Revista Cultural Alternativas n° 107. Economía naranja by Revista Cultural Alternativas

índice Número 107

Julio 2019

r e v i s ta c u lt u r a l a lt e r n at i va s

Cuando la cultura sí deja algo más que satisfacciones

De Perfil - Un alma dancística llamada Alejandra Ramírez

rodolfo núñez

por

6 tania pérez

por

8 León no es verde, es naranja karla paola martínez trejoluna por

daniel rentería

22 Dogville a escena portania pérez

42 Agua la boca - La despensa del Faraón por

maría luisa vargas

El negocio del entretenimiento

El arte, la mejor inversión

El Sitio Un santuario para tus sentidos

por

tania pérez

por

tania pérez

por

12 Bitácora de una freelancer

por

Rollos velados - Regresan los sábados de Cineclub

Economía naranja por

silvia palacios

laura fernanda meraz

26 El Especial - Una semana de monólogos por

tania pérez

daniel rentería

48 Al cierre Arriba el telón en Purísima por

redacción iec

Narrativa Breve - INSPECCIÓN SECUNDARIA/ SECONDARY INSPECTION

Mapa

Casas de la Cultura: espacio formador de artistas

Entre líneas – Cultura Mainstream

Agenda

Hakken - Manga: negocio ‘redondo’ por

por

josé luis rojas – shimbun

silvia palacios

alternativasedicion@gmail.com correo

Instituto Cultural de León Revista Cultural Alternativas facebook

por amaranta

por

caballero

tania pérez

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Revista Cultural Alternativas Julio 2019 issuu

STAFF ALTERNATIVAS Elizabeth Reyes directora editorial Tania Pérez editora Esaúl Córdova director de arte

R E V I S TA C U LT U R A L A LT E R N AT I V A S

Yolanda Gutiérrez de Velazco publicidad Ruy Muñoz diseño

NÚMERO

W W W. I N S T I T U TO C U LT U R A L D E L E O N . O R G . M X

107

PORTADA: Esaúl Córdova

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Silvia Palacios corrección de estilo Daniel Rentería redacción Victoria Salado asistente Eduardo Villanueva apoyo Javier Pérez, Isaías Álvarez, Francisco Velázquez, Hugo Martínez distribución —

DIRECTORIO ICL Héctor López Santillana Presidente Municipal de León Carlos María Flores Riveira director general

EDITORIAL Las ideas innovadoras, la producción y venta de arte, el comercio generado a partir de las tradiciones o celebraciones de una región y la industria del entretenimiento, son tan sólo unos ejemplos de dónde está y qué es la economía naranja. Mientras que el inglés John Howkins le llama economía creativa, en Latinoamérica se le conoce más con el nombre acuñado por los colombianos Felipe Buitrago e Iván Duque, que hace referencia al color asociado con el ingenio y la creatividad. La economía naranja es un término que deben conocer los artistas, diseñadores, gestores y freelancers, porque a partir de la creación de obras o aplicación de ideas están inmersos en esta industria; pero también deben profundizar en ésta los políticos, economistas, empresarios y maestros, pues este tipo de inversiones y apuestas ofrecen ganancias infinitas, como el ingenio de la humanidad.•

José Antonio Alvear director de desarrollo académico Katia Nilo directora de desarrollo artístico y cultural Lizbeth Orozco directora de administración y Finanzas Nora Delgado directora de fomento cultural y patrimonio Roberto Landeros director de infraestructura y servicios operativos

Una edición del Instituto Cultural de León. Plaza Benedicto XVl, s/n, León, Guanajuato, México. Tels: 716 4001 y 714 0326.

Tiraje julio 2019: 4,000 ejemplares. Impreso en papel bond de 90 gramos con portadas en couché de 250 gramos.

La dirección editorial de Alternativas no hace suyas las opiniones de sus colaboradores pero sí defenderá donde corresponda su derecho a la libertad de expresión. Esta revista no sería posible sin el apoyo de todo el personal del ICL. Gracias a nuestros lectores, patrocinadores y anunciantes por apostar por la Cultura.

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Cuando la cultura sí deja algo más que satisfacciones Texto Rodolfo Núñez

“La cultura no hace dinero (y el dinero no hace cultura)” resulta una frase acuñada durante años entre algunos miembros de círculos culturales para justificar que la actividad cultural está lejana de poder ser un negocio rentable económicamente. La historia moderna ha dejado claro que esta frase resulta ser falsa y hasta cierto punto, demuestra más falta de visión que realidad de gremio. La llamada economía naranja es un concepto acuñado por el BID (Banco Interamericano de Desarrollo) en el año 2013 y se adjudica a los autores Felipe Buitrago e Iván Duque. Es un concepto que ha cobrado fuerza en los últimos años en ciudades de países con desarrollo cultural y creativo que ha generado un nuevo paradigma: sí se puede ser creativo o mantener un nivel cultural elevado al tiempo de ser rentable económicamente. En esencia, la economía naranja tiene su sustento en el desarrollo de las actividades culturales, ya que crea una fusión entre la misma cultura y los principios económicos tradicionales como la venta, el marketing y la generación de utilidades. La economía creativa, por su parte, abre un campo muy amplio de posibilidades, desde la creación de encuentros de los sectores tecnológicos con los objetivos de la economía creativa, así como la obtención de recursos por medio de ideas y propuestas con productos creados a favor del público (llamémosle como es: el consumidor). Podemos encontrar como parte de la economía creativa, el desarrollo de proyectos en campos audiovisuales, artísticos, sectores de diseño y grupos de edición y del espectáculo. De acuerdo con datos publicados por la UNCTAD (Unidad de Comercio y Desarrollo de las Naciones Unidas, por sus siglas en inglés) la llamada economía naranja es un negocio que se estima en aproximadamente 4,293,000 millones de dólares anuales a nivel mundial (nada mal para ser un negocio que antes de 2010 no se creía capaz de generar riqueza), mientras que el estimado en América Latina es de 175 mil millones de dólares. En el documento La economía naranja. Una oportunidad infinita, de los autores mencionados Buitrago y Duque, se obtienen ejemplos muy cercanos que permiten identificar con plenitud el alcance de este segmento económico: Cirque Du Soleil, Netflix, el Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá, el Festival de Río de Janeiro, son sólo algunos pequeños ejemplos del potencial económico, social y cultural que representan los alcances de esta nueva definición económica, y a partir de ésta, no sólo se acaba el mito de que la cultura no representa dinero, por el contrario, el mundo moderno nos ha demostrado que la cultura y la creatividad generan (mucho) dinero y posibilidades de desarrollo “infinitas”. •

Rodolfo Núñez. Encuestador, asesor, mercadólogo, observador social y amante del arte y la cultura.

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patrimonio cultural y material

Venecia, París, Brujas, Guiza, Barcelona, Isla de Pascua y Teotihuacán, son lugares atrayentes para propios y ajenos por el simple hecho de la preservación de su patrimonio cultural tangible, visible principalmente en su arquitectura, además de ser enriquecido por las experiencias creadas en esos sitios por el patrimonio cultural intangible.

ESPECTÁCULOS Y CELEBRACIONES Los Festejos Patrios en México, el Año Nuevo en China y el Oktoberfest en Alemania, son celebraciones tradicionales que en las fechas cercanas a su realización generan un movimiento económico momentáneo pero interesante de analizar. Lo mismo sucede con la presencia de espectáculos en alguna ciudad o estado, como los conciertos masivos o festivales internacionales.

ECONOMÍA

De acuerdo con la ONU, la economía creativa se divide en seis dominios culturales (1 a 6) y dos más relacionados a estos (7 y 8); así también lo expone el economista, investigador y consultor gubernamental colombiano, Felipe Buitrago, en su libro La economía naranja, una oportunidad infinita.

Diseño y servicio creativos

La economía naranja no se ve sólo en los productos o servicios que son artísticos o culturales, sino también en diferentes industrias que se benefician con ideas innovadoras que mejoren el funcionamiento de un objeto cotidiano existente o un proceso producción en masa.

Audiovisuales y medios interactivos El cine es uno de los principales productos de la industria del entretenimiento pues éste es el más consumido en el mundo; a él se le suman medios de comunicación convencionales como videos, radio y televisión, y ‘nuevos’ modelos para producto recreativos como podcasting, mainstreaming, juegos de video y animación.

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artes visuales y artesanías La muestra y venta de pinturas, esculturas y fotografías, así como artesanías representativas del lugar, son parte de la riqueza cultural de una comunidad y generan ingresos directos para los mismos creadores.

libros y prensa Uno de los métodos más antiguos y siempre funcionales para informar y entretener, son las publicaciones impresas, desde un libro de filosofía que sólo entienden los expertos, el periódico de una ciudad o bien un cómic infantil, son productos creados desde la intelectualidad.

NARANJA 7

turismo

Así como existe el ‘turismo cultural’, el ‘turismo religioso’ o el ‘turismo de negocios’, también existe el ‘turismo naranja’ y se basa prácticamente en las experiencias que podrá vivir el viajero en cierto lugar que no podrá vivir en ningún otro.

deportes y recreación Desde los juegos intercolegiales a la final de un Mundial de Fútbol, son actividades recreativas que mueven dinero en la venta de las entradas, el diseño y venta de merch, el consumo dentro de un estadio o deportiva, el pago de servicios por movilidad y hospedaje, entre muchos más.

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LEÓN no es verde, es naranja Texto Karla Paola Martínez Trejoluna

¿Cómo percibes a León en materia creativa? ¿Qué opinión tienes acerca del valor del arte y de quienes lo crean, promueven e impulsan? ¿Sabes el estado de salud de su economía naranja y la importancia de tu participación en ella?

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dando cabida a proyectos frescos de teatreros guanajuatenses así como a nuevos públicos que están conociendo de primera mano la actividad teatral local. Mención especial merece la creación y mantenimiento de nuevos festivales culturales no sólo impulsados por las instituciones gubernamentales sino también desde la sociedad civil y la participación cada vez más activa del público leonés en las distintas actividades en materia artística y cultural. Con todo este panorama, ¿qué es lo que nos toca? ¿Cómo contribuir a que nuestra economía naranja refleje cada vez más números positivos? Además de sumarnos con acciones simples como el consumir lo local, participar de la vida cultural, apoyar nuevas ideas y ser activos en el mundo digital, el gran compromiso que tenemos es el de seguir aprendiendo y no dejar de buscar soluciones, una acción que nos involucra a todos más allá de nuestra edad. Si queremos que León sea cada vez más naranja y que nos dé ganancias más allá del dinero, no debemos dejar de crear, de apoyar y aprender, de crecer; involucrar a nuestros hijos en el arte, invitarlos a conocer y ver con otros ojos su mundo, porque el arte, nuestro patrimonio y nuestras ideas son una fuente inagotable de riqueza, esa riqueza que va más allá del dinero, esa riqueza cuyo valor va siempre al alza. •

a economía creativa es un concepto interesantísimo acuñado por el autor británico John Howkins, conocido en Latinoamérica como economía naranja, en donde las ideas, el arte, la tecnología, la creatividad y el patrimonio cultural juegan un papel fundamental y del que de ninguna manera estamos ajenos. León actualmente es una ciudad que ya no es solamente percibida como zapatera sino también un sitio de servicios, convenciones, tecnología, deporte, turismo cultural. En este territorio encontramos muchos artistas y gestores independientes que a diario impulsan nuevos espacios de creación, una población en donde instituciones públicas y privadas están poniendo cada vez más en el centro de sus objetivos la promoción del patrimonio cultural y la revaloración de su identidad, una población en la que el interés por parte de empresas y asociaciones civiles por cambiar vidas a través de la música ha dado frutos. Con todo esto, León vive una etapa crucial: constituirse de verdad como un espacio en el que esas propuestas creativas encuentren las redes adecuadas de distribución y consumo en donde la participación ciudadana juega un papel fundamental. Y es que una ciudad creativa se construye con pequeñas grandes acciones y para muestra basta sólo un botón: la estrategia digital del Club León que no sólo le ha dado valor a su marca sino que ha logrado conectar con su mensaje tanto con sus seguidores de siempre como con nuevas audiencias (en las que me incluyo), el otorgamiento de espacios públicos a un gran número de artistas del grafiti que han transformado apagados muros en bellos y coloridos lienzos vivos, el impulso de la Marca Ciudad cuyo origen viene de la iniciativa privada y la sociedad civil con la intención de propiciar el orgullo por ser leonés y consumir lo local; o la adopción del concepto de microteatro que ha llegado a la ciudad con una muy buena aceptación,

Para sumarte y conocer más, te recomiendo consultar: https://www.regionnaranja.org https://info.iadb.org/region-naranja/ Karla Paola Martínez Trejoluna. Dedicada a la difusión del arte desde hace 19 años y actualmente es Coordinadora de Comunicación Social del Forum Cultural Guanajuato.

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EL NEGOCIO DEL

entretenimiento Texto Tania Pérez | Fotografía Ruy Muñoz

Una persona en León o sus alrededores asiste a una o dos actividades de entretenimiento al mes y en ellas gasta cerca de mil pesos. Si son eventos masivos, la decisión de esta inversión la toma, en promedio, con dos meses de anticipación.

Hubo una temporada en que la trova y el teatro de revista vendían cientos de boletos cada fin de semana y abarrotaban foros como Madeiras o Rodeo Bravo, pero los tiempos cambian y las tendencias también, y estos fenómenos deben ser de conocimiento obligado para cualquier promotor o empresario dedicado al negocio del entretenimiento, como Juan Carlos Contreras. “Todo tiene su tiempo, anteriormente lo que daba una ganancia exagerada eran los bailes gruperos, pero ya no va la gente como iba antes, había veces que iban 30 o 40 mil personas, ahora no, el mismo grupo te jala 10 mil o 5 mil y tu maquinaria de publicidad debe ser exagerada también, entonces ahorita ya no es negocio”. Juan Carlos tiene más de 30 años dedicándose a gestionar o promocionar espectáculos en León y ciudades cercanas, desde lucha libre hasta ballet clásico, experiencia con la que aprendió a conocer y reconocer los gustos y gastos de su público. Según sus cálculos, en el Bajío las personas buscan asistir a uno o dos eventos masivos por mes y en cada uno se gasta aproximadamente 500 pesos por asistente, (una inversión considerable pues de acuerdo con el INEGI, un empleado del sector cuero calzado percibe en promedio 320 pesos por día de trabajo, menos prestaciones) y la decisión de adquirir entradas para algún espectáculo, o sea, invertir en su esparcimiento, normalmente la toma con dos meses de anticipación. “En León antes era un 10 por ciento de personas que compraban el boleto antes, si ibas a meter mil gentes, te llegaban 100 con su boleto y las otras 900 lo compraban al día, eso era antes”. El tiempo en el que inicia la venta fuerte del boletaje tiene que ver con el momento en que arrancan las campañas publicitarias para los eventos. Juan Carlos asegura que en años anteriores difundir un evento con 15 días de anticipación era suficiente y para ello utilizaba elementos básicos como una manta publicitaria en el recinto, presencia en periódicos y menciones en radio. Siempre en ese orden.

Ahora, con la amplia cantidad de canales de comunicación y la cada vez más amplia oferta recreativa en la ciudad, la apuesta en difusión tiene que ser mayor en inversión y tiempo. “Ha cambiado mucho nuestro sistema de publicidad, tienes que invertirle a las redes, mucho de redes, radio, espectaculares, vallas móviles… hay que hacer más. Aquí en León hay dos, tres personas que se dedican a hacer promoción del evento en la parte publicitaria y antes lo hacía uno de todo a todo, pero ahora no nos podemos dar el lujo porque sí sale mucho trabajo”. Con el paso de los años, el crecimiento de la ciudad en infraestructura y programación, así como la formación de públicos en la que han contribuido empresas privadas, colectivos independientes, artistas locales y nacionales, además de instituciones gubernamentales, han forjado en León una cultura de consumo de espectáculos variados con público que pide actividades en temporadas que solían ser ‘flojas’, como las primeras semanas después de la Feria de León. “Ahorita ha cambiado, pero hubo un tiempo en que los empresarios decían «a León hay que llevar grupero y te llenan, llévale a Tigres, a Temerarios, a la Banda Limón y tienes éxito, llévales cultura y no va la gente» y no, un tiempo sí fue así pero ya no, la gente ya tiene más cultura, ya buscan un cambio”. Aún así, y como el negocio es negocio, entre espectáculos infantiles, conciertos masivos y obras de teatro de gran renombre que trae Juan Carlos a León, asegura que lo que por el momento le que deja más ganancias son los shows de standuperos –por los bajos costos de producción y la alta venta de entradas con poco esfuerzo–, muchos de ellos programados en el Teatro Manuel Doblado, recinto que a partir de la renta del mismo genera capital para sustentar programas de gestión y autogestión cultural como Territorios Culturales, del Instituto Cultural de León.•

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En nombre de las manos, Colectivo Nomadance. II Muestra de Danza Contemporánea, Teatro María Grever.

B i tá c o r a d e u n a freelancer

Texto Laura Fernanda Meraz

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Cuando salimos del nido y emprendemos la aventura de la vida, nos damos cuenta que ganársela es un brete, desde trabajos de oficina o Godín —que implica soportar a un jefe o compañero maltratador que desborda sus frustraciones con acosos de todo tipo— o laborar como independiente ejerciendo de tu propia empresa: ventas, compras, diseño, dirección, marketing, sistemas y contabilidad. Es todo un reto, pero aunque cueste trabajo, vale la pena hacerlo en cualquiera de los casos. Por ello, hoy hablaré del trabajo creativo independiente, también conocido como freelancer. Muchas veces nos preguntamos ¿cuánto debo cobrar por mi trabajo?, ¿es justo lo que me pagan? Para empezar, hay que entender el negocio del que estamos hablando para conocer sus necesidades, las de la demanda del sector, el público al que va dirigido y así generar, tanto la atracción de los clientes, como la sinergia necesaria para mantener la actividad a la que te quieres dedicar, vivir decorosamente de ella y convertirte en todo un profesional. En el ámbito de la cultura quizás sea un poco más difícil mantener la independencia, pero no es imposible, específicamente en el teatro, disciplina de la que hablaré aquí. En este caso son cruentos los cambios impositivos a los que se es sujeto por el sector gubernamental que muchas veces al pedirte un servicio exige, además de la obligación de gestión, sustentarlo artística y económicamente, es decir pagar producción, giras, viáticos y después esperar la paga, que puede tardar 15 días o un año. Ahí es donde viene lo bueno, tienes que meditar si de verdad te conviene y comenzar a fijar los precios necesarios para obtener ganancia. Aunque el teatro no es un negocio en sentido estricto, si te dedicas a él de tiempo completo y lo produces, de algo tienes que vivir, la vida es cara y si tienes hijos, más. La vida actualmente exige tener ingresos constantes y eso es lo que no comprenden a veces las personas o dependencias que solicitan el trabajo creativo. Por ejemplo, las funciones gratuitas se pueden hacer siempre

y cuando se trate de una labor altruista, pero se debe ganar para invertir, pagar servicios básicos, vestirte, seguir preparándote, y ¿por qué no?, divertirte. Si acostumbras a tus clientes a no pagar tu trabajo o cobrar poco, nunca vas a recibir pagos dignos. Los parámetros que siempre van a tomar en cuenta quienes te contraten o busquen tus servicios son: en primer lugar, una buena presentación, una buena imagen, eso atrae de entrada. Un trato cortés y amable, trayectoria, calidad, puntualidad, satisfacción de clientes y recomendaciones. Con base en esto puedes comenzar a incrementar tus tarifas. Algo muy importante antes de cerrar cualquier trato es hablar del pago, ser muy claro y de ser posible firmar un documento con bases claras que no dé lugar a malos entendidos y en lo posible, pedir un anticipo que te permita la solvencia necesaria para desarrollar el proyecto. No hay que olvidar también considerar costos como material creativo, intelectual o derechos de autor en caso de producir textos que no sean propios, insumos como papelería y sobre todo, el pago de actores. Siempre es prioridad considerar el trabajo de las personas involucradas en tu proyecto, sin ellos no podrías realizarlo. Muchas veces no se valora ese trabajo, además de impuestos y obligaciones fiscales (muchas dependencias piden factura) esto es un plus a la hora de contratarte. Se deben considerar los años que llevas en el medio (que lo puedas demostrar al solicitar) por ejemplo, una beca, un proyecto institucional o gubernamental. La complejidad de proyectos arriesgados por la distancia o lugar a veces son en colonias marginales y conllevan riesgos que hay que considerar. La experiencia específica cuenta, y también el tiempo. Si es larga la distancia hay que tomar en cuenta gastos como gasolina, viáticos, equipos, etcétera. Todo dependerá del tipo de cliente (si es una pequeña o mediana empresa, o una organización o dependencia), eso te permitirá dimensionar los honorarios. Así que no olvides preguntar siempre el monto disponible para el presupuesto y la forma

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Fotografía Laura Fernanda Meraz de pago, aclarados estos puntos habrá que garantizar el cumplimiento cabal y profesional con el proyecto, función, obra o lo que se haya contratado, respetar horarios de entregas y llamados, la puntualidad es otro punto a tu favor. Lo que es real es que en este país los pagos por el trabajo en general están muy desequilibrados, a veces quienes hacen más o son fundamentales para el trabajo, son mal pagados por los ‘altos’ y eso no está bien. A esto recordé un texto de Jorge Ibargüengoitia que estoy memorizando para una puesta en escena, dice así:

“Se percibe un gran descontento por las condiciones de vida de las familias que solo desean que se reparta mejor la riqueza y éste, es un país muy rico.” El viaje superficial

Laura Fernanda Meraz. Actriz, creadora escénica y escritora. Twitter @LauraFMeraz. Instagram @Lafermeraz.

Es nuestra responsabilidad como personas laboralmente activas pagar de manera justa y también cobrar bien, de eso dependerá que a todos nos paguen mejor y a las nuevas generaciones les motivará a esforzarse, prepararse. De esta manera, el crecimiento y la calidad serán mayores y estaremos a la altura de la vanguardia, por eso hay que saber cómo vender tu trabajo. También hay quienes prefieren cobrar barato aunque no haya experiencia o calidad, pero a la larga eso demerita su trabajo. No lo hagan. Hay que darle el valor al trabajo que realizamos, eso nos convierte en mejores profesionales. En cuanto más digas que no a una mala paga, llegarán a ti mejores oportunidades. Es una ley universal. Algo que aprendí de un coach es que si cobras poco, nunca te faltará trabajo, pero siempre te faltará dinero. •

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ARTE ESPAÑOL

muy leonés

Texto Daniel Rentería Martell

Fotografías Ruy Muñoz

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Gracias a la industria que le da su principal sustento económico e identidad desde hace más de un siglo, León es la capital mundial de la piel y el calzado, y así lo reconoce Kiko Pérez, artista español residente del programa Granero.

onsiderado un oficio de tradición, la fabricación de calzado requiere el uso de materia prima como piel, cuero y diferentes químicos, los cuales son trabajados en tenerías, fábricas y talleres que se pueden localizar en prácticamente toda la ciudad. Inspirado en este proceso, el artista español Kiko Pérez recurrió a los materiales característicos de este trabajo para crear la colección de pinturas y esculturas que exhibirá durante el Cuarto Ciclo de Exposiciones 2019 de la Coordinación de Artes Visuales (CAVI), en el marco del XXII Festival Internacional de Arte Contemporáneo —FIACmx—.

“Es la primera vez que estoy en México, entonces ha sido todo bastante impactante en el mejor de los sentidos, está siendo una experiencia muy positiva y quiero que estas cuestiones se reflejasen un poco en mi trabajo. Intentar absorber o hacer un poco de esponja, y que estas cuestiones que se perciben diferente del día a día de todo, la comida, la luz, sonidos, olores, la manera de ser de la gente, todo, que estuviese presente de alguna manera”. Señaló que, a diferencia de trabajar en un lugar con mayor movimiento o tamaño como la Ciudad de México o alguna urbe de otro país como Londres o Madrid, León es un sitio ideal para de-

sarrollar sus proyectos, ya que factores como las distancias o el ritmo de vida benefician y optimizan sus procesos además de que la industria del calzado se encuentra prácticamente en toda la ciudad. “Es bastante fácil estar aquí, no sé si es la ciudad, la cultura o qué, pero sí esta todo de alguna manera más fácil. Yo llevo viviendo en Madrid unos cuantos años y esto de las ciudades grandes (…) es complicado, que tienes que ir a un sitio que está lejísimos y acá (la corta distancia) es una gran virtud. Estoy intentando aprovechar que tiene que ver con toda esta industria del calzado, de la piel, que está todo relacionado”.

Nacido en Galicia pero radicado en Madrid; Kiko es un artista multidisciplinar que estilísticamente se interesa por los planos de color y formas que fluctúan entre lo geométrico y lo orgánico, con especial énfasis en la línea y la superposición de los planos. Kiko arribó a León desde abril como parte del programa de residencias artísticas dedicadas a la investigación y producción de arte contemporáneo que realiza Charco en la ciudad, un proyecto de transversalidad creativa entre los dos lados del Atlántico promovido en el Bajío por el coleccionista mexicano David Ramírez Chávez en conjunto con el Instituto Cultural de León, y en sus primeras dos ediciones con Acción Cultural Española, a través de su Programa para la Internacionalización de la Cultura Española, bajo el nombre de Granero. Una de las prioridades del artista durante su estadía en territorio leonés, es conocer lo mejor posible el contexto que aprecia, para plasmarlo en cada una de las piezas que elaborará; además de explorar las posibilidades que ofrecen las técnicas de pintura y escultura relacionadas con los procesos de producción y las particularidades de la industria y artesanía zapatera, vitales en el tejido empresarial local.

Para ‘empaparse’ de este oficio tan representativo de León y aprender de primera mano los procesos artesanales que son difíciles de encontrar en su país natal, Kiko se ha dado a la tarea de entrar en talleres, fábricas, tenerías y comercios de barrios tradicionales como El Coecillo y la Zona Centro. “En cuestión de la piel, voy a cuatro cuadras y encuentro 20 tiendas que venden diferentes tipos de piel hasta el techo, la tienda llena de rollos de piel y en España no existe, quizás en algún pueblo, pero sería muchísimo más difícil y más caro, tengo que aprovechar y hacer todo lo que pueda aquí”.

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Comentó que desde hace algunos años había tenido la inquietud de trabajar con materiales como la piel y el cuero, por lo que al ahondar en la tradición leonesa, no dudó en utilizar estos recursos para tomar esta riqueza cultural y transformarla en arte. “Cuando llegué aquí me hablaron acerca de esta industria del calzado y de la piel, y lo tuve claro, quería trabajar con estos materiales y con estos procesos, ver cómo podía adaptar algunos de los procesos a la cuestión artística”. Será en esta misma exhibición donde Kiko busque romper el paradigma de la obra de arte que debe ser observada a distancia, ya que dentro de su muestra, tanto las esculturas como las pinturas, podrán ser tocadas por el espectador para que sea más completa la experiencia y logre trascender. “Me interesa que la materialidad de la obra sea un ingrediente importante, la cuestión física, el material de la obra, siempre me gusta que de alguna manera entre la pintura y la escultura el ojo llame a la mano (…), son obras muy visuales, que de alguna manera llame al sentido del tacto, que te den ganas de tocar y ver de qué está construido. Es un poco complicado explicar, que lo visual trascienda a algo táctil”. Si bien, la influencia principal serán estos materiales y procesos, su línea de trabajo no cambiará de tal modo que se convierta en un contraste absoluto de su historial, a pesar de los giros que puedan aparecer en el transcurso de la fabricación. “Todos los sentidos que puedas añadir a una experiencia son valiosos, más y mejor información vas a tener de toda la experiencia, hay algo así como de las ideas que uno percibe, quiero llevarlo más a esta cuestión de la percepción que de los sentimientos”. A consideración de Kiko, el tiempo que se otorga es el preciso para el desarrollo de una buena exposición, pues el lapso de abril a mediados de julio que estará en el Bajío, le da oportunidad para aprender e iniciar el proceso creativo.

“Es justo (el tiempo), tampoco quería llegar y ponerme a trabajar inmediatamente, sino darme un tiempo para conocer y para absorber un poco cual esponja, respirar un poco y ver. Esto lleva tiempo, el arte en general lleva tiempo, para mí es una cuestión lenta (…), todo este proceso de empaparse y de darle sentido a lo que uno hace, lleva más tiempo”. Muchas de sus obras adquieren autonomía plena, a pesar de que en un primer momento puedan parecer bocetos, haciendo énfasis en que la obra que en verdad trasciende, es la que logra una impresión no necesariamente al momento de apreciarla por primera vez. “La parte que a mí me interesa es que haya un extrañamiento. Que vayas a ver algo que no sepas quizás qué es, quizás que no entiendas nada, quizás hasta que ni te guste de primera mano, pero que te conecte y que se te quede de alguna manera en la memoria o en la experiencia, en la percepción (...), el valor va creciendo con la memoria y recordando la experiencia. Quizás no sé tanto qué me gustaría, pero lo que no me gustaría es que (mi obra) sea algo que se consuma rápido a nivel visual y se olvide enseguida, me gustaría que permanezca en la memoria, en la experiencia y que sea útil”.

Sus creaciones han sido expuestas en espacios importantes como el CGAC (Santiago de Compostela), La Casa Encendida (Madrid), MARCO (Vigo), Borounia Gallery (Berlín), Heinrich Ehrhardt (Madrid) o Tatjana Pieters (Gante). Su obra se encuentra en colecciones como Miettinen Collection (Alemania/Finlandia), Fundación Pedro Barrié de la Maza (La Coruña, España), la Colección Lázaro (España) y próximamente en la Galería Jesús Gallardo. La primera edición del programa de residencias artísticas entre México y España se realizó en 2018, con la estadía de los artistas Sergio Prego y Regina de Miguel, quienes ahondaron en la riqueza mineral que existe en el estado de Guanajuato, obteniendo como resultado la exposición Celda unidad, como parte del Segundo Ciclo de Exposiciones de CAVI 2018. Para este año, fueron elegidos Kiko y Ana Navas, también española que arribará a suelo leonés a mediados de julio, para conocer el espacio geográfico, la identidad y memoria cultural de la región, y a partir de ahí, desarrollar un concepto artístico. Ambos proyectos contarán con la curaduría de la artista ecuatoriana Manuela Moscoso. •

Para conocer los resultados de las estadías en León, te invitamos a estar al pendiente de la página web y redes sociales del Instituto Cultural de León.

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EN ESTA EDICIÓN LES HABLARÉ DE UNO DE LOS REFERENTES JAPONESES MÁS POPULARES Y CONOCIDOS, EL MANGA, QUE TIENE UN SIN NÚMERO DE FANÁTICOS Y SE HA CONVERTIDO EN UN NEGOCIO RENTABLE NO SOLO EN JAPÓN, SINO EN EL RESTO DEL MUNDO. La palabra Manga (漫画) Compuesta por dos kanji: man (informal) y ga (dibujo), cuya traducción general sería “dibujos caprichosos o garabatos” (varía de acuerdo con la traducción, pero considero que es la más cercana a una interpretación del kanji original), se utiliza en Japón para referirse a las 'historietas'; fuera de este país la empleamos para referirnos a un estilo japonés de dibujar y presentar las historias en papel.

negocio ‘redondo’

Texto José Luis Rojas Aldana Fotografía Duong-Chung - Unsplash

Su origen Los primeros trazos de estética manga aparecen en la segunda mitad del siglo XlX, en el periodo del emperador Mutsuhito; era una primitiva línea que representaba dibujos satíricos de animales que simulaban comportamientos humanos como pararse en dos patas. Los más conocidos son de la obra Chōjugiga o ‘Rollos Animales’, atribuidos a Toba no Sōjō, un sacerdote budista que plasmó las primeras viñetas en tiras de pergamino de entre 20 y 25 metros. Otro antecedente son los Ukiyo-e, tablillas con dibujos impresos desarrollados durante el periodo Edo (1603-1867). Eran de fácil acceso y populares por satirizar la vida política y cotidiana. Su máximo representante fue Hokusai Katsushika, considerado el creador del vocablo manga y el primero en usar el término en una de sus historias Hokusai Manga. Katsushika también es el autor de Tagosaku to Mokube no Tokyo Kenbutsu (1902), donde narra la historia de un par de campesinos de viaje en Tokio que, asombrados de la vida en una ciudad diferente, comienzan a comportarse de manera humorística ante cada situación. Para los años 20, el manga se popularizó entre los niños y jóvenes japoneses, pero fue hasta después de la Segunda Guerra Mundial que se estableció como industria al ser un producto de bajo coste que ofrecía una perspectiva alentadora a los lectores, que los hacía olvidar la reciente tragedia.

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Así es como surgen las bibliotecas que publicaban mangas económicos y libros rojos de papel barato, entre ellos Shin Takarajima (la Nueva Isla del Tesoro, 1947), de Osamu Tekuza, libro que marcó la nueva era del manga gracias a su estética y narrativa. La importancia de este trabajo generó un alto impacto que llevó a Tekuza a trabajar para la revista Manga Shonen, la primera dedicada al Manga. Allí publicó trabajos como Astroboy y Jungle Taitei (Emperador de la jungla). El éxito obligó a las editoriales a publicar ediciones semanales en lugar de mensuales, provocando una gran derrama económica para Japón a mediados de los 80. Ejemplo de esto fue el que tuvo Akira Toriyama con Dragon Ball, que en 1984 consiguió ventas de más de 6 millones de ejemplares por semana. Para 1997, Eiichirō Oda creó el manga más vendido de la historia: One Piece. Hasta el momento se contabilizan más 406 millones ejemplares vendidos en el mundo. Actualmente, es una de las industrias más importantes de Japón —más del 25 por ciento de los materiales que se imprimen en ese país pertenecen a este género—. Su importancia económica y cultural permanece en la mente de millones de seguidores en el mundo, quienes han adoptado el coleccionar como un estilo de vida debido a aquellos manga populares que llegan a la televisión con el anime o videojuegos y se comercializan también como figuras

y todo tipo de objetos coleccionables. Este estilo de vida convierte a los seguidores en potenciales inversionistas. En Japón hay poco menos de una decena de grandes editoriales y cientos de pequeñas, que en su conjunto vendieron 357 mil millones de yenes (60 mil 519 millones de pesos al tipo de cambio actual) y produjeron 838 millones de copias en 2014, de acuerdo con el estudio de Media Innovation Lab: Information Media Trends in Japan 2016. A principios de 2011, América del Norte se convirtió en uno de los mercados extranjeros favoritos del manga, con un valor estimado de 300 millones de dólares. Entre las exportaciones más rentables está la serie Pokémon, de Satoshi Tajiri, con ganancias que sobrepasan los 150 mil millones de dólares. Al hablar de la historia del manga debemos referirnos también al anime, formato considerado por muchos como una proyección, evolución o derivación técnica del tradicional manga. Un alto porcentaje de publicaciones son llevadas a la pantalla en este formato. La mayoría crecimos con clásicos como Saint Seiya y sus Caballeros del Zodiaco, Mazinger Z y el mismo Dragon Ball. ¿Cómo llega el manga a México? De manera formal, la llegada del manga a México se dio hace más de 20 años, cuando empresas como Vid y Toukan (actualmente ToukanMango) aprovecharon el boom. Títulos como Dragon Ball, Los Súper Campeones, Sailor Moon, Ranma ½, Las Guerreras

Hakken: Descubriendo

Mágicas y Sakura Card Captor, fueron adaptados al cómic americano en tamaño, sentido de lectura y trazos, para el lector mexicano. De acuerdo con el Padrón Nacional de Medios Impresos, de la Secretaría de Gobernación (Segob), la publicación del Grupo Editorial Notmusa tiene un tiraje de 624 mil 770 ejemplares semanales; cifras de la propia revista aseguran que son 782 mil copias por semana. Es decir, entre 2.5 millones y 3.1 millones de ejemplares al mes, según el número que se tome de referencia. Los consumidores mexicanos destinan entre 51 y 100 pesos al mes para comprar revistas, de acuerdo con el Estudio Anual de Revistas 2017 del Departamento de Investigación de Merca 2.0. La directiva de Panini México (firma italiana) que apostó por este formato en México, destaca que sus lectores compran, en promedio, tres ejemplares cada mes, con un valor individual de 85 pesos, es decir, 255 pesos en total. Conforme con la consulta realizada por Panini México en 2018, los mangas más vendidos en México son:

1.- Legend of the Zelda | 2.- Dragon Ball 3.- Ghost in the Shell | 4.- Hunter x Hunter 5.- Your Name

BIBLIOGRAFÍA: Moon Magazine | Todo Historietas | Wipo | Forbes | Panini México | Merca 2.0. • Padrón Nacional de Medios Impresos, de la Secretaría de Gobernación (Segob) http://pnmi.segob.gob.mx/ • https://www.moonmagazine.info/el-origen-del-manga/ • http://www.todohistorietas.com.ar/historia_japon.htm • https://www.wipo.int/wipo_magazine/es/2011/05/article_0003.html • https://www.forbes.com.mx/el-manga-regresa-con-exito-al-mercado-mexicano/

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E S PA C I O F O R M A D O R D E A R T I S TA S Texto Silvia Palacios | FotografÃa Alan Lino

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sólo velar por sus intereses, sino también por los de los demás y así crear comunidad. Para realizarlo, existen espacios y programas enfocados a lograr este propósito. En León están las Casas de la Cultura, que en agosto iniciarán el periodo de clases Otoño 2019. Ubicada en pleno ‘corazón’ de la ciudad, la Casa de la Cultura Diego Rivera tiene más de 40 años ofreciendo talleres artísticos a la población; mientras que la Casa de la Cultura Efrén Hernández, el pasado octubre cumplió quince años de acercar el arte a los leoneses. Entre sus objetivos está el “contribuir con la sociedad a la adopción de valores y costumbres como factor fundamental del desarrollo de la comunidad a través de la impartición de conocimientos, habilidades y técnicas iniciales en las artes bajo la modalidad de cursos y talleres”. Se trata de espacios que si bien permiten la formación de habilidades, también dan la posibilidad a sus alumnos de ‘crear mundos’ a partir del baile, desde el escenario o en la compilación de textos y dibujos. Son ya, varias las generaciones que se han formado en estos centros culturales que en conjunto ofertan más de 200 talleres, mismos que comprenden disciplinas artísticas como la danza, la música, artes plásticas y escénicas, la literatura, además de idiomas.

Desde la antigua Grecia, el arte forma parte esencial de la educación, además de ser una cápsula de tiempo que revela un amplio panorama del estilo de vida de aquella época. Ejemplo claro es la cerámica, donde plasmaban escenas cotidianas y rituales. El arte es un reflejo de cada era, así como de la innovación y evolución constante que vive el ser humano, por ello resultaría impráctico debatir su relevancia en la formación de cada persona. Lejos de lo que podría pensarse, la cultura, y en concreto, el arte, no es complejo, no es un lujo y no es exclusivo. De acuerdo con el Banco Mundial, en el mundo hay 7 mil millones de habitantes; todos con la capacidad para desarrollar habilidades artísticas ¿cuáles? dependerá del gusto, afinidad y aptitudes de cada uno. Esto no significa que todos deberían ser artistas sino incluir una formación artística en el día a día, porque además de proporcionar o perfeccionar habilidades, ayuda al desarrollo de la sensibilidad, la empatía, la creatividad, la disciplina, la responsabilidad y un sinfín más de valores que contribuyen a la proyección de un ser humano integral capaz de no

Consulta a detalle la oferta académica de este semestre en http://bit.ly/CaCul2019

El periodo de inscripciones para el próximo ciclo es la primera semana de agosto. El calendario por días está conformado de la siguiente manera: Lunes 5 de agosto Danza ··· Martes 6 de agosto Música

Miércoles 7 de agosto Artes plásticas ··· Jueves 8 de agosto Artes escénicas, literarias e idiomas

Para cursar los talleres de inglés es necesario hacer un examen de ubicación. La venta de fichas será del 22 al 26 de julio y tendrán un costo de 40 pesos (sujeto a disponibilidad). Al momento del registro se debe presentar copia del acta de nacimiento, copia de comprobante de domicilio reciente y recibo de pago (durante el prerregistro se entregará el formato de pago). El proceso de inscripción sólo se realiza en las Casas de la Cultura, en un horario de 9:30 a 15:00 horas. Pueden ingresar niños desde los cuatro años (dependiendo el taller) hasta adultos mayores, pues no hay edad para dejar de aprender.

Para conocer más sobre la oferta académica e inscripciones, puedes acudir a las Casas de la Cultura Diego Rivera y Efrén Hernández, en Portal Delicias s/n, Zona Centro y Monte de las Cruces esquina con calle Luna, en el Fraccionamiento Hidalgo, respectivamente; o bien, puedes comunicarte al 714 3350 y 716 9856. En Facebook las encuentras como Casas de la Cultura ICL. Síguenos también en Facebook: Instituto Cultural de León, Twitter: @CulturaLeon e Instagram: @culturaleon.

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Texto Tania Pérez

U n c l á s i c o d e L a r s v o n Tr i e r e n t e a t r o . La historia que inició con la trilogía USA, con la que el director danés critica y expone los peores sucesos y acciones de la sociedad estadounidense, llegará a l Te a t r o M a n u e l D o b l a d o e n a d a p t a c i ó n escénica.

s de noche y una serie de disparos irrumpen la pasividad de un pequeño pueblo en las montañas. De entre las sombras aparece Grace, una bella y elegante joven que dice huir de las armas de fuego que se escuchan, sin revelar, por el momento, ninguno de sus secretos. Tom, un nativo del lugar, le ayuda esconderse y la lleva a su comunidad: Dogville. Así transcurre el 'Capítulo 1' de la película dirigida por Lars von Trier y estrenada en 2003, misma historia y argumento que presentará la compañía mexicana Cortejo Producciones en León el próximo 24 de julio en la primera escena de Dogville, con la adaptación del filme homónimo, que es un examen de conciencia y moral contextualizado en Colorado, EE.UU., de los años 30. Si bien esta producción cinematográfica fue comparada con una puesta escénica desde su estreno por la particular forma de rodarla —en un espacio cerrado y oscuro, con iluminación artificial y mínima escenografía—, la adaptación al teatro que realizaron Fernando Canek (dirección) y Miguel Cane (traducción al español), fue la primera y debutó apenas en septiembre de 2018. Después de una exitosa temporada en el Teatro Helénico, en la Ciudad de México y de haber recibido el premio a Mejor Obra en Defensa de los Derechos Humanos de la Mujer 2018, que entrega la Asociación de Periodistas Teatrales APT, el Instituto Cultural de León trae Dogville al Teatro Manuel Doblado con un elenco formado por Ximena Romo, Sergio Bonilla, Claudia Ramírez, Carmen Delgado, Mercedes Olea y 13 actores más.

La presentación de este gran montaje marcará el cierre del recinto histórico por una temporada, pues en el inmueble del siglo XIX se iniciarán las acciones de Rehabilitación y Restauración del Teatro Manuel Doblado Primera Etapa, que con una inversión de 28 millones 151 mil 198 pesos se trabajará en: restauración de fachada principal, rehabilitación del vestíbulo y oficinas, rehabilitación de foyer y baños y equipamiento técnico. Estas obras son parte de un macroproyecto de infraestructura del Instituto Cultural de León que pretende mejorar la apariencia y funcionamiento del teatro, las oficinas y las galerías, para mayor comodidad y seguridad de los visitantes, así que ésta puede ser la última oportunidad que tengas de visitar el Teatro Manuel Doblado por algunos meses. •

Las entradas para Dogville pueden adquirirse en taquilla del teatro de lunes a viernes, de 12:00 a 20:00 horas y sábados, de 10:00 a 14:00 horas, o bien, a través de Ticketmaster. El costo de los boletos es de 570 pesos, Preferente; 450 pesos, Luneta; y 230 pesos, Balcón. Para más información puedes visitar la página institutoculturadeleon.org.mx

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El arte,

LA MEJOR INVERSIÓN Texto Tania Pérez

Como resultado de una serie de proyectos con apuesta por la regeneración social de León, más de 100 niños y jóvenes de comunidades rurales y polígonos en desarrollo harán un homenaje sinfónico a uno de los álbumes más importantes del r o c k : ‘ T h e Wa l l ’, d e P i n k F l o y d .

nvertir en la paz a través del arte tiene mejores rendimientos que cualquier otro negocio, pero no cualquier inversionista tiene la paciencia necesaria para esperar las ‘ganancias’ que deja, pues son a largo plazo. Aunque la frase “reconstruir el tejido social a través del arte” suena un poco a discurso político, es usada también por gestores, colectivos y líderes de asociaciones civiles que la han aplicado y comprobado a través del trabajo social: las comunidades organizadas y unidas logran el fin común que se propongan. Por ejemplo, hace poco más de un año, el Instituto Cultural de León, a través de la Dirección de Desarrollo Académico, abrió el Diplomado de Formación para Directores donde los estudiantes integraron y ensayaron un Coro Infantil para, al final del programa, ofrecer un concierto donde,

tanto ellos como profesionales, como los niños, como noveles cantantes, mostraron las habilidades aprendidas. La gestión y origen de estas agrupaciones vocales se realizó principalmente en colonias o zonas de la ciudad conocidas por sus problemáticas sociales como falta de servicios, inseguridad o violencia. La respuesta de las familias involucradas fue tan positiva y propositiva al pensar en el beneficio y crecimiento de estas agrupaciones, que los Coros Infantiles Comunitarios no sólo continúan, sino que se han fortalecido. Actualmente existen 10 coros ubicados en las colonias Los Castillos, Popular Anaya, San Francisco, San Miguel, Centro, Villas de San Juan, Las Joyas, Lucio Blanco, Laborcita y Piletas II, y forman parte de un macro proyecto del ICL llamado Territorios Culturales.

“En los Territorios Culturales se trabaja desde la participación ciudadana en modelos plástico-creativo para desarrollar proyectos en torno a diferentes situaciones y diferentes consideraciones sociales de marginación, y es un proyecto al que nosotros le tenemos cariño y es una apuesta importante”,

asegura Carlos María Flores Riveira, director general del Instituto Cultural de León.

ALTERNATIVAS | 107 La importancia de los Coros Infantiles Comunitarios radica en el mundo de posibilidades que se abren, no sólo para los pequeños que forman parte del ensamble, también para sus familias, pues con este tipo de proyectos se les respetan derechos fundamentales como el acceso a la cultura y la educación, además que los participantes desarrollan habilidades y aptitudes que utilizan dentro y fuera de las prácticas artísticas, entre ellas el orden, la disciplina, persistencia, trabajo en equipo y por supuesto, realizan una mejor inversión de su tiempo libre con sana recreación. Y es que, el entretenimiento que encuentran en la música los aleja y previene de la repetición de vicios en nuevas generaciones al dotarlos de un pasatiempo beneficioso para ellos y su comunidad, que los vuelve conscientes con su entorno. El arte mejora la calidad de vida de las personas. Este mismo modelo de trabajo lo tiene la organización civil AUGE (Autogestión y Educación Comunitaria, A.C.), que entre sus muchos proyectos destaca el Sistema Orquestal para Niños y Adolescentes de la Región Las Joyas, mejor conocido como SONAR Las Joyas.

Con la intención de hacer un frente común para lograr una comunidad unida, el Instituto Cultural de León, AUGE y SONAR Las Joyas ponen el ejemplo y en conjunto con el espíritu y energía rockera de la banda Alyados, así como la presencia de la Orquesta Sinfónica Infantil y Juvenil Santiago de Querétaro, realizarán un magno concierto el próximo sábado 20 de julio: Pink Floyd, ‘The Wall’ Sinfónico.

La sede de esta presentación especial, que celebra los 40 años de uno de los mejores álbumes del rock, será el Teatro Manuel Doblado, un pretexto para que muchos de los familiares y amigos de los jóvenes músicos conozcan por primera vez el interior de este recinto histórico, creando así una de las muchas experiencias enriquecedoras que

ofrece este proyecto, pues durante los días más arduos de ensayos generales, los pequeños que vengan de Querétaro pasarán su estancia con los niños que forman parte de SONAR Las Joyas, vivencia que les brindará enseñanzas inigualables. La continuación de estos proyectos es crucial para que los resultados sean visibles y duraderos, por ello, parte de lo que se recaude de la venta de boletos se destinará a las agrupaciones; pero sobre todo, este espectáculo dotará de un fuerte incentivo emocional a todos los participantes. “Ellos están muy emocionados, muy honrados en participar y poder ser parte de esta alianza de los diferentes proyectos que dan una identidad cultural y un progreso a la ciudad”, cuenta Ulises Gutiérrez, director de los Coros Infantiles Comunitarios. Pink Floyd, ‘The Wall’ Sinfónico no es el primer esfuerzo del ICL por hacer alianzas con otras asociaciones que persiguen el mismo objetivo y éste tampoco será él último, pues se busca que este concierto sea un ejemplo que se replique con otras orquestas o proyectos con productos artísticos-culturales como resultado por construir un mejor León.

“Si podemos estar trabajando de la mano con la iniciativa privada, las asociaciones civiles, la sociedad y las instituciones, creo que podemos ir haciendo proyectos que conjunten todo esto y que además ofrezcan un producto creativo de calidad para los espectadores, si todo esto se consigue creo que estaremos en el camino correcto para q u e e l c í r c u l o v i r t u o s o s e c i e r r e ”, C a r l o s M a r í a F l o r e s R i v e i r a . •

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UNA SEMANA

Texto Tania PÃ©rez

EL ESPECIAL

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Ya l l e g ó e s a t e m p o r a d a d e l a ñ o e n q u e c o m pa ñ í a s d e d i s t i n t o s p u n t o s d e l pa í s g i r a n p o r M é x i c o p r e s e n ta n d o u n i p e r s o n a l e s .

¡ Ya e s t i e m p o d e m o n ó l o g o s !

ste 2019 Teatro a Una Sola Voz - Festival de Monólogos llega a su quincuagésimo aniversario, por lo que la nostalgia y el recuerdo de grandes dramaturgos, obras y actores llega a la memoria de todos quienes han sido parte al menos en alguna edición. Este programa de unipersonales en escena nació en 2005, y como todo proyecto, comenzó pequeño pero con mucho entusiasmo y expectativas. En su primera edición —que se realizó por el impulso de teatreros de Monclova—, las obras seleccionadas se presentaron en sólo tres estados: Coahuila, Nuevo León y Tamaulipas. Año con año el Festival fue creciendo, siempre manteniendo sus objetivos centrales: garantizar el acceso a la cultura de los ciudadanos con difusión de productos artísticos que abonen a la formación de los mexicanos, con una programación plural en temas y estéticas que fomenten la creación de obras unipersonales y la generación de públicos a través del trabajo conjunto de instituciones culturales. Fue desde la sexta edición, en el año 2010 que esta muestra llegó a León y desde entonces se han presentado en el Teatro Grever unipersonales escritos por grandes dramaturgos como Darío Fo y Samuel Beckett, dirigidas, actuadas y producidas por talento nacional En 2018, este único circuito teatral estuvo presente en 12 entidades mexicanas en sólo 29 días, presentando un total de 84 funciones a las que asistieron más de 15 mil espectadores. Para este año, en un aniversario tan significativo, fueron siete las compañías elegidas de entre 134 proyectos que participaron en la convocatoria lanzada a inicios de 2019, por la Coordinación Nacional de Teatro del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL), mismas que darán funciones del 13 de julio al 8 de agosto en Coahuila, Colima, Durango, Guanajuato, Jalisco, Michoacán, San Luis Potosí, Sinaloa, Tamaulipas, Veracruz y Ciudad de México.

En León, la 15º edición del Festival de Monólogos tendrá presentaciones del jueves 25 al miércoles 31 de julio, en su sede habitual en la ciudad: Teatro María Grever.

Las funciones iniciarán con una obra escrita por la también directora y actriz Clarissa Malherios, KAFKA. Donde estás, están todos los mundos, que, como bien se intuye desde el título, la perspectiva del escritor checo conduce la historia donde las reflexiones filosóficas, el examen de las relaciones de poder y la problemática ecológica actual, se plantean con una pizca de humor. Esta obra será presentada por la compañía de CdMx, La Máquina de Teatro, fundada en 1996 por Malheiros y Juliana Faesler, quienes desde entonces se han desempeñado como directoras escénicas de su agrupación, consiguiendo varios premios nacionales e internacionales.

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EL ESPECIAL

Para el segundo día de Festival, conoceremos la historia de la famosa Lola La Trailera en la obra escrita, dirigida y protagonizada por el veracruzano Freddy Palomec, que se realiza en conjunto por Teatro del Tolok y Cielo 12 Colectivo Teatral. Gloria (o de cómo una trailera se robó mi corazón de niño) se remonta a la década de los años 80, cuando los niños aún jugaban en las calles, en las escuelas era más temida la frase “nos vemos a la salida” que el bullying por redes y Rosa Gloria Chagoyán era la máxima figura del cine mexicano.

Para el sábado 27 de julio, en Paisaje de amor pixelado, producción escénica escrita por Verónica Villicaña y dirigida por Everth Yamil García Islas, seremos testigos del viaje en auto que realiza una pareja en crisis, quienes durante el trayecto —que parece interminable—, recuerdan su pasado a la vez que éste se convierte en presente al materializarse en pixeles. Este monólogo representa a Michoacán en el circuito nacional al ser una producción de La Luciérnaga Teatro, una compañía moreliana dedicada al teatro contemporáneo y que desde 2014, ha participado en distintos encuentros escénicos como la Muestra Estatal de su estado, el Programa Nacional de Teatro Escolar, la Muestra Nacional de Teatro, entre muchos más.

ALTERNATIVAS | 107 Después de esta obra que virtualiza diálogos, en el cuarto día del festival, se presentará en el escenario del Grever La Prietty Guoman, una puesta escénica que se acompaña con música en vivo de la compañía capitalina César Enríquez Cabarte. El actor, director y dramaturgo tres veces becado por el FONCA, César Enríquez, ‘girará’ por el país personificando a una “prostituta, prieta, santera, disléxica pero ante todo, una auténtica, osada y exhuberante mujer trans veracruzana fanática de la película Mujer Bonita”, que pese a la intolerancia de la sociedad mexicana, es capaz de crear su propio camino y escribir su propia historia para defender su personalidad valiente e hilarante.

Shake & Falstaff Producciones, de Ciudad de México, tendrá su oportunidad de sacar carcajadas al público leonés el lunes 29 de julio, con la satírica obra La verdura carnívora, escrita, dirigida y protagonizada por Abril Mayett, quien inspirada en las investigaciones periodísticas de Lidia Cacho nos presenta un guion de crítica social que toca temas como la explotación, desigualdad y la falta de oportunidades en México, a través de humor negro y albures. Verdolaga siempre ha sido muy pobre y la carne, por su costo, nunca ha estado a su alcance. Después de escapar de la explotación trabajó como empleada doméstica y como vendedora de vegetales en un mercado, pero su vida cambió radicalmente cuando conoció al Milanesas un boxeador amateur. La Verdolaga contará con ingenio y picardía su historia de (des)amor, abandono, violencia, sexo y traición.

La penúltima función del 15º Teatro a Una Sola Voz - Festival de Monólogos en León, será la propuesta escénica de la compañía queretana de teatro independiente Sabandijas de Palacio, que estará bajo la dirección de Mariana Hartasánchez y su alterego, Boris Mirko, personaje creado y encarnado por la propia directora como parte de su proyecto de beca de Creadores Escénicos del FONCA en 2017. El monólogo Perros del monasterio se contextualiza en Londres de 1900 cuando Mrs. Brisley, una reconocida actriz asiste a terapias con el mismo Freud, quien a través de distintas estrategias clínicas busca que la intérprete se sumerja en sus más profundos y dolorosos recuerdos para encontrar el porqué de sus constantes alucinaciones.

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EL ESPECIAL

El cierre de este circuito en el Grever, el miércoles 31 de julio, estará a cargo de la compañía con más de 15 años de experiencia: Los Tristes Tigres, de Ciudad de México, con el montaje para adolescentes y adultos Visceral, dirigido por Adrián Vázquez. Las puestas escénicas de esta compañía se fundamentan en la actoralidad del intérprete, al construir a través de su voz y propuestas ideológicas, guiones que pese a las temáticas, ofrezcan visiones esperanzadoras, como la historia de Verónica quien atraviesa una mala racha con su madre hospitalizada y la presión e inseguridad que conlleva vivir en México. •

Los boletos para las funciones del 15º Teatro a Una Sola Voz - Festival de Monólogos están a la venta en taquilla del Teatro Manuel Doblado (lunes a viernes, de 12:00 a 20:00 horas y sábados, de 10:00 a 14:00 horas) y una hora antes de cada función directamente en el Teatro María Grever. El costo por entrada es de 60 pesos, o bien, al comprar entradas para tres funciones distintas, el costo total será de 150 pesos.

Para consultar los horarios y más detalles de las obras que forman parte de Teatro a Una Sola Voz 2019, entra a institutoculturadeleon.org.mx

Y todos los locos consumidos dentro del vagón despiertan.

el bebé que lleva la señora en el asiento de enfrente comienza a reír.

Quiebraplatos-Morning Glory: Ipomoea. Es el momento justo cuando

el momento justo cuando veo las bardas invadidas de flores azules

justo cuando recuerdo la escritura onomatopéyica de un abrazo. Es

ventana mientras cruzo la estación Palomar Street. Es el momento

Una nube densa, un cúmulo —allá arriba—, se encuadra tras la

O fragmentar.

El verbo entrar. El verbo salir. El verbo cortar.

es igual a chopping, por ejemplo: “She chops wood for fire”.

Bob. La respuesta tiene que ser: shopping, shopping, shopping. Que no

dedicas? ¿Dónde vives? La respuesta no está en el viento, querido

¿A qué dirección te diriges? ¿Tienes otra identificación? ¿A qué te

piel. Acentos sonoros de lenguas: Rasgos. ¿A qué vas a San Diego?

Me gusta repasar las imágenes de cruce: nacionalidades, colores de

voy dentro del Trolley me gusta leer repetidamente la palabra: Sand.

Ya llegó el gusano rojo con su sweetly tañer de campanas. Cuando

cido en los caminos divididos. Lodo aquí, lodo allá.

Hoy tampoco limpié mis zapatos. Dejaré el lodo de mis botas espar-

— Texto Amaranta Caballero Prado —

INSPECCIÓN SECUNDARIA / SECUNDARY INSPECTION

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33 III

Amaranta Caballero Prado, del libro Ojo avizor. (Recuento), serie Cocodrilos, Universidad de Guanajuato, 2019, pp. 8-9.

En español significa arena.

Me gusta tocar repetidamente la palabra Sand.

(She chops wood for fire) Cuando voy dentro del Trolley me gusta leer.

¿Sabes a qué se refería?

LA IGNORANCIA ES LA FUERZA

LA LIBERTAD ES LA ESCLAVITUD

LA GUERRA ES LA PAZ

¿Todos tenemos miedo? En la novela 1984 George Orwell escribió:

cuando los perros te olfatean?

ningún lugar? ¿Seguimos todos sordos y ciegos? ¿Tienes miedo? ¿Te gusta

ves en la televisión? ¿Cuánto cuesta vivir allá, aquí? ¿Cuánto cuesta vivir en

¿Conoces mi país? ¿Hablas español? ¿Lees los periódicos? ¿Crees todo lo que

(Inspección secundaria)

dibujó Henry Darger.

Where Dreams Come True, dijo el otro Walt. In the Realms of the Unreal,

Come, said my Soul, escribió Walt. Come, as you are, as you were, cantó Kurt.

Hierbas perennes pero Leaves of Grass:

ALTERNATIVAS | 107 NARRATIVA BREVE

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Con la globalización, los mercados culturales se han interconectado permitiendo que el flujo de información sobre los productos turísticos, tradicionales y artísticos de una región se conozcan en lugares alejados, singularidad que algunos países e industrias saben explotar. De ello trata Cultura Mainstream: cómo nacen los fenómenos de masas, de Frédéric Martel.

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Si alguien duda sobre la existencia y rendimiento millonario de la economía naranja, debería levantar la vista y reconocer cuántos elementos hollywoodenses existen a su alrededor, afinar el oído e identificar cuántas producciones pop se reproducen en su entorno cotidiano; o bien, encerrarse en casa a ver la televisión o leer un manga. Todo lo anterior son productos realizados por enormes industrias desde el arte, el diseño y la creatividad con la única finalidad de venderse en masa, y vaya que lo han conseguido. El autor de este best seller es Frédéric C. Martel, doctor en sociología con másters en derecho, ciencias políticas, filosofía y ciencias sociales, dedicado al periodismo y la investigación en su natal Francia. En Cultura Mainstream, Martel comparte el resultado de una exhaustiva investigación realizada en 30 países y con mil 250 personas entrevistadas (representantes de empresas transnacionales, directivos de disqueras o productoras, así como empleados de cadenas y artistas) donde expone los procesos que aplican industrias multimillonarias para lograr la generación de ídolos pop mundiales en la música, la literatura y el cine, así como las estrategias de enormes empresas para conquistar los medios de comunicación y el Internet, y ya en la cima, cómo hacen para permanecer con altos niveles de audiencias cautivas, entre ellos Televisa en México. En la primera parte ‘El entertaiment estadounidense’ el autor expone, con actualización, una parte de la larga investigación que realizó para De la cultura en América (2006), donde Hollywood, con sus sindicatos, planes de distribución e innovadores modelos monopólicos abarcan casi las primeras 191 páginas de este libro. En tanto, en la segunda parte titulada ‘La guerra cultural mundial’, Martel explora las industrias creativas y del entretenimiento en regiones de Asia, América, África y Europa con lupa en China (censura y Hong Kong como capital de la cultura en masas), India (Bollywood), Japón (manga, J-pop y K-pop), Arabia (culebrones y telenovelas), Miami (como capital de América Latina en la industria estadounidense), Qatar (nuevos formatos noticiosos en cadena), Dubái (nuevo rey de producciones cinematográficas) y Francia, Reino Unido y Europa central (el antimainstream y la conquista de la música africana). Las prácticas monopólicas y la victoria del más fuerte —o quien explote primero una idea— es una constante en los hallazgos de Martel, que con los años se ha actualizado en reediciones. •

ENTRE LÍNEAS

Este libro se publicó por primera vez en 2010 en Francia, y para el 2011 fue traducido a 12 idiomas, entre ellos el castellano para llegar a España bajo el nombre Cultura Mainstream, la cultura que gusta a todo el mundo… en todo el mundo, y para Latinoamérica como Cultura Mainstream: cómo nacen los fenómenos de masas y es un obligado para quien quiere ser parte de una industria donde el entretenimiento sea la materia prima para crear servicios o productos.

Título Cultura Mainstream: cómo nacen los fenómenos de masas Autor Frédéric C. Martel Editorial TAURUS Publicado en español 2011 Páginas 464

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UN A L MA DA N C Í ST I C A LL A M A DA

ALEJANDRA RAMÍREZ Texto Silvia Palacios | Fotografías Ruy Muñoz

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na casualidad la llevó a encontrar su destino. Sí, sería a partir de las sospechas de una ‘pinta’ que la destacada bailarina Alejandra Ramírez Sánchez encontró su vocación, su propósito de vida. Alejandra nació en el entonces Distrito Federal, pero siendo aún niña se mudó junto con su familia a Puebla, donde años después inició su formación dancística. Con un semblante nostálgico, recuerda que su intención era ejercitarse, no adentrarse en el mundo artístico, pero una vez en éste, ya no dio marcha atrás. “Mi hermana se iba a las clases de danza y yo veía que ella echaba en su bolsa unas mallas y un leotardo, y yo le dije «si no me dices a dónde vas, yo le voy a decir a mi mamá que te estás yendo de ‘pinta’». Yo no sabía ni si se iba de ‘pinta’ o no, y me decía «cállate, luego te llevo». Pasó un mes y luego otro y entonces yo le dije «ahorita voy a ir a decirle a mi mamá que te estás yendo de pinta –No, no, no, ahorita te vas conmigo–», y ya fue que me llevó. Yo entré con la mentalidad de hacer ejercicio, pero ¡sorpresa!, no era ejercicio. Mi cuerpo no estaba listo para ser bailarín, pero yo me aventé a ver qué pasaba”. Fue así que se enfrentó al que quizás fue su primer reto en la danza contemporánea: lograr el nivel experimentado que ya tenían varias de sus compañeras y compañeros; para hacerlo, se forjó una disciplina estricta y comenzó a entrenar horas extras, pero eso no fue lo único determinante, pues también vivió un momento que lo cambió todo, ese momento en el que supo que quería dedicarse a la danza contemporánea. “Lo primero que yo vi fue al Ballet Nacional de México, fue la primera compañía que vi de danza, mi primer acercamiento en cuanto a visual (...) vi un dueto que se llamaba Acuarimántima, de Miguel Añorve y Victoria Camero, del Ballet Nacional de México y fue cuando dije «yo no sé qué es esto, pero yo quiero hacerlo». Ese dueto me marcó porque, para empezar yo no lo entendí nada, pero me erizó la piel y me quedé sin parpadear”.

La forma en que la pareja de bailarines se expresaba corporalmente la impresionó en demasía. A ella la recuerda como una pantera con una gran cabellera negra que se contoneaba con fluidez, y a él, como un hombre corpulento con una cadencia y movimiento de torso que se asemejaba a las ondas del agua. Esa estampa aún se ve reflejada en la forma en que Alejandra mueve sus brazos para explicar cómo era la danza que presenció. Y es que para ella es claro que no se trata sólo de perfeccionar la técnica o interpretar, sino de ser capaz de transmitir emociones, sentimientos. “Siempre he creído que la danza se siente, no se interpreta. Porque, mientras tú como bailarín rompas esa cuarta pared y empieces a sensibilizar al de enfrente o a tocarlo sin tocarlo, ya la hiciste. Si él entendió que en lugar de que eras un corazón eras una ciruela, pues que lo entienda, ese fue su pensar, ese fue lo que le ayudó a ver y lo que le ayudó a sentir, entonces yo por eso digo que para mí, la danza se siente, no se interpreta, para qué le quieres buscar un nombre a lo que viste”. Con la motivación y determinación de ser una bailarina profesional, Alejandra continúo con sus ensayos extras y pronto esa forma de trabajo comenzó a rendir frutos; del taller coreográfico que cursaba en la Benemérita Universidad Autónoma de Puebla dio el paso a la profesionalización en compañías y grupos representativos. Sería un curso impartido por Alejandra Serret, sobrina de Guillermina Bravo, el que representó un impulso profesional no sólo para ella, también para su hermana Laura Pilar, cómplice de vida y de carrera. En ese curso ambas fueron seleccionadas por la maestra Serret para integrarse a la recién agrupación Estatal de Oaxaca, que en un año lograría la categoría de compañía. La capacidad dancística de las dos no estaba en duda, por ello su mamá fue la primera en ofrecerles su apoyo para que viajaran a Oaxaca y su papá las respaldó económicamente durante el año en que el grupo pasó a ser una compañía y que entonces sí, ellas comenzaron a percibir un sueldo.

Cada alumno que yo tengo, es para mí un descubrimiento y una creación al mismo tiempo, el tiempo que duren conmigo. Desde que entran al salón yo les digo «fuiste tocado por la duela, eres bailarín». 38

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“Yo les digo que su primer escenario es el salón. Desde ahí yo empiezo a conocerlos (...) les exijo desde la clase como si estuviera yo viendo una función y me costó ese boleto oro”. Tal vez sean esas ganas de que ‘vivan’ el estar en un escenario el que desea compartir con ellos, que así como para ella estar en el escenario representaba seguridad y los nervios quedaban en segundo plano, así sus alumnos ‘vibren’ al estar frente al espectador. Esa entrega que tiene hacia la danza contemporánea, disciplina a la que le entregó su vida, no ha pasado desapercibida en la escena artística local, y es por eso que en el marco de la II Muestra de Danza Contemporánea, que se celebró el pasado junio, fue galardonada con el Reconocimiento ‘Juan Caudillo’. Al ser cuestionada sobre el momento en que recibió esta noticia, la maestra Alejandra no puede evitar emitir una gran sonrisa, llevarse las manos hacia el rostro y expresar: “No sabes, anoche no dormí. Son muchas cosas, cuando estás en compañías los reconocimientos son para la compañía y no para los bailarines. El único reconocimiento que se lleva el bailarín son los aplausos y el que tal vez tu coreógrafo y tu director o directora te diga «qué bárbaro, qué bien bailaste hoy». Yo pensé que trabajaba en el anonimato, yo no creí que voltearan a ver mi trabajo (…) ¿Qué se siente? padrísimo, bueno, yo lloré. Me siento motivada, aquí es como que agarré gasolina y eso me impulsa a hacer cosas y a crear y a hacer”. Más de 30 años han pasado desde que la maestra Alejandra Ramírez comenzó su travesía por la danza contemporánea que la ha llevado a tener una carrera sólida, con argumentos de sobra para ser reconocida; pero para ella está claro, esto no se acaba aquí, se trata de seguir aprendiendo, seguir trabajando, porque “siempre hay algo pendiente por hacer...” •

En la Compañía Estatal de Oaxaca estuvo durante seis años, posteriormente ella y Pilar regresaron a Puebla, pero esto sería sólo para tomar un nuevo impulso y ahora partir a Chiapas, donde por un año formó parte de la compañía de Tuxtla, y aunque se presentó la posibilidad de dirigirla, ella lo que quería era bailar. “Yo tenía como 23, 24 años, yo quería bailar, yo no quería ni dar clases ni dirigir nada”. Regresó a Puebla y de ahí a la ciudad donde echaría raíces: León. El nuevo capítulo de su carrera dancística comenzó en la Casa de la Cultura Diego Rivera, donde tomaba clases y donde conoció a Juan Caudillo, pilar fundamental de la danza contemporánea en León. Por más de 25 años formó parte de la compañía Danza Contemporánea de León, de Juan Caudillo y Sylvia Salomón, a quienes recuerda con cariño por la oportunidad que le dieron para aprender y formar bailarines. Años después comenzó una nueva etapa de la mano de su amiga Paola González, a quien conoció cuando impartía clases y con quien abrió su grupo Mínimo Cuerpo. “Yo la conocí cuando tenía 17 años. Yo iba a San Pancho a dar clases y ahí la conocí, luego ella audicionó para entrar a la compañía de Juan y Sylvia, quedó y empezamos a identificarnos”. Aunque bailar seguía siendo parte de su rutina, poco a poco comenzó a centrarse más en la docencia, una segunda vocación que abraza con gratitud debido a la posibilidad que le da de transmitir conocimiento, de ver cómo aquellos bailarines van transformándose desde aquel primer momento en que pisan la duela. “Cada alumno que yo tengo, es para mí un descubrimiento y una creación al mismo tiempo, el tiempo que duren conmigo. Desde que entran al salón yo les digo «fuiste tocado por la duela, eres bailarín»”. Por ese motivo es que les exige compromiso, disciplina y la capacidad de ‘absorber’ todo el aprendizaje que puedan, que pregunten, que cuestionen, que se preparen.

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Texto Daniel Rentería Martell

Con cuatro intensas historias que tienen como eje la migración, el Cineclub de la Casa de la Cultura Diego Rivera reabre sus puertas. Todos los sábados de julio se proyectará la selección de películas pertenecientes al 16° Festival Internacional de Cine Judío. 40

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ROLLOS VELADOS

Con el libro del "Génesis" como texto base en la narrativa, la cinta tiene como protagonistas a tres integrantes de una orquesta israelí: Abraham (Alon Atutbul), director; su esposa, Sara (Tali Sharon), y Agar (Yana Yosef), una músico de reciente ingreso que inicia una gran amistad con Sara. El apego entre las instrumentistas se torna en una inevitable atracción que deriva en la propuesta de que Agar se embarace de Abraham, ya que el matrimonio ha tenido problemas para tener hijos. Este hecho desencadenará una serie de consecuencias y conflictos. Para finalizar, el día 27 se presenta Pinsky, ópera prima de la directora estadounidense Amanda Lundquist que gira en torno a la vida de Sofía (Rebecca Krapovsky), una mujer que enfrentará una serie de cambios en su vida aparentemente estable, tras el abandono de su novia y la inesperada muerte de su abuelo. Sofía cae en depresión y decide refugiarse en su familia, acción que su abuela Marina (Larisa Popova) aprovechará para hacer que la protagonista entable una relación con Trevor (Jacob Brandt), un chico judío. Sofía Pinsky intentará seguir de forma fallida las ideologías familiares, a la par que conoce a un nuevo grupo de amigos e inicia el importante proceso de perdonar a sus parientes. La migración puede utilizarse como una ingeniosa metáfora para introducir temáticas que hace años serían complicadas de abordar, no sólo dentro de la ideología judía sino en el mundo, como el diferir de las normas políticas, religiosas y morales. •

uego de una pausa debido a la rehabilitación de la Casa de la Cultura Diego Rivera, el Cineclub está listo para proyectar la selección de la edición del Festival Internacional de Cine Judío, que podrás disfrutar los sábados, en punto de las 19:00 horas. Pese a que las cuatro cintas tienen historias, estilos y narrativas particulares, cuentan con una temática en común: la migración; pero esto no se refiere exclusivamente a la acción de comenzar una vida en otro país, sino a la migración de ideologías que viven los protagonistas de las diferentes producciones. La obra cinematográfica que da inicio a este ciclo es La vaca roja (2018), donde la directora israelí Tsivia Barkai narra la historia de Benny (Avigayil Koevary), una adolescente que vive al este de Jerusalén con su amoroso padre (Gal Toren), un hombre con ideología religiosa de derecha extrema. Su tranquila vida comienza a turbarse a raíz de las diferencias que tiene con la forma de pensar y actuar conforme a la tradición judía, ya que además de tener cierta oposición a las formas religiosas, inicia un romance con una chica que se encuentra en la ciudad haciendo su servicio. Esta decisión será una falta imperdonable a las normas de su comunidad. Ser niño de nuevo (2018) es la segunda cinta que se proyectará. Se trata de un documental dirigido por los mexicanos Moy y Gabriel Volcovich, quienes, tras entrevistar a más de 200 niños israelíes de diferentes regiones y estratos sociales hicieron una selección de once testimonios donde cada niño transmite su particular y maravillosa visión del mundo, sus problemas y sueños. La dupla ya había realizado un proyecto similar con infantes mexicanos, el cual tuvo como resultado una exposición en el Museo del Papalote, en Ciudad de México. El sábado 20 se exhibirá Armonía (2016), una historia llena de metáforas que utiliza como principal lenguaje la música de compositores como Tchaikovsky y Boïeldieu para abordar temas como la homosexualidad, la política y la moralidad que existe en el pueblo judío.

Te invitamos a disfrutar de las grandes producciones de este ciclo, donde también tendrás un momento de reflexión y aprendizaje acerca de esta cultura. Para más detalles de la cartelera, visita institutoculturaldeleon.org.mx o las redes sociales del Instituto Cultural de León.

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La despensa del Faraón Texto María Luisa Vargas San José

5 mil años hace que los descendientes de Ra aguardan, esperan, matan el tiempo dormidos en sarcófagos dorados, soñando con volver a pisar la fértil tierra del Nilo.

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AGUA LA BOCA

l misterioso Egipto sucede desde siempre junto al agua del río con silueta de loto azul, en donde sólo existen tres estaciones en el año: la estación de la inundación (ahkit, de junio a septiembre), de la vegetación (peret, de octubre a enero) y de la cosecha (shemu, de febrero a mayo). Cuando las pirámides eran jóvenes, cada pequeña casa campesina, construida de barro y paja y techada con caña, tenía un huerto familiar con flores, frutas y árboles; así como un estanque, las más de las veces diminuto para poder regar y mantener húmedo el suelo del jardín y plantar ahí suficientes cebollas, ajos, lechugas, sandías y melones, lentejas, garbanzos, habas, comino, perejil y apio, para poder vivir tranquilos. En los campos, grandes cosechas de cereales para la alimentación del imperio y azules extensiones de lino, con el que se tejían desde los ropajes más finos hasta los más rústicos y de cuyo grano, la linaza, se obtiene hasta la fecha harina y aceite. La pasión egipcia por la vida y sus placeres llevaron a este pueblo al refinamiento de las artes y las ciencias (arquitectura, pintura, agricultura, medicina, astronomía…) para vivir exquisitamente. A pesar de que no se conserva ningún recetario escrito, fuentes fidedignas —pinturas, ofrendas funerarias y cientos de documentos— nos permiten saber qué comían y cómo comían los faraones y sus súbditos, lo que no sabemos exactamente es cómo lo cocinaban, aunque debemos suponer que existía una cultura gastronómica digna de este pueblo que cultivaba con primor la danza, la música, la perfumería y la elaboración de cosméticos.

Desde las primeras dinastías, tenemos centenares de representaciones de las más espléndidas mesas en los muros eternos de tumbas y estelas en las que aparecen escenas de cocina como la elaboración del pan y de la cerveza, el escamado de pescado, trabajos de carnicería… y toda la bolsa del mercado egipcio. Lo mejor de lo mejor, lo que más tenemos que agradecer a los egipcios son tres cosas fundamentales para la felicidad de cualquiera: el pan, la cerveza y las cebollas. Hoy en día, a más de 5 mil años de distancia y hasta en el hogar más remoto del mundo, los hombres y las mujeres tenemos cerveza, pan y cebollas para sustentar nuestros platillos. Por muy distintas que sean nuestras costumbres culinarias, en todo el mundo estos tres personajes se encuentran presentes. Hoy y aquí, en la otra punta del mundo, al otro lado del tiempo, los hombres y las mujeres tocamos al milenario Egipto con la punta de los dedos cada vez que comemos habas, lentejas, chícharos y garbanzos, pepinos y melones, coles, rábanos y cilantros, comino y perejil; todos ellos, alimentos con los que el faraón pagaba a sus trabajadores. ¡Qué cerca y qué lejos permanecemos unos de otros! El origen de la civilización en nuestra mesa vive y se reproduce eternamente, alimentos ancestrales de ayer y de siempre… a final de cuentas la reencarnación con la que soñaban en el valle del Nilo nos alcanzó a todos, que estamos hechos de la misma pasta, desde siempre. •

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EL SITIO

un santuario para tus

Texto Daniel Rentería | Fotografía Nahúm Amezcua

La música te indicará el lugar. Si caminas por la Vicente Guerrero y escuchas algo de jazz, funk o rock y te llega un delicado olor a café, quiere decir que estás cerca, guíate por tus sentidos y llegarás a Soul Limbo Records y La Grándola – Fonda Mediterránea.

EL SITIO

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l cruzar la puerta verás de frente las mesas y sillas de un atípico restaurante en el Barrio de San Juan de Dios, pero sin duda, tu mirada se desviará a la derecha, hacia tres singulares cuartos donde se exhiben los miles y miles de vinilos que Soul Limbo Records tiene en el inventario. Entre murales psicodélicos, acomodados en repisas hechas de madera se encuentran joyas musicales como álbumes de Alejandro Jodorowsky, La Revolución de Emiliano Zapata, Jorge Reyes, Chac Mool, Luis Pérez, así como grupos italianos como Le Orme o Premiata Forneria Marconi, grabaciones muy particulares y difíciles de conseguir que pueden llegar a valuarse incluso en el rango de los 500 dólares, y que comparten espacio con producciones sonoras más comunes que pueden adquirirse desde 40 pesos. Pero cualquiera que sea el precio, quieras o no llevarlo a casa, en Soul Limbo Records podrás disfrutarlo y compartirlo. La idea principal de este lugar es que el comensal pueda degustar un café, tapas españolas o entremeses ligeros, acompañados por un vinyl de lo más de 12 mil que tienen en stock, pues puedes elegir el de tu preferencia y pedir que lo reproduzcan en el sistema de audio de alta calidad que allí tienen. Y aunque esto parece una decisión sencilla será inevitable que te pierdas descubriendo artistas de otras épocas y de géneros o estilos tan diversos como boogaloo, funk chicano, psicodelia, ritmos africanos o cumbia, porque aunque el 60 por ciento de los vinilos son de rock, también hay compilaciones de la Estudiantina de la Universidad de Guanajuato, pop mexicano como Yuri, grabaciones de Los Bukis, Ray Camacho o soundtracks famosos como El Señor de los Anillos. Cuando hayas encontrado el álbum que quieras escuchar, será momento de consentir otros de tus sentidos en La Grándola - Fonda Mediterránea, establecimiento con el que Soul Limbo Records comparte inmueble. La Grândola, Vila Morena es una canción del artista portugués José Afonso que fue tomada como himno por el Movimento das Forças Armadas en el 74, durante la Revolución de los Claveles. Esta canción se convirtió en el himno de la revolución de Portugal, una revolución que

fue pacifista cuando en España la Guerra Civil con Franco fueron muchos muertos, desaparecidos y exiliados. Siendo revolucionario en su propio aspecto, La Grándola - Fonda Mediterránea ofrece una variedad de platillos veganos y vegetarianos a bajo coste, con los que los visitantes podrán degustar una comida completa, deliciosa y saludable por alrededor de 80 pesos. El menú incluye la pizza clásica, una de las favoritas, hecha con una masa especial que sustituye la levadura tradicional con espuma de cerveza, y que como ingredientes principales tiene calabacita tierna y zanahoria. Otras pizzas predilectas de los asiduos comensales son las de espinacas y la mexicana, que pueden ser acompañadas con papas a la francesa fritas con aceite de oliva virgen. También tienen paninis con sofrito de verduras y para los que gustan de carne hay montaditos de jamón serrano, hamburguesas y alitas, estas últimas incluidas en la carta hace poco por petición de los mismos visitantes. Pero las favoritas de ayer y a hoy son la la tortilla española, la ensalada rusa y las tapas. Para maridar, puedes pedir refrescantes bebidas como una cebadina, té chai o chocolate caliente, aunque la estrella de la casa es el café artesanal. Mientras escuchas la música que elegiste, puedes disfrutar de una taza de café cuyos granos chiapanecos, veracruzanos o colombianos puedes triturar tú mismo con un pequeño molino y pedir que lo preparen como expresso o americano. Si tu intención es comer saludable pero no cuentas con tiempo para crear toda esta experiencia, siempre puedes pedir para llevar sin remordimiento alguno, porque además de las pocas calorías que consumirás, todos los desechables que aquí entregan son de materiales orgánicos y biodegradables, además de que siempre puedes presentarte con tu contenedor y ayudarles a no generar residuos. Tanto en Soul Limbo Records como en La Grándola Fonda Mediterránea podrás encontrar personas de todas las edades, desde los habituales adultos jóvenes de entre 25 y 38 años, hasta familias con pequeños que se maravillan con lo que allí encuentran. Son sobretodo los niños y jóvenes de entre 16 y 25 años quienes suelen sorprenderse con la forma de reproducción

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Fotografías Eduardo Villanueva

de un vinyl, pues les parece increíble que deteniendo o moviendo físicamente el disco puedan pausar o adelantar la música comprobando así que el trabajo de rapero de los 80 o un Dj que hace scratch sigan siendo posibles y reales en la actualidad. Además de esta magia que descubren en el establecimiento los más jóvenes, ambos lugares también tienen cierto encanto para los más grandes pues la nostalgia por el pasado es inevitable, no sólo por los vinilos en exhibición, sino por la misma arquitectura del lugar, porque el inmueble donde se alojan evoca aquel recuerdo de los papás o abuelos que escuchaban vinilos en sus consolas, de la casa de la abuela que tenía macetas con flores en el pasillo, patios con árboles frutales y hermosos pisos de mosaico artesanal con herrerías viejas. La versatilidad del sitio lo ha llevado a ser sede de festivales de viniles donde coleccionistas y expositores de otras ciudades presentan y ofrecen al público exclusivos materiales discográficos, además de sesiones de música en vivo con ocasionales sesiones de jazz, jam sessions, donde se juntan varios músicos, hacen ‘palomazos’, practican algunas canciones y la gente que mientras se toma un café pueden disfrutar del concierto o bien se pueden subir a tocar algún instrumento, no puedes saber qué es lo que van a tocar. •

Así que, si quieres pasar una cálida tarde en un único lugar y tener una experiencia musical y gastronómica diferente, visita La Grándola - Fonda Mediterránea y Soul Limbo Records, de miércoles a lunes de 13:00 a 21:00 horas, en el #112 de la calle Vicente Guerrero, barrio San Juan de Dios.

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Arriba el telón e n

Purísima Texto Redacción IEC | Fotografía Rob Laughter - Unsplash

Este mes inician las actividades del Teatro de la Ciudad de Purísima, un recinto moderno que permitirá ampliar la oferta artística en los Pueblos del Rincón.

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AL CIERRE

una de la Judea, una de las escenificaciones populares más distintivas del país, Purísima se prepara para ver cobrar vida a su Teatro de la Ciudad, un recinto moderno que no sólo amplía la infraestructura cultural de nuestro estado, sino que abre mayores posibilidades para la oferta artística en los Pueblos del Rincón.

Fotografías Cortesía IEC

El inmueble, ubicado en la Plaza Purísima, complejo urbano inaugurado en septiembre del año pasado y que reúne diversas instalaciones públicas en el centro de la ciudad, ha completado su equipamiento y recibirá sus primeras actividades artísticas a partir del 19 de julio, siendo la compañía italiana fuse* la encargada de levantar el telón con “Dökk”, un alucinante espectáculo multimedia que combina danza, video e informática. El Teatro de la Ciudad de Purísima del Rincón será el tercer teatro moderno construido en Guanajuato en la última década, después de su homólogo en Irapuato y el Teatro del Bicentenario en León. Su edificación inició en mayo de 2017, sobre una superficie de mil 897 metros cuadrados, que anteriormente formaba parte de un estacionamiento. Se trata de un escenario con diseño a la italiana y 570 asientos, distribuidos en dos secciones de luneta y un balcón. Su foro ofrece 231 metros cuadrados de superficie de trabajo, con una boca escena de 15 metros de ancho y 9 de altura (casi un 50% mayor que la del Teatro Juárez, de Guanajuato), lo que le permitirá albergar una amplia variedad de espectáculos escénicos y musicales de distinto formato. Diseñado por el arquitecto Salvador Zermeño Méndez, el teatro luce desde su exterior como un juego de volúmenes mayoritariamente rectangulares y cerrados. La excepción es el muro cortina de cristal que enmarca su acceso principal bajo una cubierta en voladizo. En los laterales es perceptible un par de terrazas, que multiplican las posibilidades de uso del edificio y ofrecen vistas panorámicas hacia el resto de la Plaza Purísima.

La relativa austeridad de la piel externa del recinto contrasta con las texturas que luce en su interior. Su brevísimo vestíbulo se separa del foro por un muro con un relieve tridimensional y su sala ofrece un dinámico juego de superficies recubiertas de madera, que más allá de su propósito principal de servir a la acústica del teatro, contribuyen a darle expresión y personalidad al espacio donde se dará el encuentro entre el espectadores y artistas. Oculta al común de los visitantes, se ubica la zona técnica: con dos pisos que acomodan 10 camerinos y una caja escénica con 32 varas, corazón de su maquinaria teatral complementada con montacargas y lo más moderno en equipo de audio, iluminación y circuito cerrado de televisión. Con el inicio de actividades artísticas en el Teatro de la Ciudad de Purísima, se abre no sólo un espacio privilegiado no sólo para la ciudad natal de Hermenegildo Bustos, sino para todos los Pueblos del Rincón, e incluso para la zona metropolitana de León, pues el recinto se ubica a unos pasos de una central de transferencia del Sistema de Movilidad Interurbano Unebus. El nuevo escenario estará a cargo del Instituto Estatal de la Cultura y su vocación estará enfocada en las artes, enriqueciendo la oferta artística para la zona y abriendo nuevas posibilidades de difusión del quehacer de los artistas guanajuatenses.•

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JARDÍN DE SAN JUAN DE DIOS

ESPACIOS INSTITUTO CULTURAL DE LEÓN 1

PLAZA DE GALLOS

ESCUELA DE ARTES PLÁSTICAS ANTONIO SEGOVIANO

Benito Juárez 318, Centro.

Justo Sierra 202, esq. Belisario Domínguez. ROSAS MORENO

MUSEO DE LAS IDENTIDADES LEONESAS Justo Sierra 202, esq. Belisario Domínguez.

DR. HERNÁNDEZ ÁLVAREZ

CASA DE LA CULTURA DIEGO RIVERA

TEATRO MARÍA GREVER

INSTITUTO CULTURAL DE LEÓN

TEATRO MANUEL DOBLADO

ESCUELA DE MÚSICA DE LEÓN

CASA DE LA CULTURA EFRÉN HERNÁNDEZ

Portal Delicias s/n, Plaza Fundadores.

Álvaro Obregón 217, Centro.

ARCO DE LA CALZADA

Plaza Benedicto XVI s/n, Centro.

Pedro Moreno esq. Hermanos Aldama, Centro.

Pedro Moreno 208, Centro.

Monte de las Cruces, esq. Calle Luna Fraccionamiento Hidalgo.

JUSTO SIERRA

PRESIDENCIA MUNICIPAL REFORMA

20 DE ENERO

MADERO

7 ÁLVARO OBREGÓN

DONATO GUERRA

8 BLVD. ADOLFO LÓPEZ MATEOS BLVD. HIDALGO

PEDRO MORENO

FRACCIONAMIENTO HIDALGO

9 MONTE DE LAS CRUCES LUNA

AGENDA julio 2019 Anuncia aquí tus eventos. Manda los datos al correo alternativasdifusion@gmail.com antes del día 15 de cada mes. www.institutoculturaldeleon.org.mx/icl/calendario

AC TI V I DA D I C L

T E AT R O Más Teatro Temporada 2 Montajes Existentes Teatro María Grever

Entrada libre

Curva peligrosa Sábados 13 y 20