Revista Cineasta No.32 by Revista Cineasta

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Artículo Especial

Al Sur De La Inocencia 30 Héctor Valdez José Delio Ares Frankie Báez Fior De Valdéz Sarah Jorge Christian Álvarez Laura García Godoy Auro Sónico Crystal Jiménez

Artículos

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Las Top 15 Mejores Villanas del Cine

Festival de Cannes 2014

Nymphomaniac

Filmografía de Lars Von Trier

Secciones

28 Crítica De Pez en Cuando

12 28 Cine en RD Dulcita Lieggi

Entrevista Yanillys Pérez

54 Cine Latinoamericano Conducta 2014

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esta entrega especial de nuestra revista Cineasta tenemos como protagonista principal la película Al Sur de la Inocencia, del novel director dominicano Héctor Valdez. En el interior de nuestras páginas podrán disfrutar de entrevistas y fotos únicas de esta producción cinematográfica, que desde ya está causando muchas expectativas y estará en los cines dominicanos a finales del mes de abril. También les brindamos entrevistas exclusivas con dos actrices dominicanas que van en constante ascendencia, Dulcita Lieggi y Yanilys Pérez, quienes adornan las páginas de esta edición. ¿Cuál es tu villana favorita del cine? Cineasta eligió sus Top 15 de todos los tiempos. Acompáñanos a revivir los momentos más trascendentales de estos personajes y que las catapultaron como villanas inolvidables. No podría faltar en esta edición un artículo del festival más importante del cine mundial, el festival de Cannes, el cual se celebra en el mes de mayo en la ciudad con el mismo nombre, y donde se dan cita las figuras más importantes y reconocidas de la industria. Esperamos que disfruten del contenido de nuestra revista, y tanto a nuestro querido Héctor como a nuestras talentosas actrices Dulcita y Yanilys, Cineasta los apoya y les desea éxito en esta primera etapa de su carrera. ¡Hasta la próxima edición!

Presidente Pablo Mustonen revistacineasta@gmail.com Vice Presidente Alejandro De Moya ale@cineasta.com.do Dirección y Edición Pablo Mustonen pablomustonen@hotmail.com Mercadeo y Ventas Paulette Ferreira Giselle Mustonen Brando Hidalgo brandohidalgo@gmail.com Diseño y Cuidado de Edición Samanta Sánchez Franco ssanchezf@yahoo.com Colaboradores Jorge Cámara Miembro del Board of Directors de los Golden Globes Vice Presidente de la Asociación de Prensa Extranjera en Hollywood Armando Almánzar, Marc Mejía, Ángel Haché, Alfredo García, Lisa García, Patricia García, Luis Martín Gómez, Luis G. Jansen, Sheila Acevedo, Rubén Peralta Rigaud, Hugo Pagán Soto, Brando Hidalgo, Luis Beiro, Katherine Bautista, Oliver Oller, Fátima González CINEASTA Ave. 27 de Febrero No. 260, Edif. Brigitte II, apto. 203, Santo Domingo, RD. www.cineasta.com.do Cineasta es una publicación mensual, todos los derechos quedan reservados. Se prohibe la reproducción parcial o total sin consentimiento de cineasta.

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De Pez en Cuando R u b é n P eralta R iga u d

comedia cinematográfica tiene como características la inclusión de gags, chistes o bromas, tanto visuales como verbales. Estos recursos han estado presentes desde el comienzo de este arte. De pez en cuando, la ópera prima del director Francisco Valdez, tiene estos elementos manejados de una manera adecuada. Eso sí, podríamos decir que está netamente creada mediante situaciones cómicas y estas situaciones culminan en un final poco predecible, a diferencia de la mayoría de las comedias de factura local. Ben (Luis José Germán), es un escritor frustrado que se ve envuelto en una absurda trama de maleantes, una mujer embarazada, un marido celoso, una adolescente enamorada y una misteriosa azafata. Todos ellos vivirán un día más que interesante, claro está, acompañado de un pez. Lo fuerte de esta película radica en el elenco de actores y una correcta puesta en escena. Luis José Germán, en su primer protagónico, podríamos decir que es lo más flojo de este renglón, ya que su personaje es el único que no evoluciona en toda la película. Mantiene ese matiz gris que nos presenta desde el inicio, matiz que llega a cansar y mediante la trama avanza. Queda desplegado a un segundo lugar con la aparición poco a poco de los personajes secundarios. Hony Estrella, Irving Alberti, Manolo Ozuna, Phillips Rodríguez, Camila Santana e Itahisa Machado completan uno de los mejores elencos del cine local hasta su fecha, donde la voz principal la tiene Hony Estrella en el papel de embarazada histérica (y hormonal), destacando también, que cada uno de estos actores hace su mejor papel dentro de la industria local, exceptuando a Itahisa y Camila, ambas debutantes. El guión de Francisco Valdez está más que adecuado. No es fácil presentar tantos personajes y manejarlos de una manera 6

adecuada, otorgándole protagonismo momentáneo a cada uno. La dirección del mismo Valdez, cojea de momentos ya que su mayor virtud termina siendo el mayor fallo, de momentos la historia se ve simplona y aburrida, pero el mismo director sabe “auto relevarse” otorgando un producto bueno e interesante. Podemos ver un muy destacado trabajo de fotografía de Peyi Guzmán, que supo mantener la tonalidad clara durante toda la película, ayudado claro por el estupendo trabajo de Ruy Dos Santos en la dirección artística y muy buena edición de Tabaré Blanchard y Angélica Salvador. De pez en Cuando es una propuesta divertida y arriesgada (de parte de sus productores) que el público dominicano debe apoyar. Siempre he sido participe de que debemos ser cada vez más exigentes con nuestros cineastas y a la vez con sus resultados, y apoyando este tipo de buenas y diferentes propuestas, les estamos enviando un mensaje a los patrocinadores. El cine dominicano no es de un grupito, es de mucha gente talentosa y con ganas de hacer cine, como lo demostraron Francisco y Ché Castellanos.

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Director: Francisco Valdez Productor: Ché Castellanos Intérpretes: Luis José Germán, Hony Estrella, Ithaisa Machado, Manolo Ozuna Guión: Francisco Valdez Género: Comedia Año: 2014 País: República Dominicana

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Las Top 15 Mejores Villanas del Cine

NURSE RATCHED: Tirana, sin corazón ni empatía, fría, cruel y violenta. Actriz: Louise Fletcher

ANNIE WILKES: Psicópata brutal, bipolar, y peligrosa que oculta su psicosis tras una cara alegre.

Actriz: Kathy Bates Película: Misery, 1990; ganadora de un premio de la Academia: Oscar por mejor Actriz en 1991

Frase Famosa: “Sr. Sheldon soy su fan número 1”

ELLE DRIVER: La más cruel de los miembros del Escuadrón Asesino Víbora Letal, asesina por placer. Actriz: Daryl Hannah Película: Kill Bill, 2003

Frase Famosa: “Puede que nunca me gustaras. De hecho, te aborrezco. Pero eso no quiere decir que no te respete. Morir mientras duermes. Un lujo que pocas veces podemos adquirir. Este es mi regalo para ti.” ALEX FORREST: Obsesiva mujer suicida que hostiga a un hombre casado con el que tuvo una aventura.

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Película: One Flew Over the Cuckoo´s Nest, 1975 ; Ganadora de numerosos premios internacionales, One Flew Over the Cuckoo’s Nest fue la segunda película en obtener los cinco principales premios de la Academia: Óscar a la mejor película, Óscar al mejor director, Óscar al mejor actor, Óscar a la mejor actriz, y el Óscar al mejor guion adaptado.

Actriz: Glenn Close Película: Fatal Attraction, 1987 Frase Famosa: “Lleva el perro, me encantan los animales. Soy una gran cocinera.”

Frase Famosa: “Si el Sr. McMurphy no quiere tomar su medicación por vía oral, estoy seguro de que podemos arreglar eso, lo puede tener cualquier otra forma. Pero no creo que le gustaría.”

CATHERINE TRAMELL: Una mujer bella, sensual, atractiva, inteligente y peligrosamente manipuladora que logra desquiciar a los que le rodean, en especial al género masculino. Actriz: Sharon Stone Película: Basic Instinct, 1992

Frase Famosa: “Tengo una licenciatura en psicología, va con el área... Los juegos son divertidos.”

JOAN CRAWFORD: Madre cruel, atormentada, y violenta que descarga su ira sobre sus hijos adoptivos por causa de su descenso en el infierno del alcohol. Actriz: Faye Dunaway Película: Mommy Dearest, 1981

Frase Famosa: “No perchas de alambre, nunca”.

La misión de la Dirección General de Cine es promover el desarrollo de la Industria del Cine así como establecer y ordenar las políticas para las actividades Cinematográficas y Audiovisuales, atendiendo a la modernización y la internacionalización de la industria nacional del cine de conformidad a lo que establece la Ley No. 108-10

a r t Í c u l o CATWOMAN (SELYNA KYLE): Villana neurótica, vengativa, obsesiva y con unos instintos felinos muy desarrollados.

THE WICKED WITCH OF THE WEST: Bruja mala del Oeste. La hermana de la bruja del Este, ataca a Dorothy y sus amigos con animales de diferentes tipos y la consigue atrapar con Monos Volantes.

Actriz: Margaret Hamilton Película: El Mago de Oz, 1939

Frase Famosa: “Sabes, los gemelos idénticos no son realmente idénticos. Siempre hay uno que es más bonito, y el otro hace todo el trabajo…” URSA: Criminal kriptoniana, encarcelada en la Zona Fantasma, aliada de Zod, madre de Chris Kent. Actriz: Sarah Douglas

MYSTIQUE: Mano derecha de Magneto, mutante con la habilidad de alterar su forma e imitar a cualquier ser humano u objeto, además de ser una ágil y experta artista marcial. Actriz: Rebecca Romijn

Película: X Men, 2000 Frase Famosa: “Sabes, gente como tu son la razón por la cual temía ir al colegio de niña.” 10

Película: Precious, 2009

PEYTON FLANDERS: Psicópata obsesionada con venganza en contra de una mujer y su familia. Actriz: Rebecca De Mornay Película: The Hand That Rocks the Cradle, 1992

Frase Famosa: “¡Cuando tu esposo te hace el amor, es mi cara que ve!” MAY DAY: Guardaespaldas y cabecilla del villano Max Zorin. Actriz: Grace Jones

Frase Famosa: “¡Suficiente! Si el planeta entero nos está observando, ¿no podemos mostrarle algo más interesante?”

Actriz: Mónique

Frase Famosa: “¿Piensas pararte ahí y juzgarme como si fueras una mujer? ¡Tú no sabes lo que una mujer verdadera hace! ¡Una mujer verdadera se sacrifica!”

Película: Superman, 1978

MARY: Una madre abusiva y cruel, que sólo se dedica a fumar y ver TV mientras recolecta asistencia social a través de fraude.

HEDRA CARLSON: Joven bipolar y psicópata que se obsesiona con ser la melliza de su nueva compañera de cuarto.

Película: Single White Female, 1992

Película: Batman Returns, 1992

Frase Famosa: “Soy Gatúbela. ¡Óyeme rugir!”

Frase Famosa: “Solo trata de alejarte de mi camino ¡Solo trata! ¡Te atraparé mi pequeña, y a tu perrito también!

Actriz: Jennifer Jason Leigh

Actriz: Michelle Pfeiffer

Película: a View to a Kill, 1985

Frase Famosa: “Y pensaba que ese descarado me amaba…” KATHRYN MERTEUIL: Joven pervertida, perversa, y vanidosa que goza de las desgracias ajenas, aprovechándose de los demás por mera diversión.

Actriz: Sarah Michelle Gellar Película: Cruel Intentions, 1999 Frase Famosa: “Todos me aman, y pretendo mantenerlo así”.

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Villanas de dibujos a n i m a d o s d el ci n e

A na

adrastra, L ady Trem L a M L a C e n i c i e n t a , 19 5 0 a i n e

stasia y D rizella Tremaine L a C e n i c i e n t a , 19 5 0

H a d a M a d ri n a S h re k 2 , 2 0 0 4

U r sula L a Sirenita, 198 9

Cruella De Vil álmatas, 19 6 1 10 1 D

a lva d a b r u ja M a d re Go t h e L a m R apunzel, 2 010

R ei n a A

licia

de Corazones, 1951

e n el P a í s d e l a s M a ravi l

la s

a lva d a R ei n a G ri m L a m lancanieves, 19 3 hilde 7 B

M alé fica urmiente, 19

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Dulcita Lieggi De reina de belleza a boxeadora en la pantalla grande

Dirección Creativa: Gabriel Valencia | Fotografía: Yael Duval | Maquillaje: Paola Fabián | Peinado: Backstage Salón

Está

claro que Dulcita se dio a conocer primero como modelo, con su coronación como Miss República Dominicana 2012, pero no es secreto que su real vocación y pasión siempre fue convertirse en actriz y establecer una carrera como intérprete dentro del séptimo arte. Desde antes de ser reina, Dulcita ya llevaba varios cortometrajes debajo de la manga, tanto como actriz principal y directora. Dice que lo que más la inspira es traer a la vida historias. Su más reciente guión llamado “Babbo” en homenaje a su padre fallecido, ganó primer lugar dentro del concurso FONPROCINE en el renglón de cortometrajes. Ahora se prepara a tiempo completo para su próximo papel de boxeadora, con un intenso entrenamiento, tanto físico como mental para poder encarnar este rol tan intenso de una chica problemática. Es licenciada en Comunicación Publicitar ia de la Universidad Iberoamericana, en donde amplió sus conocimientos en el área del cine tomando Guión Cinematográfico con Alan Nadal Piantini, Producción Audiovisual y Cinematografía con Iván Bordas. Allí dio sus primeros pasos como realizadora audiovisual experimentado detrás de cámara, haciendo sus primeros cortometrajes y comerciales. 12

Actualmente continúa preparándose estudiando Producción Cinematográfica y Guión. Su primer encuentro con el arte de la actuación fue en el teatro de su colegio, en donde interpretó papeles pequeños como método para superar la timidez. Luego de estas experiencias no tardó mucho para tomar talleres de teatro con Enrique Chao, Actuación para Cine y TV con Alfonso Rodríguez y Frank Perozo, lo cual la condujo a participar en el reality “De La Calle al Cine” (por Antena Latina) donde recibió el entrenamiento de Laura García Godoy, Amaurys Pérez, Mickey Montilla, entre otras grandes figuras del cine Dominicano. Filmografía Actuación rol principal dentro de cortometrajes: Lily, Someone told Me, El Apagón, El Dinero, Destiempo y Rutina. Largometrajes Aparición especial: Al Sur de la Inocencia Dir. Héctor Valdez Papel secundario: EXPAT Dir. Ricky Gluski Debut rol estelar: Locas y Atrapadas Dir. Alfonso Rodríguez

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CINEASTA: ¿Háblanos de BABBO? “Babbo” es un cortometraje que narra la historia de Gina, una chica que no puede hacerle frente a la vida luego de la gran pérdida de su padre (Babbo). Deja a un lado su familia y busca cualquier distracción para huir de su realidad, la cual solo le recuerda más la ausencia de Babbo. Determinada a olvidar recibe una cantidad de golpes que la llevan a decidir enfrentar su dolor oprimido, reconciliándose con su familia y siguiendo adelante con su vida sabiendo que el espíritu de Babbo siempre estará con ella. ¿Es tu primer corto como directora, cómo te sientes recibiendo el apoyo FONPROCINE? Empecé a escribir “Babbo” justo después que falleció mi padre hace 2 años. Escribir siempre me ha servido como desahogo, y en ese momento me ayudó a hacer catarsis. Mi papá fue y será un personaje muy importante en mi vida, y es muy duro cuando muere alguien tan cercano, quería de alguna forma capturar su esencia en un filme y causar algún efecto en la audiencia que ha pasado por la pérdida de un ser querido. La DGCINE me informó como el panel de jurados de FONPROCINE fue muy riguroso este año. Me siento muy entusiasmada que mi guión recibió primer lugar en el renglón de cortometrajes. El proceso de producción no ha sido fácil pero me apasiona lo que hago y estoy disfrutando cada paso. ¿Vas a trabajar en el mismo como actriz también? ¿No se te hará difícil dirigirte a ti misma? Crecí viendo películas clásicas como “Modern Times” de Charlie Chaplin, “Unforgiven” y “Bronco Billy” de Clint Eastwood...estas figuras fueron mis influencias cuando era una mocosa sin saber exactamente quienes eran o lo que hacían. Ambos actores dirigieron y actuaron en estas películas. Su disciplina, la forma en que se conducen y crean sus obras fue algo que me llamó la atención, me reté a llevar a cabo mi cortometraje con un estilo similar, en donde tenga que dar todo de mí para lograr ejecutar con éxito ambas áreas (actuación y dirección). ¿Cómo nació tu pasión por la actuación y tu curiosidad por estar detrás de cámaras? De chiquita era una niña muy tímida, llena de inseguridades y miedos. Tenía la esperanza de algún día salir del cascarón, volverme una mujer fuerte, extrovertida y segura como las actrices de cine que siempre admiré. Mis padres para ayudarme a sobrepasar el “bullying” que sufría en el colegio me ingresaron en una agencia de modelaje, donde descubrí que me gustaba encarnar personajes y la actuación. Esto me llevó a tomar clases de actuación y a estudiar una carrera relacionada a los audios visuales. Mi hobby número uno era ver películas viejas con mi papá, soñaba con estar dentro de la pantalla y a veces hasta creaba mis propias historias y personajes imaginarios con máscaras y maquillaje... 13

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R D era cuando más libre, segura y menos tímida me sentía, para mí era como un desahogo, se me hacía fácil expresarme de este modo. Poder convertir eso en mi carrera, ¡es lo máximo! Quiero hacer de la vida una obra de arte, actuar es una representación pura del ser humano y las emociones, y un filme es un retrato de la realidad, donde puedes detenerte a contemplar el escenario, hasta por mas imaginario que sea, siento que siempre hay pinceladas de la verdad de cada quien en una historia. Al final el acoso escolar que sufrí y mi extrema sensibilidad hacia todo lo que me rodea tuvo su propósito en mi vida. Logré tener la experiencia, la perseverancia y la susceptibilidad necesaria para poder seguir adelante en mi vida y lograr ser intérprete y realizadora. ¿Cómo fue tu experiencia en “Locas y Atrapadas” y como pasaste de Miss Universo a productora, actriz y directora, háblanos sobre esta transición? Durante los años universitarios tuve la oportunidad no solo de actuar en algunos proyectos dominicanos, también dirigí y produje algunos comerciales para la tv local, aunque aún no me gusta llamarme directora, me faltan años de experiencia para poder sentirme cómoda llamándome así, soy realizadora, me gusta crear, soy creativa. Nunca pensé que para mí sería posible ser una “Miss”. Pude servirles de ejemplo a las niñas que son hoy igual de introvertidas como una vez yo fui en el pasado. Hice varios servicios comunitarios en donde entré en contacto con un sinnúmero de niños y jóvenes con quien pude compartir, y dar a conocer mi experiencia y como superé el “bullying”. Mantenerte fiel a quien eres, es el mensaje más valioso que he aprendido y reafirmado, y es algo que quiero compartir con todos. Puedes lograr tus objetivos si te lo propones y no dejas a un lado tu esencia, soy fiel creyente que ser tu mismo es lo que te lleva a donde quieres llegar en la vida. A finales de mi reinado se dio mi debut en el teatro con la obra “12 Princesas en Guerra” fue como un entrenamiento militar donde vivía y respiraba la puesta en escena, definitivamente hay un antes y un después en mi carrera luego de esta interpretación. Poco tiempo después de terminar mi año como reina las cosas iniciaron a fluir más en mi carrera, se presentó una participación importante dentro de la película “Locas y Atrapadas” dirigida por Alfonso Rodríguez. Fue mi primer rol protagónico junto con 4 actrices talentosas, entre ellas Denisse Quiñones y Sabrina Gómez. Mi papel era bastante fuerte pues había varias escenas bien demandantes pero disfruté cada segundo del reto, siento que me superé como intérprete. Incluso el director me llamaba en set la “Audrey Hepburn Dominicana”, título que para mí se siente como un gran honor, un poco surreal porque la admiro tanto y no me lo creo. ¿Qué significado tiene el cine en tu vida? El cine es una conexión muy grande que tenía con mi padre, forma parte de mí, casi del mismo modo como él forma parte de mí. Siento que

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es donde pertenezco, me hace feliz poder vivir de lo que me apasiona hacer.

de actores como este, y soy muy dura conmigo misma, no paro hasta que el director y yo estemos satisfechos con mi ejecución.

Y como el cine forma gran parte de mi vida, no dejo de frecuentar las salas y estar al día con las películas que se estrenan, especialmente si son dominicanas, apoyo lo nuestro y me agrada ver cómo vamos avanzando.

¿Con qué directores dominicanos te gustaría trabajar y por qué? Me gustaría trabajar con Jean Guerra, con Ernesto Alemany, con Iván Herrera y Tabaré. Sus trabajos hablan por ellos.

Actrices favoritas

1. Angelina Jolie Sophia Loren Lucille Ball 2. Amy Adams 3. Natalie Portman 2

3 Directores favoritos

¿Cuáles son las películas dominicanas que más te han gustado? Un pasaje de Ida, Jean Gentil, La Montaña y Blanco.

4. Clint Eastwood Tim Burton Francis Ford Coppola 5. Wes Anderson John Hughes Actores

6. Jim Carrey Al Pacino Marlon Brando Clint Eastwood 7. Sean Penn Películas The Good, the Bad & the Ugly 8. Léon: The Professional El Espinazo del Diablo The Breakfast Club The Royal Tenenbaums Superbad 8

Si tuvieras que escoger uno de cada uno, ¿cuál escogerías? Amy Adams/ Jim Carrey/ The Royal Tenenbaums/ Wes Anderson. Si tuvieras que escoger una escena de una película, una escena para interpretar, ¿cuál sería? ¡Uff que difícil! Hay muchas que me encantan. Bueno, hay una escena de “The Usual Suspects”, en donde el personaje de Kevin Spacey dice el quote famoso de “The greatest trick the Devil ever pulled was convincing the world he didn’t exist.” “El mejor truco del diablo fue convencer al mundo que no existía.” Este momento para mí es uno de los más memorables que he visto, lograr una interpretación así es mi mayor meta. Trabajo para que mi nivel actoral esté a la altura

“A Tiro Limpio”, “La Gunguna” y “La Montaña” me han llamado mucho la atención, tienen visión, la historia y los personajes me parecieron muy ambiciosos. No tengo duda que estos directores marcarán un antes y un después, colaborar con ellos en proyectos tan innovadores como estos sería un logro para mi carrera, y la verdad es que tengo hambre por trabajar en este tipo de cine.

¿Qué piensas del futuro del cine dominicano y de la ley de cine? Veo un futuro brillante en el cine dominicano. Siento que hacer cine es algo sublime y quiero ser parte del crecimiento que está teniendo el cine local. Me parece fascinante el proceso que conlleva crear un filme y la aprobación de la ley de cine y todo el apoyo gubernamental nos brinda oportunidades a los jóvenes aspirantes a cineastas, eso me motiva más. Estoy dedicando más tiempo a escribir, producir y dirigir mis propios proyectos cinematográficos, de verdad que darle vida a un guión es mágico. Por eso me sigo preparando, para poder continuar desenvolviéndome en el mundo del cine dominicano y lograr buenos frutos que llamen la atención internacionalmente. En estos momentos a parte de realizar mi corto “Babbo”, estoy co-escribiendo un guión junto con el joven director local Héctor Valdez. Este proyecto me tiene muy emocionada. Colaborar con Héctor ha sido fácil, los dos tenemos el mismo sentido de humor y la historia está fluyendo muy bien. Otro proyecto que tengo entre manos es mi propio colectivo creativo especializado en crear audiovisuales, ya estamos en marcha y laborando. Guava Studio es una compañía que reúne talentosas personas bajo un mismo techo, como el cinematógrafo de “Blanco”, Gabriel Valencia, el postproductor de la Visual Sonora, Nelson Maita y la productora/editora colombiana, Karina Herrera. Decidimos ser socios y embarcar en esta aventura por el mundo del cine juntos. Tengo mucho en planes y todo está en dirección al séptimo arte. 17

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Festival de Cannes 2014 H u go P agรกn S oto

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e s p e c i a l

festival de Cannes celebra en este 2014 su entrega número 67, la majestuosidad y la calidad artística se dan cita una vez más en la paradisíaca riviera francesa. Ningún festival de cine del mundo conjuga con tanta gracia el glamur de las más grandes luminarias del mundo del cine con la calidad cinematográfica. El festival de Cannes es el sueño de todo cineasta, la seductora “Palma de Oro” que se entrega a la mejor película del certamen es uno de los más ansiados de todos los palmareses que se entregan el los circuitos fílmicos alrededor del mundo.

Frank Perozo

Pamela Sued

Para su edición de 2014 el jurado en la sección de largometrajes estará presidido por la cineasta de origen Neozelandés Jane Campion. Campion es apenas la séptima mujer en presidir el jurado en Cannes. Antes que ella, la última había sido Isabelle Huppert en 2009. El pasado año 2013 el director Norteamericano Steven Spielberg tuvo el honor de presidir el jurado y el filme “La Vida de Adele” de Abdellatif Kechiche se llevó a casa la codiciada Palme d’Or en esa ocasión. La calidad del buen cine y la elegancia de las estrellas que asisten cada año a esta fiesta del séptimo arte hacen del Festival de Cine de Cannes la combinación perfecta de prestigio y glamour. Y son precisamente estas dos cualidades las que Stella Artois celebra en torno a este evento. Como cerveza patrocinadora oficial del Festival, Stella Artois respira el encanto y el buen arte de Cannes a través de su plataforma Grand Gala. Por segundo año consecutivo, la marca estará llevando a una selección de estrellas dominicanas a este encuentro cinematográfico, quienes tendrán la oportunidad de desfilar por la alfombra roja de Cannes, junto a los grandes actores y directores de la meca del cine. Este año, los actores Frank Perozo y Pamela Sued fueron los elegidos, luego de una votación pública en la que los fans dominicanos los seleccionaron como los mejores vestidos de Premios Soberanos 2014. Junto a estas dos figuras, también viajará a Cannes un joven cineasta dominicano, ganador del concurso Short Trip to Cannes, el cual develó el talento e ingenio de noveles directores de República Dominicana a través de cortometrajes inspirados en el tema de la Perfección. Este grupo de artistas vivirá de cerca todo lo acontecido en el festival, desde compartir con importantes nombres de la industria hasta presenciar parte de las cintas exhibidas.

UNA AGENDA EN CANNES Los premios más importantes que se entregan en el Festival de Cannes son los de la sección oficial que se reparten de la siguiente manera: Palme d’Or | Mejor Película. Grand Prix | Premio a la segunda mejor película. Prix du Jury | Premio a la tercera mejor película. Palme d’Or du court métrage | Mejor cortometraje. Mejor Actor. Mejor Actriz. Prix de la mise en escene | Mejor Director. Prix du scénario | Mejor Guión. El diseño del trofeo de la Palma de Oro ha variado en varias ocasiones, en la actualidad el modelo vigente viene desde el año 1997 cuando Caroline Scheufele de la casa Chopard dio forma a la presea. Una pieza de cristal soporta la palma dorada hecha de oro de 24 quilates montada en un estuche de piel y madera.

Lo que trae el 2014 en Cannes El filme biográfico “Grace of Monaco” es la selección para abrir la edición del 2014 del festival de Cannes. La película inspirada en la leyenda del cine, Grace Kelly, es protagonizada por Nicole Kidman y dirigida por Olivier Dahan (La vida en rosa). 19

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e s p e c i a l

Algunas de las películas que podrían estar en Cannes 2014: “Clouds of Sils Maria” Dir. Olivier Assayas. “Birdman” Dir. Alejandro González Iñárritu. “Maps to the Stars” Dir. David Cronenberg. “Leviafan” Dir. Andrey Zvyagintsev. “The Homesman” Dir. Tommy Lee Jones. “A Pigeon Sat On A Branch Reflecting On Its Existence” Dir. Roy Andersson. “The Rover” Dir. David Michod. “The Cut” Dir. Fatih Akin. “The Search” Dir. Michel Hazavanicius. “Mr. Turner” Dir. Mike Leigh. “Kuime” Dir. Takashi Miike. “Coming Home” Dir. Zhang Yimou. “Mommy” Dir. Xavier Dolan. “Nymphomaniac” Dir. Lars Von Trier. “Far from the Madding Crowd” Dir. Thomas Vinterberg. “How To Catch A Monster” Dir. Ryan Gosling.

La Palma de Oro por país: Los autores de las obras premiadas por nacionalidad Estados Unidos 14 Italia 12 Reino Unido 9 Francia 8 Japón 4 Dinamarca 4

Datos Curiosos: •

El costo total del montaje del festival es de aproximadamente $20 millones de Euros.

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Entre actores, directores, productores, agentes y público en general más de 200,000 personas se dan cita para este magno evento.

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El número de periodistas en el año 2013 cubriendo el festival fue de 3,767. Esta cifra sólo es superada por la cantidad de medios que cubren las olimpiadas.

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En el año 1951 el festival cambia de realizarse en Septiembre y se realiza en Abril, luego en ese mismo año se decide de manera definitiva fijar el mes de Mayo como el más ideal.

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El 15% de los ingresos que reciben los hoteles en Cannes durante el año ingresan durante las dos semanas que dura el festival.

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La alfombra roja tiene una longitud de 2 km y es cambiada tres veces al día.

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Un total de 850 empleados tienen a su cargo el desarrollo del festival.

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Cada año más de 1,000 filmes son sometidos a consideración para el festival.

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Un costo estimado de US$ 123,000 es lo que se necesita para rentar una villa en las cercanías del teatro del festival.

Alf Sjoberg

Emir Kusturica

Shohei Imamura

Luc y Jean-Pierre Dardenne

Directores con múltiples Palma de Oro

Todos igualados con dos premios.

Alf Sjoberg Dinamarca 1946,1951 Francis Ford Coppola Estados Unidos 1974,1979 Billie August Dinamarca 1988,1992 Emir Kusturica Serbia 1985,1995 Shohei Imamura Japón 1983,1997 Luc y Jean-Pierre Dardenne Bélgica 1999,2005 Michael Haneke Austria 2009,2012 Fuentes: www.theplaylist.com

www.festival-cannes.com

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Nymphomaniac L u is B eiro

Dogma

95 ha sido el movimiento cultural más importante de finales del siglo XX. Con él nació una forma distinta de hacer un cine no contemplativo. En franca rebeldía contra el arte comercial, el movimiento se involucró una línea de trabajo a partir de gentes y temas de las minorías, excluidos sociales y enigmas a los que nunca nadie se había atrevido a mirar dentro del alma de ese tipo de seres. Un cine desafiante y atrevido, de profunda naturaleza interpretativa. Un cine que revolucionó no solo el concepto ético, sino el mismo hecho artístico. El cine de estos artistas rompió esquemas escenográficos, musicales y fotográficos. Sus guiones mostraron maneras muy personales de enfrentar la puesta en escena. Es un cine donde la contraluz y los efectos especiales abandonan su naturaleza externa para adquirir dimensiones sangrantes. Todos los integrantes de Dogma 95 han dirigido cintas memorables. Su creador, Lars Von Trier (Copenhague, Dinamarca, 1956), ha sobresalido por su luz y por su lengua. Su obra no se avergüenza de sumar, junto a su esplendor artístico, lo controversial.

Sus películas escandalizan. Von Trier es un provocador que no conoce límites. Desde la ingenua irreverencia de Los idiotas hasta la desgarrante censura a la condición humana en El elemento del crimen, sin olvidar el desamor (Breaking the 22

waves), el cine dentro del cine y el lado trágico de la magia (Epidemic) y el culto al sentimiento diabólico (Antichrist). Dogville y Manderlay, con el paso del tiempo, han devenido en dos cintas que han ranqueado la maestría de Von Trier, no solo en sus aportaciones escenográficas y en la dirección de actores, sino en el desarrollo de estas historias donde la naturaleza individual es vilipendiada por quienes se jactan en respetarlas. Melancholia le dio un viraje al tema la ciencia ficción. Con esta película, Trier no pensó en consecuencias, ni tampoco en maestros como Tarkovski (Solaris) y Kubric (2001, la odisea del espacio), muy difíciles de igualar. Creó una cinta donde la naturaleza humana es la mayor consecuencia de los misterios de la creación. Esa visión ha estado ausente en obras de este género. Trier prefiere personajes que se mueven en condiciones extremas. Sabe cómo exigirle a su elenco, y a veces se extralimita en su búsqueda de perfección. Es famosa la anécdota de Nicole Kidman al terminar el rodaje de Dogville: “Con ese director no trabajo nunca más”. Lars Von Trier es de los que filman una misma escena tantas veces como le convenga y desde

a r t Í c u l o distintos ángulos para después enloquecer en la sala de edición. Porque el secreto de sus películas se encuentra precisamente dentro de ese espacio que, según ha confesado: “le permite rearmar sus películas de varias formas y ordenarlas en versiones y contrapropuestas”. Esto conforma, con más severidad, la atmósfera de misterio pretendida. Esa es su pasión. No teme exigirle a los protagonistas el empleo de las más complejas técnicas escénicas, entre las que sobresalen sus contactos con el distanciamiento de Bertold Bretch. Esta virtud sabe ser mezclada con otros recursos técnicos como pueden ser los actores hablándole a la cámara y las distintas tomas en busca de lugares propicios para producir la inquietud en un espectador que se percata de que está frente a algo mucho más complejo que un simple relato maravilloso.

palabras con referencias religiosas, artísticas, matemáticas y cósmicas. Siempre en busca de una espiral complementaria para que la mujer se sienta segura, adquiera confianza y no esconda su verdad detrás de improntas indebidas. Es por ello que cuando el filme se detiene en las conversaciones de estos personajes, pierde su naturaleza anecdótica y se concentra en un tratado cultural donde la cámara se esmera en captar los primeros planos, tanto de los parlantes como de los detalles referenciales que se encierran, ya bien dentro de la habitación, a través de la ventana, o dentro de las reflexiones de la protagonista. Estas secuencias borran de la obra cualquier referencia conceptual porque ilustra apotegmas. Es por ello que Trier entremezcla con sobria pulcritud esas reflexiones con imágenes llenas de poesía y sonidos naturales como banda sonora. Dentro de la habitación ocurre lo contrario. La música de Beethoven, Bach, las polifonías medievales, las historias de Poe y las diversas maneras de narrar episodios sin límites éticos, saben atrapar al espectador, porque dentro de esos parlamentos va naciendo un sentimiento de identidad, como si ambos protagonistas se conocieran de toda la vida.

A finales de 2013, Lars Von Trier volvió a ser centro de polémicas con el estreno Nymphomaniac un proyecto de más de cinco horas de duración que, con toda intención, el director no inscribió para concurso en Cannes. Después del estreno de la versión completa, el director la dividió en dos partes y redujo el metraje total a cuatro horas. La película ha provocado polémicas y confrontación crítica, algo muy estimado para el polémico director danés. Con ella, los anteriores intentos por llevar al cine experiencias de mujeres ninfómanas han La quedado relegados. Aquí hay algo más que una vida dedicada al placer. Aquí se expone una simbología de filosofía sobre la condición humana a partir de concebir el sexo como no como consecuencia máxima de la relación en pareja. El Nymphomaniac sexo, para las ninfómanas, no es un canto al amor. El amor no importa. Ellas procuran va más allá un frenesí carnal, totalmente experimental, donde el dolor sirve de sonrisa, la vergüenza de un simple juego se pierde y se canta al placer gratuito. Se canta a sentir experiencias diversas a partir de la de contrastes. concepción de este tipo de personajes. La simbología de Nymphomaniac va más allá de un simple juego de contrastes. El hecho de que la película esté narrada por la protagonista no la inhibe de su concepción homofóbica en el sentido sexual de la palabra. En los planos externos del filme, Lars Von Trier mueve sus fichas a partir del enfrentamiento entre lujuria y moral. Pero en su entramado total se mueve otra circunstancia. Por una parte, la protagonista muestra placer en contar su historia, y por la otra, va descubriendo que sus aventuras deslumbran a un sesentón con su virginidad inmaculada. Mientras ella recuerda sus extravagancias, el hombre engarza sus

La sinceridad que se respira en esta cinta no es gratuita y tiene consecuencias irreparables para ambos seres, sobre todo para aquel hombre que no teme confesar su vocación asexual.

Para que el filme mantenga un ritmo transparente, el director ilustra los relatos con escenas concretas que a veces enternecen y otras irritan. Tampoco oculta sus coincidencias con otros de sus filmes. Un ejemplo lo hayamos cuando el niño Michel, mientras su madre sale a uno de sus tantos encuentros sadomasoquistas, salta de la cuna y se acerca a la ventana abierta, con ánimos de saltar al vacío desde una segunda planta. Solo que en Nymphomaniac no ocurre lo mismo que en Anticristo, porque aquí el padre llega a tiempo para salvar a su vástago y llevárselo consigo para siempre, lejos de su madre.

El director está acostumbrado a mantenerse con elegancia sobre la línea que divide el cine del teatro; esta es una película con dos personajes antagónicos unidos por un ejército de seres complacientes del el apetito carnal de una ninfómana. Es el filme más sexual de Von Trier y a su vez donde menos importa el silencio. Es la reflexión a partir de la palabra la que lleva la historia en una batalla entre intuición y conocimiento. Ambos personajes reinan dentro de sus respectivas culturas, con sus propias visiones de la vida y que, a fin de cuentas, son víctimas de sus propios fantasmas. Ella (una Charlotte Gaingsbourg que ojalá nunca caiga en las garras del cine comercial) adicta al sexo en todas sus formas y variantes y él, un Stellan Skarsgard (que ocupa un merecido protagonismo en el cine escandinavo actual) poseedor de una sólida cultura que lo hace culpable ante sí mismo. El trabajo actoral de ambos será siempre recordado. 23

a r t Í c u l o Toda la película es un cuadro de Matisse preparado para ser leído desde el fondo de la extemporaneidad, porque el director solo ha pretendido retratar un tipo de conducta humana que el cine siempre ha visto con ojos de comercio y de tabúes. Aquí hay una fotografía cómplice. No es gratuita la presencia de Von Trier también detrás de la cámara sugiriendo planos, estrategias y disfunciones en busca de la imagen perfecta. La belleza de esa fotografía está dentro del propio relato cinematográfico porque el guión así lo concibió. Nymphomaniac está escriba con lujo de detalles, con información casi académica y pulcritud no ostentosa porque, en resumidas cuentas, el director solo trata de llamar la atención del espectador a partir de un tipo de personalidad poco común, pero decisiva dentro del complejo mundo de la naturaleza del reino animal.

Charlotte Gaingsbourg y Stellan Skarsgard brillan, Stacy Martin y Shia LaBeouf iluminan. Ellos dos son el contrapeso de los protagonistas. Ella, como Joe la ninfómana, en su juventud, y él como Christian, el primer amor que la rechaza, la persigue, la soporta, la prostituye, la rescata, la maltrata y la abandona. No menos estelares son las actuaciones, por ejemplo de Uma Trhuman y William Dafoe. El reparto, en su totalidad, goza de buena salud porque si de algo se puede vanagloriar Lars Von Trier es su manía casi obsesiva de sacar de sus actores todo lo que quiere sin restricciones, ni límites. Sabe ser extremo, y prudente a la vez. Prudente en el sentido de evitar la pornografía y las trampas del cine comercial. Hay escenas memorables, de esas que jamás podrán desaparecer de la memoria del cinéfilo, y otras perfectamente remplazadas que, si bien fueron concebidas, el director marcó con ellas un propósito desestabilizador. Al primer grupo pueden incluirse la golpiza Joe, las escenas de sadomasoquismo, perfectamente desgarrantes, así como la propuesta de sexo interracial cuando la protagonista escapa del cuarto desnuda, con su ropa en mano, mientras los hombres, también desnudos, discuten cuál de ellos tendrá el sexo privilegiado. Al segundo grupo pueden pertenecer las escenas lésbicas y la autogolpiza de la Joe joven con una toalla en su vagina en busca de dolor para provocar el orgasmo.

País: Dinamarca. Año: 2013. Duración: 240 minutos. Dirección y guión: Lars Von Trier. Reparto: Charlotte Gainsbourg, Stellan Skarsgård, Stacy Martin, Shia LaBeouf, Connie Nielsen, Christian Slater, Nicolas Bro, Jesper Christensen, Uma Thurman, Caroline Goodall y Kate Ashfield. Sinopsis: Un hombre solterón encuentra en una callejuela a una mujer golpeada salvajemente. La lleva a su casa y mientras la cuida y la protege, esta le cuenta la historia de su vida.

Guión, fotografía, puesta en escena, banda sonora, dirección de actores y edición es todo lo que necesitó Lars Von Trier para acercarse a la vida desde la perspectiva que él más conoce: el lado oscuro. Al igual que sus personajes, sus guiones trabajan la psicología interior del protagonista desde perspectivas que fluctúan entre la ingenuidad (Dancer in the dark o Melancolía) hasta la perversión (El elemento del Crimen, Europa o Anticristo) sin olvidar el tono de comedia irreverente (Los idiotas o El jefe de todo esto). Con Nymphomaniac, Lars von Trier continúa una propuesta artística muy parecida a una sinfonía en do mayor. De ese tipo de sinfonía que desnuda la incapacidad humana para apaciguar los demonios del alma. Esta vez consigue una atmósfera envolvente. El erotismo desenfrenado de la protagonista evidencia su terrible soledad, su ansia por descubrir el secreto del sexo no en el amor, sino también en un simple acto placer que puede llegar de múltiples maneras, incluso con dolor.

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a r t Í c u l o

Lars Von Tier en la filmación de “Antichrist”.

Filmografía de Lars Von Trier Befrielsesbilleder El elemento del crimen Epidemic Medea Europa Rompiendo olas Los idiotas

1982 1984 1987 1988 1991 1997 1998 Bailar en la oscuridad 2000 Dogville 2003 Manderlay 2005 El jefe de todo esto 2006 Anticristo 2009 Melancholia 2011 Nymphomaniac 2013

con Edward Fleming, Kirsten Olsen. con Michael Elphick, Esmond Knight, Meme Lai. con Lars Von Trier, Allan De Waal, Ole Ernst (Trilogía “Europa”). con Udo Kier, Kirsten Olesen, Henning Jensen (Trilogía “Europa”). con Jean-Marc Barr, Barbara Sukowa, Udo Kier (Trilogía “Europa”). con Emily Watson, Stellan Skarsgard, Katrin Cartlidge (Trilogía “Los corazones de oro”). con Bodil Jorgensen, Jens Albinus, Anne Louise Hassing (Trilogía “Los corazones de oro”). con Bjork, Catherine Deneuve, David Morse. (Trilogía “Los corazones de oro”). con Nicole Kidman, Paul Bettany, Lauren Bacall (Primera parte de la trilogìa inconclusa: “Estados Unidos, el país de las oportunidades”). con Bryce Dallas Howard, Issach De Bankolé, Danny Glover (Segunda parte de la trilogía inconclusa: “Estados Unidos, el país de las oportunidades”. con Jens Albinus, Peter Gantzler, Fridrik Thor Fridriksson. con Willem Dafoe, Charlotte Gainsbourg. con Kirsten Dunst, Charlotte Gainsbourg, Stellan Skarsgard con Charlotte Gainsbourg, Stellan Skarsgard, Shia LaBeouf, Connie Nielsen.

Dogville

Bailar en la oscuridad

Rompiendo olas

Lars Von Trier dirigiendo Dogville

Manderlay

Melancholia

Nymphomaniac

e e lv ai s c t ti a n o a m e r i c a n o e ni n t r

YANILLYS PÉREZ R u b é n P eralta R iga u d

c i n e

e n t r e v t o a e r l a t i n o a m i ci s a n

una actriz y directora de origen dominicano. Empezó su carrera de actuación en Santo Domingo, estudió en Bellas Artes, y siguió tomando cursos de actuación en Londres, New York y París. Su experiencia como actriz y su pasión por el cine la ayudó a aprender de manera autodidacta el arte de dirigir. Yanillys Pérez es la realizadora del cortometraje dominicano “Techos Rotos”, el cual ha sido seleccionado para competir en la Selección Oficial del Festival Internacional de Clermont Ferrand. Clermont Ferrand International Film Festival es el festival del mundo más importante dedicado a cortometrajes. Es el segundo festival más grande de Francia después de Cannes, en cuanto a audiencia y la asistencia de profesionales de la industria cinematográfica. Este festival acoge alrededor de 100,000 personas durante su evento cinematográfico. Como talento dominicano radicado en el exterior, nos ha permitido hacerle esta breve entrevista

CINEASTA: Nombre completo Yanillys Pérez

interesantisimo. No sé si es la mejor idea. Jajaja

¿A qué te dedicas? A escribir, actuar y dirigir. ¿Tienen algo en común para ti la vida y el cine? El cine es un reflejo de la vida, de nuestra sociedad, de nosotros y de nuestro alrededor. Nosotros los seres humanos o no humanos somos personajes principales o secundarios en la búsqueda de algo, con una razón y un por qué. Tenemos obstáculos o problemas para alcanzarlo como en una historia para el cine. Como vives en Francia, ¿son arrogantes en el arte, los franceses? Los franceses son personas muy cultas, muy curiosas y se interesan mucho en otras culturas y geografía. Es mi punto de vista y la manera que los percibo. Son más distantes que nosotros los latinos, pero una vez que toman confianza son un amor. ¿Por qué elegiste el cine como medio de expresión? Porque me parece que es el arte más completo, en el cual puedo expresarme con más libertad, plenamente y difundir mi arte en diferentes países y culturas. Si pudieras ver una película con alguien famoso (Vivo o muerto), ¿quién seria y por qué? Ingmar Bergman, Steven Spielberg, los dos juntos comentando la película al final, sería

En el 2009 participa como actriz en la película Carlos de Olivier Assayas, la cual fue seleccionada en “Cannes Film Festival” 2010, esta película la lleva a diferentes festivales internacionales, Carlos gana un Golden Globe, entre otros premios.

Ingmar Bergman Steven Spielberg

¿Te gusta el cine dominicano? ¿Por qué? El cine dominicano se está creando y está creciendo. Podemos decir que estoy muy atenta a su evolución y que espero seguir creciendo junto a él. Menciona 3 actores de los que te has enamorado. Leonardo DiCaprio. ¿Has dicho alguna mentira en las preguntas de arriba? Para nada. ¿Cuál es tu manía favorita? Umm manía, no sé.

Menciona 3 actores o actrices con las cuales quisieras trabajar. Ufff como actriz tengo varias en mente, como directora otras diferentes. La verdad como directora disfruto mucho el contacto con el actor y no actor, al igual que actriz; para mí lo más importante es el trabajo y la unión que se crea con su colega con la finalidad de crear una realidad ficticia. ¿Qué pensabas mientras caminabas en la alfombra roja en Cannes? Sinceramente la mente se me fue en blanco, los nervios pusieron una especie de velo delante de mí, sólo recuerdo que cuando escuché mi nombre, me di cuenta que estaba caminando en ella (ríe). ¿Tarantino o Spielberg? ¡¡¡Spielberg!!!

Héctor Valdez P ablo M u stonen

Hace

varios años que no escribo sobre una película dominicana ya que soy productor de cine y creo que no es ético opinar sobre producciones de mis colegas. En esta ocasión tampoco lo haré, pero sí hablaré un poco sobre Héctor Valdez, mi amigo, colega y futuro socio.

cortometraje. Al poco tiempo me comentó que se iba a embarcar en “Al Sur de la Inocencia”, su primer largometraje. Con 24 años iba a hacer su sueño realidad. Quien suscribe, no conocía nada del proyecto hasta que me mostró el filme hace alrededor de 6 meses.

Conocí a Héctor hace alrededor de dos años, cuando estaba presentando su corto “729”. Lo primero que me sorprendió de este joven cineasta fue su gran conocimiento sobre el Séptimo Arte. En aquel tiempo, con solo 22 años, creo que él había visto más películas clásicas e imprescindibles del cine que yo. Su afán por ver buen cine crecía con el tiempo y compartíamos una lista de títulos que debíamos ver. Encontré un “alma gemela”.

La madurez de Héctor me impresiona, prefiere leerse un buen libro o ver una película antes que irse de “bonche”. O pensar en su próximo proyecto, al cual le dedica tiempo, energía y corazón. Una de sus mayores virtudes, y que todos deberíamos tener, es la humildad.

Con el paso del tiempo me compartió su corto “Durazno enlatado”, el cual me sorprendió de manera muy positiva. Tanto la idea como la realización me llamaron mucho la atención. No dudé en llamarlo y comentarle que ese era su mejor

Por último no quiero dejar de mencionar la relación que tiene Héctor con sus padres. Es inspirador y a la vez motivador verlo con su familia y lo más importante es que ellos lo apoyan 100% en llevar su sueño a la realidad. Hasta nuestro próximo proyecto…

Pablo, Doña Fior y Héctor.

HÉCTOR VALDEZ Director

CINEASTA: Desde la idea original hasta el rodaje, ¿cuánto tiempo te tomó hacer Al Sur de la Inocencia? HÉCTOR: La idea original surge entre Diciembre del 2011 y Enero del 2012, y rodamos durante todo el mes de Abril y la primera semana de Mayo del 2013. Entre la idea original y finalizar el rodaje fue cerca de 1 año y medio. Desde ese entonces, aquí seguimos en plena faena.

CINEASTA: Ya por fin vas a ver tu sueño hecho realidad, el estreno de Al Sur de la Inocencia en las pantallas dominicanas. ¿Cómo te sientes? HÉCTOR: Principalmente, me siento sumamente afortunado de haber tenido la oportunidad de poder haber llevado a la pantalla grande una historia que desde el principio fue marcada por vivencias personales a las que me había propuesto a hacerle tributo en mi primer largometraje desde hace ya un poco más de dos años, y sumamente agradecido de haber podido contar con un equipo que se empeñó en hacer el mejor trabajo posible y que hoy en día, gracias a la experiencia y las vivencias

que tuvimos, puedo llamar familia. La experiencia de rodar en el sur fue totalmente terapéutica y sumamente mágica. Me acuerdo de días en donde creíamos que llovería y la lluvia se quedaba quieta a unos 5 kilómetros de nuestra locación. Recuerdo la camaradería, los largos trayectos en la carretera oyendo rock clásico con los muchachos de cámara, los ceviches en Ocoa y la disposición de todos para lograr hacer la mejor película que pudiéramos. Fue simplemente inolvidable y mejor experiencia que esta no pudiera pedir para mi primer largometraje. CINEASTA: ¿Qué significa esta película para tí? HÉCTOR: Al Sur de la Inocencia no sólo significó para mí un gran desafío a nivel técnico y un gran peldaño en mi carrera que apenas empieza, sino que también sirvió de desahogo y confesionario. Me explico: la raíz de todo este proyecto surge de las experiencias que viví durante el año 2011, que para mí fue un período muy turbio. El 2011 fue el año en que falleció mi tío Ramón y pocos meses después nos enteramos de que nacería mi primera sobrina, Amalia Margarita. En esa época reflexioné mucho sobre la vida, lo que me había proporcionado y fácilmente me podría quitar en

cualquier momento. Reflexioné acerca del ciclo de la vida y de la vida misma representada como un viaje que todos debemos tomar. De ese modo, mi enfoque en el cine también cambió. Al Sur de la Inocencia representa mi deseo de contar un cine sincero, que incluso tilde (o se inspire) de lo semi-autobiográfico, inspirado en sentimientos y experiencias vividas. Mi deseo, a partir de mi primera película, se convirtió en el de comunicar mediante mi filmografía sentimientos y experiencias que me hayan marcado. Quiero que todo mi arte contenga esto, y la película representa mi punto de partida y mi oportunidad para empezar este recorrido. CINEASTA: Luego de tus cortos “729”, “Durazno Enlatado” y “El Fallo”; ¿te sentías ya preparado para realizar tu primer largometraje? ¿Consideras que todavía estás en etapa de aprendizaje? “ De lo que más disfruté

filmar de la película fueron

HÉCTOR: ¡Ahora es que falta! Todavía estoy encontrando mi voz y definiendo mi estilo dentro del carro, un en el cine. Además, creo que pequeño Mini Cooper siempre tendré esa aprehensión y ansiedad que todos sentimos descapotable. Estas al embarcar en un nuevo proyecescenas son los encuentros to, y sobre todo en una labor tan sacrificada y que requiere de tanta más íntimos entre Vera, entrega como lo es un largometraAndrés y Santiago, ...” je. Los cortos me dieron una idea de qué sería rodar un largometraje a una menor escala. Sin embargo, hubiera hecho 5 cortos ó 20 cortos y no creo que me hubiera sentido 100% preparado del todo. Honestamente, más que sentirme preparado, fueron mis experiencias personales que me motivaron y crearon en mí la necesitad de embarcar en este proyecto. Me sentí profundamente convocado a hacer este proyecto por lo que viví y sentí. Como expliqué anteriormente, Al Sur de la Inocencia viene de sentimientos muy personales y se basa en experiencias cercanas, aunque no las haya experimentado directamente. Siento que estoy en constante aprendizaje, e incluso cada vez que veo la película aprendo algo nuevo de mí y de las decisiones que como director tomé al rodarla.

las diferentes escenas

No creo que se deje de aprender, sino todo lo contrario. El constante aprendizaje es lo que nos fortalece para seguir creciendo, y cada experiencia en el ámbito del cine es única y con necesidades, problemas y oportunidades diferentes a las de proyectos anteriores y muchas veces hasta impredecibles. Por eso 34

tomo cada experiencia como un aprendizaje más. Creo que el día que sienta que no tengo que aprender más será el día en que pierda mi enfoque y mi razón de hacer cine. Por eso, con orgullo admito que me encuentro en mi etapa formativa, acepto mis errores como cicatrices de batalla, y espero seguir aprendiendo y nutriéndome no sólo de mis experiencias, sino de las experiencias de los más experimentados de la materia. Soy un eterno estudiante, y me gusta que sea así. CINEASTA: Háblanos un poco de la historia de Al Sur de la Inocencia y qué fue lo que más te gustó de filmar la misma. HÉCTOR: Al Sur de la Inocencia cuenta la historia de Vera y Andrés, dos hermanastros de clase privilegiada dominicana que conocen a Santiago, un fotógrafo de intenciones desconocidas, y aprovechan su invitación de escapar al sur del país tras una tragedia familiar engorrosa que quieren evadir a toda costa. En el transcurso de esta escapada, conocen personajes muy pintorescos, hermosos paisajes y se abren a nuevas experiencias que les hacen perder su inocencia, madurar y poder afrontar la realidad que no quieren reconocer. De lo que más disfruté filmar de la película fueron las diferentes escenas dentro del carro, un pequeño Mini Cooper descapotable. Estas escenas son los encuentros más íntimos entre Vera, Andrés y Santiago, así como también los momentos en donde están las interacciones más pintorescas con los personajes del sur. De esa misma manera, cada vez que nos movíamos a una nueva comunidad, nuestro DP (Frankie Báez) y yo nos íbamos con cámara en mano a capturar imágenes del día a día en el sur. Me encantaron tanto estos momentos espontáneos que terminaron siendo parte de la película y, junto a los paisajes, sirvieron para retratar a la región como un personaje auténtico. CINEASTA: Felicidades por ser elegido para la Selección Oficial del Chicago Latino Film Festival, ¿qué significó esto para ti? HÉCTOR: Confieso que fue una muy grata sorpresa ya que no me la esperaba para nada. Es el primer festival de esa categoría en el que seleccionan uno de mis trabajos y me siento muy honrado por la selección. Recuerdo que hace ya unos años fue seleccionada en este mismo festival La Hija Natural de Leticia Tonos, cuyos trabajos son de los que más admiro de nuestro cine local. En fin, para mí es un honor y me alegró mucho poder compartir esta noticia con el equipo. Fue totalmente energizante y motivador. Por otra parte, trato de tomarme estas noticias como un postre y

no el principal objetivo. Es decir, el verdadero premio es la jornada y bendición de poder hacer un proyecto como este, las personas que uno conoce en el camino y las vivencias que marcan a uno en el trayecto. Al final esas vivencias son las que nos quedan y me acuerdan por qué quise embarcar en esto desde un principio.

Domingo y la partida hacia el sur. Ya cuando empezamos el primer día, en Palmar de Ocoa, teníamos la experiencia del rodaje en la ciudad, todos ya nos conocíamos y estábamos descansados y pudimos preveer fallos técnicos que se nos habían presentado en la primera parte del rodaje. El rodaje fue mucho más complejo que en la ciudad, sí, pero admito que estábamos más preparados.

CINEASTA: ¿Qué tan complejo fue filmar en el sur?

CINEASTA: Sabemos que eres fanático de la música, principalmente del género indie. Tenemos entendido de que tú mismo te encargaste de la elegir la música de Al Sur de la Inocencia ¿Ya la tenías pensada, o fue en el momento de edición?

HÉCTOR: Confieso que al principio le tenía un poco de miedo a lo que se podría presentar en el sur, pero esta parte del rodaje resultó ser mi favorita y de la que estoy más contento de la película. Antes de rodar en la región sur, hice con mi equipo alrededor de 9 o 10 viajes en los que llegué a familiarizarme y encontrar los mejores lugares posibles para el rodaje. Incluso, en etapas tempranas de desarrollo, me aventuré con un pequeño crew a hacer un demo para plasmar mi propuesta visual y probar lo que quería hacer antes de entrar en la pre-producción formal. Esto nos ayudó mucho a mí y a Frankie en materia de la fotografía y para plantear nuestra estética. Nuestro equipo de producción, encabezado por Héctor Ulises Montás, también hizo un excelente levantamiento de la región. Tanto así que ya para el primer día de pre-producción con todo el equipo ya teníamos todas las locaciones coordinadas, visitadas y establecidas para nuestro rodaje. Siento que toda esta preparación previa nos ayudó a enfrentar mejor los desafíos que nos encontraríamos en el proceso y permitió que tuvieramos una producción sumamente organizada. Otra cosa que nos facilitó fue tomarnos unos días para recobrar fuerzas entre el rodaje en Santo

HÉCTOR: Fue una mezcla entre las dos. Por ejemplo, antes de empezar a rodar y gracias a nuestro compositor, Sergio Marte, tuve la dicha de conocer el trabajo de Eduardo Tió y sentí una conexión inmediata con su trabajo. Así que dos de sus canciones, La Noche es Joven y Canción para cantar, las tenía en la mira desde el principio. Lo mismo pasó con la música de Diego Mena, que soy fanático desde hace ya un tiempo. Sin embargo, durante el rodaje conocí la música de otra agrupación nueva, Capital, que es encabezada por Ricardo Polanco, quien también trabajó en la película. Me enamoré de su canción Noche sin Color y terminó en nuestro soundtrack. Otro caso similar fue la canción Lecciones de Los Violetas. Recuerdo que Auro me mostró la canción un día libre en Palmar de Ocoa, y también me enamoré de la misma por el estilo y porque contaba el mismo mensaje que yo quería transmitir con la película. Y la música instrumental de Vohké la utilizamos inicialmente como pistas de referencia al momento de editar la película. El proceso fue

Delante: Richard Ortiz, Kristel Tejeda, Frank Perozo, Héctor Ml. Váldez, Leafar Brea, Andrés ‘Kabubi’ González, Atrás: Junior Sánchez, Betty de la Cruz, Alfonso Granata y Yinna de la Cruz.

Christian Álvarez, Frank Perozo y Sarah Jorge León - Andrés, Santiago y Vera cantan en el karaoke.

tan orgánico que la parte instrumental terminó siendo una mezcla de las canciones de Vohké y el score original de Sergio Marte. El himno de nuestra película fue desde un principio Arena de Otoño de Nino Bravo. Fue la que orientó la historia a las costas, al amor efímero, al sol y la arena. También me acordaba a cuando era pequeño, me producía nostalgia. El sur es una región que provoca en mí ese sentimiento también, pues la veo como un oasis atrapado en el tiempo. Esta pieza terminó siendo cantada por nuestros actores principales: Christian, Sarah y Frank en dos ocasiones en la película. A manera de pura casualidad, armé nuestra propia versión y en onda indie junto a Sergio y una amiga argentina, Gabriela Beltramino, que conocí por casualidad durante la pre producción que venía al país para presentarse con Pavel Núñez en un show de jazz en Casa de Teatro. Esta versión la podrán escuchar en los créditos de cierre de la película. CINEASTA: Háblanos un poco del cast de esta película HÉCTOR: Le tengo mucho respeto, admiración y cariño al cast de Al Sur. Para mí fue maravilloso reencontrarme con los dos actores de mis dos primeros cortos: Christian Álvarez y Sarah Jorge León (El Fallo y 729, respectivamente). Ha sido una dicha también contar con su talento para nuestro primer largometraje. De esa misma manera, cerrar el trío de los protagonistas con Frank Perozo para mí fue un sueño hecho realidad, ya que desde que vi su trabajo en Yuniol y luego en Miente tenía muchas ganas de trabajar con él. La película también cuenta con el respaldo de grandes actores, como lo son Laura García Godoy y Mario Lebrón. Laura también fungió como acting coach de la película, y me sentí muy bien

acompañado por ella durante todo este recorrido. Aprendí mucho de su proceso y colaborar juntos me abrió a nuevas sensibilidades. Otras apariciones a destacar son la de Julietta Rodriguez, quien anteriormente fue protagonista de La Hija Natural y la de Luis Nova encarnando al tío Otto, el favorito de la familia de Vera y Andrés. Aparte de los lazos familiares que nos une, con Luis había tenido la oportunidad de ver su debut actoral en una pequeña película que realizamos un grupo, encabezado por José María Cabral, en el 2006 llamado Traición Oculta. Al Sur de la Inocencia también promete traer de frente muchas sorpresas para el público mediante nuevas caras. Este fue uno de mis enfoques, en donde buscamos talentos en lugares poco usuales y a base de audiciones extensivas. Fue de esa manera que un día casual fui a ver con mi familia Piratas y Sirenas en el Teatro Nacional y me sorprendió la presencia escénica de Auro Sónico, quien he venido siguiendo como fan desde su época de Auro y CLEMT y de inmediato me quise reunir con él para proponerle un papel. De igual manera, uno de los personajes que más difícil se nos hizo encontrar era quien iba a encarnar a Manolo, el español dueño del hostal en donde se hospedan los personajes durante su estadía en el sur y es quien aconseja a Andrés como si fuera a un hijo en el clímax de la película. Fue así que el equipo de producción, durante un viaje al sur que no pude asistir, conoció por pura casualidad en Barahona, en un hostal llamado El Loro Tuerto, a un personaje que querían a toda costas que conociera. Ese fue Ugo Gianino, que luego viajó a la capital para entrevistarse conmigo y de hablar con él me di cuenta que él era Manolo en vida real y ficción y realidad 37

se juntaron. De ese modo contamos también con el debut en cine de Crystal Jiménez Vicens, quien el público pudo conocer en la obra de teatro Glorious. Así como personajes inolvidables con la participación de Dominique Telemaque, Carlos Naveo, Lucía Román, Luis Arias, Carlos Báez y Dulcita Lieggi. Sé que el publicó se llevará gratas sorpresas con sus personajes. CINEASTA: Algunas anécdotas interesantes del rodaje HÉCTOR: Luego de terminar por completo el rodaje, nuestro editor, José Delio Ares, me pregunta perplejo que cuál había sido el secreto durante las últimas dos semanas de rodaje. Según su parecer, estas dos semanas fueron las que consistentemente y a nivel técnico producimos el mejor material para la edición. ¿El secreto? Resulta que en la comunidad donde estábamos hospedándonos nos quedamos, a raíz de una avería, sin internet, señal de celular o línea directa en las flotas de la producción; y para colmo con roaming de Haití. De manera que no tuvimos ninguna distracción y el enfoque y la armonía del crew se triplicaron. Así que a partir de esta experiencia, de ahora en adelante, voy a prohibir el uso de celulares a menos que sea absolutamente necesario en mis sets. CINEASTA: ¿Qué fue en lo que más hiciste énfasis para tu primer proyecto? HÉCTOR: Algo que me propuse para mi primer proyecto fue en hacer las cosas lo más diferente posibles a como se hacen en nuestro cine habitualmente. No porque no funcionan, sino porque mi anhelo es el de ir creando con el tiempo y mientras más

Christian Álvarez, Frank Perozo y Sarah Jorge León - Andrés, Santiago y Vera.

proyectos vengan un estilo propio que caracterice mi obra. Una de estas cosas fue la fotografía de la película: nos fuimos a una estética que inspirara a la nostalgia mediante el uso de lentes antiguos (que ya de por sí esto fue un desafío, sobre todo con el foco), un estilo de iluminación naturalista y sin estilizaciones excesivas y con planos que van evolucionando entre el ‘handheld’ (o a mano) hacia planos fijos para destacar la evolución del caos y el estilo de vida sin rumbo de Andrés hasta llegar a la paz que le trae el sur. Esto fue algo que Frankie y yo habíamos discutido ¿El secreto? Resulta que en la desde antes que se comunidad donde estábamos desarrollara el guión hospedándonos nos quedade la película.

mos, a raíz de una avería, sin

internet, señal de celular o línea Quise también enfatizar rostros directa en las flotas de la pronuevos, como dije anducción; y para colmo con roateriormente en la preming de Haití. De manera que gunta sobre el cast. no tuvimos ninguna distracción Admiro el trabajo de y el enfoque y la armonía del muchos de los roscrew se triplicaron. tros más conocidos en nuestro cine, pero me propuse a romper el paradigma habitual. En nuestro país hay mucho talento que merece brillar y que tiene mucha sed de hacer proyectos diferentes. Por eso me siento muy feliz de haber podido trabajar con tantos rostros frescos, rostros establecidos en otras áreas del arte, como Auro Sónico y Luis Nova, y talentos cuya trayectoria admiro como son Frank Perozo y Laura García Godoy.

Durante el rodaje

Por último, y mi principal énfasis, fue el de contar una historia sincera y sin pretensiones. Esto va también de la mano con el manejo de los temas más controversiales que contiene la trama, como lo son: la muerte, la pérdida de la virginidad, la homosexualidad, la violencia y el consumo de sustancias. No quería que ninguno de estos temas distrayeran de la esencia de la historia: la inocencia. Así que desde el principio se trabajó mucho la naturalidad, el de tratar las cosas sin tapujos pero tampoco entrando a lo sensacionalista. Es decir, desde el trabajo con los actores hasta la mismos planos que cuentan la historia, se idearon de manera bastante cotidiana, sin pretender mostrar más de lo que cada situación plantee. No quiero dictarle al público una manera de pensar acerca de estos temas, sino traerlos a la luz para que todos podamos sacar nuestras propias conclusiones. CINEASTA: ¿Tomaste algunas películas como punto de partida o referencia, cuáles? HÉCTOR: Sí. A simple vista la comparación más obvia es el parecido con Y Tu Mamá También de Alfonso Cuarón en cuanto a la premisa de tres jóvenes que se van por la carretera. Después de ahí nada que ver una con la otra. De esta película me inspiré más que temáticamente sobre la naturalidad en que se manejaban los temas fuertes, como destaqué en la pregunta anterior. Sin embargo, si debo tomar una película como punto de partida, diría que sería Into The Wild. Hay algo de escapar y dejar todo atrás que me encendió la chispa para la idea original.

Más que a películas, mi punto de partida son dos fuentes: la canción Arena de Otoño de Nino Bravo, que fue la que me inspiró a querer contar una historia en las nuestras costas y que tratase de un romance efímero. Así como también la novela Kafka en la orilla de Haruki Murakami, uno de mis escritores contemporáneos predilectos, que cuenta la historia de Kakfa Tamura, un jóven que tras cumplir los 15 años huye de su casa y la influencia de su padre y en un viaje surrealista se ve forzado a madurar y a enfrentar los traumas de su pasado. La película hace referencias (algunas más sutiles que otras) a las siguientes películas: Taxi Driver, Star Wars, Night of the Living Dead, Pulp Fiction, Donnie Darko, Wayne’s World, 8 1/2 y El Lado Oscuro del Corazón. Les invito a que las intenten encontrar al ver el filme. CINEASTA: ¿Cuál es tu próximo proyecto? HÉCTOR: Actualmente estoy escribiendo el guión de mi próximo largometraje y también estoy recibiendo guiones y propuestas para que mi empresa, Ingenio Lateral, siga creciendo. También quiero embarcar en la producción ejecutiva de proyectos de colegas que vayan en la misma línea que iremos trazando en Ingenio Lateral a partir de esta película.

JOSÉ DELIO ARES Editor

CINEASTA: ¿Cuál fue tu experiencia de trabajar con Héctor Valdez? JOSE DELIO: Mi experiencia con el Sr. Director fue una experiencia llena de gozo. Trabajar con un director que ante todo es mi amigo, es una experiencia que solo el tiempo puede crear. Nos conocemos tan bien, que nos pasábamos el tiempo organizando nuestras ideas que ahora se plasman en la pantalla. Crear con un amigo que te conoce y que fue tan lejos de filmar algunas escenas específicamente para que las edite al estilo de un servidor, hicieron de esta, una gran experiencia. CINEASTA: ¿Cuál fue tu mayor reto en este proyecto? JOSE DELIO: Mi mayor reto fue la escena de las alucinaciones. Creo que la edición “milisegundaria” de ella, es parte importante de la muestra de vivir bajo ese trance en ese momento tan especial de la película. Fue un reto porque es una secuencia fibonacci, donde los cortes son programados matemáticamente para contar esa parte de la historia. Al Héctor tener tanto tiempo trabajando en este proyecto, tenía bien claro lo que quería. Héctor es un director sumamente organizado “Mi mayor reto y detallista. Sus decisiones fueron fue la escena de bien calculadas. El tenía bien claro como deseaba cada escena, pero las alucinaciones. al filmarlas al estilo que comCreo que la edición partimos, me permitió un poco de creatividad y esta libertad fue “milisegundaria” de ella, una gracia para algunas de las eses parte importante de cenas donde tuve la libertad de mi propia expresión. la muestra de vivir bajo

ese trance...”

CINEASTA: trabajo?

¿Esto

facilitó

JOSE DELIO: ¡Inmensamente! Ya que él es bien visionario. CINEASTA: ¿En cuánto tiempo editaron Al Sur de la Inocencia? JOSE DELIO: El primer corte fue realizado al mismo tiempo de rodaje. El último día de rodaje, a sus 24 horas, ya teníamos el primer corte. Luego de ahí duramos 2 meses entre efectos y diseño, y ritmo de la película para lograr el corte final que se muestra hoy en día. Hasta me atrevo a decir que aún cuando lo cerramos para colorización, hicimos otros cambios más para mejorar la historia para la audiencia. Creo que todos queríamos lo mejor posible de nuestras partes que se reflejaran en este largometraje. CINEASTA: ¿Qué es lo que más te gusta de este filme? JOSE DELIO: Su inocencia. Su historia detrás de la historia plasmada. La jornada que cuenta desde donde empezó todo hasta donde culminó. 40

Frankie BÁez

Director De Fotografía

CINEASTA: ¿Qué significó para ti trabajar con Héctor? Frankie Báez: Héctor es un hermano para mí. Además de que somos colegas de trabajo, compartimos una amistad por la cual me siento muy afortunado. Tenemos varios años trabajando juntos y en cada proyecto que realizamos se solidifica nuestra fluida dinámica laboral. Como director, Héctor está claro de lo que quiere plasmar y contar, se destaca por su buen gusto y su paciencia en el set. Pero a la vez está abierto a escuchar a su equipo. Al trabajar con Héctor me siento que puedo crear con libertad; proponerle ideas y explorar nuevas formas de ver a través del lente. CINEASTA: ¿Al Sur de la Inocencia es tu primer largometraje como Director de Fotografía, cuales fueron tus mayores retos? Frankie Báez: Mi mayor reto en este largometraje fue plasmar el contraste visual y simbólico que representaba la ciudad en relación al sur. La ciudad tenía que hablar por sí sola, transmitirle a la audiencia cierta frialdad y distanciamiento. El sur, con su majestuosidad, era lo opuesto. El sur tenía que transmitir esa libertad y magia tan especial que habita en esa zona. Mi reto era hacerle justicia a ese encanto… a la infinita belleza de nuestro sur. CINEASTA: ¿Dónde estudiaste Cinematografía? Frankie Báez: Estudié cinematografía en la Escuela Internacional de Cine de Cuba, San Antonio de los Baños. Pero mi mayor escuela ha sido Fernando Báez y Unicornio Films. CINEASTA: ¿Cómo definirías tu experiencia de filmar Al Sur de la Inocencia? Frankie Báez: Filmar Al Sur de la Inocencia fue una escuela, no sólo a nivel profesional, sino personal también. Tuve la gran dicha de colaborar junto a un equipo de profesionales que se destacaron por su excelencia en el trabajo, su armonía en el set y su entrega hacia la visión del director. Todo el equipo de Al Sur de la Inocencia se convirtió en una gran familia para mí. CINEASTA: ¿En qué proyectos estás trabajando actualmente? Frankie Báez: Acabo de terminar de rodar la campaña nueva de la Secretaría de Estado de Turismo de este año, al igual que un documental sobre la Ciudad Colonial. En estos momentos estoy filmando, junto al Director Fernando Báez, un documental sobre los cambios ecológicos que ha presentado el Lago Enriquillo en los últimos años. Además este mes iniciamos la campaña MADE IN SPAIN para turismo y en el mes de Mayo tendré la oportunidad de hacerle la dirección fotográfica al nuevo largometraje del director Bladimir Abud. CINEASTA: ¿Quiénes son tus influencias?

y su deseo de hacer un trabajo con excelencia que a la vez toque a las personas. Su talento es fuente de aprendizaje e inspiración para mí. También debo incluir a cinematógrafos que admiro mucho, como son Peyi Guzmán y Claudio Chea; dos grandes mentores en mi vida. Además cineastas internacionales como son: Florián Ballhaus, Néstor Almendros, Ben Seresin, Emmanuel Lubezki, Roger Deakins… que han, de alguna manera u otra, trazado una sensibilidad fotográfica a la que aspiro poder llegar.

Frankie Báez: Mi mayor influencia ha sido mi padre. Siempre he admirado su pasión por el séptimo arte, su espíritu incansable 41

Fior De Valdéz Productora Ejecutiva CINEASTA: Como expresamos en la entrevista anterior que le hicimos a Héctor en Cineasta, la relación madre e hijo entre ustedes dos es perfecta. ¿Qué significo para usted ser la Productora Ejecutiva de este primer largometraje de Héctor? Fior De Valdéz: Ante todo, tengo que dar muchas gracias a Dios, porque nuestra relación de Madre e Hijo, sea considerada ´´perfecta´´. Estoy totalmente de acuerdo con esa adveración, si la perfección, en este sentido, significa que en la misma ha existido una interacción de amor verdadero y que como padre orgullosos, hemos comenzado a recoger los frutos de los valores que hemos tratado de otorgarle desde pequeño. Mi corazón se desborda con profundo sentimiento de amor maternal, cuando mi hijo me considera: ´´La mejor mama del planeta, del sistema solar, la galaxia, el universo y la dimensión de su corazón, por mi entrega diaria y por ser parte clave de sus proyectos. Ser la productora ejecutiva de este primer largometraje, Al Sur de la Inocencia, lo considero como mas que una oportunidad, un privilegio que me ha otorgado mi trayectoria de vida. Compartir junto a mi hijo, esta hermosa experiencia, me ha enseñado a valor mucho mas el significado del trabajo en equipo, enfrentando diferentes retos en el manejo de un proyecto, el cual ha sido un tremendo aprendizaje en todos los aspectos que el mismo involucra, ya sea en el orden administrativo, financiero, legal y fiscal, así como, en las relaciones públicas y mercadeo. Todo es como un engranaje, que te absorbe totalmente, pero te apasiona en todas sus etapas, pero cada día esta a la expectativa de que el esfuerzo valdrá la pena, porque se realiza para alcanzar el éxito. CINEASTA: ¿Qué significa para usted Al Sur de la Inocencia? Fior De Valdéz: Al Sur de la Inocencia, significa para mí el primer peldaño de la escalera de éxitos, que subirá mi ´´ director preferido´´ en el mundo de la cinematografía. Porque este proyecto, se ha realizado desde su inicio, con la bendición de Dios y todo el equipo que lo confirma, ha puesto todo su empeño para que así sea, demostrando, compañerismo, respeto, armonía, responsabilidad y sobre todo ha prevalecido la paz y el amor entre todos. CINEASTA: ¿Cuál fue su mayor reto en este proyecto? Fior De Valdéz: Pienso que mi mayor reto en este proyecto, ha sido encontrar el justo equilibrio entre ser: Madre, Esposa y Ejecutiva, administrando un proyecto que conlleva la responsabilidad de enfrentar áreas nuevas para mí, en un momento donde el cine ha resurgido con un vital auge para su crecimiento en el país. Tomando en cuenta, la importancia que nos ha proporcionado la ley de cine, para el fomento de la actividad cinematográfica, para beneficio del empresariado y de nuestros talentos. 42

CINEASTA: ¿Cómo fue la experiencia de su primer largometraje? Fior De Valdéz: Una experiencia maravillosa, por tener la oportunidad de ver a mi hijo, dirigiendo con tanta entrega y responsabilidad, su opera prima, después de haber dedicado largos meses de planeación y estructuración, para lograr lo que hoy es Al Sur de la Inocencia. Así también, tener el privilegio de compartir juntos las vivencias e inquietudes en torno a su proyecto. Por otra parte, poder integrarme con tantos talentos jóvenes, quienes me impregnaron de una energía positiva, que a la vez te envuelve de manera absorbente en cada proceso a realizar. Asimismo, compartir el día a día en mi oficina con un equipo humano que trabajó, sin tregua, pero disfrutando plenamente del proceso, dentro de un marco de camaradería con mucho respeto y excelencia profesional. Definitivamente, esta experiencia ha sido un tremendo aprendizaje en mi vida. CINEASTA: ¿Qué espera de Al sur de la inocencia y qué es lo que más le gusta de este filme? Fior De Valdéz: Siento que esta película será bien acogida por el público, ya que existen muy buenas expectativas. Se ha puesto todo el esfuerzo para ofrecer un producto con mucha calidad técnica. Además, los actores se entregaron al proyecto en cuerpo y alma, desdoblándose de manera muy natural para la realización de sus personajes. Sin temor a equivocarme, puedo decir que este proyecto, fluyo de una manera sorprendente con una gran armonía y hermandad, de todo el equipo que lo conformo en todas las etapas del mismo. Pienso, que cuando hacemos las cosas poniendo el corazón, con las mejores intenciones, los frutos serán acogidos favorablemente por el público. Tengo la confianza, de que se obtenga el mejor de los éxitos. De este filme, lo que más me impacto, es ver a manera de cómo mi hijo, logro de una idea, que como el mismo expresa, ´´Le marco para siempre´´, tomando en cuenta hechos reales, tan sentimentalmente opuestos, como son: La tristeza y la alegría. Alcanzar, junto a la excepcional guionista, Cynthia Fermín Cota, desarrollar una historia que trasciende en el sentimiento humano. Además, me fascino, que se le ocurriera elegir para su producción, la región Sur del país, donde muestra el despliegue de la belleza de nuestra naturaleza, exponiendo una hermosa fotografía de estos paisajes.

En resumen son dos aspectos que me han gustado: Una historia que deja huellas en nuestro corazón y unja inolvidable explosión de la belleza natural, que nos hace sentir orgullosos de ser dominicanos. CINEASTA: Las películas más taquilleras en República Dominicana son comedias, ¿Crees que Al sur de la inocencia puede romper esta tendencia?

¡Eres mi estrella! Que continúes brillando con la iluminación y la protección de Dios.

Fior De Valdéz: En esta repuesta quisiera dejar claramente establecido, que nuestro proyecto, no esta embarcado en una cruzada de romper esa tendencia. Asimismo, no deseamos entrar en competencia con este género, que tiene su público. Entiendo que existe un mercado para todos. Esta película está hecha con una filosofía que conecte con la gente para dejar una reflexión de vida. En el mundo cinematográfico, tenemos que ver que existe una cantidad de talentos cuya creatividad, puede enfocarse en diferentes vertientes. Por tanto, las comedias, nunca dejaran de existir. Al final, el que sean malas o buenas es el publico que tiene la decisión de aceptarla o no. Como también, juzgará, si nuestra película ha impactado positivamente o negativamente. CINEASTA: Un mensaje para su hijo. Fior De Valdéz: A mi ´´director preferido´´, Héctor Manuel Valdez, deseo decirle que me ha fascinado estar siempre cerca de él, apoyando y protegiendo sus proyectos, Que me siento muy orgullosa de decir: Soy la productora ejecutiva. Mi hijo, te admiro, por la pasión desbordante que pones a tus sueños, no permitas que tus dones y talentos se malgasten por la mediocridad, sino que los mismos sean utilizados a tu manera y en su tiempo. Continua volando hacia lo alto, pero con un vuelo sereno, mesurado y sin precipitaciones, para que puedas tener el tiempo, de mirar a tu alrededor y conocer cuál es el mejor camino a seguir. Siempre trata de mantener la firmeza de los valores que te hemos otorgado en nuestra familia. Defendiéndolos con la humildad que te caracteriza. Siempre continúa encontrando tu propia voz.

SARAH JORGE Actriz / Vera

CINEASTA: ¿Cómo definirías a tu personaje? SARAH: Vera es una muchacha inteligente, sensible, valiente, curiosa, soñadora, determinada a encontrarse.... Luchadora incansable por su propia libertad interior. CINEASTA: Nueva vez te vemos en un proyecto de Héctor Valdez ¿Qué significa para ti trabajar con él?

CINEASTA: ¿Cómo definirías tu experiencia de filmar Al Sur de la Inocencia?

SARAH: Héctor es el tipo de profesional que además de tener el coraje a lanzarse, tiene también la humildad para escuchar las opiniones de los demás, el ahínco y la perseverancia para no parar hasta estar satisfecho, la ilusión y la magia de ese niño interior que todavía cree con certeza que hacer de los sueños una realidad, es posible. Héctor es un cazador de lunas, un cineasta de corazón, un melómano de gustos diversos, un romántico que danza en lo onírico... con predilección por contar buenas historias; historias que muevan el alma. Y además, como amigo, es un ser humano con quién siempre se puede contar. Me siento afortunada y agradecida de poder compartir el gozo y el reto de hacer cine con Héctor Manuel.

SARAH: Siempre me refiero al rodaje de “Al Sur de la Inocencia” como “el mágico sur que nos embrujó....” Porque esta experiencia fue así de especial, así de sincera, así de única y memorable.

CINEASTA:¿Cuál fue tu mayor reto en este largometraje? SARAH: Ir desenmascarando, a través de Vera y su inagotable coraje, algunos miedos que yo misma veía imposibles enfrentar... La experiencia de “Al Sur” fue el escenario perfecto para darle la cara a inseguridades, aprensiones, juicios... máscaras... que en ocasiones pueden paralizar. CINEASTA: ¿Cómo fue la química entre los actores? SARAH: Creo, que aún planeándolo, nunca nos hubiésemos acercado a la sinergia tan especial que ocurrió en el rodaje de “Al Sur.” Sin lugar a duda, fuimos privilegiados en encontrar no sólo química profesional sino que salimos de esta experiencia siendo hermanos... Siendo familia. 44

CINEASTA: ¿En qué proyectos estás trabajando actualmente? SARAH: Recientemente estuve involucrada en la película “Bestia de Cardo,” dirigida por Virginia Sánchez, donde tuve el grandísimo privilegio de compartir el set con la actriz mexicana, Angélica Aragón. Además, desde hace ya un año he estado involucrada en el desarrollo y producción de un proyecto que me entusiasma sobremanera y en el cual están colaborando profesionales que admiro mucho. Este proyecto, tenemos pautado filmar a inicios del 2015. A su vez, estoy produciendo/actuando junto a un grupo de actrices/productoras jóvenes, unos cortos que esperamos impacten positivamente nuestro deseo de hacerle frente a la “no violencia doméstica.”

Frank Perozo y Sarah Jorge León - Vera le dice un secreto a Santiago.

Christian Álvarez y Sarah Jorge León - Vera se lleva el tocadisco.

SARAH JORGE Escenas

CHRISTIAN ÁLVAREZ Actor / Andrés

CINEASTA: ¿Qué significó para ti trabajar con Héctor? CHRISTIAN: Fue una experiencia muy agradable. Héctor fue la primera persona en darme una oportunidad como actor en su primer proyecto, el cortometraje “El Fallo” en el 2009. Estoy muy agradecido con él por la confianza que ha depositado en mí. Héctor es un joven con mucha visión y mucho futuro, y sobre todo, con mucha humanidad.

CINEASTA: ¿Cómo definirías tu experiencia de filmar Al Sur de la Inocencia? CHRISTIAN: Como un sueño hecho realidad. Fue un rodaje rebozado de amor, pasión y talento. Todas las personas involucradas en el proyecto nos volvimos una gran familia. Vivimos una experiencia tan grata y llena de momentos tan bonitos que para mí, y creo que para todos, logramos un rodaje inolvidable. Fueron 4 semanas de mucho trabajo pero también de mucho amor.

CINEASTA: ¿Cuál fue tu mayor reto en este largometraje? CINEASTA: ¿En qué proyectos estás trabajando actualmente? CHRISTIAN: Este es mi primera participación protagónica en un largometraje, así que fueron muchos. Pero diría que el mayor reto fue lograr un personaje con organicidad y constancia durante todo el largometraje. Por suerte conté con la dirección de Héctor, el coaching de Laura García Godoy y toda la ayuda que me brindaron actores experimentados como son Sarah y Frank.

Christian Álvarez - Andrés. 48

CHRISTIAN: Luego del Sur participé en varios proyectos, largometrajes, cortometrajes y mediometrajes que estarán saliendo en este 2014. Aparte de la actuación, también estoy desarrollando otros proyectos personales, pero espero poder participar en más filmaciones que se realicen con la misma pasión y dedicación como lo fue Al Sur de la Inocencia.

CINEASTA: ¿Cómo definirías a tu personaje? CHRISTIAN: Andrés es un personaje con muchos matices. Es un muchacho que ha crecido con mucha abundancia material, pero con un gran vacío emocional. Diría que es una persona que no se ha encontrado en la vida, y peor aún, ni siquiera sabe que está perdido. Creo que es un personaje que representa a una realidad social de nuestros tiempos. Personas que viven en un mundo falso, sin ningún tipo de relación real.

CHRISTIAN ÁLVAREZ Escenas

Laura García Godoy Acting Coach/ Veronika CINEASTA: ¿Este es el primer proyecto en el que trabajas como coach de actores? LAURA: No, este no es mi primer proyecto como director de actores, recordemos que vengo de la dirección escénica y de el coaching actoral como especialidades, recordando experiencias de mucho aprendizaje tanto con actores locales como en El Rey de Najayo así como con actores internacionales Pimp Bullies, entre otras, ya que muchas veces te llaman para dirigir solo actores específicos dentro de un proyecto. Al Sur de la Inocencia es un proyecto hermoso para cualquier director de actores ya que es un texto lleno de matices y emociones, además de un elenco extraordinario que puedo decir que se apasionaron junto conmigo en la creación y perfección de sus personajes, sin jamás dejar de divertirse en el proceso.

LAURA: Dice el maestro Stanisvlaski que nosotros no elegimos nuestros personajes, si no que ellos nos eligen a nosotros, este fue el caso de Verónika, la madre de Vera la cual no estaba en mis planes de interpretar, es una mujer interesantísima llena de matices, muy diferente a mí, por lo mismo un reto, abre la primera parte de la película, nos deja entrever un pasado un tanto oscuro y nos revela un poco los “porqués” de Vera y su necesidad de escapar… ya no cuento más, porque mi instinto me dice que Al Sur de la Inocencia y su mensaje se quedará un buen tiempo en la vida de los espectadores al igual que lo ha hecho en la vida de cada uno de nosotros.

CINEASTA: ¿Cómo fue tu experiencia con Héctor? LAURA: Con Héctor al igual que con los demás directores. Trate desde un principio de que primara el respeto y la buena onda para que el proceso creativo fluyera, lo que no contábamos era que la química se impondría y que nuestro lenguaje artístico/poético/musical serían tan parecidos y terminaríamos concibiendo Al Sur de la Inocencia como nuestro bebe, hoy puedo contar a Héctor entre mis amigos por la integridad y el respeto que mantuvimos en el proceso de creación. CINEASTA: ¿Cómo fue tu experiencia con los actores del Al Sur? LAURA: La palabra excelente me queda corta, puedo decir que cada uno de los actores, sin distinción de personajes, fueron parte de un engranaje hermoso que es la clave de la magia tan grande que tiene esta película, química, entrega, buena onda, organización, profesionalidad todos y cada uno de estos términos además del talento desbordante y la pasión fueron el mejor aliado que puede tener un acting coach, y está de más decir que siguen siento mi gran satisfacción. CINEASTA: ¿Cuáles fueron tus mayores retos en este proyecto? LAURA: El reto principal como director actoral fue enfrentarme a una cantidad tan grande de actores y lograr llevarlos a la misma tesitura actoral, teníamos muchos con experiencia, otros noveles actores, músicos, teatristas, bailarinas, un fotógrafo maravilloso, estudiantes de actuación, además de un montón de gente que encontramos en el camino y nos daban grandes lecciones de vida. El reto mayor en resumen es que Al Sur de la Inocencia está llena de vida, llena de historias y de verdades que solo grandes actores pueden interpretar, y esto me hace sentir súper orgullosa. CINEASTA: También haces el papel de madre y esposa en la película, ¿cómo definirías tu papel?

AURO SÓNICO Actor / Paco

CINEASTA: ¿Cómo definirías haber trabajado bajo la dirección de Héctor? AURO: Fluidez e inteligencia, es muy rápido en sus decisiones, aprovecha las oportunidades de los espacios, está receptivo a propuestas, y siempre está dispuesto a más. Es arriesgado en los conceptos y equilibra con elegancia. Héctor hace que todos los involucrados estén comprometidos, con su alegre fluidez nos lleva a más, es un genio. CINEASTA: ¿Es Al Sur de la Inocencia tu primera aparición en la pantalla grande? ¿Cómo fue la experiencia? ¿Estás trabajando en otros proyectos actualmente o tienes otros proyectos en carpeta para este año? AURO: Si, fue mi primera participación en el cine. En lo laboral fue un descubrimiento maravilloso, pues yo vengo del teatro y la diferencia es muy grande, pues tu interpretación se potencializa desde puntos más pequeños, teniendo expuesta la verdad del personaje de una forma directa y contundente, esto es muy inspirador. Participar en Al Sur de la Inocencia, fue absolutamente revelador, la geografía nos envolvía a todos en una tribu que se unía cada día mas, y donde sentíamos evolucionar en nosotros mismos, generando una amistad y un respeto por el planeta, por el trabajo y por la humanidad. La belleza del sur, puso en todos una visión optimista, alegre, humilde y agradecida de la vida misma. Me pongo romántico pero me quedo corto en decirlo. En 2013 participé en otro largo próximo a estrenar e hice un corto. Para este año se que están conspirando para mi participación en algunos proyectos, los cuales no me han definido, estoy ansioso de poder realizarlos, creo que mi carrera en el cine será muy gratificante y siempre estoy preparado para los retos que vienen en el arte, por ahí vienen disco y libro nuevo. Quiero ser como un Bowie latino (ríe). CINEASTA: Define tu personaje en Al Sur de la Inocencia AURO: Paco es un romántico extremo, un tipo con una mochila muy ligera, sin intereses materiales, persigue su realización a través de la vida que eligió, está retirado del mundo para encontrarse con el mismo, con sus pasiones y sus amores, vive intensamente y nada lo hará cambiar de posición. Su propósito es vivir al máximo aunque esta lucha está motivada por la fatalidad. Paco ríe o es rabioso, nunca camina por el medio. CINEASTA: ¿Cuál fue tu mayor reto en este largometraje? AURO: Mi reto era poder transmitir la energía de Paco. Paco es real, está loco, loco de amor y de dolor, Es intenso y ligero, te conmueve y te avergüenza, si entras en su mundo no volverás a salir. Eso fue un reto y un placer. 52

CINEASTA: Define tu personaje en Al Sur de la Inocencia AURO: Paco es un romántico extremo, un tipo con una mochila muy ligera, sin intereses materiales, persigue su realización a través de la vida que eligió

CRYSTAL JIMÉNEZ

CINEASTA: Define tu personaje en Al Sur de la Inocencia

CINEASTA: ¿Cómo definirías haber trabajado bajo la dirección de Héctor?

CRYSTAL: La Mujer Gato que represento solo existe en la imaginación de Andrés, quien es uno de los personajes principales de la película.

Actriz / La Mujer Gato

CRYSTAL: ¡Una gran experiencia! Héctor no solo tiene un gran talento sino que tiene una visión muy clara de lo que quiere. Además tiene la virtud de saber escuchar otras opiniones y tomarlas en consideración. Trabajar bajo su dirección es trabajar “con él”, creando, intercambiando ideas, desarrollando juntos un personaje y una escena.

CINEASTA: ¿Es Al Sur tu primera aparición en la pantalla grande? ¿Cómo fue la experiencia? ¿Estás trabajando en otros proyectos actualmente o tienes otros proyectos en carpeta para Crystal Jiménez Vicens y Nelson Sánchez - Joven Andrés y su madre. este año? CRYSTAL: Sí, es mi primera aparición. La experiencia fue sumamente positiva ya que todas las personas que trabajaron en este proyecto lo hicimos con gran pasión y dedicación y nos compenetramos de tal manera que nos sentíamos como una gran familia. Aprendí que no se trata solamente de preparar un personaje, sino que hay que tener gran concentración y disciplina en el set para no desenfocarse. Administrar bien la energía durante esas largas horas de trabajo para dar lo mejor de uno mismo en cada toma. En cuanto a nuevos proyectos, gracias a Dios tengo varios, tanto en el teatro como en el cine ¡Y con ansias de encontrar muchos más! CINEASTA: Define tu personaje en Al Sur de la Inocencia CRYSTAL: La Mujer Gato que represento solo existe en la imaginación de Andrés, quien es uno de los personajes principales de la película. Ella representa algo que lo ata a su pasado y que por alguna razón sigue presente en su subconsciente casi juzgando cada paso. Para mi ella simboliza la carga emocional que a veces arrastramos del pasado y que no logramos soltar fácilmente. CINEASTA: ¿Cuál fue tu mayor reto en este largometraje? CRYSTAL: La Mujer Gato tiene casi cero diálogos en toda la película. Interpretar este personaje tan complejo, con tanta vida, historia, sentimientos, intenciones, emociones sin expresar palabras solo a través de lenguaje corporal, una mirada, un gesto, fue definitivamente mi mayor reto.

c i n e

l a t i n o a m e r i c a n o

CONDUCTA 2014 L u is B eiro | l u is . beiro @ yahoo . com

Los

dos largometrajes de ficción de Ernesto Daranas (La Habana, 1961) hacen diana en el lado oscuro de la vida cubana de hoy. La primera de ellas, Los dioses rotos (2009), desafió códigos morales. Su pretexto fue traer al presente un clásico del teatro cubano, “Requiem por Yarini”. Con ella como pretexto, Daranas demostró que el “chulo” cubano no ha muerto y que en los barrios habaneros perviven sentimientos humanos que superan, en tiempo y forma, la personalidad del que se aprovecha de los ritos religiosos para imponer su poder y sus códigos morales sobre los demás.

El “chulo” que presenta Daranas en su primer largometraje de ficción difiere sustancialmente al que se ha trascendido en la tradición cubana pre revolucionaria. Ese personaje que campea por las calles habaneras de hoy es todo un señor empresario moderno. Y actúa como tal, sin olvidar las prácticas de clientelismo, soborno, corrupción, tráfico de influencias y crímenes que entraña “el ejercicio de su cargo”, sin nada que envidiarle a cualquier político de turno. Actúa a la sombra de la ley, pero amparado por las élites del poder porque, a fin de cuentas, ese poder se sirve de personajes de su calaña para controlar cualquier tipo de efervescencia social. Su segundo filme, Conducta, se acaba de estrenar en las salas habaneras. Y según me cuentan, el público abarrota los cines, aplaude determinadas escenas y, como si una vez fuera poco, visiona la cinta dos, tres y hasta cuatro veces, como para que no se le olvide ningún detalle. Según publica Yusimi Rodríguez en Diario de Cuba: “El Yara ha sumado una tanda más a las ya habituales, y en cada una, la sala se ha llenado más que en la anterior.” En relación a esta película debo decir que estamos frente a una producción cinematográfica a secas. No importa lo rudimentario de su técnica, pues “solo pedantes y bribones se la sacarán en cara”. Los directores cubanos deben hacer sus

obras “arañando la tierra”, sin un mercado que los apoye, sin una publicidad interna que invierta en su realización y con un personal técnico brillante, pero muy mal pagado. Sin embargo, lo hacen bien. Se diría que demasiado bien si tomamos en cuenta el contexto sociopolítico en que se desarrollan. Conducta es una cinta con muchos bemoles, demasiados. Sus valores extra cinematográficos no son inferiores a los artísticos. En ella se respira cine, un cine convencional desde el punto de vista de su puesta en escena, pero inmenso en su discurso; un producto de calidad, muy bien dirigido, con un guión valiente, de factura perfecta, con un reparto de primer nivel y una fotografía que reitera la mayoría de edad del cine cubano. Es una obra donde “ciencia” y “técnica” se dan la mano en matrimonio armonioso. Tal vez esa sea una de las causas de su aceptación unánime. V oy a apartarme del debate ideológico para comentar esta película cubana. Los problemas de las ideologías (o lo que ellas ponen en juego) no son de forma, ni de fondo. Pero sí son portadoras de un virus de identidad. Algo así como una especie de hipnosis que transforma al ser humano en “algo”. Y ese hombre, que solo mira el bien de los demás a partir de su propia perspectiva, pierde la noción de integralidad, es decir, juzga a quienes lo rodean sin tomar en cuenta sus puntos de vista individuales, sus principios de libertad, la facultad de disentir, de expresarse, de entender a sus semejantes y de respetar los derechos ajenos y humanos. La película Conducta tiene un discurso ético donde se enfrentan lo políticamente correcto con lo académicamente correcto, a pesar de que los personajes en conflictos, puedan compartir o no la misma ideología. La tragedia de los niños Chala y Yeni no es más que el telón de fondo de una Habana en ruinas; una Habana donde los niños mal visten, mal comen, mal hablan y mal piensan. Ese es el contexto que escoge Ernesto Daranas como centro de su historia. El filme puede leerse a partir del enfrentamiento de dos personajes, la maestra Carmela y la inspectora Raquel. La primera (representada por una depurada actriz llamada Alina Rodríguez, y la segunda, encarnada con acertada discreción por Silvia Ávila). Los parlamentos de ambas mujeres provocan flujos de conciencia que responden al desgarramiento interior; una joven funcionaria impotente por no poder aplastar a una veterana profesora con sus lecciones de burocracia e insensatez (Raquel)

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y la otra (“rosca izquierda”) por encontrar siempre las reflexiones humanísticas necesarias para rechazar las pretensiones oficialistas. Ese dueto actoral alcanza momentos de lucidez que obligan al espectador a vincularlos con sus perspectivas éticas. Daranas provoca un juego de contrastes con sus personajes, sobre todo cuando ese aparente debate de deberes e inconductas crece en forma de arte. El ejemplo no puede ser más aleccionador: se enfrentan la rancia ortodoxia que promueve un personaje joven y la lucidez y la razón de una veterana. Es decir, ideas viejas en mentes jóvenes e ideas jóvenes en personalidades a punto de pasar a mejor vida. Dentro del filme, se aplauden frases que habrían sido consideradas subversivas en tiempos de pasión verde olivo; otros las refieren como derivaciones propias de un ludismo mimético. Sea como fuera, lo importante es que el careo de ambas protagonistas, es un recurso de Daranas para hacer temblar a un espectador consciente de que, entre ellas, no habrá reconciliación. La rigidez de esos enfrentamientos tal vez pueda achacársele a Daranas como un exceso de coloraciones en la conformación de ambos personajes que, a fin de cuentas, quedan encasillados dentro de su propia certidumbre, recreando el pasivo enfrentamiento entre el bien y el mal que, a lo largo de la historia del cine, no solo ha dejado propuestas lamentables. No estoy hablando de actuaciones, sino del propósito que persigue la película con esas actuaciones porque, a pesar de los aplausos delirantes, el filme pudo haberse enrumbado por trillos mucho más enyerbados, donde no solo se balbucean estados de ánimo o de opinión, sino donde la batalla sonara tan duro como las letras que salían de la vieja maquinilla de escribir de la maestra Carmela cuando redactaba, con elegancia y gallardía, su “testamento”, exigiendo no el retiro, sino la expulsión del magisterio que había ejercido de manera ejemplar por casi cincuenta años: “mucho menos tiempo que el que llevan en el poder los que gobiernan el país… ¿no parece demasiado?”. La repercusión emotiva de esta obra no tiene discusión. Como tampoco su rol de válvula de escape para una sociedad que, dentro de la sala oscura, puede gritar y aplaudir a espaldas de personajillos que, como la inspectora Raquel, todavía son “gentes” en las calles habaneras. Su ritmo es impresionante. Podría compararse con la intensidad de una búsqueda implacable en medio de la nada. Desde que se inicia el filme con imágenes de la profesora Carmela

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leyendo su propia “sentencia”, el director se dio a la tarea de otorgarle a su película un dinamismo irreversible. Para ello, escribió un guión lleno de simbolismos legibles, sonoros y cercanos a la cotidianidad antillana como el vuelo de palomas, el ladrido de perros, el correr de autos, trenes, carretas, bicicletas, triciclos, así como ese ronroneo citadino, la indócil inestabilidad y el fragor dentro de una escuela donde la maestra es algo más que una simple trasmisora de conocimientos. Ese simbolismo no excluye ni subvierte. Puede llegar en forma de contrastes (peleas de perros/ vuelo de palomas) o con imágenes violentas (peleas de perros/riñas infantiles/juegos/nados) siempre en función del desarrollo de la historia. Daranas enriquece sus contrastes dentro de las cuatro reglas que definen la conducta de un niño y que se encarga de poner en boca de Carmela: “casa-escuela-rigor-afecto”. La ausencia de estas categorías provoca el estallido social de personajes como el niño Chala, protagonizado por Armando Valdés quien, por su fuerza interpretativa, nos recuerda, salvando las distancias e intenciones al entonces infante español Juan José Ballesta en el memorable film de Achero Mañas El bola (2000). Daranas se esmeró en la conformación de su protagonista, llenando de claroscuros su presencia en la pantalla. Chala, sin un padre conocido y con su madre adicta, es el “que lleva los frijoles a la mesa de su casa” ejerciendo oficios como cuidador de perros de pelea, “coleccionista” de palomas y jugador de la lotería: Esas son las únicas oportunidades que le brinda la sociedad en que vive. La personalidad histriónica de Valdez es tan fuerte que convence con sus maneras de sufrir, llorar, pelear, responder y codearse con gentes de todas la calañas. Lo mejor de todo es su buen corazón que no se cansa de buscar cariño y protección, en su caso, en la maestra Carmela. Además de ser maltratado e incomprendido, su sincera necesidad de afecto no es correspondida por quienes forman parte de su entorno. En otras palabras, el vive como adulto sin dejar de ser niño. Sin llegar a las excelencias de Valdés, el personaje de la niña Yeni, interpretado por Amaly Junco es conmover por la tragedia que arrastra y que trata de disimular inútilmente, porque ya es un secreto a voces: ser Palestina. Esta es una simpática forma cubana de nombrar a quienes se atreven a violentar la ley que impide a los habitantes de una provincia que se trasladen a otra sin permiso estatal. Yeni y su padre son asediados 55

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por la policía, y tienen que acudir al soborno para poder quedarse a malvivir en un bajareque en ruinas... hasta un día en que el pobre hombre “tenía los bolsillos vacíos”. Conducta se estrena a principios de 2014, cuando el cubano vive el día a día, sin importarle mucho la luz que llegará con el nuevo amanecer. Pocos años atrás, algunos esquemas han caracterizado tres propuestas cubanas con niños actores. Películas como Viva Cuba, Habanastation y “…sin Embargo” han sido protagonizadas por el grupo de teatro “La Colmenita”, institución que le ha dado la vuelta al mundo como resultados de la generosidad gubernamental. No les restamos a esos infantes ni ápice talento, ni atacamos a los valiosos directivos de esta agrupación. La maquinaria estatal “presiona” y hay que estar dentro de la isla, haciendo cultura, para saber el precio que se tiene que pagar por ello. Y al igual que el final del filme Viva Cuba, esos niños ya no tienen para dónde escapar.

la hora de cruzar esas trasgresiones porque, en definitiva, sabe quién es y no está dispuesta a ceder ni un ápice en sus puntos de vista aunque ello le pueda costar algo más que su empleo. La decisión del director de otorgarle a su obra un final abierto, memorable, preparado para que la inteligencia del espectador se dirija no a la búsqueda de soluciones inmediatas, sino a la reflexión de los graves problemas que puede confrontar una sociedad que alguna vez en su historia decida seguir los rumbos de un régimen totalitario, es un rotundo golpe de éxito. Conducta es cine por los cuatro costados. Cine pobre, pero nunca pobre cine. Más claro, ni el agua. No busque en ella el censor los fantasmas que no existen.

Se pudiera decir que Ernesto Daranas ha logrado una obra donde se puede ver el mundo de la sociedad cubana a partir de la experiencia de un niño y los conflictos que inevitablemente le vienen encima por lo que se mueve a su alrededor. Porque su cinta no es una historia para “disfrutar” en una sala de cine tomando Coca cola, sino un pedazo de realidad arrancado del corazón de una ciudad, copiado por una cámara indiscreta. El filme puede tener también otra lectura. Conducta por mucho que se centre en las tribulaciones de cuatro personajes (Carmela, Raquel, Chala y Yeni), no es un relato explosivo en el sentido lineal de la palabra. La mirada del director sobre los graves problemas que afronta la educación escolar en Cuba se capta de una manera protagónica, resumida en el enfrentamiento entre utopía y razón. Por eso la cámara no se preocupa tanto por buscar exteriores, sino por sacar del alma humana la amargura y rabia acumulada. El recurso del close-up para mostrar estados emocionales, así como la ausencia de clichés en el perfil socio cultural, no es una pieza más dentro de un juego de imágenes en movimiento. El discurso literario, filosófico y artístico que se mueve detrás de esta película (elaborada con un muy reducido presupuesto) ofrece una visión alternativa donde cada escena podría interpretarse como una ilustración de la anterior. Es decir, como un espiral que desata la rebeldía interior que persiste en unos personajes que están convencidos de que dentro de la isla hay cosas que cambiar, desde hace mucho tiempo. La profesora Carmela, a todas luces, la heroína, está trabajada con el propósito de trasgredir. Su cuestionamiento a la filosofía oficialista no parte de una militancia política adversa al régimen, sino de su sentir como ser humano. Ella no tiene límites a 56

País: Cuba. Año: 2014. Dirección y guión: Ernesto Daranas. Duración: 100 minutos. Reparto: Alina Rodríguez, Armando Valdés, Yuliet Cruz, Amaly Junco, Miriel Cejas, Tomás Cao, Héctor Noas, Aramis Delgado y Silvia Ávila. Sinopsis: Un niño de once años (con un supuesto padre preso, vive con su madre adicta), entrena perros de pelea para buscar un sustento económico. Carmela es su maestra de sexto grado y el niño siente por ella un gran respeto; pero cuando ella se ve obligada a abandonar el aula por un tiempo, las cosas cambian y el niño es trasladado a una Escuela de Conducta. A su regreso, Carmela se opone a esta medida pero este compromiso pondrá en riesgo a ambos personajes.