Altum 6

REVISTA DE ARQUITECTURA Y DISEÑO • UNIVERSIDAD DEL ISTMO •

ISSN 2305-3267

TENDENCIAS: ARQUITECTURA Y DISEÑO

EL COLOR COMO IDENTIDAD

PORTAFOLIO

EXPOSICIÓN DE PROYECTOS UNIVERSITARIOS

PERSONAJES

PENSAMIENTOS SOBRE LA PEDAGOGÍA DEL DISEÑO

CULTURA

LOS TEJIDOS MAYAS CONTEMPORÁNEOS ¿ARTE O ARTESANÍA?

1 No. 6 SEPTIEMBRE - DICIEMBRE 2014

Inicio arquitectura y diseño UNIS

CONTENIDO

3 EDITORIAL

Arquitecta Ana María de García Decana, Facultad de Arquitectura y Diseño

4 PAOLA ARRIVILLAGA PONTAZA: AGUJA DE ORO EN EL FASHION SHOW ARTISTS BY ARTISTS Licenciada Andrea Maritza Murga

TENDENCIAS: ARQUITECTURA Y DISEÑO

7 EL COLOR COMO IDENTIDAD Arquitecto Omar Maldonado 10 EL DISEÑO Y LA POLÍTICA Maestro Rodolfo Clautier Laínez

12 EXPOSICIÓN: PROYECTOS UNIVERSITARIOS Javier Penados y Guillermos Paiz Michelle Bouscayrol Estefanía Ros Cristina Ortega Rosa María Monzón Mónica Peralta Edwin David Santizo

20 PENSAMIENTOS SOBRE LA PEDAGOGÍA DEL DISEÑO Msc. Arq. Giulio Pierattini Jury

PORTAFOLIO

24 PROYECTAR Y CONSTRUIR Arquitecto Manolo Blasco 26 “¡ADIOS MASSIMO!” Maestro Marco A. Patiño Morell

PERSONAJES FORMACIÓN PROFESIONAL

28 ADMISIÓN, MAESTRIAS, CONCURSOS

30 LOS TEJIDOS MAYAS CONTEMPORÁNEOS ¿ARTE O ARTESANÍA? Licenciada Rosario Miralbés

CULTURA

32 UN DULCE REZO, VIVENCIAS DE CONCEPCIÓN, 400 AÑOS DE HISTORIA Señora Rita Villanueva / Lic. Miguel Álvarez

Portada: Ilustración de las Torres de Ciudad Satélite, México DF, diseñadas por el Arquitecto Luis Barragán con la colaboración del artista Mathias Goeritz, 1957. Contraportada: Silla Handkerchief diseñada por Massimo Vignelli.

CONSEJO EDITORIAL Dirección: Ana María Cruz de García, Decana, Facultad de Arquitectura y Diseño Universidad del Istmo • Subdirección: María Estela de Tobar • Diseño: Luis Quel • Edición y producción: Thelma Castillo, Avenida Las Américas 20-21, zona 14, Edificio Bellini, Apto. 201, Guatemala, C.A. 00101 • Impresión: IPress • Año 2, Número 6, Guatemala 2014 • © Universidad del Istmo, Facultad de Arquitectura y Diseño • PBX (502) 2429-1400 • www.unis.edu.gt, Ciudad de Guatemala

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EDITORIAL Ana María Cruz de García

Decana, Facultad de Arquitectura y Diseño

ALTUM nació de la unión de varios elementos e ideas, ante la necesidad de contar con un medio de comunicación escrita que informara acerca de la evolución académica dentro del campo de las competencias de la Facultad de Arquitectura y Diseño de la UNIS. Sus espacios surgieron precisamente para dar cabida a información relacionada con la arquitectura, el diseño, el arte y la cultura. Su concepto está fundamentado en los sólidos principios de nuestra Universidad.

Entre otros temas puntuales, las páginas de ALTUM ofrecen propuestas de diseño industrial del vestuario, diseño gráfico y diseño de interiores. En esta edición presentamos un formato renovado, con secciones fijas que evidencian la dirección vanguardista de los temas que nos ocupan.

Nuestro propósito está centrado en divulgar nuevos conocimientos sobre diferentes temas para que los estudiantes y profesionales del área tengan la oportunidad de compartir y conocer nuevos aspectos que enriquezcan a su gremio. Nos interesa dar a conocer los avances sobre las ciencias, las tecnologías y los procesos más utilizados a nivel global, con el fin de compartir experiencias y establecer el intercambio de ideas sobre los asuntos expuestos.

No puede faltar en ALTUM un espacio especial para los temas que atañen a la cultura, especialmente aquellos que están directamente relacionados con nuestro patrimonio tangible o intangible. Así como una sección para dar a conocer la intensa actividad que realizamos en nuestro campus, relacionada directamente con el servicio a los demás.

ALTUM cuenta con un perfil que permite la flexibilidad necesaria para crecer de la mejor forma posible con el propósito de compartir temas académicamente respaldados. Es imprescindible señalar que este órgano informativo es posible gracias al apoyo de colaboradores que participan en la preparación de notas, reseñas, reportajes y ensayos, artículos e ilustraciones.

También debemos un agradecimiento especial a nuestros lectores. Sus comentarios son un aliciente para mejorar.

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TENDENCIAS

PAOLA ARRIVILLAGA PONTAZA:

AGUJA DE ORO EN EL FASHION SHOW

ARTISTS BY ARTISTS Licenciada Andrea Maritza Murga

Fotos Ed Photography

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A sus 27 años, Paola Arrivillaga cursa el último año de Diseño Industrial con Especialización en Vestuario en la Universidad del Istmo. Sin embargo, afirma que haber descubierto su vocación como diseñadora no fue tarea fácil.

Desde siempre, Paola ha sentido un amor inmenso a la naturaleza y a los animales.

Razón por la cual comenzó sus estudios en la carrera de Veterinaria. Sus resultados académicos eran excelentes, sin embargo, en su interior notaba muy poco amor a los quehaceres que la profesión le demandaba.

Un día de esa época, Paola necesitaba un vestido para una fiesta; en su camino se atravesó una sábana vieja y la máquina de coser de su mamá. Sorprendentemente, el resultado fue fascinante. El vestido diseñado y ejecutado por ella misma, fue el detonador para descubrir un talento que jamás había pasado por su cabeza.

Así inició la verdadera vocación de Paola Arrivillaga, una diseñadora con capacidades natas para imaginar, conceptualizar, diseñar y ejecutar sus propios estilos en el vestuario. Hoy en día, continúa siendo una amante de la naturaleza, demostrándolo en su preferencia a la moda sostenible al momento de diseñar sus prendas.

El pasado 26 de mayo, Arrivillaga presentó su colección de Otoño-Invierno en el Fashion Show Artists by Artists 2014, organizado por la Universidad del Istmo.

Destacó por su originalidad y excelencia, motivo que la hizo acreedora del premio: La Aguja de Oro; un reconocimiento a la mejor diseñadora del Desfile.

¿De qué le ha servido la experiencia adquirida en la UNIS?

Desde el principio, he recibido excelente formación por parte de los catedráticos, el nivel de exigencia es muy bueno.

Comparado con otras universidades alrededor del mundo, la UNIS me ha enseñado todo: desde cortar un retazo de tela hasta ejecutar una colección. Lo que me ha permitido participar en producción de fotografía de modas, he sido fashion journalist y he desarrollado toda mi capacidad como diseñadora.

¿Qué inspira su estilo?

Cualquier cosa que esté a mi alrededor.

Toda mi vida he estado enamorada de los animales, crecí en una finca y por eso me gusta tanto inspirarme en la naturaleza y en los colores de la tierra, sobre todo.

En cuanto a vestuario, me inspiran los estilos bohemios y holgados. En cuanto a principios, Stella McCartney1, porque respeta mucho a los animales y el medio ambiente. Quiero formarme en moda sostenible, ya que mi propósito es ayudar.

¿Qué es lo que más le gusta de la carrera de Diseño Industrial con Especialidad en Vestuario?

Lo mío es el patronaje 2. Me gusta el proceso de poder crear algo desde cero hasta ver el producto terminado.

¿Aguja de Oro en el Fashion Show Artists by Artists?

El objetivo del desfile era dar una experiencia artística, inspirándonos en pintores destacados. Yo elegí a Edgar Degas, un pintor que retrataba escenas ecuestres y a bailarinas de ballet. Desde pequeña me he identificado con ambas temáticas. Así descubrí que debía hacer algo muy femenino y campestre, floreado y con colores sutiles. El proceso lo desarrollé bajo estos parámetros, aplicando mi sello personal a la colección.

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¿Cuál era el concepto detrás de esta colección?

Mi concepto fue Delicadeza Campestre.

Partí de esta fuente de inspiración, fusionada con la paleta de color que denota naturaleza pura con el uso de colores terrenales y boscosos, manteniéndome siempre bajo la línea de lo campestre.

¿Superó sus expectativas?

El resultado fue mejor de lo esperado.

La colección tenía muchos detalles a mano, flores en porcelana, encajes. En cuanto a silueta, obtuve el resultado igual a lo bocetado. Lo que modifiqué fueron los textiles, ya que cambié colores en la colección masculina porque no conseguí los que quería inicialmente. En la colección femenina, cambié algunas aplicaciones que serían cosidas a mano, trabajándolas en su lugar con encajes.

¿Qué planes tiene a futuro?

Me han pedido que forme parte de varias tiendas de moda en Guatemala, pero las he declinado porque aspiro viajar a Nueva York. Allí, quiero sacar una Maestría en Moda Sostenible en Parsons The New School of Design y aplicar a un interinato que me dé más experiencia.

Si permanezco en Guatemala, me gustaría iniciar con una pequeña boutique en la Antigua Guatemala, para trabajar con aldeas, mejorar los textiles, diseñar bolsas de petate, entre otros. Considero que con la tendencia actual que ocurre en el país de innovar con textiles, cada quien puede encontrar un nicho donde vender.

Sin embargo, lo importante es realizarlo con fines de ayuda a las tejedoras y a las pequeñas aldeas.

Fotografías: Ed Photography Notas 1 Stella Nina McCartney (Londres, 13 de septiembre de 1971) es una diseñadora de modas británica. Es la hija del ex Beatle Sir Paul McCartney y de la fotógrafa y activista por los derechos de los animales, Linda McCartney.

Consulta en línea: 01.07.2014 http:// es.wikipedia.org/wiki/Stella_McCartney 2 Se llama «patronaje» a la actividad de diseñar y adaptar patrones. Un patrón, en el ámbito del corte y confección, es una plantilla realizada en papel para ser copiada en el tejido y fabricar una prenda de vestir, cortando, armando y cosiendo las distintas piezas. Consulta en línea: 01.07.2014 http://es.wikipedia.org/wiki/ Patr%C3%B3n_%28costura%29

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EL COLOR

COMO IDENTIDAD Arquitecto Omar Maldonado

Como creador de espacios, el arquitecto está siempre en la búsqueda de optimizar, idealizar y resolver las necesidades de un cliente. Sin embargo, a pesar de esta búsqueda, se cae en el dilema de la función o forma, y hoy en pleno siglo XXI, se ve arrastrado -por qué no decirlo así- por el placer de ser reconocido por la forma de una obra de arte que pueda construir, para que su nombre siempre sea recordado.

Ante esta postura, el arquitecto se interesa más por los problemas que le plantea la forma que por los de la función, y qué decir sobre el color, del cual se resiste a admitir que es este último lo que en alguna medida hará que se destaque el significante del usuario, la tranquilidad, el deseo, la unidad; será el color el que crea un interés y requiere la respuesta emotiva del espectador.

Quizás pueda parecer contradictorio para algunos arquitectos, pero el color debe formar parte primaria dentro del programa de necesidad debido a que, al tener presencia dentro del contexto urbano, debe obedecer a las causas, ya que evidentemente se notará.

Es de vital importancia tener conciencia que el arquitecto debe desempeñar la tarea de trasmitir en su obra el significado de lo que está diseñando para dar paso a la construcción. Esto ayudará a vivir con mayor plenitud y mejor experiencia las actividades propias del lugar construido, debido a que los colores serán una parte importante para trasmitir lo sensible; de tal suerte que su uso como parte del todo permitirá entender mejor la interpretación y fundamentación de la teoría o corriente que marca la obra.

Se sabe que hay forma y espacio y que ambos transmiten una idea, sin embargo, puede haber una modificación de ese significado de acuerdo con el contexto que rodea la obra. Además, conviene recordar que la forma y su espacio están definidos por la luz, que determina la percepción a través de los sentidos. De esa cuenta se puede afirmar que la arquitectura siente, se enferma; es más, se puede decir que comprende. De esa reflexión puede surgir la siguiente interrogante ¿Cómo le explicaríamos a un ciego las formas surrealistas de campos Titánicos del Museo de Frank Gerhy? Es muy posible que luego de leer a Johanny Pallasma respondamos con autoridad: “No la percibe, pero sí la puede comprender, tocando”.

“Estamos en un campo de sentidos, el pintor no fabrica, solo imita”. (Platón) ¿Es la utilización del color una nueva propuesta en el estudio de la identidad y su significado?

Es más bien poder redescubrir y aplicar lo que ya se ha estudiado en cuanto a significado y significante del color, es tener la capacidad de trasmitir creatividad en cada obra con el uso del color. No se puede olvidar el contexto sociocultural para el cual se está diseñando, no solo es la búsqueda de la motivación en la creación de un espacio, es hacer que se experimente algo nuevo a través del color que se logra en ese espacio.

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En el contexto latinoamericano, contamos con una naturaleza muy colorida y marcada, esto trae consigo una psicología propia del diseñador latino sobre otros. La diferencia radicará en su nivel creativo de la aplicación de este colorido, ya que se presenta la oportunidad de poder hacer uso de un medio que ayudará a entender lo que se es y hacia dónde se quiere marcar el destino a través de una identidad propia de toda una sociedad, es cambiar toda una sociedad por medio de la arquitectura.

El arquitecto constructor debe trasmitir con el color el esplendor que nos recordará lo sobrenatural, es una mímesis de la naturaleza, por eso busca los colores puros.

Tal es el caso del arquitecto mexicano Luis Barragán1, quien aplicaba estos conceptos a sus diseños, de él se toma frase que refleja, por su colorido y propia naturaleza, lo siguiente: “En mis jardines, en mis casas, siempre he procurado que prive el plácido murmullo del silencio, y que en mis fuentes cante el silencio.” 2 Ante ello, no está de más, como Barragán, afirmar que el camino más perfecto de imitar es la naturaleza.

Causa formal. Causa final.

El color marca, trasmite, pero no se puede ni debe dejar la Arquitectura a nivel de color, detrás de ella debe haber una composición que ayude al todo. La composición debe llevar a la búsqueda del origen, para entender realmente el significado de lo que se desea trasmitir. El color provoca la investigación del porqué la utilización de este, así como conocer su efecto cuando la luz penetra y toca la superficie. Un ejemplo claro queda plasmado en forma soberbia en el proyecto de la casa Gilardi de Luis Barragán. En la arquitectura se debe buscar sensibilizar a la persona no solo en función sino, a través del color; es poner a prueba nuestra capacidad intelectual para poder percibir el comportamiento, es saber utilizar este medio para que trasmita a toda una cultura un significado que puede llegar a variar el comportamiento.

Espacios visuales

El arquitecto debe buscar ese poder visual, y para ello debe valerse -además de la forma y función- de los colores; ya que es a través de estos,

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que debe proponer el comportamiento que pueda llegar a generar en un grupo de personas, esto obedece principalmente a que la arquitectura diversifica los sentidos en un espacio.

En los espacios exteriores, donde se visualizan las fachadas repetitivas de un complejo habitacional, la utilización de colores puede trasmitir ingenuidad y puede llegar a ser ofensiva, como podría llegar a suceder al utilizarlos en forma pura saturada. Para evitar esto, los colores deben estar en relación con el ambiente, con la forma, con la región o localización del edificio y, también, con las cualidades estructurales y la sensación de peso, espacio y distancia.

Mucho puede llegar a hablarse sobre la psicología del color; pero no se puede caer en el deseo de crear una reacción psicológica impresionante; esta debe ajustarse a la edificación y crear el clima para la visualización espacial. No se puede olvidar que cada color tiene su importancia en la vida normal, color que debe buscar la estimulación para la creatividad.

La buena aplicación de los colores es un medio valioso en la obra, que servirá para trasmitir sensaciones frente a escenas o motivos originales. Es el trasmitir lo luminoso, lo alegre o sombrío, exaltado o tranquilo de un espacio; el color debe servir para destacar, disimular u ocultar, dar un significado, un tamaño, profundidad, peso y, finalmente, para despertar un sentimiento, o en su defecto podría llegar a anular la belleza o cualidad de un material si no se ha hecho un estudio exhaustivo de su aplicación sobre un material.

El color es la delicia a la vista, pero sobre todo es equilibrio y confort, elementos que van más allá de un decoración. Se debe lograr la creación de un ámbito que proporcione al trabajador o al habitante la sensación que se quiere trasmitir; no podemos olvidar que el color debe y puede basarse en motivaciones psicológicas y significados simbólicos o emocionales, así como indicativo de determinadas situaciones que se dan en ambientes de trabajo, tales como la seguridad y, si bien no sustituye a buenas medidas para prevención de peligros, sirve para identificar riesgos específicos si su uso está normalizado; es evidente que debe emplearse en un todo, para que de mejores resultados funcionales, sin olvidarse de los materiales.

Fotografías: Casa Gilardi, Luis Barragán

El color en el medio ambiente, como código social popular, puede llegar a ser representativo sobre los sentimientos y la razón; produce un efecto que debería ser universal, efecto que transporta hacia la infancia enraizada en un espacio definido.

Esto se puede decir con certeza, debido a que no se puede olvidar jamás que el color produce efectos de distinta magnitud, ya que ningún color carece de significado intrínseco que, apoyado en un contexto, facilita este paseo hacia el pasado. Es así como en países socialistas, el color azul se declaró el color de la paz. La bandera de Europa existe desde 1986 sobre fondo azul, 12 estrellas doradas que representan la comunidad de las naciones Europeas.

“La arquitectura actual tiende a ser retiniana, se dirige al ojo.” (Juhani Pallasmaa)

color es una manifestación psicológica, es querer actuar sobre los sentimientos y la razón, que es imposible no percatarse de los efectos que nos llega a producir la utilización del color. Por lo tanto debemos aprovechar su nobleza natural para que al final llegue a ser una característica de identidad en la arquitectura guatemalteca.

Notas 1 Luis Ramiro Barragán Morfín (Guadalajara, Jalisco, México; 9 de marzo de 1902 - México, D. F.; 22 de noviembre de 1988) fue uno de los arquitectos mexicanos más importantes del siglo XX y único de su nacionalidad en obtener el Premio Pritzker en 1980.

2 http://akifrases.com/frase/192939 3 Ricardo Legorreta Vilchis (México, D. F., 7 de mayo de 1931 - 30 de diciembre de 2011) arquitecto mexicano.

Guatemala, alguna vez el corazón del imperio Maya y posteriormente del Virreinato Colonial, es un país de exuberante belleza natural y riqueza cultural, de contrastes y mil colores que facilitan en gran medida la explotación de sus bondades, expuestas en una gama de colores. Si bien es cierto que se puede observar mucho colorido en su naturaleza y en el vestuario indígena, aun así no se percibe la misma aplicación en su arquitectura.

Puede decirse que, en Latinoamérica, quizás las obras de los arquitectos mexicanos Luis Barragán, y Ricardo Legorreta3, en el Museo Marco; y la firma guatemalteca Seis Arquitectos, son las más representativas en términos del uso del color.

El caso de Guatemala se distingue, quizás no tanto en el uso del color en su arquitectura, como se esperaría, sino más bien la integración en la ubicación de su construcción en relación con el contexto que es color puro, es la utilización del color propio del material. No se busca un lienzo en donde pintar, sino que se utiliza directamente el color del material de construcción, tal es el caso de los proyectos de la firma Seis Arquitectos, dentro de los que se pueden mencionar, Casa de Grillos en la Antigua Guatemala y Condado Concepción, en Gutemala y Las Olas, en San Salvador. Los proyectos mencionados presentan un contraste entre el color del material y la naturaleza.

No se puede olvidar entonces, que lo que se busca trasmitir con la ayuda del

El Faro, Luis Barragán

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EL DISEÑO Y LA POLÍTICA Maestro Rodolfo Clautier Laínez

Las campañas políticas para el próximo periodo presidencial centran la atención de estrategas y comunicadores, que tienen una nueva oportunidad de ganar votos para cumplir los objetivos de una organización política. El rol del diseñador gráfico se convierte en un “cargo clave” dentro de la organización, en este artículo vamos a proponer competencias claves y consideraciones que debe conocer para sobresalir.

¿Qué hace la política diferente?

Las campañas políticas, cuentan con un comando de campaña que suele ser dirigido por asesores políticos, usualmente extranjeros que han logrado un reconocimiento internacional por el trabajo realizado con diferentes candidatos. Para entender mejor porque es diferente veamos una comparación de estructuras en una empresa tradicional por funciones y un partido político: Gerente General = Gerente de Mercadeo = Jefe de Marca= Coordinador de mercadeo= Agencia de Publicidad = Diseñador Gráfico = Comité de Mercadeo=

Candidato Director de campaña Director de territorio Jefe de Grupo Asesores Diseñador Gráfico Junta Directiva

Podemos seguir enumerando las diferentes terminologías de acuerdo a las funciones pero el punto es que el diseñador sigue siendo diseñador gráfico. La comunicación política tiene un elemento diferenciador muy importante y es que su objetivo real es cambiar voluntades al modificar una idea por medio del discurso. En cambio la publicidad de marcas busca fortalecer una emoción o cambiar un comportamiento por medio de los sentimientos. Es decir en la política se entra al campo racional, aunque muchas marcas tengan estrategias racionales no llegarán a buscar una ideología (a menos que se trate de una ONG o institución con un fin trascendente), sin embargo es una puerta para apelar a un sentimiento de bienestar y la política puede apelar a la emocional, con la finalidad de romper una barrera y que esa apertura permita la atención al discurso.

Entonces se puede preguntar ¿por qué el diseñador sigue siendo diseñador?, porque a diferencia de otros cargos que en política que deben ser expertos en la comunicación del discurso, el diseñador debe saber plasmar en su diseño la emoción y lo racional, tal como se hace con una marca.

Sin embargo, solo porque tenga el mismo nombre no significa que cualquiera es capaz, debe de tener algunas competencias que permitan ser un Diseñador Gráfico a quien se le puede confiar una campaña política.

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Competencias claves

Por experiencia y por cercanía con grupos de comunicación política puedo componer el siguiente listado de las principales competencias deseadas para un diseñador capaz de manejar un diseño político: 1. Subjetividad: Ante una ideología el diseñador no puede ser imparcial, debe estar identificado con el proyecto político que promueve. De esto depende su pasión y compromiso que demanda una campaña política.

2. Capacidad de síntesis: El discurso político no solo hay que entenderlo, hay que tener la capacidad de resumirlo y hacerlo atractivo visualmente, para lograr un primer punto de contacto efectivo. Dentro del discurso un diseñador no se puede perder.

3. No ser protagonista: El diseño en la política se busca minimizar para ir directo al mensaje, sin embargo la ambientación y el entorno que se le dé al mensaje debe atraer sin llegar a ser el centro de atención. Quien va a ganar los premios en una campaña política va ser el estratega; en una campaña publicitaria, el diseñador. Por eso se debe entender que es un trabajo importante pero escondido.

4. Cultura: Las costumbres por regiones, religiones y razas, son muy diversas en Guatemala. Un buen diseñador político conocerá cada departamento, cada rincón del país. Una mala referencia visual un símbolo ofensivo a un grupo, puede significar un daño irreparable para la estrategia.

5. Diseño editorial: Este es el recurso más utilizado en una campaña para transmitir ideologías e ideas. El material de lectura debe ser entendido y sobre todo distribuido a gran escala.

Sabemos que las competencias técnicas están pero las anteriores son claves para incursionar en esta área de la comunicación que es de las más complejas.

Algunas consideraciones

La publicidad política tiene restricciones que ayudan a proteger a la población de prácticas desleales o publicidad engañosa.

Este es un punto central que van a reforzar las competencias, la ética y el respeto a las leyes, si el diseñador lo vive sus competencias sobresalen. Es como se forja la reputación y para no cometer faltas por desconocimiento hay que dominar la ley electoral y de partidos políticos. A continuación enumero algunas que serán de importancia para el diseñador: Está prohibido: • Hacer propaganda electoral pegando o pintando rótulos en efigies, paredes, señales, rótulos, puentes y monumentos, salvo que se trate de propiedad privada y se cuente con autorización del dueño.

• A los funcionarios y empleados públicos, dedicarse durante la jornada de trabajo a funciones o actividades de carácter político electoral, así como emplear su autoridad o influencia a favor o en perjuicio de determinado candidato u organización política.

• Hacer propaganda anónima, y en toda publicación efectuada en los medios de comunicación social, deberá señalarse el nombre del responsable.

El Código de Ética de la UGAP (Unión Guatemalteca de Agencias de Publicidad), es el referente en la industria sobre buenas prácticas publicitarias que deben ser analizadas y estudiadas por todo diseñador. Pero sobre todo el diseñador no debe actuar en contra de sus principios al momento de plantearse este reto, hay que evaluar los posibles dilemas que se puedan presentar y analizar las diferentes soluciones que se le pueden dar.

El diseño en la política es de carácter social, colabora con la correcta interpretación de las ideas y comprensión. Ayuda a un proceso democrático a ser más participativo e incluyente y finalmente promueve el bien común. Esperemos que esta campaña tenga buenos diseñadores, llenos de ideas que signifiquen una comunicación participativa e integrante.

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PORTAFOLIO

EXPOSICIÓN: PROYECTOS UNIVERSITARIOS El mundo del diseño, la arquitectura, la decoración y la moda es el eje central de la Facultad de Arquitectura y Diseño de la UNIS. Este espacio de ALTUM es una ventana de exposición para los mejores proyectos elaborados por alumnos de los últimos años de las carreras en el primer ciclo del 2014. Variedad de conceptos, inspiraciones, perspectivas, tendencias y estilos son el resultado de los retos planteados por la orientación teórica y práctica que reciben los alumnos de las distintas carreras contenidas en la Facultad.

JAVIERPENADOS & GUILLERMOPAIZ Arquitectura

PLAZA LA UNIÓN

Un espacio de transición entre los vestigios arquitectónicos de La Recolección y San Jerónimo, mediante una intervención urbana que involucra nuevos espacios para desarrollo cultural, social y artístico.

El concepto fundamental del diseño, consiste en la identificación del usuario con la cultura guatemalteca a través del recorrido y de los elementos arquitectónicos.

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Vista hacia la plaza

Vista hacia la pérgola

Vista hacia el eje principal de comunicación

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MICHELLEBOUSCAYROL

Arquitectura

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CENTRO DE YOGA

El diseño responde a las necesidades del usuario para poder realizar correcta y cómodamente los ejercicios propuestos de yoga y pilates en sus distintas variaciones.

Se maximiza la involucración de la naturaleza a los espacios, siempre manteniendo los parámetros sostenibles. De la misma manera, se utilizan colores y formas que afectan psicológicamente a la persona obligándola a relajarse.

ESTEFANÍAdeROS

BA en Decoración de Ambientes

ATAVIA WALL WEAR SHOWROOM El proyecto consiste en una sala de ventas y oficinas para la empresa Atavia Wall Wear en Zona Pradera. El objetivo principal era crear ambientes únicos con páneles exhibidos de diferentes maneras, combinándolos con muebles y accesorios.

Para proyectar los valores de Atavia Wall Wear, se emplearon estrategias de diseño sostenible; como la elección de acabados, el aprovechamiento de iluminación natural y la selección de iluminarias.

Se realizó la propuesta bajo el concepto “Cultura empresarial, creatividad y comunicación entre trabajadores.”

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ROSYMONZÓN

CASA DE DESCANSO ANTIGUA GUATEMALA “HACIENDA EL COMENDADOR”

BA en Decoración de Ambientes A

D

I

K

27.82 7.85

12.65

7.32

1.98

3

2

Fusión del estilo colonial guatemalteco con el estilo hindú, conformando una vivienda de descanso con todas las comodidades posibles.

5

El énfasis de esta casa de descanso, es la adecuación correcta del estilo; ya que el inmueble está ubicado en las cercanías de La Antigua Guatemala.

5.74

4.46

1

19.55

4.85

4 6 3.49

Mantiene una arquitectura vernacular, escala, selección de materiales, mobiliario, accesorios y esquema de color.

7 4.8

SALA

BAR

8 HOJA

3.6

3.51

3.56

2.61

2

1.73

4.12

19.09 PROYECTO:

6

HACIENDA EL COMENDADOR

CCION A CCION A

B

C

E

F

G

H

UBICACION:

J

ANTIGUA GUATEMALA

CONTENIDO: NOMBRE:

PLANO AMUEBLADO

ROSA MARIA MONZON VELASQUEZ

FECHA: 09/05 /2014

DISEÑO: RM

DIBUJO: RM

sección A SECCION A

CCION B sección CCION B BB SECCION

SECCION CCION CC sección C CION C

HOJA

6

PROYECTO:

HOJA

6

6 6 6 HACIENDA EL COMENDADOR 6 HOJA

HACIENDA EL COMENDADOR

UBICACION: CONTENIDO: NOMBRE:

ANTIGUA GUATEMALA PROYECTO: PLANOS SECCIONES

ROSA MARIA MONZON VELASQUEZ DISEÑO: DIBUJO: UBICACION: ESCALA: PROYECTO: RM RM 1 / 100 ANTIGUA

FECHA: 09/05 /2014

GUATEMALA

HACIENDA EL COMENDADOR PLANOS SECCIONES

CONTENIDO:

NOMBRE: UBICACION: ROSA FECHA: CONTENIDO: 09/05 /2014

NOMBRE:

www.unis.edu.gt

DISEÑO:

DIBUJO:

ESCALA: 1 / 100

ROSA MARIA MONZON VELASQUEZ

FECHA: 09/05 /2014

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MARIA GUATEMALA MONZON VELASQUEZ ANTIGUA

RMSECCIONES RM PLANOS

DISEÑO: RM

DIBUJO: RM

ESCALA: 1 / 100

ESCALA: 1 / 100

CRISTINAORTEGA

BA en Decoración de Ambientes

GALERÍA DE ARTE

El proyecto fue diseñado para una galería ubicada en un exclusivo centro comercial. La propuesta es un recorrido libre que permite una amplia visualización de las obras, entre paneles y pasillos, manteniendo la línea visual en armonía con la exhibición completa. Los espacios se dividen entre: fotografías, frases célebres, retratos de famosos y las Divas de Andy Warhol.

Para la elaboración de la estructura del stand se consideró la simplicidad de la firma; en cuanto a formas y utilización de color. La estructura del techo fue inspirada en uno de los accesorios de la marca Ensombra Parasol, de manera que estos se traslapan y cubren parcialmente el stand.

Se crea un juego de sombras junto con la iluminación azulada, la cual ocasiona el efecto de estar al exterior.

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MÓNICAPERALTA

Diseño Gráfico en Comunicación y Publicidad

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MAZAPÁN AMATITLÁN

El mazapán es un dulce típico originario de Amatitlán, se caracteriza por ser elaborado con ingredientes como la pepitoria, almendras, azúcar, entre otros. Con este proyecto se dan a conocer productos guatemaltecos, de diferentes regiones, a nivel nacional e internacional. Se representa el colorido característico de Guatemala además de las variedades de sabores de este dulce; en un diseño moderno que juega con texturas y contrastes de color.

EDWINSANTIZO

Diseño Gráfico en Comunicación y Publicidad

XORAL

A través del proyecto se busca resaltar el alto valor cultural y espiritual de la civilización maya, lo cual se refleja en los elementos gráficos utilizados, todos creados a partir de símbolos de la escritura y arte maya.

Se parte del mito de la Montaña Florida, que además se adapta para la marca en un poema que imita la composición lírica maya y se representa a través de una serie de glifos que componen un friso, uno de los principales elementos gráficos de la marca.

(Los glifos empleados son meramente ilustrativos, no una verdadera traducción de los versos a la escritura maya. )

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PERSONAJES

THOUGHTS ON

THE DESIGN PEDAGOGY Msc. Arq. Giulio Pierattini Jury

Con motivo de la primera proyección en Centro América del documental “Archiculture”, gestionado por la Facultad de Arquitectura y Diseño de la UNIS, me dí la libertad de pedirle a quien fuera el invitado de honor en la pasada “Cátedra Jorge Montes 2013”, el Decano de NCSU College of Design, Arch. Marvin Malecha, si podía darme su impresión e ideas, respecto a la educación de la arquitectura en la actualidad.

A continuación, les traspaso el texto completo que el decano Malecha amablemente me envió y autorizó para esta publicación.

Aprovecho para agradecer al Decano Malecha, por su gentil disposición a compartir sus reflexiones para generar debate y pensamiento crítico en torno a nuestro oficio como arquitectos.

Msc. Arq. Giulio Pierattini Jury

Questions

It seems that whenever the studio model of design education is debated many questions are intermingled.

What is the perspective of the student?

What is the perspective of the studio faculty?

Is the studio pedagogy valuable?

How does the studio pedagogy relate to the state of the profession? Should it?

Are there alternatives to the present interpretation of studio instruction?

Each of these questions could inspire an essay.

Perspectives The Student Reality - What is the perspective of the student?

There can be no question that on the face of it the studio environment places the student in a subservient role very dependent on the attitude of the studio instructor. This imbalance in authority, that characterizes the traditional student-faculty relationship, has a substantial impact on the pursuit of design solutions. Students therefore experience considerable anxiety as they are often told to never ask what the professor wants yet frequently it is precisely what the professor wants that is rewarded.

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Over the course of matriculating through a curriculum the student will experience many different professors and therefore be expected to adapt to each approach. It is therefore a reasonable conclusion that student life is largely dependent on the faculty member’s engagement with the life of the University and the willingness of the professor to accept predetermined outcomes resulting from concurrence with the work of a greater curriculum committee.

Faculty Reality: Mentor or Master?

What is the perspective of the studio faculty?

The demeanor of the faculty member immediately sets the tone of a student’s studio experience. It begins with simple observations derived from principles of mentoring or mastery. In the model of mentoring exploration is encouraged.

Students are coached through thought processes and failure is encouraged as a necessary learning experience. The role of a faculty member as master is to provide explicit instructions. Toward this end while the role of a mentor is to guide, the role of the master is to direct and to tell what is expected. Success in the first, mentorship is the process itself, success in the latter is measured by the product of the exercise. It

Croquis del Arq. Giulio Americo Pierattini Jury, sobre frases del Dr. Malecha.

is in the latter role where a long history of student abuse thrives.

Studio Pedagogy Studio, Studio, Studio - Is the studio pedagogy valuable?

The studio pedagogy has been the center of a design education for two centuries. The pedagogy has not been without dramatic transformation over the years from the early experiences of the Beaux Arts to the emerging on-line explorations now underway.

With the continued evolution of studio pedagogy has been continued reflection on the experience and the merits of studio based instruction.

It must first be observed that the studio experience has embedded within it many compelling advantages. Benjamin Bloom’s Taxonomy of Educational Objectives articulates a learning trajectory that includes awareness, understanding, ability, analysis, synthesis and assessment. The studio experience includes each of these in different measures depending on the learning level of the students and the desired outcomes of the curriculum. When the studio pedagogy is employed at its best the intimate relationship between studio master and student assures that each of these

objectives is addressed. This relationship is the foundation of the student’s ability to explore and to fail without fear knowing that the learning experience of honorable failure is in fact more desirable that the predictable safety of doing what is expected. Failure is increasingly recognized as the underpinning experience of innovation. If the relationship between student and teacher is non-existent or defined by any form of abusive approaches then the exploratory spirit is likely to fade.

There are many anecdotes that influence the consideration of the studio experience.

Certainly it represents the very best of one on one instruction and it is a constant test of individual abilities. This method of instruction and the resultant review process causes the individual to connect ideas and expectations with a tangible outcome. It is true that there are also many examples of individuals who have abused the privilege of the studio.

Abusive behavior on the part of the instructor or invited professionals must be addressed without hesitation. The creative search is fragile endeavor and it must be protected rather than assailed to prove the superiority of one ego over another. So it is in this context that I offer an admonition.

The symbiotic experience of teaching and learning is best described as an arm in arm walking discourse of mentor and mentee each probing the understanding and experiences of the other. It is a kind of reflection of the old Roman expression solvitur ambulare, to solve by walking. The teacher knowingly guiding the student toward a precipice when it becomes apparent that it is time for the most important choice of the student, to attempt to fly or to remain on the safety of high, but perhaps not high enough, ground. It is the attempt to fly that is the most crucial element of a design education.

It is the attempt to fly that separates the great schools from those who portend to greatness.

Should the student jump and fly then the teacher must whisper in the student’s ear, as the slave to the conquering Roman General, to remember to learn from the experience and to remain humble and open to continuing possibilities. Should the student jump and fall it is the responsibility of the teacher to catch the student and accentuate what can be learned from failure.

Teachers walk with your students. Students accept, engage and absorb what your teachers can offer you and draw out of you.

The studio model of instruction remains vital and worthy of continued application.

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El Arq. Malecha, en el “especial de otoño” de la biblioteca de diseño de NCSU.

Yet perhaps it is in the application where we need reconsideration.The studio method of learning promotes individual accountability. It can b applied to multiple content areas and perhaps it should permeate the curriculum rather than be fixed on the schematic design process. Typically too much is invested in the studio class as the only place where important professional skills can be imparted. The studio model can and should be used across the curriculum.

Professional Studies. Professional Behavior Seeking Connections: - Does the studio pedagogy relate to the state of the profession? Should it?

The academic community and the professional community live in an interdependent relationship with each acting as the conscience of the other. The very best studio experience is a microcosm of what exists in practice and the very best professional office operates as a sophisticated studio. In other words each are dependent on the other to fulfill the mission to prepare individuals for a life in architectural practice. The experiences of school are hampered by the nature and duration of the experience.

Individuals who aspire to become architects need much more than what can be conveyed in a time limited curriculum. The very best schools recognize this and set strategic plans eliminate needless repetition in order to provide an awareness of all of the complications

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that the design and building process entail.

Can the studio mimic the professional office?

Perhaps, but only slightly. It is therefore much more important to insist that the student understands how to think through a design.

In this the schools can and do teach relevancy to practice within the design studio. There are other skills such as learning the art of public presentation, working on teams and sharing, materializing the visualization studies in model and drawn form. However, here again the success or failure of a particular approach is highly dependent on the instructor in the classroom.

traditional design studio format seem silly.

As creative individuals,as design thinkers, we need to make change only whhen fully cognizant of the resources avialble to us.

Yet we cannot wait for all of the resources to be available, nor can we wait for the perfect memont for change. We must begin by sking what is the value structure of the place and the people of the time.

The a curricular path can be founded on values as directions for action.

Alternative Course to the Studio Pattern

It is this last observation, the need for a value infrastructure, that is perhaps the most lacking in the film. Why should any student choose to study in an abusive environment. Students are not lacking the stamina or commitment. They are lacking strong role models that search for meaning through architecture without demanding fealty. When all that is presented to the student is the star architect exemplar, then the struggle to define personal actions in the context of such work becomes difficult if not impossible.

Are there alternatives to the present interpretation of studio instruction?

There are many alternatives to the present structure of the studio. It is my belief that we have trapped ourselves in one variation on the theme of studio learning. The advent of learning technologies makes the idea of a single path of instruction within a

Closing

En planificación con el America’s Schoolhouse Council, en colaboración con los estudiantes en el programa de arquitectura y la industria de arquitectura, socios de UNLV como V / S América, diseñaron un aula tecnológica- enriquecida del futuro, que permite actividades curriculares cruzadas a nuevos niveles. Sillones suaves y mesas grupales permiten zonas de actividadades diversas. Copyright America’s Schoolhouse Council.

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PROYECTAR Y CONSTRUIR

Doctor Manolo Blasco

Ambas palabras están en el proceso de definición de la arquitectura. El arquitecto necesita de ambas para el ejercicio de su actividad. La una está relacionada con la otra, para saber proyectar es necesario saber construir, aun más en la definición de su pensamiento estaría sin duda un aspecto muy importante en ambas, cuál es “el área del conocimiento”.

En la escuela, se deben transmitir con seguridad las reglas de este oficio en el que sin duda, y desde luego en un grado muy importante, el área del conocimiento del arte de construir.

De algún modo la capacidad del entendimiento del mundo de la construcción es una de las constantes de los tratados históricos de la arquitectura. Desde Vitrubio hasta Andrea Deplaces, nos encontramos con el grado de aproximación a la arquitectura partiendo del hecho constructivo. Así los materiales y sus transformaciones hasta la definición de su incorporación como materiales, nos hablan de las diversas técnicas y tecnologías que hace de estos comportamientos los de la arquitectura.

Responder a la gravedad y durabilidad fueron parte de su esencia.

Hoy seguramente nos encontramos con el mismo problema, tal vez más complejo al incorporar nuevos materiales y al tener que responder las exigencias a la actividad que quedan reguladas en su comportamiento.

De todo esto la extensa y complicada tarea que supone hoy la transmisión de un área de conocimiento que se debe trasladar a la capacidad de comprensión para todo alumno, que en su progreso intelectual desea de algún u otro modo ser arquitecto.

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Pero hasta aquí, podríamos haber definido un conocimiento, necesario para todo el que quiere o intenta construir, pero en el arquitecto, además, es necesario dar una definición más (frente a ingenieros, por ejemplo).

Su obra más significativa puede considerarse en la rehabilitación de edificios y palacios antiguos: Edificio Castel Ruiz de Tudela (1979-1983), Palacio Marqués de Huarte (1983-1987), Escuela de Idiomas, UNED, Palacio del Marqués de San Adrian (1990-1992), Palacio Decanal y Museo Arzobispal (1997-2000), Casa del Almirante (2009-2010).

Nos estamos refiriendo a aquellos aspectos del conocimiento que tienen que ser con la manera de entender el hecho del proyecto. Proyectar no es sólo construir, es hacerlo dentro de una intención, de un impulso, de una idea.

En urbanismo ha desarrollado Planes de Intervención en centros históricos en Tudela y Corella.

Aquí estamos en la consciencia de que el conocimiento transmisible alcanza también al proyecto en forma de la teoría general del pensamiento.

Este conjunto de teorías, podría entenderse como externos al proceso de proyecto, y sin embargo es el territorio en el que la forma debe entenderse como un proceso de análisis y síntesis.

Aquí la historia de la arquitectura nos enseña a entenderla dentro de un proceso de respuesta a un tiempo determinado.

Si asumimos a la arquitectura como una actividad desarrollada en el cruce de dos variables, espacio y tiempo, entendemos que tanto el proceso de la idea como al de la construcción de la idea deben pertenecer a la respuesta de la necesidad resuelta de una determinada manera.

La idea y la materia se van a convertir en definitiva como inseparables factores en el proceso de la arquitectura.

El gran reto que tienen las Escuelas, sería por tanto, la de entender este proceso de conocimiento progresivo como un todo.

Se debe evitar la yuxtaposición de ambas, como proceso de aprendizaje, saber construir en definitiva es inseparable de saber proyectar y viceversa.

Es autor de proyectos en Pamplona como la Estación de Autobuses, un Centro de actividades para una entidad bancaria CIVICAN, y últimamente, ha finalizado la Escuela Municipal de Música y la Sede Administrativa para el Gobierno de Navarra.

También es autor de proyectos hospitalarios en Zaragoza, en Sevilla y Calahorra.

Ha desarrollado trabajos de diseño de muebles, fundamentalmente de oficina, para empresas como Dynamobel, Proyets y Levira. Y diseño de mobiliario urbanos como las marquesinas de autobuses en Pamplona.

Doctor Manolo Blasco

En marzo de 2011 y 2012 imparte el curso en el Programa de Maestría en Arquitectura en la Universidad del Istmo de Guatemala.

El escrito es una reflexión acerca de la importancia de la transmisión del conocimiento de la construcción en las escuelas de Arquitectura. Decíamos que en un momento de incertidumbre teórica hacia cuales deben ser los valores reconocibles para el arquitecto, entiendo que la construcción, su dominio, debe ser su mayor patrimonio intelectual.

Si las escuelas y facultades de Arquitectura toman conciencia de ello, tendrán un valor seguro para su reconocimiento como es la de elaborar su principal valor en transmitir aquello que le es sustancial a labor del arquitecto. Se que esto es una consecuencia de la ausencia de una posible teoría conceptual, o por lo menos la experiencia del caótico momento en el que nos encontramos, el del “todo vale”, “todo se puede hacer”, sin que la objetividad racional este a la vez impulsando el “se debe hacer?”.

Las escuelas y las facultades tienen en sus manos la responsabilidad de fundamentar el conocimiento de la materia y de la técnica la transmisibilidad de la enseñanza de la arquitectura.

Tudela, 24 de junio de 2014 Manuel Blasco Blanco nacido en Tudela, España en el año 1950. Arquitecto por la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de la Universidad de Navarra en la que obtuvo posteriormente el título de doctor.

Colabora con D. Francisco de Inza durante los años 69-75.

Desarrolla su actividad docente en la Escuela de Arquitectura, a la vez que su actividad profesional con estudio compartido con su mujer Belén Esparza arquitecto desde su fundación (año 1976).

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”¡ADIÓS MASSIMO!” Maestro Marco A. Patiño Morell

El martes 27 de mayo, amanecimos con la noticia del fallecimiento del diseñador italiano Massimo Vignelli. Tenía 83 años. Una noticia que conmovió especialmente al mundo del diseño gráfico, ya que el trabajo de Vignelli, resultado de décadas de labor, es ya parte clave para entender la historia contemporánea del diseño. Junto a Lella –su esposa- fundó Vignelli Design en la ciudad de Nueva York.

Michael Beirut, notable diseñador que trabajó en su juventud con Vignelli, escribe en un texto a propósito de su muerte, como en esos años percibía la presencia omnipresente de los diseños de Vignelli por la ciudad: El famoso mapa del metro neoyorquino y la gente en la calle caminando con las bolsas con la identidad gráfica de la tienda de autoservicio Bloomingdales, eran señales de la presencia del material y espíritu del diseñador en el camino de Beirut a su oficina.

Para el diseño del mapa del metro de Nueva York, Vignelli, evitó hacer el ejercicio de mercadotecnia, Focus Group y fue criticado, por ejemplo, por representar el agua de los ríos y lagos con color café en lugar de azul. Parece existir una semejanza entre éste y el diseño del Mapa de Beck del metro de Londres, donde se sacrificó la realidad geográfica para favorecer la lógica e intuición del usuario de este medio de transporte. Hoy en día el mapa de Vignelli forma parte de la colección del Museo de Arte Moderno.

Su trabajo incluye también el diseño de identidad gráfica de American Airlines y de Knoll. Gran parte de su legado conceptual puede encontrarse en el Canon Vignelli que es ya una herencia de enorme valor para los diseñadores de todo el mundo.

En el documental Helvética, que apareció en 2007, Vignelli afirma que el diseñador vive una vida de eterna lucha contra la fealdad y hace una analogía con el médico quien combate a la enfermedad. Ahí también expresa su sentir contra algunos diseñadores contemporáneos a quienes critica por evitar las reglas clásicas del diseño y apostar por metodologías inscritas en el ámbito de la posmodernidad.

Stefan Segmeister, para muchos el diseñador gráfico más importante en los años recientes, diseñó un cartel con la imagen de dos gallinas corriendo sin cabeza, después de que Vignelli comentara que los diseñadores actuales parecían tener semejante descontrol a la hora de diseñar.

También Vignelli mantuvo por años una dura crítica al trabajo de la influyente revista Emigre editada en California por Zuzana Licko y Rudy VanderLans. La publicación fue de las primeras diseñada en una computadora Macintosh y en ella se hallaban experimentos tipográficos hechos por la propia Licko y otros diseñadores entre la década de los ochenta y los noventa. Vignelli criticó duramente estos ejercicios y las posturas creativas de los diseñadores que planteaban, además del diseño de fuentes tipográficas de particular estética, un discurso alejado de la tradición del diseño moderno.

Vignelli comparaba las propuestas de Emigre con los jingles comerciales para anunciar un producto en la radio y una canción de música clásica. En aquellos momentos calificaba el trabajo de Rudy VanderLans y Zuzana Licko como basura.

En los últimos años de vida de Massimo Vignelli, su hijo Luca pidió a los diseñadores que habían sido influenciados o inspirados por el trabajo de su padre, le enviaran cartas físicas o mensajes virtuales.

Michael Beirut comentó que “una de las mayores fantasías de Massimo era atender su propio funeral”.

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“La vida del diseñador es una vida de lucha. Una lucha contra la fealdad” (M. Vignelli)

Una de las posturas más conocidas de Massimo Vignelli fue sobre el uso de muy pocas familias tipográficas. Una de sus “fuentes sagradas” era Bodoni. En 1997, a pesar de la crítica sobre el trabajo de Emigre, Zuzana Licko diseñó la fuente Filosofía, inspirada justamente en Bodoni. De manera atrevida Rudy Vanderlans invitó a Vignelli a diseñar el póster promocional del lanzamiento de la nueva fuente tipográfica. El diseñador italiano respondió de manera positiva y señalando en letras capitulares:

“Querido Rudy: LA GUERRA HA TERMINADO”.

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FORMACIÓN PROFESIONAL LICENCIATURAS Arquitectura Arquitectura con Especialidad en Interiores BA en Decoración de Ambientes Diseño Gráfico en Comunicación y Publicidad Diseño Industrial con Especialización en Vestuario Pruebas de Admisión Viernes 26 y sábado 27 de septiembre (inscripción antes del 22 de septiembre) Viernes 10 y sábado 11 de octubre (inscripción antes del 6 de octubre) Viernes 7 y sábado 8 de noviembre (inscripción antes del 3 de noviembre) Mayor información: 2429-1488 y 79 / infofarq@unis.edu.gt

POSGRADOS Máster en Dirección de Empresas Constructoras e Inmobiliarias Programa establecido para crear las capacidades de desarrollar proyectos inmobiliarios integrales. Dirigido a arquitectos, ingenieros y profesionales que se relacionen en el campo inmobiliario y de la construcción.

Fecha de inicio: Febrero 2015 Duración: 12 meses con doble titulación por la Universidad del Istmo y la Universidad Politécnica de Madrid Lugar: Universidad del Istmo, campus zona 13 Mayor información: 2429-1488 y 79 / infofarq@unis.edu.gt Maestría en Arquitectura con especialidad según interés Maestría especializada en el área de interés que usted desee, por medios cursos presenciales y asesorías personalizadas con expertos en el área escogida. Dirigida a arquitectos, ingenieros y profesionales que se relacionen con el campo de la Arquitectura.

Fecha de inicio: Mensual (ningún módulo es pre requisito del anterior) Duración: 18 meses (15 módulos) Lugar: Universidad del Istmo, campus zona 13 Mayor información: 2429 -1488 y 79 / infofarq@unis.edu.gt

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Maestría en Diseño Gráfico con especialidad según interés Maestría especializada en el área de interés que usted desee, por medios cursos presenciales y asesorías personalizadas con expertos en el área escogida.

Dirigida a diseñadores, administradores y profesionales que se relacionen en el campo del Diseño gráfico.

Fecha de inicio: Mensual (ningún módulo es pre requisito del anterior) Duración: 18 meses (15 módulos) Lugar: Universidad del Istmo, campus zona 13 Mayor información: 2429 -1488 y 79 / infofarq@unis.edu.gt

CONCURSOS UNA MIRADA AL INTERIOR

Concurso organizado por la Asociación de Interiorismo de Guatemala, ASODI Concursan: Alumnas del 3ro. y 8vo. semestre del BA en Decoración de Ambientes Objetivo: Resaltar la importancia del Diseño en la calidad de vida cotidiana del ser humano y su contribución a través de la innovación, a mejorar a partir de nuevos productos, materiales y mejores tecnologías. Un congreso de vocación internacional, abierto a colegas y estudiantes de Guatemala y otros países de la región.

Proyecto: Diseñar una vivienda de un solo ambiente con un sistema o solución de módulo que transformable, adaptable, reconfigurable y que tenga piezas de un kit RTA (Ready To Assemble) Lugar: Cámara de la Construcción de Guatemala Fecha de premiación: Sábado 11 de octubre de 2014 Mayor información: 2429-1475 / oespada@unis.edu.gt

VIDA UNIS

HISTORIA DE ÉXITO

Alumna del BA en Decoración de Ambientes

Ex alumna egresada de Diseño Gráfico

Catedrática Honoraria de UNAV

María Andrée es ex alumna de la Licenciatura en Diseño Gráfico en Publicidad y Comunicación de la UNIS. Complementó su carrera con una Maestría en Comunicación Audiovisual.

Desde la Universidad de Navarra, la Doctora Inmaculada Jiménez visitó la UNIS durante dos semanas del mes de julio para impartir el módulo de “La imagen de la ciudad contemporánea”, que forma parte de la Maestría de Arquitectura.

NATALIA ZAUNER, BADA.

Natalia Zauner, alumna del 6to. semestre del BA en Decoración de Interionres y siete alumnos de la Licenciatura en Arquitectura recorrieron las calles de Navarra el pasado mes de junio.

Guiados por el Arquitecto Joaquín Lorda (Navarra) y Juan Carlos Valladares (Guatemala) visitaron distintas ciudades del norte de España. Desarrollaron sus habilidades de dibujo rápido, relatando historias y características de la arquitectura española en un curso impartido por la Universidad de Navarra.

“El curso de verano fue una experiencia muy enriquecedora tanto en conocimientos teóricos y técnicos, como experiencia de crecimiento personal”, indica Natalia.

Los conocimientos abarcaron: Historia del arte, proyección de ideas sobre el espacio en esquemas rápidos, ubicación y movilización en una ciudad nueva y conocimiento de 17 ciudades.

“La experiencia fue muy enriquecedora. Lo que más se valoro es la independencia, el aprendizaje práctico y teórico, el recorrido de 12 ciudades, el contacto con la cultura europea y la convivencia en grupo.”

(Natalia Zauner)

LICDA. MARÍA ANDRÉE PAIZ

Trabaja en Expresione Visual Consulting como Diseñadora Gráfica. Y debido a su talento y trayectoria en el campo artístico, fue invitada a participar en “Dibuja Guatemala”, un evento organizado por el Centro Cultural España (CCE).

El taller consistió en salir a las calles y retomarlas como un espacio de dibujo.

Durante el recorrido, Maria Andrée y el resto de participantes retrataron la vida urbana y pasajes cotidianos. Sus ilustraciones están expuestas en el Museo ABC de Ilustración en Madrid, como parte de una muestra y de un intercambio cultural.

Asegura que la experiencia adquirida en la UNIS le ayudó a adquirir la disciplina necesaria para alcanzar un nivel de excelencia. Es por eso que insta a los alumnos a que participen en concursos y talleres que les permitan exponer sus piezas buscando la crítica pero sobre todo: su propia voz.

“Lo más importante es no limitarse a las experiencias similiares, cómodas y conocidas. Un diseñador debe descubrir quién es en cuanto al arte, pero también en su vida personal y profesional. “ (Maria Andrée Paiz)

PROFESIONAL DRA. INMACULADA JIMÉNEZ

Abarcó el módulo desde un punto de vista gráfico, plástico y su representación contextualizada según ideas, conceptos y conocimientos en el continente americano.

Parte de su pedagogía, consiste en referir los momentos históricos que han provocado el surgimiento de nuevas ciudades. Se apoya en utopías y textos o cualquier tema que genera confrontaciones de ideas al planificar la ciudad.

La Doctora Jiménez considera que Guatemala está en el momento ideal y en las mejores condiciones de enseñar, creando una biblioteca de textos que abarquen el conocimiento básico de la Arquitectura, así como también textos más vanguardistas y pioneros. Por tal razón, motiva e involucra a los alumnos a leer, reflexionar y opinar todo cuanto puedan.

“La Universidad del Istmo está apostando por egresar alumnos con conciencia histórica”.

(Inmaculada Jiménez)

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CULTURA

LOS TEJIDOS MAYAS

CONTEMPORÁNEOS ¿ARTE O ARTESANÍA? Licenciada Rosario Miralbés de Polanco

Desde hace dieciocho años con el Acuerdo sobre identidad y derechos de los pueblos indígenas incluido en los Acuerdos de Paz, han surgido nuevos espacios para la discusión sobre si los tejidos mayas contemporáneos pueden o no, ser considerados como obras de arte. Para determinarlo, habría que discernir y analizar algunas proposiciones retóricas para poder clasificar el “hacer de los tejidos” dentro de las actividades sujetas a criterios de la estética. Se hace necesario definir el concepto moderno de arte y ésta es una tarea compleja, pues la definición cambia constantemente y depende, al igual que la cultura, del tiempo, de la educación, de la percepción de quienes la observan o viven estas expresiones. Una definición contemporánea que resulta útil, es la expresada por Lupin.

“El arte es un medio por el cual los elementos que componen una obra actúan sobre el espectador despertando, incentivando pensamientos, emociones o percepciones... Por su naturaleza intelectiva y sensible el ser humano está inmerso en un Cosmos pleno de significados a los cuales podría acceder, degustar y utilizar; sólo necesita los medios que amplíen su mente, la hagan más sutil, más tolerante y omnisciente, para poder verlos, descubrirlos, percibirlos.”

A la luz de esta definición entendemos que tanto estelas como dinteles, altares, tronos, entre otros, puedan ser considerados como arte maya, pues cada uno es distinto y concebido por un artista. Su unicidad, además de su belleza, que provoca sensaciones de asombro a quienes los observa, los convierte en una obra de arte.

Schelle (1994, XIII) explica que los jeroglíficos encontrados en la cerámica han ayudado a entender cómo pensaban los mayas acerca de los objetos que ellos creaban, cómo los llamaban, sus usos, los nombres de los dueños y, tal vez, lo más espectacular de todo, cómo se llamaban los artistas que los crearon.

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Asimismo, registraron que en la época prehispánica existían artistas tan buenos como en el mundo occidental y que ellos también se enorgullecían de su trabajo y lo firmaban, conocían sus técnicas y las ejecutaban con gran maestría. Por tanto, lo que hoy se considera arte maya cabe dentro de las definiciones occidentales de arte, su belleza provoca admiración y las personas que la conocen y entienden, se deleitan con ello.

Las razones por la cuales fueron realizados los monumentos difieren. En algunos casos, pretenden exaltar la autoridad de los gobernantes o su jerarquía; en otros, se construyeron en honor de una deidad.

En este contexto, se puede mencionar que la mitología maya incluye una diosa del tejido, la diosa Ixchel1. Su rol como tejedora debió haber sido importante en la cosmovisión prehispánica. Sin embargo, pocos son los estudios dedicados a ella, así como también son escasos los relacionados con la producción textil, técnicas, materiales, simbología de los diseños en la indumentaria, la forma en cómo lo mayas percibían la actividad textil, para dar algunos ejemplos2.

Evidentemente, los

arqueólogos y estudiosos del arte maya no han considerado importante el tema textil en relación al arte, aunque para los mayas prehispánicos sí pudo haberlo sido.

Surge la pregunta que nos ocupa ¿son o no arte los tejidos contemporáneos? Los tejidos y su relación con el arte, es un problema axiológico o de valores que se sustenta en su creación y en la apreciación de quienes los observan, tema que ha sido discutido en círculos profesionales.

Los estudios se limitan a evaluar las características de los tejidos modernos, los códigos culturales y ceremoniales que transmiten, su evolución en la historia, técnicas necesarias para elaborarlos y su simbología. Los argumentos respecto al tema del arte, resultan tan confusos que para entender mejor las diferencias vale la pena definir los conceptos de artista y artesano. Por un lado, el artista es aquella persona que trabaja libremente, creativa e intrépida. Realiza obras únicas basadas en su experiencia personal obtenida por su formación educativa específica.

Por el otro, el artesano es el que fabrica objetos “a mano” o en serie con técnicas tradicionales. Explica la experiencia empírica heredada con la utilidad de su producto como motivo y guía3.

de otras comunidades, y colores. Un buen huipil, su’t o paño, o cualquier otro tejido se califica en las propias comunidades con base a la perfección de la técnica con que está hecho y el matiz de los colores. El resultado es una prenda hermosa que da prestigio a la tejedora y es representativa de una tradición milenaria, sin pretensiones de ser arte. De acuerdo a las tejedoras, entrevistadas a lo largo de treinta años, se definen así mismas como buenas o malas tejedoras con base a la calidad de su trabajo y maestría con que lo ejecutan.

Se puede concluir que según la definición de arte actual que los tejidos se enmarcan en la artesanía. Esto no quiere decir que no puedan surgir otras tendencias dentro de la sociedad guatemalteca y que, como ha ocurrido con algunas artesanías de países desarrollados, los tejidos se transformen en obras de arte y las artesanas en artistas.

Notas 1 (Taube 1993:52) 2 (Baudouin 2001, Foster 2002, Miller 1990, Pasztory 1998 y Sodi 1980) 3 (Sandoval Medina)

Al aplicar estos conceptos a la tradición textil, tenemos que la tejedora típica es artesana; el telar de cintura es el instrumento que usa para hacer la indumentaria personal y la de su familia.

La técnica y el diseño con que hace su trabajo se basan en la tradición que heredó de sus antepasados, las prendas que realiza reflejan la usanza de la comunidad, aunque algunas veces hasta introduzcan nuevos diseños, los cuales copian

Tejedora de telar de cintura, Palín, Escuintla.

Fotografía: Fernando Quel

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UN DULCE

REZO VIVENCIAS DE

CONCEPCIÓN, 400

AÑOS DE HISTORIA R i t a V i l l a n u eva / M i g u e l Á l v a re z

La Virgen de Concepción de San Francisco El culto a la Inmaculada Concepción en Guatemala es muy antiguo, ya que se inicia en los primeros años del periodo colonial. La primera cofradía que existió fue justamente la de la Inmaculada Concepción, según lo afirma Domingo Juarrós.

Fue declarada patrona de todos los reinos y dominios sujetos al Rey Católico, en las Cortes de Madrid de 1759, a propuesta de Carlos III, contando con la autorización de Clemente XIII. Y en 1617 la Inmaculada Concepción fue declarada Patrona Tutelar de la Ciudad de Guatemala.

Es el símbolo de aquellos reales patronatos, aun después de la Independencia, como lo indica la Gaceta de Guatemala del 15 de diciembre de 1854: “saludando las salvas de artillería en la Plaza Mayor a la imagen venerada de la gloriosa Patrona de España e Indias”, al referir el paso de la Virgen de los franciscanos en la Plaza Mayor, en su Rezado del 8 de diciembre.

En cuanto a la imagen de San Francisco, fray Daniel Sánchez decía que “goza justa fama de bella la imagen de la Inmaculada, y quien la esculpió dio prueba de ser un eminente artista cristiano”. Tiene sus orígenes a finales del siglo XVI, entre 1598 y 1599, según apunta Gonzalo Mejía. Suponemos “que la imagen fue hecha por uno de los más famosos escultores sevillanos de la época”. La trajo fray Antonio Tieno en los últimos meses del año 1600 y desde entonces se quedó en su capilla titular, donde ha sido testigo del acontecer de Guatemala. Pronto salió en procesión, que durante el siglo XVII fue llamado Rezado, o procesión votiva. Y fue trasladada a la Nueva Guatemala de la Asunción después de los terremotos de 1773. Desde entonces es un signo de fe y alegría.

Finalmente en 2013, dada su importancia como bien principal del Rezado, es declarada patrimonio cultural intangible de la Nación. Por tanto, el Rezado de la Virgen de Concepción del Templo de San Francisco constituye un valioso legado cultural, que se acumula en una historia de más de 400 años en los que es posible rastrear las bases que han consolidado el culto concepcionista en Guatemala.

Miguel Álvarez (Historiador)

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El propósito de lo que ahora empiezo a comprender…

Viví 18 años fuera de Guatemala en medio de una gran soledad… pero recordaba. Jamás pasó un 7 de diciembre sin que quemara aunque fuera un papelito. Era mi manera de celebrar la Quema del Diablo, víspera de una de nuestras más hermosas tradiciones: la celebración de la Virgen de Concepción y su tradicional Rezado.

Cuando imagino que por 400 años la gente que se ha acercado a Ella siente su calor maternal, esto que hoy mismo no puedo explicar, me da un sentimiento de responsabilidad de ser portadora de este mensaje. Es un tesoro cultural y de fe que despliega sensaciones de paz y sobre todo de esperanza.

Cada 8 de diciembre estamos unidos en el Rezado, en un momento en que lo que más necesitamos es amar a nuestra tierra, nuestra cultura, lo que somos y lo que tenemos. La unión de la gente en las calles y avenidas de la zona 1, donde por 12 horas acompañamos el paso del anda de nuestra bella Reina Madre, que baila preciosos y añejos sones chapines, es inolvidable. Por un día todos estamos unidos por el amor de María.

La música alegre que se siente en el pecho, como cuando los músicos interpretan “Luna de Xelajú”, produce un gozo colectivo y te deja entender que la felicidad es eso: sencillez y amor en su máxima expresión.

Por eso quise regalarle a Guatemala su Navidad con este libro.

Rita Villanueva (fotógrafa)

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