Copiar los dibujos realizados por los grandes maestros fue, es y será una práctica habitual entre los estudiantes de Bellas Artes. Además de tratarse de un ejercicio de un gran valor formativo es una buena manera de analizar, comprender y apropiarse de las técnicas, los efectos y los recursos de los grandes artistas del pasado; con ello, los secretos del dibujo se ponen al alcance de todos los aficionados al dibujo y a la pintura. Esta obra está destinada a los amantes de la historia del arte, a los que se sienten atraídos por los dibujos antiguos, a los copistas de los grandes museos y a los artistas avanzados que quieren mejorar sus habilidades o ampliar su conocimiento de la técnica del dibujo. Contenido adicional: • 14 obras originales para imprimir • Más de 27 vídeos instructivos • 70 propuestas de dibujos para seguir practicando
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DIBUJAR como los
GRANDES MAESTROS
DIBUJAR COMO LOS GRANDES MAESTROS
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DIBUJAR
GRANDES MAESTROS
Una excelente forma de aprender de quienes tienenn mu mucho ho qque enseña enseñar ISBN 978-84-342-1041-7
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a copia de los dibujos de los grandes maestros de la historia del arte occidental ha sido una práctica generalizada a lo largo de los tiempos, uno de los métodos más empleados por los estudiantes de las escuelas superiores de arte para iniciarse en el aprendizaje artístico, precisamente a través de la comprensión del trabajo de los grandes pintores y escultores del pasado. El concepto de copia artística se popularizó durante el Renacimiento, exactamente durante el siglo XVI, cuando se extendió el afán de coleccionismo entre la nobleza y la burguesía adinerada y el crecimiento de un mercado artístico ávido de reproducciones de los cuadros más admirados del momento. El dibujo, a pesar de tener una consideración menor, siempre ha sido la base del entendimiento de cualquier disciplina artística, un campo de pruebas, un espacio donde experimentar, innovar, poner en práctica una técnica, adquirir habilidades…; en definitiva, una forma de revisar y de apropiarse de la manera que tenían de trabajar artistas de la categoría de Miguel Ángel, Leonardo da Vinci, Rafael, Durero, Caravaggio, Rubens o Rembrandt, entre muchos otros. La copia de grabados y dibujos antiguos servía para ejercitar la mano, aprender el canon de estilo y a calcular las proporciones, practicar los sombreados o simplemente tratar de comprender la visión particular que cada artista tenía de la realidad. Por lo tanto, el objetivo principal de la copia no es la duplicación sino la recreación, la comprensión y la asimilación de una determinada técnica o manera de interpretar el modelo, con la esperanza de que la comprensión de la perspicacia y de las habilidades de un gran maestro ayude a desarrollar una grafía y una técnica personales. Expresado con otras palabras, la copia revela al aficionado la pericia del artista en su saber hacer, y tiene la osada finalidad de igualar el oficio de los maestros de la antigüedad. La reproducción de dibujos, pinturas y esculturas de los grandes maestros ha sido una práctica habitual durante cientos de años, y prueba de ello son los numerosos y hermosos testimonios que hoy en día recogen las grandes pinacotecas del mundo. Vale la pena destacar la gran sala de reproducciones del Victoria & Albert Museum de Londres, la Weston Cast Court, que atesora reproducciones de algunas de las obras escultóricas más importantes del renacimiento italiano para que quienes lo deseen puedan conocerlas, estudiarlas y dibujarlas a partir de un modelo muy ajustado al original.
Aunque pueda resultar sorprendente para quienes limitan esta práctica al pasado, este tipo de dibujos ha formado parte de las etapas del aprendizaje de los más importantes artistas renovadores de la plástica artística del siglo XX como Cezanne, Van Gogh, Seurat, Picasso, Matisse o Giacometti, entre los más conocidos. El gran artista italiano Giorgio de Chirico, en su estudio Il ritorno al mestiere, explicaba que “hay que empezar copiando figuras reproducidas impresas para después pasar a las copias de estatuas”. Y añadía que “hacían falta de cuatro a cinco años antes de afrontar la copia directa del natural”. Copiar los dibujos de célebres artistas con técnicas secas, como los que se proponen en este libro, supone un ejercicio extraordinariamente provechoso; eso sí, requiere paciencia, un alto grado de reflexión, cierta habilidad y un notable conocimiento de la técnica. El escultor Gian Lorenzo Bernini afirmaba que la copia de dibujos de los grandes maestros resulta muy útil para la instrucción del artista. La práctica de modelos y estilos antiguos le permite familiarizarse y formarse con la idea de lo bello, lo cual le proporciona un bagaje valiosísimo que le servirá cuando tenga que enfrentarse con modelos del natural.
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IMITAR LOS TRAZOS DE LOS GRANDES MAESTROS
Láminas, dibujos y estampas A partir del Renacimiento, los talleres de pintura empezaron a utilizar con frecuencia dibujos y estampas por igual. Los primeros se realizaban como estudios preparatorios para decidir la composición definitiva de la obra o aspectos particulares como la forma y posición de unas manos, la expresión de un rostro o los pliegues de un drapeado. La copia es un método de primer orden para “aprender a ver” porque obliga a mirar a través de los ojos de otro y a fijarse en la forma en que ese otro ha visto algo y lo ha plasmado en el papel. Es un buen sistema de aprendizaje, lo demuestra la excelente calidad de las copias que han realizado artistas extraordinarios.
Modelos para copiar Inicialmente, los estudiantes de arte aprendían a partir de los dibujos o estudios realizados por el maestro que regentaba el taller al que asistían o bien con ayuda de una selección de estampas que había coleccionado con la expresa intención de ejercitar las habilidades artísticas, el uso de los materiales de dibujo y comprender mejor las partes más complejas del modelo, generalmente la figura humana. Gracias a las estampas, se conseguía un gran número de modelos distintos y con ello una gran difusión y popularidad, a la que sin duda contribuyó la aparición de las academias. Los grabados alcanzaron tal aceptación que rara vez se recurría a modelos del natural para trabajar, más bien se optaba por componer las pinturas a partir de las imágenes representadas en los grabados.
Los grabados calcográficos fueron la principal fuente de inspiración para los artistas durante siglos. Eran láminas ilustradas a las cuales recurrían para copiar poses, composiciones o personajes.
Los artistas del pasado apenas dibujaban del natural, componían sus obras a partir de la copia de estampas y grabados que circulaban por toda Europa. He aquí un ejemplo de cómo un artista del siglo XVII basa su pintura en un grabado de Aegidius Sadeler y Agostino Carracci.
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Seleccionar modelos de calidad Hoy en día, el aficionado al dibujo lo tiene mucho más fácil para empezar a copiar, pues cuenta con muchos sistemas mecánicos de reproducción a su alcance para conseguir modelos en muy buena resolución que permiten ajustar los colores y distinguir los detalles de los trazos con suma facilidad. Antes de empezar, no obstante, conviene seleccionar muy bien los modelos y conseguir una reproducción en papel de un tamaño Din A4, como mínimo. También existe la posibilidad, aunque algo más molesta, de visualizar el modelo desde la pantalla de una tableta o un ordenador. Interesa elegir temas realizados por distintos maestros, de personalidades diferentes, para obtener una gran variedad gráfica e interpretativa que haga de la copia un ejercicio divertido y variado.
Los catálogos de exposiciones de dibujos son una buena fuente de inspiración de donde extraer modelos para dibujar.
Conviene trabajar con reproducciones dotadas de muy buena resolución para poder apreciar los detalles del trazado y el sombreado. Si, además, se dispone de modelos variados, mucho mejor.
Ford Madox Brown, Estudio preparatorio para la obra The Last of England, 1852. Dibujo a lápiz sobre cartón, 40,8 36,5 cm. Birmingham Museums and Art Gallery (Birmingham, Reino Unido).
EL DIBUJO COMO PROYECTO El dibujo es una disciplina artística por derecho propio, tan valorada como la pintura o la escultura, pero en el pasado nunca fue así. Hasta bien entrado el siglo XX, solo se le consideraba un simple proceso, un estadio preliminar a la realización de cualquier obra de mayor envergadura, un campo de pruebas o un soporte para ensayar detalles o composiciones. Muchas de las siguientes obras permiten comprobar el dibujo preliminar que realizó el artista con la obra pictórica definitiva. Ford Madox Brown, The Last of England, 1855. Óleo sobre lienzo, 46,4 42,3 cm. Fitzwilliam Museum (Cambridge, Reino Unido).
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IMITAR LOS TRAZOS DE LOS GRANDES MAESTROS
Elección y tratamiento de los papeles
Conviene tener una carpeta repleta de papeles de distinto color, gramaje y textura para elegir el más adecuado en cada caso, aquel que más se parezca a la obra que se pretende copiar.
Entonar los papeles
ntes de empezar a copiar un dibujo, hay que tomarse un tiempo para elegir el soporte más adecuado, que estará en función del medio empleado y el efecto o acabado que se pretenda dar al dibujo. El copista debe disponer de una carpeta con numerosos papeles de distinto color, tipología y textura para comprobar cuáles se ajustan más a los acabados de la obra original. A veces, el tono y la textura no son exactamente los mismos, pero esto no debe suponer un problema, ya que existen métodos para modificar el color de fondo y ajustar lo mejor posible los colores finales a la reproducción fotográfica de la obra original.
En ocasiones, el tono del papel no se corresponde con el que presenta el modelo, bien sea porque el papel ha envejecido o porque en su momento el artista le aplicó una pátina de color con aguada. En tal caso, se tiñe el papel con acuarelas para ajustarlo, el máximo posible, al color original. Una simple aguada mitiga el impacto del blanco del papel y le da un aspecto más crudo, incluso envejecido. Una vez seca, se dibuja encima con total normalidad. No hay que caer en el error de imitar las manchas de oxidación del papel, rasgaduras o humedades, pues no es el objetivo de la copia. Se trata de hacer una copia, no una falsificación. Será suficiente con ajustar el color de fondo con una aguada o incluso manchar su superficie con pigmento y un trapo de algodón.
Un soporte preparado de un modo adecuado para cada caso incrementa de manera notable las posibilidades de éxito. Una forma de entonar el color del papel es aplicar una aguada con acuarela.
También se puede fabricar una pequeña muñequilla de papel o algodón. Se frota una barra de creta, se unta la muñequilla y se extiende el pigmento por la superficie del soporte.
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Copiar los dibujos realizados por los grandes maestros fue, es y será una práctica habitual entre los estudiantes de Bellas Artes. Además de tratarse de un ejercicio de un gran valor formativo es una buena manera de analizar, comprender y apropiarse de las técnicas, los efectos y los recursos de los grandes artistas del pasado; con ello, los secretos del dibujo se ponen al alcance de todos los aficionados al dibujo y a la pintura. Esta obra está destinada a los amantes de la historia del arte, a los que se sienten atraídos por los dibujos antiguos, a los copistas de los grandes museos y a los artistas avanzados que quieren mejorar sus habilidades o ampliar su conocimiento de la técnica del dibujo. Contenido adicional: • 14 obras originales para imprimir • Más de 27 vídeos instructivos • 70 propuestas de dibujos para seguir practicando
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