Revista Phot 8 by PHOT.es

Tu nueva revista digital de fotografía

Nº 8 - Época II - Abril 2017

M A G A Z I N E E N T R E V I S T A

Javier

Jesús M.

de la toRRe GarcíA InspiraciÓn en las Raíces

Toni Arnaste Portfolio Photer

Vito Finocchiaro Photer DESTACADO

JULIO CASTRO Conoce a: Y Nuestras secciones de: ACTIVITY

CAST

James Nachtwey Y mucho más.....

Editorial

Foto PORTADA JAVIER De la Torre

ABRIL 2017

Dos meses más y una nueva edición de la revista Phot, consolidando el proyecto y el diseño tan dinámico y tan útil para ver la revista desde los dispositivos móviles que son los que más utilizamos en nuestro día a día para desarrollar todo tipo de tareas y para entretenernos mientras vamos en el tren, en el metro de camino al trabajo o a casa. En esta nueva edición aparte del contenido habitual y las nuevas secciones que os presentamos nos gustaría invitaros a ser solidarios, estamos acostumbrando nuestros ojos a ver todo tipo de desgracias desde el salón de casa, viendo la tele cómodamente sentados desde el sofá. No debemos sentirnos culpables siempre de todo lo que pasa en el mundo, todos tenemos problemas y vivimos el día a día como si fuera una carrera de supervivencia, pero tendríamos que considerar las dimensiones de las desgracias de muchas personas que no tienen la suerte de vivir nuestra realidad, que seguramente desearían vivirla para salir de la suya que es muchísimo más grave. Por ello queremos presentarte una nueva forma de hacerlo, de aportar un granito de arena en el conflicto de los refugiados, no salvaremos el planeta pero si desde aquí podemos ayudar a que una familia pueda comer y vestirse para no pasar frío ya habremos conseguido un pequeño paso, y los objetivos se consiguen así, paso a paso. El camino a la paz no es más que muchos pequeños pasos hacia una misma dirección y por ello nosotros queremos ser uno de esos pasitos y hemos llegado a un principio de colaboración con FAIV (Federación de asociaciones de inmigrantes del Vallés) que será quien distribuya los ingresos obtenidos por vuestra colaboración. Toda la información para poder colaborar la tenéis en la sección PHOT SOLIDARIA.

Presentación PHOT es una comunidad que combina todo lo necesario para que disfrutes de la fotografía, a todos los que nos gusta este arte, los que amamos esta afición o incluso trabajo, nos gusta disfrutar de él con otras personas, queremos compartir nuestras experiencias relacionadas con la fotografía con todos aquellos que portamos el virus fotográfico en las venas e incluso poder reunirnos en la mesa de algún bar y explicar lo que nos ha ocurrido alguna vez en alguna de esas batallitas, por la que todos hemos pasado, con la cámara en las manos. PHOT está aquí para eso, para compartir un espacio que congregue a todo aquel que quiera acompañarnos, para que disfrutéis con nuestra revista, para que nuestro photcast os acompañe allá donde vayáis o para que nos acompañéis en una de nuestras salidas o aprendáis junto a nosotros en alguno de nuestros talleres… Para lo que queráis estamos ahí, nos acompañáis?

Muchas gracias por vuestra aportación y disfrutad de la revista.

MAGAZINE email: info@phot.es www.phot.es

EDITOR PHOT.es

DIRECCIÓN Y EDITORIAL Fran Palmero Mario Dabán

CONTENIDO REVISTA DIGITAL PHOT Nº 8

ABRIL 2017

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Concursos

Cine Phot

PHOT Comentario

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Artículo

PHOT SOLIDARIA

HAN COLABORADO EN ESTE NÚMERO: Oliver Cubells, Raúl Santiago, Lluís Remolà, Óscar Chuecos, Mario Dabán, Hernán Ortega, Ángeles Arlandy, Fran Palmero, Sandra Vallaure, Samar Taha, Toni Arnaste, Vito Finocchiaro, Julio Castro, Sonia Chaves, Nuria Fonollosa, Carles Domènec, Diego Mora, Jordi Mestrich, Abel Martínez, Antonio Arias, Jose Antonio Gómez, Marco A. Álvarez, Freddy Enguix, Mario Rubio, Javier Damlow, Javier De La Torre, Jesús M. García

TONI ARNASTE

Vito Finocchiaro

JULIO CASTRO

SALIDAS

DISEÑO Y MAQUETACIÓN Mario Dabán

Entrevista: Javier de la Torre / Jesús M. García

CONTACTO GENERAL info@phot.es www.phot.es

Y mucho más....

James Nachtwey

vedades

Lo último del mercado....

Sigma 24-70 Una de las lentes mas completas por la gran cantidad de usos que tienes es sin duda un Tele corto como puede ser el 24-70 que ofrecen diferentes fabricantes para cámaras de lente intercambiable. Sus usos principales pueden ser: como retrato, paisaje o fotografía en general. En el número actual de PHOT os analizamos el Sigma 24-70mm F2.8 IF EX DG HSM. Una de sus grandes virtudes es poder disponer de un diafragma máximo de F2.8 en todo su recorrido lo cual le confiere una alta luminosidad incluso en distancias focales altas de 70 mm. Incorpora el ya conocido motor de enfoque con el sistema HSM que se nos presenta rápido y silencioso incluso en condiciones desfavorables de poca luz. Un peso total de 790 gramos, el diámetro de filtro de 82mm y unas medidas contenidas (diámetro 88.6mmx Longitud 94.7mm) lo convierten en una óptica práctica y relativamente discreta.

Adobe Lightroom Mobile Si dispones de Adobe Lightroom Mobile y te gustan las tomas HDR, estás de suerte, la actualización de este programa en su última versión (2.7.0 para IOS y Android), utiliza los RAW de captura para crear un HDR a partir de tres tomas. Este nuevo modo analiza la escena y decide las exposiciones adecuadas para la fusión de dichas tomas consiguiendo como resultado una imagen de 16 bits. De momento los dispositivos compatibles con esta funciona-

Cámara del LG G6 Sensor de 13 MP, Posee doble cámara, para intercambiar el encuadre de una a otra sin perder calidad. LG sigue la tendencia creada hace un par de años en el modelo LG V10.

lidad son escasos (iphone 6s, iphone 7, iphone SE, Ipad Pro, Samsung Galaxy S7 y Google Pixel. Esperemos que Adobe amplie la disponibilidad a otros dispositivos en breve.

Cada cámara aporta una focal diferente, una de ellas abarca un ángulo de 71º con una apertura de f/1,8 y la otra, más angular, 125º con una apertura a f/2,4. Enfoque rápido en situaciones de buena luminosidad, más impreciso cuando esta luz escasea. La aplicación de disparo nativa es de calidad, posee todos los controles manuales, guarda los archivos RAW, se le puede añadir una marca de agua al instante. La cámara delantera también es bastante angular, 100º con una apertura de f/2,2. Cámara de 5 MP con modo de belleza incluido para salir más guapos en los selfies. Video con resolución máxima de 4K y 30 fps, con estabilizador óptico y control de audio.

terec

Eventos y Exposiciones

mendamos

BCN

Raúl Santiago

MAD Fundació Mapfre. Peter Hujar – Speed Of Life

Centro Cultural Conde Duque. viajero inmóvil.

150 fotografías para explicar los más de 30 años de carrera de este polémico fotógrafo norteamericano. Disponible en Fundació Mapfre hasta el 30 de abril. web de la exposición

El Quadern Robat.

En esta ocasión el ganador del Premio Nacional de Fotografía 2000 nos sorprende con una exposición de 34 fotografías inéditas inspiradas en Asturias. Podéis visitarlas hasta el 16 de abril. web de la exposición

Colección dedicada en exclusiva a el personaje ficticio “Mr. Jones” creado por Oriol Jolonch. Tras exponer en New York podemos recrearnos con sus mundos oníricos hasta el 13 de mayo. web de la exposición

Badajoz R. Capa, G. Taro y

Chim – La maleta mexicana. La maleta mexicana ofrece por primera vez la oportunidad de visualizar un material inédito compuesto por más de 4500 negativos encontrados en 2007 firmados por Robert Capa, Gerda Taro y David Saymour y pertenecientes a la Guerra Civil Española. Estará expuesta hasta el 21 de mayo.

web de la exposición

– Los bombones del La-

ra.

Jones.

Sala de exposiciones Vimcorsa.

Teatro Lara. Sergio Parra

Oriol Jolonch – Me and Mr.

Córdoba

Chema Madoz - El

No han sido pocos los que han posado para el fotógrafo Sergio Parra mientras pasaban por el mítico Teatro Lara de la calle Corredera. Raphael, Paco León y Ana Belén entre otros se meten en la piel de personajes imaginarios de los años 20. Imprescindible. No tengáis prisa, tenéis hasta el 31 de diciembre para disfrutarla. web de la exposición

Centro Comercial El Faro. Desiree Delgado – Viaje a los sueños. Youtuber, instagramer, empresaria, fotógrafa, embajadora Sigma y 31 años. Si metemos eso en una coctelera nos sale Desiree Delgado y su impresionante trabajo. Estará expuesta hasta mediados de abril. web de la exposición

ncursos

Selección de concursos de fotografía

Lluís Remolà

III CONCURSO INTERNACIONAL DE FOTOGRAFIA DE ALICANTE

XXXIX CONCURSO DE FOTOGRAFIA VILA D´ALMENARA III SALON INTERNACIONAL DIGITAL 2017

Fecha máxima de presentación: 23/04/2017   Premio Máximo: 1.000€, 600€, 450€ y menciones de honor de la FLF a la colección. A obra suelta: 500€, 400€, 300€, 250 €, 200€ y menciones de honor de la FLF. Otros premios: Medallas, menciones, certificados. Presentación: On-line – Máximo colección de 4 fotos y 3 obras sueltas. País organizador: España  Temática: Libre monocromo/color – Colección Patrocinios: CEF – FLF Precio inscripción: 10€ Bases: http://www.cefoto.es/sites/default/files/concursos/bases/e_2017-08_iii_concurso_internacional_de _fotografia_alicante.pdf

Fecha máxima de presentación: 19/05/2017   Premio Máximo: 600 € y Pin azul FIAP al mejor autor del salón. Otros premios: Medallas FIAP, CEF, FLF y GFAL. Presentación: On-line – Máximo 4 fotos por sección  País organizador: España  Temática: Libre monocromo – Libre color – Viajes Patrocinios: FIAP – CEF – FLF   Precio inscripción: 20€ Bases: http://www.cefoto.es/sites/default/files/concursos/bases/i_2017-05_iii_salon_internacional_digit al_2017.pdf

Comentario: El Club Fotográfico de Alicante convoca la 3ª edición este concurso fotográfico Internacional, con temática libre y reconocido por la Confederación Española de Fotografía (CEF) y la Federación Levantina de Fotografía (FLF).

Comentario: Edición número 39 del Salón internacional de fotografía Vila d’Almenara, modalidad on-line, con 3 temas diferentes y reconocido por la Federación Internacional de Fotografía (FIAP), la Confederación Española de Fotografía (CEF) y la Federación Levantina de Fotografía (FLF).

3era BIENNAL INTERNATIONAL DIGITAL FOTOREPORTAGE “APHOTO REPORTER“ 2017

4TH BALEARIC ISLANDS DIGITAL PHOTOCIRCUIT 2017

Fecha máxima de presentación: 21/05/2017  Premio Máximo: 1.000 € y Pin azul FIAP al mejor autor del salón. Otros premios: Medallas, diplomas y cintas FIAP, ISF, GPU, FPF, CEF y FCF. Presentación: On-line – Máximo 4 fotos sección A, de 5 a 10 fotos sección B, audiovisual 5 minutos sección C.  País organizador: España  Temática: Foto reportaje color/monocromo – Foto reportaje colección – Foto reportaje Audiovisual Patrocinios: FIAP – PSA – GPU – ISF – CEF – FCF   Precio inscripción: 15€ Bases: http://www.cefoto.es/sites/default/files/concursos/bases/i_2017-11-_a_photo_reporter_2017.pdf

Fecha máxima de presentación: 28/05/2017  Premio Máximo: Medallas, menciones, diplomas FIAP, PSA, GPU, OSF y CEF. Otros premios: Pin azul al mejor autor Presentación: On-line – Máximo 4 fotos por sección  País organizador: España Temática: Libre Color – Libre monocromo – Viajes Patrocinios: FIAP – PSA – GPU – ISF – CEF   Precio inscripción: 40€ Bases: http://www.cefoto.es/sites/default/files/concursos/bases/i-2017-08_4th_balearic_islands_digital _photo_circuit_2017.pdf

Comentario: La Agrupación fotográfica AFOCER convoca la tercera edición de este concurso fotográfico Internacional bienal, con 3 temas diferentes referentes al foto reportaje y audiovisual, y reconocido por la Federación Internacional de Fotografía (FIAP), la Photographic Society of America (PSA), Global Photographic Union (GPU), Image Sans Frontiere (ISF), Confederación Española de Fotografía (CEF) y la Federación Catalana de Fotografía (FCF).

Comentario: Prestigioso certamen internacional, con sede en Islas Baleares (España), que consta de tres salones diferentes, (Mallorca, Illes Balears y Menorca), reconocido por la Federación Internacional de Fotografía (FIAP), la Photographic Society of America (PSA), Global Photographic Union (GPU), Image Sans Frontiere (ISF) y Confederación Española de Fotografía (CEF).

CINE

Sección de cine

Óscar Chuecos

COLOR VS BLANCO Y NEGRO EN EL CINE Estamos muy acostumbrados a ver fotografía en blanco y negro de forma habitual. Incluso en publicidad, donde la fidelidad al producto parecería deber ser lo principal, asistimos a imágenes sin pizca de color. En el cine la cosa es diferente, y es por muchas razones. La tecnología que permite plasmar color en película filmada estuvo plenamente desarrollada en 1939, o sea que la mayoría de nosotros percibe las películas en blanco y negro como algo antiguo, propio de clásicos, y si se da en la era moderna, un capricho estético. Y en parte lo es, ya que no hay razón tecnológica para no rodar o grabar en color, como no la hay para prescindir del sonido; cuando se hace es una elección plenamente consciente. Hemos oído tantas veces que “el blanco y negro es más realista” que se ha convertido en un cliché. La decisión de Spielberg de rodar “La Lista de Schindler” en ese formato, por ejemplo, parecía responder a esa premisa. A todo el mundo le parecía más veraz ver las imágenes de la masacre del gueto de Varsovia sin color, pero si nos lo paramos a pensar, es una premisa totalmente absurda: salvo para personas aquejadas de un grado muy extremo de daltonismo, la realidad es en color, y por tanto, retratarla en blanco y negro es estilizarla; una decisión plenamente consciente de prescindir de una parte de la realidad para potenciar otras, y definitivamente hacerla menos “realist”

¿De dónde viene, pues, esa percepción de mayor realismo de las imágenes en blanco y negro? Creo que de varios sitios. Por un lado, está nuestra sospecha, inconsciente pero real, de que la fidelidad de representación del color es una ilusión, desde el chillón technicolor de los 50 hasta el look hipertrabajado actual, que nos parece sintético. Sabemos, a ciencia cierta, que el color que vemos en una pantalla es una aproximación a la realidad, no la realidad misma, y éso nos aleja instintivamente de la imagen. Por otro lado, y creo que ésta es la razón principal, está nuestra educación visual. Volviendo a “La lista de Schindler”, la intención de Spielberg no era parecerse más a la realidad, sino a la forma que tuvimos los contemporáneos de la película de conocer esa realidad, que no es otra que la de documentales y fotografías… en blanco y negro. Así, además de la ausencia de color, Spielberg escoge retratar algunos momentos de la película con un estilo muy sucio: cámara en mano, tomas largas, cosas pasando en segundo plano… como si hubiera caído de repente, en medio de esa realidad, un equipo de documentalistas; eso es lo que confiere a la película ese halo de realismo, además, por supuesto, del blanco y negro. Una vez que nos damos cuenta de que el blanco y negro es una opción estética más, estamos en disposición de apreciar mejor el uso que algunas películas le han dado, y cómo en función de la intención,

han escogido un tipo de blanco y negro diferente. Porque no todos son iguales. Billy Wilder, por ejemplo, lo usó casi hasta el final de su carrera, porque según él “hasta el diálogo suena peor en color”; y lo cierto es que la apabullante fotografía monocromática de “El apartamento”, le confiere un aire atemporal del que carece, por ejemplo, una película del mismo año: “Espartaco”, igual de buena, pero mucho más comprometida estéticamente.

En “El apartamento”, Billy Wilder compensa la ausencia de color con un uso de los tonos de gris magistral: CC Baxter acaba casi fundido con su propia mesa.

Más recientemente, además del ya citado Spielberg en “La Lista de Schindler”, hemos visto películas dirigidas al gran público rodadas en blanco y negro como opción estética. Es el caso de “Sin City” (Robert Rodríguez, 2005), que toma esa decisión para parecerse al cómic en el que se basa, coloreando ciertos detalles en algunos momentos.

CINE

Sección de cine

Óscar Chuecos

curioso de este caso es que la película se rodó en color, con una cámara digital Sony, y se “desaturó” concienzudamente en postproducción.

tar un BluRay con la versión en blanco y negro. Pero no se limitó a quitar el color y ya está: volvió a hacer la corrección de color completa, trabajando como si no hubiera grabado en color, de manera que lo que se perdía en cromatismo se ganara en contraste; el resultado es, directamente, otra película a nivel estético, que gracias al prodigio de Miller como narrador permitiría perfectamente prescindir de los diálogos y se entendería igual. En resumen, aunque es menos habitual que en fotografía, aún es posible ver blanco y negro en el cine

Además de muda y en blanco y negro, “The artist” usa el aspect ratio 4:3 propio del cine mudo. “Sin City” es una película estéticamente muy interesante. La estilización de sus imágenes a veces las hace más irreales que el propio cómic en que se basa.

Otro caso con justificación no necesariamente narrativa es “The artist” (Michel Hazanavicius, 2011), que se rodó en celuloide directamente en blanco y negro, para emular las películas mudas que homenajea. El ejemplo más extraño y más fascinante de cine en blanco y negro reciente es, para mí, “Mad Max: Fury Road”. Una película recomendable a todos los niveles posibles, y en especial para los lectores de Phot.es por su indescriptible fotografía. “Un momeno, Óscar, Mad Max es en color!”, diréis. Bueno… sí, hasta cierto punto. George Miller concibió Fury Road como una experiencia sensorial extrema, y su intención inicial era hacerla en blanco y negro... ¡y sin diálogos!. No exactamente muda, sino

con personajes que no dijeran nada, y cuyo único sonido fuera la música y los efectos de ambiente. Pero hete aquí que Warner vio que aquello iba a costar sus buenos 100 millones de dólares y, por decirlo suavemente, se puso nerviosa. Es imposible plantear una superproducción de ese calibre en blanco y negro y sin diálogos, en la era en que Transformers lleva cuatro películas. Así que George Miller tuvo que hacer una película más “convencional”, hacer que sus personajes hablaran (aunque el protagonista no llega a pronunciar ni 90 palabras) y rodar en color. Sin embargo, el viejo George se guardó un as en la manga. Cuando Fury Road se convirtió en la película de culto que es, y recaudó suficiente como para que Warner se relajara, se puso manos a la obra para edi-

Fury Road en “black and chrome” es una experiencia. La fuerza de esta imagen es, si cabe, aún mayor sin color.

con una intención estética justificada, y vale la pena averiguar por qué el director tomó la decisión de prescindir de toda una gama de herramientas, y cómo trabaja con el resto para alcanzar su discurso.

Óscar Chuecos @spunkmayer

TOCOMENTARIO

Análisis fotográfico

William KLEIN "Broadway and 103rd Street. New York " (1955) Esta fotografía es parte de una colección que marcó un punto de inflexión importante en la historia de la fotografía en la segunda mitad del siglo XX. Esta colección fue publicada en 1956 con el título de 'New York - Life is good and good for you in New York' y supuso un giro en el género fotográfico. Utilizando películas de alta sensibilidad y por tanto muy 'granuladas', Klein introdujo distorsiones y desenfoques sin dudar. Sus composiciones, complejas y aparentemente sin orden, rompieron todos los cánones existentes. Resultaba una fotografía incómoda y cruda que probablemente lo que pretendía era simplemente reflejar los sentimientos y las sensaciones que tenía en una ciudad como Nueva York. Una fotografía llena de rabia y un nuevo modo de expresión. Parecía extraño que un fotógrafo hecho en Francia estuviera tan lejos del perfeccionismo que caracterizaba el estilo francés. Klein era todo lo contrario. La estética de Klein ha tenido no obstante una marcada influencia en los cánones de la fotografía contemporánea y el espíritu Klein se encuentra en buena parte de la fotografía documental actual. Curiosamente, después del terremoto que provocó en el mundo de la fotografía Klein desapareció del mapa y se dedicó al cine. Tiró la piedra y escondió la mano, la piedra no obstante la tiró lejos ... Esta imagen tiene un impacto inusualmente directo, como un punzón fotográfico en la cara. Un chico está vagando por las calles de la ciudad, jugando con un revólver, lo que se podría esperar en una sociedad en donde las armas de fuego constituyen un punto de referencia esencial. Apunta al fotógrafo mientras le grita: Manos arriba o eres hombre muerto! Esto no asusta al fotógrafo que le apunta con la cámara. Sin tiempo para componer, sin tiempo para enfocar. Utiliza un ángulo amplio que le da suficiente profundidad de campo. No lo suficiente para evitar el desenfoque de la pistola. Pero esta es la gracia, obtener una imagen clara pero con una composición agresiva. La cara del chico lleno de rabia y su amigo observando con total admiración.

Mario Dabán

habland

de...

World Press Photo - General News - 2º Premio

Mario Dabán

Santi PALACIOS http://santipalacios.com

El fotoperiodista madrileño afincado en Barcelona obtiene el segundo premio en la categoría de ‘General news’ del pasado Word Press Photo. Centrado en el ámbito internacional, ha colaborado con agencias de noticias, medios de comunicación y organizaciones no gubernamentales, como Associated Press, The New York Times, Al Jazeera o El País. Parte de su trabajo y reconocido con premios como Pictures of the Year Inter-

Una niña de 11 años de Nigeria, a la izquierda, que decía que su madre había muerto en Libia, llora junto a su hermano de 10 años a bordo de un bote de rescate de la ONG española Proactiva Open Arms, después de navegar durante horas en una barcaza con otros refugiados, durante una operación de rescate en el Mediterráneo, a unos 23 kilómetros al norte de Sabratha, Libia, el 28 de julio de 2016. (© Santi Palacios / AP)

national o REVELA, entre otros.

https://www.worldpressphoto.org/collection/photo/2017/general-news/santi-palacios

ha sido publicado en los principales periódicos y revistas,

habland

La muerte de la fotografía

de... Mario Dabán

Rafael ROA http://www.rafaelroa.net/blog/2016/11/la-muerte-de-la-fotografia.html Según Sebastiao Salgado la fotografía desaparecerá en unos 20 o 30 años. La fotografía ya ha cambiado debido a la llegada de la era digital. Quizás para mi no sea ese el debate más importante. La fotografía se ha ido modificando siempre desde su nacimiento a la par que surgían nuevos procesos. Cada cambio tecnológico en el siglo XIX iba acompañado de cambios estéticos y narrativos de la herramienta. Ha habido características que se han mantenido desde entonces, y quizás la más importante sea la de la puesta en escena que se mantiene en la actualidad. La mayor parte de la fotografía producida desde su nacimiento ha tenido una puesta en escena en mayor o menor grado. También nos hemos liberado de esa creencia de que la fotografía reflejaba la realidad y aceptamos que sólo sea una huella o imitación de aquello que “sucedió” en un determinado instante. Lo que ha cambiado desde la aparición de la era digital es el uso de la misma. Ahora nos comunicamos con imágenes que capturamos y compartimos desde cualquier dispositivo, en su mayor parte teléfonos móviles. Existe un afán irracional y obsesivo por capturarlo todo y compartirlo en las redes sociales. Hoy mientras visitaba la exposición de Robert Doisneau vi a varias personas fotografiar compulsivamente las fotografías de la exposición, en vez de analizar las imágenes y disfrutar de ellas. Muchas personas no viven la vida, sólo se limitan a capturar imágenes de todo lo que hacen, y compartirlo de forma inmediata en las redes sociales. Existe una necesidad obsesiva de mostrar cualquier acontecimiento cotidiano, exhibirse para ser observado por esa multitud de espectadores ávidos de recibir la aprobación de la comunidad virtual. Mostrar nuestra vida en imágenes es una obsesión para una mayoría de usuarios de teléfonos móviles y redes sociales. Hace años escribí sobre este tema, y apuntaba que el mundo se dividiría en una gran mayoría de captadores de imágenes y una minoría de fotógrafos o artistas. Estos últimos.... leer más

nsejosFOTOGRÁFICOS

¿QUÉ OBJETIVOS DEBERÍA TENER? – TIPOS Y APLICACIONES Sin duda, uno de los elementos más importantes en la obtención de imágenes está dado por el uso de objetivos adecuados, no por nada en el mercado existe una gran cantidad de opciones y ni hablar de las diferencias de precios entre focales similares, es por esto que hoy vamos a ver algunos temas fundamentales asociados a los tipos y usos de las ópticas. Si bien, todos los objetivos buscan crear una imagen de calidad en el sensor o película e integran características y automatismos similares, es conocido por todos que existen grandes variaciones de precio entre lentes que, en apariencia, son similares, sin embargo, los cristales, la protección de los mismos, sus sistemas automatismos y los materiales que se utilizan en su fabricación, son los que justifican estas diferencias, por tanto, debería ser prioridad del fotógrafo, lograr obtener los objetivos de la mejor calidad que su presupuesto le permita y para que esta inversión sea lo más eficiente posible para tu bolsillo, la recomendación es privilegiar los lentes que se ajusten a lo que haces, he aquí algunos ejemplos. 1.Paisaje diurno: Para este tipo de fotografías se recomiendan focales cortas, inferiores a los 35 mm, no requieres que sean muy luminosos, por lo que un f/4.0 o f/5.6 bastaría. 2.Nocturna: Acá se vuelve relevante la luminosidad del objetivo, idealmente, la máxima apertura debería estar entre f/1.2 y f/2.8. 3.Retrato: Las focales entre 50 mm y 70 mm son perfectas y si quieres planos más cerradas, podrías utilizar hasta un 200 mm, se recomiendan objetivos con grandes

Hernán Ortega

aperturas que te permitan realizar desenfocar claramente los segundos planos.

te permitirá realizar fotografías sin estar demasiado cerca ni lejos del sujeto.

4.Fotografía de acción: Nos referimos a esto como aquella que sucede en situaciones tales como deportes o en fotografía de especies animales en la naturaleza, para este tipo de escenas, se utilizan focales largas, por sobre los 105 mm, llegando fácilmente a necesitar un 300 o 400 mm con duplicador, todo depende de la distancia al sujeto, entre más luminoso, mejor, ya que se podrán realizar disparos a alta velocidad, el problema es que esto encarece mucho el objetivo, es una buena alternativa el uso de objetivos zoom, desde 70 mm hacia arriba.

8.Street photography o de Viaje: Para este tipo de fotografía de ocasión, una buena alternativa es utilizar objetivos zoom con focales entre los 18 y los 70 mm, idealmente, dos zoom uno angular entre los 18mm y 50 mm y otro más tele, entre los 35 mm y 70 mm, esto te dará la flexibi-

5.Fotografía Submarina: Las focales cortas permiten contrarrestar el efecto de distorsión de la luz en el agua, así, para escenas amplias, lo que recomiendo son un gran angular u ojo de pez, con longitudes focales inferiores a los 18 mm. 6.Arquitectura: Esta área requiere de la corrección del efecto de la perspectiva aérea, es por ello que el Tilt-Shift se vuelve una gran herramienta de trabajo que permitirá corregir las distorsiones durante la toma misma. 7.Macrofotografía: Si bien en esta disciplina hay alternativas, siempre será mejor contar con objetivos macro, dentro de los cuales, lo que recomiendo es la utilización de focales que se ubican alrededor de los 90 mm, esto

lidad suficiente para retratar gran cantidad de escenas.  Evidentemente, son todas recomendaciones generales, pues en todos los casos, siempre es posible mezclar los tipos de objetivos que se utilizan. Hemos mencionado objetivos de focal fija y variable (zoom), ¿cuál uso?, hay que balancear entre la calidad y la flexibilidad, los objetivos de focal fija poseen características de fabricación que los hace más livianos, más luminosos y con resultados de mejor calidad que los variables, por su parte, los variables permiten mayor flexibilidad, que en el caso de los fijos se consigue cambiando objetivos con mayor frecuencia, lo que implica, más objetivos y mayor tiempo de exposición del sensor al ambiente, entonces, los zoom son recomendables en situaciones en que la distancia al sujeto cambia frecuentemente y se dificulta que el fotógrafo se acerque o aleje de este, si a esto se agregan condiciones ambientales agresivas, el zoom es la mejor alternativa, en cualquier otro caso, lo que recomiendo es utilizar objetivos de focal fija. Si tu elección es un zoom, ten siempre la precaución de escoger objetivos que posean rangos de angular o normal o tele, evita utilizar objetivos de focal variable que

nsejosFOTOGRÁFICOS

¿QUÉ OBJETIVOS DEBERÍA TENER? – TIPOS Y APLICACIONES cubran todos los rangos, ya que al mezclar los tipos de lentes que se utilizan en cada rango, la calidad de estos decae notoriamente.

3.Sistemas de estabilización, no siempre es necesario, pero en condiciones de baja luz y tomas fotográficas en condiciones de instabilidad se agradece.

Ya sabes más o menos el tipo de objetivo que necesitas, ahora, hay que seleccionar el que vas a adquirir para tu cámara, para esto, lo primero que debes tener claro es el tipo de montura en tu cámara, si bien, siempre es posible utilizar adaptadores, lo mejor será utilizar el equipamiento que viene listo de fábrica.

4.Peso, el peso está dado por los componentes y tamaño, evidentemente si vas a hacer fotografía de viaje o calle, el menor peso se valora mucho.

Lo siguiente a definir es la compatibilidad, ojo con esto, hay objetivos que si bien poseen la montura, no necesariamente podrán ser utilizados con el modelo de la cámara, por ejemplo, existen objetivos diseñados especialmente para cámaras APS o micro 4/3, estas consideran el factor de recorte del sensor y que al montarlos en una cámara Full Frame, no serán detectados o producirán una viñeta o recortarán la resolución imagen. Ahora, deberías tener un listado de los posibles objetivos que te gustaría adquirir, averigua los precios de cada uno y de acuerdo a tu presupuesto define cuál de ellos son una opción real. A partir de ahí, revisa las especificaciones, compara: 1.Luminosidad, a mayor luminosidad, mejor desempeño en condiciones de baja luz y mayor control de la profundidad de campo. 2.Velocidad de enfoque, especialmente útil en fotografía de acción.

Hernán Ortega

5.Diámetro de filtro, esto te dará la información respecto al tamaño frontal del lente, a mayor tamaño, la cantidad de luz por unidad de superficie que ingresa al lente será mayor y con ello, se mejora el Bokeh y, normalmente, la luminosidad. 6.Ampliación, si quieres realizar fotografía macro, a mayor índice de ampliación, mayor será la relación del sujeto respecto el área del sensor. 7.Distancia de enfoque mínima, de igual forma, a menor, mayor será el índice de ampliación en fotografía macro. 8.Observa el bokeh de las fotografías de muestra. 9.Número de láminas, a mayor cantidad de láminas, mejor debería ser el resultado del Bokeh. Una vez revisada toda la información, no te quedes con ello, haz todos los esfuerzos por conseguir las Curvas MTF, estas te darán mayor información respecto del desempeño de los objetivos.

http://www.diproart.cl/index.php/prod uct-category/libro/

T 13

nsejosPS

Ángeles Arlandy

Trucos PHOToshop Estamos de estreno, con una nueva sección en nuestra revista PHOT, en la que me complace acompañaros a descubrir pequeños Trucos Photoshop, con la confianza, de poder enseñaros algunas de las posibilidades de este software. Mi nombre es Angeles Arlandy, vamos a descubrir aquellas acciones que están al alcance de todos, pero que muchas veces ni las vemos y que probablemente desconozcáis, a pesar de utilizar el programa con asiduidad, podremos encontrar en photoshop algunos trucos que pasan desapercibidos para algunos Adobe Photoshop es considerado uno de los mejores programas de diseño gráfico, para el apoyo en retoque fotográfico, pero también se usa en otras disciplinas como el diseño web, estilismo digital, edición video, etc. Por su facilidad de uso, hoy día ha dejado de ser una herramienta utilizada solo por diseñadores, para convenirse en un programa que usan fotógrafos en el proceso de retoque, edición digital e incluso retoque casero. Para ello me tenéis aquí, iremos descubriendo pequeños trucos, herramientas y funciones sencillas pero de gran potencial. En este número haremos una cosa muy simple, pero que queda muy vistosa y elegante en alguna de nuestras imágenes terminadas.

Enmarcaremos nuestra imagen Una vez terminada la fotografía, nos iremos a Imagen: en las opciones que nos ofrece, seleccionamos:

Tamaño lienzo: donde en el apartado de lienzo nuevo, podremos jugar con la anchura y altura deseada e incluso cambiar el color del marco como más se adecue o guste a nuestra imagen :

nsejosPS

Ángeles Arlandy

Trucos PHOToshop Al pulsar la pestaña de anchura y altura, encontraremos diferentes medidas para elegir como: Pulgadas, Porcentaje, Pixeles, Centímetros, Milímetros, Puntos, Picas, Columnas ...

Ahora nos toca exportar la imagen, donde tenemos la posibilidad de guardar en diferentes formatos de archivos, como BMP, JPEG, PSD, PNG, TIF, etc, de los cuales iremos hablando y especificando cada uno de ellos Un placer compartir esta pequeña acción con vosotros, nos vemos pronto en nuestro siguiente PHOT MAGAZINE, en Trucos PHOToshop, se despide de vosotros...

En la parte inferior del recuadro, encontramos Color de extensión del lienzo, donde encontraremos una amplia gama de tonalidades para nuestro marco. Una vez todo completado, tendremos nuestra imagen enmarcada, dándole un aspecto distinto y a la vez elegante, incluso podemos jugar trabajando dos marcos en diferentes colores y anchuras, creando un paspartú muy original . Aquí tenemos nuestra imagen terminada y enmarcada con nuestro toque personal.

ARTíCUL Artículo de Opinión

Fran Palmero

Hoy he escogido esta fotografía repleta de simbolismo, os pongo en situación, me

na que la realiza. Adivináis el mensaje?, es muy duro, bajo mi punto de vista es una

reuní con Samar de FAIV (Federación de Asociaciones de inmigrantes del Vallés) pa-

fotografía de primer premio del world press photo simplemente por lo que nos quiere

ra tratar el tema de nuestra sección solidaria y quedamos en que me mandaría unas

decir. La primera cuestión a resaltar, es la simplicidad, no hay nada que desvíe la

fotografías que le habían hecho llegar desde campos de refugiados sirios para ilus-

atención de los sujetos protagonistas, eso hace que centremos los ojos en el niño

trar su sección, el impacto que me generó ver las fotografías que me envió fue enor-

que aparece dormido en el centro de la toma, que además, para potenciar el mensa-

me, el saber que éstas te llegan de primera mano por gente que lo está viviendo en

je y obligar a la vista del espectador a que vaya ahí , tiene una manta que lo tapa

sus propias carnes te hace reactivar tu mente y hacerla más susceptible de pensar

con motivos de color rojo por lo que el contraste tonal con el fondo de la propia man-

que el dedo que está apretando el botón de la cámara o el del móvil, tanto da, puede

ta obliga a la vista a que sea lo primero que vea. Acto seguido los ojos ven dos montí-

ser el padre, la madre o la persona que haya quedado a la custodia de los niños re-

culos de piedras, cada uno a un lado del niño que duerme , con forma de tumbas,

tratados (a veces ,"los fotógrafos", tan solo son unos críos también), ponerte en la

ésta hace activar al cerebro y la hipotética historia surge como de la nada, el chaval

piel de los que están sufriendo es más fácil en ese caso.

no tiene nada ni a nadie más que los que yacen enterrados a su alrededor y quién sabe si el niño yace en medio de ellos consciente que el futuro le llevará a

Esas fotos están llenas de mensaje, podrías pensar

ocupar ese mismo lugar víctimas de una macabra gue-

que al estar hechas por gente que no entiende, al no

rra, que como todas las guerras, actúan en mayor me-

tener una calidad fotográfica suficiente, no lo contie-

dida contra los que menos culpa tienen, los civiles, las

nen. Pues nada más lejos de la realidad, el conoci-

personas, los niños.

miento de esa realidad y el hecho de estar viviéndola en primera persona hace que inconscientemente

Un día después de escribir este artículo me llegó la

esas imágenes tengan intrínsecamente el mensaje y

noticia que esta fotografía era un montaje de un fotó-

el simbolismo que merecen incrustadas en el dedo

grafo que utilizó a su sobrino para realizarla, después

que aprieta el botón, quizás el punto de vista, la pers-

de darle un par de vueltas y estar tentado a borrarlo

pectiva o la composición en general podría ser mu-

de arriba a abajo he pensado mantenerlo porque a

cho mejor, eso es cierto, pero el significado de esa

veces se juega con esta dicotomía y, sea real o no, la

toma es tan potente que esa composición fotográfi-

impresión que impone la fotografía a primera vista es

ca pasa a un segundo plano directamente y sin pa-

la que os he descrito y por ello no he visto convenien-

sar por la casilla de salida.

te modificar el artículo, la intención ética y moral de la fotografía en sí ya sería motivo de otra reflexión.

En la foto escogida para ilustrar el artículo lo podemos ver claramente, no está ni retocada, ni reencuadrada, ni editada, la toma llega tal cual de la perso-

Pulsa aquí para ver el montaje.

Fot

sdeviajes

¿Qué es la Fotografía de Viajes?

Sandra Vallaure

No hace tanto, antes de que la fotografía digital fuera popular, y cuando las cámaras costaban una fortuna, la Fotografía de Viajes era una disciplina al alcance de unos pocos valientes. Viajaban a algún destino exótico y alejado con la intención de volver con una colección de imágenes que mostrasen lugares y culturas que no hubieras podido ver de otra manera. Seguro que te vienen a la mente algunos de los antiguos reportajes de National Geographic. Aunque antes destacase la obra de los pioneros Maxime du Camp, Samuel Bourne o Charles Clifford. Es más, hasta hace relativamente poco tiempo, esta tarea estaba reservada a un puñado de fotógrafos profesionales que recibían encargos por parte de las agencias de viajes y de los editores de guías de viaje. No obstante, la democratización de los viajes (dale las gracias a Ryanair) y el hecho de que muchos de estos lugares se convirtieron en destino turísticos han dado un vuelco a la Fotografía de Viajes. Así, ha dejado de ser un reflejo de lo exótico y extraño para convertirse en un conjunto de imágenes atractivas y sugerentes con las que llenar folletos y guías de viaje. Vivimos en un momento en el que un aficionado como tú tiene la suerte de poder volar a la otra punta del mundo gracias a una tarjeta de plástico, y captar esas aventuras con una cámara que cabe en el bolsillo de sus vaqueros.

Burton Bros. - "The Sutherland Fall expedition" Milford Sound (Nueva Zelanda) 1888

Por eso, la Fotografía de Viajes necesita redefinirse de nuevo. Hoy en día la mayoría de los locales (los que viven en eso sitios que tú y yo aspiramos visitar cuanto antes) tiene fácil acceso a la fotografía. Ellos son quienes tienen más y mejores oportunidades de hacer grandes fotos del lugar en el que viven. Disponen de más tiempo y mayor conocimiento. Todo ello se traduce en una proliferación sangrante de imágenes. O como bien dice David duChemin, “(...) El mercado está saturado, y cualquiera que quiera una imagen de Taj Mahal puede ir a Flickr y encontrar 100 fotógrafos que han disparado la misma foto desde el mismo ángulo en la misma cámara, y lucharán por la oportunidad de regalar esa imagen con la esperanza de obtener algún crédito editorial.” Y ahora es cuando me haces la eterna pregunta. “Entonces, ¿cómo puedo ser un buen fotógrafo de viajes?” Si quieres mi opinión, tienes dos opciones. La primera es decantarte por hacer fotos concretas de mucha calidad. La segunda es realizar ensayos fotográficos. Por un lado, en páginas web como Flickr o en aplicaciones como Instagram la masificación de “imágenes clones”, esas fotos de los mismos atractivos turísticos captadas desde el mismo punto de vista una y otra vez, es abrumadora.

Samuel Bourne - "Three seated men with a standing attendant holding a fan (India)" 1870s

Fot

sdeviajes

¿Qué es la Fotografía de Viajes?

Sandra Vallaure

Para luchar contra ello y destacar, tendrás que buscar un ángulo diferente, una luz cautivadora o un sujeto original. Y son esos pequeños grandes detalles los que, en general, te ayudarán a realizar una composición mucho más estudiada y efectiva. Todo ello te llevará a conseguir imágenes que hablan por sí solas, aunque trataremos estos aspectos en detalle en futuros artículos. Por otro lado, trabajando en ensayos fotográficos llevarás a cabo un estudio y una reflexión sobre tu destino y tus experiencias que van más allá de la mera instantánea. Al fin y al cabo, le estás contando al espectador cómo viste esos lugares y cómo percibiste esas culturas a través de tus ojos (o de tu cámara que, para el caso, es lo mismo). Y es que un ensayo fotográfico no es más que un conjunto de imágenes que tienen un vínculo común y cuentan una historia, ya sea sobre el viaje en sí, o una cultura o su historia o lo que tú quieras porque las posibilidades son infinitas. Es como si te llevases al espectador contigo, de la mano, y te dieses una vuelta con él. Pero cuidado, porque tendrás que preocuparte por ofrecer imágenes creativas y de calidad, no una colección de tu álbum de estas últimas vacaciones. Esto implica que tendrás que pensar, tener una idea clara y concreta de lo que quieres mostrar. Y esto te obligará a investigar (algo) tu destino sin dejar de ser relativamente flexible para adaptarte a las condiciones y experiencias que te irá regalando el viaje. Dudo mucho que la Fotografía de Viajes sea un disciplina en decadencia o se extinga en un futuro próximo. Pero tienes que ser consciente de que las circunstancias han cambiado (y mucho) desde aquellos primitivos exploradores de los años 20. Por eso, es imprescindible no sólo que cambies tu forma de ver el mundo si no de enseñárselo a los demás. Únete a la comunidad de fotógrafos de viajes visitando Sifakka y, por supuesto, si tienes cualquier duda o sugerencia para esta sección, no dudes en ponerte en contacto conmigo a través de Twitter o de mi dirección sandra(arroba)sifakka(punto)com. Sandra Vallaure @vallausa

http://www.sifakka.com/blog/

He querido rescatar esta imagen del baúl de mis archivos fotográficos. La hice en 2003 con mi primera cámara digital, una Olympus Mju 300 Digital con unos fascinantes 3 megapíxeles que mi padre me regaló y que para mí era lo más. Como verás, la calidad (en todos los sentidos, no sabría ni por dónde empezar) brilla por su ausencia. Pero la perseverancia es buena compañera y ahora, por lo menos, sé encuadrar.

FAIV

TSOLIDARIA Samar Taha Aquellas casas cálidas, con olor a canela y jazmín, ahora están llenas de gritos de terror, dolor de madres que han perdido a sus hijos, y de niños que han perdido a sus padres. La revolución iniciada en Siria el 2011, fue un grito de libertad y de transformación de-

Samar Farah es responsable de tema refugiados en FAIV, socióloga, politóloga y especialista en derecho internacional público, directora del centro europeo de estudios políticos sobre el mundo árabe, ISTISHRAQ, trabajando en tema refugiados desde 2011.

mocrática, política y social, que al poco tiempo y a consecuencia de la intervención de todas las potencias regionales, se ha transformado en un conflicto regional, y después internacional. Los jardines de jazmín se han convertido en campos de batalla, donde las potencias libran sus guerras, negocian sus acuerdos y sus negocios en Siria. Los seis años de

Recuerdo las calles de Damasco de antes del 2011, llenas de luz, sonidos, olores y, sobre todo, de las risas de los niños que corrían sin cesar. Aquellas calles que hablaban por si solas, cada rincón en que se podía escuchar aquellas risas y ver las miradas llenas de vida. Nadie en Siria, ni en sus peores pesadillas, podía imaginar la situación en la que nos encontramos actualmente, como aquellas calles llenas de vida, hoy lo están de terror y de miedo, y de un dolor que muchos sirios no podemos explicar.

guerra se han convertido en la exterminación del pueblo sirio, ante la mirada congelada del mundo. ¿Cómo podemos mirar sin actuar? ¿soportar ser espectadores de tanto dolor humano? Esos niños, que están en los campos de refugiados con los pies descalzos, tienen derecho a un hogar, a comer, estudiar y vivir con seguridad.

FAIV

TSOLIDARIA

Unas de las imágenes más impactantes que he visto es la de un niño que de su familia solo le quedó el zapato de su padre, y la de otro que estuvo caminando durante días hasta morir de frío y de

Samar Taha Quieres ayudar a estos niños a tener una vida mejor?

hambre. Esos niños buscaban por el suelo algo de pan, después de días sin haber podido comer. Lo que está pasando en Siria es lo que explica Zygmunt Bauman, sobre cómo las personas, en un mundo de racionalidad burocrática moderna, se convierten en productos de un uso, que se venden, se utilizan y luego se desechan, provocando un holocausto. Ya no me dirijo a los políticos, que no hacen nada ni lo harán; pero si que hablo con las personas que sienten alegría, tristeza, calor o frío. No pretendo grandes cosas, solo que estos miles de niños sirios puedan dormir con mantas, sin pasar hambre, frío y dolor; y por eso es necesario que nos fijemos en los que todavía están allí, abandonados en las calles o en los campos de refugiados, con solo la esperanza de que gente buena y honesta piense en ellos y vaya a ayudarlos. Estos miles de niños que lo han perdido todo, nos están pidiendo que los ayudemos, somos su única esperanza. Entre todos podemos ayudarlos a ser lo que las grandes potencias les han quitado y que nuestros gobiernos les niegan. Solo les queda nuestra solidaridad.

Desde PHOT te pedimos que colabores con FAIV, realizando una donación en beneficio de los niños refugiados en campos de refugiados del interior de Siria. La donación es del importe que queráis, todo, por poco que sea, ayuda. El número de cuenta es:

ES3500810198010006382249 y como concepto: “Colaboración Solidaria PHOT” Si queréis más información sobre FAIV o poneros en contacto con ellos, aquí os dejamos un enlace: http://www.sabadell.cat/es/fitxa-repertori/26672 -repertori-25587

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Una nueva dimensión de la fotografía...

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A R T Í C U L O

TONI

ARNASTE Todo aficionado a la fotografía o a cualquier otro tipo de arte busca inspiración. Esa eterna necesidad de encontrar motivos que nos conecten directamente con nuestro “yo” más profundo y permita que nuestras emociones fluyan a través del proceso creativo. El insistir más o menos en satisfacer esta dulce necesidad, será lo que determinará en gran parte cuál será la longitud de la trayectoria que recorreremos en esta afición, del mismo modo exacto como pasa en cualquier otra disciplina creativa. Como muchos grandes colegas han comentado, la base de la creatividad está en la capacidad de observación que tengamos de todo nuestro entorno, y muy especialmente en cómo ésta nos afecta y qué sensaciones nos despierta todo aquello que vemos. Se trata pues, de algo que nace justamente de esta genial conexión entre lo que percibimos externo a nosotros y aquello que ya llevamos dentro. Cuando la chispa salta, (llámela inspiración si usted desea, espontánea como un estornudo) nuestra capacidad creativa nos llevará a perseguir esa idea como el galgo persigue a la liebre. Ahí empieza el disfrute. Por eso estamos aquí leyendo y compartiendo.

Inspiración en las Raíces 23

Inspiración en las Raíces

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ARNASTE 24

Para mejorar nuestro trabajo, ordenar un poco estos instintos y poner un poco de criterio en nuestra obra, una de las estrategias interesantes que les quería hoy comentar es la de realizar colecciones temáticas, o lo que recientemente llamamos proyectos de autor. Centrando nuestra atención sobre una temática concreta (desde una idea, objeto, concepto o cosa), trabajamos con una directriz ya definida y eso permite poder centrarnos en muchos otros aspectos relacionados con el sentido y finalidad final de la obra, el mensaje, la coherencia visual, la continuidad… Pueden ser proyectos a corto o a largo plazo, e incluso se pueden llevar varios en paralelo… No tengo claro si existe o no un número mínimo de imágenes relacionadas entre sí para poder considerarse la obra como una “colección o proyecto de autor”, pero en cualquier caso cuanto más tiempo e interés se ponga en ello, de más imágenes se dispondrá para poder elegir, y eso nos proporcionará al final un resultado mejor del conjunto. Podemos empezar con temáticas fácilmente accesibles cotidianamente, que nos sirvan como práctica y entreno para nuestra creatividad, hasta acabar con proyectos de temáticas mucho más complejas y que requieren de altas dosis de “necesidad insatisfecha” para poder ser llevados a cabo. Vamos a hablar de estos primeros. Aportemos ideas de trabajo y seguidamente le mostraré algún posible ejemplo con mis porqués personales… Puede usted encontrar temáticas a seguir con suma facilidad. Lo más importante es que su primera colección sea realizable en un plazo razonable (si usted no tiene la sensación de avance a corto plazo, lo va a mandar todo al garete por aburrimiento), con motivos fácilmente asequibles que le permitan experimentar y centrarse en los aspectos propios de la colección. Y sobre todo, debe ser una temática, como hemos dicho, que le remueva algo en su interior. Empecemos con elementos del entorno habitual y su relación con usted mismo: Los caminos. Calles, carreteras, pasos, pasarelas, senderos… cualquier pasaje por el cual usted ( y por lo tanto, el espectador) va o viene de algún lugar… Hay muchísimo contenido poético en los caminos. También son elementos geométricamente muy estéticos. Fáciles. Inmóviles. Abundantes. Pueden estar altamente transitados o totalmente vacíos… Los caminos conectan lugares, conectan personas… Puede ser una buena primera colección, para practicar y buscar elementos en común entre todas las imágenes y a la vez diversidad para aportar diferentes perspectivas del mismo concepto.

Suelos. ¿Se ha fijado usted en la infinidad de texturas que existen de suelos?. El suelo es la frontera inferior. El suelo nos sostiene. El suelo puede ser nuevo o gastado por el paso del tiempo. Natural o artificial. Con historia o sin. Sucio o limpio. Mojado o seco. Fíjese en las fotografías antiguas de zonas conocidas. El suelo evoluciona. Interiores, exteriores. Losas, adoquines, asfaltos, pinturas, señales… La interacción de las sombras con él… Todos pasamos pero el suelo queda. Ventanas y paredes. Lo mismo que anteriormente. La pared aísla. La ventana comunica. No hay 2 paredes iguales (bueno, excepto en Seseña…). Las paredes también sustentan elementos interesantes (lámparas, cuadros…), hay de interiores, exterio-

res… Sobre las ventanas nada que decir, usted mismo ya se imagina la enorme carga de mensaje que aporta este elemento… Bancos (los de sentarse eh!). Piense un poco, muchos de sus mejores recuerdos los ha vivido usted en un banco. Es un elemento impresionante que da mucho juego. Como dice un amigo mío, los bancos son espacios para compartir. Reposo, contemplación, conversa, tiempo… Abundantes, de mil formas y diseños… Puede centrar la atención en los usuarios de los bancos, o bien el emplazamiento que estos ocupan. Los bancos nos rodean, centre su atención en ellos y verá su enorme poder de juego…

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Árboles. Me encantan. Son los primeros habitantes del planeta. Los más grandes y longevos. La mayoría ya existía antes que nosotros naciéramos y tantos otros nos sobrevivirán por muchos años. Creadores del elemento gaseoso vital, nos han ofrecido desde siempre cobijo, calor, sombra, vida, materiales, combustible… Algunos albergan a otros seres vivos, es difícil encontrar un ser más generoso encima de la Tierra. Algunos parecen sabios, otros inspiran fuerza, poder, misterio… Sorprende su capacidad de adaptación al medio y su siempre armoniosa geometría. No hay religión ni cultura donde los árboles no tengan un papel simbólico predominante. Desde todos los aspectos, los árboles pueden (y en mi opinión deben) ser objeto de admiración. Les adjunto a lo largo del presente artículo algunas de las imágenes que componen una colección temática aún por nombrar, a título de ejemplo. Estoy intentando mostrar a estos elegantes gigantones en sus situaciones más variopintas. Mi atención e interés en los árboles de todo tipo surgió, entre otras muchas cosas, de la enorme sensación de vacío que experimento en su ausencia. Descubrí esto a través de algún viaje a zonas desérticas o sin vegetación alta. Desde entonces, siempre que me desplazo a donde sea, lo primero en que me fijo es en ellos, su presencia, tipología y densidad. Me gusta que estén ahí, viéndome pasar, cada uno diferente y único, y a la vez, con esa extraña sensación de que están todos interconectados de alguna forma. Le cuento eso porque si usted no es capaz de inspirarse con algo que le guste, posiblemente pueda hacerlo con algo que le moleste o que eche en falta.

El agua. No prestamos atención a la importancia y multitud de estados por donde transcurre cada molécula del elemento base. El agua es la sangre del planeta, su ciclo circular (desde las nubes, precipitación, su camino descendente a través de los ríos hacia los océanos y mares, y su evaporación final para volver a empezar), así como sus diferentes estados de su misma materia (líquido, sólido y gas) puede darnos mil y una ideas para empezar. Lluvia, hielo, olas, vapor, nubes… Todo es lo mismo!.

un buen abrazo. El homenaje a la persona empieza a ser un tema no solo interesante, sino necesario. La afectación temporal sobre ellas, sus relaciones, sus sentimientos asociados (alegría, aburrimiento, odio…), sus ocupaciones, miedos, su paso por la vida, la muerte… No hay nada más potente para un ser humano que otro ser humano. Trabaje este aspecto. No estoy hablando de fotografiar modelos, se trata de captar a la persona en sí, con todo lo que lleva dentro. Nos lo merecemos.

Elementos cotidianos artificiales como interruptores de la luz, enchufes, lámparas, estufas, mesas, máquinas de coser, cacharros varios… Aparentemente sin importancia hoy en día… Recuerde que hubo una época donde sólo los ricos podían disponer de estos elementos. Una visita a los anticuarios puede acercarle a la idea que intento transmitirle. Un mismo objeto puesto en distintos escenarios es un recurso típico, pero si se hace con una idea clara puede dar un hilo argumental genial.

Denuncia de cualquier tipo. Contaminamos, maltratamos, desahuciamos… Quien ejecuta un proyecto personal de denuncia de cualquier tipo vive en sus carnes el especial sentido de su trabajo, y se trata (como no puede ser de otra forma) de unos proyectos de un enorme valor social. Lo que pasa en los zoológicos no tiene nombre. Lo que hacemos a nuestra naturaleza tampoco. Y lo que los humanos hacemos a los otros humanos peor aún. En todos estos casos, cuando usted está contemplando una escena o situación que le provoca repulsa y siente ganas de documentarlo y contarlo todo, aprovéchelo y siéntase seguro que todos lo vamos a agradecer. Esta temática va exigir a veces de riegos y un poco de movimiento e investigación. Pero siempre lo vale. Y todo lo que vale, cuesta.

Las personas. Estamos en una época donde el exceso de comunicación digital está mermando otros aspectos básicos de las relaciones interpersonales como por ejemplo la reflexión interior o el emplear tiempo en estar cara a cara con un amigo y poder darle

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No puedo parar, pero debo hacerlo. Ahora siga usted por favor. Todos estos ejemplos que le he sugerido son temáticas fáciles por su accesibilidad y abundancia en nuestro entorno cotidiano. Pueden ser quizás buenas propuestas para empezar y poder así centrarnos e ir evolucionando la idea del mensaje global, la narrativa de las imágenes o los aspectos más técnicos como la estética de la obra en conjunto, y pasar de hacer imágenes independientes entre sí a un trabajo global con más valor y más sentido. Sea cual sea su idea, como ya he dicho un buen consejo es que se empiece con algo lo más realista y realizable a corto o medio plazo, teniendo en cuenta su disponibilidad de tiempo, las ubicaciones geográficas y la facilidad de acceso a los motivos que usted busca. Muchos proyectos de autor pueden quedar en el tintero per una excesiva expectativa inicial, por lo que mejor practique y domine en lo cotidiano, para estar preparado para lo extraordinario. El pasar de tomar imágenes independientes (por muy excelentes que sean), a un conjunto con un hilo argumental es uno de los mejores ejercicios para dar músculo a esa creatividad. Practíquelo y me cuenta. Toni Arnaste Boixadera.

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T AC T I V I T Y

T C AST

T M AG A Z I N E

Vito Finocchiaro “ UNA STORIA ANTICA E MODERNA... LE TRADIZIONI, UN VALORE DA RACCONTARE: SANT’ALFIO E I SUOI DEVOTI.”

Una historia antigua y moderna,,, la tradición, una valor a contar: Sant’Alfio y sus devotos.

texto traducido por Inma Cárdenas

Vito Finocchiaro

“UNA HISTORIA ANTIGUA Y MODERNA... LAS TRADICIONES, UN VALOR A CONTAR: SANT’ALFIO Y SUS DEVOTOS.”

Tradición: la transmisión a través del tiempo, de una generación a la siguiente, hábitos, recuerdos, testimonios, rituales, folklore ... la identidad cultural y la pertenencia de la gente de su comunidad local. Una repetición de gestos y celebraciones, que cada año se convierte en el nuevo y original, todo sucedió y todo sucede de nuevo, pero siempre de una manera única y emocionante, la renovación y re-escribir la historia de toda una comunidad ... esa historia ya vivida por nuestros padres. Los días más esperados del año; días de fiesta, de alegría, de recuerdos del pasado y presente emoción:

Noche de "Dera", que desde tiempo inmemorial recordar a los devotos el viaje conmovedor de los tres hermanos hacia Lentini, donde fueron martirizados, y su transición hacia territorio sant'alfiese. En esa ocasión, todos los aldeanos curiosos, salieron de sus casas con antorchas encendidas para iluminar el camino. Desde entonces, la tradición dice que en las noches del jueves y el viernes, antes de la fiesta, en el pueblo de Sant'Alfio frente a cada casa se enciende una hoguera con resina de madera que ilumina, una vez más, la forma de sus Santos. El primer domingo del mes de mayo, el más esperado ... El día en que el país entero puede reunirse alrededor de los tres hermanos Santos; Domingo de celebración, de alegría, de corazones que esperan, gracias, recuerdos de la emoción del pasado y presente. El día de vestir, una en la que una vez más, con devoción y emoción, los simulacros y columnas de Vara se "vistió" con exvotos de los fieles; el día de la solemne llamada la Iglesia Catedral, anunciando a todos la próxima liberación de los Santos; Bummi el día, espectaculares fuegos artificiales, los cuales, por la vibración del alma y de la tierra, anuncian "Un nisciuta de Sant'Affiu"; El día de la giru tan esperado du Santu, durante el cual los esfuerzos de los empujadores devotos llevan la Vara en el que anima multitud ... La Fiesta de Sant’Alfio: multitud, alegría, lágrimas ... un derroche de emociones que contar, vivir y transmitir a las generaciones futuras.

Vito Finocchiaro

T 37

Vito

Finocchiaro

Vito Finocchiaro Sicilia, 1965.

En él encontramos todas las virtudes propias de una personalidad con un don, una pasión. "He pensado siempre en la Fotografía como una expresión artística. Para mí, Arte significa búsqueda, estilo del autor, técnica, conceptualidad, uso de los medios..."

De sus palabras emerge su vivencia del Arte, y ser al mismo tiempo Artista, trabajador y creador. No ha habido un momento puntual en el que decidió que el Arte sería su profesión. Aprendió de su padre los secretos de la fotografía, y la pasión por esta forma de expresión ha sido una constante en su vida. Una mirada siempre atenta y analítica, pero que deja el justo espacio a la imaginación, una manera personal de experimentar, que siempre lo distingue, y el constante interés por los problemas sociales, le han permitido "vivir" y "contar" historias de personas y acontecimientos de su tierra y lugares lejanos, de sus viajes en países como China, Cuba, Perú, India y México. Sus imágenes cuentan hasta las más insólitas situaciones de distintos lugares del mundo. El suyo es un modo de contar, que lo empuja a buscar lugares donde luz y color se convierten en los elementos básicos para comprender y descubrir un territorio, Durante varios años, sus reportajes han sido testimonio de las trágicas condiciones de vida de los pueblos de América Latina, a través de un atento análisis antropológico y social. En su último viaje a México, vivió entre los indígenas Nahua de Tlaola (una pequeñísima comunidad en las montañas de la Sierra Norte) en lo que es un conmovedor testimonio de las condiciones de vida de la mujer mexicana.

"Para mí la Fotografía es comunicar, necesidad de contar algo, manifestar un sentimiento, un pensamiento, a través de las imágenes". Pero Vito Finocchiaro con su trabajo ha querido dar importancia también su territorio, Etneo, llevando las imágenes a varios países, entre ellos China y Australia, donde han reconocido su valor, asignando al artista Mascalese diversos premios y menciones. Debido a su interés por lo social, ha colaborado con algunas ONG, y un proyecto con "Unitalsi Nazionale" (Treno Bianco) , en la cual su testimonio de viaje ha sido integrado en diversos proyectos escolares acerca de la dishabilidad.

Entre sus proyectos más relevantes encontramos: -"A Muntagna", a través el cual, con un particular corte fotográfico y un juego de metáforas y símbolos, enseña el dualismo que caracteriza la Tierra alrededor del Etna; -"A" la soledad de la marginación, indiferencia..... la cultura del siglo XXI", un proyecto de denuncia social sobre las condiciones de vida de un chico marginado por una sociedad cada vez más indiferente; -"Dicotomia", un proyecto sobre las condiciones de algunos pastores del territorio Mascalese. Fotógrafo profesional cualificado a nivel Nacional y Europeo, Vito Finocchiaro ha obtenido, por supuesto, las calificaciones QIP (Qualified Italian Photographer) y QEP (Qualified European Photographer). Ha publicado en la relevante revista fotográfica China "Photo World", y ha concedido entrevistas en la revista fotográfica "Progresso Fotografico serie Oro". Sus trabajos han sido expuestos en Italia y en el extranjero, Photography Museum of Lishui, China, Orvieto Fotografia, Laboratorio Galleria Montmartre(Francia), Moscú International Photo Awards, Los Angeles, etc. Así como importantes y múltiples reconocimientos en el mundo : China, Rusia, Australia, India, Francia, U.S.A., FIIPA Italia, Tokio.......

M A G A Z I N E

Quieres dar difusión a tu trabajo?, has desarrollado un proyecto y quieres que luzca como se merece?, en la revista PHOT estamos deseando compartirlo, mándanos tu proyecto, portfolio o el reportaje fotográfico que quieras compartir con nuestros lectores y, si se adapta a la filosofía de nuestra publicación, estaremos encantados de compartirlo. Envíanos un mail explicándonos tu biografía, la descripción de tu trabajo y las imágenes que lo componen (a 2000 px el lado mayor y 72 ppi de resolución).

info@phot.es

T AC T I V I T Y

T C AST

T M AG A Z I N E

Titulo:Perdido en Islandia Lugar: Playa de Stokksnes, Islandia Cรกmara: Nikon D810 Objetivo: Nikon 14-24 f2,8 Focal: Panorรกmica de 4 fotos a 14 mm Velocidad: 1/15 segundos Apertura: f11 ISO:100

JULIO

CASTRO

JULIO

CASTRO

Titulo:Última Luz Lugar: Playa de Arnia, Santander (Cantabria) Cámara: Nikon D810 Objetivo: Nikon 14-24 f2,8 Focal: 14 mm Velocidad: 1 segundos Apertura: f8 ISO:100 Filtro ND 0,9 Firecrest

Yo siempre había sido un chico de ciencias, por lo que en su momento decidí estudiar Farmacia, algo muy alejado del mundo de la fotografía y de cualquier otra disciplina artística que nunca me habían atraído. Sin embargo, hubo un nexo de unión que despertó mi interés por la fotografía. Ese nexo fue viajar. Siempre he sido un gran aficionado a viajar y a la naturaleza. Gracias a ellas y después de un increíble viaje por la costa oeste de Estados Unidos a finales del año 2014 decidí aprender algo de fotografía con el fin de mejorar las fotos que hacía durante mis viajes por aquellos parajes naturales que tanto me cautivaron. Decidí comprar una Nikon D7100 y después de un par de cursos de fotografía quedé cautivado por la fotografía nocturna. Me parecía increíble lo que se podía llegar a captar con una cámara en lugares donde mis ojos apenas podían distinguir lo que tenía delante. A raíz de ahí empecé a salir con otros compañeros y amigos a hacer fotografías primero de noche y después de día también. Rápidamente y según iba aprendiendo y mejorando noté que mi 7100 empezaba a quedarse corta por lo que decidí dar un paso de gigante y pasarme al formato full frame en búsqueda de un mayor rango dinámico y nitidez en mis fotos. De esa forma me compre mi actual Nikon D810 con la que hago mis fotografías de paisaje diurna y nocturna. Gracias a esta afición que actualmente forma una parte muy importante de mi vida he logrado conectar con los lugares que visito y disfrutarlos de una manera mucho más profunda, algo que intento reflejar en las fotos que tomo con mi cámara. En las fotografías que acompañan a este pequeño texto sobre mi podéis ver algunos de los paisajes tanto naturales como urbanos que he podido visitar y recorrer en los últimos dos años que llevo haciendo fotos y donde he podido ver cumplidos algunos de mis sueños como es ver una aurora boreal en las frías tierras de Islandia o disfrutar de una increíble noche estrellada en la Patagonia Argentina. Espero que mi trabajo pueda llegar a transmitiros por lo menos una mínima parte de lo que yo siento y disfruto todos los increíbles lugares que he tenido la oportunidad de conocer.

Titulo:solo con las estrellas Lugar: Lago Ercina, Parque Nacional de los Picos de Europa (Asturias) Cรกmara: Nikon D810 Objetivo: Nikon 14-24 f2,8 Focal:Panorรกmica de 6 fotos verticales a 14mm Velocidad: 25 segundos Apertura:f2,8 ISO: 2000

Titulo: Los dos Puentes Lugar: Parque Jumbo en Brooklyn, New York Cรกmara: Nikon D810 Objetivo: Nikon 14-24 f2,8 Focal:16 mm Velocidad: 5 segundos Apertura:f6,7 ISO: 100

Titulo:New York, New York Lugar: Parque Jumbo en Brooklyn, New York Cámara: Nikon D810 Objetivo: Nikon 14-24 f2,8 Focal: panoramica de 5 fotos a 24 mm Velocidad: 60 segundos Apertura: f14 ISO: 100 Filtro ND 3.0 Firecrest Filtro ND 0,9 degradado suave Firecrest

Titulo:La Gran Montaña Lugar: Anarstapi, Islandia Cámara: Nikon D810 Objetivo: Nikon 14-24 f2,8 Focal: Panorámica de 8 fotos a 50 mm Velocidad: 1/500 segundos Apertura: f8 ISO:100

Titulo:Trono de Hielo Lugar: Lago Fjallsarlon, Islandia Cรกmara: Nikon D810 Objetivo: Nikon 14-24 f2,8 Focal: 24 mm Velocidad: 1/320 segundos Apertura: f10 ISO:126

JULIO

CASTRO

Titulo: Explosiรณn roja Lugar: Playa de la Vallina, Asturias Cรกmara: Nikon D810 Objetivo: Nikon 14-24 f2,8 Focal:16 mm Velocidad: 0,77 segundos Apertura:f 10 ISO: 100

Titulo: La Cascada Lugar: Cascada de Merra, Guitiriz (Lugo) Cรกmara: Nikon D810 Objetivo: Nikon 14-24 f2,8 Focal: 14 mm Velocidad: 2 segundos Apertura: f8 ISO: 100 Filtro ND 0,9 Firecrest

Titulo:Cascada Otoñal Lugar: Cascada Molí fondo, Sant Joan de les Fonts (Girona) Cámara: Nikon D810 Objetivo: Nikon 14-24 f2,8 Focal:19 mm Velocidad: 0,77 segundos Apertura:f11 ISO: 100 Filtro ND 0,9 Firecrest

Titulo:Toledo, Patrimonio mundial Lugar: Mirador de la ciudad de Toledo Cámara: Nikon D810 Objetivo: Nikon 14-24 f2,8 Focal:Panorámica de 4 fotos verticales a 14mm Velocidad: 25 segundos Apertura:f13 ISO: 100

T Titulo:Entre Cascadas Lugar: Cascada Bruarfoss, Islandia Cรกmara: Nikon D810 Objetivo: Nikon 14-24 f2,8 Focal: 17 mm Velocidad: 1/3 segundos Apertura: f10 ISO:100 Filtro ND 0,9 Firecrest

JULIO

CASTRO

Titulo:Sueño Verde Lugar: Kirkjüfell, Islandia Cámara: Nikon D810 Objetivo: Nikon 14-24 f2,8 Focal: 14 mm Velocidad: 10 segundos Apertura: f2,8 ISO:3200

Titulo:La Laguna Azul Lugar: Monte Neme, Carballo (A Coruña) Cámara: Nikon D810 Objetivo: Nikon 14-24 f2,8 Focal: Panorámica de 6 fotos a 14 mm Velocidad: 25 segundos Apertura: f2,8 ISO:3200

ACTIVIDADES DE LA COMUNIDAD PHOT

CURSOS SALIDAS TUS

TOS

TOSdelmundo

CURSOS Taller de embarazo y fotografía infantil Taller de embarazo y fotografía infantil

ANA CRUZ

fecha

22 de abril 2017

Lugar

Abrera, Barcelona

Más INFO info@phot.es www.phot.es PROGRAMA 10:00 a 20:00 horas. RECIÉN NACIDO por la mañana 10:00-14:00 h Veremos y haremos una sesión con un o varios recién nacido/s. Antes explicaremos toda la gestión de trabajo de antes de la sesión. Flujo de trabajo durante la sesión con los padres y el recién nacido. Cómo colocar al recién nacido y qué tipo de fotos podemos realizar con luz natural en domicilio. Y por supuesto cómo gestionar la relación con los padres antes, mientras tomamos fotos o después.

Sesión de 11:30-14:00 h Comida 14:00-16:00 h

EMBARAZO por la tarde 2h Explicaremos todo lo relacionado con la gestión de la embarazada, su pareja y la sesión de fotos. Así como todo lo referente al estilo fotográfico, atrezzo y localizaciones. Cuando se ponga el sol haremos prácticas tomando fotos.

La Sesión será 1h antes de la puesta de sol. Al final de la tarde Trabajo en el ordenador 2h: el flujo de trabajo en la edición procesando las fotos tomadas durante el día con los programas de edición.

Se aconseja traer el equipo para tomar fotos. No es necesario tener el portátil.

TALLERES Fotografía nocturna y ligtpainting fecha

29 de ABRIL 2017

Lugar

Mallorca

Más INFO

info@phot.es

T 56

SALIDAS Salidas Eric y Fran (noche de lightpainting) Como algunos ya sabréis Eric y Fran organizamos periódicamente salidas fotográficas orientadas principalmente a la fotografía de larga exposición, ya sea nocturna o diurna, y lightpainting. Son salidas en las que te acompañamos a ubicaciones atractivas, te llevamos e incluso nos ofrecemos como asistentes fotográficos para los que no controlan tanto todavía. En esta última oportunidad teníamos planteado visitar un enclave precioso en Vallcebre (Barcelona) pero las predicciones meteorológicas no eran muy halagüeñas y decidimos cambiar la ubicación, acabamos en una fábrica abandonada que nos dió mucho juego para la práctica del lightpainting.

Sonia Chaves 57

Últimamente hemos incluido una novedad con la que pensamos que todos los asistentes se irán más contentos a casa puesto que seguro que se volverán con buenas fotos en la tarjeta de memoria, hemos incorporado a nuestro equipo a Miquel Castro, maquillador y estilista (y hombre para todo) que lo mismo te arregla un dobladillo que te pinta una modelo al estilo bodypainting. Miquel nos trajo en esta ocasión un atrezzo que dio muchísimo juego y gracias a él estuvimos concentrados en buscar composiciones e ideas que potenciarán los modelos disfrazados. Estamos seguros que con esta novedad la gente que venga a estas actividades se irá satisfecha y con buenas fotos para su portfolio. Seguiremos apostando por

este camino, porque nos gusta que los amigos que nos acompañen aprendan, disfruten y se vayan contentos y con la sensación de haber hecho un buen trabajo.. Por último, me gustaría mandar un abrazo a Nuria Fonollosa, una amiga que vive en Zaragoza y se escapa a Barcelona cada vez que puede para acompañarnos en las actividades, cuando una chica se toma la molestia de realizar este esfuerzo es porque algo estamos haciendo bien, no? Nos vemos pronto. Saludos

SALIDAS Salidas Eric y Fran (noche de lightpainting)

Carles Domenech 58

Nuria Fonollosa

SALIDAS Salidas Eric y Fran (noche de lightpainting)

SALIDAS Salida TALLER José BENITO Siempre es un placer tener a José Benito impartiendo una de sus clases con nosotros, el pasado 11 y 12 de febrero tuvimos esa suerte y los asistentes pudieron disfrutar de toda su experiencia, de cómo afrontar un proyecto personal cuando la creatividad como fotógrafo se agota y hay que buscar nuevas vías de escape, de los puntos más importantes en lo que a la composición se refiere para conseguir fotografías que reflejen el mensaje que el autor desea hacer llegar y de muchas otras cosas más. El plato fuerte fue la práctica del domingo, dedicado al retrato y a como aprovechar las oportunidades que una ciudad tan dinámica y rica en variedad como es Barcelona nos ofrece. Paramos a todo transeúnte que nos llamaba la atención por cualquier aspecto físico que pensábamos que sería atractivo de fotografiar y, bajo su consentimiento claro está, realizamos grandes trabajos de retrato aprovechando los consejos del maestro. Si queréis acompañarnos en futuros talleres tan solo tenéis que visitar la sección PHOTACTIVITY de nuestra web, allí tendréis todas las actividades que vamos realizando. Si os apetece nos vemos en alguna de ellas.

SALIDAS Salida TALLER JosĂŠ BENITO

Diego Mora

Fran Palmero

Jordi Mestrich

SALIDAS Salida TALLER José BENITO

PHOT EN LAS REDES SOCIALES grupo de facebook ‘Revista PHOT’ y grupo ‘Photers’ de flickr

Únete a nuestros grupos de facebook y flickr y comparte tus fotos con nosotros... https://www.facebook.com/groups/428529844020696/

TUS

TOS

En este apartado de PHOTACTIVITY podréis encontrar las fotos seleccionadas para este número de la revista de nuestro grupo de facebook ‘Revista PHOT’ y de nuestro grupo ‘Photers’ de flickr. Anímate y comparte tus fotos con nosotros !!! https://www.flickr.com/groups/2839396@N25/

TUS Abel Martinez

Autor: Título: La espera de las brevas Lugar de la toma: La Macolla (Yecla) flickr: https://www.flickr.com/photos/91484529@N06/ blog sobre light painting: http://explorandotrasluces.blogspot.com.es/ blog sobre fotografía de naturaleza: http://jumillanatural.blogspot.com.es/ Datos Exif: Cámara: Canon 5D Mark II Focal: Samyang 14mm Velocidad: 20 segundos Diafragma: f/2,8 ISO: 250

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Antonio Arias

Autor: Título: Plaza de Castilla Web, facebook o twitter del autor (se enlazará a esta dirección desde la revista) www.flickr.com/photos/antarive www.500px.com/antarive Datos Exif. Cámara: Nikon D7100 Focal: 12 mm Velocidad: 8 s Diafragma: f 8 ISO: 100

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Información adicional de la foto; Foto a la que tenía ganas desde hace tiempo, que me decidí a hacer al ver la magnífica foto de Iván Ferrero e intentar mi propia versión. Tomada entre visita y visita de autocares de turistas, curiosos y demás... Gracias también a la ayuda de mi hija Paula.

TOS

TUS José Antonio Gómez

Autor: Título: Belleza multiplicada Lugar:Aranjuez (Madrid) Facebook: https://www.facebook.com/joseantonio.gomez.31 Exif. Cámara: Sony DSC-HX60 Focal: 90 mm Velocidad: 1/125 Diafragma: f 4,5 ISO: 80

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Información adicional de la foto; Foto tomada a pulso calculando el reflejo de la flor en las gotas y en ese punto tomar en macro las gotas.

Marco A. Alvarez

Autor: Título: Atardecer en Roche Lugar de la toma (opcional): Roche (Conil - Cádiz) Web: https://carretedigital.com facebook: https://www.facebook.com/carretedigitaloficial twitter: https://twitter.com/carrete_digital Exif: Cámara: Nikon D750 Focal: Nikkor 14mm 2.8F Velocidad: Toma 1 (inferior): 1/20 // Toma 2 (cielo): 1/100 Diafragma: F/4 ISO: 100 Información adicional de la foto; Toma realizada con dos exposiciones. Una para el cielo y otra para la parte inferior, donde jugué con la exposición para conseguir un splash con un poco de movimiento. Esta fotografía consiguió entrar en 1X.com. Si quieres ver el proceso de edición completo de principio a fin tienes el videotutorial en el siguiente enlace: https://carretedigital.com/curso/curso-edicion-principio-fin/02-atardecer -cala-roche/

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EnvĂanos tus fotos a info@phot.es

TOS delmundo Una nueva secciĂłn para compartir nuestras fotos de viajes

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Monte Rigi - SUIZA

Freddy Enguix Estรก hecha desde el monte Rigi, en Suiza central en el borde norte de los Alpes Suizos. http://www.freddyenguix.com/Portfolio/Panoramas/i-ds PzG6n/A

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Höfn - ISLANDIA

Mario Rubio Cuando la cámara ve más que los ojos, se produce la magia. En esta fotografía el autor no veía ninguna aurora boreal, de hecho, no se había producido ninguna. ¿Entonces? ¿A qué se debe el color del cielo? La actividad solar estaba presente en esta noche en la que el tiempo nos dio una tregua después de días de lluvia y viento. Una exposición de pocos segundos nos sirvió para ver, en el LCD, lo que nuestros ojos no eran capaces de describir por sí solos. Un cielo mágico, verde con nubes, estrellas y… ¿tú lo adivinas? http://www.fotografonocturno.com

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PETRA-JORDANIA

Mario Dabán El Monasterio (Al-Deir), después de haber subido la escalinata con 800 escalones desde la base de la ciudad de Petra.

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Provenza - FRANCIA

Javier Damlow Foto realizada en Valensole, Provenza (Francia) en los comienzos de una tormenta con granizo aĂąo 2012 http://www.fuji-xperience.es

Participa en el sorteo de un Videotutorial de revelado básico en Lightroom por gentileza de PhotoExperience4U (http://www.photoexperience4u.com) y PHOT

Para optar al premio: 1. Pulsar “Me gusta” en nuestra página de facebook (https://www.facebook.com/photm agazine/) 2. Comentar la publicación destacada de la página (Anuncio de la publicación de la revista) 3. Compartir la publicación

El 15 de Abril realizaremos el sorteo y anunciaremos al ganador. Mucha suerte!

Entrevista

E N T R E V I S T A

Javier

Jesús M.

de la toRRe GarcíA

Creadores de PhotoeXperience4U

Entrevista Javier de la Torre / Jesús M. García -Como empezáis en esto de la fotografía? Javier: Mi pasión por la fotografía se empieza a gestar poco a poco, desde que soy un crío. Mi padre era un gran aficionado a la fotografía, y en casa siempre había todo tipo de cachivaches fotográficos, revistas, libros… Los fines de semana, mi padre nos cogía a mi hermana pequeña y a mí y nos decía “vamos a dar un paseo por ahí y hacemos fotos”. Nos llevaba de paseo por Madrid, o nos íbamos a la sierra o a algún bosque, y nos pasábamos el día jugando y entre esos juegos, estaba el hacer fotos. Y así, jugando, aprendí las técnicas básicas de la fotografía. Me encantaba cambiar los carretes cuando se acababan y alucinaba cuando veía como mi padre era capaz de clavar la exposición solo con echarle un ojo a la escena que íbamos a fotografiar, me parecía algo mágico (llegué a pensar que tenía algún tipo de fotómetro implantado en el ojo)… curiosamente, 30 años después, yo soy capaz de hacer algo parecido. Junto con los juegos, estaba el hecho de que, una vez en casa, seguíamos inmersos en la fotografía. Veíamos muchos libros, revistas, y yo me quedaba anonadado viendo según qué fotos. Me llamaban muchísimo la atención cuando veía fotografías nocturnas donde se mostraban larguísimas exposiciones que daban como resultado un cielo fantástico lleno de trazos de colores (tardé en descubrir que aquello eran las estrellas). También recuerdo perfectamente que me quedé impactado con la serie de fotografías de Sebastiao Salgado que se publicó en el dominical de El País. Fotografías realizadas en la mina de oro de Serra Pelada en 1986… Yo tenía 11 años y no podía dejar de mirar aquellas fotos. Mucho más tarde, con la llegada de la fotografía digital, fue cuando finalmente exploté en mi faceta como fotógrafo, gracias a la fusión de dos mundos que me apasionan, la informática (soy informático de formación) y la fotografía. Jesús: Mi familia de un modo u otro siempre ha estado vinculada al mundo de la fotografía, mi abuelo, mis tíos, mi padre; en casa siempre había una cámara con la que “trastear”, pero llegada la hora de decidirme qué estudiar, me decidí por informática, eso de “cacharrear” con los ordenadores y hacer mis propios programas me llamaba más la atención. En el 2002 nació mi hijo, y mi mujer me regaló mi primera cámara DIGITAL, para que le hiciera fotos al niño según iba creciendo. Éste fue el punto de inflexión, donde comprendí que ahora podía unir mis dos grandes pasiones la informática y la fotografía.

Entrevista Javier de la Torre / Jesús M. García -Habéis ganado infinidad de premios en concursos de naturaleza a nivel estatal e internacional, cual es el concurso que más ilusión os ha hecho ganar? y porque? Javier: Me hizo una grandísima ilusión el primer concurso en el que fui premiado, el Trierenberg Supercircuit del años 2013, celebrado en Linz (Austria). Recibí el premio a una de mis fotografías favoritas, realizada en el bosque de Otzarreta, con una niebla que no me duró ni 10 minutos, pero que fue suficiente para que lograse hacer una serie de fotos que creo que fue el comienzo de la leyenda urbana que existe sobre el hecho de que soy un “tío con mucha suerte” para estar en el momento adecuado en el lugar adecuado. Tengo muchos amigos que creen ciegamente que “tengo una flor en el culo”, incluso alguno afirma que no es una flor si no todo un florero. Pero volviendo al Trierenberg Surpercircuit, años después, en el 2015, tuve el honor de participar como jurado en este concurso, lo que ha hecho que le tenga un especial cariños a todo lo relativo al Trierenberg. Por otro lado está el Trofeo Gipuzkoa, organizado por la SFG (Sociedad Fotográfica de Gipuzkoa) donde también gané un premio en el 2013 y donde en su certamen del 2016 he tenido el honor de participar como jurado. Por último no quiero dejar pasar la oportunidad sin nombrar el Global Arctic Awards, celebrado en Rusia, donde en el 2015 obtuve diversos premios, logrando ser el español más premiado de ese certamen. Estos premios me hicieron sentir muy orgulloso de todo el trabajo que había detrás de esas fotos y que dieron la oportunidad de competir con verdaderos expertos en fotografiar el Ártico, gran parte de ellos residentes en países nórdicos como Suecia, Noruega, Finlandia o incluso en Rusia. Es muy complicado tener buen material fotográfico de lugares que no es tu residencia habitual y a los que solo vas de viaje unos pocos días. Esto te lleva a sacar la conclusión de que si eres capaz de hacer ese tipo de fotografías en un espacio de tiempo muy limitado, fotografías capaces de ganar concursos tan específicos como el Global Arctic Awards, es que algo estás haciendo bien.

Entrevista Javier de la Torre / Jesús M. García Jesús: Yo tengo especial recuerdo de 2 concursos. El primero fue en el 2013 cuando gané una medalla de oro en “The Al-thani Awards for Photography” celebrado en Qatar, entre más de 90.000 fotografías, y el segundo concurso que recuerdo con gran cariño, fue en el 2014 cuando quedé en primera posición , en “The Epson International Pano Awards” en la categoría Built Environments, fui el primer español en conseguir esa primera posición -Qué aconsejáis a la gente que empieza a presentarse a concursos para tener éxito en éstos? Javier: No sé lo que ha contestado Jesús, pero mi primer consejo sería decirle a la gente que no se obsesione con los concursos, ya que son algo totalmente subjetivo y cuyo resultado depende de un jurado compuesto por personas que tienen sus gustos particulares y su particular visión de la fotografía. Yo he tengo fotos que han recibido numerosos premios en distintos concursos, y esas mismas fotos, en otros concursos ni siquiera han pasado el corte para estar entre las finalistas. Por otro lado, hay que plantearse de forma honesta, para qué nos presentamos a concursos. Personalmente, en ningún momento me lo planteé como una forma de ganar dinero, porque es algo que muy difícilmente va a suceder y menos viendo que cada vez los premios en metálico son más escasos y de menos cuantía. Al primer concurso que me presenté, el Trierenberg Supercircuit que comentaba anteriormente, lo hice simplemente porque los organizadores me invitaron a participar tras ver mi trabajo en la web 1X, y me hizo mucha ilusión que aquellos señores, tan acostumbrados a ver infinidad de fotos de altísima calidad pensasen que yo estaba a la altura de poder competir. Una vez gané aquel concurso vi la gran repercusión que tuvo este hecho y me di cuenta que presentarse a concursos era una forma de hacer curriculum, elementalmente, y también de darte a conocer en el mundillo de la fotografía, de hacerte un hueco.

Entrevista Javier de la Torre / Jesús M. García Y ese fue el objetivo que me plantee. Durante los años 2013, 2014 y 2015, me presenté a infinidad de concursos, y el objetivo que buscaba, creo que lo conseguí con creces (de hecho, si no lo hubiese logrado, no estaría respondiendo esta pregunta). En el 2016 me di cuenta que el mundo de los concursos fotográficos había crecido de forma descontrolada y muchos concursos no eran más que “sacacuartos”, por lo que decidí empezar a presentarme a concursos muy concretos. Y hemos llegado al 2017, año en el que aún no me he presentado a ningún concurso y me estoy pensando muy mucho si presentarme a alguno. Jesús: Lo primero que tienen que saber, es que los concursos no lo son todo en la fotografía, los concursos sirven para valorar tu nivel fotográfico con el resto de participantes, pero nada más… Yo he enviado una foto a un concurso y lo ha ganado y esa misma foto en otro concurso, no ha quedado ni seleccionada…, no deben desanimarse y hacer la media de todos los concursos a los que se han presentado. Además han de leer muy bien las bases y saber qué tipo de imágenes se buscan en el concurso, restricciones, quién forma el jurado, etc. -Sois los creadores de PHOTOEXPERIENCE4U, qué ofrecéis a vuestros clientes y cuál es la filosofía de la empresa? Javier: La empresa nació de la demanda que teníamos de muchos fotógrafos que no eran capaces de poder asistir a nuestros talleres presenciales, pero que querían aprender aquello que explicamos en dichos talleres. A partir de esa necesidad, creamos la plataforma que pudiese satisfacerla y así nació la web PhotoeXperience4U.com. Como comenta Jesús, el pilar principal de la web se encuentra en torno a los videotutoriales en castellano donde mostramos las técnicas de revelado y procesado que usamos en el día a día a día en nuestros procesados. El valor añadido que buscamos darle a la página son todos esos servicios y ayudas adicionales y gratuitas que tratamos de darle a los fotógrafos y aficionados, con información acerca de cómo y dónde están hechas nuestras fotos.

Entrevista Javier de la Torre / Jesús M. García Todo esto está en la sección de nuestra web, Cómo está hecha, accesible en el siguiente enlace: http://www.photoexperience4u.com/como-esta-hecha/ Además, poco a poco vamos escribiendo artículos detallados con ayudas y trucos para fotografiar determinados lugares, como pueden ser Nueva York y en breve (Abril de 2017), estará disponible el artículo sobre Dubai. Jesús: El pilar principal de la empresa son los video tutoriales en castellano, sobre revelado y procesado. Ponemos a disposición de los fotógrafos Video tutoriales profesionales y de calidad adaptados a todos los niveles; desde el revelado básico en Lightroom, hasta los procesados más complejos en Photoshop, pasando por las máscaras de luminosidad de 16 bits y el nuevo panel de Tony Kuyper V5. Pero además, ofrecemos una serie de servicios y ayudas que hasta ahora el fotógrafo no podía conseguir, por ejemplo, en la web contamos con una sección que se llama : ¿Cómo está hecha? , en esta sección que es gratuita, no sólo contamos DÓNDE hemos hecho la foto incluyendo las coordenadas GPS, además informamos sobre el tipo de lente, filtro, etc…, para que el fotógrafo que se desplaza hasta esa ubicación, sepa todos los datos que le van a hacer falta para realizar la captura. -Qué se pueden encontrar los asistentes a vuestros talleres?

Javier: Sinceridad. Nosotros lo contamos todo, no nos guardamos nada. En nuestros talleres tratamos de transmitir el máximo número de técnicas posible sobre revelado y procesado. Y respondemos cualquier tipo de pregunta o duda que tienen los asistentes. Son talleres muy intensos, 14 horas lectivas en 2 días y es imposible que enseñemos absolutamente todo lo que sabemos y que llevamos aprendiendo durante más de 20 años, pero sí que enseñamos las técnicas básicas y más que suficientes para lograr unos resultados similares a los que nosotros logramos en nuestras fotografías. Y si en un momento dado, alguien se queda con ganas de ver más en profundidad determinadas técnicas o de saber que seríamos capaces de hacer nosotros con sus fotografías, hay dos servicios adicionales que ofrecemos en la web de PhotoeXperience4U, como son las sesiones de formación personal por Skype (http://www.photoexperience4u.com/formacion-por-skype/) y los videotutoriales personalizados (http://www.photoexperience4u.com/servicio-personalizado-de-revelado-y-procesado /), donde el cliente nos remite sus RAWs y nos solicita aprender determinadas técnicas particulares.

Entrevista Javier de la Torre / Jesús M. García Jesús: Sobre todo cercanía, amén de dos profesores que cuentan todo y no se guardan nada. Nuestra máxima es que los asistentes se vayan a casa después de 2 días de taller, con la sensación de que, ha sido el mejor dinero que han invertido en su formación. Pero esto no lo tengo que decir yo, en la web tenemos un apartado de testimonios, allí podéis leer lo que nuestros asistentes opinan sobre nuestros talleres: http://www.photoexperience4u.com/testimonios/ -El retoque fotográfico juega un papel predominante en vuestro trabajo, qué pensáis del debate que siempre está en el aire entre purismo y retoque? Javier: El debate, por definición es sano. El problema viene cuando el debate deja de ser un dialogo y pasa a convertirse en un cruce de descalificaciones. En ese tipo de conversaciones, directamente, no participo. En el panorama fotográfico nacional se ha creado una tendencia en la que se menosprecia totalmente el trabajo de fotógrafos que realizan postproducción, como podamos ser Jesús o yo. Como bien dice Jesús, cada uno debe centrarse en hacer el tipo de fotografía con la que se siente cómo y que le hace feliz. El problema es que, en el mundo de la fotografía, como en el resto de disciplinas artísticas, hay un gran problema con los egos, y cuando alguien te resta protagonismo, porque el trabajo que están realizando otras personas te resta atención y protagonismo, es cuando mucha gente opta por la descalificación. Y es ahí donde jamás vamos a entrar. Nuestra filosofía es vivir y dejar vivir. Jesús: Cada fotógrafo debe realizar el tipo de fotografía con el que se encuentre cómodo y disfrute, no entro en polémicas del purismo o del retoque. Particularmente, cuando observo mis fotos impresas en gran tamaño, me gusta volver a recordar a través de ellas el momento de la captura, el frio, el aire, el calor, el silencio, etc…; si para conseguir retrotraerme a ese momento, me ha hecho falta utilizar en el procesado de mi ima-

Entrevista Javier de la Torre / Jesús M. García gen, un filtro o una herramienta para potenciar las texturas, el contraste, etc.. Bienvenida sea. -Hay mucha gente que basa su flujo de trabajo en la edición. Creéis que una foto "mala" se puede arreglar mediante el retoque? Jesús: NO. Una foto mala es una foto mala, procesada o sin procesar. Igual que yo soy feo, en calzoncillos o de esmoquin. Esto es algo en lo que insistimos mucho durante nuestros talleres presenciales (en lo de las fotos malas, no en lo de que yo soy feo, que es algo que salta a simple vista). Mucha gente piensa que la clave para lograr una buena foto está en la postproducción. Esto es un error gravísimo. La clave para lograr una buena foto es hacer una buena foto con la cámara. A partir de ahí, cuando tienes una buena foto en la cámara, en postproducción tienes la posibilidad de dotar a la foto de tu forma de sentir la fotografía, de hacerla tuya. Pero jamás vas a lograr transformar una mala foto en una buena foto simplemente porque la pases por Photoshop. Jesús: No!!. Nuestros talleres aunque son de revelado y procesado, empezamos diciendo que, una foto brillante empieza por una captura brillante. Una captura brillante se puede realzar y potenciar su resultado final mediante un buen procesado, al contrario no. -Me imagino que para tener un trabajo fotográfico tan variado hace falta viajar mucho, y me consta que así lo hacéis. Qué viaje os ha sorprendido más?, por su belleza, por su gente... Javier: Efectivamente, viajamos todo lo que podemos, y para mí, por ahora, el viaje más especial ha sido el que hice en el 2013 con motivo de mi luna de miel. Esto fue cosa de mi Raquel, mi santa. Cuando se planteó el destino del viaje de luna de miel ella me dijo, “¿y si nos vamos a la costa oeste de los Estados Unidos? Imagínate, un mes haciendo fotos en los parques nacionales”… y dicho y hecho. Nos tiramos casi 30 días recorriendo parte de la costa oeste de los Estados Unidos. Tengo que decir que a Raquel, también le gusta la fotografía, y eso, ayuda mucho.

Entrevista Javier de la Torre / Jesús M. García

Jesús: A nosotros lo que realmente nos gusta es viajar, y la fotografía es la excusa perfecta para poder visitar los lugares más recónditos del planeta. No sabría por qué destino decidirme, cada viaje lo planificamos con meses de antelación, para poder ir en la época perfecta e intentar conseguir las luces o el momento deseado. ( auroras, vía láctea , etc ), con esto quiero decir que para mí, cada viaje ha sido único e irrepetible, tal vez si tuviera que decidirme por un destino que ha superado mis expectativas serían “Las Montañas Rocosas” de Canadá. -Cuál es la fotografía de la que estáis más orgullosos?

Javier: Buffff, que pregunta más complicada. Hay muchas fotos de las que me siento muy orgulloso. Tengo muchas fotografías que han conllevado muchísimo trabajo previo de planificación, que han costado un esfuerzo enorme lograr, con lo que no sabría con cual quedarme. Una de las últimas fotos que está en ese grupo de fotos privilegiadas es una foto donde se pueden ver los rascacielos de Dubai inmersos en un enorme mar de niebla. Jesús: Yo no se por qué imagen se va a decantar Javier, pero para mí sin duda, la foto ( Javier hizo su versión y yo hice la mía ) que ha tenido más repercusión ha sido la foto de la “Lavanda y la vía láctea” que capturamos en el 2015.

Entrevista Javier de la Torre / Jesús M. García No sólo por la cantidad de concursos que han ganado y las ventas que nos han reportado, sino, por la cantidad de fotógrafos y amigos que a raíz de ver nuestras fotos han intentado capturar ese momento. -Y la que no dábais un duro por ella y en cambio ha sido un éxito? Javier: Si la pregunta anterior era complicada, esta lo es aún más. Muchas veces nos preguntan “¿Qué pasa? ¿Qué vosotros no hacéis fotos malas?” Y yo siempre contesto lo mismo, “por supuesto que sí, montones de fotos malas, pero nos las enseñamos”. Y esa es la clave. Cuando publico una foto es porque ha pasado un duro de los proceso de selección y considero que está a la altura del nivel que me exijo. Y si una foto, no me convence, directamente no la publico. Otra cosa es al contrario. Muchas veces si me ha sorprendido que una foto que a mí me encantaba, no ha tenido el “éxito” que yo esperaba. Jesús: La foto con la que este año he quedado en tercera posición en el ranking general en “The Epson International Pano Awards”, es una imagen capturada en Vallecas - Madrid, y es una fachada verde con un montón de ventanas cerradas y tan sólo una abierta.

Entrevista Javier de la Torre / Jesús M. García -Qué fotografía soñáis en realizar en un futuro? Javier: Más que centrarme en una fotografía concreta, yo me centraría en un lugar. ¿Qué lugares me gustaría fotografiar en un futuro? Jesús ha hablado del lago Baikal, a eso me apunto. Aunque tenemos algo similar en Abraham Lake, en las rocosas canadienses, que lo veo mucho más accesible. Luego tenemos Patagonia, los volcanes y los ríos de lava en Hawai, los Moais en la Isla de Pascua, la Antartida, las terrazas de arroz en China… y así podríamos estar unas cuantas horas.

puede marcar la diferencia, pero hablamos de condiciones extremas de luz, y habitualmente no solemos experimentar estas condiciones de luz extremas. Jesús: Ver muchas, muchas, muchas fotos!!!!, Toda imagen empieza por una buena captura, una buena composición, un buen equilibrio visual, etc. Hay que enseñar al ojo, para cuando nos plantemos en una localización, seamos capaces de trasmitir todo eso en nuestro encuadre.

Jesús: Como se suele decir, “ mi mejor foto es la que haré mañana ”, pero a fecha de hoy, capturar las burbujas de metano en el lago “Baikal”, es una foto que algún día me gustaría conseguir. -Una recomendación fotográfica que se os ocurra aconsejar a nuestros lectores Javier: Además de lo que ha dicho Jesús, educar al ojo viendo muchas fotos, buenas fotos, y muchas exposiciones de los clásicos de la pintura, un consejo que siempre suelo dar, sobre todo para aficionados que empiezan o que empiezan a querer ir un poco más allá de lo que es una mera afición, es no obsesionarse con el equipo. Por tener un mejor equipo no vas a conseguir mejores fotos. Prefiero gastarme el dinero en un billete de avión antes que en una cámara nueva. Es verdad que en condiciones extremas, un buen equipo

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noce a

Mario DabAn Todas las fotografías de este artículo están sujetas a copyright y se exponen exclusivamente con fines divulgativos y educativos.

Hoy nos enfrentamos con uno de esos fotógrafos con una obra que nos gustaría que no fuera real, que nos trastorna y que no nos deja fijar la mirada de observador demasiado tiempo precisamente porque sabemos que lo que nos muestra es desgraciadamente real. El fotógrafo de hoy no es un gran fotógrafo si lo medimos por aquellas habilidades tradicionales usadas para valorar la fotografía. No busca especiales encuadres ni revolucionarios tratamientos de la luz. El hombre de hoy nos ha permitido conocer una realidad que no nos podíamos imaginar que existiera. Podemos cerrar los ojos pero si queremos mantenerlos abiertos nos tenemos que preparar para un viaje duro. Amigos, hoy conoceremos otra realidad.

James Nachtwey Nace el 14 de marzo de 1948 en Syracuse, en el estado de Nueva York. Fotógrafo de guerra y foto-periodista, Nachtway es uno de los más prestigiosos fotógrafos de nuestros días, galardonado hasta 5 veces con la medalla de oro Robert Capa 'ha sufrido el peligro de estar en primera línea, en el 2003 fue herido por una granada al impactar en el convoy donde viajaba como corresponsal de la revista Time en Bagdad. Creció en Massachusetts y se graduó en la High School de Leominster desde donde accedió a la Universidad de Dartmouth en 1966. Estudió Ciencias Políticas e Historia del Arte. De la generación americana de aquellos que vivieron con horror las imágenes que llegaban de la guerra de Vietnam, Nachtway, también influencia-

do por los movimientos en favor de los derechos civiles decidió que debía dedicarse a la fotografía. Al terminar sus estudios universitarios comenzó con trabajos diversos, desde conductor de camiones a enrolarse en barcos mercantes. Durante este periodo se apasionó por la fotografía y fue adquiriendo habilidades que más tarde usaría como herramientas de su producción fotográfica. Durante este tiempo fue totalmente autodidacta e iba descubriendo los secretos de la fotografía. Se fijó en otros fotógrafos como base de lo que más tarde sería su propio estilo. Henri Cartier-Bresson, Gene Smith, Josef Koudelka o Don McCullin fueron de gran influencia en su obra. Nachtwey se inició profesionalmente en la fotografía trabajando para un pequeño periódico en el estado de Nuevo México. Era en 1976 y unos años más tarde, en 1980, tomaba la decisión de trasladarse a Nueva York para iniciar la aventura de fotógrafo independiente.

He sido testigo de muchas situaciones, y mis fotografías en son una prueba. Estas situaciones que he fotografiado no deben ser olvidadas y no deben volverse a repetir nunca más. James Nachtwey Nachtwey, cuando habla de estas situaciones se refiere a todo lo que vivió en medio mundo en sus viajes, Ruanda, Somalia, Nicaragua, Irlanda, Líbano, El Salvador, India, Afganistán, Filipinas, Sudáfrica, Rusia, Bosnia, Chechenia o Kosovo son sólo algunos ejemplos. Desde 1984 trabaja para la revista Time y ha sido miembro de la prestigiosa Agencia Magnum. Ha sido fundador de la Agencia VII Photo . Ya en Nueva York, en 1981 recibió su primera asignación: Irlanda. En este primer proyecto Nachtwey realiza una radiografía visual de la vida en Irlanda del Norte. Viajó a Belfast para cubrir la huelga de hambre del IRA (Irish Republican Army). Eran 10 prisioneros del IRA que protestaban por las condiciones que estaban sufriendo en las cárceles. La reacción en las calles fue muy violenta y tuvieron graves confrontaciones. Allí, dice Nachtway, descubrió que las guerras en nuestros días no se producen en campos de batalla aislados sino en el lugar donde la gente vive.

'Lo peor es que me aprovecho de la desgracia ajena'

Superviviente de un campo de concentración hutu. Ruanda, 1994 'Los acontecimientos que he documentado no deben olvidarse ni repetirse'. Desde hace más de 20 años, James Natchtwey nos conduce hacia el infierno, a las tinieblas del mal, se mueve entre el horror y el sufrimiento de los hombres. Nachtwey estuvo en el lugar y en los momentos más críticos de nuestro tiempo intentando dar testimonio: Al humanizar la guerra, la fotografía muestra qué les pasa a las personas corrientes ' Cada imagen suya destaca en el mar de fotografías de dolor homologadas que estamos habituados a digerir cotidianamente, cada una es una noticia y a menudo también un antídoto contra la autocensura. En este caso, la fotografía del joven hutu torturado a golpes de machete se convierte en un acto de acusación hacia Occidente por haber cerrado los ojos frente a la catástrofe humanitaria de Ruanda. Desde el 6 de abril hasta mediados de julio de 1994, en sólo 100 días, son masacradas sistemáticamente, con armas de fuego, machetes y palos con clavos, más de 800.000 personas, en su mayoría de etnia tutsi. A consecuencia del genocidio, más de un millón de personas huye hacia el Zaire formando uno de los campos de refugiados más grandes de la historia. Nachtwey estaba allí y captura imágenes horribles. El hombre fotografiado logrará sobrevivir después de haber sido liberado y curado por la Cruz Roja. Nachtwey cierra el encuadre sobre el rostro violado, reducido a materia, a carne y cicatrices. Este rostro es una denuncia: 'Lo que me permite superar el obstáculo emocional inherente a mi trabajo es pensar que alguien se enfrentará con imágenes como estas, participará de alguna manera en el diálogo, no importa si nacido de la rabia o la frustración por lo que está observando. (Fuente: Foto: Box, Editorial Lunwerg) Rwanda, 1994

Durante la década de los 80, Nachtwey dedica buena parte de su trabajo a viajar por Centroamérica, donde guerras civiles estaban presentes en varios países y al igual que en el caso de Irlanda, la población civil estaba en medio del conflicto. En los 90s, tras el derrumbe de la Unión Soviética fue la ex Yugoslavia la que estalló, produciéndose los primeros conflictos étnicos en la Europa moderna. Al mismo tiempo en Sudáfrica, después de la liberación de Nelson Mandela de la cárcel era la población negra la que se liberaba de años de apartheid. Aunque en África, el hambre en Somalia y el sur de Sudán fue la excusa del aniquilamiento masivo, con miles de víctimas.

Después de pasar casi un año en Sudáfrica, Nachtwey viajó a Ruanda. Él mismo describe su experiencia como coger un ascensor directo al infierno '. Desesperado y desanimado de lo que ya había visto en Somalia, lo que se encontró en Ruanda fue horrible. Con el silencio por parte de la comunidad internacional alguien tenía que explicar lo que estaba pasando allí. Cerca de un millón de personas fueron asesinadas por sus propios vecinos, utilizando todo tipo de armas domésticas, machetes y herramientas agrícolas.

«Ojalá no hubiera hecho ninguna de esas fotos»

Nachtwey continuó con los documentos de guerra pero ahora, como si fuera una liberación de lo que había vivido en Ruanda, documentó los hechos de los 'Niños perdidos' de Rumania, la casta de los 'Intocables' en la India, los efectos de la polución industrial, los sin techo en Indonesia o los adictos a la heroína en Pakistán. Cuando no recibía ninguna asignación por parte de las agencias se dedicaba a trabajar por su cuenta en comunidades con graves problemas sociales, esto es lo que hizo en el caso de Somalia y Rumanía. Gracias a estas iniciativas personales Nachtwey provoca una conciencia social de aquellos hechos que tuvieron gran repercusión mediática. En 1998 viajó a Indonesia para documentar la extrema pobreza en un país que paradójicamente tomaba su camino hacia la rápida modernización. El presidente Soeharto estaba al frente e Indonesia estaba sufriendo la crisis financiera asiática, con los precios del petróleo por los suelos, una de sus principales fuentes de ingreso y con su moneda devaluada, lo que provocaba una inflación galopante. Allí se encontró grandes manifestaciones populares, hasta que Soeharto dimitió en mayo de 1998. Lo que quedó, para muchos una típica situación post-colonial, fue una situación de extrema pobreza, sin condiciones de salud y con conflictos armados. Los niños, como ya había visto en otros conflictos armados, eran los que más sufrían.

Desde entonces Natchtwey se ha dedicado a documentar guerras, conflictos y crisis sociales en lugares tan diversos como la Franja de Gaza, Israel, Tailandia, India, Sri Lanka, Afganistán, Filipinas, Corea del Sur, Rusia, Bosnia, Chechenia, Kosovo, Brasil o Estados Unidos.

Asociado con la agencia Black Star de 1980 a 1985, desde 1984 James Nachtwey trabaja para la revista Time Magazine. Fue miembro de la Agencia Magnum entre 1986 y 2001 y ha expuesto individualmente en el International Center of Photography de Nueva York, el Palazzo Esposizione de Roma, el Circulo de Bellas Artes de Madrid, el Carolinum en Praga, el Centro Hasselblad en Suecia, la Canon Gallery y el Nieuwe Kerk en Amsterdam y el Hood Museum of Art del Dartmouth College, entre otros. En 2001 fue uno de los fundadores de la agencia de fotografía VII Photo Agency. La agencia, formada originalmente por siete miembros tenía como objetivo compilar fotografías de diversos conflictos y crisis sociales, políticas y medioambientales. Las fotografías de la guerra no son muy diferentes de las que hizo en Rumania, en el reportaje de los niños abandonados, amontonados en cuna sin ningún tipo de atención o los niños de las castas de los 'intocables', abandonados a la suerte de los buitres . Ellos son invisibles, no parece que nadie los vea y eso lo que dirige el foco de Nachtwey. No son víctimas de cataclismos naturales, son víctimas de la avaricia humana por el poder, violencia, estupidez e impulsos destructivos de la raza humana. Nachtwey casi de forma obsesiva lucha para que no olvidemos la víctimas de la guerra, el hambre, las enfermedades y altas injusticias sociales. Fotografía social? Totalmente. Nada de poesía. Él mismo lo desvela cuando comenta el reportaje sobre la guerra civil ruandesa: "Quería rebatir el mensaje del gobierno americano y de las Naciones Unidas, que negaban la calificación de" genocidio "en el conflicto". Y lo refleja: la palabra "genocidio" golpea una y otra vez, la retina del observador. Son fotos que no mienten. "No he añadido nada", asegura. "Todo estaba aquí". En 1994, Nachtwey cubría las elecciones en Sudáfrica, las primeras elecciones no raciales en décadas. Como asociado del grupo Bang-Bang Club, presenció la muerte de un colega periodista, también asociado del Bang-Bang Club y reportero del diario 'The Star' de Johannesburgo. De ésta salió ileso pero fue en Irak, mientras cubría un reportaje sobre la invasión estadounidense que resultó herido. Nachtwey y el corresponsal de Time, Michael Weisskopf, iban detrás de un convoy del ejército estadounidense cuando un grupo de insurgentes lanzó una granada dentro de su vehículo. Weisskopf la cogió con intención de lanzarla fuera del vehículo pero le explotó en las manos. Nachtwey herido aún se las arregló para poder hacer fotografías de su colega mientras era tratado por los sanitarios. Ambos fueron evacuados en Alemania para terminar más tarde en hospitales de Estados Unidos. Nachtwey aún tuvo ganas, una vez recuperado, de ir a cubrir los efectos del tsunami en el sureste asiático en 2004.

Creo que la gente se debe ofender con el genocidio. Y con la limpieza étnica. Ha de ofenderse con el hambre. Mi trabajo no es hacer que estas cosas sean cómodas o fácilmente digeribles. Mi trabajo no hizo sentir cómoda a la gente con estas cosas, ni entretenerlos. Mi trabajo es concienciar a la gente de que son crímenes contra la humanidad. No son víctimas de cataclismos naturales, son víctimas de la avaricia humana por el poder, violencia, estupidez e impulsos destructivos de la raza humana. 88

Somalia, 1992

En 2007 gana el premio TED (Ted Prize ), dotado con 100.000 dólares, los cuales usa en un proyecto para la lucha contra la tuberculosis. Es el proyecto de la XDRTB.org, una organización que lucha en contra de la 'Extremely drug-resistant tuberculosis', la tuberculosis extremadamente resistente a las medicinas. Con este proyecto Nachtwey pretende acercarnos a esta enfermedad que aunque es diagnosticable y curable mata en el mundo a una persona cada 20 segundos. Podéis entrar en la web de la organización para ver un vídeo explicativo de la enfermedad, con fotografías de Nachtwey. ( Xdrtb.org ). Todos recordamos los hechos del 11 de septiembre a las torres gemelas. Nachtwey estaba allí. "Cuando comenzó el primer ataque, iba con mi coche por la South Street Sea Port, en la parte baja de Manhattan. Oí un ruido que me pareció extraño, estaba bastante lejos pero me pareció un ruido fuera de lo ordinario. Venía de la dirección del World Trade Center así que miré por el retrovisor y vi la torre en llamas ... " Después de hacer algunas fotografías desde la azotea de su casa, Nachtwey cogió su cámara y fue caminando hacia la zona de las Torres gemelas y en 10 min ya estaba allí. En aquellos momentos se producía el impacto sobre la segunda torre y era una avalancha de gente escapando de la zona mientras las torres eran evacuadas. Era una situación caótica. Pero lo peor estaba pasando dentro de las torres donde la gente estaba atrapada. Era el terror y el caos. Nachtwey supera los obstáculos técnicos, físicos y emocionales que todo foto-periodista se encuentra en su trabajo de campo para poder producir fotografías claras y llenas de fuerza. Trata de ser lo suficientemente transparente para que nos demos cuenta de lo que está fotografiando, no le interesa demasiado si lo que produce es arte o no. No le importa cómo medimos su trabajo fotográfico, no le interesa demasiado los parámetros clásicos por los que se evalúa si es una buena fotografía o no. Sólo le importa, aparentemente, que nos demos cuenta de lo que está pasando. Es un fotógrafo más humanista 'que' estético '. Natchtwey utiliza más el blanco y negro que el color. Piensa que el color puede llegar a hacer 'bonitas' sus fotografías, en detrimento del horror que está mostrando. Después de algunos proyectos en color, Natchwey ha vuelto a disparar exclusivamente en blanco y negro. Este medio más austero encaja perfectamente con su visión moral y obliga al observador a centrarse en el mensaje, en el fuerte y profundo ruido que sale de sus fotografías, más allá de la belleza de sus composiciones.

Chechnya, 1996

Sus libros de fotografía son extraordinarios documentos, Deeds of War (1989), Civil Wars (1999), Inferno (2000), Rethink (2004), War (2004), y Democratic Republic of Congo: Forgotten War (2006), en son los más representativos. El mismo Richard Avedon decía de su libro Inferno "el más doloroso y hermoso libro a la historia de la fotografía". Nachtwey utiliza cámaras y objetivos Canon, que a menudo ha aparecido en los anuncios publicitarios de la compañía japonesa. Actualmente utiliza una Canon EOS-1Ds mark II y una cámara analógica, la EOS-1V. Como no podía ser de otro modo, usa un portátil PowerBook G4, un poco anticuado y es muy posible que a estas alturas ya utilice un Macbook Pro. Apple le dedica una espacio en su web . La obra de Nachtwey lo largo de los años conforma una historia consistente que nos provoca la necesidad de hacer algo. Podemos ver y escuchar las noticias para tener una idea de lo que está pasando en el mundo pero las imágenes de Nachtway nos trasladan en medio de los hechos. Era Robert Capa quien decía 'Si tus fotografías no son suficientemente buenas es que no estás suficientemente cerca'. Bueno, no podemos decir que Nachtwey no está lo suficientemente cerca .. Para muchos críticos el trabajo de Nachtwey no ha sido suficientemente reconocido y a menudo es incómodo para editores y publicistas. Desde un punto de vista fotográfico Nachtwey no desarrolla un estilo propio, ni pasará a la historia como un gran clásico que ha influenciado a generaciones de fotógrafos. El mérito de Nachtwey es precisamente que es consciente de ello y que no aspira a otra cosa que mostrarnos imágenes invisibles, escondidas, de un mundo que no es tan perfecto. Su obra no es sensacionalista y de nuevo su objetivo es dar a conocer las atrocidades, el horror, las injusticias, como forma de despertar sensibilidades. Fotógrafo, periodista o activista?

Galerías y vídeos

Las fotografías de Nachtwey han sido expuestas por todo el mundo y ha recibido innumerables premios como el World Press Photo en 1994, el Overseas Press Club 's Robert Capa Gold Medal en 1983, 1984, 1986, 1994 y 1998. En 2001, se estrenó el documental 'The War Photographer', centrado en Nachtwey y su trabajo. Dirigido por Christian Frei, el documental recibió una nominación de los Oscar 2002 por mejor film documental. En 2002 recibía el prestigioso Dan David Prize. En 2006 fue premiado con el 12th Annual Heinz Award in Arts and Humanities por la Heinz Family Foundation, remunerado con 250.000 dólares. En 2008 exponía series de sus fotografías originales en Le Laboratoire en Paris, Francia. La exposición se denominó "Struggle For Life", un documento sobre la TB (tuberculosis) y el SIDA.

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