LA DOMESTICIDAD SEDICIOSA Substancias que supuran bajo esteras afelpadas. Pliegues de empapelado que se caen de la pared. Paredes de yeso pellizcadas. Diseños que fluyen más allá de sus límites. Persianas arrugadas. Las reglas de la domesticidad son inflexibles: las cosas deben obedecerlas para permitir una vida confortable, segura. Para ahuyentar la entropía y la confusión, las superficies y los objetos deben someterse a las convenciones - sobre todo, la de que deban ser “tranquilos”. Esto se presupone, si no la cotidianidad dejaría de ser un refugio y el sueño se vería perturbado por la ansiedad y el desorden. Este es el mundo que el trabajo de Analía Segal busca trastornar. Sin embargo sus objetos y sus modificaciones de superficies no proponen el caos como espejo del orden – éste sería demasiado fácil de controlar. En vez, anticipan un mundo de presencias turbadoras: lo que no se puede ocultar bajo la alfombra, el voyeur que hay en cada ventana, la deformación provocada por el estrés en los materiales y las personas; la decoración como un invasor indisciplinado. Se trata de un mundo que nos ubica en el límite, un misterio que nos desafía a aventurarnos más allá. Susan Tower / 2009
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TAORMINO HAUSE 2001
DIALOGOS: LAURA BATKIS Y ANALIA SEGAL Pensar un libro como pensarse a sí mismo. Dibujar su camino de ida y vuelta. Fraguar imágenes y palabras. Entrelazarlas. Diseñar su esqueleto como quien diseña su casa. Sumergirse en su arquitectura de luces y sombras. Anidar en su matriz. Y al final, abandonarse a su signo y dejar que imprima su propia voz. El interior del interior condensa una búsqueda gráfica en la que fotos y textos caminan en una vastedad subjetiva sin cronología ni brújula. Un libro de triple entrada sin derecho ni revés, adentro ni afuera, ilustrando el devenir creativo en un mundo en viceversa, igual que el de un barco que navega en un vaivén de ancla y mar. Analía Segal lo despliega en un diálogo hondo con Laura Batkis. Un contrapunto lúcido, un encuentro de a dos. Laura Batkis: Ana, vos sos diseñadora gráfica. ¿Cómo fueron tus comienzos en el arte? Desde la hora cero de mi carrera me dediqué a explorar distintos materiales y lenguajes, con la mirada puesta en la tridimensionalidad. Estudié diseño gráfico en la Universidad de Buenos Aires, mis maestros eran diseñadores emblemáticos, como Ricardo Blanco y Ronald Shakespear. Fue una decisión más intuitiva que racional que me permitió atravesar ese límite poroso que existe entre el arte, el diseño y la arquitectura. Uno de los primeros desafíos que planteó tu obra fue el de la “denominación”, teniendo en cuenta que, en aquel momento, en Argentina estaban muy cerradas las categorías arte-diseño. ¿Cómo uniste esas dos vertientes? Analía Segal: En una época de tanta rigidez, decidí ignorar las etiquetas: finalmente, el diseño es un producto cultural ligado al arte. Pasamos la mayor parte de nuestra vida en espacios interiores. Los objetos y los materiales industriales que nos rodean conforman el paisaje en el que estamos inmmersos. Mi intención siempre fue imbuirlos de un contenido, cuestionando certezas y reglas cotidianas, buceando en su esencia más allá de las superficies. Parafraseando a Adolf Loos, creo que cada mueble habla y tiene la capacidad de contar la historia de una familia. ¿Como fue tu formación en arte y el paso por el Taller de Barracas en los ‘90, cuando comenzaron a implementarse programas de capacitación para artistas –como las becas de la Fundación Antorchas o Kuitca– y surge el boom de los talleres? Al igual que la mayoría de artistas de BA, mi formación en arte fue a través de un recorrido personal por distintos talleres. Así conocí al escultor Jorge Michel y aprendí a trabajar piedra y madera. También desarrollé objetos en aluminio, colaborando en proyectos de arquitectura. Me desvelaban la interacción física y el intercambio entre el cuerpo, el objeto y el espacio como los que plantea el uso: una herramienta de transformación que genera formas y texturas nuevas. Un gesto repetitivo que desafía la integridad del mundo material, como lo que sucede con los escalones de mármol o los pasamanos de bronce desgastados a lo largo del tiempo. En este aprendizaje fue crucial para mí el Taller de Barracas, dirigido por Luis Benedit y Pablo Suárez, donde delineé el marco conceptual de mi obra que terminó de definirse en Nueva York.
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MONTANA 2003
¿Por qué te fuiste? ¿Cómo llegaste a Nueva York y de qué manera te marcó vivir en el exterior ? Me invitaron a hacer una muestra en 1996 en el Consulado Argentino y me atrapó la energía inagotable de esa ciudad. En Nueva York todo parece posible. Quise volver. Y volví. La condición de inmigrante me cambió la perspectiva. Me obligó a mirar a mi alrededor para decodificar el entorno, a re-adaptar mi metodología en el contexto específico de Manhattan donde la disponibilidad de espacio era mínima. Allí, la cuestión de la escala se hizo fundamental y entonces comencé a intervenir objetos, adoptando la lógica del módulo o de los patrones para producir obra. Del vínculo entre el orden de la grilla y la urgencia de lo incontrolable surgió una geometría carnosa. Desobediente. DEJAR HUELLA “Las saliencias no son elementos decorativos, sino surgen como invasores rebeldes que rompen la lisura, la rigidez, la dureza de las superficies industriales de azulejos, alfombras”. A.S. ¿Qué dimensión alcanzó el espacio en Nueva York? AS: Me mudé ocho veces en los primeros 10 años y en cada uno de los departamentos encontraba signos de los habitantes anteriores. De observar y reflexionar sobre esas huellas, propias y ajenas, surge la serie de instalaciones con piezas de yeso que se funden en las paredes, ablandando la geometría arquitectónica. El muro se convierte entonces en una frontera permeble y el habitar en un proceso simultáneamente violento y sensual. Como decía Walter Benjamin: “vivir es dejar huellas”. En Buenos Aires desarrollaste una producción relacionada con el cuerpo desde la fragilidad autoreferencial (aunque en los ‘90 la temática del género y del cuerpo se había vuelto tendencia). Y a pesar de que en EE.UU abordaste temáticas vinculadas con el contexto, hay en ambas etapas un discurso de género. ¿Cuál es tu relación con este tópico y cómo afectó a tu obra? La idea de género en mi obra es evidente en el tratamiento de la materia (palabra que comparte la raíz latina mater con la palabra madre y matrix) pero emerge en un espacio traumático y no a partir de categorías prestablecidas. Las condiciones de censura y autocensura vigentes, en las que crecí durante los ´70 en la Argentina mantuvieron la conversación sobre el feminismo a sottovoce como un iceberg, con la conciencia de que existe algo más allá de lo visible. Por eso entendí el poder de lo femenino como en estado de latencia, un testigo que asoma desde un intersticio.
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LA MIRADA NÓMADE “El hogar es un escenario en el que se desencadena el drama doméstico y paradójicamente se transforma en algo realmente importante cuando uno lo abandona”. A.S. Rosario, Buenos Aires, Nueva York. Estabas incluida en el panorama de los ’90 en Argentina pero no rozabas ninguna de las categorías en las que se iba inscribiendo la historiografía del país. Tal vez haya sido dolorosa la idea de “no pertenecer”, pero también movilizante. Joseph Beuys dice que un artista tiene que hacer productivos sus secretos y habla del trauma como material productivo. En ese sentido, existe también un trauma generacional que tiene que ver con la censura y con tu exilio. ¿Cómo te influyó la mirada del otro fuera del país? ¿Cómo fue pensar y redefinir una identidad construida desde otro lugar? Por alguna razón nunca terminé de pertenecer. Los primeros años en Nueva York eran de inestabilidad. Hice algunas instalaciones breves pero a pesar de la fragilidad que a veces sentía, pude sostener mis ideas en el tiempo y proyectar mi obra desde un escritorio, que era el único espacio disponible. Durante el desarraigo uno se convierte en “el otro”. Lo foráneo es desconocido, anti-natural, amorfo, excéntrico, inquietante. Pero también atractivo. Y, finalmente, la distancia transformó la condición de “outsider” en una ubicación en sí misma y me dio una gran libertad, además de permitirme descubrir el potencial “caleidoscópico” de mi obra más allá de los límites de las disciplinas, categorías o esterotipos. Me hizo entender al hogar como un compás interior, una condición que trasciende lo físico. En el hogar coexisten las experiencias más significativas de nuestras vidas junto a un collage de promesas, sueños, secretos, tentaciones, obsesiones, desilusiones, miedos y fobias. Comprendí que lo familiar puede ser siniestro e inquietante. Y que el humor, el absurdo, se convierten en eficaces mecanismos de supervivencia frente a una realidad fluctuante.
TAORMINO HAUSE 2001
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ALICE 2003
OTRO UNIVERSO HABLA “El idioma tiene la habilidad de transportarnos. En un nuevo mundo, las palabras por momentos no se adhieren a las cosas”. A.S. Ana, pareciera que vos inventaste tu propio diccionario. Un lenguage personal que se refleja en tu obra. El lenguaje tiene la capacidad de transportarnos. Un día me di cuenta de que soñaba en inglés: ese “otro” lenguaje me había invadido, sin embargo llegaba al estudio y prendía la radio de Argentina. Tenía un constante diálogo interno bilingüe y necesité que mi obra lo expresara. Así surgió INLAND, una trilogía de videos/ animaciones en las que planteo una trama no lineal con final abierto, conjugo palabras y frases de audiolibros –aptas para aprender esos dos idiomas– con silencios perturbadores y sonidos cotidianos del ambiente doméstico. Las frases yuxtapuestas, como en una identidad desdoblada, revelan la condición del idioma como un mecanismo de inclusión y exclusión. De una manera inédita, la experiencia de la animación me permitió unir mundos diversos: el lingüístico/verbal y el visual/sonoro. Una búsqueda con nuevas ilaciones. A través de estos videos pude reflejar aspectos básicos de la condición humana a partir de tres cuentos infantiles emblemáticos (Los Tres Chanchitos, Caperucita Roja, y El patito feo). Creo que el universo literario, que a lo largo de la historia ha sido infinitamente apropiado por artistas y escritores, es un
efectivo modo de comunicación, no sólo para educar, sino también para liberar emociones. Para proyectar hacia fuera los propios demonios, lo siniestro y lo inquietante, la angustia y la ansiedad existencial. Y algo más: en estos videos, la falta de traducción y gramática convierten al idioma en música. Subrayan el espacio entre la cosa y la palabra, la palabra y su significado. Muestran la limitación del lenguaje como método de comunicación. Las palabras siempre son prestadas. Ana; ¿cómo nace tu libro? En este libro-objeto quise desplegar distintos ángulos de las ideas sobre las que transita mi obra durante los últimos 17 años de trabajo. Una suerte de laberinto que superpone mundos paralelos e inconexos y entralaza tres secciones unidas por tapas que se pliegan sobre sí mismas y borran la distinción entre el derecho y el revés, el afuera y el adentro. El diseño fuera del molde obvio me permitió fusionar fotos y textos sin un criterio cronológico, generando una cartografía de ideas. Un entramado de hipervínculos, un juego poético en el que la lectura invita a un viaje que desafía tiempo y espacio. Pero más allá de la arquitectura, los recursos de diseño y las herramientas lúdicas, el alma del libro se nutre de la necesidad de reestablecer una convivencia física permanente en Buenos Aires. Las muestras terminan siendo un acto efímero, y yo no pienso en esta ciudad como en un punto de partida o de llegada sino como uno de los lugares que forman parte de mi existencia. Entrevista: Laura Batkis / 2015 Edición: María De Michelis / 2016
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VAUNE 2001
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MARTI SERIE BLOBB 2002
LAS PAREDES TIENEN OJOS Analía Segal, en su trabajo, abarca escultura, instalación, video y objetos funcionales o cuasi-funcionales: azulejos, empapelado y alfombras, frustran una definición o categorización fácil. Centrados en la encarnación e integración con la arquitectura como espacio y sujeto, los atributos de su práctica son diversos. Además de una materialidad insistente, un sentido de la corporalidad y lo orgánico, abarca referencias a la interioridad así como un énfasis en la superficie; una adopción del patrón junto a un vocabulario minimalista; el uso del color profundo -o la ausencia de color- dualidades y dicotomías que coexisten y son a veces interdependientes, resultan una producción cautivadora y de gran envergadura. La mudanza de Segal de su Argentina natal a New York City en 1999 es clave para una comprensión de las condiciones que moldearon su trabajo y su compromiso con la arquitectura. Ella eligió interactuar físicamente con las propiedades del espacio arquitectónico y doméstico para navegar y situarse ella misma en relación a un nuevo ambiente espacial y social, del mismo modo que Do Ho Suh -artista nacida en Corea- que luego de trasladarse a EEUU comenzó a enfocarse intensamente en interrogar la idea del hogar recreando su propio estudio y espacios vitales en tela. Como Segal ha explicado, se estaba posicionando en relación a un “mundo al revés”- una idea manifestada por el artista uruguayo Joaquín Torres-García en su dibujo de 1943 América Invertida1, pieza que se cita a menudo como piedra de toque para artistas de Latinoamérica cuyo trabajo aborda, literal o metafóricamente, la idea de cruzar fronteras dentro del hemisferio. El desplazarse de un ambiente familiar a un lugar nuevo con lenguaje y cultura extraños, sin importar si es emprendido voluntariamente y acogido con espíritu de aventura o por mejores oportunidades, da lugar a una sensación de inestabilidad, trastrocamiento, y alienación, condiciones clásicas de la experiencia del inmigrante. Sin embargo, no fue simplemente su respuesta a las condiciones de una odisea personal lo que modeló la trayectoria del trabajo de
Segal subsiguiente a su translocacion. Su capacitación en diseño, así como su formación en escultura mientras era estudiante en Buenos Aires, crearon una base para su continua obsesión con las propiedades sensuales y táctiles de los materiales, junto con un compromiso entusiasta con los elementos de composición gráficos definidos con agudeza. Los ha puesto al servicio de explorar y crear relaciones físicas directas con el espacio en modos que recuerdan a la vez que difieren del trabajo de artistas previos así como de aquellos de su propia generación que han investigado intereses relacionados. Manipulando las paredes de su estudio con concreciones en yeso, empapelado de su propio diseño, dibujos hechos con cinta adhesiva, y otros objetos/ gestos que se mezclan con su entorno arquitectónico, ha desarrollado una obra que a menudo es literalmente inseparable de su propio espacio. Este método de enraizarse contra/dentro de la arquitectura de un modo tan directo y altamente táctil, primeramente desarrollado en su estudio, más tarde formó la base de instalaciones situadas en galerías. En parte, la preocupación de Segal con la arquitectura como espacio y sujeto revela la influencia del artista nacido en Argentina Lucio Fontana, con cuyo trabajo e ideas se familiarizó en su juventud de artista. Segal cita su Concetti spaziale (Conceptos Espaciales) experimental, comenzado a finales de la década de 1940, como un precedente importante en moldear su propio pensamiento sobre la fluidez del espacio.2 Entre los elementos en los que Segal ha enfocado considerable atención en su práctica están los nodos tridimensionales curvados que se proyectan de lo que en otro caso serían planos espaciales lisos de muros o azulejos. Evocando crecimientos orgánicos, transmiten la sensación de que la arquitectura de la cual sobresalen es en sí misma un cuerpo viviente. Simultáneamente complacientes y levemente repelentes en sus cualidades visuales y físicas bulbosas, estos trabajos son sensoriales e íntimos pero también profundamente perturbadores. Un linaje puede ser rastreado de estas concreciones extrañas, protuberantes, en donde el muro y el cuerpo parecen unirse y fundirse, de vuelta a S.O.S. (Starification Object Series) de la artista Hannah Wilke en 1975. Segal ha señalado el impacto de esta serie, incluyendo el uso
1 Conversación con Analía Segal, Marzo 24, 2016 2 Notas a la autora de Analía Segal, Mayo 28, 2016
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del propio cuerpo desnudo de Wilke como un “lienzo” sobre el cual la artista adhirió numerosos pedazos de goma de mascar, como un antecedente para sus propias exploraciones. En este aspecto de su trabajo, Segal se relaciona con la tradición establecida hoy en día de sensibilidad escultórica femenina/feminista y las propiedades táctiles de la forma orgánicamente inspirada. El contenido centrado en el cuerpo físico vulnerable y las propiedades inesperadas de la esfera doméstica se han vuelto un sello distintivo de su práctica, pero está adicionalmente impregnada de una sensibilidad con ligero humor y absurdo. Esto puede reflejar la influencia de la compatriota artista argentina Liliana Porter, quien ha hablado del sentido de interioridad e identidad así como de “la simultaneidad de humor y aflicción, banalidad y la posibilidad del significado” en su escultura3. La escultura de 2009 de Segal Case Study #1447 ejemplifica estas ambigüedades. Compuesta de planchas de parquet de vinilo adheridas a la pared y al suelo en una línea curva, puntuada por varias “articulaciones” volteadas en el suelo que sobresalen verticales como pinchos amenazadores, el trabajo termina -o comienza- con un felpudo, un lado del cual está levantado sobre una masa de goma plegada inidentificable. Segal ha descrito sus intenciones sobre la presencia del pliegue debajo del felpudo como tener “el potencial de hacerte tropezar [N. del T: juego de palabras intraducible: “trip” en inglés tiene la doble acepción de “viaje” y “tropezar”] de modo que la relación con el “hall de entrada” no sea fácil”, y que “sintetiza el acto de hacer y lo que ha sido hecho… al mismo tiempo un recuerdo y una consecuencia de un gesto.”4 Encarnando la ansiedad, inquietud, y una sensación de incomodidad o inclusive de fatalidad inminente, el trabajo sugiere “presencias indeseadas que no pueden ser barridas bajo la alfombra.”5 Case Study #1447 forma parte de una serie llamada HOME SICK HOME, compuesta de objetos similares pero cada uno con una forma y color de felpudo diferente y titulado con un número diferente que hace referencia a las direcciones de los departamentos en los que Segal vivió en sus primeros diez años en New York. En estos y otros trabajos que toman la forma de componentes de construcción o se parecen a muebles, como por ejemplo estantes (como en su reciente instalación Implosion), un diálogo con el minimalismo emerge. Al mismo tiempo, los objetos se vuelven evocadores de contenido y narración, y sin embargo nunca son figurativos.
Una característica adicional notable del trabajo de Segal es una sensibilidad gráfica sorprendente y pronunciada. Su uso de la línea como elemento compositivo emerge como patrones repetitivos en formas semicirculares o curvaturas pronunciadas tanto en dos ó tres dimensiones. También frecuentemente utiliza colores profundos y abundantes, representando otra manera en la cual activar el espacio. Evocando aspectos del lenguaje visual empleado por el artista argentino de mitad de siglo Julio LeParc así como del vocabulario formal estilístico reminiscente de los gráficos de la década de 1970, este enfoque se extiende desde sus primeros estudios y entrenamiento y se mantiene como un pilar de su práctica, junto con su adopción de proyectos utilitarios incluyendo alfombras y azulejos. Evitando jerarquías entre estos varios objetos y proyectos de un modo que también recuerda el enfoque del artista Jorge Pardo, explota los deslizamientos provocativos que ocurren entre lo visual y lo táctil, entre la línea y el contorno, entre la pared y el suelo, entre la función y lo no-funcional, incesantemente sondeando las interrelaciones y ambigüedades.6 Los elementos humorísticos y siniestros coexisten en el trabajo de Segal. Desde los pólipos leves a más agresivamente protuberantes apareciendo en azulejos o desde las paredes como presencias orgánicas, hasta su reciente gran instalación Domestic Vicissitudes en Syracuse University, a su trilogía de videos Inland (2014) en la cual las paredes tienen voces y hablan de un modo que es alternativamente inquietante, poético, o banal, su trabajo provoca una variedad de respuestas viscerales y emocionales. ¿Podría esta sensibilidad surgir, en parte, de sus raíces en Latinoamérica y sus tradiciones literarias/artísticas de surrealismo en relación con el espacio y el lugar, y como un eco de las historias trágicas de los “desaparecidos” como resultado de la dictadura en su país natal, así como de la reflexión de Segal en su historia personal y desplazamiento voluntario a un “mundo al revés”? Por cierto, revela el impacto de su capacidad de respuesta a un despliegue diverso de precedentes artísticos desde sus años de estudiante en adelante. Y más importantemente, está moldeado por su compromiso intencional, como artista más madura, con la resonancia emocional y los absurdos, ansiedades y tragicomedias de la vida diaria mientras se despliega en el espacio y el tiempo, y de nuestros cuerpos, relaciones, recuerdos cambiantes, y el constante desplazamiento del sentido de estabilidad/inestabilidad tanto en la esfera doméstica como en el mundo más extenso a nuestro alrededor. Elizabeth Smith / 2016
3- De una opinión de la artista sobre el websitio de Liliana Porter: www.lilianaporter.com 4-Notas a la autora de Analía Segal, Junio 25, 2016 5-De la descripción del objeto en el texto de la pared del Museo del Barrio, Mayo 2016. 6-Con respecto a esto, su enfoque también recuerda el del artista Andrea Zittel, quien ha hablado de la atracción de abolir las categorías y jerarquías de objetos convencionales a favor de “un objeto hecho con la intención de comunicar algo, un objeto hecho para instaurar placer visual, un objeto hecho para cumplir una necesidad práctica, un objeto hecho puramente para el mercado.” De “Andrea Zittel in Conversation with Allan McCollum”, publicado en Diary #01, Tema Celeste Editions, Milán, 2002.
MAX SERIE BLOBB 2001
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EVA SERIE BLOBB 2001
ZOE BLOBB 2001
ROMEO SERIE BLOBB 2001
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LA PROFUNDIDAD DE LA SUPERFICIE Pliegues y hendiduras que distorsionan la superficie… Azulejos que rompen el módulo en sensuales encuentros… Lenguas pegajosas que asoman de los dameros de las alfombras...La obra de Analía Segal desconcierta, tiene la extraña cualidad de animar el hábitat cotidiano. Nos involucra en el espacio, ya no como simples espectadores, sino como habitantes de una experiencia que amplía nuestro sentido de lo real. Con un erotismo que se revela en los elementos más banales de la arquitectura, Segal quiebra la serialidad de un orden mecánico para dar cuenta de la continuidad entre nuestra piel y la piel del mundo. Aquello que por costumbre desaparece de nuestra mirada, Segal lo evidencia con sutiles intervenciones. Mediante empapelados, paredes, azulejos, o las cortinas de enrollar americanas, recrea relaciones amorosas que nos sumergen en la vitalidad del espacio. Se vale de la producción industrial existente, asimilando sus lógicas constructivas pero le da un sentido nuevo. Sus recursos materiales, se mimetizan con los elementos dados, pero los deforma, mediante pliegues, salientes o entrantes, para romper con las convenciones establecidas en la organización espacial. Nuestra conciencia de un borde contenedor ajeno y estático, se vuelve permeable y vital. Tocar refiere al placer de una experiencia que construye la forma y le da sentido. Desde el arte y con toda soltura quiebra la noción de dualidad propia de un universo racionalista y cartesiano. De la metáfora de la máquina, que separa y escinde, nos transporta a la metáfora de la piel: una conciencia vincular que introduce nuestra corporalidad en la experiencia del mundo. Porque la piel alude a la presencia, a un vaivén dentro-fuera, individual-colectivo, que narra la continuidad “entre” el sujeto y su entorno. Su obra se instala en ese “entre”, expande ese área de encuentro que aún no tiene forma y quizás por eso, en la filosofía de oriente, alude al potencial de la energía creativa del universo. Su mudanza, de Buenos Aires a New York, la llevó a cuestionar la noción de territorio desde la identidad mas intima: Su hogar, su refugio, su nido, como prolongación del cuerpo. La limitación espacial motivó su avance sobre la caja arquitectónica. Como una aventurera, perforó los muros de durlock asomándose al misterio de una nueva dimensión espacial. Quizás la pulsión por apropiarse de un territorio que le resultaba ajeno la impulsó a dejar su huella, a interiorizar ese exterior extraño Inhalar y exhalar, la respiración marca el primer intercambio, ¿Cuál es la frontera, si en ese gesto circular de tomar y soltar se refleja la condición esencial de la naturaleza humana? En sus videos los empapelados cobran vida y la geometría se abre hacia las profundidades del sexo femenino. Las mimas formas, animadas, ponen en evidencia esa tensión interior-exterior que se revela en toda existencia. De allí surgen los personajes: la niña, la madre, la mujer, la pulsión vital, mas allá de toda norma establecida. En ese vaivén vincular de abriste y cerrarse. Entre lo permeable y lo hermético, el placer y la defensa, entre la contención y la agresión, la obra de Segal explora sus matices. Un simple cambio en el tono, o en el ritmo de la respiración, transforma el sentido de la escena. De manera hipnótica, como en un canal infinito, su obra nos sumerge de una capa a otra y otra y otra…. En esa inmersión nos reconocemos en los muy variados estados. No hay una definición, tan sólo un relato que narra el fluctuante juego de la vida. Andrea Salzman / 2015
HANNAH SERIE BLOBB 2016
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IRENE SERIE BLOBB 2004
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LULU SERIE BLOBB 2004
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XXXX SERIES BLIND 2007
CASE STUDY 1447 SERIE HOME SICK HOME 2009
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citudin tortor sed ligula facilisis eleifend. Aenean tincidunt semper arcu, et facilisis augue suscipit id. Etiam velit enim, dictum ut ipsum id, pellentesque lobortis lectus. Donec vulputate eget dui ac interdum. Sed in elit tempor, lacinia diam a, imperdiet tellus. Curabitur diam risus, elementum ut lorem iaculis, consequat dictum tortor. Nulla auctor fermentum sagittis. Quisque tristique lectus nisi, at accumsan nunc porta ac. Mauris fermentum finibus nulla, vitae feugiat orci posuere ac. Integer vitae semper est. Vivamus faucibus at erat id dapibus. Quisque vestibulum feugiat turpis vitae laoreet. Aenean auctor nibh vitae massa imperdiet mattis. Nullam vitae ipsum lobortis, viverra massa vitae, rutrum ligula. Etiam ullamcorper dignissim justo, condimentum dapibus lorem ultrices et. Aenean lobortis congue nisl, quis cursus tellus placerat vel. In feugiat ligula tortor, cursus sagittis felis suscipit ac. Etiam consectetur, elit id mollis posuere, quam turpis molestie purus, pulvinar lacinia lacus ligula sit amet ex. In semper eget quam vestibulum pretium. Phasellus sed velit at urna tempor fringilla id varius quam. Praesent luctus condimentum ipsum, in dignissim urna pretium quis. Maecenas fringilla sollicitudin gravida. Fusce volutpat risus ultrices tellus imperdiet efficitur porta id lacus. Cum sociis natoque penatibus et magnis dis parturient montes, nascetur ridiculus mus. Donec non elit a leo sodales congue. Aenean a nisl a tortor pretium iaculis. Class aptent taciti sociosqu ad litora torquent per conubia nostra, per inceptos himenaeos. Ut ullamcorper eget libero quis vulputate. Interdum et malesuada fames ac ante ipsum primis in faucibus. Sed convallis placerat nunc. Quisque sed lectus eros. Pellentesque suscipit magna in lacus maximus imperdiet. Donec id pellentesque ipsum. Vestibulum et volutpat neque. Aliquam non venenatis lectus, vitae facilisis massa. Maecenas nec leo ex. Suspendisse commodo neque ut mauris egestas rutrum. Vestibulum quis
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convallis ex, vel ultrices urna. Mauris et erat rhoncus, tristique nisi vitae, accumsan lectus. Pellentesque euismod tempor elementum. Curabitur nec purus euismod, feugiat elit vel, commodo ligula. Pellentesque maximus convallis massa sit amet consequat. Nunc ut egestas ligula. Donec at tellus lorem. Quisque tincidunt tortor nec nisi convallis, at varius ipsum placerat. Nullam pulvinar egestas lorem. Morbi ac enim dapibus, semper justo sed, cursus lectus. Integer massa urna, aliquam ut tellus id, cursus malesuada massa. Phasellus varius feugiat mauris non porttitor. In vitae condimentum leo, elementum blandit justo. Cras urna turpis, sodales vitae mattis ac, elementum eget lorem. Vestibulum nec pulvinar arcu. Integer eu venenatis lectus, non iaculis ipsum. Sed vitae mattis mi, sit amet hendrerit nulla. Fusce consequat augue et sem tristique, pretium imperdiet massa auctor. Phasellus quis sem viverra, facilisis nulla ut, feugiat risus. Maecenas viverra egestas leo, ut facilisis nisl tristique in. In ut sapien ullamcorper, finibus lectus vel, volutpat nisi. Aenean et auctor odio, sit amet efficitur sem. Vestibulum diam elit, luctus quis eros sit amet, eleifend sagittis nisi. Sed nisi eros, mollis venenatis risus quis, tincidunt consequat erat. Sed tincidunt tortor in quam faucibus mattis. Donec volutpat hendrerit mauris, a finibus turpis porttitor ut. Phasellus vitae auctor velit, nec porttitor mauris. Suspendisse potenti. Pellentesque rutrum commodo nunc, vel euismod libero egestas non. Mauris rutrum, lacus blandit faucibus congue, sem tellus pellentesque nisi, a hendrerit enim ligula vel nunc. Suspendisse lacinia, tortor et scelerisque molestie, mi leo feugiat justo, et lacinia nunc dolor eget magna. Integer elementum eu eros porttitor sagittis. Nunc eget ligula eleifend, dapibus nibh eu, fringilla orci. Nunc nisl erat, hendrerit eget bibendum et, dapibus vitae nibh. Ut luctus nunc at eros ultricies aliquam. Aliquam at elit odio. Nullam ut dictum leo. Praesent egestas est quis mi fermentum, sit amet malesuada nulla lobortis. Nullam lacinia justo nec ligula lacinia sodales. Proin elementum scelerisque sapien, id dignissim odio eleifend et. Donec in elit vel ante ultricies scele-
risque. Pellentesque sapien est, mattis sit amet aliquam volutpat, cursus ut odio. Donec at euismod tellus. Cras pellentesque feugiat est id aliquet. Etiam at augue pretium, rhoncus ante quis, commodo neque. Phasellus maximus tortor at felis euismod aliquet. In sapien tellus, iaculis vel consectetur non, semper sit amet sem. Nam nec molestie dui. Integer nunc quam, eleifend in risus maximus, molestie laoreet diam. Etiam suscipit lacinia sapien, vitae malesuada urna maximus vitae. Vestibulum finibus interdum tempor. Suspendisse sed accumsan ex, eu viverra nisl. Vestibulum placerat faucibus leo consequat aliquet. Cras tempus dictum velit nec auctor. Phasellus vestibulum congue leo. Vivamus ac quam tellus. Donec dictum ipsum leo, quis aliquet erat viverra eu. Nullam ex tortor, viverra sed volutpat sed, sollicitudin ac mi. Pellentesque consequat pellentesque eros sit amet suscipit. Aliquam sit amet lacus in quam blandit ornare vitae in velit. Aliquam erat volutpat. Fusce tristique ultrices sapien, ut placerat massa volutpat nec. Nunc et metus quis massa lobortis luctus vitae vitae augue. Cras venenatis, nisl nec efficitur consequat, ipsum urna suscipit leo, et varius odio ligula vitae felis. Ut a libero mauris. Proin id elit commodo, vehicula dui quis, euismod erat. Integer ornare leo nec nibh mollis lobortis. Phasellus hendrerit, nunc ut lobortis euismod, nisl sapien varius dolor, nec ultrices eros eros quis erat. Vestibulum scelerisque urna non tristique porttitor. Curabitur posuere lectus ut enim dapibus ullamcorper. Nam non viverra ipsum. Ut nec est sagittis, tincidunt leo vel, condimentum turpis. Pellentesque habitant morbi tristique senectus et netus et malesuada fames ac turpis egestas. Nunc quis augue mauris. Integer quis consectetur tortor. Quisque a erat a lectus lobortis viverra. Etiam velit mauris, dignissim placerat augue vel, feugiat aliquet leo. Aliquam erat volutpat. Donec et dignissim erat, ut faucibus nunc. Ut mi mauris, porttitor sit amet dapibus tincidunt. Cecilia Fajardo Hill / 2016
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ALEPH 2013
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