羅芙奧季刊第42期 RAVENEL QUARTERLY NO. 42

THE SELLOUT ARTIST

No. 42 Spring 2023

Interior Quarry Design John Liao Studio

發行人 Publisher / 王鎮華 Arthur Wang

監製 Managing Director / 李雅欣 Wendy Lee

總編輯 Editor-in-Chief / 陳惠黛 Odile Chen

主編 Managing Editor / 葉子微 Gina Yeh

編輯 Editor / 陳昱良 Iris Chen 唐維怡 Eva Tang

發行所 Published / 羅芙奧股份有限公司 Ravenel Ltd.

地址 Address / 106485 台北市敦化南路二段 76 號 18 樓

18F, No. 76, Sec. 2, Dunhua S. Rd., Taipei 106485, Taiwan

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走進童話世界－「安徒生博物館」新藝術體驗

50 LUXURY

山本麻友香《船漂流著》 2010 年

油彩 畫布 145.5 x 227.3 cm

羅芙奧 2021 秋季拍賣會 成交價 TWD 7,800,000 Mayuka Yamamoto, AndtheBoatShipson, 2010, Oil on canvas, 145.5 x 227.3 cm

Ravenel Autumn Auction 2021 sold for USD 281,385

創刊 2012 年 5 月 First issue May, 2012

季刊 Quarterly

登記證 中華郵政臺北雜字第 1883 號執照登記為雜誌交寄

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ACHIEVE YOUR 2023 BUCKET LIST

實現願望清單

2023 年剛已過一個季度，大家是否都擬定年度願望清單呢？根

據網路溫度計與相關數據資料庫統計，國人 2023 年十大願望清單，

從第十名回推至第一名依序是：存錢、疫情結束、中樂透、充足睡眠、 學習新技能、升職加薪、脫單、減肥、出國、健康平安。是不是看起 來人人有機會，卻各個沒把握？其實⋯有些願望正在達成中⋯

Woo Hoo ！超過八百天的口罩禁令⋯台灣終於在二月、三月、四 月⋯分階段逐步解除了。歐美人去年早早脫去口罩，而環視亞洲鄰近 的新加坡、日本、韓國、香港等等，遲至 2023 年春季才一一解除禁令。

有沒有留意到，農曆年前後已有一堆人趕辦護照，接著一張張帥 氣滑雪、浪漫賞櫻照片不斷地洗版你我的社群媒體朋友圈。最近，呼 朋引伴相約東京藝博採買、去不去香港看巴塞爾，「出國」都成為收 藏圈朋友茶餘飯後的熱門話題了。

第 42 期季刊裡提供滿滿的知識，持續推薦全世界優質時 尚、旅遊、收藏與藝術資訊。花錢買寧靜？看看安縵紐約 Aman New York 曼哈頓精品豪華酒店；到安徒生博物館欣賞新藝術與 隈研吾的建築設計理念的結合；五大傳奇極致金工藝術的男性 魔戒魅力；中國釉瓷成為時尚衣裳的新色彩；了解鐘錶拍賣的 新勢力；探究葡萄酒瓶裡的惡魔，酒商沒有告訴你的祕密。

在「藝術與投資」專欄中，介紹作品登上日本《 Art Collectors' 》雜誌二月號「完售作家」特輯的山本麻友香，她在 前一年度無論一手市場或是二手市場都有出色表現。法國街頭 藝術家蒂埃里．諾爾（ Thierry Noir ）如何在高壓狀態進行快速

造型宣言，留下行為藝術足跡。本期季刊一樣豐富精采。

漫長的等待，終於可望回復到沒有疫情的日子。儘管既期 待又怕受傷害吧，讓我們勇敢實現今年的所有願望清單吧！

六角彩子《無題》 2021 年 67 色絲網印刷 限量 200 件 73 x 103 cm 羅芙奧 2023 春拍「薈萃國際：現代與當代藝術」

Ayako Rokkaku, Untitled, 2021, silkscreen in 67 colors printed on Corona Magnani paper, edition of 200, 73 x 103 cm

Ravenel Spring Auction 2023 Select: Modern & Contemporary Art

總編輯

MAYUKA YAMAMOTO

CHILD-LIKE PORTRAITS ACROSS THE RIVER OF TIME

Text / 陳惠黛 Odile Chen

Photo / Ravenel International Art Group

MAYUKA YAMAMOTO

完售藝術家

日本知名雜誌《 Art Collectors' 》（《藝術收藏家》），創刊於 2006 年 12 月，採雙月刊形式定期介紹從古董到當代藝術的各類收藏資 訊，常會標示畫價行情或每號單價，報導一級市場的最新動態，尤其針 對簽有合約的畫廊代理藝術家。除了日本之外，他們也推薦中國大陸、 台灣、香港等亞洲藝術家，應證了日本藝術市場的發展梗概。自 2011 年 5 月起改為月刊，更在 2014 年第 61 期開始，推出「完賣作家」特輯， 蒐羅前一年度銷售超過八成或者完售的藝術家，羅列成冊，堪稱是實用 的工具書。2003 年 2 月號的《 Art Collectors' 》—「完賣作家」特輯封面， 刊印了山本麻友香新作《黃色桌子》（ Yellow Desk ），說明了她在過 去一年的熱銷情況。

山本麻友香筆下透露淡淡憂愁的畫風，深深打動了香港知名藝 人梁朝偉，在疫情仍然嚴峻期間，特地飛至東京的椿畫廊（ Gallery Tsubaki ），在《黃色桌子》作品前與作者留下合影照片，推測梁朝偉 可能也是山本麻友香的藏家之一。 2022 年 5 月 10 日先後由椿畫廊老闆

和藝術家臉書上發文分享合照，旋即在網路社群間轉傳。畫中略帶憂鬱 的男孩眼神，竟然和天王兒童時期模樣有幾分神似，且不久前梁朝偉也 分享自己頭戴熊毛帽的趣味照片。

回顧整個 2022 年度，山本麻友香至少參加三檔個展，和數檔畫廊 與博覽會聯展。例如 1 月的宇畫廊（ Gallery Woo ）（釜山）、 7 月椿畫 廊（東京）、 12 月的 GR Gallery （紐約）的個展；或是科里．赫爾福 德畫廊（ Corey Helford Gallery ）（洛杉磯）一年兩度聯展，以及國際 藝博會如 Kiaf Seoul （首爾） 、 Art Taipei （台北） 、 Art Miami （邁阿 密）等等，甚或是限量的《粉怪獸》（ Pink Monster ）、《藍怪獸》（ Blue Monster ）公仔、威士忌酒標， 2023 年榮登上年度一級市場的「完賣作 家」，的確實至名歸。

不僅在一級市場有完售紀錄，山本的作品在近期拍賣會上，即所謂 的二級市場，更是連年交出亮麗成績。從 2007 年秋季在香港佳士得首 度上拍，當年度她在荷蘭的畫布國際畫廊（ Canvas International Art ） 舉行個展，同時參加紐約和荷蘭博覽會。此後，作品偶而可見於亞洲各 城市拍賣會，價格穩定但不顯突出。不過到了 2020 年秋拍，價格飛快

上漲，一路漲到現在。市場研判：山本麻友香近作，男孩模樣變得更可 愛，有著清澄大眼。在國際市場，大眼萌娃藝術風格當道。山本麻友香 的畫作也成為搶手標的，價格呈倍數成長。

◀ 山本麻友香《船漂流著》 2010 年 油彩 畫布 145.5 x 227.3 cm

羅芙奧 2021 秋季拍賣會 成交價 TWD 7,800,000 Mayuka Yamamoto, AndtheBoatShipson, 2010, Oil on canvas, 145.5 x 227.3 cm Ravenel Autumn Auction 2021 sold for USD 281,385

根據 Artprice.com 的數據分析， 2021 年度全球拍賣市場共推出 19 件山本的作品，其中油畫佔 12 件，年度交易量（ Turnover ）達到 US$771,765 （約台幣 2315 萬元，未含服務費），是年秋拍台北羅芙 奧的《船漂流著》（ And the Boat Ships on ）拍出 US$281,385 （台 幣 780 萬元含服務費），刷新拍賣紀錄，為原預估低價的四倍之多。 而 2022 年的山本全年度的拍賣交易量，較前一年度成長 208% ，達到 US$2,380,792 （約台幣 7142 萬元，未含服務費），交易件數有 56 件， 其中油畫佔 34 件。

再統計 2000-2023 年間（嚴格說是 2007-2023 年之間；資格更新 2023 年 2 月 15 日）山本作品的拍賣交易量，依拍賣行的區域分布，交 易量第一高在香港：累計金額達 US$1,527,221 （約台幣 4582 萬，未含 服務費）；其次在台灣：金額達 US$1,258,211 （約台幣 3775 萬，未含 服務費）；第三高則在南韓：金額為 US$572,617 （約台幣 1718 萬，未 含服務費）。 22 年間全區累計總金額約為 US$3,950,453 （約台幣 1 億 1851 萬元，未含服務費）。

動物男孩。畫的不是別人是自己

山本麻友香，近幾年成為人氣畫家，尤其色彩轉趨於明亮之後，加 上發行版畫與藝術公仔，成為年輕藏家熱愛追逐的標的。二十多年來她 筆下謎樣的孩子，或畫著戴上具有野獸動物頭套，或是斑紋、怪物手臂 的「動物男孩」，擄獲不少藏家的心。

她自問為什麼愛畫小孩呢？她說自己會時常想起童年時的牽掛，感 覺一直在她的心底：「我從小就想要遠離焦慮，讓善良包圍，所以我畫 了穿著動物的孩子，並與他們融為一體。」她的畫讓人在可愛之中，看 到悲傷。其實每個人的心中都住著一個小孩，儘管長大後，外表可能有

各種面具偽裝，或許那些野獸是暗喻著最親近的人。心裡都藏著童年的 回憶，有時甘甜，想起還有笑意；有時是苦澀抑或傷痕，需要時間救贖。 山本麻友香保留對童年的懷念，就是不斷地畫著這些圖畫。

早期山本的畫風顯得有些陰鬱，有壓抑感，甚至經常觸及生死的議 題。她選擇不存在於現實中的小男孩形象，作為繪畫中理想的典型。小 孩沉默的模樣，卻流露出大人才有的神情。那雙充滿故事的眼眸，其實 映照著是創作者自身的靈魂。她的畫有一種魅惑力，欣賞她的畫時彷彿 置身於畫家營造的迷幻的森林與世界。

來自岡山城的寂寞孩子

山本麻友香出生於 1964 年日本岡山縣，有一說岡山是民間神話故 事桃太郎的故鄉，該地盛產白桃、葡萄等高級水果，也是一座有悠久歷 史文化的山城。 1964 年的夏天東京首次舉辦奧林匹克運動會，這場盛 會成為日本經濟快速成長的轉折點，大舉的鐵道建設與全力發展經濟。 1964 年東京奧運會的成功洗刷了戰敗國的形象，重拾民族的信心。前 一年富士電視台首播手塚治虫的《原子小金剛》卡通，故事內容影射了 日本人對於未來充滿憧憬與想像。以文化為包裝，擺脫便宜貨的包袱， 日本企業力求精進創造提高附加價值，將轉型後的日本品牌推向全世 界。到了 1968 年時，日本的經濟總量超越德國，成為僅次於美國的世 界大二大經濟體。

◀ 《藝術收藏家》 2023 年 2 月號封面

Art Collectors', No.167 February 2023, cover page ▶ 山本麻友香與梁朝偉在《黃色桌子》作品前合影 圖片來源：椿畫廊社長椿原弘也 Facebook

The photograph of Yamamoto and Tony Leung in front for Yellow Desk

當日本經濟走向起飛的階段，山本的雙親也要為家計拚搏，疏於照 顧這一代出生的兒童。比起山本略長五歲的奈良美智，他的童年也多在 孤單中渡過。山本麻友香有一次解說自己的畫作時，曾說道：「我對小 時候有一定的記憶；我的父母總是很努力地工作，但聖誕節是我們全家 在家相聚的時光。那是一個特殊的日子。即使是現在，當我聞到聖誕蛋 糕上蠟燭的味道時，我的心又回到了童年，清晰得彷彿昨天。」（摘錄

自 GR Gallery 展覽介紹）

「自從我出生以來，肯定已經過去了很長的時間，但那些記憶不像 是電影或音樂般的流動，它們似乎保存在某幾個場景中。一個簡單的場 景，比如一盒花，一個碾碎的瓢蟲等等，卻伴隨著難以形容的感覺，讓 我心平氣和，讓我大驚小怪。在商場買便宜貨，看電視棒球賽的時候， 這種場景是絕對不會出現的，但它在腦子空的時候來了。我也有想過， 但我覺得可能是這樣的。」（摘譯自 2000 年《版畫家圖鑑》藝術家自述）

淡淡悠悠的文字，透露出難以言說的心情，深藏在記憶裡的鄉愁。

「我的作品非常個人化，我一直認為藝術對我來說，不是關於大事，而 是關於表達來自小私人事物的『某件事』。」「當我觀賞自己的作品時， 我覺得有點悲傷，也有點嚮往，但同時亦感到快樂。」類似的情境非常 典型日本人的性格，優雅淡然，堅毅執著，壓抑而拘謹。而自我內在的 探索表現在繪畫創作時，尤其顯得靜默。

從版畫到油畫 英國留學尋找自我

1980 年代中學畢業後，山本麻友香進入武藏野美術大學，主修 版畫，並於 1990 年研究所畢業。 1992 年先後在東京的 Ai Gallery 和 Gallery21+Yo 舉辦個展。早期以單色的人物畫版畫創作為主，對於形 體和線條有所追求。曾參加 1992 年椿畫廊的「版畫新表現」（ New Expression in Print ）聯展，受到該畫廊的肯定。隔年 1993 年為她舉辦 了首次個展。此後每年在大阪、岡山、群馬、福岡舉辦個展和聯展，與 椿畫廊的合作達三十年之久。

除了在畫廊展出之外，山本麻友香也曾參加 1994 年澀谷松濤美術 館的「當代版畫」以及 1996 年町田市版畫博物館的「現代東京版畫」

等展出，也曾入選《版畫年鑑》，在版畫創作有所成就。不過，人生走 中年，決定放下舊有的版畫，改畫油畫。她曾說道：「我一直以來都用 版畫一刀一筆的刻畫下我的想法，但那些線條對我而言失去了吸引力， 他們開始變得虛偽且人工化。」她不認為自己是真正的版畫作者，改畫 油畫，只是換了另一種方式來創作。

THE SELLOUT ARTIST

Mayuka Yamamoto

▶ 山本麻友香《粉紅羊》 2008 年 油彩 畫布 228 x 182 cm

羅芙奧 2022 春季拍賣會 成交價 TWD 3,360,000

Mayuka Yamamoto, Pink Lamb, 2008, Oil on canvas, 228 x 182 cm Ravenel Spring Auction 2022 sold for USD 114,364

LAUGHING MOTHER

無論如何，繪畫是山本麻友香用以排除擔憂煩惱最根本的興趣，媒材不是絕對重要。她也沒有 完全放棄版畫，偶而仍有版畫作品。只是畫油畫能更自由發揮。而無論是版畫或是油畫的早期創作， 幾乎都採低度色彩，讓人感覺到壓抑，以及與母親之間的緊張關係。她說道：「我想嘗試一些不要 讓人覺得有被療癒的作品，想畫一些不協調的、讓人值得玩味的東西。」

1998 年 3 月在椿畫廊的 展覽中首度發表油畫作品，《母親笑著》（ Laughing Mother ），白色線條勾勒出女性的頭髮和沒 有五官的臉龐，襯著淺灰綠淡淡疏離的背景，潛藏在大地色彩下，令人感受到壓抑的情緒與難以意 會的表情。

▲ 山本麻友香《母親笑著》 1998 年 油彩 80 x 80 cm Mayuka Yamamoto, LaughingMother, 1998, Oil, 80 x 80 cm

◀ 山本麻友香《紅熊》 2008 年 油彩 畫布 227.5 x 162.5 x 3.5 cm

羅芙奧 2021 秋季拍賣會 成交價 TWD 1,920,000 Mayuka Yamamoto, Red Bear, 2008, Oil on canvas, 227.5 x 162.5 x 3.5 cm Ravenel Autumn Auction 2021 sold for USD 69,264

1998 至 1999 年間她參加日本文化廳（ Agency for Cultural Affairs ）海外藝術家交換計畫（ Overseas Artist Placement Program ），在英國研習駐留一年。這段時間她不知道如何開始創作， 由夫婿陪同協助翻譯，每天勤看展覽，找尋靈感與契機。每天面對來 自世界各地的藝術創作，其中她十分欣賞南非女性藝術家馬琳．杜馬 斯（ Marlene Dumas ），以及雙人組合—吉爾伯特與喬治（ Gilbert & George ），喜歡他們畫中不安定且弔詭的氣氛感覺，而深受其影響。

英國作家黛博拉．尼科爾斯 – 李（ Deborah Nicholls-Lee ）曾說： 「感性但理智，殘忍卻溫柔——杜馬斯的作品顛覆了肖像畫的審美， 剝開了表面，揭示了一些令人厭惡、發自內心但又崇高的東西。」她 畫中呈現扭曲生命的狀態，令山本驚豔。而吉爾伯特與喬治的挑戰藝 術傳統，好奇、關注的當今的矛盾現象，豐富的表達方式，激起山本 內心隱藏的叛逆反骨。

迷眩感—山本麻友香的風格

從英國回到日本之後，山本的繪畫風格開始轉變，明顯受到馬琳． 杜馬斯等影響。例如色調的安排，人物畫帶有病態蒼白的藍綠色調，為 肖像畫表現帶來深層的思考。吉爾伯特與喬治常以面無表情的人像，探 索虛無與存在的問題，表現性張力十足。

從過去以簡單線條的版畫人物畫，山本的油畫空間轉而帶入朦朧透 明的色感，評論家形容她的畫裡有「無限透明的藍色，是童年美麗憂鬱 的顏色」。山本麻友香曾自言，天青色是她最喜歡的顏色，她曾想像如 果她能吃下一種毒菇，讓她只看得見藍色，那會多美的世界。 2001 年 山本麻友香生下一女，孕期與養育孩子的艱辛過程及身心變化，讓她不 禁時常回想起自身的嬰孩時期與母親的關係。

在成為母親之後， 2002 年開始創作形塑出「動物男孩」，畫中蒼 白而焦急的眼眸，向觀者提出疑問。在動物頭套服裝下那個面容憂鬱、 曖昧模糊的男孩，像夢幻般的記憶存在。「我在我作品中加諸會使人感 到不自覺迷眩的成分，我希望觀者能像我感受到這份感染力。」山本麻 友香在 2009 年《空色之華》（ Blue Flowers ）個展目錄中寫道。

在女兒襁褓時期，山本常背著孩子創作，通常只能先畫小型圖稿， 約莫是 45.5 x 33.3 公分（ 8 號）大小；等孩子入睡後，仔細端詳審視小 圖稿，再將它們放大到應有的尺寸—經常是 130.3 x 97 公分（ 60 號） 類似的大小。因此，山本常有同樣構圖但尺寸不一的作品。她一直沿用 這樣的習慣，即使孩子長大了，仍舊保有這樣的創作方式。

隨著知名度打開，受到國際畫廊與藏家的喜愛。現在生活和工作在 距離東京車程不遠的群馬縣，擁有工作室。或許生活或創作需要酒精舒 緩，她自稱過去一天要喝掉一瓶酒。有一天突然在自己的臉書上宣告， 已經開始戒酒了。喜歡創作的狀態，但山本笑稱自己有懼高症，害怕高 空作業，因此很少畫巨幅油畫。 2022 年因應展覽邀約，她難得再次創 作了少見的 150 號大油畫。

◀ Clynelish 1996 蒸餾 /2021 裝瓶 限量 318 瓶

羅芙奧台北 2022 秋季藏酒拍賣會 成交價 TWD 101,150

Clynelish 1996/2021 bottled, edition of 318

Ravenel Autumn Auction 2022 Finest and Rarest Wines | WHISKY sold for USD 3,275

▼ 山本麻友香《熊貓》 2017 年 油彩 畫布 130.3 x 97 cm

羅芙奧 2022 春季拍賣會 成交價 TWD 3,360,000

Mayuka Yamamoto, Panda, 2017, Oil on canvas, 130.3 x 97 cm

Ravenel Spring Auction 2022 sold for USD 114,364

目前拍賣會上出現山本最大幅的畫作就是 150 號，共計六幅，實 際畫過的數量仍待查證。而她在拍賣最高價紀錄的作品《船漂流著》， 創作於 2010 年，尺幅 145.5 x 227.3 公分，即是其中一幅 150 號海景 型繪有風景與人物、動物的稀有夢幻大作。除了稀有大作，拍場上畫 家高價的作品，多為近期大眼萌孩主題（約 2015 年以後）作品。藏家 們表示：現代人生活壓力大，可愛的風格比較受歡迎。除了油畫之外， 山本麻友香偶而仍有創作版畫。 2019 年後因應小資藏家的需求，推出 限量彩色版畫，通常一上市便告完售，訂購詢問過多須由畫廊抽籤決 定。版畫最高紀錄目前為台幣 312,000 元（ US$11,255 ）， 2021 年秋 天在台北羅芙奧拍出。此價格已經接近 2019 年前 60 號油畫原作的行 情，足見畫家受歡迎的程度。

根據 Artnet News 2022 年的 12 月 8 日的一篇報導〈熱門拍品：香 港秋季日拍受藏家青睞的五位女藝術家〉（ Hot Lots: 5 Female Artists

Art Buyers Adored at Hong Kong's Autumn Day Sales ），山本麻友香 即在名單之列。而從本文附表的「山本麻友香作品二十大拍賣成交

排行」（ Top 20 Most Expensive Artworks of Mayuka Yamamoto Ever Sold at Auction ）圖表中，有 17 筆紀錄是在 2022 年所締造，可見一斑。 過去偏重男性藝術家，隨著種族與性別意識抬頭，女性藝術家近期在 藝術市場逐漸受到重視。諸如六角彩子、山本麻友香等，已逐漸具有 所謂「藍籌藝術家」的姿態。也無怪乎，山本麻友香榮登 2023 年 2 月 號《 Art Collectors' 》「完賣作家」特輯的封面藝術家。期待 2023 年 無論一級市場或是二級市場都可見到山本麻友香精彩作品的現身。

2023 完売作家 山本麻友香

The Sellout Artist

Launched in December 2006, the renowned Japanese magazine "Art Collectors'" started off as a biweekly publication featuring antiques, contemporary art, and other collectibles information. The Art Collectors' not only reports artwork prices and primary market updates, but also represents artists from its contracting galleries. Other than Japan, the magazine also recommends Asian artists from China, Taiwan, and Hong Kong in relation to developments in Japan's art market. It's changed to be monthly magazine since May release in 2011, the Art Collectors' first introduced the "The Sellout Artists" special to its 61st issue in 2014, which provides a useful guide to best-selling artists with 80%-100% of sales in the preceding year. The "Sold-Out Artist" on the cover of the

February 2023 issue of Art Collectors' is Mayuka Yamamoto's artwork Yellow Desk–this reveals the artist's best-selling performance in the previous year.

Yamamoto's nostalgic art style has impressed the famous Hong Kong actor Tony Leung, who had specially flown to Gallery Tsubaki in Tokyo amid the pandemic. The photograph of the actor and artist before Yellow Desk suggests Leung is one of the Yamamoto's collectors. The photo was shared on Facebook by Gallery Tsubaki's owner and the artist on May 10, 2022 before it quickly spread across online communities. In the painting, the boy's nostalgic eyes somewhat resemble the famous actor's childhood appearance. Leung also shared a fun photo of him wearing a bear head hat recently.

◀ 山本麻友香《小王子》 2021 年 版畫 14/50 61 x 45.5 cm

羅芙奧 2022 秋季拍賣會 成交價 TWD 204,000

Mayuka Yamamoto, LittlePrinceBoy, 2021, Screenprint, ed.14/50, 61 x 45.5 cm

Ravenel Autumn Auction 2022 sold for USD 6,669

▼ 山本麻友香《沉睡的熊 ( 白天 ) 》 2008 年 油彩 畫布 130.3 x 193.9 cm

羅芙奧 2022 秋季拍賣會 成交價 TWD 1,920,000

Mayuka Yamamoto, SleepingBear(Morning), 2008, Oil on canvas, 130.3 x 193.9 cm

Ravenel Autumn Auction 2022 sold for USD 62,766

Throwback the year 2022, Yamamoto has held at least three solo exhibitions in collaboration with various galleries and expos. Some examples included solo exhibitions at Gallery Woo (Busan) in January, Gallery Tsubaki (Tokyo) in July, GR Gallery (New York) in December, two joint exhibitions at Corey Helford Gallery (Los Angeles), as well as international art expos such as Kiaf Seoul (Seoul), Art Taipei (Taipei), and Art Miami (Miami). The artist also released limited edition Pink Monster and Blue Monster figures, as well as Whisky wine labels. Yamamoto is undoubtedly well-deserved for the title of the year's sellout artist in the primary market.

Aside from her sold-out record in the primary market, Yamamoto's artworks also achieved excellent performance in recent auctions, the secondary market. After making her first auction sale at Christie's Hong Kong in the fall of 2007, Yamamoto held a solo exhibition at the Netherlands' Canvas International Art in the same year while she also attended art fairs in New York and the Netherlands. Since then, her works have occasionally appeared at auction houses across Asia for a relatively steady price. It was not until the 2020 fall auction did Yamamoto's artwork prices start to spike quickly. The market speculates that the transition of Yamamoto's boy characters to more adorable, wide-eyed images in recent artworks is in line with the popular trend for cute art in the international market. That is why Yamamoto's paintings became popular pieces with exponential price increases.

According to data analysis by Artprice.com, the global auction market showcased 19 pieces of Yamamoto's artworks in 2021, 12 of which were oil paintings. The annual turnover was US $771,765 (approximately NTD $23.15 million, commission not included). At Ravenel Taipei's fall auction that year, the painting titled And the Boat Ships on was sold for US $281,385 (NTD $7.80 million, commission included) a record-breaking price that exceeded the low estimate by as many as four times. Compared to the previous year, Yamamoto's auction turnover increased by 208% in 2022, reaching US $2,380,792 (approximately NTD $71.42 million, commission not included)." The transaction quantity was 56 artworks, 34 of which were oil paintings.

A closer look at the statistics between 2000 and 2023 (precisely 2007-2023, latest update on February 15, 2023), the auction turnover of Yamamoto's works was ranked in the following order by the regional distribution of auction houses: highest turnover in Hong Kong with a cumulative amount of US $1,527,221 (NTD $45.82 million, commission not included); second highest turnover in Taiwan with US $1,258,211 (NTD $37.75 million, commission not included); third highest in South Korea with US $572,617 (NTD $ 17.18 million, commission not included). The cumulative total for 2022 was approximately US $3,950,453 (NTD 118.51 million, commission not included).

Animal Boys

Reflections of Oneself and No One Else

Yamamoto has come to prominence in recent years, especially after she adopted a brighter combination of colors. The artist's release of prints and artistic figures made her a highly popular target among young collectors. For over twenty years, Yamamoto has been drawing mysterious child characters who either wear animal costumes on their heads or display stripe patterns or animal arms. These "animal boys" have captured the attention of many collectors.

Why is Yamamoto so passionate about drawing children? The artist reflected on her long-time childhood memories, "As a kid, I have always wanted to escape from anxiety and immerse myself in kindness. That is why I draw children wearing animal costumes to create an integrated image." Yamamoto's paintings convey a sense of sadness despite the adorable atmosphere. There is actually a child in everyone, although the child image may be disguised by grown-ups and the animals imply close, intimate connections. Some of the hidden childhood memories are sweet and funny, yet the bitter and painful ones can only be healed by time. Yamamoto preserves her childhood nostalgia by repeatedly drawing these paintings.

Yamamoto's early artworks were characterized by a somewhat depressive and oppressive style that often touched on the theme of life and death. She chose the image of little boys who do not exist in reality as the ideal theme in her paintings. The boys' silent look, adult-like expression, and story-filled eyes are reflections of the artist's unique soul. Yamamoto's paintings present a sense of temptation that brings viewers into her illusionary world.

A Lonely Child from Okayama Castle

Yamamoto was born in Japan's Okayama Prefecture in 1964. As the hometown of folklore hero Momotaro, Okayama is a historical mountain city that produces luxury fruits such as white peaches and grapes. In 1964, Tokyo hosted the Olympic games for the first time when massive railway construction and full-power economic development served as a turning point for Japan's rapid economic growth. The success of the 1964 Tokyo Olympics not only transformed Japan's image as a defeated nation but also rebuilt the faith of

Mayuka Yamamoto, SleepingSheep, 2008, Oil on canvas, 97 x 130.5 x 2.5 cm

Ravenel Spring Auction 2021 sold for USD 40,714

羅芙奧 2020 秋季拍賣會 成交價 TWD 960,000 Mayuka Yamamoto, LittleMountainGoatBoy, 2018, Oil on canvas, 45.5 x 38 cm Ravenel Autumn Auction 2020 sold for USD 33,684

ANIMAL BOYS

▲ 山本麻友香《月光熊》 2008 年 油彩 畫布 194 x 162 cm

羅芙奧 2015 春季拍賣會 成交價 TWD 900,000

Mayuka Yamamoto, Two Moon Bears, 2008, Oil on canvas, 194 x 162 cm

Ravenel Spring Auction 2015 sold for USD 29,173

▶ 山本麻友香《黑花》 2009 年 油彩 畫布 162 x 130 cm

羅芙奧 2022 春季拍賣會 成交價 TWD 1,200,000

Mayuka Yamamoto, Black Flower, 2009, Oil on canvas, 162 x 130 cm

Ravenel Spring Auction 2022 sold for USD 40,844

its people. In the previous year, the premiere of Osamu Tezuka's Astro Boy on Fuji TV reflected the Japanese people's hopes and visions for the future. By applying cultural branding and removing the label of cheap goods, Japanese enterprises strived to advance and create added values, promoting transformed Japanese brands to the world. By 1968, Japan's economic aggregate had exceeded Germany as the second largest economy next to the United States.

As Japan's economy took off, Yamamoto's parents also had to work to make a living. This social phenomenon has deprived this generation of Japanese children of parental care. Another example is Yoshitomo Nara, who was five years older than Yamamoto as he also grew up in a lonely household. While presenting one of her artworks, Yamamoto recalled, "I have a certain memory of when I was young; my parents always worked very hard, but Christmas was our family time together at home. It was a special day. Even now, when I smell the candles on a Christmas cake, my heart returns to my childhood as clear as if it were yesterday." (An excerpt from the exhibition introduction of GR Gallery.)

"It has been a long time since I was born, but those memories never flowed like a movie clip or musical melody. They seemed to be preserved in specific settings. A simple scene such as a flower or a smashed ladybug is paired with indescribable feelings that either soothed me or surprised me. These scenes do not come across my mind when I go grocery shopping or watch baseball games on TV. They only come when I am empty-minded. I thought about them, and I think this is how it works." (An excerpt from the artist's statement in the 2000 Japanese Print-Making encyclopedia)

These sentimental words expressed the unspeakable feelings and nostalgia in the artist's memories. "My artworks are based on personal experiences because I perceive art as an expression of small, private "events" rather than big decisions." "When I look at my own works, I feel somewhat sad, hopeful, and happy at the same time." These similar contexts reflect typical Japanese characteristics: elegance, modesty, perseverance, persistence, oppression, and caution. The qualities of such self-exploration are expressed silently through art creations.

From Printmaking to Oil Painting–Self-Pursuit in the UK

After graduated from high school in the 1980s, Yamanoto went school to Musashino Art University with a major in printmaking, graduated in 1990. Yamamoto held solo exhibitions at Tokyo's Ai Gallery and Gallery21+Yo in 1992. In the early days of her career, the artist focused on monochromatic portraits and prints that have a high standard for physique and outlines. After collaborating with Gallery Tsubaki on the New Expression in Print joint exhibition in 1992, the gallery organized Yamamoto's first solo exhibition in 1993 in recognition of her performance. Since then, Yamamoto has partnered with Gallery Tsubaki for three decades as they held solo and joint exhibitions annually in Osaka, Okayama, Gunma, and Fukuoka.

Other than gallery exhibitions, Yamamoto had also participated in the 1994 Modern Printing Exhibition at Shibuya's Shoto Museum of Art and the 1996 Modern Tokyo Printing Exhibition at Machida City Museum of Graphic Arts. She has also been nominated by the Prints Annual in recognition of her achievements in printmaking. However, the artist decided to change path from printmaking to oil painting in her middle ages. As she described, "I have always expressed my ideas through carving and printing, but those outlines no longer attract me as they start to look artificial." Yamamoto does not consider herself as a real printmaker. By transitioning to oil paintings, she is only switching to a different method of creation.

Since Yamamoto perceives painting as a fundamental hobby that eases her worries, the choice of media does not really matter. The artist has not completely given up on printmaking as she still occasionally creates some prints, but oil painting is a more flexible means of creation. Whether printmaking or oil painting, Yamamoto's early creations mostly adopted low color saturations that conveyed a sense of oppression and tension from the artist's relationship with her mother. According to Yamamoto, "I wanted to try some things that do not look healing. I wanted to draw unbalanced, contemplative images."

The artist debuted her oil paintings at Gallery Tsubaki in March 1998. In Laughing Mother, the white outlines depict a woman's hair and featureless face on a grayish green background. The earth tones demonstrate an oppressive emotion and unclear facial expression.

▲ 山本麻友香《森林裡的熊》 2009 年 油彩 畫布 162 x 130 cm

羅芙奧 2021 秋季拍賣會 成交價 TWD 2,400,000

Mayuka Yamamoto, Bear in Forest, 2009, Oil on canvas, 162 x 130 cm

Ravenel Autumn Auction 2021 sold for USD 86,580

Between 1998 and 1999, Yamamoto participated in the Overseas Artist Placement Program held by Japan's Agency for Cultural Affairs, by which she studied in the UK for one year. Having no idea about how to start creating art during this time, Yamamoto went to see exhibitions in search of inspiration and opportunities with interpretation assistance from her husband. Immersed in art creations from all over the world, Yamamoto was specifically attracted to the works by South African artist Marlene Dumas and artist duo Gilbert & George. Yamamoto was impressed and influenced by the unsettling and strange atmosphere in their paintings.

As the British writer Deborah Nicholls-Lee once said, "Sensuous but cerebral, cruel but tender – Dumas's work has overturned the aesthetic of portraiture, stripping back the veneer to reveal something loathsome and visceral but also sublime." The distortion and contradiction of life in her paintings were fascinating to Yamamoto. On the other hand, the challenges against traditional art, curiosity and focus on modern art, and enriched methods of expression in Gilbert & George's works have awakened Yamamoto's rebellious instincts inside.

The Dazzling Style of Yamamoto Mayuka

After returning to Japan from the UK, Yamamoto's painting style began to shift under the influence of Marlene Dumas and Gilbert & George. In terms of color arrangements, the use of a pale blue-green color tone added more depth to her portraits. Gilbert & George often explored the question of nihility and existence by creating expressive tension through expressionless portraits.

Based on the simple outlines in her previous prints and portraits, Yamamoto applied a transparent color tone to her oil paintings. Art critics have described her paintings to be filled with "an infinitely transparent blue, which is the color of childhood wonder and nostalgia." Yamamoto agreed that azure is her favorite color. She had imagined herself eating a poisonous mushroom and being able to see a beautiful world where everything is blue. Yamamoto gave birth to a daughter in 2001. The hardship, physical and psychological changes during pregnancy and child raising have inspired the artist to reflect on her own infancy and relationship with her mother.

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山本麻友香《蛋》 2006 年 油彩 畫布 130 x 97 cm

羅芙奧 2009 秋季拍賣會 成交價 TWD 660,000

Mayuka Yamamoto, Egg, 2006, Oil on canvas, 130 x 97 cm

Ravenel Autumn Auction 2009 sold for USD 20,522

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山本麻友香《粉怪獸》 2021 年 寶麗石粉樹脂 54/120

18( 長 ) x 14( 寬 ) x 31( 高 )cm

羅芙奧 2022 秋季拍賣會 成交價 TWD 180,000

Mayuka Yamamoto, Pink Monster, 2021, Polystone, edition no.54/120, 18(L) x 14(W) x 31(H) cm

Ravenel Autumn Auction 2022 sold for USD 5,884

After becoming a mother, Yamamoto created the "Animal Boy" in 2002. The character's pale and anxious eyes in the painting seem to seek answers from viewers. The nostalgic, ambiguous boy under the animal costume exists in dream-like memories. As Yamamoto wrote in the catalog of the Blue Flowers exhibition in 2009, "I embed elements in my works that can make people a little dizzy. If it works on me, hopefully views should feel the same."

THE DAZZLING

During her daughter's infancy, Yamamoto often carried the baby on her back while working. She could only start by drawing small drafts approximately 45.5 x 33.3cm (size 8P). When the baby fell asleep, she would carefully examine the drafts and magnify them to proper sizes–often 130.3 x 97cm (size 60P). This is why Yamamoto always has the same compositions available in different sizes. She kept this habit of creation until now even after her daughter grew up.

Yamamoto is favored by international galleries and collectors as she becomes more famous. Now she lives and works in her studio in Gunma Prefecture, which is not too far from Tokyo. Perhaps alcohol is an important element in easing the stress of life and work, Yamamoto claimed that she had to drink one bottle of liquor every day before she announced her decision to quit drinking on Facebook. Although she enjoys painting, Yamamoto said her acrophobia prevents her from creating large oil paintings high above the ground. In 2022, she created a rare, large-scale oil painting (size 150) in response to an exhibition request.

Yamamoto's largest oil paintings at auction houses were in size 150. There are six such paintings, while the exact number created by Yamamoto remains to be confirmed. Currently the artist's highest auction record is for And the Boat Ships on, one of the rare size 150M (145.5 x 227.3cm) paintings created in 2010, featuring an ocean view with natural landscapes, characters, and animals. Apart from this rare piece of work, most of the artist's high priced artworks feature adorable wide-eyed characters (created after 2015). The collectors find this adorable style to be favored by stressful urbanites. Other than oil paintings, Yamamoto still occasionally creates prints. In response to small value collectors' demands in 2019, the artist launched limited edition color prints that were immediately sold out upon release. Galleries had to make a draw due to the exceedingly high number of orders and inquiries. The highest auction record for prints is currently NTD $312,000 (US $11,255) from a transaction at Ravenel Taipei in fall, 2021. This price is close to that of size 60 oil paintings before 2019, demonstrating the artist's high level of popularity.

Yamamoto is among the list of artists named by "Hot Lots: 5 Female Artists Art Buyers Adored at Hong Kong's Autumn Day Sales"–an article published by Artnet News on December 8, 2022. The Appendix of this article "Top 20 Most Expensive Artworks of Mayuka Yamamoto Ever Sold at Auction" reveals that 17 of the records were sold in 2022. Despite a previous emphasis on male artists, female artists have gradually come to prominence in the art market with the modern rise in ethnic and gender awareness. Artists such as Rokkaku Ayako and Mayuka Yamamoto are in the process of becoming "blue chip artists." No wonder Yamamoto is the cover artist of the February 2023 issue of Art Collectors'. We look forward to seeing Yamamoto's brilliant works in both the primary and secondary markets in 2023.

DAZZLING STYLE

船漂流著 And the Boat Ships on 2010 Oil on canvas 145.5 x 227.3 cm

企鵝男孩 Penguin Boy 2019 Oil on canvas 130.3 x 97 cm

白狗男孩 White Dog Boy 2018 Oil on canvas 145.5 x 97 cm

預估價 Estimate TWD 1,900,000~ 2,800,000

成交價 Sold at USD 281,385

TWD 7,800,000

拍賣日期 Auction Date 台北羅芙奧 Ravenel, Taipei December 5, 2021

預估價 Estimate

HKD 200,000~400,000

成交價 Sold at USD 210,566

HKD 1,638,000

拍賣日期 Auction Date

香港佳士得 Christie's, Hong Kong December 1, 2022

預估價 Estimate

HKD 400,000~600,000

成交價 Sold at USD 177,538

HKD 1,386,000

拍賣日期 Auction Date

香港富藝斯 Phillips, Hong Kong November 30, 2022

小王子男孩 Little Prince Boy 2021 Oil on canvas 106.5 x 79.5 cm

企鵝男孩 Penguin Boy 2018 Oil on canvas 100 x 80 cm

鹿與藍色的熊 Deer and Blue Bear 2017 Oil on canvas 162.2 x 130.5 cm

預估價 Estimate

HKD 500,000~800,000

成交價 Sold at USD 160,540

HKD 1,260,000

拍賣日期 Auction Date

香港蘇富比 Sotheby's, Hong Kong July 8, 2022

預估價 Estimate

HKD 150,000~250,000

成交價 Sold at USD 160,525

HKD 1,260,000

拍賣日期 Auction Date

香港佳士得 Christie's, Hong Kong May 27, 2022

預估價 Estimate

HKD 300,000~500,000

成交價 Sold at USD 128,404

HKD 1,008,000

拍賣日期 Auction Date

香港蘇富比 Sotheby's, Hong Kong October 6, 2022

預估價 Estimate HKD 400,000~600,000

成交價 Sold at USD 176,649

HKD 1,386,000

拍賣日期 Auction Date

香港富藝斯 Phillips, Hong Kong

April 20 - 27, 2022 (Online only)

雪兔 Snow Rabbit 2020 Oil on canvas 130.3 x 89.4 cm 狼 Wolf 2015 Oil on canvas 97.5 x 130 cm

預估價 Estimate HKD 220,000~320,000

成交價 Sold at USD 120,419

HKD 945,000

拍賣日期 Auction Date

香港佳士得 Christie's, Hong Kong June 28 – July 7, 2022 (Online only)

白馬 White Horse 2017 Oil on canvas 194 x 162 cm

預估價 Estimate

KRW 190,000,000~ 300,000,000

成交價 Sold at USD 169,046

KRW 224,200,000

拍賣日期 Auction Date

香港首爾 Seoul Auction, Hong Kong November 29, 2022

熊貓 Panda 2017 Oil on canvas 103.3 x 97 cm

預估價 Estimate

TWD 950,000~1,600,000

成交價 Sold at USD 114,364

TWD 3,360,000

拍賣日期 Auction Date

台北羅芙奧

Ravenel, Taipei June 5, 2022

TOP 20 MOST EXPENSIVE PAINTINGS OF MAYUKA YAMAMOTO EVER SOLD AT AUCTION

製表 ／ 謝依廷 Tina Hsieh （Update 2023.02.03; Source: Artprice.com, Ravenel, Sotheby's, Christie's, Phillips, K-Auction, Seoul Auction）

預估價 Estimate TWD 850,000~1,000,000

成交價 Sold at USD 114,364

TWD 3,360,000

拍賣日期 Auction Date

台北羅芙奧 Ravenel, Taipei June 5, 2022

預估價 Estimate KRW 80,000,000~ 140,000,000

成交價 Sold at USD 106,082

KRW 136,880,000

拍賣日期 Auction Date

首爾首爾 Seoul Auction, Seoul June 28, 2022

預估價 Estimate

KRW 80,000,000~ 150,000,000

成交價 Sold at USD 104,290

KRW 139,800,000

拍賣日期 Auction Date

首爾K

K-Auction, Seoul August 24, 2022

預估價 Estimate

HKD 50,000~80,000

成交價 Sold at USD 100,156

HKD 781,200

拍賣日期 Auction Date

香港富藝斯與保利 Phillips & Poly, Hong Kong November 29, 2021

預估價 Estimate

KRW 80,000,000~ 140,000,000

成交價 Sold at USD 98,252

KRW 123,900,000

拍賣日期 Auction Date

首爾首爾 Seoul Auction, Seoul April 26, 2022

預估價 Estimate

HKD 100,000~150,000

成交價 Sold at USD 88,279

HKD 693,000

拍賣日期 Auction Date

香港富藝斯 Phillips, Hong Kong June 21, 2022

預估價 Estimate TWD 1,600,000~ 2,600,000

成交價 Sold at USD 86,580

TWD 2,400,000

拍賣日期 Auction Date

台北羅芙奧 Ravenel, Taipei December 5, 2021

預估價 Estimate

TWD 1,200,000~ 3,200,000

成交價 Sold at USD 86,303

TWD 2,640,000

拍賣日期 Auction Date

台北羅芙奧

Ravenel, Taipei December 4, 2022

預估價 Estimate KRW 80,000,000~ 150,000,000

成交價 Sold at USD 80,130

KRW 105,020,000

拍賣日期 Auction Date

首爾首爾 Seoul Auction, Seoul July 26, 2022

預估價 Estimate

TWD 1,100,000~ 1,800,000

成交價 Sold at USD 79,286

TWD 2,220,000

拍賣日期 Auction Date

台北羅芙奧 Ravenel, Taipei December 4, 2022

THE FAST FORM MANIFESTO

OF THIERRY NOIR

蒂埃里． 諾爾的快閃宣言

Text / 陳昱良 Iris Chen

Photo / Courtesy of Thierry Noir Studio

宇宙的平衡裡，蓄積的能量需要釋放，藝術創作亦然。街頭塗 鴉源自上世紀 70 年代紐約青少年掀起的次文化風暴，它改變了都會 的地理風貌，躍升為跨文化的視覺語言。延燒至 80 年代的歐洲，柏

林圍牆作為冷戰背景的產物，吸引各方青年創作者進行突擊性的創作 行動。 1958 年生於法國里昂的蒂埃里．諾爾（ Thierry Noir ），被視 為 80 年代第一位在柏林圍牆塗鴉的藝術家。他簡明的「頭像（ Head Motif ）」繪畫，時至今日，已成為蘊含多重精神的象徵符號。

諾爾於 1982 年搬至柏林，每日見荷槍實彈的邊境警員，巡邏於 「死亡地帶」。他自創的「快速造型宣言（ Fast Form Manifesto ）」， 即是催生自高壓的創作環境。僅一牆之隔，東德區執法人員強而有力 的嚇阻，激發流暢於水泥牆上的噴漆線條。諾爾 1984 年開始於柏林圍

牆上創作，兩年後來自美國的凱斯．哈林受邀前往創作，兩位先鋒的 相識過程，更所謂不打不相識，解開誤會後回歸和平友好。 90 年代至 千禧年後諾爾持續於德國創作，如同筆下鮮明色彩帶來的直觀感受， 他希望傳遞給大眾的精神是積極擁抱生命、自由與快樂。

塗鴉藝術數十年發展至今，學術機構已經普遍認可其反威權壓抑 的精神，視其為一種藝術創作型式，融入於都會風景。 2014 年倫敦最 富創造力與生命力的蕭爾迪奇藝術區，諾爾舉行首次個人回顧展，並 受邀於倫敦博物館繪製公共環狀壁畫。而倫敦西邊的阿克頓區，藝術 家高達 37 公尺的巨型壁畫豎立於天際線，為目前英國境內最高的藝術 作品。 2019 年紀念柏林圍牆倒塌的三十週年，由英國帝國戰爭博物館 主持邀請，諾爾與新一代藝術家 STIK 合作創作，賦予圍牆斷垣新的 意義與生命。

回應時代革新，諾爾的創作媒材不僅限於繪畫， 2021 年命名為 「 GOLD 」的 LED 動畫牆藝術計畫，巡迴於香港、上海、東京、首爾、 紐約、洛杉磯等十大國際都市。除了私人藏家收藏，公共收藏包含柏 林的盟軍博物館、華盛頓新聞博物館、俄亥俄州美國空軍國家博物館、 洛杉磯的文德博物館和倫敦的移民博物館等機構，都收藏諾爾的作品。

▶

值得關注的是，近年塗鴉藝術翻轉為顯學，在全球備受追捧，學術 與市場開始回溯更多的時代洪流遺珠，並給予切確的市場肯定和歷史定 位。如同諾爾 2014 年以後重回美術館與市場焦點，小型的畫廊展售或 拍賣紀錄，醞釀至 2021 年成長為各大國際拍賣公司，開始推動其二手 市場的拍賣紀錄，甚至是為其舉行特別展售會，希望聚集全球藏家的目 光，在諾爾新的創作系列。諾爾除了標誌型「頭像畫作」，其它彈奏樂 器、騎腳踏車、手持花朵為主題的畫作，都是極受愛好者與藏家歡迎的 題材。目前拍賣市場價格， 2022 年 5 月倫敦拍賣 11 萬美元為單件作品 最高成交紀錄。而小尺幅作品，單件成交金額也曾高達 6 萬美金。公開 市場的總體交易量，不包含私人交易，從 2021 年的 12 萬美金，突升至 2022 年的 104 萬美金。累積近九成為繪畫作品，成交地區集中於英國 倫敦，後也擴至於香港、首爾、東京等拍賣會上。如此迅速突發的成積， 也不禁令人好奇，諾爾這股「快速造型宣言 Fast Form Manifesto 」的上 升氣流，會帶動市場至何種的高度。

倫敦阿克頓區壁畫作品 ▼ 自由大道，洛杉磯

In 1982, Noir moved to Berlin and witnessed the armed border police patrolling the "Death Strip" every day. His Fast Form Manifesto was a response to the high-pressure creative environment. Just a wall away, the powerful intimidation tactics of East German law enforcement officers inspired the fluid lines of spray paint on concrete walls. Noir began painting on the Berlin Wall in 1984. Two years later, Keith Haring from the United States was invited to join him. Although the relationship between the two pioneers was initially marked by misunderstanding, it eventually developed into a great friendship. From the 90s to the start of the new millennium, Noir continued creating in Germany. Through the vivid colors in his artwork, he conveys a spirit of embracing life, freedom, and happiness to the public.

In the universal balance, release is needed for any accumulation of energy, as does artistic creation. Originating from a subcultural storm sparked by youths in New York in the 1970s, street graffiti changed the urban landscape and transcended to become a cross-cultural visual language. The movement spread into the Europe in 1980s, when the Berlin Wall, a product of the Cold War, attracted young artists from all walks of life to carry out guerrilla art movements. Born in Lyon, France in 1958, Thierry Noir is regarded as the first graffiti artist to paint on the Berlin Wall in the 1980s. His concise and simple painting, Head Motif, has become a symbol imbued with multiple spirits to this day.

◀ 全球藝術計畫 GOLD ▼ 諾爾與哈林於柏林圍牆

◀ 諾爾與 STIK 共同創作壁畫 ▶ 薩里山彩色屋，雪梨

Graffiti art has developed for decades and is now widely recognized by the academy as a form of artistic expression that incorporates urban landscapes for demonstrating the spirit of anti-authority. In 2014, Noir held his first solo retrospective exhibition in London's Shoreditch art district and was invited to create a public circular mural at the London Museum. In the Acton district in west London, a 37-meter-high giant mural by the artist stands tall in the skyline, making it the tallest work of art in the UK. In 2019, to commemorate the 30th anniversary of the fall of the Berlin Wall, the Imperial War Museum invited Noir to collaborate with the new generation artist STIK, to give new meaning and life to the remains of the wall.

As times changed, Noir's artistic media has since expanded beyond painting. His GOLD LED animation wall art project, which debuted in 2021, has toured ten cities including: Hong Kong, Shanghai, Tokyo, Seoul, New York, and Los Angeles. His works are collected not only by private collectors, but also public institutions, such as the Allied Museum in Berlin, the Newseum in Washington D.C., the National Museum of the United States Air Force in Ohio, the Wende Museum in L.A., and the Migration Museum in London.

In recent years, it is worth noting that graffiti art has become a globally recognized and prominent field. Both the market and academia are now examining previously overlooked works and providing more accurate market recognition and historical positioning. In 2014, Noir returned to the art museum and market spotlight. Smaller gallery sales and auctions had grown into major international auction companies that promoted his work in the secondary market. They even organized special exhibitions to attract global collectors to his new series of works. In addition to Noir's signature painting, Head Motif, his paintings also cover various themes, including playing musical instruments, riding bicycles, and holding flowers, that have proved popular among enthusiasts and collectors. In May 2022, a single work of his was sold for a recordbreaking $110,000 at a London auction. The public market transaction, excluding private sales, volume, skyrocketed from $120,000 in 2021 to $1.04 million in 2022. Nearly 90% of transactions consist of sales of paintings in London, UK. However, this has also since expanded to auction houses in Hong Kong, Seoul, Tokyo, and other regions. Without a doubt, there is currently much curiosity about how far the rapid rise of Noir's "Fast Form Manifesto" will drive the market.

Something You Might Not Know About Wine

關於酒瓶裡

那些你可能不知道的事

注酒圈動向的老朋友最近自然酒風靡全球，就連平時不太關 K 都在年末聚會時要求

的自然酒。

大家一人帶一瓶「喝多了隔天也不會頭痛」

然酒喝多了真的不會頭痛？是什麼讓我們喝了酒隔天宿醉頭痛？自

葡萄酒裡不只有葡萄

許多人相信，葡萄酒是一種以葡萄果實作為原料、經過簡單的壓榨 和發酵後，所得到含有酒精成分的汁液，純粹而自然。實際上，跟市面 上大部分的食品一樣，葡萄酒為了增加賣相、追求防腐保鮮，也需要各 式各樣的添加物與加工助劑。

舉例來說，在氣候寒冷的產區或是葡萄果實熟成度較差的年份，為 了要提高酒精度，使葡萄酒更加飽滿，許多釀酒師會額外添加糖分來輔 助發酵；相反的，在較為炎熱的產區，為了要平衡甜美的葡萄果實所帶 來的豐腴，釀酒師會添加酒石酸 (Tartaric Acid) 來創造酸度，為葡萄酒

增添骨架；若是當年度雨量過多，導致成品過於稀釋單薄，酒廠會使用 逆滲透機將葡萄酒的成分分離，移除多餘的水分；而為了要讓敏感的葡 萄酒能在跨國運輸和長時間的窖藏中降低劣化變質的可能，酒廠會添加 亞硫酸鹽 (Sulfites) 作為安定酒質的防腐劑，殺菌並抑止氧化。

許多添加劑則因應市場需求而生，舉例來說，許多消費者對於高酸 度較為排斥，為了軟化葡萄果實中自然存在的蘋果酸 (Malic Acid) ，釀 酒師會選擇在酒精發酵後加入乳酸菌進行乳酸發酵 (MLF) ，讓葡萄汁中 較為尖銳的蘋果酸轉化為酸度圓潤的乳酸 (Lactic Acid) ，使釀造出的葡 萄酒口感柔和；對於酒色混濁的產品，消費者一般來說接受度不高，因 此為了要讓酒液看起來澄澈，釀酒師會運用魚膠 (Isinglass) 、蛋清、澎 潤土等來進行沉澱過濾；有些酒廠認為市場對於深顏色的紅葡萄酒較為 偏愛，則可能選擇添加一種濃縮葡萄汁 紫米加 (Mega Purple) ，讓酒 色變得更為濃郁深邃。

葡萄酒酒標為何不需列出成分？ 當我們翻看食品外包裝，會看到鉅細彌遺的原物料與各種天然或人 工的添加劑成分列表；但有趣的是，當我們檢視酒標時，卻會發現除了 二氧化硫，即便所添加的其他加工助劑是完全合法的，並不會有任何標 示。歐盟委員會（ European Commission ）在過去數年來已多次針對是

否應修改這條對葡萄酒產業特殊優待的法案進行討論，許多人認為只 要添加劑在最終產品中仍具有活性，就必須視為原料，也必須在酒標 上清楚標示。

葡萄酒產業自然大力反對，他們認為添加劑與加工助劑或許確實 會在葡萄酒中留下些許蹤跡，但不同於一般的食品添加劑，這些加工助 劑通常不會在最終產品中扮演積極的角色。以為了提升酒精濃度而添 加了糖份的葡萄酒來說，所添加的糖基本上都在酵母的運作下變成了 酒精，在最終產品中以「酒精」而非「糖」的形式存在。這種說法與 歐盟在 2019 年 12 月推出的新釀酒規範不謀而合，其定義了可使用的 釀酒物質中的添加物和加工助劑，包含酶與澄清劑，糖並沒有被提及。 被放大檢視的二氧化硫 然而，在不需要標示任何加工助劑與添加劑的現下，為何僅有二 氧化硫的含量會被放大檢視，成為葡萄酒進口時必須抽驗的項目。美 國自 1988 年起、歐盟自 2005 年起，更規定所有每公升超過 10 毫克二 氧化硫含量的葡萄酒必須在酒標上加註「含二氧化硫」的字樣。退一 步來說，相較於其他加工助劑，二氧化硫是為相對必要的添加，在葡 萄酒釀造的各個階段皆因其抗菌的本質，扮演著重要的角色，例如當 葡萄剛開始進行發酵，二氧化硫可以攻擊並消滅存在於葡萄表皮上的 各種野生酵母與細菌，使釀酒師所選擇的特定酵母能發揮作用，讓葡 萄汁發酵出符合期望的葡萄酒風格；於清洗橡木桶與釀酒設備時酒廠 也普遍會使用二氧化硫，達到消毒的功效。此外，葡萄酒本身酒精度 並不足以殺菌，在釀造過程中也沒有啤酒發酵後的高溫蒸煮，因此特 別容易氧化，於裝瓶之際加入二氧化硫，則可使葡萄酒與氧氣隔絕， 防止葡萄酒氧化、顏色褐化，保有其迷人的姿態。退一步來說，即便 在不額外添加的情況下，二氧化硫也會於葡萄果實發酵中自然產生， 對於大多數的葡萄酒來說是為必然的存在。

然而，由於二氧化硫廣泛地被運用在各種加工食品當中，許多人開 始對於二氧化硫對於身體造成的負面影響感到擔心。

確實，二氧化硫是一種過敏原，若食入過多的二氧化硫，可能會刺 激腸胃道，引起噁心、嘔吐及腹痛等症狀，還可能誘發酵喘和過敏性疾 病。因此，二十世紀後期各國便對其允許最大使用量做出了嚴格的限制； 到了二十一世紀，大多數國家更是考慮到那些可能嚴重過敏的消費者， 強制要求在二氧化硫含量每公升超過 10 毫克的葡萄酒，於其酒標上標 註「含二氧化硫」的字樣。

二氧化硫就是酒後頭痛的元兇？

既然被特別關注，二氧化硫是否就是造成喝酒後頭痛的元兇呢？

事實上，由於酒精有利尿的效果，喝酒本身就會讓身體因為大量丟 失體液而缺水、甚而脫水，迫使各個器官從大腦中爭取水分來彌補自己 的水分損失，如此一來，便會導致大腦組織收縮，使人頭痛。

此外，葡萄酒為葡萄果實糖化發酵釀造，酒精濃度雖不超過 20% ， 但所包含的雜質相較高酒精濃度的蒸餾酒類來得更加複雜，對於體質敏 感的人來說，即便沒有過量，也容易造成過敏反應，頭痛便是常見的過 敏症狀之一。許多人認為，自然酒較不容易讓人頭痛，便是因為自然酒 基本上拒絕了釀造與發酵過程中的任何添加物，部分自然酒農甚至相信 酒中只要加入一丁點的二氧化硫都會有不同的表現，因此僅使用極微 量、甚或完全杜絕硫化物的添加。拒絕額外添加物、降低一切不需要的 雜質，這樣純粹的產品確實可能降低對於敏感性體質的刺激，減緩過敏 造成不適的機率，可以說酒本身的「純度」比起其是否「天然」或是否 為「有機」更為關鍵。

然而，有關自然酒是否真的因為其「單純」而減少頭痛發生的機率 並未有過嚴謹的研究證明，許多自然酒強調「未經過濾」，也就意味著

更多的微生物與蛋白質會被保留在酒液當中，採用野生酵母更可能增加 酒中的生物胺，而酪胺 (Tyramine) 曾被研究證實會導致頭痛和偏頭痛。 更甚者，沒有添加硫化物的酒質較不穩定，在國際運輸和酒窖保存上有 著較高的變質可能。這些，似乎又大大地讓自然酒是否喝了比較不會宿 醉頭痛打上問號。

無論如何，自然酒農強調的並非其「不會導致頭痛」的功效，而是 其純粹與自然，在沒有添加劑的輔助之下，自然酒酒農如何傾聽土地的 聲音，讓生長於特定地塊的葡萄果實，在未施加過多外力的釀造過程之 下，以最自然的樣貌展現在世人面前，而此近乎素顏的樣貌是否又足以 具有媲美妝後美人的實力，這才是自然酒農們不斷追求的最高境界。

Natural wines have gone viral these days. Even K, an old friend who usually doesn't pay much attention to the trend in the wine world, asked everyone to bring a bottle of natural wine that "won't give you a headache the next day even if you drink too much" to our year-end party. What make us hangover and having headaches the next day after drinking? Is it true that drinking even lots amount of natural wine won't give you headaches?

There's more than just grapes in wine

Many people believe that wine is a pure and natural juice containing alcohol produced from grapes, which undergoes the process of pressing and fermentation. In fact, just like most of the food in the market, wine requires a variety of additives and processing aids to enhance its appearance and preserve its freshness.

For example, in colder areas or in years that grapes aren't as ripe as expected, winemakers may consider adding sugar to aid fermentation to raise the alcohol levels and to make the wine rounder and more fullbodied. On the contrary, in warmer areas, to balance the richness of the already very sweet grapes, winemakers would increase acidity to create structure and backbone to the wine by adding tartaric acid. If there is

too much rain in the year and the finished product is too thin, wineries will then use the reverse osmosis system to remove excess water. Since wine is rather sensitive to temperature fluctuation especially during international transportation and long-term cellar storage, to lower the risk of going bad easily, sulfites are added as preservatives to stabilize the wine, killing bacteria, and preventing oxidation.

Many additives have been added in response to market demand. For example, many consumers don't like wine with high-acidity, to soften the naturally occurring malic acid in grapes, winemakers would choose to add lactic acid bacteria to undergo malolactic fermentation (MLF) after alcohol fermentation to convert the sharp malic acid in the grape juice into round lactic acid, making the wine taste softer. In consideration that consumers usually cannot accept wine that looks hazy and cloudy, winemakers would use isinglass, egg whites, bentonite, and etc. for fining and filtration to make the wine look clear. Moreover, some wineries believe that the consumers prefer red wines with darker color, so they may add Mega Purple, a concentrated grape juice, to make the wine denser and deeper in color.

Should wine labels list all the ingredients?

When we look at the packaging of every food we bought from grocery store, we can find detailed list of raw materials and the description of various natural or artificial additives. However, interestingly, when you look at a typical wine bottle today, aside from

a warning that it Contains Sulfites and the grapes it used, there's usually no mention of the ingredients, even if all the ingredients including additives are totally legal. The European Commission has been discussing whether to amend this special exemption for the wine industry in the past few years and believes that if the additives are still active in the final product, they must be considered as raw materials and clearly labeled on the wine label.

The wine industry strongly opposes to this and argues that while additives and processing aids may leave traces of compounds in wine, unlike food additives, these processing aids do not usually play an important role in the final product. Let's take sugar as an example. For the sugar added in order to increase alcohol levels, they are basically converted into alcohol through fermentation process, and exist in the final product in the form of "alcohol" rather than "sugar." This argument aligns with the new wine-making regulations introduced by the European Union in December 2019, which define the additives and processing aids allowed to be used in winemaking; enzymes and fining agents classified as processing aids, while sugar is not mentioned. Let's talk about Sulfites.

Meanwhile, where there is no requirement to label any processing aids or additives, why only sulfites is emphasized and scrutinized, becoming a mandatory checking item when importing wine? Since 1988 in the United States and 2005 in the European Union, the regulation of stating "Contains Sulfites" for wines containing more than 10 mg/l sulfites has been applied. Compared to other processing aids, sulfites is a relatively necessary additive and plays an important role in various stages of wine production due to its antibacterial characteristics. For example, during the fermentation, sulfites can attack and eliminate various wild yeast and bacteria rooted on grape skin, allowing the selected yeast to ferment the grape juice into the desired flavor. Wineries also commonly use sulfites for disinfection when cleaning oak barrels and winemaking equipment. Besides, the alcohol content in wine is not high enough as spirits to stay sterilize, and there is no process of boiling like in beermaking; as a result, wine oxidizes easily. Adding sulfites at the time of bottling can isolate the wine from oxygen, preventing wine from oxidation and the color from turning brown,

maintaining its charming appearance. Moreover, even without adding, sulfites will naturally occur during the fermentation process, which is an inevitable ingredient for most wines.

However, due to the widely use of sulfides in food and beverage industry, many people have begun to worry about its potential negative effects on the body. Indeed, sulfides is an allergen and excessive consumption may stimulate the gastrointestinal tract, causing symptoms such as nausea, vomiting, and abdominal pain, and may also trigger asthma and allergic diseases. Therefore, in the late 20th century, countries began to impose strict limits on their maximum usage. In the 21st century, most countries considering consumers who may have severe allergies and thus require the wine label to state "Contains Sulfites."

Is sulfites the main reason we get headache after drinking?

While sulfites stands out among the additives used in wine, is it the main reason behind headaches after drinking wine? In fact, alcohol itself is diuretic and can cause dehydration and even water loss, which can force organs to compete for water from the brain, leading brain tissue to shrink and resulting in headaches.

In addition, wine is fermented from grapes. Though the alcohol content does not exceed 20%, the ingredients are far more complex than distilled spirits with higher alcohol level. For sensitive people, even if they don't drink excessively, they may easily suffer from allergic reactions, and headaches would be one of the common symptoms. Many people believe that natural wines are less likely to cause headaches because they generally do not add any additives during production and fermentation. Some natural wine producers even believe that adding even a tiny bit of sulfites will affect the taste. Therefore, they only use very small amounts or even completely avoid using. By no additives and reducing all unnecessary ingredients, this relatively pure product may indeed reduce the chance of irritation for sensitive people and alleviate the probability of discomfort caused by allergies. It can be said that the "purity" of the wine itself is more critical than whether it is "natural" or "organic."

However, there has not been extensive and rigorous research to prove whether natural wine really reduces the chances of headaches due to its "purity." Many natural wines emphasize being "unfiltered," which means more microorganisms and proteins will be retained in the bottle. The use of wild yeast may also increase the biogenic amines in the

wine, and tyramine has been shown to cause headaches and migraines. Furthermore, wines without adding sulfites are less stable and have a higher risk of spoilage during international transport and cellar storage. All of these factors raise questions about whether drinking natural wine is really less likely to cause hangover headaches.

Overall, what natural winemakers emphasize is not its "won't cause headache effect," but the purity and naturalness of their wines. Without additives, natural winemakers listen to the voice of the land and allow the grapes grown on a specific plot of land express how they naturally taste like without excessive external intervention. Whether this natural appearance has the strength and inner power to rival that of a made-up beauty is the highest realm that natural winemakers constantly strive for.

在 Morgan Stanley 針對 2021 年瑞士製錶品牌外銷佔比所做的排名 中，雖然勞力士仍以 28.8% 獨佔鰲頭，長年佔據第二名的 Omega 卻跌 落至第三，而擠下 Omega 的不是別人，正是向來以珠寶商自居的卡地 亞。從 2020 年至 2022 年，卡地亞鐘錶銷售成長約 40% ，顯示卡地亞 新發表的產品如改版後的 Tank 與 Santos 系列正逐漸發揮效應，對年輕 客群吸引力越來越大。

新品的成功也讓更多玩家開始回頭去追卡地亞以往的作品，一向以 限量形式生產的 Crash 和主打細膩品質與複雜功能的 Collection Privée Cartier Paris 系列近來競標越來越熱絡，行情比起兩三年前成長七至八

倍。而在卡地亞將製錶重心移往瑞士之前生產，面盤上印有 London 或

Paris 字樣的款式更讓高端藏家趨之若鶩，在 2022 年底各大拍賣會上不

斷寫下紀錄，甚至衝到超過瑞士法郎 80 萬元之譜。即便不看超高單價

的拍品，卡地亞腕錶在中古錶市場依然極為熱門。已停產多年，具有翻

轉結構的 Tank Basculante ，過去一年半間在二手錶交易網站 Chrono24 的行情也成長兩倍以上，無論在高端或入門市場都可看出卡地亞逐漸強 勢的趨勢。

同樣在近期引起藏家興趣的，還有沉寂多年的 Daniel Roth 。與卡 地亞透過新品帶動中古錶行情的模式不同， Daniel Roth 在被寶格麗併 購後就沒有再繼續生產新錶，但 LVMH 集團去年下半年開始動作頻頻， 先後在法國、瑞士及日本等地註冊 Daniel Roth 商標使用權，並且架設 新品牌官網，行銷及產品開發總監 Jean Arnault 更在受訪時透露 2023

◀ 卡地亞 Crash 面盤上印有 London 字樣的款式 Cartier Crash London.

▲ 卡地亞 Crash 面盤上印有 Paris 字樣的款式 Cartier Crash Paris (Photo by relojesvintagemexico).

▼ Grand Seiko 44GS 55 週年特別調校版 55th Anniversary Specially-Adjusted Edition.

年集團將會有許多和 Daniel Roth 相關的大動作。消息一出立刻引起不 少討論，專家們認為 LVMH 有意將 Daniel Roth 扶植起來以補集團在頂 級複雜品牌領域之不足。近年 Daniel Roth 古董錶在拍賣市場競標越來 越熱烈，加上 LVMH 前幾次重新推出 Gerald Genta 腕錶引起廣大迴響， 藏家們認為 Daniel Roth 一旦品牌重生也將有類似效果，因此造就了一 波 Daniel Roth 收購熱潮，去年 11 、 12 月各大拍賣公司多數的 Daniel Roth 古董錶皆以超過預估價高點的金額落槌。然而儘管 Daniel Roth 值 得期待，集團如何操作與控制產量將大大影響其後勢發展，是否真具投 資潛力還需要時間驗證。

不只有歐洲品牌有新強權崛起，來自日本的 Grand Seiko 也在 12 月紐約的一場鐘錶拍賣中衝出一波教人驚豔的好成績。由一只 Kodo Tourbillon 恆定動力陀飛輪腕錶領銜，一系列 Grand Seiko 多數以超 過估價高點的金額成交， Kodo Tourbillon 更是賣出了遠遠超出該款式 新錶定價的金額。經過向品牌端確認，該只 Kodo Tourbillon 是 Grand Seiko 為了慈善而特別為該場拍賣設計，乃是 unique piece 。自從 2017 年 Grand Seiko 從精工旗下獨立出來自成一個品牌後，官方便有意地 持續透過拍賣市場建立其收藏價值，這次 Kodo Tourbillon 可說是操作 最成功的範例，同場拍賣中表現亮眼的 Grand Seiko 錶款如 1973 年的 「 V.F.A 」和型號 SBGK015 的亮藍面也皆是以品牌和拍賣公司直接配 合的模式進行。有鑒於 Grand Seiko 從 1960 年至今的一般款式在市面

上流通量不小，整個品牌的收藏價值尚需更長時間經營，現階段來看近 年的限量版或古董特別調校版仍是藏家們更中意的品項。

雖然品牌能左右藏家選擇，但是據羅芙奧精品部觀察去年各大拍賣 結果，款式及稀有程度也是決定最終成交金額的關鍵。 Cartier 、 Daniel Roth 、 Grand Seiko 和其他獨立製錶品儘管有越來越多亮眼數據加持， 但每一個錶款，甚至每一只錶的市場都不盡相同，比起勞力士或百達翡 麗等常年熱門的品牌，這些正在竄起的品牌需要更長時間研究與觀察， 卻也因此激盪出不同的收藏樂趣。

DANIEL ROTH

In the annual Swiss watch export ranking published by Morgan Stanley, Rolex remains the leader with 28.8% of market share, but Omega, which had held second-place finisher for years is now pulled down to third. As for the brand which beats Omega in the ranking, it is Cartier who was usually considered as a jeweler. From 2020 to 2022, Cartier watchmaking has grown 40% in sales, indicating its new products such as the renewed Tank and Santos are becoming more and more appealing to younger customers.

The success of current items triggers collectors to look for what Cartier has made in the past. Crash, which were always presented as limited edition; the Collection Privée Cartier Paris collection, which focused on high-quality complications, both are getting rather heated at auctions as well as 7 to 8 times pricier in comparison with their price realized a few years ago. Moreover, those produced before Cartier relocated its watchmaking business in Switzerland with "London'' or "Paris" stamped on the dials induce high-end collectors to make a beeline for them, one of which even sold for more than CHF 800,000 last year. Even if you skip pieces sold for astronomical figures, Cartier is still simmering in the preowned market. In spite of being discontinued for years, the hinged reversing Tank Basculante has grown more than two times more expensive in the past 1.5 years. It is without doubt that Cartier has become stronger than ever in both high-end and entrylevel market.

Collectors are also engaged with vintage pieces from Daniel Roth, who has been silent for more than a decade. Unlike Cartier, Daniel Roth stopped its production line since it was acquired by Bulgari. However, multiple actions have been taken in the second half of 2022, LVMH Group filed several applications for registration for the "Daniel Roth" name for use in France, Switzerland, and Japan as well as an official website under construction. Jean Arnault, Louis Vuitton's Marketing and Product Development Director revealed in an interview that some sort of big news regarding

▲ Daniel Roth 品牌重生的消息讓其歷史作品身價持續上揚

The news of the revival of Daniel Roth has made its works coveted.

▶ Daniel Roth 2147 Chronograph Skeleton 鏤空計時腕錶

2147 Daniel Roth Lemania Skeleton Chronograph.

▼ Daniel Roth 八日鍊陀飛輪腕錶 Daniel Roth Tourbillon 8-Days Power Reserve.

Daniel Roth would come in 2023. The news led to extensive discussions, and experts figured LVMH intended to bring up Daniel Roth in order to strengthen its grip in highly complicated watchmaking. Vintage watches from Daniel Roth have been quite popular at auctions in recent years. And since the occasional releases of new Gérald Genta watches from LVMH went viral every time, collectors suppose that Daniel Roth would generate similar effect once it revives. As such, most of the Daniel Roth watches at auctions in last November and December hammered for more than high estimate. Although Daniel Roth is highly anticipated, how LVMH manipulates the brand will greatly influence its future. It takes time to examine whether it is worth investing.

Aside from European brands, the Japanese watchmaking tycoon Grand Seiko fetched a series of great results at an auction in New York. Led by a Kodo Tourbillon- a constant force tourbillon wristwatch, most Grand Seiko watches in the auction were sold for more than high estimate. Hammered price for the Kodo Tourbillon was even way beyond its retail price. Upon confirmation with the brand, this particular Kodo Tourbillon was a unique piece, specially made for the auction on charity purpose. Ever since it went independent from Seiko in 2017, the brand has been deliberately building up its value through auctions. The Kodo Tourbillon is likely the most successful example. A 1973 "V.F.A" and a SBGK015 with blue dial are also offered by the brand, both with extraordinary results. Yet, Grand Seiko produced a large amount of watches since its debut in 1960, there are still quite a lot can be found on the market, thus the whole brand needs a longer period to run and reform its value. At this stage, limited editions and specially adjusted vintage pieces are still collectors' favor.

From Ravenel Luxury Division's point of view, although brands do affect how buyers purchase, models and rarity are the key to final price. Cartier, Daniel Roth, and Grand Seiko as well as other independent brands are performing more and more significantly in auctions, but each model, or more precisely, each watch is different. Compared to the hot brands like Rolex and Patek Philippe, it takes longer to research these rising brands, and it brings a different joy for collectors.

CARTIER COLLECTION

PRIVÉE CARTIER PARIS

▲ 搭配特殊面盤的限量版 Grand Seiko 是藏家們 比較偏愛的選擇

Grand Seiko's Limited Editions with special dials are collectors' favor

◀ 卡地亞 Collection Privée Cartier Paris 系列 Collection Privée Cartier Paris (CPCP) by Cartier.

「安縵」正在重新定義「曼哈頓」的精品豪華酒店。梵文「安縵」為「安詳與寧靜」的寓意， 正試圖在紐約這樣一個充滿鋼筋水泥的叢林城市核心地帶，挑戰「奢華」這個不斷更新和被超越的時尚名詞。

新與舊、東與西、天然與人造、水與火等多種對比與反差進行巧妙地平 衡和組合，創造出看似矛盾的雙向存在：每個設計細節均毫不費力地傳遞出 沉靜與寧和的安縵式精髓；正是安縵紐約為曼哈頓標誌性建築皇冠大廈建構 的寧靜殿堂。

「安縵」集團於 1988 年首次在泰國普吉島成立，一直保持隱密、寧靜 的定位和地理位置，被認為是一系列「隱於市」的頂級渡假場所。不過身為 奢華集團領頭羊的「安縵」近年嘗試積極都會的布局，繼 2014 年推出「安縵 東京」後，全球第二間「都會型酒店」選了安縵紐約（ Aman New York ）。

「安縵紐約」進駐紐約坐落於 57 街和第五大道交界處 著名百年地標「皇冠大廈」，由打造紐約中央車站的傳奇建 築大師 Warren & Wetmore 操刀；而長期合作的 Denniston Architects ( 丹尼斯頓建築師事務所 ) ，首席設計師 Jean-Michel Gathy 負責將曾經是現代藝術博物館 (Museum of Modern Art) ，這座代表紐約的建築進行翻新，希望在融合安縵獨特的東方 風情下，為紛擾的都市，打造一座隱蔽的心靈庇護所。

Text / 袁青

Photo / 安縵紐約 Aman New York

於 1921 年落成的皇冠大廈地位顯赫，且與紐 約上層社會淵源頗深，承載著美國鍍金時代的風 華，其新古典主義外觀、法國文藝復興風格的裝飾 細節，以及古堡式的高塔使其成為當今北美地區藝

術風格建築的典範。

1929 至 1932 年期間，大廈成為現代藝術博

物館的第一個家。 1983 年，照明設計師 Douglas Leigh 接受委託，以 30 加侖的液體黃金為大廈尖頂 鍍金，其皇冠般金光閃閃的頂飾成為皇冠大廈的標 誌。

安縵與 Denniston 建築事務所悉心考量了所有 歷史特色，採用年代手法，以雙體量公共區域的設 計來保留大廈宏偉堂皇的空間比例，務求構築雍容 大氣又不失私密親切的空間感。低調的金色細節搭 配特有的沉靜色調，貫穿了整個室內空間，彷如與 直入雲霄的金頂暗自呼應，讚頌著曼哈頓百年活力 的象徵。

坐落於歷史悠久的皇冠大廈內，雙重樓高的中 庭，完美彰顯大廈金碧輝煌氣派，堪稱藝術設計的 殿堂，設有色調淡然柔和的 22 間品牌私人住宅位於 大廈高層，而空間與內飾均冠絕全城的 83 間套房 則由層次豐富的設計和規畫中，讓身心遠離腳下都 市喧囂。安縵的亞洲血統與和諧設計語彙，將日式 簡潔優雅與溫暖的印尼手工藝融於一堂，啟發了極 簡的室內風格。毗鄰中央公園的皇冠大廈，大自然 成了創造都會裡營造舒緩氛圍的第三張設計王牌。

有機材質和圖案處處可見，為空間注入大自然 無可比擬的平和與寧神靜美感。橡木、核桃木和幽 香陣陣的肉桂木為飾面、地板、門和定製家具增添 動人光澤，而青銅、黃銅、不銹鋼和黑鋼則打造出 溫暖光暈與另類的細節魅力。

比利時藍與巧克力棕的大理石烘托出建築的陽剛色調，與軟裝、地 毯和藝術陳設的柔媚色彩形成陰陽平衡。未拋光的天然石塊保有紋理質 感，與木地板拼接成編織圖案，令人聯想起亞洲常見的藤籃。壁爐架則 飾以古老的亞洲工藝稻草鑲嵌。天然布藝壁紙令四壁熠熠生輝，花藝佈 置從日本傳統花道中汲取靈感，名副其實地將自然引入室內空間。

均以 15 世紀日本畫聖長谷川等伯的名作《松林圖》為靈感創作的 大幅壁畫，形成整面牆壁視覺焦點。壁畫完美地捕捉 1952 年被認定為 日本國寶，藏於東京國家博物館，日本最著名的畫作之一《松林圖》江 戶時代初期的風韻，仿彿為曼哈頓活力脈搏注入一絲低調優雅的靜謐。

有感於內外通透、流暢銜接的建築風格，安縵紐約在每間套房安 置了輕型折疊百葉門，可以靈活佈局，讓賓客自由切換。另外通過燈光 來調節氛圍：甚至創造出 loft 風格的闊居。大幅玻璃窗則從不同角度勾 勒出都市景觀；設有伸縮式玻璃天花板確保露台任何天候均可使用的創 新，對這棟古老大廈來說可謂充滿戲劇張力的建築奇觀。

安縵紐約還帶來了多個 " 首創 " ，占據 三層空間的 2300 平方米私密水療中心，純 淨、簡單的形態，營造頤養身心的環境， 包含開闊的雙人護理室、桑拿及蒸氣浴室、 冷熱瀑布池，戶外露台還設有長榻、小屋 以及壁爐。

但最令人稱道的亮點是酒店內位於 14 層的環繞式花園露台，綠意蔥蘢，全年均 可提供用餐體驗。這間史上首家設有安縵 俱樂部的酒店。包括位於 10 層的 20 米室 內泳池，兩間俱樂部休息室，一個 650 平 方米的戶外私人花園露台及雪茄室和酒 窖，會員可享受精心策劃的活動與體驗， 全然沉浸於安縵生活方式。

延續安縵品牌東西交織的雙重文化的兩家特 色餐廳，營造細緻入微的地域特色，同時兼具特有 的自然氣息的氛圍。明亮舒朗的 Arva 餐廳位於大 廈的東南角，是酒店內輕鬆愜意的意式料理餐廳。

餐桌、屏風和綠植圍繞著開放式中央廚房，區隔 出一系列用餐空間，而高至屋頂的頂級佳釀酒櫃 則佔據了西北方向的兩側牆壁。

Nama 餐廳是安縵對日本飲食傳統的禮讚，入 口處的方形岩石戲劇張力十足，室內設有高級日式 料理 " 廚師發辦 " 的專用檜木台，天花板和照明吊 燈呈現交錯疊加的視覺效果，本地藝術家 Melissa Hart 的作品引人遐思。

其他專為安縵紐約創作的藝術品還包括

Joseph Borde 的大幅畫作。墨色、薑黃和藏紅花等 天然日本顏料在天然纖維帆布上揮灑綻放，與 14 層電梯大堂的錘琢石面牆相映成趣。

57 街入口處的到達接待台上方陳設著巴西藝

術家 Domingos Totora 手工塑形、曬乾的雕塑。

此外， 14 層中庭的四個石柱之間懸掛著 Peter Gentenaar 創作的巨大雕塑。雕塑仿效東方燈籠的 造型，以竹子和紙打造而成。每件藝術品均以不同 的方式詮釋著洋溢亞洲靜恬風情的安縵精髓，正透

過安縵紐約（ Aman New York ），悄悄地為曼哈頓

核心地帶，注入一股「隱於市」的「安詳與寧靜」。

走進童話世界

「安徒生博物館」

新藝術體驗

「從一個小世界，突然擴展到一個更大的宇宙。」

隈研吾 ( 建築師 )

Text / Ethan

Photo / Hans Christian Andersen Museum

甚至連丹麥人都說，「隈研吾再次向我們詮釋了，有時只有 離開家鄉才能找到家的感覺。」

日本建築師隈研吾所設計的「安徒生博物館」（ Hans Christian Andersen Museum ）選在作家安徒生故鄉丹麥 歐登賽（ Odense ）落成，首開博物館的先河，也讓淺顯易見 的童話中蘊含深刻哲理，落實成為人類成長的共同閱讀記憶。

閱讀安徒生故事陪伴了孩子的童年，開啟對世界的想像， 從《賣火柴的小女孩》感受人情冷漠、《美人魚》沒有結局的 愛情、從《國王的新衣》認識虛偽的愚蠢，看似看淺顯卻蘊含 深刻哲理的童話，成為人們共同的成長記憶。

以童話大師安徒生文學世界為藍本，作為一個完全藝術 的空間。一座重新思考如何講述安徒生生平和作品的全新博物 館，將景觀、建築和現代展覽設計融為一體，將童話想像詮釋 於空間，透過建築、聲音、燈光和一系列影像，以嶄新的視角， 獨特的體驗，「藝術」，創造了一個與安徒生童話全新邂逅的 契機。

隈研吾思考的是安徒生對空間的建構－由上而下、由小入 大，擴展成更遼闊的世界，套用在空間規劃上的博物館，為遊 客帶來更連貫的體驗。建築有三分之二的體積皆位於地下博物 館，與周圍魔法花園交織充滿了魔幻氛圍。俯瞰園區時，看見 花園宛如童話迷宮一般，鬱鬱蔥蔥的綠意一圈又一圈，像是建 構了一條帶領人們進入奇幻世界之路，善於打造自然風格的隈 研吾，採慣用的木材，替安徒生博物館奠定一種輕鬆愜意，無 論浪漫或是迷幻皆油然而生的感受，彷如安徒生童話故事中的 魔法來到真實世界，成為栩栩如生的體驗。

建築設計的背後概念，類似於安徒生的敘事方式，靈感來自安徒生 童話中「打火匣」（ The Tinder-Box ）的故事；一位和巫婆相遇後，從

樹洞進入三個神秘房間的士兵，取得打火匣和數不盡的財富。隈研吾解 釋 " 建築設計的理念運用故事中的空間觀，從微小世界中，突然擴展到 更大、更遼闊的宇宙概念。 "

博物館圍繞童話故事展開，與丹麥建築事

務所 Cornelius Vöge 和 MASU Planning 合作，運用最新科技和設計手

法，建造一個提供想像力、好奇心，又帶點魔幻的藝術空間，這座安徒 生概念博物館，面積共計 9000 平方公尺，佔地 5600 平方公尺的博物館

建築外觀為弧線形，包括一座親子體驗中心、花園和一座有三分之二在 地下的博物館，與丹麥建築事務所 Cornelius Vöge 和 MASU Planning 合作，運用最新科技和設計手法，建造一個提供想像力、好奇心，又帶

點魔幻的藝術空間，咖啡廳和販售紀念品空間位於地上層，而地下層和 迷人花園為基礎的展覽區被視為一個奇幻生動的建築景觀，意義非凡。 圍繞童話故事展開的花園、親子中心和展覽，博物館透過 安徒生的藝術敘事方式，由國際經驗豐富的英國設計公司 Event Communications ，邀請 12 位國際各領域的藝術家透過聲音、燈光、 影像等展覽手法，引領來到「童話森林」的情境；丹麥剪紙藝術家 Veronica Hodges 取材來自《拇指姑娘》創作燕子裝置；享譽國際的巴 西裝置藝術家 Henrique Oliveira 以回收木材製作三 D 雕塑的大型樹木 等，呼應安徒生世界及其核心價值的呈現，將文學世界的經典元素展現 於實體裝置藝術，形成一個由平面閱讀連貫到聲光和影像所構築的整體 體驗。

博物館負責人 Torben Grøngaard Jeppesen 表示，對耳熟能詳安徒 生童話，博物館並不是重述這些故事，而是啟發人們進一步閱讀。博物 館與英國超過 25 年專門為定格電影製作木偶製作人安迪．根特 (Andy Gent) 攜手合作，將在《堅定的錫兵》、《小美人魚》、《白雪公主》 和《賣火柴的小女孩》的童話故事中體驗安迪．根特的木偶，作為展覽 的一部分。

其中，透過音樂講述獨特故事的音頻體驗，就像安徒生一樣，真實 感人的創作對兒童和成人同樣具有不可抗拒的吸引力；由屢獲殊榮的丹 麥作家 Kim Fupz Aakeson 和美國作家 Daniel Handler 共同創作，此外， 加上以音樂敘事而聞名的丹麥獲獎作曲家 Louise Alenius 的四首原創作 品，這位曾演繹過安徒生的《夜鶯》、《雪之女王》、《醜小鴨》和《小 美人魚》和融入西班牙插畫 Sandra Rilova 感性的插畫的視覺部分，在 獲獎藝術家和短片導演 Timothy David Orme 等人製作的全方位動畫電 影的加持下，任何人都可以更輕鬆進入安徒生富有想像力的心靈故事。

如博物館創意總監 Henrik Lübker 所言 " 安徒生 的藝術世界是奇妙的，它顛覆了人們對世界原本的想 像；童話不再只是刻板的神幻奇想，而是直指世界的 特殊和多樣化 " 。世界多麼險惡；生存環境多麼困頓；

數位網路世代多麼虛幻；歡迎來到安徒生的童話世界。 希望讓每一位走進來的人都能找到自己與安徒生故事 的情感連結，感受生動的體驗，或許，今天，人類真 的需要一點魔法的幻想吧。

五大傳奇珍藏男戒

瑰麗非凡的傳奇珍藏戒指，就像時代象徵到 藝術的尋寶獵奇；如果以不同層面的美學文 化探索；一如記載著個人風格演化過程，亦 或閱覽一本無盡祕辛情感的男人日記。

Text / 伊森 Photo / L'ÉCOLE 珠寶藝術學院

來自已故法籍收藏家兼藝術古董商 Yves Gastou 近 40 年 來的戒指收藏，包括 17 世紀威尼斯總督指環、古埃及戒指、 18 世紀常見的琺瑯、 19 世紀「 memento mori 」骷髏頭、 1970 年代美國飛車黨、甚至是當代藝術傑作。

透過這些曾由主教、帝王以至鐵騎士和搖滾巨星配戴的百變 戒指，足以探索男士與珠寶之間象徵著婚盟、信仰及權力。

尋寶獵人的心頭好，穿梭跳蚤市場、拍賣、珠 寶商和工廠庫存，檢自旅程中尋覓，經歷不斷累積 和冒險，一一從收藏中探索線索。帶著收藏者夢想、 耐人尋味的謎團和銘心刻骨的回憶，這些琳瑯滿目的 戒指背後各有故事，仿如一本無盡祕辛的男人日記。 由「歷史遺痕」、「哥德風格」、「神秘主義」、 「虛空浮華」及「多元美學」 5 個主題貫穿的藏品： 闡述男士珠寶的文化和歷史，感受有關現代男士配 飾，由 1820 年代開始，以及它如何隨著時日變遷而 改變的演進。

自遠古時代，男士已配戴戒指。已知最古老的戒指源自美索不達米亞和 埃及。自 18 世紀，年輕的貴族，上溯文化根源，帶著教化自身學養意義的「壯 遊」，走訪義大利和希臘文明遺址，並將沿途搜羅的文物帶返家鄉。這些貴 族子弟流行配戴珠寶，鑲嵌凹雕或浮雕寶石，以至從遺跡中發掘出土的古錢 幣的戒指，反映著新古典主義的美學藝術。

特別是 1930 年代至 1950 年代，受到路易十四至路易十六的「裝飾藝術」

或建築的影響。威尼斯總督指環是至高無上的權力象徵：覆以金屬頂蓋和浮 雕刻紋的鏤空戒指，設計了一個可貯藏火漆蠟的玄機，只要受熱，即可將戒 指作為書信加蓋蠟封的私人印章。

總督指環裡亦曾暗藏毒藥，這種不動聲色將敵人剷除的法寶源自拜占 庭，曾在文藝復興時期的威尼斯大行其道！ 鐫刻於紅玉髓上的橢圓形凹雕 圖案呈捲葉狀，上有風格化的紋章，代表威尼斯總督的家徽。一直到 1797 年拿破崙攻陷威尼斯為止，歷屆總督都透過這些紋章圖案的指環鞏固權威， 確立對外宣戰、指揮軍隊、主持公義，以及委派公職及神職人員的城邦治權。

這些代表個人權力象徵的總督指環於 19 世紀鑄造，指環上刻有其家徽 圖案，至於個別總督的名字，則可在錢幣上找到。

這枚珍稀的黃金圖章戒指是巴黎珠寶世家 Duponchel & Cie 的作品，鑲嵌一塊四瓣形青金石，上有「 Deo Juvante 」(「上 主保佑」 ) 的銘刻。戒指兩側各有天使雕像，分別手持寶劍和 十字架。戒環的內側鐫刻「 July 20, 1850 」(「 1850 年 7 月 20 日」) 的日期，與巴黎公爵腓力 (Louis Philippe Albert d'Orléans ， 1838–94) 於倫敦的法國天主教堂初領聖餐的日期吻合。

在巴黎公爵殿下和公爵夫人的遺產中，存有另一枚一式一 樣的戒指，鐫刻顯示的日期為「 1853 年 6 月 2 日」。建築師及

劇場泰斗 Henri Duponchel (1794–1868) 與珠寶金工匠師 JeanValentin Morel 在 1842 年至 1846 年間合作無間，創辦的珠寶 公司 Morel & Cie 在巴黎享負盛名，融會異國情調和奇幻意象， 充分體現醉心古代藝術的美學品味，很受青睞。

戒指顯示 19 世紀的美藝潮流深受「歷史主義」影響，特別 是中世紀時期。 Jean Valentin Morel 、 François-Désiré FromentMeurice 、 Jules Wiese 和 Wagner and Rudolphi 的作品，均彰顯 當時對新哥德珠寶情有獨鍾。

自 11 世紀起，戰士開始按家系傳統於馬背上展示其家族 紋章，甚至將家徽穿在指間。

經過數百年的演化，這些同時充當圖章的戒指愈趨裝飾華 麗，成為社會地位的象徵。這些手工藝品如同婚戒，宣示擁有 者的角色和身份，昭告代代相傳的權力，亦是家族歷史的見證。

「哥德」復興運動始於 18 世紀末，最初流行於深受浪漫 主義薰陶的英倫，至 19 世紀上半葉席捲整個歐洲。「新哥德 風格」是抗衡古典主義的反文化，強調每個人的獨特性，對 超自然現象情有獨鍾。哥德美學大盛於 12 至 13 世紀，對建 築的影響尤深，主要體現於歐洲中世紀的大型宗教及民房建 築，包括聖但尼聖殿主教座堂 (Basilica of Saint-Denis) 、科隆 大教堂 (Cologne Cathedral) 、溫莎堡 (Windsor Castle) 等。當 中最具代表性的作品是巴黎的聖禮拜堂 (Sainte Chapelle) 和聖 母院 (Notre-Dame) ，後者啟發 19 世紀法國大文豪雨果 (Victor Hugo) 寫下巨著，令哥德風格再度風靡歐洲。

「新哥德」華麗的風格將原來的哥德式裝飾再度昇華， 倫敦的西敏寺 (Westminster Abbey) 就是一例。這股復興中世 紀技術的風潮同樣出現在冶金工藝上，凹雕、烏銀和琺瑯等元

素，為當時的珠寶作品增添封建時代的色彩。這枚戒指類近 Alchemy Gothic 的作品。戒指上有地獄之門守護獸的雕像，形 如長有翅膀的巨犬，結合希臘神話中的地獄三頭犬刻耳柏洛斯 (Cerberus) 及滴水嘴石獸為一體，在哥德教堂外牆上，與天使 和怪獸構成景。

這枚由法國珠寶藝術家 Lydia Courteille 創作的戒指，約成 於 2006 年，以當代美學演繹十字軍主題，裝飾細節帶有日本 漫畫風格。戒指鑲嵌一顆碩大的紫水晶，深邃的紫色表示寶石 品質上乘。寶石表面綴有一把鑲嵌鑽石和紅寶石的武士配劍， 兩側的王冠和底座上的拉丁十字，象徵中世紀的騎士精神。戒 指邊緣鐫刻拉丁文「 Vox populi, vox dei 」 ( 人民的聲音就是上 帝的聲音 ) ，呼應傳教士號召信眾加入十字軍的口號。

自 13 世紀起，參與這些武裝朝聖隊伍的信徒一律被稱為 「十字軍」。他們暗地裡懷有政治和經濟目的，意欲削弱回教 勢力對歐洲基督教世界的威脅，阻止穆斯林國家蘇丹的海上貿 易擴張，特別是連接遠東和印度的路線。十字軍獲得教宗以及 「紅鬍子」腓特烈一世 (Frédéric Barberousse) 和聖路易 (Saint Louis) 等君王支持。分別發生於 1095 年至 1270 年間，一共八 次東征，對歐洲社會，特別是法國帶來重大影響。

神秘主義

無數漾溢神秘靈光的戒指，是最能反映藏品主人不拘一格的 「巴洛克」個性，將追求稀世珍品的熱枕，結合對基督完美形象 的嚮往，綴以一絲幽默的戲謔，猶如導演費里尼充滿世俗色彩的 世界。

這枚成於 20 世紀初的主教指環附有可調校的內環，方便於 儀式時套於手套外，或平日直接戴在手指上。磨砂表面鏤刻的花 卉和藤蔓圖案及戒肩上的太陽花都是永生的象徵。 7 世紀時，基 督教神學規定主教配戴的戒指必須以黃金鑄造，並鑲嵌一顆未經 鐫刻的寶石。這些由身居教會要職的主教配戴的戒指，象徵與上 帝的神聖結合，通常鑲嵌表面圓滑的瑪瑙、黃水晶、白水晶、石 榴石和紅寶石。

相傳能驅除惡念和邪靈的紫水晶，與主教服飾的色調吻合， 是主教寶石的不二之選。考古學家 Didron Aîné 在《 Archeological Annals 》 ( 考古紀， 1846 年 ) 中以詩意的筆觸寫道：「紫水晶由 最討喜的紫藍、粉紅及紫紅色調匯集而成，但顏色不致過於濃烈， 與孩童的謙恭、處子的端莊和基督的大愛彼此呼應，後者與其拉 丁詞彙 (largitas) 皆帶有慷慨的本義，所指的是揚棄自我的精神， 跡近慷慨就義的殉道者，紫水晶象徵西布倫 (Zebulon) ，是聖馬 太和幾位基督使徒的祖先，以無比謙遜的個性而聞名。」

這枚戒指鑲嵌一顆碩大的黃水晶，形如聖光輪，以精心鐫 刻的一排黃金圓珠圍攏。戒指上有著名珠寶世家 Mellerio dits Meller 的印記。 Mellerio dits Meller 被譽為歷史最悠久的巴黎珠 寶商，自 18 世紀起一直是教廷和宮廷器重的供應商。這枚戒指 見證著主教們仍爭相配戴頂尖珠寶傑作的年代。

無論是作為飾品還是聖物，如此古老的主教指環今天已成為 收藏家趨之若鶩的珍品，因美麗的外觀、神秘的吸引力和精巧細 緻的造工而備受青睞。無論是信徒還是無神論者，來自全球的收 藏家皆臣服於其魅力之下。

自盤古初開，人類對死亡一直既著迷又懼怕。歷代的 藝術家，無不透過作品探索死亡。一如拉丁格言「 memento mori 」 ( 即「勿忘你終有一死」 ) 所述；也許，佐證了我們

對未來無所畏懼，擁抱「 carpe diem 」(「活在當下」) 的哲學。

這兩枚戒指同為英倫「悼亡戒指」，是 18 世紀晚期至

19 世紀初的作品，一枚以鏤空的黃金鑲嵌浮雕寶石，另一

枚黑銀合戒指的戒環刻有金棕櫚紋、戒面鑲有真髮，活現當 時流行的精湛工藝。面對親友過世，為了不願遺忘，人會選 擇製作工藝品，就如輓歌和悼辭般，這些悼念珠寶的誕生是 為了排遣對愛人已逝的哀愁。「悼亡戒指」在 16 世紀開始 盛行於英格蘭，這股風氣隨後吹遍整個歐洲大陸。戒指上鐫 刻故人的名字，部分更藏有逝者的一綹頭髮及 / 或肖像。

這枚浮雕寶石戒指以圓弧的構圖勾勒骷髏舞 (danse macabre) 或死神之舞，是珠寶藝術家 Marc Gassier 的 作品，以法國高級珠寶的傳統造詣，重新演繹文藝復興 (Renaissance) 及巴洛克 (Baroque) 時期的虛空浮華藝術美 學，是巧奪天工的當代珠寶傑作。

「虛空」藝術常見於墓葬建築，作品包括骷髏吊燈， 以令人毛骨悚然的現實手法再現亡者的形象。這些以骨架組 成的燈飾常見於地下墓穴 ( 如巴勒莫 ) 及埋骨塚 ( 如捷克共 和國的塞德萊茨 (Sedlec) 人骨教堂 ) 。這枚懾人的戒指同樣

以一群骷髏組成複雜構圖，猶如描繪但丁 (Dante) 與維吉爾 (Virgil) 同遊冥界的藝術品。

黃金戒指上搬演的舞蹈，呼應中世紀玄秘劇場的死神之 舞主題，圖案中描繪死神奪去人命的畫面。哪管貧富賢愚， 終究無一倖免。死神之舞強調生命的虛幻和短暫；數百年來， 同樣的信息在無數壁畫和浮雕中不停重複。著名作曲家聖桑 (Camille Saint-Saëns) 於 1874 年將骷髏舞譜成活潑的華爾 茲舞曲，以音樂捕捉藝術家筆下的瘋狂意象，一如詩人蘭波 (Rimbaud) 所言：「人生是我們被迫忍受的一場鬧劇。」

音樂盒戒指

好奇是一股求知若渴的欲望，驅策不歇地發掘美的體現。

這枚內藏音樂盒的戒指，驅動機芯的齒輪呈花冠狀，點 綴戒指表面。戒指為 19 世紀末的作品，以黃金及白銀鑄造， 左右兩側的戒肩分別鏤雕成男、女像柱造型。音樂盒是 18 世紀末的產物，由日內瓦鐘錶匠福爾所羅門 (Antoine FavreSalomon ， 1734-1820) 發明。

早期音樂盒呈圓筒狀，其上的突刺在圓筒轉動時撥敲預 先調音的音梳，從而發出樂聲。但至今未曾發現有任何同代 的器物裝配音樂盒。至 1802 年，來自瑞士茹河谷 (Vallée de Joux) 的鐘錶匠 Isaac-Daniel Piguet 將這發明嵌入戒指、懷錶 等珠寶飾品中。其時，音樂盒蔚然成風，成為不諳樂器的大 眾欣賞音樂的少數途徑之一。

最初，它們只屬貴族和富豪的玩意，至 19 世紀後期才在 民間普及。音樂盒的技術逐步改進，使得聲效和音韻漸趨多 元化，亦簡化了生產的方式。這枚戒指是少數將奏樂機械融 入珠寶的作品，特別彌足珍貴。

YVES GASTOU 人物 關鍵

知名的藝術、設計及家具古董商，在巴黎聖日 耳曼德佩區生活與工作了 40 年。 Gastou 以收藏家 身份活躍於過去半世紀，憑經常留意到被人忽略的 藝術設計細節而聞名。身為拍賣師之子及母親對他 敏銳美學眼光的培養， Gastou 擁有對過去裝置藝術 的非凡知識，同時具有探索未知當代領域的勇氣。

「數位時代把所有的東西整合在一起，也 意味著更多分享，」 LOEWE 創意總監 Jonathan Anderson 對於身處藝術與時尚互相啟發的年代，反 而更加謙虛。並且將豐富多元的藝術性格融入設計。

強調自信，率真且不做作的幽默； LOEWE 選 擇從藝術切入經典的策略，一系列春夏色彩的靈感 來自中國釉陶瓷骨董，既保有品牌獨特又創造了差 異性。非常令人驚艷。

單色釉陶瓷燒是清明兩朝的世代傳承。要求非 常嚴格，不斷精煉下，始能得出充滿大自然韻致 –

淡茄紫、茶葉末及粉青等充滿詩意的單一彩色的韻 味與感染力。分別印上瓷器圖案的 T-shirt 及衛衣， 以及系列皮件的特殊色調，展現融合人類文明，宜 古宜今的美感。

中國釉瓷色 LOEWE 時尚解密

LOEWE 特別邀請包括陶瓷家鄧希平及 Natasha Daintry ，以及北京故宮博物院教授兼研究員王光堯 等專家，製作一部了短片，介紹中國單色釉陶瓷的 歷史文化及藝術價值。還誠意十足地資助目前中國 唯一一所提供陶瓷學科的景德鎮陶瓷大學，開設全 新釉陶瓷教育項目，讓這項色彩文化得以傳承並且 更為精進，意義非凡。

給你全世界

LVMH 旗下 57 個品牌在 15 個國家及城市向全世界 敞開 93 個大門，邀請大眾一起探索及體驗， 精品幕後多樣性的文化和精湛技藝如何成就美麗的故事。

你會怎麼看待「奢華」的意義 ? 對於這個似乎老是擺脫不了負面形象的形容詞，某種 程度卻也是所謂精品業的一種宿命論。

進入 Z 世代的今天，品牌也驚覺面對不同世代的市場定位和話術也因為價值觀及文 化差異而產生截然不同的訴求。但即使受到網路傳播，立即性且無遠弗屆的社群媒體， 強調視覺性和置身實境秀的名人效應推波下，借由難忘的非凡體驗才是養成忠誠度最靠 譜的行銷。 LVMH 形象與環境部總監 Antoine Arnault 發起一項向全球開放的免費參觀活 動；旨在借由精湛工藝和文化歷史傳承讓人臣服於精品門檻的見習。

後疫情回歸，透過名為 Les Journées Particulières 的活動深入了解 LVMH 精品集團來 自：工作坊、葡萄園、豪宅、家庭住宅、歷史悠久的商店更試著重新訂義「奢華」的意義。

FASHION GROUP

Text 、 Photo / Eddie

Text / 方紅 Photo / LV

為期 3 天的活動，從法國、義大利、阿根廷、西班牙、瑞士、 英國、紐西蘭、美國和日本⋯等。包括獨特工藝展示、工作坊、品 酒會、藝術展覽、音樂會、歌劇、座談會⋯集數千名工匠，—製 表師、服裝設計師、香水調香師、鞋匠、釀酒師、珠寶商、裁縫師、 廚師等等的專業導覽介紹，領略精湛的工藝。

從巴黎蒙田大道，佔地近 2000 平方米的博物館迪奧之家揭 幕，在導覽 Dior 畫廊中看見 Dior 的獨特工藝。在蘭斯， Maison Ruinart 歷史最悠久的香檳酒莊中，透過專業釀酒師的指導，體驗 祖傳釀酒技術。在世界香水搖籃格拉斯 (Grasse) ，一座建於 1640 年的典型普羅旺斯建築的「嗅覺天堂」，學習重新打開嗅覺感官 的香水創作藝術。

走進巴黎市中心剛剛完成修復的神秘百貨公司 Samaritaine Paris Pont-Neuf ，欣賞這座歷史古蹟是如何進行修復。或私人豪宅 般歷史悠久的沙龍中，工匠們如何揭開 1780 年誕生的 Chaumet 高 級珠寶獨一無二的珠寶工藝的秘密。

繼續展開的旅程，來到陽光明媚的普羅旺斯中心 Château d'Esclans 。參與者可以欣賞最純粹的托斯卡尼風格建造的 19 世紀 中期別墅，並沉浸在葡萄園裡不同的葡萄品種和參觀桃紅葡萄酒 酒窖，釀酒師分享並解說高品質葡萄酒特殊發酵的專業知識及微 妙之處。威士忌呢 ? 探索蘇格蘭 Glenmorangie 釀造過程，木桶灌 裝示範和其他調酒課程。當然，同時有機會品嚐由高地釀酒師提 供的威士忌與搭配食物的心得。

之前才納入 LVMH 精品集團的 Tiffany & Co. 首次向大眾開放 18 個工作台，一窺最具標誌性系列珠寶設計的製作和誕生。也是 首次參加 Les Journées Particulières 的 Loewe 展示了重新評估舊廢 料環保再製的秘密，該計劃印証了「永續時尚」對地球的承諾。

在建於 17 世紀羅馬的 Palazzo Fendi ，也是世界第一家店內設

有皮草工作室的 Fendi 精品，親眼欣賞皮草工匠的技藝。第一次對 外開放位於加拿大劍橋，唯一擁有雙重技術的 Rimowa 行李箱主要 生產基地，了解標誌性的鋁製和聚碳酸酯手提箱背後的工藝。最 後，來到位於京都 L'Officine Universelle Buly 精品店的書法藝術 研習會，練習用毛筆為此次一系列活動畫上句點。

第五屆 LVMH Les Journées Particulières 吸引了超過 20 萬 名 參觀者，在 15 個國家和地區， 93 個開放的地點體驗多元文化的精 神，意味著是什麼造就 LVMH 集團旗下 57 個精品品牌美麗的力量： 如何從世界上獨一無二的工藝和文化遺產中，實現人類文明進步 的夢想，也許正是我們深刻體認 LUXELY 的承諾和時尚完成永續 使命的最好見証機會。