EDL07- Proccess by Pedro Luis Carretero Parra

introducción [p. 4-17]

Francisco Jarauta [p. 4] Raquel Pelta [p. 6] Esquema curso [p. 8] Staff+ Estudiantes + Agradecimientos [p. 9] Biografías profesionales [p. 12]

workshops [p. 18-67]

Jorge Moreno, Tecnoseñal, RENFE Cercanías [p. 20] Ricardo Salas, Gráficas Palermo [p. 24] Sam Baron_Fabrica [p. 28] Fun & Basics [p. 32] Irma Boom [p. 34] Sigridur Heimisdottir_IKEA [p. 38] Andrea Boffetta [p. 40] Gala Fernández, Vitra Summer Courses [p. 42] El último grito [p. 46] Nicola Swartz_Pocko [p. 50] Pedrita, Gonçalo Prudèncio_AO SOL Energia Renováveis Lda. [p. 54] Bernard Bréchet_Gédéon + Patrick Rouchon_Ostra Delta [p. 56] Jorge Moita_Krv Kurva, Prisión de mujeres de Tires, MUDE [p. 58] Giuseppe y Simone Zecca + Valentina Downwey_BTicino [p. 62] Jaime Hayon, Metalarte [p. 64] Fernando Gutiérrez [p. 66]

proyectos de tesis [p. 68-131]

observatorio cultural [p. 132-153]

Francisco Jarauta [p. 134] Renzo di Renzo [p. 136] Marc Augé [p. 138] Irma Boom [p. 140] David Quiles [p. 142] Joana Vasconcelos [p. 144] Valérie Debure [p. 146] Jordi Mollá [p. 148] José Guirao [p. 150] Ezio Manzini [p. 152]

viajes [p. 154-175]

La formación en la sociedad del conocimiento Francisco Jarauta_director del comité científico, ied-madrid

Nadie duda de que la generalización de los nuevos sistemas de

Estos mismos argumentos valdrían a la hora de discutir los

información y comunicación ha sido uno de los principales factores en

experimentos formativos a aplicar en un contexto determinado. Sólo

el proceso de transformación del mundo contemporáneo. Y el concepto

aquellas políticas abiertas, capaces de articular tradición e innovación

que mejor describe sus efectos no es otro que el de la sociedad del

tienen futuro. Sus objetivos no pueden ser otros que la construcción de

conocimiento. Se trata de un cambio radical en los procesos de acceso,

una nueva mirada, ajustada a las condiciones de la época. Una tensión

apropiación y uso del saber y del conocimiento, que modifican en su

que se resuelve mediante el desarrollo de amplias zonas de

conjunto los comportamientos de aprendizaje e instrumentalización

experimentación que, atentas a los problemas del mundo actual,

del saber. La sociedad red nace como una nueva utopía, como modelo

reflexionen y postulen sus propias respuestas en un juego abierto

y proyecto al que tienden las sociedades del futuro.

de análisis y construcción.

La adecuación a este modelo representa hoy en día uno de los desafíos

Y no han sido otros los principios y métodos que desde su inicio han

principales de cualquier política educativa o cultural. Se trata de inducir,

guíado la orientación de este primer proyecto de los European Design

formar, adecuar la percepción, las actitudes intelectuales a las

Labs, cuyos resultados quedan aquí recogidos como memoria de una

condiciones de saber de la nueva época. Todo nuestro sistema de

experiencia abierta a las diversas tendencias y trabajos relevantes en

conocimiento bascula en la dirección de un proceso fuertemente

el campo del Design europeo. hechos realidad a través de los diferentes

acelerado, capaz de suministrarnos un tipo de información que supere

proyectos llevados a cabo por los estudiantes y profesores de este

cualitativamente los modelos sobre los que se ha construido todo

programa. Para todos, ellos los mejores Auguri.

nuestro anterior sistema de aprendizaje y de conocimiento. Dicha adecuación conlleva un proceso múltiple de adaptación estructural y estratégica. Anthony Giddens y Manuel Castells, entre otros, plantearon las condiciones para la construcción de una segunda modernidad o modernidad reflexiva, acorde con las condiciones de la

Francisco Jarauta

época y sus desafíos. Esta nueva modernización sólo será posible

Catedrático de Filosofía de la Universidad de Murcia. Ha realizado estudios de Historia, Historia del Arte y Filosofía en las Universidades de Valencia, Roma, Münster-Westf, Berlín y París. Profesor invitado de universidades europeas y americanas, sus trabajos se orientan especialmente en el campo de la filosofía de la cultura, la historia de las ideas, la estética y teoría del arte.

mediante una cultura de la innovación que abarque los procesos y los métodos competentes para el desarrollo de mecanismos eficaces. Las políticas de innovación deben tener hoy prioridad estratégica

Entre sus numerosas publicaciones citamos los ensayos: Kierkegaard. Los límites de la dialéctica del individuo (1975), La filosofía y su otro (1977), Fragmento y totalidad: los límites del clasicismo (1988). Es editor igualmente de libros como Globalización y fragmentación del mundo contemporáneo (1997), Escenarios de la globalización (1997), Mundialización/periferias (1998), J. Ruskin: Las piedras de Venecia (2000), Poéticas/Políticas (2001), S. Mallarmé: Fragmentos sobre el libro (2001), Teorías para una nueva sociedad (2002), Desafíos de la Mundialización (2002), Nueva economía. Nueva sociedad (2002), Después del 11 de Septiembre (2003), L.B. Alberti: Momo o del Príncipe (2003), Oriente-Occidente (2003), Gobernar la globalización (2004), Escritura suspendida (2004). Ha sido comisario de varias exposiciones internacionales, entre las más recientes Arquitectura radical (2002), Micro-Utopías. Arte y Arquitectura (2003) y Desde el puente de los años. Paul Celan – Gisèle Celan-Lestrange (2004).

en todos los ámbitos. Deben ser acompañadas de marcos normativos y de procedimientos adecuados para su desarrollo. Es necesario articular los diferentes segmentos económicos, sociales, culturales a la hora de postular los modelos de formación. Y es en este ámbito que cobra especial relevancia el debate actual sobre los modelos educativos y formativos y la orientación de los procesos de aprendizaje en sus diferentes niveles. Todos los gobiernos tienen sobre la mesa su correspondiente libro blanco sobre los problemas de la educación. La necesidad indiscutible de adaptarse a las condiciones de la sociedad

Ha sido Vicepresidente del Patronato del MNCARS, siendo actualmente miembro del Patronato del Centro Andaluz de Arte Contemporáneo y del Consejo Rector del IVAM (Valencia). Forma parte del Comité Científico de Iride, Experimenta, Pluriverso, Le Monde diplomatique, World Political Forum y la Scuola Internazionale di Alti Studi (Modena). Participa en el grupo Géo-philosophie de l’Europe y es coordinador del Grupo Tánger. Igualmente dirige el Observatorio de Análisis de Tendencias de la Fundación Marcelino Botín, la colección Arquilectura y el Comité Científico del Istituto Europeo di Design (Madrid).

del conocimiento, la urgencia por solventar la distancia tecnológica respecto a los modelos heredados, obliga a un trabajo generoso que priorice los objetivos educativos sobre otros.

Quince miradas desde el diseño contemporáneo Raquel Pelta_directora académica ied masters

Desde hace algo más de dos décadas, el concepto de diseño viene

Individualización y personalización (en el sentido de adaptación al

sometiéndose a una profunda revisión. Por un lado, se ha puesto en

gusto del usuario) son dos palabras clave –aunque no del todo nuevas-

cuestión la antigua definición que lo ligaba casi exclusivamente a la

en los últimos tiempos mientras se reivindica el diseño local como una

producción industrial y lo distanciaba del arte y la artesanía y, por otro,

reacción ante el fenómeno de la globalización.

el término se ha ampliado tanto que actualmente se entiende como

De paso, y al mismo tiempo que se siguen desestabilizando las

algo más que un proceso de proyección y planificación para producir

categorías y los límites entre arte, ciencia, tecnología y diseño se

en serie.

desdibujan, los diseñadores miran hacia fuera de su propia disciplina

Hoy en día hablamos de la necesidad de juzgar los objetos no sólo en

y se preocupan por cuestiones como la destrucción medioambiental

términos de forma, función y economía sino, también, relacionándolos

y la búsqueda de modelos económicos y de consumo alternativos.

con un contexto más extenso en el que se sitúan las circunstancias de

Se habla de sostenibilidad y de diseño para todos, dos temas que están

creación, producción y marketing así como su adecuación a las

alcanzando un lugar privilegiado en el discurso de muchos de los

situaciones sociales, ambientales y tecnológicas. Puede asegurarse, por

profesionales contemporáneos que se interrogan sobre su papel

tanto, que el concepto de diseño no sólo se ha expandido sino que se ha

en un mundo que necesita soluciones cada vez más urgentes.

convertido en algo mucho más complejo y fragmentado debido, tanto

En ese contexto tan diverso se sitúan las propuestas de los quince

a que cada vez se hace más patente que los diseñadores han de trabajar

jóvenes diseñadores que han cursado el European Design Labs,

para una sociedad multicultural –con audiencias segmentadas que

un máster que refleja tanto en sus planteamientos didácticos como

demandan un diseño focalizado-, como a que están surgiendo nuevos

en las vías elegidas las distintas direcciones del diseño actual.

medios que todavía no han acabado de establecer sus normas, en un entorno en el que es preciso conciliar los modelos de producción, el consumo, la inclusión social y la sostenibilidad. Esto, sin duda, está obligando a los profesionales del diseño a abandonar cualquier idea preconcebida y a tratar de responder, en cada momento, a las particularidades del contexto en el que se hallan. Raquel Pelta

Los cambios conceptuales han dado lugar a nuevas opciones estilísticas

Raquel Pelta es la directora académica del IED Master. Historiadora del Diseño y Doctora en Bellas Artes por la Facultad de BB. AA. de la Universidad de Barcelona, ha sido profesora de Historia del Diseño en la Facultad de Publicidad del Colegio Universitario de Segovia, el Istituto Europeo di Design de Madrid, la Universidad de Vic y la Escola Elisava de Barcelona, donde además fue Jefa del Departamento de Humanidades. En la actualidad es profesora asociada de la Facultad de BB. AA. de la Universidad de Barcelona.

que nos sitúan ante un panorama formal ecléctico, en el que conviven formas y materiales muy diferentes como reflejo de perspectivas diversas: desde las de los que tratan de volver a una modernidad estilizada y de extrema simplicidad, pasando por las de quienes reivindican lo básico, para llegar a la postura de aquellos que defienden

Escribe habitualmente en publicaciones especializadas entre las que pueden citarse: Experimenta, Visual, Cuadernos Hispanoamericanos, Diseño Interior, Box (Argentina), Punto Doc (Bolivia), Zehar, Tipográfica, Lars, Artlab (Italia), entre otras. Asimismo ha publicado textos en obras colectivas y catálogos de exposiciones y es autora del libro Diseñar hoy, entre otros.

el retorno del ornamento como un modo de transmitir ideas y emociones. Al mismo tiempo y, gracias a las nuevas tecnologías, se están modificando tanto los procesos de trabajo como los resultados finales.

Asimismo, ha participado en proyectos de investigación, comisariado exposiciones e impartido conferencias en universidades e instituciones españolas e internacionales.

Así, junto a los diseñadores que proyectan para la fabricación en serie, se sitúan aquellos que trabajan desde la proximidad a la artesanía o los

Es miembro del Patronato de la Fundación Comunicación Gráfica de Barcelona y pertenece a la Design History Society de Londres. Entre el año 2000 y el 2006, ha sido vocal de la Junta Directiva de ADG-FAD.

que se acercan a la industria para introducir en ella “maneras” que siempre se han considerado artesanas.

European Design Labs 2007/08

marzo march

abril april

mayo may

junio june

julio july

agosto august

septiembre september

octubre october

noviembre november

diciembre december

enero january

febrero february

italy

netherlands

sweden denmark

france

portugal

barcelona

Renzo di Renzo

Mark Augé Irma Boom

David Quiles

Fernando Ochoa

Fernando Gutiérrez

Joana Vasconcelos

Jordi Mollá

trips

cultural observatory

Francisco Jarauta

germany

Valérie Debure

Ezio Manzini

José Guirao

product design Thesis project development

workshops

<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<< Thesis theme >>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>

Jorge Moreno

FABRICA

Fun & Basics

Sigridur Heimisdottir IKEA

Boisbuchet VITRA

<<<<<<<<<<<<<<<< Thesis development >>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>

El último grito

Pedrita KRV KURVA

Giuseppe y Simone Zecca

Valentina Downwey

<<<<<<<<< Thesis presentation >>>>>>>>>

Jaime Hayón

presentación final

visual communication Thesis project development

workshops

<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<<< Thesis theme >>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>

Ricardo Salas

FABRICA

Irma Boom

Andrea Boffetta

Boisbuchet VITRA

<<<<<<<<<<<<<<<< Thesis development >>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>

Pocko

Bernard Brechet Patrick Rouchon

Oscar Villegas César Fdez. Arias

Laura Meseguer

<<<<<<<<< Thesis presentation >>>>>>>>>

Fernando Gutiérrez

presentación final

IED Madrid

Estudiantes

Agradecimientos

Dirección IED Madrid Riccardo Marzullo

Giulia Barbanente

Muchas gracias a todos los compañeros del IED Madrid,

Andrea Caruso

sin vosotros este proyecto no hubiese sido posible.

Subdirección IED Madrid José Piquero

Claudia Contreras

Agradecemos especialmente la colaboración de

Dirección Comité Científico IED Madrid Francisco Jarauta

Berta García

Isabel Tejeda, Rafael Gálvez, Mario Sandoval,

Alberto Gobbino

Fernando Ochoa, Oscar Villegas, Laura Meseguer,

Área Cultural IED Madrid Pedro Medina

Mónica González del Pliego

César Fernández Arias, Murphy, Carlos Rolando,

Comunicación IED Madrid Marisa Santamaría

Andy Marlow Mª Eugenia Mendoza

Alex Jordan, Claudia Bur, Cerstin Thiemann, Malene Antón,

Dirección IED Master Dario Assante

Javier Pascual

Giorgio Galanti, Lidja Kolovrat, Barbara Coutinho,

Enrico Pastorello

Nerea Fernández y Elsa Varela, Pierre Bourrigault,

Dirección Académica IED Master Raquel Pelta

Mario Alonso Ricci

Pablo Serret, Matias Kalwill, Natasha Srevro, Hélène Bergaz.

Sharon Sacal

Empresas

Maider Saracíbar

Tecnoseñal, RENFE Cercanías, Gráficas Palermo, Turner,

Davide Fichera

Profesionales

Andreu Balius, Jurgen Bey, María Solá, Alex Trochut,

Nynke de Haan

Eric Olivares, Rober Pallás, Eric Spiekermann, Claudia Hain, José Martínez, Dolors Boatella, Giorgia Ricci, Julio Jiménez,

Fun & Basics, IKEA, Metalarte, Bticino, Krv Kurva, Euromark, european design labs

Benetton, Vitra, Pocko, Ratioform, Fellowdesigners, Actar,

Dirección Gala Fernández

Base Design, RG Artes Gráficas.

Coordinación de tesis área Visual Communication Raquel Pelta

Fabrica, Domaine de Boisbuchet,

Instituciones Eindhoven Design Academy, Konstfack, KKK.

Coordinación de tesis área Product Design Ali Ganjavian Tutor Visual Communication David Vásquez Tutor Product Design Pedro Luis Carretero Asistente de didáctica Adriana Ibarra Documentación Andra Piscaer Servicio de Información y Orientación Roberto Bernad Manolo Jiménez, Federica Miazzi, Miguel Matorras, Maiko Arrieta

BIOS profesionales Marc Augé Antropólogo, ha sido director de estudios en l’École des Hautes Études en Sciences Sociales y posteriormente presidente de la misma (1985-1995). Africanista de formación, pasó a orientar sus estudios hacia los problemas del mundo contemporáneo. De sus trabajos cabría destacar El viajero subterráneo: un etnólogo en el metro (1987), Los “no lugares” espacios del anonimato: una antropología de la modernidad (1993), Hacia una antropología de los mundos contemporáneos (1995), El sentido de los otros: actualidad de la antropología (1996), o Diario de guerra. El mundo después del 11 de septiembre (2002).

Sam Baron [www.fabrica.it] Nació en Francia en 1976 y empezó su actividad como diseñador en 1997 trabajando en diversas agencias y estudios de diseño y arquitectura como Kristian Gavoille, Garouste et Bonetti, François Bauchet y KRBO / Lille. Tras graduarse en Diseño en L'École des Beaux Arts de Saint Etienne' en 1999, en 2001 recibe el título de post-grado en L'École Nationale Supérieure des Arts Décoratifs de Paris' y en L'École des Beaux Arts de Saint Etienne'. En 2003 y 2004 es invitado por el Ministerio francés de asuntos exteriores para representar el diseño francés en el Tokyo Designers Block, donde le conceden el premio a la mejor instalación con la exposición 'Rendez-Vous'. En el 2003 fue seleccionado para formar parte del departamento de diseño de Fabrica, , donde trabajó durante un año, especialmente en una colección de cerámica producida por Bosa.

Reconocido a nivel internacional, ha colaborado con firmas tan prestigiosas por su carácter innovador como Droog Design. Entre sus trabajos, destaca Kokon, una colección de mobiliario presentada en Milán en 1999.

“He estado generado, por lo que dicen, el 16|02|74 y parido el 27| 11|74 en turin. soy soltero, heterosexual, con la pierna derecha 1 cm mas corta de la izquierda, alergico a los guisantes y no como carne, la chupo, pero no la como. he empezado mi carrera escolar en el gardin de infancia con tres años y he terminado esta tragedia con diecinueve anos y un papel, diploma de ciencia cientifica. me he mudado de turin a milan: istituto europeo di disegno. italia y españa. eclectica banda derecha, mozo de almacen, recoletor de manzanas, grafico y fotografo. Un año de mi vida con un contrato a tiempo indeterminado en españa y me parecia de ahogarme. freelance en el alma. italia, españa y muchos viajes. continuo a vivir vendendo mis ideas, a producir reportajes de fotos, documentales de video digital y a coleccionar buenos propositos”.

Irma Boom [www.irmaboom.nl] Nació en Lochem (Holanda) en 1960 e inició sus estudios en 1979 en la AKI School of Fine Art de Enscheden. Tras graduarse en 1985, se integró en la Oficina de Publicaciones del Gobierno Holandés en La Haya, donde trabajó como diseñadora durante cinco años.

En 2007 ganó el Grand Prix de la Création de La Ville de Paris.

En 1998, se convierte en tutora de la Van Eyck Akademie de Maastricht, uno de los centros de enseñanza más prestigiosos de Holanda. Ese mismo año diseña el libro Workspirit para Vitra.

Paralelamente, en 1992, empezó a impartir clases en Yale (Estados Unidos). En 1993, diseña una serie de sellos para Dutch PTT (Correos).

En el año 2001, la Bibliothèque Nationale de Francia (París) le dedica una exposición individual y gana el premio Gutenberg. Jurgen Bey [www.jurgenbey.nl]

Profundamente interesado por el significado emocional de los objetos, Bey ha creado diseños que provocan la reflexión y discusión sobre el valor de la producción masiva contemporánea. Su trabajo, muy ligado al diseño conceptual, se integra dentro de la actual discusión, de ámbito internacional, sobre el papel del diseño y del diseñador. Los diseños de Bey tratan de narrar historias y reflejan una manera de pensar en la que se funden intelecto e intuición.

Bernard Brechet [www.gedeon.com] Desde 1984, Gédéon ha llevado a cabo el diseño gráfico de un buen número de canales televisivos tanto en Francia como en todo el mundo. Con una visión global, este estudio se encarga no sólo de la creación del logotipo sino, también, del desarrollo de la identidad de canales y programas, así como de la dirección de arte y del marketing.

En el año 1994, fue premiada en el concurso Tooyaka International Luggage Competition de Japón por su proyecto de vajilla “Lola”.

El último grito [www.elultimogrito.co.uk]

Realizó sus estudios en l’École des Beaux-Arts d’Orléans.

En 1991, abrió su propio estudio en Ámsterdam y comenzó el proyecto de un libro conmemorativo del centenario de Dutch Conglomerate SHV, un trabajo que se prolongó durante cinco años para finalizar en 1996.

Nacido en 1965 en Holanda, vive y trabaja en Rotterdam.

Valérie Debure [www.noustravaillonsensemble.org] Nacida en 1972.

Andrea Boffetta [www.trakatan.com]

Sus proyectos han sido expuestos en varios eventos y ferias internacionales de diseño tales como ‘Maison et Objets’, ‘Salon du Meuble’ en Paris, ‘Salone del Mobile’ en Milán, ‘International Contemporary Furniture Fair’ en Nueva York, Tokyo Designers Block, ‘Biennale de Saint Etienne’ y Frankfurt Design Fair. Algunos de sus clientes: Louis Vuitton, L’Oréal, Sephora, Musée des Arts Décoratifs de París, Renault, De Beers Londres, Vista Alegre / Atlantis Portugal y Baccarat.

Actualmente vive entre Francia, Portugal e Italia donde dirige el departamento de Diseño de Fabrica.

En el año 2006, Gédéon ha creado Numero$ para la producción de programas de televisión.

Desde 1996 forma parte de Nous Travaillons Ensemble. “Desde hace ya siete años! Llego, doy de comer a los canaries, a Robert, hago café,suena el teléfono, hay que organizar, calma, siempre, el ordenador hecha humo, reuniones humeantes, ¡35 horas más cinco al día! Y dibujo”. Nous Travaillons Ensemble nació en 1989 dentro de el viejo atelier Grapus. Hoy está compuesto por Valérie Debure, Isabelle Jégo, Alex Jordan y Ronit Meirovitz. Otros colaboradores como Antonio García, web designer, se asocian durante el tiempo que dura un proyecto. Las creaciones gráficas de Nous Travaillons Ensemble (campañas de comunicación, acciones pedagógicas, identidades corporativas y escenografías) responden esencialmente a los encargos de municipios, instituciones, asociaciones humanitarias o educación popular, museos y centros socioculturales. Además de los encargos, el estudio origina numerosos proyectos e identidades relacionadas con sus preocupaciones. Sus producciones dan prioridad al mensaje, ya sea politico, social o cultural, sin olvidarse de influenciarse por una nota de humor. NTE comunica con imagines provocativas, inmediatas, siempre en sintonía con la realidad social próxima o de la aldea global. Esta búsqueda de sentidos se expresa con el dibujo al trazo, la acuarela, la fotografía sin olvidar los new media.

Valentina Downey + Patrizia Scarzella [www.valentinadowneydesign.it] Nacida en 1970 y graduada por la Academia de Arte de Florencia, su ciudad natal, Valentina Downey comenzó su carrera como freelance en 1995. Establecida en Parma, junto a Patrizia Scarzella se encuentran al frente de un proyecto de comunicación para promover la producción tailandesa en el mercado europeo. Coordinadora de diversos talleres para empresas italianas y extranjeras (Bormioli Rocco S.p.A., Pirex, Koleksiyon, Saint Gabin Glass, Gruppo Fanti), junto a Patrizia Scarzella ha editado el libro Il Giurì del Design, publicado por Franco Angeli Editore en el año 2005. Ha comisariado y coordinado a un grupo de jóvenes diseñadores, junto a los cuales ha llevado a cabo una nueva colección de complementos denominada “Le Vitamine”. Fue presentada en el Spazio Bigli de Milán en septiembre de 2004. Profesora de la Università La Sapienza de Roma, ha colaborado, asimismo, en el Máster de Diseño Industrial de la Domus Academy de Milán. 13

Fundado en 1997, en Londres, por Roberto Feo y Rosario Hurtado, El último grito se describe como “estudio creativo concentrado en el diseño”. Aunque nacidos en Madrid, sus fundadores viven y trabajan en Londres desde 1990. Roberto Feo es, desde 1999, tutor en el Royal College of Art y Rosario Hurtado en la Goldsmiths University. Ambos han diseñado desde mobiliario, hasta ropa y exposiciones para clientes nacionales e internacionales. Sus trabajos han recibido numerosos galardones –entre otros y en tres ocasiones el Blueprint Design Award- y se han expuesto en diversos museos.

Gala Fernández [www.edl07.com] Nacida en Madrid en 1969. Estudió Bellas Artes y Diseño en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid y Diseño Industrial en el Istituto Europeo de Design en Milán, donde más tarde trabajó impartiendo clases y coordinando diversos cursos. Ha dado conferencias en el Royal College of Art, Londres, Goldsmith College, Londres y el Nederland Architectuur Instituut de Rotterdam, entre otras instituciones educativas. Ha trabajado para Fabrica, el Centro Investigación para la Comunicación de Benetton, donde ha sido coordinadora del departamento de diseño 3D y responsable del proyecto Fabrica Features.

José Guirao [www.lacasaencendida.es] Nació en la localidad almeriense de Pulpí en el año 1959, es licenciado en Filología Hispánica. Fue responsable del Área de Cultura de la Diputación Provincial de Almería entre 1983 y 1987. Un año después se trasladó a Sevilla para hacerse cargo de la Dirección General de Bienes Culturales de la Junta de Andalucía. Hasta octubre de 1993 desarrolló proyectos como el Plan General de Bienes Culturales de Andalucía, la Ley 1/91 del Patrimonio Histórico de Andalucía, el proyecto del Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, y la creación del Instituto Andaluz del Patrimonio Histórico. De ahí saltó a Madrid, donde en 1993 fue nombrado director general de Bellas Artes y Archivos del Ministerio de Cultura. Ha sido director del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid.

Fernando Gutiérrez [www.fernandogutierrez.co.uk]

En el año 2000 regresó a Italia para realizar un máster en la Domus Academy.

Jordi Mollá [www.jordimolla.com]

Pedrita [www.pedrita.net]

Fernando Gutiérrez (1963) estudió diseño en el London College of Printing y se graduó en 1986.

Desde el año 2001, trabaja para Ikea en Suecia, donde reside actualmente.

Actor, director, pintor y escritor.

Pedrita está constituido por Rita João y Pedro Ferreira.

Trabajó en CDT Design de Londres, Summa de Barcelona y, en 1993, fundó en Barcelona junto a Pablo Martín, el estudio Gráfica.

Ha realizado proyectos en colaboración con algunas de las principales escuelas del mundo: Eindhoven Design Academy, Royal College of Art de Londres, Domus de Milán, University of Art and Design de Helsinki, Parsons de Nueva York, University of Shangai, Marhi de Moscún, entre otras.

Jordi estudió Arte Dramático en el Instituto de Teatro en Barcelona, también estudió en Italia, Hungría e Inglaterra. Como actor, ha trabajado en más de quince películas con prestigiosos directores como Bigas Luna, Montxo Armendáriz, Pedro Almódovar, Ricardo Franco y Fernando Colomo.

Ambos estudiaron diseño en la Facultad de Arquitectura de la Universidad Técnica de Lisboa. Asimismo, Rita estudió en TU Delft y Pedro en el Politécnico de Milán.

En octubre de 2000, se estableció en Londres y se unió a Pentagram, donde ha permanecido hasta fecha reciente. Su trabajo se ha publicado en numerosas revistas y se ha mostrado en diversas exposiciones internacionales. Es miembro de la Alliance Graphique Internationale (AGI).

Jaime Hayón [www.hayonstudio.com] Nacido en Madrid en 1974, estudió diseño industrial en Madrid (1994-1997) y en París (1996-1997). En 1997 comenzó a trabajar para el Benetton Group Research Center of Communication Fabrica, primero como investigador para, un año más tarde, convertirse en Jefe del Departamento de Diseño. En Fabrica creó la decoración interior de varias tiendas de Benetton y del restaurante Madam en Treviso (Italia) así como la bolsa nómada, un sistema de mobiliario para nómadas contemporáneos que se expuso en el Vitra Design Museum, en el marco de la exposición Living in Motion. Establecido actualmente en Barcelona, ha colaborado con importantes empresas, entre las que destacan Metalarte, Artquitect Edition, Coca-Cola, Fontbella Danone Group, bd y Adidas. Creador polifacético, ha comisariado exposiciones, entre las que hay que mencionar XYZ Ideas on Furniture presentada en la Feria del Mueble de Milán, organizado eventos como la última edición de la Bienal del Diseño de Lisboa y ha participado en diversas muestras con obras como la Hayón Garden, una instalación de esculturas, juguetes y cerámicas que se presentó en la David Gill Galerie de Londres en el año 2003. Se le considera un representante del “new mediterranean digital barroque style”, como él mismo lo denomina, y una joven promesa del diseño español. Sus trabajos han sido publicados por algunas de las revistas de diseño y tendencias más prestigiosas del mundo, destacando Wallpaper, Surface, Oxygen, Domus e Interni Magazine.

Sigridur Heimisdottir [www.ikea.com] Nacida en Reykjavik (Islandia) en 1970, se graduó como diseñadora industrial en el Istituto Europeo di Design de Milán en 1994 y recibió el premio Compasso d’Oro por su proyecto de final de estudios.

Ezio Manzini [www.sustainable-everyday.net/manzini/] Ingeniero y arquitecto, profesor de los Politécnicos de Milán y Hong Kong, director del CIRIS (Interdepartmental Centre on Innovation for Sustainability). Sus análisis se centran en el estudio de los procesos de innovación y producción en las sociedades postindustriales y en las relaciones entre las políticas de medio ambiente y la perspectiva del desarrollo sostenible. Entre sus ensayos sobresalen La materia dell’invenzione (1986), Artefacta (1990), Competitive and Sustainable Production (2000).

Jorge Moita [www.krvkurva.org]

Su primer éxito fue en "Jamón, Jamón" de Bigas Luna en 1992. Desde entonces Jordi ha aparecido en "Historias del Kronen" (1994) Director: Montxo Armendáriz; "La flor de mi secreto" (1994), Director: Pedro Almodóvar; "La Celestina" (1996), Director: Gerardo Vera; "La buena estrella" (1997), Director: Ricardo Franco (Nominado a los Premios Goya); "Los años bárbaros" (1998), Director: Fernando Colomo; "Volavérunt" (1999), Director: Bigas Luna; "Nadie conoce a nadie" (1999), Director: Mateo Gil; "Segunda piel" (1999), Director: Gerardo Vera y "Son de Mar", (1999), Director: Bigas Luna. Aclamado por la crítica por su papel en "Blow" con Johnny Depp y Penélope Cruz. Este fue su debut en Hollywood. Ha dirigido dos cortrometrajes: "Walter Peralta" (Premio Alcalá de Henares, Premio Generalitat de Cataluña) y "No me importaria irme contigo".

En septiembre de 2002 se integraron en el equipo de Fabrica y comenzaron a desarrollar proyectos para Benetton, Trudi, Ittala, Koziol, Danilo Ferrara, Ferrán Adrià, Unicef, Skira, Ayuntamiento de Roma, Partito Unito, Electa, Parque Dolomiti, Ayuntamiento di Treviso, El País, Ayuntamiento di Riccione, Moving Images Museum NY, Makalle Restaurant TV, Ospedale Meyer, B.D. Ediciones de Diseño, Electa, Magis, Bosa Ceramics y Metalarte. Desde enero de 2005, ya en Lisboa y bajo el nombre de Pedrita, han trabajado en proyectos multidisciplinares como el comisariado de la exposición TAP Air Portugal (por invitación de Experimentadesign); Diálogos (junto a Francesco Meneghini y Ramón de Marco), proyecto presentado en el Kunstmuseum (Basilea) y Experimentadesign en 2005; merchandising para Coca-Cola (en colaboración con HayonStudio; Ga.Lo bag producido por Krvkurva, así como un proyecto institucional, coordinado por CENCAL para Corval, presentado durante Experimentadesign y en Monsaraz en diciembre de ese mismo año.

Su primer largometraje, "No somos nadie", fue producida por Lola Films se realizó en el 2002.

Nacido en 1976 en Elvas Alentejo (Portugal) y graduado por la Facultad de Arquitectura de Lisboa en el año 2000, Jorge Moita trabaja desde 1998 como diseñador. Ha colaborado en numerosos proyectos, entre los que hay que mencionar Experimenta Design 99 Meeting Point, Correio da Manhã, Moda 21, Máxima, Lab Magazine (Londres) y la revista Colors (Italia). Cofundador del Laboratorio de Diseño de Moda, Krv Kurva Design, “design for unexpected dressing”. Entre los galardones que ha recibido por su trabajo hay que mencionar: la Medalla de Oro del premio Infante D. Enrique por sus actividades desde 1998, el Premio Nacional de Diseño, Diseño de Producto, Trofeo Sena da Silva en 2002 y el Premio de Jóvenes Creadores 2002, al Diseño de Equipamiento, con Daniela Pais, por el proyecto Krv Kurva. Entre 2003 y 2004, fue invitado a integrarse en el equipo de Fabrica, como Diseñador del Departamento 3D, donde desarrolló proyectos para Benetton, Sisley, Nórdica, PlayLive, Colors, Eleca, etc… Director creativo del “Studio 09º 08` 36``W, 38º 42` 34``N”, sus trabajos se han publicado en numerosas revistas: 34, IDN, NEO2, B-Guided, LAB Magazine, Sleazenation, Marie Claire Italia, Eye magazine, Elle Portugal, Time Out Grecia, El Mundo, Cosmopolitan, etc.

Además Jordi ha escrito dos libros: "Las Primeras Veces" y "Agua Estancada".

Nacido en Conegliano en 1962, reside actualmente en Treviso. Jorge Moreno Arozqueta [www.lajabonera.com]

Graduado en Letras, tras ser ayudante de la cátedra de Literatura Italiana en la Universidad de Venecia en el año 1992, realizó un máster en Comunicación de Empresas.

Director de Diseño Industrial. Departamento de Arquitectura y Diseño Industrial del Tecnológico de Monterrey, Campus Querétaro.

Director de Comunicación para el Gruppo Benetton Sportsystem, es desde el año 2004 Director de la revista Colors.

Diseñador industrial, graduado por el CIDI-UNAM en 1989. Fundador, en 1991, de la empresa Objetarías de Diseño de Toulouse. Consultor para desarrollo de producto e iluminación de varias empresas e instituciones, entre las que pueden mencionarse Osram, Philips, INAH e INBA. Director del Programa Diseño Industrial ITESM Qro. Entre sus trabajos destacan el diseño y desarrollo de los sistemas de iluminación de bajo voltaje Trolebús y Trapecio, utilizados por diversos museos mexicanos, la iluminación de la exposición de diseño México-Comunidad Europea, organizada por SECOFI, Bancomext y el Barcelona Centro de Diseño (BCD) y la línea de luminarias de bajo voltaje Colección Prima para Philips-Construlita; una colección lanzada en México en noviembre de 2001.

En 1995 fundó su propia empresa H&H en Islandia, donde diseñó para diferentes empresas de todo el mundo.

Renzo di Renzo [www.colorsmagazine.com]

Desde el año 2001 es Director Creativo de Fábrica, el Centro de Investigación sobre la Comunicación del Gruppo Benetton, donde se desarrollan todo tipo de proyectos creativos. Consultor de comunicación y marketing para diversas empresas, imparte regularmente cursos y conferencias en la Universitá di Pesaro y Urbino, la Universitá Cattolica de Milán, el Istituto Europeo di Design o la Universitá di Venecia. Es miembro del Comité Directivo de la sede europea de la Miami Ad School. Ha coordinado los siguientes libros: 1000 Extraordinay objects (Taschen, 1999), Preghiera (Ed. San Paolo, 1999), Fabrica Files (Electa, 2002), 2398 gr (Electa, 2002), 1000 Signs (Taschen, 2004), Fabrica 10: From Chaos to Order and Back (Electa, 2004) y publicado el libro Brevi incontri, lunghi addii (Teoria, 2000).

Ricardo Salas [www.frontespizio.com.mx]

Erik Spiekerman [www.spiekerman.com]

Giuseppe Zecca + Simone Zecca [www.bticino.com]

Ricardo Salas nació en México D.F., en 1954. Diplomado en Diseño Gráfico e Industrial por la Scuola Politecnica di Design de Milán, realizó un postgrado en gráfica, animación y tipografía en Basilea (Suiza) en la Kunstgewerbeschule, con los profesores Wolfgang, Weingart, Olpe, von Arx y Gurtler.

Nacido en Stadthagen (Alemania) en 1947, Erik Spiekerman estudió Historia del Arte en la Universidad de Berlín. En 1973 se trasladó a Inglaterra. Durante siete años trabajó como freelance principalmente para Wolff Ollins, Henrion Design Associates y Pentagram e impartió clases de tipografía en el London College of Printing.

Giuseppe Zecca nació en Sondrio en 1934. Pintor, se traslada a Milán a mediados de los años cincuenta, donde frecuenta los círculos artísticos que gravitaban en torno a la figura de Lucio Fontana. Junto a Piero Manzoni y Ettore Sordina interviene en el manifiesto Per la scoperta di una zona di immagini (1956), en el que se teoriza sobre una pintura que ha de surgir de la colectividad.

Entre 1977 y 1980 colaboró como diseñador gráfico en el estudio Value Design de Hamburgo (Alemania). En 1980 regresa a México, para dedicarse al diseño gráfico en todas sus áreas. En 1983, la empresa italiana BTicino le encarga el diseño de su imagen global, de aplicación internacional. Gracias a ello, funda su propio estudio, Frontespizio, en Milán. A mediados de los años 80, colabora con Achille Castiglione y con Hainz Waibl para llevar a cabo la aplicación de la Bienal Intel 85, en Milán. Profesor en el área editorial en la Universidad Anáhuac de México D.F., ha impartido cursos en la Universidad Autónoma de México, Universidad Iberoamericana, Universidad de las Américas, Universidad del Mayab, Universidad Autónoma de Puebla, Veracruz, Guadalajara y Centro George Pompidou y Museo Vitra Disegn. Actualmente es Director de la Escuela de Diseño de la Universidad Anáhuac, es miembro del comité de selección de la “Bienal del Cartel” en México; del consejo editorial de la revista Estilo México, así como del Comité de Dirección del Museo Rufino Tamayo. En seis ocasiones ha sido distinguido con el premio a la excelencia por The Printing Industries of the Gulf Coast, Inc y Printing & Imaging Association of Mid America (1994-2002). Sus trabajos se han publicado en Matiz, A! Diseño, Caminante, Experimenta, Domus, Abitare, Ottagono, y Art Directors Index, entre otras revistas.

Nicola Schwartz [www.pocko.com] Nicola Schwarz fundó en 1999, en Londres, el estudio Pocko, que ha alcanzado renombre internacional. Una de sus iniciativas de mayor reconocimiento ha sido la Pocko Collection, una serie de libros de bolsillo -compuestos por diferentes artistas- en los que se combina la edición con la comunicación corporativa. Uno de los rasgos de Pocko es su habilidad para descubrir nuevos talentos e impulsarlos de un modo original empleando estrategias de marketing, comunicación y publicidad poco convencionales.

A finales de la década de 1970, comenzó a colaborar con Berthold AG. Hacia 1979, abandonó Inglaterra y fundó en Berlín, con otros dos socios, su propio estudio: MetaDesign. En la actualidad se encuentra al frente de la fundición tipográfica FontShop. A él se deben tipografías tan conocidas como la FFMeta o la Officina. A su faceta de escritor debemos la «novela tipográfica» titulada Rhyme & Reason – A Typographic Novel, publicada primero en alemán en 1982 y después en inglés, en 1989, donde con humor expone sus ideas sobre la tipografía. En 1993 apareció otro de sus libros: Stop Stealing Sheep & Find Out How Type Works, editado por Adobe Press. Escribe artículos para revistas como Baseline, Emigré o Eye, cargados de sentido crítico, reflexión teórica y profundo conocimiento.

Joana Vasconcelos [www.joanavasconcelos.com] Nació en París en 1971. Vive y trabaja en Oeiras. Estudió Artes Visuales en Ar. Co School, Centre of Visual Arts and Communication entre 1989 y 1996. En 2006 ganó el premio de la Fundación Berardo para crear la obra, “Néctar” para el Centro Cultural de Belém. En 2003 recibió el premio “Tobacco Public Art Fund” para crear un proyecto de intervención en el Largo da Academia das Belas Artes, en Lisboa, que está siendo preparado.

Después de una breve experiencia en el campo del diseño gráfico, en 1958, Zecca se integra en el grupo BTicino, empresa italiana líder en el sector de la iluminación, para encargarse de aspectos relacionados con la identidad corporativa de la compañía. Para BTicino realizará la serie Magic que destacará por su carácter innovador y supondrá el inicio de una carrera dedicada ya plenamente al diseño. A partir de 1964, al frente de un equipo de diseñadores gráficos, técnicos y publicitarios, se encarga del diseño industrial producido por BTicino. En 1971, y sin dejar de colaborar con la compañía, se convierte en freelance. En 1988 funda el estudio Zecca & Zecca – Design e sviluppo del prodotto. Entre sus trabajos destacan las series Living, -que en 1989, mereció el premio Compasso d’Oro-, Living International, Light, New Magic, Axolute y el proyecto domótico My Home, premiado en el año 2001, también con el Compaso d’Oro. A lo largo de su vida, ha realizado alrededor de 6.000 proyectos de luminarias. Simone Zecca nació en Varese en 1961, reside habitualmente en Milán. Graduado por la Facultad de Arquitectura del Politécnico de Milán, es socio fundador del estudio Zecca&Zecca. Design e sviluppo del prodotto. Ha impartido conferencias y publicado críticas de arte en diversas revistas italianas. Fundador en el año 2003 y consejero de la Associazione Grytzko Mascioni.

Desde 1994 es invitada regularmente a exponer en Portugal y en extranjero. Los más destacados: “Joana Vasconcelos”, Rena Bransten Gallery, S. Francisco (2007), “Al(mas…)”, Palácio da Gleria, Tavira (2007), “A Ilha dos Amores”, Mario Mauroner Contemporary Art, Viena (2007), Espais Oberts”, Caixa Forum, Fundación La Caixa, Barcelona (2006), “Joana Vasconcelos”, Pasaje du Desir/BETC EURO RSCG, Paris (2005), “I Lusas”, Casa de América, Madrid (2004), “Joana Vasconcelos”, Galeria Casa Triângulo, Sâo Paulo (2004); “Marquise”, Galeria 111, Porto (2004): “Todas las direcciones”, Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, Sevilha (2003); “F.A.T.”, Galeria 111, Lisboa (2002); “Happy Lady”, Galeria Màrio Sequeira, Braga (2001); “Medley”, Galeria Central Tjo/Museu da Electicidade, Lisboa (2001); “Ponto de Incontro”, Museu de Arte Contemporânea de Serralves, Porto (2000).

Workshops European Design Labs presenta una serie de dieciséis talleres de cinco a diez días de duración. Algunos de ellos fueron realizados sólo por los estudiantes de Visual Communication, otros por los de Product Design, aunque seguramente los más interesantes fueron aquellos en los que ambos grupos compartieron un proyecto y lo desarrollaron juntos. Los participantes trabajaron con profesionales del diseño, cada uno de ellos con una visión y una metodología particular. El objetivo de estos talleres no es el desarrollo de un producto perfecto sino facilitar la captación de la dinámica interna de los procesos de diseño y los desafíos que esto supone para el pensamiento dirigido al proyecto.

Jorge Moreno De la caja negra a la caja de cristal En este taller trabajaremos diversas metodologías que nos ayudarán a descubrir como los procesos mentales exteriorizados ayudan a una concepción lógica al tiempo que dan mejores herramientas de justificación y entendimiento a nuestros clientes. El proyecto que realizaremos esta semana, lo analizaremos desde tres perspectivas; La primera, la del diseñador en dos ámbitos. El individual, su identidad, valores propios, espiritualidad y creencias y el segundo en su contexto, definiendo intereses, capacidades y competencias. En segundo término, visualizaremos nuestra sociedad, de lo general a lo particular. Pasando de los aspectos mundiales a un análisis de usuarios potenciales. Finalmente, abordaremos la perspectiva de la empresa, analizando los intereses y las expectativas que engloban el proyecto. La síntesis de estos tres enfoques serán vertidos en el análisis de la “naturaleza huérfana” del mueble urbano, tratando de generar propuestas auténticas desde su origen hasta su presentación.

Tecnoseñal / RENFE Cercanías Nuevos elementos de mobiliario urbano La aparición de la prensa gratuita genera una nueva necesidad. Se distribuye generalmente en los centros de transporte, pero nadie se encarga de retirar los periódicos una vez leídos, salvo los servicios de limpieza que ya existían. En la red de RENFE Cercanías en la Comunidad de Madrid recogen a diario 3 tm. de este tipo de publicaciones, aproximadamente 2/3 en los trenes y 1/3 en las estaciones. Cada periódico viene siendo leído por dos o tres personas, 2.5 de media. Como dato adicional, para generar una tm. de papel son necesarios 17 árboles, si este reparto es parecido en los otros dos medios transporte principales, estamos hablando de más de 150 árboles diarios solo en Madrid. RENFE Cercanías de la comunidad de Madrid, con la participación de Tecnoseñal se han planteado desarrollar e implantar un elemento que ayude a reducir el impacto que este fenómeno está generando, aportando soluciones a la reutilización y el reciclaje de los periódicos y a la limpieza de las estaciones y trenes.

Ricardo Salas, Gráficas Palermo Redes contemporáneas para publicaciones El programa de diseño editorial se dividirá en dos partes claramente determinadas. En la primera, se desarrollarán varias alternativas de retículas dentro de un espacio predeterminado: éstas auxiliarán y permitirán al estudiante experimentar y entender al mismo tiempo la relación que existe entre la proporción de oro de las dos páginas de la publicación y su contenido formal para lograr tener una óptima lectura y entendimiento del mensaje y/o contenido. En la segunda parte, se diseñará la estructura editorial, que permita al estudiante crear su propia publicación en base a una diagramación clásica, permitiendo entender el contenido y su relación estrecha con la retícula editorial preestablecida.

Sam Baron_Fabrica In/Out Trabajaremos con la contradicción exitente entre fuera y dentro, cuestionándonos: 1. Identidades nacionales y culturales 2. De lo local a lo internacional 3. Los símbolos de identidad, comunicación, protección personal y reconocimiento en el uso de objetos cotidianos o conceptos 4. Elementos como una bolsa o un pin 5. Cómo transmitimos estas respuestas en nuestra vida particular, cómo actuamos y nos situamos ante lo que poseemos… Por supuesto, esta es la base sobre la que se discutirá en un equipo de trabajo. ¡Espero que os divertáis!

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Fun & Basics Add fun to your life Fun & Basics propone la creación de la línea ADD FUN TO YOUR LIFE con la voluntad de darle un aire urbano con cierto “punto canalla” a productos, elementos y “atmósferas” de la marca. Esta línea se caracterizará por una serie de atributos que irán mutando en sus sucesivas aplicaciones, así como a lo largo del tiempo a medida que resulten más reconocibles en el conjunto de los productos del universo Fun & Basics.

Irma Boom Retrato Quiero pedir a cada estudiante que haga un retrato. ¡Hay muchos modos de hacerlo! Cada uno puede elegir cómo. Escribe los nombres de todos los estudiantes en pequeños trozos de papel y pliégalos. Cuando empecemos cada uno escogerá un nombre…

Sigridur Heimisdottir_IKEA Inside-Outside IKEA diseña colecciones que se presentan con la periodicidad de un año, se llaman PS (Post Scriptum) y representan un pequeño “extra” dentro de la oferta de Ia marca. Por otro lado existe un tema muy interesante al que llamamos “InsideOutside” (dentro-fuera). La idea es la de crear objetos que puedan funcionar en ambos ambientes, el interior y el exterior. Nos desplazamos de adentro a afuera dependiendo, entre otras cosas, de la estación, el clima (la luz y la temperatura). Deberíamos poder mover nuestros objetos con nosotros. Pensad globalmente, tiene que funcionar en cualquier parte del mundo. Quizás tengáis algo que sólo pertenezca a vuestra cultura que penséis que sería bueno que otras culturas comenzasen a apreciar…. Pero no olvidéis que en las tiendas de IKEA no pueden explicarse los objetos complicados; los objetos, de alguna manera, han de explicarse por si mismos... ¡y rápido! Los objetos te pueden hacer feliz y evocar emociones… Trabajad sobre las emociones humanas... ¿Qué nos hace sentirnos felices, relajados, plenos, tranquilos, seguros, …?

Andrea Boffetta ¿Qién soy yo? El fin del workshop es llegar a conceptualizar y aplicar en un soporte la estrategia de comunicación de cada participante. Como profesionales, nos pasamos la vida aplicando estrategias de comunicación en empresas, territorios o personajes según la interpretación de unos términos que el mercado global impone. La idea es que cada estudiante estructure la comunicación de si mismo según los terminos que decida.

Gala Fernández, Vitra Summer Courses Back to Basics Reflexionaremos sobre los objetos que consideramos BÁSICOS E INDISPENSABLES para la vida. Se trata, en primer lugar, de crear una taxonomía individual de artefactos de uso personal en todos los ámbitos de la actividad humana. Una lista organizada por temas. Ésta será ilustrada por una lista de imágenes de los objetos que cada estudiante usa. Luego suprimirán los objetos “superfluos” y documentarán con fotografías el proceso, alegando las causas de los descartes. A partir de esta destilación crearán un “manifiesto” una aproximación a la base ética de cada diseñador… De los objetos restantes se elegirán uno o varios y se diseñarán o bien se rediseñarán.

El Último Grito Se trata de elegir un personaje del siglo XX, relacionado con el mundo de la creación artística en todas sus disciplinas o perteneciente al mundo del diseño, al que admiremos y a quien queramos invitar a cenar. Habrá que desarrollar un proyecto de diseño en este contexto.

Invitado: Federico Fellini

Invitado: Tim Burton

Invitado: El Santo

Invitada: Jenny Holzer

Nicola Swartz_Pocko DIY Cada estudiante tendrá a su disposición un volumen de DIY, un librito de 96 páginas en blanco publicado por Pocko, para diseñar su propuesta.

Pedrita, Gonçalo Prudêncio_AO SOL Energia Renováveis Lda. Energías renovables Dentro del campo del product design, este puede ser uno de esos raros momentos en los que se invita a intervenir a los diseñadores, en una fase muy inicial y contando con muy pocas referencias o ninguna, para desarrollar las aplicaciones de una tecnología existente. Se trata de una oportunidad para combinar tecnología y creatividad al servicio de la sostenibilidad, contando con un contexto sin preconceptos, para proyectar algo NUEVO (y anteriormente inexistente): Sistemas integrados y productos que satisfagan cada nivel de nuestras verdaderas exigencias y que promuevan una actitud ética hacia un modo de vida, combinando la necesidad individual del confort, el estatus social y realización personal. Ao Sol Energias Renovaveis Lda. Es una compañía que, dentro del campo de las energías renovables, está especializada en usar la energía solar para producir agua que pueda tener diversas aplicaciones en edificios públicos y privados. Una de las mayores preocupaciones de la empresa es la integración en la arquitectura de los sistemas tecnológicos que desarrollan. Sus esfuerzos se están orientando en esa dirección y pensamos que un taller sobre este tema podría contribuir a desarrollar tres aspectos fundamentales del mismo: 1. Cómo minimizar el impacto arquitectónico de los sistemas actuales. 2. Pensar en nuevos modos de integrar este tipo de energía en los edificios. 3. Qué nuevas funciones arquitectónicas podría introducir (si hubiese alguna) esta tecnología de energía solar.

Bernard Bréchet_Gédéon Patrick Rouchon_Ostra Delta Durante esta experiencia de creación audio-visual se exploraron diversos aspectos de la metodología propios de la displina para realizar un pequeño vídeo usando ténicas y herramientas específicas de la misma para presentar el contenido del máster.

Jorge Moita_KRV KURVA Prision de mujeres de Tires (Lisboa) MUDE (Museo de la Moda y el Diseño de Lisboa) a_ La dimensión humana y social del proyecto que Krv Kurva desarrolla en colaboración con la prisión de mujeres de Tires, sede de la producción de muchas de las líneas de la bolsa La.Ga entre otros proyectos, es el aspecto fundamental que enmarca la necesidad desarrollar nuevas calidades que den sentido a este trabajo. ¿Cuál es la propuesta en este contexto? La propuesta se llamará “a_”.

Giuseppe Zecca, Simone Zecca, Valentina Downey_BTicino Domótica Se pretende afrontar el problema del pasaje entre la proyectación y la realización en un manufacturado técnico que formará parte de un sistema integrado referido al ambiente doméstico. La innovación consiste en la introducción de la noción de escenario, es decir a una secuencia de comandos elementales que han de reconducir a una mayor abstracción. Ejemplificando: la intercción entre el usuario y su habitación se explica en una serie de funciones: entrar en casa, encender las luces y los diversos aparatos eléctricos y electrónicos, subir o bajar las persianas, activar o desactivar los sistemas de alarma y control, ir a dormir, etc. Hacen falta por tanto por lo menos dos comandos a distancia, separados de la pared a la persona, uno para poder acceder a la casa y otro para las demás funciones, cuya importancia está unida a la frecuencia de las operaciones requeridas. Se quiere partir del “sueño” y no de los límites tecnológicos, dejando al estudiante la máxima libertad inventiva e imaginativa: la mediación con la realidad llegará sucesivamente. Las posibilidades son innumerables, precisamente porque no estamos vinculados a la mecánica tradicional. Para evitar de este modo volver a recorrer caminos ya y sobretodo para permitir proyectar sin ningún tipo de referencia tecnológica. Al iniciar el taller se ilustrarán algunas soluciones actualmente en uso o en estado de experimentación, de la cuales se podrán extraer motivos de inspiración para el desarrollo del trabajo o para negarlos y sobrepasarlos partiendo siempre de una base objetiva y real.

Jaime Hayón, Metalarte Objetos de luz ¿Cómo crear objetos que iluminen y que creen un ambiente? Hay que tener en cuenta muchos aspectos, algunos muy técnicos y específicos… Pero sobre todo hay que hacerlo, realizarlo, para poder probar, experimentar, encontrar. ¿Qué es lo que hace que una empresa decida producir uno de estos objetos? Buscad ideas que cuenten historias. Para esta experiencia usad materiales simples, baratos, y fáciles de encontrar.

Fernando Gutiérrez Durante la recta final de los proyectos de tesis de los alumnos de visual communication, Fernando Gutiérrez asesoró y dio apoyo a la presentación y acabado de los mismos. La definición de los matices y aspectos más delicados de un proyecto de cualquier disciplina del diseño requieren de la experiencia y competencias de visión y filtro de una figura fundamental: el art director.

Proyectos de tesis En primer lugar, hay que señalar que todos son proyectos de

Los proyectos de este máster son, asimismo, el reflejo de una

autoencargo, con un briefing construido por los propios diseñadores

concepción del proceso de diseño como un viaje personal en el que se

como resultado de un proceso de indagación en aquellos temas

producen constantes negociaciones entre lo que uno desea y lo que

que les eran más afines. En este sentido, no debemos olvidar que el

precisa el usuario, mientras se vive una experiencia creativa que

autoencargo, hoy en día, no necesariamente es sólo voluntad de

enriquece personalmente no sólo a quien la protagoniza sino al

autoexpresión sino que, en muchos casos, se constituye en alternativa

producto mismo, creado muchas veces con la voluntad de fomentar

a un sistema productivo que deja fuera las necesidades de ciertos

usos alternativos y secundarios y, por tanto, con un proceso de

colectivos o que obvia aquellas cuestiones que pueden presentarse

utilización también abierto. Se trata, pues, en muchos casos de

como conflictivas. Así, todas las piezas creadas por estos estudiantes

estimular la capacidad de improvisar e inventar innata en los

son, efectivamente, el producto de una inquietud personal pero,

seres humanos.

además, algunas de ellas presentan una carga crítica o una denuncia, exploran aspectos emocionales o intentan responder a una demanda

Por último, habría que destacar que algunos de estos jóvenes

sociocultural aún no contemplada por instituciones y empresas.

diseñadores se han atrevido a abandonar los campos del diseño que mejor conocían y a realizar incursiones en territorios que les habían

En segundo lugar, los diseños de estos estudiantes se sitúan dentro de

sido ajenos hasta ahora. De esta manera, el European Design Labs se

la línea de aquellos que reivindican que el diseñador es alguien capaz

ha convertido en una plataforma de cruce disciplinar, donde quienes

de generar contenidos, una perspectiva que lo sitúa íntimamente

procedían de la arquitectura han acabado llevando a cabo proyectos

ligado al desarrollo conceptual de los proyectos y no a su simple

de gestión cultural o de diseño industrial, quienes diseñaban productos

resolución estética. En esa medida, por tanto, estamos hablando

han entrado en el lenguaje de la web o casi en el del arte y aquel

de un nuevo tipo de profesional que actúa como autor sin dejar de

los otros que venían del mundo digital se han atrevido con el

comprometerse con su trabajo y con la sociedad en la que vive.

medio impreso.

En tercer lugar, habría que destacar la variedad de metodologías

Quince diseñadores, quince proyectos y quince miradas, en un mundo

y procesos seguidos por cada uno de los participantes para alcanzar

complejo que demanda soluciones imaginativas. Eso ha sido la primera

el resultado final. Unos se muestran más intuitivos y otros más

edición del European Design Labs.

cercanos a la investigación en ciencias sociales pero todos han Raquel Pelta

dedicado muchas horas de búsqueda y reflexión, algo que nos aproxima al carácter empírico que deberían tener siempre los proyectos de diseño, especialmente cuando han de desarrollarse en una escuela como parte de un aprendizaje que debe ser amplio y, sobre todo, crítico.

Biografías estudiantes Giulia Barbanente Nacida en 1975 en Mola di Bari, un risueño pueblo de pescadores, campesinos, poetas y músicos hard-core sobre la costa adriática del sur de Italia. Graduada en el 2000 en diseño industrial en el ISIA de Roma y diplomada en sastrería en el 2005 en Bari. Trabaja independientemente como diseñadora gráfica e ilustradora, y como creadora de vestuario para el Teatro Teatro Kismet Opera, La luna ne Pozzo y otras producciones independientes. Ha colaborado con la creadora de vestuario Ruth Keller, la escenógrafa Marianna Sciveres y con los directores Alessandro Piva, Marianna Sciveres, Angela Iurilli y Teresa Ludovico. Ahora vive y trabaja en Madrid.

Andrea Caruso Nació en 1984 en Turín, Italia. Durante la infancia se dedica con obsesión al juego del Lego. Trenes, aviones, naves, salían cada día desde su Legopoli. Se licencia en diseño industrial en el Politecnico de Torino en 2005 y expone sus primeros proyectos en el Macef, Salón del Complemento del Mueble de Milano. En 2003, junto con Alberto Gobbino y Carlo Frigerio crea UNFAMOUS, una plataforma creativa que trabaja en diferentes disciplinas como la fotografía, la producción de vídeo, la comunicación y el diseño. (www.unfamousatelier.it) Realiza prácticas en Pininfarina donde diseña una ducha de hidromasaje para Jacuzzi que fue producida en el 2007. Colabora con el estudio BRH+ de Turín en el proyecto de restauración de la sala de conciertos “Hiroshima Mon Amour” y para la exposición SPAcqua de Amnesty International en Milán, proyecto con el cual ganan el primer premio Enzo Baldoni Prize. Realiza workshops con Lucy Orta, Vittorio Bonacita y Gufram. En el 2006 colabora con Artemide en la investigación y desarrollo de lámparas de Michele De Lucchi, Matteo Thun, Karim Rashid e Ross Lovegrove. En Madrid, dentro del master European Design Labs, realiza colaboraciones fotográficas con el Instituto Europeo di Design de Madrid. En el 2007 funda el estudio de diseño UNDB, Unfamous Design Bureau (www.undb.it).

Claudia Contreras Nacida en Colombia en 1977, estudia diseño industrial en la Universidad Autónoma de Manizales (Colombia). Desde el comienzo de su carrera se interesa por el eco-diseño, entendiendo esta disciplina como una manera de ayudar a mejorar la calidad de vida del hombre, y el bienestar de su entorno. Su interés en la responsabilidad ambiental la lleva a trabajar en Cali (Colombia) con el Zoológico y el Jardín Botánico (diseño de interactivos educativos y señalización). Posteriormente trabaja durante dos años con “Almacenes Éxito”, una cadena de hipermercados, donde coordina la logística de los montajes de la ambientación (arquitectura efímera) de las temporadas en los diferentes almacenes, y participa en la remodelación y apertura de nuevas tiendas. Simultáneamente trabaja como profesora de composición y estructura (Conceptos Básicos de Diseño) en el departamento de diseño de la Universidad del Valle (Cali, Colombia).

Davide Fichera Vive en una ciudad de mar del sur de Italia. Después de una formación como delineante, comienza a estudiar diseño industrial en la Università degli studi di Firenze (Florencia), donde adquiere un enfoque más arquitectónico que de producto. Dos años más tarde, viaja a Valencia (España), donde permanece un año, a través de una beca Erasmus, estudiando en el sorprendente complejo de la Universitat Politécnica de Valencia. De regreso en Italia, se gradúa en el 2006. Siempre se ha interesado por la imagen, sea gráfica y/o fotográfica. Ha trabajado en estudios de arquitectura, de diseño de exposiciones y publicidad. Curioso por naturaleza, le apasiona el proceso que transcurre entre el briefing y el concepto, esa cadena creativa semi-lógica e impredecible.

Berta García Nacida en 1977 en Palencia. Comienza estudiando ingeniería técnica en mecánica industrial en la Universidad Politécnica de Valladolid, pero su inquietud por el diseño le motiva a cambiar esta especialidad por la de diseño industrial. En 2002 concluye sus estudios en la Universidad Alfonso X el Sabio, Madrid, y empieza su andadura profesional desarrollando proyectos de diseño interior para grandes hoteles en una empresa de ebanistería en Las Palmas de Gran Canaria, dónde explora otros campos desarrollando labores comerciales para VOX. Dos años después, vuelve a Madrid para trabajar durante tres años en el Instituto Renault como consultora de calidad realizando proyectos de reingeniería de procesos. La suma de las experiencias anteriores crean la necesidad de enriquecer sus conocimientos en el campo del diseño.

Alberto Gobbino Nacido en Turín en 1983. Se graduó como diseñador en el Politécnico de Turín. En el año 2007 trabajó con Inga Sempé en París, con ella realizó proyectos para Ligne Roset, Edra, Magis y Cappellini. Es miembro fundador de UNDB y el estudio fotográfico UNFAMOUS. Vive y trabaja en Madrid. www.unfamousatelier.it www.undb.it www.unfamous.it www.justbu.it

Nienke Haan Nacida en Holanda en 1978, asistió al liceo en su ciudad materna de Leeuwarden. Después un año viviendo en el Caribe y una práctica en Washington D.C., recibe su BA en Arte & Diseño. Tras su graduación vuelve a Washington para crear y dirigir un departamento de diseño interno en International Arts & Artists, una organización de gestión de arte. Aquí, durante cinco años y medio, desarrolla su portfolio de diseño gráfico, compuesto por la identidad corporativa, periódicos, folletos, carteles, y demás materiales impresos. Su trabajo principal, sin embargo, fue el diseño de libros de arte. Nynke busca profundizar en el diseño de libros, explorando los aspectos técnicos de este medio e investigando el diseño multilingüe.

Andy Marlow Nacido en Londres en 1974. Durante su primera etapa profesional tuvo varios empleos en Inglaterra y luego viajando alrededor del mundo. Cuando regresó a su país, todavía joven, fue policía en la ciudad de Londres durante tres años para más tarde ir a España con la intención de aprender la lengua y enseñar el inglés. Se interesó en el diseño mientras vivía en Barcelona. Estudió diseño gráfico y trabajó como diseñador de páginas web en estudios pequeños y grandes. Se mudó a Madrid para trabajar como libre profesional. Tiene un gran interés en diversos temas fuera del mundo del diseño que ayudan a enriquecer su trabajo: la evolución, la psicología y la religión, que se han puesto de manifiesto en su proyecto de tesis. Además le gustan el snowboard, la fotografía, el ajedrez y el cine.

Mª Eugenia Mendoza Nace en 1982 en México DF. Estudia diseño gráfico en la Universidad Tecnológica de México. Se especializa en diseño editorial cursando una maestría en la Universidad Anáhuac. En 2005 se incorpora a Inplax, empresa mexicana de inyección de plásticos, donde colabora en el área de impresos. Profundizando en el interés editorial, realiza un seminario sobre diseño de la información dentro de la Bienal de Letras Latinas (2006) en Veracruz, y un curso de encuadernación en el Instituto de Investigación y Cultura en Ciudad de México (2007).

Enrico Pastorello Nacido en 1969 en Padua (Italia), se graduó en la Facultad de Arquitectura de la Universidad de Florencia. Es socio fundador de la asociación cultural COA (Cross Over Arts), con sede en Bolonia, fundada con la finalidad de promover la integración de las artes, ocupándose de la organización de eventos, montajes y escenografías, efectuando así un intenso recorrido de fervor creativo en diversos periodos. Ha tratado de mantener viva una actitud creativa innata y al mismo tiempo a desarrollado una actividad profesional intensa. Por lo que busca aunar las diversas experiencias laborales canalizándolas hacia su gran pasión, el diseño.

Mario Alonso Ricci Estudió arquitectura en la Universidad Peruana de Ciencias Aplicadas (UPC) en la ciudad de Lima, Perú. Durante y después de su carrera practicó y trabajó en diversos estudios de arquitectura y paisajismo. Ahora trabaja como arquitecto independiente habiendo desarrollado proyectos como casas de playa y en la ciudad, edificios multifamiliares además de diseño interior y diseño de muebles. Eventualmente publica artículos sobre temas de diseño en diarios peruanos.

Sharon Sacal Nacida en México DF en 1983. Termina sus estudios escolares. Luego de una breve estancia en París, viaja a Israel. Allí pasa un período en el ejército, y en un kibutz. Tras su viaje a Israel, regresa a México e inicia sus estudios universitarios en diseño industrial. En paralelo y como formación continua y complementaria, estudia diseño 3D, realiza un intercambio de seis meses en Madrid, un curso de accesorios de moda y complementos, y un workshop en Boisbuchet. Compaginando sus estudios empieza a diseñar una colección de zapatos para Símil Cuero Plymouth; a fines de 2006 crea la primera colección de su propia línea de zapatos. Sus intereses principales son conocer diferentes culturas, viajar y aprender de cada experiencia. En cuanto al diseño, se interesa por los accesorios de moda, y en particular por los zapatos. La pasión por los zapatos, es algo que tiene desde siempre; Al diseñarlos, ha convertido su pasión en profesión.

Mónica González del Pliego Nació en México, D.F. en 1983, allí estudió diseño industrial en la Universidad Anáhuac. Participó en dos ocasiones en los “Premios Quórum” quedando finalista el último de ellos con su proyecto de tesis. Tras finalizar su carrera en mayo del 2005, desarrolla proyectos como diseñadora independiente. El mismo año trabajó en Industrias F.G. diseñando moldes para compresión y vaciado de piezas de poliuretano y en 2006 en Air Design, empresa especializada en el diseño de piezas y accesorios automotrices. El patinaje artístico sobre hielo es una de sus grandes pasiones desde los 11 años; en él encuentra arte, pasión y disciplina. Interesada en aprender de otras culturas y perspectivas, crece su inquietud por ampliar sus panoramas, visiones y retos en el mundo del diseño, para intentar ser capaz de aportar algo a la sociedad.

Javier Pascual Nacido en Madrid en 1982 siempre le gustó dibujar y las artes plásticas aunque su formación iba más dirigida hacia las ciencias. Decide realizar la carrera de diseño gráfico en la escuela de arte y tecnología GARBEN. Poco tiempo después de empezar la carrera comienza a trabajar en la empresa de marketing R. L. Polk como responsable del diseño visual de los trabajos para marcas automovilísticas. Terminada la carrera cursa el máster en diseño editorial en el Istituto Europeo di Design de Madrid y a su término trabaja en el Estudio de Manuel Estrada. Allí realiza trabajos de diferentes ámbitos desde diseño digital, web, editorial, identidad. La fotografía, la música y la búsqueda de nuevas experiencias son sus principales motivaciones.

Maider Saracibar Nacida el 17 de julio de 1979 en Vitoria, una tranquila ciudad del norte de España (País Vasco), estudia publicidad y relaciones públicas en la Universidad del País Vasco. Al terminar los estudios, viaja a Barcelona, donde se inicia en el diseño gráfico a través del diseño editorial. Tras un año en Barcelona, regresa a Vitoria para trabajar en Ega Master, una empresa internacional de herramientas de mano. Trabaja en el área de marketing y comunicación; rediseña la imagen corporativa y los contenidos gráficos de la empresa: packaging, catálogo de productos, etc. Al mismo tiempo realiza trabajos de diseño gráfico freelance y colabora con Zabalik, una revista local. La experiencia de trabajar en una empresa, junto a sus inquietudes personales, le llevan a cultivar una visión crítica del diseño gráfico, buscando ampliar sus perspectivas sobre esta práctica, y su visión de la comunicación visual.

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Cualquier ser humano que se dedique a la creación de cualquier tipo de manufacturado parte de una visión personal del mundo y lo hace guiado de su imaginario profundo. Durante este proceso más o menos consciente, es sabido que a veces se bloquea la vena creativa. A menudo porque en la cabeza suceden demasiadas cosas y tantas razones se yuxtaponen. Funcionalidad, ecología, sostenibilidad, son conceptos de gran importancia, pero están lejos de agotar el tema y determinar el resultado. ¿Cómo se puede hablar de producto sostenible cuando la mayor parte de las decisiones importantes concernientes a la sostenibilidad son decisiones políticas? ¿Y de economía política? ¿Y qué quiere decir funcionalidad? ¿Es funcional que haya una cantidad tal de objetos funcionales detrás de los escaparates, en un mundo rebosante de basura? ¿Qué motivación para producir puede tener un joven lleno de bella esperanza, buena voluntad y un mínimo de sentido cívico? Hablar hoy de diseño es agradable tanto cuanto hablar de comida después de una indigestión. No obstante existe siempre una razón para crear y el hecho de que vivamos en un mundo tan saturado de objetos no quiere decir que todas las necesidades tengan ya una respuesta. Quizás hoy más que nunca en este mundo y en nuestro higiénico y pornográfico modo de vivir tenemos necesidad de “todo”. Entonces es importante recoser la unión con la vena profunda. Con cualquier medio necesario. Con cualquier idea, aunque pueda parecer loca a priori. Generalmente la primera es la mejor. Esta es la vía de la intuición.

Imaginad un folio en blanco imaginad la clásica crisis del folio en blanco. y ahora imaginad una habitación silenciosa imaginad la misma persona y el mismo folio en blanco y otra persona delante Imaginad que le haga un retrato, tarda una hora, se detiene todavía una decena de minutos para acabar el dibujo, el cabello. Imaginad que, una vez sola, escriba un texto pequeño: un recuerdo, una reflexión, como un breve diario de viaje. Imaginad que, más tarde, repita lo mismo con otra personas. Son 14 en total. Son los compañeros de una clase. Han pasado días. Ahora hay un paquete de folios sobre la mesa, en realidad dos, la misma persona de antes se encuentra sentada a la mesa. Imaginad que haya tenido muchas dudas e incertidumbres, pero que ahora se ha decidido. Imaginadla mientras coge un retrato del primer paquete, lo cuelga delante de si, y del segundo paquete toma el pequeño texto que le corresponde para leerlo. Y ahora miradla reflexionar y esperar, está dejando que se forme una imagen en la pantalla del interior de su mente. Y ahora, ¿qué hace? La escribe, la describe, se la explica a sí misma. Recoge cada detalle porque luego deberá construir en realidad los objetos que ha visto. ¿Qué había decidido después de tantas dudas? Había decidido que le servían estos objetos. Le servirían a ella: hace tiempo le habían pronosticado que su primer proyecto de éxito podría ser una coraza protectora artificial, para quien, como ella, no la tenía. Se había olvidado, pero ahora, que era libre de desarrollar un loco proyecto intuitivo, había decidido precisamente esto: que su alter ego más importante fuese un guerrero. Y que éste necesitaba ser vestido, dotado de armas y dotado de eficiencia. Sus 14 compañeros de curso serían desde ahora de forma inconsciente sus mentores. Habría obtenido de cada uno de ellos un objeto útil para este plan. Un regalo involuntario, fruto de sus cualidades, de un sentir opuesto a ellos, a veces quizás un entendimiento a medias. Desde luego todos extremadamente útiles.

Esta es una colección de objetos fantásticos. Simplemente nos hace rodearnos de ellos, porque los objetos nos acogen, nos protegen y nos recuerdan cualidades, advenimientos, personas. Por eso amamos tanto las cosas y nos rodeamos de ellas. 72

Andrea_clínica de reanimación de objetos

Todo empezó el día en el que llegué en Madrid, el 10 de febrero 2007… Y cómo fui preso de su encanto. Me daba la impresión de que todo se podía desarrollar. En los meses siguientes descubrí otra Madrid, sus mecanismos orgánicos y su ritmo frenético. Una vez Danny de Vito dijo <<Ojalá los madrileños pudiesen encontrar pronto el tesoro>>. Raro, porque a mí me parecía que el oráculo de de Vito ya estaba cumplido. De hecho empecé a recoger desechos que parecieron tesoros. Tardé poco en darme cuenta de que las calles de Madrid eran una tienda gratis a cielo abierto. ¿Qué es un desecho? ¿Algo que no funciona o algo que perdió su encanto? ¿Quién ha dicho que no podemos enamorarnos de las cosas “imperfectas”? Aquí nació la idea de la Clínica de reanimación de objetos para explorar mecanismos para aplicar el concepto de re-uso a los objetos formando nuevas configuraciones de los mismos a través de diversos procesos de recomposición. Estudié estrategias de procesos, de mecanismos, para crear una metodología propia y así reanimar estos objetos en una manera “quasi científica”. La Clínica de reanimación de objetos enfoca sus diagnosis en las causas que provocaron el hecho de que un objeto fuese descartado. El proceso de investigación se localiza en las calles de Madrid sea paseando y encontrando de forma ocasional piezas de desecho, sea durante los recorridos de algunas recogidas privadas o públicas en diversos barrios. En los meses de Noviembre y Diciembre 2007 he recogido 20 piezas desechadas. Para cada pieza encontrada se ha creado un registro descriptivo: el sitio, la fecha, la hora y el problema encontrado. Cada “paciente” tiene su diagnóstico tras el cual se propone la terapia de reanimación más adecuada. Para las terapias han sido desarrolladas diferentes técnicas, sean de tipología estructural o estética. Al final los pacientes curados han sido reinsertados en su ciclo de vida a través de una subasta, cerrando el círculo en una forma sostenible. Creo que una manera para resolver el problema de la basura es sensibilizar la gente al re-uso, hacer que los objetos vuelvan a ser recuperados con dignidad, en vez de que sean usados y tirados.

La clínica de reanimación de objetos explora mecanismos para aplicar el concepto de “re-uso” a los objetos encontrados en la calle, formando nuevas configuraciones de los mismos a través de diversos procesos de recomposición. Cada pieza ha sido curada como un “paciente” enfermo. A partir de su diagnosis se propone la terapia de reanimación más adecuada. Al final los “pacientes” curados son reinsertados en su ciclo de vida a través de una subasta, cerrando así el círculo de manera sostenible. Creo que una manera para resolver el problema de la basura es sensibilizar a la gente para reutilizar, haciendo que los objetos vuelvan a ser recuperados con dignidad. Mejor que usarlos y tirarlos, reanimarlos. ¡Ojalá también la producción industrial repensase su procesos para crear “objetos un poco eternos”! 76

Claudia_hook & loop

Mis intereses son las relaciones que pueden tener los sistemas artesanales de producción en la sociedad contemporánea. Personalmente me llaman mucho la atención los productos hechos a mano, lo artesanal, donde un producto nunca va a ser exactamente igual a otro por que lleva las características de la mano que lo trabaja. Entre las varias técnicas artesanales me inspiré en el Batik para el desarrollo de mi proyecto, tomando la propiedad que tiene la cera de resquebrajarse una vez endurecida, permite que en el posterior teñido se dibujen líneas quebradas o "craqueladas”, que son el sello diferenciador de esta técnica de teñido. Estas líneas para mí son una analogía de la vida; de las estructuras y formas de crecimiento de los seres vivos. Lo que estaba buscando era como aplicar estas estructuras de crecimiento en un contexto contemporáneo; trabajando el Velcro, que es un material que utilizando módulos lineales me da la facilidad de crear diversas formas y crecer estructuras de una manera orgánica; Involucrando al usuario en el proceso de creación. Lo que realmente me parece interesante es la infinidad de posibilidades de este elemento invasivo. Y como puede ser interpretado de diferentes maneras por cada persona que interactúa con él.

Las relaciones que pueden tener los sistemas artesanales de producción en la sociedad contemporánea hacen que al diseñar productos donde interviene el usuario, en el proceso de creación, tengan un carácter único ya que llevan las características de la mano que lo trabaja. Junto con esto se plantea utilizar materiales contemporáneos con formas artesanales de creación y producción. 80

Todo lo que se produce hay que venderlo. ¿Cómo? Anunciándolo. La publicidad es una necesidad, es una exigencia del sistema en que vivimos. Estamos rodeados por ella y la hemos asumido como parte de nuestro cotidiano. ¿Por qué? Simple, vivimos en un mundo donde generar beneficios es una cosa muy importante y, la publicidad, cumple estas expectativas.

Davide_enfrenta

De aquí parte mi reflexión: ¿existe la posibilidad que la expresión artística llegue a generar tantos beneficios económicos para que se vuelva parte de lo cotidiano? ¿Y cual sería el método, el movimiento o el sistema que permitiría que esto se convirtiera en realidad? Asumiendo como una “regla” la necesidad de generar beneficios y basando mi proyecto en promover las artes nace Enfrenta. Enfrenta se propone como una plataforma de reflexión y acción cultural que actúa en contextos urbanos. Se propone en síntesis, llevar el museo a la calle dejando que el arte en muchos de sus aspectos sea accesible para todos. En concreto Enfrenta se plantea localizar puntos específicos dentro de Madrid donde artistas, ilustradores, diseñadores gráficos, arquitectos, etc. puedan intervenir por medio de un concurso, donde quien quiera pueda proponer su trabajo. La convocatoria prevé intervenciones de “artes gráficas” y “arquitectura efímera” que se realizaran respectivamente en fachadas y plazas en los barrios de Universidad y Justicia. Cada seis meses se renovará la convocatoria para volver a revalorizar los distintos contextos donde se interviene y para sacar a la calle el mejor potencial creativo tanto nacional como internacional. De esta manera se genera un circuito continuo que propondrá, a lo largo de todo el año, dos fechas importantes en la agenda cultural de la ciudad. Enfrenta pretende valorizar las áreas en las cuales interviene, generar una repercusión en los medios tanto para el evento como para la ciudad. Quiere sensibilizar al gran público, fomentar las disciplinas artísticas y con esto apoyar el posicionamiento de Madrid en el panorama artístico/cultural tanto nacional como internacional. Quiere, con el apoyo del ayuntamiento, desarrollar sinergias entre asociaciones, entidades, privados, talentos emergentes, etc. generando así un valor añadido tanto para la ciudad como para los ciudadanos. Todo esto es posible ya que Enfrenta es una nueva herramienta de expresión y comunicación que se alimenta del patrocinio de entidades publicas y/o privadas.

La asociación cultural enfrenta convoca un concurso de “artes gráficas” y “arquitectura efímera” para intervenir en las calles de Madrid y mostrar todo el potencial creativo del momento.

La convocatoria se propone a la ciudad de Madrid aunque se podría adaptar a muchos otros contextos. De hecho, Enfrenta, es una matriz que está basada en la análisis del entorno en que vivimos y que encuentra fundamentos en muchos ámbitos distintos.

El propósito es incentivar la creación artística y proporcionar a la ciudad un fuerte atractivo. La propuesta es de una nueva herramienta de expresión y comunicación. 84

Espacios

E#1

E#2

E#3 Espacio_ E#1 Barrio: Universidad Dirección: Pz. Conde del Valle de Suchil / Calle de Alberto Aguilera Espacio_ E#2 Barrio: Universidad Dirección: Pz. Conde Duque Espacio_ E#3 Barrio: Justicia Dirección: Calle de Barceló / Calle de Fuencarral Plaza_ E#4 Barrio: Justicia Dirección: Gardines del Arquitecto Ribeira

E#4

Fases Estado actual

Pre-ENFRENTA

ENFRENTA

Comunicación 1ª edición

2ª edición

Berta_¿te importa?

¿Te importa? Nos hacemos la misma pregunta una y otra vez. No nos miramos a los ojos y la vida pasa como un cuento ajeno a nosotros. Es necesario que hagamos una pausa, un paréntesis para la reflexión. Que busquemos la luz, como una revelación. La luz, ese frágil y precioso tesoro que debemos proteger, admirar y disfrutar. Que esta luz sea la armonía que necesitamos para vivir, el motivo de nuestro objeto. ¿Te importa ver lo que no es? ¿Te importa imaginar lo imposible? Darte cuenta de que ese objeto que te acompaña día a día ya no es más lo que era. Ha sufrido una mutación y se ha convertido en luz. Se ha revelado. Un elemento descontextualizado. Un objeto que nos ayuda a burlarnos de la rutina. Son objetos que pueden ser percibidos como una metáfora, una reflexión acerca de nosotros mismos. ¿Te importa si la iluminación de tu salón no sale de la lamparita que tanto te acostumbraste a ver? Imaginemos por un segundo que nada es lo que era... que unas simples perchas, que hasta ayer colgaban tu ropa, hoy encontraron la armonía reuniéndose entre sí formando un objeto lleno de luz. Colgamos la imagen, a la que tanta importancia le damos hoy en día, para dar paso a la esencia que cada uno llevamos dentro. La superficialidad nos inunda, no nos deja ver lo que realmente somos. La falsedad y la mentira crean tensión entre nosotros y esa luz, la luz de la verdad. Continuos tirones hacen que este objeto sea preciado por nosotros como el equilibrio mismo. La armonía entre los elementos es lo que hace que funcione el todo, lo importante es utilizar los contrastes en su justa medida. A mí me importa, ¿y a ti?

¿te importa? Mi intención es diseñar objetos a partir de otros mediante un juego de contrastes, para ofrecer la posibilidad de establecer un paréntesis para la reflexión. Una reflexión sobre los contrastes con los que vivimos día a día. Los valores que cada uno de nosotros tenemos, la esencia que todos llevamos dentro. El denominador común de todos los objetos será la luz. La luz entendida como algo frágil y precioso, algo que hay que proteger. El “escudo-pantalla” se compone de elementos que en principio son objetos ajenos a los componentes de uso común en las lámparas. Objetos descontextualizados. Pueden ser percibidos como una metáfora, un elemento que nos ayuda a burlar un poco la rutina. 88

Manicaretto es una experiencia que sumerge a algunas personas invitadas a propósito en una “performance” que se desarrolla entre una película y un acto teatral, entre una instalación artística y un restaurante. La comida, preparada para la ocasión por el chef Mario Sandoval, será uno de los principales vehículos que articularán tantos otros estímulos que provocarán diferentes sensaciones en el invitado.

Alberto_manicaretto

El formato tiene un doble objetivo: _Promover la continua evolución del producto (en este caso la comida de Mario Sandoval), aprovechando otros media que lo enriquecen dotándole de matices inusuales. _Dar vida a un “producto” paralelo que se puede identificar con la experiencia misma, creada ad-hoc para el invitado.

Fotograma de la película Mulholland Drive de David Lynch

manicaretto a design experience Día de la exposición Process EDL 07 27 de Febrero 2008 Horario: 18.00 - 22.00 (Duración 4h. aprox.) Duración experiencia: 5/8 min. Participantes: 10/15 personas seleccionadas. 92

Menú de degustación Madrid en Boca del chef Mario Sandoval: Ravioli de rabo de ternera de Guadarrama con castañas.

El contexto es muy importante al percibir los alimentos antes de ingerirlos; dependiendo del lugar o ambiente donde comamos tendremos una predisposición u otra ante el mismo plato. Igualmente, los utensilios y objetos en los que una misma receta es servida, condicionan la percepción de su calidad a priori.

Mónica_pickeat

El desarrollo comenzó observando rituales relacionados al consumo de comestibles en distintas culturas, destacando diferencias principalmente en el modo de comer, los entornos, costumbres, tradiciones, platos, y lo más interesante: los utensilios. Actualmente podemos hablar de una cultura globalizada que convive con culturas más locales, algunas de ellas conservan sus rituales y costumbres. Esto ha provocado la evolución en el modo de servir ciertos platos, que debido a una mistificación de usos y costumbres, han adquirido instrumentos que en principio no les pertenecían tradicionalmente. El diseño se ha sumergido en la gastronomía dándole cada vez más importancia y cuidado en la creación de platos, utensilios e instrumentos. Además, la transmisión de emociones por medio de la comida, cobra un nuevo protagonismo manifestándose en lo que se conoce como diseño de experiencias. Elegí el pincho como utensilio a desarrollar, ya que es un instrumento utilizado comúnmente en la gastronomía Española, pero también conocido por otras culturas. Explorando formas que se presten al juego de la interacción con el objeto, rompiendo esquemas en la forma de comer, pero al mismo tiempo uniendo características conocidas por diferentes culturas; probando diferentes formas para que los objetos puedan funcionar en distintos entornos, pero respetando siempre la transmisión de sensaciones sin perder de vista la comodidad y ergonomía, desarrollé la colección de utensilios para comer: PICKEAT. La colección de PICKEAT es la semilla de una nueva línea de instrumentos de cocina que consiste en 4 piezas estilizadas que obligan a elegir nuevos movimientos para nuevos rituales. Dos pinchos PICKEATIN y PICKEATON, que permiten al usuario manejar una gestualidad particular, alejada de la que conocen. Otros dos, PICKEATINTO y PICKEATONTO, más evolucionados, que pueden inyectar salsas y aderezos dentro de los alimentos, creando así una experiencia diferente para el usuario. Se proponen dos versiones de la colección PICKEAT, una se presenta en acero inoxidable, pensado en el uso para restaurantes, y otra en plástico para caterings y venta al mercado. Los objetos en sí son importantes, pero más importante es la experiencia que nos dejan…

Este proyecto pretende recuperar y potenciar el valor del ritual de la comida. Aprender a disfrutar del entorno y degustar los alimentos. Probar, saborear y percibir con deleite sensaciones agradables. 96

Nienke_experiments of a polyglotter

Diseñar con múltiples idiomas sucede cada vez más a menudo. Es cierto que algunos desarrollos en el lenguaje informático, como Unicode y Open Type fonts, ayudan a facilitar la comunicación digital en el mundo. ¿Pero cuál es el proceso cuando hay que diseñar una pieza impresa? Además de combinar múltiples escrituras latinas, nos enfrentamos a combinar escritura latina y no-latina. Quizás ahora, nos encontramos incluso con la necesidad de combinar múltiples escrituras no-latinas como el chino y el coreano, el cirílico y el japonés, o el árabe y el griego, en una sóla publicación. Entonces me pregunté… y haciendo camino, he intentado responder a estas preguntas. Distintas lenguas necesitan distintos enfoques de diseño. Esta afirmación tiene sentido si piensas en lenguas que no entiendiendes provenientes de diferentes culturas que no conoces. A lo largo de este proyecto he tratado con cuatro lenguas diferentes, dos de las cuales, no soy capaz de leer. Dos sentidos distintos de lectura y escritura asociados a dos situaciones de encuadernación opuestas. Tres tipos de escritura diferentes con proporciones verticales y horizontales también distintas. Y una serie de imágenes que acompañan a un tema en un libro… ¿Una pesadilla, o quizás un sueño? Afortunadamente los experimentos que hice dieron un resultado. Elegí situar el lomo en la parte superior que resolvió el problema de los diferentes sentidos de lectura/escritura. En cuanto al texto, opté por una retícula a cuatro columnas para dar la misma importancia a las cuatro las lenguas y asegurar la fluidez del texto, que tiene continuidad página tras página seguiendo las páginas aparentemente sin interrupciones. Quise distinguir sobre las otros textos al coreano, ya que no conseguí una tipografía que armonizase con las otras tres. Teniendo en cuenta que los compradores potenciales de este libro no son coreanos podría justificarse la decisión. Separé el texto de las imágenes para no romper las columnas. Así las fotografías adquieren mayor protagonismo con relación al texto. Cuando abrimos las dos partes del libro, percibimos las cuatro páginas como una doble página de gran anchura. A partir de este proyecto experimental quisiera continuar con la discusión. Algunas personas han insistido en que no tenía mucho sentido poner todas estas lenguas en una sóla publicación ya que presupone un trabajo complejo y además la presencia de las lenguas que no sabes leer confunden. Con la tecnología de impresión en offset puedes sustituir fácilmente la plancha de negro con otra en una lengua distinta y así ser capaz de imprimir diferentes versiones en diferentes idiomas. Puede ser que estén en lo cierto, pero creo que cada vez más las instituciones y las compañías se expanden a nivel internacional y tienen la necesidad de promover y comunicar su presencia. Por ejemplo organizaciones culturales humanitarias. Si profundizamos en el tema no acabará siendo una pesadilla, sino que es posible que nos lleve hacia una mayor consciencia de transculturalidad. De todos modos en este caso, por lo menos un enfoque diferente para diseñar libros.

Reflexionando acerca del mundo de la composición tipográfica multilingüe. ¿Cuáles son los beneficios de introducir más de una lengua en una publicación en la actualidad? ¿Quién estaría interesado en publicar libros en múltiples lenguas? ¿Cómo tratar las lenguas que no sabemos leer? ¿Existen aspectos culturales que necesitan ser tomados en consideración? ¿Cómo puedes estar seguro de que el lector se de cuenta sin distraerse de que el texto que no puede leer es una traducción del texto que puede leer? ¿Necesitas dar a las distintas lenguas la misma importancia? ¿Cómo? ¿Qué reglas tipográficas deberían aplicarse? ¿Qué aspectos técnicos debería considerar, relacionados por ejemplo con el software y la impresión? ¿Nos acercará el futuro a la composición tipográfica multilingüe? 100

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Andy_made by mammals

“Made by mammals” es un libro de corte gráfico compuesto de citas de intelectuales del pasado y del presente, que pretende criticar de modo racional la religión y su rol en la sociedad moderna. Se han creado imágenes para acompañar esta información con el objetivo de difundirla a través de una mayor audiencia. En este contexto, el diseño gráfico juega un papel importante a la hora de ayudar a concienciar a la gente que de otro modo no estaría interesada en la religión. El libro se concentra solamente en las tres religiones monoteístas principales: Judaísmo, Cristianismo e Islam (a las cuales se adhieren el 54% de la población mundial), que gracias a su exclusividad y absolutismo, son causa de muchos de los conflictos del mundo. El libro busca provocar el pensamiento y la discusión racional acerca de los problemas causados por estas religiones, especialmente en la gente que no leería un libro convencional acerca de este tópico. La manera más efectiva de resumir algunos de los numerosos temas presentados en el libro es a través de algunas citas que este contiene:

“El Dios Judeo-Cristiano-Islamico participa nanosegundo por nanosegundo en cada evento que sucede en cada nanometro cúbico del universo, desde las interacciones de los quarks dentro de los núcleos atómicos, hasta la evolución de las estrellas en las más lejanas galaxias. Y lo que es más, Dios escucha cada pensamiento y participa en cada una de las acciones de su creación especial, un micro-trocito de materia organizada llamado humanidad, que se mueve por la superficie de un minúsculo guijarro en el vasto universo”.

victor stenger

“made by mammals” es un libro de corte gráfico sobre los problemas de las religiones monoteístas.

“Cuando un hombre se libera de la religión tiene más oportunidades de vivir una una vida plena y normal”.

sigmund freud

Para provocar el pensamiento, la reflexión y el debate racional en torno a la religión. Para difundir las ideas sobre el tema de algunos intelectuales que lo han tratado de cerca.

“Si Jesús hubiese sido ajusticiado hace veinte años, los niños que van a colegios católicos llevarían al cuello cadenitas con sillitas eléctricas en lugar de cruces”.

A través de la creación de imágenes que ayuden a transmitirlas y retenerlas estimulando el interés en el argumento.

lenney bruce 104

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Mª Eugenia_entre volcanes

El juego al igual que las leyendas ha sido una actividad presente en el ser humano desde tiempos inmemoriales pues como actividad natural potencia la interacción social con otros individuos, es una forma de recreación pero también una propuesta de aprendizaje. El juego como herramienta educativa ayuda a ampliar los conocimientos, el dominio del lenguaje, la capacidad de razonamiento, planificación, organización y toma de decisiones. Entre volcanes es un juego basado en leyendas mexicanas de origen prehispánico entre la cuales se retoma mitos que explican el nacimiento y origen de culturas que han marcado la historia del México; sus objetivos oscilan entre la preservación de la riqueza literaria que nos brindan las leyendas y la función educativa del mito como enlace entre el hombre y su raíces. La mecánica del juego se basa en el estudio del mapa de México así como de la localización del eje volcánico en donde encontramos a dos de sus formaciones más importantes el volcán Popocatepetl y el nevado Iztaccihuatl los cuales comparten una de las leyendas más famosas y tradicionales en México “ La Leyenda de los Volcanes” convirtiéndose en la leyenda principal dentro del juego. El objetivo del juego es descubrir el tesoro que ha sido escondido por el emperador azteca Moctezuma en el período en que tuvo auge la Cultura Azteca y que por medio de la aparición de un supuesto códice indica que el tesoro se ubica entre los volcanes en el municipio de Amecameca (Estado de México).

“Las leyendas son ese patrimonio de lo imaginario que viene de boca en boca como arrullo de voces; son ese sortilegio que abriga la certidumbre de la vida frente al misterio; al cual solo se puede llegar creando en la imaginación una constelación de seres solo accesibles en la imaginación”. 108

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A través de mi tesis quiero estimular el nacimiento de un canal que ofrezca una alternativa al conformismo. Promover que las ideas y opiniones que tenemos durante conversaciones, debates, charlas no caigan en el olvido. Intentar no quejarnos sin fundamento y aportar soluciones a los problemas que nos rodean.

Javier_alienados

El proyecto Alienados plantea un canal de comunicación para que la gente pueda expresar opiniones. El funcionamiento de dicho proyecto es sencillo, se parte de una idea o propuesta la cual se comunica visualmente, por calles, comercios, de una manera potente y barata. En los soportes donde esta la comunicación de las campañas (posters, postales, pegatinas, etc.) siempre irá la dirección alienados.org la cual nos remite al web-blog que es el núcleo del proyecto. En la web se explica qué es el proyecto Alienados, cómo se puede participar en él, el manifiesto, las campañas que se han realizado o se están realizando, así como textos y vídeos relacionados con ellas. Pero la parte más importante de alienados.org es el blog. Aquí las personas pueden exponer sus ideas, criticar las campañas que se han realizado, aportar medios para campañas posteriores, exponer nuevas formas de comunicar las propuestas. Es aquí donde empieza de nuevo el ciclo: idea-campaña-blog. No es un blog para albergar insultos o quejas sin fundamento, es un blog para exponer problemas e intentar darles solución. Las dos primeras campañas propuestas son MEDIATIZADAS que plantea el efecto que ejercen los medios de comunicación sobre nuestras vidas y SU PUBLICIDAD AQUÍ que crítica la saturación de publicidad a la que estamos expuestos en las grandes ciudades. Son el punto de partida del proyecto Alienados y las primeras propuestas de crítica. La producción se lleva de forma autofinanciada pero se buscarán aportaciones económicas y de recursos que no afecten a la libertad del canal. La ambición del proyecto es que la gente pueda ver las campañas expuestas, opine sobre ellas, pero sobre todo que quiera expresar y compartir propuestas para evitar así el conformismo que estamos viviendo.

Gran parte de los medios de comunicación están acaparados por grandes corporaciones de empresas y organismos públicos. Si alguna persona quiere expresar su opinión o alguna crítica de manera masiva le suele costar mucho trabajo y dinero. Esto provoca que la sociedad se vaya callando frente a las situaciones y se cree un estado de conformismo generalizado. A todo esto algunos medios de comunicación existentes, con sus contenidos, no ayudan a mejorar la situación. 112

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Enrico_prueba privada

Prueba Privada es un dialogo íntimo entre el hombre y el espacio. Es un intento de demostrar que otra forma de construir y pensar un espacio íntimo en un ambiente público, en el que vivimos cotidianamente, es posible, para garantizar la armonía y la cualidad de vivir. Mi proyecto ha nacido desde una simple reflexión sobre el concepto de espacio público y espacio privado, especialmente ahora que estamos absortos en vivir la ciudad contemporánea, donde la mayoría de los arquitectos y diseñadores están proyectados a la búsqueda del mínimo espacio habitable como prueba de autor. Es una segunda piel, un ejercicio de estilo para interpretar la exigencia de intimidad en la sociedad contemporánea por medio de una estructura ligera, fácilmente transportable y montable que cerrándose y abriéndose crea tu espacio privado. Es un “Cocoon”, construido en Tyvek , que es una tela no tejida confeccionada con microfibras de polietileno de alta densidad. Estas fibras otorgan al producto final una increíble resistencia al desgarro, a los agentes químicos y la acción del clima. Doblada con la técnica del origami estructural se configura en un objeto a escala humana de arquitectura efímera.

prueba privada es un diálogo íntimo entre el hombre y el espacio. Es un intento para demostrar que otra forma de construir y pensar un espacio íntimo en un ambiente público, en el que vivimos cotidianamente, es posible, para garantizar la armonía y la calidad de vida. Cómo el hombre vive este ambiente… es cómo es el carácter de un lugar, lo efímero como nueva arquitectura para nuevos tiempos. ¡En la vida moderna el concepto de lujo, especialmente en las grandes ciudades, está ligado al espacio que los usuarios tienen a disposición, poder elegir, la posibilidad de crear un espacio abriendo y cerrando cuando quiero o necesito. Esto es un lujo, estático y en movimiento, elegir! Abrir y cerrar como sinónimo de libertad, tomar la decisión, tener el derecho a modificar el lugar donde se vive. 116

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Mario_chicha design

Estamos en una época donde el diseño ha llegado a niveles inimaginables donde el límite más grande es el dominio que uno tenga de un software cada vez más fácil de usar. ¿Pero qué sucede cuando no existen estos recursos? ¿Dónde queda el diseño? ¿Hasta dónde llega el límite más próximo? o quizá sería mejor preguntar: ¿Cómo se hacía antes y/o como se hace donde no hay recursos? Este es el punto donde la reflexión comienza es entender de dónde venimos y ser consciente de ello. Un fenómeno a nivel mundial, sobretodo en sectores populares, es una muestra de diseño que surge como expresión de la cultura y esta se ve reflejada en creativas soluciones a problemas específicos ya sean de comunicación como de función. Es sorprendente ver como una propuesta gráfica de Latino América, la cual es muy similar a lo largo de toda su extensión, puede llegar a ser muy parecida en África o en Europa y esto se da por que inconscientemente se vuelve al uso de las manos y a la improvisación sobre el lienzo de forma directa careciendo de bocetos elaborados. Eso une a los hombres como diseñadores y artistas naturales. Este sería el punto de partida de la tesis, recoger y analizar la información que existe en el ambiente popular y darle la debida importancia en un sentido orientado no solamente al rubro del diseño. Con este propósito se crea un soporte virtual acorde a la tendencia contemporánea del uso de internet. Este es un blog (www.chichadesign.com) destinado a recolectar y difundir las distintas expresiones populares alrededor del mundo. Otro fin es tener un espacio donde encontrar información que sirva de punto de inspiración. Y por último, lograr encontrar y demostrar similitudes que nos unan como hombres. En este caso se comenzará con la cultura popular peruana, más específicamente limeña, a la cual se le denomina hoy en día cultura Chicha y que tiene muchas expresiones como en moda, música, prensa, arte y “look”. He de aquí de donde proviene el nombre general de la tesis.

La principal intención de esta tesis es rescatar los valores populares que muchas veces pasan desapercibidos y están muy poco valorados en una sociedad moderna que aprecia el consumismo de la moda dejando de lado la importancia de las raíces culturales. Buscar inspirarse en esta clase de improvisación y costumbres. Pero sobretodo tener muy en cuenta que es muy difícil ser Chicha a la hora de diseñar.

Recoger y analizar la información que existe en el ambiente popular alrededor del mundo y darle la debida importancia en un sentido orientado no solamente al rubro del diseño. Con este propósito se crea un soporte virtual. Este es un blog (http://www.chichadesign.com) destinado a recolectar y difundir las distintas expresiones populares alrededor del mundo y lograr unir a los hombres como diseñadores y artistas naturales. 120

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“No era una cuestión de glamour que sólo con 7 años me quedara paralizada frente a una vitrina, donde me llamaba mi nuevo amor, un par de bailarinas. No era un consumismo frívolo aquello que me obligaba a llevar a mi padre por todas las tiendas de México para conseguir unos zapatos bicolor de los 60’s…

Sharon_ori-kutsu

Esta es la historia de una niña convertida en mujer, diseñadora, y creadora de una línea de zapatos, que quiere hacerse un regalo y a todos aquellos que aún sigan pensando que la línea entre la fantasía y poner los pies en la tierra puede ser tan delgada, como una hoja de papel”. La sociedad actual, es una sociedad flexible, que está constantemente en movimiento y cambio por esto busca productos multifuncionales. Estos productos ya no solo se limitan a cumplir una sola función si no que poco a poco la transformación de estos se ve dirigida al ahorro de espacio. Lo mismo pasa con la moda y con el calzado. Esta tendencia hace cada vez más variada la oferta y cada vez más imposible tener todos los modelos existentes ya sea por motivos de dinero como por espacio. ¿Acaso no sería ideal poder tener muchas opciones en una sola caja…? Para lograr unir estos conceptos se plantea como técnica base el Origami ya que esta permite transformar la idea de un objeto tridimensional a uno bidimensional y con esto tener un ahorro considerable de espacio. De la misma forma, solo que en sentido contrario, el Origami nos permite construir lo bidimensional en tridimensional. Con esto se crea Ori-Kutsu que es la amalgama de una técnica milenaria con necesidades contemporáneas enfocadas a la mujer. El nombre viene del japonés en donde Ori significa doblar y Kutsu significa zapato, formándose con esto un concepto de “doblar zapatos”. La propuesta consiste en brindar a la mujer contemporánea la fácil creación de sus zapatos permitiéndole decidir el tipo que quiere llevar ya sea de tacón, cuña o plano. También poder elegir colores, texturas o añadir accesorios que realcen su vestimenta. Ori-Kutsu es una colección de 14 pares de zapatos para cualquier ocasión. Este libro en manos de distintas mujeres puede ser un simple catalogo de modelos, un juego, una caja de zapatos que se puede usar en algunas ocasiones, o quizá una vez usado puede ser un diario donde ilustre las experiencias vividas con el mismo zapato, es decir, cada usuario puede darle una interpretación muy personal con lo cual cada uno de estos será una pieza única. ¿Algún día Imelda Marcos y Sara Jessica Parker podrán cambiar su zapatero por un librero?

ori-kutsu, es la amalgama de una técnica milenaria basada en el origami con necesidades contemporáneas enfocadas a la mujer. La propuesta consiste en brindar a la mujer contemporánea la fácil creación de sus zapatos permitiéndole decidir el tipo que quiere llevar ya sea de tacón, cuña o plano. También poder elegir colores, texturas o añadir accesorios que realcen su vestimenta. ori-kutsu es una colección de 14 pares de zapatos para cualquier ocasión. 124

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La hipótesis central de la que parte Versus es que vivimos demasiado deprisa para pensar/reflexionar y ser conscientes de lo que nos afecta, de qué hacemos, por qué lo hacemos y cómo convivimos en sociedad. ¿Existe la necesidad de desacelerar para conseguir un ritmo de vida más consciente y equilibrado? ¿Es necesario un tiempo de reflexión y una búsqueda de significado?

Maider_versus

El proceso Versus como proyecto de diseño quiere responder y dar soporte a todas estas cuestiones. La propuesta gráfica del diccionario “Vademécum Versus” dentro del campo del diseño editorial es una herramienta simbólica de búsqueda, reflexión y conciencia que parte de una reflexión individual para extenderla a un ámbito social. Formalmente, está compuesto por palabras y significados dentro del marco Versus. El proyecto se compone de tres piezas gráficas. El elemento central, es un diccionario de formato reducido compuesto por una selección de palabras y algunas de sus definiciones recogidas Diccionario de la Lengua de la Real Academia Española. La estructura interna del contenido del diccionario se divide en seis capítulos (uno por cada letra de la palabra Versus). La composición y juego con los distintos elementos textuales, tipográficos y formales a lo largo de estas secciones son el vehículo gráfico para la experimentación de nuevas vías de expresión e interpretación, por lo que, además de la significación de los conceptos en sí, se crean nuevas significaciones y vías de interpretación del contenido. El segundo elemento es algo más funcional y se trata de una colección de postales que sirven para la difusión del proyecto. Para enfatizar la parte más íntima y humana del ser frente a la parte más superficial, se ha experimentado en una sesión fotográfica con el cuerpo humano desnudo como lienzo para la proyección textual del mensaje. Las fotografías realizadas en esta sesión forman parte de este segundo elemento. Estos dos elementos (el vademécum y la colección de postales) van dentro en un tercer elemento de packaging para reforzar la idea de lectura íntima que anime a buscar e interpretar los significados del marco Versus.

versus es una confrontación interna del ser. versus es una búsqueda de significado. versus es un camino hacia un deseado y necesario equilibrio. versus es una reflexión sobre las consecuencias de un ritmo de vivir apresurado e inconsciente. versus es una experimentación a través del diseño sobre cómo empezar a encontrar las claves que nos ayuden a vivir mejor. versus es una herramienta para concienciar sobre la necesidad de reflexión, de retomar tiempo para uno mismo. 128

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Observatorio cultural Dentro del seno de European Design Labs, luchando por conjugar tanto la parte técnica o práctica, como la parte teórica de aquéllos que son formados, se propuso la existencia de un espacio teórico capaz de conjugar creatividad y organización, sensibilidad individual y cultura colectiva, intuición y exigencias prácticas. Así nació el “Observatorio Cultural” como parte de la enseñanza del máster. En éste se han venido proponiendo una serie de ponencias magistrales impartidas por especialistas en cada una de las diversas temáticas tratadas y un programa de seminarios los que han venido ofreciendo el apoyo teórico al desarrollo de las tesis y de los workshops en curso. Aquí hoy, en nuestras manos, tenemos el resultado de este cruce híbrido de caminos.

Edición y redacción de los textos: Nieves Soriano.

constituirse como problema bioético, asegura un futuro, quizás para hoy día inimaginable, en el que se podría

Pensar y habitar la sociedad del futuro

desarrollar la prótesis como forma de vida médica. Francisco Jarauta_filósofo

Estos cambios han producido un desplazamiento que nos introduce en un nuevo tipo de sociedad, la sociedad El ciclo de ponencias Observatorio Cultural, construido como

moderna, que, como señala Zygmunt Baumann, se caracteriza por su carácter líquido, ya no rígido2.

complemento teórico del Master European Design Labs en su edición del 2007, dirigido y coordinado por Gala Fernández en el Istituto

El carácter líquido de esta sociedad, en el que se diluyen y propagan de forma global las cuestiones

Europeo de Design de Madrid, se inauguró con la ponencia de Francisco

relacionadas no sólo con la economía o el conocimiento, sino con la vida diaria de los ciudadanos, provocará,

Jarauta, catedrático de filosofía en la Universidad de Murcia.

como predecía Francisco Jarauta, un estado en el que las identidades serán globales, esto es, en el que las diferencias entre un habitante de China y uno de Francia serán mucho más reducidas: ambos crearán

Francisco Jarauta elaboró una visión global sobre la cartografía de las

su imaginario con la misma videoconsola, ambos escucharán la misma música, e incluso ambos podrán

inquietudes de la situación actual del mundo. En los últimos treinta

encontrarse en tiempo real por la red en espacios tales como el de Second Life.

años, desde 1970 hasta hoy día, la situación del tiempo mundial ha cambiado debido a la introducción de una serie de objetos, herramientas

En la medida en que, como señala el filósofo, “pensamos de acuerdo al sistema de información que

o medios que han revolucionado la situación actual global, desde la vida

utilizamos”, se crearán en la sociedad líquida del futuro espacios en los que se abrirán pensamientos

de los sujetos hasta el planteamiento de los gobiernos. Ahora todo se

que ya no estarán relacionados con una pertenencia a una identidad local, sino que serán comunes a todos

basa en la velocidad, desde el teléfono móvil hasta internet, que produce

los ciudadanos a nivel mundial. Esto se verá favorecido por el hecho de que, a través de la utilización

un tiempo acelerado todavía no asimilado por los sujetos, y que les

de medios como internet, el conocimiento se ha convertido en algo democratizado y accesible a todas las

produce lo que podría llamarse el síntoma de lo moderno: la ansiedad.

personas que tengan acceso a la red. Mientras en épocas anteriores a la actual el conocimiento era algo

Es así como cada uno de nosotros, ciudadanos de la época, vivimos en la

caracterizado por estar normativizado, y tan sólo se podía acceder a él a través de una serie de rituales

brecha marcada por una dificultad para interpretar todos estos cambios.

de seguimiento de la norma, que aseguraban que el conocimiento estaría en manos de unos pocos, hoy día

Sin embargo, como señalaba Zygmunt Baumann citado por Francisco

tan sólo hace falta abrir una página web para llenarse de nuevos inputs.

Jarauta, nosotros somos hoy día los “observadores globales” desde los que se podrá pensar la época y el futuro. En palabras del conferenciante,

Esto permite que exista un mayor alcance de lo que se ha venido llamando el proyecto, el cual fue

“ésta es una época de la que se necesita tener interpretaciones para

desarrollado desde comienzos del siglo XX, con Mies van der Rohe o Le Corbusier para pensar la casa

poder hacer las revoluciones del futuro”, y la ausencia de estas

del futuro, y es a través de los proyectos, que son prospectivas, como se construyen las formas de pensar

interpretaciones es la que marca las dificultades que desde los últimos

nuestro futuro.

treinta años se tienen a la hora de interpretar el futuro. Claro ejemplo es el de las instituciones que se crearon en los años ’70, con sedes en Texas, Tokio y Hannover, cuya tarea era la de predecir o dar prospectivas de cuál sería la situación mundial en el año 2000. Ninguno de estos institutos de investigación, ante los cambios tan acelerados de la época, pudo llegar a imaginarla existencia de los tres factores que Manuel Castells identificó en el primer volumen de La era de la información: La sociedad red 1, como señaló Francisco Jarauta. Por un lado, la construcción y utilización de un aparato hoy día tan necesario en la forma de vida moderna como es el teléfono móvil. Tampoco pudo imaginarse el hecho de la democratización del ordenador, que en la época tan sólo existía como herramienta militar. Y, por último, tampoco se pudo hacer predicción alguna de lo que es hoy día internet, y del cambio que ha supuesto en las formas de vida. Por otro lado, no fue imaginable, desde el punto de vista de la 1_Madrid, Alianza, 1997. 2_Modernidad líquida, Buenos Aires, FCE, 1999; Amor líquido, México DF, FCE, 2005; Vida líquida, Barcelona, Paidós, 2006; Miedo líquido. La sociedad contemporánea y sus temores, Barcelona, Paidós, 2007.

neurociencia, la existencia de la clonación real, que trajo a colación el filósofo en su conferencia a través del caso de la oveja Dolly. Y la cuestión de la neurociencia, poco desarrollada hoy día, por 134

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Comunicación, Fábrica y Colors Renzo di Renzo_director de fabrica y directo jefe de la revista colors

Resulta de especial interés el proyecto llevado a cabo en el número 56 de Colors dedicado a la Violencia. En él pueden observarse, a través de fotografías especialmente sugerentes y comunicativas, diferentes

Renzo di Renzo llegó al ciclo del Observatorio Cultural para hablarnos sobre qué significa y en qué consiste

formas de violencia en el mundo que hablan de la guerra, de la ablación,

el proyecto de Fabrica y cómo se ha venido materializando hasta hoy día la revista Colors.

de la pena de muerte, etc. Y este proyecto se une al realizado por Fabrica Cinema en el 2001 con la participación en la producción de la película

Fabrica se constituyó desde su nacimiento como un centro de investigación en torno a la comunicación,

No man’s land –galardonada con un Óscar a la mejor película

nacido de la iniciativa de Benetton, que diese un lugar de expresión a los jóvenes creadores . Situado en la

extranjera–, en la que se narran las situaciones humanas de convivencia

ciudad de Treviso, en su centro se reúnen personas de menos de 25 años que se dedican, sin clase teórica

pacífica entre un serbio y un croata encontrados en un territorio que

alguna, a trabajar en proyectos concretos y creativos. De sus cabezas nacen las iniciativas que colaboran

es “tierra de nadie”.

con las diferentes disciplinas tratadas por Fabrica: Fabrica Cinema, Fabrica Musica, Fabrica Fotografia, etc.

Y, por último, cabe reseñar de entre los proyectos expuestos tan

De entre los proyectos llevados a cabo desde Fabrica nació la revista Colors2, en la que, en torno a una

lúcidamente por Renzo di Renzo el dedicado a la relación que tenemos

temática en concreto, se trata en cada número de reflexionar desde un punto de vista ético, con imágenes

en el día a día con la comida, y que dio lugar al libro 2398 gr. A book

o proyectos de comunicación, sobre la cuestión planteada. Como el mismo Renzo di Renzo señaló en la

about food. En él se expone a través de una serie de fotografías cómo

ponencia, la comunicación ha venido siendo tratada injustamente en base a un número concreto de proyectos

la comida se convierte en fetiche de los rituales diarios asociados a la

realizados desde la misma. Y éstos hacen referencia al hecho de realizar publicidad asociando sensaciones

cultura, cómo nos ayuda a comunicar, y cómo se asocia a cuestiones

al producto –el que es atractivo por tener el coche con mayor motor, por ejemplo– en vez de asociando ideas

psicológicas y sociales que la transportan a un lugar donde deja de ser

al mismo. La comunicación, así, debe sugerir, debe hacer pensar, reflexionar al que la observa, consiguiendo

meramente el objeto de satisfacción de una necesidad básica.

que ese espectador en su vivencia futura asocie ese pensamiento al producto. Esto no crea las condiciones para el pensamiento plano, sino que presupone y educa al espectador en la configuración en su cabeza

Todo ello, así como los esenciales proyectos llevados a cabo desde

de una forma de pensamiento. Y ésta es la intención desde la que parte tanto Fabrica como la revista Colors.

Fabrica, ha sido recogido a través de 2500 ilustraciones que configuran el libro Fabrica 10. From chaos to order and back, que conmemoraba,

Los productos visuales creados desde este tipo de idea abren las fronteras de la funcionalidad encorsetada

en el 2004, el décimo aniversario de la existencia de ese innovador

de la imagen que ha venido dando la comunicación que no incita a la reflexión. Es por ello que una fotografía,

espacio de investigación y reflexión en torno a la comunicación.

como la que forma parte de la portada del primer número de la revista Colors: It’s a baby, realizada por Oliviero Toscani pasó de ser una imagen publicitaria de Benetton, en su campaña a favor de la diversidad y las nuevas apuestas, a ser una imagen utilizada como representativa de la maternidad contemporánea en una exposición realizada en Holanda en torno a la presencia de los motivos de la maternidad a lo largo de la historia del arte. La relación entre Fabrica, Colors y las reflexiones e ideas se evidencia a lo largo del planteamiento de sus proyectos. Entre ellos es interesante resaltar el realizado junto a la asociación Greenpeace, materializado, entre otras cuestiones, en el número 33 de Colors, dedicado a Venecia. Se trata de denunciar los problemas asociados a la ciudad para concienciar a sus habitantes: el turismo desbordante que produce situaciones provechosas desde el punto de vista financiero, la presencia masificada de palomas, etc. También resulta interesante el proyecto que se llevó a cabo desde Fabrica con la asociación francesa Reporters sans frontières en el cual se describe desde dentro la complicada situación de los reporteros, los cuáles tratan de brindar una información real sobre los acontecimientos que ocurren en un lugar concreto –entre ellos la denuncia de los abusos a los Derechos Humanos–, pero que son en la mayor parte de las ocasiones censurados por diferentes razones que tienen que ver con la economía y con la política.

1_http://www.fabrica.it/ 2_http://www.colorsmagazine.com/ 136

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El papel del diseño en el no-lugar Marc Augé_antropólogo. ehess. paris

A la hora de analizar el papel, tanto ético como político, del diseño en el mundo actual, en el seno del

Otra de las características de ese mundo global es el hecho de que, a través de los no-lugares, desaparece

Observatorio Cultural se invitó a realizar una reflexión sobre la cuestión al reputado antropólogo Marc Augé.

el espacio donde se forma la opinión pública, aquel ágora de los antiguos griegos. Son ahora los medios de comunicación los que administran ese no-lugar en el que se crea una opinión unificada que anula la

Como el autor señalaba, para poder conocer las condiciones del diseño en la sociedad contemporánea,

posibilidad de existencia de ese concepto clásico en la evolución de las ciudades que había sido la “opinión

resulta especialmente necesario realizar un análisis detallado y consciente de cómo funciona y cómo se

pública”. En este sentido el diseño ha contribuido a cumplir una función unificadora, por ejemplo, a la hora

organiza esa sociedad.

de concebir la ciudad como lugar configurado desde la presencia de unos cuantos edificios significativos, llamativos, pero que se banalizan hasta el punto de que no responden a las necesidades de los ciudadanos.

Actualmente vivimos en un mundo que ha cambiado totalmente, un mundo que los teóricos de la sociología han venido llamando global, sin fronteras, líquido. Esta globalidad produce, como señala el mismo Marc,

2. La mutación mediática se ha producido, y en esta cuestión el diseño gráfico, la ilustración han contribuido

dos efectos sociales generales y nuevos: por un lado tenemos una mayor homogeneización, y por otro lado

intensamente, de manera que se han multiplicado las imágenes y los mensajes que unifican la opinión

tenemos unas mayores condiciones puestas para la exclusión, que va creando una distancia cada vez mayor

y el gusto. Es en ese punto donde los medios de comunicación confunden el espacio público con el espacio

entre ricos y pobres, entre saber e ignorancia. Ante la situación actual se ha desarrollado, desde la conciencia

de lo público, siendo el público más seducido por el consumo que informado.

crítica, una visión planetaria inquieta, preocupada por el espacio reducido que compartimos cada vez más gente, y que tratamos de manera inadecuada.

La comunicación está relacionada hoy día, desde el punto de vista filosófico, con lo que Hegel llamaba “fin de la historia”. El reino actual de lo instantáneo alimenta la ideología del presente, de la existencia y consideración tan sólo del mismo, olvidando la cuestión del pasado, y la cuestión de que desde el presente

1. Las tres mutaciones del mundo actual

se construye un futuro.

En el mundo global se han producido tres mutaciones: la mutación geopolítica, la mediática y la espacial. Y son estos tres aspectos los que están relacionados unos con otros, y los que atienden a la bipolaridad

3. Por último se puede observar en el mundo contemporáneo una mutación espacial en la que, a nivel global,

homogeneización-exclusión antes nombrada:

la política y la economía de las ciudades, de los paises ya no depende de sus fronteras, sino que se encuentran desplazadas a unas grandes metrópolis mundiales que constituyen una especie de “meta-ciudad virtual”,

1. La mutación geopolítica se ha producido fundamentalmente en el acto de borrarse las fronteras entre los

en términos de Paul Virilio.

paises, quedándose el mundo abierto, cambiándose lo local por lo global, a través fundamentalmente de la introducción de las tecnologías de la imagen, en las que el diseño ha tenido un papel fundamental.

Es así el mundo una ciudad inmensa donde existen los mismos productos. Y este mundo-ciudad se extiende cada vez con más fuerza. Sin embargo, es en él mismo donde se encierran las ciudades-mundo, que crean,

Más allá de la permutación misma de lo local por lo global han nacido también una serie de espacios de

dentro del mismo, los espacios privados de exclusión antes nombrados. Así surgen las ciudades privadas,

consumo y de circulación que, por su globalidad, y por su ausencia de pertenencia a un espacio real, son

los barrios privados, los sectores de lo público, de la ciudad, donde no se puede entrar ni salir si no se tiene

denominados por Marc Augé los no-lugares.

la identidad de pertenencia.

En estos espacios sin fronteras nace la condición de una homegeneización, de una uniformidad que nos lleva por un lado a conocer todo aquello que significa la alteridad, y por otro a identificarnos con la misma, porque esta uniformidad se extiende y nos hace crear identidades que van más allá de las fronteras.

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tipología se sitúan los textos del autor o los que giran en torno a su obra

En torno a Irma Boom

en una cubierta con la que se recubre el libro, y que, una vez retirada, Irma Boom_diseñadora de libros

se convierte en póster.

Irma Boom, a pesar de haber diseñado en diferentes formatos y con

Por último, una tercera técnica de creación de discurso de entre las

diversos materiales a lo largo de su carrera, se califica a sí misma,

mostradas en la ponencia nos enseña cómo a través de la impresión

como bien hace remarcar en la conferencia, una diseñadora de libros.

de una imagen o unas palabras en la parte opuesta al lomo del libro, compuesto por el conjunto de las hojas sueltas en sí, se puede dar sentido al conjunto de la obra. En Inside/Outside puede leerse cada

1. Diseño de libros y creación de discurso

una de las letras en esa parte opuesta al lomo dependiendo de si se

Los libros que Irma Boom diseña suelen contener en su interior material

comienza el libro por el principio o por el final, y cada una de ellas

visual, que se complementa, en ocasiones, con material escrito. Bien sea

dedica el espacio que acoge en su seno para mostrar la obra de interior

un libro para un artista, tal como el que diseñó para Otto Treumann

o de paisajismo realizada por Petra Blaisse. En el libro dedicado a la

(2000), bien sea un libro para una compañía como el diseñado para SHV

celebración del centenario de SHV, la impresión de cien líneas de colores

(1996), todo material que produce Irma Boom va acompañado con

sobre esa parte del libro representa discursivamente cada uno de los

genialidad de la huella de la diseñadora. Es por ello que, en respuesta a la

años que se celebran.

crítica de Otto Treumann a su libro, con la que acusaba discretamente a la diseñadora de distorsionar con ese libro la percepción del espectador de la obra de Otto, Irma Boom respondió que era “su libro sobre él”. Y es

2. Irma Boom más allá del diseño de libros

que ella trabaja conociendo y siendo consciente de qué significa hoy día,

Más allá del diseño de libros, Irma Boom también ha realizado y realiza

inspirándose teóricamente de la historia, ser una diseñadora de libros.

otros trabajos de diseñadora.

Para Irma Boom cada libro en su conjunto se convierte en una colección de curiosidades. Éstas pasan a sus manos en su carácter fragmentario

Uno de los más importantes fue la elaboración de un diseño para una

y disperso, y ella, en su tarea, trata de darles un discurso en su conjunto,

serie de monedas de plata y oro en el año 2006, año que conmemoraba

como el que puede tener una exposición de arte.

el 400 aniversario del descubrimiento de Australia por parte del capitán holandés Willem Janszoon. En este diseño Irma Boom plantea en una

Abrir cada uno de los libros diseñados por Irma Boom es como visitar

cara de la moneda el perfil de la reina actual de Holanda, y en la otra

un pequeño cuarto ordenado lleno de las maravillas del mundo, como

cara un perfil de la isla de Australia, estando ambas unidas por

las que podía brindar Marco Polo a un coleccionista tras sus viajes.

múltiples líneas trazadas imaginariamente, cual paralelos y meridianos

Ella crea el discurso sobre las mismas, utilizando diferentes técnicas

alternativos, que evocaban tanto las relaciones actuales como la

que permiten que el libro hable no sólo a través de la palabra escrita

cartografía de los viajeros de antaño.

que pueda incluir en su seno, sino a través de la composición de lo visual. Otro de sus grandes proyectos de diseño fue una serie de tarjetas Una de las técnicas de discurso recurrentes en la forma diseñada por

telefónicas dedicadas a la cuestión europea. En ellas se podían observar

Irma Boom para los libros es la utilización de una apertura/recorte con

relaciones e interactuaciones de diferentes niveles entre personas más

forma circular en cada una de las páginas, la que permite mostrar en

allá de las fronteras. Es clásico el diseño de la tarjeta Euro Mix, en el que

una imagen un fragmento –elegido de forma consciente– de la imagen

se observan dos mujeres unidas por sus lenguas, o el de Euro Cult en el

que se sitúa en la página anterior o posterior. Ésta se encuentra

que se puede observar a Miterrand hablando con el primer ministro

presente en el libro con la obra de Petra Blaisse, Inside/Outside,

holandés sólo a través de la gesticulación de sus bocas, ya que la parte

y en el Vitra Work Spirit Book (1998).

superior del rostro, que incluye los ojos, no se detalla.

Otra de las técnicas principales de discurso que Irma Boom ha utilizado en libros tales como el dedicado a la obra de Ange Leccia ha sido la construcción de un metadiscurso a través de la utilización de papel A3, que, una vez desplegado, nos hace establecer un diálogo entre las diferentes caras mostradas. En la serie de libros construidos con esa 140

141

y realizaron, aparte de la revista, otros proyectos de diseño para

En torno a la Revista Rojo

grandes empresas como Smart o Nike. David Quiles Guilló_co-creador de la revista rojo y de rojo®

En el seno del ciclo de ponencias del Observatorio Cultural se dedicó

2. ROJO® hoy día

un espacio abierto a la reflexión sobre el modelo de la Revista Rojo1,

ROJO® hoy día es, como ya ha sido señalado, una organización

para la cual fue invitado David Quiles Guilló, uno de los tres creadores

independiente que se dedica a la difusión del arte y de los artistas

de la misma, junto a Alejandra Raschkes y Maria Ana Moura.

en ese contexto internacional creado a lo largo de sus últimos seis años. Habiendo nacido en Barcelona, posee hoy dos sedes, Barcelona

La Revista Rojo hoy día es el medio de difusión de ROJO®, por realizar un

y São Paulo. El proyecto central de ROJO® sigue siendo la Revista Rojo,

contexto regresivo, que se constituye como un espacio de una galería

a través de la cual se siguen difundiendo, en números monográficos

de arte itinerante, siendo uno de los focos principales de difusión del

en torno a un concepto, las obras de artistas conocidos o nóbeles,

arte y de los artistas en un contexto ampliamente internacional.

siguiendo el precepto de ser tan sólo visual. La revista hoy día ha conseguido una difusión y distribución en treinta paises del mundo, no sólo de la Unión Europea y en Estados Unidos, sino llegando a

1. En los orígenes de la Revista Rojo

fronteras tales como Turquía, Israel, Australia, Corea del Sur, China

En el año 2001 nació la idea de elaborar esta revista con la misma

o la India, por citar algunos ejemplos. De esta forma se ha convertido

intención que tiene hoy día: la de convertirse en una plataforma de

en uno de los puntos clave de referencia a la hora de conocer el ámbito

encuentro y difusión de artistas, fuesen cuáles fuesen sus orígenes,

del arte a escala mundial.

trabajos o inquietudes. Así, se realizó una versión impresa de la misma en la que se incluían, en esa primera etapa, no sólo la obra de artistas,

Pero aparte del proyecto de la Revista Rojo han ampliado los horizontes

sino textos materializados en cualquier tipo de “género literarios”,

de difusión, realizando la publicación hoy día de monográficos

desde entrevistas, hasta recetas de cocina o textos sobre arquitectura.

dedicados a algunos de los artistas que más han colaborado con ellos,

Los textos, llegados de cualquier parte del mundo, tenían la peculiaridad

entre ellos Fupete, Chet Purtilar o Catalina Estrada.

de que eran publicados en el idioma original. Esta cuestión marcó los orígenes del carácter abierto de fronteras, propiamente internacional,

A su vez, están abriendo los llamados Artspace en los que, en galerías

que posee hoy día. Esta revista se distribuía gratuitamente,

situadas en diferentes ciudades del planeta, se pueden exponer la obra

convirtiéndose en un proyecto que acompañaba a las gentes en sus

de entre los artistas que colaboran con ellos. Hoy día están abiertos

tareas diarias –aquellos que entran en un metro para ir a trabajar,

al público el de Barcelona, São Paulo y Rosario, y serán de apertura

aquellos que caminan para realizar la compra, etc–. Es más, se

inmediata el de Los Ángeles, Milano y Berlin.

caracterizaba por la cuestión de que, en la medida en que cada número se construía sobre cuatro versiones, con cuatro portadas

Por último, realizan una tarea revolucionaria para hacer evolucionar

diferentes, animaba esos quehaceres diarios con la tarea detectivesca

el arte aurático en vistas al arte del futuro. Producen obras de los

del coleccionista.

artistas en formato digital impreso sobre poliéster, lo cual permite vender y difundir en exposiciones la obra realizada en formato de un

Tras esta primera idea, se abrió paso a una segunda fase en la que

único ejemplar a través de un camino más hacia el arte en la época

se realizó un cambio radical de la misma: ya no sería una revista

de la reproductibilidad, que Walter Benjamin nombraba.

de distribución gratuita, sino que se lanzó al mercado bajo una idea conceptual. Cada número debía centrarse en un concepto, existente o creado, que inspirara o diera cierto discurso de unión impresionista a lo que dentro se albergaba. Los materiales incluidos, para que la revista tuviese un contexto más internacional, ya no se construirían sobre palabra escrita alguna –ya que éstas crean identidades y diferencias que pueden incluir o excluir–, sino que todo lo que debiera ser expresado debía hacerse a través de la imagen. A lo largo de esta fase se constituyó como organización independiente, ROJO®,

1_Para conocer más sobre la revista http://www.rojo-magazine.com/ 142

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En torno a la obra de Joana Vasconcelos Joana Vasconcelos_escultora del diseño gráfico

A lo largo de la activa e intensa ponencia que ofreció Joana Vasconcelos

2. Airflow (2001) es una pieza perteneciente a la colección Vítor

a propósito del ciclo del Observatorio Cultural, se pudo apreciar el valor

Assunçao de Lisboa, heredera de Wash and Go, que sigue el mismo

teórico, explicado a través de sus palabras, que acompaña a su obra.

esquema que ésta. Una serie de corbatas de seda natural insertadas en

Joana Vasconcelos, como ella misma se califica, es “una escultora del

una estructura desde la que surgen soplos aleatorios de aire, lo cual

diseño gráfico” nacida en París, pero que trabaja actualmente en Portugal.

hace mover las corbatas produciendo oleadas de la llamada “generación de tridimensionalidad de la tridimensionalidad”.

1. Teoría crítica y práctica activa en la obra de Joana Vasconcelos

3. Kidsland (2001), perteneciente al Hospital Pediátrico Holandês, es una

El interés de su obra se centra principalmente en que tiene una fuerte

pieza compuesta de una banda giratoria sobre la que se sitúan juguetes

raíz de crítica política. Cada pieza se encuentra arraigada a una temática

que van siendo elegidos por los padres dependiendo de la profesión

de actualidad que resulta de interés y preocupación comunes. Como ella

que predeterminan, eligen y con la que encorsetan a sus hijos, al igual

misma ha ido explicando, y como se detallará en líneas sucesivas, el arte

que a ellos mismos: una guitarra para el músico, una moto para el

se convierte en una forma de ética, a fin de cuentas, la estética y la ética

motorista, etc.

en su obra se unen, como ya predecía Wittgenstein para el arte del siglo XX, prolongada al siglo XXI. Y es que el arte como producto cultural,

4. Burka (2002), perteneciente al MUSAC de Léon, es una pieza textil

al igual que puede ocurrir con otros ámbitos de la cultura como la

compuesta por diferentes trajes de mujer de diversas culturas que

literatura, la fotografía o el cine, se convierte en un producto con una

utilizan como forma de identidad. Entre ellos, y de ahí sobre todo el

forma concreta que nos habla no sólo del trasfondo del autor, sino del

sentido crítico de la pieza, la cabeza se compone de un burka. Esta pieza

trasfondo de la época a la que el autor pertenece. Así pues, Joana

textil se eleva hacia el cielo, cual el auriga platónica que, a través

Vasconcelos critica la consideración de la mujer como objeto y

del amor, nos conduce a la verdad, como señala la propia Joana

reivindica la igualdad de la misma para todas las sociedades con obras

Vasconcelos. Sin embargo, nunca llega a tocarla, porque vuelve a caer

como Spin (1999), Fashion Victims (2001), A novia (2001) o Burka (2002),

de nuevo hacia los suelos. Y nunca llega, porque ese traje que identifica,

siendo éste uno de sus mayores temas de preocupación; critica la

oprime y no abre a la igualdad.

programación de la vida y la carrera que los padres hacen de los hijos con Kidsland (2001) o critica el trato vejatorio que en ocasiones hacemos

5. Passerelle (2005), perteneciente a la colección de la artista, es una

los seres humanos a los animales, lo que puede ser extrapolado al medio

pieza compuesta de una cadena sobre la que se encuentran colgados

ambiente, con Menu do dia (2001), Passerelle (2005) o A Matilha (2005).

diferentes perros de cerámica de lujo, perros que pertenecen y representan las razas de pedigrí. Éstos, cuando la cadena comienza girar, y conforme se van chocando unos con otros, se rompen en trozos

2. La obra de Joana Vasconcelos

y destruyen. Critica así la obra el maltrato que tenemos con los animales

De entre las piezas explicadas por Joana Vasconcelos a lo largo de la

que nos acompañan.

ponencia, se recogen aquí las más representativas tanto de la escultora del diseño gráfico, como de la intencionalidad de su obra:

6. Dorothy (2007), perteneciente a la colección de la artista, es una pieza que representa un zapato gigante hecho con tapas de diferentes

1. Spin (2001) es una pieza que pertenece a la colección Mario Sequeria

cacerolas de aluminio o acero inoxidable. Estas cacerolas, vistas desde

en Braga. Está compuesta de un espejo rodeado de una gama diversa de

lo lejos, dan una idea de que el zapato está hecho con lentejuelas

secadores que apuntan hacia la persona que se mira. Estos funcionan

gigantes. Esta obra se une a las anteriores en las que critica la condición

como pistolas de aire frío que apuntan hacia la persona que se mira,

de la mujer, que esta vez es por un lado ama de casa, y por otro, de cara

de tal forma que en vez de peinarla, la despeinan. Así, la funcionalidad

a lo social, objeto que debe decorarse con tacones para llamar

tanto del espejo como del secador es cambiada, y se convierte en una

a la belleza.

forma de crítica que habla de aquella sombra oscura que también se esconde tras la belleza, o tras la necesidad de aparentarla.

Para conocer su trabajo http://www.joanavasconcelos.com 144

145

En torno a la obra de Nous Travaillons Ensemble Valérie Debure_miembro de nous travaillons ensemble

Valérie Debure colaboró en el ciclo del Observatorio Cultural para hablar de la organización de la que es

2. Para la asociación Emmaüs Nous Travaillons Ensemble ha realizado

miembro, Nous Travaillons Ensemble, y del trabajo y la producción que tienen desde la misma.

también una serie de carteles que tratan de sensibilizarnos de los prejuicios que tenemos con respecto a los sin techo. Cada uno de ellos

Junto a ella, componen Nous Travaillons Ensemble Isabelle Jego, Ronit Meirovitz y Alex Jordan. Todos juntos

está dedicado a un concepto que tenemos sobre los mismos, y este

trabajan en una organización que se define en su mismo centro en base a unas ideas del ámbito de lo social

concepto, para que sea puesto en duda, y, por tanto, podamos repensar

y lo político muy concretas: como la misma Valérie señaló, su trabajo no va dedicado a empresas privadas,

sobre él, está escrito de forma interrogativa: “Fainéants?”, “Logés?”,

sino a asociaciones y Organizaciones No Gubernamentales que luchen porque sea justo en el cumplimiento

“Baratineurs?”, “Asistes?”, “Nomades?”, “Rassasiés?”, “Encombrants?”

cada uno de los postulados éticos presentes en la vida, así como colaboraciones con algunas campañas del

y “Financeurs?” componen la serie.

gobierno que están dedicadas a la sensibilización. Así pues, colaboran con la asociación Emmaüs, dedicada a la lucha contra la pobreza, la exclusión y la opresión, han colaborado en campañas de educación y de

3. Mon corps, j’en prends soin es el cartel para una exposición realizada

integración que ha llevado el gobierno en barrios de las afueras parisinas como Aubervilliers, en campañas

en Villetaneuse en el 2007 en la que se trataba de sensibilizar a los niños

de sensibilización como la que se llevó a cabo para mantener limpia la ciudad de Nîmes, la llevada a cabo

y los jóvenes sobre la importancia de la higiene, la salud y la

para sensibilizar a los jóvenes de utilizar el caso en la motocicleta, o la que educaba a los jóvenes en la

alimentación para nuestro cuerpo, que nos va a acompañar día a día

utilización del anticonceptivo, y contra la violencia de género.

durante toda nuestra vida.

1. Nous Travaillons Ensemble y los espacios de la resistencia

en el 2006, habiendo sido ésta una de las ciudades en las que se hicieron

Nous travaillons ensemble pertenece y se configura como uno de los lugares propios de la actualidad, en el

más protestas contra el gobierno en los días de la quema de coches

sentido de lo moderno. Vemos ahora, como vimos en la ponencia de Francisco Jaruata los aspectos positivos,

a raíz de los problemas de exclusión internos a la sociedad francesa.

los que son negativos de la máquina del sistema global. Y es que ésta, en ocasiones, no considera aquello

En él puede verse cómo una misma imagen compone el rostro de una

que resulta ser el carácter de lo humano desde el punto de vista antropológico: dejar al lado la ley de la selva,

persona joven y una persona mayor, de la modernidad y lo clásico,

y hacer leyes, quizás en un pacto social que identificaba Rousseau, que nos aseguren una vida justa a cada

y ello reivindica el pacto y la paz entre las generaciones.

4. Bonne Année à tous es un cartel realizado para la Ville de Bagnolet

uno de los que componemos la humanidad. Así surgen plataformas, pensadas como espacios de la resistencia, que protestan haciendo ver que es necesario también tener en cuenta las desigualdades del sistema, y el medio que habitamos. Y qué mejor que una imagen, directa y sugerente, trabajada desde el diseño gráfico, para democratizar la sensibilización para paliar esas desigualdades.

2. La obra de Nous Travaillons Ensemble Se han seleccionado las obras más relevantes de entre las mostradas y explicadas por Valérie Debure en la ponencia, aquéllas que permiten hacernos una idea de qué es y en qué consiste Nous Travaillons Ensemble: 1. Para una campaña de sensibilización hacia los problemas tan presentes en la Francia de hoy día como son la existencia numerosa de los “sin techo”, el aumento del analfabetismo y la precariedad laboral, realizaron para la asociación de Emmaüs una serie de carteles en los que se repite un mismo motivo: la existencia de una persona en rojo sobre el suelo, simbolizando su estado de desolación: “L’été... la mort”, dedicado al número de muertes en verano de los “sin techo” debido al cierre de las entidades del gobierno que se dedican a darles abrigo o comida; “L’illetrisme… l’exclusión”, dedicado al problema del analfabetismo incipiente que crea mayor número de desintegración y “Le travail… la précarité”, dedicado al problema del trabajo basura actual que no brinda dinero ni para pagar la vivienda, son los tres carteles que pertenecen a la serie.

Para saber más ver http://noustravaillonsensemble.org 146

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Cinemart Jordi Mollá_actor, director, escritor y pintor

Jordi Mollá, en su hálito por la lucha pluridisciplinar, presentó para

Es de esta forma como los objetos, las situaciones sacadas de contexto,

el Observatorio Cultural una clase magistral en la que expuso el

mezcladas, recicladas, adquieren un significado diferente que

significado y las diferentes connotaciones de lo que el actor y director

acompaña al nuevo punto de vista. Son fragmentos que quizás antes

viene llamando en el desarrollo de sus proyectos “Cinemart”.

de ser unidos entre sí creando un discurso carecían de sentido. Sin embargo, al componerlos juntos comienzan a adquirirlo.

1. En los orígenes del Cinemart

En ese punto es donde la historia comienza a dejar de tener razón de ser

Cinemart hace referencia, en el híbrido que presenta la palabra misma,

de por sí, cuando deja de ser una armadura que constriñe el expresarse

a una manera de hacer cine en la que se apuesta por una forma de arte

libremente de las imágenes en solitario. En el cinemart no existe historia

novedosa, perteneciente a la cultura contemporánea. Si el cinema ya

a priori que condicione los objetos, sino que aquélla se construye con el

presentó en su día una apertura al número de siete de las artes,

diálogo de estos mismos. En él no existe, por carecer de antemano de las

cinemart abre nuevos lenguajes para el mismo.

barreras que pone el concepto, una forma de pertenencia, y, por tanto, no existe una forma de identidad. Así, el Cinemart se compone, como

De la misma forma lo había hecho su gran antecesor, el Videoarte, años

ya se señalaba, de fragmentos elegidos de situaciones muy diversas,

atrás. Éste ya proponía, desarrollado por artistas tan decisivos como

no coincidentes, de formas de grabación distintas, con iluminaciones

Nam June Paik, la utilización de las formas de arte aplicadas a las nuevas

no convergentes, personajes no unívocos, etc.

artes surgidas a raíz de analogización, y más tarde digitalización del mundo. Así, se trató de hacer arte a través del video, es decir, videos

Múltiples son las composiciones del conferenciante en este campo

artísticos en los que no existiese forma establecida a priori dentro

que cada vez va cultivando con mayor ahínco como forma reivindicativa

de los marcados por los cánones del video clásico, definido desde

de esa cara nueva de la que dota el Cinemart al cine. Entre ellas se

el cinema. Fue de esta forma como se pudo trabajar, al igual que con

encuentra Ahhhhh!, en la que se experimenta con el video y la creación

el arte pictórico, la existencia de conceptos de visualización

musical a través de los gritos de varias mujeres, Portraits of USA, en la

y entendimiento inmediatos.

que se presentan fragmentos unidos de situaciones estadounidenses que describen fragmentariamente el país o Recognition, en el que se observan dos amantes que no se acaban de reconocer el uno al otro.

2. El concepto “cinemart” y su alcance interpretativo

Gran parte de los mismos pueden encontrarse disponibles en Youtube.

La palabra “cinemart” hace referencia, así, a una forma de hacer películas en la que el orden direccional de las mismas cambia con respecto al orden habitual de construcción que se aplica a ellas. Si en la realización de un film en primer lugar se escribe un guión que después será desarrollado y grabado hasta llegar a obtener la propia película, en la realización del cinemart en primer lugar se graban fragmentos que proceden de contextos muy diferentes, y después, en base a los mismos y a la sugerencia que al artista produzcan, se mezclan unos con otros hasta crear un discurso, que podría asimilarse al guión del film.

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2. La Casa Encendida. Modelo de proyecto de gestión contemporáneo

La Cultura del Proyecto

La Casa Encendida nace como espacio financiado económicamente por José Guirao_director de la casa encendida

la obra social de Caja Madrid con dos condicionantes previos. El primero de ellos es la cuestión del espacio, y el segundo es la cuestión de la

José Guirao ofreció para el Observatorio Cultural una ponencia llena

temática: para proyectar La Casa Encendida se tenían que trabajar

de referencias, ideas e inquietudes en la que trató de marcar los hitos

cuatro ámbitos necesariamente, el cultural, el social, el educativo

fundamentales, desde el punto de vista de la gestión del arte y la

y el medioambiental.

cultura, para la construcción y el pensamiento de un proyecto como ha sido La Casa Encendida, que viene sirviendo actualmente como

Y es en base a esos cuatro ámbitos en el que se piensa, desde la

ejemplo de institución cultural.

dirección del mismo encargada al propio conferenciante, en la cuestión de brindar un pensamiento, un discurso que le permitiese convertirse en un lugar en el que no sólo se realizasen actividades, sino en el que

1. Contexto cultural en la gestión del proyecto contemporáneo

se hiciesen bajo unos preceptos que les diesen sentido.

A la hora de pensar hoy día el proyecto de gestión de un centro cultural en el contexto de la España contemporánea es necesario recurrir

Es así como se creó el centro de formación, que suplía la cuestión

a la historia de los proyectos, miradas y gestiones que se han venido

cultural, educativa y social de la filosofía que estaba a la base del

llevando a cabo en el país desde la salida de la dictadura.

proyecto. En éste se ofrecen una serie de talleres de corta duración en los que se potencia que el público se forme, y que conozca, en una

Cuando se abre un panorama tal para España en el que se pasa del

ciudad tan amplia y dispersa como Madrid, a gente que tiene los mismos

aislamiento con respecto Europa y al mundo, a la apertura y la libertad,

o cercanos intereses.

se optó, desde los mismos finales de los ’70, por una contextualización con respecto al arte dentro de las posturas de lo contemporáneo que

Por otro lado, se creó un centro de recursos en el que se atendía a la

habían estado invisibles para el país. Fue desde estas coordenadas

parte cultural y educativa, compuesto por una biblioteca –condicionada

que museos tales como el Reina Sofía o el IVAM fueron adquiriendo

por la cuestión del espacio–, una hemeroteca, una mediateca y un

una serie de fondos de colección permanente en los que se apostaba

laboratorio de audiovisuales –fotografía, radio y multimedia– en el

por el arte contemporáneo. Así el IVAM, por ejemplo, apostando por las

que los interesados pueden realizar sus composiciones.

vanguardias de comienzos del siglo XX fue coleccionando una serie de nombres y obras que, a pesar de no estar dentro de las más conocidas,

También se realizó, para atender a la parte cultural, un programa de

porque no se tenía suficiente presupuesto para adquirirlas, se han

exposiciones sobre arte contemporáneo, como las que se han hecho

constituido como parte fundamental de la historia a la hora de

en los últimos tiempos en torno a John Cage o Andy Warhol, una serie

comprender e investigar el movimiento mismo de las vanguardias.

de conciertos y conferencias realizadas en el seno de un auditorio con un aforo de 170 personas.

En este contexto, a la hora de plantear un proyecto en y sobre la contemporaneidad, resulta necesario inevitablemente instaurarse en

Y, por último, para atender a la cuestión medioambiental y educativa,

unas coordenadas entre la memoria del pasado y la incertidumbre del

se realizan talleres para los niños y adolescentes en los que se enseña

futuro que nos permitan crear una sistematización. Y así toda acción

y se conciencia, así como se trata de elaborar y distinguir las

cultural, todo proyecto de gestión debe ir precedido de un acto de

características y consecuencias propias del ecosistema urbano.

pensamiento, de reflexión, de investigación, en suma de un discurso que pueda acoger en sí cada una de las ramas trabajadas dentro del proyecto.

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En el proyecto de Sustainable Everyday se recogen una serie de formas

Concepto de “Bienestar” y tarea del diseñador

participativas de ciudadanía en la que grupos de personas eligen llevar una vida alternativa al concepto de bienestar asociado al consumo,

Ezio Manzini_profesor de diseño industrial. politécnico de milán

no ya tan sólo por cuestiones de conciencia o concienciazión, sino por Ezio Manzini, caminando con los tiempos contemporáneos y con la tarea ética que debe adquirir cada

cuestiones también relacionadas con la economía personal y familiar.

individuo, trató de hacer ver, a través del contexto del mundo actual, cuál debe ser la tarea de quien dedica

Así, se proponen formas de vida, en diversos lugares del planeta, desde

su esfuerzo al diseño, que crea los artefactos que nos rodean día a día, y que se encarga de difundir ideas

China a Polonia, en las que se crean redes de individuos, agrupados en

a través de la imagen.

los llamados “Bancos del tiempo”, que colaboran entre ellos, ofreciendo lo que saben hacer, y recibiendo a cambio lo que hacen otros. Comunidades de cultivo de alimentos ecológicos, de cuidado de

1. Contexto actual y tarea del diseñador

jardines, de cuidado de niños y ancianos, de acompañamiento,

En los últimos años hemos venido observando cómo es la configuración de la identidad de las sociedades

en las que se comparten coches para ir al trabajo, etc.

de los paises de bienestar contemporáneos, lo que podría llamarse el síntoma de lo moderno, y que hace referencia inmediata a la velocidad. Como bien nos ha venido señalando Zigmunt Baumann a lo largo

En estas redes de complejidad colaboradora se van cambiando las

de su obra, vivimos una sociedad líquida que se transforma y cambia su sociología en un espacio de tiempo

formas del concepto actual de “bienestar”, como se ha señalado, a base

muy breve.

de cultivar y dar uso a las habilidades y capacidades personales. Constituyen éstos nuevos modelos económicos que van surgiendo

La forma de vida actual, como bien ha señalado Manzini a lo largo de la ponencia, ha venido siendo construida

como respuesta a los modelos que ya tenemos, y que van basando

bajo un precepto insostenible en el que se considera que a mayor consumo, a mayor posesión de objetos,

cada vez más la economía en el don, en el intercambio, en el

mayor bienestar reseñado o reseñable en la vida de cada uno de nosotros.

trabajo voluntario.

Este sueño del bienestar consumista supone una forma de vida particular que tan sólo el 20% de la población

Es en este punto en el que el diseñador, como

mundial lleva a cabo actualmente. Sin embargo, este 20% de la población consume el 80% de los recursos del

amplificador, difundidor de la ideología que se

planeta. Esto supone que, en el sueño del bienestar planteado desde los parámetros de hoy día, y por el que

constituye como verdad, y en la medida en que

tantas personas luchan para acceder, si un gran número de la población mundial pretende llevarlo a cabo,

es creador de objetos, debe actuar considerando

ocurrirá, en términos de Manzini, una “catástrofe” medioambiental, así como una “catástrofe” social de lucha

las alternativas que ya se tienen, y pensando,

por acceso a los escasos recursos.

en base al mismo concepto de “alternativa” cuáles formarán nuestro futuro.

Es en este punto donde resulta ya hoy necesario comenzar a plantear una idea diferente de “bienestar” que lleve a una actuación a su vez diferente con respecto al medio que nos rodea. Y es ahí donde el diseño, que a lo largo de su historia ha contribuido a la idea actual que tenemos de bienestar, puede entrar con una tarea ética de responsabilidad sobre el cambio de mentalidad en la relación entre las personas y los objetos. No ya sólo dando ejemplo de utilización de materiales, como en el diseño industrial, que no sean perjudiciales para el medio ambiente, sino en la producción de una conciencia ideológica a través de la gráfica, por ejemplo, que haga que la gente pueda plantearse su preocupación sobre el lugar donde habitamos.

2. Modos de ver y Modos de hacer La tarea ética de responsabilidad para con lo que nos rodea, como bien señala Ezio Manzini, no es una cosa que tan sólo vaya a ser proyectada para un futuro lejano, y casi apenas inimaginable para la limitada conciencia de los seres humanos, sino que es ya en el presente donde han comenzado a surgir voces y formas de actuación. Es por éstas por las que se debe comenzar, pudiendo así darles voz, amplificarlas, para que seamos conscientes desde la humanidad de que existen, y de que podemos cada uno de nosotros participar en ellas. Ver más información en http://www.sustainable-everyday.net/manzini/ http://www.sustainable-everyday.net/cases/?page_id=108 153 152

APRENDI(VIA)JE Algunas notas desordenadas sobre el proceso como fundamento del aprendizaje

Desde finales del siglo XVII, coincidiendo con la pacificación de una gran parte del territorio europeo, hasta principios del siglo XIX, coincidiendo con la implantación de las primeras líneas ferroviarias en el continente, era común entre la juventud aristocrática británica embarcarse en un viaje de carácter escolástico que ahora conocemos como Grand Tour (en francés). Este periplo continental, que con frecuencia conllevaba estancias en distintas universidades y centros académicos, además de visitas a monumentos de la antigüedad y el medievo, se desarrollaba de manera imprevisible en función de los avatares que surgieran. De esta manera ni su longitud ni su itinerario preciso podían predecirse, siendo la experiencia sensorial e intelectual del tránsito en sí la piedra angular del proceso didáctico implícito en el rito del Gran Tour. Se trataba, en resumen, de un viaje por amor al aprendizaje. A su vuelta a Gran Bretaña, se consideraba que estos jóvenes estaban ya en condiciones de desempeñar cargos de liderazgo y representación, constatando así el gran reconocimiento del que disfrutaba esta peculiar andadura escolástica. La gradual aceleración y plurificación del transporte de larga distancia, desde el ferrocarril al avión, ha ido erosionado el mito del viaje convirtiéndolo en mero desplazamiento de un lugar a otro, distinto y con frecuencia distante. De Gran Tour a turismo; hemos olvidado la didáctica del viaje y hemos retenido sólo su aspecto lúdico. Este hecho es sintomático de la sociedad contemporánea occidental, ávida de heterotopías radicales y transiciones inmediatas, hambrienta de réditos finales y poco atenta a los procesos intermedios que es de los que se alimenta la curiosidad. La anterior analogía nos sirve para demostrar la importancia del devenir (del viaje) en el aprendizaje y la enseñanza, con mayor énfasis si cabe cuando se trata de disciplinas sensoriales y directamente relacionadas con la experiencia, la percepción y la creación. Sólo de esta manera procesual llega el aprendizaje a calar y a proveer al pupilo de verdaderas herramientas de invención y no sólo de soluciones autómatas a problemas previsibles. La esfera académica corre el constante riesgo de sucumbir ante la inmediatez y la celeridad que impone la presión comercial por resultados tangibles y productos finales. Por eso conviene de vez en cuando volver a las raíces y recapitular cuál es la esencia del aprendizaje y la enseñanza. El proceso de aprendizaje, como un viaje, implica no estar en un lugar concreto ni en un instante concreto, sino en tránsito constante. Esta terra incógnita, donde los pocos elemento fijos en torno a los cuales pivotamos nos sirven como puntos de orientación, agudiza nuestra perspectiva móvil del mundo y nuestro uso de los limitados recursos disponibles en cada momento. El proceso de aprendizaje requiere tiempo e incluso redundancia de tiempo, lo que Samuel Beckett solía llamar idleness (la práctica de la holgazanería), pues sólo así se alcanza a observar el mundo con detenimiento y fijación. Dar y darse la calma necesaria para desarrollar estrategias de avance, para explorar vías imprevistas, para extraviarse y extraer una lección de ello, para racionalizar las vivencias e interiorizarlas. Un ejemplo paradigmático de este método paciente, dilatado y obsevador es el de la deriva psicogeográfica, una suerte de viaje urbano a través del cual los miembros de la Internacional Situacionista se sumergían en la ciudad.

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Dejándose llevar por los flujos de la misma, sin acelerarlos ni ralentizarlos; esta técnica les permitió descifrar las pulsiones encriptadas en el palimpsesto urbano. El proceso de aprendizaje exige constancia y atención ininterrumpida. La solución a una cuestión puede llegarnos de la manera más improbable y fortuita allí donde no esperábamos encontrarla (anécdota de viaje), o por el contrario a través de la acumulación de pequeñas experiencias o tentativos yuxtapuestos (cuaderno de bitácora). Como en los Cadáveres Exquisitos, ese juego gráfico secuencial popularizado por los Surrealistas, cada paso del ejercicio didáctico añade un nuevo estrato que se ensambla a los anteriores produciendo un acervo más complejo y rico. El proceso de aprendizaje se nutre de la memoria y del reúso del recuerdo. El tránsito enriquece sólo si en su desarrollo se van recogiendo experiencias en una red imaginaria, vasta y a la vez ligera. Este almacén de recursos e imágenes, a modo de cartografía momentánea y permanentemente provisional, ilumina subsiguientemente el camino, otorgando significado, escala y dirección a los pasos aún no dados. El proceso de aprendizaje no existe sin comunicación. No sólo viajan los aprendices sino también las ideas, y cada vez en mayor medida. Hace bien Michel Serres, un filósofo obsesionado con la brutal celeridad del transporte aéreo, en recordarnos que el aprendizaje se encuentra en el intercambio, en el mestizaje, en el andar al encuentro de la alteridad del saber. El proceso de aprendizaje incluye intrínsecamente la estrategia de la praxis. La formación no es un simulacro de la realidad sino una lectura crítica y transformación de la realidad misma. Los ensayos sólo cobran sentido cuando existe un riesgo verdadero de fracaso y cuando están dirigidos conscientemente hacia un cambio necesario e instrumental de la realidad. El proceso de aprendizaje lleva a la intuición. Key Portilla-Kawamura / Ali Ganjavian

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Rigo 23, “Europa Latina”, mural en la Avda. 24 de Julio (escaleras junto a la Casa de América Latina). Fotografía: Pablo Serret

Italia

Fabrica, Benetton Communication Research Center. Catena de Villorba, Treviso

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Giuseppe Zecca. BTicino, Varese

Pabellón Satellite

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Polo Fiera Rho

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Salone del Mobile. Polo Fiera Rho, Milán

Conferencia Li Edelkoort

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Via Tortona

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Tranvía, Milán

Pieke Bergmans Virus. Salone del Mobile, Via Tortona

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Polo Fiera Rho

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Polo Fiera Rho >>>>>>>

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Salone del Mobile. Polo Fiera Rho, Milán >>>>>>>

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Performance Vibram

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Holanda

Museo Boymans van Beauningen, Roterdam

Stedelijk Museum Amsterdam >>>>>>>>>>>>>>>>>>

Suecia/Dinamarca

KKK, Malmo

Museo Witte de With, Roterdam

Design Academy, Eindhoven

Droog Design Store, Amsterdam

Cena en casa de Sigridur Heimisdotir Almhult, Suecia

European Design Labs en IKEA. Almhult, Suecia

Paul de Fellow Designers, Estocolmo >>>>>>>>>>>>

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The Wanas Foundation, Knislinge

Copenague, Dinamarca

Jurgen Bey, Roterdam Prize

Design Academy, Eindhoven

Metro, Amsterdam

Konstfack, Estocolmo

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Fellow Designers, Estocolmo

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Mamam de Louis Bourgeois, museo al aire libre The Wanas Foundation, Knislinge

Inglaterra

Fernando Gutiérrez Studio, Londres

Zaha Hadid Museum, Londres

Tent London, Londres

Boisbuchet

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Pabellón de veranoOlafur Eliasson, Serpentine Gallery, Londres

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Designers Block, Londres

100% Design, Earls Court, Londres

Francia

Fernando Gutiérrez Studio Teatro, Londres

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Design Museum, Londres

Metro, Paris

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100% Design, Earls Court, Londres

Gare de Montparnasse, Paris

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Portugal

Estudio de Joana Vasconcelos. Oeiras, Lisboa >>>>>>>>>>>>>>>

Barbara Coutinho directora del MUDE, Museo del Diseño y de la Moda, Lisboa

MUDE, Museo del Diseño y de la Moda, Lisboa

Prisión de mujeres de Tires, Lisboa

Calzada, Lisboa

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Tranvía en Lisboa

Natasha Srevro, Krv Kurva Production Manager

Pedro Ferreira y Rita Joao, Lisboa

Río Tajo, Lisboa

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Natasha Srevro y Jorge Moita. Krv Kurva, Lisboa

Elevador de Santa Justa, Lisboa

Prisión de mujeres de Tires, Lisboa

MUDE, Museo del Diseño y de la Moda, Lisboa 169

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ENGLISH TRANSLATION

FORMATION IN THE SOCIETY OF KNOWLEDGE Francisco Jarauta There is no doubt about it: the widespread use of new information and communication technologies has been one of the main components in the transforming process undergone by our contemporary world. And the notion that describes better its results is none other than society of knowledge. It has to do with a fundamental change in the routes of access, acquisition and uses of learning and actual knowledge, all of which modifies the usual behaviour towards the process of learning and exploitation of knowledge as a whole. Society as an interconnected net begins as a new utopia, as a model and a project that are the ultimate goal future societies tend to. The adaptation to this model seems to be nowadays one of the main challenges to be faced by any valuable policy dealing with education or culture. It has to do with leading, shaping and adapting our perception, as well as our intellectual abilities, to the requirements of knowledge in this new time and age. All our system of knowledge moves towards an increasingly accelerated process, able to provide us with some kind of information that would be able to go qualitatively beyond the previous models, upon which we had built the preceding system of learning and using knowledge. The aforementioned adaptation implies a manifold process of structural and strategic revision. Among other authors, Anthony Giddens and Manuel Castells put forward the requirements necessary in the construction of a second Modernity or -we could call it that way- a reflective Modernity, appropriate to the characteristics of the age as well as to its challenges. This new process of modernization will be only possible by means of an innovative culture that encompasses the proper practices and the methods needed to develop efficient mechanisms. Policies dealing with innovation should have a strategic priority in every sphere nowadays. They should go together with a new legal framework, as well as adequate procedures towards its development. It is necessary to harmonize the different sectors in the economy, society and culture in order to endorse new models of education. And it is in this respect where it is especially relevant the current debate about possible models for the education, teaching and orientation around the learning process in its many different levels. Every government has on its desk the usual white paper on the problems of education. The undeniable necessity of getting adapted to the requirements of the society of knowledge, the urgent need to fill the technological gap in comparison to previous models; all of which needs of a generous amount of work that would give priority to educational goals instead of focusing on others.

FIFTEEN WAYS OF LOOKING FROM THE POINT OF VIEW OF CONTEMPORARY DESIGN Raquel Pelta These very lines of reasoning would be of use when discussing the learning experiments to be applied in a given context. Only open policies, able to harmonize tradition and innovation, will have a future. Their goals are nothing but the construction of a new gaze, which would be extremely close to the requirements of the age. It is a tension that will have a solution by means of the development of wide areas of experimentation, which could pay attention to the problems of our current world, as well as reflecting and putting forward their own answers in an open game of analysis and construction. And none other have been the principles and methods that, since the very beginning, have guided the focus of this first project of European Design Labs, whose results are gathered together here as memory of a experience open to the diverse trends and works that are relevant in the area of European Design. These have been brought to fruition as a new reality by means of the different projects carried out by the students and teachers working in this program. I wish the best to all of them.

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For something more than two decades, the design concept comes undergoing a deep revision. On one hand, it has put on in question the old definition that tied it almost exclusively to the industrial production and it distanced it of the art and the craft and, for other, the term has been enlarged so much that at the moment it understands the other as something more than a process of projection and planning to take place in series. Nowadays we speak of the necessity of not only judging the objects in form terms, function and economy but, also, relating them with a more extensive context in which the creation circumstances, production and marketing are located as well as their adaptation to the social, environmental and technological situations. It can make sure, therefore that the design concept has not only expanded but rather it has transformed into something much more complex and broken into given fragments, so much that every time becomes more patent than the designers must work for a multicultural society with segmented audiences that demand a focused design, such as the arising new media that have just to established even its very norms, in an environment in which is necessary to reconcile the production models, the consumption, the social inclusion and the sustainability. This, without a doubt, is forcing the professionals of design to abandon any preconceived idea and to be about responding, in each moment, to the particularities of the context where they are. The conceptual changes have given place to stylistic new options that locate us before a formal eclectic panorama, in which forms and very different materials cohabit as reflection of diverse perspectives: from those of those that are about returning to a stylised modernity and of extreme simplicity, going by those of those who claim the basic thing, to arrive to the posture of those that defend the return of the ornament like a way of transmitting ideas and emotions. At the same time and, thanks to the new technologies, they are modifying the work processes so much as the final results. This way, next to the designers that project for the production in series, those are located that work from the vicinity to the craft or those that come closer to the industry to introduce in their "ways" that have always been considered craftsmanship. Individualization and personalization (in the sense of adaptation to the user's pleasure) are two words -although they are not completely new- in the last times while the local design is claimed as a reaction before the phenomenon of globalisation.

In passing, and at the same time that they are continued destabilizing the categories and the limits among art, science, technology and design become fuzzy, the designers look toward the outside of their own discipline and they worry about questions such as the environmental destruction and the search of economic models and of alternative consumption. It is spoken of sustainability and of design for all, two topics that they are reaching a place privileged in the speech of many of the contemporary professionals that are interrogated on their paper in a world that needs more and more urgent solutions. In that so diverse context the proposals of the fifteen young designers are located that have studied European Design Lab, a Masters that reflects so much in their didactic positions as in the elected roads the different addresses of the current design.

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Marc Augé Anthropologist, he has been director of studies in l'École de Hautes Études in Social Sciences and later on president of the same (1985-1995). Formation in African Studies, passed to guide its studies toward the problems of the contemporary world. Of his works it would be necessary to highlight The underground traveller: an ethnologist in the underground (1987), The “non-places” as spaces of the anonymity: an anthropology of modernity (1993), Toward an anthropology of the contemporary (1995) worlds, The sense of the other ones: present time of the anthropology (1996), or Journal of war. The world after September 11 (2002). Sam Baron [www.fabrica.it] Born in France in 1976, Sam Baron begins his design activity in 1997 working in several design and architecture offices, such as Kristian Gavoille, Garouste et Bonetti, François Bauchet and KRBO / Lille advertising office. After his graduation in Design at the 'École des Beaux Arts de Saint Etienne' in 1999, in 2001 he receives a post-graduation in Design at the 'École Nationale Supérieure des Arts Décoratifs de Paris' and at the 'École des Beaux Arts de Saint Etienne'. In 2003 and 2004 he is invited by the French Ministry of Foreign Affairs to represent French Design at the Tokyo Designers Block, winning the Prize for Best Installation with the exhibition 'Rendez-Vous' and to run a workshop in Rio de Janeiro Favella about Lace and art and craft. Thanks to the support of ‘Villa Médicis Hors Les Murs’ and of the ‘Programme à La Carte’ of AFAA (Association Française d’Action Artistique), he has developed the projects ‘Frágil’04’ and ‘L’collection’, working with the Vista Alegre/Atlantis group in Portugal. In 2003 he is selected to be part of the design department of Fabrica, the Benetton group communication research center, where he works for one year, specially on a ceramic collection produced by Bosa. His “design slices” plates have been are part of the Cooper Hewitt museum of New York and are sold worldwide. His projects have been exhibited in several international design events and fairs, such as ‘Maison et Objets’, ‘Salon du Meuble’ in Paris, ‘Salone del Mobile’ in Milan, ‘International Contemporary Furniture Fair’ in NY, Tokyo Designers Block, ‘Biennale de Saint Etienne’ and Frankfurt Design Fair. Among his clients : Louis Vuitton, L’Oréal group, Sephora, Musée des Arts Décoratifs de Paris, Renault, De Beers London, Vista Alegre / Atlantis Portugal and Baccarat. He is the winner of the 2007 Grand Prix de la Création de La Ville de Paris for the design section of 2007. Sam Baron currently lives and works between France, Portugal and Italy where he directs the Fabrica 3D design department. Jurgen Bey [www.jurgenbey.nl] Born in 1965 in Holland, lives and works in Rotterdam. Deeply interested for the emotional meaning of the objects, Bey has created designs that provoke the reflection and discussion about the value of the massive contemporary production. Their work, very bound to the conceptual design, is integrated inside the current discussion, of international environment, on the paper of the design and of the designer. The designs of Bey are about narrating

histories and they reflect a way to think of the one that you melt intellect and intuition. Grateful at international level, it has collaborated with signatures as noted for their character innovator as Droog Design. Among their works, Kokon, a furniture collection highlights presented in Milan in 1999. Andrea Boffetta [www.trakatan.com] “I have been generated, for what they say, the 16 | 02 | 74 and given birth to the 27 | 11 | 74 in Turin. I am single, heterosexual, with the right leg 1 cm shorter than the left one, allergic to peas and I do not eat meat, I suck it, but I do not eat it. I have begun my school career in the kindergarten with three anuses and I have finished this tragedy with nineteen anuses and a paper, diploma of scientific science. I have moved from Turin to Milan: Istituto Europeo di disegno, Italia and Spain, right eclectic band, warehouse waiter, recollector of apples, graph and photographer. An anus of my life with a contract on time uncertain in Spain and I looked like each other of drowning. Freelance in the soul. Italia, Spain and many trips. Continuous to live selling my ideas, to produce report of pictures, documental of digital video and to collect good purposes”. Irma Boom [www.irmaboom.nl] She was born in Lochem (Holland) in 1960 and it began their studies in 1979 in AKI School of Art of Enscheden it Dies. After graduating in 1985, she was integrated in the Office of Publications of the Dutch Government in The Hague, where she worked as designer during five years. In 1991, she opened her own study in Amsterdam and the project of a commemorative book of the centennial of Dutch Conglomerate SHV, a work that was prolonged during five years to conclude in 1996. Parallelly, in 1992, she began to impart classes at Yale (United States). In 1993, she designs a series of stamps for Dutch PTT (Mail). In 1998, she becomes tutor from Van Eyck Akademie of Maastricht, one of the most noted teaching centres in Holland. That same year it designs the book Workspirit for Vitra. In the year 2001, Bibliothèque Nationale de France (Paris) dedicates her an individual exhibition and she wins the Gutenberg Award. Bernard Brechet [www.gedeon.com] From 1984, Gédéon has carried out the graphic design of a good number of television channels so much in France as in the entire world. With a global vision, this study not only takes charge of the creation of the logotype but, also, of the development of the identity of channels and programs, as well as of the art address and of the marketing. In the year 2006, Gédéon has created a good number of projects for the production of television programs. Valérie Debure [www.noustravaillonsenble.org] Born in 1972. She carried out her studies in l'École des BeauxArts d'Orléans. From 1996 she is part of Nous Travaillons Ensemble. "For already seven years! I arrive, I give of eating to the canaries, to Robert, I make brown, sound the telephone, be to organize, calm down, always, the computer made smoke, smoky meetings, 35 hours more five a day! And I draw." Nous Travaillons Ensemble was born in 1989 inside 180

the old atelier Grapus. Today is composed by Valérie Debure, Isabelle Jégo, Alex Jordan and Ronit Meirovitz. Other collaborators are Antonio García, web designer, and some other associates during the time that a project lasts. The graphic creations of Nous Travaillons Ensemble (communication campaigns, pedagogic actions, corporate identities and sceneries) responds essentially to the responsibilities of municipalities, institutions, humanitarian associations or popular education, museums and sociocultural centres. Besides the responsibilities, the study originates numerous projects and identities related with its concerns. Their productions give priority to the message, political, social or cultural, without forgetting to be influenced by a note of humour. NTE communicates with you imagine provocative, immediate, always in synchrony with the social next reality or of the global village. This search of senses is expressed with the drawing to the line, the watercolour, the picture without forgetting the half new. Valentina Downey [www.valentinadowneydesign.it] Born in 1970 and graduated by the Academy of Art of Florence, her native city, Valentina Downey began its career like freelance in 1995. Settled down in Parma, next to Patrizia Scarzella is to the front of a communication project to promote the Thai production in the European market. Coordinator of diverse shops for Italian companies and foreigners (Bormioli Rocco S.p.A., Pirex, Koleksiyon, Saint Gabin Glass, Gruppo Fanti), next to Patrizia Scarzella has published the book Il Giurì of Design, published by Franco Angeli Editore in the year 2005. There is comisariado and coordinated to a group of young designers, next to which it has carried out a denominated new collection of complements "Vitamine." It was presented in Spazio Bigli of Milan in September of 2004. Teacher of Università Sapienza of Rome, it has collaborated, also, in Master of Industrial Design of Domus Academy of Milan. In the year 1994, it was rewarded in the competition Tooyaka International Luggage Competition of Japan for their project of China "Lola." El Ultimo Grito [www.elultimogrito.co.uk] It was founded in 1997, in London, for Roberto Feo and Rosario Hurtado, The last scream is described like creative concentrated "study in the design." Although born in Madrid, their founders live and they work in London from 1990. Roberto Feo is, from 1999, tutor in Royal College of Art and Rosario Hurtado in Goldsmiths University. Both have designed from furniture, until clothes and exhibitions for national and international clients. Their works have received numerous awards among others and in three occasions Blueprint Design Award - and they have been exposed in diverse museums. Gala Fernández [www.edl07.com] Gala Fernández was born in Madrid in 1969. She studied Fine arts and Design in the School of Fine arts of the University Of Alcalá de Henares of Madrid and Industrial Design in European Istituto of Design in Milan, where later she worked imparting classes and coordinating diverse courses... She has worked during four years for Fabrica, 181

the Center of Investigation for the Communication of Benetton, where she has been coordinator of the design department 3D and responsible for the project “Fabrica Features”. She has given lectures at Royal College of ArtLondon, Goldsmith University-London and Nederland Architectuur Instituut-Rotterdam, among other so many institutions... At the moment, she works in her studio in Madrid GalaFM and directs the Masters European Design Labs in IED Madrid. José Guirao [www.lacasaencendida.es] He was born in the town of Pulpí in Almeria (Spain) in the year 1959, He graduated in Hispanic Philology. It was responsible for the Area of Culture of the Provincial Delegation of Almería between 1983 and 1987. One year later moved to Seville to be taken charge of the General Address of Cultural Goods of the Meeting of Andalusia. Until October of 1993 it developed projects like the General Plan of Cultural Goods of Andalusia, the Law 1/91 of the Historical Patrimony of Andalusia, the project of the Andalusian Center of Contemporary Art, and the creation of the Andalusian Institute of the Historical Patrimony. Of there it jumped to Madrid, where in 1993 it was named general director of Fine arts and Files of the Ministry of Culture. has been director of the Museum National Center of Art Sofía from Madrid it Reigns. Fernando Gutiérrez [www.fernandogutierrez.co.uk] Fernando Gutiérrez (1963) studied design in London College of Printing and he graduated in 1986. Design of London Worked in CDT, Summa of Barcelona and, in 1993, it was founded in Barcelona together with Pablo Martin, the Gaphic Studio. In October of 2000, he settled down in London and joined Pentagram, where he has remained until recent date. Their work has been published in numerous magazines and it has been shown in international diverse exhibitions. He is member of Alliance Graphique Internationale (AGI). Kawamura-ganjavavian [www.studiobanana.org] kawamura-ganjavian is a young architecture studio established in 2000 by Key Portilla-Kawamura and Ali Ganjavian. After meeting in London, where both were studying, they have worked in several countries: India, USA, Japan, Great Britain and Switzerland in the fields of urbanism, architecture, stage design and product design, both professionally and academically. In 2006 they set up their present base in Madrid from where they direct projects in Spain, Great Britain, France and Switzerland. They are founding members of the multidisciplinary creative platform Studio Banana. In spite of its youth, and in virtue of the intense experience of its members in some of the most prestigious academic centres (Royal College of Art London, Cooper Union Nueva York, Architectural Association London, Istituto Europeo di Design Madrid, Accademia di Architettura di Mendrisio) and architecture studios (SANAA Tokyo, Herzog & deMeuron Basel) of the world, the studio has the capacity to take on board archtiectural challenges at all types of scales.

Jaime Hayón [www.hayonstudio.com] Born in Madrid in 1974, studied industrial design in Madrid (1994-1997) and in Paris (1996-1997). In 1997 he began to work for Benetton Group Research Center of Communication Fabrica, first as investigator for, one year later, to transform into Boss of the Department of Design. In Fabrica created the interior decoration of several stores of Benetton and of restoring Madam in Treviso (Italy) as well as the nomadic bag, a furniture system for contemporary nomads that it was exposed in Vitra Design Museum, in the mark of the exhibition Living in Motion. Settled down at the moment in Barcelona, it has collaborated with important companies, among those that Metalarte highlights, Artquitect Edition, Coca-Cola, Fontbella Danone Group, bd and Adidas. Versatile creator, has curated exhibitions, among those that it is necessary to mention XYZ you Devise on Furniture presented in the Fair of the Piece of furniture of Milan, organized events like the last edition of the Biennial one of the Design of Lisbon and it has participated in diverse samples with works as Hayón Garden, an installation of sculptures, toys and ceramic that showed up in David Gill Gallery of London in the year 2003. is considered a representative of the "new Mediterranean digital baroque style", as him same it denominates it, and a young promise of the Spanish design. Their works have been published by some of the design magazines and more noted tendencies of the world, highlighting Wallpaper, Surface, Oxygen, Domus and Interni Magazine. Siggridur Heimisdottir [www.ikea.com] Born in Reykjavik (Iceland) in 1970, graduated as industrial designer in European Istituto I gave Design of Milan in 1994 and received the prize Compasso d'Oro for their project of final of studies. In 1995 it founded their own company H&H in Iceland, where it designed from all over the world for different companies. In the year 2000 returned to Italy to carry out a Masters in Domus Academy. From the year 2001, works for Ikea in Sweden, where it resides at the moment. has carried out projects in collaboration with some of the main schools of the world: Eindhoven Design Academy, Royal College of Art from London, Domus of Milan, University of Art and Design of Helsinki, Parsons of New York, University of Shangai, Marhi of Moscún, among others. Ezio Manzini [www.sustainable-everyday.net/manzini/] Engineer and architect, professor of the Polytechnic of Milan and Hong Kong, director of CIRIS (Interdepartmental Centers on Innovation for Sustainability). Their analyses are centred in the study of the innovation processes and production in the post-industrial societies and in the relationships between the environment politicians and the perspective of the sustainable development. Among their texts stand out La matteria dell'invenzione (1986), Artefacta (1990), Competitive and Sustainable Production (2000). Jorge Moita [www.krvkurva.org] Born in 1976 in Elvas Alentejo (Portugal) and graduated by the Ability of Architecture of Lisbon in the year 2000, Jorge Moita works from 1998 as designer. It has collaborated in numerous projects, among those that it is necessary to

mention Design it Experiences 99 Meeting Point, Correio gives Manhã, Fashion 21, Maxim, Lab Magazine (London) and the magazine Colors (Italy). Cofundador of the Laboratory of Design in fashion, Krv Kurva Design, “design for unexpected dressing”. Among the rewards that has received for their work it is necessary to mention: the Medal of Gold of the prize Infante D. Enrique for their activities from 1998, the National Prize of Design, Design of Product, Trophy Sign gives Silva in 2002 and the Prize of Creative Youths 2002, to the Design of Equipment, with Daniela Country, for the project Krv Kurva. Between 2003 and 2004, it was invited to be integrated in the team of it Manufactures, as Designer of the Department 3D, where it developed projects for Benetton, Sisley, Nordic, PlayLive, Colors, Eleca, etc. was coordinating of the project Features Manufactures. In the year 2004 were cultural agent of the spaces it Manufactures Features of Lisbon and Bologna. Creative director of “Studio 09º 08’ 36” W, 38º 42’ 34” N”, their works have been published in numerous magazines: 34, IDN, NEO2, B-Guided, FOB Magazine, Sleazenation, Marie Claire Italy, Eye magazine, Elle Portugal, Time Out Greece, The World, Cosmopolitan, etc. Jordi Mollá [www.jordimolla.com] One of Spain’s best-recognized artistic personalities, Jordi Mollá is an actor, director, painter and a writer. PicassoMio.com is pleased to introduce Jordi’s less-known facet of painting to the art-loving public, for the very first time. Jordi was trained as an actor at the Barcelona Institute of Theatre and he also studied in Italy, Hungary and England. As an actor, he has worked in more than fifteen films, with prestigious directors like Bigas Luna, Montxo Armendáriz, Pedro Almodovar, Ricardo Franco and Fernando Colomo. Jordi first received in acclaim in Bigas Luna’s “Jamón, Jamón”, in 1992. Since then Jordi has appeared in “Historias del Kronen” (1994) Director: Montxo Armendáriz; “La flor de mi secreto” (1994), Director: Pedro Almodóvar; “La Celestina” (1996), Director: Gerardo Vera; “La buena estrella” (1997), Director: Ricardo Franco (Nominated for the GOYA Awards); “Los años bárbaros” (1998), Director: Fernando Colomo; “Volavérunt” (1999), Director: Bigas Luna; “Nadie conoce a nadie” (1999), Director: Mateo Gil; “Segunda piel” (1999), Director: Gerardo Vera and “Son de Mar”, (1999), Director: Bigas Luna. Critically acclaimed “Blow” with Johnny Depp and Penélope Cruz, was Jordi’s debut film in Hollywood. Jordi has also directed two short films: “Walter Peralta” (Alcalá de Henares Award, Generalitat de Cataluña National Cinematographic Award) and “No me importaria irme contigo”. His first feature film as a director, “No somos nadie”, produced by Lola Films, will be realised in 2002. Additionally, Jordi has written two books: “Las Primeras Veces” and “Agua Estancada”. In addition to regularly exhibiting at PicassoMio Galleries, Jordi has exhibited at Sotheby´s Gallery, Madrid (2007) and Galeria Carmen de la Guerra, Madrid This multi-faceted artist is a self-trained painter, for whom painting is an act of spontaneity. His works often surprise the viewer both with his ability to manage the media and with his power to express himself on canvas or paper.

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Jorge Moreno Arozqueta [www.lajabonera.com] Director of Industrial Design. Architecture Department and Industrial Design of the Technological one of Monterrey, Campus Querétaro. Industrial designer, graduated by the CIDI-UNAM in 1989. Founder, in 1991, of the company you would Object of Design of Toulouse. Consultant for product development and illumination of several companies and institutions, among those that Osram, Philips, INAH and INBA can be mentioned. Director of the Program Industrial Design ITESM Qro. Among their works they highlight the design and development of the systems of illumination of low voltage Trolebús and Trapecio, used by Mexican diverse museums, the illumination of the exhibition of design European Mexicocommunity, organized by SECOFI, Bancomext and Barcelona Center of Design (BCD) and the line of stars of low voltage Collection Prevails for Philips-Construlita; a collection rushed in Mexico in November of 2001. Pedrita [www.pedrita.net] Pedrita is constituted by Rita João and Pedro Ferreira. Both studied design in the Ability of Architecture of the Technical University of Lisbon. Also, Rita studied in YOUR Delft and Pedro in the Polytechnic from Milan. In September 2002 they were integrated in the team of it Manufactures and they began to develop projects for Benetton, Trudi, Ittala, Koziol, Danilo Ferrara, Ferrán Adrià, Unicef, Skira, City council of Rome, Childbirth Unito, Elect, Park Dolomiti, City council di Treviso, The Country, City council gave Riccione, Moving Images Museum NY, Makalle Restaurant TV, Ospedale Meyer, B.D. Design Editions, Elect, Magis, Bosa Ceramics and Metalarte. From January of 2005, already in Lisbon and under the name of Pedrita, TAP has worked in projects multi-disciplinary like the curated at the exhibition Air Portugal (for invitation of Experimentadesign); Dialogues (next to Francesco Meneghini and Ramón of Marco), I project presented in Kunstmuseum (Basle) and Experimentadesign in 2005; merchandising for Coca-Cola (in collaboration with HayonStudio); Ga.The bag taken place by Krvkurva, as well as an institutional project, coordinated by CENCAL for Corval, presented during Experimentadesign and in Monsaraz in December of that same year. Renzo di Renzo [www.colorsmagazine.com] Born in Conegliano in 1962, it resides at the moment in Treviso. Graduated in Letters, after being helping of the class of Italian Literature in the University of Venice in the year 1992, he carried out a Masters in Communication of Companies. Director of Communication for Gruppo Benetton Sportsystem, is from the year 2004 Director of the magazine Colors. From the year 2001 are Managing Creative of Fabrica, the Center of Investigation on the Communication of Gruppo Benetton, where they are developed all type of creative projects. Communication consultant and marketing for diverse companies, impart courses and conferences regularly in Universitá I gave Pesaro and Urbino, Universitá Cattolica of Milan, Istituto Europeo di Design or University of Venice. is member of the Directive Committee of the European headquarters of the Miami Ad School. He has coordinated the following books: 183

1000 Extraordinary objects (Taschen, 1999), Preghiera (Ed. San Paolo, 1999), Files (Elect, 2002), 2398 gr (Elect, 2002), Manufactures 1000 Signs (Taschen, 2004), it Manufactures 10: From Chaos to Order and Back (Elect, 2004) and published the book Brevi incontri, lunghi addii (Theory, 2000). Ricardo Salas [www.frontespizio.com.mx] Ricardo Salas was born in Mexico City, in 1954. Graduate in Graphic and Industrial Design at the Polytechnic Scuola di Design of Milan, carried out a graduate degree in graph, animation and typography in Basle (Switzerland) in Kunstgewerbeschule, with the professors Wolfgang, Weingart, Olpe, von Arx and Gurtler. Between 1977 and 1980 he collaborated as graphic designer in the study Design of Hamburg (Germany). In 1980 he returns to Mexico, to be devoted to the graphic design in all their areas. In 1983, the Italian company BTicino takes charge of the design of its global image, of international application. Thanks to it, he founds their own study, Frontespizio, in Milan. By the middle of the 80s, Castiglione collaborates with Achille and with Hainz Waibl to carry out the application of Biennial Intel 85, in Milan. Professor in the publishing area in the University Anáhuac of Mexico City, it has imparted courses in the Autonomous University of Mexico, Ibero-American University, University of America, University of Mayab, Autonomous University of Puebla, Veracruz, Guadalajara and Center George Pompidou and Museum Vitra Disegn. At the moment he is Head of the School of Design of the University Anáhuac, is member of the committee of selection of the "Biennial one of the Poster" in Mexico; of the editorial advice of the magazine I am Used Mexico, as well as of the Committee of Management of the Museum Rufino Tamayo. In six occasions he has been distinguished with the prize to the excellence for The Printing Industries of the Gulf Coast, Inc and Printing & Imaging Association of Mid America (1994-2002). His works have been published in Shade, TO! Diseño, Walker, Experiences, Domus, Abitare, Ottagono, and Art Directors Index, among other magazines. Nicola Schwartz [www.pocko.com] Nicola Schwarz founded the Studio Pocko in 1999, in London, which has reached international fame. One of their initiatives of more recognition has been Pocko Collection, a series of pocket books -composed by different artistsin those that it combines the edition with the corporate communication. One of the features of Pocko is their ability to discover new talents and to impel them in an original way using marketing strategies, communication and not very conventional publicity. Erik Spiekerman [www.spiekerman.com] Born in Stadthagen (Germany) in 1947, Erik Spiekerman studied History of Art in the University of Berlin. In 1973 he moved to England. During seven years, he worked mainly as freelance for Wolff Ollins, Henrion Design Associates and Pentagram and it imparted typography classes in London College of Printing. At the end of the decade of 1970, it began to collaborate with Berthold AG. Toward 1979, he left England for good and he was relocated to Berlin, and with other two partners, they opened their own study:

MetaDesign. At the present time it is to the front of the typographic foundry FontShop. To him so well-known typographies are owed as FFMeta or Officina. To their writer facet we owe the “typographic titled novel” Rhyme & Reason. To Beginner Typographic, published first in German in 1982 and later in English, in 1989, where with humour it exposes their ideas on the typography. In 1993 another of their books appeared: Stop Stealing Sheep & Find Out How Type Works, published by Adobe Press. He writes articles for magazines like Baseline, Emigré or Eye, loaded with critical sense, theoretical reflection and deep knowledge. Joana Vasconcelos [www.joanavasconcelos.com] Born in Paris in 1971. Lives and Works in Oeiras. Studied Visual Arts at the Ar. Co School, Centre of Visual Arts and Communication between 1989 an 1996. In 2006, won a prize from Berardo’s Foundation to create the work “Néctar” for the Cultural Centre Of Belém. In 2003 receives an award from the “Tobacco Public Art Fund” for an intervention Project at Largo da Academia das Belas Artes, in Lisbon, which is being prepared. Since 1994 she is invited regulary to exhibit in Portugal and abroad. Of special note among her solo shows: “Joana Vasconcelos”, Rena Bransten Gallery, S. Francisco (2007), “Al(mas…)”, Palácio da Gleria, Tavira (2007), “A Ilha dos Amores”, Mario Mauroner Contemporary Art, Viena (2007), Espais Oberts”, Caixa Forum, Fundación La Caixa, Barcelona (2006), “Joana Vasconcelos”, Pasaje du Desir/BETC EURO RSCG, Paris (2005), “I Lusas”, Casa de América, Madrid (2004), “Joana Vasconcelos”, Galeria Casa Triângulo, Sâo Paulo (2004); “Marquise”, Galeria 111, Porto (2004): “Todas las direcciones”, Centro Andaluz de Arte Contemporâneo, Sevilha (2003); “F.A.T.”, Galeria 111, Lisboa (2002); “Happy Lady”, Galeria Màrio Sequeira, Braga (2001); “Medley”, Galeria Central Tjo/Museu da Electicidade, Lisboa (2001); “Ponto de Incontro”, Museu de Arte Contemporânea de Serralves, Porto (2000).

Giuseppe Zecca + Simone Zecca [www.bticino.com] Giuseppe Zecca was born in Sondrio in 1934. Painter, moves to Milan by the middle of the years fifty, where it frequents the artistic circles that gravitated around Lucio's figure Fontana. Next to Piero Manzoni and Ettore Mute intervene in the manifesto Per la scoperta dell’ area di immagini (1956), in which is speculated on a painting that must arise of the collective. After a brief experience in the field of the graphic design, in 1958, Zecca is integrated in the group BTicino, company Italian leader in the sector of the illumination, to take charge of aspects related with the corporate identity of the company. For BTicino will carry out the series Magic that will highlight for their character innovator and it will suppose the beginning of a career already dedicated fully to the design. Starting from 1964, to the front of a team of graphic designers, technicians and advertising, takes charge of the industrial design taken place by BTicino. In 1971, and without stopping to collaborate with the company, becomes in freelance. In 1988 case the study Zecca & Zecca. Design and Development of the Product. Among their works they highlight the series Living, - that in 1989, it deserved the prize Compasso d’Oro -, Living International, Light, New Magic, Axolute and the project domótico My Home, rewarded in the year 2001, also with Compaso d'Oro. Throughout their life, has carried out around 6.000 projects of stars.

WORKSHOPS European Design Labs presents a series of sixteen workshops, which will last for five or ten days. Some of them counted with the participation of the students of Visual Communication only; some of them were of Interest mainly for the students of Product Design, although it seems quite sure that the most Interesting ones were those where both groups shared a project, which they later on developed together.

Simone Zecca Born in Beaches you in 1961, resides habitually in Milan. Graduated by the Ability of Architecture of the Polytechnician from Milan, is charter member of the study Zecca&Zecca. Design and sviluppo of the prodotto. It has imparted conferences and published art critics in Italian diverse magazines. Founder in the year 2003 and consultant of Associazione Grytzko Mascioni.

All through this workshop we will use different methods that will help us to find out how the externalisation of mental processes can contribute to a logic concept of time, which provides our customers with better tools of rationalization and understanding. The project that we will bring to fruition this week needs an analysis from three different points of view. First, the one where the designer stands, which is two-fold. The individual, the identity, the inner set of values, the spirituality and beliefs, and, secondly, the context in order to define interests, abilities and competences. In a second term, we will try to visualize our society, from the general to the particular, going from the world characteristics to an analysis of potential users. Finally, we will take into account the point of view of the industry, analysing the interests and the expectations that remain within the project. The synthesis of these three focal points will be continued in the analysis of the “orphaned nature” of street furniture, trying to produce real proposals from the inception to their introduction.

The participants had the pleasure to work with designers whose long and fruitful careers are a guarantee for their teaching, even though every teacher had their particular vision and methodology. The stated aim of the workshops is not to develop a “perfect” product but rather to provide insights into the process of design and the related challenges of thinking towards a project.

>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>> Ricardo Salas Contemporary networks for publishing

>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>> Jorge Moreno From the black box to the glass box

Tecnoseñal / RENFE Cercanías New elements of street furniture The creation of free newspapers provokes a new type of necessity. This new kind of newspapers is generally distributed in the hubs of public and mass transportation, but nobody is in charge of getting rid of the waste once the rags have been read, with the exception of the existing sanitation services. In the network of RENFE Cercanías, giving service to Comunidad de Madrid, 3 tons of these publications are 184

amassed every single day, of which 2/3 are collected on the trains and 1/3 and the stations. Every newspaper is read by two or three people, 2.5 on average. As additional information, we could say that to produce a ton of paper 17 fully grown trees are required; if these figures are similar for the other two main means of transport (buses and underground), we are talking about more than 150 trees per day only in Madrid. RENFE Cercanías in Comunidad de Madrid, in partnership with the NGO Amigos de la Tierra and the participation of Tecnoseñal, has planned the development and implementation of a furniture element that will help in the reduction of the impact provoked by this phenomenon, providing solutions for the re-use and recycling of these newspapers, as well as the cleaning of the stations and trains.

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The program of publishing design will be divided in two parts, clearly different. In the first one, diverse grid works will be developed in a given space: these grids will help and allow the students to experiment, as well as understanding at the same time, the relationship between the golden proportion in two pages of the publication and their formal contents, all this in order to achieve an optimal reading and understanding of the message and / or contents. In the second part, the publishing structure will be designed, something that would allow the students to create their own publication with respect to a classical layout, which will also allow a better understanding of the contents and their relationship with the pre-established publishing network. >>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>> Sam Baron (FABRICA) In / Out We will work on the contradiction from inside to outside questioning: 1. National and cultural identities. 2. From local to international. 3. The symbols of identity, communication, self protection and recognition in the use of everyday life objects and/or concepts. 4. Wearable items such as a bag and a pin. 5. What is our transmission of these answers, in a life schedule and particular history, how do we now act and take position towards our possessions… Of course, this is a base of discussion for a team work, so it will evolve. I hope you will enjoy it! >>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>

Fun & Basics Add fun to your life

Gala Fernández + Vitra Summer Courses Back to basics

Fun & Basics puts forward the creation of the new line ADD FUN TO YOUR LIFE, with the aim of providing the products, elements and “environments” of the brand with a sort of “roguish attitude”. This line will be characterized by means of a series of features that will be changing in their successive uses, as well as with the passing of time insofar as those features will become more easily recognized as a whole in the products of the Fun & Basics world.

We will reflect upon the objects that we deem as BASIC AND INDISPENSABLE for our lives. First of all, our aim is the creation of an individual taxonomy of devices for personal use in every sphere of the human activity. It will be a list organized according to subject, and it will be illustrated by a list of images of the objects that every student is using. Later on, they will get rid of any “superfluous” object, documenting the process with photographs as well as providing reasons for the rejections. From this reduction as a starting point, they will develop a “manifesto” as a kind of close consideration of the ethical background of every designer… From the remaining objects, they will select one or several, which will be re-designed or simply will be designed from scratch.

>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>> Irma Boom Portraits About the assignment: I want to ask the participants to make a portrait of one other participant. There are many ways to do this!! Which I can explain when I introduce the assignment. If you make small pieces of paper with the names and fold it. Then when we start everybody can pick a name… >>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>

>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>> Rosario Hurtado and Roberto Feo (El Último Grito) “Having dinner with...” The idea is to choose a famous character from the 20th century, closely related to the spheres of artistic creation in any discipline, or belonging to the field of design; someone we admire or whom we would like to invite our for dinner. A design project will have to be developed in this context.

Sigridur Heimisdottir (IKEA) >>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>> Ikea has design collections that are presented around every other year. Those design collections are called PS -as in Post Scriptum- and are ment to represent that little extra within the design at Ikea. Some years back we had a very interesting theme and it was called Inside-Outside. The idea was to create objects that could work and function for both the inside and the outside. We tend to move outside/inside depending on the season; the light and the heat. We should be able to move our objects with us. >>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>> Andrea Boffetta Who am I? The aim of the workshop is to end up in a conceptualisation and the application in a supporting material of the communication strategy of every person attending the workshop. As people grasping with our careers, we spend our whole life applying communication strategies to businesses, territories or people according to the interpretation of the terms imposed by the global market. The idea is that every student has to organize their own communication according to the terms of their choice. >>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>

Nicola Schwartz (PocKo) DIY

NEW (new an non-existent before) integrated systems and products, that can be satisfactory on every level of our lives. Products that promote an ethical approach to a sustainable way of living, and that combine this with every individual’s pursuit of comfort, social status and self-realisation. Ao Sol Energias Renovaveis Lda. is a company that, inside of the field of renewable energies, is specialised on using the sun power to produce hot water that can have several applications both on private and public buildings. One of the major issues for the company, is the architectural integration of the technological systems they develop. A great deal of effort is being addressed to this issue, and we think that a workshop upon this matter could have a good contribution regarding 3 levels:

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that could reach an increasingly abstract nature: to come inside our home, switching on the lights and the different electrical, as well as electronic, devices; rising or lowering the shades, logging in or out the codes of the alarms and controls, going to sleep and so on. At least two remotely controlled commands will take place, from the wall to the person: one to clear access to the rooms, and another one for the rest of diverse functions, whose importance is closely linked to the frequency of the operations asked. We want to start from the dreams, and not from the technological limits, leaving the students to enjoy the largest amount possible of freedom to invent and to imagine: mediations with factual reality will take place afterwards. There are endless possibilities, precisely because we are not related to traditional mechanics. Even then, with the aim of avoiding very familiar paths and, most of all, of projecting without any technological reference, at the beginning of the workshop we will see by way of illustration a series of solutions used nowadays or that are in an experimental phase; all that will be used in the workshop seminars, either to take them into consideration or to dismiss them, but always with a real and objective basis as starting point.

Bernar Bréchet (Gédéon) + Patrick Rouchon (Ostra Delta)

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All through the experience in this brief project dealing with audio-visual creation there was an exploration of several methodological aspects related to the very discipline, in order to achieve the completion of a short video using specific techniques and tools to introduce the contents of the Masters.

Jaime Hayón + Metalarte Objects of light

1. How to minimize the architectural impact of the existing systems. 2. To think of new ways to bring this type of energy to the buildings. 3. What new architectural functions could be addressed (if any) by this technology of producing energy.

>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>> Every student will be able to use a volume of DIY, a little book comprising 96 blank pages published by Poco, in order to design their own book. >>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>> Pedrita / Gonçalo Prudêncio (Ao Sol Energias Renováveis Lda.) Renewable Energies It would be an overstatement to refer the social imperative associated to the renewable energies. It is undoubtedly known by now, that this type of energy can be a key factor on many levels of our society, and finally it is becoming an issue being addressed on a central government level by many Nations around the World. Strategies, and legislations are being pondered and established in order to institutionalize the use of renewable sources of energy. As far as product design is concerned, this could be one of those rare moments, were designers are asked to intervene, on one hand, in a very early stage of development of the existing technology, and on the other hand, with very little references of anything done before. This 2 aspects combined, make it a very good opportunity to merge technology and creativity on behalf of sustainability with very little margin for preconceived ideas, and to develop 186

Jorge Moita (KRV KURVA) Women’s Prison at Tires (Lisbon) / MUDE (Museum of Fashion and Design in Lisbon) a_ The human and social dimensions of the project that Krv Kurva is developing in partnership with the Women’s Prison at Tires, which is the main production site for many lines of the LaGa bags, among other projects, are the fundamental aspect that provides a background for the need of developing new qualities, which might provide this work with some additional sense. What is our proposal in this context? The project will be called “a_”. >>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>> Giuseppe Zecca, Simone Zecca, Valentina Downey (BTicino) Domotics This workshop deals with problem of passing from the project and realization of a single technical product that is concluded in itself to an integrated system that deals with the domestic environment. The real innovation consists on the introduction of the concept of scenery, or a sequence of elementary commands 187

How are we going to be able to develop objects to give us light? To create an atmosphere? There is a lot of aspects to take into account, some of which are very specific, quite technical. But most of all, we have to do it; we have to bring it to fruition, just in order to try, to experiment, to find. What is the reason that causes a business to start the production of one among all these objects? You have to look for ideas that tell stories. To fulfil this experience you better use simple and cheap materials, which are easy to find. >>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>> Fernando Gutiérrez During the last stages of the Thesis Projects carried out by the students of Visual Communication, Fernando Gutiérrez gave advice and support to their presentation and finishing touches. The definition of the most delicate nuances and characteristics in any project within any discipline related to design must have the experience and the skills of vision and filtering that converge in a basic figure: the art director.

THESIS In the first place, it is necessary to point out that all are self-commissioned projects, with a briefing built by the own designers as a result of an inquiry process in those topics that they were they more kindred. In this sense, we should not forget that the self-commission, nowadays, is not necessarily only self-expression will but rather, in many cases, it is constituted in alternative to a productive system that leaves the necessities of certain communities outside or that it obviates those questions that can show up as conflicting. This way, all the pieces created by these students are, indeed, the product of a personal restlessness but, also, some of them present a critical load or an accusation, they explore emotional aspects or they try to even not respond to a social and cultural demand contemplated by institutions and companies. In second place, the designs of these students are located inside the line of those that claim that the designer is somebody able to generate contents, a perspective that locates it intimately bound to the conceptual development of the projects and not to his aesthetic simple resolution. In that measure, therefore, we are speaking of a new professional type that acts as author without stopping to commit with their work and with the society in the one that lives. In third place, it would be necessary to highlight the variety of methodologies and processes continued by each one of the participants to reach the final result. Some they are shown more intuitive and other nearer ones to the investigation in social sciences but all have dedicated many hours of search and reflection, something that approaches us especially to the empiric character that should always have the design projects, when they must develop in a school like part of a learning that it should be wide and, mainly, critical. The projects of this Masters are, also, the reflection of a conception of the design process as a personal trip in which constant negotiations take place among what one wants and what the user specifies, while one lives a creative experience that personally not only enriches who plays it but to the product many same, created times with the will of fomenting alternative and secondary uses and, therefore, with an use process also open. It is, because, in many cases of stimulating the capacity to improvise and to invent innate in the human beings. Lastly, it would be necessary to highlight that some of these young designers have dared to abandon the fields of the design that better they knew and to carry out incursions in territories that had been they other people’s up to now. This way, European Design Lab has transformed into a crossing platform to discipline, where who proceeded of the architecture they have finished carrying out projects of cultural management or of industrial design who you/they designed products they have entered in the language of the web or almost in that of the art and those other ones that came from the digital world they have dared with the printed means. Fifteen designers, fifteen projects and fifteen looks, in a complex world that demands imaginative solutions. That has been the first edition of European Design Lab.

Giulia Barbanente Born in 1975 in Mola di Bari, a smiling town of fishermen, peasants, poets and hard-core musicians right in the middle on the Adriatic coast of the south of Italy. Graduated in the 2000 in industrial design in ISIA of Rome, and graduated in tailoring in 2005 in Bari. She works independently as graphic designer and illustrator, and as wardrobe creator for the Theater Teatro Kismet Opera, La Luna ne Pozzo and other independent productions. She has collaborated with the wardrobe creator Ruth Keller, the scenographer Marianna Sciveres and with stage directors Alessandro Piva, Marianna Sciveres, Angela Iurilli and Teresa Ludovico. Now she lives and works in Madrid. Andrea Caruso was born in 1984 in Torino, Italy. During his childhood, he is devoted with obsession to the game of LEGO. Trains, airplanes, ships and whatnot came out every day from his Legopolis. He holds a degree in Industrial Design at the Polytechnics of Torino, 2005, and he exposes his first projects in Macef, the Fair of Auxiliary Furniture of Milano. In 2003, he gave birth together with Alberto Gobbino and Carlo Frigerio to UNFAMOUS, a creative platform that works in different disciplines, such as painting, video production, communication and design (www.unfamousatelier.it) He carried out an internship at Pininfarina where he designs a hydro-massage shower for Jacuzzi that was produced in the year 2007. He collaborates with the studio BRH+ of Turín in the project of restoration of the concert hall "Hiroshima Mon Amour" and for the exhibition SPAcqua of Amnesty International in Milano, a project with which he was awarded the first prize of the Enzo Baldoni Prize. He carries out workshops with Lucy Orta, Vittorio Bonacita and Gufram. In the year 2006, he collaborates with Artemide in the research and development of lamps of Michele de Lucchi, Matteo Thun, Karim Rashid and Ross Lovegrove. In Madrid, within the Masters European Design Labs, he carries out photographic collaborations with the Instituto Europeo di Design of Madrid. In the year 2007, he establishes the design studio UNDB, Unfamous Design Bureau. (www.undb.it) Claudia Contreras Born in Colombia in 1977, she studies Industrial Design in the Universidad Autónoma de Manizales (Colombia). From the beginning of her career she is interested in ecological design, understanding this discipline like a way of helping to improve the quality of man's life, and the well-being of their environment. Her interest in the environmental responsibility makes her to work in Cali (Colombia) with the Zoo and Botanical Garden (Design of interactive educational and signalling). Later on she works for two years with “Almacenes Éxito”, a chain of superstores, where she coordinates the logistics of the assemblies of the atmosphere (ephemeral architecture) of the season in the different warehouses, and she participates in the remodelling and opening of new stores. Simultaneously, she works as teacher of Composition and Structures (Basic Concepts of Design) in the department of design of Universidad del Valle (Cali, Colombia).

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Davide Fichera lives in a city by the sea in the south of Italy. After a formation as draftsman, he begins to study Industrial Design in Università degli studi di Firenze (Florence), where he acquires a more architectural focus than about the product. Two years later, he travels to Valencia (Spain), where he remains one year, through an Erasmus scholarship, studying in the astonishing complex of Universitat Politéctica de Valencia. Upon returning to Italy, he graduates in the year 2006. He has always been interested in the image, be it graphic and/or photographic. Granted a scholarship by his Italian region, he returns to Spain, this time to the capital city, to carry out the Masters European Design Labs. He chooses the course of Visual Communication. He has worked in studios of architecture, of design of exhibitions and publicity. Curious by nature, he is crazy about the process that lapses among the briefing and the concept: that semi-logic and unpredictable creative chain. Berta García Born on December 10th, 1977, in Palencia. She begins studying Technical Engineering in Industrial Mechanics in the Polytechnic University of Valladolid, but her restlessness for design motivates her to change this specialty for that of Industrial Design. In 2002 it concludes their studies in the University Alfonso X “El Sabio”, Madrid, and her professional career begins by developing projects of interior design for big hotels in a company of woodwork in Las Palmas de Gran Canaria, where she explores other fields developing commercial works for VOX. Two years later, she comes back to Madrid to work during three years in the Institute Renault as consultant of quality carrying out projects of re-engineering processes. The sum of the previous experiences gives way to the necessity to enrich her knowledge in the field of the design.

views, visions and challenges in the world of design, in order to try to be able to contribute something new to society. Nienke Haan Born in Holland in 1978, Nynke attended the secondary school in its maternal city of Leeuwarden. Then, after one year living in Caribbean and an internship in Washington, D.C., she receives her BA in Art & Design. After her graduation she returns to Washington to create and direct a department of interior design in International Arts & Artists, an organization of art management. Here, during five and a half years, she develops her portfolio of graphic design, composed by corporate identity, newspapers, pamphlets, posters, and other printed materials. Her main work, however, was the design of art books. Nienke looks forward to deepening her abilities in the design of books, exploring the technical aspects of this means and investigating multilingual design. Andy Marlow Born in London in 1974. Varied early employment history whilst living in England and then traveling around the world. Returned, still young and became a policeman in London for three eye-opening years before going to Spain to learn Spanish and teach English. Became interested in design whilst living in Barcelona. Studied graphic design, then worked as a graphic/web designer in both large and small studios. Moved to Madrid to work freelance. Has now been in Spain for eight years. Has a wide interest in varied subjects outside the world of design, which contribute to the work undertaken within it. These interests include evolution, psychology and religion, which have all manifested themselves in his thesis project. Other interests include snowboarding, photography, chess and cinema.

Alberto Gobbino Born in Turin in 1983. He graduated as a designer in the Polytechnic of Turín. In the year 2007, he worked with Inga Sempé in Paris where he carried out with her several projects for Ligne Roset, Edra, Magis and Cappellini. He is a founding member of UNDB and of the photographic studio UNFAMOUS. He currently lives and works in Madrid. www.unfamousatelier.it www.undb.it www.unfamous.it www.justbu.it

Mª Eugenia Mendoza was born in 1982 in Mexico DF. She studies Graphic Design in the Technological University of Mexico. She specializes in Publishing Design studying a Masters in the University Anáhuac. In 2005, she incorporates to Inplax, a Mexican company focused on the injection of plastics, where she collaborates in the area of printing. Deepening in her the publishing interest, she carries out a seminar on Information Design at the Biennial of Latin Literature in Veracruz (2006), and a course of Bookbinding in the Institute of Investigation and Culture in Ciudad de Mexico (2007).

Mónica González del Pliego was born in Mexico, D.F., in 1983, there she studied Industrial Design in the University Anáhuac. She has participated on two occasions in the “Prizes Quorum”, being finalist in the last two editions with her project of thesis. After concluding her studies in May of the year 2005, she develops projects as an independent designer. The same year, she worked for F.G. Industries designing moulds for the process of compressing and casting of polyurethane pieces, and in 2006 for Air Design, a company specialized in the design of automotive pieces and accessories. The artistic skating on ice is one of her big passions since she was 11 years old; she finds in it art, passion and discipline. Interested in learning about other cultures and perspectives, her restlessness grows to amplify her

Javier Pascual Born in Madrid in 1982, he has always liked to draw and the plastic arts although their formation went more directed toward the sciences. He decides to carry out the studies of graphic design in the GARBEN art school and technology. Little time after beginning the studies, he starts to work in the marketing company R. L. Polk as responsible for the visual design of the works for automobile brands. He finished his Master studies in Publishing Design in Istituto Europeo di Design in Madrid and after finishing he works for Manuel Estrada Studio of Design. There, he carries out works for different environments, ranging from digital design, web, publishing, and corporative identity. Photography, music and the search for new experiences are his main motivations.

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Enrico Pastorello was born in 1969 in Padua (Italy), graduated in the School of Architecture at the University of Florence. He is charter member of the cultural association COA (Cross Over Arts), with headquarters in Bologna, founded with the purpose of promoting the integration of the arts, being in charge of the organization of events, assemblies and sceneries, making this way an intense journey of creative fervour in diverse periods. He has been dealing with maintaining alive a natural creative attitude and at the same time, he has developed an intense professional activity. This is the reason why he looks forward to joining the diverse experiences in labour, channelling them toward his great passion, Design. Mario Alonso Ricci studied architecture in the Peruvian University of Applied Sciences (UPC) in the city of Lima, Peru. During and after his studies, he practiced and worked in diverse studios of architecture and landscaping. Now he works as free-lance architect, having developed projects like beach houses and in the city, multifamily buildings, besides interior design and design of furniture. From time to time, he publishes articles on design topics in diverse Peruvian newspapers.

Maider Saracibar Born on July 17th, 1979, in Vitoria, a calm city in the north of Spain (Basque Country), she studies Publicity and Public Relationships at the University of Basque Country (UPV). When finishing the studies, she travels to Barcelona, where she begins her introduction to graphic design by means of Publishing Design. After one year in Barcelona, she returns to Vitoria to work for Ega Master, an international company of hand tools. She works in the areas of marketing and communication; she redraws the corporate image and the graphic contents of the company: packaging, catalogue of products, and so on. At the same time she carries out works of graphic design as a freelance and she collaborates with Zabalik, a local magazine. The experience of working in a company, together with her personal restlessness, take her to cultivate a critical vision of graphic design, looking for enlarging her perspectives on this practice, and her vision of the visual communication.

Sharon Sacal was born in Mexico DF in 1983. She finishes her school studies. After a brief stay in Paris, she travels to Israel. There, she spends a period of time in the army, and in a kibbutz. After her trip to Israel, she returns to Mexico and begins her university studies in Industrial Design. In parallel and as a kind of continuous and complementary formation, she studies design in 3D, she carries out an exchange of six months in Madrid, a course of Accessories and Complements in Fashion, and a workshop in Boisbuchet. Does paging their studies begin to design a collection of shoes for Simil Cuero Plymouth; at the end of 2006, she unveils the first collection of her own line of shoes, “S?”. Her main interests are to know different cultures, to travel and to learn something from each experience. As for the design, she is interested in fashion accessories, and in particular in the world of shoes. The passion for shoes is something that she has always had; when designing them, she has transformed her passion into something of a vocation.

GIULIA_Portrait 1/3, 2/3, 3/3 This is a collection of fantastic objects, simply makes well us have them surroundings because the objects welcome us, they protect us and they remind us qualities, comings, and people. For that reason we love so much to the things and we surround ourselves of them. Any human being that is devoted to the creation of any type of having manufactured part of a personal vision of the world and it is guided him of their imaginary one deep. During this process more or less conscious, it is known that the creative vein is sometimes blocked. Often because in the head too many things happen and so many reasons are juxtaposed. Functionality, ecology, sustainable environments, are concepts of great importance, but they are far from to drain the topic and to determine the result. How can one speak of sustainable product when most of the important concerning decisions to the sustainable political decisions are? And what about political economy? And what does it mean functionality? Is it functional that there is such a quantity of functional objects behind the windows, in an overflowing world of garbage? What motivation to take place when you can have a youth full with beautiful hope, good will and a minimum of civic sense? To speak today of design is pleasant so much as much as to speak of food after an indigestion. Nevertheless it always exists a reason to create and the fact that we live in a so saturated world of objects doesn't mean that all the necessities already have an answer. Maybe today more than ever in this world and in our hygienic and pornographic way of living have necessity of “everything”. Then it is important to mend the union with the deep vein. With any means necessary. With any idea, although it can seem crazy a priori. The first one is generally the best. This is the road of the intuition. Imagine a blank page Imagine the classic crisis of the blank page. and now imagine a silent room imagine the same person and the same blank page and another person before Imagine that you make a portrait, slow one slow hour; you still stop a dozen of minutes to finish the drawing, the hair. Imagine that, once alone, write a small text: a memory, a reflection, As a brief, frequent trip. Imagine that, later, repeat the same thing with another people. They are 14 in total. They are the partners of a class. Days have passed. Now there is a package of pages on the table, in fact two, The same person of before it is seated to the table.

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Imagine that has had many doubts and uncertainties, but that now has decided. Imagine it while catches a portrait of the first package, it hangs it before if, and of the second package you take the small text that corresponds to read it. And now look at it to meditate and to wait, it is letting him to be formed an image in the screen of the interior of their mind. And now, how long ago? You write it, you describe it, and you explain it to yourself. It picks up each detail because then it will build the objects that she has seen in fact. What had she decided after so many doubts? She had decided that they served these objects to her. They would serve her: a while ago they had predicted that their first project of success could be an armour artificial protector, for the one who, as her, she did not have it. She had forgotten, but now that was free of developing a lunatic intuitive project, she had decided in fact this: that their alter ego more important ego was a warrior. And that this needed to be addressed endowed with weapons and endowed with efficiency. Their 14 course partners would be from now on in an unconscious way their mentors. She would have obtained of each one of them a useful object for this plan. An involuntary gift, fruit of their qualities, of a to feel opposed to them, sometimes maybe an understanding fifty-fifty. Certainly all extremely useful ones. >>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>> ANDREA_Hospital for the Reanimation of Objects The clinic of reanimation of objects explores mechanisms to apply the “re-use” concept to the objects found in the street, forming new configurations of the same ones through diverse alteration processes. Each piece has been cured as a sick “patient”. Starting from their diagnosis intends the therapy of more appropriate reanimation. At the end the cured “patients” are reinserted in their cycle of life through an auction, closing this way the circle in a sustainable way. I believe that a way to solve the problem of the garbage is to sensitise people for reutilise, making that the objects are recovered with dignity again. Better than to use them and to throw them, to revive them. God willing also the production industrial may rethink their processes to create “objects a little eternal!” Everything began the day in which arrived in Madrid, February 10 2007. And how prisoner of their charm I was. gave me the impression that everything you could develop. In the following months I discovered another Madrid, their organic mechanisms and their frantic rhythm. Once Danny de Vito said <<God willing, the people from Madrid will be able find the treasure soon>>. Strange, because to me I looked like each other that the oracle of de Vito it was already fulfilled. In fact I began to pick up waste that seemed treasures.

I took little in realizing that the streets of Madrid were free a store to open sky. What is a waste? Something that does not work is something that has lost its charm? Who has said that we cannot fall in love with the “imperfect” things? Here the idea of the Clinic of reanimation of objects was born to explore mechanisms to apply the re-use concept to the objects forming new configurations of the same ones through diverse alteration processes. I studied strategies of processes, of mechanisms, to create an own methodology and this way to revive these objects in a way scientific “quasi”. The Clinic of reanimation of objects focuses its diagnoses in the causes that provoked the fact that an object was discarded. The investigation process is located in the streets of Madrid it is going for a walk and finding in way occasional waste pieces, be during the journeys of some private or public collections in diverse neighbourhoods. In the months of November and December 2007 have picked up 20 pieces you discard. For each opposing piece a descriptive registration has been created: the place, the date, the hour and the opposing problem. Each “patient” has her diagnosis and she intends the therapy of more appropriate reanimation. For the therapies they have been developed different technical, belong to structural typology or aesthetics. At the end the cured patients have been reinserted in their cycle of life you dare of an auction, closing the circle in a sustainable form. I believe that a way to solve the problem of the garbage is to sensitise people to the re-use, to make that the objects are recovered with dignity again, back that to be used and thrown. God willing also the production industrial reengage their processes to create objects a little eternal? >>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>> CLAUDIA_Hook & Loop The relationships that can have the handmade systems of production in the contemporary society make that when designing products where the user intervenes, in the creation process, have an unique character since they take the characteristics of the hand that he works him. Together with this thinks about to use contemporary materials with handmade forms of creation and production. My interests are the relationships that can have the handmade systems of production in the contemporary society. Personally they get me a lot the attention the products made by hand, the handmade thing, where a product will never be exactly similar to another for that it takes the characteristics of the hand that works him. Among the handmade several techniques I inspired by Batik for the development of my project, taking the property that has the wax of cracking once hardened, it allows that in the later one coloured broken lines or “crackled” are drawn that are the differentiating stamp of this technique of colours.

These lines for me are an analogy of the life; in the structures and ways of the living beings’ growth. What was looking for was as applying these structures of growth in a contemporary context; the Velcro that is a material that using lineal modules gives me the easiness of to create diverse forms and to grow structures in an organic way working; Involving the user in the creation process. What I really find interesting it is the infinity of possibilities of this element invasive. And like each person that interacts with him can interpret it in different ways. >>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>> DAVIDE_Enfrenta The cultural association faces it summons a competition of graphic, arts and ephemeral architecture to intervene in the streets of Madrid and to show the whole creative potential of the moment. The purpose is to motivate the artistic creation and to provide to the city a strong attractiveness. The proposal is of a new expression tool and communication. All that takes place is to sell it. As? Announcing it. The publicity is a necessity; it is a demand of the system in that we live. She surrounds us and we have assumed it as part of our daily one. Why? Simple, we live in a world where to generate benefits is a very important thing and, the publicity, completes these expectations. Of here part my reflection: Does the possibility that the artistic expression ends up generating economic so many benefits exist so that becomes part of the daily one? And which the method, the movement or the system that it allows that this becomes in fact would be? Therefore, assuming like a “rule” the necessity to generate benefits and basing my project on promoting the arts is born it Faces. faces it proposes like a reflection platform and cultural action that it acts in urban contexts. intends in synthesis of taking the museum to the street leaving that the art in many of its aspects is accessible for all. In short Faces it outlines to locate specific points inside Madrid where artists, illustrators, graphic designers, architects, etc. they can intervene by means of a competition, where who wants it can propose their work. The convoking foretells interventions of graphic, arts and ephemeral architecture that were carried out respectively in facades and squares in the neighbourhoods of University and Justice. Every six months will be renewed the convocation revalue the different contexts again where you intervenes and to take out to the street the creative best potential so much national as international. This way a continuous circuit is generated that will propose, throughout the whole year, two important dates in the cultural calendar of the city. It faces it seeks to valorise the areas in which intervenes, to generate a repercussion in the means as much for the event as for the city. wants to sensitise the great one I publish, to foment toward the artistic disciplines 192

and with this to support the positioning of Madrid in the artistic / cultural panorama so much national as international. wants, with the support of the city council, to develop synergies among associations, entities, private, emergent talents, etc. generating this way an added value as much for the city as for the citizens. All this is possible since it Faces it is a new expression tool and communication that feeds by means of the patronage of entities you publish and/or private. The convocation this proportionate one to the city of Madrid although it could adapt to many other contexts. In fact, it faces, it is a womb that this based on the analysis of the environment in that we live and that finds basics in many different environments.

clothes until yesterday, today they found the harmony meeting forming an object full with light to each other. We hang the image, to which so much importance gives him/her nowadays, to open the way to the essence that each one takes inside. The superficiality floods us; it doesn't allow us to see what we are really. The falsehood and the lie believe tension among us and that light, the light of the truth. Continuous tugs make that this object is priced for us as the same balance. The harmony among the elements is it makes that the works everything, the important thing is to use the contrasts in their fair measure. Do I care for it, and for you?

>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>> >>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>> BERTA_Do you care? ALBERTO_Manicaretto Do you care for it? My intention is to design objects starting from other mediating one a game Of contrasts, to offer the possibility to establish a parenthesis for the reflection. A reflection on the contrasts with those that we live day by day. The values that each one of us has, the essence that we all take inside. The denominator common of all the objects will be the light. The light understood as something fragile and beautiful, something that it is necessary to protect. The “shield-screen” is composed of elements that are objects unaware to the components of common use in the lamps in principle. Objects without a context. They can be perceived as a metaphor, an element that helps us to deceive the routine a little. Do you care it? We ask ourselves time and again the same question. We don't look at ourselves to the eyes and the life passes as a story unaware to us. It is necessary that we make a pause, a parenthesis for the reflection. That we look for the light, like a revelation. The light, that fragile and beautiful treasure that we should protect, to admire And to enjoy. That this light is the harmony that we need to live, The reason of our object. Do you care to see what is not? Do you care to imagine the impossible thing? To realize that that object that accompanies day by day is no longer more what was. It has suffered a mutation and has transformed into light. It has been revealed. An element out of context. An object that helps us to make fun of the routine. They are objects that can be perceived as a metaphor, a reflection about ourselves. Do you care if the illumination of your living room doesn’t come out from the lamp to the one that so much got used to see? Let us imagine for one second that already anything is what was... that some simple hangers that hung your 193

Manicaretto is an experience that submerges some invited people on purpose in a “performance” that is developed between a movie and a theatrical act, between an artistic installation and a restaurant. The food, prepared for the occasion for the chef Mario Sandoval, will be one of the main vehicles that will articulate so many other stimuli that will provoke different sensations in the guest. The format has an objective double: - To promote the continuous evolution of the product (in this case Mario's food Sandoval), other stocking that you enrich it endowing him/her of unusual shades taking advantage. - To give life to a parallel “product” that you can identify with the experience created same ad-hoc for the guest. >>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>> MÓNICA_PICKEAT “The beauty is not in the object but in the eyes of who looks at it, since this finds him/her the essence”. The intention of the project is to recover and to develop the value of the ritual of the food. To learn how to enjoy the environment and tasting the foods. To prove, to savour and to perceive with delight pleasant sensations related with the atmosphere and the food. The context is very important when perceiving the foods to ingest them; depending on the place or atmosphere where we eat we will have a bias or another before the same plate. Equally, the utensils and objects in those that oneself recipe is served, they condition the perception of its quality a priori. The development began observing rituals related to the groceries consumption in different cultures, highlighting differences mainly in the way of eating, the environments, customs, traditions, plates, and the most interesting thing: the utensils. At the moment we can speak of a global culture that cohabits with more local cultures, some of them they conserve their rituals and customs. This has provoked

the evolution in the way of serving certain plates that due to a mystification of uses and customs; they have acquired instruments that didn't belong them traditionally in principle. The design has dived in the gastronomy giving him/her more and more importance and care in the creation of plates, utensils and instruments. Also, the transmission of emotions by means of the food, charges a new protagonism showing in what is known like design of experiences. I chose the prickle like utensil to develop, since it is an instrument commonly used in the Spanish gastronomy, but also known by other cultures. Exploring forms that are lent to the game of the interaction with the object, breaking outlines in the form of eating, but at the same time uniting well-known characteristics for different cultures; proving different forms so that the objects can work in different environments, but always respecting the transmission of sensations without losing of view the comfort and ergonomics, I developed the collection of utensils to eat: PICKEAT. The collection of PICKEAT is the seed of a new line of kitchen instruments that it consists on 4 stylised pieces that they force to choose new movements for new rituals. Two prickles PICKEATIN and PICKEATON that allow the user to manage a particular body language, far from which you know. The other two, PICKEATINTO and PICKEATONTO, more evolved, that can inject sauces and seasonings inside the foods, creating this way a different experience for the user. They intend two versions of the collection PICKEAT, a shows up in stainless steel, thought of the use for restaurants, and another in plastic for caterings and sale to the market. The objects in yes they are important, but more important it is the experience that you leave us... >>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>> NIENKE_Experiments of a polyglot Wondering around the world of multilingual typesetting Designing with multiple languages happens lives and it lives. Certain developments help us communicate with each other digitally across the world like Unicode? And Open Type fonts? Unicode makes it possible to see different scripts and different typefaces across computer platforms, applications and the Internet. But what is the process when you have to design to printed piece? Besides multiple combining Latin scripts, we already face-combining Latin scripts with nonLatin scripts. Perhaps now we will even encounter to combination multiple of non-Latin scripts. Such ace Chinese and Korean, Cyrillic and Japanese, or Arabic and Greek. In one publication. So I wondered. Does what current benefit ploy there of putting than one language it lives in one publication? Who would be interested in publishing books with multiple languages? How do you deal with languages you dog not read?? Do ploy there cultural issues you need to keep in mind? How dog you make sure the reader realizes that the text they dog not read is merely to translation of the exact same text they dog read without it being distracting?

Do you need to treat the languages equally and, if so, how? Which typographic rules do still apply? What technical issues do I need to consider, for example, related to software and printing? And will the future bring for multilingual typesetting? Ace went along, I tried to answer these questions. Different languages need different design approaches. This makes sense if you think about languages you do not understand coming from cultures you do not know. During this project I dealt with four different languages of which two I dog not read, two different reading / writing directions with two different, opposite sides of binding, three different scripts with different vertical proportions and thickness, and one Sep of images with one theme in one book. A nightmare waiting to happen! Or maybe to dream? Fortunately, the experiments did lead to result. I picked to format with the spine at the top which solved the problem of the different reading / writing directions. Concerning the text, I chose to four-column lay out to enhance equality of the languages and the flow of the text: the columns seemed to easily continued on following pages without interruption. I chose to distinguish the Korean text from the others because I was not able to find to font that matched nicely with the other three. Since the potential buyers of the book ploys not Korean, this distinction is justified. I separated the text part from the image part due to limited space and to not break up the columns. This way there is lives emphasis on the photographs instead of on the text. When both parts ploys open and the images it ploys matched up with the text, the four pages look like one large page. With this experimental project I would like to continue to discussion. Some people have told me that it doesn’t make much sense putting all these languages in one publication ace it entails complex work and the languages ploys confusing if you dog not read them. With offset printing you dog simply change the black ink plate with to different language and print four different versions. This may be true at this moment in it cheats but I do believe that and it lives companies and institutions it lives it ploys expanding to an international level. Promoting their international presence and intentions ploys important to, for example, humanitarian and cultural organizations. If we explore this subject it lives, it may not end up being such to nightmare. It may even lead to lives cross-cultural awareness. Well, today at least to different approach to book design. >>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>> ANDY_Made by Mammals To graphic book on the problems with Monotheism Mission Statement: To provoke thinking, reflection and rational debates about religion. To spreads some of the world's leading intellectuals’ you devise on the subject via the creation of images that aid the transmission and retention of these you devise and stimulate interest in the subject. 194

“Made by Mammals” is to graphic book composed of quotes from leading intellectuals, both past and present that rationally criticise religion and its role in modern society. Images have been created to accompany this information with the aim of making it lives memorable and increasing its diffusion to wider audience. In this respect, graphic design has an important role to play in helping raise the consciousness of people who may not otherwise be interested in religion. The book concentrates solely on the three main monotheistic religions: Judaism, Christianity and Islam (to which 54% of the world's population adhere) that by their exclusivity and absolutism plow the causes of much irresolvable conflict in the world. The aim of this book is to provoke thought and rational discussion on the problems caused by these religions, particularly among people that would not be willing to read to conventional book on the subject. The most effective way to summarize some of the many subjects addressed in the book is to provide some of the quotes used: “The Judeo-Christian-Islamic God is to nanosecond-bynanosecond participant in each event that takes place in every cubic nanometer of the universe, from the interactions of quarks inside atomic nuclei to the evolution of stars in the most distant galaxies. What is lives, God listens to every thought and participates in each action of his very special creation, to minute bit of organised matter called humanity that moves around on the surface of to tiny pebble in to vast universe”. VICTOR STENGER (PHYSICIST) “When to man is freed of religion, there am there is to better chance to live to normal and wholesome life”. SIGMUND FREUD (PSYCHIATRIST) “If Jesus had been killed 20 years ago, Catholic schoolchildren would be wearing little electric chairs around their necks instead of crosses”. LENNEY BRUCE (THEY WERE RESTRAINED) >>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>> Mª EUGENIA_Entre volcanes Fear: Mexican Legends “The legends are that patrimony of the imaginary thing that comes from mouth in mouth like cooing of voices; they are that spell that shelters the certainty of the life in front of the mystery; to the one which alone you can arrive creating in the imagination an alone accessible constellation of beings in the imagination”. The game the same as the legends have been a present activity in the human being from immemorial times because as activity natural power the social interaction with other individuals, is a recreation form but also a learning proposal. The game like tool educational help to enlarge the knowledge, the domain of the language, the reasoning capacity, planning, organization and taking of decisions.

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“Among volcanoes” it is a game based on Mexican legends of pre-Hispanic origin among which is recaptured myths that you explain the birth and origin of cultures that have marked the history of Mexico; their objectives oscillate among the preservation of the literary wealth that you offer us the legends and the educational function of the myth like link between the man and their roots. The mechanics of the game is based on the study of the map of Mexico as well as of the localization of the volcanic axis where we find at two of its more important formations the volcano Popocatepetl and snowy Iztaccihuatl which share one of the most famous and traditional legends in “Mexico The Legend of the Volcanoes” transforming into the main legend inside the game. The objective of the game is to discover the treasure that has been hidden for the Aztec emperor Moctezuma in the period in that had peak the Aztec Culture and that by means of the appearance of a supposed codex it indicates that the treasure is located among the volcanoes in the municipality of Amecameca (State of Mexico). >>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>> JAVIER_Alienados Big corporations of companies and public organisms monopolize great part of the media. If some person wants to express her opinion or some critic in a massive way usually costs him/her a lot of work and money. This provokes that the society goes being quiet in front of the situations and a state of widespread conformism is believed. To this some entire existent media, with their contents, they don't help to improve the situation. Through my thesis I want to stimulate the birth of a channel that offers an alternative to the conformism. To promote that the ideas and opinions that we have during conversations, debates, chats don't fall in the forgetfulness. To try not to complain without foundation and to contribute solutions to the problems that surround us. The Alienated project outlines a communication channel so that people can express opinions. The operation of this project is simple; leaves of an idea or proposal that communicates visually, for streets, trade, in a potent and cheap way. In the supports where the communication of the campaigns (posters, postcards, stickers, etc.) the address will always go alienados.org which remits us to the web-blog that is the nucleus of the project. In the web it is explained what the alienated project is, how you can participate in him, the manifesto, the campaigns that have been carried out or they are being carried out, as well as texts and videotapes related with them. But the most important part in alienados.org is the blog. Here people can expose their ideas, to criticize the campaigns that have been carried out, to contribute means for later campaigns, to expose new forms of communicating the proposals. It is here where it begins the cycle again: idea-campaign-blog. It is not a blog to house insults or complaints without foundation; it is a blog to expose

problems and to try to give them solution. The first two proposed campaigns are MEDIATIZED that it outlines the effect that you exercise the media HERE about our lives and THEIR PUBLICITY that critic the saturation of publicity to which we are exposed in the big cities. They are the starting point of the Alienated project and the first critic proposals. The production is taken in a self-financed way but economic contributions will be looked for and of resources that don't affect to the freedom of the channel. The ambition of the project is that people can see the exposed campaigns, say on them, but mainly that she wants to express and to share proposals to avoid this way the conformism that we are living. >>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>> ENRICO_Prueba privada Prueba privada is an intimate dialogue between the man and the space. It is an intent to demonstrate that another form of to build and to think an intimate space of a public atmosphere, in which live daily, is possible, to guarantee the harmony and the quality of life. How the man this atmosphere lives. It is how it is the character of a place, the ephemeral thing as new architecture for new times. In the modern life the deluxe concept, especially in the big cities, it is bound to the space that the users have to disposition, to be able to choose, the possibility to create a space opening up and closing when I want or I need. This is a luxury, static and in movement, to choose! To open up and to close as synonym of freedom, to make the decision, to be entitled the to modify the place where one lives. It proves Private it is and I dialogue close friend between the man and the space. It is intent of demonstrating that another form of to build and to think an intimate space in a public atmosphere, in which live daily, is possible, to guarantee the harmony and the quality of living. My project has been born from a simple reflection on the concept of space public and private space, specially now that we are absorbed in living the contemporary city, where most of the architects and designers are projected to the search of the minimum inhabitable space as author's test. It is a second skin, an exercise of style to interpret the demand of intimacy in the contemporary society by means of a slight, easily transportable structure and mountable that closing and opening up believes your private space. It is a "Cocoon", built in Tyvek that is a not knitted cloth made with micro-fibre of polyethylene of high density. These fibres grant to the final product an incredible resistance to the laceration, to the chemical agents and the action of the climate. Bent with the technique of the structural origami it is configured in an object to human scale of ephemeral architecture.

MARIO_Chicha design

SHARON_Ori-kutsu

To pick up and to analyse the information that exists in the popular atmosphere around the world and to give him/her the due importance in a sense not only guided to the item of the design. With this purpose a virtual support is believed. This is a blog (http://www.chichadesign.com) dedicated to gather and to diffuse the popular different expressions around the world and to be able to unite the men like designers and natural artists.

Ori-kutsu, is the amalgam of a millennial technique based on the origami with contemporary necessities focused the woman. The proposal consists on offering the contemporary woman the easy creation of its shoes allowing him/her to decide the type that either wants to take of heel, wedge or plan. Also to be able to choose colours, textures or to add accessories that enhance their gear. Ori-kutsu is a collection of 14 pairs of shoes for any occasion.

We are in a time where the design has arrived at unimaginable levels where the biggest limit is the domain that one has of software more and more easy of using. But what does it happen when these resources don't exist? Where is the design? Until where does the next limit arrive? Or it would be maybe better to ask: How did it become before and/or like one makes where there are not resources? This is the point where the reflection begins it is to understand from where we come and to be aware of it. A phenomenon at world level, overalls in popular sectors is a design sample that arises as expression of the culture and this it is reflected in creative solutions to specific problems they are already of communication like of function. It is surprising to see like a graphic proposal of Latin America, which is very similar to the long thing of all their extension, it can end up being very similar in Africa or in Europe and this is given for that unconsciously becomes to the use of the hands and the improvisation on the canvas in a direct way lacking elaborated sketches. That unites the men like designers and natural artists. This would be the starting point of the thesis, to pick up and to analyse the information that exists in the popular atmosphere and to give him/her the due importance in a sense not only guided to the item of the design. With this purpose a support virtual chord is believed to the contemporary tendency of the use of Internet. This is a blog (www.chichadesign.com) dedicated to gather and to diffuse the popular different expressions around the world. Another end is to have a space where to find information that serves as inspiration point. And lastly, to be able to find and to demonstrate similarities that unite us as men. In this case you will begin with the culture popular Peruvian, more specifically Limean, to which is denominated culture nowadays Chicha and that has many expressions like in fashion, music, presses, art and “look”. There am of here of where the general name of the thesis comes. The main intention of this thesis is to rescue the popular values that many times pass unnoticed and they are very little valued in a modern society that appreciates the consumerism of the fashion leaving aside the importance of the cultural roots. To look for to inspire by this improvisation class and customs. But overalls to have very in bill that it is very difficult to be Chicha when designing. >>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>

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Some day Imelda Marcos and Sara Jessica Parker will be able to change his shoemaker for a bookseller?

It was not a question of glamour that only with 7 years it was paralysed in front of a cabinet, where called me my new love, a couple of dancers. It was not a frivolous consumerism that that I put under an obligation to take to my father for all the stores of Mexico to get some bicolour shoes of the 60’s. This is the history of a girl transformed into woman, designer, and creator of a line of shoes that wants to be made a gift and to all those that still continue thinking that the line among the fantasy and to put the feet in the earth can be so thin, like a paper leaf. The current society is a flexible society that is constantly in movement and change for this reason looks for multi-functional products. These products no longer alone they are limited to complete a single function if not that little by little the transformation of these it is directed to the space saving. The same raisin with the fashion and with the footwear. This tendency makes more and more varied the offer and more and more impossible to either have all the existent models for reasons of money like for space. Would not it maybe be ideal to be able to have many options in a single box? To be able to unite these concepts thinks about as technique Origami it bases since this it allows transforming the idea from a three-dimensional object to one twodimensional and with this to have a considerable saving of space. In the same way, alone that in contrary sense, Origami allows us to build the two-dimensional thing in three-dimensional. With this Ori-Kutsu is believed that is the amalgam of a millennial technique with contemporary necessities focused the woman. The name comes from Japanese where Ori means to bend and Kutsu means shoe, being formed with this a concept of "bending shoes." The proposal consists on offering the contemporary woman the easy creation of its shoes allowing him/her to decide the type that either wants to take of heel, wedge or plan. Also to be able to choose colours, textures or to add accessories that enhance their gear. Ori-Kutsu is a collection of 14 pairs of shoes for any occasion. This book in different women's hands can be a simple one I classify of models, a game, a box of shoes that you can use in some occasions, or maybe once used it can be a newspaper where it illustrates the experiences lived with the same shoe, that is to say, each user can give him/her a very personal interpretation with that which each one of these it will be an unique piece. 197

>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>> MAIDER_Versus versus it is the being's internal confrontation. versus it is a meaning search. versus it is a road toward a wanted and necessary balance. versus it is a reflection on the consequences of a rhythm of living accelerated and unconscious. versus it is an experimentation through the design on how to begin to find the keys that you help us to live well. versus it is a tool to make aware on the reflection necessity, of recapturing time for oneself. The central hypothesis of which leaves Versus it is that we live too quickly to think / meditate and to be aware of what affects us, of what we make, why we make it and how we cohabit in society. Does the necessity to slow down exist to get a more conscious and more balanced rhythm of life? Is it necessary a time of reflection and a meaning search? The process versus like design project wants to respond and to give support to all these questions. The graphic proposal of the dictionary "Vademécum Versus" inside the field of the editorial design it is a symbolic tool of search, reflection and it makes aware that it leaves of an individual reflection to extend it to a social environment. Formally, it is compound for words and meanings inside the mark versus. The project is composed of three graphic pieces. The central element is a dictionary of reduced format composed by a selection of words and some of its definitions picked up Dictionary of the Language of the Royal Spanish Language Academy. The internal structure of the content of the dictionary is divided in six chapters (one for each letter of the word versus). The composition and game with the textual, typographic and formal different elements throughout these sections is the graphic vehicle for the experimentation of new expression roads and interpretation, for that that, besides the significance of the concepts in yes, feels new significances and roads of interpretation of the content. The second element is something more functional and it is about a collection of postcards that you are good for the diffusion of the project. To emphasize the being's more intimate and more human part in front of the most superficial part, it has been experienced in a photographic session with the human naked body as canvas for the textual projection of the message. The pictures carried out in this session are part of this second element. These two elements (the vademécum and the collection of postcards) go inside in a third packaging element to reinforce the idea of intimate reading that encourages to look for and to interpret the meanings of the mark versus.

TRAVELEARNING Some disorganized notes on the process as foundation for the learning progression. From final of the XVII century, coinciding with the pacification of a great part of the one European territory, until the beginning of the 19th century, coinciding with the installation of the first rail lines in the continent, it was a common practise among the young British aristocrats to go aboard in a trip of a scholastic character that now we know as Grand Tour (in French). This continental journey, which quite frequently entailed stays in different universities and academic centres, apart from visits to monuments of the antiquity and the Middle Ages, was developed in very unforeseeable ways in function of the changing circumstances that arose before the traveller. This way, neither its duration in time neither its precise itinerary could be predicted, being the sensorial and intellectual experience of the passage in itself the corner stone of the implicitly didactic process in the ritual of the Grand Tour. To sum up, it was a trip just for the love of learning. When they came back to Great Britain, it was considered that these youths had already achieved the right conditions to carry out posts of leadership and representation, verifying this way the great recognition enjoyed by this peculiar travel of a scholastic nature. The gradual acceleration and pluralization of the long distance transport, from the railroad to the airplane, have erode the myth of the trip converting it in a mere displacement from one place to the other, different and frequently distant. From the Grand Tour to tourism: we have forgotten the didactic nature of the travel and we have retained its playful aspect alone. This fact is symptomatic in the contemporary Western society, avid of radical heterotopies and immediate changes, hungry of final results and not very attentive to the intermediate processes, which are those that truly feed the human curiosity. The previous analogy is quite useful to demonstrate the importance of becoming (of the act of travelling) in the process of learning and teaching, emphasising even more –if it were possible- when we refer to sensorial disciplines, which are directly related to experience, perception and creation. Only in this process-related way, the progression of learning ends up by permeating and providing the pupils with true inventive tools and not with of robot-like solutions to predictable problems. The academic sphere runs the constant risk of succumbing to the immediacy and the velocity imposed by the commercial pressure for tangible results and final products. For that reason, it is suitable from time to time to come back to the roots and to recapitulate which is the essence of learning and teaching. The learning process, as a trip, implies not to be in a concrete place neither in a concrete instant, but in constant movement. This terra incognita, where the few fixed elements around which we pivot, serves us as points of orientation, sharpens our always on the move perspective of the world and our use of the limited resources available in each moment.

OBSERVATORIO CULTURAL

The learning process requires time and even redundancy of time, something that Samuel Beckett used to call idleness (the practice of the laziness), because alone this way you may succeed in observing the world thoroughly and fixation. To give and to be given the necessary calm to develop advanced strategies, to explore accidental roads, for to stray and to extract a lesson of it, to rationalize the experience, and internalise it. A paradigmatic example of this patient, extensive and observing method is that of the psycho-geographic drift, a sort of urban trip through which the members of International Situationiste submerged themselves in the city. With the act of losing themselves in the flows of the urban scenario, without accelerating them or slowing them down, this technique allowed them to decipher the urges encrypted in the urban palimpsest. The learning process demands perseverance and uninterrupted attention. The solution to a question can arrive us there in the most unlikely and fortuitous way where not we hoped to find it (travel anecdote), or on the contrary through the accumulation of small experiences or juxtaposed tentatives (binnacle log book). As in the Exquisite Corpse, that graphic sequential game popularised by the Surrealists, each step of the didactic exercise adds a new stratum that you have to ensemble to the previous ones, thusly producing a more complex and richer cultural heritage. The learning process is nurtured of the memory and of the reuse of the memory. The traffic it enriches alone if in their development they leave picking up experiences in a net imaginary, vast and at the same time slight. This warehouse of resources and images, by way of momentary and permanently provisional cartography, illuminates subsequently the road; granting meaning, it climbs and address to the steps not yet taken. The learning process does not exist without communication. Not only the apprentices travel but also the ideas, and every time to a bigger extent. Michel Serres is quite right, a philosopher obsessed with the brutal velocity of the air transport, in reminding us that the learning is in the exchange, in the miscegenation, in walking to the encounter of the otherness of knowledge. The learning process includes intrinsically the strategy of the practice. The formation is not a simulacrum of the reality but a critical reading and transformation of the same reality. The many tries only make sense when there is a true risk of failure and when they are consciously directed toward a necessary and instrumental change of reality. The learning process leads to intuition.

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“Deep in the heart of European Design Labs, in the fight for reconciling both the technical or practical part and the theoretical one of the people who are being schooled here, there was a proposal about the creation of a theoretical milieu, which would be able to link up creativity with organizing abilities, individual sensibilities with collective culture, intuition with practical demands. This way, “Observatorio Cultural” was born as an integral part in the teachings of the Masters. This “Observatorio” has been the natural places for proposals in the form of a series of master classes, contributed by experts and specialists in every subject area covered, as well as a series of seminars to provide theoretical support to the development of thesis and the continuing workshops. Therefore, here and today, we have in our hands the result of this hybrid crossroads”. Nieves Soriano Nieto contributed editing and writing these texts.

>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>> THINKING AND LIVING IN THE SOCIETY OF THE FUTURE Francisco Jarauta, Philosopher The series of lectures included in Observatorio Cultural, developed as a theoretical counterpart for the Master European Design Labs in their 2007 edition, a work directed and coordinated by Gala Fernández at Istituto Europeo de Design in Madrid. It was launched by means of Francisco Jarauta’s contribution; he is professor of Philosophy at the University of Murcia. Francisco Jarauta went into detail about a global vision dealing with the ‘cartography’ of the restlessness that suffuses the current situation of the world. In the last thirty years, from the beginning of the 1970s until our time, the state of affairs of the world with regard to time has changed due to the introduction of a series of objects, tools or means that have revolutionized the current global situation, from the life of people as political subjects to the standpoint of governments. Now everything is based on speed, from the wireless telephone networks to the Internet and many more, all of which still produces an increasingly fast time that still has not been taken in by the citizens, as well as causing them to feel what we could call the symptom of Modernity: the anxiety. It is in this way that every one of us -citizens of time- has to live in the breach marked by an insurmountable difficulty to read through all these changes. However, like Zygmunt Baumann has pointed out -a concept mentioned by Francisco Jarauta in his lecture- we are in this day and age the “global observers”, and by taking them as starting point, we will be able to ponder rightfully on time and the future. In the lecturer's words, “this is a time about which one needs to have precise interpretations in order to be able to make the revolutions of the future”, and the absence of these interpretations is the one that highlights

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the difficulties that we have had when interpreting the future during the last thirty years. A clear example of what has been said is the one dealing with the institutions that were created all through the 70s, with headquarters in Texas, Tokyo and Hanover whose main task was to predict or to provide prospective knowledge about what the world situation would be like in the year 2000. None of these research institutions, in the face of the incredibly fast changes that have taken place through time, could end up imagining the existence of the three factors that Manuel Castells identified in the first volume of La era de la información: la sociedad red, as Francisco Jarauta pointed out. On one hand, the construction and use of a device so necessary nowadays in our modern way of life as it is the cellular telephone. Neither those institutions could have imagined the fact of the democratisation of the computer, which only existed as a military tool at the time. And, last but not least, no one could have made any prediction whatsoever about what is Internet in our time, and about the dramatic changes that this tool has implied in our ways of life. On the other hand, and from the point of view of the neurosciences, the existence of real examples and new possibilities for cloning was not imaginable, something that the philosopher brought up in his lecture through the case of the sheep Dolly. And the question of the neurosciences, little developed nowadays after being constituted as a bioethical problem: all that surely looks forward to a future, maybe unimaginable in this day and age, in which one could develop a prosthesis as a new form of life created by medical sciences. These changes have produced a displacement that introduces us in a new type of society, the modern society that, just as Zygmunt Baumann has pointed out, it is no longer characterized by its rigid character, but by its liquid nature. The liquid nature of this society, in which there is not only a dilution and a dissemination in a truly global way concerning the questions related to the economy or the politics of knowledge, but also with the daily life of the citizens, all of which will provoke, like Francisco Jarauta predicted, a state of affairs in which the identities will be global, that is to say, in which the differences between an inhabitant from China and one of France will be much more reduced: both will create their imaginary one with the same video games gadgets, both will listen to the same music, and even both will be able to meet in real time around the Net in spaces such as those provided by Second Life. Like the philosopher pointed out, insofar as it is possible that we “think with respect to the system of information that we use”, there will be spaces created in the liquid society of the future, spaces where there will be room for ways of thinking that will be no longer related to a feeling of belonging to a local identity, but instead they will be common to all the citizens around the world. This will be favoured by the fact that through the use of new means like the Internet, knowledge has turned into something more democratic and accessible to all the people who have access to the Net. Whereas in previous times knowledge

was something characterized by a series of norms, and one could only have access to it through a series of rituals stressing a stern respect for the norm, all of which made sure that knowledge would be in hands of a reduced number of people, nowadays we only need to open a web page to be filled with new input. This allows for a bigger reach in what we have been usually called the project, a concept that was developed at the beginning of the 20th century by Mies van der Rohe or Le Corbusier in order to think about the house of the future, and it is through the projects, which are prospective thinking, that we build up new ways of thinking about our future. >>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>> COMMUNICATION, FABRICA AND COLORS Renzo di Renzo, Director of Fabrica and Head director of the magazine Colors Renzo di Renzo it arrived to the cycle of the Observatorio Cultural to speak to us on what it means and on what it consists the project of Fabrica and how one has come materializing until nowadays the magazine Colors. It manufactures it was constituted from their birth like an investigation centre around the communication, born of the initiative of Benetton that gives an expression place to the creative youth. Located in the city of Treviso, in their centre people meet of less than 25 years that are devoted, without theoretical class some, to work in concrete and creative projects. Of their heads the initiatives that collaborate with the different disciplines covered by Fabrica: Fabrica Cinema, Fabrica Musica, Fabrica Fotografia and so on. From among the projects carried out from Fabrica the magazine Colors was born, in the one that, around a thematic one in short, it is in each number about meditating from an ethical point of view, with images or communication projects, on the outlined question. As the very Renzo di Renzo pointed out in the lecture, the communication has come being treated wrongly based on a concrete number of projects carried out from the same one. And these make reference to the fact of carrying out publicity associating sensations to the product that is attractive to have the car with more motor, for example, instead of associating ideas to the same one. The communication, this way, it should suggest, it should make us think, to meditate the one that observes it, getting that that spectator in his future experience associates that thought to the product. This does not create the conditions for the flat thought, but rather it presupposes and it educates the spectator in the configuration in their head in a thought way. And this is the intention from which leaves so much to Fabrica as to the magazine Colors. The visual products created from this type of idea the frontiers of the restricted functionality of the image that has come giving the communication that does not incite to the reflection open up. It is hence that a picture, as which is part of the cover of the first number of the magazine Colors:

It's a baby, carried out by Oliviero Toscani passed of being an advertising image of Benetton, in its campaign in favour of the diversity and the new bets, to be an image used as representative of the contemporary maternity in an exhibition carried out in Holland around the presence of the reasons of the maternity throughout the history of the art. The relationship among Fabrica, Colors and the reflections and ideas are evidenced throughout the position of their projects. Among them it is interesting to stand out the one carried out among other next to the association Greenpeace, materialized, questions, in the number 33 of Colors, dedicated to Venice. It is about denouncing the problems associated to the city as well as to make aware their inhabitants: the overflowing tourism that produces profitable situations from the financial point of view, the massive presence of doves, and so on. It is also interesting the project that was carried out from Fabrica with the French association Reporters sans frontières in which is described from inside of the complicated situation of the reporters, which are about offering a real information on the events that happen in a concrete place, among them the accusation of the abuses to the Human Rights, but that they are in most of the occasions censored by different reasons that they have to do with the economy and with the politics. It is of special interest the project carried out in the number 56 of Colors dedicated to violence. In him they can be observed, through pictures especially suggestive and talkative, different forms of violence in the world that you/they speak of the war, of the ablation, of the death penalty and so on. And this project unites to the one carried out by Fabrica Cinema in the year 2001 with the participation in the production of the movie No man’s land -which was awarded with an Oscar to the foreign best movie-, in which the human situations of peaceful coexistence are narrated among a Serbian and a Croatian found in a territory that is “no man’s land”. And, lastly, it is necessary to point out from among so lucidly the exposed projects for Renzo di Renzo the one dedicated to the relationship that we have day by day in the with the food, and that he/she gave place to the book 2398 gr. A book about food. In him it is exposed through a series of pictures how the food transforms into fetish of the daily rituals associated to the culture, how it helps us to communicate, and how it associates to psychological and social questions that transport it to a place where it stops to be merely the object of satisfaction of a basic necessity. Everything it, as well as the essential projects carried out from Fabrica, it has been picked up through 2500 illustrations that configure the book Fabrica 10. From chaos to order and back that commemorated, in the year 2004, the tenth anniversary of that innovative space for investigating existence and reflect around the concept of communication. >>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>

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THE ROLE OF DESIGN IN THE NO-PLACE Marc Augé, Anthropologist. EHESS, Paris When analysing the role, so much ethical as political, of design in the current world, in the inner process of the Observatorio Cultural the reputed anthropologist Marc Augé was invited to carry out a reflection on the issue. As the author pointed out, to be able to know the conditions of the design in the contemporary society, it is especially necessary to carry out a detailed analysis and to be aware of how it works and how that society is organized. At the moment we live in a world that has changed totally, a world that the theoretical of the sociology have come calling global, without opposite, liquid. This globalisation takes place, as Marc Augé pointed out, two social and general backgrounds, as well as new effects have to be taken into account: on one hand we have a bigger homogenisation, and on the other hand we have some larger conditions and settings for the exclusion that goes creating a larger distance with the passing of time between rich and poor, among knowledge and ignorance. Before the current situation has been developed, from the critical conscience, a planetary restless vision, worried by the reduced space that we share more and more people, and that we are in an inadequate way. 1. The three mutations of the current world In the global world three mutations have taken place: the geopolitical mutation, the media and the space one. And they are these three aspects those that are related some with other, and those that assist before to the bipolarity homogenisation-exclusion noted: 1. The geopolitical mutation has taken place fundamentally at once of fading the frontiers among the countries, staying the open world, being changed the local thing by the global thing, to inclination fundamentally of the introduction of the technologies of the image, in those that the design has had a fundamental paper. Beyond the same exchange of the local thing for the global thing have been born also a series of consumption spaces and of circulation that, for their globalisation, and for their absence of ownership to a real space, they are denominated by Marc Augé the no-places. In these spaces without frontiers the condition of a homogenisation is born, of an uniformity that takes us on one hand to know everything that that means the otherness, and for another to identify us with the same one, because this uniformity extends and it makes us create identities that you/they go beyond the frontiers. Another of the characteristics of that global world is the fact that, through the no-places, the space disappears where it is formed the public opinion, that Greek agora of the old tradition. They are now the media those that administer that no-place in which an unified opinion is believed that it annuls the possibility of existence of that classic concept in the evolution of the cities that had been the public opinion. In this sense the design has contributed to complete a function unifying, for example, when conceiving the city like place configured from the presence of some significant, attractive buildings, but that turns it 201

into something banal until the point that they do not respond to the necessities of the citizens. 2. The media mutation has taken place, and in this question the graphic design, the illustration has contributed intensely, so that they have multiplied the images and the messages that unify the opinion and the pleasure. It is in that point where the media confuses the public space with the space of the public thing, being the public more seduced by the consumption that informed. The communication is related nowadays, from the philosophical point of view, with what Hegel called “end of the history”. The current realm of the instantaneous feeds the ideology of the present, of the existence and consideration only of the same one, forgetting the question of the past, and the question that from the present a future is built. 3. Lastly one can observe in the contemporary world a space mutation in the one that, to global level, the politics and the economy of the cities, of the countries it no longer depends on their frontiers, but rather they are displaced to some world big metropolises that constitute kind of a virtual goal-city, in the terms of Paul Virilio. It is this way the world an immense city where the same products exist. And this world-city extends every time with more force. However, it is in him same where they are contained the city-world that you/they believe, inside the same one, the private spaces of exclusion before noted. The private cities arise this way, the private neighbourhoods, the sectors of the public space, of the city, where one cannot enter neither to leave if one does not have the identity of belonging. >>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>> AROUND IRMA BOOM Irma Boom, Book designer Irma Boom, in spite of having designed in different formats and with diverse materials throughout their career, it is qualified itself, as well he/she makes stress in the conference, a designer of books. 1. Design of books and the creation of discourse The books that Irma Boom designs usually contain in its material a visual interior that is supplemented, on a number of occasions, with written material. Whether it is a book for an artist, just as the one that she designed for Otto Treumann (2000), whether it is a book for a company like the one designed for SHV (1996), all the material that Irma Boom produces goes accompanied with a brilliant idea of the designer's print. It is hence that, in answer to Otto Treumann’s critique to their book, with which he accused the designer of discreetly distorting with that book the perception of the viewer of Otto Treumann's work, Irma Boom responded that it was "her book on him." And it is that she works knowing and being aware of what it means nowadays, being inspired theoretically on the history, to be a designer of books. For Irma Boom each book in its group transforms into a collection of curiosities. These pass to their hands in their fragmentary and dispersed character,

and her, in their task; it is about giving them a discourse in their group, as which we can have an art exhibition. To open each one of the books designed by Irma Boom is as visiting an orderly small room full with the marvels of the world, as those that Marco Polo could offer to a collector after his trips. She believes the speech on the same ones, using different technical that they allow that the book not only speaks through the written word that it can include in its breast, but through the composition of the visual thing. One of the recurrent speech techniques in the form designed by Irma Boom for the books is the use of an opening / clipping with form to circulate in each one of the pages, the one that allows to show in an image a fragment –chosen in a conscious way- of the image that is located in the previous or later page. This is present in the book with the work of Petra Blaisse, Inside/Outside, and in Vitra Work Spirit Book (1998). Another of the main techniques of speech that Irma Boom has used in such books as the one dedicated to the work of Ange Leccia it has been the construction of a metadiscourse through the use of A3 paper that, once deployed, makes us establish a dialogue among the different faces shown. In the series of built books with that typology the author's texts are located or those that rotate around their work in a covered with the one that the book is recovered, and that, once retreat, transforms into a poster. Lastly, a third technique of discourse creation from among those shown in the report teach us how through the impression of an image or some words in the opposed part to the loin of the book, composed by the group of the loose leaves in yes, one can give sense to the group of the work. In Inside/Outside each one of the letters can be read in that opposed part to the loin depending on if you begin the book at the initial page or at the end, and each one of them dedicates the space that welcomes in their core to show the interior work or of landscaping carried out by Petra Blaisse. In the book dedicated to the celebration of the centennial of SHV, the impression of a hundred lines of colours on that part of the book represents each one of the years that take place in a discursive way. 2. Irma Boom beyond the design of books Beyond the design of books, Irma Boom has also carried out and she still carries out designer's works. One of the most important was the elaboration of a design for a series of silver currencies and gold in the year 2006, year that commemorated the 400th anniversary of the discovery of Australia on the part of the Dutch captain Willem Janszoon. In this design Irma Boom outlines in a face of the currency the profile of the current queen from Holland, and in the other face a profile of the island of Australia, being both united ones for multiple lines traced imaginarily which parallel and alternative meridians that evoked as much the current relationships as the cartography of the travellers of in the past. Another of their big design projects was a series of phone cards dedicated to the European question. In them relationships and interactions of different levels could be observed among people beyond the frontiers. It is classic

the design of the card Euro Mix, the one that two women are observed united by their languages, or that of Euro Cult in which one can observe Miterrand only speaking with the Dutch prime minister through their mouths, since the upper part of the face that includes the eyes, is not detailed. >>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>> CONSIDERATIONS ABOUT REVISTA ROJO David Quiles Guilló, Co-creator of the Revista Rojo and of ROJO® Within the series of lectures included in the Observatorio Cultural, a space was devoted and open to the reflection on the model of Revista Rojo, for which was invited David Quiles Guilló, one of the three creators of the periodical, together with Alejandra Raschkes and María Ana Moura. Revista Rojo nowadays is the means of diffusion for ROJO®, to carry out a regressive context that is constituted as a space of a travelling art gallery, being one of the main hubs of diffusion of the art and of the artists in a broadly international context. 1. In the origins of Revista Rojo In the year 2001, it was born the idea of elaborating this magazine with the same intention that has nowadays: the one of transforming into an encounter platform and artists’ diffusion, no matter what their origins were, as well as for their works or their worries. This way, it was carried out a printed version of the same one in which were included, in that first stage, not only the work of artists, but texts materialized in any type of “literary genre”, from interviews, to cooking recipes, or texts that had more than enough to do with architecture. The texts, arrived from any part of the world, had the peculiarity that they were published in the original language. This question marked the origins of the open character to opposites, properly international that the magazine possesses nowadays. This magazine was distributed for free, transforming itself into a project that accompanied people in its daily tasks -those who get inside the underground to go to work, those who walk carrying out their purchases, and so on-. And what is more, it was characterized by the question that, in the measure in that each number was built on four versions, with four different covers, it encouraged those daily chores with the collector’s task as a detective. After this first idea, the next step opened up to a second phase in which was carried out a radical change of the same one: it would be no longer a magazine of free distribution, but rather a conceptual idea rushed to the market. Each number should be focused on a concept, existent or created, that inspired or that gave certain discourse of impressionist cohesion to everything that was included inside the magazine. The included materials, so that the magazine had a more international context, would no longer be built on the written word some -because these give rise to identities and differences that can include or to exclude-, but rather all that should be expressed should be made through the image. Throughout this phase it was constituted as an independent organization, ROJO®, and they carried out, 202

apart from the magazine, other design projects for big companies like Smart or Nike. 2. ROJO® at the present time ROJO® at the present time is, as it has already been pointed out, an independent organization that is devoted to the diffusion of art and of the artists in that international context created throughout its last six years. Having been born in Barcelona, it possesses today two headquarters, Barcelona and São Paulo. The central project of ROJO® continues being Revista Rojo, through which continues spreading in single subject issues around a concept, the works of well-known artists or young, emerging ones, following the precept of being only visual. The magazine nowadays has got a diffusion and distribution in thirty countries of the world, not only in the European Union and in the United States, but arriving to extreme places such as Turkey, Israel, Australia, South Korea, China or India, to mention only a few examples. This way, it has transformed into one of the key points of reference in order to know the art environment at a global scale. But apart from the project of Revista Rojo they have enlarged the diffusion horizons, carrying out the publication nowadays of single subject issues dedicated to some of the artists that have collaborated more with them, among them we need to mention Fupete, Chet Purtilar or Catalina Estrada. In turn, they are opening the so-called Artspace where, in galleries located in different cities of the world, they can organize exhibitions of the work from among the artists that collaborate with them. Currently, they are open to the public in locations at Barcelona, São Paulo and Rosario, and they will be of immediate opening spaces in Los Angeles, Milano and Berlin. Lastly, they carry out a revolutionary task to make evolve the auratic art with respect to the art of the future. They produce the artists' works in digital formats printed on polyester, which allows them to sell and to diffuse in exhibitions the work carried out more in the format of a single copy through a road toward the art in the age of mechanical reproducibility, as Walter Benjamin called the phenomenon. >>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>> AROUND THE WORK OF JOANA VASCONCELOS Joana Vasconcelos, Sculptress of graphic design Throughout the active and intense lecture that Joana Vasconcelos offered concerning the cycle of the Observatorio Cultural, you could appreciate the theoretical value, explained through the words that accompany her work. Joana Vasconcelos, as she describes herself, is a sculptress of the graphic design born in Paris, but that she works at the moment in Portugal. 1. Critical theory and active practice in the work of Joana Vasconcelos The interest of its work is centred mainly in that has a strong root of political critic. Each piece is ingrained to 203

a thematic of present time that is of interest and common concern. As herself he/she has gone explaining, and like it will be detailed in successive lines, the art transforms into an ethics form, after all, the aesthetics and the ethics in its work are united, such as Wittgenstein had already predicted for the art of the 20th century, lingering to the 21st century. And it is that the art like cultural product, the same as it can happen with other environments of the culture like the literature, the picture or the cinema, it is transformed into a product with a concrete form that not only speaks to us of the author's background, but of the background of the time to the one that the author belongs. Therefore, Joana Vasconcelos criticizes the woman’s consideration as object and it claims the equality of the same one for all the societies with works as Spin (1999), Fashion Victims (2001), A novia (2001) or Burka (2002), being this one of its biggest topics of concern; it criticizes the programming of the life and the career that the parents make of the children with Kidsland (2001) or it criticizes the vexatious treatment that we make the human beings to the animals in occasions, what can be extrapolated to the environment, with Menu do dia (2001), Passerelle (2005) or A Matilha (2005). 2. The work of Joana Vasconcelos From among the pieces explained by Joana Vasconcelos throughout the lecture, are picked up the most representative point in the sculptress of the graphic design here, as of the premeditation of their work: 1. Wash and Go (1998) belongs to the collection António Cachola. Being one of the first pieces of Joana Vasconcelos, it was locked in her one of the fundamental parts of what would be their work, what she defines with their words the tree-dimensional nature of "generation from the treedimensional." This work, made up of panties of colours of the 70s inserted in the external layer of a cylindrical structure, it rotates on itself in such a way that the panties, in the face of their levity of weight, rises treating creating risky similar waves to those of the flight of a bird. 2. Ponto de encontro (2000) belongs to Caixa Geral of Depositos. It is a piece made up of ten seats of company director or of high position, gathered in a carrousel that rotates around the centre. This, like a critic space, allows, as well Joana Vasconcelos points out that the high positions can feel a sensation bigger than nimbleness that the one that you/they feel daily in their works. 3. Spin (2001) is a piece that belongs to the collection Mario Sequeria in Braga. It is made up of a surrounded mirror of a diverse range of dryers that you/they point toward the person that looks at you. These work as guns of cold air that point toward the person that looks at you, in such a way that instead of combing it, they disarrange the hair it. This way, the so much functionality of the mirror like of the dryer it is changed, and it transforms into critic's form that speaks of that dark shade that hides also after the beauty, or after the necessity of looking it. 4. Airflow (2001) is a piece belonging to the collection Vítor Assunçao of Lisbon, heiress of Wash and Go that follows the same outline that this. A series of ties of natural silk inserted in a structure from which chance blows of air arise, that which makes move the ties producing waves

of the so-called “generation of tree-dimensional nature of the tree-dimensionality”. 5. Fashion Victims (2001), belonging to a private London collection, is composed of three dolls that have a twelve year-old body, and a height of a four year-old girl. These are placed on a structure that rotates, and, with the turn, they go covering without stopping of sewing for all the less parts the intimate (those that theoretically from a canonical point of view they should be covered) ones. This work is inserted inside those that Joana Vasconcelos dedicates to the critic to the woman's treatment like object through the corsets that it inserts us a suit that has to be in a way or another predetermined. 6. Kidsland (2001), belonging to the Hospital Pediatrico Holandês, is a piece made up of a revolvable band on that toys are located which go being chosen by the parents depending on the profession that they predetermine, they choose and with the one that is confined to their children, the same as to themselves: a guitar for the musician, a motorbike for the motorist, and so on. 7. A novia (2001) is a piece of the collection António Cachola, Campo Maior, measuring six metres in height and inspired by the design of jewels. This is built with tampons entwined one with the other, and it implies a discourse in critical way of the contemporary double standards in morals in which is that the tradition persists, and of looking that it is faithful to same -in the case of the girlfriend arriving virgin to the marriage of white-, but however you behave in the day by day in another different way. 8. Menu do dia (2001) is a piece belonging to the collection Pedro Cabrita Reis at Lisbon. It is composed by the interior of different refrigerator doors, on those that skin coats have been hung. It is constituted in one from critic's fundamental works to the abuse of the animals, making see the confusion that exists among the skin that eats up and the one that is used to be sheltered, belonging in occasions to the same animal. 9. Brise (2001) is a piece belonging to the collection Elba Benítez, composed by a sofa for two people made of roses that represent the beauty through the colour and the perfume. However, this sofa contains two cushions made of naphthalene, which offers to the sofa an unbearable perfume, impeding, even that the spectator can come closer to the same one. It is again a contradiction that criticizes the double standard of morals applied the couple. 10. Burka (2002), belonging to MUSAC in León, is a textile piece composed by different suits of woman of diverse cultures that use like form of identity. Among them, and of there mainly the critical sense of the piece, the head is composed of a burka. This textile piece rises toward the sky, which the Platonic charioteer that through love drives us to the truth, like Joana Vasconcelos points out. However, it never ends up playing it, because it falls again toward the floors again. And it never arrives, because that suit identifies, oppresses and does not open up to the necessary equality. 11. Neoblanc (2004), of the collection at Galleria 111, it is an electric structure made up of a net of plugs, screens, bulbs, symbol of the society of nowadays that works perfectly. However, in the moment in the one that one of the plugs is unplugged, or one of the apparatuses, the complete

system is ruined and stops to work, which reflects the power of the progress so much, as the weakness of the same. 12. Passerelle (2005), belonging to the artist's collection, is a piece made up of a chain on which different dogs of deluxe ceramic are hung, dogs that belong and they represent the pedigree races. These, when the chain begins to rotate, and conform to they go colliding some with other, they break in pieces and they destroy. It criticizes this way the work the abuse that we have with the animals that accompany us. 13. Dorothy (2007), belonging to the artist's collection, is a piece that represents a shoe giant fact with lids of different aluminium or stainless steel saucepans. These saucepans, viewed from a distance, give an idea that the shoe is made with giant spangles. This work unites to the previous ones in those that criticizes the woman’s condition that this time is on one hand housewife, and for other, of face to the social thing, I object that should be decorated with heels to call to the beauty. >>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>> AROUND THE WORK OF NOUS TRAVAILLONS ENSEMBLE Valérie Debure, Member of Nous Travaillons Ensemble Valérie Debure collaborated in the series of lectures and events of the Observatorio Cultural speaking about the organization of which she is a member, Nous Travaillons Ensemble, and of the work and the production that have been carried out from the same. Next to her, Nous Travaillons Ensemble is constituted by Isabelle Jego, Ronit Meirovitz and Alex Jordan. All together work in an organization that is defined in its very nucleus with respect to some ideas of the environment of the social and the political spheres that are very precise: as Valérie Debure pointed out, their work is not dedicated to private companies, but to associations and Non Government Organizations that fight for what is fair and just in the execution of each one of the ethical postulates present in our life, as well as collaborations with the government's campaigns that are dedicated to the public awareness of these problems. Therefore, the association Emmaüs collaborates with them, dedicated to the fight against poverty, exclusion and oppression; they have collaborated in education and integration campaigns that the government has taken to the neighbourhoods in the outskirts of Paris like Aubervilliers, as well as in campaigns to raise public awareness like the one that was carried out to maintain clean the city of Nîmes, the one carried out to make the youths responsible of using the helmet in the motorcycle, or the one that educated the youths in the use of contraceptives, and against the gender violence. 1. Nous Travaillons Ensemble and the spaces of the resistance Nous travaillons ensemble belongs and it is configured like one of the places characteristic of the present time, in the sense of the modern ways of thinking. We see now, just as we saw in the lecture by Francisco Jarauta, the positive 204

aspects, as well as those that are negative in the machinery of the global system. And it is, as it happens from time to time, that this does not take into account what turns out to be the characteristics of the human nature from an anthropological point of view: to leave behind the law of the jungle, and to make laws, maybe in that kind of social contract that Rousseau identified as something that could assure us a fair life to each one of those that compose the humanity. Platforms arise this way, conceived as spaces for the resistance that use the protest to make us see that it is necessary also to bear in mind the inequalities of the system, and the environment that we inhabit. And what better than an image, direct and suggestive, created in the field graphic design, to democratise the public awareness in order to palliate those inequalities. 2. The work of Nous Travaillons Ensemble The most outstanding works have been selected among those shown and explained by Valérie Debure in her lecture, those that allow us to get an idea of what is Nous Travaillons Ensemble and what consists of: 1. For a campaign of raising public awareness toward the ever so present problems in France nowadays, such as the numerous existence of “homeless people”, the increase of illiteracy and labour precariousness, they carried out for the association Emmaüs a series of posters in which the same motif is repeated time after time: the existence of a person in red on the floor, symbolizing their state of desolation: “L'été... la mort”, dedicated to the number of deaths in summer of those “homeless people” due to the closing of the government's institutions that are devoted to give them shelter or food; “L'illetrisme... l’exclusión”, dedicated to the problem of the incipient illiteracy that creates a larger social exclusion and “Le travail... la précarité”, dedicated to the current problem of the garbage jobs that do not give enough money even to pay for the housing, these are the three posters that belong to the series. 2. For the association Emmaüs Nous Travaillons Ensemble has also carried out a series of posters that are about raising public awareness about the prejudices that we have with regard to the homeless. Each one of them is dedicated to a concept or prejudices that we have constructed around them, and these concepts, so that they are questioned, and therefore, let us think again about that, are written in an interrogative way: “Fainéants?”, “Logés?”, “Baratineurs?”, “Asistes?”, “Nomades?”, “Rassasiés?”, “Encombrants?” and “Financeurs?” compose the series. 3. Mon corps, j'en prends soin is the poster for an exhibition carried out in Villetaneuse in the year 2007, which was about raising the awareness of the children and the youths on the importance of personal hygiene, the health and the nourishment for our body that will go with us day by day during the rest of our life. 4. Bonne Année à tous is a poster carried out for Ville de Bagnolet in the year 2006, this having been one of the cities where more protests and demonstrations were made against the government in the days of car burning soon after the internal exclusion problems inherent to the French society. In it we can see that it turns how the image 205

of oneself composes the face of a young person and a grown-up, of modernity and the classic times, and it claims a pact and peace among the generations. 5. Also for the association Emmaüs, Nous Travaillons Ensemble prepared a scenery in the Salon Emmaüs, in a room where different beds were located which symbolized the beds that the association has prepared to provide housing to the "homeless", and on each one of the beds a human figure was drawn that represented each one of the social prototypes of "homeless" that were housed: drifters, young people that have left their homes, battered women, and so on. 6. Et toi, ça va? This scenery was transformed into a pedagogical instrument for the workers of the service of hygiene to raise the awareness among the children of the schools of Aubervilliers, in the outskirts of Paris, on the use of the birth-control methods in their sexual relationships. The series is made up of some images that are good to start a debate with the students on the issues of heterosexuality, homosexuality, love, violence, the couple's relationships, and so on. This was accompanied by a series of notebooks and calendars given to the pupils so that they would be able remember the campaign in their day-by-day life. 7. Elles disent non is an exhibition that was published in the magazine Clara where, through a series of images of graphic design that make us remember the problem of domestic violence, and without any kind of written word –because the visual elements are turned into the most direct means-, it was about denouncing the violence inside the marriages and couples, to raise the awareness of the readers on this important problem. >>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>> CINEMART Jordi Mollá, Actor, film director, writer and painter Jordi Mollá, in his joint effort for the multidisciplinary fight, presented for the Observatorio Cultural a masterful class in which he exposed the meaning and the different connotations of what the actor and director has come to call “Cinemart” in the development of his projects. 1. On the origins of Cinemart Cinemart makes reference, in the hybrid form that the same word presents, to a way of making cinema in which is a clear bet on a novel art form, belonging to the contemporary culture. If cinema already presented in its day an opening to the number of the seven arts, cinemart opens new languages for the same process. In the same way it had been made by their great predecessor of many years ago, Video art. This already proposed, developed by so artists decisive as Nam June Paik, the use in the art ways applied to the new arts arisen soon after analogical processes, and later digitising of the world. This way, it was about making art through the video, that is to say, artistic videos in those that form settled down a priori inside the marked ones by the canons of the classic video does not exist, defined from the cinema. It was this way like one could work, the same, as with the pictorial

art, the existence of visualization concepts and immediate understanding. 2. The concept “cinemart” and its interpretive reach The word "cinemart" makes reference, this way, to a form of making movies in which the directional order of the same ones changes with regard to the habitual order of construction that is applied them. If in the realization of a film a script is written in the first place that, afterwards, it will be developed and engraving until ending up obtaining the own movie, in the realization of the cinemart in the first place fragments are recorded that proceed of very different contexts, and later, based on the same ones and to the suggestion that you/they produce the artist, they mix some with others until creating a speech that could be assimilated to the script of the film. It is of this form like the objects, the taken out situations of context, blended, re-cycled, they acquire a different meaning that accompanies to the new point of view. They are fragments that maybe before being united creating a speech to each other they lacked sense. However, when composing them together they begin to acquire it. In that point it is where the history begins to stop to be right of being of for yes, when it stops to be an armour that constrains being expressed freely of the images in solitary. In the cinemart history doesn't exist a priori that it conditions the objects, but rather that is built with the dialogue of these same ones. In him it doesn't exist, to lack beforehand of the barriers that puts the concept, a form of ownership, and, therefore, do not unite existing form of identity. This way, Cinemart is composed, just like it was already pointed out, of elected fragments of very diverse situations, not coincident, in different recording ways, with non-convergent illuminations, non univocal characters, and so on. Multiple are the lecturer's compositions in this field that every time goes with bigger insistence like vindicating form of that new face of which Cinemart endows to the cinema. Among them Ahhhhh!, in the one that is experienced with the video and the musical creation through the screams of several women, Portraits of USA, in which you/they show up fragments together of American situations that describe fragmentary-mind the country or Recognition, in that two lovers are observed which they do not finish of recognising each other. Great part of the same ones can be available in YouTube. >>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>> THE CULTURE OF THE PROJECT José Guirao, Director of Casa Encendida José Guirao offered for the Observatorio Cultural a report full with references, ideas and restlessness in which was about marking the fundamental landmarks, from the point of view of the management of the art and the culture, for the construction and the thought of a project like it has been Casa Encendida that is serving at the present moment as an example of cultural institution.

1. Cultural context in the management of contemporary projects When thinking the project of management of a cultural centre nowadays of the context of contemporary Spain it is necessary to appeal to the history of the projects, looks and managements that one has come carrying out in the country from the exit of the dictatorship. When such panorama opens up for Spain after a long period of the isolation with respect to Europe and the rest of world, to the opening and the freedom, it was opted, from the same ends of those typical in the 70s, for a contextualisation with regard to the art inside the postures of the contemporary trends that had been invisible for the country. It was from these coordinates that such museums as Reina Sofía or IVAM were acquiring a series of funds for the permanent collection in those that it was a clear bet on the contemporary art. This way IVAM, for example, betting on the vanguards of beginnings of the 20th century was collecting a series of names and works that, in spite of not being inside the good known ones, because one did not have enough budget to acquire them, they have been constituted as fundamental part of the history about when to understand and to investigate the same movement of the avant-guard. In this context, when outlining a project in and on the contemporariness, it is necessary inevitably to be established in some coordinates among the memory of the past and the uncertainty of the future that allow us to create a systematizing. And this way all cultural action, all management project should go preceded of a thought act, of reflection, of investigation, in sum of a speech that can welcome in yes each one of the branches worked inside the project. 2. La Casa Encendida. A model of contemporary project management La Casa Encendida is born like space financed economically by the social work of Caja Madrid with two previous conditions. The first of them is the question of the space, and the second is the question of the thematic one: to project La Casa Encendida they had to necessarily work in four environments, the cultural one, the social one, the educational one and the environmental one. And it is based on those four environments in which one thinks, from the address of the same one in charge to the own lecturer, in the question of offering a thought, a discourse that allows it to transform into a place in which is carried out not only activities, but in the one that becomes low some precepts that gives them sense. It is as well as it created the formation centre that replaced the cultural, educational and social question of the philosophy that was to be the base of the project. In this they offer a series of workshops of short duration in those that is developed that the public is formed, and that he knows, in such a wide and dispersed city as Madrid, to people that has the same or near interests. On the other hand, it created a centre of resources in the one that was assisted to the cultural and educational part, composed by a library -limited by the question of the space-, a newspaper library, a media pool of resources and 206

a laboratory of audiovisual media -photography, radio and multimedia- in the one that the interested ones can carry out their work. It was also carried out, to assist to the cultural part, a program of exhibitions has more than enough contemporary art, as those that have been made in the last times around John Cage or Andy Warhol, a series of concerts and conferences carried out in the breast of an auditory with a seating capacity of 170 people. And, lastly, to assist to the environmental and educational question, they are carried out shops for the children and adolescents in those that they become trained and they become aware, as well as it is about to elaborate and to distinguish the characteristics and characteristic consequences of the urban ecosystem. >>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>> THE CONCEPT OF “WELL-BEING” AND THE DESIGNER'S TASK Ezio Manzini, Professor of Industrial Design. Polytechnic of Milan Ezio Manzini, keeping pace with the contemporary times and with the ethical task that each individual should acquire, it was about making see, through the context of the current world, which the task should be of who dedicates its effort to the design that they believe in the devices that surround us on a day to day basis, and that they take charge of diffusing ideas through the image. 1. Current contexts and the designer's task In the last years we have come observing how the configuration of the identity of the societies of the contemporary countries of well-being is, what could call you the symptom of the modern thing, and that he/she makes immediate reference to the speed. As well he has come to us pointing out just like Zigmunt Baumann throughout his work, a liquid society that transforms the lives and changes its sociology in a very brief period of time. The form of current life, as well Manzini has pointed out throughout the lecture, has come into being built under an untenable precept in which is considered that to more consumption, to bigger possession of objects, pointed out bigger well-being or redeemable in the life of each one of us. This dream of the consumerist well-being supposes a form of particular life that the world population's 20% only carries out at the moment. However, the population’s 20% consumes 80% of the resources of the planet. This supposes that, in the dream of the well-being outlined from the parameters of nowadays, and for the one that so many people fight to consent, if the world population's great number seeks to carry out it, it will happen, in terms of Manzini, an environmental “catastrophe”, as well as a social “catastrophe” of fight for access to the scarce resources. It is in this point where it is already necessary today to begin to outline an idea different from “well-being” that takes in turn to a performance different with regard to the means that surrounds us. And it is there where the design that has contributed to the current idea that we have of

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well-being, throughout its history can enter with an ethical task of responsibility about the change of mentality in the relationship between people and the objects. Not already only giving example of use of materials, like in the industrial design that you/they are not harmful for the environment, but in the production of an ideological conscience through the graph, for example that makes people to think about her concern on the place where we inhabit. 2. Ways of seeing and ways of making The ethical task of responsibility towards what surrounds us, as well Ezio Manzini points out, it is not a thing that will be projected only for a distant future, and almost hardly unimaginable for the limited conscience of the human beings, but rather it is already presently where they have begun to arise voices and performance forms. It is for these for those that you should begin, this way being able to give them voice, to amplify them, so that we are conscious from the humanity that they exist, and that we can each one of us to participate in them. In the project of Sustainable Everyday is picked up a series in participatory ways of citizenship in which people’s groups choose to take an alternative life to the concept of well-being associated to the consumption, not already only for questions of conscience or raising awareness, but for questions also related with the personal and family economy. This way, they intend to cater to new forms of life, in diverse places of the planet, from China to Poland, in those that individuals’ nets are believed, contained in the calls “Banks of the time” that collaborate among them, offering what they know how to make, and receiving to change that makes others. Communities of cultivation of ecological foods, of care of gardens, of children's care and old men, of accompaniment, in those that cars are shared to go to the work, and so on. In these nets of collaborating complexity they leave changing the forms of the current concept of “well-being”, like it has been pointed out, with the help of to cultivate and to give use to the abilities and personal capacities. They constitute these economic new models that go arising as answer to the models that we already have, and that they go basing more and more the economy in the gift, in the exchange, in the voluntary work. It is in this point in the one that the designer, as amplifier, as a broadcasting medium of the ideology that is constituted as truth, and in the measure in that is creative of objects, it should act considering the alternatives that are had already, and thinking, based on the same“alternative” concept upon which they will form our future.

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