Revista Cineasta No. 36 by Revista Cineasta

DICIEMBRE 2015 NO. 36

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CONTENIDO

EDITORIAL

STEVE JOBS

SPOTLIGHT

Edicición no. 36

Crítica por Ruben Peralta Rigaud

ROLES QUE TRONCHARON CARRERAS Por Diego Pared

LA FUERZA QUE CAMBIO LA HISTORIA DEL CINE Articulo por Ruben Peralta Rigaud

GIFTED HANDS Artículo escrito por Alex Acra

DRAFTEANDO

LO MEJOR DEL CINE LATINOAMERICANO

LA INDUSTRIA DEL CINE

Por Miguel Yarull

Articulo por Violeta Lockhart

Por Marc E. Mejía

58 EL CINE A LA SÉPTIMA POTENCIA

CAMINO AL OSCAR 2016

PRONOSTICO DE TENDENDIAS GOLDEN GLOBES 2016

Articulo por Jorge Cámara

Articulo por Ángel Haché

Articulo por Sarah Mendez

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BEASTS OF NO NATION

EL CLAN

CINE EN CASA

Crítica por Ruben Peralta Rigaud

Crítica por Rubén Peralta Rigaud

Por Pablo Mustonen

26 STEVEN SPIELBERG

THE REVENANT

ANGELINA JOLIE

Entrevista por Jorge Cámara

50 UQBAR EN VENTANA SUR

NELSON CARLOS DE LOS SANTOS ARIAS

5 PELICULAS DE NAVIDAD DE TERROR

Entrevista por Katherine Bautista

Artículo por Ruben Peralta Rigaud

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EDITORIAL Carlos De Los Santos. También les traemos un interesante artículo sobre la participación de nuestro querido Pedro Cabiya con su nuevo guión “Uqbar”, en el mercado de cine latinoamericano Ventana Sur en Buenos Aires, Argentina. Para cerrar con broche de oro el año, Jorge Cámara nos brinda cuatro entrevistas exclusivas directamente desde Hollywood. Una con el famosísimo director de cine, el gran Steven Spielberg, donde nos habla sobre su última película “Bridge of Spies” y sus próximos proyectos. Otra con Angelina Jolie en una interesante entrevista donde nos muestra su rol como guionista, directora además de actriz en su nueva película junto a su esposo Brad Pitt, “By The Sea”. Las dos últimas con el laureado director y ganador del Oscar, Alejandro Gonzales Iñarritu y con el gran actor, y uno de los favoritos para los próximos premios de la Academia, Leonardo Di Caprio, quienes nos hablan de su ultima colaboración juntos en la ya aclamada película “The Revenant”. Aparte de esto, nos presenta un muy esperado artículo con el tema “Camino a los Premios Oscar 2016”. Aprovechamos para dar la bienvenida a nuevos y jóvenes colaboradores que se van sumando al equipo de Cineasta: Miguel Yarull, Violeta Lockhart, Sarah Méndez (Agallua), Alex Acra, Diego Pared. ¡Gracias por confiar en nosotros! No queremos cerrar el año sin agradecer a nuestros patrocinadores, colaboradores y lectores, que hacen que Cineasta sea posible. Para el año 2016, venimos con muchas buenas noticias para ustedes, acompañadas desde ya de un cambio de imagen, nuevas secciones y una circulación mensual a partir del mes de Febrero. Les deseamos a todos una Feliz Navidad y Próspero Año Nuevo.

Star Wars, también conocida como La Guerra de las Galaxias, es una de las franquicias más exitosas de toda la historia del cine, desde su concepción en el 1977 por el famoso guionista, director y productor de cine: George Lucas. La primera película de la franquicia, Star Wars: Episode IV- A New Hope, contó con la participación de un grupo de actores jóvenes y nada conocidos en esa época, los cuales nunca llegaron a soñar en lo famosos que se convertirían con sus interpretaciones icónicas de “Luke Skywalker” (Mark Hamill), “Han Solo” (Harrison Ford) y la “Princesa Leia” (Carrie Fisher). Aunque la película tuvo numerosas dificultades durante la producción, 20th Century Fox se encargó de su distribución y su estreno el cual tuvo lugar en Mayo del 1977. Años después, se convirtió en un fenómeno de la cultura popular a nivel mundial y su influencia ha sido reconocida por numerosos cineastas. El éxito de la película hizo que Lucas se involucrara en la financiación de las dos secuelas que completaron la llamada «trilogía original», Star Wars: Episode V - The Empire Strikes Back y Star Wars: Episode VI - Return of the Jedi. Dieciséis años después llegó a los cines Star Wars: Episode I - The Phantom Menace, la primera cinta de una nueva trilogía centrada en los años previos a la anterior, una precuela de la saga. Star Wars: Episode II - Attack of the Clones y Star Wars: Episode III - Revenge of the Sith, que entre las seis, alcanzaron el puesto de la tercera saga más exitosa de todos los tiempos por detrás de las franquicias de James Bond y Harry Potter. Esperamos con ansias la nueva versión de “Star Wars: The Force Awakens”, la cual ha ido creando una gran expectativa entre los fanáticos de Star Wars, sobretodo porque trae de vuelta a los protagonistas originales de la misma. A esta película y sus antecesoras, dedicamos esta nueva entrega. El Cine Local nos trae una interesante entrevista con un joven cineasta dominicano que esta destacándose en el cine latinoamericano, Nelson

¡Esperamos disfruten de nuestro contenido!

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PRESIDENTES Pablo Mustonen revistacineasta@gmail.com Carlos Forero cafoza@gmail.com

DIRECCIÓN Y EDICIÓN Pablo Mustonen pablomustonen@hotmail.com

Giselle Mustonen giselle.mustonen@gmail.com

MERCADEO Y VENTAS Giselle Mustonen giselle.mustonen@gmail.com

Brando Hidalgo Brandohidalgo@gmail.com

DISEÑO DE PORTADA Andrey Carela andreycarela@gmail.com

DISEÑO EDITORIAL Anny Bell Rodríguez annybellr@gmail.com

COLABORADORES Jorge Cámara Miembro del Board of Directors de los Golden Globes y HFPA. Miguel Yarull, Alex Acra, Sarah Méndez, Violeta Lockhart, Diego Pared, Edwin Cruz, Marc Mejía, Ángel Haché, Luis G. Jansen, Rubén Peralta Rigaud, Hugo Pagán Soto, Brando Hidalgo, Katherine Bautista, Óliver Oller, José Maracallo.

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Alejandro Gonzales Iñarritu

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STEVE JOBS POR RUBÉN PERALTA RIGAUD

Es muy poco lo que se desconoce de la vida y trabajo de Steve Jobs. Debemos admitir que el hombre cambió al mundo, y no creo que enumerar las razones sea necesario.

Dirección: Danny Boyle Guión: Aaron Sorkin Reparto: Michael Fassbender, Kate Winslet, Seth Rogen Año: 2015 Género: Biografía, Drama Duración: 122 mins. País: Estados Unidos

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recurso del flashback se hace presente también, pero en esta ocasión no para conectar, sino para ambientar al espectador. Es en esta secuencia en donde Jobs se ve con sus propios demonios y pasado, algo temeroso al nuevo reto, el rescate de lo que queda de su vieja empresa, la famosa manzana mordida. Hago este pequeño resumen (y créanme, no hay spoilers), porque cada una de ellas llega a la perfección cinematográfica. El director Danny Boyle no necesita explicar mucho, la mayoría de las secuencias transcurren en una sola locación, apoyadas netamente en dos potentes herramientas cinematográficas: actuación y guión. Michael Fassbender lleva una de sus mejores interpretaciones a la fecha, navegando en varias tonalidades y épocas. Se puede apreciar como mimetiza al fallecido genio, tomando lo más importante, el gran carisma que poseía Jobs para que la gente hiciera lo que él necesitaba. Como mencioné, las tonalidades en que se maneja son estupendas, ya que con la limitación del espacio y unos largos planos secuencias, Fassbender sabe cómo manejar los momentos para que no decaigan, apoyado claro está, por unos estupendos diálogos. El otro héroe en cuestión, es su guionista Aaron Soorkin. Este impregna un aire parecido a “The Social Network”, donde el resultado de sus protagonistas es lo de menos. Al parecer, a él le gusta y disfruta explorar de los demonios de estos personajes, cómo son o fueron con sus relaciones, el resultado de estas en el presente y cuáles son las consecuencias que dichos errores o fracasos afectarían al ser humano. Los diálogos y los personajes creados son impecables. Para nada quiero olvidar a la siempre maravillosa Kate Winslet, que no tiene tarea fácil, ya que aparece junto a Fassbender en más del 80% de la cinta, siguiendo los pasos y diálogos y que, por veteranía, no se deja intimidar por la imponente actuación de Fassbender. “Steve Jobs” es uno de los mejores biopics que he podido disfrutar. Es una cinta que sin necesidad de abundar en lo conocido, se adentra en lo más importante, sus personajes y la forma en que estos deben lidiar consigo mismos. Tal vez, si el director hubiera sido menos complaciente al final, estaríamos en frente de una obra maestra.

“Steve Jobs”, la nueva película del director Danny Boyle, raya en lo perfecto. Es un buen ejemplo de que cuando se aprovechan al máximo las herramientas a mano, las obras maestras salen a flote. La película está contada en 3 secuencias, todas estas son momentos tras bastidores de 3 grandes lanzamientos. La primera parte cuenta los 20 minutos previos al lanzamiento de la Macintosh en 1984. En la segunda secuencia vemos a Jobs, ya fuera de Apple, y nos cuenta situaciones vividas 20 minutos antes del lanzamiento de ‘’Next’’, en 1988. La tercera secuencia es el mismo Jobs ya de vuelta a Apple previamente al lanzamiento de la primera iMac en 1998. Dichas secuencias fueron filmadas respectivamente en 16mm, 35mm y digital para ilustrar el avance de la tecnología de Apple, y para darnos referencia visual a los espectadores de los años transcurridos entre cada escena. En la primera secuencia vemos al personaje, que no necesita introducción, preparándose para su primer gran ‘’Keynote’’ (lanzamiento) de un producto. Notamos como la personalidad dominante de Jobs está en cada detalle de dicho show. Pero durante esa secuencia no solo conocemos a Jobs, también conocemos a Joanna Hoffman (Kate Winslet), quien era la encargada de mercadeo de Apple y una especie de conciencia “humana” detrás de las decisiones de Jobs (Michael Fassbender). También conocemos a Steve Wozniak (Seth Rogen), co-fundador de Apple y amigo de Jobs; John Sculley (Jeff Daniels), CEO de Apple y a Andy Hertzfeld (Michael Stuhlbarg), jefe de ingeniería de Apple en ese momento. Veremos otros personajes con cierta importancia más adelante que no me gustaría mencionarles, ya que serán el punto de eje para los mejores momentos de la cinta. En la segunda secuencia vemos como Jobs, ya maduro, está lanzando una nueva empresa (previamente despedido de Apple). ‘’Next’’ debuta en el mercado con una computadora en forma de cubo, que sería llamada a cambiar el mundo de las computadoras personales. En dicha secuencia conocemos a otros personajes y el director por primera vez utiliza el recurso del flashback para conectar los años que han pasado con la época actual, una extraordinaria elipsis entre épocas. En la tercera, y a mi entender la mejor secuencia, el

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SPOTLIGHT POR RUBÉN PERALTA RIGAUD

conforman el equipo encargado de llevar la verdad al público. Michael Keaton, recién salido de su papel y avalancha de premios con “Birdman”, probablemente reciba más atención como Robby Roberson, director del equipo “Spotlight”. Mark Ruffalo sin quedarse detrás, le apoya con fuerza como Michael Rezendes, el periodista moralmente más afectado del equipo. Stanley Tucci no falla. Con pocos momentos en escena pero más que aprovechados, Tucci es Mitchell Garabedian, el abogado que en un momento tuvo los casos de dichos abusos y nadie le prestó atención. Sus momentos juntos con Ruffalo son exquisitos. McCarthy se apoya en el filme “All The president’s Men” para contar su historia. Una narrativa parecida a la película de Alan J. Pakula impregna un aire de viejo estilo periodístico extraordinario, una narrativa pausada pero elegante nos acompaña al cabo de 128 minutos. “Spotlight” es una película absorbente con ciertos toques de tenebrosidad. Decía Margaret Mead “Nunca dudes que un grupo de consientes y comprometidos ciudadanos puede cambiar el mundo, de hecho, son los únicos que lo pueden hacer”. En esta película no solo se pone el dedo en la herida, sino que se abre y se limpia desde adentro, pero no sana, sino pregúntenle a Tony Comes.

Aún recuerdo como hace unos años veía con asombro el documental “Twist of Faith”, el cual narra el caso de Tony Comes, un bombero de Toledo, Ohio, que sufrió años de abusos sexuales por parte de un cura católico de su escuela. Tony solía grabarse en forma de terapia, y no le había contado nada a nadie acerca del abuso. Pero un mal día, a dos casas de él, ve el camión de mudanzas acercarse. Despavorido, Tony, un hombre de 30 y tantos, corre dentro de su casa lleno de miedo, provocado por su nuevo vecino. Aquel cura que abuso sexualmente de él regresó a su vida. Al ver “Spotlight” me doy cuenta de que va más allá. Si bien es cierto que “Twist of Faith” es un documental y todo lo que vemos es basado en la realidad, la nueva película de Tom McCarthy (The Station Agent, The Visitor) definitivamente va un poco más allá. En “Spotlight” vemos como el equipo del periódico “Boston Globe” desenmascara un masivo escándalo de abusos sexuales por parte de curas, todos estos siendo encubiertos por la Iglesia católica. Dicho descubrimiento del equipo de periodistas, movió el árbol de dicha iglesia tan fuerte, que hasta la fecha siguen cayendo de su tope frutas podridas. McCarthy se rodea de lo mejor del cine norteamericano, Michael Keaton, Liev Shreiber, Mark Ruffalo, Stanley Tucci, Rachel McAdams, Bryan D’Arcy y John Slattery

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Abraham Attah e Idris Elba en Beasts of No Nation

BEASTS OF NO NATION POR RUBÉN PERALTA RIGAUD

El director Cary Fukunaka le da una mirada sin pestañeos a los horrores de la vida real. Dichos horrores serán contados a través de los ojos de un niño, un extraordinario actor llamado Abraham Attah. Es mucho lo que se ha hablado de esta película, Netflix como compañía productora (si, la misma de streaming) realizó una jugada que no fue bien vista, hizo un estreno simultaneo online y en salas de teatro, con un éxito que asusta, ya que en solo 10 días, la película fue vista 11 millones de veces en todo el mundo, sumándole a este éxito de taquilla, varias nominaciones en algunos de los premios más importantes. Sin lugar a dudas, Netflix está haciendo un antes y después en el sistema de distribución. “Beasts of no nation” es una adaptación de la novela a de Uzodinma Iweala. El filme y la novela, son un testamento fiel de los resultados desastrosos de cualquier guerra, los cuales terminan siendo peores cuando afectan directamente a la inocencia que tendrá que evolucionar en maldad para no morir. Abraham Attah es Agu, un niño que vive con su familia en tierra neutral de un inespecífica país de África. Agu pasa sus días jugando con sus amigos, sin Ipads, celulares o internet. Su imaginación es su gadget favorito. En un abrir y cerrar de ojos, el gobierno invade sus tierras e inicia una guerra con los “rebeldes”. En dicho enfrentamiento, Agu queda solo, y esta oportunidad es aprovechada por El Comandante (Idris Elba), el cual recluta y entrena jóvenes para que estos sirvan como soldados. Sí, hay mucho material fuerte para algunos espectadores, desde cómo son entrenados estos jóvenes, hasta como sicológicamente son manipulados. De momentos, el tema se pone algo incómodo.

Abraham Attah como Agu en Beasts of No Nation

Agu, no tiene otra opción que amoldarse al cambio, pues si no va a morir, aun sabiendo que puede resistirse, pero como todo niño, aun tiene esperanzas de que las cosas vayan a cambiar. Idris Elba, en el papel más importante de su carrera hasta esta fecha, es El Comandante, un militar contratado por el gobierno de dicho país para crear una guerrilla en la cual el es el Dios, un Dios que utiliza niños como adultos para un propósito sin sentido, donde el mismo, no entiende o respeta por lo que lucha. Cary Fukunaka (‘’Sin Nombre’’, ‘’Jane Eyre’’) nunca afloja el pedal del acelerador. Sale de crear una de las mejores miniseries de los últimos tiempos (True Detective, temporada 1) para adentrarse en un tema visceral, pero que el fondo es la clase de cine sincero y poderoso que da nombre a la conciencia. “Beasts of no nation” es de lo mejor que he visto en este 2015, sin duda una película difícil de olvidar, digerir y aceptar. Un cine hecho a base de conciencia, pero sin dejar de lado el poderoso y violento de la imagen cinematográfica

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Escena de la película “El Clan”

EL CLAN POR RUBÉN PERALTA RIGAUD

ahora lo vemos como un sicópata asesino, que creía que hacia el bien. Dicha transformación, no solo física, es solamente creada por grandes actores. Con un estilo “Scorsesiano” (Si es que existe la palabra), el director Trapero se apoya en las herramientas que el director estadounidense creó hace años. Planos secuencias, personajes malvados pero creyentes, música de rock (una extraordinaria banda sonora), la alternación de planos con la música alta, la clara violencia y personajes en busca de redención, son algunos de los detalles mas sobresalientes que Trapero tomó prestado del amigo Scorsese, sin desperdicios. Parte del éxito de esta cinta, radica en que, fuera de Argentina, la historia de esta familia era poco conocida, y no dudamos que nuestros países hispano-parlantes tengamos nuestros “Puccios” que andan escondidos por ahí, pero Trapero puso en manifiesto esta historia para los que no teníamos conocimientos de ella. “El Clan” es, sin lugar a dudas, otro acierto de este talentoso director argentino, que sin miedos y tapujos, pinta a su sociedad de esa época, fría y sin escrúpulos, pero siempre con unas ansias enormes de tener libertad y justicia.

El director argentino Pablo Trapero (‘’Elefante Blanco’’, ‘’Carancho’’) vuelve a la carga con la funesta historia de la familia Puccio, familia que logró notoriedad hace 30 años en Argentina por el secuestro, el asesinato y la tortura de personas. Trapero retrata las andanzas de esta familia de la forma más ‘’Hollywoodense’’ posible, y es tal vez el secreto de su éxito. “El Clan” es la película mas taquillera en la historia de Argentina, y a su vez, es una película que ha arrasado con los premios en donde se ha presentado, y aunque su sello es muy norteamericano, la calidad innegable de su director esta impregnada. Arquímides Puccio (Guillermo Francella) es la cabeza controladora de su familia. Con un pasado algo turbio bajo las ordenes de “Comodoro”, un general que trabajaba directamente con el gobierno, Arquímides le hacia ciertos encargos a él y sus secuaces, e hizo de estos “encargos” un negocio familiar, junto a su hijo Alejandro (Peter Lanzani). Unos de los puntos a recalcar es la transformación del cómico Guillermo Francella. En “El Secreto de Sus Ojos’’ fue aquel ayudante del fiscal bonachón, que hacia compañía a las andanzas de Ricardo Darin. Y

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CINE EN CASA POR PABLO MUSTONEN

THE END OF THE TOUR (2015) No conozco la obra literaria de David Foster Wallace, pero sin lugar a dudas, luego de ver esta película, quisiera conocer todos sus libros, principalmente su novela “Infinite Jest”, la cual forma parte esencial de este filme. Excelentemente interpretada por Jason Segel y Jesse Eisenberg, The End of the Tour cuenta una historia inspirada en hechos reales cuando un reportero de la afamada revista Rolling Stone, David Lipsky (Jesse Eisenberg) consigue que el editor de la revista le permita hacer un reportaje sobre David Foster Wallace (Jason Segel) durante los últimos días del tour de promoción de su libro “Infinite Jest”. Conocer un poco sobre David Foster Wallace antes de ver esta película no vendría mal, pero no hace falta. Inmediatamente te das cuenta que es una persona brillante pero solitaria. Cargada de excelentes diálogos e impresionantes actuaciones, este filme debe ser visto con calma, no sucede mucho en el mismo, pero cuando estos dos personajes comienzan a hablar, desearíamos nunca terminara su conversación. Calificación: 8/10

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Jesse Eisenberg y Jason Segel en The End of the Tour

HIGH NOON (1952) Título en español: A LA HORA SEÑALADA Siempre había escuchado de esta película del talentoso Fred Zinnemann como referencia de las mejores películas del western. Pero gran sorpresa me llevé cuando la vi. Sí, es un western, pero es más un gran thriller del cine norteamericano. Por su grandiosidad, imagino que Armando y Arturo le pusieron el nombre a su programa de radio “A la Hora Señalada”. Will Kane (Gary Cooper) es el sheriff de un pueblo. En su último día de trabajo se casa con su prometida Amy Fowler (Grace Kelly). Son las 10AM cuando vemos tres extraños visitantes que llegan al pueblo con un propósito: esperar el tren de las 12PM donde viene Frank Miller en busca de venganza contra Kane, quien años atrás lo puso tras las rejas. Excelente thriller que sucede en tiempo real y que a medida que pasan los minutos nos va poniendo más nerviosos e intrigados sobre cuál será el destino final de Will Kane. Grace Kelly como Amy Fowler en High Noon

Calificación: 8.5/10

Gary Cooper como Will Kane en High Noon

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Tom Schilling en A Coffe in Berlin

A COFFEE IN BERLIN (2012)

Poster de la película A Coffe in Berlin

Este filme de facturación alemana, el cual me fue recomendado por mi tío Ángel Haché, es una grata sorpresa. Filmada en blanco y negro con un bajo presupuesto, narra la historia en un día de un joven que está buscando su identidad. Las cosas no le pueden resultar peor en ese fatídico día: termina con su novia, su tarjeta le rebota, se reencuentra con una amiga de colegio de la cual se burlaba cuando joven, su padre se entera que dejó la universidad y le corta su mensualidad y, para colmo, no consigue donde pueda beber un buen café. El joven llega a sentirse cómodo en varios momentos del día, principalmente con personas mayores, que le muestran las cosas sencillas y placenteras de la vida, y por otro lado, la cruda verdad del mundo actual en el cual vivimos. Interesante película con una brillante fotografía en blanco y negro, una genial dirección y excelentes interpretaciones. Calificación: 7.5/10 15

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ARTÍCULO

Escena de la película “Catwoman”

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ROLES QUE TRONCHARON CARRERAS

DE ACTORES FAMOSOS Algunas de las grandes estrellas de Hollywood luchan hoy día por conseguir financiación para sus películas, todo esto gracias a un film que paró en seco sus prometedoras carreras. A continuación les detallo algunos de los más famosos y conocidos casos. POR DIEGO PARED

HALLE BERRY ‘CATWOMAN’ (2004)

Halle Berry era una de las actrices más talentosas de Hollywood, talento que fue confirmado en el 2001 cuando se convirtió en la primera mujer afroamericana en ganar un Oscar a la Mejor Actriz gracias a su papel en “Monster’s Ball”. Aprovechando el empuje del premio, consiguió una serie de papeles que terminaron siendo decepcionantes en “Die Another Day”, “Gothika” y “Swordfish”. La película que terminó de cavar su tumba fue “Catwoman” en el 2004. La cinta fue salvajemente atacada por los críticos y le mereció un Razzie como la Peor Actriz. Después de esta película, Berry desapareció de la pantalla grande por 10 años hasta que salió en “X-Men: Days of Future Past”, su único éxito reciente en el que ni siquiera tiene mucha presencia y “Movie 43”, una comedia odiada por los críticos.

CHRIS O’DONNELL BATMAN & ROBIN (1997)

Chris O’Donnel es “Batman & Robin”

A principio de los 90s, Chris O’Donnell era un actor bastante prometedor, con una nominación al Golden Globe bajo el brazo gracias a su actuación en “Scent of a Woman” y otros éxitos como “School Ties” y “Fried Green Tomatoes”. Todo iba bien para O’Donnell hasta que formó parte de la película de Joel Schumacher “Batman & Robin”. Después del lanzamiento de dicha película, en el 1997, O’Donell no ha vuelto a actuar en un largometraje, apareciendo sólo en la televisión con pequeños papeles en las series de TV “Grey’s Anatomy” y “NCIS: Los Ángeles”.

MIKE MYERS THE LOVE GURU (2008)

Mike Myers en “Love Guru”

Mike Myers era una estrella de la comedia gracias a franquicias como “Wayne’s World”, “Austin Powers” y “Shrek”. Estas películas forjaron su carrera, la cual se quedó corta. Después de hacer “The Love Guru”, no vuelve a aparecer en una pantalla hasta que obtiene un pequeño papel en “Inglorious Basterds” y forma parte de un sketch de “Wayne’s World” en el 40 aniversario de “Saturday Night Live”. Tras el final de “Shrek”, podemos afirmar que ser un éxito en los 90s no significa que lo vayas a ser hoy en día.

KEVIN COSTNER WATERWORLD (1995)

Kevin Costner en “Waterworld”

En los 80s y principios de los 90s, Kevin Costner era una de las más grandes estrellas de cine, con maravillosas actuaciones en “Dance with Wolves”, “The Untouchables” y “Field of Dreams”, películas que se volvieron hitos culturales. Costner ganó dos Oscars, uno como Mejor Director y otro por Mejor Película con “Dance with Wolves”. Después de este fracaso, ha aparecido en una serie de películas deportivas, todas muy parecidas en entre sí. Costner todavía tiene talento guardado, como pudimos ver en “Man of Steel” y en la miniserie para TV, “Hatfields & McCoys”.

CUBA GOODING JR. BOAT TRIP (2002)

Cuba Gooding Jr. se encontraba en la cima del mundo luego de ganar el Oscar como Mejor Actor de Reparto por su energética actuación en “Jerry Maguire”. Con un exuberante discurso de aceptación, Gooding dio a entender que lo mejor estaba aún por venir. La esperanza se mantuvo gracias a su aparición en otros éxitos como “As Good as It Gets”. Aunque no duró mucho, porque después de salir en “Boat Trip” nada volvió a ser igual. Si bien esta película trató temas adelantados a su tiempo, como el de la comunidad LGBT, Gooding Jr. nunca se pudo recuperar de ese fracaso taquillero. Pasó de cobrar $20 millones por película, a ser un don nadie más en Hollywood.

18 Cuba Gooding Jr. en “Boat Trip”

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A las películas ganadoras de los premios La Silla. Y agradece la confianza depositada en nuestros servicios legales y financieros.

LA GUNGUNA

DÓLARES DE ARENA

DETECTIVE WILLY

Mejor Película Mejor Dirección de Arte Mejor Edición Mejores Efectos Especiales Mejor Diseño de Sonido Mejor Musicalización Mejor Canción Mejor Maquillaje Mejores Efectos Visuales Mejor Vestuario Mejor Director

Mejor Actriz GERALDINE CHAPLIN

Mejor Comedia

ERNESTO ALEMANY Mejor Productor JUAN BASANTA Mejor Actor Principal GERARDO “EL CUERVO” MERCEDES Mejor Actor Secundario JALSEN SANTANA Mejor Actriz Secundaria NASHLA BOGAERT Mejor Guionista MIGUEL YARULL Mejor Dirección Cinematográfica JUAN CARLOS FRANCO Diseño de Producción RAFI MERCADO

Premio de la Crítica

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DE CÓMO “LA FUERZA” CAMBIÓ LA INDUSTRIA DEL CINE POR RUBÉN PERALTA RIGAUD

Escena de “Star Wars: A New Hope”

¿Qué edad tenías en 1977, cuando Star Wars fue la más taquillera en los cines de todo el mundo? ¿Adulto, adolescente o siquiera nacido? No importa. Independientemente de tu edad, la saga galáctica creada por el director estadounidense George Lucas es una leyenda. Si respiras, ya sabes (o al menos has oído) los nombres de los personajes de esta odisea que cambiaron el curso de la historia del cine: Darth Vader, Luke Skywalker, Obi-Wan Kenobi, la princesa Leia, Yoda, C-3PO, R2-D2, Chewbacca... Para los más exagerados, se convirtieron a la religión “Star Wars’’ (la cual existe y es ejercida en varios países del mundo). En el último censo de los Estados Unidos, miles de estadounidenses reportaron estar en la religión “Jedi”. En Inglaterra, los “Caballeros Jedi”, ganaron el

reconocimiento oficial por las autoridades desde el censo del 2001. Pero sólo una cosa es cierta: el fanatismo alrededor de Star Wars no tiene explicación alguna, mucho menos obvia. Lo mejor que puedes hacer para entender el fenómeno de George Lucas, es entender bien su principio cuando el director tenía sólo 27 años y algunas películas en su closet. La primera secuencia de ideas, 13 páginas de “ideas locas”, fueron escritas en 1972. En ese momento, el nerd de California comenzó a esbozar su guión situado en una galaxia muy, muy lejana y llena de héroes, villanos, naves espaciales y peleas en el espacio. Todo esto era un ente extraño en Hollywood. El cine comercial estaba casi desapareciendo.

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Personas haciendo fila en el estreno de Star Wars: Return of the Jedi

La industria del cine se volvió temerosa a invertir en historias como estas, historias con incertidumbres de retorno económico, motivado por la revolución del comportamiento de los años 60 y de la conciencia americana a raíz de la crisis causada por la guerra de Vietnam. Géneros clásicos como el Western, el Musical y las películas de Gángster, se estaban poniendo de moda, no solo moda, sino con un nuevo código de éxito en la industria. Películas como “Butch Cassidy”, “Cabaret”, “Bonnie & Clyde” y “El Padrino” crearon dicha tendencia. El cine urbano, los temas urgentes y llenos de una nueva realidad de las calles estadounidenses, como producciones tipo “Tarde de Perros” y “Taxi Driver”, retrataban este estilo de la década, solo por mencionar dos. En esa época el cine también habló de la política, el poder y el comportamiento en los éxitos, que van desde la primera noche de un hombre, como en “Annie Hall”, o política directa como en “Todos los Hombres del Presidente”, en donde presentan el tipo perturbado, inadaptado y rebelde, personificado por estrellas como Jack Nicholson, Al Pacino, Dustin Hoffman y Robert DeNiro. En este escenario, la propuesta de Lucas parecía (perdone el juego de palabras) algo de otro planeta. Su único recurso entonces era utilizar los labios para tratar de convencer a los ejecutivos de las Grandes Ligas, los herederos distribuidores del sistema de estudios, que había estado dominando el cine estadounidense desde mediados de siglo. El argumento era simple: “una generación entera está creciendo sin tener acceso a un cuento de hadas, una película para que los niños pueden aprender a distinguir entre el bien y el mal, entre lo correcto y lo incorrecto”, repitió. Al escribir el guión, Lucas tuvo su mayor influencia en el libro “El Héroe de las Mil Caras”

de Joseph Campbell, un ensayo sobre los mitos y andanzas de diversos personajes. “Con Star Wars, he puesto conscientemente mi idea de recrear mitos clásicos y motivos mitológicos”, dijo el director en una famosa entrevista con el periodista Bill Moyers, en la revista Time. Solo para aclarar: el héroe de Lucas, Campbell, asume que las grandes historias se basan siempre en “el viaje del héroe”, donde el protagonista, quien en un principio vive en un “mundo común”, recibe una “llamada a la aventura” y después de una negativa inicial y casi siempre con una “ayuda superior”, este emprende un viaje lleno de pruebas, tentaciones y obstáculos, hasta regresar triunfante, como un “Maestro de Dos Mundos”. Star Wars ha transpuesto esta estructura para un universo atemporal y distante, donde una banda de rebeldes luchó con sables de luz y naves espaciales contra un poderoso Imperio del Mal. Ya que la banda de rebeldes incluía a un granjero, una princesa de guerrillas, un mercenario amable y su compañero peludo, una especie de duende sabio, un espadachín de edad avanzada y dos robots, se acogieron a la creencia en una cierta “fuerza” espiritual para luchar contra los que domina el lado oscuro de dicha fuerza. “Puse la Fuerza para tratar despertar un cierto tipo de espiritualidad en los jóvenes - más una creencia en Dios que la creencia en cualquier sistema religioso” - dijo a la revista Time. Universal, quienes habían financiado el segundo largometraje de Lucas, como American Graffitti y United Artists, siendo el distribuidor de la mayor parte de la películas de la época, decidieron apostar al Nerd de California y le fue entregado $50,000 dólares para desarrollar el proyecto.

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Después de varios cambios en el guión original incluso, fue incluido el personaje de Darth Vader. Lucas tenía un tomo de 200 páginas en sus manos. Obviamente tuvo que cortar. Entonces acaba desarrollando una pequeña parte de todo el universo creado, con la esperanza de que un primer éxito pudiera hacer posible la continuación de la saga. A principios de 1977, debuta con lo que conocemos como “Star Wars- Episodio IV: Una Nueva Esperanza”. La incertidumbre era grande. Los ejecutivos estaban preocupados porque el presupuesto de la película había aumentado en 3 millones de dólares de su presupuesto inicial de $8.000.000, un costo promedio para la época. Líneas kilométricas en las puertas de los cines el día de la inauguración, derribaron todos los temores. Star Wars recaudó 461 millones de dólares en suelo americano (la segunda película más taquillera de todos los tiempos, sólo superada por Titanic en 1997), y $ 780 millones en todo el mundo (#13 más taquillera, después de haber cedido el primer puesto hasta 1996). Una pequeña empresa de juguetes, que había comprado los derechos de la producción de los juguetes y muñecos basados en los personajes de la película, no dio abasto para cumplir las necesidades del mercado, y se vio en la necesidad de vender cupones prometiendo la entrega de juguetes en los meses posteriores. Con unas pocas semanas en cartelera, los aficionados caracterizados como los personajes de la película, comenzaron a aparecer en las filas de los cines. Después de esta película, la industria del cine nunca ha vuelto a ser la misma. Tomando como referencia la historia de la humanidad, el mundo de las películas se puede dividir en estos períodos: Prehistoria, con sus películas de un rollo (máximo 10 minutos) que aparecen en cualquier agujero donde se acumule un público ávido de noticias; la época Clásica, iniciada por “El Nacimiento de una Nación” (1915), de DW Griffith, que sintetiza la gramática cinematográfica, y la era Moderna, inaugurada por los inventos del niño Maravilla, Orson Welles y su Ciudadano Kane (1941). Con la saga de Star Wars, empezamos lo que podríamos llamar la época Contemporánea, con producciones llenas de efectos especiales, acción sin parar, héroes, los altos presupuestos, y con un

ojo en la taquilla y otra en la industria de licencias y mercadeo. Paradójicamente, este fenómeno se ha fortalecido con un sistema que Lucas estaba decidido a dejar caer, pero al no hacerlo le dio un nuevo impulso a las “Grandes Ligas”, teniendo estas un dominio y una rentabilidad en el mercado mundial nunca antes visto. Estas empresas, luego, vivieron un dilema de marketing: habían perdido el olfato para el cine de entretenimiento, creando un vacío legal, vacío que permitió la aparición de una generación de cineastas manifestantes, que aprovecharon para imponer un nuevo estilo de hacer cine.

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Escena de “Star Wars: A New Hope”

Carrie Fischer como la Princesa Leia en “Star Wars: A New Hope”

Pero Lucas no dirigió las siguientes películas de la serie - El Imperio Contraataca (1980), El Retorno del Jedi (1983), La Amenaza Fantasma (1999) y El Ataque de los Clones (2002), al servicio de una ideología empresarial, hecho muy común en los años 80, cuando películas como “Rambo’’ o “Top Gun” fue una traducción clara del espíritu belicoso de la Era Reagan, disfrazado bajo el signo de mucha acción y efectos especiales. Lucas lidera otra revolución, tal vez marcando el comienzo de una nueva era: La era Digital, cuyo punto de partida es precisamente el episodio anterior de La Venganza de los Sith, El Ataque de los Clones, rodada en alta definición, sin el uso de la película. Producida a un costo de 115 millones de dólares y con un número récord de 2,300 aeronaves en acción, creadas por efectos visuales. “La Venganza de los Sith” revela como el joven Anakin Skywalker se convirtió en el villano Darth Vader y muestra el nacimiento de sus hijos, los futuros héroes Luke y Leia. La producción también trae todo un ejército de Wookies - la raza del asistente del carismático Han Solo, Chewbacca, y para el deleite de los aficionados, el esperado duelo de sables entre Anakin y Obi-Wan Kenobi. Puedes odiar o amar la saga, pero no te es indiferente. Aún con sus obvias razones económicas, no deja de ser parte importante de la cultura mundial, al menos en los últimos 30 años. Ya depende de ti, amigo lector, si te unes al lado oscuro o te unes a nosotros, los Jedi.

Cuba Gooding Jr. en la pelĂcula Gifted Hands

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GIFTED HANDS POR ALEX ACRA

Agradecido me siento de Giselle, Pablo y todo el equipo de Cineasta por confiar en mí para tratar un tema importante en el mundo del cine: La reseña de películas con un importante impacto positivo en el corazón de las personas; películas que inspiran, motivan y en esencia tienen la posibilidad de generar grandes cambios en quienes las ven; películas que a su vez contienen importantes lecciones que nos pueden ayudar a mejorar nuestra calidad y estilo de vida; películas con el poder de conmover nuestras almas y crear acciones que nos permitan alcanzar nuestros sueños. Este es el caso de Gifted Hands (2009), escrita por John Pielmeier, dirigida por Thomas Carter y protagonizada por el gran Cuba Gooding Jr, Kimberly Elise y Aunjanue Ellis. Gifted Hands, producida para Primetime TV, pero con calidad de estar en la gran pantalla, cuenta la historia real de Ben Carson quien es tildado de idiota, sin creatividad ni imaginación en la escuela y luego llega a convertirse en uno de los más afamados neurocirujanos del mundo por su trabajo en el Hospital John Hopkins. En este drama se despliegan 86 minutos cargados de aprendizajes interesantes como el efecto que tiene la Fe de las madres en la personalidad, el amor propio y el éxito de sus hijos; de cómo crecer en momentos de adversidad, de la importancia del entorno en que vivimos para crear un espacio de f lorecimiento y desarrollo, así como la oportunidad para descubrir lo que nos apasiona y en lo que somos excelentes. “Puedes hacer cualquier cosa que alguien esté haciendo o haya hecho” eran las palabras motivadoras de la madre de Carson que durante toda su infancia y adolescencia

sirvieron de fortaleza para ayudarle a sobrellevar el fuerte racismo de la época, convivir y vencer la pobreza, destapar su imaginación, su interés por la ciencia y sobre todo su amor propio y autoestima. Tantas veces lo repitió y lo inculcó que fueron estas mismas palabras que sirvieron de inspiración para querer ser un científico, amante de la medicina y la vida de sus pacientes. Gracias también a que la madre de Carson tomó la decisión de cambiarlo de ambiente, él logró cultivar ese amor por la ciencia y por el cerebro (cuyo órgano lo considera como un milagro de Dios) que le ganó una beca en medicina en la Universidad de Yale, estudiar y trabajar en el Hospital John Hopkins. Así mismo, Ben Carson, confió su fuerte temperamento a la bondad de Dios para ser un hombre de bien total y dejar atrás una debilidad que le había causado problemas en su juventud. “Tienes todo el mundo dentro de ti, solo tienes que ver mas allá de lo que estás mirando” Otras sabias palabras de la madre de Carson que llevaron a Ben a realizar cirugías pediátricas que hasta ese momento habían sido consideradas imposibles. Enfocada en la carrera de Carson, en el filme también vemos como el amor de pareja y la familia se convierten en la clave para triunfar contra todas las adversidades que se nos presentan continuamente mientras estemos en este planeta. Una película genuinamente inspiradora que nos deja con las ganas de conocer más de su vida a través de sus libros y de como nosotros podemos pasar de la adversidad, el miedo, la duda y la falta de amor propio a sacar la grandeza que llevamos dentro y ponerla al servicio de la humanidad.

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STEVEN SPIELBERG POR JORGE CÁMARA

Hollywood, CA.- “Bridge of Spies”, la más reciente película dirigida por Steven Spielberg, recuenta la verdadera historia de James Donovan, un abogado que durante la guerra fría, maneja en Alemania un delicado intercambio entre un espía ruso y un piloto americano capturado en Rusia. El personaje central es encarnado por uno de los actores favoritos de Spielberg, Tom Hanks. Este es el sexto proyecto en el que Spielberg y Hanks trabajan juntos, y el cuarto en el que funcionan como director y actor. En 2001 y 2010, ambos participaron como productores ejecutivos en la series de televisión, “Band of Brothers” y “The Pacific”, en la que el actor fungió también como narrador. Interpretando al Capitán Miller en la historia de la Segunda Guerra Mundial, “Saving Private Ryan” (1998), fue la primera vez que Spielberg y Hanks unieron sus talentos, repitiendo la mancuerna en “Catch Me If You Can” (2002), con el actor en el papel de Carl Hamratty, el agente del FBI dedicado a capturar al farsante encarnado por Leonardo Di Caprio; y posteriormente teniendo a su cargo el personaje de Viktor Navorski, un inmigrante europeo que toma residencia en el aeropuerto de Los Ángeles, en la malograda, “The Terminal” (2004). La cinta, no obstante, ofreció una de sus primeras oportunidades a Zoe Saldaña. Ahora gracias a su trabajo en “Bridge of Spies” y a la dirección de Steven Spileberg, Tom Hanks se perfila como uno de los favoritos a ser nominado en la categoría de Mejor Actor.

Steven Spielberg

Escena de la película “Bridge of Spies”

hacerla porque no quise disminuir su crédito, ya que era su primer guión. Pude haber hecho 5 películas con Tom Hanks, y espero sean 8 o 10 mas con él. Cuando hicimos nuestra primera película juntos, “Saving Private Ryan”, llegó en la mañana con el guión en el que había cortado 7 u 8 líneas de diálogo. Había subrayado las líneas y me dijo, mira jefe, espero no sea un problema, pero tengo que decirte esto. Y yo abrí mi guión y había cortado las mismas líneas. Eso mismo ha sucedido cada vez que hemos trabajado juntos. Es una experiencia muy extraña, como que compartimos el mismo cerebro. Tal vez porque ya éramos muy buenos amigos antes de trabajar juntos no tuvimos un período de ajuste. Con otros actores me toma un par de semanas antes de llegar a conocerlos, y luego digo, me hubiera gustado conocerlos antes, porque hubiera vuelto a filmar las dos primeras semanas de rodaje. Con Tom vamos bien desde el primer día, lo cual es un lujo para mí.

JORGE CÁMARA: ¿Que es lo que continuamente te atrae a trabajar con Tom Hanks? STEVEN SPIELBERG: Lo que me atrae, y no está a discusión, es que Tom es uno de los mejores actores del mundo. Y poder trabajar con dos de los mejores actores del mundo, Mark Rylance, que hace al espía ruso, y Tom Hanks, ha sido una bendición para mí en este proyecto. Mira, esta es nuestra cuarta película juntos, y hemos producido dos miniseries juntos, de modo que existe una familiaridad ya que fuimos amigos antes de ser colegas. Nos conocíamos como amigos y como socios, y él es padrino de uno de mis hijos, todo eso antes de comenzar a trabajar juntos. El experimento fue ver si podíamos trabajar juntos, e ir de amigos a colegas, y regresar a ser buenos amigos. Esa fue una de nuestras preocupaciones, porque ¿qué tal si no estábamos de acuerdo y peleábamos por la interpretación de una escena, o del guión? Pero eso nunca sucedió. Creo que los dos compartimos un solo cerebro.

J.C.: ¿Es cierto que siempre te han interesado las historias de espías?

J.C.: Tom ha dicho que cuando lee el guión y encuentra un diálogo que no siente debe decir, lo subraya y lo discute contigo al día siguiente. ¿Niegas tu a veces sus sugerencias?

S.S.: Me encantan las historias de espías. Y la verdad es que me encantan las comedias de espías como “Our Man Flint”. Yo crecí leyendo Mad Magazine, y todos los que conocen Mad Magazine, conocen al Espía VS. Pero también hay muy buenas películas serias sobre espías como “The Ipcress File”, “The Quiller Memorandum” y “The Spy Who Came In From the Cold”, que es mi película de espías favorita. Todas

S.S.: Bueno, te voy a contar como trabajamos. Como había dicho, lo he dirigido cuatro veces, casi 5, porque casi dirigí “Big”. Jim Brooks, el productor, me la ofreció. Pero mi hermana, Ann Spielberg y Gary Ross, concibieron y escribieron el guión de “Big”, y no quise

las películas de James Bond son películas de espías. Pero esta, “Bridge of Spies”, es una película de espías diferente, sobre como un abogado de seguros que es sacado de una vida cómoda y llevado en medio de la Guerra Fría. Esta es una película de espías, pero es también una película sobre la importancia de mantener tus principios morales, que fue lo que nos llevó a Tom y a mí a decir que sí. Inicialmente, la idea de espías fue lo que me atrajo a la historia, pero después descubrí lo poco usual que era. Cosas que suceden en la vida real son mas irónicas que las que escritores de ficción pueden inventar. Fue entonces que traje a los hermanos Coen a escribir el guión, que son quienes pueden darle a la trama la ironía necesaria, son muy buenos para eso. J.C.: Es curioso que te haya tomado tres años filmar esta película, y de pronto ya estás listo con la próxima, “The BFG”, y estás rodando y editando la siguiente, “Ready Player One”.

Jorge Cámara y Steven Spielberg

de los años 60. Sencillamente pensé que se estaba invirtiendo demasiado dinero en las películas de súper héroes, y no es que quisiera que fracasaran, sino que en algún momento, para llevar a sus familias al cine, el público iba a demandar voces diferentes, puntos de vista diferentes, conceptos diferentes. Eso fue lo que quise decir.

S.S.: Lo que pasó fue que antes de leer el material de “Bridge of Spies”, ya estaba listo para filmar “The Big Friendly Giant” o “The BFG”, el libro de Roald Dahl. Que iba a ser mi próxima película. Aunque me gusta el género, no tenía intenciones de hacer una película de espías. Pero cuando el productor, Matt Sharman, me contó la historia detrás de la historia, me di cuenta de que ya la conocía porque mi padre, siendo ingeniero para General Electric, fue a Rusia en 1960 en un intercambio internacional, y tomó fotos del avión espía, que la gente hacía colas para ver. De modo que yo ya estaba interesado en el caso, y cuando oí el resto de la historia, fue cuando decidí hacer a un lado “BFG” y meterme a la Guerra Fría. Y después, terminando “BFG”, encontré el libro de Ernest Klein titulado, “Ready Player One”, que me fascinó, y comenzaré a rodarla el próximo mes de junio.

J.C.: Entonces, ¿cómo ves ahora el futuro del cine? S.S.: Bueno, el futuro del cine va a ser, déjame encontrar el término correcto, el cine va a ser dirigido a una público individual, a un consumidor individual. Va a haber algo para todos. Las historias pequeñas que no van a atraer necesariamente al gran público, van a atraer a suficiente gente para les vaya bien financieramente, y puedan entonces atraer a distribuidores e inversionistas para hacer más películas así. Hay diferentes formas en las que somos entretenidos hoy en día, ya no es solamente la pantalla grande o la televisión. Ahora está I-Watch, Samsung, I-Phone, Snapchats, videos de cuatro segundos que son una forma de auto-expresión para la que hay un público. Tenemos que estar preparados a ver que el cine va a llegar en muchas formas y géneros diferentes. Espero no estar dando una lección, pero la prensa, y quienes dan premios, van a tener que empezar abrir sus categorías a formas más cortas, porque no solamente deben celebrar el cine o la televisión, sino historias que pueden tomar o dos, o 20 minutos. Tenemos que estar abiertos al futuro.

J.C.: Hace un par de años predijiste que la industria de cine iba a destruirse internamente. ¿Ves ahora que eso es lo que está sucediendo, o has cambiado de opinión? S.S.: Bueno, nunca predije que la industria de cine iba a destruirse internamente, lo que dije fue que las películas de súper héroes iban a dejar de hacer dinero, porque no creo que el género de los súper héroes tenga la duración de los Westerns, que no hay que olvidar fueron las primeras en hacerse. “The Great Train Robbery”, una de las primeras películas, fue un Western Los Westerns se mantuvieron, pero comenzaron a desaparecer a mediados de la década

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THE REVENANT POR JORGE CÁMARA

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Leonardo DiCaprio y Grace Dove en “The Revenant”

Hollywood, CA.- Si como se pronostica, Leonardo DiCaprio recibirá una nominación al Oscar de Mejor Actor por su actuación en “The Revenant”, bajo la dirección de Alejandro Gonzáles Iñarritu (y como ya se apuesta la dorada estatuilla), esta será la sexta ocasión en que la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas lo coloca en las codiciadas quintetas, en diferentes categorías. Su primera nominación fue como Actor de Reparto por “What’s Eating Gilbert Grape (1994). Por “Blood Diamond” (2007) compitió por vez primera como Mejor Actor, continuando con “The Aviator” en 2005 y “The Wolf of Wall Street” en 2014, y por esta última recibió también una nominación como productor. ¿Será 2016 finalmente el año de Leonardo DiCaprio? Gonzales Iñarritu, por su parte, recibió tres Oscars el año pasado como Mejor Escritor, Mejor Productor y Mejor Director de “Birdman”, que ganó Mejor Película. “The Revenant”, curiosamente, es una historia que ha sido llevada en varias ocasiones a la pantalla (la más conocida de ellas, “Man in the Wilderness” de Richard C. Sarafin, con Richard Harris, en 1971), pero nunca con la pasión, la violencia, la belleza visual (gracias a las cámaras de Emanuel Lubenski), la pureza cinematográfica, y la poesía que esta versión ofrece. Con más de 2 horas y media de duración, la cinta cuenta la historia de un cazador de pieles que difícilmente sobrevive, y va en busca de venganza contra los compañeros que lo abandonaron después de haber sido brutalmente atacado por un oso. Conversamos en días pasados con el director y la estrella de esta película sobre la experiencia de hacer el filme.

JORGE CAMARA: Alejandro, veo que tu coescribiste el guión. ¿Qué fue lo que atrajo tu atención a esta historia? ALEJANDRO GONZALES IÑARRITU: Bueno, esta es básicamente una historia primitiva que explora temas de subsistencia y sobrevivencia. Lo único que sabemos de la leyenda de Hugh Glass (el personaje de DiCaprio) es que fue atacado por un oso y abandonado, y tuvo que soportar un invierno helado y arrastrase por 200 millas en inclementes terrenos para poder sobrevivir. Lo que realmente me interesó, leyendo este período de la historia americana, es que el Oeste todavía no existía, y era habitado por una mezcla de españoles, mexicanos, ingleses, franceses, canadienses e indios americanos. La esclavitud era legal, el racismo era enorme, y la fuente de ingresos más importante en esa época eran las pieles de animales, que se mandaban a Europa que adornar los sombreros y abrigos de las mujeres. Los cazadores de pieles eran explotados, y con quienes únicamente se relacionaban era con la indias americanas, con quien formaban familias y tenían hijos. También me interesó la relación entre padre e hijo, y el tema de la venganza, y el hecho de que te deja vacío después de que la logras.

jorge Cámara y Alejandro Gonzales Iñarritu

J.C.: Leonardo, ¿de qué manera crees que

esta historia que tuvo lugar hace 200 años sea importante hoy en día? LEONARDO DiCAPRIO: Lo interesante es que toda esa época de la historia americana no está documentada, y fue como si estuviéramos hacienda una película de ciencia-ficción en un territorio sin leyes en el que los nativos eran abusados. Para mí todo eso fue muy pertinente, porque al mismo tiempo que estábamos filmando esta película, estaba haciendo un documental sobre el cambio de clima, y en todos los lugares que visité, en Canadá, Sudamérica, Indonesia, todos los nativos estaban siendo expulsados de sus tierras, sacrificando sus culturas, para extraer ganancias. J.C.: Viendo la película, tienen que haber sabido que iba ser uno de los rodajes mas inclementes y difíciles de vuestras carreras. ¿Por qué decidieron correr todos esos riesgos? A.G.I.: Yo pensé que esta película me iba a matar. Realmente no me deshice del ataque del oso sino hace unos días que terminamos la edición. Comencé a buscar las locaciones de esta película hace 5 jorge Cámara y Leonardo DiCaprio

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años, y no puedo creer que finalmente la hayamos terminado. Acepté hacerla porque soy el único idiota en este planeta que acepta algo así (ríe). Es la verdad. No sabía en lo que me estaba metiendo. Recuerdo que Clint Eastwood me dijo que él nunca aceptaba filmar en el invierno, y yo le dije, gracias por la información. Pero Clint Eastwood es inteligente y yo no. Hubo situaciones extremadamente difíciles en todos los niveles, tanto creativos, como financieros. Es el tipo de filmación que ha desaparecido con la pantalla verde las computadoras y el internet. Fue como escalar una montaña sin una soga. Calgary, donde filmamos la mayoría de la cinta, es el lugar del planeta con cambios más radicales de temperatura que fluctúan entre 20 y 25 grados (Farenheit) en un mismo día. Estás filmando una escena en la nieve, y dos horas después solo hay hierba, y tres horas después está lloviendo, y dos horas más tarde la temperatura cae a bajo cero

David Lean, y regresarla al alma de los personajes, es algo que nunca había visto hacer, buscando una realidad virtual cinematográfica, que tomó meses y meses de ensayos. Hubo momentos increíblemente difíciles en esta película, que ha sido la más ardua que he hecho, y en lo que creo que todos los que trabajamos en ella estamos de acuerdo. Fue una jornada existencial para Alejandro y para mí, y en muchas formas espiritual que fue lo que intentamos. J.C.: Leonardo, interesante es el hecho de que en tu película anterior, “The Wolf of Wall Street”, tu personaje no deja de hablar, y en esta prácticamente no dice nada. L.DiC.: Fue una de las cosas que más me interesaron cuando leí el guión, y en realidad continuamente le pedía a Alejandro que cortara mas y mas el diálogo, porque quería explorar sin palabras la jornada emocional del personaje. Hugh Glass es un hombre que no habla mucho, que va directamente al punto, y que creo no quiere comunicarse con mucha gente. Vemos eso a través de sus ojos, y experimentamos su historia sin palabras. He hecho muchas películas en las que los personajes hablan y hablan sin parar, esta fue una experiencia nueva para mí, y fue una de las razones por las que quise hacer esta película.

L.DiC.: Yo tengo la tendencia a hacer películas de extrema violencia, de manera que no sé si me he desencintado a ella. Pero para mí esta es una película que describe con veracidad la época en la que se desarrolla, y que tiene la perfecta fusión de violencia y de la belleza salvaje de la naturaleza. Es por eso quise participar en ella. Yo nunca he trabajado en una película como esta, y no sé si lo haré en el futuro. Hice extensa investigación en lo que Alejandro y el Chivo (Lubenski) querían hacer y que lo lograron. Llevar la cámara, de los sentimientos y sudor de los personajes, a una amplia toma estilo

J.C.: Alejandro, “The Revenant” es sobre sobrevivencia en una peligrosa jungla natural. Después de tus triunfos aquí, ¿cómo sobrevives la jungla que es Hollywood? A.G.I.: Si hay una guía, la compro (ríe).

Leonardo DiCaprio como Hugh Glass en una escena de “The Revenant”

Leonardo DiCaprio como Hugh Glass en “The Revenant”

No puedo hablar de sobrevivir, porque soy un privilegiado y estoy muy agradecido de poder hacer lo que estoy haciendo, que es lo único que quiero hacer y lo único que sé hacer. Lo único que voy a decir es que una película es algo muy difícil de hacer, y mi proceso siempre ha sido cuestionándome a mí mismo si es que puedo hacerlo mejor. Nunca estoy contento con lo que logro y siempre me pregunto si pude hacerlo mejor. Es una actitud un tanto neurótica y compulsiva, un costo que tengo que pagar. Para mi hacer una película y el proceso de lograr lo que busco, es atormentador, porque tengo que sacrificar mi tiempo con mis hijos, con mi esposa, con mi madre que está enferma. La única manera de sobrevivir para mi es asegurarme que no hago nada por razones incorrectas. Me encantaría estar un poco más relajado, pero sé que mi proceso no me lo permite, de manera que mi única guía para sobrevivir es ser completamente sincero y honesto conmigo mismo.

35 Alejandro Gonzales Iñarritu en la filmación de “The Revenant”

El director Alejandro Gonzales Iñarritu

J.C.: ¿Observaste tú eso, Leonardo? ¿Estás de acuerdo con lo que dice Alejandro? L.DiC.: Se ha hablado mucho del presupuesto y los problemas de filmación de la película, y si tuvimos dificultades. Y voy a admitirlo, Alejandro es un perfeccionista, y al final del día si hay algo que siente no funciona, va a corregirlo. Yo lo apoyo en eso absolutamente, porque es meticuloso y vigilante y se asegura de que todo lo se ve en la pantalla funciona en completo unísono, como un reloj suizo.

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Angelina Jolie

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ANGELINA JOLIE POR JORGE CÁMARA

Hollywood, CA.- Es cierto que la primera película de Angelina Jolie como directora fue un documental titulado “A Place in Time” estrenado en 2007. Pero para debutar como directora y guionista en cine comercial, y después de más de una década de una exitosa carrera como actriz, y múltiples galardones –entre ellos el Globo de Oro y el Oscar por su actuación de reparto en “Girl Interrupted” (1999) – Angelina Jolie eligió “In the Land of Blood and Honey”, (2011) una sobria historia de amor entre un soldado de Serbia y una prisionera de Bosnia. Su segunda incursión como realizadora, “Unbroken” (2014), la llevó a relatar la verdadera odisea de los sufrimientos del jugador olímpico, Louis Zamperini, en un campo de concentración japonés durante la Segunda Guerra Mundial. Ambas cintas, sosteniendo temas serios y complicados, en las que Jolie funcionó únicamente detrás de las cámaras, recibieron modestas críticas y un tanto limitadas entradas en taquilla. Para su tercera producción en la silla directoral, la actriz ha decidido cambiar de género, emulando el cine artístico europeo con una historia de amor en ruinas, limitada básicamente a dos personajes, Vanessa y Roland, un matrimonio americano interpretado por ella y Brad Pitt, su marido en la vida real. Y es el impacto de esta pareja de estrellas de primera magnitud, y la belleza estética de cámara y locación, la que posiblemente salve a la película del fracaso. Tal vez inspirada por los filmes de Michelangelo Antonioni, o las cámaras de Bernardo Bertolucci, “By the Sea” cuenta lánguidamente, con tonos sepias y dorados, y entre silencios y suspiros, el conflicto en la Riviera Francesa de esta pareja en crisis en la década de los años 70. Pero hablar con Angelina Jolie sobre su trabajo como actriz y directora es siempre informativo e interesante.

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Angelina Jolie y Jorge Camara

película iba a ser muy divertido, pero pronto nos dimos cuenta que no iba a ser así (ríe). Curiosamente bromeamos que eso era lo que pasaba después de 10 años de matrimonio.

JORGE CAMARA: ¿Hubo un momento en tu carrera como actriz en el que dijiste, yo puedo dirigir, quiero ser directora? ANGELINA JOLIE: No. Yo creo que todavía

me siento un poco tímida al respecto. Me importa mucho hacer un buen trabajo, contar una historia, y complacer al público. Cuando estaba escribiendo “In the Land of Blood and Honey”, no esperaba que la película se hiciera y mucho menos que yo la dirigiera, la escribí cuando yo era una adolescente porque quería entender la guerra en Bosnia, y la escribí como uno de mis ejercicios para las Naciones Unidas, y también como una excusa para viajar y aprender. Cuando alguien me dijo que pagarían para que se hiciera la película no lo pude creer. La dirigí porque el tema era tan sensitivo políticamente que no confiaba en nadie. Y a los pocos días de estar en el set me decían que nunca me habían visto tan feliz. Descubrí que realmente disfrutaba ser parte del equipo técnico, respondiendo preguntas y viendo que todo funcionara bien, mucho más que trabajar como actriz.

J.C.: ¿Y cuál fue la dinámica dirigiéndolo

ahora?

A.J.: Dirigirlo fue algo a lo que no estábamos acostumbrados. Tuvimos que encontrar un nuevo idioma para comunicarnos. Los primeros días fueron complicados porque él me conoce muy bien, y conoce mis gestos e impaciencia. Yo estaba insegura y nerviosa de no poder dirigirlo bien. No quería empujarlo o retarlo. La escena más extraña fue en la que estábamos peleando. Fue difícil explicarle que tenía que pelear mejor conmigo (ríe). Yo era la loca Vanessa, y cuando cortamos ya no era Vanessa, era la directora, que no se parece en nada a ella. Fue un tanto esquizofrénico (ríe). Finalmente hicimos un pacto privado de ser los más abiertos y honestos posibles. Traté darle un espacio en el que sintiera seguro, y le dije que confiara en que lo iba a proteger en el cuarto de edición.

J.C.: Hablando de trabajar como actriz, tu habías trabajado en esa capacidad con Brad hace 10 años en “Mr. and Mrs. Smith”, interpretando a una pareja de asesinos.

J.C.: Entiendo que esta película la filmaron inmediatamente después casarse. ¿Fue así? A.J.: Si. Fue nuestra luna de miel. La comenzamos tres días después. La verdad es que hubo días en que pensamos que no fue una buena idea (ríe). Si la hubiéramos hecho al principio de nuestra relación, hubiera sido un desastre. Pero ya habíamos estado

A . J . : Fue muy diferente cuando primero trabajamos juntos. Éramos muy jóvenes y realmente no nos conocíamos. Pensamos que trabajar en esa

juntos por mucho tiempo, y dijimos, bueno estamos aquí para siempre, tomemos todo lo que hemos aprendido y nuestros sentimientos, y veamos hasta donde podemos empujar esta relación y este amor, y como podemos trabajar con problemas muy complejos y bajo muy intensas circunstancias. Y hubo días difíciles en el que estuve realmente preocupada, pero al final pensamos que fue la mejor luna de miel para nosotros, porque lo que la película dice, si una pareja libra la tormenta y permanece junta, fue un mensaje que nos mandamos. J.C.: De tus cuatro películas como directora esta es la primera en la actúas y te diriges a ti misma. A.J.: Dirigirme a mi misma fue la parte más difícil

del proyecto, porque yo, como directora, tiendo a cuidar de todo y de todos, y no a darme la atención correcta. Soy la última en preocuparme de mi misma, y no tengo a alguien que me diga, o me corrija en lo que estoy haciendo como actriz. Como escritora no puedes depender de nadie, y muchas veces me sentí insegura. Pero yo creo que finalmente tienes que aprender a confiar en ti y en la gente que te rodea y te ayuda. Yo amo dirigir y me encantaría que me permitan hacer más películas como directora. Espero ser lo suficientemente buena come para que me den más trabajo para poder comunicar mis historias. J.C.: También diferente es el hecho de que “By the Sea” es una película muy diferente a las que has dirigido antes. A.J.: Absolutamente,. Como sabes, mis películas anteriores, y en la que estoy trabajando ahora, son

Angelina Jolie y Brad Pitt

históricas, lo cual es muy importante para mí. Para esta película no tuve la misma conexión. La humanidad en la vida es muy importante, pero la verdad es que me siento mucho más cómoda hacienda películas sobre guerra. Aunque el matrimonio es un poco de eso (ríe). J.C.: ¿En qué película estás trabajando ahora? A.J.: Estamos en pre-producción. Se titula “First They Killed My Father: A Daughter of Cambodia Remembers”. Está basada en la autobiografía de la activista de derechos humanos, Loung Ung, quien adaptó el guión conmigo, y es sobre los horrores que sufrió durante la brutal época del Khmer Rouge. J.C.: Finalmente, ¿qué es lo que esperas que el público saliendo del cine vea en esta “By the Sea”? A.J.: Espero que hablen de ella, que la discutan. En algunas películas sales del cine y no hablas de ella, en otras, algo queda contigo. Yo creo que aquí hay varios mensajes, y uno por el que todos pasamos es que hay dolor en nuestras vidas y tenemos que encontrar la manera de salir de el. Como el pescador que aprende las mareas de la vida, algo con lo que la gente se puede identificar y reflejar son los momentos en que sucumbimos a las penas y en cómo superarlas. La película también habla de los conflictos en un matrimonio y las razones por las que en el pasado, en este tipo de relación, el podía dejarla, pero aquí es difícil porque hay demasiada historia. Viniendo yo de un matrimonio divorciado se que un engaño es una razón suficiente, pero también sé que tenemos que tratar y resolver los problemas no importa cuán difíciles sean.

Escena de la película “By THe Sea”

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DRAFTEANDO

LOS COEN O la delgada línea entre escribir y dirigir desde el papel

POR MIGUEL YARULL

Joel y Ethan Coen podrían perfectamente ser la misma persona, tanto así que para muchos es difícil saber cuál es cuál. Son un monstruo de dos cabezas que no deja nada a la casualidad. Basta con tomar cualquiera de sus guiones para darse cuenta que, desde la página, el más mínimo detalle ya está planteado.

Javier Bardem en “No Country For Old Man”

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HOLD IN BLACK

“A slow tilt down from night sky brings the head of a large paper-mache figure into frame. It is a flannel-shirt woodsman carrying a double-edged ax over one shoulder. As we hear the rumble of an approaching car, the continuing tilt and boom down brings us down the woodsman’s body to a pedestal. A sweep of headlights illuminates a sign on the pedestal: WELCOME TO BRAINDERD - HOME OF PAUL BUNYAN.” Este pequeño extracto de Fargo, uno de sus dos guiones premiados con el Oscar, nos muestra algo más que un libreto: nos muestra un mapa exacto de lo que eventualmente terminará en la pantalla. Este nivel de minuciosidad, el cual se extiende a los diálogos, locaciones, ambientaciones y demás, es palpable en la estética de la mayoría de sus producciones. “Eso estuvo muy bien, ahora hagámoslo como está escrito en el papel” es una línea que no resulta extraña para ningún actor que haya intentado darle algún “giro” a sus trabajadas líneas de diálogo. BARTON

And that’s the point, that we all have stories. The hopes and dreams of the common man are as noble as those of any king. It’s the stuff of life - why shouldn’t it be the stuff of theater? Goddamnit, why should that be a hard pill to swallow? Don’t call it new theater, Charlie; call it real theater. Call it our theater. Los Coen han escrito casi todo género de historias. Han tomado obras literarias clásicas como “La Odisea” (de la cual hicieron su propia versión) o más contemporáneas como “No Country for Old Men” y “True Grit” (un tanto más literales), y las han llevado al cine con más éxito que la mayoría, rompiendo la temida barrera entre buen cine y buena literatura. Pero es cuando escriben sus propios personajes y los envuelven en inusuales situaciones que su mejor escritura sale a relucir. Simbólicos, ridículos, introspectivos, cómicos, no hay personajes que no reciban un tratamiento preferencial en un guión de los Coen: INT. BOWLING ALLEY - NIGHT MUSIC: Spanish version of ‘Hotel California’ slow motion. WIDER – Still in slow motion. We are looking at a tall, thin, Hispanic bowler. He wears an all-in-one dacron-polyester stretch, violet bowling outfit with a racing stripe down each side. He has a pink bowling ball which he holds in front of his face and he licks the ball. He lowers the ball on his back swing. Stitched above the breast pocket of his all-in-one is his first name, “Jesus”. He rolls the pink ball and slams the pins. He turns and to the music, does a bravado dance and a strut back to the seat taunting the competition. Y así, en menos de media página, se plantea un secundario por el que cualquier actor se pelearía. Han confesado en entrevistas que sus estructuras por lo general no son estrictas, paseándose con calma por lugares que para otros son minutos preciosos de actos calculados y giros previstos. Los Coen más bien permiten que sus personajes, redondos y golosos, decidan su propia suerte, a su propio ritmo. Y eso, para nosotros, suena perfecto.

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LO MEJOR DEL CINE LATINO AMERICANO POR VIOLETA LOCKHART

El cine latinoamericano en los últimos años ha logrado posicionarse como uno de los más aclamados en Festivales de primera categoría como son el de Berlín, el de Cannes, el de San Sebastián y la Muestra Internacional de Venecia, por nombrar algunos. Prueba de esto son los palmarés con los que se han alzado las producciones de la región en territorios que están ávidos de disfrutar de historias que reflejan la idiosincrasia de los latinos. El cine chileno ha sido uno de los más prolíficos en este 2015 con la producción de Pablo Larraín, “El Club”, estrenada en Berlín donde obtuvo el Gran Premio del Jurado. Allí también Patricio Guzmán recibió el Oso de Plata al Mejor Guión por el Botón de Nácar. Además de otras obras como son La Voz en Off de Cristian Jiménez, La Memoria del Agua de Matías Bize, el documental Allende, mi abuelo Allende de Marcia Tambutti y La Mujer de Barro de Sergio Castro San Martín. Con esta última voy a comenzar mi recuento de lo mejor que he visto del cine latinoamericano que ha llegado a nuestras salas. Escena de la película “Que Horas Ela Volta?”

LA MUJER DE BARRO SERGIO CASTRO DE SAN MARTÍN CHILE

La película protagonizada por Catalina Saavedra (La Nana), presenta la historia de María, una temporera que regresa a trabajar en una cosecha luego de 10 años por la necesidad de ahorrar dinero, allí se reencuentra con un personaje que le hace buscar la manera de superar heridas del pasado. Lo interesante es la manera en que el director decide contar la venganza a través del silencio y la denuncia que hace de una forma sutil del abuso al que es sometida la mujer en los ambientes laborales.

Catalina Saavedra como María en “La Mujer de Barro”

EL CLAN PABLO TRAPERO ARGENTINA

Esta le valió a Pablo Trapero el Premio al Mejor Director en la Muestra Internacional de Cine de Venecia. Una historia basada en hechos reales, relata la doble vida de Los Puccio, una familia que se dedicó a extorsionar, secuestrar y asesinar luego de terminada la dictadura. Desde mi punto de vista cuenta con un montaje excepcional, acompañado de una banda sonora inmejorable, Trapero pisa fuerte con esta última obra, pero es algo a lo que nos tiene acostumbrados este director. La familia Puccio en la película “El Clan”

QUE HORAS ELA VOLTA? ANNA MUYLAERT BRASIL

Una de mis favoritas, y con razón cuenta con el Premio del Público del Festival de Berlín y un Premio Especial del Jurado del último Festival de Sundance, además de que es dirigida por una mujer, presenta la historia de una niñera de São Paulo que recibe la visita de su hija a quien no ve desde hace más de 10 años, la joven causa todo un alboroto al desafiar las reglas impuestas por las barreras sociales en la casa donde trabaja su madre. Con un guión inteligente, cargado de diálogos y situaciones que provocan al espectador sensibilizarse con un toque de humor.

Escena de la película “Que Horas Ela Volta?”

4 Escena de la película “La Tierra y La Sombra”

LA TIERRA Y LA SOMBRA CÉSAR AUGUSTO ACEVEDO COLOMBIA

Con una Cámara de Oro del Festival de Cannes bajo la manga, Acevedo presenta la historia de un campesino que regresa a su casa luego de años de ausencia para ayudar con las labores del hogar y cuidar a su hijo que sufre de una grave enfermedad, allí solo encontrará sequía en todos los sentidos. El director muestra a través de planos largos y lentos la tristeza que inunda la casa de los que allí habitan.

600 MILLAS GABRIEL RIPSTEIN MÉXICO

La Mejor Ópera Prima del Festival de Berlín de este año aborda el tema del contrabando de armas entre EEUU y México. Con las interpretaciones de Kristyan Ferrer y Tim Roth, Gabriel Ripstein cuenta la historia de la alianza de un joven traficante de armas y un agente norteamericano quienes se alían para sobrevivir. Una apuesta acertada la de Ripstein con el elenco y la manera de contar la historia son algunos de los elementos que lo han hecho la apuesta mexicana ante los premios Oscar. Escena de la película “600 Millas”

IXCANUL JAYRO BUSTAMANTE GUATEMALA

Esta película se encuentra dentro de mi top 5 personal de este año, merecedora del Oso de Plata Especial del Festival de Berlín. Jayro Bustamante debuta por la puerta grande con una obra maestra latinoamericana, de estructura redonda, cargada de un contenido visual étnico y una denuncia social sumamente actual y que puede aplicarse a la mayoría de los países de la región. Matrimonios arreglados, embarazos no deseados en adolescentes y analfabetismo, son temas que urgen sean mostrados en la pantalla grande y Bustamante lo hace con un guión brillante y estética muy bien cuidada.

Escena de la película “Ixcanul”

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Escenas de la película “Ladrones”

LA INDUSTRIA DEL CINE SIGUE ABRIENDO PUERTAS PARA LA ECONOMÍA DEL PAÍS POR MARC E. MEJIA

SANTO DOMINGO (R. Dominicana).- Una vez más los logros alcanzados por la industria del cine rinden frutos para la República Dominicana. Este sector no solo continúa afectando de manera positiva a la economía nacional, también brinda un gran apoyo a la labor de promover el talento local en el exterior. Como se ha visto en otros países latinoamericanos donde el cine ha experimentado un gran crecimiento gracias a legislaciones favorables, durante el transcurso del 2015 la República Dominicana ha percibido alrededor de RD$157,419,131.39 (según presupuestos aprobados) por concepto de pago de impuestos de producciones nacionales e internacionales que aplicaron a los incentivos de la Ley de Cine. Actualmente en el país se producen más de veinte películas de alta factura técnica por año y en las facilidades de estudios privados se acogen innumerables producciones internacionales que eligen a la República Dominicana gracias a la disponibilidad de localizaciones y facilidades de servicios integrales de producción. Durante el 2015, 26 proyectos aplicaron a los incentivos de la Ley 108-10. De estos, 20 proyectos aplicaron bajo el artículo 34 (películas nacionales), mientras que 6 lo hicieron bajo el artículo 39 (proyectos audiovisuales internacionales). Los proyectos internacionales que aplicaron a los incentivos del artículo 39, también en el mismo período de tiempo, han generado una inyección de capital estimada en la economía dominicana de aproximadamente un monto superior a los RD$877,947,953.9. También se han dado los casos de producciones internacionales y locales que no optaron por los incentivos fiscales, pero que han elegido a la República Dominicana para aprovechar las bondades que ofrece como destino fílmico. Estas producciones aportaron a la economía dominicana un monto superior a los

RD$85,612,780.79. Entre los años 2013 y 2014 se recaudaron en pago de entradas RD$774,735,142.38 millones y RD$789,758,878.05 millones, respectivamente. En este mismo período de tiempo, alrededor de 8,876,154 personas visitaron los cines del país y un tercio de esta cantidad lo hizo para ver producciones locales. Esto indica que, en términos proporcionales, las películas dominicanas son más taquilleras, a pesar de que las internacionales las superen en cantidad y lleven más personas a las salas de cine. Recordamos la información publicada a mediado del 2015 de la “Primera Encuesta Nacional de Consumo Cultural de la República Dominicana ENCC-RD 2014”, estudio llevado a cabo por el Banco Central de la República Dominicana y el Ministerio de Cultura, el cine es la actividad cultural más popular entre el público dominicano, el cual consume producciones tanto locales como extranjeras. Por otro lado, también hay que resaltar el desarrollo de las vías de exhibición fuera del país para lograr una mejor internacionalización del cine dominicano. Un ejemplo de esto ha sido el caso de la película “Ladrones”, la primera película dominicana a ser distribuida dentro del acuerdo Lantica Media -Pantelion (Lionsgate y Televisa) recaudó USD$3,063,505 en el box office estadounidense. Este logro convierte a “Ladrones” en el filme dominicano con mayor éxito taquillero en Estados Unidos y la de mayor ingresos de la historia de la cinematografía nacional. Además, mostró como la mezcla de talentos secundarios dominicanos con los protagonistas mexicanos permitió atraer un mayor publico en EEUU. En otras palabras, cada avance en el sector del cine dominicano tiene repercusiones positivas en la economía dominicana y en el posicionamiento del contenido dominicano ante la audiencia global.

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SUEÑALO

LO TENEMOS REPÚBLICA DOMINICANA

Nuestra misión es fomentar, impulsar y promover la industria cinematográfica dominicana. Contribuimos al desarrollo de la educación y la formación técnica y artística en el país, desarrollamos medios de formación para la creación audiovisual dominicana y promovemos el territorio nacional y los servicios instalados a través del incentivo a la inversión nacional y extranjera.

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UQBAR EN VENTANA SUR

como se nos presenta hoy, y de las consecuencias del derroche, la irresponsabilidad medioambiental y la brutal desigualdad que marca las interacciones entre las diferentes sociedades del planeta. Como lo enuncia uno de los personajes principales en el tercer acto de la historia, hasta el momento siempre hemos considerado la Tierra como nuestra casa… nunca como nuestra prisión. Y lo es. Esa toma de conciencia es el acorde principal que resuena en el desarrollo de todas las escenas de Uqbar.” Además de Cabiya, asistieron al evento en Buenos Aires María Victoria Hernández Liz, autora del muy premiado corto Saneamiento y productora de Uqbar, y Wara González, productora y directora creativa de Heart of Gold Films. Pedro Cabiya, egresado del New York Film Academy, es uno de los más reconocidos exponentes de la literatura de ciencia ficción, fantasía e hiperrealismo en América Latina y el Caribe. Lone Coconut es uno de los más prominentes y cotizados estudios de posproducción en la República Dominicana; Gavilangato, por su parte, reúne el talento artístico de sus dos fundadores, Yovanny Ramírez e Israel González, y lo de su muy curado equipo de trabajo. Bogo Productions, encargado del diseño de sonido, cuenta en su haber dos Grammys. Todos los integrantes de este ambicioso proyecto se sienten muy entusiasmados de afrontar el desafío de llevar a la pantalla esta maravillosa historia, para lograr lo cual cuentan, según Hernández Liz, “con lo mejor del talento de República Dominicana y Puerto Rico, y la esperanza de que se irán sumando más.”

El proyecto cinematográfico de ciencia-ficción Uqbar se integra como uno de los quince proyectos latinoamericanos seleccionados para participar en Ventana Sur, el mercado de cine latinoamericano creado en noviembre de 2009 por el INCAA y el Marché du Film / Festival de Cannes, con el apoyo de Europa Creativa (Comisión Europea). Cada año Ventana Sur recibe a 2000 miembros acreditados, entre los que hay más de 300 compradores y vendedores de los cinco continentes. El evento se celebró en Buenos Aires este año del 30 de noviembre al 5 de diciembre. Los realizadores de Uqbar se sumaron al renglón Blood Window: Beyond the Window, en donde nuevos y reconocidos talentos del cine de género fantástico latinoamericano se dan cita para un encuentro de coproducción que incluye actividades como pitching de proyectos en desarrollo, talleres, sesiones de trabajo y paneles especializados con expertos de la industria. Uqbar es un proyecto de Heart of Gold Films y Bogo Productions, al que se suman los estudios Lone Coconut y Gavilangato. El guión, escrito por Pedro Cabiya (autor de los clásicos de culto La cabeza, Trance, Malas hierbas y el divertido mashup María V.), cuenta la historia de Bilal y Sanaa, dos astronautas provenientes de avanzadas, pero dispares civilizaciones, que unen esfuerzos para sobrevivir en una luna inhóspita habitada por una violenta y primitiva tribu, “poseedora de un terrible secreto que los transformará a todos para siempre”. En palabras de Cabiya, Uqbar “es una exploración de la condición humana de cara al futuro, tal y

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El proyecto fue concebido desde sus inicios como una coproducción. El proyecto recibió abundante atención de los representantes de fondos internacionales, y de festivales de género como ZineZombie, BIFF, Freightfest y Black Nights Film Festival, y contó con la asesoría de la productora y directora Hebe Tabachnik. Según Cabiya, la historia que se cuenta en Uqbar “no es una tragedia ni un manifiesto derrotista o pesimista. Se trata, al mismo tiempo, de una

advertencia clara y de una historia de amor. Uqbar es, sobre todas las cosas, un tributo a la esperanza y una oda a la indestructibilidad de la libertad. Los elementos de ciencia ficción proveen el andamiaje para el desarrollo de una historia de amor que simboliza el triunfo de la vida sobre la muerte, la libertad sobre la tiranía, y de los valores comunitarios sobre el egoísmo; al tiempo que se destaca el valor del trabajo y la lealtad, de cara a los atascaderos del fanatismo y la ignorancia.”

Pedro Cabiya

Parte del equipo de “Uqbar”

Pedro Cabiya en el festival Ventana Sur

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Nelson Carlos De Los Santos Arias

NELSON CARLOS DE LOS SANTOS ARIAS POR KATHERINE BAUTISTA

Nelson Carlos De Los Santos Arias nace en Santo Domingo, en 1985. Asistió a la universidad Iberoamericana, donde recibió su Licenciatura en Escritura Creativa y Publicitaria. En 2006, estudia cinematografía en la Universidad del Cine de Buenos Aires, donde se le otorgó el intercambio a Edinburgh College of Arts (Reino Unido). Allí comenzó a demostrar interés por el cine experimental y realizó su cortometraje SheSaid, HeWalks (2009), galardonado con un BAFTA al mejor cortometraje experimental. Su segundo cortometraje, Should We Go Home? (2010), fue exhibido en la Bienal de São Paulo y seleccionado para formar parte de la colección permanente de la Cooperativa de Cineastas de Nueva York. De regreso en Buenos Aires, en 2011, realizó su primer cortometraje de ficción, Le Dernier Des Bombones, que se presentó en el Festival Internacional de Cine de Buenos Aires (BAFICI) y el Mercado Clermont Ferrand, entre otros festivales. Es egresado de la maestría de Film & Video en el California Institute of the Arts. Allí realizó su primer largometraje de no-ficción, exhibido en un número de festivales en EE.UU, Europa y América Latina, incluyendo el certamen: Tropical Uncanny: Latin American Tropes and Mythologies – del Guggenheim, Nueva York. A la par ha venido trabajando su largometraje de ficción Cocote, que fue galardonado con la prestigiosa residencia de la Fundación Carolina para escritura de guiones en Madrid. También ha recibido el premio del Fondo Ibermedia de Desarrollo, el subsidio para la producción de largometraje FONPROCINE dominicano, El fondo de producción de Ibermedia y el World Cinema Fund del festival internacional de Berlín. Actualmente, acaba de estrenar su segundo largometraje de no-ficción en el FidMarseille 2015, donde ganó el premio George De Beauregard International, seguido de las selecciones oficiales de Toronto Inter. Film Festival, New York Film Festival, Viennale, Mar de Plata y el prestigioso seminario Doc’s Kingdom donde tendrá una presentación de todos sus trabajos en Lisboa del año 2015.

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Katherine Bautista: ¿De dónde nace tu interés por el cine?

KB: Háblanos de tu primer largometraje. NC: Mi primer largo, “Pareces una Carreta de esas que no la paran ni los bueyes” es un película voyerista que pincela la vida de dos mujeres, una madre de unos 70 años y una hija de unos 40. Ambas familiares lejanos míos. La vida de ellas me parece fascinante como estudio. Es que es muy peculiar, pero tampoco deja de ser normal dentro de las miles de historias de la diáspora dominicana en New York. No me interesaba hablar sobre el dominicano que se fue, indagar en esa tan hablada nostalgia, necesitaba personas tan inmersas en sus vidas, que no existiera otra cosa que sus días. Para mi eso es mucho más poderoso, que construir una película sentimentalista de los dominicanos en New York. En cierto sentido la película ha sido muy exitosa, dentro de lo que cabe, no soy de mandar a muchos a festivales, me gustan que las películas tengan su recorrido propio y que la gente la vaya descubriendo por si sola. Sé que Santa Teresa está yendo a todas partes, pero La Carreta, el titulo corto de esta película, creó una zapata para Santa Teresa y es lo bonito de cada trabajo que he hecho, ayuda el otro, como si fueran verdaderamente familias. Es una película muy especial para mi debo de decir, porque es la primera vez que filmo dominicanos, y que las grandes preguntas de una posible estética inspirada en mi cultura, comienzan a surgir, es por eso que está película siempre será fundamental en mi trabajo.

Nelson Carlos: Desde niño estuve muy cerca de la música, la literatura y el teatro. Eso tuvo que ver por el colegio y los padres que tengo. El cine aglomera estas disciplinas para un fin. Esa sería la respuesta más sencilla. Desde otro lugar y yendo al pensamiento, creo que el gran aporte de los pensadores post-estructuralistas y post-modernos, fue ver el pensamiento como un método semiótico, es decir, hoy el filósofo se gusta llamarse teórico, y su método de investigación es el pastiche propio del devenir de una idea, y para esto, utilizará todas las ramas de investigación que sean necesarias. El cine es justamente eso, es ese devenir dentro de muchas artes que será utilizada para su propósito. No está de más decir, que el cine es el entendimiento de la imagen a través de una serie y un montaje de ésta, Gilles Deleuze, lo asocia en cómo se produce pensamiento, como una clasificación de imágenes en el tiempo, que también ellas mismas son el tiempo. Es esa fenomenología, y por qué no, esa metafísica que me maravilla del cine. KB: Al parecer todos tus trabajos han recibido galardones y han sido exhibidos en festivales internacionales, cuéntanos, ¿De que van tus historias, que tienen en común? NC: Bueno debo aclarar, que no todas han recibido galardones propiamente, si es cierto que cada una me llevó a un lugar distinto, que si vemos el éxito como una serie de pasos jerárquicos, en ese sentido, sí cada uno me dio un premio. Es difícil para mi saber que tienen en común, porque parte de la características de mis trabajos, es que son muy diferentes entre si. Los lugares comunes, creo que se encuentra en la rotura de los modelos de representación tradicionales, una postura radical en la exposición del lenguaje cinematográfico, como contra respuesta al cine que aliena y sólo entretiene, especialmente el cine hollywoodense. De una u otra forma Hollywood es el enemigo y a la misma vez es una pauta, y eso es complejo; creo que todo cineasta comprometido vive esa lucha interna. Por otro lado, hay un tema de hacer lo invisible visible, y la invisibilidad como estética y como contra respuesta a la idea tonta de que una película tiene que explicarlo todo. Yo soy dominicano, un país en la periferia, incluso de la historia caribeña, por eso para mi el concepto de lo marginal, lo que queda en un extremo, es parte de mi historia, y los temas que me van interesar se ubican allí. El post colonialismo y el feminismo serán temas recurrentes en mi trabajo y sobre todo la ambivalencia o la mentira de constituir identidad.

KB: ¿Y Santa Teresa & Historias? NC: Santa Teresa & Historias, es una película donde muchas cuestiones que se vienen dando en trabajos anteriores logran una madurez, y comienzan hablar con una voz mucho más firme. La película ha sido un éxito internacionalmente, ha estado en los festivales más importantes y yo en parte no me lo puedo creer; para mi también ha sido una sorpresa. Mira que yo soy fiel a esto que te comentaba que no mando a festivales casi, y pues lo mandé a mi festival favorito que es FidMarseille, y ganó allí. A partir de ahí, se fue a Toronto, donde recibí una crítica maravillosa, incluyendo esa revista tan prestigiosa como es Cinema Scope que dedicó un articulo para el film. Luego se fue al New York Int. Film festival, Viennale, Dock’s Kingdom, Mar de Plata, que es el único festival clase A de nuestro continente, y está en la competencia oficial, que para una película de 6 mil dólares, donde yo lo hago todo, y además es bastante experimental, es muy raro que eso pase. Yo estoy sumamente agradecido y ahora todo el mundo espera Cocote, es una cosa que me da mucho miedo también, pero miedo del bueno. Santa Teresa, qué te puedo decir? Es la película más difícil que he hecho, que luego resultó ser la más propia y natural en mi, y que me está dando

a conocer en todos lados, hoy mismo recibí un email del museo de arte contemporáneo de Copenhagen, una cosa loca y digo pero cómo es que eso se da, y en mi país, ni saben que existo, y tan chiquito que somos jeje. Pero algún día, por eso gracias por tu interés en mi trabajo. KB: ¿Qué debemos esperar de Cocote? NC: Todo, jajaja, no sé no me gusta hablar así, porque siento que vendo. Hay algo que si quiero mencionar y que verdaderamente me preocupa. Es el surgimiento de la frase “esto es una película para el pueblo”; Esto es algo muy peligroso para la cultura, y todo aquel que le interesa su país debería hacer una huelga ante esa afirmación y no apoyar el cine que se abandera de esta forma, porque es demagogia y es un recurso muy dañino para la cultura dominicana. Digo esto porque en esa frase se esconde el principio del capitalismo, que es reducir la cosa hasta que deje de serlo, para vender y explotar exclusivamente. No es que yo no quiero vender, porque es parte de mi vida y de mi arte, y además apoyo que para tener grandes industrias culturales, se necesita la capitalización de un arte que aporta. En eso yo no me pierdo, pero no es lo que está pasando aquí. Cocote no es una para película para el pueblo, pero si será una película con el pueblo, donde yo me incluyo, e incluso mi inclusión afectará y me afectará al venir de un lugar de privilegio, y eso no quiere decir que vengo de una familia rica, sino soy un privilegiado desde mi nivel de educación. Esa mirada, como dice Foucault, la mirada del poder, es oblicua; una mirada jerárquica donde surgen los falsos padres que dictan lo que necesitan un pueblo o no, por eso debo incluirme en la obra y es parte de mi trabajo representar esa oblicuidad. Cocote será una película que toca una de las vértebras de la columna de la cultura dominicana, y será una película que retará al pueblo políticamente e intelectualmente. En ese sentido hay para aprender de los autores Cubanos, Senegaleses, Malienses, Brasileños, principalmente el Gran Glauber, que nunca comprometió sus inquietudes estéticas, como tampoco renunció a la idea de llevarla a la masa de su país. Y es que esa es la confrontación cultural que tenemos que llevar con el arte y si eso esto no pasa, pues simplemente estamos perpetuando un sistema económico que explota y no aporta. KB: Algo que me llama la atención son los nombres de tus proyecto. ¿Cómo eliges los nombres? NC: Esto es muy sencillo, esos títulos surgen de algún personaje de la película, o simplemente son descriptivas de la trama. Evidentemente, son juegos de palabras, pero mis películas son juegos mentales.

KB: ¿Cuáles son tus planes para futuro, te veremos dirigiendo algo para el mercado dominicano? NC: Pues cada película puede ser para el mercado dominicano, pero nuestro país siempre ha existido la organización ilegal y arcaica del monopolio, y yo lucharé al menos en mi área de ir incluyendo una visión más pluralista y aplaudiendo la diversidad. Mientras tanto mis películas están aquí y no tengo planes de dejar de filmar, es más, Cocote será mi primera película dominicana, y actualmente todas las ideas que tengo para películas son para ser filmadas en mi país. Mis películas vienen con mi dureza, con la herencia de una intelectualidad dominicana rabiosa, que se ha ido perdiendo entre dictaduras, ocupaciones, y una elite de poder creada por las distintas injerencias extranjeras. Nuestro mercado los rigen unos cuantos, por eso desde muy chiquito me cercioré y lo seguiré haciendo, de recibir apoyo desde otros lugares, y aprender hacer un cine que no necesita de tanto, y así mantenerme haciendo mis películas, que en algún momento, y lo sé, porque aunque tome mucho tiempo, creo que el ser humano es capaz de lo que sea, siempre y cuando no tire la toalla. Es más, mi plan está tan bien pensado, que me he asegurado de rodearme de personas que si el establishment, que no tiene misericordia, está por vencerme, sé que mis amigos, familiares y colegas, no me dejaran. Así que vamos entrar si o si, aunque me tome toda la vida, pero mis películas se verán aquí. Mira y con esto termino, lo que yo quiero hacer con Cocote, y aplicaré a fondos internacionales, es crear una gira ambulante, en donde mi película viaje por el país, porque la intensión es que se vea, y se discuta, mi película no es para la minoría, que son los ricos, a ellos no les importa nada, sus villas y sus carros y hablar bien inglés, pero al resto de nosotros la mayoría, tenemos mucha hambre de hablar, así que hablaremos entre nosotros, y ver qué podemos hacer con el poder.. Jejeje. Nelson Carlos De Los Santos Arias

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PELÍCULAS DE TERROR

NAVIDEÑAS POR RUBÉN PERALTA RIGAUD

Navidad. El periodo familiar por excelencia. Una época del año en que las personas se reúnen con sus seres más queridos mientras cantan villancicos y comen hasta explotar. Sin embargo, en Navidad las calles no son seguras. Esos días son propicios para que psicópatas, violadores, asesinos metódicos, “Santa Clauses” renegados y demás indeseables campen por las calles en busca de nuevas víctimas. Recuérdalo y disfruta tu próxima Nochebuena... Tal vez, sea la última en la que comas turrón. A continuación hacemos un repaso de algunos de los títulos de terror/fantástico que tienen a la Navidad como trasfondo.

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CUENTO DE NAVIDAD (CUENTO DE NAVIDAD, 2005) DE PACO PLAZA

El Fin de los Días (End of Days, 1999) de Peter Hyams. Cuando un antiguo policía de New York llamado Jericho es asignado como guardaespaldas de un misterioso extranjero, Jericho frustra un increíble intento de asesinato. Durante la consiguiente investigación, su compañero y él salvan también la vida de la bella Christine York, en cuyo destino están involucrados la Muerte, el Demonio y el futuro de la Humanidad. Ahora ha llegado el momento de que Jericho salve a la chica, al mundo y su propia alma al luchar frente a frente contra el más poderoso enemigo.

THE CHILDREN (THE CHILDREN, 2009) DE TOM SHANKLAND

Nochevieja. Lo que iba a ser unas vacaciones placenteras para dos familias se convertirá en una lucha desesperada por sobrevivir cuando misteriosamente sus hijos comienzan a enfermar uno a uno y volverse en contra de sus padres con terribles consecuencias. No apta para aquellos deseosos de formar una familia.

“RARE EXPORTS: A CHRISTMAS TALE” (2010) DE JALMARI HELANDER.

En “Rare Exports: Un Cuento Extraño de Navidad” (titulo en español), las prospecciones que realiza un grupo de científicos en un pueblo del norte de Finlandia están alterando el ánimo de los lugareños. El pequeño Pietari será uno de los primeros en darse cuenta de que algo extraño se está tramando. Su curiosidad le llevará a descubrir el terrorífico origen de uno de los personajes más populares de la Navidad: Santa Claus.

A L´INTERIEUR (A L´INTERIEUR, 2007) DE ALEXANDRE BUSTILLO Y JULIEN MAURY

Si eres de esos que todavía conservan un poco del espíritu navideño, nada mejor que ver este “slasher” de andar por casa para perderlo por completo. Y es que este título francés (que sigue inédito en España) es una de las cosas más salvajes que han pasado por una pantalla de cine. No apta para mujeres embarazadas o que se quedan en casa solas el día de Nochebuena. 57

NAVIDADES NEGRAS (BLACK CHRISTMAS, 1974) DE BOB CLARK

Las componentes de una fraternidad universitaria se disponen a festejar la noche de la víspera de Navidad. La celebración se convierte en una traumática pesadilla cuando unas llamadas obscenas rompen la serenidad y dejan claro que un psicópata esta acechando a las chicas que residen en el campus. Un clásico que tuvo un remake bastante inferior hace unos años.

LOS GREMLINS (GREMLINS, 1984) DE JOE DANTE

El joven Billy Peltzer toma posesión de su nueva y cariñosa mascota. Pero Billy va a recibir más de lo que esperaba de su extraño y travieso animalito. Debe mantenerlo lejos de la luz brillante, nunca debe mojar y lo más importante, por mucho que suplique, nunca, nunca debe comer después de medianoche. Pon un Gizmo en tu vida y recuerda, tu pequeño y apacible pueblo puede convertirse en una auténtica pesadilla.

EL CINE A LA SÉPTIMA POTENCIA (PARTE 3) Continuación del artículo empezado en Cineasta 33 de fecha Abril 2015 POR ÁNGEL HACHÉ

Actor Frank Lloyd

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Comediante Harold Lloyd

Actor Frank Lloyd

HAROLD LLOYD FRANK LLOYD (1886-1960) Nació en Escocia y murió en Santa Mónica, Ca. Comenzó como actor y cantante de Music Hall y emigró a Canadá donde se unió a un grupo de teatro. Trabajó en Vaudevilles y se trasladó a Hollywood con un contrato de la Universal en 1913 donde se dedicó a escribir y dirigir. Fue uno de los 36 fundadores de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas. Es la única persona en ganar como Mejor Director por una película que no fue nominada “The Divine Lady” (1929). Fue presidente de la Academia desde 1934 a 1935. Su primer corto se tituló “The Law of His Kind” (1914). Realizó varios cortos y mediometrajes hasta “The World and The Woman” (1916). Entre sus mejores largometrajes mudos están: “Oliver Twist” (1922) con Jackie Coogan; “Within the Law” (1923); “El Pecado de Volver a Ser Joven” (1923) con Clara Bow; “El Gavilán de los Mares”(1924); “Winds of Chance”(1925) “Los Hijos del Divorcio”(1927) con Clara Bow y Gary Cooper; recibe nominaciones al Oscar por: “La Cárcel Redentora” (1929) y por “Drag’’ (1929) y lo gana por “Trafalgar’’ (1930).

Director Tod Browning

TOD BROWNING (1880-1962) Nació en Lousiville KY y murió en Los Ángeles, CA. Fue director, actor y guionista. Antes de dedicarse al cine fue payaso, jockey y director de variedades. Se hizo actor con DW Griffith en “Intolerancia” luego pasó a ser director. Su estilo era una mezcla de fantasía, misterio y horror. Su gran éxito fue “Drácula” en 1931 con Bela Lugosi y era una película sonora. Comenzó haciendo varios cortos desde su primero “The Lucky Transfer” (1915); “Revenge” (1918) muy bien logrado. En sus largos destacan “Fuera de la Ley” (1920) con Lon Chaney, con quien trabajó en varias de sus películas: “El Trío Fantástico” (1925), la magnífica “Garras Humanas” (1927); “La Casa del Terror” (1927); la excelente “Los Pantanos de Zanzíbar” (1928) con Chaney y Lionel Barrymore. Su primer film sonoro fue “The Thirteenth Chair” (1929). Tanto “Drácula” como “La Parada de los Monstruos” (1932) son consideradas sus obras maestras.

Vamos ahora a mencionar a algunos grandes actores comediantes como Harold Lloyd, considerado uno de los 3 mejores conjuntamente con Charles Chaplin y Buster Keaton. Lloyd nacido y fallecido en los EE. UU, había recibido entrenamiento como actor en la escuela de arte dramático en San Diego. Hal Roach fue la persona más influyente en su carrera. Comenzó con su personaje Lonesome Luke, una versión menor de Charlotte, con el cual hizo innumerables cortos hasta 1917. Fue uno de los 36 fundadores de la Academia. Sus películas de gran éxito van desde 1915 “Lonesome Luke Social Gangster” hasta “Lonesome Luke’s Lonely Riff le”. Entre sus mejores interpretaciones están: “Off The Trolley” (1919) “Never We a k e n” “ E l M i m a d o d e l a Abuelita” (1922), “Dr. Jack” (1922). Su famosa “El Hombre Mosca” en la que aparece colgado de un reloj y que se ha convertido en una escena icónica del cine. “Why Worry?” (1923) “El Territorio Tímido” (1924), “El Estudiante Novato” (1925), “Ay, mi madre” (1926), “El Hermanito” (1927), “Relámpago” (1928) su primer film sonoro fue “Que Fenómeno” al que le siguió “Ay Que Me Caigo”.

CINEASTAMAG.COM Fred Newmeyer

FRED NEWMEYER (1888-1967)

Director Jacques Freyder en una de sus películas Actor Fred Niblo

FRED NIBLO

Nació en Nebraska en 1874 y murió en New Orleans en 1948. Empezó como actor de Vaudeville. Dirigió sus dos primeras películas en Australia: “Get Rich Quick” y “Wallingford” en 1916. Trabajó para Thomas Ince desde 1917 y luego, con la MGM. Reemplazó a Mauritz Stiller, el director sueco, en la cinta “La Tierra de Todos” con Greta Garbo en 1926. No sobrevivió al paso del cine sonoro. Fue uno de los 36 fundadores de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas. En 1920 realiza “La Marca del Zorro” con Douglas Fairbanks logrando notoriedad y comienza a trabajar con grandes estrellas, en películas como “Los Tres Mosqueteros” (1921), con Adolphe Menjou; “Sangre y Arena” (1922), con Rudolph Valentino; “L i r ios entre Espías” (1924), con Ramón Navarro, a quien también dirigió en “Ben Hur” al año siguiente, logrando una de sus mejores cintas; “Margarita Gautier” (1926), con Norma Talmadge y Gilbert Roland; la extraordinaria “El Enemigo” (1927), con Lillian Gish; “Two Lovers” película muda y sonora al igual que “Redemption”, con John Gibert en 1930. “Más Allá del Oeste” fue su primer film totalmente sonoro hasta su último “La Sirena del Palace” (1932) que fueron decepcionantes y se retiró del cine.

JACQUES FEYDER

Nació en Bélgica en 1885 y murió en Suiza en 1948. Actor de teatro desde 1912. Fue director y guionista para La Gaumont desde 1916 y realizó el largometraje “La Atlántida” (1921). “El Beso” fue su primer film sonoro teniendo como protagonista a Greta Garbo, luego se trasladó a los Estados Unidos donde trabajó para la MGM desde 1928 a 1932, pero la experiencia no le gustó y retornó a Francia.

Nació en Colorado y murió en Los Ángeles, CA. Fue jugador profesional de pelota. Se especializó como actor y director de comedias, sus más importantes después de realizar varios cortos fueron: “El Mimado de la Abuelita”(1922), con Harold Lloyd, uno de los más brillantes comediantes del cine mudo con el que también realizó la memorable “El Hombre Mosca”(1923); “El Tenorio Tímido”(1924); “El Estudiante Novato”(1925); “La Casa de las 7 llaves”(1925) codirigida con Douglas MacLean y “The Potters”(1927) con el actor WC Fields; “The Night Bird”(1928) fue su última película muda. Su primer film sonoro se tituló “It Can be Done” en 1929.

Marcel L’Herbier en la película “La Inhuman”

Rex Ingram

REX INGRAM

Nació en Irlanda 1892 y murió en Hollywood en 1950. Sus principales películas mudas son: “Los Cuatro Jinetes del Apocalipsis” (1921) con Rodolfo Valentino; “El Juego de la Vida” (1922) “Scaramouche” (1923) con Ramón Novarro; “El Árabe” (1924) con Novarro también. Siguió filmando hasta 1933 en el que rodó “Baroud” film sonoro, luego se retiró.

MARCEL L’ HERBIER (1890-1979) Rodó 58 títulos, en 1917 films “Phantomes”, otras películas mudas; “Rose France” (1919); “L’Homme du Large” (1920); “El Dorado” (1921); “La Inhumana” (1924); “El Difunto Matías Pascal” (1926); “El Dinero” (1928). En el cine sonoro realizó “La Femme d’une Nuit” (1930). Desde 1930 hizo una carrera irregular en el cine sonoro, hasta su última cinta titulada, “Le Pere de Mademoisselle” (1953).

Actor y director Buster Keaton

BUSTER KEATON

Actor, guionista y director. Nació en Kansas en 1895 y murió en Los Ángeles en 1966. Sus padres eran comediantes de Vaudeville y le enseñaron los más peligrosos actos en este género. Su rostro siempre estaba serio e inmutable. Su debut con el director Roscoe “Fatty”Arbukle fue en el corto “Fatty Carnicero” (1917) y su primer papel protagónico fue en “Ingenuo y Afortunado” (1920), que lo estableció como una estrella. Tuvo su propia compañía productora y creó algunos de los más bellos e imaginativos filmes de la época muda tales como “El Moderno Sherlock Holmes” (1924), “El Navegante” (1924), “El Maquinista de LA GENERAL” (1926), consideradas obras maestras. Fue de los últimos que tuvo completo control en sus producciones. Keaton firmó con la MGM, que trató de cambiar su estilo pero él no aceptó y fue despedido. Su primera película con la MGM “The Cameraman” fue un éxito. El alcoholismo lo llevó a un comportamiento errado. Nunca necesito dobles y desempeñaba este rol para otros actores. Nombrado como el 21avo. actor de las 50 leyendas del American Institute, en 1960 gana un Oscar honorario por su inmenso talento en comedias inmortales, el British

Film Institute lo premia por “7 Ocasiones” (1925). El primer corto co-dirigido fue “The Rough House” (1917) en la que también actuaba. Otras de sus películas fueron “The Pala Face” (1921); “La Ley de la Hospitalidad” (1923); “Tres Edades” (1923) “El Rey de los Cowboys” (1925); “El Boxeador” (1926); “El Héroe del Río” (1928), co-dirigida con Charles Reisner, especialista en gags cómicos. Luego en el cine sonoro, “The Gold Ghost” como director, repartiéndose entre trabajos principalmente como actor y realizador.

Wallace Worsley en la filmación del Jorobado de Notredame.

WALLACE WORSLEY Nació en New York en 1878 y falleció en Hollywood en 1944. Fue primero actor de teatro y luego saltó a la dirección de cine. Realizó 29 filmes entre 1918-1928, en la que actuó en algunos de ellos. Sus principales películas estaban protagonizadas por Lon Chaney: “The Penalty” (1920); “The Ace of Hearsts” (1921), “Voices of the City” (1921) y la más conocida y lograda “El Jorobado de Notre Dame” (1923). Worsley en sus películas mezclaba el drama, el crimen y el horror. No hizo ninguna película sonora.

John Ford

JOHN FORD Nació en 1894 en Maine y murió en California 1973. Realmente se destacó en el cine sonoro nombrado “El Gran

Director Nor teamericano”.

Se distinguió realizando dramas, películas bélicas, pero principalmente fue el maestro del Western, género genuinamente americano. Comenzó haciendo cortos con el nombre de Jack Ford. Era también actor, director guionista y productor. Raramente había movimientos de cámara en sus filmes, reservándolos para momentos muy específicos. Evitaba en lo posible los close-ups. Influenció a grandes directores del cine mundial. Su primer corto fue “El Tornado” (1917) para la Universal. Sus filmes más destacados del cine mudo fueron “El Caballo de Hierro” (1924) y “Tres Hombres Malos” (1926).

Retrato del director Oscar Micheaux

OSCAR MICHEAUX (1884-1951)

Director y productor afroamericano pionero del cine independiente. Hacía películas para comunicar sus ideas y crear conciencia en los afroamericanos, con un espíritu crítico en la era de la segregación racial. Su excelente film “Within Our Gates” (1920), f ue una respuesta a “El Nacimiento de Una Nación” (1915) de D.W. Grifftith, película que glorificaba al Ku KLux Klan y justificaba la violenta opresión racial hacia los suyos. Fue el primer afroamericano en producir una película “The Homesteader” (1919) y el primero en producir un film sonoro “The Exile” (1931).

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Laurel y Hardy

Stan Laurel y Oliver Hardy

LAUREL Y HARDY

Laurel y Hardy

Stan Laurel (1890-1965) procede de una familia teatral, fue un excelente cómico nacido en Inglaterra. Oliver Hardy (18921957) Nació en Harlem, Georgia y murió en los EE. UU. Al igual que Stan, se trasladó a Norteamérica con una compañía de Vaudeville y se quedó a vivir en esa nación. Actuó en varios cortos desde 1917, su primero con Hardy fue “45 minutes From Hollywood” (1926) con la Metro hicieron “Sugar Daddies” (1927). Usualmente, Laurel, interpretaba un inocente hombre aniñado que siempre le seguía los pasos, atento a su buen amigo Hardy se lo mereciera o no.

Mezclaba sus parlamentos con su pareja, se peleaban con otra persona para destruir algo que esta valoraba y que no se resistía, cuando lo lograban entonces, el opositor les hacía lo mismo. Hardly era delgado, con una cara quejumbrosa que lo hizo famoso. Oliver era bastante grueso y por tal motivo, al ser Laurel delgado, los conocían como “El Gordo y El Flaco. Fue la pareja cómica más famosa de la pantalla. Hardy tenía un pequeño bigote y en las actuaciones apenas toleraba a Stan, siempre vestía de negro. Comenzó como actor en 1914. Ambos fueron votados entre los 45avos. grandes estrellas de todos los tiempos por Entertaintment Weekly. “Now I’ll Tell One” (1927), “Hats Off” (1927) “The Battle of the Century” (1927) “The Finishing Touch” (1928), “Should Married Men Go Home?” (1928), “Two Tars” (1928), “Libertad” (1929), “Big Business” (1929) y el cortometraje sonoro “Hogar Dulce Hogar” (1929), así como “The Hollywood Revue of 1929”. Continuaron haciendo mas cortos y largometrajes en esta etapa

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Escena de la película “La pasión de Juana de Arco”

Director Carl Theodore Dreyer

CARL THEODORE DREYER

Nació en 1889 en Copenhagen, Dinamarca y murió en 1968 en esa misma ciudad. Fue periodista y entró en el cine como guionista y editor, y luego se dedicó a la dirección. En 1920 era el más grande director danés, aunque lo tachaban como un perfeccionista fanático, por lo que sus producciones tuvieron problemas de financiamiento. Sus películas son estudios intensos de la psicología humana, usualmente de personas con crisis personales o religiosas. Aprendió la técnica cinematográfica en el Nordisk Film Studio. Hizo cine mudo y sonoro. Su primer largometraje fue, “Praesidenten” (1919); luego continuó con, “Prastankan” (1920); “Mikael” (1924); “El amo de la Casa” (1925); “Glomdalsbruden” (1926) “La Pasión de Juana de Arco” (1928), absoluta obra maestra, con la extraordinaria actuación de María Falconetti y Antonin Artaud. Su primer filme sonoro fue, “Vampir” (1932). “La Pasión de Juana de Arco” es una película de culto, un mito en el cine. El guión y edición

es del propio Dreyer y narra el procesamiento de la heroína francesa, ante la inquisición, y su muerte por herejía, en la hoguera. Se destaca en la fuerza visual de los consecutivos primerísimos primeros planos, en contrapicado para el rostro de la Falconetti, que sirven para acentuar la capacidad dramática de los actores. Esto solo puede ser apreciado en todo su esplendor en pantalla grande. Realizada con un ritmo pausado, una excelente fotografía a cargo de Rudolph Mate y un magistral montaje. Este filme representa como ninguno, el triunfo de la imagen sobre la palabra, con inf luencias del realismo y el expresionismo cinematográfico, pero sin maquillar a los intérpretes, el set donde se rodó fue uno de los más caros de su tiempo, Se filmó en orden cronológico. Dreyer tenía la reputación de ser un director t i rá n ico, pero ten ía mucho cuidado de forzar a los actores; la verdad y las emociones tenían que salir de ellos, con un trabajo mancomunado, para llevarlos al punto que él quería. Filmaba la misma toma varias veces, para cuando estuviera editando, encontrar las expresiones que buscaba. Cuando se estrenó en Francia, el Arzobispo de París y

también censor, le hizo varios cortes y Dreyer se puso furioso, más tarde, un fuego destruyó, en unos Estudios en Berlín, el negativo original, pero por suerte existían unas copias del filme. Se hizo difícil encontrar las copias para hacer una segunda versión y Arnie Krogh, del Danish Film Institute, realizó una versión lo más cercana a la que había hecho Dreyer. En la revista Sight and Sound apareció entre los 10 filmes más importantes rodados hasta la fecha y en el 2010, el Festival Internacional de Toronto, la colocó entre las 100 mejores de todos los tiempos y está considerado como el que más influyó en la Historia del Cine, también lo catalogan, como uno de los tres mejores del cine mudo.

Escena de la película “La pasión de Juana de Arco”

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Director Frtiz Lang

FRITZ LANG

Director Lewis Milestone Director Dziga Vertov

LEWIS MILESTONE

Director, escritor y productor, nació en Moldova, Ucrania en 1895 y falleció en Los Ángeles en 1980. Educado en Bélgica y Berlín, era aficionado al teatro desde joven. Se trasladó a USA en 1914. En sus inicios fue asistente fotográfico y se nacionalizó americano. Llegó a Hollywood y trabajó como asistente del director William A. Seiter. También trabajó como editor y guionista. Su primer corto fue “The Toothbrush” (1918), en 1925 realizó su primer largometraje, “Seven Sinners”; en 1927 hizo otro largometraje mudo “Hermanos de Armas” para Howard Hughes que le acarreó un Oscar como mejor director de comedias en la primera ceremonia de la Academia en 1929; “Noches de Nueva York” fue su primera película sonora interpretada por Norma Talmadge y Gilbert Roland.

DZIGA VERTOV

Nació en 1896 en Polonia y murió en Moscú, Rusia en 1954. Antes de dedicarse al cine, estudió música. Trabajó en el primer Soviet Newsreel y Kinondella (19181919). Su primer corto fue “KinoNedelya” (1918), también hizo documentales cortos titulados “K i no -Pravd a” 22 en total (1922). Realizó el documental “El Hombre de la Cámara” (1929), largometraje mudo considerado como obra maestra, su siguiente documental “Ent usiazm (Simfoniya Donbassa)” (1931) era ya sonoro. Defendió el Cine-Ojo como testimonio artístico de la realidad y rechazó el cine de ficción. Gran teórico del cine e iniciador del documental moderno. Merece destacarse “El Aniversario de la Revolución” (1919) y “El Undécimo Año” (1928).

Nació en Viena en 1890 y murió en Los Ángeles en 1976. Su madre se convirtió del judaísmo al catolicismo cuando Lang tenía 10 años. Comenzó a estudiar pintura y luego continuó como actor en teatro. Aceptó trabajar como g uionista en Berlín e inmediatamente empezó a dirigir. Con la guionista Thea von Harbou, escribió y dirigió los guiones de celebrados filmes como “El Doctor Mabuse” (1922); “Los Nibelungos” primera y segunda parte (1924), “Metrópolis” (1927) y “M, El Vampiro de Dusseldorf” (1931) fue un anti nazi por su educación católica. Votado como el 30avo. Director de Todos los Tiempos por Entertaintment Weekly. También fue actor y productor de cine, su primer corto fue “Halbbut” (1919); “Las Tres Luces” (1921) era ya un largometraje. Otros filmes suyas son “Destiny” (1921); “La Venganza de Krimilda” (1924); “Spione” (1928) y “La Mujer en la Luna” (1929). “M, El Vampiro de Dusseldorf” fue su primera cinta sonora considerada como una obra maestra. Su protagonista era el gran actor Peter Lorre. Por otra parte “Metrópolis” se ha convertido en un film emblemático. Continuará…

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LOS FAVORITOS AL OSCAR 2016 POR JORGE CÁMARA

Hollywood, CA.- El año de “Citizen Kane”, la cinta que ganó el Oscar a la Mejor Película fue “How Green Was My Valley”. “Vértigo”, votada por críticos como la mejor película en la historia del cine norteamericano, ni siquiera recibió una nominación. Y no hay que olvidar que actores como Greta Garbo o Richard Burton, entre muchos otros merecedores, nunca fueron reconocidos por sus actuaciones, pero Roberto Begnini, si.

Escena de la película “Citizen Kane”

Escena de la película “Vertigo”

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La lista de equívocos de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas que otorga el Oscar es vergonzosamente larga, pero eso no quiere decir que la estatuilla no continúe siendo la más codiciada de Hollywood. Para bien o para mal, todos quieren un Oscar. Las nominaciones al Oscar a lo mejor del cine de 2015, serán anunciadas el próximo 15 de enero de 2016 (5 días después de la entrega de los Globos de Oro), pero la campaña de películas a ser nombradas en ellas comienza en serio a mediados del mes de octubre. Después de ser exhibida recientemente, quien parece llevar la delantera en la carrera a la Mejor Película es The Revenant, un violento pero poético western dirigido por Alejandro Gonzáles Iñarritu (ganador del Oscar al mejor director del año pasado por “Birdman”) y estelarizado por Leonardo DiCaprio. También figurando prominentemente en esta categoría están en orden alfabético: Black Mass de Scott Cooper, la verdadera historia del gangster, Whitey Bulger; Brooklyn de John Crowley, la delicada historia de una joven inmigrante; Carol de Todd Haynes, una elegante historia de amor entre lesbianas; The Hateful Eight, el último western de

Quentin Tarantino; Joy de David O. Russell, sobre cuatro generaciones de una familia; y The Martian de Ridley Scott, el afectivo rescate de un astronauta en Marte. Y también Room de Lenny Abrahamson, sobre una madre e hijo prisioneros por 5 años en un cuarto; Trumbo de Jay Roach, que recuenta la nefasta persecución de guionistas en Hollywood durante la década de los años 50; Spotlight de Tom McCarthy, que visita la investigación del Boston Globe a niños molestados por curas católicos; y para quienes se sientan impresionados por las preciosistas pretensiones de Paolo Sorrentino, la indescriptible, Youth. Aunque recibió elogiosas críticas, es posible que el fracaso comercial de Steve Jobs de Danny Boyle, la especializada biografía de quien lleva el título, la elimine de la competencia. Pero lo que no quisiéramos es que se olvidaran de Ex-Machina de Alex Garland, la excelente cinta de ciencia-ficción que fuera estrenada a principios de año. Y por supuesto, todos los realizadores mencionados corren en la categoría de Mejor Director.

66 Escena de la película “Black Mass”

Escena de la película “Brooklyn”

Escena de la película “Carol”

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Detrás de Leonardo DiCaprio, aspirando a la nominación de Mejor Actor hay una larga lista de 11 contendientes: Michael Caine por Youth, Bryan Cranston por Trumbo, Matt Damon por The Martian, Johnny Depp por Black Mass, Michael Fassbender por Steve Jobs, Tom Hanks por Bridge of Spies, Samuel L. Jackson por The Hateful Eight, Ian McKellan por Mr. Holmes, Eddie Redmayne por The Danish Girl y Will Smith por Concussion. La lista de aspirantes a la nominación de Mejor Actriz es también extensa. A la cabeza va Brie Larson, relativamente nueva en este ilustre grupo, pero cuya actuación en Room es una de las mas discutidas y alabadas, y Cate Blanchett por Carol, Emily Blunt por Sicario, Marion Cotillard por Macbeth, Blythe Danner por I’ll See You In My Dreams, Jennifer Lawrence por Joy, Carey Mulligan por Suffragette, Charlotte Rampling por 45 Years, Saoirse Ronan por Brooklyn, Maggie Smith por The Lady in the Van, Charlize Theron por Mad Max: Fury Road, y Lili Tomlin por Grandma. Será interesante ver si Roony Mara por Carol, y Alicia Vikander por The Danish Girl compiten en esta categoría, que sería lo justo, o son empujadas a la de reparto, para que Mara no compita con Blanchett,

y Vikander tenga una mejor oportunidad. Sin nadie a la delantera, en la categoría de Mejor Actor de Reparto, cualquiera de los posibles nominados puede recibir la estatuilla: Paul Dano por Love & Mercy, Benicio Del Toro por Sicario, Joel Edgerton por Black Mass, Idris Elba por Beasts of No Nation, Tom Hardy por The Revenant, Michael Keaton y Mark Ruffalo por Spotlight, Harvey Keitel por Youth, Mark Rylance por Bridge of Spies, y el niño Jacob Tremblay por Room. Joan Allen por Room, Jane Fonda por Youth, Diane Ladd, Virginia Madsen e Isabella Rossellini por Joy, Jennifer Jason Leigh por The Hateful Eight, Rachel McAdams por Spotlight, Helen Mirren por Trumbo, Julie Walters por Brooklyn, Rachel Weiz por Youth y Kate Winslet por Steve Jobs, son las mencionadas a recibir una nominación como Mejor Actriz de Reparto. Pero como sabemos, cuando de los académicos y el Oscar se trata, nada es justo y nada es seguro. Las estatuillas serán entregadas el domingo 28 de febrero, en la tradicional ceremonia que tiene lugar en el Teatro Dolby en Hollywood Boulevard, transmitida en vivo por la cadena de televisión, ABC.

Escena de la película “The Hateful Eight”

Escena de la película “Joy”

Escena de la película “The Martian”

Escena de la película “Room”

Escena de la película “Trumbo”

Escena de la película “Spotlight”

68 Poster de la película “Youth”

Escena de la película “Steve Jobs”

Poster de la película “Ex-Machina”

PRONÓSTICO DE TENDENCIAS

“RED CARPET” GOLDEN GLOBES 2016

POR SARAH MÉNDEZ

Cuando nos referimos a estilo, buen gusto y desborde de elegancia sin duda alguna hablamos de una de las alfombras rojas más famosas del mundo, y es que entre tanto glamour los diseñadores no escatiman oportunidades y juegan sus mejores cartas sobre perchas que darán mucho de que hablar ante las cámaras. Los Golden Globes 2016 vuelven a crear expectativas sobre su lienzo rojo, los famosos más elegantes y estrellas de Hollywood hacen que nos convirtamos en críticos de los cortes, tendencias, complementos y tonalidades de esta fiesta en pasarela que toma lugar en la ‘red carpet’. Es un trabajo difícil, los estilistas lo saben y es por eso que pasan meses preparando lo mejor para sus clientas, muy conscientes de que, más que seguir una tendencia, hay que imponerla. Pero, ¿como saber el amplio abanico de tendencias que nos brindará esta nueva alfombra que se aproxima? Nada es totalmente cierto, pero las pasarelas de la moda de Milán, Londres, NYC y París son buenos referentes, sabiendo esto realizamos un pronóstico de las tendencias a nivel mundial determinando lo siguiente: Ya estamos listos para saber que nos trae una de las alfombras más esperadas del año por los amantes de la moda, los ‘Golden Globes 2016’, y ver que tendencia imponen ¿Listos? Se levanta el telón… y comienza la función.

Kate Hudson en los Golden Globes 2015

DESTELLO LUMINOSO Una vez más, los tonos metalizados siguen conquistando la ‘red carpet’. En esta edición de los ‘Golden Globes’ son los matices plateados los que triunfarán por encima de otros metales. Y, sobre todo, los veremos en vestidos con cristales que potencian el brillo de esta tonalidad.

MINIMALISMO Adiós a la saturación de estampados, incrustaciones y exceso de elemento que adornan el vestir y que sea bienvenida la tendencia de cortes rectos y colores planos creando ‘looks’ favorecedores a la figura sin sobrecargar. Una apuesta a la simpleza y la elegancia que sin mucho esfuerzo se roba las miradas.

Reese Whiterspoon en los Golden Globes 2015

Julien Moore en los Golden Globes 2015

HOMBROS Y ESPALDAS AL DESCUBIERTO Las simetrías y las espaldas extravagantes en contraste con los acabados frontales nos presentan juegos visuales muy vanguardistas que, en este caso, serán la sensación de la noche.

70 Camila Alba en los Golden Globes 2015

Naomi Watts en los Golden Globes 2015

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UN GIRO AL NEGRO Si de algo estamos seguros es que esta tonalidad nunca pasará de moda ni te hará quedar mal, es un tiro a lo seguro. Es por esto que muchos escogen el clásico vestido negro, pero este año serán todo menos aburridos. Los materiales como el encaje, las aplicaciones metálicas, las transparencias y los cortes definirán esta clásica prenda.

Rooney Mara en los Golden Globes 2015

Jennifer Aniston en los Golden Globes 2015

PIERNAS AL SPOTLIGHT Los vestidos con pierna descubierta se han convertido en la tendencia de la moda. Elegantes, sensuales y atractivos, estos diseños se han podido ver en varias ocasiones en los mejores looks de las alfombras rojas y el 2016 no será la excepción.

Dakota Johnson en los Golden Globes 2015

Jennifer López en los Golden Globes 2015