Revista Kuadro No. 26 by Revista Kuadro

LITTLE JESUS FOTOS POR JAVIER SOTO

CARTA DEL EDITOR Bien dicen que no hay mejor manera de iniciar un año que afrontando nuevos retos, proponiendonos más metas y tratando de dejar atrás todo lo bueno y malo que nos dejó el 2017, un año rudo en varios aspectos, que no solo nos puso a prueba en lo individual y en lo colectivo, también logró unirnos.

Revista KUADRO es una publicación bimestral. Editor responsable: Javier Jarquín, con domicilio en Calle La Ideal No.54 Col. Industrial. México, D.F. C.P 07800 Delg. Gustavo A. Madero. Teléfono: 29783750. Número de reserva al título en Derecho de Autor: 04-2011090609421400. Número de certificado de licitud, título y contenido en trámite, ante la Comisión Certificadora de Publicaciones y Revistas impresas, Tizapana 172 Col. Metropolitana 3era Sección C.P. 57750. Prohibida la reproducción total o parcial del contenido de esta ublicación por cualquier medio, incluyendo los electrónicos sin previa autorización por escrito de parte de la dirección. El material publicitario se acepta con un criterio ético, pero los editores declinan cualquier responsabilidad respecto a la veracidad y legitimidad de los mensajes contenidos en los anuncios. Revista KUADRO considera sus fuentes como confiables y verifica los datos que aparecen en la revista en la manera que le es posible. Todas las marcas, logotipos, nombres e imágenes mencionadas en esta publicación, tienen derechos reservados. El uso de los mismos es solo de manera informativa. Revista Kuadro No. 26 “Érotique; El punto G de la música” 2018

Así que para seguir con esa buena vibra y que fluya toda la energía de la mejor manera, en Revista Kuadro les vamos aportar desde nuestra trinchera para que este 2018 se empapen de buena música, propuestas, noticias y seguramente los estaremos llevando a pasarla bomba a los eventos que tanto ansían que lleguen. Nuestro primer logro desbloqueado este año, es la llegada de nuestra edición 26 que luce bien acompañada del cuarteto madrileño que se está robando los reflectores de la escena internacional, sin duda, es un deleite para todos contar con Hinds en portada. Una plática que sostuvimos con la banda en donde nos contaron sobre su vagar musical, lo que viene y el reto al que se enfrentan en una escena donde la mujer se empodera poco a poco. Imperdible para todos los fans de las españolas y de los gustosos de proyectos frescos. Un poco de sexo para arrancar el año seguramente a nadie la cae mal, por lo que en nuestro issue central: “Érotique, el punto G de la música”; encontrarán en nuestras páginas plasmada la relación de este tema con el mundo de la música, mientras para unos es un cliché, para otros es un recurso que jamás se hará obsoleto, ¿ustedes qué opinan? Entrevistas con Nathy Peluso, Elliot Moss, Jorge Drexler, así como reviews de los eventos que nos han hecho perder los estribos en este arranque de año, además de recomendaciones musicales, discos y nuestras secciones en donde saciarán su sed de melómanos. Como cada edición, los invitamos a zambullirse en nuestra páginas y exprimir este material que es exclusivamente hecho para ustedes. No queda más que agradecer al equipo que forja esta revista y quienes son responsables de lo que se encuentra en nuestras entrañas. Las palmas son para todos nuestros colaboradores que día con día se empeñan en compartirles lo más destacado del medio. Esperamos que nos acompañen a lo largo de este 2018 y que en el camino podamos compartir más experiencias, recomendaciones, pero sobre todas las cosas, más música. Gracias a todos los que confían en el proyecto y nos brindan la mano. ¡Disfruten de nuestro no. 26!

Javier Jarquín

REDACCIÓN

DIRECTOR GENERAL LAURA ROMERO EDITOR EN JEFE JAVIER JARQUÍN DIRECTOR DE ARTE IVANA CASTRO EDITORES WEB DORA MÉNDEZ MARTÍN VARGAS MAJO SÁNCHEZ MEDIOS & PRENSA BENJAMÍN DÍAZ RP CARLOS SAÍN MAJO SÁNCHEZ DIRECCIÓN FOTOGRAFÍA BRENDA ARRIAGA ASISTENTE DE ARTE ALEJANDRA SALCEDO CONSEJO EDITORIAL DORA MÉNDEZ MAJO SÁNCHEZ IVÁN ROVA MARTÍN VARGAS

BENJAMÍN DÍAZ DIEGO VENEGAS MAJO SÁNCHEZ FRANCISCO ESPINOZA CECILIA RANGEL ERIKA RODRÍGUEZ MARTÍN VARGAS CARLOS VALLE JAVIER LUNA CARLOS SAÍN DORA MÉNDEZ ARTURO FLORES ISRAEL YONCA SHARON MORALES ENRIQUE GUTIERREZ

FOTOGRAFÍA MAJO SÁNCHEZ ARTURO LAMADRID JAVIER SOTO RODRIGO GUERRERO CARLOS SAÍN

DISEÑO

SUCK MY PONIS THE JAVISCONTRERAS EFFECT CUEMANCHE! ROBERTO “ZEPOL”

EN PORTADA HINDS; FOTOGRAFÍAS POR ALBERTO VANSTOKKUM & NEELAM KHAN VELA

PASTILLA

NATHY PELUSO

ELLIOT MOSS

JORGE DREXLER

HINDS

SEXO, IMAGEN Y ROCK & ROLL

SEXO MATA CARITA

SOBRE EL SEX APPEAL: UN VISTAZO AL EROS DEL ROCKSTAR

¿EL SEXO EN LA MÚSICA VENDE?

LA MÚSICA QUE PLAYBOY ANUNCIÓ ANTES QUE NADIE

TRAP & REGGATÓN: EL SOUNDTRACK DE UNA NUEVA LIBERACIÓN SEXUAL

KUADRO LIVE

KUADRO ESCUCHA

PUERTA DE ENTRADA: SKATES

KAPTURADOS

KUADRO DE HONOR

RECORD’ANDO

LA KOLUMNA

KUADRO BEAT

RESEÑAS DE DISCOS

Las Mujeres, Una De Sus Principales Inspiraciones

texto y fotos por Diego Venegas

Le acompañan una nueva camada de músicos que residen en L.A. Un grupo comprometido con el rock & roll básico, quienes han venido a (re)reanimar un proyecto que se niega a desaparecer. Steve en el bass (así, en inglés, porque apenas habla español), José en la batería y Chuy Michel en la guitarra.

Han pasado muchos años desde sus inicios y Pastilla sigue vigente pese a todo; pese a la crítica, pese a ser catalogados de emos, pese a la escena monopolizada por los grandes grupos e incluso, pese a la salida de Adrián Monroy, hermano de Víctor, en 2006. De los inicios de la banda, nos cuenta este último (como si hubiera pasado mucho tiempo, porque, ¡sí!, ¡ha pasado mucho tiempo!): “Fue un poco difícil. Cuando Pastilla llegó a México, sonaban La Maldita Vecindad, Caifanes y la gente nos decía que sonábamos muy anglos. Porque estaba muy de moda mezclar: rock con tropical, rock con cumbia. Y entonces nos decían, ‘tienen que ponerle algo latino’. “El Chanclas”, —quien se declara rockero puro y de corazón— no esconde esa herencia y tradición que lo

acompaña en la sangre y que nos lleva a los setentas. A algún punto perdido del Estado de México. “Sólo se podía escuchar rock en mi casa”, recuerda. Su papá, el mismo que “prohibió” a su mamá (era de Chihuahua) escuchar música regional, fue miembro de un grupo de rock urbano, Escuadrón 201; cuyo nombre, por cierto, era en honor a su bisabuelo que peleó en la Segunda Guerra Mundial. De vuelta en los dos mil (dieciocho, para ser más exacto), época donde el rock ha perdido terreno frente a otros géneros como la electrónica, el

-EL RETO ES “SEGUIR ADELANTE Y ABRIR PUERTAS A LOS GRUPOS QUE LE SIGUEN”-

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Todos, en algún momento, necesitamos una pastilla. En el exceso de amor y en la carencia; para el dolor, la ansiedad o el estrés, ¿cierto?. Por su parte, “hay música para todos tipos de males”, dice Víctor Monroy mientras charlamos en la colonia Roma. Víctor, también conocido como “el Chanclas”, es el guitarrista, vocalista y líder moral (indiscutiblemente) de Pastilla; único miembro que ha estado en todo el proceso, desde que se formó la banda en el 96 en Los Ángeles.

¿Y esa energía para seguir, de dónde proviene? Recuerdo esa canción que los llevó a otras dimensiones, “A Marte”, y esa línea que dice, “mírame energía soy, no me importa si no puedes ver, mírame tocando luz, tengo más poder que el propio sol…” Parece ser que más que una canción era un verdadero manifiesto de una especie de músico, con guitarra en mano, que parece en extinción.

Víctor admite que “lo primordial son las mujeres. Ellas son mi debilidad y siempre van a ser mi razón de hacer música”, confiesa y coincido. Quizás ese sea el secreto: la pastilla necesaria para no parar, para no descansar en su carrera musical. Detrás de ellos hay una escala de valores, grupos como The Smiths, Blur, Sonic Youth, Black Flag, Sex Pistols, (a quiénes les hubiera encantado abrirles un concierto). Y los grupos de hoy, que refuerzan en cada uno un deseo, un gran anhelo musical. En Steve por ejemplo, Shame, una banda que recomienda ampliamente; en José, sí, Vaya Futuro, la banda tijuanense que la está rompiendo; o para Chuy Michel, la banda de Miles Kane y Alex Turner, Last Shadows Puppet que complementa una baraja amplia y variada de grupos, que influyen en su forma de entender la vida.

Al final, esas palabras que repiten todas las bandas, también son las de Víctor. “Creo que tienes una opción: o haces lo que te gusta y valer madre, o haces lo que no te gusta y también valer madre. Es la Ley de Herodes: o te chingas o te jodes. Tienes que seguir tus sueños y tus pasiones y no va a ser fácil. Y si va a ser fácil, tal vez no sea conveniente, no tiene chiste.” Tal vez la vida se resuma en eso: hacer lo que te late, lo que te llena, encontrar tu pastilla y no dejarla jamás; además de ir valiendo madres a cada instante. Como si se pudieran encontrar pastillas para perseguir los sueños incansablemente, aunque Joaquín Sabina haya pedido siempre pastillas para no soñar.

entrevista nacional

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reggaetón y últimamente el hip hop, la banda asume el reto de “seguir adelante y abrir puertas a los grupos que le siguen”. Son pioneros de un indie rock en español, apuntan a la continuidad y nos revelan sus planes. “Sacar unos cinco o seis discos nuevos” así nomás, como-si-fueran-enchiladas. Llevan dos (disponibles en iTunes y Amazon Music) y apenas es enero.

En Sus Letras Está Plasmado El Respeto Que Siente Por Sí Misma Y Por Lo Que Le Rodea por María José Sánchez/ fotos cortesía

mucho entre ciudades. Estoy segura que eso me ha hecho muy independiente, me ha hecho nutrirme constantemente de diferentes energías, diferentes ciudades, diferentes personas […]. Te podrás dar cuenta que al hablar tengo un acento muy argentino pero a la hora de subir un escenario cambia inconscientemente e instantáneamente al acento de Nathy Peluso, ‘La Sandunguera’”.

“Alábame” fue la primera canción que conocí de Peluso, mientras oía detenidamente Esmeralda —el EP con el que dio el salto en la escena el año pasado— noté que poseía un acento particular, mismo que se mezclaba divinamente. Cuando platiqué con ella, no pude evitar preguntarle al respecto de esta mezcla:

Precisamente, con La Sandunguera, su más reciente single, Nathy marca el inicio de su proyecto para este año. Es el lanzamiento de su EP homónimo en el que explora y define mejor su sonido pero lo mejor de todo es que lo presentará en Latinoamérica. “Por duración es un EP pero para mí es un álbum por todo el recorrido emocional. En él vamos a encontrar un sonido más consolidado por mi parte. Es muy feliz, porque va a hacer que la gente entienda

“Soy una persona muy nómada, dentro Argentina y España siempre me movía

un poco mejor la música de Nathy Peluso, trae una propuesta más densa, más trabajada. Para mí suena de lujo”. La voz y la rítmica están muy presentes en las canciones de la cantante, su rango vocal es muy variado y entrenado: es capaz de interpretar dulcemente “Cry Me A River”, tema que hiciera famoso Ella Fitzgerald y de la misma forma que sabe acoplarse al abanico de géneros que utiliza para componer. Al respecto menciona:

-“NUNCA VOY A PERMITIR QUE SE ME ENCASILLE EN NADA PORQUE CONSTANTEMENTE VOY A ESTAR CAMBIANDO”-

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Hace unos años una señora que perdió la vista, me contó que con solo escuchar las voces podía saber cómo era una persona en realidad. Ante mi incredulidad siguió explicando sobre las diferentes entonaciones y ritmos que utilizamos y cómo en ellas se esconden el amor, la pasión y el poder. Lo más gracioso de esto es que cuando escuché a Nathy Peluso logré entender lo que trataba de explicarme aquella voz.

“La gente cuando no sabe meter a alguien en algo, como puede pasar conmigo, porque soy una artista que no está en un solo género de música y me gusta jugar con todo; no saben dónde encasillarme y bueno es algo normal, lo entiendo. Nunca voy a permitir que se me encasille en nada por constantemente voy a estar cambiando”.

Nathy Peluso tiene una preparación artística interdisciplinaria innegable y su bagaje musical es bastante nutrido: en sus canciones atravesamos las dimensiones de R&B, el jazz, el hip hop, el blues y los ritmos latinos. Sin embargo en el mundo mediático las etiquetas siempre salen a relucir y en el caso de Nathy, sitúan su música dentro del trap. Tras una breve plática y cuestionamiento sobre este género urbano de moda llegamos a la conclusión de que “nadie sabe bien qué es” pero que se le está sacando provecho comercial, ella atinadamente mencionó:

La construcción de Nathy Peluso es el de una mujer empoderada, fuerte y pasional, por lo que preguntarle sobre feminismo fue obligado. Aunque ella no se considera que sus letras ahonden en este campo, sabe muy bien desde que punto de vista lo hace y qué es lo que refleja. “Yo escribo desde el alma, el amor y la pasión por la música que es lo a mí me mueve. Soy una mujer que se respeta a sí misma y por ende todos los que me rodean me respetan. Entonces, mis letras cuentan mi vida y cuentan todo lo que siento por dentro y todo es con base al respeto que siento hacia mí

y hacia todo el que me rodea, tenga lo que tenga entre las piernas. Yo respeto con toda mi alma a la mujer, al hombre, al ser humano, a los animales, a la Tierra y a la existencia, entonces mis letras van dirigidas al amor y al respeto entre todos”. Tras terminar la charla con Nathy Peluso, pude entender cómo las voces revelan la personalidad, ya que descubrí que es una persona marcada por el amor y la pasión, una persona que durante el fin del mundo se llevaría a su amado, el disco de Alma Caribeña de Gloria Estefan y una gran dotación de jugo de naranja. Para ella el rap, los ritmos latinos y un poco de boleros serían la perfecta herencia musical para la humanidad.

entrevista nacional

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“Es algo muy curioso, porque la rítmica de la palabra fue lo que me llevó a hacer rap sin dudar, porque nunca sentí esas ganas de hacer hip hop. Yo creo que descubrí más la rítmica de la palabra por la música africana que por el hip hop, pero bueno; todo está relacionado y el reggae fue una de las cosas por las que descubrí que yo podía hacer esto”.

Las Composiciones De Elliot Moss Generan Sensaciones Particulares: Te Llevan Por Un Estado De Ánimo Calmado, Pero Al Mismo Tiempo Estremecedor por Cecilia Rangel / fotos cortesía

Las composiciones de Elliot Moss generan sensaciones particulares: te llevan por un estado de ánimo calmado, pero al mismo tiempo estremecedor. Durante la conversación surgió la idea de lo visual, así que quise saber si durante su proceso creativo proyectaba objetos o dibujaba escenarios en su mente;

él me contestó: ‘’Cada vez que estoy escribiendo una canción, la mayoría de las veces, una contraparte visual comenzará a asociarse con ella”. El productor neoyorkino continuó hablándome sobre la carga visual en su música, específicamente me describió cómo surgió la idea del video para el sencillo ‘’Closedloop’’: ‘’Para esta canción siempre imaginé fuertes rayos de luz y sombras que se extienden. Era una cuestión de cómo lograr eso y hacer que el video coincidiera con las imágenes en mi mente; así que supongo que ese es el efecto que tiene, siempre tendré una película en miniatura en mi mente jugando junto a la canción”. El músico vive a las afueras de la llamada Ciudad Que Nunca Duerme, cerca también se encuentran la mayoría de los integrantes de su banda. Por lo que me cuenta que es muy fácil pasar

tiempo juntos y entrar al estado de ánimo musical: ‘’La música siempre ha estado presente en mi vida, y cuando algo me interesa intento aprenderlo por mí mismo. Nunca fui a la escuela para aprender cómo tocar”. Las canciones de Moss se encuentra en el radar musical de muchos, posiblemente escucha su música en lugares singulares, le pedí que me describiera una situación reciente que recordara: ‘’Visito mucho un Chipotle

-“ME CONSIDERO UNA PERSONA ESTUDIOSA Y CALLADA, Y ESO PODRÍA REFLEJARSE EN MI MÚSICA. AL FINAL LA MÚSICA QUE HAGO ES SOBRE MÍ Y ES UNA FORMA DE REPRESENTARME”.-

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Desde su debut en 2014 el también compositor, multiinstrumentista, productor y artista visual originario de Nueva York nos ha dado señales de ser un músico completo y prometedor. Cuenta hasta el momento con dos materiales discográficos de esencia similar pero cada uno con un toque de distinción. Nos lleva en el primero (Highspeed) por un camino para transportarnos a otro; en su EP Boomerang, del que comenta: ‘’Ha sido absolutamente grandioso desde que lancé Boomerang, a veces siento que ni siquiera es real”.

Ellliot Moss tiene la habilidad para desarrollarse en diferentes áreas para crear música; como productor nos ha demostrado tener una sensibilidad particular, ¿qué pasaría si decidiera producir la música de alguien más? Él responde: ‘’Me encantaría producir a alguien, aunque he estado muy enfocado en sacar mi propia música. Creo que tendré en algún momento el tiempo para hacer el disco de alguien más. Siempre que trabajo con otra persona aprendo demasiado así que definitivamente me atrae”. Le pregunté: ¿crees qué tu personalidad se refleja en tu música? Él replicó: ‘’Soy

muy meticuloso: puedo pasar horas y horas antes de tener algo correcto en una canción. Creo que esa meticulosidad se refleja de alguna manera en introversión, porque paso demasiado tiempo en el estudio para poder poner las piezas juntas. Sí, definitivamente me considero una persona estudiosa y callada, y eso podría reflejarse en mi música. Al final la música que hago es sobre mí y es una forma de representarme”. Al momento de la entrevista Elliot Moss se encontraba de gira, me dijo que no se encontraba componiendo por no tener al alcance el estudio ni los instrumentos; podría reconocer que estaba teniendo un receso en esa parte, pero que líricamente nunca tomaba un descanso, así que había estado escribiendo bastante. Seguramente muchos no podemos esperar por descubrir la nueva música.

A través de la música las distancias se diluyen: hay una especie de complicidad entre el creador y quien escucha el resultado. Dicha particularidad nos acerca a bastantes formas de expresión musical, sea cual sea el lugar o las condiciones de su creación.

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Mexican Grill cerca de donde vivo. Como todo el tiempo ahí. De repente comencé a escuchar una de mis canciones. Es un lugar muy común para mi por eso escuchar mi música ahí se me hace curioso”.

Venegas, Lafourcade Y Laferte, Compositoras Con Mucha Fuerza Personal Y Artística, Considera

por Francisco Espinoza/ fotos Jesús Cornejo

Él respondió: “Sí, definitivamente. La palabra artesanal lo define mucho. Lo grabamos en México pero fue en escala muy pequeña: usamos sólo un instrumento e intentamos explorar todos sus matices sonoros. Tiene mucho hincapié en la búsqueda creativa, en la sonoridad de la guitarra y está hecho con un equipo de trabajo muy cercano a mí y muy reducido”.

RK: Hay un tema que me llamó la atención y es “Asilo” a dueto con Mon Laferte que carece de esta percusión, y pareciera estar hecho a la medida, ¿era esa la intención? Jorge Drexler: Me alegro que eso parezca: hay otras canciones que tampoco tienen percusión, como el dueto con Natalia Lafourcade, pero ninguno estaba hecho a la medida, la canción ya existía antes de conocer a Mon. Al momento de grabar empecé a pensar en contar con una voz muy expresiva, con mucha personalidad y que me llevara por un territorio nuevo. Estoy muy orgulloso porque hay lugares interpretativos a los que yo no hubiera llegado solo. RK: A propósito de los duetos, son tres generaciones a las que ya has llegado a través de ellos: Julieta Venegas con un hit en los 90, Natalia Lafourcade en los 2000 y Mon Laferte en esta segunda década. ¿Es distinto trabajar con cada una de ellas?

JD: Son tres grandes compositoras, tres personalidades artísticas muy diferentes cada una de la otra. Cada una con sus virtudes, pero lo que tienen en común las tres es la fuerza personal, artística y la identidad. Basta con que empiecen a cantar para identificar que son ellas. Todos los cantantes tienen maneras diferentes de cantar pero en estos casos fue un gran placer. RK: Esta gira parece ser la más ambiciosa hasta ahora, ¿en qué momento decides hacer una gira así de grande?

-“NO NOS DAMOS CUENTA DE LAS COSAS VALIOSAS POR SER TAN CERCANAS”-

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Hay pocas personas a las que se les puede considerar como ciudadanos del mundo y una de ellas es Jorge Drexler. El compositor uruguayo lanzó el año pasado Salvavidas de Hielo, su decimotercera producción discográfica.. Es por eso que platicamos con él, a quien se le puede catalogar como un creador de música artesanal por el uso del cuerpo de la guitarra como percusión en varios temas del álbum ya mencionado.

RK: A un hombre de mundo como tú ¿qué le sorprende? JD: (risas) Muchas cosas. Me sorprende la receptividad que tiene la gente con mis letras. Es inimaginable para alguien que empezó como médico. El llegar a una ciudad en la que no he estado nunca y de golpe ver gente que se sabe las canciones, que te digan que esas canciones forman parte de su vida, me llena de emoción y de alegría.

RK: En tu video de “Movimiento” tienes un acercamiento importante con la comunidad Rarámuri, parece que tú en parte nos ayudas a recordar de dónde venimos. JD: Cuando uno tiene la suerte de moverse y viajar por diversos lugares del mundo, va desarrollando la capacidad de detectar esas cosas que son más fáciles de ver por fuera que desde dentro. Cuando conocí a Joaquín Sabina en Uruguay, en el año de 1994, me dijo cosas mías que yo no sabía. Con el tiempo adquieres una especie de visión contextual. A veces por el hecho de estar cerca de las cosas cuesta mucho distinguirlas y ver su verdadero valor; es algo que pasa en todo el mundo, le pasa a los uruguayos, a los españoles. No nos damos cuenta de las cosas valiosas por ser tan cercanas.

RK: Entre tantas nacionalidades, tantas banderas, ¿la música como lenguaje universal es un arma contra la maldad o un refugio para protegerse de ella? JD: Es lo mismo al final: la música es un arma de la guerrilla, de la concordia; es una fuente de empatía, es bailar con alguien; es algo muy importante y por eso es igual de importante el rol que tiene la música no solo en nuestra sociedad, sino en todas las sociedades humanas. No hay una sola sociedad que no haya definido la música como algo importante, hay que pensar que le hemos encontrado los seres humanos a la música; existen sociedades que tienen orfebrería, otras que tienen madera, metal, otras escrituras y todas tienen la música como artesanía.

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JD: Hemos hecho otras giras grandes, si esta es la más grande no sería por mucha diferencia. Estoy acostumbrado a viajar mucho, a mí me gusta mucho tocar. Me llena el corazón. También es una actividad agotadora: hay que viajar mucho, tomar muchos aviones, dormir en hoteles y la gira tiene un ritmo muy fuerte, muy desgastante. Alejarse de la familia siempre es triste, pero me gusta tocar y tenemos la suerte de que la gente tenga ganas de escucharnos.

por BenjamĂn DĂaz/ foto Neelam Khan Vela

Su Primer Álbum Leave Me Alone Alcanzó Los Primeros Puestos En Las ¿Podemos decir que estamos en el mejor momento de encontrar un nuevo “rock”? He escuchado hablar a gente conocedora, melómanos y conocedores de sonidos decir que no, que desafortunadamente el rock se perdió a finales de los 90’s y principios de los 2000’s. De manera subjetiva puedo decir que la respuesta depende de la perspectiva general de cada uno, pues de otra forma entraría en una alegata infinita y con unos argumentos muy constantes en las cuales nunca podría llegar a nada.

Han pisado diversidad de escenarios, entre ellos Glastonbury. En específico con esta presentación se convirtieron en el primer grupo madrileño presentado en este festival. En cada uno de sus conciertos, Hinds logra que la diversión una a los asistentes más allá de la barrera del lenguaje y ellas también se divierten haciendo lo que más les gusta: tocar su lo-fi.

Con el paso del tiempo, los días nos hacen reflexionar a su paso sobre el final de las cosas. A veces, ello no nos permite imaginar cómo sería iniciar de nuevo; otras, que sólo somos animales que tienen miedo de no ser capaces de controlar instintos salvajes. Este es un preámbulo sobre la música que hacen unas chicas españolas.

“No recuerdo si estábamos en Italia, pero alcanzo a recordar que después del show, nos fuimos a seguir la fiesta, pero teníamos que seguir con la gira y fue algo que no nos importó (risas). Yo terminé vomitando, Amber, dormida en la silla y las demás no recuerdo, pero fue algo que nunca hicimos antes. Quién sabe qué pase en la siguiente gira, tenemos que prepararnos”, vaticina Carlotta.

Tras todo esto hay todo un recorrido que solo ellas pueden describir y que a pesar de todo, las tiene más que sorprendidas. El amor, el desamor, giras interminables, fiestas, vómitos, enojos, oversharing, diversión y energía es lo que hay detrás de Hinds. Puedo describirlas como “náufragas”, pues ellas solas han emprendido un viaje a lo desconocido, un viaje al que todos embarcamos en un momento de la vida y del que no sabemos si dará frutos pero aún así damos paso adelante. “Giramos por todo el mundo y eso nos tiene sorprendidas y contentas a la vez. Nunca creímos que siendo un grupo de chicas madrileñas iba el mundo a voltearnos a ver de inmediato, fue como woow, realmente está pasando y no nos quedó más que aceptarlo”, comenta Carlotta con comicidad.

Su primer álbum Leave Me Alone alcanzó los primeros puestos en las listas de mejores discos del 2016 y en él hablaron del amor a más no poder, sin embargo con su segundo disco apostaron por la contraparte. En I Don’t Run piensan escupirle al amor y desollarlo coqueta y tiernamente. “En Leave Me Alone hablábamos del amor y lo bonito que es. En este nuevo disco hablaremos de lo opuesto, pues queremos creer que se puede hablar de más cosas cuando uno está haciendo música y eso es todo un reto para nosotras. La inspiración es los corazones rotos”, menciona. Al ser una banda de puras mujeres, alzar la voz, empoderarse y seguir con el paso firme es el pan de cada día y al respecto Carlotta comenta. “Difícil es una palabra fuerte. Creo hoy la apertura mental es un poco más abierta; por supuesto que por el simple hecho de ser mujer, siempre tendrás dificultades, pero eso se está disminuyendo. Hinds siempre ha tomado el lado bueno de ello, hemos aprendido y hemos crecido, a pesar de que hubo veces que nos ponían el pie. Gracias a ello nos divertimos tanto en un escenario que a veces dejamos eso a un lado”

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Tuve la fortuna de conversar sobre todo lo expuesto arriba con Carlotta Cosials, que junto a Ana García Perrote, Ade Martín y Amber Grimbergen conforman a Hinds, banda en la que crean un lenguaje de fonemas peculiares. Caminan como un grupo madrileño de chicas que inmediatamente pasaron a ser un grupo revelación a nivel mundial y una banda que revolucionó la manera de inhalar aire y expulsarlo con la satisfacción de contemplar el crecimiento.

central

s Listas De Mejores Discos Del 2016 Cuando pasa esto, entendemos la satisfacción de hacer las cosas sin temor a lo que nos vayamos a enfrentar. Y es que con el paso de los años, descubrimos que sea como sea, si te lo propones, lo logras. Hoy día, las bandas como Hinds sobresalen por sí solas y parte de ello es gracias a la inmediatez de la Internet, pero es por la misma calidad de trabajo que ponen en práctica en un estudio o en una tarima, donde además de ser amigas, se convierten en confidentes. Hacen que la mezcla de sonidos se una en un solo momento. “No nos ha caído el veinte aún. En cada canción, en cada concierto nos divertimos tanto que es tan poco el tiempo que solo disfrutamos y tocamos a la vez. Las cuatro junto con nuestro personal mánager nos cansamos y dormimos a veces muy poco, pero es lo que siempre supimos: queríamos hacer algo y por fin se logró.”

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A propósito de ello, los diferentes países que han pisado, entre ellos México, les han demostrado que se puede tener más cariño del que se había estimado cuando una banda salía a la luz. No solo aquí, en todos lados las bandas sobresalen y es entonces cuando se cumple el propósito de la vida misma: coexistir. Se logra balancear el éxito con el trabajo y gracias a ello podemos disfrutar de los sonidos que tanto distinguen a una banda. Pónganse cómodos, siéntense y escuchen, que viene una primavera cálida que probablemente dure el resto de sus vidas. Hinds es aquella primavera, pues viene a instalarse en tus sensores y a posicionarse entre lo mejor de la industria musical para deleitar los oídos exigentes que cada vez piden más. Seguramente a través de esta Girl Band lograran encontrar sentimientos, emociones y quizá, una forma diferente de satisfacer aquella sed de ritmos y movimientos en una guitarra, en un bajo, y en la misma voz que hará muy fácil caer sobre los brazos de Hinds. Aprendan a satisfacerse de lo necesario, tomen lo bueno y olviden el resto. Muchas veces nos quedamos estancados en lo mismo, alegamos y creemos que tenemos la razón, pero si se salen de esa negación encontrarán amor en Hinds y en aquellas bandas que día con día la están rompiendo durísimo por aceptar que la vida es un riesgo, amigos. ;)

No Dejes Para Mañana Lo Que Puedes Coger Hoy

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La música es sexo, dicen los amantes, los artistas y todos los que queremos que nos dejen dormir entre determinadas piernas (al amanecer y con la voz de Andrea Echeverry de fondo). Soñamos persianas americanas, jugamos juegos de seducción, anhelamos Ely Guerras; de ojos claros, labios rosas. Ya lo dijo Henry Miller: “el sexo es una de las nueve razones para la reencarnación, las otras ocho no son importantes”. Pareciera que, en tiempos de perreo y otros demonios, es cada vez más fácil encontrar letras dedicadas al sexo: playlists llenas de “hacer el amor” para condimentar relaciones sexuales. Ritmos que prenden los sentidos, sonidos afrodisiacos, canciones, pues, que incitan al baile y al ritual de apareamiento, de alguna u otra manera. La realidad es que la música siempre ha sido así. Se cree que Mozart se masturbaba después de practicar dos horas de piano. Los mismos Beatles, padres fundadores, fueron los primeros en hacerse la pregunta existencial por excelencia: “Why don’t we do it in the road?”. ¿Qué no tener una banda es precisamente amalgamar ideas, cuerpos, y personalidades en un solo concepto?

NUEVE RAZONES PARA LA REENCARNACIÓN, LAS OTRAS OCHO NO SON IMPORTANTES”-

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Todo esto para decir que la música es sexo y no solo por la sensación auditiva. Pareciera que la música y el sexo tejen vínculos estrechos que rebasan los límites de lo sonoro, generando una suerte de sinestesia que desemboca en la imagen. Películas como Love de Gaspar Noé, o videos como “Blurred Lines”, por ejemplo, refuerzan la idea de que donde hay música, debe haber un deseo susceptible de ser visto. Voyeurismo cínico y desinhibido. Rock & Roll, baby. El famosísimo logo de los Rolling Stones, de la lengua roja de fuera, recoge la enseñanza perseguida por los grandes profetas: no dejes para mañana lo que puedes coger hoy. Sin más, aquí un pequeño repaso de algunas portadas sugerentes, que vinieron a definir en imágenes la cultura pop del siglo XX. Empezamos en el año de 1968. ¿Quién más que John Lennon y Yoko Ono para encender el mundo con la portada Unfinished Music No.1: Two Virgins? En la portada, el músico y la artista visual se muestran con un desnudo frontal; en el dorso del disco, un desnudo trasero. El mismo mundo de “Imagine” es de los penes, nalgas y senos al aire libre. Una portada que no sólo escandalizó la época, sino que se volvió icónica para un movimiento hippie que buscaba la liberación sexual y las experiencias psicotrópicas, alias drogas. Mismo año, distinto continente. El buen Jimi Hendrix, perdido en su bad trip (por el purple haze, seguramente) saca el Electric Ladyland. Un disco para venirse; y no sólo por su increíble y lujurioso sonido. Una afrodisiaca portada con mujeres desnudas frente a un fondo oscuro que, en realidad, no hubiera sido utilizada de no ser porque el arte original no llegó a tiempo. Curiosamente, fue el único álbum de Hendrix en llegar al primer puesto en ventas.

Veinte años después, en el ‘88, aparece el Lovesexy, un disco que reivindica el papel del erotismo dentro de la música, o viceversa. Su portada es igual de sugerente y sensual y nos hace preguntarnos qué hubiera sido de Prince, el genio malogrado, sin su personalidad sexualmente tórrida, explícita y calenturienta. Quizás lo mismo que los Pistols sin su sex. Cuatro años más tarde, Madonna reclama su lugar de reina, con Erotica un disco que marcaría un antes y un después en la relación música-sexo. Si bien, la portada no es tan sugerente, la contraportada entumece, y la publicación paralela de su libro de fotografías Sex derrite. Y eso, sin mencionar su contenido donde la superestrella desplegaba todo un catálogo de fantasías sexuales que va desde sadomasoquismo y bondage, hasta tríos, orgías y sexo con ancianos. Mención honorífica para Molotov y la caratula de ¿Dónde jugarán las niñas?, donde aparece una joven de secundaria pública con los calzones a medio bajar, sentada en la parte trasera de un automóvil, les ganó un lugar en el anal de cualquier lista de portadas polémicas. ¿Más ejemplos? Casi cualquier portada de los Scorpions, el Mother’s Milk de los Red Hot Chili Peppers, o Leche, de Illya Kuryaki and the Valderramas donde aparecen generosos pechos con obvia alusión al título. Sin olvidar claro el Is This It, de los Strokes, considerada una de las portadas más icónicas de la historia con su guante negro sobre una nalgas, dejando de fondo un viejo mito de la trinidad de los rockstars: sexo, drogas, rock&roll.

por Diego Venegas / ilustración Suck My Ponys

-“EL SEXO ES UNA DE LAS

El Rock Y El Pop, Principales Géneros Musicales Inmiscuidos

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Sabemos indiscutiblemente que todos los músicos (bueno, casi todos) cargan con un sex-appeal innato, pero, ¿por qué no convertir esa parte espontánea en su distintivo y esencia?, ¿por qué no adueñarse del sueño de todo puberto y hacerlo real en el escenario? Desde la composición musical, hasta la vestimenta; a veces mucha, a veces nula, pero siempre con un propósito: el placer propio y la seducción al espectador. En honor a estos no del todo atractivos, pero siempre encantadores personajes, escogimos a nuestros mejores postores cuando de glamour, sensualidad y música se trata Jim Morrison No sabemos si buscaba una personalidad lasciva con toda la intención, pero la tenía y el único elemento extra que necesitas cuando eres Jim Morrison y el alcohol aún no ha terminado contigo, son unos oscuros pantalones de cuero, soporte de los bailes que volvían locas a las adolescentes de los 60 y a sus madres por igual. Adanowsky Para no irnos tan lejos, recordemos a Adán Jodorowsky, que a diferencia de otros músicos, optó por tener una carrera multifacética. Enterró a Amador para reencarnar en Ada (con gran influencia de Alejandro, su padre, y Prince): un alter ego sin sexo definido pero bastante excéntrico en lo que su vestimenta, maquillaje, voz y melodía refiere.

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David Bowie Seguro que al hablar sobre andróginos que mutan se les vino a la cabeza Ziggy Stardust, leyenda de los años 70 que rompió las costumbres con las que se relacionaban los jóvenes, y por supuesto adultos, de aquellos tiempos. De esta manera se convirtió en el ícono de lo maravilloso, lo nuevo y lo ahora posible, además de atraer a sí a la comunidad homosexual. Madonna Tal cual fue el caso de Bowie con Ziggy Stardust al romper ciertos esquemas, Madonna fue un proceso parecido, primeramente con las mujeres de los 80 y 90 al, más allá de ser un ícono sexual, representar libertad, expresión y el poder de tomar un micrófono para romper con tabúes o la idea de que sólo un hombre podía pisar un escenario y cantarle al sexo. Elvis Presley Elvis no necesitó más que una cara bonita para que los críticos, directores y escritores destacaran su atractivo, incluso fuera de los escenarios. Ahí donde no explotaba con toda intención su sensualidad al ritmo del rock and roll y su peculiar forma de tocar la guitarra. Por eso, aquella imagen que comercializó en videos y propagandas lo llevó también a la actuación y a ser el amor imposible de más de una señorita de los años 50. Prince Uno más que le dio lugar a la figura femenina en su propio cuerpo fue Prince. Sólo como una de las tantas formas peculiares en las que se le vio aparecer en portadas o simplemente en su día a día. Envuelto en un concepto sexual gracias a las telas y colores que lo cubrían; así fuera un traje entero y deslumbrante o en específico la era del Dirty Mind donde, no era la chaqueta de mezclilla con estoperoles y el pecho descubierto el centro de atención, sino las largas calcetas y el ajustado bikini.

Freddie Mercury No podíamos olvidarnos de otro gran personaje que se sirvió de la vestimenta para crear su imagen en los escenarios y revolucionar también, el ordinario mundo de la moda en los hombres, fuese cual fuese su preferencia sexual. Un rey extremista que jugó con el maquillaje, el terciopelo y las lentejuelas sin importar el qué dirán. Morrisey Por donde quiera que se le vea, el ex vocalista de The Smiths es todo un caso. Morrisey no uso la sexualidad a propósito para construir una imagen mediática cautivante, pero igual pasó. Su sex-appeal, por lo menos de joven, es totalmente aceptable, pero fue más bien la máscara de arrogancia e indiferencia que lo ha caracterizado desde siempre, la que nos llevó a ponerlo en estas páginas. En su autobiografía y desde siempre, se ha declarado como alguien que no tiene un interés fijo en hombres o mujeres, y que ni siquiera entendía el porqué de tantas féminas detrás de él. En fin. Hombres mutando en mujeres, pero, ¿y las mujeres? Hablamos sobre personalidades con tendencia a experimentar lo femenino dentro y sobre ellos mismos, sobre aquellas fans que idolatran desde la voz hasta el cuerpo de un hombre con movimientos sensuales. Todo un sueño. Pero también podemos darnos cuenta de la escasez de leyendas femeninas, por lo menos hasta el día de hoy, que se sirvieron de algo tan vulnerable como natural como es el sexo para romper fronteras y esquemas.

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INTENCIÓN DE TENERLO, EL SEX APPEAL DE ESTAS FIGURAS ES INNEGABLE-

por Erika Rodríguez / ilustración Suck My Ponys

-A VECES SIN LA

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Hace tiempo usé Tinder para pasar el rato. En él me encontré con un sinnúmero de hombres con perfiles muy similares: tanto que hasta los podría separar en categorías muy específicas. Desde los intelectuales, los fiesteros —y los fuckboys— hasta los cosmopolitas, los fit, y mi espécimen favorito: los músicos. Esta última categoría se puede bifurcar en más caminos pero sólo me quedaré con los que desprenden ese halo de incipiente rockstar que los convierte en un imán de chicas y chicos. ¿Por qué? ¿Por qué nos parece atractivo este ideal construido alrededor de un género músical? Para poder entenderlo y explicarlo, tendremos que dirigirnos a un viejo conocido: Karl Jung. Este teórico planteó la existencia de los arquetipos: “imágenes

-LA PSICOLOGÍA Y LA

desmedida. Sí, se lee algo torcido y lo es pero miren ¡Ahí viene Kurt Cobain, actúa normal! *se sonroja* ¿Recuerdan esa escena de Los Simpson, en la que Homero se imagina siendo hippie con un gran cabello largo? Pues básicamente aplica igual para el rockstar. El cabello parece ser uno de los factores físicos que determinan el sex appeal del roquero, este; claro, queda determinado por la época. Desde el flequillo raro de Mick Jagger y Ringo Star, hasta los chinos de Slash y Albert Hammond Jr. de The Strokes. La atracción que desata el cabello largo, saca al tricofílico que todos llevamos dentro, al grado de pedirles que nos enseñen a hacer el amor, obvio; si se diera la oportunidad. Rock God Hasta ahora hemos explorado las generalidades sobre el por qué nos parecen sexys los rockstars, desde la parte filosófica hasta la psicológica. Sin embargo, muchos pensarían que este perfil lo podría cumplir cualquiera de nosotros que se dejara el cabello largo, pero no es así. Falta hablar del factor primordial sobre el que se construye este modelo del deseo y es la destreza creativa y musical. Si nuestro rockstar sexy no lo cumple, se rompe la magia. Imaginen un Robert Plant o una Janis Joplin sin sus potentes voces, o un Jim Morrison sin su capacidad lírica y poética; incluso con su atormentada y conflictiva personalidad. El rockstar debe cargar consigo algo de talento para ser considerado uno, sino, ¿cuál sería el propósito? Probablemente la atracción que ejercen sobre nosotros estos dioses del rock no radique en el mito del rockstar construído a través del tiempo, asentado ya en el inconsciente colectivo; quizá lo único realmente sexy alrededor de ellos, es la música que crean, misma que nos vuelve adictos al placer con unas cuantas melodías. O no.

FILOSOFÍA PUEDEN TENER LA RESPUESTAartículo

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oníricas que sirven como pauta para un prototipo ideal, un ejemplo de perfección para así imitarlo y reproducirlo. Por supuesto: el rockstar es uno de ellos. Pero, ¿cómo se construyó?, ¿desde cuándo erotizamos la idea del rockstar?, ¿quién fue el primero en encarnarla? Las respuestas seguro yacen en la historia del rock. El nacimiento de Ero-ckstar Según la mitología griega, Eros era el dios nacido de Afrodita y Ares, dos deidades en constante contraposición. Por eso Eros fue designado como dios de la atracción sexual y responsable de la creación. Sin embargo, en El Banquete de Platón, conocimos a Eros como parte de un concepto que nos resulta muy común a todos: el amor platónico. Si bien Platón con esto se refería al amor a la belleza de las almas, para fines de este texto nos enfocaremos más a la concepción que tenemos todos hoy en día sobre el amor platónico; a todas esas ensoñaciones que parecen inalcanzables. Lo que nos lleva directamente al primer elemento del prototipo del rockstar: lo inalcanzable. Figuras como Elvis Presley y los integrantes de The Beatles se convirtieron, en ese entonces, en los oscuros objetos del deseo de miles de jovencitas —y jovencitos también, así lo confiesa Ringo en el documental The Beatles Anthology cuando habla de su gira por Francia—; pero no por ser máquinas sexuales o poseer la belleza de un adonis, sino por representar a través de su música y personalidad el tipo de amor-aventura que alguien quiere en algún momento de su vida: romance y sexo. El chico malo con sentimientos Así como hay un Eros, también hay un Tanatos (dios de la muerte). Los claroscuros siempre resultan atractivos, no cabe duda. En el caso del rockstar, la figura arquetípica que hemos construido en nuestro inconsciente colectivo nace de este motto. Lo peligroso, irreverente, cínico e incluso algo patán mezclado con sensibilidad, autodestrucción y alguna historia tormentosa completan perfectamente el carácter cautivador del rockstar. Es uno de los factores que generan esta atracción

por María José Sánchez / ilustración TheJavisContreras Effect

¿Simple Fascinación Por La Apariencia O Una Aspiración Idealizada?

Aspiración, Identidad O Gusto, Las Razones Del Consumo Pero No Morbo

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Distinto a lo que demuestran los conteos del 2017, las listas de popularidad en Spotify, hasta el cierre de esta edición, las canciones más escuchadas no hacen referencia al sexo, o por lo menos, no en una lectura superficial. Para el Top 50 de México, las tres primeras canciones habla de decepciones amorosas: “Bella” de Wolfine, “Déjala que vuelva” de Piso 21 ft. Manuel Turizo y “Corazón” de Maluma en colaboración con Nego de Borel; quizá este último tema pueda tildarse de mostrar un personaje con moral flexible, pero nada explícito. Por su parte, el Top 50 Mundial muestra a Drake con “God’s plan”, Camila Cabello & Young Thug con “Havana” y a Post Malone en colaboración con 21 Savage para “rockstar”. De todas las canciones mencionadas hasta el momento, esta última es la que hace referencia al sexo en la letra.

MÁS REDITUABLE PARA LA INDUSTRIA MUSICAL-

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-LOS CONCIERTOS SON LO

por Martín Vargas / ilustración Cuemanche!

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En cambio, en el año que recién terminó se escucharon más canciones que, de alguna manera, hicieron referencia al sexo. Así lo evidencia esta misma plataforma en su lista Top Canciones México 2017: “Me rehúso”, “Despacito”, “Felices los 4” y “Shape of You”, fueron de los temas más escuchados en nuestro país; por su parte la lista Top Tracks of 2017 coloca en los primeros cuatro lugares a: “Shape of You”, “Despacito”, “Despacito” (con Justin Bieber) y “Something just like this”. Pero por más raro que sea, en los videos musicales mundialmente más vistos a través de YouTube en su mayoría no son explícitamente sexuales; no obstante, muestra bastante al cuerpo femenino por medio de atléticas modelos. Es imposible negar que hay una postura favorecedora para la figura masculina pero el tema ha de tratarse debidamente. Entre estos cortometrajes encontramos que en sólo uno (“Felices los 4”) hay desnudos lo suficientemente parciales para hacer referencia al acto sexual pero evitar cualquier censura.

Pero aquí va lo tangible. Según la revista Forbes, entre mediados de 2016 y 2017; Diddy (con 130 millones de dólares), Beyoncé (105 mdd), Drake (94 mdd) y The Weeknd (92 mdd) fueron las figuras de la industria musical mejor pagadas y esto, como podemos observar, no necesariamente corresponde con los éxitos de sus canciones en este periodo. Gran parte de este ingreso es gracias a los conciertos que ofrecen, así como la diversificación de los productos a partir de su figura: la marca de vodka Ciroc de Diddy y las ventas de su línea de ropa Sean John son ejemplo de ello. Otra cifra que discrepa de todo lo anterior son los discos más vendidos, o su equivalente en digital, para 2017. Según el ranking realizado por el medio alemán Mediatrafic, Ed Sheeran con Divide logró 9.6 millones de copias o descargas, Kendrick Lamar con DAMN., 3.6 millones. Drake con More Life, 3.1 millones. Taylor Swift con Reputation, 2.9 millones y Bruno Mars con 24k Magic, 3.8 millones. ¿Qué de todo este dinero se tuvo que valer del sexo para venderse? La pregunta de millón en la publicidad no es ajena a uno de los negocios más redituables: si el sexo puede vender, ¿también lo hace en la música? De antemano se puede atestiguar que aunque las canciones más escuchadas recurren al sexo como inspiración o referente gráfico, esto no necesariamente se refleja en el éxito comercial de su intérprete. No hay que ser santurrones: la música rara vez no ha hablado de sexo o, por lo menos, de cierta atracción sexual. Lo más probable es que se obedezca a una lógica comercial: se habla de esta manera del sexo porque así se llama la atención o se satisface a un público que así lo desea, ya sea por identidad, aspiración a un ideal o mero gusto. Queda más que claro que si se busca el morbo explícito no se encontrará en la música. El experto en marketing Martin Lindstrom en su libro Compradicción explica que es más eficiente la controversia que lo sugestivo: la portada original del Appetite for Destruction y su posterior cambio a la que se conoce actualmente así como sus 32 millones de copias vendidas en todo el mundo es el ejemplo. Pero también puede haber motivos aspiracionales detrás para que siga usando al sexo en la música: el autor lo atribuye a las neuronas espejo, cuya función nos permite reflejarnos en aquello que vemos. “El sexo en la publicidad trata sólo de sembrar sueños en los cerebros de los consumidores y ayudarlos a alcanzar sus sueños”. Y no hablemos de géneros o edades: es evidente que no hay una predominancia clara y en cambio, cada vez hay más aceptación entre las audiencias y los creadores para recurrir a ritmos distintos. Yo no pensé que podría ver a Kanye West, Rihanna y a Paul McCartney interpretar una misma canción y sucedió con resultados agradables. Será interesante el futuro.

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Todavía tenemos fresca en la memoria ese 2017: nos arrebató a varios que dejaron una huella imborrable como David Bowie y Major Tom. George Romero que definió todo un género y dejó toda una escuela sobre el zombie contemporáneo. También Chuck Berry, alguien cuya ausencia nos impediría entender el siglo XX con todo y sus problemas con la ley; además de su conducta más que moralmente reprobable. Pero también se fue alguien con una conducta todavía más reprobable que Berry y con una injerencia más fuerte todavía. El mismísimo Hugh Hefner, creador de una gran fábrica de fantasías: la revista Playboy. Al momento de su partida no tuvo muchas eulogias y las que tenían eran desacreditadas. Un personaje que tildaron desde siempre de controversial. Pero una gran falta: se centraron en el aspecto sexual, femenino, misógino, machista, liberador o cualquier adjetivo que le quisieran poner. Y no es para menos: la

-ELLA FITZGERALD, MILES

DAVIS Y NAT KING COLE FUERON ALGUNOS DE SUS INVITADOS DE HONOR EN SU MANSIÓN-

Volvió a pasar cuando el programa renació una década después como Playboy After Dark: misma idea, mismo formato. Entonces sus invitados fueron de la talla de James Brown, quien interpretó “If I Ruled the World”. Así le demostraba al mundo que era más que el “Godfather of Soul”. Para enfatizar, también interpretó “Say It Loud, I’m Black and I’m Proud”. En otras palabras: las canciones elegidas con el aniversario del asesinato de Martin Luther King Jr. Para resaltar el contexto histórico y el hito de estos programas; cuando nació el primero, apenas tenía tres años de haber comenzado un movimiento que inició con un camión y Rosa Parks. Además de que se conociera que Michael Jackson fue uno de los que rompió barreras raciales al ser el primer artista negro —Prince estuvo antes con 1999, .pero es difícil pelear contra Thriller—. en 1982 en MTV. Sin mencionar que también en sus páginas entrevistó a Snoop Dog en el ‘95, antes de que todos los medios mainstream se montaran al hip hop, o siquiera hubiera medios de hip hop. Enorme el legado en música que hizo la revista y ni siquiera hablamos del jazz.

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creación de Hefner parecía destinada a la historia con aquella primera portada, una fotografía comprada de Marilyn Monroe. El resto se volvió historia. Aunque hayan dejado otra de lado, no vamos a decir que “Playboy”, indiscutible sobrenombre, fue un campeón de los derechos civiles, pero fue una parte crucial en una revista que empezó de la nada y había logrado posicionarse en el mainstream de toda la juventud norteamericana. ¿Quién no quería ser un Playboy?, es algo que resonaba no solo en la juventud blanca —los principales lectores de la revista— si no algo que resonaba en todos los demás. Más allá de lo provocativo de la publicación, es innegable que Playboy es de las pocas revistas que pueden jactarse de tener escritores del calibre de Kerouac, Capote, García Márquez, Murakami, Mailer o S. Thomson. No hubo límite para los temas. Pero había otra sección que se volvería legendaria: las entrevistas, que se volvieron fundamentales dentro de la misma. La primera dejó que todo tomara su curso, fue otra pluma que su tinta es imborrable: Alex Haley, escritor afroamericano, que sin saberlo marcaba una década, ya que principios de los 60 entrevistó a Miles Davis, un excepcional artista con opiniones bastantes fuertes para la época. Para ponerlo en contexto: el Acta de Derechos Civiles de Estados Unidos se firmó en el 1968 y la entrevista fue seis años antes. Además de escribir la autobiografía de Malcom X, le realizó una entrevista para las páginas de Playboy en 1963. Dos años después, el reverendo Martin Luther King Jr., concedió una de sus más grandes entrevistas Haley y la revista del conejito. Los más grandes iconos de la lucha de los derechos civiles. Todo esto, ni siquiera fue la primera vez, donde ese activismo es olvidado a nuestros días. En 1959 empezó un programa televisivo, Playboy’s Penthouse, pero no sólo era un stunt para atraer lectores; era un espacio para conocer más a Hugh —al fin, era a quien se trataba de idealizar—; incluso a un aspecto más personal. Entre sus primeros invitados se encuentran personalidades como Ella Fitzgerald, o Nat King Cole, que para la década, su talento no se le dio el lugar que pudieron haber tenido gracias a su color de piel. Pero fue algo que sí demostraban en el programa. Como la veces que Ella iba, dejaban con quien estuviera hablando para atenderla —el formato era como una fiesta y la cámara seguía a Huge que hablaba con los invitados—.

por Carlos Valle / ilustración TheJavisContreras Effect

No Todo Siempre Fue Sexo, La Publicación Fundada Por Hefner Expresaba Lo Fino De Sus Gustos

Deconstrucción De La Sexualidad A La Orden: ¿Quién Dijo Que Las Mujeres No Pueden Disfrutar De Su Sexualidad?

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A través de la historia, la humanidad ha vencido distintos periodos de oscuridad en cuanto a sexualidad se refiere; me alegra decir que cada una de estas liberaciones han estado acompañadas de música que abarca desde el rock and roll y la psicodelia hasta la música disco y por supuesto, “Like a Virgin” de Madonna. Pero en estos locos 2000, la sexualidad se vive de una forma distinta. Una que trata de ser inclusiva, de borrar fronteras y construcciones arcaicas alrededor de ella para comenzar a deconstruir y reconstruir los roles y formas de alcanzar el placer. Aquí es donde entra el trap y el reggaetón. Ambos géneros hijos pródigos del rap, que han ganado popularidad en la última década porque ponen a bailar a cualquiera —lo juro— pero lo más importante: son el soundtrack de una, nueva, liberación sexual.

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El perreo nos hará libres ¿Qué? ¿Cómo? ¿Por qué? Aquí es cuando todo el mundo se indigna porque el trap y el reggaetón son considerados indignos para liberarnos de los tabúes sexuales. Cómo va a ser, si es música para estratos sociales bajos e incultos o para monear un sábado por la mañana. Otros dirán que no podría siquiera concebirse como música debido a la rítmica sencilla que posee o por sus letras explícitamente sexuales que incitan al perreo (el movimiento frenético de caderas en el que los cuerpos se rozan muy de cerca al ritmo del dembow que tanto incomoda a los recatados). Pero vamos, eso no es algo nuevo: la censura siempre ha estado presente para negar esa parte sexual que nos acompaña desde el nacimiento. Imaginen cómo le llovió a Freud por decir que somos seres sexuales desde bebés. Escándalo puro. Lo verdaderamente revolucionario de estos géneros urbanos es que a través de sus letras logramos aceptar la otra parte del sexo: la que no vende, la reprochable, la que intimida porque muestra uno de los lados salvajes y lascivos. En el trap, por ejemplo, no se habla al tanteo. Una de sus premisas es hablar de lo que se conoce; de las drogas que se han experimentado y vendido, hasta las maravillas de experimentar la sexualidad salvaje y con amor. Hablar de qué tan fuerte te quieres coger a alguien es algo que seguro has pensado mas no dicho. No te preocupes: el trap y el reggaetón siempre podrán decirlo por ti. Desde los escenarios

más nasties que puedas imaginarte como: “Que tengo la polla en candela y quiero comerte ese culo”, o como reza el intro de “Chulo sin H” hasta: “En la cama nos matamos, el pelo yo le jalo, en el sexo yo la maltrato, me muerde y me habla malo, la diabla no siente temor, quiere sexo y no amor”, como predica “Diabla” de Farruko, Lary Over y Bad Bunny. Si prefieres algo más romántico, Jesse Baez o Hadrián lo dirán por ti, pero esa es la esencia. Es precisamente en esta sinceridad sin filtros donde yace el encanto de estos géneros urbanos, porque hablar de culos, tetas, mota y tríos acompañado de Auto Tune y perreo duro son el combo ganador —y prohibido— para llegar al placer. The Trap Queens Como diría James Brown, nuestra sociedad “It’s A Man’s Man’s Man’s World” y los géneros urbanos, no son la excepción. La escena del trap y la del reggaetón está dominada por talento masculino, además han recibido críticas fuertes por objetivizar a la mujer en sus letras pero antes de seguir con las acusaciones que demeritan la construcción de una escena musical, es necesario regresar rápidamente a un hecho concreto: la objetivización se encuentra en todos los géneros. En el rock, el pop y ni se diga del metal. Se encuentra en la publicidad y los role models sociales establecidos por una simple y sencilla razón: el patriarcado. Sin embargo, el trap y el reggaetón han fungido como armas contra este al promover un papel nuevo de la mujer: mostrarla no solo como un ser sexualizado sino como un ser sexual que disfruta y experimenta el placer con el mismo nivel de lujuria que un hombre. “Quiero ver como se te sube la temperatura, como de a poco se te pone más dura”, es el fragmento de una canción de Tomasa del Real, una de las figuras femeninas del trap latino que poco a poco han logrado hacerse de un lugar en la escena. Ha llegado a ser uno de los estandartes femeninos del llamado neo perreo. Ella no es la única, está acompañada de varias mujeres más que en sus letras hablan de la nueva sexualidad femenina: Ms Nina, Mariel Mariel, La Zowi, Bad Gyal, La Favi; sólo son algunas de las voces femeninas que cantan en auto tune mientras juegan con ritmos para dejarnos claro que “¡Bellakeo! ¡Tamos ready!”.

por María José Sánchez /

MOTA Y TRÍOS ACOMPAÑADO AUTO TUNE Y UN PERREO DURO, SON EL COMBO GANADOR PARA LLEGAR AL PLACER-

ilustración Roberto “Zepol”

-HABLAR DE CULOS, TETAS,

POR BENJAMÍN DÍAZ / FOTO MAJO SÁNCHEZ La banda canadiense Rhye, regresó a México en vísperas de presentar su más reciente disco de estudio: Blood. El R&B de Milosh nos sorprende cada vez más ya que logra complementar cada segundo a su manera, lo hace suyo y demuestra que más que un líder, es una persona cuya interferencia acústica, abraza a cada uno de sus músicos y por ende, a sus fieles y más aguerridos seguidores. Seamos brutalmente honestos, Rhye no es una banda cuyos shows sean para ir a brincar o moverte como desesperado para llegar hasta adelante, sino que logran transmitir y enfatizar su destino, aquel que todos en su momento llevan solos; un camino solitario, de aprendizaje y sobretodo de amor/dolor/ira/sabiduría. La vida misma es la que Milosh y compañía transmiten en sus instrumentos y que con dedicación suena en los oídos más prudentes y necesarios en la actual escena musical.

UN REENCUENTRO ÍNTIMO CON

THE NATIONAL

POR BENJAMÍN DÍAZ / FOTO CÉSAR VICUÑA Abrimos el año con The National, banda que regresó después de varios años a la CDMX, para presentar su nuevo disco Sleep Well Beast en un recinto que siempre sorprende, el Pepsi Center. Su regreso fue una cubeta de agua fría, pues el año pasado entregaron uno de los mejores discos que pudo tener 2017 y no creímos tenerlos de vuelta tan pronto (o quizá sí) y bueno, realmente nunca decepcionan. Esa noche fue como un experimento; un reencuentro íntimo con sus fans, pues canciones de sus últimos discos o que no habían tocado anteriormente, aunado a una sutileza en cada detalle que los chicos (ni tan chicos) originarios de Ohio pretendían entregar. Se desnudaron intangiblemente y entregaron cuerpo, alma y energía con sentimientos en cada nota que salía de aquellos instrumentos. Canciones de su nuevo disco, del disco pasado y de aquel pasado enérgico que los caracteriza, envolvieron al público cuál manta suave, que supuró movimientos y cánticos suaves, alegres y afónicos.

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TEXTURA Y SINCERIDAD OSCURA: RHYE SE DESNUDA EN FRONTÓN MÉXICO

BON IVER: UNA NOCHE

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PARA ESCUCHAR Y SENTIR LA MÚSICA

CIGARETTES AFTER SEX Y SU MELANCOLÍA AMBIENTAL EN CDMX

POR JAVIER LUNA / FOTO CORTESÍA

POR CARLOS SAÍN / ARTURO LAMADRID

Desde Wisconsin llegó Bon Iver por primera vez a México en un ambiente frío y con la tranquilidad del domingo. En un escenario increíble que simplemente te mantenía hipnotizado, Justin

El remodelado Frontón México, le abrió las puertas a Cigarettes After Sex, una banda caracterizada por ser expertos en ejecuciones sencillas pero de gran calidad. Tal vez lo mágico que hay dentro de esta agrupación es cómo llevan los tiempos, algo similar a lo que realizaba The Cocteau Twins en los noventas.

Vernon y sus músicos se dedicaron a tocar canciones que le llegan al público que gusta de la música folk y que llevaban tiempo esperando la primera visita de la banda a México. “10 dEAThBREasT” y “666” fueron los temas encargados de abrir este concierto, cabe resaltar que Vernon no es una persona que hable mucho con el público, pero con el hecho de tocar y con ese feeling que inunda el alma, creó una atmósfera propia. Un ambiente de escuchar y disfrutar, sin gritos, sólo sentir la música. Con “Skinny Love” llegó el clímax; una canción que todo fan quería escuchar desde hace años, era Vernon con su guitarra y nada más. Bon Iver terminó su primer show en México. esperemos que no sea el último. Pese que su música no le llega a cualquier oído, cuando lo hace, es realmente impresionante.

Durante la noche, disfrutamos de 14 canciones en las que Greg Gonzalez, Jacob Tomsky, Phillip Tubbs, Randall Milleres nos dieron un recorrido de sentimientos encontrados musicalmente entre las que destacaron “Sunsetz”, “Dreaming Of You”,”Young & Dumb” y “Affection”, entre otras más. Pocas fueron sus palabras hacia el público, sin embargo, se mostraron afectuosos. Además fueron una muestra clara de buena música, esa hace que los sentimientos revoloteen en el estómago y creas que en algún momento de la vida puedas dedicarle a alguien especial. Así finalizaron la noche con una bandera de México en forma de agradecimiento.

CORONA

FRAGILIDAD HUMANA SONORA: BAHIDORÁ

POR BENJAMÍN DÍAZ / FOTO RODRIGO GUERRERO

POR JOSÉ CURDA / FOTO MAJO SÁNCHEZ

Uno de los conciertos más poderosos, en cuestión de rimas y de audiencia, sin duda fue el de C. Tangana en SALA. Su regreso a tierras mexicanas fue para presentar su más reciente material de estudio Ídolo, mismo que sonoramente se asemeja a un soplete caliente en la cara con una precisión flamante Para calentar motores, se presentó uno de los exponentes con más flow en la escena del trap nacional: Fntxy, quien ogró superar una meta más y presentar su proyecto. C. Tangana tomó, mordió, avorazó, violó -a su manera-, acarició y quemó el escenario. De hecho se queda corta la descripción, pues este intérprete español logró conquistar al público mexicano con cada canción. Como se menciona arriba, C. Tangana sólo necesita de su voz y de sus movimientos para transmitir aquello que nadie más puede, pues cada músico tiene su propio feeling, y es ahí donde cada voz, cada cara, cada acción se vuelven únicos.

Aún es de día y el sol se asoma castigador, unas cervezas antes de entrar al parque Las estacas. Quesadillas, gorditas, sopes, se siente un ambiente despreocupado, de pronto la tierra se mueve para despertar de golpe de una siesta placentera. Es sábado y en el escenario Sonorama, Colombia nos traé a Hety And Zambo, un poco de música afro, tambores y movimientos acelerados salen de este dúo. Latinoamérica resuena entre percusiones y silbidos, palmas llevan el ritmo de Chancha Via Circuito, acompañado de todas las cumbias colombianas, peruanas y villeras. La argentina Nathy Peluso, entre su cabello negro y sus flores presenta su propuesta en ritmos R&B en un lugar atiborrado de energía, mientras, del otro lado Kamasi Washington, jazzista americano pone en alto las pasiones del aire frente a un instrumento de viento, mientras presenta “Re Run Home”. Algunos momentos vividos se guardan en el recuerdo auditivo, la fragilidad llega por los oídos y se estaciona en el alma, el cuerpo y en la mente, para expulsarse por los músculos corporales, en una danza de autodefensa para sentirse vivo.

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C. TANGANA EN SALA

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PLASTILINA MOSH: EL LA DIVERSIDAD MUSICAL: ELLIOT FESTEJO DE 20 AÑOS DE MOSS EN CDMX UNOS CHICUELOS POR JAVIER JARQUÍN / FOTO CORTESÍA Mientras para todos los demás era San Valentín, el dúo regresó a la ciudad que vio crecer al proyecto. Ahora, después de varios años, nos recibieron con rolas nuevas y buenos recuerdos. Iniciaron con “Ja Ja Ja” y continuaron con una dosis de baile, cortesía de temas emblemáticos como “Millonaire” y “Human Disco Ball”. Jonás estuvo siempre a la altura como frontman y voz de la banda, sello característico de Plastilina. Rosso es simplemente esa pieza que cualquier banda quisiera tener: productor y músico de gusto fino. Cuando tocó el turno a “Mr P. Mosh”, Jonás contó que la canción cumplía exactamente 20 años; gran parte del éxito cosechado de la Plastilina a lo largo de su trayectoria se lo deben a este track. También se dio lugar a temas nuevos: “Rosso In The Sky”, “Monstruo” y “Uncle Al”, este último contó con la colaboración de Al Jourgensen, voz y guitarra de Ministry. Con “Ode to Mauricio Garces” y “Banano’s Bar” nos hicieron viajar en el tiempo a través de esos ritmos que van desde del downtempo hasta el trip hop. Baile, gritos y buenas rolas, lo necesario para tener un 14 de febrero provechoso.

TEXTO Y FOTO POR CARLOS SAÍN Realmente es complicado poder explicar lo que hace Elliot Moss en el escenario. Llegó el día y el foro de la colonia Roma con un una buena entrada lo recibía. Sorprendente sin un staff de tour, él salía a acomodar su equipo junto con sus músicos, saludando a sus fans y estrechando las manos. Después de esto tan inusual y con un gran toque de humildad, regresó a camerinos. 10 de la noche y salía a darnos una muestra de su gran talento. Desde las primeras notas te comienza a cautivar. “Highspeeds” con un sonido ambient y con una guitarra acústica que te hacía recordar un sonido muy similar a lo hecho por Simon & Garfunkel y ahí comenzó el viaje. Podría citar cada una de las 15 canciones pero es tan variado su sonido, con tanta calidad, que me daría miedo hacer una mala comparación, pero de las canciones que destacan dentro del show es “Slip”, con una gran cadencia de un soul moderno y un erotismo del recuerdo de perder o no estar con alguien. Una de las nuevas propuestas para este año. Súper recomendable y en vivo es realmente fantástico, una diversidad de sonidos que te envuelve.

ANTONIO NIRAM SE QUEDARÁ EN ALGÚN LUGAR DE TU CORAZÓN

YAEJI HIPNOTIZA CON BEATS Por María José Sánchez

Por Dora Méndez

DITA VON TEESE QUIERE SEDUCIR A TUS OÍDOS Por Martín Vargas

GRETA VAN FLEET: EL

TRÍO DE HERMANOS QUE MANTIENEN VIVO AL ROCK Por Francisco Espinoza

Greta Van Fleet es una banda que parece ser un producto del laboratorio de algún científico melómano que mezcló a Led Zeppelin, Vanilla Fudge’s Carmine Appice y Free’s Paul Kossoff. Son tres hermanos de Michigan cuyos rostros son engañosos: de primera vista se podría jurar que se trata de una “Boy Band” más, hasta que las guitarras comienzan con riffs de gran nivel y con un grito desgarrador por parte de Josh Kiszka. Con un sonido inspirado en el auténtico rock de los 60 se han convertido en una de las bandas que mantienen viva la esencia del rock. En noviembre de 2017 lanzaron su primer disco de estudio llamado From The Fires; una joya de principio a fin. Basta escuchar el primer track “Safari Song” para engancharse y no volver a zafarse jamás. A través de sus ocho canciones demuestran su potencial musical, un rock melódico y riffs que se graban en la mente por la eternidad. Greta Van Fleet, representan la esperanza de un rock invencible que, para suerte nuestra, continúa ofreciéndonos bandas como esta.

Con tan solo 24 años, Yaeji tomó con sus beats la escena electrónica de Nueva York y está reventando el mundo de la música desde diferentes frentes, ya que es productora, discwoman, además de cantar en inglés y coreano. Si bien tiene varias rolas publicadas circulando por internet (“New York 93’”, “Guap”, “Therapy”) su primer material “oficial” lleva por nombre EP2, en él encontramos mucho house, austeridad y voces que envuelven al oído con susurros. Este EP apenas llega a los 20 minutos, pero encontramos pistas para todos los moods, desde la intimidad de la introspección hasta la rola ideal para prender la fiesta, además de realizar un cover de “Passionfruit” de Drake al que le da una identidad totalmente diferente. Ansiedad, fiesta y complicidad encontrarás en las construcciones sonoras que Yaeji realiza al combinar con un poco de multiculturalidad, dark humor y dulzura.

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La consagrada modelo y bailarina de burlesque ya nos había dado muestras de su interés por la música en 2015 con “Girls and Boys”, tema con el que colaboró con Monarchy para su álbum Re|Vision. Aunque hay piezas excéntricas como “Gucci Coochie” de Die Antwoord, es con su versión de “Do You really Want to Hurt Me” (original de Culture Club) grabada en 2016, con la que nos presentó, sin querer, su faceta como solista. En aquel tema trabajó al lado del compositor francés Sébastien Tellier. La pareja volvió al estudio para grabar el álbum debut y homónimo de Dita, que salió a la luz el pasado 16 de febrero. Sus primeros sencillos “Bird of Prey” y “Rendez-vous”, cuentan con un ritmo tranquilo y una atmósfera bien creada por los sintetizadores, ella demuestra que su voz también es sensual; es como si te susurrara al oído. Sin duda, una propuesta prometedora para este año.

Antonio Niram es un cantautor originario de Xalapa, Veracruz pero ha pasado gran parte de su vida en Teziutlán, Puebla. El músico cuenta con dos EP y un material de larga duración: Los Buenos Tiempos, En Camino y Canciones Rescatadas. Además de su proyecto solista, Niram también formó parte de Kill Aniston y Canseco, con quienes toca ocasionalmente. A finales del 2017, participó en “Gira en Kasas” con Kill Aniston y Trekk, para este año planea una gira en compañía de Thalisz titulada “Canciones Rescatas Tour”, con la que visitará distintos puntos del país. Las canciones que tienes que escuchar para quedarte enganchado con su música son: “Los Buenos Tiempos”, “No Hay Día” y“Veintitantos”. También te recomendamos que escuches el cover que le hizo a Kill Aniston de la canción “Cuando Miras Hacia el Sur”. Te aseguramos que con su estilo nostálgico, llegará para quedarse dentro de tu corazón. Puedes buscarlo en todas las plataformas digitales.

El Año Pasado Lanzaron Su Primera Producción Titulada Y Si Patinan?

por Dora Méndez / foto cortesía

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Skates es una banda de happy punk originaria de la Ciudad de México. Desde los últimos meses han estado dando mucho de qué hablar dentro de la escena mexicana. Integrada por Cesz (Guitarra y voz), Myke (Guitarra), Cristian (Batería) y Patto (Bajo), han sido teloneros de bandas como Allison, Aurum, Chingadazo de Kung Fu, Don y Hey Bésala, entre otros. Estos músicos son una buena garantía del género al ser producidos por Erik Canales, vocalista de Allison. El año pasado lanzaron su primera producción titulada Y si patinan?, bajo la compañía discográfica Discos y Cintas Denver. En 2017 presentaron este material de forma oficial en Pasagüero con la compañía de Camiches, Andrés Canalla y Mi Mascota Leila, grandes amigos suyos de la escena musical.

Estos días de trabajo, dieron como resultado una serie de tres sencillos: “Siempre Fuerte”, “Lo Siento, Pt. 2” y “La última vez”; acompañados de videos llenos de ambiente y fiesta, con escenarios que van desde una pizzería hasta una pista de skate. Actualmente los músicos se encuentran promocionando esta primera producción discográfica, como teloneros de varias propuestas y presentándose en pequeños festivales.

Mientras que para el estreno de cada uno de los sencillos, prepararon un conjunto de videoclips que estuvieron bajo la dirección de Kro Films, la casa productora de Kross, el ex baterista de Pxndx. Cabe recalcar que el regio visitó la Ciudad de México a principios del año pasado para la grabación y realización de cada video.

Están dando a conocer su música en todos lados, siendo constantes y llegando poco a poco a los oídos de los fanáticos del género. Están demostrando lo fuerte que sigue siendo la escena en nuestro país y dándole voz a nuevas agrupaciones que buscan colarse en tu playlist.

-ESTÁN DANDO A CONOCER SU MÚSICA EN TODOS LADOS, DEMOSTRANDO QUE LA ESCENA SIGUE FUERTE EN NUESTRO PAÍS-

Las canciones que te recomendamos de Y si patinan? Son: “Siempre Fuerte”, “La Última Vez” y “Hasta Siempre”. También te aconsejamos asistir a algún show en vivo de esta banda, ya que es una experiencia de otro nivel, gracias al sello que le imprimen a cada presentación. Hacen único el momento. Busca en YouTube o Spotify y encontrarás su propuesta; te aseguramos que no te arrepentirás

Tom Petty se nos fue en el 2017 y es triste que entre aquellos que se fueron, él pasó desapercibido. Una tristeza para el legado que nos dejó, pues fue alguien que estuvo en los Traveling Wilburys. Uno de los supergrupos con más talento que ha existido, en donde era conocido como Charlie T. Wilbury Jr.

Así lo refleja el capítulo “How I Spent My Strummer Vacation”, de Los Simpson, ya que él era el encargado del Lyrics Workshop. Que por cierto, Petty era el único que enseñaba algo real sobre rock y música, a diferencia de Lenny Kravitz que enseñaba sobre moda, Mick Jagger de cómo pararse en el escenario y Keith Richards sobre cómo huir de groupies. Aunque esto pueda parecer banal, con un poco más de profundidad; no hay mayor reflejo en el cómo te ven a través de los años por tu obra. Y no es para hablar mal de los demás: sino para resaltar el trabajo de Petty, de cómo las canciones eran más que un slick o un riff pegajoso. Eran algo con un significado. Para ejemplo está el tercer sencillo del disco arriba mencionado, se trata de “Out in the Cold”. Es una canción sencilla, sin grandes complicaciones. Tempo rápido, coro pegajoso y una historia contada en muy pocas palabras. Es una de esas historias de las que te puedes apropiar. Pocos artistas pueden darse el lujo de que su octavo trabajo de estudio sea un digno representante de su trabajo. Tom es, por siempre y para siempre, uno de ellos.

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Por eso vamos a recordar el álbum Into the Great Wide Open, de su proyecto Tom Petty and the Heartbreakers. En los primeros años de los 90 el grunge se empezaba a dejar a venir con todo: ese fue el sonido que marcó a la década. Pero Tom en 1991 se dio tiempo para estar varias semanas en la listas de popularidad -como si importaban- en el número uno, y lo hizo con algo que ha perdido el rock: honestidad. No requería una producción de millones de dólares. Lo que Petty podía hacer sólo con su guitarra, era algo sencillo. Orgánico. Real. Demostró lo que un buen letrista puede hacer.

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Del Baúl Del Recuerdo de Abril Pérez

/por Arturo J. Flores

MÚSICA CACHONDA PARA JARRITOS DE TLAQUEPAQUE CIBERNÉTICOS

Canciones que en otros tiempos nos sacaron unas buenas risas, como “Short short man”, de Gillette, “Pussy” de Rammstein, y hasta “Rastaman-dita”, de Molotov, sencillamente no se podrían componer en la actualidad sin estar sujetas a un severo enjuiciamiento moral. Si Guns n’ Roses hubiera publicado Rocket Queen en 2018 y no en 1987, y se hubiera sabido que los gemidos, que se escuchan durante el solo de guitarra, fueron grabados por Axl Rose y una groupie mientras cogían en el estudio, bien drogados y borrachos, tal vez se hubiera iniciado una investigación legal en contra del grupo. La necesidad de no herir susceptibilidades que nos inunda, ha llegado a extremos que rayan en el surrealismo. Me pareció extravagante la indignación de una madre de familia que se grabó en video el año pasado y se hizo viral, quejándose porque su hija pequeña adora cantar las canciones de Maluma. Que la niña se supiera la letra de “Felices los 4” le parecía mucho más aberrante que la incomodidad que a otros les provoca que nuestro Himno Nacional se distinga por su carácter bélico y sanguinario. Porque como me dijo hace poco C. Tangana en una entrevista, el sexo en una canción es mucho más censurable que la apología de las drogas.

El niño que acompaña a Jerry le dice: “¡Vámonos, esta es la música del diablo! ¡Lo puedo sentir!”. A lo que el futuro rocanrolero le responde con un cínico: “YEAH”. La música pop, por su acepción original de “popular”, representa por definición una abierta provocación sexual. Llámese rock, heavy metal, punk o hip hop, pero también música disco e incluso salsa, cumbia y reggaetón, cada ritmo y género es proclive a alterar la paz de nuestras hormonas, generar una cosquilla en la entrepierna que no se aplaca sino es restregándonos junto a otro ser humano. Y como dijera el compositor Martín Urieta, ¿qué de raro tiene? Si el sexo y la música a todos nos gustan. Ahí está la cachondería pura, sabrosa, el explosivo erotismo, la lascivia irrefrenable, la calentura que no se puede controlar, en la música que escuchamos. Cada quien a su ritmo. Igual que cuando cogemos. Hay quienes prefieren la suavidad de una canción como “Juegos de seducción” de Soda (“Voy a ser tu mayordomo/ Y vos harás el rol de señora bien/ O puedo ser tu violador”), la brutalidad encharcada de flujos de “Closer”, de Nine Inch Nails (“I wan’t to fuck you like an animal”) o la irresistible sugerencia de Tomasa del Real en “Vampira”, que a la letra dice: “Quiero que seas mi hombre lobo/ Contigo me sobo/ me sobo/ me sobo”. Me retracto. Claro que hay en el presente quienes como Gene Simmons pasarán a la historia por el número de sus conquistas, lxs que como Janis se quejen de la paradoja que encierra cantar para excitar a millones y después abrazar el abandono, y la sexualidad en la música seguirá peleando contra la corrección política porque del sexo venimos y al sexo vamos. Total, los jarritos de Tlaquepaque siempre han existido. Internet sólo los ha hecho más visibles. Pero nosotros, a fornicar y a escuchar, que ni el sexo ni la música se van a acabar.

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Nunca más un músico dirá que estuvo con un harem de mujeres, como Gene Simmons de Kiss. O una cantante declarará, al estilo de Janis Joplin, que todas las noches le hacía el amor a cientos de miles de personas para después irse a dormir en soledad. Porque se volverían #TrendTopic. La sociedad reprocharía la manera en que se expresan de sus hábitos de cama.

Pero la genitalidad, nos guste o no, ha sido parte fundamental en la historia de la música. En los primeros minutos de la película “Great balls of fire”, un Jerry Lee Lewis niño espía por la ventana de una taberna de negros. El grupo de casa toca “Big legged woman”, de Freddy King. La gente está fuera de control. Unos bailan retorciéndose en un acto abiertamente sexual que no se diferencia mucho del “perreo contemporáneo”. Las mujeres se alzan las faldas. Se restriegan contra los hombres. Aquello es una auténtica bacanal.

El Talento No Entiende De Géneros Ni Condiciones /por Israel Yonca

La música electrónica ya no es dominio exclusivo de lo académico o lo experimental, a través de los años se ha ido filtrando y evolucionando en sonidos como el pop, rock, jazz, reggae, funk, hip hop, etc. Gracias a una globalización y creación de nuevas herramientas tecnológicas que incluso sin ser un virtuoso/a de la música se puede crear desde la comodidad de tu hogar, el acceso a la producción y creación de música electrónica se volvió de acceso universal, sin embargo o tanto como nos gustaría que sucediera. Como siempre sucede, el talento no entiende de géneros ni condiciones y por ello nos acercamos a propuestas diferentes, maravillosas y que habitan además en piel de mujer de la nueva avanzada, que te harán amar aún más la música electrónica.

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JLIN Simplemente deslumbrante. Su sonido es tan personal y avanzado, que no puede etiquetarse dentro de ningún género en concreto. Percusiones, timbres y melodías que se entretejen en una telaraña perfecta, donde experimentación y talento abandonan la zona de confort, para lanzarse a la búsqueda de nuevos sonidos. Originaria de Gary, Indiana, su debut no pudo ser más apabullante. Dark Energy se convirtió en uno de los discos más relevantes y deslumbrantes del 2015, abriendo una nueva vía expresiva para el footwork. YAEJI Cosmopolita, a medio camino entre Nueva York y Seúl, es una de las artistas más interesantes de la escena electrónica en estos días. Kathy Yaeji Lee, mejor conocida como Yaeji, ha construido un enfoque radicalmente distinto de la música house, con paisajes sonoros que se alternan entre las drum machines, los sintetizadores y el hip-hop. Su voz seduce como un susurro tímido y sutil, convirtiéndose en una capa sonora más dentro de sus composiciones. Ruido de sirenas, alarmas, mucho house y melodías folk tradicionales de Corea, fusionadas con elegancia para letalmente inyectarse bajo la piel. KELLY LEE OWENS Galesa afincada en Londres, Kelly Lee Owens ha emergido prácticamente de la nada. Empezó a sacar singles en el 2015, pero su primer álbum titulado Kelly Lee Owens, ha sido una verdadera revelación. Acercándose a la electrónica de un modo sugerente, sus sonidos fusionan el dream pop y el techno. Un nuevo camino donde la música se deja atrapar por los sentimientos y la delicadeza. Sonidos atmosféricos, lentos, frágiles y preciosistas, acompañados siempre de una voz, la suya, dulce, quebradiza y lacrimógena. HELENA HAUFF Helena es uno de esos fenómenos que le ocurren de vez en cuando al techno contemporáneo, que no conoces y que de repente irrumpe con fuerza en el mercado tras un golpe del azar. En su caso vino bajo el nombre de Werk Discs, discográfica con la que editó Actio

Reactio. Un título profético que llegó en el 2013, para cambiarle la vida como Dj y productora. Y es que esta alemana de Hamburgo ha llegado para revolucionar y re imaginar los sonidos más oscuros del EBM, el electro y el techno industrial. NOGA EREZ Productora y compositora, a la israelí le han llovido las comparaciones con artistas como Björk, St. Vincent y FKA Twigs entre otras. La crudeza de sus interpretaciones y lo adictivo de sus beats, la colocan como una revelación en el panorama electrónico, ella misma escribe y produce su propia música. Y es que estamos ante una artista todoterreno, que se maneja con gran soltura entre el electro pop y el pop futurista. Con un estilo muy personal y su sofisticada voz, Noga explora y fusiona nuevos elementos. KAITLYN AURELIA SMITH Cuando se utilizan herramientas primitivas al estilo de los sintetizadores modulares, el resultado suele ser evocador y misterioso. Virtuosa del sintetizador analógico, los trabajos de Kaitlyn Aurelia Smith están plagados de sonidos modulares, que discurren entre arpegios, flautas, saxos y melodías secuenciales. La artista se formó en las islas Orcas de Washington, un paraíso natural donde paz y naturaleza están presentes y forman también parte del particular sonido que ha conseguido crear. Influida por Moebius y Miyazaki, en sus trabajos destacan las atmósferas naturales y la riqueza sensorial en todos los ámbitos. AVALON EMERSON Originaria de Arizona y residente en Berlín, Avalon Emerson es una ingeniera de software pero el resto del tiempo lo dedica a la producción de música electrónica. Su estilo está construido en un techno potente lleno de capas vocales y atmósferas underground. Su música se basa la pasión del house underground, la mentalidad del techno y lo festivo de la escena new beat, la rudeza y la delicadeza se pueden percibir de manera amalgamada en cada uno de sus trabajos.

— LA MÚSICA ELECTRÓNICA YA NO ES DOMINIO EXCLUSIVO DE LO ACADÉMICO O LO EXPERIMENTAL—

FRANZ FERDINAND, SIEMPRE EN ASCENSO

Por Sharon Montes

Por Enrique Gutierrez

La evolución es un proceso por el que todas las bandas deben de pasar para encontrar su verdadero sonido —o para adaptarse a los tiempos modernos—. MANIA, el séptimo disco de Fall Out Boy, es una excelente prueba de ello. El nuevo trabajo discográfico de la banda liderada por Patrick Stump ha levantado una ola de opiniones divididas entre sus seguidores, pues muchos de ellos esperaban escuchar algo más parecido a sus primeros trabajos como From Under the Cork Tree o Folie à Deux. Está conformado por 10 canciones, de las cuales sobresalen: ‘”The Last of the Real Ones”, “Stay Frosty Royal Milk Tea” y “Champion” por tener un sonido más apegado al rock alternativo. Fall Out Boy es una banda que no tiene miedo de experimentar nuevos géneros, ya que escuchar canciones como “Wilson”, “Heaven’s Gate” o “Church” te darás cuenta de que la banda dejó a un lado sus raíces emo, con las cuales alcanzaron la fama a mediados de los años 2000.

HELADO NEGRO:

ISLAND UNIVERSE STORY FOUR Por Erika Rodríguez Roberto Lange llega a nuestros oídos y sutilmente le da, con estos 11 temas, nombre a todas las formas y colores de nuestra mente y pensamientos en esta cuarta entrega de Island Universe Story. Nos recibe “Come Be Me” palabras para la amistad que se funden en una melodía que nos recuerda cómo se siente el amor, y así; crece el ruido, perdemos la voz, vamos saltando ingenuamente entre canción y canción: “ECHO 2”, “Source One”, olvidamos que pensábamos en algo fijo y nos dejamos llevar por sonidos que se parecen a lo que sentimos y no podemos explicar. Memorias a medias que intentamos recordar, así es “Mist Universe”, sentimos toda esa locura que coexiste en la paz con “Glow You” y “Who Knows”, hasta que “QWERTY” lo convierte todo en un desastre y chocamos en “For Details” y “Makes Up Meditation”, emociones estancadas. Por fortuna “For a Time” es equilibrio y nos reencontramos con las palabras exactas gracias a “Guardar Our Are”: “Píntame otra vez”.

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Always Ascending es la primera producción discográfica que lanza Franz Ferdinand sin su guitarrista inicial, Nick McCarthy, quien fue sustituido por Dino Bardot y Julian Corrie. Esta nueva alineación dio un plus a la banda no sólo por su evidente talento, sino por anexar cierto feeling electrónico a las 10 canciones inéditas. El sonido varía pero no como de costumbre: ahora cuentan con una paleta musical mucho más amplia. El álbum comienza directamente con la melodía que da nombre a éste material discográfico; lo cual no es un elemento sorpresa ya que han decidido darle bastante difusión a dicha composición pues su ritmo es singularmente movido y pegajoso. Por otro lado, las letras no se separan mucho a lo que han realizado en los últimos años, sin embargo algunas de ellas podrían tomar un carácter político como “Huck and Jim”. Con Always Ascendig, demuestran la notoria evolución que ha tenido Franz Ferdinand después de la salida de Nick. Ya lo han dicho ellos: “El idioma es el mismo, pero completamente diferente”.

LA MANIA DE FALL OUT BOY POR EXPERIMENTAR

LA SOLUCIÓN QUE BELLE AND SEBASTIAN LE DA A LA HUMANIDAD

PORCHES Y LAS

EMOCIONES HUMANAS EN THE HOUSE

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Por Martín Vargas

Por Benjamín Díaz

Luego de casi dos años sin aumentar la cuenta de materiales grabados, la banda liderada por Stuart Murdoch decidió tomarse un descanso, pero no de la música, sino del esquema de lanzamiento: álbum-promoción-gira. Aunque Girls in peacetime want to dance es oficialmente el más reciente disco, How to Solve Our Human Problems es ahora una serie en formato EP que la banda inició desde finales del año pasado. Ahora, a mediados de enero de 2018, es que este EP cuenta con su segunda parte. Contiene cinco canciones, entre ellas las mejores logradas son “Same Star”, con la voz imperante de Sarah Martin que aporta paz y cierta vitalidad juvenil; y “I’ll be your pilot”, una canción completamente del estilo de Stuart. Toda la melancolía y las referencias a sus raíces indies están ahí. Son canciones que se alejan del ritmo del último álbum pero hablan de los mismos temas: el paso del tiempo, la perspectiva de la vida en la edad adulta y un sesgo de inocencia aún viva en medio de estos tiempos convulsos.

En 2016 salió uno de los discos que mejor marcaron la neurona podrida que el humano puede tener dentro de la cabeza: Pool. Aaron Maine, mejor conocido como Porches, regresa este 2018 con uno de los discos más sinceros que se pueden realizar —de manera directa—, en una casa. The House crea una serie de habilidades dentro de la composición donde la paranoia juega el papel estelar de todo esto, pues le permitió acechar todos los bordes de la banda, pero viéndolo desde otra perspectiva. Dentro de este álbum podemos encontrar varios golpes secuenciales mientras la disposición psicológica de la ansiedad se abraza con el interior; lejos de la fiesta y mientras se embarra en el interior de tu cabeza. Los puentes instrumentales que lo acompañan son dispersos, no ayudan mucho a su caso; él está cantando en círculos, tanto lírica como melódicamente, y los ritmos s que ha entrelazado luchan para despegar.

LOS BLACK REBEL

MOTOCYCLE CLUB NO SON CRIATURAS EXTRAÑAS

Por Carlos Valle

El rock está muerto: se murió en los 2000. Entonces el rap término de irrumpir y empezó a ver por el retrovisor al rock. Es un breve sumario del pensamiento del status quo de la música contemporánea. Pero hubo resistencia. Como Black Rebel Motorcycle Club y su nuevo trabajo Wrong Creatures. Un milagro no por el rock, sino por su situación. Luego de unas vacaciones obligatorias por los problemas que tuvo Shapiro, es algo loable el hecho de que haya tocado la batería en todo el disco. Tal vez por eso también se escucha tan sombrío. No es que hayan sido nunca una banda con la música más feliz, pero tampoco tenía esa pesadez, sólo basta escuchar “The Haunt”. Suena a que es una banda que no ha cambiado aparte de eso, para bien y para mal. Los fans se van con buen sabor de boca. Los fans del rock y las guitarras un buen intento en pleno 2018 y los demás, uno de los tantos discos que saldrán.