Catálogo Poli/Gráfica de Puerto Rico: América Latina y el Caribe
POLI/GRÁFICA DE PUERTO RICO: AMÉRICA LATINA Y EL CARIBE
BAJO PRESIÓN UNDER PRESSURE
19/ 04 / 2024 15/ 09/ 2024
Arsenal de la Marina Española Galería de La Sede
INSTITUTO DE CULTURA PUERTORRIQUEÑA
Publicado por / Published by: Instituto de Cultura Puertorriqueña (ICP) Antiguo Arsenal de la Marina Española La Puntilla #3, Viejo San Juan, PR 00901 poligrafica.edu@icp.pr.gov
This book may not be reproduced, in part or in whole, by any means whatsoever, without the written authorization of either the ICP or the specific author of each text.
CONTENIDO / CONTENTS
Lista de artistas
Artist List
Agradecimientos
Acknowledgments
Mensaje del Gobernador de Puerto Rico
Message from the Governor of Puerto Rico
Hon. Pedro R. Pierluisi Urrutia
Mensaje del Director Ejecutivo, Instituto de Cultura Puertorriqueña
Message from the Executive Director, Institute of Puerto Rican Culture
Carlos R. Ruiz Cortés
Mensaje de la Directora del Programa de Artes Plásticas
Message from the Director of the Fine Arts Program
María del Mar Caragol Rivera
Bajo presión / Under Pressure
Elvis Fuentes, curador jefe/ Chief curator
La presión transforma
The pressure transforms
Lisa Ladner, curadora/ curator
Exposición general
General exhibition
De la Bienal de San Juan a la Poli/Gráfica de Puerto Rico
From the San Juan Biennial to the Poli/Gráfica of Puerto Rico
La colección Limbo: Ganancias Marginales
The Limbo collection: Marginal Gains
Fotos de la sala/ Photos of the room
Sala de Lectura/ Reading Room
Fotos de la sala/ Photos of the room
Muebles de la sala de lectura/
Reading room furniture
Biografías de los artistas
Artists biographies
Biografías de los curadores
Curators biographies
Sedes institucionales y Comisiones especiales
Institutional venues and Special commissions
MAP, MAPR, MADMi, MAC, 5to Festival de Chiringas, Retrato de La Perla
Auspiciadores y Aliados
Sponsors and Allies
ARTISTAS / ARTISTS
1500labs
Acosta, Pavel
Aguilar, Regina & Fundación
San Juancito
Álvarez, Esteban
Amorales, Carlos
Anderson Barbata, Laura
Aponte, Carlos
Aragón, Miguel Ángel
Argenzio, María José
Arriegue, Guadalupe
Artists against the bomb
Axtmann, Mary
Baez, Grimaldi
Barberena, Carlos
Bartolomé, Balam
Batista, Pauline
Bejar, Daniel
Belle, La Vaughn
Bergel Melo, Elisa
Bucher, François
Bule, Violette
Calderón, Saskia
Castañeda, Leo
Charlier, Vladimir Cybil
Chemama, Alice
Ciclos Gráficos, Inc.
Crabapple, Molly
Décourt, Leonor
De Jesús, Osvaldo
Díaz, Lope Max
Domínguez, Patricia
Ehlers, Jeannette
Fernández, Juan
Gamarra, Sandra
García López, Felipe
Garet, Richard
González Brun, Adriana
Gotay, Consuelo
Goust, Renee
Guaianá Zignnatto, Andrey
Helguera, Pablo
Hirsch, Debora
Huanca, Donna
Iguiniz Boggio, Natalia
Lagunas, Jessica
Lara, Adriana
Larsen, Gustavo Alfredo
Lee, Suwon
López, Diana
Machado, Thessia
Malavé, George
Marcial Torres, Carlos
Marichal, Poli
Meléndez, Elsa María
Merhi, Yucef
Molina, Maritza
Montero Matamoros, Johana
Morán Jahn, Marisa
Navarro, Iván
Negrón-Muntaner, Frances & Santos Negrón, Sarabel
Nieves, Lilliam
Ochoa, Nela
Orlandi, Uziel
Ortiz, Ada del Pilar
Otero, Néstor
Pavón, Geandy
Peña, Fabián
Peñafiel, Edison
Quijano Feliciano, Raquel
Ramírez, Belkis
Rodríguez Calero
Rodríguez, Edel
Rodríguez De Santiago, Ricardo J.
Rodríguez Sepúlveda, Miguel
Román, Daniel Arnaldo
Rosario Sastre, Melquiades
Ruiz Galloza, Germarilis
San Martín, María Verónica
Serigrafía Cooperativa
Sifre, Chaveli
Taulis, Antonia
Telleria, Marisa
Tomassini, Heryk
Torres, Chris
Torres-Ferrer, Gabriella
Torres Rodríguez, Amanda
Tufiño, Nitza
Vargas-Bernard, Rafael
Vazquez Mejias, John
Vila Rivero, Norma
Villalobos Echeverría, Patricia
Ward, Nari
INSTITUTO DE CULTURA PUERTORRIQUEÑA
RECONOCIMIENTOS/ ACKNOWLEDGEMENTS
Gobernador de Puerto Rico
Hon. Pedro R. Pierluisi Urrutia
Junta de directores
Instituto de Cultura Puertorriqueña
Arq. Carlos Rubio Cancela – Presidente
Sra. Wesley Cullen-Vicepresidenta
Dr. Edward Moreno Alonso-Secretario
Monseñor Wilfredo Peña-Miembro
Sr. Robert Méndez-Miembro
Sr. Manuel Cardona Martínez-Miembro
Carlos R. Ruiz Cortés Director Ejecutivo
EQUIPO POLI/GRÁFICA DE PUERTO RICO: AMÉRICA LATINA Y EL CARIBE PROGRAMA DE ARTES PLÁSTICAS Y COLECCIONES
Elvis Fuentes Curador jefe
Lisa Ladner Curadora
Ismari Caraballo Milanés Curadora, programa educativo
María del Mar Caragol Rivera Directora y co editora Programa de Artes Plásticas y Colecciones
Ángel L. Cruz Cardona Registrador de Colecciones
Laura Quiñones Navarro Registradora de Colecciones
Alba Ramos Román Coordinadora de Actividades Culturales
Caridad Rodríguez Sáez Registradora
Martin Rodríguez Cabrera Técnico en enmarcación y Manejo de obras de arte
Carmen S. Torres Rodríguez Registradora de Colecciones
Carla S. Villanueva Bula Asesora administrativa
EQUIPO EDITORIAL
Ámbar Suárez Cubillé Directora del Programa de Publicaciones y Grabaciones
Ernesto Rentas Torres Pasado director, Programa de Publicaciones y Grabaciones
Cristina Martínez Pedraza Editora
Maritza Cardona Catilia Romero Traducción de textos
Aaron Salabarrías Valle Identidad visual y Diseño editorial
omlte studio Diseño gráfico y portal web
Roberto Rivera Sánchez Fotografía
Eddie Figueroa Feliciano Montaje de la exhibición
Juan Fernando Morales Nazario
Alejandro Morales Nazario Instalación y trabajos especiales
Jafet Cruz Cordero
Juliana Díaz Melero
Daneiska Ramírez L ugo
Babby Quiñones
Pablo Rodríguez Diaz Instaladores
Javier Moreno Pintura mural
Bienvenido Díaz
Construcción y carpintería
Griselle M. García
Isabelle C. Rosa
Intérpretes educativas
Edward Rivera
Miguel Santiago
Documentación del programa educativo
COMUNICACIÓN Y RELACIONES PÚBLICAS
Nayaret Candelario
Directora
Sheila Díaz, oficial de prensa
Lemil Collazo, relacionista público
Rosalba Medina
SERVICIOS GENERALES
Grisalibelle Martínez
Directora
Edwin Erazo
Tomas Navarro
David Santiago Trabajadores, Servicios Generales
SEDES OFICIALES/ OFFICIAL VENUES
Sedes institucionales y Comisiones especiales
Institutional venues and special commissions
Museo de Arte Contemporáneo
Rehearsal (ensayo), un performance de Shaun Leonardo
Museo de Arte y Diseño de Miramar
Ensayos literarios: La Germinal de Mónica Rodríguez
Museo de Arte de Ponce
Réquiem a la Ceiba de Ponce de Tato González
Museo de Arte de Puerto Rico
Topografía Extendida de Nayda Collazo-Llórens
Comunidad La Perla y Chemi Rosado Seijo
5to Festival de Chiringas, Retrato de La Perla en colaboración con el artista Chemi Rosado Seijo y residentes de la comunidad La Perla
COLECCIONES PRESTATARIAS/ BORROWER COLLECTIONS
In vitro de su colección “Petroglifos Tawahkas”
Galería Albarrán Bourdais
Marlborough Gallery
GALLERIAPIU
Lisa Ladner
Liga de Arte de San Juan
Museo de Historia, Antropología y Arte de la Universidad de Puerto Rico (MHAA)
TBA21 Thyssen-Bordemisza Art Contemporary Collection
Galeria Leme
Galería Viedma
Hutchinson Modern and Contemporary, New York
Espacio 1414 / Colección Diana y Moisés Berezdivin
Marisa Morán Jahn, Benjamín Murray
Iván Navarro y Galerie Templon
Colección Chocolate Cortés
Colección del Museo de Arte Contemporáneo y la Comunidad Tras Talleres
Artist Against The Bomb
Colección ABEXUS, LLC
Colección de Antonio García Ramírez y Mae-Ling Colón Báez
Galería Embajada
Tanya Brillenbourg Art, Miami
MENSAJE DEL GOBERNADOR DE PUERTO RICO, HON. PEDRO R. PIERLUISI URRUTIA
Durante décadas, Puerto Rico ha reunido a los mejores artistas locales, caribeños y latinoamericanos para celebrar magnos eventos de arte. Esta edición de la Poli/Gráfica de Puerto Rico: América Latina y el Caribe reafirma nuestro sitial en el sector artístico-cultural internacional al presentar una propuesta innovadora en torno a la gráfica. La exhibición de obras de más de 100 artistas puertorriqueños e internacionales, así como diversas actividades paralelas con importantes historiadores, críticos y estudiosos del arte solidifican el intercambio cultural y el diálogo entre los artistas de la región.
Como motor de desarrollo económico, la cultura es un campo dinámico que permite crear espacios para apreciar y consumir la producción de su gente. En el marco de la Poli/Gráfica, hemos restaurado una asombrosa cantidad de bienes patrimoniales que van desde obras pictóricas hasta joyas arquitectónicas, como el antiguo Arsenal de la Marina Española en el Viejo San Juan. Les invito a que conozcan los tesoros culturales e históricos puertorriqueños que conservamos y protegemos con gran orgullo.
Las expresiones de la gráfica son el medio para seguir presentando a Puerto Rico como centro de creación artística y compromiso social. Puerto Rico, como puente hacia los Estados Unidos de América y ventana del Caribe y América Latina, se honra en recibirles. Con nuestra calurosa bievenida a la Isla del Encanto, reiteramos nuestro compromiso con el arte, la cultura y la historia.
Hon. Pedro R. Pierluisi Urrutia
Gobernador de Puerto Rico
MESSAGE FROM THE GOVERNOR OF PUERTO RICO, HON. PEDRO R. PIERLUISI URRUTIA
For decades, Puerto Rico has brought together the best local, Caribbean and Latin American artists to celebrate great art events. This edition of the Poli/Graphic of Puerto Rico: Latin America and the Caribbean reaffirms our place in the international artistic-cultural sector by presenting an innovative proposal around graphics. The exhibition of works by more than 100 Puerto Rican and international artists, as well as various parallel activities with important historians, critics and art scholars solidify cultural exchange and dialogue between artists in the region.
As an engine of economic development, culture is a dynamic field that allows creating spaces to appreciate and consume the production of its people. Within the framework of Poli/Graphic, we have restored an astonishing amount of heritage assets ranging from pictorial works to architectural gems, such as the former Spanish Navy Arsenal in Old San Juan. I invite you to learn about the Puerto Rican cultural and historical treasures that we preserve and protect with great pride.
The expressions in the graphics are the means to continue presenting Puerto Rico as a center of artistic creation and social commitment. Puerto Rico, as a bridge to the United States of America and a window to the Caribbean and Latin America, is honored to welcome you. With our warm welcome to the Island of Enchantment, we reiterate our commitment to art, culture and history.
Hon. Pedro R. Pierluisi Urrutia Governor of Puerto Rico
La gráfica ocupa un sitial preferente en el arte puertorriqueño. Sus precursores cultivaron un camino fértil para la creación de nuevos imaginarios, que las generaciones siguientes recorremos.
Esta edición de la Poli/Gráfica de Puerto Rico: América Latina y el Caribe honra la capacidad creativa y el compromiso estético y social legado.
Dando continuidad a la Bienal de San Juan del Grabado Latinoamericano y del Caribe, y a la Trienal Poli/Gráfica de San Juan, América Latina y el Caribe —eventos cumbre que nos colocaron en el circuito internacional de las artes plásticas—, presentamos la Poli/Gráfica como un proyecto cultural monumental que se distingue por su hibridez entre la tradición y la vanguardia.
En esta muestra, las obras de más de 100 artistas puertorriqueños e internacionales dialogan a través de la gráfica tradicional y la gráfica expandida. Los desafíos del pasado lustro no sólo les sirven de antesala, sino que articulan conceptualmente esta Poli/Gráfica, titulada Bajo presión/ Under Pressure. La curaduría de Elvis Fuentes y Lisa Ladner es una provocación a la imaginación, siempre necesaria en un mundo volátil y cambiante. Su ejercicio curatorial potencia la serie de actividades, intervenciones, exposiciones, publicaciones, talleres profesionales y programa educativo que hacen de esta edición una de las más ambiciosas.
La Poli/Gráfica de Puerto Rico: América Latina y el Caribe es una reafirmación del Instituto de Cultura Puertorriqueña en su compromiso de investigar, conservar, promover y divulgar la cultura puertorriqueña en su diversidad y complejidad. Mi reconocimiento y agradecimiento al equipo de La Poli/Gráfica, en especial, al Programa de Artes Plásticas, curadores, artistas, gestores y colaboradores, por haber logrado este magno evento.
Carlos R. Ruiz Cortés Director Ejecutivo
San Juan de Puerto Rico
Abril de 2024
MESSAGE FROM THE EXECUTIVE DIRECTOR
Graphics occupy a prominent place in Puerto Rican art. Its precursors cultivated a fertile path for the creation of new imaginaries, which the following generations continued to do so. This edition of the Poli/Gráfica of Puerto Rico: Latin America and the Caribbean honors the creative capacity and aesthetic and social commitment left behind.
Giving continuity to the San Juan Biennial of Latin American and Caribbean Engraving, and the Poli/Graphic Triennial of San Juan, Latin America and the Caribbean—peak events that placed Puerto Rico on the international circuit of the plastic arts—, we present the Poli/ Graphic as a monumental cultural project that is distinguished by its hybridity between tradition and the avant-garde.
In this exhibition, the works of more than 100 Puerto Rican and international artists dialogue through traditional graphics and expanded graphics. The challenges of the past five years not only serve as a prelude to them, but also conceptually articulate this Poli/Gráfica, titled Bajo Pressión/Under Pressure. The curation of Elvis Fuentes and Lisa Ladner is a stimulus to the imagination, always necessary in a volatile and changing world. Its curatorial practice enhances the series of activities, interventions, exhibitions, publications, professional workshops and educational program that make this edition one of the most ambitious.
The Poly/Graphic of Puerto Rico: Latin America and the Caribbean is a reaffirmation of the Institute of Puerto Rican Culture in its commitment to investigate, preserve, promote and disseminate Puerto Rican culture in its diversity and complexity. My recognition and gratitude to the La Poli/Gráfica team, especially the Plastic Arts Program, curators, artists, managers and collaborators, for having achieved this great event.
Carlos R. Ruiz Cortés Executive Director
San Juan, Puerto Rico
April 2024
MENSAJE DE L A DIRECTORA PROGRAMA DE ARTES PLÁSTICAS
Un puente sostenido por el Instituto de Cultura Puertorriqueña (ICP) durante cincuenta y cuatro años. Décadas entramadas en el estudio, diseño, cuestionamiento y reformulación del lenguaje central de este proyecto emblemático: la gráfica.
La Bienal de San Juan del Grabado Latinoamericano se originó en 1970, cuando el ICP, una corporación pública del Gobierno de Puerto Rico, organiza por primera vez este evento artístico. En sus inicios, la Bienal se componía de tres exhibiciones: un concurso con sus correspondientes premiaciones, y dos homenajes. De estas últimas, una se dedicaba a un artista latinoamericano y otra a uno puertorriqueño. Ciertamente, para la década de los setenta, la gráfica en Latinoamérica vivía su época dorada: representaba un lenguaje universal, y en Puerto Rico, donde había una marcada preferencia de los artistas por el papel, se había alcanzado madurez técnica y conceptual.1 A partir de 1986, se convierte en la Bienal de San Juan del Grabado Latinoamericano y del Caribe, un cambio que se teoriza vino en respuesta a la creación de la Bienal de La Habana (1984) y con la idea de expandir la participación de la región antillana.
Ya en 1979, para su cuarta edición, se hablaba sobre una Bienal en decadencia y sobre las complicaciones que traía su producción. Ambas cuestiones serían debatidas entre profesionales de las artes a lo largo de sus trece ediciones. Para atender estas problemáticas, y entendiendo la importancia de este proyecto de país para el intercambio e imaginación de nuevas posibilidades entre Puerto Rico, el Caribe y América Latina, se propuso un proyecto de ley para asignar una financiación recurrente y estable. De igual manera, para nombrarlo como el evento artístico definitivo a cargo de promover la exhibición y difusión de la plástica puertorriqueña e internacional en la Isla. En 2004 se avaló un proyecto del Senado para reconocer este evento cultural como uno de carácter oficial del Estado Libre Asociado de Puerto Rico (Ley 512 del 2004), y para asegurar un presupuesto cada tres años, transformando su nombre a Trienal Poli/Gráfica de San Juan: América Latina y el Caribe. La Trienal se celebró consecutivamente en 2004, 2009, 2012 y 2015.
Desde el 2016 se han experimentado nuevos paradigmas en el ecosistema artístico y cultural en el que se desenvuelven las artes plásticas. Bajo la supervisión de la Junta de Control Fiscal (JCF), se tomaron decisiones trascendentales, como la eliminación de los fondos que financiaban la operación del proyecto de arte más longevo de Puerto Rico. A pesar de esto, en el 2017, el historiador de arte y curador independiente Elvis Fuentes crea la propuesta curatorial “Bajo
1 Tió, Teresa. “Las Bienales de San Juan del Grabado Latinoamericano y del Caribe: una síntesis”. Plástica (San Juan, Puerto Rico), vol.1, núm. 16, mayo 1987, pp. 33-46.
MESSAGE FROM THE DIRECTOR
FINE ARTS PROGRAM
A bridge sustained by the Institute of Puerto Rican Culture (ICP) for fifty-four years. Decades involved in the study, design, questioning and reformulation of the central language of this emblematic project: graphics.
The San Juan Biennial of Latin American Engraving originated in 1970, when the ICP, a public corporation of the Government of Puerto Rico, organized this artistic event for the first time. In its beginnings, the Biennial was made up of three exhibitions: a competition with its corresponding awards, and two tributes. Of the latter, one was dedicated to a Latin American artist and another to a Puerto Rican artist. Certainly, by the 1970s, graphics in Latin America were experiencing their golden age, as they represented a universal language; and in Puerto Rico, where there was a marked preference among artists for paper, technical and conceptual maturity had been reached1. Starting in 1986, it became the San Juan Biennial of Latin American and Caribbean Engraving, a change that is theorized came in response to the creation of the Havana Biennial (1984) and with the idea of expanding the participation of the Antillean region.
Already in 1979, for its fourth edition, there was talk about a Biennial in decline and the complications that its production brought. Both questions would be debated among arts professionals throughout its thirteen editions. To address these problems and understanding the importance of this country project for the exchange and imagination of new possibilities between Puerto Rico, the Caribbean and Latin America, a bill was proposed to allocate recurring and stable financing. Likewise, to recognize it as the definitive artistic event in charge of promoting the exhibition and dissemination of Puerto Rican and international plastic arts on the Island. In 2004, a Senate project was endorsed to recognize this cultural event as an official one of the Free State Associated of Puerto Rico (Law 512 of 2004), and to ensure a budget every three years, transforming its name to Triennial Poli/Grafica de San Juan: Latin America and the Caribbean. The Triennial was held consecutively in 2004, 2009, 2012 and 2015.
Since 2016, new paradigms have been experienced in the artistic and cultural ecosystem in which the fine arts operate. Under the supervision of the Fiscal Control Board (JCF), momentous decisions were made, such as the elimination of funds that financed the operation of the longest-running art project in Puerto Rico. Despite this, in 2017, art historian and independent curator Elvis Fuentes created the curatorial proposal “Bajo Presión/Under Pressure.” Since then, the ICP submitted budget requests to the JCF over the following years (2018-2021) with little or no positive results.
1 Tió, Teresa. “Las Bienales de San Juan del Grabado Latinoamericano y del Caribe: una síntesis”. Plástica (San Juan, Puerto Rico), vol.1, núm. 16, mayo 1987, pp. 33-46.
Presión/Under Pressure”. Desde entonces, el ICP sometió durante los siguientes años (2018-2021) peticiones presupuestarias a la JCF con poco o ningún resultado positivo.
A este escollo financiero se unieron otros desafíos de la agencia: el recorte del 90% del presupuesto del ICP (2016-2017), el embate de los huracanes Irma y María (2017), seguido por la serie de terremotos (2020) y la pandemia causada por el coronavirus (2020-2023). Esta sucesión de eventos extraordinarios nos obligó a enfocarnos en atender las emergencias y viabilizar formas de estabilizar la gestión programática, sin detener nuestra responsabilidad con los sectores a los que servimos.
En 2021, el presidente de los Estados Unidos, Joe Biden, firmó la ley conocida en inglés como American Rescue Plan Act (ARPA), que otorgó fondos de rescate, algunos destinados a atender los efectos secundarios provocados por la pandemia. El director ejecutivo del ICP, Carlos R. Ruiz Cortés, presentó al gobernador, Hon. Pedro Pierluisi, la propuesta “Rescate Cultural”, un portafolio de proyectos artísticos para ser subvencionados a través de ARPA. Fue gracias a esta gestión que, en 2022, se recibió una asignación de fondos federales para la producción de la Poli/Gráfica de Puerto Rico: América Latina y el Caribe.
Desde el 2017 se ha gestado la transformación hacia un proyecto gratuito, descentralizado y con el mismo estándar de calidad. Ciertamente, los desafíos durante este tiempo también propiciaron un proceso reflexivo que reclamaba que hiciéramos eco de nuestra realidad: habían pasado más de tres años desde la última Trienal, y teníamos que ampliar la visibilidad del sector de las artes plásticas y el alcance de su programa educativo de forma equitativa a través de nuestro archipiélago. Es entonces que la agencia decide partir del título de Trienal Poli/Gráfica de San Juan: América Latina y el Caribe para proyectar en su nuevo nombre una visión abarcadora de Puerto Rico.
Navegando este panorama, hemos buscado fuentes de financiación externas; hecho alianzas con entes en el plano gubernamental y fuera de él; expandido los límites educativos del proyecto; y enfocado todos los recursos disponibles de nuestra agencia hacia la materialización de una edición ambiciosa en todos sus frentes. Para ella se han seleccionado a más de 100 artistas de Puerto Rico, América Latina y el Caribe, quienes, a través de la visión curatorial de Elvis Fuentes, articulan los ejes temáticos que componen “Bajo Presión/Under Pressure”: expresión, compresión, represión e impresión.
Además, la Poli/Gráfica rinde homenaje a la tradición gráfica al incorporar, en la nueva Galería de la Sede del ICP, una sala dedicada a la historia de la Bienal. Asimismo, consideró a diseñadores industriales como parte de su propuesta artística. La curadora por Puerto Rico, Lisa Ladner, tuvo la responsabilidad de seleccionar, entre una amplia y sólida fuente de talento, a los artistas nacionales que contribuirían a esta exhibición con su cuerpo de trabajo.
El programa educativo, ideado por Ismari Caraballo, fue diseñado con un enfoque inclusivo, considerando las necesidades y recursos disponibles en todo Puerto Rico. El mismo incluyó
Added to this financial obstacle were other challenges for the agency: the 90% cut in the ICP budget (2016-2017), the onslaught of hurricanes Irma and María (2017), followed by the series of earthquakes (2020) and the pandemic caused by the coronavirus (2020-2023). This succession of extraordinary events forced us to focus on addressing emergencies and enabling ways to stabilize programmatic management, without stopping our responsibility to the sectors we serve.
In 2021, the President of the United States, Joe Biden, signed the law known in English as the American Rescue Plan Act (ARPA), which provided rescue funds, some intended to address the secondary effects caused by the pandemic. The executive director of the ICP, Carlos R. Ruiz Cortés, presented the “Cultural Rescue” proposal to the governor, Hon. Pedro Pierluisi, a portfolio of artistic projects to be subsidized through ARPA. It was thanks to this management that, in 2022, an allocation of federal funds was received for the production of the Poly/Graphic of Puerto Rico: Latin America and the Caribbean.
Since 2017, the transformation has been underway towards a free, decentralized project with the same quality standard. Certainly, the challenges during this time also led to a reflective process that demanded that we echo our reality: more than three years had passed since the last Triennial, and we had to expand the visibility of the plastic arts sector and the scope of its program educationally equitably throughout our archipelago. It is then that the agency decides to start from the title of San Juan Poly/Graphic Triennial: Latin America and the Caribbean to project in its new name a comprehensive vision of Puerto Rico.
Navigating this landscape, we have sought external funding sources; made alliances with entities at the government level and outside it; expanded the educational boundaries of the project; and focused all the available resources of our agency towards the materialization of an ambitious edition on all its fronts. For it, more than 100 artists from Puerto Rico, Latin America and the Caribbean have been selected, who, through the curatorial vision of Elvis Fuentes, articulate the thematic axes that make up “Bajo Presión/Under Pressure”: expression, compression, repression and printing.
In addition, Poli/Gráfica pays tribute to the graphic tradition by incorporating, in the new Gallery of the ICP Headquarters, a room dedicated to the history of the Biennial. Likewise, he considered industrial designers as part of his artistic proposal. The curator for Puerto Rico, Lisa Ladner, had the responsibility of selecting, from a wide and solid source of talent, the national artists who would contribute to this exhibition with her body of work.
The educational program, devised by Ismari Caraballo, was designed with an inclusive approach, considering the needs and resources available throughout Puerto Rico. It included workshops offered by prominent artists in multiple disciplines, whose activities were supported by entities that provided their facilities for these events, allowing us to reach a diverse audience. A symposium was also held, in collaboration with the University of Sacred Heart (Universidad del
talleres ofrecidos por artistas destacados en múltiples disciplinas, cuyas actividades tuvieron el apoyo de entidades que brindaron sus instalaciones para estos eventos, permitiéndonos llegar a una audiencia diversa. También se realizó, en colaboración con la Universidad del Sagrado Corazón y con el respaldo de la Fundación Puertorriqueña de las Humanidades, un simposio en el Teatro Emilio S. Belaval. En resumen, esta rama vital de la Poli/Gráfica fue creada con el propósito de promover las artes gráficas en Puerto Rico de manera plural y a través de nuestras islas.
La Poli/Gráfica contó con el respaldo de instituciones culturales y artistas que recibieron subvenciones para comisiones oficiales, entre ellas, el Museo de Arte y Diseño de Miramar, el Museo de Arte Contemporáneo, el Museo de Arte de Puerto Rico y el Museo de Arte de Ponce. Reconocemos también el papel fundamental que desempeñan los proyectos de arte de base comunitaria, por lo que sufragamos la propuesta del 5to Festival de Chiringas, Retrato de La Perla, organizado por Chemi Rosado Seijo junto a la Comunidad de La Perla. Agradecemos a todos los artistas y gestores culturales que llevaron a cabo con meticulosidad estos proyectos, cuyos detalles puede encontrar en el portal web poligraficapr.com.
Expreso mi gratitud a la fuerza invisible que día a día impulsa estas iniciativas monumentales: los servidores públicos con quienes he tenido el honor de colaborar durante los pasados seis años. También agradezco a la comunidad de artistas y colegas profesionales, cuya solidaridad facilita la realización de proyectos de gran envergadura. A aquellos que operan en diferentes campos y espacios, pero cuyo apoyo es indispensable para la gestión segura de propuestas culturales, les reitero mi admiración por su respaldo incondicional.
La Poli/Gráfica de Puerto Rico: América Latina y el Caribe se mantiene firme a cinco décadas de su inicio. Su nuevo título reitera el compromiso de proporcionar una plataforma para el intercambio de lenguajes artísticos y expandir la gráfica mediante la inclusión de una diversidad de medios inspirados en las experimentaciones contemporáneas. Hay pilares inquebrantables —como las salas históricas del Arsenal de la Marina Española y la sede del Antiguo Asilo de la Beneficencia— que dan vida a la misión del ICP y sus políticas culturales para proteger nuestro patrimonio. No hay Bienal, Trienal o Poli/Gráfica que haya surgido sin enfrentar la presión: una fuerza que, sin excepción, ha impreso una huella indeleble en el tejido de nuestra identidad colectiva. Esta energía, cuya fuerza transmuta, es la que mantendrá vivo nuestro deseo por activar espacios físicos y geográficos donde la clase artística pueda alzar su voz, y donde el espectador encuentre sincronía con los discursos que la sostienen. Esto es lo que reconocemos como nuestro legado, y nos llena de un orgullo que perdurará por muchas décadas más.
María del Mar Caragol Directora Programa de Artes Plásticas
Sagrado Corazón) and with the support of the Puerto Rican Foundation for the Humanities, at the Emilio S. Belaval Theater. In summary, this vital branch of Poly/Graphic was created with the purpose of promoting the graphic arts in Puerto Rico in a plural way and throughout our islands.
La Poli/Gráfica was supported by cultural institutions and artists who received subsidies for official commissions, including the Miramar Museum of Art and Design, the Museum of Contemporary Art, the Museum of Art of Puerto Rico and the Museum of Art from Ponce. We also recognize the fundamental role that community-based art projects play, which is why we support the proposal of the 5th La Perla Portrait Chiringa Festival, organized by Chemi Rosado Seijo together with the La Perla Community. We thank all the artists and cultural managers who meticulously carried out these projects, the details of which can be found on the poligraficapr.com web portal.
I express my gratitude to the invisible force that drives these monumental initiatives every day: the public servants with whom I have had the honor of collaborating over the past six years. I also thank the community of artists and professional colleagues, whose solidarity facilitates the realization of large-scale projects. To those who operate in different fields and spaces, but whose support is essential for the safe management of cultural proposals, I reiterate my admiration for your unconditional support.
The Poli/Grafica of Puerto Rico: Latin America and the Caribbean remains strong five decades after its inception. Its new title reiterates the commitment to providing a platform for the exchange of artistic languages and expanding graphics through the inclusion of a diversity of media inspired by contemporary experimentations. There are unbreakable pillars—such as the historic rooms of the Spanish Navy Arsenal and the headquarters of the Old Beneficence Asylum—that give life to the ICP’s mission and its cultural policies to protect our heritage. There is no Biennial, Triennial or Poli/Graphic that has emerged without facing pressure: a force that, without exception, has left an indelible imprint on the fabric of our collective identity. This energy, whose force transmutes, is what will keep alive our desire to activate physical and geographical spaces where the artistic class can raise its voice, and where the viewer finds synchrony with the discourses that sustain it. This is what we recognize as our legacy, and it fills us with such pride that will last for many decades to come.
María del Mar Caragol Director Fine Arts Program
ENSAYOS
BAJO PRESIÓN / UNDER PRESSURE
Elvis Fuentes
Introducción
“Pressure pushing down on me
Pressing down on you, no man ask for Under pressure that burns a building down
Splits a family in two Puts people on streets […]
And love dares you to care for The people on the (People on streets) edge of the night And love (People on streets) dares you to change our way of Caring about ourselves”
Queen y David Bowie, 1981
En 1976, Lorenzo Homar lideró una protesta contra la realización de la Bienal de San Juan del Grabado Latinoamericano, que él mismo había fundado seis años antes. La razón de su rechazo es que se había hecho público que se utilizarían fondos federales asignados para celebrar el bicentenario de la Revolución de las Trece Colonias de Norteamérica. Para Homar, como también para muchos de sus contemporáneos, resultaba inconcebible que un evento puertorriqueño, nacido de una toma de conciencia nacionalista, de la ansiedad de artistas e intelectuales boricuas por pensarse a sí mismos como país y encontrar un lugar propio en el contexto latinoamericano y caribeño, se convirtiera de soslayo en una grotesca celebración de la independencia del colonizador. La Bienal de ese año se canceló como resultado del boicot.
A casi cinco décadas de ese acontecimiento, y después de un largo hiato de espera, la actual edición de la Poli/Gráfica de Puerto Rico se realiza estrictamente con fondos provenientes del programa American Rescue Plan (ARPA) después de un largo hiato de espera. El significado de los fondos es muy distinto, por supuesto, pues Puerto Rico ha atravesado un rosario de crisis que ha sacudido a sociedad y su nación. Tampoco se celebra la independencia de la metrópoli. Aun así, resulta una cruel ironía que haya tenido que ocurrir una pandemia global (Covid-19) para que surgiera la posibilidad de reavivar este importante evento. La gráfica es, al cabo, la más rica expresión de las artes plásticas puertorriqueñas.
Cuando me invitaron en 2017 a servir como curador jefe de la quinta edición de la entonces
Trienal Poli/Gráfica de San Juan, se vislumbraba un futuro aciago. Puerto Rico llevaba más de
BAJO PRESIÓN / UNDER PRESSURE
Elvis Fuentes
Introduction
“Pressure pushing down on me Pressing down on you, no man ask for Under pressure that burns a building down Splits a family in two Puts people on streets […] And love dares you to care for The people on the (People on streets) edge of the night And love (People on streets) dares you to change our way of Caring about ourselves”
Queen and David Bowie, 1981
In 1976, Lorenzo Homar led a protest against the holding of the San Juan Biennial of Latin American Printmaking, which he had founded six years earlier. The reason for his rejection was that it had become public that federal funds allocated to celebrate the bicentennial of the American Revolution were to be used. For Homar, as well as many of his contemporaries, it was inconceivable that a Puerto Rican event, born from a nationalist awakening and the anxiety of Puerto Rican artists and intellectuals to think of themselves as a country and find their own place in the Latin American and Caribbean context, would covertly become a grotesque celebration of the colonizer’s independence. As a result of the boycott, the Biennial that year was canceled.
Nearly five decades after that event, and after a long hiatus, the current edition of the Poli/ Gráfica of Puerto Rico is being held strictly with funds from the American Rescue Plan (ARPA). The significance of the funds is very different, of course, as Puerto Rico has gone through a series of crises that have shaken its society and nation. Nor is it celebrating the independence of the metropolis. Even so, it is a cruel irony that it took a global pandemic (Covid-19) to revive this important event. Printmaking is, after all, the richest expression of Puerto Rican visual arts.
When I was invited in 2017 to serve as chief curator of the fifth edition of the then Triennial Poli/ Gráfica of San Juan, the future looked bleak. Puerto Rico had been in a financial crisis for more than a decade, and the Obama administration had imposed a fiscal control board that practically
una década de crisis financiera y la administración de Barack Obama había impuesto una junta fiscal que prácticamente paralizó al gobierno estatal. La elección de Donald Trump colmó la copa de desastres, pues su retórica neofascista y antidemocrática presagiaba un giro a políticas de crueldad y desprecio hacia las minorías en los Estados Unidos, incluyendo a millones de boricuas. Sin embargo, como sucede con frecuencia, esta situación límite despertó en muchos la necesidad de expresarse, tomar acción y lanzarse a la calle, ocupando incluso los espacios públicos y corporativos más sagrados.
Percibí entonces un paralelismo entre la respuesta social al movimiento trumpista MAGA (Make America Great Again) y las protestas que ocurrieron a principios de la década de 1980 con la ascensión al poder de Margaret Thatcher y Ronald Reagan. La Marcha de las Mujeres, los movimientos Occupy Wall Street y Black Lives Matter, los “indignados”, las protestas de los estudiantes puertorriqueños contra los recortes en la universidad, las revueltas anticorrupción contra las dictaduras de Daniel Ortega en Nicaragua, de los peronistas en Argentina y del Partido de los Trabajadores en Brasil, las confrontaciones entre maduristas y opositores en Venezuela, las marchas de las Damas de Blanco en Cuba, el levantamiento social en Chile, las manifestaciones pro-democracia en Guatemala: son todas expresiones de sociedades en crisis, pero no aletargadas sino vivas, donde la participación cívica y ciudadana puede impulsar a cambios. Esa vitalidad siempre genera esperanza.
Entonces recordé la canción Under Pressure / Bajo presión (1981), compuesta por el vocalista de Queen, Freddy Mercury, en colaboración con los demás miembros de la banda y David Bowie. La canción se refiere a las presiones existenciales —ya sean económicas, sociopolíticas o identitarias— que colocan a las personas en situaciones extremas y las llevan a tomar las calles en protesta. Con su espíritu indomable, los autores reconocían que la presión era un desafío, pero propiciaba el encuentro de muchos en ese espacio compartido por la indignación y el dolor, donde se encontraba precisamente la fuerza del amor y del cuidado de unos por otros. Resuenan como un eco estos versos: “And love (People on streets) dares you to change our way of caring about ourselves”. Atreverse a cuidarnos unos a otros, bajo la sombra y el asombro de la solidaridad para enfrentar la crisis.
Siete años después de ese primer acercamiento al tema de la presión, y tras el paso de dos devastadores huracanes, un terremoto y la pandemia del Covid-19, el sentido de Bajo Presión ha cambiado sustancialmente. No es que haya dejado de tener vigencia, sino que su presencia es más marcada aún, no sólo por las repercusiones de estos fenómenos naturales (y no tan naturales), pero también con la crisis migratoria de latinoamericanos y caribeños que huyen de países sin futuro, producto del socialismo dictatorial y las políticas neoliberales de la crueldad, el estado fallido en Haití, la plaga de terror asociada con el narcotráfico en Centro y Sudamérica, la
paralyzed the state government. The election of Donald Trump filled the cup of disasters, as his neo-fascist and anti-democratic rhetoric heralded a turn to policies of cruelty and disdain toward minorities in the United States, including millions of Puerto Ricans. However, as often happens, this extreme situation awakened in many the need to express themselves, take action, and take to the streets, occupying even the most sacred public and corporate spaces.
I then perceived a parallel between the social response to the MAGA (Make America Great Again) movement and the protests that occurred in the early 1980s with the rise to power of Margaret Thatcher and Ronald Reagan. The Women’s March, the Occupy Wall Street and Black Lives Matter movements, the “indignados,” the Puerto Rican students’ protests against university budget cuts, the anti-corruption revolts against the dictatorships of Daniel Ortega in Nicaragua, the Peronists in Argentina, and the Workers’ Party in Brazil, the confrontations between Maduro supporters and opponents in Venezuela, the Ladies in White marches in Cuba, the social uprising in Chile, and the pro-democracy demonstrations in Guatemala: all are expressions of societies in crisis, but not lethargic, rather alive, where civic and citizen participation can drive change. This vitality always generates hope.
Then I remembered the song Under Pressure/ Bajo presión (1981), composed by Queen’s lead vocalist, Freddie Mercury, in collaboration with the other band members and David Bowie. The song refers to existential pressures—whether economic, socio-political, or identity-related—that place people in extreme situations and lead them to take to the streets in protest. With their indomitable spirit, the authors recognized that pressure was a challenge but fostered the meeting of many in that shared space of indignation and pain, where precisely the strength of love and care for one another was found. These verses resonate like an echo: “And love (People on streets) dares you to change our way of caring about ourselves.” To dare to care for each other, in the shadow and wonder of solidarity to face the crisis.
Seven years after that first approach to the theme of pressure, and after the passage of two devastating hurricanes, an earthquake, and the Covid-19 pandemic, the sense of “Under Pressure” has changed substantially. It is not that it has lost its relevance, but its presence is even more marked, not only because of the repercussions of these natural (and not-so-natural) phenomena but also with the migration crisis of Latin Americans and Caribbeans fleeing countries without a future, the product of dictatorial socialism and neoliberal policies of cruelty, the failed state in Haiti, the plague of terror associated with drug trafficking in Central and South America, the wave of femicides, and other forms of violence against women. To this must be added two wars—in Ukraine and the Middle East—that threaten to explode as international conflicts, affecting a world connected by technologies, economic globalization, and strategic military alliances. This is more relevant for Puerto Rico as a territory of the NATO leader.
ola de feminicidios y otras formas de violencia contra la mujer. A esto hay que sumar dos guerras —en Ucrania y Medio Oriente— que amenazan con explotar como conflictos internacionales, afectando a un mundo conectado por las tecnologías, la globalización económica y las alianzas militares estratégicas. Esto es más relevante para Puerto Rico como territorio del líder de la OTAN.
Por lo tanto, es imperativo dar voz a los artistas que expresan a través de su trabajo estas realidades tan difíciles y complejas, a menudo enfrentándose a gobiernos ávidos por controlar las historias con sus mecanismos de censura y represión. Los murales de Iván Navarro, que recurren a la estética de las pantallas optometristas para medir la capacidad de visión, son una metáfora sobresaliente del ejercicio que nos planteamos con esta exposición: auscultar en las formas cotidianas las respuestas ante situaciones que nos han afectado a todos. Solamente necesitamos ajustar el lente para entender el mensaje que las sociedades muestran.
Así pues, cuando se retomó la idea de realizar la exposición gracias al ARPA, resultaba claro que se necesitaba actualizar el proyecto, revisitar algunos temas e incorporar otros, en particular, la expansión de los medios digitales, desde el surgimiento del mercado de NFT hasta la proliferación de usos de programas de inteligencia artificial (AI, por sus siglas en inglés), que avizoran nuevos desafíos, como también oportunidades, para los creadores. De algún modo, con los desastres del cambio climático, puede decirse que reaparece el zeitgeist que captó Edvard Munch en El grito (expuesto originalmente con el título de Der Shcrei der Natur; en inglés, The Scream of Nature), obra que Pavel Acosta apropia y reproduce en blanco imitando una técnica tradicional para transferir imágenes de la pintura al grabado. La naturaleza grita desesperadamente y no la escuchamos.
Algunos artistas han desempolvado los viejos mensajes de la Guerra Fría contra el uso de la bomba atómica por la posibilidad real que presenta la nueva Rusia imperialista y depredadora de Vladimir Putin. Por ejemplo, Pedro Reyes y Verana Codina han desarrollado un proyecto, titulado titulado Artists Against The Bomb (Artistas contra la bomba), que incluye un sinnúmero de colaboradores en todo el mundo. A tenor del espíritu cívico de muchos de los proyectos de Reyes, proponen un modelo de fácil reproducción porque lo importante es llegar a la mayor cantidad de público posible. Entre los artistas latinoamericanos presentes están Regina José Galindo, cuyo afiche presenta una fotografía nítida de un corazón, acompañada del texto “La única bomba necesaria”. Por su parte, Débora Delmar modificó una imagen viral de Paris Hilton, heredera de la cadena de hoteles y conocida por sus exabruptos mediáticos y sentido del humor cruel, con una camiseta que dice “Stop Being Poor” (Pare de ser pobre). En su diseño, Delmar sustituye ese texto por “Stop Nuclear Weapons” (Paren las armas nucleares).
Es notorio que mensajes simplistas y esquemáticos como los memes han ido suplantado los argumentos elaborados racionalmente. Esteban Álvarez explota la tensión entre la naturaleza
Therefore, it is imperative to give voice to artists who express these difficult and complex realities through their work, often facing governments eager to control stories with their mechanisms of censorship and repression. Iván Navarro’s murals, which use the aesthetics of optometrist screens to measure visual acuity, are an outstanding metaphor for the exercise we propose with this exhibition: to examine in everyday forms the responses to situations that have affected us all. We only need to adjust the lens to understand the message that societies show.
Thus, when the idea of holding the exhibition thanks to ARPA was revived; it was clear that the project needed to be updated, review some themes, and incorporate others, particularly the expansion of digital media, from the rise of the NFT market to the proliferation of uses of artificial intelligence (AI) programs, which herald new challenges, as well as opportunities, for creators. In some way, with the disasters of climate change, it can be said that the zeitgeist captured by Edvard Munch in El Grito (originally exhibited under the title Der Shcrei der Natur; en inglés, The Scream of Nature ) a work that Pavel Acosta appropriates and reproduces in white, imitating a traditional technique for transferring images from painting to printmaking. Nature screams desperately, and we do not listen.
Some artists have dusted off the old messages of the Cold War against the use of the atomic bomb due to the real possibility presented by Vladimir Putin’s new imperialist and predatory Russia. For example, Pedro Reyes and Verena Codina have developed a project, titled Artists Against The Bomb , which includes countless collaborators around the world. In line with the civic spirit of many of Reyes’ projects, they propose an easily reproducible model because the important thing is to reach as many people as possible. Among the Latin American artists present are Regina José Galindo, whose poster features a clear photograph of a heart, accompanied by the text “The only necessary bomb.” For her part, Débora Delmar modified a viral image of Paris Hilton, heiress to the hotel chain and known for her media outbursts and cruel sense of humor, with a t-shirt that says “Stop Being Poor”. In her design, Delmar replaces that text with “Stop Nuclear Weapons.”
It is noteworthy that simplistic and schematic messages like memes have been supplanting elaborately reasoned arguments. Esteban Álvarez exploits the tension between the ephemeral nature of memes, which are constantly re-signified, and the monumental scale they acquired in the digital public space. That is why he has engraved the same on bronze plaques, typical of the Western commemorative tradition, the images of nine memes that became a media sensation during the Covid-19 pandemic.
The meme is not the only visual reference that has impacted artists after the expansion of the use of communication and exhibition platforms known as “social media,” especially Twitter, Facebook, Instagram, and Telegram. These sites have become the new places where artistic activity
efímera de los memes, que son constantemente resignificados, con la escala monumental que adquirieron en el espacio público digital. Por eso ha grabado los mismos en placas de bronce, típicas de la tradición conmemorativa occidental, las imágenes de nueve memes que se convirtieron en sensación mediática durante la pandemia del Covid-19.
El meme no es la única referencia visual que ha impactado a los artistas tras la expansión del uso de las plataformas de comunicación y exposición conocidas como “social media”, en especial, Twitter, Facebook, Instagram y Telegram. Estos sitios se han convertido en los nuevos lugares en que el quehacer artístico ha normalizado su consumo. La circulación de “noticias falsas”, término popularizado por el propio Trump, ha puesto al frente de las preocupaciones el dominio de las tecnologías digitales, pues son un arma de múltiples filos. Por un lado, son un vehículo efectivo para la diseminación exponencial de contenidos que no se no se promueven en los medios tradiciones; al mismo tiempo, son el campo de batalla de campañas de desinformación y aceleración de conflictos. También sirven a los intereses de vigilancia de las corporaciones y los gobiernos, al tiempo que han creado lo que algunos teóricos llaman la “post-verdad”.
La presión en la producción gráfica
Para François Bucher, un filósofo que se expresa a través de las artes visuales y la escritura, “la forma sigue a la energía”, que bien puede ser un tipo de presión. La fuerza artística es centrífuga, excéntrica, se aleja de lo normativo. Del mismo modo, las técnicas del grabado también comprenden una traslación que resulta en una huella especular en lugar del positivo objetual. Esa traslación puede tomar formas innumerables.
Entendida en la Física como la fuerza que se aplica sobre un área determinada, la presión es una de las acciones centrales en los procesos de estampación de las artes gráficas. El proceso de aplicar presión puede variar según el método utilizado. En la impresión en relieve (xilografía, linóleo), la imagen se eleva sobre el bloque, y las áreas sin imagen se recortan. Para realizar una impresión, se aplica tinta a la superficie elevada del bloque mediante un rodillo. Luego se coloca papel encima del bloque entintado. Se aplica presión de manera uniforme y firme en la parte posterior del papel, generalmente usando una imprenta o frotando a mano con una barra o una cuchara. Esta presión transfiere la tinta desde la superficie elevada al papel. La instalación Essentials (Esenciales), de Carlos Barberena, aprovecha este proceso para poner de relieve, en clave de homenaje, a los trabajadores más importantes durante la pandemia, como se infiere por su título. Repite la imagen para simular el patrón de un empapelado de pared. Por su parte, María Verónica San Martín recurre a la técnica de la xilografía para crear una narrativa épica sobre el levantamiento social en Chile, en 2015, que la inserta en la tradición del grabado político omnipresente en América Latina desde el Taller de Gráfica Popular en el México revolucionario de inicios del siglo XX.
Pressure in printmaking
For François Bucher, a philosopher who expresses himself through visual arts and writing, “form follows energy,” which can well be a type of pressure. Artistic force is centrifugal, eccentric, moving away from the normative. Similarly, printmaking techniques involve a translation that results in a specular imprint instead of a positive object. This translation can take countless forms.
33 has normalized its consumption. The circulation of “fake news,” a term popularized by Trump himself, has brought to the forefront the dominance of digital technologies, as they are a multiedged weapon. On the one hand, they are an effective vehicle for the exponential dissemination of content not promoted in traditional media; at the same time, they are the battlefield of disinformation campaigns and conflict acceleration. They also serve the surveillance interests of corporations and governments while creating what some theorists call the “post-truth.”
Understood in Physics as the force applied over a determined area, pressure is one of the central actions in the stamping processes of graphic arts. The process of applying pressure can vary depending on the method used. In emboss printing (woodcut, linocut), the image is raised above the block, and non-image areas are cut away. To make a print, ink is applied to the raised surface of the block with a roller. Then, paper is placed on top of the inked block. Pressure is applied evenly and firmly to the back of the paper, usually using a press or rubbing by hand with a baren or spoon. This pressure transfers the ink from the raised surface to the paper. The installation Essentials by Carlos Barberena utilizes this process to highlight, in a tribute, the most important workers during the pandemic, as implied by its title. It repeats the image to simulate the pattern of wallpaper. In turn, María Verónica San Martín uses the woodcut technique to create an epic narrative about the social uprising in Chile in 2015, embedding it in the tradition of political printmaking omnipresent in Latin America since the Taller de Gráfica Popular in revolutionary Mexico in the early 20th century.
In intaglio printing (etching, aquatint), the image is incised into the surface of the plate, either by a burin or acid biting. After inking the entire plate, the ink is wiped off the surface, leaving it only in the incised lines. Then, dampened paper is placed over the inked plate and high pressure is applied, usually with an etching press. The press forces the paper into the incised lines, drawing the ink onto the paper, which absorbs it. This technique of lifting and transferring is masterfully applied in the abstract works of Leonor Décourt, with equal effectiveness in the small format of artist books and in a modular installation of abstract printed cones. Osvaldo de Jesús draws a parallel between the intaglio plate and electronic circuit boards, which are made similarly and noted for their precision and exquisite design. Likewise, the works of Miguel Ángel Aragón offer a peculiar visuality to a series of appropriated and altered press images, where forensic experts
En la impresión calcográfica (aguafuerte, aguatinta), la imagen se incide en la superficie de la plancha, ya sea por medio de un buril o la mordedura del ácido. Después de entintar toda la plancha, se limpia la tinta de la superficie, dejando sólo en las líneas incisas. Luego, se coloca papel humedecido sobre la plancha entintada y se aplica alta presión, normalmente con una prensa de grabado. La prensa fuerza el papel hacia las líneas incisas, arrastrando la tinta hacia el papel, que la absorbe. Esta técnica de levantamiento y transferencia es magistralmente aplicada en los trabajos abstractos de Leonor Décourt, con igual eficacia en el formato pequeño del libro de artista y en una instalación modular de conos impresos abstractos. Osvaldo de Jesús traza un paralelismo entre la matriz calcográfica y los tableros de circuitos electrónicos, que se realizan de forma técnicamente similar y destacan por su precisión y exquisitez de diseño. De igual modo, las obras de Miguel Ángel Aragón ofrecen una peculiar visualidad a una serie de imágenes apropiadas y alteradas de las noticias de prensa, en las cuales peritos policiales analizan los negativos de cuerpos yacentes de las víctimas de la violencia. La limpieza del contraste es esterilizante al punto de deshumanizar el contenido de la imagen.
Por otro lado, la litografía se basa en el principio de que el aceite y el agua no se mezclan. Se trata de una superficie plana —usualmente una piedra o una placa de metal— en la que se dibuja o se transfiere una imagen mediante un material graso. Luego se humedece la superficie con agua y se aplica tinta. Se presiona el papel contra la superficie entintada y se aplica presión, normalmente con una prensa litográfica. Las áreas sin imagen que están húmedas repelen la tinta, mientras que las áreas con imagen que están grasosas transfieren la tinta al papel. El proceso de revelar zonas específicas de la imagen tiene un eco simbólico en la serie de litografías Latitud, de Patricia Villalobos, donde apenas se vislumbra una franja de las multitudes de manifestantes en Nicaragua, que han sido metódicamente reprimidos.
En cambio, Balam Bartolomé interviene digitalmente las litografías propagandistas que circularon ampliamente en publicaciones sobre la guerra imperialista de Estados Unidos contra México. Con gran sentido del humor, cuestiona la incompletud de las historias cuando faltan las voces de los vencidos. Pero no es didáctico, sino irónico: en Buitres sobre la Batalla de Churubusco, una perfecta columna de soldados gringos avanza sobre un grupo de mexicanos que caen o huyen caóticamente. A esta imagen, Bartolomé añade una invasión de pájaros: se trata del logo de Twitter —ahora X— en negro. En La muerte del Coronel Pierce M. Butler (Ofrenda a Mictlantecuhtli), las dramáticas figuras centrales del militar herido y otro que lo sostiene recuerdan un híbrido entre el Galo herido de la antigüedad clásica y la Pietá de Michelangelo. A su derecha cercana aparece una efigie cadavérica, una representación de la diosa azteca de la tierra, Tlaltecuhtli, receptora de los sacrificios humanos para mantener el orden del universo. En Clase de geografía sobre Churubusco, una vasta escena muestra cientos de soldados marchando a la batalla. Aquí se sobreimponen los contornos de un mapa de México impreso en blanco, con las delimitaciones de
examine negatives of bodies lying as victims of violence. The cleanliness of the contrast sterilizes the image content to the point of dehumanization.
On the other hand, lithography is based on the principle that oil and water do not mix. It involves a flat surface—usually a stone or metal plate—on which an image is drawn or transferred using a greasy material. The surface is then dampened with water and inked. The paper is pressed against the inked surface, usually with a lithographic press. The non-image areas, being wet, repel the ink, while the greasy image areas transfer the ink to the paper. The process of revealing specific areas of the image has a symbolic echo in Patricia Villalobos’s lithograph series Latitude where only a strip of the crowds of demonstrators in Nicaragua, methodically repressed, is barely glimpsed.
In contrast, Balam Bartolomé digitally intervenes in propagandistic lithographs widely circulated in publications about the US imperialist war against Mexico. With great humor, he questions the incompleteness of stories lacking the voices of the vanquished. He is not didactic but ironic: in Buitres sobre la Batalla de Churubusco, (Vultures Over the Battle of Churubusco), a perfect column of American soldiers advances on a group of Mexicans falling or fleeing chaotically. To this image, Bartolomé adds an invasion of birds: the black Twitter logo. In La muerte del Coronel Pierce M. Butler (The Death of Colonel Pierce M. Butler )[Offering to Mictlantecuhtli], the central dramatic figures of the wounded soldier and another supporting him recall a hybrid between the Dying Gaul of classical antiquity and Michelangelo’s Pietà. Close by is a cadaverous effigy, representing the Aztec earth goddess Tlaltecuhtli, the receiver of human sacrifices to maintain the universe’s order. In Clase de geografía sobre Churubusco (Geography Lesson on Churubusco) a vast scene shows hundreds of soldiers marching to battle. Superimposed is an outline map of Mexico printed in white, with the state’s boundaries before the war ended with the loss of a third of its territory. In “The American National Game”, a huge brick wall stands between home plate and first base, creating an absurd image. The oblique references to Trump are clear, due to his obsession with social media and the border wall.
In screen printing, a stencil is created on a fine mesh screen. Ink is forced through the open areas of the screen onto the printing surface—such as paper or fabric—using a squeegee. Pressure is applied evenly across the screen with the squeegee, transferring the ink to the substrate. This technique allows for painterly effects exploited by artists to create expressionist resonances. For example, in his posters and viral magazine covers criticizing the racism and anti-democratic inclinations of former President Donald Trump, Edel Rodríguez has turned a sweep of ink into a tsunami wave, hurricane clouds, or bloody brushstrokes of Saturn devouring his children, a reference to the painting by Francisco de Goya. In María José Argenzio’s installation, the use of transparent chiffon fabric recalls the image acquisition process while metaphorizing the unveiling of political and racial connotations of European nobility genealogies. The golden heraldic shield
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sus estados antes de que la guerra terminara con la pérdida de un tercio de su territorio. En The American National Game (El deporte nacional de Estados Unidos), un enorme muro de ladrillos se yergue en el terreno entre el plato (home base) y la primera base, creando una imagen del absurdo. Las referencias oblicuas a Trump son claras, por su obsesión con las redes sociales y el muro de la frontera.
En la serigrafía, se crea una plantilla sobre una pantalla de malla fina. La tinta se fuerza a través de las áreas abiertas de la pantalla hacia la superficie de impresión —como papel o tela— usando una espátula. Se aplica presión uniformemente en toda la pantalla usando la espátula, transfiriendo la tinta al sustrato. Esta técnica permite lograr efectos pictóricos que son aprovechados por los artistas para crear resonancias expresionistas. Por ejemplo, en sus carteles y portadas de revistas virales con las que critica el racismo y las inclinaciones antidemocráticas del expresidente Donald Trump, Edel Rodríguez ha convertido un barrido de tinta en la ola de un tsunami, las nubes de un huracán o los brochazos sangrientos de Saturno devorando a sus hijos, una cita del cuadro homónimo de Francisco de Goya. En la instalación de María José Argenzio, el uso del tela chifón, transparente, recuerda el propio proceso de obtención de la imagen al tiempo que metaforiza el desvelamiento de las connotaciones políticas y raciales de las genealogías de la nobleza europea. El escudo heráldico de oro establece una marca de valor que busca elevar una técnica que a menudo es vista como menor dentro del campo del grabado. Esta misma cualidad mundana del medio es aprovechada por el colectivo Serigrafía Cooperativa para crear un Overol, que es una especie de armadura para el trabajador, hecha de retazos impresos.
Por último, en la impresión tipográfica se presionan superficies elevadas con tinta sobre el papel. La superficie de impresión, a menudo un tipo de caracteres o una imagen en relieve, está entintada. Para transferir la tinta, se presiona el papel contra la superficie entintada usando una prensa tipográfica. Este método es ampliamente utilizado en publicaciones como libros de artistas —por ejemplo, Historia de Yuke, de Consuelo Gotay, una selección de la novela homónima del escritor puertorriqueño Eduardo Lalo que ilustra exquisitamente—; en las populares ediciones cartoneras o en “zines”, entre ellas, la serie dedicada a la espeluznante historia de Julia Pastrana, realizada por Laura Anderson Barbata. También se encuentran ecos en obras que incorporan textos, aunque sin tinta, como el video-objeto The Iconography of Silence (La Iconografía del Silencio), de Debora Hirsch, y la instalación de monedas impresas con la frase “Yo merezco abundancia”, de Miguel Rodríguez Sepúlveda, una crítica mordaz a la corrupción del gobierno mexicano. Podría añadirse también el uso de stencils con diseños tipográficos, como en la obra de Pauline Batista.
Siempre me ha fascinado el poder metafórico de este proceso: el hecho de que “presión” sea parte de la palabra impresión. En cada uno de estos métodos, la aplicación de presión es un paso
establishes a mark of value that seeks to elevate a technique often seen as minor within the printmaking field. This same mundane quality of the medium is leveraged by the Serigrafía Cooperativa collective to create an “Overall”, a kind of armor for the worker, made of printed scraps.
Finally, in letterpress printing, raised surfaces with ink are pressed onto paper. The printing surface, often type or a relief image, is inked. To transfer the ink, paper is pressed against the inked surface using a letterpress. This method is widely used in publications such as artist books—like Historia de Yuké by Consuelo Gotay, a selection of the homonymous novel by Puerto Rican writer Eduardo Lalo, exquisitely illustrated—in popular “cartonera” editions or zines, including the series dedicated to the eerie story of Julia Pastrana by Laura Anderson Barbata. Echoes are also found in works incorporating texts without ink, like the video-object The Iconography of Silence by Debora Hirsch, and the installation of printed coins with the phrase “I deserve abundance” by Miguel Rodríguez Sepúlveda, a biting critique of Mexican government corruption. One could also add the use of stencils with typographic designs, as in the work of Pauline Batista.
I have always been fascinated by the metaphorical power of this process: the fact that “presión” is part of the word “impresión”. In each of these methods, the application of pressure is a crucial step to transfer the ink from the printing surface to the paper or selected material, creating the final image. Pressure ensures adequate contact between the inked surface and the printing substrate, resulting in a clear and well-defined image. This explains the enormous importance of printmaking in the illustrated tradition of encyclopedias and science, where it served to propagate not always truthful images of the studied reality. Sandra Gamarra paints still lifes over prints of objects and indigenous people that became popular in Europe as part of the Enlightenment boom, creating sweetened images of bloody colonial histories in South America. LaVaugh Belle recycles images of colonial representations from her native island, Trinidad and Tobago, to revisit landscapes and their inhabitants systematically purged by tourism advertising machinery. She turns them into a black hole that seems to swallow all non-white historical and cultural references.
Beyond traditional techniques, pressure manifests in expanded forms of polygraphy. Take, for example, Jeannette Ehlers, who uses a whip covered in charcoal dust to strike a white canvas, which could be seen as an allegory of the skin. In her performance Whip It Good, she appears dressed in white skirt and top, her body covered in abstract designs made with white talc. In a sort of ritual, Ehlers rubs the whip with charcoal before lashing at the canvas in a cathartic revenge. Her bodily projection is dramatic and intense due to her training as a dancer. The resulting “print” bears the marks of ancestral violence on the black body. On the other hand, Fabián Peña, an artist and conservationist who is also an avid reader and book collector, compresses in bottles of various shapes and sizes the pages of publications that have been objects of cults to the point of requiring human sacrifices and also victims of government censorship, a reminder of historical and current extremisms.
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crucial para transferir la tinta desde la superficie de impresión al papel o material seleccionado, y crear la imagen final. La presión asegura un contacto adecuado entre la superficie entintada y el sustrato de impresión, lo que resulta en una imagen clara y bien definida. Ello explica la enorme importancia del grabado en la tradición ilustrada de la enciclopedia y de la ciencia, donde sirvió para propagar imágenes no siempre veraces de la realidad estudiada. Sandra Gamarra pinta naturalezas muertas sobre los grabados de objetos y personas indígenas que se popularizaron en Europa como parte del auge de la ilustración, y crea imágenes edulcoradas de las sangrientas historias coloniales europeas en América del Sur. Por su parte, LaVaugh Belle recicla imágenes de las representaciones coloniales de su natal isla Trinidad y Tobago, para revisitar los paisajes y sus habitantes, que han sido sistemáticamente purgados por las maquinarias publicitarias del turismo. Los convierte en un hueco negro que parece tragarse toda referencia histórica y cultural no blanca.
Más allá de las técnicas tradicionales, la presión se manifiesta en las formas expandidas de lo poligráfico. Tomemos por ejemplo el caso de Jeannette Ehlers, quien utiliza un látigo cubierto de polvo de carboncillo para azotar un lienzo blanco, que podría verse como una alegoría de la piel. En su performance Whip It Good (Azótalo bien), aparece vestida con falda y top blancos, y con el cuerpo cubierto de diseños abstractos realizados con talco blanco. En una especie de ritual, Ehlers frota el látigo con el carboncillo antes de arremeter contra el cuadro en una especie de revancha catártica. Su proyección corporal es dramática e intensa gracias a su formación como bailarina. El “grabado” resultante lleva las marcas de la violencia ancestral del cuerpo negro. Por otro lado, Fabián Peña, un artista y conservacionista, quien es además un ávido lector y coleccionista de libros, comprime en botellas de diversas formas y tamaños las páginas de publicaciones que han sido objeto de culto al punto de requerir sacrificios humanos y también víctimas de censuras gubernamentales, un recordatorio de los extremismos históricos y actuales.
La presión no es solamente una manifestación visible de la fuerza física o del poder normalizado —visto como natural—, sino que transmuta en los espacios más intangibles, como la subjetividad y la espiritualidad. La presión social es perenne, desde los rituales de paso de la adolescencia, pasando por la conformidad con las normativas culturales de género, sexualidad y clase social, hasta el crédito financiero. Esteban Álvarez, en clave de humor, propone solucionar este último problema del modo más directo: ofrece al visitante la posibilidad de imprimir billetes de cien dólares mediante la técnica del frottage. Suwon Lee utiliza el motivo del reloj para mostrar la ansiedad que provoca su ser diferente —una inmigrante asiática en Venezuela— y reemplaza las horas con las diferentes funciones identitarias: hora de mostrarse ser venezolana, hora de ser coreana y hora de ser ambas; hora de ser diferente e indiferente; de morir y de renacer; de estar de acuerdo y de disentir. Nari Ward arribó al cordón de las zapatillas deportivas como un símbolo dramático que acarrea la cultura física como tabla de salvación para las comunidades
Pressure is not only a visible manifestation of physical force or normalized power—seen as natural—but transmutes into the most intangible spaces, such as subjectivity and spirituality. Social pressure is perennial, from rites of passage in adolescence, through conformity with cultural norms of gender, sexuality, and social class, to financial credit. Esteban Álvarez, in a humorous key, proposes solving the latter problem in the most direct way: offering visitors the chance to print hundred-dollar bills using the frottage technique. Suwon Lee uses the clock motif to show the anxiety of being different—an Asian immigrant in Venezuela—and replaces the hours with different identity functions: time to be Venezuelan, time to be Korean, and time to be both; time to be different and indifferent; to die and be reborn; to agree and dissent. Nari Ward arrived at the shoelace as a dramatic symbol that carries physical culture as a lifeline for African American communities in metropolises. With this material, he has woven positive symbols, such as the star, or inspiring slogans. Adriana Lara, on the other hand, reveals harmful cultural expectations regarding the female body in her work Colección Primavera - Verano 2012 (SE) (Spring-Summer Collection 2012 (SE)) in which she packages Victoria Slim brand cigarettes, an anorexic consumer item designed specifically for women. The combination of words is significant: the triumphalism of elegant slimness as a victorious and Victorian demand of the female beauty ideal is an assault on the well-being of the very body it supposedly exalts.
As we can see, pressure is ubiquitous: it is found everywhere and takes on different forms and facets of the polygraphic. Below, I will present some of the most outstanding stylistic and thematic groupings that emerged from the curatorial research.
1.Agit-Pop Expression: People take to the streets
Protests and social eruptions have often responded to the call of social media, presenting themselves as phenomena without structure or effective organization. Artists have reacted to these by serving as spokespersons who draw on languages from sources like advertising and pop art. It can be said that the traditional role of graphic arts as a medium for agitation and propaganda (agit-prop), with its Soviet heritage, has transformed into one that involves more seduction and persuasion than provocation, a sort of agit-pop.
Aware that neoliberal globalization has turned citizens into consumers, artists adopt languages from comics, commercial ads, and other expressions of mass culture to capture the attention of their audiences. In a sense, they seek to fulfill Bertolt Brecht’s recommendation, who warned against the didacticism of socialist realist art and emphasized the importance of delivering the didactic through the culinary. Agit-pop is the new language of the political artist in the art fair era. The energy of the march often turns into a parade, but more than anything, it underscores the generosity inherent in art.
afroamericanas en las metrópolis. Con este material, ha hilvanado símbolos positivos, como la estrella, o consignas inspiradoras. Por su parte, Adriana Lara desvela las expectativas culturales dañinas con respecto al cuerpo femenino en su obra Colección Primavera - Verano 2012 (SE), en la que empaqueta cigarrillos de la marca Victoria Slim, un artículo de consumo anoréxico diseñado específicamente para las mujeres. La combinación de palabras es significativa: el triunfalismo de la elegante delgadez como exigencia victoriosa y victoriana del ideal femenino de belleza es un atentado al bienestar del mismo cuerpo que supuestamente ensalza.
Como vemos, la presión es ubicua: se encuentra en todas partes y adquiere diferentes formas y facetas de lo poligráfico. A continuación presentaré algunas de las agrupaciones estilísticas y temáticas que resultaron más sobresalientes tras la investigación curatorial.
1. Expresión agit-pop: El pueblo en las calles
Las protestas y estallidos sociales han respondido a menudo al llamado de las redes y se muestran como fenómenos sin estructura ni organización efectiva. Los artistas han reaccionado a estos sirviendo de portavoces que recurren a lenguajes procedentes de fuentes como la publicidad y el arte pop. Puede decirse que el papel tradicional de la gráfica como medio de las campañas de agitación y propaganda (agit-prop), de herencia soviética, ha transmutado en uno que implica más seducir y persuadir que provocar, una especie de agit-pop.
Conscientes de que la globalización neoliberal ha convertido a los ciudadanos en consumidores, los artistas adoptan lenguajes de los cómics, los anuncios comerciales y otras expresiones de la cultura de masas para lograr captar la atención de sus espectadores. En cierto sentido, buscan cumplir con aquella recomendación de Bertolt Brecht, quien advertía contra el didactismo del arte realista socialista y de la importancia de ofrecer lo didáctico a través de lo culinario. El agit-pop es el nuevo lenguaje del artista político en la era de las ferias de arte. La energía de la marcha a menudo se convierte en desfile, pero más que nada subraya la generosidad propia del arte.
En Nueva York, Marisa Morán Jahn ha apoyado a los vendedores ambulantes, las trabajadoras domésticas —víctimas de abusos y explotación— y los manifestantes de Occupy Wall Street, convirtiendo el símbolo más visible del distrito financiero —el toro— en una burla del sistema bancario. Por su parte, Edel Rodríguez presenta la serie Trump, una versión infantilizada de la violencia política más visceral, decapitando la estatua de la libertad o jugando con bombas nucleares como si fueran juguetes. En Chile, Serigrafía Cooperativa reprodujo las consignas que se popularizaron durante el levantamiento social que fuera del contexto original adquieren la fuerza de un punch poético. En Puerto Rico, Garvin Sierra ha desarrollado un impresionante catálogo
In New York, Marisa Morán Jahn has supported street vendors, domestic workers—victims of abuse and exploitation—and Occupy Wall Street protesters, turning the most visible symbol of the financial district—the bull—into a mockery of the banking system. For his part, Edel Rodríguez presents the Trump series, a infantilized version of the most visceral political violence, depicting the decapitation of the Statue of Liberty or playing with nuclear bombs as if they were toys. In Chile, Serigrafía Cooperativa reproduced slogans popularized during the social uprising, which, when taken out of the original context, acquire the force of poetic punch. In Puerto Rico, Garvin Sierra has developed an impressive catalog of images about the corruption of the political class, often with an aesthetic of absurdity. Lastly, Carlos Amorales has used artificial intelligence image generation programs to create sketches of protests, which he then translates onto canvas through traditional painting. The result is fueled by the estrangement caused by this information.
Other artists rely on art and design history to reveal the complexities of protest. Geandy Pavón is an illusionist who uses deception to reveal the true scaffolding behind the scenography of history. In the Res-Pública series, he dismantles the fabrication of protest as an expression of popular will. In a carefully constructed diorama, protesters from disparate and opposing movements such as the Arab Spring, the July 11 Cubans, Trump supporters, and anti-police brutality protesters converge. The artist himself inserts into one of the images as a construction worker, in a sense taking some of the blame for not participating beyond observation and chronicling.
After decades of normalized censorship under a totalitarian dictatorship, free expression space in Cuba is almost nonexistent. Even in sophisticated simulation mechanisms, such as the Havana Biennial, international artists are often victims of the same gag that represses locals. In his Obra censurada por el propio artista (Censored work by the artist himself), Andrey Guaianá Zignatto returns to Malevich’s black square—who had turned it into a symbol of protest during the Soviet colonization era—as a response to the pressure of censorship he felt when participating in the Cuban Biennial.
In exile, Marisa Tellería explores the grotesque prohibition of the Nicaraguan national flag colors, blue and white, by the Daniel Ortega government. From her interest in formally minimalist aesthetics, the artist turns to the format of the passport—a tool of repression and control based on identity—to denounce the arbitrary exile and stripping of nationality from hundreds of intellectuals and professionals from her country.
Other protests confront the perpetual violence of militarized society. Natalia Iñigüiz Boggio carried out interventions in the urban space of Lima as part of her project Dejo este cuerpo aquí (I Leave This Body Here). The imprint of a fragment of a female body left in any corner of the city went unnoticed, seen as a test of collective sensitivity that passersby tragically disapproved. Jessica
de imágenes sobre la corrupción de la clase política, a menudo en clave de una estética del absurdo. Por último, Carlos Amorales ha recurrido a los programas de generación de imágenes de inteligencia artificial para crear bocetos de protestas que luego lleva al lienzo mediante la pintura tradicional. El resultado se alimenta del extrañamiento causado por esa información.
Otros artistas se apoyan en la historia del arte y del diseño para develar las complejidades de la protesta. Geandy Pavón es un ilusionista que emplea la decepción para revelar los andamios verdaderos detrás de la escenografía de la historia. En la serie Res-Pública desmonta la fabricación de la protesta como expresión de la voluntad popular. En un diorama cuidadosamente construido, convergen los manifestantes de protestas tan disímiles y contrapuestas como la primavera árabe, los cubanos del 11 de julio, los seguidores de Trump y los manifestantes contra la brutalidad policial. El propio artista se inserta en una de las imágenes como un trabajador de la construcción, en cierto sentido asumiendo parte de la culpa por la no participación más allá de la observación y la crónica.
Tras décadas de censura normalizada por una dictadura totalitaria, el espacio de expresión libre en Cuba es casi inexistente. Incluso en mecanismos sofisticados de simulación, como la Bienal de La Habana, los artistas internacionales son a menudo víctimas de la misma mordaza que reprime al local. En su Obra censurada por el propio artista, Andrey Guaianá Zignatto regresa al cuadrado negro de Malevich —quien lo convirtiera en símbolo de protesta en la época de colonización soviética— como respuesta a la presión de la censura que sintió cuando participó en la Bienal cubana.
En el exilio, Marisa Tellería explora la grotesca prohibición de los colores de la bandera nacional nicaragüense, azul y blanco, por el gobierno de Daniel Ortega. Desde su interés por lo formalmente minimalista, la artista recurre al formato del pasaporte —una herramienta de represión y control a partir de la identidad— para denunciar el arbitrario exilio y despojo de la nacionalidad de cientos de intelectuales y profesionales de su país.
Otras protestas enfrentan la violencia perpetua de la sociedad militarizada. Natalia Iñigüiz Boggio realizó intervenciones en el espacio urbano de Lima como parte de su proyecto Dejo este cuerpo aquí. La impresión de un fragmento de cuerpo femenino tirado en cualquier esquina de la ciudad pasaba inadvertida. Vista como una prueba de sensibilidad colectiva que los transeúntes reprobaron trágicamente. Por su parte, Jessica Lagunas deshilachó las telas estampadas del uniforme militar guatemalteco en lo que parece una terapia de empoderamiento civil tras, luego de décadas de impunidad, el procesamiento de militares guatemaltecos por masacres contra los indígenas.
La serie de nueve banderas de Edison Peñafiel utiliza las estrofas de canciones de música popular para referirse a las historias dramáticas de los inmigrantes indocumentados del mundo. En cada
Lagunas unraveled the printed fabrics of the Guatemalan military uniform in what appears to be a therapy of civil empowerment following, after decades of impunity, the prosecution of Guatemalan military personnel for massacres against indigenous people.
Edison Peñafiel’s series of nine flags uses lyrics from popular music to refer to the dramatic stories of undocumented immigrants worldwide. In each composition, the gray of the faces and hands of human figures—taken from his own audiovisual works (stop-motion animation)—contrasts with the colorful outfits and song texts. The bodies are contorted in dance movements but do not denote the smooth rhythm of a musical cadence but rather unexpected clashes, with sharp angles. In Valor y cambio (Value and Change), a project by Frances Negrón Muntaner and Sarabel Santos Negrón, the viewer receives banknotes with cultural credit, featuring essential figures from Puerto Rican history in place of the colonizer’s heroes. Vladimir Cybil Charlier created the Vodun portfolio Diaspora Voudou Survival Kit using syncretism, blending images of pop culture celebrities with those of significance in Black culture.
2. Compression: Hybrid Naturalisms and Human Disasters
Compression in nature is a convergence of efficiency, evolution, and elegance. From the microscopic realm of molecular structures to the macroscopic scale of ecosystems, organisms have developed ingenious strategies to compress information, space, and resources. It is no coincidence that artists periodically look to the natural environment as an inexhaustible source of learning for innovation, sustainability, and resilience. Solutions found in nature that serve as testimony to the power of adaptation and optimization are of particular interest, reminding us of the inherent wisdom of the natural world.
Biomimicry, a discipline that seeks inspiration from the designs and processes of nature, offers a treasure trove of knowledge for creating more sustainable and efficient technologies. For instance, the aerodynamics of bird wings have inspired the design of more fuel-efficient airplanes, while the self-sharpening teeth of rodents have influenced the development of durable cutting tools. By emulating these strategies, some artists undermine the clichés that draw false divisions between art and science. This is crucial in a time when imagination is needed to design products and systems that are not only more efficient but also more harmonious with the environment.
Observation devices that monitor atmospheric, geological, or astronomical phenomena are omnipresent. Numerous artists have used satellite images of hurricanes, ocean currents, and other representations to create works about climate change. For example, starting from graphs recording temperatures and global warming, Saskia Calderón mimics musical scores and sings the ascending notes of heat in Agudos Cº 2. In other works, she uses her talent and formal training
composición contrasta el gris de los rostros y las manos de las figuras humanas —que ha tomado de sus propios trabajos audiovisuales (stop-motion animation)— con los coloridos atuendos y textos de las canciones. Los cuerpos están contorsionados en movimientos de bailes, pero no denotan el ritmo suave de una cadencia musical, sino los choques inesperados, con sus ángulos cortantes. En Valor y cambio, un proyecto de Frances Negrón Muntaner y Sarabel Santos Negrón, el espectador obtiene billetes que tienen un crédito cultural, con figuras imprescindibles de la historia puertorriqueña en sustitución de los héroes del colonizador. Por su parte, Vladimir Cybil Charlier realizó el portafolio del Vodun Diaspora Voudou Survival Kit utilizando el sincretismo y mezclando imágenes de celebridades de la cultura Pop con otras de importancia en la cultura negra.
2. Compresión: Naturalismos híbridos y desastres humanos
La compresión en la naturaleza es una convergencia de eficiencia, evolución y elegancia. Desde el ámbito microscópico de las estructuras moleculares hasta la escala macroscópica de los ecosistemas, los organismos han desarrollado estrategias ingeniosas para comprimir información, espacio y recursos. No es casual que periódicamente los artistas miren el entorno natural como una fuente inagotable de aprendizaje para la innovación, la sostenibilidad y la resistencia. Son de particular interés las soluciones de la naturaleza que sirven como testimonio del poder de adaptación y optimización, recordándonos la sabiduría inherente al mundo natural.
La biomímesis, una disciplina que busca inspiración en los diseños y procesos de la naturaleza, ofrece un tesoro de conocimientos para crear tecnologías más sostenibles y eficientes. Por ejemplo, la aerodinámica de las alas de los pájaros ha inspirado el diseño de aviones con un consumo de combustible más eficiente, mientras que los dientes autoafilables de los roedores han influido en el desarrollo de herramientas de corte duraderas. Al emular estas estrategias, algunos artistas socavan los clichés que trazan falsas divisiones entre arte y ciencia. Esto es fundamental en un momento en que se requiere imaginación para diseñar productos y sistemas que no sólo sean más eficientes, sino también más armoniosos con el medio ambiente.
Los aparatos de observación que monitorean fenómenos atmosféricos, geológicos o astronómicos son omnipresentes. Numerosos artistas han tomado imágenes satelitales de huracanes, corrientes marinas y otras representaciones para producir obras sobre el cambio climático. Precisamente, partiendo de las gráficas que registran las temperaturas y el calentamiento global, Saskia Calderón mimetiza las partituras musicales y canta las notas ascendientes del calor en Agudos Cº 2. En otras obras, utiliza su talento y educación formal como cantante lírica, para subrayar la relación conflictiva de esta tradición occidental con su herencia indígena. Otras artistas, como Deborah Hirsch con su token no fungible (NFT, por sus siglas en inglés), Plantalia, y Patricia Domínguez con su libro digital Gaia Guardians, exploran un naturalismo
as a lyrical singer to underscore the conflicted relationship of this Western tradition with her indigenous heritage.
Other artists, such as Deborah Hirsch with her non-fungible token (NFT) Plantalia and Patricia Domínguez with her digital book Gaia Guardians, explore a hybrid naturalism that finds an eco-futuristic ethos at the intersection of nature and technology. 1500labs is the name of an occasional collective composed of Hirsch and Martin Giménez Larralde, which developed Hauberk Under Tempest. This short film starts with the metamorphosis of a Louis Vuitton jacket into a series of reptiles and insects, metaphorizing the material mutations of the fashion industry, which, in its quest for exoticism, has often led to the extinction of rare species.
Organisms that can achieve more with less—whether in terms of energy expenditure, material use, or space occupation—gain a competitive advantage in resource-limited environments. This is particularly true in island spaces, where forms and functions emerge finely tuned to their ecological niches. Elisa Bergel Melo presents two prints featuring imaginary designs of new geographical configurations in the Antilles, with the added anecdote that they were damaged by recent flooding from rains in the Dominican Republic, where she resides. On the other end of natural disasters, drought, Leo Castañeda creates a video game that involves finding water to survive, making it an appealing topic for younger players. Chris Torres turned the Nyan Cat into a vibrant monument, imagining it as a flying pop tart with a rainbow tail.
With a work titled La realidad del consenso es una alucinación de serotonina (The Reality of Consensus is a Serotonin Hallucination), François Bucher explores another always-fascinating facet of the art-nature relationship: the exploration of the senses through the use of stimulating substances like yagé or ayahuasca. Interested in philosophy and constantly making cultural references to cinema and literature, the artist compares these exercises to the optimization of plastic and visual resources. Meanwhile, Richard Garet directs his explorations towards sensory saturation through the use of digital technology, exploiting the intensity of colors beyond the limits of human perception. Thessia Machado, on the other hand, focuses on forms of the unreadable and sometimes unrepresentable, such as her concept of unsound, in which, through sound installations, collages, and drawings, she visualizes the imperceptible waves of sound. Her collages of remnants of records and other wrappers are part of this drive to efficiently utilize the entirety of the material used.
Another crossroads between art imagination and natural reality is the landscape. In her series of mezzotints titled Sombras (Shadows), Adriana González Brun starts with silhouettes resulting from actions in which her sculptures are crushed or imploded by external and internal pressures. In contrast, Guadalupe Arriegue recovers the poetic sense of astronomical observations in times
híbrido que encuentra en la intersección entre naturaleza y tecnología un ethos eco-futurista a tono con los tiempos. 1500labs es el nombre de un colectivo ocasional compuesto por Hirsch y Martin Gímenez Larralde, que desarrolló Hauberk Under Tempest. Se trata de un corto que parte de la metamorfosis de una chaqueta Louis Vuitton, en una serie de reptiles e insectos, metaforizando las mutaciones materiales de la industria de la moda que, en su afán por el exotismo, a menudo ha provocado la extinción de especies raras.
Los organismos que pueden lograr más con menos —ya sea gasto de energía, uso de materiales u ocupación de espacio— obtienen una ventaja competitiva en entornos con recursos limitados. Esto es particularmente cierto en el espacio insular, donde surgen formas y funciones que están finamente sintonizadas con sus nichos ecológicos. Elisa Bergel Melo presenta dos impresiones con los diseños imaginarios de nuevas configuraciones geográficas en las Antillas, con la anécdota añadida de que fueron dañadas por las recientes inundaciones provocadas por lluvias en la capital de la República Dominicana, donde reside. Sobre el otro extremo de los desastres naturales, la sequía, Leo Castañeda crea un videojuego que consiste en encontrar agua para sobrevivir, haciendo este un tema atractivo para los jugadores más jóvenes. Chris Torres convirtió el Nyan Cat en un monumento vibrante, al que imagina convertido en un pop tart volador con una cola de arcoiris.
Con una obra que titula La realidad del consenso es una alucinación de serotonina, François Bucher estudia otra faceta siempre fascinante de la relación arte-naturaleza: la exploración de los sentidos mediante el uso de sustancias estimulantes como el yagé o la ayahuasca. Interesado en la filosofía y constantemente haciendo referencias culturales al cine y la literatura, el artista compara estos ejercicios con la optimización de recursos plásticos y visuales. Paralelamente, Richard Garet dirige sus exploraciones a la saturación de sentidos a través del uso de la tecnología digital, explotando la intensidad de los colores más allá de los límites de la percepción humana. Por su parte, Thessia Machado se enfoca en las formas de lo ilegible y a veces irrepresentable, como su concepto del unsound (no-sonido), en el cual, a través de instalaciones sonoras, collages y dibujos, da imagen a las ondas imperceptibles del sonido. Sus collages de remanentes de discos y otras envolturas son parte de este impulso por aprovechar eficientemente la totalidad del material utilizado.
Otro cruce de caminos entre la imaginación del arte y la realidad natural es el paisaje. En su serie de mezzotintas titulada Sombras, Adriana González Brun parte de siluetas resultantes de acciones en las que sus esculturas son aplastadas o implosionadas por la fuerza de presiones exteriores e interiores. En cambio, Guadalupe Arriegue recupera el sentido poético de las observaciones astronómicas en tiempos en que algunos artistas y críticos vaticinan el fin del arte por los programas de inteligencia artificial, como las imágenes por el telescopio Webb. La tecnología plantea retos, pero también oportunidades. Algunos artistas emplean los medios informáticos para mantener un chequeo sobre los vigilantes en el poder. Yucef Merhi es un artista
when some artists and critics predict the end of art due to artificial intelligence programs, such as images from the Webb telescope.
Technology presents challenges but also opportunities. Some artists use computer media to keep an eye on the powers that be. Yucef Merhi is a long-time hacker artist whose aim is to expose those who hold political power, whether it be the email account of dictator Hugo Chávez in Venezuela or security services in the United States that accumulate files on individuals monitored for their political activities, such as Puerto Rican independence leader Juan Mari Bras.
3. Impression: Are You Optimized?
The development of science and technologies for capturing and processing information has led to the advent of a culture of transparency, which demands a unique digital record or footprint as certification of the existence of the thing. The pressure in this regard is to remain visible and locatable at all times. Anything that falls outside this system of representations (off the grid) is considered non-existent or, at worst, anomalous. Privacy and concealment have become symptoms of suspicion for governments.
In digital information and computing technologies, graphic languages play a fundamental role. Consider GPS location systems with their maps and flow streams, the traces left by browsing histories on the Internet, which are used to diagram consumption patterns and predict the behavior of population groups; even facial recognition techniques based on portrait resemblance. Devices have also turned the human subject into a target. We are data: capturable, processable, and valued based on consumption. In this sense, graphing or diagramming serves the ultimate purpose of knowing, predicting, and controlling the individual.
Faced with this pressure to be transparent, many artists use communicative strategies that often appropriate or subvert these technologies to reveal their economic and political connotations. Unlike the political artist of agit-pop, they opt to resist integration into the system (grid), act from collective anonymity or from the shadows, or undermine the legitimacy criteria that allow science and technology to claim their dominance in hypermodern globalized society. They uphold their Right to Opacity, as described by Edouard Glissant.
The tension between technology and the human body is evident in Pauline Batista’s inquiries and her question Is your system optimized?. The pressure to stay updated—with the latest advancements under the threat of being discarded for being outdated—is a central and sometimes vital issue, as more basic human care services, from health to communication, become controlled by digital systems often at prohibitive costs for those who need them most. Felipe García López
hacker de larga data, cuyo objetivo es exponer a los detentores del poder político, ya sea la cuenta de correo electrónico del dictador Hugo Chávez en Venezuela o los servicios de seguridad en Estados Unidos, que acumulan carpetas sobre sujetos vigilados por sus actividades políticas, como es el caso del líder independentista puertorriqueño Juan Mari Bras.
3. Impresión: ¿Está usted optimizado?
El desarrollo de la ciencia y las tecnologías de captación y procesamiento de la información han abocado al advenimiento de una cultura de la transparencia, que demanda un registro o huella digital única como certificación de la existencia de la cosa. La presión en este sentido es la de permanecer visible y localizable a toda hora. Aquello que se sale de este sistema de representaciones (off the grid) es considerado inexistente o, en el peor de los casos, anómalo. La privacidad y el ocultamiento han pasado a convertirse en síntomas de lo sospechoso para los gobiernos.
En las tecnologías digitales de información e informática, los lenguajes gráficos tienen un papel fundamental. Pensemos en los sistemas de localización GPS con sus mapas y corrientes de flujos, los trazos que dejan los historiales de navegación en la Internet, que sirven para la diagramación de los patrones de consumo y las predicciones de comportamiento de los grupos poblacionales; incluso, las técnicas de reconocimiento facial basadas en técnicas de representación asociadas con el parecido del retrato. Los aparatos han convertido también al sujeto humano en objeto de mira. Somos data: captables, procesables, y con un valor atribuido en función del consumo. En este sentido, graficar o diagramar sirve al propósito último de conocer, predecir y controlar al individuo.
Ante esta presión de transparentarse, muchos artistas se valen de estrategias comunicativas que a menudo apropian o subvierten las citadas tecnologías con el fin de revelar sus connotaciones económicas y políticas. A diferencia del artista político del agit-pop, este opta por resistir la integración al sistema (grid), actuar desde la anonimidad colectiva o desde la sombra, o minar los criterios de legitimidad que permiten a la ciencia y la tecnología reclamar su dominio en la sociedad hipermoderna de la globalización. Enarbolan su Derecho a la opacidad, como describió Edouard Glissant.
La tensión entre la tecnología y el cuerpo humano es evidente en las indagaciones de Pauline Batista y su pregunta “Is your system optimized?”. La presión de la actualización —de estar al día con los últimos adelantos ante la amenaza de ser descartado por obsoleto— es una cuestión central y a veces vital, a medida que más servicios de cuidado humano básico, desde la salud hasta la comunicación, pasan a ser controlados por sistemas digitales a veces a costos prohibidos para las personas que más lo necesitan. Felipe García López registra el paso del tiempo en un reloj
records the passage of time on a twelve-hour clock in an action as simple as it is evocative. Stripped of additional references, the images become receptacles for possible meanings, from boredom due to waiting to desperation to meet a submission deadline.
Daniel Bejar and Diana López explore the anxiety of identity theft, which is usually associated with financial crimes like credit card forgery and bank loans. Instead, both are more interested in the personal implications their names represent. Bejar has recreated photos of a namesake who is a Canadian rock singer. López, a highly recognized artist in Venezuela, appropriates and alters portraits of other hundred Diana López, emphasizing the humanistic idea that each one is unique and equally important.
Criticism directed at art institutions, which often impose stereotypes and quotas for minority artists, is present in Pablo Helguera’s artoons. With this incisive and desacralizing critique, taking its name from the cartoon, he humorously attacks the rarefied world of commercial art in biennials, fairs, and galleries. Violette Bule targets the Whitney Museum of American Art in her installation Can You?. Starting from the museum’s marketing motto: I can see America from here, the artist underscores the arrogance and pretense of such a message.
In the face of pressure—whether physical, psychological, social, or even professional—the last resort and probably the most defining is to liberate it, relieving the subject in question (subject-object of the pressure) from the oppressive burden. This operation can fundamentally transform the subject. Take, for example, how art disciplines “indisciplined” themselves from the 20th-century avantgardes and gave rise to today’s hybrid forms. The very history of the San Juan Print Biennial, now Poli/Gráfica, is an example of this, through the gradual introduction of non-traditional techniques and genres that allowed artists to imagine beyond their respective professions and media: printmakers becoming installation artists and embellishers, typographers turning into designers and educators, woodcutters transforming into caricaturists, cultivators of graphic humor catapulted to sustainable agriculture, printers fulfilling roles as social workers or therapeutic facilitators.
In the face of successive crises, the artist who exercises their freedom to channel creative energy into any area, despite the risk of being questioned for prejudice against commercial and utilitarian art, is a triumph for art that integrates into life. It is the revolutionary idea that art lasts as long as life and that the primary aesthetic quality is artivism. In San Juancito, a small mining town on the outskirts of Tegucigalpa, Regina Aguilar undertook an artist residency that changed her life forever. Since then, she has become an employment provider for the community, where she established a manual arts workshop. María Gaspar addresses the prison system as a lucrative industry but works with the penal population, collecting stories in artist’s books in which the subjects collaborate. Whether more direct or oblique, these artists emphasize the subjective marks that extreme
de doce horas en una acción tan simple como evocadora. Vacía de más referencias, las imágenes se convierten en receptáculos de posibles significados, desde el aburrimiento por la espera hasta la desesperación por cumplir un plazo de admisión.
Daniel Bejar y Diana López exploran la ansiedad del robo de identidad, que usualmente se ha utilizado para cometer delitos financieros como la falsificación de tarjeta de créditos y préstamos bancarios. En lugar de esto, ambos están más interesados en las implicaciones personales que sus nombres representan. Bejar ha recreado fotos de un tocayo que es cantante de rock canadiense. López, quien es una artista de gran reconocimiento y trayectoria en Venezuela, apropia y altera retratos de otras cien Diana López, enfatizando la idea humanista de que cada una de ellas es única e igualmente importante.
La crítica dirigida a las instituciones del arte, que a menudo imponen estereotipos y cuotas para los artistas de minorías, está presente en los artoons de Pablo Helguera. Con esta crítica incisiva y desacralizadora, que toman su nombre de la caricatura (“cartoon” en inglés), ataca con fino humor el enrarecido mundo del arte comercial de bienales, ferias y galerías.
Violette Bule apunta al Whitney Museum of American Art en su instalación Can You? Partiendo del motto de mercadeo utilizado por el museo: “I can see America from here”, la artista subraya la arrogancia y pretensión de tal mensaje.
Frente a la presión —sea esta física, psicológica, social, e incluso profesional—, el último recurso y probablemente el más definitorio es el de liberarla, relevando al sujeto en cuestión (sujeto-objeto de la presión) de la carga opresiva. Esta operación puede transformar fundamentalmente al sujeto. Tomemos, por ejemplo, la forma en que las disciplinas del arte se “indisciplinaron” a partir de las vanguardias del siglo XX y dieron lugar a las formas híbridas de hoy. La propia historia de la Bienal de Grabado de San Juan, ahora Poli/Gráfica, es un ejemplo de ello, por la introducción paulatina de técnicas y géneros no tradicionales que permitieron a los artistas imaginar más allá de sus respectivas profesiones y medios: grabadores devenidos en instaladores y embelequeros, tipógrafos convertidos en diseñadores y pedagogo, xilógrafos transformados en caricaturistas, cultivadores del humor gráfico catapultados a la agricultura sostenible, impresores cumpliendo funciones de trabajador social o facilitador terapéutico.
Ante las sucesivas crisis, el artista que ejerce su libertad de volcar la energía creativa en cualquier área, con el peligro de ser cuestionado por el prejuicio contra lo comercial y lo utilitario, es un triunfo para el arte que se integra a la vida. Es la revolucionaria idea de que el arte dura mientras dure la vida y que la cualidad estética primordial es el artivismo. En San Juancito, un pequeño pueblo minero en las afueras de Tegucigalpa, Regina Aguilar realizó una residencia artística que
situations leave on the human body deprived of its freedom. In Puerto Rico, the Chiringa Festival in La Perla, organized by Chemi Rosado Seijo, is another excellent example of an artist dedicated to serving a community, in this case, La Perla. His respectful work with the neighborhood has been the foundation of his prestige.
4. Repression: Organized Violence
Social and cultural repression against women persists across the continent. Numerous artists challenge norms and prejudices, amplifying women’s voices and leadership. Sustained advocacy, solidarity, and commitment to gender equality are key to dismantling the barriers of social repression and creating a world free from the fear, discrimination, and oppression of patriarchal organized violence through customs and practices.
The female body subjected to male observation and regulation is a constant source of trauma. Lucía, la muñeca rota (Lucía, the Broken Doll) by Johanna Montero Matamoros takes its title from the name given to an eleven-year-old girl who became pregnant after being raped. The image is accompanied by a text stating: “According to the Women’s Rights Center (CDM by its initials in Spanish), in 2018 there were 770 births by girls aged 10 to 14 years old in the public hospitals of Honduras.” Small and fragile, the doll is presented inside a glass jar, as if it were a rare specimen.
Julia Pastrana was, during her life, a woman turned into an exhibit due to her physical appearance and, after her death, became the subject of study in a cabinet of curiosities. Laura Anderson Barbata investigated her ordeal and managed her repatriation and burial to allow her to rest in peace. This story is documented in a series of six publications (zines).
On a different thematic and tonal note, Elsa María Meléndez’s women are festive, but there is more than meets the eye. In the verso of Impugnaciones (Impugments)—an embroidered and painted curtain hanging from the ceiling to be viewed from both sides—the bodies of four figures appear outlined but whitened, emptied of their interior. Only the accessories they carry are visible: sunglasses, a mirror, and stockings. The stockings, their only article of clothing, acquire symbolic connotation, as Meléndez has added more than those corresponding to the four figures. With them, she creates a sense of multitude but also of absence and loss: where are the women who wore them? Meanwhile, April Bey has incorporated themes of racism and colonial consumerism into gender issues in her works, created with handcrafted techniques combined with digital prints.
Violence against women has inspired other works of contained sadness. Deceased in 2019, Belkis Ramírez used her unique wordplay and high-contrast language of inked matrix to highlight this issue in Hermanas de sangre (Sisters of Blood), portraits from behind of femicide victims. Marta
cambió su vida para siempre. Desde entonces, se ha convertido en una proveedora de empleo para la comunidad, donde estableció un taller de artes manuales. María Gaspar parte del tema del sistema carcelario como industria lucrativa, pero trabaja con la población penal, recopilando historias en libros de artista en los que colaboran los sujetos. Sea de una manera más directa u oblicua, estos artistas subrayan las marcas subjetivas que las situaciones extremas dejan sobre el cuerpo humano privado de su libertad. En Puerto Rico, el Festival de la Chiringa en La Perla, que organiza Chemi Rosado Seijo, es otra excelente instancia del artista abocado a servir a una comunidad, en este caso, La Perla. Su trabajo respetuoso con el vecindario ha sido la base de su prestigio.
4. Represión: La violencia organizada
La represión social y cultural contra las mujeres persiste en todo el continente. Numerosas artistas desafían las normas y prejuicios, y amplifican las voces y el liderazgo de las mujeres. La defensa sostenida, la solidaridad y el compromiso con la igualdad de género son clave para desmantelar las barreras de la represión social y crear un mundo libre del miedo, la discriminación y la opresión de la violencia organizada patriarcal mediante usos y costumbres.
El cuerpo femenino sometido a la observación y regulación masculina es una fuente de trauma constante. Lucía, la muñeca rota, de Johanna Montero Matamoros, toma el título del nombre dado a una niña de once años que quedó embarazada tras ser víctima de una violación. La imagen va acompañada de un texto que informa: “Según el Centro de Derechos de la Mujer (CDM), durante el 2018 se registraron 770 partos de niñas de entre 10 a 14 años en los hospitales públicos de Honduras”. Minúscula y frágil, la muñeca se presenta dentro de un frasco de vidrio, como si se tratara de un espécimen raro.
Julia Pastrana fue, durante su vida, una mujer convertida en rareza de exhibición por su aspecto físico y, tras su muerte, en objeto de estudio de un gabinete de curiosidades. Laura Anderson Barbata indagó sobre su calvario y gestionó su repatriación y entierro para dejarla descansar en paz. Esta historia se recoge en una serie de seis publicaciones (zines).
En otra línea temática y de tono, las mujeres de Elsa María Meléndez son festivas, pero hay más de lo que a simple vista parece. En el verso de Impugnaciones —una cortina bordada y pintada que cuelga del techo para poder verse por ambos lados—, los cuerpos de cuatro figuras aparecen delineados pero blanqueados, vaciados de su interior. Solamente se perciben los accesorios que portan: unas gafas de sol, un espejo y medias. Las medias, su única prenda de vestir, adquiere una connotación simbólica, pues Meléndez ha añadido más de las correspondientes a las cuatro figuras. Con ellas crea una sensación de multitud, pero también de ausencia y pérdida: ¿dónde
Pérez García has denounced gender violence against women in large-scale works using the lostwax technique. In recent years, however, she has felt the urgency to turn to three-dimensional forms to better visualize the issue, as seen in Nameless 37, a female torso covered with embossed marks. Similarly, Jessica Lagunas adopted the kitsch aesthetic of photo albums to denounce the hundreds of femicides in Guatemala. In a heartbreaking music video, Renee Goust implores death: No nos maten (Don’t Kill Us). The succession of women holding handwritten signs with the song’s lyrics is a kind of macabre karaoke, in which the victim is silenced to avoid being discovered by the aggressor while trying to convey a desperate plea for help.
Epilogue
Time tests us and leaves its marks. The duration of the pressure applied to a surface is a determining factor in its ability to withstand: it can either harden or crack the surface. Like an interrogator seeking answers, the artist stretches the medium as much as possible to uncover its plastic truth.
Donna Huanca’s paintings, such as Cyanobacteria (2018), often incorporate material remnants from performances in which the naked and ritualized body of the model is central. Inspired by the performative works and silhouettes of Yves Klein and Ana Mendieta, her pieces explore the tension between artist and model. The performance involves the random movement of actors around the space, adopting poses that denote concentration and isolation. The bodies are transformed through textiles and applied colors. Another artist who has drawn from performativity with a very personal ritualistic approach is Maritza Molina. In her photographic series, subjects always appear in agonizing situations. Recently, she has used artificial intelligence programs to create devastating and tragic scenes. The body seems subjected to the distortion of the unreal surrounding it.
The episodes of police brutality that led to the massive Black Lives Matter protests had a profound impact on Shaun Leonardo, to the extent that they redirected the course of his artistic work. Previously, he had addressed the theme of the superhero as an example of questionable hypermasculinity through wrestling, boxing, and other combat sports where the hero appeared defeated or in absurd situations. Currently, this shift has allowed him to focus on representing victims of police violence in the media or using performance to address conflicts in society and the U.S. correctional system, often expressed through a physicality he knows well.
With a long artistic career that has explored the topic of genetics from an artistic perspective, Nela Ochoa uses images of “Y” chromosomes to reflect on the relationship between masculinity and militarism. She opts for military camouflage uniforms, which she fills until they become padded
están las mujeres que las vestían? Por su parte, April Bey ha incluido los temas del racismo y el consumismo colonialistas a las cuestiones de género en sus obras elaboradas con técnicas artesanales combinadas con impresiones digitales.
La violencia contra la mujer ha motivado otros trabajos de tristeza contenida. Fallecida en 2019, Belkis Ramírez utilizó su peculiar juego de palabras y su lenguaje de alto contraste de la matriz entintada para subrayar este problema en Hermanas de sangre, retratos de espalda de las víctimas de feminicidios. Marta Pérez García ha denunciado la violencia de género contra la mujer en obras de gran formato con la técnica de plancha perdida. En años recientes, sin embargo, ha sentido la urgencia de recurrir a las formas tridimensionales para visibilizar el tema con mayor claridad, como en Nameless 37, un torso feminino cubierto de marcas en relieve de gofrado. Asimismo, Jessica Lagunas adoptó la estética kitsch del álbum de fotos para denunciar los cientos de feminicidios en Guatemala. Y en un videoclip desgarrador, Renee Goust implora a la muerte: No nos maten. La sucesión de mujeres sosteniendo cartulinas escritas a mano con la letra de la canción es una especie de karaoke macabro, en el cual la víctima está silenciada para no ser descubierta por el agresor, mientras intenta transmitir un mensaje de auxilio desesperado.
Epílogo
El tiempo nos pone a prueba y deja sus marcas. La duración de la presión a la que se somete una superficie es un factor determinante en su capacidad de resistencia: puede endurecer o quebrar la superficie. Como un interrogador en busca de respuestas, el artista tensa el soporte tanto como sea posible para obtener su verdad plástica.
Las pinturas de Donna Huanca, como Cyanobacteria (2018), a menudo incorporan los restos materiales de performances en los que el cuerpo desnudo y ritualizado de la modelo es central. Inspirada en los trabajos performativos y siluetas de Yves Klein y Ana Mendieta, sus obras exploran la tensión entre artista y modelo. El performance consiste en el movimiento aleatorio de los actores alrededor del espacio, adoptando poses que denotan concentración y aislamiento. Los cuerpos han sido transformados mediante textiles y colores aplicados. Otra artista que se ha apoyado en lo performativo desde una ritualidad muy personal es Maritza Molina. En sus series fotográficas, los sujetos aparecen siempre en situaciones agónicas. Recientemente, ha utilizado programas de inteligencia artificial para crear escenas devastadoras y trágicas. El cuerpo parece sometido a la distorsión de lo irreal que le rodea.
Los episodios de brutalidad policial que condujeron a las protestas masivas del Black Lives Matter causaron una gran impresión en Shaun Leonardo, al punto de desviar el curso de su trabajo artístico. Anteriormente había tratado el tema del superhéroe como ejemplar de
cushions, to illustrate the paradox of the strong sex. Her works often replicate the graphical representations of chromosome structures, emphasizing the seemingly abstract nature of her compositions. Similarly, Gustavo Larsen, who employs the structure of the quipú —a technique for recording information from Inca culture—symbolically recounts the tragedy of the genocide of preColumbian inhabitants in the southern region of the Río de La Plata.
Time—the relentless, the one that has passed—is as crucial as the pressure applied. The marks that remain, whether in matrices—the acid biting into the metal plate, for instance—or on supports like paper, fabric, landscape, or the human body, bring us to the point where hardness turns into fragility and leads to breaking... which can be liberating. Reconsidering the ancient maxim Ars longa, vita brevis, it can be said that art endures, but aged, expanded, and sometimes a bit wiser and more resilient. Its ideas are transmitted over time, even though its material supports may decay. Aware of a history that concerns them like no other—the history of art—the graphic creators we have seen frame durability as a choice. They know that the emergence of new technologies and audiences may disrupt an evolutionary line, even a venerable tradition like printmaking, but it will never lead to the total extinction of the medium, only to a temporary diversion that will return to the main course, strengthened and renewed like a drought-ravaged field inundated by an overflowing river.
hipermasculinidad cuestionable a través de la lucha libre, el boxeo y otros deportes de combate en los que aparecía derrotado o en situaciones absurdas. En la actualidad el giro le ha permitido enfocarse en la representación de las víctimas de la violencia policial en los medios o en el uso del performance para solucionar conflictos en la sociedad y en el sistema correccional de los Estados Unidos, que muchas veces se expresan mediante una fisicalidad que conoce bien.
Con una larga trayectoria artística que ha indagado sobre el tema de la genética desde la perspectiva artística, Nela Ochoa utiliza las imágenes de los cromosomas “Y” para reflexionar sobre la relación entre masculinidad y militarismo. Opta por el uniforme de camuflaje militar, que rellena hasta convertir en cojines acolchados, para trazar la paradoja del sexo fuerte. A menudo sus trabajos replican las gráficas representativas de las estructuras del cromosoma, lo cual enfatiza el aspecto aparentemente abstracto de sus composiciones. Similarmente, Gustavo Larsen, que utiliza la estructura del quipú —una técnica de registro de información de la cultura incaica—, cuenta de manera simbólica la tragedia del genocidio de los pobladores precolombinos en la región sureña del Río de La Plata.
El tiempo, el implacable, el que pasó… es tan crucial como la presión que se ejerce. Las marcas que permanecen, ya sea en las matrices —el ácido mordiendo la plancha de metal, por ejemplo— o en los soportes como el papel, la tela, el paisaje o el cuerpo humano, nos llevan al punto de inflexión en que la dureza se convierte en fragilidad y conduce al quiebre… que puede ser liberador. Replanteando la antigua máxima de Ars longa, vita brevis, puede decirse que el arte perdura, pero envejecido, expandido y a veces un poco más sabio y resistente. Sus ideas se transmiten a lo largo del tiempo, aunque sus soportes materiales caduquen. Conscientes de una historia que les concierne como ninguna otra —la historia del arte—, los creadores gráficos que hemos visto plantean la perdurabilidad como una elección. Saben que la irrupción de nuevas tecnologías y nuevos públicos puede romper una línea evolutiva, incluso una tradición tan venerable como la del grabado, pero nunca llevará al total exterminio del medio, si acaso a un desvío temporal que volverá al cauce principal, fortalecido y renovado como el campo torturado de una sequía que el río desbordado anegó.
LA PRESIÓN TRANSFORMA
Lisa Ladner
“Lo que no me mata me hace más fuerte”, planteó el filósofo Friedrich Nietzsche en su obra tardía “El ocaso de los ídolos o cómo se filosofa a martillazos”.1 Trece décadas más tarde, entendemos en Puerto Rico que los huracanes y terremotos más recientes, la pandemia, los tiroteos entre narcotraficantes, la violencia de género, los efectos de la crisis económica, además de otras experiencias estresantes y traumáticas, significan para los que sobrevivimos que, aunque no nos mataron, ciertamente nos impactaron. Existe el “eustrés” o estrés positivo, que provee la motivación para echar hacia delante, y también estimula la producción artística. Pero el estrés negativo, “distress” en inglés, definido como el exceso de presión —que es percibido por la persona o es aplicado sobre su cuerpo o sobre un soporte artístico como el papel, la tela, una plancha de metal— deja huellas que perduran y hasta puede destruir.2 Convertir esta presión en una expresión artística constructiva requiere madurez y disciplina.
Expresión, represión, compresión e impresión son derivados de la palabra presión, y forman los cuatros ejes temáticos de la Poli/Gráfica del 2024. La presión como tema y técnica es dominante en el arte gráfico actual en Puerto Rico y en el trabajo de artistas puertorriqueños dispersos por todo el mundo. En el siguiente texto intento contextualizar las polifacéticas obras elegidas, incluyendo comentarios de los propios artistas.
EXPRESIÓN
El privilegio de vivir en un país que permite la libertad de expresión ha facilitado la creación de un inmenso cuerpo de obras artísticas en las que se denuncian la precariedad financiera, el descenso demográfico, el cierre de las escuelas, la escasez de vivienda asequible, la inestabilidad de la infraestructura, el consumo desenfrenado, la corrupción, la violencia, el ruido y el problema de basura. Enfrentar estas presiones económicas, ecológicas, políticas y sociales no es fácil para un país cuya diáspora supera la cantidad de habitantes en su archipiélago, ni para los artistas que son parte de este. “Struggle”, “work hard” y “cope” son tres palabras en inglés que se acercan a la definición de la expresión “bregar”, que tanto se usa en Puerto Rico. Como expresó Arcadio Díaz Quiñones en El arte de bregar: “Bregar con perfección ciertamente es un
1 „Götzen-Dämmerung oder: Wie man mit dem Hammer philosophiert“ (Alemania, 1888) también se traduce en español como „El crepúsculo de los ídolos, o cómo se filosofa con el martillo“.
2 “Stress affects all systems of the body including the musculoskeletal, respiratory, cardiovascular, endocrine, gastrointestinal, nervous, and reproductive systems”, American Psychological Association, “Stress effects on the body”, 2018, https:// www.apa.org/topics/stress/body (11/15/2023).
PRESSURE TRANSFORMS
Lisa Ladner
“What does not kill me makes me stronger,” said the philosopher Friedrich Nietzsche in his late work “The Decline of the Idols or How to Philosophize with Hammers.”1 Thirteen decades later, in Puerto Rico it is understood that the most recent hurricanes and earthquakes, the pandemic, shootings between drug traffickers, gender violence, the effects of the economic crisis, in addition to other stressful and traumatic experiences, mean for those of us who survive that, although they didn’t kill us, they certainly impacted us. There is “eustress” or positive stress, which provides the motivation to move forward, and also stimulates artistic production. But negative stress, “distress” in English, defined as excess pressure — which is perceived by the person or is applied to their body or to an artistic support such as paper, fabric, a metal plate — leaves traces that they endure and can even destroy2. Turning this pressure into constructive artistic expression requires maturity and discipline.
Expression, repression, compression and impression are derived from the word pressure, and form the four thematic axes of the Poly/Graphic of 2024. Pressure as a theme and technique is dominant in current graphic art in Puerto Rico and in the work of Puerto Ricans artists scattered throughout the world. In the following text I try to contextualize the poli works chosen, including comments from the artists themselves.
EXPRESSION
The privilege of living in a country that allows freedom of expression has facilitated the creation of an immense body of artistic works that denounce financial precariousness, demographic decline, the closure of schools, the shortage of affordable housing, the infrastructure instability, unbridled consumption, corruption, violence, noise and the garbage problem. Facing these economic, ecological, political and social pressures is not easy for a country whose diaspora exceeds the number of inhabitants in its archipelago, nor for the artists who are part of it. “Struggle,” “work hard,” and “cope” are three words in English that come close to the definition of the expression bregar, which is used so much in Puerto Rico. As Arcadio Díaz Quiñones expressed in The art of struggling: “To struggle with perfection is certainly an art.”3 It is precisely this desire to “strive with perfection” that guides the practice of many of the following artists.
1 “Götzen-Dämmerung oder: Wie man mit dem Hammer philosophiert” (Germany, 1888) also translates into English as “The twilight of the idols, or how one philosophizes with the hammer.”
2 “Stress affects all systems of the body including the musculoskeletal, respiratory, cardiovascular, endocrine, gastrointestinal, nervous, and reproductive systems”, American Psychological Association, “Stress effects on the body”, 2018, https://www.apa.org /topics/stress/body (11/15/2023).
3 Arcadio Díaz Quiñones, El arte de bregar: Ensayos, Ediciones Callejón, 2000, p. 21.
arte”.3 Es precisamente esa voluntad de “bregar con perfección” la que guía la práctica de muchos de los siguientes artistas.
El artivismo es un híbrido entre arte y activismo sociopolítico. Las obras de Gabriella Torres-Ferrer, Poli Marichal, Yiyo Tirado Rivera, Norma Vila Rivero y Amanda Torres Rodríguez, al igual que las de Carlos Marcial y Carlos Aponte, corresponden a esta categoría. 4 En todas se explora el poder del pueblo, las conexiones entre el dinero y el dominio, la privatización y la disminución de los servicios del gobierno, y el contraste entre el Puerto Rico paraíso que se mercadea internacionalmente y las luchas que libran cotidianamente las personas de escasos recursos.5
La Promesa, de Poli Marichal, que forma parte de la serie „Isla/Ayland“, alude según la artista a la voluntad de hacer un sacrificio para alcanzar un fin. En este caso, es verter sangre para apaciguar la tormenta que viene. Explica Marichal que „los cangrejos que acompañan a la figura central representan la fuerza y fortaleza que nos sostiene en tiempos de inestabilidad. Por otro lado, también podría aludir a la ley PROMESA, impuesta por el gobierno de Washington, que nos desangra poco a poco“. Para su cortometraje Caribeño Pensador, la artista plástica animó varios de sus grabados y una pintura que se titula Limbo Boricua. El mismo surgió de una invitación que le hizo el guitarrista y compositor Gabriel Vicéns para que usara una de sus composiciones musicales en alguno de sus filmes. El corto animado resultante es una especie de „pildorita“ visual que ayuda a reflexionar sobre „nuestra patética situación colonial y existencial“.
¿Qué hace una pelota de golf en un hoyo en la carretera? Esa imagen fija fue sacada del video Hoyo en uno, de Amanda Torres Rodríguez, en el cual una golfista y un caddie caminan por un vecindario en Puerto Rico, utilizando los hoyos en la carretera como si estuvieran en un campo de golf. “Me interesaba visualizar la presencia de élites económicas en Puerto Rico que continúan las lógicas coloniales extractivistas en el territorio y la amplia desigualdad socioeconómica, satirizando la perversidad y enajenación de estas élites tanto locales como extranjeras”, expresa la artista haciendo clara alusión al pensamiento de Frantz Fanon.
Mine Your Own Business (8), del artista multimedia Gabriella Torres-Ferrer, explora la compleja interrelación entre el colonialismo y nuestra era digital. Las primeras obras de la serie cuestionan la ola utópica-especulativa de negocios de criptomonedas que llegaron a Puerto Rico después del huracán María, en septiembre de 2017, tratando de aprovecharse de la crisis. Partiendo de la tradición artística del bodegón, esta instalación conecta objetos de consumo cotidiano
3 Arcadio Díaz Quiñones, El arte de bregar: Ensayos, Ediciones Callejón, 2000, p. 21.
4 Muchos artistas que residen o vivieron fuera de Puerto Rico colocan un guion entre sus dos apellidos. Algunos ya no utilizan los acentos en sus nombres. En este ensayo se han identificado según la práctica de cada uno.
5 Porciento por debajo del nivel de pobreza: 43.2, http://observatorio.assmca.pr.gov/demografia.php (10/14/2023).
Artivism is a hybrid between art and sociopolitical activism. The works of Gabriella Torres-Ferrer, Poli Marichal, Yiyo Tirado Rivera, Norma Vila Rivero and Amanda Torres Rodríguez, as well as those of Carlos Marcial and Carlos Aponte, correspond to this category4. All of them explore the power of the people, the connections between money and domination, privatization and the decline of government services, and the contrast between the Puerto Rican paradise that is marketed internationally, and the struggles waged daily by the people of Puerto Rico with scarce resources.5
The Promise, by Poli Marichal, which is part of the “Isla/Ayland” series, alludes, according to the artist, to the willingness to make a sacrifice to achieve a goal. In this case, it is shedding blood to appease the coming storm. Marichal explains that “the crabs that accompany the central figure represent the strength and fortitude that sustains us in times of instability. On the other hand, it could also allude to the PROMESA law, imposed by the Washington government, which is bleeding us little by little.” For her short film Caribeño Pensador, the plastic artist animated several of her engravings and a painting titled Limbo Boricua. It arose from an invitation from the guitarist and composer Gabriel Vicéns to use one of her musical compositions in one of his films. The resulting animated short is a kind of visual “little pill” that helps us reflect on “our pathetic colonial and existential situation.”
What is a golf ball doing in a hole in the road? That still image was taken from the video Hole in One, by Amanda Torres Rodríguez, in which a golfer and a caddy walk through a neighborhood in Puerto Rico, using the holes in the road as if they were on a golf course. “I was interested in visualizing the presence of economic elites in Puerto Rico that continue the colonial extractivist logic in the territory and the wide socioeconomic inequality, satirizing the perversity and alienation of these elites, both local and foreign,” expresses the artist, making clear allusion to the thought of Frantz Fanon.
Mine Your Own Business (8), by multimedia artist Gabriella Torres-Ferrer, explores the complex interrelationship between colonialism and our digital age. The first works in the series question the utopian-speculative wave of cryptocurrency businesses that arrived in Puerto Rico after Hurricane María, in September 2017, trying to take advantage of the crisis. Drawing from the artistic tradition of still life, this installation connects everyday consumption objects commonly intended to improve performance or pleasure—such as energy drinks, coffee, alcohol, and pharmaceuticals—with microcomputers and screens that display data in real time, obtained through the Internet. These data present a diversity of information relevant to socioeconomic paradigms, such as the values of various markets—including that of cryptocurrencies, whose
4 Many artists who reside or lived outside of Puerto Rico place a hyphen between their two last names. Some no longer use accents in their names. In this essay they have been identified according to each one’s practice.
5 Percentage below the poverty level: 43.2, http://observatorio.assmca.pr.gov/demografia.php (10/14/2023).
comúnmente destinados a mejorar el rendimiento o placer —como bebidas energizantes, café, alcohol y fármacos— con microcomputadoras y pantallas que muestran datos en tiempo real, obtenidos a través del internet. Estos datos presentan una diversidad de información relevante a los paradigmas socioeconómicos, como los valores de diversos mercados —incluyendo el de criptomonedas, cuya minería critica—, la acumulación de riqueza en el mundo y detalles personales del artista extraídos por plataformas que sirven a compañías de publicidad. TorresFerrer vive en Europa, desde donde investiga dinámicas de poder y los medios de producción e intercambio en una sociedad globalmente interconectada.
Norma Vila Rivero nos revela en Estructura para la imposibilidad del paisaje una parcela con un edificio cerca del mar en Isabela, municipalidad al noroeste de Puerto Rico. La ruina (¿o es un proyecto en proceso de (re)construcción?) está rodeada por vegetación que luce alterada por la construcción o por una tormenta. Ambos efectos se parecen. La artista conceptual imprimió la imagen fotográfica del paisaje sobre un pedazo de lona para exterior, la cortó en cintas, que entrelazó a una malla ciclónica, imitando la práctica común en Puerto Rico de bloquear no solo el acceso, sino la vista a jardines, casas, campos y obras. Este acercamiento conceptual me recuerda la práctica de “tapar para ver”, utilizada por artistas como Chemi Rosado Seijo.
El decoupage Untitled I (Dislocaciones), de Yiyo Tirado Rivera, trata un tema relacionado y muestra la visión del inversionista que utiliza la Isla como un lienzo blanco para materializar sus ideas sin considerar el efecto adverso que su proyecto puede tener sobre la comunidad. Después del paso del huracán María, Tirado Rivera empezó a mirar a Puerto Rico desde el aire por medio de un dron. Lo que dominaba el paisaje eran toldos azules sobre techos dañados o ausentes. Utilizando imágenes de alta resolución de agencias de fotografías comerciales, el artista combinó una vista aérea de la costa afectada del municipio de Barceloneta con una imagen del área de la piscina del Wyndham Grand Rio Mar Golf & Beach Resort en el municipio de Río Grande. Con este acercamiento nos propone que, detrás de una linda composición con colores de promoción turística, está el miedo del pueblo a que alguien, aprovechándose del desastre, compre los terrenos y las casas de los afectados para construir en su lugar otro resort. Esta propuesta es alusiva a la dinámica que Naomi Klein describe en La batalla por el paraíso: Puerto Rico y el capitalismo del desastre. 6 No solo los extranjeros sueñan con oportunidades. Al menos uno de los allegados del entonces gobernador de Puerto Rico, Ricardo Rosselló Nevares, también soñó con la idea de un maravilloso futuro sin puertorriqueños.7 “Quítate tú pa‘ ponerme yo”, como dicen los cantantes.8
6 Naomi Klein, La batalla por el paraíso: Puerto Rico y el capitalismo del desastre, Haymarket Books, 2018.
7 “I saw the future....is wooooooonderful....there are no puertorricans”. –Edwin Miranda, Telegram chat, p. 868, https://periodismoinvestigativo.com/2019/07/las-889-paginas-de-telegram-entre-rossello-nevares-y-sus-allegados/ (10/14/2023).
8 ”Quítate tú”, Johnny Pacheco y Roberto Valentín, Live at Cheetah Vol. 1, Fania All-Stars, 1971; y “Quítate tú pa ponerme yo”, Eddie Dee, 12 Discípulos, 2004.
mining she criticizes—, the accumulation of wealth in the world, and personal details of the artist extracted by platforms that serve advertising companies. Torres-Ferrer lives in Europe, where she investigates power dynamics and the means of production and exchange in a globally interconnected society.
Norma Vila Rivero reveals to us in Structure for the Impossibility of the Landscape a plot with a building near the sea in Isabela, a municipality in the northwest of Puerto Rico. The ruin (or is it a project in the process of (re)construction?) is surrounded by vegetation that looks altered by construction or a storm. Both effects are similar. The conceptual artist printed the photographic image of the landscape on a piece of outdoor canvas, cut it into ribbons, which she intertwined with a cyclone mesh, imitating the common practice in Puerto Rico of blocking not only access, but also the view to gardens, houses, fields, and works. This conceptual approach reminds me of the practice of “covering to see,” used by artists like Chemi Rosado Seijo.
The decoupage Untitled I (Dislocations), by Yiyo Tirado Rivera, deals with a related topic and shows the vision of the investor who uses the Island as a white canvas to materialize his ideas without considering the adverse effect that his project may have on the community. After Hurricane María, Tirado Rivera began looking at Puerto Rico from the air using a drone. Dominating the landscape were blue awnings over damaged or missing roofs. Using high-resolution images from commercial photography agencies, the artist combined an aerial view of the affected coastline of the municipality of Barceloneta with an image of the pool area of the Wyndham Grand Rio Mar Golf & Beach Resort in the municipality of Río Grande. With this approach he proposes that, behind a beautiful composition with tourist promotion colors, there is the fear of the people that someone, taking advantage of the disaster, will buy the land and houses of those affected to build another resort in their place. This proposal is allusive to the dynamic that Naomi Klein describes in The Battle for Paradise: Puerto Rico and Disaster Capitalism.6 Not only foreigners dream of opportunities. At least one of those close to the then governor of Puerto Rico, Ricardo Rosselló Nevares, also dreamed of the idea of a wonderful future without Puerto Ricans.7 “You Take off so I can put on,” as the singers say.8
In Puerto Rico there are many abandoned houses in poor condition that, when declared “public nuisances,” can change ownership more easily. It is a process that at first glance might seem like it would contribute to revitalizing the areas; however, it also serves the interests of some real estate speculators. Public nuisance, from the series “Planes for the memory of the future,” is a large-
6 Naomi Klein, The Battle for Paradise: Puerto Rico and Disaster Capitalism, Haymarket Books, 2018.
7 “I saw the future....is wooooooonderful....there are no puertorricans”. –Edwin Miranda, Telegram chat, p. 868, https://periodismoinvestigativo.com/2019/07/las-889-paginas-de-telegram-entre-rossello-nevares-y-sus-allegados/ (10/14/2023).
8 ”Quítate tú”, Johnny Pacheco y Roberto Valentín, Live at Cheetah Vol. 1, Fania All-Stars, 1971; y “Quítate tú pa ponerme yo”, Eddie Dee, 12 Discípulos, 2004.
En Puerto Rico abundan casas abandonadas en malas condiciones que, al ser declaradas “estorbos públicos”, pueden cambiar de dueño con mayor facilidad. Es un proceso que a simple vista pudiera parecer que contribuiría a revitalizar las áreas; sin embargo, también sirve a los intereses de algunos especuladores de bienes raíces. Estorbo público, de la serie „Planos para la memoria del futuro“, es un cianotipo de gran formato, de la artista Ada del Pilar Ortiz, que muestra una ruina en Ponce, al sur de la isla. Como técnica fotográfica, la cianotipia es un procedimiento que se solía utilizar para reproducir dibujos y planos. No obstante, en este caso, la impresión representa más bien el blueprint para un cambio forzado. La artista pregunta: “¿Ha existido siempre la caducidad en la formación del espacio? ¿Cómo podemos crear memoria dentro de un estado de impermanencia, donde el abandono y el desplazamiento parecen arraigarse en nuestra noción del progreso?”. El trabajo de Ortiz busca estimular una reflexión sobre la experiencia colectiva de “habitar una casa a merced de transformarse en un futuro”.
Con la colaboración de la comunidad santurcina del barrio Tras Talleres,9 Raquel Quijano Feliciano recopiló la historia y las tradiciones del barrio desde su fundación en los años 30. Su instalación
Procesión Trastalleres rinde homenaje al legado musical de los hermanos Montañez, entre otras estrellas locales de la salsa, la bomba y la plena, y al peregrinaje dedicado a la patrona Santa Ana que se celebra en este barrio, desde los años 60, cada mayo durante las Fiestas de Cruz. La obra interactiva fue comisionada por el Museo de Arte Contemporáneo para la serie “El MAC en el Barrio”, y revela con material histórico y fotografías recientes el desarrollo urbano del lugar junto con las caras y costumbres de la gente que confrontan su gentrificación.
La Cerra, también realizado para “El MAC en el Barrio”, es un libro con fotografías que muestra cómo esta calle en Santurce cambió desde 2017. “Ya ninguna de estas fotos que tomé entonces serían posible por la transformación del barrio”, dice su creador, Yiyo Tirado Rivera. El libro incluye un mapa y apuntes que elaboró sobre cada edificio a partir de conversaciones que tuvo con residentes del área. La práctica artística de Tirado Rivera parte del urbanismo y de imágenes emblemáticas del Caribe, como las palmas, las garitas de las murallas del Viejo San Juan, los neones de hoteles y hostales, los letreros y detalles arquitectónicos. Yiyo Tirado Rivera, Raquel Quijano Feliciano, Ada del Pilar Ortiz: todos son cronistas del cambio y críticos de algunos de los factores que lo causan.
De la disolución de comunidades y otras presiones nos cuenta diariamente Fernando Norat Pérez, también conocido como Fernan o Tropiwhat por su cuenta de Instagram, que tiene más de
9 Santurce es el distrito más grande de la capital de Puerto Rico y sigue siendo el centro cultural de San Juan, por albergar el MAC, el MAPR, el MADMi, el Centro de Bellas Artes, el Ballet de San Juan, el Conservatorio de Música, cinemas, teatros, varias galerías y espacios alternativos. El barrio Tras Talleres (alias Trastalleres) se formó detrás de las vías del tren, donde se encontraban en aquel entonces los talleres de mecánica relacionados a la operación del ferrocarril.
format cyanotype, by the artist Ada del Pilar Ortiz, which shows a ruin in Ponce, in the south of the island. As a photographic technique, cyanotype is a procedure that was often used to reproduce drawings and plans. However, in this case, the printout rather represents the blueprint for a forced change. The artist asks: “Have expirations always existed in the formation of space? How can we create memory within a state of impermanence, where abandonment and displacement seem to take root in our notion of progress?” Ortiz’s work seeks to stimulate reflection on the collective experience of “inhabiting a house at the mercy of being transformed in the future.”
With the collaboration of the Santurcina community of the Tras Talleres neighborhood9, Raquel Quijano Feliciano compiled the history and traditions of the neighborhood since its foundation in the 1930s. Her installation Trastalleres Procession pays tribute to the musical legacy of the Montañez brothers, among other local stars of the salsa, bomba and the plena, and the pilgrimage dedicated to the patron saint Santa Ana that has been celebrated in this neighborhood since the 60s, every May during the Fiestas de Cruz. The interactive work was commissioned by the Museum of Contemporary Art for the series “The MAC in the Neighborhood,” and reveals with historical material and recent photographs the urban development of the place along with the faces and customs of the people who confront its gentrification.
La Cerra, also made for “El MAC en el Barrio”, is a book with photographs that shows how this street in Santurce has changed since 2017. “None of these photos that I took then would be possible due to the transformation of the neighborhood,” says its creator, Yiyo Tirado Rivera. The book includes a map and notes he made about each building from conversations he had with area residents. Tirado Rivera’s artistic practice is based on urban planning and emblematic images of the Caribbean, such as palm trees, sentry boxes on the walls of Old San Juan, the neon lights of hotels and hostels, signs, and architectural details. Yiyo Tirado Rivera, Raquel Quijano Feliciano, Ada del Pilar Ortiz: all are chroniclers of change and critics of some of the factors that cause it.
Fernando Norat Pérez, also known as Fernan or Tropiwhat through his Instagram account, which has more than 54,500 followers10, tells us daily about the dissolution of communities and other pressures. Forced by the events after Hurricane Maria, he accepted the invitation of Brown University to continue his studies in Providence, Rhode Island, USA. But the nostalgia and pain of displacement affected him emotionally, as he describes in the series “When I left”. His other series, “Acho PR,” demonstrates how his visits, farewells, and his view from the outside turned him into an exceptional chronicler and digital artist.
9 Santurce is the largest district of the capital of Puerto Rico and continues to be the cultural center of San Juan, housing the MAC, the MAPR, the MADMi, the Fine Arts Center, the San Juan Ballet, the Conservatory of Music, cinemas, theaters, various galleries and alternative spaces. The Tras Talleres neighborhood (aka Trastalleres) was formed behind the train tracks, where the mechanical workshops related to the operation of the railroad were located at that time.
10 See https://www.instagram.com/tropiwhat/ (3/6/2024).
54,500 seguidores.10 Forzado por los eventos después del huracán María, aceptó la invitación de la Universidad de Brown para seguir con sus estudios en Providence, Rhode Island, EE. UU. Pero la nostalgia y el dolor del desplazamiento le afectaron emocionalmente, como bien lo describe en la serie “Cuando me fui”. Su otra serie, “Acho PR”, demuestra cómo las visitas, las despedidas y su mirada desde afuera lo convirtieron en un cronista y artista digital excepcional.
REPRESIÓN
Las nuevas tecnologías pueden crear transparencia y opacidad. La artista que no tiene presencia cibernética puede quedar fuera del circuito de arte. El adulto mayor que no sabe manejar su teléfono inteligente no se entera de cómo está su familia que intercambia noticias por un chat virtual. El que opta por hacer fila en una agencia gubernamental en vez de realizar sus gestiones a través de los sitios web del gobierno puede ser rechazado por no poder agendar una cita que tenía que haber solicitado en línea. El que no comparte en las redes sociales o no tiene correo electrónico puede ser considerado inexistente o sospechoso. Durante la pandemia, los sistemas de vigilancia servían para salvar vidas, pero también para represar o detener personas. Inteligencia artificial, algoritmos, tecnología de cadena de bloques, criptomoneda: estas expresiones siguen siendo abstractos para una gran parte de nuestra población, e incluso para muchos artistas.
La tecnología de cadena de bloques tiene la posibilidad de democratizar transacciones a través de la criptografía. Se debe entender como un libro de contabilidad no centralizado que registra transacciones, por ejemplo, de una obra de arte a través de un token o vale no fungible (TNF).11
Pero la tecnología no solo requiere recursos energéticos substanciales para cada transacción, sino también conocimiento e inversión, pues, además de las comisiones en caso de venta, para subir una obra a una plataforma y mantenerla visible aplican otras tarifas.12 Artistas puertorriqueños como Carlos Marcial y Christopher “Chris” Torres se han hecho famosos y ricos con sus “Infinity Rooms” y “Nyan Cats”.13
Delicious Dinero, de Rafael Vargas-Bernard, se debe entender como una obra TNF que critica esa misma tecnología, pues el artista boricua, que reside en Miami, literalmente se come un billete de un dólar cortado en tiras. Esta práctica nos recuerda su performance Saturno o la Junta Federal
10 Ver https://www.instagram.com/tropiwhat/ (3/6/2024).
11 NFT, Non Fungible Token, en inglés. Según la Real Academia Española, fungible significa “que se consume con el uso”.
12 Incluyendo tarifas de acuñación (“minting”, en inglés), tarifas de gas y tarifas de listado, los gastos pueden sumar entre $0.01 y $1,000 por obra.
13 Chris Torres, al igual que los artistas y colaboradores puertorriqueños Sarabel Santos Negrón y Frances Negron-Muntaner, Elsa María Meléndez, John Vasquez Mejias y Consuelo Gotay, fueron seleccionados por el curador en jefe de la Poli/ Gráfica, Elvis Fuentes, antes de que yo asumiera el rol de curadora para Puerto Rico. Les refiero a su texto para aprender más sobre las obras de estos artistas.
REPRESSION
New technologies can create transparency and opacity. The artist who does not have a cyber presence may be left out of the art circuit. The older adult who does not know how to use their smartphone does not find out how their family is doing, as they exchange news through a virtual chat. Anyone who chooses to wait in line at a government agency instead of making their arrangements through government websites may be rejected for not being able to schedule an appointment that they should have requested online. Anyone who does not share on social networks or does not have an email may be considered non-existent or suspicious. During the pandemic, surveillance systems served to save lives, but also to imprison or detain people. Artificial intelligence, algorithms, blockchain technology, cryptocurrency: these expressions remain abstract for a large part of our population, and even for many artists.
Blockchain technology has the potential to democratize transactions through cryptography. It should be understood as a non-centralized ledger that records transactions, for example, of a work of art through a token or non-fungible voucher (NFT).11 But the technology not only requires substantial energy resources for each transaction, but also knowledge and investment, since, in addition to commissions in the case of sale, other fees12 apply to upload a work to a platform and keep it visible. Puerto Rican artists like Carlos Marcial and Christopher “Chris” Torres have become famous and rich with their “Infinity Rooms” and “Nyan Cats.”13
Delicious Dinero, by Rafael Vargas-Bernard, should be understood as a NFT work that criticizes that same technology, since the Puerto Rican artist, who resides in Miami, literally eats a dollar bill cut into strips. This practice reminds us of his performance Saturno o la Junta Federal de Control Fiscal, in which he eats a dollar in front of the Capitol14, and also of the one he performed at Gallery 356 in San Juan, when he swallowed the drawings that had not been sold to certain time. This act can be interpreted as one of anthropophagy, since money has become a predator that only loses its strength by devouring it.
According to Carlos Marcial, his artworks NFT Fiat est violentiam – Coronavirus and Here comes Fiat15 are also expressions of criticism, since they denounce “the socioeconomic and political power of the American dollar.” About Fiat est violentiam – Coronavirus, the artist comments: “Governments have used the coronavirus health crisis as another great opportunity to ‘print’ more
11 NFT, Non-Fungible Token, in English. According to the Royal Spanish Academy, fungible means “that is consumed with use.”
12 Including minting fees, gas fees, and listing fees, expenses can total between $0.01 and $1,000 per work.
13 Chris Torres, as well as Puerto Rican artists and collaborators Sarabel Santos Negrón and Frances Negron-Muntaner, Elsa María Meléndez, John Vasquez Mejias and Consuelo Gotay, were selected by Poli/Grafica chief curator Elvis Fuentes before I assumed the role of curator for Puerto Rico. I refer you to their text to learn more about the works of these artists.
14 Saturno o la Junta Federal de Control Fiscal, 2016, https://youtu.be/O8vP2fHCmGM?feature=shared.
15 Fiat money is fiat money, a type of money that is not backed by any commodity, such as gold or silver. The US dollar and the euro are examples of fiat money, https://es.wikipedia.org/wiki/Dinero_por_decreto.
de Control Fiscal, en el que se come un dólar frente al Capitolio,14 y también al que realizó en la Galería 356 en San Juan, cuando se tragó los dibujos que no se habían vendido a cierta hora. Este acto se puede interpretar como uno de antropofagia, ya que el dinero se ha convertido en un depredador que solo al devorarlo pierde su fuerza.
Según Carlos Marcial, sus obras de arte TNF Fiat est violentiam – Coronavirus y Here comes Fiat15 también son expresiones de crítica, ya que denuncian “el poder socioeconómico y político del dólar americano”. Sobre Fiat est violentiam – Coronavirus, el artista comenta: “Governments have used the coronavirus health crisis as another great opportunity to ‘print’ more money out of thin air and are on their way to bailing out again ‘too big to fail’ companies. It feels like 2008 all over again, the year that Satoshi Nakamoto published the Bitcoin white paper. Nakamoto‘s protocol was created for moments like these”.
Trabajar remoto, algo que los nómadas digitales16 y muchos trabajadores autónomos ya hacían antes de la pandemia, se convirtió durante esta en la normalidad. Los dibujos digitales Tócame y Zoom In y Zoom Out, del artista e ilustrador independiente Carlos Aponte, tematizan tanto lo que se pierde como la libertad que se gana en tiempos en los cuales la presencia se limita a mostrar la cara, pero no el cuerpo. En 1966, una investigación del psicólogo Sidney M. Jourard, que fue a menudo citada e igualmente criticada, reveló que los estadounidenses se tocaban dos veces durante una conversación de 60 minutos en un café, mientras que los puertorriqueños lo hacían 180 veces.17 Según otros estudios, nuestra piel es un órgano social que cultiva cooperación, mejora la salud y el desarrollo.18 Por lo tanto, un choque de puños o un emoji no transmite lo mismo que un abrazo, una palmadita en la espalda, una caricia en la cara o en la mano.
Las artistas Anamarie Sierra Pagán y Cristina Vélez Roque presentan con sus obras interactivas cómo los algoritmos interactúan, crean y deshacen. Hablar contigo es fácil consiste en un bot conversacional de humor negro que intenta suplantar a la terapia de sillón. Comenta el dúo que ”si un servicio psicológico es el epítome del diálogo más saludable, el chatbot es el antónimo estructural de sus condiciones de posibilidad: retroalimentación, memoria, confidencialidad frente a emancipación, impermanencia y desprendimiento”. La segunda obra de ambas se titula
14 Saturno o la Junta Federal de Control Fiscal, 2016, https://youtu.be/O8vP2fHCmGM?feature=shared.
15 Dinero fiat es dinero por decreto, un tipo de dinero que no está respaldado por ninguna mercancía, como el oro o la plata. El dólar estadounidense y el euro son ejemplos de dinero fiat, https://es.wikipedia.org/wiki/Dinero_por_decreto.
16 Nómadas digitales son profesionales que usan las nuevas tecnologías para trabajar desde donde les lleva su estilo de vida, sin tener un hogar permanente.
17 Julie Dutton, Ashleigh Johnson y Mark Hickson, “Touch Revisited: Observations and Methodological Recommendations”, Journal of Mass Communication and Journalism, vol. 7, núm. 5, 2017, https://www.hilarispublisher.com/open-access/ touch-revisited-observations-and-methodological-recommendations.pdf (10/14/2023).
18 Ver, por ejemplo, India Morrison, et al. “The skin as a social organ”, Experimental Brain Research, vol. 204, núm. 3, 2009, pp. 305-314, https://pubmed.ncbi.nlm.nih.gov/19771420/
money out of thin air and are on their way to dancing out again ‘too big to fail’ companies. It feels like 2008 all over again, the year that Satoshi Nakamoto published the Bitcoin white paper. Nakamoto’s protocol was created for moments like these.”
Working remotely, something that digital nomads16 and many freelancers were already doing before the pandemic, became normal during it. The digital drawings Tócame and Zoom In and Zoom Out, by the independent artist and illustrator Carlos Aponte, thematize both what is lost and the freedom that is gained in times in which presence is limited to showing the face, but not the body. In 1966, research by psychologist Sidney M. Jourard, which was often cited and equally criticized, revealed that Americans touched each other twice during a 60-minute conversation in a cafe, while Puerto Ricans did so 180 times17. According to other studies, our skin is a social organ that cultivates cooperation, improves health and development18. Therefore, a fist bump or an emoji does not convey the same thing as a hug, a pat on the back, a caress on the face or hand.
The artists Anamarie Sierra Pagán and Cristina Vélez Roque present with their interactive works how algorithms interact, create, and undo. Talking to you is easy consists of a black humor conversational bot that tries to supplant armchair therapy. The duo comments that “if a psychological service is the epitome of the healthiest dialogue, the chatbot is the structural antonym of its conditions of possibility: feedback, memory, confidentiality versus emancipation, impermanence and detachment.” The second work of both is titled Fábrica de Nombres and is an electronic experiment to expand the Spanish dictionary, available on a pile of bricks that underlines its industrial connotation. At the command of a button, a program randomly combines three databases: prefixes, lexemes and suffixes. Calculations predict that the factory has 80,635 new words to say.
As a contrast to the digital aspects, the analogue work of Melquiades Rosario Sastre works on materiality. The pressure consists of a cement bag covered with green sand, with the stamp of a cement block on top and placed on the same blocks. In 1985, Rosario Sastre had already printed on soil and on zinc sheets, but she got the idea of printing with blocks from Hurricane María, which destroyed her workshop. Some bags of cement had become wet and the objects that were placed on them left their marks. But it is not only a reminder of the meteorological phenomenon; it is also a criticism of the unbridled use of cement, covering house by house and yard by yard what was once fertile land.
16 Digital nomads are professionals who use new technologies to work from wherever their lifestyle takes them, without having a permanent home.
17 Julie Dutton, Ashleigh Johnson y Mark Hickson, “Touch Revisited: Observations and Methodological Recommendations”, Journal of Mass Communication and Journalism, vol. 7, núm. 5, 2017, https://www.hilarispublisher.com/open-access/touch-revisited-observations-and-methodological-recommendations.pdf (10/14/2023).
18 See, for example, India Morrison, et al. “The skin as a social organ”, Experimental Brain Research, vol. 204, núm. 3, 2009, pp. 305-314, https://pubmed.ncbi.nlm.nih.gov/19771420/.
Fábrica de nombres y es un experimento electrónico para ampliar el diccionario del español, disponible sobre una pila de ladrillos que subraya su connotación industrial. Al comando de un botón, un programa combina aleatoriamente tres bancos de datos: prefijos, lexemas y sufijos. Cálculos predicen que la fábrica tiene 80,635 palabras nuevas que decir.
A modo de contraste con las vertientes digitales, la obra analógica de Melquiades Rosario Sastre trabaja la materialidad. La presión consiste en un saco de cemento cubierto de arena de color verde, con la estampa de un bloque de cemento encima y colocado sobre los mismos bloques. En el año 1985, Rosario Sastre había ya impreso sobre tierra y sobre planchas de zinc, pero la idea de estampar con bloques la obtuvo del huracán María, que le destruyó su taller. Unos sacos de cemento se habían mojado y los objetos que estaban colocados encima dejaron sus huellas. Pero no es solamente un recuerdo del fenómeno meteorológico, también es una crítica al uso desenfrenado de cemento, cubriendo casa por casa y patio por patio lo que una vez fue tierra fértil.
Ricardo J. Rodríguez De Santiago, reconocido por fusionar arquitectura con tecnología emergente y pionero en el arte generativo con inteligencia artificial (IA), ha creado más de 15,000 obras digitales utilizando algoritmos de texto a imagen para forjar “futuros presentes”. Sus obras en la Poli/Gráfica exploran la relación entre cambio climático, política y arquitectura en Puerto Rico. Como arquitecto y orador sobre tecnología innovadora en la construcción, Rodríguez De Santiago utiliza la IA para crear mundos imaginarios que reflejan los desafíos y adaptaciones culturales de Puerto Rico. Post Apocalyptic Before the Storm busca transmitir que la tragedia urbana puertorriqueña precede al devastador huracán categoría 5. Los grabados representan un mundo donde „in the mirrored facades of denial, we craft illusions of invulnerability, a sanctum untouched by the storm“, mostrando la vulnerabilidad y negación existentes antes de los desastres naturales. En Our Islands and their People, el artista desafía las narrativas coloniales a través del arte futurista. La serie visualiza un futuro afectado por el cambio climático, donde “acceptance surfaces in the transformative power of art, an affirmation of our spirit, the Island’s post-disaster existence reborn through the vibrant tapestry of Puerto Rican cultural capital. In the face of a deluged tomorrow, we embrace a neon-bathed promise, where silicon saviors dance with the tides, painting a poster of a world reborn in sky-blue optimism and rosy resilience”. El título se inspira en un libro publicado en 1899 por el ejército de los EE. UU., que exotifica a las Isla.19
En su serie “Caribbean Utopía”, Juan Fernández explora aspectos similares. Además, experimenta cómo la inteligencia artificial se acerca a temas recurrentes en su práctica creativa como muralista: las mutaciones en el mundo animal. Utilizando Midjourney,20 el artista combinó los tentáculos
19 Major-General Joseph Wheeler, United States Army, José de Olivares, et al., Our islands and their people as seen with camera and pencil, N. D. Thompson Publishing Co., 1899, https://archive.org/details/ourislandstheirp01oliv/mode/2up.
20 “Midjourney is an independent research lab exploring new mediums of thought and expanding the imaginative powers of the human species”, Midjourney, “About”, www.midjourney.com (11/12/2023).
Ricardo J. Rodríguez De Santiago, recognized for fusing architecture with emerging technology and a pioneer in generative art with artificial intelligence (AI), has created more than 15,000 digital works using text-to-image algorithms to forge “present futures.” His works in Poli / Gráfica explore the relationship between climate change, politics and architecture in Puerto Rico. As an architect and speaker on innovative construction technology, Rodríguez De Santiago uses AI to create imaginary worlds that reflect Puerto Rico’s challenges and cultural adaptations. Post Apocalyptic Before the Storm seeks to convey that the Puerto Rican urban tragedy precedes the devastating category 5 hurricane. The engravings represent a world where “in the mirrored facades of denial, we craft illusions of invulnerability, a sanctum untouched by the storm,” showing vulnerability and denial existing before natural disasters. In Our Islands and their People, the artist challenges colonial narratives through futuristic art. The series visualizes a future affected by climate change, where “acceptance surfaces in the transformative power of art, an affirmation of our spirit, the Island’s post-disaster existence reborn through the vibrant tapestry of Puerto Rican cultural capital. In the face of a deluged tomorrow, we embrace a neon-bathed promise, where silicon saviors dance with the tides, painting a poster of a world reborn in sky-blue optimism and rosy resilience”. The title is inspired by a book published in 1899 by the US Army, which exoticizes the Island.19
In his series “Caribbean Utopia,” Juan Fernández explores similar aspects. Furthermore, he experiences how artificial intelligence approaches recurring themes in his creative practice as a muralist: mutations in the animal world. Using Midjourney20, the artist combined the tentacles of an octopus—a highly intelligent mollusk, but overfished to satisfy the gastronomic consumer—with a sharp-shinned hawk, whose population in Puerto Rico decreased so much due to deforestation to install power lines and communication towers as by the devastation of hurricanes.
The passage of Hurricane Maria also motivated Molly Crabapple to create an emotional work that she published in several online magazines. Using pen, ink, coloring and gouache, she recreated the post-hurricane atmosphere in the style of a war reporter. Diagnosed as a child with oppositional defiant disorder (ODD), with a pattern of negative, defiant or hostile behavior, the artist chose a different path than expected by her environment. For this reason, she changed her name—crab apple is a sour or bitter apple—and at a young age she published her autobiography, Drawing Blood (2015), which is presented in the Reading Room. It is the first time that the artist who was born in New York as Jennifer Cabán exhibits in Puerto Rico. I find it important to highlight that while his father, the author Pedro A. Cabán, demonstrates in Constructing a Colonial People: Puerto Rico and the United States, 1898-1932 (1999) how the US transformed Puerto Rico into the American
19 Major-General Joseph Wheeler, United States Army, José de Olivares, et al., Our islands and their people as seen with camera and pencil, N. D. Thompson Publishing Co., 1899, https://archive.org/details/ourislandstheirp01oliv/mode/2up.
20 “Midjourney is an independent research lab exploring new mediums of thought and expanding the imaginative powers of the human species”, Midjourney, “About”, www.midjourney.com (11/12/2023).
de un pulpo —molusco sumamente inteligente, pero sobrepescado para satisfacer al consumidor gastronómico— con un gavilán de sierra, cuya población en Puerto Rico disminuyó tanto a causa de la desforestación para montar líneas eléctricas y torres de comunicación como por la devastación de los huracanes.
El paso del huracán María también motivó a Molly Crabapple a crear una obra emotiva que publicó en varias revistas en línea. Sirviéndose de bolígrafo, tinta, colorante y guache, recreó en estas la atmósfera poshuracán al estilo de una reportera de guerra. Diagnosticada de niña con trastorno desafiante oposicional (ODD, en inglés), con un patrón de conducta negativa, desafiante u hostil, la artista eligió un camino diferente a lo esperado por su entorno. Por esta razón, cambió su nombre —crab apple es una manzana agria o amarga y publicó a joven edad su autobiografía, Drawing Blood (2015), que se presenta en la Sala de lectura. Es la primera vez que la artista que nació en Nueva York como Jennifer Cabán exhibe en Puerto Rico. Me parece importante destacar que mientras su padre, el autor Pedro A. Cabán, demuestra en Constructing a Colonial People: Puerto Rico and the United States, 1898-1932 (1999) cómo los EE. UU. transformaron a Puerto Rico en la colonia americana que sigue siendo, ella revela en sus publicaciones la falta de apoyo del gobierno federal, a la vez que destaca el valor de la autoayuda y la resiliencia de los puertorriqueños.
Molly Crabapple, Carlos Aponte, Fernando Norat Pérez: ¿son artistas, ilustradores o publicistas? Son todo lo anterior y más. De hecho, el periodista Lukas Hermsmeier le preguntó a Crabapple si es una artista que escribe o una periodista que dibuja o una activista política o una empresaria que está de fiesta. Ella aclaró que no piensa en estas categorías. En el artículo publicado en el periódico alemán Die Welt, el periodista cita además al escritor Salman Rushdie, quien la describió como “una mujer bohemia de la vieja guardia con una sensibilidad política muy contemporánea”.21
COMPRESIÓN
A nivel mundial, incluyendo a Puerto Rico, el porcentaje de los artistas que viven exclusivamente de su arte es tan bajo que muchos deben ejercer múltiples carreras.22 Tener lo que Marci Alboher llama una carrera de barra (slash career)23 es la realidad de todos los artistas en esta exhibición, ya que fueron o son artistas/meseros, artistas/maestras, artistas/gestores, artistas/creativos para
21 Lukas Hermsmeier, „Molly Crabapple ist jetzt so etwas wie berühmt“, Die Welt, 7 nov 2014, https://www.welt.de/icon/ article133862858/Molly-Crabapple-ist-jetzt-so-etwas-wie-beruehmt.html.
22 Puede consultar estudios sobre la economía creativa en Suiza, Europa, EE. UU. y demás países citados, como Entrepreneurial Strategies for a “Positive Economy”, 3rd Creative Economies Report Switzerland 2018, http://archive.creativeeconomies. com/archive/www.creativeeconomies.com/downloads/creative-economy-report-switzerland-2018-en.pdf; y Creative Economies Reports, Zurich Centre for Creative Economies (ZCCE), https://www.zhdk.ch/zcce/creative-economies-in-data-8398/ creative-economies-reports-8066.
23 Marci Alboher, One Person/Multiple Careers: A New Model for Work/Life Success, Warner Books, 2007.
colony which continues to be, she reveals in her publications the lack of support from the federal government, while highlighting the value of self-help and the resilience of Puerto Ricans.
Molly Crabapple, Carlos Aponte, Fernando Norat Pérez: are they artists, illustrators or publicists? They are all of the above and more. In fact, journalist Lukas Hermsmeier asked Crabapple if she is an artist who writes or a journalist who draws or a political activist or a businesswoman who parties. She clarified that she does not think in these categories. In the article published in the German newspaper Die Welt, the journalist also quotes the writer Salman Rushdie, who described her as “a bohemian woman of the old guard with a very contemporary political sensitivity21.”
COMPRESSION
Worldwide, including Puerto Rico, the percentage of artists who make a living exclusively from their art is so low that many must pursue multiple careers.22 Having what Marci Alboher calls a slash career23 is the reality of all the artists in this exhibition, since they were or are artists/waiters, artists/teachers, artists/managers, artists/creatives for various industries, artists /social workers, artists/architects, artists/advertisers, artists/gallerists or artists/psychologists. In addition, they are mothers, fathers, students or retired, to add other bars. Living and communicating this truth openly instead of pretending to be an artist 24/7 can be seen as both an act of indiscipline and liberation. Getting out of the pressure before you break under the weight of expectations is wise and healthy; Likewise, abandoning the strict frameworks of art disciplines, whether in the use of materials, techniques, artistic training or in the ways of marketing.
Mary Axtmann, retired “slash” teacher, environmental activist, mother, grandmother, artist and certified artisan since 2015, creates contemplative art with artisanal methods. For his biological prints, he collects material mostly from the San Patricio Forest, which adjoins his house and which he helped save… a green lung of the capital city, whose gates only open when the Department of Natural and Environmental Resources—the government agency that manages the forest—has staff available. Making art is one of her responses to limitations and control, a playful approach to rules and structures—both artistic and political—an act of freeing oneself from the restrictions imposed by the system. Working with organic material allows “the forest itself to express itself and impress itself.” Leaves, seeds, pods and flowers of mango, mahogany, pterocarpus (chicken stick), casuarina, carnation, onion, eucalyptus, shame and bahuinia variegata (orchid stick) interact with
21 Lukas Hermsmeier, „Molly Crabapple ist jetzt so etwas wie berühmt“, Die Welt, 7 nov 2014, https://www.welt.de/icon/ article133862858/Molly-Crabapple-ist-jetzt-so-etwas-wie-beruehmt.html.
22 You can consult studies on the creative economy in Switzerland, Europe, the USA and other countries mentioned, such as Entrepreneurial Strategies for a “Positive Economy”, 3rd Creative Economies Report Switzerland 2018, http://archive. creativeeconomies.com/archive/ www.creativeeconomies.com/downloads/creative-economy-report-switzerland-2018-en. pdf; and Creative Economies Reports, Zurich Center for Creative Economies (ZCCE), https://www.zhdk.ch/zcce/creative-economies-in-data-8398/creative-economies-reports-8066.
23 Marci Alboher, One Person/Multiple Careers: A New Model for Work/Life Success, Warner Books, 2007.
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diversas industrias, artistas/trabajadoras sociales, artistas/arquitectos, artistas/publicistas, artistas/ galeristas o artistas/psicólogas. Además, son madres, padres, estudiantes o retirados, para añadir otras barras. Vivir y comunicar esta verdad abiertamente en vez de pretender ser artista 24/7 se puede ver tanto como un acto de indisciplina como de liberación. Salir de la presión antes de quebrarse bajo el peso de las expectativas es sabio y saludable; de igual forma, abandonar los marcos estrictos de las disciplinas del arte, sea en el uso de los materiales, las técnicas, formaciones artísticas o en las maneras de mercadearse.
Mary Axtmann, profesora retirada “slash” activista ambiental, madre, abuela, artista y artesana certificada desde el 2015, crea arte contemplativo con métodos artesanales. Para sus estampas biológicas, colecciona material mayormente del Bosque San Patricio, que colinda con su casa y al que ayudó a salvar… un pulmón verde de la ciudad capitalina, cuyos portones solo abren cuando el Departamento de Recursos Naturales y Ambientales —la agencia gubernamental que administra el bosque— tiene personal disponible. Hacer arte es una de sus respuestas a las limitaciones y el control, un acercamiento lúdico a las normas y estructuras —tanto artísticas como políticas—, un acto de liberarse de las restricciones impuestas por el sistema. Trabajar con material orgánico le permite “que el bosque mismo se exprese e imprima”. Hojas, semillas, vainas y flores de mangó, caoba, pterocarpus (palo de pollo), casuarina, clavel, cebolla, eucalipto, vergüenza y bahuinia variegata (palo de orquídeas) interactúan con acetato de aluminio, leche de soya, taninos naturales y el óxido que sale de latas, tubos y otros materiales oxidados encontrados.
Grimaldi Baez, el desviado tecnológico, agente colaborador de espacios ecológicos y mediador creativo del aprendizaje social —para utilizar unas de las autodescripciones de este artista y productor cultural—, combina en sus Aparatos de dibujo y en las litografías que derivan de ellos varios de sus talentos e intereses. Sus “aparatos” consisten en planchas de xilografía y planchas de cobre de aguafuerte, una fuente de alimentación CC, un soporte de succión y partes de un equilibrator usado por dentistas para hacer impresiones dentales. Baez se pregunta: “¿Cómo podemos ser creadores de nuestras propias herramientas y usarlas para crear cosas que queremos ver en el mundo?”. El artista ve este trabajo como un acto de subversión contra los códigos tecnológicos de un objeto y el consumismo ciego que nos imponen. Comparto su observación de que “al aceptar la tecnología ciegamente, invitamos a que se reproduzcan los mismos modos de explotación de los cuales surgen”.
Alice Chemama es una artista de ascendencia puertorriqueña que se expresa a través del dibujo. Su curiosidad por Puerto Rico surgió en Francia —su país de crianza—, donde le preguntaban sobre su tez trigueña, que heredó de su abuela materna ponceña. Su primera visita a San Juan, a los 25 años, fue reveladora. Chemama recientemente ilustró para La Revue Dessinée, un periódico trimestral francés, historias sobre los trucos del mundo financiero (Magique Système) y la
aluminum acetate, soy milk, natural tannins and the rust that comes from cans, tubes and other oxidized materials found.
Grimaldi Baez, the technological deviant, collaborating agent of ecological spaces and creative mediator of social learning—to use some of the self-descriptions of this artist and cultural producer—combines in his Drawing Devices and in the lithographs that derive from them several of his talents and interests. His “apparatus” consists of woodcut plates and copper etching plates, a CC power supply, a suction stand, and parts of an equilibrator used by dentists to make dental impressions. Baez asks: “How can we be creators of our own tools and use them to create things we want to see in the world?” The artist sees this work as an act of subversion against the technological codes of an object and the blind consumerism that they impose on us. I share his observation that “by blindly accepting technology, we invite the reproduction of the very modes of exploitation from which they arise.”
Alice Chemama is an artist of Puerto Rican descent who expresses herself through drawing. Her curiosity about Puerto Rico arose in France—her country of upbringing—where she was asked about her dark skin, which she inherited from her maternal grandmother from Ponce. Her first visit to San Juan, at age 25, was revealing. Chemama recently illustrated for La Revue Dessinée, a French quarterly, stories about the tricks of the financial world (Magique Système) and workplace surveillance (Surveillance). From the Alps to Yellowstone Park, from the love life of Émile Zola to the question of why we eat animals, this artist shows curiosity about topics that are not typically Puerto Rican. A selection of her published works is in the Reading Room. It is no longer enough to include Puerto Ricans from New York and New Jersey, North Carolina, Rhode Island, Miami or Maryland. The diaspora has dispersed. Anamarie Sierra Pagán and Cristina Vélez Roque reside in Madrid; Amanda Torres Rodríguez in Valencia; Chaveli Sifre and Gabriella Torres-Ferrer, in Berlin; Carlos Marcial is looking to settle in Portugal, and we know of Puerto Rican artists in California, Canada, Australia and Mexico, to name a few. Therefore, it is not surprising that the themes of migration and nostalgia are found in several of his works.
The second edition of the art magazine OBRA, titled “Archipiélago” is also a product of migration. It was carried out by Fortuna, a curatorial project founded in 2022 by the Puerto Rican-Swiss artist and designer Sebastián Dávila and the art historian and curator Eleonora Del Duca together with the designer and artistic director Olga Borda, with the interest of promoting exchange between Puerto Rich and Switzerland.24
The book/object Indoor Meteorology, created by artist Chaveli Sifre, explores smell as a bridge,
24 https://obramagazine.com/OBRA-Issue-02; el titulo Archipiélago se refiere al hecho que Puerto Rico consiste en varias islas, incluyendo a Vieques y Culebra.
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vigilancia en los lugares de trabajo (Surveillance). Desde los Alpes al Parque Yellowstone, desde la vida amorosa de Émile Zola hasta la pregunta de por qué comemos animales, esta artista muestra curiosidad por temas que no son típicamente puertorriqueños. Una selección de sus obras publicadas se encuentra en la Sala de lectura.
Ya no basta incluir a los puertorriqueños de Nueva York y New Jersey, Carolina del Norte, Rhode Island, Miami o Maryland. La diáspora se ha dispersado. Anamarie Sierra Pagán y Cristina Vélez Roque residen en Madrid; Amanda Torres Rodríguez en Valencia; Chaveli Sifre y Gabriella TorresFerrer, en Berlín; Carlos Marcial busca establecerse en Portugal, y sabemos de artistas boricuas en California, Canadá, Australia y México, por mencionar algunos. Por ello, no sorprende que los temas de la migración y de la nostalgia se encuentren en varias de sus obras.
La segunda edición de la revista de arte OBRA, titulada “Archipiélago” también es producto de la migración. Fue realizada por Fortuna, un proyecto curatorial fundado en 2022 por el artista y diseñador boricua-suizo Sebastián Dávila y la historiadora de arte y curadora Eleonora Del Duca junto a la diseñadora y directora artística Olga Borda, con el interés de fomentar el intercambio entre Puerto Rico y Suiza.24
El libro/objeto Meteorología de Interior, creado por la artista Chaveli Sifre, explora el olor como un puente, al que describe como “un enlace que, siendo tanto inmaterial como inaccesible, se erige como un espacio de resistencia y una potente fuerza de interconexión”. La obra encierra versos entre conchas marinas y se complementa con guantes de cuero perfumados. Mientras que los guantes representan a Alemania, lugar de nacimiento y residencia de la artista puertorriqueña, el libro artístico ofrece una memoria inalcanzable: el aroma de la costa noroeste de Puerto Rico, recreada por Sifre a través de una composición a partir de moléculas olfativas, aceites esenciales e hidrolatos —extractos acuosos obtenidos mediante un proceso de destilación con vapor de agua— de conchas marinas y algas. Meteorología de Interior celebra el poder del olfato y su capacidad para evocar sentimientos de familiaridad y hogar, destacando el olor como un portal que no solo es capaz de provocar recuerdos, sino también de fortalecer lazos, especialmente entre comunidades migrantes en el extranjero.
IMPRESIÓN
El arte gráfico del cual surge y se nutre la Poli/Gráfica de Puerto Rico abraza una amplia variedad de técnicas, desde la impresión tradicional y la ilustración hasta el diseño digital y el arte callejero. Iniciativas como los Ciclos Gráficos, Inc., dirigidos por Fraixa Albizu Rodríguez y Kristal Juan Rovira, y Las Jornadas del Grabado Puertorriqueño, Inc., organizadas por Ada Rosa Rivera Negrón
24 https://obramagazine.com/OBRA-Issue-02; el titulo Archipiélago se refiere al hecho que Puerto Rico consiste en varias islas, incluyendo a Vieques y Culebra.
IMPRESSION
The graphic art from which Poli/Grafica de Puerto Rico emerges and is nourished embraces a wide variety of techniques, from traditional printing and illustration to digital design and street art. Initiatives such as Ciclos Graficos, Inc., directed by Fraixa Albizu Rodríguez and Kristal Juan Rovira, and Las Jornadas del Grabado Puertorriqueño, Inc., organized by Ada Rosa Rivera Negrón and Migdalia Umpierre along with other collaborators, make visible the large number of artists who continue working on this art in its different manifestations. The Anatomical (2021), Plantae (2022) and Amorfa (2023) portfolios, which came out of the Cycles, surprise with their diversity of themes and techniques.
77 which she describes as “a link that, being both immaterial and inaccessible, stands as a space of resistance and a powerful force of interconnection.” The work encloses verses between seashells and is complemented by scented leather gloves. While the gloves represent Germany, birthplace and residence of the Puerto Rican artist, the art book offers an unattainable memory: the aroma of the northwest coast of Puerto Rico, recreated by Sifre, through a composition from olfactory molecules, essential oils and hydrosols—aqueous extracts obtained through a steam distillation process—from seashells and algae. Indoor Meteorology celebrates the power of smell and its ability to evoke feelings of familiarity and home, highlighting smell as a portal that is not only capable of triggering memories, but also strengthening bonds, especially between migrant communities abroad.
But the artists not only know and visit each other, but they collaborate and support each other. In Puerto Rico, being part of a network of artists with access to a printmaking workshop is a common practice, which is perpetuated in places like Taller Boricua in New York, where Nitza Tufiño and George Malavé printed their works; Malaquita Workshop in Bayamón, where Zuania Minier shares with artists such as Nitzayra Leonor; Antonio Martorell y Amigos’ La Playa Workshop in Ponce, for which Germarilis Ruiz Galloza worked as an assistant and volunteer coordinator… just to name a few.
Although she is better known for her blackened plates, objects and sculptures than for her prints, Lilliam Nieves also keeps and produces paintings, digital art, videos of her performances and prints in La Capilla, her workshop in the countryside of Bayamón. In her screen print Beauty Queen IV, which she produced at the La Ciénaga workshop on Loíza Street, she reaffirms the collapse of stereotypes that address the idea of beauty as it is perceived in the age of social media. “I look for a dialogue between the discursivity of what society and the media normalize as beautiful, and the other, which is the oppressive face of the physical and emotional burden that we have to endure as women.” By showing her own body, Nieves becomes vulnerable and strong at the same time.
The bodies that Rodríguez Calero presents in his collages allude to the ancestral feminine spirit, provider and procreator of humanity (Atabey), to voyeurism towards reality itself in terms of
y Migdalia Umpierre junto a otros colaboradores, hacen visible la gran cantidad de artistas que continúan trabajando este arte en sus diferentes manifestaciones. Los portafolios Anatómica (2021), Plantae (2022) y Amorfa (2023), que salieron de los Ciclos, sorprenden por su diversidad de temas y técnicas.
Mas, los artistas no solo se conocen y visitan, sino que colaboran y se apoyan. En Puerto Rico, ser parte de una red de artistas con acceso a un taller de grabado es una práctica común, que se perpetúa en sitios como Taller Boricua en Nueva York, donde Nitza Tufiño y George Malavé imprimieron sus obras; Taller Malaquita en Bayamón, donde Zuania Minier comparte con artistas como Nitzayra Leonor; el Taller de La Playa de Antonio Martorell y Amigos en Ponce, para el cual Germarilis Ruiz Galloza trabajó como asistente y coordinadora de voluntarios… por solo nombrar algunos.
Aunque es más conocida por sus planchas ennegrecidas, objetos y esculturas que por sus grabados, Lilliam Nieves también guarda y produce pinturas, arte digital, videos de sus performances y grabados en La Capilla, su taller en el campo de Bayamón. En su serigrafía Beauty Queen IV, que produjo en el taller La Ciénaga de la calle Loíza, reafirma el colapso de los estereotipos que abordan la idea de la belleza tal como se percibe en la era de las redes sociales. “Busco un diálogo entre la discursividad de lo que la sociedad y los medios normalizan como bello, y lo otro, que es la cara opresiva de la carga física y emocional que tenemos que soportar como mujeres”. Al mostrar su propio cuerpo, Nieves se hace vulnerable y fuerte a la vez.
Los cuerpos que Rodríguez Calero presenta en sus collages hacen alusión al espíritu ancestral femenino, proveedor y procreador de la humanidad (Atabey), al voyerismo hacia la propia realidad en cuanto a la sexualidad y el placer, incluyendo la diversidad de género (Lucid Pleasure), y al asesinato inhumano de una persona trans en Puerto Rico que fue tratada con injustica en vez de dignidad (TransN Justice).
Nitza Tufiño retrata en su xilografía Ni una menos a la abogada y senadora afropuertorriqueña Ana Irma Rivera Lassén, conocida por su lucha por los derechos humanos y por su apoyo a la comunidad LGBTTIQ+. En 1995, la poeta, psicóloga y también defensora de los derechos humanos mexicana Susana Chávez Castillo escribió un poema con la frase “Ni una mujer menos, ni una muerte más” para protestar contra los feminicidios en Ciudad Juárez, pero en 2011 fue víctima de uno. Cuatro años después, “Ni una menos” se convirtió en el lema del movimiento social que surgió en Argentina en contra de la violencia hacia la mujer y las personas trans y travestis. Tufiño capturó a Rivera Lassén con la frase sobre sus brazos y con “una mirada intensa y triste, pero también con la determinación de no quedarse callada ante la injusticia”.
sexuality and pleasure, including gender diversity (Lucid Pleasure), and the inhumane murder of a trans person in Puerto Rico who was treated with injustice instead of dignity (TransN Justice).
In her woodcut Ni una menos, Nitza Tufiño portrays the Afro-Puerto Rican lawyer and senator Ana Irma Rivera Lassén, known for her fight for human rights and her support for the LGBTTIQ+ community. In 1995, the Mexican poet, psychologist and also human rights defender Susana Chávez Castillo wrote a poem with the phrase “Not a woman less, not a death more” to protest against femicides in Ciudad Juárez, but in 2011 she was a victim of one. Four years later, Ni una menos became the motto of the social movement that emerged in Argentina against violence against women and trans and transvestite people. Tufiño captured Rivera Lassén with her phrase on her arms and with “an intense and sad look, but also with the determination not to remain silent in the face of injustice.”
In The Razor’s Edge, George Malavé reflects on the experience he had on his seventieth birthday: a heart attack. Creating this print allowed the artist, who is best known as a photographer, to visualize the experience and have a new sense of gratitude for every moment of life. In his words: “The vulture represents the visitation of death touching a soul. We never know when the grim reaper will knock on our door. The vulture’s claws almost appear to land on the body, but do not. It is a wakeup call to reassess our lives. The ocean and wave represent unconscious fears, dreams and emotions that rise when the possibility of death nears. The sun and moon eclipse symbolize a state of purgatory between being and non-being hope for eternal life.” This work represents ad extremum the meaning of “Under pressure.”
Another artist who contemplates life and death is the master of abstract art Lope Max Díaz. Justicia is part of the series of ten graphic works in mixed media that the artist created in memory of his son Lope Max Díaz II (“Maxito”). The series was inspired by some of the virtues that, according to the philosopher Aristotle, lead to the flourishing of human beings, “virtues that served as a guide and purpose for my son in his personal and professional conduct.” Generosity, ingenuity, friendship, magnanimity, truthfulness, sociability, honor, bravery, temperance and justice, each one was assigned a color. Lope Max Díaz explains: “Using the graphic technique of embossing, I printed in low relief the silhouette of the profile of my son’s head, and on it I painted a pearl white square, a symbol of the purity that must exist in justice. In the lower part of the work, the three cross sections of new trees, in addition to representing Maxito’s sister, mother, and father, represent a young life cut off very early in his journey on this world.” Colors, abstraction and geometry are juxtaposed in Díaz’s work with emotions and feelings; That is, with psychophysiological reactions to a situation and the interpretation we make of those emotions, regulated through our thoughts.
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En The Razor’s Edge, George Malavé reflexiona sobre la experiencia que tuvo en su septuagésimo cumpleaños: un ataque cardíaco. Crear este grabado le permitió al artista, quien es más conocido como fotógrafo, visualizar la experiencia y tener un nuevo sentido de gratitud por cada momento de la vida. En sus palabras: “The vulture represents the visitation of death touching a soul. We never know when the grim reaper will knock on our door. The vulture’s claws almost appear to land on the body, but do not. It is a wakeup call to reassess our lives. The ocean and wave represent unconscious fears, dreams and emotions that rise when the possibility of death nears. The sun and moon eclipse symbolize a state of purgatory between being and non-being. The shining star on the upper right represents man’s hope for eternal life”. Esta obra representa ad extremum el significado de “Bajo presión”.
Otro artista que contempla la vida y la muerte es el maestro del arte abstracto Lope Max Díaz. Justicia es parte de la serie de diez trabajos gráficos en medio mixto que el artista creó en memoria a su hijo Lope Max Díaz II (“Maxito”). La serie fue inspirada por algunas de las virtudes que, según el filósofo Aristóteles, llevan al florecimiento del ser humano, “virtudes que le sirvieron a mi hijo de guía y finalidad en su conducta personal y profesional”. La generosidad, el ingenio, la amistad, la magnanimidad, la veracidad, la sociabilidad, el honor, la valentía, la templanza y la justicia, a cada una le asignó un color. Lope Max Díaz explica: “A través de la técnica gráfica del repujado, imprimí en bajo relieve la silueta del perfil de la cabeza de mi hijo, y sobre ella pinté un cuadrado blanco perla, símbolo de la pureza que debe haber en la justicia. En la parte baja de la obra, los tres cortes transversales de árboles nuevos, además de representar a la hermana, la madre, y al padre de Maxito, representan una vida joven cortada muy temprano en su jornada sobre este mundo”. Colores, abstracción y geometría se yuxtaponen en el trabajo de Díaz con emociones y sentimientos; es decir, con reacciones psicofisiológicas ante una situación y la interpretación que hacemos de esas emociones, reguladas mediante nuestros pensamientos.
“La Muerte es solo el comienzo”, dice Daniel Arnaldo-Roman con relación a su pieza Memento Et Mori, que muestra una calavera en el centro de una pupila. “La trabajé bajo la premisa de que desde el momento en que nacemos estamos muriendo día a día. Cada día que pasa durante el resto de nuestras vidas, la gran mayoría de nosotros vivimos en un constante sentido de represión donde tratamos de mantenernos lejos de lo que prácticamente les da significado a nuestras vidas”. Con este fotomontaje pretende mostrar que al mirar nuestra mortalidad también vemos pasado, presente y futuro.
Arnaldo-Roman comparte el taller y su vida con Lilliam Nieves, pero las obras de los dos se diferencian en lo referente a los temas, técnicas y métodos. Así percibí también la convivencia entre la escultora Annex Burgos y su fenecido esposo Néstor Otero, cuyo acto conmemorativo se celebró en el año 2021, en el parque del Antiguo Arsenal de la Marina Española, sede principal
“Death is just the beginning,” says Daniel Arnaldo-Roman in relation to his piece Memento Et Mori, which shows a skull in the center of a pupil. “I worked on it under the premise that from the moment we are born we are dying day by day. With each passing day for the rest of our lives, many of us live in a constant sense of repression where we try to stay away from what practically gives meaning to our lives.” With this photomontage he aims to show that when we look at our mortality, we also see past, present and future.
Arnaldo-Roman shares the workshop and his life with Lilliam Nieves, but the works of the two differ in terms of themes, techniques and methods. This is also how I perceived the coexistence between the sculptor Annex Burgos and her deceased husband Néstor Otero, whose commemorative event was held in 2021, in the park of the Old Arsenal of the Spanish Navy, the main headquarters of Poli/Gráfica. Chosen by Burgos, the mixed media work Respalda, by Néstor Otero, who was a multidisciplinary artist and precursor of Puerto Rican digital art, conveys strength, sensitivity and pain on one side, and beauty and vulnerability on the other side.
The theme of death is present in the work of Uziel Orlandi, whose childhood was marked by the addiction of his father, who died of an overdose. However, he is distinguished from other artists of his generation by his celebration of life - represented by organic forms and other elements of nature -, by the feminine and the masculine, the serious and the playful, and the contrast between the biological and the artificial, as well as by juxtaposing life with death. Orlandi prints with bleach on cotton, creating images that allude to x-rays and make the layers of the unconscious visible.
Dichotomies are also found in the work of Osvaldo De Jesús. His serigraphs Nido and www. sexus.com seem as current as when he recorded them in 1996 and 2004, respectively. The works combine a male member or an egg, symbols of virility and reproduction, with the design of a circuit board. They are images that show that the discussion about what is natural and what is artificial has been going on for some time, which is why it was not born recently with non-fungible vouchers or artificial intelligence.
Stress can be acute, episodic or chronic. The pressure we exert against nature, exploiting and contaminating it generation after generation, worries the artist Germarilis Ruiz Galloza. Her compositions consist of organic textiles, made from laser-cut China husk and sheep hair, bioplastic made from onion peel, bio-foam and banana peel, or leather made from coffee waste. To obtain the carmine color, the artist uses cochineal, and to tint concrete, she applies mineral pigment; all in search of more sustainable and less polluting materials and methods, without sacrificing aesthetics and creativity.
The world has always seen natural disasters and wars, recovery and celebration. The Triumphal Arch, by Heryk Tomassini, refers to the elaborate Roman and neoclassical triumphal arches that
de la Poli/Gráfica. Elegida por Burgos, la obra de medio mixto Respalda, de Néstor Otero, quien fue un artista multidisciplinario y precursor del arte digital puertorriqueño, transmite la fuerza, la sensibilidad y el dolor en un lado, y la belleza y la vulnerabilidad en el otro lado.
El tema de la muerte está presente en la obra de Uziel Orlandi, cuya infancia fue marcada por la adicción de su padre, quien murió de una sobredosis. No obstante, se distingue de otros artistas de su generación por la celebración de la vida —representada por formas orgánicas y otros elementos de la naturaleza—, por lo femenino y lo masculino, lo serio y lo lúdico, y el contraste entre lo biológico y lo artificial, así como por yuxtaponer la vida con la muerte. Orlandi imprime con blanqueador sobre algodón, creando imágenes que aluden a radiografías y hacen visible las capas del inconsciente.
Dicotomías se encuentran también en el trabajo de Osvaldo De Jesús. Sus serigrafías Nido y www.sexus.com parecen tan vigentes como cuando los grabó en los años 1996 y 2004, respectivamente. Las obras combinan un miembro masculino o un huevo, símbolos de la virilidad y de la reproducción, con el diseño de una placa de circuito. Son estampas que muestran que la discusión sobre lo natural y lo artificial lleva ya algún tiempo, por lo que no nació recientemente con los vales no fungibles o la inteligencia artificial.
El estrés puede ser agudo, episódico o crónico. La presión que ejercemos en contra de la naturaleza, explotándola y contaminándola generación tras generación le preocupa a la artista Germarilis Ruiz Galloza. Sus composiciones consisten en textiles biológicos, hechos de cáscara de china y pelo de oveja, cortados con láser, de bioplástico hecho de cáscara de cebolla, de espuma biológica y cáscara de plátano, o de cuero hecho de residuos de café. Para obtener el color de carmín, la artista utiliza cochinilla, y para tintar hormigón, aplica pigmento mineral; todo en búsqueda de materiales y métodos más sustentables y menos contaminantes, sin sacrificar la estética y la creatividad.
El mundo siempre ha visto catástrofes naturales y guerras, recuperación y celebración. El Arco de triunfo, de Heryk Tomassini, hace referencia a los elaborados arcos triunfales romanos y neoclásicos que se levantaron desde la antigüedad clásica en espacios abiertos de Roma, Barcelona y París, entre otras ciudades, para celebrar victorias, acuerdos de paz o líderes exitosos. La entrada al Antiguo Arsenal de la Marina Española, en La Puntilla del Viejo San Juan, parece un arco de triunfo, pero por ser parte de la estructura no lo es, mientras que la obra de Tomassini sí es un arco de triunfo, aunque queda a discreción del visitante adivinar qué triunfo se celebra con 128 canastas de plástico y un platanal en el ático del arco. Para el artista/arquitecto, estas canastas de distribución de bebida y comida simbolizan el desplazamiento y la inventiva del pueblo, ya que se utilizan para mudanzas, como taburete, librero, ropero, base de mesas y muchos inventos más. ¿Quién puede ganar estas complejas guerras de apropiaciones culturales?
were erected since classical antiquity in open spaces in Rome, Barcelona and Paris, among other cities, to celebrate victories, peace agreements or successful leaders. The entrance to the Old Arsenal of the Spanish Navy, in La Puntilla del Viejo San Juan, looks like a triumphal arch, but because it is part of the structure it is not, while Tomassini’s work is a triumphal arch, although it remains It is up to the visitor to guess which triumph is celebrated with 128 plastic baskets and a banana tree in the attic of the arch. For the artist/architect, these food and drink distribution baskets symbolize the movement and inventiveness of the people, since they are used for moving, as a stool, bookcase, wardrobe, table base and many other inventions. Who can win these complex cultural appropriation wars?
Pressure causes stress, it marks us, it hurts us, it encourages us to leave our comfort zone, it opens new horizons for us. The pressures of recent years have transformed our archipelago and its people, including artists. With them, graphic art has also been transformed into its multifaceted manifestations, as this edition of Poli/Gráfica shows.
Marzo 2024
Yabucoa and San Juan, Puerto Rico
Lisa Ladner conducted the research and selection of Puerto Rican artists, in the archipelago and the diaspora, for this edition of Poli/Gráfica. Ladner completed her duties in April 2024.z
La presión causa estrés, nos marca, nos hiere, nos anima a salir de nuestra zona de confort, nos abre nuevos horizontes. Las presiones de los últimos años han transformado nuestro archipiélago y a su gente, incluyendo a los artistas. Con ellos también se ha transformado el arte gráfico en sus manifestaciones polifacéticas, como muestra esta edición de la Poli/Gráfica.
Marzo 2024
Yabucoa y San Juan, Puerto Rico
Lisa Ladner llevó a cabo la investigación y selección de lxs artistas puertorriqueñxs, en el archipiélago y la diáspora, para esta edición de la Poli/Gráfica. Ladner culminó sus funciones en abril de 2024.
1500LABS HIRSH, DEBORA
GIMÉNEZ, MARTÍN
Hauberk Under Tempest, 2023
NFT / NFT
Cortesía de la artista
ACOSTA, PAVEL
The Scream by Edvard Munch (1893)
From the series: Stolen from the National Gallery, Oslo, 2017 Acuarela sobre papel, código QR en la pared/ Watercolor on paper, QR code on wall Cortesía del artista
AGUILAR, REGINA & FUNDACIÓN
SAN JUANCITO
No te estreses… estás aquí, 2024
Cerámica esmaltada/ Enameled ceramic
Préstamo personal de In vitro de su colección
“Petroglifos Tawahkas”
Manto día y noche, 2023
Tejido en algodón/ Cotton fabric
Préstamo personal de In vitro de su colección
“La nueva era”
Candelero Cinco Etnias, 2024
Cerámica esmaltada/ Enameled ceramic
Préstamo personal de In vitro de su colección
“Mesoamérica”
Vasija mujer Nueva Era, 2024
Cerámica esmaltada/ Enameled ceramic
Préstamo personal de In vitro de su colección
“Petroglifos Tawahkas”
Vasija hombre Nueva Era, 2024
Cerámica esmaltada/ Enameled ceramic
Préstamo personal de In vitro de su colección
“Petroglifos Tawahkas”
Petroglifo Tawahka 1, 2022
Vidrio termoformado con esmaltes
Préstamo personal de In vitro de su colección
“Petroglifos Tawahkas”
Petroglifo Tawahka 2, 2022
Vidrio termoformado con esmaltes/
Glass transformed with enamels
Préstamo personal de In vitro de su colección
“Petroglifos Tawahkas”
colección “Petroglifos Tawahkas”
Vajilla Mesoamérica de 5 piezas, 2022
Cerámica esmaltada con relieve
Dilema, 2022
Cerámica esmaltada/ Enamelted ceramic
Préstamo personal de In vitro de su colección
“Petroglifos Tawahkas”
Ottoman 2050, 2024
Tejido con chapitas de aluminio y tela/ Woven in aluminum sheets and fabric
Préstamo personal de In vitro de su colección
“La nueva era”
Indivisible , 2023
Vidrio fusionado con relieve, pintura al óleo/ Fused glass with oil painting
Préstamo personal de la artista de su colección
“Conciencia plena”
ÁLVAREZ, ESTEBAN
Volverse bronce, 2021
Grabado sobre chapas de bronce/ Engraving on bronze plates
Cortesía del artista
ÁLVAREZ, ESTEBAN
Dólar placebo, 2020
Grabado en cobre/ Engraving on bronze plates
Cortesía del artista
Mueble cortesía
Colección del Instituto de Cultura Puertorriqueña
AMORALES, CARLOS
Riots on the Moon 04, 2023
Riots on the Moon 07, 2023
Barra de óleo sobre lino / Pintura a partir de imágenes generadas por inteligencia artificial / Oil stick on linen/ painting from images generated by artificial intelligence Cortesía de Galería Albarrán Bourdais
ANDERSON BARBATA, LAURA EN COLABORACIÓN CON ERICK TLASECA
La Extraordinaria Historia de Julia Pastrana
How can I get to know you, 2015
Zine 1, edición of 350 and edición of 80
20 páginas
NON 63.592
La Extraordinaria Historia de Julia Pastrana
Eternity, 2016
Zine 2, edición of 489 Cover. 180-gram
Popset cardboard
22 páginas
NON 63.593
La Extraordinaria Historia de Julia Pastrana
Purgatory, 2016
Zine 3, edición of 501 Cover. 180-gram
Popset cardboard
22 páginas incluyendo desplegable
La Extraordinaria Historia de Julia Pastrana
The Beauty Issue, 2017
Zine 4, edición of 500 Cover. 180-gram
Popset cardboard
24 páginas
NON 63.595
La Extraordinaria Historia de Julia Pastrana
Hair, 2018
Zine 5, edición of 500 Cover. 180-gram
Popset cardboard
20 páginas más un inserto desplegable
La Extraordinaria Historia de Julia Pastrana
Julia Pastranatzin Oyah ce Cahita Cihuatzintli, 2018
Zine 6, edición of 270 Cover. 180-gram
Popset cardboard
24 páginas incluyendo 2 desplegables
Cortesía de la artista y Marlborough Gallery New York
Uno de los cuerpos encontrados la tarde de ayer, 2022
Aguatinta/ Aquatint
Cortesía del artista
ARGENZIO, MARÍA JOSÉ
Genealogía. Nebot, 2005 - 2007
Genealogía. Noboa, 2005 - 2007
Genealogía. Arosemena, 2005 - 2007
Serigrafía sobre tela de chifón y soporte de madera de Guayacán / Silkscreen on chiffon fabric and Guayacán wood support
Cortesía del artista
ARRIEGUE, GUADALUPE
El cielo es un libro abierto, 2023
Dibujo en tinta y lápiz, apliques luminiscentes sobre impresión Gicleé de astrofotografía montado sobre madera y bisagras/ Drawing in ink and pencil, luminiscent applies on giclee print of astrophotography
Eclipse en la noche, 2022
Dibujo en tinta y aerosol sobre impresión Giclée de astrofotografía/ Ink and spray drawing on astrophotography Giclée print
Otros carnavales, 2022
Dibujo en tinta y aerosol sobre impresión Giclée de astrofotografía montado en PVC y marco de madera
Cortesía de la artista/ Drawing in ink and spray on Giclée print of astrophotography mounted on PVC and wooden frame
Cortesía de la artista
ARTISTS AGAINST THE BOMB
Stop Nuclear Weapons, 2023
Artistas:
Debora Delmar, 2023
Enrique Jezik, 2023
Fanny Rabel, 1958-2023
Jose Eduardo Barajas, 2023
Juan O’Gorman, 1979-2023
Stop the Spiral, 2023
Artistas:
Karl Holmqvist
Mariana Yampolsky, 1958/2023
Mónica de la Torre y Alex Balgiu, 2023
Peace Pilgrim, 1956/ 2023
Pedro Reyes, 2023
Rafael Barajas, 2023
Regina José Galindo, 2023
Atomic tree
Ruth Wolf-Rehfeldt, n.d/2023
Ban the Bomb We Want to live Artistas:
Sam Durant, 1961/2023
Santiago Sierra, 2023
Pax Atomica
Carteles/ Posters
Curadores Pedro Reyes y Verana Codina, 2023
Cortesía de los artistas, sus galerías y Artist Against The Bomb
AXTMANN, MARY
Sin título, 2023
Collage de impresiones botánicas/ Collage of botanical prints
Sin título (Bosque San patricio), 2015-2023
Acetato de aluminio, leche de soya, taninas naturales, oxido y hojas sobre papel multimedia, papel de bocetos y papel Arch/ Botanical prints: aluminium acetate oxide and leaves on cotton multimedia paper
Cortesía del artista
BAEZ, GRIMALDI
Aparato de dibujo 1, ca., 2016/2017
Equilibrador, plancha de xilografia/ Equilibrator, woodcut plate Cortesía del artista
BARBERENA, CARLOS
Essentials, 2020
Linograbado sobre papel Kitakata/ Linocut on Kitakata Paper
Cortesía del artista
BARTOLOMÉ, BALAM
Buitres sobre la batalla de Churubusco, 2023
Intervención digital sobre litografía/ Digital intervention on lithography
Clase de geografía sobre la batalla de Churubusco, 2023
Intervención digital sobre litografía/ Digital intervention on lithography
Ofrenda a Mictlantecuhtli, 2023
Intervención digital sobre litografía/
Digital intervention on lithography
Run home-Border Wall, 2023
Intervención digital sobre litografía/
Digital intervention on lithography
Run Home (Go Home), 2023
Serigrafia sobre papel/ Silkscreen on paper
Cortesía del artista
BATISTA, PAULINE
¿Su sistema está optimizado? / Is your system optimized?, 2019
Pintura sobre pared utilizando plantilla/ Painting on wall using stencil Cortesía de la artista
El Algoritmo te verá ahora I / The Algorithm Will See You Now I, 2017
El Algoritmo te verá ahora II / The Algorithm Will See You Now III, 2017
El Algoritmo te verá ahora IV / The Algorithm Will See You Now IV, 2017
Photography Silver gelatin prints mounted on aluminum di – bond/ Impresiones fotográficas sobre gelatina de plata montadas en aluminio di-bond Cortesía de la artista y GALLERIAPIU
BEJAR, DANIEL
The Googlegänger, 2009-ongoing Instalación, performance, intervención en motor de búsqueda Google e impresión de pigmentos de archivo/ Google search engine intervened and archival pigment prints Cortesía del artista
BELLE, LA VAUGHN
How to survive colonial nostalgia, 2017
Video proyección/ Video projection
Cortesía de la artista
BERGEL MELO, ELISA
Seasons 1/2 Seasons 2/2, 2020
Impresión solar hecha con 86 islas imaginarias hechas de la conbinación de las Antillas Mayores/ Solar print made with 86 imaginary island out of the combination of the Greater Antilles Cortesía de la artista
BUCHER, FRANÇOIS
Inmigration, 2022
Cinco impresiones por inyección sobre papel Albanene/ Five injet prints on Albanene paper
Cortesía de Cristin Tieney Gallery
Inmigration to a Land where Identity is Lost/Found, 2022
Seis impresiones por inyección sobre papel Albanene/ Six injet prints on Albanene paper
Cortesía de Cristin Tieney Gallery
Consensus Reality is a Serotonin Hallucination, Anisotropía #7, 2019
Filtro polarizador, acrilico, PET, panel de luz led
Video documentación de performance/ Performance documentation video
Agudos C0 2, 2019-2023
Video documentación de performance/ Performance documentation video
Cortesía de la artista
CASTAÑEDA, LEO
Gestación-Jardín oculto,2022
Video juego/ Video game
Cortesía del artista
CHARLIER, VLADIMIR CYBIL
Diaspora Voudou Survival Kit, 2017-2019
Instalación; 18 grabados, escultura de porcelana y maletín de madera/ Installation; 18 prints, porcelaine sculpture and wooden briefcase Cortesía de la artista
CHEMAMA, ALICE
Surveillance, La Revue Dessinée No. 41, 2023
Illustración (revista)/ Illustration (magazine)
Pourquoi on mange des animaux, 2023
Illustración (libro de niños)/ Illustration (chirdrens’ book)
Magic système, La Revue Dessinée No. 39, 2023
Illustración (revista)/ Illustration (magazine)
Colección Lisa Ladner
CICLOS GRÁFICOS, INC.
VARIOS ARTISTAS
Portafolios Ciclos gráficos: Plantae y Amorfa, 2021-2023
Grabados/ Engravings
Cortesía de la Liga de Arte de San Juan
CRABAPPLE, MOLLY
El Centro de Apoyo Mutuo en Caguas, 2017
La Comedora Social en Caguas, 2017
Drinking from the Spring, Barrio Mariana, 2017
Ilustraciones (bolígrafo, tinta, tinte y gouache sobre papel)/ Iliustration (Pen, ink, dye, gouache on paper)
Rosa Luz in her home in Barrio Cerro, 2018
Ilustración (bolígrafo, tinta, tinte y gouache sobre papel)/ Pen, ink, dye, gouache on paper
Las Cocineras / Luchadora / Dominos in Barrio Mariana (3 obras, unpublished personal work), 2018 / 2019 / 2018 Bolígrafo, tinta, colorante, gouache sobre papel/ Pen, ink, dye, gouache on paper
Drawing blood, 2015
Libro/ book
Cortesía de Lisa Ladner
DE JESÚS, OSVALDO
Nido, 1996
Serigrafía/ Silkscreen
www.sexus.com, 2004
Serigrafía/ Silkscreen
Cortesía Colección Museo de Historia, Antropología y Arte de la Universidad de Puerto Rico (MHAA)
DÉCOURT, LEONOR
Archipélago, 2017
Instalacion de grabados sobre espejo/ Installation; engravings on mirror
Play the game, 2015
Libro de artista/ Artist book
Verso Reverso, 2019
Grabado/ Engraving
Cortesía de la artista
DÍAZ, LOPE MAX
Justice, 2020
Impresión de medios mixtos/
Mixed media print
Cortesía del artista
DOMÍNGUEZ, PATRICIA
Gaiaguardianxs, 2020
Publicación interactiva/ Interactive publication
Cortesía de TBA21 Thyssen-Bornemisza Art Contemporary Collection
DOMÍNGUEZ, PATRICIA Y TAULIS, ANTONIA
Tierra cuántica, 2021
Impresión en papel / Printing on paper
Cortesía de las artistas
EHLERS, JEANNETTE
Whip It Good, (KAS), 2014
Video documentación de performance/ Performance video documentation
Cortesía de la artista
FERNÁNDEZ, JUAN
Caribbean Utopia
(Sharp-shinned hawk with octopus tentacle), 2022
Inteligencia artificial/ Midjourney AI
Cortesía del artista
GAMARRA, SANDRA
Naturaleza muerta sobre esclavas negras de diferentes naciones, 2019-2020
Naturaleza muerta sobre cabezas de diferentes castas salvajes, 2019-2020
Naturaleza muerta sobre guaraníes civilizados empleados en Rio de Janeiro como artilleros, 2019-2020.
Naturaleza muerta sobre negros de carro, 2019-2020
Naturaleza muerta sobre jefe de charruas salvajes, 2019-2020
Naturaleza muerta sobre peinados y sombreros de diferentes castas salvajes, 2019-2020
Óleo sobre grabado/ Oil on engraving
Cortesía de la artista y Galería Leme
GARCÍA LÓPEZ,
FELIPE
Sin título (Reloj), 2020
Fotografía instantánea/ Instant photography
Cortesía del artista
GARET, RICHARD
Plasmatic Memories; (forty images composite) from #1 - #40, 2023
Impresión de pigmentos de archivo en papel fotográfico Epson/ Archival pigment print on Glossy Epson Photographic Paper Cortesía del artista
GONZÁLEZ BRUN, ADRIANA
Sombras I, 2022
Sombras II, 2022
Sombras III, 2022
Sombras IV, 2023
Sombras V, 2024
Sombras VI, 2022
Sombras VII, 2022
Sombras VIII, 2022
Sombras IX, 2022
Mezzotinta/ Mezzotint
Cortesía de la artista y Galería Viedma
GOTAY, CONSUELO
Historia de Yuké, 2021
Veinte impresiones de página completa en pvc y 19 viñetas 80 páginas encuadernadas/ Twenty PVC full page prints and nineteen vignettes. 80 pages. Bound
Cortesía de la artista
GOUST, RENEE
Querida Muerte (No nos maten), 2019
Video clip
Cortesía de la artista
GUAIANÁ ZIGNNATTO, ANDREY
Obra censurada por el propio artista, 2019 Tinta acrílica sobre linograbado, sobre papel de saco de cemento/ Acrilic ink on linocut on cement sack paper Cortesía del artista y Tanya Brillenbourg Art, Miami
HELGUERA, PABLO
Artoons, 2008-2023
Impresión digital sobre vinilo/ Digital printing on vinyl
Cortesía del artista
HIRSCH, DEBORA
The Iconography of Silence, 2019
Espejo, monitor de video, marco/ Mirror, video, frame
Cortesía de Hutchinson Modern and Contemporary, New York
"Plant Archive PLANTALIA", 2023
Página WEB/ AI, webpage
Cortesía de la artista
HUANCA, DONNA
Cyanobacteria, 2018 Óleo y acrílico sobre impreso digital sobre lienzo/ Oil and acrylic on digital print on canvas
Cortesía Espacio 1414 / Colección Diana y Moisés Berezdivin
IGUINIZ BOGGIO, NATALIA
Dejo este cuerpo aquí, 2020
Instalación: políptico: grabado sobre cartón (3 piezas enmarcadas), fotografías (15), texto de pared/
Installation: polyptych: engraving on cardboard (3pieces framed), photographs (15)
Documentación fotográfica de intervención en el espacio público/ Photographic documentation of intervention in a public space
Cortesía de la artista
LAGUNAS, JESSICA
Deshilando el miedo / Unravelling the Fear, 2010 - 2012
Installation Camouflage fabric, pins, twill tape and magnets/ Tela de camuflaje, alfileres, cinta de sarga e imagenes.
Feminicidio en Guatemala / Feminicide in Guatemala, 2012-2015
Libor de artista: bordado y encuardenado a mano, edición única, encuadernación con encaje, hilo perlé, cinta de seda, hilo de seda e hilo de lino/ Artist's Book: Hand-embroidered and -bound artist book
Rafia e impresión digital sobre tela/ Raffia and digital print on fabric
Cortesía Espacio 1414 / Colección Diana y Moisés Berezdivin
LARSEN, GUSTAVO ALFREDO
Mensajes ocultos de una América que no fue. De la serie JUNTARSE 91/30.000, 2018
Telas impresas con monocopias y sellos incluidos en objeto textil/ Fabrics printed with monocopies and stamps included in textile object Cortesía del artista
LEE, SUWON
1. Serie How to measure time: Time to Be, 2021
2. Serie How to measure time: Time to Be Myself, 2021
3. Serie How to measure time: Time to Be Indifferent, 2021
4. Serie How to measure time: Always a Foreigner, 2021
5. Serie How to measure time: Dissent/Assent, 2021
6. Serie How to measure time: Apocalypse Now, 2021
7. Serie How to measure time: Time is on my Side, 2021
8. Serie How to measure time: Pre/Post Truth, 2021
9. Serie How to measure time: Time to Be Invisible, 2021
10. Serie How to measure time: Time to Be Blend In, 2021
11. Serie How to measure time: Stranger/Undocumented, 2021
12. Serie How to measure time: Young/Ageless, 2021
Copias de exhibición. Impresión láser/ Exhibition copies.
Laser printing
Cortesía de la artista
LÓPEZ, DIANA
@101 Diana Lopez, 2022
Imágenes digitales, NTF/ Digital images, NFT
Cortesía de la artista
MACHADO, THESSIA
Gray Series: Labels (13) drawings, 2020 Tinta, DVD, pegatinas de direcciones sobre papel Strathmore/ Ink, dvd & address labels on gray Strathmore paper Cortesía de la artista
MALAVÉ, GEORGE
The Razor’s Edge, 2014
Linóleo/ Linocut
Cortesía de la artista
MARCIAL, CARLOS
Fiat est violentiam - Coronavirus, 2020
Video MP4 (NFT arte)
Here comes Fiat, 2020
Video MP4 (NFT arte)
Cortesía del artista
MARICHAL, POLI
La Promesa, 2020 Xilografía y chine collé/ Woodcut and chine cole
Impugnaciones: Vamos a seguir apretando bien duro, 2023
Bordado y fieltro, al dorso acrílico y bordado/
Embroidery and felt, on the back acrylic and embroidery Cortesía de la artista
MERHI, YUCEF
Seguridad Boricua, 2024
Impresos de materiales hackeados/
Prints of hacked materials
Cortesía del artista
MOLINA, MARITZA
The Buried Memories, ACT 1, Scene 1, 2023
Inteligencia artificial (AI) y fotografía cimematográfica
AI and film photography
Cortesía de la artista
MONTERO MATAMOROS, JOHANA
La muñeca rota, 2019
Xilografia sobre tela/ Woodcut on fabric
Cortesía de la artista
MORÁN JAHN, MARISA
3-5 GLobos, lights, and variable lighting gels, 2022
Lighting gels, globos, lights
Cortesía de la artista
Bibliobandido Diáspora, 2022
Impresión digital, cajas de luz/ Digital print and lightbox frame
Marisa Morán Jahn (with studio assistants
Anjum Asharia and Jungmin Lee)
La Leyenda del Bibliobandido
(Legend of Bibliobandido), 2010
Video/ Video
Marisa Morán Jahn and the community of El Pital, Honduras
Los Testigos del Bibliobandido, 2023
Video/ Video
Digital video
Cortesía de Marisa Morán Jahn, Benjamín Murray
El Menu Ideal del Bibliobandido
(The Ideal Menu of Bibliobandido), 2010
Medio mixto/ Mixed media
Marisa Morán Jahn y Jóvenes de El Pital, Honduras
El Estómago del Bibliobandido
(Inside the Stomach of Bibliobandido), 2010
Medio mixto/ Mixed media
Marisa Morán Jahn y Jóvenes de El Pital, Honduras
Varias muestras para usar en Talleres con otros Comecuentos (Various examples to use in Workshops with Storyeaters), 2010 - 2022
1. Bibliobandido: Villano o Superheroé?
2. Paolo el Pollo
3. Cascadas
4. Sandwich Book
5. Algunos Comecuentos en El Pital
6. And others
Medio Mixto
Cortesía de la artista
Bibliobandido
Instalación, material gráfico, video/ Installation: graphic material, video
Cortesía de la artista
NAVARRO, IVÁN
Fight for your land, 2021
Mural (Protest), 2021
Mural (Sigh), 2021
Mural (Believe), 2021
Mural (Rise), 2021
Pintura mural/ Paint on the wall
Cortesía de Iván Navarro y Galerie Templon
NEGRÓN-MUNTANER,
FRANCES & SANTOS NEGRÓN, SARABEL
Valor y cambio, 2019
Intervención de narrativa y economía justa “Valor y Cambio”; Moneda Social Personas de Peso Puerto Rico; Cajero automático y programación computarizada; Diseño digital impreso sobre papel/ ATM and computer programming; digital design printed on paper Billetes Cortesía Colección Instituto de Cultura Puertorriqueña
NIEVES, LILLIAM
Beauty Queen IV, 2020 Serigrafía (impreso en el Taller La Ciénaga)/ Silkscreen (printed in the La Cienaga workshop) Cortesía de la artista
OCHOA, NELA
It’s a Boy, 2019
Telas, uniforme militar, cintas, pintura acrílica, hilos y relleno de algodón sintético/
Fabrics, military uniform, ribbons, acrylics paint, thead and synthetic cotton filling
Hermafrodita, 2020
Impresión gicleé sobre canvas 100% algodón/ Giclee print on 100% cotton canvas
Cortesía de la artista
ORLANDI, UZIEL
Palacio dresses, 2020
Grabado en relieve, lejía, air brush, tela de algodón/ Embossed, bleach, air brush, cotton fabric
Desmembrado, 2020
Grabado en relieve, lejía, air brush, tela de algodón/ Embossed, bleach, air brush, cotton fabric
Cortesía de la artista
ORTIZ, ADA DEL PILAR
Estorbo público (Ponce), de la serie
Planos para la memoria del futuro, 2023
Cianotipo sobre papel/ Cyanotype on paper
Cortesía de la artista
OTERO, NÉSTOR
Respalda, 2007
Medio mixto/ Mixed medium
Cortesía de la Colección Chocolates Cortés
PAVÓN, GEANDY
Res Publica I, 2023
Fotografía/ Photography
Res Publica II, 2023
Fotografía/ Photography
Cortesía del artista
PEÑA, FABIÁN
Por ti yo muero, 2023
Instalación, papel comprimido en forma de botellas/ Compressed historical book pages and glass
Cortesía del artista
PEÑAFIEL, EDISON
Run, run, run like the wind
Flag 1 - El que no corre vuela, 2023
Flag 2- Córrele que te van a matar, 2023
Flag 3 – Y tuvimos que salir volando, 2023
Flag 4 – Aprendimos a corer con el viento, 2023
Flag 5 – Run, run se fue pal Norte, 2023
Flag 6 – Por aquí por aquí por allá, 2023
Flag 7 – Run, run siguió su viaje, 2023
Flag 8 – Voie wo vole wo pijon, 2023
Flag 9 – Kouri, Kouri, Kouri, 2023
Impresión digital sobre tela sintética/
Digital print on fabric
Cortesía del artista
QUIJANO FELICIANO, RAQUEL
Procesión Trastalleres (3 carrozas y 2 banderines), 2017
Medio mixto/ Mixed medium
Cortesía de la Colección de Museo de Arte Contemporáneo y la Comunidad Tras Talleres
RAMÍREZ, BELKIS
Hermanas de sangre, c. 2010s Tinta sobre matriz xilográfica/ Ink on xylographic matrix Colección privada
RODRÍGUEZ, CALERO
Lucid pleasure, 2020
Collage sobre papel de archivo/ Collage on archival paper
Atabey, 2023
Collage sobre papel de archivo/ Collage on archival paper
TransN Justice, 2020
Collage sobre papel de archivo/ Collage on archival paper
Cortesía de la artista
RODRÍGUEZ DE SANTIAGO, RICARDO J.
De la serie Our Islands and their People (# 1, # 2 y # 5), 2023
Imágenes generadas por IA; Latent Diffusion (Txt2Img)
De la serie Post Apocalyptic Before The Storm (A,B y C), 2023
Imágenes generadas por IA; VQGAN+CLIP Diffusion
De la serie Our Islands and their People 3 (AI generated images), 2023
Difusión latente impresa en tinta Ultrachome HDR giclée/ Latent Diffusion (Txt2Img) printed on Ultrachrome HDR ink Giclee
Colección ABEXUS, LLC
RODRÍGUEZ, EDEL
Trump Series, Wall, 2015 – 2020
Serigrafía a 5 colores sobre papel/ 5 color silkscreen on black paper
Trump Series, Unprecedented, 2023
Tinta y acrílico sobre papel/ Ink and acrylic on paper
Trump Series, Hoodwinked, 2017
Serigrafía a 2 colores sobre papel/ 2 color silkscreen on black paper
Trump Series, America First, 2017
Serigrafía a 5 colores sobre papel
Trump Series, Agent Orange, 2019
Serigrafía a 6 colores sobre papel/ 6 color silkscreen on black paper
Trump Series, Meltdown, 2016
3 serigrafías a color sobre papel negro/ 3 color silkscreen on black paper
Cortesía del artista
RODRIGUEZ, EDEL
Worm: A cuban american odyssey, 2023
Worm Series, El Gabriel
Worm Series, Nature Boy
Worm Series, Plaza
Worm Series, Insurrection
Worm Series, Worm
Worm Series, The Big Lie
Tinta sobre papel/ Ink on paper
Cortesía del artista
RODRÍGUEZ SEPÚLVEDA, MIGUEL
Elegía y (re)percusión: Sí merezco abundancia, 2023
Instalación, monedas impresas. 1,104 monedas de níquel troqueladas a mano/
Installation: hand die cut 1,104 hickel coins
Cortesía del artista
Concierto para tres machetes, 2011
Video, monocanal, audio/ Video, single channel, audio
Cortesía Estudio Miguel Rodríguez Sepúlveda
ROMÁN, DANIEL ARNALDO
Memento Et Mori (de la serie "Gods, Demons, Monsters... US"), 2023
Fotomontaje, impresión digital sobre sintra/ Photomontaje digital printing on sintra Cortesía del artista
ROSARIO SASTRE, MELQUIADES
La presión, 2023
Saco de cemento, bloque de cemento y Epson Somerset Terciopelo/ Cement bag, concrete block, Epson Somerset Velvet Cortesía del artista
RUIZ GALLOZA, GERMARILIS
La mancha, 2022
Biofoam y cáscara de plátano/ Biofoam and banana peel
Cortesía de la artista
Aroma, 2021
Biocuero hecho de residuos de café y cochinilla/ Bioleather made from coffee and cochineal waste
Cortesía de la artista
BIO-materiales, 2022
Bioplástico hecho de cáscara de cebolla y cochinilla/ Bioplastic made from onion peel and cochineal
Cortesía de la artista
Panorama agrícola, 2013
Pigmento mineral y hormigón/ Mineral pigment and concrete
Cortesía de la artista
Fragmentos, 2023
Biotextiles hechos de cáscara de china y pelo de oveja cortados con laser/ Biotextiles made of laser-cut orange peel and sheep hair
Cortesía Colección de Antonio García Ramírez y Mae-Ling Colón Báez
SAN MARTÍN, MARÍA VERÓNICA
De la serie Memory and Landscape: Torture, 2015
De la serie Memory and Landscape: La Moneda en llamas, 2015
De la serie Memory and Landscape: Militares defeat the country, 2015
De la serie Memory and Landscape: Torture (3), 2015
Serie Memory and Landscape: Protests (4), 2015
Serie Memory and Landscape: More protests (5), 2015
Serie Memory and Landscape: Families of the disappeared (6), 2015
Serie Memory and Landscape, To not forget (7), 2015
Xilografia sobre papel japonés/ Woodcut on Japanese paper
Protest, 2020
WE, 2020
Monograbado sobre papel Rives BFK/ Monoprint on Rives BFK paper
Cortesía de la artista
SERIGRAFÍA COOPERATIVA
Overol, 2020-2022
Serigrafía textil/ Silkscreen on fabric
Cortesía de los artistas
Consignas, 2019-2021
Serigrafía sobre papel o tela o pared/ Silkscreen on paper, fabric on wall
Cortesía de los artistas
SIFRE, CHAVELI
Meteorología de Interior, 2023
Libro de artista: conchas marinas, papel, olor; guantes de cuero perfumados/
Artist book: seashells, paper and scented leather gloves
Cortesía de la artista
TELLERIA, MARISA
Blanco (part A), 2023
Tinta sobre libretas de pasaporte/ Ink on passport booklets
Blanco (part B), 2023
3 fotografías enmarcadas/
3 framed photographs
Cortesía de la artista
El peso de los colores, 2019
Hilo y pintura acrilica sobre tela/
Thread and acrylic paint on fabric
Cortesía de la artista
TOMASSINI, HERYK
Arco de triunfo, 2024
Instalación de canastas de plásticos y plantas de platanos/
Installation: Plastic crates and plantain trees
Plátanos cortesía de agricultores de Yabucoa
Cortesía del artista
TORRES, CHRIS
NFT collection/ Colección NFT
Cortesía del artista
Nyan Cat, 2017
TORRES-FERRER, GABRIELLA
Mine Your Own Business (8), 2022
Microcomputadoras, data en vivo, objetos encontrados, paneles LED electroluminiscentes, baterías y cables/ Microcomputers, live data, found objects, electroluminescent LED panels, batteries and wires
Cortesía de la artista y Galería Embajada
TORRES RODRÍGUEZ, AMANDA
Hoyo en uno (video still), 2019
Video fijo: hojas sueltas sobre base/
Video still - stack of prints
Cortesía de la artista
TUFIÑO, NITZA
Ni una menos (Ana Irma Rivera Lassén), 2023 Xilografía, tinta negra sobre papel Fabriano/ Woodcut, black ink on Fabriano paper Cortesía de lartista
VARGAS-BERNARD,
RAFAEL
Delicious dinero, 2021
NFT / video loop
Cortesía del artista
VÁZQUEZ MEJIAS,
JOHN
The Puerto Rican War, ca. 2021
Libro impreso/ Printed book Cortesía del artista
VILA RIVERO, NORMA
La imposibilidad del paisaje (Presagio), 2022
Fotografía impresa sobre banner, acrílico, matboard/ Photography printed on banner, acrylic, matboard
La imposibilidad del paisaje (Monocular #1), 2024
Fotografía, vinilo y plexiglás/ Photography, vinyl and plexiglass
La imposibilidad del paisaje (Monocular #2), 2024
Fotografía, vinilo y plexiglás/ Photography, vinyl and plexiglass
Estructura para la imposibilidad del paisaje, 2022-2023
Fotografía digital impresa sobre banner, cyclone fence y aluminio/ Digital photography printed on banner, cyclone fence and aluminum
La imposibilidad del paisaje (Banderín), 2022
Toalla con fotografía sublemada e impresión de rubbergrafía en prensa hidráulica/ Towel with sublimated photography and rubberography printing in hydraulic press
Estructura para la imposibilidad del paisaje, 2022
Ciclon fence, impresión de foto sobre banner/ Cyclone fence, photo print on banner
Cortesía del artista
VILLALOBOS ECHEVERRÍA, PATRICIA
Latitud I, 2020
Latitud II, 2020
Latitud III, 2020
Latitud IV, 2020
Latitud V, 2020
Latitud VI, 2020
Latitud VII, 2020
Litografía/ Lithograph
Cortesía de la artista
WARD, NARI
Crying Form, Rising Symbol, 2010
Cordones de zapatos/ Shoe laces
Cortesía Espacio 1414 / Colección Diana y Moisés Berezdivin
DE LA BIENAL DE SAN JUAN A LA POLI/GRÁFICA DE PUERTO RICO
Desde la 1ra Bienal del Grabado Latino-Americano en San Juan de Puerto Rico (1970) hasta la 13ra Bienal de San Juan del Grabado Latinoamericano y del Caribe (2001), la Bienal del Instituto de Cultura Puertorriqueña (ICP) fue la muestra más importante de Puerto Rico y una de la más antiguas del hemisferio. Durante treinta y un años, artistas sometieron sus gráficas a la consideración de un jurado compuesto por críticos y artistas que, además de seleccionar las obras a exhibirse, premió algunas de estas. Entre los ganadores figuraron personas como Jesús Rafael Soto (VEN), Luis Camnitzer (URY), Liliana Porter (ARG) y María Josefina Melero (PUR).
Después de trece ediciones, la Bienal se reinventó como Trienal Poli/Gráfica de San Juan: América Latina y el Caribe. La inclusión de la palabra griega πολυ (poly), que significa “muchos, numerosos”, revela que la gráfica se comenzó a entender como polifacética, abarcando desde el grabado tradicional hasta expresiones diversas, entre ellas, instalaciones, fotografías, videos y obras digitales sobre papel, textiles, pantallas y en la red cibernética. Desde esta perspectiva, de 2004 a 2015, equipos curatoriales dirigidos por Mari Carmen Ramírez, Adriano Pedrosa, Deborah Cullen y Gerardo Mosquera propusieron temas y eligieron artistas y obras de acuerdo con estos. “Trans/Migraciones: La gráfica como práctica artística contemporánea” abrió el ciclo. Le siguió una Trienal sin título de la cual salieron muchas publicaciones artísticas. La tercera edición se tituló “El panal / The Hive”, y la cuarta y última, “Imágenes desplazadas / Imágenes en el espacio”.
Aunque si bien ya no es Bienal ni Trienal, la actual Poli/Gráfica de Puerto Rico: América Latina y el Caribe, intitulada “Bajo presión / Under Pressure”, sigue la tradición de estas. Preserva también su enfoque geográfico desde Puerto Rico al Caribe y América Latina, con una notable expansión territorial hacia las diásporas. Sin embargo, el “San Juan” en su título se substituyó por “Puerto Rico” para marcar la descentralización de la capital puertorriqueña a todo el archipiélago. Además, por primera vez se añadieron obras a base de inteligencia artificial y arte TNF (token no fungible), pero sin excluir los grabados y demás prácticas de la gráfica que nunca dejaron de producirse en los talleres de artistas.
FROM THE SAN JUAN BIENNIAL TO THE POLI/GRÁFICA OF PUERTO RICO
From the 1st Biennial of Latin American Printmaking in San Juan, Puerto Rico (1970) to the 13th Biennial of San Juan of Latin American and Caribbean Printmaking (2001), the Biennial of the Institute of Puerto Rican Culture (ICP) was the most important exhibition in Puerto Rico and one of the oldest in the hemisphere. For thirty-one years, artists submitted their prints to the consideration of a jury composed of critics and artists who, in addition to selecting the works to be exhibited, awarded some of them. Winners included individuals such as Jesús Rafael Soto (VEN), Luis Camnitzer (URY), Liliana Porter (ARG), and María Josefina Melero (PUR).
After thirteen editions, the Biennial was reinvented as the Poly/Graphic Triennial of San Juan: Latin America and the Caribbean. The inclusion of the Greek word πολυ (poly), meaning “many, numerous,” reveals that printmaking began to be understood as multifaceted, encompassing everything from traditional printmaking to diverse expressions, including installations, photographs, videos, digital works on paper, textiles, screens, and the internet. From this perspective, from 2004 to 2015, curatorial teams led by Mari Carmen Ramírez, Adriano Pedrosa, Deborah Cullen, and Gerardo Mosquera proposed themes and selected artists and works accordingly. “Trans/Migrations: Printmaking as Contemporary Artistic Practice” opened the cycle. It was followed by an untitled Triennial from which many artistic publications emerged. The third edition was titled “The Hive / El Panal,” and the fourth and last, “Displaced Images / Images in Space.”
Although it is no longer a Biennial or a Triennial, the current Poly/Graphic of Puerto Rico: Latin America and the Caribbean, titled “Bajo presión / Under Pressure” follows their tradition. It also maintains its geographical focus from Puerto Rico to the Caribbean and Latin America, with a notable territorial expansion towards the diasporas. However, “San Juan” in its title was replaced by “Puerto Rico” to mark the decentralization from the Puerto Rican capital to the entire archipelago. Additionally, for the first time, works based on artificial intelligence and NFT (nonfungible token) art were added, without excluding prints and other graphic practices that have never ceased to be produced in artists workshops.
LA COLECCIÓN LIMBO: GANANCIAS MARGINALES
La Bienal de San Juan del Grabado Latinoamericano (1970-2001) era una exposición de tipo concurso a la que los artistas enviaban obras que eran consideradas para selección y premios a partir de criterios como el cumplimiento de las bases, el arribo antes del cierre del plazo de admisión y la calidad artística. Algunas resultaban no ser elegidas por su pobre realización, y otras, por utilizar técnicas consideradas fuera del campo del grabado, entre ellas, la monotipia, la impresión offset y la fotocopia. Al concluir la bienal, estas obras eran enviadas de vuelta a los artistas, excepto aquellas que habían sido vendidas o donadas por el artista para la colección institucional.
Limbo fue el nombre con que se comenzó a nombrar el grupo de obras que nunca regresaron a los autores y que permanecieron en el Instituto de Cultura Puertorriqueña (ICP) por diferentes motivos. Ya fuera por problemas de aduanas o porque el artista había cambiado de domicilio o porque había decidido donar su trabajo aun después de no ser seleccionada para la muestra, al cabo de trece ediciones, esta colección involuntaria creció hasta incluir cientos de obras en numerosas técnicas y procedentes de decenas de países.
En esta exposición presentamos por primera vez al público, después de décadas de estar almacenadas en el depósito de la colección del ICP, una selección de obras que permiten hacer un recorrido por algunos de los temas recurrentes en las artes plásticas del continente en el período abarcado: la herencia indigenista, la apropiación de iconografías de la tradición occidental —en particular la católica—, la influencia del arte pop y la cultura del consumo, la abstracción, la representación del cuerpo humano y animal —a menudo antropomorfizado—, los conflictos políticos y la violencia de las dictaduras de derecha e izquierda, entre otros muchos.
Agradecemos al equipo de trabajo que atiende la crucial Unidad de Colecciones patrimoniales del Instituto de Cultura Puertorriqueña, sin cuya asistencia y completo apoyo esta idea no hubiera podido materializarse.
THE LIMBO COLLECTION: MARGINAL GAINS
The San Juan Biennial of Latin American Printmaking (1970-2001) was a competition-style exhibition where artists submitted works to be considered for selection and awards based on criteria such as adherence to the rules, arrival before the admission deadline, and artistic quality. Some works were not chosen due to poor execution, and others because they used techniques considered outside the field of printmaking, including monotype, offset printing, and photocopying. At the end of the biennial, these works were returned to the artists, except for those that had been sold or donated by the artist to the institutional collection.
Limbo was the name given to the group of works that never returned to the authors and remained at the Institute of Puerto Rican Culture (ICP) for various reasons. Whether due to customs issues, because the artists had changed their address, or because they decided to donate their work even after it was not selected for the exhibition, after thirteen editions, this involuntary collection grew to include hundreds of works in numerous techniques from dozens of countries.
In this exhibition, we present to the public for the first time, after decades of being stored in the ICP collection’s art deposit, a selection of works that allow for an exploration of some recurring themes in the plastic arts of the continent during the covered period: the indigenous heritage, the appropriation of iconographies from the Western tradition — particularly Catholicism —, the influence of pop art and consumer culture, abstraction, the representation of the human and animal body — often anthropomorphized —, political conflicts, and the violence of right and leftwing dictatorships, among many others.
We thank the team that attends to the crucial Collections Unit of the Institute of Puerto Rican Culture, without whose assistance and complete support this idea could not have materialized.
LA COLECCIÓN LIMBO: GANANCIAS MARGINALES/ THE LIMBO COLLECTION: MARGINAL GAINS
LUIS ALONSO
Puerto Rico
6ta Bienal de San Juan del Grabado, 1983
Serigrafía/ Silkscreen
VII Bienal de San Juan, 1986
Serigrafía/ Silkscreen
9na Bienal de San Juan del Grabado, 1991
Serigrafía/ Silkscreen
10ma Bienal de San Juan del Grabado Latinoamericano y el Caribe, 1993
Serigrafía/ Silkscreen
XI Bienal de San Juan, 1995
Serigrafía/ Silkscreen
XII Bienal de San Juan del grabado, 1998
Serigrafía/ Silkscreen
XIII Bienal de San Juan, 2011
Serigrafía/ Silkscreen
JESÚS ALVAREZ AMAYA
México
Argentina, La Guerra Sucia – Serie Números, 1987
Xilografía/ Woodcut
ENA ANDRADE
Perú
Segunda Trienal Poli / Gráfica de San Juan: América Latina y el Caribe, 2008
Digital
FÉLIX BERROA
República Dominicana
Soplo del pantócrata, 1983
Serigrafía/ Silkscreen
JORGE EDUARDO BRICEÑO CEPEDA
Venezuela
Serie: Rostros de Cazadores de Indias, 1985
Serigrafía/ Silkscreen
JOSÉ LUIS BUSTAMANTE
México
Tierra oxidada, 1991
Aguafuerte / aguatinta/ Etching / aquatint
Diálogo, 1991
Aguafuerte / aguatinta/ Etching / aquatint
ALVARO BUSTILLOS
BENKEE CHANG
CARLOS GONZÁLEZ
Canadá
2da Trienal Poli/ Gráfica de San Juan América
Latina y el Caribe, 2008 Digital
JOSÉ CAMPOS BISCARDI
Venezuela
La hora del guayoyo en el jardín de Doña
Clarita, 1979
Serigrafía/ Silkscreen
GUILLERMO CARRERA GUTIERREZ
México
El diálogo, 1992
Medio mixto/ Mixed medium
VALIA CARVALHO JUSTINIANO
Bolivia
La cama, 1994
Medio mixto/ Mixed medium
JAVIER CIRIONI
SANTIAGO VELASCO
Puerto Rico
2da Trienal Poli / Gráfica de San Juan: América
Latina y el Caribe, 2088
Digital
BRANCA COUTHINO DE OLIVEIRA
Brasil
Depois da hora de nossa morte, 1982
Intaglio/ Etching
Impotencia, 1982
Intaglio/ Etching
GUILLERMO DEISLER
Chile
Cabeza – Pájaro, 1973
Serigrafía/ Silkscreen
Planta – Pájaro, 1973
Serigrafía/ Silkscreen
LUIS DÍAZ
GABRIEL PIOVANETTI
Puerto Rico
2da Trienal Poli / Gráfica de San Juan América
Latina y el Caribe, 2008
Digital
ALVARO DONOSO
Chile
Los placeres de Edipo, 1978
Aerografía/ Airbrushing
LILIANA ESTEBAN
Argentina
Serienocopia/ Serial copy
Serie: Retrato para pasaportes II, 1992
Monocopia/ Monocopy
LEÓN FERRARI
Argentina
Serie: La civilización occidental y cristiana, 1987 Collage
Serie: 500, 1987 Collage
.T., 1992
Fotocopia/ Photocopy
ALFREDO FESTONI
Uruguay
Sociedad de consumo, 1983
Serigrafía/ Silkscreen
Sociedad de consumo, 1983
Serigrafía/ Silkscreen
DIONIS FIGUEROA
República Dominicana
Gesto, 1983
Serigrafía/ Silkscreen
ROCÍO FLORES
Perú
Warhol Angel, 1995
Digital
ANTONIO FRASCONI
Uruguay
5ta. Bienal del Grabado Latinoamericano, 1981
Serigrafía/ Silkscreen
YOLANDA FUNDORA
Puerto Rico
Visita dominical al museo del tiempo, 1986
Fotoserigrafía/ Photoserigraphy
OFELIA GARCÍA
Cuba
Fragmento Romántico, c. 1979
Colografía/ Colography
Mujeres con mantilla, c. 1978
Colografía/ Colography
OSCAR GARCÍA CASTILLO
Ecuador
Tunca Huan II, 1988
Medio mixto/ Mixed medium
Tunca Huan I, 1988
Medio mixto/ Mixed medium
ALEJANDRO GÓMEZ TOLOSA
Argentina
Retrato Iconoclasta, 1994
Xilografía a color/ Color woodcut
ANTONIO GONZÁLEZ OROZCO
México
Alcatraces, 1987
Serigrafía/ Silkscreen
ELIZABETH GONZÁLEZ
Venezuela
El fantasma de Chernobyl, 1987
Litografía/ Lithography
Sin título, 1987
Litografía/ Lithography
CONSUELO GOTAY
Puerto Rico
Ciclistas, 1977
Serigrafía/ Silkscreen
OSCAR GUBIANI
Argentina
Homenaje a Bela Bartok, 1981
Xilografía/ estarcido
RENATE HEILBERG
Brasil
Os Migrantes, 1982
Aguafuerte / aguatinta/ Etching / aquatint
GILDA HERNÁNDEZ PESCE
Chile
Venus XXIV, 1981
Medio mixto/ Mixed medium
Venus XXV, 1981
Medio mixto/ Mixed medium
MIGUEL HERRERA
Chile
Moulin a café, 1986
Intaglio/ Etching
Schiele, 1987
Intaglio/ Etching
LORENZO HOMAR
Puerto Rico
Segunda Bienal del Grabado Latinoamericano de San Juan, 1972
Serigrafía/ Silkscreen
Segunda Bienal del Grabado Latinoamericano de San Juan, 1972. Serigrafía/ Silkscreen
3ra. Bienal del Grabado Latinoamericano, 1974
Serigrafía/ Silkscreen
ALEXANDER JAMES WRIGHT PANTER
Venezuela
2da Trienal Poli / Gráfica de San Juan: América
Latina y el Caribe, 2008
Digital
JACQUES JESION
Brasil
Composicao I, c. 1978
Grabado en metal/ Etching
LUIS JIMÉNEZ
México
Howl, 1977
Litografía/ Lithography
Country and Western Couple, 1979
Medio mixto/ Mixed medium
PHANOR LEÓN
Colombia
Desfiguras, 1988 Serigrafía/ Silkscreen
Desfiguras, 1988 Serigrafía/ Silkscreen
MARÍA LÓPEZ MÉNDEZ
Venezuela
Camelot, 1982
Aguafuerte/ Etching
LUIS ANTONIO C. MAGNANI
Brasil
Sin título, 1982
Grabado en metal/ Etching
Sin título, 1982
Grabado en metal/ Etching
ANTONIO MARCO
Perú
Heterocromía, 1990
Medio mixto/ Mixed medium
ANTONIO MARTORELL
Puerto Rico
IV Bienal del Grabado Latinoamericano, 1979 Serigrafía/ Silkscreen
GLADYS MEDINA
Venezuela
Sari Sari Ñama V, 1986
Aguafuerte / aguatinta / punta seca
Sari Sari Ñama VI, 1986 Aguafuerte / aguatinta / punta seca
De la Serie: Los donzdores, 1989 Aguafuerte / bruñidor
LUIS PAZ
Colombia
Presente I, 1980
Intaglio/ Etching
Presente II, 1980
Intaglio/ Etching
RAFAEL PÉREZ FLORES
Venezuela
Variación cromática del azul I, 1982
Serigrafía/ Silkscreen
Variación cromática del azul II, 1982
Serigrafía/ Silkscreen
ALEJANDRO QUINTO
Canadá
2da Trienal Poli / Gráfica de San Juan: América Latina y el Caribe, 2008
Digital
ANTONIO RAMÍREZ
México
Vértigo, 1992
Aguafuerte / aguatinta / Etching / aquatint
ANA RANGEL
Venezuela
Las damas seguramente en casa, 1987
Fotoserigrafía/ Photoserigraphy
CARLOS REVILLA
Perú
Obrella, 1979
Aguatinta/ Aquatint
CARLA RIPEY
México
Proyecto abandonado, 1979
Aguafuerte / aguatinta/ Etching / aquatint
NOEMÍ RUIZ
Puerto Rico
VIII Bienal de San Juan del Grabado, 1988
Serigrafía/ Silkscreen
OSVALDO SALERMO
Paraguay
Homenaje a T., 1977
Xilografía/ Woodcut
Homenaje, 1977
Xilografía/ Woodcut
ZILIA SÁNCHEZ
Puerto Rico
Topología erótica #2, 1978 Serigrafía/ Silkscreen
FERNANDO SANTIAGO
Puerto Rico
Después de la boda, 1989
Litografía/ Lithography
Hombre y su gallina echá, 1990 Litografía/ Lithography
JULIO SANTIAGO BRACERO
Puerto Rico
Por siempre vivirás en mis recuerdos, 1977
Intaglio / serigrafía/ Etching / Silkscreen
DANIEL SIERRA BADUE
Cuba
Self-portrait in the park, 1979
Litografía/ Lithography
OSWALDO SUBERO
Venezuela
Degradación del color, 1988
Serigrafía/ Silkscreen
Degradación del color, 1989
Serigrafía/ Silkscreen
GILBERTO URDAY
Perú
La metamorfosis de Verdi, 1987
Litografía/ Lithography
MANOLO VELLOJIN
Colombia
Esquela negra, 1978
Serigrafía/ Silkscreen
JOSÉ LUIS VERDES
España
El muro, c. 1977
Aguafuerte/ Etching
ALEJANDRO VILLALOBOS CABEZAS
Costa Rica
Libertad, 1990
Punta seca/ Etching
ALICIA VITERI
Colombia
El señor de la corbata negra, 1979
Grabado en metal/ Etching
Catacas, 1978
Medio mixto/ Mixed medium
Catacas, 1978
Aguatinta/ Aquatint
ENRIQUE ZAMUDIO
Chile
Hombre palando, 1988
Foto / aguafuerte/ Photography/ Etching
Persiguiendo al pollo 1, 2 y 3, 1988
Serigrafía/ Silkscreen
SALA DE LECTURA
En la Sala de lectura de la Poli/Gráfica de Puerto Rico encontrarán publicaciones sobre arte y artistas, libros hechos o escritos por artistas y textos que los han inspirado. Asimismo, obras de arte que hacen referencia a la lectura, las bibliotecas, la creación de libros y el arte de imprimir.
La selección de los materiales en esta sala se realizó a partir de dos criterios principales: el tema de esta edición de la Poli/Gráfica, Bajo presión, y el enfoque geográfico de la muestra, que abarca Puerto Rico, el Caribe y América Latina y se extiende por la diáspora hasta Europa y los Estados Unidos. Varios de los artistas presentes en este espacio también tienen obras en el antiguo Arsenal de la Marina Española.
Todos los muebles en este espacio fueron creados y prestados por diseñadores puertorriqueños. Les invitamos a disfrutar de esta experiencia multimedial y multisensorial.
READING ROOM
In the Reading Room of the Poly/Graphic of Puerto Rico, you will find publications about art and artists, books made or written by artists, and texts that have inspired them. Likewise, there are works of art that reference reading, libraries, book creation, and the art of printing.
The selection of materials in this room was made based on two main criteria: the theme of this edition of the Poly/Graphic, Under pressure, and the geographical focus of the exhibition, which covers Puerto Rico, the Caribbean, and Latin America, and extends through the diaspora to Europe and the United States. Several of the artists present in this space also have works in the former Spanish Navy Arsenal.
All the furniture in this space was created and lent by Puerto Rican designers. We invite you to enjoy this multimedia and multisensory experience.
MUEBLES DE LA SALA DE LECTURA/ READING ROOM FURNITURE
LAURA MALDONADO RODRÍGUEZ/
CRISTINA ZABALA SOLER/JAVIER OLMEDA
Puerto Rico
Mesa de centro/auxiliar (Isla), 2015
Madera y acero/ Wood and steel
Mediopunto Estudio de Diseño & Constructo
ELVIRA MARTÍNEZ MANSO
Puerto Rico
Silla cabaret I
Caoba y acero / Mahogany and steel
Herbeh Wood
ELVIRA MARTÍNEZ MANSO
Puerto Rico
Silla cabaret II
Caoba y acero / Mahogany and steel
Herbeh Wood
MARXZ ROSADO RÍOS
Puerto Rico
Estantería
Teca y acero esmaltado/ Teak and enameled steel
Marxz Rosado, Seiz Dedos Studio
MARXZ ROSADO RÍOS
Puerto Rico
Sillas de comedor Drevounia, hechas en Checoslovaquia
Restauradas por Marxz Rosado y sus estudiantes de su clase de diseño en la Universidad Ana G. Méndez
Madera de haya y textil/ Beech wood and textile
Marxz Rosado, Seiz Dedos Studio
MARXZ ROSADO RÍOS
Puerto Rico
Silla (Lijera). Colección Giraffe, 2015
Madera mahoe y acero esmaltado/ Mahoe
wood and enameled steel
Marxz Rosado, Seiz Dedos Studio
CARLOS BOBONIS COLORADO
Puerto Rico
Taburetes
Madera contrachapada/ Plywood
Carlos Bobonis Industrial Design Studio
CARLOS BOBONIS COLORADO
Puerto Rico
Banco
Caoba/ Mahogany
Carlos Bobonis Industrial Design Studio
VALLERY PABÓN RUÍZ
Puerto Rico
Librero (Vértice)
Aluminio anonizado y panel MDF/
Anodized aluminum and MDF panel
Vallery Pabón Ruíz, estudiante Departamento de Diseño Industrial de la EAPD
HANSEL J. BALLISTA MORALES
Puerto Rico
Silla de comedor (Infra)
Caoba y aguanillo/ Mahogany and aguanillo
Hansel J. Ballista Morales, estudiante
Departamento de Diseño Industrial de la EAPD
EDDIE FIGUEROA FELICIANO
Puerto Rico
Tablillas
Duraseína/ Durasein
Eddie Figueroa Feliciano
PABLO SANTIAGO ROMERA
Puerto Rico
Sillas MECA
Acero/ Steel
Pablo Santiago Romera, Twin Dogs Co.
PABLO SANTIAGO ROMERA
Puerto Rico
Mesa de centro
Acero/ Steel
Pablo Santiago Romera, Twin Dogs Co.
PABLO SANTIAGO ROMERA
Puerto Rico
Mesa auxiliar
Acero y cemento/ Steel and cement
Pablo Santiago Romera, Twin Dogs Co.
1500LABS
Fundado en el 2022 por Debora Hirsch y Martin Giménez Larralde, 1500labs es un laboratorio de arte digital que expone la transformación de objetos temporales en formas simbólicas o enigmáticas generando NFT’S únicos a través de un proceso de rarefacción.
ACOSTA, PAVEL
Camagüey, Cuba, 1975
Educación: 2003, Maestría en Bellas Artes, Instituto Superior de Artes (ISA), Universidad de las Artes, Habana, Cuba
AGUILAR, REGINA Y ARTESANOS DE TALLER SAN JUANCITO
El Taller San Juancito fue fundado en 1991 por Regina Aguilar (Honduras, 1954) con el objetivo de crear proyectos educativos y culturales para el desarrollo del pueblo de San Juancito.
ÁLVAREZ, ESTEBAN
Buenos Aires, Argentina, 1966
Educación: 2000, Maestría en Artes Visuales, Middlesex University, Londres, Inglaterra
Artista transdisciplinaria, desde 1992 ha desarrollado proyectos artísticos sustentables que integran el trabajo colaborativo y participativo, en los que aborda temas de justicia social y medio ambiente.
APONTE, CARLOS
Nueva York, 1960
Educación: Bachillerato en Ilustración de Modas, Parsons School of Design, Fashion Institute of Technology, Nueva York
ARAGÓN, MIGUEL A.
Ciudad Juárez, México
Educación: 2012, Maestría en Bellas Artes, Universidad de Texas, Austin, Texas
ARGENZIO, MARÍA JOSÉ
Guayaquil, Ecuador, 1977
Educación: 2010, Maestría en Bellas Artes, Goldsmiths College, Universidad de Londres, Inglaterra
ARRIEGUE, GUADALUPE
Buenos Aires, Argentina, 1986
Educacion: 2013, Licenciatura en Letras, Universidad de Buenos Aires, Buenos Aires, Argentina
ARTISTS AGAINST THE BOMB (selección)
Proyecto colectivo organizado por Pedro Reyes, artista y curador, con la colaboración de la curadora Vedana Codina. Artists against the bomb es una exhibición de carteles haciendo un llamado universal al desarme nuclear. En esta selección se presentan:
• José Eduardo Barajas, México 1990
• Rafael Barajas, México 1956
• Débora Delmar, México 1986
• Mónica de la Torre & Alex Balgiu: MDT, México / AB, Francia
• Regina José Galindo, Guatemala 1974
• Enrique Jezik, Argentina 1961
• Juan O’Gorman, México 1905-1982
• Peace Pilgrim, New Jersey, 1908 – 1981
• Fanny Rabel, Polonia, 1922-2008
• Pedro Reyes, México, 1972
• Mariana Yampolsky, Chicago, Il, 1925
AXTMANN, MARY
Queens, New York 1952
Grado doctoral Profesora universitaria, artista, educadora ambiental Miembro fundador de Ciudadanos Pro Bosque San Patricio.
BÁEZ, GRIMALDI
San Juan, Puerto Rico
Educación: 2008, Bachillerato en Bellas Artes, Massachusetts College of Art and Design, Boston, MA
BARBERENA, CARLOS
Nicaragua, 1972, vive en Chicago
Artista autodidacta
BARTOLOMÉ, BALAM
Chiapas, México, 1975
Educación: Bachillerato en Artes visuales, Escuela Nacional de Artes Plásticas, Universidad Nacional
Autónoma México, México
BATISTA, PAULINE
Rio de Janeiro, Brasil, 1988
Educación: 2017, Maestría en Bellas Artes, Goldsmith University, Londres, Inglaterra
BEJAR, DANIEL
Bronx, NYC, USA, 1976
Educación: Maestría en Bellas Artes concentración en Escultura, State University, New Paltz, Nueva York
BELLE, LA VAUGHN
Trinidad y Tobago, 1974
Educación: Maestría en Artes Visuales, Instituto Superior de Arte, Habana, Cuba. Maestría en Artes, Columbia University, Nueva York
BERGEL MELO, ELISA
Caracas, Venezuela, 1989
Educación: 2015, Bachillerato en Fotografía, Veritas University,
San José, Costa Rica
BUCHER,FRANÇOIS
Cali, Colombia, 1972
Educación: Maestría en Cine, The School Art Institute of Chicago
BULE, VIOLETTE
Valencia, Venezuela, 1980
Educación: Maestría en Artes Visuales, Universidad de Houston, TX
CALDERÓN, SASKIA
Quito, Ecuador, 1981
Educación: 2003, Bachillerato en Artes Plásticas, especialización en Pintura y Grabado, Universidad Central, Ecuador
CASTAÑEDA, LEO
Cali, Colombia, 1988
Educación: 2014, Maestría en Artes Visuales, Hunter College, NYC
CHARLIER, VLADIMIR CYBIL
New York, 1967
Educación: 1993, Maestría en Artes Visuales, School of Visual Arts, Nueva York
CICLOS
GRÁFICOS, FRAIXA ALBIZU
Incorporado en el 2021, Ciclos Gráficos, es una organización sin fines de lucro que, a través de las artes del grabado tradicional, busca reinventar la tradición de los portafolios gráficos y el trabajo impreso en la cultura del arte en Puerto Rico.
Fraixa: Toa Alta, PR, 1996
Bachillerato en Artes Gráficas, Escuela Artes Plásticas y Diseño de PR. presidenta de Ciclos gráficos.
CRABAPPLE, MOLLY
Queens, New York 1983
Educación: Autodidacta Artista, ilustradora, escritora, periodista y cineasta. Sus películas animadas han ganado múltiples premios. Su trabajo está inspirado en las obras de Toulouse Lautrec, Diego Rivera y Goya, entre otros.
DÉCOURT, LEONOR
São Paulo, Brasil, 1953
Educación: 1975, Facultad de Arquitectura y Urbanismo, Universidad Braz Cubas, São Paulo
1986, cursos prácticos y teóricos, Brasilia, São Paulo, Río de Janeiro y Milán
DE JESÚS, OSVALDO
Arecibo, PR, 1963
Educación: 1988, Bachillerato en Artes Plásticas, Universidad de Puerto Rico, Río Piedras
ORTIZ,
ADA DEL PILAR
Aibonito, PR, 1995
Educación: 2018, Bachillerato en Artes Plásticas, concentración en Pintura, Escuela de Artes Plásticas y Diseño de Puerto Rico
DÍAZ, LOPE MAX
San Juan, PR, 1943
Educación:1971, Maestría en Artes Plásticas, Hunter College, NYC
DOMÍNGUEZ, PATRICIA Y TAULIS,ANTONIA
PD: Santiago de Chile, 1984
Educación: 2013, Maestría, Studio Art, Hunter College, Nueva York
AT: Santiago de Chile, 1989
Educación: Licenciada en Teoría e Historia del Arte, Universidad de Chile
EHLERS, JEANNETTE
Trinidad y Tobago, 1973
Educación: 2006, Royal Danish Academy of Fine Arts, Dinamarca
FERNÁNDEZ, JUAN
San Juan, PR, 1985
Educación: 2005, Arquitectura, Universidad Politécnica de Puerto Rico
GAMARRA, SANDRA
Lima, Perú, 1972
Educación: 2003, Doctorado en Bellas Artes, Facultad de Bellas Artes de Cuenca, Universidad de Castilla-La Mancha, España
GARCÍA LÓPEZ, FELIPE
Antioquía, Colombia, 1994
Educación: 2016, Bachillerato en Artes Plásticas, Fundación Universitaria de Bellas Artes, Medellín, Colombia
GARET, RICHARD
Montevideo, Uruguay, 1972
Educación: Maestría en Arte Interdisciplinario, Bard College, Nueva York
GONZÁLEZ BRUN, ADRIANA
Asunción Paraguay, 1964
Educación: 1990, Arquitectura, Universidad Católica Nuestra Señora de la Asunción, Paraguay 1989, The University of Kansas (Sculpture, design and lithography) – Lawrence KS, USA
GOTAY, CONSUELO
Bayamón, PR, 1949
Educación: 1971, Maestría, Universidad de Columbia, Nueva York
GOUST, RENEE
Nogales, Sonora, México, 1986
Educación: Universidad de Guadalajara, compositora, cantautora de temas de igualdad de género, migración y otros temas de justicia social Vive en NYC
GUAIANÁ
ZIGNNATTO, ANDREY
Sao Paulo, Brasil, 1981
Educación: Autodidacta, talleres y cursos de la Asociación de Artistas Plásticos de Jundiaí, Sao Paulo
HELGUERA, PABLO
México D.F, México, 1971
Educación: 1993, Bachillerato en Artes Visuales, School of Art Institute of Chicago
HIRSCH, DEBORA
Sao Paulo, Brasil, 1967
Educación: MSC Ingeniería
Industrial, Universidad de Sao Paulo
MBA from Bocconi University in Milan.
HUANCA, DONNA
Chicago, USA, 1980
Educación: 2006: Skowhegan School of Painting and Sculpture, Maine. 2010, Städelschule, Hochschule für Bildende Künste, Frankfurt, am Main, Germany
IGUINIZ BOGGIO, NATALIA
Lima, Perú, 1973
Educación: 1985, Bachillerato en Pintura, Pontificia
Universidad Católica, Perú. Maestría en Género, Sexualidad y Políticas Públicas en la Universidad Nacional Mayor de San Marcos
KLEIN, NAOMI
Montreal, Canadá, 1970
Educación: Universidad de Toronto, Canadá
LAGUNAS, JESSICA
Managua, Nicaragua 1971
Educación: 2006, The Art Students League, New York, NY 2008, Hunter College, City University of New York, NY
LARA, ADRIANA
Ciudad México, México, 1978
Educación: Art and Design, Koninklijk Academie Van Beldende Kunsten KABK, in Holland.
Philosophy from the Facultad de Filosofía y Letras, UNAM
LARSEN, GUSTAVO ALFREDO
Mar del Plata, Buenos Aires, Argentina, 1952
Educación: 1978, Bachillerato en Grabado, Facultad Bellas Artes, Universidad Nacional de La Plata
LEE, SUWON
Caracas, Venezuela, 1977
Educación: 2001, Bachillerato en Artes, French Studies, American University de Paris 2002, Fotografía, SPEO Paris
Photographic Institute
LÓPEZ, DIANA
Filadelfia, Estados Unidos, 1968 (venezolana)
Educación: 1994, Maestría en Bellas Artes, San Francisco Art Institute
MACHADO, THESSIA
Curitiba, Brasil, 1967
Educación: 1991, Bachillerato en Artes Visuales, Hunter College, NY
MALAVÉ, GEORGE
Puerto Rico, 1946
Educación: Bachillerato en Fotografía, State University of New York
MARCIAL TORRES, CARLOS
Caguas, PR, 1954
Educación: 1985, Maestría en Artes Visuales, Universidad Autónoma de México, México D.F, México
MARICHAL, POLI
Ponce, PR, 1956
Educación:1982, Maestría en Artes, concentración en Cine Experimental. Massachusetts College of Art, Boston, Massachusetts, Estados Unidos
MELÉNDEZ, ELSA MARÍA
Caguas, PR, 1974
Educación: 1997, Bachillerato en Humanidades, concentración en Bellas Artes, Universidad de PR, Recinto de Rio Piedras, San Juan, PR
MERHI, YUCEF
Caracas, Venezuela, 1977
Educación: Maestría Telecomunicaciones Interactivas de la Universidad de Nueva York
MOLINA, MARITZA
La Habana, Cuba, 1974
Educación: 1998, Bachillerato en Artes Visuales, Rhode Island School of Design, Providence, RI
MORAN JAHN, MARISA
Nueva York, 1977
Educación: Maestría en Ciencias, Massachusetts Institute of Technology (MIT)
MONTERO MATAMOROS, JOHANA
Tegucigalpa, Honduras, 1980
Educación: 1997, Egresada
Escuela Nacional de Bellas
Artes, Honduras
NAVARRO, IVÁN
Santiago, Chile, 1972
Educación: 1995, Bachillerato en Arte, Pontificia Universidad
Católica de Chile
NEGRÓN-MUNTANER, FRANCES
San Juan, Puerto Rico 1966
Educación: 2000, Doctorado en Literatura Comparada, Rutgers University, New Jersey EEUU
Educación: 2011 MFA New Media, Transart Institute en asociación con DonauUniversität Krems, New York/ Berlin/Austria
OCHOA, NELA
Caracas, Venezuela, 1953
Educación: Diseño, danza contemporánea y pintura en Caracas y Paris
ORLANDI, UZIEL
San Juan, PR, 1988
Educación; Bachillerato en Artes Plásticas, concentración en grabado, Universidad de PR, Recinto Rio Piedras
OTERO, NÉSTOR
Caguas, PR, 1948 - 2021
Educación: Pratt Institute, Nueva York, NY, EE UU/ School of Visual Arts, Nueva York, NY, EE UU
PAVÓN, GEANDY
Las Tunas, Cuba, 1974
Educación: 1994, Graduado de la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la Habana, Cuba.
PEÑAFIEL, EDISON
Guayaquil, Ecuador, 1985
Educación: 2016, Bachillerato en Estudios Interdisciplinarios, Florida International University, Florida, EUA
PEÑA, FABIÁN
La Habana, Cuba, 1976
Educación: Escuela Nacional de Bellas Artes San Alejandro, La Habana, Cuba (19911995); Instituto Superior de Arte, La Habana, Cuba (19982003).
QUIJANO FELICIANO, RAQUEL
Arecibo, Puerto Rico, 1972
Educación: 2003, Bachillerato en Artes Gráficas, Escuela de Artes Plásticas y Diseño de PR
RAMÍREZ ,BELKIS
Santiago Rodríguez, Republica Dominicana, 1957 – 2019
Educación: 1986, Arquitectura y Diseño Gráfico, Universidad Autónoma de Santo Domingo, RD
RODRÍGUEZ CALERO, (ROCA)
Arecibo, PR, 1963
Educación: Bachillerato en Artes Plásticas con concentración en Grabado, Escuela de Artes Plásticas y Diseño de Puerto Rico, San Juan, PR; Liga de Estudiantes de Arte de Nueva York, NY, EE UU
RODRÍGUEZ, EDEL
La Habana, Cuba, 1971
Educación: 1994, Pratt Institute, Brooklyn, NYC. 1998, Maestría en Bellas Artes, concentración en Pintura, Hunter College, NYC
RODRÍGUEZ DE SANTIAGO, RICARDO J.
San German, PR
Educacion:2007, Bachillerato en Arquitectura, Universidad Politécnica de PR
RODRÍGUEZ SEPÚLVEDA, MIGUEL
Tampico, Tamaulipas, México 1971
Educación: 1986- 2003, Arquitectura, Fotografía, Monterrey, Nuevo León, México
ROMÁN, DANIEL ARNALDO
Ponce, PR, 1974
Educación: 2011 Maestría en New Media Art, Transart Institute, Berlin / DonauUniversität Krems, Austria
ROSARIO SASTRE, MELQUIADES
Morovis, PR, 1953
Educación: 1986, Bachillerato en Escultura, Escuela de Artes
Plásticas de Puerto Rico, San Juan, PR
RUIZ GALLOZA, GERMARILIS Aguada, PR, 1990
Educación: 2016, Bachillerato en Arquitectura, Pontificia Universidad Católica, Ponce 2020, Maestría en Gestión y Administración Cultural de la Universidad de Puerto Rico.
SAN MARTIN, MARÍA VERÓNICA
Santiago, Chile,1981
Educación: Maestría, Art and Book, The Corcoran School of Art and Design, George Washington University, Washington, DC
SANTOS, SARABEL
Bayamón, PR, 1984
Educación: 2019, Maestría en Studio Art, Maryland Institute College of Art, Baltimore, EEUU
SERIGRAFIA COOPERATIVA
ROSA APABLAZA / MARCELO BAQUEDANO
Santiago de Chile
Cooperativa de trabajo formada en 2019 en torno a las disciplinas del diseño, el arte y la serigrafía. Espacio de trabajo con interés por el medio ambiente tanto en el contenido de las obras como en los procesos productivos
SIFRE, CHAVELI
Würzburg, Germany, 1987
Educación: Maestría en Museumskunde en la Hochschule für Technik und Wirtschaft en Berlín, Alemania
TELLERÍA, MARISA
Managua, Nicaragua, 1963
Educación: 1996, Maestría en Bellas Artes, concentración en Escultura, Virginia Commonwealth University, Richmond, Virginia
TOMASSINI, HERYK
San Juan, Puerto Rico, 1974
Educación: Bachillerato en Arquitectura, Universidad Politécnica de PR
TORRES, CHRIS
Puerto Rico, 1986 Ilustrador, arte digital. Creador de LOL-Comics / Nyan Cat
TORRES FERRER, GABRIELLA
Arecibo, Puerto Rico, 1987 Gabriella completó el programa de artes visuales del proyecto BAR en Barcelona. Ha recibido la beca de Artista en Residencia de la Akademie Schloss Solitude
Stuttgart y mención de honor como artista invitada en CERN Collide, Geneve.
TORRES RODRÍGUEZ, AMANDA
San Juan, PR, 1993
Educación: 2022, Maestría, Facultad de Bellas Artes, Universidad politécnica de Valencia, España
TUFIÑO, NITZA
Ciudad México, México, 1949
Educación: 1970, Bachillerato Academia San Carlos, México. 1980, Maestría Hunter College, NYC
VARGAS BERNARD, RAFAEL
Mayagüez, PR, 1979
Educación: 2009, Escultura, Escuela de Artes Plásticas y Diseño de PR
VÁZQUEZ MEJÍAS, JOHN
Nueva York
Artista y educador
VILA RIVERO, NORMA
San Juan, Puerto Rico, 1982
Educación: 2010, Maestría Administración de las Artes, Universidad del Turabo, Gurabo.
VILLALOBOS ECHEVARRÍA, PATRICIA
Memphis, TN, 1965
Educación: 2004, Maestría en Artes Visuales concentración en Dibujo y Pintura, University de Wisconsin. Madison, EE. UU.
WARD, NARI
St. Andrew, Jamaica, 1963
Educación: 1992, Maestría en Artes Visuales, City University of New York, Brooklyn College
BIOGRAFÍAS DE LOS CURADORES
ELVIS FUENTES
Elvis Fuentes es un curador independiente y Candidato a Doctor en Filosofía (ABD, Historia del Arte) por la Universidad Estatal Rutgers, de Nueva Jersey. Graduado Magna Cum Laude de Historia del arte por la Universidad de La Habana (1999), Fuentes trabajó como curador en la Fundación Ludwig de Cuba (1999-2002), donde realizó exposiciones retrospectivas de Marcelo Pogolotti y Alfredo Sosabravo. En dicha institución organizó numerosas exposiciones personales y colectivas de arte contemporáneo, así como dos festivales de video arte en colaboración con el ICAIC (2000 y 2001). Tras emigrar a Nueva York con una beca del Centro de Estudios Puertorriqueños de Hunter College en 2002, Fuentes se trasladó en Puerto Rico, donde trabajó en el Instituto de Cultura Puertorriqueña como curador. Fungió como editor de información de la 1ra Trienal Poli/Gráfica de San Juan (2004). En esta exposición participó como curador invitado con un proyecto sobre la obra temprana de Félix González-Torres en Puerto Rico. Más tarde, Fuentes realizó la curaduría de El grabado como metáfora, que representó a Puerto Rico en en la 26th Bienal Internacional de Artes Gráficas de Ljubljana, Eslovenia (2005) y se alzó con el Grand Prix de la misma. Asimismo, organizó dos exposiciones premiadas por la AICA, Rewind… Rewind… Tres décadas del video-arte en Puerto Rico (I y II, 2005-2006), y una retrospectiva de caricaturas de Lorenzo Homar, Homo Humoris, en e Museo Dr. Pío López Martínez, de la Universidad de Puerto Rico en Cayey (2006). Ese mismo año, Fuentes trabajó como director artístico de la feria de arte CIRCA Puerto Rico 2006, para la cual curó la sección 10x10, presentando diez artistas, poco antes de establecerse en Nueva York. Entre 2006 y 2013, Fuentes trabajó como Curador en El Museo del Barrio, de Nueva York, donde organizó la primera instalación de las galerías Carmen Ana Unanue de la Colección permanente, en saludo de los 40 años de la fundación de dicha institución. Durante estos años co-curó dos ediciones de la Bienal de El Museo, The S Files, en 2007 y 2011, en las que se realizaron presentaciones especiales de artistas de Ecuador y América Central, respectivamente. En 2012, Fuentes dirigió un equipo de curadores para realizar la megaexposición El Caribe: Encrucijada del mundo, que ocupó tres museos de Nueva York (El Museo del Barrio, The Studio Museum in Harlem y Queens Museum of Art), que luego viajó al Perez Art Museum Miami en 2014. El Caribe fue destacada como una de las mejores exposiciones del año en Nueva York por críticos de The New York Times y The Village Voice. Fuentes también colaboró con la Bienal de Cuenca (2007 y 2009) y la Bienal de Artes Visuales del Istmo Centroamericano (BAVIC, 2010) y realizó proyectos independientes, tales como Lista de espera: arte cubano actual (Mestna Galerija, Ljubljana, Eslovenia, 2006), Matando el tiempo: arte cubano efímero y procesual desde 1980 hasta el presente (Exit Art, Nueva York, 2007) y El nexo español (Instituto Cervantes Nueva York, 2009). Recientemente, co-curó con Gabriela M. Fernández la exposición Autopia: viajes por carretera desde la guerra fría hasta el presente (Audrey Love Gallery, Bakehouse Art Complex, Miami, 2016), el primer resultado de sus estudios sobre el arte durante la guerra fría como parte de su tesis doctoral, para la cual ha realizado viajes de investiagación a Rusia, Ucrania, México, Ecuador y Cuba.
CURATORS BIOGRAPHIES
ELVIS FUENTES
Elvis Fuentes is an independent curator and Candidate for Doctor of Philosophy (ABD, Art History) at Rutgers State University, New Jersey. Graduated Magna Cum Laude in Art History from the University of Havana (1999), Fuentes worked as a curator at the Ludwig Foundation of Cuba (1999-2002), where he held retrospective exhibitions of Marcelo Pogolotti and Alfredo Sosabravo. At this institution he organized numerous personal and collective exhibitions of contemporary art, as well as two video art festivals in collaboration with the ICAIC (2000 and 2001). After emigrating to New York with a scholarship from the Center for Puerto Rican Studies at Hunter College in 2002, Fuentes moved to Puerto Rico, where he worked at the Institute of Puerto Rican Culture as a curator. He served as information editor of the 1st Poli / Gráfica Triennial of San Juan (2004). In this exhibition he participated as a guest curator with a project on the early work of Félix González-Torres in Puerto Rico. Later, Fuentes curated The Engraving as a Metaphor, which represented Puerto Rico at the 26th International Biennial of Graphic Arts in Ljubljana, Slovenia (2005) and won the Grand Prix there. Likewise, he organized two exhibitions awarded by the AICA, Rewind… Rewind… Three decades of video art in Puerto Rico (I and II, 2005-2006), and a retrospective of caricatures by Lorenzo Homar, Homo Humoris, at the Dr. Museum. Pío López Martínez, from the University of Puerto Rico in Cayey (2006). That same year, Fuentes worked as artistic director of the 2006 CIRCA Puerto Rico art fair, for which he curated the 10x10 section, featuring ten artists, shortly before settling in New York. Between 2006 and 2013, Fuentes worked as Curator at El Museo del Barrio, in New York, where he organized the first installation of the Carmen Ana Unanue galleries of the Permanent Collection, in celebration of the 40 years of the founding of said institution. During these years he co-curated two editions of the El Museo Biennial, The S Files, in 2007 and 2011, in which special presentations were made by artists from Ecuador and Central America, respectively. In 2012, Fuentes led a team of curators to produce the mega-exhibition El Caribe: Encrucijada del mundo, which occupied three New York museums (El Museo del Barrio, The Studio Museum in Harlem, and Queens Museum of Art), which later traveled to the Perez Art Museum Miami in 2014. El Caribe was highlighted as one of the best exhibitions of the year in New York by critics from The New York Times and The Village Voice. Fuentes also collaborated with the Cuenca Biennial (2007 and 2009) and the Central American Biennial of Visual Arts (BAVIC, 2010) and carried out independent projects, such as Waiting List: Current Cuban Art (Mestna Galerija, Ljubljana, Slovenia, 2006 ), Killing time: ephemeral and processual Cuban art from 1980 to the present (Exit Art, New York, 2007) and The Spanish nexus (Instituto Cervantes New York, 2009). Recently, he co-curated with Gabriela M. Fernández the exhibition Autopia: road trips from the cold war to the present (Audrey Love Gallery, Bakehouse Art Complex, Miami, 2016), the first result of his studies on art during the war cold as part of his doctoral thesis, for which he has made research trips to Russia, Ukraine, Mexico, Ecuador and Cuba.
Lisa Ladner nació en 1969, en la ciudad de Zúrich, Suiza. La historia de su familia es una de múltiples migraciones que le dejaron tres pasaportes y cinco idiomas.
La curadora y gestora cultural de origen suizo y puertorriqueño posee un Certificado Federal de Competencia de Suiza como comerciante. Estudió cine en la SCE de la New York University, y periodismo en el Medienausbildungszentrum (Centro de Formación en Medios en Lucerna; MAZ por sus siglas en alemán). Además, tiene una maestría de Estudios Avanzados en Estudios Culturales y de Género de la Zürcher Hochschule der Künste (Universidad de Artes en Zúrich; ZHdK por sus siglas en alemán). Fue candidata doctoral por cinco semestres en la ZHdK en Suiza y en la Kunstuniversität Linz, Austria, y colaboradora científica en el proyecto de investigación Cultural Entrepreneurship (Emprendimiento Cultural) de la ZHdK. La mayoría de sus investigaciones académicas han girado en torno al arte contemporáneo en Puerto Rico y su relación con el estatus político de la Isla. Desde 2006 mantiene una base de datos sobre más de 1,000 artistas puertorriqueños (www.el-status.com).
Su vida profesional empezó a los 17 años en el campo de las Comunicaciones. Trabajó en publicidad, periodismo, dirección de televisión y el mundo cibernético, y enseñó informática social y estudios poscoloniales a nivel universitario. Se desempeñó por algún tiempo como comerciante y tiene una formación básica y práctica en temas psicológicos. A lo largo de su carrera, ha participado en diversidad de proyectos de arte, música y teatro, y ha sido curadora de más de 30 exhibiciones y ferias de arte en Suiza, Puerto Rico y las Islas Vírgenes de los EE. UU., entre ellas, Colonial Comfort, que se realizó en el Museo de Arte Contemporáneo en San Juan, Puerto Rico, y en el Caribbean Museum Center for the Arts en Frederiksted, St. Croix, USVI (2014/2015). Además de fundar el espacio cultural PERIPHER en Zúrich, inició la FAS – Feria de Arte Sonora, cuya tercera edición ganó el premio de la AICA-Puerto Rico como mejor exhibición interdisciplinaria 2013. En 2021, fue nombrada por el National Endowment for the Arts como panelista de artes visuales.
En 2016, Lisa Ladner se reubicó a Puerto Rico. Desde 2018 es la cónsul honoraria de Suiza para Puerto Rico y las Islas Vírgenes de los EE. UU., y entre 2021 y 2023 fue decana del Cuerpo Consular de Puerto Rico. Además, es madre de la diseñadora industrial Meret Jans. Actualmente también es neocampesina y trabaja su proyecto de permacultura en Yabucoa con voluntarios de todo el mundo.
> www.lisaladner.com
LISA LADNER
Lisa Ladner was born in 1969, in the city of Zurich, Switzerland. Her family’s story is one of multiple migrations that left her three passports and five languages.
The curator and cultural manager of Swiss and Puerto Rican origin holds a Swiss Federal Certificate of Competence as a merchant. She studied film at the SCE of New York University, and journalism at the Medienausbildungszentrum (Media Training Center in Lucerne; MAZ, for its acronym in German). She also has a master’s degree in Advanced Studies in Cultural and Gender Studies from the Zürcher Hochschule der Künste (University of Arts in Zurich; ZHdK, for its acronym in German). She was a doctoral candidate for five semesters at the ZHdK in Switzerland and at the Kunstuniversität Linz, Austria, and a scientific collaborator in the ZHdK research project Cultural Entrepreneurship. Most of her academic research has revolved around contemporary art in Puerto Rico and its relationship with the political status of the Island. Since 2006 she has maintained a database on more than 1,000 Puerto Rican artists (www.el-status. com).
Her professional life began at the age of 17 in the field of Communications. She worked in advertising, journalism, television directing and the cyber world, and taught social computing and postcolonial studies at university level. She worked for some time as a trader and has basic and practical training in psychological issues. Throughout her career, she has participated in a variety of art, music, and theater projects, and has curated more than 30 exhibitions and art fairs in Switzerland, Puerto Rico, and the U.S. Virgin Islands, among others. them, Colonial Comfort, which was held at the Museum of Contemporary Art in San Juan, Puerto Rico, and at the Caribbean Museum Center for the Arts in Frederiksted, St. Croix, USVI (2014/2015). In addition to founding the cultural space PERIPHER, in Zurich, he started the FAS ¬¬– Sonora Art Fair, whose third edition won the AICA-Puerto Rico award for best interdisciplinary exhibition 2013. In 2021, it was named by the National Endowment for the Arts as a visual arts panelist.
In 2016, Lisa Ladner relocated to Puerto Rico. Since 2018 she is the honorary consul of Switzerland for Puerto Rico and the US Virgin Islands, and between 2021 and 2023 she was dean of the Consular Corps of Puerto Rico. Additionally, she is the mother of the industrial designer Meret Jans. She is currently also a neocampesina and works on her permaculture project in Yabucoa with volunteers from all over the world.
> www.lisaladner.com
PROYECTOS SATELITALES/
SATELITE PROJECTS
Adjuntas
Galería Joaquín Parrilla en Casa Pueblo
Aguadilla
Museo de Arte de Aguadilla y del Caribe
Añasco
Ciudad Museo
Bayamón
Museo de Arte de Bayamón
Caguas
Galería Comunitaría/Urbe a Pie
Museo de Arte de Caguas
Carolina
Museo Casa Escuté y Museo del Cartel y la Gráfica Puertorriqueña
Cayey
Museo de Arte Dr. Pío López Martínez, Universidad de Puerto Rico, Cayey
Culebra
Fundación de Culebra: Museo Culebra
Mujeres Islas
Guaynabo
Galería Space
Gurabo
Museo y Centro de Estudios Humanísticos Dra. Josefina Camacho de la Nuez
Humacao
Casa Silvana en Humacao
Mayagüez
MUSA- Museo de Arte, Universidad de Puerto Rico, Recinto Universitario de Mayagüez
Ponce
Centro Cultural de Ponce Carmen Solá de Pereira
Casa de arte y cultura de la Playa de Ponce
Museo de Arte de Ponce
Espacio Emergente ”Las vitrinas de Ponce”
Proyecto: Marina 15 | Hotel Meliá
Universidad de Puerto Rico, Recinto de Ponce | Departamento de Humanidades
Escuela Especializada de Bellas Artes de Ponce
Río Grande
El Portal del Yunque
San Germán
Museo Alfredo Ramírez de Arellano y Rosell
Museo de La Historia de San Germán
San Juan
Recinto Cerra (Santurce)
Pamil Fine Art
Walter Otero (Puerta de Tierra)
La Lineal
La Serigráfica
Verde Aguacate
Escuela Artes Plásticas de Puerto Rico y Diseño de Puerto Rico
Galería de Arte de la Universidad del Sagrado Corazón
Galería Oller, Universidad de Puerto rico, Recinto de Río Piedras
Museo de las Américas
Museo de los Santos y Arte Nacional (MUSAN)
Galería Taller Comunidad La Goyco
Museo de San Juan
Biblioteca La Casa del Libro
Liga de Arte de San Juan
I Am Art Gallery
Galería Embajada
Fundación Casa Cortés
Casas de Residencias de Artistas de Bayamón
Reunión
Galería Petrus
Vieques
Fortín Conde Mirasol
OFFICIAL VENUES AND SPECIAL COMISSIONS
5to Festival de Chiringas, Retrato de La Perla
AUSPICIADORES/ SPONSORS
ALIADOS/ ALLIES
Autorizado por la Oficina del Contralor Electoral OCE-SA-2024-06066
