Estilo Propio #31

ESPECIAL

BODEGAS UN BRINDIS POR LA ARQUITECTURA

+ ESCALERAS INDOOR + ZAHA HADID (1950-2016) + ENTREVISTA A JULIO OROPEL +

ESPECIAL

BODEGAS

52 . BODEGA MARQUÉS DE RISCAL EN ESPAÑA 56 . BODEGAS O FOURNIER, SALENTEIN Y SÉPTIMA EN ARGENTINA

64 . BODEGA YSIOS EN ESPAÑA 66 . SILO DE VINOS EN ESTADOS UNIDOS 70. CAVA PRIVADA POR ESTUDIO SUCAR/GRIET

74 AGUSTINA DE ALBA PALABRA DE AUTOR

DISEÑO

ARQUITECTURA

URBANISMO

12 · IMM COLOGNE EN COLONIA

16 · PRITZKER 2016: ALEJANDRO ARAVENA

18 · AFGHAN BAZAAR EN MELBOURNE

PROTAGONISTA

NOTA CENTRAL

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43

FEDERICO CHURBA

JULIO OROPEL

ZAHA HADID

EL NOMBRE PROPIO DEL DISEÑO

ENTREVISTA

LA DESPEDIDA (1950-2016)

13 . INTERIOR DESIGN SHOW EN TORONTO

14 . MAISON & OBJET EN PARÍS

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SUMARIO // EP31 COMPLEMENTOS

FLÂNEUR

STAFF Dirección general

ARQ. MARÍA JOSÉ CÁNEPA

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mjcanepa@revistaestilopropio.com Producción editorial

NASHI | TIENDA DE CONTENIDOS www.nashicontenidos.com Diseño editorial

TRÓPICO VISUAL CLUB www.tropicovisualclub.com

76 · HOTEL CITIZENM TIMES SQUARE EN NY

Producción general y contenido

ÍNDIGO PRODUCCIONES

80. NEW YORK EN 5 PARADAS

Impresión

A4 INDUSTRIAS GRÁFICAS a4_grafica@hotmail.com - Tel: (0381) 4323452

ESCALERAS PASO A PASO

Registo de la Propiedad Intelectual en trámite. Estilo Propio Revista es propiedad de María José Cánepa.

ÍNDIGO PRODUCCIONES produccionesindigo@gmail.com Tel: (0381) 4309613

ARTE 82 · J PLUS HOTEL BY YOO EN HONG KONG

20 . CONTRADICCIONES URBANAS

34 · MACRO, DE RÓMULO CELDRÁN

86. HONG KONG EN 5 PARADAS

www. revistaestilopropio. com

ADEMÁS

editorial@revistaestilopropio.com

8 . FAVORITOS

Revista Estilo Propio revistaestilopropio

88. DIRECCIONARIO

@estilopropiomz

ZONA DE COMPRAS

SOUVENIRS DEL MUNDO “Viajar liviano, transitar intenso y de cada lugar guardar algo”: así resume su filosofía Landmark, la tienda de diseño y decoración que recrea lo mejor de los cinco continentes en un espacio ambientado según la arquitectura propia de una casa. Para los que ven el mundo a gran escala y para los que sólo quieren llevarse un pedacito: todo lo que se ve está a la venta. + ALEXANDER

+ INTERIORES

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+ YUBRÍN

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EP31

Favoritos

CLÁSICOS REEDITADOS

UN REFRESCO CON DISNEY

LAS BARBIES DEL SIGLO XXI

El artista y diseñador gráfico mexicano NACIM SHEHIN repensó las tradicionales latas de Coca Cola a través de algunos de los personajes más emblemáticos de la productora: el Pato Donald, Pluto, Minnie y Mickey Mouse.

La icónica muñeca de Mattel presentó sus nuevos looks redefiniendo el prototipo de belleza que sostuvo durante más de 50 años. Los modelos Petite, Tall y Curvy tienen distintos rasgos en su color de pelo y piel, y en la forma de su cuerpo.

www.behance.net/nshehin

www.barbie.com

EL INTERIORISMO DE LOS SUPERHÉROES “La idea de las imágenes fue crear y dar forma a los ambientes interiores como si fueran el hogar de algunos de los más icónicos superhéroes de la historia del comic”, cuenta el ilustrador italiano FEDERICO BABINA sobre su nueva serie Interheroes, protagonizada por 17 personajes. www.federicobabina.com

LECTURAS

¡COLOR! (2015) La diseñadora especializada en moda, imagen y tendencias CAROLINA AUBELE lanzó su tercer libro con Aguilar Penguin Random House, una guía esencial para aprender a usar el color como un recurso que potencia la imagen, los estados de ánimo y los vínculos entre personas. www.carolinaaubele.com

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WWW

RICARDO BLANCO, DISEÑADOR (2015)

MUJERES EN OBRA

El libro, de la editorial Franz Viegener, recupera y narra la trayectoria de RICARDO BLANCO a través de charlas, proyectos e historias que comienzan en 1967, cuando se recibió de arquitecto e inició su experimentación con el diseño industrial.

Inaugurado el 8 de marzo de 2015, el blog “Un día una arquitecta” cumplió sus prometidos 365 artículos compartiendo biografías, proyectos y pensamientos de destacadas arquitectas de todo el mundo y todas las épocas.

www.libroricardoblanco.com.ar

www.undiaunaarquitecta.wordpress.com

DISEÑO

ARQUITECTURA JUEGOS DE TORRES

COMO CIUDAD AL DEDO La colección de anillos de la diseñadora de joyas OLA SHEKTMAN muestra ciudades en miniatura con un asombroso nivel de detalles. Trabaja la plata, el oro y el cobre a mano y se encarga de todo el proceso hasta llegar a la pieza final: la corta, la suelda y la pule.

Algunas de las ciudades que hace por encargo son Londres, Nueva York, Ámsterdam, Hong Kong y Berlín.

“The Khaleesi”, el proyecto desarrollado por el estudio de MARK FOSTER GAGE, es una de las grandes promesas para iniciar en Manhattan una tradición de rascacielos con una arquitectura estéticamente pensada.

Sus 102 pisos reinventan el estilo gótico con una impronta contemporánea. El arquitecto asegura que las Gárgolas y ornamentos no fueron elegidas por su contenido simbólico: “Mucha gente dijo que el proyecto era steampunk, art deco y fantasy, que parecía diseñado por MIGUEL ÁNGEL, que podría ser parte de Mordor o que era patriótico por las águilas. Es mucho más interesante escuchar todas estas cosas que programar lo que la gente debe pensar sobre nuestro diseño”. www.mfga.com

www.shekhtwoman.com

VOLANDO BAJO ESCRITURA MILIMÉTRICA El estudio de arquitectura del japonés SHIGERU BAN -ganador del Premio Pritzker 2014- lanzó su birome Scale, una pieza con punta de aluminio inspirada en el escalímetro que puede utilizarse con ambas funciones: para escribir y para medir. www.shigerubanarchitects.com

Nueva York estrenó la primera etapa de Occulus, la estación de trenes, micros y ferrys diseñada por SANTIAGO CALATRAVA que conectará 11 líneas de metro con el tren de Nueva Yersey. Es la estación más cara del mundo (USD4000 millones), cuya obra se tradujo en 12 años de trabajo. El exterior, de acero y fibra de vidrio, simula las alas de un ave y su espina dorsal. La estructura retráctil será abierta cada 11-S como recordatorio a la caída de las Torres Gemelas. www.calatrava.com

AGENDA CONCURSO INTERNACIONAL Hasta el 15/06 se pueden presentar proyectos para el nuevo concurso de Young Architects Competitions: “University Island” busca transformar a la abandonada isla Poveglia, en Venecia, en un campus universitario multifunción. Hay premios de 10.000, 4000 y 2000 euros y pueden participar arquitectos, diseñadores, artistas y estudiantes. www.youngarchitectscompetitions.com

ARTE A PRUEBA DE NAUFRAGIOS

BIENAL INTERNACIONAL DE ARQUITECTURA DE ARGENTINA

La mañana del 15 de febrero, las seis columnas del Konzerthaus de Berlín despertaron abrazadas por 14.000 chalecos salvavidas. La instalación fue obra del artista y activista chino AI WEIWEI y hacía alusión a la dramática situación de los refugiados que cruzan a las costas europeas escapando de la guerra en Medio Oriente.

La BIA_AR abrió su convocatoria y recibirá postulaciones para prácticas académicas, profesionales y públicas hasta el 19 de junio. La edición de este año se llama “Procesos” y tendrá lugar en la ciudad de Córdoba, durante dos jornadas en el mes de octubre.

Habrá charlas magistrales e invitados internacionales.

www.aiweiwei.com

www.biaar.com

9

EP31

Favoritos

LA VIDA COLOR DE ROSA (Y CELESTE) Tranquilidad, balance y bienestar son algunos de los atributos de la dupla cromática elegida por PANTONE para este año: rose quartz y serenity.

La moda, el diseño industrial y la decoración se visten de pastel.

La nueva tostadora de la colección vintage de SMEG, inspirada en los años 50. www.smeg50style.com

Savoy, el tradicional jarrón diseñado por AALVAR AALTO en 1936, color serenity. www.iittala.com

Sillón Coco, el Mid Century revisitado por los arquitectos Busk + Hertzog. www.busk-hertzog.com

Fujifilm Instax Mini 8, el último grito de la moda fotográfica. www.instax.com Las clásicas Air Force 1 de Nike en versión conceptual por la diseñadora ZKAY YONG. www.zkaykay.tumblr.com 10

Rotuladora portátil P-Touch H100P, el hit de Brother en edición limitada color rosa. www.brother.com.ar

DISEÑO

Feria Imm Cologne

8 35

En los pasillos de Colonia se vieron lanas, maderas y acrílicos tejidas con distintas técnicas que hacen del diseño, el arte y la artesanía una intención reunida.

78

TRAMA MANUAL 107

84 33

Diseñadas por SEBASTIAN HERKNER para Dedon, las sillas Mbrace para piscina (butaca, lounger, mecedora y taburete) son confeccionadas con madera de teca maciza y tapizadas con un tejido acrílico que viene en tres combinaciones de colores. www.sebastianherkner.com

Con el propósito de apoyar al diseño local, difundir sus técnicas artesanales y expresar sus atributos, RIKKE FROST se sumó a la colección “Made Here”, en la que se destacan piezas hechas con madera curvada por diseñadores daneses contemporáneos. www.rikkefrost.dk

Con una impronta rústica y una paleta de colores amplia, la firma Danskina lanzó su nueva colección con cinco modelos de alfombras diseñadas por HELLA JONGERIUS y tejidas a mano por artesanas. www.danskina.com

cm inch

Feria Interior Design Show

DISEÑO

VOLVER AL ORIGEN Con la madera como materia prima principal o como complemento, en la feria se destacaron las propuestas con variedades autóctonas.

Fabricado en fieltro natural, este sistema de “gotas” propone un inédito revestimiento con paneles modulares. Sus curvas se completan con piezas de madera a medida o macetas de cemento concreto. También sirven para exhibir objetos de decoración. www.garmanfurniture.com

La mesa baja de café de Zenporium está hecha con las raíces del árbol de teca, usualmente abandonadas. Los cortes son recuperados, labrados a mano y ensamblados para formar piezas de mobiliario. www.zenporium.com

La instalación lumínica de Hollis + Morris está integrada por una serie de triángulos colgantes de madera que en su interior tienen tubos LED. Además de una iluminación tenue, ofrece una pieza decorativa. www.hollismorris.com

The Federal reinventó el tradicional caballito mecedor con una combinación única de materiales: el cuerpo del Epona Rocking Horse está hecho con cables de cobre; la montura y sus riendas son de madera de arce y el asiento de pelo de conejo. www.thefederal.co

La nueva colección de la firma canadiense Kroft + Co busca fomentar el consumo del diseño local con recursos naturales: maderas de roble blanco, arce y nogal, entre otras. Este vajillero de dos puertas trae estantes ajustables y tres cajones. www.kroft.co 13

DISEÑO

Feria Maison & Objet

SE MIRA Y SE TOCA

Confeccionadas en vidrio de murano con la técnica del soplado artístico, cada una de las piezas de la colección Bolle de Nason Moretti es única y artesanal: sus formas no se repiten. Vienen en 14 colores diferentes que, combinados, recrean una composición escultural. www.nasonmoretti.it

Con propuestas para todos los gustos, el acento de esta edición se notó en las estampas, las texturas y las terminaciones que lucieron los diseñadores en sus piezas.

La tradicional butaca individual de estilo Mid Century y patas Bambi fue revisitada con un tapizado animal print de jungla, que puede elegirse en versión pana o tweed. La estructura es de madera y el asiento tiene una placa soft alta para mayor confort. www.opjet.com

Creada según las premisas del estilo streamline, la colección Dolce Vita busca transmitir la alegría, la morfología y uso del color de aquella rama del art decó. Entre sus piezas está el bahuit construido en acero y MDF laqueado en colores pastel. www.didier-versavel.com

Bordfolk es una reinterpretación de algunos diseños escandinavos de los años 60s y 70s de accesorios de mesa. La colección presenta 22 personajes en forma de copas para huevos y lapiceros. Son de madera de haya pintada a mano. www.luciekaas.com 14

En lugar de los bustos que se exhiben como trofeos de caza, estas piezas eco friendly muestran animales felices (alces, toros, perros), en poliéster y rellenos con lana. Los géneros tienen estampados inéditos y las macotas son lookeadas con todo tipo de accesorios. www.softheads.net

La lámpara colgante Cowbelle cobra su forma del cencerro que se coloca en el cuello de las vacas. La campana es de aluminio reciclado y policarbonato, con terminación laqueada líquida, y viene en tres tamaños y diferentes colores. www.ilomio.com

ARQUITECTURA

Premio Pritzker

EL HABITAR REPENSADO

Es el 41º arquitecto galardonado en la historia del Pritzker, el tercero de América del Sur y el primero de Chile: Alejandro Aravena fue elegido por su compromiso y dedicación a la arquitectura social.

Este año Aravena fue elegido como Director de la 15ª Exhibición Internacional de Arquitectura de La Biennale di Venezia.

“Si hay un poder en la arquitectura es el de la síntesis. Los verbos más simples -dormir, estudiar, comer, encontrarse, descansar- suceden en espacios. La arquitectura trata de dar la mejor forma posible a esos verbos”, explica ALEJANDRO ARAVENA. La frase podría ser parte de una lección de universidad, pero sus palabras surgen durante una charla relajada y casual: su pensamiento siempre es así de reflexivo.

de 1967 en Santiago y se graduó como arquitecto en la Universidad Católica de Chile. Un año más tarde, en 1993, estudió Historia y Teoría en la IUAV y grabado en la Accademia di Belle Arti di Venezia. En 1994 abrió su propio estudio, llamado Alejandro Aravena Arquitectos, y entre 2000 y 2005 fue profesor en la Universidad de Harvard. Desde 2001 dirige ELEMENTAL, el Do Tank que fundó junto a ANDRÉS IACOBELLI.

Aravena, año a año

Huellas elementales

La carrera de ALEJANDRO ARAVENA es una serie consecutiva e ininterrumpida de exploraciones, especializaciones y emprendimientos. Nació el 22 de junio

16 -Imágenes cortesía de Cristóbal Palma y Tadeuz Jalocha - www.pritzkerprize.com

Proyectos públicos, viviendas sociales y diseño colaborativo son algunos de los formatos que cobran las obras de ELEMENTAL, que no sólo tienen lugar en Chile sino también en Estados Unidos, México, China y Suiza. Uno de los proyectos más desafiantes que se gestó en el Do Tank fue el de la reconstrucción de edificios públicos en la ciudad de Constitución, luego del terremoto y tsunami de 2010 en Chile. Entre sus proyectos también se destacan escuelas, universidades, parques y viviendas sociales. Para el jurado del Pritzker, ARAVENA “lidera una nueva generación de arquitectos que tienen un entendimiento holístico del entorno construido y ha demostrado su habilidad para conectar la responsabilidad social, la demanda económica, el diseño del hábitat humano y la ciudad”.

URBANISMO

Afghan Bazaar

LA CULTURA PUERTAS AFUERA Una potente modificación del paisaje urbano en las afueras de Melbourne, en Australia, reivindica la cultura afgana y crea un vibrante escenario para el encuentro cultural y social de la comunidad.

Un pequeño pero significativo espacio urbano de la localidad de Greater Dandenong, en las afueras de Melbourne, reafirma la identidad afgana y concentra en un “Bazar Cultural” los comercios y centros comunitarios de esa colectividad.

El proyecto fue desarrollado por el estudio australiano Hassell como una evolución natural de las actividades que desarrolla allí la comunidad afgana. “El diseño del paisaje urbano surgió de la colaboración entre los comerciantes, los líderes comunitarios y los grupos de interés. El resultado final es un recinto vibrante que celebra el pueblo afgano”, indicó JIM MEMETI, alcalde de la ciudad de Greater Dandenong.

La alta concentración de cafeterías, mercados y locales motivó al municipio y la Oficina de Asuntos Multiculturales a crear un espacio del que la comunidad afgana se sintiera orgullosa y que, a la vez, fuera un destino atractivo para turistas.

Simbolismo del mosaico

Denominado “geometría de la reunión”, el enfoque de diseño elegido por Hassell reinterpreta y reivindica los extraordinarios mosaicos de la Mezquita Azul de Mazar-e-Sarif, en Afganistán. Los intrincados patrones en ambas veredas del “Bazar Cultural” definen los espacios de reunión, a la vez que introducen los vívidos y culturalmente simbólicos colores turquesa y lapislázuli. Calles más angostas y áreas peatonales más anchas establecen nuevos escenarios para festividades colectivas como el Novruz, que se celebra a principios del año nuevo en países como Afganistán, Azerbaiyán, Irán y Kazajistán, entre otros.

Luego de una serie de entrevistas con integrantes de la comunidad afgana, los diseñadores pudieron entender el modo en que usan los espacios y así adecuarlos a las

18 - Imágenes cortesía de Andrew Lloyd / Mark Wilson Photography - www.hassellstudio.com

necesidades culturales. Los bancos, por ejemplo, se diseñaron reinterpretando el suffah árabe, y ahora funcionan como una tarima donde la gente sociabiliza.

El sello estético queda dado por la geometría de los mosaicos y la utilización de vidrio azul en las veredas.

Un faro cultural

El artista ASLAM AKRAM creó una gran lámpara para integrar al proyecto en Greater Dandenong. La obra rescata un símbolo bien reconocible de la cultura afgana y está compuesta de dos partes: la base representa la energía humana, el conocimiento y la experiencia, así como los lugares sagrados y la memoria del pueblo afgano-australiano.

El proyecto celebra la importancia de la calle como espacio de encuentro, no sólo comercial, sino también cultural y social.

Por su parte, la punta de la lámpara, de una estructura más abierta que permite el paso de luz, representa la creación como resultado de la amistad y el respeto entre comunidades. El resultado final del “Bazar Cultural” es un paisaje urbano emblemático que expresa la diversidad y a su vez celebra los elementos comunes al integrarse al resto de la ciudad. Su potente carácter visual da vida a las calles e invita al encuentro social, un mensaje que desde un pequeño poblado en las afueras de Melbourne pretende contagiar al mundo.

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ARTE

Contradicciones Urbanas

LA CIUDAD AENÁTNATSNI

Facundo de Zuviría y Marcos López propusieron en la muestra fotográfica “Contradicciones Urbanas” una mirada íntima, contrastante y complementaria del espacio habitado y habitable, siempre capturado en su pose más natural.

No hay nada que al ciudadano le pertenezca más que su ciudad. El recorrido libre del territorio, el recorte personal del paisaje, la modulación del paso e incluso la intervención del espacio callejero hacen que la apropiación sea mutua.

En “Contradicciones Urbanas”, la muestra curada por la galería Rolf Art y exhibida entre el 12 febrero y el 23 de marzo, FACUNDO DE ZUVIRÍA y MARCOS LÓPEZ hacen de la arquitectura, el paisaje, la cartelería y la urbanización -en definitiva, todo lo que es sensible de ser visto-, escenografías fotogénicas como resultado del deambular urbano (la experiencia flâneur). “Por un lado está la mirada romántica, detallista, por momentos nostálgica que retrata con maestría perfeccionista el ojo de DE ZUVIRÍA poniendo especial atención en las luces, los reflejos y las gráficas propias del ecosistema porteño y por el otro, LÓPEZ nos ofrece una perspectiva de planos más amplios, saturados de información cargada de ironía, humor y paradojas propias de la globalización leídas éstas en clave sudamericana”, comentan desde la galería.

Ensayos cromáticos

Una pileta, un auto, un cartel, un portón, un edificio y el cielo…siempre el cielo. En las fotografías de MARCOS LÓPEZ hay una repetición que se reinventa en cada imagen como forma o contenido: el color celeste. A veces sirve como marco, otras como punto focal, pocas como accesorio.

Si bien es sólo una de las partes de la composición, logra construir una narración continua, que vincula a una imagen con la otra. La de LÓPEZ es una ciudad de transeúntes tímidos, que le escapan al lente: en cambio, dejan hablar a sus comercios, a sus casas, a sus iglesias y supermercados. La calle se ve detenida -signo más de pueblo que de ciudad-, aunque no abandonada.

Podría ser contradicción la parte que sugiere al todo: construye historias protagonizadas por personajes ausentes, acciones y gestos que suceden sin un responsable visible.

La ñata contra el vidrio

Hay espacios que se reconocen a la distancia y no necesariamente por su superficie: la transparencia de un vidrio que permea y troquela el interior es a veces más reconocible que un cartel. Las vidrieras son, en las fotografías de FACUNDO DE ZUVIRÍA, un encuentro mediado entre quien pasa caminando y mira hacia adentro y quien ejerce su oficio mirando hacia afuera. El café, la cantina, la peluquería o la puerta vaivén muestran a una ciudad de otro tiempo, en algunos casos extinguida: allí la foto hace de testimonio y recuerdo.

20 - Imágenes de Facundo de Zuviría y Marcos López, cortesía de Rolf Art - www.rolfart.com.ar

DE ZUVIRÍA hace zoom in sobre el detalle y revela la esencia de los espacios: un cartel colgado, el nombre de un local, una maceta enmarcada dentro de una vidriera.

LÓPEZ, en cambio, abre el plano y muestra lo urbano en su composición, jugando con la escala y el color. En ambos casos, las fotografías trazan un recorrido autorreferencial: más que escenario o contexto, la ciudad es en ellas protagonista. Es capturada y expuesta en ángulos que tienen, sin provocarla, la estética perfecta de una producción ambientada y, a la vez, la naturaleza indómita del espacio público.

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DISEﾃ前

Federico Churba

22 - Imﾃ｡genes cortesﾃｭa de Federico Churba - www.federicochurba.com.ar

ACENTO ARGENTINO, PRONUNCIACIÓN UNIVERSAL

Rodeado de abuelos, padres y tíos creativos, de chico desarrolló una aguda sensibilidad por los objetos. Creó una mirada personal sobre el diseño, transformó su nombre en marca e hizo sonar sus consonantes en todas las lenguas.

Ser uno de los diseñadores industriales más sólidos, reconocidos e internacionales del país no es obra de la suerte ni mérito del apellido. FEDERICO CHURBA ganó su espacio y multiplicó el alcance a través de una lectura integral de la disciplina: “Habitar un espacio es más que ocuparlo, es hacerlo propio, es mantener con sus objetos una relación de cercanía y, al mismo tiempo, de extrañamiento”, explica.

Su tienda fCH diseña mobiliario y piezas de iluminación y a través del estudio desarrolla productos para marcas italianas y escandinavas referentes a nivel mundial: Karl Andersson & Söner, Eilersen y David Design son algunas de ellas.

El posible arquitecto

La vida lo llevó a ese plano y él decidió continuar el camino: hacer de una construcción arquitectónica, un espacio habitable. La tarea (el desafío), no tiene que ver con llenar vacíos sino con generar identidad a partir de un pensamiento o narración que se vuelve materia.

CHURBA recuerda: “Si bien decía que quería ser arquitecto, mi interés estuvo siempre puesto en el objeto. Podía pasar tardes enteras pensando proyectos de productos, dibujándolos con planteos intuitivos sobre cómo construirlos. En ese entones el diseño no tenía la popularidad

de hoy y los grandes maestros de la disciplina eran también arquitectos. Así fue que, cuando me tocó decidir mi carrera universitaria, Diseño Industrial sonó como la alternativa que más se ajustaba a mis deseos”. De aquellos primeros años surgió uno de sus más celebrados diseños, la mesa Foglio: “Fue el primer diseño de mobiliario que hice, siendo todavía un niño. Había quedado cajoneado y lo rescatamos para una pequeña exhibición de productos en tienda MALBA que repasaba algunos de los proyectos más característicos del estudio. Además de diseñar un set de escritorio exclusivamente para la tienda, decidimos presentar las mesas Foglio. Hoy forma parte de la línea de muebles que ofrecemos desde fCH”.

Prêt-à-porter

Desde su tienda fCH, ubicada en Recoleta, FEDERICO CHURBA se acerca al público con propuestas de equipamiento para la casa, oficina o estudio. El mobiliario y los artefactos de luz son su plato fuerte: entre ellos se destacan las mesas auxiliares Corchea, una recreación de la nota musical en hierro pintado con tapas de madera (según el modelo); la lámpara Cronos, cuya pantalla de madera maciza juega con el contraste de su interior blanco e iluminación LED; el juego de

mesas Pluvial, un sistema de estructuras de aluminio pintado, inspirado en los caños de desagüe pluvial que habilita dos usos y miradas diferentes, desde su cavidad cóncava y convexa; por último, la lámpara Hanoi, una pieza que expresa la síntesis formal en la experimentación con el corian plegado, recuperando la morfología del Nón Lá, tradicional sombrero vietnamita.

“Intento que los proyectos que salen del estudio expresen una síntesis formal y rigurosidad en el detalle, de forma tal que exijan una segunda mirada y que puedan durar en el tiempo”.

CHURBA habla de cercanía y extrañamiento como acciones simultáneas, un equilibrio perfecto entre el sentimiento de estar en casa y que el encuentro siempre sea una sorpresa. Sus diseños -piezas coherentes consigo mismas, que ofrecen búsquedas resueltas y argumentos logrados- no están atados a modas ni tendencias sino que encuentran su razón de ser en un lenguaje sin fecha de vencimiento: la observación del mundo y sus habitantes.

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La lámpara Punto y coma, diseñada para la firma sueca David Design, recrea el signo de puntuación a través de una vara de aluminio y un contrapeso de hierro pintado. “Forma, peso y tensión definen el movimiento de la pieza”, explican desde el estudio.

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Los diseños de Churba han formado parte de las ferias más prestigiosas del mundo: Salone del Mobile, Stockholm Furniture Fair, 100% Design London, Light & Building Frankfurt y Designer’s Days Paris.

CHURBA ÍNTIMO Un libro que te cambió la vida Todos. La lectura te sumerge en otro mundo.

Durante tu proceso creativo suena…

Perdí la batalla por el streaming con a mis hijas pre teens: la música pop dominó la escena.

Una película que nunca te aburre Con el mismo criterio que la respuesta anterior, ¡sin dudas en el podio está Mary Poppins!

Un diseñador que te inspira No alcanza la hoja para nombrarlos, pero sin dudas la lista estaría plagada de japoneses.

Un ritual a la hora de diseñar Decirme a mí mismo durante todo ese tiempo en que no avanzo para ningún lado, que no estoy perdiendo el tiempo, sino que es un proceso que hay que atravesar.

Tu material preferido Más que un material, es un elemento: el fuego.

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ARQUITECTURA

Escaleras

PASO A PASO Escaleras que pueden ser

algo más: una biblioteca, un asiento, parte de un mueble o una escultura.

ESCALERA IRREGULAR (SAN PABLO, BRASIL) En esta vivienda ubicada frente al parque Burle Marx, las tramas de color reproducidas en revestimientos y mobiliario son contenidas por una paleta de tonos grises en muros y cielorrasos. La escalera en voladizo, sujeta a la pared y al techo, plantea un recorte de irregular que continúa con la geometría sugerida por el damero de colores. www.fabiogaleazzo.com.br - Imagen cortesía de Fabio Galeazzo

ESCALERA BIBLIOTECA (MILÁN, ITALIA) En un antiguo edificio ubicado en Milán, el estudio llevó a cabo una restauración dentro de un departamento de tres pisos: dos de ellos preexistentes, el último integrado al proyecto. Además de conectar a las plantas entre sí, en este caso la escalera fue pensada como un dibujo sobre la biblioteca, que se extiende sobre una de las paredes a lo largo de las tres plantas. La estructura es de acero y en lugar de baranda o punto de sostén, tiene una mampara de vidrio que resguarda su lateral izquierdo. La iluminación LED de color azul sirve como guía de noche y aporta un factor escenográfico al área. www.ciniboeriarchitetti.com - Imagen cortesía de Paolo Rosselli

ESCALERA CON DOBLE HUELLA (CUMBRES DE SANTA FÉ, MÉXICO) Diseñada por el equipo de arquitectos de JSA, uno de los platos fuertes de la Casa Valna es la escalera de doble huella construida en madera de encino natural al aceite. Los barrotes y la baranda son de acero inoxidable, elementos que acompañan el camino hacia el Roof Garden. El juego geométrico propuesto en los recortes de los escalones le da carácter a la escalera e identidad a todo el ambiente, que encuentra en sus distintos niveles un plano de referencia y ubicación. www.jsa.com.mx - Imagen cortesía de JSA

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ESCALERA DE VIDRIO (MILÁN, ITALIA) Executive Stairs tiene una colección de escaleras de vidrio, entre ellas el modelo Joy: su estructura de acero inoxidable con terminaciones cromadas y pulidas, y sus huellas y barandas de vidrio la vuelven una pieza delicada pero con gran protagonismo visual. El vidrio puede ser transparente, amarillo, turquesa o rojo. www.executivestairs.com - Imagen cortesía de Perla Talenti

ESCALERA DE COLOR (LIMA, PERÚ) Su color naranja furioso, su forma helicoidal y su pronunciada curva principal la convierten en el elemento más pregnante de la casa. El contraste con el resto de los ambientes, en los que priman los tonos neutros y sobrios, hace aún más evidente la sensación de atracción visual. La escalera fue construida en cemento armado y terminada con pintura epoxi. www.martindulanto.com - Imagen cortesía de Juan Solano

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ESCALERA LÚDICA (ATENAS, GRECIA) Las grandes piezas de mobiliario en madera, los revestimientos con reminiscencias Mid Century y las carpinterías

decorativas dan cuenta de una casa sumamente expresiva, con marcada identidad y estética cálida. Para acompañar la propuesta también desde sus accesorios, se intervino la escalera en amarillo continuando el factor sorpresa de la vivienda a través del color: se utiliza-

ron madera, pintura epoxi y hierro. El diseño fue desarrollado por el estudio Point Supreme y la construcción por KN Group. www.pointsupreme.com - Imágenes cortesía de Yannis Drakoulidis, Efi Gousi y Point Supreme

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ESCALERA REVESTIDA (BANGALORE, INDIA) La obra de arquitectura partió del estudio de los jardines circundantes y las luces durante los distintos momentos del día. La escalera fue ubicada en el centro estratégico de la casa para darle cohesión al diseño integral y servir como referen-

cia en la circulación. Se trabajó con un diseño escultural en madera maciza de teca, que hace de revestimiento sobre la estructura de cemento pintada de blanco. La madera fue recortada siguiendo un movimiento que termina en curvas con delgadas aberturas, habilitando el paso de la luz. www.thepurpleinkstudio.com - Imagen cortesía de Shamanth J. Patil

ESCALERA MODULAR (VRHOVLJE, ESLOVENIA) El equipo de Dekleva Gregorič Architects buscó generar una vivienda compacta, con vistas generosas al paisaje poblado de robles. La escalera fue diseñada como “instalación especial”, asumiendo el rol de elemento multifuncional. Fue fabricada en aglomerado de madera y sostenida con tensores de acero que también sirven como puntos de contención en ambos laterales. El diseño irregular configurado con cajas huecas apiladas ofrece un espacio de guardado modular. www.dekleva-gregoric.com Imagen cortesía de Janez Marolt

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ESCALERA CON TENSORES (NUEVA YORK, ESTADOS UNIDOS) La casa proyectada por Narofsky contempla espacios amplios y vinculados a sus jardines exteriores. La larga escalera que conecta a las plantas entre sí, tiene huellas de madera de roble macizo con terminaciones laterales en acero que sirven como punto de agarre para los tensores. www.narofsky.com Imagen cortesía de Costas Picadas

ESCALERA CON LUZ (PRETORIA, GAUTENG) La lujosa vivienda, diseñada por el estudio Nico van der Meulen Architects, fue proyectada sobre una colina, recuperando los colores naturales del entorno y fusionándose con el mismo a través de los muros de piedra, las canteras con plantas flotantes y los espacios abiertos. La escalera, cuyas huellas de mármol tienen terminaciones en madera, cumple también la función de mirador: el amplio ventanal permite apreciar las vistas exteriores. La luz de noche en los escalones le otorga a la escalera un detalle elegante y la pared de acero perforado y oxidado, una impronta industrial. www.nicovdmeulen.com - Imagen cortesía de Barend Roberts and David Ross

ESCALERA ARTÍSTICA (TEL AVIV, ISRAEL) Dentro de este dúplex renovado, desde el estudio Toledano Architects se planteó el diseño de una escalera que además de vincular ambas plantas, pudiera representar una propuesta estética a través del uso de los materiales. Así, la estructura de acero plegado se encuentra en voladizo y termina incrustrada en la pared, sobre la tarima de madera de nogal. Las varillas de acero cruzadas a modo de junco completan la escalera generando una pieza etérea, aparentemente liviana y de impronta artística, que proyecta distintos tipos de sombras según el modelo del día. www.toledano-architects.com - Imagen cortesía de Oded Smadar

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ESCALERA FLOTANTE (ESTANBUL, TURQUÍA)

Su ubicación al costado de la puerta de entrada da la bienvenida al loft: la escalera sirve como invitación al primer piso pero también contribuye a la búsqueda de vistas amplias y luminosas con sus huellas livianas, diseñadas sólo como contorno. A través de sus cinco formas decrecientes

(van acortando su altura a medida que llegan a la planta alta) se aprecia el living de la vivienda, que se abre con vista a la Torre de Gálata en Karaköy, en uno de los barrios céntricos de la antigua Constantinopla. www.ofist.com -Imágenes cortesía de Koray Erkaya

ESCALERA ESCRITORIO (SOUTHAMPTON, NUEVA YORK) Los árboles, la vista al lago y el entorno bucólico dominan la escena: la casa debía recuperar parte de esa esencia sin dejar de tener actualidad. La estructura de la escalera, fabricada en acero con sus huellas en madera, expande los primeros cuatro escalones hacia el lateral izquierdo, sirviendo de pie para el escritorio que se resuelve con cuatro puntos de apoyo o sostén: el acero perforado, la huella del cuarto escalón, los tensores que vinculan su tabla con la viga y una cajonera. www.batesmasi.com - Imagen cortesía de Bates Masi + Architects

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ARTE

Rómulo Celdrán

REALIDAD A Los objetos de uso cotidiano son revisitados por el artista español Rómulo Celdrán en “Macro”, una serie de piezas de gran tamaño que invitan a repensar su función y a reformatear su vínculo con las personas.

Una pequeña lata de pintura, una cubetera para hielo, una tapa de gaseosa o un par de broches son, en apariencia, cuerpos inanimados e inofensivos, pensados para contener o sostener otros cuerpos.

Sin embargo, al multiplicar su tamaño cobran otra identidad, sin dudas atravesada por el volumen pero también por su significado: ¿cuánto más pensaríamos en lo que es un broche (una matriz, un resorte, un modo de producción, un color particular, un modo de vestir, etc.) si en lugar de sacarlo de una bolsa de tela en la que convive con otros broches, lo encontráramos a diario apoyado sobre una pared con el tamaño de una escalera? Con la pregunta planteada, ingresamos al universo agrandado de RÓMULO CELDRÁN.

“Cada obra es única: tanto desde el punto de vista de su exclusividad, ya que no trabajo con obra seriada, como desde el punto de vista de su desarrollo técnico”.

Zoom out

CELDRÁN se inició en el arte a una edad temprana: con apenas nueve años ya pintaba fuera de clase y durante los fines de semana. Encontró su formación en libros, exposiciones, catálogos y documentales: “Siempre he sido autodidacta y eso implica que tuve que ir por mí mismo a la búsqueda de todo aquello que necesi-

34 - Imágenes cortesía de Rómulo Celdrán - www.romuloceldran.com

taba aprender. Al día de hoy sigo considerando que mi propia curiosidad y mi necesidad de aprender son mis auténticos maestros”, cuenta. A los 16 realizó su primera muestra y a los 22 comenzó con la escultura, disciplina protagonista de su serie “Macro”. En ella, la escala de las piezas es un recurso para visibilizar aquellos objetos que en la rutina se vuelven indiferentes al usuario: “Tan pronto como el objeto existe en una escala que ya no es humana, pasa a convertirse en otra cosa.

Ese grado de desconcierto frente a una realidad que crece ante nosotros, unido a esa especie de efecto regresivo que nos convierte casi en niños enfrentados a una realidad mucho mayor que nosotros, son para mí el principal foco de interés hacia el mundo de las escalas”, explica el artista.

El tamaño importa

La medida de todas las cosas parece ser la que rinde a la escala humana: siguiendo su proporción, el resto del mundo puede ser más pequeño, igual o más grande que ella. Sin embargo, la relación entre las esculturas de CELDRÁN y el humano queda trunca: no se trata aquí de establecer una frecuencia, sino de entender y apreciar la naturaleza de cada pieza. “La amplificación de la escala tiene un efecto puramente de disfrute a través del redescubrimiento del objeto, de todos sus detalles ocultos y de su gran belleza, habitualmente desapercibida cuando lo observamos en su escala real”, explica el artista. Trabaja sus esculturas partiendo de modelos reales, recreándolos en poliestireno, poliuretano, resinas epoxi, fieltros y aluminio.

AUMENTADA El encuentro con “Macro” ha generado la pregunta inicial, pero también algunas respuestas provisorias: en primer lugar, la sorpresa de redescubrir un objeto que parecía incapaz de decir algo más que lo supuesto. Luego, la invitación a un arte de este mundo: cercano, transparente, empático. Por último, la capacidad de conmovernos en tanto materia, tal como explica el propio CELDRÁN: “Para mí, la escala determina una manera muy específica de aproximarnos a los objetos. Por supuesto desde un punto de vista físico pero también antropológico e incluso emocional”.

Celdrán ha realizado exposiciones en España, Estados Unidos, Suiza y Alemania y su obra forma parte de distintos museos y colecciones privadas alrededor del mundo.

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PROTAGONISTA

Julio Oropel

36 - Ph. Damiรกn Liviciche - www.juliooropel.com

EL GRAN OBSERVADOR

Tiene la sensibilidad del artista, la adaptabilidad del diseñador y la formación del arquitecto. Casas, hoteles, intervenciones, esculturas, objetos e interiores componen por igual su heterogéneo repertorio de obras.

Desde su bunker creativo en el barrio porteño de Congreso, -un departamento de los años 30 que restauró e intervino con su impronta y colección de obras y objetos-, JULIO OROPEL conversó con ESTILO PROPIO acerca de sus rituales a la hora de diseñar, su visión sobre la arquitectura, su rol dentro de DArA y sus planes para el 2016.

El universo Oropel trasciende la arquitectura, es un híbrido entre el diseño y el arte, ¿no?

Yo siempre digo que antes de arquitectura, estudié matemáticas y física: empecé ingeniería química porque tenía facilidad para las ciencias. Me entusiasmaba la idea del laboratorio, mezclar líquidos, fluidos, colores, materias, pero en realidad siempre tuve inclinación por el arte: me di cuenta de que me gustaba eso del experimento aunque aplicado a cosas más concretas. De chico dibujaba bastante, siempre tuve una cosa con la tipografía: hacía letras góticas con tinta y pluma para los títulos en las carpetas.

Ya tenías incorporado el hábito de la mano alzada Sí…en el segundo año de ingeniería entré en crisis y dejé. A mí me obsesionan los materiales: cuando lo entendí, cambié de camino.

Además de la madera, que es casi tu sello personal, ¿con qué estás trabajando ahora?

Durante el verano me dediqué a visitar fábricas que utilizaran procesos distintos sobre materiales ya conocidos. A veces uno no conoce el límite de aplicación de esas técnicas.

Encontré de todo, cosas divinas que ya estoy empezando a probar: metales, enlozados, ladrillos refractarios, materiales comunes con procesos diferentes. Ahora estoy probando revestimientos con cobre por ejemplo: investigué cómo se hacen esos covers sin que sea todo de cobre, vi cómo se hacen los baños, cómo son los procesos químicos, qué medida tienen que tener, etc. ¿El laboratorio empieza en tu estudio o testeás durante el proyecto?

Siempre pruebo en pequeña escala. Ahora estoy con el alambre común que se usa para hacer hormigones o la malla de algún balcón: se cobrea y se le da una terminación mate o brillante.

Una vez que vi cómo quedaba, lo apliqué sobre un proyecto en el que estoy trabajando.

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“DE CHICO DIBUJABA BASTANTE, SIEMPRE TUVE UNA COSA CON LA TIPOGRAFÍA: HACÍA LETRAS GÓTICAS CON TINTA Y PLUMA PARA LOS TÍTULOS EN LAS CARPETAS”.

Siempre te presentás como arquitecto pero aclarando que también sos diseñador.

Tiene que ver con la escala. Yo soy arquitecto, pero hay arquitectos puros que jamás harían un interior. No lo manejan, no les interesa, tal vez lo consideran una tarea menor o no podrían diseñar un objeto. A mí ese cambio de escala me nutre, lo hago con placer: puedo diseñar un mueble, un interior, un edificio o una casa. El diseñador tiene incorporado el cambio de escala, el arquitecto tiene una mirada más macro. ¿No crees que los límites entre ambas disciplinas se van desdibujando? Incluso en tu caso, con el arte como mediador.

Yo reconozco que me encanta la escultura. Pero sí, se desdibujan cada vez más, aunque no todos los actores de estas áreas son tan abarcadores. Hay muchos arquitectos que en sus obras hacen arte, pero en esa escala.

¿Vivís sólo todo el proceso creativo y experimental?

Soy bastante solitario en eso. Con JOSÉ LUIS OTIÑANO hacemos cosas juntos, pero en general a mí me cuesta bastante, soy muy personalista en mi trabajo. En la parte creativa a lo mejor puedo trabajar más en equipo: pensar, llevar al papel y terminar en el render. Pero a la hora de materializar el proyecto, la energía es otra y me gusta asumirlo de manera personal. ¿El boceto sigue siendo parte del proceso o vas directo a la computadora?

Sí, dibujo mucho a mano alzada y me encanta: antes hacía los croquis con acuarela, parecían cuadros. Yo pensaba que el render era un horror pero vi que el cliente se siente más seguro, porque un render hoy te da una aproximación muy cercana a lo que va a ser la obra final. A mí me pasa últimamente con los trabajos que hago: veo el render, veo el trabajo, y tengo que fijarme bien cuál es cuál. Pero la idea generadora siempre surge en el dibujo.

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El buen interiorismo no llena espacios con cosas, sino que les da sentido. ¿Cómo llevás a cabo esa operación?

Busco que los espacios tengan una identidad, que expresen algo, más allá de poner objetos o muebles. El tema de los revestimientos es importante, porque si no la cáscara es siempre neutra. Las paredes, el techo, el piso: tiene que haber una propuesta integral.

También el tema de los espacios: hoy no son tan estancos. La cocina es la que más ha mutado: puede ser cocina, escritorio, oficina, living. Esos límites son los que se están corriendo, las funciones tan marcadas. El avance tecnológico también nos propone nuevos artefactos para mayor practicidad y confort, pero hace un cambio en las dimensiones: antes los televisores eran chicos, hoy son microcines. ¿Creés en la casa inteligente?

Sí. Yo antes tenía más negada la tecnología, pero te gana. Además se traduce en ahorro de energía: es sustentable, uno puede hacer que las cosas se accionen sólo cuando las va a utilizar.

Insistís en la necesidad de la observación y la escucha. ¿Cómo es el vínculo con la gente que te convoca?

La gente cada vez escucha menos y observa menos. Para un diseñador es básico observar, porque es lo que te nutre. Todo es estímulo, hasta la tecnología misma. Trabajar con alguien que sabe lo que quiere es fácil: jugás con algunas alternativas, pero ya lo captaste. El desafío es el cliente que no sabe lo que quiere, porque duda todo el tiempo.

AGENDA DARA

Abril Jurado de la beca Estilo Pilar 2016.

Mayo Festival “Diseño & Madera” en la Plaza de la Flor + Festejo del día del Diseñador: “Interiores Inteligentes”.

Octubre Giro Arenales + Congreso DArA ID con referentes del diseño internacional: “Diseño por diseñadores”.

Noviembre Gala DArA: celebración por su 30º aniversario.

“EL DISEÑADOR TIENE INCORPORADO EL CAMBIO DE ESCALA, EL ARQUITECTO TIENE UNA MIRADA MÁS MACRO”.

¿Cómo vivís tu lugar en DArA? Descubrí nuevas facetas en mí, nunca pensé que podía estar al frente de una institución así. Soy permeable a que las cosas me sucedan y me gusta poder cambiar, no soy estructurado en ese sentido. Siempre estoy generando ideas y me entusiasmo enseguida: me gustan mucho las acciones que tienen que ver con la calle que se toma y se abarca, con la gente como protagonista. ¿En qué estás trabajando ahora?

En un proyecto que me entusiasma mucho: hacer una capilla en un colegio en las afueras de Buenos Aires. Me encanta la educación, fui docente muchos años y soy docente de alma.

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ZAHA HADID | 1950 - 2016

NOTA CENTRAL

UNA VIDA

CON VOLUMEN La arquitectura está de luto: una de sus damas de honor dejó este mundo de manera inesperada. La prolífica obra de ZAHA HADID es el testimonio vivo de su manera de entender los espacios, las formas y la naturaleza.

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Messner Mountain Corones

ZAHA HADID fue la primera mujer en recibir el premio Pritzker (2004) y la Royal Gold Medal del RIBA Stirling Price (2016), el mรกs prestigioso reconocimiento de la arquitectura britรกnica.

Heydar Aliyev Centre

London Aquatics Centre

A lo largo de la historia muchos arquitectos imaginaron el futuro; ZAHA HADID fue una de las que, además, logró construirlo. Sin embargo, hablar de futuro es otorgarle un momento determinado, y si hay algo que caracteriza a la obra de HADID es que no responde a la lógica tradicional del tiempo. Las formas, el volumen y la geometría de sus edificios dan cuenta de una exploración lúcida y conceptual sobre el terreno, la naturaleza y el espacio urbano. Fue reconocida por la UNESCO como “Artista para la paz”, distinguida por la revista TIME como una de las 100 personas más influyentes del mundo y nombrada “Dama Comendadora de la Orden del Imperio Británico” por la Reina Elizabeth II.

Todas las Zahas

Nació en Bagdad en 1950. Su estilo de música favorito era el soul y su momento del día, el atardecer. Nunca se cansaba de ver Blade Runner: se sentía identificada con la exploración del futuro que plantea. Tenía una gran colección de abrigos (su fetiche) y encontraba en la moda una disciplina fascinante, casi en competencia con la arquitectura.

Estudió matemáticas en la Universidad Americana de Beirut y en 1972 partió hacia Londres para formarse en la Architectural Association, acaso sin sospechar que su obra quedaría sembrada en el mundo como arquitectura ejemplar. Cinco años más tarde se graduó con honores y REM KOOLHAAS auspició su talento: “Es un planeta en su propia e inimitable órbita”, dijo. En 1979 creó su propio estudio, que lleva más de 50 edificios construidos

y tiene otros 37 proyectos en etapa de planificación u obra. El trabajo de HADID también protagonizó muestras, instalaciones y conferencias en el MoMa, el Museo Guggenheim, la Bienal de Venecia, el Centro Pompidou, el Festival de Diseño de Londres y la feria Maison & Objet, entre otros. Además de dedicar su vida a la arquitectura, se destacó en materia de diseño industrial creando piezas únicas y ediciones limitadas para prestigiosas firmas como Alessi, Louis Vuitton, Vitra y Swarovski.

Proyectos destacados

En 1993 HADID se ganó el reconocimiento internacional por la estación de bomberos Vitra en la ciudad alemana de Weil am Rhein: fue ubicada dentro de un complejo de fábricas y construida en cemento reforzado. Su particular diseño sentó las bases de lo que serían las próximas entregas: generó una nueva mirada sobre los usos urbanos a través de las formas arquitectónicas.

MAXXI, el Museo Nacional de Arte del Siglo XXI en Roma, demandó casi 10 años de construcción para sus 30.000 m2 y fue inaugurado en 2009. Con los muros curvos de hormigón y la escalera en suspensión se buscó transmitir “la fluidez caótica de la vida moderna”, según cuentan desde el estudio.

En 2012 concluyó el London Aquatics Centre para los Juegos Olímpicos, ubicado en el parque Reina Elizabeth: su diseño está inspirado en la fluidez geométrica del agua en movimiento.

Tiene 11.000 m2, tres piscinas de competición y 15.000 asientos para espectadores.

MAXXI

La obra del centro Heydar Aliyev, ubicado en Bakú, concluyó en 2013. El edificio debía transmitir la ruptura con el régimen soviético y su arquitectura uniforme, apostando por un futuro independiente, dinámico y prometedor. ZAHA buscó transmitir estos ideales a través de la fluidez formal: con curvas, volúmenes y bifurcaciones.

El mayor desafío a nivel técnico fue el revestimiento exterior, que debía simular una superficie continua a modo de manto.

Las oficinas Dominion en Moscú, estrenadas en 2015, forman parte del nuevo polo de la ciudad dedicado a la tecnología informática.

El edificio fue diseñado como una serie de plantas apiladas de manera irregular: reciben luz natural cenital gracias a una cúpula vidriada y se vinculan a través de rampas con escaleras curvilíneas.

El Messner Mountain Corones es un museo dedicado al montañismo, concluido también en 2015. Se encuentra empotrado en la cima del monte Kronplatz, en Italia, a más de 2 mil metros sobre el nivel del mar y tiene una superficie de 1000 m2. El diseño está pensado para que, al ingresar al edificio, los visitantes desciendan dentro de la montaña.

La vida de ZAHA HADID terminó a una edad temprana, pero el repertorio de obras que diseñó habla de una carrera sólida, heterogénea, llena de sorpresas y aventuras. Sin embargo, su éxito y reconocimiento no tienen tanto que ver con la cantidad sino con la identidad: cuando la obra trasciende al arquitecto, es decir, cuando un edificio es capaz de revelar a su autor sin necesidad de exhibir su nombre, significa que ha dejado una huella en el mundo.

Dominion Offices

Desde Zaha Hadid Architects, la arquitecta diseñó y construyó más de 50 edificios. El estudio cuenta actualmente con 37 proyectos en etapa de planificación o construcción.

ESPECIAL

Bodega en España

LA TRADICIÓN FORMATEADA

Marqués de Riscal, una de las históricas bodegas de La Rioja Alavesa, forma parte de La Ciudad del Vino de Elciego y ha sido el punto de partida para el edificio diseñado por Frank O. Gehry que integra el complejo.

La Ciudad del Vino es un complejo de 100.000 m2 ubicado en Elciego, España, integrado por la bodega Marqués de Riscal y un edificio diseñado por FRANK O. GEHRY que aloja al hotel de lujo que lleva su nombre, al Spa Vinothérapie® Caudalie y dos restaurantes. “La Ciudad del Vino se enmarca dentro del Proyecto 2.000, plan estratégico de la compañía que tiende un puente entre los siglos XIX y XXI, ya que supone una apuesta entre tradición y vanguardia: construcción de una bodega (San Vicente) con la tecnología más avanzada, la inversión en un nuevo botellero, la instalación de un laboratorio para el control y análisis de vino, y en general, todas las mejoras tecnológicas para estar a la última y garantizar la máxima calidad de los vinos”, explican desde la bodega.

Vinos con historia

La bodega Marqués de Riscal, cuyo edificio original fue diseñado por el ingeniero RICARDO BELLSOLA BAYO, inició sus días en 1858, siendo hoy una de las más antiguas de la comunidad de La Rioja. Desde sus comienzos se destacó por la elaboración de vinos según los métodos bordeleses. En 1895, Marqués de Riscal fue el primer vino cultivado fuera de Francia en recibir el Diploma de Honor de la Exposición de Burdeos.

En 1972, la bodega fue pionera en promover la Denominación de Origen Rueda, con la que se elaboran sus vinos blancos. Actualmente sus variedades están presentes en más de 110 países, a los que se exporta el 65% de la producción de la bodega.

52 - Imágenes cortesía de Marqués de Riscal, Daniel del Castillo, Emilio Pérez y Quim Roser - www.marquesderiscal.com

Un brindis con Frank

Con la intención de darle más solidez a la imagen de Marqués de Riscal, desde la bodega buscaron un aliado que pudiera traducir su tradición e identidad en arquitectura. FRANK O. GEHRY fue convocado para proyectar el Chateâu del Siglo XXI, hoy Hotel Marqués de Riscal. Para transmitir al arquitecto el encanto de sus vinos en un primer encuentro, desde la bodega eligieron un ritual inolvidable: lo invitaron a degustar una botella del año de su nacimiento (1929) que se encontraba guardada en La Catedral de Marqués de Riscal, el santuario que custodia y conserva los vinos elaborados desde 1862.

“Necesitábamos cambiar todo el concepto y la mentalidad de la cultura del vino,

La compleja geometría de la estructura arquitectónica demandó el uso del programa de modelado digital CATIA.

LOS HITS DE MARQUÉS DE RISCAL Barón de Chirel (1986) fue el primer vino de autor de la bodega.

Frank Gehry 2001 es el vino homenaje al arquitecto: es una selección de uvas de la variedad Tempranillo, de viñas de más de 80 años. Tiene una crianza en barrica de 22 meses y es el vino más exclusivo de la bodega: cuesta 250€.

Nombrada una de las 10 marcas de vino más admiradas del mundo por Drinks International (2011).

Elegida Mejor Bodega Europea por la revista Wine Enthusiast (2013).

empezar de cero. Pero claro, nosotros venimos de Bilbao, por lo que también veíamos lo que estaba pasando con el nacimiento del Guggenheim. Si el Museo había conseguido poner a Bilbao en el mundo, ¿por qué no intentar el ejercicio de poner a Riscal en el mundo del vino a través de la arquitectura?”, cuentan. Al igual que el museo, el edificio fue revestido de titanio coloreado y acero inoxidable. La paleta cromática que cubre los voladizos exteriores fue elegida para potenciar el entorno, sin descuidar el vínculo con el producto: el rosa se eligió para simbolizar al vino tinto; el dorado es el que usa

la bodega para las mallas que envuelven las botellas, y el tono plateado, el de las cápsulas que se utilizan en ellas. El diseño interior del hotel también estuvo a cargo del arquitecto, quién eligió piezas de AALVAR AALTO, B&B y Bang & Olufsen para ambientar las 43 habitaciones. La lectura de GEHRY sobre el paisaje, la antigua bodega y su familia de vinos, dio como resultado una arquitectura contemporánea y voluminosa, atractiva a lo lejos e impactante de cerca: transmite la tradición de más de 150 años de Marqués de Riscal con el foco puesto en la evolución de la empresa y el futuro del vino.

Al igual que el Museo Guggenheim de Bilbao, también diseñado por Frank Gehry, el edificio fue revestido con láminas de titanio y acero.

ESPECIAL

Bodegas en Argentina

Imágenes cortesía de Bórmida & Yanzón Arquitectos - www.bormidayanzon.com.ar

MENDOZA,

SUELO COMPARTIDO Especializado en obras para proyectos vitivinícolas, el estudio mendocino Bórmida & Yanzón diseñó las mejores bodegas del país, entre ellas O Fournier, Salentein y Séptima.

Detrás del estudio Bórmida & Yanzón hay una gran familia trabajando: no sólo por el equipo que conforman, sino también por los lazos que los unen. Los arquitectos ELIANA BÓRMIDA y MARIO YANZÓN, directores del estudio, trabajan junto a su hija LUISA YANZÓN, responsable del área de interiorismo. Junto a un nutrido staff de arquitectos, llevan realizadas más de 30 bodegas en el país: todas se caracterizan por el vínculo que construyen con el entorno natural y por la expresión de una identidad propia del vino, la tierra y sus virtudes. Entre viñedos, árboles y horizontes infinitos, el recorrido por Mendoza invita a redescubrir al vino a través de la arquitectura.

56 - Imágenes cortesía de Bórmida & Yanzón Arquitectos - www.bormidayanzon.com.ar

BODEGAS SALENTEIN El complejo que reúne a la bodega, al centro de visitantes Killka y a la Capilla de la Gratitud, se extiende en paralelo a la Cordilla de Los Andes durante un km, rodeado por una reserva natural de flora y fauna. Salentein fue una de las bodegas pioneras en elaborar vinos de alta gama y recibir visitas guiadas a través de todo el proceso de elaboración del vino. “El concepto generador de esta bodega es el de un recinto oscuro y secreto en las entrañas del valle, un vientre de la Tierra donde el vino se gesta”, revela el equipo de Bórmida & Yanzón. Su planta en forma de cruz griega, proyectada a partir de una tipología histórica de iglesias, se divide en cuatro naves con fermentación arriba y conservación en subsuelo, encontrándose ambas en un área central de doble altura.

Killka es la segunda parada del recorrido: su planta es cuadrada y desde el patio central se vincula con la bodega, la capilla y el exterior, que se recorta sin cielorraso proyectándose sobre la cantera con agua. En torno a ese espacio abierto con galerías laterales se organizan el área de recepción, las salas para exhibiciones de

arte, el sector gastronómico y la tienda.

La identidad andina del paisaje es expresada a través de las cajas de hormigón ciclópeo hidrolavado, cuyos colores y terminaciones reproducen sus tonos.

Por último, la Capilla de la Gratitud es un gesto de agradecimiento a la tierra que hace posible el vino: su sencillez formal y material (fue construida con tierra y piedra del lugar) cobra un especial misterio a través del juego de luces y sombras. “La intención del partido arquitectónico ha sido reformular, en clave contemporánea, las esencias de la arquitectura andina tradicional, con interiores penumbrosos, muros gruesos de tierra reforzados por contrafuertes, cuya inercia térmica retarda la entrada del calor, y casi total ausencia de madera”, argumentan los arquitectos.

La construcción de tapia da cuenta de una tradición ancestral, que consiste en tierra encofrada y apisonada en forma manual, con la que luego se forman bloques alineados en hileras superpuestas y encastradas. Al armado se la han agregado barras de acero postensadas como un recursos antisísmico. La puerta fue hecha en lapacho macizo, los bancos -de PABLO LAVOISIER- en madera de olivo, y la placa del altar, con plomo vertido, es de ELIANA MOLINELLI.

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La fachada de la Capilla de la Gratitud exhibe dos murales de chapa batida, obra póstuma de la escultora Eliana Molinelli sobre “Las Bodas de Canáa”.

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BODEGA FOURNIER A 130 km de la ciudad de Mendoza, en el departamento de San Carlos, se extiende la finca de la bodega a lo largo y ancho de 263 hectáreas. Las tierras fueron adquiridas por la familia española Ortega Gil Fournier, oriunda de Burgos. Las excelentes condiciones climáticas (el terreno se encuentra al pie de la Cordillera de los Andes, a 1200 metros sobre el nivel del mar) motivaron su interés por la elaboración de vinos finos, cuyo cultivo sigue la tradición de su tierra: utilizan el sistema de vaso para las variedades Tempranillo, Malbec, Cabernet, Merlot y Syrah. El hormigón armado es el material protagónico: en sus tonalidades terrosas, transmite la rusticidad propia del paisaje y acompaña la Cordillera de los Andes de manera orgánica. Los metales a la vista dan cuenta de los procesos productivos y la modernización de sistemas para la elaboración de los vinos. “El espacio interior, despojado en su esencia, utiliza como recurso único el hormigón, 60

evocando la fuerza y misticismo de un antiguo templo, ‘el templo donde evoluciona el vino’ y aportando imágenes de contemporaneidad a este vino del nuevo Mundo”, explican los arquitectos.

La bodega, proyectada para producir 600.000 litros de vino, está integrada por distintos edificios en los que se reali-

zan los diversos procesos de elaboración.

El edificio principal está montado sobre cuatro columnas de hormigón armado, cuyo interior aloja tanques de fermentación y conservación: por un lado aprovecha el espacio cilíndrico y, por otro, fusiona a la arquitectura con la producción vitivinícola. Debajo de la losa de vendimia se organizan los tanques de acero

inoxidable para el almacenamiento, y en el espacio central del conjunto arquitectónico se encuentra la sala de cubas de roble, utilizadas para los vinos de alta gama. La misma se recorre a través de una pasarela suspendida a cinco metros de altura, debajo de la cual se organizan las 3500 barricas. Ya en el último nivel, debajo de la tierra, se encuentra el sistema de cañerías y de suministros en túneles que alimentan las distintas áreas de la bodega: el vino es transportado por gravedad desde la cava de barricas, ubicada nueve metros bajo tierra. “Siempre la Cordillera de los Andes es el telón de fondo. A medida que el visitante se aproxima a la bodega, empieza a comprender la articulación volumétrica, los ejes, la perspectiva y la escala”, explican desde Bórmida & Yanzón.

Elevada sobre cuatro pilares, la cubierta de la bodega genera un corte de alto impacto sobre la Cordillera de fondo.

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BODEGA SÉPTIMA A lo lejos se recorta sobre Los Andes como una fortaleza de piedra y cemento, adaptándose a los senderos ortogonales de las viñas. La planta fue proyectada en función de dos ejes: el de trabajo y el de los visitantes. En el primer caso, corre paralelamente a la ruta con un trazado lineal de una sola planta, con tres naves para la fermentación, conservación y embotellado. El segundo eje es perpendicular al de trabajo y atraviesa los viñedos vinculándose al centro del edifico. La escultórica escalera conecta a la planta baja con las terrazas y el restaurante con vista a los viñedos y las montañas. La materialidad exterior expresa el contenido patrimonial y cultural de la región: “Los muros de la bodega son la clave del proyecto. Desde la ruta aparecen como una colosal pirca andina, con grandes rocas apiladas en bruto. Estas

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Los muros exteriores revestidos con piedra remiten a una fortaleza secreta en medio de un paraíso natural.

rocas anticipan el paisaje cordillerano y reformulan, en clave contemporánea, las tecnologías constructivas usadas por los incas, que dominaron la región antes de la conquista española”.

Además de recuperar esa tradición constructiva, las rocas sirven como un aislante térmico, contribuyendo así a la sustentabilidad del edificio. Fueron apiladas como encofrado externo de un tabique de hormigón armado, patinado con polvo de minerales. El canto rodado, los pisos de cemento alisado, el quebracho envejecido y el acero oxidado transmiten el particular clima emocional de la zona, siempre lista para la bienvenida, la exploración del terreno y el descorche de un vino cuidadosamente criado.

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ESPECIAL

Bodega en España

BODEGA DE AUTOR Ubicada en Laguardia, en la Rioja alavesa, Ysios tiene una de las arquitecturas más imponentes de la zona: el diseño de su cubierta es siempre tema de conversación.

Como una metáfora de los ciclos del vino, el edificio que aloja a la Bodega Ysios se recorta en el horizonte con una forma ondulante, prometedora. Para el proyecto de diseño fue convocado el arquitecto SANTIAGO CALATRAVA, que se inspiró en la morfología de las sierras de Cantabria que se ubican detrás del edificio y en el paisaje de las viñas que lo rodea.

Alto techo

La ondulación de la cubierta es una de las grandes atracciones del edificio, no sólo por su imponente revestimiento de aluminio sino también por los reflejos que proyecta cuando el sol lo baña entero. La fachada es de una superficie continua de listones de cedro, cuyo lus-

64 - Imágenes cortesía de Paolo Rosselli - www.calatrava.com

tre acerca al universo del vino desde lo sensorial. La abertura central de la bodega y el mirador que asciende desde el centro son las únicas interrupciones al ondulante y uniforme tejado. Desde aquel piso los visitantes pueden catar las variedades de la bodega mientras contemplan las sierras.

La bodega fue bautizada Ysios en honor a los Dioses egipcios Isis y Osiris quienes, entre otras figuras, representaban a la maternidad, la fertilidad, la naturaleza y la resurrección.

De tierras y cepas

El suelo es una fiesta de colores: rojizos, marrones, verdes y amarillentos configuran el terreno sobre el que crecen sabores nobles, intensos y aromáticos, capaces de cautivar a los paladares más exigentes. La bodega cuenta con un terreno de 75 hectáreas de viñedos en los que crece la uva de Tempranillo, tan característica de la región. El trabajo manual es clave en la selección y recolección de racimos, que llegan a la bodega dentro de cajones.

Aunque los contenedores de acero para la conservación de vinos se han hecho su lugar, las barricas de roble son un lujo del que la bodega no prescinde: las usan principalmente de origen francés, pero también americano y húngaro.

Vista a la distancia, la fachada de la bodega simula un efecto pixelado por la forma ondular de su cubierta de aluminio.

Además de alojar a algunos de los vinos mejor rankeados del mundo, la bodega tiene una sala de catas, una tienda y un salón para exposiciones, conferencias y actividades. El diseño de SANTIAGO CALATRAVA potencia la idea de un espacio en el que no sólo se producen vinos de alta gama, sino que además invita a formar parte de una comunidad que comparte filosofías, valores, deseos e inquietudes. Así, la arquitectura también participa del proceso creativo de un vino, de la experimentación con las uvas, del trabajo artesanal y del descubrimiento de un sabor único, siendo sede de encuentro para aquellos que se apasionan con el producto de la tierra y descubren en cada copa un sabor narrado.

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ESPECIAL

Cava en Estados Unidos

LOS VINOS CIRCULARES En lugar de almacenar grano, este inédito silo en una casa en Teton County, Wyoming, oficia como cava personal con capacidad para 2000 botellas.

Una cabaña de fin de semana hecha con madera recuperada frente al Snake River, hace al paisaje del pueblo. Su dueño podría ser un pescador deportivo, un escritor solitario, un artista en busca de inspiración. Pero el dueño es, en verdad, un coleccionista de buenos momentos. ¿Su gran pasión? La arquitectura. ¿Su capricho? Una bodega con forma de silo.

Del papel al jardín

El dueño es RAY THURSTON: inversor, sofisticado bebedor, “arquitecto frustrado”, como él se reconoce. La idea de construir una cava no estuvo tan motivada por su pasión por los vinos como por el deseo de construir. Sin embargo, a lo largo del proyecto, se fue enamorando del vino y su cava exhibe hoy una exquisita y variada colección.

Debido a la cercanía con el río y las mareas, sabía que el riesgo de inundación era alto: una cava subterránea era impensable. Mientras hojeaba una revista se cruzó con la foto de un silo y pensó: “¡Eso es: en lugar de una bodega bajo tierra, será una sobre el nivel de la tierra!”.

Inspirado con la idea, comenzó a dibujar posibles formas, bocetó algunos silos y

finalmente llegó a un diseño que podría funcionar. ERIC LOGAN, de Carney Logan Burke Architects, cuenta: “Diseñé muchos espacios de degustación y cavas antes, pero nunca nada tan escultural como el que el cliente proponía para este proyecto”.

Una cava camuflada

Desde afuera y a la distancia se divisa un silo de acero oxidado con una suerte de mirador como remate a sus más de 9 metros de alto. Si bien el cliente quería una estructura exterior de roca, los arquitectos lo convencieron del cambio de revestimiento: de ese modo se alinearía mejor al entorno y a la arquitectura del lugar, además de servir como escudo para las altas temperaturas de verano y las heladas de invierno.

A la cava se accede a través de un pasillo desde el interior de la casa. Su diseño busca recrear un barril de vino organizado en torno a una escalera caracol, a lo largo de la cual se van sucediendo las estanterías de la vinoteca. Los racks de metal negro que ascienden circularmente tienen capacidad para 2000 botellas y 500 estuches y cajas de vino. La madera que reviste el interior de la cava y los

66 - Imágenes cortesía de Matthew Millman y Paul Warchol - www.clbarchitects.com

La estructura del silo estรก conformada por tres capas: una exterior de acero, una intermedia de concreto y una interior revestida con maderas recuperadas.

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escalones que conducen a la azotea son de abeto recuperado: allí arriba se abre el espacio para la cata de vinos con vistas ininterrumpidas sobre Teton County.

A partir de una forma básica y rural como la del silo, el equipo de Carney Logan Burke Architects y su cliente lograron superar una limitación del terreno, que no permitía construir la cava en el subsuelo de la casa. También propusieron una nueva mirada sobre los espacios para conservar vinos, que suelen pensarse más desde el equipamiento que desde lo arquitectónico. Por último, tradujeron la idea de una barrica a gran escala: en su interior el vino reposa y envejece, esperando el momento perfecto para dar lo mejor de sí mismo.

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Los racks de la cava tienen una capacidad para guardar hasta 2000 botellas de vino y 500 estuches.

ESPECIAL

Cava en Tucumรกn

EL SECRETO MEJOR GUARDADO 7o - Ph. Paula Carlino - www.sucargriet.com.ar

El estudio Sucar / Griet diseñó una cava privada en el subsuelo de una casa en Barrio Norte, en la zona céntrica de San Miguel de Tucumán: la madera, el ladrillo a la vista y una generosa colección de vinos dominan la escena.

Las diseñadoras de interiores SILVINA SUCAR y FELICITAS GRIET, directoras del Estudio Sucar/Griet, fueron convocadas para proyectar un espacio íntimo dedicado a la guarda de vinos y a los encuentros con brindis de por medio.

Acerca del proyecto, cuentan que “se enfocaron en estimular las sensaciones a través de los materiales y las luces, sin descuidar aspectos funcionales inherentes al vino, con sus delicadezas y cuidadosos detalles”.

que funcionaran como objetos de diseño, piezas que invitan a recorrer la cava a través de sus colores, aromas y texturas. Además de las vinotecas modulares con tres formatos de exposición, se diseñó un exhibidor calado con círculos de distintos tamaños que deja ver el ladrillo de la pared y recibe iluminación posterior. “Todas las paredes, incluso el bajo escalera son soporte y telón de fondo para el acopio de las botellas de vino. A su vez un expositor bajo contribuye en la delimitación del área de estar y un último expositor vertical con huecos circulares, que se despegan de la pared con luces led, termina de definir el espacio”, explican las diseñadoras.

fueron elegidos para dialogar cromáticamente con los distintos varietales: el cuero rojizo, la gamuza clara y la madera oscura se acercan a los rosados, blancos y tintos de las botellas. La mesa ratona hace juego con los sofás Patora y el sillón de dos cuerpos del diseñador EUGENIO AGUIRRE. Debajo de la escena reposa una alfombra de Kalpakian confeccionada en pelo de llama. El otro sector pensado para la cata de vinos es la barra rodeada de sillas altas.

El espacio ha sido transformado en algo más que una cava: se trata de un refugio al que se acude para experimentar, compartir, disfrutar. Un am-

Escaleras abajo

Desde el primer piso de la casa se llega al subsuelo a través de una escalera de pinotea que culmina en un salón único e integrado. Los muebles fueron diseñados a medida por el estudio en madera de cedro, cuyo lustre oscuro crea una atmósfera cálida y misteriosa. La iluminación, tenue y puntual, fue resuelta con los artefactos de AR70 Led. La elección de las luces fue sumamente cuidada para respetar la temperatura que exigen los vinos y, a la vez, recrear una atmósfera particular que acompañe la experiencia del vino: la elección, el descorche, la degustación, el brindis.

“La expresión sincera de los materiales, combinada con la textura brillante de las botellas transmite un sinfín de sensaciones que generan una atmósfera cálida y calma, ideal para un lugar pensado para la relajación y el disfrute”.

Los vinos y sus botellas son los protagonistas del espacio, por eso se pensó la exhibición de cada una de ellas para

Copas arriba

En el centro del ambiente se armó un living bajo que sirve como espacio de degustación: invita al brindis y a la conversación con un equipamiento cómodo y estéticamente cuidado. Los materiales

biente de la casa que gana autonomía por su ubicación y regala a sus habitantes una excusa para reencontrarse de manera descontracturada luego de un largo día: en el rincón más secreto, con el vino más esperado.

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“La iluminación es utilizada como un elemento más para la composición.

Baña las paredes, generando luces y sombras en la textura rugosa y áspera del ladrillo; fortaleciendo la expresión propia de los materiales. Así mismo se disponen luces puntuales a modo de delimitar sectores y áreas según sus funciones”

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ESPECIAL

Palabra de autor

AGUSTINA DE ALBA, SOMMELIER A los 15 se enamoró del vino en Mendoza, a los 18 comenzó a estudiar en la Escuela Argentina de Sommeliers y apenas un año más tarde se recibió con Medalla de Honor. Fue elegida Mejor Sommelier de la Argentina en 2010 y 2012 y trabajó en la Hostería Los Notros (Glaciar Perito Moreno), el Restaurant de la Bodega Ruca Malen (Mendoza), Gaucho UK (Londres) y el Hotel One & Only Le Saint Geran (Isla Mauricio, África), entre otros. Entre viaje y viaje, charló con ESTILO PROPIO. VINOS CON HISTORIA

“Dejo que el vino me sorprenda. Lo más lindo es descubrir las historias que hay detrás de cada botella: quién es la persona que lo hace, cuál es su filosofía, el lugar de donde viene el vino, su identidad. Hay mucho más de lo que se ve en una etiqueta y lo más maravilloso es que detrás de cada botella, hay gente”.

DEFINICIONES

“Un amigo enólogo decía que el vino es como una foto de un momento de la historia, que te da la posibilidad de probarlo en otro momento. A veces uno prueba un vino de 20 años y te remonta a dos décadas atrás. No existe ningún vino igual a otro: cada uno representa un lugar, en un momento determinado con la visión de la persona que lo hace”.

RECUERDOS

“Uno de los grandes momentos de mi carrera fue a los 15 años durante mi primer viaje a Mendoza, cuando descubrí mi amor por el vino. Otro fue cuando fui elegida Mejor Sommelier de la Argentina a los 20 años, fue una gran sorpresa: disfruté mucho del concurso porque no me importaba el resultado. Otro que me marcó fue cuando conocí a los dueños de Château Le Pin, una de las bodegas más prestigiosas del mundo, mientras trabajaba en Los Notros, en el Calafate”.

WINE APPEAL

“Lo que más me seduce del vino es la gente que está detrás suyo y lo que representa”.

CEPAS ARGENTINAS

“Tenemos muy buenas condiciones climáticas naturales que hacen que los vinos sean de alta calidad. También tenemos diversidad: no es lo mismo un vino de Salta que uno de Mendoza ni de Patagonia. Y en Mendoza no es lo mismo uno del Valle de Uco que de Luján de Cuyo: tenemos identidad de terruño, de lugares para elaborar vinos. También hay una buena relación entre precio/calidad: por $50 tenemos muy buenos vinos y también por $100, $1000, etc.”.

74 - Imagen cortesía de Agustina de Alba - www.agustinadealba.com

BLANC DE ALBA

“Nació de casualidad con JUAN PABLO MICHELINI: queríamos hacer un vino que nos representara a nosotros y mostrar el potencial del vino blanco en Argentina. Es diferente, muy versátil para acompañar pescados, pastas, ensaladas y carnes. Tiene una acidez vibrante pero a la vez cuerpo y estructura, que no es tan común en un vino blanco”.

ESENCIALES La etiqueta que nunca falta en tu cava Siempre tengo espumosos fríos en la heladera, algún Sauvignon Blanc y Pinot Noir bien fresco, y Malbec y Cabernet Franc.

Tu lugar en el mundo Mendoza, siempre.

Un destino perfecto para degustar vinos Londres: vas a cualquier wine bar o restaurant y tenés increíbles propuestas de vinos por copa y del mundo entero.

Una bodega que te sorprendió por su diseño y arquitectura La nueva Bodega de Familia Zuccardi en el Paraje Altamira, Valle de Uco. Música para brindar IKV y Babasónicos.

FL ÂNEUR

Hotel en Nueva York

CIUDADANOS

DEL MUNDO Su ambientación cuidada con clásicos del diseño industrial, el bar con terraza sobre Manhattan, una versión miniatura de la librería holandesa más celebrada y su check in de 30 segundos lo volvieron el hotel más buscado entre los rascacielos de Times Square.

76 - Imágenes cortesía de Adrian Gaut para Concrete - www.concreteamsterdam.nl

Caminando por la West 50th Street, entre bares, teatros y carteles de Broadway, a la distancia se divisa, sobre la medianera, la obra “Come one come all” del artista JEN LUI. Con 230 habitaciones, generosas áreas comunes y un imponente rooftop, el CitizenM se vuelve recomendación entre parejas jóvenes en viaje romántico, grupos de amigos en busca de aventuras, familias en plan vacaciones y hombres de negocios. Todos, con una condición que es parte del servicio: high quality, low cost.

El lujo accesible

La cadena CitizenM con base en la ciudad de Ámsterdam ha expandido fronteras para acercar su propuesta a otras grandes ciudades: una experiencia de lujo a costo viajero frecuente. La identidad visual está atravesada por el arte: en la sede de Times Square hay piezas de JULIAN OPIE en el living común y en el rooftop bar.

El lobby se abre hacia un espacio de doble altura, nunca mejor llamado living room: allí conviven el tránsito de la calle (un cuadro permanente a través de las puertas y ventanales), el tintineo de copas y pocillos sobre la barra del bar, el sonido de fondo de alguna película en el sector de sillones o el

murmullo de conversaciones en distintas lenguas desde algún sector apartado. En cada área se pueden encontrar muebles de la firma Vitra y sobre el lateral continuo del hotel, una estantería que exhibe piezas de arte, objetos alusivos a Nueva York, libros, viejos carteles enlozados, vajilla antigua y letras de chapa. El sentido de comunidad que se genera a través de espacios compartidos, la importancia del arte como lenguaje y el vínculo con la ciudad, siempre integrada al hotel desde sus vistas, son parte de las señas de identidad de CitizenM.

“El diseño fue pensado a partir de la idea de que una buena cama y una buena ducha es todo lo que se necesita durante un viaje de placer o negocios por la ciudad”, sostienen desde el hotel.

El tono de las luces, la posición de las cortinas y la elección de películas y canales de TV pueden ser controlados desde una tablet, desde la cual el huésped también puede cambiar el arte que se exhibe en el cuadro digital.

Servicio 24/7

Buena parte de la vida del turista tiene que ver con abrir y cerrar valijas, hacer check ins y check outs, subir y bajar de medios de transportes, entrar y salir de hoteles. Para esos momentos en los que después del paseo, excursión, museo o caminata de horas, el combo más deseado es un pijama, una película y una comida caliente, la canteenM ofrece propuestas gourmet todos los días a todas las horas, además de snacks saludables, café preparado por baristas y cerveza artesanal.

De copas y lecturas

En la planta baja, la librería holandesa Mendo despliega su biblioteca ambulante con exclusivos títulos de arte, fotografía y cultura. Para llegar a la Manhattan que se ve desde las nubes primero hay que llegar al piso 20 del hotel. Su manifiesto sirve tanto para dar la bienvenida, como para despedir hasta la próxima visita. Entre sus líneas, sobresalen estas: “Para los exploradores, aventureros y soñadores. Para los locales del mundo desde Ámsterdam, Boston y El Cairo hasta Zagreb. (…) A todos los ciudadanos móviles del mundo, CitizenM les da la bienvenida”.

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FL ÂNEUR

Destino Nueva York

LA (GRAN) MANZANA MORDIDA

Caer en la tentación es fácil: Nueva York se transforma a la velocidad de la luz y sorprende con spots inéditos y planes fuera de serie.

LECTORES A LA MODA De niño fantaseaba con tener una librería propia: además de ser una de las grandes figuras de la moda, MARC JACOBS cumplió su sueño. En Bookmarc se pueden encontrar libros de moda, diseño, música, arte y fotografía, además de artículos de escritorio (cuadernos, anotadores, lápices) y sobres estampados con tapas de libros de TOM WOLFE y FRANK O’ HARA, entre otros.

COFFEE TO STAY La ciudad invita a pasear con café en vaso y en mano, pero Black Gold Records está pensado para tomarlo puertas adentro.

Además de servir una variedad digna de baristas (Rook Coffee elabora una variedad exclusiva para la tienda), es una disquería especializada en vinilos y un antique shop con inéditas piezas de colección.

www.marcjacobs.com/bookmarc

www.blackgoldbrooklyn.com

ALMACÉN DE SUPERHÉROES Porque no todos pertenecen a las grandes ligas ni llegan a la pantalla grande, Brooklyn SuperHero Supply Co ofrece una experiencia de película al alcance de cualquier aspirante a superhéroe: venden capas (¡hay un cape tester para probar su vuelo!), trajes, antifaces, accesorios, libros y hasta superpoderes enlatados. www.superherosupplies.com

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SHOPPING CONCEPTUAL

UNA NOCHE CON WOODY

“Tomamos el punto de vista de una revista, cambiamos como una galería de arte y vendemos cosas como en una tienda”: así se presenta This is story, la tienda más buscada de Manhattan, cuya promesa es reinventarse con una periodicidad entre uno o dos meses con una nueva temática o tendencia.

El sofisticado Café Carlyle abrió sus puertas en 1955 y forma parte del hotel que lleva su nombre. Todas las noches su escenario suena a jazz, pero los lunes recibe al invitado más esperado (imposible llegar sin reserva): WOODY ALLEN toca allí el clarinete acompañando a The Eddy Davis New Orleans Jazz Band.

www.thisisstory.com

www.rosewoodhotels.com

FL ÂNEUR

Hotel en Hong Kong

UN CUENTO CHINO

Inauguró en Hong Kong el nicho de los hoteles boutique: su diseño inesperado y sus servicios de alta gama lo posicionaron en el top 5 elegido por turistas de todo el mundo. La experiencia puertas adentro, un mundo de fantasía.

Desde YOO lo definen como una “hogar lejos del hogar”, aunque el diseño interior diste bastante del contexto doméstico. Como buena parte de las creaciones de PHILIPPE STARCK, el interior es un espacio que transporta y sorprende.

Originalmente inaugurado en 2004, en su décimo aniversario reeditó su propuesta estética en los espacios comunes de sus 25 pisos y dentro de las 56 habitaciones (estudios y suites).

Diseño apelativo

Imposible permanecer indiferente ante la cantidad de estímulos que genera el hotel: no sólo porque el color, el brillo y la textura buscan la vista incluso del más distraído sino especialmente porque provoca. “Rechazamos todas las cosas convencionales. El diseño original realza la vida. Es nuestro mantra para todo hotel que creamos, administramos y diseñamos”, sostiene MATHEW DALBY, Director de Diseño de YOO Studio.

La fachada fue intervenida según los mandamientos del street art: por un lado, a través de una textura escenográfica, que imita columnas, volutas y mochetas con inspiración grecorromana. La tradición arquitectónica es actualizada a través del graffiti y el neón azul, que resalta el nombre del hotel. En otra de sus entradas, como espiando detrás de una cortina se asoma el rostro gigante de una mujer del renacimiento, pintado a modo de retrato por el estudio británico Graffiti4hire en una metáfora que habla de esta nueva etapa del hotel.

Museo kitsch

En una composición que fusiona símbolos del mundo oriental, piezas de diseño del siglo XIX y XX y mobiliario en mármol de carrara con acrílicos de colores furiosos, el huésped es protagonista de un cuento narrado por una soprano sobre una base pop.

“El diseño de vanguardia refleja el ADN de YOO: desde el mobiliario importado de Europa, como el asiento lúdico en forma

82 - Imágenes cortesía de J Plus Hotel by YOO - www.jplushongkong.com

de mano o la silla carretilla, hasta las alfombras intervenidas con colores”, cuentan desde el hotel. En el lobby también se destacan los típicos gestos del diseño de STARCK: un sofá de estilo francés diseñado y tapizado con géneros surrealistas, fabricado a medida por la firma Timorous Beasties; la butaca negra Babette de la marca italiana Fratelli Boffi o el trío de cuadros clásicos con marco dorado de Mineheart intervenidos por el artista visual CHAD WYS. Los dormitorios continúan la estética planteada en el exterior y la recepción del hotel de manera cromática: el azul, el amarillo, el fucsia y el naranja son algunos de los colores que priman en las habitaciones temáticas. Entre los exclusivos servicios del hotel se destacan la conserjería 24/7, las muestras de arte pop-up y la terraza con un espacio para eventos privados de 65 m2. La lectura sobre Hong Kong se recrea en el hotel con la inconfundible mirada de YOO: potenciando el destino a través de la estadía.

PREMIOS Y MENCIONES

JPLUS HOTEL 2015 “Hall of the Fame” por TripAdvisor 2014 -2015 “Top 10 Boutique Hotel” por Smart Travel Asia 2011 - 2015 “Certificate of Excellence” por TripAdvisor 2014 “World Luxury Hotel Award Country Winners” por Luxury Design Hotel

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“En una ciudad que es sinónimo de cambio, esta dirección icónica es redefinida y refrescada por el futuro”, sostiene MATHEW DALBY, Director de diseño de YOO Studio.

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FL ÂNEUR

Destino Hong Kong

PALITOS CHINOS La cultura (la ancestral y la contemporánea) atraviesa toda experiencia en Hong Kong: platos, copas, arte, diseño y consumo de lujo se presentan en dosis de alta inspiración.

LAS 40 VIDAS DE KITTY A pesar de ser un personaje japonés, Hello Kitty también es un ícono de culto en territorio chino: este año celebra su 40º aniversario. La compañía Sanrio tiene un local en el centro comercial YATA Dept Store, en el que se ofrece todo el merchandising oficial: accesorios, objetos de decoración, piezas de papelería y peluches, entre otros. www.sanrio.com.hk

MERCADO NOCTURNO El Temple Street Night Market es un imprescindible para descubrir la cocina de Hong Kong en estado natural: se puede comer en los puestos callejeros (Dai Pai Dongs), comprar especialidades frescas para llevar (los pescados y arroces están en el top 5) y encontrar souvenirs y amuletos típicos. www.temple-street-night-market.hk

A LA MESA CON EL ARTE Con un exquisito interior diseñado por ILSE CRAWFORD, la antigua mansión art deco aloja a Duddell’s, uno de los espacios más celebrados de la ciudad. Su propuesta gastronómica, que cuenta con dos estrellas Michelin, es sazonada con piezas de colección, arte plástico y objetos que transportan. Un jardín tropical y una selecta biblioteca completan la invitación. www.duddells.co

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DE COPAS POR EL CIELO

EL TIEMPO ES ORO (Y ACERO)

Ozone, el bar más alto del mundo, queda en el piso 118 del Ritz Carlton Hotel: no en vano su diseño interior transporta a escenarios espaciales y cósmicos. La combinación de mármoles, estructuras fractales y formas orgánicas se multiplican en los espejos y destellan reflejos dorados, blancos y azules, generando una atmósfera mágica, ideal para el brindis.

Orgullosamente fabricados en Hong Kong, los relojes de The Chinese Time Keeper conjugan lo mejor de los dos mundos: la habilidad artística de los artesanos chinos y la precisión milimétrica de los relojeros suizos. Confeccionados con los más nobles aceros inoxidables, cueros y zafiros, los diseños se inspiran en motivos de la Dinastía Song.

www.ritzcarlton.com

www.thechinesetimekeeper.com

EP31

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