Revista Summus 19 by Fernando Carreño

L U J O

C O N

I N T E L I G E N C I A

Lady We i n b

u na noche fashionista

Relojes esqueleto

La cocina es Central

La comunidad de los oficios El milagro del Co r c ova

o El índice de las carteras Del i r i o

Número 19. Octubre-Diciembre 2012 / Colombia: $12.000

g : d i s eñadora de sueños

Virgilio Martínez

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EDICIĂ&#x201C;N NÂ° Ë?ËĽ

DIRECTOR

COLABORADORES PERMANENTES

ASESORES EDITORIALES

AndrĂŠs RamĂrez Ricardo Kling Carlos Ferreirinha

Juan FernĂĄndez Cristina Grajales Poli Mallarino Ruven Afanador Ricardo Kling AndrĂŠs RamĂrez

Cristina Grajales LeĂłn Tovar

COLABORADORES EN ESTA EDICIĂ&#x201C;N

DIRECTOR DE ARTE

Juan Camilo Maldonado Ă lvaro Corzo

Fernando CarreĂąo

Pablo Barreto RETOQUE FOTOGRĂ FICO ASESOR GRĂ FICO

AndrĂŠs GachancipĂĄ

DarĂo Forero A. PREPRENSA DISEĂ&#x2018;O

ProducciĂłn El Espectador

MĂłnica VĂĄsquez Vargas EDITORA DE FOTOGRAFĂ?A

Natalia Hoyos CORRECCIĂ&#x201C;N DE ESTILO

Jairo Galvis Henao Juan SebastiĂĄn SĂĄnchez

PRESIDENTE CONSEJO EDITORIAL EL ESPECTADOR

Gonzalo CĂłrdoba M.

FOTO PORTADA

DIRECTOR

Erick AndĂa CortesĂa Central

Fidel Cano C.

FOTOGRAFĂ?A

Eduardo GarcĂŠs

Natalia Hoyos Ă lvaro Corzo

GERENTE DE PRODUCCIĂ&#x201C;N

GERENTE

Fabio Chica

IMPRESO EN PRINTER COLOMBIANA

VENTAS PUBLICIDAD 5A@?GF36AD Ë&#x17E;Ë&#x153;Ë?Ë&#x153;Ë?Ë&#x161;Ë&#x161; 83J Ë&#x17E;Ë&#x161;Ë&#x;Ë&#x;ËĄË&#x161;Ë&#x161; ! 3H 7> 6AD36A @Âş Ë ËŁËŞËĄË 4A9AFĂ&#x2013;

DIRECTORA COMERCIAL

MEDELLĂ?N

CALI

VENTAS INTERNACIONALES

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ELIZABETH VILLEGAS

MARTINA NIESSEN BARTH

JUAN GABRIEL SANTAMARĂ?A

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VICEPRESIDENTE COMERCIAL CARACOL COMERCIALIZADORA DE MEDIOS:

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MAURICIO UMAĂ&#x2018;A BLANCHE

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DISEÑADORA DE SUEÑOS 26

Foto

Lady Weinberg es una audaz diseñadora que ha creado desde los más refinados hoteles de Europa hasta el Beluga, una de las embarcaciones más hermosas del Mediterráneo.

Corbis

Pág. 46

Trazos de moda

Pág. 68

La cocina es Central

Pág. 62

El milagro de Corcovado

Pág. 96

La ruta de Bell & Ross

Pág. 64

La música hecha imágen

Pág. 104 El índice de las carteras

Pág. 114

La nueva dirección de la alta costura

LA COMUNIDAD DE LOS OFICIOS 52

Foto

En el centro de BogotĂĄ, un grupo de maestros artesanos reunidos en la Escuela de Artes y Oficios Santo Domingo rescata el arte de convertir la materia en objetos a la vez Ăştiles y bellos.

Natalia Hoyos

HOTELES CON HISTORIA 70

Foto

Cortes铆a Hotel Lamounia Marrakech

Cuatro hoteles ubicados en esquinas opuestas del planeta, pero que comparten el honor de ser codiciados por su tradici贸n.

RELOJES A LA VISTA 92

Foto

Cortesía IWC

El mecanismo Open Works, o esqueleto, permite ver la totalidad del reloj. Un recorrido por aquellos que hoy son íconos de la industria y se han convertido en valiosas piezas de colección.

DELIRIO DE UNA NOCHE FASHIONISTA 102

Foto

Álvaro Corzo

Nueva York es la Meca de la moda contemporánea en el mundo, y como ya es tradicional, pocos días antes de la semana de la moda se lleva a cabo el Fashion’s Night Out, quizás la fiesta más glamurosa de la ciudad.

No se trata de sentir la libertad, se trata de vivirla.

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Carta del director

Juan Fernández ]YXeaTaWXm3X_XþXÿTWbe!Vb`

Hace cuatro años circuló el primero número de esta revista. Desde entonces han pasado por estas páginas personajes que, como lo repetimos constantemente, convierten lo ordinario en extraordinario. Intentamos no tener límites en la búsqueda de historias sorprendentes, globales y atemporales destinadas a lectores que comparten aficiones en temas específicos que al final componen el arte del buen vivir. Esa seguirá siendo nuestra esencia. En esta edición decidimos indagar en la historia de Virgilio Martínez, un chef peruano que se ha convertido en un referente de la cocina de su país y que se ha unido a sus aclamados compatriotas Pedro Schiaffino, Rafael Osterling y Gastón Acurio en la conquista de las mesas de las principales capitales del mundo. Su restaurante se llama Central y está ubicado en Lima. Tiene dos años de abierto y ha sido aplaudido por la crítica y financiado por los frenéticos comensales que lo han motivado para abrir su segundo restaurante, Lima London, ubicado en la capital

británica. En ellos, como dice, ofrece simplemente lo que la tierra le da. En Londres, precisamente, pudimos ubicar a los dueños de uno de los veleros más hermosos del Mediterráneo, el Beluga. Llevábamos meses tras ellos y la idea al final no era otra que contar con su autorización para reseñar el barco y contar cómo había sido reconstruido. Sin embargo, Sir Mark Weinberg, uno de los hombres de negocios más influyentes de Gran Bretaña, se animó a invitar a su esposa para que fuera ella, y no el barco, la protagonista de esta historia. Así accedimos a Lady Weinberg, también conocida como Anouska Hempel, una audaz diseñadora de 71 años que aún recuerda sus tiempos de “chica Bond” y que contó de primera mano cómo resucitó el Beluga y creó algunos de los hoteles más emblemáticos de Londres. En Bogotá encontramos a un grupo de maestros artesanos que desde la Escuela de Artes y Oficios Santo Domingo rescatan el arte de convertir la materia en útiles piezas de arte, de la mano de un grupo de extranjeros que se ha hecho cómplice de esta tarea. Siguiendo con el arte, contamos con el relato del galerista León Tovar, que esta vez analiza cómo en tan solo dos ediciones la feria ArtRio se posicionó como el epicentro del arte moderno y contemporáneo en América Latina. Finalizamos este recorrido en Nueva York para experimentar el Fashion’s Night Out, la fiesta que se da pocos días antes de la semana de la moda de la ciudad. Una noche en la que la moda salta de las pasarelas y se toma las calles con frenesí. Personajes y experiencias que llevan a sentir el arte de vivir bien.

cartier.com

Historias con alcance global Infografía

Diseñadora de sueños

La comunidad de los oﬁcios

El milagro del Corcovado

Por Juan Fernández Londres

Por Juan Camilo Maldonado Bogotá

Por León Tovar Nueva York

Delirio de una noche fashionista Por Álvaro Corzo Nueva York

La nueva dirección de la alta costura Por Carlos Ferreirinha São Paulo

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EN LA CIMA Lady Weinberg: Diseñadora de sueños

Foto

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ENLACIMA

Por

Juan Fernández

Diseñadora de sueños "El arte de atesorar" A sus 71 años, Lady Weinberg dice vivir una vida plena. Lo dice con la sabiduría que solo otorga la experiencia. Fue actriz y “chica Bond” en su juventud. Después se convirtió en una audaz diseñadora que ha creado desde los más refinados hoteles de Europa hasta el Beluga, una embarcación que alberga al jet set internacional.

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Su residencia está ubicada en Knightsbridge, una sofisticada zona de Londres que alberga bancos, hoteles, tiendas como Harrods, y, naturalmente, mansiones como la suya. Llama la atención su inmenso jardín y las piezas de colección que alberga al interior, entre ellas, múltiples retratos Isabelinos. Hoy es Lady Weinberg, aunque también sigue siendo conocida como Anouska Hempel. Fue actriz y “chica Bond”, pero sobre todo es diseñadora, restauradora y mujer de negocios. Tiene 71 años y vida para rato. “Mi existencia ha sido, y sigue siendo, maravillosa, excitante, existencialmente estimulante”, asegura. Evita, como en esta oportunidad, que le tomen fotos. Casi siempre viste de negro. “Es mi uniforme”, dice. Tiene 16 camisas negras, 16 faldas del mismo color y un par de leggings en su clóset. De su uniforme también hace parte un collar de perlas. “Si el tiempo te agarra en la oficina y tienes que salir por la noche a algún lugar, lo que te salva es el collar y algunos accesorios. Son

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Cortesía Anouska Hempel

En 1978 abrió el Blakes, uno de los primeros hoteles boutique de Londres y lugar preferido de los actores y artistas de la época.

la parte superior del uniforme. A mí me han socorrido siempre; no tengo tiempo para andar pensando en qué ponerme”, comenta. Lady Weinberg nació en un barco que navegaba entre Papúa, Nueva Guinea, y Nueva Zelanda, región donde su padre se asentó para convertirse en criador de ovejas. Entrada la década de 1950, partió a un internado en Australia que, asegura, fue su salvación. “Descubrí que era una diseñadora por ahí a los cinco años, cuando me dijeron que dejara de alinear todo hacia arriba o de tener mi propia forma de poner las cosas en casa. A los siete años fui enviada

a un internado porque todo se me hizo demasiado difícil. Mi forma de pensar y de ver el mundo era obsesiva. Estaba en competencia con el resto de mi familia. Fue una buena lección, y cuando me fui me encantó, no podría haber sido mejor. Debí haber sido una niña terriblemente difícil”, recuerda. A los 17 años partió hacia Londres, lo que resultó toda una revelación para ella. Fascinada por el diseño, empezó un pequeño stand en la calle Portobello, el mercado de antigüedades más grande del mundo. Fue allí donde se inició también como actriz de comerciales y películas. Se

USUALMENTE VISTE DE NEGRO, ES SU UNIFORME, DICE. F<8@CE8 G<8A8 ˝ˢ 64@<F4F A8:E4F ˝ˢ 94?74F 78? @<F@B 6B?BE L HA C4E 78 ?8::<A:F 8A FH 6?BF8G!

ENLACIMA

Cortesía Anouska Hempel

convirtió en centro de atracción tras personificar, en 1969, a uno de los “Ángeles de la muerte”, en Al servicio secreto de su Majestad, la sexta película de la saga de James Bond. Otras películas protagonizadas por ella quedaron en el olvido y, después de hacer dinero, Lady Weinberg prefirió pagar sus derechos y así impedir su reproducción, en especial la de aquellas que dejaban ver más de la cuenta. Pareciera que no se siente cómoda cuando la definen como actriz, contrario a cuando se refieren a ella como diseñadora: “Siempre he sido una diseñadora, tal vez no genial, pero siempre he diseñado algo, ya sea un pequeño discurso que tenía que decir en alguna parte o la ropa que llevaba en un comercial. Al final, todo se convierte en uno mismo. Como diseñadora, logré llevar a la actriz fuera de la ecuación. Pienso que dirigir mi propia empresa es mucho mejor que ser una actriz en esta etapa de mi vida. Lo fui hace mucho tiempo, en los primeros días”, dice Lady Weinberg. Su apellido paterno es Geissler. El Hempel es de su primer esposo, Constantino, un periodista irlandés y

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El Hotel Blakes cuenta con una decoración recargada que lo caracteriza. Parte de su éxito se le debe a ese toque abarrotado y al ser identiﬁcado como un lugar de parada obligado y discreto para las estrellas.

CortesĂa Anouska Hempel

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Cortesía Anouska Hempel

promotor de bienes raíces con el que abrió, en 1978, el Blakes, uno de los primeros hoteles boutique de Londres y el lugar preferido de los actores y artistas de la época. Constantino murió en un accidente automovilístico y, después de un breve matrimonio con el productor de teatro Bill Kenwright, Anouska se casó con su actual esposo, Sir Mark Weinberg, padre de su único hijo y uno de los hombres de negocios más influyentes de Gran Bretaña al inicio de la década de 1980. LOS HOTELES Sobre los primeros días de éxito del Blakes, cuya propiedad ya no conserva, Lady Weinberg recuerda: “Fue el primer hotel que hice y se convirtió en un lugar de parada discreto para las estrellas. Un refugio y un santuario para muchas personas

que supuestamente no debían estar juntos. Siempre hemos mantenido la boca cerrada y una actitud discreta hacia los paparazzi”. Su segundo hotel fue el Hempel, mucho más minimalista que el Blakes. “Casi diez años después se me acercó un japonés que quería tener otro Blakes en el área de Bayswater. Fui muy afortunada al convencerlo de hacer un hotel minimalista, muy diferente al Blakes. Eso sí, que se complementaran bajo la misma dirección y que solo me costara atravesar el Hyde Park para trasladarme de uno al otro. Fue, y sigue siendo, un éxito”. Después de adquirir una buena reputación en el diseño de hoteles, Lady Weinberg se hizo cargo del Blakes de Amsterdam, y hace poco del Warapuru, en Itacare, Brasil. Lo

“EL LUJO DEPENDE DE CÓMO CADA UNO LO VEA. LA PALABRA LUJO ES DEMASIADO USADA. CREO QUE LA DEFINICIÓN DE LUJO ES MUY DIFERENTE DE UNA PERSONA A OTRA. PARA MÍ, TAL VEZ ES EL INSTANTE EN EL QUE ESTOY EN MI BARCO Y MIRO EL MAR Y TAL VEZ VER UN DELFÍN O DOS EN MIS SUEɩOS. CADA DÍA TIENE IMPREGNADO ALGÚN TIPO DE TINTE LUJOSO”, LADY WEINBERG.

ENLACIMA

QUIZÁS LA PIEZA MÁS SIMBÓLICA EN LA VIDA DE LADY WEINBERG ES EL BELUGA. HA 54E6B 78 I8?4 78 @478E4 GHE6B 78 ˞ˤ @8GEBF 78 ?4E:B 8A 8? DH8 <AI<EG<ß 4ɩBF ;4FG4 DH8 6BAF<:H<ß =HAGB 6BA FH 8FCBFB F<E @4E> E86BAFGEH<E?B! 8FGØ 4A6?47B 8A 8? @87<G8EEØA8B L 8F HAB 78 ?BF @ØF 47@<E47BF 78? ?H:4E!

Fotos

cortesía hhh US]^SeZS_UVþZ_SeZ`_d T`^

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mismo ocurrió con el Grosvenor House y La Suite West, ambos en Londres. Hoy trabaja en la remodelación del antiguo Pera Palace, en Estambul, y en el diseño del Garcha, que remplazará al City Hotel de Santiago de Chile. Reconoce influencias en sus conceptos y advierte que admira a diseñadores y arquitectos como Tadao Ando, Claudio Silvestrin, John Pawson y Peter Marino. De su portafolio también hacen parte trabajos para las tiendas bandera de Van Cleef & Arpels, Louis Vuitton y Henry Cottons. Así mismo el diseño de los restaurantes Danesfield House y Aikens, en Londres, y el de múltiples jardines en Austria, Italia, Liechtenstein, Marruecos y Brasil. Dice que el verdadero éxito de sus proyectos se

alcanza solo si permanecen vigentes en el tiempo. “Si se va a crear algo debe pensarse que durará el mayor tiempo posible”, señala Lady Weinberg. “Lo triste es pensar y diseñar los hoteles para después venderlos a otra persona que, por ejemplo, tenga un hijo arquitecto y quiera cambiar las cosas, o donde la esposa del gerente sea la que pone las flores en el lugar. Eso me irrita, por eso me gusta ser la dueña de la mayor parte de lo que hago, no mirar atrás y sentirme afortunada con el grupo de gente que me rodea”. EL BELUGA Quizás la pieza más simbólica en la vida de Lady Weinberg es el Beluga. Un barco de vela de madera turco de 28 metros de largo en el que

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invirtió varios años y miles de dólares hasta que consiguió, junto con su esposo, Sir Mark, reconstruirlo. Está anclado en el Mediterráneo y es uno de los barcos más admirados del lugar. Posee dos cabinas, un estudio y un espacio para seis personas y una tripulación de cinco miembros. Puede alquilarse durante una semana por 40 mil euros a través de Dalmatian Destinations. Lady Weinberg cuenta emocionada el proceso de reconstrucción del barco: “Compramos el Beluga en Bodrum. Era un crucero turco diseñado para diez parejas que dormían casi una debajo de la otra. Un lugar horrible, parecía un bar maloliente. Pensé que podía hacerlo bonito, que fuera un lugar para pasarla bien. Lo reconstruimos en Mallorca con un equipo británico que por esos días vivía en la isla; quizá por eso se ve tan bien. Si usted ha estado alguna vez en la tienda de ropa inteligente Henry Cotton en Milán, verá que el barco tiene mucho que ver con ese lugar. El señor Raffini (propietario de Henry Cotton) amaba el hotel Blakes y el Beluga; fue por eso, realmente, que creó Henry Cotton”. Para su restauradora, el Beluga significa libertad,

El beluga posee dos cabinas, un estudio y un espacio para seis personas y una tripulación de cinco miembros

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diversión, estilo. “En un día glorioso no hay ningún sitio mejor para estar que el Beluga”, dice mientras recuerda algunas anécdotas sucedidas en la embarcación con sus invitados: “Una noche, Valentino fue al bote a comer con la princesa Margarita, una velada absolutamente increíble. Tuvimos 36 huéspedes y el único que no se quería sentar, porque decía que el lugar no era cómodo, era Valentino. La Princesa no tuvo más remedio que empujarlo para que el diseñador cayera sobre un cojín. Desde entonces, dice que el bote es perfecto y tan cómodo como el más confortable de los colchones”. El diseño de modas también la apasiona. Viste a miembros de la realeza y a algunas figuras del jet set europeo, inspirada, confiesa, en las pinturas de estilo isabelino que adornan su casa. “Soy también una modista y me interesan, entre otros, los cuellos, los puños, las mangas y los zapatos. Si mira con mucha atención los retratos isabelinos, encontrará que las personas están de pie y me enseñan lo que quiero ver. Pero lo que más me gusta son las piernas; si nos fijamos en ellas, se parecen a las de mi marido: largas, delgadas y muy bien formadas”, concluye sonriendo.

LADY WEINBERG SE CONVIRTIÓ EN CENTRO DE ATRACCIÓN GE4F C8EFBA<9<64E 8A ˝˥ˢ˥ 4 HAB 78 ?BF ÃØA:8?8F 78 ?4 @H8EG8Ä EN 4? F8EI<6<B F86E8GB 78 FH @4=8FG47 ?4 F8KG4 C8?Û6H?4 78 ?4 F4:4 78 =4@8F 5BA7!

Lady Weinberg también es diseñadora de modas. Después de una de sus pasarelas celebra en la galería White Cube junto con su esposo Lord Weinberg, Jay Jopling y la modelo Kate Moss.

DI SE ÑO Trazos de moda La comunidad WX _bf bÏV\bf El milagro del Corcovado La música hecha imagen

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cortesía Hanna Muller

DISEɩO

Trazos de moda Por

Fernando Carreño

RICHARD KILROY 46

JARNO KETTUNNEN

Ha hecho su carrera en Inglaterra y presenta dibujos a mano de ropa masculina. La atención por los detalles y el estilo minimalista son lo más destacado de su obra, que ya ha llamado la atención de íconos de la moda como Christian Dior.

Kettunen vive entre Bruselas y Atlanta. Sus ilustraciones son inspiradas y creadas donde sucede toda la acción, tras los bastidores de los más importantes desfiles de moda. Con solo unas pinceladas y un uso preciso del color, evoca la forma humana y sus trajes.

www.richardkilroy.com/

www.jarnok.com/

Los ilustradores de moda, desconocidos para la mayoría, son los encargados de marcar las tendencias en el cambiante y creativo mundo de las pasarelas. Ellos llenan las páginas de la moda con sus ideas, más allá de las limitaciones de la tela y del cuerpo.

Richard Kilroy Jarno Kettunnen Rosie McGuinness Hanna Mueller Laura Laine

ROSIE MCGUINNESS Vive y trabaja en Londres. Sus creaciones se asemejan a los dibujos de los croquis; a través de las líneas logra capturar las siluetas y el movimiento de las telas. www.rosiemcguinness.co.uk/

LAURA LAINE

Como diseñadora de modas, decidió enfocarse en la ilustración y, gracias a su rigurosa técnica de dibujo a mano, sus imágenes ganan dinamismo a través de las posturas del cuerpo y el pelo. www.lauralaine.net/

HANNA MUELLER La artista sueca combina tinta y acuarela en sus retratos, lo que les da una mezcla de suavidad y fortaleza impactantes. www.agentandartists.com/artists/hanna-mueller/

DISEɩO

Trazos de moda

ARTAKSINIYA Es rusa y vive en Hong Kong. A través del uso de materiales y técnicas para crear capas tridimensionales, forma personajes de moda únicos. Aparte de ser ilustradora, Artaksiniya diseña textiles y tiene su propia línea de bufandas de seda. www.artaksiniya.com/

Artaksiniya Eugenia Alejos Lesley Barnes Cristian Grossi

EUGENIA ALEJOS

LESLEY BARNES

Sus collages tridimensionales combinan fotografías, texturas, telas y pinceladas para lograr el efecto deseado.

Con experiencia en el cine y la animación, el trabajo de esta escocesa está claramente influenciado por la imagen en movimiento. Los patrones y el collage terminan resaltando de una forma divertida cada prenda y cada diseño.

www.eugenialejos.com/Illustrations.html

www.lesleybarnes.co.uk/

CRISTIAN GROSSI Este diseñador gráfico italiano creó la serie Insecta, en la que va un paso adelante en la ilustración contemporánea dándole movimiento a sus creaciones a través de gifs animados, una técnica que utiliza imágenes digitales repetitivas que dan la impresión de estar en movimiento. www.crixtian.it/

DISEɩO

Trazos de moda

Sabine Pieper Zoya Smirnova Ingela Och Vi Tara Dougans

SABINE PIEPER Esta fotógrafa e ilustradora alemana juega con las líneas de sus dibujos y combina digitalmente las diferentes texturas de las telas después de escanearlas. www.sabinepieper.com/

INGELA OCH VI Los suecos Elisabeth Månsson, ilustradora, y Peter Turkalj, fotógrafo, han unido su trabajo para crear lo que ellos llaman “fotografía ilustrada”, que son los diseños, los dibujos y las muestras de telas de Elisabeth, que luego son fotografiadas por Peter como producto final. www.ingelaochvi.blogspot.com/

ZOYA SMIRNOVA

TARA DOUGANS

Es diseñadora de modas y se ha especializado en ilustrar la moda masculina informal con su estilo particular. También colabora con la línea de ropa ZDDZ, en la que se puede percibir toda su sensibilidad por las siluetas y las formas dinámicas.

Sus ilustraciones tienen uno de los toques personales más profundos. El proceso creativo consiste en trabajar pequeños detalles de sastrería dibujados con lápiz, una pintura más tosca, y técnicas digitales.

www.zoyasmirnova.com/

www.taradougans.com/

A Í R E T E L BO PONIBLE DIS

zetti Doni r o Am ir de x i l E El i Verd Adès d Otelo a t ozar t s M e p o t m Ti i La Te ia de c Verd n e s a m r e a l ásc La C de M e l i a Un B i oz Verd Berli Aída s o ti n nizet oya r o T D s do Lo stuar E a í r i Ma Verd o t t e l i Rigo ner dona g n a a Z W ini ifal Pars e Rím d a c l es ände Franc H r a Cés Julio

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DISEɩO

La comunidad de los oﬁcios El arte de lo cotidiano En el centro de Bogotá, maestros artesanos rescatan el arte de convertir la materia en objetos útiles y bellos a la vez. Esto sucede en la Escuela de Artes y Oficios Santo Domingo, donde un grupo de extranjeros se ha hecho cómplice de esta tarea, entre ellos Grant McCaig, un platero escocés que descubrió en el metal la invisible frontera entre el orden y el caos.

Por Fotos

Juan Camilo Maldonado, Bogotá Natalia Hoyos

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DISEɩO

Como suele suceder con todos los accidentes, el de Grant McCaig fue fugaz, inesperado, y los efectos del machucón, adormecidos, durante unos segundos por cuenta de la adrenalina. Curiosamente, durante muchas semanas que antecedieron al evento, el platero escocés se la había pasado repitiendo –como lo había hecho buena parte de su vida- sofisticadas lecciones de metalurgia artesanal, inspiradas en antiquísimas técnicas europeas que implicaban la forja de metales con martillos pesados difíciles de conseguir en los mercados tradicionales. Pese a la dificultad de los procedimientos que enseñaba a sus estudiantes, McCaig no había tenido hasta ese día ningún tipo de inconveniente. Sin embargo (e irónicamente), ahora estaba allí, al frente de un archivador, buscando aliviar el intenso dolor en su pulgar, luego de golpearse el nudillo con el condenado mueble. Casi de inmediato, un mar de gente, salida de los salones, los corredores y las oficinas de la Escuela de Artes y Oficios Santo

Domingo, se volcó a atender al escocés, que aún perplejo por el golpe –y aún más perplejo por estos intensos brotes de compasión- observaba admirado cómo la profunda herida sangrante se convertía en el centro de atención de esta comunidad en el centro de Bogotá, donde había estado viviendo durante las últimas semanas. “Fue ahí donde entendí el tipo de personas con las que estaba y lo que verdaderamente importa en la vida”, escribiría McCaig tiempo después, al recordar su primera visita a Colombia. “Durante el tiempo que tardó la ambulancia en llegar, me pareció que logré hablar con cada uno de los miembros del personal y cada estudiante de la escuela, lo cual me hizo sentir extremadamente tonto, pero abrumadoramente querido”.

RESCATAR LOS OFICIOS Pese a la belleza de sus patios, pese a la evidente antigüedad de sus corredores y paredes, las tres casonas interconectadas que componen hoy

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Grant McCaig: al rescate de la platería

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la Escuela de Artes y Oficios Santo Domingo son, en cierta medida, casas desmemoriadas. Dicen que la más vieja, llena de detalles coloniales y adornada con los matices moriscos de sus arcos y columnas, perteneció al capitán español Rodrigo Álvarez y fue construida en 1640. De las otras dos se sabe con certeza su origen republicano, y que una de ellas fue llamada en su época la “casa del virrey”, aunque nadie pueda probar que allí hubiera habitado José Manuel Solís Folch de Cardona, el virrey Solís. Dicen, también, que una tarde, no hace mucho, alguien vio el espectro de una niña que corría por uno de los co-

rredores laberínticos que comunican las casas entre sí. En estas casas sin fantasmas ni memoria, cuyos miles de secretos se los quedó, para siempre y bajo llave, el tiempo, solo pareciera haber lugar para la vida. En cada salón y cada esquina construidos sobre parte de la manzana diagonal al Palacio Liévano y el Capitolio Nacional, en el centro de Bogotá, decenas de estudiantes universitarios, jubilados, amas de casa y artistas en busca de mayor formación, entran a diario a la Escuela de Arte Santo Domingo. “Hay una placentera sensación de simbiosis en esta escuela”, escribiría McCaig, al finalizar su primera estancia en 2011. “Los

talleres se desarrollan bajo la cubierta de los pasillos, pero son esencialmente al aire libre; sentir la brisa o ser mojado ligeramente por la lluvia mientras trabajas es interesante e interrumpe el trabajo… la inmersión es completa, pero nunca llega a desconectarte de lo que te rodea…”. Forja, talla en madera, tapicería, trabajo en cuero, bordado, desde hace más de una década se rescata a diario en estos espacios el arte del “oficio”, como muchos lo llaman: esa curiosa capacidad del ser humano de convertir el mundo natural en objeto útil, y la utilidad, a su vez, en sencillas muestras de belleza. Hace más de tres décadas, cuando todo comenzó a

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germinar en la imaginación de Poli Mallarino, en Colombia parecían estar muriendo los oficios. Entonces, recuerda una de las principales impulsoras de la Escuela, todo el mundo quería ser doctor o licenciado, y el arte de ganarse la vida moldeando el mundo natural parecía extinguirse en una sociedad que se peleaba a pulso su industrialización y su inserción en la sociedad del consumo masivo. ¿Por qué no volver a las raíces? ¿Y por qué no rescatar desde las raíces la capacidad de hacer arte lo cotidiano, y de paso ganarse la vida? Lentamente, la idea de crear una escuela de artes y oficios, muy al estilo de la fundación que, en 1953, creó el banquero portugués Ricardo do Espírito Santo Silva en el corazón de Lisboa, fue tomando forma. En 1995, la escuela abrió las puertas en Bogotá, primero a pocas cuadras de la Universidad de los Andes, para luego migrar, en 1997, a la primera de las tres casas que hoy componen el entramado de salones con bastidores, tornos, mesas de trabajo y hornos de fundición donde numerosos estudiantes de todas las estirpes se convierten en sofisticados artesanos. Entre maestros del oficio locales, ebanistas, tejedores y plateros, los estudiantes de la escuela también se codean año a año con personalidades que, como McCaig, la planta de la Fundación Ricardo do Espírito Santo Silva o la tejedora francesa Nadja Berruyer, han logrado preservar –y actualizar- de modos muchas veces sorprendentes, las artes más

básicas del ser humano, heredadas de tiempos inmemoriales. Porque el arte y el oficio pareciera ser así de sencillo, y así de profundo, para aquellos que se lo toman en serio. Una forma de convertir la naturaleza en el reflejo del espíritu humano. Un espejo, escribió Nadja Berruyer, a través del cual la materia “revela nuestra capacidad de crear la inutilidad indispensable”.

ALQUIMIA Grant McCaig nació y creció en un mundo sin historia, en los años setenta. Por esa época, Glasgow –como muchas otras ciudades del mundo- enfrentaban las consecuencias del baby boom de mediados de siglo y resolvían contra el tiempo un enorme déficit habitacional que inundaba sus ciudades con nuevas familias. De ahí que sus padres se mudaran, cuando él era muy chico, a un pequeño complejo residencial de clase media, construido por el gobierno a las afueras de su ciudad natal, donde el pequeño Grant pasó inviernos solitarios, en un pueblo sin pasado ni memoria. Se volvió platero por azar. Habría podido ser artista o artesano, habría podido trabajar entre lienzos y bastidores. Pero escogió la forja y el hierro, más por intuición que por herencia, cuando se mudó a

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la ciudad e ingresó en 1994 al programa de diseño de artes aplicadas, joyería y platería del Glasgow School of Art. Desde entonces, McCaig observa la vida con los ojos de quien se acostumbró a someter el metal a su voluntad. "El mundo, las relaciones y teorías sociales", asegura McCaig sentado en uno de los salones de la Escuela de Artes y Oficios Santo Domingo, "operan bajo las mismas normas que rigen el arte de la forja: una pieza burda de mineral se transforma en joya o utensilio, luego de un complicado y feroz pulso entre el carácter del ser humano y la irreductibilidad de la vida. El mundo fluye, y el hombre busca domesticarlo. Llega un momento, en que todo lo que piensas es: cómo convierto esto en metal”, asegura. Tiene una mirada azul profunda, más cercana al color del caribe que a los mares grises de su natal Escocia. Es rubio, joven y de atuendo sencillo, tan sencillo como el producto de su arte: vasijas, platos, cucharas, y otra serie de instrumentos domésticos en plata y otras aleaciones metalúrgicas que forja con sutiles matices contemporáneos. Como resultado de sus ejercicios, en los que la sencillez y la belleza van de la mano, la forja de McCaig es un ejemplo de la frontera invisible que separa al artista del artesano, y al arte del oficio. Para la muestra, una cuchara: la

Grant McCaig ha enseñado en la Escuela técnicas de platería que resultan en piezas como estas

“cuchara de Neptuno”, en la que una lámina de plata sterling, cuidadosamente forjada a mano, se incrusta en sencillas y rústicas varas de madera flotante (drift wood), para crear una moderna aleación entre aquello que permanece y aquello destinado a desaparecer. "Quien se disponga a comer con la cuchara de Neptuno", reflexiona un blog de diseño británico sobre la obra de McCaig, "no sabrá en qué concentrarse: si en aquello que come o en la extraña fascinación causada por el cubierto con el que come". Porque la cuchara de Neptuno, una simple cuchara, “captura el punto exacto en el que el orden y el caos colisionan”. Luego de su primera visita en 2011, cuando su nudillo pereció machucado por un mezquino archivador, McCaig volvió hace algunas semanas a Colombia. Regresó a dormir en el cuarto de huéspedes que tiene la Escuela de Artes y Oficios Santo Domingo, y desde el cual se observa, en una de las plazas interiores, una misteriosa alberca empedrada, construida seguramente alrededor de 1860. En la escuela lo llaman “el jacuzzi del virrey”, aunque nadie sepa con certeza si fue alguna vez un jacuzzi o si alguna vez vivió aquí José Manuel Solís Folch de Cardona, virrey del Nuevo Reino de Granada, tierra en la que alguna vez proliferaron los oficios.

EL ARTE COMO NEGOCIO

Por

* Experto y consultor en arte latinoamericano. Dirige su propia galería con sede en Nueva York. Info@leontovargallery.com

León Tovar*

El milagro del Corcovado En tan solo dos ediciones, la feria ArtRio se posicionó como el epicentro del arte moderno y contemporáneo en América Latina. Contra todos los pronósticos, este joven evento es considerado por la crítica como el epicentro creativo de la región.

Durante nuestra visita a la 29ª bienal de São Paulo en 2010, fuimos convidados a visitar Brumadinho (Minas Gerais) para ver la maravillosa colección de arte contemporáneo del señor Bernardo Paz en su majestuosa propiedad conocida como Inhotim. El nombre de la casa proviene de un inglés llamado Timothy, quién administró la hacienda minera durante buena parte del siglo XIX. Después nos invitaron a Río de Janeiro para asistir a la presentación de la primera edición de la Feria de Arte de Río (ArtRio), en la que fuimos testigos de múltiples eventos culturales y atenciones de las galerías, coleccionistas locales y entidades oficiales que promovían la surreal idea de montar una gran feria de arte en diez meses. Mejor dicho, todos creímos que nuestros amigos cariocas tenían el optimismo subido al extremo. A la llegada, tuvimos la agradable sorpresa de ver que entre los promotores de este sueño había viejos amigos, entre ellos Claudio Valansi, galerista que conocí hace veinte años durante los inicios de la primera Feria de Bogotá, que en su momento se llamaba Fiart. También estaba la joven emprendedora Brenda Valansi y su socia Elisangela Valadares, así como Luiz Calainho, importante figura pública y promotor local. En el camino se unió al equipo organizador el emprendedor Alexandre Accioly, propietario de los afamados restaurantes Fasano Al Mare, Gero y Forneria, así como del Hotel Fasano de Río y São Paulo, entre otros. Se conformó entonces un excepcional grupo en el que todos pensaban diferente, pero que al trabajar en equipo lograban complementarse de forma admirable. Asistí al coctel de lanzamiento de la feria junto con Celia Birbragher y algunos galeristas locales, con quienes nos envolvimos en una conversación con los miembros del Gobierno local y los organizadores del Comité Olímpico acerca del porqué no participaríamos en la feria de Río. Les dijimos que las leyes tributarias de la ciudad eran leoninas, y les explicamos, de acuerdo a nuestras experiencias pasadas, que con unos impuestos de importación de casi el 50% del valor de

la obra y de un 80% si se trata de fotografía, se hacía inviable que una galería seria del exterior se sometiera a estas reglas de juego. Las autoridades argumentaban que, en aras de la igualdad, no nos podían dar un tratamiento tributario preferencial, pues deberían extenderlo a todos los segmentos de las importaciones. Se respiraba un poco de escepticismo entre los galeristas invitados al evento, pero de manera civilizada todos expresamos nuestras opiniones y respetamos los argumentos de los anfitriones. Dos meses después, recibí una llamada de Claudio en la que me confirmaba que el Gobierno de Río de Janeiro accedió a una rebaja de los impuestos de importación de las obras durante la feria, que sumada alcanzaba un 15%. Quedé sin palabras al ver el compromiso de las autoridades para sacar adelante esta ilusión y volverla una realidad. Por otro lado, Elisangela me comentó que tenían patrocinadores que estarían dispuestos a ayudar a ciertas galerías con algunos gastos, convirtiendo la feria en una lógica y tentadora apuesta para todos. Pero lo más importante era que se podía ver el compromiso público y privado de la ciudad, la cual parecía no conformarse con recibir el Mundial de Fútbol y los Juegos Olímpicos, sino que también querían montar la feria de arte más importante de la región.

El éxito de ArtRio radica en que no se parece, o trata de parecerse, a ninguna otra feria del circuito internacional. Los cariocas han hecho un evento sin igual, con plena independencia e identidad que les permite demostrar lo que debe ser una feria de arte en nuestra región.

Llegada la hora de la verdad, nos preparamos para el envío de las obras con suficiente antelación, tal como lo exige la oficina de aduanas de Brasil. El primer contratiempo lo tuvimos al encontrar una cotización de transporte de 45 mil dólares para un solo trayecto, la cual me dejó enfermo del miocardio, exagerando, claro. Me puse en contacto de inmediato con los organizadores para ponerlos al tanto de la situación. Como es sabido, en Brasil los costos de transporte son muy elevados comparados con los del resto del mundo, pero estos eran casi obscenos. Sin embargo, en cuestión de horas nos llegó una nueva cotización corregida que se acoplaba perfectamente a los estándares internacionales, nada comparado con la primera. No sé cómo, pero alguien logró arreglar este obstáculo en tiempo récord y sin ningún protagonismo. En la primera edición de ArtRio nos encontramos con la sorpresa de la participación de 80 galerías de magnífico nivel, entre ellas Gentil Carioca, Schwartz, Boghici de Río de Janeiro; Vermelho, Nara Roesler, Baro, Dan y Atena, Kuczynski de São Paulo; Filomena Soares y Mario Sequeira de Portugal; Crone de Alemania y nosotros, Leon Tovar Gallery de Nueva York. Al final se registró una asistencia de 46 mil visitantes, cifra récord para el inicio de una feria en cualquier parte del mundo, y ventas, según Art Info,

por la nada despreciable suma de sesenta millones de dólares. Quedamos con la boca abierta y solo atinamos a pensar que era un golpe de suerte. Nos costaba creer que todo hubiese sido tan perfecto cuando se trataba de la primera edición de una feria. El calor humano de los organizadores, la locación, la disposición de todos para colaborar, el civismo y la altura del público… en fin, pensé que la próxima feria de Río jamás igualaría a la primera. Como quien dice, comenzaron al revés.

SEGUNDA PARTE Once meses después, y contra cualquier pronóstico, el reconocido galerista Larry Gagosian dio una inusual entrevista confirmando su primera participación en la segunda edición de la feria de Río de Janeiro, donde además anunció que llevaría cerca de 130 millones de dólares en inventario. Junto a él, se confirmaba la inclusión de David Zwitner, White Cube, Sikkema Jenkins y Hauser & Wirth de Nueva York; Fortes Vilaca, Spovieri y Stephen Friedman de Londres; Marlborough de Zurich; Neugerriemschneider de Berlin; Nils Staerk de Copenhague; y Polígrafa de Barcelona, solo por nombrar algunas de las 40 galerías que se sumaban a las presentes en la primera edición. Durante el segundo capítulo de ArtRio, entre el 13 y 16 de septiembre pasados, se presentaron más de 120 galerías de primera línea.

El espacio de exhibición se duplicó, alcanzando los siete mil metros cuadrados de área. Los patrocinadores también se multiplicaron aumentando la ayuda a las galerías. Por ejemplo, los patrocinadores le cedieron mil metros cuadrados a Gagosian Gallery para que realizara una impresionante exhibición de esculturas. La ciudad respondió a este esfuerzo y se volcó con una altura inigualable para llegar a la cifra récord de más de 75 mil visitantes, y ventas que sobrepasaron los 70 millones de dólares. Los organizadores de ArtRio no se conformaron con traer a las mejores galerías de arte de Nueva York, Londres, Suiza, Alemania y América Latina, también invitaron a renombrados curadores, directores de museos, coleccionistas, empresarios y artistas. El Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA) y las casas de subastas Sotheby’s y Christie’s ofrecieron interesantes charlas al público, también hubo innumerables eventos paralelos de gran importancia. Nadie daba crédito al ver que la feria superaba, contra todos los pronósticos, el fastuoso debut del año anterior. Creo que además de todo lo descrito anteriormente, el éxito de ArtRio radica en que no se parece, o trata de parecerse, a ninguna otra feria del circuito internacional. Los cariocas han hecho un evento sin igual, con

plena independencia e identidad que les permite demostrar lo que debe ser una feria de arte en nuestra región. No cabe duda de que ArtRio ya es parte del más alto circuito internacional de ferias. Y esto lo lograron en tiempo récord. De vuelta en Nueva York, llegué a pensar que se trataba de un milagro del Cristo Redentor del Corcovado. Pero viendo las cosas con calma, entendí que el único factor religioso presente durante esos días había sido la comunión y la fe de todos los involucrados en el evento, incluyendo algunas galerías opositoras que pronto se sumaron como aliadas de la feria con un solo fin: demostrar el respeto entre colegas. El Gobierno de la ciudad tiene un gran mérito y Brenda, Elisangela, Calainho y Alexandre merecen toda la admiración por la labor realizada, así como su equipo de ayuda local e internacional conformado por Marina Romiszowska y Maria Luz Bridger, entre otros. Como reflexión, creo que no solo debemos tomar los ejemplos de las ferias de Estados Unidos, Asia y Europa como camino a seguir. ArtRio es una demostración de que cuando Gobierno, galerías, coleccionistas, artistas, empresarios y público en general reman en la misma dirección y sin egoísmos se pueden lograr resultados sorprendentes. Brasil es una potencia real y un ejemplo a seguir.

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Por Imágenes

Andrés Ramírez Fundación Salvi

La música hecha imagen 4ÏV[Xf WX Vb_XVV\ a El Festival de Música de Cartagena es uno de los encuentros culturales más importantes de Colombia. Para cada edición, el afiche central del evento es encomendado a un reconocido artista nacional. En esta oportunidad estuvo a cargo de Miguel Cárdenas, quién diseñó una obra inspirada en la ópera “La Flauta Mágica”, de Mozart.

El Festival de Música de Cartagena no descuida ningún aspecto de su organización y montaje. El proceso de selección de los artistas, así como la curaduría de las obras a presentar son sometidos a un estricto filtro de expertos. Bajo esta política, la imagen oficial del evento, la cual se presenta en formato de afiche, ha sido creada en cada oportunidad por un destacado artista colombiano. De esta manera, la imagen del Festival se ha convertido en un importante referente gráfico en el país. Artistas como José Antonio Suárez y Mateo López, por solo mencionar algunos, han diseñado los afiches para ediciones anteriores. Este año, el turno le correspondió a Miguel Cárdenas, un joven artista formado en las escuelas de Bellas Artes de Columbia y en Rhode Island School of Design, de Nueva York. Miguel Cárdenas cuenta con una distinguida trayectoria que le ha permitido exponer sus obras en Estados Unidos, Europa y Colombia, algunas de las cuales hacen parte de la colección permanente

del Banco de la República. El arte corre por las venas de este joven pintor, pues sus padres (Juan Cárdenas y Mónica Meira), así como su tío (Santiago Cárdenas), son pintores. Miguel vive y trabaja en Nueva York, donde desarrolla su carrera artística y dicta clases de pintura y dibujo en la Universidad de Columbia. En esta institución también coordina el programa de Artes durante el verano. “Cuando Miguel Cárdenas fue invitado a crear la imagen de la séptima versión del Festival Internacional de Música de Cartagena, no sabía cuál iba a ser la propuesta musical. Desconocía que la música italiana de los Siglos XIV a XVIII sería el eje central. Sin embargo, le apostó a una imagen que por obligación lo alejaría del tema de la selva profunda, trabajo que ha realizado durante los últimos años. Su inspiración surgió del interés por la música y por explorar mediante su técnica la ciudad de Cartagena”, explica Paula Ojeda, miembro de la Fundación Salvi, encargada de la organización del Festival.

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Miguel Cárdenas hizo una serie de 18 bocetos para llegar a la imagen ﬁnal del aﬁche. Estos dibujos fueron presentados hace poco en una exposición en la biblioteca Luís Ángel Arango, de Bogotá.

Para un artista como Miguel Cárdenas, que ha encaminado sus últimas propuestas artísticas hacia la naturaleza y la ciudad, es interesante presentar al público una imagen creada a partir de un concepto diferente como la música. Por eso, el proceso creativo para llegar a la imagen final supuso la exhaustiva búsqueda de un concepto. Este camino quedó plasmado en una serie de 18 bocetos expuestos hace poco en la Biblioteca Luis Ángel Arango, en Bogotá. En ellos, Cárdenas narra cómo un artista mundano imagina la ruidosa y tropical Cartagena arrullada por las notas melodiosas de la música culta. Entonces, ¿qué diferencia los bocetos expuestos en la Luis Ángel Arango de la obra final? “Los bocetos son los ensayos para llegar a la imagen del afiche. Empecé por pintar una selva, pues me atrajo la idea de redescubrir el paisaje en un momento en el que el conceptualismo impera. Me interesaba pintar una selva inventada, pero real. En el Amazonas vi unas estructuras arquitectónicas de concreto abandonadas en la selva. Al principio tenía claro que quería utilizar un ave (porque me parece un elemento que se relaciona con Colombia) y un músico. De ahí pensé en el personaje con disfraz de pájaro tocando la flauta. Luego lo dibujé varias veces hasta que pude destilar los rasgos principales para crear una imagen simple y visualmente impactante”, explica el artista. El afiche tiene como protagonista a un hombre vestido de pájaro tocando una flauta. Lleva a sus espaldas una jaula a la cual se le han roto los barrotes. De ella salen varias aves de colores que vuelan al son de la música y en el fondo se ve la silueta de Cartagena. “El personaje principal simboliza la música. Es un ser con disfraz de pájaro, un animal que simboliza la música por su trino. El hombre lo imita tocando la flauta. Se me ocurrió que el personaje debía parecer un arquetipo mitológico que simbolizara no solo la música, sino también la relación de esta con la naturaleza y la capacidad del ser humano para convertirla en arte y espectáculo”, concluye Miguel Cárdenas.

La música de Cartagena 8a XaXeb fX WTey \a\V\b T _T I<< iXef\ a WX_ 9XĀ\iT_ WX @ f\VT WX 6TegTZXaT! 8a XĀT bcbegha\WTW fX ceXfXagTeya &' VbaV\Xegbf _bf VhT_Xf fX __XiTeya T VTUb Xa _hZTeXf geTW\V\baT_Xf WX _T V\hWTW Vb`b _T C_TmT FTa CXWeb X_ GXTgeb 4Wb_Yb @X] T l _bf ThW\gbe\bf WX _bf [bgX_Xf FTagT 6_TeT l FTagT GXeXfT! FX XþXeT dhX Xa ce k\`Tf XW\V\baXf fX \aVbecbeXa bgebf XfVXaTe\bf WX \agXe f Tedh\gXÿ a\Vb Vb`b X_ 6Xeeb WX _T CbcT l X_ 6_ThĀeb _T @XeVXW! Ã8_ 9XĀ\iT_ XĀTey WXW\VTWb T _T ` f\VT \gT_\TaT Vb`ceXaW\WT XageX _bf f\Z_bf K<I l KI<<<! ?T ` f\VT \gT_\TaT bVhcT ha chXĀb WX ZeTa eX_XiTaV\T Xa gbWT _T [\Ābe\T WX _T ` f\VT bVV\WXagT_! 8_ @XW\bXib l X_ EXaTV\`\Xagb fba cbVTf Xa _Tf VhT_Xf X_ WXfTeeb__b XVba `\Vb l fbV\T_ WX _Tf V\hWTWXf \gT_\TaTf YTibeXV\ X_ ÐbeXV\`\Xagb WX haT ZeTa cebWhVV\ a Teg Ā\VT! Eb`T 9_beXaV\T Aycb_Xf IXaXV\T l `hV[Tf bgeTf V\hWTWXf YhXeba VXagebf Xa _bf VhT_Xf ghi\Xeba _hZTe cbe ce\`XeT iXm bUeTf `hf\VT_Xf fTVeTf l cebYTaTf Vbaf\WXeTWTf T a [bl Vb_h`aTf WX ahXĀeT geTW\V\ a l ahXĀeT Vh_gheT `hf\VT_Ä Xkc_\VT 4agba\b @\fVXaz 7\eXÿbe :XaXeT_ WX_ 9XĀ\iT_!

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José Antonio Suárez 2010

Los aﬁches del festival

Santiago Cárdenas 2008 “El motivo del aﬁche del Festival se relaciona con lo autóctono, con la música popular, con Cartagena. Utilicé una gaita, un instrumento de origen indígena, representativo de la Costa Atlántica. Precisamente esta relación con lo autóctono en medio de un festival de música clásica es porque creo que toda la música tiene una hermandad. Muchas obras de música clásica se han basado en aires locales”. “El Festival tiene un elemento popular muy importante: volcó a todo el pueblo. Me encanta la idea de hacer un aﬁche que toda la gente pueda tener, esparcido por todas partes. La gente lo usa como si fuera una obra de arte. La gente tiene necesidad de arte, ¿cuál es la importancia del arte dentro de tantas otras necesidades? El arte es una necesidad fundamental, es una necesidad física”.

2008

Luis Roldán 2011 “Llevo más de una década de experimentación con la pintura y el dibujo. En esta ocasión cree una imagen plana, pero ocurre que el dibujo lo traslada al interior de una chiva y de un concierto, y devuelta a la superﬁcie frente al escenario. Este aﬁche deshace los márgenes de la ciudad y destaca la música como punto de encuentro. La intención es que el cartel invite a salir de la cotidianidad, para pensar más en lo que rodea al mundo. El collage de dibujo, fotografía y pintura replica la presencia de la música en distintos tiempos y lugares; su sensación de coexistencia en el mundo físico y en el de la mente”.

2009

Juan Cárdenas 2009 “Lo primero que pensé es que necesitaba saber qué se había hecho hasta el momento en el tema; por esto, a comienzo del año, visité la exhibición que hizo el Lincoln Center (en Nueva York) de los afiches que artistas norteamericanos y europeos han hecho para este centro cultural. Eran más de 200 afiches que me dieron una buena idea de qué pasaba en el “mundo” del afiche contemporáneo en manos de los artistas. Una vez “analizada la historia” decidí que quería hacer un afiche diferente: algo que fuera mi contribución personal a la causa del Festival”. “Pensé en todos aquellos grandes compositores que hicieron la música que conocemos y disfrutamos y quise darles reconocimiento a través del afiche: básicamente son estudios en dibujo. Como mencioné anteriormente, es algo que nadie ha hecho para un afiche: es algo raro, distinto y que por eso mismo puede ser muy llamativo. Este afiche del Festival es una perfecta pieza de colección que gustaría tanto a los amantes de la música como a los amantes del arte”.

Mateo López 2012

2010

2011

2012

“Este afiche es muy musical. Una pieza de música es algo que ocurre en el tiempo, en el espacio. Tú vas oyendo diferentes partes, cada una distinta y todas, de una manera u otra, están unidas de forma extraordinaria y mágica. Cada nota tiene su importancia. Lo mismo pasa con este afiche: son diferentes dibujos y todos misteriosamente se unen visualmente de alguna forma. Y en conjunto van creando su propia sinfonía. Eso es un gran acierto. Yo leo este afiche como un pentagrama”.

“Me gusta pensar que la imagen no es plana, es una composición, un recorrido, una escala, capas, elementos, una atmósfera que contiene espacio y tiempo, como sucede con la música. Si el encargo era una imagen para el afiche, a mí me interesa más lo que orquesta el afiche: un conjunto de dibujos y objetos que hablan de ese ejercicio de diseñar una identidad gráfica para un festival de música”. “En algún momento se habló de las Américas y pensé en un mapa, en los océanos que circundan el continente: Atlántico y Pacífico. Pensé en las nociones que se tienen del Norte y del Sur. Desde hace mucho tiempo se habla de una identidad, pero las fronteras y la geopolítica definen de otra manera el territorio. Si usted toma el afiche y une el borde superior con el borde inferior, América se conecta, se hace un bucle. La idea era hacer algo muy sencillo, totalmente manual, como tocar un instrumento. Con fragmentos de papeles y tipografía recortada en papel, se hicieron las composiciones, luego se hizo una fotografía del dibujo y se ajusto al tamaño de impresión”.

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Hoteles con historia Experiencias únicas La sofisticación de un hotel va más allá del lujo de su decoración o del confort de sus habitaciones. Lo que realmente hace que un hotel ofrezca una experiencia irrepetible a sus huéspedes radica en la historia y la tradición que contiene entre sus paredes. Cuatro hoteles ubicados en esquinas opuestas del planeta, pero que comparten el honor de ser codiciados por su tradición.

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HOTEL LA MAMOUNIA, MARRUECOS La Mamounia es uno de los hoteles más lujosos del mundo. Situado junto a los muros de la Medina y rodeado por un imponente jardín, fue desde su origen un sinónimo de lujo y glamour. Entre sus huéspedes ha contado con celebridades del espectáculo, políticos, artistas y escritores de diferentes épocas. La historia de La Mamounia comenzó con sus jardines, los cuales tienen más de dos siglos de existencia. Allí, el sultán Sidi Mohammed Ben Abdallah solía organizar imponentes fiestas. De aquellos tiempos se conserva un pequeño pabellón cuadrado, un pequeño palacio adosado a los muros de la Medina y un parque originalmente cubierto de olivares. Con el arribo de los franceses a Marruecos, en 1922, se decidió transformar la antigua fortificación en un hotel. La idea siempre fue mantener su espíritu histórico y orientarlo a una clientela europea que, influenciada por la literatura oriental de aquellos años, buscaba un espacio de descanso único. Artistas como Delacroix y Matisse manifestaron su fascinación por La Mamounia. Después arribaron estrellas musicales como Edith Piaf y Maurice Chevalier. Los cineastas también sucumbieron al hechizo del hotel: allí se filmaron películas con

Marlene Dietrich y Gary Cooper, y Alfred Hitchcock lo utilizó en 1956 como escenario del filme El hombre que sabía demasiado, con Doris Day y James Stewart. No solo artistas y personajes del espectáculo fueron atraídos por La Mamounia. En 1935, Sir Winston Churchill visitó la ciudad y se enamoró de sus aromas y colores, tanto que regresaba a menudo para descansar, escribir y dar rienda suelta a su pasión por la pintura. “Es el lugar más encantador del mundo”, le dijo a Franklin Roosevelt, invitándolo a visitar el hotel. Como él, muchas otras figuras del mundo político, como Charles de Gaulle, Ronald Reagan y Nelson Mandela, hicieron de La Momounia su segundo hogar. Entre las suites temáticas se encuentra la dedicada a Winston Churchill, que lleva su mismo nombre, en la que predominan los muebles británicos y algunos objetos que pertenecieron al estadista inglés. También existe una habitación que reproduce el lujo del legendario tren Londres-Estambul, ambientada como la suite Orient Express, la cual recrea una de sus cabinas de lujo. La suite Palmeraie, de estilo Luis XV, es la más grande del hotel; mientras que la suite Menzeh ofrece la mejor vista de la mezquita Kutubia. www.mamounia.com

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HOTEL RAFFLES, SINGAPUR El Hotel Raffles es parte de la historia colonial de Singapur. En 1887, Sir Stamford Raffles abrió un pequeño hotel de diez habitaciones, y ante su inusitado éxito inauguró el edificio principal una década más tarde. El Raffles cuenta hoy con una historia de más de 120 años, tiempo suficiente para convertirse en uno de los hoteles más apetecidos del mundo. El hotel se encuentra en el corazón de la ciudad, en un sector residencial que se ilumina ante la suntuosa fachada colonial del Raffles. En su interior ofrece elegantes habitaciones decoradas con mobiliario de la época y alfombras orientales. Entre sus instalaciones se destaca el museo y un teatro de estilo victoriano. Después de la Segunda Guerra Mundial, el Hotel Raffles sirvió como campamento temporal de prisioneros. Durante la posguerra recuperó su brillo y se convirtió en el refugio preferido de las personalidades de la época. En 1987, el Gobierno de Singapur lo calificó como Monumento Nacional y destinó

un presupuesto de 160 millones de dólares para su restauración. El escritor Somerset Maugham describió el Raffles como “la representación de todas las fábulas del exótico Oriente”. Otros personajes que hicieron del hotel su refugio fueron Charles Chaplin, Ava Gardner, John Wayne, Michael Jackson y la reina Isabel de Inglaterra, por mencionar solo algunos de sus ilustres visitantes. Numerosas leyendas alimentan el prestigio de este hotel. Tanto que dentro de su equipo se encuentra la reconocida historiadora Leslie Danker, quien dirige las visitas guiadas por el hotel, que deben ser reservadas con meses de antelación. En 1989, el Raffles cerró durante dos años para someterse a una reforma que le devolvió su aspecto original. Los techos fueron recuperados y las terrazas desbloqueadas. Los antiguos ornamentos volvieron a brillar y el hotel se posicionó, de nuevo, al frente del selecto club de los mejores hoteles de Oriente. www.raffles.com

HOTEL RITZ, PARÍS El Ritz de París es quizás uno de los íconos arquitectónicos más importantes de Francia. Se encuentra ubicado en un antiguo palacio del centro de París, vecino de la Plaza Vendôme. El hotel fue fundado en 1898 por el hotelero suizo César Ritz y el chef Auguste Escoffier. Fue construido detrás de la fachada de una casa del siglo XVIII. El lujo del Ritz es parte de su origen, pues fue el primer hotel en Europa que ofreció baño privado, teléfono y electricidad en cada habitación, por esto, de manera inmediata, acumuló una clientela apasionada por la sofisticación y el buen servicio, integrada

en su mayoría por miembros de la realeza, políticos, escritores, estrellas de cine y músicos. Varias de sus suites fueron nombradas en honor a sus huéspedes más frecuentes, entre ellos Coco Chanel y Ernest Hemingway, quienes vivieron allí por años. La suite principal, conocida como la Imperial, fue declarada por el gobierno francés como Monumento Nacional. El Hotel Ritz fue invadido durante la Segunda Guerra Mundial por el ejército nazi; allí se instaló el centro de operaciones de la Luftwaffe. Al acabar la guerra, el hotel recobró rápidamente su esplendor y vivió años de prospe-

ridad durante varias décadas. En 1979, la familia Ritz vendió el hotel al empresario egipcio Mohamed Al-Fayed. En agosto de 1997, Diana de Gales y el hijo de Al-Fayed, Dodi, cenaron en la suite Imperial antes del accidente automovilístico que les costó la vida. Debido a que es símbolo de la alta sociedad y el lujo, el hotel ha aparecido en muchas novelas de autores como F. Scott Fitzgerald, Ernest Hemingway y Truman Capote. También ha servido de inspiración a directores de cine como Woody Allen y Billy Wilder. www.ritzparis.com

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HOTEL POSADA DO CRATO. CONVENTO SANTA MARÍA DE FLOR DE ROSA, PORTUGAL El hotel Posada do Crato, ubicado en el Alto Alentejo, ocupa el antiguo convento de Santa María de Flor de la Rosa. Construido en el siglo XIV, el edificio fue originalmente sede de la Orden de los Hospitalarios de San Juan, bajo la dirección de fray Álvaro Conçalves Pereira, quien quiso simbolizar el poder de la orden de Malta a través de este complejo militar y religioso. En este importante monumento neorrománico y gótico se puede percibir el espíritu medieval en cada uno de sus rincones. A principios del siglo XII llegó a Portugal la Orden del Hospital, actualmente conocida como la Orden de Malta. Fue fundada para prestar asistencia a los peregrinos que iban en romería a Tierra Santa; más tarde se convirtió en una orden militar que luchaba por recuperar los territorios europeos invadidos por los ejércitos musulmanes. Un siglo después, la sede portuguesa de la Orden de Malta se instaló en Vila do Crato, en el Convento Santa María de Flor de la Rosa. Desde allí se convertiría en la cabeza del priorato en Europa. Este convento cargado de historia alberga hoy uno de los hoteles más reconocidos de Europa. Su arquitectura es un ejemplo de cómo se debe restaurar un edificio histórico y cómo se puede adaptar a las necesidades de nuestro tiempo. Allí conviven un conjunto de edificios construidos en distintas épocas: un palacio gótico, una iglesia gótica manuelina y conventos renacentistas y mudéjares, con elegantes restaurantes, una piscina y hermosos jardines. Gracias a un ambicioso plan del Gobierno de Portugal, en 1995 se inició un plan de restauración de diferentes villas y palacios antiguos para adaptarlos a los usos de hoy. Uno de los edificios insignes de este plan es el convento Santa María de Flor de Rosa www.pousadas.pt

PLACERES La cocina es Central

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PLACERES

Andrés Ramírez Cortesía cVþSfcS_eV 5V_ecS]

La cocina es Central Recuerdos de una vida local Pedro Schiaffino, Rafael Osterling y Gastón Acurio han marcado la historia de la gastronomía peruana. Ahora Virgilio Martínez, el joven cerebro detrás del restaurante Central, ha entrado con fuerza para hacer de este trío un cuarteto. Entrevista con quien es considerado por la crítica como el pionero de la cocina peruana contemporánea.

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Texto Fotos

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Central se encuentra en una pequeña calle de Miraflores, un tradicional sector residencial de Lima, Perú. La decoración de este restaurante posee la inusual virtud de compaginar sin traumatismos la tradición con la vanguardia. En el centro hay una cocina abierta hecha para satisfacer el gusto voyerista de todos los que desean ver al chef en su íntimo ritual de la cocina. Los techos a doble altura y las paredes de vidrio contrastan con el bar de tonos morados, siempre a media luz. En el segundo piso hay una cava climatizada, una biblioteca y una alacena de pequeños frascos para que los clientes disfruten los aromas de las especias. En la azotea reposa un huerto con hierbas aromáticas y verduras de estación. Así se podría describir en un párrafo la “casa” del chef peruano Virgilio Martínez. Este inquieto e incansable viajero inició su carrera después de renunciar a sus estudios de derecho. Con el deseo de hacer lo que realmente le gustaba, dejó todo atrás y se marchó a Canadá a estudiar en la Academia Le Cordon Bleu. Mientras estudiaba, trabajó para un cocinero local del que aprendió la importancia de los detalles. Luego se fue a Europa a aprender sobre la cocina ibérica junto al legendario Santi Santamaría, “cuya inmensa figura y mal carácter me intimidaban”, reconoció el joven chef en una reciente entrevista para la revista Caretas.

Virgilio es un hombre siempre tranquilo, aunque no humilde. Dice sin sonrojarse que no sabe si es un genio de la cocina, “pero sí sé que hago cosas geniales. Cómo no hacerlas si tengo los ingredientes perfectos, un equipo fantástico y toda la logística necesaria para realizarlas”. ¿Qué tan importantes son los viajes en su trabajo? No funcionamos sin viajes ni investigación. En Cusco, por ejemplo, tenemos un antropólogo investigando tiempo completo. Viajamos, como mínimo, una vez al mes. En Urubamba y en el Valle Sagrado de los Incas cultivamos nuestros propios ingredientes, los cuales usamos para preparar los platos tradicionales de altura. También viajamos a muchas ferias gastronómicas, casi siempre voy con mi novia, Pía León, jefa de cocina de Central. Mi hermana, que es doctora, también trabaja con nosotros en el área de investigación científica sobre los ingredientes. ¿Qué elementos particulares caracterizan su propuesta gastronómica? Ofrecemos una experiencia peruana única que incluye diversas regiones y altitudes del país. Nuestra cocina es como un paseo por los diferentes paisajes del Perú. Cada plato tiene una historia, un origen. Lo que hacemos es viajar a recolectar productos de lugares remotos, eso hace la diferencia.

A LAS CAPITALES PERUANA Y BRITÁNICA, VIRGILIO MARTÍNEZ HA LLEVADO UNA ARRIESGADA PROPUESTA CULINARIA. ALLÍ SIRVE DESDE UN PULPO AL CARBÓN CON GUISO DE LENTEJAS, HASTA UNOS SESOS DE CERDO ENVUELTOS EN PANCETA. LA TÉCNICA, EL SABOR Y LA FACTURA DE SUS PLATOS NO TIENEN FISURAS.

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Por ejemplo, cocinamos un plato a base de papa seca deshidratada, congelada por la nieve de los andes, a 4.300 metros de altura. *** La necesidad de estar siempre en movimiento ha llevado a Virgilio Martínez a nunca permanecer en un mismo lugar por más de dos años. De España saltó a Singapur y de allí a Tailandia, países en los que aprendió los secretos de la cocina thai. Luego se trasladó a Nueva York y a Canadá, antes de hacerse cargo de los restaurantes Astrid & Gastón de Bogotá y Madrid. Todo esto lo hizo antes de cumplir los treinta años. Ahora, con la madurez que dan los kilómetros viajados, mas no los años vividos, Virgilio Martínez vive una vida menos vertiginosa. Desde hace un par de años abrió Central, su primer restaurante, en su natal Lima. Desde ese momento su vida cambió, pues por primera vez tuvo algo que lo ataba a un lugar. Quizá por eso decidió hace poco romper esta

nueva vida para abrir su segundo restaurante, esta vez ubicado en Londres, Lima London. Virgilio Martínez ha llevado una arriesgada propuesta culinaria a las capitales peruana y británica. Allí sirve desde un pulpo al carbón con guiso de lentejas, hasta unos sesos de cerdo envueltos en panceta. La técnica, el sabor y la factura de sus platos no tienen fisuras. La última ha sido una década de constantes cambios en su vida. Ha vivido, trabajado y estudiado en varios continentes. ¿Qué significa haber vuelto a su país? Había cocinado en Singapur, Londres, Bangkok, Nueva York, Madrid y Bogotá. Por eso, para mí fue muy importante el retorno a Perú. El hecho de haber estado afuera me abrió los ojos, pues aprendí a ver las técnicas tradicionales como una oportunidad para proponer algo nuevo. No soy partidario de involucrar ingredientes extraños dentro de la cocina tradicional, eso desdibuja el sabor local. Lo que sí incorporamos son las técnicas de cocción. Por ejemplo, seguimos los protocolos tradicionales de congelamiento de pescado de Japón. La

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nuestra es una cocina de producto, no pretendemos impresionar tanto con la técnica sino con la frescura y la calidad de los ingredientes. Al final, estos son los que tienen que hablar. ¿Cómo recuerda su paso por Bogotá? La primera vez que dirigí un restaurante fue en Bogotá. Yo venía trabajando con Gastón Acurio tratando de conceptualizar la cocina peruana. De Bogotá recuerdo las amistades, la gente, las fincas de la sabana. Allí adquirí la madurez que te da dirigir por primera vez un restaurante importante. Cuando sentí que mi tiempo en Colombia estaba cumplido me fui a abrir el Astrid & Gastón de Madrid. Usted ha dicho que se deben aprovechar los productos de cada región y cada temporada. Según esto, ¿cómo se puede tener un restaurante de comida tradicional peruana en Londres y Lima? Hacerlo en Londres ha sido un gran reto. No podemos traer todos los productos desde Perú, así que usamos ingredientes locales de cada estación. Entonces, ¿cómo le doy el carácter peruano a la comida? Necesito algunos ingredientes infaltables como los ajíes y ciertas hierbas y especias. En el inventario de Lima London tenemos 400 productos, de los cuales tan solo 15 provienen de Perú. Por ejemplo, la temporada pasada hacíamos un ceviche de alcachofa, y ahora, debido al cambio de estación, lo remplazamos por uno de brócoli.

VIRGILIO ES UN HOMBRE SIEMPRE TRANQUILO, AUNQUE NO HUMILDE. DICE SIN SONROJARSE QUE NO SABE SI ES UN GENIO DE LA COCINA, “PERO SÍ SÉ QUE HAGO COSAS GENIALES”.

Pía León es la jefa de cocina de Central y también la novia de Virgilio Martínez

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“QUEREMOS TENER SENTIDO DE ESPACIO Y DE TIEMPO, POR ESO NO MEZCLAMOS INGREDIENTES INCOMPATIBLES. ALGUNOS DE NUESTROS PRINCIPALES REFERENTES PROVIENEN DE LA COMIDA CHINA, LA CUAL TIENE UNA SÓLIDA FILOSOFÍA SOBRE LA TRADICIÓN”, VIRGILIO MARTÍNEZ.

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*** Desde la cocina experimental en la que se ha convertido Central, Virgilio Martínez dirige nuevos y heterogéneos emprendimientos. Después de la apertura de Lima London se puso al frente del nuevo restaurante del hotel boutique Orient, ubicado en Cusco. Senzo es el nombre de este lugar, al que el chef considera un “laboratorio de investigación de la despensa cusqueña de altura”. Como siempre, la propuesta de Virgilio Martínez se basa en los productos de la región. “Hay un radio de experiencias que van de Cusco a Urubamba y a la selva alrededor de Machu Picchu. Eso es lo que la gente tiene en la memoria y eso es lo que recibe en el plato cuando viene acá”. Para ello, el chef recurre a lo que la tierra le da: “En el trayecto a Urubamba, de donde nos traen los productos orgánicos, crecen flores, verduritas, hojas. Todas esas cosas las vamos recolectando”, explica. Así, por ejemplo, nace una infusión de plantas que crecen en una laguna andina, y con ella cocina una suculenta malaya. El resultado: un plato que es la encarnación misma del paisaje. Virgilio y su equipo han trabajado más de un año para iden-

tificar los mejores productos de la zona, la idea es cocinar a partir de ellos. “Aquí en el Cusco hay restaurantes que ofrecen pulpo o conchas. ¿Qué sentido tiene que estés en Cusco y que vengas por una experiencia única y te ofrezcan algo que se trae desde Lima o Malasia?”, se pregunta el chef. ¿Cree que puede llegar un punto de agotamiento de la fórmula de internacionalizar la comida local? No lo sé. En mi caso es distinto porque siempre he tratado de darle la vuelta a la tradición. Queremos tener sentido de espacio y de tiempo, por eso no mezclamos ingredientes incompatibles. Algunos de nuestros referentes principales provienen de la comida china, la cual tiene una sólida filosofía sobre la tradición. ¿Qué tan flexible debería ser un restaurante en cuanto a las variaciones de su carta? Completa flexibilidad. Imprimimos nuestra carta a diario, porque siempre hay cambios. Hay unos platos base, por su puesto, pero después todo puede variar. El compromiso debe ser con la sorpresa; no hay que tenerle miedo a lo desconocido. ¿Cómo lograr que los clientes tradicionales acepten sus nuevas propuestas gastronómicas? Estoy reduciendo mi carta, transformándola en una de mercado, de kilómetro cero, es decir, con los ingredientes del día. Aún no lo logro, pero mi objetivo

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es que los clientes que lleguen a Central confíen tanto en mí que solo se sienten y esperen los platos que yo les envíe a su mesa. Por eso he creado el “Menú sorpresa”. Perú se ha convertido en un referente de la cocina latinoamericana, esto se debe en parte a que siempre se ha mantenido a la vanguardia. ¿Cuál es el siguiente paso de la cocina peruana? Esto cambia todos los días. Allá afuera hay cientos de jóvenes más ambiciosos y creativos que yo. Así que no podría decir que va a pasar mañana. Por lo pronto me tengo que ir, porque esta noche estamos llenos. ***

Mónica Barreneche

Virgilio Martínez se retira a atender a los comensales que esta noche visitan el Lima London. De seguro todos caerán rendidos a los pies de un tiradito en leche de tigre con salsa de cocona, kion y aceite de culantro; con el tartar de solomillo de buey con rocoto y papas nativas; con el pulpito, el pan con chicharrón, el miniseco de cordero… Luego seguirán con los taggliatelle sancochados en ragú de conejo y decorados con espuma de castañas. Quizá no saben que al probar el primer bocado empezarán un fascinante viaje a lo más profundo de Perú.

“INCORPORAMOS TÉCNICAS DE COCCIÓN. POR EJEMPLO, SEGUIMOS LOS PROTOCOLOS TRADICIONALES DE CONGELAMIENTO DE PESCADO DE JAPÓN. LA NUESTRA ES UNA COCINA DE PRODUCTO, NO PRETENDEMOS IMPRESIONAR TANTO CON LA TÉCNICA SINO CON LA FRESCURA Y LA CALIDAD DE LOS INGREDIENTES”, VIRGILIO MARTÍNEZ.

MÁQUINAS DE TIEMPO Relojes esqueleto La ruta de Bell&Ross

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MÁQUINAS DE TIEMPO

Relojes a la vista

Durante los inicios de la relojería, los relojeros no poseían los medios para fabricar las esferas o tableros y solían dejar expuesta la maquinaria del reloj. Siglos más tarde, para poder apreciar la perfección y el funcionamiento del mecanismo, artesanos relojeros de alto nivel realizan esfuerzos para adornar las piezas, puentes y platinas que dejan a la vista su precioso talento. El arte de la relojería no abarca únicamente la elaboración de mecanismos que permitan dar la hora con precisión. Se trata también de perfeccionar cada pieza de la fina máquina que se denomina “movimiento”, pulirla y hacerla más eficiente y perfecta. Igualmente, de adornar las platinas, que son las bases donde se irán colocando los demás elementos del reloj; los puentes, que son los que sujetan estas piezas en su lugar; y las ruedas, piñones y demás engranajes que luego cobrarán vida con la instalación del volante, el corazón del reloj. Cada pieza deberá ser limada, ajustada y adornada para minimizar la fricción de los metales, suavizando el sofisticado engranaje, haciéndolo de esta forma más preciso. Pero no basta con dedicar este valioso tiempo al funcionamiento adecuado de la marcha de un reloj; los relojeros guardan celosamente su oficio y

adornan con diferentes motivos cada pieza. Así, con un disco de pulimento especial para cada adorno, el relojero aplica pacientemente el perlado que refleja la belleza natural del metal, asemejándolo al brillo de una perla. Con otra herramienta, produce el famoso Cotes de Geneve, que es un adorno parecido a las olas de un lago. Los tornillos y las ruedas son sometidos a tratamientos de plateado con rodio para hacerlos más brillantes y que al girar produzcan sensacionales destellos. Luego, se graban motivos de la inspiración del artista encargado en los puentes con el buril, una fina herramienta joyera para rasguñar el oro. Normalmente, toda esta belleza permanece oculta entre la caja del reloj o bajo la esfera o carátula. En años recientes, muchas manufacturas han colocado finos cristales de zafiro en la tapa posterior del reloj para poder apreciar la belleza de su movimiento, destacando los adornos y los excelentes terminados. Otros han desarrollado esferas transparentes que permiten observar la magia de la alta relojería y muchos de estos los combinan de manera espectacular con preciosas complicaciones. Sin embargo, el mecanismo Open Works, o esqueleto, permite ver la totalidad del reloj. Es como si fuera transparente, pues además las platinas son hábilmente adecuadas y recortadas, al igual que los puentes y otras piezas, para que se pueda ver a trasluz la totalidad de los engranajes, ruedas y demás partes funcionando. La maquinaria de un reloj “esqueletizado” es una de las más sofisticadas maneras

de ver el tiempo y es considerada como una complicación especial, pues requiere de una destreza y un talento unicós para ser ejecutada magistralmente. Los skeleton son apreciados por coleccionistas y expertos, y su fabricación es muy limitada, debido al gigantesco esfuerzo que requiere en términos de horas-hombre de trabajo. Casi todas las marcas de relojes de alta gama tienen en sus colecciones un modelo de este tipo para honrar sus raíces y demostrar su capacidad de creatividad relojera. Así, por ejemplo, Audemars Piguet lanzó un espectacular tourbillon esqueleto en platino para la conmemoración de los 40 años de su modelo estrella el Royal Oak. Patek Philippe, tiene un fabuloso esqueleto ultraplano para hombre y otro para dama con brazalete de metal precioso. Richard Mille, uno de los genios de la relojería moderna, produce casi la totalidad de sus relojes con la caja y la esfera transparentes para permitir apreciar la magnitud de sus creaciones. Breguet decidió, desde hace tiempo, conservar varios modelos con la maquinaria a la vista, lo que indudablemente favorece su reputación de maestro relojero. Muchos opinan que esta manera de arte es un tanto ostentosa y poco práctica, pues indudablemente no se hace fácil ver la hora en un reloj esqueleto por el complejo mecanismo como fondo de los punteros. Pero es obvio que con esta manifestación del talento relojero se rinde un homenaje a la capacidad de miniaturización y perfección de un noble oficio centenario. ¡Los esqueletos viven!

El mecanismo Open Works, o esqueleto, permite ver la totalidad del mecanismo de un reloj. Un recorrido por aquellos que hoy son íconos de la industria y se han convertido en valiosas piezas de colección. Por

Ricardo Kling

CHOPARD La manufactura Louis Ulysse Chopard fabrica los relojes de alta gama y sofisticación para la casa Chopard de Ginebra. El copresidente de la empresa, Karl-Friederich Scheufele, se encarga personalmente de diseñar y conducir la empresa en Fleurier. Uno de sus modelos más recientes es este precioso LUC Squelettes ultraplano de oro con mecanismo automático de microrrotor. Chopard, poco a poco, se abre un importante espacio en el exclusivo mundo de la alta relojería con modelos de gran calidad y exclusividad.

IWC International Watch Company es la empresa ubicada en la ciudad de Schaffhausen, en las cataratas del Rin al norte de Suiza, establecida hace más de 150 años. Para rendir homenaje a su fundador, el pionero norteamericano F.A. Jones, la IWC creó este fabuloso “esqueleto” con un mecanismo de reloj de bolsillo desarrollado originalmente por la compañía hace 135 años. Instalado en la tradicional caja del Portuguese de gran tamaño y con una decoración extraordinaria, este reloj de cuerda manual es un perfecto ejemplo de la maestría relojera suiza.

VACHERON CONSTANTIN La manufactura de Ginebra es una de las más antiguas del mundo y goza de una reputación intachable por el respeto a sus orígenes y por mantener sus elevados estándares de calidad. Su sofisticación se manifiesta en los relojes de sonería o repetición de minutos, que es un dispositivo mediante el cual, al accionar una palanca en la caja, se obtiene un sonido parecido al de una campana que representa las horas y minutos en dos tonos. Con este modelo, Vacheron Constantin va un paso más adelante, al lograr semejante complicación en un mecanismo transparente de esqueleto.

PARTE POSTERIOR POS DEL VACHERON CONSTANTIN “MI “MINUTE REPEATER S SQUELETON”

VISTA POSTERIOR DEL “SQUELETEC”

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La mayoría de relojes de Richard Mille son de forma tonneau, o tonel, pero con este modelo, el RM033, el maestro invoca las formas tradicionales de la relojería con un reloj redondo fabricado en titanio y dotado de un mecanismo ultraplano automático. Por sus innovaciones y peso ultraliviano, el nuevo Richard Mille es una verdadera locura al igual que su precio, pues no supera los ochenta mil dólares, caso insólito para la marca.

El revolucionario invento de Omega, el escape coaxial, se presenta en este precioso reloj de edición limitada de platino de 41 mm. El Omega De Ville ha sido equipado con cristales de zafiro que permiten apreciar el movimiento “esqueletizado” en toda su dimensión. El mecanismo de cambio rápido de hora permite cambiar la manecilla de las horas sin tener que detener la marcha del reloj, ideal para los viajeros permanentes.

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Después de trabajar por años en la industria relojera y ocupar importantes cargos en empresas de renombre, Richard Mille se presentó independientemente en 2001 con una impresionante colección de relojes que han sido la revelación del gremio relojero. Con una visión futurista, Mille ha lanzado atrevidos modelos en los que utiliza materiales modernos y diseños de vanguardia con precios que superan el medio millón de dólares. Este precioso tourbillon “esqueleto” es una edición limitada de 10 relojes que fabricó en homenaje al corredor de la F1 Felipe Massa, construidos con nanotubos de carbono que son 200 veces más fuertes que el acero y garantizan al reloj una resistencia impresionante.

La familia Sandoz, propietaria de la empresa farmacéutica suiza Novartis, es una gran aficionada a los relojes y posee una vasta colección de ner piezas históricas. En 1980, cuando buscaba un experto para mantener y restaurar su preciado museo, conoció a un joven y talentoso relojero, ojero, Michel Parmigiani, quien rápidamente se ganó su confianza. La familia vio en él su potencial creativo y en 1996 abrieron una manufactura ctura en Fleurier, un pequeño pueblo de tradición relojera en los Alpes suizos. La atti Vitesse, empresa fabrica impresionantes piezas como esta, el Bugatti que es un “esqueleto” ubicado especialmente para verse en la posición del brazo cuando se va conduciendo un auto.

PATEK PHILIPPE

Patek Philippe presentó a sus coleccionistas y aficionados un reloj de gran tradición artesanal que muestra la belleza de una orquestación del tiempo en su mecanismo transparente ultraplano. Un microrrotor de oro de 22 kilates proporciona un movimiento de cuerda automática, que es la máxima expresión de la paciencia y el arte de joyeros y relojeros que adornan cada lugar visible con grabados preciosos. La Cruz de Calatrava, símbolo de la empresa, está calada en el barrilete, que es donde se aloja el muelle de la cuerda.

PATEK PHILIPPE P DE DAMA D

AUDEMARS PIGUET TOURBILLON La expresión máxima del arte relojero se centra en la realización de un mecanismo tourbillon. Audemars Piguet creó este fabuloso reloj con tourbillon esqueleto en platino con un tratamiento de galvanizado de antracita que le da ese toque oscuro, moderno y muy atractivo. El lema de la empresa que reza “para quebrar las reglas primero hay que dominarlas” se hace evidente en esta creación fabulosa de la empresa de Le Brassus.

P Patek Philippe se caracteriza por realiz lizar sofisticados modelos para uso fe femenino. Ha creado relojes de gran co complicación y con este espectacular “e “esqueleto” se complementa la cole lección para damas. Elaborado en oro b blanco, pero con piezas del mecanism mo en oro amarillo, este reloj de cuerda m manual es perfecto para su uso diario.

ULYSSE NARDIN Este reloj de diseño ultramoderno, ultramo minimalista y poco convencional se llama Freak Diávolo. Producido enteramente enteramen in-house, el nuevo Ulysse Nardin posee un mecanismo tourbillon de carrusel que n no tiene esfera ni punteros. Ingeniosamente indica in el tiempo a medida que su mecanismo va girando. Tiene sus ruedas de silic y rinde homenaje al primer escape en silicio reloj Freak qu que causó sensación en la industria en 2001 2001. Este tiene el apodo de “diablo” porque su mecanismo tiene formas similares c a unos cuernos.

AUDEMARS PIGUET Audemars Piguet celebró este año el aniversario número 40 de su legendario Royal Oak con varios modelos esqueleto para rendir un homenaje a sus raíces artesanales. En este reloj, de mecanismo ultraplano automático y con calendario, se aprecia claramente la audacia que caracteriza la compañía. Nótese que el número de la fecha en el disco de calendario también está “esqueletizado” en su totalidad.

MÁQUINASDETIEMPO

Por Fotos

Fernando Carreño Cortesía Bell & Ross

La ruta de Bell&Ross Carlos Rosillo, co-fundador de Bell and Ross, enseña la esencia de su marca.

La “B” se refiere a Belamich y la “R” a Rosillo. Entre los dos, Bruno Belamich y Carlos Rosillo, fundaron en 1992 la que hoy es conocida como Bell&Ross, una fábrica de relojes que no se parece a ninguna otra. Belamich es el diseñador y Rosillo el director empresarial de la marca. No son aviadores, pero los suyos son relojes que han marcado una pauta en la competida industria. Su sello no admite dudas y se inspira evidentemente en los instrumentos aéreos profesionales. Más que relojes de moda, son piezas sofisticadas con un marcado estilo vintage, elaboradas en La Chaux de Fonds, Suiza. En pocos años han sabido ubicarse en la escena relojera mundial; en su concepción también participan astronautas, pilotos y hasta miembros de escuadrones antibombas. Rosillo despacha a pocos metros del Aéro-Club de Francia, un buen lugar para buscar inspiración. La expansión de la marca va en firme y en Colombia la han iniciado a través de su representante local, Joyería Bauer. Sus relojes prueban los límites y son para profesionales. Así es que para ir a la luna existe el Space 3 GMT, pero si busca llegar al punto más profundo del

océano, la solución es el Hydromax 1.100m, que puede soportar la presión de ocho toneladas por pulgada cuadrada en el punto más profundo del mar. A pesar de ser una marca joven, es el reloj oficial de las Fuerzas Elite de Francia y de la OTAN. Siempre ha estado inspirado por modelos de las décadas de 1920, 1940 y 1970, como comenta Rosillo desde su centro de mando en París. ¿Qué llevó a un hombre de negocios como usted a apostarle a un mundo tan cerrado y complejo como el de la industria relojera? Nada más que mi pasión por los relojes, y en particular los de aviación y los militares.

¿Puede describir el proceso para diseñar un reloj? Se necesitan entre tres y cinco años para desarrollar un reloj. Una gran cantidad de pensamiento, tiempo y una gran cantidad de especialistas que se reúnen para diseñar y fabricar un reloj bien elaborado. Recientemente fue nombrado Caballero de la Legión de Honor francesa en el Hôtel National des Invalides. ¿Qué significó para usted? Estoy muy orgulloso de ser parte de un patrimonio histórico de mi país. Esto tocó profundamente mi corazón. Estaba muy emocionado de compartir este momento con mi familia, amigos y los que me han acompañado en este viaje. ¿Cuántos tourbillon hace B&R? Nuestro último lanzamiento fue el Minuteur Tourbillon que viene en oro rosa o titanio. Cada uno tiene una edición limitada de 30.

¿Qué reloj usa el CEO de Bell & Ross? Ahora mismo estoy usando el Heure Sautante Pink Gold. ¿Y cuál recomienda? Depende del propósito o la función. Lo que la ocasión requiera. Usted no usaría un reloj de buceo para ir a un evento de smoking , ¿verdad? ¿Cómo se consigue un nombre en la industria del lujo en tan poco tiempo? Al proporcionar un producto bien hecho con una identidad clara y única. ¿Qué nos puede decir acerca del Heritage Régulateur y su corona ubicada en el lado izquierdo? El Heritage Régulateur se remonta a los pilotos de los años de 1930 y 1940, quienes ataban los relojes a sus piernas. Enfatiza los minutos para lograr mejores cálculos del tiempo. Debido a que su caja es tan grande, en relación con la referencia original, se movió la corona hacia la izquierda

para lograr mayor comodidad. ¿Podríamos resumir la esencia de B&R como una “nostalgia relojera”? Yo no usaría el término nostalgia tanto como patrimonio. La gente siempre responde a un punto de referencia en el tiempo. Extraen la comodidad del saber que algo tiene un patrimonio y se ha prolongado durante años. Esto significa que se trata de algo probado y comprobado. Bell & Ross llegó a Colombia, ¿qué tan importante es el mercado latinoamericano para la marca? Muy importante. Se trata de un mercado dinámico, joven y prometedor. ¿Cómo se imagina a B&R en 10 años? Esperamos tener una mayor presencia global y ser una marca que resuene no solo entre los conocedores de relojes, sino también en otros entusiastas que reconocen un reloj fino cuando lo ven.

NEGOCIOS

El índice de las carteras ¿Busca una guía para no equivocarse en la compra de su próxima cartera u obtener información de mercado relevante? Digital Luxury Group, asociado con Luxury Society, presentan su clasificación global de carteras de lujo.

Las carteras son el máximo accesorio de lujo. Ya lo señaló Diana Thomas en su libro Deluxe: How Luxury Lost its Luster, (Cómo el lujo perdió su brillo) 2007, al decir que “hoy en día, las carteras son el motor que impulsa las marcas de lujo”. Sin duda, las carteras se han convertido en uno de los elementos más deseados del mercado de bienes de lujo. El atractivo, la visibilidad y la accesibilidad de las mismas han contribuido a su fuerte desempeño y a su amplio reconocimiento. El reporte mundial de carteras provee información sobre más de 130 marcas, 10 mercados y un análisis detallado de las 10 marcas más icónicas. A continuación, algunos de los aspectos más detallados del informe.

¿Cuáles son los mercados que más se enloquecen por las carteras? 422 42 2

Reino Unido

315 31

8ĀTWbf Ha\Wbf

196 19

<gT_\T

185 18

9eTaV\T 4_X`Ta\T =Tc a 5eTf\_ <aW\T

*1000

97 52 13 12

Al medir la demanda de cada mercado frente a la población de IagXeaXg X_ EX\ab Ha\Wb VhXagT Vba _T `yf T_gT TÏa\WTW por las carteras de lujo, con 422 búsquedas por cada 1000 usuarios de Internet. * Número de búsquedas de carteras por cada 1000 usuarios en Internet. Fuente: Internet World Stats, Diciembre 31 de 2011 DemandTracker™ Abril 2011 - Marzo 2012

¿Cuáles son las marcas de carteras de lujo más buscadas en el mundo?

\CebþXÿ Por Infografía b+s Laura Tamayo ;]fþcSTZ`_Vd

Una mirada más cercana a tres carteras icónicas Chanel 2.55

7_ df ^`^V_e`, 5`T` 5YS_V] UZdV VþS cVg`]fTZ`_ScZS TSceVcS para la mujer moderna. >S TSceVcS cVTZ̎Z df _`^̎cV a`c #+'' WVTYS V_ ]S TfS] WfV TcVSUS. Sf Z_eV^a`cS] UZdV ` YS aVc^S_VTZU` T`^` f_` UV ]`d WSg`cZe`d UVdUV V_e`_TVd.

Tamaños preferidos Dentro de los principales mercados, los clientes generalmente buscan los siguientes tamaños: 1. 2. 3.

Jumbo Mediana Mini

Los colores más buscados después del Caviar original (negro) son:

7þSU`d G_ZU`d ;eS]ZS DVZ_` G_ZU`

Oro Beige Plata

7þSU`d G_ZU`d eZV_V V] a`cTV_eS[V ^wd S]e` UV ̎ dbfVUSd UV ]S 2.55, dVXfZU` a`c ;eS]ZS j V] DVZ_` G_ZU`

NEGOCIOS

Hermès Birkin

>S TSceVcS 4Zc\Z_ UV :Vc^ d WfV TcVSUS V_ 1984, Z_üZcSUS V_ ]S SýcZk Z_X]VdS <S_V 4Zc\Z_ >Sd TSceVcSd d`_ cVT`_`TZUSd a`c df Z^aVTS̎]V YVTYfcS j dfd S]e dZ^`d acVTZ`d ;_UfUS̎]V^V_eV ]S 4Zc\Z_ Vd f_S UV ]Sd TSceVcSd ^wd T`UZTZSUSd UV] ^`^V_e`

Preferencias especiales En 8ĀTWbf Ha\Wbf 9eTaV\T l X_ EX\ab Ha\Wb X_ `TgXe\T_ ceXW\_Xÿb Xf _T c\X_ WX VbVbWe\_b!

Los colores más buscados según el mercado:

Naranja Habano Negro

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>S TSceVcS Birkin de Hermès Vd V] ^`UV]` ZT _ZT` ^wd ̎fdTSU` V_ e`U`d ]`d ^VcTSU`d

Las marcas locales son las preferidas en sus respectivos mercados FRANCIA Longchamp, ]S ^wd UVdVSUS 8a fh cT f WX be\ZXa _T `TeVT VhXagT Vba ha _\WXeTmZb f\Za\ÏVTg\ib YeXagX T _Tf WX`yf Vba VTf\ X_ WbU_X WX _Tf U fdhXWTf WX ?bh\f Ih\āba _T fXZhaWT `TeVT ceXYXe\WT cbe _bf YeTaVXfXf!

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La Speedy hizo su apariciĂłn en los aĂąos 30, y saltĂł a la fama en la dĂŠcada de 1960 luego de dVc cVUZdVÂ&#x2020;SUS aScS ]S dfaVcVĂžcV]]S 3fUcVj Hepburn. La cartera viene en varios tamaĂąos y materiales y es una de las carteras de diseĂąo mĂĄs reconocidas del mundo.

ÂżCĂłmo se comportan las carteras a nivel de mercado? JAPĂ&#x201C;N Los consumidores japoneses buscan algo mĂĄs allĂĄ de las TSceVcSd >`fZd HfZĂż`_ La marca se encuentra en el noveno lugar del mercado japonĂŠs, el Ăşnico paĂs donde Louis Ih\Ä ba ab fX XaVhXageT XageX _bf primeros cinco lugares. SegĂşn un XÄ&#x20AC;hW\b eXV\XagX chU_\VTWb Xa G[X 8Vbab`\Ä&#x20AC; ha +( WX _Tf `h]XeXf ]TcbaXfTf lT g\XaXa T_ZÂ&#x17D;a cebWhĂżb ?bh\f Ih\Ä ba! ?T Vb`U\aTV\Â&#x2030;a WX XÄ&#x20AC;Tf XÄ&#x20AC;TWÂ&#x201E;Ä&#x20AC;\VTf fhZ\XeX dhX X_ `XeVTWb ]TcbaÂ&#x20AC;f XÄ&#x20AC;y UhfVTaWb algo â&#x20AC;&#x153;nuevoâ&#x20AC;?.

EUROPA Coach menos popular en la Eurozona A pesar de ser la primera marca de carteras a nivel mundial, Coach se encuentra en Italia en el lugar 29, en Francia en el 19, en Alemania en el 11 y en el Reino Unido en el 7. 7] a`cTV_eS[V ^wd S]e` UV Ě&#x17D;Â&#x152;dbfVUSd UV ]S EaVVUj ac`gZV_V UV 7ĂžSU`d G_ZU`d dVXfZU` a`c 3]V^S_ZS 8cS_TZS j V] DVZ_` G_ZU`

BRASIL >`d Ě&#x17D;cSdZ]VÂ&#x2020;`d acVĂ?VcV_ ]Sd marcas de cartera de nicho de mercado

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Algunas de las marcas que tienen un buen desempeĂąo en el mercado brasileĂąo, en comparaciĂłn con otros mercados, son: CĂŠline (3er chXÄ&#x20AC;b Xa 5eTf\_ $&ÂŻ T a\iX_ `haW\T_ 5T_XaV\TZT *ÂŻ chXÄ&#x20AC;b Xa 5eTf\_ $*ÂŻ T a\iX_ `haW\T_ l :blTeW $$ÂŻ chXÄ&#x20AC;b Xa 5eTf\_ %,ÂŻ T a\iX_ `haW\T_ !

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Marca paĂs de origen*

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ALTAMODA

Por Fotos

Álvaro Corzo, Nueva York Álvaro Corzo

Nueva York es la Meca de la moda contemporánea. Como ya es tradicional, pocos días antes de la semana de la moda se lleva a cabo el Fashion’s Night Out, quizás la fiesta más glamorosa de la ciudad. Crónica de una noche en la que la moda salta de las pasarelas y se toma las calles de Nueva York.

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El calendario marca el seis de septiembre y el verano en Nueva York parece no tener ganas de terminar. El calor ha sometido el glamour de la ciudad a una extrema transformación que ha dejado a flote todo, excepto el exceso de ropaje en la pasarela urbana más esplendorosa de occidente. En toda la isla, desde las vitrinas de la Quinta Avenida hasta las boutiques de Soho, se ha sentido el rigor de la temperatura. El despojo de las prendas de la temporada combina a la perfección con sombreros de ala ancha, gafas parasol y stilettos de plataforma que relumbran cada mañana al salir el sol. Aunque en Nueva York la moda es parte del paisaje urbano, hoy es un día especial. No solo porque el solsticio de verano ha quedado atrás, sino porque esta noche se lleva a cabo la fiesta más exuberante de la moda en la ciudad. Las invitaciones invadieron las pantallas de la Gran Manzana durante semanas, desde Times Square hasta los ribetes de Wall Street; pasaron por las redes sociales, los blogs de moda y las revistas especializadas. Miles de volantes rosados circularon por las entrañas del subterráneo de Nueva York anunciando las seis de la tarde de este seis de septiembre como la hora pactada. Es el Fashion’s Night Out, la noche en la que tiendas de diferente altura y prestigio abren sus puertas hasta media noche para celebrar la fiesta urbana más grande de la moda. El mapa es imposible de recorrer completamente porque las opciones son infinitas: desfiles, fiestas, conciertos; se trata de una extravaganza de cocteles que reúne diseñadores y críticos de moda apostados desde el alto Manhattan hasta lo más recóndito del distrito de la moda de Brooklyn. Sí, Brooklyn, esta zona multicolor que en los últimos años se ha convertido en el hogar de marcas como Rag & Bone, Supreme y Custo Barcelona. El lugar adecuado para comenzar la travesía nocturna es el bajo Manhattan. Con sus estrechas y adoquinadas calles negras, Soho ha sido por décadas uno de los distritos de la moda

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más respetados y venerados de la ciudad. Con más de 130 boutiques, es el punto de inicio de esta ruta.

A LA PASARELA Con cámara fotográfica en mano, llego al centro de operaciones de Phillip Lim, uno de los divos de la costura contemporánea, quien esta noche muestra un adelanto exclusivo de su colección primavera/verano 2013, aun antes de su presentación en el New York Fashion Week. Una fila de más de treinta mujeres espera con ansias entrar a la boutique. Adentro fluyen los martinis de pisco, ideales para despedir la tarde, mientras un reducido y selecto grupo de modelos desfila las prendas de este diseñador de origen chino conocido por ser un genio de la marroquinería. El público examina milimétricamente los estantes de la tienda, como si se tratara de un ritual propio del ultimate fashionista. Me despido y cruzo la calle para visitar a Vera Wang, otra estrella de la costura del siglo XXI. En su tienda resalta un estudio suspendido sobre un enorme plafón de mármol que hace a su vez de recepción. Se ve una larga fila de invitados especiales esperando para probarse las prendas y sentir la riqueza de texturas y colores de la última colección. Wang fue ganadora del prestigioso premio CDFA del Consejo de Diseño de Modas de las Américas. El fotógrafo encargado de registrar el evento es nada menos que Sebastian Kim, una de las nuevas joyas de la fotografía de modas y uno de los nuevos consentidos de la revista Vogue, emporio de la crítica fashionista y mecenas del Fashion’s Night Out, fiesta que en su cuarta edición se ha extendido a más de 500 ciudades en 12 países. Las luces del estudio explotan e iluminan la tienda. Desde la calle parece una pequeña discoteca que retumba ante cientos de invitados que aún esperan en la acera el turno para entrar y vestir lo último de Vera Wang. Al retomar el camino, reparo minuciosamente en mi alrededor. Esta no es una noche cualquiera. Los invitados a esta gala gratuita

En la intersección de Broadway y Prince St. más de cincuenta personas rodean la manzana esperando su entrada a la casa boutique Prada

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llevan puesto lo mejor de su ropero. La idea, me asegura Alicia Vinga, modelo y editora invitada de fashionblog. com, es que todos quieren brillar en este océano de diamantes: “invitados, diseñadores, críticos, todos. Esto es una fiesta que amerita lo mejor”. No se trata únicamente del festejo, ni de los face-to-face con los diseñadores, ni mucho menos de los estantes con las últimas creaciones de la mayoría de las casas de moda. Llevo cerca de cuarenta minutos en este carnaval y en las tres tiendas que he visitado las registradoras no dejaron de sonar. Todos salen con paquetes de las boutiques asentadas en la mítica avenida Broadway, en la que se llevarán a cabo cerca de noventa fiestas esta noche, una cifra signifi-

cativa para una zona de apenas ocho cuadras a la redonda. Me detengo entre una multitud frente a una vitrina. Al acercarme veo a una mujer esbelta junto a dos modelos de cuerpos bronceados que exhiben la última colección de ropa interior de Calvin Klein. Entre la multitud resalta una cara conocida, se trata del hijo consentido de Oscar de la Renta: Brian Reyes, el diseñador colombiano que brilló durante tres años consecutivos en el New York Fashion Week, y que recibió una oferta que hizo que su carrera se embarcara en un hiato de tres años para convertirse en el diseñador en jefe de ropa interior de Calvin Klein. Para Reyes, el valor de una noche como esta radica en que el corazón de la moda de Nueva York, y de muchos lugares del planeta, se rinde a los pies de los fashionistas, para que ellos, como en ninguna otra ocasión, puedan llevar a casa las últimas creaciones de la alta costura. “La moda es para todos, esta es la idea del

Fashion’s Night Out”, dice Reyes. Son las 7:20 de la noche y no puedo abandonar Soho sin visitar la casa italiana Prada. Como es usual, el lugar emana un irresistible aroma a elegancia que hace que decenas de mujeres devoren los anaqueles en los que reposa su última colección. La conexión casi íntima que se establece entre los objetos de deseo y las caras de placer de los visitantes es un elemento que inevitablemente llama la atención. Después de fotografiar la escena, pregunto a una de las mujeres el porqué del delirio por los stilettos Prada. “Una vez los tienes en frente, no puedes dejar de soñar con verlos en tus pies”, asegura Carlen, una hermosa mujer de origen indio que aclara que esta noche ha dejado su remordimiento en casa mientras espera llevarse a su armario todo lo que le sacuda el gusto durante estas horas de intenso carnaval. Como ella, hombres y mujeres recorren la tienda de más de mil quinientos metros

Carlen, brokeragent de 35 años conﬁesa que puede gastar hasta cinco mil dólares en ropa al mes. Hoy asegura, hará una excepción

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Bianca Balti y sus compañeras del Vogue Runway en medio en el MeatPacking District. Una noche donde el licor y la música no dejó de ﬂuir. Desde alto Manhattan hasta Brooklyn el Fashion´s Nigh Out estremeció.

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cuadrados, mientras siguen sin querer los ritmos del Dj invitado, el guitarrista de Vampire Weekend, una joya del Indie rock. Las copas de los invitados están llenas de mezcal. No logro resistirme al gusto de medirme una chaqueta de cuero de becerro que se ajusta al torso como un guante, y que explica lo dicho por Carlen hace unos segundos. Dejo sobre el estante la prenda de 3.500 dólares, tomo una foto y retomo la calle. A las 8:30 p.m. tomo un taxi hacia el Meatpacking District, destino final de la noche y epicentro de la moda neoyorkina, el cual alberga casas como Moschino, Cristian Louboutin, Catherine Malandrino, Alexander McQueen, Rubin Chapelle, Yigal Azrouel, entre muchas otras. El que fuera el refugio de la mafia siciliana durante la década de los ochentas en Nueva York se convirtió en la zona cero de la moda contemporánea de occidente. Al caer la noche, las luces y el brillo de una de las zonas más movidas de la ciudad hacen que el fervor de la mascarada suba por completo. Las tiendas que bordean el West Side de la calle 14 forman una multitud de filas frente a cada una de las prestigiosas boutiques. Parece una procesión de mujeres que lucen color y sensualidad. Pongo un pie dentro de la boutique de Moschino y me encuentro una de las mejores fiestas de la ciudad. Los ritmos comandados por la guapísima Dj Alexandra Chung ponen a todos a bailar, mientras los vestidores no dejan de recibir invitados que quieren medirse las prendas de diseño geométrico de la casa italiana. La noche inundada con margaritas de absenta pronostica un final de jornada en el que el cuerpo y la billetera no dejarán de moverse. Sigo mi camino entre mujeres engalanadas frente a la tienda de Alexander McQueen, la última que, según la leyenda, visitó el diseñador londinense antes de quitarse la vida en 2010. Luego de esperar en la entrada cerca de veinte minutos, logro entrar para comprobar el porqué

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del fervor hacia las prendas de una de las nuevas leyendas de la moda mundial. La sorpresa es encontrar en un estante un remanente de la última colección que el propio McQueen diseñó antes de decir adiós. Un regalo exclusivo de su fundación para una noche tan especial como esta. Hay un lugar al cual no podía faltar. La intersección de la calle 14 con 9ª avenida, donde la marca francesa de cosméticos L’Oreal ha montado una pasarela para que los transeúntes se dejen maquillar por estilistas profesionales para después invitarlos a modelar en una tarima que se toma la calle. Mientras tanto, la música de Big Eddy, uno de los Dj más hip del momento en Nueva York, acompaña una de las fiestas callejeras más grandes y ruidosas de la noche en Manhattan. Mientras la luna alumbra los adoquines de las calles, una escarpada se abre con puestos ambulantes donde Cartier, La Perla, Chanel, Boss y Balenciaga terminan de hacer de esta fiesta una celebración tan glamorosa como democrática. En mi último destino encuentro una fila de más de cien personas que aguardan con paciencia en la acera. Pasan unos minutos en la fila y una modelo danesa que hace poco fotografié me ayuda a escabullirme en la entrada. Después de unos minutos, estoy adentro de DVF, la fastuosa boutique de Diane Von Furstenberg. Es sin duda la fiesta de lanzamiento de la colección que todos los fashionistas de la ciudad esperaban con más ansias. Adentro, maniquíes en vivo se mueven al ritmo de la música de otra diva: la Dj Miss Kittin. Los modelos vestidos con trajes blancos pululan por el lugar, mientras la champaña corre y me hace olvidar por un momento que estoy dentro de una tienda de ropa. “¿Será este el futuro de la moda?”, me pregunto después de vivir una experiencia para todos los sentidos. “¡No! Este es el Fashion’s Night Out”, me corrige una de las invitadas.

Modelos y diseñadoras como Jane Amber, Alexandra Chung, Rachel Zoe y Solange Knowles se tomaron las tornamesas en las ﬁestas de toda la ciudad.

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EL CAMINO DEL LUJO

Por

Carlos Ferreirinha*

* Presidente de MCF Consultoría & Conocimiento, firma con sede en São Paulo especializada en herramientas de gestión de la innovación del negocio del lujo en América Latina, Angola y Portugal. www.mcfconsultoria.com.br

La nueva dirección de la alta costura

En este proceso cíclico, el debate constante entre la posible extinción y el éxito de la alta costura despierta diferentes opiniones en contextos distintos. Las predicciones apocalípticas afirman que el fin de la alta costura comienza cada vez que este segmento del mercado sufre algún movimiento, como el ocurrido en 2004 cuando Ungaro y Versace dejaron de ser parte del calendario de presentaciones de industria (finalmente, la casa de moda italiana volvió a exhibir su colección de alta costura, Versace Atelier, en julio de 2012). Legalmente protegido, el término “alta costura” es una marca que solo puede ser usada por los diseñadores que integran la Chambre Syndicale de la Haute Couture, una entidad creada en 1968. Los miembros permanentes y los invitados deben ser responsables de producir toda la colección respetando las reglas que impone la institución, como el número mínimo de empleados, presentar al menos 35 modelos para el día y para la noche, y tener una tienda en el Triangle d’Or, el triángulo de oro formado por las avenidas Montaigne, Georges V y los Champs Elysees de París. Además, cada año, la Cámara evalúa cada casa y revisa la lista de los que deben formar parte del selecto grupo. El grupo ya cuenta con más de 100 miembros, pero en

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la actualidad apenas 12 marcas pueden hacer uso del sello otorgado por la Cámara. Otra característica es que buena parte de las casas de moda no son de origen francés. Valentino fue el primero, en 1989, en llevar su elegancia a las pasarelas de París, después vino Giorgio Armani y luego otros como el libanés Elie Saab y el Italiano Giambattista Valli, quienes han contribuido al resurgimiento de esta institución francesa que había sido soterrada por el prêt-à-porter. Un proceso de reconocimiento del talento global. La alta costura ofrece una moda rara, única y hecha a mano. La calidad, diferenciación y atemporalidad de las piezas hace que se relacionen más con el arte que con ropas que poseen un alto valor y que siguen determinando tendencias. Los profesionales son meticulosos artesanos que necesitan estar apasionados por lo que hacen, como decía Coco Chanel: “En esta profesión, quien no es un apasionado por lo que hace no realiza cosas bellas”. A pesar de los problemas económicos actuales, la alta costura atraviesa por un período de recuperación, a medida que la sociedad rescata sus principios y tradiciones, y los mercados emergentes pasan a defender valores centrados en la autenticidad y la herencia. El desarrollo

económico de las naciones de Oriente Medio y de países como Brasil, Rusia, China e India contribuye al renacimiento de este modo de producción. Un reciente artículo publicado en WWD (Women’s Wear Daily) presenta números positivos y una actitud optimista con respecto a las perspectivas de crecimiento; también demuestra el aumento del número de clientes en Asia y el retorno de los clientes estadounidenses después de una disminución observada durante el apogeo de la recesión; y el éxito del formato íntimo que algunas maisons han adoptado. Las colecciones actuales son un símbolo de los nuevos tiempos. Se acabó la época en la que los vestidos eran hechos con metros y metros de tela. Ahora la belleza está en la fabricación, en las técnicas de corte y la elección de los materiales utilizados. La ropa parece ser más simple, pero conserva el símbolo exclusivo de otros tiempos. Se puede argumentar que la alta costura nunca reemplazará el prêt-à-porter, pero es este el que estimula las ventas y traza una imagen de sueño a las marcas. No existe vanguardia sin tradición; la alta costura es el sueño que existe en la moda, y donde los diseñadores pueden ser los artistas. Al final, la alta costura está hecha de sueños.