Galera #42

GALERA INTELECTUAL Y FRÍVOLA

#42 10.2012

"El poder que hace al cuerpo es el poder que sana al cuerpo", dijo B. J. Palmer, el creador de la quiropraxia.

VIDA CHIROPRACTIC lo llev贸 a cabo.

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10 I EDITORIAL FISGÓN

Número 42, octubre 2012 Tirada: 10.000 ejemplares Foto de tapa: Lorena Marchetti Cortesía: Buenos Aires Photo

SONRÍA, LO ESTAMOS INSTAGRAMEANDO

QUIÉNES SOMOS

COLABORAN

MUCHAS GRACIAS

Propietario y director comercial Marco Simeone marco@intelectualyfrivola.com

Wally Diamante, Facu Garayalde, Iuri Izrastzoff (foto Casas de Buenos Aires), Enrique Espina Rawson (texto Casas de Buenos Aires), Juancho Cane y Javier Velasco (Grandes vestimentas).

Sara Facio, Joan Fontcuberta, Andoni & Arantxa, Nora Lezano, Gabriel Rocca, Gastón Deleau, Santiago Siri, Urko Suaya, Candelaria Gil, Ceci Glik, Nacho Ricci, Nico Hardy, Pato Battellini, Macarena Abente Gaydou, Martín Cabrales, Jazmín Chebar, Soledad Carranza, Gustavo Castagnino, Eugenia Fontana, Lupe Villar, Christian Peñal, Micaela Tinelli, Romina Pigretti, Ramiro Lucero Marín, Emiliano Raimondi, Fernando Farré, Claudia Akian, Aníbal Ohanian, Matías Garda y a todos los que nos conocen.

Director editorial Esteban Feune de Colombi esteban@intelectualyfrivola.com Director de arte Juan Moreno juan@intelectualyfrivola.com Coordinación Rosario Bibiloni rosario@intelectualyfrivola.com Prensa y relaciones públicas Grupo Mass PR

info@masspr.net

ENCONTRANOS EN Novecento, Hotel Faena, Tienda Malba, Felix, Ruth Benzacar, Lupe, Pic Nic, Kabinett, El Postigo, Miau Miau, Roho, Nucha, Crespín, Dadá, Malvón, Florencio, Proa, Laura O y Farinelli.

GALERA INTELECTUAL Y FRÍVOLA es una publicación de Marco Simeone (CUIL 20-93923078-6), French 3112 (Ciudad de Buenos Aires).

Las opiniones de los entrevistados y los artículos no reflejan necesariamente la opinión de quienes hacen Galera Intelectual y Frívola.

Se prohíbe la reproducción parcial o total del contenido publicado en esta edición. Hecho el depósito que marca la ley 11.723.

GaleraGalera

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VOLVER I 11

En este autorretrato de 1960 la vemos a Sara Facio, pionera e ícono de la fotografía argentina tanto como editora, curadora y artista y para cuya lente posaron, entre otros, María Elena Walsh, Julio Cortázar, Alejandra Pizarnik y Jorge Luis Borges. Cuando le preguntamos cuál era su mayor extravagancia, contestó: “Tomar sol desnuda en la cama, en invierno y en verano (siempre da el sol en mi cama)”.

Jimena Buttigliengo en el genial evento del festival Shnit.

Maju Lozano en la campaña solidaria de Mimo, con Cunnington como sponsor.

Brenda Gandini en Allô Martínez.

Belén Chavanne en la presentación del festival internacional de cortos Shnit.

Diego de Álzaga y Paulo Piñero en la fête de Veuve Clicquot.

Catalina Swinburn en la Dandy Experience de Veuve Clicquot en Algodón Mansión.

Julieta Kemble y Justo Saavedra en la Dandy Experience de Veuve Clicquot en Algodón Mansión.

Amores y Miguel Larreta en la Dandy Experience de Veuve Clicquot en Algodón Mansión.

Marie-Pierre Cariet Agárdy y Celedonio Lohidoy en la Dandy Experience de Veuve Clicquot.

Erika Roberts y Esteban Tedesco en la Dandy Experience de Veuve Clicquot.

Bully, verano 2013.

Mariana Espósito y Candela Vetrano en el evento de Personal Kid Choice.

CIENCIAS SOCIALES I 13

Guillermo Pfening en el lanzamiento de Shnit.

Sabrina Garciarena, madrina del festival internacional de cortos Shnit.

Guillermo Tragant con Panini, por Gabriel Rocca.

Nico Pauls en Ay Not Dead.

Jackie Smith, verano 2013.

Gloria Carrá y su hija, Amelia, en Huija.

Eduardito Costantini y Delfina Braun en la fiesta de Veuve Clicquot en Algodón Mansión.

Complot, verano 2013.

La doble oficial de Lady Gaga presentó el perfume Fame en Buenos Aires.

Facundo Pieres y Ramiro Otaño en Algodón Mansión, durante la fiesta de Veuve Clicquot.

14 I VISIONARIO: HORACIO COPPOLA

C

onviene empezar por el principio, que no es más que el final: Horacio Coppola murió en junio a los ¡105 años! ¿Quién fue? Uno de los fotógrafos más geniales y relevantes de nuestro país. Nació en 1906 y se empezó a hacer conocido cuando ilustró la primera edición del Evaristo Carriego de su amigo

Borges en 1930. Luego se enmarcó en la escuela moderna junto a Annemarie Heinrich, Anatole Saderman y Grete Stern, que fue su mujer y con quien compartió, en la Alemania de entre-guerras, clase en la Bauhaus, período durante el cual perpetró su serie de fotografías de artistas, de grafitis y de ciegos. Las imponentes imágenes nocturnas de la ave-

nida Corrientes, de célebres esquinas y cafés porteños y del Obelisco que forman parte del libro Buenos Aires 1936 son ya un clásico y lo convirtieron en el mejor cronista visual de la ciudad, así como Brassaï o Kertész lo son de París. Es gracias al marchand y coleccionista Jorge Mara que la obra de este gran artista se dio a conocer entre el público argentino.

PATADAS DE CHANCHO I 15

R

oland Barthes: “ Todos esos jóvenes fotógrafos que se asignan por el mundo consagrándose a la captura de la actualidad no saben que son agentes de la muerte con la excusa denegadora de lo locamente vivo. Es necesario que en una sociedad la muerte esté en alguna parte; si ya no se ubica en lo religioso, deberá estar en otra parte: quizás en esa imagen que produce la muerte al querer conservar la vida. Vida/Muerte es un paradigma que se reduce a un simple clic del disparador, el que separa la pose inicial del papel final”.

H

e n r i C a r t i e rBresson: “Fui a Marsella. Una pequeña renta me permitía costearme los gastos, y trabajé con entusiasmo. Acababa de descubrir la Leica. Se transformó en la extensión de mis ojos y nunca me ha separado de ella desde que la hallé.

Merodeaba por las calles todo el día, tenso y preparado para brincar, resuelto a ‘atrapar’ la vida, a preservar la vida en el acto de vivir. Ante todo, ansiaba apresar en los confines de una sola fotografía toda la esencia de alguna situación que estuviera desarrollándose delante de mis ojos”.

Más al pedo que cenicero de moto.

D

icen los que saben que 9.800 bondis recorren la ciudad a diario. Dicen los que saben que el 16 de noviembre arranca Masticar, la primera feria gastronómica organizada por chefs. Dicen los que saben que los jeans y las teteras no se lavan. Dicen los que saben que no le saquen más fotos al atardecer.

Dicen los que saben que no importa entender. Dicen los que saben que importa atender. Dicen los que saben que arteBA está cocinando una novedad que se las trae. Dicen los que saben que no hay como el helado de chocolate amargo de Rapa Nui. Dicen los que saben que “bizarro” quiere decir, originalmente, “valiente”, “generoso” y “espléndido”. Dicen los que saben que sólo ganan los perdedores. Dicen los que saben que hay que saber retirarse.

Dicen los que saben que caminen mirando para arriba.

Dicen los que saben que vendan todo en Mercado Libre (incluso, lo invendible). Dicen los que saben que no se persigan. Dicen los que saben que estamos cerca de los 10.000 seguidores en Facebook. Dicen los que saben que el mundo da vueltas porque está tremendamente perdido.

Manténganse atentos a lo que dicen los que saben.

S

usan Sontag: “La omnipresencia de las cámaras insinúa de modo persuasivo que el tiempo se configura en acontecimientos interesantes, dignos de fotografiarse. Eso, a su vez, permite sentir fácilmente que a cualquier acontecimiento, una vez en marcha y sea cual fuera su carácter moral, debería permitírsele concluir para que algo más pueda añadirse al mundo, la fotografía.

Terminado el acontecimiento, la imagen aún existirá, confiriéndole una especie de inmortalidad (e importancia) de la que jamás habría gozado de otra manera”.

G

eorge Brassaï: “Siempre he mantenido el valor de la perfección formal: la estructura o composición de una fotografía es tan importante como su tema. Esta no resulta ser una exigencia estética, como podría suponerse, sino una exigencia práctica. Solo las imágenes poderosamente concebidas tienen la capacidad de penetrar en la memoria, de quedarse allí; en una palabra, de convertirse en inolvidables”.

16 I TOP CINCO VISITANTE

En esta edición dedicada íntegramente a la fotografía, les acercamos estas sabias y atinadas recomendaciones del gran fotógrafo argentino Gabriel Rocca.

UN FOTÓGRAFO Me quedo con Helmut Newton; ¡inventó todo!

UN LIBRO

Recomiendo De qué hablo cuando hablo de correr, de Haruki Murakami, porque correr es mi gran estímulo y en este libro encontré las respuestas sin sentido a mis preguntas sin sentido.

UNA MODELO

Kate Moss. Sin palabras.

UN MUSEO

Elijo definitivamente y sin lugar a dudas la Tate Modern… ¿Por qué? Porque me gusta mucho y porque Londres me fascina.

UNA CÁMARA

Mis votos van para la Hasselblad, mi cámara de hoy y siempre.

TOP CINCO RESIDENTE I 17

1

En noviembre, la crítica de arte María Gainza dictará en el Centro de Investigaciones Artísticas un taller bautizado “¡Exhibicionistas!”.

2

El 1º de noviembre inaugura el Festival de Fotografía de Valparaíso, que contará con residencias de Antoine d’Agata y François Hebel.

3

Con coreografía del sudafricano John Cranko y dirección del criollo Javier Logioia, el Colón estrena en diciembre el ballet Onieguin.

4

Loco, hilarante, moderno es lo que escribe la española Mercedes Cebrián, de la que se acaba de publicar Oremos por nuestros pasaportes.

5

Salió el esperadísimo segundo disco de los ingleses The XX. Se llama Coexist y la rompe en mil pedazos que es preciso recomponer en paz.

18 I LA FRASE: JULIO CORTÁZAR

“ENTRE LAS MUCHAS FORMAS DE COMBATIR LA NADA, UNA DE LAS MEJORES ES HACER FOTOGRAFÍAS”.

Fue Sara Facio quien perpetró este retrato inconfundible de Cortázar.

ÁRBOL GENEALÓGICO I 19 ANDREAS GURSKY Rhein II (1999), del famosísimo fotógrafo alemán, se vendió el año pasado en Christie’s New York por más de USD 4.300.000.

CINDY SHERMAN Untitled #96 (1981), de la genial estadounidense, rozó los 4 millones de dólares en mayo de este año, también en Christie’s.

JEFF WALL Dead Troops Talk (1986), del artista canadiense, le pisa los talones a la joya de Sherman y fue subastada en el mismo remate.

ANDREAS GURSKY 99 Cent II Diptychon (2001) es una fotografía ya clásica, que superó la barrera de los 3 millones en 2007 en Sotheby’s.

EDWARD STEICHEN La célebre, misteriosa y centenaria The Pond-Moonlight (1904), del fotógrafo yanqui, peinó los 3 millones de dólares en 2006.

CINDY SHERMAN Otra obra de esta vanguardista, en este caso Untitled #153 (1985), está en nuestro podio: se vendió en U$D 2.700.000 en 2010.

ANÓNIMO Un extraño retrato de Billy the Kid de 1879 fue comprado por el ricachón estadounidense Bill Koch por U$D 2.300.000 hace unos meses.

DMITRY MEDVEDEV Tobolsk Kremlin (2009), una imagen tomada por el primer ministro ruso, fue vendida en U$D 1.750.000 en un evento de caridad.

EDWARD WESTON Oste precioso y osadísimo Nude (1925) del fotógrafo yanqui fue adquirido en abril de 2008 por poco más de U$D 1.600.000.

ARAS LAS 9 FOTOS MÁS C DE LA HISTORIA

20 I DE LA GALERA

Andoni & Arantxa

¿Cuál es vuestro estado mental más frecuente?

Ar: Los tengo todos… soy lunática

y bipolar: cambio constantemente y puedo tener muchos estados a la vez.

An: Sueño (viajando en los sueños).

¿Qué fue exactamente lo último que cocinaron?

Ar: Tortilla de patatas en Italia, hace una semana. Andoni es quien cocina y lo hace muy bien, con paciencia y amor.

An: Tataki de atún marinado y risotto con verduras.

¿Con qué se alegran?

Ar: Con despertarme cada día al

lado de Andoni.

An: Con el olor de mi mujer (Uffff…

Somos un poco romanticones, ¿no?

Jajaja. Llevamos así muchos años).

¿A qué personaje histórico fotografiarían hasta el cansancio?

Ar: ¡A tantos! Sobre todo, a esas

maravillosas actrices de otra época, desde Katharine Hepburn hasta Rita Hayworth y Hedy Lamarr.

An: ¡Vaya pregunta!

¿Cuál es su mayor extravagancia?

Ar y An: No tenemos nada de

extravagante. O eso creemos. Tal vez ésa es la extravagancia: lo somos tanto, ¡que ni lo notamos!

¿Qué les hubiese gustado inventar?

Ar: Una máquina para que no haya

más hambre en el mundo, otra para que no existan las guerras, otra para que tengamos más consciencia del medio ambiente y lo respetemos de una vez y otra para reconocer a los políticos corruptos y egoístas antes de que se presenten a cualquier cargo.

An: Ya lo tengo…

¿Cuál es vuestro ruido preferido?

Ar: Andoni tocando la guitarra y

cantando para mí.

An: El sonido de la lluvia cuando estoy en la cama.

¿Adónde viajarían en este instante?

Ar: Mañana a Londres, la semana que viene a San Sebastián, la siguiente a Austria y la otra a Portofino, la que le sigue al lago de Como y en diciembre a California (son nuestros próximos viajes por trabajo, así que de momento me conformo).

An: Ay… estoy bien aquí (ahora mismo, estamos en la Città Alta de Bergamo, al Norte de Italia).

¿Cómo definirían la fotografía en dos líneas?

Ar: Para Wikipedia, se trata del “arte y la técnica para obtener imágenes duraderas debidas a la acción de la luz”. Para mí, es mi vida, así que con ella plasmo mis sentimientos, mis ilusiones, mis fantasías… y ahora, además, es mi trabajo, junto a mi pareja. Lo mejor de todo resulta que nunca me había planteado ser fotógrafa, al igual que Andoni. Un día surgió la idea de empezar juntos y nos quedamos atrapados por su magia.

An: Es una forma íntima y personal de ver el mundo.

¿En qué proyecto están trabajando actualmente?

Ar: Estos días estamos a tope: varias editoriales para revistas italianas, suizas y españolas, tres campañas de moda, dos catálogos. ¡Es época de mucho trabajo!

An: Lo mismo, claro.

Si fueran magos, ¿qué harían salir de la galera?

Ar: A John Lennon, el mesías del siglo XX, un visionario y una persona excepcional en todos los sentidos.

An: Woodstock del ’69. Nos encantaría transportarnos allí. Somos unos nostálgicos.

22 I CASAS DE BUENOS AIRES

S

urge grandiosamente en la ochava de Arroyo y Juncal, cerca del palacio Estrugamou, y es un dibujo de Jorge Kálnay, a quien hemos reseñado en otra oportunidad.

Este edificio de 1934 llamado Minner corresponde al período racionalista del arquitecto, que para entonces ya había erigido la cervecería Munich en la Costanera Sur y el teatro Broadway. Si lo comparamos con la pieza de Pater y Morea de Libertad y Alvear, de similar corte estético, pero más “fluida”, notamos en él una rigidez de fortaleza. Quizá los tres últimos pisos contribuyan a esa imagen propia de arquitectura castrense que caracteriza algunas obras del húngaro. Ese dato no desmerece la armonía del conjunto, que se ajusta a las normas de calidad y buen gusto de la época: el granito pulido del revestimiento de PB, las puertas de acero y el mármol del palier lo prueban de sobra. Una duda de último momento: ¿por qué se conoce como Cinco Esquinas a las de Juncal, Libertad y Quintana y a éstas, rigurosamente contadas, se les niega con injusticia el célebre mote?

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PRODE I 23

EL PRODE DE GALERA CONCURSO Nº 42 DEL MES DE OCTUBRE 2012

Nora Lezano

NOMBRE Y APELLIDO . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .

LOCAL EMPATE VISITANTE

L DIGITAL

E ANALÓGICA

V

L AGUA CON

E AGUA SIN

V

L GATO

E PERRO

V

L BICI

E AUTO

V

L RÍO

E MAR

V

L B&N

E COLOR

V

L CARNÍVORA

E VEGETARIANA

V

L ATRÁS

E ADELANTE

V

L CANON

E NIKON

V

L CUMBIA

Ninguna

E REGGAETÓN

V

24 I LA PLÁTICA

OJO POR OJO

Invitado de honor de la feria Buenos Aires Photo, Joan Fontcuberta es un fotógrafo, crítico y profesor nacido en Barcelona en 1955. Además de su prolífica obra fotográfica, ha realizado una importante labor como ensayista, editor y curador, en España y en el mundo. Entre 1985 y 2001, sus fotos fueron expuestas en más de treinta museos y galerías de Europa, América del Norte y Japón.

Texto: Esteban Feune de Colombi

¿Cómo empezó tu relación con la fotografía?

Al principio no hubo idilio, sólo nos unía una gran amistad, pero de pronto se convirtió en una pasión que canalizaba mi relación con todo lo demás. Fue a principios de los ’70. Me gustaban las historietas gráficas de relatos bélicos y me parecía necesario verificar los contextos históricos en que esas aventuras sucedían.

Eso me llevó a la fotografía como documento para acreditar los hechos del pasado.

De aquel momento hasta hoy, ¿en qué cambió o cómo se modificó ese vínculo?

El enamoramiento condujo a un estadio de vida conyugal y éste, a un amor más maduro. Al final me di cuenta de que en cada fotografía supuestamente informativa hay una dosis de propaganda que conlleva un argumento político moralizador. Las fotos presionan al espectador a compartir el testimonio, lo incitan a emitir juicios de valor y a tomar partido… Mi trabajo trata de contrarrestar críticamente la fuerza con que la imagen nos fascina y nos formatea. ¿Hacia qué lugar se va dirigiendo una disciplina cuyo desarrollo parece cada vez más globalizado?

Yo creo que va hacia arriba, al fondo, a mano izquierda. Bromas aparte, la fotografía tiende a disolverse en la imagen. Si entendemos la imagen como una pantalla en la que proyectamos sentido, las diferencias tradicionales entre fotografía, pintura, imagen de síntesis, video, etc., tienden a desaparecer. Hay, obviamente, unos procedimientos y unos materiales, pero los resultados finales son necesariamente híbridos.

En contraposición con ese crecimiento desmedido, ¿de qué manera creés que están “mirando” las nuevas generaciones la profusión de imágenes que proliferan a su alrededor?

Los jóvenes se han convertido en los productores de fotos por excelencia, cuando antes lo eran los adultos. El exceso de imágenes y su circulación masiva por las redes trastoca los pilares ontológicos de la fotografía. Es como si la fotografía viajase hoy a la velocidad de la luz y tuviésemos que entender que su masa y su energía se modificaran relativamente en función de esos valores extremos. Diciéndolo de una forma clara y concisa: la fotografía se aleja de la representación y la memoria para privilegiar la comunicación y la conectividad. La superabundancia, en revancha, nos cuestiona sobre aquellas imágenes que todavía nos faltan, aquéllas que por razones técnicas o ideológicas no han podido ser tomadas o, habiendo sido tomadas, nos han sido por alguna razón vedadas. Confío en que las nuevas generaciones, más allá de la bacanal del consumo visual, se comprometan en esa búsqueda de las imágenes ausentes. ¿Se puede enseñar a sacar fotos?

Claro que se puede, no presenta ninguna dificultad. Lo difícil no es sacar fotos sino lograr que las fotos tengan sentido. Y ahí

sí que hemos de esforzarnos. Pero hay faros que nos guían. Por ejemplo, Ansel Adams cuando dijo: “Un fotógrafo no hace las fotografías con su cámara sino con los libros que ha leído, las películas que ha visto, los viajes que ha hecho, la música que ha escuchado y las personas que amó”.

Siendo que jugás con la idea del engaño y de la verosimilitud, ¿bajo qué aspectos podemos, los espectadores, sentirnos engañados por las imágenes que nos asedian?

Toda fotografía es una trampa. Pero no sirve argumentar indefensión o candidez. Es responsabilidad nuestra educarnos en la imagen y contra la imagen. Vivimos en la imagen y debemos aprender a sobrevivir en ella. Debemos poder alinearnos en estrategias de resistencia. La obra de un artista debe tomarse como un kit de supervivencia en una iconósfera hostil.

Trabajás también como editor, docente, crítico y promotor de arte… ¿por qué tipo de fotografías y por qué fotógrafos tenés especial predilección?

Hay una fotografía decorativa y una fotografía que hace pensar.

No tengo nada contra la fotografía decorativa, pero la he estudiado poco y no me considero competente para hablar de ella.

A mí me interesa más la que hace pensar. Mi predilección se orienta entonces hacia las vanguardias históricas, los movimientos conceptualistas de los ’60 y ’70 y la fotografía postmodernista inteligente, que por desgracia no abunda.

Hablando de la proliferación de imágenes sobre todo en pantallas de tamaños irrisorios, ¿qué futuro les ves a las fotografías impresas, sea en libros, en diarios o en revistas?

Nicholas Negroponte, director del MediaLab del MIT e impulsor de la revista Wired, dijo que las publicaciones en papel tienen los días contados. ¡Pero lo dijo en un libro hecho de papel! Es obvio que la tecnología del papel va a ir reduciéndose, pero no creo que la imagen impresa llegue a desaparecer. Por ejemplo, hoy asistimos a un fenómeno muy interesante: la efervescencia de los fotolibros; es decir, libros concebidos como una obra y por tanto depositarios de un talento que equilibra los valores de objeto con los valores de contenido. El fotolibro se acerca cada vez más a un libro de artista. Por lo que respecta al futuro de la industria editorial y de la prensa, la problemática es más compleja porque intervienen cuestiones de mercado y de rentabilidad. ¿Cómo integrás las nuevas tecnologías a tu proyecto artístico? ¿Cuánto te estimulan?

La tecnología digital ya no es nueva sino vieja. Actualmente debemos estar atentos a cómo la tecnología digital implementa otros ámbitos: la biología, la vida artificial, la robótica, etc.

Yo tengo mucha curiosidad por conocer todos esos recursos innovadores que se convierten en herramientas adicionales para nuestra creatividad. Por ejemplo, en series recientes he utilizado programas de realidad virtual que modifican el estatuto de la

26 I LA PLÁTICA imagen fotorrealista y me nutro para otras de la nueva imaginería vernacular que circula por internet.

puente para acceder a todo lo demás. El puente en sí puede ser material de reflexión; por ejemplo, como obra de ingeniería, su construcción o su estética, pero insisto en que lo verdaderamente importante es ese “todo lo demás”: la vida, la muerte, el tiempo, la historia, la memoria, la identidad, la sociedad, nuestros valores, la cultura… Si me obligaran a escoger una sola disciplina gemela de la fotografía diría que es la filosofía porque, por encima de todo, la fotografía es una forma de pensar el mundo.

¿Qué ventajas y desventajas propone lo “digital” frente a lo “analógico”?

Se puede establecer un símil: lo analógico es como ir a caballo; lo digital es como ir en coche. A mí, la equitación me encanta, pero si tengo que desplazarme o hacer un viaje, seguro que manejo un automóvil. La equitación, por tanto, no desaparece, pero la relegamos al ámbito del deporte y del placer de la propia actividad hípica, los paseos, la experiencia de la naturaleza… En fotografía sucede otro tanto. Siempre quedarán fotógrafos reacios a renunciar a los sistemas fotoquímicos porque estos garantizan una determinada “mística” en los procesos empleados. Son los fotosaurios y tienen todo el derecho a sobrevivir en sus reservas.

En cualquier caso, es cierto que todo cambio tecnológico introduce pérdidas y ganancias. Aunque las ganancias prevalezcan, nos sentimos nostálgicos respecto a aquello que perdemos. Por ejemplo, en la fotografía digital la “suerte” tiene a mitigarse bajo el peso del cálculo y la racionalidad. Lo accidental, que tanto supuso para los surrealistas, entra pues en crisis. Es un tema fascinante al que he dedicado bastantes páginas en mi libro La cámara de Pandora. La fotografi@ después de la fotografía.

¿Podrías definir el arte de la fotografía en unas pocas líneas?

El arte de la fotografía representa sólo una minúscula parte de esa fotografía entendida como pensamiento del mundo. Duchamp decía que el arte está en lo “ultramince”. Cuando hablamos de arte, el arte desaparece. Aunque parezca que esquivo la pregunta, propongo dos citas. La primera, de Picasso, dice así: “No sé qué es el arte, pero, si lo supiera, guardaría el secreto para mí y no se lo diría a nadie”. La segunda de la escritora Mariona Fernández: “El arte es lo que hace que la vida sea más importante que el arte”. Para mí, el arte de la fotografía no son las exposiciones, los museos y las bienales. Eso compete al mercado y a la industria cultural. Creo que el arte de la fotografía es el laboratorio de ideas que ve en los usos de la cámara un sistema para diagnosticarnos social e individualmente.

¿Con qué otras disciplinas sentís que dialoga la fotografía?

Para mí, la fotografía es una herramienta para negociar con la realidad; o sea, se trata de una “interface” con cualquier otro tipo de experiencias. Siempre he pensado que la fotografía resulta un

Por último y con curiosidad fetichista, ¿qué cámara usás?

Nada de particular. La cámara que de verdad más uso es la que tiene todo el mundo, pero que resulta ser extraordinariamente sofisticada si se usa bien. Se llama OJO.

28 I EL MANIFIESTO

Hay cada vez más adictos a Instagram, la ardiente aplicación que compró Facebook en ¡un billón de dólares!, por lo que era preciso crear el Decálogo Instagram, que escribió en exclusivo para nosotros Santiago Siri, el gurú criollo de internet y otras yerbas.

1. SE DICE “INSTAGRAMEAR” Todos sabemos que decir “instagramear” suena medio goma, pero también lo era decir “tuitear” en 2007 y hoy es un vocablo digno de la gloriosa estampa de la Real Academia Española. Toda tecnología bien hecha se vuelve verbo. Además, resulta importante destacar que lo goma (a. k. a. “nerd” o “nabo”) está de moda desde que Steve Jobs, Mark Zuckerberg y Bill Gates empezaron a volverse los mitos centrales de creación de poder y riqueza en el siglo XXI. En otras palabras: “nerd is the new cool”. Sea goma.

6. USTED USARÁ INSTAGRAM, PERO INSTAGRAM TAMBIÉN LO USARÁ A USTED A medida que uno se acostumbra al uso de esta aplicación, la forma de apreciar y ver la realidad que nos rodea va cambiando. Se empieza, por ejemplo, a prestar mas atención a los detalles. De pronto, lo que antes era simplemente una calabaza se puede transformar en carroza si usted decide “instagramearla”. La sensibilidad a la belleza es el músculo principal que nos entrena esta “app”.

2. TENGA CAUTELA CON EL MARCO

7. LOS OJOS DE INTERNET

El marco opcional en las fotos de Instagram tienta al ridículo. Cumple un rol redundante: una foto digital, en todo caso, cuenta con el “case protector” del teléfono como su propio marco contenedor. Ahora bien, si pretende conscientemente ser kitsch o neo-emo, vale.

Si pensamos a internet como el gran cerebro colectivo de la humanidad, las cámaras digitales son el órgano que compone sus ojos e Instagram parecería ser su retina principal. Enseñemos a internet la belleza de este mundo. No vaya a ser que lo quiera destruir algún día.

3. AUTOFOTO Y NARCISISMO NO SON SIEMPRE LO MISMO La autofoto era vergonzosa cuando existía el rollo y costaba caro revelarlo. Tan admitida está hoy en día que los teléfonos ya vienen ¡con doble cámara! Eso sí, si usted es el protagonista en mas de un tercio de las fotos que sube a Instagram, sepa que existe el comentario “sólo pone fotos donde aparece él/ella”.

4. EL MUNDO NO ESTA HECHO DE ÁTOMOS SINO DE HISTORIAS (ESCRITAS CON PIXELES) Las fotos no están aisladas. Hay una historia tácita que se va construyendo en su “timeline”. Se sabe, cada imagen vale mil palabras (o docenas de “tuits”). Úselas bien.

8. VIAJES + INSTAGRAM = GOL La última versión incluye en cada perfil un mapa que aprovecha el GPS del teléfono. Eso quiere decir que no solamente recorremos la historia de una persona en una línea del tiempo sino también en el espacio. Compartir viajes en vivo es contagiar un poco de magia con nuestros amigos, sacarlos de su rutina aunque sea por un “instagramante”.

9. CONECTE SUS REDES SOCIALES A menos que tenga públicos muy disímiles en cada red (o un Edipo no resuelto…), es una estrategia válida conectar su cuenta de Instagram con Facebook, Twitter, Tumblr. Recuerde: la red social real es una sola.

5. EL FILTRO ES EL 50 % DE LA IMAGEN

10. EL SOFTWARE TIENE POESÍA

Es como el color de sus ojos. Todos tenemos una mirada única. La selección del filtro no sólo es el truco que logró garantizar que la gente no suba cualquier pavada a Instagram (uno de los pecados capitales) sino que muestra rasgos esenciales de su sensibilidad estética y, probablemente, de su psiquis.

¿Se dio cuenta? Instagram también es amor. Ha logrado que millones de personas en todo el mundo se manden corazones.

El efecto resulta más fuerte cuando se descubre que con un doble “tap” en la foto se dispara el corazón automáticamente desde nuestro pulgar. ¡San Valentín todo el año!

w

ESCRIBE LA LUZ Con motivo de este número dedicado a la fotografía, les pedimos a seis fotógrafos amigos de la casa –Urko Suaya, Ceci Glik, Nico Hardy, Candelaria Gil, Pato Battellini y Nacho Ricci– que nos mandaran dos imágenes, una intelectual y otra frívola.

El resultado no podía ser más genial.

CANDELARIA GIL Frívola: Sin título (2011) Intelectual: Sin título (2012)

NICO HARDY FrĂ­vola: Beach Boys (2012) Intelectual: Sung Ha #3 (2011)

PATO BATTELLINI Intelectual: Marina Remmer I (2012) FrĂ­vola: Marina Remmer II (2012)

CECI GLIK Intelectual: Cuando me di cuenta de qué es ser pelirrojo (2009) Frívola: Éxtasis (2007)

NACHO RICCI Intelectual: The mind is everything. What you think, you become (Buda) (2012) FrĂ­vola: Fashion does not have to prove that it is serious. It is the proof that intelligent frivolity can be something creative and positive (Karl Lagerfeld) (2012)

URKO SUAYA Intelectual: Clorindo Testa y Francisco Bullrich en la Bibilioteca Nacional (2008) FrĂ­vola: Melissa Stasiuk (2011)

38 I JAVIER VELASCO