Estilo Propio #41

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SEPTIEMBRE 2018

ESPECIAL COLECCIONISMO DOMร STICO

Arte en casa MVRDV + Entrevista a Marcelo Toledo + Iluminaciรณn

Pisos deportivos para clubes, colegios y gimnasios.

Alta resistencia al desgaste. Elasticidad bajo normas internacionales.

CINELLU representante de PULASTIC ARGENTINA.

ESPECIAL

ARTE EN CASA 48

ART LOVERS HOUSE POR WITT ARCHITECTS

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CASA FAMILY LUXE POR KIM GORDON DESIGNS

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CASA EN TUCUMÁN POR OSVALDO MARTORELL

WEISS HOUSE

PROTAGONISTA

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MARCELO TOLEDO ENTREVISTA

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CASA PARIS-TEXAS ANTWERP POR NATHALIE WOLBERG

NOTA CENTRAL

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MVRDV

ARQUITECTURA CON CIMIENTOS ESTADÍSTICOS

SUMARIO // EP41

DISEÑO

ARQUITECTURA

STAFF

Dirección general

ARQ. MARÍA JOSÉ CÁNEPA mjcanepa@revistaestilopropio.com

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Producción editorial

NASHI | TIENDA DE CONTENIDOS www.nashicontenidos.com Redacción

ARQ. JULIA LESCANO Coleccionismo doméstico + Iluminación + Flanêur Diseño editorial

ANABELLA COLÓ www.anabellacolo.com

SALESFORCE TRANSIT CENTER POR PELLI CLARKE PELLI ARCHITECTS

Fotografía

PAULA CARLINO - paulacarlino@gmail.com DAMIÁN LIVICICHE - damianliv@yahoo.com

ILUMINACIÓN TODO TERRENO

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ESTRUCTURAS QUE HACEN MODA

Producción general y contenido

ÍNDIGO PRODUCCIONES produccionesindigo@gmail.com Impresión

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IKEA: DISEÑO DEMOCRÁTICO HECHO EN SUECIA

ADEMÁS 06

FAVORITOS

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DIRECCIONARIO

FLÂNEUR

A4 INDUSTRIAS GRÁFICAS a4_grafica@hotmail.com - Tel: (0381) 4323452 Registo de la Propiedad Intelectual en trámite.

Estilo Propio Revista es propiedad de María José Cánepa.

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www. revistaestilopropio. com HOTEL MORPHEUS EN MACAO

FE DE ERRATAS

En la nota “Del origen al concepto” de la edición #40, las imágenes que corresponden al apartado “A la tierra volvemos” fueron cortesía de FRIEDMAN BENDA y EREZ NEVI PANA, y las fotos fueron tomadas por DANIEL KUKLA.

editorial@revistaestilopropio.com Revista Estilo Propio

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MACAO EN CINCO PARADAS

revistaestilopropio @revistaestilop

ZONA DE COMPRAS

HIERRO PARA SIEMPRE Inspirados en el distrito neoyorkino, los hermanos Castellani crearon Bronx, una marca que fabrica mobiliario y accesorios de hierro para el hogar. La búsqueda de geometrías en tonos neutros ofrece piezas que se adaptan a distintos estilos y que participan de la estética de un espacio aportando su identidad sintética y atractiva.

EP41

Favoritos

RÁPIDA Y FURIOSA Ganadora del A’ Design Award & Competition en la categoría de mobiliario, ítems de decoración y homeware, la Velocita Table está inspirada en la velocidad de la escudería Ferrari. El diseño pertenece a ALAN LIU de Mobellio, estudio especializado en el diseño de muebles con partes de autos antiguos. La mesa pesa 28 kilos y está hecha en metal, madera y vidrio templado a partir de una llanta de aluminio forjado de 20 pulgadas. La fina hoja de cristal permite que la rueda pueda ser vista desde todos los ángulos; el contrapeso es brindado por un disco de freno que se ubica sobre una plataforma de madera. www.mobellio.com

UN SOL PARA CADA PERSONA Little Sun es un proyecto social creado por el artista OLAF ELIASSON y el ingeniero FREDERIK OTTESEN con el objetivo de proveer energía a comunidades de bajos recursos. La lámpara solar LED, fabricada en plástico ABS reciclable, posee un sistema de carga a través de energía solar y un dimmer que permite regular la intensidad. Provee hasta cuatro horas de luz durante usos de alto rendimiento y hasta 50 horas para usos moderados. Por cada compra realizada, una lámpara Little Sun es enviada a una comunidad sin electricidad en África. www.littlesun.com

UN BOWIE ORIENTAL Realizada durante tres días en Bookmarc Tokyo, la exhibición David Bowie Ukiyo-e del artista MASUMI ISHIKAWA fusionó al mundo occidental a través de la música y la imagen de DAVID BOWIE con la técnica de grabado japonesa utilizada entre los siglos XVII y XX, que trabaja mediante xilografías sobre madera.

“La atracción principal fueron los dos Ukiyo-e de David Bowie. Decidimos tener espacio entre las dos piezas para que los invitados puedan verlas una por una, sin ninguna molestia exterior (sin imágenes ni explicaciones).

En segundo lugar, fue importante mostrar los procesos Ukiyo-e: las impresiones en secuencia y los bloques de madera. Al poner las impresiones juntas, se transformaron en una gran obra de arte con una influencia de Andy Warhol”, explica EIICHIRO ICHIKAWA, organizador de la exhibición. www.konjakulabo.com

PELÍCULA, POCHOCLOS… ¡Y PANTONE! “Estas ilustraciones son mi manera personal de compartir las películas que amo”, explica SINHANG CHU, alias The Samurai Bun, que encontró en el sistema de Pantone (creado por LAWRENCE HERBERT en 1963) un especial atractivo para desarrollar sus piezas gráficas. El diseñador lleva más de 70 películas ilustradas, entre las que se destacan títulos como Jurassic World, Fallen Kingdom, Tiburón, La La Land, Moonrise Kingdom y La Princesa Mononoke.

A la hora de comenzar un nuevo dibujo, elige el color que se vincula a la película con un criterio estético o temático.

“En la película Coco, podemos ver la presencia de la caléndula: se dice que es un instrumento que conecta a una familia con sus antepasados. Entonces, elegí Pantone Bright Marigold en la ilustración. En la película El Profesional, el atuendo característico de Mathilda es de color verde manzana, por lo que elegí Pantone Apple Green”, explica. www.instagram.com/thesamuraibun

DISEÑO

Ikea

D I S EÑ O

PARA TODOS

Un recorrido por el legado cultural y comercial de Ingvar Kamprad, el talentoso emprendedor sueco que fundó Ikea con solo dieciséis años.

8 · Imágenes cortesía de Ikea - www.ikea.com / Inter IKEA Systems B.V.

“Queremos mejorar la vida cotidiana. Por esta razón hacemos miles de visitas a casas cada año para aprender sobre las necesidades y sueños de la gente. Este es el punto inicial de cada producto que diseñamos”, cuentan desde Ikea.

2018 es un año de emociones encontradas para Ikea: en enero falleció su fundador INGVAR KAMPRAD, pero la empresa cumplió 75 años en julio.

Creada en 1943 en las afueras de Älmhult, la sigla más celebrada del diseño “bueno, bonito y barato” lleva en sus iniciales el sello indeleble de su fundador: la I y la K son por su nombre y apellido, la E se refiere al nombre de la granja familiar (Elmtaryd) y la A, a la parroquia (Agunnaryd).

Un adolescente en bicicleta

INGVAR creció en un entorno rural y humilde, en el que se valoraba especialmente el trabajo diario. Conoció la recompensa al esfuerzo a una edad temprana: para premiar las buenas notas escolares, su padre le entregó el dinero con el que comenzaría su emprendimiento. En una primera etapa compraba fósforos en volumen y los vendía al por menor; también vendió pescado y más tarde se inició en la venta de artículos para el hogar. En 1948 comenzó a producir muebles, en 1951 lanzó un catálogo de venta a pedido y en 1953 organizó la primera exposición comercial.

Los muebles para ser ensamblados por el usuario se convirtieron en un concepto de marca: las cajas con instrucciones

abarataban el costo del producto por ser más eficientes para la logística, necesitar menos personal de carga y evitar daños durante el traslado.

En 1958, Ikea abre su primera tienda en Älmhult, Suecia. Solo dos años más tarde, incorpora otro servicio revolucionario: un restaurante con café, para que los visitantes permanecieran durante más tiempo en el local. En 1963 la marca inaugura su primera tienda fuera del país, en Noruega, y una década más tarde, la primera fuera de Escandinavia, en Spreitenbach, Suiza. Actualmente Ikea cuenta con 419 locales distribuidos en 49 países, en los que trabajan cerca de 200.000 empleados.

Diseño Democrático

La identidad de la marca estuvo siempre vinculada a una promesa esencial: ofrecer un diseño sofisticado pero accesible, acercando a las clases de menos recursos una experiencia confortable para la vida doméstica. El diseño democrático, según lo definió INGVAR,

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DISEÑO

Ikea

se encuentra atravesado por cinco dimensiones: la forma, la funcionalidad, el bajo costo, la sustentabilidad y la calidad. Esta combinación es la que Ikea llama “buen diseño”.

La piedra fundamental para que el proceso funcione de manera perfecta es la gente: los diseñadores, los técnicos, los fabricantes, los distribuidores, los empleados. Pero también la gente que está del otro lado: el usuario, el cliente, el fanático de Ikea. “Para nosotros, la buena calidad se basa en las necesidades de nuestros clientes: cómo usan nuestro mobiliario y sus vidas en casa, explican desde la marca.

INGVAR era conocido como una persona reservada, alejada de los medios, austera. Sin embargo, su ambición fue tan grande como su marca: hacer la diferencia “para la gente con grandes sueños y billeteras pequeñas”. Su mirada inclusiva y la intención de llegar a todas las casas con una propuesta para mejorar la calidad de vida es, alrededor del mundo, un ejemplo que inspira a los diseñadores: no solo tienen el oficio de crear para los espacios, sino el compromiso de crecer con la gente.

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La forma, la funcionalidad, el bajo costo, la sustentabilidad y la calidad son las cinco dimensiones que definen el “diseño democrático” de Ikea.

DISEÑO

Iluminación

“La historia de la arquitectura es la historia de la lucha por la luz”.

LE CORBUSIER

¡SE HIZO LA LUZ! La luz es una potente herramienta de diseño y expresión: ya sea natural o artificial, siempre está presente interactuando con las personas y los objetos que la rodean. En esta nota, propuestas para actualizar los espacios con tendencias en tecnología y diseño.

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DE PARED

MOOD PERSONAL Diseñada por RICARD VILA para la empresa Fluvia, la colección Mood convierte los planos vertical y horizontal en elementos que adquieren una dimensión arquitectónica, integrando la fuente de luz en la pared como si formase parte de ella. Mood se puede combinar y agrupar para crear composiciones decorativas y distintos efectos de luz sobre la superficie, personalizando los ambientes e influyendo positivamente sobre el estado de ánimo. Viene con acabados superficiales metálicos en cromado, dorado o cobre, y de colores flúor, amarillo, rosa, naranja y azul. www.ricardvila.com - Imágenes cortesía de Ricard Vila

REFLEJOS PARA TODOS LOS SENTIDOS El espejo horizontal de la colección Pure Line forma parte de la línea Noken de Porcelanosa.

En sus dos versiones de 140 x 50 y 80 x 50 cm, está iluminado con luz LED perimetral. Incluye sistema antivaho y altavoces para la reproducción de música desde dispositivos con bluetooth. www.porcelanosa.com - Imágenes cortesía de Porcelanosa

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DISEÑO

Iluminación

COLGANTES

BELLA ESTRELLA

La Belle Étoile, en sus dos presentaciones de techo y de pared, es un artefacto diseñado por ADRIANO RACHELE para la firma Slamp, inspirado en el suave drapeado del tutú de una bailarina y en la perfección natural del capullo de una flor. Combina tecnología y diseño contemporáneo, gracias a los materiales transparentes decorados con un motivo blanco texturizado. La intensidad luminosa de la fuente de LED puede variar de 0 a 100, adaptándose a cualquier exigencia luminotécnica de quien ocupa el espacio. www.slamp.com - Imágenes cortesía de Slamp

LUZ CONSONANTE La lámpara OK, diseñada para Floss por KONSTANTIN GRCIC, es una adaptación del modelo Parentesi de ACHILLE CASTIGLIONI. Está compuesto por una forma circular plana que es la que emite la luz y un cable de acero que funciona como un riel y corre desde el techo hasta el piso. El nombre incorpora la forma de la “O”, que es la primera consonante del nombre de su diseñador, quien fusiona la experimentación tecnológica, la sensibilidad del diseño y el gusto por las formas. OK está disponible en blanco, negro, amarillo y niquel, y tiene regulador de intensidad con tecnología Soft Touch. www.usa.flos.com - Imágenes cortesía de Floss

PORTAL LUMÍNICO Diseñada por STEFAN DIEZ para Vibia, Guise es una colección que comprende lámparas de suspensión en formatos horizontal y vertical, que facilitan su ubicación sobre mesas de comedor, despacho o en zonas de estar y paso, con unidades aisladas o formando conjuntos. Están realizadas con vidrio industrial borosilicato de la más alta calidad y tienen como característica que la fuente lumínica es invisible. www.vibia.com - Imágenes cortesía de Vibia

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A TRAVÉS DEL ARO El artefacto Discovery, diseñado por el ingeniero ERNESTO GISMONDI para Artemide, es un elemento discreto y circular. Su volumen solo se percibe cuando se enciende gracias a la luz que irradia la superficie emisora central, dando como resultado una iluminación uniforme, ideal para entornos de trabajo. La gran capacidad optoelectrónica de la compañía, combinada con una cultura de diseño y con los conocimientos tecnológicos, traduce la innovación en percepción emocional. www.artemide.com - Imágenes cortesía de Artemide

GEOMETRÍAS COLGANTES Chandelier 11 fue creada por el diseñador MICHAEL ANASTASSIADES como parte de su serie Mobile, inspirada en los móviles del artista y escultor ALEXANDER CALDER. Esta lámpara busca el equilibrio y funciona iluminando y decorando los espacios como si fuera una escultura aérea. Está compuesta de una estructura metálica negra satinada y de esferas de opalina de vidrio esmerilado. Cada elemento está calibrado de modo tal que mantenga un balance perfecto, permitiendo diferentes configuraciones. www.michaelanastassiades.com - Imágenes cortesía de Michael Anastassiades

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DISEÑO

Iluminación

DE EXTERIOR

OTRO LADRILLO EN LA PARED Creado por PAOLO RIZZATTO para la empresa italiana Simes, Brick Light es un original artefacto para exterior que combina la forma y el tamaño de un ladrillo con la transparencia del vidrio, dando origen a un ladrillo de luz que, empotrado en la pared, se mimetiza con el resto del material, al tiempo que ilumina y destaca valiosas obras de arquitectura.

Este artefacto propone un nuevo concepto en iluminación combinando los avances de la electrónica y la tecnología de los materiales. www.simes.it - Imágenes cortesía de Simes (luce per l´architettura)

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DEL SUELO AL CIELO Miniround es un artefacto curvo de Simes que se empotra en la tierra o en cualquier piso, integrándose completamente a la arquitectura del lugar. Es especial para acompañar senderos, para enmarcar y destacar sutilmente troncos, plantas con follaje, columnas y esculturas. Viene en piezas curvas de ¼ de circunferencia que, combinadas, forman un círculo perfecto. www.simes.it - Imágenes cortesía de Simes (luce per l´architettura)

CAMUFLADA EN EL PAISAJE Diseñada por ANTONI AROLA y ENRIC RODRÍGUEZ para la colección Vibia outdoor, la línea Bamboo usa tecnología LED como fuente de luz. Sus diseños se mimetizan e integran con el paisaje, brindando una doble función de luz y materia. Durante el día, su estética depurada que remite a la planta se funde con discreción en el paisaje.

De noche, Bamboo ilumina y resalta caminos, zonas de paso e, incluso, grandes espacios abiertos. El resultado es un artefacto que muestra puntos de luz focal entre la oscuridad, iluminando sin contaminar el ambiente. www.vibia.com - Imágenes cortesía de Vibia

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DISEÑO

Iluminación

EMPOTRADAS

INSPIRACIÓN IBÉRICA Este artefacto de la firma Panzeri fue utilizado por el diseñador GERARD PUXHE para su galardonado proyecto Villa en Marbella, inspirado en las luces de la ciudad. Nolita es un sistema modular de LED en aluminio extruido sin bordes, para instalación vertical u horizontal en paneles de yeso o en paredes de ladrillo. Su sistema lumínico dibuja diferentes geometrías sobre las paredes y cielorrasos, permitiendo que la luz quede al ras de las superficies. www.gerardpuxhe.com - Imágenes cortesía de Gerard Puxhe

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LA DELGADA LÍNEA LUMINOSA Continuous rod es un producto de Simes, diseñado para iluminar fachadas, paredes, cielorrasos y cornisas. Estos perfiles extruidos de aluminio son empotrables con lámparas de LED y permiten iluminar grandes tramos de superficies, líneas continuas que dan la sensación de infinito y realizan juegos de luces y sombras sobre obras de arquitectura. Permite configurar tramos de hasta tres metros y se puede cortar de cualquier largo que sea múltiplo de 5 cm. www.simes.it - Imágenes cortesía de Simes (luce per l´architettura)

SEÑALES LUMÍNICAS Pro-skirting led es un producto de la línea Butech de Porcelanosa: se trata de un zócalo de aluminio anodizado a base de tiras LED. Tiene 60 mm de altura y 13 mm de ancho, y dispone de un canal longitudinal para la inserción de las tiras lumínicas.

Ocultas a la vista y dirigidas hacia abajo, son colocadas en el perfil pro-skirting led, generando una línea de luz sobre el pavimento paralela al zócalo, sirviendo como elemento de señalización y aportando un recurso estético al ambiente. www.porcelanosa.com - Imágenes cortesía de Porcelanosa

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DISEÑO

Moda

MODA QUE SE HABITA El volumen, la escala, la composición, la textura y la mezcla de géneros son parte de las colecciones de moda que, en su forma de pensar en la estructura de la prenda, se acercan al pensamiento arquitectónico.

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◆ ANIVERSARIO DE PLATA: 25 AÑOS DEDICADOS A LA MODA Para celebrar su cuarto de siglo en la industria, Viktor&Rolf presentó una retrospectiva de sus diseños más emblemáticos.

Curada por THIERRY MAXIME LORIOT, estará exhibida hasta noviembre en Cadillac House, en Nueva York: The Immaculate Collection es un conjunto de memorias, una renovación inmaculada de los votos que representan la unión de Viktor&Rolf y la moda. El enfoque, una antítesis típica que habla de la fascinación con el tiempo que tiene el diseñador: guardando el pasado de manera consciente, pero siempre con la vista hacia adelante, empujando los límites de la transformación”, sostiene.

Los modelos más desatacados de los últimos veinticinco años son actualizados en una colección totalmente blanca, re-imaginada con cristales de Swarovski, “respetando los códigos de diseño de la marca, que presenta una historia eterna y cohesiva que celebra el cuerpo de trabajo conceptual”, explican desde Viktor&Rolf . El diálogo entre el arte y la moda ha signado el recorrido propuesto por la marca, que a través de una identidad única y de alto impacto, ha corrido los límites de estas disciplinas de manera creativa. “No es una mirada nostálgica hacia el pasado, sino una celebración de su futuro, un nuevo comienzo que demuestra que la fuerza de su estilo y sus códigos en los últimos años todavía es relevante y pertenece a la Historia de la moda”, concluye LORIOT. Imágenes cortesía de Viktor & Rolf - www.viktor-rolf.com

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DISEÑO

Moda

◆ MODA PARA PENSAR: LA REFERENCIA FILOSÓFICA La marca de moda Comme des Garçons, de la japonesa REI KAWAKUBO, presentó Notes on Camp, la colección que hace un guiño a la obra de SUSAN SONTAG. “La mayoría de las personas piensa que camp significa ser exagerado, extravagante, excesivo en volumen o fuera de lo ordinario, pero SUSAN y REI sienten que hay un significado más profundo. Tanto la acción camp como la forma de hacer camp se basan en algo mucho más creativo: la libertad de expresión y la forma en la que se puede expresar un valor necesario hoy en día”, explican desde la marca.

Para la confección de las prendas se utilizaron poliéster, lana, algodón, nylon, acetato acrílico, poliuretano, cuero sintético y PVC, entre otros materiales y géneros textiles. La búsqueda de volúmenes y texturas resultó en un montaje experimental que acompaña la identidad de la marca, que expresa en cada diseño un manifiesto estético y filosófico.

Imágenes cortesía de Comme des Garçons - www.comme-des-garcons.com

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DISEÑO

Moda

◆ DE REGRESO A LA TIERRA: INDUMENTARIA BIODEGRADABLE ¿Cómo transformar tres looks básicos en treinta estilos diferentes? De esa premisa partió el estudio de diseño rumano-danés SOLVE Apparel, cuya colección cápsula Omdanne propone diferentes combinaciones de ropa biodegradable: jumpsuits, vestidos, blusas, capas, camperas, pantalones y boleros de estética “eterna, minimalista, limpia y blanca”. La propuesta busca trascender los usos de las prendas y hacer una declaración de principios. Sin embargo, la innovación se encuentra precisamente en la multi-funcionalidad y sus atributos, que partieron de una realidad visible en la industria de la moda: produce 53 millones de toneladas de fibra de las cuales el 87% termina en un basurero, transformándose en desechos que eliminan metano. Las prendas de la colección son 100% biodegradables, de modo que se transforman en nutrientes para la tierra.

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Cada prenda fue identificada con una letra: T combina lo activo, casual y elegante, adaptándose al uso diario como blusa para trabajar, que después de hora puede transformarse en un vestido o top de noche; la prenda R fue pensada para un día de sol, con un diseño que oscila entre el chic casual y el estilo sofisticado, perfecto para viajar. Se puede usar como un jumpsuit para explorar la ciudad, como pantalón para la playa o vestido arreglado; por último, la prenda E ofrece opciones de pollera, vestido y bolero para andar por la ciudad.

Para la confección de las prendas se utilizó 100% fibra Tencel Lyocell, con certificación OEKOTEX 100, exenta de químicos y solventes. Para demostrar su biodegradabilidad, la diseñadora CRISTINA DAN enterró la tela en un container lleno de tierra mojada: luego de cuatro semanas, ya era visible el proceso de biodegradación textil. Los diseños serán presentados en la feria SUPERNOVA Tech & Innovation (Antwerp, Bélgica) desde este mes.

Imágenes cortesía de Viktor Jelinek - www.solveapparel.com

DISEÑO

Moda

◆ ALTA COSTURA: UN LEGADO CON ALMA GABRIEL LAGE se muda seguido: no le tiene miedo al cambio y le aburre repetirse (algo que, por supuesto, no podría hacer ni intentándolo). Sin embargo, se dedica a un género de la moda que, según él, mantiene la misma esencia desde sus orígenes: “A lo largo de los años evolucionaron los cortes y las técnicas, pero la alta costura sigue siendo la misma. Una pieza nuestra está hecha con la misma dedicación que una pieza de mi padre.

Para hacer esto, tenés que tener ilusiones de alta costura”. De este modo define GABRIEL LAGE su oficio, una herencia que recibió de su padre y abuelo, ambos sastres.

Sus inicios se vinculan al prêt-à-porter, con el que buscaba una línea pura, aunque no básica. “La gente sola me lo fue pidiendo.

Empecé como hobby en Buenos Aires y me fui a vivir a Mar del Plata, en donde explotó todo: mis clientas me pidieron trajes para la inauguración del Hotel Costa Galana”. A la hora de comenzar un nuevo diseño, para GABRIEL es clave conocer a la mujer que lo va a vestir. En cada una encuentra una inspiración particular que tiene que ver con su forma de ser y pensar: “la actitud y la personalidad van por sobre la figura y el cuerpo”.

GABRIEL sigue dibujando sobre el papel y trabajando sobre el maniquí. Acepta que le cuesta aggiornarse y encontrar técnicas nuevas que le gusten. Entre sus géneros de cabecera destaca al encaje chantilly, que “nos permite crear y recrear encima. No pasa nunca de moda y podés jugar con bordados, aplicar láser, combinar con otros textiles. Es uno de los más nobles, participa muchísimo en nuestras colecciones”. Próximamente GABRIEL estará inaugurando su tienda en Madrid, su segundo lugar en el mundo.

Imágenes cortesía de Gabriel Lage - www.gabriellage.com

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Yerba Buena Design, Av. Perรณn 1700, Local 9, Yerba Buena, Tucumรกn gabrielaguerineaudesign

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ARQUITECTURA

Salesforce Transit Center

PRÓXIMA PARADA, ¡SAN FRANCISCO!

En agosto, el estudio Pelli Clarke Pelli Architects inauguró una central de autobuses en San Francisco, California, reemplazando así a la Terminal Transbay, dañada por el terremoto Loma Prieta en 1989.

28 · Imágenes cortesía de Pelli Clarke Pelli Architects, Tim

Griffith, Vittoria Zupicich y Tim Griffith - www.pcparch.com

Salesforce Transit Center es el primer proyecto en San Francisco con un sistema de filtración de humedal en su terraza: salvará trece millones de galones de agua y 17.000 toneladas de dióxido de carbono cada año, gracias a la conservación y reutilización del agua.

Desde su fundación en 1977, el estudio liderado por el arquitecto tucumano CÉSAR PELLI ha desarrollado obras de renombre internacional, como el Centro World Financial en Nueva York, las Torres Petronas en Malasia, el Centro International Finance en Hong Kong y la recientemente inaugurada Torre Salesforce en San Francisco. Este último proyecto se trata de un predio de 1.2 millones de pies cuadrados que demandó más de una década entre su diseño y construcción. “Cuando abordamos el diseño por primera vez, vimos que el edificio tenía que ser una entrada a San Francisco y un buen vecino para su alrededor. Nos comprometimos con la idea de que esta estructura de gran escala pudiera ser humana y civilizada”, comenta FRED CLARKE, co-fundador de Pelli Clarke Pelli Architects.

Portal urbano

A lo largo de cuatro cuadras por Mission Street, y a una cuadra hacia el sur del Distrito Financiero de la ciudad, el tan esperado Centro de Tránsito representa un nuevo paradigma para el diseño urbano en Estados Unidos. Su propuesta ilustra cómo un desarrollo basado en el tránsito denso y urbano puede ofrecer una ciudad sustentable y habitable.

“Desde su espacioso y luminoso Grand Hall a su parque de más de cinco hectáreas, el edificio abarca y extiende un reino público, dando la bienvenida a todos a este nuevo centro urbano. Su pared exterior y programa artístico simboliza la innovación y creatividad del Área de Bahía”, explican desde el estudio. El complejo cuenta con seis niveles: cuatro sobre el nivel del suelo y dos debajo.

La fachada de la terminal es uno de los grandes atractivos del proyecto, que no pasa desapercibido para los transeúntes que caminan por el área. El revestimiento, que cubre sus 500 metros de superficie, fue realizado con aluminio perforado y montado en 3992 paneles que reproducen un patrón geométrico basado en variaciones del rombo desarrollado por el físico inglés SIR ROGER PENROSE en la década de 1970. La pared configura un velo en forma de cerramiento que crea una estructura de luz visible desde muchos puntos de la ciudad.

Parque abierto

A lo largo de 500 metros, la terminal vincula once sistemas de tránsito urbano, regional y estatal de los Estados Unidos. En su parte superior, una terraza verde de 5.4 hectáreas despliega un espacio público para el uso de los

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ARQUITECTURA

Salesforce Transit Center

Cuatro obras de arte de gran tamaño fueron integradas al diseño del centro: “Secret Garden” de JULIE CHANG, “White Light” de JENNY HOLZER, “Parallel Light Fields” de JAMES CARPENTER y “Bus Fountain” de NED KAHN. vecinos. Además, el Parque Salesforce cuenta con áreas de reunión y descanso, un anfiteatro con capacidad para 800 personas, un restaurante y un patio de juego para niños.

El parque también representa el compromiso sustentable del estudio, que busca la calidad ambiental de la ciudad y la mejora de la vida de sus habitantes. Posee más de 600 árboles y 16.000 plantas que, se estima, capturarán doce toneladas de carbono por año y reducirán las emisiones de gases de efecto invernadero de manera significativa. Por otro lado, el techo del centro fue diseñado para retener y reutilizar las aguas de tormenta.

Con este proyecto, el equipo de Pelli Clarke Pelli Architects vuelve a dar muestras de su compromiso social, cultural y patrimonial en el desarrollo de la arquitectura urbana. Además de restaurar un espacio originalmente destinado a una terminal de transporte, aplicó la tecnología con fines sustentables y desarrolló un diseño que aporta valor al entorno de la ciudad.

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PROTAGONISTA

Marcelo Toledo

Artesano del arte Oriundo de Escobar, creció entre las puertas, durmientes, vitreauxs y antigüedades que su abuelo compraba y vendía en su negocio de demoliciones. Siendo un niño, comenzó a sentir interés por el alambre y a tomar clases de orfebrería. A los 18 años se mudó a San Telmo y comenzó a vender artesanías en un puesto en Caminito, La Boca. Mientras esperaba las consultas (¡y las compras!) de turistas curiosos, no imaginaba que su suerte cambiaría para siempre y que diseñaría piezas para actores, celebridades, reyes, príncipes, presidentes, o para el Papa Francisco.

Recorrimos su taller y su galería de arte (alojada en el Palacio de la familia Nobleza Picardo) en San Telmo y charlamos sobre el corto camino que lo llevó a convertirse en un orfebre y artista de reconocimiento mundial.

Habla MARCELO TOLEDO, un auténtico buscador de metales.

Ph. Damián Liviciche · www.marcelotoledo.net · Fotos de producto Cortesía de Lucas Kirby y Fabián Laghi.

PROTAGONISTA

Marcelo Toledo

¿Artista, artesano o las dos?

La verdad es que no me hallo del todo con el arte contemporáneo, porque pone el foco en lo conceptual. El artista ya no es la persona que tiene una destreza o que domina una determinada disciplina, es decir, desarrolla la idea, pero no la ejecuta.

En mi caso, toda esa proyección es así, pero además soy quien ejecuta la obra. ¿Cuándo nació tu interés por el metal?

Mi familia es italiana: los sábados cocinaban durante todo el día en un horno de barro enorme y los domingos nos juntábamos a comer. Después del almuerzo, me escapaba para revolver el galpón de mi abuelo, que tenía un negocio de compra y venta de demoliciones en Escobar. Para mí era como un mundo de fantasía. Ahí entré en contacto con los alambres y empezó mi curiosidad. Un día pasé por Entel y vi que en la calle habían tirado un rollo de cables de teléfono: era grueso y adentro tenía muchos cablecitos de colores. Pregunté si me lo podía llevar y me dijeron que sí. “¿Necesitás más?”, me peguntaron. Y mentí: dije que hacía manualidades. Me dijeron que podía volver a buscar más cuando quisiera. ¿Y cómo siguió tu formación?

En algunas cosas hice un camino autodidacta: desde muy chico empecé a doblar alambres, pero llegó un momento en el que todo lo que podía hacer por mi propia cuenta, ya lo había hecho, investigado y aprendido. Empecé a averiguar con quién podía tomar clases y encontré un viejito en Acassuso que me enseñaba orfebrería, específicamente cincelado. Yo tenía catorce años. A los veinte me mudé a Capital y tuve mi primer puesto en la feria de Caminito, en el que vendía cosas chicas y simples, como anillos.

“MUDARME DE CHICO A SAN TELMO ME AYUDÓ A SER QUIEN SOY: ESTUVE EN CONTACTO CON UN PÚBLICO INTERNACIONAL, QUE BUSCA PIEZAS CON UNA IMPRONTA MÁS UNIVERSAL”. ¿Cómo viviste el cambio de posición: de estar vendiendo de parado a sentarte con personalidades notables?

Hay cosas que se dan por casualidad y otras que uno busca inconscientemente. Cuando armaba el puesto, adelante de todo ponía los anillos; atrás, unos mates, algún portarretratos, un florero. Vendía lo de adelante pero mostraba también que hacía otras cosas. Un día pasó un arquitecto, CARLOS DIBAR, que escribía en el suplemento de arquitectura de La Nación: le llamaron la atención mis piezas y les sacó fotos. Después de eso salió una nota de una página en el diario y eso fue un antes y un después. Me llamaron del Gobierno y empecé a hacer los regalos oficiales para el Ministerio de Economía. Ellos me presentaron a la gente de otros Ministerios, de Presidencia, de la Ciudad. Después me avisaron que iba a venir el PRÍNCIPE CARLOS y que querían hacerle un regalo especial: además de hacer la pieza, me convocaron para que se la entregara. Ese fue el quiebre definitivo, porque un año antes había estado en un diario y en ese momento mi foto recorría el mundo al lado suyo. A los dos años, por el 50º aniversario en el trono de la Reina de Inglaterra, un cliente me compró una pieza para ella y la Embajada de Gran Bretaña otra para agasajarla. ¿Eran pedidos a medida o piezas que ya tenías hechas?

Para el PRÍNCIPE CARLOS me preguntaron qué podía ser y yo les di algunas opciones, de las que eligieron un mate. En general son cosas consensuadas, aunque muchas veces depende del apuro: a veces me llaman para resolver un regalo para la misma semana.

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¿Cuál fue el encargo más inédito o exótico que recibiste? ¡Muchas cosas! He hecho desde reproducciones en metal de la Batalla de Puerto Argentino en Malvinas hasta la copia de un tatuaje a través de una foto de una persona. Lo que tiene este oficio es que te hace llegar a lugares que nunca imaginaste o estar en contacto con personas que crees que son intocables, como terminar comiendo con el Rey de Marruecos, hablando con MICHAEL DOUGLAS sobre sus viajes secretos a la Argentina con CATHERINE ZETA-JONES, que te toque el timbre ROBERT DE NIRO o que MÁXIMA pase por la puerta.

“EL AÑO PASADO ME CONVOCARON PARA UN PROYECTO DE MECENAZGO DE LA CIUDAD DE BUENOS AIRES QUE SE LLAMA “DISCÍPULOS DEL PATRIMONIO INTANGIBLE EN EL DISTRITO DE LAS ARTES”. TENÍAMOS UN ENCUENTRO MENSUAL EN EL QUE YO TENÍA QUE TRANSMITIR TÉCNICA, PERO TRATÉ DE COMUNICAR COSAS QUE TUVIERAN QUE VER CON LA EXPERIENCIA, PORQUE LA TÉCNICA LA PODÉS APRENDER EN CUALQUIER LADO”.

¿Cuál fue la reacción de tus antiguos colegas de la Plaza al ver esta transformación?

Nunca tuve mucho vínculo porque nunca hice lo mismo que ellos. La mayoría hacía, y sigue haciendo, platería criolla. Yo siempre hice platería pero más contemporánea: un mate mío tiene que ver con el folclore nacional, pero el estilo es distinto al de los otros. Además, siempre hice diferentes tipos de piezas: trabajaba como orfebre pero en paralelo hacía joyería y escultura. Hoy estoy más dedicado al arte contemporáneo. ¿Hay una transición entre la orfebrería y el arte?

Si: tengo clarísimo el momento en que el que dije “acá empieza otra etapa”. Tuve una necesidad distinta que acompañé con coucheo y cursos. En mis viajes solía buscar libros sobre platería, joyería y orfebrería, pero después empecé a pedir piezas que tuvieran que ver con el arte, desde DAMIEN HIRST hasta ANISH KAPOOR. Durante la mayor parte de mi vida todo el foco de mi producción estuvo puesto en lograr una terminación impecable, una obra de museo: en el afuera, en la estética de la pieza. Y hoy, todo está puesto en el adentro: eso para mí es lo que resume la diferencia entre la orfebrería y el arte.

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PROTAGONISTA

Marcelo Toledo

“ANTES ME CONCENTRABA EN LA TERMINACIÓN PERFECTA. HOY, EN LO QUE PUEDO TRANSMITIR A TRAVÉS DE UNA PIEZA”. ¿En qué estás trabajando ahora?

Tramas es una de mis últimas muestras, en la que exploré nidos que se unen y se enlazan. Después vino Matriz, que estuvo exhibida hasta abril en el Museo José Hernández: es un gran capullo de seda que habla de cómo salir de la violencia. Ahora estoy trabajando en Detrás de las paredes, que se va a presentar en noviembre. Acá pongo sobre la mesa un tema que pocas veces fue tratado desde el arte, que es la idea de la regeneración luego de la violencia de género. Trabajo a partir de las cicatrices de niñas y mujeres: las calco y las paso a diferentes materiales para simular las texturas del daño físico. Desarrollé y gestioné todo el proyecto, en el que todos participamos sin fines de lucro, pero sí de concientización: yo como escultor, los fotógrafos cediendo su obra, las víctimas contando su historia. También estamos trabajando en una muestra sobre el CHE GUEVARA que se inaugura el 25 de octubre en Rosario. ¿Hacés cosas para vos mismo?

Mi departamento es muy moderno y está lleno de arte, pero hay pocas cosas mías. Tengo algunos maestros colgando, pero en especial me encanta el arte contemporáneo. ¿Algún pendiente?

Durante mucho tiempo mis fantasías tuvieron que ver con hacer una pieza para una personalidad determinada. Hoy se transformaron en ganas de decir cosas: qué puedo llegar a transmitir con lo que estoy haciendo.

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MVRDV

NOTA CENTRAL

ARQUITECTURA

CON SIGLAS Desde hace un cuarto de siglo, el estudio MVRDV fundado por Winy Maas, Jacob van Rijs y Nathalie de Vries en Rotterdam, Holanda, se dedica a desarrollar proyectos de arquitectura y urbanismo a partir de una metodología de investigación basado en datos estadísticos.

Imágenes cortesía de MVRDV - www.mvrdv.com · 39

Desde un centro comunitario en Copenhagen hasta un complejo de oficinas en Shanghai: los proyectos de MVRDV (más de 600 a la fecha) no tienen limitación geográfica ni de escala. Al contrario: sus arquitectos, ingenieros, diseñadores y colaboradores de diversas disciplinas encuentran en el mundo un plano abierto para llevar a cabo todo tipo de mejoras.

“Nuestro enfoque a base de la investigación impulsa la innovación espacial en los campos de la arquitectura, el urbanismo y el paisajismo, con el foco en el conjunto de lo social y lo ambiental, y el impacto de los edificios. La investigación de las limitaciones contextuales y del sitio, y los problemas socioculturales, económicos y ambientales se procesan, prue-

ban, evalúan y optimizan frente a las condiciones y demandas del pedido y los deseos de un cliente”, sostienen desde MVRDV. ¿En qué se basan? En lo que llaman datascapes, o paisaje de datos: toman estadísticas sobre el espacio y su contexto para simular escenarios (diagramas, visualizaciones, modelos físicos, prototipos) y crear soluciones de diseño. El sistema de colaboración multidisciplinaria del estudio profundiza el alcance de estas investigaciones a través de la mirada de sociólogos, programadores, ingenieros y artistas. “Este modelo fortalece el ambiente dialéctico en el cual evoluciona un proyecto y es la base fundamental para conseguir excelentes resultados”, concluyen.

BULGARI Kuala Lumpur, Malasia Con la intención de actualizar la inspiración de la marca italiana, el estudio partió de la tradición del arte romano para resignificar su lujo. El resultado es una fachada que utiliza hormigón, resina y mármol veteado con iluminación. Este primer encuentro con la tienda, clave en todas las locaciones de la firma alrededor del mundo, se vuelve en la lectura de MVRDV una experimentación a través de los materiales: durante el día impacta por su naturaleza orgánica, mientras que por la noche genera un efecto dramático gracias a su iluminación y el contraste con el mármol. El material utilizado, Glass Reinforce Concrete (GRC), fue cortado siguiendo la trama diseñada, y llenado por dentro con resina que luego se iluminó con luces LED ámbar. Una hoja de acero inoxidable actúa como base para la resina, con juntas de panel escondidas e integradas dentro de la trama.

BI-CITY BIENNALE OF URBANISM Shenzhen, China MVRDV estuvo a cargo de tres instalaciones en la Bienal de Urbanismo/Arquitectura (UABB) del año pasado en Shenzhen, dentro de la sección temática “Hibridez y Coexistencia”, dedicada al análisis, investigación y exhibiciones relativas a la imagen futura de los espacios urbanos: The Future City is Wide: Products that will Change our Cities, (W)ego House y The Vertical Village. La primera, de formato audiovisual, fue llevada a cabo por los estudiantes de The Why Factory y plantea preguntas acerca de cómo será vivir en un mundo bio-diverso, compacto y flexible, y qué formas urbanas emergerán. La segunda es una instalación de varias habitaciones, pensada para alcanzar las perspectivas idealistas en un espacio limitado, en el que los habitantes deben aprender a negociar entre ellos para optimizar su uso. La última representa una ventana hacia el futuro de la vivienda adaptable a las necesidades de sus habitantes, en la que conviven múltiples estilos de vida en una realidad optimizada.

DESIGN SOCIETY SHENZHEN Shenzhen, China

“Las soluciones de diseño ejemplares permiten que el público entienda la contribución y el mensaje de un proyecto, convirtiéndolo en un producto democrático y social. Si el diseño de nuestros edificios es cohesivo, claro y entendible tanto en su concepción como en su realización, la comunidad local puede participar del mismo y darle valor en su cualidad”.

Otro de los proyectos destacados del estudio, también realizado el año pasado en la ciudad de Shenzhen, fue para el centro Sea World Culture and Art: un hall de exhibición de 1500 m2. La idea para este espacio partió del disparador Minding the Digital, que interpela la forma de identificar múltiples direcciones de diseño generadas a través del pensamiento digital. El resultado fue un laberinto distribuido en dos pisos que ofrece diferentes perspectivas y experiencias de acuerdo a la vista: desde adentro y desde arriba del hall. En el primer nivel, dedicado a las ideas, el recorrido a través de distintas habitaciones permite ver cómo los diseñadores contribuyen al cambio en el mundo. En el segundo piso se pueden conocer las historias detrás de cada uno de ellos. “El futuro está hecho por ideas inventivas que pueden llevar a la emergencia de una ciudad evolutiva. Todas estas habitaciones, productos y creadores pueden ser vistos como la oferta de una vista panorámica de la cultura actual del hacer, y de cómo el diseño y los diseñadores ayudan a construir un nuevo mundo”, explican los arquitectos.

Junto con la Universidad de Tecnología Delft, MVRDV lleva adelante “The Why Factory”, un instituto de investigación de posgrado en arquitectura y urbanismo enfocado en la ciudad del futuro.

GROOS ROTTERDAM Rotterdam, Holanda Especializada en diseño y arte de alta terminación, Groos es una tienda conceptual que busca promover al talento creativo y artístico de la ciudad. Sus 300 m2 fueron diseñados por el estudio para poner en escena al diseño local en gabinetes a medida que exhiben las piezas. El espacio también fue pensado para llevar a cabo eventos y se encuentra en el tradicional edificio Het Industriegebouw, diseñado por el notable arquitecto HUGH MAASKANT en colaboración con WILLEM VAN TIJEN.

TIANJIN BINHAI LIBRARY Tianjin Binhai, China Junto al Instituto de Planeamiento Urbano y Diseño de Tianjin (TUPDI), MVRDV ha completado la Biblioteca Tianjin Binhai como parte del plan maestro más grande del distrito cultural de la ciudad: el centro posee 33.700 m2, con un auditorio esférico luminoso y bibliotecas desde el piso hasta el techo, conformando así un espacio social que conecta al parque con el distrito. La obra completa, desarrollada por el estudio alemán GMP, alcanza los 120.00 m2. La gran abertura cenital, el Ojo, funciona como un escenario principal dentro del atrio y agranda el espacio percibido. Las bibliotecas, organizadas en un sistema de terrazas o galerías, crean una topografía y paisaje interior cuyos contornos envuelven la fachada; los arcos abovedados simulan los de una catedral. El edificio cuenta con cinco niveles y el programa público está integrado por un servicio de espacios subterráneos, bauleras de libros y un gran archivo. Desde la planta baja, los visitantes pueden acceder fácilmente a las áreas de lectura, el auditorio, la entrada principal, las terrazas y el complejo cultural. En los dos primeros pisos se distribuyen los espacios de lectura, libros y lounges, mientras que en los superiores se encuentran las salas de reunión, oficinas y salas de computación.

NOTA CENTRAL

MVRDV

CASA KWANTES Rotterdam, Holanda Se trata de uno de los proyectos de residencia privada, de 480 m2 de superficie. Su exquisito diseño, una lectura contemporánea del modernismo de los años 30, pone en escena el uso de aberturas con altura completa, colores claros y ladrillos superficiales. La búsqueda de luz natural y espacios abiertos fue parte del pedido del cliente: “Los vidrios curvos se envuelven continuamente alrededor de la fachada interior en ambos niveles, creando vistas continuas desde una habitación a la otra. Como la conexión visual, un balcón exterior crea la oportunidad de caminar fácilmente desde un espacio a otro sin interrupciones”, explica el co-fundador de MVRDV, JASON VAN RIJS. Al acceder a la vivienda a través de una hendidura curva hacia una fachada plana y misteriosa, los visitantes son conducidos hacia el hall de entrada. Una vez dentro de la propiedad, se abre hacia espacios iluminados curvos. Esta pared continua también sirve como una entrada al garaje y a la escalera. El living y la biblioteca acaparan el resto del espacio, que envuelve un patio curvo que encuadra el punto focal de la casa: el árbol. El rendimiento sustentable de la casa fue aplicado a través de una bomba de calor en el piso, sistemas de intercambio de calor y un techo con paneles solares.

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Recientemente el estudio recibió el Architizer A+ Awards al estudio arquitectónico del 2018.

Las obras de MVRDV trabajan el espacio de manera no tradicional, generando llamados de atención a través de la forma, el color y la circulación: las decisiones de diseño, por momentos aparentemente caprichosas, forman parte de una filosofía arquitectónica que parte de la investigación del entorno, su historia y el modo de vida de sus habitantes.

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ESPECIAL

COLECCIONISMO DOMÉSTICO

“El arte no es lo que ves, sino lo que hacés que otros vean”.

EDGAR DEGAS

ESPECIAL

Art Lovers House

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CONVIVIR

CON EL ARTE

Concebida como una galería de arte, esta casa museo en Tel Aviv, Israel, fue diseñada especialmente para una familia amante del arte con el objetivo de poder exhibir su colección.

Imágenes cortesía de Witt Architects - www.archilovers.com

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EP

Este refugio personal fue diseñado por el estudio Witt Architects a pedido de una familia de amantes del arte. La casa cuenta con dos bloques unidos por un puente de acceso: uno de ellos, en doble altura, contiene la colección de obras y el área pública de la casa; el otro, en dos plantas, contiene al área privada de la vivienda.

Obra en exhibición

El acceso a la casa se realiza mediante un puente de acero, ubicado entre el área pública y la privada. La puerta principal es de vidrio y refleja un enorme grafiti, realizado sobre una de las medianeras de la vivienda, anunciando a sus visitantes la experiencia de la casa. La premisa fue crear una gran sala de estar para que pudiera ser utilizada como galería para exhibir la colección de arte, haciendo de la casa un museo viviente. Una pared vidriada separa el área de exposición del exterior, en el que se encuentra el jardín con la piscina.

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ESPECIAL

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Las singulares esculturas con motivos figurativos aparecen en el espacio con una doble función: habitarlo y decorarlo.

El sector de la galería de arte está diseñado en doble altura y sobre uno de sus lados se ubica la cocina, que se abre hacia el exterior con una pérgola. Junto a esta gran nave de arte se encuentra una construcción resuelta en dos plantas, en la cual se aloja el área privada de la casa, integrada por el dormitorio de los niños, la habitación principal con terraza en planta alta y los baños.

Lienzo en blanco

Una construcción minimalista, con detalles de colores negros y grises, crean un lienzo, ideal para que la colección de arte sea la protagonista de esta vivienda.

La misma está compuesta por cuadros y esculturas, en su gran mayoría de motivos figurativos. Los distintos estilos, géneros, culturas y momentos históricos a los que pertenecen las obras, configuran una estética heterogénea.

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ESPECIAL

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Art Lovers House

Las esculturas están expuestas sobre tarimas y muebles que destacan su presencia, al igual que en un centro de exposiciones. Algunas de estas obras están presentes también en el exterior de la casa, decorando los espacios del jardín. Los cuadros se distribuyen en toda la vivienda, incluso en dormitorios y baños.

Como si salieran al encuentro de cada habitante en su recorrido, las obras de arte son cómplices a cada hora: cobran volumen sobre una pared, animan los interiores desde un rincón, apelan desde el piso con colores, texturas, materiales. De esta manera, las rutinas domésticas se vuelven rituales sagrados: lejos de estar atravesadas por elementos de uso cotidiano, son interpeladas por la forma, la estética y el buen gusto.

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Art Lovers House

Las figuras geomĂŠtricas puras y las paredes blancas son el soporte perfecto para que las obras de arte expuestas protagonicen el espacio.

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BIENVENIDA

VERDE Con el lujo interpretado en código de playa, esta casa ubicada en Los Ángeles, California, propone una atmósfera de relax y confort como alternativa al caos y ruido de la ciudad.

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Imágenes cortesía de Kim Gordon Designs - www.kimgordondesigns.com

ESPECIAL

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Family Luxe

Desarrollada por la diseñadora de interiores KIM GORDON en Venice Beach, Los Ángeles, la propuesta se destaca por sus espacios altos y blancos, la vegetación y el arte como protagonista de la decoración.

Fusión en código de color

La casa cuenta con cuatro dormitorios, cinco baños y múltiples áreas de estar, que mediante distintas situaciones espaciales invitan al visitante a tomarse un tiempo de relax rodeado de arte y naturaleza. La distribución se desarrolla en tres plantas: en la baja se encuentran las áreas de estar, cocina, bar y jardines, mientras que en el primer piso se ubican los dormitorios y en el último nivel, la terraza.

Una de las principales características de esta vivienda son sus cielorrasos altos y la integración del interior y el exterior a través de sus grandes ventanales, que cubren dobles y hasta triples alturas con paños vidriados.

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En la sala de estar hay expuesto un cuadro que reversiona “American Gothic”, la icónica pieza pintada por Grant Wood en 1930.

El verde está presente en todas las estancias con plantas que decoran los diferentes espacios de la vivienda. Otra de las estrategias de la diseñadora para llevar el interior hacia el exterior y viceversa es el uso de grandes áreas de estar al aire libre: el terreno cuenta con numerosas y frondosas palmeras y una extensa vegetación, ideal para ayudar a calmar y relajar los sentidos frente al caos de la ciudad. En el tercer piso la vivienda cuenta con una amplia terraza, que permite apreciar la ciudad y el mar con vistas de 360 grados.

Arte y lujo en la ciudad

Inspirada en un viaje a México y sus lujosos resorts, la diseñadora aplicó el concepto observado en una escala menor. Buscó generar atmósferas silenciosas para suavizar los ruidos propios de la ciudad e introdujo el verde y el arte como parte de la propuesta estética. Predominan los espacios blancos,

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con acentos de madera y dorados en los muebles y piezas de decoración. La iluminación natural por la presencia de amplios ventanales destaca los objetos de arte, algunos retro y otros más contemporáneos. Predomina el arte figurativo, aunque se destacan algunas coloridas piezas abstractas. Otro elemento con presencia es el textil: alfombras, almohadones y mantas generan contrapuntos visuales a través de sus texturas y colores.

La primera impresión es la de estar en una jungla de arte: la presencia de vida a través del verde y el diálogo con las obras invitan a una experiencia inédita para un hogar. La segunda impresión y todas las que le siguen, es la de estar en un retiro de fin de semana que se transforma en el hogar elegido para todos los días.

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PRIMER PISO

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SEGUNDO PISO

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En la zona de bar se exhibe una obra que reproduce la idea de Andy Warhol en sus serigrafĂ­as inspiradas por Coca-Cola, evocando al reconocido artista Jean Michel Basquiat.

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Weiss House

DÚO RESTAURADOR Levantada en 1923 y utilizada como taller mecánico, esta construcción fue transformada por sus dueños en su hogar definitivo.

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Imágenes cortesía de Weisshouse - www.weisshouse.com

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STACY WEISS y WILL CARPENTER son marido y mujer, además de artistas y cómplices en esta aventura que se convirtió en su casa: Weisshouse. Él también es dueño de una empresa constructora de Pittsburg: se convirtieron en sus propios clientes para reciclar este antiguo taller de 260 m2 ubicado en Shadyside, Pensilvania.

Yendo del taller al living

Sus más de 90 años no se notan. O sí, pero no en la superficie, que hoy alberga a la pareja con calidez y confort.

Un amplio hall de entrada, una sala de estar, el comedor, la cocina, dos dormitorios, dos baños y un jardín fueron resueltos en una única planta, en la que se destacan los altos cielorrasos y pisos originales. Como parte de la propuesta de diseño se decidió dejar a la vista la estructura de acero y madera de los techos: las vigas se pintaron de color gris oscuro para resaltar su presencia.

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Weiss House

El respaldo de la cama matrimonial fue parte del set de filmación de “Crueldad Intolerable”, protagonizada por George Clooney y Catherine Zeta Jones.

Uno de los cambios más significativos fue la colocación de ventanas y puertas en la pared trasera de la vivienda. Las carpinterías fueron realizadas en acero y vidrio repartido: estas ventanas dan al jardín, el cual tiene un pequeño desnivel, generando dos espacios con mucho verde, canteros y maceteros.

Arte vintage

La prioridad de esta pareja para su nueva casa fue tener un espacio en donde poder mostrar su extensa colección de arte, integrada por obras de artistas locales e internacionales. Así, el arte está presente en todos los espacios de la vivienda, no solo en cuadros y esculturas sino también en muebles de época y luminarias de autor. En el recibidor, por ejemplo, colocaron piezas de arte de gran escala para otorgarle intimidad, lo cual le agrega el toque personal que no se podría lograr de otra manera. Las sillas de color negro, diseñadas por el artista GERRIT RIETVELD, le dan al lugar un acento dramático.

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Parte del mobiliario vino de la casa anterior de los dueños, como el sofá italiano Charles, comprado hace 18 años y ubicado en una de las salas de estar: decidieron retapizarlo con una tela de jean azul, dándole un toque actual, más alineado con la búsqueda de su nueva vivienda. La habitación principal aparece como “una isla en la tormenta”, realizada en tonos blancos y cremas, y generando un espacio brillante y muy luminoso. Posee un baño en suite, que tiene la particularidad de tener una cabina de ducha realizada en vidrio repartido, con una puerta y sin escalón, contemplando la edad avanzada de los propietarios.

Del ruido de motores al silencio del arte, esta casa transforma el patrimonio arquitectónico heredado en su obra más valiosa. El interior, lleno de vida gracias a las otras piezas, vuelve más evidente la sensibilidad de sus habitantes por el pasado.

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Weiss House

El baño de invitados refleja la filosofía de diseño de la pareja a través de una mezcla de lo antiguo, lo recuperado y lo nuevo.

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Casa en Tucumán

CONTENEDOR DE ARTE Ubicada en Yerba Buena, Tucumán, esta casa de diseño fue especialmente pensada como contenedor de las obras de arte que forman parte de la colección de su propietaria: la licenciada en artes Mariana Sabeh.

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Imágenes cortesía de de Mariana Sabeh

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El proyecto fue realizado por el arquitecto OSVALDO MARTORELL en un barrio ubicado en la provincia de Tucumán. Pensada como refugio en medio del verde de Yerba Buena, esta casa contiene una mezcla de objetos con historia familiar, recuerdos de viajes y arte contemporáneo.

Contenedor geométrico

Organizada en dos plantas, esta casa fue resuelta con formas puras blancas, acentos de hormigón visto en su estructura y carpinterías bien oscuras. En el nivel bajo se encuentra “El Taller”, espacio de trabajo de la propietaria, y el área pública de la casa, con acceso a la cocina, el comedor, la sala de estar y una galería semi-cubierta que se abre hacia el

jardín. En la planta alta se organizaron un área de estudio común y un pasillo distribuidor con dormitorios, baños y una terraza accesible.

Esta casa cuenta con una doble función, ya que además de alojar a MARIANA SABEH, alberga el espacio de trabajo que tiene junto a su socia, la licenciada MARÍA ELVIRA FORENZA, con quien comparte su proyecto de galería de arte y taller de marcos. Sin embargo, para MARIANA, es mucho más que una vivienda: a lo largo de los años ha construido con cada una de sus obras una relación íntima, conformada por relatos y recuerdos que mejoran su calidad de vida.

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Casa en Tucumán

De arte y de artistas

En todos los ambientes de la casa se entremezclan piezas antiguas familiares con arte moderno y arquitectura contemporánea. El montaje partió de la idea de una composición armónica, distribuyendo las obras enmarcadas de acuerdo a diferentes criterios, destacando cada una con marcos dorados, plateados y madera natural.

La colección comenzó a formarse en el año 2001, cuando la propietaria adquirió su primera obra: un grabado. Desde entonces, año tras año fue sumando piezas al conjunto, algunas de artistas ya consagrados como el maestro y profesor JOAQUÍN EZEQUIEL LINARES, con un trabajo de su serie “Soles” y su pintura “La Venus de la calle Suipacha”.

Reconocidos artistas como MARCOS FIGUEROA o GUILLERMO RODRÍGUEZ están presentes a través de sus esculturas, pinturas, grabados y obras realizadas con técnicas particulares.

Entre los artistas más jóvenes se desta-

En el ambiente del estar en doble altura, se destaca un tríptico de Pablo Masino, mientras que en el comedor tienen protagonismo dos sillas diseñadas y grabadas en chapa por el artista Rubén Kempa.

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can piezas de ROSALBA MIRABELLA con fotografías, dibujos y collages; PABLO GUIOT, que interviene el espacio con una instalación; JAVIER SORIA VÁZQUEZ, con una fotografía fragmentada y AGUSTÍN GONZÁLEZ GOYTÍA con un dibujo, entre otros.

Además de funcionar como un espacio de exhibición de la propia colección privada, la casa-taller de MARIANA SABEH pone en escena la obra de jóvenes talentos que hoy están construyendo el futuro del arte en Tucumán y el país en general. Además de ofrecer las comodidades de un hogar, la casa se convierte en un semillero creativo, siempre listo para hablar de lo que está pasando en el mundo del arte local.

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ESPECIAL

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Casa en Tucumán

“Volver a casa y encontrarme con todas estas obras me renueva el espíritu. Cada una tiene su momento para disfrutarla con sus particularidades. Me divierto pensando a qué lugar se podrían mudar cuando llegue el momento de repintar la casa”.

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Paris-Texas Antwerp

DOS ARTISTAS EN CASA

74 · Imágenes cortesía de Nathalie Wolberg y Tim Stokes - www.paristexasantwerp.com

Ubicada en Amberes, Bélgica, esta casa sorprende con una gran variedad de espacios flexibles, en los cuales las luces, los colores y las texturas ofrecen a sus visitantes múltiples sensaciones.

Al norte de Amberes, en el barrio de los Marineros, Paris-Texas Antwerp fue diseñada por su dueña, la arquitecta NATHALIE WOLBERG. Nacida en París, vivió en la capital francesa hasta mudarse a esta casa en Amberes junto con su pareja, TIM STOKES, un artista estadounidense de Fort Worth, Texas.

De allí el triple nombre que bautiza a la vivienda: un recorrido por cada uno de sus lugares en el mundo.

Se alquila y se vive

La idea de los espacios integrados y con diversas funciones atraviesa el concepto de esta vivienda. Además del estudio de NATHALIE, en la planta baja se encuentran una sala de exposiciones, un jardín, un taller y dos estudios, todos espacios en alquiler. En la planta alta se desarrolla el departamento en donde vive la pareja de artistas.

Muchos de los espacios de la planta baja fueron diseñados como si fueran invernaderos, con amplios techos de vidrio y vistas al jardín, que se encuentra ubicado en el centro de la vivienda. En toda la construcción predominan los colores amarillo y verde limón, con algunos acentos de color en la gama de los ro-

El impresionante jardín, con sus plantas exóticas, se parece a una pintura de Douanier Rousseau, visible desde casi todos los ángulos de la casa.

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Paris-Texas Antwerp

jos, magentas y fucsias. La luz es sin duda una de las protagonistas de estos espacios. Todos ellos están muy bien aislados y equipados con calefacción por piso radiante. Durante el verano, todas las ventanas se pueden abrir por completo, al igual que las tres grandes puertas del jardín, lo que proporciona una ventilación perfecta.

Los habitantes: gente del arte

Tanto en su práctica docente en la Escuela de Arquitectura de París Val de Seine como en la vida profesional, NATHALIE está interesada en la relación entre el hombre y el entorno construido. A través de la reflexión sobre la arquitectura, el uso práctico de diferentes materiales sensibles y el comportamiento, intenta crear espacios coherentes con quienes los habitan.

Este trabajo se centra en el concepto de la comodidad física y psicológica, y debe permitir que el individuo se revele a sí mismo a través de una arquitectura que “ayuda a vivir una vida mejor”.

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TIM STOKES maneja el arte del ensamblaje para crear obras, que van desde collages a instalaciones o esculturas. Autodidacta por muchos años, comenzó la Universidad en Texas a los 40 años, donde se graduó en Bellas Artes en 2007.

Al año siguiente se instaló en Francia y actualmente desempeña su carrera en Amberes.

Esta casa contiene y expone el trabajo de cada uno de sus propietarios: la impronta de la arquitecta se refleja en la creación de espacios habitables para todos los sentidos, mientras que el sello del artista se encuentra en las obras que los pueblan con un sutil gesto de extrañeza.

Toda la arquitectura juega con sensibilidades de contrastes entre colores, luces y texturas.

FL ÂNEUR

CHINA - Hotel Morpheus

PORTAL DE LOS SUEÑOS Forma parte del resort de lujo City of Dreams en Macao, China y ya es una de las obras más celebradas del año: su diseño, a cargo de Zaha Hadid Architects, está inspirado en la tradicional técnica de tallado del jade.

78 · Imágenes cortesía de Morpheus Hotel - www.cityofdreamsmacau.com

Encargado al estudio ZHA por Melco Resorts & Entertainment, Morpheus se encuentra en Cotai, Macao, y forma parte de un complejo integrado por un casino, dos teatros, un centro comercial, veinte restaurantes y cuatro hoteles. “Su diseño causa curiosidad porque no hace referencia a las tipologías arquitectónicas tradicionales”, explica VIVIANA MUSCETTOLA, directora de proyectos de Zaha Hadid Architects.

Estadía de lujo

La particular morfología exterior del Hotel Morpheus recupera como metáfora el arte chino del tallado del jade.

Su estructura monolítica calada se eleva desde el primer nivel envolviendo dos torres y un hall central. Los vacíos que se abren paso en el centro del edificio funcionan como una ventana urbana hacia el exterior, que permite conectar los espacios comunes del hotel con la ciudad. Al ingresar, las áreas interiores generan una gran sor-

presa al visitante: como en una postal futurista, puede observar tres puentes aéreos que conectan los espacios de mayor circulación y funcionan como estructura soporte del comedor y del salón de usos múltiples, lo que genera la sensación de estar dentro de un árbol de gran tamaño.

Este proyecto es considerado el primer exoesqueleto de gran altura de forma libre del mundo, que además optimiza el interior al crear espacios ininterrumpidos mediante muros o columnas de soporte. El hotel tiene una superficie de 150.000 m2, 160 metros de altura y 40 pisos en los que se distribuyen 780 lujosas habitaciones. En las plantas superiores se ubican las dependencias VIP con tres villas con piscina, seis dúplex y una piscina en la azotea.

A estos servicios se suman tres restaurantes, doce ascensores y un spa.

un sistema de acristalamiento de alto rendimiento filtra la entrada de luz natural y optimiza el calor recibido. La estructura de la fachada también tiene una función de parasol, matizando el exceso de temperatura. Las áreas medias del hall central no cuentan con aire acondicionado, que solo ha sido aplicado a las zonas utilizadas por los huéspedes y el personal, como vestíbulos, puentes y restaurantes. Se han implementado soluciones para aumentar la eficiencia energética, como las unidades de tratamiento de aire con enfriadores por agua, que cuentan con

velocidad variable de alta eficiencia, e intercambiadores de energía de rueda térmica para recuperar la producida por el aire de escape.

Además de ofrecerle a sus huéspedes una experiencia fuera de serie, el Hotel Morpheus propone una nueva forma de entender la arquitectura dedicada al hospedaje. Además de cuidar las instalaciones y el confort, trabaja su imagen exterior para convertirse en un punto de referencia urbano, no solo como parte de un servicio turístico sino como atracción de diseño.

Ingeniería innovadora

Estructuralmente el hotel está construido a partir de un contendor de acero calado y dos torres centrales en las que se resuelven los sistemas de circulación vertical (ascensores y escaleras).

Ambas distribuciones se encuentran vinculadas en algunos niveles del edificio a través de puentes.

El edificio fue diseñado para medir su impacto ambiental y cuidar el entorno:

“Los edificios de Macao siempre han hecho referencia a estilos arquitectónicos provenientes de todo el mundo. Morpheus parte de las condiciones únicas del entorno para desarrollar una nueva arquitectura expresamente para esta ciudad”.

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FL ÂNEUR

CHINA - 5 paradas en Macao

Ubicada a 70 km de Hong Kong, hasta 1999 Macao fue una colonia portuguesa. En la actualidad forma parte de la región administrativa especial autónoma de China. Es conocida como “Las Vegas” del país asiático, ya que es el único lugar donde se puede apostar legalmente: existen en la ciudad más de 30 casinos operando, en los que conviven el juego y vestigios del lujo portugués de la antigua colonia.

CIENCIA PARA TODAS LAS EDADES El Centro de Ciencias de Macao fue diseñado por el arquitecto mundialmente reconocido I.M. PEI y su estudio Pei Partnership Architects. Con una superficie total de 20.000 m2, cuenta con un Centro de Exposiciones, un Planetario y un Centro de Convenciones. Las galerías permanentes abarcan temas de ciencia para niños, tecnología, medio ambiente y estilo de vida. Tiene el primer Planetario en el mundo equipado con un sistema de proyección en 3D y de ultra alta definición, que invita al público a viajar libremente por el espacio y el tiempo. www.msc.org.mo

A LA PESCA DEL ENTRETENIMIENTO El Muelle de los Pescadores es un parque de 133.000 m² y la primera atracción cultural y temática recreativa de Macao. El complejo cuenta con hoteles, shopping, restaurantes y centro de convenciones y exposiciones. Está ubicado a menos de cinco minutos caminando desde la Terminal Marítima del Puerto Exterior de Macao. www.fishermanswharf.com.mo

COMO EN VENECIA El hotel The Venetian Macao es el tercer edificio más grande del mundo. Sus habitaciones, de dimensiones generosas, ofrecen al viajero unos 60 m2 entre baño, dormitorio y salón. La zona más atractiva es la de los canales: el hotel recrea su Venecia a medida, ofreciendo a los huéspedes un paseo al aire libre para conocer de cerca la identidad de Macao. www.venetianmacao.com

¡HAGAN SUS APUESTAS! INSIGNIA NACIONAL Sobre la ladera del Parque Natural de Seac Pai Van, en Coloane, se encuentra un oso panda gigante. Este pabellón y sus jardines ocupan un área de cerca de 3000 m2. Fue diseñado de manera tal de sacar el máximo provecho del relieve y de las características naturales del terreno. Las instalaciones interiores incluyen un centro de logística con refugios para los osos panda, instalaciones para el lavado y almacenamiento del bambú, un espacio para la preparación y almacenaje de la comida, un centro de control y una clínica veterinaria. www.macaupanda.org.mo

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