Revista Kuadro No. 38

En portada Rita Ora Fotografías cortesía de la artista

/ COLABORADORES / www. revi s ta k ua d ro.co m A ld o Fra n co D i e go Ga rc í a Dora Mé n d e z Ma r tí n Va rga s

co nta c to @ revi s ta k ua d ro.co m t . 5 5 2 9 7 8 -3 7 5 0

Ve rón i ca d e la Mora Ja v i e r Soto B re n d a Va ld e r ra b a n o S ha ron Pon ce

i s s uu/revi s ta k ua d ro

E mi li o Sa n d ova l Ma xi mi li a n o B la n co A n d re a Ag u i la r Da n i e l Ca ñ ón

fa ceb o o k /revi s ta k ua d ro m x

Ag u s tí n A le gr í a Ca rlos Va l le A r tu ro J. F lore s Ma r i a n a Ve la s co

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Ma r i a n a He r n á n d e z Ja y Ros

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Directora General / Laura Romero Editor en Jefe / Javier Jarquín Jefa de Información / Ma. José Sánchez Editores Web / Aldo Franco Dora Méndez Martín Vargas Arte & Diseño / Ivana Castro TheJavisCEffect Abraham Salazar Fotografía / Brenda Arriaga Medios & Prensa / Benjamín Díaz Relaciones Públicas / Carlos Saín José Curda Revista KUADRO es una publicación bimestral. Editor responsable: Javier Jarquín, con domicilio en Calle La Ideal No.54 Col. Industrial.

México, D.F. C.P 07800 Delg. Gustavo A. Madero.

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Todas las marcas, logotipos, nombres e imágenes mencionadas en esta publicación, tienen derechos reservados. El uso de los mismos es solo de manera informativa. Revista Kuadro No. 37 ‘SONITUS: LA CIENCIA DE HACER MÚSICA’ ABR - MAY 2021

/ C A R TA D E L E D I T O R / I S S U E N O. 3 8 P O R J AV I E R J A R Q U Í N @ j a r q z

En 17 meses el mundo se ha sacudido de arriba para abajo, de izquierda a derecha y en 180°. Si mañana se anunciara en la noticias la llegada a la Tierra de un tipo de inteligencia alienígena, diríamos: “mhé”. Y es que vaya que han sido meses de sorpresa, pero la mejor sorpresa que estamos teniendo en este cierre de año, es que la industria de la música, poco a poco vuelve de este paro.

La música que jamás nos ha abandonado en esta crisis mundial, comienza a tener un mejor panorama, pues los conciertos y eventos en vivo comienzan a tomar su paso. Seguro, muchos de nosotros durante ese encierro nos refugiamos en las artes y gracias a ello, ha sido más llevadero este tema de la contingencia.

Sumándonos a este escaparate de artes, esparcimiento y recreación, compartimos con ustedes una nueva edición de Revista Kuadro, en donde hemos dedicamos nuestra atención a realizar una investigación detallada sobre los nuevos sonidos , propuestas y movimientos musicales que están sacudiendo a Latinoamérica.

En esta edición titulada: “Estereoltam: una cartografía musical”, hemos realizado una red de contactos de México a la Patagonia, pasando por Perú, Costa Rica, Colombia y más regiones de LATAM, en donde en voz y ojos de colegas de dichas ubicaciones, nos han compartido una verdadera radiografía musical. Un material imperdible para conocer y contextualizar lo que está sonando en esta parte de nuestro continente. Agradecemos a todos los medios y colegas que se han sumado a esta edición y que sin ellos, este dossier hubiese sido imposible de materializar.

Pero eso no es todo, ya que este número en portada contamos con la talentosa cantante y actriz británica Rita Ora, con quien en exclusiva pudimos platicar acerca de su presente musical, así como de su carrera como estrella de cine y el balance que tiene para poder seguir fluyendo creativamente.

Entrevistas con los internacionales de La Femme, CHRVCHES y Gojira, además de una charla con los chicos de Rawayana y Los Planetas .Como cada edición, encontrarán la secciones de casa como lo son La Kolumna, Kuadro Beat o Kuadro de Honor, en donde siempre tendremos algo digno de su lectura y una buena recomendación musical. Reviews de discos, de conciertos y muchos proyectos para darle un buen refresh a esas playlist. ¡Se han bienvenidos a una edición más de Revista Kuadro!, que por cierto estamos a un paso antes de llegar a nuestro décimo aniversario y del cual estamos preparando muchas sorpresas para quienes nos han acompañado a lo largo de este tiempo.

Infinitas gracias a todo el equipo editorial, a los editores, equipo de redacción, departamento de arte, PR, prensa y todos los colaboradores que integran esta bonita familia, que sin ellos, no podríamos lograr esta edición que están por leer. Nos estamos leyendo, en nuestro próximo número, ¡número de aniversario!

DOSSIER / DOSSIER /

‘ESTEREO L ATA M , U N A CARTOGRAF Í A M U S I C A L’

pag 05-15

/ Entrevistas /

/ Entrevistas /

pag 19/21

pag 25/27/37

pag 33

/ La Kolumna /

pag 23

/ Kapturados /

pag 17

pag 29

/ PDE /

pag 31

/ KUADRO / B E AT

pag 37

/ Kuadro de Honor /

pag 38

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P O R A L D O F R A N C O / A R T E P O R T H E J AV I S C E F F E C T

LATINOAMÉRICA: ESCENAS SIN PIERNAS, PERO QUE CAMINAN Las escenas musicales son necesarias para trascender lo local y transformar las dominantes

basta con importar un Lollapalooza y ponerle el apellido del país en Notas, reportajes y hasta documentales. Todo tipo de materiales hablan que se realice para asegurar su éxito comercial? de la escena musical en tal o cual lado y de tal o cual tiempo. La escena No se trata de cerrar las “fronteras musicales”, sino de definirlas para indie, la escena mexicana, la emergente, la desgastada, la que no se recordar que la cultura “abarca varios aspectos como el económico, consolidó. donde se vincula al mercado y al consumo y se manifiesta en las Pareciera que basta un puñado de bandas que suenan relativamente llamadas industrias culturales (empresas editoras, casas de música, similares para que ese fenómeno exista y aunque este ejercicio resulta televisión, cine, etc.); el desarrollo humano, donde la cultura juega simplista, en la práctica tiene aplicaciones más funcionales como un papel de cohesión social, de autoestima, creatividad, memoria “designar los contextos en que grupos de productores, músicos y fans histórica, etc.” como apunta Olga Lucía Molano en su trabajo La comparten colectivamente sus gustos musicales comunes y se distinguen identidad cultural, uno de los detonantes del desarrollo territorial de otros”, dicen Bennett y Peterson en su libro Music Scenes: Local, (2006).

Translocal, and Virtual (2004).

Aunque diversos autores han tratado de teorizar las escenas musicales, en Tal importancia le adjudica la autora a la cultura que incluso recuerda el día a día son los medios los que las “crean” a través de su nombramiento. que en América Latina se ha apostado por una revalorización de Bajo su óptica deciden el apellido de esas agrupaciones y artistas unidos lo identitario “como eje de su propio desarrollo”. Tampoco se puede con “pincitas”. La labor no es fácil y de manera frecuente se refleja cuando obviar que lo “territorial” cada vez es más se falla. ¿Son las escenas de rock más importantes difuso y ahora las escenas musicales pueden ser de América Latina esa lista de compadrazgos que definidas desde un espacio geográfico concreto se documentó a través de Netflix? Probablemente -América Latina se hasta uno más abstracto. Así lo hicieron Bennett no, pero así lo decidió la persona “curadora”. ha apostado por una y Peterson, quienes dividieron las escenas en tres Eso sí, guste o no dicha curaduría, las escenas revalorización de lo tipos: “local”, “translocal” y “virtual”. existen, tienen su importancia y “son una condición i d e n t i ta r i o “co m o e j e d e La primera de ellas “tiene lugar en un espacio necesaria para que la producción musical sea s u p r o p i o d e s a r r o l l o ”. delimitado a lo largo de un periodo de tiempo, capaz de trascender su carácter cultural local hasta cuestionar y transformar las estructuras de en la que grupos de productores, músicos identificación dominantes”. y aficionados realizan su gusto musical Nada alejado de la realidad. Hoy, el trap, el reggaeton y otros derivados común, distinguiéndose colectivamente de otros, distinguiéndose ejercen su dominio no sólo en Latinoamérica, sino que se exportan a colectivamente de otros al usar música y signos culturales, a menudo otros lugares. Lo que hace unos 15 años encontraba resistencia entre apropiados de otros lugares, pero recombinados y desarrollados”. Es los públicos y algunos medios de comunicación, ahora tiene vía libre. precisamente esta última característica la que da lugar a las escenas Es decir, estas escenas lograron transformar una o varias estructuras translocales, marcadas “por una mayor conciencia de sí mismas y y aunque se pudiera pensar que con ello la región se puso en el mapa por la interacción con otras”. Por supuesto, las virtuales son aquellas mundial, la verdad es que sólo lo hizo una pequeña parte de ella. “diseminadas” en el espacio geográfico pero conectadas a través de ¿Por qué incluso el dominio de las escenas nacionales lo siguen internet o publicaciones. ejerciendo un puñado de bandas? Las agrupaciones locales apenas Todo lo anterior llevó a Revista Kuadro a preguntar a periodistas de pintan en los festivales y deben competir por un espacio con sus América Latina: ¿quiénes están formando las escenas musicales de “antecesores” o con artistas internacionales que cuentan con el sus países? El planteamiento es complejo y, como ya se dijo, a veces respaldo de una maquinaria discográfica. el resultado es reduccionista y más si se hace con una óptica que El dominio “artístico” no es más que la cara visible de un fenómeno creemos omnipresente gracias al internet. Pero a ejercicio simplista, que afecta desde la identidad hasta lo económico. ¿Cómo se respuestas complejas... desarrollarán las industrias musicales de América Latina cuando

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POR DIEGO GARCÍA

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CARTOGRAFÍA MUSICAL A CUATRO MANOS: LECCIONES SOBRE LA ESCENA ACTUAL MEXICANA.

Estamos ante la primera generación de artistas que no tienen necesidad de ir a una revista para darse a conocer En uno de los momentos más álgidos de mi plática/entrevista con adolecen con artistas como Ed Maverick, Bratty y Dromedarios Alejandro González Castillo, editor de Marvin, él citó una frase Mágicos. Están también Lázaro Cristóbal Comala o Axel Catalán de Daniel Melero para evidenciar el porqué del fracaso del rock artistas “de entrañas” que retratan desde su propio lenguaje la “clásico” en su incursión a las nuevas generaciones. La frase del realidad.

“Brian Eno argentino” me gustó tanto que pedí que la repitiera, También la avanzada femenina que va más allá de Lafourcade, aunque, esta vez, cambió las palabras: “Cuando el rock se alimenta Sariñana y Morrison con artistas sumamente talentosas como de rock se llama canibalismo”. He intentado buscar directamente Silvana Estrada, Vanessa Zamora, y la fantástica Girl Ultra. la fuente, aunque sin éxito. El caso es que dicha frase sirve como Prácticamente, encontramos algo en cada género. Nuevos primera lección y como apertura a este texto: la búsqueda de la estándares estéticos. En la electrónica, por ejemplo, está Sotomayor, “pureza” de los géneros, es una reverenda estupidez que debe ser Wet Baes, o Salon Acapulco. En el hip-hop y el rap aparecen LNG/ superada de una vez por todas.

Sht, Sabino, The Guadaloops entre muchos otros. Hay otras cosas Dulce ironía: crecer en los 90, con las influencias del rock clásico de inabarcables e inclasificables como Los Aguas Aguas, Sonido Gallo mi padre en unos tiempos donde todo era MTV y todo tendía hacia Negro o Mi Banda el Mexicano. las variaciones del rock, y que hoy, ese género se me resbale de las Lo que vemos es solo la punta del iceberg. Abajo, muy abajo, hay listas, influenciadas por el hip hop, la electrónica, el pop y mucho una escena amplísima, de la que ni Alejandro ni yo realmente trap y reggaetón. vislumbramos el tamaño. Y es que, si de algo es Lo curioso es que en México la escena del rock consciente, él que trabaja en un medio que ha sigue tomada por esas agrupaciones que en su influenciado la cultura musical desde más de 20 momento revolucionaron la industria, y que, para años, es que estamos ante la primera generación “ Ya e r a h o r a d e m a d u r a r bien o para mal, en esta pandemia, reactivaron el de artistas que no tienen necesidad de ir a una c o m o a u d i e n c i a ”, mercado. Basta revisar la cartelera de conciertos revista para darse a conocer, que por el contrario, Alejandro Gónzalez, para encontrar los mismos nombres de siempre, sólo han necesitado de redes sociales y de Tik Tok. Marvin esos que Alejandro llama “Los Monstruos”, y Es también buen momento de preguntarnos que sin mucha presentación, siguen vigentes de qué hablamos cuando hablamos de “éxito” como Caifanes, Molotov o Fobia, Rock o “nuevos en la música. ¿De likes? ¿De discos? ¿Estadios monstruos” como Porter, Enjambre y Camilo Séptimo. llenos? La solución podría resumirse a una filosofía de vida: amar la La segunda lección es que no todo el rock les pertenece a esos música por encima de cualquier ídolo, género o rincón sentimental, monstruos. Y, para muestra, de las entrañas mismas es posible buscando, por tanto, todas sus potencialidades y formas; ir más allá hallar una corriente independiente, muy alternativa y experimental del panorama visible en las carteleras de OCESA, en las listas de de músicos a los que no les da miedo mezclar, romper las etiquetas reproducción masivas y en Spotify. y jugar con la psicodelia, el stoner, el garage, y todo lo que quepa.

“Ya era hora de madurar como audiencia”, dice Alejandro, Ahí están Jet Nebula, El Shirota, Trokker, Belafonte Sensacional, o entusiasmado, cuando inevitablemente habló de los millenials y Vaya Futuro. los centennials, dos generaciones desprejuiciadas de las que hay Muchas otras cosas están sucediendo además del rock, por supuesto. mucho que aprender. Nacidas con una historia musical tan amplia De hecho, ese ha sido el propósito de la entrevista con Alejandro: por detrás sólo les ha quedado reconocer que “la música es música, hacer una cartografía musical de medio a medio, de Marvin a y ya”. Que no hay que ponerle etiquetas y que hay para todos. Como Kuadro, de melómano a melómano, porque cuatro manos y cuatro si se tratara de un inmenso y delicioso buffet, en el que solo hay que oídos siempre serán mejor que dos. Está, por ejemplo, lo que él llama servirse sin ponerse a discutir por lo que vino antes o lo que vino la “Generación sad”, una reinvención emocional para jóvenes que después. Lo repito: la música es música y ya. Amén.

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CHILE: LA MÚSICA DE LA CRISIS

El modelo neoliberal que los gobiernos chilenos han perpetuado durante décadas hoy hace difícil hablar de una o varias escenas musicales en el país

Para la década de los 90 destaca agrupaciones como Los Tres, Makiza “No creo que haya algo estilístico que los una, yo creo lo que los une y Fiskales Ad-Hok. “Todo esto que te estoy diciendo es tratando es la precariedad”, responde Javiera Tapia sobre lo que caracteriza a de resumir”, insiste para recordar que ninguna banda o pequeño artistas y bandas de Chile, donde es directora de POTQ Magazine. grupo de ellas es la historia de un país, pero que nombrarlas resulta Ella sabe que la pregunta que le antecedió es imposible de responder, necesario para saber que en los 2000 hubo una escena no masiva de pero también sabe que lo es aún más cuando las condiciones políticoelectropop representado por grupos como Lulú Jam o Tele-Visa y que económicas de su país han minado el camino por el que miles de fue importante para los adolescentes de aquellos años: “Imagínate, te personas intentan hacer una carrera en la música. pillan esas fiestas en un momento que tú ya puedes ir a fiestas”.

El modelo neoliberal que los gobiernos chilenos han perpetuado ¿A qué suena Chile hoy? durante décadas hoy no sólo hace difícil hablar de una o varias escenas El repaso de Javiera tenía que desembocar nada más ni nada menos musicales en el país sudamericano, sino que para la periodista musical por quienes, sin duda, hoy se han vuelto un referente actual de la esta situación también ha provocado que en el relego de la cultura, la música chilena vista desde México: Francisca Valenzuela, Javiera precarización sea lo única “cualidad que cruza transversalmente todo”.

Mena, Denver, Gepe o Mon Laferte.

Como sea, el arte encuentra su paso como puede, lo cual Javiera Que en su mayoría sean mujeres “no sé si tiene mucho que ver con celebra siempre con la acotación de que está “absolutamente en el contexto, pienso que tiene que ver con las contra de romantizar la precariedad”. Lo cierto es condiciones materiales que permiten que más que el contexto de Chile no es lo único que dificulta gente haga música”, explica sobre los nombres hablar de una escena en concreta, a ello también -“ L o s p r o c e s o s que sobresalen cuando uno piensa en la música abona su diversidad musical, “por eso no podría históricos son lentos y chilena. Sin embargo, recuerda que desde 2015 hablarte de géneros que se estén imponiendo”, dice, nos van dando obras ha visto el crecimiento de redes entre mujeres mientras se resiste a soltar nombres específicos. y escenas que nacen y músicas: “evidentemente los procesos feministas Finalmente, cede a la persuasión: “terminando la mueren o que dan paso en toda Latinoamérica han aportado a Chile”. entrevista me voy a odiar porque me van a faltar a o t r a s n u e v a s .”Lejos de los grandes nombres, para la directora muchos nombres”. de POTQ la última década ha sido de “Alex Los orígenes Anwandter como compositor y productor, de Cómo hablar del presente sin saber que se “queda”, Camila Moreno, y definitivamente ha sido sí o sí la de Ana Tijoux, no así, entre comillas, porque como dice la periodista chilena: “está bien porque lo que la anterior no fuera bueno, sino que en esta década, sobre mantener la memoria emotiva, pero no puede ser un look eterno”. todo con Vengo, sentí como una liberación y que hace lo que quiere”.

Parece más fácil hablar de quienes marcaron una escena en las ¿3 proyectos que México debería conocer? décadas pasadas que sobre quienes lo hacen ahora. Muestra de ello “Princesa Alba está haciendo algo muy bueno. Empezó con unas es la agilidad con la que Javiera desliza nombres de artistas, bandas y canciones de trap pero en realidad siempre amó el pop y todas las movimientos que hicieron (parte de) la historia musical chilena. referencias, desde las Spice Girls, Britney y Hannah Montana”.

“Históricas hay muchas, está la nueva canción chilena, después pienso “Diego Lorenzini es muy interesante en términos de composición, en la psicodelia, podría estar respondiendo por tres horas. Ha habido juega mucho con el humor y su música tiene una cadencia muy rica”. muchos movimientos por imitación u oposición que también dan paso “No sé qué tanto a ciencia cierta conocen a Camila Moreno en México, a otras cosas, es como una máquina que nunca se detiene”, aclara no es como Francisca Valenzuela, pero lleva mucho tiempo haciendo antes de mencionar a Los Prisioneros, como uno de los grupos más música y siento que cada disco es mejor que el anterior, aunque el relevantes para el Chile de los 80. “En todos los países y más de una vez anterior ya era bueno”. hay una generación que siente que no hay futuro”, dice.

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COLOMBIA: DIVERSIDAD, FOLKLORE Y SUS CANTAUTORES

Hay una necesidad de apreciar lo propio, lo orgánico, lo que creamos en la cercanía de nuestras tierras, de Colombia” estudiar, sino que entre las diferentes ciencias se abre un debate sobre qué es lo que define nuestra percepción musical.

América Latina tiene una enorme diversidad de culturas y de Un proyecto en la crisis sonidos, propios de cada región, y específicamente al sur nos Artifisse es una plataforma digital que nació con la idea de impulsar encontramos con Colombia, un país semillero de grandes artistas a los artistas en la escena independiente y darles otra forma para tanto independientes como estrellas conocidas como Shakira, explotar su talento y darlo a conocer al público: “se creó por la Juanes y más recientemente Morat, pero enfocándonos en la escena necesidad ante lo que ocurrió con la pandemia, y es una idea que alternativa, tenemos a varios expositores dignos de reconocer, por tenía ya en mente hace mucho tiempo, creo que ha sido una puerta lo que para hablar de la escena nos acercamos con María Cristina importante, porque le ha abierto la posibilidad al público de acceder Plata, cantante y CEO de Artifisse, una plataforma creada para que a un aprendizaje de los artistas”. el artista pueda comercializar su arte.

La artista encontró una gran forma de aprovechar su talento y Colombia: desde adentro aportar mucho a su propio público, con una relación en la que ambos Reducir la diversidad que hay en Colombia a un sólo movimiento se enriquecen culturalmente. “Para mí es importante poder estar con es algo complejo, pero María Cristina apunta especialmente hacia este proyecto, porque he aprendido mucho, Artifisse es un espacio en los cantautores, quienes son los que más han sobresalido en los el que, además de aportar, también pueden monetizar su trabajo, que últimos tiempos: “Hay mucha presencia de artistas componiendo, creando, haciendo música que tiene que ver con es tan importante”, comenta. el folklore, creo que hay una ola muy interesante Como cantautora, María Cristina lleva más de 14 de artistas haciendo presencia con este género”. años de carrera artística, con un sonido inspirado Aunque también bandas como Bomba Estéreo, en la música andina y en Latinoamérica. Además, ChocQuibTown, Monsieur Periné son un referente -Los cantautores ha sido productora y arreglista en todos sus importante en este país. colombianos son los que discos, y actualmente está estrenando su álbum más han sobresalido en En este momento, algo que está generando ruido, más reciente titulado Como el mar. l o s ú l t i m o s t i e m p o s desde el punto de vista de Cristina, es hablar México desde los ojos de Colombia sobre lo propio del país. “Es muy importante lo Algo que causa curiosidad entre los amantes de que está pasando y es que hay una necesidad de la escena en México, es saber de qué forma es apreciar lo propio, lo orgánico, lo que creamos en percibida dicha escena en otros países, por lo que la cercanía de nuestras tierras, lo que se ha hecho con nuestras manos.

María Cristina nos despejó esta duda.

Estamos intentando mirar un poco más cerca lo que tenemos y creo que es una de las cosas que ha hecho que todo el trabajo que se hace “México siempre ha sido un país que tiene una gran presencia musical, ahora con la música folklórica se resalte y que es muy importante, en el mundo, siempre hay artistas de la música de habla hispana que además, aprender a valorar lo nuestro, antes de valorar lo de otros”. tienen mucha fuerza y yo, por supuesto, soy amante de la su música, Como en todo camino, hay aciertos y errores, y la también cantante de artistas como Luis Miguel, Natalia Lafourcade, Silvana Estrada, colombiana nos cuenta cuáles han sido los de su escena: “los aciertos David Aguilar, Alex Ferreira; digamos que sigo esta ola de artistas son apostarle a lo nuestro, a estar volviendo al pasado a explorar y México es un país que valora mucho la cultura y el arte, es un país esos ritmos tradicionales y empezar a mezclar nuevos sonido, y como muy sensible y que ha tenido grandes artistas de la historia, desde errores, a veces hacemos música aquí con el objetivo de ir a mostrar a siempre como José José, Juan Gabriel, siento que hay movimiento la otros lugares y decir: ‘Mira, esto es lo que es Colombia y sus ritmos. muy importante y México siempre ha sido como el epicentro de este Al mostrar en el exterior nos olvidamos un poco del propósito, que es movimiento”. Finalmente, sólo nos queda disfrutar de la diversidad de que nuestro mismo país se fije en lo que nos pertenece”. ambos países y la música que han creado para el público.

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PERÚ: 4,000 KILÓMETROS CERCANOS México, público fiel y consciente del valor de la música

Por su parte, la gestora musical aprecia el hecho de que estas Poco más de cuatro mil kilómetros, de acuerdo con Google Maps, plataformas tecnológicas generen una descentralización de separan la Ciudad de México con Lima, la capital de Perú. Sin propuestas; y también el aporte de nuevas cotidianidades en lo embargo, poco influye la distancia cuando se habla de la relación que tratan las canciones. A ello no escapa la mezcla de sonidos, cultural que hermana a estas dos naciones; sobre todo lo referente a los distintos modelos de colaboración y el sinfín de canales lo musical. Para este número nos decidimos a pintar un panorama de comunicación disponibles; pero en la vorágine, existe una de lo que acontece en este país sudamericano. Es por ello que conté voluntad por apartarse de lo angloparlante y mirar más hacia el con la opinión de Blanca Segura, gestora musical y líder del proyecto origen: “Hay, creo, un gran valor en la búsqueda de la identidad Puente Sonoro, encargado de ofrecer representación artística para de los artistas que está más cercano a lo local y no tan enfocado propuestas musicales en Latinoamérica. en copiar lo que se hace en mercados más grandes como Estados Al igual que en la mayoría de nuestros países, Perú posee múltiples Unidos o Europa”. manifestaciones culturales y eso impide un movimiento o escena Pero no hay una varita mágica o una fórmula infalible para musical que esté marcando, o haya marcado, por sí mismo la alcanzar el éxito en este panorama que parece disponer de historia musical del país. “Reducirlo a un sólo movimiento o escena acceso ilimitado a la información y lo hace a manos llenas. sería mezquino de mi parte”, apuntó Blanca; aunque a nivel En realidad, a Blanca también le gustaría saber si hay una personal, ella considera a la escena indie, y lo relacionado a ello, receta: “Creo que hoy en día, en la era digital donde ha encontrado un mayor intercambio a y pantallas sobre todo, lo que más busca la nivel nacional e internacional. “Sin embargo, gente es conectar y estoy convencida que tenemos escenas de música electrónica, de -“ H a y u n g r a n v a l o r siempre y cuando las composiciones vengan fusión, de música urbana, punk y de rock, así en la búsqueda de de un lugar honesto, creo que la gente como de géneros más populares como la cumbia la identidad de los conecta”. y la salsa bastante consolidados, siendo estos artistas que está más Ante ello, como si se tratara de una guerrilla, las dos últimos quizás los más masivos”, agregó. c e r c a n o a l o l o c a l .”redes sociales de videos cortos, específicamente Antes, durante la década de los 90 y los 2000, TikTok e Instagram, recurren a estrategias la escena punk/chikipunk era el movimiento sencillas y efectivas: la repetición involuntaria. más consolidado en el país, a percepción de “Me parece que ayuda muchísimo con que se te Blanca. Bandas como 6 Voltios, dIAZEPUNK, Leusemia “llegaron a muchas personas y fueron referentes de toda pegue un tema y no puedas sacarlo de tu cabeza y por ende, a que una generación”, recordó. movimientos y artistas tengan éxito”, añade nuestra entrevistada.

Ahora, las nuevas tecnologías han sido aliadas en la consolidación México, como se mencionaba al principio, no es nada ajeno de productos y servicios donde la música no es para nada ajena; a la escena musical en Perú; es un gran referente, en palabras también las propuestas musicales han logrado concretarse gracias a de Blanca. “México es un país con fans muy fidelizados y que esto. Al menos en lo que respecta a la escena indie, Blanca supone son muy conscientes del valor de la música”; varios artistas que el acceso al internet, a las plataformas y herramientas digitales, que trabajan en su proyecto Puente Sonoro tienen al país en el así como las redes sociales; “ha permitido que no sólo la dinámica de top de lugares donde más les escuchan, aunque nunca hayan composición y producción se democratice un poco, sino también que venido. Y también algunos amigos músicos se han mudado para la comunicación con otros países, artistas y gestores suceda, y por profesionalizar y dar el siguiente paso en su carrera. Finalmente, ende, un intercambio provechoso para todos”. el aporte de México, aún incipiente y en aras de crecimiento, tiene Otro proceso que las nuevas tecnologías han promovido es poder llevar como referentes a Adrián Bello y Ximena Sariñana en percepción las propuestas de muchos lados a un mismo lugar: ahí la periferia y el de Blanca. centro se pierden y se encuentran. Basta con unos cuantos segundos ¿Qué son apenas 4,000 kilómetros entonces? para viajar por el mundo.

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PURA VIDA, PURO RUIDO: REDEFINIENDO LA IDENTIDAD MUSICAL DE COSTA RICA

Escuchar lo nacional para amplificar lo latinoamericano.

“Costa Rica está viviendo el crecimiento de una industria emergente, Más allá de sus playas cálidas, paisajes naturales diversos y de lo llaa partir de lo que he podido ver y estudiar sobre los procesos en países mado: “Pura Vida”, Costa Rica se ha convertido en uno de los nuevos como Colombia o México, diría que nosotros estamos experimentando nichos para la música latinoamericana gracias a una escena vibrante ese proceso y aprendiendo en el camino”. Comenta Lithus acerca del deque explora las barreras del sonido sin importar géneros o etiquetas, sarrollo de la industria musical en su país. Asimismo, este crecimiento cuya filosofía tanto para artistas como para los diferentes agentes que ha continuado debido a factores como la formalización del trabajo para forman parte de esta comunidad creativa se afianza en la resiliencia y diferentes sectores dentro de la industria y la intervención de gestores en apostar por el talento local. culturales para la apertura de oportunidades para nuevos artistas a esEn palabras de Lithus Pérez, director de la Agencia LIT INC y el espapacios públicos y la inversión de marcas. cio Lit by Lit, Costa Rica está viviendo un momento de búsqueda de su Sin embargo, uno de los principales problemas para la música es la falta sonido e identidad musical la cual está marcada por aspectos propios de consumo por parte de su gente: “Costa Rica históricamente no ha que trascienden la música, destacando el espíritu estoico, cuyo mensaje sido un país que consume música nacional, y los millenials generaron un cultural radica en el interés por apoyar a lo que se genera en su territorio. punto disruptivo en esos hábitos de consumo”. Sumado a esto, Pérez exLos pilares de la música en Costa Rica plica que hay un desinterés por parte del gobierno a la cultura, lo que ha Así como varios países dentro de Latinoamérica (ya sea México, Chile llevado a que ciertos procesos en el desarrollo tanto o Argentina), la evolución de la escena en Costa de la música como de otras disciplinas artísticas en Rica estuvo marcada en gran medida por el reel país se retrasen. punte del rock en español en la década de los 80 En contraste, un agente que ha impulsado la múy 90, cuyo impacto resonó hasta comienzos de los -“ C o s t a R i c a e s t á sica costarricense es la unión entre países del cendos mil. viviendo el crecimiento tro y sur del continente en un esfuerzo en conjunto Lithus destaca tres movimientos que han consode una industria por amplificar el “sonido” latinoamericano. lidado la música en Costa Rica: El rock, hip hop y e m e r g e n t e .”Los lazos entre Costa Rica y Latinoamérica reggae; los proyectos de estos géneros comparten A diferencia de otros países en la región, el esfuerun mismo denominador: el deseo por marcar un zo y constancia en el trabajo dentro de la música precedente en la música local sin importar su soen Costa Rica nos ha llevado a conocer a una serie de bandas en los nido. Cada uno de estos escenarios se ha mantenido sólido, aunque últimos años, desde Las Robertas, Dylan Thomas o Monte hasta proresalta el reggae, cuyos representantes han conseguido abrir más esyectos recientes como Adiós Cometa, White Skies o Departments. pacios para talento costarricense en otros países.

Si buscamos una identidad sonora que marqué el rumbo de la múAlgunos de los géneros dentro de la escena, ya sea el pop, trap, o hardsica en Costa Rica no encontraríamos respuesta, pero, al observar el core han tenido un menor crecimiento debido a la falta de consistencia, organización, así como periodos de inactividad. Por otra parte, se conjunto de elementos que han pautado la historia de este país, desremarca que diferentes artistas continúan sus carreras fuera del país, de su riqueza natural hasta la energía de sus habitantes, encontrarelimitando el alcance de la música a nivel local. mos en su música el reflejo de lucha y resistencia ante la adversidad.

Construyendo la “escena” Al llegar a la pregunta ¿A qué suena Latinoamérica? Lithus Pérez A través de una red de medios y diversas plataformas desde espacios explica que Latinoamérica suena a lucha, unión, pero más que nunen redes sociales hasta programas de radio, la música costarricense ha ca a español, como una manera de llevar un discurso que exprese el crecido gradualmente, tanto en el consumo local como internacional. lugar de dónde venimos y lo que puede hacer la gente nacida en esta El impulso de sellos discográficos y el apoyo entre diferentes sectores en región del mundo. la industria ha motivado al desarrollo musical.

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/ KAPTURADOS / VA N E S S A Z A M O R A P O R J AV I E R S O T O ISSUE NO. 38 ‘ E S T E R E O L ATA M , U N A C A R T O G R A F Í A M U S I C A L’

E N T R E V I S TA C O N C H V R C H E S

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ISSUE NO. 38

P O R B R E N D A VA L D E R R Á B A N O FOTO CORTESÍA DE LA BANDA

CHVRCHES De vuelta al origen

Diez años han pasado desde la creación de Chvrches y un sinfín de cosas han cambiado en la vida de Lauren Mayberry, Iain Cook y Martin Doherty. Durante esta entrevista, platicamos con Iain sobre su vivencia en el presente, lo distinto que fue el pasado y su visión del futuro .

Aún con una década de trayectoria, la discografía de esta banda no es especialmente larga, llevan bajo sus brazos The Bones of What You Believe del 2013, Every Open Eye del 2015 y Love is Dead del 2018.

Sin embargo, esto nunca fue una barrera para ser, actualmente, una de las bandas de indie pop más conocidas alrededor del mundo; su estilo y originalidad convirtieron a Chvrches en un referente contemporáneo.

Tal como cuenta Iain, uno de los pilares de esta autenticidad es la manera de crear entre los tres: así fue como empezó la banda y encontraron una base sólida en no depender de nadie, juntarse en el estudio ubicado en un sótano de Glasgow, Escocia, y crear su propia música. Después de Every Open Eye y los larguísimos tours que hicieron por sus primeros dos discos decidieron hacer una pausa en América y cambiar la dinámica.

“Aquí decidimos trabajar con otras personas, hacer colaboraciones en todas las partes del disco y aunque fue un proceso interesante y algunas cosas salieron muy bien, otras no lo fueron tanto e incluso tuvimos experiencias muy negativas.”

Esta no es una práctica que piensen dejar de lado, simplemente que para su próximo

álbum, Screen Violence, decidieron regresar al origen y apoyarse entre los tres solamente; desde la escritura hasta los detalles finales de producción. Esta forma de trabajar los lleva a pensar que regresaron, de cierta forma, a ser el Chvrches de hace 10 años, pero no en el aspecto sonoro, sino en el espíritu de la banda.

“Me gustaría que la gente se acercara a Screen Violence como la forma más pura de la banda, tomando en cuenta que como sonamos ahora y nuestros gustos, han evolucionado con el tiempo.”

Esta experiencia no fue exactamente igual a las pasadas, aunque la idea era hacer el disco juntos, no fue precisamente posible debido a las circunstancias mundiales. En realidad, este disco fue creado mientras Lauren y Martin estaban en Los Ángeles e Iain se encontraba en Glasgow. Internet, zoom y unas ganas increíbles de trabajar juntos fueron las herramientas necesarias para hacer Screen Violence, demostrando que cuando quieres algo, haces lo posible por lograrlo. “La energía de creación es distinta, no hay nada como estar en la misma habitación que las otras personas, y eso no se puede recrear cuando estás separado, pero aún así tienes que encontrar la inspiración en todos lados”, comenta Iain. Si las clases por Zoom pueden ser complicadas, no me quiero imaginar trabajar en un disco completo. De lado a lado del mundo, se pasaban audios, trabajaban en diferentes partes de la misma canción y encontraron maneras productivas y divertidas, “aún así, no hay ningún sustituto a lo real de tocar juntos”.

Es este disco en el que salieron muchas revelaciones sobre el pasado y el presente, por ejemplo, a principios de julio Martin Doherty se abrió acerca de su depresión y ansiedad, con la cual tuvo que vivir muchos años; por otro lado Lauren compartió que “How Not To Drown”, nueva canción del disco, habla sobre el momento en que quería renunciar a la música. Tal vez eso ya no los representa, pero sin duda fueron hitos en su vida, especialmente ahora, viendo cuánto han cambiado, cuánto han hecho y lo mucho que han logrado. Iain menciona: “No creo que todo el cambio sea necesariamente bueno, puede ser cansado, desorientante, puede alejarte de las personas que amas, pero para nosotros, la música ha hecho que todo tenga sentido, porque aunque nosotros no estemos en el mejor momento, vemos cómo lo que hacemos ayuda a las personas que nos rodean, los sacan de sus oscuridades, y eso a la vez, nos saca a nosotros”.

Iain concluyó esta entrevista con una reflexión después de todo lo que platicamos, de su visión ante la música y de por qué no solo lo sigue haciendo sino que nunca dejará de hacerla: “No me gusta la idea de que los artistas son egocéntricos y que son el centro de su propio mundo, no creo que el mejor arte venga de un punto de ego sino que es un canal en el que puedes vaciar tu cabeza, recoger algo del aire, sentirlo y ver a dónde llega. Creo que eso es hermoso, y si puedo hacer que alguien lo sienta, lo seguiré haciendo”.

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“Cuando empezamos, éramos jóvenes e inocentes… no me preguntes en qué nos hemos convertido”.

E N T R E V I S TA L O S P L A N E TA S

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POR SHARON PONCE F O T O C O R T E S Í A D E L A A R T I S TA

LOS PLANETAS 30 años de esencia intacta y expresión sin tapujos.

Los Planetas han logrado mantener una trayectoria de 30 años y ahora, como uno de los proyectos más escuchados en España, su visión sigue intacta: “Siempre hemos tocado con el objetivo de expresarnos tanto musical como personalmente, compartir nuestras ideas, opiniones o ánimos para lograr una conexión con el público”.

La agrupación se formó a principios de los años 90 y desde entonces hasta la fecha sigue activa con lanzamientos periódicos, sin embargo, como cualquier banda ha tenido que pasar por momentos de adaptación y cambio para mantenerse viva entre las generaciones: “Claro que hemos ido cambiando a lo largo del tiempo, pero siempre hemos sido una banda de rock gracias a nuestras principales influencias de la música popular; durante todo este tiempo ha sido así, esperamos que en los próximos años logremos conectar con más públicos sin modificar nuestro estilo para seguir expresándonos y seguir influyendo en el medio”.

Su éxito actual y permanencia se debe en parte a la anticipación y prevención de eventos catastróficos que traen como consecuencia el peligro de la banda, pues ¿cómo dejar pasar y no aprender de los errores de los demás? Tal es el caso de famosos que empezaron expresándose libremente y después fueron absorbidos por las tendencias del momento para dejar que su esencia muriera lentamente hasta no ser reconocidos por ellos mismos y caer en el olvido.

Actualmente por la forma en la que vivimos los conciertos se han transformado totalmente, obligando a la mayoría de las bandas a migrar a formatos que se adapten

a las necesidades de entretenimiento del público actual, convirtiéndose en un reto para Los Planetas pues la experiencia tanto para la banda como para los seguidores no se puede vivir al cien por ciento como en un concierto en vivo. “Sin duda es un momento delicado para la industria porque la música en vivo no es posible, sabemos y estamos adaptándonos a los tipos de formatos que van surgiendo para que siga esa conexión que hemos creado con el público, creemos que esto es lo fundamental en cualquier interpretación y más ahora en los formatos reducidos y a distancia, todo un reto”.

Este reto también aplica en sobrellevar el encierro y mantener la creatividad al máximo para no estancar la trayectoria que con tanto esfuerzo han mantenido.

“Hemos pasado prácticamente un año encerrados y nos ha afectado bastante como banda por las cancelaciones de los conciertos que teníamos preparados así como personalmente en nuestra vida social que era la forma principal que teníamos para conocer el mundo y hacer que nuestra música siga conociendo nuevos rincones”.

Esa misma necesidad de expresar sentimientos y sensaciones por medio de la música ha creado temas que reflejan lo que la pandemia ha hecho reflexionar a muchos: “Durante este confinamiento hemos lanzado diferentes singles por ejemplo ‘La nueva normalidad’, que describe algunos puntos de la situación actual sobre los que se contradicen los medios actuales de comunicación”. Cabe mencionar que

este sencillo es solo el primero de una serie de lanzamientos periódicos que estaremos escuchando a lo largo de este 2021.

Con estos lanzamientos sin previo aviso y preocupado por la situación actual, Jota, el vocero y vocalista de la banda, además de incitar a la reflexión con su característico rock se mantiene firme en que los principios de la banda permanezcan, las oleadas del éxito los han perseguido una y otra vez y han rechazado oportunidades que cualquiera en su momento de lujuria hubiese aprovechado, sin embargo este no es el caso para Los Planetas. En este sentido, además de estar preocupados por su integridad como banda se pronuncian preocupados por la situación de las bandas actuales que aunque más jóvenes que ellos forman parte de un colectivo mundial con un solo objetivo: “Tenemos que tomar medidas como colectivo para recuperar nuestra libertad, para seguir expresándonos y para procurar la forma en la que seguimos conectando con nuestro público quienes nos mantienen de pie”.

Los Planetas siguen con esa esencia del rock que se utilizó por mucho tiempo para protestar o para mostrar alguna posición que aunque muchos apoyan en secreto causa cierta polémica o incomodidad para otros, esto es bien aceptado por los integrantes, se ríen y no secretamente de las reacciones o críticas de la gente conservadora pues más que desear cambiar una posición o ideología buscan solo expresar su punto de vista o de los personajes que crean bajo las críticas actuales.

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“Siempre hemos tocado con el objetivo de expresarnos tanto musical como personalmente para lograr una conexión con el público”.

SEÑOR KINO AUR OR A B OR E AL

WOLF ALICE BLUE W EEK END

Por: Maxi mi l i ano Bl anco

S T. V I N C E N T DADDY ’S HOME Po r : E m i li o S andova l

Si hablamos de músicos camaleónicos, hay varios en la lista que, sin duda, encabezaría David Bowie, pero llegando más a nuestros tiempos, St. Vincent, tendría un lugar muy merecido.Esto queda claro con su sexto álbum de estudio Daddy’s Home, que te induce a un viaje sonoro cuya inspiración se centra en la situación que Clark vivió con su padre en prisión hace algunos años, sin dejar de lado la crítica social para mostrarnos en 11 canciones una faceta más introspectiva de St. Vincent.

Con un gran inicio como ‘Pay Your Way in Pain’, este álbum te atrapa de inmediato, una vez que tiene tu atención te lleva por pasajes sonoros tan placenteros como “Living in The Dream” con evidentes guiños a “Us and Them” de Pink Floyd.

En “The Melting Of The Sun” los coros bien logrados te acompañan a una atmósfera soul muy setentera, para después hacernos testigos de “Down”, donde encontramos melodías más cercanas al indie que conocemos.

Quizás Daddy’s Home no sea el mejor trabajo de Annie, pero sí está claro que nos encontramos frente a un gran álbum, sin canciones de relleno.

La joven banda mexicana Señor Kino nos presenta Aurora Boreal, su más reciente lanzamiento que nos manda a volar por el cosmos entre suaves coros y espacios instrumentales llenos de una atmósfera sonora que nos envuelve en un vaivén de subidas y bajadas enérgicas que se perciben a lo largo de sus 10 tracks.

Aurora Boreal abre con “Estrella Fugaz”, que entra suave con ligeros rasgos que repentinamente se encienden en una pieza enérgica que mantiene una línea suave.

Los coros son una constante que fluyen junto a sonidos electrónicos y envuelven en una atmósfera que transporta a un escenario un tanto psicodélico.

“Sueño” aparece con un ligero punteo de guitarra que introduce a un breve episodio estelar que culmina casi sin ningún corte aparente para dar entrada a “Plantita”, en la que regresan las vocales y las percusiones.

En la recta final entra “No Hay Prisa”, que efectivamente describe muy bien su andar, sin prisa, con un riff de guitarra que destaca a esta breve pieza. Para cerrar llega la homónima “Aurora Boreal”, con más energía y algo de pop que levanta el ánimo.

Por: A n d re a Ag u il a r O ca ñ a

M A N I TA S N E R V I O S A S A LOV E SU P E R M E M E Po r: Veró ni ca de l a Mo ra

El proyecto de Valis Ortiz como Manitas Nerviosas se ha convertido en un recorrido único en el que podemos escuchar diferentes matices creados a través del synthwave, psych y el queer pop, así como una mirada personal sobre la condición humana.

Tras el lanzamiento de una serie de varios EP en los últimos años, Valis presenta el álbum A Love Supermeme como un compendio de momentos, tanto cálidos como intensos, en los que capas de sintetizadores combinados con guitarras y efectos en frenesí nos vuelven parte de un “sube y baja” de emociones. En canciones como “D’ Lirio” o “Pármeneux” encontramos esas atmósferas ácidas junto a un tejido de texturas que transitan por el lado místico de la regiomontana.

Como una conciliación entre el pasado y el presente, Valis Ortiz presenta en A Love Supermeme, una narrativa sonora en la que cada uno de los ocho tracks que lo conforman llevan un sonido y visión distinta, que afianzan el misticismo e identidad de Manitas Nerviosas.

I S S U E N O . 3 8 ‘ E S T E R E O L A T A M , U N A C A R T O G R A F Í A M U S I C A L’

Icónica y audaz la vuelta sonora de Wolf Alice. La banda londinense que se caracteriza por sonidos eclécticos e inesperados vuelve a hacer ruido en la industria con un disco que transita a la perfección entre todo el espectro que va del rock alternativo al pop. ¿A qué suena este disco que se creó en medio del caótico mundo pandémico? Suena a las guitarras quitando de enmedio a todos los demás instrumentos, pero luego al protagonismo del bajo o la batería; suena pesado y luego a susurros. La voz de Ellie Rousell es dinámica como nunca y lo mismo ofrece en “Smile” con versos casi hablados y en “Delicious things” con una voz más profunda para narrar la historia que muestra el lado complejo de la vida y las costumbres hollywoodenses.

No hay un estilo definido en estas piezas y aunque puede resultar contraproducente, es también emocionante y prometedor para todos los géneros que el cuarteto se atreve a explorar. En corto, el disco es ambicioso, estrafalario y verdaderamente extraordinario.

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I S S U E N O . 3 8 ‘ E S T E R E O L A T A M , U N A C A R T O G R A F Í A M U S I C A L’

BROCKHAMPTON ROADRUNNER: NEW LIGHT, NEW MACHINE Po r : Ve ró n i ca de la Mora

Desde cambiar el concepto de “boyband” hasta llevar en su música una serie de mensajes donde el grupo expone de manera directa su opinión sobre la violencia, salud mental e identidad sexual, Brockhampton se ha convertido en un fenómeno dentro del rap y el hip hop en el mundo y como muestra de ello está su más reciente disco Roadrunner: New Light, New Machine.

Tras el éxito de su último álbum en 2019, la banda de Texas, Estados Unidos, regresa este año con un material que se siente como un “viaje personal”, el cual está empañado de un contexto social con temas como la homofobia o la violencia racial, así como un trasfondo personal en el que el grupo se toma el tiempo para desarrollar a lo largo de 13 tracks y momentos emocionales como un reflejo de madurez.

Con una producción refinada junto a colaboraciones con Danny Brown o A$AP Rocky, Brockhampton presenta en Roadrunner uno de sus mejores trabajos; como un balance entre melodías y samples junto a una lírica concisa que consigue emocionarnos.

GRETA VAN FLEET THE BATTLE AT THE GARDEN’S GATE.

TRIP TEASE Y KRIS

Por: Maxi mi l i ano Bl anco

El día llegó; los reconocidos productores mexicanos Trip Tease y Kris Berle, quienes nos han consentido con tres sencillos previos desde finales de 2020, culminaron parte de su colaboración con el EP Shades; un proyecto que resalta la sensibilidad de ambos. Este material cuenta con cinco tracks, donde por cerca de 25 minutos podemos disfrutar de la mezcla de sonidos de ambos artistas.

La estética de este material está profundamente influida por la música house, especialmente el deep house, pero aún así durante todo el proyecto se escucha una clara intención de flexibilizar los sonidos electrónicos, yendo a territorios más experimentales, especialmente en canciones como “Red” y “Creepozoids”.

Su sonido metálico, pero con un carácter vivo es ideal por si te gustan los sonidos electrónicos, con base de house y con tintes experimentales.

Este nuevo material discográfico de Trip Tease y Kris Berle, aunque sea corto y no siempre fácil de escuchar, es un proyecto disfrutable y muy recomendable.

Greta Van Fleet se ha convertido la banda revival de esta década, con su nuevo material continúa la línea sonora de sus dos álbumes anteriores. La canción que introduce a The Battle at The Garden’s Gate es «Heat Above» cuya melodía nace de un órgano sutil hasta romper con mucha energía y una fuerte remembranza a aquellos años 70, con una guitarra acústica acompañada de una batería potente.

«My Way, Soon» llega con un rock cargado de energía, fluyendo entre un riff de guitarra y una vocal ensordecedora que se retira para dejar un breve pero significativo solo, dando casi por terminado el segundo corte que da paso a «Broken Bells.»

Con «The Weight of Dreams», la más larga de todo el álbum con sus más de ocho minutos y un solo memorable, cierra esta última entrega de la joven banda. Un álbum que en su autenticidad nos recuerda un poco a diferentes periodos, o más bien, a diferentes estilos de rock, un intento de retomar los valores estéticos de un género poderoso y longevo que sin duda seguirá influyendo por otro buen rato.

B E R L E EP: SHADES Por D a n ie l Ca ñ ón

KINGS OF CONVENIENCE P E ACE OR LOV E Po r: Andrea Agui l ar Ocaña

Un hiato grande llega a su fin con la llegada del estilo minimalista y afable del nuevo disco de los noruegos Erlend Øye y Eirik Glambek Bøe. Lograr que los 37 minutos de Peace or Love permanezcan siempre en la línea de lo limpio y simple implicó nada más y nada menos que cinco regrabaciones de todo el disco.

El trabajo de Kings of Convenience habla de las banalidades y complejidades del alma de una manera elegante y extrañamente satisfactoria. Por ejemplo, en “rumors” nos cuentan la experiencia humana de lidiar con comentarios hirientes, y poco después nos encontramos con “comb my hair”, que habla de la pérdida tanto del ser amado como de la higiene personal. Hay variedad de temas, de eso no hay duda.

El sonido, por otro lado, no sale mucho de las casillas de lo acústico y la bossa, pero logra con creces montar un ambiente disfrutable que no exige mucha atención para adentrarse en las vibras evocativas de este disco que, si tiene algo de extraordinario, es su producción.

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POR AGUSTÍN ALEGRÍA FOTO CORTESÍA DE LA BANDA

LMúsica A FsinEparadigmas MME La agrupación francesa fundada por Sacha Got y Marlon Magnée hizo su debut oficial en 2013 en la escena musical. Desde entonces, La Femme se ha encargado de mostrarle a sus oyentes propuestas versátiles en las que podemos encontrar una amplia variedad de géneros, sonidos y emociones, lo que la convierte en una banda que es fiel a sus creencias de no encasillarse.

Recordemos que PsychoTropical Berlin yMystère habían sido los únicos álbumes publicados por la banda hasta la llegada de Paradigmes y así es cómo nos enfrascamos en una charla muy amena con el guitarrista Sacha Got. No hay duda que la crisis del Covid-19 nos ha hecho pasar más malos ratos que buenos a nosotros los mortales, pero La Femme ha sabido cómo transformar ese encierro en una sinergia dentro del estudio: “la pandemia no afectó nuestra creatividad, al contrario, nos sirvió el tener más tiempo dentro del estudio y poder preparar muchas sorpresas nuevas“, sentencia Got. “Cool Colorado” y “Disconnexion” fueron un par de sencillos que salieron previo al lanzamiento del nuevo álbum, los cuales se estrenaron acompañados de su video musical ambientados en una especie de cabaret y ambos tienen relación. Sacha comenta que una de las sorpresas que encontraremos este año es un film en el que estuvieron trabajando con los personajes que podremos observar en los videoclips de las canciones del nuevo álbum.

Con todo el caos en el que vivimos aún es posible encontrar esos chispazos especiales

como el de la agrupación francesa por el lanzamiento de Paradigmes, después de cinco años de ausencia sin un material de larga duración. “El material es una continuidad de nuestro sonido pero sin duda hay una evolución constante, siempre estamos en busca de ello”, dice el artista.

Muestra de ello son “Nouvelle-Orléans”, “Cool Colorado” y “Le Jardin” que destacan por ser las más reproducidas y por los diferentes géneros que tiene cada una de ellas. De hecho, “Le Jardin” tiene una mención honorífica pues es la primera canción en español que compone la agrupación.

Como parte de la presentación del nuevo álbum, La Femme realizó una grabación que se llamó Release Party, ambientada en un cabaret y en la que se tocó casi en su totalidad el nuevo material. “La presentación fue algo que preparamos y fue emocionante hacerlo, estoy felíz de que nuestros fans pudieran apreciarlo. Nos hubiera gustado poder presentarlo en vivo pero por ahora la única manera de estar juntos es de una manera digital”, lamenta Sacha.

Hablar de La Femme es tocar temas de arte ya que en cada trabajo de la agrupación siempre llevan consigo una intención y una lógica que encontramos en sus canciones, aunque sean de diferentes géneros o idiomas.

Paradigmes logra este cometido con cada uno de sus videoclips que han sacado al momento, que cuentan una historia como si se tratara de todo un acto teatral.

La parte visual es una parte trascendental para La Femme por lo que nos dimos el lujo

de hablar con Sacha sobre que representa Daft Punk para él y la banda: “Mucho, no sólo para nosotros si no para el mundo entero. Son los robots que vinieron del espacio a revolucionar el juego, son un dúo altamente artístico por su material visual en el escenario, videoclips y sus films”. Los robots dejarán un legado importante para todos los franceses y la música en el mundo, muestra de ello es la inspiración que Got y compañía encuentran para cada día ser más reconocidos en la escena y el mundo.

El público mexicano es especial para la banda, pues la Ciudad de México es el lugar donde más escuchas tienen en plataformas digitales solo por detrás de París, Francia.

De hecho, Got recuerda una anécdota sobre el día en que sonaron en el transporte más emblemático de la capital: “Es algo cool que pasen nuestra música en el metro de México, porque regularmente pasan música y artistas de habla hispana en su país, que pasen nuestra música en ese tipo de lugares donde mucha gente pueda vernos y escucharnos es algo increíble”.

Los integrantes de La Femme están convencidos que tiene un hogar en nuestro país y mientras las medidas sanitarias lo permitan, esperan regresar a México para una mini gira por las ciudades de Monterrey, Guadalajara y CDMX; pues para sus integrantes es un lugar particular y especial por la cantidad de seguidores que siempre logran impresionarlos con su vivacidad. Por lo pronto seguiremos esperando y tomando energías para cuando llegue el momento poder disfrutar en vivo de Paradigmes.

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”El nuevo material es una continuidad de nuestro sonido pero sin duda hay una evolución constante, siempre estamos en busca de ello”

E N T R E V I S TA C O N G O R I JA

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P O R C A R L O S VA L L E FOTO CORTESÍA DE LA BANDA

GOJIRA La música como arma

La ajetreada vida de los artistas comienza a tener mayor actividad en medio de una esperada nueva normalidad que para músicos como Joe Duplantier representa precisamente lo contrario: festivales, conciertos y giras que aceleran (de más) la vida “normal”. En esta entrevista, el vocalista y guitarrista de Gojira habla sobre Fortitude, el nuevo álbum de la banda, la vida pandémica y sobre hacer música con conciencia.

Revista Kuadro (RK): De vuelta a la normalidad...

Joe Duplantier (JD): Sí, pero es extraño, lo que es normal siempre han sido los cambios, la pandemia fue algo más normal que el resto de mi vida, que estaba castigando en lugar de estar viajando seis meses al año, haciendo show por todo el mundo. Estar con mis hijos y mi esposa es extraño pero genial.

Al mismo tiempo deseo lo mejor para todos, quiero que esta pesadilla acabe.

RK: En el mismo sentido, aunque la gente está harta, se van a poder desfogar en los festivales que ya tienen agendados.

JD: ¡Por fin! En octubre tenemos un tour como headliners, y también tenemos otra oportunidad, pues veremos al crew, nuestra otra familia, a la que hace mucho no vemos y extrañamos.

RK: La música en vivo ya es necesaria, sin estar viendo una pantalla...

JD: Hay un límite de cuántos live streams puede hacer antes de que la gente y nosotros nos cansemos.

RK: Nosotros que estábamos del otro lado, tampoco sentimos que funcionara...

JD: La gente se olvida pero es el volumen

que va y recorre tu cuerpo, la música es poderosa, viaja en ondas y no es lo mismo, aunque tengas el mejor sonido, pues la vibra es diferente. La gente no puede sentir la música, no importa si es tu computadora o un bar, incluso, nunca van a lograr lo que provoca la música en vivo.

RK: Otra vez su nuevo álbum es muy bien recibido porla crítica, ¿es algo que te importa?

JD: No es una razón, no lo hago por eso, lo hago por mí mismo, para sobrevivir por mi salud mental. Por eso toco música y como te eleva es lo que importa. Pero tampoco voy a decir que no interesa, obvio es algo que me hace feliz RK: Hablando del estilo, este es un poco diferente, más melódico y menos visceral.

JD: Sí, aunque se siente menos “un tsunami en tu cara”, hay momentos en los que respiras, cambias formas. Mi hermano y yo tratamos de sentir lo más poderoso que podíamos, es un gran esfuerzo el ser honesto y hacer melodías que nos hagan vibrar y reaccionar. A veces perdemos la vista de lo que hacemos y pensamos que va a ser lo más brutal pero no, nada que ver.

Y a veces todo lo melódico termina siendo super depresivo pero de buena manera.

Tenemos ambiciones e influencias, nos cambia la vida, pasamos por varias cosas, el éxito, las arenas, a veces a ciertas canciones les va a mejor en plazas grandes y es algo que también te cambia.

RK: Parece que los álbumes ya no se escuchan, sólo algunos sencillos.

En cambio, hicieron todo un álbum conceptual como su primer sencillo, en el que se ven influencias de “Rick y Morty”.

JD: Crecí escuchando álbumes completos

y es lo que queríamos, celebrar los temas musicales poniendo algo que les agregara el extra. Cuando la canción es buena, pero con un gran video se convierte en algo mejor. Björk con Michel Gondry hizo algo así y los videoclips expandieron el aura de las canciones. A veces estos no tienen la misma calidad que las canciones y hacen que éstas valgan menos.

RK: ¿Cómo empezó toda la conciencia social que permea en las canciones?

JD: Fue algo natural, cuando tenía 19 años, y de hecho incluso con mi primer banda las letras eran de desobediencia civil, de no ir como un zombie como una oveja. Todas las cosas podrían ser mejor, no hay que quedarnos dormidos y tener miedo. Martin Luther es un gran ejemplo de desobediencia civil, por eso no estamos con un partido político. Es no tener miedo de no tener una opinión. Siempre debes tenerla. Mi definición de banda política es que le importa las cosas, hay un problema y debemos ver eso. No todo es cerveza, mosh y head bangin, también podemos pensar.

RK: El rock solía ser establishment, pero ahora parece que eso no tenía un fin...

JD: El rock y punk nacen como movimientos sociales. Mucho que viene desde el blues con su historia, en el que sólo podían hablar de su sufrimiento y el hip hop que también nace de ahí. La música que se rebela del establishment tiene un lugar en nuestra sociedad, por ejemplo, los hippies de los 60.

Es un arma y si no te puedes dar cuenta, le puedes disparar a la persona equivocada y puede sonar vacío, es algo que siento.

Amo a la música por lo que es, pero en estos días el tener un sentido es especial.

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“Amo a la música por lo que es, pero en estos días el tener un sentido es especial”.

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‘ E S T E R E O L A T A M , U N A C A R T O G R A F Í A M U S I C A L’

FOTO DE ANDREW N E E L

Durante el último año y medio he viajado a Los Ángeles, Guadalajara, Londres, Nueva York, Madrid y Yallingup, en Australia. Lo hice incluso antes de vacunarme. Estuve en dos o tres de esos sitios el mismo día y volví a tiempo para cenar.

Paradójicamente, nunca me moví de la sala.

La pandemia nos ha traído cosas oscuras. Primero que nada los muertos. Porque no existe nada que pueda reemplazar una vida. Pero están también el desempleo, la miseria y la depresión que conlleva el encierro y la incertidumbre por no saber hasta cuándo nos volveremos a saludar sin miedo.

La sequía de conciertos ha significado también el desmoronamiento de la industria del entretenimiento. Si bien hay músicos y productores que se pueden dar el lujo de retirarse a sus mansiones a vivir de sus millones, también existen roadies, ingenieros, iluminadores y hasta vendedores de cerveza para quienes los últimos meses han sido un auténtico infierno.

Como periodista musical, sin embargo, tengo que reconocer que la pandemia me devolvió la posibilidad de hacer entrevistas como parecía que ya no era posible. Quizá porque tenían más tiempo libre o porque sus managers, PR’s y asistentes dejaron de revolotear a su alrededor como moscas de panteón, pero muchos músicos y músicas se prestaron a sostener largas, entretenidas e interesantes conversaciones vía Zoom.

Desde que inició el confinamiento (aunque luego se viera interrumpido por breves temporadas de apertura), he tenido la oportunidad de charlar con personajes con los que en otro momento no hubiera sido posible.

No por lo menos más de 10 minutos con una jefa de prensa inmiscuida, vigilante de mis preguntas y lista para intervenir cuando alguna de ellas le pareciera imprudente.

Claro, me hubiera gustado que cada una de esas pláticas fuera en persona. Pero tampoco me quejo. En la lista sobresalen tres bateristas: Fabrizio Moretti, de The Strokes; Álex González (De La Tierra y Maná) y Butch Vig (Garbage). Pero también cantantes de punk, metal, dream pop y hasta rap: La Mala Rodríguez, Diva Satánica (Nervosa), Kevin Parker (Tame Impala) y Fat Mike

(NOFX). Dos fotógrafos musicales legendarios: Neal Preston y Ross Halfin.

Y aunque no tiene que ver con la música, hasta un cyborg de carne y circuitos apareció en mi pantalla.

Neil Harbisson es un artista nacido en Barcelona que se hizo implantar una antena en la cabeza que le permite percibir colores, imágenes y hasta recibir llamadas directamente a su cerebro. Irónicamente fue una de las entrevistas en las que más falló mi Internet.

Curiosamente, el aislamiento nos ha alejado de las personas con las que convivíamos de manera frecuente, pero en mi caso y por razones de trabajo, me acercó a otras con las que jamás imaginé hablar.

Celebro que el advenimiento del podcasting haya vuelto a colocar a la entrevista como el género periodístico más ejercido. Aunque muchos podcasters sostienen que ellos “conversan, no hacen entrevistas”, lo cual es una afirmación sin sentido ya que toda entrevista por definición es una conversación, la realidad es que el conocimiento compartido a través de la palabra me parece siempre algo que celebrar.

Eso le exige a los PR’s, que se creían dueños de los medios y las plataformas, a no imponer sus condiciones absurdas, como prohibir temas y preguntas, así como restringir los tiempos de charla a 10 minutos. Una vez un personaje de una disquera me ofreció la oportunidad de conversar ¡SIETE minutos! con una estrella de la música. Obviamente me reí. He sostenido visitas al baño más largas que su oferta.

Aunque por trabajo solía viajar con regularidad al extranjero, durante este periodo de mal llamada cuarentena (porque dejamos atrás los 40 días hace ya muchas vueltas de Tierra) se me vencieron la Visa y el Pasaporte. Tampoco tengo prisa por renovarlos.

De cualquier forma, ya pude teletransportame a otras ciudades para preguntarle cosas a una buena cantidad de músicas y músicos que me dejaron meterme hasta a sus cocinas.

Y lo mejor de todo es que muchas veces ni siquiera tuve que ponerme pantalones.

AU S TERO La fuerza Multitudinaria De tres

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Más es menos, suele decirse. Lejos de la evidente practicidad de esta frase ecléctica, para Austero, esta es una regla de oro, casi definitoria. Esta es una banda proveniente de la ciudad de Chihuahua y lanzó a principios de junio de 2020 su primer material de larga duración, de nombre homónimo, antecedido por sencillos y EP que demostraron la estridencia multitudinaria de tres personas.

Por ello, tuve la oportunidad de platicar con los tres integrantes a distancia: en una reunión que, sin quererlo, volvió a juntarlos después de un tiempo. Aunque en la misma ciudad, se encontraban en un lugar distinto; y en un horario distinto al mío, aunque en el mismo país.

Los hermanos Rafa (voz y guitarra) y Robi Ruiz (batería, piano y voz) habían estado tocando desde antes de fundar Austero; pero no fue hasta que conocieron a Luis Perea (bajo y voz) cuando el proyecto terminó por establecerse de manera clara. “Tocábamos por diversión pero fue hasta que entró Luis oficialmente cuando vimos el proyecto de una manera más seria, como si fuera realmente un jale (trabajo)”, relata Robi. Algo donde coinciden los tres es que toda la composición y trabajo en su primer álbum fue en equipo y donde cada uno aportó algo en cada canción.

“El nombre es una idea que tenía desde siempre. La palabra (austero) siempre me gustó y conforme fue avanzando el proyecto fue posible acomodarla a la idea de hacer más con menos”, explica Rafa. También relató que el nombre es también inspiración del EP “Austere” de la banda estadounidense Sparta lanzado en 2002; agrupación fundada por miembros de At the Drive-in, banda de El Paso, Texas; cuya actividad está en pausa desde 2018. Ese último proyecto es clave como referente musical para los hermanos Ruiz.

De la creación Fue en 2017 que la actividad de Austero comenzó: “Pieces”, con cinco canciones en inglés; sin embargo, los sencillos que siguieron fueron en español. Al respecto Rafa comenta que “no había un objetivo de hacerlo en inglés”, más allá de lo común que resultaba escuchar música en esa lengua por encontrarse en una ciudad fronteriza con Estados Unidos. Sin embargo, para el género era mucho más sencillo hacerlo de esa manera. Al cambiar el idioma, el proyecto se dio cuenta de que las canciones salían con más naturalidad y finalmente eso gustó un

poco más a sus oyentes, no sólo en México, sino en otras partes del mundo.

A percepción de Robi, este cambio en el idioma le parece mejor; incluso, no descarta volver a producir esas canciones en español.

Esto ocurrió en una canción que aparece en el álbum Austero: “Un suéter y café” y su contraparte “Sweaters & Coffee” del primer EP antes mencionado. A propósito del álbum, tuvieron la oportunidad de trabajar con Steve Albini (ingeniero de audio que ha colaborado con Nirvana, Pixies y Breeders, por mencionar algunos) para su producción, que fue de manera análoga; es decir, en cinta en un estudio en Chicago. Eso les exigió que tuvieran un ensayo con las piezas que conformarían el álbum sin la oportunidad de poder experimentar mucho al respecto o sin la oportunidad de corregir errores.

La experiencia completa de la grabación del disco se plasmó en un breve documental titulado “Austero - In the Making - Recording with Steve Albini”, disponible en YouTube. Esto es algo poco común en una era que parece irremediablemente digital y sobre todo, algo inusual en proyectos mexicanos incipientes.

De la búsqueda de un sonido Para Rafa y Robi, “Control” (que salió como sencillo en 2019) sería una buena carta de presentación del proyecto; por su parte, Luis considera “Crisis” como la mejor rola, pues fue una pieza a la que pudieron dedicarle más tiempo. Pero no quiere decir que lo logrado con su más reciente producción no sea algo que los satisfaga: al contrario, el producto final es más concreto y los integrantes consideran que el álbum logró generar el sonido buscado.

“Falta salir a tocarlo. Es una experiencia completamente distinta para nosotros y para la gente escucharlo en vivo”, aporta Luis, quien también considera que muchos seguidores suyos se percataron del proyecto cuando los escucharon en una presentación.

A la fecha en que se escribe esto, una “tercera ola” de los casos de contagio por COVID-19 ha alcanzado los niveles de principio de año.

Austero no anticipa un lanzamiento próximamente pero sí hay nuevas ideas y música “que aún no ha sido grabada”; incluso tantas que fácilmente “podrían hacer dos álbumes”. Para estar al pendientes de más lanzamientos y, con suerte, próximos conciertos, seguirlos en redes sociales.

FB: Austero, TW e IG: @austeromx.

Una mirada a la clave del éxito

Desde el inicio de su carrera, la cantante pop Rita Ora siempre se mostró como una persona enérgica, simpática, sociable y talentosa. A un año de empezar a hacer música, ya celebraba al lado de DJ Fresh el éxito de “Hot Right Now” que fue su primer #1 en el Reino Unido, y eso era sólo el comienzo de una carrera prometedora pero también agitada. Pero, ¿cuáles son los secretos para mantener el balance entre tantas cosas pasando a su alrededor? Rita cuenta eso y más en esta entrevista exclusiva.

DJ Fresh fue el primer artista de electrónica con el que colaboraría Ora, de una gama que llega hasta Tïesto o el difunto Avicii.

Los ritmos como EDM o el house han estado presentes en su música incluso desde antes de su disco debut, y siguen abundando hasta hoy en su más reciente EP Bang: “uso estos ritmos porque amo la música dance desde siempre, y he sido muy afortunada de colaborar con algunos DJ’s increíbles. El propósito es poner una sonrisa en la gente y hacerlos bailar”.

El haber sido descubierta por el rapero Jay-Z la catapultó desde el principio y tuvo la oportunidad de comenzar a expresarse a través de la música. El pop es un género que marca territorio en cada rincón del mundo y que actualmente se vuelve más flexible cada día. Para Rita, el pop significa todo, pues es su forma de decir cosas y de conectar con su público: “es mi salida emocional, no sería la misma persona si no hiciera música.

Este ritmo se trata de expresión creativa, es un lenguaje que se entiende sin importar el lugar o la lengua”. Respecto a la evolución que el pop ha tenido y que ahora se mezcla con muchos otros géneros, la solista británica afirma que es algo que le encanta, pues ama hacer colaboraciones y lo considera un reto que puede hacerla crecer mucho como artista.

E N T R E V I S TA C O N R I TA O R A

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POR MARIANA VELASCO F O T O C O R T E S Í A D E L A A R T I S TA

A pesar de esta declaración, la verdad es que Rita se ha mantenido muy fiel al pop clásico. El propósito de su primer álbum Ora (2012) fue el de combinar muchos géneros, por lo que aparte de EDM hubo trap, rap, y un poco de rock, y los mensajes de las líricas giraron alrededor de divertirse, disfrutar la vida y ser atrevida. Fue en Phoenix (2018) donde se puso más romántica y habló sobre desamor, amores fugaces, pero también de sentirse en las nubes por alguien. Sobre esta evolución y temas, Rita dice: “ha sido un largo camino tanto en el aspecto personal como profesional, y eso se refleja en la música. He crecido mucho como compositora. Del amor, creo que lo más relevante que he aprendido es lo importante que es amar y aceptar quién eres. La auto aceptación puede ser muy difícil, pero es clave para poder cuidarnos a nosotros mismos, y cuando aprendemos a amar quienes somos, es más fácil dejar entrar el amor que viene del exterior. Eso ha sido una lección masiva para mí”.

Para la cantante, la inspiración viene de todos los ámbitos: moda, música, películas, experiencias personales y demás, y es por eso que se dedica a tantas cosas a la vez, pues también es actriz, compositora de soundtracks de cine e ícono de marcas de belleza: “la inspiración viene a mí de todos lados, me encanta la gente y soy muy social, entonces la inspiración a veces la encuentro en conversaciones o de veces cuando me miro al espejo y me pregunto qué estoy sintiendo o qué me gustaría hacer o decir; viene de mis ambiciones mientras crecía o mi vida de niña y eso me ayuda, es importante tener presentes todos esos recuerdos”.

El cine es una parte muy importante de la vida de Ora, pues la hemos visto en cintas como Rápido y Furioso, Pokémon Detective Pikachu y en 50 Sombras de Grey donde si bien sus personajes se asemejan mucho a ella en la vida real, la actuación siempre representa un reto. Acerca de esto, dice:

“amo lo mucho que el actuar me empuja creativamente. La música siempre ha sido mi pasión pero la actuación pone mi creatividad a funcionar en un campo muy distinto, los roles que he hecho han sido diferentes entre sí y la experiencia de cada uno ha sido increíble”.

En cuanto a la música para películas, se sabe lo importante que es para que haya un ambiente, una sensación que acompañe los sentimientos que se quieren transmitir en cada escena. “Las emociones y la energía de la película son clave y es importante que todo fluya naturalmente. Para inspirarme primero se trata del tema de la cinta, me encantan las que tienen muchos giros y que nunca sabes que va a pasar después, eso usualmente me ayuda. Mi película ideal se enfocaría en el glamour, entonces sería algo sobre outfits, joyas o vestidos lujosos, amo las películas de los 40 por ejemplo, sería algo de eso”.

En una carrera tan demandante, hallar el balance para no dejar que el estrés le gane es parte fundamental. Algo que ella considera como la base para mantenerse sana es el cuidado personal y encontrar tiempo para las actividades que disfruta, pero asegura que al final no es algo difícil porque es muy afortunada de hacer lo que ama: “es muy importante mantenerse apasionada. Mi vida es muy movida entonces es importante hallar tiempo para checarme, me gusta meditar y tengo un diario donde escribo sentimientos que a veces se convierten en canciones y es importante expresarme de esa forma.

Tomarme esos tiempos realmente me ayuda a sentirme relajada, balanceada y en control.

Disfruto leer, nadar y hacer deporte, hago mucho ejercicio, esas son cosas que ayudan a mi cerebro a desacelerarse un poco porque siempre está trabajando”.

En la pandemia Rita no paró de trabajar, pues en febrero de este año lanzó su nuevo EP Bang en conjunto con el DJ Imanbek,

donde a lo largo de cuatro tracks nos lleva por adictivos ritmos dance con un poco de trap, algo perfecto para la pista de baile postcoronavirus. “Crear Bang fue una experiencia super llenadora que me motivó a superarme más en mi siguiente disco y me emociona mucho la dirección en la que va hasta ahora.

Me siento muy confiada, creativamente en un muy buen lugar y no puedo esperar para sacar el álbum, que espero me lleve a hacer mucho touring y que todos lo amen”, finalizó.

-“El pop se trata de expresión creativa, es un lenguaje que se entiende sin importar el lugar o la lengua”-

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POR MARIANA HERNÁNDEZ FOTO CORTESÍA DE LA BANDA

RAWAYANA

Un canto a la sociedad latinoamericana

Con 10 años en la escena independiente, los venezolanos de Rawayana lanzaron su quinto material discográfico titulado Donde Los Acéfalos Predominan, una crítica a la realidad latinoamericana.

La música les ha permitido conocer el mundo desde una perspectiva diferente a lo que cualquier otra carrera regular lo haría, así como han conocido la alegría, algunas tristezas y en ocasiones, pesadillas, pero como ellos mismos mencionan: “Lo bonito de la música es tener la oportunidad de conocer muchas culturas en los sitios que hemos tenido la fortuna de visitar y girar por el mundo, conocer no sólo artistas sino gente increíble”.

Al realizar un recorrido por sus discos, su debut titulado Licencia Para Ser Libre ya cumplió 10 años, este álbum representó para ellos un incentivo para grabar algo nuevo.

“Gracias a este disco estamos aquí y localmente en Venezuela estuvo muy bien respaldado, ya que nos permitió conocer artistas muy importantes en nuestro país y aprender de ellos”, comentan.

Por otra parte, Rawayanaland, su segundo material, es recordado como el disco experimental con el que entendieron que debían tener una estrategia, además de decidir que no se atarían a un género en particular, sino a crear las mejores canciones posibles con libertad.

“El primero nos convirtió en músicos y en personas inmersas en la industria y el segundo fue un, “ahora vamos a creérnosla”, nos contaron.

Con Trippy Caribbean, encontraron la mejor forma de escribir canciones y a nivel de producción ya tenían más callo, cinco años con la banda y experiencia con la que se sintieron más cómodos en el estudio e inmersos en un proceso de internacionalización, este álbum los sacó de la escena local.

Después de cuatro años estrenaron Donde Los Acéfalos Predominan; este nuevo material se caracteriza por ser el hijo de un momento muy complicado para la banda en el cual afrontaron proyectos que fueron frustrados por la situación política y social en Venezuela y en paralelo a la gira más exitosa que han tenido. Por lo tanto, contiene esos dos mundos; la parte alegre, de luz o de limpieza, y, por otro lado, el desastre latinoamericano que estamos viviendo.

“Es el año 2021 y vivimos en el pináculo de una globalización que, impulsada por avances tecnológicos y culturales recientemente inimaginables, promete permitirnos a la raza humana ser más libres y felices. En contraste, tantas veces pareciera que estas herramientas nos alejan de la utopía”.

El nombre del disco proviene del “acéfalo”, el cual es un ente sin cabeza y a nivel social se refiere a la carencia de rumbo o de liderazgo.

“Así sentimos como están las cosas en el mundo, intentamos hacer un soundtrack o una foto musical de estos tiempos y se nos hizo muy acertado, ya que hay un avance tecnológico, pero nos estamos informando a través de fuentes no confiables. Este es el disco de cuando los acéfalos predominan hoy y ojalá eso cambie”, mencionan.

El disco más representativo para los chicos

es este último, no solamente por el tema conceptual, sino por el proceso, la producción y la calidad de los arreglos, así como también por el esfuerzo de composición.

“Lo que significó Trippy Caribbean fue comercialmente muy lindo y tiene grandes canciones, pero este tiene un significado más profundo”.

El tema de la evolución es algo que no ha ido con la banda, ya que en su ADN permea el no sentirse parte de nada ni encasillarse en un género sino en hacer lo que quieran hoy, y si mañana les gustan las chaquetas de cuero se las van a poner, por lo que no están arraigados a formar parte de algo, pues es la filosofía de la banda.

Donde Los Acéfalos Predominan contiene un mensaje importante para la sociedad: Ser más críticos con lo que vemos en las redes sociales, investigar fuentes confiables, ignorar fake news y, claro, la percepción de la realidad latinoamericana de los integrantes y asuntos globales que nos afectan.

Además de varias colaboraciones, entre las que destacan Los Amigos Invisibles y Cheo, a quienes admiran desde siempre, también se encuentra Fer Casillas, esta colaboración en particular les significó el goce de compartir. La portada está basada en el principio del ruido y la limpieza de estos tiempos y la diseñó Joaquín Salim, quien ha creado todas sus portadas.

El disco ya está en plataformas y por ahora, continúan con presentaciones digitales, sin embargo, están esperando un en vivo que podría ser una gira para el próximo año y entre sus planes también está grabar otro disco.

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-”Donde Los Acéfalos Predominan se caracteriza por ser el hijo de un momento complicado lleno de luz y desastre”-

FOTO A . L .

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P O R J AY R O S

¿T E H A F U NC IONA DO S E R LAT I NO ?

La primera mitad del 2021 fue realmente provechosa para la escena electrónica latinoamericana. A pesar de que los clubes continuaron cerrados y los festivales siguieron cancelando fechas, las producciones audiovisuales continuaron fluyendo.

Entre ellas se encuentra el documental “Connected” del DJ argentino, Hernán Cattaneo, el nuevo sencillo de la DJ colombiana, Ela Minus, en colaboración con el DJ francés Agoria y la publicación del soundtrack de la cinta “The Easy Path” producido por el mexicano, Edgar Mondragón. Sin embargo, estoy casi seguro que no te enteraste de ninguno de ellos, a pesar de que sigues las cuentas “latinas” de Amazon Music, Spotify, Deezer, Netflix y un largo etcétera de servicios de streaming.

Con la intención de promocionar el mercado latino, las plataformas de streaming constantemente abren perfiles sociales en Instagram, Facebook, Twitter y TikTok, delimitando el contenido que comparten a la ubicación geográfica en la cual se encuentran. Pero, ¿qué tan útil es esto para la escena electrónica? Me atrevería a decir que de ningún provecho, especialmente si eres indie.

Como es costumbre en la industria musical, lo que comenzó con buenas intenciones, perfiles mexicanos y latinos para promocionar artistas de dichas regiones, terminó por convertirse en un escaparate más para los 20 o 30 artistas pop de la zona.

No los culpo, las plataformas de streaming son negocios sumamente costosos con poco retorno de inversión y necesitan llamar la atención de los usuarios de todas las formas posibles. Tus menos de 200 pesos al mes difícilmente alcanzan para solventar toda la infraestructura que conlleva tener más de 50,000,000 de canciones a disposición de millones de personas en todo el mundo en tiempo real, así como pagar licencias y acuerdos comerciales a los sellos discográficos. No sobra dinero para darle espacio a artistas independientes y electrónicos que, a lo mucho, generarán unos cuantos likes y plays.

Este no es un ataque a las plataformas de streaming, o los medios musicales en general. Es más una petición al DJ o productor de electrónica a que deje de seguir presionando la etiqueta “latino” como forma de promoción. ¿Recuerdan cuando el festival holandés Dekmantel fue juzgado por la escena latinoamericana por no contar con un solo artista de esta región en su edición 2019? Seguro los organizadores pensaron que, tras haber hecho múltiples ediciones del festival en Brasil, Chile, Colombia y Perú, podrían dedicarle Dekmantel Holanda a los europeos. Y, pues, sí, así debería ser. Pero no, Latinoamérica exigía un espacio en ese lineup.

Resulta increíble ver llegar a un compatriota a la cima, ya sea en cine, deportes, música o lo que sea. Pero, ¿por qué crees que mereces un sitio en algún club o festival sólo por haber nacido en cierta región? Como ya lo

he mencionado, los servicios de streaming no te están volteando a ver por ser latino, los festivales seguían hasta 2019 sin voltearte a ver por ser latino y las revistas y medios digitales que sí te volteaban a ver por ser latino se están extinguiendo lentamente.

Si le pediste matrimonio a Belinda o te acabas de borrar un tatuaje de Belinda o te apellidas Aguirre, la etiqueta “latino” te sirve mucho en la música. Se le da mucha promoción en todos lados al “regional mexicano”, a los ritmos urbanos de latinoamérica. Pero en la electrónica ya no te funciona. Acá funciona promocionarte por sello discográfico y por el género que produces. La gente está interesada en el producto y no el productor.

Sólo observa lo que hizo el sello mexicano Tenampa Recordings de Gabriel I hace unas semanas con Beatport. Un streaming de siete horas donde compartieron escena con las leyendas del progressive house, Timo Mass y Dave Seaman. Acá no se vio una súper publicidad del estilo “mírenme, soy mexicano”, acá todo fluyó en torno a la música y punto.

Ojala algún día no sólo la música electrónica, sino todas las artes, lleguen a un punto en el que el color de piel, la nacionalidad o la identidad de género sean completamente irrelevantes para dar oportunidad a un artista y sea la creatividad el ingenio y la innovación de los mismos las que les den espacios en festivales y clubes de todo el mundo.

CAMP Hace 10 años ocurrió un cambio importante para Donald Glover. Fue cuando de manera formal, después de varios mixtapes y álbumes independientes, Childish Gambino tenía un lanzamiento formal.

Dejaba el underground para ir a perseguir charts en el Billboard, algo que eventualmente lograría de una manera espectacular.

Algo que no sabíamos que lograría, su currículum musical no parecía presagiar eso ya que no se comparaba al cómico con especiales en Netflix, o ser escritor de 30 Rock, o interpretar a Troy en Community siendo parte importante con Abed para que tuviera ese estatus de culto que tiene hoy -igual que 30 Rock-, sin mencionar Atlanta.

Cuando salió Camp y con él vinieron opiniones mixtas del resultado final. Para unos una joya, para otros le quedaban mejor los chistes, incluso los últimos sabían que si había un par de cosas por ahí, que si hubiéramos puesto un poco más de atención, se sabría que un futuro Childish se pudo haber comido a Glover.

Su primer sencillo “Bonfire” es especial para todos aquellos que tomó por sorpresa con “This Is America”. Childish Gambino siempre fue altisonante, político de alto contenido y crítica social y racial. Más cruda, menos pulida. No dejaba de ser el primero así. Además de que en ese momento Childish aún parecía Troy jugando a ser Tupac.

El otro sencillo, uno que sería parte de su repertorio, sobre todo cada vez que hacía prensa en un show. “Heartbeat” nos enseñaba el flow, las referencias, la capacidad de pintar toda una historia con unas cuantas barras. Todo mientras dejaba claro que el contenido era para mayores de 18 años.

Parte importante para separarse de su alter ego. No es lo mismo ser un transgresor como Richard Pryor a ser un transgresor como Tupac. Mundos diferentes necesitan romper el molde diferente. No podía ser sólo Donald rapeando... o peor, no podía ser solo Troy rapeando.

Aún así demostró otros recursos estilísticos no muy comunes como el falsetto, en el hip hop se asocia más a otro estilo, en el que a lo mejor no le hubiera costado tanto entrar, pero es el estilo que los trvues -no solo existen con los metaleros, por cierto- no le hubieran permitido el acceso, aún así fue algo que pasó.

Un hecho indudable que sí tenemos de este debut es una piedra angular, no solo para la carrera de Childish, sino también para la de Glover y todo lo relacionado con Atlanta a pesar de que Outkast siempre van a ser los hijos predilectos, pero si ese status puede ser tal vez arañado, empezó con este LP. Esas producciones electrónicas, llenas de R&B y Soul que tanto influiría su posterior trabajo, eso que Kanye influenció a las nuevas generaciones. Esa capacidad de abarcar tanto y hacerlo bien, porque esa es otra cuestión está fuertemente involucrada en la producción.

Un verdadero hombre renacentista de la artes, nacía de manera formal así como hace diez años nacía Revista Kuadro. Dos ideas que se materializaron hasta después. Tal vez sea una simple coincidencia, tal vez no. De igual manera Childish Gambino ya se fue, pero quedan Donald Glover y Kuadro.

/ KUADRO DE HONOR / ISSUE NO. 38

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