La pintura abstracta representa la expresión pura de la subjetividad y del universo interior del artista. Recrea un mundo plástico, ajeno a la realidad, donde las formas, los colores, la luz y la composición son capaces de evocar todo tipo de sensaciones y sentimientos. Esta obra está destinada a los artistas que pretenden la libertad total de expresión en las formas, las proporciones, los espacios y las perspectivas, abriendo así nuevos caminos para disfrutar y apreciar la pintura no figurativa. Se ofrece en ella contenido impreso y contenido multimedia a través de la realidad aumentada.
PINTURA
Contenido impreso: 20 ejercicios con modelo desarrollados paso a paso que incorporan las diferentes técnicas explicadas en el libro. Galerías de imágenes que sirven de inspiración. Análisis de obras acabadas. 6 páginas que muestran distintos métodos de trabajo.
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Contenido multimedia: 8 ejercicios con imágenes que ilustran el proceso paso a paso. Más de 25 propuestas de obras para seguir practicando. Fotografías de apuntes y ensayos previos a los ejercicios. Más imágenes de algunos ejercicios mostrados en el libro para observar con mayor detalle el proceso.
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ISBN: 978-84-342-0511-6
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Pintura abstracta Proyecto y realización de Parramón Paidotribo Dirección editorial: María Fernanda Canal Edición: Mari Carmen Ramos Textos: Gabriel Martín Roig Realización de los ejercicios: Josep Asunción, Mireia Cifuentes, Gemma Guasch, Gabriel Martín, Esther Olivé de Puig, Isabel Pons y Gloria Valls Diseño de la colección: Toni Inglès Fotografías: Estudi Nos & Soto Maquetación: Estudi Toni Inglès Preimpresión: iScriptat Primera edición © 2015 Parramón Paidotribo © Wassily Kandinsky, VEGAP, Barcelona 2015 © Comissió Tàpies, VEGAP, Barcelona 2015 Les Guixeres C/. de la Energía, 19-21 08915 Badalona (España) Tel: 93 323 33 11 - Fax: 93 453 50 33 http://www.parramon.com E-mail: parramon@paidotribo.com Producción: Sagrafic, S.L. Derechos exclusivos de edición para todo el mundo ISBN: 978-84-342-0511-6 IBIC: AFC, WFA Impreso en China Prohibida la reproducción total o parcial de esta obra mediante cualquier recurso o procedimiento, comprendidos la impresión, la reprografía, el microfilm, el tratamiento informático o cualquier otro sistema, sin permiso escrito de la editorial. Cualquier forma de reproducción, distribución, comunicación pública o transformación de esta obra sólo puede ser realizada con la autorización de sus titulares, salvo excepción prevista por la ley. Diríjase a CEDRO (Centro Español de Derechos Reprográficos, www.cedro.org) si necesita fotocopiar o escanear algún fragmento de esta obra (www.conlicencia.com) 91 702 19 70 / 93 272 04 47.
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LA PINTURA ABSTRACTA
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ABSTRACCIÓN A PARTIR DE LOS COLORES
La gestualidad del color 1
E
n una pintura abstracta, los colores pueden fundirse o mezclarse hasta acabar por completo con la dictadura de la forma. Los contornos desaparecen y la composición se convierte en un campo de colores distintos donde unos y otros interactúan de manera fluida, casi atmosférica. La superficie del cuadro se llena de pinceladas extendidas en direcciones distintas, que se activan como si fueran fruto de un continuo bullicio. Este ejercicio pretende potenciar el color en sí mismo, absolutamente desligado de la forma. El paso a paso se inspira en una imagen real, pero el resultado aparece completamente desprovisto de cualquier referente figurativo. Se emplea pintura al óleo, que se aplica unas veces con el pincel y otras con la espátula metálica.
ABSTRACCIÓN A PARTIR DE LOS COLORES
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Se toma una espátula metálica y se arrastra, completamente plana, por la capa de pintura húmeda para conseguir manchas más desgarradas y un cierto efecto de difuminado entre los distintos valores anaranjados.
PASO 7
7
MODELO El punto de partida es una vista del interior de un volcán extinto. Las coloraciones cálidas y cambiantes de la tierra deben estar presentes en la obra abstracta.
2 Utilice la App para escanear las
Desarrollar una pintura intuitiva
PASO 6
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Se carga la parte inferior de la hoja de la espátula metálica con blanco de titanio y se aplica en determinados puntos de la composición, pasando repetidamente por encima para que se fundan con los colores húmedos. No deben distribuirse de manera equilibrada, hay que evitar que la imagen quede simétrica.
PASO 1
PASO 8
El modelo es tan sencillo que no hace falta un dibujo preliminar, basta con un color aguarrasado para trazar el perfil del volcán con rojo de cadmio. Esos primeros trazos, que se realizan precipitadamente, quedarán ocultos bajo las primeras capas de pintura.
Con el perfil afinado de la espátula se difuminan los perfiles de cada una de las principales áreas cromáticas, de manera que los colores invaden las zonas adyacentes. El conjunto parece ahora un paisaje que se disuelve en grandes masas de vapor.
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ESTADIO FINAL
A medida que se avanza, se va olvidando el modelo de referencia. Es más, los colores no mantienen ninguna relación con él. Hay que desarrollar una pintura mucho más intuitiva, inspirada en la apetencia personal y el gusto. Poco a poco, las pinceladas van adquiriendo relevancia y van deshaciendo los límites físicos entre las principales zonas cromáticas.
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El modelo inicial ha derivado hacia una pintura pasional donde el color y la energía que éste desprende son los absolutos protagonistas. No hay lugar tampoco para el dibujo ni para la línea ni para ningún referente figurativo. Las bandas de color son pura energía que deja atrás el referente del cual parece haberse olvidado por completo.
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PASO 9 Los últimos toques se realizan con pintura densa y saturada en el centro del cuadro, creando un punto de interés, un centro de atención que reclama la mirada del espectador.
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Otra interpretación de este mismo ejercicio
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La gestualidad del color
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LA PINTURA ABSTRACTA
Romper con la figuración T
radicionalmente, los grandes pintores han intentado imitar, mimetizar o capturar con colores la naturaleza, los paisajes, las ciudades, las personas, los objetos, las flores, el mar…, para retener parte de su belleza, con la idea de que cuanto más se parezca al modelo real más meritorio es su trabajo. Algunos siglos atrás, el arte era más lineal y estable, los gremios de artistas y las academias de pintura ejercían cierto control sobre el sector, por ejemplo impedían la disidencia e imponían normas a sus artistas, actuaban, en suma, como centros de artesanía que trataban de preservar y perpetuar la transmisión de las técnicas tradicionales de la pintura. Regían unas pautas que no se contrariaban y se aceptaban como las más lógicas, las más naturales, y la mejor forma de hacer las cosas. Esta creencia se quebró por primera vez en el siglo XX cuando algunos pintores empezaron a transgredir la norma y a desarrollar lo que hoy se conoce por arte abstracto, es decir, un arte que se aparta de la realidad en la representación de la imaginería del arte hasta conseguir una manifestación pictórica que no toma como referencia lo natural y no se somete a ninguna regla. Fue tal el impacto que causó esta nueva concepción, que la pintura abstracta se convirtió en pocas décadas en una de las manifestaciones más significativas del siglo XX, la que más repercusión ha tenido en la historia del arte y cuyo desarrollo continúa vigente en la actualidad.
de la técnica. Sin embargo, los artistas importantes de las vanguardias del siglo XX no fueron ni mucho menos novatos, pues su etapa de juventud se caracterizó por el dominio de la pintura figurativa; tenían un profundo conocimiento del oficio, ya que antes de desarrollar su estilo personal desarrollarán las tendencias artísticas más tradicionales.
El entusiasmo creativo de los artistas abstractos no ha sido ni es compartido y comprendido por el público en general. Para muchos aficionados, la pintura abstracta siempre ha supuesto una burla, la sensación de fraude. Quienes no logran apreciar o comprender el arte abstracto se preguntan por qué los artistas abandonaron las técnicas convencionales de la pintura, sosteniendo la falsa creencia de que detrás de muchas pinturas abstractas algunos pintores tratan de esconder una falta de habilidad o dominio
En la actualidad, el artista ya no tiene la misión de preservar, de transmitir las técnicas tradicionales, no se encuentra sujeto a una normativa académica, ni tan siquiera a la representación figurativa. Gracias a la abstracción, ha logrado la libertad total de expresión en sus formas, proporciones, espacios y perspectivas, abriendo así nuevos caminos para disfrutar y apreciar la pintura. La obra abstracta se ha convertido en la expresión pura de la subjetividad y del mundo interior del artista. Por medio de ella, se transmite directamente desde el sentimiento, a través de formas, colores, luces y sombras y de la composición, creando un mundo plástico ajeno a nuestra realidad, capaz de evocarnos sensaciones y sentimientos.
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Romper con la figuración
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LA PINTURA ABSTRACTA
Medio siglo de abstracción (1910-1960) L
a llegada del impresionismo, las nuevas concepciones pictóricas, la crisis de los valores espirituales y materialistas de finales del siglo XIX y el nacimiento de la fotografía favorecieron, sin duda, el desarrollo del arte abstracto. Como consecuencia de esto, los artistas se abrieron a nuevas formas de expresión, pues ya no tenían la necesidad de reflejar la realidad retiniana, tal y como la veían, para eso estaba la cámara fotográfica. Muchos creadores se encerraron en sí mismos, se apartaron del mundo, para centrarse en el yo y en su vida interior a fin de encontrar la manera de traducir con signos pictóricos esta nueva realidad. En el siguiente apartado se propone un breve viaje por medio siglo de abstracción, para comprender mejor sus orígenes. 2
Los precedentes El origen del arte abstracto es extremadamente complejo de precisar. No aparece de manera espontanea sino que es fruto de la evolución de las primeras manifestaciones semiabstractas que empiezan a producirse a finales del siglo XIX de la mano de los pintores simbolistas y postimpresionistas: Paul Sérusier, James Ensor o Paul Cézanne, entre otros. Sérusier, en su obra El talismán (1888), pone en práctica algunos de los principios básicos de este nuevo estilo de pintura: síntesis absoluta de las formas, tendencia a la geometrización y simplificación de las aplicaciones de colores, todo lo cual sitúa a esta obra en el límite de lo reconocible, entre la figuración y la abstracción. El artista belga James Ensor, en La aniquilación del ángel rebelde (1889), recreó el combate entre fuerzas celestiales y demoníacas con alocadas y dinámicas pinceladas gestuales que descomponían la forma, convirtiendo
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la obra en una neurosis, una locura de trazos que recuerdan las creaciones del expresionismo abstracto. Por su parte, Paul Cézanne realizó a lo largo de su vida series de pinturas muy interesantes, por ejemplo las dedicadas a la montaña Sainte-Victoire (1888-1904), resuelta con una modulación de unidades de color estructuradas que se superponen, formando un fluido de reflejos que danzan ante la mirada del espectador. En sus últimas obras, la forma de la montaña y el paisaje casi desaparece bajo un prisma de manchas coloridas. A pesar del interesante acercamiento a la abstracción de muchos artistas del siglo XIX, ninguno de ellos puede ser considerado verdaderamente abstracto, pues nunca llegaron a desvincular del todo su obra del modelo real, éste nunca fue su objetivo, siempre tuvieron un mínimo apego a lo figurativo.
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Las primeras obras abstractas: Kandinsky y Klee
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1 Paul Sérusier, El talismán, 1888. Musée d’Orsay (París, Francia).
2 Paul Cézanne, La montaña Sainte-Victoire vista desde Lauves, 1902-1904. Philadelphia Museum of Art (Filadelfia, EE.UU).
Al igual que los postimpresionistas, el primer cuarto del siglo XX, los pintores expresionistas alemanes reunidos en los grupos Der Blaue Reiter (El jinete azul) y Die Brücke (El puente) pretendieron una renovación del arte, la búsqueda de formas fundamentales a través del color. Uno de sus miembros más destacados fue el ruso Vassily Kandinsky, quien decidió orientar su pintura hacia una depuración reflexiva. Dejó de imitar la naturaleza y otros modelos reales y, a través de un proceso de depuración y simplificación de líneas y colores, elaboró en su estudio una pequeña acuarela que le produjo una profunda emoción. Ésa puede considerarse la primera obra abstracta, ya que nacía únicamente con esa intencionalidad, carecía de tema y no derivaba de referente visual alguno, sólo se trataba de una armonía de líneas y manchas de colores. Otro artista, Paul Klee, vinculado con los expresionistas alemanes, también desarrolló un imaginario donde las formas reales, poco a poco, se fueron descomponiendo en símbolos primarios, como el círculo, el cuadrado, el triángulo o formas orgánicas. Esta simplificación formal le acercó a la abstracción, tanto en sus obras del primer período, las catalogadas como místicas, como en las que realizó durante sus años de maestro en la escuela de la Bauhaus. Un buen ejemplo de ello es su obra Armonía de cuadrados en rojo, amarillo, azul, blanco y negro (1923). Gracias a estos dos pioneros, la pintura abstracta se liberó definitivamente de cualquier asociación con la realidad.
3 Vassily Kandinsky, Pintura con mancha roja, 1914. Museo Nacional de Arte Moderno Georges Pompidou (París, Francia).
Medio siglo de abstracción (1910-1960)
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LA PINTURA ABSTRACTA
La abstracción geométrica Mientras que las primeras manifestaciones abstractas pueden considerarse una derivación del fauvismo y del expresionismo, en Rusia se desarrolló una abstracción marcadamente más geométrica, después de que Kasimir Malevich publicara en 1915 el Manifiesto del Suprematismo, que promovía la pura sensibilidad a través del uso restringido del color y de las formas geométricas simples. Sus teorías fueron una fuente de inspiración para toda una generación de artistas liderada por Liubov Popova, El Lissitzky y Aleksandr Rodchenko, que siguieron la misma línea. Este anhelo
por la depuración de las formas también 2 tuvo sus frutos en Holanda con la aportación del grupo De Stijl (1917), que ofrecía el Neoplasticismo como alternativa, una pintura que realzaba la bidimensionalidad del plano empleando, básicamente, rectángulos y cuadrados, y usando sólo colores primarios: azul, rojo, amarillo, blanco y negro. El blanco se utilizaba como fondo neutro y el negro, para destacar contornos e intercalar trazados rectos. Defendían así el orden claro y geométrico, la depuración de las formas, en un intento por llegar a lo elemental. En esta línea destacan Piet Mondrian y Theo van Doesburg.
1 1 Piet Mondrian, Composición con rojo, amarillo y azul, 1937-1942. Tate Gallery (Londres, Reino Unido).
2 Olga Vladimirovna Rozanova, Composición sin objeto, 1916. Museo Regional de Arte (Samara, Rusia).
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Expresionismo abstracto e informalismo
3 Antoni Tàpies, Pintura, 1955. Museo de Arte Reina Sofía (Madrid, España).
A mediados del siglo XX, la mayoría de artistas de vanguardia más importantes ya se habían apartado de la figuración y habían comenzado a explorar nuevos estilos dentro de la abstracción. La presencia de importantes artistas de las vanguardias europeas en Nueva York, tras el estallido de la Segunda Guerra Mundial, hace emerger a partir de los años cuarenta el expresionismo abstracto, una corriente donde se fusionan la abstracción y el automatismo, caracterizado éste, a su vez, por dos corrientes: una gestual o también llamada pintura de acción (action painting), muy apasionada, basada en el gesto realizado con el pincel; y otra donde prima el tratamiento de las superficies con color (color field-painting), la combinación de franjas de colores en obras de grandes dimensiones. En el primer caso, destacan Jackson Pollock, Willem de Kooning, Kevin Kline o Motherwell,
y en el segundo, Mark Rothko, Clifford Still y Barnet Newman. En Europa se desarrolla el Informalismo, una tendencia coetánea al expresionismo abstracto. Tiene un carácter mucho más trágico, una gama de colores más agrisados y un gran interés por la materia, por el desarrollo de la textura sobre el lienzo. Esto provoca que la superficie pictórica funcione como pared, como muro, donde aparecen rasgaduras, desconchados, incisiones o huellas. En este grupo destacan las obras de Jean Dubuffet, donde masas monocromas muy texturadas se levantan, se arrugan, presentando la superficie del lienzo a modo de terrenos sedimentados. El interés por la incorporación de nuevos materiales y texturas permite a estos artistas huir de la figuración. Antoni Tàpies, de hecho, difumina casi por completo los límites entre el lienzo y un simple muro, que completa con esgrafiados, incisiones, amplias pinceladas u objetos incorporados al lienzo.
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DESCOMPONER LA REALIDAD 012-013 001-025 PINTURABSTRACTA.indd 12
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