunitaria. Nuestro principal objetivo es la producción creativa de contenidos de TV comunitaria, haciendo foco sobre nuevos escenarios sociales. Construir otras narrativas, nuevas ficciones, nuevos imaginarios. Amplificar las voces que quedan excluidas del monólogo mediático hegemónico y formular en cada comunidad nuevas preguntas sobre la práctica y el hacer de un medio propio.
Como actividad final del Ciclo se realizó en conjunto con Indisciplinas Visuales, el Centro de Investigaciones Artísticas y el Frente Popular Dario Santillán en una acción relativa a la nueva denominación de la estación Avellaneda dictada por una ley del Congreso Nacional. Desde el 13 de noviembre de 2013, la estación Avellaneda pasa a llamarse Estación Kosteki y Santillán. La acción consistió en comprar un boleto de tren desde la estación Constitución hasta la estación Kosteki y Santillán, hacer el viaje y recorrer el espacio de la estación que funciona como un memorial sobre los militantes asesinados en una marcha de desocupados en 2002.