Revista Cultural No. 133 Paraíso Perdido by Revista Cultural Alternativas

Número 133 •

NOVIEMBRE 2021

r e v i s ta c u lt u r a l a lt e r n at i va s

Entre tanto ruido. Entrevista con Zbigniew Preisner por

Crear con luz propia: Paola Arenas

jorge flores

Narrativa Breve- No he muerto lo suficiente para abandonar mi nombre (fragmento)

¿Sueñan los latinoamericanos con historias de ciencia ficción? por

jennyfer cabrera

por

mario alberto santoyo

silvia palacios

Rollos velados- La interminable tendencia al movimiento

por

En esta versión, Romeo y Julieta son mexicanos

El Vitrolero -Conceptos para discutir nuevas tendencias en el arte en sobremesa

por

silvia palacios

El Especial- FIACmx y la supervivencia del arte por

por

emmanuel hurtado

El Sitio- El sazón del ahumador a la Esquina Roma por

diego enríquez

tania pérez

El teatro a partir de las pantallas por

De artista a artista

victoria salado íñiguez

emmanuel campos

por

maría luisa vargas san josé

Música, tecnología y mercado por

Entre Líneas- ¿Cuándo perdimos el derecho al paraíso? por

por

edgar a. aguirre vega

jaime a. baillères

Mapa

mercedes isabel lópez echeverría

Agenda

edgar a. aguirre vega

alternativasedicion@gmail.com

correo

silvia palacios

Al Cierre- Ofrendas Pop-up. Usanza actual de Día de Muertos

Te lo digo bailando- Danzar para transformarse por

flores

Agua la boca- Sopa de verdolagas con espinazo para un día frío por

NFT, la revolución en el arte por

por jorge

Instituto Cultural de León Revista Cultural Alternativas

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Revista Cultural Alternativas Noviembre 2021

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S TA F F A LT E R N AT I VA S

E D I TO R I A L

Tania Pérez directora editorial

El Festival Internacional de Arte Contemporáneo, FIACmx, celebra su edición 24 con la temática Paraíso Perdido; tomando esto como punto de partida, en el equipo editorial de la Revista Cultural Alternativas optamos por desarrollar la temática con miras a las tendencias, a ese paraíso que nunca tendremos… ¿o sí?

Silvia Palacios editora

R E V I S TA C U LT U R A L A LT E R N AT I VA S

NÚMERO

133 INSTITUTOCULTURALDELEON.ORG.MX ALTERNATIVAS.CULTURALEON.COM

PORTADA: Portada: Equipo de Diseño ICL Esaúl Córdova Q yosoypsiconauta Raúl Hernández Q rools_ Ruy Muñoz Q erreuy

Esaúl Córdova director de arte Yolanda Gutiérrez de Velazco publicidad Raúl Hernández, Ruy Muñoz diseño Edgar Aguirre corrección de estilo Jorge Flores redacción Victoria Salado asistente Javier Pérez, Isaías Álvarez, Francisco Velázquez, Hugo Martínez distribución — D I R E C TO R I O I C L Alejandra Gutiérrez Campos presidenta municipal de león

De esta forma abordamos temas como la ciencia ficción en la literatura latinoamericana, el pasado y presente de la música pop, las revolucionarias propuestas en el mundo del arte y lo que fue y ahora es en la composición cinematográfica en entrevista con el reconocido Zbigniew Preisner, quien por cierto estará presente en el 24 FIACmx al igual que el guitarrista ` Entérate de quién bosnio Goran Bregovic. más estará en esta edición del Festival en El Especial. Además, María Luisa nos presenta un platillo para esta temporada de frío y en De artista a artista, Emmanuel Hurtado nos recomienda a cinco artistas de la región para conocer más de su trabajo.

¡Que lo disfrutes!

Carlos María Flores Riveira director general José Antonio Alvear director de desarrollo académico Katia Nilo directora de desarrollo artístico y cultural ¿QUIERES A N U N C I A RT E E N A LT E R N AT I VA S ?

Correo

alternativaspublicidad@gmail.com Teléfono

477 716 4899 Móvil

(477) 700 9820

Lizbeth Orozco directora de administración, finanzas y asuntos jurídicos Nora Delgado directora de fomento cultural y patrimonio Roberto Landeros director de infraestructura y servicios operativos

Una edición del Instituto Cultural de León. Plaza Benedicto XVl, s/n, León, Guanajuato, México. Tels: 477 716 4001 y 477 714 0326. Tiraje Noviembre 2021: 2,000 ejemplares. Impreso en papel bond de 90 gramos con portadas en couché de 250 gramos.

La dirección editorial de Alternativas no hace suyas las opiniones de sus colaboradores pero sí defenderá donde corresponda su derecho a la libertad de expresión. Esta revista no sería posible sin el apoyo de todo el personal del ICL. Gracias a nuestros lectores, patrocinadores y anunciantes por apostar por la cultura.

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Texto Jorge Flores Fotografía Anna Wloch: Zbigniew Preisner with his beloved dog, Bono

El arte, como la vida, necesita de atmósferas para cumplir su objetivo; en el cine, la música es un elemento primordial para que ese ambiente se concrete, y aunque no todos los cineastas le dan tal importancia, aquellas obras que sobresalen del ruido, que destacan de entre el tráfico de producciones, tienen en común el uso de una banda sonora significativa y bien planteada.

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l compositor polaco Zbigniew Preisner (Bielsko-Biała, Polonia, 1955) ha pasado su vida construyendo esas atmósferas; con el pretexto de su próxima participación en el 24 Festival Internacional de Arte Contemporáneo: Paraíso Perdido, platicó con la Revista Cultural Alternativas acerca de la música en el cine y sus consideraciones en una nueva época de consumo y producción cinematográfica. El trabajo de Preisner lo ha colocado como uno de los compositores contemporáneos más importantes en el cine y, aunque las oportunidades se le han presentado para disfrutar de la maquinaria publicitaria de Hollywood y sus tentaciones, siempre ha sido consciente de que el cine, antes que industria, es arte; y ha trabajado alejado de ese fenómeno de reflectores, creando desde otras motivaciones. Revista Cultural Alternativas: Siempre has nadado en contra de la corriente en cuanto al cine mainstream, en contra de esas grandes producciones que sacrifican el arte a favor del dinero. ¿Qué es lo que piensas acerca de esta época donde el streaming y el video bajo demanda han monopolizado las producciones cinematográficas alrededor del mundo? Zbigniew Preisner: Mencionas temas muy importantes. Primero, el tema de nadar siempre a contracorriente del cine mainstream está en mi ADN. Tenía 20 años cuando comencé a presentarme en un cabaret underground, después empecé a componer para teatros y finalmente, en 1984, conocí a Kieslowski con quien hice 17 películas. Las películas de Kieslowski y otras como Secret Garden (1993) de Agnieszka Holland o At play in the fields of the lord (1991) de Hector Babenco, Damage (1992) de Louis Malle, me crearon como compositor pero también como artista.

Yo siento que no pertenezco a la vida de Hollywood. Eso no significa que no tenga respeto por los directores americanos. Me encanta Coppola, Ridley Scott, Terrence Malick, quienes han usado mi música, Jim Jarmush y Woody Allen. Una de mis películas favoritas es Saving Private Ryan (1998), dirigida por Steven Spielberg. Cuando trabajo en Europa o cuando suelo trabajar con directores que antes mencioné, la forma de la música, su carácter y su mensaje siempre es discutido entre el director y yo. No sobrevaloro la música en el cine pero sé que una música bien creada, la que es realmente creativa, por supuesto que ayuda a la película. Hablando de la segunda parte de la pregunta; todas las experiencias de nuestra vida han tenido un gran desarrollo tecnológico. Ahora tenemos las redes sociales, el streaming, el video bajo demanda, pero todo eso son herramientas. La pregunta es quién y cómo usa esas herramientas. Yo creo que la tecnología que hace al cine más fácil mata algo que se llama habilidad artística. Las plataformas de streaming quieren producir películas mucho más rápido, preferentemente series y con el menor costo posible. No hay mucho lugar para el llamado “cine de arte”. La pandemia trajo nuevos problemas, la gente ahora ve más streams y se acostumbró a ello. Me temo que los grandes complejos de cines, con gran sonido y cómodos asientos, van a tener un problema para recuperarse luego del coronavirus. Puede ser el fin de este tipo de cine, la generación más joven ahora ve películas en sus celulares, en su tabletas, no les importa la calidad del sonido. Yo espero que los directores se relajen un poco en cuanto a la admiración por la tecnología y hagan grandes películas usando las nuevas tecnologías solo como una herramienta.

YO CREO QUE LA TECNOLOGÍA QUE HACE AL CINE MÁS FÁCIL MATA ALGO QUE SE LLAMA HABILIDAD ARTÍSTICA. Zbigniew Preisner

ALTERNATIVAS 133 RCA: En tu opinión, ¿cuáles son los cambios más importantes que ha experimentado la música en el cine en los últimos 10 años? Preisner: Se ha empobrecido. Ya no escuchamos tan seguido música original. Muchos directores y productores no tienen el cuidado necesario con su música, usan música que ya existe. Ese camino no lleva a ningún lado. RCA: La música en la trilogía Three Colors (Krzystof Kieslowski, 1993-1994) tiene un rol protagónico, es un personaje que se expresa por sí mismo. En estos días, en la era del streaming, ¿es posible dedicar tiempo suficiente y tener la libertad creativa para trabajar en una banda sonora de ese tipo? Preisner: No sé cómo es componer música en esta era del streaming porque no soy parte de ella. Yo compongo como se hacía antes. Y hoy hay muchos directores como Fernando Trueba con quien trabajé en sus dos últimas películas, La Reina de España (2016) y El olvido que seremos (2020), o como Yelena Popovic, quien rodó una gran película en Grecia, Man of God (2021), que quieren tener bandas sonoras originales y creen en su fuerza. También he colaborado con ese tipo de directores. RCA: ¿Cómo se ha adaptado el arte a las nuevas audiencias? Preisner: El arte debe ser tan original e importante para que las audiencias lo acepten. Seguir el gusto o la preferencia de la audiencia no lleva a ningún lado. RCA: La pandemia ha transformado cómo se hacen las cosas, los artistas han tenido que

reinventarse. ¿Crees que de alguna manera esto los haya ayudado a encontrar nuevas formas más creativas? Preisner: Desde mi perspectiva la pandemia causó algo importante: disminuir la locura de ir corriendo de una película tras otra. Me dio tiempo de reflexionar cómo quiero vivir y qué voy a hacer en el futuro. RCA: Hablando de tu participación en el Festival Internacional de Arte Contemporáneo, ¿cómo te sientes de trabajar con una orquesta mexicana? Preisner: No tengo ninguna preocupación. Será una nueva experiencia, me han estado enviando grabaciones de sus ensayos. Será muy agradable escuchar mi música interpretada por músicos mexicanos. RCA: Requiem for my friend, la pieza que se interpretará en FIAC, es un homenaje a la memoria de Kryztof Kieslowski, ¿qué es lo que debe esperar el público mexicano de este concierto en vivo? Preisner: Tengo la impresión de que el público mexicano escuchará esto con mucho interés. Sé que hay un público extenso en tu país que conoce a Kieslowski y Requiem fue compuesta para su funeral. RCA: Para finalizar, ¿cuál es tu opinión acerca de la composición, la música y el cine en México? Preisner: Tienen grandes directores en México. Conozco las películas dirigidas por Alfonso Cuarón, Guillermo del Toro, Alejandro González Iñárritu. Mucha de la música de sus películas fue compuesta por europeos y debo decir que es muy buena música, especialmente me gustó y recuerdo mucho la banda sonora de Gravity (Alfonso Cuarón, 2013).

La música de Preisner está llena de dilemas, de contradicciones, discursos que aportan a la creación de escenas, a la narrativa de una historia. En el cine no es un ornamento, es un personaje, los acentos en el diálogo. Para ello se requiere tiempo, trabajo y talento; en una era donde la sobreexplotación de producciones discrimina a la pausa y a la contemplación, figuras como la de Zbigniew Preisner y su trabajo nos recuerdan que detrás de tanto contenido siempre hay arte. Este próximo 28 de noviembre, el compositor polaco visitará nuestra ciudad para dirigir un concierto en el majestuoso Teatro Manuel Doblado en el marco del Festival Internacional de Arte Contemporáneo; Requiem for my friend es la obra que escucharemos y será interpretada por la Camerata Académica y el Coro de Cámara del Instituto Cultural de León. Adquiere tus boletos en Ticketmaster y en Taquilla del Teatro Manuel Doblado.•

¿ S U E ÑA N L O S L AT I N OA M E R I C A N O S CON HISTORIAS DE CIENCIA FICCIÓN? Texto Jennyfer Cabrera

La primera mitad del siglo xx fue la época de los clásicos de ciencia ficción donde encontramos escritores como Bradbury, Asimov, Orwell y Huxley. El nombre del género surge en 1926, aunque las historias se remontan al siglo xix. Para la segunda mitad del siglo xx ya encontramos múltiples subgéneros, no sólo en la literatura sino también en el cine.

levamos casi dos siglos creando y consumiendo ciencia ficción, y la producción de este género en las últimas décadas ha sido sumamente prolífico. Entonces, ¿qué queda por decir?, ¿qué podemos esperar de los nuevos escritores de ciencia ficción? Lo que se escribe hoy definitivamente no podría haber sido escrito en otra época. Por ejemplo, Ted Chiang, estadounidense nacido en 1967, escribió un cuento llamado La historia de tu vida,

adaptado al cine con el nombre de La llegada. En esta historia, escrita magistralmente, habla del lenguaje, de la concepción del tiempo y de la relación de una madre con su hija. Este cuento no podría haber sido escrito sin los avances en lingüística y las nuevas teorías en física acerca del tiempo. Las mujeres también tienen mucho que decir en este género. La primera obra que se considera de ciencia ficción la escribió, de hecho, una mujer: Frankenstein de Mary Shelley.

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Uno de los ejemplos más extraordinarios de escritoras de ciencia ficción es Octavia Butler, nacida en 1946 y fallecida en 2006. Hablar de Butler es hablar de feminismo, de empoderamiento del pueblo afroestadounidense, de diferencias de clases sociales, pero también es hablar de amor, familia, relaciones sociales y de la esencia de lo humano. Butler representa a dos minorías importantes: las mujeres y el pueblo afroestadounidense. Empero, seguimos en un contexto geográfico anglosajón que es cuna del género, dónde existen premios como el Hugo y el Nébula para incentivar a los escritores, y donde se espera que el género prolifere. Entonces, regresemos a nuestra realidad: ¿sueñan los latinoamericanos con historias de ciencia ficción? En Latinoamérica se ha considerado que no existe la ciencia ficción. Se ha hablado de que, al ser países ‘en vías de desarrollo’, este género nos ha sido inabordable. Nada más lejos de la realidad. Rodrigo Bastidas Pérez, compilador de la antología latinoamericana de ciencia ficción El tercer mundo después del Sol, escribe en el prólogo acerca de la negación que existe de este género en Latinoamérica. Se dice que aquí no podemos hablar de ciencia sino de fantasía. Es cierto que no podemos esperar que lo que se escribe en Latinoamérica, en ciencia ficción o en cualquier otro género, sea igual a lo que se escribe en Estados Unidos y Europa. Nuestra realidad es totalmente distinta, pero es justamente eso lo que enriquece nuestra escritura. No nos falta ciencia para ficcionar; nos sobra imaginación, creatividad, voracidad y entendimiento. Bastidas habla de que la ciencia ficción latinoamericana no puede ser una copia subrogada de la anglosajona, sino que es en sí misma un género propio y potente. Nuestras sociedades tienen protagonismo en el mundo que estamos viviendo, en medio de nuestras propias pandemias y distopías.

de experiencia. Concibamos un mundo en el que gracias a los conjuros del ciberchamanismo y los futuros andinos espaciales, ahora los guacamayos vuelen entre galaxias, canten himnos espacio-temporales y embellezcan con sus colores a nuestra madre universo. (Bastidas, 2021). La ciencia ficción latinoamericana no puede ser igual a la que se produce en otros contextos porque nuestra realidad es única, nuestra vida cotidiana, por sí misma, raya en la ficción. Pero visualizarla como un género ‘menor’, derivado de la ‘gran ciencia ficción anglosajona’, es realmente absurdo. La ciencia ficción latinoamericana es un género en sí misma, con su propia magia, y no es menos valioso por encontrarse en una zona geográfica que los países hegemónicos han decidido catalogar como ‘en vías de desarrollo’. Los latinoamericanos soñamos fuerte, escribimos mucho y tenemos una voz potente. Apropiarnos de nuestros géneros y producciones nos coloca en una postura subjetiva distinta, como verdaderos creadores. Los latinoamericanos sí que sueñan con historias de ciencia ficción, y de muchas otras cosas. •

Jennyfer Cabrera. Originaria de Querétaro, su formación académica comprende la Licenciatura en Psicología Clínica por la Universidad Autónoma de Querétaro y la Licenciatura en Composición Musical por la Universidad de Guanajuato. Su desarrollo en la escritura literaria es relativamente reciente, aunque su afición por la lectura se remonta a sus primeros años de vida. Fue ganadora de los Premios de Literatura de León 2021 en la categoría de Cuento Corto. Su interés literario se enfoca, actualmente, en la mezcla entre realidad y ficción, la aparición de la perspectiva infantil en las historias, el uso de la ironía, el sarcasmo y la exploración de la musicalidad en el lenguaje.

Referencias Bastidas, Rodrigo, (2021) Prólogo: Desmantelar patentes para crear universos propios. El

Espero que un día (que podría ser hoy) logremos celebrar con nuestra comunidad […] porque hemos recuperado la patente de un mundo y de un género que siempre nos ha pertenecido por derecho propio y que no estamos interesados en convertir en material exótico de consumo, sino en una tradición conjunta entre países que nos permita una comunión

tercer mundo después del Sol. Bogotá, Colombia. Editorial Minotauro. Caro, Adelaida, et. al., (2021), La novela de ciencia ficción: Una introducción. Biblioteca Nacional de España. En: http://www.bne.es/es/Micrositios/Guias/ NovelaCienciaFiccion/Introduccion/ Fernández, Laura, (2020) Ted Chiang: La ciencia-ficción hace creíble cualquier premisa de la filosofía. Periódico El País. En: https://elpais.com/cultura/2020/09/18/ babelia/1600425233_814535.html González, Natalia, (2021), Octavia C. Butler: la afroestadounidense que desafió el mundo de hombres blancos que dominaba la ciencia ficción. Revista Afroféminas. En: https://afrofeminas.com/2021/06/22/la-afroestadounidense-que-desafio-el-mundode-hombres-blancos-que-dominaba-la-ciencia-ficcion/

ALTERNATIVAS 133 Texto Silvia Palacios Fotografías Cortesía Fabiola Larios

rear arte es una necesidad en el Los Non-fungible tokens (NFTs) o tokens no fungibles ser humano y coleccionarla, una han llegado para revolucionar el mercado del arte, tanto actividad recurrente desde hace físico como digital; se han convertido en un escaparate multimillonario que ofrece a las y los artistas vivir del arte siglos; una actividad que, aunque parecía holgadamente pero que, de acuerdo con detractores, es inmutable, de unos años a la fecha comenzó a transformarse con el surgimiento del una burbuja que puede explotar en cualquier momento.

cryptoarte y los tokens no fungibles (NFT, por sus siglas en inglés). Dichos tokens son certificados de autenticidad intransferibles que avalan la propiedad de una obra de arte digital (criptoarte), no así de los derechos de autor, esos siguen siendo del artista. Es decir, cualquier persona puede coleccionar arte digital, comprar las obras a un artista pero no por ello obtienen los derechos de autor de la pieza. Este mercado está totalmente en línea, así que si compras una obra nunca la verás en físico, solo de manera digital ya que fue creada de manera ex profeso. Se comercializan a través de diversas plataformas como Foundation, Hic et nunc u OpenSea y cada una se adquiere mediante criptomonedas; para Foundation y OpenSea se utiliza ethereum, mientras que para Hic et nuc son tezos.

ALTERNATIVAS 133 Las transacciones se realizan mediante blockchain, que es un servicio de exploración de bloques de Bitcoin, un monedero de criptodivisas y un intercambio de criptodivisas. “El blockchain es una cadena de registros de datos firmados criptográficamente. Cada bloque contiene los datos de una transacción; por ejemplo una compra con bitcoin. La transacción es comprobada por todas las partes de la red y por tanto verificada. En la cadena de bloques se pueden crear los llamados tokens, representan un valor determinado o el derecho a realizar una transacción anónima en la cadena”, de acuerdo con lo publicado por la cadena informativa Deutsche Welle. Es justo en esta transacción que surgen los tokens no fungibles (intransferibles) que contienen información sobre quién creó el contenido, por cuánto se vendió y quién es el propietario; por lo tanto, para realizar las transacciones es necesario que el o la artista tenga un monedero o wallet en Coinbase para hacer los movimientos monetarios y cambios de divisas a dólares o pesos. Una de las obras de arte digitales vendidas a mayor precio es Everydays: The first 5000 days, del estadounidense Mike Winkelmann, mejor conocido como Beeple. La pieza de 5 mil imágenes alcanzó un valor de 69.3 millones de dólares, siendo la tercera obra más cara de un artista vivo que se haya subastado en la historia; y aún así, puede reproducirse o descargarse de forma gratuita, pero el dueño seguirá siendo el mismo. Fabiola Larios es una artista visual y digital mexicana que en 2018 tuvo su primer acercamiento al criptoarte. A la fecha puedes encontrar varias de sus piezas NFTs en Foundation y Hic et nunc. “Yo entré a Foundation y minteé (crear NFT) por primera vez un proyecto con machine learning y ahí empezó; como que yo no sabía qué estaba haciendo, yo no sabía nada, yo nada más sabía que tenía que comprar mucho dinero en ethereum, me gasté yo creo que como 200 dólares para todo, o sea para poder mintear (poner tu NFT en blockchain) y listar en Foundation (ponerle precio a tu NFT por medio del contrato de la plataforma) y a partir de ahí pues he seguido con mis proyectos, también entré a la plataforma de Hic et nunc”, menciona Fabiola en entrevista con Revista Cultural Alternativas.

Refiere que el primer NFT que vendió fue un video de 30 segundos en 0.33 ethereum, que en ese entonces equivalía a 500 dólares (alrededor de 10 mil pesos) y es en Foundation donde ha tenido mayor exposición su trabajo. “Uno lo vendí en 0.15 ETH (ethereum) y después terminó vendiéndose en 0.25 ETH y después entró en el mercado secundario, que en el mercado secundario lo bueno es que cada vez que se vende tu NFT, por ejemplo en Foundation te dan 10% de royalties y los royalties es que cada vez que alguien revende tu trabajo, a ti te van a dar el 10% de lo que vendió esa persona. Siempre vas a tener un flujo constante por tus obras”, puntualiza Fabiola. Para vender obras destaca que más allá de tener muchos seguidores es tener un grupo cautivo al que le guste tu trabajo y agrega que estamos ante un cambio en el mercado del arte, que si bien nunca será lo mismo el arte físico al arte visual (es como ver una película en Netflix o tenerla en un DVD, metafóricamente), la llegada de los NFTs revoluciona el mercado y prueba de ello es que grandes galerías como Christie’s o la casa de subastas Morton se han unido a esta tendencia. Esto a la par de que los NFTs ofrecen a las y los artistas la posibilidad de dedicarse al arte por completo, vivir del arte. En contraparte, uno de los principales motivos de detracción es la cantidad de dióxido de carbono que emiten estas transacciones, que de acuerdo con Deutsche Welle una transacción de blockchain ethereum equivale a 6 mil horas de reproducción de videos en YouTube de manera continua, algo así como 250 días de reproducción sin parar. Pese a esto, no se puede negar que los NFTs son una realidad y han llegado para dar un revulsivo a ese mercado que por siglos permaneció intacto. “Yo sí creo que los NFTs llegaron para quedarse y creo que la gente eventualmente va a seguir buscando más posibilidades para seguir haciendo NFTs, no nada más va a ser moda, esto ya es parte del mundo del arte (...) Hay mucho dinero de por medio y muchas y muchos artistas involucrados”, aseveró Fabiola.

Conoce más del trabajo de Fabiola Larios website: fabiola.io Q fabiolalariosm/ D fabiolalariosm Foundation: foundation.app/fabiolalariosm Hic et nunc: hicetnunc.xyz/fabiola

Internet Humans II Referencia. Varios autores. (2021). ¿Qué son los NFTs? El millonario negocio del criptoarte. Octubre 2021, de Deutsche Welle en español Sitio web: www.youtube.com/ watch?v=js32a08YUds

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Texto Emmanuel Campos

Los avances tecnológicos que han surgido desde inicios del siglo pasado hasta nuestros días han sido fundamentales en la construcción de nuestra sociedad y de una industria que comenzó a crecer de forma gigantesca gracias a la comercialización de la música grabada.

stos avances también moldearon no solo el cómo se distribuiría la música, sino también el cómo suena la música, lo cual implica desde las herramientas que serían utilizadas para grabar y editar sonidos hasta instrumentos como sintetizadores, guitarras eléctricas, cajas de ritmo, pedales de efecto o herramientas para sampleo que darían el sonido característico de la época en que surgieron y que hemos ido adoptando dentro del catálogo tan grande de sonidos que hemos inventado o encontrado a lo largo de nuestra existencia. Somos seres que creamos herramientas con las cuales moldeamos nuestra forma de vivir. Un ejemplo de todo esto es el denominado pop. Este ‘género’ es la abreviación de música popular y hablar de esta música es hablar de la música más escuchada por las masas en determinada época. El pop no nació como un estilo, género o forma específica de hacer música, sino que es una denominación para la música que es más escuchada por la mayoría o que está hecha para la mayoría, por lo tanto podemos encontrar una gran variedad de géneros que van desde lo electrónico, latino, hip hop, rock, etc. Para avalar esta popularidad se crearon diferentes mecanismos, entre ellos los ranks de sencillos de Billboard, conocido como el Billboard Popularity Chart. El primero fue publicado el 27 de julio

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de 1940, donde Tommy Dorsey y Frank Sinatra lideraron con el éxito I’ll never smile again. Los datos eran recaudados por Billboard con base a las veces en que los temas se repetían en la radio, que era el medio de comunicación masivo por excelencia de la época; pero hay otro invento que terminaría por darle una característica musical al pop y lo consolida como un género, estoy hablando del sintetizador que “desde 1955 estaba desarrollándose en los Laboratorios David Sarnnoff de RCA en Princeton, New Jersey, el dispositivo se llamaba Olson-Belar en honor a sus inventores y era el primer sintetizador en el sentido moderno, un sistema modular que generaba, modifica, procesaba, grababa y presentaba sonoridades complejas. RCA esperaba que el dispositivo fuera utilizado para imitar instrumentos tradicionales para la creación de música pop y en manos de músicos entrenados transformarla en una máquina de música”. (Holmes, 1985, p. 69). Al final, los músicos que se interesaron en el Olson-Belar tenían ideas más experimentales y relacionadas con las vanguardias de la época, entonces se exploraron otros caminos; pero fue éste el detonante para grandes inversiones por parte de la Fundación Rockefeller a RCA y eventualmente el sonido de estos instrumentos fue llenando las listas de los Billboard en las siguientes décadas, pero no solo sería el pop el afectado, sino que surgieron un montón de géneros en la explotación de estos instrumentos y muchos otros que ya existían encontraron nuevos sonidos para incorporar. En la actualidad, la herramienta de trabajo por excelencia es la computadora. La capacidad de un DAW1 nos permite alcanzar cierta perfección. La estación de trabajo de audio digital se refiere a cualquier software especializado en la grabación y edición de audio digital, de forma análoga era impensable y además el acceso a estos programas de producción musical es sencillo hoy en día. Esta capacidad virtual se ve impregnada en los géneros que llenan las listas de música popular que a partir de la transición a los medios digitales dio pie a esta

tendencia ya que la música hecha por computadora tiene la capacidad de ser ‘perfecta’ en el sentido de cuantización rítmica y afinación de notas con herramientas como el autotune, lo cual no quiere decir que la calidad artística esté bajando, como se puede especular, lo que está sucediendo es que existe una especie de democratización de los medios de producción musical, y tanto pueden surgir artistas que siguen las tendencias del mercado en busca de crear un nuevo hit y poder vender un producto, como los que solo buscan un desahogo con su arte o los que en busca de expresar sus ideas, van más allá con estas herramientas y encuentran nuevas formas creativas de usarlas. La creación de un mercado musical que tiene su sustento en la música popular hace que cualquier expresión genuina corra el riesgo de ser diluida con motivo de vender y llegar a más público. La tendencia dentro de la música popular va en busca de obtener números y ventas, lo cual es normal dentro de la sociedad en la que nos encontramos. Esto genera un conflicto muy grande para el creador, decidir entre lo que uno quiere decir o lo que el público quiere escuchar. El paraíso perdido de cualquier artista es poder vivir diciendo lo que quiere, pero me queda claro que dependemos del público, así que ¿cómo vamos a llegar a ese equilibrio? •

Emmanuel Campos (León, Guanajuato). Egresado de la Licenciatura en Música de la Universidad de Guanajuato. Ha sido beneficiario de PECDA Guanajuato con el proyecto ‘Uróboros Sonoro’. Es miembro del trío de percusiones Pulsar. En 2020 fue becario del FONCA. Cofundador, baterista y compositor en Vantablack. Gran parte de su trabajo profesional se ha desarrollado en la música contemporánea de concierto, aunque también es un músico con múltiples facetas que pueden ir desde acompañar flamenco hasta sonorizar obras de teatro.

Referencia: Holmes, Thomas T. (1985) Electronic and Experimental music.

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E N E S TA V E R S I Ó N , R O M E O Y Texto Tania Pérez | Fotos Raúl Ramírez Kigra

En México, Romeo y Julieta se llaman Ramón y Hortensia; y no, no hablan en inglés antiguo sino en náayeri (cora) y español. Esta original versión de la trágica y pasional historia de Shakespeare será presentada en el 24 Festival Internacional de Arte Contemporáneo, FIACmx, por Los Colochos.

a incomunicación o la comunicación superflua entre los seres humanos parece ser una de las problemáticas sociales que más afectan en la cotidianeidad en tiempos recientes, por lo que no es raro ver que este hecho sea una de las temáticas constantemente abordadas en el teatro actual. “Siempre el teatro va a responder a cosas tanto inmediatas como cosas que parecieran no inmediatas pero que también dicen algo y uno de los temas que puedo decir es la incomunicación”, dijo en entrevista Mario Eduardo D’León Cortés, actor y productor de la compañía mexicana de teatro Los Colochos. Esta falta de entendimiento entre personas provoca en algunas

ocasiones el distanciamiento entre semejantes al no reconocerse como tal, y en otras, consecuencias mucho más graves, como las que presenta en escena Nacahue: Ramón y Hortensia. “Romeo y Julieta habla de dos familias que se odian, en este caso no son dos familias que se odian, son dos comunidades indígenas que son distintas y que no se entienden, que tienen una lengua distinta, que tienen pensamientos distintos, que tienen expresiones y rituales distintos y ellos no se matan por odio, se matan por miedo porque no se entienden”. En esta versión de una de las obras más famosas del dramaturgo inglés William Shakespeare, Ramón es cora y Hortensia huichola; él es parte de una comunidad unida y ella huye de la suya, escapando de un matrimonio violento. Al encontrarse, Ramón la trata como un igual y decide proteger a Hortensia, y aunque les es imposible comunicarse con palabras, se enamoran. Lograr esta conexión emocional entre los personajes y transmitirla al espectador en palabras que probablemente tampoco conozca, no es sencillo, pero Los Colochos lo logran, pues el énfasis estético de esta puesta en escena sin subtítulos está no solo en la lengua indígena, también en el

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J U L I E TA S O N M E X I C A N O S uso del espacio y el trabajo del cuerpo de los actores, como principales ejes expresivos. Mario Eduardo D’León y Sonia Couoh, son los actores que dan vida a los protagonistas, y son acompañados en escenario por Marco Vidal, Erandeni Durán, Ulises Martínez y Yadira Pérez. Otro de los detalles a destacar de esta obra dirigida por el también dramaturgo Juan Carrillo, es el dispositivo escénico de Auda Caraza que está diseñado a partir de los tejidos huicholes y que a lo largo de la obra va tejiendo la escenografía. Además, la musicalización y diseño sonoro se basan en piezas originales de las comunidades indígenas representadas. Nacahue: Ramón y Hortensia fue estrenada en España en 2017 como parte del Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro, además se ha presentado en encuentros artísticos y culturales mexicanos como el Festival de Teatro de Nuevo León, la Muestra Nacional de Teatro y hará lo propio en León el próximo 26 de noviembre en el Teatro María Grever, como parte del 24 FIACmx. Esta puesta en escena es parte de la pentalogía de obras shakesperianas que Los Colochos pretenden traer a contextos mexicanos y que se integra por: Mendoza, basada en La tragedia de Macbeth; Reina, que será una versión de El Rey Lear; Silencio se desarrollará a partir de La tragedia de Otelo, el moro de Venecia; y Tito Andrónico será la inspiración para el cierre de este proyecto. Desde hace varios años, según explicó Mario Eduardo D’León para Alternativas, todo el equipo de Los Colochos busca una comunicación mucho

más directa y horizontal donde el espectador sea más que eso y se involucre de manera activa. Para ello, sus puestas en escena se desarrollan bajo el método alternativo de creación conocido como Salas de Urgencia, creado por Luis Ayhllón y Alfonso Cárcamos en 2007, donde el trabajo de dramaturgia, las mesas de lectura, los ensayos son abiertos al público para conocer sus reacciones. De esta manera, se aseguran que, al llegar el momento del estreno y las presentaciones, el espectador entenderá y conectará con la puesta en escena, incluso en montajes como Nacahue: Ramón y Hortensia, en el que el idioma pudiera pensarse como una barrera. •

Dices palabras que no conozco pero es en tus ojos que encuentro entendimiento. Entonces ¡Qué importa! Sigue hablando, sigue hablando...

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Texto Silvia Palacios Fotografía Cortesía Eduardo Rosales

TEATRO PA RTIR

D E

L A S PANTALLAS Pantallas, todo se ha volcado hacia las pantallas: las clases, las conferencias, los espectáculos; éstas se han convertido en una plataforma de exploración que han transformado nuestra realidad e incluso para algunos significa renovarse o morir.

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í, el 2020 cambió la perspectiva de vida y puso en evidencia la necesidad intrínseca de relacionarse, adaptarse, sobrevivir más allá de vivir. El mundo cambió y con ello el estilo de vida. Se recurrió a la tecnología como una aliada para convivir y disfrutar de eventos a la distancia; en tanto, las y los artistas hicieron una pausa, tomaron vuelo e hicieron de ésta una forma de llevar sus creaciones a la sociedad. Si bien la virtualidad no reemplazará la experiencia escénica en vivo, no se puede negar que el futuro ha llegado y es necesario explorar nuevas formas de hacer arte, de proponer e innovar. Esta premisa la tiene clara el director de teatro Eduardo Rosales, quien acepta que la pandemia lo forzó a replantearse su dogmatismo en torno al teatro y se adentró en proyectos virtuales y multidisciplinarios; y será el Festival Internacional de Arte Contemporáneo, FIACmx, el escenario para presentar uno de ellos. “A mí sí me cambió muchísimo la pandemia. Las investigaciones que tenía antes de comenzar la pandemia estaban muy enfocadas en el teatro físico (...) y tenían al actor muy en el centro de las investigaciones (...) entonces viene la pandemia y lo que menos se puede tener es contacto con el actor”, platica en entrevista para la Revista Cultural Alternativas. Fue de una presentación literaria que nació la idea de crear Un círculo de hogueras, título basado en un poema de la escritora nicaragüense Gioconda Belli. En esta pieza (y no montaje) veremos a Ana Laura Olivares en la intimidad de su hogar mostrando parte de su biografía. Todo a través de las pantallas y mediante el uso de Zoom. El proyecto nació con la participación de cuatro mujeres, pero debido a diversas circunstancias Ana Laura tomó la batuta para darle continuidad en el ámbito protagónico. “Es indagar sobre la biografía de alguien pero de una manera digamos no tan romántica (...) Esa noción de autobiografía no, más bien una cuestión de la autobiografía que cuente a retazos una parte de sí”, menciona Eduardo. Y es que, si bien tiene una idea clara, es que en este punto de su carrera está presente el concepto de inocencia, la inocencia desde el público y la ac-

tuación; por ello, luego de un casting inverso optó por integrar a la obra a mujeres que no tenían una experimentada trayectoria, sino que puedan mostrar un lado desde la propia experiencia de vida. De igual forma, para dar vida a Un círculo de hogueras, Eduardo cuenta con la colaboración del artista visual Adrián García, con quien ya tiene más proyectos a futuro, mismos que buscan la interdisciplinariedad. Aunque Eduardo señala que la multidisciplinariedad escénica data de la década de los 60, él estaba un poco rejego a indagar esos ámbitos, lo suyo estaba más en los textos elaborados previamente, solicitar permisos al autor y hacer un montaje clásico, por llamarlo de alguna manera; pero fue a través de este cambio ‘forzado’ que decidió dejar su dogmatismo de lado y adentrarse más en la experimentación escénica e ir hacia un lado más performativo sin ser performance en sí. “Performativos sí hay muchas cosas que he hecho pero que yo diga performance así puro, no, nunca hice, pero te digo que ya venía pensando en otras formas de relación con el cuerpo (en montajes escénicos)”. Así, en esta 24 edición de FIACmx podremos disfrutar de una nueva faceta del director Eduardo Rosales, una etapa diferente, pero quizá complementaria, a lo que pudimos ver hace casi cuatro años, cuando realizó el montaje Riñón de cerdo para el desconsuelo, , como parte de Más Escena, en ese entonces llamado Más Teatro. En cuanto a la pregunta de cómo se imagina que será el teatro en algunos años, asevera que “no sabría cómo va a ser el teatro, solamente pensaría que el que me gustaría ver ojalá que sea divertido, entretenido; que tuviera un equilibrio entre que pudiera ser interesante para personas que tienen un gran bagaje (...) pero a la vez también para gente que no tiene tanto contacto con este tipo de expresiones artísticas. No estoy hablando necesariamente de un arte democrático, sino más bien que tuviera esa ambivalencia”. • Disfruta de Un círculo de hogueras, vía Zoom, los días 26 y 27 de noviembre, como parte del 24 Festival Internacional de Arte Contemporáneo.

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Texto Edgar A. Aguirre Vega

Detenernos a reflexionar sobre qué hemos hecho, qué hacemos y qué probablemente vendrá, puede suponer un ejercicio complejo pero revitalizante. Un acto que nos lleve a revalorar, resignificar, renovar, como quien busca un paraíso perdido.

a pandemia por covid-19, que desde hace ya más de un año nos mantiene en alerta y en una constante paranoia, ha gestado una serie de diversos, rápidos e intensos estados en el ser humano, desencadenando resultados con los mismos calificativos, muchos igual de desesperanzadores y muchos otros vinculados a una fase de auténtica y positiva transformación. Esta tendencia reflexiva ha tocado también al quehacer artístico —por supuesto como parte importante del desarrollo humano y social— en todas sus manifestaciones; es por ello que este año, el Festival Internacional de Arte Contemporáneo dedicará sus acciones y espacios para dar vista a las nuevas maneras de abordar la creación del arte haciendo frente, e incluso subsistiendo, a esta crisis mundial; así como también a abordar temáticas sociales tan importantes en el imaginario colectivo actual, tales como la inclusión, la equidad y la

diversidad, conceptos que durante el 2021 han sido clave en el planteamiento y construcción de los programas y actividades del Instituto Cultural de León, visibilizándolos y haciéndolos parte común del día al día en la construcción de una sociedad más empática, comprensiva y respetuosa. Paraíso Perdido es la línea temática que regirá la programación de este 24 FIACmx, misma que apremia las lecturas del mundo actual y apresura soluciones creativas en un mundo que no tiene vuelta atrás. Hablará de lo que perdimos pero también de lo que encontramos. Este argumento surge a raíz del poema homónimo creado por John Milton y publicado en 1667, una epopeya acerca del tema bíblico de la caída de Adán y Eva que conduce al planteamiento de varios problemas esenciales de la humanidad: el conocimiento y la decisión, la libertad y el mal…

EL ESPECIAL Del 23 al 28 de noviembre se llevará a cabo esta vigésimo cuarta edición que arrancará con el proyecto musical Vano Sonoro, protagonizado por niñas y niños leoneses integrantes del Coro Infantil de la Escuela de Música de León, Coro Estrellas de colores de la Primaria Arnulfo Campos y Coro de la Orquesta Sonar Las Joyas, quienes presentarán In fari en Plaza de Gallos, pieza electroacústica compuesta por Emilio Hinojosa y Jorge Solís especialmente para estos intérpretes, y que consta de ocho partes modulares en las que se exploran las sonoridades, la riqueza en texturas y timbres, así como la capacidad plástica de las voces infantiles que muestran una fuerza escénica y una gran potencia poética. También en el ámbito musical, se contará con dos presentaciones estelares imperdibles; una de � ellas a cargo del guitarrista bosnio Goran Bregovic, internacionalmente reconocido por ser autor de bandas sonoras de películas, especialmente del director Emir Kusturika, tales como Tiempo de Gitanos, Arizona Dream y Underground. Su producción mezcla sonidos del folclore tradicional, con rock, música búlgara y otros estilos, los cuales se podrán apreciar en Tres cartas desde Sarajevo, presentación en la que estará acompañado de la Orquesta Sinfónica Pinto Reyes, el Coro de Cámara del Instituto Cultural de León e integrantes de la Red de Coros y Orquestas Comunitarias de León (Orquesta Jóvenes Líderes del Sistema Bajío Imagina, Orquesta Sinfónica Fundación León, Orquesta Infantil y Juvenil CIPEC – Villas de San Juan, Orquesta Sinfónica Universidad De La Salle Bajío), el viernes 26 de noviembre a las 20:00 horas, en el escenario del Teatro Manuel Doblado. El compositor polaco Zbigniew Preisner será el encargado de clausurar las actividades del 24 FIACmx al presentar Requiem para mi amigo, una selección de temas de su álbum homónimo. Preisner es considerado como uno de los compositores cinematográficos más destacados de su generación. Sus partituras para pelícu-

Goran Bregovic

las como Tres colores (azul, blanco y rojo), La doble vida de Verónica, Sin final, Un lugar maravilloso y El olvido que seremos le han valido el reconocimiento internacional. El espectáculo contará con la colaboración de la Camerata Académica y el Coro de Cámara del Instituto Cultural de León, el domingo 28 a las 18:00 horas, en el Teatro Manuel Doblado. Estos conciertos, además de engalanar el festival, son claro ejemplo del trabajo que el ICL lleva a cabo en la profesionalización de artistas y creadores locales; proyectos que, más allá del esparcimiento y la difusión cultural, buscan abonar a la educación artística de sus participantes: músicos de zonas vulnerables de la ciudad y profesionales en formación, así como también a músicos con trayectoria. Partiendo del teatro documental/autobiográfico, Un círculo de hogueras utiliza testimonios de una mujer del Bajío, entrelazados con elementos ficcionales sobre la maternidad, la pasión por su profesión y la relación entre la comida y su cuerpo. Eduardo Rosales presentará esta creación escénica interdisciplinar que indaga nuevas formas de transmisión multimedia para conocer historias de vida y reflexionar sobre el papel de la mujer en el estado de Guanajuato. Una pieza virtual a presentarse el viernes 26 y sábado 27 de noviembre. Moria, a cargo de la productora Una hora menos y dirigida por Mario Vega, es una experiencia de teatro documental e inmersivo donde los espectadores están sumergidos en la acción; aquí se cuenta la historia de dos refugiadas y sus familias, quienes huyen de sus países de origen a causa de la violencia. La dramaturgia de esta propuesta se basa en testimonios reales filmados en el campamento de Moria, en la isla de Lesbos, bajo la supervisión de Nicolás Castellano, reportero especializado durante los últimos 20 años en movimientos migratorios forzosos y derechos humanos. Dicho montaje, te espera el sábado 27 y domingo 28 de noviembre en Plaza de Gallos.

Zbigniew Preisner

Moria

ALTERNATIVAS 133 El festival es un espacio para todo público, por lo que en esta ocasión, niñas, niños y jóvenes podrán disfrutar del teatro a través del montaje Príncipe y príncipe, presentado por La caja de teatro; obra inspirada en el cuento Rey y rey, de Linda de Haan y Stern Nijland, donde a través de un lenguaje sencillo, que remite a los cuentos de hadas, se aborda la situación de la libre elección de pareja, más allá de estereotipos sociales. La obra se presenta el martes 23 de noviembre con dos funciones en el Teatro María Grever. Alineados a los objetivos de inclusión, diversidad y equidad, encontramos diversos espectáculos escénicos, tal como el montaje Nacahue: Ramón y Hortensia, inspirado en Romeo y Julieta, a cargo de Los Colochos, presenta la historia de dos amantes que pertenecen a culturas diferentes y que al no entenderse con las palabras deciden hacerlo con el corazón; una obra hablada en español y náayeri (cora), cuyo énfasis estético sitúa a la lengua indígena, al uso del espacio y al trabajo del cuerpo del actor, como principales ejes expresivos. Ésta se presentará el 26 de noviembre en el escenario del Teatro María Grever. Od:yssey, bajo la temática de inclusión, es una coreografía de Marc Brew presentada por Dancing Wheels, compañía de danza profesional, dirigida por su fundadora Mary Verdi-Fletcher y considerada como la más importante en Estados Unidos, que integra el talento de bailarines con y sin discapacidades. A través de su labor, este organismo busca, entre otras cosas, mejorar la integración y diversidad en las artes con montajes que unan a personas de todas las capacidades, eliminar estereotipos negativos sobre personas con discapacidad muy especialmente en el área de las artes e inculcar una mayor comprensión y profesionalismo en personas de todos los niveles. Su presentación se llevará a cabo el 24 de noviembre en el Teatro Manuel Doblado.

Od:yssey

Nacahue: Ramón y Hortensia

Heartbeat

Jóvenes creadoras en el área de danza compartirán su quehacer artístico a través de ‘Territorios coreográficos, Morras Creadoras en México’, proyecto curado por la coreógrafa Claudia Lavista que busca mostrar el trabajo creativo de un grupo de mujeres menores de 40 años, a través de cuatro montajes que llegarán a Plaza de Gallos el jueves 25 de noviembre: Eco Lado B de Diana Bayardo (Mérida), Paisaje con Melva Olivas (Hermosillo), SON recuerdos de Nandy Luna (Veracruz) y Heartbeat con Daniela Urías y Talia Hinojosa (Monterrey). Por supuesto las artes visuales no pueden faltar en esta edición 2021, y para quienes buscan actividades en esta disciplina el festival, a través de la Coordinación de Artes Visuales del Instituto Cultural de León, CAVI, presentará su característico Simposio, en esta ocasión denominado ‘Retratos pospandémicos’, mismo que contará con la participación de importantes exponentes de diversas latitudes. Asimismo, ofrecerá una atractiva oferta de exposiciones distribuidas en sus diversos espacios físicos: Galería Jesús Gallardo, Galería Eloísa Jiménez y salas de exhibición del Teatro María Grever.

EL ESPECIAL El concierto ‘Cumbiancherísimo’ vuelve con toda su energía a la programación del FIACmx, poniendo el ritmo bailable y jocoso que siempre es bien recibido por todo el público. En esta ocasión, la expresión de la cumbia correrá a cargo de cuatro originales bandas: Sonido Gallo Negro, Son Rompe Pera, Corroncha Son y QVLN & DJ Sunny Z; que llegarán a León el sábado 27 de noviembre. Para dar seguimiento a la labor de impulsar el desarrollo de artistas y compañías locales a través de esta plataforma internacional, fue lanzada una convocatoria donde pudieron participar mediante propuestas de danza, teatro, música, artes visuales y cine. Los proyectos participantes debieron estar vinculados al eje programático del festival, es decir, Paraíso Perdido.

Corroncha Son

Los boletos para las diversas actividades escénicas del festival pueden ser adquiridos a través de la plataforma Ticketmaster, en taquilla del Teatro Manuel Doblado en un horario de lunes a viernes de 10:00 a 20:00 horas, y los sábados de 10:00 a 14:00 horas; así como en las sedes de los eventos con costo, una hora antes de la función, tal es el caso del Teatro María Grever y Plaza de Gallos. Con esta vasta programación, el 24 FIACmx da cabida y difunde múltiples manifestaciones del arte contemporáneo alrededor del mundo, expresiones de vanguardia con las que se busca también estimular la creación de públicos y la generación de diálogos entre lo local y lo internacional; más que nunca, enfocado en generar una red de conocimiento para la supervivencia de las actividades creativas, en donde hay espacio para todos y todas. Visita www.fiacmx.com para conocer los detalles de la programación.

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NARRATIVA BREVE

No he muerto lo suficiente para abandonar mi nombre ( fragmento) Texto Mario Alberto Santoyo

I Toqué materia en domingo con dolor asintomático con soledad prematura y muy pronto caí en cuenta que lo único genuino es el asco lo eyaculas a ti mismo y a los otros la vida se trata de odiar hasta apagarse alcanzar la cumbre de tu corazón jubilado y quedarse en el sitio donde menos duela ver cómo las cosas se consumen como se mueren los nombres como la vida poco a poco entra en desuso Vivir es florecer una sequía en el cuerpo Dejar que los gusanos se coman esa caja de cosas infelices llamada recuerdo dura tres días convertir nuestra memoria en polvo morir de forma definitiva Pero la suerte llega demasiado tarde todavía muertos nos recibe el llanto vivimos la mayor parte de nuestra muerte como huéspedes de algún despojo no siempre nuestro nos acostumbramos tanto que le agarramos el gusto su forma de querernos y después de rato Mario Alberto Santoyo (19 años). Ha publicado su obra en revistas nacionales e internaciolas quejas por la vida se sofocan nales, entre ellas Ágora del Colegio de México y Punto de partida de la UNAM. Sus poemas sufrir es más fácil se recogen en diversas antologías como Aposser perforados por metálico lenguaje de las sombras dejar las puertas tasía de la palabra (Perú) o Nido de poesía tercera generación. Miembro del seminario de de nuestra casa abiertas para que entren como invitados literatura periférica del Fonca y del Fondo para dejarle a las cadenas las letras Guanajuatenses. Primer lugar en el certamen de la Universidad Iberoamericana de su uso original de objetos poesía. Ganador de una beca para realizar un que carecen de vida y no duelen voluntariado cultural en Francia 2022. como nosotros.

ENTRE LÍNEAS

¿Cuándo perdimos el derecho al paraíso? Texto Victoria Salado Íñiguez

Prefiero reinar en el infierno que servir en el cielo. — John Milton

Publicado hace más de cinco siglos, Paraíso perdido de John Milton, se convirtió en un clásico para la literatura universal. Siendo adaptado y representado en otras áreas artísticas como: cine, teatro, cómic, pintura, ilustración, entre otros.

l ilustrador Pablo Auladell, ganador del Premio Nacional de Cómic en 2016, por su trabajo de representar las palabras de Milton a través de la ilustración, se dio a la tarea titánica de formar una novela gráfica, reinterpretando cuatro de los doce cantos que forman la obra completa del autor inglés. Nos presenta la caída de Lucifer como antihéroe, el cual es castigado y condenado al infierno junto a sus seguidores tras revelarse en contra de la jerarquía celestial. Lucifer, un ángel caído, con su orgullo herido, organiza su venganza en su nueva morada, el Infierno. Decide condenar a la nueva creación de Dios, nuestros primeros padres, incitando traicionar a su Creador. En el caso de Auladell, su adaptación crea una obra nueva con singularidades propias y no la mera repetición del original. Demuestra su aportación gráfica al desarrollar aspectos que no podríamos apreciar en el texto original, ya que las imágenes, con el juego de colores claroscuros armonizan con las sensaciones y las emociones de su lector. Consigue una obra autónoma al trasladar su propuesta a un medio y un lenguaje distinto al tradicional. El texto se forma de láminas en las que, de vez en cuando, recurre a los versos originales con una fidelidad intacta. Pero, en diversas ocasiones renuncia a emplearlos, teniendo la confianza en su intervención, con la capacidad de compensar los fragmentos suprimidos, otorgando una nueva forma de lectura. ficha técnica El Paraíso Perdido de John Milton Pablo Auladell España, 2015 Editorial: Sexto Piso Costo: $340.00 Páginas: 314

La obra funge como un complemento a los conocedores del trabajo de Milton o para aquellos que quieran adentrarse en este clásico, pero que prefieren algo más moderno o artístico. Es un cómic filosófico y profundo, pero dinámico y entretenido al mismo tiempo, con un texto intervenido por conceptos simbólicos y políticos, pero con una carga visual clara. El dibujo de Auladell y la calidad de impresión proporcionan una fidelidad suficientemente apta para sus lectores. La temática de la edición XXIV del Festival Internacional de Arte Contemporáneo, FIACmx, se basa en la obra original de Jonh Milton, Paraíso Perdido.

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Texto Diego Enríquez

Desde su concepción, cuando el cine era todo artificio, se convirtió en un fenómeno de entretenimiento que ha acaparado las miradas de grandes audiencias a lo largo y ancho del mundo.

RS OE LR L MO SU J VE ER L AE DS .O . S.

partir de las primeras décadas del siglo xx, los pequeños espacios que proyectaban películas cortas (casi todas comedias de humor muy simple) fueron evolucionando en grandes palacios dedicados a mostrar películas a auditorios cada vez mayores, y con ello, fue evolucionando también la narrativa y las historias que se desplegaban sobre las pantallas al apagar las luces. Poco tardó el nuevo medio, consagrado primero a la simple belleza de captar la vida en movimiento, en voltear hacia las formas de arte. Las tendencias que en sus primeras décadas marcaban el rumbo de la exploración artística lo hicieron también en el cine. El paso estaba dado: la cinematografía era una forma de expresión a través del arte. Así, los expresionistas, dadaístas, surrealistas y neorrealistas comenzaron a experimentar con la cámara, marcando las primeras grandes corrientes que dieron forma no sólo a la cinematografía de esa primera mitad del siglo pasado, sino a poner los cimientos del futuro del cine. El espectáculo se convirtió en arte y en una pieza fundamental de la cultura popular y sus hábitos de consumo. Hoy no podemos imaginar nuestra vida cotidiana sin la presencia del cine. Actualmente, el cine se ha transformado, ha mutado de acuerdo con sus públicos y sus hábitos de consumo, a la vez que sus formatos y soportes físicos son cada vez más inmediatos, portátiles. Los espacios consagrados al cine son sin duda la puerta de entrada a la consagración personal hacia la apreciación a la cinematografía. Aunque hoy día las opciones de entretenimiento sean tan múltiples y tan al alcance de cualquier tipo de público, el espectáculo de ver imágenes proyectadas a una escala muchísimas veces mayor de la que posibilitan los propios medios caseros y personales siguen siendo una opción primordial tanto para la inversión del tiempo de esparcimiento como medio de expresión artística y de entretenimiento. Desde inicios del siglo xxi, la gran tendencia del cine en su más cruda forma de entretenimiento parece voltear en gran medida a las piezas adapta-

das de universos de las novelas gráficas de Marvel y DC, acaparando cientos de miles de salas de proyección en todo el mundo. El gran Martin Scorsese, en medio de cierta polémica, ya se pronunció en contra de estas formas de productos de entretenimiento, haciendo un paralelismo entre tales cintas y los parques de diversiones: no existe nada nuevo más allá de la diversión por sí misma. De alguna forma, han dejado de explorar lo que la cinematografía significó en sus inicios. Pero, por otra parte, esto no significa que toda la esperanza por el futuro de la evolución narrativa en el cine esté del todo perdida, aún existen películas y bastiones que se mantienen como espacios de proyección más o menos independientes a los circuitos comerciales. En nuestro país, por ejemplo, la Cineteca Nacional, más allá de sus muros, promueve la distribución de obras nacionales e internacionales que tal vez nunca tuvieran la oportunidad de ser proyectadas en una pantalla grande. Netflix, si bien se ha convertido en el avasallador fenómeno del cine y la TV en streaming, no significa tampoco que sea la única plataforma disponible. Mubi, por ejemplo, es un proyecto que hace una magnífica labor en curar películas y estructurar ciclos temáticos con la finalidad de difundir y preservar la obra de cineastas clásicos, de culto, consagrados o hasta independientes y emergentes. Otras plataformas como Filmin Latino, que en nuestro país es en parte soportadas económicamente por la Secretaría de Cultura a través de IMCINE, abre ventanas a cineastas nacionales a públicos que no tienen la posibilidad de asistir a festivales de cine, o de internarse dentro de los muros de la propia Cineteca Nacional, por ejemplo. El punto es, como siempre en nuestro hiperconectado mundo contemporáneo, que las opciones de entretenimiento a través del cine están a nuestro alcance y somos nosotros mismos los únicos responsables de la calidad del contenido que consumimos. De recordar, en palabras del historiador de cine, Mark Cousins, que no es el dinero lo que mueve al cine, sino las ideas. •

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CONCEPTOS PA R A D I S C U T I R N U E VA S T E N D E N C I A S E N E L A RT E E N S O B R E M E SA

In Memoriam para Randy Walz

Texto Jaime A. Baillères

Vivimos en tiempos en que la contemplación — sobre todo la mediática— nos ha rebasado en ciertas áreas de nuestra práctica social, que a veces, caemos en una idiocia, ese mundo de ideas compartidas (algunas demenciales) que luego no nos permite poner en cotejo la diferencia entre lo novedoso y lo presente; problema fundamental para entender lo que nos atañe en el arte contemporáneo y sus vanguardias, si acaso las hay.

EL VITROLERO

l problema y discusión sobre lo contemporáneo y su relación con la inclusión y la exclusión social no es poca cosa, por tanto, en el arte se suscitan también discrepancias y delimitaciones en sus campos de acción. Al filólogo Michele Pallottini lo escuché decir en alguna ocasión que «cuando se vive la tolerancia, no todos están contentos con ella, puede ser incómoda en ocasiones. Por lo cual, es necesario no poner al margen que uno de los riesgos de nuestro tiempo es el de la idiotez, idiotez en su sentido original del concepto griego de ideas compartidas pero no corroboradas». Por tanto, en la medida en que seamos capaces de confrontar nuestras necesidades y nuestros saberes sin llegar al argumento beligerante, en ese tenor, la posibilidad del cruce de ideas y la intercultura se consolida en uno más de los abrevaderos de crecimiento social en el arte. Se cree de manera fácil o simple que el problema del arte actual es que la conceptualización ha rebasado al objeto del arte. Pero se pone al margen que también el sujeto del arte, desde hace tiempo ya no vive para ver su nombre inscrito en letras de oro en el panteón de los(as) ilustres; lo que es más, no les importa lo trascendente del objeto y sujeto del arte. Por un lado, tenemos al anonimato como una forma contemporánea de hacer arte sin que por ello se tenga que estar bajo los reflectores; por otro lado, la muerte del autor sigue vigente aunque no haya sido ocurrencia de anteayer. Por lo cual, una nueva forma de hacer arte ya no solo es lo conceptual, sino pasar a la anomia. Quizá llegamos a los tiempos en que el personaje ignorante termina por ser una divisa de inter-

cambio en los nuevos símbolos del arte, pues el que ignora es una cifra que tiene el poder de subirse sobre los hombros de los gigantes. Entonces, el público termina por ser el que dicta la norma y el arte se vuelve divisa en los pequeños malls que hay en la entrada de cualquier museo de arte actual. Por lo cual, una nueva tendencia en el arte se puede encontrar en ese carácter epistémico que tiene una vajilla para el té que se compra en el Museo de Arte Moderno, MoMA o en el maletín ejecutivo con colores Rothko. Es muy de nuestro tiempo ser etnógrafo(a) de ocasión. Por un lado están los gambusinos que viven con becas y que si no las ganan caen en desgracia, se les acaba la inspiración, o aquellos(as) que para ganar una beca piensan coyunturalmente en los indígenas y hacen la nota etnológica para convencer a curadores(as) que evalúan propuestas. Curadores(as) que viajan por todo el mundo menos por donde están los nativos. Son disidentes y marginales, ambos, tanto artistas como curadores. El devenir hegeliano está ahora más presente que nunca en el arte, porque están los que hacen del tianguis su nuevo taller gnoseológico, pues cada objeto es un hallazgo-cultura, y de ahí, se pasa a la idea del retro, el homenaje al abuelo, etc. En resumen, habremos de tomar nota, el arte actual no es más nuevo que el del siglo pasado en sus inicios, pero ahora lo podríamos nombrar de otra forma: arte de idiocia, arte de anomia, arte becario, arte somático, arte de conmiseración, arte geriátrico y sobre todo, arte heteronómico. Atrás quedaron los tiempos en que hacíamos lo mismo, pero como dice Joaquín Sabina al hablar de los antiguos ladrones, “ya no lo hacemos con elegancia”. •

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Danzar para transformarse Texto Mercedes Isabel López Echeverría

Todo cambia y es ahí donde reside parte de la belleza, en la transformación. En la danza, el movimiento es un concepto amplio que incluye una serie de manifestaciones en las que el cuerpo es la materia.

a danza es una expresión que se da en todas las sociedades, llegando a ocupar un lugar preponderante en muchas de las actividades que se dan tanto en lo artístico, lo festivo y lo religioso. En todas sus manifestaciones y géneros ha ganado cada vez más espacios y ha visibilizado sus prácticas en la ciudad, tomando nuevos escenarios y convocando a todos los públicos. El movimiento dancístico representa tendencias desde las expresiones tradicionales hasta las nuevas propuestas donde se incluyen otras áreas artísticas y hacen de éstas muestras interdisciplinarias. Sin lugar a dudas, la cultura forma parte indispensable en la creación de nuevas tendencias en la sociedad; por lo tanto, la danza es parte esencial de las manifestaciones, una parte que nunca dejará de moverse, reinventarse, expresar, contagiar, comunicar y perpetuarse. Como todas las artes, ha evolucionado y si bien se desarrolla como espectáculo y entretenimiento, también forman parte del trasfondo e identidad de una sociedad. Actualmente existe una gran diversidad de bailes y danzas —cada una con su contexto cultural— por lo que podemos agruparlas en las siguientes categorías: Danzas folklóricas son propias de las comunidades locales y forman parte de la fusión, del mestizaje; es decir, son parte de las manifestaciones populares o tradicionales de un país. Danzas artísticas son aquellas que se ejecutan como parte de un espectáculo, tales como el ballet clásico y la danza contemporánea.

Danzas urbanas nacen de los ritmos asociados a la música de la vida diaria y tendencias modernas, entre éstas se encuentran el break dance y los ritmos afrolatinos y caribeños conocidos mayormente como bailes de salón, que son en pareja y se practican para una competencia, demostración o fiesta. Por lo tanto, hablar de tendencias en la danza es hablar de diferentes ideas o puntos de vista puestas en ejemplo en la creación de coreografías, el uso de música contemporánea en el montaje de bailes creativos, la confección de vestuarios llamativos, por mencionar solo algunos. En la danza, las tendencias pueden ser eso que comúnmente se sigue, que se inclina hacia un fin o fines específicos, pero también es la creación. Por ejemplo, la danza contemporánea (que da origen a la tendencia hacia la danza moderna) que hoy se ofrece en muchas escuelas y recintos como una forma de comunicarse con el cuerpo, es un baile que va con nuestros tiempos, que contiene elementos del ballet fusionado con el baile libre. En la ‘danza moderna’ la mayor parte tiende a la improvisación donde la expresión del movimiento está marcado de manera personal por el bailarín, así como el uso de los diferentes estilos musicales. Hoy en día hablar de tendencias en la danza es un concepto amplio que abarca diferentes puntos de vista, muy respetables todos ellos; la danza es movimiento y esto conlleva a la ejecución, creación y seguimiento de nuevas tendencias que permitan y sean fuente de inspiración, amplíen la visión de lo que se quiere hacer, así como comprender estilos de vida; dar la oportunidad a que la mente y el cuerpo, a través del movimiento, comuniquen la belleza del lenguaje corporal en todo su esplendor. •

TE LO DIGO BAILANDO

La danza representa la libertad y la belleza de los más lindos movimientos.

DE PERFIL

Crear con luz propia:

Paola Arenas Texto Jorge Flores

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Iluminar durante años y en un sinfín de producciones, esa ha sido la función principal de Paola Arenas en el teatro; dar luz a espacios, personas, acciones y sensaciones. Una prolífica carrera llena de retos y aprendizaje. Hoy, con 37 años, hace una pausa, respira, replantea y está lista para seguir creando, esta vez, alumbrándose a ella misma. Fotografía en página anterior Ruy Muñoz | Fotografías en esta página Mon Solís

aola Arenas nació en Irapuato en 1984 aunque vivió y creció en Mexicali. En 2002 llegó a León para estudiar la universidad. Licenciada en Mercadotecnia por la Universidad De La Salle Bajío, posgrado en Gestión y Políticas Culturales por la Universidad Autónoma Metropolitana, especialidad técnica en Espectáculos en vivo por la Universidad de San Jorge en España, maestra en Educación por la Universidad Virtual del Estado de Guanajuato, académicamente ese es su currículum; pero sus exámenes más difíciles, sus maestros más exigentes han estado en el teatro, en cabina y tras bambalinas. La madre de Paola era fanática del teatro, así fue que de niña ella se emocionó con María del Sol en Cats y se sorprendió con Lolita Cortés en La Bella y la Bestia; desde entonces la escena la llamó, primero como público, luego el teatro la reclamó para llevarla a lo más profundo de sus entrañas. "Me gustaba el teatro, ir a ver teatro, siempre fue un gusto compartido con mi mamá, con la familia, pero jamás en la vida pensé «yo voy a hacer teatro»", platica en entrevista para Revista Cultural Alternativas. Paola comenzó su travesía en el teatro desde la universidad, luego pasó por distintas compañías y proyectos teatrales, siempre enfocando su trabajo a la producción y

la gestión. Participó en proyectos como Teatro Escénico con el maestro Tacho, Odisea Teatro y muchos más; al poco tiempo decidió concentrar sus esfuerzos en un espacio físico y fundó el Centro Cultural Cacahuate. "Hacíamos de todo, teníamos un forito, teníamos un pequeño cineclub, presentaciones de teatro, talleres de literatura, exposiciones de artes visuales, una videoteca, café, biblioteca y librería, y nos hicimos de nuestro público", recuerda con diversión. En el 2010, luego de cerrar Cacahuate, obtuvo el premio de la Práctica de Vuelo del Instituto Nacional de Bellas Artes, para después hacer un interinato en iluminación en el Teatro Stage Fest de Nueva York. "Ahí se me abrió otro panorama, decir «sí, lo que hacemos es independiente, chiquito, pero no estamos tan alejados de lo que estoy haciendo acá con compañías de toda Latinoamérica»", cuenta. En 2010 fue inaugurado el Teatro del Bicentenario y Paola comenzó una nueva época en su vida. Entró a trabajar como asistente de iluminación y en un par de meses, bajo la coordinación de Ángel Ancona, se convirtió en Jefa de foro del majestuoso inmueble. “Fue como la universidad, posgrado, doctorado; para mí fue trabajar con gente con la que nunca se me había cruzado en la cabeza trabajar”. Ahí conoció a compañías

DE PERFIL

y técnicos de todo el mundo, un catálogo internacional de estilos, teorías, técnicas y herramientas que le brindaron posibilidades para crear y producir. "Creo que nadie es más o menos, sino es el conjunto de todo lo que vas viendo, todo lo que he visto, todas las personas con las que he podido hablar, eso me ha dado mucha seguridad y muchas formas de solucionar; que al final es por lo que me buscan, porque saben que de alguna manera lo he visto y eso está bien padre, que se sientan seguros cuando estoy yo", declara con la satisfacción de recordar el trabajo bien hecho. Paola dejó el Teatro del Bicentenario luego de 4 años, se casó y a la par de que esperaba la llegada de su hija, se dedicó a la docencia y a una nueva etapa en su carrera como diseñadora escénica. Ahí encontró que disfrutaba diseñar, proponer, iluminar, transportar los escenarios a los lugares que los creadores imaginaban. Un momento de esos que dan rumbo a una carrera sucedió con Esto no es sobre discriminación, un proyecto escénico que realizó junto con Roberto Mosqueda. "Fue realmente un proceso muy interno, de preguntarnos cosas, de cuestionarnos qué queríamos decir y que nos enfrentamos a muchas dificultades en su momento que pudimos transformar en aciertos en la obra", explica. Después del éxito y de la validación que conlleva, Paola decidió dejar de preocuparse en saberse capaz y comenzó a repensar en qué era lo que iba a decir y hacer con esa capacidad. Desde su posición, ¿cuál sería su discurso? "Sabemos que tenemos un gran privilegio porque hacemos teatro, vivimos del teatro en México, vivimos del teatro en León, sí somos privilegiados en ese sentido". Desde ahí, explica que su objetivo es que ese privilegio sirva de algo, hablar de cosas que realmente importan y mantenerse fieles a su discurso. En 2020 apareció la pandemia y cambió al mundo. El arte escénico sufrió y hubo que reconstruir desde la tragedia, hubo que analizar qué producciones se podían rescatar, cuáles se podían adaptar a los nuevos formatos y cuales proyectos debían perecer por su inviabilidad. Vinieron otros flujos de trabajo, ensayos por Zoom, aprender a editar, pensar en cámaras y audio, considerar al público desde su casa.

Creo que nadie es más o menos, sino es el conjunto de todo lo que vas viendo, todo lo que he visto, todas las personas con las que he podido hablar. Esto se convirtió en discusiones en el gremio, si el teatro podría ser o no ser a través del streaming, discusiones que hoy ya son fútiles, “ya no importa cómo se llama, importa hacia dónde vamos”, declara Paola, y es que la realidad es ésta y la función debe continuar. En casi dos décadas, Paola ha visto crecer al gremio, a la academia, las instituciones; las artes escénicas en León ya son protagonistas. “Existe el gremio como tal, que discute, habla, propone y está. Se nos da ese lugar de que es una profesión. Así hemos ido armando otra mentalidad, de decir «esta es mi profesión, les guste o no, y voy a vivir de esto»”. En este momento de su carrera Paola ha decidido detener los pasos y replantear el camino. Desaceleró su trabajo como productora y ahora se encuentra escribiendo, imaginando mundos que ella quiere crear, darle a su experiencia una voz y convertirla en un proyecto. “Necesito parar, repensar, descansar. Entré en una dinámica de inercia y estoy juntando las piezas. Llevo 18 años haciendo teatro y me di cuenta que siempre le he dado luz a los demás, siempre he abonado al discurso de los demás y creo que es momento de hacer mi propia luz, mi propio lenguaje, crear desde lo que yo quiero decir”, finaliza una de las productoras e iluminadoras escénicas con más actividad en la región en los últimos años. •

ALTERNATIVAS 133

S O PA D E

VERD OLAGAS CON

ESPINAZO PA R A U N D Í A F R Í O Texto María Luisa Vargas San José

Las verdolagas son unos quelites. En México llamamos quelites (quilítl, en su forma náhuatl) a todas aquellas hojitas tiernas que crecen salvajes y libres entre los sembradíos, a la orilla de los ríos o incluso entre las grietas de las banquetas y que no han requerido del trabajo humano para aparecer en este mundo.

AGUA LA BOCA

os quelites más conocidos en nuestro país son: los romeritos, el quelite cenizo, quelite acumbo, quelite de frijol, quelite de venado, tequelite, la verdolaga, los malacates, los chivitos, el huauzontle, el pápalo quelite, el quintonil, la chaya, la lengua de vaca, la hierbamora, la guía de chayote, el chepil (o chipilín), la pipicha, el alache, la hoja santa (o acuyo), el berro, y por supuesto los quintoniles, que corresponden a la planta del amaranto en su estado más tierno, cuando la planta aún no ha floreado y se puede consumir como verdura… una verdura extraordinaria, por cierto, y muy valorada en las zonas rurales de casi todo el país. Los quelites han salvado del hambre a todos los pueblos del mundo; son variados según la temporada en la que aparecen y están llenos de nutrientes, generalmente hierro y calcio, con lo que llenan de esperanza los cuerpos de caldos y sopas, ensaladas y guisos tradicionales en las cocinas humildes que saben apañárselas alegremente con lo que la naturaleza regala espontáneamente. Hay mujeres como las verdolagas, nutricias, de espíritus libres y silvestres; yo conozco una que estando a punto de casarse comenzó a hacer su propia historia culinaria comenzando con los sabores de la familia. Esta receta fue la primera que apuntó en el cuaderno de cocina que la acompañará toda su vida. Se lleva con ella un pedazo de casa, de su infancia, una pócima mágica para recordar siempre quién es una y de dónde viene.

Sopa de verdolagas con espinazo Ingredientes • • • • • • • •

2 chiles anchos 2 chiles pasilla 1 diente de ajo ½ cebolla 2 jitomates 2 litros de agua Sal 1 kg de espinazo de cerdo

Modo de preparación Primero se doran levemente los chiles en el fuego directo de la hornilla y enseguida se cuecen 10 minutos en un poco de agua, cuando estén blandos, se licuan junto con el jitomate, el ajo, la cebolla, sal y un poco de agua. En la olla de presión se fríe ligeramente esta salsa y se le agregan los dos litros de agua y el espinazo. Se tapa y se deja cocer unos 40 minutos para que la carne quede muy suave. Se cortan y se lavan las verdolagas. Se desinfectan. Cuando el caldo con la carne esté listo, se agregan y se deja hervir hasta que se cuezan bien. Se rectifica la sal. Servir bien caliente y acompañado con tortillas recién hechas. •

ADL ET EA RR NT AI TS IT VA A AS A1 3R 3T I S T A

D E A RT I S TA

VALERIA ALONZO / Fotógrafa - Artista visual. Vale, como artista visual, se enfoca en la fotografía conceptual buscando representar pensamientos, situaciones y/o emociones de manera atractiva y poco obvia para el ojo del espectador. Su última serie, Que lo entienda quien se quiera es una representación de los procesos y descubrimientos que ha experimentado en su búsqueda del balance entre estar presente interna y externamente. Q /val.onzo

VIAJOUP / Músico - Cantautor. El Abuelo Joup vino a este plano a plasmar historias a través de la música, basándose en la imaginación y en la naturaleza del hombre, sin juzgar, sin pretender. Toma como base el amor universal en su máxima expresión. Q /viajoup

CÉSAR RODRÍGUEZ / Fotógrafo. César hace fotos en

A A RT I S TA Emmanuel Hur tado Skater

i nombre es Emmanuel Hurtado y soy skater. Como patinador comencé a ver videos de patinetas desde niño y me daba cuenta del particular arte que conllevaba cada uno. Solía hacer mis propias grabaciones y ediciones de video con aplicaciones en el celular, jugando con el dinamismo que un clip de skate me podía dar. El día que mi papá me prestó su videocámara de cinta empecé a prepararme más para conocerla y hacerla parte de mi día a día. He llevado esta cámara a fiestas o a la naturaleza y grabo todo lo que atrae mi atención. Durante mi proceso creativo me permito jugar con el glitch para distorsionar las imágenes o pasar de un clip a otro como transición, saturar los colores y darle vivacidad a la escena, realzando la estética propia y nostálgica que la videocámara me da. Me gusta conservar el dinamismo en mis videos, ya que mantiene un ritmo constante que es atractivo y divertido de observar.

blanco y negro, las cuales dice, son más fáciles de entender y darse a expresar por sí mismas. La nitidez crea un ambiente rugoso que le atrae mucho para darle textura y sentir más vida en una imagen. Q /p_a_a_n_ 5

LORENA SEQUEYRO / Artista visual - Fotógrafa Músico. El trabajo de Lorena se basa en la intervención y animación de collage, usando fotocopias basadas en sus fotografías y generando así una secuencia de imágenes veloces que contrastan entre negativos, creando videos dinámicos y atractivos. Q /lorenasequeyroz

Q / emmanuelgh

Las y los artistas que Emmanuel te recomienda son:

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PAULINA AYALA / Diseñadora - Artista digital. Pau crea a partir de la fantasía y lo onírico. Suele representar la naturaleza, flores y animales a la par de mundos paralelos fantasiosos, colores metálicos, formas abstractas y degradados. Inspirada en el pasado, presente y proyecciones del futuro. Q/pauayauu

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ZÓN A S DOR A EL M AHU L E D

Texto Silvia Palacios | Fotos Ruy Muñoz

En la avenida Roma con Tepeyac existe un lugar donde avivas tus sentidos a través de la gastronomía. El olor exquisito es una invitación a entrar, a primera vista te enamoras de la comida, sentir su textura es un anuncio de lo que instantes después saboreas a la par de escuchar un crunch que complementa una experiencia única. Es Esquina Roma y seguramente será tu próxima elección culinaria.

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o que nació como un hobby se convirtió en una fuente de empleo y en un lugar para degustar platillos a base de carne de puerco que deleitarán tu paladar hasta querer regresar una y otra vez. Elías Sepúlveda, dueño de Esquina Roma, platica sobre los antecedentes de este lugar y cómo poco a poco se ha ido posicionando en la zona hasta convertirse en uno de los referentes gastronómicos de la colonia Andrade. “En realidad el terreno lo empezamos a rentar varios amigos como un lugar para hacer carne asada los domingos (....) y de pronto decidimos empezar a vender hamburguesas”, de esto hace ya hace varios años, a finales de 2017 para ser precisos; con el tiempo y tras varios intentos, el lugar comenzó a posicionarse. Primero se llamaron Cletos, después fue Sir Porquiño y ahora Esquina Roma, pero la esencia sigue siendo la misma, la pasión por la comida ahumada. Y es que una de las principales características de este lugar se encuentra en el ahumador, que con leña de encino y tras una cocción que puede durar hasta 12 horas, es que llega tu platillo a la mesa.

“Somos un lugar de hamburguesas y costillas. Tenemos costillas ahumadas por ocho horas y cocinamos la carne de cerdo por 12 horas para que quede bien blandita en el ahumador de leña de encino”, menciona Elías, quien no escatima en mostrar su amor por la cocina, ya que de todos los amigos que se reunían los domingos a hacer carne asada, él fue quien tomó la batuta y ocupó el que inicialmente fue un baldío para continuar transformándolo en lo que ahora es y poner su toque al menú que se ofrece. Así, entre las delicias que puedes probar se encuentran la hamburguesa Elvis, con mermelada de zarzamora, mantequilla de maní, tocino y queso, que según cuenta la leyenda, así era como la comía Elvis Presley; también puedes disfrutar de la hamburguesa De la casa, una ricura que lleva pulled pork y tocino, y para los vegetarianos está la Veggie con portobello, cebolla morada encurtida, queso y aceitunas. Pero eso solo es el comienzo, ya que puedes probar unas costillas BBQ con ahumado especial, bañadas en una salsa secreta, acompañadas con un trozo de elote amarillo y pan. O bien, para compartir están las papas

EL SITIO

puerquitas que son 300 gramos de papas fritas bañadas en quesos y acompañadas de tocino y pulled pork, sin duda están para chuparse los dedos. El postre no se queda atrás. Qué tal terminar con un helado de tocino que está de rechupete. Quizá la combinación pueda sonar un poco inusual, pero una vez que lo pruebas, tu perspectiva cambiará. Todo esto lo puedes acompañar con una refrescante cerveza o una limonada, y si vas durante la temporada de diciembre podrías tener la suerte de probar la cerveza de la casa, una stout con toques de vainilla. El lugar no se queda atrás y es que definitivamente la ambientación va con el menú, pues es como si estuvieras en el patio de tu casa o de un amigo, comiendo y platicando a gusto mientras de fondo se escuchan clásicos de la década de los 80 en inglés. “Nos respaldamos mucho en el lugar, es un lugar al aire libre con naturaleza, está muy cómodo y ahorita en época de pandemia buscamos lugares al aire libre. En la noche se pone bien bonito, se ve el lugar totalmente distinto”, refiere Elías y agrega que incluso varios clientes le han comentado que viven en departamentos en la zona y al ir a Esquina Roma sienten que están en el patio de su casa. Sin duda, el toque lo pone el food truck que está en el lugar y que se ha convertido en un referente de Esquina Roma. Elías cuenta que el camión se los prestó un amigo para un traslado pero al final se quedó en el predio y se convirtió en cocina, bodega, barra; prácticamente cumplía todas las funciones. Con el tiempo se armó una cocina al fondo del restaurante y se le fue dando forma. “Este food truck llegó por pura coincidencia. Nos prestaron este camión para transportar unos instrumentos, era de un amigo, lo estaciono y él un día decidió meterle mano y construir un food truck aquí adentro, desde entonces el camión no se ha movido, sigue ahí estático o sea entró siendo un camión normal y se transformó”. Pero toda era termina para comenzar una nueva y la época del food truck está por terminar, ya que en poco tiempo será reemplazado por una pérgola y así ampliar el espacio de mesas. “Queremos hacer en diciembre una fiesta como despidiendo al food truck que nos dio pie a que se hiciera algo”, menciona Elías y agrega que éste será uno de los pasos de la remodelación de Esquina Roma, pensada para finales de noviembre e inicios de diciembre. Así, después de que en pandemia tuvieron que poner el ‘freno de mano’, cerrar por año dos meses y ven-

der solo comida a domicilio, la Esquina Roma retoma su camino y se prepara para tomar una nueva ruta que se convierta en su vía al éxito, que si bien ya tienen, buscan incrementar; incluso Elías no descarta que se abra una segunda sucursal, pues está consciente de que si bien no descubrieron el hilo negro de la cocina, sí han sabido ponerle ese toque especial que los hace únicos, tanto así que ya han sido contratados para llevar banquetes a eventos. La Esquina Roma se alista para armarla en grande y seguir conquistando a las y los leoneses con una comida que tiene su sello en el ahumador, pero donde la calidez y la calidad que ofrecen en los productos que ofertan a los comensales son ese gancho que termina por enamorarlos y queriendo regresar más de una vez. •

Esquina Roma Avenida Roma 807 esq. con Tepeyac, col. Andrade Jueves a domingo 14:00 a 22:30 horas E Esquina Roma Q esquina_roma

AL CIERRE

O F R E N DA S P O P - U P. U SA N Z A AC T UA L D E D Í A D E M U E RT O S Texto Edgar A. Aguirre Vega

eneración tras generación se han compartido —y se siguen compartiendo— las muchas manifestaciones en torno a esta celebración, desde su concepción más primitiva hasta modelos actuales, expresiones en las que claramente se identifica una evolución de las tradiciones originales, cambios adoptados —aceptables o no— que tienen que ver con momentos históricos y contextos sociales. Estas transformaciones, hoy en día, se ven reflejadas en casi la totalidad de las prácticas que tienen que ver con el Día de Muertos, como es el caso de las ofrendas. Muchas son sus reinterpretaciones y, como ejemplo, un grupo de ilustradores residentes en Guanajuato han hecho lo propio para presentar su visión respecto a esta particular herencia. Bajo la gestión y asesoría de Diana Alderete, las y los artistas de diseño digital crearon una exposición compuesta por 20 piezas originales desarrolladas a través de la técnica de ingeniería en papel, pop-up de 90 grados, realizada por Rodrigo Sepúlveda quien, junto a Diana, forma parte de Tanna Estudio. El pop-up refiere a un tipo de mecanismo cada vez más empleado, que se incorpora a libros u objetos desplegables y que funcionan al realizar un movimiento entre dos o más páginas o caras. Sincretismo, ofrenda tradicional, origen y transformación de la ofrenda, son temáticas que se abordan en Ofrendas Pop Up, título de

Las tradiciones de Día de Muertos en México son fuente valiosa de la que se nutre la identidad de sus pueblos y habitantes; es tal el encanto y trascendencia que también son reconocidas a lo largo y ancho del planeta, y replicadas a través de numerosas y diversas formas. esta muestra que, a partir del 28 de octubre y hasta el 26 de noviembre, presenta el Centro Cultural México Plaza en colaboración con el Instituto Cultural de León a través de su Dirección de Fomento Cultural y Patrimonio; actividad que forma parte del programa ‘Avivando la tradición, Día de Muertos en el Centro Cultural México Plaza’. La creación, desarrollo y construcción de las diversas piezas obedece a reinterpretaciones, estilos y temas de interés personales, por supuesto explorando el funcionamiento y aplicaciones del mecanismo pop-up. Las y los ilustradores creadores de estas ofrendas son: Caro Segura, Cristina Sánchez (Cris Garabatos), David Andrade, Diana Alderete (Diana Hawaiana), Esaúl Córdova (Psiconauta), Ghostkid Monster, Hugo Cortez (Hugonimus), Israel Pérez (Zabraxxas), Jesús Bran (Totopo), Juls Maldonado, Mariel Gutiérrez (Rucksi), Mario Brizuela (Cimik), Mario López, Miguel Olmos, Mr. Lemonade, Orestes Mora (Old Magic Design) y Ros Martínez. En 2017, Tanna Estudio llevó a cabo la primera edición de este tipo de exposiciones de ofrendas pop-up en la ciudad de León, replicando esta actividad en 2018, 2019 y ahora en 2021. Este estudio de diseño, fundado en 2016, une el diseño y la ilustración con la ingeniería en papel para crear proyectos y productos innovadores dentro del ámbito educativo, cultural y empresarial.

Disfruta y comparte esta tradición a través de la exposición que estará instalada en la galería del Centro Cultural México Plaza, ubicado en Paseo de los Insurgentes #3356 en la colonia San José de las Piletas. El horario de visita es de lunes a viernes de 10:00 a 19:00 horas, sábados y domingos de 10:00 a 14:00 horas; con un acceso libre y aforo controlado. Importante destacar que dicho espacio cuenta con la certificación Safe Travels, así como el distintivo Guanajuato Sano, asegurando ser un espacio seguro para sus visitantes.•

AGENDA CULTURAL

R E V I STA C U LT U RAL

ALT E R NAT I VAS

NOVIEMBRE VISITA LA AGENDA

Programación sujeta a cambios sin previo aviso.

EN NUESTRO SITIO WEB

Actividad Instituto Cultural de León

MÚSICA FIACmx: Vano Sonoro Emilio Hinojosa y Jorge Solís (México)

 Plaza de Gallos  Martes 23



18:00 horas



Boletos en Ticketmaster Consulta la programación en fiacmx.com

 fiacmx.com

Anuncia aquí tus eventos. Manda los datos al correo alternativasdifusion@gmail.com a más tardar el 15 de cada mes.

FIACmx: Tres cartas desde Sarajevo Goran Bregovic (Eslovenia), Orquesta Sinfónica Pinto Reyes y Coro de Cámara del ICL

 Teatro Manuel Doblado  Viernes 26  20:00 horas

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 $928 y $1500 Consulta la programación en fiacmx.com Boletos en Ticketmaster

FIACmx: Cumbiancheros / Sonido Gallo Negro, Son Rompe Pera, Corroncha Son y QVLN & DJ Sunny Z (México)

 Por confirmar  Domingo 28  18:00 horas

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 Sin costo Consulta la programación en fiacmx.com

FIACmx: Requiem para mi amigo / Zibegnew Preisner (Polonia), Camerata Académica y Coro de Cámara del Instituto Cultural de León

 Teatro Manuel Doblado  Domingo 28  18:00 horas

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$928 y $1500 / Boletos en Ticketmaster Consulta la programación en fiacmx.com

Los Auténticos Decadentes

 Foro del Lago Explora  Miércoles 3  21:00 horas

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$450, $550, $690, $900, $950 Boletos a la venta en boletomovil.com

Festival Internacional Cervantino: Contigo aprendí. Homenaje a Armando Manzanero / Tania Libertad (México)

 Distrito León MX  Viernes 5  19:00 horas

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 Sin costo Semipresencial, proyección virtual del evento

DLD

 Foro del Lago Explora  Sábado 6  20:00 horas

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$550, $650, $795, $995, $1,035 / Boletos en eticket.mx

Don Giovanni, de Wolfgang A. Mozart

 Teatro del Bicentenario Roberto Plascencia Saldaña (3, 5 y 7) / Teatro Juárez (14)

 Miércoles 3, viernes 5, domingos 7 y 14

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19:00 horas $150, $190, $400, $450, $600, $700, $730, $750 Boletos en Ticketmaster y taquillas del teatro

Festival de la Canción 2021

 Eliminatoria: jueves 4 / Gran Final: viernes 5

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Elim: 16:00 h / GF: 18:00 h

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GF: Facebook Cultura De La Salle Bajío ¡Conéctate a la transmisión en vivo y responde el formulario!

 Elim: Facebook Club de Televisión UDLSB /

Dúo Manik’ (Gerardo Aponte, viola, Óscar Espinoza, piano)

 Sala de Conciertos Galería Valle de Señora  Domingo 14

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13:30 horas Donativo $100 galeriavalledesenora.com y en redes sociales @galeriavalledesenora

Marineros

 Paruno Central de Música  Sábado 20

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20:00 horas $200 Boletos en wegow.com/es-es/conciertos/ marineros-petite-amie-disco-bahia-en-leon

Santa Fe Klan

 Foro del Lago Explora  Sábado 27

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21:00 horas $510, $620, $780, $1,015, $1,075 Boletos a la venta en eticket.mx

T E AT R O VI CEADH: Respira y Chuta (Mi vida en fuera de lugar), de Verónica Villicaña

 Sábado 6

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18:00 horas

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Consulta el programa en bit.ly/ProgramaVICEADH

 congresodeeducacionartistica.com

Mushamukas, Ensamble de Contrabajos

Más Escena 2021: La Conquista del Pan (Lxs de Abajo)

 Sala de Conciertos Galería Valle de Señora  Domingo 28

 Espacio de Lxs de Abajo

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13:30 horas Donativo $100 galeriavalledesenora.com y en redes sociales @galeriavalledesenora

(San Carlos 191, San Juan de Abajo)

 Sábados 6 y 13, domingos 7 y 14

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18:30 horas $100 Boletos en bit.ly/ConquistaDelPanMásEscena

Banda de Música del Estado de Guanajuato

Más Escena 2021: Civil (Un Colectivo)

 Jardines del Forum Cultural Guanajuato  Domingo 28

 Teatro María Grever  Viernes 12 y 19  20:00 horas

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13:00 horas Sin costo

 Vía Zoom

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Presencial $100 Zoom $80 Boletos: bit.ly/MásEscenaCIVIL

Más Escena 2021: Silvifonía (AIG)

 Teatro María Grever  Sábados 13 y 20, domingos 14 y 21

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Sábados 19:00 horas, domingos 13:00 horas  Vía Zoom  Presencial $100 Zoom $80  Boletos en bit.ly/MásEscenaSilvifonía Más Escena 2021: Yermicidio (Gitanos Teatro)

 Teatro María Grever  Domingos 14 y 21  19:00 horas

 Vía Zoom  Presencial $100 Zoom $80

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Boletos en bit.ly/MásEscenaYermicidio

FIACmx: Príncipe y Príncipe / La Caja Teatro (México)

 Teatro María Grever  Martes 23

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18:00 y 19:30 horas  Sin costo Consulta la programación en fiacmx.com

CINE León International Film Festival: Proyección de 7 Cortometrajes Nacionales

 Auditorio Antonio M. Lozano (De la Salle Bajío)  Jueves 25  14:00 horas

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Sin costo

Gira Festival Internacional de Cine de la UNAM en Forum Cultural Guanajuato

 Jardín de las Jacarandas

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 19:00 horas

Sin costo (registro previo) Para mayores de 18 años

• Las facultades (lunes 22), Nunca subí El Provincia (martes 23), Ricochet (miércoles 24), Los fundadores (jueves 25)

DANZA

FIACmx: Nacahué / Los colochos (México)

 Teatro María Grever  Viernes 26

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18:00 horas  Sin costo Consulta la programación en fiacmx.com

FIACmx: Un círculo de hogueras / E. Rosales (México)

 Viernes 26 (17 h) y sábado 27 (17 y 19 h)

VI CEADH: Mujeres mexicanas en las artes (Grupo de danza jazz Vitalidad)

 Viernes 5  18:00 horas  congresodeeducacionartistica.com

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Consulta el programa en bit.ly/ProgramaVICEADH

 Vía Zoom  Sin costo

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Consulta la programación en fiacmx.com

FIACmx: Moria / Una hora menos (España)

 Plaza de Gallos  Sábado 27 y domingo 28

 

Sábado 20:00 horas y domingo 13:00 Boletos en Ticketmaster Consulta la programación en fiacmx.com

VI CEADH: Programa inspirado en la literatura de Rosario Castellanos (Grupo de danza contemporánea Espiral)

 Viernes 5  18:30 horas  congresodeeducacionartistica.com

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Consulta el programa en bit.ly/ProgramaVICEADH

Tina y Tomás / Colectivo “Pies hinchados” (México)

VI CEADH: Leyenda del Cocotero (Grupo de danzas polinesias Tuhei)

 Terraza del Jardín de las Esculturas  Viernes 19  18:00 horas

 Sábado 6  19:00 horas  congresodeeducacionartistica.com

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Sin costo (registro previo) Para toda la familia (pieshinchadosteatro.com)

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Consulta el programa en bit.ly/ProgramaVICEADH

FIACmx: Odissey / Dancing Wheels (EE. UU.) Horas de gracia de Juan Tovar Último sueño de Agustín I

 Teatro Manuel Doblado  Miércoles 24  18:00 horas

 Sala Principal del Teatro del Bicentenario

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Roberto Plasencia Saldaña  Sábado 20 (19:00 h) y domingo 21 (18:00 h)  Boletos en Ticketmaster y taquillas del teatro El gurú / Baketa Teatro (México)

 Terraza del Jardín de las Esculturas  Viernes 26  18:00 horas

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Sin costo (registro previo)

Boletos en Ticketmaster Consulta la programación en fiacmx.com

FIACmx: Territorios coreográficos, Morras Creadoras en México / Claudia Lavista (México)

 Plaza de Gallos  Jueves 25  18:00 y 20:00 horas

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 Sin costo Consulta la programación en fiacmx.com

EXPOSICIONES Segundo ciclo de exposiciones de la Coordinación de Artes Visuales del Instituto Cultural de León

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Entrada general 10 pesos

Festival Internacional Cervantino Instalación: La naturaleza de nuestros encuentros. Videoarte de la Colección FEMSA en el MAHG

 Sala CoLab / Forum Cultural Guanajuato  Permanencia: 27 de febrero de 2022

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Sin costo

• La Máscara de la Maringuía / Tuxamee

C H A R L AS

 Sala Blanco y Negro de la Galería Jesús Gallardo

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Martes a sábado 10:00 a 18:30 horas, domingos 11:00 a 18:30 horas Permanencia al domingo 7 de noviembre

• Polvo viejo, un lugar en otro lugar / Varios artistas

 Galería Eloísa Jiménez

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TA L L E R E S

Inauguración VI Congreso de Educación Artística para el Desarrollo Humano (VI CEADH)

 Jueves 4  9:00 horas  congresodeeducacionartistica.com

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Consulta el programa en bit.ly/ProgramaVICEADH

Martes a sábado 10:00 a 18:30 horas, domingos 11:00 a 18:30 horas Permanencia al domingo 7 de noviembre

VI CEADH: Conferencias magistrales

• Radiante bosque sempiterno / Rafael Centeno

 congresodeeducacionartistica.com

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 Salas 1 y 2 del Teatro María Grever

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Martes a sábado 10:00 a 18:30 horas, domingos 11:00 a 18:30 horas Permanencia al domingo 7 de noviembre

• Se borró al despertar / Xawery Wolski

 Planta alta de la Galería Jesús Gallardo

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Martes a sábado 10:00 a 18:30 horas, domingos 11:00 a 18:30 horas Permanencia al domingo 7 de noviembre

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Consulta el programa en bit.ly/ProgramaVICEADH

• Arte y feminismo: entre la educación amorosa y la educación por ósmosis / Mónica Mayer (México)

 Jueves 4

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9:30 horas

• Equidad de género y sistemas cooperativos para la docencia de las artes / María Teresa Paulín (México)

 Jueves 4

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18:00 horas

• Arteducación y el currículum de los cuidados Aisel Wicab (México)

• Siete cuadernos para una bibliotec de exposiciones / Diane Wilke

 Viernes 5

 Planta baja de la Galería Jesús Gallardo

• El cuerpo de la mujer y el cuerpo social, una narración extendida / Laura Szwarc (Argentina)

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Martes a sábado 10:00 a 18:30 horas, domingos 11:00 a 18:30 horas Permanencia al domingo 7 de noviembre

 Viernes 5

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9:00 horas

18:00 horas

¡Visita el MiM en pareja!

 Mi Museo Universitario De La Salle  Lunes a viernes  9:00-14:00, 16:00-17:30 h

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Sin costo

Inauguración de la exposición temporal Trayectorias. Manuel Felguérez

 Vestíbulo del Museo de Arte e Historia de Gto.  Jueves 18  19:00 horas

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Sin costo (registro previo) Permanencia al 27 de marzo de 2022

Somos la Martinica. Somos Forum. ¡15 años viviendo al arte juntos!

 Sala Feliciano Peña  Permanencia: 30 de enero 2022

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$25 / Preferente $15 / Domingos sin costo

Taller de Arte y Diseño en Joyería Dirige Germán Ruelas, artista orfebre joyero

 Inicia febrero 2022

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477 3967647 o 477 4978443 ventasgermanruelas@gmail.com

VI CEADH: Círculos de diálogo

 congresodeeducacionartistica.com

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Consulta el programa en bit.ly/ProgramaVICEADH (Cupo limitado)

• El arte realizado por mujeres / Cris Arveláez (México)

 Jueves 4

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15:30 horas

• La educación gestionada por mujeres / Chela Nieto y Dirse Tovar (México)

 Jueves 4

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18:00 horas

• Prospectiva de la educación artística con perspectiva de equidad de género / María Teresa Paulín (México)

 Viernes 5

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15:30 horas

• Coyuntura feminista y educación / Abril Saldaña (México)

 Viernes 5

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18:00 horas

VI CEADH: Panel Mujeres de batuta / Leticia Gallardo Martínez, Indra Ortiz Vega, Ana María González Mezquia (México-Cuba)

 Sábado 6  10:00 horas  congresodeeducacionartistica.com

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Consulta el programa en bit.ly/ProgramaVICEADH

VI CEADH: De viva voz (entrevistas)

 Del jueves 4 al sábado 6

 congresodeeducacionartistica.com

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Consulta el programa en bit.ly/ProgramaVICEADH

VI CEADH: Talleres

 Del jueves 4 al sábado 6  Vía Zoom (cupo limitado)

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Sin costo, consulta disponibilidad en el Facebook del Instituto Cultural de León

• La palabra y el cuerpo. Taller de poesía escrita, en voz alta y memoria / Cynthia Franco (México)

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11:30 horas

• Laboratorio de arte sobre/desde el cuerpo femenino / Rocío Cerón (México)

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11:30 horas

• ¿Cómo mover una piedra en el vacío? Estrategias feministas del arteducación / La Hervidera (México)

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11:30 horas

• Otras pedagogías posibles / Columba Zavala (México)

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11:30 horas

• El arte realizado por mujeres, narrado por mujeres / Florencia Molfino (México)

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11:30 horas

• El cuerpo hojaldrado / Laura Szwarc (Argentina)

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11:30 horas

• Arte y feminismo: entre la educación amorosa y la educación por ósmosis / Mónica Mayer (México)

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Jueves 12:30 horas / Viernes y sábado 11:30 horas

• Poéticas del gusto: la simbiosis culinaria como elemento transformador vital Suraia Abud (Uruguay)

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11:30 horas

• Emprendimiento para la educación artística / Gabriela German Jalil (México)



11:30 horas

• La música en el desarrollo del ser humano / Kitzia Weiss (México)

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11:30 horas

C O N V O C AT O R I A S

León International Film Festival: Master Class Montaje para un cortometraje

 Auditorio Antonio M. Lozano (De la Salle Bajío)  Viernes 26  14:00 horas

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Sin costo

Décimo Concurso de Música / Escuela de Música de León

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Cierre de convocatoria 26 de noviembre Registro en bit.ly/Conv10CMúsica

Diálogos y Senderos Creativos

 19:00 horas Sin costo  Facebook: Universidad De La Salle Bajío  Jueves 18

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Taller de Doodles y Mindfulness

 17:00 horas Sin costo  Facebook: Universidad De La Salle Bajío  Sin inscripción, responde el formulario correspondiente  Martes 23

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F E R I AS

F E S T I VA L E S

XXIV Festival Internacional de Arte Contemporáneo, Paraíso Perdido

 Distintas sedes del Instituto Cultural de León

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Viernes 26 Boletos en Ticketmaster Consulta la programación en fiacmx.com

Festival Internacional del Globo

 Parque Metropolitano de León

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Del viernes 12 al lunes 15 Boletos en web.superboletos.com