Intro Esta iniciativa nace con la intención de hacer llegar el conocimiento fotográfico y de muchas de sus derivadas a todo aquel que guste de este bonito arte. Desde noticias y novedades hasta ejercicios de entretenimiento pasando por artículos de grandes profesionales del mundo que nos muestran sus trabajos y sus secretos. Miraremos en perspectiva diversos aspectos de la fotografía desde distintos ángulos y diferentes puntos de vista. Nos interesaremos por todas vuestras inquietudes , buscando respuestas a aquellas preguntas y dudas que podáis tener en nuestro apartado de formación. Abriremos una puerta a nuevos valores de la fotografía , a todo aquel que nos quiera utilizar de ventana para dar difusión a un trabajo elaborado y de calidad. Bienvenidos a phot.es, la revista online que te explica todo lo que quieras saber sobre la fotografía de mano de los mejores profesionales. mail info@phot.es
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Revista Fotográfica Independiente
78 SUMARIO
24
106
03
Los otros
24
Fifty of Kan
56
La Mochila de Mario Rubio
60
Proporciones
70
Grupos de Facebook
78
Foto de alta velocidad
88
Ser Pintor de Luz...
106
Friky Phot
Más allá del punto de partida
Descubre que lleva Mario Rubio en sus salidas nocturnas
En esta edición conoceremos “aprender fotografía mirando al cielo” ... y no morir en el intento.
No te quedes a medias con tu pasión.
La importancia de componer bien en la fotografía. Gotas de creatividad a todo trapo.
Desafía tu ingenio fotográfico y pasa un buen rato
los otros...
Toni Arnaste Boixadera
Saludos. Saludos a todos los aficionados de este mundillo. Pero no me refiero ahora a los amantes de la fotografía pura, esos creadores de imágenes perfectas, dominadores absolutos de la técnica fotográfica, de las normas compositivas, del control total de la luz o de los post-procesados más detallistas e impactantes que resultan en esas lógicas imágenes técnicamente irreprochables. Me refiero a otro tipo de personajes. Me explico: saludo a los cazadores de momentos, a los buscadores de recuerdos, de instantes, de lugares, de sabores. De complicidades. De silencios. De esas situaciones efímeras, de esos aromas que se desvanecen con impotencia ante la cámara. Me refiero a los solitarios. A aquellos que van con su mochila y cámara por lugares insospechados a las horas más intempestivas. A los que salen cuando llueve. O cuando nieva. A los que por alguna razón, se desplazan a lugares aparentemente sin ningún interés para la mayoría. Esos tipos que corretean por andurriales raros, muchas veces solos, con esa expresión en la cara a medio camino entre la curiosidad y la certeza. ¿Qué buscan allí? Es difícil de explicar, pero si tú eres uno de ellos estoy seguro que ya te has dado por aludido. Vivimos en un mundo lleno de etiquetas. El colectivo fotográfico no escapa a ello: Concursos. Jurados. Bodegones. Estudios. Normas. Tendencias. Exposiciones. Libros. Asociaciones. Platós. Equipos. “Street”. Paisaje. Macro. Lentes. Fotomontaje. Fotoperiodismo. Retoque. “Passepartús”… Pero… un momento! Comencé en esto, como muchos de vosotros, de chaval. Mi primer tesoro fue un juguete llamado Agfa Happy, preciado regalo de mi abuelo, fotógrafo. Pero la fotografía no me despertó ninguna inquietud en ese momento. Ni en la adolescencia. Ni en la juventud. No busqué nunca a la fotografía. Posteriormente sería la fotografía la me buscaría a mí. Seguro que me entendéis. El momento llega solo, de golpe, y punto. No como un destino en sí, sino como un medio para llegar a alguna parte. No sé a qué parte. Ni quiero saberlo. Cuando la fotografía es un medio y no un destino, las etiquetas no tienen sentido. Uno simplemente disfruta del trayecto. Sin más. Seguramente todos los entendidos coincidirán que como en cualquier disciplina, hay que especializarse, formarse profusamente y focalizar energía y horas de práctica en temas concretos
para poder llegar a alguna parte y realizar un trabajo de calidad. Y tienen razón. Existimos pero, una subespecie de aficionados a esto difícil de catalogar, a la que parece no encajarle ninguna especialización porque desde el momento que intentamos centrarnos en una línea o disciplina fotográfica concreta perdemos nuestra esencia básica. Queremos explicar algo. Algo que nos ha pasado. Algo que tenemos dentro, algo que nos pesa. Algo que debemos soltar. Contamos. Advertimos. Soltamos a través de crear imágenes. Por eso buscamos. Buscamos aquello que nos conecta con lo que queremos soltar. Lo buscamos donde sea, a la hora que sea. Sin patrones, sin etiquetas. Simplemente lo necesitamos. Lo encontramos en los paisajes. En el bosque. En las personas, en las miradas. En una flor. En una calle. En un lugar abandonado. En un animal salvaje, en un músico, en una piedra, en una puerta entreabierta, en un cable cortado. Con luz. Sin luz. De día o de noche. No hay manera de especializarnos en nada concreto, todo nos cansa, pero a la vez todo nos gusta. Disfrutamos siendo diana para mosquitos mientras hacemos paisajes solitarios de costa, así como en platós rodeados de cables y focos, o en la calle del mercado atestada de gente. Pero ningún tema nos engancha suficientemente como para coger una línea y mantenernos ahí suficiente tiempo... Vemos como la mayoría de nuestros colegas evolucionan en líneas concretas pero nosotros siempre estamos mirando para los lados… ¿Frustración? ¿Obsesión? Sírvase a contestar usted mismo, apreciado lector. Tampoco se trata de dar la espalda a la técnica, lógicamente. La técnica es necesaria. Como lo es el mensaje. Un buen amigo me dijo que el “arte” es comunicar emociones a través del dominio de una técnica. Me gusta. Me sorprendió mucho una vez en una conversación entre aficionados cuando alguien afirmó que una fotografía es mucho mejor cuando además de ser técnicamente perfecta, transmite un mensaje. La subespecie a la que algunos bichos raros pertenecemos, estimado aludido, invertimos completamente esta cadena de razonamiento: la técnica nos ayuda a vestir la carga emocional que soltamos en cada imagen, pero en cualquier caso, el sujeto de la oración es soltar. Con técnica o sin, si no hay esa descarga emocional en la imagen, directamente no nos interesa. Claro está que sin cierto dominio técnico no avanzaremos. De nada sirve intentar transmitir esa emoción concreta que provoca una situación determinada, si luego resulta que técnicamente no sabemos plasmarla en imagen tal y como queremos. Ahí está pues; pasen y sírvanse ahora de cacharros a gusto: flashes, trípodes, filtros y porta-filtros, pinzas, reflectores, difusores, rótulas, disparadores, sensores, pantallas, y buenos manuales para no morir en el intento. ¿Todo estrictamente necesario? No. ¿Aconsejable? Si. Equipo, técnica y corazón es el mejor equipaje, sin duda; pero poniendo el corazón siempre arriba del todo. ¿Formación? Existe hoy en día formación a raudales, de altísima calidad y de acceso libre. Personalmente no puedo dejar de nombrar la obra y aportación de José B. Ruíz al mundo de la fotografía. En mi particular caso fue sin lugar a dudas un auténtico detonante. De la calidad de su obra no queda duda, pero su labor docente y divulgativa, y su aportación al colectivo fotográfico creo que están, si cabe, a un nivel incluso superior. Claro, hay muchos más autores con muchos otros enfoques, pero primero veamos la cara oculta de la Luna. Peligros: Muchos. No me refiero a las caídas dentro del rio, resbalones por la nieve o maratones delante de algún animal muy enfadado con todo el equipo a cuestas, eso ya va con el juego. Me refiero a peligros aún peores: los peligros de muerte de la creatividad. Hoy tenemos acceso a miles de imágenes a través de internet. Accedemos con un solo “clic” a centenares de trabajos, a centenares de consejos, de muestras, de cursos, de makings offs , de información y ejemplos de fotógrafos de prestigio, etc…
El exceso de información causa desinformación, y en el mundo del arte, el exceso de inspiración causa la muerte de la creatividad. He comentado que la obra de José B. Ruíz fue un detonante para mí. Sus planteamientos y técnica fueron como combustible para arrancar el motor. Pero una vez arrancado, en mi opinión uno tiene que buscar ese combustible en su interior, en ese pesar interno, y abandonar al maestro como el polluelo al nido. Si no, malo. Tenemos un país con grandísimos referentes en naturaleza, paisaje, macro, retrato, etc., pero la profusión de sus obras de forma masiva puede dar lugar a una legión de aficionados dedicados a imitarlas de forma religiosa llegando hasta la saciedad más absoluta. No hace falta nombrar ejemplos. Esos bosques portadas de libro con esas mismas tomas exactas... Esos encuadres idénticos… Imitar puede servir de punto de partida, pero hay que ir más allá. Está bien inspirarse contemplando obras de otros autores, pero conviene también - tanto o más saber dejar de hacerlo. Nuestra mejor obra es la nuestra, y ya la llevamos dentro. Cada uno la suya. Antes de ese disparo, enfoque hacia dentro y pregúntese: ¿por qué? Más peligros: opiniones, tendencias. ¿Qué opinión os daría si vieseis dos carpinteros discutirse acerca de si un taladro “Bosch” es mejor o no que uno “Black’n’Decker”? Pues la misma exacta que da ver discusiones acerca de marcas de equipo fotográfico. ¿Os suena? Parece mentira el gusto que le da a la mayoría el pertenecer a un bando… “Yo soy de…” Mac o Windows, Yamaha o Honda, Nikon o Canon… menuda memez. ¿De verdad alguien cree que la pertenencia a uno u otro bando impli-
ca alguna diferencia real de resultados? Más: ¿un buen fotógrafo solo tira en RAW y nunca (digo nunca, bajo pena de muerte) retoca lo más mínimo ninguna imagen? ¿En serio? O el otro extremo… ¿Todo vale en retoque digital con tal de conseguir ese resultado esperado? ¿Os suena también esa pregunta? Olvidadlo todo. Nada de esto es interesante, no hay que perder ni un segundo en este tipo de conversas estériles. Lo que se tiene que hacer: lo que a uno guste. ¿No se trata de eso? Pues vamos a ello
Llevar al espectador a ese momento… 1/100 f6.3 a 50mm
NATURALEZA Naturaleza: He conocido a fotógrafos de 2 extremos opuestos. Los que no salen de ella, y los que no entran en ella. Este es uno de mis escenarios favoritos. Seamos claros: todo proviene de ella y todo retorna a ella. Por lo tanto que nadie dude que es en ella donde se pueden encontrar las fuentes de inspiración más potentes (hay que mover el trasero un poco a veces para encontrarlos). Paisajes abiertos, planos más cerrados, detalles delicados que prestan al macro, flora, fauna, estados temporales de los elementos, afectación climatológica… No por ir más lejos será mejor el resultado, pero hay que reconocer que un cambio en la orografía y vegetación habitual estimula el apetito visual…
Aquí la técnica juega a favor...1/320 f7.1 150mm Flash frontal de relleno
El campo es amplio y variado. La fauna exige preparación, dosis de paciencia de Santo, y esa fortuna de la ocasión. El macro es todo un mundo nunca mejor dicho, muy técnico y que exige perseverancia. Los paisajistas también son otra especie a parte, matemáticos de las formas, rastreadores del terreno. Cada disciplina tiene su guasa, pero todas con un solo objetivo común, llevar al espectador allí, a ese punto y momento. El paisajista tiene que moverse, como Mahoma. 1/160f8 a 13mm
ARQUITECTURA Arquitectura: para mí es una de las disciplinas más difíciles, de las que más exigen al fotógrafo tanto en términos de composición como de punto de vista o de mensaje final. A la vez, en mi opinión, es en esta disciplina donde uno más puede aprender fotografía. Líneas, proyecciones, pesos, sombras, puntos de fuga, perspectivas… Una locura geométrica para practicar y practicar. ¿Consejo? Responder a la pregunta: ¿qué demonios pretendía ese arquitecto con esto?
No se ralle, nadie dijo que fuera fácil. 1/200 f8 a 70mm
Lugares abandonados: Lugares abandonados: el tiempo pesa, y se nota especialmente en muchos lugares donde el tiempo y las personas se fueron hace muchos años. Estos puntos tienen ese preciado valor del silencio, de los sentidos, del momento, de la concentración. En estos momentos, los que somos nerviosos como diablillos nos relajamos y aprendemos a mirar más y mejor. La magia de muchos de estos lugares es especial, y además, este tipo de fotografía sirve de archivo histórico de elementos que cualquier día van a desaparecer. Escuche ese silencio.
VIAJAR: Viajar… Dios, qué ocasiones nos brinda cualquier viaje. La temporalidad de nuestra ubicación debe motivarnos a buscar precisamente esos motivos que no tenemos a nuestro alcance cotidianamente. Podemos cruzar medio mundo para retratar a una lata de cocacola (o ir a comer a un Mc Donalds), pero si nos informamos previamente acerca de dónde vamos y qué puede interesarnos, nuestra colección personal será tanto más rica. Atención a esas personas, sus costumbres, cultura... Un placer enorme. Una oportunidad para que entre aire nuevo y reaprendamos a ser.
ESTUDIO Esos platós. Utilizados profusamente por las asociaciones de fotografía amateur, permiten al aficionado acceder a situaciones (modelos, equipos, maquillajes, etc...) de forma accesible y fácil. Aquí habría que diferenciar entre los platós típicos de modelo, fondo y flashes, y otros proyectos de más envergadura que se realizan en equipo y en ubicaciones más particulares. El primer caso será aquel donde a usted, juntamente con otros tantos análogos, le pondrán el/la modelo a 2 metros de distancia, le darán el inalámbrico del flash y le dirán: ponga 1/250 f8 e iso 100. Y atención…: ¡Fuego! Nada más parecido a un pelotón de fusilamiento. ¿Resultados? Buenos, quizás. ¿Creatividad? Una leche. En el segundo caso la cosa es diferente, siempre y cuando uno tenga la libertad de hacer un poco más la suya. Montar cualquier proyecto con todo el desplazamiento de medios y profesionales puede ser casi como en un rodaje cinematográfico. Si se monta bien, encima uno disfruta. De todo se aprende, y todo sirve para saber qué nos gusta. Un campo más.
Me lo monto solo en la cocina… 1/5 f16 a 65mm Me aburro en casa. Sorprende lo que se puede llegar a hacer en casa con un cubo de agua, una linterna o cualquier utensilio y un poco de imaginación. Esos días tontos pueden pasar entre sorpresas y risas. Son buenos momentos para hacer pruebas y experimentar de todo en una situación de comodidad total. Conozca su equipo, conozca sus límites en casa, mejor aquí que en otra ocasión irrepetible.
en casa
Se requiere de medios cuando nos metemos en según qué temáticas. 1/100f4.5 a 70mm Modelo: Daniela Balint
Espectaculeando… Qué contar sobre esto… Vivimos en una sociedad que consume arte (aunque parezca que los gobernantes no lo entiendan). Tenemos un país repleto de tradiciones y espectáculos de todo tipo, eso sin contar el deporte… ¿Por qué no practicar inmortalizando estas representaciones tan variadas y ricas, cargadas de motivos y momento? Hoy en día cualquier acto está repleto de espectadores con smartphones, tablets, compactas y réflex de todos los colores disparando sin parar, pero nosotros siempre podemos intentar aportar algo nuevo o diferente.
y más!!! Escuela de Circo para niños “LaCrica” - Manresa. 1s.f7 a 65mm
Amistad. No estás solo tampoco. Hijos, padres, parejas, hermanos, amigos, compañeros de piso, compañeros de trabajo o de viaje… ¿Qué puede aportar más sentimiento a una imagen que el inmortalizar esos momentos que creemos importantes con esas personas que nos rodean? De la forma como retratamos a los demás se puede extraer como nos vemos a nosotros mismos. Fíjese. Y otra cosa, ¿por qué no retratarnos a nosotros mismos? No estoy hablando del típico “selfie”… Pruébelo. ¿Qué ve?
Ningún momento se repetirá. Lo siento. 1/50f5.6 a 14mm.
Una siesta en el campo
resulta en un cuadro‌ 1/640 f10 a 14mm
rompa las reglas! Caminante no hay camino. Lo mejor de todo puede ser no tener nada planificado. Esos paseos por ciudad o campo pueden dar cualquier día el mejor motivo de nuestra vida. Nos gusta que la foto venga a nosotros. El valor de la espontaneidad que nos puede dar esa toma inesperada hará que la recor-
demos durante más tiempo y que queramos repetir. Hay multitud de fotógrafos a los que les gusta planificar su trabajo, pero también los hay a los que no en absoluto.
por favor, salga de su propia postura natural. Ejercitará ese glúteo. Lleve la cámara encima, claro.
La calle es fuente permanente de acción. Esté alerta a los laterales, fíjese en ese suelo o techo. Y flexiónese un poco
Sea abstracto. Qué manía con la definición. Pruebe con ese zoom flamante esos desenfoques, esos barridos, exposiciones extravagantes… No todo en la vida está tan claro, ¿no?
fotomontajes Foto-montajes. ¿Qué pasa con eso? Otro mundo. Admirados por algunos, odiados por otros. Como siempre, todo depende. Aquí se entra en un mundo largo y extenso, que va más allá del archiconocido corta-pega Photoshop, pero. Programas de modelado 3D harán las delicias del más excéntrico de los psicópatas permitiendo crear todo tipo de imágenes virtuales con efectos de material, textura,
forma e iluminación de un realismo intachable. Si a todo eso le sumamos el montaje con imágenes reales, imagine de lo que estamos hablando. La contra: no se excite, un modelado 3D de calidad exige muchas horas y horas de formación y más horas aún de creación. Si su locura creativa se lo merece, métase.
Esa locura extraterrestre... Modelado y renderizado 3D mediante 3DStudio Design, más montaje de autoretrato en Photoshop. Ajustes finales con herramientas de Lightroom. Hay mucho más, ¡mucho! Fotografía micro, fotografía nocturna, Lightpainting, bodegones, fotografía comercial, fotografía de denuncia, y luego los proyectos de autor… Esto no para. Los equipos también evolucionan y, poco o mucho, dan nuevas variables en el concepto de creación… Tenemos una afición potente con la que podemos dar rienda suelta a ese niño interior que llevamos dentro. Y no es poca cosa.
Pero hay que valorar el por qué lo hacemos. Tanto si hemos encontrado nuestro estilo y temática como si no, creo firmemente que uno empieza a disfrutar en esto justo en el momento en que se quita de encima todos esos prejuicios, opiniones, tendencias y normas, y deja que sea su niño interior el que haga el “clic”. Permítaselo ;)
Toni Arnaste Boixadera
Profesor de formación profesional en diseño mecánico y fotógrafo amateur. Mi afición empezó básicamente utilizando la fotografía como un medio documental de mis viajes personales. Durante años tomé miles de fotografías por todo el mundo, especialmente siempre centrada en naturaleza y fauna. Esas tomas quedaban luego olvidadas en discos duros y todo el equipo guardado en el armario hasta el próximo viaje. Y así año tras año. Llegó un punto que empecé a plantearme seriamente el por qué de ese comportamiento. Revisé fotografías y descubrí que todas respondían a una necesidad personal muy profunda de contar algo. Encontrar los motivos de mi afición cambió mi forma de ver la fotografía. Ser consciente de la intencionalidad de soltar una historia en cada imagen es lo que me hace disfrutar y da sentido al tiempo empleado en ello. Estoy interesado en cualquier disciplina de creación de imagen siempre y cuando sea capaz de hacer fluir emociones personales a través de ellas. Mis trabajos ocupan desde fotografía de fauna salvaje, paisajes, macro, exploración urbana, abstracto o fotomontajes con infografía 3D. Actualmente trabajo en un proyecto personal que dará sentido a esos miles de fotografías hechas de forma no consciente. Me gusta la técnica. Y el arte. No me gustan las etiquetas. Respeto a los profesionales, ellos no pueden andar con experimentos y lo tienen jodido. Soy socio del FotoArt Manresa. Aconsejo la obra de J.B. Ruíz. Y sobre todo, leerse a uno mismo.
Toni Arnaste Boixadera
FIFTY LIGHTS
of kan
FIFTY LIGHTS OF KAN ¿Qué es? Fifty lights of Kan es un proyecto fotográfico basado en una idea que surgió de una broma, y aunque nada tiene que ver con los valores que representa la famosa saga en la que el nombre puede hacer pensar, sí que comparte algo de la esencia; En resumen, nos quedamos con lo que para nosotros tenía un atractivo fotográfico, aquello que mediante luces y sombras podíamos expresar,
ca por reflejar un ambiente de intimidad y al mismo tiempo apuntar el protagonismo única y exclusivamente a las siluetas, a las texturas, a las modelos. La clave baja NO es sinónimo de ausencia de luz, sino del uso de la luz a su mínima expresión, la mínima necesaria para mostrar lo que se quiere mostrar, una silueta, una forma, una textura, iluminando sólo aque-
la belleza, la sensualidad, la provocación, la imaginación… Queríamos unas imágenes que, sin mostrar nada explícito, nos lo mostrara todo, pero en la imaginación de cada uno, así que lo único que debíamos hacer, era eso, excitar las mentes mediante una fotografía que pusiera en marcha la maquinaria de la imaginación de cada uno/a. Y en eso nos basamos… La idea era expresar la esencia de la sensualidad, de la provocación, del sexo, pero no del sexo en sí, sino de lo que representa, del sentimiento y la pa-
sión que hay más allá del contacto físico, Y por supuesto, sin importar el género al que pertenezca, porque para la pasión y los sentimientos no hay razas ni géneros, de ahí que elegimos dos modelos femeninas, una en cada “papel”, porque en la intimidad todo vale.
llo que nos interesa y dejando el resto de la escena en grises muy bajos o negros completamente oscuros.
con luces y sombras y un revelado en B/N centraría y daría más fuerza a la composición.
El revelado, en su mayoría con un virado a B/N con dominante fría para contrastar con el “calor” de la escena, se eligió porque, precisamente, el color no importaba, lo que se quería expresar se podía expresar sólo
¿Técnica? Sin ninguna intención de querer “encasillar” en una técnica las imágenes de la sesión, sí que podríamos decir que predomina la “clave baja”, y se eligió principalmente esta técni-
¿Cómo se hizo? Nos metimos todo el equipo una tarde en el estudio (que por cierto, éramos, las dos modelos y un servidor). Colocamos un fondo oscuro, y apagamos los focos del estudio. No íbamos a utilizar la ilumina-
ción del estudio, queríamos aprovechar una de las limitaciones de los flashes portátiles (la baja potencia) para tratar una iluminación puntual. Y dado que íbamos a disparar con aperturas elevadas para tener una profundidad de campo bien marcada, y mi manía personal de cambiar el esquema de iluminación casi a cada fotografía nos decantaba por apagar los grandes flashes y colocar los pies portables y los pequeños flashes así que usamos uno de los flashes de estudio únicamente con luz de modelado para mantener ese ambiente íntimo. Como he comentado, dado que casi cada fotografía tiene un esquema de iluminación ligeramente diferente, no voy a centrarme en comentar cada caso, sino que más bien explicaré un esquema genérico que es el principalmente utilizado en esta sesión. Y tampoco definiré explícitamente el material, ni marca ni modelos,
porque lo que importa es la idea, como referencia, y por supuesto, con otras marcas/modelos los resultados podrían haber sido los mismos Como cristales un 50mm y un 70-300, para cada escena lo suyo, 3 flashes portables con Número de Guía entre 36-58, un paraguas traslúcido, una ventana de 40x40cm y un Snoot. Un flash colocado por la derecha de las modelos, a unos 80º de la cámara, muy “cruzado” y atravesando un paraguas traslúcido blanco para suavizar las sombras, actuaba como luz principal. Iluminaba todo el perfil derecho dejando texturas y parte del detalle de la escena pero sin apenas contaminar el fondo. El segundo flash, con una ventana de luz de 40x40cm, colocado a unos 110º por la izquierda de la cámara, definía los bordes contrarios, y aportaba también textura, sobre todo en las zonas de la piel, donde el erizado y el vello juga-
ban un papel importante. Un tercer flash, desnudo y colgado de uno de los pantógrafos del estudio, iluminando a contraluz las siluetas en ocasiones, o iluminando puntualmente el fondo y a través del snoot para “viñetear” el fondo de la escena. Como también comentaba, usamos aperturas de f/2.8 o incluso de f/1.8 para conseguir bokeh y centrar el enfoque en planos y detalles de la piel, regalando un protagonismo extra para la imaginación. Y por supuesto, de los ingredientes más importantes y a su vez indispensables, las MODELOS, y sí, lo escribo en mayúsculas, porque para mí lo son en mayúsculas y debo agradecerles lo involucradas que estuvieron ya desde el primer momento en que surgió la idea, lo fácil que pusieron tocar un tema que considero natural y delicado a la vez, y por hacerme
disfrutar de mi pasión, LA FOTOGRAFÍA. JuanDíaz (kanjungla)
Fotógrafo: JuanDíaz (kanjungla). Modelos: Laura Vila y Nàcara Huélamo. Estudio: A.F.E.S (Asociación Fotográfica Enfoque Selectivo).
Fotos by Fran Palmero JuanMa MeRch
Bio Empece a entrenar hace 5 años para estar en forma ya que toda la vida había sufrido problemas de sobrepeso y al adelgazar más de 30 quilos en un año el cuerpo me había quedado muy flojo y la musculatura muy descolgada, me recomendaron entrenar con pesas ya que era la única manera de conseguir tono muscular, lo que empezó como algo normal poco a poco se fue convirtiendo en una pasión, un hobbie que a día de hoy es mi estilo de vida.
La competición fue algo anecdótico ya que competí por primera vez por hacer algo diferente y divertido y acabó apasionándome. Empecé en la categoría de Bikini Fitness ganando campeonatos como el de Barcelona en 2013 y más tarde cambié a una categoría de más musculación, en Bodyfitness gané en el Campeonato de España de 2013 y quedé subcampeona en la Copa Nacional 2014 he participado en más de una decena de campeonatos consiguiendo en muchos de ellos quedar entre las tres primeras.
FACEBOOK: Sara Vanessa Rodríguez Muñoz Sara Vanessa Rodríguez –Atleta Bodyfitness IFBBINSTAGRAM: @sararodriguez86
Nuria Ferrero Fitness Lifestyle
instagram: @nuria_ifbb_athlete Facebook: Nuria Ferrero y Nuria Ferrero-Fitness Lifestyle
Bio:
Alejandro Orihuela ha desarrollado su vida entre Andalucía (nacido en Huelva el 19 de noviembre de 1991) y Cataluña (donde ha residido desde los 8 años). Joven dinámico y emprendedor que ha tenido por diversas circunstancias que hacerse a sí mismo, es aficionado al deporte (sobre todo a la gimnasia y al motociclismo) y ha compaginado puestos laborales de responsabilidad en el sector servicios con los estudios ya finalizados de Técnico Superior en Robótica Industrial, cursando actualmente el grado universitario de Administración y Dirección de Empresas.
Facebook: Borjaturk MN Twitter: Borjaturk
aorihuelaruiz@gmail.com Instagram: AlejandrOrihuela
Bio:
Borja Medrano Núñez
Me apunté al gimnasio el 17 de mayo del 2010, con 17 años. A las pocas semanas ya supe que entrenar sería mucho más que un pasatiempo, y que quería ponerme grande y seco. He entrenado de mil formas, desde 7 días a la semana haciendo mil series, hasta 3 días haciendo entrenos muy minimalistas. Lo he dejado a temporadas pero siempre he vuelto, porque me encanta sentir el peso de la barra. Amo el mundo del culturismo pero también el de la fuerza, y mi objetivo a largo plazo en ambos aspectos no lo sé, pero sé que es seguir entrenando y disfrutándolo. Entrenar se ha convertido en el fin en sí, más que en el medio. Y eso no tiene precio
LA MOCHILA DE MARIO RUBIO La mochila de Mario Rubio, acostumbra a ser un perfecto caos dentro del orden. Trabajar en horas crepusculares y de noche en la naturaleza conlleva tener en cuenta pequeños consejos para no perder material en cada salida. Mi equipo se compone básicamente de dos mochilas. Una de ellas está destinada, como es lógico a la cámara y objetivos mientras que la otra se destina a la iluminación. Empecé a usar Nikon hace años y así seguiré si nadie lo remedia que no creo. Actualmente trabajo con una Nikon D700 y las lentes Nikkor 14-24mm f2.8, Nikkor 24-70mm f2.8, Nikkor 70-200mm VR II f2.8, Nikkor 50mm f1.8 y duplicador Nikkor X2.
Por otro lado acostumbre a llevar varios intervalómetros. Estos accesorios acostumbran a fallar con frecuencia y sería una imprudencia llevar solo uno pues te puede jugar una mala pasada. Esta precaución es muy importante sobre todo en países donde es prácticamente imposible conseguir uno con facilidad. Uso el original
Sobre los trípodes, me gusta que sean pesados. Es una incomodidad para transportarlos pero te evitan un buen número de trepidaciones. Máxime si trabajas en el mar, ríos o zonas de mucho viento, desde mi punto de vista se hace imperativo usar buenos trípodes. En mi caso uso un Manfrotto 090XB PRO y un Mini Velbon del cual podéis ver una review en este enlace: http://www.fotografonocturno.com/review-velbon-qhd-43d-el-pequeno-gran-tripode/
Cuando hablamos de atardeceres y amaneceres me decanto por el sistema de portafiltros Lucroit junto a los filtros Hitech. El motivo es que para el objetivo angular 1424mm de Nikon es el mejor sistema, si no el único, capaz de hacer su función en máxima
focal angular y apertura sin provocar viñeteo. Los filtros son los siguientes: 1x Neutro de 10 pasos 1x Degradado inverso 0.6 1x Densidad neutra estándar 0.6 1x Degrado soft 0.6 1x Degradado hard 0.6
Sobre iluminación confío en las linternas Led Lenser. Son de una alta gama y una pureza de color que no he visto en otras marcas aún. Trabajo con prácticamente con todos los modelos desde las potentes X21R hasta la M7.2 o PQC7. Mi viejo flash Nikon SB 26 y el no tan viejo Nikon SB 900 me acompañan siempre en mi mochila.
Para crear efectos en fotografías irreales uso luces de lo más variopintas hasta lana de acero. Estas luces han de ser usadas con coherencia y sentido común. Siempre he dicho que entre la creatividad y el mal gusto hay una línea extremadamente fina y debemos tener cuidado para no superarla.
PROPORCIONES LAS PROPORCIONES MÁS UTILIZADAS EN FOTOGRAFÍA José B. Ruiz Tras muchos años estudiando composición me doy cuenta de lo realmente poco que sabemos y de lo superficiales que son los debates y los artículos al respecto. En el caso de las proporciones, todavía no he visto agrupadas aquellas que puede ser de utilidad tener representadas para poder compararlas, interiorizarlas y con algunas de sus aplicaciones bien expuestas y comentadas.
Antes de abordar estas proporciones conviene aclarar de nuevo que nunca existieron las reglas en fotografía, ni en las artes visuales. Es totalmente contrario el concepto de “regla” al concepto de “arte”. A estas alturas todavía me duele escuchar cuando alguien menciona la “regla de los tercios”. Este hecho sucede muy a menudo, especialmente en círculos de fotografía de países angloparlantes, donde este concepto está más
que establecido y es muy apreciado. Sin embargo, el concepto de que esta regla existe, y de que se puede saltar una vez aprendida, está generalizado incluso en nuestro país. Las reglas no existen en el arte, no existen en la fotografía. La proporción de los tercios es sólo una más a nuestra disposición, ni siquiera la más utilizada. Esperemos que en el futuro el sector madure a este respecto y podamos dejar de escuchar un concepto sin lógica y sin sentido.
“Un buen sentido de la proporción es esencial en fotografía ” José Benito Ruiz Limiñana, nacido en Alicante en 1966, es un fotógrafo español de naturaleza, naturalista, escritor y docente. Vocacional y autodidacta
LAS PROPORCIONES MÁS ÚTILES EN FOTOGRAFÍA
1.- El Principio de Sturgeon. Ratio 1,111. 10%-90%. Surge de una revelación del escritor de ciencia-ficción Theodore Sturgeon: “El 90% de todo es basura”. Está relacionada con el principio de Pareto, pues el hecho estadístico es que el 90% de datos que existen en Internet, por ejemplo, es desechable. Hay una gran cantidad de ruido en los mensajes, de frases de relleno en los libros, de contenidos banales. Aplicación: Mi aplicación de esta proporción se observa sobre todo en elementos a contraluz, siluetas en esquemas tonales extremos, en los que la proporción de suelo se limita mucho al no haber detalle en el mismo.
2.- La Raíz Cuadrada. Ratio 1,1414. 12,4%87,6%. Otra proporción muy empleada en el pasado fue la raíz cuadrada. En un triángulo obtenido a partir de un cuadrado de lado 1 m, el lado más largo tendrá una longitud de raíz cuadrada de 2. El ratio es numéricamente, de 1:1,1414. Esta proporción tiene la propiedad de poder dividir infinitamente en rectángulos de raíz cuadrada. Es la base de sistemas de medida del papel como DIN. El DIN A4 es el que conocemos como folio. Aplicación: Otra proporción muy indicada para contraluces, en situaciones en los que cielo o suelo aparecen con un aspecto uniforme, un cielo de un solo color o una textura por ejemplo y carece de interés mostrar mayor proporción de los mismos. También para primeros planos en bodegones o macrofotografía.
3.- El Principio de Pareto. Ratio 1,25. 20%80%. La relación 80/20 es una proporción que siguen muchos sistemas complejos. En economía, control de calidad, ingeniería, incluso en ciencias sociales. Esta relación, que se cumple en numerosas facetas de la vida, recibe los nombres de Principio de Pareto o Principio de Juran. No es una proporción de base matemática, sino una proporción estadística. Aplicación: Se trata de una proporción muy agradable que puede aplicarse en los casos anteriores en los que se pretenda un mayor desahogo espacial de los elementos. También en arquitectura y en composiciones con presencia de un elemento masivo.
4.- La Proporción Cordobesa. Ratio 1,3. 23,1%-76,9%. Formulada recientemente por el arquitecto Rafael de la Hoz, a partir de su estudio de las proporciones en arquitectura andalusí, como las utilizadas en la Mezquita de Córdoba y otros diseños árabes. Es la relación entre el la radio de la circunferencia circunscrita al octógono regular y el lado de éste. Un rectángulo con unas medidas de 3,44 x 4,5 cm tiene esta proporción. Aplicación: De gran aplicación en fotografía de paisaje es muy adecuada para el uso de angulares extremos, que permite incluir una proporción de cielo con nubes o de primer plano con información
5.- La Proporción de Benito. Ratio 1,4. 28,6%-71,4%. Formulada en 2015 por el autor de este artículo por razones puramente fotográficas, para ser aplicada en fotografía de diversas aplicaciones, paisaje, arquitectura, etc. Está ubicada entre dos proporciones de considerables aplicaciones, que la hacen muy versátil. Aplicación: Una proporción concebida para fotografía en general, con gran aplicación en paisaje y composiciones de contraste con espacio, tono o color como elementos principales. Mantiene una razonable proporción de cielo/suelo para repartir su presencia visual cuando el interés de uno predomina sobre el otro. También en retrato, afectando en vertical al espacio frente a la dirección de la mirada
6.- La Proporción Sesquialter. Ratio 1,5. 33,3%-66,6%. Proporción que existe entre el seis y el cuatro, el número mayor contiene vez y media al menor. La división del encuadre en un tercio. En música se denomina Hemiolia un ritmo con este mismo ratio que consta de dos compases de tres tiempos. Fue una proporción muy empleada en el Antiguo Egipto y antes por los Sumerios, que ya habían instituido el uso del sistema sexagesimal de medición de ángulos, la división del año en doce meses y la semana de siete días. Mostraron una predilección por este sistema, basada en su avanzado conocimiento matemático. Aplicación: Es una propuesta intermedia entre la proporción de Benito y la Áurea, con un buen equilibrio de eje y grandes aplicaciones al paisaje y la arquitectura, así como para equilibrios en imágenes con cierto grado de abstracción.
7.- La Proporción Áurea. Ratio 1,618. 38,2%61,8%. Una de las proporciones más empleadas en las Artes Clásicas ha sido y es la sección aúrea, que tuvo connotaciones mágicas y misteriosas, una belleza universal que siguen muchos objetos naturales y seres vivos, como si formara parte inherente de la materia. Uno de los primeros ejemplos es la pirámide de Giza (2.560 aC). Formulada de manera rigurosa por Luca Pacioli en su obra “La divina proporción”, era ya conocida de antiguo. Fue definida por Euclides como «división de un segmento en su media y extrema razón». Su ratio es de 1,618... Se conoce como «número de oro» o número phi. El cuadrado que se deriva de la subdivisión de un rectángulo aúreo se denomina
gnomon. La idea de la proporción aúrea conllevó el concepto del módulo. Uno de los primeros fue el ladrillo, con proporciones y tamaños estandarizados. El arquitecto Vitrubio ideó un sistema de cálculo matemático para seccionar los espacios en partes iguales y así conseguir unas buenas proporciones. Aplicación: En este caso tenemos un amplio espacio a cada lado del eje horizontal, por lo que ambas partes, superior e inferior, deben albergar valores que justifiquen el espacio o bien se mantenga como vacío para una aplicación editorial o propuesta posterior que lo complemente. Especialmente agradable para paisajes con profusión de elementos.
8.- La Proporción del Animal. Ratio 1,7. 41,2%-58,8%. Se trata de una proporción genérica de gran versatilidad en fotografía formulada también en 2015 por el autor de este artículo por razones puramente fotográficas, para ser aplicada en fotografía de diversas aplicaciones. Es una formulación complementaria de la Proporción de Benito, cuando la escena no se ajusta a la anterior. Se aproxima mucho a la proporción interior de la Mandorla o Vesica piscis. De la denominada como medida o proporción del pez se obtiene un número muy próximo a la proporción del animal.
Es una aproximación a la raíz cuadrada de 3. Está dedicada al fotógrafo menorquín Toni Cladera. Aplicación: Esta proporción es de gran aplicación y con un agradable reparto de pesos cuando la escena muestra valores a ambos lados del eje horizontal. En paisaje es una propuesta muy sólida para estructurar composiciones con cielos y primeros planos con elementos destacables. Es una proporción muy pictórica, aplicable perfectamente a pintura de paisaje.
9.- La Proporción Tatami. Ratio 2. 50%-50%. En Japón tienen su propio sistema de proporciones llamado Tatami, tomado de la alfombrilla de fibra de arroz que utilizan, con una dimensión de 2x1 metros. Las habitaciones, puertas, ventanas… se basan en esta proporción y se miden en cuántos Tatami caben en su superficie. El Tatami mide 1/2x1 ken, una
medida cuadrada de 2x2m. El origen de las medidas en Japón provienen de la adopción del Shaku, medida China que se adopta como la unidad de medida nacional. El Shaku equivale a 30,3 cm. y es divisible en unidades decimales llamadas sun. Durante la segunda mitad de la Edad Media japonesa, en Japón, se implantó otra medida equivalente a 6 shaku: el
Ken y es la sexagésima parte de un chō. Aplicación: Como puede apreciarse esta proporción es adecuada para un tratamiento de Armonía, con reparto equitativo de pesos. Permite por tanto el tratamiento de una simetría o de una forma esférica o circular predominante en el encuadre.
Un buen sentido de la proporción es esencial en fotografía, sin él no sabremos determinar las adecuadas distancias entre elementos, de estos al borde, su tamaño comparativo… Ciertamente depende mucho del tipo de escena que presenciamos, pero el conocimiento de las proporciones y de nuestro gusto y opinión sobre las mismas, permite al fotógrafo trabajar con mayor precisión. “Quien se sienta sabio pruebe a descifrar el número de la Bestia, que es número humano: seis, seis, seis”. San Juan. Apocalipsis, 13,18:
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grupos de facebook
aprender fotografía mirando al cielo Este es un grupo de Facebook que nace con la premisa que las fotografías que comparten sus seguidores han de destacar aspectos de la naturaleza en los que el cielo destaque de alguna forma, ya sea por sus nubes, estrellas, luna... Aunque con el tiempo ha ido evolucionando y cada vez se comparten mas fotografías en las que se destacan distintos aspectos naturales , sociales o incluso consejos y links de interés.
Lo importante es compartir el trabajo de todos los participantes y, sobretodo, los comentarios técnicos o compositivos de los integrantes del grupo que colaboran activamente día a día y critican de una forma constructiva y objetiva.
Otras actividades son las quedadas entre los miembros del grupo, la intención es tener un contacto personal para afianzar la comunidad, es complicado ya que hay miembros repartidos por toda la geografía nacional e incluso de fuera de españa, la intención es poder ir creando este tipo de reuniones en diferentes puntos del estado para poder abarcar el máximo número de participantes.
Fotografía de Paky Pérez, miembro del grupo AFMC
FotografĂa de Fran Palmero miembro del grupo AFMC, Salida al pont del petroli (Badalona)
FotografĂa de David Illo, miembro del grupo AFMC, Salida al pont del petroli (Badalona)
FotografĂa de Christie Padial, ganadora del concurso del mes de junio
Otro aspecto del grupo es la organización de diversos eventos, el concurso mensual por ejemplo, en el que todos los seguidores del grupo pueden participar. El concurso es de temática variada , cada mes el ganador del anterior elige la temática del mes en curso. Este está planteado de forma que interceda lo mínimo posible el factor “amigo” a la hora de escoger el ganador ya que de la votación principal, en el que solo votan los que han participado en el concurso, se escogen 5 fotos ganadoras y de estas un miembro independiente y entendido en el mundo de la fotografía elige la ganadora.
únete!
Fotografía de Rodo López, miembro del grupo AFMC
Fotografía de Rosa Lur, miembro del grupo AFMC
Actualmente el grupo cuenta con cerca de unos 400 miembros aproximadamente, de los cuales hay muchos que interactúan activamente día a día , y esta en constante evolución. De entre todos ellos encontramos miembros básicamente del territorio español y Latinoamérica. (Foto de miembro latino) Desde aquí os invitamos a participar para promover y compartir tu trabajo fotográfico y tus comentarios en forma de crítica constructiva en el grupo y que para que pueda seguir evolucionando. Te apuntas? Te esperamos!! h t t p s : / / w w w . f a c e b o o k . c o m / g r o u ps/1479443025668365/1624195467859786/?notif_t=like
Fotografía de Francisco Javier Hernandez Díaz, miembro del grupo AFMC
Fotografía de Miguel Angel Aguilera, miembro del grupo AFMC
FOTOGRAFIA DE ALTA VELOCIDAD: CAPTURANDO INSTANTES Natural de Alcoy (Alicante) y oceanógrafo de formación, Pablo Bou tiene como gran pasión la fotografía de naturaleza y de alta velocidad en estudio. En el año 2007 se adentró en el mundo de la fotografía de la mano de su otra pasión: el buceo. No tardó en darse cuenta que la fotografía le había atrapado y fue al año siguiente cuando dio el salto al mundo réflex. A partir de ese momento, poco a poco se ha ido adentrando en diferentes disciplinas fotográficas como la fotografía submarina, de paisaje, nocturna, aves, macro y alta velocidad en estudio. El haberse enfrentado a todas estas temáticas ha hecho de Pablo un fotógrafo multidisciplinar con una visión amplia de
la fotografía, lo que le ayuda a la hora de afrontar situaciones y retos nuevos. Durante este tiempo ha participado en publicaciones en diversos medios (electrónicos e impresos), ha realizado exposiciones y ha formado parte en concursos de fotografía de naturaleza nacionales e internacionales, tanto como participante como ejerciendo de jurado. Todo este recorrido le ha servido para seguir aprendiendo cada día más de este mundo inagotable que es la fotografía. Dentro del mundo de la alta velocidad de estudio ha realizado su mayor especialización en fluidos. En ella combina diferentes esquemas de luz y tipos de
fluidos para crear nuevas y originales formas. En esta disciplina ha realizado diversas exposiciones y algún evento docente donde muestra su flujo de trabajo, como él entiende esta fotografía y cómo se puede variar los diferentes parámetros de la toma para conseguir los resultados deseados. Actualmente es el Presidente de la Asociación Española de Fotógrafos de Naturalza (AEFONA) y arropado por su junta trata de impulsar la fotografía de naturaleza de una manera inseparable con su conservación.
“Siempre he visto la fotografía como la mejor manera para canalizar la creatividad y los sueños de uno mismo. Ese fue sin duda el principal motivo por el que me adentré en la fotografía de alta velocidad de líquidos y cada vez que realizo una sesión estoy más intrigado por qué me deparará la siguiente. A lo largo del tiempo que llevo
haciendo este tipo de fotografía he ido entendiendo cómo se comporta el agua bajo diferentes condiciones. Pese al conocimiento que me proporciona la experiencia, el mayor reto con el que aún a día de hoy me enfrento es aprender a dominar los múltiples parámetros que entran en juego para que la imagen resultante sea exactamente la que busco.
En este primer número, he creído oportuno presentar mi trabajo a través de 20 imágenes empleando diferentes técnicas. En siguientes artículos entraré más en detalle de cómo se han realizado y los trucos que hay que tener presentes para aquellos que deseen comenzar en esta disciplina.” PABLO BOU
Pedro Javier Alcázar, lorquino (Lorca-Murcia) conocido con el pseudónimo “El niño de las luces”.
personajes, escenas y formas de luz creadas en su totalidad con la manipulación de herramientas lumínicas.
Fotógrafo reconocido a nivel nacional por ser referente dentro de la fotografía nocturna y pintura de luz comenzando su investigación en el año 2009.
Gracias a su progresión su trabajo ha destacado hasta el punto que en la actualidad imparte cursos de fotografía nocturna y pintura de luz por todo el país, tanto presenciales como ON LINE. Ha sido docente en talleres y convecciones fotográficas compartiendo su filosofía de la fotografía nocturna.
Esta nueva técnica (Pintura de luz) se basa en la fotografía nocturna, y es en este ambiente fotográfico donde Pedro ha destacado por su creatividad y en el desarrollo de nuevas técnicas con el manejo de herramientas de luz. Llega a construir sus fotografías utilizando su expresión corporal y el manejo de sus herramientas de luz, dando como resultado imágenes que se transforman paralelas a la realidad y muestran
Ha estado presente en Congresos fotográficos de la talla de FOTOGENIO (Mazarrón) http://fotogenio.net , compartiendo cartel con fotógrafos reconocidos y premiados a nivel internacional. El niño de las luces es un amante de la pintura de luz,
una nueva técnica fotográfica que se ha dado a conocer en todo el mundo, ahora es el momento de compartirla con todos mostrando un mundo lleno de posibilidades y en donde el fotógrafo participa en su totalidad en la realización de su proyecto fotográfico. Ahora es el momento para conocer el maravilloso mundo de la fotografía de una manera divertida y participativa, desarrollando la creatividad. Puedes encontrar sus trabajos y evolución en la web de “El niño de las luces”, www.elniñodelasluces.es , sitio web en donde se muestra una idea muy clara de lo que significa la pintura de luz real.
Como llegar a ser pintor de luz Hola amigos, vengo a contaros una historia de pintura de luz desde mi experiencia. Quiero dar algunos consejos a todos aquellos que aman la pintura de luz. A todos aquellos que siempre al principio necesitan un empujón está dirigido este pequeño relato. Os explicaré como llegar a ser fotógrafo nocturno y pintor de luz y no morir en el intento. Estos consejos que compartiré con vosotros son un subidón de motivación para ver las cosas siempre desde su cara más buena. En este apartado en el cual Fran me ha brindado la oportunidad de abrirme un poco a la gente, voy a tomarle la
palabra y expresarlo a mi manera. Intentaré contar lo que para mi es llegar a ser pintor de luz o fotógrafo nocturno, y si no lo consigues, al menos que llegues a ser feliz. Si te parece bien empezaré con algunos consejos. Lo primero que tienes que hacer es conocer trabajos de otros fotógrafos, y si echas un vistazo a los mejores fotógrafos empezarás por mejor camino. Observa sus fotos, analízalas, intenta emularlas, de esa manera ganarás en técnica. Es importante que desde el principio aproveches el trabajo de otras personas para
ganar en “cultura de la técnica”. Es importante que antes de todo conozcas la fotografía nocturna de paisaje, digamos que debes aprender al principio a realizar una fotografía nocturna básica. En este sentido en España tienes un montón de fotógrafos muy interesantes. Logan por ejemplo es un fotógrafo espectacular, es paciente, ordenado y siempre juega con la iluminación artificial, es todo un ejemplo de verdadero nocturno. Fotógrafos como Carlos Serrano, Presa Calzado, son amantes de la naturaleza y rápido lo entenderás viendo sus trabajos. Utilizan la fotografía para
Fotogrfía de Hannu Huhtamo
crear en sus espacios preferidos, lugares de paisaje en donde muy pocos llegan. Su pasión a la montaña les lleva sin problema, combinando perfectamente sus dos amores. Námor es otro gran fotógrafo, más de ruinas y que tiene una técnica de escándalo. Y así muchos más, Valero, Adriespeleo, Gregorio Villarubia, de todos podrás aprender visitando sus webs. Y después de conocer como hacer una fotografía nocturna es hora de conocer fotógrafos de pintura de luz. En España se ha puesto de moda trabajar con iluminaciones a modelos y los resultados son muy buenos.
En ese sentido hay fotógrafos muy buenos en nuestro país, fotógrafos como Eric Marsinach o Carles Calero, siempre me han parecido de las mejores, sus trabajos son complejos, muy técnicos y sobre todo cuidados. NO dejan un detalle a su antojo y eso en nocturnas se agradece mucho. Son fotógrafos que han sabido interpretar la expresión “menos es más” Si lo que quieres es pintar alguna máquina te aconsejo por obligación que conozcas al mejor pintor de máquinas de España, Gabriel Noctografía es un gran fotógrafo de Albacete, te encantará su
trabajo. Es delicado, muy técnico, y con estilo. Si lo que te mola es la pintura de luz yo soy un enamorado de fotógrafos internacionales. Danna Maltby te hará descubrir un mundo de fantasía increíble. Es sin duda la web más completa si hablamos de pintura de luz complejo. Si hablamos de fantasía, Janne Parviainen es todo un virtuoso, todo un ejemplo de pintura de luz compleja y creativa. Hannu Huhtamo es otro fotógrafo que me encanta, sus formas de luz son de una delicadeza increíble.
Fotografía de Adriespejo
Fotografía de “El niño de las luces”
Todos estos fotógrafos representan la técnica que más me gusta, trabajan de una manera increíble la creación con luces. Otros maestros como Darren Pearson, Vincent delesvaux y Cisco Lightpainting, todos eso son mis favoritos. Grandísimos creadores en la oscuridad, todo un ejemplo de pintura de luz. En España también han surgido grupos de amigos que desarrollan trabajos con el único afán de pasarlo bien. Luciernagos por ejemplo son un grupo de amigotes que utilizan las nocturnas para divertirse, Riders of li-
ghts con su estilo personal, Dark red team que lo pasan en grande creando cositas muy curiosas, y así muchos más fotógrafos que poco a poco están descubriendo la pintura de luz. Ya conoces una gran lista de fotógrafos a los que te puedes acercar y aprender de ellos. Para empezar yo creo que es lo más práctico, aprender de gente que disfruta de las nocturnas y lo hace con mucho gusto. Cuando visites las webs de todos los fotógrafos que te comenté entenderás que la pintura de luz es un mundo
enorme para crear en la oscuridad, solo necesitas como siempre de tu voluntad y compromiso. Pero de todo eso hablaremos en nuestra próxima cita. En la próxima publicación seguiré compartiendo consejos para que conozcas todo lo que debes aprender sobre esta técnica. Pasaremos a conocer otro tipo de cuestiones más personales, técnicas y que hablan de pasión y respeto a la pintura de luz. Nos vemos en la oscuridad.
FotografĂa de Dark Red Team
Fotografía de Darren Pearson
Fotografía de Presa Calzado
FotografĂa de Janne Parviainen
FotografĂa de Diana Ponce
Enlace a autores citados en el artĂculo Logan- https://www.flickr.com/photos/darklogan1/ Carlos Serrano – http://nocturna.carlosserrano.org Presa calzado - https://www.flickr.com/photos/presacalzado/ Namor- http://namorfotografia.blogspot.com.es Valero - https://www.flickr.com/photos/valeroxixona Gregorio - http://www.fotografodenoche.com Eric marsinyach - http://solofotografo.com Carles calero - http://carlescalero.com Gabriel noctografia - https://www.flickr.com/photos/gabriel-gonzalez/sets/72157633477622463 Danna MAltby- http://www.twincitiesbrightest.com Janne parviainen - http://jannepaint.wix.com/jannepaint-2 Hannu Huhtamo - http://www.hannuhuhtamo.com Diana Ponce - https://www.pinterest.com/monasteriod/fotograf%C3%ADa-nocturna-de-diana-ponce/
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EXPOSICIÓN DE FOTOGRAFÍAS Y PINTURAS CON MOTIVO DEL CENTENARIO DEL BAR VERSALLES Hacia el año 2012, el grupo de fotógrafos "DistricteIXimatge", el "Grupo Taca" del Casal Católico y el "Grupo Pintores de San Andreu", nos propusimos hacer un trabajo conjunto de pintura y fotografía, consistente en organizar una exposición con la simbiosis de las dos técnicas, fotografía y pintura, coincidiendo con el próximo evento del centenario del Bar Versalles. La idea fue madurando y los fotógrafos sugirieron organizar una sesión fotográfica con modelos, hombres y mujeres vestidos de época conviviendo dentro del Ambiente Modernista del Bar Versalles escenificando lo que podía ser un día cualquiera de la vida del local, como si de los años 15 del siglo XX se tratara, donde no faltaran personajes de la época como: la burguesía, los trabajadores de las hilaturas, novios, amantes, artistas bohemios, militares y señoras de moral distraída, ... Todo ello fue menester agrupar más de 20 personas entre
actores, estilismo y maquillaje, personal del bar, fotógrafos y pintores, lo que representó muchas horas de dedicación en cuanto al preparar el guion, buscar los personajes, los trajes y atrezos, la caracterización, el montaje de la iluminación necesaria, la coordinación de las escenas, etc, etc. Eso y las muchas ganas de hacer un trabajo que se recordara y, evidentemente con el consentimiento y apoyo económico de los actuales responsables del Bar Versalles, dio el resultado que estamos seguros se podrá disfrutar en la exposición. Acordamos encontrarnos todos y todas un domingo por la noche, después de la jornada laboral del bar, para preparar todo el montaje y poder iniciar la sesión fotográfica, acabando a las tantas de la madrugada. Desde aquí queremos aprovechar para destacar la colaboración de los miembros de los
Grupo de Teatro Antifaç y Grupo de Teatro Arsènic, para poder llevar a cabo la sesión de fotos que sirve de base de todo el trabajo artístico posterior. Habiendo inaugurado el 1 de marzo en el propio Bar Versalles, podremos seguir disfrutando de esta exposición durante este mes de septiembre gracias es posible a las facilidades que nos pone al alcance Xavier Basiana en el Espacio 30 de la Nau Ivanow. El próximo 4 de septiembre se hará la inauguración de la exposición de las obras del proyecto. Fotógrafos y Pintores presentarán sus trabajos, hasta finales de septiembre. Próximamente esta exposición tendrá nueva itinerancia por otros espacios y salas de exposición de la ciudad. Deseamos que disfrute de las obras, inspiradas en los inicios del BAR VERSALLES y que con ellas vuestra imaginación os traslade a principios del siglo XX de lo que era nuestro pueblo de San Andrés de Palomar.
FRIKYPHOT ON
Hola soy Riky, bienvenidos a la seccion FHF (Fricadas Humorísticas Fotográficas), tal y como lo describe la wikipedia. En esta sección podréis encontrar todo lo que no nos hemos atrevido añadir en el contenido de la revista. En cada publicación os animaremos a resolver los problemas que os proponemos y a pasarlo bien con nuestras ocurrencias. Dedicad unos minutos de vuestro preciado tiempo en asimilar cultura fotográfica de calidad, que os veo muy faltos.
CHISTES Studio Richard Photo fué el encargado de realizar una " Fotografía de Grupo Escolar": Todos los niños habían salido en la fotografía y la maestra estaba tratando de persuadirlos a cada uno de comprar una copia de la fotografía de grupo. PROF - Imagínense que bonito será cuando ya sean grandes todos y digan " Allí está Catalina, es abogada," o también " Ese es Miguel, ahora es doctor "................. Sonó una vocecita desde atrás del aula: NIÑA -" Y allí está la maestra. Ya se murió ".
Llega un cliente al studio photográfico: - Por favor, hágame una foto de medio cuerpo. Si señor, colóquese aquí. Tan pronto se pone en posición pone una cara sufrida por lo que el fotógrafo le dice: FOTOGRAFO - Así no señor, ponga una cara más alegre, más feliz. CLIENTE - Perdone pero la foto es para mi esposa que está de vacaciones en casa de su madre y si pongo cara de satisfacción regresará de inmediato.
Que tal andamos de definiciones ? Os animo a ver el grado de sabiduria fotográfica que tenemos. Tranquilos que nadie sabra nuestro resultados, pues traen la solución con ellos. 1- ABERRACIÓN a) Incapacidad de un objetivo para rendir una imagen perfecta del objeto, más frecuente en los bordes del campo. Hay siete aberraciones básicas comunes en los objetivos sencillos: aberración esférica, aberración cromática, astigmatismo, coma, aberración cromática lateral, distorsión curvilínea y curvatura de campo. b) Malformación de la imagen. C) Estructuras icónica llevadas a mal término. 2- ABERTURA a) Anillo circular que dependiendo de la abertura que se le de, dejara pasar más o menos cantidad de luz, pudiendo obtener una exposición adecuada. b) Orificio circular del objetivo de la cámara que controla la cantidad de luz que llega a la película. Salvo en las cámaras muy baratas, esta abertura es variable, indicandise el grado de variación mediante una escala de números “ f “ c) Denominado “f” es el grado de iluminación que se da a la exposición. 3- BARRIDO a) Movimiento que se da a la cámara en el momento de la exposición, produciendo un efecto irreal en la imagen en el que el objeto principal mantiene la nitidez y el resto queda borroso. b) Efecto que se puede crear tanto con la cámara como por sofware de retoque de imagen, como por ejemplo PS. c) Efecto gráfico producido al seguir con la cámara un objeto en movimiento oblicuo o frontal al eje de toma y disparar con una velocidad de obturación lenta. el resultado consiste en una gran diferencia de nitidez entre el objeto móvil y el fondo, que queda borroso. 4- COMA a) Efecto luminoso que se crea en la imagen cuando no disponemos de parasol. b) Aberración óptica que provoca manchas luminosas circulares en los bordes del campo.
c) Alteración luminosa en los extremos de la imagen. 5- COPIA a) Procesado que se genera a partir de un Raw. b) Resultado de la ampliación de una captura de imagen. c) Imagen final del proceso fotográfico. Se obtiene por ampliación o por contacto de un negativo o de una transparencia (copia directa). 6- CONTRALUZ a) Toma realizada en dirección a una fuente de luz. b) Toma realizada en la misma dirección que la fuente de luz. c) Toma realizada en dirección perpendicular a una fuente de luz. 7- DISPARADOR ANTINOUS a) No existe. b) Otra forma de referirse al disparador de cable. c) Otra forma de referirse al disparador a distancia. 8- FLOU a) Creación de Niebla en la imagen. b) O foco suave, es un grado de nitidez intermedia entre el enfoque y el desenfoque. c) Ambas son correctas. 9- HALO a) Imagen difusa que suele formarse en torno a las altas luces del sujeto. Aparece cuando la luz incide perpendicularmente sobre la película, atraviesa la base, alcanza el respaldo de la cámara y es reflejada de nuevo hacia la emulsión. b) Resultado del fuerce en el procesado de la imagen en zonas donde existe altas luces. c) Reborde blanquecino que se genera cuando existe un exceso de luz en la imagen. 10- MARGINADOR a) Persona que se encargaba de censurar según que tipo de imagen. b) Accesorio para colocar la hoja de papel fotográfico durante la ampliación. c) Instumento que sirve para crear un sangrado de la imagen, manteniendo los bordes virgenes.
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