游資芸《詩意的人偶同臺：飛人集社作品集2004 2014》試閱本

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封面／Book Cover 目錄／Content 總編輯的話／From the Editor in Chief 導言／Introduction 第一章 「現代成人偶戲」的起步萌芽──飛人集社十年作品回 顧（一） 第二章 繁花盛放的偶戲探索──飛人集社十年作品回顧（二） 第三章 複聲合唱的人偶同台──飛人集社的偶戲脈絡發展 走進現代偶戲的魔幻國度──空間、燈光、道具 掀起你的蓋頭來──偶戲造型探秘 看見「第三隻手」──拆解偶的動作與語言 隱形的翅膀──透視現代偶戲劇本 附錄1 影音精選／Video Clips 附錄2 飛人集社劇團簡介／Flying Group Theatre 附錄3 飛人集社作品年表 台灣現代戲劇 表演影音資料庫簡介／About ETI, Electronic Theater Intermix in Taiwan 版權／Copyright

詩意的人偶同臺：飛人集社作品集2004─2014

潑墨書房

總編輯的話

《表演臺灣彙編：劇本，設計，技術，1943~》Performing

Taiwan:

Script, Design, Stagecraft, 1943– 是一套以「台灣現代戲劇曁表演影音資 料庫」（eti-tw.com）典藏爲基礎的電子叢書，由中央大學黑盒子表演 藝術中心和戲劇曁表演研究室協力完成，文化部補助出版。為了在電 子閱讀的新時代，更全面地捕捉劇場

個古老表演媒介的立體風姿，

套叢書透過新的編輯概念與發行平台，不 調影音資

收納了文字書寫，更強

的同步閱讀，在每本電子書裡都收入一定比例的影音片段

或圖像劇照。 2010年，我國的《文化創意產業發展法》在「刪減藝術補助」與「創 意產業升級」和「經濟加

」的經濟語境中登臺亮相。臺灣的表演藝

術從業者熱情無限，看似活力迸發的文化一隅，但專業化尚未完成， 距離產業化仍待努力。可是在文創的全球語境中，我們又似乎很難置 身其外。

部叢書的出版，無非是希望在探索臺灣表演藝術邁向專業

化甚至產業化的過程中，累積一些發展的資產，嘗試開發劇場以外的 智慧財產創意再生產。

跨界創意下的分館別類 《表演臺灣彙編》包含「戲劇劇本館」、「戲曲劇本館」、「表演書 詩意的人偶同臺：飛人集社作品集2004─2014

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寫館」、「設計館」與「技術館」五個主題，分別從表演文本、設 計、技術三個面向，展現表演藝術在臺灣七十餘年的創作軌跡，彌補 過去乏於書寫紀錄與發行不足的遺憾。不論是戲劇、戲曲、偶戲、音 樂劇、肢體劇場或舞蹈等各類表演藝術作品，都可藉由

一叢書的出

版而打開一扇閱讀、賞析的窗口。 「戲劇劇本館」、「戲曲劇本館」和「表演書寫館」歸屬於表演文本 面向，

三個館別用以架構臺灣近七十年的表演文本內容。臺灣的創

作者們以勇於突破既有框架見長，經常融合多種不同表現元素來創造 獨特的作品，

樣的分類方式其實難以收納臺灣表演藝術創作者自由

多元又紛異的創作形式。為了展現

個特色，我們遂決意放棄傳統的

編輯概念，不由編輯臺對作品逕行分類，而是讓創作者依據其作品的 原始發想，自行決定作品歸屬的館別。如此，讀者可能會在「戲曲劇 本館」裡，讀到採用戲曲元素卻又更像現代戲劇的作品，或是在「戲 劇劇本館」裡發現反其道而行的其他跨界創作。又因為戲劇或戲曲也 還不足以歸納其他既不採取文本書寫、甚至沒有任何對白的表演文 本，我們便又規劃了「表演書寫館」，邀請創作者（如導演或編舞） 根據已經完成的舞臺實踐，進行專題書寫以典藏過去難以被流傳的精 彩表演。 2013年，我們首先出版了《林摶秋劇作選：醫德、高砂館》、《少年 金釵男孟母》、《踏青去》、《逆旅》四部戲劇劇本，以及《亂紅》

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與《三顆頭》兩部戲曲劇本。其中林摶秋先生劇作是現存最早的臺灣 劇作之一，我們非常榮幸能取得日文原著與中文翻譯的授權出版。 《亂紅》來自臺灣特有的實驗戲曲作品，首演極受好評，《逆旅》爲 2011年臺灣文學獎金典獎得獎作品，他們具體而微說明臺灣青年創作 的實力。《逆旅》和《三顆頭》是我們參與製作的兩部劇作；前者由 我們媒合導演與專業製作團隊，後者是我們一路陪伴著從創團到製作 演出，同為我們珍惜的青年劇作。《少年金釵男孟母》和《踏青去》 爲臺灣劇作家的性別演繹和想像，留下創意足跡，前者近年頗獲國內 外學界討論，後者則是臺灣演繹女性情誼的最早作品之一。各製作團 體慷慨授權，讓我們得以與讀者們分享 錄；因為他們，

套書特別

些劇作珍貴的演出影音紀

得典藏閱讀。

2014年上半年，我們又出版了劇本《大神魃》、《塵埃》、《無獨有 偶經典偶劇選：降靈會、最美的時刻》以及《江佶洋燈光創作作品 集》。三部劇作風格迥異，《大神魃》藉由動畫、舞臺和音樂

道

來神怪的孤寂，《塵埃》演繹科技深入人類的歷程，《無獨有偶經典 偶劇選：降靈會、最美的時刻》集合無獨有偶劇團精彩的現代偶劇， 他們呈現了臺灣劇場裡自由多元的風景。 除了表演文本的書寫之外，我們另外規劃了「設計館」與「技術 館」。臺灣表演藝術近三十年累積了一批專業的設計者與劇場技術工 作者，他們的創意，同樣是形構臺灣劇場生命力的要素。然而，他們

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也是觀

最不熟悉的一群劇場工作者。為了提升

兩個部門工作者的

創意智慧再運用，也為了加強表演藝術專業知識的流通，「設計館」 與「技術館」邀請國內資深或具有獨特技術的設計者與技術工作者， 根據其長期的專業經驗，

述深入淺出的專題電子書，爲臺灣表演藝

術的發展足跡留下完整的紀錄。爲了完成

個繁重的任務，從2014年

起由我和李易修共同擔任「設計館」與「技術館」的主編，從主題選 擇、文字編輯、到圖像製作或影音採集，合力編

。

2014年我們首開先例地出版了《江佶洋燈光創作作品集》以及《劇場 黑衣人》。

是一個萬分艱難的工作，因為大部分的劇場設計和技術

工作者不曾留下工作紀錄，加上他們繁重密集的工作行程， 字

述

一項，便是一大挑戰。再者，他們的作品散於

團體，影音資料或圖像劇照的版權取得，

是文

多表演藝術

是極為繁雜困難的。謹此

向資深的劇場技術工作者斯建華先生，和青年燈光設計者江佶洋致 謝，他們的支持與配合除了讓我們的的野心得以落實，也讓我們勇於 繼續鼓舞更多優秀資深的同仁們，從翼幕側寫臺灣現當代劇場的風華 與艱辛。

公開展演與影音紀錄之選錄雙軌 《表演臺灣彙編：劇本，設計，技術，1943~ 》最重要的選錄標準是： 被選錄者必須是已經公開演出過的作品。以臺灣的表演藝術生態而 言，一個作品能

搬上舞臺，必然已經取得一定的社會資源，

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些資

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源的取得，可以視為是對該作品與其創作者和製作團隊的肯定與選 擇。 除了少數幾部無法取得任何演出影音紀錄的早期經典之作，我們另以 是否能取得作品演出影音片段的授權，爲收入本叢書的另一考量標 準。影音與書寫既然是

部雲端叢書的關

字，我們期待

樣的編輯

概念，能較為據實地反應臺灣舞臺的繽紛風景，更能啓動劇場的綜效 機制。 在以上兩項標準之外，我們儘量兼顧資深與年輕工作者的新創與經典 作品，希望獲得更多表演藝術工作者的認同，提醒他們在製作演出之 餘，留意表演藝術作品如何以其他形式再生產，爲日後的產業化奠定 紮實基礎。

致謝與致敬 在編輯過程中，我必須感謝所有創作者、製作團體、「國家表演藝術 中心之國家兩廳院」（原國立中正文化中心）與「財團法人公共電視 文化事業基金會」的支持與授權；感謝王

玲教授、林鶴宜教授、石

婉舜教授、施如芳女士、劉微明女士、藍貝芝女士為首批出版的六部 劇作

寫導言，提供專業而繞富趣味的閱讀切入角度；感謝擔任2014

年執筆導言的劇作家陳世杰先生、郭亮廷先生、林世秉先生、胡疊教 授、資深的劇場工作者王孟超先生、傅裕惠老師、沈敏惠女士，從長 期共事的角度，或持續關注的劇評位置，為我們提供有關作者或作品 詩意的人偶同臺：飛人集社作品集2004─2014

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的閱讀佐證。感謝提供我們法律諮詢，甚至爲我們規劃表演藝術智財 權法律工作坊的陳思宏律師、湯其瑋律師與李友琦女士；臺灣的表演 藝術如果想要進行產業升級，如何在創意內容共享與智財權的界定之 間找到平衡，是我們共同的課題。特別感謝石婉舜教授在出版林摶秋 先生劇作的過程中不憚煩勞，與編輯群往復討論，並提供各式編輯相 關資

，以及李育娟教授擔任我們的日文翻譯諮詢；感謝優秀的英文

翻譯團隊許仁豪博士、劉微明女士、司徒嘉怡博士、 吳政

先生、陳

怡君女士、林佳璇女士、陳佾均女士、白斐嵐女士、Frank

Episale先

生，以及2014年特別邀約的Albane Lahlou和我在中央大學的同事許凌 凌教授擔任法文翻譯。沒有他們的心力投注，我們幾乎不可能在急迫 的執行期限內，完成主要外文譯文，爲日後的國際發行奠定基礎。

《表演臺灣彙編》叢書總編輯，2014年08月

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Performing Taiwan: Script, Design, Stagecraft, 1943– is an e-book series based on works archived by the Electronic Theater Intermix in Taiwan (eti-tw.com). Funded by Ministry of Culture, this project is a collaboration between the Performance Center and the Research Center for Theatre & Performance Studies at National Central University. In this era of e-books, we hope to engage a new editorial concept and platform of distribution intended to fully capture the three-dimensional splendor of the age-old medium of stage performance. That is, while providing the reader with written text, we also emphasize a side-by-side presentation of audiovisual information, incorporating a significant number of recorded performance segments and images.

In 2010, in an economic atmosphere in which arts subsidy cuts were offset by talks of creative industry upgrades and a value-added economy, the Law for the Development of the Cultural and Creative Industries began to take effect in Taiwan. While the Taiwanese

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performing arts community responded with seemingly re-energized fervor, it is evident that performing arts in Taiwan barely makes a small enterprise; professionalization in the performing arts scene is also still in progress, and so it is unrealistic to expect industrialization in the near future. At the same time, Taiwan cannot afford to be absent from the global discussion of cultural and creative industry development. The aim of this collection, then, is to explore the possibility

of

creative

intellectual

property

re-production

of

performing artworks outside the stage, and to accumulate some building blocks and resources for further development in the performing arts community’s journey toward professionalization and eventual industrialization in Taiwan.

Performing Taiwan includes five series of publication: the Drama Script Series, the Xiqu (Chinese Opera) Script Series, the Performance Text Series, the Design Series, and the Stagecraft Series. With these five series, we hope to fill in some blanks in the insufficient and poorly distributed written records of the past, and to present the overall creative trajectory of the performing arts in Taiwan over the last seventy-odd years, from three angles: performance text, design, and stagecraft. With the publication of this collection, we hope to 詩意的人偶同臺：飛人集社作品集2004─2014

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open up a window of reading and appreciation for all modes of performing arts, from theatre to operatic Xiqu, puppetry to musical theatre, physical theatre to dance.

The Drama Script Series, the Xiqu Script Series, and the Performance Text Series are text-based categories used to present different aspects of the content of Taiwan’s performing arts during the last seventy years. However, such categories are insufficient for reflecting the diverse creative modes of performing artists in Taiwan, who are known for breaking boundaries, often merging elements from different genres and disciplines to create unique works. To highlight this characteristic, we decided to discard the traditional editorial division of labor and allow the creators to designate the categorization of their own works. Therefore, it is possible for the reader to come upon plays that make use of traditional Xiqu elements but read more like modern theatre in the Xiqu Script Series, or to discover boundary-crossing works in the Drama Script Series. Also, in service of performance texts that fall outside the realms of drama and Xiqu—works that may not be contingent upon written text or speech—we planned the Performance Text Series. In this series, we invite creators (such as directors or choreographers) to write about the staging and realization of their works in order to archive and 詩意的人偶同臺：飛人集社作品集2004─2014

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record quality performances that the reader would otherwise be unable to access.

In 2013, we first published four drama scripts: Selected Plays of Tuanchiu Lin: Takasago Hotel and The Good Doctor; He Is My Wife, He Is My Mother; Skin Touching; Self Re-Quests. Following the above were two Xiqu scripts: Peach Blossom Rain and Three Heads. We were very honored to obtain publication rights for the original Japanese scripts as well as the translated Chinese scripts of Mr. Tuan-chiu Lin, which are the oldest existing Taiwanese drama scripts. Peach Blossom Rain, particularly Taiwanese in its style, is an experimental Xiqu production that was highly appreciated during its initial run. Self ReQuests received the 2011 Taiwan Literary Award for Best Play.

Together, these two plays are a small but concrete testament to the strength of Taiwan’s young creative talents. The Performance Center at NCU was also involved in the production of two works by young talents. For Self Re-Quests, we acted as matchmaker, bringing the director and the production team together; for Three Heads, we accompanied playwright Pen-ning Hsing through the full process, from founding her theatre company to a full production of the play.

He Is My Wife, He Is My Mother has received much academic attention at home and abroad and Skin Touching was one of the earliest works 詩意的人偶同臺：飛人集社作品集2004─2014

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about lesbian relationships in Taiwan; both wield creative impact on the presentation and expression of gender for Taiwanese playwrights.

With generous authorization from many performing arts groups, we were granted the opportunity to share precious segments of recorded performances; these groups made this collection especially worth reading.

During the first half of 2014, we published The Drought Goddess, The Dust, Selected Plays from Puppet & Its Double Theatre: La Réminiscence d’un fantôme and Der Schönste Moment and The Light Passing the Time.

The three dramatic texts are drastically different: The Drought Goddess expresses the loneliness of gods and spirits through the combination of animation, stage design and music; The Dust explores the progress of technological saturation in the human world; Selected Plays from Puppet & Its Double Theatre: La Réminiscence d’un fantôme and Der Schönste Moment is a collection of splendid modern puppet plays performed by Puppet & Its Double. Together, all these works represent the aesthetic freedom and diversity of Taiwanese theatre.

In addition to written records of performance texts, the Design Series and the Stagecraft Series are also in the works. Over the past thirty years or so, the performing arts community in Taiwan has cultivated

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a great army of professional designers and technical theatre specialists. Their creative endeavors are just as much a part of the lifeblood of the Taiwanese stage as other artists, and yet they are the performing arts workers least familiar to the general public. In order to facilitate the reutilization of the creative solutions and experiences of these two contingents, and to foster the distribution of professional knowledge in performing arts, we invite experienced designers and technical theatre workers specializing in unique stagecraft to compose on-topic, accessible e-books so as to complete the records of the development of performing arts in Taiwan. Starting from 2014, Mr. Yi-hsiu Lee and myself share the position of Chief Editor for the Design Series and Stagecraft Series, working together from theme selection and text editing to graphic creation and audiovisual acquisition in order to accomplish this arduous task.

We are creating a precedent in 2014 by publishing The Light Passing the Time and Theatre Crew. The fact that most professional theatre designers and technical specialists do not keep written records, coupled with their heavy workload and concentrated schedules, makes composing textual descriptions of their work a great challenge.

Moreover, the audiovisual records of their projects often become properties of the various performing arts groups they collaborate 詩意的人偶同臺：飛人集社作品集2004─2014

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with, making reproduction rights extremely difficult to acquire. We hereby express our thanks to veteran theatre technical specialist Mr. Chien-hua Szu and up-and-coming lighting designer Mr. Chi-yang Chiang. Their boundless support fulfilled our ambition, but more importantly, it encouraged more outstanding and experienced theatre workers to record, from the wings, the splendidness and hardships of Taiwan’s contemporary theatre.

The most basic selection criterion for the works of Performing Taiwan: Script, Design, Stagecraft, 1943– is that each work must have been publicly staged prior to publication. In the Taiwanese performing arts scene, a play must first garner certain social resources in order to receive a ticketed, public production. The acquisition of such resources can be seen as endorsement of and appreciation for the work, its creative and production teams.

With the exception of a few works of classics for which no such records are available, our ability to obtain authorization for the use of audiovisual documentation of a work in performance is a deciding factor for the work’s inclusion in the collection. Since audiovisual content and written text are the two key elements of this online 詩意的人偶同臺：飛人集社作品集2004─2014

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collection, we hope that, by adhering to this editorial principle, we may more accurately reflect the diverse flavors of the Taiwanese stage and trigger a synergistic mechanism in Taiwan’s performing arts.

Aside from the above principles, we strive to maintain a balance between new works by up-and-coming artists and classics by veterans of the stage while building the collection. Hopefully, this will court recognition from more performing arts workers and remind them to take note of alternative approaches to reproducing works of the performing arts in order to build a solid foundation for future creative industries.

As we move forward in the editorial process, we must thank all of the artists, the production companies, the National Performing Arts Center National Theater & Concert Hall (originally named National Chiang Kai-shek Cultural Center) and the Public Television Service Foundation for their support and endorsement. We would also like to thank Dr. Ay-ling Wang, Dr. Ho-yi Lin, Dr. Wan-shun Shih, Ms. Jufang Shih, Ms. Wei-ming Liu and Ms. Betsy Lan for penning introductions to the first six works of the collection, offering

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informative and inspiring entry points for the reader. We thank playwright Mr. Shi-jie Chen, Mr. Liang-ting Guo, Mr. Shi-bing Lin, Dr. Die Hu, veteran theatre maker Mr. Meng-chao Wang, Prof. Yuhui Fu and Ms. Min-hui Shen for penning the introductions for this year’s offerings. We thank them for providing us with textual accompaniments about the authors or their works, from the perspectives of long-time collaborators and continued critical engagement. We also thank Mr. Simon Chen, attorney-at-law, Mr. Chi-wei Tang, attorney-at-law and Ms. Yo-chi Li for valuable legal advice and for planning the Performing Arts Intellectual Property Rights Workshop with us; in order to upgrade the Taiwan performing arts industry, finding the medium between sharing creativity and defining intellectual property rights must be everyone’s next order of business. Many thanks again to Dr. Wanshun Shih for tireless discussion with the editorial team regarding the publishing of playwright Tuan-chiu Lin’s work, as well as for offering editorial advice and relevant information. Thanks also to our Japanese translation consultant Dr. Yu-jiuan Li, and devoted English translators, Dr. Jen-Hao Walter Hsu, Ms. Wei-ming Liu, Dr. Chiayi Seetoo, Mr. Cheng-han Wu, Ms. Betty Yi-chun Chen, Ms. Siraya Pai, Ms. Chia-hsuan Lin, Ms. Yi-chun Chen and Mr. Frank Episale. We also thank our guest translator Ms. Albane Lahlou and my colleague 詩意的人偶同臺：飛人集社作品集2004─2014

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at National Central University, Dr. Ling-ling Hsu, for the French translations. Without the hard work of everyone mentioned, it would have been nearly impossible for us to produce the foreign language translations that would serve as the basis for future international distribution within such a limited timeframe.

Katherine Hui-ling Chou Editor in chief of Performing Taiwan, August 2014

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導言 展翅高飛 文／

淑芸（雙重影像實驗工作室創辦人）

和佩玉記憶深刻的第一次

面，是在鞋子劇團的辦公室。

那時還是

銘傳大學的學生，詢問我是否能在劇團實習，我說：「太好了，跟我 來！」。就

樣，一段共同探索偶戲的旅程和二十幾年情誼，就此展

開。 不像時下迷惘的年輕人，佩玉似乎一直知道自己要什麼，儘管探索的 過程無可避免，但 開始，

的直覺總是引導

想前往的方向。從一個實習生

自一個演員、操偶員、製作人、劇團經理、編劇、設計者、

導演，最後當上飛人集社的創辦人。可是 件劇場元素的渴望，促使

並沒有就此停止，探索物

開始策畫「超親密小戲節」，因而

又成

為了一位策展人。和許多藝術家一樣，佩玉有時十分倔強，或許應該 說是「執著」，但也正是因為

份執著給予

力量，讓

可以堅持走

在自己選擇的道路上，並且創造出美麗而有意義的作品。 然而，成功很少是完全倚賴個人的，仍需團體的力量來共同完成。在 過去十年裡，飛人集社成為夢想家的巢，我目睹他們集結了想要創 詩意的人偶同臺：飛人集社作品集2004─2014

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作、演出、設計、經營的人，還有單純想要幫忙的義工。 劇團的支

系統，無論平順或坎

些人成為

，他們像家人般支持劇團，伴隨劇

團一起成長。 藝術家天生就是不安於室的，他們總忍不住要打破周遭的牆，好看看 牆的另一邊是什麼。在同一個點滯留太久會讓他們的翅膀焦躁不安， 因此突破是必要的。飛人一路走來，就是不斷突破。2010 年飛人集社 邀請戲劇學者、劇場導演，以及身兼劇評家的傅裕惠擔任藝術總監， 同時加入兩位核心團員──曾獲中國時報文學獎的夏夏，以及編導演 三棲的王靖惇。雖然飛人集社作品的重點在於偶戲藝術，但是他們也 開放其他類別的創作形式，例如純演員演出的 《 煮海的人》（2009） 及《魚》（2010），2011年更推出廣播劇《攜帶播音員─契訶夫聽覺 計畫》，2014年 還在臺北美術館呈現裝置作品《打包》。 飛人集社在十年內一共進出國家戲劇院三次，包括2007年的《浴 室》、2009年的《逐鹿Ita thao的奇幻之旅》，以及2013年的《消失─ 神木下的夢》。 在創團的前五年裡 ，飛人集社的足跡就已經遍及荷 蘭、法國、北京。有趣的是，一直到和法國「東西社」合作【一睡一 醒 三部曲】親子系列，在法國馬賽及臺北首演完之後，飛人集社才開 始首度的國內巡演，

也是飛人首度為親子打造的一齣戲。我常常

說，為孩子做戲比為大人做戲還難，除了因為孩子是最誠實的觀 評論家之外，為了能和孩子溝通，創作者必須能

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和

找回自己內在的童

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心，才能建構一種大人和小孩都能懂的語言。飛人集社並沒有選擇一 條簡單的路徑，他們選了有時連大人都難以面對的主題──出生、長 大和死亡。他們不但接受

個挑戰，還創造了精緻動人的畫面，伴隨

偶與光影的操作，以及現場音樂來 索

釋

個深具想像力的故事，來探

些深刻的生命議題。

飛人集社是國內最先開始探討「物件劇場」本質的先鋒之一，自2010 年起，他們開始主辦「超親密小戲節」

，聚集來自不同領域的藝術

家，他們充滿好奇心與想像力，讓「物件劇場」的定義開始被檢視、 探索與擴展，同時也讓一般觀 佩玉成立劇團之前，曾寫e-mail 何。我記得當時自己心裡想，

對「偶戲」有更多嶄新看法。 問我覺得「飛人集社」

個名稱如

真是個有趣的名字，不但具有多層次

的意義，也非常具有詩意，跟佩玉的特質十分貼近。十年之後，回顧 劇團如何一路走來 ，看到二十齣戲，還有進出大大小小、國內國外的 劇場、面對老老少少的觀

、集結了上百位藝術家共同創作，飛人不

但翅膀長成，也帶著參與劇團的人，不論是觀 翅

或工作人員，一起振

翔。我可以預見飛人在接下來的十年，將會飛得，更高更遠。

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It is still a vivid picture in my mind how Jade and I first met. She walked into the Shiny Shoes Children’s Theater office while she was still a student at college and applied to be an intern. I said “Great, follow me”, and that is how our friendship and journey of exploration of puppetry together began.

The impression Jade gave me was unlike many young people, she knew what she liked and what she wanted from the beginning.

Although she still had to go through the process of searching and discovering, she was able to follow her instinct to where she is now.

Starting as an intern, then she became an actor, a puppeteer, a producer, a manager, a writer, a designer, a director and finally she became the founder of the Flying Group Theatre. However, she

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didn’t stop there. The hunger for exploring the essence of Object Theater pushed her to create and curate the unique “Close to YOU Puppet Festival.” Jade sometimes can be stubborn, like many artists, but I think stubbornness gives her the strength and power to stay on the path she chose and to create beautiful and meaningful things.

However, success is rarely due to one person. It more often depends on a group effort to complete the whole picture. In the last ten years, the Flying Group has became a nest that nurtures people who have dreams, people who love to create, to perform, to devise, to conduct, and those who simply want to volunteer. They become part of the support system, just like the support you would get from a family.

They accompany you on the road and grow together with you, no matter how tough the going gets.

Artists were born to break the wall, to see what is on the other side; even if they built the wall themselves. They can’t stand being at the same spot too long because their wings will become unsettled.

Therefore, they have to break though. The Flying Group has had many breakthroughs in the last ten years. In 2010, theater professor, director and critic Yu-Hway Fu joined the company and became the artistic director. At the same time, the award-wining writer Shiah

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Shiah and the writer, director and actor Ching-Chun Wang became the core artists of the company. Although the Flying Group focuses on the art of puppetry, they are also open to other genres. For example, plays with live actors (as opposed to puppets): “The One Who Boiled the Sea (2009)” and “The Dying Fish (2010)”; the radio drama, “Chekhov Sounds”; the installation “Gift Wrapping” at the Taipei MOMA. The Flying Group is not a stranger to the National Theater. For the last ten years, they performed three shows on that stage, including: “The Bathroom (2007)”, “The Pursuit of the White Deer (2009)”, and “La Disparition (2013)”. In the first five years their footprints were already all over Netherlands, France, Beijing. Interesting enough, it was after all the international touring they started to tour in Taiwan because of the unique collaboration between the Flying Group and the L’EST et L’ OUEST. They created a trilogy for children: A Sleep and a Forgetting. They produced and performed the show in both France and Taipei. Then they toured the show in different cities in Taiwan. It is the first production that they made for family audiences.

As I have always said, creating shows for children is much more difficult then creating shows for adults. Not just because children are

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the most honest audience and critics, but also because the creators have to be able to search for their inner child in order to communicate with the children and create a language for the show that both of children and adults can understand. The Flying Group didn’t choose an easy path. They chose very tough subjects that even adults can not face, the subjects of birth, growing up and death. They took the challenge and created an amazing visual language along with puppets, shadow and light manipulation and live music to translate the imaginary story and explore the uneasy topics of life.

The Flying Group is one of the pioneers who started to exam the essences of “Object Theater” in Taiwan. In 2010, they started to host the “Close To YOU Puppet Festival” which gathers artists from many different areas. Through their curiosity and imagination, the definition of “Object Theater” has been examined and explored. It opens the audience’s eyes and minds and changes how they view what “puppet theater” can be.

Before Jade established her theater company she e-mailed me and asked me what do I think about the name “The Flying Group”. I remember I said to myself “what an interesting name!” It has multiple meanings. It is also very poetic and very close to Jade’s

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character. Now, ten years later, we look back at the way the company has changed and we see more then the twenty shows that were created. The shows went in and out of different sizes of national and international theaters and have met audiences young and old. They have also gathered more then a hundred artists on the way to create wonderful work. In the last ten years, the Flying Group didn’t just grow wings and fly, they also brought along the people who were involved, both the creators and the audiences, with them. I can foresee them fly higher and further in the next ten years. “ ‘Jade’ is the English name of Flying Group Theater director Pei-yu Shih.”

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第一章 「現代成人偶戲」的起步萌芽 社十年作品回顧（一）

飛人集

現代偶戲，是台灣劇場界特殊的一道風景，透過混合偶、光影、物件 和演員，交織成一個個虛實錯落的故事，充滿詩意且令人著迷的風 采。飛人集社便是長期發展現代偶戲的劇團，在台灣經營十年有成， 透過現代戲劇的內涵和偶的形式，已創造多元豐富的劇場風景。 從時間軸來看，飛人集社初期以演出現代成人偶戲為主，直到2009年 《煮海的人》演出後，劇團的發展才有不同的面貌，包含不同核心團 員加入，推出除石佩玉以外的導演作品，另外也開始出現小孩也可以 看的現代偶戲作品，朝向偶戲的多元發展時期。 段長達六年專注在現代成人偶戲的時期，飛人集社共推出十一齣 戲，分別是2002年《B612》(創團前作品)、2004年《廚房》和《

愛

麗絲》（圖一）、2005年《Mr.D》、2006年《紅花》和《黑暗之 光》、2007年《浴室》、2008年《房間》、《亂髮》（圖二）和《似 近又遠》、2009年《逐鹿》，

段前期以現代成人偶戲為主的發展階

段，劇團幾乎以每年一齣大戲，並佐以數齣小戲的方式在運作，展現 劇團呈現偶戲多元面貌的企圖心。

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圖一：《 愛麗絲》改編自《愛麗絲夢遊仙境》，參與「 衍童話」。

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誠品戲劇節：

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圖二：《亂髮》參與「第九屆臺北詩歌節」。

事實上，當時的台灣，現代成人偶戲的概念還很模糊，尚未有劇團以 詩意的人偶同臺：飛人集社作品集2004─2014

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發展該類戲劇為主。飛人集社的努力，不 礎，亦使得觀 觀

奠定現代成人偶戲的基

越來越關注此類型戲劇，讓其他偶劇團開始發展成人

版圖，而非偶劇團在戲中加入偶元素的演出也漸漸多了起來。

重新演繹《小王子》 首部作品《

》有新意

有意思的是，《B612》並不是飛人集社創團作，該戲為團長石佩玉在 創立飛人集社前的試水溫之作。《B612》改編法國作家安東尼．聖愛 修柏里的名著《小王子》，雖是部充滿童心的作品，但觀

群設定為

12歲以上，主因是透過一個男人的視角呈現故事的樣貌，男主角遙想 過去和小王子談話的記憶，故事便由記憶中小王子的經歷開展出來。 《B612》是部會令人眼睛為之一亮的作品，亮點在偶的呈現方式十分 精緻有創意。導演石佩玉除使用光影、執頭偶呈現小王子及其所遭遇 的人事物外，並適時運用演員的手（圖三）、偶的衣服成為偶的身 體，表現起來不

栩栩如生，加上在舞台上配合燈光的轉換，呈現出

詩意的美學效果。

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圖三：《

》中，操偶人的手成為戲偶的手。

石佩玉認為，《B612》的語言、故事內容和偶的造型，都是為成人觀 所設計，導演所要說話的對象亦為大人，已脫離原本台灣偶劇團以 兒童為主的敘事模式。

齣以成人觀

為主的現代偶戲，打破劇場常

規，引起劇場界的迴響，也讓石佩玉繼續發展成人偶戲的決心更加堅 定。 創團作《廚房》

把、抹布偶揭女性心事

由於《B612》的廣受好評，飛人集社正式成軍，首發作品《廚房》， 參加「第三屆女性戲劇聯展」的演出。《廚房》女主角是名家庭主 婦，原本在廚房裡煩悶的做菜，忽然聽到廣播播放著《白蛇傳》的故 詩意的人偶同臺：飛人集社作品集2004─2014

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事，於是開

自我的想像與對照，並思索自身的處境。

《廚房》的敘事模式與《B612》相同，從寫實的環境──廚房開始， 接著進入想像的《白蛇傳》故事，以及女主角對母親的想念回憶等虛 幻情境，寫實與虛幻跳接拼接起女性的心境。 有趣的是，《廚房》的偶除常見的執頭偶外，亦使用日常生活中的抹 布、

把，以及廚房用具鍋碗瓢盆、電鍋，跳脫一般用偶常規（圖

四）；同時，也播放影像，強化女主角與母親的情感，讓想像的情節 與寫實的劇情更為貼近，不但讓偶的形式更加多元，也幫助觀

無縫

銜接虛實之間的跳躍。

圖四：《廚房》的戲偶，由

把、水桶等元素所組成。

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《

》打破空間限制 倉

就是全世界

飛人集社在2005年推出的《Mr.D》，改編自法國小說家埃梅的《 人》，該劇更是劇團現代成人偶劇生涯的登上 述一位生活呆板的小職員，某日被老

炒

牆

峰之作。《Mr.D》描

魚後，發現自己有

牆的

能力，於是利用超能力搶銀行、逃獄，在全世界漫遊，最後卻不小心 誤食醫生開給他的治療

牆能力的藥物，卡在牆裡動彈不得。

得一提的是，《Mr.D》的空間配置，舞台一置入眼 隔櫃和雜物的倉

，然而透過不同的角度和移動，

的是一間堆滿

些場景都是偶主

角D先生的偶台，尤其一場D先生逃亡，在隔櫃間跳躍奔走，讓空間顯 得十分簡約、靈活。 另一方面，D先生

隻偶的形式，隨著不同的情節，會有相異的面貌，

有時他的身體由演員的手套組成、有時又是演員的身體（圖五），不 非常生動有趣，也符合劇中情節的設定。所有劇中的組成元素，在 在都讓《Mr.D》具備成為一齣優秀現代成人偶戲的條件。

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圖五：《

》演員的身體成為戲偶的一部分。

《黑暗之光》 兩卡皮箱創造移動式舞台 2006年演出的《黑暗之光》，飛人集社與音樂人雷光夏合作，讓音樂 元素走進偶劇的世界。該戲在南海藝廊演出，小小的場地，透過光 影、偶和現場樂隊，短短三十五分鐘的短劇，把劇中女主角渴望旅行 和思念母親的心情，表露無遺。 齣戲最特別的是，利用兩卡皮箱當作偶台。一卡皮箱打開是海景， 以布的質感象徵大海，配合音樂和海潮聲，充滿海邊的況味（圖 六）；另一卡皮箱，打開是有老媽媽的家裡，並掛滿舊照片，老媽媽 執頭偶一動起來，馬上讓人想起家 詩意的人偶同臺：飛人集社作品集2004─2014

裡的等待女兒回家的母親，令人 潑墨書房

無限感傷（圖七）。兩卡皮箱一掀開偶戲開始，一闔上化身旅人的皮 箱，既是道具也是偶台的設計，舞台效果十足。

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圖六：《黑暗之光》中，一卡皮箱打開是海景。

圖七：《黑暗之光》另一卡皮箱打開是等待女兒回家的老媽媽。

《房間》裡偶戲大集合 寫實空間無限想像 時序走到2008年，飛人集社推出該年年度大戲《房間》，導演石佩玉 一改前幾齣戲總是以母親為主題，轉而處理父親為主的故事和形象， 描述一位父親在孩子五歲時便到非洲行醫，沒想到一去不回，孩子長 大後對父親十分不諒解，透過閱讀一封封父親寄回來的信，才恍然大 悟父親原是病死異

。

劇中的回憶場景，就是偶戲登場的部分，時而是父親與孩子相處的片 段，時而是父親在非洲行醫的畫面。令人印象深刻的是，《房間》幾 詩意的人偶同臺：飛人集社作品集2004─2014

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乎出動了所有類型的偶，有單純的孩子執頭偶、一卡皮箱打開非洲草 原的公仔動物偶（圖八），以及由父親

燈、水杯、眼鏡和聽診器構

成的物件偶，甚至還有演員手持白紙移動，象徵信件正在閱讀的信件 偶，十分有趣，儼然一座劇情順暢、結構完整的現代偶戲大觀園。

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圖八：《房間》的戲偶包羅萬象，圖為一卡皮箱的非洲公仔偶。

得一提的是，劇中房間的隔間使用了寫實的百葉窗，一拉起就演員 就可進入寫意情境，一放下便又回到房間的主線劇情，加上百葉窗可 投射光影，讓舞台設計十分具有彈性（圖九）。

圖九：《房間》百葉窗可投射光影，舞台運用十分有彈性。

透過幾齣戲的介紹，可一窺飛人集社前期主要以現代成人偶戲的發展 為主，其新興且原創性的風格，在台灣已樹立自己的劇場地位，並培 養出一群長期合作的演員，如Fa、薛美華、王靖惇和洪健藏等人，劇 本內容亦多方涉獵，偶的運用形式也多元且充滿開創性，偶與空間和 情節更加緊密貼合，逐漸成熟而茁壯。 詩意的人偶同臺：飛人集社作品集2004─2014

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2009年底，飛人集社推出由夏夏導演的《煮海的人》（圖十），正式 終結以石佩玉為唯一導演的運作模式，進入加入核心團員，與不同藝 術家合作的多元發展時期，讓飛人集社的發展更加多樣化。

圖十：《煮海的人》導演夏夏，是飛人集社第一齣由非石佩玉擔任導演的戲。

作者介紹 游資芸 世新大學新聞學系編輯採訪組畢業。臺北藝術大學戲劇學系碩士班肄 業，主修理論。曾為聯合報系校園特約記者、新電子科技雜誌採訪編 詩意的人偶同臺：飛人集社作品集2004─2014

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輯。文字作品曾獲

大綱舞臺劇本獎、南華文學獎、關渡文學獎、舍

我文學獎，並獲得2006臺北市兒童藝術節劇本首獎、2008台東大學兒 童文學獎優選。

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版權 《表演臺灣彙編：劇本，設計，技術，

∼》

表演書寫館 《詩意的人偶同臺：飛人集社作品集 》 出版單位／國立中央大學黑盒子表演藝術中心 發行人／周景揚 地址／桃園縣中

市中大路300號

電話／(03)426-4805 傳真／(03)426-4805 信箱／theatre@ncu.edu.tw 作者／游資芸 戲劇製作／飛人集社劇團 總編輯／周慧玲 執行編輯／李易修 執行編輯／詹傑 助理編輯／蔡家綾 英文翻譯／

淑芸

英文校對／

淑芸

法律顧問／李友琦

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製作公司／潑墨數位出版行銷有限公司 發行日期／2014年11月 初版 指導單位／

本數位出版品之製作出版，接受文化部「公有文化創意素材加

應

用」計畫補助。 定價220元 版權所有，翻印必究。 本書若有任何缺誤，請與我們聯繫。 e-ISBN/9789860435535(ePub)

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Published by The Performance Center at National Central University Publisher in Chief/Dr. Jing-Yang Jou Address/No.300, Jhongda Rd., Jhongli City, Taoyuan County 32001, Taiwan (R.O.C) Phone/+886-3-426-4805 Fax/+886-3-426-4805 Email/theatre@ncu.edu.tw Author/Tzu-yun Yu Producer/Flying Group Theatre Editor in Chief/Katherine Hui-ling Chou Executive Editor/Yi-hsiu Lee Executive Editor/Jae Zan 詩意的人偶同臺：飛人集社作品集2004─2014

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Assistant Editor/Chia-ling Tsai Translator/Spica Wobbe Proofreader/Spica Wobbe Legal Consultant/Yo-chi Li Digital Production/Puomo Digital Publishing & Marketing, LLC. Publication Date/November 2014, first edition The production and publication of this digital publication is sponsored by the Ministry of Culture’s Public Creative and Cultural Material Value-added Application project.

Suggested Retail Price/NT$220 © Copyright Performance Center at National Central University, 2014. All rights reserved.

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