Pound Magazine en Español #3 Skull &Bones issue by Pound Magazine

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THE KIDCHEN skull & bones 0.3 editorial Pound Mag se ha caracterizado por su innovación, autenticidad y vanguardia; no seguimos patrones ni modas, sólo nos guiamos por nuestra visión, experiencia, viajes que nos han abierto los ojos y demostrado que el ser auténtico y profesional es lo que nos hace perdurar en el tiempo. Nos inspiramos en las carreras de grandes emprendedores y empresarios de las distintas industrias y vemos que siempre hay un patrón que se repite en todos: trabajo duro, trabajo en equipo, trabajo profesional, planes estratégicos y, por sobre todo, perseverancia.

Pensar en grande y actuar en pequeño, así es como nos movemos, pero esencialmente como dice Notorious Big: moverse en silencio. Pound Mag no duerme; no hemos dormido desde 2004 cuando toda esta idea comenzó, y no vamos a dormir nunca. Por esta razón Pound sigue avanzando y estamos en todo Chile, en cada esquina y en cada estación de este hermoso país. Ya son miles los POUND LUCHADORES y queremos agradecer a cada uno de los que colaboran, nos escriben y apoyan por Twitter, Facebook y en las calles. Por medio de este texto, con orgullo presentamos a ustedes nuestra edición 03 en español SKULL & BONES, porque si no fuera por su apoyo probablemente no estaríamos aquí.

POUND LUCHADORES Move in silence worth fighting for

POUND MAGAZINE NO ES UNA REVISTA. ES UN MOVIMIENTO!!!

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Editor en Jefe Javier Carmona EDITORA DE REDACCIÓN Paulina Cruz Editorial Rodrigo Bascuñán Diego Durán Lance Wilson Carl Johnson Director CrEativo Javier Carmona

Director Marketing Álvaro Sepúlveda director Comercial Andrés Carmona

Fotógrafos Che Kothari Derick G Estevan Oriol Javier Carmona Meghan Janushewski Foto portada Che Kothari http://themanifesto.ca

Colaboradores Basmer Big Flaco Carlos Lorca Claudio “Claudogg” Valencia Claudio Ubilla Daniel López David Urbina Derick G Estevan “Mr. Scandalous” Oriol Felipe “FIX” Sepúlveda Gonzalo Muñoz Jorge Salamanca Macarena Poblete Manuel Sleman Marylin Dubeau Maureen Hammersley Maximiliano Jimenez Michelle Marín Miguel “NEJUS” Conejeros Nicolás Orellana LouieVille Sluggah Pep Williams Sebastián Arlegui Shannon McCollum Sol Guy Valérie Poirier

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POUND SP #03 Skull & Bones For the Kiddies Distribución en Chile Por: Meta S.A.

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Lady noyz Nylda Gallardo López comenzó a bailar a los dos años. Su padre tenía un grupo folclórico llamado Nueva Esperanza, donde ella participaba, “yo bailaba cueca y todos los bailes típicos, tengo fotos vestida de pascuense”. A los doce años amplió su repertorio y comenzó a inclinarse hacia el merengue y la salsa, bailes latinos contemporáneos y un poco de Hip Hop. “Mi hermano era dj entonces en mi casa se escuchaba desde Inti Illimani hasta Public Enemy”. Fue la única de sus hermanos nacida en Toronto, pero eso no la hace sentirse menos chilena. “Mi papá estaba en una mina haciendo trabajo social y cuando se produjo el golpe militar, tuvo dos opciones, trabajar para ellos o trabajar para ellos”. No estaba de acuerdo con lo que estaba pasando, y por esta razón llegaron a Canadá.

¿Cuándo comenzaste a ser bailarina profesional? A los 16 años empecé con el breakdance. Al principio todos mis amigos bailaban pero no pensábamos en ser profesionales, era más que nada un hobby. Ellos eran raperos y me decían, ¿por qué no tratas de hacer esto?, y así empecé. Pero pasó a ser algo más serio para mí cuando me fui un año a Nueva York al Rock Steady Studio, un club de breakers de los pioneros. ¿Cómo fue esa experiencia? Fue increíble. Pertenecía un grupo que tenía representantes en distintas partes, como Chicago, Puerto Rico y acá en Toronto; con ellos aprendí y me formé profesionalmente. En un principio, ¿cómo fue la reacción de los demás siendo la única mujer? Realmente los hombres que pertenecían a estos grupos me apoyaban mucho, porque me conocían y sabían que no lo hacía para llamar la atención, sino porque me gustaba. En cambio mi familia, sobre todo mi papá, no me apoyaba. Para él era como strip- teese, y hacer una carrera de bailarina no valía. En la escuela tenía muy buenas notas, podría haber sido doctora o lo que quisiera, pero no era lo que me gustaba. ¿Y qué piensa ahora? No puede decir nada porque tengo todo siendo bailarina y sabe que soy adulta, pero no lo apoya. Quizás ahora está un poco más abierto de mente porque hay unos grupos que hablan incluso de política. Mi papá veía que el tema principal era el dinero y mujeres, y eso no le gustó, viniendo de una familia de una cultura diferente, con morales y principios. Y lo entiendo, pero no era así.

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Entrevista: Javier Carmona @416 Fotos: Meghan Janushewski, Adrian Vit Por: Paulina Cruz

Al descubrir su verdadera pasión, el Breakdance, nació Lady Noyz, lo que le ha permitido darse a conocer en presentaciones y participado en competencias desde entonces. Ha realizado coreografías con distintas compañías de baile con el objetivo de educar y promover la cultura del street dance. Con la influencia de movimientos latinos, esta chilena es considerada una líder en su comunidad, al haber sido parte de diferentes shows, videos, y programas juveniles; experiencia que espera que le ayude a abrir en el futuro su propio centro comunitario, donde pueda ser un aporte para la juventud a través de la música y el baile.

Tu padre fue un activista, ¿cómo su pasado político te influenció en tu deseo de ser breakdancer? En un cien por ciento. Creo que el hecho de que él no me apoyara era porque no quería que hiciera lo que él hizo. Cuando su padre murió, mi abuelo que nunca lo conocí, me dijo que era un hombre de bien, que trataba de hacer de la gente mejores personas y que pensaba que si uno iba a estar en este mundo debía hacer algo positivo. Eso me quedó muy presente y esta es mi forma de hacerlo. ¿Cómo fue ser mujer y latina, dentro del mundo del Breakdance que es tan masculino? Lo más difícil fue tratar con los hombres, por todo el tema de la sensualidad. Yo podía estar dentro de un círculo haciendo lo mismo que ellos, pero no me estaban mirando como miran a un chico y siempre tuve que lidiar con eso. Yo era elegida por sobre hombres que podían ser mejor que yo, porque era quizás atractiva o simplemente por ser mujer. Era como algo que podía traer más plata o llamar más la atención. Otra cosa que me complicaba fue el haber dejado de ser yo misma, era un poco mala onda a veces sin quererlo, porque tenía que ser muy selectiva con la gente con que trabajaba, ver si querían realmente trabajar conmigo o querían algo más. Y eso me pasaba todo el tiempo. Para ser una bailarina, ¿qué es la cosa más importante que uno debe tener? Yo creo que el breakdance pertenece al Hip Hop, son la misma cosa. Puedes ser un bailarín de jazz, contemporáneo o de cualquier otro género, pero hay una gran diferencia entre esos y los breakers, y es que hay toda una cultura detrás. Cuando eres un dj o un mc, estás representando a una cultura, es algo más

“De aquí a diez o veinte años más, me veo haciendo lo mismo. No creo que sea capaz de bailar a los cien, ni siquiera planeo estar viva (ríe) pero seguiré siempre siendo parte de la cultura Hip Hop, porque me ha enseñado mucho, a ser mejor persona, y pretendo entregarles lo que sé a las próximas generaciones”. grande, es político, es social, es universal. Yo no lo hago por dinero o porque me puede ayudar a pagar la renta, hay algo más grande que me ha llevado a ser parte de esto. Para mí, bailar es la forma de expresarme y retribuirle a esta cultura que me ha dado tanto. ¿Cómo has hecho del breakdance algo personal? Ha pasado a ser personal cuando la gente ha tratado de encasillarme o ponerme bajo un título, porque creo que es confuso para ellos ver a una bailarina de break que puede hacer muchos estilos. Pero si alguien me dice que tengo que dedicarme a un sólo baile por el resto de mi vida, sería el break, porque es lo más desafiante y lo que saca lo mejor de mí; fue algo que tuve que entrenar mucho para lograrlo. ¿Cómo has visto cambiar tu estilo los pasados 10 años? Creo que todo va cambiando y evolucionando, mientras más vaya conociendo gente, mientras haya un nuevo concepto musical, mientras vaya siendo más abierta de mente con la música, ver otros estilos de baile y no decir, ah, eso es muy fácil comparado con lo que yo hago, sino que de verdad apreciarlo y usarlo. Antes no era así, no valoraba lo que hacían otros, pensado que lo que hacía yo era mejor y mucho más difícil. Llevas 12 años en el mundo del cultura urbana, ¿cómo ves que ha ido evolucionando? Ha cambiado mucho. He trabajado para Sony, GMC, Belt. Vemos que de haber sido algo de la calle ahora se ha convertido en un negocio, aunque creo que han sucedido cosas buenas con eso y otras malas. Por ejemplo, ahora hay bailarines que no son bailarines realmente, pueden hacer algunos movimientos pero no tienen alma, no tienen un verdadero amor hacia esta cultura, lo hacen sólo por moda. ¿Ahora te dedicas cien por ciento al baile? Si, hago clases a jóvenes en centros comunitarios. Podría trabajar en estudios o en algo más profesional, pero para mí no es lo mismo, no es una acción social. Yo trabajo con los barrios en alto riesgo; a mí me pagan, pero los chicos toman las clases gratis. ¿Cómo los breakdancers han ayudado a jóvenes en riesgo social?, ¿cómo te hace sentir ser capaz de hacer eso para otros? Esa es la razón de por qué aún lo hago, creo que no es algo egoísta. Cuando partí pensaba que era algo que necesitaba, como una terapia o algo así, ahora veo como puede causar efecto a

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otra gente, ya que crea una relación conmigo y los otros chicos sólo a través del baile y que a la semana pueden contarme cosas que no le pueden contar a nadie más. Me ha pasado, me pasa todo el tiempo, y con el baile y la energía que les entrego, se produce una conexión. Siento que les puedo entregar mucho más a través de algo que disfruto haciendo. ¿Cómo te sientes que te conozcan en Chile por tu trabajo, pero más sobre todo por ser chilena? Me parece increíble. Yo creo que por ser la única canadiense de mi familia, siempre me he sentido como que hay algo que me falta, no pertenecía aquí y cuando estaba allá, era como la oveja negra. Eso siempre ha sido un tema con mi familia, como ser la breakdancer, y creo que a mi edad y por ser consecuente con lo que hago, finalmente me siento cómoda con esto. Estuve en Cuba unos meses, enseñando allá y significó mucho para mí, como conectarme con mis raíces, porque siempre me sentí mas conectada con Chile que con Canadá, como latina, nunca me sentí bien aquí culturalmente. Fui criada como chilena, siempre he sido chilena, mis morales son diferentes a los de las personas de acá. ¿Qué consejo le darías a los jóvenes que quieren ser parte de esto? Que aprendan su historia, porque esto tiene que ver con todo, con política, con cultura y no puedes ser parte de algo sin conocer todo sobre aquello. Les diría que aprendieran de todo lo que compone esta cultura, como educación. Además, hay que ser proactivo, siempre tratar de enseñarle a alguien más y reformar a otros; así van a ser alguien, al hacer algo positivo no sólo para uno. O sea, tiene que hacerlo por ti al principio, pero cuando te incorpores al resto del mundo, entrega lo que sabes. ¿Qué te parece que Pound esté en Chile?, una revista canadiense creada por un chileno y que ahora saca su versión en español. Me parece muy bien, creo que ya era tiempo. Es lo que necesita Chile y Latinoamérica en general. Luego de haber estado en Chile y en Cuba, los meses que pasé ahí me mostraron que los jóvenes lo necesitan, tienen hambre de algo así y de tener un medio en qué confíen.

.bowtiesouth. freddy peña “THE DON OF MIAMI” Entrevista: Javier Carmona @305 | Fotos: Derick G | Por: Paulina Cruz

Motores, tuercas, llantas, piezas cromadas por todas partes; en esto consiste la vida de Freddy Peña. Nacido en la cosmopolita ciudad de Nueva York e hijo de padres dominicanos, comenzó a desarrollar su interés por la cultura Lowrider desde muy joven. A los 13 años, en vez de interesarse por el deporte como el resto de sus amigos del barrio, prefería pasar la mayor parte de su tiempo debajo de un auto, reparándolo. A los 14 ya había ahorrado dinero como para comprarse uno; “en ese tiempo los hidráulicos eran la moda, pero no tenía lo suficiente para conseguirlo, entonces, en mi patio, aprendí cómo construir e instalarlos”. No fue hasta que viajó a California que vio cómo realmente tenía que ser un Lowrider, y en cuanto tenía la oportunidad, viajaba a la costa oeste para aprender técnicas sobre restauración. Freddy tiene 33 años y hace 15 que vive en Florida junto a su team Bowtie South, luciéndose cada vez más en la restauración y

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customización de autos clásicos, los cuales son expuestos como trofeos en los showrooms más importantes de Estados Unidos. ¿Quién no ha soñado con subirse a una de estas grandes máquinas de culto? El trabajo de Freddy ha captado mucho la atención y gran interés por parte de productoras, de famosos deportistas, y de artistas como Birdman, Flo Rida o Shaquille O’Neal, quienes incluso han llegado a solicitarle que construya un auto totalmente personalizado, de acuerdo a sus gustos. Autos pulidos como joyas, reluciendo con los tonos más brillantes, pero siempre conservando el estilo clásico, “como si hubiera salido de la fábrica” dice Freddy. Bowtie South ha plasmado su marca en la joven cultura Lowrider de Florida y lo que hacen, se podría definir como un verdadero arte de customizar un auto: pintarlo, jugar con la combinación de colores, buscar las piezas adecuadas; siendo todo este proceso complementado por la creatividad de BTS.

¿Cómo empezó la compañía?

¿Puedes nombrar algunos de los clientes que vienen a ti?

El proyecto lo iniciamos entre el año 2006 y 2007, como un hobby. Nosotros empezábamos a trabajar en nuestros propios autos y, con el tiempo, comenzaron a llamar la atención en el barrio. Organizábamos pequeños shows mostrando algunos modelos y la gente se acercaba a nosotros para consultar el precio de éstos. Así se nos ocurrió hacer un negocio.

Hicimos un auto para Shaquille O´Neal, también para Eddie Jones, jugador de los Lakers. Estamos haciendo un proyecto que es bien importante para nosotros, es uno de los raperos que está llamando la atención en este momento, Flo Rida. Pronto vamos a presentar el auto que este artista usará para la campaña de promoción de su nuevo disco.

¿Siempre han tenido el mismo taller en el que trabajan hoy?

¿Cuánto cuesta hacer un auto con ustedes?

Si. Antes sólo era la planta chica, pero durante los años lo hemos ampliado, porque necesitábamos tener una mayor capacidad para los autos.

Con la experiencia que tenemos, un auto original, el proceso de desarmado y armado, en buenas condiciones, costaría de 60 mil dólares hacia arriba. Si el cliente lo desea “custom” empezaríamos por 150 mil dólares, depende de lo que tenga en mente. Pero 220 mil dólares es el precio más alto que hemos cobrado. Además, nos arriendan autos para, videos musicales, peliculas o comerciales.

¿Cuál es básicamente el trabajo que hacen aquí en Bowtie South?

Restauramos los autos o los customizamos al gusto del cliente. Generalmente trabajamos con modelos antiguos, clásicos, como el Chevrolet Impala, auto pionero de la cultura Lowrider en California. ¿Quiénes son generalmente tus clientes?

La mayoría son futbolistas o jugadores de básquetbol, de la NFL y NBA, y también raperos. Además, hemos tenido gran demanda de coleccionistas de autos, que nos envían sus modelos desde todo el país, para que los retoquemos al deseo del cliente. Intentamos trabajar con los mejores materiales y con mucho detalle para que el resultado de nuestro trabajo sea una verdadera obra de arte.

¿En cuáles videos han aparecido tus autos?

Uf, muchísimos. En algunos de Rick Ross, Fat Joe, también para un artista de la escena local que está subiendo su popularidad llamado Black Dada. También han aparecido en videos de Birdman, dueño del gran sello Cash Money Records, entre otras celebridades. ¿Cómo proyectas este negocio?, ¿tienes más clientes en el extranjero?

Nos han llamado, pero no todos andan con la idea de comprar uno; eso es más difícil, además, muchos de los clientes no tienen la paciencia para construir un auto así. ¿Cuánto tiempo tomaría construir uno?

Depende del tipo de auto, pero puede tomar desde ocho meses, y si el dueño tiene el capital y la idea de producción está clara, lo hacemos más rápido. El problema es que la mayoría de los casos en los cuales trabajamos, los dueños empiezan con una idea y terminan con otra, mientras el proceso del auto va avanzando. Las modas cambian mucho, hay que estar atento al tema de la moda. Es muy relativo, hemos tenido casos que han tomado hasta tres años. Además de organizar sus Car Shows habituales, ¿realizan de este tipo de shows fuera del estado de Florida?

Si claro, hemos tenido exhibiciones en Las Vegas, California, Carolina del Sur y Texas. El año pasado nos habíamos distanciado un poco con el tema de los shows afuera, preferimos quedarnos con aquellos a nivel local, por nuestra situación económica, pero ahora tenemos planeado comenzar de nuevo. ¿Han tenido planeado exhibir sus autos fuera del país, por ejemplo, en Sudamérica?

Siempre he estado interesado en exhibir nuestros autos a nivel internacional, siento que es mi objetivo, para que sean apreciados por todo el mundo. Lamentablemente nunca se me ha dado la oportunidad ni la ocasión para hacerlo.

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¿En qué tipo de autos se especializan: Lowrider, carrera o clásicos?

Lo principal es la restauración, si después lo deseas Lowrider, te hacemos uno. Lo hacemos como tú quieras. Pero cuando comenzamos con el negocio sólo hacíamos Lowriders de alta calidad. Nosotros, ya que la economía cambia tanto, nos hemos diversificado con el tema de los autos. Los clientes de Lowriders están muy atentos a los detalles y los detalles son caros; te ponen mucha presión en eso, en la pintura, el material, hasta en las tuercas. Es bastante caro fabricar un Lowrider. Por ejemplo, para los autos que exhibimos, cromamos todo el motor, instalamos espejos en ciertos ángulos para que el espectador aprecie el auto de mejor forma, y todo eso sale caro. Por eso también restauramos autos clásicos, y de repente, nuevos. De esta forma tenemos más diversidad, más mercado y más experiencia. Cuando hablaste sobre las exigencias de los Lowriders, ¿a qué te refieres con que sean Lowriders de competencia?

Los fabricamos básicamente para los shows pero evitamos darles modificaciones no necesarias, porque no queremos que el auto pierda su valor clásico. En los momentos de exhibición, nos preocupamos de que el público pueda apreciar el modelo

que presentamos desde todos sus ángulos. Cada uno de nuestros autos es único, intentamos que cada uno mantenga su valor, sin darles tantas exigencias ni modificaciones innecesarias, como se ha visto en otros talleres. Tratamos de dejarlos como si hubieran salido de fábrica, les damos la misma forma, las tuercas tienen que estar giradas de la misma forma, la cablería tiene que venir exactamente como si estuviera nuevo. Cuando arreglan los autos, ¿los modifican con tecnología actual?

Claro, todo lo que es suspensión, dirección, frenos, motores y la transmisión. Los dejamos por dentro con la tecnología de los autos actuales, pero conservamos su estética. Cambiamos el interior con última tecnología e intentamos restaurar las piezas originales y si nos faltan partes especiales, siempre encontramos el lugar donde conseguirlas. Eso es lo que hace especial a Bowtie South, que mantenemos lo clásico. Shot outs To all Bowtie South’s clients, the many Bowtie South followers and fans for their continued support, my BTS staff and team Mike a.k.a “Lefty”, Derick G., Doughboy, Jorge, Fern, Zoila and to our sponsors for believing in the Bowtie South brand

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Cool & Dre / Fat Joe | Foto Por Derick G

Origenbeats En busca del sonido universal Entrevista: Diego Durán | Fotos: Javier Carmona @562

A sus 31 años ha vivido la mitad de su vida en Francia y la otra en Chile. Dice que conoció el Hip Hop en París, pero su romance con la música empezó en las calles de Santiago. Define su trabajo como rap, aunque asegura que su sonido tiene marcados tintes de Reggae. Son algunas de las dualidades que giran en torno a la vida de este emcee, el cual aspira a consagrarse en un mercado musical tanto nacional como internacionalmente. Una mezcla de culturas marcó el desarrollo de Marcelo Martínez, más conocido como Origenbeats, ya que a pesar de haber nacido en Europa su primer idioma no fue el francés sino que el castellano. Y es que dentro del hogar sus padres hablaban su lengua natal, mientras que 24

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en la calle fue donde aprendió los códigos galos y vio por primera vez eso que llamaban Hip Hop. De ahí hasta ahora han pasado varios años y lugares. Actualmente vive en Chile, tiene dos discos solistas bajo el brazo y un abultado número de colaboraciones (como mc o productor) en diferentes álbumes. Sin embargo, hoy tiene enfocado sus esfuerzos en traspasar las fronteras y para ello trabaja con gente de Estados Unidos, Francia, Rusia, entre otros países, con tal de que su música llegue a la mayor cantidad de gente posible.

con

“Siempre tuve esa visión y no porque sea adivino, pero encontraba que era entretenido y original mezclar idiomas como el castellano con el francés o con el inglés. Era algo diferente a lo que se hacía acá”.

¿Cuál fue tu primer acercamiento al Hip Hop? En Francia como a principios de los 90’. Tenía como 11 ó 12 años y mi hermano escuchaba a Public Enemy, N.W.A., Brand Nubian, Gangstarr y grupos franceses que estaban emergiendo como NTM y IAM. Igual lo conocía de antes con algunas cosas como los breakbeat que salían en televisión pero igual era una escena muy underground a finales de los 80’. A principios de los 90’ se fue convirtiendo en un movimiento muy fuerte que creció exponencialmente. ¿Cuándo y por qué llegaste a Chile? A los 15 años. Nunca había venido y tenía ganas de conocer al que también considero mi país. Aparte, allá no estábamos pasando por una buena situación socioeconómica, vivíamos en un sector peligroso, entonces decidí cambiar y venirme solo a Chile. A pesar de que nunca había pisado tierra nacional, el contacto con su nación de sangre se había forjado por herencia familiar. Su madre lleva más de 15 años siendo la presidenta de las asociaciones chilenas en Francia y le mostró el folklore latinoamericano y música como Illapu o Quilapayún.

como el francés. “Lo asumí no más. Después con el tiempo fui conociendo gente como a los breakers más viejos y me fui metiendo en la escena”, dice. Con el pasar del tiempo se fue compenetrando con los exponentes chilenos y decidió ser deejay y comenzar su promisoria carrera como beatmaker. De hecho, su aprendizaje a la hora de hacer pistas se dio de manera autodidacta. Comenzó con el clásico Fruity Loops, para luego con la ayuda de un amigo, sumergirse en el Reason y producir sus primeras bases. Aunque la inquietud por escribir y rapear se plasmó en su incorporación al grupo Fugitivos y posteriormente a La Tribu. Dos experiencias que antecedieron a su proyecto en conjunto más serio: De Origen. Junto a sus compañeros Unomas y H2O tuvo la oportunidad de presentarse en conciertos de artistas internacionales como Afu-Ra, The Beatnuts, Saïan Supa Crew y Rascalz, imprimiéndole a su música sonidos más internacionales. “Siempre tuve esa visión y no porque sea adivino, pero encontraba que era entretenido y original mezclar idiomas como el castellano con el francés o con el inglés. Era algo diferente a lo que se hacía acá”.

Origenbeats cuenta que cuando llegó a nuestro país se sorprendió al ver que el movimiento Hip Hop nacional no era tan grande Skull & Bones issue

“Para mí, mi música es un refugio. Es algo que te da muchos buenos momentos en comparación con los malos. Es algo que me nace”.

De vuelta al Origen ¿En qué momento decidiste seguir tu carrera en solitario? Después que terminó De Origen seguí haciendo beats y coros. Y fue ahí donde me picó el bichito de hacer temas enteros. En mis pistas hacía una mezcla desde Dj. Premier, Pete Rock, Raggasonic y luego me fui influenciando con ritmos de Saïan Supa Crew, Rascalz hasta llegar a un sonido más de hip-hop reggae. Un trabajo que se plasmó en su primera producción en solitario llamada simplemente EP. Este álbum estaba compuesto por 8 temas con invitados como Seo2, Jimmy Fernández, H2O, Wjotapanguilef, Satrumentalz, Oskr T y Hexsagon de EE.UU., y en el cual era posible apreciar un disco de Rap de corte más melódico con temáticas que, según el propio Origenbeats, retrataban la vida de una persona común y corriente. Las letras y melodías de sus discos logran plasmar la personalidad de Origenbeats. La conjunción de bombo/caja con matices de Reggae y un mensaje en pro del respeto y la paz hacen que cada una de sus canciones sea una descripción del mc tras el micrófono. “Para mí, mi música es un refugio. Es algo que te da muchos buenos momentos en comparación con los malos. Es algo que me nace”, señala. A lo que agrega que “mi segundo disco, 15/15, también habla de mi vida. A mi me interesa hablar de cosas que para mí son reales”. En las letras de tus canciones mezclas tus dos idiomas ¿a raíz de qué nace esa inquietud? Mi álbum 15/15 se llama así por lo años que viví en cada país y considero que cuando voy a Francia y me bajo del avión es como si nunca me hubiera ido. Es algo que me pasa ahora con Chile, siento que me gané eso y formo parte de los dos países. Igual represento un poco más a Chile porque es mi sangre, pero nunca dejaré de lado a Francia. También se da el tiempo de analizar la escena nacional de Hip Hop en nuestro país asegurando que nuestro movimiento todavía 26

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es pequeño. “Se deben derribar un poco las barreras de que tienes que ser rapero para escuchar Rap, ya que no necesariamente tiene que ser así”. Dice que en Francia el Rap traspasó ese límite y se convirtió en algo popular que está en todos lados. La internacionalización de su música es una meta para Origenbeats. De hecho, hoy por hoy colabora con gente de afuera como Dj. Gabo de Atlanta, Pizco Mc de París, Tip de Rusia, Hexsagon de Texas. “Es lo que siempre he hecho y lo voy a seguir haciendo. Mi objetivo a lo lejos va más allá de sacar un disco, sino que más bien es armar redes y tirar para arriba a Chile en el mundo. Buscar un público tal como lo está haciendo Dj. Kemo, The Díaz Brothers y todos los chilenos y latinos que están haciendo cosas afuera. Es interesante ampliar los mercados y que sea un negocio para todos”, afirma. Incluso se muestra muy optimista respecto a la actitud que han tomado algunos de sus colegas como Movimiento Original que recientemente visitó México o Ana Tijoux que ha tocado en Estados Unidos. “Es bueno, muy positivo y por eso hay que apoyarlos a full. Creo que hay que expandir e internacionalizar lo que es la música de Chile, ya que acá somos súper malos para apoyarnos, buenos para mirar para el lado y hablar por la espalda”. Entre sus planes más inmediatos está continuar con su trabajo con gente del medio nacional como Cresposalem, Elixir de Beat y Digital Dread. Además está su intención de querer editar otro disco que recopile las colaboraciones que ha logrado concretar durante este 2010. Al parecer el destino de Origenbeats es partir y continuar haciendo música. Sus ritmos y mensajes volarán más allá de nuestras fronteras, mezclando lo mejor de todas sus experiencias en un sonido que busca la universalidad.

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PABLO ARAVENA

Entrevista: Javier Carmona Fotos: Pía Andrea Por: Paulina Cruz

el chileno que conoce a banksy Luego de que su padre decidiera estudiar un posgrado en Canadá, Pablo Aravena, dejó Chile en 1985. Llegaron a Waterloo, donde vivieron algunos años, luego partieron a Toronto, donde terminó el colegio; “me fui a Montreal a estudiar y nunca más volví a Chile”. Ha colaborado para POUND en Canadá, “una vez conseguí unos dibujos e hice un artículo de cuando fui a filmar a Sao Paulo en el 2003”. Eran ilustraciones y él consiguió varios graffiteros brasileños. Sin embargo, su trabajo más importante ha sido el documental “NEXT: A primer on Urban Painting”, con el que explora el arte del graffiti, fenómeno originado en las calles de Nueva York y que ha tenido una gran influencia en la cultura de los jóvenes a nivel mundial. Aquí va mezclando imágenes de distintas ciudades alrededor del mundo, con testimonio de personas conocedoras de esta subcultura. De todos los lugares que visitó, el que más le llamó la atención fue Brasil, donde apreció un estilo único y fuerte, “la cosa del PIXAÇÃO, las letras únicas, así como WILD STYLE latino, el lugar en sí mismo, que es impactante”. Pero también porque se trataba de Latinoamérica, lo que le ayudó a darse cuenta que “el graffiti en ese tiempo se veía que estaba en este rincón del mundo”. Gracias a su trabajo, Pablo ha sido una de las pocas personas que ha tenido la posibilidad de conversar cara a cara con Banksy, y probablemente el único chileno; este reconocido artista británico del grafitti, que comenzó a dar de qué hablar hacia fines de los años 80. Sus obras tocan temas políticos, sociales y morales, siempre con un toque de humor irónico, que las ha desparramado por diferentes ciudades, mayormente en Londres. Lo que más llama la atención de este artista es que ha mantenido, a lo largo de su carrera, su identidad incógnita.

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Uno de los últimos proyectos en que se encuentra trabajando Pablo Aravena ha sido “Chile Estyle”, el primer documental de street art chileno. Para esto debió pasar unos meses en nuestro país, capturando imágenes y entrevistando a destacados grafitteros nacionales, con el objetivo de dejar en claro de que Chile tiene un muralismo único. ¿Por qué llamaste NEXT a tu primera película? Porque era la idea de buscar lo que viene, un poco la vanguardia en el graffiti. No era sobre lo que ya se estaba instalando en el juego, sino que mostraba gente que estaba tratando de empujar la forma, haciendo algo diferente. Ese era un poco el criterio con lo cual yo seleccionaba a los artistas que, en el fondo, estaban haciendo evolucionar la forma de alguna manera. ¿Cómo te conectaste con esos artistas que ahora son famosos? Era por contacto de amigos, a través del crew “heavyweight” que en ese tiempo estaban con la técnica de pintar en vivo y así conocimos a otros de Nueva York, formando una red. Conocía a uno y así me iba metiendo en el mundo, en la escena en cada ciudad. Antes de viajar, tenía mucha relación por mail con los contactos que me daban los amigos, entonces dejaba el campo preparado y cuando estaba con la plata en la mano, era que empezaba a hacer la movida para ir. Pasaba un par de semanas en cada ciudad con esos contactos que después me presentaban más gente y entraba en la onda. En la noche, después de filmar, me iba a carretear con ellos porque sabían dónde estaba la movida. No es tan difícil porque es un mundo conectado; los graffiteros conocen a los Djs y los Djs a los graffiteros, etc.

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¿Cómo nació la idea de Next? ¿Qué te inspiró hacerla? Yo conocía a gente del HVW8 Crew que venían del grafitti, del diseño, y que empezaron a pintar en vivo o en tela. En un principio iba a hacer una película sobre ellos, cuando viajaban, iban a giras, conocían gente, estaba pensando en contenido canadiense. Empecé a hacerlo y aprendí más; me di cuenta de que había algo más grande, justamente vi un momento interesante en que estaba cambiando, que había una nueva fascinación, por eso se me ocurrió hacer un retrato de la cultura a nivel mundial, escogí ciertas ciudades, algunos artistas y resultó NEXT. Quise expandir el proyecto de algunos artistas al grafitti en general y mirarlo desde el punto de vista de NEXT, cual es la vanguardia ahora, qué es lo que está cambiando. Y también la cosa global, que no es sólo en Nueva York, Norteamérica o Europa, sino que es el mundo entero que está conectado. Era un poco eso, que los artistas se están conociendo y presentí, de cierta manera, el boom que iba a ver, sobre todo a nivel comercial. Ahora ya está y se ve mucho. Tuve la suerte de meterme en el juego al comienzo. ¿Cómo conociste a Banksy? Lo conocí en Miami el 2003, durante el Winter Music Conference de ese año, y yo fui a filmar para NEXT y lo promocioné también. Me invitaron a una fiesta y estaban haciendo una pintura en vivo, “live painting”, tipos que toman la inspiración de la noche y pintan en dos o tres horas una tela buenísima. Ahí estaba una amiga mía y de repente me dice, este es el Banksy. Empecé a conversar con él y le dije que estaba haciendo esta película. Me invitó a su hotel esa noche para salir a pintar. Me dibujó una rata típica Banksy, hizo un par de esténcils y los cortó para mostrarme

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que era su mano. Me dijo que mejor usáramos su cámara, y salimos por South Beach. Lo filmé, estuvimos hasta las cinco de la mañana carretiando y quedó de mandarme el cassette pero nunca lo hizo. Lo vi de nuevo en Londres unos meses después, fue justo luego de que se había disfrazado de viejo y había pegado varios cuadros en galerías de Londres. Entonces nadie me quería contactar con él directo pero me dieron el teléfono. Lo llamé y me dijo, encuéntrame en el centro de Londres a tal hora que tengo que quemar la evidencia, porque él tenía toda una ropa con la que se disfrazaba. Llegó media hora tarde, me invitó a un pub. Conversamos de nuevo y yo lo quería entrevistar pero no quería salir en cámara. ¿Y qué pasó con la entrevista? Al final no quiso, quería mantener su incógnito. Y ahora en la película que tiene no da la cara, aparece de espalda a la cámara. ¿Has tenido alguna anécdota interesante haciendo este trabajo? Sí, claro. Recuerdo cuando en París nos llevaron a las catacumbas, que fue una experiencia única en mi vida. Uno piensa que eso tiene que ver con la ciudad, con el metro, pero no. Las catacumbas en el fondo, están aparte de esas redes, hay como 500 Km debajo de París. Lo que llama la atención de esos lugares es que son muy antiguos, se han escondido desde la Revolución Francesa y después en la Segunda Guerra Mundial los de la resistencia, o los Nazis, entonces hay mucha historia y eso se siente.

“Yo creo que la gente tiene que saber lo que está pasando aquí, el público normal y el público del grafitti mundial.” ¿Y se ven cosas de esa época? Sí, bueno, te voy a contar un poco de la historia de las catacumbas porque hay muy pocos lugares donde existen y tiene que ver con la forma en cómo se hizo París, que es como un caracol. Ahí bajaban a sacar piedra cal para construir arriba y se crearon estas cavernas, pero al crecer tanto la ciudad, comenzó a hundirse, entonces tuvieron que reforzarlas con túneles y cerrar algunas. Por eso se crearon tantos y mientras más crecía París, más se formaban. En el fondo, es como otra ciudad debajo de la ciudad, un laberinto, donde ves las firmas de estos trabajadores que iban a reforzarlas. Se ven ahí caligrafías antiguas, sale escrito 1800 y algo. Es muy loco, hay dibujos escatológicos y ves que es viejo por el tipo de caligrafía. ¿Y quién te llevó a esos lugares? Psyckoze, del Crew 156, de París. Entramos ahí y fue todo una aventura, eso fue entretenido también. Teníamos que encontrarnos afuera de una línea de tren al sur de París. Y nos metimos con varias estrellas, porque Psyckoze es como el rey de las catacumbas; Jonone, es un americano que se fue a vivir a París en los 80, y es el que creó 156. De hecho me presentó a varios amigos y le tienen mucho respeto. Entonces Psyckoze me llevó con mi equipo, y después llegó O`clock, el rey del bombardeo en Europa, o del mundo. El trabajó con Dash Snow, quién murió hace poco, una figura importante en el arte. Entramos con todos esos personajes, por una reja y había una línea de tren como en un túnel. ¿Es ilegal meterse a las catacumbas? Si, en el fondo no quieren que te metas pero hay muchas subculturas que las ocupan. Van los graffiteros, hay algunos que no les gusta que pinten y limpian, y van otros y pintan de nuevo, otros alegan que es el patrimonio, y se produce mucha discusión. Es un lugar donde todos los outsiders van. Pero hacen fiestas, han encontrado cuartos enteros habilitados con bar, teléfono y electricidad. Teníamos que andar con mapas. Caminamos unos dos kilómetros por un túnel y llegamos así hasta un hoyo, de unos cincuenta centímetros, que si eres gordo no pasas. Era como entrar a un submundo. Llegamos a un punto donde había agua entonces tenías que usar botas o plástico en las zapatillas, el agua nos llegaba a las rodillas y más encima había que ir en cuclillas y en fila por unos quince minutos. Hay que usar gorro porque el techo es disparejo y te puedes raspar la cabeza. Luego tuvimos que entrar reptando por unos hoyos. Ahí hay unas piezas, hay una que le dicen “la plage” (la playa) y tiene arena y le dibujaron olas; otra tiene mesas como para hacer picnic, y otras llenas de cráneos. ¿Cómo nace la idea de Chile Estyle? Viajé harto con la película y me tocó venir a Chile en 2007; yo no había venido desde el 2000. Entonces la última vez no había notado mucho lo que estaba pasando en el graffiti y Hip

Hop en general. No lo sentí tan evolucionado y no tenía mucha información, pero volví y vi que la cosa había crecido a pasos agigantados y yo, a lo mejor, por falta de información y por no tener tiempo, no lo vi muy desarrollado y fue increíble, porque también leí libros de street art y vi que existía una conexión con el muralismo mexicano, la escuela de muralismo que se creó en Chile y el muralismo político; yo no había hecho esa conexión antes. Vi algo interesante, y dije, aquí hay que hacer algo. ¿Cuál es el punto de este documental? Bueno, yo creo que la gente tiene que saber lo que está pasando aquí, el público normal y el público del grafitti mundial. Creo que Chile es una zona muy interesante, y creo que es el momento de mostrar lo que hacemos. El talento está ahí, la madurez está ahí. Junto con el documental estoy haciendo exposiciones de arte para que vean el trabajo en tela, además así le doy interés a éste, que puede mostrar cosas que revelan que existe una escena fuerte. No hay mucha información interesado en Chile, entonces con la exposición y con el trailer que tenemos ahora, es un punto de partida, Facebook y Youtube nos muestran buenos resultados y que sí existe un público afuera sobre Chile, en este tipo de cosas. Ven que tiene una escena tan fuerte, un tema bien desarrollado y quieren saber más. ¿Qué piensas de que el grafitti se esté comercializando ahora? Yo pienso que tiene un lado bueno y otro malo, pero es más bueno que malo. El Hip Hop ha estado siendo grabado por treinta años y lo comercializamos como música, lo que ha derivado en la profesionalización del mc. Ahora, yo creo que es el turno de los graffiteros entrar al mundo del arte, que sean diseñadores o pintores, todas esas carreras que uno puede hacer saliendo del graffiti, y que están creando una nueva generación al profesionalizarlo, permitiendo crear más a menudo, con más recursos y mejorando con más trabajos. Es bueno también que se estén haciendo telas, porque queda un registro que se toma más en serio, queda en la historia del arte, no sólo en la calle y con un valor comercial que le da más seriedad. También creo que, a nivel mundial, el graffiti está permitiendo a gente entrar al mundo del arte que antes no podía entrar, como minorías, negros, latinos, asiáticos, gente pobre, sin la posibilidad de tener una carrera. Esto da una nueva abertura que es interesante. Ese es el lado bueno; el lado malo es que muchos se están subiendo a la micro, de hacer grafitti para tratar de ganar plata, resaltar su nombre, que en el fondo es gente que está copiando el modelo del graffiti para entrar en la galería. Al final siempre la crema se separa del resto, entonces yo creo que como cualquier cosa, lo bueno va a quedar.

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Mujeres arriba

Marcas

en la piel

Producción: MK Studios Fotos: Javier Carmona Maquillaje: Macarena Poblete, Maureen Hammersley Modelos: Macarena Poblete, Bárbara Vergara, Carla Martinez, Kitty Freaklatinaa, Maureen Hammersley, Constanza González Por: Nicolás Orellana Agradecimientos: Bernardo Guerra , Manuel Sleman & Diosas Tatuadas II en Facebook

En el mundo de las tintas, agujas y colores los hombres siguen siendo los dominadores. Aunque eso está por verse. Y es que el tatuaje dejó de ser un tabú para la sociedad. Si hoy, una de cada ocho personas entre los 18 y los 25 años en el planeta posee un dibujo grabado en su cuerpo, casi la mitad son mujeres. Y Chile no es la excepción. Desde los dibujos de las tribus polinésicas donde nació el tatuaje –la palabra proviene del samoano “tátau”, que significa marcar o golpear dos veces- hasta el retrato de Tupac Shakur en la espalda de un rapero o la Virgen de Guadalupe en el brazo de un mexicano, hay un largo trecho. El tatuaje se ha vuelto más sofisticado, qué duda cabe. Pero el camino para llegar a ser uno de los símbolos de la cultura urbana y popular que es hoy, fue uno muy largo y tortuoso. Lamentablemente, aún lo sigue siendo.

Del ornamento al estigma

A través de la historia, el arte de dibujar en los cuerpos, ha trascendido culturas y civilizaciones. En la mayoría de ellas como un ornamento de belleza y profundo significado. Para los antiguos egipcios, los tatuajes eran utilizados como formas de protección contra maldiciones y malos espíritus, curiosamente, en su mayoría por mujeres –el tatuaje más antiguo conocido corresponde a una momia femenina egipcia con cinco mil años de edad y más de 57 tatuajes-. En Japón, pintar el cuerpo llegó a ser considerado una decoración estética digno del propio emperador. Y en América, era parte habitual de los rituales de paso a la adultez, conmemoración a los caídos en batalla y adoración a los dioses. Pero como en un diccionario, el tatuaje también poseía más de una acepción. Si bien desde la antigüedad se marcaba a quienes habían infringido la ley, fue con los corsarios y piratas en el siglo XIX que éste adquirió su connotación negativa. Desde entonces se le asoció al estereotipo masculino y marginal de criminales, prisioneros y delincuentes. Una carga que pesaría por mucho tiempo, sobre todo en la cultura occidental.

El accesorio del futuro

Para mediados del siglo XX si querías ver a alguien tatuado debías ir a la cárcel o a un circo, y si era una chica, a un prostíbulo. La discriminación era pan de cada día en un mundo dominado por una rígida moral cristiana. Eso lo conocía muy bien el mundo femenino. Las estadísticas dicen que para la década del cincuenta sólo uno de cada

diez tatuados era mujer. La tradición y el estigma seguían aplastando la cultura del tatuaje, pero la redención estaría por venir, y sería con la llegada de los sesenta. El destape de una década plagada de experimentación no podía quedar ajeno al tatuaje como método de expresión. Revoluciones más, revoluciones menos fue aquí cuando la cultura urbana dio sus primeros pasos, y el control sobre el cuerpo fue la primera de las batallas. El tatuaje pasó a suscribirse a la lista de fenómenos transgresores y rebeldes que se enfrentaban a la apatía de una sociedad. Mientras, en Chile las cosas iban más lento. La conquista de libertades individuales quedaría relegada a las reivindicaciones sociales. Era la carga de una sociedad que recién comenzaba su proceso de urbanización. Las minorías tendrían que esperar al menos una década más tras el golpe de Estado de 1973.

Con tinta en las venas

En una sociedad aún bajo dictadura, ser diferente tenía sus costos. Durante los ochenta en el “under” santiaguino se formó un poderoso movimiento de tendencias proscritas por el oficialismo. Mezcla de punk, performance, graffiti, teatro, poesía, todas tenían un objetivo común: romper el status quo.

Con los 90 y el fin de siglo, el tatuaje comenzaría a salir de la marginalidad, pero no necesariamente del estigma. Signo de ello es que se comienzan a ver a las primeras chicas tatuadas, en su mayoría jóvenes. Así también las primeras profesionales femeninas del rubro. Claro que éstas aún se pueden contar con los dedos de una mano. Bárbara Vergara, licenciada en Arte, es una de ellas. El camino para cambiar los pinceles por las agujas lo inició con la ayuda de su hermano. Lleva cuatro años tatuando, pero la idea de dedicarse a tiempo completo le tomó un año en concretarla. “Fue como empezar un camino de cero. La base de arte que tengo me ayudó, pero sólo eso. No por estudiar te puedes poner a tatuar”, afirma. Un trayecto diferente fue el de Macarena Poblete. Con parte de su torso y brazos tatuados, primero fue una clienta más. “A mí me gustaban los tatuajes. Yo tenía una figura, pero como trabajaba de barwoman dudaba en hacerme uno más visible”. Siempre tuvo inquietudes artísticas y mucha curiosidad. Pero el oficio en sí lo aprendió de una forma muy peculiar. “Un amigo de mi pololo que era tatuador iba a irse a vivir a Irlanda. El canje era: yo le enseñaba algo de inglés y él me enseñaba el tatuaje”.

Bárbara Vergara.

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Diséñame un tatuaje

El mundo del tatuaje tiene una variedad tan amplia de estilos como la música. Categorías a las que el ciudadano común no está familiarizado, pero que para los tatuadores significan verdaderas especializaciones. Macarena es especialista en New School, tatuajes de colores fuertes, contrastados y con diseños llamativos y contradictorios, pueden mezclar una mariposa con una calavera y así. Por su parte, Bárbara estudia el estilo japonés y se define a sí misma como realista. Aquí abundan los trazos más suaves y definidos, junto al detalle pictórico más tradicional. Para la mayoría de los tatuadores el verdadero arte está en el diseño de sus propias obras. Si alguien llega con su propio dibujo ellas lo realizan, pero hoy es muy raro que a Bárbara y Macarena les suceda. Ambas ya poseen clientes fijos, que las buscan dadas las características específicas de su trabajo. “Ahora me voy Rancagua a hacer unos tatuajes y luego parto a Valparaíso”, cuenta, Macarena. “Si bien no es habitual, hay clientes que pagan la diferencia por la comodidad y el trabajo”, explica. Con la aparición de programas como Miami Ink y la masificación a través de los medios, el tatuaje vive hoy un auge. Pero también hay que tener cuidado, “muchas chicas empezaron a tatuar, pero no tomaban en cuenta de que uno al principio de verdad le falta técnica”, señala Macarena. Como en casi todo, cantidad no es calidad, sobre todo porque también resulta sencillo comenzar a tatuar. “La primera inversión no es tan cara y se recupera rápidamente”, agrega.

Macarena Poblete

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Lo que ellas quieren

Caracterizar al público femenino puede ser una tarea ardua. Sobre todo porque el tatuaje no es una joya -aunque Bárbara también lo ve como un “especie de artesanía muy fina”- o una visita al peluquero. Si hay que hacer alguna diferenciación de género para comenzar a definir las preferencias femeninas, ambas tatuadoras son categóricas: “las mujeres tienen una tolerancia mayor al dolor”. Esto posee evidentes implicancias prácticas: menos sesiones, menores costos y mayores facilidades para el tatuador en su obra. “Si el cliente está tenso simplemente le va a doler más”, enfatiza, Bárbara. En cuanto a las motivaciones, estas son comunes para hombres o mujeres. Van desde la significación profunda a la frivolidad estética más extrema. Y es que hoy el tatuaje es también un elemento de identidad, pero además de moda y estilo. Son populares. “Enciendes la televisión y ahí están Rihanna, Megan Fox o David Beckham”. Un ejemplo es Pamela Fernández. Tenía 16 años cuando se hizo su primer tatuaje. “En ese tiempo andaba un poco eufórica por la vida y tras un carrete con unas amigas nos fuimos a tatuar a la feria artesanal del Santa Lucía”. Hoy luce otros dos tatuajes más, pero estos con un significado totalmente distinto, “son dos estrellas que tienen que ver con la relación con mi hijo”. Al final, el tatuaje tiene una característica que lo diferencia: trabaja con y en las personas. “El público no importa, si es mujer o hombre, busca lo mismo. Al final pasa mucho que se van con más de lo que esperaban, quizás porque no sabían bien a lo que podían llegar”.

Dj manuvers obras chilenas desde Miami Fotos: Javier Carmona @305, Stephanie Labrín para MK Studios | por: Nicolás Orellana

Entre trabajar y pasarlo bien, quién dice que siempre hay que elegir. Quizás para algunos sean incompatibles, pero para Francisco De Pablo, Manuvers, puede ser incluso una filosofía. “Me vas a encontrar raro, pero al hacer una fiesta de cumpleaños siento mucho compromiso si no estoy trabajando. Soy un tanto tímido en ese sentido y prefiero estar ocupado ante que estar saludando a todos”. Con base en las asoleadas playas del sur de Florida, Manuvers ha forjado carrera como dj, productor y músico. A los 23 años ya era una de las mentes detrás del sello Counterflow, y hoy está abocado a lo que será el lanzamiento de su propia etiqueta HomeTeam. Todo sin perder su conexión con Chile.

Artista del mundo

Miami es una Babilonia cultural. Pero sobretodo una latinoamericana, donde el Spanglish, es prácticamente la lengua oficial. “Este es un lugar de mucha sangre latina. Hay gente que vive aquí y no se da cuenta de que está en Estados Unidos”. Por eso no deja de llamar la atención que Manuvers conserve perfectamente el acento chileno, incluidos todos sus modismos. Y es que pese a vivir allá desde los 8 años nunca ha perdido el contacto con el país.

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Corría el año 1988 cuando Manuvers llegó junto a su familia a instalarse en Miami. Ahí estudió y se tituló de sociólogo con un Minor en Física en Universidad Internacional de Florida. Sin embargo, hoy sólo viven ahí él y su padre, el resto se dispersó entre Nueva York, Los Ángeles y Santiago. Así, Chile se convirtió en el punto de reunión. “Trato de ir al menos una vez al año, sobre todo para navidad porque ahí nos juntamos todos”.

La música primero

Fue entre amigos cubanos, hindúes, jamaiquinos y blancos, que “era más raro que ver un latino”, como Manuvers conoció el Hip Hop. La música fue la que los unió, y de ahí él no paró más. Tenía 13 años, y su primera influencia fue el hermano mayor de uno del grupo que usualmente las oficiaba de DJ en casi todas las fiestas. “Primero fui fan, luego DJ y después me metí en producción. No sé por qué, pero ésa es una progresión muy común en el Hip Hop”. Pinchar discos se convirtió en una escuela. Y Manuvers supo aprovecharla. “Te ayuda a saber lo que funciona y lo que no. Siendo dj uno puede hacer verdaderos experimentos sociológicos: viendo la reacción de la gente, incluso puedes controlar la manera de comportarse de acurdo a lo que tocas”.

En sus años de formación, la guerra entre el East y West Coast aún no comenzaba, pero no por eso pasó por alto a sus oídos. “A mí me gustaba Wu-Tang-Clan o Company Flow. Me marcaron con mucha fuerza porque yo me formé en la era cuando recién salió Dr. Dre con The Cronic”. Pese a ello, mucho del sonido posterior de su trabajo se asoció más a artistas como A Tribe Called Quest, Jay Dee y Slum Village. Influencia que él no desconoce. “En ese tiempo Miami no tenía necesariamente las mejores tiendas de música, por eso ordenábamos vinilos por internet. Recuerdo que mandamos a pedir a Europa el primer EP de J-88 –alias con el que el trío Slum Village lanzó el álbum Best Kept Secret-. Estábamos muy metidos con eso”.

“Siendo dj uno puede hacer verdaderos experimentos sociológicos: viendo la reacción de la gente, incluso puedes controlar la manera de comportarse de acurdo a lo que tocas” Counterflow: Otras voces

Mientras congeniaba trabajo y universidad, Manuvers comenzó sus primeras labores como productor. Participó en el primer disco de Deaf to General Public hacia el año 1999. Un ejercicio que no dio grandes resultados y que en sus propias palabras, “teóricamente era una buena idea pero aplicándola era muy mala. Sólo éramos un montón de cabros empezando la universidad”. Pero esto no lo amilanó. En ese período conoció a Danny Domínguez, fundador del sello Counterflow. A diferencia de lo que se puede pensar, en ese entonces Miami no gozaba de lo que se puede llamar una escena. “Yo pienso que al final éramos más que nada el grupo de gente que nos habíamos juntado como amigos. Te hablo de ese colectivo que teníamos en la universidad, entre artistas, diseñadores gráficos, músicos y dj’s”. Así el sello se convirtió ante todo en una respuesta a una necesidad, con una misión muy clara: “Sacar artistas de Miami que nosotros pensábamos que tenían mucho talento, pero que no tenían salida al resto de Estado Unidos”. Desde el principio, la idea era expandir fronteras. Mezclar estilos más allá del Hip Hop convencional. De ahí que por sus orejas pasaban desde un disco de Air hasta uno de los escoses Boards of Canada. “Entonces escuchábamos música catalogada como alternativa pero que para nosotros era Hip Hop instrumental.

“Nos gustaba porque tenía hartas cosas en términos de beats, samplers y teclados”. Portishead era otro ejemplo: “Acá en Estados Unidos se les relacionaba con el movimiento gótico, cosa que encontraba muy raro. Los locos sampleaban breaks de baterías y tenían un dj que hacía scratches. Yo decía: No puede haber algo más Hip Hop que todo eso”. Counterflow puso manos a la obra con artistas como Spirt Agent y Seven Star. Ya para el tercer disco comenzarían a abrirse a otras ciudades de Estados Unidos como Five Deez, de Cincinnati. Y marcó una nueva etapa: “Con ellos se abrieron varias puertas: Primero, ya eran de otro estado. Y segundo, tenían un sonido de Hip Hop bien desarrollado, con mucho material grabado antes, y que a nosotros nos gustaba caleta”. Luego vendrían los trabajos con Prefuse 73, Induce, Dave Ghetto y remixes para la banda de post rock Tortoise, entre otros. Y en 2001 firmarían un contrato de distribución con una subsidiaria de EMI para todo Estados Unidos. La idea de Manuvers –en ese momento abocado absolutamente a la administración- siempre fue entregar valor agregado además de la música. Crear objetos de colección, como los vinilos que compraban cuando eran más chicos. Eso pasaba necesariamente por el arte, diseño y formato. “Nunca hicimos un CD solamente en la caja de plástico común, que eso era lo más fome y fácil de hacer. A veces nos mandaban mails que nos decían: “Yo no soy dj, solamente tengo un tocadiscos en la casa. Tampoco tengo muchos vinilos, pero compro sus cosas por las caratulas y el empaque” Skull & Bones issue

En mi opinión el chileno tiene que pensar más allá si quiere sobrevivir de la música. El mundo de habla hispana es muy grande. Ahora último hay varios artistas tratando de meterse en México, como Bitman o Anita tijoux, y otros más que no recuerdo en este minuto. Creo que quedarse en Chile es como un suicidio. Llegas a un tope creativo y no hay más donde poder desenvolverse Counterflow se terminó en 2007 por problemas de administración comercial. “Nosotros estábamos muy metidos en la parte creativa, no así en la de negocios. Y hoy no se puede sobrevivir sin tener conocimientos en ambas”. En los cinco años en que participó del sello, Manuvers llegó a ser co-dueño. Y jamás ha dejado de valorar la experiencia. “Yo creo que siendo parte del sello dejamos una buena legacía porque teníamos una filosofía de presentar un material completo, pero al mismo tiempo con una presentación artística muy cuidadosa”.

Estación Chile

A fines de los noventa, el Hip Hop nacional alcanzaba la masividad con nombres como La Pozze Latina y Tiro de Gracia. De estos últimos, su disco debut “Ser Humano” llegó a vender más de 60 mil copias en su primer año, superando a consagrados como Nicole y Los Tres. Para Manuvers tampoco paso desapercibido, pese a que en su momento guardaba sus aprensiones. “Con el tiempo la aprecié. Pero ahora que tocas el tema, lo que encuentro divertido de ese álbum es que tiene un sonido muy Eastcoast, pero a la vez tiene unos temas que eran Westcoast. Una mezcla muy rara de estilos”. En ese período Manuvers conoció a través del productor y DJ japonés Toshiya al colectivo Savia Nueva, ahí concurren nombres importantes para el Hip Hop nacional como Poema, Foex, 42

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Gen y Ana Tijoux, entre otros. Ese fue su primera parada en la música nacional. Una que derivo en una profunda amistad y colaboraciones con la mayoría de ellos: Senciyo, DJ Raff; sólo por nombrar algunos. La entonces MC de Makiza fue una de las primeras personas que conoció, y de las que más aprecia. “Lo que admiro de Anita es que nunca ha dejado de trabajar, a pesar de lo difícil que tiene que haber sido para ella. Tiene algo único y distinto, es mujer y lo sabe hacer bien”. Pero con los años, Manuvers también ha conocido el lado negativo de hacer música en Chile. Y es claro en sus apreciaciones. “A mí me ha tocado ser artista allá en todo el sentido de la palabra, y es bien maricón. Hay mucha envidia (…) No se trata de que te debe gustar todo lo que haga una persona. Pero sí puedes tenerle respeto porque trabaja bien y es profesional”. Pueblo chico, infierno grande. “Además, no te vas a hacer millonario con esto. No te puedes creer la película de que eres súper estrella y tratar a la gente hacia abajo solo porque te está yendo bien un mes”. Entonces, ¿cuál crees que es el siguiente paso para el músico en Chile? En mi opinión, el chileno tiene que pensar más allá si quiere sobrevivir de la música. El mundo de habla hispana es muy grande. Ahora último hay varios artistas tratando de meterse

en México, como Bitman o Anita Tijoux, y otros más que no recuerdo en este minuto. Creo que quedarse en Chile es como un suicidio. Llegas a un tope creativo y no hay mas donde poder desenvolverse.

ente para Manuvers

Mantén el movimiento

Uno. Lo que empezó con una versión de un tema de Oliver Cheatham –one hit wonder de los ochenta- junto al polifacético Mc y co-fundador de Counterflow, Induce, terminó con todo un álbum en colaboración. “Empezamos a grabar sin saber en qué iba a terminar. Por ahí pensábamos en un EP que iba a producir yo, pero al final terminamos trabajando mitad y mitad”. Titulado “Halfway Between Me and You”, el disco tendría fecha para enero de 2011. Y se trataría de una mezcla de Soul, Motown, Disco y Hip Hop. En palabras de Induce, “es el álbum más feliz de ruptura de todos los tiempos”.

Con el correr de los años, la carrera de Manuvers ha logrado una extensión kilométrica en colaboraciones, producción, mixtapes y lanzamientos varios –es cosa de revisar la página discogs.com-. A esto hay que sumar su carrera como artista y compositor. “Puedo ser creativo musicalmente, o en algo relacionado con ella. Por suerte me gustan y me salen ambas”. Para no mezclar las cosas con su trabajo en Counterflow decidió sacar su material por otro sello, Botánica del Jíbaro, propiedad del diseñador Steven Castro. “Es mucho más fácil mantener las cosas en distintas partes: manejando en uno, y como artista en otro. Así también no hay confusiones, porque de repente hay gente que cree que estás haciendo las cosas sólo para ti mismo”. El primer disco que lanzó fue Alfuenza (2003), aunque él no lo considera un álbum en sí. “Fue en realidad una compilación de cosas que tenía en el momento y que debía sacar, no por presión, pero sí porque recién estaba entrando a un sello como artista”. Luego vendría su colaboración a dúo con el argentino Mustafa Yoda en Imaquinar y el LP las Máquinas nos imaginarán (2007). Todo ese trayecto permitió el camino para volver a trabajar en la formación de un sello. “Lo más importante son los grupos de trabajo”.

El futuro nadie lo conoce. Así que mientras tanto, este chileno sigue maniobrando su presente como sabe: con discos. Y sin complicaciones.

Dos. Hacia fines de 2008 Manuvers lanzó el single “No es tarde”, con voces del rapero y cantante nacional, Senciyo, entre otros. De ahí surgió la invitación para que Manuvers produjera cuatro canciones del disco. “Desde diciembre de 2009 no ha avanzado nada ese proyecto. No sé cuándo saldrá, pero sería una pena que esa trabajo no vea la luz” Tres. Metralleta es el proyecto a dúo con el colombiano oriundo de Medellín, Soarse Spoken. Hip Hop y rimas, que también contará con las participaciones de Mustafá Yoda y Anita Tijoux. Para Manuvers, el álbum debería ir en la misma línea de su proyecto Imaquinar, tanto en producción como en sonido.

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Entrevista: Rodrigo Bascuñán @416 | Fotos: Che Kothari | Por: MK Studios

“Me importa una mierda lo que piense la gente. No hago música para nadie más que para mí… Si me gusta, está bien”. Ha señalado uno de sus miembros y lo cual se ha trasformado en la filosofía de Cypress Hill, desde que se formara a fines de la década de los 80. El grupo que se ha distinguido siempre por sus toques de originalidad y un sonido único, es provenientes de California, pero contiene raíces latinas, compuesto por B-Real (Louis Freese), Sen Dog (Senen Reyes, Mc), Muggs (Lawrence Muggerud Dj y productor) y Bobo (Eric Correa, percusionista). B-Real y Sen Dog crecieron en torno al Hip Hop, disfrutando de fiestas y del breakdance, pero se dieron cuenta de que si no formaban su propio grupo musical, no serían nadie dentro de ese mundo.

En 1991 grabaron y editaron un álbum de presentación, con el cual consiguieron un disco doble de platino. El éxito de Insane in the Brain, el primer sencillo de Black Sunday, colocó a Cypress Hill en la cima del éxito. De esta manera, con el tiempo, pasó a ser el primer grupo latino en conseguir un disco de platino, oro y multiplatino; y algo aún más notable, fue el primer grupo de Hip Hop que participó en Woodstock, en el año 1994. Durante su exitosa carrera en la industria de la música, han logrado vender más de 18 millones de discos en todo el mundo. Una de las razones por lo cual aumentó aún más su popularidad fue al luchar por la legalización del consumo de marihuana, causa que hasta hoy en día continúan apoyando.

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Viendo el EPK (Electronic Press Kit), ustedes dicen que cada disco debe tener un estilo para los “volados” (stoners). B-Real: siempre está ese pensamiento antes de hacer una canción, la cosa es encontrar la melodía que acompañe bien el concepto y una vez que la tienes, ahí fluye. Pero como artista tienes ese instinto de que la música es la adecuada y haces el tema y muchas veces sale con el estilo para los “volados” o por decirlo con el estilo “cypress”. ¿Y qué pasa cuando no llegas a ese nivel o a ese estilo? Creo que los fans que disfrutan de ese estilo probablemente no les gusten cuando no lo alcanzamos, pero creo que cuando una canción es buena, la gente que nos escucha, puede apreciarla.

Si tuvieras que dar un estimado que porcentaje de “volados” hay en los fans de Cypress, ¿qué dirías? B- Real: no sé, yo creo que 75% “volados” y el 25% no. Pero en realidad nunca hemos hecho un estudio de eso. Sen Dog: mucha gente te puede decir que no le gusta la hierba o que nunca ha fumado, pero ellos siguen disfrutando de la música de Cypress Hill; entonces, como digo, la música para volados es un elemento pero es sólo una parte de. Cuando piensas en la audiencia de Cypress, pensarías que el 99% son fumadores, pero al ir un poco más a fondo, te das cuenta que no es así. ¿Cómo hacen para fumar buena hierba mientras están de gira? B-Real: hay que conocer a la gente correcta en cada lugar, ya que pasar la nuestra a otro país es muy riesgoso. Lo que hago es hacerme amigos y los llamó con anticipación para que me tengan hierba. ¿Alguna vez han pasado por la experiencia de no tener weed? B-Real: hay algunos lugares donde no se encuentra buena hierba. Tuve una experiencia en Panamá donde realmente tenía una muy

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De todas maneras, pienso que nuestro público “volado” siempre apreciaría nuestras canciones, pero esperan que la música sea de ese estilo. ¿Qué piensas tú, Sen? Creo el estilo de “volados” es gran parte de lo que hacemos. Básicamente refleja lo que Cypress Hill es; tú sabes, es un elemento fundamental en nuestra música como también lo es en el Hardcore Hip Hop el elemento latino. Probablemente hay un par de elementos más pero el estilo de música para “volados” es un elemento fundamental en lo que hacemos.

mala, así que todo el mes que estuve ahí, no fumé nada; SEN: era de color café, muy seca… no hay nada que se le parezca como para dar un ejemplo (ríe) ¿Y donde se encuentra buena hierba? B-Real: yo creo que las mejores hierbas están en Ámsterdam, Alemania, Suiza, Dinamarca, Nueva Zelanda, Australia; diría que Australia tiene el segundo lugar en calidad de hierba fuera de California. Canadá tiene muy buena hierba, pero tienes que comprarle a la gente que la cultiva bien. Hay una canción del álbum “Rise Up” llamada “Light it up”, donde el productor es Pete Rock y suena un poco raro escuchar que ustedes que ya llevan dos décadas en esto, trabajen con él en 2010. ¿Cómo pasó esto? Mientras estábamos terminando el proceso del álbum teníamos muchas canciones pero sentíamos que nos faltaba algo, entonces Pete Rock fue una de las últimas personas que invitamos al proyecto. Nos dio un par de beats y el que elegimos representaba nuestro sonido y estilo. Ese tema es “Light it up”. Es bueno

SEN DOG: Hoy en día los latinos somos muchos y tenemos nuestra voz, y mientras estemos juntos no vamos a dejar que nos pasen por encima. trabajar en algo original con productores con los que no habíamos trabajado, porque no siempre tenemos la idea de lo que queremos hacer, muchas veces es en el trabajo en conjunto cuando salen las cosas. ¿Hay productores con los que les gustaría trabajar en el futuro? B-Real: definitivamente Premier. Tratamos de tener algo para este álbum pero no alcanzamos a terminar. También Just Blaze es muy bueno y Rick Rubin. ¿Nunca has trabajado con ninguno de ellos? B-Real: nunca. Rick Rubin es uno de los productores que esta en nuestra lista de objetivos siempre hemos querido trabajar con alguien como él. Sen: Rick Rubin está en el número uno de mi lista, también Dr Dre o Eminem en esa posición. Hay muchos productores buenos, como dijo B, Premier es uno de los que está dentro de nuestros objetivos, pero para una banda como nosotros trabajar con Rick sería algo especial. Para este álbum ustedes firmaron con Priority Records, en donde Snoop Dogg es el director, ustedes se juntaron personalmente, ¿cómo fue esto de firmar con Priority? B- Real: nosotros estábamos en tour y estuvimos hablando sobre la música y de cómo queríamos llevar acabo este proyecto. Fuimos por varios lugares para ver un contrato y uno de ellos fue EMI y supongo que ellos le hablaron a Snoop de que había una posibilidad con Cypress y él dijo: ellos son mi gente, mi familia, debemos firmarlos, quiero que ellos sean mi primer proyecto que firmo. Y así fue como sucedió; creo que eso da una buena imagen para todos, por la importancia que tiene Priority Records en la industria musical. Creo que es bueno para nosotros también haber firmado y trabajado bajo este importante sello. ¿Tiene ustedes alguna relación con Snoop en la creación de sus canciones o de este álbum bajo su sello? B-Real: no, Snoop no se mete en nuestras decisiones, él nos deja hacer nuestro trabajo. Cuando estamos creando algo en particular, como equipo, obviamente nos comunicamos y discutimos ciertos temas puntuales para sacar adelante ese proyecto, pero fuera de eso, no. Hay mucha libertad de creación y eso es lo mejor, que te permitan hacer las cosas como a ti te gusta. Sobre el tema de la Ley de Arizona SB1070 de 2010, ustedes firmaron por The Sound strick. Pueden contarnos cómo fue eso. B-Real: para nosotros es una ley muy injusta y debe cambiarse. Además, pensamos que será peor para ellos en el futuro ya que perderán un número significante de negocios con muchas compañías latinas, muchos artistas probablemente no querrán ir a hacer sus presentaciones. Hay muchas compañías que no están de acuerdo con esa ley, es algo que probablemente ellos no han visualizado y van a tener que trabajar fuerte en eso porque no se

les viene fácil. Vendrán muchas protestas y eso que esto recién está comenzando. Si, Nosotros fuéramos a Arizona hariamos un show en forma de protesta. ¿Por qué creen que se establecen estas leyes? Sen Dog: cuando tienes una gran tasa de emigrantes ilegales, que todos los días son cientos los que llegan, buscando un mejor futuro, claramente ahí hay algo, pero no por esa razón ellos van a tomar la medida de echarlos. Hoy en día los latinos somos muchos y tenemos nuestra voz, y mientras estemos juntos no vamos a dejar que nos pasen por encima. B-Real, hay una foto en Internet en la cual estás con Ice Cube en un subterráneo o con una arma. Si, eso fue en el backstage de Lollapalooza, más o menos en 1992. Estábamos ahí con una pistola falsa. Bueno, yo estaba ahí, mientras hablaba con Cube, y se filtró esa foto. Ha estado circulando desde ese tiempo.

Ley de Arizona SB1070: ley del estado de Arizona que entró en vigor el 29 de julio de 2010, fue establecida para poder mantener un control más eficiente sobre los inmigrantes. Dicho estatuto ha provocado fuerte impacto dentro de la comunidad hispana, pero también a nivel nacional, al determinar como criminales a aquellos que no posean documentos y exige a la policía cuestionar el estatus migratorio de cualquier persona que haya sido detenidas por alguna otra razón y que le parezca “razonablemente sospechosa” (por su apariencia) de ser un inmigrante sin papeles. Muchos de los que critican esta ley señalan que incentiva y acrecienta la discriminación por perfil racial, por lo cual se han realizado un sinnúmero de manifestaciones en su contra en diferentes ciudades en Estados Unidos. Sin embargo, la ley consiguió el apoyo de la mayoría en Arizona y muchos otros estados han considerado la opción de establecer una legislación sobre esta materia.

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Rome

Entrevista: Javier Carmona @323 Fotos: Estevan Oriol |www.estevanoriol.com Por: Diego Durán Special Thanks SA Studios Family, Eriberto Oriol, Estevan Oriol Mr. Cartoon, Big Flaco, Lulu, BYI

Quiero que me escuche todo el mundo Su primer acercamiento al Hip Hop ocurrió cuando apenas tenía 8 años. Su hermano mayor siempre escuchaba a artistas como Dr. Dre, Notorious B.I.G., Wu-Tang Clan, entre otros, músicos que poco a poco comenzaron a transformarse en su influencia y en su principal referente. Hoy, a los 25 años de edad se convirtió en una voz autorizada dentro de la escena. Su trabajo, junto a pesos pesados de la industria musical como The Neptunes, Busta Rhymes, Cool and Dre, Rick Ross, Too $hort, Jim Jones, The Clipse, Omar Cruz, Joel Ortiz, Dj. Skee, Dj. Muggs, lo sitúo como uno de sus pares. Sin embargo, su objetivo es otro: llegar a posicionarse como el número uno. Según cuenta ROME, su incursión en el mundo de la música se remonta a más o menos una década atrás. Su infancia, en barrios pobres de Los Angeles, se caracterizó por tener pocas opciones, es decir, te metías a una pandilla, hacías deporte o te interesabas por la música. “Yo jugaba fútbol pero a todos mis hermanos mayores les gustaba el Hip Hop. Ahí aprendí con ellos, escribía canciones y cantaba. A los 15 años empecé a hacer remixes para las radios de LA”. ¿Cómo a tan corta edad conseguiste ese trabajo? En ese tiempo tenía un manager que yo creía que me ayudaba, pero en realidad le daban dinero por debajo de la mesa y yo no lo sabia. Solamente tenía ropa nueva, pero así aprendí sobre el negocio de la música y a los 17 años me estaba aburriendo de los remix. “Tan mala experiencia tuve con ese manager que en un momento pensé en dejar la música. Después de un año y medio conocí a un muchacho de Guatemala que se llamaba Lulu, él me dijo que

no debía retirarme y luego me puso en los grandes estudios a trabajar con artistas como Pharrell y The Clipse. Ahí comencé otra vez”. Lulu fue quien le abrió las puertas y lo puso al frente de la producción de Omar Cruz en su mixtape “City of God” y en su primer disco llamado “Sign of the Cruz”. “Haber participado en ese proyecto fue como un curso intensivo de la industria de la música. Básicamente meterme a los estudio de Interscope Records con Rick Ross, Jim Jones y Busta Rhymes me dio una visión amplia de cómo era la industria, de cómo funcionaba todo esto cuando se hacía de forma profesional. Para mi esa experiencia no tiene precio realmente es lo mas importante hasta este momento en mi carrera”, dice. ¿Cómo evalúas tu experiencia en la industria? Como dije, antes tuve una muy mala experiencia al principio porque hice muchos favores ya que pensaba que cuando

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“Yo no soy el tipo de artista que va a cantar sobre autos lujosos o casas gigantezcas porque yo nunca he vivido eso, sólo puedo cantar de lo que sé y eso es la pobreza” necesitara el apoyo de ellos lo tendría, pero muchos de esos se olvidaban, pero la perseverancia y mis ganas de salir adelante con mi música, me permitieron seguir lo que nunca dejé de hacer. Seguí empujando y todavía estoy luchando. Después de sacar mi primer álbum -”MY DEMO”- ese disco me ayudó mucho para que mi nombre se hiciera conocido en Los Angeles, pero todavía es difícil y aún estoy empujando para meterme en las grandes ligas. Aunque he trabajado con muchos artistas de renombre y estoy en el estudio que graba Snoop Dogg, The Neptunes y los grandes del rock, todavía no estoy donde quiero estar. Mi objetivo es que mi música se oiga en todo el mundo, es la historia de un niño de barrio pobre tratando de hacer esto si ningún peso en sus bolsillos. Mi mensaje es poder inspirar a esos chicos que no tienen nada, sólo sueños. “Yo no soy el tipo de artista que va a cantar sobre autos lujosos o casas gigantezcas porque yo nunca he vivido eso, sólo puedo cantar de lo que sé y eso es la pobreza, pero al mismo tiempo tratando de ser alguien, luchando y trabajando día a día”. Su trabajo como productor lo conjuga con su rol como emcee, ya que además de realizar beats para otros artistas, le gusta que otros le entreguen instrumentales a él y, de esta manera, darle un sonido distinto a su música. ¿Podrías contarnos sobre tu próximo proyecto en solitario? Con este nuevo álbum quiero avanzar al siguiente nivel y conseguir un contrato con una disquera. Tengo una canción para la radio ahora que la sacamos en julio, así que estoy trabajando 58

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duro porque este viene siendo mi primer disco, con el cual un sello me puede abrir las puertas para llevar mi música a un ámbito internacional. Creo que el primer álbum es la marca del artista. Un estilo que comenzó a pulir cuando en un día de trabajo de estudio Pharrell le dijo: Oye ROME, cuando hagas tu música, asegúrate que tus beats tengan un sonido tuyo, que se note que tu mano es la que trabajó ahí. Desde ese día empezó con su propia marca, “Latin Soul”, en donde se sumergió en la música de su madre para cortarla y añadirle toques de Hip Hop. Después de producir y trabajar con otros artistas ¿hay algún hit? He tenido varias canciones en la radio por un tiempo pero todavía nada grande como de estar en la lista de los Billboard o ganar un Grammy. Estoy trabajando en eso ahora mismo, porque uno nunca sabe cuando va a venir el hit pero yo trabajo cada canción para que sea un éxito, aunque eso depende más de la audiencia que de mí. En estos momentos estoy enfocado en mi carrera porque la edad para un rapero para salir es bien corto, es como el fútbol, si ya tienes 30 años las posibilidades son menos, entonces estoy en el momento preciso para lanzar mi carrera. Puedo trabajar con el artista más grande hoy en día, pero no es igual o el mismo sentimiento que hacer una canción mía, y por eso estoy sacrificando mi tiempo de no trabajar con otros artistas para poder dedicarme a mi música y que no se me pase el tiempo.

¿Cuándo debería estar tu nuevo disco en las calles? Espero que el próximo año. No tengo una fecha exacta y puede ser cualquier día de 2011, o sea hay 365 días posibles, pero espero que más pronto que tarde, y es que cada año me ha ido mejor así que espero que el próximo sea mucho mejor que éste. En una de sus canciones, “Please Don’t Mind Me…”, ROME habla de no parar hasta convertirse en el número 1 y según él mismo aclara ésta premisa va más allá del área musical. “Quiero ser el numero 1 en todo. Cuando era chiquito jugaba fútbol y llegué a ser el capitán del equipo, siempre quería ser el número uno en todo lo que hiciera. Sé que no es difícil solo es trabajar duro, quiero ser el papá número uno para mi hijo y mi música es lo que me está ayudando a ser ese papá para mi hijo”. ¿Quién es para ti hoy el número uno? Yo, por supuesto (ríe). Hoy en día sólo escucho mi música, porque trabajo con todos ellos y hoy ellos son mi competencia así que no puedo ser competencia y al mismo tiempo un fan de éste o de aquél. Son mi competencia y tengo que competir con ellos. ¿Qué música te ha influenciado? Escuché de todo, obviamente todo el Hip Hop pero también escuché a Sandro y a Leo Dan, es decir toda clase de música. Lo que me influenció de verdad fue ver a mi mamá, trabajar día y noche, eso me motivó a salir adelante y a buscar un destino distinto, ya que no quería salir del colegio y meterme a trabajar en una empresa.

Dice que su sueño es vivir bien y que la gente escuché su música. “No necesito nada especial o de lujo, sólo quiero vivir tranquilo, ser feliz y que mi hijo tenga todo lo que yo no pude tener. Sí le agradezco a Dios que fui feliz, pero no quiero que las cosas para él sean tan difíciles porque nosotros encontrábamos la felicidad en cosas chiquitas. Sólo que los tiempos mejoren para todos los que me rodean, mi mamá, mi hijo, mis abuelos y para mí también. Para alcanzar sus objetivos ROME continúa trabajando, graba canciones y se encierra en su estudio unas 14 horas todos los días. Afirma que su rutina va en pos de un futuro mejor, ya que “voy a sacrificar mi hoy para un mañana mejor”. A fines de septiembre, SA Studios y ROME colaboraron en la producción de un corrido para la película “Machete”, protagonizada por el actor de ascendencia latina Danny Trejo. “Me siento realmente honrado de que SA Studios me eligiera para participar en este proyecto fuera de lo que es Hip Hop R&B o Pop. Cuando me invitaron a una producción de corridos me sentí con muchas ganas ya que nunca lo había hecho, así que se dio la oportunidad y la tenía que tomar, ya que toda mi música ha sido influenciada por la música en español. Estoy muy agradecido de SA Studios ya que para mí, todo esto es nuevo y estoy orgulloso de ser parte del primer súper héroe latino en la pantalla gigante”.

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*ALBUM REPORT

THE

CYPRESS HILL RISE UP

By: Claudogg

WEIGH-IN

Cypress Hill, banda oriunda de South Gate, California, fundada en 1986; nos presenta su decimotercer disco “Rise Up”, bajo el ala de Suburban Noize Records. En este álbum, Cypress nos enseña en todo su esplendor su evolución musical sin dejar de lado sonidos propios de sus raíces que los llevaron a ser una de las bandas Hip Hop con mayor reconocimiento mundial. Inclinan la balanza hacia el Rap Metal que vienen practicando hace ya algún tiempo, con temas como “Rise Up” y “Shut´em Down”,que cuentan con la colaboración de Tom Morello y su guitarra ligada al característico sonido de RATM. Nos brindan también pinceladas de nostalgia con temas como “KUSH”, himno infaltable al consumo de Mary Jane, que nos hace recordar el Rap chicano del Cypress noventero. Agregan, además, un elemento nuevo al incorporar en algunas de sus bases instrumentos de viento, que le da un sonido innovador al disco. Cuenta con las colaboraciones de variados artistas de la talla de Mike Shinoda (Linkin Park), Everlast, Evidence, Young De, pero es en su primer single “Armada Latina”, donde rompen esquemas con el coro de Marc Anthony y la aparición de Pitbull y la producción de Jim Jonsin, que da como resultado un tema fresco y pegajoso, agradable al oído… Gracias a Dios, Thank God!. Personalmente, un buen álbum que cumple con las expectativas y va de acuerdo con la evolución natural que la banda ha presentado hasta ahora. Se nota la experiencia dentro del juego.

B.O.B.

The Adventures of Bobby Ray

The Adventures of Bobby Ray, el álbum debut de B.o.B., ha sido promocionado con bombos y platillos en 2010. Sin que cumpla con todo el despliegue publicitario, no hay duda de que vale la pena escucharlo. B.o.B. es una de las estrellas emergentes de la industria de la entretención, tal como varios de los nuevos artistas, no solamente rapea sino también canta. Con tan sólo 21 años, vemos que tiene potencial pero necesita encontrar su estilo porque este álbum es una mezcla de todo un poco. Sin embargo, se deja escuchar y marca el rumbo de su futuro musical. Además de los hits de la radio “Nothin’ on You” con Bruno Mars (otro artista que estaremos siguiendo con interés) y “Airplanes” con Hayley Williams de Paramore, “Don’t let me fall” y “Pass my shades” con Lupe Fiasco, se destacan los temas “Ghost in the Machine” y “Higher”, que son de primera. “Lovelier than You”, siendo escuchable, no calza aquí.

By: David Urbina

Personalmente, hay sólo un tema que me desagradó: “Bet I”. Seguramente se creó para apelar a los hinchas sureños de Hip Hop en Atlanta, donde B.o.B. tuvo sus inicios, pero cada vez que escucho este álbum le doy la pasada. En suma, recomiendo The Adventures of Bobby Ray a todos los amantes de Hip Hop en Chile que quieren escuchar algo diferente. Con los invitados Eminem, Lupe Fiasco y la maravillosa Janelle Monae (artista del año) en su primer álbum, se ve que el muchacho tiene un futuro brillante.

drake

thank me later

Thank Me Later es su primer esperado y ansiado disco, donde lo inicia con el track “Fireworks” con Alicia Keys. El primer single lanzado para promocionar el disco fue “Over”, con el cual muchos quedaron atónitos con su impresionante beat. Posteriormente se lanzó el mejor track de este disco “Find Your Love” donde muchos dicen tiene algo adictivo y podrías escucharlo inconscientemente durante todo un día. “Miss Me”, con Lil Wayne, es otras de las canciones adictivas que tiene este disco, donde el cabeceo es incontrolable. “Show Me A Good Time” es un track que te dejará pidiendo un segundo disco de Drake lo más pronto posible. El álbum termina con el track “Thank Me Now” donde se finaliza el hilo que tiene el disco con introducción de fuegos artificiales y desenlace relajado para agradecer AHORA y no DESPUÉS.

By: Basmer

En todos los estilos musicales hay renovaciones de artistas que son innovadores, talentosos y que se juegan un puesto dentro de los grandes, pero Drake ya superó con creces todas estas barreras impuestas para un novato. Ya venía sonando desde hace más de un año sólo a base de mixtapes (So Far Gone) posicionando canciones en listas Billboard como el single “Best I Ever Had” que llegó al nº1 del Hot 100 R&B/rap songs y que se incluye como bonus track en el disco.

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*ALBUM REPORT

THE

Slum village Villa Manifesto

WEIGH-IN

Villa Manifesto es la séptima entrega de los oriundos de Detroit que se dieron a conocer a finales del década de los 90; primero con su disco debut titulado “Fantastic vol 1” para luego sorprender a la industria con el clásico “Fantastic Vol 2” cambiando la definición de crudeza en el Hip Hop para una legión de seguidores a lo largo de todo el globo. Este disco gestado en medio de una época marcada por los decesos de dos de sus miembros fundadores como fueron J Dilla y Baatin, dejando a los miembros sobrevivientes con la responsabilidad de cargar el legado de uno de los grupos con más impacto en la última década y media.

By: Nick Calaveras La placa sirve tanto como disco de reunión como de tributo, juntando a los tres fundadores T3, Baatin y JDilla (quien murió el año 2006 pero abandonó el grupo el 2002 para concentrarse en su carrera solista), además de la participación de Elzhi y la incorporación del hermano menor de Jay Dee, Illa J convirtiendo a Villa Manifesto en el primer disco del grupo, en el que cuenta con cinco miembros como parte de la agrupación. La lista de invitados es extensa e incluye a De La Soul, Little Brother, Colin Munroe, Dwele y Phife Dawg. El grueso de la producción viene de mano de Young RJ, aunque también destacan las colaboraciones de Mr. Porter, Dave West, Khrysis, Hi-Tek, T3, y un par de producciones inéditas de J Dilla. La larga duración tiene como punta de lanza el single “Faster”, el cual cuenta con la colaboración del canadiense Colin Munroe.

BIG BOI

Sir Luscious Left Foot The Son of Chico Dusty

La primera vez que escuché “Sir Luscious Left Foot The Son of Chico Dusty”, el nuevo álbum de Big Boi, se me escapó un “WOW”. Al veterano de Outkast todavía le cruje. Este es el mejor álbum Hip Hip del año. Tal como Jay-Z, Big Boi sigue demostrando su capacidad de evolucionar a la par con las transformaciones de una industria dinámica. No sólo persigue la inmortalidad sino que trabaja con artistas nuevos, tales como Janelle Monae, Sam Chris (artistas del sello discográfico de Big Boi) y B.o.B. No hay un tema aquí que no me guste. El álbum tiene algo que ofrecer para todos los gustos, tanto los tradicionales seguidores de Outkast como los que disfrutan la radio comercial.

By: David Urbina

Los temas “Tangerine” y “Night Night” recuerdan el Outkast clásico, al mismo tiempo que le dan un toque nuevo. Este álbum lo van a estar tocando en todas partes; consíguelo en cuanto puedas. Un clásico.

DREX City To city

By: Javier Carmona

Este artista co-fundador de “The Remix Project”, un colegio alternativo en Toronto para jóvenes en riesgo social enfocado a las artes, nos presenta su segundo álbum City to City. El concepto surgió porque Drex junto a Remix Project, tuvieron la oportunidad de trabajar con jóvenes en distintas ciudades del mundo, lo que los llevó a empaparse con otras culturas y realidades, reflejado en la recopilación de este disco. Podemos encontrar un nuevo aire musical partiendo por el primer single “Rise to the Top”, que tiene un beat mezclado con un poco de batucada, donde The Remix produjo el video con jóvenes de las favelas de Río de Janeiro. Al mismo tiempo, el segundo single “Loosing Control” es un análisis de los jóvenes y de las situaciones en que viven sumergidos hoy, como la drogadicción, alcoholismo, prostitución y delincuencia. Este álbum tiene producciones del famoso Noah Shebib 40/40, productor de DRAKE, y fue completamente masterizado por Noah en los estudios de Remix en Toronto. Descárgalo gratis desde el blog de POUND (http://blog.poundla.com)

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*ALBUM REPORT

THE

NICK CALAvERAS La receta

By: Carlos Lorca

WEIGH-IN

Un chef, comida bien condimentada y varios ingredientes alimentan esta receta. además primer single “Vete” (feat Juan Sativo & Tea Time), se destacan dos temas inusuales como “Da Music” (feat Quique Neira y Tea Time) completamente ligado al movimiento Reggae; y “La Conquistada” (Feat Juan Sativo, Roberto Márquez y Rulo) clásico del grupo Los Jaivas, tema el cual Nick hizo como un tributo al Folklore chileno, con toques de bases rap, dándole un enfoque muy interesante. Es rescatable el hecho de crear este disco a pulso ya que fue grabado por Greyskull Studio (propiedad de Nick), el que fue cargado de colaboraciones de lujo como Quique Neira, Roberto Márquez (Illapu), Rulo, Tea Time, Juan Sativo, Vitami, entre otros; y dentro de aquello, le dio una temática única con un sonido bien trabajado y dedicado. Dentro de la escena, Nick lleva una amplia trayectoria de 15 años y en esta producción se nota la madurez que ha alcanzado a nivel de sonidos y melodías, en que el uso de herramientas profesionales generó un trabajo que lo dejó muy conforme. Sólo queda recomendar esta producción, que lo más probable es que esté dentro de las más comentadas y escuchadas de este año como disco nacional.

the dream

Después de su álbum debut, Love Hate en el 2007, The Dream sólo ha cosechados éxitos dentro del R&B, ya que sus canciones tienen una particular mezcla de Pop, R&B y Rap. En su tercer álbum de estudio bajo el sello RadioKilla de DefJam Recordings, El disco posee dos singles oficiales, el primero titulado “Love King”, que cuenta con la producción del propio Dream, la cual tuvo un remix con Ludacris logrando posicionarse en lo alto de listas como Billboard. El segundo, “Make Up Bag” con T.I. tal vez no logra el éxito esperado, puede ser por el estilo poco familiar para T.I. Y por lo mínimos 30 segundos que canta. Donde comienzan a salir más frutos es en “Florida University” en el que muestra la ya mencionada mezcla de Pop/R&B que suena bastante bien. En la edición de lujo del disco, donde vienen 5 bonus tracks, aparece una canción que debiera estar en la edición oficial; hablo del tema “Sorry”, donde canta a capela con unos hits de chasquidos de fondo y unas voces de coro gospel que la hacen sonar como un clásico cuarteto de R&B, pero sólo es él, cantando sobre esta simple base, lo que la hace impresionante.

Rich Kidd

Después de haber sacado a la red tres mixtapes, Rich Kidd oriundo de Toronto, Canadá, nos presenta su cuarto mixtape, “WE ON SOME RICH KIDD SHIIIIT VOLUME 4 – THE BOILING POINT”, luciéndose al máximo con sus habilidades al momento de crear beats. Rich Kidd ha conquistado la escena, trabajando junto al popular Drake, Nelly Furtado, JD Era, Busta Rhymes, entre otros. El mixtape contiene 24 temas producidos por él, siendo acompañados por artistas de la escena canadiense como Kardinal Offishall, k-os, Promise, Tona, Saukrates. El mismísimo Kidd pone su voz en juego en 11 temas, incluyendo “Take it Slow” single autotuneado con beats experimentales y toques de Lo-Fi. Virtud de Kidd es su capacidad de producir bases variadas, que llegan desde un Soul suave como el tema introductorio, Ayah – “If You Had Million Dollars” pasando por Saukrates – Soarin’ To Heaven Part 2 (Remix) (ft. Rich Kidd) hasta bases más duras y “electro/pop” como Jay-Fellz – “Get It Poppin’ (ft. Rich Kidd & Gazza Yout)”. Rich Kidd está llamando mucho la atención dentro de la escena canadiense, les aconsejo prestarle atención a este joven MC/productor, quien está creciendo a gran velocidad. ¿Será la promesa del Hip Hop canadiense?

Love King

By: Basmer

we on some rich kidd shiiiit vol 4

By: Daniel López

Un combinado de samples setenteros con beats más contemporáneos, fusionados en armonía, le hará bien a cualquier oído. Un fabuloso disco con un poco de gangsta, un poco de Electro, Pop y jazzy soul, algo equilibrado y dedicado al buen oyente. Carguen sus mp3, que con este discazo no se sacaran los audífonos durante un tiempo. Descárgalo gratis desde el blog de POUND (http://blog.poundla.com)

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*BOOKS REPORT

THE EL símbolo perdido DAN BROWN

By: Gonzalo “DINO” Muñoz

WEIGH-IN

El Símbolo Perdido, una novela de ficción del escritor estadounidense Dan Brown, protagonizado por el profesor de Simbología e Historia del Arte, Robert Langdon, fue publicado el pasado octubre 2009 en español. Durante el primer día de lanzamiento el libro vendió un millón de copias, incluyendo libros electrónicos en Canadá, Estados Unidos y Reino Unido. El argumento transcurre en Washington D.C., en un mínimo período de tiempo; 12 horas, y la trama está basada en una conspiración francmasónica. El escéptico profesor de Harvard, como protagonista, es convocado al capitolio de Washington, símbolo arquitectónico de la nación. Su mentor y gran amigo Peter Solomon, uno de los hombres mas poderosos e influyentes de la ciudad, masón de alto grado, supuestamente lo ha convocado para pedirle que diera una conferencia sobre arte masónico. Cuando Langdon llega al capitolio se entera de que no había sido convocado por su gran amigo, sino por otro personaje que ha secuestrado a Peter y quiere utilizar los altos conocimientos en simbología que posee para encontrar un antiguo poder, secreto milenario de los masones. Atrapado entre las exigencias de una mente perturbada y la investigación oficial, Robert se ve inmerso en un mundo clandestino de secretos masónicos, historia oculta y escenarios nunca antes vistos, que parecen arrastrarlo hacia una sencilla pero inconcebible verdad. Lo que caracteriza a Brown es que sus libros se apoyan en una dura investigación y, al leer sus novelas, el lector puede darse cuenta de que lo que habla en ellas son temas relevantes y nos traslada a un mundo lleno de interesantes cosas que están ahí y que mucha gente desconoce. Brown juega en esta novela con la ciencia noética; una ciencia un poco extraña que se dedica a investigar la naturaleza y potencial de la mente y la conciencia. Su intención es entretener y hacer que nos cuestionemos sobre la gran pregunta que sólo aparece en instantes claves de la “vida” y aquella es ¿ficción o realidad?

LA WOMAN

ESTEVAN ORIOL

L.A. Woman es el primer libro del fotógrafo latinoamericano más importante de los últimos tiempos en Estados Unidos. Al revisar esta obra de arte que contiene retratos de “vida” de la mujer latina, nos encontramos con el sello característico del estilo de Mr. Oriol. No son modelos profesionales, sin embargo, cuenta con un toque de erotismo, sensualidad y realidad de las duras facetas que una mujer puede enfrentar. Como creador y destructor de tendencias, Oriol nos presenta su estilo fotográfico único que desarrolló e inspiró en su vida.

By: Álvaro Sepúlveda

Estevan tiene el don de capturar la esencia de las calles a través de su fotografía. En poco tiempo, se convirtió en el más buscado fotógrafo de la cultura urbana en Los Ángeles, trabajando con los más grandes artistas, tales como Snoop Dogg, Cypress Hill, Xzibit, Dr. Dre, Blink 182, Travis Barker y prácticamente todos los artistas de Westcoast. Estevan nos contó que creó LA Woman porque todo el mundo esperaba que sacara un libro sobre Street Lifestyle, pandillas o de artistas famosos y nos dijo que él quiso plasmar su arte y su versatilidad al momento de fotografiar y, al mismo tiempo, hacer un homenaje a la mujer latina, la que se destaca por ser una mujer esforzada, luchadora y, por sobre todo, muy sexy. L.A. Woman es una publicación de la editorial Drago y SA Studios.

Skull & Bones issue

Por: Carlos Lorca

Alonso Venegas / PINCELBEATS 01.- Slum Village - Scheming ft. J.Dilla Posdnuos And Phife 02.- Lady Daisey - Promise Sunshine 03.- Rakaa - C.T.D 04.- Leela James - Tell Me You Love Me 05.- Organismo Soulbeat - Mi Primera Crítica 06.- José James - Promise In Love 07.- Dwele - Grown 08.- Vitami - Fundamentos 09.- Aloe Blacc - Hey Brother 10.- Sam Cooke - A Change Is Gonna Come

Diseñador de profesión - Encargado del departamento de arte y diseño de la página Musiksite, twittero y amante del buen Rap nos entrega su selección de temas que por estos días anda trayendo en su playlist.

Raúl Hernández / INDIE 01.- Muhsinah and Jake One - You (produced by Jake One 02.- IG Culture - Girl U Need a Change of Mind 03.- Numaads -Now, produced by Sense (from Q4) 04.- Onra - High Hopes Feat Reggie B (produced by Onra) 05.- Oddisee - drugs outside remix 6.- Alice Russell - Taking Hold - Under The Munka Moon 07.- Lisa Shaw - Tomorrow - Free 08.- sleep walker - river of love (feat bembe_segue) 09.- Kidz In The Hall - Drivin’ Down The Block(El-P Remix) produced by EL-P 10.- Ray Barretto - Right On - Barretto Power

Productor y beatmaker parte del sello Bitlove. Tambien ha colaborado con diversos artistas como Anita Tijoux, Koala Contreras y Solo di medina. Influenciado por el Funk y Jazz nos entrega su música con toques Nu-soul y Break beat, pero siempre con el Hip Hop como pilar fundamental de su trabajo.

David Varas / VIDASILENTE – D++ 01.- “Best Of Times” - Strong Arm Steady Feat. Phonte (Prod. by Madlib) 02.- “Audio Dope II” - Curren$y (Prod. By Ski Beatz) 03.- “Savior Beans” - Madvillain (Prod. By Madlib) 04.- “Izichu” - Shawn Jackson Feat. Thurzday & Jimi James 05.- “Nuevo Principio” - Boo Dooh (Prod. by Quiroga) 06.- “Long Distance” - Onra Feat. Oliver Day Soul (Prod. By Onra) 07.- “Atomic Slop” - Mr. Dibiase (Prod. by Mr. Dibiase) 08.- “Covija” - DevonWho (Prod. by DevonWho) 09. -”Paga Tus Deudas” - Eric El Niño (Prod. By Dj Makei) 10.- “Domingo a Domingo” - Nefftys (Prod. By Traficante de Almas)

Blogger y estudiante de diseño, Raúl tiene a cargo uno de los blog más visitados y seguidos dentro de la escena mundial, con información actualizada constantemente. Además colabora en el blog Ruidofino, donde hay que estar atentos porque cada día nos sorprenden con buena música.

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