Copiar la obra de los grandes maestros no es un simple ejercicio de mímesis, supone una práctica con un gran valor formativo, una manera de fijarse, estudiar y apropiarse de los recursos técnicos de las grandes obras del pasado. Esta obra está destinada a los amantes de la historia del arte, a los que se sienten atraídos por la pintura histórica, a los artistas experimentados que quieren mejorar sus habilidades o ampliar su conocimiento de la técnica, y a todos aquellos aficionados que ansían avanzar en un nuevo arte. • Contenido multimedia a través de realidad aumentada • 14 obras originales para imprimir • Más de 27 vídeos instructivos • 14 ejercicios desarrollados paso a paso • 70 propuestas de cuadros para seguir practicando
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GRANDES MAESTROS
PINTAR COMO LOS GRANDES MAESTROS
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PINTAR
GRANDES MAESTROS
Una excelente forma de aprender de quienes tienenn mucho qque enseñar ISBN 978-84-342-4085-8
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IMITANDO LA TÉCNICA Juan Gris
Efectos de claroscuro En esta fase, se incorporan efectos de textura muy interesantes como el veteado de la madera o el puntillismo. Juan Gris solía solucionar estas texturas con papiers collées pero nosotros vamos a recrearlas con óleo, utilizando un pincel de goma. Poco a poco van emergiendo los objetos que componen el bodegón, que se construyen con técnicas de sombreado y modelado. Los elementos son figurativos, se identifican fácilmente, aunque aparecen fragmentados y representados cada uno desde un punto de vista diferente: el frutero y la copa desde una posición elevada, la cafetera de perfil o el periódico completamente plano. Otros objetos, como el molinillo de café, aparecen tan sintetizados que hay que forzar la imaginación para reconocerlos.
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7. Los objetos van apareciendo gracias al trabajo monocromo practicado con un pincel redondo fino. Hay que proceder con mucho cuidado para no malograr el trabajo rozándolo con la mano. 8. Sobre un fondo de color verde veronés aclarado con blanco se dibujan las letras del periódico. Se utiliza para ello un tono gris resultado de mezclar verde veronés con violeta permanente. Con esa misma mezcla se extienden las sombras sobre el fondo verde. Compruebe en el vídeo el modelado de los objetos sobre la pintura verde todavía húmeda.
8 Vídeo. Muestra con detalle un determinado proceso. Observar. Permite ver cuadros del mismo autor pintados con la misma técnica.
9 9. En eel mantel es necesario aplicar una capa de pintura cremosa a de d blanco abundante con una punta de ocre y gris, creando ligeras valoraciones de tono. El sombreado crea se realiza realizza con aportaciones agrisadas que finalizan con un esgrafi esgra afiado general practicado con el extremo del mango del de pincel. d
Quizá no lo parezca, pero ésta es en realidad una obra Quizá muy y laboriosa, pues la mayoría de intervenciones requieren una gran precisión y apenas hay lugar requ ui para a unas pocas pinceladas rápidas y espontáneas, como com mo sucede en otros ejercicios de este libro. obstante, el resultado es impecable y muy No o ajustado al modelo real. ajus st
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La copia: una lecciรณn completa de pintura
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as antiguas academias y escuelas de arte tenían las salas repletas de copias de cuadros famosos y reproducciones de esculturas clásicas realizadas en yeso. Las réplicas de las obras de los artistas de la antigüedad eran la mejor manera de acercar una pieza única a un público multitudinario y geográficamente disperso. Si bien resulta evidente que no se trataba de un original, las copias tuvieron un papel destacado en la difusión del arte y la obra del genio creador del artista. Entre los siglos XVI-XIX, muy pocos artistas tuvieron la oportunidad de viajar por Europa al encuentro de las obras originales para estudiarlas, de modo que la mayoría tuvieron que conformarse con réplicas pintadas o grabados calcográficos que reproducían las obras más célebres en blanco y negro. Por aquel entonces, no existían las excelentes reproducciones en libros de arte de las que disfrutamos en la actualidad. Durante su etapa de formación académica, casi todos los grandes artistas copiaron a sus predecesores e incluso a otros artistas de su época. Así lo hicieron los Velázquez, Rubens, Goya, Ingres, Manet y otros sin ningún pudor, por su gran valor formativo y para tratar de apropiarse de los secretos de la técnica. En aquellos tiempos, lo habitual era que el aprendiz de pintor copiara la obra de su maestro. Sólo a medida que progresaba y adquiría los conocimientos necesarios, participaba, de manera más activa, de los proyectos que desarrollaba su maestro. Con el tiempo, podía aspirar a la maestría y fundar un taller propio, en definitiva, independizarse para vender su propia obra. Con la decadencia de las academias de arte y la irrupción de las vanguardias artísticas a principios del siglo XX, el método de aprendizaje mediante la copia
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cayó en desuso. La popularización de las técnicas fotográficas y la mejora de las técnicas de impresión en cuatricromía también jugaron en su contra, ya que las réplicas de pinturas empezaron a sustituirse por buenas reproducciones en color. A pesar de ello, el arte de la copia todavía pervive entre los amantes incondicionales de la pintura clásica, que se ha mantenido gracias a algunas instituciones museísticas y pinacotecas importantes: el Museo del Prado (en Madrid, España), Museo del Louvre (en París, Francia), la Galleria degli Uffizzi (en Florencia, Italia) o la National Gallery (en Londres, Reino Unido), entre otras. Todas ellas contemplan todavía la práctica de la copia en sus reglamentos con el fin de mantener y potenciar el aprendizaje de la pintura mediante la confrontación del aficionado con la obra original. De este modo, la copia del natural en pleno siglo XXI se ha convertido en un oficio que cuenta con verdaderos adeptos. Las salas de los museos se llenan de nuevo de copistas y artistas que buscan mejorar su técnica imitando las pinceladas de los grandes maestros de la pintura o que simplemente tienen el ansia de avanzar en un nuevo arte, un nuevo género. Su trabajo es un acto de admiración a la pintura, pretende recrear el pasado con el doble espíritu de amor a su belleza y por el prestigio que proporciona la posesión de una copia original. Copiar pinturas célebres como las que se ofrecen en este libro supone un ejercicio extraordinariamente provechoso; requiere paciencia, un alto grado de reflexión, cierta habilidad y un notable conocimiento de la técnica. No consiste sólo en replicar un cuadro de otro pintor imitando su técnica y su pincelada sino que hay que implicarse en la obra, captar su alma. En el momento en que uno es capaz de captar la esencia del cuadro, copiar se convierte en una verdadera delicia.
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LA COPIA COMO APRENDIZAJE DE LA PINTURA
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Materiales y soportes, una elección importante Antes de empezar a copiar una pintura, hay que tomarse un tiempo para elegir el soporte más adecuado, que estará en función del medio empleado y el efecto o acabado pictórico que se pretende obtener con él. Un soporte preparado de forma adecuada para cada caso incrementa notablemente las posibilidades de éxito de la copia y facilita aspectos tan artesanales como la manipulación de la pintura con el pincel o el acabado de la textura superficial de la obra.
Telas, cartones y madera
Si bien lo mejor es pintar sobre una tela montada en bastidor, hay que tener en cuenta que muchas obras originales no responden a los tamaños estándar de bastidores que se comercializan.
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Las telas y los lienzos son el soporte tradicional de la pintura al óleo. Los materiales utilizados en su fabricación son diversos (cáñamo, algodón, lino...) y pueden adquirirse montados en un bastidor, cubiertos de una capa de imprimación blanca, listos para pintar. Existen otras alternativas, por ejemplo los cartones entelados, que presentan una calidad similar a la de las telas sobre bastidor, y el papel de Figueras, cuya superficie presenta un gofrado que simula la trama de una tela. Estos últimos son mucho más económicos, y menos abrasivos que las telas; además, su superficie encerada permite que el pincel se deslice con facilidad. También hay la opción de pintar sobre un contrachapado de madera imprimado con diversas capas de gesso blanco. Una vez que se ha secado la imprimadura, se puede lograr un acabado más liso frotando la superficie del tablero con un papel de lija fino.
Algunos artistas compran las telas a granel y las montan sobre bastidores que adquieren desmontados; otros las prefieren imprimadas con una capa de gesso blanco. El mercado ofrece diferentes calidades y precios, dependiendo del tejido de la tela y de la calidad de imprimación.
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Textura de la tela Depende básicamente del tejido con el que se ha confeccionado y de la preparación con gesso. La tela que se adquiere ya preparada suele tener diferentes grados de abrasión, en función del grosor del grano. Si se trabaja con la técnica de la pintura seca, la tela texturada resulta ideal; sin embargo, para modelar o aplicar veladuras puede suponer un problema, y para solventarlo habrá que rebajar el grano superficial con varias capas finas de gesso. El número de capas que se aplique es una cuestión personal, lo importante es que la superficie sea lisa y nivelada, de una blancura brillante. Se recomienda que las capas superiores sean más ligeras que las inferiores, para evitar efectos de tensión inherentes a la pintura, que resultarían muy perjudiciales.
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Para cubrir la superficie del soporte se puede extender una imprimación de gesso espeso, que deja entrever la impronta de las pinceladas. Esto, lejos de ser un inconveniente, puede convertirse en un recurso para añadir textura a la copia.
AJO PARA LA POROSIDAD Si el trabajo que debe realizarse es, predominantemente, con veladuras, conviene evitar las telas de superficie demasiado porosa. Un fondo muy absorbente puede embeber todo el aceite de un color al óleo, dejando el pigmento frágil y quebradizo. Esto puede solucionarse aplicando una capa de gesso sobre la imprimación blanca de la tela que se vende preparada o bien frotando la superficie con un diente de ajo, que rebaja el grado de absorción de la pintura.
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LA COPIA COMO APRENDIZAJE DE LA PINTURA
El dibujo preliminar, una copia literal Uno de los grandes problemas a los que se enfrentan los copistas es trasladar las dimensiones del modelo real a la escala del soporte, manteniendo la misma relación de proporciones. El dibujo de un copista no tiene los mismos objetivos que el desarrollado por un artista que actúa libremente, que resuelve con trazos sueltos, expresivos y muy personales. El copista desarrolla un dibujo más pausado, certero, muy mesurado, con poco margen de error y que apenas deja lugar a la espontaneidad o recreación libre. Esto significa que la copia debe ser literal y no presentar apenas cambios aparentes con respecto al original.
Puntos alineados
La estructura básica del dibujo puede plantearse a partir de puntos alineados o líneas imaginarias que coinciden con contornos o formas determinantes en la obra.
El dibujo debe ser muy exacto, y guardar una perfecta proporción entre todos los componentes. Para conseguir este objetivo, no importan los medios utilizados, siempre y cuando el resultado sea el deseado. Esto significa que para planificar el dibujo pueden usarse métodos “tan poco artísticos” como la mesa de luz, el proyector de diapositivas o un calco. También puede abordarse el dibujo directamente teniendo en cuenta algunos trucos compositivos, por ejemplo poner en práctica el método de los puntos alineados. Consiste en encontrar puntos de referencia horizontal, vertical o diagonalmente en el cuadro original para luego transportarlos sobre el lienzo; éstos ayudan a tener una visión precisa de la estructura, los contornos y las distancias. La posibilidad de imaginar líneas que pasen por contornos o formas básicas de la obra facilita el dibujo preliminar o encaje.
Cuando el dibujo se ha completado, se afianzan las formas con un trazado lineal al tiempo que se eliminan las líneas imaginarias que han cumplido una función estructural.
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Copiar la obra de los grandes maestros no es un simple ejercicio de mímesis, supone una práctica con un gran valor formativo, una manera de fijarse, estudiar y apropiarse de los recursos técnicos de las grandes obras del pasado. Esta obra está destinada a los amantes de la historia del arte, a los que se sienten atraídos por la pintura histórica, a los artistas experimentados que quieren mejorar sus habilidades o ampliar su conocimiento de la técnica, y a todos aquellos aficionados que ansían avanzar en un nuevo arte. • Contenido multimedia a través de realidad aumentada • 14 obras originales para imprimir • Más de 27 vídeos instructivos • 14 ejercicios desarrollados paso a paso • 70 propuestas de cuadros para seguir practicando
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