REGIA # 20 ANIVERSARIO

LOVE ART NOT PEOPLE

POMELO CONCERTO - A.Y NOT DEAD 10 Aﾃ前S

OASIS DE PLACER - 1989

ISSN 2314-2839

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9 772314 283004

Aﾃ前 5 - #20 - SEPT - 2013 - ARG $30

BEBER CON MODERACIÓN . PROHIBIDA LA VENTA A MENORES DE 18 AÑOS - BUSCANOS EN FACEBOOK: CYNAR - REGIAMAG

REGIA MAG

ISSUE #20 - BUENOS AIRES - SEPTIEMBRE 2013 Editado en REGIA House Montevideo 1011, Recoleta (C1019ABU) C.A.B.A. Regia es una publicación de Grupo Regia S.A (DNDA) 5079704 - ISSN Nro 2314-2839.

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INDICE ISSUE # 20

# 14 - 21

# 22 - 25

MUSIC AND ART

POMELO CONCERTO

Andy Cherniavsky

Pato Lange Fiona Casti単eira

# 26 - 33

# 34 - 43

OASIS DE PLACER

EL AMOR NO HA MUERTO 10 A単os A.Y. NOT Pablo Bernard

Dr Sepian

# 46 - 49

# 50 - 59

CAITO

MACUMBA

Carola Gliksberg Guille Pfening

REGIA MAG Niki Noto

# 60 - 61

# 62 - 69

1989 Juan Bec炭 Javier M. Berro

MY SOPHIE Flor Macri Natacha Jonson

# 70 - 71

# 72 - 79

BELLA DAMA DEL AGUA Beach House Los Wussies

LOVE ART NOT PEOPLE REGIA MAG Rodrigo Ca単ete Pablo Bernard

# 80 - 83

# 90 - 99

REGIA GALERIA

DOCUMENTAL

Agustina Leal Naguel Rivero

R.Rojas

RE G IA / F OTO G RAFÍ A

Musica AND

Art

GUSTAVO CERATI EN ESTUDIO 1986

FOTOS POR

Andy Cherniavsky REGIA - MAG

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CHARLY GARCIA Y MARIO SERRA “DEMASIADO EGO” 1999

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SUMO EN CAMARINES 1985

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LOS TWIST EN ESTUDIO 1983

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LOS TWIST EN ESTUDIO 1983

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“LA TORRE” PATRICIA SOSA Y DADY PAMPILLON, CHATEAU ROCK 1986

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JUANSE 1991

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FITO PAEZ EN PALLADIUM 1987

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RE G IA / A RT E / BS AS 2 0 1 3

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Rob Conlazo y Miguel Tomasín de Reynols plantaron bandera en el mundo del arte y, por primera vez en la historia interpretaron una obra inspirada en las consignas zen del libro Grapefruit de Yoko Ono. Hablan Rob Conlazo, Marta Minujín y Daniel Divinsy Por PATRICIO LANGE Fotos : FIONA CASTIÑEIRA

Que un artista emergente genere más preguntas que respuestas es un buen signo de los tiempos. Una razón para celebrar. Y eso pasó algunas semanas atrás, en el MALBA, cuando Rob Conlazo, fundador del grupo Reynols, realizó una interpretación libérrima del libro Grapefruit (Pomelo, De la Flor, 1964), de Yoko Ono, que puso varios esquemas en la cuerda floja. Marta Minujín estuvo en primera fila y, como broche conceptual, al final de la obra se fue por la salida de emergencia, marcando la pauta de hacia dónde va la vanguardia. Lo cierto es que “Pomelo Concerto” no fue ni recital, ni obra de teatro, ni performance, sino un guiño a la escena actual del arte; una invitación a romper moldes. Los que fueron al MALBA, vieron a un E.T. subir al escenario con una guitarra distorsionada y a Conlazo arrancarle ruidos deformes pegándole al mástil. A una Eva con una hoja como taparrabo pasear desnuda tomando jugo de pomelo, a Conlazo hacer un solo de lienzo golpeando un cuadro abstracto contra una lata de aire enlatado de Tierra Santa en el marco de una ¿Performance? -ya no sabemos cómo llamarla- en la que Tomasín bailó una danza de las esferas y tocó platillos en sincronía telepática bajo luces estroboscópicas, mientras el público se desencajaba ante una obra que avanzaba sin freno sobre un absurdo de miles de sentidos. Una secuencia demencial musicalizada en vivo, no con una música cualquiera, ojo, sino con una que fue física, matemática y frecuencialmente diseñada por Conlazo -junto al músico Gustavo Buchiniz- para activar los chacras del cuerpo humano mediante sonidos y armónicos, donde sonó un ohm constante que generó bienestar físico objetivo en todos los presentes, desdibujando los límites de lo que es o no es el arte. De cuál es su función, si acaso es inútil, o sirve para algo. La sensación es que, si ellos no la hubieran hecho, esta ciudad hoy tendría un hueco. Y alpiste para los que no fueron.

“Yo no creo que el arte sea inútil. El verdadero arte no es inútil para mí, sino un puente o una autopista hacia algo más sublime. Y yo siento que Yoko Ono siempre fue una especie de mensajera de un nuevo estado de conciencia”, dice Rob Conlazo, que armó la obra en el marco de la Tortuga Veloz, productora de arte que dirige junto al actor Ricardo Grandío. “Lo hacemos porque creemos fervientemente en eso aunque no tenga nada que ver con los parámetros de lo comercial. Nuestro objetivo es el arte por el arte en sí. Y creemos que eso es lo más genial que puede pasarte. Alguien podría decir que somos unos pelotudos, que gastamos dinero y no ganamos nada. Pero

ese es el pensamiento de la vieja era; del diez por ciento del cerebro. El otro noventa que no se usa, estoy seguro de que estaría feliz”.

La idea de “Pomelo Concerto” surgió casi veinte años atrás, durante una charla entre Conlazo y el periodista Fernando García, quien finalmente programó la obra en MALBA. “Le pregunté si alguna vez se habían musicalizado las consignas de Yoko y diez años después se puso a investigar. Nunca se había hecho. Jamás en la historia. En ningún lado. Nadie”. Guiado por esa obra misteriosa y casi olvidada que mezcla el haiku tradicional japonés con la poesía rock, Conlazo escribió cuatro actos y después armó un elenco musical, actoral y técnico con Miguel Tomasín en platillos y teclados, Ricardo Grandío, Gustavo Buchiniz y la cantante Militta Bora. “No les dije exacto lo que tenían que hacer para que hubiera esa tensión que a mí me gusta tanto y que surge de la improvisación”.

Cualquier error, cualquier desvío, se incorporó a la obra. El público la intervino en tiempo real, dibujando en el aire con las punteras láser que habían recibido en la entrada, en una suerte de improvisación pictórica efímera que generaba sonidos cuando éstas pegabansobre un dispositivo plástico, un símil de la cabeza de Conlazo adaptado a un photosynthesizer que reaccionaba con la luz. ¿En dónde conectaron con Pomelo? Básicamente en la consigna de Yoko: fly, volar.

Con Reynols, durante más de diez años, Conlazo y Tomasín corrieron los límites del “grupo de rock”. Que Tomasín tenga síndrome de down es una anécdota, un plus que habla de la apertura de esta banda que llamó la atención de genios como Prince, Beck o Thurston Moore -de Sonic Youth-, con movidas conceptuales inéditas para estas pampas: un disco debut cuya caja no tenía disco -¿Hay algo más zen que eso?-, una sinfonía para 10 mil pollos, un disco silla o paredes de ruido que ni los avant-garde más curtidos toleraban. Con esa impronta moderna, casi diez años después de la separación, el dúo se plantó en MALBA y abrió con un chiste metafísico: “Esto no es un concierto, esto no es un recital, esto es tan solo un llavero que ocupa todo el universo”. La frase la inventó Conlazo y es una declaración sobre el sentido del arte y su idea de que, si creés mucho en algo, sucede. “Es simple, agarrá una llave, ponele una cadenita y clavala en la tierra. Si vos querés, todo el planeta Tierra es tu llavero. Puede venir el planeta entero a desmentirlo pero si vos lo crees, es así. Y el arte es eso: sostener una idea por más descabellada que sea”.

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Marta Minujín sobre Pomelo Concerto: - Me pareció buenísimo, muy extraño y de vanguardia. Lo que más me gusto fue que no tenía formato. Otra cosa brillante es que la obra raya con el mundo del absurdo. Es un absurdo total. Cuando yo llegué a Nueva York hacíamos unos happenings absurdos geniales.

Por ejemplo un tipo en una canoa en un loft con un gorro de vikingo que remaba; algo que no tenía ningún sentido. Entonces vino una mujer y me dijo: “¿Pero qué sentido tiene esto?”. “El sentido del no sentido”, le dije. “¿Y cuál es el sentido del no sentido?” “¡El no sentido!”. El no sentido te abre puertas, igual que el absurdo.

Imaginate que vos vayas por la Avenida 9 de Julio y de golpe veas al Obelisco inclinado: te rayás, porque está inclinado, y ese raye te hace crecer en tu interior como una especie de anticuerpo que al final es cuerpo. Todas las situaciones inesperadas en la vida hacen crecer a la gente porque tiene que adaptarse a esas nuevas circunstancias. Sobre todo si está hecho por artistas. Por ejemplo, un tren que se para misteriosamente en el medio de la noche o cuando te tirás de un paracaídas y caes sobre otro paracaídas. O el aire enlatado. Todo ese absurdo forma parte de la vida real, pero al mismo tiempo hace crecer a la gente. Aunque la gente común no lo percibe. El único que lo percibe es el artista. Ahí la diferencia entre ser y no ser artista.

Daniel Divinsky, editor de Ediciones de la Flor, sobre Pomelo, el libro:

- En la época en que decidimos editar ese libro, el auge de los Beatles era una aplanadora. Y nos pareció que una forma de sumarnos a esa ola era incorporar los textos de Yoko, incluso con la minúscula introducción de Lennon. Nos pidieron una suma muy razonable como anticipo y nos lanzamos. La traducción la hizo Piri Lugones y la impactante tapa la diseñó Oscar Smoje. No tuvo la menor relevancia; podría decirse que nadie se dio cuenta de que había aparecido ni de sus valores poéticos, tanto en el país como fuera de él. Vendió muy poco: los últimos ejemplares los terminamos saldando en oferta en la Feria del Libro hace unos años. Ahora se ofrecen carísimos en ebay. Hace unos años nos enteramos de que volvió a publicarse en otra traducción de una editorial española, creo, con el título de Grapefruit, sin traducir.

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RE G IA / F OTO G RAFĂ? A

Modelo: Fresi Power

Fotos: Dr. Sepian

Oasis De Placer

17.6.2013 - 22.45 El Louvre, Congreso

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RE G IA / M O DA / ENTREV I STA 2013

El amor no ha mu e r t o 10 AÑO S

A.Y. NOT DEAD

Invierno 2003 Le fr eak c´est chic - Ver ano 2003-04 Belle ou Invierno 200 rebelle 4 Fatalité - V erano 2004-0 5 Sentimien to Invierno 2005 Ya ba sta - Verano 2005-0 6 Africa meets heav y metal Invierno 2006 El nuevo orden - Verano 2006-07 El amor no ha muerto Invierno 2 007 Camp o y Psicod elia - Vera no 2007-0 8 Total pic asso Invierno 2008 Tecnonatura - Verano 2008-09 Sobrenatural Invierno 2009 Party & Revolution Now Verano 2009-10 Las Invierno 201 flores del mal 0 Mad love Verano 201 0-11 Coco & Xul Invierno 2011 The beaux art - Verano 2011-12 The young gods invierno 2012 The unreals - Inverno 2012-13 Magic mushrooms invierno 2013 Ossessione - Verano 2013-14 The mistery spot

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Hace 4 años, escribiendo mi tercer artículo para REGIA (la primera que salió en papel), recuerdo haber intentado contactar a varios personajes que yo consideraba fundamentales en el circuito de la moda. El artículo se titulaba: “Semana de la dulzura”. Una suerte de review de la semana de la moda; el arranque de esa temporada (primavera verano 2009-10). Las reacciones ante el requerimiento fueron muy variadas. Recuerdo que algunos se negaron directamente; otros dieron el OK... Y hubo una persona que asintió y, luego de enviarle las preguntas, nunca más contestó.

Dicha persona fue la misteriosa Noel Romero.

Un año después, mi editor me comentaría muy al pasar “Me cruce con N el otro día.

Hablamos de la revista [...] ¡Dice que fueron las mejores preguntas que le hicieron en toda su carrera!”. A lo que yo, sin ningún miramiento, respondí: “Y, entonces, ¿Por qué qué nunca las contestó?”.

Deberían pasar un par de años más para que ella misma aclarase el panorama.

Noel Romero y Angeles Chevallier fundaron una de las marcas

emblema de la moda de los años 2000. Un proyecto que excedió el marco de la producción de

moda, o el virtuosismo del diseño.

A.Y.NOTDEAD generó movida, mística y misterio; leyenda. Desde el arranque, con la subjetividad de un nombre que hasta el día de hoy genera incertidumbre. Me muerdo la lengua y me ato los dedos para no escribir lo que ya casi todos sabemos… Qué esconden las siglas A.Y. A pesar de lo vox populi del significado, mi entrevistada me sugiere que es más interesante no dejarlo por escrito. “Pero ya ha

quedado por escrito”, respondo. Y ella, gentilmente, me explica que ni ella ni su equipo han públicamente afirmado o negado lo qué se esconde detrás de las famosas siglas. Pueden los periodistas haber escrito el nombre de motus propio…

Opto por creerle, comprenderla y respetarla. Sólo les puedo decir que no significa Amira Yoma.

En dicha temporada; esa primavera, tomaba estado público (o por lo menos yo me desayunaba) la compra por parte de María Cher del 50% del paquete accionario (por decirlo de algún modo) de A.Y.NOTDEAD. Muchas de mis preguntas apuntaban directamente a hacer reflexionar mi interlocutor sobre los detalles de dicha circunstancia. Para mi sorpresa, no fue el carácter incisivo de las preguntas lo que amedrentaron a la blonda, sino lo formal y careta de la propuesta: el formato vía mail y mi falta de insistencia. Hoy me doy cuenta que tanto más fácil hubiese sido invitarla a tomar una birra…

A.Y.NOTDEAD cumple una década. 10 años, 20 temporadas, 20 colecciones. 40.000.000 de facturación anual (esta cifra es anterior a Calu). Comencé esta nota hace más de dos años, cuando a sabiendas de que no coincidiría con el aniversario real, convencí a mis editores de empezar a trabajar en

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ella. Luego, me retire de la escritura y mi relación con la revista entro en stand-by. Para este regreso, me pareció oportuno retomar la crónica pendiente. Una salvedad: decidí enfocar mi relato en quien ha estado al timón de manera firme todos estos años.

LAS FLORES DEL MAL 11 de mayo de 2013, 20 hs. Buenos Aires; Gurruchaga 1715.

Me resulta excesivamente provocador (en el buen sentido) que, el local que se está inaugurando (exclusivamente de hombre), se encuentre a metros del otro (exclusivamente de mujer).

No me parece muy divertida la ropa, ni muy interesantes varias de las charlas en las que, sin querer, me voy metiendo. Pero no me mal interpreten; no estoy ni aburrido, ni fóbico. La convocatoria de gente es como siempre... picante. Famosos, pseudo celebrities, wannabes, ambienteros, turulos, culisueltos, artistas, monitores, músicos, jóvenes cancheros. En resumen: modernos y no tan modernos, por supuesto. Desde la distancia, busco desesperadamente a Noel. Escucho a alguien comentar: “Pasan los años,

y A.Y.NOTDEAD no pierde el poder de convocatoria [...]”. Recuerdo en ese instante las palabras de alguien del equipo técnico del BAF: “La primera fila de AYNOTDEAD no la tiene nadie”. Quizás algo de razón tengan.

Prefiero comenzar con la ronda periférica, para evitar de lleno que me rebote en la entrada el monigote con la lista. Calu is-in-da-house.

Sigo monitoreando sin éxito; no

encuentro a la blonda. Ella me encuentra a mí; al igual que yo, estaba sondeando la periferia. No alcanzo a felicitarla, no da tiempo.

Simplemente le cedo mi birra (es lo mejor que puedo hacer por ella en este momento). Su agente de prensa nos interrumpe: “Hola (a todos). Noel, te pediría que esta noche te quedes cerca de nosotros [...] te vamos a necesitar mucho”.

Let me decode: “Noel, tratá de estar a tiro nuestro, y no te quedes boludenado con estos weirdos en las orillas”. Media hora después, Calu es eclipsada por la llegada de Nicole Neumann (WTF?). Foto con Nicole frente a la vidriera. Noel es arrastrada a su diestra. Shes is not amused.

A diferencia de aquella críptica Noel que vía mail decidió irse por el foro, la verdadera, que en más de una docena de oportunidades accedió a hablar y debatir conmigo para esta nota, es reflexiva, encendida y vibrante. Gran parte (por no decir casi toda) la mecánica creativa de la marca viene de ella, de sus ideas, investigaciones, ocurrencias e intereses. Podemos discutir largo y tendido, si tal print, o tal prenda puede tener ecos foráneos, o si la matriz de diseño de la marca es más o menos previsible respecto de hace unos años. Pero el núcleo duro, todo lo que da sentido al universo A.Y.NOTDEAD cada temporada, es una hoja de ruta que refleja la manera en que piensa la moda esta mujer. Desde su rol de directora creativa, ha podido marcar el rumbo estético que ha mantenido a flote la marca en pleno período de transición, de crisis y de éxitos.

Temporada tras temporada se tuvo que consolidar un esquema mucho más comercial de comunicación e, indudablemente, hubo alguien que tuvo que luchar por el control estético de todo el boliche. En una década que va de Florencia Macri a Dree Hemingway, hay un océano de historias que tuvieron a N (en un principio con Angie y, en otro momento, en soledad), como la responsable de orquestar nuevos escenarios estéticos para su marca.

Porque cuando, en esta nueva etapa, las decisiones son compartidas por varios actores, donde los socios y comerciales pueden haber insistido en la selección de Rivero como la cara de A.Y.NOTDEAD, fue ella la responsable de contruír el relato capitalizador de los aspectos positivos y neutralizar los ásperos.

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PARTY & REVLUTION NOW 11 de mayo 2013, 20:45 hs. Buenos Aires; Gurruchaga 1715.

Estoy por retirarme. He agotado todas las charlas posibles. No llego ni a pronunciar mi saludo de despedida que ella me toma del brazo: “Vení que te presento unas modernas”. Me encanta que abuse del femenino; pienso para mí. La encuentro rodeada de unos Sub20, que le cuentan de manera desordenada alguna suerte de proyecto… She is happy now.

Pero no está distraída; algo está pensando. Si hay algo a lo que respondo sensiblemente, es a la gente que siempre está carburando algo, delineando; planeado el futuro.

Vamp & re-vamp.

Pablo: Existe una suerte de mecenazgo retórico-intelectual que la marca proveyó sobre diferentes esferas (creo, no casualmente, coinciden con tus gustos personales). No porque estas esferas necesitasen nada, pero se promovió el trabajo de artistas, músicos, fotógrafos (jóvenes la mayoría), hacia una vidriera mucho más publica al interactuar con la marca es su momento de máximo de crecimiento. ¿Qué opinión te merece esto?

Noel: Con respecto a lo del “mecenazgo”, me encanta tu teoría.

Siempre tuve una inclinación por relacionarme con la gente que hace algo plenamente creativo. Creo que eso se notó de alguna forma en nuestro trabajo. En general, músicos, artistas, etc., se acercaron espontáneamente a nosotros.

Entonces fue una relación natural de ida y vuelta. Gente que quería usar nuestra ropa y que nosotros queríamos vestir. Gente que quería hacer algo creativo (fotos, DJs, stylists, colaboraciones…) y que en un principio aceptaban que les paguemos con ropa porque les gustaba o porque les interesaba el proyecto. Hice muchos amigos interesantes y conocí mucha gente; pude trabajar con muchas personas a las que admiro y amo su trabajo.

Relacionarme con los que estaban haciendo algo copado en nuestra generación. Creo, tengo un olfato muy personal para acercarme a trabajar con gente, inclusive antes que logren ser validados por otros en su profesión. Tengo una percepción fuerte para darme cuenta quién tiene una sensibilidad que me interesa. Me doy cuenta - 38 -

con solo verlos o con hablar una vez... o apenas viendo algún trabajo. Y si me interesa, enseguida lo llamo y le digo de hacer algo juntos. Siempre me pareció que A.Y.NOT era un proyecto para que se involucre mucha gente. Si nosotros teníamos esa ventana al público, era nuestra responsabilidad involucrar a toda la gente con talento que conociéramos. También, siendo yo muy tímida, A.Y.NOT me sirvió para relacionarme con gente que me interesara. Finalmente este concepto de colaboraciones resulto algo muy sincero y al mismo tiempo bastante actual. Algo que tiempo después explotó en el mundo de la moda y nosotros veníamos haciéndolo… Trabajar con gente del under en un proyecto que crecía hacia el mainstream. Es algo que hoy en día intento seguir haciendo.

Me interesa la periferia en todo sentido (¡Vos lo sabes bien!). De este tema podríamos seguir hablando mucho. Me encanta que lo traigas a colación. Es algo fundamental en A.Y.NOT. THE UNREALS 11 de mayo 2013, 21:30 hs. Buenos Aires; Colectivo línea 141.

De vuelta en el bondi, reflexiono. Si mezclás mucho talento joven (del orden que sea) y muchas visiones (de la naturaleza que sean), obtenés una suerte de cataclismo catalizador; una proyección en el tiempo. ¿Qué mejor herramienta para una marca joven, no?

Inclusive, en épocas donde diseñadores más radicales como Krongold, De Crisci, Bandolerio u otras marcas nuevas, toman la pole position respecto de una comunicación más fresca, los hermanos Romero no se dejan amedrentar. Fue hace ya casi una década, cuando a Diego, manejando, se le ocurrió una buena forma de comunicar la imagen de A.Y.NOT. En total concordancia con el espíritu del proyecto, era publicitar en los bondis.

Aún recuerdo la imagen de Lucas agarrándose las partes pudendas, destilando irreverencia desde un ploteo gigante, cubriendo toda la parte traerá de un colectivo de la Línea 60. Urban Visions; pienso.

Recordemos que este tipo de tácticas tiene su referencia histórica en los profundos 90’s, con Helmut Lang inundando New York con carteles (tipo aleta dorsal) de un

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centenar de taxis con su logo impreso.

Para poner en contexto, no sólo tuvimos los colectivos, también vidrieras con intervenciones artísticas de toda estirpe, la fiesta de la cumbia y choripanes en medio de Palermo (esto último, les valió varias páginas en la Revista Noticias).

A.Y.NOT fue una de las primeras marcas nacionales en experimentar exitosamente la instrumentación del lookbook como herramienta de comunicación fundamental desde una web que, durante muchos años, fue prolijamente actualizada temporada tras temporada y que funcionaba como una suerte de archivo muy cool de la empresa. Con slides de los catálogos prolijamente editados.

Pero si bien A.Y.NOT sigue siendo una marca comandada por gente muy joven en casi todos sus departamentos, su bajada desde las redes sociales no se había presentado, ni radical ni novedosa.

Ni siquiera fresca (como lo supo ser tiempo pasado en otras plataformas).

Fue la imaginación práctica de Noel la que, un poco cansada del desfile de “gente común”, en el álbum fotográfico “Common People” (en la página oficial de Facebook), tuvo la afortunada “visión” de reinterpretar una fórmula que “afuera” venía dando buenos resultados: incorporar, cada vez más, contenidos fotográficos externos a la marca. El simple, pero divertido formato de las “Visions”. Mostrar de un modo fresco y casi curatorial una revisión del espíritu de la colección valiéndose de la combinación de las miradas personales de una triada Fotógrafo-Stylist-Modelo.

Esto podría haber sido sólo una efectiva herramienta más, de no haber sido porque, en menos de una temporada, otros diseñadores y marcas implementaron recursos de un formato similar. Y no es casual, ni por asomo, que en ese preciso momento, A.Y.NOT se desprenda de ellos. Si bien es probable que este artilugio ya se estuviese haciendo con anterioridad y acá mismo, en Buenos Aires, lo interesante es que dicho material sigue referenciándose de la forma en la que ellos supieron denominarlo: Visions.

FATALITÉ Casi a la mitad de estos diez años, A.Y.NOTDEAD quebró; se quedaron sin plata, o no vendieron mucho de una colección complicada… En

resumidas cuentas, Tecnonatura y Total Picasso fueron el pico de una carrera ascendente donde, las mentes de Noel Romero y Ángeles Chevallier, llevaron al extremo el concepto que 5 años antes había cristalizado bajo tan particular nombre. Tecnonatura funcionó como una suerte colección aleccionadora para un público que, quizás, no estaba en condiciones de ser aleccionado. A medida que el público se masificaba, se enrarecía la percepción de la marca. Lo que antes había sido para un selecto público, ahora demandaba mayor volumen de facturación. A pesar de que el “selecto” público masculino juvenil, y algún importante porcentaje del femenino, seguían siendo un mercado cautivo de los jeans de la marca, ya no respondían al mismo estímulo original. Por el contrario, adolescentes de otros espectros, encontraban “divertido” pasar el rato hangueando en el local de Gurruchaga, pero no comprando demasiado. Sumado a esto, marcas como COMPLOT, había comenzado con la mímesis gráfica y comunicacional (las bolsas plateadas con la tipografía psuedo-tecno en negro, por mencionar algo), pero con otro precio. Por ende, los floggers espantaban a los modernos, pero no compraban mucho. Algo en la frecuencia se alteró. El volantazo no se hizo esperar. Los floggers quedaron de orto al norte, y la caja complicadísima.

Tecnonatura fue pulsional y táctica a la vez. Quizás no táctica en términos comerciales, pero sí en términos estéticos. Limpió el aire viciado, sentó precedente, quebró a la mitad los 2000´s en términos de comunicación y moda.

En mi opinión, los diseñadores de moda pueden llegar a ser de las pocas almas creativas que, cuantos más burgueses, más afilados y a tono con su tiempo. El poder de creación está subordinado a la estructura con la que se trabaja. El poder de producción yendo a la par de las ideas y experimentos (tanto morfológicos, como textiles), puede llevar la visión de un diseñador a un máximo nivel estético. Con esta afirmación me gano la crítica de quienes conciben a los diseñadores de moda como almas de pleno temple, justos y precavidos, con visión comercial ante todo, para no generar turbulencias que lleven a su empresa a la desgracia. En mi opinión, la necesidad imperiosa de ambas diseñadoras al timón

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de A.Y.NOTDEAD, de doblar la apuesta en un momento crítico estéticamente, pero de alguna bonanza económica, es el de celebrar. Aunque las consecuencias fueron la inminente quiebra y salida a la búsqueda de socios inversores ¿Quién les quita lo bailado?

Traducido a términos más elevados, A.Y.NOTDEAD delineó un arco de evolución necesario para condensar en su haber ese pasado elevado; crítico y comunicacionalmente profundo, que muchas de las marcas que se le asemejan no han podido, ni nunca podrán elaborar.

Recuperaron un lugar de autoridad estética con el costo que esto implica en un país con las características culturales y económicas del nuestro.

Revisando los archivos gráficos de la marca (decenas y decenas de GB), tuve el agrado de encontrar toda una serie de fotos de backstage y el “crudo” de la campaña y catálogo de Tecnonatura. Al salir de mis años oscuros de arquitectura, mi ideal de moda estaba muy alejado de todo lo que pudiese suceder en la Cuenca del Plata. No leía reviews locales, no conocía ni de marcas ni de diseñadores. De hecho, no supe que era el BAF hasta muchos años después; el circuito me resultaba ajeno, un poco por distracción y otro poco por recelo.

Al intentar conectar nuevamente con mi ser crítico, comienzo a escribir más sobre moda y menos de arquitectura. Recuerdo que una de las columnistas de la ya prehistórica revista on-line EXITO, donde yo también escribía, había tenido un comentario desafortunado sobre uno de los desfiles de A.Y.NOTDEAD en la rural... “Ropa para chicas chetas que se hacen las locas”, o algo muy por el estilo.

Y ahí quedó. Otra vez ese nombre...

Recuerdo vagamente una imagen de ¨Campo y Psicodelia¨. Y mucho más tarde haber oído algo sobre el video “El Amor No ha Muerto” y sobre qué bien calzan esos jeans...

Finalmente G O O G L E O en mi conexión de 150 megas y encuentro la página. Aquí, el hallazgo: primero la colección y luego el catálogo.

Una blonda con los ojos vendados por algo lleno de canutillos sacando la lengua. L la siguiente, una bota bucanera blanca decorada a pinceladas perdiéndose en una suerte de piedra lunar. En mi cabeza escucho “¡Click!”.

Logo súper moderno, nombre de colecciónes hiper-canchero, alta puesta en escena y gran edición

de fotos. Prints de locura, piezas bien arriba, producto canchero, jeans. IMPERIO COOL. El concepto de couturier se desvanecía en el horizonte. ¿Cuántas veces uno puede verdaderamente sorprenderse con una imagen? En este caso, dos.

Para quien conozca mi selección de Fashion moments locales, no debe dudar en afirmar que en la lista, la bota con el cuerpo inclinado detrás de la piedra es una de las imágenes que más me inspiran. Ciertamente, he hecho el ridículo más de una vez intentando ejemplificar la pose yo mismo. Qué fantástico ha sido al bucear en el crudo de la edición, comprobar que no es una modelo la que protagoniza el gesto, sino la misma diseñadora intentando comunicar un acting (o vaya uno a saber qué). El gesto de la designer, el ojo de la fotógrafa, el estudio de la imagen en el retoque y armado y la sintonía de un equipo de trabajo que logra rescatar de un centenar de imágenes, una bien intrigante.

Papel metalizado de color sobre todo el piso, para genera una enorme marea de reflejo colorado; bengala, ventiladores, dos patas de gallo sobre un cristal en forma de rombo: modelos armadas con

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jabalinas de vidrio custodiando una maqueta de CHANEL N5, hecha de cartón y foil dorado. Barras de hielo seco humeante, un árbol rodeado de una suerte de talco y tela blanca para generar un terreno sinuoso (cuasi lunar) del que emerge una superficie geométrica y lisa.

TECNONATURA. LE FREAK C’EST CHIC Pablo: Contame brevemente la historia del comienzo. Ya lo hemos hablado, pero para que quede on the record. La ida a Londres, la vuelta, el comienzo, el nombre. Los planes que tenían... ¿Cómo se fue desarrollando de acuerdo o no a esos planes? ¿En qué momento tu padre ve rentable el proyecto?

Noel: Con Angie habíamos estudiado juntas en la facultad, viajamos a Londres juntas, vivimos un año estudiando en St. Martins.

Cuando volvimos, mi familia nos presto un departamento que usamos de taller, armamos una carpeta con diseños textiles y empezamos a llamar a los diseñadores de esa época: Benito, Laurencio, Jazmín y a varias marcas para ofrecerles

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diseño En esa época, el 1 a 1, todos compraban tela ya estampada importada. Entonces, el ofrecimiento de hacer diseños de telas propios con distintas técnicas les interesaba a todos. Así empezamos a trabajar para varios, con un par de estamperías que estaban fundidas.

Con eso juntamos un poco de plata y nos mandamos a hacer una primera colección con diseños de estampas propios. Esa colección la presentamos con un desfile, en el cual desfilaron todas nuestras amigas. “Now I Love An Argentinian Girl” se llamó la colección; inspirada en “Heroin” de Sumo. Dentro de toda esa tendencia a discutir cual era el estilo nacional, nosotras pensamos en lo que nos gustaba y pensamos en SUMO. La colección era re femenina y pop, pero la música del desfile fue bastante rockera (en pleno momento electrónico). Nos ayudó Rata (Nairobi), que era mi novio en ese momento, y pusimos The Smiths, Sumo, Jesus and Mary Chain, entre otros. Hicimos un video (lo hizo Pato Battellini) y sacamos las fotos en una carnicería (las saco Sofi Suaya). Nos hicieron una nota en el diario y se vendieron todas las prendas. Hasta ahí, nos llamábamos simplemente Noel Romero y Angie

Chevallier. Nos presentamos a un concurso del BAF para nuevos diseñadores. Entonces decidimos que no queríamos tener nuestros nombres, nos aburría esa cosa ególatra de ponerle tu nombre a la ropa. Además, no queríamos hacer ropa de alto diseño ni de autor.

Siempre lo pensamos más como un proyecto, como una marca. Una noche nos juntamos con Isa Garcia Calvo (actual socia de Angie en THEM) que estaba de vacaciones; vivía en Londres. Divagando un poco salió A.Y.NOTDEAD. Era una suerte de chiste que tenía bastante sentido en ese momento. Llamamos a muchos amigos preguntando: ¿Qué te parece A.Y.NOTDEAD? Nos respondían que no se entendía, que era difícil de pronunciar. Y toda esa cosa negativa nos envalentonó más. Con esa colección, que se llamó “Dame Fuego” nos rechazaron en el BAF, pero adoptamos el nombre… Ya habíamos empezado a vender en Pri, un local al lado de Krishna y en varios otros locales.

Se vendía más o menos bien. Ahí mi viejo nos preguntó si queríamos algún capital extra para poder hacer una colección más seria. En ese momento se sumaron mis dos hermanos a ayudarnos desde la

comunicación y los números. En ese momento empezamos a gestar Le freak C´Est Chic. ¡Entramos al BAF y explotó todo!

CAMPO Y PSICODELIA De los rasgos más importantes de A.Y.NOTDEAD, me resulta fundamental destacar el costado de “agitador casi por casualidad”.

La sincronía con su época es lo que sorprende en el conjunto de acciones emprendidas por la marca en cuestión de comunicación. Y que, claramente, no es tan por casualidad.

Una suerte de actitud a lo Benetton, o a lo Franco Moschino, pero con un perfil bardero rioplatense muy difícil de crackear.

Invadida por una voluntad de orquestación y doblegada por la casualidad, la máquina comunicacional de la marca ha llenado infinidad de líneas en los medios, ubicándola en los terrenos místicos del amarillismo local. ¿Estaban al corriente de lo que podía significar a futuro y en retrospectiva sobre una ¨década ganada¨ la selección como imagen para una misma temporada de Florencia Macri y Felipe Solá Jr.?

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¿Podían, acaso, suponer que la hermana del segundo, siendo ella periodista, publicaría un ridículo artículo en la Revista Noticias?

Artículo que estúpidamente pasaba el parte de justificación y disculpas por la supuesta sobreexposición de su pobre hermano. ¿O, acaso, pudieron llegar a imaginar el huracán mediático al que se asociaría la marca tras el secuestro de Florencia? Que tuvo capítulos tan singulares como el de la joven Macri, en el living de los hermanos Romero, con Diego intentando contribuir con un análisis de massmedia para calmar la sed de amarillismo del micrófono de Viviana Canosa. El misterio político que esconde el nombre y el pasado agitado mediático, parece repiquetear en no consonancia con la imagen corporativa actual de la firma.

Pablo: La pregunta que te hice hace muchos años sobre el perfil más careta de Cher en contraposición con tu mirada más cruda, fun, funky, punky de A.Y.NOT... Mientras que ustedes hacían un video donde minitas eran latigueadas para coser como esclavas, tu socia tiene una fundación que inserta socialmente a

gente de la cárcel mediante talleres de costura... No puedo dejar de pensar un poco en eso.

Noel: “…A.Y.NOTDEAD IS-NOTDEAD”. Sólo se ha fusionado en un pequeño holding que los vuelve parte de la firma María Cher y demuestran estar más vivos que nunca al inaugurar el calendario oficial desde La Boca. La perla: un interesante rescate de un estampado de estilo tribal, muy a lo Parker Lewis, se robó gran parte del show.

“Las implicancias económicas del acuerdo entre las dos marcas se explican por sí solas. Pero es interesante destacar el subtexto que podemos extraer de dicha alianza, tomando como punto de partida las campañas públicas que ambas marcas han desarrollado en estos últimos años. ¿Cuánto de esto puede haber sido tomado en cuenta en el momento de hacer negocios?

Poco y nada, supongo… Pero es uno más de esos espontáneos aportes al rubro de las curiosidades.

Para Maria Cher -que lleva actualmente realizadas varias campañas con el compromiso activista de promover una conciencia sobre la problemática femenina, como el aborto, la violencia familiar, y el abuso-, es fundamental intentar relacionar este emprendimiento por parte de la marca “madre” con la una visión sobre temas similares por parte de su nueva “inversión”. Para la primavera ’07, la juvenil marca, abrió su concurrido desfile con un video.

Con mucha sencillez narrativa, contaba la historia de una joven rescatada por un muchacho del ataque de una “manga de forajidos” que luego era esclavizada en un taller de confección, víctima del macho opresor. La evolución estética del video podría sugerir una metáfora de la mujer (y su cuerpo) como víctima de esta sociedad de consumo indudablemente machista. ¿Feminismo fashion?

Quizás sea necesaria otra relectura, más a la luz de los acontecimientos que sacudieron al rubro a principios de ese año: los incendios en talleres ilegales de confección que dejaron varias víctimas, la mano de obra esclavizada forzada a trabajar y vivir en un mismo ámbito. Definitivamente cautivante, en el video, la imagen de estas señoritas esclavas que a fuerza de latigazos cosían y eran forzadas a vivir inhumanamente en un hacinamiento fashionista, REGIA - MAG

daba lugar a una reflexión circular: o la marca no tenía ni idea de lo que estaba haciendo, o todo se trataba de un fantástico “estar de vuelta”. Impartir conciencia desde un profundo cinismo; lo cual encuentro, personalmente, mucho más apropiado y saludable para el mundo de la moda.

Dando vuelta la página, nos volvemos a encontrar a Maria Cher. Su participación en la Fundación Paz, donde se alienta a la inserción laboral de hombres y mujeres a través del oficio de la costura. Uno puede cuestionar la validez del aporte de una industria como la moda en temas de tanta delicadeza, pero no la voluntad de un creador de obrar acorde a lo que su conciencia le dicta. Recordemos que María Cher presentó alguna vez un desfile, con la pasarela rodeada por sillas y sillones forrados en tela blanca, acentuando el hecho de que así quedarían sin ocuparse, bajo la consigna: ‘no hay primera fila’, NO V.I.P. Por el contrario, A.Y.NOT, siempre ha presentado sus conceptos de show y colección en un contexto hedonista y frívolo, acorde a las nuevas costumbres dentro del ambiente cool, hip, O.T.T., del circuito. Su último desfile en el marco conceptual, pero no físico del BAF, tomó como escenario a PROA, y la entrada fue exclusiva para invitados especiales, prensa y clientes [...]”

JUST A THOUGHT

(Publicado en REGIA #07 Noviembre 2009) THE MYSTERY SPOT Jueves 8 agosto, 22:00 hs. Buenos Aires. Pabellón Amarillo; Predio Ferial de la Sociedad Rural Argentina.

La sala del BAF vuelve a ser un infierno. El show está retrasado al menos dos horas. Una multitud espera la presentación de “The Mystery Spot”. Primavera Verano 2014. La búsqueda por encontrar lo inquietante en la atmósfera veraniega nos lleva, según palabras de la propia diseñadora, intenta bucear en un universo misterioso, sexual y poético, tomando como metáfora este vórtice geográfico donde las leyes físicas parecen mermar su influencia.

EL NUEVO ORDEN BOGANISM. Me resulta extraño que - 44 -

ninguna pieza de A.Y.NOTDEAD haya sido considerada clave para formar parte de la muestra del centro cultural recoleta “De Bogani al Diseño de Autor”. Considerando, más allá de lo cuestionable que puede sonar el término “Diseño de Autor” en el contexto de este artículo, olvidándonos de la no muy importante carrera de Gino en termino de industria de moda, el arco temporal que la muestra intenta abarcar del Diseño de Autor al Diseño Emergente. Los 2000 en su totalidad. Década que no puede ser analizada sin revisar el contexto en que A.Y.NOTDEAD surge y sus aportes dentro de él. Aunque la misma Noel dude de la veracidad de mi afirmación, en mi opinión, entre el diseño de autor (RIP) de principios de los 00s y la aparente efervescencia del contexto actual (diseñadores emergentes), A.Y.NOT es uno de los links fundamentales para el cambio de visión respecto del marketing, del producto; de la idea de marca. Esto, claramente, respecto de los viejos vinagres.

Pablo: ¿Cuál creés que es tu aporte a la moda argentina? ¿Sos consciente del legado que esta década de trabajo ha dejado?

Noel: No tengo muy claro si aporté algo a la moda y, de ser así, qué sería. Creo, son cosas que las puede analizar gente como vos, un gran observador de la moda argentina. Yo espero haber aportado un poco de humor, un poco de ironía, porque eso es algo que me interesa mucho en la moda. Creo que lo hemos usado. Y también la relación entre arte, música y moda; que es una relación muy obvia y muy natural, pero que me interesa mucho. Nosotros quisimos subrayar esa relación. Desde siempre me interesó la moda como proceso en relación con el marco social y político. Y la relación de la moda y la comunicación. Todo eso me interesa más que el virtuosismo del diseño. Todas esas cosas intené poner en evidencia a través de A.Y.NOTDEAD.

POR PABLO BERNARD Agradecimientos: Angie, Juan Cruz, Diego, Ary, Rudy, Facu, Max y Juampi.

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RE G IA / M Ú S I CA / REV I EW S

Los monos del ártico volvieron renovados, con un sonido comAM p l e t a m e n t e n u e v o , d e j á n d o no s e n c l a r o q u e u n a b u e n a b a nd a p u e d e r e n o v a r s e u n a y m i l v e c e s s i n p er d e r s u i d e n t i d a d . En AM h a y b a l a d a s r o c k e r a s c o m o ‘ D o I Wa n n a K n o w ? ’ , ‘ W h y ’ d Yo u O n l y C a l l M e W h e n Yo u ’ r e H i g h ? ’ y ‘ I Wa n n a Be Yo u r s ’ . M u c h o Ve l v e t U n d er g r o u n d e n ‘ M a d So u n d s ’ , m u c h o Q u e en s O f Th e S t o n e A g e e n ‘ Sn a p O u t O f I t ’ y u n p a s e o p o r e l m e j o r r o c k d e l o s 6 0 ’s e n tr e ‘ I Wa n t I t Al l ’ , ‘ Fi r e s i d e ’ y ‘ Kn e e S o c k s ’ .

U n d i s c o l l e n o d e e m o c i o n e s , i n t e n s i da d y una madu r e z e n s o n i d o q u e s e h a c e n o t a r c o n l o s a r r e g l o s d e vo ces en las c a n c i o n e s ( e s e p l u s d e q u e c a s i t o d a s l a s c a n c i o n e s s e an cantadas a d u e t o e n t r e Tu r n e r y H e l d e r s ) , l a s d i s t o r s i o n e s c l á s i c a s vintages 60s / 7 0 s ( s o b r e t o d o e n l a s e g u i d i l l a d e ‘ O n e F o r Th e R o a d ’ / ‘Arabella’) q u e l e d a n u n m a t i z e x q u i s i t o y s e r u n d e l e i t e a l o s o í d os .

Arctic Monkeys

Swim Deep Where The Heaven Are We El hecho de que la portada del disco parezca creada con “Word Art” pareciera darnos una pauta de que estamos por escuchar a un grupo de adolescentes de pelo largo grungies. Pero, sorprendentemente, nos encontramos con un proyecto mucho más abierto de lo que creímos en un principio: una combinación de guitarras y sintetizadores noventosos con letras un tanto positivistas que, en palabras de la banda misma, busca que el que lo escucha logre disfrutar de la vida, amando lo que hace a diario.

El disco se abre con una suave ´Intro´ a base de guitarra y teclados más unas líneas dedicadas a algún amor para dar luego avance a una serie de buenas canciones llenas de riffs de guitarra que se mueven entre los Smiths de los ´80 y los Pixies de los ´90 y sintetizadores que parecieran liberar energía por si solos. Pero si hablamos de referencias, hay que nombrar primeramente a Stone Roses. La manera de cantar de Austin Williams nos recuerda -y mucho- al gran Ian Brown.

Where The Heaven Are We puede sonar repetitivo, pero su fórmula logra que su gran frescura en su composición llame rápidamente nuestra atención y nos devuelve con creces los minutos invertidos.

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Splashh suena a vacaciones de verano por su aspecto caótico. Los sonidos de esta banda inglesa pero Comfort de origen Neozelandés y australiano podrían describirse como surf, indie rock y un poco experimentales.

Lo más destacable de Comfort se basa en que más allá de lo multiforme, mezclado y diverso de sus temas, la acústica termina siendo similar haciendo que sea un álbum donde sus partes están completamente cohesionadas.

“Need It”, “All I Wanna Do” & “Lemonade” son algunos de los mejores pasajes del disco.

Pero el hit definitivamente es “Vacation”, que con sus sonidos muy shoegaze y un new-wave nos hablan de esos lugares anhelados, de esa necesidad de escapar de una necesidad de encontrar un lugar alejado donde despejarse. ¿Cuánto falta para el verano?

Splashh

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An d r e w Va n Wy n g a r d e n y Ben Goldwasser se puMGMT sieron caprichosos y no quieren hacer más música p e n s a n d o e n l o s d e m á s . N o s ad e lantaron que su nuevo disco no iba a contener ningún hit del estilo de ‘ Ti m e To P r e t e n d ’ y a s í f u e . M GM T (el álbum) es un trabajo expansivo en todo sentido, que va más allá d e l a e x p e r i m e n t a c i ó n d e C o n gr a tulations y la psicodelia pop de O r a c u l a r Sp e c t a c u l a r.

Si gustará a muchos o a unos pocos , a e l l o s n o l e s i m p o r t a . Y e s o e s t á b u e n o . C u a n d o h a y g r a n libe r t a d - a c o m p a ñ a d a d e c r e a t i v i d a d - e s d i f í c i l q u e e l r e s u l t a d o sea n e g a t i v o .

Un d i s c o s i n t a p u j o s y s i n p r e j u i c i o s e n d o n d e p r i m a l a e x p e rime n t a c i ó n a b o r b o t o n e s , q u e e n é p o c a s e n d o n d e s e c o ns u me y d e s e c h a m ú s i c a e n m o d o f a s t - f o o d p i d e t i e m p o p a r a s e r com p r e n d i d o .

MGMT

The Naked and Famous In Rolling Waves E l grupo n eozelandés liderado por T h o m Po wers y Alisa Xayalith se mudó a L os Án geles a m ediados del año pas a d o buscando inspiración para el suc e s or d e su e xitoso Passive Me, Agg r e ssiveYo u. Al parecer la costa oeste d e Estados Un idos les dio resultado, ya q u e se mandaron con un álbum no sólo m á s elaborado, si no más adulto (¿men o s adolescente?) y con un sonido más s o f i sticado. Mucho se lo deberán a Alan M o u lder, el productor brit conocido por h a b er tra bajado c on Smashing Pumpk i n s, NIN, Th e Cure, Killers, y sí, con l o s Yeah Yeah Yeahs. Desde el arte de t a p a ya podemos imaginarnos que el t o n o de libertad y juventud que gritab a n en e l d isco anterior se apaga un p o c o. No es que no tenga hits como ‘ Yo un g Blo od’, to do lo contrario. El prim e r simp le, ‘Hearts Like Ours’, es un c a n to a e sa fu erza y empuje juvenil que p r o m ete u n mu ndo propio. Además, es m u y pegadizo. Hay que decirlo: TNAF n o son lo s me jores letristas, pero tiran f r a s es muy para pinear en Pinterest.

E l otro h it e s ‘I Kill Giants’, listo para s e r remixado y bailado en las pistas d e to do e l mu ndo (en Nueva Zelanda, s e g uro. Allá so n ABBA). Por momentos t o d o se vu elve é pico, como en ‘Grow O l d ’ , como compitiendo con el último M G MT. Po r momentos, agarran la acúst i c a y juegan a l r ock, como en ‘A Stil l n e ss’ y e n ‘Wh at We Want’. Les sale b i e n. Ig ual, la me nción especial va para ‘ Wa ltz’, d onde Alis a y Thom se ponen a h a c er armonías y les sale mejor

Hay algo genuinamente épico en conseguir un Settle disco notable que además transmita una calma y una seguridad pasmosas en su ADN, que no revele un afán excesivo por l o g r a r l o s u b l i m e , q u e n o a p e s te a acto supremo de auto-afirmación, un “aquí estoy yo, y de esto soy capaz”. Y eso es precisamente lo que evoca una primera escucha de Settle, de los británicos Disclosure.

P o r u n a p a r t e , s a l e n v i c t o r i o s os a l com b i n a r y d a r s e n t i d o a u n a d e n s a m a r a ñ a d e e s t i l o s m u s i c a les q u e i n c l u y e n e l h o u s e , e l t e c n o ( e n e l s e n t i d o m á s a m pl i o de l a p a l a b r a ) o e l U K G a r a g e . Ta m b i é n h a n s i d o c a p a c e s d e sac a r a l g o d e l o s p r i m e r o s B a s e m e n t J a x x p r e s c i n d i e n d o d e l peta r d e o , d e q u e d a r s e c o n l o b u e n o d e Ar t f u l D o d g e r s i n p a sarse d e a z ú c a r, d e r e i v i n d i c a r a I n n e r C i t y o q u e d a r s e c o n sólo l o j u s t o y n e c e s a r i o d e F u t u r e S o u n d o f L o n d o n , y q u e e l resul t a d o s u e n e a n u e v o y f u n c i o n e . A d e m á s , l e h a n s a c a d o todo e l p a r t i d o p o s i b l e a c o l a b o r a c i o n e s d e l o m á s v a r i o p i n to : Eliz a D o o l i t t l e , Al u n a G e o r g e , u n s o r p r e n d e n t e Ed M a c Fa r l an e de F r i e n d l y F i r e s , J e s s e e Wa r e … El r e s u l t a d o e s u n e x c e l e n te disc o d e m ú s i c a e l e c t r ó n i c a l l e n o d e e s t u p e n d a s c a n c i o n e s, l o cual n o d e j a d e s e r u n c o n c e p t o r e m a t a d a m e n t e p o p . A h í e s tá n “Wh i t e N o i s e ” , “ D e f e a t e d n o m o r e ” , “ Yo u & m e ” o “ F f o r y o u ” , por c i t a r a l g u n a s . C a n c i o n e s d e d i s t i n t a s i n t e n s i d a d e s , a l g u nas m á s o r i e n t a d a s a l d a n c e f l o o r q u e o t r a s , p e r o t o d a s co n la e t i q u e t a d e c o c i n a d a a l p u n t o b i e n a l a v i s t a . ¿U n o d e l o s mej o r e s d i s c o s d e l a ñ o ? P r o b a b l e m e n t e .

Disclosure

REVIEWS POR AHT (After Hours In Tokio)

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RE G IA / C INE

caito una pelĂ­cula sobre dos hermanos

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La película dirigida por Guillermo Pfening y producida por Pablo Trapero, muestra la relación de amor entre dos hermanos de Marcos Juárez (Córdoba). Guillermo regresa de Buenos Aires a su ciudad natal, como director (acompañado de un equipo técnico), para obtener registro de la vida cotidiana de su hermano que padece Distrofia Muscular de Becker. Su idea inicial, es hacer una ficción sobre su hermano.

Guillermo observa su vida cotidiana y las relaciones que mantiene; así descubre que su hermano tiene un deseo muy fuerte de ser padre. Este deseo crece cuando Caito comienza a frecuentar a Anita, con ella y La Suzuki emprenden un viaje a escondidas por los campos de la pampa. Esta ficción, hacia el final se interrumpe, y Guillermo le concede a su hermano la decisión de cómo quiere que termine la película; el relato de su vida. Caito fue estrenada en BAFICI 2012. Se proyectó en festivales de Lima, San Pablo, Santiago de Chile y New Haven. El 17 de octubre se estrena en los cines de Buenos Aires.

Entrevista a Guillermo Pfening Por Carola Gliksberg

La película tiene un valor emocional importante para vos.

Caito es una pieza especial por la relación con mi hermano. Es única y original. Intenté poner algo frío, porque quería que aparezcan otras cosas en la narración, en la foto y en la puesta; hacer dialogar todo ese material y que aparezcan otros aspectos además de los emocionales. Esto era, a priori, una cosa que me ponía en alerta; por un lado, la parte documental es muy fuerte y por otro, no quería que lo ficcional pierda fuerza ante lo documental. No quería hacer una película sobre alguien enfermo, porque no es así. ¿Cómo tratar el límite? Vos lo trabajás como una característica más de tu hermano. No es una película sobre la enfermedad, sino que es una cualidad más.

Sí. Pensamos “vamos a hacer una película sobre mi hermano que tiene esta característica”, muy similar a lo que decís.

Por otro lado, tampoco queríamos negar la enfermedad, esto se plantea en el comienzo de la película, donde decidimos incluir ciertos aspectos médicos. ¿Cómo comenzó el proceso de trabajo?

Mi punto de vista sobre la película fue cambiando mucho. Primero, fue una ficción: Caito atravesado por el deseo de ser padre, tiene una nena que le falta protección, un viaje, etc. Eso, gracias a que filmé un acercamiento a algunas escenas, se lo muestro a Trapero y ahí es cuando empezamos a hacer todos los papeles para el INCAA. Yo pensaba en una película de verano y se atrasa, se me pasa el verano y eso nos obligó a repensar muchas cosas y nos dimos cuenta, en ese proceso, junto con Trapero y Carolina Stegmayer (después se suma Agustín Mendilaharzu), de - 49 -

que estaría bueno recuperar algo genuino, casero; de nosotros. Pablo (Trapero) insistía siempre en que yo tenía que aparecer en la película y yo no quería, me negaba. ¿Cómo decidiste incorporar el registro documental?

Empezamos a trabajar con Agustín Mendilaharzu la autorreferencialidad; ahí se fue armando la película que en el guión definitivo tampoco es la película que miramos ahora. Yo filmé una película y cuando veo el material, empiezo a editar y había algo que me perturbaba: la escena final. Mi hermano está en la mesa, ese travelling, acompañado de un discurso que dura diez minutos. Lo que pasó ese día es que era el último día de filmación.

La idea era que dé un discurso agradeciendo, contando su experiencia. El tema es que se levanta con un orzuelo en el ojo. Mi papá, que es médico, al toque le clava algo porque si no iba a andar con el ojo hinchado. Llegamos a las diez de la mañana, me pongo a hacer otras escenas, hago una con él, él ya se sienta ahí, guitarreada, vino y más vino y, cuando vuelvo para hacer la escena que era alrededor de la hora del almuerzo, estaba como doblado. Entonces dije, hagámosla ahora porque conozco el timming de la borrachera. Si esperamos un poco más, se duerme. No es borracho ni nada. Hacemos la escena y realmente fue muy emotivo porque le dijo cosas a grupos de gente que estaba trabajando y también a cada uno, pero por momentos se quebrada demasiado. ¿Ahí se define el final de la película?

Cuando veo eso me parecía que estaba muy expuesto y él, cuando se despierta de la siesta, después de hacer esa escena, no se acordaba de lo que había dicho. No me parecía que quede así y, mientras editaba, se me ocurrió

inaugurar una tercera etapa, en Buenos Aires.

Acá rodamos de vuelta lo que pasó esa vez.

Le muestro algo del material, él cuenta algo de esa escena y también lo incluimos a viendo la película completa por primera vez. Esa es una tercera etapa que se inauguró a raíz de eso.

Es una de las cosas más ricas que tiene la peli: que el guión estuvo siempre abierto. Es un mérito de Trapero, lo que pasa, interviene.

El rodaje terminó impactando en la película y eso está buenísimo.

Caito fue filmada hace unos años. ¿Cómo es el después?

Las etapas fueron tres. La primera parte fue en el 2009, la segunda parte fue a fines del 2010, y la tercera fue al principio de 2011. Estuve hasta el 2012 editando y ahí es cuando se estrena en BAFICI. Todo ese año de edición yo quise editar, pero Pablo (Trapero) me decía: “tomate dos meses y volvé”. Yo me tomaba un mes y enseguida volvía. Eso le dio mucho aire; era muy difícil combinar todo ese material. ¿Cómo ves la película? ¿Sentimentalmente, como director, como hermano?

Desde todos los lugares. Cuando la veo, es un cocktail de tantas sensaciones. La primera vez que la vi con gente, en el BAFICI, estaba más frío y viendo qué pasaba; qué le pasaba a mi hermano. Es loco, pero me siento orgulloso de la película. Imaginate si no me hubiese gustado, prendo fuego a mi familia. Por suerte me gusta y noto que gusta, que habla sobre algo que está bueno. No es exponerse por exponerse.

Después, quería saber si eso que a mí me pasaba le pasaba a la gente. Las primeras dos o tres veces que la vio mi hermano, él estaba atento a si a sus amigos les gustaba. ¿A tu familia le gustó?

viene y me dice: “en este momento pensé tal y tal cosa”. Las ideas toman una forma, alguien lo ve y puede reflexionar sobre eso. Eso me flasheó. Después, un montón de cosas fueron positivas, entonces, muchas cosas de las que me dicen, me ayudan a seguir reflexionando sobre la película. A mucha gente le abre un montón de preguntas.

Es una película que tiene muchas capas.

Tiene muchas situaciones de espejo; cosas que se repiten. Esto de ensayar una escena y después verla ya montada.

Los hermanos jugando al truco, Lucas Ferraro jugando al truco. Mi papá real y Stagnaro. Esas cosas me divierten. ¿Tuviste algún referente?

Sí, Luz silenciosa de Reygadas. No sé por qué, pero en mi película hay unos homenajes a mi manera; el plano de los girasoles y el plano cuando se va la cámara a las estrellas, que sale del hotel y se escuchan muchos ruidos de animales afuera. Es como el plano de la vaca cuando empieza amanecer. No es que estéticamente se crucen. ¿Tenés proyectos nuevos?

Sí. No estoy trabajando porque estrenar una película es casi más difícil que hacerla. Con Trapero todavía estamos juntos, estrenando la película con Impacto Cine. Desde ya, volví a actuar. Voy a seguir actuando y dirigiendo.

Me gustaría tener la consistencia de trabajar más seguido en el guión, pero me cuesta.

Esta película me llevó ocho años. Sentarme a escribir es un proceso que disfruto mucho.

Quiero reflexionar sobre las cirugías estéticas y las mujeres. Una mina adicta a las cirugías y la relación con su hijo.

Sí. ¿Caito tuvo alguna crítica o impacto que no habías previsto antes de filmar?

Lo que me pasó es que estoy flasheado con la etapa de distribuir la película y empezar a tener devoluciones. Primero, hay cosas que pensé sólo en la intimidad y no me imaginaba que alguien se iba a dar cuenta; hay gente que

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Te interesa el cuerpo, el impacto y el entorno.

Sí; mucho. Esta película sería sobre una mina adicta a las cirugías y su relación durante el posoperatorio con su hijo. Con esas caras nuevas que van a ir develándose durante la película.

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RE G IA / F OTO G RAFÍ A

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Poducci贸n REGIA MAG Fotos: Niki Noto Estilismo: Natacha Jonson Modelos: Roger & Petite Lau Pelo: Gabo Escobar para Juan Olivera Make Up: Gaby Donaire para Estudio Novillo con productos YSL Asistente de estilismo: Diego Leandro Nunez Gracias a Juan Perez, Max Vargas, Nuria Quintela.

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1989 ENTREVISTA A JUAN BECÚ ARTISTA PLÁSTICO Y MÚSICO POR JAVIER M. BERRO

«Ahora pude adaptar esas dos vertientes en mi vida y llevarlas sin conflicto. Es una de las primeras veces que siento esta libertad creativa. Tener ambos escenarios para poder expresarlas me da un rango de opciones interesantes en las que puedo experimentar». Juan Becú, líder algo especial del grupo 1989 y artista plástico consolidado en la escena local, tuvo que aprender a dominar esa tensa relación entre la pintura y la música; que a veces hace contacto eléctrico dando lugar a nuevas formas de expresión, o simplemente a una crisis creativa. «Al principio, las áreas del lenguaje se mezclaban y me generaba mucho conflicto poder unir esos dos aspectos míos. Pero, al cabo de un tiempo; más o menos diez años, pude entender que el complejo que define nuestra identidad es aún más complicado todavía. Y que uno no es sólo el manojo de preferencias o trabajos que hace; de películas que le gusta o canciones que escucha. Somos una rara

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combinación de todo eso a la vez». Y esa combinación se disputa parte de su agenda: mañana regresará desde New York, luego de coronar una residencia de arte en la University of Vermont y hará foco en los planes inmediatos de su otro yo. El próximo 25 de octubre se presentará en el Samsung Studio junto a Maximiliano Cataldi (batería), Luciano Poggio (teclados), Camilo Parisi (guitarra) y Axel Wainstein (bajo) para celebrar y presentar en sociedad Jerarquía y Dogma, el segundo disco de los 1989, este combo que hace canciones con pulso de rock electrónico, new wave, grunge, en el que canta, toca guitarra y firma todas las composiciones.

Hace seis años, un grupo de amigos comenzaba a darle forma 1989, un proyecto que remite directamente a “una época particular, tanto de la historia mundial como argentina; ese año sucedieron muchas cosas en el mundo y, simultáneamente, también en nuestras vidas”. “Estábamos a punto de entrar en la era

menemista; a esa edad ya empezábamos a elegir nuestras preferencias musicales, descubrir bandas, leer libros e ir a muestras. Señalar esa época es señalar un proceso, un espíritu de cambio durante la época de los últimos ideales, de la generación X, de MTV, de las grandes cadenas de comida rápida entrando al país. De un estado de confusión y falta de orientación en la sociedad que de alguna manera definió a los de mi generación”. En 2006, comenzaron los primeros ensayos y la producción de los primeros temas: “Cuando empezamos teníamos algunas ideas en la cabeza, pero lógicamente que la identidad de la banda se fue defendiendo día a día. 1989 nace en un contexto en el cual yo hacía rato que tenía ganas de re armar una banda. Nos empezamos a juntar con Luciano y Maxi, y ahí se puso el primer cimiento. La idea es tratar de hacer lindas canciones, sin mayor ambición que esa. Tratamos de dar cuerpo a un grupo de canciones que de alguna manera u otra nos ilustran la escena de Buenos Aires de hoy en día”. Ese cruce de caminos, el fin de una década y el inicio de otra, supone hacerse cargo de las influencias que hoy confluyen en el sonido del grupo. En el primer disco hay guiños a Virus, Charly García, Soda Stereo, que conviven con la explosión guitarrera grunge heredada de Seattle o los sintetizadores bailables del post punk de New Order. Muchas cosas ocurrían en el mundo en 1989. Por ejemplo, mientras el Reino Unido se preparaba para despedir a su Dama de Hierro, aparecían en la escena británica los Stone Roses publicando su primer disco, con John Squire en la

guitarra y firmando el arte de tapa. Para el músico de Mánchester, su estudio de arte sirvió -hasta que se incendió completamente el año pasado- como una válvula de escape para su enojo con la música, luego de la disolución prematura del grupo que completan Ian Brown, Mani y Reni. Con Jackson Pollock y su técnica de action paiting como inspiración, Squire cimentó una serie de obras dentro del expresionismo abstracto, entre las que se destacaban la ilustración del primer disco de SR: una crítica visceral al gobierno ultraconservador de Margaret Thatcher, a través del dibujo de tres rodajas de limón, que terminaron siendo el logotipo de la banda. Durante esos años de resistencia, esos cítricos servían como una medicina eficaz para los ojos ante los efectos de las bombas lacrimógenas de la represión policial. Así, tanto Squire como Becú (comparación caprichosa de este periodista), demuestran que es posible convivir con ambos universos y derribar barreras propias y ajenas para expandir un ideal artístico y político en simultáneo. En el territorio de Becú y los suyos, con la elección de su nombre, sus narrativas, se toma posición una posición de resistencia que retrata los ánimos de una generación acostumbrada a resistir. “Lo que hacemos, lo hacemos cuidadosamente, ya que no es más que una percepción, una manera de ver o de describir algunos sentimientos que nos aquejan; o sencillamente, nos ilustran una determinada escena que no necesariamente tiene que ser autorreferencial, sino un bosquejo de una percepción o una pequeña historia”, concluye

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BELLA DAMA DEL AGUA

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beach house

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Nos cruzamos con otra gente pero ella nos dijo que se iba a hacer cargo de nosotros, en un año o dos, si se lo preguntábamos, así que no temimos. En un momento creímos haber llegado a Noruega, no estamos del todo seguros.

Entre la nebula de hipnotizados divisamos al Capitán Ban que parecía haber perdido a su tripulación dentro de esta confusión. Perdido él, perdidos nosotros, nos unimos en un festín cervezal donde todo se volvió más nublado todavía, y entre tambaleos al compás de los ritmos drones disparados por los dos súbditos de la bella dama del agua (que deben haber aprendido a desenvolverse exitosamente en sus instrumentos gracias a la magia de la sirena y no de ninguna escuela de música), nos dio dolor de cabeza y nos quedamos dormidos.

Nos despertó Irene, quién sabe cuánto tiempo después de acabada la revelación. Nos encontramos flotando sobre los restos de algo, todavía en ese estado intermedio entre sueño y conciencia. Todo el camino visible hasta el horizonte se hallaba cubierto de náufragos en la misma situación que nosotros, pero una voz en nuestras cabezas, que nada se parecía a la de la sirena, nos dijo “hay que bracear, hay que patalear y nunca parar de respirar, hay que bracear, hay que patalear, la costa va a llegar”. Volvimos a la calle sin nuestros jets skis y sin estar seguros de haber cumplido nuestra misión, pero amando al agua un poco más que antes

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los wussies, 4 de septiembre de 2013.

La calle está mejor que el mar, dicen los tiburones del asfalto, que son mucho más kool que los tiburones del agua. Pero Facu nos llamó al wussifono y nos dio las indicaciones para convertir nuestras patinetas en jet skis: tenía una misión en el mar para nosotros. Justo cuando estaba en medio de las instrucciones se cortó la comunicación porque un dedo apretó un botón. No nos quedó otra que dirigirnos hacia la cruz roja del mapa sin saber lo que nos esperaba, sin saber con qué wussigadgets equiparnos. Lo malo del océano es que no se puede respirar adentro, por eso el hombre no llegó a descubrir todas las criaturas que allí habitan. Así, existen varias oceanomonsteorías tales como la del Aquamoco que acosó a muerte al bote salvavidas de la segunda salida expeditiva de Marco Polo alrededor de la playa del Mar Lidenbrock, o la del Tentandróxido de cinco cabezas que, dicen algunos, ha sido avistado surcando las costas de Rixdal en verano.

Nosotros, sin buscarlo, comprobamos una de estas estremecedoras teorías: las sirenas existen. O por lo menos hay una. Se llama Victoria y lleva con ella, en sus viajes oceánicos alrededor del mundo, a dos jóvenes marinos que alguna vez encantó y hoy la acompañan a donde vaya. Aparentemente Victoria se encontraba cerca de nuestra X. No sabemos cuánto nos desvió de nuestro destino con sus cánticos divinos pero la cuestión es que nos desvió.

Las aguas se volvían de repente amarillas, de repente violetas, siempre calmas.

Un montón de anguilas miraban hipnotizadas a la sirena y asentían, como queriendo formar parte de la enmarañada cabellera de medusa de la deidad del agua. Sus cantos indescriptibles, inigualables, resonaban por todo el continente. Ustedes, que no tuvieron la suerte que tuvimos nosotros de escuchar el canto de una sirena, se preguntarán a qué suena. Eso no podemos explicarlo con palabras pero podemos decirles, según lo que nuestra nublada memoria nos deja recordar, los asuntos que recorrió esa noche. Primero fue un canto salvaje y después nos fue llevando por caminatas en el parque acuático, nos habló de las horas, del año nuevo, del maestro de ninguno. Llegamos a la Isla Tortuga, más allá del territorio de las zebras.

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POR PABLO BERNARD Editado por Max Degli Fotos por Edu Torres

ENTREVISTA SEPT 20

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www.loveartnotpeople.org

RODRIGO CAÑETE

LOVE ART NOT PEOPLE

Es elemental, antes que nada, dada la enorme influencia que ha despertado tu blog, LoveArtNotPeople (al menos en Argentina), ponernos en un marco de presentación que nos permita un autodefinido de tu personaje, más allá de tu desempeño en la administración pública como Subecretario de Cultura de la Nación, queremos una introducción de quién sos o cómo te definís.

Soy un militante del gusto modernista.

Mi misión es Informar y transformar la diferencia del bien y del mal, la diferencia entre el buen gusto y el mal gusto, entre el buen arte y el mal arte. Tenemos que reconstituir los estándares.

P: ¿Dónde entra el proyecto de L.A.N.P? ¿Es algo que se inicia con el blog o fue la cristalización de esa voluntad o ese deseo?

Es parte de un proyecto. L.A.N.P. hace un trabajo de limpieza y genera un foro.

Necesitaba tirar abajo ciertos baluartes de los modos Premium; lo que yo llamo “La Mafia del Amor”. Eliminar ciertos personajes en términos de discurso.

Esto, desde el más alto profesionalismo.

Yo estudio e investigo en el Courtauld Institute of Art; lo máximo que hay en la Historia del Arte en el mundo. Trabajé en Wall Street como Art Buyer. Tengo el poder de decir que esto también aplica a un proyecto, digamos, más cívico. Soy informador de público de arte. Eso es al menos lo que quiero hacer.

P: Cuando vos decís que tu intención era lograr del blog un foro, creo, claramente esto se refleja hoy en día en tu site. Antes no era así. Cuando, tiempo atrás, entro en contacto con L.A.N.P. casi no había feedback. Era una suerte de monólogo, abordando en algunos casos hasta cuestiones personales (notas de color necesarias en un blog y diferentes a una columna). En estos últimos meses, el blog se convirtió en un foro. ¿Esto fue un devenir natural o es algo que vos tenías pensado? Es decir, ¿Surge de la propia evolución o hubo un momento determinado donde modificaste ciertos para parámetros para lograrlo?

Esto que está pasando con el L.A.N.P. es algo que yo pensé. El tema era si iba o no a funcionar; tenía una audiencia de lectores que no podía aceptar que me leía.

La condición del blog es subir exponencialmente sus readers. Esto se sabe a través de Wordpress. Si vos le preguntás a alguien si me lee, lo más probable es que lo niegue. Son mecanismos de defensa del sistema.

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P: Todo lo contrario. Poca gente niega publicamente el hecho de leerte y, de hecho, te has vuelto tema de conversación recurrente en ciertos espacios. Nadie niega que lee tu blog...

Lo que sí sucede es que el cambio de formato, devenido a una continua actualización y un tránsito sostenido (e incrementado) de lectores, da la pauta de que, si bien al principio el feedback era muchas veces generado por el mismo personaje que vos ponías en jaque, hoy lo que genera L.A.N.P. es esta suerte de público adicto, algunos muy lúcidos, que regeneran a través de su palabra la experiencia de tus posteos.

como nómina el re-post. A mi pensar, ese es un artilugio tuyo que, cuando no podés eludir la veracidad de un comentario, terminás por ponerlo en el spotlight ante tus anónimos para que lo destrocen...

Al principio era cronológico. Yo posteaba como en una revista. El problema es que ese formato es muy difícil de sostener.

Imaginate, escribo cuatro artículos por día, dos en castellano y dos en inglés, porque también tengo un blog muy exitoso en inglés. El género del blog es uno de los más difíciles de sostener; tiene un nivel de demanda que, en cuanto bajás, te dejan de leer. Además, mi golpe de suerte fue, por decirlo de alguna manera, ciertos personajes de lo más respetados dentro de la contienda cultural argentina (a los que denominé como miembros del “Club LoveArtNotPeople”), empiezan a meterse para putear o cuestionar mis posteos con nombre y apellido. Imaginate, con un formato que te permite la impuniad del anonimato, termina siendo un debate inteligente entre dos personas reales y, tal vez, con cierta autoría para opinar sobre un tema con diferentes miradas. Ahí el blog explotó.

Cuando pienso el sistema de re-posteo, lo veo como un sistema de jerarquización.

Si te re-posteo, es porque considero que tu palabra vale. Es un pensamiento dicotómico; “si” o “no”. Not This, But This. Es una suerte de curaduría... Es parte de la narrativa que quiero contar con mi blog. En general, no te levanto para que te maten. Mis lectores son autónomos e inteligentes. Yo digo una pelotudéz y me paran. Por ejemplo, cuando quise hablar de moda, me frenaste en seco. Mis lectores me controlan.

P: Cuando vos hablás de todos estos personajes que, en el diálogo menudo generan un discurso. ¿Qué pasa con el anónimo? ¿Tenés idea de quiénes son?

No, pero tengo sospechas. Algunos comentarios pueden sonarme de determinado personaje, pero, claramente, cuando entran, lo hacen desde un mail falso.

P: ¿Quién administra las entradas? A veces hay posteos que no aparecen... Yo dejé dos anónimos en una oportunidad que no necesité referirme con nombre y apellido y no aparecieron. ¿Censurás?

La realidad, no censuro casi nada. Sí, los insultos entre lectores cuando se agarran entre ellos y también cuando un comentario me resulta chicanero. Mi blog es mi blog. En ese sentido, no es una democracia, es una dictadura.

P: Hay unos matices que me gustaría destacar. Este formato particular, bastante original y funcional, tiene - 76 -

No es así...

P: Sea como fuese, me parece una excelente defensa espontanea del sistema del blog... Lo viví en carne propia, cuando intente expresar una opinion con nombre y apellido. Si no sos consciente de lo que genera ese sistema, te digo, hay algo que funciona perfecto.

P: ¿Cuál es el lugar de un blog? Si bien puedo no sentirme identificado con algunos comentarios que hacés y, claramente esto es parte de un formato (una visión personal de una situación o hecho particular), me pregunto cuáles son tus responsabilidades teniendo 20.000 personas en tránsito, si de golpe le tirás con un caño a alguno (más allá de que consideremos que lo merece o no).

El blog es un proyecto republicano.

Me hago responsable de cada cosa que esribo. El problema dentro de la Historia del Arte es como la moda: en Argentina todos se visten de color mierda.

Hace unas semanas un lector me mandó el video de la mujer del tren. Yo venía hablando del “arte chongo”, de esta cosa de la glamourización de la pobreza, de la miseria, que también está en el arte...

Como en el BAF, que tiende a transformar cualquier mierdita en arte; el diseño de autor y toda estetización de la pobreza ligada a la violencia atrás del pobre.

Insisto, no es un problema de la crisis económica, el tema es que en Argentina tenés que vestirte de pobre para que no te maten.

P: Es que para mi es un artilugio, desde ciertas esferas, ridiculizar al pobre y perder ese miedo. Glamourizás al pobre y terminás por sacarte el miedo. Se ve, claramente, en la moda...

Ese es el problema cultural argentino,

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¡Señores! La repercusión que tuvo la dualidad de comentarios sobre Milo Lockett y Pablo Lezcano, donde al primero lo mataron y al otro lo devinieron en poeta... Fueron semanas de debate para desarmar intocables. Ese es el trabajo del blog; de-construir intocables.

Cuando critico el proceder de la Funación MALBA, que te pone al nuevo presidente y lo transforma en el modelo de joven que argentina quiere tener. Me cuesta entender como los argentinos privilegian liderazgos de ese tipo.

P: Debe estar en alguna parte de tu historial de L.A.N.P. bien en claro, pero para refrescar ciertas teorías, me gustaría entrar en el concepto de lo que vos llamás “La Mafia del Amor”.

Tu teoría, que me parece acertada en algunos aspectos, es que el crítico debería ser un personaje sin relación alguna con los artistas. Ni amigos, ni conocerlos. Ni siquiera moverse en los mismos circuitos. A mí me parece que no tiene que ser necesariamente de ese modo, pero según tu pensar, ahí es donde empieza a coagular “La Mafia del Amor”... Todo esto, desarrolla un tramado socio-político que genera el estado del mercado del arte acá en Argentina.

Estoy de acuerdo con lo que estás diciendo. Es verdad, pero tu mirada la estás haciendo netamente desde la crítica. Yo me ubicaría en un contexto más grande; lo político, el clientelismo, la corrupción. Es un sistema que va de la escuela a la política. Tiene que ver con esta situación de neutralizar al enemigo; lo que hablábamos sobre los villeros... Es todo una conducta infante.

“La Mafia del Amor” no sabe lo que es el amor. El grupo del amor no se quiere realmente. Yo por amistad entiendo una implicancia de igualdad en la vida y mi objetivo no es destruir gente.

Eso sí, reviento al falso idiota hijo de puta. Si empezáramos a hablar de las cosas, reconociéndonos como adultos, hablando abiertamente de ciertos temas “tabú”... Por ejemplo, en breve voy a tocar el tema de la droga. Yo, ex drogadicto rehabilitado, voy a hablar de la droga en la Argentina: ¿Saben, señoras y señores que en los últimos 15 años el 90% de la BSAS joven y cool se viene dando con merca y ahora están todos hechos mierda? Esto también es una forma de cultura; una manera más de no relacionarse con la gente.

P: Hay algo en el tono de L.A.N.P., en este contexto aleccionador, que se está volviendo homogéneo. Lo percibo en el tono; una transformación cuasi demagoga en el más clásico de los sentidos. Tenés un montón

de seguidores y con alto grado de obsecuencia. En algún punto, siento que decís lo que se quiere escuchar y es bastante fácil. “Tal tipo es un pelotudo” y atrás de eso se arma una batahola tremenda. Tal vez sea una forma de sostener el minuto a minuto...

Es un argumento muy difícil de rebatir.

Todo, en algún momento, se transforma en demagogia. La pronunciación misma ya es un hecho demagogo. Lo cierto es que al transformar el blog en un foro, pasé de 3 a 10 artículos diarios. Lo que planteás de la demagogia y la obsecuencia es algo que peleo a diario y soy consciente de eso... Me incomoda.

P: Cuando hago este planteo, lo hago en tanto al personaje que generás como al proyecto en sí. Tal vez es un problema del que comenta y no de quién escribe.

Poné el fenómeno de L.A.N.P. en un contexto real y maquiavélico. Es decir; estoy tirando abajo intereses grandes.

ArteBA es una bosta y el presidente un ladrón. El sistema de socialité argentino es pobre, patético y no se sabe vestir.

El mundo del arte argentino ya no es la industria del lujo, sino del openaje. ¡Pum! Estoy diciendo cosas pesadas.

Otro detalle. En L.A.N.P. hay mucho infiltrado. Los llamo “Caballos de Troya”.

Esto me obliga a generar anticuerpos ante ataques externos y dar un golpe de timón. Ese es el momento que vos describís como obsecuencia. Por eso lo eché a Sámolo. Es un desafío necesario desarticular de manera impredecible el blog.

P: Es grato saberlo. Se nota un control que funciona de moderador ante este tipo de voces. No tanto pensando en un externo...

Mirá, el externo funciona con obsecuencia. Es como el cáncer: es el enemigo interno. Es interesante porque, siendo administrador del blog, te das cuenta que entran atrás del post y van muy arriba. El lector general es tímido y pide permiso; se presenta. Ante el obsecuente, L.A.N.P. funciona como agente auto-regulador. Si; yo aparezco ahí como chupamedias o dictador, pero en medio hay un blog y esto al momento funciona.

P: ¿Por qué tenés dos? Uno en inglés y otro en castellano...

Empecé escribiendo, aún estando en Argentina, en inglés. En un momento me doy cuenta que las instituciones culturales argentinas estaban tomadas por un grupo espantoso. Acá hay muchas cosas en juego: el patrimonio del - 79 -

Bellas Artes hoy está en peligro; no hay director, no hay responsable penal. Son situaciones muy concretas y fue ahí que me empecé a meter...

Por otro lado, el tipo de sutileza necesaria cuando se escribe en inglés, no se condecía con lo que necesitaba para L.A.N.P. Si vos escribís en inglés, forzosamente tenés otro tipo de público. Ahí arranqué a escribir en español; lo que produjo que mis lectores anglo abandonasen el blog.

Una suerte de racismo victoriano inverso.

Mi blog en inglés es más revista. Tiene un público mayormente norteamericano, muy newyorker. Al igual que el londinense, no es un público afectado.

No tengo foro... Ellos te leen, saben quién sos y ya está. Con el público argentino pasa algo radicalmente distinto. Cambió totalmente mi vida personal...

P: Estaba pensando en eso... Siendo uno muy rápido, un artículo de 1.800 caracteres te puede llevar, mínimo, 4550 minutos. Tenés que tener muy en claro lo que se quiere decir.

Es muy hábil de tu parte este sistema de re-posteo para mantener la cancha caliente.

Es que hay ciertos artículos, sobre todo los de opinión, que están muy pensados.

Vos sos el fiel ejemplo con lo de la moda.

Es muy interesante que vos, Pablo, me estés haciendo esta nota. Desde un lugar de conocimiento, vos no podés mentir.

Si yo seguía escribiendo de moda, no me leían más.

P: Bueno; la intención del sopapo no fue gratuita. En argentina hay cierta fanatización por la moda. Uno de esos aspectos es el periodismo de moda adicto. A vos mucha gente te esta leyendo entusiasmada con tus opiniones sobre ciertos aspectos del mundo del arte. Opiniones discutibles, pero provenientes de alguien que conoce el paño. No estaba sucediendo lo mismo con tus comentarios de moda.

Y me parecio necesario evitar que la voz de “autoridad de arte”, se volviera sólo por el alto transito del blog, en una “autoridad de moda”.

Por ejemplo, vos podés decir cualquier cosa de Sebastián Kaufmann, pero no podés decir lo que digiste de Jessica Trosman. Te puede gustar o no, te pueden no gustar sus amigos... Pero no podés decir que no es una gran diseñadora.

Tal cual. El tema de los amigos. La cosa no era con Jessica Trosman. Yo hago un análisis en términos culturales sobre la forma en la que la marca se presentaba.

La lectura que me interesa de la moda tiene más relación con el término de los museos y de cómo se muestra.

En el proceso, lo que yo logré, por ejemplo, es que Jessica Trosman no me leyera más. Con Jessica, somos amigos, “te amo, te amo” y le comenté que iba a escribir sobre su presentación. Eso te da la pauta de la predisposición al acto republicano... Eso es “La Mafia del Amor”. Entonces, ¿Cómo funciona la cultura? Tiene que funcionar en un mercado abierto e indiscriminado. Mirá el documental de Karl Lagerfeld; ¿Se lo bancó Jessica Trosman todo eso?

P: Yo vi sólo uno... Y era bastante malo...

pasó en Miau Miau. Fui a una cena con Álan; mesa enorme, dos candelabros de plata, gente pretendiendo ser otra cosa.

Si vas a ser cool, sé cool. Como Uds, los REGIA Mag que al menos se garchan a las Macri. No se puede dar cátedra de actitud siendo Mariano López. Me abrió la puerta con un gorro amish “¿Qué hacés ridículo con eso en la cabeza? ¿Estás bien?”. ¡Si esto es dar clase, yo me voy de acá!

Vos me hacés acordar a un artista argentino que es un hijo de puta. Uno que me quería chupar el pito...

Yo te hablo del documental francés.

Digo que es interesante cuando el tipo (Lagerfeld), merquero, psicótico, narcisista y solitario, dice que el amor no le interesa. Mientras te dice esto, espera que todos lo amen.

P: ¿Yo te hago acordar?

P: No cree en el amor porque esta viejo y solo, y no puede resolver ese rollo... por eso el tipo dice que no cree en el amor.

P: Y, a esta altura es la única que me queda.

Mirá la ropa de Chanel. No está hecha para gente que ama; son uniformes de ejército prusiano. Mujeres listas para la batalla social. Hablemos de la ropa de TROSMAN y la vinculación con el minimalismo argentino. De cómo imponer... Esa es ropa para no mezclarse; es el opuesto al pret-a-porter, siendo todavía más barato. Es interesantísima la paradoja cultural que se genera.

P: Me resulta raro que consideres que hay otro aspecto. Para mí la moda es eso. No tiene matices. La moda no tiene otro lugar de interés; es la relación entre gente que trabaja dentro de una industria y genera eso. No es periodismo de moda encontrarle el virtuosismo al diseño. De última, puede ser pedagógico en una escuela. ¡Estoy estudiando, Bernard! Cuando veo a Bandolerio, ya hay una serie de problemas en término de moda; toda esa cuestión Disney, poner todo en el asador.

Eso no es moda, es costume.

P: Es un problema fundamental que en Argentina se trastoca todo el tiempo.

Los diseñadores en Argentina aceptan ese tipo de encomiendas sólo por un tema económico.

Hablemos de Adrián Villar Rojas y esos monstruos que ahora está paseando por Londres. Es el escenario teatral transformado en obra de arte. Es lo mismo que la ropa de Disney devenida a diseño de autor. El mismo principio oportunista.

La Pachamama cool. Ahora el indio es en sí, sinónimo de estilo. ¡Andá a cagar! Me REGIA - MAG

Si; pero vos sos más guapo. Con las fotos a veces no sabés cómo guiarte. Ahora que te veo en video, hay un equilibrio con actitud.

A mí, lo que me parece, es que el blog desarticula ciertos discursos dentro de algunos escenarios y te doy la derecha, porque entre otras cosas, lo hacés con humor. Hay caretas que se caen o se aflojan. Uno se encuentra todo el tiempo construyendo proyectos y tenés que abscribir a leyes de ciertos personajes que toman estado y poder, que realmente se manejan de una forma... un tanto “mafiosa”.

Lo que plantea L.A.N.P. es, justamente, empezar a desconstruir esas cosas para poder empezar a crecer. ¡Somos una generación totalmente muerta! Muerta por herencia y por las malas costumbres.

Yo daba clases con Abal Medina, amigo mio. Una generación formada por el clientelismo y la falta de autonomía mental. No hay pensadores. Hay que pensar de otra forma. Esto que estamos haciendo vos y yo, es generar nuevos modos de pensar. Ahora no se piensa más a través de un libro; ¿Quién te lee?

Eventualmente sí, escribí. Pero esto es algo que me fascina de L.A.N.P. La forma de divulgar un pensamiento. Es decir, yo ya no veo televisión.

P: Me parece, y peco de entusiasta, que L.A.N.P. a cambiado por lo menos, en ciertas esferas de Buenos Aires, la forma de encarar cierto tipo de discusiones. ¡Gracias, Pablo Bernard! Yo lo noto desde acá. Hoy se dicen cosas que hace siete meses hubiese sido escandaloso.

Gente que me decía “Temo por tu vida” y yo, pará estúpido. Estoy hablando de Sendrós. ¿Qué? ¿Me va a hacer juicio porque digo que tiene el pito grande?

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P: Es interesante cómo L.A.N.P. da lugar a otro tipo de discusiones, mismo entre la gente del mundo del arte y la forma en que dialogan entre ellos.

Tengo entre 15.000 y 20.000 seguidores.

Se está gestando algo interesante. Creo, la gente inteligente encontró la forma de manifestarse. Por eso el blog se transforma en una suerte de fenómeno cultural. La sinergia que ocurre cuando le das la palabra al anónimo, y por esto defiendo el anonimato, es que permite expresarte desde atrás de una rejilla. Una suerte de confesionario para poder hablar en serio. Eso es lo que genera el cambio cultural. Argentinos que nos estamos reconociendo en nuestra educación y en nuestro tono. Comparado con mi blog en inglés, el argentino, no sólo me demanda muchísimo más tiempo, sino que también lo siento mucho más personal.

Me identifica con lo que soy y lo que me apasiona. Es como de la familia.

P: Tu blog es bastante debatido y, a veces, medio en serio, medio en chiste, se cuestiona si vos podrías volver a Argentina. Has desparramado tanta mierda y para tantos lados que te cagarías a piñas en cada esquina. Hay mucha expectativa sobre este personaje que cuestiona la escena argentina y que ni siquiera tiene la necesidad de hacer acto presencial.

No sabe, no contesta. Jaja... Mi viejo fue campeón de boxeo, mi tío peleó por el título mundial y mi padrino era dueño del Luna Park. Yo boxee toda mi vida y tuve problemas con el tema de la agresividad.

Me peleaba con la gente. Si me quieren pegar, que me peguen. Alguna vez me comeré un bife pero, realmente, quién me quita la chochera de poder decir abiertamente que la hija de Tinelli, para mí, es una conchuda.

Argentina llegó al punto de saturarme, socialmente hablando. Posiblemente, esta sensación me abrió puertas a otros lugares, donde me encuentro con gente mucho más interesante y escenarios que, también, me resultan más satisfactorios.

Nelly Arrieta, por ejemplo, una gran amiga mía, está copada con L.A.N.P. La gente inteligente, gusta de un proyecto inteligente. Usted, Bernard, ¿Está copado con el blog?

P: de alguna manera, sí... sino, no te estaría entrevistando. ¡Si no tenés nada más que decir, sacate la ropa!

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NUDOS es un relevamiento fotográfico humano. Durante 2012 – 2013, el fotógrafo Naguel Rivero retrato a varias personas en distintos horarios: personas a las que conocía, personas a las que cruzo en la calle y personas a las que quería conocer. Cada retratado tuvo 30 minutos frente a la cámara sin ninguna directiva.

La única pauta sugerida fue que no posaran y que traten de apropiarse de la foto de manera personal.

Rasgos físicos, sexuales, complejos, son algunas de las cualidades que representan las miradas de los NUDOS como así también se lee la juventud, desorientación, incomodidad, desnudez, de las personas frente al momento de la captura.

www.naguelrivero.tumblr.com

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DIOS DE LOS SIETE MARES Vive en un maravilloso palacio dorado engalanado de corales y piedras de colores, donde gobierna todas las aguas. Algunas leyendas lo ubican en el fondo del mar, otros hablan de las profundidades de uno mismo. Con su poderoso tridente agita las olas, hace brotar fuentes y manantiales y a causa de su ira provoca los temibles terremotos. Neptuno cuestiona que hay de real en el universo, en que queda absorbida nuestra conciencia, diluye los lĂ­mites entre las cosas y nos hace viajar a los intrincados laberintos del sueĂąo. www.agustinaleal.com.ar

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01-Miguel Tomasin Marta Minujin y Rob Conlazo en Pomelo Concert. 02-Luis Ortega y Ailin Salas en la presentación de colección verano 2014 de Complot.

03-Cuti Von Niederhausern y Gato Suaya presentación de Cabinet Oseo en Tienda malba. 04-Anthony Mc Call y Mischa Kuball El Aleph Faena Art Center.

05-Bianca Siconolfi y Belén Chavanne en la presentación de Blackmamba BAF. 06-Anita Pauls en el desfile de Zitta verano 2014. 07- Jessica Trosman y Jerónimo Turek Trosman Presentacion JT SS14.

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08-Amores Gomez Tomei, 09-Romina Levi, 10-Emannuel Mi帽o, 11-Vicente Grondona y Jackie Ludue帽a Koslovitch, 12-Julieta Lopez Acosta y Julieta Ortega, 13-Agustina Cordoba, 14-Guille Pfening en la presentaci贸n de colecci贸n verano 2014 de Complot.

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VIDRIERA

FIESTA REGIA EN CORDOBA Presentacion oficial de Regia en la ciudad de cordoba en club Berlin junto al Artista Diego roa y DJ Mascarpone con el apoyo de CYNAR.

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regia documental roma - cerde単a fotos: r.rojas

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