RELIGIÓN
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EL ARTE Y LA RELIGIÓN El arte es clave en el estudio de los fenómenos religiosos. Desde el arte se comprende muchos aspectos de las religiones, en lo que respecto a los cultos, a los rituales, a las representaciones, y en general, a las plasmación simbólica de la experiencia religiosa. El arte va más allá del goce estético, del “arte por el arte actuando”, se trata de un elemento cargado de múltiples significados en los contextos religiosos.
Posible origen del arte
CyC
Es más, es muy probable que el arte surgiera por la necesidad de expresar de manera simbólica aquellos conceptos abstractos e ideas complejas que escapaban al lenguaje común de los seres humanos, como los relativos a los seres sobrenaturales, la fuerza terrible y maravillosa de la naturaleza, lo que resultaban misterios relativos a la muerte, a la reproducción, etcétera. Podríamos hablar del arte como un lenguaje de la religión
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El arte religioso y el contexto en y desde donde se contempla
En un museo Si entramos a un museo de arte como El Prado, en Madrid, podemos disfrutar en él de una espléndida colección de pintura religiosa de los mejores pintores del Renacimiento, Barroco y Neoclasicismo. Ante el Cristo Crucificado de Diego Velázquez, por ejemplo, p o d e m o s deleitarnos con su técnica, su pincelada, su uso prodigioso de la luz y la composición, pero difícilmente encontraremos a alguien arrodillado orando ante la imagen de este Cristo.
Igual que a un icono bizantino o a una imagen de Buda se le da culto, cuando estas representaciones son descontextualizadas pasando a engrosar los fondos de un museo de arte o de una colección privada, el objeto sufre un proceso de desacralización, en tanto que su uso pasa de ser religioso a meramente contemplativo
CRISTINIANISMO RELIGIÓN
ARTE
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Cristianismo Durante una celebración religiosa En cambio, en otro contexto, una imagen de Jesús en la cruz puede ser venerada como una obra de arte con carácter sagrado, como en las procesiones de Semana Santa, en las que los fieles visten a las imágenes, las lavan y engalanan, para luego sacarlas a la calle, donde la gente les reza, les canta y vitorea, en una multitudinaria expresión de fervor popular.
El papel del arte se entiende de maneras distintas en los diferentes modelos del cristianismo. Católicos, ortodoxos y evangélicos, difieren en su visión del arte.
Diferentes maneras de entender el arte Para los católicos las imágenes son instrumentos fundamentales en la experiencia religiosa. Las iglesias están llenas de esculturas, de pinturas, de
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objetos de orfebrería y de complejos rnamentos.
iconoclasta.
En las iglesias orientales la pintura prima sobre el resto de la decoración figurada, y en cierto momento estuvieron a punto de renunciar de modo completo a las imágenes, durante la crisis
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Por el contrario, lo que caracteriza a los grupos evangélicos es el rechazo a las imágenes en el culto, por lo que las expresiones artísticas tienden a ser de otro tipo, más centradas en la música y el canto.
La simbología de los primeros cristianos El carácter secreto de las primeras comunidades cristianas les hizo adoptar símbolos que ya eran utilizados por griegos y romanos a los que ahora daban un significado completamente distinto. Así, por ejemplo, rescatan la antigua figura del moscóforo (un hombre que porta sobre los hombros un cordero), que pasa a simbolizar a Cristo como pastor. También utilizan la silueta de un pez, a modo de monograma, que representa a Jesús como “pescador de almas”.
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Arquitectura De este primer periodo del arte cristiano destacan las catacumbas, en las que se representan pequeñas pinturas.
Otras manifestaciones artísticas Son representativas las pinturas de mujeres orantes y otros emblemas en sarcófagos paleocristianos que aparecen en las catacumbas.
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CRISTINIANISMO. CATÓLICOS ARTE y RELIGIÓN Arte para los sentidos
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Gótico: Las agujas y pináculos de las torres
de la catedral gótica elevan a los fieles hacia el cielo.
Las iglesias góticas
El arte de los cristianos católicos abarca un sinfín de expresiones que comprenden desde los objetos rituales (generalmente finos trabajos de orfebrería sobre metales nobles como la plata y el oro), hasta la pintura (que juega un importante papel didáctico), la escultura (pieza clave del fervor y la veneración a las imágenes del propio Cristo, o de santos y santas patronos o vírgenes protectoras) o la arquitectura (llena de simbolismo y expresión del poder de la iglesia).
El gótico se caracteriza por ser un arte puesto en manos de la iglesia como herramienta didáctica y psicológica. El avance de las técnicas constructivas favorece que los muros de las iglesias sean cada vez más finos, tanto que llegan a sustituirse, en muchos casos, por vidrieras. Esto eleva en altura las cubiertas lo que provoca que las robustas columnas románicas se transformen ahora en ramilletes de columnillas.
Arquitectura Románico: Las iglesias tienen como función educar al pueblo.
Las iglesias románicas En aquella época la inmensa mayoría de la gente APRENDÍAN las doctrinas de la fe cristiana a través de las representaciones o la simbología que encerraban los templos.
Las vidrieras, haca a los fieles sumergirse en una atmósfera mística y casi divina. Representan el cielo en la tierra.
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El arte neoclásico El arte neoclásico surge en un clima cultural de marcado carácter cientificista. La laicización de la sociedad europea se ve ahora impulsada por los nuevos aires que aporta el movimiento ilustrado, que pretende salir del oscurantismo del arte católico barroco gracias a la luz que aportará la razón humana.
Otras manifestaciones artísticas Barroco: el arte se ve marcado por la reforma luterana. El arte barroco y la reforma El arte católico del barroco está marcado por un acontecimiento histórico de gran relevancia: la Reforma luterana. La iglesia católica, para hacer frente a lo que consideraron un ataque por parte de los protestantes, dictan unas normas muy específicas que influirían a la creación artística en varios aspectos.
Se trata de retomar los conceptos del arte clásico y del renacimiento, volver a recuperar los cánones de belleza y armonía de aquellas épocas.
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LECTURA: La simbología de los templos románicos . Católicos Arte y símbolos En la Edad Media, la inmensa mayoría de la gente era analfabeta, así que debían aprender las doctrinas de la fe cristiana a través de las representaciones o la simbología que encerraban los templos. Por ejemplo, es muy común en algunas iglesias románicas labrar en piedra un zócalo, bajo los muros y bajo las columnas, con animales y seres fantásticos o con figuras demoníacas. Muchos podríamos pensar que su función es meramente decorativa; pero muchos otros saben leer el mensaje oculto que encierra esta representación: que la iglesia, físicamente pero también entendida como una entidad, toda la iglesia, pisa literalmente al mal, está por encima de las creencias paganas y las supersticiones. Los gruesos muros de las iglesias, la falta de luz, el ambiente de penumbra, ayudaban a crear en la mente de los fieles, al ver las representaciones de Cristo en plena gloria, la idea de un Dios todopoderoso que todo lo puede ver. De igual forma, la obra de arte no se entendía como la creación de un genio o de un artista capaz, sino que era la propia mano de Dios la que guiaba la del pintor al pintar, la del escultor al esculpir, la del arquitecto al diseñar o la del orfebre al fundir la plata. Por eso muchas obras de arte de este periodo no están firmadas, son obra del Señor.
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LECTURA: El arte renacentista y símbolos Durante las obras de construcción de una iglesia, o simplemente enterrado en el jardín de una casa, aquí y allá, en el renacimiento comienzan a aparecer cabezas, torsos y otros fragmentos de esculturas del mundo grecorromano. La naturalidad de estas representaciones, su realismo idealizado, va a influir a toda una generación de artistas puestos al servicio de los grandes mecenas de la época: la iglesia y la clase política. Pero entonces, iglesia y clase política venían a ser la misma cosa, pues toda familia distinguida debía de contar con algún pariente en la clase alta sacerdotal o incluso en la curia romana. El arte es una vez más una herramienta de poder utilizada por las altas esferas de la sociedad. Las iglesias y catedrales, creadas ahora por artistas consagrados, son decoradas en su interior con obra plástica de los más famosos genios de la pintura y la escultura renacentista. El descubrimiento de la perspectiva, además, provoca que se pinten multitud de escenas religiosas como mero pretexto de ensayar las nuevas técnicas. Se multiplican las obras de temática religiosa: vírgenes, escenas bíblicas (como la anunciación o la adoración de los magos), crucifixiones, pasiones y un largo etcétera, que son elegidas por los artistas para sus composiciones.
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LECTURA: Las normas de la Iglesia y el arte barroco y símbolos La iglesia católica, para hacer frente a lo que consideraron un ataque por parte de los protestantes, la Reforma luterana, dictan unas normas muy específicas que influirían a la creación artística en varios aspectos. Se recomiendan una serie de temas, especialmente aquellos que habían sido desechados por la nueva iglesia evangélica. Se hace hincapié, por ejemplo, en las representaciones marianas, especialmente en la imagen de la Inmaculada Concepción de María y la de la Ascensión de María. La temática de la Pasión de Cristo también se populariza, pues la iglesia quiere hacer ver a sus fieles que las atrocidades que el Señor sufrió en sus últimas horas eran reales y no simbólicas, que murió atrozmente por su pueblo. Los cristos son por ello representados con heridas sangrantes y la lívida expresión de la muerte en sus rostros, y en muchos casos se les pone pelucas confeccionadas con las melenas de fervientes fieles que la donan a la iglesia. Las obras ganan en movimiento. Algunas tallas sacadas en procesión, incluso, están articuladas (en el cuello y las muñecas) para que la cadencia de los pasos procesionales las haga parecer reales
en sus gestos. Todo en el arte de la contrarreforma, desde la música a la liturgia, es una representación para influir en los sentidos y potenciar una experiencia de sobrecogimiento.
LECTURA:
La Iglesia y los artistas contemporáneos Las vanguardias artísticas del siglo XX ejercen una notable influencia en el arte occidental. Pero la iglesia católica no evidencia el mismo ritmo evolutivo que los cambios que vienen sucediéndose a su alrededor. La sociedad se hace cada vez más laica y los artistas ya no están al servicio de la iglesia. Ahora son los propios artistas los que deciden qué tipo de obra quieren realizar. Muchos de ellos, sin embargo, bebiendo de las fuentes de la historia del arte, actualizan temáticas religiosas de tiempos pasados; otros buscan alejarse de la voracidad del mundo moderno y ahondan en el misticismo que les aporta el arte religioso; y otros continúan con una tradición de tantos siglos aceptando encargos de la iglesia.
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Arte y Religión El arte ha estado siempre íntimamente relacionado con el hecho religioso. Desde los primeros balbuceos de la humanidad, la religión y el arte han caminado unidos. La creencia en un Ser Supremo ordenador del mundo y de cuanto nos circunda , se manifiesta desde los comienzos de la humanidad. Gran parte del patrimonio artístico de la humanidad es una manifestación del hecho religioso.
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que fue erigido hace catorce mil años, en plena edad de la piedra tallada, de la que contiene diversas e interesantísimas muestras. Los objetos encontrados en este santuario fueron sometidos hace unos meses a la prueba del carbono 14 en Estados Unidos, confirmando estos análisis la hipótesis de la antiguedad del lugar, que se remonta a principios de la Edad de Piedra. Se han descubierto objetos hasta ahora desconocidos en lugares similares.
El arte despierta el sentimiento religioso. En él se busca el más allá de cada día. Donde hay religiosidad verdadera siempre hay expresiones artísticas. El arte verdadero hace sentir el misterio de la vida misma y comunica el deseo y la necesidad de un absoluto.
En 1981 se publicaba esta noticia: Descubierto el santuario más antiguo de la Humanidad Lo que se considera “el santuario más antiguo de la Humanidad” ha sido descubierto en la cueva el Juyo (Santander) por arqueólogos americanos y españoles. Se calcula
El arte es un componente esencial de la vida del ser humano. También es una manifestación de espiritualidad. Hay gente que piensa que la espiritualidad sólo se vincula con la religión. Si sabemos “mirar” apreciaremos que no es así.El arte es una forma de espiritualidad porque te conecta con la parte tuya que no es física o tangible’.
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Orar haciendo arte (el arte en los Iconos) “...Aquello que el Evangelio nos dice con las palabras, el icono, con la imagen pintada, lo anuncia y nos lo hace presente...” (Juan Damasceno, s.VIII)
Las normas del pintor de iconos han sido elaboradas no por las ciencias, sino por las propias experiencias de los pintores. Antes de comenzar la obra, hay que hacer la señal de la cruz, orar en silencio y perdonar a los enemigos. Una de las oraciones que hace el pintor es la siguiente:
“Oh, Divino Maestro de todo lo que existe, ilumina y conduce el alma y el cuerpo de tus siervos, guía sus manos, para que pudieran dignamente y perfectamente presentar tu imagen, las imágenes de tu Santísima Madre y de todos tus santos, para la gloria, la alegría y la decoración de tu Santa Iglesia Tuya”
Luego se debe trabajar con cuidado todos y cada uno de los detalles del icono, como si se estuviera trabajando frente al Señor mismo. Durante el trabajo, la oración debe ser permanente. Hay que orar en particular al santo cuyo rostro se está pintando. Cuando el icono esté terminado, se debe agradecer a Dios que Su misericordia
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haya concedido la gracia de pintar las sagradas imágenes. Hacer que el icono sea bendecido poniéndolo sobre el altar. El pintor debe ser el primero en orar ante él, antes de entregárselo a otros.
Significado e importancia de los colores Los azules se asocian con el cielo, el misterio y la vida mística. El azul oscuro suele utilizarse para el manto de Cristo en el icono Pantocrátor, así como para las vestiduras de María, la Madre de Dios.
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se utiliza en lo que la ortodoxia llama la «luz increada», la luz que Jesús reveló a Pedro, Santiago y Juan en la Transfiguración. El oro está vinculado a la santidad, el esplendor, lo imperecedero, la energía divina, la gloria de Dios y la vida en el reino de Dios. El negro significa el mal, infierno, a veces significa misterio, en las vestiduras de los monjes significa la muerte para este mundo
Los iconos ventanas a la eternidad
El verde hace referencia a la vegetación terrestre, la fertilidad en sentido general, la juventud y la frescura, también significa la actuación del Espíritu Santo, suele utilizarse en las vestiduras de los mártires, cuya sangre alimenta a la Iglesia. El marrón está ligado a la tierra y la materia inerte. En las vestiduras puede ser signo de una vida de santa pobreza. El rojo, el color de la sangre, sugiere vida, vitalidad y belleza (en eslavo se emplea la misma palabra para «belleza» y «rojo»). La vestidura interna que lleva Cristo en el icono del Pantocrátor es roja. El rojo anaranjado se asocia con el fuego y sugiere fervor y purificación espiritual. El púrpura se asocia con la riqueza y el poder. El blanco se asocia con el mundo divino, la pureza y la inocencia, y algunas veces
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Según la tradición bizantina, que atribuye a San Lucas la autoría de los primeros iconos, éstos son representaciones de Cristo, la Virgen, un santo o un acontecimiento de la Historia Sagrada, pintada o esculpida, portátil o monumental.
imagen de culto, dignos de veneración y, por consiguiente, en iconos. En el siglo VI, la iglesia aprobó la veneración de los iconos que, entre los creyentes, tomaron un lugar importante en las iglesias y en la vida privada.
Los iconos se remontan a los orígenes del cristianismo (siglo I al IV d.C.). Con el mismo espíritu que los retratos conmemorativos del final de la antigüedad, las provincias del Imperio Bizantino eran especialmente fieles al uso de los retratos que recordaban a los mártires. Fue
Los iconos más antiguos datan de los siglos VI y VII y se conservan, en su mayor parte, en el monasterio de Santa Catalina, en el Sinaí. El icono sitúa lo que es observable con los ojos y lo trasciende; no son una copia de la realidad, sino que son alegorías en un lenguaje especial, que combina la imagen y el símbolo. Por ello, la pintura del icono ignora el espacio tridimensional, propuesto como una ilusión óptica en occidente después del Renacimiento, en favor de la perspectiva central.
Los iconoclastas Con la época iconoclasta, había que saber si la divinidad podía, o no, ser representada en imágenes, cuestión que dividió a Bizancio en iconodulos e iconoclastas. Los primeros, justificaban la creación de imágenes cristianas por su utilidad didáctica para una población mayormente que desconocía muchas realidades cristianas. Los segundos, consideraban toda representación imaginada de la divinidad como un sacrilegio.
probablemente en el siglo V cuando se dio el paso hacia el retrato conmemorativo de los mártires que sacrificaban su vida en la lucha en pro del cristianismo. Estos retratos se convirtieron en
Los antagonismos terminaron con la Guerra de los Iconoclastas, que llevó al emperador de Bizancio, León III, a ordenar, en 726, que desaparecieran todas las imágenes de las iglesias. No obstante, tras prolongadas discusiones, la emperatriz Teodora volvió a autorizar, el 11 de marzo de 843, la veneración de imágenes
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sagradas, poniendo fin a las largas luchas que tal cuestión había suscitado. Entre los principales centros de pintura de iconos, el principal fue Creta, cuya escuela data de la época en que numerosos artistas, huyendo de los conquistadores turcos, llegaron a la isla, que, por aquel entonces, pertenecía a Venecia. Entre los muchos artistas cretenses, conocidos hoy porque databan y firmaban sus obras, destaca El Greco, quien pintó iconos en Creta antes de que Tiziano lo introdujese en Venecia a la pintura occidental. En Sicilia, en el siglo XII, los bizantinos decoran con mosaicos la Capilla Palatina de Palermo, Santa María de Matal y el mismo San Marcos, que, aunque comenzado en el siglo X, se puede considerar como una iglesia griega, tanto por la decoración como por la construcción. Ningún icono está pintado de la misma manera. Diferencias de matiz, unos más acusados que otros, más fuertes o más finos, confieren a cada imagen su encanto especial, que ofrece la firma del pintor o la concepción de la escuela de pintura.
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