Revista Cineasta No. 35 by Revista Cineasta

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CONTENIDO

EDITORIAL

WHIPLASH

NOTICIAS

Edicición no. 35

Crítica por Ruben Peralta Rigaud

A Orillas del Mar

ENTREVISTA

THE MARTIAN

GRANDES PELÍCULAS

A Cecilia Demille Presley

Por Ruben Peralta Rigaud

con actores de método

18 ENTREVISTA

AMY “EL DOCUMENTAL”

HISTOIRE(S) DU CINEMA

A Sofía Vergara

Crítica por Ruben Peralta Rigaud

Artículo escrito por Edwin Cruz

HOMANEJA AL TALENTO

A LA GARBO, SIN MALDAD

ESPECIAL

Pensamientos sobre Carlos Quezada

Artículo escrito por Edwin Cruz

Lo mejor de Bond

42 ENTREVISTA Con Al Pacino

INFLUENCIA ESCANDINAVA

LEY DE CINE

En el cine global

Atrae más de RD$344 millones

ENTREVISTA

SICARIO

A Hector Váldez

Crítica por Ruben Peralta Rigaud

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PRESIDENTES Pablo Mustonen revistacineasta@gmail.com Carlos Forero cafoza@gmail.com

DIRECCIÓN Y EDICIÓN Pablo Mustonen pablomustonen@hotmail.com

EDITORIAL

Giselle Mustonen giselle.mustonen@gmail.com

Bond debe ser la franquicia cinematográfica más importante de la actualidad. Veintitrés son las películas que se han hecho sobre el agente 007 y por lo que vemos, la cosa va para largo. Algunas de sus películas pueden no gustar a los críticos de cine, pero la verdad es que la fórmula les ha funcionado bastante bien ya que además de la gran venta de taquillas que logra cada producción de Bond, cada vez son más las compañías que quieren lanzar sus productos junto a estas películas. Ahora viene SPECTRE, la última película del Agente 007, interpretado nueva vez por Daniel Craig. Rubén Peralta nos elabora un estupendo artículo de colección para los fanáticos de Bond y para los no tan fanáticos, donde podremos refrescar nuestros conocimientos sobre el agente más famoso del cine, a quién le dedicamos esta nueva entrega. El cine local nos ofrece excelentes noticias, ¨A Orillas del Mar¨ del director Bladimir Abud fue seleccionada para el prestigioso festival de Mar de Plata en Argentina. Esta admirable película podrá ser disfrutada por los dominicanos en el mes de febrero del 2016. También tenemos en este mismo plano, una interesante entrevista con el director Héctor M. Valdez, donde nos habla de su nuevo e interesante documental dedicado a las artes plásticas dominicanas y su origen, República del Color. Jorge Cámara nos brinda tres entrevistas exclusivas directamente desde Hollywood; una de ellas con la nieta de Cecil B. DeMille, Cecilia DeMille Presley, quien hace poco publicara un libro sobre su abuelo. En dicha entrevista, conoceremos un poco más sobre el laureado director y productor, en honor a quien los Globos de Oro dedicaron uno de los galardones más importantes de sus premiaciones, el Cecil B. DeMille Award. Las otras dos entrevistas son con nuestra representante latina más importante y poderosa en la meca de Hollywood, Sofía Vergara y con el galardonado e inigualable actor Al Pacino. Esperamos disfruten de nuestro contenido. ¡Hasta la próxima edición!

MERCADEO Y VENTAS Giselle Mustonen giselle.mustonen@gmail.com

Brando Hidalgo Brandohidalgo@gmail.com

DISEÑO DE PORTADA Andrey Carela andreycarela@gmail.com

DISEÑO Y CUIDADO DE EDICIÓN Samatha Sánchez Franco ssanchezf@yahoo.com

Anny Bell Rodríguez annybellr@gmail.com

COLABORADORES Jorge Cámara Miembro del Board of Directors de los Golden Globes y HFPA Armando Almánzar, Edwin Cruz, Marc Mejía, Ángel Haché, Luis G. Jansen, Rubén Peralta Rigaud, Hugo Pagán Soto, Brando Hidalgo, Katherine Bautista, Óliver Oller, José Maracallo.

CINEASTA Ave. Bolívar No. 812, Apto. No.17 Villas Bolívar, Santo Domingo, R.D. CINEASTA es una publicación mensual, todos los derechos quedan reservados. Se prohibe la reproducción parcial o total sin consentimiento de CINEASTA.

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WHIPLASH POR JOSÉ MARACALLO

Whiplash es una película que no invierte metraje en subtramas que traten de justificar o descalificar, moralmente, el comportamiento de sus dos protagonistas, y se agradece. El director, Damien Chazelle, no se abre muchos frentes, todos sus secundarios gravitan alrededor de una trama que tiene como centro a dos hombres con motivaciones que se necesitan mutuamente para ser tomadas. Dirigida y montada de forma trepidante, nos atrapa, agobiándonos en un asunto filosófico que se debate al ritmo del Jazz más descarnado y virtuoso. El alumno talentoso, dispuesto a desafiar la cordura por llegar igual o más alto que sus ídolos y el profesor sicorrígido y carente de escrúpulos, capaz de todo por descubrir a uno de los suyos. Los elementos teatrales que podemos adivinar, se acoplan al lenguaje cinematográfico aportando matices interesantes a la narrativa y estética del filme. J.K. Simmons, como el profesor, brinda una actuación contundente, que muchos elogiarán (y con razón) pero sin embargo, y siendo justos, Miles Teller, como el alumno, luce tan orgánico en su papel que nos hace ver en el personaje de J.K. Simmons las licencias artísticas que Chazelle se toma, siendo la figura del profesor lo más fascinante y a la vez lo más cuestionable de Whiplash.

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Escena de la película A Orillas del Mar

A ORILLAS DEL MAR DEL DIRECTOR BLADIMIR ABUD.

El director Bladimir Abud

“A Orillas del Mar” la más reciente producción cinematográfica del director y productor dominicano Bladimir Abud, fue seleccionada por el prestigioso Festival Internacional de Cine de Mar del Plata como parte de la programación de su trigésima edición a celebrarse del 30 de octubre al 7 de noviembre próximo. Este festival se realiza todos los años en la ciudad de Mar del Plata, Argentina, y es de categoría “A”, reconocido por la Federación Internacional de Asociaciones de Productores Cinematográficos (FIAPF) junto a festivales como los de Cannes, Berlín, Venecia o San Sebastián. “A Orillas del Mar” es una película de arte que narra la historia de Pedro, adolescente de una comunidad pesquera de Samaná, que en la búsqueda de su padre, a quien cree perdido en el mar, termina haciendo un viaje que le cambia la vida. Protagonizada por Richard Douglas, Cheddy García, Sonny Kelly, Teo Terrero, Lidia Ariza, Antonio Melenciano y Geovanni Jerez. Rodada casi en su totalidad en la provincia de Samaná, retrata la cruda realidad en que viven muchos niños que son abandonados por sus padres a temprana edad, y que tienen que sobrevivir pasando muchas necesidades y penas. “A Orillas del Mar” es el tercer largometraje del director Bladimir Abud, quien anteriormente dirigió la galardonada película “La Lucha de Ana” y también “Los Super”. La Lucha de Ana ganó el premio a la Mejor Película en el Festival de Cine de Uruguay, premio a la Mejor Actriz en el Festival Latino de Providence (Cheddy García), y el Premio Soberano a la Mejor Película y Mejor Actriz en el 2013. Dicho filme fue realizado bajo la Ley de Cine Dominicana. “A Orillas del Mar” será distribuida por Producciones Coral y estrenada en nuestro país el 4 de Febrero del 2016.

Afiche de la película A Orillas del Mar

A exhibirse en el Festival de Cine de Mar de Plata

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Charlton Heston en una escena de ‘The Ten Commandements’ de Cecil B. DeMille

CECILIA DEMILLE PRESLEY POR JORGE CÁMARA

Hollywood, CA.- No solamente para los verdaderos conocedores del séptimo arte, sino también para quienes se consideran admiradores del cine, particularmente de las grandes super producciones de Hollywood, el libro, “Cecil B. DeMille The Art of the Hollywood Epic”, es indispensable. Este ambicioso y decorativo tomo de más de 400 páginas, pleno de reveladoras fotos y detallada y meticulosa información tanto frente como detrás de las cámaras sobre la extraordinaria carrera del legendario director, llegó a las librerías gracias a la generosa colaboración de la nieta del director, Cecilia DeMille Presley, con el escritor, Mark A. Vieira, y con presentaciones de Martin Scorsese y Brett Ratner. “Por muchos años”, escribe Scorsese, “cuando se oyen palabras como director de cine, la imagen de Cecil B. DeMille es la que viene a la mente. DeMille fue lo que un director de cine debía ser: distiguido pero enérgico, elegante pero listo para la acción, dominante, decisivo, extravagante y autoritario. Esta imagen continuó aún después de su muerte”. “Cecil B. DeMille”, dice Ratner, “comenzó su carrera dirigiendo la primera película de largo metraje en Hollywood, The Squaw Man, y terminó con una de sus más grandes producciones, su segunda versión de The Ten Commandments, convirtiendo su nombre en sinónimo del cine épico con espectaculares cintas que ofrecían al público más de lo que había pagado en taquilla”. Tuvimos oportunidad de cambiar impresiones con la

autora durante su visita a las oficinas de la Asociación de Prensa Extranjera en Hollywood. JORGE CAMARA: ¿Cómo nació el proyecto de hacer este libro? CECILIA DeMILLE PRESLEY: Mark me llamó y me dijo que quería hacerlo. Al principio yo no estaba segura, pero después pensé, tengo almacenes llenos de fotos y memorabilia, y el libro sería la manera perfecta de compartir todo eso con el mundo. Todavía no puedo creer el éxito que su publicación ha tenido, estamos ya en la segunda edición, y yo creo que habrá más. Mark hizo un magnífico trabajo con la selección de fotos y la narración. Revisar todo el material nos tomó 2 años, y ponerlo junto, 9 meses. Queríamos que el libro se publicara honrando el aniversario de “The Squaw Man”, y Mark y yo trabajamos 7 días a la semana, 24 horas diarias. J.C.: Háblenos de su relación con su abuelo, ¿Creció con él? C.D.P.: Bueno, yo me fuí a vivir con él cuando tenía 8 años. Le dije a mi madre que quería vivir con mi abuela y mi abuelo, porque para una niña era mucho más divertido vivir con ellos. El me quería mucho y yo lo quería mucho. Me llevó a todas partes, fuimos a Europa, a Egipto, viajamos a todas partes donde se estrenaban sus películas. El nunca me regañaba. Cuando le pregunté qué era lo que hacía, me dijo que lo que hacía era contar historias.

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J.C.: Usted ha producido varios documentales sobre la historia del cine, ¿Siente que esta profesión ha sido influencia de su abuelo?

pueden hacer ahora lo que quieren, ya no son prisioneros de los jefes de estudios que a veces no eran amables. Es difícil saber cómo funcionaría él hoy en día. Yo creo que muchas de las películas que se producen ahora no le hubieran gustado. En Europa y el Medio Oriente es donde se están haciendo hoy las mejores películas.

C.D.P.: Si, si. Algo que aprendí de él desde un principio fue que nunca iba a querer ser actriz, porque vi todos los horrores que las actrices sufrían. Yo quería ser escritora, productora, hacer documentales, que es algo que disfruto mucho. Algo que también aprendí de él fue nunca dar lecciones, únicamente contar una historia. Fuimos una familia muy unida. El ambiente de la casa era intelectual, continuamente estudiábamos las personalidades de la gente. J.C.: Cecil B. DeMille fue suegro de Anthony Quinn, y se dice que nunca aprobó el matrimonio del él con su hija.

J.C.: ¿Y no fue él un tanto rebelde a los dictados del sistema de entonces? C.D.P.: DeMille nunca fue prisionero de nadie. Como es bien sabido, Adolph Zukor, quien lo admiraba mucho, lo despidió porque no quería a nadie que tuviera poder, como también despidió a Jesse Lasky y a Samuel Goldwyn por la misma razón. Pero con DeMille se metió en problemas, y Paramount le pidió que lo trajera de regreso, ya que DeMille había hecho películas que habían salvado al estudio.

C.D.P.: Yo adoraba a Tony, él venía a la casa todo el tiempo, éramos grandes amigos. Su hija acaba de visitarnos y se quedó en mi casa.

J.C.: Pero también recuerdo que la política de Cecil B. DeMille era conservadora en una industria definitivamente liberal. ¿No le causó esto problemas?

J.C.: Ha de estar enterada de que hay una nueva versión de “The Ten Commandments”, dirigida por Ridley Scott bajo el título de “Exodus: Gods and Kings”. ¿La ha visto y que piensa de ella?

C.D.P.: Los problemas empezaron después de su muerte, porque comenzaron a decir cosas que no fueron ciertas. Absolutamente. Como sabemos, su madre fue judía, y que lo acusaran de ser anti-semita, fue ridículo. El recibió muchos premios de la comunidad judía, como el premio B’Nai Brith que es el más importante que otorgan. Y él filmó dos veces la vida de uno de los judíos más grandes de la historia. Políticamente fue socialmente liberal, estuvo en favor de derechos para los gays, para la mujer. El fue el primero en presentar un romance entre una mujer negra y un hombre blanco. Odiaba la discriminación y la intolerancia religiosa. Odiaba el comunismo. Y cuando en Hollywood eres un hombre poderoso te quieren destruir. Lo acusaron de ser un conservador de la extrema derecha, y eso nunca fue cierto.

C.D.P.: No la he visto porque he oído que no es muy buena (ríe), y porque obviamente he visto la original muchas veces. Lo que es interesante es que hace un tiempo Spielberg me escribió y me dijo que quería hacer una versión de dibujos animados de “The Ten Commandments” y me preguntó si me importaba y estaba de acuerdo. Le respondí que yo no tenía los derechos de la Biblia (ríe), y que esperaba que tuviera tanto éxito como el que nosotros tuvimos. La cadena de televisión ABC, que exhibe “The Ten Commandments” cada año durante las fiestas de Pascuas, exhibió un año la versión animada. El presidente de ABC me llamó para decirme que nunca habían recibido tantas cartas pidiendo que trajeran de regreso nuestra versión y no la de dibujos animados. Ese es el impacto que esta película ha tenido.

J.C.: No podemos terminar antes de averiguar si su segundo apellido, Presley, está relacionado con el de un muy famoso cantante. C.D.P.: Si (ríe). Mi marido, Randall, y Elvis fueron primos, pero no creo que se conocieron. Yo si conocí a Elvis porque vino a comer con mi abuelo. Me regaló una guitarra, pero alguien se la robó, ¿no es una pena? Elvis fue un joven muy encantador y muy dulce antes de tener todos los problemas que tuvo. El rentó una casa frente a la mía y fue mi vecino. No pudo ser más gentil y amable.

J.C.: Esa y muchas otras de sus películas fueron filmadas con los limitados efectos especiales de entonces. ¿Cree que le hubiera interesado utilizar toda la tecnología que existe hoy en día? C.D.P.: Si, estoy segura que le hubiera encantado trabajar con todos los avances tecnológicos. Era un hombre del momento, un visionario. La película que estaba preparando antes de morir era sobre el espacio, mucho antes de “2001”. Tenía una mente muy fértil, pero no hubiera hecho películas como “Transformers” (ríe).

‘Cleopatra’ del 1934 bajo la dirección de Cecil B. DeMille.

J.C.: La industria del cine ha cambiado mucho desde la época en la que él trabajó. ¿Qué pensaría del Hollywood de hoy? C.D.P.: Bueno, el sistema de estudios de cine en el que él trabajó ya no existe, y que bueno, porque los actores

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Matt Damon en una escena de la pelĂcula The Martian

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THE MARTIAN POR RUBÉN PERALTA RIGAUD

prueba sus dotes de botánico y así poder no morir en el intento. Con una gracia y talento, Damon sabe sacar lo mejor del personaje, teniendo así una de las mejores interpretaciones de su carrera. Una estupenda (y sarcástica) banda sonora apoya esta aventura espacial, una mezcla de música disco y rock clásico, perfectamente elegidas para influenciar al público con las emociones creadas por su producción. En cuanto los actores secundarios, me llama poderosamente la atención el personaje sobrio y directo creado por Jeff Daniels, como “Teddy Sanders”, director de NASA en esta película. Daniels es del tipo de actor que, sea cual sea el papel que elija, siempre resulta ser foco de atención en la misma. No quiero dejar de mencionar a la siempre excelente Jessica Chastain como la comandante Lewis, así también Chiwetel Ejiofor, Benedict Wong y un desconocido pero simpático Donald Glover, en el papel de Rich Purnell, un peculiar astrofísico. “The Martian” es sin lugar a dudas una estupenda película hecha para la industria. Desde la historia hasta la presentación, muestra al Hollywood que hace falta, el Hollywood que entretiene al público con proyectos novedosos y divertidos, película que si dará que hablar en los próximos meses, y que pone en manifiesto estos pequeños “underdogs” como los es Andy Weir, los cuales el público adora. Ya verán, la cantidad de premios y nominaciones en el renglón técnico que esta película tendrá, y con muy altas probabilidades de nominación para alguno de sus actores, director (Scott), Drew Goddard (Cloverfield, World War Z) como guionista y el veterano editor Pietro Scalia (Good Will Hunting, Kick Ass).

La historia de Andy Weir, autor de “The Martian”, es digna de publicar. Andy es un programador de computadoras ‘’freelance’’ que, además de la programación, compartía una pasión, escribir. Es así que un buen día inicia la publicación de su primera novela, en la cual narraba las peripecias de Mark Wihitney, un astronauta olvidado en Marte. Luego de un accidente, dicho astronauta no murió y tuvo que ingeniárselas para mantenerse con vida en un planeta desconocido y muy poco hospitalario. Andy, publicaba los capítulos en su blog personal, de manera gratuita y con muy pocos lectores. Un buen día, cuando ya la novela estaba terminada y publicada en su totalidad, alguien le recomienda que la publique en Amazon. Este sigue dicho consejo y la pública por la suma de 99 centavos (de dólar) en dicho portal. “The Martian” en menos de un año se convierte en un best-seller, con 180,000 copias vendidas en 6 meses. Es de esperar que le lleguen ofertas para adaptaciones cinematográficas y derechos de editoriales. Con fuertes influencias de Arthur C. Clarke e Isaac Asimov, Weir logra ambientar las peripecias de este Robinson Crusoe del espacio. Para su adaptación cinematográfica se contrató a uno de los mejores directores del tema, Ridley Scott fue el elegido para contar dicha aventura y no pudo ser mejor elección. Scott ha más que comprobado su talento detrás de las cámaras, pero sin dejar de lado que ha sido participe también de aventuras espaciales maravillosas: “Alien” y “Blade Runner” son sin lugar a dudas clásicos del género, y no quiero dejar de lado, la efectiva “Prometheus” que sin lograr puntos medios, es otro éxito del director Scott. Matt Damon se pone en la piel de Mark Whitney como el olvidado astronauta que deberá poner a

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GRANDES PELÍCULAS CON ACTORES DEL MÉTODO RUBÉN PERALTA RIGAUD

Cuando Marlon Brando pasó un mes entero en una cama en el Hospital del Ejército de Birmingham en Van Nuys, California, sólo para prepararse para su papel debut como un veterano parapléjico en The Men (1950), se convirtió en la primera persona y mejor ejemplo de los extremos a los que un actor va a la hora de prepararse para un personaje. Para Taxi Driver de Martin Scorsese (1976), De Niro pasó días en una base del Ejército de Estados Unidos en Italia, estudiando cómo los hombres hablaban y caminaban, para luego aprender a cómo disparar un arma y volver a Nueva York para aprender a conducir taxis. Esta no fue la única vez que el actor fue a tales extremos. Sus transformaciones físicas se mencionan a menudo y se conectan a su intensa dedicación a la preparación para papeles, como fue el caso de su transformación de su cuerpo en Raging Bull (1980) y su mudanza a Sicilia antes de El Padrino II (1974), donde perfeccionó diversos acentos sicilianos. El Método de actuación no es lo mismo para todos los actores. “Método” se refiere a las técnicas específicas utilizadas por los actores para entender mejor los pensamientos y sentimientos de sus personajes. Es un proceso continuo, y está en constante cambio, en el que a su vez, están desarrollando nuevas herramientas y técnicas de actuación. Hoy en día, es raro encontrar ocasiones en las que un actor va a tales profundidades, siendo considerado demasiado difícil y, como se le llama con frecuencia, lo contrario de la actuación. Cuando un actor lo hace, sin embargo, termina siendo desestimado rápidamente por el amarillismo sensacionalista. Esta lista da un vistazo a los casos de los últimos 15 años, donde llegamos a ver películas de los mejores actores de la generación, con una inmersión total del personaje dentro de algunos. Nota: Como “método de actuación” tiene diferentes significados para los actores mencionados aquí, la lista no tiene un orden específico.

12 Heath Ledger como “The Joker”

LINCOLN (2012) “DANIEL DAY-LEWIS” COMO ABRAHAM LINCOLN.

Daniel Day-Lewis es en esta categoría, incomparable. Su método se ha convertido en legendario, y los resultados son evidentes: El es la única persona en la historia del cine en ganar el premio de la Academia al Mejor Actor en tres ocasiones (dos de ellos en este siglo), junto con otros premios. Siendo uno de los actores más aclamados de su generación, tuvo un entrenamiento actoral tradicional, pero optó por dedicarse constantemente a sus papeles y siempre investigar tanto como le sea posible. Lo que es impresionante, es el ritmo de trabajo lento del actor, en comparación con la mayor parte de los últimos veinte años. En “The Last of The Mohicans” (1992), se convirtió en un superviviente. Este aprendió a hacer canoas y se negó a comer nada que no hubiera matado el mismo. Para “The Boxer” (1997), se entrenó durante un año y medio con el ex campeón de peso pesado Barry McCuiga; se sentó en una silla de ruedas durante su interpretación de Christy Brown en “Mi pie izquierdo” (1989), y se fue como aprendiz de carnicero para “Gangs of New York” (2002).

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Daniel Day Lewis en Lincoln

Afilaba sus cuchillos durante los descansos y terminó neumonía por negarse a usar abrigos modernos, ya que “no habrían existido en el siglo XIX”. Para el biopic de Steven Spielberg, “Lincoln”, el actor supuestamente pasó un año entero leyendo sobre el presidente, a su vez enviaba mensajes de texto a sus compañeros de reparto firmando como “El Comandante en Jefe” o solo firmando “A”.

Hacía caso omiso a todas las conversaciones sobre los acontecimientos actuales en el set. Por la misma película, su esposa en la pantalla, Sally Fields, haciendo el papel de Mary Todd Lincoln, también se inmerso en la investigación. Leyó cinco biografías y visitó la casa de la ex primera dama, y se dice que aumentó 25 libras para su papel.

THE DARK KNIGHT (2008) “HEATH LEDGER’’-COMO THE JOKER.

Se ha hablado mucho de la actuación de Heath Ledger como The Joker en “The Dark Knight”, muerto por una sobredosis justo antes del estreno de la película. Antes de dicho papel, el actor ya había revelado su potencial como uno de los más grandes de su generación en “Brokeback Mountain” (2005) de Ang Lee. Pero con The Joker se fue al otro extremo, ganando un premio póstumo de la Academia al Mejor Actor de Reparto. Su preparación para el papel, según lo dicho por el actor antes de su muerte, incluyó desde sentarse en una habitación de hotel en Londres durante un mes escribiendo un diario, hasta experimentar con voces y risas con el fin de llegar a algo verdaderamente icónico. No fue sino hasta varios años después de que su devoción incrédula realmente ocurrió, cuando su padre permitió que un equipo de realizadores tuvieran acceso a los detalles de la preparación del actor por el Joker, revelando imágenes reales del diario antes mencionado, el

cual contenía escritos, recortes, dibujos y, en la última página, un “adiós” con las letras del Joker. Durante el rodaje, según los informes, Ledger mantuvo el personaje hasta el punto de que los miembros de la película estuvieron asustados a su acercamiento, alegando que él no les hacía caso si se referían a él como una persona distinta del Joker. Muchos alegan que la muerte de Ledger, aunque fue ocasionada por una sobredosis accidental de medicamentos diferentes y tabletas para dormir, puede que esté relacionada con su método de actuación. Aun así, no hay duda de que el compromiso de que el actor le hizo a dicho papel es trascendente.

Heath Ledger como el guasón

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THE PIANIST (2002) “ADRIAN BRODY” COMO WLADYSLAW SZPILMAN (EL PIANISTA).

Adrien Brody en el “Pianista”

El Método de actuación de Adrien Brody no es tan conocido como la mayoría porque fue más discreto al respecto, pero ganó el Oscar al Mejor Actor por “The Pianist” de Roman Polanski. Para prepararse para el papel de un concertista de piano, el actor practicó durante cuatro horas al día. También tuvo una transformación física al perder cerca de 30 libras. Además, para poder reproducir la vida de un hombre que vive en un gueto de Varsovia destrozado por la guerra, le dijo a la BBC que renunció a su apartamento, vendió su vehículo, desconecto sus teléfonos y se traslado a Europa con dos bolsas en sus manos (al parecer también dejando a su novia detrás) para comprender las luchas de su personaje y los que vivieron el Holocausto. Después de esta película, se embarcó en otra aventura en método de acción. En el 2005 actuó en “The Jacket”, en la que pasó varias horas al día en el set encerrado con una camisa de fuerza y se negaba a hablar con nadie y, para prepararse para las escenas donde él estaba en un cajón mortuorio, le preguntó el director si podía mantenerlo en dicho cajón mortuorio durante las pausas de rodaje.

NYMPHOMANIAC (2013) “SHIA LABEOUF” COMO JEROME.

El problema asociado con Shia LaBeouf es la poca coherencia que hay entre lo que piensa y lo que dice, pero no hay dudas de que el joven actor tiene talento. En el thriller psicológico “Charlie Countryman”, LaBouf pasó toda la película drogado, específicamente con “ácido”. Parte de lo que se requería del personaje era que estuviera por mucho tiempo en este estado. Para una audición para su papel en “ninfómana” de Lars von Trier, LaBeouf le mandó el director una serie de cintas de sexo de él y su novia, ya que se esperaba que la película presentara el sexo no simulado. De hecho, durante la película, optó por el utilizar el Método de actor para algunas de sus escenas más íntimas, supuestamente teniendo sexo real con su co-estrella en la pantalla. Por otra parte, (de acuerdo con su co-estrella Logan Lerman), se dice que en su reciente interpretación en “Fury” sus payasadas involucraban automutilación. “Como el maquillaje no parecía bastante real, cortó varias veces su propio rostro con un cuchillo con el fin de hacer que sus heridas de guerra parecen auténticas” comentó Lerman. Además, el actor, al parecer, también se negó a ducharse durante varias semanas, solo para entender mejor la vida de su personaje en las trincheras. 14

Shia Labeouf en “Nymphomaniac”

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Christian Bale en una escena de The Machinist

THE MACHINIST (2004) “CHRISTIAN BALE” COMO TREVOR REZNIK (THE MACHINIST).

Después de su papel estelar en “American Psycho”, donde Christian Bale pasó horas en el gimnasio todos los días y se negó a hablar con nadie para retratar a la perfección su personaje, su método fue al extremo cuando personificó a Trevor Reznik en “The Machinist”. Trevor era, a los ojos del público, el verdadero comienzo de las famosas ganadas y pérdidas de peso de Bale durante los años siguientes. Con el fin de lucir alarmantemente poco saludable, comía sólo una manzana y una lata de atún todos los días, a su vez, también fumaba con avidez. A menudo se argumenta la cantidad de peso que en realidad perdió, pero el más exacto fue de 63 libras. Temiendo por su vida, los productores intervinieron

I’M STILL HERE (2010)

y lo detuvieron de perder aún más peso. Tan pronto como la película terminó, Bale ganó las 60 libras en seis semanas, con el fin de desempeñar el papel de Bruce Wayne en “Batman Begins” de Christopher Nolan. Luego vuelve a perder 40 libras para “Rescue Dawn”, y en cuestión de poco tiempo vuelve a ganar peso para “The Dark Knight”. Después de eso, el actor se sumerge de nuevo en el método de pérdida de peso, perdiendo 30 libras para personificar a un ex boxeador convertido a las drogas en “The Fighter” de 2010, y para su último papel en “American Hustle”, Bale engordó unas 43 libras comiendo un montón de donuts y hamburguesas con queso. Poster de “Im Still Here”

“JOAQUIN PHOENIX”.

Después de hacer su debut como cantante de rap en enero del 2009, Joaquin Phoenix hizo una aparición inusual en el ‘’Late Show’’ con David Letterman, para la promoción de la película “Two Lovers”- que, según él, sería su última. El actor tenía una barba descuidada y gafas de sol, y parecía completamente incoherente y que no respondía a las preguntas de Letterman. Luego anunció sus aspiraciones de hip-hop. La entrevista resultó ser un engaño, como parte del falso documental “I’m Still Here”, dirigido por Casey Aff leck y co-escrito por él y Phoenix. El rodaje comenzó el 16 de enero de 2009 en un club nocturno de Las Vegas, y siguió la vida de Phoenix y su “transición” de actor a cantante de hip-hop. Mantuvo el personaje en varias apariciones públicas, y los acontecimientos escenificados en la película no se revelan como tal hasta que la película fue lanzada. El falso documental sirvió principalmente como una prueba de que la televisión y la realidad están basadas en hechos escenificados. Seguramente, tanto Aff leck como Phoenix no 15

esperaban que la representación de Phoenix de sí mismo pudiera engañar a tanta gente, por lo que es un gran ejemplo de la extensión del método de actuación. Sin embargo, no fue la única vez que esto se comprobó: Para la película “Walk the Line” (2004), una película biográfica de Johnny Cash, el actor tomó clases de canto y guitarra intensivos, y sólo respondía a “JR”, de Johnny Cash cuando le querían llamar; y después de “Gladiator”, el actor se quedo tan apegado a dicho rol que pensó que podría llevar su espada con él a todas partes.

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Kate Winslet en una escena de The Reader

THE READER ( 2008 ) “KATE WINSLET” COMO HANNA SCHMITZ.

Kate Winslet en The Reader

Otro buen resultado en el uso de El método de actuación lo obtuvo Kate Winslet, ya que en los Premios de la Academia ella ganó el Oscar a mejor actriz. En esta película, con gran esfuerzo interpretó a una ex guardia de un campo de concentración Nazi. La actriz supuestamente se metió tanto en su personaje, que ella hablaba con acento alemán 24/7 , lo que trajo un poco de confusión a sus hijos a la hora de leer cuentos antes de dormir . También admitió que tomó varios meses para volver a la normalidad después de haber sido tan centrada en el papel , diciendo : “Es como si hubiera escapado de un grave accidente de carro y la necesidad de entender lo que acaba de ocurrir permanecía. Cuando salgo de un personaje, tengo que analizar el trance por el que acabo de pasar . Me puede tomar varios meses para despedirme de ellos. “

THE LAST KING OF SCOTLAND (2006) “FOREST WHITAKER” COMO IDI AMIN.

Durante lo que parecía un punto de crisis en su carrera, Forest Whitaker sintió que su papel como el ex dictador ugandés Idi Amin en “El último rey de Escocia”, era hacer lo máximo o retirarse, el cual culminó lanzándolo tan profundamente en el personaje que, según los informes, su esposa e hijos no querían hablar con él mientras él estaba filmando. Él se transformó en Amin y lo convirtió durante casi seis meses, permaneciendo en personaje casi todo el tiempo fuera del set. Redujo sus comidas a puré de plátanos y frijoles, dominando el acento único del dictador, y, curiosamente, se hizo fluido en swahili y Kakwa. Su estilo era lo que parece método de actuación clásica, incluyendo también que leyó numerosos libros, vio un montón de documentales e incluso se reunió con algunos de los familiares y amigos de Amin. Esto le valió numerosos premios, entre ellos el Oscar a Mejor Actor. 16

Forrest Whitaker en el último “Rey de Escocia”

MONSTER (2003) “CHARLIZE THERON” COMO AILEEN WUORNOS.

La transformación más extrema de Charlize Theron llegó en 2003. En “Monster”, Theron retrata la historia real de Aileen Wuornos, una prostituta, asesina en serie y caníbal, responsable de asesinar a siete hombres en Florida entre 1989 y 1990. La actriz ganó 30 libras, pero esto fue sólo la base de su transformación. Su piel se sometió a capas de tinta de tatuaje para darle un aspecto áspero, se afeito las cejas y llevaba una prótesis en los dientes para darle una apariencia podrida. Roger Ebert considera su actuación “una de las más grandes en la historia del cine “, y obviamente le valió el Oscar a la Mejor Actriz.

Charlize Theron en Monster

OLDBOY (2003) “CHOI MIN-SIK” COMO DAE-SU OH

El actor coreano Choi Min-sik ha ganado innumerables premios por sus actuaciones, y es mejor conocido por el público occidental por su papel en “Oldboy”, la película coreana original que inspiró el remake de Spike Lee en 2013. Como un actor que por lo general trae una cierta materialidad de sus representaciones, seguramente no pasó mucho tiempo para averiguar lo que esta película pedía de él. En la película, su personaje está confinado a una habitación durante años y, después de haber sido liberado, está decidido a encontrar y matar a sus captores. Su acercamiento al personaje fue tan grande que conllevo de el ganar y perder peso para retratar con precisión el encarcelamiento a largo plazo del personaje, así como la quema de su piel con un alambre caliente, para aparentar como si el personaje se hubiera tatuado a si mismo al contar los años que habría pasado en la cárcel. Aunque estos logros no parecen lo suficientemente locos, creo que no se compara con la escena en la que el personaje se come un pulpo vivo y, por supuesto, se necesitaron varias tomas y varios pulpos. Choi, que es un budista, pidió disculpas a cada uno.

Choi Min-sik como Dae-Su Oh en Oldboy

Escena de suicidio en Oldboy

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SOFÍA VERGARA POR JORGE CÁMARA

Hollywood, Calif.- Para el público norteamericano, Sofía Vergara surgió al estrellato, prácticamente de la noche a la mañana, gracias a la exitosa serie de televisión, “Modern Family”, en la que encarna a Gloria Delgado, la alocada joven esposa de Jed Pritchett (Ed O’Neill), y madre del precoz niño de 12 años, Manny Delgado (Rico Rodríguez), comedia que la actriz ha sabido aprovechar luciendo su despampanante físico, y utilizando también, aunque nada original, su acento latino para hacernos reír. Pero para el público latino, la carrera de la talentosa y encantadora actriz, comenzó mucho antes. Sofía Margarita Vergara nació el 10 de Julio de 1972 en Barranquilla, Colombia. Su padre manejaba una hacienda de ganado, y su madre se hacía cargo de Sofía y sus 5 hermanos y hermanas. A la edad de 18 años Sofía contrajo matrimonio con su novio de la niñez, Joe González, con quien tuvo un hijo, Manolo, pero de quien se divorció dos años después. Fue entonces que comenzó su carrera como modelo y actriz, trabajando para la Cadena Univisión en el programa, “Fuera de Serie”, y para Televisa en la serie, “Acapulco, Cuerpo y Alma”. Pero el problema del tráfico de drogas en Colombia puso en peligro a su familia, y cuando su hermano, fue asesinado en 1988 en un atentado de secuestro, Sofía se mudó a Miami con su madre y su hermana, y después a Los Ángeles. Ya en los Estados Unidos, poco a poco, y de pequeño papel a pequeño papel, en películas como “Chasing Papi” (2003), “Soul Plane” (2004), “Four Brothers” (2005) y “Meet the Browns” (2007), Sofía Vergara consolidó su carrera. En 2009 recibió su gran oportunidad gracias a “Modern Family”. Ahora, en la pantalla grande, la actriz tiene el papel co-estelar, junto a Reese Witherspoon, en la comedia, “Hot Pursuit”, en la que encarna a la viuda de un capo de drogas perseguida por policías y criminales.

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Sofía Vergara y Jorge Cámara

JORGE CÁMARA: Tú has alcanzado el verdadero estrellato en Hollywood, algo que muy pocas actrices latinas han logrado. ¿Sientes que hay ahora más oportunidades para el talento latino? SOFÍA VERGARA: Mira, no debería quejarme porque para mí esto ha sido asombroso. He encontrado todos los papeles que necesitaba y aún más. Pero si hay falta de oportunidades, especialmente para los latinos. Por ejemplo, todos los escritores de “Modern Family” han escrito buenos personajes para Julie Bowen, como Claire Dunphy, o para las demás mujeres del programa. Pero ninguno de ellos ha tenido una novia latina, o una madre latina, y han tenido que aprender eso de mí. Ahora ya no me preguntan porque lo han aprendido, pero al principio tenían que investigar más, y me preguntaban todo. El caso es que hay falta de material para los latinos. J.C.: ¿Entonces el problema es que no hay escritores latinos? S.V.: Muy pocos, si los comparamos con los escritores americanos. Hablaba el otro día con Reese Whitherspoon, que también produjo “Hot Pursuit”, y la cosa es que es muy difícil levantar un proyecto. Escribir algo para una película o un programa de televisión es muy competitivo porque hay mucha gente escribiendo. Y los escritores latinos no pueden sentarse a esperar, tienen familias que mantener, de manera que escriben para quienes saben les van a

comprar el material, como episodios de televisión, telenovelas, o cosas así. Lo que hay que hacer es tener más latinos en Hollywood que empujen y empujen. Tener gente como Reese, interesada en escribir un personaje latino para una película, es estupendo. J.C.: ¿Tú has sentido de alguna manera discriminación? S.V.: Nuevamente no quiero quejarme porque he tenido mucha suerte, he podido hacer mucho, y he recibido mucho de este país. Estoy muy agradecida. Yo creo que como inmigrante tienes que aceptar que no estás en tu país, y que te están haciendo un favor recibiéndote con los brazos abiertos. Tienes que respetar eso y comportarte. Yo no he sentido discriminación, pero cuando perteneces a una minoría vas sentirla, no importa cómo. Es una realidad. Pero no puedes sentarte, y quejarte, y no tratar, porque eres una minoría. Tienes que trabajar fuerte y esforzarte y tener esperanzas para lograr lo que quieres. J.C.: Ahora parece que no, pero al principio ¿fue un problema tener acento latino? S.V.: Si. Cuando llegué a este país no entendía porque Penélope Cruz o Salma Hayek no cambiaban su acento. Pensaba que tendrían muchas más oportunidades sin acento. De manera que dije, voy a cambiar mi acento, voy a contratar a alguien. Y empecé a perder mi tiempo y mi dinero porque nada cambiaba. Iba a las audiciones y lo único que

pensaba era como iba pronunciar una palabra, y la posición de mi lengua. No tengo buen oído. Si me dicen como decir algo inmediatamente lo digo mal. De manera que nadie me contrataba, porque actuaba terriblemente. Y finalmente un día dije, voy a hablar como hablo, si funciona, bien, y si no, no. Y funcionó. J.C.: El problema de la inmigración va a figurar prominentemente en las próximas elecciones. ¿Estás interesada en la política? ¿Trabajarías de alguna manera en favor de los inmigrantes? S.V.: Por supuesto que sí. Si tengo la posibilidad y el tiempo de hacer algo importante y que valga la pena, lo haré. La inmigración es uno de los problemas más serios en este país, pero no creo que deba hablar y decir que es lo que pienso. Tengo mis opiniones y espero poder respaldarlas. Pero no quiero decir más porque he aprendido mi lección. Debido a mi acento y a mi sentido del humor, muchas de las cosas que digo no son interpretadas correctamente. Así que prefiero callarme y no meterme en problemas. J.C.: ¿Crees estar en el mejor momento tanto en tu vida profesional como en tu vida personal? S.V.: Estoy súper feliz y pasándola muy bien. La serie va de maravilla. Tengo un hijo que tiene 23 años. Lo tuve de muy joven y con poco dinero, de modo que si tengo otro ahora, ya tengo a mucha gente que me ayuda. No sé que vaya a pasar. Joe es más joven y no tiene hijos. Vamos a tratar, y si no sucede, pues puede disfrutar a mi hijo, Manolo. J.C.: Háblanos un poco de Manolo. S.V.: Mi hijo vive en Boston porque ahí está estudiando cine. Pero ya termina, y va a regresar a los Ángeles a buscar trabajo, y estoy encantada. Le encanta escribir, tiene mucho ingenio, y un sentido del humor muy creativo. También quiere ser director. De manera que no sé, voy a dejar que encuentre su camino. Sabe todo del cine, es como una enciclopedia, de manera que ya veremos. Y se lleva muy bien con Joe. J.C.: Joe es Joe Manganiello, con quien estás comprometida en matrimonio. Joe es actor, entre otras, de las películas “Magic Mike”, y también productor y director. ¿Es cierto que en un principio lo rechazaste? S.V.: Acababa de salir de una relación y lo único que quería era paz y tranquilidad. Me pareció una muy mala idea salir con el soltero más guapo y deseado en Hollywood, y cuatro años menor que yo. Iba a ser demasiado trabajo. Algo positivo que

Sofía Vergara con la revista Cineasta

viene con los años es que conoces mas la vida y tomas mejores decisiones. Yo no quería salir con un hombre muy guapo. Yo quería conocer a alguien mayor, más normal. Pero él me convenció a salir con él solo un vez, y yo dije, bueno una vez nada más para pasarla bien, y ya. Pero llegué a conocerlo, y mientras más lo conocía, menos guapo me parecía (ríe). La amiga que me empujaba a salir con él me dijo, ya ves, ibas a perder una buena oportunidad por ser terca y por juzgar únicamente las apariencias exteriores. J.C.: ¿Y cuándo es la boda? S.V.: Espero que nos casemos este año, pero no queremos helicópteros y esas locuras, no solamente por nosotros, sino porque queremos que nuestros invitados la pasen bien. Para Joe es algo muy especial, ya que es su primer matrimonio, pero vamos a tratar de mantenerlo lo más privado posible. Yo ya escogí un lugar al que nadie puede entrar. Joe me dijo, casémonos en Las Vegas, pero él no se ha casado antes, de modo que quiero que esta boda sea algo muy especial para él

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AMY POR RUBÉN PERALTA RIGAUD

Amy Winehouse Documental

La mayoría de nosotros, como meros espectadores y fanáticos de algún artista, siempre estamos atentos a las cosas personales y proyectos del mismo, pero por algún extraño morbo, nos fascina más su vida personal que su próximo trabajo, y ya es casi normal. Todos queremos saber cómo es esta persona en su diario vivir, es por eso que existen los paparazis y canales como TMZ. No es casualidad el éxito de estos, el público pide, señala y juzga a la misma gente que los inspira y entretiene. Tuve la bendición de asistir este año a los Globos de Oro, una premiación enfocada al cine y la televisión. No les voy a negar, ¡estaba en el paraíso! Ver gente que solo te imaginas en películas, escenarios y televisión caminando delante de ti y detrás de ti en una fila fue espectacular. Si les digo que tenía a Paul Rudd delante y a Jake Gyllenhaal detrás seguro no me creerían, o que cuando fui al baño estaba orinando al lado de John Legend, ¡era increíble!. Les hago esta pequeña anécdota porque quiero enfocarme en algo específico y en algo en que, nosotros como espectadores, fanáticos y evaluadores de momento no caemos en cuenta. Esos seres que admiramos son simples seres humanos, con tanto virtudes como defectos, que toman vino, que comen con las manos, que hacen filas para ir al baño, que les gusta tener conversaciones de lo que sea fumando un cigarrillo, es decir, Joaquín Phoenix es como tú o como yo, la diferencia es que su trabajo es mas público que el que seguro haces tú.

¿A dónde quiero llegar?, al juicio. Ese juicio que condena a otro ser humano solo porque es famoso y es reconocido. Para muchos de nosotros, ese famoso debe ser un modelo a seguir y no debe cometer el mas mínimo error, porque ahí estaremos nosotros, seres impolutos, para señalarlos con el dedo (nótese el sarcasmo). Y hago todo esta introducción a raíz de ver el documental basado en la vida y carrera de Amy Winehouse. “AMY’’ no solo destrozó mi corazón, sino que me abrió los ojos, me explicó. Yo fui de los que se rió y se burló de una Amy Winehouse que era famosa por sus borracheras y consumo de drogas aún en conciertos públicos. Yo fui de los que si me creía todas las tonterías de la prensa amarillista acerca de esta mujer. En ningún momento me detuve a pensar en el por qué y las razones que llevaban a Amy a semejante autodestrucción. Creo que muy poca gente lo hizo, porque Amy, de ser estrella del canto, pasó a ser motivo de burlas, incluso de gente que la entrevistó para apreciar su talento. Aún estalla en mi cabeza y aún quedo con muchas preguntas, el por qué Amy quería autodestruirse, y el director de dicho material, Asif Kapadia (Senna) entiende el poder y la importancia de lo que iba a presentar, y mejor no lo pudo hacer. Presenta las virtudes y decadencias de esta artista con respeto y dignidad, sin basarse en el morbo, así como lo hizo con el maravilloso documental sobre Ayrton Senna.

HISTOIRE(S) DU CINÉMA Amy Winehouse

El respeto a las decisiones de dichas personas, recae solamente y netamente en ellas y no debe ser motivo de burlas, ventas o beneficios por parte de terceros. Él, sabiendo el pasado y la turbulenta vida y carrera de la cantante, sabe como introducirnos a su vida, con videos caseros que demuestran la inocencia y felicidad de una joven niña que soñaba ser cantante, y de cómo este sueño poco a poco se convirtió en realidad, pero con muy pobre supervisión y mas libertinaje que libertad. Eventualmente estos factores pueden obligar al individuo a tomar malas decisiones, o por no decir malas (caemos en el juicio de nuevo), decisiones que afectarán de forma no positiva en su vida, como ocurrió con esta fabulosa intérprete. Ahora tristemente, aprecio más su música, sus letras, su voz de jazz tan parecida a Billie Holiday o Dinah Washington. Letras que vienen inspiradas de sus entrañas, de su sufrir, y que de alguna forma, eran un grito de ayuda, que ya no sirve de nada, porque lamentablemente el eco de dicho grito llegó tarde hasta los oídos correctos. Amy era una estrella que quería ser niña, quería ser amada por lo que es, no por lo que hacía. ¿Acaso no es lo que quieren todos? Ella no era la excepción.

A los críticos les encanta, pero a su familia le dolió y enfureció. El padre de la cantante, Mitch Winehouse, ha dicho que la película es inexacta y engañosa. Afirma que el director, Asif Kapadia, retrata a la familia como si hubieran hecho muy poco para ayudar a la cantante con sus adicciones. “Editaron selectivamente lo que he dicho para dar a entender que yo y mi familia nos oponíamos a que ella recibiera cualquier tipo de tratamiento”, dijo Mitch Winehouse a The Associated Press. “La llevamos decenas de veces a desintoxicaciones y rehabilitación a lo largo de los años”. Las canciones de Winehouse eran muy personales, como lo revelan sus títulos de “Addicted” a “Rehab” y “Love is a Losing Game”. Siempre sonaron amargamente emotivas, y ahora mucho más. Kapadia dijo que desde su muerte “no puedes escuchar esas canciones de la misma forma. Pero sí dirás ‘por Dios, ella era buena”.

EDWIN CRUZ Godard logra quizás su película más importante. Sintetiza su estilo. El collage narrativo. Es una especie de letrista, de situacionista en el cine. Expone con carisma, también con pesar, el indecoroso papel propagandístico que ha jugado el cine en las guerras. El sonido itinerante de su máquina de escribir, la superposición de imágenes fijas, de películas icónicas, de su voz aguda inquisitoria y la narración de estrellas invitadas, nos indica que el cine es abstracción. Pero viene de nuestra mente. Unión inherente. Cine y vida. Nuestro manual de historia modélico desde su fundación. Descarrilado el poema. Ambiguo el sentimiento. Para amar al cine, hay que odiarlo. Por tanto, esta declaración de guerra es para quienes lo han sentido. Esos Outsiders: Von Stroheim, Dreyer, Chaplin, Lupino, Keaton. Decenas. Genios frente a la factoría. Como su trayectoria, este trabajo no es fácil de afrontar. Nos invita a subir. Ya es cosa nuestra. O a aceptar historias oficiales, o a reescribirla. Anti Cine.

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Imagen de Carlos Quezada

HOMENAJE AL TALENTO (PENSAMIENTOS SOBRE CARLOS QUEZADA)

Siempre se hace difícil encontrar palabras que describan a un artista que no tiene límites. Lo mejor quizás sea recordarlo sencillamente como Carlitos: Un amigo, un actor, un hermano, un cantante, un hijo, un guitarrista, un esposo, un guionista, un compañero, un escritor, un fotógrafo, un compositor, un poeta, un modelo, un productor, un dibujante. Tallando arte en medio de nuestra ruidosa mediocridad. Inspirando. Despertando devota admiración. Viviendo con altura y gracia. En medio del dolor delante y detrás del lente. Sorprendiendo con su espectro interpretativo, con su humildad y con su sobrado talento. Dibujando esperanzas con su sonrisa, en su boda en su cama. Como referente del futuro cinematográfico local. Dejando el trago en la mesa para tomar su guitarra. Sin pretensiones. Robándonos el aliento con sus composiciones. Hablando de sus proyectos. Compartiendo sus sueños.

¡Qué rápido! Su guión se rodaría, se filmaría en Constanza, y luego que esta pospuesto, que se tiene que ir a Estados Unidos, ya conseguimos una médula, y ahora el adiós amargado. ¡Qué terrible! Así que por ahí debes andar ahora mismo haciendo arte, del bueno, del que me gusta. En 30 años estaremos aun discutiendo que tan lejos hubieses llegado, todos los que conocimos tus trabajos. Comentando tus canciones, tus fotos, tus actuaciones, tus versos. Y te reconoceremos escondido entre líneas de la historia del cine de esta media isla. En sus palabras: “Yo aspiro a que creemos historias con otros niveles de profundidad, para que dentro de unos años la gente mire que se están haciendo historias con un mínimo de calidad y que sean interesantes. Como país tenemos muchas cosas que contar” Esperemos que así sea viejo, esperemos… Luis G. Jansen, Julio, 2015.

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A LA GARBO, SIN MALDAD. POR EDWIN CRUZ

Greta Garbo en la pelicula Anna-Christie

Amén del talento para el performance que ha de poseer una actriz, no nos llamemos a engaños: nuestro idilio con la admiración femenina inicia por la apariencia. Más si el objeto del deseo expele ambigüedad y misterio. Greta Garbo es sinónimo de Amenaza Elegante. Cuenta la leyenda nórdica que fue concebida en Suecia, fruto de la unión maldita entre una elfa de luz y un elfo oscuro. Su gestación fue filtrada en frío para explicar su hieratismo. También dicen que nació mujer. Al verla por vez primera, me dio miedo su ilimitada auto confianza. Quedé prendado de su gesto adusto. De su aire domador. De su clase irradiante. Su presencia hacía mella al talento actoral. Imposible imaginar a Greta sin el Garbo.

La gente divide su amor por la Diosa Silente y el Ventarrón Contenido Sonoro. Particularmente la prefiero en Ninotchka, (Ernst Lubich, 1939) en donde vemos a la mujer imponente, calculadora, despiadada, pero con un candil de sensibilidad en el centro de su pecho. Se retiró intempestivamente del set en un jet kamikázico hacia el ostracismo en 1941. El morbo por ver sin éxito el paso a la mediana edad y luego a la vejez de la mujer que no ríe, ensanchó su legado. Greta Lovisa Gustafson falleció el 15 de abril de 1990 en Nueva York a los 84 años, pero en cada mujer valiente, sensual a su aire, dueña de su destino, modelo sofisticada o artista andrógina, subyace Greta Garbo. Ella… Greta Garbo sonriendo en Ninotchka.

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LO MEJOR DE BOND POR RUBÉN PERALTA RIGAUD

Guía práctica para entender a SPECTRE (CONTIENE SPOILERS)

“Bond... James Bond.” Un total de seis actores han dicho esta línea en el lapso de 50 años y 23 películas. Desde su debut cinematográfico en 1962 con Dr. No, a su más reciente aventura en Skyfall (y pronto Spectre), James Bond ha conservado su licencia para emocionar, lo cual se ha convertido en la franquicia de películas de mayor duración en la historia del cine, salvo quizás Godzilla. James Bond fue idea del escritor británico Ian Fleming, quien desempeñó un rol como asistente del Director de Inteligencia Naval durante la Segunda Guerra Mundial, donde jugó un papel crucial en las operaciones de espionaje aliadas. En 1952, en su finca de Jamaica llamada “Goldeneye”, Fleming escribió Casino Royale, y así nació un ícono. Él escribió un libro al año durante los próximos 12 años hasta su muerte en 1964 a la edad de 56. Esta es una lista de los clásicos por excelencia de James Bond que cualquier recién llegado debe ver si quieren entrar en el mundo del agente 007; y dicha lista, le servirá como guía directa a Spectre, la nueva aventura del agente británico.

Joseph Wiseman como el malvado Dr. No

DR. NO (1962, TERENCE YOUNG) Es la primera película de 007 (que se basa en el sexto libro de la serie), James Bond (Sean Connery) es enviado en su primera misión a Jamaica para investigar la desaparición del jefe de la inteligencia británica John Strangways. Inteligentemente, “Dr. No” no es presentado hasta el tercer acto. Joseph Wiseman crea un villano legendario con unos 10 minutos de tiempo de pantalla. Su superior en el MI6, es conocido sólo como la letra M. (Bernard Lee). “M” le instruye a Bond a averiguar si la muerte de Strangways tenía que ver con su cooperación con la Agencia Central de Inteligencia en la investigación de la interrupción de los lanzamientos de cohetes estadounidenses por la intervención de las frecuencias cerca de Cabo Cañaveral. La investigación de Bond le lleva a una isla llamada Cayo Cangrejo, donde se encuentra la hermosa Honey Ryder (Ursula Andress), una mujer con un pasado oscuro. Cayo Cangrejo es el hogar del misterioso Dr. No (Joseph Wiseman), un científico-medio alemán, medio chino que se revela como un agente de SPECTRE. El plan de SPECTRE para dominar el mundo comienza con la caída de los misiles estadounidenses.

“Dr. No” fue llevada a la pantalla por la cooperación de los legendarios productores de MGM Albert R. “Cubby” Broccoli y Harry Saltzman. La película fue producida con un presupuesto bajo y fue un éxito financiero. La mayor parte de los elementos clásicos del personaje se introdujeron en esta película. Estos incluyen la secuencia de cañón de la pistola famosa en la apertura de la película, el inconfundible tema de Monty Norman, la introducción de SPECTRE (la organización siniestra que 007 lucharía en de todo el resto de las películas de Connery, con la excepción de Goldfinger), y la “chica Bond” original, que es sin duda una de las mujeres más emblemáticas de la serie. “Dr. No” es un comienzo excelente para una franquicia que duraría hasta el siglo 21. Es también un primer capítulo destacado en la serie debido a cómo su personaje fue pionero en lo del villano de Bond clásico, el cual tenía una deformidad (manos mecánicas). También es importante reconocer el hecho de que el Dr. No ni siquiera se mostrará hasta el tercer acto.

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FROM RUSSIA WITH LOVE (1963, TERENCE YOUNG) Sean Connery vuelve como 007 en la segunda entrega de la serie, basado en la novela de 1957 (que el presidente John F. Kennedy nombró a uno de sus libros favoritos). Terence Young se sienta en la silla del director, una vez más, en una aventura que trae Bond a Estambul, donde se encuentra la hermosa agente de la Inteligencia soviética, Tatiana Romanova (Daniela Bianchi). El ex SMERSH Rosa Klebb (Lotte Lenya) envía a Tatiana a Estambul, donde debe conocer y seducir a Bond y ayudar a robar la máquina de decodificación “Lektor”, que la CIA ha estado tratando de obtener en durante años. SMERSH el nombre de la organización soviética dedicada a la eliminación de espías en Europa, en la que Bond se enfrentó en la mayoría de las novelas originales de Ian Fleming. Klebb está trabajando ahora para SPECTRE, y Tatiana no está consciente de este hecho. La trampa surgió cuando Bond y Tatiana se encuentran con el asesino soviético, Donald “Red” Grant (Robert Shaw), a bordo de un tren llamado ‘’The Orient Express’’. Las órdenes de Grant son matar a Bond y entregar el Lektor a SPECTRE. “From Russia With Love” fue aún más exitosa que “Dr. No”, obteniendo más de $78 millones en todo el mundo. Se presenta además en el universo Bond a Q (Desmond Llewelyn), el científico estrafalario que le estaría proporcionando a 007 sus aparatos en todas las películas hasta el 1999 con la película “The world is not enough”.

El primer gadget que Bond recibe de Q es una maleta inofensiva en el exterior, pero que está destinada a ser desbloqueada de cierta manera. “Q” informa a Bond de cómo debe abrirla correctamente. El dispositivo es muy útil en la escena donde Bond se enfrenta a Red Grant a bordo del Orient Express. Grant abre la maleta por el lado equivocado y le lanza un gas sobre él. Los aparatos de la franquicia Bond sólo conseguirían ser más estrafalarios y over-the-top desde este punto en adelante. “From Russia With Love” fue la primera película de Bond en hacer frente a las tensiones de la Guerra Fría entre el Este y el Oeste. Un espía británico enamorado de una agente soviética era un concepto nuevo al momento del lanzamiento de la película. Este tipo de relación sería el centro de una película de Bond más adelante, de 1977 “The Spy Who Loved Me”. La película también ofreció al público secuencias de acción más fascinantes que las vistas en Dr. No; un tiroteo en un campamento gitano, una pelea entre Bond y Grant en el compartimento del tren “Orient Express”, una persecución en helicóptero, y la primera persecución en barco de Bond durante el clímax de la película. “From Russia with Love” puede parecer un poco lenta para los estándares actuales, pero no obstante es un clásico, y un deber-ser vista por cualquier recién llegado a la franquicia.

Afiche de la película “From Russia With Love”

GOLDFINGER (1964, GUY HAMILTON) Goldfinger es, simplemente, la película de Bond más emblemática de toda la franquicia (hasta la fecha). Cuenta con uno de los villanos más conocidos, con la canción más grande y la apertura de créditos con una de las secuencias más famosa en toda la saga, uno de los secuaces más memorables, y la primera marca de carros manejados por 007, y una literal chica dorada. Goldfinger lo tiene todo. James Bond comienza su tercera aventura en un hotel en Miami Beach, donde descubre al distribuidor de lingotes de oro, Auric Goldfinger (Gert Frobe). Este está utilizando a su empleada, Jill Masterson (Shirley Eaton), para ayudarle a engañar en un juego de cartas. Goldfinger consigue perder con la amenaza de informar a la Policía de Miami Beach si no lo hace. Luego, Jill y Bond van de vuelta a su habitación de hotel, en la cual Bond es noqueado por el siervo mudo de Goldfinger, Oddjob (Harold Sakata). Este luego, asesina y cubre a Jill de oro. Tras la muerte de Jill, Bond es informado de quien es Goldfinger y se le envía en una misión para investigar cómo este está contrabandeando oro a nivel internacional. Su misión lo lleva a Suiza, donde se encuentra con la hermana de Jill, Tilly (Tania Mallet), quien estaría tratando de matar a Goldfinger con un rifle de francotirador, todo esto con el fin de vengar el asesinato de su hermana. Tilly es asesinada por el sombrero filoso de Oddjob, y Bond es capturado. Bond convence a Goldfinger para que le deje vivir, debido a la cantidad de información que este sabe. Bond queda inconsciente y puesto en un avión con destino a Kentucky, donde conoce a la señorita Pussy Galore (Honor Blackman), piloto personal de Goldfinger. Bond pronto descubre el complot de Goldfinger para robar el Fort Knox, lo que creará el caos económico en Occidente y hacer que el precio de su oro aumente dramáticamente. Si hay una película de Bond, que se clasifica como un clásico inmortal, es Goldfinger. Tiene todos los elementos más conocidos; la chica pintada con oro, la canción de Shirley Bassey, Oddjob, que es quizás

Escena de la película Goldfinger con Sean Connery y Shirley Eaton

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Foto detrás de escena de Shirley Eaton en Goldfinger.

el secuaz más emblemático de la saga junto a “Jaws” de Richard Kiel, y el Aston Martin DB5, que Bond incluso utilizo en el 2012 en la película “Skyfall” como un guiño a esta película. La película también está llena de grandes líneas también. “¿Espera que hable?”, “No señor Bond, espero que muera!” Esta línea es parte de la conversación entre Bond y Goldfinger cuando 007 es atado a una mesa, completamente indefenso con un láser rojo que está a punto de cortarlo en dos, es quizás el momento más tenso de la película, y una de las trampas mortales más memorables de la franquicia. Pussy Galore es una de las chicas Bond más emblemáticas, tal vez la más emblemática junto a Honey Ryder. Goldfinger fue la película que cambió la saga a un fenómeno de superproducción en toda regla, y solidificó el estatus de Sean Connery como una leyenda.

También es una entrada notable en la serie por ser la primera película de Bond que actúa como su propia aventura independiente, ya que SPECTRE no juega ningún papel en la narración. Si hay una película de Bond que todo cinéfilo debe estar familiarizado, es Goldfinger.

James Bond posa por primera vez con su Aston Martin en la película Goldfinger

Afiche de la película “Tunderball”

THUNDERBALL (1965, TERENCE YOUNG) Terence Young vuelve a dirigir a Sean Connery en su cuarta y emocionante aventura como 007. En este capítulo, Bond es enviado a las Bahamas para recuperar dos bombas atómicas de la OTAN que fueron robadas por SPECTRE. Esta vez, SPECTRE amenaza con destruir una ciudad importante en los Estados Unidos o el Reino Unido si no se cumplen sus demandas. Es en Nassau donde Bond se encuentra con el agente “número dos” de SPECTRE, Emilio Largo (Adolfo Celi), y la amante de Largo, Domino (Claudine Auger), esta ultima ayuda a Bond en su misión. La película culmina en una secuencia submarina emocionante en la que Bond se alía con un grupo de SEAL para hacer batalla con los hombres de Largo y recuperar las cabezas nucleares. Thunderball fue otro éxito financiero. Hizo $141,2 millones en todo el mundo, y es la película

de Bond más exitosa hasta la fecha cuando se ajusta por inflación. La producción de la película estuvo plagada de disputas legales y demandas. Kevin McClory y Jack Whittingham demandaron a Ian Fleming por los derechos de su novela de 1961, alegando que Fleming había basado a Bond en un guión que habían escrito en un primer intento fallido de traer a James Bond a la vida en la gran pantalla. Finalmente se salieron con la suya en 1983, cuando se hizo un remake llamado “Never say Never again”, con Connery retomando el papel como 007 por una última vez. “Never say never again” no se considera que es una película oficial de la saga Bond, ya que Albert R. Broccoli y Harry Saltzman no tuvieron ninguna participación en su producción.

Claudine Auger es la chica Bond en la película Thunderball del 1965

La película es muy importante en la franquicia Bond, debido a sus impresionantes secuencias submarinas. John Stears ganó el Oscar a los Mejores Efectos Visuales en 1966. Estas escenas son, sin duda, el punto culminante de la película, e incluso se anticiparon en la secuencia de créditos iniciales sincronizada a la canción “Thunderball” de Tom Jones, escrita exclusivamente para la película. Otro gadget clásico que los fans podrían estar familiarizados es el jetpack famoso que Bond utiliza en la secuencia de créditos inicial. Es la primera película desde Dr. No, donde 007 se ha puesto en una misión en un entorno tropical. También es la primera película de Bond que se extiende más de 2 horas de duración. Aunque su producción fue difícil debido a las batallas legales, “Thunderball” fue un exitazo en la taquilla y resultó ser incluso más grande que las tres primeras aventuras de Bond. 50 años después, todavía mantiene su lugar como uno de las películas más sofisticada en la serie.

Sean Connery junto con Dominique Derval en una escena de la película Thunderball del 1965

YOU ONLY LIVE TWICE (1967, LEWIS GILBERT) En esta película, Bond es enviado en una misión en Hong Kong, donde se le dispara y es dado por muerto. Después se revela que Bond fingió su propia muerte, M. le envía a Tokio para investigar la desaparición de una nave espacial estadounidense, que al parecer aterrizó cerca del Mar de Japón. Más adelante en la película, una nave espacial soviética también es capturada. Dicha aventura de Bond le lleva a desentrañar una trama por el líder de SPECTRE, Ernst Stavro Blofeld (Donald Pleasance), para provocar la Tercera Guerra Mundial, causando que los Estados Unidos y la Unión Soviética se culpen unos a otros por la desaparición de cada una de sus naves. “You Only Live Twice” puede ser mucho menos interesante que sus predecesores, y casi ridícula en comparación, pero eso no cambia el hecho de que es una aventura inolvidable, llena de acción y de una cantidad considerable de buenas secuencias. Es una película muy importante para la saga, ya que incluye la primera aparición física de Ernst Stavro Blofeld, uno de los más emblemáticos villanos de Bond. La voz de Blofeld había sido escuchada y fue visto acariciando su gato en “From russia with love” y “Thunderball”, pero su rostro nunca fue mostrado. La aparición de este no es ninguna decepción. La cabeza calva con la cicatriz facial fue la fuente de inspiración para el “Dr. Evil”, el villano central en la satírica serie de Austin Powers. Donald Pleasance, que más tarde llegaría a ser conocido por interpretar el Dr. Sam Loomis en la serie de películas “Halloween”, fue experto en retratar uno de los megalómanos más nefastos en el universo Bond. Blofeld es un genio criminal, despiadado que alimenta a sus enemigos con sus pirañas (“Se pueden comer a un hombre hasta el hueso en 30 segundos”), y permanece escondido en su guarida volcánica secreta; otra fuente de inspiración para la parodia. La introducción de Blofeld es la razón principal por la que “You Only Live Twice” es un clásico imprescindible Bond. La película es también la primera de Bond que se fijará en el Lejano Oriente, y la única aventura que se centra en Japón. Hay algunos momentos risibles, como cuando Bond se convierte en japonés (por prótesis aplicadas a la cara), pero esta no tiene la emoción de las primeras cuatro

Poster You Only Live Twice del 1967

Donald Pleasance como el Villano Blofeld, pieza clave de la película You Only Live Twice

películas y se mueve a un ritmo más rápido que todas estas. Esta sería la última actuación solida de Connery (como Bond). Después de su ausencia en “On Her Majesty’s Secret Service” en 1969, Connery regresó en 1971 en “Diamonds are forever” última película de Bond oficial con los derechos y esta es considerada por muchos como una cuota decepcionante.

Escena de Sean Connery y Donald Pleasence (como el villano Blofeld) en la película You Only Live Twice (1967)

Escena de la película “On Her Majesty’s Secret Service”

ON HER MAJESTY’S SECRET SERVICE (1969, PETER HUNT) El recién llegado George Lazenby comienza su primera y última aparición como 007. Como una meta-referencia al Bond de Sean Connery, donde, después de salvar a una mujer de ahogarse y ser atacado por un grupo de matones en la playa, exclama “Esto nunca sucedió con el otro compañero”. Se encuentra con la mujer que rescato, más tarde en un casino, su nombre es Contessa Teresea “Tracy” di Vicenzo (Diana Rigg). Ella es la hija de Marc-Ange Draco (Gabriele Ferzetti), la cabeza de un poderoso sindicato del crimen Europeo. Bond inicia un romance con Tracy a cambio de información, dicha información es que Draco sabe el paradero de Ernst Stavro Blofeld (esta vez interpretado por Telly Savalas). Draco informa a Bond el nombre del abogado de Blofeld llamado Sir Hilary Bray. Bond asume la identidad de Sir Hilary y rastrea Blofeld en los Alpes suizos, donde se descubre que tiene varias mujeres bajo control mental, a las que él llama sus “Ángeles de

la Muerte.” El plan de Blofeld es liberar un virus que esterilizara todo la vida vegetal y animal en Europa, a menos que se le conceda la amnistía de todos sus crímenes. “On Her Majesty’s Secret Service” es una película por todo lo alto en la serie Bond. Esta ha ganado un mayor respeto y admiración de los aficionados con el paso del tiempo. El aclamado cineasta Christopher Nolan (The Dark Knight Trilogy, Inception, Interestelar) la enumera como su película de Bond favorita. Así como Thunderball era conocida por sus secuencias submarinas innovadoras, “On Her Majesty’s Secret Service” es mejor conocida por sus secuencias de esquí. Estas escenas son sin duda el punto culminante de la película, y sirvieron de inspiración para secuencias similares en películas de Bond posteriores, como “The spy who loved me”, “For your eyes only” y “The world is not enough”. La película tiene también un tramo a destacar, ya que es el primer Bond que realmente se ocupa tiempo en la pérdida de alguien que ama. Este nivel de emoción no se le volvió a ver en otra película de Bond hasta el “Casino Royale” de 2006. Las secuencias de esquí y el manejo de las emociones son las que hacen esta una parada obligatoria y una película de referencia.

George Lazenby no es ciertamente uno de los mejores Bonds de la serie, pero sí da una sólida actuación. Es una pena que él nunca tuvo la oportunidad de probarse a sí mismo haciendo al menos una película más. Incluso llevo una barba al estreno de la misma, ya que él sabía que no estaría haciendo de 007 otra vez. Esta es una decisión que se sigue lamentando hasta nuestros días.

George Lazenby en su única aparición como James Bond en la película On Her Majesty’s Secret Service

El famoso Lotus Esprit de “The Spy Who Loved Me”

“THE SPY WHO LOVED ME” The-Spy-who-Loved-Me-sir-Moorere

(1977, LEWIS GILBERT)

Roger Moore en su tercera salida (y posiblemente mejor presentación) como 007 envía a Bond a Egipto, donde trabaja con el agente de la KGB soviética Anya Armasova (Barbara Bach), para investigar la desaparición de dos submarinos de misiles balísticos uno británico y uno soviético. En su camino se cruza el gigantesco asesino con dientes de metal, “Jaws” (Richard Kiel), que es un empleado de Karl Stromberg (Curt Jurgens), un personaje loco que gustaría provocar una guerra nuclear y el establecimiento de una nueva civilización, este vive en su base submarina llamada “Atlantis”. “The Spy Who Loved Me” es una película de Bond excepcional, y una de las más divertidas de la serie. Tiene varias escenas de acción memorable para morirse de la risa, una lucha entre Bond y Jaws en el compartimento de un tren, y una escena de persecución que implica el Lotus Espirit S1 de Bond, que se transforma en un submarino cuando esta bajo el agua. Esta entrega apropiada pero cursi, con

roces de convertirse en una parodia de sí mismo, ya que varios de los filmes posteriores Roger Moore hizo, parecieren esto. Quizás el aspecto más importante de “The Spy Who Loved Me” es la introducción de Jaws, que es sin duda el hombre de confianza más memorable desde Oddjob. Jaws volvería en 1979 en la película “Moonraker”, donde realmente brilla. Es tan poderoso que incluso mata a un tiburón real con los dientes cerca al final de la película. Él es un claro ejemplo de un hombre de confianza que eclipsa el villano principal, y es posiblemente el elemento más memorable de toda la película.

Pierce Brosman es el nuevo James Bond en la película GoldenEye del 1995

GOLDENEYE (1995, MARTIN CAMPBELL)

Poster de la película GoldenEye

Pierce Brosnan posa con las chicas Bond de GoldenEye, Izabella Scorupco y Famke Janssen

Pierce Brosnan fue considerado para ser James Bond años antes de que en realidad hiciera esta película. Él estaba dispuesto a ser el próximo Bond en 1987 en “The Living Daylights”, hasta que renovó su contrato en la serie de televisión “Remington Steele” y fue sustituido por Timothy Dalton. Después de un paréntesis de seis años, la franquicia Bond renació en 1995 con Brosnan a la cabeza. La película se abre con 007 en una instalación de armas químicas Soviética. Su misión era plantar cargas explosivas en dicha instalación. Es aquí donde Bond se encuentra con su compañero, Alec Trevelyan (006), interpretado por Sean Bean. Trevelyan es capturado y asesinado por el general Ourumov (Gottfried John). Bond luego explota la instalación y se escapa en una maravillosa secuencia que envuelve un avión. Nueve años más tarde, Bond es enviado en una misión para investigar la desaparición de un prototipo de helicóptero “Tiger” que puede soportar un pulso electromagnético. La asesina Xenia Onatopp (Famke Janssen), roba el helicóptero y vuela a Severnaya, Siberia, donde ella y Ourumov roban un dispositivo-arma satélite llamado “GoldenEye” no sin antes asesinar

al personal. Estos están trabajando para un misterioso hombre llamado Janus, quien Bond descubre más tarde que es Alec Trevelyan. GoldenEye es una de las mejores películas de la serie. Es indiscutiblemente la mayor aventura de Pierce Brosnan como 007, y es un tramo especialmente importante porque introduce la nueva M., interpretada por Judi Dench, que se encargaría de controlar a Bond en seis películas, hasta Skyfall de 2012. El colapso de la Unión Soviética desempeñó un papel importante en la narrativa de la película, como el plan de Trevelyan era enviar a Londres de nuevo a la Edad de Piedra con GoldenEye, este basa su ira y resentimiento hacia el gobierno británico, al que acusa de la muerte de sus padres en las manos de los escuadrones de ejecución de Stalin. GoldenEye es un capítulo muy importante de la saga Bond por lo bien que captura 1990. El enfoque en la tecnología informática en la narrativa de la película, y el hecho de que “M” era ahora una mujer, había indicios de que los tiempos estaban cambiando, y la franquicia más taquillera fueran cambiando con ellos.

Daniel Craig es introducido en la franquicia de James Bond en el 2006 con la película Casino Royale

CASINO ROYALE (2006, MARTIN CAMPBELL) Cuando se anunció el 14 de octubre de 2005 (78vo cumpleaños de Roger Moore) que Daniel Craig tomaría el puesto de 007 con la primera adaptación de la primera novela de James Bond de Ian Fleming, el Internet entró en un alboroto. La gente se quejó de cosas tan ridículas como por ejemplo su estatura, su pelo rubio, y el hecho de que es más corpulento que el tradicional físico de James Bond. Había incluso páginas web de protestas donde las personas expresaron su indignación. Esta de más decir que todas estas voces fueron silenciadas cuando la película fue lanzada en noviembre de 2006, y Craig se convirtió, pensado por muchos como el mejor Bond desde Connery. La primera aventura de James Bond en la serie abre de cómo Bond recibe su estado de 007 y licencia para matar por el MI6. Luego sigue un fabricante de bombas a Madagascar, el cual obviamente mata, lo que molestó un tanto a “M”, que había ordenado Bond traerlo con vida para interrogarlo.

El hombre estaba trabajando en colaboración con Le Chiffre (Mads Mikkelsen), banquero privado para los terroristas del mundo. Las hazañas de Bond lo llevan a Montenegro, donde se encuentra la hermosa Vesper Lynd (Eva Green), un agente del Tesoro británico. El objetivo de Bond es llevar a la bancarrota a Le Chiffre en una partida de póquer de altas apuestas en el Casino Royale. Si Le Chiffre va a la quiebra, este no tendrá lugar donde correr. Ya que un grupo de delincuentes ugandeses lo quieren asesinar y MI6 planea darle refugio a cambio de todo lo que sabe acerca de ellos. “Casino Royale” es una de las películas de mayor audiencia en la serie, y con razón. Es una perfecta versión moderna de la novela de 1952 en la que Fleming introdujo a los lectores al mundo el agente 007. La película se caracteriza por su giro más realista sobre James Bond. Bond no utiliza aparatos y depende completamente de su astucia, su intelecto,

Judy Dench interpreta a M en las entregas de Casino Royale, 2006 y Skyfall, 2012

Daniel Craig como James Bond y Eva Green como Vesper Lynd viven una intensa y trágica historia de amor en la película del 2006, Casino Royale

Daniel Craig y Mads Mikkelsen como el villano Le Chiffre en una escena de Casino Royale del 2006

su Walther PPK, y su Aston Martin (que da lugar a una de las más impresionantes secuencias de accidente de carros en la historia del cine). El realismo se extiende también a la trama de la película y se mantiene fiel a la novela de Fleming . Le Chiffre no es un villano tradicional obsesionado con dominar el mundo o provocar una guerra nuclear. En cambio, él es un hombre que trata de sobrevivir a sus asociados por cualquier medio necesario; una característica que se traduce en la escena más

incómoda en toda la franquicia (la tortura de Bond). La película funciona en todos los niveles, sobre todo en la forma en que presenta a Bond como un hombre que puede ser herido, ya que es físicamente y emocionalmente herido cuando es traicionado por la mujer que ama. “Casino Royale” no es solo una película de Bond, es una gran película en general. Si no se quiere ver las películas de Bond en orden cronológico, esta sería una opción perfecta para empezar.

Javier Bardemel villano de Skyfall

Daniel Craig como James Bond en una escena de Skyfall

Imagen de la película SKYFALL

SKYFALL (2012, SAM MENDES) Después de la decepcionante Quantum of Solace, la franquicia de James Bond estaba en la extrema necesidad de otro gran éxito. Sam Mendes, el director ganador del Premio de la Academia por “American Beauty”, fue contratado para dirigir la entrega 23 de la serie, que coincidió con el 50 aniversario del Dr. No. Bond comienza su primera aventura independiente en la nueva serie en Turquía. Este está persiguiendo a un hombre llamado Patrice (Ola Rapace), que tiene una lista que contiene las identidades de todos los agentes de la OTAN que estos pusieron encubiertos dentro de las organizaciones terroristas. Durante la lucha de Bond con Patrice en la parte superior de un tren, Bond es disparado por su compañera (Naomie Harris), y Patrice escapa. Bond sobrevive, pero utiliza el incidente como una oportunidad para hacerse el muerto y comenzar una nueva vida llena de alcohol y mujeres. Cuando la sede del MI6 en Londres es bombardeada por un hacker desconocido, Bond se ve obligado a volver a la acción.

Su misión le lleva a un encuentro con el amenazante ex agente de MI6, Raoul Silva (Javier Bardem), que está empeñado en obtener venganza de “M”, que él cree que lo traicionó; algo que lo llevó a meses de insoportable tortura. Skyfall fue la manera perfecta de celebrar el 50 aniversario de James Bond. Tiene la novedad y el realismo de Casino Royale, así como numerosos elementos de películas del Bond clásico. Q (Ben Whishaw) es introducido como un personaje más joven que 007. Uno de los personajes se presenta es el nuevo “M” al final de la película, y otro personaje que se revela como Moneypenny. Hay numerosas referencias inteligentes a anteriores películas de James Bond. Después de conocer a Bond por primera vez, y que le proporcione sus nuevos “gadgets” para su misión, Q hace referencia a uno de los “gadgets” de GoldenEye cuando este le pregunta “¿Esperabas una pluma de explosión?” Estos guiños a películas clásicas de Bond son parte de lo que hace Skyfall una manera tan ideal para celebrar los 50 años del mayor superespía de cine.

Naomie Harris interpreta Eve Moneypenny haciendo su debut en la película Skyfall del 2012

James Bond incluso maneja el Aston Martin DB5 de Goldfinger, con las ametralladoras y el asiento eyector. Si usted es un fan de Bond de toda la vida, o un recién llegado a la franquicia, no hay ninguna razón para no sonreír y pasar un buen rato al ver esta película. Daniel Craig realmente ha creado su James Bond, y se ha reinventado con maestría con carácter para el siglo 21. Él es el 007 de las novelas de Ian Fleming en un moderno con estilo a sangre fría y despiadada, pero encantador y sofisticado.

La verdadera estrella de Skyfall es Javier Bardem. Él interpreta a un personaje que es fácilmente uno de los mejores villanos de Bond de la historia. Silva es el siniestro-despiadado-cerebro-terrorista, y sádico que es la perfecta encarnación del mal. No hay ni una pizca de decencia humana en él. Bardem conoce el personaje por dentro y por fuera, y hace un trabajo fenomenal. La rivalidad entre James Bond y Silva hacen Skyfall una película 007 de leyenda.

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AL PACINO POR JORGE CÁMARA

Hollywood, CA.- Considerado tal vez el mejor actor de su generación, Al Pacino, sin poseer los atributos físicos de un tradicional galán de cine, ha cautivado al público gracias a la intensidad que aporta a sus personajes. ¿Quién puede olvidar a Michael Corleone en “The Godfather” (1972), a Frank Serpico en “Serpico” (1973), a Sonny en “Dog Day Afternoon” (1975), a Tony Montana en “Scarface” (1983), o al Teniente Coronel Frank Slade en “Scent of a Woman” (1992), por la que finalmente recibió el Oscar y el Globo de Oro al Mejor Actor. Por su trabajo en televisión, Pacino ganó el Emmy y el Globo de Oro gracias a sus encarnaciones de Roy M. Cohn en “Angels in America” (2004) y del Dr. Jack Kevorkian en “You Don’t Know Jack” (2010). Y Broadway le otorgó el Tony en 1969 como Mejor Actor de Reparto por “Does a Tiger Wear a Necktie?”, y en 1977 como Mejor Actor por “The Basic Training of Pablo Hummel”. Y esto es solamente parte de muchos otros incontables reconocimientos Al Pacino nació el 25 de abril de 1940 en el Bronx, Nueva York, y fue críado por su madre, Rose, y sus abuelos maternos, después de que su padre, Salvatore, abandonó a la familia cuando Al contaba con solamente dos años de edad. Su interés en la actuación se despertó en su niñez, asistiendo a varias escuelas y academias artísticas incluyendo el legendario Actor’s Studio. Su primer papel estelar en el cine, el joven drogadicto de “Panic in Needle Park” (1971), lo lanzó al estrellato. En su vida personal, el actor ha mantenido romances con figuras como Jill Clayburgh, Diane Keaton, Marthe Keller, Kathleen Quinlan, Debra Winger, Penelope Ann Miller y Beverly D’Angelo. Tiene tres hijos, Julie Marie Pacino de 25 años, y los gemelos Olivia y Anton, de 14, estos dos últimos con D’Angelo. Pero Al Pacino prefiere no hablar de su vida personal, de manera que conversamos sobre su carrera, cuando nos reunimos con él durante la promoción de su más reciente película, “Danny Collins”.

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JORGE CAMARA: “Danny Collins” cuenta la historia de una estrella de rock’n’roll y las tribulaciones de su carrera. Como estrella de cine ¿Te identificas tú con el personaje? AL PACINO: Lo que me gustó del personaje es que en los comienzos de su carrera fue presentado como el nuevo Bob Dylan, pero un año después fue criticado y considerado solamente una estrella del momento. Pero él tuvo la buena suerte de poder buscar nuevas y positivas formas de presentar su talento, y encontró la manera de sobrevivir y volver a tener éxito. Fue un buen guión de Dan Fogelman, que para mí fue un desafío y algo que me interesó porque siempre busco la manera de no repetirme. J.C.: Danny Collins ama la buena vida, los aviones privados, las limosinas. ¿Es eso algo que a ti también te gusta disfrutar? A.P.: Todo eso es algo que viene y luego se va. Eso es lo que te puedo decir. Yo nunca viví ese tipo de vida, aunque si hubo un período en que viví como el personaje. Cuando el público te reconoce, hay una de serie de cambios a las que tienes que enfrentarte. Tienes que buscar la manera de ajustarte a todo lo que te rodea. Algunas cosas son fáciles y otras difíciles. Después de un tiempo aprendes cuales son las cosas que puedes adoptar, y cuales tienes que evitar. Todo eso tiene que ver con la sobrevivencia. J.C.: En tu experiencia, ¿Qué es lo bueno que trae la fama, y que es lo malo? A.P.: Lo peor para mí, y eso sucedió, no ahora, sino cuando era más joven, es que tienes que ir por un proceso de separar tus relaciones, no solamente con las mujeres o los hombres en tu vida, sino con todo mundo. ¿Quién es auténtico y quién no es?, y como te afecta la manera en la que te relacionas con las personas más cercanas a ti. Lo positivo es interminable (ríe). Hay tantas cosas que recibes siendo famoso. Es la verdad. Te reconocen inmediatamente y eso quiere decir que la gente quiere hablar contigo, lo que es bueno, y te dan preferencia en restaurantes, en aviones. Hay muchos beneficios. A veces los autobuses de turistas pasan por tu casa, y eso es molesto, pero es parte del juego.

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J.C.: Tú comenzaste tu carrera en los comienzos de la década de los años 70, hace casi medio siglo. ¿Cómo sientes que ha cambiado desde entonces la industria de cine? A.P.: Bueno eso es algo de lo que ahora puedo hablar, ya que he asistido a festivales de cine y he podido ver lo que se produce actualmente. Hoy hay muchas clases de películas, está el mundo del cine independiente. Antes, películas como “Panic in Needle Park” o “Dog Day Afternoon”, hubieran sido consideradas independientes, pero eran hechas por los grandes estudios. Lo que hoy veo es un énfasis hacia el mercadeo. Colocar una película en el Mercado, y como se estrena una película, se ha convertido en algo muy importante, y las personas que se dedican a eso son las que logran que una película sobreviva. De otra manera, si tu película no tiene suficiente mercado, no va a ser vista. Ese es un hecho. Lo que uno tiene que hacer es buscar a un grupo que apoye tu película, que crea en ella, y que quiera promoverla. Ese es el cambio más obvio que he visto en la industria desde que comencé. El deseo de hacer cine todavía existe, pero la necesidad de cómo llegar a hacerlo es diferente. Por ejemplo, antes una película podía tardarse más en hacerse, había tiempo para ensayar y para llegar a conocer bien a la gente con quien trabajas. Ahora no hay tiempo para eso. La energía del proceso ha cambiado, es más difícil. De manera que en unos aspectos ganas, pero en otros, pierdes. J.C.: ¿Con todos esos cambios, disfrutas ahora tu trabajo como actor tanto como antes? A.P.: Tal vez ahora lo disfruto un poco más

porque estoy haciendo cosas con las que me siento más conectado. Veo que es lo que hay en mi vida, en mis experiencias, y que puedo ofrecer de mí, que exprese algo positivo. Ahora voy a trabajar en teatro otra vez. Y leo muchas obras, muchos libros, doy seminarios. He trabajado con orquestas sinfónicas, interpretando a Shakespeare, o leyendo poesías. Básicamente hago lo que puedo mientras pueda y tenga la oportunidad. Y eso es en todos los aspectos de mi vida. J.C.: ¿En los aspectos personales también? A.P.: Como todos, he tenido muchos altos y muchos bajos en mi vida. Ahora son mis hijos quienes dictan mucho lo que decido hacer. Ha sido así por los últimos 15 años. Y déjame decirte la verdad, si ahora hay algo que no quiero hacer, no lo hago. Y es muy agradable poder decir algo así. J.C.: ¿Cuál ha sido el mejor consejo que has recibido en tu carrera, que puedas compartir con nosotros? A.P.: Fue algo que Lee Strasberg del Actor’s Studio me dijo cuando era joven y cuando sentía que el mundo estaba cambiando a mi alrededor, que es lo que le me sucedió y le sucederá a todos lo que adquieren un cierto éxito o fama que puede llegar a desconcertarte. Cuando Lee vio por lo que estaba pasando, me dijo: Querido, simplemente tienes que ajustarte. Me tomó un tiempo apreciar el significado, pero fue un consejo muy sabio porque ¿cuál es la alternativa? Ajústate y ve para adelante. Y eso fue lo que hice, me ajusté y me fui para adelante. J.C.: ¿Cuál es tu actitud cuando te encuentras con admiradores? A.P.: He tenido muchos encuentros extraños. Un día caminando en la calle por Nueva York, un tipo de agarró y me dijo que quería hablar conmigo de algo. Yo le dije que sí, pero después de un rato, caminando junto a mi auto, el chofer abrió la puerta y trató de meterme al carro. Pero el tipo seguía colgado de mí, y ahí estoy, corriendo con él por el tráfico junto al carro. Finalmente pude meterme al carro, pero me quedé preocupado de lo que le iba a pasar con él. Pero así es Nueva York, y esas cosas suceden frecuentemente. Otra vez, otro tipo se paró frente a mí y me dijo, ¿Tu eres Al Pacino? Le dije si, y me dijo, felicitaciones se ve que debes serlo (ríe). Deberías seguirme un día caminando por la calle, porque es muy gracioso. Dicen, ahí va Al Pacino, ¿qué hace en la calle? ¿Con quién está hablando? Me divierte eso.

LA INFLUENCIA DE LOS FILMES ESCANDINAVOS EN EL CINE GLOBAL

1. Bjork estuvo nominada y ganó varios premios como CINEASTAMAG.COM Mejor Actriz por su papel en Dancer in the Dark incluyendo la Palma de Oro en Cannes en el año 2000 . 2. Poster Dancer in the Dark. 3. Escena de la película The Idiots del 1998 de Lars Von Trier. 4. Poster Five Obstructions del año 2003.

POR LUIS JASEN

El cine como arte, como lo conocemos, es el producto de años de desarrollo y evoluciones. Mucho se habla de las influencias que delimitan a los autores de los más grandes trabajos cinematográficos de la historia, y esto no es casual. Woody Guthrie le instruía a Bob Dylan: Copia todo lo que puedas, si eres un artista harás una obra de arte; si no lo eres, harás un plagio. Si bien la industria del cine está actualmente dictada por la producción norteamericana, la influencia artística cinematográfica históricamente quizás se le deba al viejo continente. Aun mientras los asiáticos y el Nuevo Cine Latinoamericano (dueño de mi chauvinista corazón) significan importantísimas metamorfosis en el cine inteligente, la deuda artística con Europa es la más grande. La imagen en movimiento nace en Europa hace más de 120 años, y ahí mismo emergen los primeros artistas del cine (y la eterna relación de amor y odio, entre arte y entretenimiento). Europa es grande y vasta. Culturalmente inmensa. Su arte debe ser observado de manera parcial, geográfica e históricamente. En este caso preciso, se pretende intentar curiosear en la cinematografía escandinava y su influencia en lo que conocemos hoy en día como cine de arte. El cine escandinavo es bien conocido por su inclinación a lo experimental, además de su importante contribución al realismo social y psicológico. También ha sido caracterizado por su bien logrado coqueteo con el existencialismo. Por razones meramente generacionales, iniciamos con el interminable vanguardista Lars Von Trier, el fóbico y depresivo danés, que resulta tan fácil de amar u odiar. Provocador incorregible que mantiene un reto constante a las formas y capacidades de la narrativa fílmica.

Revolucionario por antonomasia, experimento de estilos y expresiones. Lars Von Trier es, sin dudas, el más creativo e innovador director del cine moderno. Retratando profundamente la identidad europea, ha desarrollado una interesante y controversial filmografía de curiosa variedad. Los trabajos de Lars Von Trier, complejos e imperdibles, atraviesan de forma circunferencial el listado de géneros cinematográficos, acariciando el balance entre forma y fondo. Zentropa (1990) dibuja el delicado tema de la extraña Alemania post bélica, utilizando una fotografía grisácea con algunos elementos monocromáticos; impone un estilo visual emulado por diversos directores, incluyendo Spilberg en Schindler’s list (1993). En Dancer in the dark (2000) viene a redimensionar el musical, empujando los cánones convencionales; mientras, Five Obstructions (2003) es uno de los más originales experimentos del cine moderno que he tenido el chance de ver, arquetipo de un reto a la ética y a la estética. Su The Idiots (1998) marca el inicio del más importante movimiento cinematográfico de los últimos tiempos. Lars Von Trier pertenece a la camada de talento danés, que se rebeló contra los convencionalismos de las ultimas 2 décadas del pasado siglo. Junto a Susanne Bier, Thomas Vinterberg, entre otros, impulsaron el movimiento denominado Dogma 95. Influenciados por el cine soviético, el Neorrealismo Italiano y la Nueva Ola Francesa, cambiaron por siempre al séptimo arte en cuanto a forma y narrativa. El Dogma, aunque escandinavo, se concibió desde su inicio como un movimiento global, y su alcance así lo fue. Imprimieron frescura y vitalidad en el cine del mundo.

Lars Von Trier es uno de los creadores del movimiento Dogma 95, el cual llama al cine a regresar a las historias mas creíbles y trata de persuadir al menos uso de efectos especiales.

CINEASTAMAG.COM Sin embargo, no se puede hablar de cine de arte

1. Ingmar Bergman, es considerado uno de los más famosos directores de todos los tiempos. 2. Bibi-Andersson, Ingmar-Bergman y Liv Ullmann durante el rodaje de Persona. 3. Poster de la película La Hora del Lobo del director Ingmar Bergam del 1968. 4. Una escena de la controversial película de Bergman, Hour of the Wolf del 1968. 5. The Seventh Seal del 1957 es considerada como la primera Obra Maestra del Director Ingmar Bergman.

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escandinavo, o de donde sea, sin mencionar el nombre de Ingmar Bergman. El maestro sueco, es la definición encarnada de revolución visual y artística. Bergman fue definitivamente un ambicioso artístico y uno de los más influyentes directores de toda la historia. Fue el primer existencialista que tuvo el cine, y junto con Federico Fellini, son los responsables de que el cine sea la disciplina artística moderna. Bergman fue capaz de lograr que un medio que solo era capaz de mostrar el exterior de las cosas, nos transmita los misteriosos movimientos de la mente. Con soberbias fotografía y edición, plasmó obras referenciales de la historia del cine. Persona (1966) con un personaje silente en el centro de la trama, expone la forma en que un personaje devora su contraparte en su interior, dejándolo intacto por fuera. El estilo visual de Persona es de antología, y Bergman lo repite con una narrativa más cruda en Hour of the Wolf (1968). Con Through a glass darkly (1961) reseña la desintegración interna de un personaje y en Séptimo Sello (1957) apunta cruciales temas existenciales. Un poco antes que Bergman, el mundo recibió determinantes influencias los trabajos de Carl Th. Dreyer. Dreyer, danés, un gran técnico, fue creador de trabajos como La pasión de Juana de Arco (1928), considerada como una de las películas más influyentes de toda la historia. Dreyer tiene la característica distintiva de que fue un director sumamente influyente, tanto en la era silente como después del sonido. Otros trabajos interesantes han sido desarrollados por directores contemporáneos por igual: Moodysson, Hamer, Kaurismaki. Y muchos otros, contemporáneos y clásicos, que escapan de esas líneas. Ahora bien, no es un evento fortuito la madurez artística (y en materia de cine, sobre todo) de los Países Nórdicos. Dentro del estado de bienestar, la región implementa el sistema socioeconómico “modelo nórdico”. Entre las características del mismo, se encuentra la ocupación en desarrollar el arte y la cultura local. Ahora bien, el cine es un arte caro, de los más caros que existen. Y Escandinavia es un mercado pequeño, con limitantes de índole idiomático. Por lo tanto, para lograr el desarrollo de la industria cinematográfica que han logrado, ha sido determinante la intervención del estado. El cine escandinavo recibe un importante apoyo estatal orientado a garantizar la diversidad fílmica y el enriquecimiento cultural, y sin estos incentivos el cine escandinavo no fuese lo que es. La experimentación estética y profundidad introspectiva del cine escandinavo, ofrecen una magnífica alternativa a las corrientes convencionales globales.

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Sony ha presentado el Xperia Z5, el nuevo celular insignia de la empresa japonesa, un dispositivo que no ha llegado solo, pues también hay una versión de menor gama, el Xperia Z5 Compact, y una superior: Xperia Z5 Premium. El primer gran avance de estos dispositivos con respecto a sus predecesores es la incorporación de un botón suave y ligero de encendido en el que también puedes colocar tu dedo para desbloquear el equipo usando tu huella dactilar. Además de esta útil función, la evolución del diseño y los acabados de estos dispositivos también son notables. El Xperia Z5 a diferencia del Xperia Z3 ya no está hecho de vidrio templado. Su superficie de la parte posterior ya no es deslizante como antes, ahora es más suave y está hecha de cristal esmerilado que lo hace opaco y un poco más grueso. Sus marcos son de aluminio cepillado y están bastante más integrados al cuerpo del dispositivo para dar una sensación de continuidad El botón de encendido es una de las cosas que más cambia en el cuerpo del Xperia Z5. Si antes sobresalía del borde ahora está completamente 48 48

integrado dentro del equipo, es más grande y muy suave de presionar. Además, incorpora tecnología de lectura de huella dactilar, que funciona solo con posicionar el dedo suavemente. El Xperia Z5 cuenta con una pantalla de 5.2 pulgadas Full HD y un procesador Snapdragon 810, lo que significa que no tiene los problemas de recalentamiento de los que se le acusó a este chip en el pasado y que Qualcomm negó en su momento. Sony ha hecho una sola versión de este dispositivo, lo que significa que únicamente viene con configuración de 32GB de almacenamiento, ampliables mediante tarjeta microSD de hasta 200GB y 3GB de memoria RAM. La cámara también mejora con respecto a las versiones anteriores del buque insignia de la empresa, pues pasa de los 20.7 megapixeles del Xperia Z3 a un sensor de 23 megapixeles con grabación de video en 4K y un nuevo Zoom de 5X que según la compañía no distorsiona las imágenes. La batería de este equipo es de 2.900mAh, 3.100mAh. Sony ha explicado que con el nuevo modo Stamina 5.0 el dispositivo logrará llegar al segundo

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LEY DE CINE ATRAE MÁS DE $DOP 344 MILLONES A LA REPÚBLICA DOMINICANA POR MARC E. MEJIA

SANTO DOMINGO (R. Dominicana).- Durante el transcurso del presente año, la República Dominicana ha recibido una gran cantidad de inversiones millonarias relacionadas a las obras audiovisuales rodadas en el país, las cuales han venido gracias al incentivo fiscal establecido en el artículo 39 de la Ley 108-10 que permite la inversión extranjera para el Fomento de la Actividad Cinematográfica en la República Dominicana. Entre las producciones que han sido rodadas en nuestro país está “47 Meters Down”, un filme dirigido por Johannes Roberts, que cuenta con las actuaciones protagónicas de Mandy Moore (“A Walk to Remember”), Claire Holt (“The Vampire Diaries”) y Matthew Modine (“Full Metal Jacket”). Este filme no solo logró que esta producción internacional destinara un monto aprobado de DOP$32.5 millones de su presupuesto en el país, sino que, además, es el primer largometraje extranjero rodado en el tanque de agua de Pinewood Dominican Republic Studios, abriendo así el paso para otras producciones que ya informan los directivos de los estudios que están con fechas apartadas para su rodaje. También se encuentra entre las producciones rodadas “El Rey de la Habana”, largometraje del director español Agustí Villaronga (“Pa negre”), protagonizada por Maikol David, Yordanka Ariosa, Héctor Medina y con la participación de la dominicana Celinés Toribio como productora de la misma. Esta es una co-producción con España en la que invirtieron para su rodaje un total de casi DOP$55 millones en el país. Bayahíbe, Casa de Campo y Punta Cana, recibieron en el segundo trimestre del año una producción italiana llamada, “Navidad en el Caribe”. Esta es una comedia de Neri Parenti, director que tiene más de 42 obras realizadas desde el 1979 y que a partir del 1996 viene realizando una serie de películas navideñas en Italia, que han resultado ser las más taquilleras a lo largo de los

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años. Para esta, sus productores se prestaron a gastar un monto de más de DOP$ 48 millones en la República Dominicana. En cuanto a producciones internacionales relacionadas al medio de la televisión, un proyecto que vino atraído por la seguridad, equipo técnico y las locaciones que nuestro país ofrece, es “Ex Isle Island”, una serie de TV que contó con la participación de la actriz y modelo Carmen Electra (“Baywatch”) como anfitriona. Esta serie, que consistió en una producción de diez episodios, implicó gastos ascendentes a DOP$81.3 millones. También recibimos a principio de año la producción de “Survivor Turkey 2015”, una serie de TV que vino al país por tercera vez y que en esta ocasión contó con un monto aprobado

de DOP$126.6 millones para la realización de competencias y desafíos que forman parte del programa, rodado por completo en la provincia de Samaná y sus comunidades de Las Terrenas y El Limón en un período de más de 3 meses. Debido a la duración de estos proyectos y su dependencia con las comunidades en las que se desarrollan, cada una de estas producciones también genera un aumento en la creación de empleos y contratación de servicios locales, dinamizando así la economía del sector, creando como resultado la captación de capital extranjero gracias a la Ley de Cine.

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HECTOR VALDEZ PROYECTO DOCUMENTAL REPÚBLICA DE COLOR

El Director del documental Héctor Valdez junto al Director de Fotografía Frankie Báez, mientras filmaban en el Museo del Louvre en París

Cuéntanos de tu experiencia el año pasado con tu primer largometraje “Al Sur de la Inocencia” ¿Cuál fue el aprendizaje que te dejo? “Al Sur de la Inocencia” fue una experiencia que me hizo madurar en cada etapa y en todos los sentidos, tanto del punto de vista profesional como el personal. Me ayudó a ver las cosas desde otra perspectiva y todavía me sigue dando lecciones cuando menos lo espero. Por una parte, me siento orgulloso de que haya sido mi primera película y de lo que hemos podido lograr con ella al día de hoy. Fue el proyecto en el que encaminé mis primeros pasos y de eso siempre estaré sumamente agradecido. No obstante, sé que tuve varios desaciertos y que hoy en día, y como consecuencia, mis exigencias han aumentado bastante. Igual estoy seguro de que todo lo vivido a raíz de esa experiencia, tanto positivo como negativo, ha sido necesario para mi formación. Cuando nació en mí el deseo de hacer la película tenía apenas 22 años y contaba con muy poca experiencia. Aún así, tenía una oportunidad en mis manos que entendí que no debí dejar pasar a pesar de esas cosas. Pequé en querer incluir toda idea y códigos que me pasaran por la cabeza sin evaluarlos a fondo y tomé decisiones que en su momento pensé correctas por no saber o tener quién me aconsejara. Sin embargo, mi intención siempre fue la más pura y fue un proyecto que se hizo con mucha dedicación. Estoy muy agradecido, ya que fue una experiencia que me llevó a varios festivales por primera vez en mi vida, además me permitió compartir y trabajar con gente excepcional que le dedicó su tiempo para que mi sueño fuera una realidad.

Fachada del Museo de Arte

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Campesinos en Constanza

Eso no tiene precio y es lo que mayor valor tiene para mí. Vivimos unos días de rodaje maravillosos en donde pudimos conocer más a fondo nuestro país, dejando atrás por unas semanas el mundo ‘real’. Cuando llegó el momento de la verdad, comprobé mi valentía al exponer mi trabajo y sensibilidades ante toda clase de público. Esta experiencia ha sido muy necesaria para poder crecer. Todo esto sucedió en el lapso de un año y son recuerdos que atesoraré a pesar de las mil y una cosas que hoy hiciera diferente. Actualmente enfoco mi mente y alma en otros proyectos pero nunca olvidaré las lecciones que aprendí y sigo aprendiendo. Después de haber estrenado, me he visto pasando muchas páginas a la izquierda y espero tener la oportunidad de que cada uno de mis proyectos demuestre un crecimiento con respecto al anterior.Tengo esa gran tarea por delante pero tengo aún más ganas que nunca de asumirla. ¿Qué recuerdos guardas de este primer proyecto? Recuerdo las noches en Palmar de Ocoa en donde compartí con algunos de los actores al final de cada día y las conversaciones se tornaban filosóficas y un tanto profundas al son de la música de Enrico Carusso (del iPod de Frank) También recuerdo con mucha nostalgia los viajes de scouting que hicimos previo al rodaje, con Héctor, Frankie, Máximo y Claudette, por toda la región sur y la convivencia que tuvimos como equipo. Esas semanas de rodaje que pasamos en carretera fueron mágicas. También recuerdo las amanecidas en la sala de edición y en sonido o con Alberto, quien ha sido un compañero aliado en la post producción y en mis “inventos” desde que éramos niños. Esos fueron los momentos en donde caí en cuenta de lo afortunado que fui de poder hacer esta película. También recuerdo el primer festival que fui, en Chicago, junto a Sarah.

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Recuerdo las mariposas que sentí en el estómago cuando empezó a rodar la película y recuerdo esa primera sesión de preguntas y respuestas como si fuera ayer. En esa misma línea, también recuerdo cuando fui con Christian a Washington a pasar la película en el AFI Latin American Film Festival. Fue una experiencia sumamente enriquecedora y si me volvieran a invitar no dudaría en volver. Algo de lo que también estoy sumamente agradecido es que pude mostrarle mi película a mi abuela mientras estuvo con vida. Ella siempre decía que, por su edad, no me vería graduado de bachiller, y lo hizo. Tampoco que me vería graduado de la universidad, y también lo hizo. Sentí que el podérsela mostrar fue poderle mostrar mis primeros pasos hacia el mundo adulto. De ahí aprendí que el mayor regalo que uno puede tener en esto es la dicha misma de hacer lo que tanto nos apasiona. El poder despertar cada día y dedicarse a esto y poder asumir las sorpresas y desafíos que trae cada día es la meta y de donde saco mi felicidad. No son tanto los premios o una buena venta en taquilla. Son un fin que obviamente a quién no le gusta recibirlos, pero eso no quita que sea circunstancial. Lo importante es vivir cada proceso. Al final, lo que quiero transmitirle a todos los que estamos tratando de perseguir nuestros sueños, es que el mero hecho de poder hacerlo ya de por sí es un gran privilegio.

Afiche de República del Color

mejorar mi técnica y expandir mi vocabulario audiovisual. En otoño del 2014, me reuní con un gran amigo y productor, Héctor Ulises Montás, quien produjo mi primer largometraje. Conversamos mucho en su casa sobre las experiencias y aprendizajes vividos. Me preguntó que qué tenía en agenda y yo le dije que estaba desarrollando unos guiones pero que, por el momento, nada. Fue ahí cuando me mostró un proyecto que venia desarrollando desde hace varios años: lo que se convertiría en “República del Color”. Recuerdo cuando fui al Museo Bellapart por primera vez. Tenía tan sólo 12 años ¿Cuándo decides que tu próximo y quedé impactado con el autorretrato proyecto sería un documental? de Jaime Colson y con sus obras. Héctor “República del Color” llegó a mis manos de y yo sentimos que era importante dar manera sumamente espontánea. Luego de haber estrenado “Al Sur de la Inocencia”, a conocer nuestro legado pictórico y lo me tomé unos meses en donde me asumí como un desafío. Nunca en mi vida planteé cuáles serían mis próximos pasos. había hecho un documental pero empecé Esos fueron unos meses de reflexión y a elaborar propuestas para hacerlo lo retroalimentación muy cruciales para más dinámico posible y encaminado mí, en donde incluso me di la tarea de a las tendencias de los documentales re-editar yo mismo la película desde cero contemporáneos. Me dispuse a asumir como un ejercicio personal (quizás algún el proyecto con la mente abierta de un día esa versión vea la luz del público) y estudiante, pues supe desde el principio de tomé varios cursos y seminarios para que iba a suponer un enorme aprendizaje 56

Cuadro de Celeste Woss y Gil

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Fachada del Templo Expiatorio de la Sagrada Familia en Barcelona

¿Cuál fue tu experiencia al incursionar en este género del cine? Fue una experiencia muy diferente a la que estoy acostumbrado, llena de descubrimientos. Aunque trabajamos con un guión y un esquema de preguntas, gran parte del material que capturamos se nos iba presentando en el momento. Cada día traía consigo sorpresas y aprendí a ser receptivo a ellas. Había que estar muy pendiente a todo lo que podía suceder y poder ser lo suficiente flexibles para poderlo adaptar a nuestra visión sin perderla de vista. Es por eso que el proceso de edición fue el que más trabajo nos dio, pero a la vez fue muy gratificante. Tuvimos que depurar muchas horas

de material y ver qué historia nos contaba para así adaptarla a lo que ya estaba escrito. Nos tomamos el tiempo para repasarlo todo. Héctor, Alberto y yo vimos el material varias veces. Doña Chiqui también. Fueron horas incontables y no sólo teníamos la tarea de contar una historia coherente, sino que también la información contada fuera veraz y lo más asequible posible al público. Imagino que esa parte del proceso es muy similar al periodismo. Ya cuando pasamos esta etapa, el proceso de montaje se tornó al lado creativo, y esta fue la etapa más gratificante para mí, la de moldear nuestra película a base de todo ese trabajo previo junto a Matías, nuestro editor.

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Una de las esculturas expuestas en el Museo de Arte Moderno

coloquios con personas entendidas del tema. Mi planteamiento fue el de hacerlo como escenas de diálogo, entonces, por ejemplo de repente los dirigía a que tuvieran su conversatorio explorando una sala de exposición de un museo y trataba de cubrir con varias cámaras esas conversaciones, para así tener un plano amplio y planos y contra planos de cada uno de los participantes. Al final, siento que eso los hizo más dinámicos y visualmente más atractivos. Gran parte del proceso de montaje consistió en depurar los mejores momentos de cada una de estas intervenciones. Poder filtrar qué era veraz y qué iba encaminado a nuestro eje temático del color. Fue como tener que reconstruir el guión. Hubo mucha información nueva, así como información que tuvimos que corregir y cambiar a base de ese proceso. De ahí sacamos una línea narrativa que fue la a base de la cual editamos el documental. A eso sumando el desafío de hacer que la información contada fuera f luida y digerible para todo aquel que no conoce el tema de las artes visuales. Ese proceso tomó varios meses. Antes de pensar en ritmo, en qué música poner o qué paisaje u obra mostrar, teníamos que madurar esa etapa primero.

¿Cuáles son las implicaciones de rodar un documental? ¿Qué marca la diferencia con un largometraje? Para mí la principal diferencia yace en la fidelidad necesaria a la realidad. Aquí no trabajé con actores ni la creación de personajes, sino con personas que me abrieron las puertas a su mundo cotidiano. Otro proceso distinto fue el de montaje. A diferencia de un largometraje de ficción, aquí no había un guión lleno de acotaciones y diálogo al cual apegarse como guía. Es decir, aunque teníamos un eje temático y preguntas a los participantes de los coloquios, y por más que se planificara, siempre habrían momentos sumamente espontáneos. Para estos coloquios también había que ser ágil para montar y desmontar nuestro set en donde se encontraran ellos. No obstante, siempre intenté hacerlo usando el lenguaje que entendí ser el más cinematográfico posible. Aunque retratábamos una realidad, quise manipularla (sin perder la fidelidad) en momentos para lograr un efecto más dramático. Por ejemplo, me apoyé del recurso del time lapse, de montajes y de la música, que fue uno de mis principales aliados. En vez de hacer entrevistas, en su gran mayoría, rodamos Cuadro de Jaime Colson

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¿De qué trata este documental? “República del Color” cuenta la historia del desarrollo de las artes visuales de nuestro país a través del prisma de la luz y, por ende, el color percibido en la República Dominicana y el Caribe. Abarca desde los inicios de la República, hasta la fundación de la Escuela Nacional de Bellas Artes en la década del 60. Es un viaje en el tiempo que nos transporta desde las obras de Théodore Chassériau, quien fue una figura del Romanticismo en Francia pero que nació en El Limón, en Samaná, y de ahí vemos los primeros autodidactas y maestros de la época, como Luis Desangles y Abelardo Rodríguez Urdaneta, y nos trasladamos a la llegada de los artistas exiliados que vinieron al país durante la dictadura de Trujillo huyéndole al régimen de Franco y a la Segunda Guerra Mundial. Artistas como José Vela Zanetti, Eugenio Fernández Granell y Josep Gausachs, que fueron quienes trajeron escuelas nuevas de pensamiento europeo moderno a la isla y se destacaron en nuestro país a raíz de encontrarse con un nuevo color, paisajes y cultura. ¿Por qué República de Color? ¿A qué se debe este original título? Se llama así porque somos un país y cultura de diversos matices. El color nos rodea en todo nuestro entorno y no podemos escapar a él. Lo vemos en nuestra gente, en nuestras costumbres, en el carnaval, nuestras playas, nuestra música, gastronomía, carreteras, en nuestra historia.

El Caribe, por su ubicación geográfica, es una región donde el color siempre está encendido. Esto se evidencia sobre todo cuando se compara el trabajo que realizaron artistas exiliados, como Vela Zanetti, antes y después de pasar por nuestra isla. La paleta de color cambia completamente y empiezan a retratar nuevas fisonomías, paisajes y costumbres. Nos damos cuenta de que nuestra identidad es color, y nuestro documental se basa en cómo ese color ha influenciado a todos los artistas que han pasado por nuestras tierras, tanto locales como extranjeros. Nosotros somos la República del Color. ¿Qué figuras importantes del arte intervienen en este documental y cómo las manejaste? En el documental hay un poco de todo. Tuvimos el privilegio de contar con importantes figuras como Marianne de Tolentino, Jorge Severino, Alonso Cuevas, Manuel Montilla, Danilo de los Santos, Mary Loly de Severino, Myrna Guerrero, José Miura, José Rincón Mora, Orlando Menicucci, Rafi Vásquez, Chiqui Vicioso, José Cestero, Fernando Casanova, Eddy Guzmán, Inés Tolentino, Chichí García Cordero, Radhamés Mejía, Delia Blanco, Antonio y Rosalía Caro, Gustavo Morel, Fernando Peña Defilló y expertos, curadores e historiadores de la Fundación Granell, de la Fundación Vela Zanetti y de la Fundación Amigos de Chassériau.

ahí fuimos al pueblo de Sánchez. Nuestro último día fue de vuelta en Santo Domingo, en la Zona Colonial. Para lograr tan amplio recorrido debimos andar lo más ligeros posible. Para decirte que en Europa sobrevivimos por 20 días a base de un carry on cargado solamente con lo esencial (ojo: de tamaño europeo, que son el doble de pequeños) y cada uno tenía que cargar una pieza de equipo. Éramos un crew de 10 personas y decidimos rodar el documental con una Canon 5D y 7D por la movilidad y velocidad de montaje que nos daba en todo lugar. La colaboración entre todos fue más que fundamental en cada etapa. Cada quien tuvo que poner de su parte y estoy muy convencido de que lo que hizo que esta aventura fuera posible fue el trabajo y compenetración que tuvimos como equipo en todo momento.

Fachada de vivienda en Santiago de los Caballeros

¿Cuéntanos un poco de tu experiencia recorriendo diferentes puntos del país y del extranjero durante la filmación este documental? Una palabra: increíble. Cada pueblo y ciudad era una experiencia diferente. Me encanta viajar y más si es haciendo lo que me apasiona Conocimos muchos lugares, dentro y fuera del país, y mucha gente con la cual me llevo muchos recuerdos gratos. Tuvimos la oportunidad también de probar platos típicos en cada región y de conocer un poco las costumbres. Sobre todo en España, me sorprendió mucho lo diferente que es, por ejemplo, Galicia de Cataluña. Alquilamos una van e hicimos ese recorrido por carretera lo más que pudimos. Nunca olvidaré esos trechos largos de carretera oyendo música y compartiendo con el equipo.

Sabemos que fueron los primeros dominicanos en lograr cerrar el famoso Museo del Louvre en París para filmar en su interior. ¿Cuéntanos un poco de esto? Para mí es el honor más grande que he tenido en mi corta carrera. Fue impresionante poder ver las principales antesalas del museo habilitadas para que nosotros rodáramos. Pude ver a la Mona Lisa a menos de un metro de distancia y filmar de cerca y sin gente a mi alrededor La Victoria Alada de Samotracia. Vi obras universales de la mano de artistas como Delacroix, Monet, Manet y Rembrandt. Sin embargo, lograr esto no fue fácil. Se requirió de muchos meses de coordinación y teníamos que estar allá en una fecha muy específica y no podíamos trasladarnos dentro del museo sin personal autorizado del mismo. La entrada misma al museo, con equipos en mano, fue muy similar al proceso de seguridad de los aeropuertos. También teníamos pocas horas para recorrerlo todo, y, quienes han ido saben que el museo es enorme y no es posible verlo todo en un día. Así que, antes de ir, tuvimos que tener muy claro qué queríamos ver y para poder hacer un traslado eficiente y rápido nos ayudó bastante nuestra elección de cámara y equipos. Todo lo rodamos con luz disponible y con el uso de sliders y trípode. Tuvimos la suerte de que terminamos extremadamente puntuales, como un reloj suizo, y de que pudimos ver y capturar todo lo que nos propusimos. de ritmo que necesitaba.

¿Qué tan complejo fue ese proceso? Fue un proceso que lo dividimos en tres etapas. La primera etapa la realizamos a finales del mes de octubre del 2014. Ahí hicimos el recorrido de todos los museos de arte del país, rodamos gran parte de los coloquios y viajamos a Santiago y Puerto Plata. La segunda etapa la hicimos durante el mes de diciembre de ese mismo año. Nos fuimos 20 días por toda España y París. Comenzamos esa ruta en Madrid y de ahí nos trasladamos a Milagros, pueblo natal de Vela Zanetti, y de ahí fuimos a León. Luego nos trasladamos a Santiago de Compostela y de ahí tomamos un avión hacia Barcelona y de ahí pasamos unos días en Palma de Mallorca antes de tomar un vuelo a París, en donde rodamos en el Louvre. Por último, la tercera etapa fue de paisajismo y nos fuimos en enero a varios puntos del país: de Santo Domingo a Jarabacoa y Constanza, de ahí a Montecristi y descansamos una noche en Puerto Plata. De ahí cruzamos por Cabarete, Nagua, Río San Juan y acabamos en Las Terrenas. En Samaná visitamos El Limón y de

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En lo personal y en lo profesional.¿ Cómo te impactó este proyecto? ¿Qué significó esta experiencia para ti? Realizar este proyecto para mí ha sido el cambio. Escuchar sus anécdotas y cómo se han desarrollado cada uno me ha hecho poner las cosas en perspectiva. Me llevo esos recuerdos a nivel personal. Las vivencias en el viaje, los lugares recorridos y la gente que conocí han abierto mis ojos a ver más allá. Quiero que mi cine sea más maduro. Quiero aportar lo más que pueda y que de estos proyectos el público se sienta identificado y poder impartir nuevos conocimientos. Esa fue la impresión que me dejó hacer este documental. Es un sentimiento que, al realizarlo, fue creciendo cada vez más en mí. No quiero hacer proyectos por hacerlos. A nivel profesional, nunca había rodado en estas condiciones. Creo que me he hecho más ágil, pienso más rápido a la hora de buscar soluciones a los percances del día a día. Definitivamente me ha hecho más despierto y atento a los momentos que se pueden presentar sin haberlos planificado y que merecen ser capturados. Como dije en una pregunta anterior, esta es la primera vez que hago un documental. Encaré el proyecto sin saber qué me esperaba, y debo admitir que me sorprendió bastante. Me gusta trabajar con un crew más pequeño, y esa necesidad de ser ágil. Este proyecto me permitió, por su naturaleza, rodar en sitios que nunca imaginé poder hacer a estas alturas en un

largometraje de ficción. Me llevó a España, a Francia, alrededor de mi país. ¿Qué mas puedo pedir? Me sigue gustando más trabajar la ficción, pero definitivamente no me cierro a la oportunidad de volver a hacer un documental. Como dije, mi experiencia fue un ritmo de trabajo distinto y cada día traía sus sorpresas. Si consigo que República del Color ayude a despertar más interés en nuestras artes, ya estoy pago. La satisfacción que le he derivado a este proyecto ha sido muy diferente a la que estoy acostumbrado, y eso me gusta. ¿Cuándo y dónde estaremos disfrutando de este documental? El documental se estrenará en salas selectas a partir del 29 de octubre. Por el momento, se estará pasando en Blue Mall y Fine Arts en Novocentro. También se pasará en San Francisco de Macorís. Al tiempo de esta entrevista, es lo que tenemos pautadas por el momento. Dependiendo de las necesidades del proyecto iremos viendo si se irán abriendo más. Así que no duden de revisar www. republicadelcolor.com para cualquier actualización o nueva función. No obstante, tengo planes para distribuirlo y hacer funciones adicionales para estudiantes en lo que comprende de este año y el próximo. En estas funciones haremos coloquios con algunos de los participantes del documental y con un servidor.

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Ya que mucha gente no conoce, ni domina este tan importante tema. ¿Tienen algún proyecto académico con el mismo? Detállanos de ser afirmativa la respuesta. Claro, y como mencioné anteriormente, el proyecto lo hemos dividido en etapas. Además de pasarlo en el cine, estamos gestionando para hacer funciones educativas para estudiantes. Las que tenemos hasta ahora se harán simultáneo al estreno, pero tenemos planes de ir expandiendo el año que viene. Mientras mayor alcance tengamos mejor. Entiendo que el ciclo de vida del documental no debe limitarse a las salas de cine y que iremos creando sobre la marcha las oportunidades de verlo que sean necesarias. Nuestros planes al respecto van evolucionando en el día a día y se van adaptando a las necesidades y demanda que vayamos percibiendo. Es decir, donde haya interés por el documental se hará todo lo posible para pasarlo. También estaremos publicando un libro de la autoría de Danilo de los Santos, en donde los lectores podrán consultar más a fondo el contenido. La primera edición del libro se estará vendiendo a partir de la misma fecha en la librería Cuesta y en diversos establecimientos de la mano de CCN. Más adelante adaptaremos el material para crear un libro de texto para distribuirlo a diferentes entidades educativas, universidades, colegios, escuelas de arte y liceos junto a un DVD del documental. Alguna anécdota durante el rodaje que quieras compartir con nosotros. De todo los que nos pasó al realizar este proyecto, lo que nunca olvidaré será nuestro vuelo de Santiago de Compostela a Barcelona. Todos en el avión pasamos un susto que me acordó un poco a la película Flight de Robert Zemeckis. Casi llegando a Barcelona me encontraba dormido tranquilo en mi asiento, cuando de repente siento una sacudida que me despierta. Cuando ves que los españoles se asustan te das cuenta que la cosa viene seria. Miré a mi alrededor y veía a todo el mundo atento a lo que hicieran las azafatas o anunciase el piloto. El piloto mandó a sentar a las azafatas y eso nunca es buen indicio. Estábamos tratando de aterrizar en Barcelona pero parece que la corriente de viento había dificultado bastante el proceso. El avión se sacudía y el piloto daba vueltas para encontrar la forma más segura de descender. Observé a mi alrededor buscando a mis compañeros con la mirada. A mi lado se encontraba uno de ellos, con una Biblia en mano, rezando. Al otro lado del pasillo estaban Héctor y Frankie malos de la risa. Vi cómo alzaban ambos brazos y decían “yupi”. Supongo que los nervios ponen a uno a reaccionar de maneras inexplicables. Al lado de ellos había un español que sólo los miraba y se reía (al menos le hicieron amena la experiencia). Atrás de mí alcancé a ver a Doña Chiqui que dormía profundamente. Ni se enteró. El aterrizaje fue forzado, de película. Ese piloto era un ‘verdugo’. Tanto así, que cuando aterrizamos el avión entero aplaudió como si se tratase de un vuelo de Nueva York a Santo Domingo. Cuando ves que los españoles aplauden al aterrizar es porque la cosa era seria.

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Amanecer en Palma de Mallorca

De sobra sabemos que aquí no te quedas. ¿Nos podrías abundar un poco sobre tu próximo largometraje y para cuándo lo estaríamos disfrutando? En unas cuantas semanas iniciaré la pre producción de mi próximo largometraje, que está pautado a rodarse en enero (Dios mediante). De lo que puedo adelantar, irá más encaminado a la línea del humor negro y la sátira con pinceladas de ciencia ficción y una propuesta estética bastante particular. Para ello, tengo la dicha de colaborar con un equipo tanto local como internacional, del cual sé que aprenderé muchísimo durante todo el proceso y que serán mis cómplices en esta nueva etapa. Ya estoy ansioso de empezar y de poder compartir más detalles.

El Director Héctor Valdez junto a Frankie Baez (Director de Fotografia) y Héctor Montás (Productor) en el Mirador de Las Terrenas.

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Emily Blunt en una escena de Sicario

SICARIO POR RUBÉN PERALTA RIGAUD

El término “Sicario” es pobremente empleado en la nueva película de Denis Villeneuve, y es que estoy casi seguro que dicho nombre le fue dado a la película por puro valor de mercadeo, no más. La palabra “Sicario”, como bien explica la película, viene desde la antigua Roma. Esta era la daga que se utilizaba debajo de las túnicas para asesinar. Pero en estos tiempos, y más aun en Latinoamérica, dicha palabra se refiere a asesinos a sueldos con muy poca experiencia, pero que utilizando armas de fuego o armas punzantes cumplían con un encargo. El personaje de Benicio del Toro en esta nueva película dicta mucho del significado conocido, pero no le resta calidad a su interpretación o a la película. Kate Macer (Emily Blunt) es un agente de la DEA que se encarga de perseguir y apresar narcotraficantes. Durante una redada hacen un macabro hallazgo, el cual será el hilo conductor hacia la cabeza de uno de los carteles más peligrosos. Es así como es contratada por un comando, liderado por Matt Graver (Josh Brolin), para acabar con dicho cartel. Uno de los que forman dicho equipo es Alejandro (Benicio del Toro), personaje misterioso que mientras la película transcurra, descubriremos su propósito dentro del grupo, ya que su profesión es revelada desde el titulo de la cinta. El punto más alto de la película, amén de las soberbias actuaciones de Del Toro y Blunt, es el manejo “tensional” del director Villeneuve. Muchas de las maravillosas

secuencias fotografiadas por el maestro Deakings, crean una sensación de ansiedad en el espectador que es digna de respetar. Secuencias de persecuciones y tiroteos pasan de ser simples herramientas del cine de acción, a realmente secuencias magistrales donde, como mencioné, la incertidumbre acerca de lo que va a ocurrir es el punto memorable. La batalla actoral entre Del Toro y Blunt es maravillosa. Muchos momentos compartidos hacen que cada uno de ellos sean apreciables, amén de que sus personajes caen en lo conocido: ella la policía con valores y que siempre hará y hace lo correcto, y el como el asesino frío y calculador que siempre está al acecho. Y no piensen que son enemigos, son aliados con intereses opuestos. El punto bajo de la cinta es el guión, con personajes y situaciones conocidas. Salvado solo por sus actores, la película presenta una serie en donde el ‘’sin sentido’’ y el ‘’absurdo posible’’ se hace presente (el caso del policía que no quiere estar y sin embargo sin razón alguna se queda). Los ‘’por qué’’ y los “para qué” ocurren las cosas, de momentos son obviadas por el director Villeneuve y el guionista Taylor Sheridan (Sons of Anarchy). “Sicario” es una muy buena película, apoyada por el morbo y por el camino fácil, pero sin dejar de lado su calidad en cuanto a producción, actuación y varios momentos en su dirección.