Revista DIAyNOCHE 3 by vanessa tio-groset

R E V I S T A

Arte y C u l tu ra s i n F ro n teras

AÑO IV - # 3 - MAYO 2009 - EDICION DIGITAL INTERNACIONAL - ISSN 2072-7216

CECI N´EST PAS UN

DyN 1 LITERATURA PINTURA FOTOGRAFIA DISEÑO DANZA TEATRO MUSICA VIDEO CERAMICA GRABADO

BIENALES Habana / Mercosur / Siart ARTE HUICHOL México HISTORIA DEL ARTE / BARROCO Ficha coleccionable APENAS UNA NOCHE cuento ALICIA EN EL PAIS DE LA FOTOGRAFIA Relato SIETE TESOROS DEL PATRIMONIO CULTURAL de Asunción / Paraguay

6 La tradición

AQUEL PARIS DE PARTITURAS Y COLORES Relato de turismo ERICK PAUL SALAZAR URGILEZ Ganador del Concurso Identidad Cultural 08 EMPRENDIMIENTO CULTURAL MULTIDISCIPLINARIO Un Proyecto Cultural Singular 10 ASPECTOS PARA GANAR UN CONCURSO DE FOTOGRAFIA De interés

oral latinoamericana

CONVOCATORIAS INTERNACIONALES Arte Digital / Cine / Danza / Fotografía / Literatura / Pintura

Historia del Arte BARROCO

CUENTO Apenas una noche

RELATO Alicia en el país de la fotografía

DIAyNOCHE © es una publicación de:

Etcétera

7 TESOROS del Patrimonio Cultural Material de Asunción

VITALE

www.etceteraonline.net etceteraonline.net@gmail.com

IO IVAC N CUL T C T

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10 aspectos para ganar un concurso de Fotografía

Convocatorias Internacionales

Emprendimiento cultural multidisciplinario

E VITA

Aquel PARIS de partituras y colores AL R U Entrevista a Erick Paul Salazar Urgilez

LA D O LC

DIAyNOCHE tiene como principal objetivo promover las culturas del mundo a través de su promoción y activación.

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LA PLU M A

Todas las notas son responsabilidad de su autor. Las reproducciones con el permiso de su autor o editorial mencionando su fuente original.

La identidad cultural esta ligada a la historia y al patrimonio cultural, existe por la memoria, por la capacidad de reconocer el pasado, con elementos simbólicos o referentes que le son propios y que ayudan a construir el futuro.

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CONTENID(O)(O)DINETNOC

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Arte HUICHOL México

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BIENALES

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TRADICION ORAL Latinoamericana

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E D I T O contacto@dynonline.net R I A L EDITORIAL

CECI N´EST PAS UN Magritte

DIRECCION GENERAL Vanessa Tio-Groset DIRECCION COMERCIAL Jorge Codas EDITORIAL & DISEÑO Etcétera REDACCION Jorge Codas Iriane Rancevin Pablo Ruiz CORRECCION Oliver Nesnon COLABORADORES Víctor Montoya Delfina Acosta Juan Carril Márquez CONTACTO

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Magritte CECI N´EST PAS UN

Por Oliver Nesnon

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a r t í c u l a o r t d i es t i a ns t e f r a ém so s o s

uando ví por primera vez el espectáculo Quidam del Cirque du Soleil, me dejé envolver por aquella mágica pincelada surrealista que, a todas luces, rendía homenaje a René Magritte y a André Breton, a través de personajes construídos en torno a una familia tradicional, padre, madre e hija, en cuyo transcurso cotidiano irrumpía el mundo exterior representado en una cadena inagotable de imágenes lúdicas, con sus locos personajes provenientes de sueños y deseos, inspirados en la iconografía del artista belga. La invitación era clarísima: ver el mundo del circo a través de los ojos del personaje principal, una niña, desbordante de entusiasmo, música, inocencia y alegría, siempre acompañada de un sujeto de cuerpo desproporcionado y sin cabeza que se cubría con un paraguas, convertido en conductor de la fantasía de la niña. Recordé inmediatamente las pinturas de Magritte y cómo cuando al verlas uno se hace a sí mismo la misma y simple pregunta: ¿Qué significa esto? “No significa nada, diría Magrit-

te, simplemente evoca misterio y el misterio no significa nada tampoco, es incognoscible”. Su obra es más conceptual que la de otros contemporá-

neos suyos Magritte dotó al surrealismo de una carga conceptual basada en el juego de imágenes ambiguas y su significado denotado a través de palabras poniendo en cuestión la relación entre el objeto pintado y el real. Dalí invocaba al sub consciente emocional, Magritte apelaba a la inteligencia del espectador, buscando siempre poner de manifiesto la contradicción intelectual o verbal. A diferencia de Dalí, Magritte no

usaba la pintura para expresar sus obsesiones privadas o sus fantasías, sino que se expresaba con agudeza, ironía y con un espíritu de debate. Tal es así que el título de sus obras también es surrealista y muy raras veces concuerda con el contenido. Es notable el impacto que su obra ha tenido en artistas americanos y europeos de posguerra, de la talla de John Baldessari, Jasper Johns o Jeff Koons, entre otros. También ha producido una gran influencia en otros territorios artísticos como el teatro, la danza, el cine, el circo, como mencionábamos antes. Recordemos, como un simple ejemplo, la película El secreto de Thomas Crown, con la actuación de Pierce Brosnan y Rene Russo, donde se recrea la obra Golconda de Magritte, óleo sobre lienzo que representa una escena de hombres idénticos vestidos con abrigos oscuros y bombines, que parecen estar flotando como globos de helio, con un fondo de edificios y cielo azul. Es humorístico, pero con una evidente crítica a la convencional eliminación de la individualidad. El mismo Magritte vivía en un similar entorno suburbano, y vestía de manera similar. El bombín era una característica común de gran parte de su trabajo. En la actualidad la obra está ubicada en la colección Menil en Houston, Texas.

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Bio GRAFIA René Magritte

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latino

TRADICION ORAL

AMERICANA Primera parte

Por Victor Montoya

Escritor y pedagogo boliviano. Radicado en Estocolmo, Suecia.

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a r t í c u l o i d de en t i i nd t a ed r éc su l t u r a l

tradición oral latinoamericana, desde su pasado milenario, tuvo innumerables Iriartes, Esopos y Samaniegos que, aun sin saber leer ni escribir, transmitieron las fábulas de generación en generación y de boca en boca, hasta que aparecieron los compiladores de la colonia y la república, quienes, gracias al buen manejo de la pluma y el tintero, perpetuaron la memoria colectiva en las páginas de los libros impresos, pasando así de la oralidad a la escritura y salvando una rica tradición popular que, de otro modo, pudo haber sucumbido en el tiempo y el olvido. No se sabe con certeza cuándo surgieron estas fábulas cuyos protagonistas están dotados de voz humana, mas es probable que fueron introducidas

en América durante el siglo XVI, no tanto por las huestes de Hernán Cortés y Francisco Pizarro, sino, más bien, por los esclavos africanos traídos como mercancía humana, pues los folklorólogos detectaron que las fábulas de origen africano, aunque en versiones diferentes, se contaban en las minas y las plantaciones donde existieron esclavos negros; los cuales, a pesar de haber echado por la borda a los dioses de la fecundidad para evitar la multiplicación de esclavos en tierras americanas, decidieron conservar las fábulas de la tradición oral y difundirlas entre los indígenas que compartían la misma suerte del despojo y la colonización. Con el paso del tiempo, estas fábulas se impregnaron del folklore y los vocablos típicos de las culturas precolombinas.

Algunas fábulas de la tradición oral son prodigios de la imaginación popular, imaginación que no siempre es una aberración de la lógica, sino un modo de expresar las sensaciones y emociones del alma por medio de imágenes, emblemas y símbolos. Algunas fábulas de la tradición oral son prodigios de la imaginación popular, imaginación que no siempre es una aberración de la lógica, sino un modo de expresar las sensaciones y emociones del alma por medio de imágenes, emblemas y símbolos. En tanto otras, de enorme poder sugestivo y expresión lacónica, hunden sus raíces en las culturas ancestrales y son piezas claves del folklore, pues son muestras vivas de la fidelidad con que la memoria colectiva conserva el ingenio y la sabiduría populares. El folklore es tan rico en colorido, que Gabriela Mistral estaba convencida de que la poesía infantil válida, o la única válida, era la popular y propiamente el folklore que cada pueblo tiene a mano, pues en él encontramos todo lo que necesita, como alimento, el espíritu del niño. En efecto, los niños latinoamericanos no necesitan consumir una literatura alienante y comercial llegada de Occidente, ya que les basta con oír las historias de su entorno en boca de diestros cuenteros, que a uno lo mantienen en vilo y lo ponen en trance de encanto, sin más recursos que las inflexiones de la voz, los gestos del rostro y los movimientos de las manos y el cuerpo. Desde tiempos muy remotos, los hombres han usado el velo de la ficción o de la simbología para defender las virtudes y criticar los defectos; y, ante todo, para cuestionar a los poderes de dominación, pues la fábula, al igual que la trova en la antigua Grecia o Roma, es una suerte de venganza del esclavo dotado de ingenio y talento. Por ejemplo, el zorro y el conejo, que representan la astucia y la picardía, son dos de los personajes en torno a los cuales gira la mayor cantidad de fábulas latinoamericanas. En Perú y Bolivia se los conoce con el nombre genérico de “Cumpa Conejo y Atoj Antoño”. En Colombia y Ecuador como “Tío Conejo y Tía Zorra” y en Argentina como “Don Juan, el Zorro y el Conejo”. Los personajes de las fábulas representan casi siempre figuras arquetípicas que simbolizan las virtudes y los defectos humanos, y dentro de una pe-

culiar estructura, el malo es perfectamente malo y el bueno es inconfundiblemente bueno, y el anhelo de justicia, tan fuerte entre los niños como entre los desposeídos, desenlaza en el premio y el castigo correspondientes; más todavía, para que la moraleja y la nobleza de los diálogos adquieran mayor efecto, se ha recurrido al género de la fábula, cuyos personajes, aparte de ser los héroes de los niños latinoamericanos, no tienen nada que envidiar a los de Occidente y a los dibujos animados de Walt Disney. En la actualidad, las fábulas de la tradición oral, que representan la lucha del débil contra el fuerte o la simple realización de una travesura, no sólo pasan a enriquecer el acervo cultural de un continente tan complejo como el latinoamericano, sino que son joyas literarias dignas de ser incluidas en antologías de literatura infantil, por cuanto la fábula es una de las formas primeras y predilectas de los niños, y los fabulistas los magos de la palabra oral y escrita.

Cuentos de espanto y aparecidos Los niños latinoamericanos, como todos los niños del mundo, nacen y crecen en un ámbito en el cual se transmiten cuentos de espanto y aparecidos, capaces de superar a los cuentos crueles de los hermanos Grimm y Charles Perrault. En los cuentos provenientes de la tradición oral, la vida y la muerte tienen diversas interpretaciones; y una de éstas, de carácter tanto pagano como cristiano, es la creencia popular de que el alma -o espíritu- sobrevive a la muerte y que, tras el juicio final, unos van a disfrutar de la felicidad en el Paraíso y otros a sufrir los tormentos entre las llamas del Infierno. Según Carl G. Jung, el alma del inconsciente humano forma también parte de los elementos vivos de la naturaleza. Entre los pueblos primitivos, “cuya conciencia está en un nivel de desarrollo distinto al nuestro, el alma -o psique- no se considera unitario.

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MITO PARAGUAYO MOÑAI: tercer hijo de TAU y KERANA. Díos de los campos, de los aires y las aves. Protector de los robos y las picardías. Fue incinerado por ARAVE-TUME en la gruta de lioñaikue (Dpto. de Yaguarón) juntamente con los siete hermanos suyos y con éllos, Porâsy (hija de Rupavê), la hermosa doncella que se sacrificó por remidir a su pueblo de la maldición de aquellos siete fenómenos meléficos.

Muchos primitivos suponen que el hombre tiene un alma selvática además de la suya propia, y que esa alma selvática está encarnada en un animal salvaje o en un árbol, con el cual el individuo tiene cierta clase de identidad psíquica (...) Es un hecho psicológico muy conocido que un individuo pueda tener tal identidad inconsciente con alguna otra persona o con un objeto (…) Esta identidad toma diversidad de formas entre los primitivos. Si el alma selvática es la de un animal, al propio animal se le considera como una especie de hermano del hombre. Un hombre cuyo hermano sea, por ejemplo, un cocodrilo, se supone que está a salvo cuando nade en un río infestado de cocodrilos. Si el alma selvática es un árbol, se supone que el árbol tiene algo así como una autoridad paternal sobre el individuo concernido. En ambos casos, una ofensa contra el alma selvática se interpreta como una ofensa contra el hombre” (Jung, C-G., 1995, p. 289). En las culturas ancestrales latinoamericanas, desde antes de la era cristiana, se cree que el alma es algo intangible y que puede seguir vivo, en forma de fan-

tasma o espíritu, tras el deceso del cuerpo. Una vez muerta la persona, su alma se torna en un astro luminoso que se va al cielo o que, una vez condenada a vagar como alma en pena, vuelve al reino de los vivos para vengar ofensas, cobrar a los deudores, castigar a los infieles y espantar a los más incautos. Estos personajes de doble vida, amparados por la oscuridad, aparecen en pozos, parajes solitarios y casas abandonadas, y su presencia es casi siempre anunciada por el aleteo de una mariposa nocturna, el trueno del relámpago, el crujido de las maderas, el crepitar del fuego y el soplo del viento. Los difuntos se aparecen en forma de luz cuando se trata de almas del Purgatorio y en forma de bulto negro o de hombre grotesco si se trata de almas condenadas. Algunas creencias dicen que las mujeres perversas se convierten en brujas o en sacerdotisas que mantienen vínculos con las “fuerzas de las tinieblas” y que, a veces, pueden proceder como un demonio de la muerte, tal cual se las representa en ciertos mitos, leyendas y cuentos de hadas. Otras supersticiones dan cuenta de que la bruja se aparece en forma de cerdo, caballo o perro, y que existen varias fórmulas para defenderse de estas arpías, como colocar una cruz de fresno, una herradura y una rama de laurel en la puerta de la casa, o poner dos dedos en cruz y decir: “Puyes”, “Jesús, María y José” u otras palabras santas. Según cuenta la tradición oral, las brujas se reúnen en vísperas de San Juan y durante la Semana Santa; ocasiones en las que se celebran ceremonias dirigidas por el diablo. Allí se inician las novicias por medio de orgías sexuales, en las que se incluyen niños y animales, y donde no faltan los rituales de canibalismo y magia negra. Unos dicen que las comidas y bebidas que consumen las brujas están preparadas sobre la base de grasa de niños recién nacidos, sangre de murciélagos, carne de lagartijas, sapos, serpientes y hierbas al ucinógenas; mientras otros aseveran que los niños que vuelan hacia las reuniones, montados en escobas, horquillas para

Desde antes de la conquista, los cuentos de espanto y aparecidos, arraigados en la creencia popular, han sido difundidos de generación en generación. No en vano “la tradición europea de brujas, duendes y fantasmas se mezcla con la indígena y la africana de espíritus del agua, las selvas y los montes. Encontramos mujeres que vuelan en barcos pintados en los muros, como la ‘Tatuana’ en Centroamérica o ‘la Mulata de Córdoba’ en México; pequeños duendes que enamoran a las niñas hermosas cantándoles coplas, como el ‘Sombrerón’ en Guatemala; espíritus que defienden la naturaleza y que castigan brutalmente a quien la daña, como la ‘Marimonda’ en Colombia o el ‘Coipora’ en Brasil; barcos malditos que navegan sin encontrar puertos jamás, como el ‘Caleuche’ en Chile o el ‘Barco Negro’ en Nicaragua; y están también las mujeres demoníacas que seducen a los hombres que andan lejos de sus casas. Son mujeres hermosas, atractivas y extrañas. Cuando los hombres las abrazan, los espantan con su rostro de calavera” (Véase “Cuentos de espanto y aparecidos”, 1984, pp. 6-7). En la cultura andina tenemos a la k’achachola (chola hermosa), quien, ni bien envilece al caminante solitario y desprevenido, lo conduce a una galería abandonada de la mina o a la orilla del río, donde lo seduce y abandona antes de que cante el gallo y despunte el alba. Muchos hombres que despertaron de una embriaguez alucinante en las laderas de los cerros o en las orillas de los ríos, cuentan haberse encontrado con la k’achachola. De las consejas coloniales, provenientes de la tradición oral, valga mencionar a los duendecillos de sombreros alones que, siendo niños abortados o muertos antes del bautismo, retornan a buscar a sus seres queridos, y que, escondidos en las tinajas de agua o chicha, lloran o ríen sin cesar, pues son muertos que conversan y conviven entre los vivos. Tampoco se debe olvidar a las brujas que conservan su perenne juventud bañándose en sangre de vírgenes degolladas; a las calaveras que vuelan a la luz de los relámpagos en carretas tiradas por caballos y conducidas por jinetes sin cabeza; a los espíritus malignos que raptan niños desobedientes para ha-

Cuentos de espan

estiércol, lobos, gatos y otros animales domésticos, son adiestrados por el Lucifer llegado de los avernos.

cer con sus huesos botones y con sus carnes exquisitos manjares; a los fantasmas diabólicos y a otros personajes como el supay o Tío (dios satánico de los socavones y dueño de los minerales), que es un personaje creado y esculpido por los propios mineros, quienes, sentados alrededor de él, mascando hojas de coca y bebiendo sorbos de aguardiente, le rinden pleitesía y le suplican que les depare el mejor filón de estaño y, a la vez, los ampare de los peligros y la muerte.

De este modo, las fábulas, mitos, cuentos y leyendas sobre la creación del universo y del hombre -la misión salvadora de las deidades, el hondo simbolismo de la Pachamama (Madre-tierra), las graciosas leyendas del Achachila (deidad mitológica de la cosmología andina), de la coca, la papa, el tabaco y otros- provienen de la tradición oral y constituyen el cimiento de las culturas precolombinas. Asimismo, junto a los mitos y leyendas que corren de boca en boca, desvelando sueños y sembrando el pánico entre los crédulos, está la cholasin cabeza, el jucumari(oso) yel cóndor (“mallku”, en aymara), del que se cuentan historias estremecedoras o simples alegorías que exaltan su belleza, aparte de que el cóndor, por venir de las alturas al igual que la lluvia, es el símbolo seminal y fecundador de la Pachamama.

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De la época colonial de la Villa Imperial de Potosí procede el cuento del k’arisiri (saca-manteca), un personaje con apariencia de fraile que deambulaba en las afueras de los caseríos, extrayendo la grasa de los indígenas errantes, para luego usarla en la elaboración de velas, ungüentos y curas maravillosas. Se cuenta que la mayoría de los afectados fallecían a consecuencia de la precaria operación o quedaban enfermos de por vida. Además, tanto los indígenas como los blancos y mestizos de la época, pensaban que el k’arisiri era un ser venido del más allá, aunque la palabra “k’ari”, en aymara, significa embuste o mentira. Los cuentos de espanto y aparecidos en la tradición oral andina son muestras de que la inventiva popular es capaz de crear, con el golpe de la imaginación, personajes y situaciones que nada tienen que envidiar a los compiladores de la tradición oral europea, donde destacan los hermanos Grimm en Alemania y Charles Perrault en Francia.

Segunda parte en nuestra próxima edición: Mitos de la tradición oral

Bienal

de La Habana

Más de 300 artistas de 54 países A S C UL T U R CI

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i n f o r m ab c i i e ón na l de es i & n t f ee r s é t s i v a l e s

a Bienal de La Habana, espacio de confrontación y reflexión de singular importancia en el escenario internacional de las artes plásticas, cumple 25 años con su décima edición, la que reunirá, del 27 de marzo al 30 de abril de 2009, a más de doscientos artistas de unos cuarenta países. “Integración y resistencia en la era global” será el eje central de reflexión. Proyectos y obras de América Latina y el Caribe, África, Asia y Medio Oriente, y en menor escala de Norteamérica, Europa y Australia, abordarán la problemática de integrarse a un mundo global altamente complejo por las particularidades de tantas sociedades y culturas, y la manera en que se trata de resistir las corrientes hegemónicas que pujan por homogeneizar, desde otros. El presidente del comité organizador, Rubén del Valle, explicó a la prensa que la muestra se centrará en la integración y resistencia de los pueblos en la era de la globalización. A la cita asistirán más de 300 creadores jóvenes y consagrados de 54 países, con obras sobre las problemáticas sociales y culturales que marcan hoy al mundo. La Bienal de La Habana fue fundada en 1984 por iniciativa de líder cubano Fidel Castro, tras la muerte del artista plástico Wifredo Lam. Su objetivo principal es, según los organizadores, crear un espacio de confrontación y reflexión sobre el quehacer de la plástica en el mundo.

Click aqui para conocer a Wilfrido Lam

Fundada en 1984 por iniciativa de líder cubano Fidel Castro, tras la muerte del artista plástico Wifredo Lam

EL GRITO Y LA ESCUCHA Porto Alegre, Brasil 26/09/09

CURA

a 7ª Bienal do Mercosul propone revalorizar al artista como un actor social y constante productor de un sentido crítico necesario, y posicionar su mirada en el centro mismo de cada una de sus exposiciones y programas. Así, en ella los artistas organizan las exposiciones, desarrollan las herramientas y programas educativos, y lideran la comunicación mediática y el sistema de publicaciones.

RES

En su conjunto, la 7ª Bienal propone un giro metodológico: un sistema centrado en los procesos de creación -más que en temas específicos- donde acción y reflexión (Grito e Escuta) operan como las herramientas a partir de las cuales se articula la Bienal en su totalidad. Se busca crear una Bienal proteica, un sistema de posibilidades dinámico, donde cada espectador autónomo sea capaz de armar su propio sistema de lectura de la Bienal. DyN 11

bienal internacional de Arte

Bolivia a Bienal Internacional de Arte, SIART Bolivia, creada en 1999, como Salón Internacional de Arte, ha logrado establecerse como el espacio de intercambio cultural más significativo en el ámbito de la creación plástica y visual contemporánea del país. Esta Bienal se constituye en una puerta abierta al mundo, a través de la cual, los artistas de diferentes culturas y nacionalidades encuentran un espacio para la expresión y el conocimiento mutuo, cuestionando y sorprendiendo a la ciudadanía, brindando al público una serie de estímulos significativos para la reflexión, contribuyendo de esta manera, a la convivencia intercultural, a la integración internacional y a la construcción de una cultura de paz.

Concurso Internacional SIART 2009 En el marco del Bicentenario de la Revolución y La Paz Capital Iberoamericana de la Cultura, la Unión Latina junto al Gobierno Municipal de La Paz y el Ministerio de Culturas de Bolivia, tienen el agrado de convocar a la VI Bienal Internacional de Arte, SIART Bolivia 2009, que se realizará del 14 de octubre al 14 de noviembre de 2009, en la ciudad de La Paz. REGLAMENTO SIART 2009

Huichol ARTE

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ES a r t í c u l o d e

a i r n t t e e rm ée s x i c a n o

os Indígenas Huicholes desde niños, son instruidos a comunicarse con el Mundo Espiritual a través de símbolos y rituales. Los temas de su arte reflejan su Cultura y tradiciones Chamanicas. Como en muchas otras Culturas, los indígenas Huicholes le hablan a la fuerza de la vida. Los Huicholes llaman a esta fuerza “Kupuri”. Cuando por una u otra razón una Ceremonia es realizada, normalmente sacrifican algún animal y hay fiesta con baile tradicional. Se dice que “Kupuri” la fuerza de la vida es activada en ese preciso momento, después de una Ceremonia que ha durado toda la noche, enfermos que quizá vinieron desde otros Ranchos son “Trabajados” o curados por los Chamanes. Los poderes de esos doctores son incrementados por esa fuerza y la Ceremonia. Muchas culturas han aprendido a reconocer esta fuerza de vida, es conocida como “Chi” por los Chinos, “Ki” por los Japoneses, “Prana” por los Indus.

Los Huicholes dicen que somos creados por los 4 elementos del Mundo Natural: Tierra, Agua, Viento y Fuego, por tal razón todos somos una miniatura del Universo, espejo de los mundos Natural y Espiritual.

Click aqui

Localización Antecedentes históricos Infraestructura Lengua Vivienda Relaciones con otros pueblos Artesanías Religión Fiestas

Los Indígenas Huicholes son una pequeña Tribu de aproximadamente 15,000 habitantes que habita en la parte central de la República Mexicana, en los estados de Jalisco, Nayarit, Durango y Zacatecas en las montañas de la Sierra Madre Occidental. Se dice que es una de las pocas Tribus Indígenas que ha mantenido sus Tradiciones Precolombinas. Los Indigenas Huicholes son brujos o sanadores, quienes aún ejercen su Medicina Tradicional como lo han hecho por siglos pasada de generación en generación.

arteetr HISTORIA

del

B 0 R A R O C 1 O

Contexto histórico-artístico

FICHAS COLECCIONABLES - Historia del Arte Nº 1 - El arte Barroco

l Barroco es uno de los capítulos más importantes y amplios dentro de la Historia del Arte. El Barroco no sólo hay que entenderlo como un estilo artístico, sino también como una DyN 13 forma de vida. A fines del siglo XVI, y particularmente en Italia, el Renacimiento estaba agotándose y evolucionando hacia el Manierismo. Fue de nuevo el genio italiano el que apuntó hacia nuevas directrices. La Europa del siglo XVI terminó no con pocos problemas. La necesidad de cambio era inminente. Hay que recordar el fuerte golpe que aportó Lutero con sus tesis y lo que trajo consigo la Contrarreforma y su consumación en el Concilio de Trento. La Iglesia católica después de Trento, renuncia a las naciones protestantes, pero crea una gran “Inspiración de San Mateo” - 1602 - Caravaggio (Michelangelo Merisi) disciplina dentro del catolicismo. La pintu(1571 - 1610) - Iglesia de San Luis de los Franceses, Roma ra y la escultura crean unas iconografías que ayudan a la iglesia a expresar su idea de verdad católica. El término Barroco se creó en el siglo XIX y deriva del vocablo berueco que significa “perla irregular”. El Barroco al principio se tuvo como una etapa del arte puente entre el Renacimiento y el Neoclasicismo. Sin embargo, es mucho más que eso. El arte barroco, a diferencia del arte clásico en que primaba la razón, es un arte en que se exacerban los sentidos y la sensibilidad se pone al límite. Estos rasgos se continúan en el Rococó y se desbordan en el Romanticismo. Ya en el siglo XX, el Dadaísmo y la Abstracción corroboran el triunfo del sentimiento en detrimento de la razón de un modo definitivo.

h i s t o r i a d e l a r t e

e d u c a c i ó n

Pintores barrocos En Italia

El nacimiento del tenebrismo: • Caravaggio (1573-1610)

Predominio del color sobre el dibujo: en el Renacimiento primaba la línea por encima de todo. En el Barroco se prefiere una pintura de mancha. Claroscuro: en el Renacimiento se prefería una luz clara y limpia. En el Barroco DyN 14 la luz en juego con la sombra cobra una importancia hasta entonces desconocida. Las primeras aportaciones las trajo consigo el tenebrismo caravaggista. Huida de la perspectiva lineal renacentista: en el Renacimiento había primado la perspectiva lineal o geométrica-euclidiana, para dar la sensación de profundidad, se procedía a la sucesión de planos. En el Barroco la sensación de profundidad puede obtenerse por diversos procedimientos: Escorzos: consiste en representar a las figuras en actitudes no paralelas a los lados del lienzo o fresco. Primer término a gran escala en contraste con el fondo Luces y sombras Composición asimétrica: en el Renacimiento la tendencia generalizada era colocar a la figura principal en el centro de la composición, y a partir de ella organizar la pintura en dos mitades simétricas. En el Barroco se prefiere el desequilibrio, así aparecen figuras cortadas como si continuaran fuera de la tela. Movimiento: viene dado por el uso de escorzos, diagonales y ondulaciones.

(1560-1609)

Escuela boloñesa: • Guido Reni • Francisco Albani • Il Domenichino • Il Guercino

(1575-1642) (1578-1660) (1581-1641) (1591-1666)

Escuela romana: • Orazio Gentileschi • Artemisia Gentileschi • Bartolomeo Manfredi • Orazio Borgianni • Andrea Sacchi • Pietro da Cortona

(c.1563-1646) (c.1593-1652) (1572-1605) (1578-1616) (1599-1661) (1596-1669)

Escuela napolitana: • Ribera • Luca Giordano

(1591-1652) (1632-1705)

En Flandes • Rubens • Jordaens • Van Dyck

(1577-1640) (1593-1678) (1599-1641)

En Holanda

Retratistas: • Rembrandt • Frans Hals

(1606-1669) (c.1580-1666)

Pintura de la vida rural: • Adrián Van Ostade (1610-1685) Pintores de interiores burgueses: • Vermeer de Delf (1632-1675) • Pieter de Hoogh (1629-1683) Paisajistas: • Jacob Van Ruysdael (c.1628-1692) • Meindert Hobbema (1658-1709) Bodegonistas: • William Claesz Heda (c.1599-1680)

En España • • • • • •

Velázquez (1599-1660) Ribera (1591-1652) Zurbarán (1598-1664) Murillo (1617-1682) Alonso Cano (1601-1667) Valdés Leal (1622-1690)

Escrito por: Beatriz Aragonés Escobar. Licenciada en Historia del Arte

Novedades del Barroco con respecto al Renacimiento

La vena clásica: • Annibale Carracci

DyN 15

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UNA NOCHE

Por Jorge Codas

Artista plástico, escritor y promotor cultural

LA P

E TA c u e n t o

l i t e r a t u r a

M A INQ

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ran las siete y catorce de un viernes veintiséis de diciembre… puro números que significaban muy poco todavía… escribí y subrayé “muy poco” en la notebook mientras escuchaba de refilón el bla, bla, bla acuoso e interminable del mozo con dos clientas, algo gruesas de voz y cintura, algo vacías de boca para arriba y muchos collares del cuello para abajo. Hubo un silencio aliviador, sólo un rato, mientras él fue a buscar dos caipirinhas, para refrescar el barullo, luego continuaron balbuceando no sé qué del teñido sexy de una de ellas. Giré la cabeza y me encontré con un nido de ramitas espinosas color rojo sangre, que más bien parecía un camouflage de cabeza hueca, ideal para hacer turismo nocturno en las esquinas. A las siete y cuarenta metí mi computadora extra liviana en su estuche imitación cuero, pagué la cuenta, me levanté, acomodé la silla contra la mesa y terminé el jugo de naranja y marucuyá que quedaba en el vaso. Los autos comenzaban a llegar, poco a poco, aunque las calles estaban todavía desiertas, algunos trabajadores intentaban terminar los últimos detalles de los locales comerciales para la temporada que estaba a punto de comenzar.

Revisé la hora nuevamente y confirmé con alivio que aún era temprano. Mi cita estaba marcada para las ocho y media. Entonces caminé despacio hacia la plaza que estaba frente al hotel donde ella se alojaba y me ubiqué en aquel banco desde donde se veía perfectamente 1888 estampado en la pared, encima de la puerta principal. Allí sería el encuentro, puntualmente, me había dicho Felicia, con su tono europeo

y su mirada de cenicienta de ojos verdes. Su nombre completo era Felicia María Francisca. Al menos así escuché que la llamaba su padre, la noche del jueves, es decir el hombre que estaba parado en la puerta y parecía ser su padre.

Llegó a la hora estipulada, con un vestido de fiesta que hacía juego con sus mejillas rosadas, ardientes, tentadoras y con una mirada de pocas excusas. Esa noche había una fiesta en el hotel y tendríamos apenas una hora y media para conversar y conocernos mejor. Era la primera cita y la segunda vez que nos veíamos. La noche anterior me había despertado ella misma en ese banco con aquella frase que aún recuerdo con la sensación de haberla estado repitiendo durante muchos años: Hay ciertos deseos que, bien utilizados, brillan más que la virtud. Lo dijo en respuesta a mis exclamaciones en voz alta durante una pesadilla insoportable, producto del alcohol en la despedida de soltera de Clara Peña, ocurrida a unas pocas cuadras de allí. Se sentó a mi lado con una timidez frágil, espontánea, instintiva que dejó de lado cuando tomé su mano entre las mías y comenzamos a conversar sobre nuestra mutua sintonía, trepados a ese juego repentino de atraernos y rozarnos, de compartir y mezclar los alientos con los aromas de la noche, de entretejer aquella oscuridad de luna llena, que era como dejarnos flotar sobre una pileta de frescura, de tibiezas apenas húmedas, de inauguración y casualidades, sin forzar nada ni pretender encajar los deseos a la fuerza en aquel reloj que apuraba los latidos de ambos. De vez en cuando ella vigilaba la entrada de la plaza, justificando su pudor ante mis atrevidas caricias. Ella se dejó llevar tan lejos como era aceptable en una primera cita y noté que aquel temblor de piernas abiertas era algo nuevo para mí y para ella, algo encantador, un privilegio de alto vuelo, pero completamente fuera de libreto, como una escena que no calzaba

...aquella hora y media, desprendida de su trayecto normal, había sido un obsequio incomprensible y maravilloso de apenas una noche

en el guión de la película, como un paraguas que ya no importaba si protegía o no de la lluvia, porque con aquella intensidad todo cobraba otro significado y cualquier cosa se volvía natural.

No hubo segunda cita. Sólo recuerdo el eco de aquel primer despertar, la dulzura de su voz brillando sobre mis deseos exhibidos ante su presencia, como un milagro inesperado, sospechoso, tejido a medida para mí. Se arregló su vestido de fiesta con una sonrisa de imprudente adolescencia y salió corriendo en dirección al hotel, donde la ví, por última vez, desaparecer entre una multitud de luces extrañas en el interior de la recepción. Pasaron los días y como no apareció, decidí ir a buscarla, pero nadie conocía a ninguna Felicia. Ni el recepcionista ni ninguna persona del hotel escucharon jamás hablar de ella. Fue así, en ese ir y venir desesperado, que descubrí la foto de Felicia colgada en el hall principal del hotel. La reconocí de inmediato, era ella, sin duda, bajando por la escalera que daba al patio de atrás del hotel, la noche de su boda, en 1915. Entonces supe con certeza que habíamos aprovechado muy bien y oportunamente el tiempo, en el instante preciso en que las partículas de arena comenzaban a resbalar nuevamente en reversa, que aquella hora y media, desprendida de su trayecto normal, había sido un obsequio incomprensible y maravilloso de apenas una noche. Volví a la plaza, elegí el mismo banco donde una vez desperté o me dormí durante muchos años, y miré, por primera o última vez, las estrellas con los ojos húmedos, mientras Felicia me susurraba con ternura que hay ciertos deseos que, bien utilizados, brillan más que la virtud.

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Alicia

EN EL PAIS DE LA FOTOGRAFIA

Por Victor Montoya

Escritor y pedagogo boliviano. Radicado en Estocolmo, Suecia.

LA P L U M

sta es la fotografía de Alicia Pleasance Liddell, la segunda hija del rector de la Christ Church College de Oxford, donde Lewis Carroll ejerció la cátedra de matemáticas y lógica, a poco de haber cursado estudios de teología y ciencias exactas en una de las instituciones más prestigiosas de Inglaterra.

INQUIET

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A l i t e r a t u r a

r e l a t o

La fotografía, que revela a Alicia disfrazada de niña mendiga, fue tomada hacia 1860, época en la cual nuestro afamado escritor, cuyo verdadero nombre era Charles Lutwidge Dodgson (18321898), dio muestras de poseer una inteligencia capaz de romper con la lógica formal y penetrar en el mundo fantástico de la imaginación infantil, donde él mismo se sentía como un niño grande y juguetón, cargado de una cámara fotográfica que le permitía trabajar en condiciones análogas a la de los pintores, no sólo porque empleaba trípodes para fijar las imágenes, sino también porque jugaba con la luz y la sombra en procura de atrapar la imagen en su punto más preciso. De la serie de fotografías de niñas que hizo Lewis Carroll, probablemente ésta sea la más sugerente, la que mejor nos acerca a la

protagonista principal de sus cuentos, pues nos muestra a una Alicia modelo, posando ante la cámara que la registra entera, con el pie izquierdo apoyado en la tapia y enseñando un objeto esférico en el cuenco de la mano. La niña está apoyada contra la pared ligeramente desconchada y en medio de las trepadoras habidas en el patio de la casa donde vivía la familia Liddell. Alicia, al igual que los niños mendigos en las novelas de Charles Dickens, lleva un vestido precipitándose en jirones, mientras las hilachas se le

desparraman a la altura de las rodillas. No obstante, a pesar de su aspecto de niña pobre, luce los ojos serenos y transparentes, cuya mirada dulce irradia un aura de inocencia sobre su rostro angelical. ¿Qué pensaría Lewis Carroll? ¿Qué Alicia era un personaje arrancado del mundo de la ficción o la abstracción onírica de un amor platónico? Nunca se llegará a saber, salvo el hecho de que este matemático de espíritu infantil, que mostró el asedio tenaz de su rigurosa sobriedad intelectual, es el autor de dos de los libros más famosos de la literatura universal. Los biógrafos cuentan que este pastor anglicano, solterón y retraído, tenía una profunda sensibilidad humana y un gran interés por los niños y niñas, quienes lo aceptaban como un compañero más en el laberinto de sus juegos, a condición de que les encantara con sus cuentos de Nuncanunca, mientras trazaba extrañas figuras sobre el papel, a modo de ilustrar las ocurrencias de su fantasía; un talento de cuentista y dibujante que se plasmó definitivamente aquella tarde “ soleada y gloriosa “ -según los meteorólogos “ fría y lluviosa “-, de un 4 de julio de 1862, en que salió a dar un paseo en barca por el río Támesis, desde Oxford hasta Goldstow, en compañía de Alicia Liddell y las dos hermanas de ésta. Fue entonces, en un Londres de aire húmedo y cielo gris, cuando nació el cuento de “ Alicia en el país de las maravillas “, como nacen las obras maestras tras una larga meditación.

Recuerde el lector que todo comienza cuando Alicia, según la representación onírica de Lewis Carroll, está a punto de quedarse dormida bajo la copa de un árbol. De súbito, oye una voz: “¡Oh, señor, va a llegar tarde!” . Alicia abre los ojos y divisa a un conejo blanco llevando un reloj con leontina en el chaleco, guantes de cabritilla en una mano y un abanico en la otra. Alicia, quien jamás ha visto un conejo que habla y viste como la gente, lo sigue hasta una madriguera, donde ella se hunde bruscamente sobre un montón de ramas y hojas secas; claro está, la madriguera está hecha de magia y fantasía, porque mientras Alicia bebe el contenido de una botella, que lleva una etiqueta con la palabra: “ bébeme “, decrece tanto que siente apagarse como una vela. Cuando come un pastel, cuya etiqueta dice: “ cómeme “, crece con desmesura y siente que el cuello se le alarga como el mayor telescopio del mundo.

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Así se suceden las aventuras en el país de las maravillas, sin que Alicia esté impresionada por las relaciones extrañas que mantienen los animales, las plantas y las cosas, hasta que por fin sale del sueño para meterse en otro a través del espejo. Es aquí, en el país del espejo, donde Alicia hace de reina encantada, queriendo cruzar los escaques de un gigante tablero de ajedrez, donde aparece el caballero blanco, montado sobre un corcel ataviado con arreos de guerra, dispuesto a defenderla de las amenazas del caballero rojo, quien quiere hacerla prisionera. Pero como el caballero blanco, que representa a Lewis Carroll, no está resignado a perder a su reina, se enfrenta al caballero rojo en un feroz combate, hasta que Alicia, en medio del relincho de los caballos y el choque estridente de las lanzas y armaduras de hierro, celebra la victoria del caballero blanco, quien le salva la vida y la hace su reina por el resto de sus días.

Lewis Carroll descarga su tensión en el mundo de los sueños y juega con las dimensiones de sus figuras, inspirado en sus conocimientos de matemáticas y lógica formal. Otro elemento lúdico manejado con maestría es el lenguaje, un lenguaje que relativiza hasta los aspectos más sólidos de la realidad, que se escamotea por medio de sinónimos, homónimos, seudónimos, curiosidades y paradojas científicas, un juego lingüístico que lo sitúa entre los precursores del dadaísmo y el surrealismo. A pesar de todo, el gran valor de Lewis Carroll estriba en que no escribió manuales de historia ni zoología, sino libros que recrean la imaginación de los niños, sobre la base de un mundo ficticio donde se confunden la realidad y la fantasía. Lewis Carroll fue el artista de la palabra, del dibujo y la fotografía, en tanto Alicia, la hermosa y tierna Alicia, fue la musa que lo inspiró. Sin ella, probablemente sin esta niña en blanco y negro, nunca hubiésemos tenido la oportunidad de conocer esas magníficas obras tituladas: “ Alicia en el país de las maravillas “ y “ Alicia a través del espejo “, dos joyas literarias que se destilaron en la mente de quien, además de dominar las leyes abstractas de las matemáticas, el álgebra y la geometría, sabía encandilar la fantasía de los niños con cuentos que sólo él podía inventar a las mil maravillas. Hasta aquí todo parece estar revelado, excepto el misterio que encierra esta imagen captada en el país de la fotografía.

tesoros

SIETE

El Palacio de los López, el Panteón de los Héroes, la Casa de la Independencia, la Iglesia de la Santísima Trinidad, el Teatro Municipal “Ignacio A. Pane”, el Palacio Legislativo, el Cabildo y la Catedral son las candidaturas admitidas hasta la fecha.

llevará a cabo con la voluntad de divulgar el patrimonio cultural material de Asunción de una manera didáctica, pedagógica, lúdica y, a la vez, motivar la visita de los lugares propuestos y elegidos y establecer una nueva ruta turística que permita a los propios paraguayos y a los visitantes conocer de manera sintética la riqueza patrimonial de la Capital Americana de la Cultura 2009.

La campaña, promovida por la Organización Capital Americana de la Cultura (www.cac-acc. org), con la colaboración de las autoridades paraguayas que participan en Asunción 2009, se

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omo Capital Americana de la Cultura 2009, la ciudad de Asunción (Paraguay) elegirá los 7 tesoros de su Patrimonio Cultural Material.

IT AL ES

del Patrimonio Cultural Material DE ASUNCION

P a t r i m o n i o s c u l t u r a l e s

Palacio de López en 1892

P a r a g u a y

de la Cultura Asunción 2009. La propuesta ha sido realizada por el Centro de Conservación del Patrimonio Cultural. La Manzana de la Rivera consta de nueve edificaciones que datan de las diversas épocas históricas de la ciudad, por lo que se constituye en un interesante muestrario de los modos de construir y habitar de los asuncenos. Panteón de los Héroes

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n u e s t e r n o t r I e v c i os n t ca u r a s l o g a n a d o r

La elección de los 7 tesoros del Patrimonio Cultural Material de Asunción toma como referencia las 7 maravillas del mundo antiguo, reconocidas universalmente. Fueron la Gran Pirámide de Kheops en Gizeh, los jardines colgantes de Babilonia, el Templo de Artemisa en Efeso, la Estatua de Zeus en Olimpia, el Mausoleo de Mausolo en Halicarnaso, el Coloso de Rodas y el Faro de Alejandría. Según el Presidente de la Organización Capital Americana de la Cultura (www.cac-acc.org) y del Bureau Internacional de Capitales Culturales (www.ibocc.org), Xavier Tudela, esta campaña “mostrará la variedad y riqueza patrimonial cultural material de Asunción y Paraguay ante el mundo”.

Interior de una de las edificaciones del conjunto de la Manzana de la Rivera

Las nueve edificaciones son: - Casa Viola, - Casa Castelví - Casa Serra - Casa Ballario - Ex Imprenta EMASA - Casa Vertúa - Casa Clari - Casa Clari Mestre - Teatro “García Lorca” Fuente: asuncioncultura2009

El Conjunto Patrimonial de la Manzana de la Rivera se ha convertido el viernes 3 de abril en candidato a ser uno de los 7 tesoros del Patrimonio Cultural Material de Asunción, de acuerdo con la iniciativa que se desarrolla con motivo de la Capital Americana Casa de la Independencia

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is as d

s ble i n po

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París AQUEL

DE PARTITURAS Y COLORES

Por Pablo Ruíz

LA DOL

IT A

l i t e r a t u r a

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Pintura de Antonio Segui

F r a n c i a

arís, la capital francesa, es el origen de las grandes escuelas y corrientes artísticas, la cuna de muchas de nuestras fuentes principales de inspiración, de nuestros poetas; es una ciudad idealizada, un destino añorado por artistas y ciudadanos de todas partes. Se presenta, aún hasta hoy, como un mito. Lo cierto es que París tiene una cantidad tan inmensa de artistas que el solo pensar en triunfar allí resulta, prácticamente, una idea inaceptable, descabellada, un sueño imposible de alcanzar. París sigue siendo la vidriera del mundo. A diferencia de New York, otro de los centros artísticos mundiales, París tiene un encanto especial, algo que la define con sus propios toques, un charme, que la hace irremplazable, y la convierte de inmediato en un vicio.

Allí escribieron sus partituras innumerables músicos, abrieron sus talleres y embadurnaron sus paletas pintores de un enorme prestigio. “Hay un París que se acabó”, dijo una vez nostá́lgico Antonio Seguí, quien les abrió la puerta a muchos que llegaron con sus expectativas adornadas hasta el extremo. Compartió con muchos de ellos el taller de la casita del fondo de su gran chateau de Arcueil, un suburbio al sur de la capital francesa. Llegó allí porque le dijeron que se alquilaba un depósito, en esa zona que conocía por comentarios de Antonio Berni, que solía pintar paisajes ahí. Le gustó, principalmente, porque quedaba a 400 metros de la casa del pianista Eric Satie, autor de la famosa Gymnopedie. En 1980 estaba casi en ruinas, habitada por 25 personas. Estaba a punto de comprarla la municipalidad, porque era considerada monumento histórico, pero como se caía el techo a pedazos y era urgente arreglarla, se la ofrecieron a Seguí. La compró y tardó cinco años en restaurarla. “Traía ese sueño de París porque era el estado del alma de los argentinos; nuestra educación era francesa. Pero después no quise volver. Aquel París no tenía nada que ver con éste, que se ha humanizado, quizá a costa del turismo.” Solía entrar al Café de Flore y allí estaba Simone de Beauvoir con Sartre.... Al final del día iba a Old Navy, un café que era un horror pero allí se encontraba con todo el mundo. Otro artista que compró su taller en París casi en ruinas, fue Julio Le Parc. Lo compró en 1972 y allí reunió a toda su familia, donde también puso su taller, su depó́sito y su galería personal. Lleva el número 29 de la rue Couste, en Cachan, el apellido Le Parc está repetido en sus ocho departamentos. Hay algunos artistas que reciben mucha ayuda, pero no siempre llega a todos. Hay quienes llegan becados y luego se desilusionan porque al terminar no consiguen ninguna exposición individual, a veces ni siquiera grupal. Hay quienes dicen que para triunfar en París no hay que querer triunfar. Simplemente hay que abocarse a realizar sus investigaciones, reflexionar, aprender y trabajar a fondo. Esta es la mejor de las fórmulas para lograrlo… a lo mejor.

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París tiene sus lugares simbólicos, estratégicos como Monmartre, Montparnasse y La Bastille, que era una zona de carpinteros y artesanos. Ahora hay muchos artistas viviendo y trabajando en sus propios ateliers allí.

Rue de Montmartre con molinos. 1884 Paul Signac - 1863 - 1935

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Hay quienes llegan a París y conocen todo como la palma de su mano, por comentarios, películas, referencias de todo tipo, fotos, en fin, ya llevan un mapa incorporado en sus cabezas y van directo al Louvre, a los restaurantes más famosos, a las tiendas y museos más tradicionales. Sin embargo, no alcanzarían varias semanas para recorrer todos los museos y galerías de arte diseminadas por la ciudad luz. Todo el arte moderno está instalado allí, compartiendo escenario con una historia de incalculables corredores y secretos. La bohemia, la vida nocturna de los cafés y bares, constituyen una realidad tan encantadora y envolvente que nos atrapa con su humo perfumado, sus chispas y sus encantos de sirena. París es, ante todo, un buen laboratorio de talento y paciencia; un lugar ideal para trabajar en arte, tan energético y concurrido que estimula la libertad de creación y desarrolla un inmenso deseo de expansión. En París, como en toda Francia, hay una continuidad que ni siquiera se altera con este o aquel gobierno de turno, no importa que sea de derecha o de izquierda. Hay normas claras que cumplir o, de lo contrario, deberás pagar multas tremendas. Es una sociedad muy ordenada y siempre que respetes esas reglas obtendrás más libertad en muchos otros ámbitos. París es, sin duda, una de las ciudades más bellas del mundo y se suele empezar a conocerla bordeando el Sena, buscando el camino a la Tour Eiffel o al Musée de l´Orangerie. Quien haya conocido Paris puede considerarse un privilegiado, porque llevará para siempre un paisaje interno, privado, con mil razones para soñar despierto.

Ecuador

ENTREVISTA A ERICK PAUL SALAZAR URGILEZ

IO N C

L TU

V Fotografía ganadora del I Concurso Internacional “Identidad Cultural”

rick Paul es el ganador del Primer Premio del I Concurso Internacional de Fotografía “Identidad Cultural”, edición 2008, que organizó nuestra revista DIAyNOCHE conjuntamente con IFAT-LA, Asociación Latinoamericana de Comercio Justo.

ORGANIZADORES DEL CONCURSO R E V I S T A

Arte y Cultura sin Fronteras

…¨ Todo se lo debo a mi madre¨, soy el primero de siete hermanos, Diseñador Gráfico, fotoperiodista free-lance de varios diarios y revistas del Ecuador; también realizo fotografía publicitaria para algunas agencias de publicidad, los ratos libres dibujo, y acuareleo, últimamente estoy realizando artesanías en papel mashe. Es la primera vez que participo en un concurso, considero que tengo mucho que aprender tomando en cuenta que aquí en Ecuador hay excelentes fotógrafos, tanto nacionales como extranjeros.

Click aqui

para conocer IFAT-LA

R AL

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UN LUGAR PRIVILEGIADO, MULTI-ÉTNICO Y CULTURAL

E n t r e v i s t p a r o a y l e c g t a o n s a d D o I r A y N O C H E

DIAyNOCHE: Conozcamos un poco más acerca de ti ¿Cómo es Erick? ¿Cómo vive la vida?

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Ecuador es un lugar privilegiado, multi-étnico y cultural. Desde cualquier punto del país en el que uno se encuentre, en un par de horas, se puede visitar las playas, la serranía o la misma selva, las islas Galápagos son únicas.

Erick Paul Salazar Urgilez: Irreverente. Vivo de manera intensa, soy muy activo, batallando a diario con los muchísimos defectos que tengo, eso sí, doy gracias a mis padres el no tener vicios. Háblanos sobre tu fotografía que resultó ganadora del concurso y ¿Qué refleja para ti? De alguna manera diría que me veo reflejado en ella aunque indirectamente. Esta la realicé el 31 de diciembre de 2007 en la ciudad de Azogues, una región austral del Ecuador, muy cerca del pueblito donde yo nací: Sígsig. Sitio en el que se encuentra muy arraigada la costumbre popular del sombrero de paja toquilla. En si todo el proceso, los materiales, la elaboración, la compra y venta de los mismos. De hecho mi abuelita, mis tías y mi madre, en su infan-

cia y primera juventud, se dedicaban a tejer sombreros. Recuerdo ahora mismo claramente a “mamita Rosa” (mi abuelita), sentadita sobre una estera en la penumbra de la tarde, enmarcada en el cerco de la puerta principal del gabinete tejiendo un sombrero sobre sus piernas entrecruzadas. Volviendo a la foto tengo que admitir que hubiese preferido no titularla el título que le di es muy simple, muy obvio. Siempre he creído que la foto se define por sí sola y es interesante que cualquiera que la mire la titule de acuerdo a su interpretación. Este premio es importante para mí y le viene a aureolar a esta fotografía. ¿Cuándo y cómo empezó a formar parte de tu vida la fotografía? Tarde, muy tarde… Es más, cuando estudiaba en la secundaria la odiaba!!!, me gusta la pintura y en ese entonces, pensaba ignorantemente que la fotografía era algo así como el cáncer de la pintura. Perspectiva errónea ya que es sabido que la fotografía cumplió un papel importante para la pintura, especialmente para los impresionistas. Luego, pasaron los años y “tropecé” directamente con la fotografía cuando

estudiaba Diseño Gráfico; dentro del pensum teníamos tres horas y más de fotografía dependiendo el nivel, pero incluso ahí la trataba con desdén. Con el título de Diseñador Gráfico empecé realizando imagen corporativa y con lo cual me vinculo a los medios escritos de comunicación. Revisan mi hoja de vida y de acuerdo a ella me hacen dos propuestas: hacer diseño para el diario o hacer fotoperiodismo. Como diseñador no me agradaba la idea de hacer diseño en medios ya que lo considero muy aburrido, monótono y por el contrario me vendieron bien la idea de hacer fotoperiodismo. Es estar en todo, muchos viajes, y más me decían, por lo que acepté. Desde ahí no he dejado de “clickear”. Es un trabajo o una pasión? Sin duda es mi pasión. Imagínense me pagan por divertirme!!! Cuando observas una fotografía tuya, que sentís? En principio me emociono, luego la critico, me imagino que sé yo?, que si a la misma le hubiese dado un poco mas de profundidad de campo, quizás hubiese resultado mejor, que si yo me inclinaba un poco más,

etc, etc, Creo que soy muy exigente conmigo mismo. Para conseguir una foto perfecta, qué pasos seguis? Lo que trato de hacer siempre, es un buen trabajo, ¡siempre! y para ello tengo o procuro tener conmigo todo lo que necesito: un buen equipo de trabajo, además el contar con el tiempo suficiente y ahí poner en práctica todos los conocimientos adquiridos. No necesariamente voy con la intención de hacer una fotografía perfecta, sería algo así como prejuiciarme de antemano, la foto perfecta creo, es la sumatoria de lo anteriormente indicado más una dosis de suerte, y uno, no siempre esta acompañado de ésta. La identidad cultural es el reflejo de un país, contanos cómo es Ecuador desde un punto de vista fotográfico. Fenomenal. Los fotógrafos nos sentimos como peces en el agua, hay tanto que hacer, quizás es por ello, como lo indiqué anteriormente, que en Ecuador están radicados buenos e importantísimos fotógrafos, tal es el caso de Pete Oxford y Pablo Corral, por citar solo dos casos. Ecuador es un lugar privilegia-

do, multi-étnico y cultural. Desde cualquier punto del país en el que uno se encuentre, en un par de horas, se puede visitar las playas, la serranía o la misma selva, las islas Galápagos son únicas.

las que tú solo tienes que aplastar el botón y ya!, personalmente siempre trabajo en manual. Un fotógrafo profesional percibe claramente cuando una fotografía fue realizada en forma manual o automática.

Ventajas de la fotografía tradicional y ventajas de la digital…

Un consejo para un fotógrafo profesional…

La principal ventaja de la fotografía tradicional es que todavía no ha sido superada en resolución, calidad y contrastes mientras que en la fotografía digital se reduce considerablemente el tiempo y ello repercute obviamente en lo económico. Qué pregunta sobre la fotografía aún no te respondiste? Difícil pregunta. Cuando uno esta trabajando se nos presentan un sin número de situaciones, no necesariamente dificultades, aunque estas son muchas más. Es ahí cuando te sueles hacer muchas preguntas de toda índole y de fondo!, que es lo interesante, ahora no se me ocurre ninguna, pero hay una, y talvez la más frecuente que me la hago especialmente cuando entro a la internet y reviso lo nuevo en cámaras, y me pregunto ¿hasta dónde avanzará la tecnología?, porque hay cámaras en

Más difícil todavía. Un consejo para un fotógrafo que recién comienza… Que ponga todo de sí, y más. ¡ojo!. Este , ¡y más! es importantísimo. Siempre y en todo lo que hagamos hay que dar más, eso lo que ahora llaman ese tal valor agregado. Un mensaje para todos los amantes del arte Que sigan en su salsa!!! , los felicito.

Erick Paul Salazar Urgilez

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cultural EMPRENDIMIENTO

MULTIDISCIPLINARIO

conlasherramientasdelparaíso

A CTI V

AL c u l t u r a e l e s

p a r a g u a y

R TU

P r o y e c t o s

O N CU L CI

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Con las herramientas del paraíso funciona desde 2004. En esta ocasión hablamos con Jorge Codas sobre esta interesante iniciativa cultural que apunta a realizar, entre otros proyectos, una gira por Europa durante 2009, 2010 para culminar en 2011 en una presentacion multidisciplinaria en el marco del festejo del Bicentenario de nuestra Independencia en Francia.

Por donde empezamos a hablar del paraíso? Por la libertad. La libertad es fundamental para encarar cualquier cosa con seriedad, con consistencia, especialmente la construcción del paraíso. El arte aporta cantidades suficientes de este ingrediente tan saludable, en el marco de un juego especialmente diseñado por el instinto de conservación de nuestra especie para combatir la práctica de someter a los otros, en lugar de trabajar juntos por la construcción de lo mismo que todos queremos.

Cómo nació el emprendimiento Con las herramientas del paraíso?

con una receta diferente, desde una nueva mirada.Era un desafío muy interesante.

Este proyecto artístico multidisciplinario, fué inaugurado el 6 de agosto de 2004 con un espectáculo denominado Circo Interior, que se realizó en el Teatro de las Américas, del Centro Cultural Paraguayo Americano. Su primera intención fué experimental, pretendía incluir varias disciplinas, que deseábamos investigar simultáneamente, haciéndolas interactuar, convivir, comunicándolas entre sí, pintura, fotografía, danza, teatro, música,

En cada una de nuestras presentaciones, seleccionamos un tema, elegimos una herramienta específica sobre la cual realizamos nuestro trabajo, que en la actualidad es la libertad. Hemos iniciado nuestro recorrido con varias herramientas: la osadía, la sensualidad, el agua, la libertad, etc. en torno a lo cual desarrollamos un espectáculo que involucra un promedio de 30 artistas de las disciplinas mencionadas.

La libertad es fundamental para encarar cualquier cosa con seriedad, con consistencia, especialmente la construcción del paraíso.

DyN 31 Qué hace específicamente esto?

Por qué elegir el arte?

Sirve de excusa para hablar de algo que nos interesa compartir, desde el campo de la producción artística, ya sea desde la pintura, la fotografía, la música, la danza, el teatro, etc. Creamos así el marco para llevar la temática por distintos canales y desembocar en un Workshop en el cual compartimos nuestra visión sobre el tema elegido, y asumimos como un disparador de comunicación con el público. Allí se inicia otro recorrido y surge un aprendizaje, un crecimiento y la siguiente exposición.

El arte, tiene la virtud de recuperar y trascender los elementos que facilitan nuestra purificación psicológica, como preludio perfecto de la armonía cósmica que debe despertar de la expresión natural de la inteligencia humana, que integra todos los aspectos del ser. A eso apunta, esencialmente, el emprendimiento en su totalidad, y muy precisamente, el workshop: del desarrollo del ser. Y este trabajo debe hacerse con espontaneidad y el arte la ofrece en la cantidad genero-

sa que necesitamos, lo cual nos permite ayudar a crecer desde la perspectiva que más nos interesa: la creación. Cuál es la mayor virtud del arte para este propósito? El arte tiene la virtud de manifestarse trabajando los elementos fuera de su contexto natural, creando así caminos a la formación de lenguajes alternos que nos invitan a la reflexión; creando inquietud; desafiando el status quo de las verdades fosilizadas en recetas fáciles; promoviendo desde el interior nuevas respuestas acerca de

nuestros interrogantes. El Ser Humano ocasiona un daño a la naturaleza y, por lo tanto, a sí mismo. Aquí comienza a operar nuestra pedagogía del cambio y eso significa impulsar una modificación, en la lógica intrínseca y extrínseca, de todo ser vivo, fiel a su necesidad de pasar de un estado a otro superior, de hambre a saciedad. Para qué el workshop? Cual es su aporte fundamental? Cuales es el siguiente paso del emprendimiento? click para ver las respuestas...

GANAR 10 ASPECTOS PARA

UN CONCURSO DE FOTOGRAFIA

Por Juan Carril Márquez

Director de noticiasfotos.com

PR O M O

CIO

URAL LT n o t a d e i n t e r é s

f o t o g r í a

N CU

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uchos de los que nos dedicamos a la fotografía (como aficionados o profesionalmente) nos hemos dejado seducir por alguno de los numerosos concursos, alentados por un suculento premio o por el interés de ampliar nuestra obra a ojos no habituales ni habituados, quizás, a nuestro mundo fotográfico. Si la finalidad es la de ganar, deberíamos tener presente varios puntos:

1) EL CONVOCANTE La figura (pública o privada) que convoca el concurso es un elemento que debemos tener muy en cuenta antes de plantearnos participar. El mundo de los concursos está abierto a todo aquel que quiera plantearlo, por lo que el objetivo y elemento de juicio será muy dispar. Debido a ello, reduciremos el ejemplo a dos categorías: a) la de la empresa, que puede perseguir la obra siguiendo unos criterios comerciales, explicitados o no en la base del concurso; y b) la que primará el contenido artístico (en la que entrarán otros elementos de selección subjetivos). 2) EL CONTENIDO El contenido de la fotografía/fotografías a presentar estará determinado por las bases del concurso, que convocará un tema libre o relacionado con algún concepto/objeto concreto. Si se trata

de esta segunda opción, el enfoque personal cobrará mayor importancia, ya que el elevado número de fotografías presentadas provocará la repetición del contenido de muchas de ellas. Es por ello que, la utilización de nuestro banco de imágenes puede ser un error, por lo que la mejor opción sería la realización de una obra inédita que se ciña al tema, pero desde una profunda reflexión del mismo que la dote de personalidad. Esto dotará a nuestra convocatoria de una ventaja competitiva y comparativa. En cuanto al tema libre, la reflexión, calidad y personalidad de nuestra candidatura también serán importantes y la elaboración de un texto sería muy valorable. 3) EL OBJETIVO El contenido de nuestra obra a presentar, siempre y cuando el nuestro sea ganar, deberá estar basado en el objetivo planteado (abiertamente o no) por el convocante. 4) EL JURADO El jurado es la figura que juzgará en contenido de todas las obras presentadas, por lo que, y entendiendo que habrán subjetividades en su apreciación, deberemos ganarnos su atención. Uno de los elementos es el de la utilización de nuestro estilo y

enfoque diferencial del tema a concurso (ya especificado anteriormente). Otro, utilizada muy asiduamente, es el del recurso de la espectacularidad (del tema, del mensaje, del contenido, color,… ), pero puede actuar de manera negativa a nuestros intereses. Existen otros que mostramos a continuación. 5) LA FORMA La presentación es uno de los elementos que suelen olvidarse, pero que pueden ayudar a potenciar positiva o negativamente el juicio del conjunto de una obra. Es por ello que, desde el soporte físico en el que se hace entrega la obra, hasta el de la misma obra (tipo de papel, tamaño, proporción, calidad del revelado/impresión,… ), han de ser un elemento que debe cuidarse. 6) EL TEXTO La inclusión de un texto que acompañe la obra no siempre es solicitado en la convocatoria, no obstante, puede ser un elemento potenciador del contenido y mensaje que hemos pretendido desarrollar en nuestro trabajo. Será una herramienta de apoyo para reforzar nuestro trabajo y consolidar nuestra visión. Como tal, debe estar a la altura de la calidad de la fotografía, ya que de lo contrario actuaría produciendo el efecto contrario al pretendido, rebajando la apreciación de nuestra obra.

7) EL CURRÍCULO Al igual que el texto, no siempre es demandado en la convocatoria y muchas de las veces será ignorado como elemento de juicio. No obstante, siempre es importante para aquellas otras veces (en la terminología del marketing se denominaría publicidad de la marca, como elemento de persuación), o como (ya fuera de concurso) elemento que puede generar posibles futuros trabajos y/o contactos en el mundo de la fotografía. 8) LA UNIVERSALIDAD Generalmente la imagen y el mensaje puede cambiar su fuerza dependiendo del carácter universal de la misma. La presencia de un icono concreto relacionado con una entidad de población y/o cultura, puede reducir el márgen de efectividad fuera de ese campo socio-cultural. 9) LA CALIDAD Todos los puntos anteriores serán importantes siempre y cuando la calidad de nuestra fotografía sea adecuada, de lo contrario serán puntos sin ningún valor. 10) ? Este punto lo hemos dejado abierto para posibles sugerencias que hayáis vivido o penséis que son importantes a la hora de un concurso fotográfico.

DyN 33

Convoca

T O R INTERNACIONALES I A XI Premio a la película documental Unión Latina-Festival de Biarritz 2009 S

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l Premio Unión Latina-Festival de Biarritz al Mejor Documental, organizado por la Unión Latina y el Festival Biarritz Amérique latine, Cinémas et Cultures, ha sido creado con el fin de promover la producción documental latina entre los medios de difusión y comunicación y el público en general.

Los documentales seleccionados concursan por el Premio Unión Latina – Festival de Biarritz al Mejor Documental Latino. Los documentales presentados ofrecerán una visión original sobre la diversidad de culturas y realidades de América latina. REGLAMENTO 2009 Si no puedes entrar en el reglamento, sigue este link: http://dcc.unilat.org/DCC/Audiovisuel/Prix/FilmDocumentaire/Documents/reglement.es.pdf

Arte Digital / ArtNet Concurso Internacional de Diseño CorelDRAW

Límite de entrega: 31 de mayo de 2009 ● Ámbito: Internacional

Becas / Subsidios / Proyectos Ayudas para investigación CeALCI 2009

Límite de entrega: Mayo y Octubre de 2009 ● Ámbito: Internacional

Convocatoria de ayudas para formación de profesionales Límite de entrega: 04 de Mayo de 2009 ● Ámbito: Latinoamérica

Cerámica

29ª edición del Concurso Internacional de

Cerámica

Límite de entrega: 24 de Abril de 2009 ● Ámbito: Internacional

Placas de Artistas III

Límite de entrega: 30 de Junio de 2009 ● Ámbito: Internacional Véa todos los concursos en

www.dynonline.net/es/convocatorias.html

Cine / Video Concurso de cortos por la sostenibilidad ● El objetivo: la sostenibilidad Límite de entrega: 06 de Mayo de 2009 ● Ámbito: Internacional

2° Festival Internacional Cortovisión

Límite de entrega: 30 de Junio de 2009 ● Ámbito: Internacional

27° Concurso de Cortometrajes “Georges-Méliès” 2009

Límite de entrega: 01 de Octubre de 2009 ● Ámbito: Argentinos Chilenos Uruguayos y Paraguayos

Danza

Certamen Internacional de Coreografía “Burgos New York 2009” Límite de entrega: 01 de Junio de 2009 ● Ámbito: Internacional

XXVI Festival Coreógrafos “Graciela

Moreno” 2009

Límite de entrega: 01 de Junio de 2009 ● Ámbito: Internacional

Fotografía

Concurso fotográfico “Calendario Osso 2010”

Límite de entrega: 30 de Abril de 2009 ● Ámbito: Internacional

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VII Certamen Fototraballo 09

Límite de entrega: 01 de Julio de 2009 ● Ámbito: Internacional

Pintura

VII Certamen Internacional de Artes Plásticas “Aires

Límite de entrega: 30 de Junio de 2009 ● Ámbito: Internacional

de Córdoba”

XXXIX Concurso Internacional de Pintura Homenaje a Rafael Zabaleta Límite de entrega: 23 de Julio de 2009 ● Ámbito: Internacional

Literatura XVIII Concurso Internacional de Cuentos “Valentín Límite de entrega: 30 de Abril de 2009 ● Ámbito: Internacional

Concurso Raymond

Andrés”

Leblanc

Límite de entrega: 12 de Junio de 2009 ● Ámbito: Internacional

Primer Concurso Iberoamericano de

Libro Ilustrado y Narrativa para Niños y Jóvenes

Límite de entrega: 30 de Junio de 2009 ● Ámbito: Internacional Véa todos los concursos en

www.dynonline.net/es/convocatorias.html

El verdadero mundo Delfina Acosta

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Recuerdo el viento eterno de otras tardes. Tocando castañuelas prodigiosas le daba larga cuerda a mi niñez. Yo le pasaba alegre mis cabellos, mi falda, y él, jugando, se los daba al perro que ladraba tras de mí. Correr, reír, morir de golpe sobre el liso pasto, la colina aquella, el verdadero mundo a la intemperie, en donde el sol echaba mil monedas. Después, de flores sucia todavía, volver a la casona mansamente. Mi voz quedó colgada de las ramas. Mis ojos se vaciaron en garúas. También perdí mi nombre. ¡Nada! ¡Nadie! Soy yo sin la niñez de mi alegría.