Revista Cineasta/ 25 de Junio 2013 by Revista Cineasta

Año 3 vol. 25 junio de 2013. Santo Domingo. República Dominicana

Las

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SEGURIDAD

i n d i c e

Entrevista

Henry Cavill

28 32

Artículos Feliz Cumpleaños Marilyn

Alfred Hitchcock y sus estrellas femeninas

Los mejores finales de la historia del cine PARTE I

Conociendo a Dominique Télémaque

Guillermo Arriaga

Fundación Budista Tzu Chi de Taiwán en Rep. Dominicana

Mujeres hermosas del cine

Conociendo Cannes: La Alfombra Roja y sus películas

Crítica Duel (1971) Citizen Kane, 72 años después

8 18

Series The Borgias

Actriz del mes Recordando a Sara Montiel

Noticias Concurso de Fotografía Digital, “Descubre Una Locación Para Cine”

Pinewood Indomina Studios

Retro XIX, 1979

e d i t o r

i a l

Año 3 vol. 25 junio de 2013. Santo Domingo. República Dominicana

Esta edición de Cineasta brinda muchas cosas importantes y diferentes. Primero debemos aplaudir a Pinewood Indomina Studios que en este mes dejó oficialmente inaugurado el Water Tank en sus instalaciones en Juan Dolio. Felicitamos al Grupo Vicini por tan importante aporte a la industria del cine en nuestro país. Marc Mejía estuvo por Cannes y nos escribió un reportaje bastante interesante y completo de dicho festival. De igual forma felicitamos a Don Ellis Pérez y a la DGCINE por el trabajo realizado en Cannes. Me comentan que la carpa de nuestro país fue de las más visitadas. En portada tenemos una selección hecha por nosotros de las 50 Mujeres Más Hermosas de la pantalla grande. Queremos que nos ayuden a hacer otro listado (de parte de los lectores), por lo que apreciaríamos nos enviaran a nuestro correo (revistacineasta@gmail.com) su selección. En las páginas centrales de esta edición conocerán sobre la labor que viene haciendo la Fundación Tzu Chi en nuestro país. Cineasta y el Sr. Luis Beiro han querido aportar a tan noble causa y hemos decido vender, a través de esta edición, el libro “Taiwan: 12 Cineastas Rumbo a la Excelencia” del Sr. Beiro. Solo por RD$200.00 te llevas este valioso libro, pero más importante aún, estarás aportando un granito de arena para el futuro de nuestro país. Apoyemos esta buena causa. Henry Cavill es nuestra entrevista del mes. El nuevo Superman es toda una sensación, aunque la película, para mi gusto, no le llega ni por los tobillos a la original con Christopher Reeves a la cabeza. Man of Steel es una película sobrecargada de efectos especiales que no brinda nada nuevo solo que efectos y más efectos ¿Mencioné efectos especiales?

Presidente Pablo Mustonen revistacineasta.gmail.com Vice Presidente Alejandro De Moya ale@cineasta.com.do Dirección y Edición Pablo Mustonen pablomustonen@hotmail.com Beatriz Asilis beatrizasilis@hotmail.com Gerente de Mercadeo y Ventas Paulette Ferreira Brando Hidalgo brandohidalgo@gmail.com Diseño y Cuidado de Edición Samanta Sánchez Franco ssanchezf@yahoo.com Colaboradores Jorge Cámara Miembro del Board of Directors de los Golden Globes Vice Presidente de la Asociación de Prensa Extranjera en Hollywood Armando Almánzar, Marc Mejía, Ángel Haché, Rubén Peralta Rigaud, Hugo Pagán Soto, Brando Hidalgo, Luis Beiro, Katherine Bautista, Smayle Domínguez, Oliver Oller, Juan García Pantaleón, Martha Arredondo, Fátima González CINEASTA Ave. 27 de Febrero No. 260, Edif. Brigitte II, apto. 203, Santo Domingo, RD. www.cineasta.com.do Cineasta es una publicación mensual, todos los derechos quedan reservados. Se prohibe la reproducción parcial o total sin consentimiento de cineasta.

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c r i t

i c a

Duel (1971) L uis B eir o

edio millón de dólares y dieciséis días de filmación en las áridas praderas de Soledad Canyon, en el Estado de California, le bastaron a Steven Spielberg para llamar la atención mundial con su ópera prima. Era entonces un joven de 24 años que venía de filmar seriales para la pantalla chica y un cortometraje (“Amber”, 1968), estrenado por la televisión norteamericana. Duel es un thriller insertado dentro del road movie que descuella por su original puesta en escena. Solo un personaje (un comerciante californiano que viaja al encuentro de un cliente) es perseguido por razones desconocidas por un chofer con aires psicopáticos (jamás aparece su rostro) que maneja una patana. Estas razones se pueden vincular a su “ego” como chofer, al ser sobrepasado en la carretera. La persecución demuestra el carácter irracional del persecutor. La patana también significa un símbolo monstruoso que intenta demostrar su poder sobre el infeliz vehículo al que persigue con las peores intenciones. Aquí Spielberg toca algunos puntos relevantes que se convirtieron en sello personal en su posterior filmografía, como pueden ser la lucha del ser humano contra lo desconocido (Tiburón, 1975 o Encuentros cercanos de tercer tipo, 1977), y la decisión humana de enfrentar ese desconocimiento a cualquier precio. Spielberg le imprime a su protagonista sentimientos de angustia,

El joven Steven Spielberg durante la filmación

desesperación desamparo, miedo y ansiedad, lo que hace posible que el espectador se meta en su piel y comparta los momentos de terror que le han tocado vivir. El lenguaje es fruto de las convenciones estéticas que en ese tiempo fueron aportaciones fundamentales a la gran pantalla, como pueden ser los planos cerrados; el ritmo cinematográfico casi perfecto, tanto dentro del personaje como en el transcurso de la persecución; la utilización de efectos visuales y deformaciones fotográficas; el empleo de saltos en el montaje para conseguir una atmósfera de claustrofobia desesperada dentro del protagonista, y una actuación convincente de Dennis Weaver quien dedica su histrionismo en aras de ofrecer un retrato de terror muy bien controlado por Spielberg. Este largometraje puede incluirse entre sus mejores películas comerciales. Aquí, el rey de los efectos especiales demuestra que sabe hacer un cine distinto, nada despreciable, portador de una estética inteligente y casi perfecta.

Sinopsis: Una patana persigue por una carretera de California a un auto, con el peor de los propósitos.

10/10

País: EE.UU. Año: 1971. Duración: 90 minutos. Director y guión: Steven Spielberg sobre una obra de Frank Morris. Reparto: Dennis Weaver, Eddie Firestone, Gene Dynarski y Tim Herbert.

P 11

Su familia materna sufría de demencia, su padre jamás apareció. Rodó como una huerfanita y solo encontraba amor y compañía en los perros, que eran sus inseparables cómplices, a pesar de que un día declaró públicamente que el teléfono era su mejor amigo.

Feliz Cumpleaños

Marilyn P o r S heila A ceved o

a r t i c u l o

Marilyn

apareció dando tumbos, ebria hasta los tuétanos de champagne, su bebida favorita. Solía mezclarla cada día con un cóctel de pastillas recetadas; eso la calmaba. Aquella noche andaba ataviada con un traje brillante y sugerente, que resaltaba las pronunciadas curvas de un cuerpo moldeado al estilo 9161-90, que resultaba la formula más tentadora de Hollywood. En el camerino, el propio diseñador, Jean Louis, tuvo que ajustar y coser el vestido encima de su piel, para que no quedara ni un centímetro de tela sin ceñir. Acostumbraba a retrasarse por horas, y todos lo sabían, incluyendo el señor presidente. Estuvo largo rato ahogando en alcohol su ansiedad, esa sensación de angustia contenida y trasnochada de siempre. Por eso cuando finalmente salió al tercer llamado del actor Peter Lawford, cuñado del mandatario; subió al escenario del Madison Square Garden con el destello de la luna en sus mejillas. Lista para cantar a John Fitzgerald Kennedy un inolvidable cumpleaños feliz.

Caminó tambaleante, miró el micrófono, vaciló, suspiró jadeante; entonces, un chorrito de voz se le escapó como de las entrañas. Contoneó su pelvis en señal de seducción al hombre apostado frente a ella, que le miraba con el mismo ardor que emanaba de su piel. Hubo un concierto de escarceos clandestinos y ella, con la humedad quemándole los labios y las piernas, entonó el happy birthday Mr. President más sensual que se haya podido escuchar. Ninguno de los 35,000 demócratas allí presentes, podría dudar que la actriz tarareaba esa canción enardecida de puro deseo. Menos mal que la primera dama, Jacqueline Kennedy, se resistió a estar en el evento, un gesto de elegante y estoica prudencia. En ese momento el presidente Kennedy no podía disimular en su rostro el sonrojo que aquella insinuación descarada, le provocó. Marilyn había volado desde Los Ángeles hacia Nueva York, para agasajar a John -Jack- Kennedy, dejando atrás el plató donde rodaba Something’s got to give, que sería su última película. Al día siguiente, las lenguas de rapiña comentaban que la señorita Monroe había sido la verdadera protagonista en el cumpleaños del presidente Kennedy. Pero

lejos de ser un triunfo para la rutilante rubia, resultó ser el inicio de un nuevo calvario, que dio al traste con su pesarosa vida. El sórdido romance que protagonizaban Jack y Marilyn duró poco. Apenas lo que el presidente tardó en sufrir una persecución obsesiva de la actriz. A partir de ese momento se convirtió en un problema de Estado; así es que Jack Kennedy no dudó encomendar el caso a su hermano menor, Robert –Bobby – Kennedy, Fiscal General y mano derecha en todos sus “asuntos”. De inmediato, con la orden debajo del brazo, el arrojo y la ilusión a flor de piel, Bobby comenzó a frecuentar la casa de Marilyn; la visitó varias veces, sacó tiempo para consolarla y después de muchas promesas fútiles y una historia más trunca que la primera, también la abandonó. El último cumpleaños de Marilyn, en 1962, lo pasó muy triste y decaída. En el set de filmación le cantaron cumpleaños feliz. Pero no se animó. Sentía la espina del desamor puyándole el alma; además, no había logrado tener el genuino respeto que ella esperaba de la industria del cine. La señorita Monroe era carne fresca para los que admiraban la luminosidad que destellaba su figura en la pantalla gigante, igual que para los devoradores que sufrían sus inocentes devaneos. La CIA, la investigaba por sus vínculos con el presidente de los Estados Unidos, su coqueteo con la mafia a través de Sam Giancana y su simpatía por los comunistas cuando estuvo casada con el escritor Arthur Miller. Pero su principal contendor fueron los estudios cinematográficos, dispuestos a cercenar la rebeldía de la artista, que tan solo exigía interpretar personajes de más profundidad y fuerza dramática en las producciones de cine. Este collage fue el detonante que socavó una existencia marcada por el sino trágico del destino. Cuando Norma Jean (Marilyn) nació el primer día de junio de 1926 a las 9:30 A. M., sus pupilas color cielo, no verían los matices de la felicidad. No tuvo un verdadero hogar. Fue una mujer sencilla e irreverente, amante del deporte y las artes. Estudiaba actuación con auténtica devoción y escribía poesía para aliviar la depresión. Era border line (fronteriza), un trastorno

a r t i c u l o

mental que la llevó hasta el manicomio y la mantuvo en el límite de los excesos. El día que Marilyn no despertó, se comenzó a tejer una telaraña nebulosa que arrastra una estela de misterio. Murió sola, tendida en su cama, desnuda; empuñando un teléfono del que hizo llamadas inútiles a Jack y a Bobby Kennedy, quizás en su último intento por vivir. Esta vez, el escenario se quedó vacío al igual que la luneta. Llegó a su última morada en un ataúd de bronce, vestida con un traje verde y un pañuelo de gaza enredado en el cuello. Los registros declararon suicidio y por sus venas corría el Nembutal. Pero también luce que hubo manos asesinas. Nada que celebrar, porque ni en el esplendor de su fama, Marilyn tuvo un cumpleaños feliz.

Marilyn Monroe y John F. Kennedy Marilyn Monroe Laurence Olivier, Vivien Leigh y Arthur Miller

The Borgias The Original Crime Family F á tima G o n z á le z

n la secundaria, principalmente en nuestras clases de historia, siempre nos mencionaban familias de gran transcendencia en las diferentes épocas de la historia europea. Podríamos mencionar los Aragón (España), Los Medici (Italia) y la Casa Tudor (Inglaterra), pero no sé si recordarán también que nos hablaban, pero de manera muy subliminal, sobre “Los Borgias o Borjas”. Los Borgias fue una familia noble. De origen aragonés, de Borja (España), muy influyente en la época del renacimiento. Pasaron a la historia como una familia cruel y deseosa de poder, además como personajes que se zafaban de situaciones que parecían perdidas. Rodrigo de Borja, Juan de Borja y Cattanei, Lucrecia o Cesar Borgia son algunos de los miembros más conocidos. Neil Jordan, el director de la gran película The Crying Game, estaba obsesionado con crear un largometraje que se basara en esta original familia. De manera personal trabajó por varios años con este proyecto y hasta había planificado cuales serían sus actores principales: Colin Farrell y Scarlet Johansson. Pero para 2010 en sus búsqueda de financiamiento para la realización de la misma, se reunió con el conocido director Steven Spielberg (ahora productor de The Borgias), y en esta reunión surgió la idea de presentarla como un drama para la televisión por cable, ya que este tipo de de dramas históricos estaba teniendo gran auge, lo cual lo llevó a presentar su

s e r i e s

idea al canal televisivo por cable Showtime, el mismo canal que tenía la experiencia de manejar con gran éxito la conocida serie The Tudors, que se encontraba en su temporada final. Con este antecedente nace la formidable serie televisiva histórica-dramática, The Borgias, donde nos presentan la incesante búsqueda de poder que tiene esta familia, no importando la manera o método para llegar a su objetivo. Su historia inicia cuando el Cardenal Rodrigo Borgia (Jeremy Irons) es electo Papa de la Iglesia Católica en Roma. Dicho cargo lo consigue vía sobornos y amenazas y también gracias a la gran ayuda de su hijo César (Francois Arnaud), así es electo y se convierte en el Papa Alejandro VI, con lo cual emerge el odio de varios cardenales y familias en Roma, pero su principal enemigo el Cardenal Della Rovere, dimite y viaja a través de toda Italia y Francia en búsqueda de aliados para confabular y poder sustituir el Papa. Con la ayuda de su familia va enfrentando y derrotando a sus adversarios no importando los medios mientras va afianzando su poder en toda Europa. Como mencioné, esta historia recae principalmente en la figura de Rodrigo Borgia interpretado por el espectacular Jeremy Irons. Irons nos brinda una actuación fuera de serie, con frialdad, despotismo, manipulación, egoísmo, ambición desmedida y a la vez una depravación tanto física como moral. Podemos destacar de todos los que secundan a este

gran actor, a Francois Arnoud, quien interpreta a su hijo mayor, César, actor franco- canadiense desconocido por mi persona. Su personaje es igual de despiadado como su padre, nos refleja un gran estratega de guerra, mediador de conflictos, con una envidia desmedida hacia su hermano menor, pero muestra un gran amor filial para su padre y su familia. Además los acompañan: Holliday Grainger (Lucrecia Borgia), Joanne Whalley (Vanozza Cattaneo), Lotte Verbeek (Giulia Farnese), David Oakes (Juan Borgia), Sean Harris (Micheletto Corella), Aidan Alexander (Joffre Borgia) y Colm Feore (Giuliano della Rovere). Su producción es una coproducción internacional, filmada en Hungría y producida en Canadá y mayormente dirigida por su creador Neil Jordan. Actualmente esta serie se encuentra en su tercera temporada en su emisión original, la cual inició el pasado 14 de abril 2013, consta de 10 capítulos como sus dos temporadas anteriores. La primera temporada y su segunda temporada fueron emitidas en Latinoamérica por los Canales ISAT Channel y TNT, respectivamente. Así que podemos contar que para el mes de junio podríamos esperar su transmisión por estos canales. Pero si no deseas esperar, las puedes conseguir en tu tienda favorita de alquiler. **Serie recomendada para personas mayores de 18 años.

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Alfred Hitchcock y sus estrellas femeninas JORGE CÁMARA

ollywood, CA.- Tal vez es una señal de esta época, en la que la privacidad para celebridades y relaciones personales son parte ya de la insaciable curiosidad de la cultura, pero parece que cuando ahora se habla de Alfred Hitchcock, no es para alabar la maestría de su cine, o para celebrar su habilidad para crear suspenso, sino para discutir la aparentemente turbulenta relación que el director tuvo con sus estrellas femeninas. Dos recientes películas apuntan este fenómeno: Hitchcock, sobre el rodaje de Psycho, con Anthony Hopkins encarnando al realizador y Helen Mirren a su esposa, Alma; y The Girl, producida por HBO, que recuenta la filmación de The Birds. En esta cinta, el británico Toby Jones tiene a su cargo el personaje de Hitchcock, e Imelda Staunton, el de su esposa. La primera de estas cintas nos informa que Vera Miles, para quien el director tenía grandes planes de convertir en su próxima gran estrella, lo enfureció al contraer

matrimonio y descubrirse embarazada, por lo que Hitchcok decidió entonces destruir su carrera. En la segunda, como venganza del rechazo a sus avances sexuales, el realizador sometió a su estrella, Tippi Hedren, interpretada por Sienna Miller, a peligrosas secuencias en las que verdaderos pájaros brutalmente atacaron día tras día a la actriz. Pero fue la publicación del libro, “Spellbound by Beauty – Alfred Hitchcock and His Leading Ladies” de Donald Spoto, el que documentó con lujo de detalles la a veces sadomasoquista y enfermiza relación del celebrado realizador con la mayoría de sus grandes estrellas, en particular durante su trabajo en Hollywood: Joan Fontaine, Tallulah Bankhead, Ingrid Bergman, Alida Valli, Ann Todd, Marlene Dietrich, Anne Baxter, Grace Kelly, Doris Day, Kim Novak, Julie Andrews, etc. Fontaine fue sugerida para la primera cinta norteamericana de Hitchcock, Rebecca (1940), por el productor, David O’Selznick,

a r t i c u l o

Grace Kelly junto a Hitchcock.

de quien estaba enamorado. El director no compartió su entusiasmo. Tal vez para ayudar a la inseguridad del personaje, le dijo a Fontaine que la estrella del filme, Laurence Olivier, la “despreciaba intensamente y quería reemplazarla” porque para el papel quería a su esposa, Vivien Leigh. En su autobiografía, la actriz escribió que la táctica del realizador era “dividir y conquistar”. Irónicamente, Joan Fontaine alcanzó el estrellato gracias a Rebecca, y por su segunda película con Hitchcock, Suspicion, ganó el Oscar a la Mejor Actriz de 1941, convirtiéndose en la única actriz a quien se le otorgó el codiciado premio por su trabajo con el director. Hitchcock no tuvo problemas con Tallulah Bankhead, la estrella femenina de Lifeboat (1944), prefiriendo celebrar las excentricidades y escandaloso comportamiento de la actriz, famosa por sus inhibiciones y exhibicionismo. Legendario es ya el hecho de que sin llevar ropa interior se levantaba la falta para no mojarse el vestido durante las escenas en el bote, frente a todo el reparto y el equipo. El estudio trató de remediar la situación, pero Hitchcock rehusó intervenir declarando que era “un problema de vestuario”. Según Spoto, Ingrid Bergman, con quien trabajó en Spellbound” (1945), Notorious (1946), y Under Capricorn (1949), fue el gran amor secreto de Hitchcock, lo cual no fue siempre fácil para ella. El hecho de no haber sido nunca correspondido llevó al director a inventar patéticas historias, como

Doris Day y Alfred Hitchcock en el set de The man who knew too much.

cuando insistió públicamente que, durante una fiesta, Ingrid rehusó salir de la recámara, hasta que él le hiciera el amor. La actriz, no obstante, no resintió su comportamiento y mantuvo por años una cordial amistad con el realizador. Alida Valli, la aristocrática actriz italiana, cuyo verdadero nombre es Alida von Altenburgen, Baronesa de Marckenstein y Freuenberg, fue contratada por David O’Selznick, quien la trajo a Hollywood con la expectación de convertirla en una nueva Greta Garbo o Ingrid Bergman, dándole un papel central en The Paradine Case (1947).

“Marlene fue una actriz muy profesional”, comentó el director, “pero también fue muy profesional como cinematógrafa, directora artística, editora, diseñadora, peinadora, maquillista, compositora, productora y directora”.

Tal vez impresionado por su título, Hitchcock fue siempre respetuoso con Valli, no así con la otra estrella femenina del filme, la británica, Ann Todd, quien años después se convertiría en la tercera esposa de David Lean. “Antes de mi closeDonald up“, recordó Todd, “después de peSpoto, el que dir silencio en el set, me susurraba algo corriente y prosaico en el oído. documentó con Luego me enteré que hacía eso con lujo de detalles todas sus actrices. Tenía una enorla a veces sadome lista de chistes groseros y vulgamasoquista res. Era un personaje triste. Yo creo y enfermiza que quería ser lo que no era, un relación del hombre bien parecido, como celebrado Cary Grant”. Una de las bromas de mal gusto del director, que muchos recuerdan solía gastar a sus actrices con el propósito de escandalizarlas, era tomar un corcho de botella de vino

realizador con la mayoría de sus grandes estrellas

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Ingrid Bergman y Hitchcok.

que se ponía en la bragueta del pantalón como si algo hubiera quedado afuera. Los múltiples problemas de Hitchcock con Marlene Dietrich durante el rodaje de Stage Fright (1950) resultaron en continuas frustraciones para el director, ya que posiblemente por primera vez en su carrera, fue la celebrada estrella quien dominó la producción. Anne Baxter recuerda que durante una difícil secuencia de I Confess (1953) en la que ella y Montgomery Clift tenían que correr durante una tormenta de lluvia y viento, Hitchcok insistió en continuas tomas que los dejaron empapados y temblando de frío, simplemente porque pensaba que todos los actores llevaban una vida demasiado cómoda y privilegiada. Grace Kelly trabajó en tres películas con Hitchcok: Dial M for Murder, Rear Window (1954) y To Catch a Thief (1955). Kelly representó a la perfección a la bella mujer rubia y distante que el director siempre idealizó, y su relación con ella fue la de un adolescente encaprichado. Kelly, famosa por sus múltiples romances con el diseñador Oleg Cassini y los actores, Gene Lyons, JeanPierre Aumont y William Holden, mantuvo durante Joan Fontaine y Alfred Hitchcock.

Tallulah Bankhead en una escena de Lifeboat.

Dial M for Murder una apasionada relación con su coestrella, Ray Milland, 25 años mayor que ella, relación que Hitchcok disfrutó en el papel de voyeur. En un principio Doris Day se mostró encantada de poder trabajar con Hitchcock en el refrito de The Man Who Knew Too Much (1956), pero el realizador prácticamente la ignoró. “No me dirigió. No habló conmigo”, comentó la actriz. “Me convenció de que yo era la peor actriz con la que había trabajado, al punto de que fui y le dije que si no estaba contento conmigo podía reemplazarme. Entonces me dijo que si no hubiera estado satisfecho conmigo me lo hubiera dicho”. Después de dirigir a Vera Miles en The Wrong Man (1956), Hitchcock la puso bajo contrato personal con la idea de convertirla en su nueva gran estrella dándole el papel estelar de la que sería su próxima película, Vertigo (1958), pero el embarazo de la actriz cambió todo eso. “El tuvo su película y yo tuve a mi hijo”, declaró Vera, cuya carrera Hitchcock se aseguró no prosperara. Como es ya bien sabido, Kim Novak reemplazo a Vera Miles en Vertigo, y Hitchcock insistió en dominar Kim Novak y Alfred Hitchcock.

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absolutamente todos los aspectos de la presencia de Novak en la clásica cinta, desde su peinado y el color de su pelo, hasta su vestuario y maquillaje. “Miss Novak llegó con ideas preconcebidas con las que no podía estar acuerdo”, afirmó. “Le dije que tenía que llevar los vestidos y maquillaje que yo había planeado meses antes”. Para crédito del director, los vestidos negros y grises que Novak se había resistido a llevar, se ven todavía actuales y no pasados de moda. Después de su neurótica obsesión y sus problemas emocionales con Tippi Hedren en The Birds (1963) y Marnie (1964), cuando Hitchcock llegó a filmar Torn Curtain (1966) con Julie Andrews, su actitud hacia ella fue de total desprecio. Por una parte resintió que la cuarta parte del presupuesto de 6 millones del film estuviera dividido entre sus dos estrellas, Paul Newman y Andrews. “Traté de usar sus servicios”, declaró el director, “sabiendo que era una cantante y no una actriz seria. Pero el estudio estaba seguro que ella iba a ser una atracción de taquilla”. Posteriormente, la actriz aconsejó a sus amigos que no vieran la película.

}

Todo est o nos hace reco rdar las ya fam osas palab ras de A lfred H itchcock : “Nunca d ije que los actore s son ganado. Lo que dije es que de ben ser tratados como si fueran ga nado”.

Gregory Peck y Ann Todd en The Paradine Case.

c r i t

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Citizen Kane 72 años después L uis B eir o

Citizen Kane fue una producción que triunfó con la misma lentitud de su factura técnica. Con el paso del tiempo, y no con su estreno, llegó a la inmortalidad. Por su tema, el filme enfrentó complejos problemas de distribución y exhibición y logró pobres resultados de taquilla.

imagen de Orson Welles (1915-1985) con un gran tabaco en la boca, mirando a su alrededor en busca de clarividencias a la franca demagogia de su personaje, es antológica. Con tomas a contraluz, en la más completa penumbra, y a cielorrasos de poca altura, el director encontró una técnica tan original que revolucionó la historia del cine. Pero además, concibió el discurso transitivo de su historia a través del enriquecimiento de técnicas teatrales: una y otra vez aparecía entre la cámara fija (magistralmente dirigida por Gregg Toland) y espirales en movimiento que proyectaban los peldaños 20

sociales del meteórico ascenso de Charles Foster Kane. Todavía nadie ha podido advertir con qué golpe de magia Orson Welles (esposo de Rita Hayworth y amante de Dolores del Rìo), armó la historia cinematográfica que alude al magnate del periodismo norteamericano Randolph Hearts, bajo el título de El ciudadano Kane (1941). O cuál fue su golpe de lucidez. Para muchos, su composición con profundidad, es decir, el uso del foco profundo para conectar figuras distantes en el espacio, marcó una revolución estética de gran alcance conceptual. Para otros, las tomas de ángulo bajo que revelaban los techos y hacían parecer a los personajes,

c r i t i c a

especialmente a Kane, simultáneamente dominantes y atrapados, consiguieron un producto de tanto asombro visual que todavía hoy nos siguen deslumbrando. Estos y otros méritos del filme lo convirtieron en desafío a la cultura mundial. Muchos hoy estudian la evolución del Séptimo Arte en los Estados Unidos a partir de dos momentos fundamentales, antes y después de El ciudadano Kane. Pocas cintas han recibido elogios de sectores tan irreconciliables. Evidentemente que la historia “el primer filme de Welles- es un valiente, impetuoso e inspirado “tour de forcé” que debe asimilarse desde varias perspectivas estéticas; el ascenso y corrupción de un magnate (Charles Foster Kane) creado a imagen y semejanza del empresario editorial William Hearts. Los méritos de Welles tienen también aristas extra cinematográficas, sin que en ello tenga que ver la merma de su maestría. Solo un recién llegado a Hollywood podía ser consentido en abrir un discurso cultural totalmente revolucionario, junto a una denuncia social demasiado contundente contra los desmanes del poder.

Noche de estreno de “Ciudadano Kane”.

La compleja puesta en escena mediante un primer plano sobrecargado de detalles no era más que un recurso compensatorio para introducir otra osadía formal de altura, la filmación de planos largos que obligaban al director a obviar recursos propios del teatro “no obstante ser Welles un hombre de teatro-, como la expresión corporal, los diálogos y la exuberancia de la actuación individual. Esos planos, enormes e impresionantes eran también personajes que se movían alrededor del espectador para hacerlo saltar de su propia sobre dimensión. Ambas innovaciones fueron posibles porque, por primera vez en la historia del cine norteamericano, Welles se atrevió a entregarle al director de fotografía un protagonismo fuera de lo común. Una cámara en movimiento, fluida, expandía la acción más allá del plano e incrementaba la importancia del espacio fuera del plano contenida en el guión. Todo esto lo pudo hacer por ser el niño mimado de la meca del cine. Él buscaba capitalizar en el cine sus aciertos como director de actores en el teatro y en sus dramas radiofónicos para la CBS “como La guerra de los mundos, por ejemplo-. Hollywood le ofreció un contrato por 225 mil dólares y el absoluto control creativo junto a un porcentaje en beneficios para producir, dirigir, escribir y actuar en dos películas. Fue la más generosa oferta que jamás se le haya ofrecido a un principiante.

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Orson Welles Después de varios proyectos inacabados, escribió la historia de El ciudadano Kane. Entonces, Welles tenía 25 años de edad y venía del teatro. Desde los 18 años era un exitoso actor con deseos innovadores. En la historia del teatro norteamericano todavía se recuerdan sus originales y complejas escenografías. Una serie de colaboraciones con el director y productor John Housenian lo llevaron al proyecto teatral federal de Nueva York. Su primer gran éxito devino en la puesta en escena de un “Macbeth-vudú”. Aquí, Welles creó un espacio lleno de sombras y contraluces complementado con un repertorio de actores negros que rompió los límites sociales. Welles y Housenian terminaron formando su propia compañía, el teatro Mercury, con el que llegaron a transformar el discurso cultural de la sociedad norteamericana tanto a través de las tablas como de la radio, sobre todo por la original manera de concebir la dirección de actores. Fue un admirador empedernido de la obra literaria de William Shakespeare y Franz Kafka. Entre su filmografía posterior a Kane se pueden citar la producción y dirección de películas como Macbeth (1948), Otello (1952), Touch of Evil (1958), El proceso (1962) y F for Fake (1975). 22

Coda por Kane Todavía hoy no dejo de admirar el uso creativo del sonido como mecanismo de transición de la historia. Y aunque no puedo recordar el nombre de otro actor que no sea Orson Welles, todos resultaron memorables por el virtuosismo del director en su especialidad más genuina: la dirección de actores. Volver sobre su huella, una que otra vez, es propuesta que merece ser vivida porque puede llevar de una vez al camino de las obras maestras.

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The Great Train Robbery (1903)

City Lights (1931)

El director Edwin S. Porter fue uno de los pioneros del cine y con esta película logró un efecto que perduraría por siempre, cuando al final del filme uno de los personajes apunta directamente a la cámara y hace un disparo hacia el público. Tratemos de imaginar el impacto que esto causó en la audiencia de aquella época y más aún, qué tanto se ha usado la idea de romper la barrera imaginaria entre la película y el público, técnica que sigue siendo efectiva.

En el cine de Chaplin podemos encontrar muchos finales icónicos, pero por ahora vamos a quedarnos con el de City Lights, donde una vez más tenemos al famoso vagabundo. Esta vez el vagabundo se enamora de una chica ciega que vende flores en la calle. La película es una muestra más del genio de Chaplin y su sublime final es perfecto. Luego de recuperar la vista, la joven vendedora de flores tiene un encuentro fortuito con su benefactor y descubre que este no era lo que ella imaginaba. La sutileza y la ternura con que Chaplin capta el PA R T E I momento es brillante y las expreH ug o P ag á n S o t o siones de ambos actores valen todo el oro del mundo. iempre se habla del primer paso y de lo duro que suele ser no importa en que nos embarquemos. Romper la inercia no es tarea fácil. Si escribimos, superar la blancura de esa primera página puede causar hasta pavor, si vamos a contar una noticia amarga la primera sílaba nunca aparece y si es Casablanca (1942) el caso de iniciar una película pues la cosa va por la misma vía. Entonces Claro, ¡siempre Casablanca! si las cosas son así con los arranques, Abundar es sobrar. Simplemente ¿qué podemos esperar del final?, la uno de los finales más brillantes, inevitable gravedad que arrastra todo emblemáticos y memorables de la hacía un fin, especialmente en el cine, historia del cine, imitado pero no donde en promedio 120 minutos son igualado. Ver a Rick, Ilsa, Laszlo toda una vida y donde sabemos que y el capitán Renault, todos prepase lo que pase tendremos un final. sas (al igual que el público) de la incertidumbre, es un momento Pues si el inicio de una película es imlegendario que culmina a su vez portante, nos atrevemos a decir que con una de las mejores frases de el final lo es aún más. Con un final la historia del cine “Creo que impactante, emblemático, apoteósico, este es el inicio de una hermosa delirante, podemos de un solo golpe amistad”. enmendar cualquier pequeña falla del

mejores finales de la Los

historia del

cine

The Wizard of Oz (1939) Cuando por fin nos damos cuenta que todas las peripecias que ha pasado la pequeña Dorothy (Judy Garland) forman parte de un largo sueño, nos quedamos tan asombrados como ella. Si nos vamos hasta 1939 podemos catalogar a El Mago de Oz como una de las primeras películas en utilizar el recurso de decirnos: “Todo era un sueño”. Vemos a Dorothy tratando de explicarles a todos lo que ha vivido hasta que culmina con la legendaria frase: “No hay lugar como el hogar”.

trayecto. Pero si el caso es contrario e iniciamos con buen pie, pero al final entregamos una conclusión sin fuerza, la película entera se nos puede ir allá… a donde ustedes están pensando. En este artículo, que hemos decidido dividir en dos partes, vamos a recorrer la historia del cine, buscando esos finales emblemáticos que han llenado de gloria el mundo del celuloide.

a r t i c u l o

It’s a Wonderful Life (1946) Este clásico de Frank Capra ha sido imitado de mil maneras diferentes. El filme se ha convertido con el paso de los años en un referente en la cultura popular y en una de las películas clásicas de la época de Navidad. James Stewart es un empresario que aprende unas cuantas lecciones sobre la vida de la forma más peculiar. Ya hacia el final, Stewart se encuentra abatido y al borde de un puente y En este artículo se revela parte le suplica a Dios por una segunda importante de la historia de las oportunidad. La secuencia que películas. inicia tras esta escena se convierte en un acto de redención, la llegada a casa y el encuentro con su familia para cantar los villancicos es sutil y conmovedora.

NOTA

Yojimbo (1961) La combinación Mifune/Kurosawa debe ser una de las mejores duplas de todos los tiempos entre actor y director. En Yojimbo, Toshiro Mifune interpreta a un Ronin (samurái sin patrón) que vende sus servicios al mejor postor. Cuando llega a un pueblo que se encuentra en medio de una lucha de pandiSunset Boulevard (1950) llas decide solucionar el problema. El final de esta fabulosa película nos deja con el samurái enfrentándose por sí solo a toda una pandilla de villanos y por su puesto con katana en mano los despacha uno por uno, enfunda su espada y se marcha lentamente dejando el pueblo a sus espaldas para seguir su camino

Ladrón de Bicicletas (1948) Una de las películas más conmovedoras de la historia del cine. Desde el inicio nos presenta un drama fuerte y desgarrador, pero nada nos puede preparar para esa secuencia final donde Antonio sucumbe ante la impotencia y se convierte en lo mismo que el repudiaba y lo hace frente a su propio hijo. Ver al niño recoger el sombrero del suelo, limpiarlo, convertirse en la salvación para su padre y luego ver a ambos caminar juntos sin que el padre pueda mirar a su hijo a los ojos, es pura poesía en imágenes.

Billy Wilder es otro que sin mucho afán puede tener en su filmografía un buen grupo de finales inolvidables. En el caso de Sunset Boulevard la palabra es perfección y su final es el punto más alto. Ver a esa Norma Desmond descender las escaleras absorta por completo del mundo real, ensimismada en un pasado que para ella siempre fue presente y escucharla pronunciar la inmortal frase “Sr. DeMille estoy lista para mi close-up” ¿Qué más podemos pedir?

a r t i c u l o

Ordet (1955)

Kiss Me Deadly (1955) Esta película de Robert Aldrich es uno de los film noir más perfectos y reverenciados de todos los tiempos. Podríamos decir que toda la película es un ícono en sí misma, pero su final es abrumador y nos deja una estampa inolvidable. Ver a ese Mike Hammer (Ralph Meeker) tendido en el suelo mientras Cloris Leachman (Christina) abre la misteriosa caja para iniciar la catástrofe. Hammer se repone y logra rescatar a Velda (Maxine Cooper). Ambos logran salir justo a tiempo e impotentes miran desde la playa el infierno que se desata antes sus ojos.

Carl Theodor Dreyer nos lleva más allá de la fe y la religión con esta obra y nos hace reflexionar sobre esos temas tan debatidos y delicados. Johannes es un hombre que está convencido de ser Jesús, su hermano mayor Mikkel rechaza por completo la religión y la esposa de este último (Inger) es lo que podríamos decir el balance entre ambos. Inger muere y en la escena final durante el velatorio Johannes dice que con fe puede traerla de nuevo a la vida. Todos miran atónitos mientras Johannes pronuncia unas palabras e Inger lentamente se reincorpora. Mikkel la abraza y la besa mientras que sus palabras resumen todo el significado de la obra de Dreyer. Un final cargado de simbolismos y con una estética impecable, digno de un verdadero genio. Los 400 Golpes (1959)

En la ópera prima de Francois Truffaut encontramos uno de los más grandes clásicos de todos los tiempos. Su personaje de Antoine Doinel es brillante y carga el filme sobre sus hombros. En la secuencia final, el pequeño Antoine huye sin rumbo, solo sabe que quiere huir de la sociedad y de la realidad que le rodea. Pero en su escapada se topa con un obstáculo mayor, el mar. Corre como queriendo enfrentarlo pero se frena y voltea rápidamente. La cámara lo atrapa y congela su mirada hacia nosotros para la posteridad. The Searchers (1956)

Vertigo (1958) Hablar de Hitchcock es hablar de pesos pesados. Con un estilo único, este maestro del cine se aseguró su espacio para siempre en la historia del cine. En Vertigo encontramos una de sus obras más impecables. Después de sacudirnos con unos cuantos giros, el Sr. Hitchcock nos pone en el tope de un campanario junto a James Stewart y Kim Novak solo para hacernos testigos del triste final de Novak. La aparición de una misteriosa silueta rompe la escena y a su vez hace caer al vacío a la bella Kim. 26

El western de westerns, o más bien algo así como el King Kong de los westerns. Sea como sea, esta película de John Ford es arquetípica y referencial. Su final se puede decir que se divide en dos: Primero el final de la búsqueda, cuando Ethan (John Wayne) encuentra a su sobrina Debbie (Natalie Wood) que había sido secuestrada por una banda de indios pero se da cuenta que ahora Debbie es una de “ellos”, devastado Ethan se dispone a matar a su sobrina pero no lo logra y termina por aceptarla y regresarla a casa. En segundo lugar tenemos el final definitivo, Ethan de vuelta en casa la familia, se reencuentra la cámara, los capta a todos desde adentro de la casa a través del marco de la puerta, todos entran pero Ethan permanece afuera. Mira hacia adentro pero da media vuelta y comienza a caminar hacia la nada mientras la puerta se cierra tras él ¡De leyenda!

a r t i c u l o

Conociendo a Dominique Télémaque

ominique Télémaque es un cineasta haitiano nacido el 12 de febrero de 1986 en Puerto Príncipe, Haití. Es realizador, productor, actor y guionista. Siendo estudiante de ingeniería de sistemas en la Universidad APEC de Santo Domingo, República Dominicana, le solicitaron para participar en actividades de teatro de esta entidad y tras una rigurosa evaluación, se convirtió en el único haitiano en el grupo teatral de esa universidad. Su profesor, José Manuel Rodríguez, fue el responsable de alentar su talento. Es en ese contexto que se desarrolla su interés por este arte y comienzan sus experiencias de teatro, logrando premios como Mejor Actor en la 15 y 16 entrega de Quintana de Oro de la Universidad APEC en 2007 y 2008.

Mientras compartía sus estudios en ingeniería de sistemas con su perfeccionamiento teatral, lo contactaron para participar en una serie televisiva “Relatos” y es por esa vía que empiezan sus primeros aprendizajes de cine. Su interés se mueve del teatro al cine y empieza a estudiarlo descubriendo que el 7mo Arte es su verdadera pasión. Es en 2010 que Dominique emprende sus primeros estudios de realización en varias instituciones; Enfoque, ITLA, Cyber Park Film School, GCFILMS y IMVAL (España). Estudia todo lo relacionado con el cine: realización, fotografía, el montaje, escritura de guiones, etc. Es en el transcurso de los estudios que con un grupo de jóvenes estudiantes haitianos, Dominique forma su compañía de producciones, Alfamega Productions, con la cual realiza su primer cortometraje, “Gotas de esperanza”. Éste recibió el primer premio en la 6ta edición del Concurso de cortometraje Guilbaud y Widmaier en Haití en 2011. En este mismo año, realiza su 2do proyecto comorealizador, “Delecha”, en el que figura también como actor. Ganó el concurso “Minutos anticorrupción” organizado por Acento y Participación Ciudadana 28

en colaboración con el Centro León, OXFAM y la Unión Europea en la República Dominicana. Estos premios le hacen sentirse más confiado en su talento y eso hace que Dominique asuma con mayor responsabilidad el oficio de hacer cine y empieza a orientarse por el cine de conciencia social abordando temas como el de las relaciones de Haití y República Dominicana. Realiza “No creo que somos iguales” que en 2012 gana el primer premio del Concurso de Videos Ciudadanía y Derechos, sustentado por la Unión Europea. Ese mismo año la Asociación de Cineastas Haitianos, en colaboración con el Instituto Francés de Haití y la Embajada de Brasil lanzaron la 7ma edición del Concurso Guilbaud y Widmaier que tenía como tema “Un deseo para Haití”, en el cual gana el primer lugar con el cortometraje “5 minutos para mi país” Este cortometraje gana también el Premio del Público y una mención de honor del jurado en el Festival de cortometrajes «Imágenes por tolerancia organizado por el Alto Comisionado de las Naciones Unidas para los refugiados (ACNUR)». Para este último, Dominique presenta también el cortometraje, «Nuestra relación», el cual comparte el primer lugar con el joven cineasta dominicano Luis Lora (Así es mi barrio) en el mes de mayo 2013. La versión en español del cortometraje «5 minutos para país « gana de nuevo el primer premio como Mejor Cortometraje y el primer premio como Mejor Guión en el 7mo. Festival Internacional de cortometrajes UASD, en mayo de 2013. Con estas producciones conmovedoras y su involucramiento constante con la comunidad haitiana residente en la República Dominicana, Télémaque es honrado por su labor destacada en el cine en la primera edición del los Premios Diáspora organizados por la Fundación Zile del ex ministro Edwin Paraison. En la actualidad Dominique prepara distintos proyectos que junto con lo hecho hasta ahora lo convierten en uno de los cineastas más prometedores de Haití.

a r t i c u l o

Filmografía CORTOMETRAJES: Gotas de Esperanza Director y productor. Ganador del 1er Lugar en la 6ta edición del Festival de cortometrajes Guilbaud & Widmaier, Haíti, Diciembre 2011. Delecha Director, productor y actor. Ganador del 1er Lugar en el Festival “Minuto Anticorrupción, República Dominicana. Diciembre 2011. No creo que somos iguales Director, productor. Ganador del 1er Lugar en el concurso de videoclips «Ciudadanía y Derechos» lanzado por la Unión Europea. Nuestra relación Director y guionista. Ganador del 1er Lugar en el Festival de Cortometrajes “Imágenes por la Tolerancia” organizado por la alta Comisión de las Naciones Unidas para los refugiados (ACNURR). Enero 2013. 5 Minutos para mi país Director, productor y guionista. Ganador del 1er Lugar en la 7ma edición del Festival Guilbaud & Widmaier, Haíti, 2012. Ganador del Premio del Público y Mención de honor en los premios «Imágenes por la Tolerancia», República Dominicana, 2013. Ganador en la categoría de Mejor Dirección y Mejor Guión en el 7mo Festival Internacional de cortometrajes, UASD, Mayo 2013.

Rodaje crew corto, “Nuestra relación”.

LARGOMETRAJES (como actor): El rey de Najayo Director: Fernando Báez Mella, Dominique Télémaque, Actor “El pescador”, 2012. El hoyo del diablo Director: Francis Disla, Dominique Télémaque, Actor “El haitiano”, 2012 Al sur de la inocencia Director: Héctor M. Valdez, Dominique Télémaque, Actor, “Willy”, 2013. Todos sus cortos están disponibles en youtube

e n t r e v i s t a

HENRY CAVILL JORGE CAMARA

Hollywood,

CA.- El hecho de que Superman y sus hazañas han sido llevadas a la pantalla en incontables ocasiones, no quiere decir que Hollywood no trate de filmarlas de nuevo, especialmente después de ver las extraordinarias recaudaciones en taquilla de producciones sobre otros superhéroes como Batman o Iron Man.

británicas antes de debutar en el cine americano en 2011, en un pequeño papel en la película de Woody Allen, Whatever Works.

Y estudios de mercado han demostrado que, a pesar de la existencia de DVDs, las nuevas generaciones de cinéfilos parecen no tener idea de quien fue Christopher Reeves, o de la popular franquicia de 1978 a 1987, durante la que encarnara al celebrado personaje en cuatro cintas. ¿Y quién se acuerda de Superman Returns estrenada en 2006 con Brandon Routh dirigido por Bryan Singer?

JORGE CAMARA: Organizaciones cristianas están promoviendo la película comparando a Superman con Jesucristo. ¿Qué piensas tú de eso?

Todo esto ha quedado ampliamente demostrado con el exitoso estreno de Man of Steel, la nueva cinta sobre el hombre de acero, que si no ha dejado satisfechos a los críticos, si parece haber complacido al gran público. Si su director, Zack (300, Watchmen) Snyder, ha sido acusado de prestar más atención a las secuencias de acción que al drama de la historia, su estrella, Henry Cavill, quien ha recibido prácticamente unánimes alabanzas por su sensitiva interpretación del superhombre. Nacido el 5 de mayo de 1983 en Inglaterra, Henry William Dalgliesh Cavill, trabajó como actor desde la edad de 19 años en múltiples producciones de televisión 30

Ahora, este joven actor, con quien conversamos recientemente, se perfila como la nueva gran estrella masculina del momento.

HENRY CAVILL: Yo nunca pensé, soy Cristo de manera que tengo que arreglar esto o lo otro. Únicamente interpreté a este personaje de acuerdo al guión. En lo único que me enfoqué fue en la jornada del personaje y su perspectiva. J.C.: Es irónico que siendo inglés estás interpretando a un personaje que, aunque viene de otro planeta, es icónicamente americano. H.C.: Es cierto, pero algo que me alegra es que el mundo está comprendiendo la función de un actor, y que aunque soy británico estoy interpretando a un hombre muy vulnerable que viene del planeta Krypton. Tal vez un actor del planeta Krypton hubiera sido más aceptable para encarnar a Superman. Pero me encanta que finalmente se entienda que un actor es un actor y puede interpretar a cualquier personaje.

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J.C.: Muchos desafíos existen en la encarnación de Superman, y uno de ellos es tener que llevar el traje tradicional. Oímos que tuviste problemas para ir al baño. H.C.: Este es un tema sensitivo (ríe). Hicieron como 15 trajes y, sí, recuerdo que ir al baño fue una lucha. Tenía que esperar entre toma y toma. Le preguntaba al asistente, cuánto tiempo tengo antes de la próxima toma, y me decía, 5 minutos. De manera que tenía que correr a mi camerino, ir al baño, y regresar a tiempo para la próxima toma. Mientras filmamos en Chicago no importaba cuanta agua tomaba porque estábamos a mediados del verano, hacía mucho calor, y sudaba mucho. Pero cuando filmamos en Vancouver solamente podía tomar una botella de agua al día, y después, cuando llegaba a casa, tomaba y tomaba agua para poder rehidratarme. J.C.: También tuviste que entrenarte para darle a tu personaje un cuerpo más muscular que el de previos Supermans. H.C.:Bueno, Christopher Reeve no tuvo a Mark Twight o a Mike Blevins del gimnasio Jones, que son tipos muy especiales. Están muy dedicados a lo que hacen y entienden el conocimiento y la ciencia del entrenamiento y su evolución. Yo estaba decidido física y mentalmente a representar al personaje de la mejor manera posible, que en la tira cómica es muy muscular. Y Zack quería lo mismo. El proceso del entrenamiento fue muy largo, lo hicimos por once meses, y cambiaba radicalmente dependiendo en lo que teníamos que hacer. Si no te entrenas de la manera correcta no vas a lograr los beneficios y te puedes dañar. Después, en la alimentación, subimos a 5 mil calorías diarias levantando pesas. Previamente me entrené entre hora y media y dos horas diarias, y durante el rodaje entre hora y hora y media.

“Tal vez un actor del planeta Krypton hubiera sido más aceptable para encarnar a Superman.”

J.C.: Entiendo que prácticamente todas las secuencias de acción fueron filmadas con efectos especiales. H.C.: Efectivamente. Para mí fue un nuevo estilo de filmar escenas de acción. Normalmente estaba acostumbrado a hacer una serie de movimientos complejos que filmábamos tan pronto los aprendíamos. Para esta película tuvimos que aprender la coreografía por mucho tiempo, y luego separábamos los movimientos en tres bloques, y parábamos, porque entonces movían la cámara y las luces, y entraban los efectos especiales El jefe de los efectos especiales hizo un trabajo excelente modelando nuestros cuerpos y nuestros movimientos. J.C.: ¿Es cierto que de niño, en la escuela, te llamaban el gordo Cavill? ¿Qué opinas ahora de eso? ¿Lo resientes? H.C.: Si es cierto. En la escuela me llamaban el gordo Cavill, precisamente porque era gordo y mi nombre es Cavill. ¿Ha cambiado la percepción que tengo de mi mismo después de hacer esta película y estar en forma? Definitivamente, me ha dado una perspectiva diferente de la que estoy muy agradecido. Los niños son niños y pueden ser crueles, a esa edad están tratando de encontrar su posición 31

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en la escala social. No tengo resentimientos. Los que me ayudaron fueron mis padres, que son maravillosos, y me dijeron, haz lo que quieras, pero hazlo correctamente, y mantente humilde y agradecido. Y mis hermanos, que me atacaban tan pronto dejaba de ser humilde. J.C.: Dos de tus hermanos son soldados decorados por su servicio en la guerra. ¿Son ellos tus héroes? Háblanos un poco más sobre tu familia. H.C.: Antes que nada, cada miembro de mi familia es mi héroe. Mi madre es mi heroína. Mi padre y mis cuatro hermanos son mis héroes. Ellos me han moldeado con amor y cariño, a veces con amor duro, y a veces con amor muy duro, de lo que estoy muy agradecido. Peleábamos como perros y gatos, pero una de las reglas que teníamos era de nunca golpearnos en la cara. Creándonos reglas de niños es una manera muy buena de crecer porque te enseña que tus actos tienen consecuencias. J.C.: Christian Bale como Batman y Andrew Garfield como Spiderman, son británicos como tú. ¿Que tienen los actores británicos que los americanos no tienen? 32

H.C.: No creo que los actores británicos tengan algo que los americanos no tienen. Yo creo que cuando se trata de Christian Bale, Andrew Garfield, o de mí, lo que tenemos es la edad correcta, la experiencia necesaria y complementamos la visión que el director tiene de los personajes. No tiene nada que ver con que los actores británicos sean mejores que los americanos. J.C.: Sea como fuera tu futuro en el cine está asegurado. Ya se ha anunciado que vas a filmar Man of Steel 2, de nuevo con Zack Snyder como director, y también, reemplazando a Tom Cruise, estelarizarás, la versión para la pantalla grande de la que fuera una muy popular serie de televisión, The Man from U.N.C.L.E. H.C.:: Si, ya firmé para hacer The Man from U.N.C.L.E, y estoy muy emocionado de poder trabajar con Guy Ritchie y Armie Hammer. Yo tengo el papel de Napoleón Solo, y Armie el de Illya Kuryakin. No puedo darte muchos detalles de la historia porque el guión todavía está siendo desarrollado, pero tiene lugar durante la Guerra Fría, con súper espías americanos y rusos que se unen para combatir el terrorismo internacional.

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Recordando a

Sarita

Montiel B rand o H idalg o

â&#x20AC;&#x153;Mi mayor virtud fue saber rodearme de gente inteligente y quedarme callada, escuchando y aprendiendoâ&#x20AC;?. Sara Montiel, Memorias 34

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Hermosa, seductora y fascinante, Sarita Montiel fue el ícono más representativo de España durante medio siglo. Nunca fue una actriz dramática de renombre al estilo Bette Davis, Ingrid Bergman o María Félix, pero su presencia en la pantalla tenía un encanto sin igual que la convirtieron en la Diva, en la gran estrella del cine y la canción que fue. Primera Etapa: España 1944-1950. El realizador húngaro Ladislao Vajda (Marcelino Pan y Vino), radicado en España tras la Segunda Guerra Mundial, ofrece a la joven María Antonia su primer papel en el cine a los 16 años, tras ganar un concurso de belleza, en la cinta Te quiero para mí (1944). De aquí María Antonia pasaría a llamarse Sarita Montiel y rodaría en seguida sus tres primeras películas junto al excelente Fernando Fernán Gómez: Empezó en Boda (Rafael Matarazzo, 1944), una fábula de dos jóvenes de clase media recién casados y felices hasta que la madre de ella se instala en la casa y se arma el berenjenal; la comedia Se le fue el novio (Julio Salvador, 1945) donde la joven Sara trata desesperadamente de legalizar su situación antes de que su prometido se embarque para Australia; y finalmente la exótica Bambú, dirigida por José Luis Sáenz de Heredia en 1945, junto a su admirada actriz Imperio Argentina. Se trataba de una simpática historia de dos compañeros de armas destacados en misión en Cuba, que se disputan el amor de una mestiza vendedora de frutas llamada Bambú. La joven actriz continuaría su carrera con papeles menores en El misterioso viajero del Clipper, de Gonzalo Delgras en 1945, Por El Gran Premio del francés Pierre Caron en 1946; la versión de Alhucemas, drama bélico ambientado en Ceuta dirigido por José López Rubio en 1947, junto a Francisco Rabal y Tony Leblanc, y dos películas dirigidas por Jerónimo Mihura ese mismo año: Confidencia y Vidas Confusas. Pero antes había rodado para José Luis Sáenz de Heredia la excelente Mariona Rebull. El escritor barcelonés Ignacio Agustí publicó cinco novelas a lo largo de casi tres décadas en torno a la saga de la familia catalana Rius, de las cuales Sáenz de Heredia adaptó los dos primeros volúmenes, Mariona Rebull, de 1944, y El Viudo Rius, de 1945, en la película que nos ocupa. La cinta es una intensa crónica de una familia burguesa industrial del área textil, con una carga dramática bien distribuida que incluye atentados terroristas y sucesos como la llamada “Semana Trágica” de Barcelona. El cineasta logra a nuestro juicio, a pesar de su notoria apología del patrón frente al obrero, un retrato muy bien logrado de la sociedad catalana desde fines del siglo XIX

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hasta el final de la Guerra Civil. Blanca de Silos daba vida a Mariona Rebull, hija de un rico joyero con la que se casa Joaquín Rius (José María Seoane), mientras que Sarita Montiel interpretaba a la hermosa prostituta de lujo Lula, de la que se enamoraba el joven empresario en la segunda parte de la historia. El destacado crítico español Emilio Sanz de Soto reseñaba en 1984 que Mariona Rebull probablemente era la cinta mejor realizada por Sáenz de Heredia: ’’De factura impecable. En algunos momentos consigue una vibración humana superior a la novela de Ignacio Agustí sobre la que está basada. No hay en ella afectación alguna, los personajes se imponen a su propia realidad y en su propio entorno… Virtud que revela en todo momento la humanidad de su realizador’’ Sarita volvería a trabajar con Sáenz de Heredia y Fernando Fernán Gómez en la popular cinta de misioneros religiosos en la India La Mies es Mucha (1948). Declarada de Interés Nacional y Premio del Sindicato, tuvo un éxito sin igual por su visión humanista de los abnegados misioneros religiosos, reponiéndose por años en todos los pueblos de España. Con apenas 19 años logra un papel destacado como la sobrina del caballero andante en la versión del Don Quijote de la Mancha de Rafael Gil, junto a Fernando Rey, Juan Calvo y Rafael Rivelles como Don Quijote. Se trataba de la primera versión sonora del clásico realizada en España, que fue recibida en su estreno en marzo de 1948 con críticas dispares, como las de los diarios madrileños ABC y Ya, que destacaban “la nobleza del propósito y la inteligencia de la realización” , pero echaban en falta el espíritu del libro y “una sensación de vacío y frialdad en lo que está ocurriendo en la pantalla”; mientras que escritores importantes como Jardiel Poncela y Wenceslao Fernández Flores la elogiaron con gran entusiasmo. En nuestra opinión, 65 años luego de su primera proyección, nos parece una estupenda versión fílmica de la novela de Cervantes, muy bien interpretada y sobretodo bien caracterizados los personajes, con una ambientación de primera –inolvidables las aventuras narradas en el trasfondo de los paisajes de Castilla La Mancha, especialmente el episodio de la lucha contra los molinos de viento- y una narración fluida y amena. En resumen, una excelente película que debería ser proyectada a estudiantes de todas las edades como ejemplo singular de la relación cine-literatura. El aclamado cineasta español Juan de Orduña ofrece a Sarita Montiel en 1948 el papel de la mora infiel Aldara, 35

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en aquel exitoso drama histórico de celos, desamores e intrigas palaciegas llamado Locura de Amor: Al morir la Reina Isabel La Católica todos conspiran por encerrar por ‘’loca’’ a la princesa Juana (Aurora Batista)- su marido, el Rey Felipe (Fernando Rey), amante de Aldara, quien a su vez desea al fiel confidente de la reina, Don Álvaro de Estúñiga (Jorge Mistral). Locura de Amor formaba parte de ese grupo de películas de época –Agustina de Aragón, La Leona de Castilla, Alba de América, entre otras-, que intentaban reescribir la historia de España desde una perspectiva nacionalista, destacando valores como la unidad del país, la reafirmación del sentimiento católico o la exaltación del régimen militar como medio de asegurar la paz nacional, todo ello concebido como una apropiada alegoría en defensa y justificación del régimen franquista. Por supuesto, la cinta ganó los premios del Sindicato del Espectáculo a la Mejor Película y Mejor Actriz (Aurora Batista) ese año. El destacado realizador Vicente Aranda retomaría este argumento en su versión de Juana La Loca del 2001. Juan de Orduña volvería a dirigir a la Montiel al año siguiente en otra cinta clave de los cuarenta, Pequeñeces, en el papel de la amante francesa de Jorge Mistral y de nuevo junto a Aurora Batista. El guión de la cinta estaba basado en la novela homónima de un sacerdote jesuita y por ello se benefició de un enorme presupuesto para la época. Logró superar la férrea censura franquista al mostrar en pantalla un doble adulterio porque al final los responsables eran castigados por su inconducta. Concluye su primera etapa en España con el rodaje de El Capitán Veneno, dirigida por Luis Marquina en 1950. Según la novela homónima de Pedro Antonio de Alarcón y en una brillante adaptación de Wenceslao Fernández Flores, sigue siendo para nosotros una de las mejores comedias de los años 50. Sarita Montiel era la hermosa Angustias, hija de un general Carlista que, durante la revuelta contra la Reina Isabel II en 1848, recoge y lleva

Sarita Montiel y Gary Cooper en Veracruz.

a su casa al herido Capitán Jorge de Córdova, llamado ‘’Veneno’’ por su desprecio a las mujeres y su mal carácter (Fernando Fernán Gómez en la genial quinta y última cinta que protagonizara junto a la Montiel). Diálogos formidables, ironía y humor negro a granel, situaciones hilarantes en todo momento y una dirección muy fluida de Luis Marquina, fue la mejor de las tres versiones de la popular historia (antes la interpretaron Luis Sandrini en Argentina en 1943 y Pedro Armendáriz en México en 1944). En una próxima entrega retomaremos la carrera de Sara Montiel en su segunda etapa en México (1950-1957), donde rodaría trece películas, entre las cuales destacamos tres con el ídolo Pedro Infante: Necesito Dinero, Ahí viene Martin Corona, y El Enamorado, todas de 1951; Cárcel de Mujeres, de Miguel M. Delgado, junto a Katy Jurado y Miroslava; Piel Canela y Reportaje, ambas de 1953, y Ella, Lucifer y Yo (1952) de Miguel Morayta. Quedan pendientes también por recordar las tres cintas que protagonizó en los Estados Unidos: la inolvidable Veracruz (1954), con Gary Cooper y Burt Lancaster, Serenata (1956), dirigida por su esposo durante siete años Anthony Mann, junto a Mario Lanza, Joan Fontaine y Vincent Price; y la excelente Yuma o El Vuelo de la Flecha, junto a Rod Steiger y Charles Bronson, dirigidos por Samuel Fuller en 1957. Finalmente, el éxito de una gran estrella a su regreso a España en 1957, dando inicio a su tercera etapa con la proyección de El Ultimo Cuplé, que permaneció durante más de un año en cartelera en Madrid y Ciudad México. Faltan muchos títulos –La Violetera, Carmen la de Ronda, Pecado de Amor, La Bella Lola, Mi Último Tango, Noches de Casablanca, La Dama de Beirut, La Mujer Perdida, Samba, etc.- que por falta de espacio quedarán pendientes para una próxima entrega.

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Sarita Montiel y Arturo Rodríguez Fernández en una foto histórica de los años setenta en República Dominicana.

Vera Cruz Sarita Montiel.

Sarita Montiel y James Dean en una foto insólita.

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Guillermo Arriaga R ub é n P eralta R igaud

Babel fue el trabajo que culminó con lo que tanto Arriaga como Iñárritu definieron como una trilogía de cintas que abordaron el tema de la muerte. 38

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uillermo Arriaga Jordán nació en la Ciudad de México el 13 de marzo de 1958. Creció en un barrio tranquilo y estudió Ciencias de la Comunicación con una maestría en Historia. Antes de dedicarse a escribir, probó suerte en varios deportes, como el box, el básquetbol y el fútbol. Como dato interesante, Arriaga perdió el sentido del olfato como consecuencia de una brutal pelea callejera. Su incursión al mundo de la ficción lo hizo con la novela “Escuadrón Guillotina”, que publicó en 1991. Tres años más tarde editó “Un dulce olor a muerte”, que fue llevada al cine en 1999 por Gabriel Retes. Descontento por el resultado del filme, se hizo el propósito de que si otra historia o novela suya había de filmarse, él haría el guión cinematográfico. Así, su novela “El búfalo de la noche”, originalmente publicada en 1999, fue adaptada al cine por su propia pluma en 2007 –y protagonizada por Diego Luna. Fue en la Universidad en donde conoció a su futuro colega, Alejandro González Iñárritu. Con su compatriota compartió muchos éxitos cinematográficos, aunque parecían un dúo inseparable, hace tiempo que rompieron relaciones laborales y personales. Junto con el director mexicano dio vida a un guión que les cambiaría la vida a ambos. Arriaga comenzó a escribir Amores perros luego de tener un accidente de automóvil muy fuerte en la carretera. Dos historias que quería contar encontraron una salida novelística a través de un accidente. El resultado lo vimos reflejado en la cinta dirigida por González Iñárritu y protagonizada por Gael García Bernal en el año 2000. Amores perros obtuvo una nominación al Oscar, así como un Premio BAFTA y el premio de los jóvenes críticos en el Festival de Cannes, entre otros varios reconocimientos. De este éxito rotundo

se desprendieron nuevas y mejores oportunidades para Arriaga e Iñárritu, quienes de filmar en su país natal, dieron el salto a la industria de Hollywood. La siguiente obra cinematográfica de Guillermo fue 21 Gramos, dirigida de nuevo por Iñárritu y protagonizado por figuras de la talla de Benicio Del Toro, Naomi Watts y Sean Pean. La cinta de 2003 le valió tanto al actor puertorriqueño como a Watts, una nominación al Oscar por sus respectivas interpretaciones. En los BAFTA, Arriaga fue nominado en la categoría de Mejor Guión Original. Babel fue el trabajo que culminó con lo que tanto Arriaga como Iñárritu definieron como una trilogía de cintas que abordaron el tema de la muerte. La película de 2006, estelarizada por Brad Pitt, Cate Blanchett y los mexicanos Adriana Barraza y Gael García, obtuvo un Golden Globe como Mejor Película y fue nominada a siete Premios Oscar. Fue aquí cuando surgieron las fricciones entre el escritor y el director. En ese momento incluso se dijo que Iñárritu le prohibió a Arriaga asistir a la proyección en Cannes de Babel. Tras esta controversia, sus caminos siguieron por separado. Los trabajos posteriores de Guillermo Arriaga incluyen la historia del cortometraje ‘La Hora Cero’, el guión y la dirección de The Burning Plan y Words with Gods, que aún se está filmando. Guillermo Arriaga fue galardonado con el premio al mejor guión del Festival de Cannes en el 2005, por la película Los tres entierros de Melquiades Estrada dirigida por Tommy Lee Jones. Como escritor, ha publicado novelas como “Un dulce olor a muerte” (en la que aparece ya el personaje Melquiades Estrada) y “El búfalo de la noche”. 39

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e s p e c i a l

Fundación Budista Tzu Chi de Taiwán en Rep. Dominicana

onde hayan desastres, aparecerán los voluntarios de la Fundación Budista Tzu Chi, sin importar la religión ni la nacionalidad. Los voluntarios uniformados en camisa azul, pantalones blancos, ofrecen ayuda directamente a los damnificados. En el año 1998, como consecuencia del desastre originado por el terrible huracán George, miembros de la Fundación Tzu Chi, provenientes de los Estados Unidos de América, se desplazaron de inmediato a la República Dominicana, con el propósito de poder evaluar los daños ocasionados, y poder desarrollar un plan de socorro para los damnificados. Esta dramática situación, significó el primer contacto de la fundación con el sufrido país caribeño. Posteriormente, en el mes de febrero de 1999, se instalaría por primera vez en Santo Domingo, la Oficina de Tzu Chi en República Dominicana.

diferente, en cuya superficie existe un moderno centro educativo, en donde se imparten clases de educación inicial, básica y media; y en horario nocturno, también para adultos. Haciendo posible, que los habitantes del respectivo sector, se puedan formar, sin importar su edad, tanto niños, como jóvenes y adultos; y adquirir unos conocimientos que les permitan mejorar su nivel de vida, y por ende, estimular el desarrollo de su comunidad. En condiciones de miseria y de pobreza extrema, con niveles educativos y culturales muy bajos, además de tener que afrontar innumerables problemas, resulta imposible poder disfrutar de una vida digna, lo que en múltiples ocasiones degenera en situaciones de violencia doméstica y de abuso. Por medio de la educación, la Fundación Tzu Chi pretende transmitir valores tan importantes para la convivencia social, como son el respeto, la tolerancia, la solidaridad y el cuidado del medio ambiente; que ayuden a las personas que habitan en estos sectores a mejorar sus relaciones intrafamiliares y también con el resto de la comunidad, al mismo tiempo que se espera que con sus nuevos conocimientos adquiridos dispongan de mayor facilidad para conseguir empleo o crear sus propios negocios, para obtener una vida más digna, y en este sentido ayudar a mejorar y desarrollar su propia comunidad.

Desde ese momento, hasta la actualidad, ya 14 años, la Fundación ha venido trabajando, en diferentes proyectos de ayuda y apoyo a las comunidades más desfavorecidas, destacando principalmente el Proyecto Educativo de La Romana, concretamente en el Sector Juan Pablo Duarte de esa comunidad. Lo que en un principio era un vertedero de basuras, hoy se ha convertido en un lugar completamente

Cada año, la Fundación desarrolla diversas actividades de apoyo, tales como la donación de uniformes y útiles escolares, ceremonias de graduación, y de reconocimiento para estudiantes meritorios, operativos médicos, programas de reciclaje y cuidado del medio ambiente, programas de solidaridad con otros pueblos, 4.

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1. Visita a la Casa Rosada, los niños haciendo tarjetas de Navidad para los ancianos, y los cuales fueron entregados por los voluntarios. 2. El anciano que vive en el hogar que visita los voluntarios, mirando la tarjeta con mucha alegría. 3. Centro Digital del Operativo Médico en La Romana, donde la beneficiada agradece a Dios por la visita de Tzu Chi. 3.

4. Los graduados de la Escuela Tzu Chi brindando té a los representantes de padres, maestros y voluntarios. 5. Graduación Escuela Tzu Chi. 6. Centro Digital de la Escuela Tzu Chi. 6.

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7. 7. Donación de uniforme Escuela Tzu Chi.

talleres de entrenamiento pedagógico para profesores; sin dejar de lado, todos los operativos que se realizan cuando acontece un desastre natural, a causa de huracanes, inundaciones, terremotos, etc., en donde los voluntarios inmediatamente se desplazan a las zonas afectadas, proveyendo de las ayudas necesarias a todos los damnificados: alimentos, frazadas, colchones, ropa, medicinas. Con el proyecto de la escuela de La Romana, que cuenta con una participación de 1,300 estudiantes en el horario diurno, y de 700 en el horario nocturno, en los niveles inicial y básico respectivamente; además de los 120 estudiantes adultos, en el programa sabatino “Tzu Chi Prepara”, de nivel medio, la Fundación ha conseguido, por medio de la educación, transformar de manera exitosa un área en condiciones infrahumanas, por otra, totalmente diferente, 42

con grandes expectativas. Lo que antes era un basurero, hoy es una próspera comunidad, con un gran futuro por delante. Además de la Escuela Tzu Chi en La Romana, la Fundación también realizan visitas a los hogares de huérfanos, asilo de ancianos, Casa Rosada, ofrecen charlas de concientización del medio ambiente, etc. A través de la educación, se consigue que las personas puedan mejorar sus relaciones entre sí y para con los demás, estimulando valores que facilitan la convivencia social, y permite también lograr niveles de vida más dignas y justas. Con la educación, se posibilita un mundo más equitativo y solidario, y respetuoso con el medio ambiente. La Fundación Tzu Chi busca estimular el amor de cada uno dentro de su corazón. Con el amor se logra un mundo mejor.

Por solo RD$200.00 podrás obtener el libro “TAIWAN: 12 CINEASTAS RUMBO A LA EXCELENCIA” del Sr. Luis Beiro. Lo que se recolecte será donado a esta gran Fundación Tzu Chi, para que continúe haciendo este excelente trabajo para nuestro país. Para mayor información de como adquirir este valioso libro y aportar a tan gran obra, nos pueden contactar en:

revistacineasta@gmail.com Twitter @revistacineasta 809-565-9599 ext. 110 Y a través de nuestros aliados: Cinemaforum y Cocalecas

n o t i c i a s

Concurso de Fotografía Digital,

“Descubre Una Locación Para Cine”

unio 5, 2013. La Dirección General de Cine, hizo entrega de los premios a los ganadores del 1er concurso digital, “DESCUBRE UNA LOCACION PARA CINE”, acto que se llevó a cabo en la sede de la institución en la Cayetano Rodríguez, #154, Gazcue. La selección de los portafolios ganadores, compuestos de tres fotografías cada uno, fue realizada por tres artistas profesionales de la fotografía dominicana, los señores Domingo Batista, artista y fotógrafo galardonado por el Ministerio de Cultura como “Activo Cultural de la Nación 2012” en reconocimiento a su trayectoria y ardua labor promoviendo el desarrollo y enriquecimiento del arte fotográfico. Ha obtenido más de 30 premios nacionales e internacionales entre ellos el Primer Premio de Fotografía en la XV Bienal de Bellas Artes. Kutty Reyes, artista plástico, profesor de la Universidad Iberoamericana (UNIBE) de la Carrera de Diseño, Fotografía, Dibujo y Caricatura, también reconocido artista, fotógrafo y publicista. Dentro de sus principales exposiciones colectivas presentadas se encuentran: “Conociendo los Artistas de Unibe 2004, 2005, 2006, 2007, 2008, 2009, 2010”. Pedro Genaro, Administrador de Empresas y artista fotográfico. En el 2007 es galardonado con el premio Arroba de Oro, por su Fotoblog “Crónicas de los minutos que ya pasaron”. Sus fotografías han sido utilizadas como imágenes en calendarios de importantes 44

empresas del país. También formó parte del jurado, el cineasta dominicano Juan Basanta, reconocido Director de cine dominicano, graduado de la primera promoción de la Escuela Internacional de Cine y Televisión de San Antonio de los Baños, en Cuba y quien acaba de finalizar su ópera prima, el largometraje Biodegradable, el cual estará pronto estará en las salas de cine de nuestro país. El Jurado seleccionó cinco menciones especiales: Nombre

Seudónimo

Portafolio

Quilvio Cabral Achécar

Cincoespuelas

Montecristi

Antonio Manuel González

Juan Salvador

Casona de Cirilo

Raymundo Garrido Abreu

Killan

Playa El Valle

Erick Severo Rivera Vargas

ESRV

Refugio de una dictadura

Carlos J. Yunén

Maximus

Lago y alrededores Presa Hatillo

Con un escrutinio profesional para la selección y elección de los cinco principales premios por parte del Jurado, fueron escogidos los siguientes portafolios: Lugar

Nombre (seudónimo)

Monto

1er

Leandro Montes García (TIBET).

$60,000.

2do

Antonio Manuel González (JUAN SALVADOR).

$50,000.

3er

Félix Sepúlveda (SEBASTIÁN).

$40,000.

4to

Máximo Darío Contreras Peña (IMITADOR).

$30,000.

5to

José Miguel Ángeles (GEOVIDA)

$20,000.

La Dirección General de Cine, organizó este concurso de fotografía digital, “DESCUBRE UNA LOCACION DE CINE”, con el objetivo de agregar a su base de datos nuevas imágenes de locaciones para cine que se utilizarán para la promoción y difusión de las mil y una locaciones que como eslogan se ha utilizado en los diferentes festivales en que la República Dominicana ha hecho

n o t i c i a s

presencia, así como también la edición del libro de locaciones que será editado próximamente. La DGCINE, al cierre de este evento anunció que en poco tiempo convocará a otro concurso de fotografía digital con énfasis en locaciones urbanas y de interior.

a r t i c u l o

Gina Lollobrigida

Carole Bouquet

Carole Lombard

Catherine Zeta Jones

Ann Margret

mujeres hermosas del cine

Hacer un listado sobre las 50 mujeres más bellas de la pantalla grande no es tarea fácil. Físico, gustos, inteligencia, hasta la misma carrera de la actriz influye al momento de hacer el listado final. A medida de que vayan viendo las fotos, quizás dirán que faltaron muchas.

Charlize Theron

Audrey Hepburn

Farrah Fawcett

Claudia Cardinale

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Deborah Kerr

Gene Tierney

Elizabeth Taylor

Grace Kelly

Angelina Jolie

Greta Garbo

Ginger Rogers

Hedy Lamarr

Halle Berry

Ava Gardner

a r t i c u l o

Helen Hunt

Janet Leigh

Jennifer Jones.

Julia Roberts

Ingrid Bergman

Jane Russell

Meg Ryan

Bridget Bardot

Katherine Hepburn

Catherine Deneuve

Joan Collins

a r t i c u l o

Lana Turner

Maureen O’Hara

Joan Fontaine

Naomi Watts

Lauren Bacall

Natalie Portman

Queremos que ustedes nos ayuden a hacer un listado sobre quienes consideran que debió estar, y así haremos el listado de las mujeres más hermosas según nuestros lectores.

Olivia de Haviland

Marilyn Monroe

Michelle Pfeiffer

Natalie Wood

a r t i c u l o

Veronica Lake

Jennifer Connelly

Rita Hayworth

Sophia Loren

Vivien Leigh

Mientras, le dejamos con estas cincuenta bellas caras que nos han alegrado la vista desde los 1900 hasta la fecha. Penelope Cruz

Jean Simmons

Raquel 50

Welch

Nicole Kidman

Kim Novak

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Conociendo Cannes: La Alfombra Roja y sus películas Cannes 2013

M arc M ej í a

ste 66 aniversario del Festival de Cannes fue dedicado al amor, como su afiche lo muestra. También se homenajeó al ya desaparecido actor Paul Newman, con la proyección de su película A New Kind of Love. Al ser un festival clase “A”, ya de por sí cuenta con lo principal que lo impulsa a la vista del mundo: EL GLAMOUR al más alto nivel. No solo cineastas de todas partes están pendientes al evento, también llama la atención a mercados de la moda como grandes marcas de ropa y accesorios así como estrellas del arte y del espectáculo. Una alfombra roja para cada filme en competición es realizada con sus estrellas e invitados especiales, donde el público tiene la oportunidad de conseguir una plaza para disfrutar la película junto a sus creadores, siendo este uno de los puntos claves del mismo. Las películas de competición son por obligación “Estrenos” o primera exhibición, generando curiosidad y expectativa en el mundo del cine, sumado a una exhaustiva y especial selección que hacen los organizadores del festival de las películas a participar, creando e impulsando que sean estas las posibles ganadoras de próximos festivales y premiaciones alrededor del mundo. 52

Ahora viene la gran incógnita: ¿Cómo lograr tu puesto en la programación del festival? Es la pregunta que muchos se hacen. Para tratar de responderla debemos puntualizar primero que en el Festival de Cannes no solo se exhiben películas a competición y que todas pasan a la gala o la alfombra roja, pues el certamen cuenta también con otras categorías interesantes. Entre las principales hay que destacar “Un Certain Regard” (Una Cierta Mirada), un espacio a la expresión cinematográfica, que tiene también su premiación aparte, al igual que la sección de Cortometrajes, y otras secciones fuera de competición, donde encontramos “La Semana de la Crítica” , dedicado al buen cine independiente, y “Cannes Classics” un recuento de obras maestras que forman parte de la historia de Cannes y, lo que no se puede quedar, el “Le Cinéma de la Plage”

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que viene siendo un espacio gratuito para todo el público y pueblo de Cannes, entre otras. Cada sección del festival tiene su público y su espacio, razón por la cual el festival divide por grupos al público participante en cada edición, marcándolo al lugar que pertenece para un mayor y fácil acceso a las instalaciones del “Palais du Film”.

Por la gran cantidad de películas que se exhiben y la imposibilidad de poder estar en dos lugares al mismo tiempo, los últimos días del festival se realizan nuevas proyecciones de los filmes, donde ya las entradas cuentan con menos espectadores a la espera, facilitando esto un puesto al mismo.

Figuras y diplomáticos del mundo, estrellas del cine, invitados especiales, la prensa especializada en diferentes rangos según los tipos de medios que cubre, compradores de películas, dueños de salas de cine, productores, cineastas, miembros de la industria, entre otros, forman parte del público con acceso a las instalaciones del festival. Los filmes en competición siempre tienen pases exclusivos para la prensa. También hay pases especiales para mercados y la “alfombra roja” que se realiza siempre en el “Gran Teatro Lumiere”, una inmensa y lujosa sala de cine y teatro, en donde es obligatorio tener una invitación y lucir ropa de gala formal para otras tandas especiales. Entrar aquí muchas veces cuesta horas en fila, conseguirlas o llegar a tiempo al sistema de reservas del día. En el más curioso de los casos existe la opción de vestirse y esperar con un letrero que diga “Una invitación por favor” para que un buen samaritano que decida a último momento no asistir le ceda su entrada, ya que por reglamento, las invitaciones, deben ser utilizadas o devueltas para evitar espacios vacíos en la sala y su venta está estrictamente prohibida.

Pidiendo entradas. Spielberg.

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Villa internacional

El cuerpo del Festival: El Negocio No todo en Cannes es gala y alfombra roja, también hay oportunidades para impulsar el negocio del cine, mientras el público disfruta de las proyecciones, existe en lo interno del festival “El Trabajo”. La prensa disfruta de una sección especial, donde tiene la oportunidad de ver las películas con antelación, sumado a un fácil y directo acercamiento con los creadores de las distintas películas. Por otro lado, Cannes facilita la promoción de los filmes que forman parte del festival, apoyando a su venta y distribución, lo cual es la idea de todo el montaje.

Marche Du Film

conocer nuevos talentos y ofertas, para esto el festival también tiene su espacio, un lugar que le llamaría “Tour del Mundo”, donde se unen todas las personas que de una manera u otra desempeñan una función en la industria del cine alrededor del planeta tierra. Me refiero al llamado “International Village”, un espacio que el Festival de Cannes ofrece a cada país para darse a conocer y mostrar sus riquezas a explotar para el mundo del cine. Es aquí donde por ejemplo, nosotros, la Republica Dominicana, gracias al esfuerzo de la Dirección General de Cine (DGCINE) y su Director Ellis Pérez , ingresaron nuestra creciente industria a esta vitrina del mundo, dándole ya a la República Dominicana, el reconocimiento y posición en el cine mundial, en el más alto nivel.

Aquí es donde entra el “Marche Du Film” posiblemente el pulmón del cine mundial, donde mas de 11,000 participantes, 4,000 películas a proponer y 1,500 proyecciones, se ponen a manos de los compradores y dueños de salas de cine, donde estos tienen la oportunidad de descubrir nuevas obras de cine independiente y talentos y donde se determinan sus fechas y lugares de proyección según las negociaciones a que lleguen. Esta sección cuenta además con el “Producer Network”, donde se unen los 600 productores más importantes de la industria. En este espacio se organizan eventos y talleres para ayudar a la promoción y financiamiento de los futuros filmes que así lo requieran.

El Sr. Ellis Pérez mostrando las ventajas de rodar en nuestro país

Todo esto va haciendo crecer la base de datos de “Cinando” donde están unidos todos los productores del mundo, bajo una plataforma web creada para mostrar de manera privada los filmes que cada uno tiene para exponer y/o presentar en el transcurso del año. Para crear películas, hace falta: financiamiento, lugares de rodajes, incentivos y ayudas a productores y directores, también para los productores y directores es importante 54

José María Cabral, Lorelay Castillo Ellis Pérez y visitantes.

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Marche Du Film

Por la importancia del festival, más de 60 países tienen desde el 2000 cuando inició este espacio, su lugar en el festival, celosamente guardado y utilizado para sus fines promocionales. Aquí cada país o empresa muestran, venden y promocionan sus productos, dando a conocer como en el caso nuestro, las ventajas que el país ofrece a productores extranjeros, los incentivos fiscales, las diferentes locaciones que presenta la isla, el equipo técnico y humano con el que se cuenta y las producciones que se han realizado en el país, para poder llevar estas a otro plano o nivel: contactos y oportunidades de gran magnitud están unificados en un solo lugar.

Nicole Kidman Zoé Saldaña

Mi resumen en cuanto al festival y todo lo que ofrece a para los cinéfilos, amantes del cine y miembros de la industria, es que el Festival de Cannes es una “Mina de Oro” para la industria, donde es imposible tomarlo todo, la palabra “You can have it all” no existe, siempre te quedará mucho por hacer, lo importante es estar en el lugar y tomar lo que puedas de el. Marc Mejía Joel Coen

Ethan Coen

Marion Cotillard

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uan Dolio, República Dominicana: Con la visita del mandatario de la República Dominicana, Lic. Danilo Medina, y autoridades del cine, presidido por el Director General de la Dirección General de Cine, Sr. Ellis Pérez, quedó en operaciones el “Water Tank” de Pinewood Indomina Studios, el segundo más grande del mundo para filmaciones acuáticas. Felipe Vicini, presidente del Consejo de Directores de Indomina, acompañado de Hugo Swire, Ministro de Relaciones Exteriores para América Latina del Reino Unido y Nick Smith Director Comercial de Pinewood Shepperton, recibieron al mandatario dominicano, al director de la DGCINE, Sr. Ellis Perez, productores dominicanos y cineastas, donde pudieron todos observar una demostración de cómo se realizarán las filmaciones acuáticas en dichas instalaciones. 56

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PINEWOOD INDOMINA STUDIOS

Inaugura water tank en Juan Dolio

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Vicini resaltó la seguridad jurídica que existe en la República Dominicana que permitió que Pinewood, empresa inglesa líder en producciones cinematográficas en el mundo, confiara en invertir en sociedad en este proyecto. Destacó también la inversión del IFC, del Banco Mundial, corporación que ha comprometido 20 millones de dólares de inversión en el proyecto, además de facilitar 10 millones de dólares adicionales mediante sindicación. Estas inversiones extranjeras y locales impulsarán el desarrollo de la industria del cine en el país y promoverán la creación de más de 10 mil empleos en los próximos 5 años. Junto al presidente Medina y altos funcionarios del Gobierno se realizó una visita a las oficinas de producción, camerinos, instalaciones de primeros auxilios y túnel de dirección del Water Tank, para luego dirigirse al lote Norte donde está en etapa final de construcción los platós, talleres, oficina general de producción y post producción y el “media park” de Indomina. Pinewood Indomina Studios prevé que muy pronto estará recibiendo la primera producción extranjera que utilizará las instalaciones del Water Tank y que aprovechará las herramientas que establece la ley de cine y empleará a personal dominicano de apoyo para la realización de su filmación. El proyecto se inaugurará cuando finalice la construcción de la primera fase, lo cual está prevista para entre finales de 2013 y principios de 2014.

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RETRO XIX 1979 ¡Tremendo año, con huracán y todo! Ángel H ach é

lsa y yo seguimos viviendo desde que nos casamos en un apartamento en la Nouel esquina Hostos. El Museo de las Casas Reales nos consigue una beca por tres meses otorgada, por la UNESCO, para visitar los talleres de creatividad infantil en Madrid y París. En el 1979 vi 126 películas. Las iré mencionando por mes. En enero vi En el curso de los años de Wim Wenders, director alemán que empezaba a destacarse en el mundo del cine y que se convertiría en uno de mis cineastas preferidos, protagonizada por Rudiger Vogler; Cría cuervos (Premio del Jurado en Cannes y nominada al Globo de Oro como Mejor Película Extranjera) del director español Carlos Saura que era en ese momento el realizador de más prestigio en España, con Ana Torrent, una niña que dejó boquiabiertos a todo el mundo con su interpretación, secundada por la esposa de Saura, Geraldine Chaplin, visionada en el Palacio del Cine; El lugar sin límites, del mejor director mexicano de esa época, Arturo Ripstein, que por cierto la bola de cristal me dice que lo conoceríamos personalmente en nuestro país, con una actuación extraordinaria de Roberto Cobo (ganador del Premio Ariel mexicano); El expreso de medianoche, famosa película norteamericana ganadora de la Palma de Oro y con seis nominaciones al Oscar, del director inglés Alan Parker, con actuaciones fuera de serie de Brad Davis y John Hurt, en el cine Leonor. En febrero Llega un jinete, del buen director norteamericano Alan J. Pakula, con un gran reparto encabezado por Jane Fonda muy bien secundada por Jason Robards y Richard Farnworth, en el cine Triple. Y se acabó febrero por los preparativos del viaje de la UNESCO. En marzo, ya en Madrid, La chica del adiós, de otro buen cineasta norteamericano, Herbert Ross, en la que Richard Dreyfuss ganó el Oscar como Mejor Actor y con muy buena actuación de Marsha Mason; ¡Qué viva Italia!, dirigida por tres grandes realizadores italianos: 60

Ettore Scola, Dino Risi y Mario Monicelli, nominada al Oscar como Mejor Película de habla no inglesa, con Ugo Tognazzi, Vittorio Gassman, Ornella Mutti y Alberto Sordi; El amigo americano, que internacionalizó al mencionado Wim Wenders, nominado a la Palma de Oro en Cannes, con el gran actor Bruno Ganz, que ya desde esa época empezaba a sobresalir, secundado por Dennis Hopper, que logra una magnífica actuación y el director Samuel Fuller ahora como actor, en el cine Alphaville; La ley del más fuerte, del polémico director alemán (y el más conocido) Werner Fassbinder, con Karl Bohm; Los rompe pelotas, comedia del destacado director francés Bertrand Blier, con un elenco de prestigiosos actores franceses tales como Gerard Depardieu, Miou Miou, Patrick Dewaere, Jeanne Moreau e Isabelle Huppert; una de las películas más esperadas, por el prestigio de su realizador Bernardo Bertolucci, me refiero a Novecento, con actuaciones para chuparse los dedos de todo su reparto: Robert De Niro, Gerard Depardieu, Dominique Sandá, Stefanía Sandrelli, Burt Lancaster, Sterling Hayden, Donald Sutherland y Laura Betti, en el cine Galileo; Madame Rosa (Oscar a la Mejor Película de habla no inglesa) bajo la dirección de Moshe Mizrahi, con la superba Simone Signoret; en la televisión española tuve la oportunidad de ver una película muy sonada, Nace una estrella, del maestro George Cuckor, con una extraordinaria actuación de Judy Garland acompañada de James Mason; ¿Quieres ser amante de mi mujer?, con esta película el ya mencionado director Bertrand Blier gana el Oscar a la Mejor Película de habla no inglesa, repitiendo con Gerard Depardieu y Patrick Dewaere; En nombre del Papa Rey, del italiano Luigi Magni, con uno de mis actores italianos predilectos, Nino Manfredi; Las truchas (Oso de Oro en el Festival de Berlín), del cineasta español José Luis García Sánchez y excelentes actuaciones de Mari Carrillo y el argentino Héctor Alterio; la obra maestra La Marquise D’ O, de otro de mis directores favoritos, Eric Rohmer, que obtuvo el Gran Premio del Jurado en Cannes y una nominación para la Palma

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de Oro, con exquisitas actuaciones de Edit Clever, de nuevo Bruno Ganz y fotografía de uno de los grandes maestros, Néstor Almendros. Abril empieza con una obra maestra, Interiores, de Woody Allen, con cinco nominaciones al Oscar e interpretada por su primera musa Diane Keaton y memorables actuaciones de Geraldine Page, Kristin Griffith y Maureen Stapleton; El cielo puede esperar, primera realización de Warren Beatty que obtuvo nueve nominaciones al Oscar e interpretada por el mismo Beatty, Julie Christie, Jack Warden y Diane Cannon; continúan las obras maestras, esta vez la formidable, El árbol de los zuecos, del italiano Ermanno Olmi, que obtuvo la Palma de Oro en Cannes; Providence, de otro de mis favoritos, el francés Alain Resnais y un inmejorable elenco constituido por Dirk Bogarde, John Gielgud y Ellen Burstyn; vuelve a repetir Wim Wenders con la deliciosa Alicia en las ciudades, muy bien actuada por Rudiger Vogler y Yella Rottlander; la nominada a Mejor Película y otras ocho nominaciones, El cazador de Michael Cimino (Oscar a Mejor Director), con maravillosas interpretaciones de Robert De Niro, Christopher Walken, John Cazale, la maravillosa Merryl Streep y John Savage, en el cine Gran Vía; La marcha triunfal, del destacado director italiano Marco Bellocchio, con Franco Nero, Michelle Plácido, Miou Miou y Patrick Dewaere; Nosferatu de otro grande del cine alemán, Werner Herzog (nominado al Oso de Plata en Berlín) con su inseparable Klaus Kinski, Isabel Adjani y el incombustible Bruno Ganz; y si hay una película que me dejó “turulato”, debo decir que tuve el enorme placer de ver DERZU UZALA (Oscar a la Mejor Película de habla no inglesa), una de las grandes obras maestras del extraordinario Akira Kurosawa, logrando Yuri Salomin y Maxim Munzuk interpretaciones memorables. Nos trasladamos a París y tengo la oportunidad de ver una película de la cual tenía buenas referencias, La montaña sagrada, filme surrealista del director chileno Alejandro Jodorowsky, y por supuesto no podíamos pasar por alto, aunque visionada en cines de tercera, la famosa cinta Saló (Los 120 días de Sodoma) de 1975, última película realizada por Pier Paolo Passolini antes de ser asesinado. Recuerdo que a la salida fuimos a cenar a un restaurante chino y pedimos champiñón noire, que por cierto ni Elsa ni Gina Cucurullo quisieron comerlos porque les recordaba una escena muy escatológica de la mencionada película; Badlands de Terrence Malick con la cual irrumpe en el mundo del cine, con esta joya muy bien interpretada por Martin Sheen, Sissy Spacek, Warren Oates; The Rocky Horror Picture Show, realización que la cartelera ofrecía a medianoche como filme de culto, de Jim Sharman y con Tim Curry, Susan

Derzu uzala.

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Halloween, 1978 joven Michael Myers

Sarandon, Barry Bostwick en los roles principales; El Topo, del ya mencionado Alejandro Jodorowsky, anterior a esta en su corta filmografía, película del género surrealista al que Jodorowsky se dedicó en toda su carrera; El imperio de los sentidos, del japonés Nagisa Oshima, quizás una de las películas más escandalosas que se han filmado, porque contiene escenas de sexo muy explícitas pero que están justificadas en el mismo desarrollo del filme, con interpretaciones de Eiko Matsuda y Tatsuya Fugi que logran superar las escenas eróticas imponiéndoles a sus roles diversas emociones y la última que vi en París fue L’echiquier de la passion, excelente película alemana de Wolfgang Petersen y el inmancable en esta lista, el fabuloso actor Bruno Ganz secundado por Gilda Von Weitershausen, Rene Deltgen y Ljuba Tadie. Regresamos a nuestro país y ya en junio vi la segunda película de Terrence Malick, Días de gloria, brillante realización con fotografía oscarizada de Néstor Almendros, interpretada por Richard Gere, Brooke Adams y Sam Shepard; Gritos de mujer del gran director Jules Dassin con magníficas actuaciones de Melina Mercuri (su esposa), Ellen Burstyn genial en su papel y Andrea Voutsinas, en el cine Triple. En julio empezamos a vivir en un residencial que justamente quedaba frente al colegio La Salle, donde nunca 62

me imaginé que iba a vivir. Mi hermana Ivonne y su esposo Pablo nos sugirieron esta casa dúplex de Villas Bolívar, de las que nuestro padre nos regaló el inicial. Por fin Elsa y yo íbamos a tener casa propia. En este mes tuvimos la oportunidad de ver la desternillante comedia, La caja de las locas, dirigida por Edouard Molinaro, en la que se destacan los buenos actores franceses Ugo Tognazzi y Michel Serrault, ( la bola de cristal me dice que muchos años después tendría un remake norteamericano, que no le llegaría a los tobillos), en el cine Max, para ponerme al día con las películas que se habían estrenado mientras estuve fuera. Para cerrar julio, un gran estreno, Sonata de otoño, del maestro Ingmar Bergman con exquisitas actuaciones de Ingrid Bergman (que no es familia del director) y su musa Liv Ullmann. Agosto nos ofrece una película nominada a la Palma de Oro por su dirección, Bugsy Malone, de Alan Parker, con Scott Baio y Jodie Foster; Halloween, película de terror muy bien dirpor John Carpenter, en el cine Rialto. Parece que esta película de terror trajo consigo al terrible huracán David, 49 años después de que el ciclón San Zenón, de 1930, destruyera la ciudad capital. Siempre había oído hablar de parte de mi mamá de este fenómeno, y ahora pude vivirlo en carne propia. Durante días estuvimos sin energía eléctrica y la situación empeoró porque el 5 de septiembre, la tormenta Federico inundó al país y Villas Bolívar se convirtió en una Venecia con cataratas. El agua se metió en todas las casas y los sótanos parecían piscinas. Recuerdo que tuve la oportunidad de rescatar a Pablo hijo (mi sobrino) que estaba nadando junto con su hermana Giselle muy plácidamente en esa piscina improvisada. Cuando cesaron las lluvias y la situación se fue normalizando, los cines continuaron ofreciendo su acostumbrada cartelera. Para compensar nos llega al Cinema Centro una obra maestra del cine español, Furtivos, de José Luis Borau con una impresionante interpretación de Lola Gaos acompañada de Ovidi Montllor y Alicia Sánchez y para rematar la excelente realización de Martin Ritt, Norma Rae, en la que Sally Fields obtuvo un Oscar como Mejor Actriz, sin dejar de mencionar las estupendas actuaciones de Ron Leibman, Beau Bridges y Pat Hingle. Ya llegamos a octubre y un acontecimiento ocurre por primera vez. Con Silvano Lora a la cabeza, se gesta la Primera-Cine-Muestra Dominicana, en homenaje al realizador dominicano Oscar Torres, celebrada del 4 al 10 de este mes, en el cine Olimpia. Las películas mostradas fueron: Realengo 18, Tierra olvidada, Nenén de la ruta mora y Día libre, que su director, Oscar Torres, realizó en Cuba; El niño y la noche, Arriba y abajo, La

r e t r o

reina de la simpatía y Catalepsia filmes realizados en Moscú por Adelso Cass donde se graduó de director; La canción de los abedules y El charco azul, del padre jesuita José Luis Sáez; Washington Heights e Imágenes del litoral, de Winston Vargas; La silla, primer largometraje dominicano de 1963 de Franklin Domínguez; los cortos: Siete días con el pueblo, de Jimmy Sierra; Juan Pablo Duarte y 30 de mayo, de Hugo Mateo; Crisis, de Onofre de la Rosa; Luisa y Fondo Negro, de Max Pou; El hijo de Agliberto Meléndez y el mediometraje El paraíso ortopédico, del chileno Patricio Guzmán, que el que suscribe, lo había inscrito fuera de concurso. El jurado estuvo conformado por Armando Almánzar, Arturo Rodríguez Fernández, Agustín Martín, el padre Alberto Villaverde y Humberto Frías. La entrega de los premios fue en la Galería de Arte Moderno y los ganadores fueron los siguientes: Premio Mejor Largo I: Realengo 18 y Mejor Largo II: La silla; Mejor corto I: Washington Heights y Mejor corto II: Tierra olvidada; Mejor guión I: Tierra olvidada y Mejor Guión II: Realengo 18; Mejor actuación I: Camilo Carrau (La Silla) y Mejor actuación II: Ángel Haché (El Paraíso ortopédico); Mejor fotografía blanco y negro: Imágenes del litoral; Mejor fotografía a color: Fondo negro; Premio Especial del Jurado I: José Luis Sáez por el conjunto de su obra y Premio Especial del Jurado II: Adelso Cass por el conjunto de su obra. Mención especial a Jean Louis Jorge por sus películas, La serpiente de la luna de los piratas y Melodrama, que no pudieron estar presentes en la muestra y Mención Honorífica a Hugo Mateo. En octubre pude ver El desierto de los tártaros, del director italiano Valerio Zurlini, con un gran reparto constituido por Vittorio Gassman, Jacques Perrin, Giulanio Gemma, Philippe Noiret, Francisco Rabal, Fernando Rey, Jean Louis Trintignant y Max Von Sydow, en el Olimpia; Una pareja perfecta, película no muy lograda de Robert Altman con Paul Dooley; y la que durante muchos años fue considerada la Mejor Película del cine, El ciudadano Kane (1941), de Orson Welles, que destronó al Acorazado Potemkin, de Sergei Eisenstein; Quinteto, otra de Altman pero esta vez con mejor resultado, interpretada por Paul Newman, Bibi Anderson y Vittorio Gassman. En noviembre otra inmancable en la lista de las Mejores Películas realizadas, la neorrealista, El ladrón de bicicletas (1948), de Vittorio De Sica; Alcatraz: Fuga imposible, del efectivo cineasta norteamericano Donald Siegel, con Clint Eastwood y Patrick McGoohan, en el Rialto; un western atípico Johnny Guitar, de Nicholas 64

Ladrón de bicicletas.

Ray, con Joan Crawford, Sterling Hayden y Mercedes McCambridge; esta la vi en Teleantillas; ¡Arriba Hazaña!, del español José María Gutiérrez con el extraordinario actor Fernando Fernán Gómez secundado por Héctor Alterio y José Sacristán; El otro señor Klein, del director Joseph Losey, nominado a la Palma de Oro por este filme, con Alain Delon, Jeanne Moreau, Tina Aumont y Massimo Girotti, en el Elite; WR: Misterios del organismo, del yugoslavo Dusan Makavejev, con Milena Dracovic; la excelente Chantaje mortal, bajo la batuta de Paul Schrader, muy bien actuada por Richard Pryor, Harvey Keitel, Yaphet Kotto. En diciembre, en el gobierno de Guzmán, nos llega Los farsantes, que estuvo prohibida durante la dictadura de Balaguer, con Elizabeth Taylor, Richard Burton, Peter Ustinov y Alec Guinness; Diario de una esposa desesperada, del norteamericano Frank Perry, con una maravillosa actuación de Carrie Snodgeress. Y para terminar tres tremendas películas: Alien-El octavo pasajero, grandiosa película de terror del género de ciencia ficción, del excelente director Ridley Scott, con Tom Skerritt, Veronica Cartwright, John Hurt, Harry Dean Stanton y la estrella Sigourney Weaver; Apocalypse Now, de Francis Ford Coppola, que quedó en la quiebra después de esta producción, con ocho nominaciones al Oscar y Palma de Oro para su director en Cannes, con extraordinarias actuaciones de Martin Sheen (que sufrió un ataque al corazón durante la filmación), Marlon Brando, Robert Duvall, Frederic Forrest, Dennis Hopper y Larry Fishburne, para muchos la mejor película sobre Vietnam; y para cerrar con broche de oro, Tarde de perros, del gran Sidney Lumet donde Al Pacino ofrece una de sus mejores interpretaciones, así como todo el reparto, John Cazale, Charles Durning, Chris Sarandon y Carol Kane. Jean Renoir, Nicholas Ray, Mary Pickford, Jean Seberg, John Wayne, Joan Blondel, Merle Oberon, George Brent, nos dijeron antes de irse, ahí les dejamos nuestro legado.

radio Un espacio para hablar de cine. Con ustedes:

Armando Almánzar, Pablo Mustonen, Hugo Pagán, Rubén Peralta

Soy yo, Armando que tú opinas de Rashomon.

Esa película me dejó turulato

... se cayó, no fue

a propósito ...

anja...Hoy habrá rifas de boletas y tendremos a No puedo decir un invitado las películas

porque no ha llegado la tv guía

Además hablaremos de “La Naranja Mecánica” la “A Clockwork Orange” favorita de Pablo Imperdible del del director siglo pasado Kubrick

Soy yo otra vez

y los cumpleaños de Ahí va a felicitar a sus hoy son amigos

... y ...y otra cosa

¿¡Cómo es qué lo logra!?

Lunes a Viernes, 11 am a 12 m por 95.7 fm