Revista Erebus. Julio 2016 by Revista Erebus

Contenido

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EDITORIAL

ENSAYOS Adaptaciones de videojuegos

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CRÍTICAS Las mil y una noches Warcraft: El origen Expediente Warren: El caso Enfield Política, manual de instrucciones Dioses de Egipto Dos buenos tipos Buscando a Dory Green Room Francofonía The Program

LISTA Algunas películas que hablan de las crisis contemporáneas en diferentes países europeos

EN CORTO Glas

Editorial

Editorial ¿Qué hace que el fallecimiento de un director de cine nos sacuda con tanta virulencia? Las recientes muertes de Michael Cimino (El cazador, La puerta del cielo) y Abbas Kiarostami (El sabor de las cerezas, Close-up, El viento nos llevará, ¿Dónde está la casa de mi amigo?) nos vuelven a traer esa pregunta.

fuente de inspiración para muchísimos jóvenes cineastas con ganas de hacer cosas, de crear algo con sentimiento, de provocar emociones, de acercarnos a otras realidades. El director iraní era uno de los directores más importantes vivos y su pérdida se sentirá irremediablemente en los corazones cinéfilos.

Hay algo inexplicable, en parte, en nuestra reacción. A menudo, como por ejemplo en el caso de Cimino, la última obra del director fallecido ya había quedado atrás en el tiempo y no había perspectivas de que fuera a hacer otra. El último largometraje de Cimino es de 1996 (Sunchaser). En cambio Kiarostami sí que estaba más en activo. Su último largometraje, Like Someone in Love, es de 2012.

Pero volviendo a la pregunta del principio, ¿por qué nos toca tanto una trágica noticia como ésta? Tengo la impresión de que cuando escuchamos o leemos la noticia, ni siquiera pensamos en la persona. Es como si sus películas se hubieran ido con ellos. Que ya no habrá ruletas rusas en Vietnam, o que Ahmed ya no devolverá la libreta del colegio a su amigo.

La obra de ambos es muy importante en la historia del cine. La de Cimino por prácticamente derribar el cine de grandes estudios tras el estrepitoso fracaso de Las puertas del cielo. La de Kiarostami por abrir a otras cinematografías a millones de espectadores y por constituir una

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Pero no es así. Su obra les sobrevive y todavía tiene la capacidad de sacudirnos de igual forma. Un director de cine nunca se va del todo. Además, dejan testigos que recoger. Dijo Kurosawa: “Cuando Satyajit Ray murió me entristecí. Pero Abbas ha tomado su lugar”. Ahora alguien tendrá que tomar el lugar de Abbas. A

Adaptaciones de videojuegos

Adaptaciones de videojuegos Por Juan Romero

esde siempre Hollywood ha buscado inspiración para sus películas adaptando todo tipo de obras que caían a su alcance. Evidentemente, ha habido numerosas adaptaciones de novelas de toda clase, pero también de obras de teatro, o de musicales. Actualmente las adaptaciones de comics están a la orden del día, claro. Y ha habido intentos puntuales de adaptar cosas tan aparentemente imposibles como canciones, cuadros, muñecos o juegos de mesa al cine. Todos estos medios han tenido adaptaciones más o menos interesantes, más o menos fieles al espíritu de la obra original, y más o menos exitosos. Y sin embargo hay un medio del que se han intentado hacer adaptaciones ya en multitud de ocasiones, y que no ha llegado a conseguir el nivel de reconocimiento que seguramente esperaba. Estoy hablando evidentemente de las adaptaciones de videojuegos. Los primeros intentos de adaptar videojuegos al cine datan de hace más de veinte años, con Super Mario Bros. Un desastre de tal calibre que hizo que se demorara el desarrollo de este tipo de propuestas durante casi una década. En cualquier caso, los motivos del fracaso de aquellas primeras propuestas no solo vienen por culpa de la calidad de las mismas, aunque sin duda ese es el motivo principal, sino por la propia naturaleza de los videojuegos en aquella época. El

argumento de los primeros videojuegos brilla por su ausencia, y así estas primeras adaptaciones tienen que alejarse del original para intentar ofrecernos algún tipo de trama. Como sucede con las siguientes intentonas de adaptar videojuegos, que optan por el género de peleas, con unos Mortal Kombat y Street Fighter que son conscientes de sus limitaciones argumentales y van a lo que van. Con el cambio de siglo la tendencia cambia ligeramente, y comienzan las adaptaciones de videojuegos que sí tienen un cierto argumento. Bien sea en formato de peli de aventuras, como Tomb Raider, o bien en forma de Anime, como Final Fantasy. Pero el problema no termina de corregirse. Las películas ya empiezan a tener una cierta entidad en sí mismas, pero el argumento sigue siendo demasiado endeble como para mantener la atención. Y de alguna manera se evidencia el que será el principal problema endémico de todas las películas de estas características. Guiones que siguen más o menos los argumentos de videojuegos. Unos videojuegos que aunque ya tienen una cierta entidad argumental, siguen sin poder mantener una película. En los últimos diez o doce años el número de adaptaciones de videojuegos se ha multiplicado exponencialmente. Géneros como el terror, fundamentalmente el survival horror, con Resident Evil y Silent Hill, consiguieron un

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Adaptaciones de videojuegos

cierto reconocimiento, por distintos motivos. Y también se ha profundizado en el género de las aventuras, donde quizás no se han cumplido las expectativas creadas, que sin duda eran también más altas que en el caso de las películas de terror, como con Prince of Persia y la actual Warcraft.

fracaso rotundo. Y es aún más irónico cuando en el mundo de hoy hay millones de personas que dedican su tiempo a ver a otra gente jugar a videojuegos mientras comentan el tema, en situaciones que esa conexión que se produce al jugar no se da, evidentemente.

Y evidentemente también hay que hablar de la monumental figura de Uwe Boll, que quizás es la persona que más daño le ha hecho a la reputación de películas adaptadas desde videojuegos. Consiguiendo hasta media docena de propuestas a cual más desastrosa y lamentable.

En todo caso, pienso que estamos llegando ya al momento en el que una adaptación de videojuegos pueda triunfar en el cine. Una vez gente con conocimiento de ambos mundos y los diferentes códigos que los rigen van interesándose en el proceso. Y en el que hay ciertos videojuegos que son puramente cinematográficos. Con gente competente a los mandos, adaptaciones de Heavy Rain o de Red Dead Redemption podrían dar como resultado películas realmente brillantes.

En cualquier caso, las adaptaciones de videojuegos siguen teniendo un problema importante. Pienso que la principal dificultad es conseguir un guion lo suficientemente sólido a partir de las pinceladas que se suelen dar en los videojuegos. Pero que también tiene que ver con la inmersión. El jugador invierte mucho más tiempo, y muchísima más conexión empática con los protagonistas que en una película. Y así los códigos a utilizar son diametralmente diferentes. Es irónico hasta cierto punto que en el tiempo en el que nos movemos hay numerosísimas adaptaciones exitosas de películas a videojuegos, pero que en la dirección opuesta no se den apenas casos. A veces incluso videojuegos inspirados por alguna película, que tienen un notable éxito, vuelven a ser adaptados al cine y son un

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De momento, la siguiente parada será el Assassin's Creed de Justin Kurzel con Michael Fassbender. Otra muesca en las adaptaciones de aventuras de los videojuegos, que solo el tiempo dirá si es la primera en romper esa barrera invisible y convertirse en el verdadero comienzo de algo importante. A

El guante se lanzó hace tiempo: ¿Se puede hacer una buena película de un videojuego? Siempre he dicho que es posible. Ahora tengo que hacerlo. • DUNCAN JONES

Las mil y una noches As mil e uma noites / Portugal / 2015 Dir.: Miguel Gomes

Rep.: Crista Alfaite, Carloto Cotta, Chico Chapas, Adriano Luz.

Texto: Alberte Álvarez

arece mentira la poca atención que se le presta al cine portugués. Quizá sea el que posee un talento más desbordante entre los europeos. Y precisamente de Europa, y de su crisis económica y social va esta trilogía de Miguel Gomes, que ya nos dio muestras de su trasfondo social en su cortometraje Redemption e incluso en su

anterior film Tabú. En As mil e uma noites nos encontramos con una película que iba a durar seis horas, compuesta de distintas historias, pero que finalmente se dividió en tres películas que, en realidad sí que tienen marcadas diferencias. La primera de ellas, O inquedo (El inquieto), nos

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Las mil y una noches (As mil e uma noites, Miguel Gomes, 2015)

presenta al propio director queriéndonos contar dos historias distintas. Una sobre el cierre de un astillero y otro sobre la problemática que causa en los apicultores la avispa asiática. Debido a la falta de fondos para hacer dos películas, debe enlazar esas dos historias en una misma obra. Y es muy curioso ver al propio Miguel Gomes declararse incapaz de hacerlo y escapando literalmente de su propio equipo de rodaje. A partir de ahí, será Sherazade la que nos vaya arrastrando por distintas historias. La primera película de este tríptico es también un tríptico. Y además de ser tres historias, la última historia contiene a su vez otras tres historias. Pongamos como ejemplo la primera y quizá más abiertamente política, a la vez que irónica. Y es que en la primera historia tenemos al gobierno portugués negociando con la troika el plan de recorte para controlar el déficit. Los vemos como burócratas fríos y sin sentimientos (sobre todo a la troika), pero en un paseo aparece un africano que les ofrece un remedio con el cual tienen erecciones muy potentes. El resto de la película veremos a estos personajes empalmados y con una alegría que les lleva a firmar un acuerdo ventajoso para Portugal. Esta es quizá la historia más directa y más asequible para el espectador, al ser muy simple la vinculación entre el futuro de un país, a través de la negociación de unas medidas que afectarán duramente a las clases populares y trabajadoras, y la arbitrariedad del ánimo de las personas que deciden estas cuestiones. Es particularmente interesante la tercera

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historia, que más allá de presentarnos a un señor en sus 50-60 años, con problemas de salud y una situación precaria, que lucha para poder organizar de nuevo un baño conjunto en el mar el 1 de enero para los trabajadores, acompañado de una chica alternativa, nos presenta también una especie de consultorio para que otras personas cuenten su situación. Y así es que de forma cruda tenemos 3 historias “As mil e uma noicontadas directamente por sus protagonistas de la tes es una propuesta dura situación por la que ambiciosa, original, atraviesan por culpa de rompedora, clarala crisis. La mezcla documental y ficción se entremente radical e laza de manera perfecta, inteligente.” bajando al terreno de lo real el ensueño que se percibe en estas mil y una noches. En el volumen II, O Desolado, tenemos un rosario de desgracias. Una serie de historias rocambolescas. Primero el de un bandolero que vive en el monte escapado de las autoridades después de haber cometido un crimen. Su historia la entiendo como una manera de ver de manera romántica a todo aquel que desafía a la justicia en tiempos de injusticia, aun cuando el crimen sea horrible. Es, sin embargo, la segunda historia de esta segunda película la que lleva el peso y la que nos cuenta algo importante sobre Portugal de una forma sorprendente, deslavazada, absurda, pero hipnótica. Estamos en un teatro al aire libre. Una jueza se dispone a resolver un caso

Las mil y una noches (As mil e uma noites, Miguel Gomes, 2015)

de hurto. Pronto nos damos cuenta de que los espectadores participan en la función, son integrantes. No se puede ser espectador de esta historia, porque es nuestra realidad. Cada caso expuesto va llevando a otro nuevo caso, que muestra a otro culpable, y así sucesivamente. No hay inocentes. Es una cadena de maldad que termina por desesperar a la representación de la justicia. En realidad, aquí Miguel Gomes nos habla de la corrupción. De cómo la corrupción va contaminándolo todo, desde la gran escala hasta la pequeña escala. Es un verdadero cáncer con gran capacidad de metástasis, que una vez aparece, acaba provocando una cadena perversa que acaba con fatales consecuencias. Un cuento dentro de otro cuento. Así va avanzando constantemente la trilogía. La última historia-cadena de historias ocurre en un bloque de apartamentos. Al contrario que en la anterior historia, esta vez hay un elemento que fomenta la esperanza. Pero frente a la alegría del perro, tenemos historias melancólicas y duras, que

fuerzan el contraste. El volumen III, O Encantado, comienza con la propia Sherezade. Todo este volumen tiene que ver con la opresión. El de Sherezade es un relato absolutamente Godardiano, superpuesto, experimental, donde la forma, la expresión, se alza sobre el absurdo. La privación de libertad, el encontrarse encerrado en una jaula es algo presente a lo largo de esta última parte de la obra. Primero Sherezade, que quiere irse y conocer el mundo, lejos del tirano de su marido que sabe que tarde o temprano la matará. Y luego la historia de los entrenadores de canto de jilgueros, que nos cuenta cómo los atrapan, cómo los entrenan (con CDs con distintas canciones de jilgueros o llevándolos a escuchar otros jilgueros a la naturaleza). Pero en realidad nos están contando la historia de muchos de los habitantes del pueblo, pero de una manera ya muy superficial y casi caricaturesca, soltando un par de pinceladas en formato

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Las mil y una noches (As mil e uma noites, Miguel Gomes, 2015)

microhistoria, con mucho texto introductorio, ya que Sherezade ya no habla en off. En mi opinión, el volumen III es el más flojo de todos, y hace decaer el conjunto de la obra. La parte de los pájaros es algo insustancial y, lo peor de todo, ciertamente aburrida.

ratos, rocambolesco y artificial en muchas partes, realista y desgarrador en otras. Está claro, As mil e uma noites es una obra total. A

Pese a todo, As mil e uma noites es una propuesta ambiciosa, original, rompedora, claramente radical e inteligente. Miguel Gomes demuestra un talento enorme a la hora de enfocar sus historias, además de un gran talento visual. Como en todas las propuestas compuestas de distintas historias o cuentos, algunos son mejores que otros, unos más interesantes, otros más sugerentes, otros menos cautivadores… pero no se puede dudar que Miguel Gomes ha realizado una alegoría de la crisis económica de Portugal verdaderamente fascinante.

As mil e uma noites es un conjunto de relatos fragmentados, caótico en ocasiones, hipnótico casi siempre, sincopado a veces, falto de ritmo a

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Los europeos solíamos estar orgullosos de ser la forma de democracia más avanzada. Ahora estamos definitivamente un poco avergonzados porque estamos viendo que, finalmente, la relación que teníamos entre nosotros era el dinero. • MIGUEL GOMES

Warcraft: El Origen Warcraft: The Beginning / USA / 2016 Dir.: Duncan Jones Texto: Juan Romero

Rep.: Travis Fimmel, Paula Patton, Ben Foster, Dominic Cooper, Toby Kebbell, Ben Schnetzer, Robert Kazinsky, Clancy Brown.

no conoce el universo del juego. Esos dos factores se multiplican en el caso de la adaptación de un videojuego tan popular y masivo como Warcraft, evidentemente.

iempre es complicado hacer adaptaciones cinematográficas de videojuegos. Por motivos obvios como es el que la experiencia de interactuar con lo que sucede es completamente diferente a sentarte a mirar. En ese sentido, el componente principal de un videojuego se pierde totalmente en la adaptación. En algunos casos, además, está el hecho de tener que agradar no solamente a los jugadores de ese juego, que conocen el escenario y saben lo que se pueden esperar, sino también al espectador que

Esta enorme tarea cae en las manos del talentoso Duncan Jones, que había demostrado previamente con Moon y Código Fuente una enorme capacidad para sacar adelante propuestas de ciencia ficción de bajo o medio presupuesto. En este caso, el hijo de David Bowie, fan confeso

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Warcraft: El Origen (Warcraft: The Beginning, Duncan Jones, 2016

de la saga de Warcraft, se ve obligado a pegar un enorme salto, tanto a nivel de presupuesto, como en un cambio de género hacia la acción y la fantasía. Y el resultado es, para mí, francamente decepcionante. He de decir aquí que no conozco prácticamente nada de Warcraft. Sé que es un juego multijugador online, en el que los jugadores se dividen en diferentes facciones (orcos y humanos) y pelean entre sí. Y prácticamente nada más, aparte de eso. Así que mi visión de la película es de alguien totalmente ajeno al juego. He hablado con varios jugadores que han visto la película y todos coinciden en que cumple con creces sus expectativas, y que llegan a emocionarse con cosas tan sencillas como la llegada a tal o cual ciudad, o la aparición de un determinado personaje. Sin esos guiños, y sin el interés invertido durante interminables horas, como ellos, el Universo de la película de Warcraft es para mí extraordinariamente plano y aburrido, en comparación. La historia que nos cuenta es igual de simple. Los orcos viajan al mundo de los humanos, huyendo de sus tierras, y tendrán que pelear entre ellos. Tenemos a los magos que han sido corrompidos por su poder, o la híbrida orco-humano que puede ser la esperanza para ambas facciones. En ese sentido, el argumento que proponen no le aporta demasiadas cosas interesantes a la película. Quizás el único elemento rescatable del enfoque es el de evitar presentar a los orcos como villanos unidimensionales, sino darle una profundidad como personajes plenos y profundos.

Así pues, con estos elementos, parece que Warcraft pretende contar una historia relativamente simple, con multitud de guiños a los jugadores, pero que quien es ajeno a ese uni- “Warcraft quiere contar verso quedará durante una historia simple, muchos momentos alejado emocionalmente con multitud de guiños e incluso en ocasiones a los jugadores, pero en bastante perdido. Solo la que quien es ajeno a queda pues saber si ese universo quedará las batallas y enfrentamientos entre orcos a veces alejado y y humanos están al perdido.” nivel, y por lo menos se puede uno dejar llevar ahí y disfrutar con ellas. Desgraciadamente, tampoco en ese apartado llega a destacar la película. Es cierto que tiene algunos planos realmente espectaculares, pero el conjunto acaba siendo, igual que el resto de la película, algo confuso y falto de emoción.

Warcraft es una película que probablemente haga las delicias de los fans, que han invertido muchas horas en ese universo, y que ahora tienen una película que refleja muchas de las particularidades del juego. Para los ajenos a ese mundo nos ofrece un producto mucho más pobre y prescindible. Algo con aroma prefabricado que no llega a aportarnos casi nada. Una oportunidad perdida para intentar que nos acercáramos a la saga Warcraft. A

Por lo demás, tenemos el aspecto técnico de los efectos, que es a veces bastante desconcertante. Por momentos parece que busca el mayor hiperrealismo posible en todas las criaturas, pero durante otros tramos se conforma con ofrecernos unos gráficos mucho más cercanos al propio juego de ordenador. Tampoco molesta demasiado, y es obvio que los jugadores agradecerán encuadres y situaciones cercanos al juego, pero no deja de denotar una cierta falta de cohesión.

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Expediente Warren: El caso Enfield The Conjuring 2: The Enfield Poltergeist / USA / 2016 Dir.: James Wan

Rep.: Vera Farmiga, Patrick Wilson, Frances O'Connor, Madison Wolfe, Lauren Esposito.

Texto: José M. Aparicio

iguiendo la tónica de la primera parte, esta secuela se basa en un caso verdadero investigado por el también real matrimonio conformado por Ed y Lorraine Warren (Patrick Wilson y Vera Farmiga), famosos por sus investigaciones en el campo de lo misterioso. En realidad los Warren fueron uno más de los muchos investigadores que pasaron por esa casa y tan solo permanecieron un día en el lugar pero la película es bastante fiel a los hechos que

ocurrieron allí. Se conoció como el poltergeist de Enfield a una serie de incidentes paranormales que se desataron en una casa inglesa del municipio londinense de ese nombre, allá por 1977. Una familia compuesta por una madre y sus cuatro hijos pequeños fueron visitados por un ente que vivió y murió allí y que utiliza a una de las niñas para comunicarse. El incidente estuvo envuelto en una gran controversia ya que se acusó a la familia de fingir los sucesos.

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Expediente Warren: El caso Enfield (The Conjuring 2: The Enfield Poltergeist, James Wan, 2016)

El film no solo se centra en la parte fantástica o más paranormal sino que intenta desgranar la investigación y la manera en la que se buscaba demostrar que todo era fingido por los habitantes de la casa.

investigadores y todo vuelve a mejorar con el esperado cruce de la primera historia con esta, que es tratado con solvencia y nos regala un final trepidante y terrorífico, con toques de thriller que le sientan bien al metraje.

Pero la película tarda en centrarse en el caso. En un prólogo excepcionalmente rodado se nos muestra el clímax de otro acontecimiento distinto que la pareja investigadora está tratando y que lleva a Lorraine a adentrarse personalmente en el mundo de los espíritus para descubrir que un peligro demoníaco se cierne sobre su marido. A raíz de este episodio, el miedo hace a ambos acordar que van a relajar su intromisión en los sucesos y apartarse un poco del mundo paranormal. A partir de este momento comienza la narración de los sucesos que ocurrieron en la casa maldita de la familia británica. Poco a poco se ve como la niña pequeña es perturbada y literalmente usada por el espíritu maligno para aterrorizar a la familia entera.

En definitiva, que James “No solo se centra en Wan vuelve a su género la parte más paranorfavorito después de su incursión en la saga Fast mal, sino que intenta and Furious, y nos pre- desgranar la manera senta una película que en la que se buscaba demuestra que aunque hay ya poco que innodemostrar que todo var en esta categoría era fingido por los llamada de terror, todavía se puede sacar algo habitantes de la casa” diferente y solvente de este tipo tan complicado de cine. Si te gustó la primera parte, no te va a defraudar esta continuación. A

La pena es que después de un inicio muy prometedor la película baja el nivel conforme se va adentrando en la historia principal. Las sucesivas escenas de terror que implican a la niña y a su hermano se vuelven un poco repetitivas abusando de los efectos de sonido, las sorpresas y los movimientos bruscos para generar sustos fáciles. Sé que es un imposible encontrar un film de este tipo sin estos trucos y para ser honestos no podemos decir en este caso que estén mal rodados o que sean poco efectivos pero hay un exceso de estas escenas y la película se estanca. No avanza hasta que vuelven a aparecer los dos

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Crisis Europeas

n las películas de este mes nos encontramos con al menos un par de propuestas muy diferentes que se centran en la crisis económica y social en Europa en los últimos tiempos. Con la alegoría fantástica de Miguel Gomes en Las mil y una noches, y con el documental centrado en Podemos dirigido por Fernando León de Aranoa. Así que aprovechamos y repasamos algunas películas que también se centran en algunos de estos problemas desde ópticas completamente diferentes.

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Crisis Europeas

Prologue (Visions of Europe) Por Alberte Álvarez

on apenas cuatro minutos. Cuatro minutos con un único, frío, implacable y durísimo plano. Es todo Béla Tarr concentrado en esos cuatro intensos minutos. No sucede nada. Simplemente vemos pasar caras y más caras haciendo cola mediante un lento travelling lateral. Y aunque no suceda nada (en apariencia), sorprenden algunas cosas. Primero es que el concepto de cortometraje y Béla Tarr vayan juntos. Si bien, Prologue (segmento dentro del film Visions of Europe) no era el primero que dirigía. Sin embargo, el director húngaro es conocido por películas largas de planos eternos como sucede en Satantango o El caballo de Turín. En este cortometraje tenemos su habitual uso de los planos largos y su preferencia por el blanco y negro. Pero también sorprende su fecha: 2004. Y es que Prologue es una visión durísima de Europa. En 2004. Quizá no nos acordemos de la época pre-crisis, pero 2004 en Europa era una época de crecimiento, de bonanza económica,

de bajos niveles de paro y dónde en la mayoría de los países todavía existía una clase media. Sería en 2007-2008 cuando esa ensoñación de un mundo neokeynesiano (aunque no lo era) se viniera abajo y mucha gente descubriera que Europa y el mundo vivía en un hilo muy fino, dónde las crisis seguían siendo cíclicas y cada vez más virulentas. Y, además, que estas crisis seguían afectando a los de siempre. Aún más, que seguían beneficiando a los de siempre.

Prologue nos pone en una situación que ya nos es tristemente familiar a los que pateamos la calle y abrimos un poco los ojos. Es una fila de gente. Vemos sus caras. Los rostros de la crisis. La cámara se mueve lateralmente, ligeramente hacia atrás, dejando ver rostros serios, adustos. Sus atuendos nos dicen que hace frío y que, además, no son precisamente de la élite económica. Nos damos cuenta de que fundamentalmente son hombres, aunque también hay alguna mujer. Nos damos cuenta de que fundamentalmente es gente mayor, en la cincuentena o más,

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Crisis Europeas

aunque también hay gente joven. La pobreza no discrimina. Y es que cuando llegamos al principio de la fila nos encontramos con una ventana que se abre. Y de allí sale un ángel. Una mujer que irá repartiendo uno por uno pan y bebida caliente. Es poco, pero cualquier acto de caridad es suficiente. Lo que debería ser es innecesario: la caridad debe ser sustituida por la justicia social. A los que pateamos las calles, como decía, esto es una situación que vemos todos los días. Colas para solicitar alimentos que llevar a casa, colas para comer en el propio comedor. En ciudades como Madrid, la capital de una de las potencias europeas, está a la orden del día. No hace falta ir a los supermercados de ningún país latinoamericano. No. Lo tenemos aquí, llevamos conviviendo con ello demasiado tiempo, y debería darnos vergüenza que la situación no solo no se haya solucionado sino que haya empeorado.

sea más visible. Antes también lo había, pero cerrábamos los ojos inmersos en nuestra burbuja. Pero la burbuja estalló y Europa se ha convertido en la visión catastrofista de uno de los directores más lúgubres y afligidos. Me encantan las películas de Béla Tarr, pero vale la pena luchar para que el mundo no se parezca mucho a ellas. Termino invitándoos a poner en el buscador de Youtube “Prologue Béla Tarr”. Ahí podréis ver esta fantástica obra. Puro ambiente y puesta en escena, algo en lo que Tarr es un maestro. Lástima que haya abandonado el cine cansado de los políticos de su país. Nos queda su obra, inmensa, genial. A

Bien es cierto que como indica la fecha de este cortometraje, esto no es de ahora, aunque ahora

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Los lunes al sol Por Juan Romero

i hablamos de películas que quieren reflejar los problemas sociales de la gente que se queda atrás en la Europa reciente, y echamos una mirada al cine español, es obligado hablar de Los lunes al sol. Dirigida por León de Aranoa en 2002, Los lunes al sol es una mirada hacia un grupo de antiguos trabajadores de un astillero que son despedidos, y cómo intentan sobrellevar el día a día viviendo casi sin la más mínima esperanza de encontrar un trabajo. La película se centra en cuatro o cinco de esos antiguos trabajadores y sus rutinas diarias. La búsqueda de trabajo, los problemas con sus familias, o sus encuentros en el bar que uno de ellos montó con la indemnización. Vemos cómo pasan sus días, intentando hacer frente a su situación, pero siempre hundidos en el dolor y en la desesperanza de saber que una parte fundamental de su vida les ha sido arrebatada para siempre. Al ser una película coral y cargada de la rutina de

los protagonistas, Los lunes al sol acaba siendo formada por una serie de pequeñas viñetas que muestran esquemáticamente la situación de cada uno de ellos. La búsqueda de empleo de uno, frente a un montón de aspirantes mucho más jóvenes y mejor preparados; la inmensa soledad de otro de ellos; los problemas de uno con su mujer, que es quien mantiene a la familia, y de quien va sospechando que puede tener un lío con otro hombre; o la lucha contra el sistema del último de ellos, que sigue peleando por intentar no pagar por los desórdenes que provocó cuando protestaba para mantener su puesto de trabajo. Posiblemente los dos grandes aciertos de la película son, en primer lugar, el tono. Ya he dicho que toda la película está empapada de esa desesperanza de los protagonistas, pero también durante toda ella subyace un muy importante sentido del humor, en el que los propios protagonistas se refugian para hacer más llevadero

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Crisis Europeas

su día a día, pero que resulta fundamental también para el espectador, que consigue así poder soportar la dureza de lo que nos están contando. En segundo lugar, el realismo. Con la ayuda de un enorme elenco de actores, entre los que están Javier Bardem, Luis Tosar, José Ángel Egido, Joaquín Climent o Celso Bugallo, León de Aranoa consigue en todo momento transmitirnos una realidad dura y descarnada, sin concesiones, y absolutamente creíble. Evidentemente toda la película tiene un trasfondo político muy determinado, pero éste solamente se hace explícito en una o dos escenas, a través normalmente del diálogo de Santa, el personaje de Bardem, que explica el punto de vista de estos antiguos trabajadores de manera dura y directa en un par de ocasiones. Durante el resto del tiempo, lo único que importa es seguir a estas personas, y cómo intentan salir adelante en una situación comprometida.

notable película que trata un asunto muy delicado, con una empatía total por los personajes que nos presenta, y mezclando de manera perfecta la desesperanza de la situación, con el humor, duro y seco, necesario para poder seguir adelante. Y una curiosidad que siempre me gusta añadir cuando hablo de esta película. Ese final, con dos de los protagonistas en un barco a la deriva es extraordinariamente similar al final de la película Tiburón, de Steven Spielberg. Con dos tipos a la deriva en el mar, después de pasarlas putas, y preguntándole el uno al otro que qué día es. Como si aquello tuviera la menor importancia.A

Los lunes al sol, por tanto, acaba por ser una

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Hijos de los hombres Por Juan Romero

primera vista no parece que Hijos de los hombres encaje en el tipo de películas de las que estamos hablando. Una película de ciencia ficción, ambientada en un futuro en el que las mujeres han dejado de tener hijos, y que gira en torno a grupos radicales que descubren una embarazada a la que quieren socorrer. Pero las razones para incluir Hijos de los Hombres en esta lista son evidentes una vez que profundizas en algunas de las situaciones que trata. Porque el escenario frente al que transcurre la película es el de un Reino Unido aislado del resto del continente, como último bastión de gobierno de un mundo sumido en el caos. Además, las tensiones en el resto del planeta provocan una oleada de inmigrantes que buscan refugio humanitario en el país, pero que son tratados con dureza por parte de un gobierno que no es capaz de dar solución a semejante crisis migratoria. Y redondeándolo todo tenemos un grupo de militantes terroristas que protestan

por ese trato vejatorio al inmigrante. Si miramos la situación más reciente en Europa, con inmigrantes, terroristas, y una Gran Bretaña que decide separarse políticamente del resto de Europa precisamente por esos motivos, vemos que la película, que se estrenó hace ya una década, sigue de la más rabiosa actualidad. Como película, estamos posiblemente ante una de las mejores propuestas de ciencia ficción de los últimos años. Con un Alfonso Cuarón a los mandos que ya empezaba a demostrar su notable maestría con una serie de planos-secuencia de acción realmente impresionantes, ayudado siempre por el Chivo Lubezki a los mandos de la fotografía. Con un ritmo vibrante desde que arranca la película, directamente con una explosión, y a partir de ahí apenas da respiro durante toda la película. Con un Clive Owen que estaba en plena efervescencia como hombre de acción, enlazando esta película con Sin City, Plan Oculto o Shoot’em up. Y con un argumento

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Crisis Europeas

brillante, en el que la embarazada es a la misma vez el único hilo de esperanza en un mundo agotado, y un enorme MacGuffin para poder contarnos la historia que realmente nos quiere contar. Una historia de un mundo superado por las circunstancias que se viene abajo sin remedio. Un mundo en el que ni siquiera el nacimiento de un niño parece que pueda hacer cambiar.

ya ha sucedido. Y su única misión es ayudar a la chica. No tiene una agenda política detrás, como tiene el resto de personas que quieren ayudarles. Es un gesto completamente independiente. El mundo se va a la mierda, y nada va a cambiar. Pero por lo menos puede ayudar a una persona. Y eso es lo importante, para él. A

El valor de Hijos de los hombres está precisamente en ese tipo de cosas. En una desesperanza tal que la redención, el hilo de esperanza en el que se mueve toda la película, probablemente no sirva de nada, no cambie nada. El personaje de Clive Owen contrasta así con el resto de los personajes que pueblan la película en sus distintas facciones. La desesperación de la situación les hace luchar aún con más fuerza por sus ideales, unos contra otros. Porque aún piensan que puede cambiar la situación. El personaje de Clive Owen parece darse cuenta de que nada va a poder cambiar lo que está sucediendo, lo que

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Recuerdo una pintada de Ettore Scola, que es uno de mis grandes directores, en la Escuela de San Antonio de los Baños, en Cuba. Todos los realizadores que han pasado por allí han hecho un graffiti, han escrito algo, en una pared destinada a ello, y mi favorita es una muy pequeña del autor italiano que dice: “la duda de los artistas es la riqueza del mundo”. • FERNANDO LEÓN DE ARANOA

Política, manual de instrucciones Política, manual de instrucciones / España / 2016 Dir.: Fernando León de Aranoa

Rep.: Documental.

Texto: Alberte Álvarez

a realidad está definida con palabras. Por lo tanto, el que controla las palabras controla la realidad.

Esta cita de Antonio Gramsci es el núcleo filosófico que sobrevuela constantemente el popularmente llamado documental de Podemos. Política, manual de instrucciones pone la cámara en muchos espacios, internos y externos, desde la Asamblea constituyente de Vistalegre hasta la toma del acta de diputados tras las elecciones del 20 de diciembre.

Fernando León de Aranoa, nos propone el ver cómo se construyen los cimientos de un partido, cómo el enfrentamiento entre distintas posiciones crea sinergias y también distancias, cómo lo interno a veces devora a lo externo (cómo la forma a veces devora al contenido) y, sobre todo, cómo los medios de comunicación controlan el compás de la situación. Esto último es lo que nos lleva a la batalla por las palabras, que durante el documental explica de manera magistral Íñigo Errejón (sin duda, tras ver el documental, el político más brillante en la actualidad en España, y Revista Erebus - Julio 2016

Política, manual de instrucciones (Fernando León de Aranoa, 2016)

posiblemente en Europa). Nos dice que democracia no significa lo mismo si la menciona el Partido Popular o la mencionan ellos. Nos dice que patria no significa lo mismo si lo dicen ellos (la patria es la gente, la patria son unos buenos servicios públicos) que si lo dice el Partido Popular (la patria es la nación, es la bandera). En definitiva, la lucha por la hegemonía se centra en la lucha por el significado de las palabras. Buena parte del éxito de Podemos se debe a haber leído a Gramsci y haberlo entendido. El que gane la batalla de las palabras habrá ganado el terreno de juego político. Es curioso ver como en el documental se entrevé diferencias de concepto entre Errejón y Monedero. Es curioso porque los dos tienen a Gramsci como guía. De hecho, Monedero lleva su imagen pegada en su portátil. Pero las diferencias están ahí: entre la creación de una máquina electoral ganadora (Errejón) que en cierto momento pueda dejar gente atrás, y una visión más idealista de Monedero, donde en el momento que Podemos se parezca a los partidos tradicionales, o abandone algunas causas justas para poder ganar, ya no habrá merecido la pena Podemos y la gente tendría que aglutinarse en torno a un nuevo actor político. En el medio tenemos a un Pablo Iglesias que se mueve entre las dos corrientes, decantándose por el errejonismo (ganar, ganar, ganar y volver a ganar) mayoritariamente. Entre los dos son los grandes creadores del discurso de la formación. Llama la atención hasta qué punto se miden las palabras, se busca el término exacto, se discute sobre qué se debe decir en cada comparecencia de prensa, en cada entrevista en La Sexta Noche. Es llamativo cómo Iglesias dice que no quieren hablar de maltrato animal, que no quieren hablar de República frente a Monarquía, aunque tengan una posición clara, porque eso no genera nuevos votantes, quieren hablar de pobreza, quieren hablar de corrupción. En definitiva, quieren jugar siempre en terreno ganador. El golpeo de la prensa hacia la formación también aparece reflejado en el documental. Lo explica Íñigo de nuevo con una metáfora muy buena: Podemos quería conquistar Rusia a toda prisa, pero la reacción, a base de probar, supo ver los puntos débiles y les dijo “antes de conquistar Rusia os va a pillar el invierno”. Y así es. Revista Erebus - Julio 2016

Cómo él mismo reconoce les envejecieron, les pusieron a la defensiva, les prepararon para un invierno en el que hay que luchar casa por casa. En Política, manual de instrucciones, se echa de menos, quizá, un poco más de presencia de otros políticos, que si bien aparecen sobre todo al principio como contrincantes por la forma de organización del partido, luego se diluyen y aparecen con muy poco peso. Hablo sobre todo de Pablo Echenique y Teresa Rodríguez. Pese a todo no se ocultan las discrepancias, como por ejemplo la dimisión de la cúpula de Podemos en Euskadi o las quejas por el “La lucha por la hegereglamento de Primarias para las candidaturas a las monía se centra en la Elecciones Generales. lucha por el signifiEn cuanto a la forma, el cado de las palabras. documental está muy Buena parte del éxito bien llevado, y la selección de momentos está de Podemos se debe a muy lograda. Fueron más haber leído a Gramsci de 300 horas grabadas, de las que solo entraron 2, y haberlo entendido.” por lo que cabe suponer que quedaron muchísimas cosas interesantes fuera. Pese a todo, el montaje nos lleva directo a las elecciones generales a través de un contador de días. Para darle ese ritmo a la película Aranoa opta por una música de percusión a lo Whiplash, o incluso a lo Birdman, con esos solos de batería que en ocasiones funcionan de transición. En definitiva, un documental extremadamente interesante para todos aquellos interesados en política, en filosofía o en comunicación y periodismo. Una visión profunda y sin miedo de los malabares que hay que hacer construyendo una máquina para ganar unas elecciones, evitando dejar morir la ilusión en una gente que quiere cambio, que está harta. Hay momentos de lucidez y hay contradicciones manifiestas, pero el documental es un ejercicio honesto. Me decían al salir del cine: “Te puede gustar más o menos lo que hacen y lo que dicen, pero este mismo documental enfocado en el Partido Popular hubiera acabado con todos en la cárcel.” Habría que preguntarse si todos los partidos podrían verse de manera interna con tanta transparencia. A

Dioses de Egipto Gods of Egypt / USA / 2016 Dir.: Alex Proyas Texto: Saúl Olmo

l caso de Alex Proyas es, cuando menos, curioso. Tras dos obras de factura notable como son El cuervo y Dark City, que con el paso del tiempo han conseguido ganarse el estatus de culto entre gran cantidad de espectadores, se sumergió en la autocomplaciencia con las olvidables Yo, robot y Señales del futuro. Estas contaban con un gran potencial, que se desperdicia en pos de un espectáculo vacío y mediocre.

Rep.: Gerard Butler, Nikolaj CosterWaldau, Geoffrey Rush, Brenton Thwaites, Courtney Eaton, Chadwick Boseman.

Su última obra es la preocupante confirmación de que el talento de Proyas ha languidecido por completo.

Dioses de Egipto cuenta el viaje del mortal Beck y el Dios Horus para acabar con Set, que gobierna con mano de hierro las tierras del Nilo. Inspirándose en la mitología egipcia Proyas crea la suya propia para contar una historia que complica sin necesidad alguna, siendo incapaz de

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Dioses de Egipto (Gods of Egypt, Alex Proyas, 2016)

disimular la simpleza e inexistente profundidad de la misma, entorpeciendo un relato que vaga de aquí para allá entre epilépticas secuencias de acción. Por momentos parece que la película es consciente de su naturaleza y no se toma en serio a sí misma, pero el tono ligero no se mantiene en todo el largometraje (nunca mejor dicho) alcanzando en numerosos momentos el ridículo más espantoso. El reparto le hace justicia al guión y a sus arquetípicos personajes. Gerard Butler y Nikolaj-Coster Waldau hacen que sus anteriores Leonidas y Jaime Lannister parezacan actuaciones de Oscar. Mención especial para la sobreactuación del primero, que perfila un villano patético. Chadwick Boseman, la flamante Pantera Negra de Capitan America: Civil War, se encuentra aquí con la papeleta de ser el alivio cómico de una función donde lo serio es ya de por si bastante más risible que su propio personaje. Los demas intentan no desentonar en medio de este esperpéntico espectáculo. El único que parece tomarselo en serio es Geoffrey Rush, causando lastima por sus tan inutiles esfuerzos.

mismo estudio que Sharknado. Cromas cutres, atrezzo cutre, todo ello por una dirección cutre que apuesta por darle un aire videojueguil a la acción, pareciendo un gameplay de un futuro God of War ambientado en Egipto. Tal vez los más pequeños disfruten con esta disparata, alocada y excesivamente bizarra pelí- “Proyas crea su propia cula de aventuras. Tal mitología para contar vez se convirtierta en una historia que comuno de sus placeres culplica sin necesidad. pables cuando se hagan mayores. O incluso tal Incapaz de disimuvez la acaben elevando lar la simpleza de la a categoría de culto, al descubrir que es un misma.” ingenuo pero profundo homenaje péplum de serie B de pura cepa y al Egipto natal de su director. Tal vez sea una obra adelantada a su tiempo, y seamos demasiado gafapastas para darnos cuenta de que estamos ante el Mad Max: Fury Road de las aventuras familiares. O tal vez esté bromeando. ¿Yo? No. Alex Proyas.A

¿Estamos entonces ante el enésimo blockbuster veraniego en el que lo único salvable son sus efectos especiales? No es el caso. A excepción de un par de momentos aislados, la factura técnica es sonrojante. Lo que se está perpetrando parece un homenaje al cartón piedra que tan entrañable resulta en obras como Furia de titanes (la de 1981), pero el plástico CGI que rezuma hasta el exceso este Egipto parece salido del

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Dos buenos tipos The nice guys / USA / 2016 Dir.: Shane Black

Rep.: Ryan Gosling, Russell Crowe, Matt Bomer, Kim Basinger, Yvonne Zima, Margaret Qualley.

Texto: Juan Romero

ras su paso por los blockbusters como director de la tercera entrega de Iron Man, Shane Black vuelve a sus orígenes y nos ofrece una película que sigue la línea que nos ofreció en su ópera prima Kiss Kiss Bang Bang, mezclando a partes iguales la estructura del cine de detectives más clásico con un humor muy particular que emana tanto de los personajes como de la propia trama de la película.

Esa mezcla del humor con el género de detectives, y la ambientación en los años setenta hace también que nos acordemos de la reciente Puro Vicio. Pero mientras aquella se alejaba un poco de una estructura cerrada, tendiendo más a la dispersión y a las ideas y escenas sueltas, en esta tenemos una trama mucho más cohesionada, más próxima a los códigos habituales del cine negro.

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Dos buenos tipos (The nice guys, Shane Black, 2016)

En Dos buenos tipos, en cualquier caso, gran parte de los aciertos de la película vienen por los protagonistas principales y los actores que los interpretan, unos inmensos Russell Crowe y Ryan Gosling. Dando vida el primero de ellos a un duro matón a sueldo con pocos escrúpulos, y el segundo a un desastroso, alcohólico y padre soltero detective privado, que acabarán uniendo sus esfuerzos para resolver el caso que les ocupa. Como suele ser habitual en la gran mayoría de películas de detectives, el caso es poco más que un McGuffin, que además acaba enredándose de manera innecesaria, y acumulando tantos giros insospechados y nuevos personajes que uno acaba perdido por momentos. En esta ocasión gira en torno a la desaparición de una joven y a la muerte de una estrella del porno, dos casos aparentemente diferentes que pudieran estar relacionados de alguna forma. Ya en Kiss Kiss Bang Bang Shane Black explicaba como cliché de las aventuras detectivescas el hecho de que surgieran dos casos aparentemente independientes, pero que acababan estando relacionados entre ellos. Y aquí vuelve a usar esa misma estrategia. Pero como digo, eso es lo de menos. Lo fundamental en esta ocasión es ver la manera en que estos dos personajes colaboran para intentar desenmarañar el misterio y la química que surge entre ellos. En ese sentido, esa química es mucho mayor que la que tenían Robert Downey Jr. y Val Kilmer en Kiss Kiss Bang Bang, que se veía además entorpecida por el hasta cierto punto excesivo peso que tenía en la misma la chica desvalida, Michelle Monaghan. Que no se entienda mal, Monaghan está fantástica en aquella película, y Downey Jr. y Val Kilmer cumplen con creces, pero no existe esa química entre ellos que aquí es lo que se hace dueña de la película.

poderosamente al de la sobrina del Inspector Gadget. El resto de personajes de la película tienen un papel bastante más reducido y limitado, y únicamente sirven para hacer avanzar la trama y dar la réplica a los protagonistas. Destacando casi únicamente Kim Basinger, y más por el hecho de volver a verla frente a Russell Crowe en una película de detectives casi dos décadas después del éxito de L.A. Confidential que por cualquier otro motivo. En cualquier caso, Dos Buenos Tipos es una película ligera y divertida, que consigue mantener el tono durante todo el metraje, y en la que destacan sus dos protagonistas, en auténtico estado de gracia, y con una química entre ellos realmente notable. Es cierto que por momentos pierde interés el caso que presentan, y que se “Es una película ligera utilizan recursos fáciy divertida, en la les y mil veces vistos que destacan sus dos para solventar situaciones complicadas, protagonistas, con una pero también tiene química entre ellos algunas decisiones interesantes y valienrealmente notable” tes. Posiblemente su gran virtud, junto a los protagonistas, es encontrar el equilibrio perfecto entre no tomarse demasiado en serio a ella misma, pero sin caer en ningún momento en la parodia o el ridículo extremo. Algo realmente complicado, y en lo que demuestra Shane Black de nuevo ser un auténtico experto. A

En esta ocasión también tenemos a una chica compartiendo el protagonismo de la pareja de investigadores, de hecho. Pero se trata de la hija del personaje de Ryan Gosling, que acaba siendo quien lleva el peso de la investigación en sustitución del inútil de su padre, en un rol que recuerda

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Buscando a Dory Finding Dory / USA / 2016 Dir.: Andrew Stanton, Angus

Rep.: Animación.

MacLane Texto: Saúl Olmo

muchos la espera se les ha hecho larga, pero ya está aquí la película Pixar del año, secuela de la queridísima Buscando a Nemo. ¿Ha merecido la espera? ¿Está a la altura de su predecesora? Pixar ha vuelto y nada más y nada menos que de la mano de Andrew Stanton. Entre sus credenciales se encuentran cintas del calibre de Wall-e

y Buscando a Nemo. En esta ocasión nos hace llegar la secuela de esta última, centrandose en la olvidadiza Dory. Ha llegado la hora de resolver el enigma que planteó su anuncio y ha tenido en vilo a los amantes de Pixar desde entonces: ¿está a la altura de su predecesora? El historial de Pixar respecto a las secuelas no es lo suficientemente regular como para resultar

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Buscando a Dory (Finding Dory, Andrew Stanton & Angus MacLane, 2016)

tranquilizador. Tenemos las geniales secuelas de Toy Story, la fallida Cars 2 y la entretenida pero innecesaria Monstruos University. ¿En qué punto se encuentra Buscando a Dory? Pues más cerca de las secuelas juguetiles que de los otros casos aquí expuestos, y no es por mera coincidencia. Los guionistas, el propio Stanton y Victoria Strouse, toman como base de su guión los esquemas de esta trilogía que hibridan con los de la primera entrega para minimizar riesgos en cuanto a ritmo se refiere. Tenemos la singladura marina en busca de un ser querido, un lugar del que huir, niños que dan miedo y una fecha límite para cumplir la misión. Son solo algunos ejemplos de elementos que sonarán a los fans de Pixar, pero tranquilizadoramente suenan más a homenaje que a copia gracias al buen hacer del director. El único daño colateral que sufre Buscando a Dory es la pérdida de parte de su frescura (tampoco ayuda su naturaleza de secuela) ¿Quiere decir esto que estamos ante una película totalmente convencional que no asume riesgos y que no aporta nada nuevo? En absoluto. La fallida Cars 2 tuvo la valentía (¿tal vez osadía?) de convertir a la secundaria furgoneta paleta en protagonista de la función. El experimento no salio bien (no solo ese, pero estamos hablando de Buscando a Dory) y Mate no estuvo a la altura. Ahora es a Dory a quien Pixar confía el protagonismo absoluto de una película, otorgando a Marlin y Nemo el papel de secundarios de lujo. Entre ambos casos hay un claro paralelismo, pero donde los coches caen los peces se mantienen a flote gracia a una galería de secundarios magistral, liderados por el pulpo septopodo Hank, un autentico robaplanos que ayuda a Dory llevar el peso de la película. Junto a él un buen grupo de criaturas marinas (y voladoras) que logran tener carisma propio, aunque muchos de ellos cuentan con pocos minutos en pantalla.

Damocles sobre la cinta y, aunque bastante bien sorteada, aleja al conjunto de la categoría de obra maestra, que parece ser el mínimo exigible para una obra de Pixar (debate que dejo para otra ocasión) Esta tara de memoria es usada como núcleo emocional de la pelí“El problema de cula, transmitiendo memoria de la pez un mensaje con varias lecturas y capas de proazul planea como una fundidaz sobre valores espada de Damocles como la superación sobre la cinta. Aunque personal y la importancia de la familia pero bien sorteada, aleja al que conduce al uso de unos continuos y muy conjunto de la categoría repetitivos flashbacks de obra maestra” de la pequeña Dory, que acaban por resultar repetitivos y demasiado numerosos, convirtiendos en el único pero de un ritmo que sabe ser embelesador y divertido cuando se mantiene en el presente, y minan el lado más emocional de la película haciendo resbalar a Pixar (solo un poco) en lo que mejor sabe hacer, transmitir emociones. Las partes más emotivas acaban siendo las interacciones más sencillas entre personajes. Técnicamente poco más se puede decir que gracias Pixar. El espectáculo submarino (y superficial) es sublime, una delicatesem visual propia de la casa, que consigue una vez más que los adultos nos sintamos más niños que los niños. Si bien no es la pelicula más inolvidable de Pixar es un divertido espectáculo, digna secuela y una más que acertada opción para la calurosa taquilla de verano. Por último avisar de que la fiebre postcréditos se extiende. Agradable sorpresa al final. A

Sin embargo, el problema de memoria de la pez cirujano azul planea como una espada de

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Green Room Green Room / USA / 2015 Dir.: Jeremy Saulnier

Rep.: Patrick Stewart, Anton Yelchin, Imogen Poots, Alia Shawkat, Mark Webber.

Texto: Juan Romero

a con su anterior trabajo, Blue Ruin, el joven director Jeremy Saulnier demostró tener un extraordinario pulso para el thriller. La manera en la que iba controlando el crescendo en la tensión de la película, desde un punto de vista a priori frío pero salpicado con arrebatos de violencia, consiguió granjearle críticas muy positivas y nos dejó a muchos con ganas de ver cuál sería su siguiente paso. Quizás el pero que se le podía poner a aquélla

era esa excesiva frialdad, que hacía que un relato extraordinariamente emocional no terminara de calar. Pero en cualquier caso, el talento de Saulnier era evidente. En Green Room parecemos encontrarnos al comienzo con una propuesta hasta cierto punto similar, si no argumentalmente, sí en el punto de vista. Los primeros veinte minutos nos presentan a un grupo de punk rock que intenta ganarse

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Green Room (Jeremy Saulnier, 2015)

la vida dando algunos conciertos sin demasiado éxito. El enfoque ya digo que es similar al de Blue Ruin, y al de muchas películas independientes actuales, con una realización tan sobria y desapegada que acaba por resultar relativamente fría. En cualquier caso, eso dura solamente esos primeros veinte minutos. Porque tras ese arranque el grupo de punk consigue un bolo en un tugurio frecuentado por gente chunga. Y todo en la película empieza a ser mucho más sucio, ruidoso e inestable que durante el tramo inicial. Hasta que de pronto los protagonistas se encuentran en una situación realmente complicada de la que no saben muy bien cómo podrán salir. Y a partir de ahí, Saulnier despliega una vez más todos sus recursos para elevar la tensión de manera exponencial con una sutileza y una precisión realmente extraordinarias. Son seguramente los mejores momentos de la cinta, en los que predomina la confusión, y la incertidumbre acerca de lo que va a suceder. Los personajes están en un territorio peligroso, pero aún no han llegado a un punto en el que la situación pueda ser irreversible. E intentan actuar con toda la cautela de la que son capaces. Es muy complicado conseguir aportar la fuerza y el interés que Saulnier es capaz de transmitir en este tramo de la película, y le confirma como uno de los hombres a seguir en el mundo del thriller en los próximos años. Finalmente, la película acaba renunciando a ese equilibrio para caer en el horror y en el slasher. Incluso por momentos casi coqueteando con el gore. Y también en este tramo de la película consigue el director un resultado francamente notable, haciendo que esa tensión no desaparezca en ningún momento, y que esos arrebatos de violencia parezcan perfectamente integrados tanto en la trama como en la estructura de la película.

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El enfoque y el talento del director son lo que elevan esta película de haber podido ser simplemente otro convencional producto de terror a convertirlo en algo mucho más interesante. Por momentos incluso brillante. Posiblemente el gran pero que puedo ponerle a la película son las motivaciones de los villanos, que no llegan a estar del todo claras. “El talento del director Cuando un brillante Patrick Stewart, que es lo que eleva esta destaca muy por encima del resto película. De haber podido de compañeros de ser simplemente otro reparto, da instrucconvencional producto ciones al resto de su de terror, se convierte grupo, en muchos momentos estamos en algo mucho más hasta cierto punto interesante.” perdidos, por culpa de la jerga que utiliza o por la manera que tienen esos personajes de actuar, que nos es del todo ajena. Pero es un problema realmente menor, que no empaña en absoluto la brillantez de la película. Y si he hablado de Patrick Stewart, es inevitable nombrar también como mínimo al talentoso Anton Yelchin, tristemente fallecido apenas una semana después del estreno en España de esta película, y que también da muestras del extraordinario talento que poseía dando vida al líder de la banda de punk que protagoniza la cinta.

Green Room es por tanto una extraordinaria película para los amantes del thriller, el terror y el slasher. Otra muestra más del enorme talento de su director Jeremy Saulnier para construir tensión, que afianza su nombre como uno de los imprescindibles a seguir en los próximos años.A

Francofonía Francofonia / Francia / 2015 Dir.: Alexandr Sokurov

Rep.: Louis-Do de Lencquesaing, Vincent Nemeth, Benjamin Utzerath, Johanna Korthals.

Texto: Alberte Álvarez

uando me enteré de que se estrenaba en los cines la última película de Alexandr Sokurov y de que transcurría en su mayor parte en el Museo del Louvre, creía encontrarme ante una especie segunda parte de El arca rusa, uno de los planos secuencias más complejos y fascinantes de la historia del cine. Sin embargo, en Francofonia, estamos ante una cosa distinta. Al contrario que el único plano

del Hermitage donde vamos pasando por sus distintas salas, y a la vez por las distintas épocas de la Rusia zarista y post-revolucionaria, aquí nos encontramos con un montaje que vincula distintas historias, tanto dentro como fuera del propio Museo Louvre. Lo que queda claro en ambos filmes es la pasión que Sokurov posee por los museos y su estandarización como máximos representantes de la

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Francofonia (Alexandr Sokurov, 2015)

alta cultura mundial. Y también el extenso vínculo del Arte con la Historia europea.

Jaujard había presenciado en el Museo del Prado de Madrid durante la Guerra civil española.

En Francofonia tenemos diversas capas. En una intuímos al propio Sokurov intentando comunicarse con un tripulante de la cabina de mando de un carguero que está transportando obras de arte en medio de una tormenta en alta mar. El oleaje y las malas condiciones atmosféricas trastocarán la comunicación, lo que lleva al director a preocuparse tanto por su amigo como por el destino de la carga.

La voz en off del director de la película nos guía a través de las distintas capas, aunque sienta que la parte del carguero, pese a ser de poca duración, no acaba de pegar con el resto de la cinta, ni en su tono ni siquiera en lo que nos quiere decir. Quizá es una “Entre Jaujard y Wolffreflexión sobre cómo hoy en día pone- Metternich se producirá mos en riesgo obras una extraña relación de arte que alguna gente en el pasado ambivalente que incluye luchó por conservar recelos, lucha soterrada y jugándose la vida. En cierta colaboración.” todo caso, y pese a que soy un amante de las imágenes de archivo (se usan muy poco en el cine de ficción) creo que la obra queda un tanto desnivelada entre sus distintas historias, aunque todas ellas contengan valiosas reflexiones.

En otra capa tenemos la propia historia del Museo Louvre, su construcción, su ampliación y su propia representación en los cuadros que alberga. Por sus salas veremos a dos representantes arquetípicos de la Francia moderna: Napoléon Bonaparte (C'est moi!) y a la revolución francesa caracterizada como una joven mujer (Liberté, Égalité, Fraternité). Por último, tenemos una capa, la principal, que explora la relación entre arte y poder político. Lo hace a través de dos personajes y una época muy concreta: a través de Jacques Jaujard, director de los museos nacionales, y el conde Franz Wolff-Metternich, el responsable puesto por los nazis a cargo de la protección de las obras de arte (Kunstschutz) en el París de 1940. Sokurov, a través de su voz en off, nos pone en antecedentes contándonos la ocupación nazi de Francia y los perfiles de estos dos personajes. Un chico humilde que fue escalando (Jaujard) y un aristócrata de nacimiento con gran aprecio por la cultura francesa. Entre ellos se producirá una extraña relación ambivalente que incluye recelos, lucha soterrada y cierta colaboración, pues Metternich contribuyó a preservar las obras del Louvre que Jaujard había deslocalizado por toda Francia, en distintos palacios, castillos y châteaux. Una operación similar a la que el propio

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Por todo ello, El arca rusa me parece una película superior en su representación de la relación entre arte e historia, aunque buena parte de su éxito se lo deba a la impresionante puesta en escena y espectacularidad del plano secuencia que constituye la película. En todo caso, todos aquellos amantes del arte, que me gustaría creer que sois muchos, y, desde luego, todos los estudiantes de Historia del Arte estáis obligados a darle un visionado. A

The Program The program / UK / 2015 Dir.: Stephen Frears

Rep.: Ben Foster, Chris O'Dowd, Jesse Plemons, Guillaume Canet, Lee Pace, Dustin Hoffman.

Texto: Juan Romero

he Program nos cuenta la conocida historia de Lance Armstrong. Toda su trayectoria vital, desde que es un joven prometedor corredor capaz de ganar algunas carreras de un día, pasando por su lucha contra el cáncer, su reconversión a múltiple ganador del Tour de Francia, con la ayuda de sustancias dopantes, y su caída final al verse obligado a reconocer su uso. Como suele ser habitual en la gran mayoría de biopics, está dirigida de manera correcta, en

este caso por el siempre sobrio Stephen Frears, y está protagonizada por un actor que realiza una interpretación realmente brillante, en este caso Ben Foster. El gran problema de la película es posiblemente su afán por abarcar el máximo posible de la historia de Lance Armstrong. Lo cual hace que el relato que nos ofrece sea inevitablemente demasiado superficial, sin llegar a profundizar

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The Program (Stephen Frears, 2015)

prácticamente en ningún momento en las situaciones que nos presenta. No llega a darle peso a ninguna de las etapas o circunstancias de la vida de Armstrong. Y no es ya solo que pase de puntillas por su etapa del cáncer o sus victorias en el Tour de Francia, lo que hace además que uno nunca tenga del todo claro cómo se desarrolló todo, sino que cuando se centra en su faceta relacionada con el doping, que es probablemente el centro de la película, también lo hace desde muchos puntos de vista diferentes. Así no solamente tenemos la vida de Lance Armstrong como ciclista dopado, sino la investigación periodística en torno a él, que queda demasiado coja en comparación, o tenemos la faceta de negocios, en los que el personaje de Dustin Hoffman demandando a Lance por unos premios económicos, o el del agente de Lance, interpretado por Lee Pace, resultan casi completamente superfluos. Una mezcla que hace que la película acabe casi siendo solamente una sucesión de hechos en la vida de Armstrong para hacernos una idea de su biografía, y no una película cohesionada y centrada en unos hechos concretos.

conseguir una película realmente brillante. Pero el no saber del todo qué es lo que nos quieren contar, la falta de profundidad con la que nos cuentan las diferentes situaciones de su carrera y la incapacidad del director de emocionarnos con lo que nos quiere contar, salvo en algún momento puntual en el que Ben Foster brilla especialmente, hacen “El gran problema de de The Program una película realmente la película es su afán prescindible. Porque por abarcar el máximo lo único que hace es contar de manera posible de la historia superficial las avende Armstrong, lo que turas y desventuras hace que el relato sea de Lance Armstrong, que están mucho demasiado superficial.” mejor contadas en documentales como el brillante The Armstrong Lie, o los numerosos libros editados acerca de su persona. A

Así pues, teniendo en cuenta lo expansivo de la propuesta, muchas veces el interés de la película será mayor o menor en función de la cara de la historia que nos están contando. En mi opinión la película brilla fundamentalmente cuando recrea imágenes de carrera, siempre con una brillantez sobresaliente, y baja varios enteros cuando le da minutos a la investigación periodística por parte del personaje de Chris O’Dowd, que es probablemente la parte que peor integrada está en el resto de la película, pues ni siquiera llegan a transmitirnos lo importante que fue para la carrera de Armstrong esa investigación. Es decepcionante, porque las historias que hay alrededor de la carrera de Armstrong son realmente interesantes, y había material para

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En Corto

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En Corto / I am Yup'ik (Daniele Anastasion y Nathan Golon, 2016)

Home Home / Nueva Zelanda / 2012 / 11 min Dir.: Thomas Gleeson

Rep.: Documental. Prod.: Thomas Gleeson & Pip Walsh

Texto: Aitor Boada

Una joyita neozelandesa. ¿Qué es realmente una casa? ¿Qué –o en realidad quién- hace que cuatro paredes puedan llamarse hogar? Home aborda este problema desde un minimalismo precioso, con una fotografía que emociona a cualquiera. En sus 11 minutos asistimos a un traslado de la casa integral –sí, de la casa entera, de una pieza-. Un argumento que en principio puede parecer sencillo, y no por ello mucho menos efectivo. Pero Home es mucho más que una fotografía y una música bellísimas. Home es un viaje, en realidad un ciclo que comienza vacío y blanco; con las puertas cerradas y la sombra de los muebles todavía reposando en las paredes. El camión se pone en marcha, empieza el movimiento, empieza el camino. Algunas paredes se agrietan por los golpes y el aislante se asoma casi como si estuviera siendo empujado al exterior. Ahora las paredes tiemblan y las puertas se abren y se cierran. Más que una casa sólida –que es como la vemos por fuera- por dentro parece un trozo de papel con cortinas. La casa se mueve entre montañas como si fuera una concha gigante de madera y cristales, arrastrada lentamente por una babosa metálica y con ruedas.

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Una vez más, lo que antes se alzaba como algo sólido y un lugar de refugio, ahora muestra su fragilidad por todas partes. Sigue su ruta. Ya hemos pasado el desarrollo, la parte más dura de todo el camino. Al llegar, por fin se asientan los cimientos y la enorme concha de madera encuentra un sitio donde sentirse tranquila y parecer robusta. Ahora la casa está llena de muebles, risas, pies, manos y bebés con pañales. Ahora el viento que no viene por la velocidad es el que mueve la ropa tendida. Hay una calidez intrínseca que inunda toda la casa. Todo es calma porque ha terminado el viaje, ha terminado el ciclo. En definitiva, no hay mejor forma para referirse a un hogar que la manera en que lo hace el propio director: Home habla sobre qué es lo que hace de una casa un hogar, pero también sobre el concepto de casa: cuando piensas en una casa, normalmente piensas en ella como algo fuerte, sólido, permanente, pero en realidad es algo muy frágil y débil, cuya permanencia y fuerza viene de otra parte.A

Número 15 - Julio 2016

Creación, contenido y diseño Colaboraciones

Alberte Álvarez Juan Romero José M. Aparicio Aitor Boada Beatriz López Alfonso Romero Saúl Olmo

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Alberte Álvarez Soy ingeniero forestal y trabajo en el desdichado mundo del I+D. Mi película favorita es Apocalypse Now y soy un groupie de Aki Kaurismäki, Truffaut, Wes Anderson, Yasujirō Ozu, Ken Loach, Sidney Lumet, Ingmar Bergman, Jarmusch o Haneke entre otros y otras muchas.

Juan Romero Me apasiona el cine y me gusta escribir, así que participar en un proyecto así era el paso natural. El poco tiempo que me queda libre después de ver películas y escribir sobre ellas lo dedico a hacer cortos.

José M. Aparicio Disfruto hablando de cine tanto como viéndolo. Me encanta escribir y gracias a este proyecto tengo la oportunidad de compartir mis opiniones y aprender con mis compañeros más de este maravilloso arte.

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Beatriz López Ingeniera en curso y artista frustrada. Me encanta el cine, dibujar y escuchar música. Obsesionada con los años 40, 50 y 60 es lógico que mi estilo sea Pin-up.

Enrique Remírez Habitante de una sociedad distópica, tengo la gran fortuna de poder recurrir al cine, los libros y los cómics para evadirme de la realidad.

Aitor Boada Me gusta embarcarme en nuevos proyectos y si además juntan mis dos aficiones, parece hasta obligado. La pasión por el cine me viene desde pequeño. Era de esos niños que creen -y sigo pensándolo- que viven en una película.

Editado en Madrid por Alberte Álvarez Gil Imágenes: Getty Images, Wikipedia Commons, cinearchive.org, Fickr.

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ISSN: 2444-1406